lezioni di progetto
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FOCUS ON FOCUS ON LEZIONI DI PROGETTO DESIGN LESSONS Christian Guellerin, Michele Capuani, Aldo Colonetti con la collaborazione di/with contributions by Silvia Airoldi, Manuela Zanotti CENTRAL SAINT MARTINS COLLEGE OF ART AND DESIGN LONDON, UK ELISAVA – ESCOLA SUPERIOR DE DISSENY I ENGINYERIA DE BARCELONA, SPAIN Il percorso nella nuova generazione di progettisti, avviato da Ottagono e Cumulus nel 2011, giunge al secondo appuntamento. In collaborazione con l’associazione internazionale dedicata a formazione e ricerca nell’ambito di design, arti e media –attualmente Cumulus comprende 189 tra università e college dislocati in 46 nazioni – sono state individuate esperienze diverse che rappresentano un esempio concreto di come oggi si progetta. Le introduzioni di Christian Guellerin, Michele Capuani e Aldo Colonetti riconducono a un unico filo conduttore: la disciplina e la pratica del design riescono a dare un contributo innovativo a un mondo di prodotti e servizi che, a causa della congiuntura economica e sociale, sta cambiando ancor più velocemente del solito. Il design, e le sue istituzioni, come aggregatori e acceleratori di competenze differenti, strumento di crescita sostenibile per un mondo sfinito dalla pura logica del profitto. Inaugurated by Ottagono and Cumulus in 2011, the annual tour of the new generation of designers is now in its second edition. This partnership with the international association for training and research in design – Cumulus currently counts 189 member universities and colleges in 46 different nations – has made it possible to single out a variety of experiences offering a realistic portrait of today’s approach to design. The introductions by Christian Guellerin, Michele Capuani and Aldo Colonetti all lead back to the same roots: how design as a discipline and practice can make an innovative contribution to a whole realm of products and services that, due to the marked economic and social context, is changing more rapidly than is customary. Design and its institutions – as hubs and accelerators for different proficiencies and as a tool for sustainable growth to aid a world drained by the pure logic of profit. www.cumulusassociation.org 32 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 ESAG PENNINGHEN - ECOLE SUPÉRIEURE DE DESIGN, D’ART GRAPHIQUE ET D’ARCHITECTURE INTÉRIEURE, PARIS, FRANCE HONG KONG DESIGN INSTITUTE (HKDI) CHINA KUNST- OG DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN (KHIB) NORWAY L’ÉCOLE DE DESIGN NANTES ATLANTIQUE FRANCE LUND UNIVERSITY SCHOOL OF INDUSTRIAL DESIGN SWEDEN TECHNOLOGICAL EDUCATIONAL INSTITUTE (TEI) OF ATHENS, GREECE Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 33 FOCUS ON SCUOLE DI DESIGN: DALLA CREATIVITÀ A UNA NUOVA IMPRENDITORIALITÀ, PIÙ SOCIALE E PIÙ SOSTENIBILE FOCUS ON DESIGN SCHOOLS: FROM CREATION TO A NEW, MORE SUSTAINABLE, MORE SOCIAL ENTREPRENEURSHIP Christian Guellerin* Considerando l’attuale contesto socio-economico turbolento, il numero di opportunità che si offrono alle scuole di design, a cui spetta la preparazione dei professionisti di domani, non è solo significativo ma anche indicativo delle sfide di innovazione che le imprese di oggi e la società in generale si trovano ad affrontare. Gli ultimi dieci anni hanno portato molti cambiamenti negli istituti di design, divenuti punto di riferimento in tanti paesi. Nonostante ciò, il loro processo di evoluzione non è concluso, poiché sta gettando le fondamenta per creare centri d’innovazione importanti sul fronte economico e per la società in generale. La possibilità di lavorare trasversalmente con le aziende e le altre discipline accademiche traccia un nuovo modello di responsabilità. L’immaginazione può fare cose straordinarie ed è indispensabile nel brainstorming; tuttavia, il suo valore è ottimizzato quando viene trasformata in scenari fattibili, in prodotti e servizi fruibili. Se, da una parte, l’oggetto creato può e deve giustificare la soggettività del suo creatore, dall’altra, il compito dell’innovazione è assicurare che i progetti siano realizzabili. Di fronte a questa esigenza, le scuole di design assumono una nuova identità: quella di centri d’innovazione fondati sull’oggettività e la riproducibilità, necessari alle facoltà di ingegneria per strutturare in modo meno ‘minaccioso’ scenari di utilizzo delle tecnologie. Anche le scuole di economia dovrebbero rivedere il loro approccio al design industriale, spesso trascurato a favore del marketing della distribuzione o a vantaggio di ricerche di mercato non in sintonia con le attuali esigenze. Gli istituti più rinomati hanno già creato i loro laboratori di sperimentazione e le loro fabbriche di design. Appropriati ecosistemi di ricerca, formazione e corporate stanno già strutturando master in design in grado di promuovere istruzione ibrida, dual degree e multiculturalismo. L’epoca della ‘imprenditorialità’ è dunque in corso. Più si rivelerà fattibile un progetto, più saranno invogliati gli studenti a svilupparlo senza permettere ad altri di farlo al loro posto. Sarà introdotto un nuovo criterio di qualità per individuare le migliori sedi creative: la percentuale di studenti che riuscirà ad avviare la propria attività in base ai prodotti progettati durante gli studi sarà un indice determinante. Maggiore sarà l’uso dell’innovazione, più forte dovrà essere la determinazione dei giovani a fare il grande passo verso il lavoro autonomo con l’obiettivo, per chi ne ha la capacità e lo desidera, di creare una nuova azienda. In un’era in cui le scuole di economia fanno fatica ad affrontare la crisi e le facoltà di ingegneria devono difendere il progresso, le scuole di design sono forse già prossime a diventare luoghi di ricerca necessari alle imprese per ragionare con un atteggiamento più oggettivo, guardando le cose da un altro punto di vista. Questo tema economico, sociale e sostenibile necessita ancora del dovuto impegno, anche da parte delle istituzioni pubbliche. 34 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Given the turbulent socio-economic climate, the number of opportunities awaiting design schools – involving the training of students who will occupy tomorrow’s top managerial roles – is not only impressive, but also commensurate with the innovation challenges facing businesses and society on the whole. The past decade has already seen design schools undergo many changes, taking them to be the focal hub in several countries. This said, their evolution is not over: they will lay the groundwork for centers of innovation aimed at serving the financial front and, more generally, society. The chance to work transversally with companies and other academic disciplines triggers a new type of responsibility. Imagination works wonders, and is indispensable in brainstorming. Nevertheless, its value is best optimized when transformed into viable scenarios, commercialized products and services. If, on the one hand, creation can and must justify the subjectivity of its creator, then, on the other hand, innovation’s job is to ensure that projects are viable. Faced with this requirement, design schools will ultimately take on a new identity: a center of innovation revealing an objective and reproducible nature. They will become centers of experimentation needed by engineering schools to set out technology usage scenarios in a less threatening way. Business schools too will seize the opportunity to revisit an approach to product design which has often been neglected in favor of distribution marketing or marketing research that is neither in tune or in sync with current business needs. The most prominent schools have already created their experimentation laboratories and their design factories. Befitting ‘research-training-corporate’ ecosystems are already in the midst of establishing Master of Design programs that foster hybrid learning, dual degrees and multiculturalism. Thus, the era of entrepreneurship is in motion. The more viable projects are, the more tempted students will be to develop them; and they will not give others the chance to do so in their place. A new quality criterion will be implemented for the most efficient creation venues. The percentage of students who start their own business based on products they devised during their studies will be decisive. The more remarkable the innovation approaches are, the more convincing students will have to be, by ‘taking the plunge’ into the world of self-employment. The task to achieve is that of starting up a company for those students who have the ability and desire to do it. At a time when faculties of management and economics are struggling to get a grip on the crisis, when engineering schools must defend progress, design schools could well be on their way to becoming centers of research needed by companies to help them to think with a more objective approach and to look through the lens from another angle. A major social, sustainable and economic issue is waiting to be addressed here, and it is significantly in need of attention from the public authorities. *Presidente di/President of Cumulus, International Association of Universities and Colleges of Design, Art and Media Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 35 FOCUS ON TESTATINA CARL HAGERLING LUND UNIVERSITY SCHOOL OF INDUSTRIAL DESIGN Organizzata all’interno della facoltà di Ingegneria LTH della Lund University, la scuola si occupa della formazione nell’ambito dell’industrial design incoraggiando la ricerca, l’approccio multidisciplinare e l’interazione professionale. Con un profilo internazionale, il percorso formativo si sviluppa dal primo ciclo superiore al PhD con due programmi BA e MA dedicati esclusivamente all’industrial design. Nel master si può approfondire una delle tematiche: Living & Behaviour, Form & Technology o Man & Nature. La possibilità di svolgere tirocini e studi all’estero permette di acquisire, oltre alla conoscenze, anche competenze pratiche. Structured as part of the LTH faculty of engineering at Lund University, the school focuses on industrial design education and training, encouraging research, a multi-disciplinary approach and professional interaction. The study prospectus features an international slant, including BA and MA courses specifically in industrial design, through to PhD level. The master degree options enable students to explore the themes Living & Behaviour, Form & Technology or Man & Nature. The opportunities for internships and study abroad mean students can acquire not only knowledge but also practical experience. www.industrialdesign.lth.se Collezione Titanic, presentata alla fiera Formex 2012 di Stoccolma. I 13 oggetti sono un tributo al transatlantico affondato cento anni fa e si ispirano al film di James Cameron. A destra, Ps pendel è frutto di un workshop tenuto da Ikea, durante il corso di studi. Il designer aveva frainteso il brief, che richiedeva il disegno di una seduta, e presentato altri progetti. Una lunga selezione e poi Ikea decide di produrre l’orologio da terra, unione di funzionalità e tradizione. The Titanic collection, presented at the Formex 2012 fair in Stockholm. The 13 items pay homage to the transatlantic steamer that sank a century ago and are inspired by the James 36 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 NATO A/BORN IN: GÖTEBORG (S) NEL/IN: 1980 CORSO/COURSE: MA PROGRAMME INDUSTRIAL DESIGN (2002-2007) Durante il programma di industrial design alla Lund University ha svolto un tirocinio presso lo studio di Tom Dixon (2006). Ancora studente, ha prestato collaborazioni professionali per Sony Ericsson e l’agenzia di consulenza Epsilon. Al termine del percorso formativo, il primo impiego è presso Hareide Design (2007-2009), con sede a Göteborg, importante centro per lo sviluppo del design dei trasporti. In quegli anni realizza lavori per la compagnia ferroviaria svedese SJ e per Volvo Trucks. Dal 2007, anno di apertura del suo studio Hagerling Form, progetta nell’ambito della grafica e dell’industrial design. During his degree in industrial design at Lund University he completed an internship at the Tom Dixon studio (2006). He contributed on professional projects for Sony Ericsson and the consultancy agency Epsilon while still a student. Upon obtaining his degree he went to work at Hareide Design (2007-2009), based in Göteborg, an important hub for transport design development. During that period he supplied designs to the Swedish rail company SJ and to Volvo Trucks. Since 2007, when he opened his own studio, he has been working on projects in the graphics and industrial design fields. ESPERIENZE EXPERIENCE Cameron’s film. Right, PS Pendel is the fruit of an Ikea workshop held during his study course. The designer misinterpreted the brief – which asked for a seat – and developed other ideas. After a selection period, Ikea decided to manufacture the floor clock, which pairs practicality with tradition. Nel tuo paese, come avviene la pratica professionale del design? Il migliore strumento per arrivare al lavoro è preparare un buon portfolio, i titoli di studio sono meno influenti. È fondamentale trovare un produttore affidabile se si vuole fare il freelance. Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Progettavo articoli per la casa, ancora durante il periodo formativo. Qual è la relazione tra lo studio e la pratica professionale? Quali problemi e quali benefici hai avuto nel passaggio dalla scuola al lavoro? Le tempistiche sono diverse. I progetti possono durare persino sei mesi a scuola mentre in ambito lavorativo i ritmi sono molto più serrati. Da dipendente l’azienda si aspetta che tu sia sempre pieno di idee e creatività, mentre come studente puoi concederti un giorno ‘poco producente’. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra creatività e management, genialità e buona gestione? Fino a quando ho svolto attività subordinata l’80% del mio tempo era dedicato alla creatività e l’altro 20% a meeting e riunioni. Ora che sono libero professionista, la divisione è circa 50-50. Solo gestire le email richiede molto tempo. Il mio sogno è dedicarmi 100% alla fase creativa In questa pagina, Space è la prima collezione completa disegnata da Carl Hagerling che trae ispirazione dai viaggi nello spazio compiuti dalla Nasa negli anni ‘60. I prototipi sono stati presentati a Stockholm Furniture Fair nel 2010. La lampada a sospensione LGTM-X01 è prodotta da Dark e ha valso al designer il Good Design Award. This page: Space was the first complete collection designed by Carl Hagerling and drew on 1960s NASA space travel for its inspiration. The prototypes were presented at the Stockholm Furniture Fair in 2010. The LGTM-X01 pendant light is made by Dark and brought the designer a Good Design Award. e al progetto. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura locale? Mi auguro che il mio linguaggio formale sia globale. Esploro sempre le geometrie semplici, come il cerchio, il cubo, il triangolo; queste stanno alla base di tutte le forme, in tutto il mondo. Quale pensi sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? Consumiamo troppo. I designer dovranno offrire prodotti durevoli e all’avanguardia, realizzati con materiali di qualità e che impieghino risorse locali; dovrebbero insistere su queste caratteristiche durante lo sviluppo del prodotto. Nel tuo lavoro professionale, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali? Sì, ma non capita con la regolarità che vorrei. Spesso le aziende propongono i materiali di cui hanno competenze produttive. • How do you become a professional designer in your country? The best bridge to a job is a strong portfolio – qualifications are less important. If you want to be Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 37 FOCUS ON FOCUS ON SJ Bistro, vagone ristorante per la compagnia ferroviaria SJ disegnato da Hagerling durante l’impiego presso Hareide Design. Il progetto, che ha richiesto un anno di lavoro, doveva rispondere a requisiti di alta funzionalità, come materiali ignifughi e lunga durabilità, e proporre un design attraente per soddisfare un ampio target di persone. SJ Bistro, buffet car for the SJ rail company, designed by Hagerling while working at Hareide Design. The project, which took a year to complete, had to meet high performance requisites, such as flameretardant and hard-wearing materials, and features attractive aesthetics to satisfy a broad user range. ALEIX INGLES ELIAS ELISAVA – ESCOLA SUPERIOR DE DISSENY I ENGINYERIA DE BARCELONA Fondata nel 1961, Elisava conta attualmente più di 2.200 studenti e 870 tra docenti e collaboratori, in un edificio di 11.000 m2. L’offerta formativa comprende 45 diplomi di laurea e 22 master, suddivisi in 5 aree: grafica e comunicazione, design di prodotto, moda, architettura e design d’interni, strategia e ideazione. L’istituto è affiliato con l’Universitat Pompeu Fabra di Barcellona con cui ha attivato un programma che permette di conseguire in 17 trimestri due lauree contemporaneamente. Elisava vanta accordi di scambio, cooperazione e ricerca con più di 60 centri accademici in Europa, Stati Uniti e Sud America. Established in 1961, ELISAVA currently counts over 2,200 students plus 870 lecturers and assistants, on premises covering 11,000 m2. The study prospectus includes 45 degree courses and 22 master courses, subdivided into 5 fields: graphics and communication; product design; fashion; architecture and interior design; strategy and thought. The college is affiliated with the Universitat Pompeu Fabra of Barcelona and together they have started a programme enabling students to achieve two simultaneous degrees over 17 terms. ELISAVA also has exchange, collaboration and research agreements with over 60 academic institutes in Europe, the United States and South America. www.elisava.net a freelancer, a good manufacturer is essential. What was your first professional job? It was designing houseware while still at college. What’s the relationship between study and professional practice? What benefits or obstacles did you meet during the transition between college and work? Timescales are different. Projects last six months at college buts things are faster in the industry. You’re expected to always be creative and have great ideas when employed, while you can have an ‘off’ day in school. How do you divide your work time between creativity and management? When I was an employee, about 80% went on being creative and the rest was meetings etc. Now I’m self-employed, it’s about 50-50. A lot of time goes just Logotipo per una azienda di fotocamere sportive, che gioca con la forma circolare della lente e il concetto di sport attraverso il movimento. A destra, autocarro Volvo FMX. In team con altre persone di Hareide design, Hagerling ha ridisegnato la parte frontale del modello con forme più aggressive ed efficaci. Logo for a sports camera company. This plays on the circular shape of the lens and the idea of movement in sport. Right: the Volvo FMX truck. As part of the Hareide Design team, Hagerling reworked the front of this model to introduce more striking and effective forms. 38 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 on emails. 100% creativity is my dream. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture? I hope I speak a global language in form. I always work with simple geometrics like circles cubes and triangles – the basis to all shapes, the world over. What role do you think design will play in the near future? We consume too much. Designers should offer long-lasting state-of-the-art quality design using fine materials and local resources. Designers should push for this during product development. Has your work allowed you to explore new materials and technology? Not as much as I’d like. Very often companies already have the materials they’re used to working with. © RIPRODUZIONE RISERVATA NATO A/BORN IN: BARCELONA (E) NEL/IN: 1981 CORSO/COURSE: BA INDUSTRIAL DESIGN ENGINEERING (1999-2002) Dopo alcune collaborazioni in ambito ingegneristico e un tirocinio presso lo studio GP designparterns, rivolto al design di prodotto, ha lavorato dal 2006 al 2008 per Decathlon Design come progettista di biciclette e accessori sportivi. Da ottobre 2008 è senior industrial designer alla Sony Design per la quale organizza anche workshop, parallelamente alla sua attività di progettista e ricercatore./After collaborating on several engineering projects and completing an internship at GP designpartners (specialized in product design), he worked for Decathlon Design, from 2006 to 2008, creating bicycles and sports accessories. Since October 2008 he has been a senior industrial designer at Sony Design. Besides researching and designing, he also organizes workshops for the company. ESPERIENZE EXPERIENCE Concept per cellulare, 2007. Progettato come risposta ‘femminile’ ai cellulari per professionisti presenti sul mercato in quel periodo, prevalentemente rivolti a un target maschile, il portatile di Aleix Ingles ha profili smussati, corpo in alluminio anodizzato e rivestimento soft touch sul retro. Concept for cell phone, 2007. Designed as the ‘feminine’ answer to the business mobiles dominating the market during the period. Targeting female consumers, Aleix Ingles’ phone has rounded contours, an anodized aluminium body and a soft-touch finish on the back. Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Uno stage presso lo studio GP designpartners. Collaboravamo con clienti internazionali per progettare vari prodotti, dall’elettronica all’arredo. Quale è il peso tra creatività e management, genialità e buona gestione? Ora lavoro alla Sony Design, dove elaboro e sviluppo idee fino alla fase produttiva. Ciò significa che, insieme ai direttori creativi, controllo tutta la filiera del progetto, oltre a dedicare tempo alla conoscenza del mercato per capire gli utenti, i comportamenti e i costi. Poiché lavoriamo con due anni di anticipo, capire le tendenze è fondamentale. La fase successiva è analizzare tutte le idee per scegliere le migliori; seguono lo sviluppo dettagliato e l’elaborazione con gli ingegneri, per garantire che le proposte siano re- Impianto HiFi CMT-G2NiP, Sony, 2011. Dotato di tecnologia AirPlay e internet radio, il sistema è stato concepito facilitando l’utilizzo con pulsanti e comandi ben visibili. I materiali sono stati scelti per durare nel tempo: alluminio spazzolato, kevlar e finitura laccata lucida di rivestimento alle casse audio. CMT-G2NiP Hifi, Sony, 2011. Equipped with AirPlay technology and internet radio, this stereo has been conceived for straightforward use, with easy-to-see buttons and controls. The materials have been chosen for their durability: brushed aluminium, Kevlar and glossy lacquer for the speakers. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 39 FOCUS ON FOCUS ON Frigorifero LG, progetto per Tangerine, 2008. Il refrigeratore, contraddistinto da layout efficiente e flessibilità interna, è stato disegnato partendo da un’ampia ricerca etnografica condotta da Aleix Ingles in collaborazione con i progettisti dello studio londinese Tangerine. LG fridge, designed for Tangerine, 2008. Featuring an efficient layout and internal flexibility, this fridge was developed from extensive ethnographic research, carried out by Aleix Ingles in conjunction with designers at the London studio Tangerine. alizzate correttamente. Questo richiede capacità di gestione ma anche di dialogo, sapersi relazionare con le persone migliora i risultati. Nel tuo ambito professionale, hai avuto modo di sperimentare nuovi materiali e tecnologie? Ho collaborato a progetti strategici basati su nuovi materiali e tecniche di produzione che hanno stimolato la mia curiosità, ma l’industria è piuttosto restia ad adottarli per la produzione in serie. Esistono già molti processi nuovi tra cui la recente tecnologia a stampaggio 3D. La scalabilità è ancora una questione da risolvere, ma sono sicuro che in una decina d’anni questa tecnologia digitale rivoluzionaria verrà ultimata e diffusa. Un altro ambito interessante è quello della biologia sintetica, con particolare riguardo ai materiali intelligenti e organici, in grado di interagire con il corpo umano e di rigenerarsi. • What was your first professional job? It was an internship at GP designpartners. We worked for multinational clients, designing products from electronics to furniture. How do you divide your work time between creativity and management? I now work at Sony Design, where I design and develop ideas from inception to manufacturing. This means the creative directors and I control the entire design process. I spend some time getting to know the market, to understand users, behaviour and costs. As we usually work two years ahead, understanding trends is fundamental. I then explore and discuss all the ideas at length, to extract the best ones, and start detailed development. An extensive development phase involving engineers follows, to ensure ideas are implemented correctly. CMT-V10iP, Sony, 2012. Ispirato alla forma di una foglia, il dock per cd e iPod è dotato di fluido magnetico negli altoparlanti, lettore cd alloggiato nel frontale ad apertura scorrevole. Sotto, internet radio, Sony, 2009. L’apparecchio, progettato per l’uso in cucina, ha una forma rastremata che permette di collocarlo con il display verso l’alto o in posizione frontale. I cavi sono integrati in un vano posteriore rivestito in gomma siliconica. Il dispositivo è stato brevettato. This means a lot of project management and negotiation is tough yet necessary; good human relations skills improve results. Has your work allowed you to explore new materials and technology? I have worked on strategic projects where new materials and processes are core. Although I’m always curious to explore materials and finishes, the industry is conservative in adopting these for mass production. Many new processes that could change manufacturing already exist and the recent appearance of 3D print is exciting. Scalability is still an issue, but I’m sure this digital manufacturing revolution will be accomplished within ten years. I’m interested in synthetic biology, particularly smart and organic materials that can sense human interaction and can regenerate. © RIPRODUZIONE RISERVATA Lucchetto per bicicletta, ideato da Aleix Ingles per il marchio Btwin, distribuito da Decathlon dal 2007. Il prodotto fa parte di un set che ha rappresentato la prima serie Decathlon Creation: la forma irregolare è stata pensata per facilitare l’utilizzo. Sotto, concept per bici elettrica pieghevole, 2007. La due ruote prevede una scocca in magnesio, motore alloggiato sopra la pedivella, cinghia di trasmissione in carbonio. Bike lock, designed by Aleix Ingles for the brand Btwin, distributed by Decathlon since 2007. The product is part of a set that stands as the first Decathlon Creation series: an asymmetrical shape has been opted for to make it easier to use. Below: concept for a fold-up electric bicycle, 2007. This two-wheeler features a magnesium frame, the motor housed above the crank arm, and a carbon drive belt. CMT-V10iP, Sony, 2012. Inspired by the shape of a leaf, the CD and iPod dock has magnetic fluid in the loudspeakers and a CD player with sliding cover fitted on the front panel. Below: internet radio, Sony, 2009. Designed for use in the kitchen, this device is tapered in form, meaning it may be positioned with the display pointing up or forwards. The wiring is concealed in a compartment to the rear, covered in silicone rubber. The unit has been patented. 9600 Digital Pocket Memo, Philips, 2005. Disegnato da Aleix Ingles durante il tirocinio nello studio GP designpartners, il registratore è stato realizzato per un uso professionale. Medici e avvocati sono stati intervistati dal team di progettisti cercando di mettere 40 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 a fuoco le esigenze rispetto a questo genere di dispositivi: funzionalità, uso intuitivo dei pulsanti e dell’interfaccia, impugnatura ergonomica. 9600 Digital Pocket Memo, Philips, 2005. Designed by Aleix Ingles during his training period at GP designpartners, this recorder was created for professional use. Doctors and lawyers were interviewed by the designers to better understand their needs in using this type of device: practicality, intuitive button and interface use, and an ergonomic grip. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 41 FOCUS ON FOCUS ON COMPEIXALAIGUA DESIGNSTUDIO RUTH PEREZ ALONSO NATA A/BORN IN: BARCELONA (E) NEL/IN: 1977 XAVIER FLORES MONCUNILL NATO A/BORN IN: BARCELONA (E) NEL/IN: 1975 SCUOLA/SCHOOL: ELISAVA – ESCOLA SUPERIOR DE DISSENY I ENGINYERIA DE BARCELONA (E) CORSO/COURSE: INDUSTRIAL DESIGN (1998-2002) Steam Roaster, design Compeixalaigua, Lékué, 2010. Vincitore del premio Delta’11 d’Or, l’utensile in silicone a forma di ciotola si chiude inserendo la linguetta nella fessura laterale e può essere utilizzato per pesare gli ingredienti, portare i cibi in tavola, ma soprattutto per la cottura in forno. Steam Roaster, designed by Compeixalaigua, Lékué, 2010. Winner of the Delta’11 d’Or award, this dish-shaped silicone utensil closes up by inserting the flap in the slot on the side. It can be used for weighing ingredients, serving food at the table, but above all for oven baking. Con numerose collaborazioni alle spalle, tra cui Heatherwick Studio, Emiliana Design Studio, Bopbaa, DaifukuDesigns e b2, i due progettisti hanno deciso nel 2007 di fondare insieme lo studio Compeixalaigua. Obiettivo: sviluppare la propria visione progettuale, basata sulla creazione di oggetti in grado di interagire, cambiare e ‘crescere’ con chi li utilizza. After working with various design offices, including Heatherwick Studio, Emiliana Design Studio, Bopbaa, DaifukuDesigns and b2, in 2007 the two designers decided to set up their own studio, Compeixalaigua. The goal: to develop their own vision of design, based on the creation of objects capable of interacting, changing or ‘growing’ with the user. ESPERIENZE EXPERIENCE “Ci siamo conosciuti a Elisava e, dopo la laurea, abbiamo lavorato in diversi studi. Poi ci siamo rivisti collaborando a un progetto per uno spazio temporaneo, un’esperienza che ci ha convinti ad aprire il nostro studio. Rifocalizzarsi sul design industriale ha richiesto uno sforzo e il percorso è stato difficile, ma ci sta dando molte soddisfazioni. La prima opportunità professionale è arrivata tramite Elisava: Lékué ha contattato l’università in cerca di un progettista esterno e così abbiamo iniziato alcune piccole collaborazioni. Il salto dalla scuola al lavoro è grande, molte cose si imparano solo vivendole, ma la vera soddisfazione sta nel vedere il proprio progetto sul mercato e nel riuscire a risolvere i problemi quotidiani attraverso i propri sforzi. Ci hanno detto che i nostri prodotti hanno un tono ironico e un’aria mediterranea, ma poiché oggi tutto il mondo è in connessione ci offre un contesto generale da cui trarre ampiamente ispirazione. Quindi è probabile che il nostro stile sia abbastanza ‘globale’, oltre ad avere una specifica identità: ad esempio, il contenitore Steam Roaster, progettato per Lékué, ha più successo in Giappone che in Spagna. Il design ti permette di passare da una tipologia di prodotto all’altra, offrendo continue opportunità di indagare nuovi materiali e processi. Questo aspetto camaleontico è un fattore chiave per noi designer: oltre a cercare di rispondere alle esigenze delle persone ‘vere’, crediamo che il design non sia un ‘extra’, anzi, che si possa applicare a qualunque oggetto, riducendo anche i costi. In ogni caso non bisogna mai perdere di vista due aspetti fondamentali, l’utente e una concreta sincerità nel progettare: a chi, come e perché serve un prodotto”. 42 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 • “We were both at ELISAVA and worked at several different studios after graduation. We then met again, designing together on a temporary space project. This led us to set up our own studio, and it took a certain effort to refocus on product design. It’s been tough, but it is very satisfying to have made it. Our first opportunity came from ELISAVA: Lékué contacted the school looking for an external designer, so we started working on brief collaborations. The jump from study to profession is a big one – many things can only be learnt from hands-on experience. True satisfaction comes from having a product on the market and solving reallife problems through your own personal effort. We’ve been told that our products have an ironic twist, a Me- Packaging in cartone per adesivi in vinile, Unwhite, 2010. Il contenitore è stato fatto a mano come richiamo alla procedura manuale di applicazione degli sticker, chiuso da una cucitura rimovibile. Sotto, + (Plus), custodia per iPad in 2 colori, con strisce portaoggetti sul retro. Cardboard packaging for vinyl stickers, designed for Unwhite, 2010. The packet is handmade, picking up on the manual process of their application, and closed up with removable stitching. Below: + (Plus), an iPad case in 2 colours, featuring strips on the underside for securing small objects. El Bocí Perfecte, 2009. Il progetto di food design, sviluppato dai designer durante il workshop Papila in collaborazione con Chocovic e Ramon Morató, propone cioccolatini a strati componibili. L’obiettivo è personalizzare ogni dolce secondo il proprio gusto. El Bocí Perfecte, 2009. This food design project developed by the designers during the Papila workshop, in conjunction with Chocovic and Ramon Morató, features chocolates made of modular layers. The idea is for people to personalize their own sweet treats to suit their tastes. diterranean slant. Nonetheless, the world is so connected these days that we see the general context as a worldwide source. Thus, our style is probably quite global, with its own specific identity: for instance, the Steam Roaster is more popular in Japan than Spain. The great thing about product design is you shift from one field to another, so opportunities to explore new materials or processes are always there. This chameleon-like trait is probably a key factor for us as product designers: as well as striving to cater to ‘real’ people, we believe design is not an ‘extra’, it can be applied to any product, and it can even help reduce costs. However, user and material honesty (who it is for, why and how) are always fundamental.” © RIPRODUZIONE RISERVATA 2,5D Chair, Unwhite, 2009. Per rispondere alla richiesta da parte di Unwhite di un nuovo sticker ‘funzionale’ in vinile, il duo creativo ne ha disegnata una serie a forma di schienale che permette di proteggere le pareti e di ‘trasformare’ una panca, uno sgabello o qualsiasi altro piano d’appoggio in una sedia. 2,5D Chair, Unwhite, 2009. In response to the manufacturer’s request for a new ‘functional’ vinyl sticker, the creative duo designed a series of chair-back shapes meaning that not only is a bench, stool or any other flat surface ‘transformed’ into a seat, but that the wall is also protected. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 43 FOCUS ON FOCUS ON ERLEND BLEKEN KUNST- OG DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN Oltre ai programmi BA, la Bergen Academy of Art and Design (nota come Khib, acronimo della denominazione in norvegese) propone un master in design con specializzazione in Furniture and Spatial Design/Interior Architecture, oppure in Visual Communication. L’approccio interdisciplinare è sviluppato attraverso corsi introduttivi e specialistici, workshop e progetti congiunti, per formare gli studenti anche sotto il profilo delle capacità concettuali, strategiche e di gestione dei lavori su larga scala. Il master in Fine Art approfondisce diversi ambiti produttivi delle arti contemporanee, tra cui anche la lavorazione della ceramica e dei tessuti./Besides its BA study programmes, the Bergen Academy of Art and Design (also known as KHiB, the acronym of its Norwegian name) offers a master’s in design, with specializations in Furniture and Spatial Design/Interior Architecture, or Visual Communication. The cross-disciplinary approach is developed through introductory and specialist courses, workshops and joint projects, to best stimulate student learning in terms of concept, strategy and management in large-scale works. The MA in Fine Art investigates various contemporary art production contexts, such as ceramics and textiles. www.khib.no. Nel tuo paese, come avviene la pratica professionale del design? Se desideri specializzarti a livello MA come architetto d’interni o progettista di arredi ci sono due possibilità in Norvegia: la Bergen Academy of Art and Design o la sua equivalente a Oslo. Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Come è nata tale opportunità? Ho una laurea MA in informatica e così ho iniziato come software engineer in un’azienda di Oslo, lavorando nel settore della knowledge engineering. Durante la tesi avevo individuato questa realtà come quella più vicina alla mia specializzazione, ho telefonato chiedendo se avevano possibilità d’inserimento in quel periodo e mi hanno offerto un’opportunità. Qual è la relazione tra la tua formazione e la pratica professionale che stai svolgendo? Lavoro come designer freelance da un anno. Bergen offre poche opportunità professionali per i progettisti, ma mi piace questa città e vorrei evitare di trasferirmi altrove. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra creatività e management? Da un anno mi dedico allo sviluppo di idee nel campo della sanità, con particolare 44 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 NATO A/BORN IN: ÅLESUND (N) NEL/IN: 1965 CORSO/COURSE: BA (2006-2009) MASTER IN DESIGN (2009-2011) Con una precedente formazione in informatica (Master in Computer Science alla Norwegian University of Technology and Science) che lo ha portato a collaborare come sviluppatore e consulente di sistemi presso alcune aziende del settore dal 1987 al 2002, Erlend Bleken ha deciso nel 2003 di studiare le tecniche e i materiali per la lavorazione del legno. Dal 2004 ha iniziato a realizzare le sue prime creazioni di arredo nella località di Lillhammer per approdare, infine, al corso di laurea e al master in design, concluso l’anno scorso alla Khib. After his first qualification (Master in Computer Science at the Norwegian University of Technology and Science) that took him to work as software engineer and consultant with several sector companies from 1987 to 2002, Erlend Bleken decided to study wood-working techniques and materials in 2003. He made his first furnishings in 2004, in Lillhammer, and went on to do an MA in design at KHiB, finishing last year. ESPERIENZE EXPERIENCE Half Pipe e, a destra, Butler, 2009. Presentati a Stockholm Furniture Fair nello stand della Khib, i due arredi esprimono razionalità: l’asimmetria della poltrona permette di scegliere da quale lato avere il bracciolo più alto; il portabiti Butler rende funzionale il ‘percorso’ di una linea continua nello spazio. Half Pipe and, right, Butler, 2009. Presented at the Stockholm Furniture Fair at the KHiB stand, these two pieces express rationality. The asymmetry of the easy chair means the user can choose which side to have the higher arm, while the Butler clothes stand makes the continuity of this single line also a practical item. riguardo alle modalità progettuali che rispettano la persona, tema della mia tesi, così come nell’ambito delle tecnologie per l’accessibilità e la mobilità. Una buona parte di tempo è destinata all’organizzazione delle priorità, dei componenti del gruppo di lavoro e della ricerca di fondi per i progetti. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura locale? Il mio linguaggio è globale, ma manifesta alcune caratteristiche locali, per esempio l’uso del legno e della lana. Secondo te, quale sarà il ruolo del design nel futuro prossimo? Mi auguro che l’applicazione delle metodologie di progettazione si rafforzi per costruire un futuro più sostenibile. Nel tuo lavoro, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali? Sì, soprattutto per gli imbottiti, il legno laminato, la lavorazione del metallo e anche nell’uso dei sistemi Cad. • How do you become a professional designer in your country? If you want to be a certified (MA-level) furniture designer or interior architect in Norway there are two options: the Bergen Academy of Art and Design or its counterpart in Oslo. What was your first professional job? How did it come about? I have a MA in Computer Science and started out as a software engineer for an Oslo company working with knowledge engineering. My thesis meant this organization was perfect for me. I called to see if they had a job, and it turned out they had. What’s the relationship between study and professional practice in your context? I’ve been working as a freelance designer for a year now. Bergen is a little tight on job opportunities for designers, but I like it here and want to avoid relocating. How do you divide your work time between creativity and management? This last year I have focused on developing ideas in the field of dignified care – my master thesis topic – and accessibility/navigation technology. A certain amount of time goes on prioritizing ideas, organizing team members and applying for project funding. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture? My language is global, yet with some local traits, such as the use of wood and wool. What role do you think design will play in the near future? I hope the use of design methods will be further strengthened to develop a more sustainable future. Has your work allowed you to explore new materials and technology? Yes, definitely. Especially within upholstery, laminated wood, metalwork and CAD use. © RIPRODUZIONE RISERVATA Kinetic, 2009. Presentata da Erlend Bleken come tesi di progetto a conclusione del BA in design alla Khib, la poltrona a dondolo combina i materiali prediletti dal designer: imbottiture comode ma leggere, e legno laminato con venature a vista. I cavi sottili di sostegno rievocano le funi di un’amaca. In alto, Stripes, 2009. La sedia impilabile, costruita in legno di quercia e acciaio, ha un meccanismo autoportante studiato per dare stabilità ai listelli fissati sulla scocca metallica. Utilizzabile in un contesto residenziale o pubblico, Stripes si è classificata al terzo posto nei Designers Saturday Awards di Oslo, nel 2009. Kinetic, 2009. Presented by Erlend Bleken as thesis project to finish his BA in design at the KHiB, this swinging seat joins together his favourite materials: comfortable yet light padding plus laminated wood with visible grain. The slim support cables bring to mind hammock ropes. Above: Stripes, 2009. This stackable oak and metal chair features a self-supporting device designed to bring sturdiness to the slats attached to the metal frame. Conceived for use in both public and residential contexts, Stripes won third prize at the Designers Saturday Awards 2009 in Oslo. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 45 SIV LIER NATA A/BORN IN: BERGEN (N) NEL/IN: 1978 SCUOLA/SCHOOL: KUNST- OG DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN (KHIB), BERGEN, (N) CORSO/COURSE: BA IN DESIGN (2007), MASTER IN DESIGN (2011) Dopo un diploma BA in Cultural and Social Science (2003), Siv Lier ha concluso la sua formazione nell’ambito del design. Da anni espone progetti in numerose fiere ed eventi europei, tra cui: Young Talents (2005) e Designers Saturday (2011) al DogA – Norwegian Centre for Design and Architecture, sede del Norwegian Design Council, a Oslo; Inside Norway, imm Cologne (2006); Greenhouse, Stockholm Furniture Fair (2006); Salone Internazionale del Mobile, Milano (2008). Dal 18 al 28 aprile 2012 ha partecipato alla mostra ‘Permanenten’, in collaborazione con Jonas Norheim, al West Norway Museum of Decorative Art, Bergen. After obtaining a BA in Cultural and Social Science (2003), she completed her studies in the design field. For several years now she has been showing her designs at numerous European fairs and events, including: Young Talents (2005) and Designers Saturday (2011), at DogA – Norwegian Centre for Design and Architecture, premises to the Norwegian Design Council, in Oslo; Inside Norway, imm Cologne (2006); Greenhouse, Stockholm Furniture Fair (2006); Milan International Furniture Fair (2008). She took part in the exhibition ‘Permanenten’, working with Jonas Norheim, at the West Norway Museum of Decorative Art from 18 to 28 April, in Bergen. progettazione di prodotto, così che il design possa essere una caratteristica integrata e non solo un aspetto decorativo. • How do you become a professional designer in your country? You have to study at one of the design institutions and work hard. What was your first professional job? How did it come about? One of my first jobs was to design an exhibition with a fellow designer, an opportunity that came through the Bergen Academy of Art and Design. What benefits or obstacles did you meet during the transition between college and work? I graduated only a year ago and so I’m still in that transition phase, establishing my own studio. I’m part of a design community based at a former sardine factory in Bergen, which helps during this change. How do you divide your work time between creativity and management? Some days I feel I’m just doing administrative work and never get to the fun part of being a designer, and then there are times when I’m bursting with creativity, making mock-ups, sketching and doing all the stuff that makes this profession the best. Good organization helps, but it’s also important to give your creative flair full rein, without the restriction of rules and conventions. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture? My work’s quite Scandinavian in its expression, design and materials, which I think works very well in a global context. What role do you think design will play in the near future? Designers have to be included during the very first phases so that design can be an integrated feature rather than mere decoration. © RIPRODUZIONE RISERVATA ESPERIENZE EXPERIENCE Come si svolge la pratica professionale del design in Norvegia? Bisogna frequentare una delle scuole di design e soprattutto lavorare ‘sodo’. Quale è stata la tua prima esperienza professionale e come è nata l’opportunità? Una delle mie prime collaborazioni è stata la progettazione di una mostra, insieme a un altro designer, proposta tramite la Khib. Quali problemi e quali benefici hai avuto nel passaggio dalla scuola al lavoro? Mi sono laureata solo un anno fa quindi devo ancora completare il processo di cambiamento. Ora sto avviando il mio studio e faccio parte di una community di designer, con sede in una ex fabbrica di sardine, che mi è di grande aiuto in questa fase di trasizione. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra creatività e management, genialità e buona gestione? A volte mi sembra di fare un lavoro di amministrazione e che non arrivi mai la parte divertente del progettare. Altri giorni sono piena di creatività, faccio modellini, bozzetti e tutte quelle cose che rendono fantastica questa professione. Una buona organizzazione aiuta, ma è importante lasciare spazio alla fantasia, senza limitarla con le regole e i conformismi. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura locale? Il mio lavoro ha un’identità abbastanza scandinava nelle modalità espressive, nel design e nei materiali, cosa che funziona bene in un contesto globale. Quale pensi sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? I designer devono essere coinvolti già dalle prime fasi della 46 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Odel, 2011. Componibilità degli elementi e materiali sostenibili – sughero, legno compensato e frassino – caratterizzano la seduta Odel, presentata da Siv Lier come progetto di tesi per il master. Il sedile e lo schienale sono intercambiabili e sostituibili tramite chiodi a incastro con impugnatura a sfera. Odel, 2011. Modular design elements and sustainable materials – cork, plywood and ashwood – are the striking features of the Odel seat, presented by Siv Lier as her MA thesis project. The seat and back may be interchanged and replaced by means of slot-in pins with spherical heads. Tree, 2008. La serigrafia di un albero, che decora il piano del tavolo, diventa elemento strutturale e tridimensionale nella gamba a forma di tronco. Tree, 2008. The screen-printed tree decorating the tabletop becomes a structural and 3D part of the trunk-shaped leg. PHOTO BJARTE BJØRKUM/ ELSE H. LIER/ SIV LIER FOCUS ON PHOTO SIV LIER/GRY JOHANSEN © STINE KOLAAS NASH FOCUS ON Yme, 2006. Legno di quercia e lino sono i materiali usati da Siv Lier nel prototipo della chaise longue, pensata per fare sedere 2 persone una di fronte all’altra. Il nome di questa creazione ha un significato: deriva dal gigante Yme dal quale, secondo i miti norvegesi, è stata creata la terra. Yme, 2006. Oakwook and linen are the materials used by Siv Lier in her prototype of a chaise longue, designed to seat two people opposite each other. The name of the piece also has a meaning: it derives from the giant Yme who, in Norwegian mythology, created the earth. Klossmajor, 2008. La serie di tavoli bassi, progettati e realizzati da Siv Lier in collaborazione con Eirik Helgesen, esprime il lato giocoso della funzionalità: le gambe sono regolabili in altezza togliendo o aggiungendo i cubi a incastro che le compongono. Klossmajor, 2008. Designed by Siv Lier while working with Eirik Helgesen, this series of low tables expresses the playful side of functionalism: leg height can be changed by removing or adding the notched cubes. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 47 FOCUS ON FOCUS ON PHOTO ODA HVEEM / VISUELLO.NO NINA LYSBAKKEN NATA A/BORN IN: ÅLESUND (N) NEL/IN: 1981 SCUOLA/SCHOOL: KUNST- OG DESIGNHØGSKOLEN I BERGEN (KHIB), BERGEN (N) CORSO/COURSE: MASTER OF DESIGN, VISUAL COMMUNICATIONS (2008-2010) Portfolio, 2008. Per illustrare il proprio lavoro, Nina Lysbakken lo ha suddiviso in 3 pubblicazioni: il volume più grande (in basso) contiene le immagini dei progetti, descritti in quello medio; il più piccolo parla di lei e della sua passione per il design. Portfolio, 2008. In order to best illustrate her own work, Nina Lysbakken subdivided it into 3 books: the largest volume (below) contains project images; the middle-sized one the descriptions; while the smallest is about her and her passion for design. Attualmente segue un PhD in Interaction Design presso The Oslo School of Architecture and Design, basato sulla ricerca e sviluppo di servizi innovativi per i social media. Da tempo attiva nell’ambito della progettazione, ha lavorato per Oslo D/Eggs Design, The Norwegian Design Council, Gjøvik University College, Sjoa Rafting e Mathemateria. Inoltre, oggi Nina Lysbakken è uno dei membri dell’IxDA di Oslo, un network internazionale attivo nella pratica professionale dell’interaction design. /She is currently completing a PhD in Interaction Design, based on the research and development of innovative services for social media, at the Oslo School of Architecture and Design. Active in the design field for some time, she has worked for Oslo D/Eggs Design, the Norwegian Design Council, Gjøvik University College, Sjoa Rafting and Mathemateria. In addition, she is one of the Oslo members of IxDA, an international network focusing on interaction design as a professional practice. ESPERIENZE EXPERIENCE campo o fase. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di esprimere una cultura locale? Penso che il mio lavoro risponda a sfide precise e finora direi che i miei progetti siano riusciti a offrire soluzioni in un contesto locale. Il mondo del design sta attraversando cambiamenti epocali dovuti alla crisi economica e alla globalizzazione dei consumi: quale pensi che sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? Fornire un sostegno alle persone, alle interconnessioni, al nostro stile di vita e alle infrastrutture. Dobbiamo dedicarci a progettare un modo più flessibile di vivere. Il problema PHOTO ODA HVEEM / VISUELLO.NO Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Ho iniziato a occuparmi di grafica per i libri. Quali problemi e quali benefici hai avuto nel passaggio dalla scuola al lavoro? Credo che dipenda dal settore in cui si opera. Ho notato una differenza di motivazione personale rispetto ai tipi di progetto: a scuola i temi e le sfide erano più interessanti di quelli che ho incontrato nell’ambito professionale. Nel tuo lavoro, quale è il peso tra creatività e management, genialità e buona gestione? Adoro organizzare e non percepisco una divisione netta fra questi aspetti. La creatività è sempre una scelta, in qualsiasi 48 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Portfolio, 2008. Racconta l’idea di progettazione organica che la designer ha voluto esprimere nella forma proporzionata dei formati, nell’accurata rilegatura e nella gestione dei contenuti. Il portfolio è stato premiato al Visuelt Award 2009 come migliore progetto studenti nella categoria Graphic Design. Portfolio, 2008. This illustrates the organic design approach Nina aimed to express in the proportions of the formats, in the careful binding and in content organization. Her Portfolio won the Visuelt Award 2009 as the best student project in the Graphic Design category. non è solo nei cambiamenti che stanno avvenendo nella natura e nel clima, bensì avere creato un’infrastruttura rigida che ci impedisce di muoverci in armonia con la natura. Nel tuo lavoro, hai avuto modo di sperimentare le nuove tecnologie? Sì, soprattutto nel settore digitale in relazione a social media, software e sistemi di tracciabilità. • What was your first professional job? I worked as a book designer. What benefits or obstacles did you meet during the transition between college and work? I think it depends on what you do professionally. The biggest difference for me was my own motivation for the projects. At school I could work on more interesting themes and challenges than I’ve done in my professional life. How do you divide your work time between creativity and management? I love organizing, and I don’t see a distinct division between creativity and management – creativity is a choice in any field or phase. Do you speak a global language or is your work the expression of local culture? I see my work as answers to specific challenges, and my projects so far have been responses to local challenges, I would say. The design world is currently undergoing great change caused by the economic crisis and the globalization of consumer markets. What role do you think design will play in the near future? Supporting people, interconnections, our lifestyles and infrastructure. I believe we need to focus on designing a more flexible way of living in this world. The problem isn’t necessarily that nature and the climate are changing – it’s that we have created a rigid infrastructure, one preventing us from moving with nature. Has your work allowed you to explore new technology? Yes, mainly digital technology related to social media, software and self-tracking devices. © RIPRODUZIONE RISERVATA The Surprise Dispenser, 2012. Il distributore di sorprese è stato ideato, prototipato e presentato da Nina Lysbakken, insieme a un team di giovani, durante una sfida creativa di 48 ore al Global Service Jam, Oslo. Il concept: si mette dentro la macchina un oggetto da regalare (a destra); la reazione di chi lo riceve viene filmata e inviata per email a chi lo ha donato, inserendo le due persone in una web community. In alto, Visual Learning, 2010. Il progetto, sviluppato durante il master alla Khib, consiste nella creazione di un sito interattivo che permetta di monitorare e assistere i bambini nelle fasi di apprendimento scolastico e non. The Surprise Dispenser, 2012. This device distributing surprises was designed, prototyped and presented by Nina Lysbakken, working with a team of other young talents, during a 48-hour creative challenge at Global Service Jam, Oslo. The idea: a gift is placed inside the machine (right) and the reaction of the person receiving it is filmed and emailed to who donated it, with these 2 people becoming part of a web community. Above: Visual Learning, 2010. Developed during her MA course at KHiB, the project involves creation of an interactive site enabling children to be monitored and assisted during school study and other activities. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 49 FOCUS ON OLTRE LA CRISI FOCUS ON BEYOND THE CRISIS Michele Capuani* La pratica professionale del design è nata come strumento per lo sviluppo, lessico per prodotti e servizi in un mondo che cresce. Si afferma dopo una crisi economica, quella del ‘29, e si arricchisce di contenuti tecnologici durante 50 anni di guerre, calde o fredde che siano. Il design è al tempo stesso figlio della più incredibile fase di sviluppo dell’umanità e artefice del suo successo. Dopo alcuni anni di arresto economico e di crisi dei valori del capitalismo, abbiamo ormai preso coscienza dello stallo di crescita, se non di recessione vera e propria. I giovani designer, in tutto il mondo, hanno capito bene quello che li aspetta e hanno iniziato a cambiare pelle, una mutazione genetica che le migliori scuole di design hanno saputo teorizzare e poi sostenere. Ritroviamo, nelle proposte di queste pagine, alcuni principi che già conoscevamo: meno prodotto più servizio, sostenibilità a tutto campo, autoimprenditorialità, filiera corta. Ho visto però affiorare qualcosa di nuovo, dopo che una intera generazione ha studiato progettazione al tempo della crisi. Cinque anni di corso dal 2007 a oggi per una laurea magistrale in design. Un ottimismo nuovo, una avvenuta mutazione genetica che permette di guardare al futuro con rinnovato ottimismo. Quello che io capisco da questi lavori è che il design è davvero una delle discipline chiave del futuro che verrà. Non è tanto la capacità tecnica che questi giovani designer dimostrano di possedere, quanto lo spirito che li anima, quel modo di pensare che fa di ogni problema una opportunità. Adattabile alle circostanze, multidisciplinare, imprenditoriale, innovativo per definizione, democratico per rinnovata tradizione: il pensiero creativo, il design thinking, può davvero aiutare il mondo a ritrovare la via per uno sviluppo equilibrato. Non a caso, le scuole di management guardano al metodo del design come una possibilità di rinnovamento. Interessa il metodo piuttosto che il risultato finale dato che, quando le risorse si riducono, è necessaria maggiore creatività per compensare investimenti, tecnologia e rete distributiva che vengono a mancare. Anche lo stile è cambiato, in questi progetti. Ci sono soluzioni, forme e colori che, nella loro essenzialità, parlano il linguaggio dell’ottimismo. Abbiamo passato un periodo in cui sembrava che la rappresentazione della sostenibilità e della responsabilità sociale dovesse essere povera anche di significati formali, un po’ tristi. Oggetti per fare riflettere. I progetti di queste pagine hanno superato questo complesso e guardano al mercato con qualità nuove e con una costante attenzione al rispetto per l’ambiente. Gli autori sono tutti consapevoli che il mondo è ormai cambiato e non tornerà mai più a essere quello di prima. 50 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Practising design as a profession first came about as a tool for development and as a vocabulary for products and services in an expanding world. It emerged following a financial crisis, that of 1929, and was constantly enhanced with technological content throughout 50 or so years of war, both cold and ‘hot’. Design is not only the child of the most intense era of boom experienced by mankind, but also a cause of its success. After several years of economic standstill and a crisis in capitalist values, we are now well aware of the slump in growth, which could even be termed a real recession. Young designers the world over have understood what awaits them and have thus opted to ‘change their spots’ – an authentic genetic mutation that the best design schools have been able to envisage and, as a result, support. The ideas featured on the following pages illustrate several tenets that we are already familiar with: less product, more service; all-round sustainability; a self-enterprising approach; and short production chains. Nevertheless, I have also seen other new aspects emerge, now that an entire generation has studied design during times of crisis. Five years of study, from 2007 to the present, for a master’s degree in design. New optimism and successful genetic mutation enable us to look to the future with replenished optimism. What I can detect from these pieces is that design really will take on the role of key discipline in the future. It isn’t so much the technical skills that these young designers have shown they possess, but more their driving spirit, their way of looking at things that transforms every problem into an opportunity. Adaptable to circumstances, multi-disciplinary, enterprising, innovative by definition and democratic in reviving tradition: design thinking truly can guide the world to find the right path to balanced development. It is no coincidence that management schools look to the design process as a way to achieve reform and renewal. The focus is on the method rather than the end result since more limited resources require greater creativity to compensate for the gradual lack of available investments, technology and distribution networks. Styles have changed too, these projects reveal. Many of the solutions, shapes and colours speak the language of optimism in their essence. We experienced a period when it seemed that communicating sustainability and social responsibility had to go hand in hand with a ‘poor’, slightly gloomy air in terms of form. Items for reflection. The designs on these pages have overcome this complex and look to the market with new qualities and steady respect for the environment. Their makers are all very aware that the world has now changed and it will never go back to what it was before. *Architetto, Responsabile del Prodotto Formativo IED/architect, Dean of IED Group Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 51 FOCUS ON FOCUS ON IONNA VAUTRIN L’ÉCOLE DE DESIGN NANTES ATLANTIQUE La scuola è un istituto privato di educazione superiore, sostenuto dalla Chambres de Commerce et d’Industrie Nantes St-Nazaire che rilascia un diploma di laurea quinquennale in design (equivalente a un master), riconosciuto dal ministero francese dell’Educazione. Il programma post-laurea è incentrato sulla ricerca applicata coinvolgendo aziende partner. L’École offre anche un master professionale in Design and Innovation Management. Dal 2012, i campus in Cina e India sono stati unificati nell’Asia Campus, che propone il programma di master The Transcultural Design per incoraggiare lo studio e la comprensione di culture diverse, nell’ambito di un contesto applicato e interdisciplinare. This school is a private further education institute supported by the Chambres de Commerce et d’Industrie Nantes St-Nazaire. After attending a five-year course, students gain a qualification equivalent to a master’s degree, recognized by the French Ministry of Education. The post-graduate programme centres on applied research, with the involvement of partner companies. L’École also offers a professional master’s course in Design and Innovation Management. The China and India campuses were joined together this year to form the Asia Campus, which offers the master’s degree Transcultural Design to foster the study and understanding of different cultures within an inter-disciplinary and applied context. www.lecolededesign.com 52 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Cyclope, Moustache, 2011. Rivestito in ceramica smaltata, Cyclope è uno specchio convesso (detto anche ‘oeil de sorcière’, ‘occhio della strega’ in francese), pensato come scultura da tavola. A destra, Ô, Moustache, 2011. La collezione comprende vaso, PHOTO MASSIMO GARDONE caraffa e portafrutta in ceramica smaltata, tutti con un’apertura a ‘O’ rivolta verso l’alto, come una bocca che intoni un canto. Cyclope, Moustache, 2011. Finished in glazed ceramic, Cyclope is a convex mirror (known also as oeil de sorcière – guardare oltre. Essere sempre attenti alle nuove tecnologie e ai nuovi materiali è fondamentale per consentire al design di evolversi”. • “After graduating in 2002, I worked for Camper in Spain. This offered the dual stimulus of ‘experimental lab’ and the accuracy of specific rules – shoe manufacturing is precise. I then moved to Italy, to define Moulinex and Tefal kitchenware for George Sowden (Memphis Group), returning to France two years later, for five years at the Ronan & Erwan Bouroullec studio – a rich learning experience with big names such as Vitra, Magis, Kartell, Alessi. I then set up my own studio. Living abroad has shown me various ways to practise design – it’s important to see how things happen elsewhere. Today, I divide my time between generating ideas, development and paperwork. The creative part is certainly more interesting and fun, but having your own business also means administration. Over PHOTO FELIPE RIBON “Dopo la laurea nel 2002, sono andata in Spagna per lavorare alla Camper. Quest’esperienza mi ha dato un duplice stimolo: da un lato, in quanto laboratorio sperimentale, dall’altro, rispetto all’importanza di conoscere regole specifiche, la produzione delle scarpe segue, infatti, un processo preciso. Poi mi sono trasferita in Italia per due anni, dove ho affiancato George Sowden (Memphis Group) nella progettazione di utensili da cucina per Moulinex e Tefal. Tornata in Francia, sono entrata nello studio Ronan & Erwan Bouroullec per cinque anni, un’esperienza molto ricca dal punto di vista formativo, che mi ha permesso di collaborare con importanti aziende, tra cui Vitra, Magis, Kartell e Alessi, e di aprire successivamente il mio studio. Abitare all’estero mi ha insegnato che ci sono diversi modi di praticare il design; credo che sia importante vedere come le cose sono strutturate in altri paesi. Oggi mi divido tra lo sviluppo di idee e la loro gestione, anche dal punto di vista ‘burocratico’. La parte creativa è senz’altro più divertente e interessante, ma avere una propria attività significa dedicarsi anche all’amministrazione. Nel corso degli anni, ho costruito il mio linguaggio come progettista metà francese e metà spagnola. Considero il design un bene che può portare la felicità alle persone, soprattutto nel contesto sociale attuale. In ogni caso, anche gli aspetti economici influenzano la forma finale, i materiali, le lavorazioni e il prezzo del prodotto finito. I miei oggetti sono un connubio fra linee semplici e pulite, forme sincere, colori allegri e materiali piacevoli. Cerco di creare dei pezzi che narrino una storia e che destino la voglia di ‘adottarli’. Spesso le mie ispirazioni arrivano dalle piccole cose del quotidiano, ma trovo spunto anche nell’Art Déco, nell’Art Nouveau, così come nella cultura asiatica, nel cinema e nei libri. I progetti sperimentali ti costringono a Binic, design Ionna Vautrin, Foscarini, 2010. Ispirata alle maniche a vento delle barche, la lampada da tavolo prende il nome da un faro situato sulla costa bretone. Realizzata in Abs e policarbonato, produce una luce circoscritta sul piano. Binic, design by Ionna Vautrin, Foscarini, 2010. Inspired by the windsocks on boats, this table lamp is named after a lighthouse located on the Brittany coast. Made of ABS and polycarbonate, it projects a well-defined light on the nearby surface. PHOTO FELIPE RIBON Zoo, Kvadrat, 2012. Standing a metre tall, the cuddly toys in the Zoo range pick up on various tones in the textile Hallingdal 65, made by this Danish company. A toucan, a panda and a whale are the animals depicted by adding pieces of textile to create a sort of mask over the padded body. Subito dopo la laurea, Ionna si è dedicata al design in diversi ambiti, lavorando presso aziende e studi di progettazione tra Spagna, Italia e Francia. Contemporaneamente ha sviluppato alcuni progetti con alcuni editori tra cui Industreal, ToolsGalerie, Wallpaper e, più di recente, con Foscarini, Moustache e superette. Nel gennaio 2011 Ionna ha aperto il suo studio, dopo essere stata premiata ai Grands Prix de la Création de la Ville de Paris. Following graduation, Ionna focused on design in a variety of environments, working for studios in Spain, Italy and France. In parallel, she developed several projects for well-known design names such as Industreal, ToolsGalerie, Wallpaper and, more recently, Foscarini, Moustache and super-ette. Ionna opened her own studio in January 2011, after receiving an award at the Grands Prix de la Création de la Ville de Paris. ESPERIENZE EXPERIENCE PHOTO ANGELA MOORE Zoo, Kvadrat, 2012. Alti un metro, i pupazzi della serie Zoo utilizzano diverse tonalità del tessuto Hallingdal 65, prodotto dall’azienda danese. Un tucano, un panda e una balena sono i tipi di animali connotati sovrapponendo ritagli di stoffa, che creano una sorta di maschera applicata al corpo imbottito. NATA A/BORN IN: HENNEBONT (F) NEL/IN: 1979 CORSO/COURSE: INDUSTRIAL DESIGN (1997-2002) ‘witch’s eye’ – in French), conceived as a tabletop sculpture. Right: Ô, Moustache, 2011. This collection comprises glazed ceramic vase, jug and fruit bowl, all with an O-shaped opening pointing upwards, like a mouth singing to the skies. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 53 FOCUS ON GUILLAUME DELVIGNE NATO A/BORN IN: ST NAZAIRE (F) NEL/IN: 1979 SCUOLA/SCHOOL: L’ÉCOLE DE DESIGN NANTES ATLANTIQUE (F) CORSO/COURSE: PRODUCT DESIGN (1997-2002) Panier percé, design Guillaume Delvigne & Ionna Vautrin, Industreal, 2005. La ciotola è realizzata in porcellana smaltata, forata come una tela da ricamo. Il kit comprende matassine in lana di vari colori, ago e istruzioni per eseguire il decoro. Vincitore ai Grands Prix de la Création de la Ville de Paris, Guillaume Delvigne ha aperto il suo studio a Parigi nel 2011 e ha realizzato, nello stesso anno, la sua prima mostra monografica alla ToolsGalerie. Alle sue spalle, dal 2004 al 2010, vanta numerose collaborazioni con studi di progettazione: Radi Designers, Delo Lindo, Marc Newson, Eliumstudio e Cédric Ragot. In parallelo, Guillaume sviluppa prodotti e proposte per editori e imprese, tra cui Tefal, Fly, La Redoute, Ricard, Industreal, Oxyo, Specimen. After winning an award at the Grands Prix de la Création de la Ville de Paris, Guillaume Delvigne opened his own studio in Paris in 2011. He also staged his first one-man show, at ToolsGalerie, this same year. Between 2004 and 2010 he accrued experience at many studios, such as Radi Designers, Delo Lindo, Marc Newson, Eliumstudio and Cédric Ragot. Parallel to this he also developed products and ideas for design labels and companies, including Tefal, Fly, La Redoute, Ricard, Industreal, Oxyo and Specimen. Forêt illuminée, design Ionna Vautrin, super-ette, 2011. Due ‘tronchi’ in faggio sorreggono il paralume in Tyvek® evocando una ‘foresta luminosa’, come indica anche il nome. Sotto, Musette, De Vorm, 2012. Per la coppia di tavolini, Ionna si è ispirata a quelli usati in Oriente per la cerimonia del tè: il piano è un ampio vassoio staccabile e la base cava funge da portaoggetti. Forêt illuminée, design by Ionna Vautrin, super-ette, 2011. Two beech ‘trunks’ support a Tyvek® shade, creating the effect of a ‘shining forest’, as also indicated by the light’s name. Below: Musette, De Vorm, 2012. Ionna turned to Oriental tea ceremony tables in inspiration for this pair: the top is a removable broad flat surface while the hollow base acts as a storage compartment. 54 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 the years I have found my own vocabulary as a halfFrench half-Spanish designer. I see design as an asset that can make people feel happy, especially in our current times. However, economics also influence the product’s final form, material, production process and price. My objects are a mix of clear simple lines, honest shapes, cheerful colours and appealing materials. I strive to create items telling a story, to be interpreted and ‘adopted’. My inspiration often comes from everyday things, and I’m attracted by Art Déco, Art Nouveau, Asian culture, movies, books. Experimental work forces you to look beyond. Staying alert to new technology and materials is essential as it guides design to evolve.” © RIPRODUZIONE RISERVATA Come si svolge, nel tuo paese, la pratica professionale del design? Nel mio caso ho frequentato il corso di laurea quinquennale sul design di prodotto a L’École de Design Nantes Atlantique, con periodi di stage e soggiorno all’estero. Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? A Milano, nello studio di George J. Sowden, co-fondatore di Memphis Group. Ho fatto parte della sua équipe per due anni. Qual è la relazione tra lo studio e la pratica professionale? È fondamentale fare delle esperienze all’interno di aziende anche durante la formazione, è l’unico modo per cominciare a comprendere la realtà. In tal senso, la scuola che ho frequentato aiuta gli studenti a essere versatili. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di esprimere la cultura locale? Penso che ci stiamo tutti dirigendo verso un linguaggio universale, dovuto alla globalizzazione e a internet. In ogni caso, alcune piccole differenze sono evidenti da un paese all’altro, e lo apprezzo. Mi auguro che questa caratteristica rimanga. Quale pensi sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? Credo che dovremmo cercare di dare più identità e significato ai prodotti che progettiamo, per fornire opportunità migliori alle aziende, in ogni paese. Il design potrebbe essere un fattore chiave nella sopravvivenza di un’azienda. Nel tuo lavoro, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali? Qualche anno fa ho fatto delle ricerche con la prototipazione rapida e ora la uso abbastanza spesso. Questa tecnologia è sempre più diffusa e le sue potenzialità per applicazioni future sono interessanti. È un settore che ritengo si espanderà ulteriormente nel prossimo futuro. PHOTO ILVIO GALLO ESPERIENZE EXPERIENCE Panier Percé, design by Guillaume Delvigne & Ionna Vautrin, Industreal, 2005. This dish is made of glazed porcelain and perforated like classic embroidery cloth. The kit includes skeins of wool in various colours, a needle and decoration instructions. Arsène, Guillaume Delvigne & Vincent Eschalier, Fly, 2011. La sedia è il primo elemento di arredo realizzato da Guillaume Delvigne per la grande distribuzione: è realizzata in legno laccato, con un tavolo coordinato, prodotta dai grandi magazzini Fly. Arsène, Guillaume Delvigne & Vincent Eschalier, Fly, 2011. This chair is the first piece of furniture created by Guillaume Delvigne for mass production. Made of lacquered wood and offering a matching table, it is sold by the Fly department stores. Luglio-Agosto | July-August 2012 PHOTO BAPTI STE HELLER ©BAPTISTE HELLER PHOTO FELIPE RIBON FOCUS ON Ottagono 55 FOCUS ON FOCUS ON Chapeaux pour Vase, Guillaume Delvigne, Industreal, 2004. This collection of vases was designed for the exhibition ‘In Dust We Trust’ by Industreal at the Salone del Mobile, 2004. Each piece is made of porcelain and glass: the texture on the upper part is the fruit of rapid prototyping. PHOTO ILVIO GALLO Chapeaux pour vase, Guillaume Delvigne, Industreal, 2004. La serie di vasi è stata disegnata per la mostra ‘In dust we trust’ di Industreal, Salone del Mobile 2004. Ogni pezzo è prodotto in porcellana e vetro: la texture della parte superiore è frutto della prototipazione rapida. O10, design Guillaume Delvigne, Specimen Editions, 2010. Creata per la prima mostra del marchio ai Designer’s Days di Parigi, la lampada è composta da un supporto in betulla tagliato a laser e laccato. A destra, Climax, design Guillaume Delvigne & Elise Lefebvre, 2012. Il prototipo gioca con i ‘limiti’ della materia nella realizzazione di un vaso e un portafrutta in grès nero e pasta di porcellana bianca. O10, designed by Guillaume Delvigne, Specimen Editions, 2010. Created for the label’s debut exhibition at Designer’s Days in Paris, the lamp features a laser-cut lacquered birch support arm. Right: Climax, by Guillaume Delvigne & Elise Lefebvre, 2012. This prototype explores the ‘limits’ of matter in creating a vase and fruit dish out of black porcelain stone and white paste porcelain. PHOTO BAPTISTE HELLER PHOTO GABRIEL DE VIENNE • How do you become a professional designer in your country? I personally did a five-year Product Design degree at L’École de design Nantes Atlantique, which included placements and periods abroad. What was your first professional job? It was in Milan, with George J. Sowden, one of the Memphis co-founders. I worked on his team for two years. What’s the relationship between study and professional practice? It’s essential to do some professional training during your studies – it’s the only way to start to understand the real world. The school I attended is quite good at educating designers to be versatile. Do you speak a global language or is your work the expression of local culture? I think we’re all going more in the direction of a global language than the expression of local culture, because of globalization and internet. However, slight variations can be perceived from country to country and I like that. I hope this remains. What role do you think design will play in the near future? I think we should try to give more identity and sense to the products we design, to provide companies, in every country, with better opportunities. Design could be a key to company survival. Has your work allowed you to explore new materials and technology? A few years ago I did some research using rapid prototyping technology and now I use it quite often. It’s becoming more widespread and its scope for future applications is interesting; I think it will expand further in the near future. © RIPRODUZIONE RISERVATA CENTRAL SAINT MARTINS COLLEGE OF ART AND DESIGN STINSENSQUEEZE (STSQ) L’università delle arti di Londra è riconosciuta a livello internazionale come una delle principali istituzioni per l’apprendimento, la pratica, la ricerca e l’innovazione nei campi dell’arte, del design, della comunicazione, in moda e performance. Le relazioni stabilite con oltre 90 università di 30 peasi rafforzano gli scambi formativi e culturali e lo sviluppo di collaborazioni a livello mondiale. Il college è costituito da 5 unità accademiche: Byam Shaw School of Art, Drama Centre London, School of Art, School of Fashion and Textile Design, School of Graphic and Industrial Design e i corsi comprendono programmi di livello BA e MA./This London university of the arts is renowned worldwide as one of the leading institutions for study, training research and innovation in the fields of art, design, communication, fashion and performance. The contacts established with over 90 other universities in 30 different countries further strengthen educational and cultural exchange as well as the development of international partnerships. The college comprises 5 academic units – Byam Shaw School of Art, Drama Centre London, School of Art, School of Fashion and Textile Design, School of Graphic and Industrial Design – while study programmes include both BA and MA degrees. www.csm.arts.ac.uk LOUISE NAUNTON MORGAN NATO A/BORN IN: LONDON (UK) NEL/IN: 1985 CORSO/COURSE: BA GRAPHIC DESIGN (2006-2009) STINA GROMARK NATO A/BORN IN: LUND (S) NEL/IN: 1982 CORSO/COURSE: BA GRAPHIC DESIGN (2006-2009) Stinsensqueeze ha preso parte a numerose mostre ed eventi realizzando originali progetti grafici. Lo studio ha inoltre partecipato a concorsi internazionali e ricevuto riconoscimenti e menzioni. I lavori spaziano dallo studio e interpretazione del linguaggio all’ideazione della grafica e del materiale informativo di mostre, libri, fino all’art direction e al disegno dell’identità di brand./Stinsensqueeze has contributed original graphics projects to numerous exhibitions and events. The studio has also taken part in international competitions, receiving various awards and special mentions. Its work ranges from the study and interpretation of language to the creation of graphics and information material for shows and books, through to art direction and designing brand identity. ESPERIENZE EXPERIENCE Il progetto di comunicazione grafica per la mostra Composite, che ha riunito nel tema dell’evento sei designer di differenti discipline, ha riguardato sia la parte relativa alla segnaletica sia quella dei materiali stampati. Sopra il typeface disegnato appositamente e a sinistra la locandina. The graphic communication project for the exhibition Composite, which brought together a team of six designers from different disciplines. The project gravitated on indicating directions and on printed material. Above: the specially designed typeface and, left, the poster. Aperto a giugno 2012 lo studio Stinsensqueeze (STSQ) di Stina Gromark (ST) e Louise Naunton Morgan (SQ), pone come punti cardine il rapporto fra l’uomo e le tecnologie, le interazioni fra le discipline e un’onestà produttiva che dà spazio a una irrazionalità senza vincoli. Dopo il corso alla Central Saint Martins, Louise ha avviato con altri due laureati la Hato Press, una casa editrice e tipografia, e ha anche lavorato freelance. Queste due attività si sono alimentate a vicenda e hanno aperto all’espansione. Per lei, il passaggio fra lo studio e l’ambito professionale è stato intenso e comprendeva aspetti nuovi, come la gestione della propria attività. Stina invece, poco dopo la laurea alla Central Saint Martins, ha lavorato a Londra con gli specialisti di tipografia Studio Firth, un’esperienza che ha portato nuove sfide, quali il rapporto con il cliente e la creazione di stili di carattere. Poi ha frequentato la Royal College of Art di Londra, per potere investire in STSQ: il portfolio di Stinsensqueeze è stato costruito negli ultimi sei mesi, con lavori internazionali, in Svezia, Parigi e Londra in particolare. ST e SQ condividono un interesse per i linguaggi e le traduzioni, caratteristica che Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 57 FOCUS ON FOCUS ON The human printer. Seguendo lo stesso procedimento della stampa digitale, la stampante umana produce immagini uniche, realizzate a mano. Nel processo di stampa l’uomo assume il ruolo della macchina, ma deve seguire il modello CMYK creato sul computer. spesso appare nei loro lavori personali, dove domina il linguaggio globale delle nuove tecnologie, nello specifico l’interazione fra uomo e tecnologie e fra organico e inorganico. Stinsensqueeze sviluppa il progetto in ogni sua fase, dall’idea alla produzione e predilige l’esplorazione di ogni possibile strada; organizza tra l’altro i servizi fotografici, la fabbricazione degli attrezzi di scena, il budget economico. L’obiettivo di ST e SQ è di strutturare un sistema che possa aiutare a sperimentare e osservare il mondo circostante, per potere produrre esempi di design innovativi e stimolanti. • The Stinsensqueeze (STSQ) design studio was launched in June 2012 by Stina Gromark (ST) and Louise Naunton 58 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Morgan (SQ). Its cornerstones include the human/technology relationship, cross-discipline collaboration, and production honesty with space for the irrational without limitations. Following graduation at Central Saint Martins, Louise set up Hato Press, a printing and publishing house, with two fellow graduates. She also worked freelance, and the two activities fed each other, opening doors to expansion. The college-to-profession transition was intense and included new aspects such as the fundamentals of running a business. Stina went to work for the London-based Studio Frith typography specialists upon graduating from Central Saint Martins, which meant new challenges such as client relationships and professional typeface creation. Disegno dell’identità di brand e art direction del marchio di abbigliamento maschile Common. L’identità è costruita rendendo ’non comuni’ oggetti che in Svezia appartengono al quotidiano; il logo sviluppa il typeface Tratex, usato per la segnaletica stradale locale. Design for the brand identity and art direction of the men’s apparel label Common. The identity is built by making items belonging to everyday life in Sweden ‘not common’. The logo develops the Tratex typeface, used in local road signs. Sound-word index. Il progetto è un’investigazione nel linguaggio dei messaggi istantanei per potere tradurre nelle conversazioni digitali scritte il suono della voce il ritmo e le emozioni, e quindi trasmetterli ‘oltre lo schermo’. Sound-Word Index. This project investigates the language of instant messaging in order to convey to written digital conversation the sound of the voice, rhythm and emotions, and so transmit these ‘beyond the screen’. The human printer. Following the same process as in the digital method, the human printer generates unique handmade images. Man plays the role of the machine in this printing process, but has to respect the CMYK colour model created on the computer. She then applied to the Royal College of Art, so she could invest in STSQ: the Stinsensqueeze portfolio has been built up over the last 6 months, working internationally, in Sweden, Paris and London in particular. The pair have an interest in language and translation, which often features in their personal work, where the global language of new technology dominates – in interaction between humans and technology, the organic and inorganic. Taking projects from conception to production, Stinsensqueeze like to consider every avenue in a project, organizing photo shoots, prop construction, budgets etc. They aim to establish an organised system to help them experiment and observe the world around them, producing innovative and challenging design. © RIPRODUZIONE RISERVATA Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 59 FOCUS ON FOCUS ON ELENI DOMPROGIANNI FACULTY OF ART AND DESIGN, TECHNOLOGICAL EDUCATIONAL INSTITUTE (TEI) OF ATHENS Fondato nel 1983, l’istituto TEI per la formazione accademica, è organizzato in 5 facoltà e 36 dipartimenti e conta oggi 35 000 studenti. La facoltà di Art and Design è dedicata ai campi delle arti applicate che riguardano comunicazione e cultura e comprende i 5 dipartimenti di Interior Architecture and Design, Graphic Design, Photography and Audiovisual Arts, Printing Technology e Artworks Conservation. Gli studi includono programmi di livello BA e master in multimedia e conservazione delle opere d’arte. La facoltà collabora con università ed enti europei, e svolge attività di ricerca nell’ambito della sostenibilità e innovazione del design di prodotto. Founded in 1983, TEI is a college structured with 5 faculties and 36 departments, and today counts 35,000 students. The Faculty of Art and Design, focusing on the applied arts in communication and culture, comprises 5 departments: Interior Architecture and Design, Graphic Design, Photography and Audiovisual Arts, Printing Technology, and Artworks Conservation. The study options include several BA and Master’s degree programmes. The Faculty has partnerships with European universities and institutes, and carries out research into sustainability and innovation regarding product design. www.teiath.gr/?lang=en Birth, 0,38m x 0,35m, è il risultato di un processo di decostruzione a partire da un motivo simmetrico. Il tema decorativo è utilizzabile su tessuto o su vetro o ancora per effetti d’illuminazione 3D. Facendo emergere alcune parti e ricavando dei fori da altre, è possibile creare proiezioni e ombre ‘artistiche’. Birth, 0.38m x 0.35m, is the result of a deconstruction process setting out from a symmetrical pattern. This decorative element may be used on textiles or glass or even for 3D lighting effects. By raising some parts and sinking others, ‘artistic’ shadows and projections may be created. 60 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 NATA A/BORN IN: MEGARA (GR) NEL/IN: 1990 CORSO/COURSE: BA IN INTERIOR ARCHITETURE, DECORATIVE ARTS AND DESIGN (2008-2012) Ha preso parte a innumerevoli concorsi, in ambito nazionale e internazionale, con progetti di grafica, design di arredi e interni conseguendo riconoscimenti importanti. La sua attività si estende anche alla partecipazione a mostre ed eventi culturali. Attualmente lavora per l’agenzia creativa Katart-e, con sedi a Megara e Salonicco, e si occupa di web service, grafica, design e marketing. /She has submitted graphics, furniture and interior design projects in countless national and international competitions, winning prominent recognitions and awards. Her repertoire also takes her to participate in exhibitions and cultural events. She currently works for the creativity agency Katart-e, with offices in Megara and Thessaloniki, and specializes in web services, graphics, design and marketing. ESPERIENZE EXPERIENCE Che cos’è il design per te? È la comunicazione tramite i sensi, un dialogo fra le emozioni e le esigenze umane. Quale è stato il tuo primo lavoro professionale e come è nata tale opportunità? Ho partecipato a un concorso per progettare oggetti di arredo e un’azienda mi ha chiesto di sviluppare il pezzo che è risultato vincente. La proposta mi ha portato a ragionare da professionista. Qual è la relazione tra lo studio e la pratica del lavoro? La differenza primaria consiste nell’esperienza. Entrambi gli ambiti offrono la soddisfazione della creatività ma presentano dei limiti diversi. L’aspetto più complesso in questo passaggio è capire ed elaborare questi limiti che generano il divario fra teoria e pratica. Senti di potere parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura locale? Viaggiare all’estero mi ha fatto capire che la gente possiede un linguaggio globale: le esigenze quotidiane sono condivise da ogni cultura. Il design deve contribuire, e già lo fa, a migliorare il modo in cui viviamo; anch’io inseguo questo obiettivo. Quindi direi che la mia comunicazione esprime una visione più ampia, di una cultura internazionale che ha comunque le sue origini nell’Antica Grecia. Quale pensi sarà il ruolo del progetto nel prossimo futuro? Spesso il design può essere applicato per risolvere delle problematiche che al primo sguardo sembrano non risiedere nel mondo del design. Credo che questo ruolo diventerà sempre più evidente e gli aspetti pratici stimoleranno ulteriormente i contenuti creativi, aumentando il valore estetico dei prodotti. C’è un motto in cui ti riconosci? Hai le matite e i colori… ora disegna un paradiso da abitare! • What is design for you? Design is communication through the senses, a dialogue between feelings and human needs. What was your first professional job? How did it come about? I took part in a furniture de- 3443 è il progetto presentato al concorso per giovani designer ‘Loving Outdoors’, organizzato da Kormos Technical Editions nel contesto di Sun&Shadow Expo 2010 ad Atene. La struttura per esterni che si ispira nel disegno alla spirale di Archimede, racchiude le proposte di una seduta, un tavolo, la predisposizine per offrire ombra e i requisiti di agevole spostamento e stoccaggio richiesti dal bando. La base è suddivisa in 4 porzioni e sostenuta da 4 supporti in metallo; i 3 sistemi di seduta con tavoli si compongono di 3 sedie, caratteristiche che spiegano il nome 3443. 3443 was presented at the young designers’ competition ‘Loving Outdoors’, organized by Kormos Technical Editions within the context of the Sun&Shadow Expo 2010 in Athens. The outdoor structure is inspired in form by the Archimedean spiral and incorporates seating, tables and shade elements. It also satisfies the brief requisites of being easy to move and store. The base is divided into 4 portions and supported by 4 metal parts. 3 seating units with tables make up 3 of the sections – a feature explaining its name ‘3443’. Dida ita Dida ing ‘A smart gadget for absent minded people’. Un foglio di carta A4, piegabile come un origami, diventa un utile supporto per tenere sott’occhio e a portata di mano gli oggetti quotidiani che abitualmente si dimenticano, come occhiali, penne e appunti. ‘A smart gadget for absentminded people’. An A4 sheet of paper folded origami-style becomes a useful device for keeping within reach and within view everyday items that are often mislaid, such as reading glasses, pens and notes. sign competition and was asked by a company to develop the winning piece. Here I had to think in professional terms. What’s the relationship between study and professional practice? Experience is the essential difference. They both offer the satisfaction of creativity but have different limits. The hard part in the transition is to understand and elaborate these limits creating the gap between theory and practice. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture? Travelling abroad has shown me that people have a global language: everyday human needs are common to every culture. Design should and does contribute to improving the way we live, and I strive for this. So I’d say I speak a global language, expressing a broader view of an international culture with ancient Greek origins. What role do you think design will play in the near future? Design is often used to solve problems that do not seem to be within design’s realm at first glance. I believe this role will become more pronounced, with practical needs further stimulating design imagination and adding interesting aesthetic aspects to products. Do you have a motto? You have the pencils and colours…design a paradise to live in! © RIPRODUZIONE RISERVATA Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 61 TESTATINA L’École supérieure de design, d’art graphique et d’architecture intérieure, Esag forma figure professionali in ambito creativo. L’istituto privato, registrato presso il ministero dell’Istruzione nazionale e della ricerca, fornisce due diplomi di livello master, per direttore artistico in arte grafica e design numerico e per architetto d’interni-designer, riconosciuto dall’ordine francese degli architetti d’interni e certificato dallo Stato. Nel percorso formativo Esag si contraddistingue per la nozioni di rigore e autodisciplina. La scuola favorisce gli scambi e i contatti internazionali. L’École supérieure de design, d’art graphique et d’architecture intérieure – trains students to become professionals in the creative field. A private college registered with the French Ministry of Education and Research, it offers two MA study programmes: art director in graphic arts and numerical design, and interior architecture/design. Its qualifications are recognized by CFAI (the French council of interior designers) and certified by the state. The ESAG training stands out for its accent on precision and self-discipline. The school encourages international contacts and exchanges. www.penninghen.fr NATO A/BORN IN: METZ (F) NEL/IN: 1970 CORSO/COURSE: INTERIOR ARCHITECTURE AND DESIGN (1996) La collaborazione con Christian Liaigre (1996-1998) e in seguito con Philippe Starck (1998-2002) segnano l’inizio della sua carriera professionale. Nel 2002, Auer crea Izeu, la propria agenzia di design, con sede a Parigi, che comprende un team multidisciplinare e si avvale della consulenza professionale di professionisti e maestri artigiani esterni. I suoi progetti riguardano residenze private, hotel, negozi realizzati per committenti In Europa, Asia e America. Oltre al tema dell’architettura di interni, Auer ha partecipato a mostre ed eventi, e si occupa di design degli arredi. His collaborations with Christian Liaigre (1996-1998) and later with Philippe Starck (1998-2002) mark the start of his professional career. In 2002 Auer set up Izeu, his own design agency, with premises in Paris. Its multi-disciplinary team can also rely on the expertise of external consultants and skilled artisans. His projects encompass private homes, hotels and stores designed for clients in Europe, Asia and America. Besides his activity in interior architecture and furniture design, Auer has also taken part in various exhibitions and events. © FRÉDÉRIC DE GASQUET “Fare l’architetto d’interni non può essere solo un lavoro; ha alle basi il talento naturale che poi evolve in passione. Nel mio caso questo concetto è lo stimolo costante, ventiquattro ore al giorno. Ho avuto l’occasione di studiare in tre ‘scuole’ diverse prima di mettermi in proprio: ero studente a Esag Penninghen, e ho collaborato con Christian Liaigre e Philippe Starck. Tutto è passato velocemente e in modo facile. Comunque, credo di avere semplicemente afferrato le opportunità che la vita mi ha offerto. La mia formazione mi ha permesso di concentrare le forze in diversi campi: il metodo lavorativo, la psicologia, la perseveranza e la curiosità senza limiti. Applicare questi principi mi ha fatto maturare delle esperienze utili. L’elemento della creatività rappresenta il 15% in un progetto ben riuscito. Quest’idea può essere frustrante ma ho capito che il valore definitivo di un progetto ha le sue radici nei processi che portano al prodotto finale, per cui mi impegno totalmente in ogni fase. Attualmente sviluppo dei progetti ‘haute couture’, che sono fatti su misura per ogni cliente. Nulla è standardizzato, globale o locale. La sparizione graduale della classe media rinforzerà due mercati: quello del design industriale e quello dei mobili ‘edizione limitata’ per una clientela esclusiva. Questo significa, da un certo punto di vista, che avremo perso 50 anni di progresso sociale. Il mio lavoro sonda la direzione dell’innovazione sia per il disegno sia per i materiali. Le cose più interessanti non succedono mai dove te le aspetteresti; sapere questo ti lascia aperte innumerevoli porte all’esplorazione”. • “Being an interior designer cannot be merely a job: it starts first as a natural talent, which then evolves into a passion. Personally, this credo is my perpetual drive, 24 hours a day. I had the chance to study at three different ‘schools’ before branching out with my own clients: I was a student at ESAG Penninghen, but I also worked for Christian Liaigre and Philippe Starck. Everything went very quickly and smoothly. However, I feel that I have only seized the opportunities that life has offered me. My studies and training have enabled me to acquire strength in various fields – work method, psychology, perseverance and boundless curiosity – and I have accrued my experience by applying these principles. The creativity ingredient stands at 15% in a successful project. This concept may be frustrating but I understand that a project’s end value is rooted essentially in the processes leading to the result and therefore I involve myself entirely in each phase. I currently develop ‘haute couture’ projects – ideas that are tailored to each of my clients. Nothing is standard, global or local. The gradual disappearance of the middle class will reinforce two markets: industrial design and ‘limited edition art furniture’ for an elite clientele. On a certain level, this means we will have lost 50 years of social progress. The direction my work takes is that of innovation, both in terms of drawing and materials. Knowing that the most interesting things never happen exactly where you expect leaves an infinite number of doors open for exploration.” © RIPRODUZIONE RISERVATA © FRÉDÉRIC DE GASQUET © FRÉDÉRIC DE GASQUET ESPERIENZE EXPERIENCE Esposizione ‘L’art de vivre avec l’art’ a Intérieurs 2011. Auer progetta una cucina con uno sguardo artistico, per rivelarne l’aspetto poetico piuttosto che quello funzionale tradizionale. Per l’allestimento disegna arredi scultorei, a sinistra e in basso, che nel pregio dei materiali accentuano l’effetto decorativo. The exhibition ‘L’Art de Vivre avec l’Art’ at Intérieurs 2011. Auer has designed a kitchen with an artistic slant, to highlight the room’s poetic rather than functional and traditional nature. For this design he conceived sculpture-like furnishings (left, and below) that emphasize the decorative aspect through fine materials. 62 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 © FRÉDÉRIC DE GASQUET TRISTAN AUER ESAG PENNINGHEN - ECOLE SUPÉRIEURE DE DESIGN, D’ART GRAPHIQUE ET D’ARCHITECTURE INTÉRIEURE, PARIS © FRÉDÉRIC DE GASQUET FOCUS ON Cucina nell’appartamento a Ile Saint Louis, nel cuore di Parigi (2008). Progetto per l’architettura degli interni e l’arredo di uno spazio di 250 m2. In alto, Hôtel 5* La Sivolière a Courchevel 1850, Francia (2009-2010). L’architetto ha realizzato il design degli interni e la creazione degli arredi con un approccio che unisce il rispetto della tradizione locale alla modernità, intesa come ricerca del comfort. Nello studio di ristrutturazione Auer ha proposto l’integrazione con la natura anche attraverso l’utilizzo dei materiali, come il legno. The kitchen to an Ile Saint Louis flat, in the heart of Paris (2008). An interior design and furnishing project involving a 250 m2 space. Above: the 5-star hotel La Sivolière at Courchevel 1850, France (2009-2010). The architect designed the interiors and furnishings drawing on an approach combining respect for local tradition with modernity, in the sense of supreme comfort. Auer’s renovation project features great integration with nature, also through the choice of materials, such as wood. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 63 FOCUS ON LEE MEI YAN HONG KONG DESIGN INSTITUTE (HKDI) HKDI, istituto per la formazione nel campo del design, si pone l’obiettivo di preparare nuovi talenti per l’industria creativa in evoluzione. L’impegno è di stimolare il pensiero critico, la sensibilità culturale, la responsabilità sociale attraverso una prospettiva internazionale. HKDI è ripartito nei 4 dipartimenti: Design Foundation Studies (DFS), Communication Design and Digital Media (CDM), Fashion and Image Design (FID), Product and Interior Design (PID). L’istituto offre programmi di studi di livello BA con atenei stranieri, quali Birmingham City University, Nottingham Trent University, and University of the Arts London. HKDI aims to train new talent to join the evolving creative industry as professionals. It is committed to stimulating analytic thinking, cultural sensitivity and social responsibility from an international standpoint. HKDI is divided up into 4 departments: Design Foundation Studies (DFS), Communication Design and Digital Media (CDM), Fashion and Image Design (FID), Product and Interior Design (PID). The institute offers BA-level study programmes involving partnerships with schools abroad, such as Birmingham City University, Nottingham Trent University, and University of the Arts London. www.hkdi.edu.hk NATA A/BORN IN: HONG KONG (CN) NEL/IN: 1989 CORSO/COURSE: BA IN GRAPHIC INFORMATION DESIGN (2010) La sua attività professionale inizia nel 2007 per committenti dislocati in America, UK, Francia, Belgio oltre che a Hong Kong e Shanghai. Nel 2010 apre il proprio My Jane Studio di arte e design. Le sue competenze che riguardano il fumetto, l’illustrazione e il design le hanno già procurato riconoscimenti internazionali. Ha partecipato a mostre collettive e i suoi lavori sono pubblicati da editori francesi e cinesi. She began her professional career in 2007, with customers based all over the world, in America, UK, France and Belgium, as well as in Hong Kong and Shanghai. She opened her own art and design office, My Jane Studio, in 2010. Her skills in illustration, comics and design have already brought her international recognition. She has taken part in various collective exhibitions and her works have been published by French and Chinese editors. ESPERIENZE EXPERIENCE Quale è stato il tuo primo lavoro professionale? Come è nata tale opportunità? Ho cominciato come designer freelance nel 2007. Il mio primo lavoro è stato con un’azienda inglese, che ha commercializzato i miei poster. Mi piace condividere i miei disegni in internet da quando ero studente. La società li ha visti e mi ha contatto per stamparli e venderli in Europa. Qual è la relazione tra lo studio e la pratica professionale? La mia laurea in Graphic Information Design mi ha fornito una varietà di competenze con cui è stato possibile effettuare sperimentazioni in design e creatività; ho trasferito al mio lavoro professionale questo aspetto importante. Nel tuo lavoro quale è il peso tra creatività e management? Faccio i lavori amministrativi di mattina e poi mi dedico all’aspetto creativo. In termini di tempo, la divisione My jane Collection. Il disegno Black Wonderland riprodotto sulla borsa da shopping e realizzato da Lee Mei Yan con Gizem Vural rappresenta il loro sogno del paese delle meraviglie, 2012. A destra, la rivista a fumetti L’épisode pubblicata da Na Edition, France, 2010. My jane Collection. The Black Wonderland drawing printed on a shopping bag. Created by Lee Mei Yan with Gizem Vural, it shows their idea of wonderland, 2012. Right: the comic strip magazine L’épisode published by Na Edition, France, 2010. 64 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 Da sinistra, poster Comic City. Il tema dell’llusione della designer riguardo alla città. A destra, La vie est belle, copertina della rivista Modern Spleen, Na Edition, France, 2009. I colori raccontano l’invito a una visione positiva e serena della vita. From left: the poster Comic City. This explores the theme of the designer’s illusion of the metropolis. Right: La Vie est Belle, cover to the magazine Modern Spleen, Na Edition, France, 2009. The colours illustrate the invitation to a positive and calm view of life. Nell’illustrazione 3d Comic City, gli elementi del disegno, edifici, scale e ambienti ‘intricati’, tutti in stretta connessione, si ispirano a Hong Kong. L’immaginazione è libera per tracciare superfici, spazi, prospettive diverse, capaci di raccontare molte storie e suggerire altre ‘strade’ possibili. Hong Kong is the inspiration to the design elements, buildings, staircases and ‘entwined’ settings – all interconnected – in the 3D Comic City illustration. The onlooker’s imagination is free to explore different surfaces, spaces and perspectives, narrating countless stories and indicating other possible ‘routes’. Dida ita Dida ing è 50-50; entrambi aspetti sono importanti. Senti di poter parlare un linguaggio globale o ritieni piuttosto di essere espressione di una cultura locale? L’ispirazione delle mie illustrazioni è il mio contesto locale di Hong Kong, con i suoi palazzi alti e fitti. Mi rivolgo ai fumetti per il linguaggio visuale. I miei disegni offrono una narrativa in ogni angolo, per stimolare l’immaginazione. Quale pensi sarà il ruolo del design nel prossimo futuro? Sarà molto presente nei social media di internet, nel web design e nella progettazione inter-aziendale. La richiesta di design in generale sarà maggiore in futuro. Nel tuo lavoro professionale, hai avuto modo di sperimentare nuove tecnologie e materiali? Sì, ho lavorato con artisti e designer che mi hanno dato l’opportunità di esplorare alcune tecnologie nuove di design, come la projection mapping e l’animazione in 3d. Attualmente indago vari materiali del design sperimentale. • What was your first professional job? How did it come about? I started freelance in design in 2007. My first job was with a UK company, which sold my posters. Even as a student I liked to share my drawings on the internet; this company saw them and asked to print and sell them in Europe. What’s the relationship between study and professional practice? The Graphic Information Design course I attended taught me a variety of skills. This allowed me to experiment with design and creativity – an approach I’ve taken to my career. How do you divide your work time between creativity and management? I do the administration in the morning, then work on creativity. Timewise the division is 50-50. Both are important. Do you speak a global design language or is your work the expression of local culture? My illustrations are inspired by my local Hong Kong environment, with its buildings and settings on high. I use comics as a visual language. My drawings contain stories in every corner, to stimulate the imagination. What role do you think design will play in the near future? It will be prominent in cross-media design, internet social media, web design and cross-company design. There will be greater demand for design in general. Has your work allowed you to explore new materials and technology? Yes, I’ve worked with artists and designers enabling me to explore new design technology, such as projection mapping and 3D animation. I’m currently investigating various materials in experimental design. © RIPRODUZIONE RISERVATA Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 65 FOCUS ON RIDISEGNARE LA NORMALITÀ FOCUS ON REDESIGNING THE NORMAL Aldo Colonetti Le condizioni per progettare e produrre bene sono fondate sulla conoscenza, che risiede là dove esiste ancora il coraggio di andare oltre i limiti indicati dallo stato attuale del pensiero. Per questa ragione, abbiamo bisogno di mettere in relazione questi due mondi: il pensiero in fieri, appunto, è lo stato dell’arte del sistema produttivo che, per natura e necessità, tende a ripetere le stesse regole, una sorta di andamento inerziale. Che cosa chiediamo ai nuovi progettisti e come vorremmo che rispondesse la cultura del mercato? In primo luogo, chi progetta oggi dovrebbe avere il coraggio di trasformare la normalità in eccezionalità, ovvero esistono ancora tanti problemi, luoghi dell’esistenza quotidiana che non sono stati ancora esplorati; alcuni esempi, il rapporto tra la corporeità e la casa, la città, i trasporti e il territorio in generale. Siamo ancora troppo timidi nei riguardi dei problemi della vita di tutti i giorni, mentre mettiamo al centro della nostra attenzione il nuovo, l’inatteso, ciò che viene dall’altro, senza guardare intorno a noi stessi, e comprendere che solo dalla conoscenza dei propri limiti è possibile ripartire. È una sorta di rivoluzione copernicana: cambiare il punto di vista. In secondo luogo, chi produce oggi dovrebbe avere, nonostante il momento particolare, un’apertura sul mondo capace di individuare, veramente e concretamente, ciò di cui abbiamo bisogno come consumatori e cittadini del mondo. La sovrapproduzione non è solo il risultato di una crisi dei consumi e del potere d’acquisto; è anche il frutto di una certa cecità che nel rischio d’impresa non è in grado cogliere lo sviluppo dei desideri comuni, quotidiani, indipendentemente dal livello di reddito. È come se si fosse creata una spaccatura tra progettazione, produzione e mercato, inteso come insieme di normali cittadini del mondo. Ecco, rimettiamo insieme i ‘cocci’, e allora la nuova forma e una nuova funzione dell’oggetto saranno davanti a noi, come se fossimo contemporaneamente progettisti, produttori e, ovviamente, consumatori. Infine, come ha scritto recentemente uno dei più importanti e sensibili registi, Ermanno Olmi, a proposito del tema dell’Expo 2015, ‘nutrire il pianeta’: “Bisogna recuperare l’antica saggezza, quel che di buono ci hanno insegnato i nostri vecchi. Parlando di sobrietà, rispetto, sostenibilità, si può fare una rivoluzione. Non c’è gara tra una ricchezza fasulla e una povertà garantita: è mille volte meglio avere la consapevolezza di quel che si possiede. Oggi la natura è la nostra ricchezza: abbiamo una riserva di tempo per non sprecarla malamente. Bisogna riprendere lo spirito di quel ragazzo che a Tienanmen ha fermato con la mano alzata i carri armati: bisogna, a proposito del cibo, e non solo, imporre un cambiamento, mettendo al centro la terra, ovvero noi”. Il nostro progetto parla questo linguaggio, fondato sulla normalità e su ciò che tutti noi conosciamo, perché ci fidiamo e riconosciamo come nostro solo quel mondo, quella terra che ci appartiene. Ci fidiamo di quei prodotti che un po’ già ci appartengono. Progettare e produrre il nuovo significherà, allora, riprogettare e produrre nuovamente ciò che riconosciamo come nostro. Ecco il nuovo punto di vista. 66 Ottagono Luglio-Agosto | July-August 2012 The conditions for designing and producing well are founded on knowledge, and knowledge resides in that realm where the courage to go beyond the boundaries traced out by the current conventions of thought still exists. This is why we need to create a bridge between the two worlds, between on-going thought and the state of the art in a production system that, by nature and necessity, tends to repeat the same rules in a sort of inertia. What do we ask of our new designers and how would we like them to respond to the market culture? Firstly, today’s designers should be brave enough to convert the normal into the exceptional, in that many problematic aspects and many contexts of everyday living remain unexplored. Just some examples are the relationship between the human body and the home, the town, transportation and the local area in general. We are still too shy in tackling everyday problems. While our attention focuses on the new, the unexpected and what comes from others, we forget to look around ourselves and comprehend that it is only by exploring our own limits that we can move in the right direction. It’s a sort of Copernican revolution: changing viewpoint. Secondly, today’s manufacturers should have, despite the delicate economic period, a good perception of the world and be capable of realistically and reliably identifying what we, as consumers and inhabitants of this planet, require. Over-production is not only the result of a slump in consumption and buying power. It is also the outcome of company blindness to risk, with an inability to pick up on the evolution of common everyday desires, regardless of income level. It’s as if a sort of rift has opened up between design, production and the market, intended as a group of ordinary citizens of the world. So why don’t we put the pieces back together, to reveal a new form and a new function, as if we were designer, manufacturer and consumer all rolled into one? Lastly, as one of the most prominent and most sensitive Italian directors, Ermanno Olmi, wrote about the Expo 2015 theme ‘feeding the planet’: “We need to reacquire our old wisdom, the good things that our elders have taught us. When speaking of sobriety, respect and sustainability, there’s scope for a revolution. There’s no competition between illusory wealth and certain poverty: it’s a thousand times better to be aware of what you actually possess. Today nature is our wealth: we have a time reserve enabling us to not waste and abuse it. We need to rediscover the spirit of that young man who stopped the tanks in Tiananmen Square just by raising his hand. On the subject of food, but not that alone, we must assert change, placing the earth – which also means us – at the heart of the matter.” Our project speaks this language, founded on normality and the things that we all know, because we trust and recognize as ours only that world, that planet belonging to us. We trust products that already partially belong to us. Thus, designing and manufacturing the new will mean re-designing and re-producing those things we recognize as ours. This is the new viewpoint. Luglio-Agosto | July-August 2012 Ottagono 67