Catalogo 2010

da un progetto di / project by
con il patrocinio di
Raimondo Galeano
a cura di / curated by
si ringraziano tutti coloro i quali hanno
contribuito alla realizzazione del progetto
we would like to thank all those people who have
contributed to the realization of this project
Simona Gavioli
segreteria organizzativa
/ organizing office
Giulia Zingarelli
comunicazione e ufficio stampa
/ communication and press office
Valeria Canu e Rosanna Ferraro
ufficio stampa correlato
/ related press office
Enrica Chicchio
immagine e fotografia
/ image and photograph
Luca Fontana e SpazioBlue
Comune
Castellina in Chianti
per le segnalazioni degli artisti
/ recommended by
Cecilia Casorati
Martina Cavallarin
Ornella Corradini
Valerio Dehò
Gianluca Marziani
Premio Zingarelli
rocca delle macìe 2010
© Damiani editore, 2010
© The artists for the works
© The authors for the texts
© The photographers for the photos
schede biografiche / biography
LIMITED EDITION
Ilaria Siboni
testi / texts
Gabriele Arruzzo
Giacomo Bartolucci
Nicola Bozzi
Cecilia Casorati
Martina Cavallarin
Fulvio Chimento
Lia De Venere
Valerio Dehò
Sabrina Foschini
Ignazio Gadaleta
Paolo Girotti
Gianluca Marziani
Gaël Moscarà
Giada Pesce
Patrizia Silingardi
Stefano Taddei
Damiani editore
via Zanardi, 376
40131 Bologna
t. +39 051 63 50 805
f. +39 051 63 47 188
www.damianieditore.com
graphic design
Lorenzo Tugnoli
ISBN 978-88-6208-142-9
Stampato nell’aprile 2010 presso le Grafiche Damiani, Bologna
Printed on April 2010 by Grafiche Damiani, Bologna
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permission in writing from the publisher.
VINITALY APRIL 8-12, 2010
IL NOSTRO VINO, STORIA DI UNA PASSIONE
Il Premio d’arte “Zingarelli Rocca delle Macìe” nasce come omaggio a mio
padre Italo Zingarelli, produttore, regista e direttore cinematografico nonchè
fondatore dell’azienda vitivinicola Rocca delle Macìe che oggi ho la fortuna
di dirigere insieme a mia moglie Daniela.
Uomo generoso, amante della vita, dotato di intuizione e di grande
lungimiranza, Italo è un nobile esempio di self-made-man. Dopo una breve
carriera in giovane età come pugile che lo porta in finale del Campionato
Italiano Novizi nei pesi medio-massimi, nel 1949 inizia a lavorare nel
cinema, prima come figurante e stuntman, poi come tecnico di produzione
e infine, dal 1954, come Direttore di produzione per numerosi film. Nel 1958
arriva a firmare la sua prima produzione cinematografica La rivolta dei
Gladiatori. Grazie alla sua determinazione e volontà nel 1964 apre la sua
casa di produzione e nel 1966 fonda la società di distribuzione cinematografica DELTA. Numerosi sono i successi
cinematografici che ci ha regalato, tra cui Lo chiamavano Trinità, Continuavano a chiamarlo Trinità e Più forte
ragazzi, oltre alle co-produzioni di successo internazionale come C’eravamo tanto amati e Sesso matto.
è nei primi anni 70 che mio padre sente che è arrivato il momento giusto per coronare il sogno di tutta una vita:
un’azienda vitivinicola nel cuore della Toscana. Così nel 1973, in controtendenza con tutte quelle persone che in
quegli anni scappavano dalle campagne per andare a lavorare in città, acquista un decadente borgo del 1300 vicino a
Castellina in Chianti e lo sottopone ad un attento lavoro di recupero architettonico dando vita a Rocca delle Macìe.
Mio padre, che ha sempre vissuto ogni esperienza con grande coinvolgimento,
aveva la capacità e la volontà di far diventare realtà i suoi sogni. La vita lo ha
portato ad appassionarsi alle arti in genere, ma è verso la pittura che egli ha
nutrito un grande amore. Uomo di grande senso estetico, ha sempre scelto i suoi
quadri istintivamente, spinto dalla ricerca del bello più che dalla fama dell’autore. Nel corso della sua vita egli ha sempre coltivato un’attenzione particolare
verso tutti quei giovani che, come lui, cercavano di realizzare i propri sogni.
Mio padre è riuscito a trasmettere a me, a mio fratello Fabio e mia sorella Sandra
la sua grande passione per la terra toscana e per l’arte di fare il vino, la voglia
e l’entusiasmo per continuare a scrivere quella storia infinita che lega l’arte al vino e alla vita dell’uomo. Ed è da
qui che nasce il desiderio della nostra famiglia di istituire questo Premio con l’intento di offrire a giovani artisti
un’opportunità per valorizzare il proprio talento e di tracciare dei percorsi che possano aiutarli a realizzare la propria
passione.
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OUR WINE: THE HISTORY OF A PASSION
The “Zingarelli Rocca delle Macìe” Art Prize was created in memory of my father, Italo Zingarelli,
who was a film-maker, producer and director, as well as founder of the Rocca delle Macìe winery,
of which I am lucky enough today to be at the helm alongside my wife Daniela.
A generous man and a lover of life, blessed with great intuition and farsightedness, Italo was
a noble example of the self-made man. After a brief early career as a boxer, which saw him
reach the final of the Italian Newcomers’ Championship in the middleweight and heavyweight
classes, in 1949 he started working in films, initially as an extra and a stuntman, before going
on to become a production technician and, from 1954 onwards, a production manager on
numerous films. In 1958, he directed his first feature, The Warrior and the Slave Girl. Thanks to
his determination and commitment, in 1964 he managed to set up his own production company
and in 1966 he established the film distribution company DELTA, which oversaw a plethora of
successful films, including They Call Me Trinity, Trinity Is Still My Name and All The Way, Boys,
alongside internationally successful co-productions such as We All Loved Each Other So Much
and How Funny Can Sex Be?
It was in the early 1970s when my father felt the time had come to realize the dream that he
had nurtured throughout his life: to open a winery in the heart of Tuscany. And so, in 1973,
in contrast to all those who at the time were fleeing the countryside to work in the city, he
purchased a rundown 14th-century borgo in Castellina in Chianti and set about painstakingly
restoring the buildings, thus giving rise to the Rocca delle Macìe winery.
My father, who always gave 100% to everything he was involved in, had the skill and the
commitment to make his dreams come true. He was passionate about the arts in general, and
was particularly enamored of painting. A man with a great aesthetic sense, he always chose
paintings instinctively, driven by his pursuit of beauty more than by the renown of the painter.
Over the course of his life, he always focused on those youngsters who, like him, were trying hard
to turn their dreams into a reality.
My father managed to infuse me, my brother Fabio and my sister Sandra with his great passion
for Tuscany and for the art of winemaking, as well as with the desire and enthusiasm to continue
writing the never-ending story that binds art to wine and to the life of man. Out of this passion
came the intention of our family to launch this prize, with a view to offering young artists the
opportunity to leverage their own talent and to marking out routes that may help them to make
the most of their passion.
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DELL’IMMORTALITà
DEL VINO
SIMONA GAVIOLI
Il vino, forse più del cibo, ha fissato un codice simbolico presente in tutte le civiltà del Mediterraneo. Una ragnatela
di significazioni presenti nelle religioni, nei miti e nei riti che hanno contribuito al delinearsi di mentalità,
all’assunzione di valori, a pratiche di reificazione e di comportamento trasmessi dall’arte e dalla letteratura quasi
in ogni tempo. Il vino vive la sua duplice essenza mitologica tracciando la sottile linea tra vizio e virtù, divino e
terreno, sacro e profano; la sua ambivalente natura è un’armonica composizione di sapori e una raffinata unione di
saperi, è un alternarsi d’emozioni che spiegano come questo nettare tanto caro agli dei sia depositario da sempre
di un doppio significato che spazia dalla creatività alla dissolutezza, dalla saggezza alla stupidità, dalla fortuna
al pericolo. Lascivo e inebriante liquido, identità unica, capace di sedurre più di quanto non lo faccia qualsiasi
altra bevanda, in Occidente è stato complice della sua stessa immortalità attraverso la pittura: quella grande
pittura che lo rende leggibile e spumeggiante, inafferrabile ed etereo, sfuggente e allusivo. Perché di fronte a
una coppa ricolma di fluido corposo, come ad una tela, il vino e l’arte non propongono nient’altro che loro stessi,
si concedono il lusso di appropriarsi per qualche istante dell’estasi e del piacere dell’evasione ricercando nel
disordine momentaneo il diritto dell’uomo di appellarsi al divino e di abbandonarsi all’esperienza estetica. Non c’è
da stupirsi, quindi, se arte e vino nella loro storia si sono così spesso incontrati, perché il vino non è solo materia
e colore, ma luminosità e metamorfosi, perché nel delirio del vino sta sempre il sogno intimo del segno pronto a
essere pittura.
La ragione che si oppone all’entropia naturale, cioè quella paziente ricerca del vignaiolo e del pittore come metodo si
scontrano con l’essenza misterica o dionisiaca che rifiuta la regola della razionalità. La presenza di Dioniso appare
ambivalente, nei suoi diversi aspetti: un Dio del lavoro, della terra, dell’ordine, ma anche un Dio dell’ebbrezza,
della follia, delle festose Baccanali. Eppure questa condizione delirante diventa simbolo di fertilità, o l’origine di
quella cosa meravigliosa chiamata nell’antichità teatro e oggi, spettacolo e mostra. Se c’è un legame tra Dioniso
e la società umana, chi ne possiede le chiavi per spalancarne le porte e svelarla, è l’arte. Oggi arte e vino hanno
una natura materiale e fisica, visiva e immaginifica in grado di preannunciare la dimensione interiore, un tempo
chiamata magia e ora linguaggio e comunicazione. Così gli artisti devono saper interpretare, -vivere lo fanno già- il
mito e l’ebbrezza, attraverso una visione che diventa afferrabile solo sulla tela.
Alla passione per il vino è dedicata la prima edizione del premio di pittura Zingarelli Rocca delle Macìe e ancora
una volta dopo secoli, gli artisti ripercorrono e interpretano questo tema che appassiona la nostra cultura Occidentale. Mille sfaccettature che hanno come unico comune denominatore la passione primordiale di imprimere sulla
tela il risultato che il vino ha sulle nostre percezioni. Le esperienze artistiche presentate con differenti tecniche e
saperi da ogni singolo autore rappresentano opere uniche. Nella diversità degli approcci al tema “Il nostro vino,
storia di una passione” ci si imbatte in un universo vasto dove la pittura risulta poliedrica e ampia, dove olio e
acrilico mostrano la luce e la perfezione in ragazze contemporanee o in dionisii sublimi; sia per chi nel digitale ha
percorso la sua strada e sia chi tessendo con ago e filo evoca baci e intrecci appassionati. Così nel lungo cammino
tra arte e vino, ormai la pittura è tutto: olio, acrilico, matita, acetato, carta, filo, digitale, graffio o fuoco, ma anche
mappatura, stratificazione, tecnologia e precisione. Qui la pittura è quel tutto, quel nostrum, capace di rendere
immortale il vino.
Con la purezza pittorica dell’acrilico si esprime Alice Andreoli proponendo una giovane vista di spalle con un
ampio tatuaggio sulla schiena e sul collo. L’immagine di due icone è una sinergia, un forte segno di riconoscimen-
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to e d’appartenenza per far emergere l’idea di una continuità generazionale che non vede più il tatuaggio come
disordine morale, bensì come logo del corpo libero nell’espressività della simbologia.
In altro modo Ermes Bichi usa la simbologia del vino nella storia e analizza il suo stato dalla forma primordiale
e nella natura stessa. Osservando vigneti trova interessante la sospensione dei grappoli, che accerchiati
dalla luce risultano come presenze leggere in una ripetizione casuale, sospese nella storia passata e insieme
contemporanea.
È un sottile legame quello che si percepisce dalla rappresentazione del visibile/non-visibile nell’opera di Fabio Borrelli.
Un universo complesso e intrecciato dove la figura del fanciullo emerge per ritrovare le profondità dell’animo nel
labirintico spazio del quadro. Il ragazzo in cima al cucuzzolo dei suoi pensieri sembra aver perso l’orientamento,
buttarsi o non buttarsi, entrare o uscire, vino o non vino… Chissà…
Ampliando la sua ossessiva passione per il buio, Simone Fazio dipinge la luna. Una luna che non è romantica,
bensì anima rischiarante della notte: mescola la sua luce con la luminosità del vino rendendo più leggero il
susseguirsi del tempo. Luna e vino sono per Fazio fortemente legati e vivono entrambe una doppia vita; diurna/
notturna, di ordine/disordine, di terreno/divino per costruire un percorso immaginario e illuminante nella vita e
nella percezione dell’oscurità.
Diversa, è invece la percezione dell’oscurità nella fotografia pittorica di Fabrizio Carotti quando la luce caravaggesca
avvolge premurose Baccanti in preda ad un invasamento ebbro, mentre preparano un accogliente letto a Dioniso
che si accinge a scendere l’ultimo gradino della scala per avvicinarsi al mondo terreno. L’ironia che si scorge dai
loro visi e dalle loro risa traccia una sottile linea tragica e ironica del rapporto tra umano e divino.
Ed è con una ricerca di matrice classica che Giuseppe Ciracì immagina un giovane Dioniso dove forte è il legame
tra contemporaneità e mitologia. Unendo la forza dell’olio e dell’acrilico al chiaroscuro della matita, il corpo-viso
pare lacerarsi mostrando un’alternanza di scheletro e pelle, ampliando il rapporto tra interiorità ed esteriorità che
prende intensità nel gesto e nella forza della mano riprodotta in forma scheletrica sull’immagine.
Partendo da uno studio sulle mistiche, -figure mitologiche fatte di anima- e sui loro presunti rapporti nascosti con
gli animali, Marco Mazzoni mette in scena un rapporto amoroso tra il gallo nero e un’avvenente fanciulla. Mentre
il gallo si avvinghia ai capelli neri, il letto d’edera avvolge la scena caricandola di passionalità ed eccitazione,
avvolgendo lo spettatore nello spazio intimo e sensuale dell’opera.
Francesca De Angelis si orienta nello spazio della tela con getti di colore diretti, sono rappresentazioni energiche,
aggressive, addirittura oniriche. Così in Sogno di Sole imprime forza al blu marcandone, come fecero le avanguardie
del Novecento, la dimensione infinita e spirituale. Quasi a lanciare luce verso di noi, verso uno spettatore che
catturato è preso nell’infinito dell’opera.
...storia di una passione per Duerama è quel desiderio che può trasformare pietra in simulacri, uva in vino,
pigmenti in mondi, poichè cresce e si trasforma in fuoco: assolutamente inafferrabile e misterioso. Un fuoco che
scappando dal labirinto bianco del foglio e bruciando il filo, rivela un percorso.
Su carta leggera e bianca si sviluppa il lavoro di Diana Legel basato sulla ricerca della struttura essenziale di
ogni oggetto, che partendo dall’analisi della percezione/comprensione e della costruzione spaziale giunge alla
“sostanza universale”. Un grappolo d’uva, elemento base e d’origine del vino, nella struttura spaziale interna ed
esterna fa sì che Diana raggiunga la Forma.
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Quella stessa forma che pare utilizzare Mirko Nikolic cercando di tessere una fitta ragnatela di reti, reticoli, mappe, e intrecci fino a costituire un paesaggio di segni sospinti verso un ambiente vitale, dove le linee si collegano
alle strutture, e solo lungo questi tracciati esse vengono ad essere. Queste reti che ne costituiscono la forma
rimandano allo sviluppo organico delle piante nella loro complessità ed eleganza, celando un paesaggio fitto e
complesso visto dall’alto.
Le macchine e il loro immaginario sono parte dell’opera di Ignazio Mazzeo che reinventa in chiave pittorica
elementi rudimentali, trasformati in monumenti antropomorfi e in macchine cieche, dalle relazioni invisibili e dalle
forme geometriche. Il vino diventa così il prodotto di un meccanicismo naturale-artificiale, il nettare sgorgato da
strutture senza tempo è simbolo della vita.
Frutti, fiori e germinazioni esplosive per Pietro Pastore diventano allegoria di quel paradiso perduto di cui si è
smarrita l’essenza. La forma diviene instabile, aprendosi a una dimensione allegorica. La rappresentazione ad acquerello del Dio, lo colloca inevitabilmente nella stagione dell’edera, simbolo di passione e portatore di fertilità.
Simile nella tecnica ma differente nei contenuti, il forte rapporto tra uomo, cibo e corpo vede Pierpaolo Miccolis
allestire uno spettacolo di trenta scene che recitano gli effetti del vino sull’essere umano. Acquerelli rapidi consumano episodi peccaminosi, immorali e libidinosi fondendoli a palcoscenici di celebrazione e sublimazione legati
inevitabilmente all’effetto che questo nettare ha sui nostri sensi.
L’artista inglese Hannah Michael gioca simbolicamente sul segno, dipingendo la giovinezza di due fanciulle
gemelle e vestendole con i colori del vino. Come in una marcia trionfante sembrano dirette verso lo spettatore che
attende desideroso il loro arrivo. Ed è cavalcando la capra della sessualità e del desiderio e dandosi la mano che
celebrano un’atmosfera di sollazzata magia e frivolezza, facilmente imputabile a Bacco e al suo essere vizioso.
Sembra servirsi di un codice Costabile Piccirillo utilizzando tre soli colori: rosso Chianti Classico, viola Barbera e
verde palma che uniti formano le componenti cromatiche dell’opera. In fondo sottofondo c’è un magma aperto e
non definitivo di un complesso percorso visivo, quasi un archivio che non cessa mai di essere riorganizzato, visto
l’incessante susseguirsi d’informazioni esterne.
L’artista romano Gianni Politi utilizza le tecniche del disegno a grafite e della pittura essenziale su carta per
rappresentare Boots. Con tratti taglienti talvolta feroci, gli strumenti da lavoro sono l’anima raschiante della
condizione di chi li indossa segnando l’appartenenza alla quotidianità. Quella consuetudine quotidiana che
parlandoci di lavoro e fatica vede il campo di lavoro come metafora dell’esistenza.
Nel suo Intreccio in Dioniso Gilda Scaglioni, eludendo la tradizionale materia pittorica, trascrive il suo immaginario con ago e filo; attraverso il ricamo disegna per astrazione il concetto di vita pulsante e carnale. Non di meno,
l’ordito e l’intreccio del ricamo alludono a più sofisticate interpretazioni etimologiche per cui Vite, dal latino “vite”,
deriva dall’indoeuropeo viere = curvare, intrecciare.
Il punto di partenza per la creazione dell’opera di Luca Zarattini è l’azione del tempo, la sua stratificazione e la
sottrazione materica come a ricordare affreschi in procinto di distaccarsi dalle pareti. E’ una ristrutturazione
inversa quella che avviene nelle sue immagini, de-strutturate e poi ricreate delineando un contatto tra passato e
presente. L’ironia, già dal titolo Il Sig. Vignaiolo Perbacco gioca costantemente tra realtà e finzione dipingendo un
lavoratore dal cognome inevitabilmente legato alla rappresentazione mitologia del vino, Bacco.
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ON
The Immortality of Wine
SIMONA GAVIOLI
Wine, perhaps even more so than food, embodies a symbolic code that is present in all the cultures of the
Mediterranean Sea. It is a web of significations encapsulated in the religions, myths and rites that have contributed
to the definition of mentalities, to the assumption of values and to practices of reification and behavior transmitted
by art and literature throughout almost every age. Wine lives out its dual mythological essence by tracing the subtle
line between vice and virtue, the earthly and the divine, the sacred and the profane; its ambivalent nature is a
harmonic composition of flavors and a refined union of forms of knowledge; it is an alternation of emotions that
explain why this nectar so beloved of the gods has always been the repository of a double meaning that ranges from
creativity to debauchery, from wisdom to stupidity, and from fortune to danger. A lascivious and inebriating liquid,
with a unique identity, capable of seducing more than any other beverage, in the West wine has played its part
in establishing its own immortality through painting – and specifically, through that grand form of painting that
renders wine legible but also foaming, elusive, ethereal, ungraspable and allusive. Faced with an overflowing glass
of full-bodied fluid, or faced with a canvas, wine and art propose nothing but themselves, they afford themselves
the luxury of appropriating for an instant the ecstasy and pleasure of escape, searching in the momentary disorder
for the right of man to appeal to the divine and to abandon himself to the aesthetic experience. It should come as
no surprise, then, that art and wine have come face-to-face so often during their history, because wine is not only
matter and color, but also luminosity and metamorphosis, and because in the delirium of wine there is always the
intimate dream of the sign ready to become painting.
Through the painstaking, methodical research of the winemaker and the painter, reason is placed in opposition to
natural entropy, clashing with the mysterious or Dionysian essence that refutes the rule of rationality. The presence
of Dionysius, in his various aspects, appears ambivalent: a god of work, of the land, of order, but also a god of
inebriation, of madness, of the frisky bacchanals. And yet this delirious condition becomes a symbol of fertility, or
the origin of that marvelous thing called “theatre”, in ancient times, and today called “spectacle” and “show”. If
there is a link between Dionysius and human society, it is art that holds the key to throw open the doors and reveal
it. Today, art and wine have a material, physical, visual and imaginative nature that is able to pre-announce the
interior dimension, at one time called “magic” and now called “language” and “communication”. As such, artists
must know how to interpret – they already live it – the myth and the inebriation, through a vision that becomes
graspable only on canvas.
The first Zingarelli Rocca delle Macìe Painting Prize is dedicated to the passion for wine, and once again, after
centuries, artists are re-tracing and re-interpreting this theme –one that very much excites our Western culture.
The competition entries encompass a thousand different aspects that have as their only common denominator
the primordial passion for impressing onto the canvas the effect that wine has on our perceptions. The artistic
experiences submitted, with each painter using his or her different techniques and forms of expertise, represent
unique works. In the diversity of the approaches to the theme “Our wine, history of a passion” we enter into an
immense universe where painting is multifaceted and wide-ranging, where oil and acrylic demonstrate light and
perfection in present-day girls or in sublime examples of Dionysius, taking in both those who express themselves
digitally and those who use a needle and thread to evoke impassioned kisses and embraces. So, in this long
relationship between art and wine, painting has now become everything: oil, acrylic, pencil, acetate, paper, thread,
digital, scratch or fire, but also mapping, stratification, technology and precision. Here, painting is that everything,
that panacea, with what it takes to make wine immortal.
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Alice Andreoli expresses herself with the pictorial purity of acrylic, depicting a young woman seen from behind with
a large tattoo on her back and neck. The image, made up of two icons, is a synergy, a strong marker of recognition
and of belonging, intended to bring out the idea of a generational continuity that no longer sees tattoos as a sign
of moral dereliction, but rather as a logo of the free style in the expressiveness of symbology.
Ermes Bichi takes a different approach, using the symbology of wine throughout history to analyze its status in
terms of its primordial form and its very nature. Observing vineyards, he focuses on the hanging of the bunches
(the result of human artifice): the bunches, encircled by light, are like light presences in a casual repetition
suspended in a history at once past and present.
The link that one perceives from Fabio Borrelli’s representation of the visible/non-visible is a subtle one. He
creates a complex, interwoven universe where the figure of the young boy emerges in order to rediscover the
profundity of the soul in the labyrinthine space of the painting. The boy at the top seems to have lost the guidance
of his thoughts – to jump or not to jump, to enter or exit, wine or not wine…who knows?
Broadening his obsessive passion for the dark, Simone Fazio paints the moon. Rather than a romantic moon,
his is the brightening soul of the night, mixing its light with the luminosity of wine, making the passage of time
less weighty. For Fazio, the moon and wine are closely related, and they both live a double life – day/night, order/
disorder, earthly/divine. The artist uses these oppositions to construct an imaginary, illuminating path through life
and through the perception of darkness.
Fabrizio Carotti expresses a rather different take on darkness through his pictorial photography, where the
Caravaggesque light enshrouds zealous bacchants engulfed by an inebriated enthusiasm as they prepare a
welcoming bed for Dionysius, who is about to take the final step down the staircase to the earthly world. The irony
that can be made out in their faces and their laughter serves as a faintly tragic comment on the relationship
between the human and the divine.
It is through a classical approach that Giuseppe Ciracì imagines a young Dionysius, emphasizing the link between
contemporaneity and mythology. Uniting the force of oil and acrylic with the chiaroscuro of pencil, the body/face
seems to lacerate itself, demonstrating an alternation between skeleton and skin, and widening the relationship
between interior and exterior, which takes on a sense of intensity in the gesture and the strength of the hand
reproduced in skeletal form in the image.
substance”. In its internal and external spatial structure, a bunch of grapes – the basic element and origin of
wine – allows Diana to reach Form.
It is the same form that Mirko Nikolic appears to use as he tries to weave a thick web of networks, grids, maps and
tangles in order to construct a landscape of signs driven towards a vital environment, where the lines link up with
the structures, and it is only along these tracks that they come into being. The networks that constitute the form
recall the organic development of plants in their complexity and elegance, concealing a complicated, impenetrable
landscape viewed from above.
Machines and their imagination are part of the work of Ignazio Mazzeo, who poetically re-casts rudimentary
elements, transforming them into anthropomorphic monuments and closed machines with invisible relations and
geometrical forms. Wine thus becomes the product of a natural/artificial mechanicism, the nectar gushing out
from timeless structures being a symbol of life.
For Pietro Pastore, fruits, flowers and explosive germinations become an allegory for that paradise lost of which
the essence has gone astray. Form becomes unstable, opening itself up to an allegorical dimension. The watercolor
representation of the god locates him inevitably in the season of the ivy, symbol of passion and bringer of fertility.
Similar in technique but different in content, the strong relationship between man, food and the body sees
Pierpaolo Miccolis put together a 30-scene spectacle that highlights the effects of wine on human beings. Rapid
watercolors portray sinful, immoral and libidinous episodes, fusing them with stage-sets of celebration and
sublimation that are unavoidably linked to the effect this nectar has on our senses.
English artist Hannah Michael plays symbolically with the sign, depicting the youth of two twin girls and dressing them
in the colors of wine. As if on a triumphal march, they seem to be directed towards the viewer, who eagerly awaits their
arrival. It is by deceiving themselves with sexuality and desire and taking each other by the hand that they celebrate a
lighthearted atmosphere of magic and frivolity, which is easily attributed to Bacchus and his depraved nature.
Costabile Piccirillo seems to make use of a code that relies on just three colors: Chianti Classico red, Barbera
violet and palm green. Together, these shades constitute the chromatic components of the work. With In Fondo
Sottofondo, he posits an open, non-definitive magma of a complex visual path, like an archive that never ceases to
be re-organized, given the incessant procession of external information.
Taking as his starting point a study of the mystics and of their supposed hidden relationships with animals,
Marco Mazzoni portrays an amorous relationship between a black rooster and an attractive girl. While the rooster
clings to her black hair, a bed of ivy envelops the scene, infusing it with passion and excitement, wrapping the
viewer in the intimate and sensual space of the work.
Roman artist Gianni Politi uses the techniques of graphite drawing and essential painting on paper to represent
Boots. With sharp, sometimes ferocious, strokes, his tools are the scraping soul of the condition of those who wear
them, signaling their belonging to the everyday – that day-to-day habit that, speaking to us of work and effort, sees
the field of work as a metaphor of existence.
Francesca De Angelis orients herself in the space of the canvas with direct splashes of color – energetic, aggressive,
even oneiric representations. With Sogno di Sole, she imbues the color blue with a sense of power, using it, as they
did during the 20th-century avant-garde movements, to mark out the infinite, spiritual dimension, almost as if she
is launching light towards us, towards a viewer who, enraptured, is caught in the infinity of the work.
In her Intreccio in Dioniso, Gilda Scaglioni – avoiding the traditional pictorial material – transcribes her imagination
with a needle and thread; through embroidery, she abstractly maps out the concept of pulsating, carnal life.
Moreover, the warp and weft of embroidery allude to more sophisticated etymological interpretations, whereby the
word “vine”, from the Latin “vite”, derives from the Indo-European “viere”, meaning to bend or weave.
For Duerama, “….history of a passion” is that desire that can transform stone into simulacra, grapes into wine,
pigments into worlds, since it grows and turns itself into fire: absolutely elusive and mysterious. It is a fire that
escapes from the white labyrinth of the paper and, burning the thread, reveals a path.
The starting point for the creation of Luca Zarattini’s work is the action of time, its stratification and material
subtraction, as if to recall frescoes that are about to peel off the walls. What happens in his work is an inverse
restructuring, his images at first being de-structured before being re-created, delineating in the process a contact
between past and present. The irony, immediately evident in the title Il Sig. Vignaiolo Perbacco (“Mr Winemaker By
Jove” or more literally “...by Bacchus”), plays constantly on the contrast between reality and fiction, portraying a
worker with a surname that is inevitably linked to the mythological representation of wine, Bacchus.
Painted on white, light paper, Diana Legel’s work is based on research into the essential structure of each object.
Starting from an analysis of perception/comprehension and spatial construction, she arrives at “universal
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OPEREworks
Alice Andreoli
Ermes Bichi
Fabio BorrelLi
Fabrizio Carotti
Giuseppe Ciracì
Francesca De Angelis
Duerama
Simone Fazio
Diana Legel
Ignazio Mazzeo
Marco Mazzoni
Pierpaolo Miccolis
Hannah Michael
Mirko Nikolic
Pietro Pastore
Costabile Piccirillo
Gianni Politi
Gilda Scaglioni
Luca Zarattini
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Alice Andreoli
Per aspera ad astra
acrilico su tela
Alice Andreoli lavora con la pittura per indagare un universo
100x100 cm, 2009
giovanile estremamente spigoloso, complesso, un mondo fatto di
look, logo, piercing, tatuaggi e riflessioni introspettive tra segni
di pennello precisi e campiture espressioniste. La sua pittura è
cosciente di tutte le conquiste effettuate dalle avanguardie e compie un passo in avanti rispetto al senso della superficie, disponendo
l’immagine attraverso una visione trasversale. La figura umana
è compressa in un particolare disposto in un campo visivo ridotto e successivamente amplificato attraverso segmenti e porzioni
di colore che appaiono quasi sovrapposti e che introducono elementi tatuati sulla tela quanto sui brani anatomici dei soggetti
rappresentati. La pennellata di questa giovane artista accentua la
forza del segno senza necessitare di forzature mentre le superfici
monocrome sul fondo del quadro riportano a una strategia energetica. Andreoli Alice Andreoli’s artworks look into TESTO DI
TEXT BY
nutre le sue opere con frammenti del suo a juvenile universe which is ex- MARTINA
quotidiano, con gesti che appartengono tremely difficult, complex, a world CAVALLARIN
alla sua generazione e srotola la vita di of look, logo, piercing, tattoo and
tutti i giorni attraverso colori che vanno introspective reflections, all among signs of brush and
dal grigio al blu, al bianco e al rosso per expressionist backgrounds. Her painting is conscious of
attraversare completi e vasti spazi cro- all the avant-garde achievements and it goes forward
matici laddove il tratto si fa più preci- as regards the sense of the surface, by setting out the
so, quasi maniacale. In questo senso è image through a transversal view. The human body is
un’artista che usa il pennello come fosse compressed in a detail placed on a reduced visual field
una macchina fotografica, sommando which is later extended through segments and portions
sapienza e velocità alternate a campiture of colour that seem almost superposed and that introappena accennate, quasi a voler sottoline- duce tattooed elements on the canvas as well as on the
are attraverso il cambio di tecnica quali portrayed people. This artist handles the brush as if it
sono i tempi che servono, i battiti neces- was a camera combining ability and speed with a faint
sari, le tracce simboliche più personali e painted background. In her artworks the image is alseducenti. La sua opera traduce la conci- ways clear, it reveals the initial idea focusing on details.
liabilità tra universi mediante una pittura This young artist’s brush stroke highlights the strength
figurativa che esprime categoricamente la of the sign with no need of forcing, and the monochrodimensione del soggetto e sopravvive sul matic surfaces on the painted background recall an enfilo della memoria di un intero “genere” in ergetic strategy. Alice Andreoli’s paintings represent an
quanto appartenenza, inclinazioni, gusti e important and significant narrative feature in the field
segni. Andreoli da tutto questo attinge e si of the young Italian contemporary painting.
ritrae mentre, nell’invenzione del quadro,
svela il suo orizzonte inaccessibile, nascosto, bruciante. Nella sua opera l’immagine
è sempre lampante, svela l’idea iniziale
focalizzandosi sul particolare. La temperatura culturale si incrocia e si fonde in un
eclettismo composito che spinge in varie
direzioni, una calibrata aggregazione di
elementi che slittano senza perdere mai il
senso. I quadri di Andreoli rappresentano
un lungometraggio narrativo importante
e significativo nella realtà della giovane
pittura italiana contemporanea.
18
19
Ermes Bichi
TESTO DI
TEXT BY
GABRIELE
ARRUZZO
”La pittura di Bichi è primordiale,
cattiva, immediata. L’autore non
finge. Tutto quello che possiede
è lì, sulla tela, mostrato senza
filtri nè strategie
“Bichi’s painting is primor- all’osservatore. Il suo è
dial, bad, straight. The author un lavoro puro, onesto.
doesn’t pretend. Everything he Immacolato quanto
owns it’s there, on the canvas, cibo mal digerito.”
shown without filters and strategy to the observer. His work is
clean, honest, It’s spotless as
an undigested food.”
In tralux, intra lux...
tecnica mista
100x100 cm, 2009
20
21
Fabio BorrelLi
TESTO DI
TEXT BY
Particolare#
inchiostro e acrilico su tela
100x100 cm, 2010
La complessità del lavoro pittorico di Fabio Borrelli è tutta giocata sul significato recondito degli
opposti dell’inconscio umano e sul percorso verso la conoscenza dell’essere, come se l’artista
volesse mettere in piedi una sorta di radiografia dell’anima. Ispirandosi all’indagine psicologica
ed in particolar modo alle teorie di Jung, Borrelli si rivolge difatti all’immaginario collettivo per
codificare attraverso il gioco della dualità la scoperta di un equilibrio in ogni caso reversibile
ed in continua trasformazione. La sua ricerca prende inizio da tele in bianco e nero dove gli
unici minuscoli protagonisti, quasi nascosti tra enormi cunicoli e baratri che sembrano quasi
soffocarli e intrappolarli, sono in realtà bambini archetipici che come scavatori delle viscere
della terra paiono viaggiare dentro loro stessi per arrivare alla conoscenza dell’esistenza umana.
La scrittura fitta e bianca, un segno ininterrotto e ossessivo, oltremodo incessante, alfabeto di
ideogrammi, forma caverne e labirinti dove avvieThe complexity of the Fabio Borrelli’s pictorial work is all played on the hidden ne per il fanciullo, che supera ostacoli apparenmeaning of opposites of the human unconscious and on the path towards knowl- temente insormontabili, lo scontro tra percezione
edge of being, as if the artist wanted to create a sort of x-ray of the soul. In- conscia ed inconscia. Sono tele senza alcun titolo,
spired by psychological investigation and especially by the Jungian theories, quasi come se proseguissero l’una dentro l’altra
Borrelli turns to the collective imagination to encode, through the game of con effetto narrativo come un viaggio senza fine
duality, the discovery of an equilibrium which can be reversible and in continu- dentro un nero cosmico, come in un videogioco
ous transformation. His quest begins with paintings in black and white where bidimensionale. Ogni figura, seppure così semthe tiny sole protagonists, almost hidden among huge tunnels and chasms that plificata graficamente, diventa simbolo primiseem to almost suffocate and trap them, are actually archetypal children that, genio delle variegate forme dell’essere e del loro
like excavators of the bowels of the earth, that seem to travel within them- sussueguirsi, viatico di un sottotesto che allude
selves to reach the knowledge of human existence. the thick white writing, an in modo intrigante alle trasformazioni del nostro
uninterrupted and obsessive line, extremely relentless, an alphabet made of interno, al nostro invisibile. Nelle rappresentazioni
ideograms, forms caves and labyrinths where the child experiences, overcoming colorate, che si affastellano aggrovigliandosi le
seemingly insurmountable obstacles, the collision between the conscious and une sulle altre come geroglifici incomprensibili
unconscious perception. The canvases are untitled, almost as if continuing e fantastici inesorabilmente intrecciati, sempre
one inside the other with a narrative effect, like a endless journey in the cosmic frontali o di profilo, e che si ispirano al mondo pop
black, like in a two-dimensional video game. Each figure, albeit, so graphically dei cartoon, si ritrova una proiezione dell’essere
simplified, becomes a primitive symbol of the variegated forms of being and its umano che lotta per guadagnarsi lo spazio vitale
succession, through a subtext that hints intriguingly to transformations within in un mondo sovraffollato dove non esistono più
ourselves, in our invisible. The colored representations, which are entangle and luoghi di pensiero. Nella nuova serie di opere, dove
piled up one on top of the other like incomprehensible hieroglyphics inexorably per la prima volta compare il colore, intitolate Parintertwined, always facing the front or half-face, and inspired by the pop world ticolare #, ad inchiostro e acrilico su lino, avviene
of cartoons, become a projection of the human being who struggles to earn una nuova trasformazione. I reticolati sono formasome living space in an overcrowded world where there is no space for places ti ora da cumuli di bocche ridotte all’essenziale,
where one can think. In the new series of works entitled Particolare #, where maglie reticolate sui quali i piccoli avventori,
color appears for the first time, in ink and acrylic on linen, a new transformation ora non più soltanto segni ma colorati di bianco,
takes place. The grid is now formed by piles of mouths reduced to a minimum, camminano, si ergono, si liberano dalle costrizioni
cross-linked grids where the small inhabitants, no longer only signs but painted o rimangono pericolosamente in bilico. La bocca
white, walk, stand, or free themselves from the constraints or remain danger- viene vista come organo per respirare e divorare il
ously in an unstable balance. The mouth is seen as an organ used for breathing prossimo, che si apre e si chiude alternativamente
and eating its neighbor, which alternately opens and closes to survive and, per sopravvivere e dunque esistere. Oppure come
therefore, exist. Or as a symbolic entity and a sexual vehicle for acceptance entità simbolica e veicolo sessuale di accoglimenand aggression (the teeth’s purpose is to bite), nourishment, communication, to e aggressione (i denti intenti a mordere), di
breath of life. Fabio Borrelli, after a tortuous and exhausting journey through nutrimento,linguaggio, soffio vitale. Fabio Borrelli
the maze of a symbolic winding path of the human existence, reaches its very arriva così, dopo un tortuoso e affannoso percorso
essence, going beyond the senses and emotional feelings...
nei meandri simbolici dell’essere, alla sua essenza più vera, andando oltre i sensi e le sensazioni
emotive...
STEFANO
TADDEI
23
Fabrizio Carotti uses photography in a considered manner which does
not prevent him from establishing a comparison with the temporality portrayed. For him, photography starts as an impossible genealogy and then
opens up to experiments towards different situations and painting, which
is akin to photography among artists in his generation. Thanks to digital
technologies, shooting and processing time interact in an ever changing
time unit. On the one hand, Carotti’s works are surprisingly marked by
the presence of painting showing traces of its texture and old scratches,
warm and almost oxidised colours, recalling times which virtually engulfed people and landscapes in a figural embrace. On the other hand,
contemporary countenances, swift poses and fleeting movements bring
us back to the riverbed of a technique renown for its capacity to grasp the
moments lost during our existence. Paradoxically, Carotti’s works not only
do they recall painting when he deposits a layer which embraces things
and people but also when he applies its stylistic features, mainly in a
Caravaggio style. The black light becomes a sort of denial of photography; Roland Barthes’ camera lucida turns dark again, because modern
photography, mainly digital, is open to paradigms where the instrument
is set aside and does no longer play a pivotal role in revealing the artist’s stance on the world and history of arts. This is important because,
unlike in the past, this digital painting can now lean towards the sphere
of neumenon. In other words, a technology-bound instrument holds the
knowledge linked to the innermost, memory and archetypes, being a universe which has always belonged to culture, also from an anthropological
viewpoint. Thus, the word “theatre” perfectly fits in Carotti’s work, theatre
as both “teatrum mundi” and “theatre of memory”. The artist perfectly investigates the paradigmatic images of a civilization, namely compassion,
sorrow, death, love, temporal suspension, with profound lucidity. Carotti’s
photographic painting can summarize what the contemporary figurative
art scene overlooks, seeking for something between deep structures and
digital miracles. But he also pursues an original perspective of the world
which is halfway between past and future, well aware of its origins and
which is mostly the expression of a specific standpoint in the world. Thus,
the difference between painting and photography is now blurry. It looks
like something which recalls something else, an idea which someone pursued and developed but which is gradually turning into memory. What is
important to bear in mind is that the XX century destroyed almost everything; therefore, there is nothing else this century and its generations can
do but to start over from the pieces scattered and the ruins of meaning.
Fabrizio Carotti
La premura
delle baccanti
pittura digitale
100x100 cm, 2010
Fabrizio Carotti usa la
fotografia con una ponderatezza che non diventa
mai incapacità a non farsi
coinvolgere dalle possibiTESTO DI
lità di un confronto con
TEXT BY
VALERIO
la temporalità rappresa.
DEHò
Parte dalla fotografia
come genealogia impossibile per aprirsi ad una sperimentazione verso altre situazioni e verso la pittura
stessa, che è consanguinea per la sua generazione.
Il digitale fa sì che i tempi della ripresa e dell’elaborazione coincidano in un’ unità di tempo infinitamente
variabile. Da un lato è la pittura che sorprendentemente riappare nelle opere di Carotti che recano tracce di
trame e d’antichi graffi, di colori scaldati e quasi ossidati, di un tempo che virtualmente ha abbracciato
uomini e paesaggi in un abbraccio figurale. Dall’altro
i volti così contemporanei e la stessa velocità delle
pose, i movimenti spesso storditi d’immediatezza, ci
riportano nell’alveo di una tecnica che sappiamo possa sempre cogliere gli attimi che perdiamo nel corso
della nostra esistenza. Ma il gioco dei paradossi sta
proprio nel fatto che Fabrizio Carotti ricorda la pittura,
non solo quando le deposita una patina che avvolge
cose e persone, ma anche quando ne riprende gli stilemi, soprattutto in chiave caravaggesca. La luce nera
diventa allora una sorta di negazione della fotografia,
la camera chiara di Roland Barthes ridiventa scura,
proprio perché la fotografia attuale, quasi interamente
digitale, è aperta verso paradigmi in cui il mezzo sembra farsi da parte, sembra non voler diventare determinante per chiarire la pozione dell’artista rispetto al
mondo e rispetto alla storia dell’arte Questo è importante perché questa pittura digitale, mostra una progressione verso la sfera del noumeno che prima non
poteva avere. Come a dire che proprio uno strumento
legato alla tecnologia diventa il depositario di un sapere legato al profondo, alla
memoria, agli archetipi a quell’ universo che anche in chiave antropologica, è
sempre appartenuto alla cultura. Non a caso bisogna rammentare una parola
che probabilmente il lavoro di Carotti riesce benissimo ad esprimere: “teatro”,
inteso tanto come “teatrum mundi” che come “teatro della memoria”. L’artista
riesce perfettamente con grande lucidità a sondare le immagini paradigmatiche di una civiltà: la compassione, il dolore, la morte, l’amore, la sospensione
temporale. La fotografia pittorica di Carotti riesce a sintetizzare quello che si
affaccia sulla scena dell’arte figurativa contemporanea, sempre alla ricerca di
una medietà tra le strutture del profondo e i miracoli della superficie digitale. Ma
anche alla ricerca di un’originalità di una visione del mondo che sappia essere
equidistante tra il passato e il futuro, in una consapevolezza delle origini che è
soprattutto scelta di una posizione nel mondo. Per questo il confronto tra pittura
e fotografia appare più indefinito adesso, appare come un qualcosa che ci ricorda qualcos’altro e che resta un’idea che qualcuno ha perseguito e realizzato, ma
sta progressivamente diventando un ricordo. L’importante è ricordare che se il
Novecento ha distrutto quasi tutto, a questo nuovo secolo e alle sue generazioni
non resta che ricostruire dai frammenti sparsi, dalle rovine del senso.
24
Giuseppe Ciracì
Dioniso n°27
tecnica mista su tela
100x100 cm, 2009
Giuseppe Ciracì è un pittore di volti che, a dispetto di una figurazione
apparentemente tradizionale, sviluppa opere corrosive, con graffiature, interventi a matita, olio, acrilico e uno sguardo strabico tra scheletro e pelle
che strappa i soggetti rappresentati a qualsiasi criterio di pura mimesi e
di sorpassata retorica. La volontà sta nel riciclare forma, immagine ed un
consumo sociale assediato dalla storia, ma fiducioso nell’intravedere prospettive di una realtà che è abitata da regole costruttive. E nelle sue tele si
stende solo una somiglianza tra l’immagine e il rappresentato, una visione
che consente di entrare in una dimensione “altra” dalla realtà, pur nutrendosene e esigendola. Ciracì indaga in tal modo un
universo alternativo con lo sguardo rivolto ad una
ricerca di matrice classica, sia dal punto di vista
letterario - attraverso la conoscenza e l’esplorazioGiuseppe Ciracì is a painter of countene della radice antropologica e sociale delle teste
nances that despite his apparently tradirasate, soprattutto nell’antica Grecia e nel mondo
tional figuration develops corrosive works
TESTO DI
TEXT BY
latino – sia dal punto di vista della technè, della
through scratching and interventions with
MARTINA
pencil, oil, acrylic as well as a squint-eyed
CAVALLARIN sottrazione attraverso matita e pennello di squarci
di superficie dei soggetti rappresentati. Lo stato
gaze between skeleton and skin that tears
the subjects represented away from any sort of criterion of sheer mi- d’animo è quello della pittura totale con riferimenti
mesis and superseded rhetoric. The underlying will is the recycling of attinti dalla storia dell’arte, un trattamento della
form, image and social consumption besieged by history but neverthe- parte pellicolare che possiede rimandi attenuati da
less showing glimpses of a reality characterized by constructive rules. un recupero interiore del dato. La sua opera attinge
In his canvas there is just the likeliness between the image and what dalle radici fino alla soglia esplicita dell’immagine,
is represented, a vision that allows one to enter in an ìotherî dimension dentro la temperatura energetica e sensibile del
of reality, even if continuing to demand it and to gain nutriment from quadro. La preziosità formale in cui si srotola l’oscilit. Ciracì thus investigates an alternative universe while continuing lazione esistenziale dei suoi lavori non è il prodotto
to level his gaze on a research that has a classical matrix both from di un’eccentricità superficiale, ma piuttosto tale
the literary point of view ñ through the knowledge and the exploration eccentricità è il sintomo del desiderio di emergere
of the anthropological and social roots of shaved heads, above all in con un segno marcato ed individuale in una realtà
Ancient Greece and in the Latin world ñ and from that of the technè, impregnata più di tecnologia e di tecnicismo che
the taking away, through pencil and paintbrush, of surface gashes of non di sapienza tecnica. Le relazioni tra i soggetti
the subjects represented. The frame of mind is that of total painting sono attraversati da una memoria biografica, metrowith clear references drawn from the art history, a treatment of the politana e umanistica. La sagoma che appare sulla
upper layer where echoes are attenuated by an inner retrieval of the distesa delle sue opere è ripresa di forme passate,
given. His work draws on the roots and up to the explicit threshold of citazioni sensibili di modelli ricercati e imprigionati
the image, inside the energy-charged and sensitive temperature of the tra tela e materia, magia iconica. Quella che ne ripainting. The formal preciousness where the existential oscillation of sulta è una nuova cifra stilistica in cui l’ornamento
his work pans out is not the outcome of a superficial eccentricity but rarefatto e nascosto si fa specchio del processo crerather that eccentricity is the symptom of the desire to emerge, with a ativo presente. L’immagine rinasce dalla letteratura
marked and individual sign, in a reality imbued more in technology and e dall’allegoria. Nei lavori del giovane pittore brintechnicalities than in technique. The relationship between subjects are disino la forza della storia dialoga con una nuova,
characterized by a biographical, metropolitan and humanistic memory. contemporanea, evidenza formale e con un’energia
The profile that appears on the expanse his works is full of forms from da costruttore contemporaneo di pittura dove quethe past, quotations from models refined and imprisoned between the sta, per continuare a trovare senso e significato, si
canvas and the material, it is iconic magic. What emerges is a new sty- avvale della commistione tra abilità antica e ristrutlistic mark where the rarefied and hidden ornament becomes the mirror turata visione del mondo...
of the current creative process. The image is reborn from literature and
from allegory. In the works of the young artist from Brindisi, the power
of history dialogues with a new, contemporary, formal evidence and
with the energy that constructs contemporary painting where the latter, in order to continue finding sense and meaning, avails itself of the
combination of age-old ability and restructured vision of the world. 26
27
Francesca De Angelis
TESTO DI
Per Francesca De Angelis la pittura è un atto­- se non addirittuTEXT BY
ra un “bisogno”- essenzialmente istintivo. Possiede un talento
CECILIA
CASORATI
naturale che la porta ad affrontare la tela con voracità,come
se tutto quello che incontra, vede, immagina, sente, dovesse
trasformarsi immediatamente nella materia dei suoi quadri.
In un certo modo,il suo è stato un “percorso inverso” (sicuramente inconsueto tra gli artisti contemporanei), lungo il quale
ha messo volontariamente da parte l’abilità tecnica e la sua
istintiva capacità - e velocità - di raffigurare la realtà, per concentrarsi essenzialmente sugli elementi primari della pittura:
colore segno e materia. La vitalità della sua pittura trova le
sue radici nella sovversione dei codici Narrativi avviata negli
anni ottanta e nella rivalutazione di uno sguardo “superficiale”, libero, fluido e ironico
che deliberatamente fonda Francesca De Angelis’s painting is an act, if not a need, basically
il proprio Linguaggio sulla instinctive. Everything she meets, sees, imagines and feels impluralità dei generi e delle mediately turns into the main character of her artworks. Her work
narrazioni. Le opere recenti, follows a “reverse path” with respect to most of the contemporary
in cui astrazione e figurazio- artists as she sets apart the technical skills and the instinctive
ne si confrontano incessan- ability and speed to get concentrated essentially on the primaries
temente, evidenziano con elements of painting: colour, sign and matter. The vitality of her
chiarezza la consapevolezza paintings takes origin from the narrative codes revolution period,
dell’artista di essere arte- which started in the Eighties, consisting on a different and “superfice e non creatore o inter- ficial” eyesight, free flowing and ironic, deliberately based on the
prete e affermano con forza plurality of languages and narrative genres. In the recent works,
l’autonomia del linguaggio where abstraction and figuration face each other incessantly, the
artist figures up as the maker but not the creator or the interpreter,
dell’arte.
a strong affirmation of the autonomy of the art’s language.
Sogno di sole
acrilico su tela
100x100 cm, 2009
28
29
Duerama
In November 2006, in classroom 1, a young student just enrolled in the first
year of the Painting Course, opens a white MacBook and starts showing a
list of images. I can’t help but notice the quiet composure of the young man
who confidently pulls out a remote control that he uses to give instructions
to the machine. The images came to life from symbols filled with originality, ancestral, however strongly embedded in experiences of free expression,
with a touch of transgression. In short, the young man had fought a battle
of armed words, such as I had heard from Rammelzee (who I had met personally in 1982, in Martina Franca). The young man exTESTO DI
Nel novembre 2006, in aula 1, un giovane plained to me that he was accustomed to those letters,
TEXT BY
studente appena iscritto al primo anno del having been raised in a typography, amidst mobile charIGNAZIO
GADALETA
mio corso di pittura apre un MacBook bian- acters, Linotype, digital technologies, paper and the smell
co e comincia a scorrere una presentazione of ink. In those works, I had noticed early Campanian oridi immagini. Mi incuriosisce la rispettosa gins, shyly hidden, but expressed through a sort of verbal
compostezza del ragazzo che con fare sicuro reticence and communicated powerfully in the structural
esibisce un telecomando con il quale istrui- dimension of graphic-pictorial language. I noticed a consce la macchina. Già quelle immagini erano tinuity from the echoes of the paintings successfully exanimate da germinazioni di segni che ave- pressed in the eighties (even those I had then expressed
vano sapori originari, ancestrali, eppure fortemente radicati in esperienze in my own creativity, which were already well grounded),
di libere espressività dal sapore trasgressivo. Insomma il ragazzo aveva which had found expression in spheres of the Mediterra“combattuto” guerre di lettere armate come già Rammelzee (che avevo nean. A continuity destined to soon become autonomous,
incontrato direttamente nel 1982 a Martina Franca) mi aveva narrato. Il as exemplified through those signs. In time, Duerama has
ragazzo mi spiegava che le lettere erano anche quelle di proprie frequen- developed a personal expressive code, which with tenacity
tazioni consuete essendo cresciuto in una tipografia fra caratteri mobili, and absolute passion of participation, finds its motivation. linotype, tecnologie digitali, carte e odori di inchiostro. In quei lavori avevo There is a clear sign of urgency for the art of painting as a
pure già individuato ascendenze campane timidamente celate, ammesse language that is unspent and inexhaustible. It evolves the
con reticenza verbale eppure prepotentemente comunicate nella dimensio- agglomerate of signs into pictorial constructions, showing
ne strutturale del linguaggio grafico-pittorico. Avvertivo una linea di con- the contrast between the expressionless ‘industrial’ layout
tinuità con tanti echi di pittura felicemente espressa nei recenti anni ’80 and the sensitive pictorial design. The appearance is es(anche quelli delle mie espressività di allora, già consapevoli di formatività pecially of fluidity of lines intertwined, filaments that draw
già costruita e raggiunta) che nella mediterraneità aveva trovato le proprie stains that guide the synthetic and natural senses (organragioni. Una continuità destinata a divenire presto autonoma, perchè tanto ic or mineral). They constitute memorial and metamorphic
quei segni prefiguravano. Nel corso degli anni, Duerama ha sviluppato un traces, of transforming situations ‘that never cease to be
codice espressivo tutto suo che nella tenacia e nella passione partecipata what they were’, as he asserts firmly. His recent linguistic
in modo assoluto trova il fondamento motivazionale. Egli avverte l’urgen- evolution include fearless processes that are above meza delle ragioni della pittura come linguaggio inesaurito e inesauribile. diocrity, forcing the limits of the picture. The fireworks
Evolve gli agglomerati segnici in costruzioni pittoriche salde ponendo in fix yet unknown ligaments of the pigment, through small
contrasto campiture tese ed inespressive nella loro stesura “industriale” controlled explosions, reminders of deep piric Neopolitan
con proposizioni di pura pittura sensibile. Sono principalmente flussi di festivities. His recent punctuated paintings surpass the
linee i grovigli di forme che mette in campo, sono filamenti che disegnano definition of work of art, as static construction that can obmacchie che veicolano i sensi del naturale (organico o minerale) e del sin- tain eventual infinite declinations which can at once find
tetico. Si costituiscono come tracce memoriali di metamorfosi, di situazioni multiple possibilities for vital expansion (or contraction).
in trasformazione “che non smettono mai di essere tutto quello che erano Duerama writes: “I am searching for this written painting,
prima” come egli stesso dichiara con fermezza. Le sue recenti evoluzioni writing that which cannot be written”.
linguistiche comprendono spericolate avventure processuali che superano
ogni consueta medialità, forzando il limite del quadro. Gli artifici del fuoco,
fissano inedite modalità di legamento del pigmento al supporto attraverso
piccole esplosioni fisicamente controllate memori di profonde napoletanità
di feste piriche. La sua recentissima pittura staccata supera la definizione
d’opera come costrutto statico e immobile per conquistare le eventualità
di infinite declinazioni che nella provvisorietà individuano molteplici possibilità di espansione (o contrazione) vitalistica. Duerama stesso scrive:
“Cerco questa pittura scritta, scrivendo quello che non si può scrivere”.
Artificio del fuoco 21
fuochi artificiali
modificati su
cartone naturale
100x100 cm, 2010
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Simone Fazio
Simone Fazio, originario delle aree geografiche del Chianti, della Maremma, del Monte Amiata, ha trascorso in Toscana alcuni
degli anni più formativi della propria infanzia e della propria
adolescenza, vivendo a stretto contatto con il mondo agricolo e
Nel Buio 24
rurale. Oggi vive a Castelfranco Emilia, in provincia di Modena.
olio su tela
Con l’opera Nel buio, l’artista affronta uno dei temi centrali del100x100 cm, 2010
la sua produzione: l’influenza dell’oscuro che si tramuta in seme
occulto e generativo per la sfera intellettiva dei singoli individui.
I soggetti da lui solitamente rappresentati, ovvero uomini e donne
“ai margini”, di ascendenza vagamente baconiana, immersi nelle tenebre, sembrerebbero risentire
di questa “voce lunare” in grado di
Simone Fazio spent the most formative years of his childhood and
influenzarne i comportamenti e geadolescence in the areas of Chianti, Maremma, and Mount Amiata
nerare una sorta di auto-esclusione
in Tuscany. He lived immersed within a rural and agricultural world.
sociale. All’apparenza opera distante
TESTO DI
Today he is based in Castelfranco Emilia, close to Modena; however, TEXT BY
dalla consueta cifra stilistica di Fathe cyclical rhythms of crop growing continue to influence deeply his FULVIO
zio, Nel buio rivela in realtà la fonte
CHIMENTO
existential and artistic development. The artist’s words related to his
di tanta sua ispirazione artistica. La
memories of those times are striking: “… the best things were precisely those luna amplifica le zone d’ombra dell’esistenza, le
excursions that ended late at night, after an evening of conversations and a glass dilata. Non si tratta della “luna romantica”, evoof good wine, watching the bright and starry sky, as one never sees it from the cativa per tanti poeti e pittori, ma “dell’altra faccia
city. What a spectacle was the sky seen from the Tuscan countryside: crisp, clear, della luna”, in grado di accendere una riflessione
free of humidity and cancerous vapors, one can still see in it the trail of the Milky arguta sull’uomo contemporaneo e sulla sua tranWay and the clear and infinite stars.” Fazio depicts a scenario reminiscent of the sitorietà. I corpi magri e asciutti, i crani tesi nel
novel “The Moon and the Bonfires”, an atmosphere evocative of Pavese’s aesthet- buio, più volte dipinti da Fazio, non vengono trattati
ics: a time that is lost and yet close by, emotionally intense and sharp, the time differentemente rispetto al soggetto celeste, tutte le
of discovery and recognition of oneself, with the help of the outdoors and the forme subiscono infatti delle deformazioni, dovute
faces of companions of nocturnal incursions. With the work In the dark the artist all’attrito tra forze contrapposte: la gravitazione teraddresses one of the central themes of its production: the influence of the dark- restre da una parte e gli stati emotivi interni delle
ness, which becomes a hidden, generative seed for man’s intellectual sphere. The figure effigiate dall’altra. La luna, unico satellite
subjects that he usually represents, namely marginal men and women of vague naturale della Terra, è in grado di attrarre le maree
Baconian descent, are immersed in the dark. They seem to experience this “moon e di generare un’energia simbiotica con il mondo
voice,” which can influence their behaviors and bring about a kind of social self- naturale, innescando un legame sottile e invisibile
exclusion. In the dark appears to be distant from Fazio’s usual style. Yet, this work con l’universo e le sue forme. È forse questo il mireveals the source of much of his artistic inspiration. The moon amplifies the stero maggiore che ha spinto artisti di ogni epoca
shadows of existence; it dilates them. This is not the “romantic moon”, evocative a interrogarsi sul fascino occulto delle tenebre, di
for so many poets and painters, but rather the “other side of the moon”, which cui la luna è sovrana incontrastata. Simone Fazio si
can trigger a witty reflection on contemporary man and his transient state. Fazio ritiene un artista “punk”; questa auto-definizione ci
frequently paints lean and skinny bodies, skulls stretched out in the dark. They are permette di chiarire in parte il suo rapporto con la
not treated differently from the heavenly subject. All forms suffer deformations, conoscenza. Fazio è infatti dotato di un’intelligenza
due to the friction between contrasting forces: terrestrial gravitation on the one istintuale, da cui deriva un approccio immediato
hand, and the internal emotional states of the figures portrayed, on the other. The con l’arte, teso a cogliere “l’essenza delle cose”,
moon, Earth’s only natural satellite, can attract the tides and generate a symbi- senza sovrastrutture. Il presupposto dell’opera Nel
otic energy with the natural world, triggering a thin and invisible bond with the buio è che nulla di ciò che appare è esclusivamente
universe and its forms. This great mystery may have perhaps led artists from any “maligno” o portatore di sensazioni cupe; il buio è
time to interrogate the hidden charm of darkness, over which the moon reigns un- parte integrante dell’essenza dell’uomo, ed è l’uodisputed. Simone Fazio considers himself as a “punk artist”. This self-definition mo ad attribuirgli una connotazione negativa. La
helps us clarify at least in part his relationship with knowledge. Fazio displays psicanalisi insegna come dietro agli incubi si naan instinctual intelligence, from which he derives an immediate/unmediated ap- sconda la nostra capacità di liberarci delle paure; il
proach to art, aiming to capture “the essence of things” without superstructures. fatto che queste si rendano manifeste è un aspetto
In the dark is based on the presupposition that what appears to be exclusively positivo per la nostra mente, tuttavia le temiamo.
“evil” or the bearer of gloomy sensations is only apparently so. Darkness is an Anche Simone Fazio sembra suggerire un percorso
integral part of human experience; it is man who attributes negative connotations che, attraverso il riconoscimento del “lato oscuro”,
to it. Psychoanalysis teaches that nightmares disclose our ability to free ourselves conduce l’uomo verso una piena consapevolezza di
from our fears. The fact that our fears manifest themselves in nightmares is posi- sé, delle sue parti in ombra e quindi della propria
tive for our mind; however we are afraid of them. Likewise, Simone Fazio seems storia. L’ombra può essere un velo protettivo in grato suggest a path that, through the recognition of the “dark side”, leads man to- do di tenerci lontano dagli errori del passato, oppure
wards full awareness of himself, of his shadows, and of his own history. Shadows uno specchio che riflette fedelmente la nostra conmay be a protective veil to shield us from the mistakes of the past, or rather a dizione esistenziale.
mirror that faithfully reflects our existential condition.
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Disegno di un grappolo d’uva
carboncino su carta bianca
100x100 cm, 2009
Diana Legel
TESTO DI
Il disegno è la forma artistica che più somiglia alla scrittura. Ed
TEXT BY
è forse per questo motivo che il disegno viene spesso associato
cecilia
casorati
alla riflessione, al momento in cui il fare – la costruzione – coincide esattamente con il pensiero sul fare. Osservando i lavori di
Diana Legel – acquerelli, disegni a matita, schegge di sculture –
viene spontaneo leggerli come
momenti di pensiero, appunti Drawing is the artistic form most similar to writing. Tt is
frammentati di una riflessione perhaps for this reason that drawing often is associated
individuale sull’arte e nell’arte. with reflection and with the moment in which the act of doLa frammentazione è specchio ing - the construction - coincides exactly with the thought of
del procedere discontinuo del action. Observing Diana Legel’s works - watercolours, penpensiero, ma soprattutto mette cil drawings, fragments of sculptures – spontaneously one
in evidenza l’impossibilità di tends to read them like moments of thought, fragmented
“organizzare” e schematizzare notes of an individual reflection about art and in art. The
in un’unica immagine ciò che fragmentation is mirror of the non constantly proceeding
l’artista (seppur momentanea- thought, but above all it makes obvious the impossibility to
mente) vede. Le cose, gli ogget- “organize” and to outline in a single image what the artist
ti, le immagini vengono separa- (even momentarily) sees. The things, the objects, the imti dalle loro consuete relazioni e ages become separated from their usual relations changing
diventano segni, tracce, fram- into signs, traces, fragments that the artist collects and
menti che l’artista raccoglie e recomposes, creating an “other truth”, closed for the orricompone, creando una realtà dinary aspect of signification and the arrogance of an one
altra, chiusa all’ordinarietà del and only sense.
significato e all’arroganza di un
unico senso.
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Ignazio Mazzeo
Senza Titolo
olio e acrilico su tela
100x100 cm, 2010
DI
Analogia, Astrazione, Geometria, Metafisica, TESTO
TEXT BY
sono le parole chiave del percorso artistico che Gaël
Ignazio Mazzeo porta coerentemente avanti da Moscarà
ormai qualche anno. Non soltanto categorie esplicative, né criteri produttivi, queste sono pienamente delle coordinate che
definiscono lo spazio e gli spazi di un universo assoluto, insieme primitivo
e modernissimo, che prende vita nelle tele dipinte a olio e acrilico - tecnica
classica e non casuale, come un richiamo alla primordialità. E allora c’è
innanzitutto la luce, che è un cielo spesso brillante ma sempre ieratico, che
non si fa mai atmosfera e non può essere attraversato da sconvolgimenti di
alcun tipo. Sono queste campiture piatte e decise ad accogliere nelle opere di
Mazzeo gli abitanti del suo universo: strutture strane, agglomerati di snodi,
artigli, volumi colti nell’incessante polemica che intrattengono con sè stessi
e con gli altri, nella relazione perpetua tra i loro componenti e le forze che
li guidano. Sono Macchine Celibi à la Lyotard, o
Analogy, Abstraction, Geometry, Metaphysics, are the key conmacchine cieche, senza uno scopo che trascencepts of the artistic path along which Ignazio Mazzeo has consisda le danze dell’immobilità in cui sono colte,
tently been walking during the last few years. Not just explanatory
senza uno scopo che trascenda loro stesse. Ogni
categories, nor production criteria, these are the coordinates that
pezzo della macchina è fondamentale, ogni pordefine space and spaces of an absolute universe, at the same
zione di spazio è significante: e non si può non
time primitive and modern, brought into the word by the mean of
pensare a Raymond Roussel, alle sue descriziocanvas painted with oils and acrylics – a classic technique not
ni minuziose, alle sue disposizioni simboliche –
casually used, a call back to primordiality. First of all there is the
c’è sempre dell’altro oltre il livello manifesto, ci
light, a sky often bright but always solemn, that will never become
sono le relazioni invisibili tra gli elementi. Nelle
ambiance and cannot be upset. Those dry but gritty landscapes
macchine cieche di Mazzeo e nelle loro relazioni
contain – in Mazzeo’s works of art – the dwellers of his universe:
invisibili, c’è la natura, non più incompossibiodd structures, agglomerate of knots, claws, volumes represented le alla macchina. Le forme sono geometriche e
in the endless polemical conversation with themselves and with
frattali, il materiale è quella stessa matematica
others, in the perpetual relation with the components and the
che regola il mondo naturale che Mazzeo incide
forces who lead them. Those are Bachelor Machines à la Lyotard,
fino a portarla alla luce. È l’operazione che l’aror Blind Machines, without any function that transcend themtista definisce Metastrazione: come nelle tavole
selves. Each piece of the machine is fundamental, each part of
di Ernst Haeckel i coleotteri e i fiori e le spugne
the space is significant: it is inevitable to think of Raymond Rouspotevano essere lampadari, architetture, macsel, of his detailed descriptions, of his symbolic dispositions –
chine, si tratta dello svelamento di analogie e
there is always something more beyond the manifest level, there
regolarità metafisiche. Non può trovare posto in
are invisible relations between the elements. Beyond Mazzeo’s
un simile universo l’uomo, che è animale fatto di
blind machines, in his blind machines and in their invisible relastoria, mentre non esiste il tempo, nessun temtions, there is a natural world, not incompatible anymore with the
po al di fuori dell’istante eterno che di volta in
machine. Shapes are geometrical and fractal, the material is the
volta è raffigurato sulla tela. Quello che invece
same mathematics that regulates the natural world that Mazzeo
esiste è la vita, che è dappertutto, nonostante
engraves until it has borne. The act that the artist defines Menessuno respiri.
tabstraction: as on Ernst Hacckel’s drawings, coleopteras, flowers
and sponges could have been chandeliers, structures, machines,
the revelation of analogies and metaphysics’ regularity. No room
for human beings in such universe, an animal made of history,
while there is no time, no time beyond the eternal instant that
from time to time is represented on the canvas. There is life, everywhere, although no one breaths. 36
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Marco Mazzoni
A negative judgment gives you more satisfaction than praise, provided it
smacks of jealousy. Jean Baudrillard, Cool Memories, ch. 5
Marco Mazzoni è nato in provincia nel 1982, a Tortona per la precisione, e
questo è un dato di cronaca. Mazzoni è un artista che disegna e dipinge con
tecnica certo elevata, e questo è allo stesso modo un dato incontrovertibile,
ma sarebbe un errore pensare che il suo lavoro sia figlio del solo talento. Un
uguale abbaglio è immaginare che ciò che esce dal suo studio sia l’esito di
un processo naturale e senza dubbi. Ci si illude, infatti, che il percorso di
Malleus maleficarum
creazione sia semplificato per chi viaggia con il vento in poppa della prediolio su tela
100x100 cm, 2009
sposizione naturale e invece, per fortuna, così non è. O almeno l’assunto non
vale quando il dono/talento è giudicato insufficiente dal beneficiato stesso,
se non addirittura negato. Per cui Mazzoni non è umile, è semplicemente un
artista intelligente, oltre che colto al di là dell’apparenza e malgrado i limiti
della giovane età. Ovviamente la ricetta non prevede solo questo: sappiamo a
A negative judgment gives you more satisfaction
questo punto che mani intrecciate, corpi articolati come
than praise, provided it smacks of jealousy.
altalenarsi di curve e solchi - di matita e non d’aratro Jean Baudrillard, Cool Memories, ch. 5
sovrapposti a comporre materia, sono un parto cesareo
dopo decine di fogli strappati per vergogna. Ma detto del
TESTO DI
Marco Mazzoni was born in 1982 in a provincial town, Tortona
dono inatteso e tutto sommato poco richiesto - il saper
TEXT BY
paolo disegnare - a Mazzoni si chiede di essere contemporaneo,
to be exact, and this is a known fact. Mazzoni is an artist who
girotti e non solo all’anagrafe. Questo per non rifare o clonare
draws and paints with an undoubtedly advanced technique, and
this is also an incontrovertible fact. However it would be an error
chi allo stesso modo si è sporcato la mano (per Marco la
to think that his work is the result only of talent. It would be a similar error to think that sinistra) appoggiando e trascinandone il dorso sul foglio
what comes out of his studio is the result of a natural process and without uncertainties. alla ricerca di un equilibrio ideale che non c’è più. “Sono
Indeed, one can be fooled into thinking that the creative path is easier for those who sail contemporaneo nel riconoscere i maestri attuali dell’arte,
before the wind of natural inclination, but, luckily, this is not so. Or at least the assumption sono contemporaneo perché vorrei gestire l’immagine con
does not hold when the gift/talent is judged to be insufficient by the beneficiary, if not actu- le pieghe estreme della realtà, ma soprattutto la contemally denied. This does not make Mazzoni modest, he is simply an intelligent artist, as well poraneità sta nell’essere capaci di vivere i filtri e riconoas being wise beyond appearances and despite the limits of his youth. Obviously the recipe scerli attraverso l’analisi di ciò che la pittura ha dato fino
does not call only for this: we know at this point that hands entwined, bodies flexed like the ad oggi” dice Mazzoni, che in realtà conosce i classici,
see-sawing of contours and furrows – of pencil, not plough – overlaid to compose matter, guarda ad Alex Katz, David Hockney, Yoshitomo Nara e
are a caesarean birth after dozens of sheets torn up in shame. But given the unexpected and Chantal Joffe, ma non fa il verso a nessuno. Tra la carta
not particularly called for gift – knowing how to draw – Mazzoni asks to be contemporary, e la tela ancora preferisce la prima: non è una questione
and not only on the basis of his birth certificate. This is so as not to remake or clone those di profumi di cellulosa e sensazioni romantiche, ma di
who in the same way have dirtied their hand (in Marco’s case, the left) by resting and drag- superfici levigate che meglio aiutano un procedere quasi
ging its back over the sheet in search of an ideal balance that is no longer there. ‘I am con- autistico. Nell’ultima serie di lavori Mazzoni richiama nel
temporary in recognising the current masters of the art, I am contemporary because I would titolo, parzialmente o per intero, il Malleus maleficarum,
like to manage the image with the extreme twists of reality, but above all the contemporary letteralmente il Martello/maglio delle streghe, volume dalies in being able to experience the filters and recognise them by analysing what painting tato 1486 e riconosciuto best seller del genere, un testo di
has offered so far’, says Mazzoni, who is actually familiar with the classics, who looks to riferimento per i cacciatori di streghe dell’epoca che proAlex Katz, David Hockney, Yoshitomo Nara and Chantal Joffe, but does not imitate anyone. prio quel maglio avrebbero dovuto utilizzare per schiacBetween paper and canvas, he still prefers the former. It is not a question of the smells of ciarle. Al dettagliato manuale era affidato il compito di
cellulose and romantic sensations, but of smooth surfaces that best assist an almost au- descrivere (ad uso di inquisitori, giudici, autorità e poi per
tistic process. In the latest series of works Mazzoni partially or entirely refers in the title to esteso di chiunque ritenesse d’avere malsane ragioni per
the Malleus maleficarum, literally the Mallet/maul of the witches: a book published in 1486 identificare nel proprio raggio d’azione fenomeni di streand a recognised best seller of its genre; a reference work for the witch hunters of the time goneria), i segnali da interpretare per prima dedurre e poi
who would have had to use precisely that maul to drive them off. The detailed handbook was agire. “Ma, in verità, il libro sembra piuttosto rappresencompiled to describe the signs to interpret, so one could first deduce and then act (for the tare un compendio di psicopatologia sessuale - scrivono
use of inquisitors, judges and authorities, and then extended to anyone who thought they Michael Baigent e Richard Leigh nel loro L’Inquisizione,
had unsavoury reasons for identifying phenomena of witchcraft in their own sphere of ac- Marco Tropea Editore, Milano - e l’illuminante descrizione
tion). ‘But the book actually seems more like a compendium of sexual psychopathology and di una sfrenata fantasia deviante”. Le “streghe” contemthe enlightening description of an unbridled deviant fantasy’, wrote Michael Baigent and poranee di Mazzoni ricompaiono oggi furtivamente nelle
Richard Leigh in their L’Inquisizione, Marco Tropea Editore, Milan. Mazzoni’s contemporary sue rappresentazioni, parzialmente coperte dalle fronde,
‘witches’ furtively reappear in his images, partly covered by foliage, hidden and always in nascoste e perennemente in fuga se non dal maglio, certo
flight, if not from the maul, certainly from that deviant fantasy that, if possible, from the da quella fantasia deviante che, se possibile, dal quinfifteenth century to the present has perhaps been refined, but has lost none of its strength dicesimo secolo ad oggi si è forse raffinata, ma non ha
or presence.
perso in forza e presenza.
It is always the same: once you are liberated, you are forced to ask who you are.
Jean Baudrillard, Astral America
It is always the same: once you are liberated, you are forced
to ask who you are.
Jean Baudrillard, Astral America
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Pierpaolo Miccolis
Luxury-Drink
acquarello su carta
100x100 cm, 2009
DI
Il rapporto di Pierpaolo Miccolis con TESTO
TEXT BY
il corpo passa attraverso la complessa LIA
e articolata trafila della riflessione sugli DE VENERE
aspetti culturali, psicologici, sociali e antropologici dell’alimentazione. Sul tema il giovane artista lavora da
alcuni anni, muovendosi tra affondi autobiografici e argomentazioni di carattere generale, con opere in cui – con accenti che variano
dal ludico all’ironico sino al grottesco – avanza serie considerazioni sul rapporto non di rado patologico che gli individui hanno con il
cibo. Bulimia e anoressia sono argomenti dramThe relationship of Pierpaolo Miccolis with the body passes through matici che anche altri artisti hanno affrontato
the complex and articulated procedure of thinking over cultural, psycho- negli ultimi tempi, dandone il più delle volte una
logical, social and anthropological aspects of nutrition. The young artist lettura toccante, ma al tempo stesso opprimente.
has been working on this theme for some years, moving himself between Il merito di Miccolis sta nell’aver affrontato temaautobiographic lunges and general reasoning, with works in which – with tiche di grande attualità e di indubbia importanza
accents varying from playful to ironic up to grotesque– he advances seri- con un approccio lieve, attraverso serie di piccoli
ous considerations over the rather often pathological relationship that acquerelli, in cui teorie di immagini evanescenti,
individuals have with food. Bulimia and anorexia are dramatic matters quasi liquefatte, accostate in sequenze serrate
that also other artists have faced in the last times, most of the times come in un film d’animazione, sembrano volerci
giving a touching and oppressive reading of it at the same time. Mic- ricordare – come nel caso dei lavori presentati per
colis’ merit lies in having faced subjects of topical interest and of sure il concorso – che il cibo può facilmente trasforimportance with a light approach, through series of small watercolors, marsi in veleno e che i disturbi dell’alimentazione
in which theories of evanescent images, almost liquefied, combined in possono fare di un individuo sano e vitale un esfast sequences like an animated movie, seem to remind us – as for the sere malato e bisognoso di cure.
works presented to the contest – that food can easily turn into poison,
that eating disorders can turn a healthy and vital individual into a sick
and care-needing one.
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Rose red
and Rose white
tecnica mista
100x100 cm, 2010
Rielaborando fiabe e mitologie provenienti da un retaggio culturale nordeuropeo, il lavoro dell’artista inglese Hannah Michael
intende riscoprire quella profonda tradizione folcloristica, ri-presentando e rappresentando quella simbologia propria della mitologia celtica e dei racconti dell’epoca
Coming from a Northern European
vittoriana ed edoardiana, attraverso
cultural heritage, British artist Hanstili e tecniche di pittura ed illustranah Michael aims to re-discover a
zione contemporanea. Con Rose-Red
deep folkloristic tradition by reprocand Rose-White, dipinto proposto
TESTO DI
essing old tales and myths, re-preper il Premio Zingarelli – Rocca delle
TEXT BY
GIADA
senting and representing that symMacìe, Hannah Michael si ispira a due
PESCE
bolism belonging to Celtic mythology
racconti: Tatterhood dei norvegesi Peand fairytales of Victorian and Edwardian England through con- ter Christen Asbjørnsen e Jørgen Moe
temporary painting and illustration styles and techniques. Her e Snow-White and Rose-Red dei tedepainting Rose-Red and Rose-White, entered for the Zingarelli schi fratelli Grimm. Il punto di incontro
-Rocca delle Macìe Prize, is based on two fairytales: Tatterhood tra le due fiabe nasce dall’uso di due
by Norwegian Peter Christen Asbjørnsen and Jørgen Moe, and gemelle che sembrano avanzare verso
Snow-White and Rose-Red by the Brothers Grimm. The meeting il pubblico, circondate da rami e ogpoint between the two tales is represented by the use of the getti che arricchiscono l’immagine di
two twins, who appear to move forward towards the public and simboli pagani e metafore con evidenwho are surrounded with branches and objects enriching the ti richiami alla mitologia romana. I
image with pagan symbols and metaphors often recalling Ro- due soggetti, vestiti di rosso e di bianman mythology. The two characters, dressed in red and white, co, sono infatti un chiaro riferimento
clearly refer to the colours of wine and grapes, as well as the ai colori del vino e dell’uva così come
red figure’s medieval horned headdress and hoof footwear. The il copricapo medievale con le corna e
strongest symbol is although represented by the goat, since not la calzatura “caprina” della figura in
only does it evoke the image of Bacchus, but it is also associ- rosso. Il simbolo più forte del lavoro
ated with desire and sexuality. The result is that this work of è pero rappresentato dalla capra, in
art appears almost timeless, evoking ancient times as well as quanto non evoca solamente l’immayouth, moving forward with a sense of festive folly just like its gine di Bacco ma è inoltre associata
characters, and therefore inviting the public to celebrate into an alla sessualità e al desiderio. L’opera
atmosphere of magic, play and frivolity.
risulta quasi senza tempo rievocando
antichità ma al contempo giovinezza,
avanzando con un senso di festosa
follia proprio come le sue figure, e invitando quindi il pubblico a celebrare
in un’atmosfera di gioco magia e frivolezza.
42
The colored stripes painted by Nikolic stretch across the raw-gray canvas
discretely. As they group in more or less tight, parallel or intertwining bundles, we
see them shape complicated grids, overlapping and creating different morphologies. Nikolic’s paintings are maps, and those bundles of colored stripes are territories, flowing on spot along invisible vectors, each figure tense towards the closest
one. We look at those territories from afar, from outer space, with the cold omniscience so familiar to us Google Maps users. Since we now own more knowledge
than we can possibly absorb, the web is more and more about interfaces, about
the way we’re served this cognitive over-abundance and the graphic ways we can
filter it. Interfaces become the aesthetics of the latest postmodernity: when all
TESTO DI
TEXT BY
information is common, to filter, choose and even discard it is an act of elegance,
nicola
a semiotic gesture more significant than information itself. But the world those
bozzi
maps describe still exists. Urbanization is changing it dramatically, covering the
globe with ever-expanding cities. Gentrification elevates bits of favelas into urban
centers and cultural milieus, reterritorializing economic informalism into legit real
estate speculation, or creative ghettos for the international intelligentsia. Much
like Nikolic’s paintings, cities now evolve like recombinant organic creatures, their
elements assuming different functions depending on need. Through operations of
renovation and redevelopment, post-industrial hangLe strisce colorate di Nikolic si stendono attraverso la grigia tela grezza con ars bloom into art venues, historial buildings convert
discrezione. Le osserviamo in modo distaccato, rapiti dai loro contrasti croma- to malls. And we’re no less confused than those buildtici. Mentre si raggruppano in fasce più o meno fitte, parallele o attorcigliate, le ings are. People living in globalized cities carry layered
vediamo formare griglie complesse di morfologie differenti. I dipinti di Nikolic identities too, and divide themselves in fractalised
sono mappe, e questi fasci sono territori, che scorrono lungo vettori invisibi- communities based no more on social status only, but
li, ogni figura tesa verso quella vicina. Li guardiamo da lontano, dal cosmo, also on cultural consumption and new meta-ethniccon la fredda onniscienza che a noi, utenti di Google Maps, è così familiare. ities. And despite the rise of the creative class and
Oggi possediamo molta più conoscenza di quanta possiamo assorbire, quin- the new economy, war has moved into town as well. As
di la maggiore potenzialità della rete sta nelle interfacce, nei modi in cui ci we’ve seen in the infamous terrorist attacks of the last
viene servita questa sovrabbondanza cognitiva e nei mezzi grafici con cui la decade, from 9/11 to Mumbai, more and more urban
filtriamo. Le interfacce diventano l’estetica del tardo postmodernismo: quando environments are turning into battlefields. The Israeli
tutte le informazioni sono comuni, sceglierle o anche solo scartarle è un atto military is teaching their officers french philosophers
di eleganza, un gesto semiotico più significativo dell’informazione stessa. Però such as Foucault, Deleuze and Guattari, to have them
il mondo che queste mappe descrivono esiste ancora. L’urbanizzazione l’ha better understand the contemporary world and apply
cambiato negli ultimi decenni, coprendolo con città in continua espansione. this newfound knowledge to a deadly use of the urban
La “gentrification” innalza scampoli di favelas a centri urbani e milieu creativi fabric. Yet, a semiotic numbness seems to possess the
per l’intellighenzia internazionale, riterritorializzando l’economia informale su population of western cities, overwhelmed by over-melegittima speculazione immobiliare. In maniera simile ai dipinti di Nikolic, le diatisation, social bookmarking, micro-blogging and
città si evolvono come creature organiche ricombinanti i cui elementi assu- hipster-bred irony. Postmodern art has seen an expomono funzioni diverse a seconda delle esigenze. Grazie alla riqualificazione, nential increase in semiotic combinations, linguistic
hangar post-industriali diventano spazi espositivi, i palazzi storici centri com- experiments, baroque attempts at new aesthetics, pop
merciali. E noi non siamo meno confusi di questi edifici. Gli abitanti delle città being a universal plague impossible to transcend. In
globalizzate hanno identità stratificate e si dividono in comunità frattalizzate, response to this diffuse irony many efforts have been
basate non più solo sullo status sociale, ma anche sul consumo culturale e su made, more or less successful. Mirko Nikolic’s paintnuove meta-etnicità. E nonostante l’ascesa della “classe creativa” e della new ings have a sharp focus and show a comprehensive
economy, anche la guerra è arrivata in città. Come si è visto nei vari attacchi view, but there’s also a material and raw feel to them,
terroristici dell’ultimo decennio, dall’11 settembre fino a Mumbai, l’ambiente an obstinate analog reflex. Yet they’re interfaces,
urbano sta diventando sempre più campo di battaglia. Mentre agli ufficiali they’re maps, but they’re not projections of any subterisraeliani vengono insegnati i filosofi francesi poststrutturalisti come Foucault, ranean data lying under their surface. Nikolic’s figures
Deleuze e Guattari, in modo che possano leggere lo spazio urbano ed usarlo are vector representations of deterritorialization and
a proprio vantaggio, i cittadini delle metropoli occidentali sono storditi dalla reterritorialization. They’re movement, connection, rhisemiotica di micro-blogging e social bookmarking, oltre che dall’ironia della zome, a scheme you can stretch on different topics, an
propria gioventù modaiola. L’arte postmoderna è stata segnata dall’aumen- image assuming significance only when put at service
to esponenziale di combinazioni ed esperimenti linguistici, tentativi barocchi of something else. Which is maybe as political as art
atti a trovare nuove estetiche, con il pop a fare da inevitabile sottofondo. Allo can get.
stesso tempo sono stati fatti anche diversi tentativi per emanciparsi da questa
Le onde della terra toscana
diffusa ironia, più o meno efficaci. La pittura di Mirko Nikolic offre una visione
olio su tela
comprensiva e nitida, ma allo stesso tempo c’è un che di grezzo e materiale, un
100x100 cm, 2010
ostinato riflesso analogico. Ma i suoi quadri sono comunque interfacce, mappe,
anche se non proiezioni di alcun dato sotterraneo sepolto sotto la loro superficie. Le sue figure sono rappresentazioni vettoriali di deterritorializzazione e
riterritorializzazione. Sono movimento, connessione, rizoma, uno schema che
si può stendere su temi diversi, un’immagine che assume significato nel momento in cui viene messa al servizio di qualcos’altro. Che forse è quanto di più
politico l’arte possa essere.
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Pietro Pastore
Dioniso
Acquarello
e carta su tela
100x100 cm, 2010
“Se Narciso si volgesse indietro vedrebbe, penso, una verde
sponda, il cielo forse, l’Albero, il Fiore – qualcosa di stabile
insomma, e che dura, ma il cui riflesso cadendo sull’acqua si
spezza e che la fugacità delle onde diversifica. Quando quest’acqua cesserà dunque la sua fuga?”
La domanda posta da Gide nel Traité du Narcisse fa emergere efficaciemente la natura provvisoria e trascolorante dell’elemento
liquido, che con la sua capacità di riflettere e produrre sdoppiamento diviene metafora di instabilità e perdita di presa sull’
TESTO DI
immagine del mondo. Entro questa dinamica si consuma il
TEXT BY
giacomo
dramma di Narciso, che posto di fronte al proprio simulacro, socbartolucci
combe alla nostalgia di un mondo stabile, pensato come paradiso ormai perduto. Il pittore è ben consapevole che
“If Narcissus turned back, he would see, I think, a green sea- ogni tentativo di rappresentazione del reale è desshore, the sky, the tree, the flower – something steady, then, tinato a fallire sotto i colpi della stessa volontà di
and which lasts, but whose reflection, falling into the water, fissare il mutevole nella ferma fissità della tela; da
breaks and that the fleetingness of the waves differs. Well, qui deriva l’esigenza di trasformare l’immagine, di
when is this water going to stop its flight?”
celare, con invezione sempre nuova, l’imperfezione
del doppio. Da questa presa di coscienza e dalla
The question made by Gide in the Traité du Narcisse effectively volontà di rendere esplicita quest’impossibilità,
highlights the temporary and the discolorating nature of the sembra emergere l’opera di Pietro Pastore, in cui
fluid element, that with its ability to reflect and to produce acquerello e inchiostro diventano tramite pitthe splitting, becomes a metaphor of instability and a loss of torico per un’evocazione parziale di soggetti tratti
taking up the image of the world. Within this dynamics Narcis- dall’immaginario quotidiano. Qui la natura instasus’s tragedy is consumed , when he faces his own simulacrum bile dell’acqua concorre, rendendo fluida la materia
, he surrenders himself to the nostalgia of a firm world consid- e trasparente il colore, a suggerire l’infinita motilità
ered to be a lost Paradise. The painter is fully conscious that del reale. La pittura ora lieve, ora deflagrante, allo
each attempt to represent the reality is intended to fail under stesso tempo tenue e violenta, dà vita a immagini
the hits of his own will to set the changeable in the firm fixity che imprigionate per osmosi nella trama della tela,
of the cloth; from here, it derives the need to change the im- tentano la fuga spandendosi in aloni che neppure
age, to conceal, with an ever-new invention, the imperfection carte orientali possono arginare. La forma diviene
of the doubles. From this new awareness and the will to render instabile, la spazialità è eliminata, rimane solo il
explicit this inability it seems to emerge Pietro Pastore’s work, dileguare del motivo, che acquista in senso anche
where the watercolour and the ink are pictorial means to a par- sostanziale, valenza allegorica. Frutti e fiori, gertial evocation of subjects, obtained from the daily imaginary, minazioni esplosive, volti alessandrini, donne grahere the unsteady nature of the water converges, making fluid vide di sogni, diventano simbolo di quel paradiso
the substance and transparent the colour in order to suggest perduto di cui Narciso, ormai emaciata e limpida
the infinite motility of the reality. The painting, now gentle, now stratificazione di colore, ha smarrito l’essenza.
deflagrating, slender and violent at the same time, gives birth
to some images, that imprisoned for osmosis in the weft of
the cloth, try to fly, spreading out in halos that not even the
oriental papers can embank. The form becomes unsteady, the
effect of space is eliminated, only the dispersion of the motif is
left, which gains, also in a substantial meaning, an allegorical
value. Fruits and flowers, explosive germinations, Alexandrian
faces, women pregnant with dreams become the symbol of
that Paradise Lost whose Narcissus, by then emaciated and
limpid stratification of the colour, has lost the essence.
46
47
Costabile Piccirillo
DI
Costabile (Piccirillo), da tempo, non è più TESTO
TEXT BY
uno studente di Pittura. Egli è un pittore. IGNAZIO
Con silenzioso, quanto disciplinato, coinvol- GADALETA
gimento passionale ha costruito la propria
formazione. Dalla Storia e dalla Storia dell’Arte, ha attinto il
proprio sapere visivo, indagando in profondità i palpiti e i fremiti che la pittura può indurre. I cromatismi veneti e le sensuali
concrezioni pittoriche di Tiziano Vecellio, le paste viscerali di
Jusepe de Ribera, la preziosità di Bernardo Cavallino, i colori
dinamici di Domenico Morelli (ma anche gli archetipi pompeiani… e tanto altro… fino ai nostri giorni), sono i fondamenti
della dimensione formativa vissuta dal giovane artista campano. Appare salda la strutturazione di impianti pittorici complessi che originano immagini forti in dimensione di memoria.
La radicalità pigmentaria della sua materia pittorica sprigiona
energia sviluppando echi antichi e proiettando attraversamenti
oltre dimensione meramente contemporanei. Questa pittura di
controlli, di rispondenze, perviene a spontaneità condotte con
rigore. Veri e propri dispositivi, sono costruiti per darsi agli occhi e accendere sempre nuovi
Costabile (Piccirillo) isn’t an art student anymore. He is a percorsi. Pittura aniconica che
painter.With quite but also disciplined and passionate involve- rivela l’inevitabile virtualità
ment he has built his education. His visual knowledge stems evocativa. Vedo riaffiorare anfrom the study of history and art history, looking into the beats cora a Milano una fresca possiand shudders that only the painting can give. The chromatism bilità espressiva pure consapefrom Veneto, the sensual painting of Tiziano Vecelio, the vis- vole delle odierne fluorescenze
ceral paste of Jusepe de Ribera, the preciousness of Bernardo telematiche, memore di quel
Cavallino, the dynamic colours of Domenico Morelli (but also genius loci dei recenti anni
the archetype of Pompei and even more until our days) are the ottanta che tanto hanno caratfoundations of the training dimension of a young artist from terizzato la Campania felix del
Campania. The structure of the complex painting fixtures mondo. Costabile, anche lui,
seems to be strong creating powerful images in the dimension dimostra l’urgenza della pittuof memory. The pigmented radicalism of his pictorial subjects ra come linguaggio inesauribile
spreads energy that develops ancient echoes that project che nelle costanti e nelle percrossovers beyond contemporary dimensions. This painting of manenze trova le ragioni del
controls and of correspondences reaches a degree of spontane- suo divenire.
ity which is always pursued with strictness. Sheer devices are
built to catch the eye and to put in motions new paths. It is a
non-iconic painting that reveals what is inevitable and suggestive. I can see in Milan a fresh expressional opportunity although I am aware of the fluorescent data transmission, mindful of that genius loci of the recent eighties that have strongly
characterized the Campania felix of the world. Costabile himself shows the urgency of painting as inexhaustible language
that finds the reason of its becoming both in constancies and
permanencies.
48
In fondo sottofondo
Spray su acetato
e carta bianca lucida
100x100 cm, 2010
49
GIANLUCA
MARZIANI
Gianni Politi
TESTO DI
TEXT BY
LA PERSISTENZA DELL’ESISTENZA
Gianni Politi ruota attorno ad una manualità carica e militante, ben compressa nei molteplici significati di ogni feticcio prescelto. L’artista ama le tecniche antiche (disegno a
grafite, fusaggini, pittura essenziale…) e i supporti senza tempo (carta, carta da spolvero,
legno grezzo, tela…), un procedere quasi arcaico che produce messaggi dal solido impianto morale. Agli esordi c’erano oggetti da lavoro e armi da guerra; a loro si sono aggiunte le
stelle e altri simboli universali, i frammenti corporei, i dettagli di animali, non dimenticando mai la qualità del lettering, il cortocircuito tra quadri e installazioni di oggetti reali…
opere che diventano specchi di una coscienza inquieta, opere per sentire il dramma della
Storia, la violenza dietro la quiete apparente, la doppiezza oltre l’ovvio.
THE PERSISTANCE OF THE EXISTENCE
Gianni Politi revolves around a strong and militant manual skill which is thoroughly
compressed in the multiple meanings of the chosen fetish. The artist is fond of ancient techniques (graphite, charcoal drawing, essential painting…) and evergreen
supports (paper, raw wood, powdered paper, canvas…), an archaic procedure that
originates messages bearing solid moral order. At the beginnings working tools and
war weapons dominated the scene; afterwards, stars and other universal symbols as
well as human body fragments and animals particulars made their entrance without
undermining the lettering quality and the short circuit which exists between paintings
and real objects installations…Artworks become mirrors of a restless conscience;
they are used to feel the History drama, the violence beyond the apparent calm, the
double face of things beyond obviousness.
…The artist coming from Rome touches on the dutiful historical debs which he respectfully faces yet avoiding the submission to the metahistorical power of archetypes. His imaginary is an interior stamp which has the stylistic features of wild style
tattoos: as a live stamp it deserves respect and it marks surfaces with an ink bringing
traces of a necessary past time.
…GP investigates the boiling metaphysics of static shapes, finding the archetypes’
inner power. Our view of GP equipment calls for a strong action on our prejudices, on
our judgment mechanisms and finally on those systems which drive our moral volume.
We cannot exempt ourselves from regulating our preconceptions and our false certainties in a different way and from stop giving every thing the appeal of doubt and double and the possibility of parallel life with a subsequent moral rescue for us.
…GP indaga la metafisica ribollente della forma statica, scovando
il fuoco interiore degli archetipi. Lo sguardo sul suo armamentario
ci chiede, di fatto, un’azione dura sui meccanismi del giudizio e del
pregiudizio, sui sistemi che manovrano il nostro volume morale. Non
possiamo esimerci dal regolare in altra maniera i nostri preconcetti e
le nostre false certezze, dando ad ogni cosa l’appello del dubbio e del
doppio, la possibilità di vite parallele con relativo salvataggio morale…
…La sagoma delle cose rende ovvie le apparenze ma non ferma la
vita ulteriore, la seconda chance, la riabilitazione o l’abilitazione al
molteplice. Il succo finale dei suoi progetti ribadisce proprio il valore
fondante e liberatorio dietro le apparenze. Ci ricorda l’importanza del
nostro giudizio oltre la cortina del didascalico, oltre il limite del tramandato e del popolare…
…The shape makes obvious the appearance of objects but it does not limit their
afterlife, those second chance, the rehabilitation or the habilitation for multiplicity.
The essence of the artist’s projects makes it clear the founding and releasing value
behind appearances. It reminds us the importance of a judgment which overcomes
the didactic curtains beyond the limits of inheritance and folk…
…Le tecniche pittoriche danno la misura del pulviscolo materico, del
ritmo muscolare, delle azioni che gli strumenti rendono fattivamente
forma. GP disegna con una forza trattenuta che mi ricorda i movimenti
aerei dell’Aikido, la spada e il bastone che trafiggono l’aria con gesti
netti e controllati, secchi ma senza dispersione. Le immagini appaiono
da fondali grezzi, come memorie ancestrali che ancora vibrano nell’aria
inquieta. Sembrano tendersi e poi distendersi, respirano nel loro intrico
filamentoso di gesti motivati e lucidi. Si trasformano in moloch dalla
visibile entropia, in unità di misura del dubbio filosofico…
…The painting techniques give the measure of the highly tactile textures, of the
muscles rhythm, of those actions which are transformed into shape by tools. GP draws
with such a strength which reminds me of the Aikido aerial movements, of the sword
and the stick that cut the air with precise and controlled gestures with any dispersion.
Images appear from a crude depth as ancestral memories that still vibrate in the
restless atmosphere. They seem to stretch, relax and breath in an intricate filament of
motivated and bright gestures. They turn into the Moloch of visible entropy and into a
measure of philosophical doubt.
…GP non si abbandona alla coercizione interiore di una tecnica
espressiva. L’asse creativo rivela le disfunzionalità pratiche del linguaggio, un contraltare coerente in cui il disegno si allarga alle forme
plastiche, quasi a rivelare gli attori (armi e strumenti da lavoro) senza
il palco fisso del quadro su carta. E’ come se le grandi forme verticali
fossero uscite dal loro teatro silente per entrare nella presa diretta del
reale, sul pavimento dello spazio calpestabile, tra le circonferenze motorie del pubblico…
…GP does not abandon himself to the interior coercion of the expressive technique.
His creative axis reveals the practical disorders of language and a coherent counterpart in which drawing encompasses plastic forms revealing the actors (weapons and
working tools) without the fixed stage of a paper. It is as if the large vertical forms
left their own silent theatre to be directed by reality, on a walkable space, among the
moving circumferences of the public in a room.
50
…L’artista romano sfiora i doverosi debiti storici, li segue con rispetto
ma senza farsi soggiogare dal potere metastorico degli archetipi. Il
suo immaginario è un timbro interiore che ha le fattezze stilistiche dei
tatuaggi wild style: e come un timbro vivo che si rispetti, intinge le
superfici dentro l’inchiostro che porta quelle tracce di passato necessario…
51
Boots
tecnica grafite
su carta
100x100 cm, 2008
Intreccio in Dioniso
filo intrecciato
100x100 cm, 2010
Gilda Scaglioni
Esiste una particolare condizione nella quale un oggetto inerte si anima per apparire come uno spauracchio dove si cela un trabocchetto emotivo. Tattile e tridimensionale, silenzioso ma eloquente, esso incarna, trattiene ed irradia qualcosa
d’indicibile. Attraversato da una sconosciuta virtù e dunque mistificato nel proprio
significato mondano, il semplice objet muta il proprio statuto per divenire finalmente opera, feticcio che si fa modulo narrativo dedito all’iconismo e alla teoria
della meraviglia. Nel suggerire un empatico trasporto, Gilda Scaglioni si rivolge
all’immanenza degli oggetti per raccontare il languore di una presenza-assenza, la
sensualità della forma, la passione per la fisicità e il “sex
There are particular conditions, under
appeal dell’inorganico”. L’evidenza simbolica, al contemwhich an inert object can come to life
po riguardante un malcelato lirismo autobiografico, è
and show itself to us like a scarecrow
chiamata a tradurre il concetto di memoria per dettagliaconcealing an emotional pit-fall. Both
re e comporre una piccola totalità costituita per giustaptactile and three-dimensional, silent
posizione ed eclettismo, dove si esplica una discontinua
TESTO DI
but eloquent, this object embodies,
ed eterogenea ricerca di quell’eccesso di senso che diven- TEXT BY
retains and radiates something unta l’assurdo, il morboso, l’apologetico e il sublime. Nella patrizia
silingardi
speakable. The object is pervaded by
logica dell’abstractio e nel rendere omaggio alle istanze
della Surrealtà, alla cultura popolare, all’Arte narrativa france- an unknown virtue and thereby its mundane meaning is
se, senza mai dimenticare le sperimentazioni del design, Gilda mystified, the mere objet changes its statute to finally
Scaglioni si adopera nell’intimistica ripetizione di gesti antichi become a piece, a fetish that can function as a narsempre uguali. I suoi manufatti, pur sempre connotati da lente rative module devoted to the icon and to the theory of
pratiche quali il cucito, la scrittura, la composizione accurata, marvel. Gilda Scaglioni, suggesting emphatic transport,
pervengono, infatti, alla trascrizione di un leggero sentimento addresses the immanence of those objects that let her
di infantile stupore in cui, il deliquiale feticismo, la suggestio- tell a languid tale of presence and absence, the sensualne nostalgica e lo spleen zuccherino significano una delicata ity of shapes, her passion for ‘bodyliness’, and “the sex
violazione del pudore, un puerile solipsismo erotico che non ha appeal of the inorganic”. The symbolic evidence, while
requie. Ragnatele di senso, reliquie ironiche e disincantate, indicating a lightly masked autobiographic lyricism, is
simulacri che diventano segni, resti e frammenti di un altro called upon to translate the concept of reminiscence,
tempo e un altro luogo evocato solo attraverso la lente defor- and in turn, to sort and compose a small whole, made up
mante del ricordo-oblio, i suoi oggetti rivelano i crismi di un suo of juxtaposition and eclecticism, in a discontinuous and
mondo strambo e visionario d’estenuante femminilità, in cui heterogeneous study conducted on the excess of sense
realtà e fantasia si fondono nell’ovattato onirismo di una veglia that becomes absurd, morbid, apologetic and sublime.
Gilda Scaglioni is involved with the intimate repetition
che è comunque sempre drammaticamente consapevole.
of antique and unaltered ways by following a logic of
abstractio and in paying homage to the petition of the
surreal, to popular culture, and to French narrative art,
without renouncing her past experiences with design. Her
works are characterized by the time-consuming practices
of sewing, writing and careful arrangements which derive from the transcription of a feeble feeling of childlike
amazement. Here, delinquent fetishism and a nostalgic
awe point to a delicate violation of modesty, a juvenile
erotic solipsism devoid of relics. She evokes meaningful
webs that join ironic and disenchanted artefacts. She
sees signs flowing from simulacra, and the remanant
fragments of a time and place past, through the warped
lenses of reminiscence and obscurity. Her objects reveal
the hallmarks of her strange, exhaustively feminine, and
visionary world where reality and fantasy become one in a
soft dream state and a wake that is always and dramatically knowing.
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53
Luca Zarattini
DI
Singolare come la memoria, il suo setac- TESTO
TEXT BY
cio potente e irremovibile sembri condurre e SABRINA
determinare la ricerca di un giovane pittore FOSCHINI
qual è Luca Zarattini, ma il suo personale confronto con la storia in accordo con una precisa tendenza
del contemporaneo, è tutto giocato per frammenti, lacune, e
Il sig.Vignaiolo Perbacco
sottrazioni. È un confronto che contempla la perdita, se ne intecnica mista su tavola
vaghisce, e la usa a suo piacimento. I suoi grandi volti dalle
100x100 cm, 2010
fisionomie estinte, sono tracciati a pennello su intonaci crollati
che ne sconvolgono e rosicchiano la fisionomia fino a negarne i
connotati e a scoprire brandelli di pitture sottostanti di cui non
è possibile cogliere il contorno, inseguire la forma. Ma come a
smentire un andamento progressivo del tempo, il cemento e la
malta interrompono e frammentano anche la stesura di superficie, svelando un’offesa che proviene da tutti i lati e da tutte le
dimensioni, un lavorio mancino del tempo, che conosce tutte le
stagioni. Questi visi dipinti a secco, ma con l’illusoria materia di
un remoto frescante, sono ieratici e distanti, a volte con la fissità
sorpresa e vinta, dei ritratti funerari realizzati
It is singular that the image holding the clue of the matter that is ad encausto nei fayum, altre con il contegno
still to unravel, like the quest of a young painter Luca Zarattini, is so mantenuto a fatica nel turbinare bituminoso
ancient although his personal confrontation with the history of chang- e grasso della pennellata (ricordo di pratiche
ing moments follows trends of the Contemporary, played through frag- marinaresche da calafatore). Ma a dispetto
ments, gaps and subtractions. This confrontation contemplates loss, delle loro origini devote, o memori della noindeed takes a fancy and uses it to its own liking. Zarattini’s large biltà dell’arte antica, essi rispondono a nomi
visages with their extinct features are drawn by brush on collapsed familiari e comuni come Pietro o Giovanni, e
layers of plaster, upsetting and gnawing away at their physiognomy. con i loro titoli nominali accettano di tornare
Denying their distinguishing features, and disclosing shreds of un- a far parte di una storia paesana, dove tutderlying paintings, where it is no longer possible to catch the outline ti per strada rispondono al saluto. Spesso i
and follow the shape. As if contradicting the process of time, plaster supporti di Luca sono in tavole di legno di
and the mortar break off and fracture. The top coat revealing an af- vario spessore, oppure in lamiera recuperata
front coming from every side and dimension, an unfair erosive action dalle porte dismesse dell’alta tensione, che
of the time that knows all seasons. These dry painted faces, with their dopo essere stata dipinta ad olio, viene imillusory manner, peculiar to a remote fresco painter, are hieratic and mersa in bagni acidi e lasciata arrugginire. Il
distant. Sometimes they show the surprised and defeated steadiness lavoro costante e lento dell’acqua deve essere
typical of the Fayum mummy portraits, the funerary portraits painted ben noto ad un abitante di Comacchio, che
in encaustic. Others a demeanour hard to restrain in the bituminous grazie al nativo paesaggio sospeso tra terra
and rich whirling of every brush-stroke – a reccollection of caulking e laguna, lo ha ormai assimilato e ne sa depractices. In spite of their origins, whether devotional or mindful, of cifrare le tracce sui muri, sulle palizzate, sui
the nobility of ancient art, they are called with familiar and common fianchi delle navi lasciate in secca a riparare.
names, like Pietro o Giovanni and with their nominal titles they agree La pittura in sostanza, sembra voler ricercare
to come back and take part in some rural story, in which everybody re- la marcescenza delle acque stagnanti delle
turns greetings while on the road. Luca’s mountings are often wooden mura scrostate dall’umido, dell’ombra che
boards of various thickness or iron plates recovered from dismantled le case raggruppate nei vicoli si rigettano
doors of high-voltage electrical cabins. The latter, once painted in oils una sull’altra come una palla stanca. Le teare plunged into acid baths and left to rust. The constant and slow ac- ste affiorano come semplici parvenze, ormai
tion of water must be well-known to an inhabitant of Comacchio, who del tutto stinte, lavate e grattate, raspate
thanks to his native landscape, suspended between land and lagoon, dalla mano pesante della memoria, quali
has assimilated it into his work. He is able to decipher the marks on impressioni di affreschi abbandonati alle
walls, fences and the sides of boats left ashore for maintenance. The intemperie, il disegno larvale che era ancora
painting seems essentially to be seeking for the rottenness of stag- perseguibile nel lineamento del volto, si perde
nant water, of peeling damp walls and the shade that houses clustered ulteriormente dentro al colore e naufraga nel
along the alleys throw to each like tired balls. The heads sometimes sentimento. L’acqua ha circumnavigato gli
crop up as mere appearances, nearly completely faded, washed and uomini, ne ha scavato e distillato l’essenza
scraped, scratched with the heavy hand of memory, as if they were e col suo fiuto per ritrovare la strada di casa,
impressions of frescoes left exposed to the inclemency of water. The è tornata all’acqua, ha preso grumi di colore
drawing within the face’s features, that was still traceable, melts here impastati dal caso e dalla volontà e memore
into the colour and completes the sentiment. The water circumnavi- dei propri anni, contati goccia a goccia, ha
geted men, it dug and distilled their essence and with its nose was cominciato a dipingere se stessa.
able to find the way home again. It went back to water, got clots of
colour impasted by chance and will and then, mindful of its own age,
counted drop by drop, it began to paint itself.
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BIOGRAFIEBIOGRAPHY
Alice Andreoli
Nata a Padova nel 1979,
vive e lavora a Selvazzano (Padova). Alice Andreoli inizia ad avvicinarsi
alla pittura già al Liceo
Artistico. Prosegue gli studi ed inizia ad approfondire
la sua ricerca artistica prima diplomandosi in pittura
presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e poi in arti
visive e discipline per lo spettacolo sempre all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Protagonista delle sue opere il mondo dei giovani del nostro millennio, un’indagine sensibile dei suoi coetanei che evidenzia i simboli
e la morbosa attenzione all’immagine caratteristica
della nostra epoca, sulle tele appaiono così personaggi
definiti con precisione fotografica. I colori sgargianti e
le pennellate decise, consapevolmente memori delle
evoluzioni dell’arte del novecento, delineano gli attori
principali di ogni opera. Sui fondi spesso i colori si fanno sgocciolanti isolando le figure. La ricerca di Alice è
cosciente e sensibile rispetto alle possibilità e ai limiti
di questo superficiale nostro tempo. Dal 2003 espone
in numerose mostre personali e collettive e partecipa
a diversi premi.
Segnalato da / Recommended by
Alice Andreoli - Martina Cavallarin e Scatola Bianca
Ermes Bichi - Accademia di Belle Arti Bologna
Fabio Borrelli - Guidi&Schoen arte contemporanea
Fabrizio Carotti - Valerio Dehò e Gianluca Marziani
Giuseppe Ciracì - Martina Cavallarin e Scatola Bianca
Francesca De Angelis - Cecilia Casorati
Duerama - Accademia di Belle Arti di Brera
Simone Fazio - Ornella Corradini e Giovani d’arte
Diana Legel - Cecilia Casorati
Ignazio Mazzeo - Accademia di Belle Arti Bologna
She was born in Padua in 1979; she lives and works in
Selvazzano, a town in the province of Padua. Alice Andreoli approached the painting during her High School
art studies. She kept on studying and deepening her
artistic research obtaining a graduation in painting
first and visual and performing arts later on at the
Academy of Fine Arts in Venice. The main characters
of Alice’s artworks are the young people of today. The
sensitive investigation of people having the same age
of her stresses the symbols and the unhealthy attention
given today to the image. In Alice canvases characters
are thus represented with a photographic precision.
The garish colors and the definite brushstrokes which
characterize the art evolution of the twentieth century
delineate the artworks main actors. Colors often drip
down on the background isolating the figures. Alice’s
research is conscious and sensitive with relation to the
possibilities and limits of the superficial times we live
in today. She has been taking part to prizes, personal
and collective art exhibitions since 2003.
Marco Mazzoni - Valerio Dehò
Pierpaolo Miccolis - Paolo Erbetta arte contemporanea
Hannah Michael - Il Ponte Contemporanea, Roma
Mirko Nikolic - Accademia di Belle Arti di Brera
Pietro Pastore - Accademia di Belle Arti Bologna
Costabile Piccirillo - Accademia di Belle Arti di Brera
Gianni Politi - Gianluca Marziani
Gilda Scaglioni - Valerio Dehò e Giovani d’arte
Luca Zarattini - Accademia di Belle Arti Bologna
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Ermes Bichi
Nato a Rimini nel 1982, vive e lavora tra Pesaro e Bologna. Inizia gli studi a Urbino presso l’Istituto Statale
d’Arte diplomandosi in cinema d’animazione e illustrazione. I suoi studi proseguono presso l’Accademia di
Belle Arti di Bologna con indirizzo Pittura. Per alcuni
anni, dal 2005 al 2009, lavora come assistente nello
studio dell’artista Gabriele Arruzzo. Nelle opere di Bichi
i colori sono caldi, materici, legati alla terra, il colore
stesso prende forma e spessore e la sua ricerca volge
al ritorno e all’essenza della materia. Bichi, secondo
la tecnica informale, fa apparire sulla tela il soggetto
trasfigurato dall’intima visione dell’artista, che pone
l’oggetto nel suo stato più primitivo. Dal 2006 partecipa a diverse esposizioni
personali e collettive.
Born in Rimini in 1982,
he lives and works in
Pesaro and Bologna.
He began his studies
in Urbino at the Istituto
Statale d´Arte, graduating in Animation Cinema and Illustration. He continued
his studies at the Accademia di Belle Arti di Bologna in
Painting. For a few years, from 2005 to 2009, he was
an assistant to the artist Gabriele Arruzzo. In Bichi’s
works, the colours are warm, material, tied to the earth;
the colour itself takes shape and form, and his research
aims at a return to and an absence of matter. Bichi,
according to an informal technique, portrays on the
canvas the subject transfigured by the artist’s intimate
vision, which places the object in its most primitive
state. Since 2006 the artist has participated in various
solo and group exhibitions.
Fabio Borrelli
Nasce a Napoli nel 1981,
vive e lavora a Napoli.
Inizia i suoi studi artistici diventando Maestro
d’Arte della Ceramica presso Istituto d’Arte F. Palazzi di Napoli. Prosegue gli studi nella sua città prima
diplomandosi in Scultura presso l’Accademia di Belle
Arti e poi in Discipline Plastiche ai corsi biennali di
secondo livello a indirizzo didattico “COBASLID” nella
medesima Accademia. Fulcro della ricerca dell’artista
l’inconscio collettivo che nelle sue opere prende forma tramite segni, quasi scritture primitive. Le linee,
i simboli tracciati da Borrelli, grazie a raffinati giochi
cromatici, creano delicati viaggi nell’animo umano. La
visione è quella sensibile dell’artista che riporta alla
luce forme primordiali, tracce di percorsi nascosti dal
vivere quotidiano. Dal 2004 sono numerose le esposizioni personali e collettive a cui partecipa.
He was born in 1981 in Naples where he works and lives.
At the end of his studies in the Arts he became a Master
Potter, a qualification obtained at the High School for
the Arts “F. Palazzi” situated in Naples. He continued
studying in his native town earning a Diploma in Sculpture at the Academy of Fine Arts where he also attended
“COBASLID”, a second level two-year course in Plastic
Disciplines. The artist’ research is centered on the collective consciousness which in his artworks takes the
shape of signs, as sorts of primitive scriptures. Thanks
to a refined chromatic play, the lines and the symbols
traced by Borrelli create tender travels in the human
nature. The sensitive vision of the artist brings back to
life ancient shapes and traces of paths hidden by our
daily life. Since 2004 he has been taking part to several
personal and collective art exhibitions.
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Fabrizio Carotti
Nasce nel 1980 a Jesi (Ancona) dove vive a lavora. Laureato in Filosofia indirizzo Estetica presso l’Università
di Bologna. Il suo linguaggio è la fotografia che tramite
la sperimentazione digitale crea inaspettate atmosfere pittoriche. Nelle sue immagini fotografia e pittura
si amalgamano, difficile risalire all’origine delle opere
e distinguere i processi attraverso cui l’artista rende i
suoi personaggi avvolti da scuri fondi in luci soffuse
in cui si palesano gli insegnamenti di Caravaggio, ma
soprattutto l’energia violenta di forze oscure che trasfigurano l’uomo. Nelle opere di Carotti gli intenti appaiono chiaramente: bloccare la luce, le forze che creano
il movimento, che sfigurano i volti, in alcuni casi la citazione a Bacon è esplicita, ma l’artista sofferma l’attenzione “sull’azione delle forze in-visibili sulla carne”.
L’attenzione dell’artista verso l’arte e la letteratura rimane presente nella scelta consapevole dei temi, delle
inquadrature, dei soggetti. Negli ultimi anni partecipa
a numerose esposizioni collettive e personali.
He was born in Jesi (Ancona) where he lives and works.
He graduated in Aesthetics at the Faculty of Philosophy,
University of Bologna. The photography is his artistic
expression and through the digital experimentation
he creates unexpected pictorial atmospheres. Fabrizio
merges photography and painting in his images. It is
difficult to go back to source and to distinguish the single processes through which the artist wraps his characters in dark and soft lights sticking to Caravaggio
teachings and expressing the violent energy of obscure
forces which surround the human being. In Carotti’s
artworks intents are crystal clear : freezing the light and
those forces which create the movement and disfigure
faces. In some cases the quotation to Bacon is explicit
although the artist focuses his attention on the “action
of in-visible forces upon flesh”. Fabrizio’s attention for
the arts and literature drives his conscious choice of
thematic, frames and
characters. Over the last
years he has taken part
to numerous collective
and personal art exhibitions.
Giuseppe Ciracì
L’artista nasce a Brindisi nel 1975, attualmente
vive e lavora a Milano.
Inizia gli studi artistici
presso il Liceo Artistico
Statale di Brindisi e prosegue diplomandosi in Pittura
presso l’Accademia di Belle Arti di Lecce. La pittura di
Ciracì si evolve da uno scrupoloso disegno anatomico che parte dalle ossa, sovrappone le carni fino ad
arrivare alla pelle. In alcuni casi il processo stratigrafico dell’opera rimane visibile, in altri casi le figure
rimangono disegno, matite su carta oppure diventano
acrilici e olio su tela. Protagonisti delle opere bambini,
parti del corpo, persone, la figura rimane fortemente
presente, ma appare sulla tela o sulla carta attraverso
una tecnica figurativa attenta e diligente che tramite il
pensiero dell’artista supera la pura mimesi. Da diversi
anni partecipa a numerose esposizioni personali e collettive in Italia e all’estero.
The artist was born in Brindisi in 1975. He lives and
works in Milan. He begins his arts studies at the High
School for the Arts placed in Brindisi and graduated in
Painting at the Academy of Fine Arts in Lecce. Ciriaci’s
painting develops from a scrupulous anatomical draw
which begins from bones where layers of flash and skin
are subsequently overlapped. In some cases the graphic stratification characterizing his artworks is visible;
in other cases, figures just remain a pure draw which
is simply pencil on paper, acrylics or oil on canvas. The
main characters are children, parts of the body and
people. The figure is strongly present although it appears on the canvas or on paper through an attentive
and accurate figurative technique that overcomes mimesis through the artist’s thought process. For several
years Giuseppe is being taking part to numerous personal and collective art exhibition taking place both in
Italy and abroad.
Francesca De Angelis
Nata a Marino (Roma) nel 1979, vive e lavora a Roma.
Inizia precocemente il suo percorso artistico seguendo
lezioni private fin dall’età di dieci anni presso lo studio della pittrice Rita Cappi. Si diploma presso il Liceo
Artistico Ripetta di Roma. La sua spiccata sensibilità
per il tratto e il colore la porta ad approfondire i suoi
studi presso l’Accademia di Belle Arti Ripetta di Roma,
indirizzo Pittura. Durante il suo percorso di studi inizia
a partecipare a diverse esposizioni. La ricerca pittorica
di Francesca De Angelis pone particolare attenzione
alla realtà che la circonda nei suoi aspetti più profondi. Fonti d’ispirazione l’intensità degli sguardi, pose
e movimenti trasferiti sulla tela tramite un approccio
informale, colori materici e vibranti accostamenti cromatici, che svelano la sensibilità di Francesca verso la
natura umana. La sua particolare energia pittorica è
resa da macchie di colori che si fanno azione e il tratto
che diventa segno, ciò le permette di essere apprezzata
sin da giovanissima e dagli anni degli studi ad oggi
partecipa a numerose esposizioni personali e collettive
in Italia e all’estero.
She was born in Marino (Roma) in 1979. She lives and
works in Rome. Her artistic career starts at the age of
ten when she took private lessons at Rita Cappi’s studio.
She attended Ripetta High School for the Arts placed
in Rome. Her big gift for the drawing and the colors
led her to deepen her studies at the Ripetta Academy
of Fine Arts in Rome, where she attended the Painting
Course. During her education course she took part to
several art exhibitions. Francesca De Angelis painting research pays great attention to the surrounding
reality in its deepest aspects. She gets inspired by the
intensity of eyes looks, body exposures and movements
which are then transferred into the canvas through an
informal approach, highly tactile colors and vibrating
chromatic matching which reveal Francesca’s sensitivity for the human nature. Her peculiar painting energy
allows her to transform spots of colors into actions and
strokes into signs. Such ability makes her very much
appreciated by the art
public since her youngest age and education
period. She has been
taking part to numerous
personal and collective
art exhibitions both in
Italy and abroad.
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Duerama
Nato a Napoli il 22 maggio 1983, vive e lavora tra Milano e Padova. La passione per la pittura si manifesta
precocemente, infatti dall’età di tredici anni realizza
graffiti nelle strade della sua città, in questa occasione
nasce la sua tag, come rielaborazione sequenziale del
suo cognome, che diventa poi nome d’arte anche nella pittura. Approfondisce lo studio della pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera dove studia con
Ignazio Gadaleta. Durante gli studi inizia ad esporre
in Italia e all’estero e a partecipare a diversi premi con
ottimi risultati. Predilige acrilici su tela, le sue opere
mantengono il disegno particolareggiato e la precisione tecnica caratteristica dei writers pur ricercando un
approccio più profondo e intimo nella pittura informale.
Successivamente la tecnica informale prevale nel suo
approccio alla pittura così appaiono macchie di colore,
spruzzi secondo un sentire artistico più intimo. I colori
diventano talvolta tenui e talvolta decisi con particolare attenzione alle sfumature e ai giochi di ombre.
He was born in Naples
the 22nd of May 1983.
He lives and works both
in Milan and Padua. His
passion for painting
has been evident since
his early years of life. At the age of thirteen he started
making graffiti on the city walls and he coined his tag
mixing his surname syllables. Such a tag became his
professional name also in the painting field. During
his years at Brera Academy of Fine Arts he approached
painting in depth and he studied together with Ignazio
Gadaleta. He also exhibited his artworks both in Italy
and abroad and took part to several prizes with excellent results. He prefers acrylics on canvas; a detailed
draw and a technical accuracy are common to all his
artworks and to most graffiti writers although Duerama
looks for a deeper and more intimate approach to the
arts through the informal painting. Later on his career
the informal technique prevails in his artistic approach
to painting. It follows that color spots and spray spots
appear here and there as a result of a more intimate
artistic feeling. Colors become sometimes pale sometimes definite with a peculiar attention to shades and
to the play of the light.
Simone Fazio
Nato a Modena nel 1980,
vive e lavora a Castelfranco Emilia (Modena).
La sua ricerca tecnica si
fonda sul dettaglio anatomico di volti e corpi, conoscenza approfondita durante gli studi di Disegno Anatomico e Chirurgico presso
la facoltà di Medicina e Chirurgia di Bologna. Lo studio
più intimo e personale pone invece attenzione all’uomo
e alla realtà che lo circonda. Dall’attenta osservazione di atteggiamenti ed espressioni si palesano figure
complesse e espressive che si staccano dal buio che le
circonda. Buio o bianchi decisi come rappresentazione
di negative peculiarità umane che rimangono nel fondo
senza arrivare ad intaccare le misteriose apparizioni.
Protagonista assoluto il buio in alternanza con la luce
in cui sono posti i soggetti delle opere dell’artista. Fazio
dal 2005 partecipa a numerose esposizioni personali e
collettive.
Diana Legel
Nata a Rochlitz nel 1978, nella Repubblica Democratica
Tedesca, vive e lavora a Roma. Inizia i suoi studi presso
la Scuola Superiore Rudolf-Hildebrand-Gymnasium a
Markkleeberg conseguendo la maturità artistica e linguistica. Prosegue la sua formazione collaborando con
lo studio del Teatro Titanik Lipsia/Münster sul campo
della realizzazione pratica della scenografia. Successivamente segue i corsi della Scuola preparatoria per
lo studio dell’arte presso l’Università dell’Arte HGB di
Lipsia. La sua ricerca artistica l’avvicina allo studio
di differenti materiali formandosi come scalpellino a
Steinmetzhütte GmbH di Lipsia e Steinmetz/-bildhauerei Franz, sempre a Lipsia, che la porta a confrontarsi professionalmente con il restauro. Le tecniche che
l’artista predilige sono matite, inchiostro e acquarelli
su carta. La sua formazione continua all’Accademia
di Belle Arti di Roma indirizzo Pittura. Diana Legel da
diversi anni partecipa a diverse esposizioni personali
e collettive.
He was born in Modena in 1980. He lives and works in
Castelfranco Emilia. His technical research is based on
the anatomical study of faces and bodies whose knowledge has been accrued during his studies of Anatomic
and Surgical Draw at the Faculty of Medicine and Surgery in Bologna. However, the artist more intimate and
personal studies are oriented toward the human being
and the reality which surrounds him. From an attentive observation of characters’ attitude and expression
it is possible to outline complex and expressive figures
that are detached from the surrounding darkness.
These dark or white presences are there to represent
the negative human peculiarities which stay on the
background without corroding the mysterious apparitions. In Simone’s artworks darkness is the absolute
protagonist in alternation with the light where characters are placed. Fazio has been taking part to numerous
personal and collective art exhibitions since 2005.
She was born in 1978 in Rochlitz, Democratic Republic
of Germany. She lives and works in Rome. She started
her studies in Rudolf-Hildebrand-Gymnasium in Markkleeberg, obtaining a diploma in the Arts and Linguistics. She continued her formative course collaborating
with the Teatro Titanik Lipsia/Münster studio working
on the practical realization of set design. Afterwards
she attended a preparatory course for the study of the
arts at the HGB University for the Arts in Lipsia. Her
artistic research made her approaching different materials; she got a formation as stone-cutter at Steinmetzhütte GmbH in Lipsia and Steinmetz/-bildhauerei
Franz, in Lipsia which brought her to practice the restoration in a professional way. Her preferred techniques
are pencils, ink and water color on a papery support.
Her formative course continued at the Academy of Fine
Arts in Rome where she
has attended the Painting Course. Diana Legel
has been taking part to
several personal and
collective art exhibitions
for several years.
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Ignazio Mazzeo
Nasce a Erice (Trapani) nel 1985, vive e lavora fra
Bologna e Granada. Si diploma presso l’Accademia
di Belle Arti di Bologna. La ricerca di Mazzeo nasce
dall’osservazione delle forme della natura che rielaborate tramite la personale visione dell’artista originano
inaspettate macchine. Gli acrilici su tela di Mazzeo
vivono di sgargianti accostamenti cromatici, colori
acidi stesi con pennellata sicura su fondi piatti il cui
protagonista assoluto è l’oggetto. Il fantasioso mondo
proposto dall’artista ribalta le logiche definite, nella
scomposizione e ricomposizione della natura creando
mezzi meccanici che acquisiscono nuova vita e nuovo
valore. Dal 2003 partecipa a numerose mostre
personali e collettive in
Italia e all’estero.
He was born in Erice
(Trapani) in 1985. He
lives and works between
Bologna and Granada.
He graduated at the Academy of Fine Arts in Bologna.
Mazzeo’s research starts from the observation of nature’ shapes which are reshaped by the personal vision
of the artist who gives origin to unexpected machines.
The acrylics on canvas present eye-catching chromatic
matching, acid colors which are laid out through definite brushstrokes on flat backgrounds where the object
is the absolute protagonist. The fantastic world proposed by the artist turns over the existing logics in a
process of deconstruction and reconstruction of nature.
The results are mechanic tools with a new life and a
new value. He has been taking part to several personal
and collective art exhibitions since 2003.
Marco Mazzoni
Nasce nel 1982 a Tortona (Alessandria), vive e
lavora a Milano. Si diploma presso l’Accademia
di Belle Arti di Brera a
Milano, corso di Pittura.
La ricerca dell’artista
pone la sua attenzione verso il ritratto, i volti sono
protagonisti assoluti delle opere di Mazzoni, mentre i
corpi risultano indefiniti in abbaglianti luci bianche. Le
membra rimangono in secondo piano sproporzionate,
allungate, solo come ideale prosecuzione del volto. La
padronanza tecnica del disegno permette all’artista di
evidenziare le linee di espressione dei visi che diventano quasi caricaturali nella sua lettura della parte più
intima del soggetto. Mazzoni predilige matite colorate
su tela e carta per realizzare i suoi visi come mappe
dell’animo umano. Dal 2002 l’artista partecipa a numerose esposizioni personali, collettive e diversi premi
d’arte.
He was born in Tortona (Alessandria). He lives and
works in Milan. He achieved a diploma at the Academy
of Fine Arts of Brera in Milan where he attended the
Painting course.The artist research is focused on portraits. Faces are the absolute protagonists in Mazzoni’s
artworks while bodies result indefinite in dazzling white
lights. Human limbs on the second level appear out
of proportion and stretched till they become an ideal
prosecution of faces.The technical control of the artist
allows him to stress the expressive lines of faces which
almost turn into caricatures in the attempt to investigate the character most intimate part. Mazzoni prefers
colored pencil on canvas and paper to create faces
which are maps of the human inner part. The artist has
been taking part to several personal and collective art
exhibitions and prizes since 2002
Pierpaolo Miccolis
Nasce a Noci (Bari) nel 1985, vive e lavora tra Alberobello e Bari. Inizia il suo percorso di studi diplomandosi in Tecnico e Stilista di moda presso l’Istituto A.
Agherbino di Noci. Prosegue il suo percorso presso
l’Accademia di Belle Arti di Bari, indirizzo Pittura. In
questo periodo inizia ad esporre in Italia, all’estero e a
partecipare a diversi premi d’arte con ottimi risultati.
Successivamente continua la sua formazione seguendo
una serie di seminari e workshop con artisti di fama
internazionale, Corso di Perfezionamento: “Tra teoria e
prassi”. Attualmente frequenta il biennio specialistico
presso l’Accademia di Belle Arti di Bari, indirizzo Decorazione. L’attenzione dell’artista si catalizza attorno
all’uomo, alla sua identità, ai differenti comportamenti
che manifesta, allo stretto rapporto tra il cibo e il corpo. Miccolis sperimenta differenti materiali e diverse
tecniche, tra cui metalli e fotografia ma predilige realizzare serie di piccoli acquarelli su carta che diventano
fotogrammi di un’unica ironica narrazione.
He was born in Noci (Bari) in 1985. He lives and works
between Alberobello and Bari. He began his education
career achieving a Diploma as Fashion Technician and
Stylist at the A. Agherbino High School in Noci. He continued his studies attending the Painting Course at
the Academy of Fine Arts in Bari. During the university
years he took part to art exhibitions both in Italy and
abroad and to art prizes obtaining excellent results. Afterwards, he enriched his formation attending a further
training course entitled “Between theory and practice”
which consists on a sequence of seminars and workshops held by international artists. At the moment he
is attending the two-year second level course in Decoration at the Academy of Fine Arts in Bari. The artist
interest is focused on the human being, his identity,
his different behaviors and on the tight relationship
between food and body. Miccolis experiments heterogeneous materials and techniques, metals and photography among them although he prefers creating series of
small water colors which
become photograms of a
unique ironic narration.
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Hannah Michael
Nasce a Londra nel 1986. Vive e lavora a Stroud, Inghilterra. Studia Illustrazione alla Swansea Metropolitan University di Mount Pleasant, Swansea, Inghilterra.
L’abilità nel disegno, approfondita con metodo durante
gli anni degli studi, lascia libera l’artista di sviluppare
la sua ricerca affrontando differenti tecniche dalla litografia alla pittura e sperimentando diversi materiali
dalla pittura ad olio alla china su supporti estremamente eterogenei come carta, tela, legno e tessuto. La
Michael sceglie i suoi
soggetti tra le antiche
leggende e fiabe folkloristiche nordeuropee. I
suoi personaggi trovano
nuove ambientazioni e
inaspettate trasformazioni nell’attualizzazione,
che avviene tramite un
uso stilistico dell’illustrazione moderna, delle originali
rappresentazioni dell’artista. Durante gli studi inizia
ad esporre e dal 2007 partecipa a numerose mostre in
Inghilterra e all’estero.
She was born in London in 1986. She lives and works
in Stroud, England. She studied Illustration at Swansea Metropolitan University Mount Pleasant, Swansea,
Wales (England). Her skill for drawing which improved
during her formative years allowed the artist to develop
an inner way of expression through the use of several
techniques, from lithography to painting and to experience different materials from oil painting to the Indian
ink on extremely heterogeneous supports like paper,
canvas, wood and fabric. Michael chooses her subjects
among the ancient legends and the North European
fairy tales. While brought up-to-date, subjects find
new settings and unexpected transformations through
Hannah’s stylistic use of the modern illustration. During her formative course she started exhibiting her artworks and since 2007 she has been taking part to art
exhibitions in England and abroad.
Mirko Nikolic
Nasce a Belgrado nel 1984, vive e lavora a Milano. Si
diploma al Primo Liceo di Belgrado e poi si trasferisce a
Milano dove segue il corso di Fashion Design all’Istituto
Marangoni. Successivamente si diploma presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, indirizzo Pittura, dove attualmente si sta specializzando in Arti Visive. Il colore
e gli intrecci caratterizzano gli oli su tela di Nikolic.
I rapporti che legano e allo stesso tempo disgregano
persone, città, territori vengono visualizzati dall’artista
attraverso reti in stretta connessione tra loro, ma in
continuo movimento, infatti le forze sociali, economiche e politiche diventano vere e proprie sollecitazioni in
diverse direzioni e quindi colori, che impongono continui mutamenti alla massa. Dal 2004 inizia a partecipare a numerose esposizioni personali e collettive e a
diversi premi d’arte.
He was born in Belgrade in 1984. He
lives and works in Milan. After completing
the Major High School
in Belgrade he moved
to Milan where he attended the Fashion
Design Course at the Marangoni Institute. Afterwards,
he earned a Diploma in Painting at the Academy of Fine
Arts in Brera where he is now attending the Visual Art
second level course. The color and an interlace design
characterize Nikolic’s oil paintings. The relationship
which links and breaks up at the same time people,
towns and territories is visualized by the artist through
networks which are tightly connected and moving. In
fact, the social, economy and politics forces impose
ongoing transformations to the mass of people thus
functioning as a stimulus from different points of view
and thus colors. In 2004 he started to take part to several personal and collective art exhibitions and to art
prizes.
Pietro Pastore
Nato a Barletta nel 1983,
vive e lavora a Bologna.
Si diploma presso l’Accademia di Belle Arti di
Bologna.Dal 2004 partecipa a numerosi premi
d’arte, le sue opere risultano spesso tra le premiate o
segnalate dalla critica, inizia così anche a partecipare ad esposizioni personali e collettive. Il pensiero di
Pastore si sofferma sull’aspetto più interiore dell’uomo, una riflessione intima che supera la realtà che ci
circonda. I soggetti sono in genere frutti, foglie, forme
organiche che acquisiscono inaspettate inquadratui
re; ingrandimenti
in cui i particolari fanno perdere il
consueto punto di vista dell’insieme. L’oggetto rappresentato appare sfumato, sfuocato, la percezione risulta
così modificarsi ad ogni sguardo. La visione dell’artista
compare su tele di cotone dai delicati acquarelli, risultato di una continua sperimentazione tecnica che non
diventa mai accademica.
He was born in Barletta in 1983. He lives and works in
Bologna. He achieved a Diploma at the Academy of Fine
Arts in Bologna. Since 2004 he has been taking part
to several art prizes; his artworks have been awarded
several times and signaled by the art critic. He also has
been taking part to several personal and collective art
exhibitions. Pastore’s remains focused on the inner aspects of men and on an intimate reflection which overcomes the reality of today. His subjects are often fruits,
leaves, organic shapes which acquire unexpected
framings; objects are enlarged to show details which
upset our usual way to look at things. They appear with
nuances and out of focus so that our perception varies
all the times. The artist vision appears on his cotton
canvases through delicate water colors as a result of a
technical experimentation which is never academic.
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Costabile Piccirillo
Nasce a Napoli nel 1985, vive e lavora a Milano. Studia al Liceo Artistico Statale “A. Sabatini” di Salerno.
Dopo il diploma si trasferisce a Milano dove si diploma
in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera.
Dopo gli studi affronta l’esperienza dell’insegnamento
presso l’Accademia estiva di Blieskastel in Germania.
L’artista si pone come attento osservatore della realtà che lo circonda, la sua attenzione viene colpita dai
luoghi, le persone e la stretta interazione tra di essi. Le
visioni dell’artista si palesano attraverso accostamenti
cromatici e sfumature in raffinate bicromie ed elaborazioni digitali. L’artista partecipa a diverse esposizioni
in Italia e all’estero.
Born in Naples in 1985; lives and works in MIlan. He
studied at the Liceo Artistico Statale “A. Sabatini” in
Salerno. After graduating, he moved to Milan, where he
earned a diploma in Painting from the Accademia di
Belle Arti of Brera. After his studies, he began teaching at the summer Academy of Blieskastel in Germany.
The artist proposes himself as an attentive observer of
the reality that surrounds him; places, persons and the
close interaction between them catches his attention.
The artist’s visions are evident through the colour pairing and nuances of refined duotones and digital elaborations. The artist has
participated in various
exhibitions both in Italy
and abroad.
Gianni Politi
Nato a Roma nel 1986,
vive e lavora tra Milano e Roma. Gli studi
di filosofia a Roma
gli hanno permesso di
scoprire il suo profondo
interesse per l’arte che ha poi approfondito lavorando
presso lo studio di noti artisti romani, come Gianluigi
Mattia e Piero Pizzi Cannella. Le tecniche che predilige
sono grafite o inchiostro su tavola di legno. L’attenzione
dell’artista è rivolta alla contrapposizione tra armi e
utensili dai lui stesso utilizzati per dipingere. Non la
riproduzione accademica delle forme, ma l’esplosione
degli oggetti stimola l’interesse di Politi che si pone in
profonda riflessione verso la deflagrazione dei soggetti
e le conseguenze, in termini di controllo, che si creano
sui corpi quindi sull’uomo. Politi partecipa a diverse
esposizioni personali, collettive e premi d’arte.
He was born in Rome in 1986. He lives and works between Milan and Rome. His Philosophy studies in Rome
allowed him to unveil his passion for the arts. For this
reason he worked at the studios of famous artists from
Rome, Gianluigi Mattia and Piero Pizzi Cannella among
them. Gianni’s favorite techniques are graphite or ink
on wood panels. His attention is focused on the opposition between the weapons and the utensils he uses on
his paintings. Politi is not interested in the academic
reproduction of shapes but on the explosion of objects.
The artist deeply reflects on the consequences of such
outbreaks on bodies and thus on the human nature in
terms of control. Politi took part to several personal and
collective art exhibitions and to art prizes.
Gilda Scaglioni Nata a Modena nel 1977, vive e lavora a Torino. Svolge i suoi studi presso l’Istituto Superiore di Industrie
Artistiche a Firenze. L’attività artistica di Scaglioni
comincia nell’ambito del design con i progetti per una
serie di abiti per il teatro-danza di Paolo Deganello e
Nanni Strada. La continua ricerca in cui si pone l’artista le permette di sperimentare differenti tecniche
dal disegno al video, dall’installazione ambientale al
ricamo, senza però perdere il filo poetico del suo pensiero artistico. Le scritte spesso presenti nelle opere di
Gilda Scaglioni sono al tempo stesso segno estetico e
significante. La poliedrica artista partecipa dal 2002 a
numerosi progetti ed esposizioni collettive e personali.
She was born in Modena in 1977. She lives and works
in Turin. She made her studies at the High School for
the Arts Industries in Florence. Scaglioni artistic activity started in the design field with projects for the creation of costumes for the Tanztheater (“dance theatre”)
by Paolo Deganello and Nanni Strada. The ongoing research conducted by the artist allows her to experiment
heterogeneous techniques, from the video design, the
ambient installation to the embroidery, without loosing
her artistic train of thought. The words which are often present in Gilda Scaglioni’s artworks are aesthetic
signs and signifier at the same time. The eclectic artist
has been taking part to numerous projects and collective and personal
art exhibitions since
2002.
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Luca Zarattini
Nato a Codigoro (Ferrara) nel 1984, vive e lavora Ferrara. Inizia gli studi artistici presso l’Istituto d’Arte “Dosso Dossi” di Ferrara, indirizzo Decorazione. Prosegue
poi diplomandosi presso l’Accademia di Belle Arti di
Bologna. I soggetti che l’artista predilige sono i ritratti
di persone alcune esistenti, altri no che scompone e
ricompone come se stesse decodificando un codice.
La pittura ad olio viene stesa corposa su lamiere di
recupero arrugginite che creano con il colore superfici
materiche. La ruggine impastata con il colore in alcuni casi amplifica in altri nasconde i volti fortemente
espressivi, che non diventano mai caricaturali.
Dal 2001 partecipa a diverse esposizioni personali e collettive.
He was born in Codigoro
(Ferrara) in 1984. He lives
and works in Ferrara. He
started his studies in the arts attending the Decorating
Course at the High School for the Arts “Dosso Dossi”
in Ferrara. He continued his formative studies getting
a Diploma at the Academy of Fine Arts in Bologna. The
artist’s favorite subjects are alive or imaginary people
portraits which are broken up and then put together
again as in a process of decoding. The oil painting is
applied consistently on scrap metal sheets which create highly tactile surfaces through the color. The rust
mixed with colors sometimes amplifies and sometimes
hides the strongly expressive faces which never get to
be caricatures. Since 2001 he has been taking part to
several personal and collective art exhibitions.