Tobias Rehberger | W rap it up

deutsche bank collection
+ recent works on paper
Tobias Rehberger | Wrap it up
Where do I come from?, 2012
Stampa digitale, acquerello, matita su carta vergata • Digital print, watercolour, pencil on laid paper
42x29,7 cm
Courtesy Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt
Tobias Rehberger l Wrap it up
deutsche bank collection
+ recent works on paper
MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma
19.09.2014 - 11.01.2015
MACRO - Museo d'Arte Contemporanea Roma
via Nizza 138
www.museomacro.org
martedì-domenica 11.00-19.00, sabato 11.00-22.00
tuesday-sunday 11 AM - 7 PM, saturday 11 AM - 10 PM
• curator
Friedhelm Hütte, global head of art, deutsche bank
curatore
si ringrazia
• thanks to
Studio Tobias Rehberger
Deutsche Bank Art, Frankfurt
Communications and CSR Italy Deutsche Bank
Deutsche Bank e MACRO presentano Wrap it up, la prima rassegna completa delle opere su carta di Tobias Rehberger, classe 1966,
uno dei maggiori esponenti dell'arte contemporanea internazionale. Nel 2009, in occasione della 53a Biennale di Venezia, Rehberger è
stato insignito del Leone d'Oro per la sua installazione "Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen" (Quello che ami è anche quello
che ti fa piangere). Presente dal 1992 nella Deutsche Bank Collection con numerosi lavori, gli è stato riservato un intero piano nella
nuova sede della banca a Francoforte. La mostra riunisce opere di questa collezione nonché molti prestiti provenienti da oltre tre
decenni di lavoro. Wrap it up è illuminata dalle "Infections" dell'artista, ossia corpi luminosi fatti con strisce di velcro colorate. Al
confine tra arte figurativa, cultura pop e design, Rehberger spazia in ambiti di vita diversissimi. Anche con le sue opere su carta, si
comporta come un ricercatore che studia le relazioni degli esseri umani con il mondo oggettivo, che si tratti di copiare gioielli a buon
mercato o di dipingere ad acquerello i campi di battaglia di Verdun alla maniera di un pittore dilettante.
Deutsche Bank and MACRO are delighted to present Wrap it up, the first complete exhibition of the works on paper of Tobias Rehberger,
born in 1966 and one of the most important exponents of international contemporary art. In 2009, at the 53rd Venice Biennale,
Rehberger was awarded the Golden Lion for his installation “Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen” (What you love is also that
which makes you cry). Present with several works in the Deutsche Bank Collection since 1992, the bank has dedicated to the artist an
entire floor in the new Frankfurt headquarters. The exhibition brings together works from this collection and many other works on loan
from over three decades of work. The exhibition is illuminated by the “Infections”, that is, lampshades made with coloured velcro
ribbons. On the border between figurative art, pop culture and design, Rehberger operates in very different areas of life. Even with his
works on paper, he behaves like a researcher studying the relations of human beings with the objective world, dealing with copying
cheap jewels or water colouring the battlefields of Verdun in the manner of an amateur painter.
The seven fitting backgrounds des Warhol Attentats, 1991
Serigrafia • Screen printing
35,5x26 cm ciascuno • each
Deutsche Bank Collection
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Tobias Rehberger l Wrap it up
deutsche bank collection
+ recent works on paper
p. 7
Giovanna Marinelli
assessore alla cultura, creatività e promozione artistica di roma capitale
Flavio Valeri p. 9
chief country officer, deutsche bank
p. 10
Friedhelm Hütte
global head of art, deutsche bank
Questo stato oscuro: Tobias Rehberger su Wrap it up This unclear status: Tobias Rehberger on Wrap it up
p. 13
Biografia • Biography
p. 30
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17 Jahre PDS, 14 Jahre Kuchenstand der PDS, 2007
Acquerello, matita, evidenziatore • Watercolour, pencil, marker
41x54 cm
Courtesy Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt
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Giovanna Marinelli
assessore alla cultura, creatività
e promozione artistica di roma capitale
L’opera di Tobias Rehberger include molteplici forme
di espressione artistica quali il cinema, il design o
l’architettura, restituendo nelle sue opere la complessità
e l’eterogeneità della ricerca artistica contemporanea,
stimolandone — in modo giocoso e spesso spiazzante —
un dialogo aperto e un confronto proficuo.
La mostra Wrap it up presenta per la prima volta
al pubblico, in un allestimento ideato dall’artista
appositamente per questa mostra, i lavori su carta di
Rehberger: in parte opere compiute e in parte studi
variamente collegati alle grandi installazioni ambientali e
ai progetti espositivi per i quali l’artista è maggiormente
conosciuto e per i quali ha meritato nel 2009 il Leone d’Oro
alla 53a Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale
di Venezia. Opere fortemente coinvolgenti, comprensibili
e interpretabili secondo diversi livelli di lettura, dai
professionisti e dagli addetti ai lavori come dal pubblico di
tutte le generazioni.
Wrap it up è la terza mostra — dopo quelle dedicate a
Yto Barrada (2012) e Imran Qureshi (2013) — legata alla
partnership tra Deutsche Bank e MACRO: esempio virtuoso
di collaborazione tra istituzioni pubbliche e private da
guardare come modello e punto di partenza per ulteriori
nuove sinergie. Preservare e valorizzare il patrimonio
artistico unico al mondo di Roma deve necessariamente
procedere di pari passo con l’investimento di risorse ed
energie sulla produzione artistica e culturale delle giovani
generazioni di oggi.
Roma Capitale ringrazia quanti hanno contribuito alla
realizzazione di questa mostra, in particolare Flavio Valeri,
Consigliere Delegato di Deutsche Bank Italia e Friedhelm
Hütte, Responsabile Artistico di Deutsche Bank e curatore
della mostra.
Tobias Rehberger’s work includes a wide range of
forms of artistic expression, such as cinema, design
and architecture. In his pieces, he contributes his sense
of complexity and variety to the contemporary artistic
community, with which he engages in an open, fruitful
exchange of ideas through his playful and often unsettling
efforts.
The show Wrap It Up presents Rehberger’s work on paper
to the public for the first time, in an arrangement conceived
by the artist specifically for this exhibition: some of these
are completed pieces, while others are studies relating in
various ways to the large environmental installations and
exhibition projects for which the artist is best known, and
for which in 2009 he was awarded the Leone d’Oro at the
53rd International Art Exhibition at Venice Biennale.
These are striking works, which can be viewed and
understood on various levels, by professionals and experts
as well as by members of the general public of all ages.
Wrap It Up is the third show – following those dedicated to
Yto Barrada (2012) and Imran Qureshi (2013) – associated
with the partnership between Deutsche Bank and MACRO:
a virtuous example of collaboration between public and
private institutions to be regarded as a model and point of
departure for further synergies.
Protecting and making the best use of Rome’s unique
artistic heritage must inevitably go hand-in-hand with
investing resources and energy in the artistic and cultural
efforts of today’s younger generations.
Roma Capitale would like to thank those who contributed
to making this show a reality, and in particular Flavio
Valeri, Chief Country Officer of Deutsche Bank in Italy, and
Friedhelm Hütte, Global Head of Art of Deutsche Bank and
curator of the exhibition.
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261 applications (CIN&ILL), 2005
Stampa computer su carta carbone • Computer print on charcoal paper
160x110 cm
Courtesy neugerriemschneider, Berlin
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Flavio Valeri
chief country officer
deutsche bank
Nel 2011, a Milano, Deutsche Bank ha ospitato la
presentazione della speciale Fiat 500 di Tobias Rehberger,
realizzata in favore della divisione neonatologica
dell’Ospedale Sant’Anna di Torino. È stata la prima
occasione d’incontro in Italia con questo straordinario
artista tedesco legato al nostro Paese da prestigiosi
riconoscimenti, come il Leone d’Oro alla 53a Esposizione
Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia.
Dopo tre anni è con piacere che realizziamo in esclusiva
con il MACRO di Roma Wrap it Up, l’ultima mostra di
Tobias Rehberger, che costituisce un ricco percorso
attraverso la sua produzione artistica degli ultimi trent’anni,
caratterizzata da un profondo e costante legame con il
nostro Istituto, come testimoniano le numerose opere
esposte, provenienti dalla Deutsche Bank Collection.
Con Tobias Rehberger celebriamo così il terzo anno
di partnership con il MACRO, una collaborazione di
lungo corso nata dalla volontà comune di presentare al
pubblico proposte artistiche internazionali e di valore.
Dopo la marocchina Yto Barrada e il pakistano Imran
Qureshi, Artisti dell’Anno di Deutsche Bank presentati
rispettivamente nel 2012 e nel 2013, è la volta di un grande
nome dell’arte internazionale, segno del costante impegno
di Deutsche Bank a sostegno del museo capitolino, che da
anni si distingue in Italia per programmi artistici di qualità.
Per aver consentito la realizzazione di questo progetto,
Deutsche Bank porge il più sentito ringraziamento a
Roma Capitale, nella persona di Giovanna Marinelli –
Assessore alla cultura, creatività e promozione artistica; a
Giovanna Alberta Campitelli – Direttore del MACRO e ai
suoi collaboratori; a Friedhelm Hütte – Global Head of Art
Deutsche Bank e curatore della mostra. Non da ultimo un
ringraziamento speciale a Tobias Rehberger.
In 2011 Deutsche Bank hosted in Milan the presentation
of Tobias Rehberger’s special Fiat 500, created for the
neonatology department of Sant’Anna Hospital in Turin.
This was the first opportunity in Italy to discover this
extraordinary German artist with strong ties to this country
due to prestigious awards such as the ‘Leone d’Oro’ Award
at the 53rd Venice Biennale International Art Exhibition.
Three years later it is with pleasure that we announce
our exclusive presentation alongside MACRO in Rome
of Wrap it Up, Tobias Rehberger’s latest exhibition, a rich
journey through his art of the last thirty years, marked by
a profound and constant link with our Bank, as testified by
the many works on show which come from the Deutsche
Bank Collection.
With Tobias Rehberger, we are celebrating the third year of
our partnership with MACRO, a collaboration looking far
into the future and born out of a common desire to offer
major international art to the wide public.
After Yto Barrada from Morocco and Imran Qureshi from
Pakistan, Deutsche Bank’s ‘Artists of the Year’ for 2012 and
2013, respectively, now it is the turn of this important name
in international art, reinforcing Deutsche Bank’s unfading
commitment to supporting the Rome museum which
has distinguished itself in recent years in Italy for its art
programs of the highest quality.
Deutsche Bank wishes to express its sincere thanks for
making this project possible to Roma Capitale, in the
person of Giovanna Marinelli – Councillor for culture,
creativity and artistic promotion; to Giovanna Alberta
Campitelli – MACRO Director – and her assistants; to
Friedhelm Hütte – Global Head of Art Deutsche Bank and
curator of this exhibition. And, importantly, we devote our
special thank to Tobias Rehberger.
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Friedhelm Hütte
global head of art
deutsche bank
Pittura en plein air sui campi di battaglia di Verdun, collage,
opere astratte, stampate con pigmenti di vestiti bruciati:
con Wrap it up Deutsche Bank, in collaborazione con il
MACRO, mostra un lato finora poco conosciuto delle opere
di Tobias Rehberger. I disegni, le stampe e i lavori su carta
dell’artista non sono mai stati finora presentati con una
tale compiutezza. Rehberger è attualmente presente nella
Deutsche Bank Collection con numerose opere, e l’Istituto
ha dedicato all’artista un intero piano del suo nuovo
quartier generale a Francoforte. La mostra di Roma unisce
le opere di questa collezione a numerosi prestiti provenienti
da altre raccolte, che testimoniano oltre trent’anni di lavoro
dell’artista. Le opere sono illuminate dalle “Infections” di
Rehberger, cioè paralumi creati con nastri in velcro colorati.
Già prima di vincere il Leone d’Oro alla 53a Biennale di
Venezia nel 2009 per la sua installazione “Was du liebst,
bringt dich auch zum Weinen” (Quello che ami è anche
quello che ti fa piangere), Rehberger era noto al pubblico
internazionale. Da tempo è considerato l’indiscusso
protagonista di una generazione che ha messo in moto
una rivoluzione negli anni ’90. Insieme agli artisti Ólafur
Elíasson, Jorge Pardo e Rirkrit Tiravanija, in occasione delle
proprie mostre, ha creato situazioni e luoghi per incontri
sociali, ampliando l’area di confine tra arte, architettura e
design.
Data la natura delle sue installazioni, che includono
l’osservatore e assumono la forma di paesaggi modulari,
di vasi o di sculture astratte, l’opera di Rehberger è
stata sempre collocata nel contesto della cultura pop
e del lifestyle. Ma la sua è tutt’altro che una piacevole
espressione di arte partecipativa. Come tranelli raffinati
e filosofici le sue opere demoliscono non solo i concetti
di “forma” o “funzione”, ma mettono radicalmente in
dubbio anche il ruolo dell’artista e le convenzioni della
produzione artistica. Spesso ricorrono, inoltre, al mezzo del
camuffamento: l’esempio hippy dell’op-art di una caffetteria
è di fatto il camouflage delle battaglie navali della Prima
Guerra Mondiale, le pitture murali rappresentano il disegno
a maglia di un pullover, una scultura sontuosa serve solo
Plein air painting on the battle fields of Verdun, collages,
abstract works painted with pigment extracted from
burnt clothing - all these feature in Wrap it up where
Deutsche Bank in collaboration with the MACRO shows a
hitherto barely known side of Tobias Rehberger’s creative
output. His drawings, prints and work on paper have never
been shown before in such abundance. The Deutsche Bank
Collection contains numerous examples of his art and a
whole floor of its Frankfurt headquarters is devoted to his
work. The exhibition in Rome combines pieces from the
collection and numerous items on loan from more than
three decades of his work.
It is illuminated by Rehberger’s “Infections”, light
installations made of coloured velcro tapes.
At least since he was awarded the Golden Lion for his
installation “What you love also makes you cry” at the 53rd
Venice Biennale in 2009, Rehberger is now widely known to
an international public. And yet within the art world, he has
long been known as a key protagonist of a generation who
triggered a revolution in the 1990s. Together with artists
such as Ólafur Elíasson, Jorge Pardo or Rirkrit Tiravanija,
he created situations and locations for social encounters in
the context of exhibitions and expanded the area in which
art, architecture and design overlap.
Precisely because his installations could assume the form
of seating environments, vases or abstract sculptures and
so draw in the observer, Rehberger’s work has again and
again been classed under the headings of pop culture
and lifestyle. Yet his pieces have nothing in common
with amiable participatory art.
Conceived as sophisticated, philosophical traps, they
not only sabotage concepts like “form” and “function”,
they also radically question the role of the artist and the
conventions of artistic production.
To do this, they commonly use camouflage as a device.
For example, the hip op-art pattern in a cafeteria is actually
battleship camouflage from the First World War, the mural
is a gigantic knitting pattern for a pullover and an elaborate
sculpture is only there to cast a shadow.
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a creare un’ombra. Con Rehberger gli schizzi possono
sembrare il risultato finale che resta spesso oscuro, che si
tratti ora di un’opera autonoma, ora di un modello.
Anche i disegni e i lavori su carta dell’artista funzionano in
base al principio del tranello. Una figura apparentemente
abbozzata può essere in realtà la documentazione del
lavoro già realizzato e finito, un disegno al computer
dall’effetto maldestro e infantile può costituire un’opera
d’arte rigorosamente concettuale. Anche se i lavori su
carta sono difficilmente correlati ai suoi lavori scultorei,
essi si incastrano senza soluzione di continuità in
un’opera dove non esistono gerarchie. Rehberger ha
scelto scherzosamente il titolo Wrap it up per questa
mostra: i suoi disegni, collage e stampe costituiscono una
sovrastruttura per nulla leggera. Essi “impacchettano” o
“avvolgono” la sua opera e definiscono in modo dialettico
come funziona o meno. Perché con Rehberger non è mai
chiaro cos’è ora la confezione e cosa il contenuto.
Rehberger’s drafts or sketches can look more spectacular
than the final result and it is often unclear whether we are
looking at an independent work or a model.
Even Rehberger’s drawings and paper work operate on
the trap principle. What looks like a draft sketch can in
fact be the documentation of a finished, already realised
work and a clumsy, seemingly childish computer drawing
can be a strict, conceptual art work. Even if his work on
paper is initially difficult to align with his sculptural work,
it fits seamlessly into an oeuvre in which there are no
hierarchies. There is a touch of humour in Rehberger
naming his exhibition Wrap it up as an allusion to paper.
His drawings, collages and prints act as a bracket or
superstructure which is by no means lightweight.
They “envelop” or “wrap up” his work and explain
dialectically how it works, or not. This is because one thing
is never clear with Rehberger - what is packaging and what
is content.
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44 illustrator application, 2011
Gouache, acrilico, inchiostro cinese su carta • Gouache, acrylic, Chinese ink on paper
180x113,5 cm
Courtesy Klaus Webelholz, Frankfurt
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Questo Stato Oscuro:
Tobias Rehberger su Wrap It Up
TR: Tobias Rehberger
OKvG: Oliver Koerner von Gustorf
I disegni e le opere su carta di Tobias Rehberger realizzati negli ultimi trent’anni vengono presentati per la prima volta
al MACRO. In una conversazione nel suo studio all’Osthafen di Francoforte, l’artista spiega il ruolo che questi lavori
occupano nelle sua produzione.
OKvG: La mostra al museo MACRO di Roma è la tua prima mostra di opere su carta.
TR: Esatto. I miei disegni ed opere su carta sono poco conosciuti, anche se, parallelamente agli altri miei lavori, ho sempre
disegnato e dipinto con acquarelli. I disegni più noti sono forse quelli esposti nella sede di Deutsche Bank a Francoforte.
Quando l’Art Department della Banca mi ha contattato per una mostra delle mie opere su carta, il mio interesse è stato
immediato.
OKvG: Per capire meglio il ruolo del disegno nel tuo lavoro, vorrei parlare prima delle sculture e delle installazioni per
cui sei famoso. Alla Schirn Kunsthalle di Francoforte ti hanno reso omaggio con un grande spettacolo. La mostra si è
avviata e conclusa con un’opera nella rotonda di fronte all’ingresso del museo: una scultura fatta di acciaio e sorgenti
di luce. Sembra un cartello pubblicitario smantellato che proietta un’ombra su una superficie bianca creando la parola
“rimpianto”. Cosa intendi per rimpianto?
TR: Il pubblico può decidere da solo. Volevo che rimpiangesse qualcosa prima che vedesse la mostra e non dopo.
OKvG: Ma tu hai detto che il pubblico non doveva concentrare lo sguardo su questa mostra, ma distoglierlo da essa.
TR: Con la scultura volevo aggiungere qualcosa di appariscente, d’impatto. I colori alludevano a quelli della bandiera
americana. L’opera voleva apparire intenzionalmente rovinata, come un cartello pubblicitario semidistrutto o un satellite
schiantato. Pensavo che questo “rimpianto” fosse molto appropriato, come un’espressione bella, forte, quasi un pugno
balordamente chiuso in una tasca. Per me, è importante che la gente non sappia quale sia la vera opera: la scultura di
acciaio o l’ombra. Che non sappia dove inizia e dove finisce, chi l’ha fatta all’inizio e quanto aggiunge di suo l’osservatore.
Non è chiaro cosa sia, se solo un mezzo per un fine o uno strumento, e dove si debba effettivamente guardare.
OKvG: Ma la parola “rimpianto” è carica di significato e cattura oggi il nostro sentimento.
TR: Sì, ma la scultura sul soffitto è effettivamente un’impalcatura, una specie di modello. Per un verso, rappresenta
se stessa. Dall’altra parte, è il modello di qualcos’altro. È pensata per co-rappresentare precisamente ciò che non è lì.
Certamente nell’arte spesso si richiede che attraverso un oggetto o un’immagine emerga qualcosa o si trascenda ciò che
è effettivamente. Il modello è sinonimo di questo. Per esempio, un modello di architettura. In che modo possiamo vedere
se un modello va bene, ad esempio, per costruire la Banca Centrale Europea? Ma allo stesso tempo sorgono domande
sul modello stesso. Sembra bello? Che stile ha? È come un ermafrodito. Ha la propria identità, ma allo stesso tempo deve
essere qualcos’altro. Questo è quel che mi affascina dei modelli: questo stato oscuro.
OKvG: Le luci delle “Infezioni” che sono un elemento centrale della mostra di MACRO, hanno anche la caratteristica dei
modelli o prototipi.
TR: Partendo dal presupposto che un acquerello non è un oggetto, questa installazione è l’unico oggetto tridimensionale
della mostra. Esistono due ragioni per cui è stata pensata: da un lato, le sue componenti “disegnano” se stesse,
creano un’ombra, uno strano scarabocchio sul muro. Allo stesso tempo, però, ritraggono un momento di transito nella
produzione artistica. È singolare il modo in cui vengono realizzate: sono prodotte da miei collaboratori che cercano di
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questo stato oscuro: tobias rehberger on wrap it up
creare queste sculture nel modo in cui pensano le farei io. Un paio di anni fa, ho cominciato a lavorare con il velcro,
perché si tratta di un materiale che può essere rielaborato velocemente. Grazie a questo materiale confronto ciò che i miei
collaboratori hanno progettato con la mia personale visione e riprogetto le loro creazioni. Talvolta lo faccio al punto che
la creazione iniziale diventa quasi irriconoscibile. Ma ci sono casi in cui non cambio proprio nulla. La cosa più importante
sono queste due prospettive: la visione di qualcun altro del mio lavoro e la mia visione personale, e come esse si
intrecciano.
OKvG: Ti definisci uno scultore. Come possono essere visti i tuoi disegni in relazione al tuo lavoro di scultura?
TR: Non sono di certo strutture tridimensionali, ma questo non fa differenza. Alcuni disegni, inclusi quelli della collezione
della Banca, sono effettivamente degli studi. Hanno uno stato differente. Altri lavori sono concepiti invece esattamente
come sculture, come opere d’arte autonome. Infine ci sono anche disegni casuali che sono intenzionalmente rielaborati
e assumono un significato più alto. Sembrano degli studi e presentano perfino una certa genesi dell’opera. Ma sono fatti
dopo il vero lavoro e sono solo apparentemente degli studi. Ne è un esempio la serie di acquerelli con i vasi.
OKvG: Il tuo disegno “no.no.no! Immer wieder Imperialismus” (no.no.no! Ancora ed ancora imperialismo), che hai creato
dopo il 2000, richiama Martin Kippenberger.
TR: Forse il titolo richiama in parte all’umorismo di Kippenberger. Per quella serie ho chiesto ai miei studenti di fare dei
collage politici e di rielaborarli in seguito, potremmo dire, per renderli astratti.
OKvG: È un insegnante a dire no.no.no!?
TR: Esatto. Così inizia la politica, c’è sempre qualcuno all’inizio che dice: “no.no.no!”. I miei titoli hanno sempre una loro
logica, non come accade con Kippenberger, che da’ ai propri lavori nomi divertenti, molto originali, artistici e presi dal
nulla. I miei titoli hanno molto a che fare con la genesi delle mie opere. Il processo è sempre importante: da dove vengono
le cose? Perché sono come sono? Esse sembrano bei collage astratti, ma sul piano della loro genesi sono qualcosa di
completamente diverso. Da un lato, dicono perché uno comincia a fare arte politica, dall’altro perché uno comincia a fare
arte astratta e quanto questa sia, infondo, arte politica – e così i titoli sono in armonia.
OKvG: Nella tua opera di lavori su carta, non c’è solo arte politica, ma anche l’opposto, cioè palese pubblicità, non è vero?
TR: Quindici anni fa ho cominciato a lavorare su una serie di poster pubblicitari. Ho creato semplicemente dei poster per le
cose che mi piacevano e li ho appesi per la città.
OKvG: Senza che nessuno te lo chiedesse.
TR: (Ride) Esatto. Ne ho fatto uno pure per Adidas, senza che mi fosse commissionato. A Berlino per la macelleria
Fleischhauerei, per la boutique Appartement, per Grill Royal. Sempre solo quattro o cinque copie che ho appeso per la
città. E a Londra ne ho fatto uno per il mio posto preferito di fish ‘n’ chips.
OKvG: Trovo la tua serie “Applicazioni” davvero interessante. Tanti lavori sembrano arte astratta per uffici prodotta con il
computer.
TR: Sono immagini prodotte al computer utilizzando determinati programmi. Alcuni sono lavori molto semplici che
utilizzano Illustrator, ma alcuni sono stati fatti con programmi in 3D. La qualità di questi ultimi è molto scarsa, tra l’altro,
ma questo è il meglio che so fare. Ho solo deciso di fare qualcosa con 361 clic.
OKvG: Il numero di step era già stato stabilito come una cornice concettuale per il disegno?
TR: Sì. Ci sono immagini semplici che puoi fare con Illustrator: “20 Illustrator 8.0 Applications”. Ho specificato venti step
e poi li ho implementati tecnicamente. Ad esempio ho creato una bozza per un lavoro che consiste di nastro adesivo e
acquerelli. Dopo venti step il motivo è stato completato ed eseguito successivamente con i colori e il nastro.
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no.no.no!, 2006
Tecnica mista su carta • Mixed media on paper
44x32 cm
Courtesy neugerriemschneider, Berlin
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questo stato oscuro: tobias rehberger on wrap it up
OKvG: Puoi parlarmi brevemente di “Kaputte Zwergenmutter” (La madre rotta degli elfi)? Il termine “madre” ricorre
sempre nel tuo lavoro.
TR: Sì, madre si riferisce al modello. Ci sono, ad esempio, modelli di garage grandi quasi quanto i garage veri.
Quando compri i certificati di questi modelli, compri anche la licenza di riprodurli. Per esempio se ne realizzo uno,
diventa un mio lavoro. Puoi acquistare un certificato per dieci euro al negozio del museo e poi decidere come procedere
esattamente. Si può scegliere autonomamente se usare dimensioni esatte per ricostruirlo. Quando si manda una foto
della costruzione finita si riceve un numero di archivio. Il “garage” viene poi messo in elenco come uno dei miei lavori,
è incluso nel mio elenco dei lavori. Io lo chiamo sempre il modello originale “madre”, perché persone differenti lo
interpretano in maniera differente. È preceduto da un codice genetico che si mischia con il padre, il costruttore.
OKvG: …proprio come figli...
TR: …e tutti i figli sono simili, ma non uguali.
OKvG: Adoro la tua serie di acquerelli gioielli dei primi anni ’90.
TR: C’erano tre serie: armi, arti e gioielli. Li ho semplicemente copiati dai cataloghi di armi e gioielli. Pensavo che fosse
divertente dipingere qualcosa di stupido come un Rolex ad acquarello.
OKvG: C’è del “canagliesco” in questo: armi, gioielli…
TR: …e anche arte. Ma è proprio questo il punto. Ciò che è importante è il “ma-tu-non-puoi-farlo”. Mi sono chiesto perché
puoi fare una cosa, ma non un’altra. Negli anni ’90 in questa logica rientravano i dipinti dei paesaggi. Semplicemente non
si poteva dipingerli all’epoca.
OKvG: Come ti è venuta l’idea di andare a Verdun e fare lì i dipinti en plein air? Non si decide così spontaneamente di
andare a Verdun.
TR: Ma invece è quello che ho fatto. Ho detto, vado a Verdun. E non solo a Verdun, ma anche nelle località sui fiumi
Somme e Marne. Sono andato lì con un amico per dipingere con gli acquerelli i campi di battaglia. La ragione è stata
simile al motivo per cui ho contrassegnato i siti degli scontri sui miei disegni di montagne con cerchi rossi. In ballo c’è il
fatto che non ti è consentito dipingere questo splendido paesaggio di montagne. Negli ultimi cinquant’anni solo a Richter
è stato concesso farlo.
OKvG: Gli artisti hanno cominciato a dipingerli di nuovo.
TR: Oggi, ma nel 1992 questo era visto negativamente. Solo i pittori amatoriali dei centri professionali si occupavano di
“paesaggio”. Ma volevamo farlo anche noi – e non solo dove capitava, ma anche sui campi di battaglia. In quei posti cioè
dove non puoi vedere le cose orribili che sono avvenute durante la Prima Guerra Mondiale, perché in superficie sono
semplicemente bei paesaggi.
OKvG: È interessante che nel tuo lavoro ci siano continui riferimenti al modernismo e alla violenza.
TR: Si, ma non mi soffermerei troppo su questo.
OKvG: Dietro a molti tuoi disegni si vedono precipizi. Come ad esempio, nell’installazione della caffetteria “Quello che ami
è anche quello che ti fa piangere”, per la quale hai vinto il Leone d’Oro alla Biennale di Venezia del 2009, dove i visitatori si
sedevano su un modello sfolgorante e psichedelico usato per camuffare le battaglie navali della Prima Guerra Mondiale.
Quale precipizio è nascosto dietro ai maglioni della serie dei disegni “B.F. (Are Hard to Find)”?
TR: Il titolo sta per “I migliori amici sono difficili da trovare”. Questa serie di campioni di maglioni si basa su degli studi
di pitture murali astratte che ho realizzato in occasione di una mia precedente mostra. Le guardie del museo dovevano
lavorare ai ferri i maglioni per i miei migliori amici ispirandosi alle pitture presenti nelle sale che avevo disegnato per la
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questo stato oscuro: tobias rehberger on wrap it up
collezione Deutsche Bank. Si è trattato insomma di uno studio inverso.
OKvG: Quando è stato chiesto loro se stavano lavorando ai ferri i maglioni in base alle pitture murali, lo staff del museo ha
confermato.
TR: Esatto. Li potevi vedere perché erano circondati dalle pitture murali.
OKvG: E non hai disegnato mutande per lo staff del museo?
TR: Erano indumenti intimi che lo staff del museo indossava alla mia prima Biennale di Venezia. I visitatori potevano
andare dal sorvegliante e chiedere di vedere il mio disegno. Alcuni impiegati mostravano le loro mutande, altri no.
OKvG: Parlando di abbigliamento: circa dieci anni fa hai bruciato, pare, tutti i tuoi vestiti per “Großer Akt in
Winterlandschaft” (Grande nudo nel paesaggio invernale), una stampa commissionata da Deutsche Bank.
TR: Senza “pare”. Ho bruciato tutti i miei vestiti tranne una T-shirt, un paio di mutande, un paio di calzini e un paio di
pantaloni, il necessario per poter andare a fare shopping.
OKvG: Per comprare nuovi vestiti.
TR: Avevo bisogno solo di quelli, ma ho bruciato tutti gli altri.
OKvG: C’è qualcosa che puoi ricordare, forse un pezzo di vestiario che rimpiangi di avere bruciato?
TR: Okay, alcune T-shirt erano carine. Ma non mi affeziono ai miei vestiti, anche se non brucerei l’abito del mio
matrimonio. I pigmenti sono fatti dalle ceneri e sono stati usati per creare il nudo nel paesaggio invernale.
OKvG: È una forma astratta sospesa di fronte a qualcosa che somiglia ad un paesaggio.
TR: Quelli sono abeti.
OKvG: Come sei arrivato a quella forma?
TR: Volevo fare qualcosa di assurdo, qualcosa di sgradevole e kitsch, ma ancora magico. A casa di mia nonna c’erano delle
foto che sembravano pagine di un calendario con l’adesivo verde fissato tra due pannelli di vetro.
Mi piaceva semplicemente l’idea di produrre cose concrete, come il vestiario, che però non producono altro che qualcosa
di astratto, qualcosa tra Henry Moore ed un’apparizione della Madonna.
OKvG: È comunque un atto simbolico. Essi si denudano, bruciano i loro vestiti, e le ceneri vengono pigmentate.
Alla fine c’è pure un ritratto.
TR: Devi immaginarlo in maniera sgradevole. Fondamentalmente, sono molecole che escono da me e che ti ritrovi sul
naso. Si tratta di cose reali per cui ho sudato. I batteri sono andati, uno ad uno. Il materiale è trasformato, come succede
nell’arte: prendi qualcosa e la trasformi in qualcos’altro.
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DJ Koze, 2004
Stampa digitale, teca di vetro • Digital print, glass box
58,2x83,3x2,9 cm
Courtesy neugerriemschneider, Berlin
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This Unclear Status:
Tobias Rehberger on Wrap It Up
TR: Tobias Rehberger
OKvG: Oliver Koerner von Gustorf
Drawings and works on paper by Tobias Rehberger spanning more than three decades are on view for the first time at
MACRO. In a conversation in his studio at the Osthafen in Frankfurt, he explains the role they play in his oeuvre.
OKvG: You are presenting your very first exhibition of drawings at the MACRO museum in Rome.
TR: That’s right. My drawings and works on paper are scarcely known, although I’ve always drawn and painted with
watercolors parallel to my other work. The most well-known drawings are probably the ones on view in the Deutsche Bank
Towers. When the art department of Deutsche Bank approached me about an exhibition of my works on paper,
I was immediately interested.
OKvG: To better understand the role of drawing in your work, I’d like to talk first about the sculptures and installations
you are known for. You were just honored in Frankfurt with a large show. The exhibition began and ended with a work
in the rotunda in front of the museum entrance: a sculpture made of steel and light sources. It looks like a deconstructed
advertising sign and casts a shadow on a white surface creating the word “regret.” What should be regretted?
TR: The viewers could decide themselves. I wanted them to regret something before they viewed the exhibition and not
afterwards.
OKvG: And you said that people should not look at this exhibition, but away from it.
TR: With the sculpture, I wanted to add something eye-catching, something blunt. The colors alluded to the colors of the
American flag. It was intentionally supposed to look wrecked, like a half-destroyed advertisement or a crashed satellite.
I thought this “regret” was very appropriate, like a nice, blunt, almost obtuse balled-fist-in-the-pocket expression.
For me, it is important that people don’t know what the actual work is: the steel sculpture or the shadow. That they don’t
know where it begins and where it ends, who made it initially and how much the viewer adds. It’s not clear what is just a
means to an end or a tool, and where you should actually look.
OKvG: But the word “regret” is fraught with meaning and captures our feeling today.
TR: Yes, but the sculpture on the ceiling is actually a cripple, a kind of model. On the one hand, it stands for itself.
On the other, it’s a model of something else. It’s supposed to co-represent precisely what is not there. Of course, it’s often
claimed in art that through an object or an image something arises or is conjured up that transcends what it actually is.
The model is a synonym for this. For example, an architectural model. How, based on the model, can we find out whether
it’s okay, say, to build the European Central Bank? At the same time, however, there are questions about the model itself.
Does it look good? What style does it have? It’s like a hermaphrodite. It has its own identity, yet at the same time it has to
be something else. That’s what fascinates me about models: this unclear status.
OKvG: The “Infections” lights, which are a central element of the exhibition in MACRO, also have the character of models
or prototypes.
TR: Assuming that a watercolor is not an object, this installation is the only three-dimensional object in the exhibition.
There are two reasons for this: on the one hand, because these objects “draw” themselves; they create a shadow, a
strange chicken scratch on the wall. At the same time, though, they depict an interim moment in the artistic production.
They are made in a very specific way; namely, they are made by employees who try to create these sculptures the way
they think I would make them. A few years ago, I started working with velcro, because the material can be reworked
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20
Dalla serie Schmuck, 1991
Acquerello su matita su carta • Watercolour over pencil on paper
31,4x23,4 cm ciascuno • each
Deutsche Bank Collection
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Tout pour les Femmes, 2001
Penna a sfera e matita su cartone in fibra • Ballpoint pen and pencil on cardboard fiber
44x64,2 cm
Deutsche Bank Collection
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this unclear status: tobias rehberger on wrap it up
quickly. So I check what others project onto my works with my own projection and then reconstruct them. Sometimes to
such an extent that the starting situation is no longer recognizable. But sometimes I don’t change anything at all. The most
important thing is these two perspectives: someone else’s view of my work and my own view of my work, and how they
mix.
OKvG: You call yourself a sculptor. How can your drawings be viewed in conjunction with your sculptural work?
TR: They are not three-dimensional structures, of course, but that makes no difference to me. Some drawings, including
drawings in the bank’s collection, are actually studies. They have a different status. Other works are conceived exactly like
sculptures, in principle, as autonomous artworks. But there are also arbitrary drawings that are intentionally reworked and
elevated. They look like studies and even display a certain genesis of the work. But they were made after the actual work
and only seem to be studies. An example is the watercolor series with the vases.
OKvG: Your drawing (no.no.no! Imperialism Again and Again”), which you created after 2000, recalls Martin Kippenberger.
TR: Perhaps the title conveys a little of Kippenberger’s humor. For the series, I asked my students to make political collages
and then reworked them; abstracted them, you could say.
OKvG: Is that a teacher saying no.no.no!?
TR: Exactly. That’s how politics begins; first someone says “no.no.no!”. And they always have their own logic, unlike with
Kippenberger, who thinks of funny titles that are very original and artistic and taken out of nowhere. My titles have a lot to
do with the genesis of my works. The process is always important: Where do the things come from? Why are they the way
they are? They look like nice abstract collages, but in terms of their genesis they are something completely different. They
speak on the one hand about why one starts making political art to begin with, and on the other about why one starts
making abstract art and how political it is – and the titles are in keeping.
OKvG: In your oeuvre of works on paper, there is not only political art, but also the opposite, completely undisguised
advertising, isn’t there?
TR: Fifteen years ago, I started working on a series of advertising posters. I simply created posters for things I liked and
put them up around the city.
OKvG: Without anyone asking you.
TR: (Laughs) That’s right. I even made one for Adidas. Without being commissioned. In Berlin for the meat store
Fleischhauerei, for the clothing store Appartement, for the restaurant Grill Royal. Always only four or five copies that I put
up around town. And in London I made one for my favorite fish ‘n’ chips place.
OKvG: I find your “ Applications” series really interesting. Many of the works look like abstract computer art for offices.
TR: They’re computer images produced using certain programs. Some are very simple works I made using Illustrator, but
some were made in 3D programs. The quality of the latter is very poor, among other things, because that’s the best I can
do. I simply decided to make something with 361 clicks.
OKvG: The number of steps had already been determined, as a conceptual framework for the drawing, so to speak?
TR: Yes. There are simple images you can make with Illustrator. “20 Illustrator 8.0 Applications.” I specified twenty steps
and then implemented them technically, so to speak.
For example, a draft for a work consisting of adhesive tape and watercolors. After twenty steps, the motif was completed
and it was subsequently executed with the colors and the tape.
OKvG: Could we talk briefly about the “Kaputte Zwergenmutter” (Broken Mother Elf)? The term “mother” comes up again
and again in your work.
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Dalla serie Senza titolo, 1992
Matita e acquerello su carta • Pencil and watercolour on paper
32x24 cm ciascuno • each
Deutsche Bank Collection
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this unclear status: tobias rehberger on wrap it up
TR: Yes. Mother relates to this model. There are, for example, model garages that are almost as big as real garages.
When you buy the certificates for these models, you buy the license to replicate them, so to speak. When I build one, it
becomes a work of mine. You can buy a certificate for ten euros at the museum shop. Then you have to decide yourself
how exactly to proceed. Everyone has to decide for himself whether to use exact dimensions for to reconstruct it from
memory. When I send in a photo of the finished construction, I receive an archive number. The “garage” is then listed as
one my works, is included in my list of works. I always call the original model “mother,” because different people interpret
it differently. It is preceded by a genetic code from the model, which is mixed with the father, the manufacturer…
OKvG: …just like children...
TR: …and all children are similar, but not the same.
OKvG: I love your series of jewelry watercolors from the early 1990s.
TR: There were three series: weapons, arts, and jewelry. I simply copied them from jewelry and weapons catalogs.
I thought it was funny to painting something as stupid as a Rolex in watercolors.
OKvG: It has something low-life about it: weapons, jewelry…
TR: …and art too. But that’s exactly the point. What is important is the “but-you-can’t-do-that.” I asked myself why you
can do one thing but not another. In the 1990s, this included landscape paintings. You simply couldn’t paint them back then.
OKvG: How did you get the idea to go to Verdun and make plein air paintings there? You don’t simply spontaneously
decide to go to Verdun.
TR: But that’s what I did. I said, I’m going to Verdun. And not only to Verdun, but also to places on the Somme and Marne
rivers. I went there with a friend to paint battlefields with watercolors. The reason was similar to why I marked crash
sites on my mountain drawings with red circles. At issue is the fact that you’re not allowed to paint this lovely mountain
landscape. In the last fifty years, only Richter has been allowed to do so.
OKvG: Artists have started painting them again.
TR: Today. But this was disparaged in 1992. Only hobby painters from community colleges dealt with “landscape”.
But we wanted to do that too – and not just anywhere, but on battlefields. In places where you can’t see how bad things
were because on the surface they are merely beautiful landscapes, but in reality they were the site of horrible battles in
World War I.
OKvG: It’s interesting that in your work there are continual references to Modernism and to violence.
TR: But I don’t hit you over the head with it.
OKvG: Behind many of your designs are precipices. For example, in your cafeteria installation “The Things You Love Will
Also Make You Cry,” for which you won the Golden Lion at the 2009 Venice Biennale. The visitors sat in a psychedelic
dazzle pattern originally used to camouflage battleships in World War I. What precipice is concealed behind the sweaters
in the drawing series “B.F. (Are Hard to Find)”?
TR: The title stands for “Best Friends are hard to find.” This series of sweater samples is based on studies for abstract
wall paintings in an exhibition. The museum guards had to knit sweaters for my best friends based on the patterns of the
finished wall paintings. I drew them for the series of drawings in the Deutsche Bank Collection, as a reverse study, so to
speak.
OKvG: When they were asked whether they were knitting sweaters based on the wall paintings, did the museum staff say
they were.
TR: Exactly. You could see they were because they were surrounded by the wall paintings.
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this unclear status: tobias rehberger on wrap it up
OKvG: And didn’t you design underpants for museum staff?
TR: Those were undergarments that museum staff wore at my first Biennale in Venice. Visitors could go to the supervisor
and ask to see my design. Some employees showed their underpants, others didn’t.
OKvG: Speaking of clothing: About ten years ago you supposedly burned all of your clothes for “Large Nude in Winter
Landscape”, a print commissioned by Deutsche Bank.
TR: Not supposedly. I burned all my clothes except for one set: a T-shirt, a pair of underpants, a pair of socks, and a pair of
trousers, so that I could go shopping.
OKvG: To buy new clothes.
TR: I needed one set, but I burnt all the others.
OKvG: Is there something you can remember, perhaps a piece of clothing, that you regret burning?
TR: Okay, a few of the T-shirts were nice. But I don’t become attached to my clothes, though I wouldn’t burn my wedding
suit. Pigments were made from the ashes and they were used to create the winter landscape nude.
OKvG: It’s an abstract form suspended in front of something resembling a landscape.
TR: Those are fir trees.
OKvG: How did you arrive at the form?
TR: I wanted to make something absurd, something unpleasant and kitschy yet still magical. At my grandmother’s house,
there were photos that looked like calendar sheets with green adhesive fixed between two glass panels.
I simply liked the idea of concrete things like clothing producing this nothingness, this abstract something, something
between Henry Moore and a Marian apparition.
OKvG: Yet it’s a very symbolic act. They get undressed, burn their clothes, and the ashes are pigmented. In the end there is
also a portrait.
TR: You have to imagine it unpleasantly. Ultimately, they are molecules that come out of me and that you then have in
your nose. It’s about real things that I’ve sweated into. The bacteria are gone, but it’s truly one to one.
The material is transformed, as is done in art: you take something and turn it into something else.
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Dalla serie Ms. and Mr. Italy '96, 1996
Pennarello su carta • Felt-tip pen on paper
29,5x21 cm ciascuno • each
Deutsche Bank Collection
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Biografia • Biography
Tobias Rehberger
Nato a Esslingen/Neckar,1966
Vive e lavora a Francoforte sul Meno
Born in Esslingen/Neckar,1966
Lives and works in Frankfurt am Main
Formazione • Formation
Städelschule, Frankfurt am Main
Premi • Awards
1999 2001 2003 2009 Förderpreis zum Internationalen Preis des Landes Baden-Württemberg
Dix-Preis der Kunstsammlung Gera
Karl Ströher-Preis, Frankfurt am Main
dal 2002 Professor alla Staatlichen Hochschule für Bildende Künste Städelschule di Francoforte
Hans-Thoma-Preis des Landes Baden Württemberg
Leone d’Oro, 53a Biennale di Venezia
Hector Kunstpreis der Kunsthalle Mannheim
Mostre personali
Solo Exhibitions
2014 Home and Away and
Outside, Schirn Kunstalle,
Frankfurt
2012 MANNA/MANNO,
Galerie Bärbel Grässlin,
Frankfurt/Main, DE
2011 marsage, dsv Kunstkontor,
Stuttgart, D (cat.)
Museum Dhondt-Dhaenens,
Deurle, B
Junge Mütter und andere
heikle Fragen, Essl Museum,
Klosterneuburg, A (cat.)
2010 flach. Plakate,
Plakatkonzepte und
Wandmalereien, Museum
für angewandte Kunst,
Frankfurt, D (cat.)
2009 Hector Kunstpreis der
Kunsthalle Mannheim, D
Hans-Thoma-Preis des
Landes Baden Württemberg,
Bernau, D
2008 major problems in minor
2002 Prescrições, descrições,
societies, neugerriemschneider,
Berlin, D
Die „Das kein Henne-EiProblem-Wandmalerei“,
Museum Ludwig, Cologne,
D (cat.)
„The-chicken-and-egg-noproblem wall-painting“,
Stedelijk Museum,
Amsterdam, NL
receitas e recibos, Museu
Serralves, Porto, P
Night Shift, Palais de Tokyo,
Paris, F
Treballant/ Trabajando/
Arbeitend, Fundacío "la
Caixa", Barcelona, E (cat.)
Deaddies, Galeria Civica
d’Arte Moderna e
Contemporanea, GAM,
Torino, I (cat.)
geläut – bis ichs hör,
Museum für neue Kunst
MKN, Karlsruhe, D (cat.)
2007 On Otto, Fondazione Prada,
Milan, I (cat.)
2005 I die every day, 1 Cor. 15,31,
Palacio de Cristal, Museo
Nacional Centro de Arte
Reina Sofia, Madrid, E (cat.)
2001 Do Not Eat Industrially
2004 Private Matters, Whitechapel
Gallery, London, GB (cat.)
Artsonje Center, Seoul, ROK
2003 „bitte danke“. Arbeiten von
Tobias Rehberger aus der
Sammlung Landesbank
Baden-Württemberg, Galerie
der Stadt Stuttgart, Stuttgart,
D (cat.)
30
Produced Eggs, Förderpreis
zum Internationalen Preis
des Landes Baden-Württemberg, Staatliche Kunsthalle,
Baden-Baden, D
luci diffuse, Viafarini, Milan, I
(whenever you need me),
Westfälischer Kunstverein,
Münster, D
(cat.)
2000 nana, neugerriemschneider,
Berlin, D
The Sun from Above,
Museum of Contemporary
Art, Chicago, USA
2000 Frac Nord-Pas de Calais,
Dunkerque, F
Jack Lemmon´s Legs and
Other Libraries, Friedrich
Petzel Gallery, New York,
USA
1999 The Secret Bulb in Barry L.,
Galerie für zeitgenössische
Kunst, Leipzig, D
The Improvement of the
Idyllic, Galeria Heinrich
Ehrhardt, Madrid, E
Sunny-side up, Matrix 180,
University of California
Berkeley Art Museum and
Pacific Film Archive, Berkeley, USA
Standard Rad, Transmission
Gallery, Glasgow, GB
Nightprowler, De Vleeshal,
Middelburg, NL
1998 Moderna Museet,
Stockholm, S (cat.)
Kunsthalle Basel, Basel, CH
(cat.)
Waiting room - Also?
Wir gehen? Gehen wir!,
Intervention 13, Sprengel
Museum, Hannover, D
Roomade, Office Tower
Manhattan Center,
Brussels, B
1996 Suggestions from the
Visitors of the Shows # 74
and #75, Portikus,
Frankfurt, D (cat.)
Peuè Seè e Faàgck Sunday
Paàe, Kölnischer Kunstverein, Cologne, D
1995 neun skulpturen, Produzen-
tengalerie, Raum für Kunst,
Hamburg, D
canceled projects, Museum
Fridericianum, Kassel, D
(cat.)
1994 Goethe-Institut Yaoundé,
Yaoundé, CAM
1993 Sammlung Goldberg / The
2009 Making Worlds, La Biennale
Iceberg Collection, Ludwig
Forum für internationale
Kunst, Aachen, D
di Venezia, Venice, I (cat.)
The Quick and the Dead,
Walker Art Center, Minneapolis, USA (cat.)
Sechzig Jahre. Sechzig
Werke. Kunst aus der
Bundesrepublik Deutschland
von '49 bis '09, MartinGropius-Bau, Berlin, D (cat.)
2008 Interieur / Exterieur,
Kunstmuseum Wolfsburg, D
1992 9 Skulpturen, Wohnung K.
König, Frankfurt am Main, D
Mostre collettive
Selected Group Exhibitions
2007 Space for your Future, MOT
2012 Gwangju Biennial, Gwangju, KR
- Museum of Contemporary
Art, Tokyo, J
Wouldn't It Be Nice... Wishful
Thinking in Art and Design,
Centre d'Art Contemporain,
Geneva, CH
facade, Middelburg, NL
Extra Large, Grimaldi Forum
Monaco, Monaco, MC
2011 „Our Magic Hour“ Yokohama
Triennale, Yokohama, J (cat.)
MMK 1991-2011: 20 Jahre
Gegenwart, Museum für
Moderne Kunst,
Frankfurt, D
2006 Ordnung und Verführung,
haus konstruktiv,
Zurich, CH
2010 Luci d’Artista, Torino, I
2005 ARTE ALL’ ARTE 10, Arte
Setouchi International Art
Festival, Teshima, J (cat.)
Architettura Paesaggio,
Poggiobonsi, Siena, I
31
2004 1. Internationale Biennale
für zeitgenössische Kunst
Sevilla, Sevilla, E (cat.)
2003 Micro-Utopias, 1. Bienal de
Valencia, Valencia, E
Dreams and Conflicts The Viewer's Dictatorship,
Biennale di Venezia, Venice, I
2000 The Sky is the Limit, Taipeh-
Biennial, Taipeh, RC
1999 Blown Away, 6th Internatio-
nal Caribbean Biennal,
St. Kitts, Caribbean Islands
Skulptur-Biennale 1999,
Münsterland, D (cat.)
1998 1. Berlin Biennale, Berlin, D
(cat.)
manifesta2, Luxemburg, L
(cat.)
1997 skulptur. projekte in Münster
'97, Münster, D (cat.)
1996 Manifesta 1, Rotterdam, NL
(cat.)
www.db.com/italia
www.db.com/art
www.db-artmag.com
In copertina: Senza titolo, 1998
© for all images Tobias Rehberger, 2014