Scarica qui la guida della mostra.

Museo del design 1880-1980
fondato da / founded by
Raffaello Biagetti
Con il contributo curatoriale di
Co-curated by
Giovanni Klaus Koenig, Filippo Alison,
Giuseppe Chigiotti
Progetto Grafico / Graphic Design
Frank Studio
Fotografia / Photography
Delfino Sisto Legnani & Marco Cappelletti
Testi / Texts
Giuseppe Chigiotti, Giovanni Klaus Koenig
museiitaliani.org
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#museodeldesign
il museo
Una collezione tra le più importanti d’Europa
è alla base del progetto museale ideato e
fondato da Raffaello Biagetti (Firenze 1940 Ravenna 2008) con l’obiettivo di raccontare
cento anni di storia attraverso i capolavori
dei più grandi maestri italiani della scena del
design internazionale.
Un tesoro fino ad ora sconosciuto, riportato
alla luce da Musei Italiani. Siamo negli
anni ’80: l’impianto curatoriale è affidato a
Giovanni Klaus Koenig che, insieme a Filippo
Alison e Giuseppe Chigiotti, costruisce la
collezione creando un percorso fortemente
didattico e coinvolgendo anche personaggi
come Gae Aulenti, Dino Gavina e Piero
Castiglioni. Il Museo racconta la storia
dell’arredo dal 1880 al 1980 attraverso un
percorso spaziale per isole cronologiche: si
apre nel cuore dell’Art Nouveau - prosegue
verso la Scuola Viennese e il Bauhaus,
percorre gli anni ’50 - attraverso le opere più
emblematiche dei grandi progettisti francesi,
scandinavi, americani - e gli anni ’60, che
vedono protagonista il boom economico
italiano. Le espressioni rivoluzionarie del
design radicale e la nascita dei movimenti
Alchimia e Memphis, chiudono l’itinerario
della mostra.
Il Museo è arrivato a Milano grazie a Musei
Italiani, una neo-nata organizzazione che
ha l’obiettivo di promuovere il patrimonio
culturale italiano, facendo ricerche sui
giacimenti esistenti e coinvolgendo imprese
e istituzioni per creare un sistema di impresa
e valore.
the museum
One of the most important collections of
design in Europe is the basis of the museum
project, designed and founded by Raffaello
Biagetti (Florence 1940 - Ravenna 2008)
with the clear aim of exploring 100 years
of history through the masterpieces of the
great Italian and International designers of
the age.
The museum collection is a treasure that has
remained so far still untouched and has been
brought to light by Musei Italiani.
It all starts in the Eighties. The role of curator
was entrusted to Giovanni Klaus Koenig who,
with the help of Filippo Alison and Giuseppe
Chigiotti, built up the collection, creating
a strongly educational itinerary, involving
figures such as Gae Aulenti, Dino Gavina and
Piero Castiglioni.
The Museum tells the story of furniture
design from 1880 to 1980 through a journey
through chronological islands: it starts
from Art Nouveau, continues towards the
great Viennese School and the Bauhaus. It
goes through the Fifties, characterized by
major Scandinavian, Italian and American
designers, and on through the Sixties, when
the Italian economic boom was the real
protagonist.
The revolutionary expressions of radical
design and the appearance of movements
such as Alchimia and Memphis close the
itinerary of the exhibition. The Museo del
Design 1880-1980 arrived in Milan thanks
to Musei Italiani, a newly born organization
whose aim is to promote Italy’s cultural
heritage, by surveying the existing deposits
and the involvement of companies and
institutions to set up a system of enterprise
and value.
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I mobili degli
Shakers e le sedie Thonet
Shaker Furniture
and Thonet Chairs
Shaker, Michael Thonet
4
Shaker, Rocking chair - 1860
Il design è una disciplina progettuale che
inizia ad affermarsi quando i prodotti non
nascono più dall’abilità degli artigiani, ma
dall’affidabilità di un sistema produttivo
che replica all’infinito un modello nelle sue
caratteristiche formali e funzionali.
I mobili prodotti all’interno delle comunità
degli Shakers sono uno dei primi esempi
di questo modo di produrre e progettare.
Gli Shakers sono una setta religiosa che si
sviluppa negli Stati Uniti nel ‘700, periodo
in cui la visione utopica di una società
egualitaria determina un sistema
di produzione cooperativo dove le macchine
sono lo strumento per avere più tempo
da dedicare alla preghiera e per produrre
tutto quello che serve. I mobili, come tutto
il resto, nascono nella fedele ripetizione di
modelli attraverso l’uso di macchine.
Nel 1796 nasce Michael Thonet, l’industriale
del settore del mobile che ha per primo
l’idea di produrre mobili come un vero
prodotto industriale.
I diversi modelli nascono dall’assemblaggio
di masselli di legno torniti e piegati grazie
all’elasticità ottenuta attraverso l’impiego
del vapore. Nel 1853 viene fondata in Austria
la società “Gerbrüder Thonet”. Il modello
più famoso è la sedia N.14 del 1859. Questi
mobili hanno un tale successo internazionale
che vengono aperte fabbriche Thonet in
molte nazioni e i suoi modelli sono usati dai
più famosi architetti nel mondo.
Design, as a formal discipline, began to
really develop when objects were no longer
created solely by the ability of the artisan,
but thanks to the reliability of a productive
system able to faithfully replicate a specific
model in infinite numbers.
The items of furniture produced by the
Shaker community are the first examples of
this system of producing and designing. The
Shakers are a religious sect, founded in the
USA in the 18th Century.
The Shakers’ utopian vision, of an egalitarian
society, lead to the development of a system
of cooperative production. Machines were
used to allow more time to dedicate to
prayer and to produce all of life’s necessities.
So, the items of furniture, like everything
else, were faithful replicas of models,
produced using machines to save time.
Michael Thonet was an Austro-Hungarian
industrialist in the furniture sector born in
1796 and was the first to have the idea of
manufacturing furniture as a real industrial
product.
The various models were made using turned
wood, rendered elastic by steam treatment,
bent into shape and assembled. In 1853 the
company “Gerbrüder Thonet” was founded
in Austria. The most famous model produced
by the company is the No.14 chair from 1859.
This furniture enjoyed such international
success that Thonet factories were opened
in many countries and its chairs were used by
the most famous architects of the age.
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Antoni Gaudì, Adolf Loos, Josef Hoffmann, Charles Rennie Mackintosh, Frank Lloyd Wright
Art Nouveau
Antoni Gaudì, Calvet chair - 1898-1904
Verso il 1890 si va definendo una nuova
cultura artistica interprete dei concetti
di modernità e nasce così l’Art Nouveau:
un linguaggio moderno che rifiuta ogni
riferimento al passato, uno stile nuovo e
universale.
Importante è il ruolo che svolgono gli
architetti, creando uno stretto rapporto
tra l’architettura e le arti decorative, nella
progettazione di quanto esse contengono
e in risposta alle richieste delle nuove fasce
sociali.
La fioritura di questo nuovo stile dà luogo in
ogni paese a varianti diverse di linguaggio:
dalla Scozia all’Italia, dai Paesi Scandinavi
agli Stati Uniti, dall’Austria, alla Francia, al
Belgio, alla Spagna.
A Glasgow Charles Rennie Mackintosh
progetta arredi che si integrano con gli spazi
e la struttura architettonica, secondo una
visione unitaria del progetto, come avveniva
allora anche negli Stati Uniti con i lavori di
Frank Lloyd Wright.
I protagonisti della Secessione Viennese
sono Gustav Klimt, Joseph Maria Olbrich
e Josef Hoffmann, che, con Koloman Moser,
dà vita alla straordinaria iniziativa creativa
delle Wiener Werkstätte, all’interno delle
quali sono prodotti oggetti e mobili
di eccezionale raffinatezza e preziosità,
mentre Adolf Loos definisce architetture
e oggetti protorazionalisti.
Una ricerca a parte è quella di Antoni Gaudì
che fa dell’abilità manuale uno strumento
per la definizione formale delle sue
invenzioni.
Towards 1890 a new artistic culture focussed
on interpreting the concept of “modernity”
began to emerge: Art Nouveau. This
movement used a modern visual language
that rejected all reference to the past,
becoming a new and universal style.
The figure of the architect is key in the
development of design in this period as, with
the close relationship they created between
architecture and the decorative arts, they
satisfied the needs and desires of the new
social classes.
This new style was interpreted in different
ways from country to country: from Scotland
to Italy, from Scandinavia to the USA, from
Austria to France, Belgium and Spain…
In Glasgow, Charles Rennie Mackintosh
designed furniture to be perfectly integrated
into the architectural context, with an eye to
the overall design of the space, an approach
also evident in the USA with the works of
Frank Lloyd Wright.
The Vienna Secession was formed by a group
of Austrian artists including Gustav Klimt,
Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffman and
Kolomon Moser. Hoffman and Kolomon went
on to found the incredibly creative Wiener
Werkstätte that produced extremely refined
and precious items, while Adolf Loos worked
on proto-rationalist architecture and objects.
Antoni Gaudì took a direction all of his own
in which he used manual skills to formally
define his designs.
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Otto Rittweger
Aleksandr Rodčenko, El Lissitskij, Gerrit Thomas Rietveld, Marcel Breuer, Walter Gropius, Peter Keler,
Le avanguardie
artistiche
The Avant-garde
1920 Gropius, Mod F51 - 1920
Le avanguardie artistiche delle prime decadi
del XX secolo sono il simbolo più importante
della ricerca di nuova modernità,
che attraverso la definitiva rottura
con il passato e la sperimentazione di
nuovi linguaggi partecipano al grande
rinnovamento della società.
Gli artisti appartenenti al Costruttivismo,
al Suprematismo, al Futurismo, al De Stijl,
intendono usare le loro creazioni per
modellare l’idea di una nuova società.
Gli artisti russi come Aleksandr Rodčenko
ed El Lissitskij cercano di far coincidere
i propri ideali artistici con gli obiettivi
politici, sostenendo anche un rapporto tra
arte e industria; un esempio di concretezza
operativa è il progetto per gli arredi delle
sedi delle associazioni dei lavoratori e delle
case di cultura.
Il movimento De Stijl nasce per iniziativa
di Theo van Doesburg, Jacobus Johannes
Pieter Oud e Gerrit Rietveld con lo scopo
di contribuire alla nascita di un nuovo senso
estetico contrassegnato da un’astrazione
geometrica totale. Ne sono uno straordinario
esempio proprio i mobili di Gerrit Rietveld.
Queste ricerche hanno come momento di
sintesi la fondazione in Russia dell’istituto
del Vchutemas e in Germania della scuola
del Bauhaus.
I progetti per mobili definiti da Marcel
Breuer certamente rappresentano la sintesi
operativa di queste esperienze artistiche.
The artistic avant-garde of the early 20th
Century represents the most important
exploration of a “new modernity”.
By breaking away from the past and
experimenting with new visual languages, it
actively participated in the great renewal of
society at that time.
Contructivism, Suprematism, Futurism and
De Stijl were all artistic movements whose
members used their work to try to shape
a new social model. Russian artists, such
as Aleksandr Rodčenko and El Lissitskij,
attempted to make their artistic ideals
coincide with political objectives and upheld
a close connection between art and industry.
The only real examples of their design
theory put into practice were their projects
for the furniture of the Workers Association
headquarters and cultural centres.
The goal of the De Stijl movement, founded
by Theo van Doesburg, Jacobus Johannes
Pieter Oud and Gerrit Thomas Rietveld,
was to create a new aesthetc sensibility
characterized by complete geometric
abstraction. A perfect example of this
approach is the furniture designed by Gerrit
Thomas Rietveld.
These versions of artistic experimentation
and theoretical exploration lead to the
foundation of the Vchutemas Institute in
Russia and the Bauhaus School in Germany.
The furniture designed by Marcel
Breuer undoubtedly epitomizes the
practical application of all of the artistic
experimentation of the period.
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Gabriele Mucchi, Frank Lloyd Wright, Erik Gunnar Asplund, Gio Ponti
René Herbst, Jean Prouvé, Hans Coray, Mart Stam, Marcel Breuer, Giuseppe Terragni, Pietro Chiesa,
Le Corbusier, Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret, Ludwig Mies van der Rohe, Renzo frau,
Gli anni trenta
The 1930s
Ludvig Mies Van der Rohe, Barcelona - 1929
Con l’esposizione internazionale delle arti
decorative tenutasi a Parigi nel 1925 si apre
un’epoca nella quale convivono nel campo
del design linguaggi profondamente diversi.
Questo è soprattutto il momento nel quale si
va definendo una nuova figura di progettista:
quella del designer, che per la sua specificità
poteva anche non appartenere al mondo
della cultura architettonica.
La suggestione per l’espressività dei
materiali e dei procedimenti industriali
ha una grande influenza sul progetto dei
mobili degli architetti appartenenti al
Movimento Moderno come Le Corbusier,
Ludwig Mies van der Rohe, ma anche altri,
come René Herbst, Jean Prouvé, che pur
non appartenendo a questo movimento,
ne subiscono la suggestione. Nascono
così mobili dalla rigorosa applicazione
dei procedimenti industriali, come la
sedia in alluminio di Hans Corey. Mentre,
stranamente, altri mobili pur sempre
considerati delle icone della modernità,
come quelli di Le Corbusier o la poltrona
Barcellona di Mies van der Rohe, nulla hanno
a che fare con la produzione industriale,
contrariamente a quelli disegnati da
Marcel Breuer, Giuseppe Terragni, Pietro
Chiesa, Gabriele Mucchi. Ci sono stati
anche progettisti scandinavi come Erik
Gunnar Asplund, o italiani come Gio Ponti,
che sono rimasti fedeli all’espressività dei
procedimenti artigianali e dei materiali
tradizionali.
The World Fair of Decorative Arts, held in
Paris in 1925, marked the beginning of a new
age for design, in which radically different
schools of thought coexisted and were
developed simultaneously. It was during
this period that the idea of the “designer”
was defined as a clear role and did not
necessarily have to have a formal background
in architecture.
The expressive potential of new materials
together with innovative industrial processes
greatly influenced both the architects of the
Modern Movement, such as Le Corbusier
and Ludwig Mies van der Rohe, as well as
others such as René Herbst and Jean Prouvé.
As a result this period sees the design and
production of rigorously industrialized items
of furniture such as the “Spartana” chair by
Hans Coray. Strangely, other pieces designed
at this time, that are widely considered to
be icons of Modernity such as the works of
Le Corbusier or the “Barcellona” armchair
by Mies van der Rohe have nothing to do
with industrial production, unlike the works
of Marcel Breuer, Giuseppe Terragni, Pietro
Chiesa and Gabriele Mucchi. At the same
time there were also designers who remained
faithful to the expressivity
of hand-craftsmanship, Erik Gunnar Asplund
in Scandinavia, for example and Gio Ponti
in Italy.
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Il design organico
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Charles and Ray Eames, Alvar Aalto, Arne Jacobsen, Harry Bertoia
Organic Design
Alvar Aalto, Paimio - 1929-1933
Nei primi anni trenta si assiste a un profondo
cambiamento nella cultura del progetto
rispetto a quelli che erano stati i linguaggi
del Movimento Moderno, anticipato da Frank
Lloyd Wright che, sostenendo un’armonia
tra uomo e natura, concepisce l’architettura
come elemento di equilibrio tra il mondo
costruito e quello naturale.
Un credo che si traduce nell’uso di materiali
naturali e nell’adozione di forme morbide e
arrotondate.
Questa tendenza in Scandinavia si
sovrappone alla concezione di un design
democratico, strumento per il miglioramento
della vita. Il design scandinavo raggiunge
tra gli anni trenta e gli anni cinquanta una
leadership mondiale, diventando
di riferimento per gli altri paesi. Questo
approccio al progetto viene diffuso in
America da Eliel Saarinen influenzando
la formazione della nuova generazione
di progettisti come George Nelson, Florence
Schust, Charles Eames, Isamu Noguchi.
Nel 1935, per iniziativa di Alvar Aalto
e di sua moglie Aino, viene fondata la ditta
Artek, con lo scopo di mettere in produzione
i loro mobili nati per le loro architetture:
i mobili nascono dalla sperimentazione delle
possibilità espressive e costruttive del legno,
scegliendo la tecnica della piegatura e della
laminazione.
Anche i mobili più noti di Arne Jacobsen
nascono per le architetture che lui progetta,
come la poltrona Uovo progettata nel 1957
per il Sas Royal Hotel di Copenhagen.
The beginning of the 1930s saw a drastic
change in the approach to design and the
emergence of new visual languages that
contrasted with the ideals of the Modern
Movement. Organic Design was pioneered
by Frank Lloyd Wright who believed
in creating harmony between people and
nature and regarded architecture as a means
of achieving a perfect balance between
the manmade and natural worlds. This belief
was expressed by the use of natural materials
and smooth rounded forms.
In Scandinavia this trend was overlapped by
“democratic design”, conceived as a way of
improving everyday life. Between the 1930s
and 1950s Scandinavian design became
world leader and a benchmark for other
countries around the World. This approach
to design was introduced to the USA by Eliel
Saarinen and influenced a new generation of
designers including George Nelson, Florence
Schust, Charles Eames and Isamu Noguci.
In 1935 Alvar Aalto and his wife founded the
company Artek so as to put into production
the furniture designed for their architectural
projects. The furniture was developed by
exploring the expressive and structural
possibilities of wood, and was produced
using bending and laminating techniques.
The most famous items of furniture designed
by Arne Jacobsen were also designed for
site-specific architectural projects such as the
“Egg” armchair, designed for the Sas Royal
Hotel, Copenhagen, in 1957.
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Il design americano
American Design
Eero Saarinen, Charles and Ray Eames, George Nelson
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Charles Eames, Mod. EA 107 - 1958
Una nuova generazione di architetti
e designer americani si afferma
nell’immediato dopoguerra, formatosi
in quella idea di modernità che era stata
sostenuta da quegli esponenti
del Movimento Moderno che avevano
trovato rifugio in America, trasformando
il design in un importante volano per la
ripresa economica.
I designer americani assumono così una
rilevanza internazionale.
È questo il caso di George Nelson,
che dal 1945 inizia ad occuparsi di arredi
diventando direttore artistico della Hermann
Miller, dando così incarichi a giovani
progettisti come Charles e Ray Eames,
Richard Schultz, Isamu Noguchi.
Fondamentali per la storia del design
sono i progetti di mobili che Charles e Ray
Eames progettano per la Hermann Miller,
mobili che nascono dalla sperimentazione
di materiali innovativi, come il legno
stratificato, le resine sintetiche, il fiberglass,
l’alluminio.
L’altra azienda che determina la notorietà
del design americano è la Knoll, fondata
da Hans Knoll nel 1938 con l’intendimento
di farne il marchio più esclusivo del design
contemporaneo lavorando con Mies van der
Rohe, Harry Bertoia, Florence Schust ed Eero
Saarinen.
Il modo di concepire il design da questi
due marchi nasce dalla profonda influenza
del design europeo sul tradizionale modo
americano di concepire il design come
processo progettuale totalmente asservito
alle logiche produttive e commerciali.
The immediate post-war years saw the
emergence of a new generation of American
architects and designers. Their ideas were
based on the vision of modernity that
representatives of the Modern Movement
had brought to the USA as refugees from
the war in Europe. These Modernist ideas
became an important part of the economic
recovery and brought American designers
world renown.
This was exactly the case of George Nelson
who started concentrate on furniture design
in 1945 when he became Creative Director
of Hermann Miller and began commissioning
young talents such as Charles and Ray
Eames, Richard Schultz and Isamu Noguci.
Charles e Ray Eames’ furniture produced by
Hermann Miller played a fundamental role in
the history of design. It was made possible
thanks to experimentation with innovative
materials such as stratified wood, synthetic
resins, fiberglass and aluminium.
The other company that helped affirm the
international importance of American design
was Knoll. Founded by Hans Knoll in 1938
aiming to make it the most exclusive brand
of contemporary design by working with the
likes of Mies van der Rohe, Harry Bertoia,
Florence Schust and Eero Saarinen.
The winning approach of these two
companies was due to the influence that
European thought had on the traditional
American tendency to let productive and
commercial issues totally govern the design
process.
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Ohl, Stefan Wewerka, Kazuhide Takahama, Shiro Kuramata, Toshiyuki Kita, MAN RAY, CINI BOERI
Paolo Lomazzi, Carlo scarpa, Enzo Mari, Anna Castelli Ferrieri, Alessandro Mendini, Rodney Kinsman, Herbert
Afra E Tobia Scarpa, Richard SApper, Bruno Munari, Mario Ceroli, Jonathan De Pas, Donato D’Urbino,
Franco Mello, Bernard Govin, Ico Parisi, Mario Bellini, Gaetano Pesce, Gae Aulenti, Joe Colombo, Archizoom,
Gio Ponti, Ettore Sottsass, Dino Gavina, Piero Gatti, Cesare Paolini, Franco Teodoro, Guido Drocco,
Carlo MollinO, Osvaldo Borsani, Gianfranco Frattini, Vico Magistretti, Achille E Pier Giacomo Castiglioni,
Marco Zanuso, Ignazio Gardella, Carlo Pagani, Franco Albini, Franca Helg, Luigi Caccia Dominioni,
Made in italy
Achille e Pier Giacomo Castiglioni, Sanluca - 1960
All’indomani della seconda guerra mondiale
in Italia il mondo del progetto partecipa
alla ricostruzione morale e fisica
del paese e prende coscienza degli orizzonti
che apre la nuova industrializzazione.
Ben presto si inizia a produrre in serie
e industrialmente mobili. Nascono nuove
industrie come Arflex, Arteluce, Kartell,
che lavorano in stretto rapporto con giovani
architetti. Alcune aziende artigiane, come
Cassina e Borsani, si trasformano nella
suggestione dell’industrializzazione, mentre,
contemporaneamente, altre assumono
notorietà facendosi portatrici di valori
artigianali, come Azucena e Poggi.
A metà degli anni sessanta la diffusione
delle ricerche artistiche più avanzate,
in contatto con i movimenti di contestazione
giovanile, introduce nel mondo del design
italiano una nuova linfa creativa che si
rapporta alle nuove tecnologie produttive.
Se da un lato le materie plastiche sono
lo stimolo per affermare nuovamente i modi
della produzione industriale, dall’altro danno
la possibilità di esprimere quella creatività
ancora più provocatoria, che definisce
il design radicale. Il design italiano assume
così una rilevanza ancora più internazionale
grazie allo straordinario contributo
di Alessandro Mendini e Ettore Sottsass.
After World War II, the design scene in Italy
became involved in the moral and physical
reconstruction of the country and began to
take advantage of the horizons that
the new industrialization opened up for the
design world. So, companies quickly began
to produce series of industrially produced
furniture. New industrial companies
appeared, such as Arflex, Arteluce and
Kartell, which worked in close collaboration
with young architects.
Some of the traditional artisanal companies,
like Cassina and Borsani, soon evolved into
industrial leaders while other companies,
like Azucena and Poggi, became famous for
their artisanal values, even though they also
worked closely with architects.
The wide diffusion of artistic experimentation
and the youth protest movements of the mid
1960s injected a new creative energy into the
Italian design World that reacted with the
new technology available. The use of plastic
at that time was key in consolidating the link
between creativity and industrialization as it
gave designers the opportunity to express
themselves in an even more provocative
way. This became Radical Design. In this
period Italian design assumed an even more
important role on the International scene
thanks to the extraordinary contributions
of Alessandro Mendini and Ettore Sottsass.
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Modeste avvertenze
(a chi si avventura a creare un museo
del mobile “moderno”)
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Se devo dare un giudizio su una poltrona non
sono solo gli occhi che debbono guidare
i miei sensi, ma anche il mio sedere, magari
a occhi chiusi... Insomma, un giudizio sopra
un oggetto d’uso non può prescindere da
una sia pur ridotta simulazione dell’uso;
altrimenti, concentrando tutto il giudizio sul
quoziente estetico, gli si fa fare una parte
diversa da quella per la quale l’oggetto
è nato.
E allora in un museo del mobile ci si deve
permettere di appropriarsi di loro, di aprire
i cassetti, di sdraiarsi sui divani, di spegnere
le cicche nei portacenere: non dico si possa
fare l’amore sui letti di Sottsass, che pure
invitano a farlo, ma conversare attorno
a un tavolo tondo con un whisky in mano
dovrebbe essere perfettamente lecito.
Tutto ciò complica la gestione, ma è l’unico
modo di avere un museo vivo, dal quale
uscire non con quella confusione negli occhi
che è tipica dei visitatori dei nostri musei
di massa, come gli Uffizi. Un museo
deve essere tutt’altra cosa, deve dare la
sensazione di avere capito il messaggio
dell’industrial design domestico che ha
accompagnato il Movimento Moderno in
architettura; la certezza che tutto ciò serve
a migliorare la qualità della vita, sposando
forma e funzione in modo indissolubile.
Lettera di Giovanni Klaus Koenig
Modest instructions
(to anyone venturing to create
a museum of “modern” furniture)
If I have to judge an armchair it can’t just
be my eyes that guide my senses but my
bottom too, perhaps even with my eyes
shut…I mean, a verdict cannot be passed
on a useful object without simulating, even
in a very brief way, the use it was designed
for; otherwise, if you base your judgement
entirely on the mere aesthetic aspect, you
make the object play a different role from
that which it was originally intended.
So, in a furniture museum you must be
allowed to put the pieces to the test, to
open the drawers, stretch out on the sofas,
stub out cigarettes in the ashtrays – I don’t
mean to say we should go about making
love on beds designed by Sottsass (although
it is rather tempting), but to chat around a
table, whisky in hand should be perfectly
acceptable. Of course, all of this complicates
the management of the place, but it is the
only way to create a museum that is really
alive, that you don’t walk out of with that
sense of visual confusion typical of mass
museums, like the Uffizi in Florence. A
museum should provide a totally different
experience. In this case it should give you
the sensation of having understood the
message of the domestic industrial design
which accompanied the Modern Movement
in architecture - the certainty that everything
is necessary to improve quality of life,
inextricably uniting form and function.
Letter by Giovanni Klaus Koenig
Via Borsi, 9 - 20143 Milano
E: [email protected]
T: +39 02 83413302
W: museiitaliani.org
Orari / Opening Hours:
Chiuso / Closed Lun / Mon
10:30 am - 8 pm Mar - Dom / Tues - Sun
10:30 am - 9 pm Mer / Wed
Main Partner
Tariffe / Ticket Price:
Intero / Adults: €10 Ridotto / Concessions: €8 Ragazzi fino a 18 anni / Under 18 years old
Persone che abbiano compiuto i 65 anni
d’età / Over 65 years old
Gruppi di almeno 15 persone / Groups
(minimum 15 people)
Possessori di tessere convenzionate
Cardholders of affiliated bodies
Ingresso libero / Free entrance:
Bambini fino ai 5 anni compiuti
Children up to 5 years old
Diversamente abili con un accompagnatore
Disabled visitors with carer
Guide, interpreti e accompagnatori di gruppi
di almeno 15 persone / Guides, interpreters
and group escorts ( of ≥15 people).
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