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v AA ARE e AA n e RT t E o MAIN SPONSOR www.villacontarini.eu www.gruppovisintin.com www.ithitex.com www.orsoni.com www.graficheantiga.it w w w. p a l z i l e r i . c o m www.askoll.com Martini Edizioni www.martiniedizioni.net v AA ARE e AA n e RT t E o In tempi di crisi l’impegno pubblico nel campo della cultura, e particolarmente dell’arte, è uno dei primi a divenire asfittico. Poche le risorse destinate alle mostre e, in generale, al sostegno di quell’importante settore, considerato poco visibile, in cui, tra l’altro, sono innervate diverse altre attività vitali per l’immagine (e la sostanza intellettuale) di un Paese. Erroneamente ritenuto privo di indotti significativi, infatti, l’investimento sull’arte ha anche il limite che la sua attenzione si concentra su una fascia assai limitata di “utenti”. Fornisce insomma uno “share” modesto, come direbbero gli esperti degli indici di gradimento, per i quali la “quantità” viene considerata di per se stessa un valore completamente avulso dalla “qualità”. Non solo: la verifica dei risultati spesso si proietta in un futuro troppo lontano per essere politicamente apprezzabile e consistentemente appetitoso. Perciò l’investitore pubblico non essendo in grado di ottenere con sufficiente rapidità la ricompensa al proprio impegno, non ha sufficienti incentivi di natura politica, specialmente negli attuali incerti, brevi ed instabili tempi di governo. Così, se la pubblica amministrazione si defila, non resta che sperare nella generosità lungimirante e nell’oblativa attenzione del privato che spesso si avvantaggia anche del fatto di non avere le mani legate in termini di scelte: può dirigersi verso ciò che più gli aggrada, seguendo un proprio gusto e un’inclinazione che non di rado è più raffinata e aggiornata, meno parruccona e conservatrice di quella che solitamente si riscontra nell’apparato statale. Paradossalmente coloro che operano in attività che hanno come fine il guadagno (gli imprenditori, ad esempio), quando investono risorse in un bene immateriale per eccellenza come la cultura, lo fanno con un obiettivo che mette, se non proprio in primissimo piano, almeno tra gli obiettivi principali quello di ottenere una soddisfazione etico/estetica, cioè sostanzialmente priva di un risultato economico. Almeno in prima battuta. Nel 1891 lo scrittore, poeta e drammaturgo irlandese Oscar Wilde scriveva nel suo romanzo “Il ritratto di Dorian Gray” che “al giorno d’oggi la gente sa il prezzo di tutto e non conosce il valore di niente”. Sono passati più di cent’anni e l’affermazione, purtroppo, si può riproporre in modo palmare. I prezzi svolgono un ruolo ideologico e sussiste l’errata, ma ancora diffusa e radicata, convinzione che essi siano i sensori attraverso i quali vengono comunicate le esigenze e i bisogni della gente. Come si può facilmente intuire, non vi è nulla di più falso e ben se ne sono resi conto, segnalandolo, anche alcuni politici particolarmente attenti e sensibili ai cambiamenti globali. Si iniziò così a parlare di FIL, acronimo di Felicità Interna Lorda, con il tentativo di definire, con evidente ironia in contrapposizione alla misurazione del Prodotto Interno Lordo (PIL), uno standard di vita che tenga conto non già o non solo delle esigenze materiali ma soprattutto di quelle immateriali, spirituali/psicologiche. Contrariamente a quel che si potrebbe supporre, non fu un sociologo occidentale a coniare il termine, ma nientemeno che il re del Bhutan, Jigme Singye Wangchuck, che alla metà degli anni Ottanta, volle tentare di costruire nel suo Paese un’ipotesi di economia che tenesse conto del desiderio degli uomini di essere felici, basata sui valori spirituali del buddismo. Dunque, se per un attimo volessimo considerare la cultura e l’arte “articoli di consumo” immateriale da inserire nel “paniere” dei beni necessari all’uomo, sembrerebbe una logica conseguenza che dovesse essere la politica ad occuparsi di ciò. Così invece non è. Non in Italia. Non ora, perlomeno. Fortunatamente il nostro territorio, pur non esente dai morsi di una crisi incalzante, riesce ancora a reperire nel settore privato quelle risorse e quelle disponibilità, piccole o grandi, in grado di mantenere a galla un sistema culturale che, affidato alle cure della pubblica amministrazione, rischia perennemente il decesso. Contro questo doloroso caso di “mala sanità”, si fanno avanti grossi finanziatori per operare restauri importanti ma anche una serie di volonterosi minori in grado di offrire una miriade di contributi altrettanto significativi e indispensabili. A tutti costoro un sentito “grazie”. editorial art and culture in private hands editoriale l’arte e la cultura custodite dal privato di|by Giovanna Grossato During times of crisis, public commitment in the field of culture, and of art in particular, is one of the first things to wane. Few resources are earmarked for exhibitions and, in general, to supporting this important sector, considered to be low-profile, in which, among other things, various other vital activities for a country’s image (and intellectual substance) are grafted. Wrongly considered not to generate any significant spin-off business, investments in art also suffer from the limitation that attention to it is concentrated within quite a limited bracket of “users”. In short, its contribution is modest as might be said by experts on popularity indices for whom “quantity” is considered to be a value per se, completely separate from “quality”. Furthermore, often the assessment of the results is projected into a future that is too far away to be politically appreciable and consistently appetizing. Therefore as public investors are unable to obtain any reward for their commitment quickly enough, they do not have sufficient incentives of a political nature, especially in the current brief and instable government terms. As a result, if the public administration is absent, all that remains is to hope in the farsighted and disinterested generosity of private parties who often also have the advantage that their hands are not tied in terms of choice: they can select what they like most, and follow their own tastes and inclinations which quite frequently are more refined and up to date, and less fossilized and conservative than those of state structures. Paradoxically, when those who operate in businesses aimed at making profits (entrepreneurs, for example) invest resources in an intangible asset par excellence such as culture, they do so with an objective - perhaps not in the highest place, but at least among the main aims - of obtaining ethical/ aesthetic satisfaction, i.e. substantially without any economic benefit. At least initially. In 1891, the Irish writer, poet and dramatist, Oscar Wilde, wrote in his novel, “The Picture of Dorian Gray” that “The cynic knows the value of everything and the price of nothing”. Over one hundred years have passed and, unfortunately, the statement is as true as ever. Price plays an ideological role and there is an incorrect, though still widespread and deep-rooted conviction that it constitutes the sensor that signals people’s needs and requirements. As can easily be imagined, nothing is more false and it is good that even some politicians who are particularly attentive and sensitive to global changes have realized this and pointed it out. Hence the idea of GNH, an acronym for Gross National Happiness which, with a tongue in cheek reference to Gross National Product (GNP), attempts to define a standard of living which not only takes account of material needs on their own but especially of immaterial, spiritual and psychological ones. Contrary to what one might suppose, it was not a western sociologist who coined the term, but no less than the king of Bhutan, Jigme Singye Wangchuck, who wanted to develop the concept of an economy in his country which would take account of people’s desire to be happy, based on the spiritual values of Buddhism. So, if for a moment we were to consider culture and art to be intangible “consumer items” to be included in the “basket” of goods that are basic necessities for people, it would seem to be a logical consequence that there should be a policy for governing this. But there is not, not in Italy, not for now, anyway. Fortunately our area, though not free from the pangs of an insistent crisis, is still able to find resources, large or small, in the private sector that are capable of maintaining a cultural system afloat, a system which is perennially at risk of death in the hands of the public administration. Faced with this unhappy case of ill health, large sponsors still come forward to support important restorations while many lesser helpers offer a myriad of contributions that are equally significant and indispensable. Heartfelt thanks to all of them. 3 “Instabili percorsi” anche “Fatto a pezzi e niet’altro” 2004 tecnica mista|mixed media cm 200x274x5 4 ALBERTO BIASI UNA RICERCA POLIEDRICA di Marcello Palminteri Sin dai primi anni Settanta Alberto Biasi è considerato uno tra i maggiori esponenti dell’Arte Cinetica e Programmata. Eppure l’Artista si è sempre curato ben poco delle classificazioni: “Se proprio mi si vuole etichettare, - dichiara in una recente intervista - vorrei essere catalogato e distinto per quello che effettivamente sono, cioè per la mia ricerca poliedrica ... quindi artista cinetico, ma anche optical, anche programmato, soprattutto gestaltico, insomma un artista caleidoscopico, iniziatore dell’arte interattiva, creatore di opere che non rappresentano ma diventano, costruttore di contenitori d’energia, di strumenti che interagiscono con chi li guarda, dando origine a immagini e forme virtuali, non cinetiche, si badi bene, ma dinamiche”. L’integrità della sua opera, scandita da un marchio stilistico sempre pregnante e persuasivo conferisce al suo lavoro, meditato e costante, un profilo inconfondibile. L’equilibrio compositivo la cui razionalità strutturale non si esaurisce nella sola dimensione volumetrica, caratterizza la produzione di Alberto Biasi (Padova, 1937) da ormai un cinquantennio, attraverso lo svelamento di un io attento ai flussi interiori dello spirito. Esaminare il corpus della sua opera, superando il diktat cinetico spesso persino fuorviante, permette di comprendere come il genio della forma abiti nell’artista veneto e come esso si accompagni ad una interiorità che evidenzia l’assimilazione poetica come sentimento 5 liberatorio. Infatti, se da un punto di vista tecnico rivela un sorprendente mestiere, necessario a chi, come lui, opera in ambiti di precisione e rigore, dal punto di vista emotivo rivitalizza una sintassi che si presenta senza cedimenti e per questo densa di valori appartenenti all’universo dell’uomo e alle sue discipline. Potremmo dire che Biasi riesce a far coincidere le verità della geometria con le verità della natura e dell’idea, sorprendendoci attraverso l’opera d’arte grazie alla concretezza immediata con la quale si propone, con un vitalismo pulsante e la perfetta disponibilità nei confronti dell’esperienza visiva di chi guarda. La pittura e i suoi possibili spessori materici sono congeniali al giovane Biasi ma non bastano a dare la consistenza plastica e dinamica che va ricercando. Siamo intorno agli anni Sessanta, anni inquieti e di intensa sperimentazione: volontà di scoperta, necessità di confronto, porteranno l’artista a formare il Gruppo N (1959, con il quale opererà sino al ‘67); più tardi sarà tra i promotori di Nuove Tendenze (1961) e tra i fondatori di Arte Programmata (1962). Il superamento della pittura avverrà con l’ausilio di strutture lamellari in pvc, prismi di cristallo, plexiglas e altri materiali utili ai “congegni” visivi immaginati dall’artista. Eppure. Come scrive Elena Forin, “anche se non dipinge quella tecnica la ama e la rispetta, e si vede (…). E poi, a ben guardare, un senso pittorico per quanto sui generis c’è eccome (…), nelle variazioni cromatiche, nelle strutture lamellari, nel fascino misterioso delle sue forme su materiali traspa- renti, nel rapporto tra movimento e staticità negli assemblaggi”. Terminata la carica propulsiva del lavoro d’insieme, la ricerca di Biasi proseguirà “da solista”. E’ allora che il suo lavoro assumerà un inconfondibile ritmo musicale, armonico, polifonico; giallo e ocra, celeste e azzurro, rosa e rosso, grigi e neri, fino a riflettere i suoi moti in una ondulazione di linee che nel tempo e soprattutto nelle opere più recenti, amerà sempre meno il rigore lineare e sempre più la diffusione cromatica, attraverso una deformazione che si specifica in una personalissima stilizzazione. Ne sono prova alcuni particolari elementi linguistici: l’organizzazione della complessità strutturale, la tendenza alle stratificazioni visive che mutano percettivamente le superfici, la disposizione della gamma dei colori, l’attenzione ad evitare gerarchie cromatiche; un modo per superare il vincolo di sincronie troppo rigide come antidoto all’irrigidimento dell’articolazione formale. Il colore affiora come magma fluorescente, impalpabile, come per superare il classico principio di nucleo generatore. Ecco perché l’opera di Alberto Biasi, esposta nei maggiori musei del mondo, anche se compiuta secondo i più rigorosi criteri, pure riesce a destare assai presto l’impressione di una espressività profondamente sentita e vissuta, lirica ed elegiaca. Alberto Biasi vive ed opera a Padova DisTorsione gialla 1968 tecnica mista|mixed media cm 130x110x4 Alberto Biasi (Gruppo N) Dinamica visuale triangolare 1965 tecnica mista|mixed media cm 100x115x4,5 ALBERTOBIASI POLYHEDRIC RESEARCH by Marcello Palminteri Alberto Biasi has been considered to be one of the main exponents of Kinetic and Programmatic Art since the early seventies. But Biasi has always had little interest in classifications: “If you really want to label me,” he declared in a recent interview, “I would like to be classified, distinguished by what I effectively am, namely for my polyhedric research ... as a kinetic artist therefore, but also optical, also programmatic, and especially gestalt; in short a kaleidoscopic artist, initiator of interactive art, a creator of works which do not represent but become, a constructor of containers of energy, of tools that interact with the viewer, that originate virtual images and forms, not kinetic, it should be noted, but dynamic.” The integrity of his work, animated by a stylistic mark which is always weighty and persuasive, endows his meditated and constant work with an unmistakeable profile. Today, the compositional equilibrium, the structural rationalism of which is not limited to the volumetric dimension only, has characterized the production of Alberto Biasi (Padua 1937) for half a century through the streamlining of an ego attentive to the interior flows of the spirit. An examination of the corpus of his work, overcoming the kinetic diktat which is often even misleading, makes it possible to understand how the genius of form dwells in this Veneto artist and how it is accompanied by an interiority which highlights poetic assimilation as a liberating sentiment. In fact, if from a technical point of view he reveals surprising skill, necessary for those like him who work in frameworks of precision and rigour, from an emotional standpoint he revitalizes a syntax which is presented without yielding and which for this reason is dense with values belonging to the universe of man and of his disciplines. We could say that Biasi manages to align the truths of geometry with the truths of nature and of the idea, surprising us through the work of art thanks to the immediate concreteness with which he proposes himself, in that pulsating vitalism and in the perfect openness he offers to our visual experience. The painting and its possible material thicknesses were Rosso mio 2004 tecnica mista|mixed media cm 160x107x4,5 7 Gemelli 1992 tecnica mista|mixed media visione da due angolature diverse|view from two different angles cm 72x102x3 congenial to the youthful Biasi but were not sufficient to provide the plastic and dynamic consistency he was looking for. This was around the nineteen-sixties, years of unease and intense experimentation: a desire to discover, the need for confrontation would lead the artists to form Gruppo N (1959, with which he would work until ’67); later he would be among the promoters of Nuove Tendenze (1961) and one of the founders of Arte Programmata (1962). The abandonment of painting would take place with the aid of lamellar PVC structures, glass prisms, Plexiglas and other useful materials for the visual “contrivances” conceived by the artist. Or, as Elena Forin writes, “even if he does not paint, he loves and respects that technique, and you can see it (...). And then, if we look carefully, there is certainly a pictorial sense however sui generis (...), in the chromatic variations, in the lamellar structures, in the mysterious attraction of his forms on transparent materials, in the relationship between movement and immobility in the assembles.” Having completed the propulsive drive of team work, Biasi’s research continued as a “soloist”. It was then that his work assumed an unmistakeable musical, harmonic, polyphonic rhythm, modulated in tomes and semitones; yellow and ochre, sky-blue and azure, pink and red, greys and blacks, until he reflects his movements in an undulation of lines which over time and especially in the more recent works increasingly less embrace linear rigour and increasingly chromatic diffusion, through a deformation which is specified in a highly personal stylization. Proof of this can be found in some particular linguistic elements: the organization of the structural complexity, the tendency towards visual stratifications which perceptively mutate the surfaces, the arrangement of the range of colours, and the attention towards avoiding chromatic hierarchies; a way of overcoming the constraints of excessively rigid synchronies as an antidote to the stiffening of the formal articulation. Colour emerges as impalpable fluorescent magma, as if overcoming the classical principle of the generating nucleus. That is why the work of Alberto Biasi, exhibited in the world’s leading museums, even if executed in accordance with the most rigorous criteria, still manages to quickly rouse the impression of a profoundly felt and lived, lyrical and elegiac expressivity. Alberto Biasi lives and works in Padua 8 Colori dell’aurora boreale come ... 6/7 aprile 2000 2000 tecnica mista|mixed media cm 155x125x4 paolopatelli il mondo dietro alle cose di Giovanna Grossato foto di|photo by Paolo Cusenza Nato in Istria, ad Abbazia-Fiume, nel 1934 ma trapiantato in provincia di Treviso dal 1947, Paolo Patelli non diviene pittore secondo un percorso canonico: si laurea a Padova in Chimica e Farmacia, seguendo poi per un certo periodo la ricerca scientifica sulla radioattività ed è solo più tardi che approda all’arte: da autodidatta, incoraggiato inizialmente dai critici Giuseppe Marchiori e Umbro Apollonio. Poi furono i viaggi, - a Parigi, in Svezia, a Londra e in Scozia e poi a New York - il jazz e la lettura, oltre alla congenita passione per la letteratura e la poesia, che dettero fondamenta alla sua crescita umana ed artistica. La parte mancante 2000 tecnica mista|mixed media cm 67x62 9 Agli esordi della carriera nei primi anni Cinquanta, il suo talento era stato attratto dalle suggestioni informali che trovarono accoglienza all’inizio degli anni Sessanta presso alcune attente ed impegnate gallerie del nord Italia (Carrain a Padova, Galleria del Cavallino a Venezia e Galleria del Naviglio a Milano) oltre che a Roma, a Napoli, a Vienna, a Trieste, a Düsseldorf, a Losanna e anche alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Tokyo. Critici come Achille Bonito Oliva, Umbro Apollonio, Giuseppe Marchiori, Filiberto Menna, Maurizio Fagiolo, Francalanci si occuparono del suo lavoro che, nel frattempo aveva spostato il suo interesse verso le Nuove Tendenze, con una tormentata pausa di riflessione tra il 1969 e il 1970. Anche l’esperienza didattica entra a far parte del suo percorso: con la cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia, i corsi e i lettorati in Gran Bretagna, presso le università di Sheffield e Norwich, ma anche negli Stati Uniti, ad Atlanta, dove per diversi anni esercitò l’insegnamento di Pittura presso la New York University e, più recentemente, con la cattedra di Storia dell’arte contemporanea all’Università Ca’ Foscari di Venezia. Uno dei primi germi che inocularono nell’anima dell’artista la passione per la pittura e in particolare per l’espressionismo astratto fu un dipinto degli anni ’40 dello statunitense Arshile Gorky, incontrato da Patelli nella Collezione Peggy Guggenheim di Venezia e poi una importante mostra sulla pittura americana del XIX secolo tenutasi nel 1957 a Palazzo Reale a Milano. Pur lavorando dentro e sulla sua epoca, Patelli si è però spesso discostato dagli indirizzi dettati dalle mode, spinto piuttosto dalla necessità di integrare la propria vita nell’attività artistica che per lui costituisce un quotidiano ed ineludibile impegno. La continua ricerca e la tensione verso nuovi canoni espressivi rappresentano del resto la cifra caratteristica di questo pittore volitivo e curioso che ancor oggi non sospende l’indagine e non considera definivo alcun approdo, pensando anzi che il proprio fare pittura sia stato “perennemente sfasato rispetto alla moda del tempo”. Il filo conduttore lungo i decenni è in definitiva l’amore per la pittura - quella vera - e il contatto fisico con la materia pittorica. L’attrazione nei confronti dell’astratto e dell’espressionismo, l’importanza della gestualità continuano a giocare un ruolo importante anche nelle opere recenti che però assumono anche delle connotazioni rinnovate rispetto a determinati aspetti formali. Sembra infatti che alcune tecniche come quella del “dripping” e gli stessi confini dei sopra|above Da tante voci esce una storia 2003 tecnica mista|mixed media cm 155x83 sotto|below Mit schreiben, mit malen 2009 tecnica mista|mixed media cm 90x90 a destra|right You do this 2003 tecnica mista|mixed media cm 59x127 Helle Nacht 2003 tecnica mista|mixed media cm 67x78 a sinistra|left Dopo 2003 tecnica mista|mixed media cm 49x40 supporti, insofferenti delle tradizionali forme rettangolari, riportino l’opera alla libertà e alla fantasia primarie: verso l’incontro con strutture organiche che poi corrispondono sia alla forma poliedrica del pensiero sia a quella fisica del corpo, affrancato da un preciso ruolo nello spazio. Anche la presenza di qualche elemento estraneo alla pittura (che rimane comunque sempre fondamento primario), una sorta di “objet trové”, si accentua nella produzione più recente di Patelli che per sua stessa ammissione ama inserire nei quadri legni o altri componenti non specificamente pittorici che sono tuttavia affini all’arte in quanto appartengono alla vita e la cui preziosità nella composizione è inversamente proporzionale alla loro “povertà” e alla semplicità intrinseca. Un aspetto quello del “poverismo” che spesso è entrato a far parte non determinante ma sicuramente caratterizzante anche sotto il profilo teorico del percorso di Paolo Patelli. Paolo Patelli vive ed opera a Sambughè (Tv) 11 p a o l op a telli a sinistra|left Einen Augenblick abwarten 2000 tecnica mista|mixed media cm 13x17 a destra|right the world behind things Make it happen every day 2000 tecnica mista|mixed media cm 9x9 by Giovanna Grossato Born in Abbazia-Fiume in 1934 but transplanted to the province of Treviso in 1947, Paolo Patelli did not become a painter by following the usual paths: he graduated from Padua University in Chemistry and Pharmacy and then, following a period of scientific research into radioactivity, he took up art later on: self-taught, he was initially encouraged by the critics, Giuseppe Marchiori and Umbro Apollonio. Then there were his travels - to Paris, Sweden, London and Scotland and New York - jazz and reading, as well as his innate passion for literature and poetry, which provided the foundations for his human and artistic growth. At the beginning of his career in the early fifties, his talent was attracted by the informal ideas he found at the beginning of the sixties in some of the most attentive and committed galleries in Northern Italy (Carrain in Padua, Galleria del Cavallino in Venice and Galleria del Naviglio in Milan), in Rome, Naples, Vienna, Trieste, Dusseldorf and Lausanne and in the National Gallery of Modern Art in Tokyo. Critics such as Achille Bonito Oliva, Umbro Apollonio, Giuseppe Marchiori, Filiberto Menna, Maurizio Fagiolo, and Francalanci took an interest in his work while in the meantime he shifted his interest towards Nuove Tendenze, with a tormented pause for reflection between 1969 and 1970. Teaching experience also became part of his path with the chair of Painting at the Accademia di Belle Arti in Venice, his courses and lectureships at the Universities of Sheffield and Norwich in Great Britain, at Atlanta in the Unites States, the teaching of painting at New York University and, more recently, teaching the History of Contemporary Art at Venice’s Ca’ Foscari University. One of the first germs which inoculated the passion for painting and for the abstract expression in the artist’s soul was a nineteen-forties painting by the American artist, Arshile Gorky, which Patelli discovered in the Peggy Guggenheim Collection in Venice, and then an important exhibition of XIX century American painting held in Palazzo Reale in Milan in 1957. While creating within and on his own time, Patelli often worked at a distance from the trends of current fashions, 12 and he was driven, rather, by the need to integrate his own life into the artistic activity which, for him, constitutes a daily and ineluctable commitment. In any case, continuous research and tension towards new expressive canons constitute the characteristic cipher of this strong-willed and inquisitive painter who has not suspended his investigations and does not consider any point of arrival to be definitive, and in fact thinks that his approach to painting has been “perennially out of phase with the fashions of the times.” At the end, the guiding thread across the decades has been his love for painting - true painting - and physical contact with the pictorial material. His attraction to the abstract and to expressionism and the importance of the gestural continue to play an important role even in recent works which, however, also assume renewed connotations vis-à-vis certain formal aspects. In fact it seems that some techniques such as “dripping” and the very confines of the supports, intolerant of the traditional rectangular forms, return the work to primary liberty and fantasy: towards the encounter with organic structures which then correspond both to the polyhedric form of thought and the physical shape of the body, freed from a precise role in space. The presence of some elements foreign to painting (which still remains the primary foundations), a sort of “objet trouvé”, are also accentuated in the most recent production from Patelli who, by his own admission, loves to insert pieces of wood or other non-specifically pictorial components into his paintings which, however, are similar to art as they belong to life, and whose preciousness in the composition is inversely proportional to their “poverty” and intrinsic simplicity. This aspect of “poorness” has often become a non-determinant but unquestionably characterizing feature of Paolo Patelli’s path from a theoretical standpoint. Paolo Patelli lives and works in Sambughè (Tv) MOMOLI VINICIO STRUTTURA E MATERIA Vinicio Momoli, che è nato a Padova nel 1942, lavora tra Parigi e Castelfranco Veneto ed ha al suo attivo una ricca attività espositiva: più di 200 mostre in Italia e all’estero, in musei, istituzioni pubbliche e gallerie private. La sua maturazione artistica si è avvalsa di diversi viaggi negli Stati Uniti e lunghi soggiorni a Parigi che hanno messo l’artista a contatto con le esperienze contemporanee più all’avanguardia. Da queste sollecitazioni, a partire dagli anni ‘60, deriva, la produzione di opere caratterizzata da un’attenzione precisa e meditata attorno al senso della forma e alle dinamiche intrinseche dei materiali. di Tazio Cirri sopra|above Frasi di primavera 2009 gomma|rubber cm 103x163 a destra|right Nexiture d’estate 2010 gomma|rubber cm 80x93 13 Installazione 2010 Studio Fotogramma, Padova Momoli infatti adotta fin dall’inizio della sua poliedrica ricerca, diverse forme espressive, con una dialettica sperimentale aperta a numerosi sviluppi, sempre però ancorata al filone minimalista e alla positiva semplicità della forma-materia, intesa come veicolo d’emozioni plastiche. A partire dagli anni 80, il suo lavoro si arricchisce di una accesa sensibilità cromatica aperta al confronto con lo spazio attraverso installazioni ambientali e sculture polimateriche, con cui l’artista ha interpretato e reinventato le forme archetipiche dell’abitare. Esse hanno suscitato un notevole interesse, determinando in quegli anni e in quelli immediatamente successivi alcuni importanti allestimenti presso gallerie d’arte austriache e tedesche. La pulizia formale che caratterizza il lavoro di quegli anni, è associata alle proiezioni mentali di itinerari ancestrali e poetici, a raffinati stilemi geometrici, alla sintesi tra diverse discipline che 14 Senza titolo 1993 ferro, malta|wood, mortar cm 103x163 intessono nella trama del rigore elementi più liberi, utilizzando linee colorate aggrovigliate o trasparenze cromatiche. Materiali d’uso comune come il plexiglass, il marmo, le gomme … metalli, caucciù, legni, diventano per l’artista i protagonisti di un interazione costruttiva, sospesa tra il valore del simbolo e quella suggerita dalla intrinsicità del materiale stesso. A partire dagli anni 90 si intensificano divenendo particolarmente significativi i rapporti con gallerie e istituzioni pubbliche spagnole. Nel 1998 a Santillana del Mar (Santander) l’artista presenta nuovi modi di manipolare i materiali che si articolano nello spazio: gomma e luce. Neon e lampadine sono infatti la materia cromatica che trasforma l’opera, dilatandola nello spazio. Edoardo Di Mauro scrive a proposito di quest’ultima fase espressiva di Vinicio Momoli: “Lo spessore e l’attitudine concettuale di Momoli non potevano esentarlo dal cimentarsi Senza titolo 1988 ferro, legno, malta|wood, iron, mortar a destra|right Foreste sulle nubi 2009 gomma|rubber cm 163x103 Bianco vulcano 2009 gomma|rubber cm 88x88 con l’arte pubblica, che lo ha visto proporsi, negli ultimi anni, con installazioni permanenti allestite in Spagna, Leon, Riese Pio X (Tv) e Toronto (Canada)”. In queste imponenti strutture, infatti, l’artista scava varchi che penetrano i blocchi di pietra, realizzando le morfologie biomorfiche che contraddistinguono la sua fase creativa più recente. Egli sceglie e tratta la materia con grande amore e rispetto, secondo la migliore tradizione classica italiana, cercando al suo interno la carica spirituale che giace in attesa di venire estratta dalle abili mani, dall’esperienza e dalla sensibilità dello scultore. Vinicio Momoli vive ed opera a Castelfranco Veneto e Parigi 15 MOMOLI ??????????????? 2010 gomma|rubber cm ??x?? VINICIO by Tazio Cirri ??????????????? 2010 gomma|rubber cm ??x?? STRUCTURE AND MATERIAL Vinicio Momoli, who was born in Padua in 1942, works in Paris and Castelfranco Veneto and has a wealth of exhibitive activity behind him: more than 200 shows in Italy and abroad in museums, public institutions and private galleries. His artistic maturity was enhanced by several trips to the United States and long stays in Paris which put the artist into contact with the most avant-garde contemporary experiences. Right from the beginning, Momoli adopted different expressive forms in his polyhedric research, with an experimental dialectic open to countless developments, always anchored however in the minimalist school, and to the positive simplicity of form-material, intended as a vehicle of plastic emotions. Starting from the eighties his work was enriched by a vivid chromatic sensibility open to a confrontation with space through environmental installations and multi-material sculptures with which the artist interpreted and reinvented the archetypical forms of living. They aroused considerable interest, leading to various important installations in Austrian and German art galleries during those years and the ones immediately afterwards. The formal cleanliness which characterized the work in that period is associated with metal projections of ancestral and poetic itineraries, with refined geometrical stylistic elements, and with the synthesis of different disciplines which interweave freer elements in the weft of their rigour, using tangled coloured lines or chromatic transparencies. For the artist, commonly used materials such as Plexiglas, marble, rubber, metals and wood become the protagonists of a constructive interaction, suspended between the value of the symbol and the one suggested by the intrinsic nature of the material itself. His relationships with Spanish galleries and public institutions intensified starting from the nineties and became particularly significant. In 1998 at Santillana del Mar (Santander) the artist presented new ways of manipulating the materials which articulate themselves in space: rubber and light. Fluorescent tubes and light bulbs become the chromatic material which transforms the work, expanding it in space. In this regard, Edoardo Di Mauro wrote of this last expressive phase of Vinicio Momoli: “Momoli’s depth and conceptual attitude could not exempt him from tackling public art and in these last years he has proposed himself with permanent installations put in place in Spain, Leon, Riese Pio X (Tv) and Toronto (Canada)”. In these imposing structures the artist excavates passages which penetrate the blocks of stone and realizes the biomorphic morphologies which distinguish his most recent creative stage. He selects and treats the material with great love and respect, in line with the finest classical Italian tradition and seeks the spiritual charge in it which lies waiting to be extracted by able hands, by experience and by the sculptor’s sensibility. Vinicio Momoli lives and works in Castelfranco Veneto and Paris 16 P LESSI FA B R I Z I O Fabrizio Plessi è artista difficilmente riconducibile ai formulari delle correnti in cui naviga, in virtù di una personalità forte ed autonoma ed alla scaltrezza delle sue scelte nelle adesioni ai moduli delle avanguardie. Figura di primissimo piano nel panorama artistico del secondo dopoguerra, nato a Reggio Emilia nel 1940 ma veneziano per adozione e formazione, la sua opera matura sul filo di una singolare ed accorta rivisitazione delle esperienze artistiche che attraversa, sempre in “obliquo”; una incursione i cui esiti si caratterizzano per le esplosioni vitali di una ricerca libera, apparentemente contraddittoria, assolutamente pura. di Marcello Palminteri L’enigma degli addi 1999 videoinstallazione; tronco d’albero scolpito, undici monitor, sequenza registrata video installation; sculpted tree trunk, eleven monitors, recorded sequence l’artista può con delle manipolazioni creare un proprio mondo”. L’integrità formale e concettuale di questo percorso, accompagnato da un idioma sempre pregnante e persuasivo, è senza tema di smentite il tratto che conferisce alla sua opera, sviluppata in oltre quarant’anni di lavoro costante e meditato, un profilo inconfondibile. La sensorialità delle immagini, ripetute nelle proiezioni luminose dei video, trova sempre consapevolezza nello spessore plastico degli elementi atti a contenerli e nella loro ricchezza formale. Non si tratta mai di forzate inclusioni ma di funzioni di collegamento la cui concatenazione non nega mai sviluppo e coerenza al discorso artistico. Il lavoro di Plessi oscilla sempre tra il visibile e il tattile e i due dati si valorizzano vicendevolmente senza cedimenti. Questo aspetto è inseparabile dalla vocazione per una poetica espressiva capace di generare energie primordiali, dimensioni arcaiche e di immediata suggestione. Non a caso l’acqua e il fuoco sono gli elementi essenziali del suo linguaggio e della sua ricerca, il cui utilizzo, mai diretto, ma sempre filtrato attraverso il video, supera la tensione e la violenza dello scatenamento naturale a cui ancestralmente richiamano, mirando piuttosto ad un incontro poetico che si nutre della straniante impossibilità delle convivenze, di quelle apparenti contraddizioni - a cui accennavamo all’inizio - possibili in quanto pure, capaci di fornire metafore perfette della natura e del mondo. L’acqua e il fuoco, del resto, come le immagini trasmesse dai video, sono cangianti, fluidi, instabili. E il video, più di ogni altra cosa, è il medium in grado di restituire una visione “altra” della realtà. Quella di Plessi è un’acqua che non bagna, così come il fuoco non brucia. Qui sta la coerenza dell’artista, in questa capacità di unire e di rinnovare l’invenzione nella flessibile mutabilità con cui si propone. La forma coincide con il fluire delle immagini: così Plessi mette in gioco l’arte dell’allusione, della dissimulazione, giungendo ad esiti tra i più arditi, visionari e radicalmente innovativi. L’impressione complessiva è quella del trascorrere di una grande materia, come lo scivolare della lava (altro elemento caro Ne è prova l’esigenza, comune a tutto il suo lavoro, di organizzare la complessità degli elementi utilizzati in funzione di una unitarietà strutturale della percezione visiva che evita gerarchie e subordinazioni. E’ lo stesso artista a sottolineare la volontà “di abbattere le barriere tra scienza e arte e di operare attraversamenti in diagonale, vere e proprie globalizzazioni che renderanno più umano l’inespressivo volto della macchina”. Di qui l’incontro con lo schermo, apparentemente estraneo agli strumenti consueti dell’arte, impoetico agli occhi della tradizione poiché non proveniente dal mondo “artigianale” della pittura e della scultura, ma dal mondo esterno, quello del processo tecnologico, di cui Plessi intuisce le potenzialità e i vantaggi concettuali. Un modo per intervenire su qualcosa che - nel bene o nel male - fa parte della nostra quotidianità (quante ore passiamo davanti al televisore o agli schermi dei nostri computer?), riscattandone il lato espressivo latente, affrontando nell’indagine nuove qualità tecniche e percettive del fare scultura. Così Plessi apre ad un linguaggio che dalle “serre” della tradizione si ricolloca nella natura, ripensando il suo rapporto con la materia e con le cose, annullando ogni possibile estraneità nel contesto delle possibilità offerte dalle moderne tecnologie di cui fa sapientemente uso. Plessi utilizza il video come una materia, come fosse marmo, pietra, carbone, terra, legno: “Per me è basilare - sostiene l’artista - io non ho mai considerato la televisione uno strumento informativo. Considero la televisione esattamente come una materia (...) con la quale 18 sopra|above Lava 2007 videotecnologia e basalto stratificato su bancali, LED luminosi, suoni, monitor video technology and basaltic rock layered on pallet supports, luminous LED, sound, monitors Lava Project - Design for vertical Digital Stones project 2007 tecnica mista su carta|mixed media on paper cm 150x200 all’artista, materia intrisa di fuoco), che rivela un universo simultaneo di immagini e sensazioni in cui l’evento naturale, sia esso lo scorrere dell’acqua, il muoversi delle onde o il bruciare del fuoco, sembra ripetersi all’infinito nel proprio accadere: tecnologia e manualità segnalano ipotesi di spazio e di forma e definiscono la sintesi perfetta tra antico e moderno, tra passato e futuro. Allora le sue composizioni, spesso monumentali, si impongono come sfida alle convenzioni di spazio e ambiente, di natura e artificio; si riorganizzano in nuovi codici lusingando la percezione dello spettatore. L’arte torna ad essere finzione, mirabile inganno. Fabrizio Plessi vive ed opera a Venezia e Maiorca Mari verticali 2009 videoinstallazione; 12 imbarcazioni in acciaio, acqua, monitor, programma pre-registrato video installation; 12 boats, stainless, water, monitors, pre-recorded programme Video installazione esposta all’Arsenale de La Maddalena realizzata in occasione del Louis Vuitton Trophy. Per questa monumentale e spettacolare installazione, fortemente voluta e supportata da Louis Vuitton, Plessi ha creato dodici gigantesche imbarcazioni in acciaio nero, che emergono diagonali da altrettanti bacini colmi di acqua nera. Le dodici barche, sono il simbolo dei dodici mari. Le installazioni video e i rispettivi sonori evocano le correnti e i flutti marini di ogni singolo mare che scorrono lentamente ed ipnoticamente su quattro video schermi che occupano la chiglia di ogni barca. Video installation at the Arsenal at La Maddalena on the occasion of the Louis Vuitton Trophy. Plessi created twelve gigantic black steel boats emerging diagonally from individual basins filled with black water for this monumental and spectacular installation, enthusiastically desired and supported by Louis Vuitton. The twelve boats symbolize the twelve seas. The video installations and the respective sound tracks evoke the currents and the waves of each individual sea which flow slowly and hypnotically on four screens that occupy the keel of each boat. 19 a destra|right La flotta di Berlino 2004 videoinstallazione; 12 imbarcazioni capovolte, struttura in ferro autoportante, motori elettrici in movimento, 70 monitor, programma pre-registrato coordinamento: Robert Wilson, musica: Philip Glass video installation; 12 overturned boats, self-bearing iron structure, electric motors in movement, 70 monitors, pre-recorded programme coordination: Robert Wilson, music: Philip Glass Fabrizio Plessi 2003 foto di|photo by Mike Kobal P LESSI FA B R I Z I O by Marcello Palminteri Because of his powerful and autonomous personality and the shrewdness of his decisions regarding participation in the various modules of the avant-gardes, Fabrizio Plessi is an artist who is difficult to pigeonhole in the matrix of currents he navigates in. A figure in the foreground of the post-war artistic panorama, he was born in Reggio Emilia in 1940 but is Venetian by adoption and formation. His work matures on the thread of a singular and adroit revisitation of artistic experiences which he always traverses “obliquely”: an incursion whose outcomes are characterized by vital explosions of unbridled, apparently contradictory and absolutely pure research. Proof of this is the need, common to all his work, to organize the complexity of the elements used on the basis of a structural unity of visual perception which avoids hierarchy and subordinations. The artist himself underlines the desire to “demolish the barrier between science and art and to effect diagonal traverses, true globalizations which render the inexpressive face of the machine more human.” Hence the encounter with the screen, apparently extraneous to the usual tools of art, unpoetical 20 in the eyes of tradition as it does not come from the “artisan” world of painting and sculpture, but from the outside world, that of the technological process, whose potential and conceptual advantages are grasped by Plessi. Here is one way of intervening on something which - for good or ill - is part of our everyday reality (how many hours do we pass in from of the television or the screens of our computers?), and of redeeming its latent expressive side and, in the investigation, confronting new technical and perceptive qualities in the creation of sculpture. In this way, Plessi opens himself to a language which from the “nurseries” of tradition transplants itself in nature, reconceiving its relationship with matter and with things, cancelling every possible extraneousness in the context of the possibilities offered by the modern technologies he so skilfully employs. Plessi uses videos as a material, as if they were marble, stone, carbon, clay of wood: “It is basic for me;” the artist maintains, “I have never considered the television to be a tool of information. I consider the television to be exactly like a material (...) with which the artist can create a world of his own with manipulations.” The formal and conceptual integrity of this path, accompanied by an increasingly pregnant and persuasive language, is unquestionably the feature which confers an unmistakeable profile on his work, developed over more than forty years of constant and meditated activity. The awareness of the sensory nature of the images, repeated in the luminous video projections, can always be found in the plastic dimension of the elements intended to contain them and in their formal richness. It is never a question of forced inclusions but of liaising functions whose concatenation never refutes the development and consistency of the artistic discourse. Plessi’s work always oscillates between the visible and the tactile and the two acquire enhanced values from one another without yielding. This aspect is inseparable from the vocation of an expressive poetic capable of generating primordial energies and archaic dimensions which are immediately evocative. It is no coincidence that water and fire are the essential elements of his language and research, and their use, never direct but always filtered through video, surpasses the tension and violence of the natural eruption which they ancestrally recall, aiming, rather, towards a poetic encounter which nourishes itself on the alienating impossibility of cohabitation, on apparently contradictory ones - mentioned at the beginning - that are possible because they are pure, capable of providing metaphors of nature and of the world: water and fire which are changeable, fluid and unstable, in any case, like images transmitted by video. And video, unlike anything else, is the medium that can restore “another” view of reality. Plessi’s water does not wet, just as his fire does not burn. It is here in this ability to unite and renew inventiveness in the flexible mutability in which it offers itself that the artist’s consistency can be found. The form corresponds to the flow of the images: in this way Plessi puts the art of allusion and of dissimulation into play, achieving results which are among the most audacious and radically innovative. The overall impression is one of the transiting of a great material, such as the sliding of lava (another material loved by the artist, a material imbued with fire), which reveals a simultaneous universe of images and sensations in which the natural event, whether this is the flowing of water, the movement of waves or the burning of fire, seems to repeat its reoccurrence to infinity: technology and manual skill signal hypotheses of space and form and define the perfect synthesis between ancient and modern, between past and future. And so his compositions, often monumental, impose themselves like a challenge to the conventions of space and of the environment, of nature and artifice; they reorganize themselves in new codes, flattering the viewer’s perception. Art returns to being fiction, admirable deceit. Fabrizio Plessi lives and works in Venice and Majorca sopra|above Mari verticali 2008 videoinstallazione|video installation Water Circles 1982 videoinstallazione|video installation 21 ALDO a sinistra|left Nuove comunità a destra|right Campus sotto|below Orto CIBIC MODELLI SOSTENIBILI DI FELICITÀ di Anna Livia Friel Più che oggetti di architettura, quelli proposti dal designer vicentino Aldo Cibic sembrano delle situazioni umane. Delle formule di vita quotidiana che, anziché adattarsi al mondo circostante, in esso trovano lo spazio per espandersi, svilupparsi al meglio delle loro potenzialità. Già nel 2004 con le sue Microrealities, Cibic indagava le nuove problematiche dell’esistenza contemporanea e sulla possibilità del vivere serenamente. Nascevano così delle visioni di piccole realtà, riunite tra loro nella prospettiva di creare delle dinamiche umanamente preziose, talvolta impegnate a descrivere dei moderni paesaggi rurali, talvolta ad avvolgere di una pace arcadica delle porzioni di città particolarmente aspre, spazi che siamo abituati a percepire come dei non luoghi, ad esempio stazioni della metro o centri commerciali. I titoli di queste visioni suggeriscono lo svolgersi di una sorta di saga del futuro dove attraverso brevi episodi la società mette a punto una dimensione più semplice, più confortevole: in “Le Porte della Città” Milano si apre e anziché marcare fortemente i limiti tra dentro e fuori disegna dei muri permeabili che diventano il presupposto per la creazione di nuovi di tipi di confini. Ne “La città degli orti” l’uomo, animale urbano, grazie a delle ri- 22 acquisite consapevolezze ambientalistiche, riesce a riappropriarsi del ritmo stagionale dettato dalle necessità della terra e, in un rivisitato stile “metro-hippy”, insedia le campagne dolcemente. Rethinking happiness, secondo capitolo: ormai è certo, il futuro è nella ricerca di spazi ibridi, a metà tra la città e la campagna, dove i confini si mescolano e non è più definito quale delle due realtà apporti beneficio all’altra. Una delle scene si apre sulla vita di una piccola comunità di creativi raccoltisi intorno ad una grande azienda: in questa moderna Garden City industriale la qualità dell’architettura è data dalla sua capacità di accogliere la vita di queste persone, di creare i giusti spazi per l’attività appropriata, di farsi culla di un piccolo fulcro pieno di potenzialità. Con “Superbazar” invece la trasformazione si attua in pieno territorio urbano: intorno ad una stazione della metropolitana, nella periferia a nord di Milano, si riuniscono piccoli blocchi appartenenti ad un alfabeto architettonico facilmente comprensibile, che messi uno sopra-uno di fianco all’altro finiscono con il creare un ensemble estremamente dinamico, incredibilmente vario e vitale. Sarà lì l’occasione per mettere insieme biblioteca e kitchen sharing, rent hotel e skate park, residenze a basso costo e mercato aperto. Attraverso queste scenografie Aldo Cibic ci propone le sue soluzioni alle problematiche che rendono oggi inquieto il nostro sonno e ci dà la possibilità di immaginare delle situazioni alternative - mentre il mondo è stretto nella morsa del consumismo, del surriscaldamento del pianeta, della scarsità d’acqua, delle ingiustizie sociali - dove i bambini vanno in bici di fianco all’officina del papà e gli spaghetti al sugo sono quelli fatti con il grano del nonno. Speriamo. Aldo Cibic è presente con “Rethinking Happiness” alla 12a Edizione della Biennale di Architettura di Venezia che si chiuderà in novembre 2010 e al Museo del Design alla Triennale di Milano nell’ambito della mostra “Quali cose siamo” in corso fino al 27 febbraio 2011. 23 a sinistra, dall’alto in basso|left, from top to bottom Urbanismo rurale Urbanismo rurale Comunità a destra, dall’alto in basso|right, from top to bottom Urbanismo rurale Urbanismo rurale Campus 24 ALDO by Anna Livia Friel CIBIC SUSTAINABLE MODELS OF HAPPINESS in questa pagina|on this page Superbazar Rather than architectural objects, those proposed by Vicenza designer, Aldo Cibic, seem like human situations, formulae of daily life which, instead of adapting to the surrounding world, find space in it for expanding, for developing their potentials more fully. Already in 2004 Cibic investigated the new problems of contemporary living and the possibility of living peacefully with is Microrealities. This was how visions of little realities came into being, combined together with a view to creating humanly precious dynamics, sometimes engaged in describing modern rural passages, sometimes enveloping particularly harsh parts of the city with Arcadian serenity, spaces which we are used to perceiving as non places - metro stations, shopping centres. The titles of these visions suggest the unfolding of a sort of future saga in which society finetunes a simpler, more comfortable dimension through brief episodes: in “The Gates of the City” Milan opens and instead of powerfully marking out the limits between inside and outside, designs permeable walls which become the premise for the creation of new types of boundaries. In “The City of Gardens”, man, the urban animal, succeeds in taking possession again of the seasonal rhythm dictated by the needs of the earth, thanks to reacquired environmental awarenesses and, in a revisited “metro-hippy” style, he blends the countryside into it. Rethinking happiness, chapter two: by now it is certain that the future is in research into hybrid spaces, half way between town and country, where boundaries are mixed, and it is not clear which of the two is benefiting the other. One of the scenes opens onto the life of a small community of creative personalities gathered around a large company: the quality of the architecture in this modern Garden City is given by its ability to grasp the life of these people, to create the right spaces for the appropriate activity, to become a cradle and little fulcrum full of potential. With “Superbazar” on the other hand, the transformation is carried out in totally urban territory: little blocks belonging to an easily comprehensible architectural alphabet are combined around a metro station and, when placed one above the other, and side by side, end up by creating an extremely dynamic ensemble, incredibly various and vital. This provides the occasion for putting together library and shared kitchen, rent hotel and skate park, low cost homes and open markets. By means of these settings, Aldo Cibic offers us his solutions to the problems when render our sleep unsettled today and makes it possible for us to image alternative situations - while the world is gripped in the world of consumerism, of global warming, of the scarcity of water and of social injustices - where children cycle alongside their father’s workshop and the spaghetti are made with grandfather’s wheat. Let’s hope so. Aldo Cibic is present with “Rethinking Happiness” at the 12th editions of the Venice Biennale of Architecture which will close in November 2010 and in the Design Museum of the Milan Triennale in the framework of the show, “Quali cose siamo”, running until 27 February 2011. 25 gruppovisintin l’imprenditoria per l’arte e la cultura 26 Le ristrettezze economiche congiunturali hanno tra le prime vittime la cultura, come si può constatare dovunque le pubbliche amministrazioni abbiano chiuso i rubinetti che erogavano risorse in tale direzione. Spesso dunque è al privato che si rivolgono speranze e aspettative affinché i differenti campi legati all’arte e allo spettacolo possano resistere, sopravvivendo in attesa di tempi migliori. Sono molti, fortunatamente, i privati - strutture, organizzazioni o singoli - che mettono a disposizione i propri mezzi in tal senso, e non senza riscontro, dato che l’immagine del “mecenate” illuminato, se da un lato non conquista certo le masse, dall’altro agisce su strati molto sensibili e riflessivi della cultura italiana che sicuramente esistono, pur nell’oscurantismo generalizzato. Spesso non è neppure necessario uno spiegamento di mezzi eccezionale, come quello profuso per restauri ed interventi clamorosi (Punta della Dogana o Mulini Stuky a Venezia, tanto per citarne alcuni nel territorio veneto). La qualità della motivazione risulta spesso altrettanto efficace quando opera su realtà che necessitano di un’attenzione, magari meno onerosa ma più costante e metodica. Non mancano per fortuna in Veneto volonterosi imprenditori, più o meno importanti, disposti a mettere in campo il loro impegno con sensibilità e accortezza. Tra questi “Gruppo Visintin”, nelle persone di Massimo e Luca Visintin, cui abbiamo chiesto come sia nato il loro interesse per l’arte che li ha spinti a sostenere iniziative culturali e a dedicarsi, anche per proprio interesse personale, per semplice e genuino “amore per l’arte”, ad aiutare il percorso di alcuni artisti giovani e promettenti ma non ancora famosi, che vanno affermandosi nella giungla faticosa del mondo dell’arte. Massimo & Luca Visintin 27 Tempio di Antonio Canova|Antonio Canova Temple Possagno (Tv) L’interesse per le arti figurative in generale e in particolare l’architettura hanno illustri esempi nel territorio d’origine di Massimo e Luca Visintin che hanno avuto la loro prima formazione presso l’Istituto “Cavanis” di Possagno, un piccolo paese in provincia di Treviso, divenuto grande in virtù del suo nume tutelare, Antonio Canova. Il grande scultore neoclassico portando in Europa la sua genialità, portò di conseguenza tutto il mondo a Possagno, rendendo la cittadina meta di un turismo internazionale colto; ciò anche grazie al fatto di non aver abbandonato il suo paese e, anzi, di avervi radicato lì, profondamente, la propria attività: nella sua casa (ora museo ri-allestito da Carlo Scarpa) e persino con la sua tomba-cenotafio, il “tempio canoviano”, famoso in tutto il mondo. Dunque la lezione di mantenere le proprie radici nel territorio d’origine è una delle prime apprese da Massimo Visintin: “Fin da sempre in famiglia, anche dopo la prematura scomparsa di mio padre, grazie soprattutto alla cura di mia madre nella nostra educazione, io e mio fratello Luca siamo stati sensibilizzati alla cultura e all’arte”. Non è certamente estranea al percorso successivo di imprenditori intrapreso dal “Gruppo Visintin” la scelta di campo verso l’architettura “nella sua forma più immediata, nel suo farsi primo e più radicale: il costruire”. Non che altri settori dell’arte siano per loro meno interessanti, ma il momento del fare è certo quello più vicino alle loro corde: quello che induce ad operare nel quotidiano con l’attività imprenditoriale. Quali sono le prime consapevoli sensazioni che provava vedendo a due passi da casa le opere di 28 Museo Gipsoteca Antonio Canova Ala “Carlo Scarpa” Possagno (Tv) Canova? “Uno dei ricordi più vivi e dei fondamentali motivi di fascinazione fu, guardando i capolavori canoviani, percepire la contrapposizione tra l’imponenza e la maestosità di queste sculture e, paradossalmente, constatare la sensazione di leggerezza che esse riuscivano a trasmettermi. Credo davvero che questa eleganza e questa forza espressiva mi abbiano colpito fin da bambino, sia pure inconsapevolmente, ma in modo definitivo. Anche se la mia attività non si può considerare un vero percorso artistico, avere a che fare quotidianamente con l’architettura è per me motivo di soddisfazione. Seguire il mondo artistico e i “creativi” mi rende partecipe in qualche misura di ciò che nel contemporaneo si va facendo. Sono convinto che, sebbene non sia sempre facile orientarsi nel linguaggio artistico attuale, ci siano in esso molti aspetti di grande interesse e diverse promesse per il futuro. Sono perciò felice di esserci e di lavorare, sfiorandolo, questo universo. E anche di poter acquisire in futuro altre opere attuali interessanti, contribuendo nel contempo a sostenere qualche giovane artista, pur senza potermi ancora definire un vero e proprio collezionista. Ma diamo tempo al tempo”. thevisintingroup business for art and culture Culture has been one of the first victims of the economic recession as public administrations have turned off the taps that distributed resources in this direction. Often, then, hopes and expectations are directed towards the private sector so that the different fields associated with art and entertainment can hold on and survive as they wait for better times. Fortunately there are many private structures, organizations or individuals which make resources available, and not without acknowledgement, given that while it certainly does not conquer the masses, the image of the illuminated “patron” acts on the highly aware and reflective layers of Italian culture which certainly exist, even amid widespread obscurantism. Often the deployment of exceptional resources is not necessary, such as those required for sensational restorations and operations (Punta della Dogana or Mulini Stuky in Venice, for example, to mention just two in the Veneto area). The quality of the motivation is also equally effective when it works on situations which require attention, perhaps less onerous but more constant and methodical. Fortunately there are many willing entrepreneurs in Veneto, at various levels of importance, who are prepared to put their commitment into the field with sensitivity and shrewdness. These include Massimo and Luca Visintin of the Visintin Group whom we asked to tell us how their interest for art was born and which drove them to support cultural initiatives and to dedicate themselves, also out of personal interest, through simple and genuine love of art, to help the careers of some promising young artists who are not yet famous but are gaining success in the arduous jungle of the art world. There are illustrious examples of interest in the figurative arts in general and in architecture in particular in the native land of Massimo and Luca Visintin who obtained their initial education in the “Cavanis” Institute in Possagno, a little town in the Treviso Province which became great thanks to its tutelary deity, Antonio Canova. When bringing his genius to Europe, the great neoclassical sculptor also brought the whole world to Possagno, turning the town into a destination of cultured international tourism. This was also thanks to the fact that he never abandoned his birthplace and, indeed, profoundly rooted his activity there: in his house (now a museum reorganized by Carlo Scarpa) and even with his tomb-cenotaph, the world-famous Temple of Canova. And so the idea of keeping one’s roots well anchored in one’s land of origin was one of the first things Massimo Visintin learnt: “In our family, myself and my brother Luca were always sensitized to culture and art, even after my father’s early death, thanks especially to my mother who took care of our education.” The decision to focus on architecture “in its most immediate form, it its first and most radical manifestations - building” is certainly not extraneous to the subsequent path of the Visintin Group. Not that the other sectors of art are less interesting for them, but the moment of action is certainly the closest to their heart: that which induces one to work in everyday situations with the entrepreneurial activity. What are the first conscious sensations you felt when you saw Canova’s works just a few steps from home? “One of my sharpest memories and one of the fundamental reasons for my attraction when looking at Canova’s masterpieces was perceiving the contrast between the impressiveness and majesty of these sculptures and, paradoxically, feeling the sensation of lightness that they managed to transmit. I truly believe that this elegance and this expressive force have always struck me since I was a boy, perhaps unconsciously but in a definitive manner. Even if my activity cannot be considered to be a real artistic path, dealing with architecture every day is a source of satisfaction for me. Following the world of artists and creative people makes me a participant to a certain extent in what is being created today. I am convinced that, though it is not always easy to orient oneself in contemporary artistic language, there are many aspects of great interest in it and various promises for the future. I am therefore happy to be there and work this universe, grazing it lightly. And also to be able to acquire other contemporary works in the future, while contributing at the same time to supporting some young artists, though without being able to define myself as a real collector. But let’s give things time.” Gruppo Visintin Via XIII Aprile, 7 31039 Riese Pio X (Tv) Tel +39 0423745254 Fax +39 0423745821 www.gruppovisintin.com [email protected] PAOLO LOVATO Senza titolo 2003 tecnica mista|mixed media cm 70x70 LE RIGHE DOMATE foto di|photo by Silvano Bille Cosa c’è dietro quel giallo striato d’ocra, dietro quelle pennellate violente di verde tra cui si fa spazio per pochi centimetri un baluginìo di viola? Cosa c’è dietro alle sequenze serrate di righe dagli accostamenti cromatici quasi sempre in rapporto dialettico e conflittuale? C’è la realtà astratta di Paolo Lovato, un mondo pittorico le cui radici affondano nella passione di guardare, di scoprire, di avvicinare e riprodurre i colori che esprimono stati d’animo. di Giovanna Grossato 31 Senza titolo I, II, III, IV 1979 tecnica mista|mixed media cm 70x60 Inizialmente, nei primi anni Sessanta, la sua pittura si articolava con un figurativo scabro e determinato che ricostruiva figure e soprattutto paesaggi familiari, seguendo la pista delle vallette e degli alberi, di strade che davano l’impressione di essere sempre e comunque in salita. Poi la ricerca si è fatta sempre più severa, ancora più scoscesa, aiutata da un confronto costante con l’universo internazionale dell’arte presente e passata, con le scoperte sulle possibilità espressive proposte dai maestri di Salisburgo di quella Sommerakademie che fu esperienza comune di molti artisti veneti della stessa generazione di Lovato. Una scuola a suo modo cosmopolita, che ricompensava ampiamente l’intraprendenza di quei giovani, trasferiti nella città di Mozart durante i mesi estivi per seguire i corsi che lì si svolgevano, ma anche per trovarsi e confrontare il proprio lavoro con i docenti maestri e con i colleghi, discutendo sui nuovi valori da dare al linguaggio pittorico. Nel corso dei decenni e attraverso una maturata esperienza, per Lovato la pittura diventa un “non luogo”, o meglio un universo astratto e senza confini, su cui concentrare l’energia, su cui fissare l’immagine delle proprie categorie mentali. Malgrado il suo lavoro sia difficilmente collocabile in una precisa tendenza contemporanea, se non nell’ambito generico di un espressionismo astratto, c’è però una corrispondenza precisa tra il suo lavoro e alcune specifiche ricerche artistiche che si muovono con direttrici simili alle sue, a partire dagli anni Sessanta e Settanta: da Karel 32 Appel e, in generale agli altri componenti del Gruppo Cobra, a Corneille, per rimanere in Europa; ma, più da vicino, alcuni degli esponenti del rinnovamento del linguaggio pittorico italiano come Santomaso, Reggiani, o di quello americano, soprattutto Stella e Newmann che si mostravano sensibili alle stesse sollecitazioni e trasformarono radicalmente in senso informale anche il lessico di Paolo Lovato. Ciò che nella sua produzione artistica è comunque sempre presente è una trazione sistematica, tanto nelle grandi tele quanto nei dipinti di più modeste dimensioni, che riesce a “sfondare” il supporto con uguale intensità e costringe le testure pittoriche a disciplinarsi in raffinate composizioni ricche di valori formali. La densità satura dei colori svela come per caso, ma mai per caso, impensate bellezze ed evidenzia, esaltandola, la potenza della materia cromatica. Nonostante la pittura di Lovato sia caratterizzata da una grande capacità di organizzarsi razionalmente e con coerenza sistematica, l’evento creativo mantiene sempre una misteriosa forza spontanea e sorgiva, un’urgenza espressiva e una gestualità intense e convincenti che si accentuano in modo particolare a partire dal 2000, caricando sempre più la materia pittorica e facendole raggiungere robustezze piene di sonorità. (G.G.) Le opere di Paolo Lovato sono esposte allo Spazio Iachemet di Vicenza dal 1 ottobre al 15 novembre 2010. Senza titolo 2001 olio su tela|mixed media cm 70x80 Senza titolo 2003 tecnica mista|mixed media cm 70x92 33 PAOLO LOVATO THE LINES TAMED by Giovanna Grossato What is there behind that yellow streaked with ochre, behind those violent brushstrokes of green in which a glimmer of violet breaks out for a few centimetres? What is there behind the tight sequences of lines where the chromatic combinations are almost always in a dialectic and conflictual relationship? There is the abstract Paolo Lovato, a pictorial world rooted in the passion for looking, discovering, approaching and reproducing the colours that express states of the heart. Initially, in the early sixties, his painting hinged on a rugged and determined figurativeness which reconstructed figures and, especially, familiar landscapes, following the trail of the valleys and trees, of the roads which gave the impression of always and in all cases being uphill. Then his research became even more severe, even steeper, aided by constant comparison with the international universe of present and past art, with the discoveries of the expressive possibilities proposed by the masters of Salzburg in the Sommerakademie which was a common experience for many Veneto artists of Lovato’s generation. This school was cosmopolitan in its own way and amply compensated the enterprise of those young people who moved to the city of Mozart during the summer months to follow the courses there, but also to discover themselves and compare their work with the master lecturers and with their colleagues, discussing the new values to give to pictorial language. Over the decades and through matured experience painting became a “non place” for Lovato, or, rather, an abstract and boundless universe on which to concentrate the energy, on which to fix the image of one’s mental categories. Despite the fact that his work is difficult to place within a precise contemporary trend, apart from the generic framework of abstract expressionism, there is nevertheless a precise correspondence between his work and some specific artistic research activities that move along lines similar to his own, starting from the sixties and seventies: from Karel Appel and, in general to the other members of the Cobra Group, and to Corneille, just to remain in Europe; but, nearer at hand, there were some of the exponents of the renewal of Italian pictorial language such as Santomaso and Reggiani or there were the Americans, especially Stella and Newmann who revealed themselves to be sensitive to the new pressures and radically transformed Paolo Lovato’s lexicon in an informal manner. What is always present in his production however is a systematic traction, both in the large canvasses and in the smaller scale paintings, which manages to smash through the support with equal intensity and forces the pictorial textures to discipline themselves in refined compositions rich in formal values. The saturated density of the colours reveals unthought-of beauties as if by chance (but never by chance!) and highlights the power of the chromatic matter and exalts it. Even though Lovato’s colour is characterized by a great capacity to organize rationally and with systematic consistency, the creative event always maintains a mysterious spontaneous and gushing force, and an intense and convincing gestural urgency and expressiveness which have been accentuated, starting from 2000 in particular, and increasingly charged the pictorial matter and make it achieve bastions full of sonority. (G.G.) The works of Paolo Lovato are on display in Spazio Iachemet, Vicenza, from 1 October to 15 November 2010. Spazio Iachemet Via Cattaneo, 14/16 36100 Vicenza Tel +39 0444525593 [email protected] 34 sopra|above Senza titolo 2002 olio su tela|oil on canvas cm 70x92 Senza titolo 2000 olio su tela|oil on canvas cm 70x92 sotto|below Senza titolo 2003 olio su tela|oil on canvas cm 100x100 AreaArte è presente a | AreaArte is present at 35 Diavolo 6666 1981 gres|stoneware cm 74x57x40 BONALDI ! QUEL DIAVOLO DI UN di Marco Maria Polloniato foto di|photo by Matteo Martini Non tragga in inganno un titolo così scherzoso: Federico Bonaldi è una persona seria. Serissima a cui piace molto però ironizzare sul mondo e su se stesso. Anche chi lo conosce bene si lascia affascinare dall’aura d’artista che promana da lui e dal laboratorio un po’ magico e misterioso dove passa molto del suo tempo lavorando incessantemente. Bonaldi è così: una persona lucida, con uno sguardo sul mondo che ruota a trecentosessanta gradi e viaggia con la mente molto più veloce delle reti informatiche. Certo non disdegna il gioco ed ama ancora cercare quel segno astratto che è insieme invenzione e tradizione, traccia di qualcosa di antico, legame con gli avi e con ricordi ancestrali. Il suo lavoro ha preso spunto dalle fascinazioni della cultura popolare, farcita di elementi scherzosi e bonari mischiati agli insegnamenti naturali che il vivere contadino d’un tempo recava con sé. Una cultura che Bonaldi continua a percorrere con il proprio linguaggio anche se è perfettamente consapevole del mondo contemporaneo in cui vive. Lo ha fatto fin dagli anni Quaranta, frequentando la scuola d’arte di Nove, paese a cui è particolarmente legato, dove ha conosciuto il prof. Parini e la Sicilia che il maestro gli descriveva e decantava mentre Bonaldi lavorava come apprendista nella realizzazione di cuchi; e poi il prof. Petucco dotato sia di capacità artistiche che imprenditoriali. Anche Venezia gli offrì formazione, come ad altri promettenti studenti provenienti dalla scuola novese, a lui che sapeva cogliere in ognuna delle esperienze il lato umano oltre che quello artistico. Gli stessi anni di lavoro artigianale hanno trovato casa nelle sue mani, mentre la mente ha continuato a viaggiare senza posa riconoscendo nei particolari, insignificanti agli occhi dei più, quel legame unico che la storia trattiene nella sua continua evoluzione. Così nacquero i cuchi e le opere ceramiche successive, realizzati con lo sguardo rivolto all’essenzialità del reale e ad angoli del quotidiano, il proprio e quello dei famigliari, degli amici e, in generale, del mondo semplice che lo circondava e lo circonda. Oggetti, segni di oggetti, agglomerati di forme riconoscibili o allusive di qualcosa d’altro, accomunati dalla capacità di fascinare in modo diretto e preciso: “Sono debitore ad un mondo di tradizioni che hanno dato molto e fatto la 37 fortuna in questa parte d’Italia. Un mondo in cui la coscienza degli avi, dei padri e delle madri, del proprio passato anche remoto, era una solida base su cui poggiare la propria personalità in crescita.” Questo rispetto della tradizione non ha però intaccato la vivace creatività di Bonaldi che, nel corso dell’ormai pluridecennale esperienza può vantare esposizioni e riconoscimenti in ogni parte del globo. Uno dei capisaldi della sua produzione artistica si colloca all’inizio degli anni Ottanta, quelli che sarebbero ben presi diventati gli “anni di piombo”. Un periodo in cui il clima politico influiva significativamente nella letteratura, nella musica, su certa arte, oltre che sui manifesti e sui muri. Sui muri. Cosparsi di scritte che gridavano luoghi comuni e frasi irripetibili, slogan e motti dei partiti, invettive. Il ciclo di opere di Bonaldi intitolato “Il potere e l’impotenza” è la più diretta e incisiva prova di come l’artista abbia messo alla berlina la coscienza sociale da marciapiede con la sua personale filosofia: “Il concetto dell’impotenza è semplice: inutile arrabbiarsi quando vengono elette persone non brave. Dare contro in maniera violenta e appariscente che non fa che alimentare chi il potere lo detiene.” Bonaldi assume su di sè il fardello della scelta politica, salvo poi recedere di fronte alla constatazione che anche i più nobili ideali che muovono personaggi eccezionali, spesso vengono soffocati da un potere che ha come unico obiettivo quello dell’autoconservazione. “Non ho la verità in tasca, ma posso 38 dire per esperienza che il potere è comunque una brutta bestia. All’epoca, ma anche oggi, ho visto quel potere diventare una macchina fine a sé stessa. E questo è terribile.” Allora Federico Bonaldi continua a muovere le mani creando ceramiche e cuchi perché, come ama dire da un po’, “lavorando mi sento vivo nel mio personale combattimento con la morte.” Federico Bonaldi vive ed opera a Bassano del Grappa (Vi) Senza titolo gres|stoneware and porcelain cm 20x20 sotto|below Il potere e l’impotenza 1981 marmorino su tavola|marmorino on panel cm 33x46,5 BONALDI ! THAT DEVIL OF Amore. Sequenza d’amore fischiante carta|paper by Marco Maria Polloniato Do not be deceived by the mischievous title: Federico Bonaldi is a serious man, a very serious one who still likes to make fun of himself and the world. Even those who know him remain fascinated by the aura of artist which issues from him and from the somewhat magical and mysterious workshop where he passes much of his time working ceaselessly. That’s the way Bonaldi is: a lucid person with a 360° gaze on the world and who travels with a mind that is a lot faster than computer networks. He certainly does not look down on fun and still loves to seek out for that abstract sign which is invention and tradition at once, a trace of something that is ancient, a link with forebears and with ancestral recollections. His works spring from a fascination with popular culture, packed with playful and good-natured elements mixed with the natural teachings which country life used to bring with it. Bonaldi continues to range across this culture with its own language even if he is perfectly aware of the contemporary world he lives in. He has done so since the forties when he attended the art school in Nove, a town which he is particularly associated with, where he met Prof. Parini and the Sicily this master described and extolled, while Bonaldi worked as an apprentice in the production of cuchi; and then Prof. Petucco endowed with both artistic and business skills. Venice was also part of his formation as it was for other students from the Nove art school, and he knew how to grasp not only the human aspects but also the artistic ones from every experience. While working as an artisan during those years his mind continued to travel without rest, recognizing that unique link which history maintains in the details, insignificant to the eyes of most people. This is where the cuchi sprang from, as well as his later ceramic works, realized with an eye on the essential nature of the real and on the corners of daily life, his own and that of his family and friends and, in particular, on the simple world that surrounded and still surrounds him. Objects, signs of objects, agglomerates of forms that are recognizable or allude to something else, united by the ability to fascinate us in a direct and precise manner: “I am in debt to a world of traditions which have given a lot and been so fortunate in this part of Italy. a world in which knowledge of our ancestors, fathers and mothers, of one past, even remote, provided a solid foundation on which to base one’s own personality as it developed.” This respect for tradition has not attacked the lively creativity of Bonaldi who, during many decades of experience, can boast of exhibitions and awards from every part of the globe. One of the benchmarks in his artistic production dates from the beginning of the eighties, the years that were soon to become the “anni di piombo”, the years of the bullet. This was a period when the political climate had a significant influence on literature, music and on certain art, as well as on posters and on the walls. On the walls. Spattered with words which screamed clichés and unrepeatable phrases, party slogans and watchwords, and invective. Bonaldi’s cycle of works entitled “Il potere e l’impotenza” (“Power and impotence”) is the most direct and incisive example of how an artist has ridiculed the social conscience of the gutter with his own personal philosophy: “The concept of impotence is simple: there is no point in getting angry when mediocre people get elected. Opposing them in a violent and conspicuous manner only boosts those who hold the power.” Bonaldi assumes the burden of the political decision except that he then draws back in the face of the observation that even the no- Fiore e Mezzaluna 1986 gres|stoneware cm 39x25,5x15 blest ideals that drive exceptional people are often suffocated by power whose only aim in self-conservation.“I do not have truth in my pocket but I can say that power is still an ugly beast. At the time, but today too, I saw that power becoming an end in itself. And this is terrible.” Then Federico Bonaldi continues to move his hands and create ceramics and cuchi because, as he has loved to say for some time, “when working I feel alive in my personal battle with death.” Federico Bonaldi Lives and works in Bassano del Grappa (Vi) 39 Clara e le ombre II olio su tela|oil on canvas cm 65x105 GIORGIO SCALCO di Marco Goldin * Scalco dà l’avvio, attorno al 1980, al tempo suo più noto, denso di pagine malinconiche, e però sempre legato al muoversi naturale delle stagioni. Tutta vincolata alla terra, ai suoi frutti, agli uomini che su di essa camminano è questa rinnovata accensione, che scandisce il tempo dentro l’immenso della natura. […] Scalco si scava una nicchia dentro quel mondo invulnerabile e come sigillato, nel quale l’aria circola per grosse masse di nuvole, per sbuffi di neve, per invasioni di nebbie. Dà vita a uno dei momenti più toccanti della recente pittura di paesaggio in Italia, sciolto da vincoli di scuola o da aggregazioni contenutistiche, interessato solo a rendere il timbro, l’impronta che quel colore nascosto, il colore dell’anima, lascia sulle cose descritte. […] E’ quindi attorno alla metà degli anni ottanta - con alcuni grandi interni di muto colloquio o di indifesa, fremente attesa, fino ad arrivare a figure più incise, che segnano i propri contorni nel buio resistente - che questo processo prende l’avvio; ma nel paesaggio in un modo che pare più consapevole e denso di turbate mestizie. C’è un quadro, del 1986, che per la sua bellezza stagnante e rannuvolata apre la stagione dedicata all’altopiano dei Sette Comuni; Altopiano dopo la pioggia è un inversione di rotta del tempo trascolorante, ventoso e brulicante. Assieme a certi altri paesaggi di pianura - veneta, toscana o laziale - è l’acquietarsi della luce, l’incalzare di un’epifania naturale, che è la fioritura dei peschi o la tramatura della terra nel momento autunnale. Linee, filamenti, striature che intersecano l’orizzonte e lo attraversano, lasciando la campagna tutta grattata di luce, di muschio, di rovi, di albe annunciate. Così si distendono, senza avere niente della veduta tradizionale, ottocentesca, i paesaggi al limite della montagna, una casa vuota o un prato di castagni. Ma poi, gruppo unitario come mai lo era stato finora, i quadri di questo 1993 hanno in sé il miracolo di una posseduta eternità, di una sempre più silen- * da|from Marco Goldin “Scrivere di Pittura. Artisti italiani del Novecento” Marsilio, 1997 41 Interno di Ginny con cuscino 2001 olio su tela|oil on canvas cm 150x155 Maria con Ginny e Daria nel quadro 1990 olio su tela|oil on canvas cm 150x150 ziosa intermittenza di pensiero; raggiungendo, in alcune bellissime nature morte, una totale identità con i valloni collinari e la grande piana brulla o invasa dalla neve. Concepiti come una sola cosa della mente e del cuore, sono il risultato di un fermo d’immagine, fotogramma bloccato e strappato al racconto, isolato nella glaciale emozione di un tempo assoluto. […] La precisione del luogo geografico, il suo mutare con le stagioni nell’identica ripetizione, fiduciosa, dell’atto del dipingere, ha costituito per Scalco l’approdo a un porto felice. Resta solo il tormento di quella luce nevosa, nuvolosa, giallastra, fumigante, che non cessa di pungere, dal suo bordo inesplorato, la corda del cuore. Come fosse l’appuntamento già segnato, l’incontro stabilito per lui da sempre, il pittore mostra di volersi dirigere dove più quel bordo s’inabissa dentro le alture. Natura morta olio su tela|oil on canvas cm 65x105 42 La mela e il pane 1981 olio su tela|oil on canvas cm 50x50 GIORGIO SCALCO by Marco Goldin * Around 1980, Scalco initiated his best known visions of weather, dense with melancholy pages but always linked to the natural movement of the seasons. This renewed ascension, which marks out time within the immensity of nature, is all bound to the earth, to its fruits, to the people who walk on it. [...] Scalco carves a niche in this invulnerable and almost hermetic world in which the air circulates Paesaggio sull’altopiano olio su tela|oil on canvas cm 75x90 with great masses of clouds, gusts of snow and invasions of fogs. He gives life to one of the most touching moments in recent landscape painting in Italy, free from the constraints of any school or aggregation of content, interested only in rendering the timbre, the impression which that hidden colour, the colour of the soul, leaves on the things described. [...] It was therefore around the mid eighties that this process started off with several large interiors of mute dialogue or of undefended, trembling expectation, right up to more incisive figures which mark out their contours in the resistant darkness; but in the landscape in a manner that appears more aware and dense with troubled sadnesses. There is a 1986 picture which opens the Sette Comuni series with its stagnant and clouded beauty; Altopiano dopo la pioggia (Plateau after the rain) is an inversion of passage of the discolouring, windy and swarming weather. Here as in certain other landscapes of plains - in Veneto, Tuscany or Lazio - is the calming of the light, the insistence of a natural epiphany, seen through the blossoming of peaches or the weave of the earth in autumn: lines, filaments, streaks which intersect the horizon and cross it, leaving the countryside completely scratched with light, moss, briers and announced dawns. And so the landscapes at the limit of the mountains, an empty house or a meadow of chestnut trees, extend without displaying anything of the traditional nineteenth century view. But then, as a unitary group as never before, the pictures from 1993 contain within themselves the miracle of a possessed eternity, of an increasingly silent intermittence of thought and in several splendid still lives they achieve a total identity with the hill valleys and the great barren or snow-covered plain. Conceived as a single thing of the mind and of the heart, they are the result of a still, of a photogram blocked and torn from the narrative, isolated in the glacial emotion of absolute time. [...] For Scalco, the precision of the geographical location, its changing with the seasons in identical confident repetitions, in the act of painting, constituted his arrival in a welcoming harbour. All that remains is the torment of that snowy, cloudy, yellowish smoky light which never ceases to sting the strings of the heart from its unexplored border. As if it were the appointment already fixed, the encounter that had always been marked out for him, the painter shows that he wants to head to where that border plunges deepest into the heights. Sopra Tonezza 1999 olio su tela|oil on canvas cm 98x117 Galleria d’Arte Nino Sindoni Corso IV Novembre, 117 36012 Asiago (Vi) www.ninosindoni.com Clara con paese olio su tela|oil on canvas cm 100x75 Associazione Alberto Buffetti [email protected] 43 Grattacieli musicali olio su tela|oil on canvas cm 200x200 A N T O N I O TAMBURRO il ritmo delle cose Antonio Tamburro è certamente un artista dalla forte vocazione cromatica e figurativa che sa inserire con precisione le sue esperienze nella realtà dinamica - e anche problematica - del suo tempo. Un mondo che è poi, quello attuale, pieno di criticità di vario genere e che individua nell’uomo il protagonista assoluto. Nato a Isernia nel 1948, dopo una prima formazione presso la scuola d’arte locale, Tamburro frequenta a partire dal 1966 l’Accademia di Belle Arti di Napoli e poi quella di Roma sotto il magistero di Franco Gentilini. Già nel 1968 si trova a collaborare con lo scenografo Filippo Senerchia, realizzando le parti pittoriche di molte sue scenografie, tra cui una al teatro Flavio Vespasiano di Rieti. Agli inizi degli anni Settanta il suo trasferimento a Perugia e la frequentazione del circolo culturale “Cenacolo” del capoluogo umbro, coincide anche con l’inizio di una ricca attività espositiva che attira l’attenzione della critica sui suoi lavori dai caratteristici cromatismi, fortemente contraddistinti da un vigore gestuale in cui riecheggiano stilemi neo impressionisti. Le tracce figurative rimarranno sempre presenti, infatti, nella produzione di Tamburro che giustamente saprà potenziarne l’espressività e la forza con un mestiere assai raffinato e ricco di suggestioni tecniche di notevole efficacia. Alla metà degli anni Novanta Tamburro inizia ad esporre e ad avere successo anche negli Stati Uniti: a Toronto, e poi in Europa, a Barcellona, Monaco e Ausburg. La sua irruenza nel trattare il colore, pur precisa e calibrata con un istinto sapiente entro una forma dalla definizioni nette, accorpa temi e sistemi narrativi in cui figure e oggetti assumono ruoli comprimari, rispetto al colore, traendo dal connubio significati particolari e intensità espressiva. Donne e uomini dagli strani destini (che a volte riecheggiano gli eroi solitari di Hopper, a volte le languide ed erotiche atmosfere di Balthus, altre ancora le drammatiche figure di Bacon e di Freud) sono presenze vive in un mondo composito, dalle incessanti mutevolezze, dalle metamorfosi inquietanti. La pittura, spesso aspra, dai primi piani aggressivi o con reiterazioni degli elementi della modernità - macchine che intasano le strade, sedie a sdraio in una spiaggia affollata, quasi costipata - compie una disgregazione dell’impianto figurativo volto a trasmettere una sensazione di disagio, di malessere esistenziale. Talvolta, invece, la descrizione degli 45 oggetti assume un ritmo più pacato, pacificato: una natura morta, un ritratto di fanciulla, una bici abbandonata accanto ad un mucchietto di conchiglie, propongono la visione del mondo che si rasserena dopo le battaglie metropolitane, fuori dalle paludi della solitudine, nel composto e riconquistato silenzio. E’ il ritmo del gesto, la rarefazione o la concentrazione del segno, che a volte diviene parossistica, a determinare il tempo dell’immagine. Entrambi, gesto e segno, vengono utilizzati con grande consapevolezza e capacità di controllo anche se il risultato apparente è quello di una passionalità che trascende, uscendo dai limiti. Questo dosaggio sotto traccia che lega i diversi aspetti formali e le componenti cromatiche e compositive costituisce il fascino segreto delle opere di Tamburro. (G.G.) a sinistra|left Spiaggia olio su tela|oil on canvas cm 200x200 Dopo l’esodo olio su tela|oil on canvas cm 200x200 Esodo olio su tela|oil on canvas cm 200x200 a sinistra|left Anna Breda, Antonio Tamburro sotto|below Metropoli olio su tela|oil on canvas cm 200x200 46 Ombrelli olio su tela|oil on canvas cm 100x100 Primavera olio su tela|oil on canvas cm 200x200 ANTONIOTAMBURRO the rhythm of things Antonio Tamburro is unquestionably an artist with a strong chromatic and figurative vocation who knows how to insert his experience with precision into the dynamic - and also problematic - realities of his time. And of course this time is the contemporary world, full of criticalities of various kinds in which man is seen as the absolute star. Born in Isernia in 1948, Tamburro initially studied at the local art school before leaving in 1966 to attend the Accademia di Belle Arti in Naples and later the Academy in Rome under the guidance of Franco Gentilini. In 1968 he was already a collaborator of the set designer, Filippo Senerchia, and produced the pictorial parts of many of his sets, including one in the Flavio Vespasiano Theatre in Rieti. He moved to Perugia at the beginning of the seventies and frequented the “Cenacolo” cultural club in the Umbrian capital. At the same time he began intense exhibitive activities which attracted the attention of critics towards his works with their characteristic chromatism, highly distinguished by a gestural vigour in which neo-impressionist elements reverberate. The figurative traces will remain constantly present in the output of Tamburro who knows how to reinforce its expressivity and power with refined skill rich in technical elements of consideration effectiveness. In the middle of the nineties Tamburro began to exhibit and achieve success in the United States too: in Toronto and then in Europe in Barcelona, Munich and Ausburg. His impetuous treatment of colour, while precise and calibrated with a masterly instinct within clearly defined forms, brings together themes and narrative systems in which figures and objects assume equally important roles, compared with colour, drawing significant details and expressive intensity from the combination. Women and men with strange fates (which at times recall the solitary heroes of Hopper, at times the languid and erotic atmospheres of Balthus, and at times even the dramatic figures of Bacon and Freud) are living presences in a composite world, with ceaseless mutability and unsettling metamorphoses. The painting, often harsh, with aggressive foregrounds or with reiterations of elements of modernity - traffic choking the streets, deckchairs on a crowded, almost clogged beach - effects a disaggregation of the figurative structure aimed at transmitting a sensation of unease, of existential malaise. Sometimes, instead, the description of the objects assumes a calmer, more peaceful rhythm: a still life, a portrait of a young girl, a bicycle abandoned beside a pile of shells, propose the view of a world which brightens up after the metropolitan battles, beyond the quagmires of loneliness, in the composed and re-conquered silence. It is the rhythm of the gesture, the rarefaction or the concentration of the sign, which becomes feverish at times, which determines the time of the image. Both - gesture and sign - are used with great awareness and capacity of control if the apparent result is that of a passion which transcends, overflowing the limits. This dosage below the sign which links the various formal aspects and the chromatic and compositional components constitutes the secret attraction of Tamburo’s works. (G.G.) Anna Breda Arte Contemporanea Via San Francesco, 35 35121 Padova www.annabreda-arte.com [email protected] 47 LEGNI E BRONZI DELLE DOLOMITI Augusto Murer con i suoi legni di frassino all’esterno del suo studio a Falcade Augusto Murer with his ash wood outside his studio at Falcade foto di|photo by Berengo Gardin, 1969 48 foto di|photo by Nadia Grassi L’uomo che cammina nella neve (part.) 1979 olivo|olive wood cm 200x70x85 Augusto Murer nasce a Falcade (Bl) nel 1922, e muore a Padova nel 1985. Quest’anno, nel XXV anniversario della sua scomparsa, con Legni e Bronzi delle Dolomiti Belluno gli dedica un’importante mostra retrospettiva. Formatosi dapprima alla scuola d’arte di Ortisei, l’artista fu poi in contatto con Arturo Martini, ed in seguito, nel dopoguerra, si affermò a livello nazionale, ricevendo l’apprezzamento della critica e di numerosi importanti artisti a lui contemporanei. Nell’opera di Murer, la componente esistenziale è motivo stimolante per una riflessione che identifica nell’uomo tutta quanta l’umanità. Nella sua produzione, sia scultorea che grafico-pittorica, ricorrono diversi AUGUSTO MURER TRA TRADIZIONE E INNOVAZIONE 49 elementi: la vita in primis, la storia, la memoria. Murer ha saputo comunicare la fatica del vivere quotidiano; le sue opere trasudano vita ed energia, testimoniando dei sentimenti e delle speranze dell’essere umano. La sua è un’umanità reale, autentica, simbolo della lotta quotidiana per la vita, intrisa dei valori di libertà e di pace. Tutto ciò è intimamente legato all’esistenza dell’artista, alla sua esperienza di uomo di montagna, schivo ma sincero, e convinto che l’uomo possa davvero realizzare un mondo migliore. Nelle opere monumentali, egli denuncia la violenza, innalzando un inno alla libertà e alla vita, e raccontando la storia attraverso gli occhi di chi l’ha esperita in prima persona. Gli altri lavori cantano temi centrali quali la maternità, la vita, la morte, il lavoro, l’amore, i veri valori per un artista che, con la sua laica religiosità, ha costantemente meditato sul significato dell’esistere. Nelle sue opere, la mobile sensibilità per la linea si tramuta in vigore plastico, in alcuni casi sintetico e squadrato, in altri potentemente modulato dall’alternanza di pieno e di vuoto, di superficie liscia e scabra. Alla base dell’ideazione vi è una profonda volontà comunicativa che si traduce in corpi e forme, espressioni di momenti dolorosi o poetici, sinonimi d’esistenza. L’ispirazione artistica viene direttamente dall’agire quotidiano, dal sentimento tratto dalla realtà, analizzata attraverso una lucida razionalità che ne mette in luce gli aspetti più reconditi ed interiori, col risultato di fondere insieme componenti simboliche ed elementi significativi. Ne deriva un messaggio sempre attuale, perché frutto di un aggregato di valori civili e morali e di momenti di pura ed altissima liricità. La mostra Legni e bronzi delle Dolomiti verrà ospitata nelle sale di Palazzo Crepadona a Belluno, al fine di tributare a Murer un omaggio che ne consacri definitivamente la portata artistica e culturale al pari dei nomi che in questi anni lo hanno preceduto nelle esposizioni in Crepadona (ultimo in ordine di tempo, Andrea Brustolon). La mostra si articolerà inoltre in un percorso esterno nei giardini di Piazza Martiri, dove già l’artista realizzò dei suggestivi bronzi a ricordo dei fatti luttuosi del ‘45. Una serie di disegni inediti saranno poi apprezzabili presso il Museo Civico di Belluno, assieme alle opere del maestro già presenti in sede. sopra|above Crocifissione bronzo|bronze cm 78x48,5 a sinistra|left Fauno e ninfa 1981 matita Contè su carta intelata|Contè pencil on canvas-backed paper cm 100x130 a destra, dall’alto|right, from the top Notti a Rio 1983 bronzo|bronze cm 92x32x28 Sergente nella steppa 1966 bronzo|bronze Studio di Augusto Murer ora Museo, Falcade (Bl) Augusto Murer Studio, now a Museum, Falcade (Bl) 50 WOOD CARVINGS AND BRONZES OF THE DOLOMITES AUGUSTO MURER BETWEEN TRADITION AND INNOVATION Augusto Murer was born in Falcade (Bl) in 1922, and died in Padova in 1985. This year an important exhibition Wood Carvings and Bronzes of the Dolomites marks the 25th anniversary of his death and is dedicated to his memory. Trained at the art school of Ortisei, the artist later came in contact with Arturo Martini and after the war, made a name for himself nationally, and received critical appraisal from numerous important artists of his time. In Murer’s works, the component which deals with our existence stimulates us to reflect upon how man can identify with the whole of humanity. Various themes run throughout both his sculptural and graphic-pictorial works: life in primis, history, memory. Murer knew how to communicate the struggle of daily life, his works emit life and energy, testimonies to the sentiments and hopes of humankind. His is a real humanity, symbol of the daily struggle for life, the values of freedom and peace. Everything is intimately linked to the life of the artist, to his experience as a man of the mountains, coy but sincere, and convinced that man can actually realise a better world. His monumental works denounce violence, praising freedom and life, and recounting history through the eyes of someone who has experienced it first hand. Other works deal with themes such as motherhood, life, death, work, love, real values for an artist who, with his piety, constantly meditated upon the meaning of our existence. In his works, a sensitivity for line is transmitted with plastic vigour, in some cases synthetic and squared, and in others powerfully modulated alternately by smooth and rough surfaces. At the centre of the conception of Murer’s works is a profound willingness to communicate which is translated into body and form, expressions of painful and poetic moments, synonymous with our existence. Artistic inspiration comes directly from daily acts, from feelings drawn from reality, analysed with a lucid rationality which highlights the most hidden and inner aspects, resulting in a fusion of symbolic and significant elements. A message that is relevant to present day, because it is fruit of a collection of civil and moral values and of pure moments of high lyricism. The exhibition Wood Carvings and Bronzes of the Dolomites will be displayed in the Palazzo Crepadona at Belluno, to finally pay tribute to Murer who in terms of artistic and cultural importance is definitely on par with other artists previously exhibited in Crepadona (most recently Andrea Brustolon). The exhibition will also extend outdoors into the gardens of Piazza Martiri, where the artist had already produced some bronzes to mourn the events of 1945. A series of unedited drawings will be displayed at the Museum of Belluno, along with other works by the artist already housed at the museum. 30|09|2010 - 06|01|2011 Belluno Palazzo Crepadona Museo Civico Giardini di Piazza Martiri Maternità (part.) bronzo|bronze cm 125x136x66 Rinascimento tra Veneto e Friuli. 1450-1550 Portogruaro (Ve) DA VEDERE TO SEE Giovanni Martini Tony Cragg. In 4D Venezia La mostra presenta una quarantina di opere dello scultore britannico Tony Cragg (Liverpool 1949), nell’ambito di un progetto espositivo appositamente previsto per gli spazi di Ca’ Pesaro. I materiali utilizzati sono diversi: vetro, bronzo, acciaio, plastica, legno, pietra, riuniti insieme a disegni, bozzetti preparatori e acquerelli, realizzati in un trentennio di attività, sin dai primi anni Ottanta. La quasi totalità dei lavori La mostra allestita presso il Collegio Marconi, storico complesso dell’antico seminario, consente di esaminare la produzione artistica del Rinascimento tra Veneto e Friuli. Il territorio compreso tra i due fiumi Livenza e Tagliamento appartiene all’antica diocesi di Concordia ed offre ai visitatori una produzione artistica del tutto originale, distinguendosi dall’arte elaborata a Venezia e dal patrimonio artistico friulano, molto più sensibile alle influenze nordiche. A promuovere la mostra sono la Regione Veneto, il Comune di Portogruaro, la Sovrintendenza per i Beni Artistici ed Etnoantropologici, la Provincia di Verona, Belluno, Padova e Treviso. Tra le personalità artistiche messe in rilievo vi sono Andrea Bellunello, Pietro di San Vito e Gianfranco di Tolomeo. Un confronto che raggiunge il suo più alto livello con la produzione di Cima da Conegliano e dell’udinese Giovanni Martini, esemplato in modo particolare in due importanti pale che appartengono rispettivamente alla chiesa di San Francesco e di Sant’Andrea. Il merito del progetto è di avere restituito la ricchezza culturale del patrimonio territoriale, permettendo il recupero e la restituzione delle Madonne lignee di Andrea Bellunello e di molta della produzione pittorica di Giovanni Martini. (Giuseppe Blando) The show organized in Collegio Marconi, the historical complex of the old seminary, makes it possible to examine the production of the Renaissance between Veneto and Friuli. The territory between the Rivers Livenza and Tagliamento belong to the ancient diocese of Concordia and offers visitors completely original artistic output, distinguishing itself from the art generated in Venice and from the artistic legacy in Friuli, much more sensitive to Northern influences. The exhibition is being promoted by the Veneto Region, the Commune of Portogruaro, the Fine Arts and Ethnoanthropology Office, and the Provinces of Verona, Belluno, Padua and Treviso. The artistic personalities featured include Andrea Bellunello , Pietro di San Vito and Gianfranco di Tolomeo. This contrast reaches its highest level with the work of Cima da Conegliano and of Giovanni Martini from Udine, featured in a particular manner in two important altarpieces which belong respectively to the churches of San Francesco and of Sant’ Andrea. The project’s merit is that it has restored the cultural wealth of the territorial heritage, and made possible the recovery and restitution of Andrea Bellunello’s wooden Virgins and much of Giovanni Martini pictorial output. (Giuseppe Blando) non sono mai stati esposti in Italia. Si tratta di opere che documentano perfettamente la versatilità dei linguaggi e dei prodotti del lavoro dell’artista, stabilendo un confronto con gli spazi e le opere permanentemente esposte nel museo. La ricerca di Cragg comporta un’analisi dei materiali e delle suggestioni che derivano dagli stessi, ispirandosi alla natura; non simula forme perfettamente riconoscibili, ma è in grado di assumere dal mondo naturale i caratteri della mutazione e del bioformismo, per far scaturire forme ed immagini come pensieri, intesi come intersezioni di conoscenze artistiche e scientifiche. A cura di Silvio Fuso e Jon Wood, l’allestimento è una coproduzione tra la Fondazione Musei Civici di Venezia e KunstMeran/Merano Arte (ove, a cura di Valerio Dehò, si sposterà in parte dal 5 febbraio al 28 maggio 2011) e si realizza in collaborazione con le Galleria Michela Rizzo e Caterina Tognon Arte Contemporanea di Venezia. Catalogo Marsilio. (G.B.) The show exhibits around forty works by the British sculptor Tony Cragg (Liverpool 1949) in the framework of an exhibition project especially planned for the spaces of Ca’ Pesaro. Various materials are used: glass, bronze, steel, plastic, wood and stone brought together along with drawings, preparatory drafts and watercolours created in thirty years of activity from the eighties, virtually none of them exhibited in Italy to date. These are works that perfectly document the versatility of the languages and products of the artist’s work and establish comparisons with the spaces and works permanently on display in the museum. Cragg’s research gives rise to an analysis of the materials and suggestions that derive from the same, inspired by nature; he does not simulate permanently recognizable forms but is able to assume the characteristics of mutation and bioformism from the natural world, to release forms and images as thoughts, intended as intersections of artistic and scientific knowledge. Curated by Silvio Fuso and Jon Wood, the exhibition is a coproduction of Venice’s Fondazione Musei Civici and KunstMeran/Merano Arte. (G.B.) 06|08|2010 - 17|10|2010 Collegio Marconi Via Seminario 30026 Portogruaro (Ve) 28|08|2010 - 09|01|2011 Ca’ Pesaro Tony Cragg 52 Santa Croce, 2076 30135 Venezia www.museiciviciveneziani.it RAM 2010. Art//Tube Padova Le Arti Piranesi Venezia “Gloria” di Arturo Stagliano Treviso L’Assessorato alla Cultura del Comune di Padova propone per il prossimo Autunno la prima edizione di “RAM nel segno della creatività, Padova 2010” una serie di iniziative, mostre, incontri, proiezioni, dibattiti, percorsi didattici e workshop, disposte in diverse sedi espositive e spazi pubblici della città, con l’intento di mettere a fuoco le moderne esperienze di pittura, scultura, arti applicate e nuovi media. L’obiettivo è di creare un dialogo sulle nuove tendenze creative, attraverso un percorso che possa rappresentare molteplici espressioni, inclusa quella della creatività on-line e della diffusione dei video amatoriali attraverso il sito Internet di You Tube, fenomeno cui è dedicata la mostra-esperimento Art//Tube, ideata e curata da Guido Bartorelli. Cinque videoproiettori mostreranno una selezione di 100 video amatoriali, scelti in base alla loro qualità da un gruppo di studenti universitari di ambito artistico. Questa selezione mira a fornire un campionamento rappresentativo della migliore creatività amatoriale disponibile online. Le altre videoproiezioni mostreranno al pubblico alcuni video appositamente commissionati a cinque artisti di fama internazionale: Botto&Bruno, Stefano Cagol, Nicola Gobbetto, Kensuke Koike, ZimmerFrei. (G.B.) Dal 28 agosto al 21 novembre 2010 il Centro espositivo dell’Isola di San Giorgio Maggiore (Venezia) ospita “Le arti di Piranesi. Architetto, incisore, antiquario, vedutista, designer”, mostra ideata dall’architetto Michele De Lucchi e promossa e organizzata dalla Fondazione Giorgio Cini con l’atelier Factum Arte di Madrid di Adam Lowe. Accanto alle circa 300 stampe originali si possono ammirare una serie di creazioni contemporanee che ne restituiscono il linguaggio, lo stile e la tendenza alla contaminazione dei repertori formali. Saranno inoltre in mostra la simulazione in 3d delle Carceri d’Invenzione e 32 vedute di Roma di Gabriele Basilico. I Musei Civici di Treviso e la Soprintendenza BSAE per le Province di Venezia, Belluno, Padova e Treviso organizzano dal 24 settembre al 7 novembre 2010, negli spazi di Santa Caterina la mostra “Il Monumento ai Caduti della Grande Guerra a Treviso: ‘Gloria’ di Arturo Stagliano, 1926-1931”. Si porta all’attenzione una grande opera di scultura cittadina, studiandone la sofferta genesi attraverso documenti, fotografie e i bozzetti originali del concorso del 1928. Ai dati storici e all’esperienza artistica e umana di Arturo Stagliano, la mostra affiancherà aspetti tecnologici sui materiali e il restauro e una inedita disamina delle problematiche urbanistiche legate alla costruzione. The Culture Department of the Commune of Padua proposes the first edition this autumn of “RAM nel segno della creatività, Padova 2010” a series of initiatives, exhibitions, meetings, screenings, debates, didactic paths and workshops in various exhibition areas and public spaces around the city, with the intention of putting the most modern experiences in painting, sculpture, applied arts and new media into focus. The aim is to create a dialogue on the new creative trends along a path capable of representing multiple expressions, including on-line creativity and the diffusion of amateur video on the You Tube site, a phenomenon to which the Art//Tube exhibition-experiment, conceived and curated by Guido Bartorelli, is dedicated. Five projectors will show a selection of 100 amateur videos, selected on the basis of their quality by a group of university students in the artistic framework. The aim of this selection is to supply a representative sample of the best amateur creativity available online. The other 5 video screenings will show the public videos specially commissioned from 5 artists of international fame: Botto & Bruno, Stefano Cagol, Nicola Gobbetto, Kensuke Koike, and ZimmerFrei. (G.B.) The Civic Museums of Treviso and the Fine Arts Office for the Provinces of Venice, Belluno, Padua and Treviso are organizing the exhibition “The Monument to the Dead of the First World War in Treviso: ‘Glory’ of Arturo Stagliano, 1926-1931” from 24 September to 7 November 2010 in the spaces of Santa Caterina. Attention is brought to a large urban sculptural work and its difficult genesis is studied by means of documents, photographs and original maquettes of the 1928 competition. Alongside historical information on the artistic and human vicissitudes of Arturo Stagliano the exhibition will illustrate technological aspects of the materials and restoration and an original examination of the town-planning problems linked to the construction. From 28 August to 21 November 2010 the exhibition center of the Island of San Giorgio Maggiore (Venezia), home to The arts of Piranesi. Architect, engraver, antiquarian, landscape artist, designer, exhibition conceived by the architect Michele De Lucchi and sponsored and organized by the Fondazione Giorgio Cini with the studio Factum Arte of Madrid. In addition to the 300 original prints are visible a series of contemporary creations that will return the language, style and trend to the contamination of formal repertoires. Will also be shown in 3D simulation of the Prisons of Invention and 32 views of Rome by Gabriele Basilico. Arturo Stagliano Giovanni Battista Piranesi 24|09|2010 - 14|11|2010 28|08|2010 - 21|11|2010 Galleria Civica Cavour Fondazione Giorgio Cini Piazza Camillo Benso Conte Di Cavour, 73 B 35121 Padova www.padovacultura.padovanet.it [email protected] Isola di San Giorgio Maggiore 30100 Venezia Tel +39 0415289900 www.cini.it - [email protected] 24|09|2010 - 07|11|2010 Musei Civici di Treviso Complesso di Santa Caterina Piazetta M. Botter, 1 31100 Treviso www.museicivicitreviso.it [email protected] Adolph Gottlieb Venezia Adolph Gottlieb Per la prima volta in Italia la Collezione Peggy Guggenheim celebra, con una retrospettiva a cura di Luca Massimo Barbero, l’artista americano Adolph Gottlieb (1903 - 1974), tra i maggiori rappresentanti dell’Espressionismo astratto americano, strettamente legato alla figura di Peggy Guggenheim, che nel 1945 ne espose i dipinti nella sua galleria newyorkese Art of this Century, accanto ad altri artisti appartenenti allo stesso movimento quali Motherwell, Rothko e Pollock. L’esposizione è organizzata in collaborazione con la Fondazione Adolph and Esther Gottlieb, New York, e include prestiti dall’American Contemporary Art Gallery di Monaco, il museo Solomon R. Guggenheim e il Centre Pompidou. For the first time in Italy, the Peggy Guggenheim Collection celebrates a great American painter, Adolph Gottlieb, with a retrospective exhibition curated by Luca Massimo Barbero. Gottlieb’s paintings were exhibited by Peggy in her 1945 Autumn Salon at Art of This Century, along with other Abstract Expressionists such as Motherwell, Rothko and Pollock. The exhibition has been organized in partnership with the Adolph and Esther Gottlieb Foundation, New York, and includes loans from the American Contemporary Art Gallery, Munich, as well as the Solomon R. Guggenheim Museum and the Centre Pompidou. 26|06|2010 - 13|11|2010 Peggy Guggenheim Collection Dorsoduro, 704 30123 Venezia www.guggenheim-venice.it 53 L’Ex Tempore di Belluno, organizzata dal Consorzio Belluno Centro Storico, compie 25 anni. Nei cinque lustri, la manifestazione ha ospitato quasi 400 artisti, italiani e stranieri. Anche quest’anno, tra il 31 ottobre ed il 7 novembre, venti scultori animeranno il centro storico, lavorando a contatto diretto con il pubblico. Una giuria qualificata (negli ultimi anni, vi hanno preso parte tra gli altri Giorgio Segato, Adolf Vallazza, Romano Abate, Gianluca D’Incà Levis), assegna il premio finale. Il vincitore (Alessandro Pavone nel 2009 ) si assicura il diritto ad una mostra personale. Sede Ex Tempore: vie e piazze del centro storico di Belluno; Eventi nel Cubo di Palazzo Crepadona: dal 30 ottobre al 6 novembre mostra personale di Alessandro Pavone (vincitore edizione 2009); dall’8 al 14 novembre, esposizione delle opere realizzate nella presente edizione; dal 15 novembre al 31 dicembre mostra antologica del 25ennale dell’Ex Tempore. The woodcarving exhibition in Belluno, organized by Consorzio Belluno Centro Storico, is celebrating 25 years. Over the years almost 400 Italian and foreign artists have participated. Once again this year, from 31st October to 7th November, 20 sculptors will create a unique atmosphere in the town centre, working under the watchful eye of the curious public. A qualified jury, that in recent years has featured the names of Giorgio Segato, Adolf Vallazza, Romano Abate, Gianluca D’Incà Levis, will choose a winner who receives the opportunity to put on a personal exhibition the following year. Ex Tempore location: the streets and squares of Belluno town centre; Events at the “cube” in Palazzo Crepadona: from 30th October to 6th November a personal exhibition by Alessandro Pavone (winner of 2009); from 8th to 14th November exhibition of the sculptures created this year; from 15th November to 31st December sculptures from 25 years of the Ex Tempore. Consorzio Belluno Centro Storico Piazza dei Martiri, 2 32100 Belluno Tel +39 0437944755 www.bellunocentro.it/nostremani/extempore.htm [email protected] Anticipata da alcune opere dell’artista “disseminate” già al primo piano, la mostra occupa tutto il vasto ambiente del secondo piano del Museo e presenta tele di grandi dimensioni insieme a sculture e altri lavori di piccolo formato, concepiti da Marco Tirelli (Roma, 1956) per questi spazi. I dipinti rappresentano elementi architettonici e geometrici astratti che alludono a stati di indeterminatezza e di passaggio. Forme essenziali in cui l’oggetto fisico diventa un pretesto per valicare il confine tra luci e ombre, stabilendo un rapporto metafisico con lo spazio: qui l’architettura si dilata fino a scomparire in un’illusoria monocromia che avvolge e coinvolge lo spettatore, creando uno spazio straniante, una finestra per la percezione, un varco per la meditazione. In mostra il catalogo edito da Skira con testo di Francesco Poli. (G.B.) Anticipated by some works of the artist already displayed or “disseminated” on the first floor, the exhibition occupies the whole vast environment on the second floor of the Museum and presents large-scale canvasses along with sculptures and other small format works conceived by Marco Tirelli (Rome, 1956) for these spaces. The paintings depict abstract architectural and geometrical elements which allude to states of indeterminacy and passage. Essential forms in which the physical object becomes a pretext for crossing the boundary between light and shadow, establishing a metaphysical relationship with space: here the architecture dilates until it disappears in an illusory monochrome which envelops and involves the viewer, creating an alienating space, a window for perception, an opening for meditation. The catalogue is published by Skira with a text by Francesco Poli. (G.B.) Mauro Staccioli. Lo spazio nudo Padova Mauro Staccioli “Mauro Staccioli. Lo spazio nudo”, si inserisce nella manifestazione organizzata dall’Assessorato alla Cultura di Padova e dalla Galleria Fioretto nell’ambito della manifestazione 54 “PadovArte 2010”, una mostra dedicata allo scultore Mauro Staccioli curata da Antonietta Fioretto e Chiara Vernier che ha preso l’avvio dal 27 maggio che si concluderà il 14 novembre di quest’anno. Oltre alla mostra, sono in programma una serie di eventi e di appuntamenti e l’esposizione-installazione di sculture in città. Alcune di esse verranno allocate da venerdì 8 ottobre presso l’oratorio San Rocco, in via Santa Lucia e nel famoso “Caffè Pedrocchi”. Si tratta di ampie forme aperte in acciaio corten che dialogano con lo spazio. “Mauro Staccioli. Lo spazio nudo”, si inserisce nella manifestazione organizzata dall’Assessorato alla Cultura di Padova e dalla Galleria Fioretto nell’ambito della manifestazione “PadovArte 2010”, una mostra dedicata allo scultore Mauro Staccioli curata da Antonietta Fioretto e Chiara Vernier che ha preso l’avvio dal 27 maggio che si concluderà il 14 novembre di quest’anno. Oltre alla mostra, sono in programma una serie di eventi e di appuntamenti e l’esposizione-installazione di sculture in città. Alcune di esse verranno allocate da venerdì 8 ottobre presso l’oratorio San Rocco, in via Santa Lucia e nel famoso “Caffè Pedrocchi”. Si tratta di ampie forme aperte in acciaio corten che dialogano con lo spazio. Caffè Pedrocchi Via VIII Febbraio, 15 35122 Padova Tel +39 0498781231 Fax +39 0498764674 www.caffepedrocchi.it [email protected] Marco Tirelli 03|09|2010 - 09|01|2011 Museo Fortuny Campo San Beneto (San Marco), 3958 30124 Venezia www.museiciviciveneziani.it di|by Giuseppe Viviano Alessandro Pavone Marco Tirelli Venezia FOTOGRAFIA PHOTOGRAPHY Ex Tempore Internazionale di Scultura su Legno Belluno Stanley Kubrick - Fotografo. Gli anni di Look (1945-1950) Venezia Stanley Kubrick Stanley Kubrick è noto al grande pubblico per aver firmato capolavori cinematografici di grande successo, ma l’approccio del regista statunitense col mondo delle arti visive avviene attraverso la fotografia. Una passione ereditata dal padre, che gli consentirà di intraprendere la sua prima attività lavorativa come fotoreporter a soli 17 anni presso la rivista americana Look e che abbandonerà dopo un quinquennio per dedicarsi al cinema a tempo pieno, portando con sé un ricco bagaglio di conoscenze ed esperienze che saranno fondamentali nella sua brillante carriera di regista. La mostra raccoglie duecento fotografie, molte delle quali stampate dai negativi originali, esposte in sequenza a formare racconti per immagini, nel classico stile di Look, e testimonia dell’attitudine che Kubrick ha dimostrato di avere con l’immagine, a partire da quella statica della fotografia, sin dalla più giovane età e ancor prima che il suo genio si manifestasse con le immagini in movimento. Stanley Kubrick is known to the greater public as the director of highly successful cinematographic masterpieces, but the approach of the American filmmaker to the world of the visual arts took place through photography. He inherited this passion from his father and it led him to undertake his first job as a photo-reporter when he was only 17 for the American magazine, Look, and which he left five years later to dedicate himself full time to the cinema, bringing with him a wealth of knowledge and experience which would be fundamental in his brilliant career as a director. The exhibition collects two hundred photographs, many printed from the original negatives, exhibited in sequence to form stories through images in the classic Look style, and bears witness to Kubrick’s attitude towards the image, starting from the static one of photography, right from a very early age and before his genius with moving pictures appeared. 28|08|2010 - 14|11|2010 Istituto Veneto Di Scienze Lettere ed Arti - Palazzo Franchetti Campo Santo Stefano, 2842 30124 Venezia www.istitutoveneto.it Enrico Appetito Viaggi in Italia 2. Set del cinema italiano 1960-1989 Venezia La fotografia è indissolubilmente legata alla produzione cinematografica come questa è strettamente connessa alle location in cui si muovono gli attori e si snoda la storia. Una singolare mostra di fotografie, con scatti in bianco e nero, ripercorre le tappe principali delle location regionali che hanno fatto la storia del cinema italiano nel trentennio che va dagli anni Sessanta agli anni Novanta, da “L’avventura” di Michelangelo Antonioni, girato nel 1960, a “Che ora è?” di Ettore Scola del 1989. Cinquanta opere di autori diversi, per lo più fotografi di scena, illustrano la diversificata realtà dei paesaggi italiani scelti dai registi come ambientazione per raccontare le storie più diverse: dai paesaggi rurali a quelli urbani, dai piccoli borghi, intimi e raccolti, alle periferie anonime e degradate. Rappresentati, tra gli altri, i set di Il sorpasso di Dino Risi (1962), Vaghe stelle dell’orsa di Luchino Visconti (1965), Uccellacci e uccellini di Pier Paolo Pasolini (1966), Per grazia ricevuta di Nino Manfredi (1971), Romanzo popolare di Mario Monicelli (1974), La casa dalle finestre che ridono di Pupi Avati (1976), Padre padrone di Paolo e Vittorio Taviani (1977), Non ci resta che piangere di Benigni e Troisi (1985). L’esposizione rappresenta la seconda parte di un progetto triennale in tre tappe, che si concluderà il prossimo anno, volto a rappresentare per immagini i set cinematografici dal dopoguerra ai nostri giorni. La mostra è promossa dal Centro Cinema Città di Cesena, Biennale di Venezia, Regione EmiliaRomagna e Annecy Cinéma Italien. Photography is inseparably associated with film production just as this is closely linked to the locations in which the actors move and the story unfolds. A singular photography exhibition, with shots in black and white, retraces the main stages of the regional locations which made the history of the Italian cinema during the thirty years from the sixties to the nineties, from Michelangelo Antonioni’s “L’avventura” shot in 1960, to “Che ora è?” made by Ettore Scola in 1989. Fifty works by different authors, mainly set photographers, illustrate the diversified Italian settings of the Italian landscapes chosen by directors as locations for telling very different stories: from rural landscapes to urban ones, from small intimate and collected villages to anonymous and rundown suburbs. The sets represented include, among others, those of Il sorpasso by Dino Risi (1962), Vaghe stelle dell’orsa by Luchino Visconti (1965), Uccellacci e uccellini by Pier Paolo Pasolini (1966), Per grazia ricevuta by Nino Manfredi (1971), Romanzo popolare by Mario Monicelli (1974), La casa dalle finestre che ridono by Pupi Avati (1976), Padre padrone by Paolo and Vittorio Taviani (1977), and Non ci resta che piangere by Benigni and Troisi (1985). The exhibition is the second part of a three-stage three-year project which will conclude next year and which aims to represent the film sets from the end of the war to the present through images. The show is promoted by the Centro Cinema Città di Cesena, the Venice Biennale, the Emilia-Romagna Region and Annecy Cinéma Italien. 02|09|2010 - 02|10|2010 Centro Congressi Palazzo dell’Ex Casinò Lungomare Marconi, 30 30126 Venezia www.veniceconvention.com Mario De Biasi. Dal fotogiornalismo alla fotografia astratta Venezia Mario De Biasi Oltre un centinaio di scatti realizzati da uno dei massimi esponenti del neorealismo e della fotografia italiana contemporanea, Mario De Biasi, che ne documentano la ricca e diversificata produzione fotografica. Una retrospettiva che ripercorre le tappe più significative della carriera e dell’evoluzione artistica del fotografo attraverso un itinerario espositivo in cui le opere sono presentate in ordine cronologico e tematico. Mario De Biasi è un artista eclettico, che si è cimentato in vari generi fotografici con risultati sempre eccellenti: dal reportage al ritratto, dalla natura alla fotografia documentaristica, lasciandosi tentare anche dalla sperimentazione astratta cui approda attraverso la ricerca sui dettagli della realtà che viene trasfigurata dal suo obiettivo in una dimensione nuova e indipendente. Over one hundred pictures shot by one of the leading exponents of neorealism and of contemporary Italian photography, Mario De Biasi, which document his rich and diversified photographic production. A retrospective which retraces the most significant stages in the photographer’s career and artistic evolution along an exhibitive itinerary in which the works are presented in chronological and thematic order. De Biasi is an eclectic artist who has put himself to the test in various photographic genres with results that have always been excellent - from reportage to portraiture, from nature to documentary photography - and who also lets himself be tempted by abstract experimentation at which he arrived through research into the details of reality which are transfigured by his lens in a new and independent dimension. 10|09|2010 - 31|10|2010 Centro Culturale Candiani Piazzale Luigi Candiani, 7 30174 Mestre (Ve) www.centroculturalecandiani.it 55 De Faveri Feltre IN GALLERIA IN THE GALLERIES Arnulf Rainer 56 La galleria De Faveri è stata fondata nel 2003, con l’intento di creare uno spazio per l’arte contemporanea che ponesse particolare attenzione alle giovani proposte e alle nuove frontiere dell’arte, senza dimenticare gli artisti del Novecento. Nel 2005 ha dato avvio ad un progetto culturale che coniuga aspetti peculiari della tradizione e della cultura locale, montana, con l’arte contemporanea predisponendo lo spazio Lab 610 XL, nel Parco delle Dolomiti Bellunesi. Dopo l’appuntamento estivo al Lab 610 XL, propone nella spazio di Feltre una personale di Arnulf Rainer, dando seguito al progetto espositivo rivolto all’Azionismo Viennese iniziato lo scorso anno con Gunter Brus. Saranno esposti dei lavori scelti dal curatore Peter Weiermair, provenienti direttamente dallo studio dell’artista. This gallery was founded in 2003 with the intention of creating a space for contemporary art which would dedicate particular attention to young artists and to the new frontiers of art, without forgetting twentieth century artists. In 2005 it launched a cultural project which combines peculiar aspects of the tradition and of local, mountain, culture, with contemporary art with the arrangement of the Lab 610 XL space, in the Parco delle Dolomiti Bellunesi. After the summer appointment at Lab 610 XL, it will be hosting a one-man show dedicated to Arnulf Rainer in its Feltre space, and this will be followed by the exhibitive project on Viennese Actionism, initiated last year with Gunter Brus. Works selected by the curator Peter Weiermair directly from the artist’s studio will be displayed. 06|11|2010 - 09|01|2011 De Faveri Galleria d’Arte Contemporanea Via Mezzaterra, 10B 32032 Feltre (Bl) Tel + 39 3358035597 www.defaveriarte.it [email protected] Lab 610 XL Loc. Servo, 167B 32030 Sovramonte (Bl) Sante Moretto Monticello Conte Otto (Vi) GaBLs Belluno La Sante Moretto Arte Contemporanea nasce nel 1991. Da allora la galleria è cresciuta fino a diventare una delle più importanti realtà vicentine, partecipando inoltre alle fiere di settore di Padova e Vicenza. Negli anni la galleria ha ospitato mostre personali di alcuni tra i più grandi artisti italiani del ‘900, conosciuti a livello nazionale ed internazionale come: Carmi, Carmassi, Ceccobelli, Corpora, Dorazio, Mastroianni, Scialoja, Soldati, De Chirico, Griffa, Turcato, Trubbiani e Vago. A presentare ogni mostra personale e collettiva sono intervenuti importanti critici e storici dell’arte, tra cui: Dino Formaggio e Vittorio Sgarbi. Sono sempre presenti in galleria opere di tutti gli artisti presentati durante gli anni. Attualmente la Sante Moretto ospita una mostra collettiva di artisti veneti come omaggio al territorio dove risiede, al termine della quale, in data 13 novembre 2010, inaugurerà una mostra personale di Morago, con critica a cura di Massimo Rizzante. Nato alla fine del 2008 da un’iniziativa di Gianluca D’Incà Levis, GaBLs si occupa di giovane arte contemporanea. Inizialmente, il progetto si è caratterizzato per la sua funzione di “vivaio artistico” indipendente, individuando le energie creative più attive sul territorio, ed affiancando ad esse gli artisti d’origine bellunese già affermati sul piano nazionale. Successivamente, GaBLs ha iniziato a muoversi all’esterno, innescando collaborazioni con altri soggetti, gallerie, gruppi, e coinvolgendo nelle proprie produzioni, in Italia ed all’estero, sempre nuovi artisti, d’ogni provenienza. GaBLs was established at the end of 2008 by Gianluca D’Incà Levis, and deals with young contemporary art. The project initially functioned as an independent “artistic breedingground”, for the most creative energies active in the area, along with the artists from Belluno who were already well-known nationally. GaBLs subsequently began to collaborate externally with other entities, galleries, and groups; and to involve new artists from throughout the world in its productions in Italy and abroad. Morago The Sante Moretto Arte Contemporanea Gallery was established in 1991. The gallery has grown since then and has now become one of the most important in Vicenza and also participates in fairs in the sector in Padua and Vicenza. Over the years the gallery has hosted one-man shows of some of the greatest twentiethcentury Italian artists, renowned nationally and internationally, such as: Carmi, Carmassi, Ceccobelli, Corpora, Dorazio, Mastroianni, Scialoja, Soldati, De Chirico, Griffa, Turcato, Trubbiani and Vago. Leading critics and art historians including Dino Formaggio and Vittorio Sgarbi, present all the personal and collective shows. Works by all the artists presented over the years are always present in the gallery. At the moment the Sante Moretto Gallery is hosting a collective show of Veneto artists as a homage to the land in which it resides, after which, on 13 November 2010, a one-man show dedicated by Morago will be inaugurated, with the critical presentation by Massimo Rizzante. Sante Moretto Arte Contemporanea Via G. Matteotti, 1, Loc. Vigardolo 36010 Monticello Conte Otto (Vi) Tel + 39 0444597422 - 945491 Andrea Visentini GaBLs Via Tiziano Vecellio, 105 32100 Belluno Tel +39 043730685 - 3381492993 www.gabls.it [email protected] le5venice Venezia Passeggiata evanescente. Colomba Leddi, Melina Mulas Primo incontro, veneziano, femminilmente sublime: le5venice Contemporary Art Gallery è lieta di ospitare nel suo prezioso giardino “Passeggiata evanescente. Colomba Leddi Melina Mulas”. La presenza lieve e rarefatta delle sete e degli oggetti abito stampati con i delicati dettagli fotografici di Melina Mulas contribuisce a creare un’atmosfera, uno spazio inaspettato, la cui intensità ha a che fare con approcci rilassati, delicati. I pochi e raffinati oggetti creati da Colomba Leddi per questa speciale occasione, oscillano tra immobilità e movimento arricchendo le loro qualità intrinseche al livello di quasi astrazione grazie ai dettagli delle magie domestiche e dalle sfumature colte dalla natura. In concomitanza con la XII Mostra Internazionale di Architettura di Venezia, un’omaggio alla Direzione di Kazuyo Sejima, pensiero sull’atmosfera. Allestimento a cura di le5venice in collaborazione con Geny Iorio per Colomba Leddi. First meeting, venetian, feminine sublime, le5venice Contemporary Art Gallery is proud to host his precious garden “Evanescent walk. Colomba Leddi Melina Mulas”. The presence of thin and mild thirst and printed object dress with delicate details photo by Melina Mulas, helps to create an atmosphere, an unexpected area, the intensity of which has to do with approaches relaxed, sensitive. The few objects created and refined by Colomba Leddi for this special occasion, ranging between stillness and movement, enriching their intrinsic qualities almost to the level of abstraction through the details and nuances of the magic home educated by nature. In conjunction with the XII International Architecture Exhibition of Venice, homage to the Directorate of Kazuyo Sejima, thought the atmosphere. Preparation curated by le5venice in collaboration with Geny Iorio for Colomba Leddi. 27|08|2010 - 10|10|2010 le5venice Contemporary Art Gallery Campo San Fantin, San Marco, 1891 30124 Venezia Tel + 39 0412960120 www.le5venice.com [email protected] Galleria Flaviostocco Castelfranco Veneto (Tv) Maison d’Art Padova Sabato 25 Settembre 2010, la Galleria Flaviostocco di Castelfranco Veneto (Tv), inaugura la mostra su Salvino Boscolo (Venezia 1949). Per l’occasione sarà distribuito il catalogo con presentazione critica del Prof. Dino Marangon. Saranno presentate le opere recenti. A ispirarlo sono i luoghi dove l’artista vive, l’ambiente del fiume Sile, con le sue acque silenziose, le sue azzurre polle, le sue nascoste risorgive, il suo fluire tra le rive folte di radici, di fusti e tronchi d’albero, i suoi percorsi tra il verde dei cespugli e delle piante, dei campi più o meno coltivati. E’ questo complesso cosmos, in continua metamorfosi, nel sempre rinnovato e mutevole contatto del pervasivo flusso vitale delle acque con la terra, l’aria, il cielo, nel caleidoscopico vibrare delle luci e dei colori, a costituire il fulcro attorno al quale viene a concentrarsi l’indagine del pittore. Il Centro Culturale Maison D’Art é noto nella città di Padova per le sue gallerie d’arte dalla raffinatezza di antichi salotti e per l’Atelier della Maison dove si tengono numerosi corsi di formazione artistica. Fondato da Carla d’Aquino, Mariagrazia Tommasini ed Anna Tommasini, curato nel settore critico da Carla d’ Aquino, con l’ausilio di Maria Palladino, si tratta di un circolo associativo che propone un ampio panorama informativo di maestri d’arte sia a livello nazionale che internazionale ed artisti emergenti, mediante numerose rassegne d’arte che si susseguono con successo da diversi anni. Le mostre d’ arte visiva sono presentate dalla Presidente ed Accademica Carla d’ Aquino che le propone anche attraverso il circuito televisivo, abbinate a momenti teatrali e musicali. Dal mese di settembre a quello di novembre la Maison D’Art offre al pubblico alcune interessanti rassegne dei Maestri: Giorgio Ravazzolo, Giuseppe Vio, Giuseppe Toma e Ferdinando Scarpa. Le gallerie hanno le sedi in via San M. Solferino n. 66, in via Cesare Battisti n. 77 ed in via S. Sofia n. 92. Salvino Boscolo On Saturday 25 September 2010, a show dedicated to Salvino Boscolo (Venice 1949) will open in the Galleria Flaviostocco in Castelfranco Veneto (TV). The catalogue with a critical presentation by Prof. Dino Marangon will be distributed on the occasion and his recent works will be presented. His inspiration derives from the places where the artist lives, the River Sile environment with its silent waters, its blue pools, its hidden springs, its flowing between the banks dense with roots and tree trunks, and its paths between the green of the bushes and of the plants, and of cultivated and fallow fields. This is the complex cosmos, in continuous metamorphosis, in perpetually renewed and changing contact with the vital pervasive flow of the waters with the earth, the air, the sky and in the kaleidoscopic vibration of light and colour, that constitutes the fulcrum around which the painter’s investigations concentrate. The Maison D’Art Cultural Centre is renowned in the city of Padua for its art galleries with the refinement of old drawing rooms and for the Maison’s Atelier where numerous artistic training courses are held. Founded by Carla D’Aquino, Mariagrazia Tommasini and Anna Tommasini, and with Carla D’Aquino heading the critical sector with help from Maria Palladino, it is a club which offers a broad informative panorama of art masters both at national and international level as well as emerging artists by means of countless art shows which have been held successfully for various years. The visual arts shows are presented by the President and Academician, Carla d’Aquino, who also proposes them through the television circuit, combined with theatrical and musical events. From September to November the Maison D’Art offers the public several interesting shows dedicated to Giorgio Ravazzolo, Giuseppe Vio, Giuseppe Toma and Ferdinando Scarpa. The galleries are located in Via San M. Solferino n. 66, in Via Cesare Battisti n. 77 and in Via S. Sofia n. 92. 25|09|2010 - 20|10|2010 Galleria Flaviostocco Borgo Pieve, 21 31033 Castelfranco Veneto (Tv) Tel + 39 0423495661 www.flaviostocco.it [email protected] Giuseppe Vio Maison d’Art Via Cesare Battisti, 77 35121 Padova Tel +39 3405703484 Galleria Il Melone Rovigo Laura Gioioso Laura Gioso vive e lavora a Rovigo. Caratteristiche peculiari delle sue opere sono la liricità, la luce, la poesia e l’intimità della sua pittura. Il protagonista è il colore, non la forma che, anzi, dipende dal colore stesso creatore di allusioni ed emozioni. Nei suoi acquerelli e acrilici su tela la figura è vaga ed evanescente, quasi si perde nella sublimazione di colori tenui, romantici. Non bisogna, però, farsi ingannare: pensare che la pittura dell’artista sia superficiale e non prospettica è sbagliato, perché dove mancano i riferimenti spaziali, sono le velature del colore e il gesto pittorico a crearne la profondità. L’ispirazione di Laura Gioso nasce dalla musica e dalla natura: guardando i suoi lavori si sentono i suoni e le vibrazioni silenziose del mondo che ci circonda. Laura Gioso lives and works in Rovigo. The peculiar features of her works are the lyricism, light, poetry and intimacy of her painting. Colour is the protagonist, not form which, indeed, depends on the colour itself, creator of illusions and emotions. The figures in her watercolours and acrylics on canvas are vague and evanescent, and almost lose themselves in the sublimation of tenuous colours. You must not let yourself be deceived however: it is wrong to think that the artist’s painting is superficial and non-perspective, because where there are no spatial references, the veiling of the colour and the pictorial gesture create depth. Laura Gioso’s inspiration springs from music and nature: when you look at her works you hear the sounds and vibrations of the world that surrounds us. Galleria Il Melone Via Oberdan, 25/31 45100 Rovigo Tel +39 042530811 - 3294463837 www.galleriailmelone.com [email protected] 57 Galleria Anna Breda Padova Nicoletti Architettura e Design Pederobba (Tv) Galleria Totem-Il Canale Venezia Perl’A Art Gallery Venezia Il percorso artistico di Enrico Minato parte dall’analisi del potenziale evocativo della parola nella forma aforistica, di quanto è proprio del linguaggio poetico. Le sue opere fanno emergere la necessità di ridare senso ai segni, di ritrovare l’eccezionalità dei significati, di dimostrare che una cultura fertile e in crescita va coltivata in un ambiente libero. Libertà di esprimersi, di vedersi e vedere tutto con la lente dell’ironia. La poliedrica personalità dell’artista è volta al perenne scardinare le coscienze e provocare il disorientamento, per recuperare l’emozione e la delicatezza delle cose. “EKPU”. Statue di antenati ORON Come un fiume carsico, l’arte di Maria Baldan riaffiora improvvisa e stupisce per la profondità e l’intensità del percorso compiuto. La sua mostra personale, intitolata “Maria Baldan: crea(na) tura” curata da Franco Batacchi e Franca Sanna e documentata da un catalogo comprendente testi dello stesso Batacchi e di Maria Irma Mariotti, allestita negli ampi spazi della Galleria Perl’A a pochi metri da Palazzo Grassi, è suddivisa in tre sezioni. Nella prima si avverte l’aria del mare e delle acque fluviali, nella seconda predomina il bianco respiro della terra sotto coltri di gelo; infine, in un accogliente soppalco, sono esposti alcun esempi della vasta produzione grafica. Una quarantina di opere, talune di notevoli dimensioni, che risultano adeguatamente rappresentative di un lavoro che, nell’arco di oltre mezzo secolo, si è sviluppato con mirabile coerenza e con l’onestà intellettuale di un’autentica protagonista dell’arte italiana contemporanea. Non ancora adeguatamente conosciuta dal grande pubblico, ma che questa mostra riporta in primo piano e che il tempo provvederà a collocare nel rango primario che indubbiamente merita. The ORON population live in the Cross River area, south-east of Nigeria. The “EKPU” were celebration statues of important people, kept in the sanctuaries and honoured twice a year. The two statues exhibited are of large size (cm. 104 and cm. 109). They are monoxiles and each obviously sculpted out of a big tree. Both have a long and pointed twisted beard to add to the solemn expression of the large faces with bulbous hairstyle or hat. The rounded body with tribal scarifications end with short legs. The hands hold objects belonging to the represented person. Giuseppe Mastromatteo Giuseppe Mastromatteo, talento scoperto dal celebre fotografo Oliviero Toscani, inizia il proprio percorso artistico avvicinandosi al mondo della pubblicità e della fotografia creativa. A tutt’oggi vive e lavora a New York dove continua a occuparsi anche di comunicazione. L’artista rappresenta nei suoi ritratti soggetti trasfigurati, ricostruiti come collages attraverso un gioco di sovrapposizioni, eppure privi di tensione ed espressività, creazioni perfette e quasi surreali. Mastromatteo infatti grazie alle più raffinate tecnologie fotografiche propone immagini di confine tra il mondo dell’advertising e quello della ricerca pura nei confronti delle quali l’osservatore prova al tempo stesso fascino e inquietudine. Giuseppe Mastromatteo, a talent discovered by the renowned photographer, Oliviero Toscani, began his artistic path by approaching the world of advertising and creative photography, and still lives and works in New York where he is still involved in the communications world. In his portraits, the artist shows transfigured subjects, reconstructed like collages by means of a game of superimpositions, or without tension or expressiveness, perfect and almost surreal creations. Thanks to his refined photographic technologies, Mastromatteo proposes images on the borderline between advertising and that of pure research in front of which the observer feels attraction and unease. Anna Breda Arte Contemporanea Via San Francesco, 35 35121 Padova Tel +39 0498774401 - 3292312572 www.annabreda-arte.com [email protected] 58 La popolazione ORON vive nella zona del Cross River nel sud-est della Nigeria. Le statue “EKPU” celebravano un notabile della popolazione ed erano custodite nei santuari ed onorate due volte all’anno. Le due statue in esposizione presso la Galleria Totem-Il Cabale, sono di notevoli dimensioni (cm. 104 e cm. 109), monoxili ed ognuna evidentemente scolpita da un grande tronco. Hanno entrambe una lunga e puntuta barba a torciglione che rende ancora più solenne l’espressione dei grandi volti con acconciature o cappelli a bulbo. Il corpo arrotondato e con scarificazioni tribali, finisce con gambe corte. Le mani sorreggono oggetti appartenenti al personaggio raffigurato. Enrico Minato The artistic journey of Enrico Minato start from the analysis of the evocative potential of the word in aphoristic form, which is typical of poetic language. His works illustrate the need of restore the meaning of the signs, find the exceptional nature of it, to show that a fertile and growing culture is grown in a free environment. Freedom of expression, seeing us and see everything with the lens of irony. The multi-faceted personality of the artist seeks to undermine the conscience and to cause disorientation, to retrieve the emotion and the delicacy of things. Like an underground river, Maria Baldan’s art suddenly comes out and enchants. Maria Baldan’s solo exhibition, entitled “Maria Baldan: crea(na)tura” curated by Franco Batacchi and Franca Sanna, is set in the Perl’A Gallery’ s large spaces, a few steps from Palazzo Grassi. There’s also a catalogue with Franco Batacchi and Maria Irma Mariotti’s glowing critiques. The show has three sections: in the first one you may smell the sea and the river, in the second one the frozen earth predominates and in the last one, set in a cosy loft, some examples of graphic art are presented. There are forty oeuvres, some of large size, to represent over fifty years of art.Maria Baldan is not yet well-known to the general public but, this show and some time could give her the fame she undoubtedly deserves. 03|10|2010 - 08|11|2010 Perl’A Art Gallery Salizada San Samuele, San Marco 3216 30124 Venezia Tel +39 0412413218 www.perlagalleryvenice.it [email protected] Maria Baldan 10|10|2010 - 07|11|2010 Spazio Espositivo Roberto Nicoletti Architettura e Design Via Roma 61/63 31040 Pederobba (Tv) Tel +39 0423648371 www.robertonicoletti.it [email protected] 28|08|2010 - 28|10|2010 Galleria Totem-Il Canale Accademia, 878 B 30123 Venezia Tel/Fax +39 0415223641 www.totemilcanale.com [email protected] Giudecca 795 Art Gallery Venezia Anti Gallery Venezia Panto Textile Art Treviso Renato Lipari Renato Lipari, born in Milan, lives and works in Palermo. Since the early years of the century his language has been shifting towards a rigorous investigation of the surface, before defining a conceptuality of denunciation, symbolically dramatic, before then approaching the characteristics of “Analytical Painting” to the exponents of which he is particularly linked. The use of shredded euros (sent as waste by the banks) gives life, as Marina Giordano writes, to “tonal impastos obtained from the stratification of paste and paper money (...) which gives life to scenarios which are almost cosmic, swarming galaxies of miniscule pixels veering case by case towards green, pink, grey, blue and violet from which forms emerge which at times are linear and geometrical and other times organic, biomorphic, similar to ectoplasms, fluctuating cells which seem to grow gigantically under the lens of the microscope.” Giudecca 795 Art Gallery Fondamenta S. Biagio, 795 30133 Venezia Tel +39 0417241182 - 3408798327 www.giudecca795.com Marcello Palminteri Marcello Palminteri è nato a Busto Arsizio (Va) nel 1976. A Palermo frequenta il Liceo Artistico e l’Accademia di Belle Arti. Dopo una breve stagione informale intraprende, dal 1993, una ricerca fondata sul segno, fitto e ripetuto, modulato all’interno di un impianto geometrico minimale. Come scrive Francesco Gallo, “i riferimenti culturali ed iconografici dei lavori di Marcello Palminteri sono facilmente intuibili e rappresentano un suo punto di forza, in quanto lo collocano in un alveo preciso, in cui l’originalità è il frutto di un destreggiarsi tra il già visto e il già fatto, quindi con un valore aggiunto apprezzabile, sempre attento ad evitare gli scogli di una possibile monotonia. Il valore di questa pittura è in gran parte dovuto alla sua essenzialità, alla sua stessa natura astratta, libera, alla maniera di Carla Accardi, di Dadamaino.” Vive ed opera tra Bassano del Grappa, Napoli e Palermo. Marcello Palminteri was born in Busto Arsizio (Va) in 1976. He attended artistic high school and the Fine Arts Academy in Palermo. In 1993, after a brief informal period, he undertook research based on the sign, dense and repeated, modulated inside a large minimal geometrical scheme. As Francesco Gallo writes “the cultural and iconographic references in the works of Marcello Palminteri are easy to sense and constitute a strength as they are placed in a precise channel in which the originality is the fruit of manoeuvring between the already seen and the already done, therefore with an appreciable added value, always attentive to avoiding the pitfalls of possible monotony. The value of this painting is largely due to its essentiality and to its very own abstract and free nature in the manner of Carla Accardi or of Dadamaino.” He lives and works in Bassano del Grappa, Naples and Palermo. Anti Gallery Via Mestrina, 58, 30170 Mestre (Ve) Tel +39 0415314424 www.antigallery.it [email protected] ARREDAMENTO E DESIGN FURNISHING AND DESIGN Renato Lipari, nato a Milano, vive ed opera a Palermo. Dai primi anni del Duemila, il suo linguaggio si sposta verso una rigorosa indagine della superficie, prima definendo una concettualità di denuncia, simbolicamente drammatica, per poi avvicinarsi ai caratteri della “Pittura Analitica”, ai cui esponenti è particolarmente legato. L’utilizzo di euro triturati (messi al macero dalle banche) dà origine, come scrive Marina Giordano, a “impasti tonali ottenuti dalla stratificazione di colla e cartamoneta (...) che danno vita a scenari quasi cosmici, brulicanti galassie di minuscoli pixel virati di volta in volta sul verde, il rosa, il grigio, l’azzurro, il viola, da cui emergono forme a volte dall’andamento lineare e geometrico, altre invece organiche, biomorfe, simili ad ectoplasmi, cellule fluttuanti che sembrano ingigantirsi sotto la lente di un microscopio”. Le opere di Renato Lipari sono esposte in permanenza presso la Giudecca 795 Art Gallery. La galleria Panto Textile Art, nella splendida cornice ben restaurata di Palazzo del Capitanio, accompagna i visitatori in un viaggio alla ricerca della storia della tessitura. Propone manufatti d’arte, rari e sempre particolari evidenziandone la loro essenza ed anima. Sono manufatti di varia natura che parlano un linguaggio legato a culture e a popoli che hanno lasciato testimonianze della loro esistenza attraverso l’arte tessile. Molto attenta ad una rotazione tematica degli oggetti esposti, recentemente la Galleria ha proposto una Mostra sui Tappeti di Julkhyrs tra design ed arte contemporanea e una Mostra Kilim Monocromi in collaborazione con il corso di Laurea in Design della Moda dello Iuav di Treviso. Alessandro e Stefania che dirigono la Galleria sono appassionati ricercatori, amano e credono nell’arte. The Panto Textile Art Gallery in the splendid well-restored setting of Palazzo del Capitanio accompanies visitors on a trip through the history of weaving. It displays artistic, rare and always particular artefacts and highlights their essence and soul. These are artefacts of various kinds that speak a language linked to cultures and to peoples who have left evidence of their existence through textile art. There is very careful thematic rotation of the objectives on display: the Gallery recently proposed an Exhibition on the Carpets of Julkhyrs between design and contemporary art, and an Exhibition on the Monochrome Kilims in collaboration with the Fashion Design Degree at the Luav in Treviso. Alessandro and Stefania who direct the Gallery are enthusiastic researchers who love and believe in art. Panto Textile Art Via Canoniche, 8 31100 Treviso Tel + 39 336760220 www.pantotextileart.com [email protected] 59 LIBRI D’ARTE ART BOOK For a number of years now, Ericailcane has developed the gallery with its own special characters, animal-like humans. These characters well known in Italy and abroad, are distinguished by a powerful imagination, a critical and ironic approach, originality and classical drawing. A fantastic graphic cryptozoology, which has surreal origins from afar, as demonstrated by Potente di fuoco. In this recent publication, Erica takes a series of drawings which were produced at a tender age, and reproduces them revealing the restless conformity of the original figures. 60 Ericailcane www.ericailcane.org Russie Memoria Mistificazione Immaginario Il catalogo descrive lo sviluppo della cultura figurativa in Russia e Unione Sovietica, a partire dalle avanguardie dell’inizio del XX secolo al realismo socialista degli anni 1930-’50, all’underground degli anni ’60 fino ad alcune opere degli anni novanta: un viaggio che copre tutto il XX secolo, grazie alle collezioni private Morgante e Sandretti. Dettagli catalogo: riassunti dei saggi in lingua inglese e russa, presenza del codice multimediale Quick Response Code (QRcode), articoli scritti da diversi esperti d’arte italiani e stranieri, bibliografia scientifica e descrizione delle opere. The catalogue wants to convey the development of figurative culture in Russia and the Soviet Union, from the avant-gardes at the beginning of the 20th century to the socialist realism of the 1930s- ‘50s, to the 1960s underground and some works of the 1990s: a journey that covers all of the 20th century, thanks to the Morgante and Sandretti collections. Catalogue details: summeries in english and russian languages, the multimedial Quick Response Code (QRcode), articles from really art experts, scientific bibliography and explanation on pictures. Terra Ferma Edizioni Bassiano Zonta Artisti Due Bassiano Zonta riesce a cogliere attimi suggestivi che solo l’occhio attento di un artista è in grado di catturare. Attraverso le sue foto racconta gli artisti del territorio e il loro rapporto con l’arte, esaltando l’intensità del magico momento creativo. Dalla scatto alla camera oscura, all’ingrandimento e poi alla stampa, egli ci accompagna in un viaggio affascinante, dove la macchina fotografica immortala gli istanti che raccontano un intero percorso, in forma di ritratto, sempre mediante l’uso sapiente della luce e la tecnica espressiva del bianco e nero. Un vero e proprio omaggio all’arte. Bassiano Zonta manages to gather suggestive moments that only the attentive eye of an artist can catch. Through his photographs he tells of the artists in the territory and their relationship with art, enhancing the intensity of the creative magic moment. From the shot to the dark room, enlargement and then the print, he takes us on a fascinating journey, where the camera immortalises moments that recount an entire course, in portrait form, through the skilful use of light and the expressiveness of black and white. A true tribute to art. Via delle Industrie, 1 31035 Crocetta del Montello (Tv) Tel +39 042386268 Fax +39 0423665416 www.terra-ferma.it [email protected] Effe2Edizioni Via Marze, 51/53 36060 Romano d’Ezzelino (Vi) Tel +39 042431180 Fax +39 0424511249 [email protected] CONTRIBUISCI ALLA RICERCA. ABBONATI AD AREAARTE SUBSCRIBE TO AREAARTE Da diversi anni, Ericailcane amplia la galleria dei propri personaggi speciali, uomini animalizzati. Molto noto in Italia, ben attivo all’estero, si distingue per l’immaginazione potente, l’approccio critico-ironico, l’originalità e la perizia classica del tratto. Una fantastica criptozoologia grafico-pittorica, originata da una vena surreale che viene da lontano, come testimonia Potente di fuoco. In questa recente pubblicazione, Erica riprende una serie di disegni realizzati in tenera età, rifacendoli oggi, e rivelando l’inquietante coerenza originaria delle proprie suggestioni figurative. AREAARTE PER IL SOCIALE AREAARTE CONTRIBUTES TO RESEARCH FOR SOCIETY Ericailcane Potente di fuoco Fondazione ABO Fondazione Città della Speranza Fondazione Ricerca sulla Fibrosi Cistica Associazione Lo Spirito di Stella Fondazione ABO Fondazione Città della Speranza Fondazione per la Ricerca sulla Fibrosi Cistica Associazione Lo Spirito di Stella Via Miranese, 420/3 30174 Venezia Tel +39 0415445711 www.fondazioneabo.org [email protected] Via Chiesa, 27 36034 Malo (Vi) Tel +39 0445602972 www.cittadellasperanza.org [email protected] Ospedale Maggiore, Piazzale Stefani, 1 37126 Verona Tel +39 0458123438 www.fibrosicisticaricerca.it [email protected] Via dei Quartieri, 45 36016 Thiene (Vi) Tel +39 3471369907 www.lospiritodistella.it [email protected] Sostieni la ricerca. Abbonati ad Areaarte Collegati al sito www.areaarte.it clicca su “abbonamenti” e compila il form indicando l’Associazione o Fondazione alla quale vuoi devolvere il contributo e da quale numero intendi far decorrere l’abbonamento Per ogni abbonamento, € 12,60 saranno devolute alle Associazioni e Fondazioni sostenute da AreaArte Support research. Subscribe to Areaarte Connect to the website: www.areaarte.it click on “subscriptions” and fill in the form, indicating the Association or Foundation you want to devolve the contribution to and which number you wish to start the subscription from € 12.60 will be devolved to the Associations and Foundations supported by AreaArte for every subscription Fondazione ABO (Applicazioni Biotecnologie in Oncologia): dal 1979 nell’Ospedale di Venezia (oggi di Mestre) l’eccellenza della ricerca oncologica volta alla diagnosi precoce e cura della malattia. Mission: Diffondere lo sviluppo della ricerca scientifica, nonchè la cultura del suo finanziamento, utilizzando anche la comunicazione d’impresa come veicolo di divulgazione. Oltre 350 Imprese sostengono i progetti, li seguono costantemente e ne comunicano i risultati a tutti gli stakeholders. La “Città della Speranza” è una Fondazione costituita nel 1994 da imprenditori veneti e privati cittadini. Nel corso degli anni ha costruito il nuovo reparto di Oncoematologia Pediatrica, il Day Hospital e i laboratori di ricerca a Padova mentre a Vicenza ha contribuito alla realizzazione del Day Hospital. Dal 1998 ha finanziato progetti di ricerca per oltre 13 milioni di euro. Attualmente si sta occupando della costruzione del nuovo Istituto di Ricerca pediatrico a Padova, che diventerà un polo d’eccellenza per lo studio della malattie infantili. La Fondazione per la Ricerca sulla Fibrosi Cistica (FFC) costituita a Verona nel 1997, è un’istituzione Onlus che ha lo scopo fondamentale di promuovere e finanziare progetti avanzati di ricerca clinica su quella che è la prima malattia genetica grave in Italia. Ha finanziato 140 progetti di ricerca che hanno coinvolto oltre 400 ricercatori italiani di 120 laboratori e gruppi di ricerca. Ne è presidente Vittoriano Faganelli, il Direttore Scientifico è il Prof. Gianni Mastella. Matteo Marzotto è cofondatore, Vicepresidente e testimonial. L’Associazione Onlus “Lo Spirito di Stella” è stata fondata nel 2003 dal vicentino Andrea Stella, dopo la costruzione del primo catamarano al mondo completamente accessibile. Da allora è impegnata in una campagna di sensibilizzazione sul problema delle barriere architettoniche e in iniziative volte a favorire l’inserimento dei disabili nella società. Tra i progetti in corso “Spirito Libero”, l’attività velica gratuita per persone con difficoltà motorie che si svolge nei principali porti d’Italia. Fondazione ABO (Bioltechnical Applications in Oncology): the excellence of oncological research aimed at early diagnosis and treatment of the illness in the Hospital of Venice (now Mestre) since 1979. Mission: Spread the development of scientific research, as well as the culture of funding it, also using business communications as a means of promotion. Over 350 Businesses support the projects, following them constantly and communicating their results to all the stakeholders. The “Città della Speranza”, or “City of Hope” is a foundation established in 1994 by Veneto business people and private citizens. Over the years it has built the new Paediatric Onco-Haematology Department, the Day Hospital and the research laboratories in Padua while it has contributed to the construction of the Day Hospital in Vicenza. Since 1998 it has finalized research projects for more than 13 Million euro. At present, it is involved in the construction of the new Paediatric Research Institute in Padua while will become a centre of excellence for the study of the illnesses of infancy. The FFC - Foundation for Cystic Fibrosis Research founded in Verona in 1997, is a non-profit organization whose fundamental purpose is to promote and fund advanced clinical research projects on what is Italy’s most serious genetic disease. It has funded a total of 140 research projects which have involved over 400 Italian researchers in 120 research laboratories and groups. Its President is Vittoriano Faganelli, while the Scientific Director is Prof. Gianni Mastella. Matteo Marzotto is a co-founder, Vice-president and ambassador. The “Spirito di Stella” or “Spirit of Stella” is a non-profit organization founded in 2003 by the Vicentine Andrea Stella, after the construction of the first completely accessible catamaran in the world. Since then, it has been engaged in a campaign to create an awareness of the problems of architectural barriers and initiatives for encouraging the insertion of the disabled into society. Among the projects in progress is “Spirito Libero” or “Free spirit” which offers sailing activities free of charge to people with motor activities and is carried out in the main ports of Italy. 61 AREAARTE 3 09|10 - 11|10 AUTUNNO|AUTUMN Martini Edizioni Direttore responsabile|Editor Giovanna Grossato Redazione|Editorial staff Serena Baccaglini Anna Livia Friel Giovanna Grossato Giuseppe Viviano Testi|Texts by Giuseppe Blando Tazio Cirri Anna Livia Friel Marco Goldin Giovanna Grossato Marcello Palminteri Marco Maria Polloniato Giuseppe Viviano Fotografie|Photos Silvano Bille Paolo Cusenza Berengo Gardin Nadia Grassi Matteo Martini Traduzioni|Translations Michael Friel Public relation Paola Ferretti Progetto grafico|Graphic layout Marcello Palminteri Web designer Marcello Palminteri Stampa|Printing Grafiche Antiga Spa Via delle Industrie 1 31035 Crocetta del Montello (Tv) Tel +39 04236388 Fax +39 0423638900 www.graficheantiga.it [email protected] Anno 1. Numero 3. Registrazione: Tribunale di Vicenza n. 1214 del 19 gennaio 2010 © 2010 Martini Edizioni, Thiene (Vi) Villa Ca’ Beregane, 3 - 36016 Thiene (Vi) Italy www.martiniedizioni.net [email protected] SOMMARIO CONTENTS 3 EDITORIALE L’arte e la cultura custodite dal privato EDITORIAL Art and culture in private hands di|by Giovanna Grossato 4 ALBERTO BIASI Una ricerca poliedrica ALBERTO BIASI Polyhedric research di|by Marcello Palminteri 9 PAOLO PATELLI Il mondo dietro alle cose PAOLO PATELLI The world behind things di|by Giovanna Grossato 13 VINICIO MOMOLI Struttura e materia VINICIO MOMOLI Structure and material di|by Tazio Cirri 17 FABRIZIO PLESSI FABRIZIO PLESSI di|by Marcello Palminteri 22 ALDO CIBIC Modelli sostenibili di felicità ALDO CIBIC Sustainable models of happiness di|by Anna Livia Friel 26 GRUPPO VISINTIN L’imprenditoria e l’arte per la cultura FRANCO COSTALONGA Businnes for art and culture 30 PAOLO LOVATO Le righe domate PAOLO LOVATO The lines tamed di|by Giovanna Grossato 36 QUEL DIAVOLO DI UN BONALDI! THAT DEVIL OF BONALDI! di|by Marco Maria Polloniato 40 GIORGIO SCALCO GIORGIO SCALCO di|by Marco Goldin 44 ANTONIO TAMBURRO Il ritmo delle cose ANTONIO TAMBURRO The rhythm of things 48 AUGUSTO MURER Tra tradizione e innovazione AUGUSTO MURER Between tradition and innovation 52 55 DA VEDERE TOO SEE 56 59 60 61 IN GALLERIA IN THE GALLERIES FOTOGRAFIA PHOTOGRAPHY di|by Giuseppe Viviano ARREDAMENTO E DESIGN FURNISHING AND DESIGN LIBRI D’ARTE ART BOOK SOSTIENI LA RICERCA. ABBONATI AD AREAARTE SUPPORT RESEARCH. SUBSCRIBE TO AREAARTE 63 v AA ARE e AA n e RT t E o www.areaarte.it