PUBBLICAZIONI SCIENTIFICHE DI VAGO DAVIDE

Davide Vago
Pubblicazioni 2013 – 2008
Traduire le Tartuffe de Molière. L’inscription de l’oralité, “CeSLiC Occasional papers”, 2013
(Marzo): 1-17, http://amsacta.unibo.it/3652/
En partant non tant d’une réflexion traductologique, mais d’une perspective dramaturgique aussi
bien que de la pratique stylistique de la traduction d’un pièce, dans cette contribution nous nous
proposons de comparer les résultats de deux versions italiennes d’une pièce «canonique» telle que
le Tartuffe de Molière (Cesare Garboli en 1976 et Vittorio Sermonti en 1979). Dans la première
partie de ce travail, les références théoriques retenues (Pavis 1990; Ryngaert 1991; Ubersfleld
1996 ; Cascetta, Peja 2003) insistent sur le fait qu’il faut considérer une pièce de théâtre non
seulement comme texte dramatique, mais aussi comme un tissu appuyé sur ces « nœuds de
théâtralité» qui permettent de passer du texte dramaturgique au perfoming text. Les questions
concernant la traduction de Tartuffe sont alors mises en relation avec cette mise en scène virtuelle à
laquelle une pièce renvoie sans interruption à travers ses «trous» textuels: des noms des
personnages au rythme issu de la ponctuation, de la polyphonie contenue dans un seul énoncé à
l’inscription du dynamisme du corps à l’intérieur des séquences rythmiques. On signale par
exemple les stratégies adoptées afin de traduire dans une autre langue le lien existant entre la parole
et le geste (le «verbo-corps», d’après Pavis 1990). Dans la seconde partie du travail, on compare les
deux traductions de Garboli et Semonti, à travers l’analyse détaillée d’une quinzaine de vers tirés de
l’Acte I. On analyse en particulier les solutions qui permettent d’inscrire l’oralité dans le texte
traduit: le rythme, les incises, l’attention à la prosodie et à d’autres effets qui visent à une parole
destinée à s’incarner sur les planches. Dans cet article nous esquissons aussi une réflexion sur les
rapports qui existent entre l’oralité et la «voix» d’un personnage: traduire les métaphores qui
relèvent de l’idiolecte d’un personnage n’aide pas qu’à la définition du dictionnaire d’un
personnage, mais aussi à celle de sa personnalité. Pour conclure, nous proposons une analogie entre
texte théâtral et oralité, analogie fondée sur l’instabilité de la parole prononcée à théâtre: un aspect
que le traducteur ne devrait pas méconnaître.
Partendo non tanto da una riflessione traduttologica, bensì da una prospettiva drammaturgica,
nonché da una pratica stilistica della traduzione di una pièce teatrale, il contributo si propone di
confrontare alcuni risultati traduttivi di due versioni italiane di un’opera ‘canonica’ quale il Tartuffe
di Molière (la traduzione di Cesare Garboli e quella di Vittorio Sermonti: Molière 1976 e Molière
1979). Nella prima parte del lavoro, i riferimenti teorici citati (Pavis 1990; Rynagert 1991;
Ubersfeld 1996; Cascetta, Peja 2003) insistono nel porre in primo piano non tanto il testo
drammatico quanto quei ‘nodi di teatralità’ che consentono di proiettare il testo teatrale verso il
performing text. Le questioni traduttive relative a Tartuffe vengono dunque messe in relazione con
quella rappresentazione ‘virtuale’ che il testo teatrale evoca costantemente attraverso i suoi ‘buchi’,
dai nomi dei personaggi al ritmo della punteggiatura, dagli effetti polifonici del singolo énoncé
all’iscrizione del dinamismo corporale nelle sequenze ritmiche. Vengono in particolare segnalate
alcune strategie per rendere in un’altra lingua il legame tra parola e gesto (il verbo-corps, secondo
Pavis 1990). Nella seconda parte si confrontano le due traduzioni di Garboli e Sermonti (una
quindicina di versi tratti dall’Atto I). Vengono dettagliatamente analizzate nonché discusse quelle
soluzioni che consentono l’iscrizione dell’oralità nel testo tradotto: le scelte relative al ritmo, l’uso
delle incise, l’attenzione ai tratti fonetico-prosodici di una parola destinata a ‘incarnarsi’ sul
palcoscenico. Il contributo vuole anche far riflettere sui rapporti tra l’oralità e la ‘voce’ di ogni
personaggio, rilevando come la resa in italiano delle metafore che costituiscono l’idioletto di un
personaggio possa essere fonte di definizione non solo del suo bagaglio lessicale ma anche della sua
personalità. In conclusione viene proposta una possibile analogia tra testo teatrale e oralità, basata
sull’instabilità e sulla labilità della parola pronunciata a teatro: istanze che il traduttore non
dovrebbe trascurare.
(D)écrire les tessitures vocales dans Du côté de chez Swann, “Bulletin d’Informations proustiennes”,
2013; (43): 69-75.
Dans cette contribution on analyse quelques descriptions de la voix des personnages dans Du côté
de chez Swann. On s’intéresse notamment aux remarques prosodiques et aux périphrases détaillant
les traits suprasegmentaux (intonation, accent, durée). Le point de vue choisi n'est pas que
linguistique ; dans l’article on propose en effet la micro-analyse stylistique d’un passage célèbre : la
lecture maternelle de François le Champi.
In questo contributo si prendono in esame alcune descrizioni della voce dei personaggi di Du côté
de chez Swann. Ci si interessa in particolare alle espressioni che evidenziano la prosodia e le
perifrasi che designano i tratti soprasegmentali (tono, accento, durata). La prospettiva scelta non è
soltanto linguistica ; nell’articolo viene proposta infatti l’analisi nel dettaglio di un passo famoso : la
lettura che la madre del narratore fa, ad alta voce, di François le Champi.
Couleur, lumière et fondu dans Le Spleen de Paris, in Verna, M., Gardes Tamine, J., Entre linguistique
et littérature, Peter Lang, Berna 2013: 31-47.
L’objectif de cette contribution est d’illustrer l’importance du chromatisme pour Baudelaire, en
particulier dans Le spleen de Paris. Au moyen d’une analyse détaillée de «Déjà !», l’article montre
que l’évocation de certaines teintes (le chromatisme en tant que thème), comporte non seulement
l’utilisation d’un lexique récurrent – tout comme l’emploi de structures semblables – mais nécessite
surtout d’une organisation du texte « résultant de la théorie [baudelairienne] de la ré-agrégation du
monde et de la pratique rhétorique, ou stylistique, qui en découle ». L’association des données
hétérogènes dans une sorte de « fondu » chromatique manifeste alors la tension de l’écriture
baudelairienne, visant à la synthèse.
L’obiettivo di questo contributo è di ribadire l’importanza del cromatismo per Charles Baudelaire,
in particolare per quanto riguarda Le spleen de Paris. Con l’analisi dettagliata del poemetto “Déjà”,
l’articolo mostra che l’evocazione di alcuni colori (il cromatismo come tema) comporta non
soltanto l’utilizzo ripetuto di certi termini – nonché l’uso di strutture simili – ma necessita
soprattutto di un’organizzazione complessiva del testo “risultante dalla teoria [baudelairiana] della
riaggregazione del mondo e dalla pratica retorica, o stilistica, che da essa deriva”. L’associazione di
dati eterogenei in una specie di “fondu” cromatico manifesta dunque la tensione della scrittura del
poeta, indirizzata alla sintesi.
Synonymie et quasi-synonymie dans les ekphraseis de Proust : «la vérité, même littéraire, n’est pas le
fruit du hasard», in Henrot Sostero, G., Serça, I., Marcel Proust et la forme linguistique de la
Recherche, Honoré Champion, Paris 2013: 285-300.
In questo lavoro si prende in considerazione un aspetto ancora poco analizzato delle descrizioni
proustiane: l’utilizzo dei (para-)sinonimi nelle ekphraseis della Recherche. Secondo la celebre
definizione di Aristotele, “i sinonimi sono utili soprattutto ai poeti”; tuttavia, quando il “poeta” in
questione risponde al nome di Proust, la comune nozione di sinonimia può anche essere scardinata.
D’altronde, la definizione stessa del fenomeno è spesso contestata dai lessicografi. Per mezzo di
un’analisi del lessico utilizzato in certi passi esemplari, così come in certi avantesti, si mostrerà che
la moltiplicazione dei (para-)sinonimi appartiene ad una estetica della dissimulazione propria
all’architettura sintattica del romanzo, capace di mettere in questione la tradizionale analisi
stilistica.
L’objectif de l’essai est de souligner un aspect relativement inexploré des descriptions
proustiennes : l’utilisation des (quasi-)synonymes dans les ekphraseis de l’œuvre. On sait, d’après
Aristote, que «les synonymes sont utiles surtout au poète», mais lorsque le «poète» en question
s’appelle Proust, la notion courante de synonymie peut être bouleversée. D’ailleurs, la définition
même du phénomène est souvent contestée par les lexicographes. Au moyen d’une analyse du
lexique utilisé dans des passages exemplaires ainsi que dans certains brouillons, on montrera que la
multiplication des (quasi-)synonymes relève d’une esthétique du camouflage propre à l’architecture
du récit, qui fait basculer l’analyse stylistique traditionnelle.
Les architectures vocales des “cris de Paris” dans La Prisonnière, in Proust et l’architecture.
Esthétique, politique, histoire, (Kyoto, Japan, 24-25 novembre 2012), Département de langue et
littérature françaises, Université de Kyoto, Kyoto 2013: 149-161.
In questo contributo vengono analizzate le descrizioni metafonologiche dei “cris de Paris” (Marcel
Proust, La Prisonnière). Le voci e gli inviti provenienti dal mercato rionale, percepiti dall’interno
della propria stanza, rivelano un rapporto profondo con il tema dell’architettura. L’isotopia della
cattedrale gotica sembra strutturare la melopea di tali ritmi popolari, mentre nei cosiddetti “seconds
cris” (quelli che Albertine riassume o cita nel suo discorso retoricamente fiorito, indirizzato al
protagonista) le continue metafore creano una vera e propria anamorfosi di immagini
architettoniche che si accumulano e si deformano in uno stile composito, esageratamente
“proustiano”. La prospettiva adottata è linguistico-prosodica, nonché stilistica.
Dans cette contribution, j’analyse les descriptions méta-phonologiques des « cris de Paris » (Marcel
Proust, La Prisonnière). La description des cris de la rue, entendus depuis l’intérieur, révèle un
rapport profond et subtil avec l’architecture. L’isotopie de la cathédrale médiévale semble structurer
la mélopée de ces chants populaires, tandis que dans les « seconds » cris (ceux qu’Albertine résume
ou cite dans son morceau de bravoure rhétorique adressé au héros) les métaphores filées créent une
véritable anamorphose d’images architecturales qui s’entassent et se déforment dans un style
composite et exagérément « proustien ». Le point de vue adopté est linguistique (les marques métaphonologiques de l’écrit pour décrire l’oralité) aussi bien que stylistique.
Espaces de transition: vers une stylistique du «seuil» yourcenarien, in Manea, L., Poignault, R., Pop,
R., La poétique de l’espace dans l’œuvre de Marguerite Yourcenar, Publications de la Société
Internationale d’Études Yourcenariennes, Clermont-Ferrand 2013: 105-123.
Scopo dell’articolo è analizzare la nozione di “soglia”, considerata come luogo privilegiato dello
spazio nei romanzi di M. Yourcenar, nonché come strumento della sua scrittura. Seguendo le
interessanti prospettive che Henri Mitterand ha proposto circa la topografia del racconto,
presenteremo anzitutto le istanze della “soglia” yourcenariana. Un tale spazio, di comunicazione e
di limite allo stesso tempo, diventa nelle opere della scrittrice un luogo talora di rivelazione, talora
di proibizione, uno scarto produttivo tra chiusura e apertura, che suggerisce pertanto piste di analisi
narratologiche e simboliche. Ciononostante la “soglia” può essere considerata anche come
strumento stilistico: dalla frasi pronunciate dai personaggi yourcenariani fino a precise scelte
sintattiche, lo stile “classicheggiante” della Yourcenar usa tutti gli strumenti legati all’anfibologia.
Basti pensare alle frasi sospese di Anna, soror… per rendersi conto dell’importanza di un tale
mezzo stilistico. Se gli esempi del nostro articolo sono tratti soprattutto da questo breve romanzo, le
conclusioni sul suo stile allusivo si possono estendere a tutta l’opera letteraria dell’autrice.
Le propos de la contribution est de présenter quelques analyses de la notion du «seuil» considéré à
la fois comme lieu privilégie de l’espace de Yourcenar et comme un instrument d’écriture. En
suivant les brillantes analyses qu’Henri Mitterand expose à propos de la topographie du récit, notre
but sera de présenter d’abord les enjeux du «seuil» yourcenarien. Cet espace de communication et
de fermeture devient chez Yourcenar un lieu de révélation et d’interdiction à la fois, un écart
productif entre clôture et ouverture, et qui suggère par conséquent des pistes narratologiques, voire
symboliques. Toutefois, le «seuil» peut se considérer comme étant aussi (ou surtout) un outil
stylistique: des phrases prononcées des personnages yourcenariens jusqu’aux choix syntaxiques,
l’écriture de Yourcenar, en se moulant sur les Classiques, utilise toute ressource du discours
amphibologique. Il suffit de penser aux dires partiels d’Anna, soror… pour se rendre compte de
l’importance de cette démarche stylistique. Si les exemples de notre contribution sont tirés en
particulier de ce court roman, les conclusions sur le style allusif ont une portée plus vaste, qui
concerne toute l’œuvre romanesque de Yourcenar.
Proust en couleur, Honoré Champion, “Recherches
proustiennes”, Paris 2012
Il colore non è un elemento secondario della Recherche: è difatti
una delle vie d’accesso allo stile dello scrittore. Dalla scienza alla
pittura, dalla critica d’arte alla riflessione filosofica, la resa
cromatica del romanzo è analizzata a partire delle connessioni tra
Proust e i vari saperi sul “cromatismo” della sua epoca. Scopo della
monografia è mostrare che una delle soluzioni fornite dall’autore
sarà la progressiva sparizione del colore all’interno degli elementi
che compongono la cattedrale del tempo. La Recherche è un’opera
fatti di colore, in particolare grazie a scelte stilistiche
volontariamente composite.
La couleur n’est pas un élément anodin de la Recherche. Au
contraire, elle est l’une des voies d’accès au style de l’écrivain. De
la science à la peinture, de la critique d’art à la réflexion
philosophique, le rendu chromatique de l’œuvre est questionné à
partir des connexions entre Proust et les savoirs sur le chromatisme
de son époque. Le but du livre est de montrer que l’une des
solutions données par l’auteur sera la disparition de toute teinte au
sein des éléments qui composent la cathédrale du temps. La
Recherche est mise en couleur par le biais d’un style délibérément
hétéroclite.
Tra oralità e scrittura: esperimenti sulla letteratura francofona, “Nuova Secondaria”, 2012; XXIX (6):
82-85
In questo articolo viene presentato il romanzo Allah n’est pas obligé dello scrittore Ahamadou
Kourouma in prospettiva didattica. Per favorirne la comprensione in classe, si suggerisce la
costruzione di un dossier multidisciplinare che comprende i temi politici, sociali e linguistici che
emergono dal romanzo. Poiché la scrittura di Allah n’est pas oblige è fondata sull’apporto di
differenti lingua parlate nella regione subsahariana (Liberia), gli studenti di FLE (Français Langue
Étrangère) sono invitati a creare una trasmissione radio per discutere delle scelte stilistiche
dell’autore, scelte che rivelano interessanti fenomeni di interferenza linguistica.
In this paper I present my work on Allah n’est pas obligé, a novel by Ahmadou Kourouma, in a
didactic perspective. I conceived a multidisciplinary dossier about political, social, and linguistic
topics emerging from the novel. Since the writing of Allah n’est pas obligé is built on the melting
pot of languages spoken in the Sub Saharan region (Liberia), students of FLE (French as a Foreign
Language) were invited to create a radio transmission about the writer’s stylistic choices that mask
linguistic interference.
Du
côté
de
la
couleur
proustienne,
http://publicatt.unicatt.it/handle/10807/www.publifarum.farum.it
“Publif@rum”,
2011
(16)
L’articolo presenta una sintesi dei molteplici aspetti dell’universo “cromatico” espresso dalla
Recherche di Marcel Proust. Il colore non è soltanto un tema fondamentale del capolavoro
proustiano, ma è inoltre un argomento di riflessione filosofica per il narratore, che riflette così sul
chiasmo esistente tra visibile e invisibile, come Merleau-Ponty ha fatto notare. Infine, il colore
diventa strumento stilistico della prosa di Proust, rivelando modelli pittorici e letterari che si
sovrappongono nella sua contorta sintassi. Un altro modo di riferirsi al cromatismo nel romanzo
deriva dall’uso allusivo di alcune espressioni: attraverso la ripetizione di strutture parallele in frasi
complesse, o con l’uso di sinonimi, Proust evoca descrizioni colorate senza menzionare
direttamente il colore. La fusione del colore nello stile non è che un ennesimo esempio del processo
metamorfico che Proust fa subire alla realtà, trasformandola nella sua lingua.
In this paper I present some aspects of the multi-faced “chromatic” universe of Proust’s Recherche.
Colour is not only a major theme in Proust’s masterpiece, but also a philosophical topic for the first
person narrator, reflecting the “chiasm” between visible and invisible, as Merleau-Ponty points out.
Finally, colour is a stylistic device in Proust’s prose, showing pictorial and literary models
superimposed on his intricate style.
Another way of showing colours in the novel is the practice of allusion: by the repetition of the
same structures in complex sentences, or by the use of synonyms, Proust makes reference to colours
without mentioning them. The fusion of colour in style is the ultimate example of the Proustian
metamorphosis process from reality to language.
La gastronomia nelle guide turistiche francesi: quali rappresentazioni?, “Nuova secondaria”, 2011;
XXIX (2): 75-77.
Tra i numerosi aspetti linguistici che compongono il panorama delle guide turistiche riguardanti le
regioni francesi, si possono evidenziare rappresentazioni stereotipate nonché riferimenti alla vasta
eredità culturale della Francia. Partendo dalla descrizione di piatti e bevande della tradizione, gli
studenti di FLE (Français Langue Étrangère) sono invitati a riflettere sulla relazione esistente tra
cibo, lingua e cultura. Alcuni esempi, tratti da Guide Vert Normandie e Guide du Routard Pyrénées
Gascogne sono analizzati in questo contibuto in una prospettiva didattica.
In the multifaceted language of the travel guides about French regions, we can find a representation
of stereotypes as well as evidences of the cultural heritage of France. Starting from the descriptions
of traditional dishes and drinks, students of FLE (French as a Foreign Language) can understand the
relationship between food, language and culture. Some examples, taken from the Guide Vert
Normandie and Guide du Routard Pyrénées Gascogne, are analysed in this paper with a didactic
perspective.
“Espace(s) de transition: vers une stylistique du «seuil» yourcenarien”, Actes du Colloque La poétique
de l’espace dans l’œuvre de Marguerite Yourcenar, Cluj-Napoca (Roumaine), 6-8 octobre 2010, sous
presse (Bulletin de la Société Internationale d’Études Yourcenariennes).
“Du côté de la couleur proustienne”, in Atti del Convegno Ricerche dottorali di francesistica in Italia
(Università degli Studi di Pescara, 27 novembre 2009), à paraître (Pulif@rum).
“Far memoria dell’incontro: dal colore al quadro, dallo spazio al testo”, in Atti della giornata di studi
Marcel Proust. Proust e lo spazio (Biblioteca Sormani, Milano 15 ottobre 2009), a cura di M. Verna –
A. Frigerio, Educatt, Milano 2009, pp. 83-99.
Nel presente contributo indaghiamo la costruzione dello spazio di due incontri fondamentali per il
Protagonista della Recherche proustiana: l’incontro infantile con Gilberte e quello adolescenziale
con Albertine, analizzando le molteplici contaminazioni tra la descrizione stilistico-linguistica dello
scrittore e una visione pittorica modernista (linee, macchie di colore, dinamismo). Dallo spazio
inteso come “crocevia” di arti diverse si arriverà infine ad una definizione dello spazio come
“intertesto” in cui si celano alcuni tra i modelli letterati prediletti da Proust.
In this paper I analyse the spatial description of two important meetings narrated in Proust’s
Recherche: the first meeting of the young hero with Gilberte and the following one with Albertine,
during his adolescence. I show the manifold interferences between the stylistic effects of these
passages and the vision of Modernist painting (lines, colored spots, the idea of dynamism). From
the vision of space as the “crossroads” of different arts I will finally define Proust’s space as an
“intertext” where some beloved authors of Proust’s formation are hidden.
Un bruit de cailloux roulés au fond de ses paroles: quelques notes à propos de M. de Charlus dans Le
temps retrouvé de Marcel Proust, L’Analisi Linguistica e Letteraria, 1, 2009, pp. 107-118.
Nel nostro contributo proponiamo l’analisi di alcuni passi tratti da Le Temps retrouvé di M. Proust,
in particolare quelli che riguardano l’ultimo incontro del Narratore con M. de Charlus, deformato
dalla malattia e dall’età. La nostra analisi segue le direttive dei diversi significati attribuibili alla
parola «metamorfosi» secondo l’estetica proustiana : le trasformazioni corporali operate dal Tempo
sui personaggi; Charlus che assume l’aspetto di altri personaggi dell’universo proustiano; le
continue modifiche della tormentata scrittura di Proust, dagli avant-textes fino alla cosiddetta
versione finale. Mentre il Narratore necessita di queste varie metamorfosi per meditare
sull’ambiguo e barocco spettacolo che il Tempo mette in scena con le sue vittime, l’Autore sembra
aver bisogno delle stesse per situare il suo lavoro dalla giusta distanza.
The essay proposes the analysis of a passage from Proust’s Le Temps retrouvé concerning the last
meeting of the hero with M. de Charlus, who is completely transformed by the illness and by the
passing of time. The analysis is organised around the different meanings that Proust gives to the
word ‘metamorphosis’: the transformations operated by Time on the body; Charlus taking the
features of other characters; the continuous alterations in Proust’s tormented writing, from the drafts
to the ‘final’ version. The hero needs these manifold metamorphoses to meditate on the ambiguous
and baroque ‘show’ of Time’s victims; above all, the author needs them to see his work from the
right distance.
“Marguerite Yourcenar et Proust: l'écriture rayonnant de la mort”, Marcel Proust Aujourd'hui, 6, 2008,
pp. 145-165.
“Le jour où une statue est terminée, sa vie, en un sens, commence”. À partir de cette phrase du
Temps, ce grand sculpteur, écho du Bal de têtes proustien, nous allons questionner l’œuvre de
Marguerite Yourcenar du point de vue de l’origine de l’écriture. Fondé sur la mémoire qui
fonctionne comme un immense entonnoir géologique, d’où sortent des personnages pétris comme
des statues de pierre, le travail des deux romanciers hésite entre fragment et architecture. À travers
sa correspondance, ensuite en ébauchant une analyse de sa production romanesque, nous allons
déceler le filigrane de la Recherche derrière la mémoire, les personnages, l’écriture de Yourcenar.
“When a statue is finished, that day, its life begins in a certain sense”. This sentence from
Yourcenar’s Le Temps, ce grand sculpteur echoes Proust’s Bal de têtes in the last tome of the
Recherche: from this point of view, I investigate M. Yourcenar’s works considering the origin of
her writing. Based on memory that operates as a vast geological funnel, whence their characters are
shaped as stone statues, the writing of the two novelists wavers between the importance of fragment
and the idea of a complete architecture of the past. First I scan Yourcenar’s letters; afterwards, I
outline the analysis of her novels in order to find the mark of Proust’s Recherche in her idea of
memory, her characters and her writing.
“Regards ambigus sur la couleur proustienne”, in Actes de la journée d’études Le regard dans le roman
au XX siècle (Université Sorbonne Nouvelle Paris III, 9 juin 2008), pubblicazione on-line consultabile
all’indirizzo: http://www.ecritures-modernite.eu/?page_id=2702.
Considerando il fenomeno cromatico come l’espressione dell’ambiguità fondamentale con cui lo
sguardo viene definito nella Recherche (e, assieme ad esso, tutti i fenomeni collegati : la
conoscenza degli esseri, il rapporto con gli oggetti del mondo, la loro comprensione) in questa
comunicazione proponiamo un breve percorso che sottolinea alcune caratteristiche dei variegati
«cromatismi» dell’opera di Proust: il colore come luogo di percezione e di memoria; il colore
«ibrido» degli occhi dell’altro interpretato come «chiasmo» secondo la dialettica di Merleau-Ponty
tra visibile ed invisibile; le sovrapposizioni pittoriche e letterarie del colore proustiano; infine, la
fusione del colore nello stile della scrittura.
In this paper I present some aspects of the multi-faced “chromatic” universe of Proust’s Recherche;
I base my analysis on the assumption that colour, as all the phenomena concerning sight, is treated
with ambiguity in Proust’s prose: consequently, this ambiguity influences also the way characters
come to know each other, their relationship with reality and their comprehension of the world.
Based on these assumptions, my research develops the following topics: colours as the setting of
perception and memory; the hybrid perception of the colour of the other’s eyes as an example of
Merleau-Ponty’s “chiasm” between visible and invisible; the pictorial and the literary
superimpositions on Proust’s colours; finally, the fusion of colour in style.
“Proust, impossible Persée? Le regard antique dans l’épisode de la mort de la grand-mère”, Bulletin
Marcel Proust, n° 57, 2007, pp. 63-79.
Nel contributo proponiamo uno studio di una dei passi più celebri del Côté de Guermantes, quello
riguardante la descrizione dell’agonia e della morte della nonna del Narratore della Recherche.
L’analisi è condotta studiando i ripetuti riferimenti che costituiscono una sorta di “architettura dello
sguardo” rivolto alla Morte: tale architettura è declinata secondo i tratti del mito classico di Medusa
e assume le caratteristiche tipiche dell’ottica degli Antichi. In tal modo si giustificano non solo i
campi lessicali dominanti (l’incapacità o l’impossibilità di vedere ciò che, come la Morte, non ha
volto), ma anche le strutture metaforiche basate sulla comparazione e i riferimenti mitologici
camuffati (da Medusa a Perseo). Infine, l’impossibilità di descrivere totalmente questa visione viene
ricondotta alla teoria estetica proustiana, qui esplicitata dall’idea che il modo di procedere di un
artista originale è simile al lavoro di un “oculista”.
In this essay I analyse a well-known passage from Proust’s Le Côté de Guermantes: the long
description of the agony and death of the hero’s grandmother. I base my investigation on the
recognizable “architecture of sight” towards Death: this architecture is based on the classic myth of
Medusa and it has all the features of the Greek optics. From this perspective we understand the
prevailing lexical fields of the passages (the incapability of looking at what has no face, like Death)
but also the metaphoric structures founded on comparisons and the mythological references that are
often camouflaged (Medusa, Perseus). The impossibility of describing this vision of Death is finally
connected with Proust’s aesthetic theory, as is said in the aforementioned passage: the action of the
creative artist is like the work of an oculist.