Introduzione - Mondo Mostre

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20 SETTEMBRE 2014 - 15 FEBBRAIO 2015
Genova, Palazzo Ducale
Enti promotori
Main Sponsor della mostra
Sponsor della mostra
Vettore ufficiale
Produzione e organizzazione della mostra
Catalogo
Trasporti e movimentazioni
Partecipanti alla
Fondazione Palazzo Ducale
Media partners
Introduzione
Una coppia, due mondi diversi: Diego Rivera aveva
42 anni quando nel 1929 sposò Frida Kahlo, di
20 anni più giovane. Aveva alle spalle 7 anni di
Accademia e 14 di perfezionamento in Europa; Frida
era un’autodidatta.
All’epoca la celebrità era Diego, con una mostra
personale al MoMa di New York già due anni dopo
il matrimonio. Frida ebbe la sua prima personale
newyorkese solo 9 anni più tardi.
I murales di Diego sugli edifici pubblici del Messico
narravano la storia del suo paese, di un popolo unito
nella lotta per un futuro comune.
Pies, para qué los quiero
si tengo alas pa’ volar.
A che mi servono i piedi,
se ho ali per volare?
Feet, what do I need you for
when I have wings to fly?
Frida Kahlo: disegno dal suo diario,1953.
Frida Kahlo: drawing from her diary, 1953.
Collection Frida Kahlo Museum, Mexico City
I dipinti di Frida, invece, rappresentavano“soltanto”
la sua battaglia personale contro la malattia e un
costante senso di solitudine. La sua rivoluzione
consisteva nel rendere pubblico il privato.
Diego Rivera era celebre nel suo paese e nel suo
tempo perché vi appartenne totalmente, dando un
volto a urgenze sociali, scioperi, manifestazioni,
rivoluzioni tecnologiche. I suoi murales sono la vera
e propria storiografia di un’epoca.
Ma oggi la celebrità è Frida, perché solitudine e
vulnerabilità sono temi universali e in lei trovano
un’espressione così sincera da toccare qualsiasi
essere umano. Frida rappresenta l’inconciliabile
riuscendo perfino a trovare una conciliazione.
La pittura, che fu la sua terapia, salva almeno una
speranza: la fantasia riuscirà comunque a trionfare.
Un tragico incidente a 19 anni, circa 30 interventi
chirurgici, mesi di ingessature, ma anche decine di
amanti, hanno reso la sua biografia irresistibile per
romanzi e produzioni hollywoodiane.
Il corpus delle opere dei due artisti non potrebbe
essere più dissimile: appena 140 dipinti per lei, per
lo più di piccolo formato; per lui uno sterminato
catalogo di oltre mille tele a olio e migliaia di metri
quadrati di murales. La mostra illustra i contrasti,
ma anche i punti in comune tra le opere
di questa celebre coppia.
Introduction
One couple, two different worlds: Diego Rivera was
42 years old when, in 1929, he married Frida Kahlo,
20 years younger. He had completed 7 years at the
Academy before spending 14 years in Europe refining
his art; she was self-taught.
At the time the famous member of the couple was
Diego, with a solo exhibition at the MoMA in New York
City two years after their marriage. Frida had her first
New York solo exhibition only 9 years later.
Diego’s murals on public buildings around Mexico
narrated the history of the country, of a people united
in the struggle for a common future.
Frida’s paintings, on the other hand, “only”represented
her personal battle against illness and a constant
sense of solitude. Her revolution lay in making the
private public.
Diego Rivera was famous in his country and in his
time because he belonged to them completely, giving
a face to social demands, strikes, demonstrations,
and technological revolutions. His murals are the
document of an age.
Now, however, Frida is much more famous, because
solitude and vulnerability are universal themes and
are expressed in such a real and sincere way that
they touch any human being. Frida represents the
irreconcilable, even managing to find reconciliation.
Painting, her therapy, saves at least a hope: the
imagination will always triumph.
A tragic accident at the age of 19, around 30
operations, months spent in plaster, though also
dozens of lovers, have made her life story irresistible
for novelists and Hollywood productions.
The oeuvres of the two artists could not be more
different: she left only 140 paintings, most of them
quite small; he left a vast catalogue of more than
1,000 oil paintings and thousands of metres of
murals. In this exhibition we will try to illustrate the
contrasts, but also the common points between the
works of this legendary art couple.
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Diego Rivera in Europa
e il suo taccuino italiano
Diego Rivera
studente
in Europa,
1908-1915 ca.
Diego Rivera
as a student
in Europe,
c. 1908-1915.
Museo-Casa Diego
Rivera, Guanajuato.
Nel 1907, anno della nascita di Frida Kahlo, il
21enne Diego Rivera, talentuoso diplomato presso
l’Accademia di Belle Arti del Messico, visitò l’Europa
con una borsa di studio per approfondire l’arte
europea classica e moderna.
Soggiornò prima a Madrid, dove ammirò le opere di
El Greco esposte al Prado e trasse ispirazione da
numerosi stili. Fu accolto nell’avanguardia spagnola
riunita intorno a Gómez de la Serna, poi nel 1909 si
spostò a Parigi.
Nel 1910, scaduta la borsa di studio e all’inizio della
Rivoluzione messicana, Rivera rientrò per alcuni
mesi in Messico, dove il vecchio regime organizzò
una mostra delle sue opere in occasione del
centenario dell’indipendenza.
Tornato a Parigi, per i successivi dieci anni Diego
Rivera fece stabilmente parte degli artisti di
Montparnasse: amico di Picasso, Modigliani, Juan
Gris, Henri Matisse, Fernand Léger e Carlo Carrà,
integrò nei suoi dipinti, alcuni dei quali qui esposti,
i principi del cubismo. Nel 1914 Parigi ospita la sua
prima mostra personale con 25 opere cubiste.
Poco tempo dopo, Rivera tornò a un nuovo
figurativismo e divenne grande amico dello storico
dell’arte Elie Faure, che lo incoraggiò a visitare
l’Italia: dal febbraio 1920 al marzo 1921 viaggiò
quindi da Ravenna fino all’estremo sud e poi,
risalendo lungo la costa orientale, fino a Venezia e
Milano. Sono di questo periodo numerosi schizzi di
paesaggi, persone e architetture italiane, nonché di
opere d’arte etrusche, bizantine e del Rinascimento.
In questa sala sono esposti due dei taccuini
utilizzati durante il viaggio.
Gli studi di Rivera sull’arte italiana costituirono la
base del Rinascimento Murale Messicano,
il movimento celebre per le pitture murali
a tema politico realizzate su numerosi edifici
pubblici che nacque dopo il suo rientro in Messico
nel 1921 e del quale egli divenne
ben presto l’acclamato punto di riferimento.
Diego Rivera
in Europe and his
Italian sketchbooks
In 1907, the year of Frida Kahlo’s birth, the 21-yearold Diego Rivera, a talented young artist who had
graduated from the Academy of Fine Arts in Mexico
City, travelled to Europe on a grant to study ancient
and modern European art.
He stayed first in Madrid, where he admired the
works of El Greco on display at the Prado and drew
inspiration from numerous styles.
He was welcomed into the Spanish avant-garde
movement, led by the writer Gómez de la Serna, before
moving to Paris in 1909.
In 1910, when his grant ran out and the Mexican
Revolution began, Rivera returned for a few months to
Mexico, where the old regime organized an exhibition
of his works on the occasion of the centenary of
independence.
On his return to Paris, for the next ten years Diego
Rivera became part of the group of artists in
Montparnasse: a friend of Picasso, Modigliani, Juan
Gris, Henri Matisse, Fernand Léger and Carlo Carrà,
he assimilated the principles of cubism into his
paintings, some of which are shown here. In 1914
Paris hosted his first solo exhibition, with 25 cubist
works.
Shortly afterwards, Rivera returned to a new figurative
art and became a close friend of the art historian Elie
Faure, who encouraged him to visit Italy: from February
1920 to March 1921 he travelled from Ravenna to the
extreme south, and then back along the east coast
as far as Venice and Milan. During this time he made
numerous sketches of landscapes, people, and Italian
architecture, as well as of Etruscan, Byzantine and
Renaissance works. In this room you can see two of
the sketchbooks he used during his Italian journey.
Rivera’s studies of Italian art formed the basis of
the Mexican Mural Renaissance, which began after
his return to Mexico in 1921, and of which he soon
became the acclaimed leader, famous for the political
murals which he painted on many public buildings.
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Frida Kahlo:
l’incidente e l’amore
Frida Kahlo, figlia di Guillermo, fotografo immigrato
dalla Germania, e di Matilda, meticcia messicana,
nacque nel 1907 nel pittoresco sobborgo di
Coyoacán, Città del Messico. Nella “Casa Azul”
(la casa blu) costruita dal padre, che oggi ospita
il suo museo, vide la luce e visse per buona parte
della sua vita fino alla sua morte nel 1954.
Tina Modotti
e Frida Kahlo nel 1928.
Tina Modotti
and Frida Kahlo in 1928.
Frequentò la rinomata Escuela Nacional
Preparatoria di Città del Messico, dove nel 1922
vide Diego Rivera al lavoro sul suo primo murale,
nell’anfiteatro. Fece parte del gruppo di studenti
rivoluzionari Los Cachuchas, aderenti alle idee
futuriste, e si innamorò del loro leader Alejandro
Gómez Arias. Con lui il 17 settembre 1925 subì un
incidente in autobus: diversi passeggeri restarono
uccisi, mentre lei riportò gravissime lesioni.
In questa sala è esposto il suo disegno dell’incidente
e anche altri disegni giovanili del periodo di
Coyoacán. Tra i suoi primi modelli vi furono diversi
compagni di scuola.
Frida iniziò a dipingere durante la lunga
convalescenza seguita all’incidente. Autodidatta,
si ispirò da una parte allo stridentismo, adattamento
del futurismo europeo, dall’altra alle forme
espressive fresche e naïf delle scuole en plein
air sorte in diversi centri del Messico in seguito
alla rivoluzione e allo sciopero degli studenti
dell’Accademia.
Nel 1928 mostrò i suoi primi dipinti a Diego Rivera
per avere una sua critica: gli piacquero, ma
soprattutto gli piacque la pittrice, della quale chiese
ben presto la mano in casa Kahlo. Il 21 agosto 1929,
giorno delle loro nozze a Coyoacán, Frida aveva
22 anni e Diego 43: i genitori di lei, scettici per la
differenza d’età, paragonarono l’unione a quella di
un elefante con una colomba.
Frida disse in seguito di avere avuto due incidenti
nella vita: il primo era stato quello in autobus, il
secondo Diego Rivera.
Si sposarono nel 1929, divorziarono nel
1939 e si risposarono nel 1940.
Frida Kahlo:
the accident,
falling in love
Frida Kahlo was born in 1907, the daughter of
Guillermo, a photographer originally from Germany,
and Matilda, a mixed-race Mexican, in the picturesque
town of Coyoacán on the outskirts of Mexico City. She
was born, and then lived until she died (1954), mostly
in the “Blue House”, built by her father and now the
home of the Frida Kahlo Museum.
She attended the renowned Escuela Nacional
Preparatoria in Mexico City, where in 1922 she saw
Diego Rivera at work on his first mural, in the lecture
hall. She was part of the group of revolutionary
students Los Cachuchas, devoted to futurist ideas,
and fell in love with their leader Alejandro Gómez
Arias. On 17 September 1925 the bus she and
Alejandro were travelling on was hit by a tram: several
passengers were killed, while Frida suffered serious
injuries. In this room you can see her drawing of the
accident and also other early drawings from Coyoacán.
Among her first models were various schoolmates.
Frida began to paint during the long convalescence
that followed her accident. Self-taught, she drew
inspiration on one hand from the style of the
Stridentism movement, an adaptation of European
Futurism, and on the other hand from the naïf forms
of the plein air schools that had sprung up around
Mexico following the revolution and the strike by the
students of the Academy of Fine Arts.
In 1928 she showed her first paintings to Diego Rivera
to have his opinion: he liked them, but above all he
liked the painter, soon asking for her hand at the Kahlo
home. On 21 August 1929, the day of their wedding in
Coyoacán, Frida was 22 years old and Diego 43: her
parents, sceptical about the age difference, compared
the couple to an elephant and a dove.
Frida said later that she had had two accidents in her
life: the first was the accident on the bus, the second
Diego Rivera. They married in 1929, divorced in 1939,
and remarried in 1940.
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La coppia conquista gli USA
Freschi di nozze, Rivera e la sua giovane consorte partono per
gli USA. Diego è incaricato di realizzare grandi murales a San
Francisco, Detroit e New York; Frida vede per la prima volta il
mondo fuori dal Messico. In questi quattro anni, sempre al fianco
del marito in abiti tradizionali Tehuana, Frida catalizza l’attenzione
popolare e della stampa.
The couple
conquers the US
In un autoritratto su lamina di metallo, nello stile di un ex
voto, Frida si ritrae al confine tra Messico e USA, tra la cultura
industriale da una parte e un tempio messicano in rovina
dall’altra. Entrambi i lati sembrano trasmetterle, ciascuno a
suo modo, una propria energia. Frequentando musei e mostre
conosce le avanguardie artistiche, il suo stile si fa più complesso
e al realismo popolare dei suoi dipinti si aggiungono elementi
surreali.
Shortly after their wedding, Rivera and his young wife set off for the
United States. Diego had been awarded commissions to paint murals
in San Francisco, Detroit and New York; Frida saw the world outside
Mexico for the first time. During the next four years, mostly by her
husband’s side in traditional Tehuana costume, she captured the
attention of the public and the press.
Nel 1931 Rivera espose in un’importante personale al MoMa
di New York. Poi trascorse settimane negli stabilimenti Ford di
Detroit per studiare le macchine che dipinse con entusiasmo,
per 12-18 ore al giorno, sulle pareti del Detroit Institute of Arts,
illustrando le nuove possibilità della tecnica. Intanto Frida, sola in
albergo, poteva dipingere soltanto opere di piccolo formato. Subì
un aborto, trovando sostegno nell’assistente di Rivera, Lucienne
Bloch, divenuta sua amica e confidente: fu lei a convincerla a
elaborare l’esperienza in una litografia. Diego la incoraggiò a
dipingere un autoritratto con la tecnica dell’affresco, ma Frida
non fu soddisfatta del risultato: se oggi possiamo vedere questo
pannello danneggiato, lo dobbiamo al salvataggio di Lucienne.
Il soggiorno negli USA terminò bruscamente per lo scandalo
sollevato da Rivera con il suo murale nel Rockefeller Center di
New York, che gli costò la revoca dell’incarico.
Sei anni dopo anche Frida Kahlo ebbe una prima acclamata
mostra personale negli USA, per la quale tornò a New York nel
1939.
In a self-portrait on metal, like a votive painting, Frida depicted
herself on the borderline between Mexico and the United States,
between industrial machines on one side and a ruined Mexican
temple on the other. Each in their own way, both sides seem to fill her
with their own energy. Visiting museums and exhibitions, she got to
know the avant-garde movements: her style became more complex,
and popular realism was joined by elements of surrealism.
In 1931 Rivera had an important solo exhibition at the MoMA in New
York. He then spent weeks in the Ford factories in Detroit to study the
automobiles, which he painted with enthusiasm, for 12-18 hours a
day, on the walls of the Detroit Institute of Arts, illustrating the new
possibilities of technology. Frida, meanwhile, alone in their hotel,
could only paint small works. She suffered a miscarriage, finding
support from Rivera’s assistant Lucienne Bloch, who had become her
friend. It was Lucienne who convinced her to ex ress the experience
in a lithography. Diego encouraged her to paint a self-portrait using
the fresco technique, but Frida was not happy with the result: if we
can now see this damaged panel, it is thanks to Lucienne, who saved
it. Their time in the US came to an abrupt end due to the scandal
caused by Rivera’s mural in the Rockefeller Center in New York, which
led to the commission being rescinded.
Six years later Frida Kahlo had her first acclaimed solo exhibition in
the US, for which she returned to New York in 1939.
Frida Kahlo e Diego Rivera nel cortile
interno del Detroit Institute of Arts, 1932.
Frida Kahlo and Diego Rivera in the interior
court of the Detroit Institute of Arts, 1932.
Photo: W. J. Stettler. Florence Arquin papers, Archives
of American Art, Smithsonian Institution.
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Il Rinascimento Murale,
l’arte e la politica
Cessata la rivoluzione armata (1910-1917), il
ministro dell’educazione José Vasconcelos avviò
un piano educativo del popolo messicano, in gran
parte analfabeta, con scuole nei villaggi, edizioni
popolari dei classici e magnifici murales sugli
edifici pubblici. Tra i tanti artisti coinvolti, anche in
collettivi e sindacati, Diego Rivera ebbe un ruolo
di primo piano: immortalando nei suoi murales
l’arte popolare e la storia del Messico, ridefinì l’arte
stessa e il sentimento nazionale, raggiungendo una
fama internazionale.
Diego Rivera
lavora al murale La Creazione, 1923.
Diego Rivera working on the mural The
Creation, 1923.
Photo: Tina Modotti
Collection Juan Rafael Coronel
Nel 1922 entrò nel Partito Comunista, ma il suo
indomabile individualismo gli comportò diverse
espulsioni e cambi di schieramento.
Divenuto trotskista, invitò Lev Trotsky e la moglie
Natalia a trascorrere il loro esilio nella Casa Azul
di Frida. Nel 1938 le riflessioni di André Breton, Lev
Trotsky e Diego Rivera a Pátzcuaro confluirono nel
Manifiesto por un arte revolucionario independiente.
Nello stesso anno Rivera fu espulso anche dalla
IV Internazionale. Sostenne l’estrema destra di
Almazán, poi con la II guerra mondiale divenne
stalinista.
Frida Kahlo entrò nel PC nel 1927 tramite l’amica
Tina Modotti, fotografa e comunista italiana, ma ne
uscì dopo l’espulsione di Rivera.
Al di là delle trincee e delle contingenze storiche,
entrambi aspiravano a mettere la loro arte al
servizio del popolo.
I murales di Rivera, rappresentando pubblicamente
la storia nazionale e i conflitti del suo tempo,
onorarono tale intento imprimendosi nella
coscienza collettiva.
Frida, invece, si rammaricava di avere contribuito
relativamente poco al movimento rivoluzionario.
Ma la sua rivoluzione fu interiore: nella sua
arte il privato divenne politico e ciò la rese
un’anticipatrice del movimento femminista.
The Mural
Renaissance,
art and politics
After the end of the armed revolution (1910-1917),
the Minister of Education José Vasconcelos launched
an education plan for the Mexican population, most
of which was illiterate, with schools in the villages,
popular editions of the classics and magnificent
murals on public buildings. Among the many artists
involved, also in collectives and syndicates, Diego
Rivera played a leading role: immortalizing popular art
and the history of Mexico in his murals, he redefined
art itself and the national sentiment, achieving
international fame.
In 1922 he joined the Communist Party, but his
indomitable individualism cost him several expulsions
and changes of faction. Having become a Trotskyite,
he invited Leon Trotsky and his wife Natalia to spend
their exile in Frida’s Blue House. In 1938 the reflections
of André Breton, Leon Trotsky and Diego Rivera in
Pátzcuaro were published in the Manifiesto Por un Arte
Revolucionario Independiente.
In the same year Rivera was also expelled from the
IV International. He supported the extreme rightwing Almazán, and then, with the Second World War,
became a Stalinist.
Frida Kahlo, who had joined the Communist Party
in 1927 through her friend Tina Modotti, an Italian
photographer and Communist, left after Rivera’s
expulsion.
Beyond their changing allegiances, both Diego and
Frida aspired to place their art at the service of the
people.
Rivera’s murals, representing the country’s history and
the conflicts of his time, fulfilled this aim by making a
mark on the public consciousness.
Frida, on the other hand, regretted the fact that she
had contributed relatively little to the revolutionary
movement. But her revolution was interior: in her art
the private became political, making it a precursor of
the feminist movement.
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Ritratti di mecenati e amici. L’alta società
Diego Rivera era anche un ritrattista molto richiesto dalle dame
dell’alta società, grazie alla sua capacità di rappresentarne
al meglio la bellezza. Con varie modelle, tuttavia, ebbe anche
relazioni extraconiugali che spesso ferirono Frida Kahlo.
Possiamo notare il diverso modo di lavorare dei due artisti
confrontando questi due ritratti di Natasha Gelman, rappresentata
in modo molto sensuale da Diego Rivera e quasi torva da Frida
Kahlo. Natasha era la moglie di un produttore cinematografico
e sia lei che il marito erano appassionati collezionisti d’arte.
Era rimasta molto colpita dalla produzione di Frida e aveva
acquistato i suoi pezzi più belli: gran parte delle opere qui esposte
provengono dalla sua collezione.
È interessante anche il confronto tra i due ritratti dei coniugi
Lavín: mentre Diego Rivera rappresenta l’ingegnere con
un’aria superiore e distaccata, Frida dipinge invece sua moglie
inserendola nella lussureggiante vegetazione tropicale, come un
uccello del paradiso dell’alta società.
Il magnifico dipinto in cui Rivera ritrae sua figlia Ruth mostra con
quanta eleganza e raffinatezza l’artista curasse questo genere
di composizioni. I ritratti di Frida Kahlo, invece, sono spesso
caratterizzati da una rappresentazione molto precisa
e da un’iconografia complessa ed enigmatica.
Grazie ai guadagni ottenuti per i suoi apprezzati ritratti, Diego
Rivera poté coprire in maniera sostanziale le spese necessarie
per la vita quotidiana e soprattutto per le costose cure mediche
di Frida. Nonostante i numerosi ritratti commissionati, però, la
coppia non divenne mai davvero benestante, soprattutto a causa
della dispendiosa passione di Diego Rivera per il collezionismo di
sculture preispaniche.
Portraits of patrons
and friends. High society
Diego Rivera was also a portrait painter, in high demand among
ladies of high society because of his ability to enhance their beauty.
With some of his models, however, he had extramarital affairs that
often caused his wife great hurt.
We can see how the two artists worked in very different ways by
comparing the two portraits of Natasha Gelman, depicted as
extremely sensual by Diego Rivera and as almost scowling by Frida
Kahlo. Natasha was married to a film producer, and both husband
and wife were keen art collectors. Natasha had been struck in
particular by Frida’s works, and bought some of the most beautiful
examples: most of the works shown in Genua come from her
collection.
It is also interesting to compare the two portraits of the engineer José
Domingo Lavín and his wife Marucha: while Diego Rivera represents
the husband as superior and detached, Frida shows his wife among
luxuriant tropical vegetation, like a Bird of Paradise of high society.
Rivera’s magnificent portrait of his daughter Ruth shows us the
refined elegance with which he approached this type of composition.
Frida Kahlo’s portraits, on the other hand, are often characterized
by a very precise representation, with a complex and enigmatic
iconography.
Thanks to the money he earned with his sought-after portraits,
Diego Rivera was able to cover the majority of everyday expenses,
and above all Frida Kahlo’s costly medical treatment. But despite
the many commissions for portraits, the couple never became truly
wealthy, largely due to Diego Rivera’s expensive passion for collecting
pre-Columbian sculpture.
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Fotografia:
l’arte della posa
Se dei primi 40 anni di Diego Rivera ci è giunta
appena una manciata di fotografie, per Frida
Kahlo ne abbiamo alcune decine da adolescente,
e poi centinaia che la ritraggono come
un’artista affermata: sguardo sicuro, posa fiera
eabbigliamento creativo ci parlano di una donna
tutta d’un pezzo... almeno nella messinscena.
Diego Rivera
e Frida Kahlo nella Casa Azul di
Coyoacán, 1931.
Diego Rivera
and Frida Kahlo in the Casa Azul in
Coyoacán, 1931.
Cristina Kahlo Collection
Suo padre Wilhelm (Guillermo) Kahlo, immigrato
in Messico dalla Germania, diventò un fotografo
di successo; da lui Frida apprese fin da bambina i
segreti del mestiere quando lo assisteva nei ritocchi
o lo accompagnava con la pesante macchina
fotografica a lastre.
Ma dal padre, anch’egli autore di innumerevoli
autoritratti, imparò soprattutto a posare davanti
all’obiettivo, infatti era la sua modella preferita.
Intorno al 1928 Frida conobbe la fotografa italiana
Tina Modotti, giunta in Messico con Edward Weston.
La Modotti ebbe su di lei un grande ascendente:
fu nella sua casa che Frida incontrò Diego, e sulla
sua terrazza si celebrò il loro matrimonio. Frida
scattò poi almeno tre fotografie nel tipico stile di
Tina: singoli oggetti ripresi con grande profondità
di campo che assumono un valore iconografico,
anticipando il suo stile pittorico.
La capacità di posare le scorreva nel sangue
e continuò a farlo per tutta la vita davanti ai più
grandi fotografi dell’epoca che frequentavano
la sua casa: Carl van Vechten, Gisèle Freund,
Lucienne Bloch, Manuel e Lola Álvarez Bravo, Mihály
Munkácsy e Dora Maar.
A Nickolas Muray, affermato ritrattista delle
celebrità, dobbiamo le prime foto a colori di Frida
Kahlo, immagini che divennero icone perché non
poterono dissimulare la lunga storia d’amore che
legò i due (1931-1941), trasmettendo con i loro
colori pieni una profonda tenerezza.
Frida amava quelle mascherate, posare per
i fotografi e inscenare ai loro e ai nostri occhi ciò
che avrebbe voluto essere: forte, esotica, creativa
e amorevole.
Photography:
the art of posing
While only a handful of photos remain of the first 40
years of Diego Rivera’s life, there are several dozen
photos of Frida Kahlo as a teenager, and hundreds
that show her as a well-known artist: with her
confident expression, proud pose and colourful clothes
she exudes inner strength... at least “on the stage”.
Her father Wilhelm (Guillermo) Kahlo, who came
to Mexico from Germany, became an established
photographer, so Frida learned the necessary
techniques at an early age, helping him with
retouching and with carrying the heavy plate camera.
From her father, he too the author of innumerable selfportraits, she learned above all the art of posing for
the camera, as she was his favourite model.
In around 1928 Frida met the Italian photographer
Tina Modotti, who had come to Mexico with Edward
Weston and who became an influential figure in her
life. It was in Tina Modotti’s house that Frida met
Diego, and on her terrace that their wedding was
celebrated.
Frida took at least three photos in Tina’s typical style:
single objects that convey a strong iconographic value
through great depth of field, a characteristic that
would later become part of her pictorial style.
Her ability to pose was innate, and she continued to
pose throughout her life for the great photographers
of the time who visited her house: Carl van Vechten,
Gisèle Freund, Lucienne Bloch, Manuel and Lola
Alvarez Bravo, Miháli Munkácsy and Dora Maar.
It was Nickolas Muray, a well-known portrait
photographer, who took the first colour photos of Frida
Kahlo, pictures that became iconic because they could
not hide the long affair between the two (1931-1941),
conveying a deep tenderness in their vivid colours.
Frida loved to masquerade for photographers, showing
to their eyes, and to our eyes, the woman she would
have liked to be: strong, exotic, creative and loving.
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Surrealismo e umorismo (nero)
Frida non si considerava una surrealista e anche Diego era
innanzitutto un muralista rivoluzionario. Tuttavia entrambi
avevano un forte senso dell’umorismo che consentiva loro di
distanziarsi dalla realtà e sopportare anche i grandi dolori della
vita. Come riconobbe il padre del surrealismo francese André
Breton, in Messico nel 1939, quel paese era permeato di un
surrealismo naturale: “Non manca in quest’arte anche quella
goccia di crudeltà e umorismo che consente di miscelare tra
loro i preziosi poteri che insieme formano la pozione magica del
Messico... L’arte di Frida Kahlo Rivera è un nastro colorato attorno
a una bomba.” Quando Frida dipinge alla maniera surrealista,
prende l’iconografia del quotidiano e la aliena per descrivere la
propria sur-realtà. Quando lo fa Diego, trova oggetti, li osserva e
ne potenzia le sembianze.
Entrambi parteciparono con opere fondamentali alla Mostra
internazionale del surrealismo tenutasi in Messico nel 1940: Diego
con Ritratto di signora in bianco, Frida con il suo capolavoro
Le due Frida. Ed entrambi amavano il gioco surrealista del
cadavre exquis, in cui un artista cominciava un disegno e
poi lo nascondeva piegando il foglio, in modo che l’artista
successivo continuasse senza conoscerne l’inizio: ne risultavano
combinazioni a dir poco surreali.
Insegnante all’accademia La Esmeralda, Frida in alcuni
autoritratti è circondata da scimmiette rappresentanti i suoi
studenti, i Los Fridos, adornata con monili o acconciature
bizzarre, oppure ricorre a un’iconografia classica declinandola
in modo surreale. Un forte simbolismo permea il piccolo
dipinto Il sopravvissuto: una statuetta preispanica attraversa
coraggiosamente il deserto, avanzando sulla terra brulla come se
nulla potesse fermarla. Un omino indomito diventa così il simbolo
surreale della voglia di vivere di Frida.
Surrealism
and (black) humor
Frida did not consider herself to be a surrealist, and Diego, too, was
above all a revolutionary muralist. But both of them had a strong
sense of humour which allowed them to distance themselves from
reality and also to bear life’s great sufferings.
The father of French surrealism, André Breton, who visited Mexico
in 1939, remarked that the country was permeated by a natural
surrealism: “This art even contains that drop of cruelty and
humour uniquely capable of blending the rare affective powers that
compound together to form the philtre which is Mexico’s secret... The
art of Frida Kahlo is a ribbon around a bomb.”
When Frida painted in a surrealist manner, she took the iconography
of everyday life and alienated it to describe her own sur-reality. When
Diego painted in a surrealist manner, he found objects, observed
them, and heightened their appearance.
Both took part with important works in the International Surrealist
Exhibition held in Mexico in 1940: Diego with Landscape with Cactus,
Frida with her masterpiece The Two Fridas.
Both also loved the game Cadavre Exquis, in which one artist began
a drawing and then concealed it by folding the sheet, so that the next
artist could add to it without knowing how it had begun: the resulting
combinations were surreal, to say the least.
A teacher at the art school La Esmeralda, in one self-portrait Frida is
surrounded by monkeys who represent her students, the Los Fridos;
in other selfportraits she is adorned with jewellery and extravagant
hairpieces, or mixes a classical iconography with surrealist touches.
A powerful symbolism permeates the small painting Survivor: a
pre-Columbian idol bravely crosses the desert, advancing through
the arid land as if nothing could stop him. The indomitable little man
thus becomes the surreal symbol of Frida’s will to live.
André Breton, Diego Rivera,
Lev Trotsky e Jacqueline Lamba nel 1939.
André Breton,Diego Rivera, Lev Trotsky and
Jacqueline Lamba in 1939.
© Aube Breton-Elléouët
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Arte e amore
La tormentata vita sentimentale dei due artisti ha
ispirato diversi romanzi e film. Numerose relazioni
extraconiugali, da entrambe le parti, determinarono
varie separazioni e infine il divorzio, seguito ben
presto da un secondo matrimonio.
Martin Munkácsy: “Diego e Frida”, 1934.
Martin Munkácsy: “Diego and Frida”, 1934.
Jacques and Natasha Gelman Collection
Diego Rivera era noto per avere amato molte delle
sue modelle, ma questo non ebbe quasi alcun
riflesso nelle sue opere, se non in un’inclinazione
a idealizzare le donne che ritraeva. La
consapevolezza del grande amore per Frida Kahlo
gli giunse molto tardi: solo dopo la sua morte, dopo
quasi 25 anni di matrimonio, si disse pentito di
averla tanto ferita.
Nell’opera di Frida, invece, il desiderio d’amore è un
tema fondamentale. Uno struggimento così vasto
perché motivato da un costante senso di solitudine;
radicato nel dualismo messicano, nell’opposizione
di sole e luna, uomo e donna, vita e morte, non trovò
mai una facile riconciliazione e unificazione.
In molti miti la coppia del firmamento, sole e luna,
hanno un ruolo centrale. La luna è la donna, bella
ma mutevole; il sole è l’uomo, che attraversa
imperturbabile il cielo con un corso regolare.
Utilizzando il sole e la luna nei suoi quadri, Frida
Kahlo si riallaccia a un mito classico: i due sono fatti
l’uno per l’altra ma non possono incontrarsi, e così
sole e luna diventano metafore della sua storia con
Diego Rivera.
L’amoroso abbraccio dell’universo, la terra
(Messico), io, Diego e il signor Xólotl mostra il sogno
di Frida di vedere nello stesso cielo gli astri del
giorno e della notte. Come un’arca di Noè solitaria,
una Frida ferita galleggia tra i pericoli dell’universo
con il suo enfant terrible in braccio. Frida accosta
qui l’iconografia cristiana (sant’Anna, la Vergine e il
Bambino) e la teoria buddhista dell’unità del tutto,
cercando così di riunire forze cosmiche, yin e yang,
sole e luna, con gli stessi opposti che minacciano di
distruggerle.
Art and love
The tormented love life of the two artists has inspired
many novels and films. Numerous extramarital affairs,
on both parts, led to separations and finally divorce,
followed shortly afterwards by a second marriage.
Diego Rivera was famous for having had affairs with
many of his models, though this had hardly any effect
on his works, except perhaps for a tendency to idealize
the women he portrayed. Awareness of his great love
for Frida Kahlo came to him very late: only after her
death, after almost 20 years of marriage, did he admit
his regret at having hurt her so much.
In Frida’s work, on the other hand, the desire for love is
a fundamental theme. A desire that was heightened
by a constant sense of solitude.
Rooted in Mexican dualism, in the opposition between
the sun and the moon, between life and death, she
never found an easy reconciliation or unification.
In many myths the sun and the moon as a celestial
couple play a central role. The moon is the woman,
beautiful but changeable; the sun is the man, who
travels the sky imperturbably, following a regular
course. By using the sun and the moon in her
paintings, Frida Kahlo refers to a classical myth:
the two are made for each other but cannot meet,
and thus sun and moon become metaphors of her
relationship with Diego Rivera.
The Love Embrace of the Universe, the Earth (Mexico),
Myself, Diego and Señor Xólotl shows Frida’s dream
of seeing the stars of day and night in the same one
sky. Like a solitary Noah’s Ark, a wounded Frida floats
among the dangers of the universe while holding
her Enfant Terrible. Here Frida combines Christian
iconography (St Anne, the Virgin and Child) with
the Buddhist theory of the unity of all things, thus
attempting to reunite cosmic forces, yin and yang, sun
and moon, with the very opposites that threaten to
destroy them.
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Solitudine e nature morte
All’inizio degli anni Cinquanta, le condizioni di salute di Frida Kahlo
si aggravarono al punto che dai predominanti autoritratti passò
a dipingere sempre più spesso nature morte. Affermava che
erano più facili da vendere e anche da dipingere. In realtà
probabilmente intendeva che era più semplice comunicare istinti
e dolori senza doversi preoccupare del proprio aspetto esteriore.
Anche gli ultimi dipinti incentrati sui frutti, pur attingendo alle
nature morte tradizionali e rappresentando dei memento mori,
erano concepiti come autoritratti.
Frida Kahlo
mentre dipinge
La mia famiglia,
1950.
Frida Kahlo
painting My
family, 1950.
Foto: Jan Guzmán.
Collection Galeria
López Quiroga
In questa sala sono esposti due degli ultimi autoritratti, dipinti
al termine della sua battaglia esistenziale. L‘ultimo dipinto a olio
di Frida Kahlo, a lungo creduto disperso, fu recuperato da un
conoscente nel bidone della spazzatura. Frida si dipinge come un
girasole appassito, a capo chino mentre il sole tramonta. È seduta
davanti a un forno in muratura, in cui noci di cocco e vecchi pezzi
di legno vengono trasformati in carbone. Si tratta di una metafora
delle sue antiche passioni, del fuoco d’amore che consuma: Frida
è seduta davanti alle rovine delle sue passioni.
Nell’ultimo autoritratto, un disegno del 1954, il sole e la luna
sono al tramonto e una colomba è posta sul segno dell’infinito,
a simboleggiare l’anima. Frida sembra ammutolita, lo sguardo
fisso già rivolto verso l’infinito. Questi ultimi due autoritratti di
Frida Kahlo sono intrisi di profonda tristezza mentre, nel suo,
Diego Rivera si presenta davanti a un caleidoscopio di luoghi
simbolici delle città che lo hanno formato: Parigi, Mosca, Mexico
City e New York. È l’immagine, pubblicata come copertina del The
Time nel 1949, di un uomo di successo, che può guardare con
soddisfazione all’opera della sua vita.
Still lifes and solitude
At the beginning of the 1950s, Frida Kahlo’s health deteriorated so
badly that she abandoned the predominant self-portraits, turning
more and more often to still lifes. She claimed that they were easier
to sell and also easier to paint. Actually, she probably meant that
it was easier to convey emotions and pain without having to worry
about her own appearance. Even her last paintings, mainly of fruit,
though she also drew on traditional still lifes and painted Memento
Mori, were conceived as self-portraits.
In this room we can see two of her last self-portraits, painted at the
end of her struggle to live. Her last oil painting, long believed to be
lost, was rescued by an acquaintance from the rubbish bin. Frida
depicts herself as a wilting sunflower, her head bowed, as the sun
goes down. She is sitting in front of a brick oven, in which coconuts
and old pieces of wood are turned into coal. This is a metaphor of her
old passions, of the consuming fire of love: Frida is seated in front of
the ruins of her passions.
In her last self-portrait, a drawing from 1954, the sun and the moon
are setting and a dove is placed over the sign of infinity, symbolizing
the soul. Frida seems to be struck dumb, her gaze already fixed on
the infinite. While these last two self-portraits by Frida Kahlo are
steeped in profound sadness, Diego Rivera depicts himself in a late
self-portrait in front of a kaleidoscope of places symbolizing the cities
that formed him: Paris, Moscow, Mexico City and New York. It is the
portrait of a successful man, who looks back with satisfaction on his
life’s work, published as the front cover of The Time in April 1949.
La colomba
Rafael Alberti
The Dove
Rafael Alberti
Si sbagliò la colomba.
Si sbagliava.
The dove was mistaken.
She was mistaken.
Per andare al nord fuggì al sud.
Credette che il grano fosse acqua.
Si sbagliava.
Instead of north, she headed south.
She mistook wheat for water.
She was mistaken.
Credette che il mare fosse il cielo;
e la notte, la mattina.
Si sbagliava.
She mistook the sea for the sky;
the night for the morning.
She was mistaken.
Credette che le stelle fossero rugiada;
e il calore neve.
Si sbagliava.
That stars were dew,
that warmth was snow.
She was mistaken.
Credette che la tua gonna fosse la tua blusa
e il tuo cuore la sua casa.
Si sbagliava.
That your skirt was your blouse;
that your heart was her home.
She was mistaken.
(Lei si addormentò sulla spiaggia.
Tu, sulla cima di un ramo)
She fell asleep on the shore.
And you, on top of a bough.
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Disegni: sentimenti su carta
Nei disegni, Frida Kahlo tematizza i suoi tumulti più intimi.
A differenza dei dipinti a olio, non furono mai concepiti per la
vendita: erano piuttosto bozzetti di stati d’animo, che il più delle
volte regalava agli amici, ma che spesso non conservava neppure.
Drawings: feelings on paper
Abbiamo molti disegni successivi al 1946, in cui mise su carta i
suoi pensieri con inchiostro seppia, regalandone alcuni al suo
ultimo amante, l’artista spagnolo José Bartolí, il cui stile basato
su figure interconnesse le ispirò le composizioni della serie detta
“Carma”.
In her drawings Frida Kahlo expressed her innermost turmoils. Unlike
her oil paintings, they were never meant to be sold: they were, rather,
sketches of moods, which she often gave to friends, or didn’t even
keep.
I disegni di Frida, come anche il suo diario,
ci pongono di fronte alla rappresentazione di desideri selvaggi, di
un universo di fantasie erotiche senza censure. All’opposto degli
autoritratti, dall’esecuzione controllata, in cui il gioco di piani
semantici presuppone un impianto di pensiero complesso, il Diario
e i disegni di Frida ne rivelano il puro anelito di fusione, permeato
di erotismo.
Vediamo qui come il suo desiderio non avesse come oggetto
solo Diego Rivera, ma fosse libero e aperto anche a molti altri
amici e amanti. In questi disegni corpi diversi sono uniti, così
come il Karma congiunge i destini. In alcuni di essi emerge la
parola “Sadja” in cirillico, che in caratteri latini si può leggere
“Carma”. Si tratta di uno dei tanti raffinati giochi di parole ed
enigmi che Frida amava celare nelle sue opere. “Sadja” è anche
un nomignolo con cui a volte si definiva.
Nella serie di disegni intitolata House (1947) Frida esprime i suoi
desideri in forma ancora più esplicita, adottando la tecnica del
cadavre exquis per trarre, con ironia, qualcosa di positivo dal
caos delle sue passioni. Si tratta di raffigurazioni del desiderio allo
stesso tempo coraggiose e umoristiche.
Tutte queste fantasie disegnate, non pensate per un pubblico,
erano puri esercizi personali dell’artista, memorie intime
condensate in immagini.
There are many drawings from the period after 1946, in which she
put her thoughts on paper with sepia ink, giving some of them to
her last lover, the Spanish artist José Bartolí, whose style based
on interwoven figures inspired the compositions of the so-called
“Carma” series.
Frida’s drawings, like her diary, are the representation of wild desires,
a universe of uncensored erotic fantasies. Unlike her self-portraits,
with their controlled composition and a play of semantic planes that
presupposes a framework of complex ideas, the drawings and the
diary reveal the pure desire of fusion, full of eroticism.
We see here that her longing was not directed solely at Diego Rivera,
but was free and open, involving many other friends and lovers. In
these drawings the bodies appear to merge into each other, just as
the Karma joins together destinies. Some of them contain the Cyrillic
word “Sadja”, which in Latin characters can be read as meaning
“Carma”. This is just one of the many brilliant puns and puzzles
that Frida loved to hide in her works. “Sadja” is a nickname she
sometimes used for herself.
Frida’s desires are even more explicit in the drawings in the House
series (1947), executed in the manner of Cadavre Exquis, playfully, in
order to draw something positive from the chaos of her passions. The
drawings are representations of desire, courageous and at the same
time humorous.
All these drawn fantasies, not conceived for an audience, were purely
personal exercises, intimate memories condensed into images.
Frida Kahlo:Casa (disegno senza titolo), 1947 circa.
Frida Kahlo: Home (untitled drawing), c. 1947
Washington, National Museum of Women in the Arts,
Betty Boyd Dettre Library and Research Center, Special
Collections, Frida Kahlo Papers
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Abiti.
Le apparenze ingannano
Frida Kahlo ha spesso attirato l’attenzione
per il suo abbigliamento originale. Già nel 1948,
a Parigi, ispirò una linea di moda disegnata dalla
stilista Schiaparelli, e “Vogue” dedicò alla sua
immagine copertine e articoli.
Nel 1998 lo stilista Jean-Paul Gaultier organizzò a
Parigi un’intera sfilata ispirata al suo stile. Del resto
ancora oggi Frida Kahlo trova emuli in innumerevoli
concorsi di sosia.
Frida Kahlo:
Las apariencias engañan. 1934
Frida Kahlo Museum, México City
Carlos Fuentes raccontò la visita di Frida
al teatro dell’Opera come uno dei suoi ricordi
d’infanzia più nitidi, per il suo spettacolare
abbigliamento. In realtà Frida non faceva
che seguire una tendenza comune in Messico,
secondo la quale numerose artiste, in nome della
riconsiderazione dell’arte popolare, scelsero di
adottare i costumi tradizionali delle proprie regioni
di provenienza.
Il più delle volte Frida combinava gli stili di
diversi villaggi dello stato di Oaxaca, celebre per
i suoi tessuti magnificamente ricamati. Ma più di
ogni altro amava l’abito tradizionale della città
di Tehuantepec, in cui sono le donne ad avere
l’autorità nelle questioni economiche. Il desiderio
di Frida di un’indipendenza economica trovava
così espressione nella scelta di questo costume
tradizionale.
Le gonne lunghe nascondevano i problemi
alla gamba destra, mentre le ampie bluse huipil
dissimulavano abilmente il corsetto. Frida stessa
commentò a questo proposito: “L‘apparenza
inganna”. Il costume tradizionale era uno dei suoi
tanti travestimenti. Nei dipinti, poi, utilizza con
grande intenzionalità i colori e i singoli elementi dei
ricami per veicolare contenuti iconografici.
Clothes.
Appearances
are deceiving
Frida Kahlo has often drawn attention for her
flamboyant clothes. As early as 1948, in Paris, she
inspired a fashion collection designed by Schiaparelli,
and Vogue devoted covers and articles to her image.
In 1998 the designer Jean Paul Gaultier organized a
whole show in Paris inspired by her style. Finally, even
today Frida Kahlo has many emulators in innumerable
look-alike contests.
Carlos Fuentes described the visit of Frida at the
Opera as one of his clearest childhood memories,
because of her spectacular outfit. In reality Frida was
merely following a trend that was common in Mexico,
where many women artists, in order to pay homage
to Mexican popular art, chose to wear the traditional
costumes of their native regions.
In actual fact, Frida generally combined the styles of
different villages in the State of Oaxaca, famous for
its magnificent embroidered textiles. But more than
any other she loved the traditional dress of the city
of Tehuantepec, where the women held sway over
the men in economic matters. Frida’s desire to be
economically independent thus found expression in
her choice of this traditional costume.
The long skirts hid her problems with her right leg,
while the wide Huipil blouses cleverly concealed her
corset. Frida herself remarked that: “Appearances
are deceiving.” Traditional costume was only one of
her many styles of attire. In her paintings, she made
brilliant use of the colours and the single elements of
embroideries to convey iconographic contents.