programma del concerto
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FESTIVAL CAMILLE SAINT-SAËNS TRA ROMANTICISMO E MODERNITÀ DAL 24 SETTEMBRE AL 3 NOVEMBRE 2016 Palazzetto Bru Zane – sabato 15 ottobre, ore 17 Intorno al pianoforte Solisti della Chapelle Musicale Reine Elisabeth Elina Buksha, violino Astrig Siranossian, violoncello Thibaud Epp, pianoforte PALAZZETTO BRU ZANE CENTRE DE MUSIQUE ROMANTIQUE FRANÇAISE Oggi, Camille Saint-Saëns non potrebbe certo lamentarsi di essere sparito dalla storia della musica. La fama internazionale del Carnaval des animaux, del Primo Concerto per violoncello, della Danse macabre, del Secondo Concerto per pianoforte, della Sinfonia «con organo» e del Samson et Dalila colloca il compositore addirittura prima di Gounod e Massenet per quanto riguarda la fortuna presso i posteri. Tuttavia, rispetto al vasto catalogo delle sue opere, molti tesori oggi sembrano essere dimenticati dai programmi dei concerti. Chi conosce i suoi quartetti e il Quintetto con pianoforte o le numerose mélodies con pianoforte? Ognuna di queste riscoperte è stata giudicata importante, ed è parso naturale che il Centro di musica romantica francese dedicasse un festival a questo artista così eclettico e imprevedibile. Camille Saint-Saëns ne pourrait pas se plaindre d’avoir disparu de l’Histoire de la musique. La notoriété internationale du Carnaval des animaux, du Premier Concerto pour violoncelle, de la Danse macabre, du Deuxième Concerto pour piano, de la Symphonie « avec orgue » et de Samson et Dalila place même le compositeur avant Gounod et Massenet sur l’échelle de la postérité. Pourtant, au regard de son vaste catalogue d’œuvres, bien des trésors musicaux semblent aujourd’hui oubliés des salles de concert : qui connaît ses quatuors à cordes et son Quintette avec piano, ou ses nombreuses mélodies avec piano ? Chacune de ces redécouvertes fut jugée d’envergure et il semblait naturel que le Centre de musique romantique française consacre un cycle à cet artiste éclectique et imprévisible. A proposito del pianoforte Piano-piramide, piano-giraffa, piano-lira… Nell’Ottocento, i fabbricanti fanno gare di fantasia per ideare strumenti sempre più originali. Nel 1810 viene depositata una decina di brevetti. Quarant’anni dopo ne vengono depositati 110; verso il 1890, se ne registrano ancora 160! Le invenzioni, a volte assai bizzarre, dovrebbero facilitare l’esecuzione (come la tastiera di forma semi-ovale, che evita grandi spostamenti della mano), ma mirano anche a economizzare lo spazio (il pianoforte verticale rende più democratica la pratica dello strumento e supera per diffusione quello orizzontale a partire dal 1860), offrendo la possibilità di un eventuale duplice uso: i vari piani-tavoli, piani-armadi, piani-scrittoi attestano come il pianoforte sia entrato a far parte della mobilia della borghesia, oltre che dell’alta società, per la quale si fabbricano strumenti lussuosi. In effetti, il piano è diventato indispensabile per accompagnare mélodies, suonare da soli o a quattro mani (opere originali e numerose trascrizioni), esibirsi in trio, in quartetto o in quintetto: le formazioni da camera che si sviluppano nel XIX secolo gravitano tutte intorno al pianoforte. 2 Autour du piano Piano-pyramide, piano-girafe, piano-lyre… Au XIXe siècle, les facteurs rivalisent d’imagination pour concevoir des instruments originaux. Une dizaine de brevets sont déposés en 1810. On en dépose cent-dix quarante ans plus tard ; vers 1890, cent-soixante brevets sont encore enregistrés ! Les inventions, parfois farfelues, sont censées faciliter l’exécution (le clavier en demi-ovale qui évite les grands déplacements). Elles visent aussi à l’économie de place (le piano droit permet une démocratisation de la pratique et supplante le piano carré vers 1860), éventuellement en offrant un double usage : les piano-table, piano-armoire, pianosecrétaire montrent que l’instrument fait partie du mobilier de la bourgeoisie, et de la haute société pour laquelle on fabrique des instruments luxueux. Le piano est en effet devenu indispensable pour accompagner des mélodies, jouer en solo ou à quatre mains (œuvres originales et nombreuses transcriptions), pour se produire en trio, quatuor ou quintette : les formations de chambre qui se développent au XIXe siècle gravitent toutes autour du piano. Camille Saint-Saëns Sonate pour violon et piano no 1 en ré mineur op. 75 : Allegro agitato. Adagio – Allegretto moderato. Allegro molto. Sonate no 1 pour violoncelle et piano en ut mineur op. 32 : Allegro – Andante tranquillo sostenuto – Allegro moderato Six Études op. 52 (extraits) : No 4 : Étude de rythme – No 5 : Prélude et fugue en la mineur – No 6 : En forme de valse Trio avec piano op. 18 : Allegro vivace – Andante – Scherzo – Allegro Durata del concerto / Durée du concert 1h15 Le opere Les œuvres 4 Camille Saint-Saëns: Sonata per violino e pianoforte n. 1 in re minore op. 75 Allegro agitato. Adagio – Allegretto moderato. Allegro molto Camille Saint-Saëns : Sonate pour violon et piano no 1 en ré mineur op. 75 Allegro agitato. Adagio – Allegretto moderato. Allegro molto Quando Saint-Saëns compone la sua Sonata per violino e pianoforte n. 1, nel 1885, ha già al suo attivo numerose partiture scritte per questi due strumenti; se le attribuisce il numero 1, è perché essa rivela ambizioni più alte. Interpretata per la prima volta del compositore e violinista belga Martin-Pierre Marsick (1847-1924), che ne era anche il dedicatario, riscosse immediatamente un notevole successo: «Il suo giorno di gloria è giunto subito. Tutti i violinisti se la contenderanno da un capo del mondo all’altro», confida Saint-Saëns al suo editore Jacques Durand. La sua originale struttura formale consiste di due movimenti divisi in due parti che si susseguono senza soluzione di continuità, secondo una costruzione già adottata dal compositore nel Concerto per pianoforte n. 4 (1875) e ripresa nella Sinfonia n. 3 con organo (1886). La Sonata per violino e pianoforte mantiene in perfetto equilibrio i due strumenti e le diverse atmosfere che essa esprime. La cupa frenesia delle prime pagine si attenua con l’enunciazione del secondo tema, più calmo. Se Proust si è ispirato a diverse partiture per la descrizione della Sonata di Vinteuil, la «petite phrase» fa riferimento proprio a questa melodia, per ammissione dello stesso scrittore. Fluido ed elegante, l’Adagio è caratterizzato da un’espressività priva di pathos. L’Allegretto moderato di fatto è uno scherzo dal ritmo danzante: la sua scrittura disseminata di staccati si interrompe nell’episodio centrale, allorché il violino Quand Saint-Saëns compose sa Sonate pour violon et piano no 1, en 1885, il est déjà l’auteur de plusieurs partitions pour ces deux instruments. S’il la dote du « no 1 », c’est parce qu’elle révèle des ambitions supérieures. Créée par le compositeur et le violoniste belge Martin-Pierre Marsick (1847-1924), son dédicataire, elle connaît aussitôt un succès remarquable : « Son jour de gloire est venu tout de suite. Tous les violonistes vont se l’arracher d’un bout du monde à l’autre », confie Saint-Saëns à son éditeur Jacques Durand. Originale, sa structure formelle consiste en deux mouvements divisés en deux parties enchaînées, une construction déjà adoptée dans le Concerto pour piano no 4 (1875) et reprise dans la Symphonie no 3 avec orgue (1886). La Sonate équilibre parfaitement les deux instruments et les climats. La sombre fébrilité des premières pages s’atténue lors de l’énoncé du deuxième thème, plus apaisé. Si Proust s’est inspiré de plusieurs partitions pour la « Sonate de Vinteuil », la « petite phrase » fait référence à cette mélodie, du propre aveu de l’écrivain. Fluide et élégant, l’Adagio se caractérise par son expressivité dénuée de pathos. L’Allegretto moderato est en fait un scherzo au rythme dansant. Son écriture hérissée de staccato s’interrompt lors de l’épisode central, où le violon déploie une ligne cantabile accompagnée par les arpèges du piano. Dans la dernière partie de la Sonate, des passages fondés sur un mouvement perpétuel virtuose alternent sviluppa una linea cantabile accompagnata dagli arpeggi del pianoforte. Nell’ultima parte della Sonata, passaggi basati su un virtuosistico moto perpetuo si alternano a sezioni di intenso lirismo, in cui riappare il secondo tema dell’Allegro agitato. avec des sections au lyrisme intense, où reparaît le deuxième thème de l’Allegro agitato. Camille Saint-Saëns: Sonata n. 1 per violoncello e pianoforte in do minore op. 32 Allegro – Andante tranquillo sostenuto – Allegro moderato Camille Saint-Saëns : Sonate no 1 pour violoncelle et piano en ut mineur op. 32 Allegro – Andante tranquillo sostenuto – Allegro moderato Nel 1872 Saint-Saëns compone due importanti opere per il violoncello: la Sonata op. 32 e il Concerto op. 33. Dedica la propria partitura cameristica al violoncellista Jules-Bernard Lasserre, con il quale si esibisce spesso. Ma è assieme a Auguste Tolbecque (futuro primo interprete del Concerto) che ne dà la prima esecuzione il 7 dicembre 1872 alla Société nationale. Nel 1876 la riprenderà con il dedicatario in occasione di un concerto a Londra. Tesa e possente, la Sonata sembra memore della guerra franco-prussiana del 1870. Dominato da un respiro veemente e da colori cupi, l’Allegro iniziale fa ampio ricorso al registro grave degli strumenti. Il secondo tema (melodia ad accordi nel registro acuto del pianoforte, mentre il violoncello oscilla su due note) reca un senso di pace, tuttavia di breve durata. Il secondo movimento introduce una maggiore quiete. Esso è basato su un corale di cui Saint-Saëns indica l’origine: «L’Andante della mia prima sonata per pianoforte e violoncello è il risultato di En 1872, Saint-Saëns compose deux œuvres majeures pour le violoncelle : la Sonate op. 32 et le Concerto op. 33. Il dédie sa partition de chambre au violoncelliste Jules-Bernard Lasserre, avec lequel il se produit souvent. Mais c’est en compagnie d’Auguste Tolbecque (futur créateur du Concerto) qu’il la donne en première audition le 7 décembre 1872, à la Société nationale. En 1876, il la reprendra avec le dédicataire lors d’un concert à Londres. Puissante et tendue, la Sonate semble se souvenir de la guerre franco-prussienne de 1870. Dominé par un souffle véhément et des couleurs sombres, l’Allegro initial sollicite beaucoup le registre grave des instruments. Le second thème (mélodie en accords dans le registre aigu du piano tandis que le violoncelle oscille sur deux notes) apporte un apaisement qui reste de courte durée. Le deuxième mouvement introduit davantage de quiétude. Il est fondé sur un choral dont Saint-Saëns a indiqué l’origine : « L’Andante de ma première sonate pour piano et violoncelle est le résultat d’une improvisation sur l’orgue de 5 6 un’improvvisazione sull’organo di Saint-Augustin; la prima e l’ultima pagina del pezzo riproducono testualmente quanto avevo improvvisato.» La sezione centrale esprime un’effusione più romantica per poi sviluppare l’incipit del corale, avvolto di morbide volute nell’ultima parte del movimento. Il tempestoso finale si riallaccia al clima iniziale dell’opera. Il secondo tema, ampia frase cantabile, introduce anch’esso un barlume di speranza. Ma il flusso ininterrotto del pianoforte trascina la sonata in una vertiginosa corsa verso l’abisso. Saint-Augustin ; la première et la dernière pages du morceau reproduisent textuellement ce que j’avais improvisé. » La partie centrale épanche une effusion plus romantique, puis développe la tête du choral, lequel est enveloppé de souples volutes dans le dernier volet du mouvement. Le finale tempétueux renoue avec le climat du début de l’œuvre. Son deuxième thème, ample phrase cantabile, introduit lui aussi une lueur d’espoir. Mais le flot ininterrompu du piano entraîne la sonate dans une vertigineuse course à l’abîme. Camille Saint-Saëns: Six Études op. 52 (estratti) N. 4, Étude de rythme – N. 5, Prélude et fugue en la mineur – N. 6, En forme de valse Camille Saint-Saëns : Six Études op. 52 (extraits) No 4, Étude de rythme – No 5, Prélude et fugue en la mineur – No 6, En forme de valse Prima delle tre raccolte di studi di Saint-Saëns, l’opera 52 fu composta nel 1877. Riservata a eccellenti pianisti (i pezzi sono dedicati in successione a Édouard Marlois, Wilhelm Krüger, Anton Rubinstein, Constance Pontet, Nicolas Rubinstein e Marie Jaëll), contiene anche studi «di scrittura»: i nn. 3 e 5 recano la menzione Prélude et fugue. Secondo Saint-Saëns, il pianista deve saper rendere intellegibile l’intreccio di più linee melodiche. La presenza di questi due dittici attesta anche la sua passione per l’opera di Bach. Lo Studio n. 4, sottotitolato «Étude de rythme», sovrappone invece metri binari e ternari in un tempo Andantino. In realtà, la velocità non è sempre in primo piano. Il secondo pezzo, Andantino malinconico, è uno studio sulla sonorità: in ogni Premier des trois recueils d’études de Saint-Saëns, l’opus 52 fut composé en 1877. Réservé à d’excellents pianistes (les pièces sont successivement dédiées à Édouard Marlois, Wilhelm Krüger, Anton Rubinstein, Constance Pontet, Nicolas Rubinstein et Marie Jaëll), il contient également des études « d’écriture » : les nos 3 et 5 portent la mention « Prélude et fugue ». Selon Saint-Saëns, le pianiste doit savoir rendre intelligible l’entrelacement de plusieurs lignes mélodiques. La présence de ces deux diptyques témoigne aussi de sa passion pour l’œuvre de Bach. Quant à l’Étude n° 4, sous-titrée « Étude de rythme », elle superpose des mètres binaires et ternaires dans un tempo Andantino. De fait, la vélocité n’est pas toujours au premier plan. La deuxième pièce, Andantino malinconico, accordo l’interprete deve far risaltare una sola nota (evidenziata sullo spartito da un carattere in corpo maggiore), suonata successivamente dalle diverse dita delle due mani al fine di far spiccare una linea melodica. In compenso, i brani che aprono e chiudono la raccolta dispiegano uno sfolgorante virtuosismo, accumulando le difficoltà di natura diversa (scale, arpeggi, note ribattute, gioco di ottave, mani alternate o incrociate ecc.). Jean Gallois suggerisce che l’ultimo Studio potrebbe essere «una garbata caricatura delle opere salottiere allora di moda in certi ambienti». Sulla base di questo valzer Ysaÿe elaborò un Capriccio per violino e pianoforte. est une étude de sonorité : dans chaque accord, l’interprète doit faire ressortir une seule note (mise en évidence sur la partition par un caractère de taille plus importante), jouée successivement par les différents doigts des deux mains, afin de dégager une ligne mélodique. En revanche, les morceaux qui ouvrent et referment le recueil déploient une virtuosité éblouissante, accumulant les difficultés de nature différente (gammes, arpèges, notes répétées, jeu en octaves, mains alternées ou croisées, etc.). Jean Gallois suggère que la dernière Étude pourrait être « une gentille caricature des œuvres salonnardes en vogue à l’époque et dans certains milieux ». À partir de cette valse, Eugène Ysaÿe façonna un Caprice pour violon et piano. Camille Saint-Saëns: Trio con pianoforte op. 18 Allegro vivace – Andante – Scherzo – Allegro Camille Saint-Saëns : Trio avec piano op. 18 Allegro vivace – Andante – Scherzo – Allegro Nell’ottobre 1864, dopo un secondo, bruciante fallimento al concorso per il prix de Rome, Saint-Saëns porta a termine un Trio iniziato l’anno precedente. Il compositore trentaduenne realizza così la sua prima partitura importante nell’ambito della musica da camera. Ed è un capolavoro: nella linea dei trii di Schumann e Mendelssohn, l’opera è un paradigma di costruzione perfetta, equilibrio strumentale e finezza di spirito. Non a caso, Ravel, prima di mettere mano al proprio Trio mezzo secolo più tardi, ne riaprirà la partitura. Saint-Saëns dedica questo suo Trio op. 18 ad Alfred Lamarche, ricevitore del dazio a Parigi, che sarà suo En octobre 1864, après un second et cuisant échec au concours du prix de Rome, Saint-Saëns achève la composition d’un Trio débuté l’année précédente. Le musicien de 32 ans livre sa première partition d’importance dans le domaine chambriste. C’est même un coup de maître : dans la lignée des trios de Schumann et Mendelssohn, son œuvre est un modèle de construction, d’équilibre instrumental et d’esprit. Ce n’est pas un hasard si Ravel, au moment d’entreprendre son propre Trio un demi-siècle plus tard, en rouvrira la partition. Saint-Saëns dédie ce Premier Trio à Alfred Lamarche, receveur de l’octroi à Paris, témoin de 7 testimone di nozze nel 1875. Il pezzo fu eseguito per la prima volta il 29 dicembre 1867 da Bosewitz, Telesinsky et Norblin e, finché visse il compositore, godette sempre di grande successo; lo stesso Saint-Saëns lo interpretò sovente, così come i famosi trii Pugno-Ysaÿe-Hollmann e Cortot-Thibaud-Casals. L’Allegro vivace, che si apre su un tema danzante al violoncello, mostra una gaiezza costante e notevole ricchezza melodica. L’Andante utilizza un tema folklorico annotato da Saint-Saëns durante un viaggio in Alvernia nell’estate del 1863. Vi si ode chiaramente una melodia rustica di carattere malinconico, sostenuta da un «bordone» (una nota tenuta dal violino); con essa contrastano i due episodi intermedi, improntati a un nobile lirismo. Lo Scherzo, pieno di humour, secondo Yves Gérard è «un meccanismo a orologeria», con i suoi staccati, le note ripetute e le sincopi ritmiche sapientemente regolate. Infine, l’Allegro finale inizia con un sorprendente dialogo tra violoncello e violino, sostenuto da un vibrante accompagnamento del pianoforte; il movimento è formato da numerosi episodi ricchi di melodie. 8 son mariage en 1875. L’œuvre est créée le 29 décembre 1867 par Bosewitz, Telesinsky et Norblin. Du vivant du compositeur, elle jouira d’un grand succès, Saint-Saëns lui-même l’ayant beaucoup interprétée – de même que les célèbres trios Pugno-YsaÿeHollmann puis Cortot-Thibaud-Casals. L’Allegro vivace, qu’ouvre un thème dansant au violoncelle, montre une constante gaité et une grande richesse mélodique. L’Andante utilise un thème folklorique noté par Saint-Saëns lors d’un voyage en Auvergne au cours de l’été 1863. On entend clairement une mélodie rustique, éplorée, soutenue par un « bourdon » (la tenue du violon) ; deux épisodes intermédiaires d’un généreux lyrisme font contraste. Plein d’humour, le Scherzo est selon Yves Gérard « un mécanisme d’horlogerie », avec ses staccatos, notes répétées et syncopes rythmiques savamment réglés. Enfin, l’Allegro final s’ouvre sur un étonnant dialogue entre violoncelle et violon, soutenu par un accompagnement frémissant du piano ; le mouvement est formé d’épisodes nombreux et prodigues en mélodies. Il compositore Le compositeur Camille Saint-Saëns (1835-1921) Orfano di padre proprio come Charles Gounod, Saint-Saëns fu cresciuto dalla madre e dalla prozia. Fu quest’ultima a iniziarlo al pianoforte, prima di affidarlo a Camille-Marie Stamaty e poi a Pierre Maleden. Straordinariamente precoce, fece la sua prima apparizione in concerto già nel 1846. Due anni dopo lo ritroviamo al Conservatorio nelle classi di Benoist (organo) e poi di Halévy (composizione). Anche se fallì due volte al concorso per il prix de Rome, il complesso della sua carriera fu costellato da un’infinità di riconoscimenti e di nomine a vari incarichi ufficiali, tra cui un’elezione all’Académie des beaux-arts nel 1881. Virtuoso, titolare degli organi della Madeleine (1857-1877), impressionò i suoi contemporanei. Compositore colto e fecondo, si adoperò per la riabilitazione dei maestri del passato partecipando a edizioni di Gluck e di Rameau. Eclettico, difese tanto Wagner quanto Schumann. Come didatta ebbe tra i suoi allievi Gigout, Fauré o Messager. Come critico firmò numerosi articoli che attestano uno spirito lucido e acuto, anche se molto legato ai principi dell’accademismo. Fu questo stesso spirito, indipendente e volitivo, a indurlo a fondare nel 1871 la Société nationale de musique, e quindi a rassegnare le dimissioni nel 1886. Ammirato per le sue opere orchestrali, pervase di un rigore assolutamente classico in uno stile ardimentoso (cinque concerti per pianoforte, tre sinfonie, l’ultima delle quali con organo, quattro poemi sinfonici, tra cui la celebre Danse macabre), conobbe un successo internazionale grazie in particolare alle opere Samson et Dalila (1877) e Henry VIII (1883). Camille Saint-Saëns (1835-1921) Orphelin de père tout comme Charles Gounod, Saint-Saëns fut élevé par sa mère et sa grand-tante. C’est cette dernière qui l’initia au piano, avant de le confier à Stamaty puis à Maleden. Extraordinairement précoce, il fit sa première apparition en concert dès 1846. Deux ans plus tard, on le retrouve au Conservatoire dans les classes de Benoist (orgue) puis d’Halévy (composition). S’il échoua à deux reprises au concours de Rome, l’ensemble de sa carrière fut néanmoins ponctué d’une foule de récompenses, ainsi que de nominations à divers postes institutionnels, dont une élection à l’Académie en 1881. Virtuose, titulaire des orgues de la Madeleine (1857-1877), il impressionna ses contemporains. Compositeur fécond et cultivé, il œuvra à la réhabilitation des maîtres du passé, participant à des éditions de Gluck et de Rameau. Éclectique, il défendit aussi bien Wagner que Schumann. Pédagogue, il compta parmi ses élèves Gigout, Fauré ou Messager. Critique, il signa de nombreux articles témoignant d’un esprit fort et lucide, quoique très attaché aux principes de l’académisme. C’est ce même esprit, indépendant et volontaire, qui le poussa à fonder, en 1871, la Société nationale de musique, puis à en démissionner en 1886. Admiré pour ses œuvres orchestrales empreintes d’une rigueur toute classique dans un style non dénué d’audaces (cinq concertos pour piano, cinq symphonies dont la dernière avec orgue, quatre poèmes symphoniques, dont la célèbre Danse macabre), il connut une renommée internationale, notamment grâce à ses opéras Samson et Dalila (1877) et Henry VIII (1883). 9 Gli interpreti Les interprètes Elina Buksha, violino Nata in Lettonia nel 1990, Elina Buksha è considerata una delle violiniste più promettenti della sua generazione. Suona dall’età di cinque anni ed è stata allieva del professore lettone Ojars Kalnins fino al 2009; dal 2011 frequenta le masterclass di Ana Chumachenco in Francia, Germania e Svizzera. Dopo il suo debutto con l’orchestra lettone Liepāja Symphony Orchestra, all’età di dodici anni, Elina si è esibita con numerose orchestre, quali la Latvian National Symphony, la Sinfonietta Riga, la Sinfonia Varsovia, la Royal Philharmonic, la Südwestdeutsche Philarmonie Konstanz e la Musica Viva di Mosca. Nel 2013, Elina ha conseguito il Great Music Award, ossia il premio musicale lettone più prestigioso, nella categoria «Debut of the Year». Nella stagione 2014-2015 ha debuttato con l’Orchestra Sinfonica Čajkovskij della Radio di Mosca diretta da Vladimir Fedoseyev e con la Kansai Symphony diretta da Augustin Dumay in Giappone. Elina suona un Domenico Montagnana del 1723, messo a sua disposizione dalla Chapelle Musicale Reine Elisabeth, ove studia dal settembre 2011 sotto la guida di Augustin Dumay. Beneficia di una borsa di studio finanziata da un donatore anonimo. 10 Elina Buksha, violon Née en Lettonie en 1990, Elina Buksha est considérée comme une des violonistes les plus prometteuses de sa génération. Elina joue du violon depuis ses cinq ans, et a été l’élève du professeur lettonien Ojars Kalnins, jusqu’en 2009. Depuis 2011, elle étudie avec Ana Chumachenco dans des master-classes en France, en Allemagne et en Suisse. Depuis ses débuts avec l’orchestre Liepāja Symphony Orchestra en Lettonie, à l’âge de douze ans, Elina a joué avec nombreux autres orchestres dont l’orchestre Latvian National Symphony, le Sinfonietta Riga, le Sinfonia Varsovia, le Royal Philharmonic, le Südwestdeutsche Philarmonie Konstanz ou le Musica Viva à Moscou. En 2013, Elina reçoit la prestigieuse récompense de musique lettonne Debut of the Year, le prix le plus honorifique en musique lettonne. En 2014/2015 elle a fait ses débuts avec l’orchestre Symphonique Tchaïkovski de la Radio de Moscou, sous la direction de Vladimir Fedoseyev et de l’orchestre Kansai Symphony au Japon, avec Augustin Dumay. Elina joue sur un violon Domenico Montagnana 1723, prêté par la Chapelle Musicale Reine Elisabeth. Depuis septembre 2011, elle étudie à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, en Belgique, sous la direction d’Augustin Dumay. Elle bénéficie de la bourse d’un donateur anonyme. Astrig Siranossian, violoncello Astrig Siranossian è nata nel 1988 a Lione, dove ha frequentato il Conservatoire National Supérieur de musique et de danse; nel 2014 ha conseguito a Basilea il master di solista nella classe di Ivan Monighetti, con le felicitazioni della giuria. Con il suo violoncello, un Ruggieri del 1676, Astrig interpreta sia il repertorio classico sia opere di compositori contemporanei, alcuni dei quali hanno scritto brani appositamente per lei. Suona con strumentisti quali Bertrand Chamayou, i fratelli Bruno e Régis Pasquier, Sol Gabetta, Ivan Monighetti, Michel Beroff, Daniel Schnyder, ma anche Yo-Yo Ma e Adrian Oetiker. Ha suonato come solista con numerose orchestre ed è stata invitata a esibirsi in festival prestigiosi, rivelandosi interprete ispirata e ispiratrice. Nel 2013 vince il concorso Penderecki, ottenendo anche due premi speciali. Ritenendola un’artista sommamente promettente, il canale televisivo francese TFI le ha dedicato un servizio nel 2015; è stata inoltre intervistata da Radio France e dalla radio tedesca Bayerischer Rundfunk. Insieme al pianista Théo Fouchenneret, ha appena inciso un disco di sonate per pianoforte e violoncello per l’etichetta Claves. Dal settembre 2015 è artiste en résidence alla Chapelle Musicale Reine Elisabeth, ove studia sotto la guida di Gary Hoffman. Beneficia di una borsa di studio finanziata dal barone Wenceslas e dalla baronessa Isabelle de Traux de Wardin. Astrig Siranossian, violoncelle Astrig Siranossian est née à Lyon en 1988. Elle entre au Conservatoire National Supérieur de musique et de danse de Lyon et achève en 2014 son master de soliste dans la classe d’Ivan Monighetti à Bâle, avec les félicitations du jury. Avec son violoncelle, un Ruggieri de 1676, Astrig nous entraîne aussi bien vers un répertoire classique que vers des œuvres d’auteurs contemporains qui ont déjà composé pour elle. Elle partage la scène avec des musiciens tels que Bertrand Chamayou, les frères Bruno et Régis Pasquier, Sol Gabetta, Ivan Monighetti, Michel Beroff, Daniel Schnyder, ou encore Yo-Yo Ma et Adrian Oetiker. Astrig a joué en soliste avec de nombreux orchestres. Elle est invitée d’honneur de grands festivals, se révélant à l’évidence violoncelliste inspirée et “inspirante”. En 2013, elle remporte le concours Penderecki et obtient également deux prix spéciaux. La comptant parmi les artistes à suivre de près, TFI lui consacre un reportage en 2015. Interviewée par Radio France et par la chaîne de radio allemande, le Bayerischer Rundfunk, Astrig vient de sortir un disque en sonate chez le label « Claves » avec le pianiste Théo Fouchenneret. Depuis septembre 2015, Astrig est « Artiste en résidence » à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, sous la direction de Gary Hoffman. Elle bénéficie de la bourse du Baron et de la Baronne Wenceslas et Isabelle de Traux de Wardin. 11 Thibaud Epp, pianoforte È nato a Strasburgo nel 1987. Dopo aver studiato pianoforte ai Conservatori di Strasburgo e di Parigi con Dany Rouet e poi con Théodore Paraskivesco e Laurent Cabasso, ha completato la sua formazione con Erika Guiomar per la direzione di canto e con Nicolas Brochot per la direzione d’orchestra. Dopo essersi perfezionato con Rena Shereshevskaya, fonda con i fratelli David et Alexandre Castro-Balbi il Trio Suyana, ottenendo diversi premi internazionali. Nel 2014 i tre sono accolti alla Chapelle Musicale Reine Elisabeth nella classe del Quatuor Artemis. Thibaud si esibisce in importanti sale da concerto in Francia e altrove: salle Pleyel, Hôtel des Invalides, Archives Nationales, Palais de la Musique et des Congrès di Strasburgo, Festival di Arradon, Festival Georges Cziffra a Unieux, Printemps Musical des Alizés a Essaouira, Abbazia di Stavelot (Belgio), Izumi Hall a Osaka (Giappone). Ha inoltre partecipato alla trasmissione radiofonica «Génération Jeunes Interprètes» su France Musique e si è esibito anche a FIP Radio e alla SWR tedesca. È stato invitato a partecipare in qualità di pianista accompagnatore a numerose accademie, come quella di Villecroze e quella di Flaine, a fianco di Franz Helmerson, Miklós Perényi, Gary Hoffman, Peter Bruns, e ha potuto trarre giovamento dai consigli pianistici di Jean-Claude Pennetier e di Ferenc Rados. Nel 2004 gli è stato conferito il Prix de la Ville de Strasbourg e nel 2008 ha vinto il Concorso internazionale di Brest. È anche borsista della Fondation Cziffra. 12 Thibaud Epp, piano Thibaud Epp est né à Strasbourg en 1987. Après des études de piano au Conservatoire de Strasbourg et de Paris auprès de Dany Rouet, puis Théodore Paraskivesco et Laurent Cabasso, il complète sa formation avec Erika Guiomar pour la direction de chant et Nicolas Brochot pour la direction d’orchestre. Après un perfectionnement Rena Shereshevskaya, il fonde le Trio Suyana avec les frères David et Alexandre Castro-Balbi. Avec ce trio il remporte des prix internationaux. En 2014, ils intègrent la Chapelle Musicale Reine Elisabeth dans la classe du Quatuor Artemis. Il se produit dans de nombreuses salles en France et à l’étranger : salle Pleyel, Hôtel des Invalides, Archives Nationales, Palais de la Musique et des Congrès de Strasbourg, Festival d’Arradon, Festival Georges Cziffra à Unieux, Printemps Musical des Alizés à Essaouira, Abbaye de Stavelot (Belgique), Izumi Hall à Osaka (Japon), ainsi qu’à la radio on a pu l’entendre dans l’émission « Génération Jeunes Interprètes » sur France Musique, sur FIP, et à la SWR allemande. Il a été invité à participer en tant que pianiste accompagnateur à de nombreuses académies telles que celles de Villecroze et Flaine, auprès de Franz Helmerson, Miklós Perényi, Gary Hoffman, Peter Bruns et a pu bénéficier des conseils pianistiques de Jean-Claude Pennetier et de Ferenc Rados. Thibaud a été distingué par le Prix de la Ville de Strasbourg en 2004 et a été lauréat du Concours International de Brest en 2008. Il est également lauréat de la Fondation Cziffra. Chapelle Musicale Reine Elisabeth Après un travail approfondi mené autour de l’œuvre d’Édouard Lalo en 2015, dont l’aboutissement a été l’enregistrement et la publication de l’intégrale de sa musique concertante, le Palazzetto Bru Zane et la Chapelle Musicale Reine Elisabeth font découvrir cette saison à plusieurs jeunes solistes en résidence à la Chapelle des œuvres de Camille Saint-Saëns et de Fernand de La Tombelle. L’occasion pour ces jeunes talents de venir se produire au Palazzetto Bru Zane dans des trios, sonates et pièces pour piano seul des deux compositeurs. In seguito al lavoro sull’opera del compositore Édouard Lalo iniziato nel 2015 e il cui risultato è confluito nella pubblicazione del CD con l’integrale delle musica concertante per violino, violoncello e pianoforte, per la stagione 2016-2017 il Palazzetto Bru Zane e la Chapelle Musicale Reine Elisabeth propongono la riscoperta di opere di Camille Saint-Saëns e di Fernand de La Tombelle a diversi solisti in residenza alla Chapelle Musicale Reine Elisabeth. Questi giovani talenti avranno così l'occasione per esibirsi in trii, sonate e brani per pianoforte solista dei due compositori protagonisti della stagione del Palazzetto Bru Zane. musicchapel.org CAMILLE SAINT-SAËNS: NOVITÀ EDIZIONI E DISCHI Tutte le pubblicazioni su bru-zane.com Mélodies Tassis Christoyannis baritono Jeff Cohen pianoforte APARTÉ (2016) Quintetto con pianoforte Quartetto per archi n. 1 QUARTETTO DI CREMONA Andrea Lucchesini pianoforte AUDITE (2016) Camille Saint-Saëns Jacques Rouché : Correspondance (1913-1921) Camille Saint-Saëns Il Re degli spiriti musicali di Giuseppe Clericetti presentata e commentata da Marie-Gabrielle Soret Libro in francese ZECCHINI EDITORE (2016) ACTES SUD / PALAZZETTO BRU ZANE (2016) Con il sostegno del Palazzetto Bru Zane Les Barbares (1901) CHŒUR LYRIQUE ET ORCHESTRE SYMPHONIQUE SAINT-ÉTIENNE LOIRE Laurent Campellone direzione Catherine Hunold, Julia Gertseva, Edgaras Montvidas, Jean Teitgen CD con libro – 2 CD PALAZZETTO BRU ZANE (2014) Camille Saint-Saëns et le prix de Rome BRUSSELS PHILHARMONIC FLEMISH RADIO CHOIR Hervé Niquet direzione Julie Fuchs, Marina De Liso, Solenn’ Lavanant Linke, Bernard Richter, Pierre-Yves Pruvot, Nicolas Courjal, François Saint-Yves CD con libro – 2 CD GLOSSA (2010) Prossimi eventi al Palazzetto Bru Zane Prochains événements au Palazzetto Bru Zane Domenica 16 ottobre, ore 15.30 Eventi per le famiglie Violino, violoncello e piano… Tutti per uno, uno per tutti! Laboratorio-concerto per genitori e bambini a partire dai 6 anni A cura di Diana D’Alessio Musiche di SAINT-SAËNS Solisti della Chapelle Musicale Reine Elisabeth Info e prenotazioni: [email protected] | +39 041 52 11 005 Giovedi 20 ottobre, ore 20 Il canto del cigno Musiche di SAINT-SAËNS Trio Latitude 41 Martedì 25 ottobre, ore 20 E ora, si aprano le danze! Musiche di SAINT-SAËNS, CHAMINADE, DEBUSSY, BONIS, ALKAN Philippe Bianconi, pianoforte Giovedì 3 novembre, ore 20 Quartetto con pianoforte Musiche di SAINT-SAËNS, BONIS Mozart Piano Quartet Finale con brindisi insieme ai musicisti Sintonizzatevi su Bru Zane Classical Radio, la webradio dedicata alla musica romantica francese, raggiungibile da ogni parte del mondo, ovunque sia disponibile una connessione a internet. Il repertorio spazia dalla musica da camera alla sinfonica sino all'opera lirica. Non solo: avrete anche la possibilità di collegarvi alla nostra banca dati online Bru Zane Mediabase per approfondire la conoscenza sui compositori e potrete acquistare i cd direttamente da Amazon. Sul nostro sito troverete le anticipazioni sulla programmazione e in particolare sull'appuntamento con l'opera lirica previsto la domenica sera. Vi auguriamo un buon ascolto in compagnia di Bru Zane Classical Radio! classicalradio.bru-zane.com Per saperne di più sui compositori e le opere del patrimonio musicale romantico francese, consultate la nostra banca dati online bruzanemediabase.com Contributi musicologici Louise Bernard de Raymond, Hélène Cao, Bénédicte Gandois Crausaz, Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon 2 Traduzioni Arianna Ghilardotti Palazzetto Bru Zane Centre de musique romantique française San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia +39 041 52 11 005 bru-zane.com