lezioni di progetto

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lezioni di progetto

FOCUS ON
FOCUS ON
LEZIONI
DI PROGETTO
DESIGN LESSONS
Christian Guellerin, Michele Capuani, Aldo Colonetti con la collaborazione di/with contributions by
Silvia Airoldi, Manuela Zanotti
CENTRAL SAINT MARTINS COLLEGE OF ART AND DESIGN
LONDON, UK
ELISAVA – ESCOLA SUPERIOR DE DISSENY I ENGINYERIA
DE BARCELONA, SPAIN
Il percorso nella nuova generazione di progettisti, avviato da Ottagono e Cumulus nel 2011, giunge al secondo
appuntamento. In collaborazione con l’associazione internazionale dedicata a formazione e ricerca nell’ambito di design, arti e media –attualmente Cumulus comprende 189 tra università e college dislocati in 46 nazioni
– sono state individuate esperienze diverse che rappresentano un esempio concreto di come oggi si progetta.
Le introduzioni di Christian Guellerin, Michele Capuani e Aldo Colonetti riconducono a un unico filo conduttore:
la disciplina e la pratica del design riescono a dare un contributo innovativo a un mondo di prodotti e servizi
che, a causa della congiuntura economica e sociale, sta cambiando ancor più velocemente del solito. Il design,
e le sue istituzioni, come aggregatori e acceleratori di competenze differenti, strumento di crescita sostenibile
per un mondo sfinito dalla pura logica del profitto.
Inaugurated by Ottagono and Cumulus in 2011, the annual tour of the new generation of designers is now in
its second edition. This partnership with the international association for training and research in design – Cumulus currently counts 189 member universities and colleges in 46 different nations – has made it possible to
single out a variety of experiences offering a realistic portrait of today’s approach to design. The introductions
by Christian Guellerin, Michele Capuani and Aldo Colonetti all lead back to the same roots: how design as a discipline and practice can make an innovative contribution to a whole realm of products and services that, due to
the marked economic and social context, is changing more rapidly than is customary. Design and its institutions
– as hubs and accelerators for different proficiencies and as a tool for sustainable growth to aid a world drained
by the pure logic of profit. www.cumulusassociation.org
32 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012
ESAG PENNINGHEN - ECOLE SUPÉRIEURE DE DESIGN, D’ART GRAPHIQUE
ET D’ARCHITECTURE INTÉRIEURE, PARIS, FRANCE
HONG KONG DESIGN INSTITUTE (HKDI)
CHINA
KUNST- OG DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN (KHIB)
NORWAY
L’ÉCOLE DE DESIGN NANTES ATLANTIQUE
FRANCE
LUND UNIVERSITY SCHOOL OF INDUSTRIAL DESIGN
SWEDEN
TECHNOLOGICAL EDUCATIONAL INSTITUTE (TEI)
OF ATHENS, GREECE
Luglio-Agosto | July-August 2012
Ottagono 33
FOCUS ON
SCUOLE DI DESIGN: DALLA CREATIVITÀ A UNA NUOVA
IMPRENDITORIALITÀ, PIÙ SOCIALE E PIÙ SOSTENIBILE
FOCUS ON
DESIGN SCHOOLS: FROM CREATION TO A NEW,
MORE SUSTAINABLE, MORE SOCIAL ENTREPRENEURSHIP
Christian Guellerin*
Considerando l’attuale contesto socio-economico turbolento, il numero di opportunità che
si offrono alle scuole di design, a cui spetta la preparazione dei professionisti di domani, non
è solo significativo ma anche indicativo delle sfide di innovazione che le imprese di oggi e la
società in generale si trovano ad affrontare. Gli ultimi dieci anni hanno portato molti cambiamenti negli istituti di design, divenuti punto di riferimento in tanti paesi. Nonostante ciò, il loro
processo di evoluzione non è concluso, poiché sta gettando le fondamenta per creare centri
d’innovazione importanti sul fronte economico e per la società in generale. La possibilità di
lavorare trasversalmente con le aziende e le altre discipline accademiche traccia un nuovo
modello di responsabilità. L’immaginazione può fare cose straordinarie ed è indispensabile
nel brainstorming; tuttavia, il suo valore è ottimizzato quando viene trasformata in scenari
fattibili, in prodotti e servizi fruibili. Se, da una parte, l’oggetto creato può e deve giustificare
la soggettività del suo creatore, dall’altra, il compito dell’innovazione è assicurare che i progetti siano realizzabili. Di fronte a questa esigenza, le scuole di design assumono una nuova
identità: quella di centri d’innovazione fondati sull’oggettività e la riproducibilità, necessari
alle facoltà di ingegneria per strutturare in modo meno ‘minaccioso’ scenari di utilizzo delle
tecnologie. Anche le scuole di economia dovrebbero rivedere il loro approccio al design industriale, spesso trascurato a favore del marketing della distribuzione o a vantaggio di ricerche
di mercato non in sintonia con le attuali esigenze. Gli istituti più rinomati hanno già creato
i loro laboratori di sperimentazione e le loro fabbriche di design. Appropriati ecosistemi di
ricerca, formazione e corporate stanno già strutturando master in design in grado di promuovere istruzione ibrida, dual degree e multiculturalismo. L’epoca della ‘imprenditorialità’
è dunque in corso. Più si rivelerà fattibile un progetto, più saranno invogliati gli studenti a
svilupparlo senza permettere ad altri di farlo al loro posto. Sarà introdotto un nuovo criterio
di qualità per individuare le migliori sedi creative: la percentuale di studenti che riuscirà ad
avviare la propria attività in base ai prodotti progettati durante gli studi sarà un indice determinante. Maggiore sarà l’uso dell’innovazione, più forte dovrà essere la determinazione dei
giovani a fare il grande passo verso il lavoro autonomo con l’obiettivo, per chi ne ha la capacità e lo desidera, di creare una nuova azienda. In un’era in cui le scuole di economia fanno
fatica ad affrontare la crisi e le facoltà di ingegneria devono difendere il progresso, le scuole
di design sono forse già prossime a diventare luoghi di ricerca necessari alle imprese per
ragionare con un atteggiamento più oggettivo, guardando le cose da un altro punto di vista.
Questo tema economico, sociale e sostenibile necessita ancora del dovuto impegno, anche
da parte delle istituzioni pubbliche.
Given the turbulent socio-economic climate, the number of opportunities awaiting design schools
– involving the training of students who will occupy tomorrow’s top managerial roles – is not only impressive, but also commensurate with the innovation challenges facing businesses and society on the whole. The past decade has already seen design schools undergo many changes,
taking them to be the focal hub in several countries. This said, their evolution is not over: they
will lay the groundwork for centers of innovation aimed at serving the financial front and, more
generally, society. The chance to work transversally with companies and other academic disciplines triggers a new type of responsibility. Imagination works wonders, and is indispensable in
brainstorming. Nevertheless, its value is best optimized when transformed into viable scenarios,
commercialized products and services. If, on the one hand, creation can and must justify the subjectivity of its creator, then, on the other hand, innovation’s job is to ensure that projects are viable.
Faced with this requirement, design schools will ultimately take on a new identity: a center of innovation revealing an objective and reproducible nature. They will become centers of experimentation needed by engineering schools to set out technology usage scenarios in a less threatening way. Business schools too will seize the opportunity to revisit an approach to product design
which has often been neglected in favor of distribution marketing or marketing research that is
neither in tune or in sync with current business needs. The most prominent schools have already
created their experimentation laboratories and their design factories. Befitting ‘research-training-corporate’ ecosystems are already in the midst of establishing Master of Design programs
that foster hybrid learning, dual degrees and multiculturalism. Thus, the era of entrepreneurship
is in motion. The more viable projects are, the more tempted students will be to develop them;
and they will not give others the chance to do so in their place. A new quality criterion will be implemented for the most efficient creation venues. The percentage of students who start their own
business based on products they devised during their studies will be decisive. The more remarkable the innovation approaches are, the more convincing students will have to be, by ‘taking the
plunge’ into the world of self-employment. The task to achieve is that of starting up a company
for those students who have the ability and desire to do it. At a time when faculties of management and economics are struggling to get a grip on the crisis, when engineering schools must
defend progress, design schools could well be on their way to becoming centers of research
needed by companies to help them to think with a more objective approach and to look through
the lens from another angle. A major social, sustainable and economic issue is waiting to be addressed here, and it is significantly in need of attention from the public authorities.
*Presidente di/President of Cumulus, International Association of Universities and Colleges of Design, Art and Media
Ottagono 35
FOCUS ON
TESTATINA
CARL HAGERLING
LUND UNIVERSITY SCHOOL OF INDUSTRIAL DESIGN
Organizzata all’interno della facoltà di Ingegneria LTH della Lund
University, la scuola si occupa della formazione nell’ambito
dell’industrial design incoraggiando la ricerca, l’approccio multidisciplinare e l’interazione professionale. Con un profilo internazionale, il percorso formativo si sviluppa dal primo ciclo superiore al PhD con due programmi BA e MA dedicati esclusivamente
all’industrial design. Nel master si può approfondire una delle
tematiche: Living & Behaviour, Form & Technology o Man & Nature. La possibilità di svolgere tirocini e studi all’estero permette
di acquisire, oltre alla conoscenze, anche competenze pratiche.
Structured as part of the LTH faculty of engineering at Lund University, the school focuses on industrial design education and
training, encouraging research, a multi-disciplinary approach and
professional interaction. The study prospectus features an international slant, including BA and MA courses specifically in industrial design, through to PhD level. The master degree options enable students to explore the themes Living & Behaviour, Form &
Technology or Man & Nature. The opportunities for internships
and study abroad mean students can acquire not only knowledge
but also practical experience. www.industrialdesign.lth.se
Collezione Titanic, presentata
alla fiera Formex 2012 di
Stoccolma. I 13 oggetti sono
un tributo al transatlantico
affondato cento anni fa
e si ispirano al film di James
Cameron. A destra, Ps pendel
è frutto di un workshop tenuto
da Ikea, durante il corso di studi.
Il designer aveva frainteso il
brief, che richiedeva il disegno
di una seduta, e presentato altri
progetti. Una lunga selezione
e poi Ikea decide di produrre
l’orologio da terra, unione
di funzionalità e tradizione.
The Titanic collection, presented
at the Formex 2012 fair in
Stockholm. The 13 items pay
homage to the transatlantic
steamer that sank a century ago
and are inspired by the James
NATO A/BORN IN: GÖTEBORG (S)
NEL/IN: 1980
CORSO/COURSE: MA PROGRAMME
INDUSTRIAL DESIGN (2002-2007)
Durante il programma di industrial design
alla Lund University ha svolto un tirocinio
presso lo studio di Tom Dixon (2006). Ancora studente, ha prestato collaborazioni professionali per Sony Ericsson e l’agenzia di consulenza Epsilon. Al termine del
percorso formativo, il primo impiego è presso Hareide Design
(2007-2009), con sede a Göteborg, importante centro per lo sviluppo del design dei trasporti. In quegli anni realizza lavori per
la compagnia ferroviaria svedese SJ e per Volvo Trucks. Dal
2007, anno di apertura del suo studio Hagerling Form, progetta
nell’ambito della grafica e dell’industrial design.
During his degree in industrial design at Lund University he
completed an internship at the Tom Dixon studio (2006). He contributed on professional projects for Sony Ericsson and the consultancy agency Epsilon while still a student. Upon obtaining his
degree he went to work at Hareide Design (2007-2009), based in
Göteborg, an important hub for transport design development.
During that period he supplied designs to
the Swedish rail company SJ and to Volvo Trucks. Since 2007, when he opened
his own studio, he has been working
on projects in the graphics and industrial design fields.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Cameron’s film. Right, PS
Pendel is the fruit of an Ikea
workshop held during his study
course. The designer
misinterpreted the brief – which
asked for a seat – and developed
other ideas. After a selection
period, Ikea decided to
manufacture the floor clock,
which pairs practicality with
tradition.
Nel tuo paese, come avviene la pratica professionale del design? Il migliore strumento per arrivare al lavoro è preparare un buon portfolio,
i titoli di studio sono meno influenti.
È fondamentale trovare un produttore affidabile se si vuole fare il freelance. Quale è stato il tuo primo
lavoro professionale? Progettavo
articoli per la casa, ancora durante il periodo formativo. Qual è la
relazione tra lo studio e la pratica
professionale? Quali problemi e
quali benefici hai avuto nel passaggio dalla scuola al lavoro? Le
tempistiche sono diverse. I progetti possono durare persino sei
mesi a scuola mentre in ambito
lavorativo i ritmi sono molto più
serrati. Da dipendente l’azienda
si aspetta che tu sia sempre pieno di idee
e creatività, mentre come studente puoi concederti un
giorno ‘poco producente’. Nel tuo lavoro, quale è il peso
tra creatività e management, genialità e buona gestione? Fino a quando ho svolto attività subordinata l’80% del
mio tempo era dedicato alla creatività e l’altro 20% a meeting e riunioni. Ora che sono libero professionista, la divisione è circa 50-50. Solo gestire le email richiede molto
tempo. Il mio sogno è dedicarmi 100% alla fase creativa
In questa pagina, Space è la
prima collezione completa
disegnata da Carl Hagerling
che trae ispirazione dai viaggi
nello spazio compiuti dalla Nasa
negli anni ‘60. I prototipi sono
stati presentati a Stockholm
Furniture Fair nel 2010.
La lampada a sospensione
LGTM-X01 è prodotta da Dark
e ha valso al designer il Good
Design Award.
This page: Space was the first
complete collection designed
by Carl Hagerling and drew on
1960s NASA space travel for its
inspiration. The prototypes were
presented at the Stockholm
Furniture Fair in 2010. The
LGTM-X01 pendant light is made
by Dark and brought the
designer a Good Design Award.
e al progetto. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura
locale? Mi auguro che il mio linguaggio formale sia globale. Esploro sempre le geometrie semplici, come il cerchio, il cubo, il triangolo; queste stanno alla base di tutte
le forme, in tutto il mondo. Quale pensi sarà il ruolo del
design nel prossimo futuro? Consumiamo troppo. I designer dovranno offrire prodotti durevoli e all’avanguardia,
realizzati con materiali di qualità e che impieghino risorse locali; dovrebbero insistere su queste caratteristiche
durante lo sviluppo del prodotto. Nel tuo lavoro professionale, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali? Sì, ma non capita con la regolarità che
vorrei. Spesso le aziende propongono i materiali di cui
hanno competenze produttive.
• How do you become a professional designer in your
country? The best bridge to a job is a strong portfolio – qualifications are less important. If you want to be
Ottagono 37
FOCUS ON
FOCUS ON
SJ Bistro, vagone ristorante
per la compagnia ferroviaria SJ
disegnato da Hagerling durante
l’impiego presso Hareide
Design. Il progetto, che ha
richiesto un anno di lavoro,
doveva rispondere a requisiti
di alta funzionalità, come
materiali ignifughi e lunga
durabilità, e proporre un design
attraente per soddisfare un
ampio target di persone.
SJ Bistro, buffet car for the SJ
rail company, designed by
Hagerling while working at
Hareide Design. The project,
which took a year to complete,
had to meet high performance
requisites, such as flameretardant and hard-wearing
materials, and features
attractive aesthetics to satisfy
a broad user range.
ALEIX INGLES ELIAS
ELISAVA – ESCOLA SUPERIOR DE DISSENY I ENGINYERIA DE
BARCELONA
Fondata nel 1961, Elisava conta attualmente più di 2.200 studenti e 870 tra docenti e collaboratori, in un edificio di 11.000 m2.
L’offerta formativa comprende 45 diplomi di laurea e 22 master,
suddivisi in 5 aree: grafica e comunicazione, design di prodotto,
moda, architettura e design d’interni, strategia e ideazione. L’istituto è affiliato con l’Universitat Pompeu Fabra di Barcellona
con cui ha attivato un programma che permette di conseguire in
17 trimestri due lauree contemporaneamente. Elisava vanta accordi di scambio, cooperazione e ricerca con più di 60 centri accademici in Europa, Stati Uniti e Sud America.
Established in 1961, ELISAVA currently counts over 2,200 students plus 870 lecturers and assistants, on premises covering
11,000 m2. The study prospectus includes 45 degree courses and
22 master courses, subdivided into 5 fields: graphics and communication; product design; fashion; architecture and interior
design; strategy and thought. The college is affiliated with the
Universitat Pompeu Fabra of Barcelona and together they have
started a programme enabling students to achieve two simultaneous degrees over 17 terms. ELISAVA also has exchange, collaboration and research agreements with over 60 academic institutes in Europe, the United States and South America.
www.elisava.net
a freelancer, a good manufacturer is essential. What
was your first professional job? It was designing houseware while still at college. What’s the relationship
between study and professional practice? What benefits or obstacles did you meet during the transition between college and work? Timescales are different. Projects last six months at college buts things
are faster in the industry. You’re expected to always
be creative and have great ideas when employed, while you can have an ‘off’ day in school. How do you divide your work time between creativity and management? When I was an employee, about 80% went on
being creative and the rest was meetings etc. Now I’m
self-employed, it’s about 50-50. A lot of time goes just
Logotipo per una azienda di
fotocamere sportive, che gioca
con la forma circolare della lente
e il concetto di sport attraverso
il movimento. A destra,
autocarro Volvo FMX. In team
con altre persone di Hareide
design, Hagerling ha ridisegnato
la parte frontale del modello con
forme più aggressive ed efficaci.
Logo for a sports camera
company. This plays on the
circular shape of the lens and
the idea of movement in sport.
Right: the Volvo FMX truck. As
part of the Hareide Design team,
Hagerling reworked the front
of this model to introduce more
striking and effective forms.
on emails. 100% creativity is my dream. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture? I hope I speak a global language in form. I always work with simple geometrics
like circles cubes and triangles – the basis to all shapes, the world over. What role do you think design will
play in the near future? We consume too much. Designers should offer long-lasting state-of-the-art quality design using fine materials and local resources.
Designers should push for this during product development. Has your work allowed you to explore new
materials and technology? Not as much as I’d like. Very often companies already have the materials they’re
used to working with. © RIPRODUZIONE RISERVATA
NATO A/BORN IN: BARCELONA (E)
NEL/IN: 1981
CORSO/COURSE: BA INDUSTRIAL
DESIGN ENGINEERING (1999-2002)
Dopo alcune collaborazioni in ambito ingegneristico e un tirocinio presso lo studio GP
designparterns, rivolto al design di prodotto, ha lavorato dal 2006 al 2008 per Decathlon Design come progettista di biciclette e accessori sportivi. Da ottobre 2008 è senior
industrial designer alla Sony Design per la quale organizza anche workshop, parallelamente alla sua attività di progettista e ricercatore./After collaborating on several engineering projects and
completing an internship at GP designpartners (specialized in product design), he worked for Decathlon Design, from 2006 to 2008,
creating bicycles and sports accessories. Since October 2008 he has
been a senior industrial designer at Sony Design. Besides researching and designing, he also organizes workshops for the company.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Concept per cellulare, 2007.
Progettato come risposta
‘femminile’ ai cellulari per
professionisti presenti sul mercato
in quel periodo, prevalentemente
rivolti a un target maschile,
il portatile di Aleix Ingles ha profili
smussati, corpo in alluminio
anodizzato e rivestimento
soft touch sul retro.
Concept for cell phone, 2007.
Designed as the ‘feminine’ answer
to the business mobiles dominating
the market during the period.
Targeting female consumers, Aleix
Ingles’ phone has rounded contours,
an anodized aluminium body
and a soft-touch finish on the back.
Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Uno stage presso lo studio GP designpartners. Collaboravamo
con clienti internazionali per progettare vari prodotti,
dall’elettronica all’arredo. Quale è il peso tra creatività e
management, genialità e buona gestione? Ora lavoro alla Sony Design, dove elaboro e sviluppo idee fino alla fase produttiva. Ciò significa che, insieme ai direttori creativi, controllo tutta la filiera del progetto, oltre a dedicare
tempo alla conoscenza del mercato per capire gli utenti,
i comportamenti e i costi. Poiché lavoriamo con due anni di anticipo, capire le tendenze è fondamentale. La fase successiva è analizzare tutte le idee per scegliere le
migliori; seguono lo sviluppo dettagliato e l’elaborazione
con gli ingegneri, per garantire che le proposte siano re-
Impianto HiFi CMT-G2NiP,
Sony, 2011. Dotato di tecnologia
AirPlay e internet radio,
il sistema è stato concepito
facilitando l’utilizzo con pulsanti
e comandi ben visibili. I materiali
sono stati scelti per durare nel
tempo: alluminio spazzolato,
kevlar e finitura laccata lucida
di rivestimento alle casse audio.
CMT-G2NiP Hifi, Sony, 2011.
Equipped with AirPlay technology
and internet radio, this stereo
has been conceived for
straightforward use, with
easy-to-see buttons and
controls. The materials have
been chosen for their durability:
brushed aluminium, Kevlar and
glossy lacquer for the speakers.
Ottagono 39
FOCUS ON
FOCUS ON
Frigorifero LG, progetto
per Tangerine, 2008.
Il refrigeratore, contraddistinto
da layout efficiente e flessibilità
interna, è stato disegnato
partendo da un’ampia ricerca
etnografica condotta da Aleix
Ingles in collaborazione
con i progettisti dello studio
londinese Tangerine.
LG fridge, designed for
Tangerine, 2008. Featuring
an efficient layout and internal
flexibility, this fridge was
developed from extensive
ethnographic research, carried
out by Aleix Ingles in conjunction
with designers at the London
studio Tangerine.
alizzate correttamente. Questo richiede capacità di gestione ma anche di dialogo, sapersi relazionare con le
persone migliora i risultati. Nel tuo ambito professionale, hai avuto modo di sperimentare nuovi materiali
e tecnologie? Ho collaborato a progetti strategici basati su nuovi materiali e tecniche di produzione che hanno stimolato la mia curiosità, ma l’industria è piuttosto
restia ad adottarli per la produzione in serie. Esistono
già molti processi nuovi tra cui la recente tecnologia a
stampaggio 3D. La scalabilità è ancora una questione
da risolvere, ma sono sicuro che in una decina d’anni
questa tecnologia digitale rivoluzionaria verrà ultimata e diffusa. Un altro ambito interessante è quello della
biologia sintetica, con particolare riguardo ai materiali
intelligenti e organici, in grado di interagire con il corpo
umano e di rigenerarsi.
• What was your first professional job? It was an internship at GP designpartners. We worked for multinational clients, designing products from electronics
to furniture. How do you divide your work time between creativity and management? I now work at Sony
Design, where I design and develop ideas from inception to manufacturing. This means the creative directors and I control the entire design process. I spend
some time getting to know the market, to understand
users, behaviour and costs. As we usually work two
years ahead, understanding trends is fundamental. I
then explore and discuss all the ideas at length, to extract the best ones, and start detailed development.
An extensive development phase involving engineers
follows, to ensure ideas are implemented correctly.
CMT-V10iP, Sony, 2012. Ispirato
alla forma di una foglia, il dock
per cd e iPod è dotato di fluido
magnetico negli altoparlanti,
lettore cd alloggiato nel frontale
ad apertura scorrevole.
Sotto, internet radio, Sony, 2009.
L’apparecchio, progettato per
l’uso in cucina, ha una forma
rastremata che permette
di collocarlo con il display verso
l’alto o in posizione frontale.
I cavi sono integrati in un vano
posteriore rivestito in gomma
siliconica. Il dispositivo è stato
brevettato.
This means a lot of project management and negotiation is tough yet necessary; good human relations
skills improve results. Has your work allowed you to
explore new materials and technology? I have worked
on strategic projects where new materials and processes are core. Although I’m always curious to explore materials and finishes, the industry is conservative in adopting these for mass production. Many new
processes that could change manufacturing already
exist and the recent appearance of 3D print is exciting.
Scalability is still an issue, but I’m sure this digital manufacturing revolution will be accomplished within ten
years. I’m interested in synthetic biology, particularly
smart and organic materials that can sense human
interaction and can regenerate. © RIPRODUZIONE RISERVATA
Lucchetto per bicicletta, ideato
da Aleix Ingles per il marchio
Btwin, distribuito da Decathlon
dal 2007. Il prodotto fa parte
di un set che ha rappresentato
la prima serie Decathlon
Creation: la forma irregolare
è stata pensata per facilitare
l’utilizzo. Sotto, concept per bici
elettrica pieghevole, 2007.
La due ruote prevede una scocca
in magnesio, motore alloggiato
sopra la pedivella, cinghia
di trasmissione in carbonio.
Bike lock, designed by Aleix
Ingles for the brand Btwin,
distributed by Decathlon since
2007. The product is part of a set
that stands as the first Decathlon
Creation series: an asymmetrical
shape has been opted for to
make it easier to use. Below:
concept for a fold-up electric
bicycle, 2007. This two-wheeler
features a magnesium frame,
the motor housed above
the crank arm, and a carbon
drive belt.
CMT-V10iP, Sony, 2012. Inspired
by the shape of a leaf, the CD
and iPod dock has magnetic fluid
in the loudspeakers and a CD
player with sliding cover fitted
on the front panel. Below:
internet radio, Sony, 2009.
Designed for use in the kitchen,
this device is tapered in form,
meaning it may be positioned
with the display pointing up
or forwards. The wiring
is concealed in a compartment
to the rear, covered in silicone
rubber. The unit has been
patented.
9600 Digital Pocket Memo,
Philips, 2005. Disegnato da
Aleix Ingles durante il tirocinio
nello studio GP designpartners,
il registratore è stato realizzato
per un uso professionale.
Medici e avvocati sono stati
intervistati dal team di
progettisti cercando di mettere
a fuoco le esigenze rispetto
a questo genere di dispositivi:
funzionalità, uso intuitivo
dei pulsanti e dell’interfaccia,
impugnatura ergonomica.
9600 Digital Pocket Memo,
Philips, 2005. Designed
by Aleix Ingles during his
training period at GP
designpartners, this recorder
was created for professional
use. Doctors and lawyers were
interviewed by the designers
to better understand their
needs in using this type
of device: practicality, intuitive
button and interface use,
and an ergonomic grip.
Ottagono 41
FOCUS ON
FOCUS ON
COMPEIXALAIGUA DESIGNSTUDIO
RUTH PEREZ ALONSO
NATA A/BORN IN: BARCELONA (E)
NEL/IN: 1977
XAVIER FLORES MONCUNILL
NATO A/BORN IN: BARCELONA (E)
NEL/IN: 1975
SCUOLA/SCHOOL: ELISAVA – ESCOLA
SUPERIOR DE DISSENY I ENGINYERIA
DE BARCELONA (E)
CORSO/COURSE: INDUSTRIAL DESIGN
(1998-2002)
Steam Roaster, design
Compeixalaigua, Lékué, 2010.
Vincitore del premio Delta’11
d’Or, l’utensile in silicone
a forma di ciotola si chiude
inserendo la linguetta nella
fessura laterale e può essere
utilizzato per pesare
gli ingredienti, portare i cibi
in tavola, ma soprattutto
per la cottura in forno.
Steam Roaster, designed by
Compeixalaigua, Lékué, 2010.
Winner of the Delta’11 d’Or
award, this dish-shaped silicone
utensil closes up by inserting the
flap in the slot on the side. It can
be used for weighing ingredients,
serving food at the table, but
above all for oven baking.
Con numerose collaborazioni alle spalle,
tra cui Heatherwick Studio, Emiliana Design Studio, Bopbaa, DaifukuDesigns e b2,
i due progettisti hanno deciso nel 2007 di fondare insieme lo
studio Compeixalaigua. Obiettivo: sviluppare la propria visione
progettuale, basata sulla creazione di oggetti in grado di interagire, cambiare e ‘crescere’ con chi li utilizza.
After working with various design offices, including Heatherwick
Studio, Emiliana Design Studio, Bopbaa, DaifukuDesigns and b2,
in 2007 the two designers decided to set up their own studio,
Compeixalaigua. The goal: to develop their own vision of design,
based on the creation of objects capable of interacting, changing
or ‘growing’ with the user.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
“Ci siamo conosciuti a Elisava e, dopo la laurea, abbiamo
lavorato in diversi studi. Poi ci siamo rivisti collaborando
a un progetto per uno spazio temporaneo, un’esperienza che ci ha convinti ad aprire il nostro studio. Rifocalizzarsi sul design industriale ha richiesto uno sforzo e il
percorso è stato difficile, ma ci sta dando molte soddisfazioni. La prima opportunità professionale è arrivata
tramite Elisava: Lékué ha contattato l’università in cerca
di un progettista esterno e così abbiamo iniziato alcune piccole collaborazioni. Il salto dalla scuola al lavoro
è grande, molte cose si imparano solo vivendole, ma la
vera soddisfazione sta nel vedere il proprio progetto sul
mercato e nel riuscire a risolvere i problemi quotidiani attraverso i propri sforzi. Ci hanno detto che i nostri
prodotti hanno un tono ironico e un’aria mediterranea,
ma poiché oggi tutto il mondo è in connessione ci offre
un contesto generale da cui trarre ampiamente ispirazione. Quindi è probabile che il nostro stile sia abbastanza ‘globale’, oltre ad avere una specifica identità: ad
esempio, il contenitore Steam Roaster, progettato per
Lékué, ha più successo in Giappone che in Spagna. Il design ti permette di passare da una tipologia di prodotto
all’altra, offrendo continue opportunità di indagare nuovi
materiali e processi. Questo aspetto camaleontico è un
fattore chiave per noi designer: oltre a cercare di rispondere alle esigenze delle persone ‘vere’, crediamo che il
design non sia un ‘extra’, anzi, che si possa applicare a
qualunque oggetto, riducendo anche i costi. In ogni caso
non bisogna mai perdere di vista due aspetti fondamentali, l’utente e una concreta sincerità nel progettare: a
chi, come e perché serve un prodotto”.
• “We were both at ELISAVA and worked at several
different studios after graduation. We then met again,
designing together on a temporary space project. This
led us to set up our own studio, and it took a certain effort to refocus on product design. It’s been tough, but it
is very satisfying to have made it. Our first opportunity
came from ELISAVA: Lékué contacted the school looking for an external designer, so we started working
on brief collaborations. The jump from study to profession is a big one – many things can only be learnt
from hands-on experience. True satisfaction comes
from having a product on the market and solving reallife problems through your own personal effort. We’ve
been told that our products have an ironic twist, a Me-
Packaging in cartone per adesivi
in vinile, Unwhite, 2010. Il
contenitore è stato fatto a mano
come richiamo alla procedura
manuale di applicazione degli
sticker, chiuso da una cucitura
rimovibile. Sotto, + (Plus),
custodia per iPad in 2 colori, con
strisce portaoggetti sul retro.
Cardboard packaging for vinyl
stickers, designed for Unwhite,
2010. The packet is handmade,
picking up on the manual process
of their application, and closed up
with removable stitching. Below: +
(Plus), an iPad case in 2 colours,
featuring strips on the underside
for securing small objects.
El Bocí Perfecte, 2009.
Il progetto di food design,
sviluppato dai designer
durante il workshop Papila
in collaborazione con Chocovic
e Ramon Morató, propone
cioccolatini a strati componibili.
L’obiettivo è personalizzare ogni
dolce secondo il proprio gusto.
El Bocí Perfecte, 2009. This food
design project developed by the
designers during the Papila
workshop, in conjunction with
Chocovic and Ramon Morató,
features chocolates made of
modular layers. The idea is for
people to personalize their own
sweet treats to suit their tastes.
diterranean slant. Nonetheless, the world is so connected these days that we see the general context as
a worldwide source. Thus, our style is probably quite
global, with its own specific identity: for instance, the
Steam Roaster is more popular in Japan than Spain.
The great thing about product design is you shift from
one field to another, so opportunities to explore new
materials or processes are always there. This chameleon-like trait is probably a key factor for us as product
designers: as well as striving to cater to ‘real’ people,
we believe design is not an ‘extra’, it can be applied to
any product, and it can even help reduce costs. However, user and material honesty (who it is for, why and
how) are always fundamental.” © RIPRODUZIONE RISERVATA
2,5D Chair, Unwhite, 2009.
Per rispondere alla richiesta
da parte di Unwhite di un nuovo
sticker ‘funzionale’ in vinile, il
duo creativo ne ha disegnata una
serie a forma di schienale che
permette di proteggere le pareti
e di ‘trasformare’ una panca,
uno sgabello o qualsiasi altro
piano d’appoggio in una sedia.
2,5D Chair, Unwhite, 2009. In
response to the manufacturer’s
request for a new ‘functional’
vinyl sticker, the creative duo
designed a series of chair-back
shapes meaning that not only
is a bench, stool or any other
flat surface ‘transformed’ into
a seat, but that the wall is also
protected.
Ottagono 43
FOCUS ON
FOCUS ON
ERLEND BLEKEN
KUNST- OG DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN
Oltre ai programmi BA, la Bergen Academy of Art and Design
(nota come Khib, acronimo della denominazione in norvegese)
propone un master in design con specializzazione in Furniture
and Spatial Design/Interior Architecture, oppure in Visual Communication. L’approccio interdisciplinare è sviluppato attraverso
corsi introduttivi e specialistici, workshop e progetti congiunti,
per formare gli studenti anche sotto il profilo delle capacità concettuali, strategiche e di gestione dei lavori su larga scala. Il master in Fine Art approfondisce diversi ambiti produttivi delle arti
contemporanee, tra cui anche la lavorazione della ceramica e dei
tessuti./Besides its BA study programmes, the Bergen Academy
of Art and Design (also known as KHiB, the acronym of its Norwegian name) offers a master’s in design, with specializations in Furniture and Spatial Design/Interior Architecture, or Visual Communication. The cross-disciplinary approach is developed through
introductory and specialist courses, workshops and joint projects,
to best stimulate student learning in terms of concept, strategy
and management in large-scale works. The MA in Fine Art investigates various contemporary art production contexts, such as ceramics and textiles. www.khib.no.
Nel tuo paese, come avviene la pratica professionale del design? Se desideri specializzarti a livello MA come architetto d’interni o progettista di arredi ci sono due
possibilità in Norvegia: la Bergen Academy of Art and
Design o la sua equivalente a Oslo. Quale è stato il tuo
primo lavoro professionale? Come è nata tale opportunità? Ho una laurea MA in informatica e così ho iniziato
come software engineer in un’azienda di Oslo, lavorando nel settore della knowledge engineering. Durante
la tesi avevo individuato questa realtà come quella più
vicina alla mia specializzazione, ho telefonato chiedendo se avevano possibilità d’inserimento in quel periodo e mi hanno offerto un’opportunità. Qual è la relazione tra la tua formazione e la pratica professionale che
stai svolgendo? Lavoro come designer freelance da un
anno. Bergen offre poche opportunità professionali per
i progettisti, ma mi piace questa città e vorrei evitare di
trasferirmi altrove. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra
creatività e management? Da un anno mi dedico allo
sviluppo di idee nel campo della sanità, con particolare
NATO A/BORN IN: ÅLESUND (N)
NEL/IN: 1965
CORSO/COURSE: BA (2006-2009)
MASTER IN DESIGN (2009-2011)
Con una precedente formazione in informatica (Master in Computer Science alla
Norwegian University of Technology and
Science) che lo ha portato a collaborare come sviluppatore e
consulente di sistemi presso alcune aziende del settore dal 1987
al 2002, Erlend Bleken ha deciso nel 2003 di studiare le tecniche
e i materiali per la lavorazione del legno. Dal 2004 ha iniziato
a realizzare le sue prime creazioni di arredo nella località di
Lillhammer per approdare, infine, al corso di laurea e al master
in design, concluso l’anno scorso alla Khib.
After his first qualification (Master in Computer Science at the
Norwegian University of Technology and Science) that took him
to work as software engineer and consultant with several sector
companies from 1987 to 2002, Erlend Bleken decided to study
wood-working techniques and materials in 2003. He made his
first furnishings in 2004, in Lillhammer, and went on to do an MA
in design at KHiB, finishing last year.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Half Pipe e, a destra, Butler,
2009. Presentati a Stockholm
Furniture Fair nello stand
della Khib, i due arredi
esprimono razionalità:
l’asimmetria della poltrona
permette di scegliere
da quale lato avere
il bracciolo più alto;
il portabiti Butler rende
funzionale il ‘percorso’
di una linea continua
nello spazio.
Half Pipe and, right, Butler,
2009. Presented at the
Stockholm Furniture Fair
at the KHiB stand, these
two pieces express rationality.
The asymmetry of the easy
chair means the user
can choose which side
to have the higher arm,
while the Butler clothes
stand makes the continuity
of this single line also
a practical item.
riguardo alle modalità progettuali che rispettano la persona, tema della mia tesi, così come nell’ambito delle
tecnologie per l’accessibilità e la mobilità. Una buona
parte di tempo è destinata all’organizzazione delle priorità, dei componenti del gruppo di lavoro e della ricerca
di fondi per i progetti. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di
una cultura locale? Il mio linguaggio è globale, ma manifesta alcune caratteristiche locali, per esempio l’uso
del legno e della lana. Secondo te, quale sarà il ruolo del
design nel futuro prossimo? Mi auguro che l’applicazione delle metodologie di progettazione si rafforzi per costruire un futuro più sostenibile. Nel tuo lavoro, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali?
Sì, soprattutto per gli imbottiti, il legno laminato, la lavorazione del metallo e anche nell’uso dei sistemi Cad.
country? If you want to be a certified (MA-level) furniture designer or interior architect in Norway there are
two options: the Bergen Academy of Art and Design
or its counterpart in Oslo. What was your first professional job? How did it come about? I have a MA in
Computer Science and started out as a software engineer for an Oslo company working with knowledge
engineering. My thesis meant this organization was
perfect for me. I called to see if they had a job, and it
turned out they had. What’s the relationship between
study and professional practice in your context? I’ve
been working as a freelance designer for a year now.
Bergen is a little tight on job opportunities for designers, but I like it here and want to avoid relocating.
How do you divide your work time between creativity and management? This last year I have focused on
developing ideas in the field of dignified care – my master thesis topic – and accessibility/navigation technology. A certain amount of time goes on prioritizing ideas, organizing team members and applying for project
funding. Do you speak a global design language or
is your work the expression of local culture? My language is global, yet with some local traits, such as the
use of wood and wool. What role do you think design
will play in the near future? I hope the use of design
methods will be further strengthened to develop a
more sustainable future. Has your work allowed you
to explore new materials and technology? Yes, definitely. Especially within upholstery, laminated wood,
metalwork and CAD use. © RIPRODUZIONE RISERVATA
Kinetic, 2009. Presentata
da Erlend Bleken come tesi
di progetto a conclusione
del BA in design alla Khib,
la poltrona a dondolo combina
i materiali prediletti dal
designer: imbottiture comode
ma leggere, e legno laminato
con venature a vista. I cavi
sottili di sostegno rievocano
le funi di un’amaca. In alto,
Stripes, 2009. La sedia
impilabile, costruita in legno
di quercia e acciaio, ha un
meccanismo autoportante
studiato per dare stabilità ai
listelli fissati sulla scocca
metallica. Utilizzabile
in un contesto residenziale
o pubblico, Stripes si è
classificata al terzo posto
nei Designers Saturday
Awards di Oslo, nel 2009.
Kinetic, 2009. Presented
by Erlend Bleken as thesis
project to finish his BA
in design at the KHiB,
this swinging seat joins
together his favourite
materials: comfortable yet
light padding plus laminated
wood with visible grain.
The slim support cables
bring to mind hammock
ropes. Above: Stripes, 2009.
This stackable oak and
metal chair features a
self-supporting device
designed to bring sturdiness
to the slats attached to
the metal frame. Conceived
for use in both public
and residential contexts,
Stripes won third prize
at the Designers Saturday
Awards 2009 in Oslo.
Ottagono 45
SIV LIER
NATA A/BORN IN: BERGEN (N)
NEL/IN: 1978
SCUOLA/SCHOOL: KUNST- OG
DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN (KHIB),
BERGEN, (N)
CORSO/COURSE: BA IN DESIGN (2007),
MASTER IN DESIGN (2011)
Dopo un diploma BA in Cultural and Social
Science (2003), Siv Lier ha concluso la sua
formazione nell’ambito del design. Da anni espone progetti in numerose fiere ed eventi europei, tra cui:
Young Talents (2005) e Designers Saturday (2011) al DogA –
Norwegian Centre for Design and Architecture, sede del Norwegian Design Council, a Oslo; Inside Norway, imm Cologne (2006);
Greenhouse, Stockholm Furniture Fair (2006); Salone Internazionale del Mobile, Milano (2008). Dal 18 al 28 aprile 2012 ha partecipato alla mostra ‘Permanenten’, in collaborazione con Jonas
Norheim, al West Norway Museum of Decorative Art, Bergen.
After obtaining a BA in Cultural and Social Science (2003), she
completed her studies in the design field. For several years now
she has been showing her designs at numerous European fairs
and events, including: Young Talents (2005) and Designers Saturday (2011), at DogA – Norwegian Centre for Design and Architecture, premises to the Norwegian Design Council, in Oslo;
Inside Norway, imm Cologne (2006); Greenhouse, Stockholm
Furniture Fair (2006); Milan International Furniture Fair (2008).
She took part in the exhibition ‘Permanenten’, working with Jonas Norheim, at the West Norway Museum of Decorative Art
from 18 to 28 April, in Bergen.
progettazione di prodotto, così che il design possa essere una caratteristica integrata e non solo un aspetto decorativo.
country? You have to study at one of the design institutions and work hard. What was your first professional job? How did it come about? One of my first
jobs was to design an exhibition with a fellow designer, an opportunity that came through the Bergen
Academy of Art and Design. What benefits or obstacles did you meet during the transition between college and work? I graduated only a year ago and so I’m
still in that transition phase, establishing my own studio. I’m part of a design community based at a former
sardine factory in Bergen, which helps during this
change. How do you divide your work time between
creativity and management? Some days I feel I’m just
doing administrative work and never get to the fun
part of being a designer, and then there are times
when I’m bursting with creativity, making mock-ups,
sketching and doing all the stuff that makes this profession the best. Good organization helps, but it’s also important to give your creative flair full rein, without the restriction of rules and conventions. Do you
speak a global design language or is your work the
expression of local culture? My work’s quite Scandinavian in its expression, design and materials, which
I think works very well in a global context. What role
do you think design will play in the near future? Designers have to be included during the very first phases so that design can be an integrated feature rather
than mere decoration. © RIPRODUZIONE RISERVATA
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Come si svolge la pratica professionale del design in
Norvegia? Bisogna frequentare una delle scuole di design e soprattutto lavorare ‘sodo’. Quale è stata la tua
prima esperienza professionale e come è nata l’opportunità? Una delle mie prime collaborazioni è stata
la progettazione di una mostra, insieme a un altro designer, proposta tramite la Khib. Quali problemi e quali benefici hai avuto nel passaggio dalla scuola al lavoro? Mi sono laureata solo un anno fa quindi devo ancora
completare il processo di cambiamento. Ora sto avviando il mio studio e faccio parte di una community di
designer, con sede in una ex fabbrica di sardine, che mi
è di grande aiuto in questa fase di trasizione. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra creatività e management, genialità e buona gestione? A volte mi sembra di fare un
lavoro di amministrazione e che non arrivi mai la parte
divertente del progettare. Altri giorni sono piena di creatività, faccio modellini, bozzetti e tutte quelle cose che
rendono fantastica questa professione. Una buona organizzazione aiuta, ma è importante lasciare spazio alla
fantasia, senza limitarla con le regole e i conformismi.
Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni
piuttosto di essere espressione di una cultura locale?
Il mio lavoro ha un’identità abbastanza scandinava nelle modalità espressive, nel design e nei materiali, cosa
che funziona bene in un contesto globale. Quale pensi sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? I designer devono essere coinvolti già dalle prime fasi della
Odel, 2011. Componibilità degli
elementi e materiali sostenibili
– sughero, legno compensato
e frassino – caratterizzano
la seduta Odel, presentata da Siv
Lier come progetto di tesi per
il master. Il sedile e lo schienale
sono intercambiabili e sostituibili
tramite chiodi a incastro
con impugnatura a sfera.
Odel, 2011. Modular design
elements and sustainable
materials – cork, plywood
and ashwood – are the striking
features of the Odel seat,
presented by Siv Lier as her
MA thesis project. The seat
and back may be interchanged
and replaced by means of slot-in
pins with spherical heads.
Tree, 2008. La serigrafia
di un albero, che decora il piano
del tavolo, diventa elemento
strutturale e tridimensionale
nella gamba a forma di tronco.
Tree, 2008. The screen-printed
tree decorating the tabletop
becomes a structural and 3D
part of the trunk-shaped leg.
PHOTO BJARTE BJØRKUM/ ELSE H. LIER/ SIV LIER
FOCUS ON
PHOTO SIV LIER/GRY JOHANSEN
© STINE KOLAAS NASH
FOCUS ON
Yme, 2006. Legno di quercia e
lino sono i materiali usati da Siv
Lier nel prototipo della chaise
longue, pensata per fare sedere
2 persone una di fronte all’altra.
Il nome di questa creazione ha
un significato: deriva dal gigante
Yme dal quale, secondo i miti
norvegesi, è stata creata la terra.
Yme, 2006. Oakwook and linen
are the materials used by Siv
Lier in her prototype of a chaise
longue, designed to seat two
people opposite each other.
The name of the piece also has
a meaning: it derives from the
giant Yme who, in Norwegian
mythology, created the earth.
Klossmajor, 2008. La serie
di tavoli bassi, progettati
e realizzati da Siv Lier
in collaborazione con Eirik
Helgesen, esprime il lato
giocoso della funzionalità:
le gambe sono regolabili
in altezza togliendo
o aggiungendo i cubi a
incastro che le compongono.
Klossmajor, 2008. Designed
by Siv Lier while working
with Eirik Helgesen, this series
of low tables expresses the
playful side of functionalism:
leg height can be changed
by removing or adding
the notched cubes.
Ottagono 47
FOCUS ON
FOCUS ON
PHOTO ODA HVEEM / VISUELLO.NO
NINA LYSBAKKEN
NATA A/BORN IN: ÅLESUND (N)
NEL/IN: 1981
SCUOLA/SCHOOL: KUNST- OG
DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN (KHIB),
BERGEN (N)
CORSO/COURSE: MASTER OF DESIGN,
VISUAL COMMUNICATIONS (2008-2010)
Portfolio, 2008. Per illustrare
il proprio lavoro, Nina Lysbakken
lo ha suddiviso in 3 pubblicazioni:
il volume più grande (in basso)
contiene le immagini dei
progetti, descritti in quello
medio; il più piccolo parla
di lei e della sua passione
per il design.
Portfolio, 2008. In order to best
illustrate her own work, Nina
Lysbakken subdivided it into
3 books: the largest volume
(below) contains project images;
the middle-sized one the
descriptions; while the smallest
is about her and her passion
for design.
Attualmente segue un PhD in Interaction
Design presso The Oslo School of Architecture and Design, basato sulla ricerca e
sviluppo di servizi innovativi per i social media. Da tempo attiva
nell’ambito della progettazione, ha lavorato per Oslo D/Eggs Design, The Norwegian Design Council, Gjøvik University College,
Sjoa Rafting e Mathemateria. Inoltre, oggi Nina Lysbakken è uno
dei membri dell’IxDA di Oslo, un network internazionale attivo
nella pratica professionale dell’interaction design. /She is currently completing a PhD in Interaction Design, based on the research and development of innovative services for social media, at
the Oslo School of Architecture and Design. Active in the design
field for some time, she has worked for Oslo D/Eggs Design, the
Norwegian Design Council, Gjøvik University College, Sjoa Rafting and Mathemateria. In addition, she is one of the Oslo members of IxDA, an international network focusing on interaction design as a professional practice.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
campo o fase. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di esprimere una cultura locale?
Penso che il mio lavoro risponda a sfide precise e finora direi che i miei progetti siano riusciti a offrire soluzioni
in un contesto locale. Il mondo del design sta attraversando cambiamenti epocali dovuti alla crisi economica
e alla globalizzazione dei consumi: quale pensi che sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? Fornire un
sostegno alle persone, alle interconnessioni, al nostro
stile di vita e alle infrastrutture. Dobbiamo dedicarci a
progettare un modo più flessibile di vivere. Il problema
PHOTO ODA HVEEM / VISUELLO.NO
Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Ho iniziato a occuparmi di grafica per i libri. Quali problemi e
quali benefici hai avuto nel passaggio dalla scuola al lavoro? Credo che dipenda dal settore in cui si opera. Ho
notato una differenza di motivazione personale rispetto ai tipi di progetto: a scuola i temi e le sfide erano più
interessanti di quelli che ho incontrato nell’ambito professionale. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra creatività
e management, genialità e buona gestione? Adoro organizzare e non percepisco una divisione netta fra questi aspetti. La creatività è sempre una scelta, in qualsiasi
Portfolio, 2008. Racconta l’idea
di progettazione organica che
la designer ha voluto esprimere
nella forma proporzionata dei
formati, nell’accurata rilegatura
e nella gestione dei contenuti.
Il portfolio è stato premiato
al Visuelt Award 2009 come
migliore progetto studenti
nella categoria Graphic Design.
Portfolio, 2008. This illustrates
the organic design approach
Nina aimed to express in the
proportions of the formats,
in the careful binding and
in content organization. Her
Portfolio won the Visuelt Award
2009 as the best student project
in the Graphic Design category.
non è solo nei cambiamenti che stanno avvenendo nella natura e nel clima, bensì avere creato un’infrastruttura rigida che ci impedisce di muoverci in armonia con
la natura. Nel tuo lavoro, hai avuto modo di sperimentare le nuove tecnologie? Sì, soprattutto nel settore digitale in relazione a social media, software e sistemi di
tracciabilità.
• What was your first professional job? I worked as a
book designer. What benefits or obstacles did you meet during the transition between college and work? I
think it depends on what you do professionally. The biggest difference for me was my own motivation for the
projects. At school I could work on more interesting
themes and challenges than I’ve done in my professional life. How do you divide your work time between creativity and management? I love organizing, and I don’t
see a distinct division between creativity and management – creativity is a choice in any field or phase. Do you
speak a global language or is your work the expression
of local culture? I see my work as answers to specific
challenges, and my projects so far have been responses to local challenges, I would say. The design world is
currently undergoing great change caused by the economic crisis and the globalization of consumer markets. What role do you think design will play in the near
future? Supporting people, interconnections, our lifestyles and infrastructure. I believe we need to focus on
designing a more flexible way of living in this world. The
problem isn’t necessarily that nature and the climate
are changing – it’s that we have created a rigid infrastructure, one preventing us from moving with nature.
Has your work allowed you to explore new technology?
Yes, mainly digital technology related to social media,
software and self-tracking devices. © RIPRODUZIONE RISERVATA
The Surprise Dispenser, 2012.
Il distributore di sorprese
è stato ideato, prototipato e
presentato da Nina Lysbakken,
insieme a un team di giovani,
durante una sfida creativa di 48
ore al Global Service Jam, Oslo.
Il concept: si mette dentro
la macchina un oggetto da
regalare (a destra); la reazione
di chi lo riceve viene filmata
e inviata per email a chi lo
ha donato, inserendo le due
persone in una web community.
In alto, Visual Learning, 2010.
Il progetto, sviluppato durante il
master alla Khib, consiste nella
creazione di un sito interattivo
che permetta di monitorare
e assistere i bambini nelle fasi di
apprendimento scolastico e non.
The Surprise Dispenser, 2012.
This device distributing surprises
was designed, prototyped and
presented by Nina Lysbakken,
working with a team of other
young talents, during a 48-hour
creative challenge at Global
Service Jam, Oslo. The idea:
a gift is placed inside the machine
(right) and the reaction of the
person receiving it is filmed and
emailed to who donated it, with
these 2 people becoming part
of a web community. Above:
Visual Learning, 2010. Developed
during her MA course at KHiB,
the project involves creation of
an interactive site enabling
children to be monitored and
assisted during school study
and other activities.
Ottagono 49
FOCUS ON
OLTRE LA CRISI
FOCUS ON
BEYOND THE CRISIS
Michele Capuani*
La pratica professionale del design è nata come strumento per lo sviluppo, lessico per prodotti e servizi in un mondo che cresce. Si afferma dopo una crisi economica, quella del ‘29,
e si arricchisce di contenuti tecnologici durante 50 anni di guerre, calde o fredde che siano.
Il design è al tempo stesso figlio della più incredibile fase di sviluppo dell’umanità e artefice
del suo successo. Dopo alcuni anni di arresto economico e di crisi dei valori del capitalismo,
abbiamo ormai preso coscienza dello stallo di crescita, se non di recessione vera e propria.
I giovani designer, in tutto il mondo, hanno capito bene quello che li aspetta e hanno iniziato
a cambiare pelle, una mutazione genetica che le migliori scuole di design hanno saputo teorizzare e poi sostenere. Ritroviamo, nelle proposte di queste pagine, alcuni principi che già
conoscevamo: meno prodotto più servizio, sostenibilità a tutto campo, autoimprenditorialità,
filiera corta. Ho visto però affiorare qualcosa di nuovo, dopo che una intera generazione ha
studiato progettazione al tempo della crisi. Cinque anni di corso dal 2007 a oggi per una laurea
magistrale in design. Un ottimismo nuovo, una avvenuta mutazione genetica che permette
di guardare al futuro con rinnovato ottimismo. Quello che io capisco da questi lavori è che il
design è davvero una delle discipline chiave del futuro che verrà. Non è tanto la capacità tecnica che questi giovani designer dimostrano di possedere, quanto lo spirito che li anima, quel
modo di pensare che fa di ogni problema una opportunità. Adattabile alle circostanze, multidisciplinare, imprenditoriale, innovativo per definizione, democratico per rinnovata tradizione:
il pensiero creativo, il design thinking, può davvero aiutare il mondo a ritrovare la via per uno
sviluppo equilibrato. Non a caso, le scuole di management guardano al metodo del design
come una possibilità di rinnovamento. Interessa il metodo piuttosto che il risultato finale dato
che, quando le risorse si riducono, è necessaria maggiore creatività per compensare investimenti, tecnologia e rete distributiva che vengono a mancare. Anche lo stile è cambiato, in questi progetti. Ci sono soluzioni, forme e colori che, nella loro essenzialità, parlano il linguaggio
dell’ottimismo. Abbiamo passato un periodo in cui sembrava che la rappresentazione della
sostenibilità e della responsabilità sociale dovesse essere povera anche di significati formali,
un po’ tristi. Oggetti per fare riflettere. I progetti di queste pagine hanno superato questo complesso e guardano al mercato con qualità nuove e con una costante attenzione al rispetto per
l’ambiente. Gli autori sono tutti consapevoli che il mondo è ormai cambiato e non tornerà mai
più a essere quello di prima.
Practising design as a profession first came about as a tool for development and as a vocabulary
for products and services in an expanding world. It emerged following a financial crisis, that of
1929, and was constantly enhanced with technological content throughout 50 or so years of war,
both cold and ‘hot’. Design is not only the child of the most intense era of boom experienced by
mankind, but also a cause of its success. After several years of economic standstill and a crisis
in capitalist values, we are now well aware of the slump in growth, which could even be termed
a real recession. Young designers the world over have understood what awaits them and have
thus opted to ‘change their spots’ – an authentic genetic mutation that the best design schools
have been able to envisage and, as a result, support. The ideas featured on the following pages
illustrate several tenets that we are already familiar with: less product, more service; all-round
sustainability; a self-enterprising approach; and short production chains. Nevertheless, I have
also seen other new aspects emerge, now that an entire generation has studied design during
times of crisis. Five years of study, from 2007 to the present, for a master’s degree in design.
New optimism and successful genetic mutation enable us to look to the future with replenished
optimism. What I can detect from these pieces is that design really will take on the role of key discipline in the future. It isn’t so much the technical skills that these young designers have shown
they possess, but more their driving spirit, their way of looking at things that transforms every
problem into an opportunity. Adaptable to circumstances, multi-disciplinary, enterprising, innovative by definition and democratic in reviving tradition: design thinking truly can guide the world
to find the right path to balanced development. It is no coincidence that management schools
look to the design process as a way to achieve reform and renewal. The focus is on the method
rather than the end result since more limited resources require greater creativity to compensate
for the gradual lack of available investments, technology and distribution networks. Styles have
changed too, these projects reveal. Many of the solutions, shapes and colours speak the language of optimism in their essence. We experienced a period when it seemed that communicating sustainability and social responsibility had to go hand in hand with a ‘poor’, slightly gloomy air
in terms of form. Items for reflection. The designs on these pages have overcome this complex
and look to the market with new qualities and steady respect for the environment. Their makers
are all very aware that the world has now changed and it will never go back to what it was before.
*Architetto, Responsabile del Prodotto Formativo IED/architect, Dean of IED Group
Ottagono 51
FOCUS ON
FOCUS ON
IONNA VAUTRIN
L’ÉCOLE DE DESIGN NANTES ATLANTIQUE
La scuola è un istituto privato di educazione superiore, sostenuto
dalla Chambres de Commerce et d’Industrie Nantes St-Nazaire
che rilascia un diploma di laurea quinquennale in design (equivalente a un master), riconosciuto dal ministero francese dell’Educazione. Il programma post-laurea è incentrato sulla ricerca applicata coinvolgendo aziende partner. L’École offre anche un
master professionale in Design and Innovation Management. Dal
2012, i campus in Cina e India sono stati unificati nell’Asia Campus, che propone il programma di master The Transcultural Design per incoraggiare lo studio e la comprensione di culture diverse, nell’ambito di un contesto applicato e interdisciplinare.
This school is a private further education institute supported by
the Chambres de Commerce et d’Industrie Nantes St-Nazaire.
After attending a five-year course, students gain a qualification
equivalent to a master’s degree, recognized by the French Ministry of Education. The post-graduate programme centres on applied research, with the involvement of partner companies.
L’École also offers a professional master’s course in Design and
Innovation Management. The China and India campuses were
joined together this year to form the Asia Campus, which offers
the master’s degree Transcultural Design to foster the study and
understanding of different cultures within an inter-disciplinary
and applied context. www.lecolededesign.com
Cyclope, Moustache, 2011.
Rivestito in ceramica smaltata,
Cyclope è uno specchio convesso
(detto anche ‘oeil de sorcière’,
‘occhio della strega’ in francese),
pensato come scultura da tavola.
A destra, Ô, Moustache, 2011.
La collezione comprende vaso,
PHOTO MASSIMO GARDONE
caraffa e portafrutta in ceramica
smaltata, tutti con un’apertura
a ‘O’ rivolta verso l’alto, come
una bocca che intoni un canto.
Cyclope, Moustache, 2011.
Finished in glazed ceramic,
Cyclope is a convex mirror
(known also as oeil de sorcière –
guardare oltre. Essere sempre attenti alle nuove tecnologie e ai nuovi materiali è fondamentale per consentire
al design di evolversi”.
• “After graduating in 2002, I worked for Camper in
Spain. This offered the dual stimulus of ‘experimental lab’ and the accuracy of specific rules – shoe manufacturing is precise. I then moved to Italy, to define
Moulinex and Tefal kitchenware for George Sowden
(Memphis Group), returning to France two years later,
for five years at the Ronan & Erwan Bouroullec studio – a rich learning experience with big names such
as Vitra, Magis, Kartell, Alessi. I then set up my own
studio. Living abroad has shown me various ways to
practise design – it’s important to see how things happen elsewhere. Today, I divide my time between generating ideas, development and paperwork. The creative part is certainly more interesting and fun, but having
your own business also means administration. Over
PHOTO FELIPE RIBON
“Dopo la laurea nel 2002, sono andata in Spagna per
lavorare alla Camper. Quest’esperienza mi ha dato un
duplice stimolo: da un lato, in quanto laboratorio sperimentale, dall’altro, rispetto all’importanza di conoscere
regole specifiche, la produzione delle scarpe segue, infatti, un processo preciso. Poi mi sono trasferita in Italia
per due anni, dove ho affiancato George Sowden (Memphis Group) nella progettazione di utensili da cucina per
Moulinex e Tefal. Tornata in Francia, sono entrata nello
studio Ronan & Erwan Bouroullec per cinque anni, un’esperienza molto ricca dal punto di vista formativo, che
mi ha permesso di collaborare con importanti aziende,
tra cui Vitra, Magis, Kartell e Alessi, e di aprire successivamente il mio studio. Abitare all’estero mi ha insegnato
che ci sono diversi modi di praticare il design; credo che
sia importante vedere come le cose sono strutturate
in altri paesi. Oggi mi divido tra lo sviluppo di idee e la
loro gestione, anche dal punto di vista ‘burocratico’. La
parte creativa è senz’altro più divertente e interessante,
ma avere una propria attività significa dedicarsi anche
all’amministrazione. Nel corso degli anni, ho costruito il
mio linguaggio come progettista metà francese e metà
spagnola. Considero il design un bene che può portare la felicità alle persone, soprattutto nel contesto sociale attuale. In ogni caso, anche gli aspetti economici
influenzano la forma finale, i materiali, le lavorazioni e
il prezzo del prodotto finito. I miei oggetti sono un connubio fra linee semplici e pulite, forme sincere, colori
allegri e materiali piacevoli. Cerco di creare dei pezzi
che narrino una storia e che destino la voglia di ‘adottarli’. Spesso le mie ispirazioni arrivano dalle piccole cose
del quotidiano, ma trovo spunto anche nell’Art Déco,
nell’Art Nouveau, così come nella cultura asiatica, nel
cinema e nei libri. I progetti sperimentali ti costringono a
Binic, design Ionna Vautrin,
Foscarini, 2010. Ispirata alle
maniche a vento delle barche,
la lampada da tavolo prende
il nome da un faro situato sulla
costa bretone. Realizzata in Abs
e policarbonato, produce una
luce circoscritta sul piano.
Binic, design by Ionna Vautrin,
Foscarini, 2010. Inspired by the
windsocks on boats, this table
lamp is named after a lighthouse
located on the Brittany coast.
Made of ABS and polycarbonate,
it projects a well-defined light
on the nearby surface.
PHOTO FELIPE RIBON
Zoo, Kvadrat, 2012. Standing
a metre tall, the cuddly toys
in the Zoo range pick up on
various tones in the textile
Hallingdal 65, made by this
Danish company. A toucan,
a panda and a whale are the
animals depicted by adding
pieces of textile to create
a sort of mask over the
padded body.
Subito dopo la laurea, Ionna si è dedicata al design in diversi ambiti, lavorando
presso aziende e studi di progettazione tra
Spagna, Italia e Francia. Contemporaneamente ha sviluppato
alcuni progetti con alcuni editori tra cui Industreal, ToolsGalerie,
Wallpaper e, più di recente, con Foscarini, Moustache e superette. Nel gennaio 2011 Ionna ha aperto il suo studio, dopo essere
stata premiata ai Grands Prix de la Création de la Ville de Paris.
Following graduation, Ionna focused on design in a variety of environments, working for studios in Spain, Italy and France. In parallel, she developed several projects for well-known design
names such as Industreal, ToolsGalerie, Wallpaper and, more
recently, Foscarini, Moustache and super-ette. Ionna opened her
own studio in January 2011, after receiving an award at the Grands Prix de la Création de la Ville de Paris.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
PHOTO ANGELA MOORE
Zoo, Kvadrat, 2012. Alti un
metro, i pupazzi della serie Zoo
utilizzano diverse tonalità del
tessuto Hallingdal 65, prodotto
dall’azienda danese. Un tucano,
un panda e una balena sono
i tipi di animali connotati
sovrapponendo ritagli di stoffa,
che creano una sorta di
maschera applicata al corpo
imbottito.
NATA A/BORN IN: HENNEBONT (F)
NEL/IN: 1979
CORSO/COURSE: INDUSTRIAL DESIGN
(1997-2002)
‘witch’s eye’ – in French),
conceived as a tabletop
sculpture. Right: Ô, Moustache,
2011. This collection comprises
glazed ceramic vase, jug and fruit
bowl, all with an O-shaped
opening pointing upwards, like
a mouth singing to the skies.
Ottagono 53
FOCUS ON
GUILLAUME DELVIGNE
NATO A/BORN IN: ST NAZAIRE (F)
NEL/IN: 1979
SCUOLA/SCHOOL: L’ÉCOLE DE DESIGN
NANTES ATLANTIQUE (F)
CORSO/COURSE: PRODUCT DESIGN
(1997-2002)
Panier percé, design Guillaume
Delvigne & Ionna Vautrin,
Industreal, 2005. La ciotola
è realizzata in porcellana
smaltata, forata come
una tela da ricamo. Il kit
comprende matassine in lana
di vari colori, ago e istruzioni
per eseguire il decoro.
Vincitore ai Grands Prix de la Création de
la Ville de Paris, Guillaume Delvigne ha
aperto il suo studio a Parigi nel 2011 e ha
realizzato, nello stesso anno, la sua prima mostra monografica alla ToolsGalerie. Alle sue spalle, dal 2004 al 2010, vanta
numerose collaborazioni con studi di progettazione: Radi Designers, Delo Lindo, Marc Newson, Eliumstudio e Cédric Ragot. In parallelo, Guillaume sviluppa prodotti e proposte per
editori e imprese, tra cui Tefal, Fly, La Redoute, Ricard, Industreal, Oxyo, Specimen.
After winning an award at the Grands Prix de la Création de la
Ville de Paris, Guillaume Delvigne opened his own studio in Paris in 2011. He also staged his first one-man show, at ToolsGalerie, this same year. Between 2004 and 2010 he accrued experience at many studios, such as Radi Designers, Delo Lindo,
Marc Newson, Eliumstudio and Cédric Ragot. Parallel to this he
also developed products and ideas for design labels and companies, including Tefal, Fly, La Redoute, Ricard, Industreal, Oxyo
and Specimen.
Forêt illuminée, design Ionna
Vautrin, super-ette, 2011. Due
‘tronchi’ in faggio sorreggono
il paralume in Tyvek® evocando
una ‘foresta luminosa’, come
indica anche il nome. Sotto,
Musette, De Vorm, 2012.
Per la coppia di tavolini, Ionna si
è ispirata a quelli usati in Oriente
per la cerimonia del tè: il piano è
un ampio vassoio staccabile e la
base cava funge da portaoggetti.
Forêt illuminée, design by Ionna
Vautrin, super-ette, 2011. Two
beech ‘trunks’ support a Tyvek®
shade, creating the effect of a
‘shining forest’, as also indicated
by the light’s name. Below:
Musette, De Vorm, 2012. Ionna
turned to Oriental tea ceremony
tables in inspiration for this pair:
the top is a removable broad flat
surface while the hollow base
acts as a storage compartment.
the years I have found my own vocabulary as a halfFrench half-Spanish designer. I see design as an asset that can make people feel happy, especially in our
current times. However, economics also influence the
product’s final form, material, production process and
price. My objects are a mix of clear simple lines, honest shapes, cheerful colours and appealing materials. I strive to create items telling a story, to be interpreted and ‘adopted’. My inspiration often comes from
everyday things, and I’m attracted by Art Déco, Art
Nouveau, Asian culture, movies, books. Experimental
work forces you to look beyond. Staying alert to new
technology and materials is essential as it guides design to evolve.” © RIPRODUZIONE RISERVATA
Come si svolge, nel tuo paese, la pratica professionale del design? Nel mio caso ho frequentato il corso di
laurea quinquennale sul design di prodotto a L’École de
Design Nantes Atlantique, con periodi di stage e soggiorno all’estero. Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? A Milano, nello studio di George J. Sowden,
co-fondatore di Memphis Group. Ho fatto parte della sua
équipe per due anni. Qual è la relazione tra lo studio e
la pratica professionale? È fondamentale fare delle
esperienze all’interno di aziende anche durante la formazione, è l’unico modo per cominciare a comprendere
la realtà. In tal senso, la scuola che ho frequentato aiuta
gli studenti a essere versatili. Senti di poter parlare un
linguaggio globale o ritieni piuttosto di esprimere la
cultura locale? Penso che ci stiamo tutti dirigendo verso
un linguaggio universale, dovuto alla globalizzazione e
a internet. In ogni caso, alcune piccole differenze sono
evidenti da un paese all’altro, e lo apprezzo. Mi auguro
che questa caratteristica rimanga. Quale pensi sarà il
ruolo del design nel prossimo futuro? Credo che dovremmo cercare di dare più identità e significato ai prodotti che progettiamo, per fornire opportunità migliori
alle aziende, in ogni paese. Il design potrebbe essere un
fattore chiave nella sopravvivenza di un’azienda. Nel tuo
lavoro, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali? Qualche anno fa ho fatto delle ricerche
con la prototipazione rapida e ora la uso abbastanza
spesso. Questa tecnologia è sempre più diffusa e le sue
potenzialità per applicazioni future sono interessanti. È
un settore che ritengo si espanderà ulteriormente nel
prossimo futuro.
PHOTO ILVIO GALLO
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Panier Percé, design by
Guillaume Delvigne & Ionna
Vautrin, Industreal, 2005.
This dish is made of glazed
porcelain and perforated like
classic embroidery cloth.
The kit includes skeins of wool
in various colours, a needle
and decoration instructions.
Arsène, Guillaume Delvigne
& Vincent Eschalier, Fly, 2011.
La sedia è il primo elemento di
arredo realizzato da Guillaume
Delvigne per la grande
distribuzione: è realizzata
in legno laccato, con un
tavolo coordinato, prodotta
dai grandi magazzini Fly.
Arsène, Guillaume Delvigne
& Vincent Eschalier, Fly, 2011.
This chair is the first piece of
furniture created by Guillaume
Delvigne for mass production.
Made of lacquered wood
and offering a matching
table, it is sold by the Fly
department stores.
PHOTO BAPTI
STE HELLER
©BAPTISTE HELLER
PHOTO FELIPE RIBON
FOCUS ON
Ottagono 55
FOCUS ON
FOCUS ON
Chapeaux pour Vase, Guillaume
Delvigne, Industreal, 2004. This
collection of vases was designed
for the exhibition ‘In Dust We
Trust’ by Industreal at the Salone
del Mobile, 2004. Each piece
is made of porcelain and glass:
the texture on the upper part
is the fruit of rapid prototyping.
PHOTO ILVIO GALLO
Chapeaux pour vase, Guillaume
Delvigne, Industreal, 2004.
La serie di vasi è stata disegnata
per la mostra ‘In dust we trust’
di Industreal, Salone del Mobile
2004. Ogni pezzo è prodotto
in porcellana e vetro: la texture
della parte superiore è frutto
della prototipazione rapida.
O10, design Guillaume Delvigne,
Specimen Editions, 2010. Creata
per la prima mostra del marchio
ai Designer’s Days di Parigi,
la lampada è composta da
un supporto in betulla tagliato
a laser e laccato. A destra,
Climax, design Guillaume
Delvigne & Elise Lefebvre, 2012.
Il prototipo gioca con i ‘limiti’
della materia nella realizzazione
di un vaso e un portafrutta
in grès nero e pasta di
porcellana bianca.
O10, designed by Guillaume
Delvigne, Specimen Editions,
2010. Created for the label’s
debut exhibition at Designer’s
Days in Paris, the lamp features
a laser-cut lacquered birch
support arm. Right: Climax,
by Guillaume Delvigne & Elise
Lefebvre, 2012. This prototype
explores the ‘limits’ of matter
in creating a vase and fruit dish
out of black porcelain stone
and white paste porcelain.
PHOTO BAPTISTE HELLER
PHOTO GABRIEL DE VIENNE
country? I personally did a five-year Product Design
degree at L’École de design Nantes Atlantique, which
included placements and periods abroad. What was
your first professional job? It was in Milan, with George J. Sowden, one of the Memphis co-founders. I worked on his team for two years. What’s the relationship
between study and professional practice? It’s essential
to do some professional training during your studies –
it’s the only way to start to understand the real world.
The school I attended is quite good at educating designers to be versatile. Do you speak a global language
or is your work the expression of local culture? I think
we’re all going more in the direction of a global language than the expression of local culture, because of globalization and internet. However, slight variations can
be perceived from country to country and I like that. I
hope this remains. What role do you think design will
play in the near future? I think we should try to give
more identity and sense to the products we design, to
provide companies, in every country, with better opportunities. Design could be a key to company survival.
Has your work allowed you to explore new materials
and technology? A few years ago I did some research
using rapid prototyping technology and now I use it quite often. It’s becoming more widespread and its scope
for future applications is interesting; I think it will expand further in the near future. © RIPRODUZIONE RISERVATA
CENTRAL SAINT MARTINS COLLEGE OF ART AND DESIGN
STINSENSQUEEZE (STSQ)
L’università delle arti di Londra è riconosciuta a livello internazionale come una delle principali istituzioni per l’apprendimento, la pratica, la ricerca e l’innovazione nei campi dell’arte, del
design, della comunicazione, in moda e performance. Le relazioni stabilite con oltre 90 università di 30 peasi rafforzano gli
scambi formativi e culturali e lo sviluppo di collaborazioni a livello mondiale. Il college è costituito da 5 unità accademiche:
Byam Shaw School of Art, Drama Centre London, School of Art,
School of Fashion and Textile Design, School of Graphic and Industrial Design e i corsi comprendono programmi di livello BA
e MA./This London university of the arts is renowned worldwide
as one of the leading institutions for study, training research and
innovation in the fields of art, design, communication, fashion
and performance. The contacts established with over 90 other
universities in 30 different countries further strengthen educational and cultural exchange as well as the development of international partnerships. The college comprises 5 academic
units – Byam Shaw School of Art, Drama Centre London, School
of Art, School of Fashion and Textile Design, School of Graphic
and Industrial Design – while study programmes include both
BA and MA degrees. www.csm.arts.ac.uk
LOUISE NAUNTON MORGAN
NATO A/BORN IN: LONDON (UK)
NEL/IN: 1985
CORSO/COURSE: BA GRAPHIC DESIGN
(2006-2009)
STINA GROMARK
NATO A/BORN IN: LUND (S)
NEL/IN: 1982
CORSO/COURSE: BA GRAPHIC DESIGN
(2006-2009)
Stinsensqueeze ha preso parte a numerose mostre ed eventi realizzando originali progetti grafici. Lo studio ha inoltre
partecipato a concorsi internazionali e ricevuto riconoscimenti
e menzioni. I lavori spaziano dallo studio e interpretazione del
linguaggio all’ideazione della grafica e del materiale informativo di mostre, libri, fino all’art direction e al disegno dell’identità di brand./Stinsensqueeze has contributed original graphics
projects to numerous exhibitions and events. The studio has
also taken part in international competitions, receiving various
awards and special mentions. Its work ranges from the study
and interpretation of language to the creation of graphics and information material for shows and books, through to art direction
and designing brand identity.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Il progetto di comunicazione
grafica per la mostra
Composite, che ha riunito
nel tema dell’evento sei
designer di differenti discipline,
ha riguardato sia la parte
relativa alla segnaletica sia
quella dei materiali stampati.
Sopra il typeface disegnato
appositamente e a sinistra
la locandina.
The graphic communication
project for the exhibition
Composite, which brought
together a team of six designers
from different disciplines.
The project gravitated on
indicating directions and
on printed material. Above:
the specially designed typeface
and, left, the poster.
Aperto a giugno 2012 lo studio Stinsensqueeze (STSQ) di
Stina Gromark (ST) e Louise Naunton Morgan (SQ), pone
come punti cardine il rapporto fra l’uomo e le tecnologie,
le interazioni fra le discipline e un’onestà produttiva che
dà spazio a una irrazionalità senza vincoli. Dopo il corso
alla Central Saint Martins, Louise ha avviato con altri due
laureati la Hato Press, una casa editrice e tipografia, e
ha anche lavorato freelance. Queste due attività si sono
alimentate a vicenda e hanno aperto all’espansione. Per
lei, il passaggio fra lo studio e l’ambito professionale è
stato intenso e comprendeva aspetti nuovi, come la gestione della propria attività. Stina invece, poco dopo la
laurea alla Central Saint Martins, ha lavorato a Londra
con gli specialisti di tipografia Studio Firth, un’esperienza
che ha portato nuove sfide, quali il rapporto con il cliente e la creazione di stili di carattere. Poi ha frequentato
la Royal College of Art di Londra, per potere investire
in STSQ: il portfolio di Stinsensqueeze è stato costruito
negli ultimi sei mesi, con lavori internazionali, in Svezia,
Parigi e Londra in particolare. ST e SQ condividono un interesse per i linguaggi e le traduzioni, caratteristica che
Ottagono 57
FOCUS ON
FOCUS ON
The human printer. Seguendo
lo stesso procedimento della
stampa digitale, la stampante
umana produce immagini
uniche, realizzate a mano.
Nel processo di stampa l’uomo
assume il ruolo della macchina,
ma deve seguire il modello
CMYK creato sul computer.
spesso appare nei loro lavori personali, dove domina il
linguaggio globale delle nuove tecnologie, nello specifico
l’interazione fra uomo e tecnologie e fra organico e inorganico. Stinsensqueeze sviluppa il progetto in ogni sua
fase, dall’idea alla produzione e predilige l’esplorazione
di ogni possibile strada; organizza tra l’altro i servizi fotografici, la fabbricazione degli attrezzi di scena, il budget economico. L’obiettivo di ST e SQ è di strutturare un
sistema che possa aiutare a sperimentare e osservare
il mondo circostante, per potere produrre esempi di design innovativi e stimolanti.
• The Stinsensqueeze (STSQ) design studio was launched
in June 2012 by Stina Gromark (ST) and Louise Naunton
Morgan (SQ). Its cornerstones include the human/technology relationship, cross-discipline collaboration, and production honesty with space for the irrational without limitations. Following graduation at Central Saint Martins,
Louise set up Hato Press, a printing and publishing house,
with two fellow graduates. She also worked freelance, and
the two activities fed each other, opening doors to expansion. The college-to-profession transition was intense and
included new aspects such as the fundamentals of running a business. Stina went to work for the London-based
Studio Frith typography specialists upon graduating from
Central Saint Martins, which meant new challenges such
as client relationships and professional typeface creation.
Disegno dell’identità di brand
e art direction del marchio
di abbigliamento maschile
Common. L’identità è costruita
rendendo ’non comuni’ oggetti
che in Svezia appartengono
al quotidiano; il logo sviluppa
il typeface Tratex, usato per
la segnaletica stradale locale.
Design for the brand identity
and art direction of the men’s
apparel label Common. The
identity is built by making items
belonging to everyday life in
Sweden ‘not common’. The logo
develops the Tratex typeface,
used in local road signs.
Sound-word index. Il progetto è
un’investigazione nel linguaggio
dei messaggi istantanei
per potere tradurre nelle
conversazioni digitali scritte
il suono della voce il ritmo
e le emozioni, e quindi
trasmetterli ‘oltre lo schermo’.
Sound-Word Index. This project
investigates the language of
instant messaging in order
to convey to written digital
conversation the sound of the
voice, rhythm and emotions,
and so transmit these ‘beyond
the screen’.
The human printer. Following
the same process as in the
digital method, the human
printer generates unique
handmade images. Man plays
the role of the machine in this
printing process, but has to
respect the CMYK colour model
created on the computer.
She then applied to the Royal College of Art, so she could
invest in STSQ: the Stinsensqueeze portfolio has been
built up over the last 6 months, working internationally,
in Sweden, Paris and London in particular. The pair have
an interest in language and translation, which often features in their personal work, where the global language
of new technology dominates – in interaction between humans and technology, the organic and inorganic. Taking
projects from conception to production, Stinsensqueeze
like to consider every avenue in a project, organizing photo shoots, prop construction, budgets etc. They aim to establish an organised system to help them experiment and
observe the world around them, producing innovative and
challenging design. © RIPRODUZIONE RISERVATA
Ottagono 59
FOCUS ON
FOCUS ON
ELENI DOMPROGIANNI
FACULTY OF ART AND DESIGN, TECHNOLOGICAL
EDUCATIONAL INSTITUTE (TEI) OF ATHENS
Fondato nel 1983, l’istituto TEI per la formazione accademica, è
organizzato in 5 facoltà e 36 dipartimenti e conta oggi 35 000
studenti. La facoltà di Art and Design è dedicata ai campi delle
arti applicate che riguardano comunicazione e cultura e comprende i 5 dipartimenti di Interior Architecture and Design,
Graphic Design, Photography and Audiovisual Arts, Printing
Technology e Artworks Conservation. Gli studi includono programmi di livello BA e master in multimedia e conservazione
delle opere d’arte. La facoltà collabora con università ed enti
europei, e svolge attività di ricerca nell’ambito della sostenibilità e innovazione del design di prodotto.
Founded in 1983, TEI is a college structured with 5 faculties and
36 departments, and today counts 35,000 students. The Faculty
of Art and Design, focusing on the applied arts in communication
and culture, comprises 5 departments: Interior Architecture and
Design, Graphic Design, Photography and Audiovisual Arts,
Printing Technology, and Artworks Conservation. The study options include several BA and Master’s degree programmes. The
Faculty has partnerships with European universities and institutes, and carries out research into sustainability and innovation
regarding product design. www.teiath.gr/?lang=en
Birth, 0,38m x 0,35m,
è il risultato di un processo
di decostruzione a partire
da un motivo simmetrico.
Il tema decorativo è utilizzabile
su tessuto o su vetro o ancora
per effetti d’illuminazione 3D.
Facendo emergere alcune parti
e ricavando dei fori da altre,
è possibile creare proiezioni
e ombre ‘artistiche’.
Birth, 0.38m x 0.35m,
is the result of a deconstruction
process setting out from
a symmetrical pattern.
This decorative element
may be used on textiles
or glass or even for 3D lighting
effects. By raising some parts
and sinking others, ‘artistic’
shadows and projections
may be created.
NATA A/BORN IN: MEGARA (GR)
NEL/IN: 1990
CORSO/COURSE: BA IN INTERIOR
ARCHITETURE, DECORATIVE ARTS AND
DESIGN (2008-2012)
Ha preso parte a innumerevoli concorsi, in
ambito nazionale e internazionale, con progetti di grafica, design di arredi e interni conseguendo riconoscimenti importanti. La sua attività si estende
anche alla partecipazione a mostre ed eventi culturali. Attualmente lavora per l’agenzia creativa Katart-e, con sedi a Megara e Salonicco, e si occupa di web service, grafica, design e
marketing. /She has submitted graphics, furniture and interior
design projects in countless national and international competitions, winning prominent recognitions and awards. Her repertoire also takes her to participate in exhibitions and cultural
events. She currently works for the creativity agency Katart-e,
with offices in Megara and Thessaloniki, and specializes in web
services, graphics, design and marketing.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Che cos’è il design per te? È la comunicazione tramite
i sensi, un dialogo fra le emozioni e le esigenze umane.
Quale è stato il tuo primo lavoro professionale e come è nata tale opportunità? Ho partecipato a un concorso per progettare oggetti di arredo e un’azienda mi
ha chiesto di sviluppare il pezzo che è risultato vincente. La proposta mi ha portato a ragionare da professionista. Qual è la relazione tra lo studio e la pratica del
lavoro? La differenza primaria consiste nell’esperienza. Entrambi gli ambiti offrono la soddisfazione della
creatività ma presentano dei limiti diversi. L’aspetto più
complesso in questo passaggio è capire ed elaborare
questi limiti che generano il divario fra teoria e pratica.
Senti di potere parlare un linguaggio globale o ritieni
piuttosto di essere espressione di una cultura locale?
Viaggiare all’estero mi ha fatto capire che la gente possiede un linguaggio globale: le esigenze quotidiane sono condivise da ogni cultura. Il design deve contribuire,
e già lo fa, a migliorare il modo in cui viviamo; anch’io inseguo questo obiettivo. Quindi direi che la mia comunicazione esprime una visione più ampia, di una cultura
internazionale che ha comunque le sue origini nell’Antica Grecia. Quale pensi sarà il ruolo del progetto nel
prossimo futuro? Spesso il design può essere applicato
per risolvere delle problematiche che al primo sguardo sembrano non risiedere nel mondo del design. Credo che questo ruolo diventerà sempre più evidente e gli
aspetti pratici stimoleranno ulteriormente i contenuti
creativi, aumentando il valore estetico dei prodotti. C’è
un motto in cui ti riconosci? Hai le matite e i colori… ora
disegna un paradiso da abitare!
• What is design for you? Design is communication
through the senses, a dialogue between feelings and
human needs. What was your first professional job?
How did it come about? I took part in a furniture de-
3443 è il progetto presentato
al concorso per giovani
designer ‘Loving Outdoors’,
organizzato da Kormos
Technical Editions nel contesto
di Sun&Shadow Expo 2010
ad Atene. La struttura per
esterni che si ispira nel disegno
alla spirale di Archimede,
racchiude le proposte
di una seduta, un tavolo,
la predisposizine per offrire
ombra e i requisiti di agevole
spostamento e stoccaggio
richiesti dal bando. La base
è suddivisa in 4 porzioni
e sostenuta da 4 supporti in
metallo; i 3 sistemi di seduta
con tavoli si compongono
di 3 sedie, caratteristiche
che spiegano il nome 3443.
3443 was presented at the young
designers’ competition ‘Loving
Outdoors’, organized by Kormos
Technical Editions within the
context of the Sun&Shadow
Expo 2010 in Athens.
The outdoor structure
is inspired in form by the
Archimedean spiral and
incorporates seating, tables
and shade elements. It also
satisfies the brief requisites
of being easy to move and store.
The base is divided into 4
portions and supported by 4
metal parts. 3 seating units
with tables make up 3
of the sections – a feature
explaining its name ‘3443’.
Dida ita
Dida ing
‘A smart gadget for absent
minded people’. Un foglio di
carta A4, piegabile come un
origami, diventa un utile
supporto per tenere sott’occhio
e a portata di mano gli oggetti
quotidiani che abitualmente si
dimenticano, come occhiali,
penne e appunti.
‘A smart gadget for absentminded people’. An A4
sheet of paper folded
origami-style becomes
a useful device for keeping
within reach and within view
everyday items that are often
mislaid, such as reading
glasses, pens and notes.
sign competition and was asked by a company to develop the winning piece. Here I had to think in professional terms. What’s the relationship between study
and professional practice? Experience is the essential
difference. They both offer the satisfaction of creativity but have different limits. The hard part in the transition is to understand and elaborate these limits creating the gap between theory and practice. Do you speak
a global design language or is your work the expression of local culture? Travelling abroad has shown me
that people have a global language: everyday human
needs are common to every culture. Design should
and does contribute to improving the way we live, and
I strive for this. So I’d say I speak a global language,
expressing a broader view of an international culture
with ancient Greek origins. What role do you think design will play in the near future? Design is often used
to solve problems that do not seem to be within design’s realm at first glance. I believe this role will become more pronounced, with practical needs further
stimulating design imagination and adding interesting
aesthetic aspects to products. Do you have a motto?
You have the pencils and colours…design a paradise to live in!
© RIPRODUZIONE RISERVATA
Ottagono 61
TESTATINA
L’École supérieure de design, d’art graphique et d’architecture
intérieure, Esag forma figure professionali in ambito creativo. L’istituto privato, registrato presso il ministero dell’Istruzione nazionale e della ricerca, fornisce due diplomi di livello master, per
direttore artistico in arte grafica e design numerico e per architetto d’interni-designer, riconosciuto dall’ordine francese degli architetti d’interni e certificato dallo Stato. Nel percorso formativo
Esag si contraddistingue per la nozioni di rigore e autodisciplina.
La scuola favorisce gli scambi e i contatti internazionali.
L’École supérieure de design, d’art graphique et d’architecture
intérieure – trains students to become professionals in the creative field. A private college registered with the French Ministry
of Education and Research, it offers two MA study programmes:
art director in graphic arts and numerical design, and interior
architecture/design. Its qualifications are recognized by CFAI
(the French council of interior designers) and certified by the
state. The ESAG training stands out for its accent on precision
and self-discipline. The school encourages international contacts and exchanges. www.penninghen.fr
NATO A/BORN IN: METZ (F)
NEL/IN: 1970
CORSO/COURSE: INTERIOR
ARCHITECTURE AND DESIGN (1996)
La collaborazione con Christian Liaigre
(1996-1998) e in seguito con Philippe Starck
(1998-2002) segnano l’inizio della sua carriera professionale. Nel 2002, Auer crea Izeu, la propria agenzia
di design, con sede a Parigi, che comprende un team multidisciplinare e si avvale della consulenza professionale di professionisti e maestri artigiani esterni. I suoi progetti riguardano residenze private, hotel, negozi realizzati per committenti In Europa,
Asia e America. Oltre al tema dell’architettura di interni, Auer ha
partecipato a mostre ed eventi, e si occupa di design degli arredi.
His collaborations with Christian Liaigre (1996-1998) and later
with Philippe Starck (1998-2002) mark the start of his professional career. In 2002 Auer set up Izeu, his own design agency, with
premises in Paris. Its multi-disciplinary team can also rely on the
expertise of external consultants and skilled artisans. His projects encompass private homes, hotels and stores designed for
clients in Europe, Asia and America. Besides his activity in interior architecture and furniture design, Auer has also taken part in
various exhibitions and events.
© FRÉDÉRIC DE GASQUET
“Fare l’architetto d’interni non può essere solo un lavoro; ha alle basi il talento naturale che poi evolve in
passione. Nel mio caso questo concetto è lo stimolo costante, ventiquattro ore al giorno. Ho avuto l’occasione
di studiare in tre ‘scuole’ diverse prima di mettermi in
proprio: ero studente a Esag Penninghen, e ho collaborato con Christian Liaigre e Philippe Starck. Tutto è passato velocemente e in modo facile. Comunque, credo
di avere semplicemente afferrato le opportunità che la
vita mi ha offerto. La mia formazione mi ha permesso
di concentrare le forze in diversi campi: il metodo lavorativo, la psicologia, la perseveranza e la curiosità senza
limiti. Applicare questi principi mi ha fatto maturare delle esperienze utili. L’elemento della creatività rappresenta il 15% in un progetto ben riuscito. Quest’idea può
essere frustrante ma ho capito che il valore definitivo di
un progetto ha le sue radici nei processi che portano al
prodotto finale, per cui mi impegno totalmente in ogni
fase. Attualmente sviluppo dei progetti ‘haute couture’,
che sono fatti su misura per ogni cliente. Nulla è standardizzato, globale o locale. La sparizione graduale della
classe media rinforzerà due mercati: quello del design
industriale e quello dei mobili ‘edizione limitata’ per una
clientela esclusiva. Questo significa, da un certo punto di
vista, che avremo perso 50 anni di progresso sociale. Il
mio lavoro sonda la direzione dell’innovazione sia per il
disegno sia per i materiali. Le cose più interessanti non
succedono mai dove te le aspetteresti; sapere questo ti
lascia aperte innumerevoli porte all’esplorazione”.
• “Being an interior designer cannot be merely a job:
it starts first as a natural talent, which then evolves
into a passion. Personally, this credo is my perpetual
drive, 24 hours a day. I had the chance to study at three
different ‘schools’ before branching out with my own
clients: I was a student at ESAG Penninghen, but I also
worked for Christian Liaigre and Philippe Starck. Everything went very quickly and smoothly. However, I feel
that I have only seized the opportunities that life has
offered me. My studies and training have enabled me
to acquire strength in various fields – work method,
psychology, perseverance and boundless curiosity –
and I have accrued my experience by applying these
principles. The creativity ingredient stands at 15% in
a successful project. This concept may be frustrating
but I understand that a project’s end value is rooted
essentially in the processes leading to the result and
therefore I involve myself entirely in each phase. I currently develop ‘haute couture’ projects – ideas that are
tailored to each of my clients. Nothing is standard,
global or local. The gradual disappearance of the middle class will reinforce two markets: industrial design
and ‘limited edition art furniture’ for an elite clientele.
On a certain level, this means we will have lost 50 years
of social progress. The direction my work takes is that
of innovation, both in terms of drawing and materials.
Knowing that the most interesting things never happen exactly where you expect leaves an infinite number of doors open for exploration.” © RIPRODUZIONE RISERVATA
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Esposizione ‘L’art de vivre avec
l’art’ a Intérieurs 2011. Auer
progetta una cucina con uno
sguardo artistico, per rivelarne
l’aspetto poetico piuttosto che
quello funzionale tradizionale.
Per l’allestimento disegna
arredi scultorei, a sinistra
e in basso, che nel pregio dei
materiali accentuano l’effetto
decorativo.
The exhibition ‘L’Art de Vivre avec
l’Art’ at Intérieurs 2011. Auer has
designed a kitchen with an artistic
slant, to highlight the room’s
poetic rather than functional and
traditional nature. For this design
he conceived sculpture-like
furnishings (left, and below) that
emphasize the decorative aspect
through fine materials.
TRISTAN AUER
ESAG PENNINGHEN - ECOLE SUPÉRIEURE DE DESIGN,
D’ART GRAPHIQUE ET D’ARCHITECTURE INTÉRIEURE, PARIS
FOCUS ON
Cucina nell’appartamento
a Ile Saint Louis, nel cuore
di Parigi (2008). Progetto per
l’architettura degli interni e
l’arredo di uno spazio di 250 m2.
In alto, Hôtel 5* La Sivolière
a Courchevel 1850, Francia
(2009-2010). L’architetto ha
realizzato il design degli interni
e la creazione degli arredi
con un approccio che unisce
il rispetto della tradizione locale
alla modernità, intesa come
ricerca del comfort. Nello studio
di ristrutturazione Auer ha
proposto l’integrazione con la
natura anche attraverso l’utilizzo
dei materiali, come il legno.
The kitchen to an Ile Saint Louis
flat, in the heart of Paris (2008).
An interior design and
furnishing project involving
a 250 m2 space. Above: the
5-star hotel La Sivolière at
Courchevel 1850, France
(2009-2010). The architect
designed the interiors and
furnishings drawing on an
approach combining respect
for local tradition with
modernity, in the sense of
supreme comfort. Auer’s
renovation project features
great integration with nature,
also through the choice of
materials, such as wood.
Ottagono 63
FOCUS ON
LEE MEI YAN
HONG KONG DESIGN INSTITUTE (HKDI)
HKDI, istituto per la formazione nel campo del design, si pone l’obiettivo di preparare nuovi talenti per l’industria creativa in evoluzione. L’impegno è di stimolare il pensiero critico, la sensibilità
culturale, la responsabilità sociale attraverso una prospettiva internazionale. HKDI è ripartito nei 4 dipartimenti: Design Foundation Studies (DFS), Communication Design and Digital Media
(CDM), Fashion and Image Design (FID), Product and Interior Design (PID). L’istituto offre programmi di studi di livello BA con atenei stranieri, quali Birmingham City University, Nottingham
Trent University, and University of the Arts London.
HKDI aims to train new talent to join the evolving creative industry
as professionals. It is committed to stimulating analytic thinking,
cultural sensitivity and social responsibility from an international
standpoint. HKDI is divided up into 4 departments: Design Foundation Studies (DFS), Communication Design and Digital Media
(CDM), Fashion and Image Design (FID), Product and Interior Design (PID). The institute offers BA-level study programmes involving partnerships with schools abroad, such as Birmingham City
University, Nottingham Trent University, and University of the Arts
London. www.hkdi.edu.hk
NATA A/BORN IN: HONG KONG (CN)
NEL/IN: 1989
CORSO/COURSE: BA IN GRAPHIC
INFORMATION DESIGN (2010)
La sua attività professionale inizia nel 2007
per committenti dislocati in America, UK,
Francia, Belgio oltre che a Hong Kong e
Shanghai. Nel 2010 apre il proprio My Jane Studio di arte e design. Le sue competenze che riguardano il fumetto, l’illustrazione e il design le hanno già procurato riconoscimenti internazionali. Ha partecipato a mostre collettive e i suoi lavori sono
pubblicati da editori francesi e cinesi.
She began her professional career in 2007, with customers based all over the world, in America, UK, France and Belgium, as
well as in Hong Kong and Shanghai. She opened her own art and
design office, My Jane Studio, in 2010. Her skills in illustration,
comics and design have already brought her international recognition. She has taken part in various collective exhibitions and
her works have been published by French and Chinese editors.
ESPERIENZE
EXPERIENCE
Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Come
è nata tale opportunità? Ho cominciato come designer
freelance nel 2007. Il mio primo lavoro è stato con un’azienda inglese, che ha commercializzato i miei poster.
Mi piace condividere i miei disegni in internet da quando ero studente. La società li ha visti e mi ha contatto
per stamparli e venderli in Europa. Qual è la relazione
tra lo studio e la pratica professionale? La mia laurea
in Graphic Information Design mi ha fornito una varietà
di competenze con cui è stato possibile effettuare sperimentazioni in design e creatività; ho trasferito al mio lavoro professionale questo aspetto importante. Nel tuo
lavoro quale è il peso tra creatività e management?
Faccio i lavori amministrativi di mattina e poi mi dedico all’aspetto creativo. In termini di tempo, la divisione
My jane Collection. Il disegno
Black Wonderland riprodotto
sulla borsa da shopping
e realizzato da Lee Mei Yan con
Gizem Vural rappresenta il loro
sogno del paese delle meraviglie,
2012. A destra, la rivista a fumetti
L’épisode pubblicata da
Na Edition, France, 2010.
My jane Collection. The Black
Wonderland drawing printed
on a shopping bag. Created
by Lee Mei Yan with Gizem Vural,
it shows their idea of
wonderland, 2012. Right: the
comic strip magazine L’épisode
published by Na Edition,
France, 2010.
Da sinistra, poster Comic City.
Il tema dell’llusione della
designer riguardo alla città.
A destra, La vie est belle,
copertina della rivista Modern
Spleen, Na Edition, France,
2009. I colori raccontano l’invito
a una visione positiva e serena
della vita.
From left: the poster Comic City.
This explores the theme of the
designer’s illusion of the
metropolis. Right: La Vie est
Belle, cover to the magazine
Modern Spleen, Na Edition,
France, 2009. The colours
illustrate the invitation to
a positive and calm view of life.
Nell’illustrazione 3d Comic City,
gli elementi del disegno, edifici,
scale e ambienti ‘intricati’, tutti in
stretta connessione, si ispirano
a Hong Kong. L’immaginazione
è libera per tracciare superfici,
spazi, prospettive diverse, capaci
di raccontare molte storie e
suggerire altre ‘strade’ possibili.
Hong Kong is the inspiration to
the design elements, buildings,
staircases and ‘entwined’
settings – all interconnected –
in the 3D Comic City illustration.
The onlooker’s imagination is
free to explore different surfaces,
spaces and perspectives,
narrating countless stories and
indicating other possible ‘routes’.
Dida ita
Dida ing
è 50-50; entrambi aspetti sono importanti. Senti di poter
parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura locale? L’ispirazione delle mie illustrazioni è il mio contesto locale di Hong Kong,
con i suoi palazzi alti e fitti. Mi rivolgo ai fumetti per il linguaggio visuale. I miei disegni offrono una narrativa in
ogni angolo, per stimolare l’immaginazione. Quale pensi sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? Sarà
molto presente nei social media di internet, nel web design e nella progettazione inter-aziendale. La richiesta
di design in generale sarà maggiore in futuro. Nel tuo
lavoro professionale, hai avuto modo di sperimentare
nuove tecnologie e materiali? Sì, ho lavorato con artisti
e designer che mi hanno dato l’opportunità di esplorare alcune tecnologie nuove di design, come la projection
mapping e l’animazione in 3d. Attualmente indago vari
materiali del design sperimentale.
• What was your first professional job? How did it come
about? I started freelance in design in 2007. My first job
was with a UK company, which sold my posters. Even
as a student I liked to share my drawings on the internet; this company saw them and asked to print and
sell them in Europe. What’s the relationship between
study and professional practice? The Graphic Information Design course I attended taught me a variety of
skills. This allowed me to experiment with design and
creativity – an approach I’ve taken to my career. How
do you divide your work time between creativity and
management? I do the administration in the morning,
then work on creativity. Timewise the division is 50-50.
Both are important. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture?
My illustrations are inspired by my local Hong Kong
environment, with its buildings and settings on high.
I use comics as a visual language. My drawings contain stories in every corner, to stimulate the imagination. What role do you think design will play in the near
future? It will be prominent in cross-media design, internet social media, web design and cross-company design. There will be greater demand for design in
general. Has your work allowed you to explore new
materials and technology? Yes, I’ve worked with artists and designers enabling me to explore new design
technology, such as projection mapping and 3D animation. I’m currently investigating various materials
in experimental design. © RIPRODUZIONE RISERVATA
Ottagono 65
FOCUS ON
RIDISEGNARE LA NORMALITÀ
FOCUS ON
REDESIGNING THE NORMAL
Aldo Colonetti
Le condizioni per progettare e produrre bene sono fondate sulla conoscenza, che risiede là
dove esiste ancora il coraggio di andare oltre i limiti indicati dallo stato attuale del pensiero. Per
questa ragione, abbiamo bisogno di mettere in relazione questi due mondi: il pensiero in fieri,
appunto, è lo stato dell’arte del sistema produttivo che, per natura e necessità, tende a ripetere le stesse regole, una sorta di andamento inerziale. Che cosa chiediamo ai nuovi progettisti
e come vorremmo che rispondesse la cultura del mercato? In primo luogo, chi progetta oggi
dovrebbe avere il coraggio di trasformare la normalità in eccezionalità, ovvero esistono ancora tanti problemi, luoghi dell’esistenza quotidiana che non sono stati ancora esplorati; alcuni
esempi, il rapporto tra la corporeità e la casa, la città, i trasporti e il territorio in generale. Siamo
ancora troppo timidi nei riguardi dei problemi della vita di tutti i giorni, mentre mettiamo al centro della nostra attenzione il nuovo, l’inatteso, ciò che viene dall’altro, senza guardare intorno a
noi stessi, e comprendere che solo dalla conoscenza dei propri limiti è possibile ripartire. È una
sorta di rivoluzione copernicana: cambiare il punto di vista. In secondo luogo, chi produce oggi
dovrebbe avere, nonostante il momento particolare, un’apertura sul mondo capace di individuare, veramente e concretamente, ciò di cui abbiamo bisogno come consumatori e cittadini
del mondo. La sovrapproduzione non è solo il risultato di una crisi dei consumi e del potere
d’acquisto; è anche il frutto di una certa cecità che nel rischio d’impresa non è in grado cogliere
lo sviluppo dei desideri comuni, quotidiani, indipendentemente dal livello di reddito. È come se
si fosse creata una spaccatura tra progettazione, produzione e mercato, inteso come insieme
di normali cittadini del mondo. Ecco, rimettiamo insieme i ‘cocci’, e allora la nuova forma e
una nuova funzione dell’oggetto saranno davanti a noi, come se fossimo contemporaneamente
progettisti, produttori e, ovviamente, consumatori. Infine, come ha scritto recentemente uno
dei più importanti e sensibili registi, Ermanno Olmi, a proposito del tema dell’Expo 2015, ‘nutrire il pianeta’: “Bisogna recuperare l’antica saggezza, quel che di buono ci hanno insegnato i nostri vecchi. Parlando di sobrietà, rispetto, sostenibilità, si può fare una rivoluzione. Non c’è gara
tra una ricchezza fasulla e una povertà garantita: è mille volte meglio avere la consapevolezza
di quel che si possiede. Oggi la natura è la nostra ricchezza: abbiamo una riserva di tempo per
non sprecarla malamente. Bisogna riprendere lo spirito di quel ragazzo che a Tienanmen ha
fermato con la mano alzata i carri armati: bisogna, a proposito del cibo, e non solo, imporre un
cambiamento, mettendo al centro la terra, ovvero noi”. Il nostro progetto parla questo linguaggio, fondato sulla normalità e su ciò che tutti noi conosciamo, perché ci fidiamo e riconosciamo
come nostro solo quel mondo, quella terra che ci appartiene. Ci fidiamo di quei prodotti che un
po’ già ci appartengono. Progettare e produrre il nuovo significherà, allora, riprogettare e produrre nuovamente ciò che riconosciamo come nostro. Ecco il nuovo punto di vista.
The conditions for designing and producing well are founded on knowledge, and knowledge
resides in that realm where the courage to go beyond the boundaries traced out by the current conventions of thought still exists. This is why we need to create a bridge between the
two worlds, between on-going thought and the state of the art in a production system that, by
nature and necessity, tends to repeat the same rules in a sort of inertia. What do we ask of our
new designers and how would we like them to respond to the market culture? Firstly, today’s
designers should be brave enough to convert the normal into the exceptional, in that many
problematic aspects and many contexts of everyday living remain unexplored. Just some examples are the relationship between the human body and the home, the town, transportation
and the local area in general. We are still too shy in tackling everyday problems. While our
attention focuses on the new, the unexpected and what comes from others, we forget to look
around ourselves and comprehend that it is only by exploring our own limits that we can move
in the right direction. It’s a sort of Copernican revolution: changing viewpoint. Secondly, today’s
manufacturers should have, despite the delicate economic period, a good perception of the
world and be capable of realistically and reliably identifying what we, as consumers and inhabitants of this planet, require. Over-production is not only the result of a slump in consumption
and buying power. It is also the outcome of company blindness to risk, with an inability to pick
up on the evolution of common everyday desires, regardless of income level. It’s as if a sort of
rift has opened up between design, production and the market, intended as a group of ordinary
citizens of the world. So why don’t we put the pieces back together, to reveal a new form and a
new function, as if we were designer, manufacturer and consumer all rolled into one? Lastly,
as one of the most prominent and most sensitive Italian directors, Ermanno Olmi, wrote about
the Expo 2015 theme ‘feeding the planet’: “We need to reacquire our old wisdom, the good
things that our elders have taught us. When speaking of sobriety, respect and sustainability,
there’s scope for a revolution. There’s no competition between illusory wealth and certain poverty: it’s a thousand times better to be aware of what you actually possess. Today nature is our
wealth: we have a time reserve enabling us to not waste and abuse it. We need to rediscover
the spirit of that young man who stopped the tanks in Tiananmen Square just by raising his
hand. On the subject of food, but not that alone, we must assert change, placing the earth –
which also means us – at the heart of the matter.” Our project speaks this language, founded
on normality and the things that we all know, because we trust and recognize as ours only that
world, that planet belonging to us. We trust products that already partially belong to us. Thus,
designing and manufacturing the new will mean re-designing and re-producing those things
we recognize as ours. This is the new viewpoint.
Ottagono 67

lezioni di progetto

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