LEDscape GRAN CANAL SQUARE CERENZIA LUCE TADAO
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LEDscape GRAN CANAL SQUARE CERENZIA LUCE TADAO
ISSN 2385-0884 08-2015 12 LEARNING ARCHITECTURE & BUILDING LUCE TADAO ANDO ALBERTO CAMPO BAEZA PETER ZUMTHOR BURJ QUATAR LUCE&DISEGNO DI ARCHITETTURA LEDscape GRAN CANAL SQUARE CERENZIA LAB 2.0 MAGAZINE- ISSN 2385-0884 E’ un supplemento di dailySTORM ISSN 2421-1168 (www.dailystorm.it) Testata giornalistica iscritta al Registro della Stampa del Tribunale di Roma, autorizzazione n. 12 del 15-01-2013 lab2.0 Magazine è gestita dall’associazione culturale lab2.0 con sede in: viale Liegi, 7 – Roma, 00198 Italia www.lab2dot0.com Direttore responsabile / Editor in chief Patrizia Licata Coordinamento editoriale / Deputy editor Lorenzo Carrino Ines Cilenti Staff di redazione / Editor staff Antonio Amendola Gabriele Berti Luca Bonci Piera Bongiorni Pasquale Caliandro Veronica Carlutti Simone Censi Elvira Cerratti Andrea Filippo Certomà Francesca De Dominicis Maria Teresa Della Fera Riccardo Franchellucci Gilda Messini Lisa Patricelli Giandonato Reino Mirco Santi Tommaso Zijno Hanno collaborato / Contributions Alberto Becherini Giacomo Dati Marco Fabri Marika Carmen Iaconis Traduzioni / Translations Elisabetta Fiorucci Martina Mancini Agnese Oddi Lucrezia Parboni Arquati Maria Letizia Pazzi Martina Regis Daria Verde Grafica / Graphic & Editing Andrea Bonamore Editore Triade Edizioni Srl Contatti di redazione / Editorial Staff [email protected] Responsabilità. 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Parallelamente all’attività editoriale lab 2.0 si propone di: - Organizzare mostre, eventi e conferenze, con l’obiettivo di promuovere e stimolare l’interdisciplinarietà tra architettura e altre forme di espressione visiva quali arte, fotografia, grafica, design, cinema - Organizzare workshop e promuovere concorsi rivolti a studenti universitari e neolaureati, così da fornire uno strumento di crescita e visibilità ai giovani progettisti e creare una piattaforma a servizio della società, volta all’individuazione e all’approfondimento di tematiche di carattere architettonico e di sviluppo socio-culturale Per conoscere tutte le nostre attività visitate il sito internet www.lab2dot0.com o seguiteci sui nostri profili social: www.facebook.com/lab2dot0 www.pinterest.com/lab2dot0/ www.twitter.com/lab2dot0 Lab 2.0 is a non-profit cultural association, founded in Rome by a group of young people interested in Architecture. The aim of the association is to encourage the debate and intellectual confrontation on the territory and on the web. It has founded and manages, on behalf of DailySTORM (www.dailystorm.it), the magazine “lab 2.0 Magazine” and is in charge for its online distribution. Lab 2.0, simultaneously with its editorial activity, offers: - To organize exhibits, events, and conferences, with the objective to promote and encourage an interdisciplinary approach between architecture and other forms of visual expression like art, photography, graphics, design, cinema - To organize workshops and promote contests aimed at university students and graduates, as to supply a tool to enhance visibility and growth for young designers, and to create a platform about architectural contents for society To learn more about our activities, visit our website at www.lab2dot0.com, or follow us our social networks profiles: www.facebook.com/lab2dot0 www.pinterest.com/lab2dot0/ www.twitter.com/lab2dot0 Indice Index 4 6 10 14 20 24 28 30 32 Editoriale Editorial - di Andrea Filippo Certomà Il ruolo della luce in architettura, dalla “lezione” greca ai giorni nostri - di Simone Censi The role of light in architecture, from the greek “lecture” to our days Architetture di luce - di Piera Bongiorni Light Architecture Variazioni di luce scandiscono lo scorrere del tempo - di Giacomo Dati Variations of light marks the passage of time Spazio ed essenza del progetto: il ruolo della luce nel disegno architettonico - di Alberto Becherini Space and essence of the project: the role of the light in the architectural design Light Architecture: architetture “leggere” fatte di luci ed emozioni - di Gabriele Berti Light Architecture: “light” architectures made by lights and emotions Nuove forme di illuminazione urbana definiscono lo spazio pubblico - di Gilda Messini New forms of urban lighting characterize public space Luci alla sera dal Burj Qatar - di Lisa Patricelli Lights at the night from the Burj Qatar Dis-persi in una notte di luci - di Mirco Santi Lost in a night of lights 37 d i SE G N I 47 RACCONTI DI ITALIA - di Marco Fabri Cerenzia: storia di un’antica città - di Marika Carmen Iaconis Cerenzia: history of an ancient town Editoriale di Andrea Filippo Certomà «C’è una crepa in ogni cosa / ed è da lì che entra la luce» - Leonard Cohen Una delle citazioni più famose di Le Corbusier riguarda l’architettura e la luce. È una specie di mantra che gli ammiratori del maestro svizzero hanno fatto proprio, e i detrattori sminuiscono a “bistiche” di un pretenzioso artista. L’oggetto semantico in sé, non ha la purezza e l’incisività di un “less is more” ma vale la pena di considerarlo, non perché annunci una macroscopica rivelazione, quanto perché mette in luce (e qui il pastiche è fortuito) la posizione privilegiata dell’architettura nei confronti della luce. Senza bisogno di ricorrere ad aforismi rivelatori ogni progettista sa, che deve lavorare con la luce; ogni architetto è stato uno studente che ha disegnato un oggetto e ne ha scoperto uno differente quando illuminato. La luce è tutto? Sì, ma è una menzogna ben elaborata. Si tratta del modo più immediato di raccontare una storia, l’architettura. Come per tutte le cose semplici, l’uso porta inevitabilmente a creare delle banalità. Bisogna essere dei grandi maestri della lingua per creare racconti mirabili con le parole quotidiane. Bisogna essere grandi maestri della musica per estrarre la giusta combinazione di suoni da ogni materiale. Bisogna essere grandi maestri dell’architettura per giocare con la luce creando qualcosa di valido. Se dovessi esprimere un’idea sul fare architettura dei neofiti, direi che c’è senza alcun dubbio questo problema; è una mala dottrina ereditata da insegnanti non eccelsi che usano la luce per coprire le mancanze. Ma questa parentesi di acredine non vuole essere gratuita invettiva, quanto per ossimoro essere lo sprono a ricercare l’identità e le opere dei veri maestri della luce. Come i romani sanno bene, nel centro storico della città, ogni tre case c’è una chiesa. Le chiese sono classicamente luoghi bui e ciechi. La luce è un bene raro, l’uso è volutamente simbolico. Come già visto per tanti oggetti “materici” la luce è uno strumento. Posso azzardare e dire che la luce è lo strumento perché se è vero che l’architettura va vissuta, il senso che la percepisce al massimo livello è naturalmente la vista, ed è anche quello che si avvicina di più all’oggettiva narrazione indiretta della materia. Dosare la luce, dirigerla, e persino colorarla è una prassi diffusa finalizzata allo scopo. Sempre. La luce architettonica non è mai una ventura accidentale. Abbiamo una disciplina, l’illuminotecnica, che ci offre consigli sull’approccio. Eppure in molti non la “frequentano”, in troppi non la conoscono. Abbiamo un bagaglio di studi, analisi, esperienze, sull’approccio energetico che parlano in gran parte dell’uomo e della luce, eppure ci intestardiamo a cercare sempre l’innaturale. Sovvertire l’ordine naturale non è mai una scelta saggia. Ci fermiamo sempre inconsciamente al nostro primo approccio con la luce; e sbagliamo, perché la luce ha lati nascosti che dovremmo scoprire come se a tentoni brancolassimo nel buio. «Verrà forse un tempo in cui la luce interiore uscirà da noi, in modo che non avremo più bisogno dell’altra» - Johann Wolfgang von Goethe 4 «There is a crack in everything / that’s how the light gets in» - Leonard Cohen Editorial One of the most famous quotes by Le Corbusier is about architecture and light. His fans use it like a mantra, his detractors define it as an “affectation” of a pretentious artist. The semantic object itself has not the clearness and the incisiveness of a “less is more” but it is worth to take it into account, and not because it reveals a great truth but because it brings to light (and here there is a chance pastiche) the privileged corner of the architecture toward the light. There is no need of revealing aphorisms: all designers know that they have to work with the light; all architects were first students who have designed an object and then found out how different it was once illuminated. Is the light everything? Yes, but it is such an accurate lie. It is about the most immediate way to tell a story, the architecture. The constant use of simple concepts inevitably brings us to trivialize them, as it has always happened. It needs to be real language masters to create extraordinary stories with the everyday words. It needs to be real music masters to take out the right combination of sounds from each material. It needs to be real architecture masters to play with the light and to create something valiant. If I have to express an idea about the neophytes’ architecture, I would say that there is with no doubts this problem; it is just a bad teaching, an heritage of not-great teachers who use the light to cover up the lacks. Though, this is not invective for free. Indeed, it wants to be the spur to seek again the identity and the works of the real masters of the light. As romans know, in the city centre, after three buildings circa there is always a church. Traditionally, the churches are dark and blind places. The light is a rare good and the use is intentionally symbolic. As seen, for many material objects the light is an instrument. I would dare to say that the light is the instrument because, if it is true that the architecture must be lived, the most suitable sense to perceive it is obviously the sight, which comes also closer to an objective and indirect narration of the material. Dosing the light, pointing it and even colour it, is a common praxis with a precise aim. Always. The architectural light is never an accidental veining. We have a discipline, the illuminating engineering, which offers advices about the approach. Though, many people do not attend it, too many do not know it. We have such a background of studies, analysis, experiences on the energetic approach regarding the man and the light, and still we always seek the unnatural. Subverting the natural order is never a wise choice. We always unconsciously stop after our first approach with the light; and we make a mistake, because the light has hidden sides we should discover as if we grope in the darkness. «One day the inner light will come out from us, and we will need the other one no more» - Johann Wolfgang von Goethe 5 Il ruolo della luce in architettura, dalla “lezione” greca ai giorni nostri Testo di Simone Censi Traduzione di Maria Letizia Pazzi L a definizione che Le Corbusier dava all’architettura era quella di «Gioco sapiente, corretto e magnifico dei volumi sotto la luce». Una definizione che mette in risalto il ruolo della luce ed il suo strettissimo rapporto con i volumi, a dispetto di una concezione che vede la luce solo come elemento relegato alla creazione di effetti spaziali, molto spesso dei soli ambienti interni. Nell’architettura dell’antica Grecia, la luce viene considerata come l’elemento naturale e immodificabile che, assieme alla gravità, definisce la percezione dei volumi. Il risultato dell’organizzazione e aggregazione degli elementi non è autoreferenziale ma dipende dall’interazione che i volumi hanno con l’illuminazione naturale e con la gravità. È per questo che nell’architettura greca gli elementi vengono disposti in modo da stabilire la miglior relazione possibile con la luce e con la gravità: la percezione umana, infatti, fa si che le parti illuminate appaiano più pesanti rispetto a quelle in ombra. La concezione romana della architettura invece pone l’accento sulla questione spaziale piuttosto che su quella volumetrica, come conseguenza del fatto che un tessuto urbano serrato non permetteva quasi mai di apprezzare gli edifici nella propria interezza. Non è un caso che la contemporaneità, guardando la Roma antica, privilegi il concetto di luce come strumento per la definizione di spazialità interne: l’effetto luministico del Pantheon, in cui l’apertura conferisce un carattere sacro allo spazio interno, trova molte riproduzioni in edifici moderni come la biblioteca progettata da Luis Kahn o la chiesa progettata da Le Corbusier a Rochamp, nella quale il ricco gioco di luci è uno dei temi principali. 6 Oggi Roma viene esaltata mentre Atene viene dimenticata: nella ricerca architettonica contemporanea il ruolo della luce come strumento per la definizione dei volumi viene trascurato; perfino la stessa definizione di Le Corbusier non sembra suscitare un adeguato interesse. Mentre la concezione romana affronta il tema della luce come un problema di spazi interni, quella greca studia letteralmente il «gioco (…) dei volumi sotto la luce» ed è per questo che risulta interessante indagarla in questo testo. In Grecia, gli elementi architettonici e le loro aggregazioni seguono una logica che crea una perfetta corrispondenza con le caratteristiche dell’illuminazione naturale, anche in relazione al movimento del sole durante il giorno: le cornici degli edifici si strutturano in modo da sfruttare la luce zenitale per la costruzione del volume architettonico (con una raffinatissima attenzione per la mediazione tra profilo dell’edificio e cielo), mentre la rastremazione delle colonne serve a dare consistenza alle differenti parti degli edifici quando il sole è basso, ed è anche per questo che in costruzioni come la Stoà risulti rastremato solo il colonnato esterno, l’unico direttamente esposto al sole. Nella lezione greca la luce appare importantissima per le sue caratteristiche gerarchizzanti ovvero la capacità di porre in risalto alcuni elementi e di metterne altri in secondo piano. A questo contribuiscono tanto la luce quanto il colore che in realtà sono due elementi fortemente legati: la luce permette al colore di esistere ma la luce stessa, generando ombre, si manifesta per gli effetti cromatici che genera sui volumi. Ne risulta che nei timpani dei templi greci in genere le parti illuminate siano bianche mentre quelle in ombra colorate. Arts and architecture in connection Il rapporto tra luce, colore e peso risulta evidente anche nel progetto della Casa alle Zattere di Ignazio Gardella: si può notare come il bianco del parapetto dei balconi costituisca un elemento pesante nella composizione a cui viene contrapposto il colore scuro sia delle vetrate che dell’intonaco. Gardella rende visivamente stabile il volume dell’edificio chiudendolo in alto con una balconata bianca, che l’occhio umano interpreta come pesante. Ancora una volta il bianco va ad evidenziare un elemento sporgente mentre l’ombra provocata da questo si proietta su una tonalità scura. Il colore influenza anche la maniera con la quale la luce si riflette: Glauco Gresleri, in diversi suoi scritti sostiene che in alcuni casi una luce riflessa su di una parete bianca generi più luminosità della luce stessa. Se però la parete è colorata, anche la luce cambia colore e quando si propaga non è più del colore originale. La luce possiede anche una propria cromaticità che nel corso della giornata cambia e modifica l’aspetto degli oggetti illuminati. Richard Meier elogia il bianco perché lo considera elemento neutro che nell’arco della giornata assume differenti colorazioni in relazione all’intensità dell’illuminazione. Probabilmente, una delle cose che più cambia rispetto alla luce è il colore del mare; un colore che nei poemi omerici non viene mai definito come azzurro ma sempre attraverso metafore che ne esaltano la variabilità. Come si nota nell’architettura greca, il rapporto tra luce ed ombra è importantissimo nella gerarchizzazione dei volumi di un edificio e l’ombra è un elemento che nasconde alcune parti di una costruzione, agendo soprattutto per contrasto. Inoltre, se ci si trova in un ambiente illuminato, l’occhio non viene attratto dalle zone in ombra ma se, facendo uno sforzo, vi si volge lo sguardo, si fa fatica a scorgere cosa c’è all’interno e facendo un’analogia con le regole cinematografiche, si potrebbe dire che ciò che non si vede, non esiste per l’osservatore. E’ su questo tema che si gioca l’architettura di Mario Botta il quale, in molti progetti, evitando di porre finestre in facciata, lavora sugli scavi e sulla possibilità di gerarchizzare i prospetti evitando appunto le finestre. Nei templi greci l’equilibrio è dato, tra gli altri fattori, dal fatto che in asse vi sia sempre un vuoto: Luigi Moretti lo nota, lo pone in evidenzia nei suoi scritti e lo ripropone nei suoi edifici: nella Palazzina il Girasole, nella Villa Saracena e nell’affaccio su Corso Italia del suo complesso milanese. L’ombra tuttavia può essere più o meno profonda, netta o graduale e quella di Moretti è un’ombra netta al contrario di ciò che si può notare nei volumi cilindrici dei campanili o delle torri. E’ importante notare come cambia la percezione dei volumi a seconda della maniera con la quale essi si rapportano alla luce: vi è una grande differenza tra l’effetto luminoso che possiede un prisma a base quadrata, ottagonale o rastremato. Il tema della colonna rastremata viene notato da Gaudì e riproposto nella Sagrada Familia i cui pilastri interni catturano la luce in maniera straordinaria e risultano contemporaneamente leggeri e solidi. Le Corbusier invece sembra essere più attratto dal rapporto pieno-vuoto generato, dall’alternanza tra colonne ed intercolumni. Propone a tal proposito un parallelismo con le immagini dei Silos industriali nello stesso paragrafo del suo libro Verso un’architettura in cui definisce il concetto di architettura con la sua celebre frase. L’ombra è anche l’elemento che permette di leggere i volumi curvi; disegnare una sfera vuol dire infatti disegnarne le ombre. I volumi curvi, come le colline o i volti umani, vengono resi ben leggibili da una luce radente che ne esalta l’andamento. Osservare un paesaggio in pieno giorno o di sera con il sole basso consente di notarne chiaramente caratteristiche che altrimenti non sarebbero visibili. La stessa cosa accade per i volti umani; come insegna la fotografia, i tratti vengono resi ancor più evidenti da una luce laterale. Appare a questo punto chiaro che il motivo per cui un vestito nero faccia sembrare più magri sia il fatto che eviti di vederne il chiaroscuro delle pieghe. Il problema della luce è stato un aspetto centrale nella ricerca barocca e si pensi al valore che essa assume nella Chiesa di Sant’Andrea al Quirinale: Gianlorenzo Bernini ne concepisce l’interno come uno spazio teatrale che si completa con il rito della celebrazione religiosa. Costruisce due spazialità, quella in basso è colorata e costituisce lo spazio che raccoglie i fedeli mentre la cupola è chiara e luminosissima e sembra appartenere al regno dei cieli. In questo caso la luce, oltre a creare un’ambientazione particolare, analoga in questo al ruolo che assume nelle pitture di Caravaggio, ha un importantissimo valore simbolico. Probabilmente tale valore è stato banalizzato negli edifici religiosi contemporanei che sembrano identificare la luce con la divinità senza spingere la ricerca compositiva in altri ambiti simbolici o estenderla su altri elementi architettonici. Purtroppo la ricerca di effetti luminosi interni in alcuni casi assume un ruolo autocelebrativo che non riesce ad incidere positivamente sulla qualità architettonica. 7 The role of light in architecture, from the greek “lecture” to our days L e Corbusier defined architecture as «the learned game, correct and magnificent, of forms assembled in the light». The idea of light as closely linked to volumes is highlighted, against the conception of light as an element of creation of special effects, very often only internal areas. In Ancient Greece, light was considered a natural and unmodifiable element which defines the perception of volumes, together with gravity. The result of organisation and aggregation of the elements is not self-referential, but depends on the interaction between volumes, natural lighting and gravity. In Greek architecture elements are indeed collocated in order to guarantee the closest link between light and gravity: human perception makes illuminated parts seem heavier compared to the overshadowed ones. In Ancient Rome, instead, space prevailed over volume, as a consequence of the tight urban fabric, which caused a lack of appreciation towards entire buildings. While judging Roman architecture, contemporaneity does not casually prefer light as an instrument to define interior spaces: the luministic effect of the Pantheon, where openings give sacredness to the interior space, was largely reproduced in modern buildings such as the Library designed by Luis Kahn, or the church designed by Le Corbusier in Rochamp, where light effects predominate. Nowadays Rome is worshipped, while Athens is forgotten: in modern architecture light as an instrument to define volumes is underrated; not even the definition of Le Corbusier seems to be enough interesting anymore. While Roman architecture dealt with light as a problem of interior spaces, Greek architecture literally studied «The (… ) game (…) of forms assembled in the light», reason why it is an interesting topic to explore in this text. In Greece, architectural elements and aggregations 8 create a perfect correspondence with natural lighting, they are even connected to the movement of the sun during the day: the frames of the buildings are designed to exploit zenithal light in order to built the architectural volume (with a very elegant mediation between the side of the building and the sky). Tapered columns instead, ensure consistency to the whole building when the sun is low, reason why in structures like the Stoà the outer colonnade seems to be the only tapered part, because it is directly hit by the sun. In Greek lecture light appears to be extremely important because it prioritises certain elements and overshadows others. Light and colour, two closely linked elements, are the main characters in this process: light gives existence to colour, but light manifests itself with chromatic effects generated on volumes when shadows are created. In Greek temples indeed gables usually have white parts when illuminated and coloured parts when overshadowed. The project of Casa alle Zattere by Ignazio Gardella deals with the relationship between light, colour and weight: the white parapet of the balcons creates heaviness in the composition compared to dark windows and plaster. Gardella gave a visual stability to the volume by closing the upper part with a white balcony, interpreted as a heavy element by the human sight. Once again white highlights a protruding part, which creates a shadow projected on a dark shade. Colour also influences the way light is reflected: Glauco Gresleri wrote that a light reflected on a white wall can sometimes generate more brightness than light itself. However, if the wall is coloured, even light changes its original colour when it spreads. Light also has its own chromaticity which changes during the day and modifies the aspect of the illuminated objects. Richard Meier praises white because it is considered a neutral element which assumes different shades during the day depending on the intensity of the lighting. The colour of the sea is probably one of the most changeable things when light hits it; in Homeric poems it is never described as blue, but its variability is underlined through metaphors. As shown in Greek architecture, the relationship between light and shadow is a crucial element of hierarchy between the volumes of a building, shadows hide certain parts of a structure, acting mainly in opposition. Moreover, in an illuminated space the eye is not attracted to overshadowed areas but if they are observed it is hard to see what is collocated inside; according to the rules of the cinema this phenomenon could be described with these words: what is not visible, does not exist for observers. Mario Botta dealt with this topic and he created projects on excavations trying to give hierarchy to schedules avoiding windows on the main wall. In Greek temples a constant gap in the axis guaranteed balance: Luigi Moretti underlined it in his writings and reproduced it in his buildings: in Palazzina il Girasole, in Villa Saracena and his complex in Milan which overlooks Corso Italia. Shadow can be more or less deep, net or gradual; Moretti choosed a net one differently from the cylindrical volumes of belfries and towers. The perception of volumes changes depending on the way they relate to light: the luminous effect of a square based prism is hugely different from an octagonal based one or from a tapered one. Gaudì reproduced the “tapered column” in the Sagrada Familia, where interior pillars catch the light in an extraordinary way and they look soft and solid at the same time. Le Corbusier, on the other hand, seemed to be more attracted to the relationship between full and empty, generated by alternating columns and inter-columns. He proposed a parallelism with pictures of industrial Silos in his book Toward an Architecture (Vers une architecture), where he wrote his famous definition of architecture. Shadow is also one way to analyse curved volumes: drawing a sphere means indeed drawing shadows. Light skims curved volumes, like hills or human faces, making them visible and enhancing their shape. Observing a landscape in the middle of the day or by night when the sun is low, makes the scenery more visible and slight characteristics more clear. Similarly, in human faces, as shown by photography, lateral illumination largely highlights facial features. Black dresses , indeed, make bodies look thinner because black covers the chiaroscuro effect of the creases. Baroque architecture dealt with the problem of light, which was crucially important in the Church of Sant’Andrea at the Quirinal: Gian Lorenzo Bernini interpreted the interior area as a theatrical space coroneted by the rite of religious profession. He created two levels of space, the lower part is coloured and it represents the gathering area for believers, while the dome is light, extremely bright and it seems to belong to the kingdom of heaven. Light creates a magical atmosphere, exactly like Caravaggio’s paintings, alongside with having a hugely important symbolic value. This value has been probably trivialised by contemporary religious buildings, which seem to compare light to a god, without analysing any deeper other possible symbolic interpretation or expanding it to other architectural elements. Unfortunately, the search for interior luminous effects can sometimes have a self-celebratory role and it does not have a positive impact on the architectural quality. Therefore, light is a natural element architecture can intercept but not modify: Greek lecture and nature gazing show a type of project which considers the extraordinary features of light and is inspired by it. 9 10 Architetture di luce La luce come elemento imprescindibile dell’architettura. Diversi approcci progettuali dall’antichità ad oggi Testo di Piera Bongiorni Traduzione di Martina Mancini Nel corso dei secoli sono state molte le architetture che hanno assunto la luce come elemento vitalizzante, anche se come risultato di modus operandi completamente diversi tra loro: dalla luce che smaterializza i paramenti murari a quella che riesce a filtrare solo attraverso piccole aperture accentuando la massività dell’elemento forato. Già dal tempo dei romani la luce è stata protagonista indiscussa di molte architetture, il Pantheon è sicuramente un esempio degno di nota. Superato il pronao di ingresso, lo sguardo dell’osservatore è catturato da un fascio luminoso che proviene dall’unica “finestra” della chiesa: un oculus di quasi nove metri di diametro che si trova nella cupola di copertura. Dal foro viene proiettato un cerchio luminoso sull’intradosso della cupola, un cerchio con un perimetro netto e definito, un cerchio che sembra assecondare il trascorrere del tempo, mutevole nell’arco della giornata e delle stagioni. La luce che filtra è forte, sembra quasi corrodere il profilo dell’oculus. Anche nell’architettura gotica torna il carattere etereo della luce. Le pareti che dividono spazio interno ed esterno non hanno più funzione portante e la distribuzione dei carichi viene affidata alla rada trama di pilastri o colonne aiutati da contrafforti o archi rampanti. Il sistema puntiforme lascia spazio a grandi vetrate e da qui la luce può entrare nell’architettura e plasmarne gli spazi interni con i suoi giochi di ombre e di riflessi. Un’architettura simbolo di questo procedimento può essere la Chiesa di Saint Denis o la Cattedrale di Notre Dame di Parigi. Oggi, dopo nove secoli dalla loro costruzione, quei motivi gotici, sebbene con tecniche e in contesti di costruzione diversi, trovano nell’architettura moderna una nuova interpretazione: è proprio in quelle vetrate che si può leggere l’inizio di un procedimento architettonico che giunge sino al curtain wall dei tempi moderni. Il processo architettonico caratteristico del gotico trova una stasi nel periodo rinascimentale per lasciare spazio alle grandi murature portanti che sembrano voler far sentire la presenza della loro massa. Questa metodologia progettuale può essere associata alla scultura: l’architettura sembra essere ottenuta scavando, togliendo, sottraendo materia da tutto un pieno. Lo spazio viene scavato con la luce proprio come in un’esperienza scultorea. Un approccio architettonico che si può ritrovare nei disegni di Michelangelo per la Chiesa della Nazione dei Fiorentini a Roma. Light Architecture O ver the centuries a lot of architectural works have been characterized by light, as vitalizing element, with different modus operandi result: from the light that dematerializes wall facings to the light able to filter through small openings accentuating the perforated element massiveness. Since Roman times, light has been undisputed protagonist in many architectural projects, such as, for example, the Pantheon. Once passing the entrance hall (pronaos), the eye of the observer is captured by the light beam coming from the only one “window” of the church: an oculus, almost 6 metres in diameter, located in the dome. From the hole a luminous circle is projected to the dome intrados, a circle with a defined and clear perimeter, a circle which seems to accompany the passage of time, changing during the day and the seasons. The light is so intense that it seems to corrode the oculus profile. Also in Gothic architecture we find the ethereal nature of light. The walls which divide internal and external spaces lose their function in supporting the building. This function is entrusted to the thin weft of pillars and columns helped by buttresses and rampant arches. This solution leaves space for wide windows through which light enters in the architecture shaping the internal spaces with shadows and reflections patterns. An example and symbol of this solution is the Church of Saint Denis or the Cathedral of Notre Dame in Paris. Today, nine centuries after their realisation, the Gothic motives, although with different techniques and in different contexts, find in Modern architecture a new interpretation: from those Gothic windows, in fact, we can read the beginning of a proceeding that leads to the curtain walls of the Modern time. The architectural proceeding typical of the Gothic period had a time of stagnation during the Renaissance period, in which we find the big load-bearing masonries that seem to want to affirm their mass. This design method may be associated to the sculpture: architecture seems to be obtained 11 Nella pagina precedente: Pantheon, foto di Soeren Dalsgaard; sotto: Cappella di Bruder Klaus, Peter Zumthor e Cappella di Ronchamp, Le Corbusier. On the first page: Pantheon, ph. Soeren Dalsgaard; below: Cappella di Bruder Klaus, Peter Zumthor and Cappella di Ronchamp, Le Corbusier. 12 Sintesi fra l’approccio gotico e quello rinascimentale si ritrova nella Cappella di Ronchamp di Le Corbusier. La luce sembra essere riuscita a superare l’ostacolo della grande massa muraria attraverso alcune strombature disegnate e realizzate in maniera equilibrata ed armonica; riesce quindi a “bagnare” completamente lo spazio e le superfici e queste, a loro volta, si fanno diffusori e amplificatori di una luce libera, che crea spazi e si fa fautrice di gerarchie. Impossibile parlare di architetture plasmate e rese vive dalla luce senza ricordare le opere di Louis Kahn di cui risulta difficile sceglierne una esemplificativa; tutta la sua opera è portavoce della filosofia per cui la luce è la materia che rivela la forma e lui è il grande maestro che con quell’elemento naturale ha dato vita ad alcuni fra gli spazi più coinvolgenti e seducenti della storia dell’architettura. Nelle opere del grande architetto, dal Parlamento di Dacca al Kimbell Art Museum di Fort Worth, il curioso disegno delle ombre, paradossalmente figlie della luce, catturano gli sguardi e inducono gli osservatori alla ricerca della fonte di luce. Arrivando ai giorni nostri ancora la luce rimane oggetto di esplorazione di alcuni architetti contemporanei che con alcune delle loro opere offrono omaggio a questa potenza effimera e indispensabile. Nella Cappella di Bruder Klaus di Peter Zumthor, costruita tra il 2005 e il 2007, l’interno è dominato da un’unica forma conica nel cui centro è presente una sola apertura che consente l’ingresso degli agenti atmosferici e della luce, stimolando percezioni differenti dipendentemente dall’ora del giorno e dal periodo dell’anno. Un esempio isolato fra una moltitudine di architetture contemporanee che si possono leggere attraverso il loro disegno di luci ed ombre. Nonostante approcci progettuali differenti, ci troviamo di fronte ad opere che sottolineano la capacità della luce naturale di dare forma agli spazi, in maniera innovativa o tradizionale, riuscendo a scatenare emozioni di fronte a chi, consciamente o no, viene catturato da incredibili suggestioni luminose. digging, removing and subtracting matter from a whole. The space is excavated by light as in a sculptural experience. This architectural approach is the same that we find in the drawings of the National Church of Florence in Rome, designed by Michelangelo. A synthesis between the Gothic and the Renaissance approach lies in the Chapel of Ronchamp designed by Le Corbusier. The light seems to have managed to overcome the big wall mass through some splays designed and realised in a balanced and harmonic way; so the light manages to completely “bathe” the space and the surfaces, which in their turn, become diffusers of a free light that create spaces and hierarchies. It is impossible to talk about architecture and light without remember the works of Louis Kahn, among which it is hard to choose one as example; his entire work is mouthpiece of a philosophy for which light is the matter able to reveal the form and he is a great master who, whit that natural element, has given life to some of the most seductive and immersive spaces in the history of architecture. In the works of the great architect, from the Parliament of Dhaka to the Kimbell Art Museum of Fort Worth, the curious design of shadows, paradoxically deriving from the light, capture attention leading the observers towards the search of the light. Today, the light is still object of exploration for some contemporary architects which, with their works, pay homage to this indispensable and ephemera strength. In the Chapel of Bruder Klaus designed by Peter Zumthor and realized between 2005 and 2007, the interior is dominated by one conic form, in the centre of which there is only one window that allows atmospheric agents and light entrance, stimulating different perceptions depending on the time and on period of the year. It is an example between a multitude of contemporary architecture that we can read through their lights and shadows design. Despite their different approaches, we are dealing with works that emphasise the capacity of the natural light to shape spaces, in an innovative and traditional way, provoking emotions in those who, consciously or not, are attracted by luminous suggestions. 13 14 Variazioni di luce scandiscono lo scorrere del tempo Spazialità in continuo mutamento: da Tadao Ando ad Alberto Campo Baeza Testo di Giacomo Dati Traduzione di May Daher P ensare alla luce come ad un fenomeno indipendente è inusuale nell’immaginario comune. Ciò che balza alla mente sono le relazioni che essa instaura con la realtà ed in particolare con la vita e la materia. La luce è l’elemento indispensabile per l’evoluzione del genere umano; l’ombra, d’altro canto, è assenza di vita, è morte ed oblio. E’ la dicotomia tra luce ed ombra uno dei caratteri fondamentali della filosofia di Tadao Ando. Riprendendo il pensiero del predecessore Louis Kahn, che definiva la luce come «assenza di ombra» e allo stesso tempo identificava l’architettura come «luce consumata», alla base del pensiero dell’architetto giapponese vi è l’idea che sono i giochi di luci ed ombre, di chiari e scuri, a dare vita agli edifici. Egli sostiene che i raggi che entrano in uno spazio architettonico animino le superfici e ne rendano vivi e vibranti i materiali di cui esse sono costituite. «[…] all’interno del Pantheon di Roma ho preso coscienza del vero significato dello spazio architettonico. Quando l’interno di questo edificio viene illuminato dal lucernario di diametro di nove metri, sistemato nel centro della cupola, lo spazio architettonico diviene veramente reale [...] la forza e eccitazione che ho provato in quel momento è ciò che vorrei chiamare architettura». E’ con queste parole che Tadao Ando mette a nudo la sua poetica basata sulla volontà di suscitare emozioni dovute all’architettura il cui valore viene accresciuto attraverso l’esaltazione di elementi naturali, primo fra tutti la luce. Lo spazio è puro ma non omogeneo; i volumi ideali, spesso tridimensionali, devono includere in sé il carattere di luogo, geometria e natura, i tre punti fondanti dell’architettura di questo grande maestro. Nella Chiesa della Luce, costruita a Osaka nel 1989, sono chiaramente sintetizzati tutti i temi dell’architettura di Tadao Ando. La geometria semplice e regolare è violata da un solo muro inclinato di 15° che accompagna il Variations of light marks the passage of time T hinking of light as an independent phenomenon is unusual in the popular imagination. What springs to mind is the relationship it establishes with reality and especially with life and matter. Light is an indispensable element for the evolution of the human race; shadow, on the other hand, is the absence of life, it’s death and oblivion. The dichotomy between light and shadow is one of the fundamental characteristics of the philosophy of Tadao Ando. Taking up the idea of his predecessor Louis Kahn, who described the light as «absence of shadow» and at the same time identified architecture as «light consumption», the base of thought of the Japanese architect is the idea that the alternation of light and shadow, brightness and darkness,is to give life to the buildings. He argues that the rays that come into an architectural space animate surfaces and make alive and vibrant the materials of which they are composed. «[...] inside the Pantheon in Rome, I became aware of the true meaning of the architectural space. When the inside of the building is illuminated by the skylight of 9 meters in diameter, placed in the center of the dome, the architectural space becomes truly real [...] the power and excitement that I felt at that moment is what I would call architecture». with these words that Tadao Ando bares his poetry based on the desire to arouse emotions due to the architecture whose value is increased through the exaltation of natural elements, first of all the light. The space is pure but not smooth; ideal volumes, often three-dimensional, should be included within the character of the place, geometry and nature, three fundamental 15 16 visitatore all’interno dove, a far da padrone, è il carattere spartano e nudo dell’ambiente caratterizzato da pareti continue in calcestruzzo a vista e dall’arredo in legno di cedro non trattato. La mistica atmosfera dell’interno, pervasa da una profonda oscurità, è rotta da fasci di luce naturale che, filtrando dall’esterno, formano una croce nella parete di fondo dell’aula ecclesiale. Questa sacralizza lo spazio rendendolo trascendentale ma allo stesso tempo lo mette in relazione con la natura che, soprattutto attraverso la luce, anima e dà forza a questo luogo sacro. Il carattere scarno e povero di questo ambiente ci permette, pertanto, di considerarlo come una risposta al consumismo capitalistico dell’epoca moderna. La natura influenza l’architettura al punto che, in base alle condizioni climatiche e alla posizione del sole, varia la percezione che il visitatore ha dei raggi che filtrano da queste fessure e si proiettano sulle pareti e di conseguenza dell’edificio stesso. Ciò che entra in gioco è la sensorialità dell’osservatore, le sue emozioni e impressioni. Il mutevole aspetto che un medesimo ambiente assume quando è pervaso da differenti tipi d’illuminazione ha da sempre attirato l’attenzione di artisti e letterati, primo fra tutti il pittore illuminista Claude Monet. Numerosi sono i dipinti che il maestro francese compose tra il 1892 e il 1894, raffiguranti la facciata della Cattedrale di Rouen rappresentata in varie ore del giorno e delle stagioni dell’anno. Lo scopo era di evidenziare l’importanza della luce e come questa poteva far mutare completamente la percezione che l’osservatore aveva di un determinato soggetto, la cui importanza diventava automaticamente subordinata a quella della rappresentazione della luce. Pertanto, in questo caso la luce non solo viene vista come strettamente legata alla natura, bensì la si assimila al concetto di tempo. «La Gravità costruisce lo spazio, la luce costruisce il points of the architecture of this great master. In the Church of the Light, built in Osaka in 1989, all the themes of architecture of Tadao Ando are clearly summarized. The regular and simple geometry is violated by one wall inclined at 15 ° to accompany visitors inside where, dominant, is the austere and bare environment characterized by continuous walls of exposed concrete and from untreated cedar wood fourniture. The mystical atmosphere of the interior, pervaded by a profound darkness is broken by shafts of natural light filtered from the outside, forming a cross in the back wall of the classroom Church. This sacralized space makes transcendental but also correlates with nature, especially through light, gives soul and strength to this sacred place. The thin and poor character in this environment allows us, therefore, to consider it as a response to the capitalist consumerism of modern times. Nature influences the architecture to the point that, according to the climatic conditions and the position of the sun, it varies the perception of the visitor of the rays that filter in from the cracks and are printed on the walls and consequently of the building itself. What comes into play is the observer’s senses, his emotions and impressions. The changing appearance that the same environment assumes when filled with different types of lighting has always attracted the attention of artists and writers, most notably the painter Claude Monet Enlightenment. There are numerous paintings that the French master composed between 1892 and 1894, depicting the facade of Rouen Cathedral represented at various times of the day and seasons of the year. The aim was to highlight the importance of light and how it could change completely the perception that the observer had of a certain subject,of wich the importance became automatically subject 17 Nelle pagine precedenti: Chiesa della Luce, Tadao Ando e Cattedrale di Rouen, Claude Monet; sotto: La idea costruida, Alberto Campo Baeza. On the first page: Chiesa della Luce, Tadao Ando and Cattedrale di Rouen, Claude Monet; below: La idea costruida, Alberto Campo Baeza. 18 tempo, dà ragione del tempo. Ecco le questioni centrali dell’Architettura», ciò sostiene Alberto Campo Baeza, architetto spagnolo contemporaneo. Come lo scorrere del tempo influenzi la poetica e le opere di questo architetto è ben chiaro nel Padiglione Pibamarmi La idea costruida, progettato nel 2009 al Marmomacc. Un ambiente interamente rivestito di marmo bianco di Carrara, caratterizzato dalla presenza di fori nelle pareti e nella copertura, attraverso le quali filtrano raggi luminosi attraverso dei meccanismi che simulano il ciclo del sole. Questi proiettandosi sulle pareti contribuiscono alla loro smaterializzazione e muovendosi a seconda dell’ora della giornata vogliono trasmetterci l’idea dello scorrere del tempo. Se da una parte possiamo notare in quest’opera il carattere etereo ed effimero dovuto alla luce, che non è né diffusa né puntuale ma assume una valenza, una forma e identità proprie, dall’altra la presenza della pietra ci trasmette l’idea di matericità e massività, tipica della poetica di Alberto Campo Baeza. La stessa sensazione è trasmessa dal cubo nero dell’ Antiquarium al quale sono appesi reperti storici litici alternati a elementi di design contemporaneo, tutto ciò in contrappasso con l’ambiente del padiglione dove a dominare è il carattere mistico ed effimero reso possibile grazie al bianco delle pareti e alla luce filtrante. Due scuole di pensiero differenti, due realtà diametralmente e geograficamente opposte, Tadao Ando e Alberto Campo Baeza, due maestri indiscussi dell’architettura contemporanea. Lo scorrere del tempo e un’unica interpretazione della luce come fonte di emozione. of the light representation. Therefore, in this case the light is seen as not only closely related to the nature, but rather is assimilated to the concept of time. «Gravity builds Space, Light builds Time, it justifies time. Here are the main questions in Architecture», says Alberto Campo Baeza, Spanish contemporary architect. How the passing of time affects the poetry and works of this architect is clear in Hall Pibamarmi La idea costruida, designed in 2009 to Marmomacc. An environment entirely covered in white Carrara marble, characterized by the presence of holes in the walls and in the ceiling , through which filters rays of light through the mechanisms which simulate the cycle of the sun. The projection of rays on the walls contribute to their dematerialization and their moving on the time wants to send the idea of the time passing. While we see in this work the ethereal and ephemeral due to the light, which is neither widespread nor accurate but it assumes a value, a form and individual identity ,on the other hand the presence of stone conveys the idea of materiality and massiveness, typical of the poetry of Alberto Campo Baeza. The same feeling is transmitted by the black cube of ‘Antiquarium where are hung historical artifacts lithic alternating with contemporary design elements, all in retaliation to the environment of the pavilion where dominating is the mystical and ephemeral made possible thanks to the white walls and the light filtering. Two different schools of thought, two things are diametrically opposed and geographically, Tadao Ando and Alberto Campo Baeza, two undisputed masters of contemporary architecture. The passing of time and a single interpretation of light as a source of emotion. 19 Spazio ed essenza del progetto: il ruolo della luce nel disegno architettonico Come la luce, elemento fondamentale nel progetto architettonico, diventa strumento irrinunciabile per esprimerne l’immagine Testo di Alberto Becherini Traduzione di Martina Regis 20 Space and essence of the project: the role of the light in the architectural design T U n tema ricorrente nella riflessione architettonica, e spesso oggetto di dibattito, è costituito dalle modalità di rappresentazione dell’architettura. Un ruolo centrale, in tal senso, è sicuramente rivestito dalla luce, elemento attraverso il quale è possibile non solo raggiungere maggiore realismo ma soprattutto esprimere il fondamento e l’essenza dello spazio in architettura. Com’è possibile raggiungere questo obbiettivo attraverso il disegno? I più grandi maestri dell’architettura hanno fatto della luce l’elemento generatore dello spazio architettonico; per Louis Kahn (1901-1974), la luce è stato lo strumento attraverso il quale pensare e definire la struttura degli edifici. Nella sua opera, la luce naturale diventava un “materiale” imprescindibile nella progettazione, in grado di tradurre lo spazio in immagine. Proprio il legame luce-immagine espresso da Kahn fa capire quanto la luce, ed in particolare la sua rappresentazione, costituisca, nel disegno architettonico, il fulcro della definizione e della rappresentazione dell’opera. Nel corso della storia notevoli e vari sono stati gli esempi e le modalità di rappresentazione dell’architettura attraverso la luce. Un punto di riferimento, fonte di ispirazione per i più grandi architetti del ‘900, è stata indubbiamente l’opera di Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). Nelle sue incisioni, l’architetto veneziano mostra la grande capacità di fare della luce uno strumento ricco di significati, con il quale immergere le rovine romane in un’atmosfera carica di phatos e suggestioni. Nel disegno la luce assume, quindi, un ruolo che sembra oltrepassare la rappresentazione tecnica dello spazio, definibile attraverso dimensioni e proporzioni, per diventare lo strumento attraverso he modality of representation in architecture is a recurring issue for the architectural reflection and often also in question. The light has here a central role, since it is an element through which is not only possible to obtain an higher level of realism, but also to express the foundation and the essence of the space in architecture. How do we achieve this goal through the drawing? The greatest masters of architecture have made the light the generating element of the architectural space; for Louis Kahn (1901-1974) the light has been the instrument through which he thought and defined the buildings’ structure. In his work the natural light became an essential “material” for the design, able to turn the space into an image. The link light-image expressed by Kahn shows how the light, especially its depiction, is the cornerstone of the definition and the representation of work in the architectural drawing. The annals report interesting and numerous examples and modalities of representation of the architecture through the light. With no doubts, the work by Giovanni Battista Piranesi (17201778) has been a reference point and a source of inspiration for the greatest architects of the Twentieth Century. With his etchings the venetian architect shows his extraordinary ability to make the light an instrument teaming with meanings, with which he can delve the roman ruins into an atmosphere full of pathos and suggestions. In the drawing hence, the light has a role which oversteps the technical representation of the space, definable through the dimensions and the proportions, and becomes the instrument able to express the essence 21 22 cui esprimere l’essenza e il significato dell’architettura. Oggi, con il passaggio dal disegno manuale a quello digitale, le possibilità di rappresentazione e di studio della luce si sono moltiplicate. I programmi di grafica 3D, attraverso l’analisi delle coordinate geografiche e ambientali, permettono di regolare l’illuminazione della scena in modo da rappresentare la realtà in maniera sempre più esatta. Questa vasta gamma di possibilità e strumenti consente all’architetto anche la possibilità di effettuare scelte espressive mirate a rappresentare e spiegare l’idea che sta alla base del progetto. Questa possibilità, che introduce una componente soggettiva, nasce dalla necessità di rappresentare la luce naturale, elemento variabile nel tempo. E’ proprio l’istantaneità dell’immagine e la necessità di esprimere qualcosa in più di una realtà esatta in quel momento, a portare oggi l’architetto a chiedersi se l’utilizzo della luce in architettura come strumento esplicativo del progetto significhi soltanto ricercare l’esattezza matematica di una determinata tipologia di illuminazione - ad una determinata ora, giorno e mese dell’anno - o se sia possibile e opportuno piuttosto distaccarsi dalla transitorietà dell’istante e cercare di esprimere, attraverso la luce, l’identità dello spazio architettonico. Questo distacco dalla rappresentazione realistica, da non intendersi come una separazione dalla realtà o come un uso arbitrario e casuale della luce, ma piuttosto come una mediazione tra essenza dello spazio architettonico e variabilità della luce naturale, diventa per l’architetto una pausa necessaria; un intervallo fondamentale in cui ricercare le ragioni del progetto e definire un metodo di rappresentazione dello spazio. Con questa consapevolezza, la luce, distaccandosi dalla dimensione temporale, ma rimanendo fortemente ancorata al contesto, diventa un elemento che contribuisce ad esprimere l’immagine dello spazio così come è nata nella mente dell’architetto, variabile nel tempo ma costante nel suo significato. Nella pagina precedente: The Strand Quadrangle, Londra, Studio Barozzi-Veiga; a sinistra: Giovanni Battista Piranesi, Incisione e Museo Neanderthal, Studio BarozziVeiga. On the first page: The Strand Quadrangle, London, Studio Barozzi-Veiga; on the left: Giovanni Battista Piranesi and Museo Neanderthal, Studio BarozziVeiga. and the deepest meaning of the architecture. Today, with the transition from the freehand drawing to the digital one, the chances of representation and study of the light have been increased. The 3D graphic programs, thanks to the analysis of the geographic and environmental coordinates, allow us to settle the lighting of the scene in order to represent the reality always more precisely. This wide range of possibilities and instruments allows the architect also the chance to make significant choices aimed to represent and explain the idea at the base of the project. This possibility, introducing a subjective element, comes from the necessity to represent the natural light, a variable element in the time. The immediacy of the image and the necessity to express something more than a precise reality in that time, lead the architect ask himself if the use of the light in the architecture as an explanatory instrument of the project means only seeking the mathematical exactitude of a specific kind of lighting – in a specific time, day, month of the year – or if it is possible and appropriate disassociate us from the transience of the instant and rather seek to express, through the light, the identity of the architectural space. This separation from the realistic representation, which must not be seen as a separation from the reality or as an arbitrary and random use of the light, but rather as a mediation between the essence of the architectural space and the variability of the natural light, becomes a necessary pause for the architect; an essential interval where it is possible to seek the reasons of the project and to define a method of representation of the space. With this awareness, the light, detached by the temporal dimension but still linked to the context, becomes an element which contributes to express the image of the space as it has came up in the architect’s mind. It varies through the times, but stays put in its meaning. 23 24 Light architecture: architetture “leggere” fatte di luci ed emozioni Dall’Olanda al Portogallo, opere tra l’architettura e l’arte dove la luce diviene mezzo per riqualificare gli spazi urbani Testo e traduzione di Gabriele Berti «L’architettura è un fatto d’arte, un fenomeno che suscita emozione, al di fuori dei problemi di costruzione, al di là di essi. La costruzione è per tener su: l’architettura è per commuovere» - Le Corbusier S ì pensi ad una piazza, grande o piccola che sia; al ritmo dei portici che la circondano, un ritmo che però porta alla monotonia ed alla progressiva indifferenza di chiunque li attraversa abitualmente. Poi qualcosa avviene all’interno di questa piazza: un gioco di luci, un gioco che rompe lo stato di monotonia; un qualcosa che risveglia, stimola, incuriosisce, sconvolge e commuove. Attraverso un intervento “leggero” angoli dimenticati della città riacquistano una loro voce. Una piazza, un tunnel, teatri della vita di tutti i giorni, divengono occasioni di cambiamento: dall’usuale all’inusuale ed inaspettato. Interventi che caratterizzano, opere artistiche ed architetture che, attraverso l’uso della luce e di volumi leggeri ed effimeri, riescono a ridare voce a spazi muti e a fornire nuove letture degli stessi. E’ il caso, ad esempio, del sottopassaggio del Tugelaweg ad Amsterdam. Un anonimo “tubo” rettangolare, senza pilastri al centro, luogo di un continuo passaggio di pedoni e ciclisti. L’intervento dello studio Nio Architecten di Rotterdam punta ad aprire una parentesi in questo frenetico via vai, tramite la creazione di due nuove grandi pareti luminose. Queste due grandi superfici ricoperte da led di colore bianco, divengono due finestre che si aprono verso il mondo animale, verso il Sud Africa ed i suoi maestosi inquilini. Chiunque passi per il tunnel potrà intravedere, per qualche momento, la silhouette e le attività dei “big five”: l’elefante, il rinoceronte, il bufalo, il leone ed il leopardo. L’accensione e lo spegnimento dei 12000 led facenti parte delle grandi pareti, non simulano, ma ci forniscono uno spaccato della vita di ogni giorno di questi grandi animali. Al frenetico mondo umano, viene contrapposta la lentezza e volubilità della vita animale; uno spettacolo che continua ad intrigare per lungo tempo ed in cui Light Architecture: “light” architectures made by lights and emotions «The architecture is a fact of art, a phenomenon that elicits emotion, outside of the problems of construction and beyond them. The construction is to take on, the architecture is to move» - Le Corbusier T hink about a “piazza”, whether big or small; at the sourrounding porticos’ rhythm, a rhythm that leads to the dullness and to the gradual indifference of whoever is regularly passing through them. Then something happens inside the “piazza”: a light-play, a play that breaks the dullness; something that awakes, stimulates, intrigues, shocks and touchs. Through a “light” intervention city’s forgotten corners regain their own voice. A “piazza”, a tunnel; theatre of everyday, become occasions for a change: from usual to unusual and unexpected. Interventions those characterize, artistic plays and architectures that, through using light and ephemeral and light volumes, are able to give back voice to silent spaces and to provide new reading of them. That’s a case, for instance, of the Tugelaweg’s underpass in Amsterdam. An anonymous rectangular “pipe” without pillars, place of the pedestrians and cyclist everyday passage. The work of office Nio Architecten of Rotterdam, aim for opening a bracket in this chaotic going and coming of people, through the creation of two new big bright walls. These two big surfaces covered by white coloured leds, become two windows towards the animal’s world, towards the South Africa and its majestic residents. Whoever is passing through the tunnel will be able to glimpse, for a moment, the silhoutte and the activities of the “big five”: the elephant, the rhinoceros, the buffalo, the lion and the leopard. The switching on and off of the 12000 leds part of the big walls, are not simulating, but is giving us a spitting image of the 25 ognuno potrà leggere e vivere la propria storia. Tramite un gesto apparentemente semplice, viene creata una connessione diretta tra due mondi paralleli. Nella pagina precedente e a destra: LEDscape, Lisbona, LIKEarchitects, foto di Fernando Guerra; sopra: Sottopassaggio del Tugelaweg, Amsterdam, Nio Architecten. On the first page and on the right: LEDscape, Lisbona, LIKEarchitects, ph. Fernando Guerra; above: Sottopassaggio del Tugelaweg, Amsterdam, Nio Architecten. 26 Caratterizzare, sconvolgere, emozionare; tre fattori chiave che è possibile leggere anche in interventi, come le installazioni temporanee, dove il confine tra architettura ed arte si fa più labile. In esse la potenza e la comunicabilità dell’opera sono racchiuse e condensate in pochi semplici gesti ma di grande effetto. Un caso emblematico è il progetto LEDscape dello studio LIKEarchitects di Lisbona. Un caso in cui l’opera artistica diviene messaggio ma anche paesaggio. In questa installazione per IKEA al Centro Cultural de Belém a Lisbona, il principio fondativo del progetto è stata la pubblicizzazione e commercializzazione delle lampadina a led Ledare. Lo studio si pone come scopo principale quello di avvicinare questa tecnologia di illuminazione ai consumatori, demistificando eventuali preconcetti ed enfatizzando l’importanza della loro applicazione in un contesto di uso più sostenibile dell’energia elettrica. In quest’opera i progettisti si spingono però oltre, creando una sorta di piccolo labirinto luminoso, un luogo dove la tecnologia sostenibile e la collettività si incontrano. 1200 lampadine a led, collocate a cinque diverse altezze attraverso steli metallici; metaforizzano una foresta rigogliosa, o forse un prato: un alto prato della campagna portoghese, dove tante piccole “lucciole di led” ci invitano a tuffarci e vivere un attimo di serenità e comunione con l’opera artistica. Questo “labirinto effimero” invita persone di ogni età ad attraversarlo, a godere del fascino della luce e della tecnologia in maniera estremamente interattiva e giocosa. Luci, riflessi, colori; divengono strumenti utilizzati per emozionare, ma anche per creare e definire spazi e paesaggi nella città contemporanea, regalandole nuovi scorci e nuovi attimi di novità e gioia. everyday life of these big animals. To the chaotic human world, is counterposed the slowness and giddiness of the animal’s life; an always entangling show where everyone will be able to live his own story. Through an apparently simple gesture, is created a direct connection between two parallel worlds. Characterizing, shocking, thrilling; three key factors those are possible to read in interventions, like temporary installation, where architecture and art borders are more weak. In them, the play’s power and communicability are enclosed and condensed in few simple gesture but with a big effect. An emblematic case is the LEDscape project of the office LIKEarchitects in Lisbon. A case where the artistic play becomes a message but also landscape. In this installation for IKEA at the Lisbon’s “Centro Cultural de Belém”, the founding principle of the project was advertising and commercialize “Ledare” led lamps. The office takes as principal goal putting in contact this lighting technology to the customers, eventually demystifing preconceptions and emphasizing the importance of their application in a more sustainable electric energy usage context. In this work the architects pushed themselves beyond, creating a sort of little bright maze, a place where the sustainable technology and the community meet each other. 1200 led lamps, arranged in five different height through metallic stems; are metaphotizing a luxuriant forest, or maybe a lawn: a high grassland in the portuguese countryside, where a lot of little “led fireflies” exhorting us to plunge and live a moment of harmony and serenity with the artistic work. This “ephemeral maze” exhorts people of all age to pass through it, to enjoy the light and technology charm in an extremely interactive and playful manner. Light, reflections, colours; become tools used for touching, but also for creating and defining spaces and landscape in the contemporary city, giving new glimpse and new moments of originality and happiness. 27 Nuove forme di illuminazione urbana definiscono lo spazio pubblico Uno sguardo sull’uso dell’illuminazione nella progettazione degli spazi pubblici urbani: l’esempio del Gran Canal Square di Dublino Testo di Gilda Messini Traduzione di Martina Mancini 28 New forms of urban lighting characterize public space A T ra gli aspetti più importanti da tenere in considerazione quando si “ripensa” il tessuto urbano c’è la necessità di dover strutturare interventi flessibili che vivano alle diverse ore del giorno. Un uso sapiente dell’illuminazione e la corretta disposizione degli apparecchi illuminanti spesso consentono di ridefinire lo spazio pubblico. Il progetto di Piazza del Gran Canal di Dublino, firmato dall’architetto paesaggista americano Martha Schwartz, è tra gli esempi più emblematici di come spazio pubblico e progettazione dell’impianto illuminate possano essere, talvolta, inscindibili. La nuova piazza, realizzata tra il 2007 e il 2008, ha riqualificato la zona portuale ed industriale su cui si affaccia il Gran Canal Theatre, progettato da Daniel Libeskind; un nuovo polo aggregativo per la capitale irlandese, soggetta a grandi trasformazioni negli ultimi 15 anni. L’intervento si fonda su uno schema di percorsi che si intersecano conducendo i visitatori verso le due polarità principali che definiscono la struttura della piazza: il teatro e lo hotel. La fitta maglia di linee viene scardinata da due grandi fasce centrali che a loro volta sono interrotte da percorsi e forme triangolari in cui sono inserite fontane dall’altimetria variabile. Elemento principale del tracciato regolatore è la lunga fascia diagonale chiamata “red carpet” che si estende dal teatro fino ad affacciarsi sul fiume Liffey che “bagna” la città. Il tracciato è caratterizzato da pali illuminanti rossi, alti circa 8 metri, che riflettono i raggi solari durante il giorno e di notte irraggiano l’area di una luce dalla colorazione purpurea. Disposti senza una regola precisa (talvolta perfettamente verticali, talvolta inclinati) rievocano le aste da ormeggio che caratterizzavano le aree portuali. La seconda fascia, chiamata “green carpet”, è invece più “quieta” e ospita le poche aree vegetali previste dal progetto. Materiali artificiali, tecnologie innovative ed elementi naturali, intrappolati in una geometria rigorosa e dominante, definiscono questo interessante intervento; esempio di come arredo urbano e sistema d’illuminazione possano diventare elementi fondativi del progetto urbano. mong the most important features to consider in the urban fabric requalification, there is the necessity to organise flexible interventions able to house different functions for the various times of the day. A wise use and the correct arrangement of the lighting system allow to define the public space. Dublin’s Gran Canal Square project, signed by the American architect Martha Schwartz, is one the the most representative example of how public space and lighting design could be, sometimes, inseparable. The new square, realized between 2007 and 2008, redeveloped the port and the industrial areas on which the Gran Canal Theatre, designed by Daniel Libeskind, overlooks; it represents a new aggregative space for the Irish Capital which has been subject to a lot of transformations in the last fifteen years. The intervention is based on a pathways scheme which accompanies visitors towards the two main polarities defining the square structure: the theatre and the hotel. The dense lines mesh is deconstructed by two big and central strips. These are then interrupted by pathways and by triangular shapes in which fountains, with different heights, are entered. The main element of the regular track is the long diagonal strip called “red carpet” which extends from the theatre through to face on the “Liffey” river which “washes” the city. The track is characterized by the red illuminating poles, 8 meters high, which reflect sunrays during the day and which radiate, during the night, the area with a purplish coloration. Ordered without any precise rule (sometimes perfectly vertical, sometimes inclined) they remember the mooring beams which characterized the port areas. The second strip, called “green carpet” is, on the other hand, more “quiet” and hosts the few green areas included in the project. Artificial materials, innovative technologies and natural elements, trapped in a rigorous and dominant geometry, define this interesting intervention. It represents an example of how street furniture and lighting system become the fundamental elements of the urban project. 29 Luci alla sera dal Burj Qatar Testo e traduzione di Lisa Patricelli U n pannello brise-soleil può fare la differenza se a firmarlo è la mano di A. Jean Nouvel. È quello che è accaduto a Doha nel 2012, quando il Burj Qatar si è aggiudicato il premio di migliore costruzione in altezza del Medio Oriente e dell’Africa dell’anno: un importante riconoscimento assegnato dal Consiglio di Edifici a Torre e Habitat Urbano (CTBHU). L’opera dell’architetto francese ha definitivamente segnato lo skyline del West Bay, il quartiere finanziario della capitale, attraverso la forma fallica che ne determina la comune nomenclatura “Condom Tower”. La peculiarità del progetto è il disegno derivato dall’arte islamica tradizionale applicato al pattern della facciata continua attraverso la ripetizione dell’unità modulare di base sull’intera superficie. Il rivestimento è infatti il risultato di un atto decorativo della griglia multistrato metallica traforata. Non si tratta di un semplice espediente per il sistema staticostrutturale lasciato a facciavista, ma rappresenta un impianto funzionale ad alto potenziale tecnologico che integra la necessità di protezione dalla luce naturale all’efficacia termoigrometrica dell’ambiente interno, dedicato per lo più ad uffici, senza però dimenticare l’estetica del complesso. Infatti la caratteristica principale del progetto è il gioco di luce che filtra dalla facciata. Durante le ore diurne, la luce naturale entra nell’edifico attraverso le bucature nei pannelli d’acciaio e segna lo scandire del tempo con le proiezioni dell’ombra sul pavimento, riproducendo la 30 geometria islamica. In maniera opposta, un impianto elettrico di luci LED fa esplodere di luce l’edificio dopo il tramonto. L’opera di A. Jean Nouvel si incendia di una tinta monocromatica di colore caldo, che ricorda la sabbia del deserto. Il dinamismo in facciata prosegue dopo qualche minuto, quando la colorazione diventa di un bianco splendente, con chiaro rimando all’antica maestranza portuaria legata alla raccolta di perle. L’alternanza cromatica tra i due toni è data da un vario gioco di luci che corrono lungo la forma cilindrica, di livello in livello, dal basso verso l’alto o viceversa. La costruzione, quindi, partecipa vivamente alla vita notturna del landscape attraverso l’uso sapiente delle lampadine a risparmio energetico nelle facciate delle torri circostanti, che dettano il ritmo con colori ed elevazioni, infatti l’altezza media degli edifici del West Bay varia dai quaranta ai cinquanta piani. Durante il giorno, vedendo la torre dalla vicina zona portuale, il pattern delinea la decorazione della facciata del Burj Qatar quasi a motivo floreale: interessantissimo. Un’architettura che parla e fa parlare di sé, quasi presuntuosa. Forse troppo superba nei confronti delle vicine torri: non c’è paragone quando allo scendere della notte Sheikh Soud Tower diventa la protagonista indiscussa. Luci verticali ampliate dal riflesso dell’acqua circostante, graficità estrapolata dall’iconicità classica, modernità nei materiali e tecnologia segnano a Baladiyad Ad Dawhah il profilo della metropoli araba. Lights at the night from the Burj Qatar A brise-soleil panel can make the difference if it is signed by the hand of A. Jean Nouvel. This is what happened in Doha, in 2012, when Al Burj Qatar was awarded the “Best tall building 2012 Middle East & Africa” prize by Council on Tall Buildings and Urban Habitat (CTBUH). The great piece of this French architect has permanently defined the skyline of West Bay, financial district of the Capital, through the phallicshape, determining the common name of “Condom Tower”. The special nature of this project is the concept, which is a derivative from traditional Islamic art, applying to the pattern of the curtain wall in facade, through the repetition of one basic unit module repeated on the whole surface. The foam covering is the result of a decorative action on the multilayer grid of metal sheathing. This is not a simple device of facing static-structural system, but it represents a functional assembly potentially high-technology (within forget the aesthetic of the complex), incorporating the need to ensure a high level of sunlight protection with the efficiency of indoor temperature and humidity conditions, used mostly as offices. In fact, the main feature of this project is the trick of the light, shining through the window. During the day, natural light gets through the building through needle sticks on steel covers, time passing in relation of shadow projections on the floor, reproducing Islamic geometries. On the other hand, electrical system made of LED lights blows up the entire building after each sunset. A. Jean Nouvel’s piece ignites of a monochromatic tint of warm colour, reminding the sand of the desert. The dynamism on the façade goes on after few minutes, when the colour becomes blazing white, with clear reference to the ancient port craftsmanship connected with pearls collection. The chromatic alternance between these two tones is given by a various trick of lights, running along the cilindric shape of the tower, floor by floor, from the bottom to the top and vice-versa. Therefore, the building takes strongly part in nightlife of the district, through the skilful use of energy-saving light bulbs in all the neighbouring tower facades. These dictate the pace of the area with colours and elevations, in fact the average height of the buildings in West Bay is almost forty/fifty floors. During the day, if you have a look of the tower from the harbour, its design defines the decoration on the facade of Qatar tower as a floral pattern: it’s quite interesting. It’s a cocky architecture, over conceited. Maybe too proud in relation with the nearby others: there’s no comparison, when the night falls Sheik Soud Tower becomes the star attraction. Vertical lights increate by the glare on the surrounding water, the grafologie deduced by classic iconography, the innovation of materials and the technology mark, in Baladiyad Ad Dawhah, the outline of the arab metropolis. 31 32 Dis-persi in una notte di luci Dalla paura del buio alla ricerca di oasi di oscurità Testo e traduzione di Mirco Santi «What do we lose if we lose the Night?» C on questa domanda il regista e astrofilo Ian Cheney inizia il suo documentario The City Dark nel 2011. Un’opera dal messaggio chiaro e ben trasmesso su un tema che non può continuare ad essere sottovalutato: l’inquinamento prodotto dalla luce artificiale. Il regista, cresciuto in un bungalow nel Maine, cerca di trasmettere lo stupore che provò ritrovandosi in una grande metropoli come New York. Sentiva di aver perso qualcosa passando da una cittadina con 14000 abitanti e una quantità infinità di stelle ad una metropoli con 8,5 milioni di abitanti e solo 12 stelle ancora visibili. Le luci dei negozi aperti 24 ore al giorno, le insegne colorate, l’illuminazione pubblica, le vetrine abbaglianti, i monumenti risplendenti e lo scintillio dei grandi edifici spesso ci fanno sentire al centro del mondo. Forse al centro dell’universo. Non a caso, in una delle numerose interviste riportate nel documentario, lo storico Roger Ekirch afferma che «non esiste miglior simbolo del progresso moderno dell’elettricità e in particolare dell’illuminazione». Guardando le città dal finestrino di un aereo durante la notte, ci ricorda Ian Cheney, oggi ci si può chiedere, anche solo per un momento, quale sia il cielo e quale sia la terra. E pensare che quello che vediamo è energia sprecata, dispersa. Jane Brox, che nel suo libro Brillant ripercorre i rapporti tra l’uomo e la luce artificiale nella storia, scrive: «la lotta per creare sempre più luce era una lotta per dominare la notte, piuttosto che essere dominati dalla notte». Molteplici sono sull’uomo gli effetti della luce. E’ in grado di avvolgerci, divertirci, attrarci e darci sicurezza, tanto da farci dimenticare l’esistenza del cielo notturno. Una perdita su cui troppo poco ci soffermiamo a pensare, presi ed affascinati dalla vivacità brillante e dinamica dei paesaggi urbani. Ma siamo davvero consapevoli a cosa rinunciamo? E che conseguenze può avere questa rinuncia sulla natura e su noi stessi? Come ogni opera in grado di cambiare l’opinione del pubblico, The City Dark affronta l’argomento da diversi punti di vista per informare e far gradualmente prendere coscienza. Viene raccontata l’esperienza degli astronomi che non riescono più ad avvistare la presenza di asteroidi in arrivo e la necessità di muoversi nelle poche e remote isole buie del pianete per continuare ad osservare e fotografare il cielo notturno. Viene mostrato, come esempio di danno prodotto dall’inquinamento luminoso sugli ecosistemi naturali e la biodiversità, lo smarrimento delle tartarughe che non riescono più a raggiungere l’acqua dopo la schiusa delle uova perché distratte dalle luci artificiali. Altro esempio emblematico è la crescente difficoltà degli animali migratori di concludere le loro traversate. L’oscurità è un habitat necessario per gli animali ma anche per l’uomo: una ricerca di alcuni studiosi americani riporta un alto tasso tumorale, al seno e alla proposta, correlato a lavori Lost in a night of lights «What do we lose if we lose the Night?» T his is the first question of the documentary movie The City Dark directed by Ian Cheney in the 2011. The message of his work is clear and well communicated. The light pollution is a topic which people can’t continue to underestimate. The director came from Maine, where he lived in a bungalow. In this movie he wants to transmit the astonishment he had the first time he was in New York. He felt that something was lost, moving from a 14000-inhabitants -small town with a lot of visible stars to a 8,5 milion-inhabitans metropolis with only 12 visible stars. The 24 hours shop lights, the colored signs, the public illumination, the dazzling shop windows, the shining monuments and the glitter of the big buildings give us the sensation to be at the center of the world. Maybe ate center of the Universe. In fact, the historian Roger Erick says «there isn’t a better symbol of the modern progress then the electricity, and in particular the city lighting». Ian Cheney remembers us that if we are looking trough an airplane windows during the night, it is difficult to understand which one is the earth and which one is the sky. Moreover, the light we see is wasted energy. Jane Brox, in her book Brilliant, speaks about the relation between men and artificial light in the history: «the fight to create more and more light was a fight to dominate the night, rather than be dominated by the night». The effects of light for humans are a lot. It can envelop, entertain, attract and reassure us. Even if we forget the night sky. We rarely think about this loss because we are distracted and attracted by the energetic and dynamic urban landscapes. But are we aware about what we lose? And which effects does this surrender have for the nature and for us? The City Dark is a work that can change the public opinion. The topic is approached from different points of view. Ian Cheney describes the difficulty of the astronomies to see the arriving asteroids and their need to move in the rare dark islands of the Earth in order to observe and photograph the night sky. The 33 svolti durante la notte dovuto ad un’irregolare produzione di melatonina. Quindi l’oscurità è davvero necessaria anche per l’uomo. Per queste, e tante altre ragioni, da qualche anno si stanno istituendo associazioni, gruppi di attivisti e movimenti filantropici per evitare questo “sprawl” di illuminazione artificiale non necessaria e dispendiosa anche dal punto di vista energetico, e per informare cittadini e designer sull’importanza e sul diritto di vivere in un ambiente ben e consapevolmente illuminato. Un interessante mezzo di sensibilizzazione è il timelapse realizzato dal progetto Skyglow, visibile on-line, dove i filmmakers Gavin Heffernan and Harun Mehmedinovic incrociano visioni notturne di Los Angeles con i cieli ripresi in alcune delle riserve naturali 34 del Nord America. Il risultato sono delle scene davvero affascinanti e per certi versi magiche. «L’inquinamento luminoso, noto anche come “skyglow”, non può sembrare il problema più urgente per il pianeta, ma può essere il più indicativo della crescente separazione dell’umanità dalla natura», riporta la pagina Kickstarter del progetto. Oggigiorno è quindi necessario indirizzare lo sviluppo dell’illuminazione esterna notturna verso una direzione virtuosa di rispetto dell’ambiente e di risparmio energetico tramite provvedimenti legislativi, progetti di qualità e modalità di fabbricazione che vadano verso un’eco-illuminotecnica. Un corretto punto di partenza sono le leggi regionali della Lombardia, EmiliaRomagna, Marche, Umbria, Abruzzo e Puglia che hanno introdotto misure per il contenimento dell’inquinamento luminoso e la salvaguardia delle poche oasi di buio rimaste, anche se mancano ancora dei limiti stabiliti e ben determinati e l’estensione di tali misure a tutto il territorio nazionale. I criteri da seguire sono: evitare la sovra-illuminazione degli ambienti, modulare l’illuminazione in base agli orari, gli usi e le effettive esigenze, e minimizzare la dispersione di luce diretta. Le parole dell’astrofisico Neil deGrasse Tyson riassumono bene il rischio che corriamo: «Quando si guarda il cielo di notte, ti rendi conto di quanto siamo piccoli nel cosmo. E’ una sorta di azzeramento del tuo ego. Negare a te stesso quello stato d’animo, volontariamente o involontariamente, è come non vivere in tutta la misura ciò che significa essere umani». difficulty of the new born sea turtles to reach the water because of the artificial lights is an example of the effects of light pollution on the natural ecosystems and on the biodiversity. Another emblematic example is the difficulty of the migratory animals to complete their journey. The darkness is a necessary habitat for animals, and for humans too. In facts an American research shows the relation between breast and prostatic cancer and the night works caused by an irregular production of melatonin. So the darkness Is really necessary for humanstoo.Forthesereasons,several associations, activist groups and philanthropic movements have been founded in order to avoid the artificial light sprawl that is unnecessary and an energetic cost. An other goal is their willing of inform citizen and designers about the importance and the right of live in a conscious and well illuminated environment. The timelapse realized by the project Skyglow is and interesting way to raise awareness on this matter. The two film-makers Gavin Heffernan and Harun Mehmedinovic have mix some night views of Los Angeles with the skies of the Nord American natural reserves. The results are amazing and magic scenes. The Kickstarter page of the project says: “the light pollution, even called sky-glow, couldn’t seem the most urgent problem for the planet, but of course it could be the most representative of the growing separation between humanity and nature”. Nowadays it is necessary to address the development of the external illumination to a virtuous direction to the respect of the environment and to the energetic saving trough legal measures, quality projects and production modes going to an eco-lighting approach. The Italian regional laws of Lombardia, EmiliaRomagna, Marche, Umbria, Abruzzo e Puglia are a correct starting because they have introduced measures to limit the light pollution and to save the few dark oases left, even if there are still not established and well determined limits. Furthermore the other Regions don’t apply these laws. The criteria we need to follow are: to avoid the over lighting of the environment, to modulate the illumination according to the different hours, the different uses and the effective needs, and to minimize the dispersion of direct light. 35 NOVITA’ E’ arrivata la versione cartacea di lab2.0! Da oggi è possibile acquistare direttamente dal nostro sito tutte le pubblicazioni e riceverle comodamente a casa. -------------------------------------------------------www.lab2dot0.com MARCO FABRI diSEGNI M arco Fabri è un aspirante architetto appassionato di fotografia. Dopo una vita passata tra Pisa e Firenze nel il 2012 (l’anno passato a Por to) si avvicina, sotto influenze franco-brasiliane, a nuove tecniche ar tistiche e allarga i suoi orizzonti. Interessato e deciso ad investigare nuove forme di ar tie visuale - come videoproduzione, scenografia teatrale, saltuarie incursioni nel mondo della street-ar t fino a singolari esperimenti di light-painting riesce a dare vita ad un progetto fotografico (diSEGNI) che si basa sulla fusione tra disegno e fotografia. Con l’aiuto dei tempi lenti Marco ci regala la possibilità di “incontrare per le strade” personaggi fatti di luce. Utilizzando il led disegna sagome che prendono vita. Una prima raccolta di immagini in cui fotografia e disegno a mano libera trovano un terreno comune: il led e il laser diventatano matite e lo spazio urbano il foglio su cui disegnare. CURATOR FR A N C ESC A DE DOMI NI CI S PHOTOGRAPHY M AR C O FAB RI TEXT FR AN C ESC A DE DOM I NI CI S TRANSLATION M ART IN A REGIS GRAPHIC AN D R EA B ON AMORE “diSEGNI” è una produzione lab2.0 distribuita in allegato a “lab2.0 Magazine” M arco Fabri is an aspiring architect very keen on photography. After a life spended between Pisa and Florence, in 2012 (the year that he spent in Porto) approaches, thanks to the french and brazilian influences, new creative techniques and broaden his horizons. Interested and determined to investigate new forms of visual ar t – as the video production, theatrical scenic design, occasional intrusions in the street-ar t world, and singular experiments of light-painting – he finally succeed in star ting off a photographic project (diSEGNI) based on the fusion between the drawing and the photography. Thanks to the time laps, Marco gives us the possibility to bump into characters made of light. Using the led, he draws shapes which come alive. A first collection of images where the photography and the freehand drawing find a common field: the led and the laser become pencils and the urban space the paper where is possible to draw. Racconti di ITALIA • CERENZIA 46 Cerenzia: storia di un’antica città Testo e foto di Marika Carmen Iaconis Traduzione di Camilla Curcio «Si racconta che Alessandro il Molosso fu avvertito di evitare le acque dell’Acheronte e la città di Pandosia perché quei luoghi gli sarebbero stati funesti» - [Tito Livio] A lessandro il Molosso, zio di Alessandro Magno, morì infatti nella Pandosia: uno dei molti nomi attribuiti alla città di Cerenzia, un piccolo e tranquillo paese della Calabria Citra posto sotto le pendici della Sila, a 640m sul livello del mare perfettamente individuabile per chi percorre la S.S.107 silanacrotonese. E’ situato su un piano inclinato ed arenoso dove il sole e l’aria sono potenti tutori della salute cittadina. A 5 km dal moderno centro abitato spicca la “vecchia” Cerenzia di cui oggi rimangono, nel silenzio imperante, solo eloquenti ruderi. L’antica Acherenthia che alcuni storici vorrebbero di età Magno Graeca ed addirittura collegata al mitico Filottete, sembra un luogo surreale dove le colline ricordano forme di donne, dove i colori stupiscono per il trascolorare continuamente in strabilianti sfumature di giallo, arancio, rosso e dove rovine, punteggiate di querce, fichi, abeti, a seconda dell’ora del giorno, possono apparire come Eden o Inferno. Fu un’importante e gloriosa città bizantina. Sul pianoro dove sorgeva l’antico centro, sono ancora evidenti le tracce di un consistente agglomerato urbano, tra cui spicca, in particolare, un edificio sacro in gran parte conservato, identificato come il “Vescovado” chiamato “chiesa con tozzo campanile” da Paolo Orsi durante la sua visita del 1911. Decisamente più moderna, forse di epoca normanna, è la torre campanaria eretta a ridosso dell’edificio. La storica cattedrale, versava già dal tardo Settecento in uno stato di prostrazione ma i danni aumentarono durante il sisma del 1783. Attualmente rimane solo una serie di resti che però ci permettono di riconoscere un transetto sopraelevato rispetto alle navate e una cripta sottostante. L’urbs era cinta da altissime mura naturali e dominava, così come domina tuttora, la vallata del fiume Lese, un tempo chiamato Acheronte, da cui ne deriverebbe l’etimologia. Si tratta forse del fiume attraverso il quale Caronte traghettava nell’Ade le anime dei defunti, reso immortale dai versi del sommo poeta fiorentino nella sua Divina Commedia? «Le cose ti fier conte quando noi fermerem li nostri passi su la trista riviera d’Acheronte» - [Dante Alighieri - Inferno, III canto, vv.76-78] Una cosa è certa: in quella che fu la città vecchia, domina e affascina un panorama più paradisiaco che infernale. Le numerose leggende celate, i loquaci ruderi che parlano di storia e gli scorci panoramici suggestivi con grande efficacia espressiva sono solo gli ingredienti principali di questa cittadina crotonese che meriterebbe certamente una visita augurandoci che il tempo non cancelli i suoi ricordi ma che un giorno essi possano ritornare a vivere. Cerenzia: history of an ancient town «It has been told that Alexander Molossus received a warning to beware of the water of Acheron and the city of Pandosia; for it was there that the limits of his destiny were fixed» - [Titus Livius]. Alexander Molossus, Alexander the great’s uncle, died in Pandosia: one of the many names given to Cerenzia, a little, quiet town located in Calabria Citra. It’s placed on a sloping, arenose flatland where the sun and the air are the powerful guardians of the small town’s health. At 5 km from the modern residential area, the “old” Cerenzia, where today we can only find eloquent ruins in the prevailing silence, stands out. The ancient Acerenthia, that some historians date back to the Magna Graecia’s age and even link to the mythical Philoctetes, seems an unreal place, where the hills remind of women’s curves, where colours amaze for their endless discolouring in beautiful shades of yellow, orange, red and where ruins, dotted by oaks, figs, firs, depending on the hour of the day, may look like Heaven or Hell. It was an important, glorious Byzantine town. On the flatland where the ancient town was located, you can still see remainders of a huge urban built up area, among which, what stands out the most is a religious building, mostly preserved, identified as the “Bishopric”, called “Church with stocky belfry” by Paolo Orsi during his visit in 1911. The town was encircled by really high, natural walls and it dominated, as it still does today, the wide valley on the Lese river, formerly called Acheron, from which probably comes the etymology. And it might be through the Acheron that Charon ferried the souls of dead people, a character that become famous thanks to the copious amount of lines written by the famous Florentine Poet in the Divine Comedy? One thing is sure: in the old city, the view that dominates is more heavenly that infernal. The many hidden legends, the eloquent ruins that talk about history and the evocative, scenic glimpses with great, descriptive forcefulness, are only just the main ingredients of this Krotonian town that would definitely deserve a tour, hoping that time doesn’t erase its memories and, one day, they could come back to life. 47 NOVITA’ E’ arrivata la versione cartacea di lab2.0! Da oggi è possibile acquistare direttamente dal nostro sito tutte le pubblicazioni e riceverle comodamente a casa. -------------------------------------------------------www.lab2dot0.com C O N TA M I N AT I O N S INSERTO DI LAB 2.0 ISSN 2385-0884 CONTAMINATIONS E’ un supplemento di lab2.0 Magazine (ISSN 2385-0884) appartenente al gruppo editoriale dailySTORM (testata giornalistica iscritta al Registro della Stampa del Tribunale di Roma, autorizzazione n. 12 del 15 Gennaio 2013) A cura di / Edited by Lorenzo Carrino Testi di / Text by Antonio Vincenzo Sotgiu Enrica Garau Traduzioni/ Translations Lucrezia Parboni Arquati Grafica/ Graphic & Editing Andrea Bonamore Contatti di redazione/ Editorial staff [email protected] Responsabilità. La riproduzione delle illustrazioni e degli articoli pubblicati sulla rivista, nonché la loro traduzione è riservata e non può avvenire senza espressa autorizzazione. Alcune delle immagini pubblicate sono tratti da internet. In caso di involontaria violazione dei diritti d’autore vi preghiamo di contattarci per indicare, nel numero successivo, il nome/ link del proprietario in base al modello di copyright utilizzato. I manoscritti e le illustrazioni inviati alla redazione non saranno restituiti, anche se non pubblicati. CONTAMINATIONS è una produzione lab 2.0 distribuita in allegato a “lab2.0 Magazine” Contaminations - inserto della rivista lab2.0 - nasce come “contenitore” di esperienze, esperienze da condividere e che “viralmente” possano alimentare il dibattito sul ruolo che l’architettura ricopre nella società contemporanea. Contaminations - lab2.0 magazine’s insert - arises as an experiences binder, experiences to share and that, in a viral way, could incite the debate on the role that today the architecture has on the society’s development. INDEXINDICE 05 07 ARCHITETTURE RURALI SARDE P O S TA Z I O N I PI N N E T TAS SARDINIAN RURAL ARCHITECTURE WO R KS TATI O N S P I N N E T TAS 13 15 IL CONCORSO CONCA e CAPANNA PROJECTS REVIEW THE CONTEST CONCA E CAPANNA ARCHITETTURE RURALI SARDE SARDINIAN RURAL ARCHITECTURE A rchitettura indigena, vernacolare, spontanea, “architettura senza architetti”, utilizzando il titolo della grande raccolta di Bernard Rudofsky degli anni sessanta. Architettura che descrive un luogo ben preciso, localizzata in una determinata geografia e in specifici contesti socio-economici. Dimore e rifugi costruiti con i materiali che il luogo può offrire o modificando le forme naturali del terreno e delle rocce. L’uomo viveva dentro la natura, per proteggersi dalla natura stessa: creatrice e distruttrice. Tutto il Mondo è già stato descritto dallo stesso Rudofsky attraverso testi ed immagini su come l’uomo ha abitato, anche temporaneamente, il paesaggio nel tempo, nei luoghi più conosciuti e in quelli più remoti. In modo più presente nel Meilogu, “luogo di mezzo” regione storica della Sardegna centro settentrionale, ed anche nelle subregioni della Planargia e del Marghine, l’uomo ha lasciato degli “alveari” in pietra, rifugi per tutte le stagioni, tracce della propria attività agricola e pastorale. Sas Pinnettas sono le capanne del pastore con muro a secco circolare, utilizzate attivamente fino a qualche decennio fa. Nel Meilogu si differenziano dal resto della Sardegna per il tholos di pietra in copertura. In quest’isola al centro del Mediterraneo, corridoio di cultura, in cui i popoli si sono incontrati, si sono insediati e poi spostati, la tecnica della copertura a tholos, o “falsa cupola”, è ancora riscontrabile nelle campagne dove le pietre piatte si trovano numerose. Capanne costruite con il materiale di spietramento del terreno, che veniva raccolto in grandi mucchi, così da poter arare il suolo per la coltivazione o renderlo praticabile per il pascolo. La disponibilità della pietra stratificata con spessori variabili in questa parte dell’isola ha determinato una diffusione della tecnica del tholos, conosciuta e riscontrabile in altre parti del Mediterraneo: dalla Siria, a Creta, alla Penisola d’Istria, alla Puglia, alla Corsica, all’Isola d’Elba e al Marocco, alla Catalogna, all’Isola di Maiorca e alla Provenza, per citarne alcune, ma anche in terre più lontane come l’Irlanda, la Scozia e il continente africano. I tholos più famosi sono senza dubbio i trulli pugliesi, costruzioni diffuse sia nelle campagne che in insediamenti compatti, descritte ed analizzate da più studiosi tanto da generalizzare e chiamare tutte le costruzioni con copertura a tholos “a trullo”, dal greco antico τρολλος, “cupola”. Capanne, tombe e pozzi sacri edificati con la tecnica a tholos sono un patrimonio diffuso in molte aree del Mediterraneo. In Sardegna, i nuraghi stessi e il complesso di capanne attorno, potrebbero essere un esempio di come la tecnica fosse un’eredità delle civiltà presenti nell’isola dal II millennio a.C.. Le stesse valli del Meilogu sono state importanti centri di insediamento della civiltà nuragica. Non si vogliono però utilizzare queste righe per aprire un dibattito, acceso da diversi anni, sull’origine della tecnica a tholos, che necessita una sede a parte e precisi studi in materia. Un pastore conoscitore del territorio del Meilogu racconta che «Quando qualcuno voleva fare i “dispetti”, si metteva fuoco al tetto in frasche delle pinnette. Qualcuno è rimasto arrostito là dentro. Le pinnette tutte in pietra, invece, non possono prendere fuoco. E’ questo il bello! ». Oltre ad una potenziale resistenza al fuoco correlata ai “dispetti”, anche la parte interna in pietra ha una sua funzione importante. Negli interni delle pinnettas, e delle altre capanne diffuse nell’isola, sono presenti le tracce dell’uomo che con il focolare centrale si riscaldava e cucinava. Il fumo poteva filtrare dalla cupola tra una pietra e l’altra, le quali non erano legate da alcun tipo di malta. Oggi, le cupole interne annerite dal fumo e i tronchi di legno per appendere i cibi da affumicare, testimoniano l’essenzialità con la quale il pastore viveva la capanna. introduzione 5 I ndigenous, vernacular, spontaneous architecture, “architecture without architects”, using the title of the sixties largest collection of Bernard Rudofsky. Architecture that describes a particular place, located in a particular geography and specific socio-economic contexts. Dwellings and shelters built with materials that the place has to offer, or changing natural forms of soil and rocks. The men lived in nature, to protect themselves from nature itself: creative and destructive. Worldwide has already been described by the same Rudofsky through texts and images on how the man lived, even temporarily, the landscape over time, in the most popular and in the most remote places. More present in Meilogu, “place of the half-way”, historical region of northern central Sardinia, and also in the subregions of Planargia and Marghine, the man left the stone “hives”, shelters for all seasons, traces of its farming and pastoral. Sas pinnettas are the huts of the shepherd with circular drywall, actively used until a few decades ago. Meilogu differs from the rest of Sardinia for tholos stone coverage. On this island in the middle of the Mediterranean, corridor of culture, where people met, have settled and then moved, the technique of coverage tholos, or “false dome”, it could be still found in rural areas where the flat stones there are many. Huts built with the material of stone clearance of the land, which was collected in big piles, so he can plow the soil for cultivation or make it viable for grazing. The availability of stone layered with thicknesses in this part of the island led to a spread of the technique tholos, known and found in other parts of the Mediterranean, from Syria to Crete, the Istrian Peninsula, Puglia, Corsica, Elba Island and Morocco, to Catalonia, the island of Mallorca and Provence, to name a few, but also in more distant lands such as Ireland, Scotland and the African continent. The most famous tholos are undoubtedly the Apulian trulli, buildings spread both in the countryside than in compact settlements, described and analysed by most scholars much to generalize and call all buildings with coverage tholos as “trullo”, from the ancient Greek τρολλος, “dome”. Huts, tombs and sacred wells built with the technique tholos are a common heritage in many areas of the Mediterranean. In Sardinia, the nuraghi themselves and the complex of huts around, could be an example of how the technique was a legacy of civilization on the island from the second millennium B.C. The same valleys Meilogu were important centres of Nuraghic population. But you do not want to use these lines to open a debate, lit by several years, the origin of the technique tholos, that needs a home apart and precise studies on the subject. A pastor expert of the territory Meilogu said that “When someone wanted to do the “mischief “, he would fire the branches roof. Someone was roasted in there. The pinnettas all in stone, however, can not burn. It ‘s the beauty! ». In addition to a potential fire resistance related to “tease”, also the inner part in stone has its important function. In the interior of pinnettas, and of the other huts spread in the island, there are traces of man that with the central fireplace was heated and cooked. Smoke could filter out from the dome between a rock and the other, which were not bound by any kind of mortar. Today, the domes inner blackened by smoke and trunks of wood to hang the food to be smoked, testify to the simplicity with which the shepherd’s hut lived. POSTAZIONI PINNETTAS WORKSTATIONS PINNETTAS O ggigiorno solo in pochi possono raccontare esperienze di vita e lavoro nelle pinnettas e pochissimi sono in grado di costruirle interamente dal muro a secco circolare alla copertura in frasche o in pietra. Ancora meno conoscono la tecnica della cupola a tholos. Una delle poche figure ancora attive nel Meilogu è Pietrino Sechi di Bonorva, maestro dei muri a secco e dell’utilizzo delle pietre grezze. Su Mastru ha affiancato l’Associazione Po.Ps. nel progetto Postazioni Pinnettas, volto a tenere accesa la memoria, imparare la tecnica e proporre una nuova funzione alle capanne dei pastori. Il centro di Semestene, nel Meilogu, è stato preso come contesto in cui sviluppare la prima parte del progetto. Centoventi residenti abitano il centro, in una valle dalle forme particolari, ricca di acqua e di una terra molto fertile; un territorio filtro tra la costa e l’entroterra che ha visto il passaggio di molti popoli. Oggi quest’area è stata riconosciuta come uno dei centri culturali della Sardegna che in meno di due decenni potrebbe scomparire. Il Parco “rurbano” del paese, di proprietà comunale, sfumatura tra il centro abitato e l’agro, dove sono già presenti due esempi di pinnetta e barracca, è stato scelto come sito per un cantiere scuola. Tramite il cantiere, i partecipanti ai quattro incontri (Ottobre 2014, Gennaio, Maggio e Luglio 2015) durante le quattro stagioni, hanno potuto apprendere la tecnica costruttiva, dal tracciare le fondazioni fino ai dettagli della cupola, alcune nozioni di statica, principi di cantieristica, l’uso degli attrezzi, la scelta e la disposizione delle pietre. Circa quaranta partecipanti, distribuiti nei quattro incontri, hanno potuto lavorare con condizioni climatiche differenti per ogni stagione, in un vero cantiere, con maestro, aiutante, e direttore dei lavori. Il cantiere, compreso anche di imprevisti e decisioni prese a lavori in corso, è stato un’occasione di esercizio per far avvicinare i partecipanti al lavoro manuale. Si parla di esercizio, in quanto in passato, mossi da diverse necessità, le pinnette venivano costruite nell’agro, lontano dal centro abitato, dopo una scelta accurata del sito, in un punto accessibile ma protetto allo stesso tempo, con il materiale raccolto nelle immediate vicinanze. Come sito del cantiere scuola è stato invece selezionato il parco del paese, in cui parte del materiale da costruzione è stato trasportato dal territorio circostante. Un esercizio che però è stato un’opportunità d’incontro e di apprendimento, in cui la tecnica tradizionale è stata rispettata. Prodotto del lavoro dei partecipanti è un nido di pietra, da inserire in un ragionamento più ampio. La copertura vegetale di un’altra pinnetta (o meglio pinnettu) è in fase di costruzione, utilizzando materiali locali. Le due nuove costruzioni nello spazio del parco, combinate con le altre due già esistenti, sono l’inizio di un grande progetto nato, prendendo spunti dal passato, per proporre un nuovo modo di vivere il territorio. Questo non vuol dire tornare alla realtà primitiva, ma piuttosto considerare tutti gli elementi del paesaggio come entità da conoscere, rispettare ed utilizzare. Il Progetto Postazioni Pinnettas, vorrebbe dunque suggerire una nuova concezione dell’architettura indigena locale, per arrivare ad una pianificazione a scala territoriale, considerando una ridefinizione del rapporto uomo-natura. Un progetto ambizioso, in un territorio in fase di spopolamento, che richiede tempo ed incontri tra vecchie e nuove figure. Già prima degli appuntamenti stagionali di cantiere, è stato possibile incontrare gli abitanti meno timidi di Semestene e dei centri vicini per raccogliere testimonianze di momenti passati e vissuti nelle campagne. I racconti, di un passato lontano, hanno sottolineato un diverso rapporto con la natura rispetto a oggi. Il pastore che abitava temporaneamente le capanne di pietra, era un pastore guardiano e custode del territorio. Questa figura cambia nel tempo e nello spazio: il pastore viveva a stretto contatto con la natura e “dentro di essa”, cercando di addomesticarla per svolgere le attività quotidiane necessarie per la sopravvivenza. La capanna era la casa temporanea, il rifugio, il riparo, dove spesso il pastore trascorreva interi mesi di solitudine, immerso nella natura mutevole. Erano presenti più coltivazioni e una maggiore necessità di persone che vivessero e lavorassero nel territorio come custodi di esso. Più persone e dunque più pinnette costellavano il paesaggio. Oggi alcuni di questi nidi di pietra a secco sono crollati e avvolti dalla vegetazione circostante, altri sono ancora in piedi, fieri, come se non avessero mai sentito il passare del tempo. Sa Pinnetta è una delle testimonianze dei cambiamenti spazio-temporali che riguardano la natura, l’economia, la tradizione e le popolazioni del territorio. P ostazioni P innettas 7 N owadays only a few can share experiences of life and work in pinnettas and very few are able to build them entirely from circular drywall to branches or stone roof. Even fewer know the technique of the tholos dome. One of the few figures still active in Meilogu is Pietrino Sechi Bonorva, master of dry walls and the use of rough stones. Su Mastru has joined the Association Po.Ps. in the project pinnettas stations, which aims to keep alive the memory, learning the technique and propose a new feature to the shepherds’ huts. The centre of Semestene, in Meilogu, was taken as the context in which develop the first part of the project. One hundred and twenty residents live in the centre, in a valley with particular shapes, rich in water and a very fertile land; a filter area between the coast and the hinterland and saw the passage of many peoples. Today this area has been recognized as one of the cultural centres of Sardinia, which in less than two decades could disappear. The Park “Rurbano” in the country, owned by the city, the gradient between the town and the countryside, where there are already two examples of pinnettas and barracca, was chosen as the site for a school yard. Through the site, participants in four meetings (October 2014, January, May and July 2015) during the four seasons, were able to learn the building techniques, from drawing the foundations down to the details of the dome, some basics of statics, principles of shipbuilding, the use of tools, the choice and arrangement of the stones. About forty participants, distributed in the four meetings, were able to work with different climatic conditions for all seasons, in a real construction site, with the teacher, assistant, and project manager. The yard, including even unforeseen and decisions made in work in progress, was an opportunity to bring the participants to manual labour. It comes to exercise, as in the past, driven by different needs, the pinnettas were built in the countryside, away from the town, after a careful selection of the site, in an accessible but protected at the same time, with the material collected in immediate vicinity. As the site of the school yard was instead selected the country park, in which the building material was transported from the surrounding area. An exercise but it was an opportunity for meeting and learning, in which the traditional technique has been respected. Product of the work of the participants is a nest of stone, to be inserted in a broader scheme. The vegetation cover of another pinnetta (or better pinnettu) is under construction, using local materials. The two new buildings in the space of the park, combined with the other two that already exist, are the beginning of a major project was born, taking cues from the past, to propose a new way to experience the region. This does not mean returning to the primitive reality, but rather to consider all elements of the landscape as an entity to be known, respected and used. Project pinnettas stations, would therefore suggest a new form of local indigenous, to arrive at a planning on a regional scale, considering a redefinition of the relationship between man and nature. An ambitious project, in an area suffering from depopulation, which takes time and meetings between old and new figures. Even before the events of seasonal construction site, it was possible to meet the less shy inhabitants of Semestene and nearby villages to collect evidence of past moments and experiences in the countryside. The stories, of a distant past, stressed a different relationship with nature than today. The pastor who lived temporarily stone huts, was a shepherd guardian and custodian of the land. This figure changes in time and space: the shepherd lived in close contact with nature and “in it”, trying to tame it to perform daily tasks necessary for survival. The hut was the temporary home, the shelter where the pastor often spent whole months of solitude, surrounded by nature changeable. There were more crops and a greater need for people who live and work in the territory as custodians of it. More people and therefore more pinnettas dotted the landscape. Today some of these nests of dry stone fell and enveloped by the surrounding vegetation, others are still standing proud, as if they had never heard the passage of time. Sa pinnetta is one of the testimonies of the changes of space and time concerning the nature, the economy, the tradition and the people of the territory. 9 P ostazioni P innettas 11 P ostazioni P innettas E ’ sul rapporto uomo-natura, da ripristinare a lungo termine, che l’Associazione Po.Ps. ha voluto affiancare agli eventi del cantiere scuola semestenese, un “concorso teorico sull’immaginazione”, volto a descrivere la capanna che si ha nella propria testa. Il concorso “Conca e Capanna!”, dal sardo “testa di capanna”, è stato presentato al pubblico in occasione della serata “Incontri sopra e sotto natura”, nel maggio del 2015, negli spazi del Dipartimento di Architettura Design Urbanistica di Alghero. Era importante presentare il concorso e tutti i suoi retroscena in una scuola di architettura. Ragionare sulle capanne, come principio della dimora, dove avveniva un forte legame tra uomo natura, ci porta a pensare al modo in cui dovremmo forse progettare le città. Urbanisti, architetti, ingegneri, designer, progettisti, hanno da sempre avuto il compito di migliorare il nostro spazio di vita e la convivenza con tutti gli esseri viventi e gli ambienti naturali. La capanna è stata presa come esempio fondante di questo rapporto sgretolato tra l’uomo, la natura e l’abitare. Un bando di concorso dove tutti sono stati chiamati a partecipare: artisti, studenti, adulti, piccini ed anziani, nessuno escluso. Sono stati raccolti decine di lavori ed elaborati, infine esposti in una mostra, che delineano l’idea di capanna, raccontata da ogni partecipante, con sfaccettature differenti. Si va da disegni a quadri su tela, da schizzi su carta a mini modelli realizzati con tabacco, cartone, legno, palle di mare; da fotografie a testi scritti ed elaborati sonori. Come esistono milioni di idee di capanna, così esistono altrettanti modi di rappresentarla. Il concorso si è concluso con la premiazione degli elaborati più originali, significativi e centrati, premiati con prodotti locali del territorio, manufatti artigianali, libri e incontri con l’Associazione. Affiancando l’esperienza del workshop pratico a quella più “teorica” e riflessiva del Concorso “Conca e Capanna!”, l’Associazione Culturale Po.Ps. è riuscita a passare dalla teoria alla pratica metodologica e viceversa. L’Associazione, condivisa la propria idea di capanna con gli altri, era desiderosa di conoscere le idee delle persone, raggiungendo l’obiettivo di riportare in mente quell’idea dimenticata di capanna che ognuno di noi aveva da bambino, e far capire che poi, così tanto dimenticata non è. Il concorso ha stimolato i partecipanti a tornare bambini, quando la capanna la si costruiva tra gli alberi, tra le dune di sabbia, con i cuscini. La capanna per il bambino è il rifugio dal mondo degli adulti, spazio per l’immaginazione e per la creatività spontanea. Il bambino come ultima figura indigena ancora esistente in questa società. Seguendo quest’ottica, le pinnettas nel parco rurbano di Semestene non nascono con lo scopo di essere rifugi per il pastore, ma invece come incontro per la costruzione ed il gioco. Anche Po.Ps. è tornata bambina, costruendo la capanna di pietre a secco che sarà utilizzabile per diversi eventi, manifestazioni culturali del paese e situazioni di ricovero occasionale tra l’abitato e l’agro. Accessibile facilmente da tutti, «rimarrà in piedi per i prossimi 500 anni», come testimonia Su Mastru ad opera conclusa. I t is on the relationship between man and nature, to restore long-term, that the Association Po.Ps. He has chosen to associate the events of the school yard of Semestene, a “theoretical competition on imagination” in order to describe the cabin that you have in your head. The contest “Conca e Capanna!”, From the Sardinian “ hut head “, was presented to the public during the evening “Meetings up and down nature”, in May 2015, in the spaces of the Department of Urban Design Architecture of Alghero. It was important to present the competition and all its background in a architecture school. Think about the huts, as a principle of residence, where it was a strong bond between man and nature, it leads us to think about the way we should perhaps design cities. Planners, architects, engineers, designers, planners, have always had the task of improving our living space and coexistence with all living beings and the natural environment. The hut has been taken as an example of this fundamental relationship crumbled between man, nature and living. A competition where everyone is called to participate: artists, students, adults, children and elderly, without exception. Were collected and processed dozens of jobs, finally displayed in an exhibition, which outline the idea of the hut, told by each participant, with different facets. It ranges from drawings to paintings on canvas, from sketches on paper to mini models of tobacco, cardboard, wood, sea of balls; from photographs to texts written and processed sound. As there are millions of ideas of hut, so there are many ways to represent it. The competition ended with the awarding of the works most original, significant and focused, award-winning local produce of the area, handicraft, books and meetings with the Association. By combining the experience of practical workshops to the more “theoretical” and reflective of the Competition “Conca e Capanna!”, The Cultural Association Po.Ps. Rurbana has managed to move from theory to methodological practice and vice versa. The Association, shared his idea of the hut with the others, was eager to know the ideas of people, reaching the aim of bringing to mind the idea of forgotten hut that each of us had a child, and to understand that then, so it is not forgotten. The competition has prompted participants to go back to childhood, when the hut was being built in the trees, among the sand dunes, with pillows. The hut for the child is the shelter from the adult world, room for imagination and for spontaneous creativity. The child as a last indigenous figure still exists in this society. Following this point, the pinnettas in “rurbano” park in Semestene do not born with the aim to be havens for the pastor, but instead as a meeting place for the construction and the game. Even Po.Ps. is a child again, building the dry stone hut that will be used for different events, cultural events in the country and occasional situations of hospitalization between the town and the countryside. Easily accessible by all, «it will stand for the next 500 years», as evidenced by Su Mastru ended. C onca e C apanna 13 IL CONCORSO “CONCA E CAPANNA!” THE CONTEST “CONCA E CAPANNA!” PROJECTS REVIEW 15 C onca e C apanna PAGURO MARIO Andrea D’Ascanio HAT LEAVES Andrea Casciu C onca e C apanna 17 FATICA MIA FATTI CAPANNA Kiki Skipi LA BANDIERA Nicola Garau CONCASA ‘E GHIANDA Bastianina Unali LA CAPANNA ROVESCIATA Viola Fonnesu C onca e C apanna 19 CAPANNEDDA TABACCHEDDA Paolo Piras RIFLETTE IL PENSIERO DI CHI LA FA Rafael Serra IL F_CUOCO FA CAPANNA Emanuel Muroni BOTTEPINETTA Nicola Solinas C onca e C apanna 21 SORRIDAI Arrigardhu Futta COSTRUIRE Andrea Cappai ARCHEOLOGIA UDITIVA Diego De Angelis Alba Davide COPERTA SCURA Davide Fadda Alba Montis C onca e C apanna 23 LA CAPANNA E’ UN SENTIMENTO Gabriella Felix NOVITA’ E’ arrivata la versione cartacea di lab2.0! 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