programma del concerto

FESTIVAL
CAMILLE SAINT-SAËNS TRA ROMANTICISMO E MODERNITÀ
DAL 24 SETTEMBRE AL 3 NOVEMBRE 2016
Palazzetto Bru Zane – sabato 15 ottobre, ore 17
Intorno al pianoforte
Solisti della Chapelle Musicale Reine Elisabeth
Elina Buksha, violino
Astrig Siranossian, violoncello
Thibaud Epp, pianoforte
PALAZZETTO
BRU ZANE
CENTRE
DE MUSIQUE
ROMANTIQUE
FRANÇAISE
Oggi, Camille Saint-Saëns non potrebbe certo lamentarsi di essere
sparito dalla storia della musica. La fama internazionale del
Carnaval des animaux, del Primo Concerto per violoncello, della Danse
macabre, del Secondo Concerto per pianoforte, della Sinfonia «con
organo» e del Samson et Dalila colloca il compositore addirittura
prima di Gounod e Massenet per quanto riguarda la fortuna
presso i posteri. Tuttavia, rispetto al vasto catalogo delle sue opere,
molti tesori oggi sembrano essere dimenticati dai programmi dei
concerti. Chi conosce i suoi quartetti e il Quintetto con pianoforte o
le numerose mélodies con pianoforte? Ognuna di queste riscoperte
è stata giudicata importante, ed è parso naturale che il Centro di
musica romantica francese dedicasse un festival a questo artista
così eclettico e imprevedibile.
Camille Saint-Saëns ne pourrait pas se plaindre d’avoir disparu de
l’Histoire de la musique. La notoriété internationale du Carnaval
des animaux, du Premier Concerto pour violoncelle, de la Danse
macabre, du Deuxième Concerto pour piano, de la Symphonie
« avec orgue » et de Samson et Dalila place même le compositeur avant
Gounod et Massenet sur l’échelle de la postérité. Pourtant, au regard
de son vaste catalogue d’œuvres, bien des trésors musicaux semblent
aujourd’hui oubliés des salles de concert : qui connaît ses quatuors
à cordes et son Quintette avec piano, ou ses nombreuses mélodies
avec piano ? Chacune de ces redécouvertes fut jugée d’envergure et
il semblait naturel que le Centre de musique romantique française
consacre un cycle à cet artiste éclectique et imprévisible.
A proposito del pianoforte
Piano-piramide, piano-giraffa, piano-lira… Nell’Ottocento,
i fabbricanti fanno gare di fantasia per ideare strumenti
sempre più originali. Nel 1810 viene depositata una decina
di brevetti. Quarant’anni dopo ne vengono depositati 110;
verso il 1890, se ne registrano ancora 160! Le invenzioni, a
volte assai bizzarre, dovrebbero facilitare l’esecuzione (come
la tastiera di forma semi-ovale, che evita grandi spostamenti
della mano), ma mirano anche a economizzare lo spazio
(il pianoforte verticale rende più democratica la pratica
dello strumento e supera per diffusione quello orizzontale
a partire dal 1860), offrendo la possibilità di un eventuale
duplice uso: i vari piani-tavoli, piani-armadi, piani-scrittoi
attestano come il pianoforte sia entrato a far parte della
mobilia della borghesia, oltre che dell’alta società, per la
quale si fabbricano strumenti lussuosi. In effetti, il piano
è diventato indispensabile per accompagnare mélodies,
suonare da soli o a quattro mani (opere originali e numerose
trascrizioni), esibirsi in trio, in quartetto o in quintetto:
le formazioni da camera che si sviluppano nel XIX secolo
gravitano tutte intorno al pianoforte.
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Autour du piano
Piano-pyramide, piano-girafe, piano-lyre… Au XIXe siècle, les
facteurs rivalisent d’imagination pour concevoir des instruments
originaux. Une dizaine de brevets sont déposés en 1810. On en
dépose cent-dix quarante ans plus tard ; vers 1890, cent-soixante
brevets sont encore enregistrés ! Les inventions, parfois farfelues,
sont censées faciliter l’exécution (le clavier en demi-ovale qui
évite les grands déplacements). Elles visent aussi à l’économie de
place (le piano droit permet une démocratisation de la pratique
et supplante le piano carré vers 1860), éventuellement en
offrant un double usage : les piano-table, piano-armoire, pianosecrétaire montrent que l’instrument fait partie du mobilier de la
bourgeoisie, et de la haute société pour laquelle on fabrique des
instruments luxueux. Le piano est en effet devenu indispensable
pour accompagner des mélodies, jouer en solo ou à quatre mains
(œuvres originales et nombreuses transcriptions), pour se produire
en trio, quatuor ou quintette : les formations de chambre qui se
développent au XIXe siècle gravitent toutes autour du piano.
Camille Saint-Saëns
Sonate pour violon et piano no 1 en ré mineur op. 75 :
Allegro agitato. Adagio – Allegretto moderato. Allegro molto.
Sonate no 1 pour violoncelle et piano en ut mineur op. 32 :
Allegro – Andante tranquillo sostenuto – Allegro moderato
Six Études op. 52 (extraits) :
No 4 : Étude de rythme – No 5 : Prélude et fugue en la mineur – No 6 : En forme de valse
Trio avec piano op. 18 :
Allegro vivace – Andante – Scherzo – Allegro
Durata del concerto / Durée du concert
1h15
Le opere
Les œuvres
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Camille Saint-Saëns: Sonata per violino e pianoforte
n. 1 in re minore op. 75
Allegro agitato. Adagio – Allegretto moderato. Allegro molto
Camille Saint-Saëns : Sonate pour violon et piano
no 1 en ré mineur op. 75
Allegro agitato. Adagio – Allegretto moderato. Allegro molto
Quando Saint-Saëns compone la sua Sonata per violino e pianoforte
n. 1, nel 1885, ha già al suo attivo numerose partiture scritte per
questi due strumenti; se le attribuisce il numero 1, è perché essa
rivela ambizioni più alte. Interpretata per la prima volta del
compositore e violinista belga Martin-Pierre Marsick (1847-1924),
che ne era anche il dedicatario, riscosse immediatamente un
notevole successo: «Il suo giorno di gloria è giunto subito. Tutti
i violinisti se la contenderanno da un capo del mondo all’altro»,
confida Saint-Saëns al suo editore Jacques Durand. La sua originale
struttura formale consiste di due movimenti divisi in due parti
che si susseguono senza soluzione di continuità, secondo una
costruzione già adottata dal compositore nel Concerto per
pianoforte n. 4 (1875) e ripresa nella Sinfonia n. 3 con organo (1886).
La Sonata per violino e pianoforte mantiene in perfetto equilibrio
i due strumenti e le diverse atmosfere che essa esprime. La
cupa frenesia delle prime pagine si attenua con l’enunciazione
del secondo tema, più calmo. Se Proust si è ispirato a diverse
partiture per la descrizione della Sonata di Vinteuil, la «petite
phrase» fa riferimento proprio a questa melodia, per ammissione
dello stesso scrittore. Fluido ed elegante, l’Adagio è caratterizzato
da un’espressività priva di pathos. L’Allegretto moderato di fatto è
uno scherzo dal ritmo danzante: la sua scrittura disseminata di
staccati si interrompe nell’episodio centrale, allorché il violino
Quand Saint-Saëns compose sa Sonate pour violon et piano no 1,
en 1885, il est déjà l’auteur de plusieurs partitions pour ces deux
instruments. S’il la dote du « no 1 », c’est parce qu’elle révèle des
ambitions supérieures. Créée par le compositeur et le violoniste
belge Martin-Pierre Marsick (1847-1924), son dédicataire, elle
connaît aussitôt un succès remarquable : « Son jour de gloire
est venu tout de suite. Tous les violonistes vont se l’arracher
d’un bout du monde à l’autre », confie Saint-Saëns à son éditeur
Jacques Durand. Originale, sa structure formelle consiste en deux
mouvements divisés en deux parties enchaînées, une construction
déjà adoptée dans le Concerto pour piano no 4 (1875) et reprise
dans la Symphonie no 3 avec orgue (1886). La Sonate équilibre
parfaitement les deux instruments et les climats. La sombre
fébrilité des premières pages s’atténue lors de l’énoncé du deuxième
thème, plus apaisé. Si Proust s’est inspiré de plusieurs partitions
pour la « Sonate de Vinteuil », la « petite phrase » fait référence
à cette mélodie, du propre aveu de l’écrivain. Fluide et élégant,
l’Adagio se caractérise par son expressivité dénuée de pathos.
L’Allegretto moderato est en fait un scherzo au rythme dansant.
Son écriture hérissée de staccato s’interrompt lors de l’épisode
central, où le violon déploie une ligne cantabile accompagnée par
les arpèges du piano. Dans la dernière partie de la Sonate, des
passages fondés sur un mouvement perpétuel virtuose alternent
sviluppa una linea cantabile accompagnata dagli arpeggi del
pianoforte. Nell’ultima parte della Sonata, passaggi basati su
un virtuosistico moto perpetuo si alternano a sezioni di intenso
lirismo, in cui riappare il secondo tema dell’Allegro agitato.
avec des sections au lyrisme intense, où reparaît le deuxième
thème de l’Allegro agitato.
Camille Saint-Saëns: Sonata n. 1 per violoncello e
pianoforte in do minore op. 32
Allegro – Andante tranquillo sostenuto – Allegro moderato
Camille Saint-Saëns : Sonate no 1 pour violoncelle et
piano en ut mineur op. 32
Allegro – Andante tranquillo sostenuto – Allegro moderato
Nel 1872 Saint-Saëns compone due importanti opere per
il violoncello: la Sonata op. 32 e il Concerto op. 33. Dedica la
propria partitura cameristica al violoncellista Jules-Bernard
Lasserre, con il quale si esibisce spesso. Ma è assieme a
Auguste Tolbecque (futuro primo interprete del Concerto)
che ne dà la prima esecuzione il 7 dicembre 1872 alla Société
nationale. Nel 1876 la riprenderà con il dedicatario in
occasione di un concerto a Londra. Tesa e possente, la Sonata
sembra memore della guerra franco-prussiana del 1870.
Dominato da un respiro veemente e da colori cupi, l’Allegro
iniziale fa ampio ricorso al registro grave degli strumenti.
Il secondo tema (melodia ad accordi nel registro acuto del
pianoforte, mentre il violoncello oscilla su due note) reca un
senso di pace, tuttavia di breve durata. Il secondo movimento
introduce una maggiore quiete. Esso è basato su un corale
di cui Saint-Saëns indica l’origine: «L’Andante della mia
prima sonata per pianoforte e violoncello è il risultato di
En 1872, Saint-Saëns compose deux œuvres majeures pour le
violoncelle : la Sonate op. 32 et le Concerto op. 33. Il dédie sa
partition de chambre au violoncelliste Jules-Bernard Lasserre,
avec lequel il se produit souvent. Mais c’est en compagnie
d’Auguste Tolbecque (futur créateur du Concerto) qu’il la donne
en première audition le 7 décembre 1872, à la Société nationale.
En 1876, il la reprendra avec le dédicataire lors d’un concert à
Londres. Puissante et tendue, la Sonate semble se souvenir de
la guerre franco-prussienne de 1870. Dominé par un souffle
véhément et des couleurs sombres, l’Allegro initial sollicite
beaucoup le registre grave des instruments. Le second thème
(mélodie en accords dans le registre aigu du piano tandis que le
violoncelle oscille sur deux notes) apporte un apaisement qui reste
de courte durée. Le deuxième mouvement introduit davantage de
quiétude. Il est fondé sur un choral dont Saint-Saëns a indiqué
l’origine : « L’Andante de ma première sonate pour piano et
violoncelle est le résultat d’une improvisation sur l’orgue de
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6
un’improvvisazione sull’organo di Saint-Augustin; la prima
e l’ultima pagina del pezzo riproducono testualmente quanto
avevo improvvisato.» La sezione centrale esprime un’effusione
più romantica per poi sviluppare l’incipit del corale, avvolto
di morbide volute nell’ultima parte del movimento. Il
tempestoso finale si riallaccia al clima iniziale dell’opera. Il
secondo tema, ampia frase cantabile, introduce anch’esso un
barlume di speranza. Ma il flusso ininterrotto del pianoforte
trascina la sonata in una vertiginosa corsa verso l’abisso.
Saint-Augustin ; la première et la dernière pages du morceau
reproduisent textuellement ce que j’avais improvisé. » La partie
centrale épanche une effusion plus romantique, puis développe
la tête du choral, lequel est enveloppé de souples volutes dans le
dernier volet du mouvement. Le finale tempétueux renoue avec le
climat du début de l’œuvre. Son deuxième thème, ample phrase
cantabile, introduit lui aussi une lueur d’espoir. Mais le flot
ininterrompu du piano entraîne la sonate dans une vertigineuse
course à l’abîme.
Camille Saint-Saëns: Six Études op. 52 (estratti)
N. 4, Étude de rythme – N. 5, Prélude et fugue en la mineur –
N. 6, En forme de valse
Camille Saint-Saëns : Six Études op. 52 (extraits)
No 4, Étude de rythme – No 5, Prélude et fugue en la mineur –
No 6, En forme de valse
Prima delle tre raccolte di studi di Saint-Saëns, l’opera 52 fu
composta nel 1877. Riservata a eccellenti pianisti (i pezzi sono
dedicati in successione a Édouard Marlois, Wilhelm Krüger,
Anton Rubinstein, Constance Pontet, Nicolas Rubinstein e Marie
Jaëll), contiene anche studi «di scrittura»: i nn. 3 e 5 recano la
menzione Prélude et fugue. Secondo Saint-Saëns, il pianista deve
saper rendere intellegibile l’intreccio di più linee melodiche. La
presenza di questi due dittici attesta anche la sua passione per
l’opera di Bach. Lo Studio n. 4, sottotitolato «Étude de rythme»,
sovrappone invece metri binari e ternari in un tempo Andantino.
In realtà, la velocità non è sempre in primo piano. Il secondo
pezzo, Andantino malinconico, è uno studio sulla sonorità: in ogni
Premier des trois recueils d’études de Saint-Saëns, l’opus 52 fut
composé en 1877. Réservé à d’excellents pianistes (les pièces sont
successivement dédiées à Édouard Marlois, Wilhelm Krüger, Anton
Rubinstein, Constance Pontet, Nicolas Rubinstein et Marie Jaëll), il
contient également des études « d’écriture » : les nos 3 et 5 portent
la mention « Prélude et fugue ». Selon Saint-Saëns, le pianiste
doit savoir rendre intelligible l’entrelacement de plusieurs lignes
mélodiques. La présence de ces deux diptyques témoigne aussi de
sa passion pour l’œuvre de Bach. Quant à l’Étude n° 4, sous-titrée
« Étude de rythme », elle superpose des mètres binaires et ternaires
dans un tempo Andantino. De fait, la vélocité n’est pas toujours
au premier plan. La deuxième pièce, Andantino malinconico,
accordo l’interprete deve far risaltare una sola nota (evidenziata
sullo spartito da un carattere in corpo maggiore), suonata
successivamente dalle diverse dita delle due mani al fine di far
spiccare una linea melodica. In compenso, i brani che aprono e
chiudono la raccolta dispiegano uno sfolgorante virtuosismo,
accumulando le difficoltà di natura diversa (scale, arpeggi, note
ribattute, gioco di ottave, mani alternate o incrociate ecc.). Jean
Gallois suggerisce che l’ultimo Studio potrebbe essere «una
garbata caricatura delle opere salottiere allora di moda in certi
ambienti». Sulla base di questo valzer Ysaÿe elaborò un Capriccio
per violino e pianoforte.
est une étude de sonorité : dans chaque accord, l’interprète doit
faire ressortir une seule note (mise en évidence sur la partition
par un caractère de taille plus importante), jouée successivement
par les différents doigts des deux mains, afin de dégager une ligne
mélodique. En revanche, les morceaux qui ouvrent et referment
le recueil déploient une virtuosité éblouissante, accumulant
les difficultés de nature différente (gammes, arpèges, notes
répétées, jeu en octaves, mains alternées ou croisées, etc.). Jean
Gallois suggère que la dernière Étude pourrait être « une gentille
caricature des œuvres salonnardes en vogue à l’époque et dans
certains milieux ». À partir de cette valse, Eugène Ysaÿe façonna
un Caprice pour violon et piano.
Camille Saint-Saëns: Trio con pianoforte op. 18
Allegro vivace – Andante – Scherzo – Allegro
Camille Saint-Saëns : Trio avec piano op. 18
Allegro vivace – Andante – Scherzo – Allegro
Nell’ottobre 1864, dopo un secondo, bruciante fallimento al
concorso per il prix de Rome, Saint-Saëns porta a termine un Trio
iniziato l’anno precedente. Il compositore trentaduenne realizza
così la sua prima partitura importante nell’ambito della musica
da camera. Ed è un capolavoro: nella linea dei trii di Schumann
e Mendelssohn, l’opera è un paradigma di costruzione perfetta,
equilibrio strumentale e finezza di spirito. Non a caso, Ravel,
prima di mettere mano al proprio Trio mezzo secolo più tardi,
ne riaprirà la partitura. Saint-Saëns dedica questo suo Trio op. 18
ad Alfred Lamarche, ricevitore del dazio a Parigi, che sarà suo
En octobre 1864, après un second et cuisant échec au concours
du prix de Rome, Saint-Saëns achève la composition d’un Trio
débuté l’année précédente. Le musicien de 32 ans livre sa première
partition d’importance dans le domaine chambriste. C’est
même un coup de maître : dans la lignée des trios de Schumann
et Mendelssohn, son œuvre est un modèle de construction,
d’équilibre instrumental et d’esprit. Ce n’est pas un hasard si
Ravel, au moment d’entreprendre son propre Trio un demi-siècle
plus tard, en rouvrira la partition. Saint-Saëns dédie ce Premier
Trio à Alfred Lamarche, receveur de l’octroi à Paris, témoin de
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testimone di nozze nel 1875. Il pezzo fu eseguito per la prima
volta il 29 dicembre 1867 da Bosewitz, Telesinsky et Norblin e,
finché visse il compositore, godette sempre di grande successo;
lo stesso Saint-Saëns lo interpretò sovente, così come i famosi
trii Pugno-Ysaÿe-Hollmann e Cortot-Thibaud-Casals. L’Allegro
vivace, che si apre su un tema danzante al violoncello, mostra
una gaiezza costante e notevole ricchezza melodica. L’Andante
utilizza un tema folklorico annotato da Saint-Saëns durante un
viaggio in Alvernia nell’estate del 1863. Vi si ode chiaramente
una melodia rustica di carattere malinconico, sostenuta da un
«bordone» (una nota tenuta dal violino); con essa contrastano i
due episodi intermedi, improntati a un nobile lirismo. Lo Scherzo,
pieno di humour, secondo Yves Gérard è «un meccanismo a
orologeria», con i suoi staccati, le note ripetute e le sincopi
ritmiche sapientemente regolate. Infine, l’Allegro finale inizia con
un sorprendente dialogo tra violoncello e violino, sostenuto da
un vibrante accompagnamento del pianoforte; il movimento è
formato da numerosi episodi ricchi di melodie.
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son mariage en 1875. L’œuvre est créée le 29 décembre 1867 par
Bosewitz, Telesinsky et Norblin. Du vivant du compositeur, elle
jouira d’un grand succès, Saint-Saëns lui-même l’ayant beaucoup
interprétée – de même que les célèbres trios Pugno-YsaÿeHollmann puis Cortot-Thibaud-Casals. L’Allegro vivace, qu’ouvre
un thème dansant au violoncelle, montre une constante gaité
et une grande richesse mélodique. L’Andante utilise un thème
folklorique noté par Saint-Saëns lors d’un voyage en Auvergne au
cours de l’été 1863. On entend clairement une mélodie rustique,
éplorée, soutenue par un « bourdon » (la tenue du violon) ; deux
épisodes intermédiaires d’un généreux lyrisme font contraste.
Plein d’humour, le Scherzo est selon Yves Gérard « un mécanisme
d’horlogerie », avec ses staccatos, notes répétées et syncopes
rythmiques savamment réglés. Enfin, l’Allegro final s’ouvre sur
un étonnant dialogue entre violoncelle et violon, soutenu par un
accompagnement frémissant du piano ; le mouvement est formé
d’épisodes nombreux et prodigues en mélodies.
Il compositore
Le compositeur
Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Orfano di padre proprio come Charles Gounod, Saint-Saëns fu
cresciuto dalla madre e dalla prozia. Fu quest’ultima a iniziarlo
al pianoforte, prima di affidarlo a Camille-Marie Stamaty e poi
a Pierre Maleden. Straordinariamente precoce, fece la sua prima
apparizione in concerto già nel 1846. Due anni dopo lo ritroviamo
al Conservatorio nelle classi di Benoist (organo) e poi di Halévy
(composizione). Anche se fallì due volte al concorso per il prix de
Rome, il complesso della sua carriera fu costellato da un’infinità
di riconoscimenti e di nomine a vari incarichi ufficiali, tra cui
un’elezione all’Académie des beaux-arts nel 1881. Virtuoso,
titolare degli organi della Madeleine (1857-1877), impressionò i
suoi contemporanei. Compositore colto e fecondo, si adoperò per
la riabilitazione dei maestri del passato partecipando a edizioni
di Gluck e di Rameau. Eclettico, difese tanto Wagner quanto
Schumann. Come didatta ebbe tra i suoi allievi Gigout, Fauré o
Messager. Come critico firmò numerosi articoli che attestano
uno spirito lucido e acuto, anche se molto legato ai principi
dell’accademismo. Fu questo stesso spirito, indipendente e volitivo,
a indurlo a fondare nel 1871 la Société nationale de musique, e
quindi a rassegnare le dimissioni nel 1886. Ammirato per le sue
opere orchestrali, pervase di un rigore assolutamente classico in
uno stile ardimentoso (cinque concerti per pianoforte, tre sinfonie,
l’ultima delle quali con organo, quattro poemi sinfonici, tra cui la
celebre Danse macabre), conobbe un successo internazionale grazie
in particolare alle opere Samson et Dalila (1877) e Henry VIII (1883).
Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Orphelin de père tout comme Charles Gounod, Saint-Saëns fut élevé
par sa mère et sa grand-tante. C’est cette dernière qui l’initia au piano,
avant de le confier à Stamaty puis à Maleden. Extraordinairement
précoce, il fit sa première apparition en concert dès 1846. Deux ans
plus tard, on le retrouve au Conservatoire dans les classes de Benoist
(orgue) puis d’Halévy (composition). S’il échoua à deux reprises
au concours de Rome, l’ensemble de sa carrière fut néanmoins
ponctué d’une foule de récompenses, ainsi que de nominations
à divers postes institutionnels, dont une élection à l’Académie en
1881. Virtuose, titulaire des orgues de la Madeleine (1857-1877), il
impressionna ses contemporains. Compositeur fécond et cultivé,
il œuvra à la réhabilitation des maîtres du passé, participant à des
éditions de Gluck et de Rameau. Éclectique, il défendit aussi bien
Wagner que Schumann. Pédagogue, il compta parmi ses élèves
Gigout, Fauré ou Messager. Critique, il signa de nombreux articles
témoignant d’un esprit fort et lucide, quoique très attaché aux
principes de l’académisme. C’est ce même esprit, indépendant et
volontaire, qui le poussa à fonder, en 1871, la Société nationale de
musique, puis à en démissionner en 1886. Admiré pour ses œuvres
orchestrales empreintes d’une rigueur toute classique dans un style
non dénué d’audaces (cinq concertos pour piano, cinq symphonies
dont la dernière avec orgue, quatre poèmes symphoniques, dont la
célèbre Danse macabre), il connut une renommée internationale,
notamment grâce à ses opéras Samson et Dalila (1877) et Henry VIII
(1883).
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Gli interpreti
Les interprètes
Elina Buksha, violino
Nata in Lettonia nel 1990, Elina Buksha è considerata una
delle violiniste più promettenti della sua generazione. Suona
dall’età di cinque anni ed è stata allieva del professore lettone
Ojars Kalnins fino al 2009; dal 2011 frequenta le masterclass di
Ana Chumachenco in Francia, Germania e Svizzera. Dopo il suo
debutto con l’orchestra lettone Liepāja Symphony Orchestra,
all’età di dodici anni, Elina si è esibita con numerose orchestre,
quali la Latvian National Symphony, la Sinfonietta Riga, la
Sinfonia Varsovia, la Royal Philharmonic, la Südwestdeutsche
Philarmonie Konstanz e la Musica Viva di Mosca. Nel 2013,
Elina ha conseguito il Great Music Award, ossia il premio
musicale lettone più prestigioso, nella categoria «Debut of the
Year». Nella stagione 2014-2015 ha debuttato con l’Orchestra
Sinfonica Čajkovskij della Radio di Mosca diretta da Vladimir
Fedoseyev e con la Kansai Symphony diretta da Augustin
Dumay in Giappone. Elina suona un Domenico Montagnana
del 1723, messo a sua disposizione dalla Chapelle Musicale
Reine Elisabeth, ove studia dal settembre 2011 sotto la guida
di Augustin Dumay. Beneficia di una borsa di studio finanziata
da un donatore anonimo.
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Elina Buksha, violon
Née en Lettonie en 1990, Elina Buksha est considérée comme
une des violonistes les plus prometteuses de sa génération. Elina
joue du violon depuis ses cinq ans, et a été l’élève du professeur
lettonien Ojars Kalnins, jusqu’en 2009. Depuis 2011, elle étudie
avec Ana Chumachenco dans des master-classes en France, en
Allemagne et en Suisse. Depuis ses débuts avec l’orchestre Liepāja
Symphony Orchestra en Lettonie, à l’âge de douze ans, Elina a
joué avec nombreux autres orchestres dont l’orchestre Latvian
National Symphony, le Sinfonietta Riga, le Sinfonia Varsovia, le
Royal Philharmonic, le Südwestdeutsche Philarmonie Konstanz
ou le Musica Viva à Moscou. En 2013, Elina reçoit la prestigieuse
récompense de musique lettonne Debut of the Year, le prix le plus
honorifique en musique lettonne. En 2014/2015 elle a fait ses
débuts avec l’orchestre Symphonique Tchaïkovski de la Radio de
Moscou, sous la direction de Vladimir Fedoseyev et de l’orchestre
Kansai Symphony au Japon, avec Augustin Dumay. Elina joue
sur un violon Domenico Montagnana 1723, prêté par la Chapelle
Musicale Reine Elisabeth. Depuis septembre 2011, elle étudie à la
Chapelle Musicale Reine Elisabeth, en Belgique, sous la direction
d’Augustin Dumay. Elle bénéficie de la bourse d’un donateur
anonyme.
Astrig Siranossian, violoncello
Astrig Siranossian è nata nel 1988 a Lione, dove ha frequentato
il Conservatoire National Supérieur de musique et de danse;
nel 2014 ha conseguito a Basilea il master di solista nella
classe di Ivan Monighetti, con le felicitazioni della giuria. Con
il suo violoncello, un Ruggieri del 1676, Astrig interpreta sia
il repertorio classico sia opere di compositori contemporanei,
alcuni dei quali hanno scritto brani appositamente per lei.
Suona con strumentisti quali Bertrand Chamayou, i fratelli
Bruno e Régis Pasquier, Sol Gabetta, Ivan Monighetti, Michel
Beroff, Daniel Schnyder, ma anche Yo-Yo Ma e Adrian Oetiker.
Ha suonato come solista con numerose orchestre ed è stata
invitata a esibirsi in festival prestigiosi, rivelandosi interprete
ispirata e ispiratrice. Nel 2013 vince il concorso Penderecki,
ottenendo anche due premi speciali. Ritenendola un’artista
sommamente promettente, il canale televisivo francese TFI le
ha dedicato un servizio nel 2015; è stata inoltre intervistata
da Radio France e dalla radio tedesca Bayerischer Rundfunk.
Insieme al pianista Théo Fouchenneret, ha appena inciso un
disco di sonate per pianoforte e violoncello per l’etichetta
Claves. Dal settembre 2015 è artiste en résidence alla Chapelle
Musicale Reine Elisabeth, ove studia sotto la guida di Gary
Hoffman. Beneficia di una borsa di studio finanziata dal
barone Wenceslas e dalla baronessa Isabelle de Traux de
Wardin.
Astrig Siranossian, violoncelle
Astrig Siranossian est née à Lyon en 1988. Elle entre au
Conservatoire National Supérieur de musique et de danse
de Lyon et achève en 2014 son master de soliste dans la classe
d’Ivan Monighetti à Bâle, avec les félicitations du jury. Avec
son violoncelle, un Ruggieri de 1676, Astrig nous entraîne aussi
bien vers un répertoire classique que vers des œuvres d’auteurs
contemporains qui ont déjà composé pour elle. Elle partage la
scène avec des musiciens tels que Bertrand Chamayou, les frères
Bruno et Régis Pasquier, Sol Gabetta, Ivan Monighetti, Michel
Beroff, Daniel Schnyder, ou encore Yo-Yo Ma et Adrian Oetiker.
Astrig a joué en soliste avec de nombreux orchestres. Elle est
invitée d’honneur de grands festivals, se révélant à l’évidence
violoncelliste inspirée et “inspirante”. En 2013, elle remporte le
concours Penderecki et obtient également deux prix spéciaux. La
comptant parmi les artistes à suivre de près, TFI lui consacre un
reportage en 2015. Interviewée par Radio France et par la chaîne
de radio allemande, le Bayerischer Rundfunk, Astrig vient de
sortir un disque en sonate chez le label « Claves » avec le pianiste
Théo Fouchenneret. Depuis septembre 2015, Astrig est « Artiste
en résidence » à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, sous la
direction de Gary Hoffman. Elle bénéficie de la bourse du Baron et
de la Baronne Wenceslas et Isabelle de Traux de Wardin.
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Thibaud Epp, pianoforte
È nato a Strasburgo nel 1987. Dopo aver studiato pianoforte
ai Conservatori di Strasburgo e di Parigi con Dany Rouet e poi
con Théodore Paraskivesco e Laurent Cabasso, ha completato
la sua formazione con Erika Guiomar per la direzione di
canto e con Nicolas Brochot per la direzione d’orchestra.
Dopo essersi perfezionato con Rena Shereshevskaya, fonda
con i fratelli David et Alexandre Castro-Balbi il Trio Suyana,
ottenendo diversi premi internazionali. Nel 2014 i tre sono
accolti alla Chapelle Musicale Reine Elisabeth nella classe del
Quatuor Artemis. Thibaud si esibisce in importanti sale da
concerto in Francia e altrove: salle Pleyel, Hôtel des Invalides,
Archives Nationales, Palais de la Musique et des Congrès di
Strasburgo, Festival di Arradon, Festival Georges Cziffra a
Unieux, Printemps Musical des Alizés a Essaouira, Abbazia di
Stavelot (Belgio), Izumi Hall a Osaka (Giappone). Ha inoltre
partecipato alla trasmissione radiofonica «Génération Jeunes
Interprètes» su France Musique e si è esibito anche a FIP Radio
e alla SWR tedesca. È stato invitato a partecipare in qualità di
pianista accompagnatore a numerose accademie, come quella
di Villecroze e quella di Flaine, a fianco di Franz Helmerson,
Miklós Perényi, Gary Hoffman, Peter Bruns, e ha potuto trarre
giovamento dai consigli pianistici di Jean-Claude Pennetier e
di Ferenc Rados. Nel 2004 gli è stato conferito il Prix de la Ville
de Strasbourg e nel 2008 ha vinto il Concorso internazionale
di Brest. È anche borsista della Fondation Cziffra.
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Thibaud Epp, piano
Thibaud Epp est né à Strasbourg en 1987. Après des études de
piano au Conservatoire de Strasbourg et de Paris auprès de
Dany Rouet, puis Théodore Paraskivesco et Laurent Cabasso,
il complète sa formation avec Erika Guiomar pour la direction
de chant et Nicolas Brochot pour la direction d’orchestre. Après
un perfectionnement Rena Shereshevskaya, il fonde le Trio
Suyana avec les frères David et Alexandre Castro-Balbi. Avec ce
trio il remporte des prix internationaux. En 2014, ils intègrent
la Chapelle Musicale Reine Elisabeth dans la classe du Quatuor
Artemis. Il se produit dans de nombreuses salles en France et à
l’étranger : salle Pleyel, Hôtel des Invalides, Archives Nationales,
Palais de la Musique et des Congrès de Strasbourg, Festival
d’Arradon, Festival Georges Cziffra à Unieux, Printemps Musical
des Alizés à Essaouira, Abbaye de Stavelot (Belgique), Izumi
Hall à Osaka (Japon), ainsi qu’à la radio on a pu l’entendre dans
l’émission « Génération Jeunes Interprètes » sur France Musique,
sur FIP, et à la SWR allemande. Il a été invité à participer en tant
que pianiste accompagnateur à de nombreuses académies telles
que celles de Villecroze et Flaine, auprès de Franz Helmerson,
Miklós Perényi, Gary Hoffman, Peter Bruns et a pu bénéficier des
conseils pianistiques de Jean-Claude Pennetier et de Ferenc Rados.
Thibaud a été distingué par le Prix de la Ville de Strasbourg en
2004 et a été lauréat du Concours International de Brest en 2008.
Il est également lauréat de la Fondation Cziffra.
Chapelle Musicale Reine Elisabeth
Après un travail approfondi mené autour de l’œuvre d’Édouard Lalo en 2015, dont l’aboutissement a été l’enregistrement et la publication de l’intégrale de sa musique concertante, le Palazzetto Bru Zane et la Chapelle Musicale Reine Elisabeth font découvrir cette saison
à plusieurs jeunes solistes en résidence à la Chapelle des œuvres de Camille Saint-Saëns et de Fernand de La Tombelle. L’occasion pour
ces jeunes talents de venir se produire au Palazzetto Bru Zane dans des trios, sonates et pièces pour piano seul des deux compositeurs.
In seguito al lavoro sull’opera del compositore Édouard Lalo iniziato nel 2015 e il cui risultato è confluito nella pubblicazione del
CD con l’integrale delle musica concertante per violino, violoncello e pianoforte, per la stagione 2016-2017 il Palazzetto Bru Zane
e la Chapelle Musicale Reine Elisabeth propongono la riscoperta di opere di Camille Saint-Saëns e di Fernand de La Tombelle a
diversi solisti in residenza alla Chapelle Musicale Reine Elisabeth. Questi giovani talenti avranno così l'occasione per esibirsi in
trii, sonate e brani per pianoforte solista dei due compositori protagonisti della stagione del Palazzetto Bru Zane.
musicchapel.org
CAMILLE SAINT-SAËNS: NOVITÀ EDIZIONI E DISCHI
Tutte le pubblicazioni su bru-zane.com
Mélodies
Tassis Christoyannis baritono
Jeff Cohen pianoforte
APARTÉ (2016)
Quintetto con pianoforte
Quartetto per archi n. 1
QUARTETTO DI CREMONA
Andrea Lucchesini pianoforte
AUDITE (2016)
Camille Saint-Saëns Jacques Rouché :
Correspondance (1913-1921)
Camille Saint-Saëns
Il Re degli spiriti musicali
di Giuseppe Clericetti
presentata e commentata da
Marie-Gabrielle Soret
Libro in francese
ZECCHINI EDITORE (2016)
ACTES SUD / PALAZZETTO BRU
ZANE (2016)
Con il sostegno del
Palazzetto Bru Zane
Les Barbares (1901)
CHŒUR LYRIQUE ET ORCHESTRE
SYMPHONIQUE SAINT-ÉTIENNE LOIRE
Laurent Campellone direzione
Catherine Hunold, Julia Gertseva,
Edgaras Montvidas, Jean Teitgen
CD con libro – 2 CD
PALAZZETTO BRU ZANE (2014)
Camille Saint-Saëns et le prix de Rome
BRUSSELS PHILHARMONIC
FLEMISH RADIO CHOIR
Hervé Niquet direzione
Julie Fuchs, Marina De Liso, Solenn’ Lavanant
Linke, Bernard Richter, Pierre-Yves Pruvot,
Nicolas Courjal, François Saint-Yves
CD con libro – 2 CD
GLOSSA (2010)
Prossimi eventi al Palazzetto Bru Zane
Prochains événements au Palazzetto Bru Zane
Domenica 16 ottobre, ore 15.30
Eventi per le famiglie
Violino, violoncello e piano… Tutti per uno, uno per tutti!
Laboratorio-concerto per genitori e bambini a partire dai 6 anni
A cura di Diana D’Alessio
Musiche di SAINT-SAËNS
Solisti della Chapelle Musicale Reine Elisabeth
Info e prenotazioni: [email protected] | +39 041 52 11 005
Giovedi 20 ottobre, ore 20
Il canto del cigno
Musiche di SAINT-SAËNS
Trio Latitude 41
Martedì 25 ottobre, ore 20
E ora, si aprano le danze!
Musiche di SAINT-SAËNS, CHAMINADE, DEBUSSY, BONIS, ALKAN
Philippe Bianconi, pianoforte
Giovedì 3 novembre, ore 20
Quartetto con pianoforte
Musiche di SAINT-SAËNS, BONIS
Mozart Piano Quartet
Finale con brindisi insieme ai musicisti
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dedicata alla musica romantica francese, raggiungibile da
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a internet. Il repertorio spazia dalla musica da camera alla
sinfonica sino all'opera lirica. Non solo: avrete anche la
possibilità di collegarvi alla nostra banca dati online Bru Zane
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troverete le anticipazioni sulla programmazione e in particolare
sull'appuntamento con l'opera lirica previsto la domenica sera. Vi
auguriamo un buon ascolto in compagnia di Bru Zane Classical
Radio!
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Contributi musicologici
Louise Bernard de Raymond, Hélène Cao, Bénédicte Gandois Crausaz,
Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon
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Traduzioni
Arianna Ghilardotti
Palazzetto Bru Zane
Centre de musique romantique française
San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia
+39 041 52 11 005
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