I processi di globalizzazione dell`arte contemporanea

I processi di global izzazione nell’arte contemporanea
Dalla conferenza del 26-05-2011 d i Francesco Bernardell i e Francesco Poli
I processi di globalizzazione dell’arte contemporanea sono stati facilitati anche dalla diffusione e la
conseguente promozione di diverse biennali nate nei paesi extraeuropei; queste manifestazioni hanno
contribuito a portare alla ribalta artisti provenienti dall’Africa, dall’Asia, dal Sud America e a far conoscere in
queste parti del mondo l’arte Americana ed Europea.
Una delle manifestazione che ha contribuito alla conoscenza di una pratica artistica, lontana da quella
occidentale, in cui il rito scamanico e religioso si coniuga con l’espressione plastica e visiva è stata la mostra
Les Magiciens de la Terre (Parigi - Centre Pompidou - Halle de la Villette) del 1989.
Http://vimeo.com/14421900
Bienal de São Paulo
La Biennale di San Paolo è stata fondata nel 1951 su
iniziativa dell'industriale Francisco (Ciccillo) Matarazzo
Sobrinho (1898-1977). E’ la seconda più antica biennale
d'arte del mondo, dopo Venezia (in vigore dal 1895).
Il suo scopo iniziale era quello di far conoscere in Brasile
l'arte contemporanea (soprattutto quella proveniente
dall’Europa Occidentale e dagli Stati Uniti) e divulgare l’arte
contemporanea del Brasile in altri stati per far diventare San
Paolo del Brasile un centro d'arte internazionale.
La quarta edizione, nel 1957, della Biennale di San Paolo si
è tenuta presso il Pavilhão Ciccillo Matarazzo nel Parque do
Ibirapuera. Il padiglione è stato progettato da un team
guidato da Oscar Niemeyer e Hélio Uchoa, e offre uno
spazio espositivo di 30.000 mq.
Come con il modello veneziano, São Paulo ospita
presentazioni nazionali e mostre internazionali sotto la
direzione di diversi curatori. Oltre alla Biennale d'Arte, dal
1973, si tiene una Biennale Internazionale di Architettura e
Design.
http://www.bienal.org.br/FBSP/pt/Paginas/Home.aspx
São Paulo Biennial: Pavilhão Ciccillo Matarazzo
Biennale di Sydney
La Biennale di Sydney in Australia è uno dei più grandi ed
emozionanti eventi di arti visive. Rinomato per la
presentazione dell'arte più innovativa contemporanea di
tutto il mondo, il festival si tiene nei musei principali di
Sydney e nelle gallerie, tra cui la Galleria d'Arte del New
South Wales e il Museo d'Arte Contemporanea, e dispone
di percorsi espositivi all'aperto lungo il porto glorioso della
città. Nei 35 anni dal 1973 al 2008, la Biennale di Sydney ha
presentato 16 mostre su larga scala - portando il lavoro di
oltre 1.355 artisti provenienti da più di 82 paesi.
La Biennale è stata tra i primi a celebrare la diversità
culturale ed etnica in Australia (1976 e 1979), la prima a
mostrare l'arte indigena in un contesto internazionale
dell'arte contemporanea (1979), la prima a concentrarsi su
l’Asia e l'arte contemporanea (1973 e1976), ed e stata tra
le prime a presentare al grande pubblico l'arte e i movimenti
che hanno trasformato la società australiana (1979, 1982 e
1984).
Http://www.biennaleofsydney.com.au/
Manifesto della 18° Biennale di Sidney 2012
Biennale dell'Avana
La Biennale dell'Avana è stata istituita nel 1984, molto prima
del boom mondiale delle biennali nella metà degli anni
novanta. La sua prima edizione si è concentrata su artisti
che vivono o hanno le loro radici sociali e culturali
nell'America Latina e nei Caraibi. Nella seconda Biennale
dell’'Avana del 1986, l'attenzione è stata estesa all'Africa e
all'Asia, divenendo così il luogo d'incontro più importante
per gli artisti dei paesi 'non occidentali'; per questo motivo,
Universi in Universe ha dedicato particolare attenzione a
questo evento.
Http://www.bienalhabana.cult.cu/bienaldelahabana/
Sito della Biennale dell’Avana
Biennale di Istambul
La biennale di Istambul nasce grazie alla
Fondazione di Istanbul per la Cultura e l’Arte, ed è stata
fondata nel 1973 sotto la direzione del Dr. Nejat F.
Eczacibasi, con lo scopo di organizzare un festival annuale
internazionale di arte (musica, jazz, cinema, teatro, arti
visive). La particolare posizione della città come un ponte
tra Europa e Asia, tra Oriente e Occidente, sembrava porsi
come un luogo per il dialogo inter-culturale.
Il primo festival è stato organizzato nel mese di giugno e
luglio 1973, in onore del 50 ° anniversario della fondazione
della Repubblica turca.
La prima Biennale delle arti visive si è tenuta nel 1987. Il
coordinatore generale e curatore era Beral Madra, nativo di
Istambul. La città era priva di spazi espositivi di grandi
dimensioni, per cui dopo la seconda Biennale è stata fatta
di necessità virtù, e con il motto 'arte contemporanea in
spazi tradizionali' furono utilizzati per le esposizioni gli
edifici storici della città: da allora, questo è diventato un
aspetto unico e particolarmente interessante della
Biennale di Istanbul.
Manifesto della Biennale di Istambul del 2010
Http://www.iksv.org/bienal10/index.html
Brasile
Lygia Clark
(Belo Horizonte, 23 ottobre 1920 - Rio de Janeiro, 25 aprile
1988) è stata un artista brasiliana conosciuta per la sua
pittura e il lavoro di installazione. E' stata spesso associata
con il movimento brasiliano costruttivista della metà del
secolo ventesimo e il movimento Tropicalia. Insieme con
artisti brasiliani Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Lygia
Pape e poeta Ferreira Gullar, Clark è la co-fondatrice del
movimento artistico Neo-concretista. Il Neo-concretisti
credevano che l'arte doveva essere soggettiva e biologica.
Durante la sua carriera, Clark ha scoperto il modo per far
interagire gli spettatori (che in seguito indica come
'partecipanti') con le sue opere d'arte: ridefininendo il
rapporto tra arte e società.
Lygia Clark, Sensorial Hood,
Ligia Klarc, Dentro e
fuori, 1963
Hélio Oiticica
Hélio Oiticica (26 luglio 1937 - 22 marzo 1980) è stato un
artista brasiliano visuale, meglio conosciuto per la sua
partecipazione nel gruppo di neo-calcestruzzo, per il suo
uso innovativo del colore, e per quello che vrerra definita
'arte ambientale', che comprendeva Parangolés e
Penetrables, come la famosa Tropicália.
Libano - Iran
Helio Oticica, Grande Nucleo, 1960-66
Mona Hatoum
Mona Hatoum (Beirut, 1953) è una artista libanese.
Ha studiato presso il Beirut University College tra il1970 e il
1972 e in seguito alla Byam Shaw School of Art e la Slade
School of Art dal 1975 al 1981. Nel 1995 è stata nominata
per il Turner prize in seguito alla sua personale presso il
Centre Georges Pompidou a Parigi e presso la White Cube
di Londra. Nel 2008 è stata premiata con il prestigioso
premio Rolf Schock Prizes. Nelle prime opere l'artista
libanese usa il mezzo della performance per denunciare la
situazione sociale e politica delle donne; in seguito passa
ad utilizzare il video per poi, verso la fine degli anni '80,
Helio Oticica,
Parangolé, 1964-65
Shirin Neshat, Rebellioussilence,1994
Mona Hatoum,
Socle du mond,
1992-93
Shirin Neshat
Shirin Neshat (Qazvin, 26 marzo 1957), è una artista
iraniana di arte visiva contemporanea, conosciuta
soprattutto per il suo lavoro nel cinema, nei video e nella
fotografia. Vive attualmente tra il suo paese di origine e
New York.
Attraverso il suo lavoro Shirin Neshat analizza le difficili
condizioni sociali all’interno della cultura islamica, con
particolare attenzione al ruolo della donna, rivolgendosi
al significato sociale, politico e psicologico dell’essere
donna nelle società islamiche contemporanee.
Anche se Neshat attivamente si oppone alle
rappresentazioni stereotipate dell’Islam, i suoi obiettivi
artistici non sono esplicitamente polemici. Piuttosto, il
suo lavoro riconosce le forze intellettuali e religiose
complesse che modellano l’identità delle donne
musulmane nel mondo intero. Come fotografa e video-
artista, Shirin Neshat è famosa per i suoi ritratti
di corpi di donne interamente ricoperti da
scritte in calligrafia persiana.
Ha inoltre diretto parecchi video, tra cui
Anchorage (1996), proiettato su due pareti
opposte: Shadow under the Web (1997),
Turbulent (1998), Rapture (1999) e Soliloquy
(1999).
Nelle sue fotografie e nei suoi video mostra
attraverso immagini piene di tensione dei corpi
velati, dei martiri (uomini o donne), persone
sottomesse, che ogni giorno devono fare i
conti con la violenza ed il terrorismo.
È del 2009 il suo primo lungometraggio: Donne
senza uomini.
Cuba
Ana Medieta
Mendieta nasce a L'Avana (Cuba) nel 1948. Ha
un'infanzia felice, ma nel 1961 lei e la sorella Raquelin
vengono sradicate e portate negli Stati Uniti, all'interno
dell'operazione Peter Pan, un piano anticomunista per
“salvare" i bambini cubani all'indomani della rivoluzione
castrista. Inizia così un pellegrinaggio da un campo di
rifugiati ad un orfanotrofio, o in famiglie adottive, che le
procurerà una grave depressione.
Negli Stati Uniti sperimenta la vita quotidiana come
cittadina di seconda classe. Tornerà a Cuba solo nel
1980, diciotto anni dopo il suo traumatico esilio. Nei
successivi tre anni riuscirà a sviluppare stretti legami con
la comunità di artisti emergenti entrando in contatto con
la ricca tradizione Afro-Cubana. L'artista ha avuto un
grande ruolo nello scambio culturale tra Cuba e il Nord
America e fino ad oggi rimane l'unica cubana espatriata
negli Stati Uniti ad aver partecipato a mostre nazionali a
Cuba.
Durante gli studi presso l'Iowa State University avviene
la scelta radicale di passare dal lavoro pittorico alle
performances.
Proprio in Iowa viene entra in contatto con il movimento
delle donne e questo influenza in modo forte la sua arte.
Abbracciando gli ideali del femminismo, Mendieta fa una
propria sintesi della Body Art e la Land Art sovvertendo i
gesti monumentali dei land-artisti attraverso
l'inserimento nel paesaggio del corpo umano.
Nei suoi primi lavori si confronta con la discriminazione,
la violenza e lo stupro.
Dopo aver letto dello stupro e dell'assassino di una
studentessa nel campus universitario, Mendieta
reagisce artisticamente a questa violenza usando il
proprio corpo: "sto lavorando con il mio sangue e il mio
corpo".
L'esclusione dal mondo dell'arte degli artisti di etnie
diverse e delle donne, porta Mendieta a rivendicare in
modo forte la propria identità trans-culturale.
Le sagome effimere del suo corpo vengono bruciate nel
legno, segnate con il sangue, modellate con tumuli di
terra, erba, polvere da sparo o fiori; galleggiano sulla
corrente, eruttano come vulcani o si confondono con il
paesaggio.
Al suo ritorno a Cuba crea le "Sculture rupestri" (1981),
una serie di figure semiastratte scavate nella roccia
tenera delle cave nel Parco Jaruco, alla periferia de
L'Avana. L'artista da' loro nomi di antiche dee adorate dai
Taino, un popolo indigeno dell'isola.
Tracce di queste sculture e di una foglia dipinta
rimangono, come fragile ricordo dell'artista, in un museo
a L'Avana.
Nel 1985 l'artista muore cadendo dal 35° piano in
circostanze mai chiarita
Ana Mendieta, Serie arbol de la vida (Iowa), 1976
Ana Mendieta, Film stills from Untitled , 1974
Tania Bruguera
Tania Bruguera, classe 1968, è una giovane artista
cubana molto nota all'estero, attiva anche negli Stati
Uniti e presente nel circuito dell'arte contemporanea
internazionale già da qualche anno grazie anche
consenso suscitato con Ingegnere dell'anima,
l'installazione esposta alla VII Biennale internazionale
d'arte contemporanea dell'Avana nel 2000.
A quasi dieci anni dall’inizio della sua attività artistica,
che mette in relazione disinvoltamente tradizione, nuovi
linguaggi, scultura, performance, il corpo stesso
dell'artista come mezzo di indagine sociale, Tania ha già
alle spalle la partecipazione alla Documenta XI (Kassel,
Germania), le Biennali di Venezia, Johannesburg, San
Paolo, Istanbul e L'Avana. Ha esposto nei maggiori
musei di arte contemporanea del mondo e nel 2000 ha
Tania Bruguera, The Weight of Guilt, Untitled, 1998
Kcho
Si è affermato nel panorama artistico internazionale
vincendo il Gran Premio della Biennale della Corea del
Sud nel 1995. Kcho è nato a Nueva Gerona, Cuba, nel
1970. Si è laureato presso la Scuola Nazionale di Belle
Arti (L'Avana) nel 1990 e ha ricevuto il Premio
Associazione Fratelli Saiz. Nel 1996, ha iniziato a
esporre i propri lavori presso il Centro Nazionale d'Arte
Contemporanea (Montreal, Canada), il Museum of
Contemporary Art (Los Angeles, USA, 1997) e il Museo
Nazionale Reina Sofia (Madrid, 2000). Nel 1992, Kcho è
stato nominato membro della giuria del Salon Nazionale
del Museo Nazionale di Palazzo delle Belle Arti
all’'Avana, nel 1994, ha ricevuto una borsa di studio dalla
Fondazione Ludwig, e nel 1995, ha ricevuto il Premio
UNESCO per la promozione delle arti a Ginevra. Kcho è
noto per la creazione di opere basate sulle forme di
imbarcazioni, spesso realizzate con materiali di scarto o
improvvisati, che incorporano iconografia e oggetti di
vita quotidiana a Cuba.
Africa
Yinka Shonibare
Yinka Shonibare, di origini africane, ma, nato in
Inghilterra (Londra 1960), ha ritrovato in questo paese le
stesse difficoltà dei suoi connazionali emigrati alla
ricerca di una vita che ai loro occhi potesse apparire
migliore. Il processo dell’opera di Shonibare appare già
dall'inizio differente, come pervertito, in favore di
un'apparentemente innocuo narcisismo, proiettato
verso un estetismo artistico per alcuni fine a se stesso,
ma non pedantemente moralista come ci si
aspetterebbe da chi vuole criticare le origini del sistema
occidentale. Tale critica, nelle opere di Shonibare, è
subordinata alla ricerca della bellezza dell'oggetto in sé,
considerando solo in secondo luogo il significato
allegorico.
La diversità di Shonibare, non solo di idee, di concetti e di
passioni, appare agli occhi del razzismo occidentale
Kcho, barca, anni1990
Yinka Shonibare, How to Blow up two heads at once
(Ladies), 2006
come la mostruosità fisica simbolo di perversione di
Dorian Gray: sulla sua stessa pelle. Anziché ignorare o
rassegnarsi alla cosa, Shonibare perverte, in modo
molto dandy, il sistema fondamentalmente razzista di
una certa società: se il pubblico non mi accetta, io lo
rifiuto. E così facendo, creando scandalo, egli ottiene
un'accettazione in qualità di artista ch'egli non ammette
mai come propria, continuando a deridere ironicamente
il pubblico, approfittando implicitamente del suo ruolo di
artista che, nella società moderna, rimane pur sempre
un outsider. "Se vuole che gli si levi la croce dalle spalle,
la deve portare bene in alto, in piena luce, e potrà
sgusciarne solo avvolto dall'oscurità della propria
nudità"; ed ecco che Shonibare, il dandy, "gioca la carta
della differenza tollerabile, nella speranza che ciò possa
fungere da maschera per le sue intenzioni e i suoi
schemi, anziché da camicia di forza che ne ingabbia
l'esistenza. Questo è il prezzo del biglietto"
Yinka Shonibare, Diary of a victorian dandy, 1998
Cina
Huang Yong Ping
Huang Yong Ping (nato nel 1954) è un artista francese
contemporaneo visivo di origine cinese. Il lavoro di
Huang combina molti mezzi e influenze culturali, ma è
particolarmente forte l’influenza dell'astrazione
intellettuale Dada e dalle tradizioni numerologia cinese.
Fondatore del gruppo Dada Xiamen in Cina nel 1980, le
opere di Huang includono materiali non ortodossi, come i
serpenti e gli scorpioni vivi. Molte delle opere scultoree di
Huang occupano alcune decine di metri di dimensione.
Huang Yong Ping,100 Arme
der Guan yin, 2006
Chen Zhen
Formatosi culturalmente e artisticamente in Cina
durante la rivoluzione culturale, si trasferisce nel 1986 a
Parigi iniziando così a lavorare in Occidente
(principalmente tra la stessa Parigi, Londra, New York e
la Toscana) e a miscelare nella proprie opere il proprio
bagaglio artistico orientale all'arte del vecchio mondo,
compresa quella classica. In seguito abbandonò presto
la pittura in favore delle installazioni. È deceduto nel
2000 per una malattia che lo accompagnò sin da
Cai Guo-Qiang
Cai Guo-Qiang è nato nel 1957 a Quanzhou, provincia
del Fujian, Cina. Si è formato come scenografo presso la
Shanghai Drama Institute. Mentre viveva in Giappone
dal 1986 al 1995, Cai ha esplorato le proprietà della
polvere da sparo nei suoi disegni, una ricerca che lo ha
portato alla sperimentazione con gli esplosivi su larga
scala per creare i suoi "eventi esplosione". Nel 1995 si
trasferisce a New York con una borsa di New York-based
Asian Cultural Council, un'organizzazione
internazionale che promuove scambi artistici tra i paesi
asiatici e gli Stati Uniti. Cai si basa su una grande varietà
di simboli, le narrazioni, le tradizioni e materiali come il
fengshui, la medicina cinese, i dipinti Shanshui, la
scienza, la flora e la fauna, ritratti, e i fuochi d'artificio.
Chen Zhen, Round table side by side, 1997
Cai Cuo Qiang, 2010