Catalogo - artespressione
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GALLERIA ARTESPRESSIONE - Via della Palla, 3 - 20123 Milano - www.artespressione.com Via della Palla, 3 - 20123 Milano www.artespressione.com Galleria artespressione - Via- della Palla, 3 - 20123 Milano Paula Nora Seegy presenta LOUIS BOURJAC Pigalle a cura di Matteo Pacini 30 marzo / 20 aprile 2012 presents LOUIS BOURJAC “Pigalle” Fri 30 March - Fri 20 April 2012 project PAULA NORA SEEGY curator MATTEO PACINI translation Norman Russell photos Louis Bourjac press office STUDIO DE ANGELIS lighting VIABIZZUNO print GRAFICHE CMF Foligno cover “PIGALLE, LES DEUX MOULINS”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10 - 30x40 cm Une amitié née dans un bar, deux regards qui parlent des gens de la nuit. Un livre comme le scénario d’une nuit Blanche, de Montmartre à Pigalle… Des rencontres au hasard et des verres qui coulent à flot… Louis Bourjac Nicolas Fretel LOUIS BOURJAC, PIGALLE AND “INDUSTRIAL LANDSCAPES”. This time we are speaking of a journey. A metaphorical journey in a vast territory – photography – undertaken through a series of points of view. A complex and structured walk where different personalities enter into relationship with each other. These are visual inquiries distinct from each other, but also points of encounter where eyes meet and then go down separate paths. The starting-point is a French photographer, Louis Bourjac, a sophisticated artist of great contrasts, with a nature that is restless but profound and delicate, and at the same time both blunt and painstaking. Bourjac elegantly observes and immortalizes worlds that seem to run along parallel tracks apparently destined never to meet. He moves with insouciance from the glamour of high fashion, when working with the grand houses of Paris, to blood-soaked Spanish corridas, from nights of fun along the streets of Montmartre to the rusty abandoned machinery of the decommissioned industries of Antwerp. A gaze – his own – curious and attentive, backed up by a photographic medium intended “for connoisseurs”, black and white. Although in photography it once represented a technological limitation, black and white is now considered something that adds value. It is said, to be sure, that our perception of reality takes place for the most part through contrasts, not only with regard to visual reality but also with regard to the emotions. Darkness and light, hot and cold, life and death. Black and white represent visually the two poles between which the existence of things unfurls in an infinite gradation of greys. In some cases the exaggerated accentuation of contrasts is reminiscent of the technique of engraving, especially in the “Polyaths” series obtained by dipping plates coated with a gelatine of silver bromide into a special bath in order to create the very deepest blacks. Thus through the essential nature of black and white Bourjac expresses his artistic personality, by entering into different fields, by focussing on the details and parts that are constitutive of the goal of gaining a more complete vision of the whole. In the “Pigalle” series, through shots taken unawares in the course of evenings enjoyed among friends, Bourjac offers a very personal and detailed portrait of a noisy and lively society moving about in one of the most fascinating quarters of the French capital. One can almost sense the smells, the music, the bustle and laughter, the craziness. Equally interesting is how Bourjac confronts the subject of landscape, not the landscape of postcard views but that of the most filthy and rusty of abandoned industrial plants that provides us with a strong visual stimulus thanks to the fascination of the decay and squalor resulting from dereliction. From here we move to the encounter with other realities, different but nevertheless still alive to the documentation of the landscape, that of a group of five photographers who have made industry the focal point of their visual research. This is not a homogeneous group (it is marked by different routes and different approaches), but it has the unifying aim of reflecting on the relationship that exists between industry and territory understood both as landscape and as urban environment. It is not a coincidence, in the present context, that several years ago the Italian Association for the Industrial Archaeological Heritage (AIPAI) embarked on a campaign, through its contacts with various Italian universities, to protect the cultural value of industry on the historical, economic, architectural and engineering levels. ANGELO DESOLE, PIERCLAUDIO DURANTI, MARCELLO MODICA, MAURIZIO NIMIS and MERI VALENTI offer us angles on industrial culture different from those of Louis Bourjac that nevertheless come together to form a rich harmony. Matteo Pacini LOUIS BOURJAC, PIGALLE E “I PAESAGGI DELL’INDUSTRIA”. E’ di un viaggio che questa volta si parla. Un viaggio metaforico in un territorio sterminato, la fotografia, attraverso una serie di punti di vista. Un cammino complesso e articolato dove entrano in relazione personalità diverse, ricerche visive distinte, ma anche punti di incontro per sguardi che si intersecano ripercorrendo poi strade opposte. Il punto di partenza è un fotografo francese, Louis Bourjac, raffinato artista dai grandi contrasti, inquieto di indole ma profondo e delicato, essenziale e minuzioso al tempo stesso. Con eleganza Bourjac osserva e immortala mondi che sembrano correre su binari paralleli, apparentemente destinati a non incontrarsi. Con disinvoltura passa dal luccichio della moda, collaborando con le grandi maison parigine, alle cruente corride spagnole; dalle notti di festa lungo le strade di Montmartre, ai rugginosi macchinari in disuso delle industrie dismesse di Anversa. Uno sguardo, il suo, curioso e attento, avvalorato da un mezzo fotografico definito “per intenditori”, il bianco e nero che, se per la fotografia un tempo rappresentava un limite tecnologico, è ora considerato un valore aggiunto. Si dice infatti che la nostra percezione della realtà avvenga in gran parte attraverso i contrasti, non solo nella realtà visiva ma anche in quella emozionale. Il buio e la luce, il caldo e il freddo, la vita e la morte. Il bianco e il nero rappresentano visivamente gli antipodi entro i quali si svolge l’esistenza delle cose, in un’infinita gradazione di grigi. In alcuni casi, l’esasperata accentuazione dei contrasti richiama alla tecnica dell’incisione, soprattutto nella serie “Polalyths” ottenuta attraverso bagni speciali su lastre alla gelatina di bromuro di argento per generare neri profondissimi. Attraverso l’essenzialità del bianco e nero quindi, Bourjac esprime la sua personalità artistica addentrandosi in ambiti diversi, focalizzandone i dettagli e le parti costitutive allo scopo di avere una visione più completa dell’insieme. Nella serie “Pigalle”, attraverso gli scatti rubati durante le serate di festa tra amici, offre un ritratto personalissimo e dettagliato di una società rumorosa e allegra, che si muove in uno dei quartieri più affascinanti della capitale francese. Se ne percepiscono gli odori, la musica, il trambusto e le risate, la follia. Con altrettanto interesse Bourjac affronta il tema del paesaggio, ma non quello degli scorci da cartolina che la sua Parigi offre generosa, ma quelli più sporchi e rugginosi degli stabilimenti industriali dismessi che concedono grandi stimoli visivi grazie al fascino della decadenza e del degrado dovuto all’abbandono. Da qui l’incontro con altre realtà, diverse ma sempre attente alla documentazione paesaggistica: quelle di un gruppo di 5 fotografi che dell’industria hanno fatto il perno della loro ricerca visiva. Non si tratta di un gruppo omogeneo (è segnato da percorsi diversi e differenti approcci), ma ha lo scopo unificante di ragionare sul rapporto che intercorre tra industria e territorio inteso come paesaggio e anche come ambiente urbano. Non è casuale, in questo senso, il patrocino dell’AIPAI, l’Associazione Italiana per il Patrimonio Archeologico Industriale che, attraverso il rapporto con diverse università italiane, ha intrapreso da anni una battaglia in difesa del valore culturale dell’industria sotto il piano storico, economico, architettonico e ingegneristico. ANGELO DESOLE, PIERCLAUDIO DURANTI, MARCELLO MODICA, MAURIZIO NIMIS e MERI VALENTI regalano sguardi differenti a quello di Louis Bourjac sulla cultura industriale, che insieme però si amalgamano in grande armonia. Matteo Pacini “PIGALLE, danseurs”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10 30x40 cm “PIGALLE, danseuses”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10 30x40 cm “PIGALLE, backgammon”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/10 30x40 cm “PIGALLE, jeune fille à la bière”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10 30x40 cm “PIGALLE, pierre carré AUX les noctambules”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10 30x40 cm “PIGALLE, Bourvil”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10 30x40 cm “PIGALLE, rue andré antoine”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/10 30x40 cm “PIGALLE, rachid”, 2000 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/10 30x40 cm “anvers, dragueuse”, 1998 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10 24x34 cm “Anvers pont-roulant”, 1998 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10 24x34 cm “anvers, RAILS SUR QUAI”, 1998 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10 24x34 cm “ANVERS, DEUX PELLES”, 1998 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/5 50x60 cm “GRETZ, NE PAS CHANGER LA VITESSE”, 2010 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/5 39x50 cm “GRETZ, OUTILS ET HUILE”, 1998 gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/5 39x50 cm “LE QUAI à ANVERS”, 1998 stampa digitale su telo cerato, pezzo unico 80x200 cm Dans ce port immense Bati pour conquerir le monde Je me perds sous la pluie En poursuivant les ombres Louis Bourjac Nicolas Fretel presents I PAESAGGI DELL’INDUSTRIA 3 maggio / 15 maggio 2012 ANGELO DESOLE PIERCLAUDIO DURANTI MARCELLO MODICA MAURIZIO NIMIS MERI VALENTI LOUIS BOURJAC CON IL PATROCINIO DI L’ASSOCIAZIONE ITALIANA PER IL PATRIMONIO ARCHEOLOGICO INDUSTRIALE L’Aipai si occupa da quindici anni di patrimonio industriale in tutte le sue forme (edifici, macchine, archivi cartacei, fotografici e cinematografici, ecc.). Era naturale che prima o poi nel suo percorso di iniziativa e di lavoro incrociasse anche la fotografia, attraverso il lavoro di un gruppo di autori dediti alla documentazione di siti ed edifici dismessi della produzione. È un fenomeno questo della fotografia industriale che ormai ha assunto valenze e rilevanza nazionale e internazionale e che offre molteplici possibilità di approccio, culturali e artistiche, che vanno dal fascino di un passato ormai concluso, alla consapevolezza che senza riscoprirlo e valorizzarlo le società contemporanee rischiano di rimanere senza radici e senza memoria. Per questo ci siamo impegnati perché i risultati di questo lavoro si cristallizzassero in una mostra che rappresenta per l’Associazione solo l’inizio di un itinerario di ricerca e di collaborazione che fa parte di un approccio multidisciplinare al patrimonio industriale, che non è solo pluralità di metodologie scientifiche, ma anche di linguaggi e di forme comunicative. Renato Covino (presidente nazionale Aipai) ITALIAN ASSOCIATION FOR THE INDUSTRIAL ARCHAEOLOGICAL HERITAGE The Italian Association for the Industrial Archaeological Heritage (Aipai) has been concerned for the last fifteen years with the industrial heritage in all its forms (buildings, machinery, paper, photographic and cinematographic archives, etc). It was natural in the course of the project and its work that sooner or later photography would also be encountered through the work of a group of creative people dedicated to the documentation of sites and disused buildings where production had ceased. It is a phenomenon of industrial photography that is has already assumed an importance and relevance on the national level, and that it offers multiple possibilities of different cultural and artistic approaches that range from fascination with a past now over to the awareness that without rediscovering it and appreciating it contemporary societies risk being cut off from their roots and their memory. That is why we are committed to this work, and why its results have been crystallized in an exhibition that represents, through the Association, just the beginning of a journey of research and collaboration that forms part of a multidisciplinary approach to the industrial heritage involving a plurality not only of scientific methodologies but also of languages and forms of communication. Renato Corvino (national president, Aipai) ANGELO DESOLE nasce a Sassari nel 1974. Dopo la laurea in Storia del Cinema, conseguita a Bologna con una tesi sull’opera teorica di Andreij Tarkovskij, si trasferisce a Padova per seguire un Master Universitario dedicato ai temi dell’archeologia industriale organizzato dal Dipartimento di Storia. In seguito manterrà una costante collaborazione col Master, di cui diventerà tutor didattico per diversi anni. Questo gli permetterà di girare l’Italia e conoscere i più importanti tesori del patrimonio industriale nazionale. A partire da questa esperienza il suo interesse per l’immagine si sposta verso la fotografia che, nel giro di pochi anni, diventa il fulcro della sua ricerca personale sui temi dell’industria, affiancando attività pratica e riflessione teorica su limiti e possibilità del mezzo fotografico come fonte di studi per la storia. La prima seria occasione di cimentarsi col mezzo arriva nel 2008, quando partecipa alla campagna di documentazione fotografica per le Colline Metallifere del Grossetano. Dopo questa campagna collaborerà a diversi progetti di studio occupandosi sempre della parte relativa alla ripresa fotografica. Attualmente è iscritto alla Scuola di Dottorato in Storia e Critica dei Beni Artistici, Musicali e dello Spettacolo dell’Università di Padova, all’interno della quale porta avanti un progetto di ricerca dedicato alla storia della fotografia industriale in Italia. ANGELO DESOLE was born in Sassari in 1974. After graduating in the History of Cinema, he pursued further studies in Bologna with a thesis on the theoretical work of Andrei Tarkovsky, and then went on to Padua to do a University Masters degree on topics of industrial archaeology organized by the Department of History. Afterwards he continued to collaborate with the Masters course, becoming a tutor on it for several years. This allowed him to go round Italy and get to know the most important treasures of the national industrial heritage. As a result of this experience, his interest in images moved to photography, which for a few years became the focal point of his personal research on industrial topics, bringing together practical activities and theoretical reflection on the limits and possibilities of the medium of photography as a source for historical study. The first serious opportunity to take up the challenge of the medium came in 2008, when he participated in a campaign for the photographic documentation of the Colline Metallifere of Grossetano. After this campaign, he collaborated in various study projects, always with responsibility for the part relating to the taking of photographs. At present he is enrolled in the Doctoral School of the History and Criticism of Artistic and Musical Heritage and of Performing Arts of the University of Padua, within which he is pursuing a research project on the history of industrial photography in Italy. Snia Viscosa, torviscosa (UD) dettaglio PIERCLAUDIO DURANTI nasce a Terni nel 1971, dove svolge gli studi e inizia a dedicarsi alla fotografia. Scopre il fascino dell’archeologia industriale nel 1989 quando, ancora giovanissimo, collabora con un’agenzia di moda locale che utilizzava l’area dismessa di Papigno come location per book e presentazioni. Il suo approccio alla fotografia in fabbrica avviene quindi casualmente e in maniera assai lontana da quella attuale. Si accorge presto del rapido trasformarsi di questi sistemi fragili, sottoposti quotidianamente a ogni tipo di razzia delle materie prime e ad atti di vandalismo. Inizia allora un vero e proprio lavoro di documentazione fotografica dei luoghi e dei macchinari sul territorio ternano e nazionale rappresentando, e a volte interpretando con tecniche personali, questi monumenti industriali, tentando comunque di coglierne la bellezza. Si addentra, armato di cavalletto e banco ottico, in quei luoghi reconditi e apparentemente vuoti e lasciati a se stessi. In questi luoghi si possono trovare spazi in attesa di essere scoperti ed essere vestiti da identità desiderose di parlare e dialogare, desiderose di appartenere a un luogo che parli di loro. Da sempre attratto dalla fotografia analogica e stenopeica aderisce all’etica “slow photo”, una sorta di manifesto contro il consumo frenetico dell’immagine digitale e la riappropriazione del tempo necessario per crearla. PIERCLAUDIO DURANTI born in Terni in 1971, where he completed his studies and began to devote himself to photography. He discovered the fascination of industrial archaeology in 1989 when, still very young, he worked with a local fashion agency which used the dismantled area of Papigno as a location for collections and presentations. His approach to factory photography thus started off casually and in a manner very distant from his current approach. He quickly became aware of the rapid deterioration of these fragile systems, subject as they are on a daily basis to all kinds of looting of primary materials and acts of vandalism. So he began a veritable work of photographic documentation of sites and machinery both in the Terni area and nationally, representing and sometimes interpreting these industrial monuments with personal techniques while attempting concurrently to capture their beauty. Armed with his tripod and camera case, he penetrated isolated and seemingly empty sites that had been left to their own devices. In such places it was possible to find spaces waiting to be discovered and to be invested with an identity that wished to speak, to enter into dialogue, spaces that wished to belong to a place that spoke of them. Having always been attracted by analogue and stenopoeic photography, he subscribes to the “slow photo” ethic, a kind of manifesto against the phrenetic consumption of digital images and a reappropriation of the time necessary for the act of creating them. DISTILLERIA - FERRARA dettaglio MARCELLO MODICA è nato a Milano nel 1987. Dopo aver conseguito la Laurea in Urbanistica presso il Politecnico di Milano, con una tesi sull’identità territoriale delle regioni metropolitane europee, sta completando la Specialistica in Pianificazione Urbana e Politiche Territoriali presso la stessa Università. Si interessa di archeologia e cultura industriale da circa dieci anni, portando avanti un percorso personale di ricerca, documentazione e ricostruzione storica di siti industriali dismessi sul territorio italiano ed europeo. La fotografia industriale di Modica è l’evoluzione di una personale fascinazione, radicata nell’infanzia, per le rovine industriali. Tutto è dovuto alla presenza, in prossimità della propria abitazione, di un immenso complesso industriale in abbandono che con le sue cinque ciminiere e le impressionanti architetture segna fortemente l’immaginario dell’autore-bambino (si tratta della SNIA Viscosa di Varedo). All’età di quindici anni l’autore accede per la prima volta a quel territorio sconosciuto e nel contempo familiare. La fotografia, mai considerata fino ad allora, viene scelta come lo strumento più efficiente per dare corpo alla documentazione del luogo (in termini di costi, tempo e fedeltà della riproduzione). Dalla SNIA Viscosa la ricerca di luoghi simili da visitare e documentare si estende dapprima all’Italia per poi approdare, nel corso degli anni, a paesi come Germania, Belgio, Francia, Polonia e Ucraina. Senza avere nessun riferimento in particolare, la ricerca fotografica di Modica si autoalimenta cercando costantemente di migliorarsi, appoggiandosi sempre di più a un’attività parallela e complementare che consiste nella ricostruzione storica dei luoghi visitati. La fotografia di Modica ha lo scopo di preservare la memoria visuale dell’epoca industriale, cosciente del fatto che i cambiamenti dell’economia e della società implicano spesso e volentieri la trasformazione dei luoghi della produzione. Se il progresso non contemplerà la loro sopravvivenza, ci penserà la fotografia. MARCELLO MODICA was born in Milan in 1987. After graduating in Urban Planning at the Milan Polytechnic with a thesis on the territorial identity of the European metropolitan regions, he completed his studies as a Specialist in Urban Planning and Regional Politics at the same university. He has been interested in industrial archaeology and culture for about ten years, developing a personal programme of research, documentation and historical reconstruction of dismantled industrial sites in Italian and European regions. Modica’s industrial photography has evolved from a personal fascination with industrial ruins dating from his childhood. He owes everything to the presence, close to his own home, of an immense abandoned industrial complex which with its five smokestacks and impressive architecture made a powerful impression on his imagination as a child (this was the SNIA Viscosa factory of Varedo). At the age of fifteen he gained access for the first time to this area that although unknown was at the same time familiar. Photography, which he had never reckoned until that time, came to be chosen by him as the most efficient instrument for embodying the documentation of the place (in terms of cost, time and accuracy of reproduction). From SNIA Viscosa the search for similar places to visit and document took him first to Italy and then, in the course of time, to countries such as Germany, Belgium, France, Poland and Ukraine. Without having any point of reference in particular, Modica’s photographic research is nourished by a ceaseless quest for improvement, relying increasingly on a parallel and complementary activity consisting in the historical reconstruction of the places visited. Modica’s photography has the aim of preserving the visual memory of the industrial era, conscious of the fact that changes in the economy and in society very often entail the transformation of sites of production. If economic progress will not allow these sites to continue to exist, photography will see to it that something survives. SISAS - PIOLTELLO (MI) dettaglio MAURIZIO NIMIS è nato a Bergamo, nel 1967. Dopo aver portato a termine studi di indirizzo chimico biologico, esercita la professione di consulente aziendale per sistemi di gestione per la qualità, ambiente e sicurezza. Dal fascino delle fabbriche dismesse, fotografate al loro interno durante manifestazioni artistiche e durante reportage pubblicati nel web, approda alla fotografia dei luoghi in abbandono. Da diversi anni intraprende quindi una serie di viaggi sempre più frequenti, prima in Italia, e quindi in parte d’Europa, dedicandosi interamente a questo specifico soggetto. Costruisce un proprio progetto web nel quale alcune delle immagini di questi luoghi sono pubblicate. Tratta inoltre tematiche dell’abbandono nelle varie forme in cui si presenta ai nostri occhi e nella società. In un blog personale racconta di questi viaggi condotti con lo scopo di indagare i luoghi lasciati al loro destino. La passione per la fotografia, e la preferenza per i soggetti industriali, lo stimola a riprenderne spazi e forme, con un approccio a volte estetico, altre puramente documentativo, sia con tecnica digitale che con pellicola in bianco e nero. Alla fissità del soggetto ripreso, l’abbandono, si contrappone un approccio fotografico espressivo variabile, dipendente dalla natura della campagna fotografica e dalle motivazioni all’origine del viaggio. Vi sono quindi ragioni documentali, quando alla fotografia di edifici, impianti e paesaggio si associano informazioni storiche, tecniche. E’ presente la natura del reportage, quando l’immagine è di supporto alla narrazione. Vi è un approccio estetico, quando l’immagine deve avere una capacità di penetrazione nell’osservatore che, stimolato nel proprio immaginario, osservi i luoghi in abbandono nella loro espressione più suggestiva. E’ questo un elemento che dovrebbe permettere un avvicinamento e un diverso sguardo del pubblico a luoghi che sono per il senso comune indice di degrado, e attraverso una visione più positiva attribuire loro un valore di testimonianza storica e culturale. MAURIZIO NIMIS was born in Bergamo in 1967. After completing his studies in chemical biology, he worked as a business consultant for systems of management concerning quality, the environment and safety. His fascination with disused factories, photographed as settings for art exhibitions and for articles published on the internet, led him to the photography of derelict sites. For several years he undertook a series of journeys with increasing frequency, first in Italy and then in other parts of Europe, dedicating himself entirely to this specific subject. He constructed his own website on which he published some of the images of these places. He also deals with the theme of abandonment in the various forms in which it presents itself to our eyes and within society. In a personal blog he tells the story of these journeys undertaken with the aim of investigating places that have been left to their fate. His passion for photography and his preference for industrial subjects stimulate him to shoot spaces and forms with an approach that is sometimes aesthetic, sometimes purely documentary, using both digital technology and black and white film. The fixity of the subject taken, that of abandonment, is contrasted with an expressive, variable photographic approach, depending on the nature of the photographic project and the motives that inspired the journey. There are therefore documentary considerations when historical and technical information is associated with the photography of buildings, industrial plant and landscape. The nature of reportage is present when the image is presented in support of the story. There is an aesthetic approach when the image must have the capacity to penetrate the observer who, stimulated in his own imagination, observes the abandoned sites under their most suggestive aspect. This is an element that should enable the public to draw closer to the places, places that are commonly regarded as a sign of decay, see them with a fresh eye, and through a more positive vision endow them with the value of historical and cultural testimony. MINIERA BOSCO - SAN CATALDO (CL) dettaglio MERI VALENTI, nata a San Severino Marche nel 1973, si laurea nel 2001 all’Università di Perugia in Scienze Politiche. Inizia a fotografare nel 1995 usando la macchina fotografica come un registratore, considerando i propri scatti come appunti, strumenti di lettura del territorio contemporaneo civile e industriale. Con il suo maestro Paolo Nebbiai apprende le tecniche della fotografia analogica, lo studio del paesaggio, il fascino dell’estetica dei materiali e l’uso della pellicola in bianco e nero come scelta stilistica privilegiata. L’architettura industriale e i prodotti dell’industria pesante, il calcestruzzo, il ferro, l’acciaio, diventano soggetti ricorrenti delle sue immagini. Nel 2003 conosce la disciplina dell’Archeologia Industriale con l’insegnamento del Professor Gino Papuli, studia i monumenti industriali interessandosi particolarmente ai macchinari e alle componenti del processo siderurgico. Il suo primo importante lavoro di ricerca e documentazione sull’industria ha come oggetto l’acciaieria ILVA di Bagnoli. La descrizione della fabbrica, la maestosità dei giganti siderurgici e la loro funzionalità nel processo produttivo si condensano in “ILVA03”, presentato a Terni nel 2006 al XIII Congresso Internazionale TICCIH e in parte pubblicato sul n°5 della rivista Around Photography. Nel 2007 frequenta il Master di II Livello in Conservazione, Gestione e Valorizzazione del Patrimonio Industriale presso l’Università degli Studi di Padova ampliando così la conoscenza delle realtà industriali sul territorio nazionale ed europeo. Le fotografie che presenta nella mostra “I paesaggi dell’industria” sono il frutto di un lavoro dedicato al porto di Genova, fulcro e orizzonte della città ligure. La narrazione del sito e della sua attività di carico e scarico di persone e merci è il racconto contemporaneo di un luogo vivo di memoria: del lavoro, dei portuali e delle loro macchine, significanti e imprescindibili attori della confusa e odierna realtà genovese. MERI VALENTI, born in San Severino Marche in 1973, graduated in 2001 from the University of Perugia in Political Sciences. She began taking photographs in 1995, using the camera as a recorder and thinking of her own snaps as notes, a means of reading the contemporary civil and industrial area. Then from her teacher, Paolo Nebbiai, she learned the techniques of analogue photography, the study of the landscape, the fascination of the aesthetics of materials and the use of black and white film as the stylistic preference of choice. Industrial architecture and the products of heavy industry - concrete, iron and steel – came to be recurrent subjects in her images. In 2003 she became acquainted with the discipline of industrial archaeology under the instruction of Professor Gino Papuli, and studied industrial monuments with a particular interest in machinery and the components of the iron and steel manufacturing process. Her first important work of research and documentation on an industrial topic was centred on the ILVA steelworks at Bagnoli. The description of the factory, the grandeur of the giant steelworks and their functional role in the productive process were all brought together in “ILVA03”, presented at Terni in 2006 at the XIII International TICCIH Congress and partially published in volume 5 of the journal Around Photography. In 2007 she pursued a Masters course at Level II in the Conservation, Management and Promotion of the Industrial Heritage at Padua University, thus increasing her knowledge of the industrial world on the national and European level. The photographs that she presents in the exhibition “Industrial Landscapes” are the fruit of a work dedicated to the port of Genoa, the focal point and defining horizon of the Ligurian city. The description of the site and of its activities of loading and unloading of persons and goods is the contemporary story of a place still alive in the memory: the story of the work, the port installations and their machinery, actors in the tumultuous everyday reality of Genoa that are important and cannot be ignored. PORTO - GENOVA dettaglio LOUIS BOURJAC nasce a Parigi nel 1955. Riceve la prima educazione presso un istituto gesuita dove da subito emerge il suo temperamento testardo e ribelle. Dal 1975 al 1980 viaggia tra l’Africa, le Antille e il Guyane, regione francese dell’America del Sud. Dal 1982 al 1987 è di nuovo a Parigi, dove studia fotografia con Henri Coste e Beni Trutmann e acquisisce esperienza collaborando con varie agenzie e riviste. A questo periodo risale il reportage in Colombia che gli diede modo di entrare in contatto con le culture indigene e con gli chamanes Guajiros. Di ritorno a Parigi nel 1988 comincia la collaborazione con le grandi maison della moda parigina come Chanel, per la quale impronta importanti campagne pubblicitarie e Givenchy, per la quale realizza una serie di opere a colori per rappresentare al meglio la filosofia del marchio. Parallelamente è attratto dal quotidiano e dagli ambienti urbani realizzando serie di scatti in bianco e nero della Parigi notturna, del quartiere Pigalle e di archeologia industriale. La sua attenzione è catturata anche da momenti di aggregazione umana come gli incontri di boxe e da manifestazioni folcloristiche come le corride spagnole e i toreri. Numerose le esposizioni che alternano il suo interesse per il quotidiano a quello della moda e dei suoi retroscena: “60 anni di suffragio femminile”, “Notturni”, “Le strutture industriali e le tracce operaie”, “50 anni di profumi Givenchy”, “Passanti ordinarie” e “N & B, dietro le quinte della moda”. LOUIS BOURJAC born in Paris in 1955, Louis Bourjac received his early education at a Jesuit institute, where his stubborn and rebellious temperament soon emerged. From 1975 to 1980 he travelled in Africa and in the South American French regions of Antilles and Guyane. From 1982 to 1987 he was again in Paris, where he studied photography with Henri Coste and Beni Trutmann and acquired experience through working with various agencies and magazines. To this period belongs his reportage in Colombia, which allowed him the opportunity of coming into contact with indigenous cultures and Guajiro shamans. On his return to Paris in 1988 he began working with the great Parisian fashion house of Chanel, for whom he helped to shape important advertising campaigns, and Givenchy, for whom he realized a series of works in colour to represent the philosophy of the brand in the best possible way. Parallel to this, he was attracted by everyday scenes and by urban environments, carrying out a series of shots in black and white of Paris by night, the Pigalle quarter and industrial archaeology. His attention was also caught by moments when people come together for occasions like boxing matches, or for traditional festivals like Spanish corridas and bullfights. He has mounted numerous exhibitions and retrospectives in which his attraction to the everyday alternates with his interest in fashion: “60 years of female suffrage”, “Nocturnes”, “Industrial structures and the traces of working lives”, “50 years of Givenchy perfumes”, “Ordinary passers-by” and “N&B, behind the scenes of fashion”. FOS - GAZ - 2010 26x26 cm