Joaquín Cortés - Artemis danza

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n°213
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la revue internationale de la danse • the international dance magazine
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Joaquín Cortés
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la revue internationale de la danse
the international dance magazine
la rivista internazionale della danza
Joaquín Cortés:
“Calé”, Madrid 2010
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n° 213 - Octobre/Ottobre/October 2010
Éditions Ballet 2000 Sarl
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26.XI.1983. Distribuzione Italia: Messaggerie Periodici, via G. Carcano 32, 20141 Milano.
ISSN n° 1123-7813
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Arti Grafiche S. Pinelli, via Farneti 8, 20129 Milano
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6
Affiche/Cartellone/Calendar
13
Echos – nouvelles du monde de la danse
Brevi – notizie dal mondo della danza
News – from the dance world
28
Joaquín Cortés & Co., la danse espagnole superstar
Joaquín Cortés & Co., la danza spagnola superstar
Joaquín Cortés & Co., the Spanish Dance is a Superstar
38
Les critiques / Recensioni spettacoli / Critics : Compagnie La Baraka •
New York City Ballet • Hamburg Ballet • Saburo Teshigawara/Karas Co. • Artemis
Danza • Les Ballets C. de la B. • Ririe-Woodbury • Kirov Ballet, Mariinsky T., St.
Petersburg • Aterballetto • Les Ballets de Monte-Carlo
56
Multimedia : TV, Web, Dvd...
64
TV
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone calendar • af
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
M. Pagés
AUSTRIA
Wien
Staatsoper
24, 26. X, 1, 5, 7, 10, 13, 18,
21. XI: Theme and Variations;
Rubies – c. G. Balanchine; The
Vertiginous Thrill of Exactitude
– c. W. Forsythe; Variations on
a Theme by Haydn c. T. Tharp
– Ballett der Wiener Staatsoper
Volksoper
20, 23. XI: Marie Antoinette –
c. P. de Bana – Ballett der Wiener
Staatsoper
BELGIQUE
Anvers
Theater’t Eilandje
19, 20, 24, 26, 27. XI: Artifact –
c. W. Forsythe – Ballet Royal
des Flandres
CZECH REPUBLIC
Prague
State Opera
17, 26. X, 16. XI: Sleeping
Beauty – The Story of Anastasia
– c. Y. Vàmos – Prague National
Theatre Ballet
20. X: Ciderella – c. P. Smok,
P. D umbala – Prague National
Theatre Ballet
31. X: Le Lac des cygnes – c.
M. Petipa, L. Ivanov – Prague
National Theatre Ballet
15. XI: La Dame aux camélias
– c. L. Vaculík – Prague National
Theatre Ballet
National Theatre
17. X: Sylphide; Napoli – c. A.
Bournonville – Prague National
Theatre Ballet
11, 12, 14, 18, 27. XI: The Rite
of the Spring – c. P. Zuska –
Prague National Theatre Ballet
Estate Theatre
25, 30. XI: Faust – c. L. Vaculík
– Prague National Theatre Ballet
DANEMARK
Copenhagen
Det Kongelige Teater – The
Old Stage
16. X, 12, 19. XI: Serenade –
c. G. Balanchine; Earth – c. J.
Uotinen – Royal Danish Ballet
25, 29. X, 3, 5. XI: Napoli – c.
A. Bournonville (N. Hübbe) –
Royal Danish Ballet
Edvin Revazov, Anna Polikarpova – Hamburg Ballet: “Parzival – Episoden und Echo”, c. John Neumeier
(ph. H. Badekow)
27, 30. XI: La Belle au bois
dormant – c. M. Petipa (C.
Wheeldon) – Royal Danish Ballet
Det Kongelige Teater – The
Opera House
27, 28, 30. X, 2, 4, 6. XI: Le
Lac des cygnes – c. M. Petipa,
L. Ivanov (P. Martins) – Royal
Danish Ballet
DEUTSCHLAND
Berlin
Schiller Theater
24, 29. X, 1, 4, 7. XI: La Péri –
c. V. Malakhov – Staatsballet
Berlin
28. XI: Caravaggio – c. M.
Bigonzetti – Staatsballett Berlin
Deutsche Oper
15, 19, 22, 27. X: Le Lac des
cygnes – c. P. Bart – Staatsballett
Berlin
10, 12, 13, 18. XI: “Malakhov
and Friends” – Staatsballett Berlin
Komische Oper
2, 11, 19, 26. XI: “Shut up and
dance! Reloaded” – c. K. Pope,
S. Nichita, D. Simic, X. Wiest,
M. Buczkó, T. Plegge, N.
Saidakova
22, 26. X: The Second Detail –
c. W. Forsythe; The Grey Area
– c. D. Dawson; Empty House
– c. J. Inger – Ballett Dresden
Leipzig
Oper
5, 14, 17. XI: Chaplin – c. M.
Schröder – Leipziger Ballett
Duisburg
Theater der Stadt
16, 23, 28, 30. X, 13. XI: The
Four Temperaments – c. G.
Balanchine; Forellenquintett –
c. M. Schläpfer; Aluminium –
c. M. Ek – Ballett der Deutschen
Oper am Rhein
München
Nationaltheater
16. X: Onegin – c. J. Cranko –
Bayerisches Staatsballett
30. X, 5, 9. XI: Artifact – c. W.
Forsythe – Bayerisches
Staatsballett
20, 22, 26, 28. XI: Daphnis et
Chloé – c. T. Kohler; Wohin er
auch blickt – c. J. Mannes –
Bayerisches Staatsballett
Frankfurt
Bockenheimer Depot
18, 19, 20, 24, 25, 26, 27. XI:
N.N.N.; Woolf Phrase; 7 to 10
passages; creation – c. W.
Forsythe – The Forsythe
Company
Frankfurt LAB
21-14. X: C’est même pas vrai
– c. C. Sagna; Vielfait – c. N.
Peist – The Forsythe Company
Hamburg
Staatsoper
30. X, 1, 2, 5. XI: Parzival –
Episoden und Echo – c. J.
Neumeier – Hamburg Ballet
10. X, 9, 19. XI: Seven Haiku
of the Moon; Seasons –The
Colors of Time – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
20. XI: Weihnachtsoratorium –
c. J. Neumeier – Hamburg Ballet
Dresden
Semperoper
16, 20, 24. X: Giselle – c. D.
Dawson – Ballett Dresden
6
Stuttgart
Opernhaus
17. X: Romeo and Juliet – c. J.
Cranko – Stuttgart Ballet
23, 26. X, 5, 7. XI: Fratres – c.
J. Neumeier; Yantra – c. W.
McGregor; Red in 3 – c. J. Elo
– Stuttgart Ballet
18, 21, 23, 26, 29. XI: Leonce
und Lena – c. C. Spuck –
Stuttgart Ballet
Madrid
Teatro de Madrid
24. X: Rousse State Ballet: La
Belle au bois dormant – c. M.
Petipa
31. X: “Flamenco X 3”
12-14. XI: Co. Ultima Vez:
nieuwZwart – c. W. Vandekeybus
17-19. XI: Ballet de Teatres de
la Generalitat Valenciana:
Daphnis et Chloé – c. R. Oller;
Pulcinella – c. T. Aparisi; Parade
– c. Á. Rodríguez; Boléro – c.
T. Malandain
26. XI-8. XII: Ballet Nacional
de España: El corazón de pietra verde – c. José Antonio
Teatro del Canal
20-31. X: Ballet Víctor Ullate
Comunidad de Madrid:
Wonderland – c. V. Ullate
11, 12, 13, 14. XI: Compañía
Nacional de Danza: Noodles
– c. P. Blanchard; Jardi
Tancat, White Darkness – c.
N. Duato
Pamplona
Baluarte
21, 22. X: Béjart Ballet
Lausanne: Aria – c. G. Roman;
Ce que l’amour me dit – c. M.
Béjart
Salamanca
CAEM
14, 15. XI: Corella Ballet:
Raymonda suite – c. M. Petipa;
For 4; DGV – c. C. Wheeldon;
Soleá – c. M. Pagés
San Sebastián
Teatro Victoria Eugenia
16, 17. X: Béjart Ballet Lausanne:
L’Oiseau de feu; Sonate à trois;
Ce que l’amour me dit – c. M.
Béjart
20, 21. X: Ballet Biarritz: Roméo
et Juliette – c. T. Malandain
27. XI: Ballet Biarritz: Magifique
– c. T. Malandain
ESPAÑA
Soria
Palacio de la Audiciencia
17. XI: Corella Ballet: Raymonda
suite – c. M. Petipa; For 4; DGV
– c. C. Wheeldon; Soleá – c.
M. Pagés
Burgos
Teatro Principal
28. X: Corella Ballet: Raymonda
suite – c. M. Petipa; For 4; DGV
– c. C. Wheeldon; Soleá – c.
Valladolid
Teatro Calderón Día
15-17. X: Corella Ballet:
Raymonda suite – c. M. Petipa;
For 4; DGV – c. C. Wheeldon;
Soleá – c. M. Pagés
Théâtre de Chaillot (Salle
Jean Vilar)
FINLAND
1-22. X: Ballet Preljocaj – Ballet
du Théâtre Bolchoï de Moscou:
Suivront mille ans de calme –
c. A: Preljocaj
17-27. XI: Ballets C. de la B.:
Gardenia – c. A. Platel
Théâtre Chaillot (Salle Gémier)
19-22. X: Olivier Dubois, Maryon
Lévy: L’Homme de l’Atlantique
18-20. XI: Catherine Diverrès:
Encor
24-27. XI: Les Ballets C. de la
B.: primero/erscht – c. L. Estaras
Cité Internationale
18-20. XI: Cie Mette Ingvartsen:
Giant City
Théâtre des Champs-Élysées
19-22. XI: Grupo Corpo: Imã;
Parabelo – c. R. Pederneiras
Helsinki
Opera
29. X, 1, 3, 5, 9, 11, 13, 24. XI:
Blood Wedding – c. C. Marston;
Shéhérazade – c. K. Greve –
Finnish National Ballet
19, 21. XI: Le Lac des cygnes
– c. M. Petipa, L. Ivanov (K.
Greve) – Finnish National Ballet
FRANCE
Paris
Opéra – Palais Garnier
18, 19, 20, 22, 23, 25, 26, 27,
28. X, 1, 3, 4, 5, 6, 7. XI: Paquita
– c. P. Lacotte – Ballet de l’Opéra
de Paris
12-16. XI: Ballet de Hambourg:
Parceval – Épisodes et écho –
c. J. Neumeier
Opéra Bastille
29. XI, 2, 5, 10, 12, 13, 15, 16,
18, 21, 23, 24, 26, 27, 29, 31.
XII: Le Lac des cygnes – c. R.
Noureev – Ballet de l’Opéra de
Paris
Centre Pompidou
13-17. X: Cie Alain Buffard: Tout
va bien
27-29. X: Julie Noche: Nos
Solitudes
17-21. XI: Mathilde Monnier:
Soapéra
25-28. XI: Miguel Gutierrez, The
Powerful People: Last Meadow
Théâtre de la Bastille
17-25. XI: Caterina et Carlotta
Sagna: Nuda Vita
Théâtre du Châtelet
1. XI: Kirov Ballet: Le Petit Cheval
bossu – c. A. Ratmansky
Théâtre de la Ville
12-16. X: Anne Teresa De
Keersmaeker: 3Abschied – c.
J. Bel
26-31. X: CCN d’Orléans: CherryBrandy – c. J. Nadj
3-6. XI: Cunningham Dance
Company: Pond Way; Second
Hand; Antic Meet – c. M.
Cunningham
9-13. XI: Cunningham Dance
Company: Roaratorio – c. M.
Cunningham
26-28. XI: Boris Charmatz: Levée
des conflits
Théâtre de la Ville – Les
Abbesses
26-30. X: Cie Maguy Marin:
Salves
16-20. XI: Yasuko Yokoshi: Tyler
Tyler
Aix-en-Provence
Le Pavillon Noir
20-23. X: Ballet Preljocaj: Empty
Moves (Parts I & II) – c. A.
Preljocaj
5, 6. XI: Miguel Gutierrez, The
Powerful People: Last Meadow
15, 16. XI: Vladimir Golubev:
Non-Solo
Grand Théâtre de Provence
17, 18, 19, 20, 22, 23, 24. XI:
Ballet Preljocaj, Ballet du
Théâtre Bolchoï de Moscou:
Suivront mille ans de calme –
c. A. Preljocaj
Biarritz
Gare du Midi
19. X: Béjart Ballet Lausanne:
Aria – c. G. Roman; Ce que
l’amour me dit – c. M. Béjart
Bordeaux
Gran-Théâtre
11, 12. X: Les Ballets Trockadero
de Monte-Carlo
2-7. XI: Tetris – c. A Égéa; The
Sofa – c. I. Galili; Annonciation
– c. A. Preljocaj; Petite Mort –
c. J. Kylián – Ballet de l’Opéra
de Bordeaux
Bressuire
Theatre de Bressuire
20. XI: Cie Lilli Catharsis: Gare
au loup!
Cannes
Théâtre Croisette
19. XI: Cie Hervé Koubi: African
Rendez-Vous
Clermont Ferrand
Maison de la Culture
7
17. XI: Ballet de Marseille:
CRWDSPCR; Antic Meet;
Sounddance – c. M. Cunningham
Colmar
Théâtre Municipal
9. XI: Empty House – c. J. Inger;
Observation Action – c. E. Gat
– Ballet du Rhin
Colombes
MJC
25. X: Cie Lionel Hoche:
Entrelacs
Créteil
Maison des Arts
15-17. X: Michael Clark
Company
Dijon
Auditorium
21, 22. X: Sidi Larbi Cherkaoui:
Babel
30. XI: Cie Maguy Marin: MayBe
Échirolles
La Rampe
9. XI: Cie La Baraka: Un monde
en soi – c. A. Lagraa
16, 18, 19. XI: Cie Malka:
Murmures – c. B. Landrille
Tchouda
30. XI: Alonzo King Lines Ballet:
Refraction; Moroccan Project
Gap
La Passerelle
23. XI: Ballet de Marseille: La
Vérité 25X par seconde – c.
F. Flamand
La Rochelle
Centre Chorégraphique
National La Rochelle
22. XI: Ballet de Lorraine: Le
Duo d’Eden – c. M. Marin; Cie
Black Blanc Beur: Si je t’M –
c. C. Coudun
Les Éclats
27, 28. XI: Cie E7KA: Ivanuska
– c. E. Klimackova
Le Havre
Le Grand Volcan
12. XI: Saburo Teshigawara
Lille
Opéra
21. X: Christian Rizzo/
L’Association Fragile: L’Oubli,
toucher du bois
5, 6, 7. XI: Sidi Larbi Cherkaoui:
Babel
25, 26, 27. XI: Cie Rosas: En
atendant – c. A.T. De
Keersmaeker
af
he • car
he • car
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
Alonzo King’s Lines Ballet:
“Refraction”
(ph. Franck Thibault)
Lyon
Maison de la Danse
13-17. X: Groupe Grenade:
Oliver Twist – c. J. Baïz
4, 5. XI: Christian Rizzo/
L’Association Fragile: L’Oubli,
toucher du bois
6-14. XI: Ballet de l’Opéra
Tchaïkovsky de Perm: Le Lac
des cygnes – c. M. Petipa, L.
Ivanov
17-20. XI: Israel Galván: El final
de estado de cosas, redux
24-28. XI: Ballet du Grand
Théâtre de Genève: Roméo et
Juliette – c. J. Bouvier
Maison de la Danse (Studio
Jorge Donn)
18-20. XI: Aude Lachaise,
Vladimir Golubev: Marlon; NonSolo
Mulhouse
La Filature
30, 31. X: Observation Action
– c. E. Gat; Empty House – c.
J. Inger – Ballet du Rhin
18, 19, 20. XI, 11, 12. XII: Aurélie
Gandit: Visite dansée
30. XI, 1. XII: Ballet de Marseille:
La Vérité 25X par seconde – c.
F. Flamand
Rueil Malmaison
Théâtre André Malraux
23. X: Les Ballets Trockadero
de Monte-Carlo
Niort
Le Moulin du Roc
19. XI: Cie Éolienne: L’Iceberg
– c. F. Caillon
22. XI: “Moments de Pina
Bausch”; Cie Illico: Feu – c. T.
Lebrun
Lussac-les-Châteaux
MJC 2
26. XI: “Moments de Pina
Bausch”; Association Wood: Barocco – c. E. Sammarco
Marseille
Opéra de Marseille
28. X: Ballet d’Europe: Autrement
pareil – c.J-C. Gil
Metz
L’Arsenal
20. XI: Merce Cunningham
Dance Company: Nearly
Ninety – c. Merce Cunningham
Rognac
CAM
10. XI: Ballet de Marseille
Chorégraphique National de
Grenoble: L’Homme à tête de
chou – c. J.-C. Gallotta
Saint-Étienne
Opéra-Théâtre
17. XI: Ballet de Maseille: La
Cité radieuse – c. F. Flamand
Strasbourg
Opéra
17-21. XI: Observation Action
– c. E. Gat; Empty House – c.
J. Inger – Ballet du Rhin
Pôle Sud
23, 24. XI: Hiroaki Umeda:
Saint-Jean d’Angély
Salle Aliénor d’Aquitaine
24. XI: Cie Julie
Dossavi: Mi lè
Doun; Cie Toufik
Oi: Toy Toy
Nancy
Opéra de Nancy
22, 23, 24. X: Ballet de Lorraine:
“Chorégraphes maison”
Saint-Pierre
d’Oléron
L’Eldorado
25. XI: Association
K: Les Élégan(ces)
– c. K. Sebbar
Nice
Opéra
29-31. X: Marco Polo – c. L.
Cannito – Ballet de l’Opéra de
Nice
Saint-Quentinen-Yvelines
Théâtre de SaintQuentin-enYvelines
19-20. X: Compagnie Sylvain
Groud: Elles;
L’Oubli
17, 18. XI: Centre
Orly
Centre Culturel Aragon
28. X: Les Ballets Trockadero
de Monte-Carlo
Pantin
Studios du Centre National
de la Danse
27-29. X: Cie The Guest: Score
– c. Y. Pick
Jonathan
Ollivier,
Dominic North –
New Adventures:
“Swan Lake”, c.
Matthew Bourne
(ph. B. Cooper)
Poitiers
Centre de Beaulieu
29. XI: Lisa Nelson, S. Smith: Go!
8
2.Repulsion; Haptic
29. XI: Nathalie Pernette: Maison
Sens
Théâtre Municipal
19,
20.
XI:
Centre
Chorégraphique National de
Nantes: “10 duos” – c. C.
Brumachon
GREAT BRITAIN
Birmingham
Hippodrome
24, 25, 26, 27, 28, 30. XI:
Cinderella – c. D. Bintley –
Birmingham Royal Ballet
London
Covent Garden
20, 25. X: Onegin – c. J. Cranko
– The Royal Ballet
15, 16, 18, 22, 28, 30. X: La
Valse – c. F. Ashton; creation
– c. K. Brandstrup; Winter
Dreams – c. K. MacMillan;
Theme and Variations – c. G.
Balanchine – The Royal Ballet
3, 6, 9, 10, 12, 15, 19, 26. XI:
Sylvia – c. F. Ashton – The Royal
Ballet
Linbury Studio Theatre
22, 23. X: Ros Warby:
Monumental
Sadler’s Wells Theatre
15, 16. X: Concerto – c. K.
MacMillan; In the Upper Room
– c. T. Tharp; Slaughter on Tenth
Avenue – c. G. Balanchine –
19-21. X: Cie Rosas: The Song
– c. A.T. De Keersmaeker
27, 28, 30, 31. X: Tanztheater
Wuppertal: Iphigenie auf Tauris
– c. P. Bausch
2-3. XI: Emanuel Gat Dance:
Winter Variations
9-13. XI: Rambert Dance
Company: Awakenings – c. A.
Collins; Hush – c. C. Bruce;
Cardoon Club – c. H. Horn
17-20. XI: Random Dance: FAR
– c. W. McGregor
21. XI: Royal Academy of Dance
25, 26. XI: Jasmin Vardimon
Company: 7734
The Lilian Baylis Theatre
13-15. X: Jonathan Burrows,
Matteo Fargion: Cheap Lecture;
The Cow Piece
The Place
19, 20. X: Cie. Nacera Belaza:
Le Cri
25, 26. X: Jonathan Burrows,
Chrysa Parkinson: Dogheart
28, 29. X: Daniel Léveillé
Danse: Amour, Acide et Noix
Riverside Studios
20, 21. X: Cristina Caprioli: CutOuts; Trees
Barbican Theatre
15-17. X: Trisha Brown Dance
Company: Glacial Decoy; You
can see us; If you couldn’t see
me; Opal Loop/Cloud
Installation
26-30. X: Merce Cunningham
Dance Company: Nearly Ninety
Greenwich Dance at The
Borough Hall
27-29. X: Charles Linehan
Company: Inventions for Radio 1964; The Clearing
Tate Modern Gallery
16-19. X: Trisha Brown Dance
Company: Accumulation; Group
Primary Accumulation; Sticks;
Figure Eight; Spanish Dance
Milton Keynes
Theatre
2-6. XI: English National Ballet:
Romeo and Juliet – c. R. Nureyev
Roberto Bolle – Teatro alla Scala: “Onegin”, c. John Cranko
(ph. Brescia-Amisano)
Plymouth
Theatre Royal
19, 20. X: Concerto – c. K.
MacMillan; In the Upper Room
– c. T. Tharp; Slaughter on Tenth
Avenue – c. G. Balanchine –
21-23. X: Romeo and Juliet –
c. K. MacMillan – Birmingham
Royal Ballet
ITALIA
Bologna
Arena del Sole
2, 3. XI: Olivier Dubois: Pour
tout l’or du monde; Silvia
Gribaudi: Corpo Libero; Elena
Guerrini: Bella Tutta
Teatro delle Moline
6. XI: Mor Shani, Rom Amit: Lu
Carmella; Virginie Brunelle: Les
Cuisses à l’écart du coeur; Liat
Waysbort: Male Version
Southampton
Mayflower Theatre
20-23. X: English National Ballet:
Romeo and Juliet – c. R.
Nureyev
9
Teatro Comunale
16-20. XI: Aterballetto: Rossini
Card; Terra – c. M. Bigonzetti
Bolzano
Teatro Comunale
12. XI: Ballet du Grand Théâtre
de Genève: Cendrillon – c. M.
Kelemenis
24. XI: Akram Khan Company:
Vertical Road
Catanzaro
Teatro Politeama
af
he • car
he • car
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
26, 27. X: Balletto del Teatro
San Carlo: Giselle – c. M. Ek
Como
Teatro Sociale
17. X: Spellbound Dance
Company: Le quattro stagioni
– c. M. Astolfi
Ferrara
Teatro Comunale
15. X: Sasha Waltz and Guest:
Travelogue I Twenty to Eight
23. X: Cie Rosas: Rosas Dants
Rosas – c. A. T. De Keersmaeker
9. XI: Jérôme Bel: Lutz Förster
(omaggio a Pina Bausch)
13, 14. XI: Les Ballets C. de la
B.: Out of Context – c. A. Platel
Firenze
Teatro Goldoni
13-17. X: Era Eterna;
Poltronadamore; Bolero – c. C.
Monteverde – Maggiodanza
Grosseto
Teatro Moderno
26. XI: Aterballetto: Certe notti
– c. M. Bigonzetti
Mestre
Teatro Toniolo
30. X, 2, 5. XI: Momix: Remix,
The Best of Momix
Milano
Teatro alla Scala
15, 30. X, 3, 5, 13. XI: Onegin
– c. J. Cranko – Balletto del Teatro alla Scala
Teatro degli Arcimboldi
17-28. XI: New Adventures:
Swan Lake – c. M. Bourne
Teatro dell’Elfo
16, 17. XI: Alonzo King Lines
Ballet: Rasa; Refraction
Cullberg Ballet:
“Triptych –
a Study of
Entertainment”, c.
Alexander Ekman
(ph. U. Jörén)
rino: “Trilogia” – c. M. Levaggi
Limone Fonderie Teatrali –
Moncalieri
10. XI: Les Ballets C. de la B.:
Out of Context – c. Alain Platel
12, 13. XI: Les Ballets C. de la
B.: Gardenia – c. A. Platel
Trieste
Teatro Rossetti
26, 27. X: Martha Graham Dance
Company
12-14. XI: Bad Boys of Dance,
Rasta Thomas: Rock the Ballet
Ballet: from Dust and
Light; Shéhérazade;
Irregular Pearl
20, 21. XI: Alonzo
King Lines Ballet:
Wheel in the Middle
of the Field; Splash;
The Morrocan
Project
Venezia
Teatro Malibran
6. XI: gala
7. XI: Balletto Teatro di Torino:
“Trilogia” – c. M. Levaggi
14. XI: Co. Teresa Carreño:
Carmen
Modena
Teatro Comunale
10. XI: Aterballetto:
Incanto – c. M.
Bigonzetti
Roma
Teatro dell’Opera
15, 16, 17, 19, 20, 21. X: Sylvia
– c. F. Ashton – Balletto dell’Opera di Roma
Palladium
12-15. X: “DNA Danza Nazionale Autoriale”
6. XI: Jan Fabre: Preparatio
Mortis
Villa Medici
21, 23, 24. X: Radhouane El
Meddeb: Je danse et je vous
en donne à bouffer
Auditorium Conciliazione
22, 23. X: Gala “Eleonora
Abbagnato e i coreografi del XX
secolo”
16. XI: Emanuel Gat Dance:
Winter Variations
Napoli
Teatro San Carlo
28, 29. X: Scuola di Ballo del
Teatro San Carlo
31. X: Giselle – c. M. Ek – Balletto del Teatro San Carlo
13-17. XI: Il mio angelo – c. L.
Bouy; Without Words – c. Nacho
Duato – Balletto del Teatro San
Carlo
24-25. XI: Ballet Nacional de
Cuba: Les Sylphides – c. M.
Fokine; Elegía por un joven; La
Didone abbandonata – c. A.
Alonso
Reggio Emilia
Teatro Romolo Valli
29, 30. X: Aterballetto: Font Line
– c. H. Oguike; H+; Come un
respiro – c. M. Bigonzetti
Salerno
Teatro Verdi
21-23. X: Balletto del Teatro
San Carlo di Napoli: Giselle – c.
M. Ek
Sassuolo
Aliya
Tanykpayeva,
Vahe
Martirosyan –
Zurich Ballet:
“Nocturnes”,
c. Heinz Spoerli
(ph. P. Schnetz)
10
Piazzale della Rosa
19. IX: Aterballetto: Casanova
– c. E. Scigliano
Siena
Teatro dei Rinnovati
29. X: Martha Graham Dance
Company: Serenata Morisca;
Lamentation; Steps in the Street
(Chronicle); El Penitente;
Diversion of Angels – c. M.
Graham Lamentation Variations
– c. A. Barton, R. Move, L.
Keigwin
27. XI: Aterballetto: Certe notti
– c. M. Bigonzetti
Spoleto
Teatro Nuovo
Company: Errand into the Maze;
Embattled Garden; Steps into
the Street (Chronicle); Diversion
of Angels – c. M. Graham;
Lamentation Variations – c. A.
Barton, R. Move, L. Keigwin
Torino
Teatro Astra
19, 20. X: Balletto dell’Esperia:
“Opening”
Teatro Carignano
15. X: Jan Fabre: Another
Spleepy Delta Dusty Day
Teatro Cavallerizza Reale
29, 30. X: Sara Marasso: Soluzione parziale a problema transitorio
Lavanderia a Vapore – Collegno
Ballet: Dust and Light
26-28. XI: Balletto Teatro di To-
Verona
Teatro Filarmonico
5-7. XI: Balletto dell’Arena di
Verona: Cenerentola – c. M. G.
Garofoli
NEDERLAND
Amsterdam
Het Muziektheater
15, 17, 22, 23, 28, 30, 31. X, 1,
3, 4, 5. XI: Het Nationale Ballet:
creation – c. B. Millepied; creation
– c. H. Van Manen; Moving
Rooms – c. K. Pastor
Staadsschouwburg
15. XI: Nederlands Dans
Theater: Sleight of Hand – c.
P. Lightfoot, S. León; Solo – c.
H. Van Manen; creation – c.
A. Cerruto; creation – c. F. H.
Magadan
Arnhem
Schouwburg
Magadan
Den Haag
Lucent Danstheater
2 8 - 3 0 . X, 9 , 1 0 , 1 1 . X I :
Nederlands Dans Theater:
Sleight of Hand – c. P. Lightfoot,
S. León; Solo – c. H. Van Manen;
creation – c. A. Cerruto; creation
– c. F. H. Magadan
Eindhoven
Stadsschouwburg
Anna Nikulina,
Alexander
Volchkov –
Bolshoi Ballet:
“Romeo and
Juliet”,
c. Yuri
Grigorovich
(ph. D. Yusupov)
4. XI: Nederlands Dans Theater:
Sleight of Hand – c. P. Lightfoot,
S. León; Solo – c. H. Van Manen;
creation – c. A. Cerruto; creation
– c. F. H. Magadan
Rotterdam
Schouwburg
Magadan
20, 21, 23, 24, 26,
27.
XI:
Companhia
Nacional de
Bailado: La
Sylphide – c. A.
Bournonville
Utrecht
Stadsschouwburg
Magadan
RUSSIA
St. Petersburg
Mariinsky
Theatre
16. X, 21, 24. XI:
Le Lac des
cygnes – c. M.
Petipa, L. Ivanov
– Kirov Ballet
31. X, 3, 13. XI:
La Sylphide – c.
A. Bournonville –
Kirov Ballet
6, 18. XI: Don
Quichotte – c. A.
Gorsky – Kirov
Ballet
8, 10. XI: Romeo and Juliet –
c. L. Lavrovsky – Kirov Ballet
11. XI: Apollo; Tchaikovsky Pas
de Deux; Tarantella; Prodigal
Son – c. G. Balanchine – Kirov
Ballet
14. XI: Carmen suite – c. A.
Alonso; Chopiniana; Carnaval
– c. M. Fokine – Kirov Ballet
16. XI: Cinderella – c. A.
Ratmansky – Kirov Ballet
20, 26. XI: La Bayadère – c. M.
Petipa – Kirov Ballet
27, 28. XI: The Little
Humpedback Horse – c. A.
Ratmansky – Kirov Ballet
NORWEGIA
Oslo
Opera
16, 18. X: Four Seasons – c.
J. Strømgren – Norwegian
National Ballet
15, 17, 19, 20, 21, 22, 23, 24,
25, 27. X: Touch – c. J. Elo –
Norwegian National Ballet
29, 31. X, 3, 5, 7, 8, 10, 13, 17,
18. XI: Voluntaries – c. G. Tetley;
Enemy in the Figure – c. W.
Forsythe; Bella Figura – c. J.
Kylián – Norwegian National
Ballet
POLAND
Warsaw
Teatr Wielki
22. X, 6, 7. XI: Chopin, the
Romantic Artist – c. P. Bart –
Polish National Ballet
28, 29, 30, 31. X: Kurt Weill –
c. K. Pastor – Polish National
Ballet
27, 28. XI: Cinderella – c. F.
Ashton – Polish National Ballet
PORTUGAL
Moscow
Bolshoi (New Stage)
5, 6, 7. XI: Romeo and Juliet –
c. Y. Grigorovitch – Bolshoi Ballet
11, 12, 13. XI: Spartacus – c. Y.
Grigorovich – Bolshoi Ballet
State Kremlin Palace
13-16. X: La Fille du Pharaon –
c. P. Lacotte – Bolshoi Ballet
22-24. X: La Belle au bois dormant
– c. M. Petipa – Bolshoi Ballet
Lisboa
Teatro Camões
27-30. X: Les Noces – c. B.
Nijinska; Le Sacre du printemps
– c. C. Soto; Faun – c. V.
Wellenkamp – Companhia
Nacional de Bailado
Teatro Nacional de São Carlo
11
SUISSE
Lugano
Palazzo dei congressi
Company
Zürich
Opernhaus
22. X, 4. XI: Nocturnes; Der
Tod und das Mädchen – c. H.
Spoerli; Solo – c. H. Van Manen
– Zürcher Ballett
30, 31. X, 7, 18, 28. XI: Falling
Angels – c. J. Kylián; Il giornale della necropoli – c. T.
Hauert; Le Sacre du printemps
– c. H. Spoerli – Zürcher Ballett
SWEDEN
Stockholm
Dansens Hus
20, 21, 22, 23, 26, 27. X:
Triptych – a Study of
Entertainment – c. A. Ekman
– Cullberg Ballet
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
NEWS • ECHOS •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS
ECHOS • ECHOS
FRANÇAIS
ITALIANO
E N G L I S H
Après le programme Roland Petit (Le Rendezvous, Le Loup et Le Jeune Homme et la Mort),
le Ballet de l’Opéra de Paris est sur la scène
du Palais Garnier jusqu’au mois de novembre
avec Paquita de Pierre Lacotte. Il s’agit de la
re-création “en style” du ballet de 1846 de
Joseph Mazilier sur la musique d’Édouard
Marie Deldevez (repris et re-élaboré ensuite
par Marius Petipa en Russie avec des ajouts
musicaux de Ludwig Minkus). Lacotte, qui
s’est créé, à juste titre, une réputation de chorégraphe “en ressuscitant” des ballets perdus
du XIXème siècle, créa sa Paquita en 2001
pour la compagnie parisienne, s’appuyant
aussi sur les témoignages des danseuses
Lubov Egorova et Carlotta Zambelli (qui interprétèrent le rôle principal au début du
XXème siècle en Russie). Luisa Spinatelli a
signé les décors et les costumes, s’inspirant
des maquettes de 1846. Dans le rôle-titre alternent Émilie Cozette, Dorothée Gilbert, Marie-Agnès Gillot, Myriam Ould-Braham et
Ludmila Pagliero; et dans le rôle masculin
principal: Stéphane Bullion, Mathieu Ganio,
Mathias Heymann, Karl Paquette et Josua
Hoffalt. En novembre, l’Opéra accueille le
Ballet de Hambourg dirigé par le chorégraphe américain John Neumeier. “Habitué” de
l’Opéra (la troupe parisienne a sept de ses
ballets au répertoire), il revient dans ce théâtre pour la troisième fois avec sa compagnie,
son instrument principal de création. Au programme Parzival – Episoden und Echo
(“Perceval – épisodes et écho”). S’inspirant
des récits de Chrétien de Troyes et de Wolfram von Eschenbach, Neumeier a mis en
scène en 2006 le voyage de Perceval, sur un
collage de musiques de Richard Wagner, John
Adams et Arvo Pärt. Fin novembre (jusqu’au
5 janvier), la compagnie parisienne reviendra sur la scène de l’Opéra Bastille dans une
longue série de représentations du Lac des
cygnes dans la version habituelle de Rudolf
Noureev (1984). Parallèlement, en décembre,
on donnera à l’Opéra Garnier un triptyque
composé d’Apollo de George Balanchine, Le
Sacre du printemps de Pina Bausch et le trio
O zlozony/O composite, créé en 2004 par
Trisha Brown pour les danseurs de cette troupe.
www.operadeparis.com
Dopo il programma Roland Petit che già abbiamo annunciato (Le Loup, Le Rendez-vous
e Le Jeune-homme et la Mort) in settembre e
ottobre, fino al 7 novembre il Balletto
dell’Opéra di Parigi è in scena al Palais
Garnier con Paquita di Pierre Lacotte. Si tratta della ri-creazione “in stile” del balletto del
1846 di Joseph Mazilier sulla musica di
Édouard Marie Deldevez (poi anche ripreso e
rielaborato da Marius Petipa in Russia con
aggiunte di Ludwig Minkus alla musica).
Lacotte, che si è creato una sua fama come
“ricostruttore” di balletti perduti dell’Ottocento, creò questa sua Paquita nel 2001 per la
compagnia parigina, avvalendosi anche delle
testimonianze che aveva raccolto dalle ballerine Lubov Egorova e Carlotta Zambelli (che
danzarono il ruolo protagonistico nei primi
anni del Novecento in Russia). Scene e costumi sono firmati da Luisa Spinatelli, che li ha
riprodotti sulla base dei bozzetti ottocenteschi.
Si alternano nel ruolo protagonistico: Émilie
Cozette, Dorothée Gilbert, Marie-Agnès
Gillot, Myriam Ould-Braham e Ludmila
Pagliero; e nel ruolo maschile principale:
Stéphane Bullion, Mathieu Ganio, Mathias
Heymann, Karl Paquette, Josua Hoffalt. In
novembre, invece, l’Opéra invita il Balletto
di Amburgo diretto dal coreografo americano
John Neumeier. Coreografo “di casa”
all’Opéra (la compagnia parigina ha in repertorio sette sui balletti) ma che qui torna per la
terza volta con la compagnia che è il suo principale strumento di creazione. In programma
Parzival – Episoden und Echo (“Parsifal –
episodi ed eco”). Traendo ispirazione dai racconti di Chrétien de Troyes e di Wolfram von
The Paris Opéra Ballet is performing Pierre
Lacotte’s Paquita at the Palais Garnier until 7
November. The production is a recreation, in
period style, of Joseph Mazilier’s 1846 ballet
to music by Édouard Marie Deldevez. The ballet had subsequently been revived and readapted in Russia by Marius Petipa, with additional music by Ludwig Minkus. Lacotte’s claim
to choreographic fame lies in his resuscitations
of lost 19th century ballets; in order to produce
his version of Paquita for the Parisian company
in 2001, he gathered first-hand accounts of the
Petipa ballet from ballerinas Lubov Egorova and
Carlotta Zambelli who had interpreted the title
role in Russia in the early 1900’s. Scenery and
costuming is by Luisa Spinatelli who reproduced them on the basis of the original 19th century sketches. The following dancers are alternating in the various casts: (as Paquita) Émilie
Cozette, Dorothée Gilbert, Marie-Agnès Gillot,
Myriam Ould-Braham and Ludmila Pagliero;
(as Lucien) Stéphane Bullion, Mathieu Ganio,
Mathias Heymann, Karl Paquette and Josua
Hoffalt. In November the Opéra is hosting the
Hamburg Ballet, directed by American choreographer John Neumeier, for the third time.
Neumeier is quite at home at the Opéra, with
seven of his ballets in the troupe’s repertoire.
On this occasion, the Hamburg Ballet will offer Parzival – Episoden und Echo (“Parsifal –
Episodes and Echo”). Based on the writings of
Chrétien de Troyes and Wolfram von
Eschenbach, this 2006 ballets tells of Parsifal’s
journey and is set to a string of music by Richard Wagner, John Adams and Arvo Pärt. The
Parisian troupe will take to the stage again at
the end of November, offering a long series of
performances (until 5 January) of Rudolf
Nureyev’s familiar version of
Swan Lake at Opéra Bastille
and (concurrently at Opéra
Garnier, during the month of
December) a triple bill consisting
of
George
Balanchine’s Apollo, Pina
Bausch’s The Rite of Spring
and O zlozony/O composite,
a work which Trisha Brown
made for the Paris Opéra Ballet in 2004. www.operade
paris.com
Les rendez-vous avec le Festival d’Automne
à Paris se poursuivent au Centre Pompidou
fin octobre avec Julie Noche, interprète et chorégraphe d’un solo où elle plane sur scène suspendue par un système de cordes (titre: Nos
Solitudes). En novembre, après le rendez-vous
le plus important avec la Merce Cunningham
Dance Company au Théâtre de la Ville (voir
écho sur la compagnie), ce sera au tour (également au Centre Pompidou) de la chorégraphe Mathilde Monnier, avec Soapéra, une
pièce en collaboration avec le plasticien Dominique Figarella. Ensuite, le festival invite
Performances in the context
of the Festival d’Automne
(Paris) continue at the Centre Pompidou until the end of
Isabelle Ciaravola, Nicolas
Le Riche –
Ballet de l’Opéra de Paris:
“Le Rendez-vous”,
c. Roland Petit
(ph. H. Soumireu-Lartigue)
13
ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
au Théâtre de la Bastille les sœurs italiennes
Carlotta et Caterina Sagna avec Nuda vita
(pièce conçue ensemble, bien que les deux
artistes travaillent aussi séparément). On signale aussi deux autres spectacles: au Théâtre
de la Bastille, la chorégraphe danoise Mette
Ingvartsen (issue de l’école de Bruxelles
d’Anne Teresa De Keersmaeker) avec Giant
City, une pièce qui allie la danse et les nouvelles technologies multimédia pour une réflexion
sur le corps virtuel, et au Théâtre de la Ville,
Boris Charmatz, avec Levée des conflits.
ww.festival-automne.com
Après les débuts à la Biennale de la Danse de
Lyon, Maguy Marin arrive fin octobre au
Théâtre des Abbesses de Paris (la deuxième
salle du Théâtre de la Ville) avec sa dernière
création: Salves, une pièce inspirée de la pensée du philosophe allemand Walter Benjamin
(compte-rendu dans le prochain numéro). Fin
novembre, on présentera une pièce de la danseuse et chorégraphe japonaise Yasuko
Yokoshi, qui allie la tradition nipponne du Kabuki à la technique de la danse américaine
“post-modern” (en effet, Yokoshi habite New
York depuis les années 1980). www.theatre
delaville-paris.com
Le Théâtre du Châtelet de Paris invite début novembre la compagnie de ballet, les chanteurs et l’orchestre du Théâtre Mariinsky de
Saint-Pétersbourg pour un hommage au compositeur russe Rodion Chédrine (78 ans). Pour
le ballet, on affiche Le Petit Cheval bossu que
le chorégraphe russe Alexeï Ratmansky a “recréé” en 2009 sur la musique de Chédrine (une
partition composée pour le ballet du même titre d’Alexander Radounsky, créé au Théâtre
Bolchoï de Moscou en 1960; Vladimir
Vassiliev et Maïa Plissetskaïa – épouse du
compositeur – y triomphèrent, faisant de ce
ballet un grand succès de l’époque). L’orchestre sera dirigé par Valery Guergueev (directeur du Théâtre Mariinsky). www.chatelettheatre.com www.mariinsky.ru
Eschenbach, Neumeier ha messo in scena nel
2006 il viaggio di Parsifal, su un collage di
musiche di Richard Wagner, John Adams e
Arvo Pärt. La compagnia dell’Opéra tornerà
poi alla fine di novembre all’Opéra Bastille
con una lunga serie di rappresentazioni (fino
al 5 gennaio) del Lago dei cigni nella consueta versione di Rudolf Nureyev, mentre parallelamente in dicembre all’Opéra Garnier sarà
dato un trittico composto da Apollo di George
Balanchine, Le Sacre du printemps di Pina
Bausch e O zlozony/O composite, creato nel
2004 da Trisha Brown per la troupe francese.
www.operadeparis.com
Gli appuntamenti con il Festival d’Automne
a Parigi proseguono al Centre Pompidou alla
fine di ottobre con Julie Noche, interprete e
coreografa di un assolo in cui plana sulla scena sospesa da un sistema di corde (titolo: Nos
Solitudes). In novembre, dopo l’appuntamento più importante della rassegna con la Merce
Cunningham Dance Company al Théâtre de
la Ville (vedi breve sulla compagnia), sarà la
volta (sempre al Centre Pompidou) della coreografa francese Mathilde Monnier, con
Soapéra, un lavoro in collaborazione con l’artista visivo Dominique Figarella. In seguito il
festival invita al Théâtre de la Bastille le sorelle italiane Carlotta e Caterina Sagna con
Nuda vita, un lavoro a quattro mani (benché
le due artiste lavorino anche separatamente).
Seguiranno, tra l’altro, al Théâtre de la Bastille,
la coreografa danese Mette Ingvartsen (uscita
dalla scuola di Bruxelles di Anne Teresa De
Keersmaeker) con Giant City, un lavoro che
unisce la danza alle nuove tecnologie
multimediali per una riflessione sul corpo virtuale, e, al Théâtre de la Ville, Boris Charmatz,
altro nome noto della coreografia contemporanea francese, con Levée des conflits.
ww.festival-automne.com
Dopo il debutto alla Biennale della Danza di
Lione, Maguy Marin approda alla fine di ottobre al Théâtre des Abbesses di Parigi (in
Cie Mathilde Monnier: “Soapéra” (ph. M. Coudrais)
associazione con il Théâtre de la Ville) con la
sua ultima creazione: Salves, un lavoro ispirato al pensiero del filosofo e scrittore tedesco
Walter Benjamin (che recensiremo sul prossimo numero). In novembre sarà presentato un
lavoro della danzatrice e coreografa giapponese Yasuko Yokoshi, che unisce la tradizione
nipponica del Kabuki alla tecnica della danza
americana post-moderna (la Yokoshi vive infatti a New York dagli anni Ottanta).
www.theatredelaville-paris.com
Il Théâtre du Châtelet di Parigi invita in
novembre la compagnia di balletto e l’orchestra del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo
per un omaggio al compositore russo Rodion
Shchedrin (78 anni). Per il balletto, sarà dato
Il Cavallino Gobbo che il coreografo russo
Alexei Ratmansky ha “ri-creato” nel 2009 sulla
musica di Shchedrin (una partitura composta
per il balletto omonimo di Alexander
Radunsky, creato al Teatro Bolshoi di Mosca
nel 1960, in cui trionfarono Vladimir Vassiliev
e Maya Plissetskaya – moglie del compositore – facendone un grande successo del balletto sovietico). L’orchestra sarà diretta da Valery
Gherghiev (direttore artistico del Teatro
Mariinsky). www.chatelet-theatre.com
www.mariinsky.ru
Alice Renavand, Jérémie Bélingard –
Ballet de l’Opéra de Paris: “Le Jeune
Homme et la Mort”, c. Roland Petit
(ph. H. Soumireu-Lartigue)
October with dancer/choreographer Julie
Noche in a solo, Nos Solitudes (“Our
Solitudes”) in which she flies suspended over
the stage by ropes. The festival’s most important offering is November: the Merce
Cunningham Dance Company at the Théâtre
de la Ville (see below). This will be followed
by French choreogapher Mathilde Monnier’s
Soapéra at the Centre Pompidou (a work made
in collaboration with visual artist Dominique
Figarella). Next, Italian sisters Carlotta and
Caterina Sagna (who also work separately but
this time have produced a joint work) will
present Nuda vita at the Théâtre de la Bastille.
Danish choreographer Mette Ingvartsen (who
studied with Anne Teresa De Keersmaeker in
Brussels) will present Giant City, a study on
the “virtual body” using dance and new multimedia technology, at the Théâtre de la Bastille,
while Boris Charmatz, another prominent
French contemporary choreographer, will offer Levée des conflits at the Théâtre de la Ville.
www.festival-automne.com
Salves, Maguy Marin’s latest work on the philosophy of German writer Walter Benjamin,
had its première at the Lyon Dance Biennial
and is scheduled to open at the end of October
at the Théâtre des Abbesses, Paris. The theatre will then host Japanese dancer/choreogra-
14
En novembre, le Théâtre de Chaillot de Paris accueille les Ballets C. de la B. (les Ballets
Contemporains de la Belgique) avec deux pièces de danse-théâtre. Tout d’abord, la dernière
création d’Alain Platel: une pièce de “genre”
sur la transsexualité, le travestissement et les
thématiques identitaires. L’actrice belge
Vanessa van Durme (qui a changé de sexe dans
les années 1970 à Casablanca) et d’autres acteurs-travestis, avec qui elle a travaillé dans le
passé, en sont les interprètes (voir compterendu dans ces pages). Ensuite la compagnie
belge propose la seconde pièce (actuellement
en tournée): primero erscht de l’Espagnole Lisi
Estaras (39 ans). Il s’agit d’un voyage dans la
mémoire, à la recherche des “premières fois”
de la vie. En novembre, le théâtre parisien accueillera aussi la chorégraphe Catherine
Diverrès, avec Encor (sic), une pièce (créée à
la récente Biennale de la Danse de Lyon) pour
cinq danseurs sur la répétition, la mémoire,
l’”encore” justement. www.theatre-chaillot.fr
Didier Deschamps a été nommé directeur du
Théâtre de Chaillot de Paris, devenu pôle
parisien de la danse contemporaine française
et internationale (avec le Théâtre de la Ville)
dès 2007, c’est-à-dire depuis que Dominique
Hervieu et José Montalvo en ont pris la direction. Dominique Hervieu, comme on l’a déjà
annoncé, passe à la direction de la Maison de
la Danse et de la Biennale de la Danse de Lyon
à partir de juillet 2011, et sera ainsi remplacée
par Deschamps, 55 ans, aujourd’hui directeur
du Ballet de Lorraine à Nancy.
In novembre il Théâtre de Chaillot di Parigi
ospita i Ballets C. de la B. (Ballets
Contemporains de la Belgique) con due lavori di teatro-danza. Anzitutto l’ultima creazione di Alain Platel: un lavoro di “gender” sulla
transessualità, il travestitismo e le tematiche
identitarie, con l’attrice belga Vanessa van
Durme (che ha cambiato sesso negli anni Settanta a Casablanca) e altri attori-travestiti, oggi
in età, con cui ha lavorato in passato (vedi recensione su questo numero). Poi la compagnia
belga propone il secondo lavoro con cui è in
tournée in questi mesi: primero erscht della
spagnola Lisi Estaras (39 anni), della quale i
Ballets C. de la B. avevano già presentato
Patchagonia. Si tratta di un viaggio nella memoria alla ricerca delle tante “prime volte”
della vita. In novembre il teatro parigino accoglie anche la coreografa francese Catherine
Diverrès, con Encor (sic), un lavoro per cinque danzatori sulla ripetizione, la memoria,
l’“ancóra” appunto. www.theatre-chaillot.fr
pher Yasuko Yokoshi in a work that combines
Japan’s Kabuki tradition with American postmodern dance technique. (Yokoshi has been
living in New York since the 1980’s).
www.theatredelaville-paris.com
In November the Théâtre du Châtelet, Paris
has invited the Ballet Company and Orchestra of the Mariinsky Theatre of St.
Petersburg to pay tribute to Russian composer
Rodion Shchedrin, now 78 years old. For the
occasion, The Little Humpbacked Horse, a
ballet by Russian choreographer Alexei
Ratmansky to Shchedrin’s homonymous score,
will be offered to the Parisian public. The
Ratmansky version (2009) is a recreation of
the original ballet produced by Alexander
Radunsky at the Bolshoi Theatre, Moscow in
1960, in which Vladimir Vasiliev and Maya
Plissetskaya – Shchedrin’s wife – had created
the title roles and given triumphant performances, making The Little Humpbacked Horse
one of the big hits of the Soviet Ballet. In Paris,
the Orchestra of the Mariinsky Theatre will
be conducted by its artistic director, Valery
Gherghiev. www.chatelet-theatre.com
www.mariinsky.ru
In November Les Ballets C. de la B. (Ballets
Contemporains de la Belgique) will also perform at the Théâtre de Chaillot, Paris. To
begin with, Alain Platel’s latest work, a “gender” piece on the theme of transexuality, transvestitism and identity, with Belgian actress
Vanessa van Durme (who underwent a sexchange in Casablanca in the 1970’s) and other
‘mature’ transvestite actors with whom she has
worked in the past. The second piece which
Les Ballets C. de la B. is presenting is the
dance-theatre work they have been touring
over the past few months: Primero erscht by
39-year-old Spanish choreographer Lisi
Estaras whose previous work, Patchagonia.
has also been performed by the Belgian company. Primero erscht is a journey through
memory in search of the various “firsts” of
life. Also in November, the Théâtre de Chaillot
will host French choreographer Catherine
Diverrès in Encor (sic), a work for five dancers on the theme of repetition and memory.
www.theatre-chaillot.fr
Didier Deschamps è stato nominato direttore
del Théâtre de Chaillot di Parigi, polo parigino della danza contemporanea francese e
internazionale (con il Théâtre de la Ville) dal
2007, cioè da quanto ne ha assunto la direzione Dominique Hervieu. Questa, come già annunciato, passa alla direzione della Maison de
la Danse e della Biennale della Danza di Lione, e sarà così sostituita dal luglio prossimo
da Deschamps, 55 anni, oggi direttore del
Ballet de Lorraine a Nancy.
The Théâtre de Chaillot, along with the Théâtre
de la Ville, has been the Parisian hub for French
and international contemporary dance ever since
Dominique Hervieu took over at its helm in 2007.
As has already been announced, Hervieu is going on to become the artistic director of La
Maison de la Danse and the Dance Biennial in
Lyon (France) while 55-year-old Didier
Deschamps (currently at the helm of the Ballet
de Lorraine in the French city of Nancy) will
take over from her as artistic director of the
Théâtre de Chaillot in July 2011.
Come già annunciato comincia alla fine di ottobre alla Filature di Mulhouse la stagione del
As has previously been announced, the season of the Ballet du Rhin, directed by Bertand
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Moves (Part I and II) de son directeur-chorégraphe Angelin Preljocaj. Il s’agit d’une pièce
(réalisée en plusieurs étapes) pour quatre danseurs sur l’enregistrement d’Empty Words de
John Cage des années 1970, où la voix même
du musicien “décompose” le texte des journaux intimes de l’écrivain américain du
XIXème siècle Henry David Thoreau. En novembre, le Ballet Preljocaj sera au Grand Théâtre de Provence avec des danseurs du Théâtre
Bolchoï de Moscou, pour reprendre Suivront
mille ans de calme, la dernière création de
Preljocaj (dont on parle dans ces pages).
www.preljocaj.com
Perm Opera Ballet:
“Le Lac des cygnes”
(ph. A. Zavyalov)
Comme on l’a déjà annoncé,
la saison du Ballet du Rhin,
dirigé par Bertand d’At, commence en octobre à la Filature
de Mulhouse avec un programme comprenant Observation action, une création
d’Emanuel Gat (chorégraphe
israélien qui a créé également
pour le Ballet de l’Opéra de
Paris) et Empty House du chorégraphe suédois Johan Inger.
En novembre, le programme
sera donné au Théâtre Municipal de Colmar et à l’Opéra
de Strasbourg. www.opera
nationaldurhin.eu
En novembre, l’Israélien Itzig
Galili, Angelin Preljocaj, Jirí
Kylián et le chorégraphe hip
hop Anthony Egéa ouvrent la saison du Ballet
de l’Opéra de Bordeaux, dirigé par Charles
Jude, avec un programme de la série “Tendances”. À l’affiche deux pièces désormais bien
connues: Petite Mort de Jirí Kylián, créé en
1991 sur la musique de Wolfgang Amadeus
Mozart et Annonciation de Preljocaj, inspiré
de l’iconographie religieuse, sur le Magnificat d’Antonio Vivaldi (ce duo est normalement
dansé par deux femmes, mais dans la «version» de l’Opéra de Bordeaux le rôle de l’archange est interprété par un homme). Galili
présente The Sofa, un extrait tiré de son
Through Nana’s Eyes et Egéa crée Tétris.
www.opera-bordeaux.com
La Biennale de la Danse de Lyon terminée
(voir comptes-rendus dans ce numéro et dans
le prochain), l’activité de danse de la ville continue en novembre à la Maison de la Danse.
Le chorégraphe “conceptuel” et plasticien
Christian Rizzo présente L’oubli, toucher du
bois, pour sept interprètes dans un décor de
bois. Mais à la Maison de la Danse arrive aussi
le ballet classique, avec la compagnie de
l’Opéra Tchaïkovsky de Perm (Russie), dans
le cadre de l’année France-Russie: au programme Le Lac des cygnes dans la version de
Natalia Makarova. Il y aura aussi Israel
Galván, le danseur sévillan connu pour la
manière avec laquelle il démonte les codes du
flamenco traditionnel: ici il présente El final
de este estado de cosas, redux (dont nous avons
rendu compte dans le numéro 211). Ensuite,
ce sera au tour du Ballet du Grand Théâtre de
Genève avec Roméo et Juliette de la chorégraphe Joëlle Bouvier. www.maisondela
danse.com
Le Ballet Preljocaj revient sur scène au Pavillon Noir d’Aix-en-Provence avec Empty
“Les Synodales”, le festival de danse de Sens
qui se déroule entre octobre et novembre, célèbre cette année ses vingt ans. Pour l’occasion le Centre Chorégraphique de Nantes, dirigé par Claude Brumachon, dansera en deux
soirées un total de vingt duos, un pour chaque
année à célébrer.
Ballet du Rhin, diretto da Bertand d’At, con
un programma che comprende Observation
action, una creazione di Emanuel Gat (coreografo israeliano noto in Francia anche per aver
creato per il Balletto dell’Opéra di Parigi) e
Empty House del coreografo svedese Johan
Inger. Il programma sarà poi replicato in novembre al Théâtre Municipal de Colmar e all’Opera di Strasburgo. www.operanational
durhin.eu
In novembre, l’israeliano Itzig Galili, Angelin
Preljocaj, Jirí Kylián e il coreografo hip hop
Anthony Egéa aprono la stagione del Balletto
dell’Opera di Bordeaux, diretto da Charles
Jude, con un terzo programma della serie
“Tendances”. In cartellone due pezzi ormai
celebri: Preljocaj riprende il duo Annonciation
(in origine per due donne ma qui trasposto per
una coppia mista), ispirato all’iconografia religiosa, sul Magnificat di Antonio Vivaldi,
mentre di Kylián sarà riproposto Petite Mort,
creato nel 1991 su musica di Wolfgang
Amadeus Mozart. Galili presenta The Sofa, un
brano tratto dal suo Through Nana’s Eyes,
mentre Egéa crea Tétris. www.operabordeaux.com
Conclusasi la Biennale della Danza di Lione
(recensioni degli spettacoli su questo e sul
prossimo numero di BallettoOggi), l’attività
di danza della città francese continua in novembre alla Maison de la Danse. Il coreografo “concettuale” e artista visivo Christian Rizzo presenza L’oubli, toucher du bois, per sette
interpreti sullo sfondo di una scatola scenica
di legno. Ma alla Maison de la Danse arriva
anche il balletto, con la compagnia dell’Opera Ciaikovsky di Perm (Russia), nell’ambito
dell’anno Russia-Francia: in programma Il
lago dei cigni nella versione di Natalia
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d’At, begins at the Filature Centre, Mulhouse
(France) at the end of October. The opening
programme comprises Observation action, a
creation by Emanuel Gat (an Israeli choreographer who is well-known in France for having produced for the Paris Opéra Ballet) and
Empty House by Swedish choreographer Johan
Inger. The programme will be reprised at the
Théâtre Municipal, Colmar and the Strasbourg
Opera House (both cities being in France).
www.operanationaldurhin.eu
Israeli choreographer Itzig Galili, Angelin
Preljocaj, Jirí Kylián and hip hop choreographer Anthony Egéa will together open the season of the Ballet de l’Opéra de Bordeaux
(France) directed by Charles Jude in November, offering a third programme in the
“Tendances” series. The mixed bill includes
two well-known works – a revival of
Preljocaj’s duet Annonciation, inspired by religious paintings and to the notes of Antonio
Vivaldi’s Magnificat, and of Kylián’s Petite
Mort, made in 1991 to music by Wolfgang
Amadeus Mozart. Galili is presenting The
Sofa, an excerpt from his work Through Nana’s
Eyes, while Egéa will offer a creation, Tétris.
www.opera-bordeaux.com
The Lyon Dance Biennial is now over but
dance performances continue in the French
city’s Maison de la Danse. Conceptual choreographer/visual artist Christian Rizzo is presenting L’oubli, toucher du bois for seven
dancers with the stage enclosed in a giant
wooden box. There will also be classical ballet at the Maison de la Danse with the Perm
Tchaikovsky Ballet, invited in the context of
the Russia-France Year, performing Natalia
Makarova’s version of Swan Lake. The Maison
de la Danse’s programme also includes Israel
En novembre, le Ballet de La Scala de Milan continue de représenter Onéguine, créé par
John Cranko en 1965 à Stuttgart pour Márcia
Haydée, sur un collage de musiques de Piotr
I. Tchaïkovsky. Ici, dans le rôle de Tatiana, on
verra Maria Eichwald du Ballet de Stuttgart;
dans le rôle-titre, alterneront les deux danseursétoiles de la maison: Roberto Bolle et Massimo
Murru (tous les deux interprètent ce rôle pour
la première fois). Le rendez-vous suivant aura
lieu avec Le Lac des cygnes dans la version de
Rudolf Noureev (après l’inauguration de la
saison d’opéra, le 7 décembre). Alina Somova
(jeune étoile du Théâtre Mariinsky de SaintPétersbourg) remplacera Svetlana Zakharova,
en maternité. Certaines soirées, l’orchestre sera
dirigé par Daniel Barenboim, directeur musical de ce grand théâtre d’opéra.
www.teatroallascala.org
Après les tournées à Turin et à Shanghai, le
Ballet Royal des Flandres, dirigé par la
“forsythienne” Kathryn Bennetts, rentre chez
lui à Anvers pour reprendre l’un des ballets de
William Forsythe qu’il a au répertoire: Artifact,
pièce en quatre parties de 1984 dans laquelle
le chorégraphe américain révèle les mécanismes et les artifices de la scène par sa poétique
de la “déconstruction”. Le spectacle sera présenté aussi à Bruxelles au mois d’avril. En
décembre, il y aura la reprise du Lac des cygnes dans la version chorégraphique de Márcia
Haydée, remontée en 2009 pour cette compagnie. En février, ce sera au tour d’un programme composé de pièces de Forsythe et de
David Dawson et de deux créations respectivement de l’Australien Garry Stewart et du
Canadien Matjash Mrozewski. Au mois de
juin, la saison se terminera sur Onéguine de
John Cranko. www.koninklijkballet
vanvlaanderen.be
Après les créations de Hans van Manen et de
Benjamin Millepied (présentées en octobre
Makarova. Tra gli altri anche Israel Galván, il
danzatore sivigliano noto per il modo in cui
destruttura i codici del flamenco tradizionale:
qui presenta El final de este estado de cosas,
redux (che abbia recensito sul numero 211).
Poi sarà la volta del Ballet du Grand Théâtre
de Genève con il Romeo e Giulietta della coreografa svizzera Joëlle Bouvier, uno dei nomi
della “nouvelle danse” francese storica.
www.maisondeladanse.com
Alla fine di ottobre, il Ballet Preljocaj torna
in scena al Pavillon Noir d’Aix-en-Provence
(nel sud della Francia) con Empty Moves (Part
I and II) di Angelin Preljocaj. Si tratta di un
pezzo (realizzato in più tappe) per quattro
danzatori sulla registrazione delle Empty
Words di John Cage degli anni Settanta, in cui
la voce del musicista stesso “scompone” il testo dei diari dello scrittore americano dell’Ottocento Henry David Thoreau. In novembre il
Ballet Preljocaj ritornerà nella sua città, al
Grand Théâtre de Provence, insieme ai
danzatori del Teatro Bolshoi di Mosca, dove
riprenderà Suivront mille ans de calme, l’ultima creazione di Preljocaj di cui riferiamo più
oltre. www.preljocaj.com
Galván, the dancer from Seville who is noted
for destructuring traditional flamenco, in El
final de este estado de cosas, redux (see review in issue No. 211). This performance will
be followed by the Ballet du Grand Théâtre
de Genève in Romeo and Juliet by Swiss choreographer Joëlle Bouvier, one of the most
prominent exponents of France’s “nouvelle
danse”. www.maisondeladanse.com
Ballet Preljocaj will perform Angelin
Preljocaj’s Empty Moves (Part I and II) at the
Pavillon Noir, Aix-en-Provence (South of
France). This work for four dancers, created
in instalments, was made to John Cage’s musical composition from the 1970’s, Empty
Words, in which the voice of the composer can
be heard as it breaks down a long text derived
from the journals of 19th century American
writer Henry David Thoreau. In November,
Ballet Preljocaj will dance again in its homecity, at the Grand Théâtre de Provence, together with dancers from the Bolshoi Theatre,
Moscow offering Preljocaj’s latest creation
Suivront mille ans de calme (see below).
www.preljocaj.com
Si tiene tra ottobre e novembre “Les
Synodales”, la rassegna di danza di Sens (in
Francia) che compie vent’anni. Per l’occasione il Centre Chorégraphique di Nantes, diretto da Claude Brumachon, danzerà in due serate un totale di 20 duetti, uno per ogni anno
da festeggiare.
A dance festival called “Les Synodales”, now
into its 20th year, will be held between October and November in the French town of Sens.
For the occasion, the Centre Chorégraphique
de Nantes (France), directed by Claude
Brumachon, will offer a total of 20 duets (one
for each year of existence of “Les Synodales”)
in two evenings.
Continuano sino a novembre con il Balletto
del Teatro alla Scala le rappresentazioni di
Oneghin, creato da John Cranko nel 1965 a
Stoccarda per Márcia Haydée, su un collage
di musiche di Piotr I. Ciaikovsky. Qui, nel ruolo protagonistico danzerà Maria Eichwald del
Balletto di Stoccarda e in quello di Oneghin si
alternano le due étoiles maschili “di casa”:
Roberto Bolle e Massimo Murru (entrambi
danzano in questo ruolo per la prima volta).
L’appuntamento successivo sarà con Il lago
dei cigni (in dicembre, dopo l’inaugurazione
della stagione d’opera, il 7 dicembre). Sarà così
ripresa la versione di questo classico firmata
da Rudolf Nureyev, con scene di Ezio Frigerio
e costumi di Franca Squarciapino, non più vista alla Scala da qualche anno. Il ruolo
protagonistico sarà interpretato da Alina
Somova (giovane promessa del Teatro
Mariinsky di San Pietroburgo) che sostituirà
Svetlana Zakharova, inizialmente prevista ma
ora in maternità. Altra star in alcune serate sarà
il direttore d’orchestra Daniel Barenboim, direttore musicale del teatro milanese.
www.teatroallascala.org
Performances by the Ballet Company of La
Scala, Milan of John Cranko’s 1965 ballet
Onegin (originally made for Márcia Haydée
and the Stuttgart Ballet) run until November.
The leading female role in this ballet, to a string
of music by Pyotr I. Tchaikovsky, will be taken
by Maria Eichwald of the Stuttgart Ballet while
the company’s two home-grown stars, Roberto
Bolle and Massimo Murru, will alternate as
Onegin (both will be dancing this role for the
first time). The Milanese troupe’s next offering (the following month, after the opening of
the opera season on 7 December) will be Swan
Lake, a revival of Rudolf Nureyev’s version
which has not been seen at La Scala for several years, with scenery by Ezio Frigerio and
costumes by Franca Squarciapino. It had initially been announced that Russian ballerina
Svetlana Zakharova would take the leading
role but she is now on maternity leave and so
will be replaced by a young principal from the
Mariinsky Theatre of St. Petersburg, Alina
Somova. Another star is expected at some performances, but on the podium: conductor Daniel Barenboim. www.teatroallascala.org
Dopo le tournées a Torino e a Shangai, il Balletto Reale delle Fiandre, diretto dalla
“forsythiana” Kathryn Bennetts, ritorna ad
Anversa rimettendo in scene uno dei balletti
di William Forsythe che ha nel suo repertorio:
After touring Turin (Italy) and Shanghai
(China), the Royal Ballet of Flanders, directed by former Forsythe dancer Kathryn
Bennetts, will return home to Antwerp, Belgium where it will revive one of the William
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Artifact, noto lavoro in quattro parti del 1984
in cui il coreografo americano rivela gli ingranaggi e gli artifici della macchina scenica,
tramite la sua poetica “decostruttivista”. Lo
spettacolo sarà poi presentato a Bruxelles in
aprile. In dicembre sarà invece ripreso Il lago
dei cigni nella versione coreografica di Márcia
Haydée ripresa nel 2009 per la compagnia
fiamminga. In febbraio sarà la volta di un programma composto da lavori di Forsythe stesso, David Dawson e da creazioni dell’australiano Garry Stewart e del canadese Matjash
Mrozewski, mentre in giugno va in scena
Oneghin di John Cranko. www.koninklijk
balletvanvlaanderen.be
Dopo le creazioni di Hans van Manen e
Benjamin Millepied (presentate in ottobre con
Moving Rooms di Krzystof Pastor), Het
Nationale Ballet (la compagnia nazionale
d’Olanda, ad Amsterdam) tornerà in scena in
dicembre con La Bella addormentata nella
versione coreografica di Peter Wright.
www.het-nationale-ballet.nl
Maria Eichwald, Jason Reilly –
Stuttgart Ballet: “Red in 3”, c. Jorma Elo
(ph. U. Beuttenmüller)
avec Moving Rooms de Krzystof Pastor), Het
Nationale Ballet (la compagnie nationale de
Hollande, à Amsterdam) reviendra sur scène
en décembre avec La Belle au bois dormant
dans l’ancienne version chorégraphique de
Peter Wright. www.het-nationale-ballet.nl
À partir de la fin d’octobre, le Nederlands
Dans Theater présente un nouveau programme à La Haye (qui sera ensuite repris en
tournée dans des villes hollandaises, dont
Amsterdam). Il se compose de deux créations
respectivement de deux jeunes Espagnols:
Alejandro Cerrudo (ex danseur du NDT II et
aujourd’hui chorégraphe-résident de la
Hubbard Street Dance de Chicago) et Fernando
Hernando Magadan (danseur du NDT I qui a
déjà créé pour la compagnie hollandaise). Au
même programme sont présentés également
Solo de Hans van Manen et Sleight of Hand
du duo de chorégraphes-résidents de la compagnie Paul Lightfoot et Sol León, sur la musique de Philip Glass. www.ndt.nl
Il Nederlands Dans Theater presenta un nuovo programma all’Aja a partire dalla fine d’ottobre (che sarà poi ripreso in tournée in varie
città olandesi, tra cui Amsterdam), composto
da due creazioni rispettivamente di due giovani spagnoli: Alejandro Cerrudo (ex
danzatore del NDT II e oggi coreografo stabile della Hubbard Street Dance di Chicago) e
Fernando Hernando Magadan (danzatore del
NDT I che ha già creato per la compagnia olandese). Nello stesso programma figurano anche Solo di Hans van Manen e Sleight of Hand
della coppia di coreografi stabili della compagnia Paul Lightfoot e Sol León, su musica di
Philip Glass. www.ndt.nl
Dopo le ultime repliche del trittico composto
da Yantra di Wayne McGregor, Red in 3 di
Jorma Elo (due creazioni presentate quest’estate) e Fratres di John Neumeier, il Balletto di
Stoccarda tornerà in scena in novembre con
Leonce und Lena di Christian Spuck (coreografo stabile della compagnia tedesca, che,
come già annunciato, succederà a Heinz
Spoerli alla direzione del Balletto dell’Opera
di Zurigo a partire dalla stagione 2012/2013).
Il balletto fu creato nel 2008 per l’Aalto Ballett
Theater di Essen (Germania) ispirandosi alla
pièce omonima del drammaturgo tedesco dell’Ottocento Georg Büchner. www.staats
theater.stuttgart.de
La Staatsoper Unter den Linden, il teatro dell’opera sul celebre viale berlinese, è chiuso per
restauro sino al 2013. Sicché è al Schiller
Theater che il Balletto dell’Opera di Berlino riprenderà a partire da ottobre La Péri di
Vladimir Malakhov, creato la scorsa stagione
traendo spunto dall’omonimo balletto
ottocentesco di Jean Coralli sulla musica di
Friedrich Burgmüller. Nel ruolo di questo essere della mitologia romantica si alterneranno
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Forsythe’s ballets currently in its repertoire:
Artifact, a celebrated work in four parts, made
in 1984, in which the American choreographer
reveals the workings and artifice of the stage
using his hallmark “deconstructivism”. The
ballet will subsequently be presented in Brussels next April. In December the Flemish company is reviving Márcia Haydée’s version of
Swan Lake which it performed in 2009. In
February the Royal Ballet of Flanders will
present a mixed bill made up of ballets by
Forsythe, David Dawson and new works by
Australian choreographer Garry Stewart and
Canada’s Matjash Mrozewski. John Cranko’s
Onegin will be offered in June.
www.koninklijkballetvanvlaanderen.be
After presenting creations by Hans van Manen
and Benjamin Millepied (together with
Krzystof Pastor’s Moving Rooms) in October,
Het Nationale Ballet (the Dutch national company, based in Amsterdam) will be back in
Peter Wright’s version of The Sleeping Beauty
in December. www.het-nationale-ballet.nl
At the end of October Nederlands Dans
Theater is presenting a new programme in The
Hague which will subsequently be toured
around Holland, including Amsterdam. It includes two creations by (respectively) two
young Spanish choreographers: Alejandro
Cerrudo (a former dancer of NDT II, now resiIdan Sharabi – Nederlands Dans Theater:
“Sleight of Hand”, c. Paul Lightfoot,
Sol León (ph. J. Jan Bos)
Après les dernières soirées du triptyque composé de Yantra de Wayne McGregor, Red in 3
de Jorma Elo (deux créations présentées cet
été) et Fratres de John Neumeier, le Ballet de
Stuttgart reviendra sur scène en novembre
avec Leonce und Lena de Christian Spuck
(chorégraphe-résident de la compagnie allemande, qui, comme on l’a déjà annoncé, succédera à Heinz Spoerli à la direction du Ballet
de l’Opéra de Zurich à partir de la saison 2012/
2013). Ce ballet fut créé en 2008 pour l’Aalto
Ballett Theater d’Essen (Allemagne) s’inspirant de la pièce éponyme du dramaturge allemand du XIXème siècle Georg Büchner.
www.staatstheater.stuttgart.de
Le Staatsoper Unter den Linden, le théâtre de
l’opéra national sur le célèbre boulevard berlinois, est fermé pour réaménagement jusqu’en
2013. Ainsi, c’est au Schiller Theater que le
Ballet de l’Opéra de Berlin reprendra à partir du mois d’octobre La Péri de Vladimir
Malakhov, créée la saison dernière s’inspirant
de ce ballet du XIXème siècle de Jean Coralli
sur la musique de Friedrich Burgmüller. Dans
le rôle de ce personnage de la mythologie romantique alterneront Polina Semionova et Iana
Salenko. Au Deutsche Oper suivront des soirées avec l’habituel gala “Malakhov and
Friends”, où le directeur-star de la compagnie
berlinoise se produit avec d’autres danseurs.
Au Komische Oper, en revanche, aura lieu
“Shut Up and Dance! Reloaded”, un projet,
désormais consolidé, consacré aux jeunes chorégraphes. www.staatsballett-berlin.de
“Mouvements d’émotion”, tel est le titre de la
campagne publicitaire en images du Ballet de
Hambourg, dirigé par John Neumeier, pour
rapprocher les jeunes de la danse et du ballet.
Quatre affiches avec des cercles spectaculaires formés par les danseurs de la compagnie,
qui représentent respectivement la passion, la
solitude, la jalousie et le courage, se trouvent
ces jours-ci sur les murs des villes allemandes. Et les “mouvements d’émotion” du Ballet de Hambourg continueront fin octobre et
en novembre avec la reprise de Parzival –
Episoden und Echo de Neumeier (qui sera présenté en novembre aussi à l’Opéra de Paris).
Deux ballets d’inspiration japonaise seront
également repris: Seven Haiku of the Moon,
inspiré de quelques haïkus (poèmes courts nippons), et Seasons – the Colors of Time qui
évoque le cycle des saisons. Créées en leur
temps par le chorégraphe américain pour le
Tokyo Ballet, ces deux pièces ont été dansées
pour la première fois par la compagnie
hambourgeoise l’été dernier. On reprendra
également Weihnachtsoratorium (“Oratorio de
Noël”) sur la musique de Johann Sebastian
Bach créé par Neumeier en 2007.
www.hamburgballett.de
La saison du Ballet de l’Opéra de Leipzig,
dirigé maintenant par Mario Schröder, ancien
danseur principal de la compagnie, commence
Staatsballett Berlin: “Sonett XVIII”,
c. Tim Plegge
(ph. E. Nawrat)
Polina Semionova e Iana Salenko. Seguiranno alla Deutsche Oper alcune serate con il consueto gala “Malakhov and Friends”, in cui il
direttore-star della compagnia berlinese si esibisce con altri danzatori, mentre alla Komische
Oper si tiene “Shut Up and Dance! Reloaded”,
un progetto, ormai consolidato, per dare spazio ai giovani coreografi. www.staatsballettberlin.de
“Movimenti di emozioni” s’intitola la campagna pubblicitaria in immagini del Balletto di
Amburgo, diretto dal coreografo americano
John Neumeier, per avvicinare i giovani alla
danza e al balletto. Quattro cartelloni con
spettacolari cerchi formati dai danzatori della
compagnia, che rappresentano rispettivamente la passione, la solitudine, la gelosia e il coraggio, tappezzano in questi giorni le città tedesche. E i “movimenti di emozione” del Balletto di Amburgo continuano alla fine di ottobre e in novembre con la ripresa di Parzival –
Episoden und Echo di Neumeier (che sarà poi
rimontato anche all’Opéra di Parigi in novembre). Saranno inoltre ripresi due balletti d’ispirazione giapponese che il coreografo americano aveva creato a suo tempo per il Tokyo
Ballet e danzati per la prima volta dalla compagnia amburghese la scorsa estate: Seven
Haiku of the Moon, ispirato ad alcuni haiku
(genere di composizione poetica giapponese),
e Seasons – the Colors of Time che rievoca il
ciclo delle stagioni. Un’altra ripresa sarà
Weihnachtsoratorium (“Oratorio di Natale”)
sulla musica di Johann Sebastian Bach creato
da Neumeier nel 2007. www. hamburg
ballett.de
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dent choreographer of Chicago’s Hubbard
Street Dance) and Fernando Hernando Magadan
(a dancer of NDT I who has produced choreographer for the Dutch troupe in the past). Solo
by Hans van Manen and Sleight of Hand by the
company’s resident choreographer Paul
Lightfoot and Sol León, to music by Philip
Glass, complete this mixed bill. www.ndt.nl
After the closing performances of its triple bill
made up of Yantra by Wayne McGregor, Red
in 3 by Jorma Elo (two new works that were
presented this past summer) and Fratres by John
Neumeier, the Stuttgart Ballet will be back in
November in Leonce und Lena by its resident
choreographer Christian Spuck (who, as has
been announced, is to take over from Heinz
Spoerli at the helm of the Zurich Ballet, as from
the 2012/2013 season). This ballet, made in
2008 for the Aalto Ballett Theater, Essen (Germany), is based on German 19th century playwright Georg Büchner’s play by the same name.
www.staatstheater.stuttgart.de
The Staatsoper Unter den Linden, the opera
house which takes its name from the famous
Berliner boulevard where it is located, is closed
for revamping until 2013. The Berlin Ballet
will therefore resume its activities at the Schiller
Theater as of October when it presents Vladimir
Malakhov’s La Péri. Malahkov made this ballet last season, drawing his inspiration from Jean
Coralli’s 19th century ballet by the same name,
to music by Friedrich Burgmüller. Polina
Semionova and Iana Salenko will alternate as
the mythical Romantic creature which gives the
ballet its title. After this, Berliners can look
BREVI • ECHOS
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fin octobre. Au programme
une création du nouveau directeur: Chaplin, dédiée au
personnage de Charlot, sur
un collage de musiques de
Charlie Chaplin lui-même,
Benjamin Britten, Samuel
Barber et Richard Wagner.
www.oper-leipzig.de
Ulyana Lopatkina,
Yuri Smekalov – Kirov
Ballet:
“Anna Karenina”,
c. Alexei Ratmansky
(ph. N. Razina)
forward to the usual
“Malakhov and Friends” gala
at the Deutsche Oper in which
the company director-star
will perform with other dancers, while the well-oiled
“Shut Up and Dance! Reloaded” project, that gives
young choreographers a
chance to present their works,
will be on at the Komische
Oper. www.staatsballettberlin.de
Alors qu’en octobre et novembre continuent les représentations de la nouvelle
production du Lac des cygnes signée par Peter
Martins et de Napoli
d’August Bournonville
(dans la version singulière
– située dans les années 50
– de Nikolaj Hübbe), le
Ballet Royal Danois, se
partageant entre l’ancien
Théâtre Royal et le moderne
Théâtre de l’Opéra, présente à Copenhague également un nouveau programme. “Dans2Go” (tel
est le titre de la soirée) confronte la danse féminine (et
mystérieuse) de Serenade
de George Balanchine avec
la dynamique virile d’Earth
du chorégraphe finlandais
Jorma Uotinen sur la musique des Apocalyptica, un
groupe “metal” finlandais
p o p u l a i r e .
www.kglteater.dk
Parmi les nombreux ballets
que le Ballet Kirov du
Théâtre Mariinsky de
Saint-Pétersbourg propose chaque mois, on
reprendra, à la mi-octobre, Anna Karénine, que
le chorégraphe russe Alexeï Ratmansky a créé
en 2004 pour le Ballet Royal Danois. Ce ballet, qui s’inspire du roman de Lev Tolstoï, s’appuie sur la partition de Rodion Thchedrin,
créée en 1972, quand Maïa Plissetskaïa présenta au Théâtre Bolchoï de Moscou sa propre Anna Karénine, dont elle était chorégraphe et étoile. Dans le rôle-titre du ballet de
Ratmansky alternent les deux grandes étoiles
du Kirov de nos jours, Oulyana Lopatkina et
Diana Vishneva. www.mariinsky.ru
Le Cullberg Ballet (la compagnie fondée par
Birgit Culberg en 1967 et aujourd’hui dirigée
par Anna Grip) reprend ses activités en octobre à Stokholm. Au programme une pièce du
chorégraphe suédois de 26 ans Alexander
Ekman intitulée Ekman’s Tryptych, A Study of
Entertainment. Il s’agit justement d’une réflexion, en trois parties, sur les effets et les
phénomènes de la performance et sur ce qui
distingue l’art du spectacle ludique.
www.cullbergbaletten.se
Comincia alla fine di ottobre la stagione del
Balletto dell’Opera di Lipsia, ora diretto da
Mario Schröder, ex danzatore-principale della compagnia. E comincia proprio con un suo
lavoro, Chaplin, dedicato alla figura di Charlot,
su un collage di musiche dello stesso Charlie
Chaplin, di Benjamin Britten, Samuel Barber
e Richard Wagner. www.oper-leipzig.de
Mentre continuano in ottobre e novembre le rappresentazioni della nuova produzione del Lago
dei cigni firmata da Peter Martins (danese, direttore del New York City Ballet) e di Napoli di
August Bournonville (nella singolare versione
di Nikolaj Hübbe ambientata negli anni ‘50), il
Balletto Reale Danese presenta a Copenhagen
anche un nuovo programma, dividendosi così
tra il Teatro Reale storico e il moderno Teatro
dell’Opera. “Dans2Go” (così s’intitola la serata) mette a confronto la danza femminile di
Serenade di George Balanchine con la dinamica virile di Earth del coreografo finlandese
Jorma Uotinen su musica degli Apocalyptica,
popolare gruppo “metal” finlandese. www.kgl
teater.dk
20
“Moving Movements” is the
brand positioning behind the
first image campaign for the
Hamburg Ballet directed by
John Neumeier, the purpose
of which is to attract young
people. Four spectacular
posters showing the company’s dancers in top-shot kaleidoscopic circles representing Passion, Solitude, Jealousy and Bravery, are currently billposted all over Germany. Hamburg Ballet’s
“moving movements” continue in late October and November with a revival of
Neumeier’s Parzival –
Episoden und Echo (which
will also be staged at the Paris Opéra in November). The Hamburg Ballet is also reviving
two ballets inspired by Japan that its American
director/choreographer made for the Tokyo
Ballet and which the German troupe interpreted
for the first time last summer: Seven Haiku of
the Moon, based on Japanese poetic compositions known as “haiku”, and Seasons – the
Colors of Time, about the seasons’ cycle. There
will also be a revival of Weihnachtsoratorium
(“Christmas Oratorio”), to music by Johann Sebastian Bach, a ballet Neumeier made in 2007.
www.hamburgballett.de
Mario Schröder, a former principal of the Leipzig Ballet is now its director and his work
Chaplin (dedicated to Charlie Chaplin and set
to a string of music by Chaplin, Benjamin
Britten, Samuel Barber and Richard Wagner)
opens the company’s season at the end of October. www.oper-leipzig.de
The Royal Danish Ballet will continue to perform the new production of Swan Lake by Peter Martins, as well as August Bournonville’s
Comme on l’a déjà écrit dans le dernier numéro, le chorégraphe espagnol Nacho Duato
(pendant vingt ans directeur de la Compañía
Nacional de Danza de Madrid) assumera la
direction du Ballet du Théâtre Mikhaïlovsky
de Saint-Pétersbourg à partir du janvier prochain. D’après les déclarations du directeur
général du théâtre, Vladimir Kekhman (un riche homme d’affaires, entré récemment dans
le domaine de l’art, qui finance personnellement l’activité du théâtre), le propos serait d’en
faire une compagnie de danse contemporaine,
non en compétition donc avec le prestigieux
Ballet Kirov du Théâtre Mariinsky de SaintPétersbourg, mais caractérisée par un répertoire et un style différents (qui seront, somme
toute, ceux de Duato, comme c’était le cas à
la CND de Madrid). Il faut préciser en effet
que le répertoire actuel de la compagnie du
Théâtre Mikhaïlovsky comprend les classiques
du XIXème siècle et des titres du ballet soviétique. En conséquence, la direction de la
Compañía Nacional de Danza de Madrid a
été confiée à Hervé Palito. Ancien danseur de
Maurice Béjart, il a été professeur dans diverses compagnies, pour lesquels il a remonté des
ballets du chorégraphe marseillais, et a été
depuis 2002 le coordinateur artistique de la
CND. www.mikhailovsky.ru
Les mois de novembre et décembre au Royal
Ballet de Londres sont sous le signe de
Frederick Ashton, le chorégraphe historique
de la compagnie, l’un des fondateurs du ballet
anglais. Tout d’abord, on reprendra Sylvia, créé
en 1952 pour Margot Fonteyn sur la musique
du XIXème siècle de Léo Delibes. Dans le rôle
principal sont annoncées: Marianela Núñez,
Lauren Cuthberson, Sarah Lamb et Zenaida
Yanowsky; et dans celui d’Aminta, Rupert
Pennefather, Sergueï Polounin, Federico
Bonelli et David Makhateli. Ensuite, ce sera
au tour de Cendrillon d’Ashton datant de 1948
(ce fut le premier ballet durant toute une soirée créé pour la compagnie anglaise). Dans le
rôle principal danseront, entre autres, Alina
Cojocaru, Tamara Rojo et Roberta Marquez.
www.rho.org.uk
Le mois de novembre au Sadler’s Wells Theatre de Londres ouvrira avec la compagnie
d’Emanuel Gat qui présente sa dernière pièce,
Winter Variations, un duo sur le même thème
que son précédent Winter Voyage. Ensuite, la
Rambert Dance Company présentera une pièce
de la chorégraphe britannique Aletta Collins,
Awakenings, inspiré du livre du même titre
d’Oliver Sacks, rendu célèbre par le film de
Penny Marshall de 1990 avec Robert De Niro
et Robin Williams. Le théâtre londonien invitera ensuite la compagnie dirigée par Wayne
McGregor, la Random Dance, avec FAR, sur
une musique électronique de Ben Frost. Fin
novembre (et jusqu’à janvier), ce sera au tour
de Cinderella (“Cendrillon”) de Matthew
Bourne, avec sa compagnie New
Adventures.www.sadlerswells.com
Tra i numerosi balletti che la compagnia del
Teatro Mariinsky di San Pietroburgo rappresenta ogni mese, alla metà di ottobre sarà
ripreso anche Anna Karenina, che il coreografo
russo Alexei Ratmansky ha creato nel 2004
per il Balletto Reale Danese. Il balletto, che
s’ispira al romanzo di Lev Tolstoi, si avvale
della partitura di Rodion Shchedrin, creata nel
1972, quanto Maya Plissestskaya presentò al
Teatro Bolshoi di Mosca la sua Anna Karenina,
da lei coreografata e interpretata. Nel balletto
di Ratmansky il ruolo protagonistico è ora affidato alle due grandi stelle della compagnia
pietroburghese, Ulyana Lopatkina e Diana
Vishneva. www.mariinsky.ru
Anche il Cullberg Ballet (la compagnia fondata da Birgit Culberg nel 1967 e oggi diretta
da Anna Grip) riprende la sua attività in ottobre a Stoccolma. In programma un lavoro del
coreografo svedese di 26 anni Alexander
Ekman intitolato Ekman’s Tryptych, A Study
of Entertainment. Si tratta appunto di una riflessione, in tre parti, sugli effetti e i fenomeni
dello show e su cosa distingua l’arte
dall’intrattenimento. www.cullbergbaletten.se
Come annunciato sul numero scorso, il coreografo spagnolo Nacho Duato (per vent’anni
direttore della Compañía Nacional de Danza
di Madrid) assumerà la direzione del Balletto
del Teatro Mikhailovsky di San Pietroburgo
a partire dal prossimo gennaio. Dalle dichiarazioni del direttore generale del teatro,
Vladimir Kekhman (un facoltoso uomo d’affari che si è avvicinato all’arte di recente e
che finanzia personalmente l’attività del teatro), l’intento sarebbe quello di farne una compagnia di danza contemporanea, non in competizione dunque con il prestigioso Balletto
Kirov del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo
ma diversa nel repertorio e nello stile (che sarà
essenzialmente quello di Duato, com’era alla
CND di Madrid). Va precisato infatti che il
repertorio attuale della compagnia del Teatro
Mikhailovsky comprende perlopiù classici dell’Ottocento e titoli del balletto sovietico. Nel
mentre la direzione della Compañía Nacional
de Danza a Madrid è stata affidata a Hervé
Palito. Ex danzatore di Maurice Béjart, Palito
è stato maestro in diverse compagnie, rimontando anche balletti del coreografo francese,
ed è stato dal 2002 il coordinatore artistico della
CND.
www.mikhailovsky.ru
www.cndanza.mcu.es
Novembre e dicembre al Royal Ballet di Londra sono sotto il segno di Frederick Ashton,
coreografo storico della compagnia, tra i
fondatori del balletto inglese. Sarà ripreso anzitutto Sylvia, creato nel 1952 per Margot
Fonteyn sulla musica ottocentesca di Léo
Delibes. Nel ruolo protagonistico sono annunciate: Marianela Núñez, Lauren Cuthberson,
Sarah Lamb, Zenaida Yanowsky; in quello di
Aminta, Rupert Pennefather, Serghei Polunin,
Federico Bonelli e David Makhateli. Torna poi
21
Napoli (a version by Nikolaj Hübbe set in the
1950’s), in the months of October and November. Alternating between the Royal Danish
Theatre and the modern Opera House, the company is also presenting a new programme in
Copenhaghen entitled “Dans2Go” in which the
ladies take the stage in George Balanchine’s
Serenade while 14 male dancers interpret Finnish choreographer Jorma Uotinen’s masculine
ballet Earth, to music by Finnish heavy-metal
group Apocalyptica. www.kglteater.dk
The Ballet Company of the Mariinsky Theatre of St. Petersburg performs numerous ballets every month; among these, mid-October,
there will also be a revival of Anna Karenina
which Russian choreographer Alexei
Ratmansky made for The Royal Danish Ballet
in 2004. The ballet is based on Leo Tolstoy’s
novel by the same name and uses the score
written by Rodion Shchedrin for the Anna
Karenina ballet choreographed and interpreted
by Maya Plisetskaya at the Bolshoi Theatre,
Moscow in 1972. The two great stars of the
Russian company, Ulyana Lopatkina and Diana
Vishneva, will alternate in the title role.
www.mariinsky.ru
The Cullberg Ballet (founded by Birgit Culberg
in 1967 and today directed by Anna Grip)
resumes its activity in Stockholm in October. It
is offering 26-year-old Swedish choreographer
Alexander Ekman’s work in three parts entitled Ekman’s Tryptych, A Study of Entertainment, a reflection on show business and entertainment. www.cullbergbaletten.se
As announced in our previous issue, Spanish
choreographer Nacho Duato (who has been
director of the Compañía Nacional de Danza,
Madrid) will take over at the helm of the
Mikhailovsky Ballet of St. Petersburg as from
next January. The General Director of the
Mikhailovsky Theatre Vladimir Kekhman (a
businessman who recently began taking an interest in the arts and personally subsidizes the
theatre’s activities) has anticipated that the idea
is to turn the troupe into a modern dance one
so as to avoid its being in competition with the
prestigious Kirov Ballet of the Mariinsky Theatre of St. Petersburg. The revamped troupe is to
have its own hallmark repertoire and style (essentially Duato’s, as was the case with the CND
in Madrid). At present, the Mikhailovsky Ballet’s repertoire consists mostly of 19th century
classics and Soviet ballets. In the meantime we
have learnt that Hervé Palito has been appointed
director of the Compañía Nacional de Danza.
Palito used to dance with Maurice Béjart’s company and has remounted a number of Béjart
ballets over the years; he has been ballet master in various companies and artistic coordinator of the CND since 2002. www.mikhai
lovsky.ru www.cndanza.mcu.es
The coming months of November and December at The Royal Ballet of London will be
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
Marianela Núñez,
Rupert Pennefather –
The Royal Ballet: “Sylvia”,
c. Frederick Ashton
(ph. B. Cooper)
anche la Cenerentola di Ashton
del 1948 (fu il primo balletto a serata intera creato per la compagnia
inglese). Nel ruolo protagonistico
danzeranno, tra le altre, Alina
Cojocaru, Tamara Rojo e Roberta
Marquez. www.rho.org.uk
Il mese di novembre al Sadler’s
Wells Theatre di Londra si aprirà con la compagnia di Emanuel
Gat che presenta il suo ultimo lavoro, Winter Variations, un duo
che si lega al tema del suo precedente Winter Voyage. In seguito la
Rambert Dance Company presenterà un lavoro della coreografa britannica
Aletta
Collins,
Awakenings, ispirato al libro omonimo di Oliver Sacks, reso celebre dal film di Penny Marshall del
1990 con Robert De Niro e Robin
Williams (Risvegli, in italiano).
Toccherà poi alla compagnia diretta da Wayne McGregor, la
Random Dance, con FAR, su una
musica elettronica di Ben Frost.
Dalla fine di novembre (e fino a
gennaio) sarà poi la volta della
Cinderella (“Cenerentola”) di
Matthew Bourne, con la sua compagnia New Adventures.
www.sadlerswells.com
Le Birmingham Royal Ballet présentera en
novembre et décembre dans sa ville une nouvelle Cendrillon sur la partition de Sergueï
Prokofiev. La chorégraphie est signée par David Bintley, directeur de la compagnie; décors
et costumes étant dessinés par John
Macfarlane. www.brb.org.uk
Il est connu sous le nom de “Legacy Tour”: il
s’agit de la tournée mondiale “finale” de la
Merce Cunningham Dance Company, qui
se poursuivra jusqu’à la fin du mois de décembre 2011 pour montrer une dernière fois
au public international l’œuvre de l’un des plus
grands chorégraphes du XXème siècle (fin
2011, en effet, la compagnie sera dissoute par
la volonté testamentaire de son fondateur, décédé l’année dernière). Comme on l’a déjà annoncé, la prochaine étape est au Barbican
Theatre de Londres, dans le cadre de Dance
Umbrella, fin octobre, où sera repris Nearly
Ninety. Cette pièce, dans le décor de l’architecte Benedetta Tagliabue et les costumes du
styliste Romeo Gigli, fut créée par Cunningham à l’occasion de ses 90 ans (Ballet2000
consacra à l’événement sa couverture du n.
Il Birmingham Royal Ballet presenterà in novembre e dicembre
nella sua città una nuova Cenerentola sulla partitura di Serghei
Prokofiev. La coreografia è firmata da David Bintley, direttore della compagnia; scene e costumi
sono di John Macfarlane.
www.brb.org.uk
È noto come “Legacy Tour”: si
tratta della tournée internazionale
“finale”
della
Merce
Cunningham Dance Company,
che proseguirà fino al dicembre del
2011 per mostrare un’ultima volta
al pubblico internazionale l’opera
di uno dei più grandi coreografi del
Novecento (alla fine del 2011 infatti la compagnia sarà sciolta proprio per volere del suo fondatore,
morto lo scorso anno). Come già
annunciato la prossima tappa è al
Barbican Theatre di Londra, nell’ambito di Dance Umbrella, alla
fine di ottobre, dove sarà ripreso
22
chiefly devoted to Frederick Ashton, the company’s iconic choreographer and one of the
founders of the British ballet. First there will
be a revival of his 1952 ballet Sylvia, to Léo
Delibes’ 19th century score. The various casts
feature the following alternating dancers: in
the title role (originally created by Margot
Fonteyn) Marianela Núñez, Lauren
Cuthberson, Sarah Lamb, Zenaida Yanowsky;
as Aminta, Rupert Pennefather, Sergei
Polunin, Federico Bonelli, David Makhateli.
There will also be a revival of Cinderella
(Ashton’s first full-length ballet for the English company, made in 1948). Alina Cojocaru,
Tamara Rojo and Roberta Marquez are among
the ballerinas alternating in the title role.
www.rho.org.uk
Emanuel Gat’s troupe will be presenting their
director’s latest work at the Sadler’s Wells
Theatre, London in November: Winter Variations, a duet which follows on from Gat’s
previous ballet Winter Voyage. This will be
followed by Rambert Dance Company in a
work by British choreographer Aletta Collins,
Awakenings, based on Oliver Sacks’ book by
the same name which was made into a successful film by Penny Marshall in 1990 (starring Robert De Niro and Robin Williams).
Next, Wayne McGregor’s Random Dance in
FAR, to the electronic notes of Ben Frost.
Matthew Bourne’s troupe New Adventures
will be at the Sadler’s Wells from the end of
November (until January) in Cinderella.
www.sadlerswells.com
In November and December Birmingham
Royal Ballet will present in Birmingham
their director David Bintley’s new version of
Emanuel Gat Dance:“Winter
Variations” (ph. S. Berger)
201). La compagnie sera ensuite en France.
Tout d’abord au Théâtre de la Ville de Paris
(invitée par le Festival d’Automne) avec deux
programmes: une soirée composée de pièces
de périodes différentes (Pond Way de 1998,
Second Hand de 1970 et Antic Meet de 1958)
et Roaratorio, des années 80. Fin novembre,
la Cinémathèque de la Danse de Paris rendra
elle aussi hommage à Cunningham proposant
Craneway Event, un film de Tacita Dean sur
les célèbres “Events” du chorégraphe américain, des créations extemporanées liées au lieu
où elles sont réalisées (dans ce cas une ancienne usine de la Californie). La compagnie
fera étape également à Clermont-Ferrand et à
Metz. Par la suite elle se produira aux ÉtatsUnis et reviendra en Europe (en France mais
aussi en Russie, à Moscou) seulement pendant
les prochaines saisons de printemps et d’été.
www.merce.org
La saison d’automne du New York City Ballet au State Theatre de New York, qui a programmé, entre autres, lune création de Benjamin Millepied sur la musique de David Lang,
se terminera fin octobre. Ensuite, après les
spectacles au Festival International de Ballet
de La Havane (voir écho), la compagnie américaine se produira dans les nombreuses représentations de Casse-Noisette (de novembre à janvier), celui habituel de George
Balanchine de 1954, que l’on donne chaque
année à New York et qui fait ponctuellement
salle comble, remplissant les caisses de la compagnie et donnant à tous les solistes et les danseurs principaux (ainsi qu’aux élèves de l’école
de danse) l’opportunité d’alterner dans un
grand “classique”. www.nycballet.com
Après son apparition au Festival International
de Ballet de La Havane, à Cuba, début novembre (voir écho), et avant sa tournée à Londres début février, où il est attendu avec deux
programmes, l’American Ballet Theatre sera
à la Brooklyn Academy of Music (BAM) de
New York en décembre (et jusqu’à début janvier), où il “répond” au Casse-Noisette traditionnel du New York City Ballet par un nouveau Casse-Noisette signé par Alexeï
Ratmansky, chorégraphe-résident de la compagnie. Les décors et les costumes ont été réalisés par Richard Hudson (connu pour avoir
remporté le Tony Award de la meilleure scénographie avec la comédie musicale populaire The Lion King). www.abt.org
Fin octobre, la Martha Graham Dance Company est en tournée en Italie (Spolète, Trieste,
Sienne) et en Suisse (Lugano). La compagnie
propose six titres de sa fondatrice Martha Graham, icône de la modern dance américaine:
Errand into the Maze, Embattled Garden, Diversion of Angels, El Penitiente, Serenata
Morisca et le célébrissime solo assis sur un
banc Lamentation, outre Lamentation Variations, une “relecture-hommage” de ce solo signée récemment par les chorégraphes Aszure
Nearly Ninety. Questo lavoro, con la scenografia dell’architetto Benedetta Tagliabue
e i costumi dello stilista
Romeo Gigli, fu creato da
Cunningham, in occasione
dei suoi 90 anni (BallettoOggi
dedicò all’evento la copertina, vedi n. 201). La compagnia sarà poi in novembre in
Francia. Anzitutto al Théâtre
de la Ville di Parigi (invitata
dal Festival d’Automne) con
due programmi: un trittico
composto da lavori di epoche
diverse (il più recente Pond
Way, 1998, Second Hand del
1970 e Antic Meet del 1958)
e poi Roaratorio, degli anni
Ottanta.
Anche
la
Cinémathèque de la Danse di
Parigi rende omaggio a
Cunningham proponendo alla
fine di novembre Craneway
Event, un film di Tacita Dean
sui famosi “Events” del coreografo americano, creazioni
estemporanee e irripetibili legate al luogo in cui vengono
realizzate (in questo caso una
ex fabbrica della California).
Altre tappe in Francia sono a
Clermont-Ferrand e a Metz.
In seguito la compagnia si esibirà negli Stati Uniti e tornerà in Europa (in Francia ma
anche in Russia, a Mosca)
solo durante la prossima primavera-estate.
www.merce.org
Si conclude alla fine di ottobre la stagione
d’autunno del New York City Ballet allo State Theatre di New York che ha visto, tra l’altro, il debutto di una creazione di Benjamin
Millepied su musica di David Lang. In seguito, dopo gli spettacoli al Festival Internazionale di Balletto dell’Avana (vedi notizia), la
compagnia americana è impegnata nelle numerose repliche dello Schiaccianoci (da novembre a gennaio), quello consueto di George
Balanchine del 1954, che viene dato ogni anno
a New York e che registra puntualmente il tutto esaurito, rimpinguando le casse della compagnia e dando a tutti i solisti e danzatori principali l’opportunità di alternarsi in un grande
“classico”. www.nycballet.com
Dopo l’apparizione al Festival Internazionale
di Balletto dell’Avana, a Cuba, ai primi di novembre (vedi notizia), e prima della sua
tournée a Londra all’inizio di febbraio, dove
è atteso con due programmi, l’American
Ballet Theatre sarà alla Brooklyn Academy
of Music (BAM) di New York in dicembre (e
fino ai primi di gennaio), dove “risponde” al
tradizionale Schiaccianoci del New York City
Ballet con un suo nuovo Schiaccianoci firma-
23
Random Dance: “FAR”,
c. Wayne McGregor
Cinderella to Sergei Prokofiev’s famous
score. Scenery and costumes are being designed by John Macfarlane. www.brb.org.uk
“Legacy Tour” is the name of the Merce
Cunningham Dance Company’s final international tour, ongoing until December 2011
when the troupe will disband – as stipulated
in its founder’s last will and testament. This
will be international audiences’ last chance
to see works by one of the greatest choreographers of the 20th century who died last year.
As has already been announced, the tour’s
next port-of-call will be the Barbican Theatre, London in the context of Dance Umbrella
at the end of October. On that occasion, the
troupe will perform Nearly Ninety, a work that
Cunningham made to mark his own 90th birthday. Scenery is by architect Benedetta
Tagliabue, costumes by fashion designer
Romeo Gigli. (Ballet2000 devoted issue No.
201’s cover-story to this work’s première).
From London, the company proceeds to
France where it will offer two different programmes at the Théâtre de la Ville in Paris
(in the context of the Festival d’Automne): a
triptych made up of works from different
periods (Pond Way, 1998; Second Hand,
1970; Antic Meet, 1958) and Roaratorio, from
the 1980’s. Also Paris’s Cinémathèque de la
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
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NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
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BREVI
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Katherine Crockett –
Martha Graham Dance Company:
“Lamentation Variations”,
c. Richard Move
(ph. Costas)
Barton, Richard Move et Larry Keigwin. La
soirée à Spolète est tout particulièrement attendue: ici, la compagnie revient seize ans
après avec Errand into the Maze, sur la musique de Gian Carlo Menotti, fondateur du célèbre Festival des Deux Mondes de cette ville
italienne. marthagraham.org
L’American Ballet Theatre a annoncé que José
Manuel Carreño fera ses adieux à la compagnie américaine l’année prochaine; ce danseur
cubain a en effet choisi de continuer à se produire comme “artiste invité” à l’ABT et
ailleurs. Les adieux auront lieu le 30 juillet
2011 dans Le Lac des cygnes où, pour l’occasion, Carreño sera accompagné de deux partenaires: Julie Kent (dans le rôle d’Odette,
c’est-à-dire le cygne blanc) et Gillian Murphy
(Odile). Carreño s’est formé à l’école du Ballet National de Cuba, a dansé dans la compagnie dirigée par Alicia Alonso et a intégré ensuite l’English National Ballet et, enfin,
l’American Ballet Theatre, dont il est principal dancer depuis 1995.
Le programme du Festival International de
Ballet de La Havane a été présenté. Comme
on l’a déjà annoncé, il se déroulera du 28 octobre au 7 novembre. Après la soirée inaugurale (avec le défilé du Ballet National de Cuba,
dirigé par Alicia Alonso), la compagnie-maison dansera La Belle au bois dormant,
Coppélia, Le Lac des cygnes et une Giselle en
hommage à Vladimir Vassiliev (tous, dans les
versions chorégraphiques réglées par Alonso)
et plusieurs autres ballets signés le plus souvent par la grande ballerine cubaine, comme
Shakespeare y sus máscaras ou La flauta
mágica (sur la musique de Riccardo Drigo).
Au programme figurent aussi des soirées de
gala avec des invités étrangers, l’une en étant
to da Alexei Ratmansky, coreografo stabile della compagnia. Scene e costumi sono di Richard
Hudson (noto per aver vinto il Tony Award
per la miglior scenografia con il popolare
musical The Lion King). www.abt.org
Danse (Dance Library) will be paying tribute to Cunningham at the end of November
with screenings of Craneway Event, a film
by Tacita Dean on the American choreographer’s noted “Events”, his one-off extemporaneous creations inspired by the non-dance
places where they were made (in this case a
former factory in California). The tour will
also include the French cities of ClermontFerrand and Metz. Afterwards, the Merce
Cunningham Dance Company returns to the
USA but will be back in Europe (France and
Moscow, Russia) next spring-summer.
www.merce.org
New York City Ballet’s Autumn Season at
the State Theatre, New York closes at the end
of October. The Season’s highlights have included the première of a new ballet by
Benjamin Millepied to music by David Lang.
After the performances it is giving at the International Ballet Festival of Havana (see below), the American troupe will be busy from
November to January ‘delivering’ numerous
performances of George Balanchine’s The
Nutcracker (1954). This family-favourite is
offered in New York, year in year out, with
seats sold-out each time. It is a box-office hit
and provides NYCB with an opportunity to
fill up its tills and its principals and soloists
with a chance to alternate in the many roles
of this timeless classic. www.nycballet.com
cigno bianco) e Gillian
Murphy (Odile). Nato
a Cuba, Carreño si è
formato alla scuola del
Balletto Nazionale di
Cuba, danzando poi in
questa compagnia diretta da Alicia Alonso,
ed entrando in seguito
a far parte del English
National Ballet e, infine, dell’American
Ballet Theatre, di cui
è principal dancer dal
1995.
José Manuel Carreño – Metropolitan
Opera, New York
Alla fine di ottobre la Martha Graham Dance
Company è in tournée in Italia (Spoleto, TriAfter putting in an appearance at the Internaeste, Siena) e in Svizzera italiana (Lugano).
tional Ballet Festival of Havana (Cuba) at the
La compagnia ripropone sei titoli della sua
beginning of November (see below), and befondatrice Martha Graham, che ha fatto la stofore it leaves on tour to appear in London
ria della modern dance americana:
Errand into the Maze, Embattled
Garden, Diversion of Angels, El
Merce Cunningham Dance
Penitiente, Serenata Morisca e il
Company: “Second Hand”
celeberrimo assolo con la sedia
(ph. A. Finke)
Lamentation, oltre a Lamentation
Variations, una “rivisitazioneomaggio” di questo assolo firmata
recentemente dai coreografi Aszure
Barton, Richard Move e Larry
Keigwin. Particolarmente attesa è
la serata a Spoleto, dove la compagnia ritorna dopo sedici anni con
Errand into the Maze, sulla musica di Gian Carlo Menotti, fondatore del Festival dei Due Mondi della città umbra.
Preljocaj et le Bolchoï à
Lyon
L’American Ballet Theatre ha annunciato per l’anno prossimo il ritiro di José Manuel Carreño dalla compagnia americana; il
danzatore ha infatti scelto di continuare a esibirsi come “artista
ospite” allo stesso ABT e altrove.
La serata di addio si terrà il 30 luglio 2011 con un Lago dei cigni in
cui, per l’occasione, Carreño sarà
affiancato da due partners: Julie
Kent (nel ruolo di Odette, cioè il
La dernière création du chorégraphe Angelin
Preljocaj, Suivront mille ans de calme, présentée à Moscou le 14 septembre et reprise à
la Biennale de Lyon le 24 septembre, a ceci
de particulier qu’elle mêle dix danseurs du
Théâtre Bolchoï de Moscou à dix danseurs
de la compagnie Preljocaj. C’était un souhait
du chorégraphe de confronter au contemporain des artistes formés au ballet classique le
plus pur, et inversement, de soumettre ses propres danseurs à l’épreuve du classique le plus
exigeant. Une opération rendue plus facile grâce
à l’année France-Russie qui multiplie les échan-
24
dédiée à Galina Oulanova à l’occasion du centenaire de la naissance de la légendaire ballerine; une autre verra la remise des prix du
VIIème Concours ibéro-américaine de chorégraphie “Alicia Alonso”. Parmi les compagnies
invitées, à signaler les deux troupes américaines majeures: le New York City Ballet avec
des pièces de George Balanchine, Jerome
Robbins et Christopher Wheeldon, et, comme
on l’a déjà annoncé, l’American Ballet Theatre avec Theme and Variations de Balanchine,
Fancy Free de Robbins et Seven Sonatas, une
création de l’année dernière d’Alexeï
Ratmansky, aujourd’hui le chorégraphe-résident de l’ABT. www.festivalballethabanacom
È stato presentato il
programma
del
Festival Internazionale di Balletto
dell’Avana, che,
come già annunciato,
si terrà dal 28 ottobre
al 7 novembre. Dopo
la serata inaugurale
(con il défilé del Balletto Nazionale di
Cuba, diretto da Alicia
Alonso), la compagnia
di casa danzerà La
Bella addormentata, Coppélia, Il lago dei cigni e una Giselle in omaggio a Vladimir
Vassiliev (tutti nelle versioni coreografiche
curate dalla Alonso) e vari altri balletti perlopiù
firmati dalla grande ballerina cubana, come
Shakespeare y sus máscaras o La flauta
mágica (sulla musica di Riccardo Drigo). Sono
previste varie serate di gala con anche ospiti
stranieri, una delle quali dedicata a Galina
Ulanova nel centenario dalla nascita e un’altra con la premiazione del VII Concorso
iberomericano di coreografia “Alicia Alonso”.
Tra le compagnie in programma, da segnalare
le due maggiori americane: il New York City
Ballet con balletti di George Balanchine,
Jerome Robbins e Christopher Wheeldon, e,
come già annunciato, l’American Ballet
Theatre con Theme and Variations di
Balanchine, Fancy Free di Robbins e Seven
Sonatas, creazione dello scorso anno di Alexei
Ratmansky, che è oggi coreografo stabile
dell’ABT. www.festivalballethabanacom
Preljocaj e il Bolshoi
L’ultima creazione del coreografo Angelin
Preljocaj, Suivront mille ans de calme, presentata a Mosca il 14 settembre scorso e ripresa pochi giorni dopo alla Biennale della
Danza di Lione, ha una particolarità: unisce
dieci danzatori del Teatro Bolshoi di Mosca e
dieci della compagnia di Preljocaj. È infatti
desiderio del coreografo mettere alla prova gli
artisti formati all’accademismo più puro con
il contemporaneo, e, viceversa, sottomettere i
suoi danzatori al classico più rigoroso. Un’operazione resa più facile grazie all’anno Fran-
25
with two different programmes (in early February), American Ballet Theatre will offer
a new Nutcracker by its resident choreographer Alexei Ratmansky at the Brooklyn Academy of Music (BAM), New York. The scenery and costumes for this new version of the
much-loved classic, offered in response to
New York City Ballet’s traditional version,
are designed by Richard Hudson (noted for
having won the Tony Award for his sets in
the popular musical The Lion King).
www.abt.org
At the end of October Martha Graham
Dance Company will tour Italy (Spoleto,
Trieste, Sienna) and Italian-speaking Switzerland (Lugano). The troupe is offering six iconic
works by its founder Martha Graham, all of
which make up the history of American modern dance: Errand into the Maze, Embattled
Garden, Diversion of Angels, El Penitiente,
Serenata Morisca and the famous solo with a
chair, Lamentation, as well as Lamentation
Variations, a recent revisitation of (and tribute to) this solo, collectively made by choreographers Aszure Barton, Richard Move and
Larry Keigwin. The company is awaited with
eager anticipation in the Umbrian town of
Spoleto, where it is returning after an absence
of 16 years, as it is offering Errand into the
Maze, the score for which was written by Gian
Carlo Menotti who founded Spoleto’s Festival of the Two Worlds.
American Ballet Theatre has announced that
José Manuel Carreño is retiring from the
troupe as of next year; he will, however, continue to perform with ABT and elsewhere as
guest-artist. His farewell performance will be
in Swan Lake on 30 July 2011. On that occasion, Carreño will have two different partners: Julie Kent (as Odette, the White Swan)
and Gillian Murphy (the Black Swan Odile).
Carreño was born in Cuba and studied at the
School of the National Ballet of Cuba, subsequently joining the company, directed by
Alicia Alonso. He later joined the English
National Ballet and, ultimately, American
Ballet Theatre where he has been a principal
since 1995.
The programme of the International Ballet
Festival of Havana (28 October - 7 November) has been announced. The opening night
will include a parade by the National Ballet
of Cuba, directed by Alicia Alonso), while as
from following night the company will offer
a series of classics such as The Sleeping
Beauty, Coppélia, Swan Lake and Giselle (a
tribute to Vladimir Vasiliev). The choreography for all of these ballets, and for several
others such as Shakespeare y sus máscaras
and La flauta mágica (to a score by Riccardo
Drigo), is by Alicia Alonso. There are to be
various gala performances with guest artists
from abroad; one such performance will be
devoted to Galina Ulanova on the centenary
ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS
ges entre les deux pays, comme par exemple
la venue du Ballet de Novossibirsk l’été dernier à Paris. La prudence du chorégraphe lui
a fait choisir, parmi les 130 candidats présents
à l’audition, une seule soliste, préférant prendre les 9 autres parmi le corps de ballet. Ceuxci sont à la fois plus curieux et plus disponibles. Pour Preljocaj et les danseurs de sa
compagnie installée à Aix-en-Provence, l’été
fut donc fiévreusement moscovite. L’échange
semble avoir été profitable des deux côtés,
puisque les danseurs du Bolchoï ont très vite
assimilé le style Preljocaj qui, de son côté, a
vite perdu une timidité initiale: “Je préparais
soigneusement les enchaînements seul en studio
avant de travailler avec eux de crainte de ne
pas être à la hauteur de leur attente. Mais peu
à peu, nous nous sommes apprivoisés, et le
travail s’est poursuivi ensemble à partir de ce
qu’ils me suggéraient”. Quant aux danseurs
de sa compagnie, ils ont apprécié la qualité et
la chaleur des rapports humains noués avec
les artistes du Bolchoï, rapports d’autant plus
forts que le chorégraphe les a mêlés aux danseurs russes “comme le lait dans le café”.
Le thème du spectacle est celui de l’Apocalypse, rien de moins. Les costumes sont dessinés par le très branché couturier Igor
Chapurin, une des dernières coqueluches moscovites.
Pour ceux qui n’étaient pas à Moscou en
septembre, ni à Lyon quelques jours plus tard,
rien n’est perdu puisque le spectacle sera à
Paris au Théâtre de Chaillot durant tout le mois
d’octobre et en tournée jusqu’à la fin de l’année dans sa configuration actuelle. Ensuite,
chaque compagnie reprendra la pièce mais cette
fois, interprétée exclusivement par ses propres
danseurs.
Sonia Schoonejans
cia-Russia che incentiva gli scambi tra i due
Paesi (com’è stato con la visita del Balletto
dell’Opera di Novossibirsk quest’estate a Parigi). Con prudenza il coreografo ha scelto,
tra i 130 danzatori, un’unica solista, preferendo
9 membri del corpo di ballo, che egli considera più curiosi e disponibili. Per Preljocaj e i
danzatori della sua compagnia che ha sede a
Aix-en-Provence (nel sud della Francia) è dunque stata un’estate moscovita. Lo scambio sembra essere stato proficuo per entrambe le parti, dato che i danzatori del Bolshoi hanno
assimilato assai velocemente lo stile di Preljocaj
che, dal canto suo, è riuscito ad abbandonare
quanto prima un’iniziale timidezza: “Preparavo accuratamente le sequenze da solo in sala,
prima di lavorare con loro per timore di non
essere all’altezza delle loro aspettative. Ma poco
a poco, abbiamo imparato a conoscerci, e abbiamo continuato il lavoro insieme: il punto
di partenza erano i loro suggerimenti”. Quanto ai danzatori della sua compagnia, hanno apprezzato la qualità e il calore dei rapporti umani
instauratisi con gli artisti del Bolshoi, tanto
che il coreografo ha voluto mischiarli in questo suo lavoro.
Il tema del balletto, che s’intitola Suivront
mille ans de calme (“Seguiranno mille anni
di calma”) è l’Apocalisse. Niente meno. I costumi sono disegnati da uno stilista molto di
tendenza come Igor Chapurin, uno degli ultimi beniamini della moda moscovita.
Per chi non era a Mosca né a Lione in settembre, non c’è da preoccuparsi: lo spettacolo è a Parigi al Théâtre de Chaillot per tutto il
mese di ottobre e in tournée sino alla fine dell’anno nella sua forma attuale. In seguito entrambe le compagnie riprenderanno il balletto ma ciascuna solo con i propri artisti.
Sonia Schoonejans
Bolshoi Ballet, Ballet Preljocaj: “Suivront mille ans de calme”, c. Angelin Preljocaj
(ph. C. Ganet)
26
of her birth, another will be given as part of
the prize-giving ceremony of the 7th Alicia
Alonso Iberian-American Choreography
Competition. Companies performing at the
Festival include the USA’s two largest troupes
– New York City Ballet (in ballets by George
Balanchine, Jerome Robbins and Christopher
Wheeldon) and, as mentioned above, American Ballet Theatre (in Theme and Variations
by Balanchine, Fancy Free by Robbins and
Seven Sonatas (2009) – the latter is a ballet by
Alexei Ratmansky who is now ABT’s resident
choreographer).
www.festivalballet
habana.com
Preljocaj and the Bolshoi
Choreographer Angelin Preljocaj’s latest
work, Suivront mille ans de calme, was
premièred in Moscow on 14 September and
revived a few days later at the Lyon Dance
Biennial. The unusual thing about this work
is that it brings together 10 dancers from the
Bolshoi Ballet, Moscow and 10 from Preljocaj’s
own company. Preljocaj likes to employ traditional ballet dancers in contemporary works
and, vice-versa, his own dancers in academic
ballet. This ‘operation’ was made possible
thanks to the Russia-France Year which has
encouraged exchange between the two countries (for example, this summer, the appearance in Paris of the Novosibirsk Ballet).
Preljocaj selected only one soloist out of the
130 dancers, together with the 9 corps de ballet members whom he considered most to be
the most ‘game’ for this venture. It has been
a Muscovite summer for Preljocaj and the dancers from his troupe, based in Aix-en-Provence
(south of France), a highly successful exchange
for both parties, seeing as the Bolshoi dancers were quick to assimilate Preljocaj’s style.
For his part, the choreographer was able to
overcome his initial shyness: “I used to prepare the sequences on my own in the rehearsal
studio because I was frightened that I would
not meet their expectations. But little by little
we got to know one another and we began
working together: I used their suggestions as
my starting-point.” As for the dancers from
his troupe, they appreciated the quality and
the warm relations established with the Bolshoi
dancers and this led to Preljocaj having them
dance together in this work.
The theme of his ballet, entitled Suivront
mille ans de calme (“And then, one thousand
years of peace”) is no less than The Apocalypse. Costumes are by trendy Russian designer
Igor Chapurin, who is all the rage on the Moscow fashion scene.
If you could not make to either Moscow or
Lyon in September, no worries: the ballet will
be on at the Théâtre de Chaillot, Paris for the
entire month of October and, afterwards, on
tour until the end of the year with the mixed
cast. Subsequently, both troupes will revive
the ballet, but each with its own dancers alone.
Sonia Schoonejans
LA COUVERTURE
LA COPERTINA
Joaquín et les
autres, la danse
espagnole
superstar
Joaquín e gli
altri, la danza
spagnola
superstar
La danse espagnole de base
traditionnelle est en train de
vivre de grands changements.
Dans ce monde chorégraphique
varié et complexe, qui a toujours
un grand succès à l’étranger,
Joaquín Cortés et Aída Gómez
sont les deux grandes
personnalités actuelles,
représentant respectivement le
flamenco moderne sous sa forme
théâtrale et la danse de tradition
la plus raffinée
Alors que le ballet en Espagne se noie dans
des intrigues de pouvoir et des entraves administratives, la danse espagnole (qui, outre la tradition de l’“Escuela Bolera”, la danse classique du XIXème siècle, comprend également
le ballet flamenco et ses déclinaisons les plus
contemporaines) est en train de vivre une sorte
de révolution interne, un moment de changements profonds concernant sa conception et sa
forme.
D’un côté, la mainmise de José Antonio Ruiz à la tête du Ballet Nacional
de España (BNE) semble arriver
à sa fin, après plus de six
ans (telle a été la durée de son
deuxième
mandat à la
direction artistique de la
compagnie).
Tout le monde est
d’accord sur le fait
que le BNE a besoin
d’un renouvellement
profond et d’un changement de direction. De
l’autre, le flamenco contemporain et “métissé” connaît de
plus en plus de succès, demandé
comme il l’est sur la scène internationale. Les compagnies de format moyen s’imposent mais l’on remarque l’absence de personnalités de
renom, de nouvelles étoiles qui puissent
occuper l’espace des artistes célèbres qui
atteignent aujourd’hui leur maturité.
Le Festival de Flamenco de New York aura
La danza spagnola di base
tradizionale sta vivendo un
periodo di grandi cambiamenti.
In questo mondo variegato e
complesso, che ha pur sempre
grande successo all’estero,
Joaquín Cortés e Aída Gómez
sono le due grandi figure di oggi,
che rappresentano
rispettivamente il flamenco
moderno in forma teatrale e la
danza di tradizione più raffinata
Joaquín Cortés:
“Calé”,
Madrid
2010
THE COVER
Joaquín & Co.,
Spanish Dance
is the star
Spanish traditional dance is
undergoing a period of profound
change. This varied and complex
genre is popular abroad with its
two contemporary stars, Joaquín
Cortés and Aída Gómez,
respectively representing modern
stage flamenco and traditional
Spanish dancing at its most
refined
bientôt 10 ans, exerçant
une influence importante
sur la scène espagnole.
Cet événement, qui
a débuté comme un
festival mineur, a
grandi au cours
du temps. Il
est soutenu
aujourd’hui par
des financements publics du Ministère de la Culture espagnol et des régions d’Espagne et il a essaimé à Washington,
Chicago et Miami. Ce festival est devenu
ainsi un creuset pour tous les artistes de la danse
espagnole actuelle, mais ce qui en sera de cette
manifestation à l’avenir demeure un mystère que
l’organisation ne veut pas dévoiler. L’une des
28
Mentre il balletto in Spagna è in balia degli
intrighi di potere e degli inghippi burocratici, la
danza spagnola (che oltre alla tradizione della
“Escuela Bolera”, che è la danza classica dell’Ottocento, comprende anche il balletto flamenco
e le sue declinazioni più sperimentali) sta attraversando una sorta di rivoluzione interna, un
momento di profondi cambiamenti di concezione e di forma.
Da una parte, sembra giunta la fine del regno
di José Antonio Ruiz a capo del Ballet Nacional
de España (BNE) dopo più di sei anni (tanto è
durato il suo secondo mandato alla direzione artistica della compagnia). Tutti concordano sul
fatto che il BNE abbia bisogno di un profondo
rinnovamento e di un cambio di direzione. Dall’altra, il flamenco contemporaneo e “meticciato”
conosce sempre più successo e richieste sulla
scena internazionale; le compagnie di medio formato si impongono e si nota molto la carenza
di figure di rilievo, di nuove stelle che possano occupare lo spazio di quei grandi artisti che vivono oggi la loro maturità.
Il Festival di Flamenco di New York sta
per compiere 10 anni e ha un’influenza importante sulla scena spagnola. Quest’evento, che è
nato come una rassegna modesta, è andato ampliandosi. Vanta oggi sovvenzioni pubbliche dal
Ministero della Cultura spagnolo e dalle regioni
della Spagna e ha appendici a Washington,
Chicago e Miami. Questo festival è diventato
così una meta per tutti gli artisti della danza spagnola di oggi, ma ciò che sarà di questa rassegna nel futuro resta un mistero che l’organizzazione non intende svelare. Una delle personalità
favorite da questo festival è María Pagés, che
gode di un prestigio consolidato negli Stati Uniti. Mikhail Baryshnikov l’ha invitata recentemente
29
While ballet in Spain is riven by power games
and bureaucratic hitches, Spanish dancing
(which aside from the traditional classical 19th
century “Escuela Bolera” also comprises flamenco in its most modern denominations) is
undergoing a sort of internal revolution which
is bringing about profound changes in both
concept and form.
The reign of José Antonio Ruiz, artistic director of the Ballet Nacional de España (BNE),
seems to be coming to a close after over six
years (the duration of his second mandate at
the company’s helm). Everyone agrees that
BNE needs a thorough revamping and change
of direction. On another front, contemporary
“cross-over” flamenco is growing in popularity and is increasingly in international demand.
Medium-size troupes are sprouting up and the
absence of prominent personalities – rising stars
that could one day take over from those great
artists who are now in the full ripeness of their
years – is evident.
The New York Flamenco Festival, which
is now into its 10th year, has a major influence on the Spanish scene. This festival began as a fairly modest affair but has gradually grown. It is subsidized by the Spanish
Ministry of Culture and Regions and has “offshoots” in Washington, Chicago and Miami.
To perform at this festival is a “must” for Spanish dancers today, but what is to become of
this event in the future remains a mystery that
its organizers do not intend to disclose. One
of the festival’s regulars is María Pagés who
is highly respected in the USA. Recently
Mikhail Baryshnikov invited her to his choreography centre and together they co-authored
various projects. This year Miss Pagés debuted
personnalités préférées de ce festival est María
Pagés, dont le prestige aux États-Unis est désormais consolidé. Mikhail Baryshnikov l’a invitée récemment dans son centre chorégraphique à New York (Baryshnikov Arts Center) et
ils ont travaillé ensemble à divers projets. De
surcroît, Pagés a débuté cette année dans une
pièce controversée avec Sidi Larbi Cherkaoui.
De son côté, Israel Galván est devenu une vraie
coqueluche de la scène internationale. Mais il
n’en est pas de même en Espagne: certains l’adorent et d’autres le considèrent seulement comme
une mode passagère. Après ses succès à Lyon
et à Montpellier, sa pièce, El final de este estado
de cosas, Redux a été reprise récemment à Madrid avec des résultats prévisibles. Polémiste,
autoritaire, surréaliste sui generis, Galván est une
rara avis qui, tout en allant à contre-courant,
trouve parfaitement sa place dans le complexe
panorama actuel: il fait ce qu’il veut et il est très
difficile de regarder ses pièces dans une perspective critique conventionnelle.
La cote de l’Escuela Bolera (le ballet espagnol avec chaussons et castagnettes, le genre
espagnol le plus ancien et le plus proche de la
danse académique, le plus difficile aussi à exécuter à la perfection) est tout à fait à la baisse et
sa situation est aléatoire. Pour certains spécialistes, on ne l’enseigne plus correctement, même
pas dans les conservatoires, ce qui met en danger sa préservation. Mais Aída Gómez, la personnalité féminine principale du “ballet de danse
espagnole”, a réalisé un projet ambitieux intitulé Permíteme bailarte, présenté désormais dans
presque toute l’Espagne. Il s’agit d’une anthologie de styles et de danses chorégraphiées par
elle-même et par Mariemma, avec un hommage
rendu à Pilar López et Antonio Ruiz Soler (le
“Grand Antonio”), les deux piliers de la danse
espagnole. Il faut reconnaître indiscutablement
à Aída Gómez le mérite d’avoir été la première
au XXIème siècle à se rappeler cette tradition
importante et ses styles. Elle a su en faire son
objectif principal. Maintenant Aída Gómez est
en tournée avec sa Carmen, la première créée
par une femme selon les canons de la danse espagnole, ce qui lui permet d’adopter un point de
vue différent. En s’appuyant, pour cette relecture contemporaine, sur les thèmes musicaux
archi-connus de l’opéra de Georges Bizet, Aída
Gómez a créé une Carmen d’envergure, dynamique, avec une conception théâtrale moderne,
sans se conformer aux stéréotypes auxquels le
mythe de la cigarière sévillane nous a accoutumés.
On peut dire que Gómez a été le modèle de
référence pour le programme d’Escuela Bolera
actuellement à l’affiche du BNE. Son intérêt principal réside dans la reprise de quelques chefsd’œuvre d’Antonio Ruiz Soler et d’Ángel Pericet.
Du premier, on propose Eritaña (musique d’Isaac
Albéniz) créé en 1958 et repris par lui-même en
1981 pour le BNE. Dans ce programme, on peut
aussi voir Seis sonatas para la Reina de España
d’Ángel Pericet sur la musique de Domenico
Scarlatti et plus représenté depuis ses débuts à
Spolète en 1985. En ce qui concerne la Escuela
Bolera, le fait est qu’il s’agit d’un genre très difficile à danser correctement. C’est pourquoi la
désinvolture du nouveau flamenco et son côté
nel suo centro coreografico e insieme hanno firmato vari progetti. La Pagés inoltre ha debuttato quest’anno in un lavoro controverso con Sidi
Larbi Cherkaoui. Dal canto suo, Israel Galván è
diventato un vero beniamino della scena internazionale. Ma non è così in Spagna: c’è chi lo
adora e chi lo considera semplicemente una moda
passeggera. Dopo i successi a Lione e a
Montpellier, il suo lavoro, El final de este estado
de cosas, Redux è stato rimesso in scena recentemente a Madrid con risultati prevedibili. Polemico, autoritario, surrealista sui generis, Galván
è una rara avis che pur andando controcorrente
si inserisce perfettamente nel complesso panorama attuale: fa ciò che vuole ed è molto difficile guardare al suo lavoro con un’ottica critica
convenzionale.
La Escuela Bolera (il balletto spagnolo con
scarpine e nacchere, il genere spagnolo più antico e più vicino alla danza accademica, oltre
che il più difficile da eseguire alla perfezione)
continua a essere in calo e la sua situazione è
densa di misteri. Per alcuni specialisti, si insegna male perfino nei conservatori, mettendone
in pericolo la conservazione. È stata la figura
femminile principale del “balletto di danza spagnola”, Aída Gómez, a realizzare un ambizioso
progetto dal titolo Permíteme bailarte, presentato ormai in quasi tutta la Spagna. Si tratta di
un’antologia di stili e danze coreografate da lei
stessa e da Mariemma, rendendo omaggio a Pilar
López e Antonio Ruiz Soler, i due grandi pilastri della danza spagnola. Ad Aída Gómez va
riconosciuto indiscutibilmente il merito di essere stata la prima nel XXI secolo a ricordarsi di
questa importante tradizione, e dei suoi stili. E
ha saputo farne il suo punto di forza. Ora Aída
Gómez è in tournée con la sua Carmen, la prima creata da una donna secondo i canoni della
danza spagnola, il che le permette di adottare
un punto di vista diverso. Avvalendosi per questa sua rilettura contemporanea degli arcinoti temi
musicali dell’opera di Georges Bizet, Aída Gómez
ha creato una Carmen di ampio respiro, dinamica, con una concezione teatrale moderna, andando oltre gli stereotipi a cui il mito della sigaraia
sivigliana ci ha abituati.
In buona sostanza è seguendo le orme della
Gómez che il BNE ha messo poi a punto il suo
spettacolo di Escuela Bolera (attualmente in cartellone), il cui interesse risiede principalmente
nel recupero di alcuni capolavori di Antonio Ruiz
Soler e Ángel Pericet. Del “grande Antonio”, è
proposto Eritaña (musica di Isaac Albéniz) creato nel 1958 e ripreso da lui stesso nel 1981 per
il BNE. In questo stesso programma si possono
anche vedere Seis sonatas para la Reina de
España di Ángel Pericet su musica di Domenico
Scarlatti e non più rappresentato dai tempi del
suo debutto a Spoleto nel 1985. Per quanto riguarda la Escuela Bolera, il punto è che è un
genere molto difficile da danzare correttamente. Ecco perché invece la disinvoltura del nuovo
flamenco, la sua platealità e la facile
spettacolarizzazione finiscono purtroppo per
imporsi.
La tendenza “fusion” ha incontrato negli anni
Novanta del XX secolo un favore che ha finito
per avere la meglio sul repertorio tradizionale,
in modo analogo a ciò che accadde in alcune
30
in a controversial work with Sidi Larbi
Cherkaoui. We must mention here Israel Galván
who has become highly popular abroad, but
not so in Spain where there are those who adore
him but others who consider him nothing but
a passing fad. After the successful performances of his El final de este estado de cosas,
Redux in Lyon and Montpellier, the work was
recently restaged in Madrid with predictable
results. Galván is an argumentative, authoritarian, surreal and unique artist that goes against
the mainstream yet fits in admirably on the
current scene: he does what he likes and so it
is very hard to assess his work from a conventional standpoint.
La Escuela Bolera, performed in soft slippers and with castenets, is the Spanish dancing style that is closest to classical ballet, as
well as the most difficult one. Its popularity
is declining and its future is shrouded in mystery. Some specialists maintain that the fact
that it is badly taught even in the conservatoires
is jeopardizing its preservation. The leading
celebrity of this Spanish form of ballet, Aída
Gómez, has realized an ambitious project entitled Permíteme bailarte which has been presented amost everywhere in Spain. It is an anthology of styles and dances, with choreography
by herself and Mariemma, that pays tribute to
Pilar López and Antonio Ruiz Soler, the two
pillars of Spanish dance. We have to give credit
to Aída Gómez for having been the first artiste of the 21st century to devote attention to
this important tradition and its styles. Indeed,
bolero has become her battlehorse. She is now
touring her Carmen, the first version created
by a woman according to the rules of Spanish
dancing – and this has allowed her to approach
the subject from a different angle. Using the
well-known music from Georges Bizet’s opera, Aída Gómez has produced a contemporary rendition of Carmen which has breadth
and is dynamic: a work that reveals a modern
theatricality and goes beyond those stereotypes
(so rife in other renderings of the story of the
legendary cigar-factory worker from Seville).
Following in Gómez’s footsteps, BNE has
produced its own Escuela Bolera programme
(currently showing), the lynchpins of which
are the resurrected masterpieces by Antonio
Ruiz Soler and Ángel Pericet. These include
Eritaña (music by Isaac Albéniz) which
“grande Antonio” made in 1958 and revived
for BNE in 1981. The programme also includes
Seis sonatas para la Reina de España by Ángel
Pericet to music by Domenico Scarlatti which
has not been performed since it debuted at
Spoleto in 1985. The point is that it is very
hard to dance the bolero style in a correct fashion and this explains why the new forms of
flamenco, so self-assured, showy and overthe-top, tend (alas) to dominate the scene.
The “fusion” trend which became the rage
in the 1990’s ended up by prevailing over the
traditional repertoire, analagously to what happened in some of the big ballet companies (including the Paris Opéra) where works that were
deemed “old-fashioned” began to be cast aside
in favour of new creations which, paradoxically, were no sooner created than forgotten.
spectaculaire ont
fini malheureusement par s’imposer.
La tendance
“fusion” a obtenu
dans les années
1990 une faveur
telle qu’elle l’a
emporté sur le répertoire traditionnel, de manière
analogue à ce qui
s’est passé dans
certaines des grandes compagnies
de ballet classique,
où l’on a mis de
côté tout ce qui
était considéré
comme “démodé”
en faveur de créations qui, paradoxalement, ont tout
de suite été
oubliées (parmi
ces troupes, rien
moins que le Ballet de l’Opéra de
Paris). Cette tendance s’est estompée par la suite, en
trouvant un compromis avec des
formes plus équilibrées. Il est toutefois clair que le
ballet flamenco et
toute la danse espagnole devraient
se libérer de ce
diktat, dans lequel
on confond le
vieux avec l’ancien, ce que l’on
doit renouveler
avec ce que l’on
doit garder, sans
perdre le caractère
d’authenticité.
Mais la tendance “fusion” va
aujourd’hui plus
loin, elle puise
dans la richesse et la variété de la danse espagnole du passé et abandonne ce minimalisme
pernicieux qui a beaucoup nui à la danse sous
toutes ses formes. Rarement la simplification a
donné des résultats esthétiques de valeur. Et jamais dans le ballet, hormis des exceptions rarissimes. Le flamenco a eu recours à trois éléments pour composer ses spectacles: le taconeo,
une scène dépouillée et des percussions ethniques ou métissées en style jazz. Peut-être cette
tendance va-t-elle bientôt arriver à son terme:
les chorégraphes d’aujourd’hui ont compris
qu’il n’y a rien de rétrograde à regarder en
arrière et à chercher dans les tiroirs de la mémoire collective. C’est ainsi que surgit une tendance “vintage” (à l’ancienne), comme celle
Aída Gómez:
“Fandango del Candil”
(ph. P. Ruiz)
grandi compagnie di balletto classico dove si
accantonò ciò che era considerato come “passato di moda” in favore di creazioni che, paradossalmente, finivano subito nel dimenticatoio (tra
quelle compagnie, anche il Balletto dell’Opéra
di Parigi). Questa tendenza in seguito si è stemperata, trovando un compromesso con forme più
equilibrate. È tuttavia chiaro che il balletto
flamenco e tutta la danza spagnola dovrebbero
sbarazzarsi di questo diktat, in cui si confonde il
vecchio con l’antico, ciò che si deve rinnovare
con ciò che si deve conservare, senza perdere la
sua denominazione di autenticità.
Oggi la tendenza “fusion” va oltre, attinge dalla
ricchezza e dalla varietà della danza spagnola
del passato e accantona quel minimalismo per-
31
This trend subsequently subsided or became
more balanced. However, it is clear that flamenco and all Spanish dancing should shake
off this imperative which prevents one from
distinguishing between “obsolete” and “ancient” and between what needs to be refreshed
and what needs to be preserved without losing its authenticity.
Today’s “fusion” trend, however, goes beyond and taps into the richness and variety of
Spanish dancing of yore, wisely avoiding that
destructive minimalism that has been so harmful
to dance in general. Very rarely has simplification yielded worthwhile aesthetic results, and
even more rarely when it comes to ballet. Flamenco, for example, has tended to resort to
Anita Rodríguez
(Festival Flamenco –
ph. J. Suárez)
expérimentée
par Ángel Rojas
et
Carlos
Rodríguez, avec
leur Nuevo Ballet
Español, ou par Antonio Najarro, ancien
“primero bailarín” du Ballet Nacional de España et
qui est en train de se faire connaître internationalement avec
sa compagnie. Cette tendance
“vintage” se retrouve dans le style
des
costumes et dans le choix de res- susciter
certains bailes qui ne sont plus pratiqués (vivant seulement dans les films de l’époque ou
dans la mémoire des professeurs). À cette tendance s’ajoute celle de souci théâtral. Un spectacle récent qui rassemble un danseur flamenco
de qualité, José Merino, et un danseur classique bien connu, Jesús Pastor, s’est révélé une
œuvre émouvante: Encontra2. La danseuse
Selene Muñoz associe à son image gracieuse
la préoccupation d’un renouvellement esthétique et plastique. Il faut aussi mentionner Jonathan Miró et David Coria.
Les grandes personnalités internationales
changent avec le temps, mais Joaquín Cortés
demeure indiscutablement la vraie star. Au-delà
des aspects non strictement professionnels (il
ne faut pas oublier que Cortés est une personnalité médiatique mondiale, la seule à ce niveau dans le cadre de la danse espagnole, dont
la popularité comme danseur soit comparable
à celle dont bénéficiait en son temps Rudolf
Noureev, devenu un mythe aujourd’hui), il a
ressuscité avec vigueur la nouvelle version de
sa pièce-fétiche: Calé (un mot de la langue gitane) dans laquelle il s’entoure d’un corps de
ballet exclusivement féminin important, de haut
niveau et à l’impact visuel certain. Cette danse
nicioso, che
tanto ha nuociuto alla danza in tutte
le sue forme. Poche volte
la semplificazione ha portato a
risultati estetici davvero validi. E mai
nel balletto, salvo rare eccezioni. Il
flamenco ha fatto ricorso a tre elementi per
comporre i suoi spettacoli: il taconeo, una scena spoglia e le percussioni etniche o meticciate
in stile jazz. Forse questa tendenza sta per finire
e i coreografi di oggi hanno capito che non c’è
nulla di retrogrado nel guardarsi indietro e nel
cercare nei cassetti della memoria collettiva. Ecco
allora che nasce una tendenza “vintage”, come
quella sperimentata da Ángel Rojas e Carlos
Rodríguez, col loro Nuevo Ballet Español, o da
Antonio Najarro, già primo ballerino del Ballet
Nacional de España e che si sta facendo conoscere internazionalmente con la sua compagnia.
Questa tendenza “vintage” si ritrova nello stile
dei costumi e nella scelta di risuscitare certi bailes
non più praticati (solo presenti in film d’epoca
o nella memoria dei maestri). A questa tendenza si accosta quella teatrale. Uno spettacolo recente che unisce un danzatore flamenco di qualità, José Merino, con un ballerino classico ben
noto, Jesús Pastor, si è rivelato un’opera emozionante: Encontra2. La ballerina Selene Muñoz
unisce alla sua figura aggraziata la preoccupazione per il rinnovamento estetico e plastico.
Vanno anche menzionati Jonathan Miró e David
Coria.
Le grandi personalità internazionali cambiano con il tempo, ma alla loro testa resta sempre
indiscutibilmente Joaquín Cortés. Al di là degli
aspetti non propriamente professionali (non va
dimenticato che Cortés è una figura mediatica
32
just three elements in the composition of its
shows: taconeo, a stark stage and ethnic
percussions sometimes cross-bred with jazz
ones. Hopefully this tendency is dying out and
today’s choreographers have understood that
there is nothing outdated about looking back
and scouring the recesses of collective memory.
This is now leading to a “vintage” trend such
as that followed by Ángel Rojas and Carlos
Rodríguez with their Nuevo Ballet Español,
or by Antonio Najarro, a former principal of
the Ballet Nacional de España, who is making a name for himself and his troupe on the
international scene. This “vintage” propensity
can be seen both in costuming and in the exhumation of certain archaic bailes that were
no longer being performed (but had lived on
only in period films or in the memories of the
old teachers). A similar trend is gaining ground
in the theatre. Recently, a flamenco dancer
of quality, José Merino, and a well-known
ballet dancer, Jesús Pastor, came together
in what turned out to be a truly exciting show: Encontra2. The graceful
ballerina body of Selene Muñoz
endeavours to find ways of achieving aesthetic renewal and greater
plasticity. We should also mention
dancers like Jonathan Miró and David
Coria.
International celebrities change with the times
but Joaquín Cortés continues undisputedly to
be in the vanguard. Notwithstanding his somewhat unprofessional aspects – Cortés is Spain’s
one and only world-famous media celebrity,
whose fame as a dancer is comparable to that
enjoyed by the legendary Rudolf Nureyev in
his heyday – Cortés has resuscitated with vigour
the new version of his iconic work Calé (a
Gitano word) in which he surrounds himself
with an all-female corps de ballet, highly skilled
and highly spectacular. This energetic dance
of the Amazons, centred around the figure of
a triumphant Achilles, shows the true colours
of the artiste from Cordoba: he is the best and
most international Spanish dancer of his generation. Cortés has always been obsessed with
extracting flamenco from its traditional and
repetitive context and he is now consequently
working on a complex project for his troupe:
establishing a school and choreography centre in Madrid the purpose of which will be to
change, yet again, the aesthetic direction of
Spanish dance and its international reverberation. Since the days of Antonio Gades, no one
has ever exerted as much influence as Cortés.
Antonio Gades was the key personality who
preceded him and his spirit, together with his
production, live on thanks to the troupe subsidized by the Fundación Antonio Gades, an
institution that has administered the legacy of
the great dancer/choreographer who died about
ten years ago. The Compañía Antonio Gades
continues to perform those five works which
can be restaged with rigorous observance of
their original style: Bodas de sangre (Gades’
most widely-performed work which has also
featured in the repertoires of classical companies such as the Rome Opera Ballet, the Ballet
de Nancy and the National Ballet of Cuba),
vigoureuse d’amazones derrière un Achille vainqueur a montré encore une fois l’artiste de Cordoue pour ce qu’il est: le danseur espagnol le plus
international et le meilleur de sa génération. Extirper le flamenco de son domaine traditionnel et
répétitif a toujours été son obsession. C’est pourquoi il s’occupe aujourd’hui d’un projet complexe
pour une compagnie, une école et un centre chorégraphique à Madrid, qui devrait changer encore une fois la direction esthétique de la danse
espagnole et son amplification internationale.
Depuis l’époque de Gades, personne n’a exercé
comme lui une telle influence.
Antonio Gades a été la personnalité-clef qui
l’a précédé et son esprit, ainsi que son œuvre,
continue de vivre grâce à la compagnie soutenue
par la Fundación Antonio Gades, une institution
qui s’est occupée de l’héritage du grand danseur
et chorégraphe, mort il y a une décennie. La
Compañía Antonio Gades continue de représenter les cinq œuvres qui peuvent être remontées et
présentées aujourd’hui encore avec une rigueur
stylistique: Bodas de sangre (la plus diffusée et
qui a fait aussi partie du répertoire de compagnies classiques comme le Ballet de l’Opéra de
Rome, le Ballet de Nancy et le Ballet Nacional
de Cuba), Carmen, Suite flamenca, El amor brujo
et Fuenteovejuna, sa dernière création. En mai
2011, la compagnie présentera tous ces titres au
Teatro Real de Madrid, dans une rétrospective
qui aura le parfum d’un hommage posthume. Même
si, en vérité, ces œuvres sont aujourd’hui plus
vivantes que jamais. Si l’on pense à ces pièces,
l’état de crise créatrice actuelle de la danse espagnole, toujours mystérieuse et tellurique, apparaît bien évident.
Roger Salas
Vidéos, olé!
Si l’on consulte la vidéographie de la danse
espagnole, on constate que le flamenco et le cinéma constituent un binôme couronné de succès
depuis le célèbre film Los Tarantos.
Tourné par Francisco Rovira Beleta en 1963,
ce drame musical flamenco, situé dans la banlieue de Barcelone à l’époque franquiste, raconte
la rivalité entre deux bandes de gitans (en s’inspirant vaguement de Roméo et Juliette) avec une
esthétique de “cinéma vérité” typique de ces années. Dans la distribution figurent la mythique
Carmen Amaya (époustouflante dans ses séquences
de zapateado ou quand elle bat le rythme en frappant la table de ses doigts) et un séduisant Antonio Gades, âgé de vingt-sept ans, qui a vraiment
l’allure d’une vedette de cinéma.
Mais c’est la collaboration entre Gades lui-même
et un réalisateur de renom comme Carlos Saura
(admiré même par le grand maître du surréalisme
cinématographique Luis Buñuel) qui a donné vie
à une union heureuse entre le ballet flamenco et
le septième art. Portant à l’écran les ballets du
grand danseur et chorégraphe espagnol (Bodas
de sangre, Carmen et El amor brujo), avec des
bailaores, cantaores et musiciens célèbres, Saura
s’est créé une image de réalisateur de films chorégraphiques. En effet, il a ensuite collaboré également avec Aída Gómez, qui a signé la chorégraphie du film Salomé et interprété le rôle-titre.
Splendide est sa danse des sept voiles: une profu-
mondiale, l’unica a quel livello nell’ambito della danza spagnola, la cui fama come danzatore
sia comparabile a quella di cui godeva ai suoi
tempi l’oggi mitico Rudolf Nureyev), ha risuscitato con vigore la nuova versione della sua
opera-feticcio: Calé (una parola della lingua gitana) nella quale si circonda di un nutrito corpo
di ballo esclusivamente femminile di alta qualità e impatto visivo. Questa danza vigorosa di
amazzoni davanti a un Achille vincitore ha mostrato di nuovo l’artista di Cordoba per quel che
è: il danzatore spagnolo più internazionale e il
migliore della sua generazione. Togliere il
flamenco dal suo ambito tradizionale e ripetitivo
è sempre stata una sua ossessione. Per questo è
ora alle prese con un complesso progetto per
una compagnia, una scuola e un centro coreografico a Madrid, che dovrebbe cambiare ancora una volta la direzione estetica della danza spagnola e la sua risonanza internazionale. Dai tempi
di Gades, nessuno come Cortés ha esercitato una
tale influenza.
Antonio Gades è stata la figura-chiave che lo
ha preceduto e il suo spirito, oltre alla sua opera, continua a vivere grazie alla compagnia sostenuta dalla Fundación Antonio Gades, una istituzione che si è occupata dell’eredità del grande
danzatore e coreografo morto una decina di anni
fa. La Compañía Antonio Gades continua a rappresentare quelle cinque opere che possono essere oggi rimontate e presentate con rigore
stilistico: Bodas de sangre (la più diffusa e che
ha fatto anche parte del repertorio di compagnie
classiche come il Balletto dell’Opera di Roma,
il Ballet de Nancy e il Ballet Nacional de Cuba),
Carmen, Suite flamenca, El amor brujo e
Fuenteovejuna, la sua ultima creazione. Nel
maggio del 2011 la compagnia presenterà tutti
questi titoli al Teatro Real de Madrid, in una
panoramica che avrà il sapore di un dovuto omaggio postumo. Anche se, in verità, queste opere
sono oggi più vive cha mai. Pensando a questi
lavori, appare evidente lo stato di crisi creativa
attuale della sempre misteriosa e tellurica danza
spagnola.
Roger Salas
Video, olé!
A consultare la videografia della danza spagnola, pare proprio che quello tra flamenco e
cinema sia un binomio di successo, a partire dal
celebre film Los Tarantos (noto in Italia con il
titolo Con odio e con amore).
Girato da Francisco Rovira Beleta nel 1963,
questo musical cinematografico flamenco, ambientato nella periferia di Barcellona in epoca
franchista, racconta della rivalità tra due bande
di zingari (ispirandosi vagamente a Romeo e
Giulietta) con un’estetica da cinéma vérité tipica di quegli anni. Nel cast risplendono la mitica
Carmen Amaya (stupefacente nelle sequenze
virtuosistiche di zapateado o quando batte il ritmo sul tavolo con dita e nocche) e un
fascinosissimo Antonio Gades, ventisettenne, che
qui ha davvero un’allure da divo del cinema.
Ma è stata la collaborazione tra lo stesso Gades
e un registra di nome come Carlos Saura (ammirato perfino dal grande maestro del surrealismo
cinematografico Luis Buñuel) ad aver creato un
34
Compañía Aída Gómez:
“Capricho español” (ph. P. Ruiz)
Carmen, El Amor Brujo, Suite flamenca and
his final creation, Fuenteovejuna. In May 2011
the company will present all these titles at the
Teatro Real de Madrid, in a billing that has
the air of being a well-deserved posthumous
tribute to this great artist – though in fact his
works are more alive than ever. The thought
of them makes it all the more evident that the
ever mysterious and corporal Spanish dance
is currently undergoing a creativity crisis.
Roger Salas
Videos, olé!
Judging from the Spanish dance videos available, there is no doubt that the relationship
between cinema and flamenco is a very successful one, starting with the famous film Los
Tarantos.
This flamenco film musical directed by Francisco Rovira Beleta in 1963 is set in the suburbs of Barcelona during Franco’s regime; it
tells of the rivalry between two bands of gypsies (vaguely inspired by Romeo and Juliet),
using the cinéma vérité film-making technique
of the period. The stars of this film are the
legendary Carmen Amaya (breath-taking in
her virtuoso zapateado sequences or when she
beats the rhythm on a table with her fingers
and knuckles) and a fascinating 27-year-old
Antonio Gades, who really does have the air
sion d’érotisme qui du mouvement serpentin des
bras progresse en un crescendo de tours vertigineux jusqu’à la nudité totale, tout juste guettée
par une caméra pudique.
Le passionné de ce genre trouvera d’autres films
de Saura dans sa vidéothèque: Flamenco, sorte
de florilège de bailes et de musiques des gitans
andalous (avec, entre autres, Joaquín Cortés et
María Pagés) et Iberia, sur des musiques d’Isaac
Albéniz, avec Gómez elle-même, Sara Baras,
Antonio Canales et d’autres.
Los Tarantos et les films de Saura cités sont
aujourd’hui disponibles en DVD, dans les magasins et sur les sites de vente en ligne.
Les amateurs de Joaquín Cortés se précipiteront sur le DVD de Sony Music intitulé joaquín
cortés live (sic, c’est la mode ridicule que d’écrire
les noms propres en petits caractères). Il s’agit de
l’enregistrement d’un spectacle de 2001 au Royal
Albert Hall de Londres, mais qui a été présenté
des centaines de fois dans le monde entier. Entouré de ses musiciens et chanteurs, Cortés décline toutes les tonalités du flamenco, de la joie
effrontée des “bailes chicos” (Bulerías, Alegrías…)
jusqu’à la mélancolie, parfois déchirante, des “bailes
jondos” (Martinete, Siguiriya…). Et il ne fait aucun
doute: Joaquín tiene duende!
Pour se faire une idée du flamenco endiablé de
María Pagés ou de l’approche “déconstructiviste”
d’Israel Galván (qui aime à détruire les codes traditionnels avec un côté ironique et très personnel), on peut voir de brèves vidéos respectivement sur les sites des deux artistes
(www.mariapages.com www.israel galvan.com).
Une autre danseuse célèbre de nos jours, Sara
connubio fortunato tra il balletto flamenco e la
settima arte. Portando sul grande schermo i balletti del danzatore e coreografo spagnolo (Bodas
de sangre, Carmen e El amor brujo), con
bailaores, cantaores e musicisti di spicco, Saura
si è creato una sua fisionomia di regista di film
di danza. Ha poi infatti collaborato anche con
Aída Gómez, che ha firmato la coreografia del
film Salomé e interpretato il ruolo protagonistico.
Splendida la sua danza dei sette veli: un profluvio d’erotismo che dal serpentino movimento
iniziale delle braccia progredisce in un crescendo di giri vorticosi sino alla conturbante totale
nudità, appena spiata da una pudica macchina
da presa.
Altre due pellicole di Saura non mancheranno nella videoteca dell’appassionato del genere: Flamenco, sorta di florilegio dei bailes e delle
musiche dei gitani andalusi (con, tra gli altri,
Joaquín Cortés e María Pagés) e Iberia, su musiche di Isaac Albéniz, con la stessa Gómez, Sara
Baras, Antonio Canales e altri. Los Tarantos e i
film di Saura citati sono oggi disponibili in DVD,
nei negozi o sui siti di vendita on line.
Chi ama Joaquín Cortés acquisterà senz’altro
il DVD della Sony Music intitolato joaquín cortés
live (sic, è la ridicola moda di scrivere i nomi
propri in minuscolo). Si tratta della registrazione di uno spettacolo del 2001 alla Royal Albert
Hall di Londra ma rappresentato centinaia di volte
in mezzo mondo. Circondato dai suoi musicisti
e cantanti, Cortés declina le diverse tonalità del
flamenco, dalla baldanza spavalda dei “bailes
chicos” (Bulerías, Alegrías…) alla melanconia
a tratti straziante dei “bailes jondos” (Martinete,
35
of a cinema divo.
However it was Gades’ collaboration with
director Carlos Saura (admired even by a master
of the Surrealist cinema like Luis Buñuel) that
put a seal on the rapport between flamenco
and the silver screen. Saura made the ballets
of the Spanish choreographer/dancer into films
(Bodas de sangre, Carmen and El amor brujo)
interpreted by well-known bailaores, cantaores
and musicians, thus consolidating his reputation as a dance film-maker. He subsequently
also collaborated with Aida Gómez, who produced the choreography for his film Salomé
and starred in the title role. Her Dance of the
Seven Veils is amazing and dripping with eroticism: it starts with the serpentine movements
of her arms and progresses into a whirling crescendo, reaching a climax when she removes
the final veil – though the camera permits us
to see only a flash of her nakedness.
Two more films by Saura are musts: Flamenco, an anthology of the bailes and music
of Andalusian gitanos (featuring, among others, Joaquín Cortés and María Pagés) and Iberia, to music by Isaac Albéniz, starring the
aforementioned Gómez, Sara Baras, Antonio
Canales and others.
Los Tarantos and the above-mentioned films
by Saura are available, retail or online, on DVD.
Joaquín Cortés fans will now doubt wish
to acquire the Sony Music DVD entitled
joaquín cortés live (sic – as per the ridiculous
fashion of writing names in lowercase). It is a
recording of the dancer’s 2001 live performance at the Royal Albert Hall of London, though
Baras, se produit avec sa compagnie dans Mariana
Pineda (d’après Federico García Lorca) dans un
DVD de Sony Music.
Changeant de genre, le DVD The Bolero School,
sous la direction de Marina Keet de Grut (experte
en Escuela Bolera, bien qu’elle soit anglaise), n’intéressera pas seulement les amoureux de la danse
espagnole mais aussi ceux du ballet académique.
La vidéo enregistre les particularités de technique
et de style de cette école raffinée du XIXème siècle et de ses variétés (aujourd’hui menacée d’extinction, paraît-il), qui ont influencé le ballet romantique (il suffit de penser, pour ne citer que des
œuvres aujourd’hui encore représentées, à Loin du
Danemark de Bournonville, à Don Quichotte, au
boléro de Swanilda dans Coppélia ou à la danse
espagnole du Lac des cygnes). On peut acheter ce
DVD sur le site www.grutbooks.com, ainsi qu’un
livre de Grut sur le même sujet (qui comprend également un essai de l’historien anglais Ivor
Guest, l’un des experts majeurs du ballet
du XIXème siècle).
C. M.
Siguiriya…). E non c’è che dire: il divo gitano
tiene duende!
Per farsi un’idea del flamenco indemoniato e
accigliato di María Pagés o dell’approccio
“decostruttivista” di Israel Galván (che ama smantellare i codici tradizionali con un tocco ironico
e personalissimo) si possono vedere dei brevi
video rispettivamente sui siti dei due artisti
(www.mariapages.com www.israel galvan.com).
Un’altra star di oggi, Sara Baras, danza con la
sua compagnia in Mariana Pineda (da Federico
García Lorca) in un DVD della Sony Music.
Cambiando genere, il DVD The Bolero
School a cura di Marina Keet de Grut (esperta di Escuela Bolera, benché lei sia inglese)
non interesserà solo i cultori della danza spagnola di tradizione ma anche quelli del balletto accademico. Il video registra le peculiarità tecniche e stilistiche di questa raffinata
scuola ottocentesca e le sue varietà (oggi a
rischio di estinzione, pare), che hanno influenzato il balletto romantico e tardo-romantico
(basti pensare, giusto per citare opere ancor
oggi rappresentate, a Lontano dalla Danimarca
di Bournonville, a Don Chisciotte, al bolero
di Swanilda in Coppélia o alla danza spagnola nel Lago dei cigni). Il DVD si può acquistare al sito web www.grutbooks.com come
pure un libro della Grut sull’argomento (che
contiene anche un saggio dello storico inglese Ivor Guest, uno dei maggiori
specialisti del balletto del XIX
secolo).
Cristiano Merlo
the same show has been performed hundreds
of times all over the world. Surrounded by
his musicians and singers, Cortés takes us
through the various declinations of flamenco,
from the cockiness and showing-off of the
“bailes chicos” (Bulerías, Alegrías etc.), to
the crushing melanchony of the “bailes jondos”
(Martinete, Siguiriya etc.). No doubt about
it, the “gitano” divo tiene duende!
Anyone wishing to have a sampling of
María Pagés’ scowling and frenzied flamenco
or of the humorous and highly personal
“deconstructivist” approach of Israel Galván
(who likes to break down traditional codes)
can see short videos on the two artistes’ respective websites (www.mariapages.com
www.israelgalvan.com). Another contemporary star, Sara Baras, and her troupe can be
watched in Mariana Pineda (after Federico
García Lorca) on a Sony Music DVD.
On another plane, a DVD entitled The Bolero School by Marina Keet de Grut (an
Escuela Bolera specialist, though she herself
is English) will be of interest not only to lovers
of traditional Spanish dancing but also of classical ballet. The video records the technical
and stylistic peculiarities of this highly refined 19th century genre which today risks
extinction (so we are told) and which exercised a profound influence on the Romantic
and late-Romantic ballet – suffice it to think
of ballets that are still being performed today such as Don Quixote and Bournonville’s
Far from Denmark, or of Swanilda’s Boléro
in Coppélia and the Spanish Dance in Swan
Lake). This DVD can be purchased online
from website www.grutbooks.com together
with Grut’s book by the same name to which
it is a visual aid. The book also contains an
essay by British dance historian Ivor Guest,
one of the leading specialists on 19th
century ballet.
C. M.
Carlos
Rodríguez
– Nuevo
Ballet
Español:
“Cambio de
Tercio”,
c. Ángel Rojas,
Carlos Rodríguez
(ph. J. Vallinas)
36
critiques • critiques • critiques
Compagnie La Baraka
ON STAGE !
critiques • critiques • critiques
Compagnie La Baraka
Compagnie La Baraka
Abou Lagraa, danseurs
sur orbite
Abou Lagraa, danzatori
in orbita
Abou Lagraa, Dancers in
Orbit
Un Monde en soi – chor. Abou Lagraa, mus.
John Cage, Johann Sebastian Bach, Anton
Webern
www.aboulagraa.com
En tournée
Un Monde en soi – cor. Abou Lagraa, mus.
Webern
www.aboulagraa.com
In tournée
Un Monde en soi – chor. Abou Lagraa, mus.
Webern
www.aboulagraa.com
On Tour
La scène est vide, traversée seulement par
la lumière, d’une clarté froide ou d’un rouge
flamboyant; les sept interprètes provenant de
divers pays d’Europe, d’Afrique et d’Amérique du Sud portent des pantalons noirs. Les
musiciens du Quatuor Debussy sont également
habillés en noir et exécutent des musiques d’une
rare beauté, depuis les sons secs de John Cage
jusqu’au Webern le plus lyrique, presque romantique, en passant par les géométries de
Bach.
C’est tout ce que l’on trouve dans Un Monde
en soi du chorégraphe Abou Lagraa, qui développe, avec les instruments de la danse la
plus pure, sa propre cosmogonie et sa propre
vision de la chorégraphie. Il s’inspire, pour
cette nouvelle pièce, du physique et de la spiritualité de ses danseurs.
Les quatre hommes et les trois femmes de
Lagraa, lancés dans l’espace comme des créatures en orbite, suscitent de fortes émotions.
Ils se montrent concentrés et leur virtuosité
est naturelle et élégante dans sa “nécessité”.
Une force primitive les pousse, comme des
atomes d’énergie, dans ce vide traversé de
champs lumineux.
La danse d’Un monde en soi ne ressemble
La scena è spoglia, segnata solo dalle luci,
di chiarore freddo o rosso infuocato; i sette
interpreti di vari Paesi d’Europa, Africa e
America latina indossano calzoni neri e di nero
vestono i musicisti del Quartetto Debussy, che
eseguono musiche di rara bellezza, dai suoni
asciugati di John Cage alle geometrie di Bach
al Webern più lirico, ai limiti del romanticismo.
Questo è tutto per Un Monde en soi del franco-algerino Abou Lagraa, che sviluppa con
gli strumenti della danza più pura una sua
cosmogonia, una sua visione della coreografia, mettendo al centro di questo nuovo lavoro la fisicità e insieme la spiritualità dei
danzatori che lo ispirano.
I quattro uomini e le tre donne di Lagraa,
lanciati nello spazio come creature in orbita,
suscitano forti emozioni. Si mostrano
concentratissimi e il loro virtuosismo è naturale ed elegante nella sua “necessità”. C’è una
forza originaria che li sospinge, come atomi
di energia, in questo vuoto scandito da campi
luminosi.
È una danza, quella di Un monde en soi,
che non somiglia a nessun’altra, che pesca nel
“sapere corporeo” di ciascuno per dar luogo a
The stage is bare, marked only by the lights,
cold glimmers or fiery reds. The seven performers from various countries of Europe,
Africa and Latin America wear black trousers and the musicians of the Debussy Quartet, also in black, perform music of rare beauty,
from the dry sounds of John Cage to the geometry of Bach to the more lyrical, bordering
on the romantic, music of Webern.
That is all that is required for Un Monde en
soi (“A World in Itself”) by Franco-Algerian
Abu Lagraa, who is developing his own cosmogony and vision of choreography uses the
purest dance. He puts the focus on the
physicality and the spirituality that the dancers have inspired. Lagraa launches the four
men and three women into space like creatures in orbit, arousing a strong emotional response. They are highly concentrated and their
virtuosity is natural and elegant. There is a
primal force that propels them like atoms of
energy through this emptiness punctuated by
fields of light.
Dance in Un Monde en soi is unlike any
other. It draws from the “consciousness of the
body” of the dancers, bringing to the stage a
mixture of diversity that galvanizes the attention with constantly metamorphosing combinations and
quality of tone. The mood
passes from violence of conflict to search of understanding, from loneliness to encounter. A sense of community
dominates in this world – that
of the title – where there is
always something occurring
within the music and the choreography which goes from
explosive chaos to rarefied order in the twinkling of an eye.
In Un monde en soi there
is economy of means, but not
of beauty.
Elisa Guzzo Vaccarino
Cie La Baraka:
“Un monde en soi”,
c. Abou Lagraa
(ph. E. Boudet)
38
à aucune autre. Elle puise dans le “savoir corporel” de chacun des danseurs pour mettre en
scène un mélange de diversités qui catalyse
l’attention, avec ses métamorphoses incessantes
de combinaisons, de qualités et de tons. On
passe de la violence du conflit à la recherche
de l’entente, de la solitude à la rencontre. Un
sens communautaire domine la complexité de
ce monde – celui du titre – où il se passe toujours quelque chose, au niveau de la musique, ainsi qu’à celui de la construction chorégraphique, qui du chaos explosif passe en un
rien de temps à un ordre raréfié.
Un monde en soi a été pensé avec une économie de moyens, mais pas de beauté.
New York City Ballet/
Ballet de Hambourg
un amalgama di tante diversità capace di catalizzare costantemente l’attenzione, con metamorfosi continue di
combinazioni, di qualità, di toni.
Si passa dalla violenza del conflitto alla ricerca di intesa, dalla
solitudine all’incontro. C’è un
senso comunitario nella complessità di un mondo – quello
del titolo – dove succede sempre qualcosa, sia nella costruzione coreografica, che dal caos
più esplosivo sa passare in un
attimo all’ordine rarefatto, sia
nella musica.
Un monde en soi è pensato
in economia di mezzi, ma non
di bellezza.
Bernstein de New York à
Taormine
Balletto di Amburgo
Bernstein Dances (suite) – chor. John
Neumeier, mus. Leonard Bernstein; Who
Cares? (suite) – chor. George Balanchine, mus.
George Gershwin; Troisième Symphonie – chor.
John Neumeier, mus. Gustav Mahler; Fancy
Free – chor. Jerome Robbins, mus. Leonard
Bernstein
www.taormina-arte.com
Taormine, Teatro Antico (dans le cadre du
festival “Taormina Arte Musica e Danza”)
Bernstein da
New York a
Taormina
Le Festival de Taormine (en Sicile, lieu sacré du tourisme d’élite du début du XXème
siècle) a célébré les vingt ans de la disparition du compositeur Leonard Bernstein par une
soirée de gala, au cours de laquelle se sont
produits un groupe de danseurs du New York
City Ballet, ainsi que Silvia Azzoni, Alexandre Ryabko et Otto Bubenícek du Ballet de
Hambourg. 3000 spectateurs s’en souviendront
comme du meilleur événement chorégraphique de l’année à Taormine.
Certes, il faillait ignorer que l’on ne se trouvait pas dans le New York évoqué par Bernstein Dances de John Neumeier et Who Cares
? de George Balanchine, mais les deux ballets sous forme de suite, et sans décors, se
sont merveilleusement détachés sur l’arrièreplan des séculaires ruines gréco-romaines et
de la Méditerranée éclairée de mille lumières
multicolores.
On se souvenait de Bernstein Dances, de
1997, comme d’une célébration fastueuse de
John Neumeier dépourvue de l’humour nécessaire, si cher à l’Américain d’origine russojuive Bernstein. Mais la “suite” est plus efficace et les rencontres à deux, à trois, le solo
splendide d’Azzoni, dans son élégant costume
Armani, ne détonne pas avec l’incomparable
brio de Who Cares?. Dans ce dernier, sur sept
chansons de Gershwin, on passe de The Man
I Love à I ‘ve Got Rhythm: pointes pour les
filles du New York City Ballet, en jupes courtes
pailletées, et sauts et pirouettes pour leurs quatre
collègues audacieux en jean noir et chemise
Bernstein Dances (suite) – cor.
John Neumeier, mus. Leonard
Bernstein; Who Cares? (suite)
– cor. George Balanchine, mus.
George Gershwin; Terza sinfonia – cor. John Neumeier,
mus. Gustav Mahler; Fancy Free – cor. Jerome
Robbins, mus. Leonard Bernstein
Taormina, Teatro Antico (nell’ambito del
festival Taormina Arte Musica e Danza)
Taormina ha celebrato il ventennale della
scomparsa del compositore Leonard Bernstein
con un “omaggio” in esclusiva, in cui si sono
esibiti un drappello di danzatori del New York
City Ballet e Silvia Azzoni, Alexandre Ryabko
e Otto Bubenícek del Balletto di Amburgo.
Tremila spettatori lo porteranno con sé come
il migliore evento di danza dell’anno al Teatro Antico.
Certo è toccato subito non pensare di non
essere nella New York adombrata sia nell’iniziale Bernstein Dances di John Neumeier sia
in Who Cares? di George Balanchine, ma i
due balletti in forma di suite, e privi di
scenografia, si sono mirabilmente staccati dalle
secolari rovine greco-romane in un abbraccio
con il golfo mediterraneo brillante di lumini
multicolori.
Ricordavamo Bernstein Dances di Neumeier,
del 1997, come una fastosa celebrazione priva del necessario sense of humour, così caro
all’americano di origini russo-ebraiche
Bernstein. Ma la suite ci guadagna e gli incontri a due, a tre, l’assolo splendido della
Azzoni in elegante costume Armani, non sfigurano con l’immarcescibile brio di Who
Cares?. Qui, su sette canzoni dell’amato
Gershwin, si passa da The Man I Love a I ‘ve
39
Silvia Azzoni, Alexandre Ryabko – Hamburg
Ballet: “III Sinfonie von Gustav Mahler”,
c. John Neumeier (ph. J. Hauf)
Hamburg Ballet
Bernstein from New
York to Taormina
Bernstein Dances (suite) – chor. John
Neumeier, mus. Leonard Bernstein; Who
Cares? (suite) – chor. George Balanchine, mus.
George Gershwin; Third Symphony of Gustav
Mahler – chor. John Neumeier, mus. Gustav
Mahler; Fancy Free – chor. Jerome Robbins,
mus. Leonard Bernstein
Taormina, Teatro Antico (Festival Taormina
Arte Musica e Danza)
Taormina has celebrated the twentieth anniversary of the death of composer Leonard
Bernstein with an exclusive tribute, created
by a group of dancers from The New York
City Ballet and by Silvia Azzoni, Alexandre
Ryabko and Otto Bubenícek of the Hamburg
Ballet: three thousand spectators took away
memories of what was the best dance event
of the season at the Greek Theatre, Taormina.
Certainly it could not be ignored that this
négligée.
Mais si Balanchine lance un clin d’œil au
swing avec une élégance quelque peu rêveuse,
Neumeier, lui aussi, montre son visage le
meilleur, plongeant ses héros – Azzoni et
Ryabko – dans la grandeur de la Troisième
Symphonie de Mahler. Le duo (choisi par
Daniele Cipriani, le concepteur de la soirée,
car Bernstein aimait Mozart, Gershwin et aussi
Mahler) offre des “portés” inimaginables, acrobatiques et passionnels: ce sont les prouesses
de deux corps qui se cherchent et se rejettent,
grâce à l’inventivité imprévisible d’un maître
du pas de deux des plus “sérieux”.
Puis, c’est au tour de Fancy Free. Ici, Bernstein est vraiment Bernstein. Âgé de 25 ans, il
collabore avec le chorégraphe Jerome Robbins
avec lequel il signera par la suite West Side
Story. Et tout change avec ces trois marins
(immortalisés au cinéma par Frank Sinatra,
Gene Kelly et Jules Munshin dans le film On
The Town, tiré du ballet) qui sont en permission, à la recherche de conquêtes.
Et voici le bistrot avec son comptoir de travers, son vieux tenancier et son réverbère dans
la rue. Tout, dans ce ballet (présenté dans son
intégralité), est parfait. Les grands écarts et
les fanfaronades des trois matelots en blanc
séduisent deux jeunes filles de bon ton qui
s’assoient, patientes, au comptoir. Mais les trois
garçons ne sont pas des gentilshommes: ils se
disputent les deux filles, qui mesurent leur compétition (la scène offre au public l’inimitable
élégance pop de Robbins). Ils se jettent alors
sur les courbes provocantes d’une prostituée
en robe bleu ciel. Épilogue sempiternel d’un
“jour de permission” que, dans cette interprétation joyeuse du New York City Ballet, Bernstein aurait bien aimé, lui, le turbulent et toujours éclectique Lenny, amoureux du ballet
et auteur d’une musique cultivée mais populaire.
Saburo Teshigawara/Karas
Teshigawara entre film
et performance
A Boy inside the Boy – chor. Saburo
Teshigawara, mus. György Ligeti
www.st-karas.com
Civitanova Marche (Italie), Teatro Annibal
Caro (Civitanovadanza)
Cet été, le chorégraphe et performeur japonais Saburo Teshigawara est revenu à
Civitanova Marche pour tourner un film, précisément au cœur de cette ville italienne, avec
ses palais et ses ruelles, mais aussi dans d’autres
lieux de la région (le Palazzo Ducale d’Urbino, le Château de Lanciano, les vignes et la
mer). Au centre de l’intrigue, un garçonnet
de Tokyo qui se trouve à vivre dans des lieux
magiques de l’Italie. Le rôle est interprété par
le fils de Teshigawara, Takeya, âgé de 11 ans.
Le directeur de la photographie du film est
Bengt Waselius (le même qui travailla pour
Frank Sinatra, Gene Kelly and Jules Munshin
in Stanley Donen’s On the Town) in search
of conquests.
All in this ballet (presented here in its entirety) is perfection. The crooked bar and bartender and the swagger and splits of the three
sailors as they encounter two well broughtup young ladies and attempt to seduce them.
But the boys are no gentlemen and in three
they complete for the attention of the two girls
– a scene that that gives us the graceful “pop”
style of Robbins.Then they turn their advances
on a curvaceous prostitute dressed in sky blue.
The epilogue shows us the arrival of the next
boys on the never-ending cycle of “leave” in
this joyful interpretation by the New York
City Ballet sextet. An interpretation that
Bernstein would have loved: the turbulent and
eclectic Lenny was a lover of the dance and
a creator of cultivated music that was meant
for the public at large.
Got Rhythm: scarpette da punta per le danzatrici
del New York City Ballet in gonnelline corte,
tutte lustrini, e balzi e pirouettes per i quattro
audaci colleghi in jeans neri e camicie free
style.
Ma se Balanchine strizza l’occhio allo swing
con eleganza svagata e sovrappensiero, anche
Neumeier dà il meglio di sé con i suoi eroi
(Azzoni e Ryabko) immergendoli nel turgore
della Terza sinfonia di Mahler. Il duetto (scelto
da Daniele Cipriani, il curatore dello spettacolo, perché Bernstein prediligeva Mozart,
Gershwin e anche Mahler) ha “prese”
inimmaginabili, acrobatiche e passionali: le
prodezze di due corpi che si cercano e si annullano nell’imprevedibile fantasia di un maestro del passo a due “serio”.
Poi arriva Fancy Free, e qui Bernstein è se
stesso, a venticinque anni, accanto all’amico
coreografo Jerome Robbins con il quale avrebbe
firmato West Side Story. E tutto cambia con
quei tre marinai in libera uscita, alla ricerca
di conquiste (immortalati al cinema da Frank
Sinatra, Gene Kelly e Jules Munshin nel film
On The Town derivato dal balletto).
Questa volta in forma integrale, il balletto
con la scenografia di un bar sbilenco come il
suo anziano oste e il lampione che troneggia
fuori, non fa una grinza. Le spaccate e
spacconate dei tre militari in bianco fanno colpo
su due ragazze per benino che si siedono, pazienti, al bancone. Ma la plebaglia marinara
non sa di cavalleria: le donne sono due, i virgulti
maschili, tre. Quelle si stancano delle liti e
delle competizioni che peraltro regalano al
pubblico l’inimitabile eleganza pop di Robbins,
e quelli si tuffano tra le curve gongolanti di
una escort in azzurro cielo. Epilogo sempiterno
di una “libera uscita” che sarebbe piaciuta, nell’interpretazione del gioioso sestetto del New
York City Ballet, al turbolento e sempre trasversale Lenny, amante del balletto, fautore
di una musica colta ma per tutti.
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was not the New York of John Neumeier’s
Bernstein Dances or George Balanchine’s Who
Cares?. However these two ballets in the form
of suites and without décor broke free of the
backdrop of ancient Greco-Roman ruins and
used the Mediterranean lit by a thousand coloured lights as their set.
One remembered that the complete
Neumeier work, from 1997, was a lavish celebration but one devoid of the necessary humour so dear to the heart of the American of
Russian-Jewish descent that was Bernstein.
But the suite is more effective with its dances
for two and three and the solo for the splendid Miss Azzoni, in an elegant Armani costume. Nor does it clash with the unfading brilliance of Who Cares?. In the latter Balanchine
uses seven Gershwin songs, from The Man I
Love to I’ve Got Rhythm: and we see girls
from New York City Ballet en pointe, dressed
in short sequinned skirts boldly jumping and
spinning with their four male colleagues who
are dressed in black jeans and light shirts.
But if Balanchine gives a nod to swing with
an added dreamy elegance, Neumeier also
shows his best side when he plunges his heroes – Azzoni and Ryabko – into the grandeur of Mahler’s Third Symphony. The “grips”
in this duo, chosen by Daniele Cipriani who
conceived the programme with the knowledge that Bernstein loved Mozart and
Gershwin, as well as Mahler, are unimaginably acrobatic and passionate: the feats of
two bodies that that seek one another and come
together, choreographed by the unpredictable
imagination of a master of ‘serious’ pas de
deux.
Then it was time for Fancy Free. Here
Bernstein is really Bernstein. At aged 25 he
collaborated with his friend choreographer
Jerome Robbins, with whom he was later to
create West Side Story. And everything
changed with the arrival on shore leave of
three sailors (immortalized in the cinema by
New York City Ballet – Gonzalo García, Tiler Peck, Tyler Angle, Georgina Pazcoguin,
Joaquín De Luz, Sherling Hyltin: “Who Cares?”, c. George Balanchine (ph. J. Hauf)
Ingmar Bergman).
On a présenté ensuite au Teatro Annibal Caro
de Civitanova une performance qui intégrera
le film: A Boy inside the Boy, avec la fidèle
Rihoko Sato – dès 1996 appartenant à la compagnie “Karas” de Teshigawara – et avec le
jeune talent Riichi Kami. Le spectacle a été
l’énième preuve de la force que la danse, en
elle-même et pour elle-même, sait dégager avec
les moyens les plus simples, selon la règle d’or
“less is more”.
Décors et costumes blancs et noirs, lumières et ombres, obscurité et contre-lumière, calme
et rapidité, travail opposé de diverses parties
du corps. Rien d’autre, sauf une stylisation et
une élégance exemplaires, sans défaut. La virtuosité de Saburo Teshigawara, petit et agile,
avec ses mouvements lisibles et nets, notamment ceux des bras, ne cesse d’étonner. Et le
corps longiligne et brisé de Rihoko Sato lui
fait écho, comme une ombre, au-delà du genre,
masculin ou féminin. Par sa mécanique distillée, elle évoque une sorte de Coppélia moderne mais aussi les marionnettes raffinées du
Bunraku (double des amants malheureux protagonistes de Dolls, le merveilleux film-théâtre de Takeshi Kitano). De son côté, Riichi
Kami s’adonne à une sorte de hip-hop conceptuel à la qualité et à l’impact extraordinaires, et fait penser à un Pétrouchka contemporain.
Les diverses sections de la pièce correspondent à la variété des tons et des rythmes de la
musique pour piano de György Ligeti. Tout
se passe comme si les doigts du pianiste donnaient l’impulsion directement aux muscles
des danseurs, imposant leur touche et leur intensité au dessin de la chorégraphie, où les
sensations se succèdent avec fluidité, alternant
des ralentissements, des accélérations et des
Teshigawara tra film e
performance
A Boy inside the Boy – cor. Saburo Teshigawara,
mus. György Ligeti
www.st-karas.com
Civitanova Marche, Teatro Annibal Caro
(Civitanovadanza)
Quest’estate il coreografo e performer giapponese Saburo Teshigawara è tornato a
Civitanova Marche per girare un film, proprio
nel cuore antico di questa città, tra palazzi e
vicoli, ma anche in altri luoghi delle Marche,
tra il Palazzo Ducale di Urbino, il Castello di
Lanciano, i vigneti e il mare. Al centro della
trama un ragazzino di Tokyo, che si trova a
vivere in luoghi magici italiani, tra sogno e realtà. Il ragazzino è interpretato dal figlioletto
di Teshigawara, l’undicenne Takeya. Il direttore della fotografia del film è Bengt Waselius
(lo stesso di Ingmar Bergman).
Al Teatro Annibal Caro di Civitanova è stata poi presentata una performance che sarà inserita nel film: A Boy inside the Boy, con la
fedele Rihoko Sato – nel gruppo “Karas” di
Teshigawara dal 1996 – e con il giovane talento Riichi Kami. Lo spettacolo è stata l’ennesima riprova della forza che la danza in sé e per
sé sa emanare con i mezzi più semplici, secondo l’aurea regola del “less is more”.
Bianco e nero in scena e nei costumi, luci e
ombre, buio e controluce, calma e rapidità, lavoro opposto delle diverse parti del corpo. Nient’altro, salvo una stilizzazione e un’eleganza
esemplari, senza difetti. Il virtuosimo di Saburo
41
Teshigawara On Stage
and Screen
A Boy inside the Boy – chor. Saburo
Teshigawara, mus. György Ligeti
www.st-karas.com
Civitanova Marche (Italy), Teatro Annibal Caro
(Civitanovadanza Festival)
This summer the Japanese choreographer
and performer Saburo Teshigawara came back
to Civitanova Marche to make a movie. Filming
took place not only in the alleys and palazzi
in the heart of this ancient city but also in other
areas of the Marche region – the Palazzo Ducale
in Urbino, the Castle of Lanciano, the surrounding vineyards and by the Adriatic. At the centre
of the plot is a small boy from Tokyo who
finds himself living in these magical Italian
places, caught between reality and a dream.
The boy is played by Takeya, Teshigawara’s
eleven-year-old son. Director of photography
is Bengt Waselius who is known for his work
with Ingmar Bergman.
The Teatro Annibale Caro was the site for
a dance performance that will be featured in
the film: A Boy inside the Boy with the faithful Rihoko Sato – a member of Teshigawara’s
“Karas” since 1996 – and the young and talented Riichi Kami. The piece is yet further
proof of the power of dance when the simple
golden rule of “less is more” is the guiding
principle.
Black and white décor and costumes, light
and shadows, darkness and brightness, stillness and speed and opposite movements by
different parts of the body: a simple, perfect
style and elegance. The virtuosity of Saburo
Teshigawara, small and agile, razor-sharp clarity in his movement, especially the arms, never
ceases to amaze. And Rihoko Sato, long and
lean of body, echoing his movements – a figure without gender evoking not only a mod-
Saburo Teshigawara,
Rihoko Sato – Co. Karas:
“A Boy Inside the Boy”
(ph. B. Wanselius)
arrêts.
Une perle, qui confirme la maestria “du
moins” de l’esthétique nipponne, parfaitement
incarnée par Teshigawara et ses interprètes.
Artemis Danza
Hommage à Ohno
Sole dell’anima sola – chor. Monica Casadei,
mus. diverses
www.artemisdanza.com
Civitanova (Italie), Teatro Annibal Caro
(Civitanova Danza)
Le festival italien “Civitanova Danza” a
rendu hommage à Kazuo Ohno. Représentant du Butô et pionnier de la nouvelle danse
du Japon dès les années 1950, Ohno a disparu début juin, à l’âge vénérable de 103 ans.
L’auteur de cet hommage était la chorégraphe italienne, mais également bien connue
en France, Monica Casadei avec Sole
dell’anima sola (“Soleil de l’âme seule”), une
chorégraphie raffinée pour Artemis Danza,
sa compagnie, conçue à partir d’un voyage
au Japon. Pendant ce voyage, l’artiste, formée à l’Aïkido et au Butô, a rendu visite à
Ohno, au Dance Studio de Yokohama et a
étudié, avec sa propre compagnie, avec
Yoshito Ohno, le fils du grand maître disparu.
Depuis quelques années, Casadei s’adonne
avec un enthousiasme toujours renouvelé à
“Artemis incontra Culture Altre” (“Artemis
à la rencontre d’autres cultures”), un projet
spécial de résidence artistique à l’étranger
(Brésil, Cuba, Mexique, Turquie, Inde, mais
aussi Vietnam, Corée du Sud et justement
Japon). En octobre, la compagnie présente
en Indonésie, Malaisie, Singapore et aux Philippines – dans le cadre d’une vitrine itiné-
rante sur la langue italienne dans le monde –
son I Bislacchi (un hommage à Federico Fellini), spectacle de danse-théâtre qui sera donné
pour la première fois avec Lungo viaggio
(“Long Voyage”), un film dont le scénario est
de Tonino Guerra: les interprètes d’Artemis
danseront en effet sur fond de certains célèbres dessins animés de Fellini. Mais ils ne semblent pas danser, sinon très lentement, comme
les acteurs du Théâtre Nô, lors des vingt premières minutes de Sole dell’anima sola.
Plongés dans un paysage sonore naturel (le
gazouillement des oiseaux, le vent qui souffle, l’eau qui coule) et dans la pénombre, les
danseurs défilent dans des postures étranges
et mystérieuses (vaguement Butô). Le décor
est une toile de fond aux teintes claires et
foncées, reproduisant les silhouettes des danseurs. Lorsqu’une lumière aveuglante éclaire
le plateau, tout le monde acquiert une énergie puissante et aguerrie: dans les bras bougeant comme des ailes, dans les rotations et
dans les torses ondoyants. Et l’on peut voir
un rapprochement audacieux entre la fureur
belliqueuse – les bras tendus comme des flèches, droits comme des épées – et l’apathie
de la marionnette vaguement hip hop (c’est
le Japon des bandes-dessinées métallisées…).
Pas de contact entre les sept “samouraïs”
fragiles, mais de nombreux moments à l’unisson, pointes des pieds (nus) en l’air, et des
solos qui changent à chaque fois l’orientation de la pièce. Après l’exploit de Gabriele
Marra, capable d’exacerber par son mouvement la musique percussive et métallique de
Luca Vianini, voici Chiara Ameglio: les bras
frappent la poitrine et s’ouvrent dans un geste
de douleur. Callas chante et avec le dernier
solo de la rousse Gloria Dorliguzzo le groupe
se rassemble, le visage couvert. Sole
dell’anima sola se termine sur un arrière-goût
vaguement nippon, jamais prévisible. Ramassant et transfigurant les signes de ce Japon
qu’elle aime, Casadei crée l’une de ses
meilleures pièces.
A Civitanova Danza ha debuttato Saburo
Teshigawara in A Boy inside the Boy, sorta
di performance itinerante con comparse del
luogo (vedi recensione in queste pagine, ndr).
Ma nell’attesa dell’evento “in esclusiva”, il
festival marchigiano ha reso omaggio a un
altro giapponese, Kazuo Ohno. Icona del
Butoh e pioniere della nuova danza del Sol
Levante già dagli anni Cinquanta, Ohno è
scomparso all’inizio di giugno, alla veneranda età di 103 anni. Del doveroso ricordo
si è resa autrice Monica Casadei con Sole
dell’anima sola, raffinata coreografia per
Artemis Danza, la sua compagnia, ed esito
finale di un viaggio in Giappone. Durante
questo viaggio l’artista, formatasi nella pratica dell’Aikido ma anche del Butoh stesso,
è riuscita non solo a fare visita a Ohno, al
suo Dance Studio di Yokohama, ma anche,
come testimonia il commovente video di Emanuele Cervellini, a studiare, assieme ai suoi
interpreti, con Yoshito Ohno, il figlio del grande artista scomparso.
Da alcuni anni la Casadei porta avanti con
rinnovata vivacità “Artemis incontra Culture Altre”, un progetto speciale di residenze
artistiche già sperimentate in Brasile, a Cuba,
in Messico, Turchia, India, ma anche Vietnam,
Corea del Sud, e appunto Giappone. In ottobre il gruppo presenta in Indonesia, Malesia, Singapore e Filippine – entro una vetrina itinerante sulla lingua italiana nel mondo
–, il suo rodato I Bislacchi (un omaggio a
Federico Fellini), spettacolo di teatrodanza
per la prima volta arricchito dal Lungo viaggio, un filmato con la sceneggiatura di Tonino Guerra: sulla speciale animazione di
taluni celebri disegni di Fellini, gli interpreti di Artemis danzeranno. Sembra invece non lo facciano, se non lentissimamente,
come attori del Teatro Nô, nei primi venti
minuti di Sole dell’anima sola, accolto al
Teatro Annibal Caro.
Immersi in un paesaggio sonoro naturale
(cinguettii, vento, scrosci d’acqua) e nella
penombra, i danzatori sfilano in strane e deturpate posture (vagamente Butoh) nello spazio appena decorato da un fondale a nette
campiture chiare e scure, e riflettente le loro
silhouette in nero quando stanno fermi. Con
il sopraggiungere di una luce abbacinante,
tutti acquistano energia prepotente,
agguerrita: nelle braccia mosse come ali, nelle
rotazioni, nei busti ondeggianti. E si innesca pure un rapporto audace tra furore bellicoso – arti puntati a freccia, diritti come
spade – e apatia da marionette scomposte
vagamente hip hop (è il Giappone dei fumetti metallizzati…).
Nessun contatto tra i sette fragili “samurai”,
ma molti momenti all’unisono con le punte
dei piedi nudi sollevate, e alcuni assoli-guida
che mutano il volto della pièce. Dopo l’exploit
di Gabriele Marra, capace di acuire la tensione della musica percussiva e metallica di Luca
Vianini, ecco Chiara Ameglio: le braccia percuotono il petto e si aprono al dolore. Canta
la Callas e con l’ultimo assolo della rossa Gloria
Dorliguzzo il gruppo si raduna coprendosi il
volto. Sole dell’anima sola termina lasciando
appena un vago e mai prevedibile retrogusto
nipponico; raccogliendo e trasfigurando i segni dell’amato Giappone, la Casadei firma una
delle sue migliori coreografie.
42
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Teshigawara, piccolo e agile, nella leggibilità
nitidissima del movimento, specie delle braccia, non smette di stupire. E il corpo lungo e
spezzettato di Rihoko Sato gli fa eco, come una
controfigura, al di là del genere, maschile o femminile, evocando nella meccanica distillata una
sorta di odierna Coppélia ma anche le raffinate
marionette Bunraku (doppio degli infelici amanti
protagonisti di Dolls, il meraviglioso film-teatro di Takeshi Kitano). Da parte sua Riichi Kami
si dà a una sorta di hip hop concettuale di straordinaria qualità e impatto, tanto che fa pensare
a un Petrushka di oggi.
Le varie sezioni del lavoro corrispondono al
variare di toni e ritmi della musica per pianoforte di György Ligeti, come se le dita dell’esecutore agissero da impulso direttamente sui muscoli dei danzatori, imponendo il loro tocco e la
loro intensità al disegno della coreografia, dove
le sensazioni si susseguono fluidamente alternando fermo immagine, rallentamenti e accelerati.
Un gioiello, che conferma la vivida maestria
“per sottrazione” dell’estetica nipponica, perfettamente incarnata da Teshigawara e dai suoi interpreti.
Artemis Danza
Omaggio a Ohno
Sole dell’anima sola – cor. Monica Casadei, mus.
varie
Civitanova, Teatro Annibal Caro (Civitanova
Danza)
ern mechanical Coppélia but also the refined
movement of Bunraku puppets. For his part
Riichi Kami suggests a modern Petrushka
with hip-hop movements of extraordinary
quality and impact.
The various sections of the work are set
to the varying tones and rhythms of the piano music of György Ligeti. And it is almost as though there were a current running from the fingers of the pianist directly
to the muscles of the dancers, forcing their
touch and strength into the design of the
choreography, one sensation follows another
alternating frozen shots, slow-motion, speeding-up.
A jewel then, which confirms the vivid
mastery “by subtraction” that is Japanese
aesthetics and is so perfectly embodied by
Teshigawara and his interpreters.
Artemis Danza
Homage to Ohno
Sole dell’anima sola – chor. Monica Casadei,
mus. Various
Civitanova (Italy), Teatro Annibal Caro
(Civitanova Danza Festival)
The Italian festival “Civitanova Danza”
paid tribute to Kazuo Ohno. Iconic pioneer
since the 1950’s of the new dance of the
Rising Sun, Ohno passed away in early June
Artemis: “Sole dell’anima sola”,
c. Monica Casadei (ph. M. Cafini)
at the ripe old age of 103 – having last appeared in public at the incredible age of 100.
The author of the fitting tribute was Italian
choreographer Monica Casadei with her elegantly created Sole dell’anima sola (“Sun
of the Lonesome Soul”) for her own company Artemis Danza. It seemed the natural
outcome of her trip to Japan where she studied both Aikido and Butoh. Not only did
she visit Ohno at his Dance Studio in
Yokohama, but also studied, alongside other
Ohno interpreters, with Yoshito Ohno, son
of the master.
For several years Casadei has carried on
with ever-renewed vivacity “Artemis meets
Other Cultures”, a special residency programme which has proved successful in Brazil, Cuba, Mexico, Turkey, India, Vietnam,
South Korea, but also Japan. In October the
troupe will visit Indonesia, Malaysia, Singapore and the Philippines, in the context
of a travelling showcase for the Italian language throughout the world. On this occasion it will offer the well-oiled I Bislacchi
(an homage to director Federico Fellini), her
2008 dance-theatre piece, further enriched
for the first time by Lungo viaggio, a film
with screenplay by Tonino Guerra: the
Artemis troupe will dance surrounded by
animations of cartoons drawn by Fellini himself (depicting his film characters).
However for the first twenty minutes of
Sole dell’anima sola at the Teatro Annibal
Caro, the Artemis troupe members were not
dancing at all, rather moving in the slow
measures of actors of Noh. Immersed in a
natural soundscape (chirps, wind, splashing
water) and in dim light, the dancers parade
in strange and tortured postures (vaguely
Butoh) in a space where the sole decoration is a backdrop of sharp light and dark
backgrounds, their silhouettes reflecting in
black when they are immobile. With the arrival of a blinding light, everyone gains an
overbearing and intense energy, with arms
raised like wings, bodies turning and upper
torsos moving in rolling motions. It also triggers a bold relationship between a martial
fury – limbs pointed like arrows, as straight
as swords – and the vaguely hip-hop but apathetic movements of broken marionettes, almost like Japanese anime.
No contact takes place between the seven
fragile “Samurai”, but there are many unison movements with bare toes lifted and some
key solos that transform the piece. After
Gabriele Marra’s feat, which increases the
tension created by Luca Vianini’s metallic
percussions, here comes Chiara Ameglio: she
beats her chest with her arms and flings them
open in pain. We listen to Callas singing
and, after the final solo by redhead Gloria
Dorliguzzo, the group gather together and
cover their faces. Sole dell’anima sola ends
on this note, leaving us with a vague and
by no means predictable Japanese after-taste.
Casadei has gathered and transfixed the ingredients of her beloved Japan and, in so
doing, has produced one of her best works.
Les Ballets C. de la B.: “Gardenia”,
c. Alain Platel
Les Ballets C. de la B.
La bande à Platel
La banda Platel
Platel and his Band
Gardenia – chor. Alain Platel, mise en scène
Franck Van Laeker, mus. Steven Prengels
www.balletscdelab.be
Lyon, Maison de la Danse (dans le cadre de
la Biennale de la Danse de Lyon)
Gardenia – cor. Alain Platel, regia Franck Van
Laeker, mus. Steven Prengels
Lione, Maison de la Danse (nell’ambito della
Biennale della Danza di Lione)
Gardenia – chor. Alain Platel, staging Franck
Van Laeker, mus. Steven Prengels
Lyon (France), Maison de la Danse (in the
context of the Lyon Dance Biennial)
Ils n’ont peur de rien ces Flamands, ni du
risque de scission de leur pays (la Belgique),
ni d’arrimer leur art aux questions de société
les plus brûlantes. C’est ce que fait notamment,
depuis bientôt vingt ans, l’orthopédagogue et
chorégraphe autodidacte Alain Platel avec son
collectif Les Ballets C de la B.
Basé à Gand, chaudron culturel aussi actif
qu’Anvers, l’autre grande ville des Flandres,
lui et ses compères concoctent des spectacles
dont il est rare que le public sorte indemne.
Cette fois, il s’est mis, avec le metteur en scène
Franck Van Laeker, au service d’une de ses
comédiennes, Vanessa Van Durme pour une
pièce dont la première a illuminé le dernier
Festival d’Avignon. Cette transexuelle gantoise,
superbe interprète de la Mère dans la pièce Tous
des Indiens, avait, plus récemment, emporté l’adhésion du public avec un émouvant solo Regarde maman, je danse, dans lequel elle racontait avec une apparente simplicité son enfance
de petit garçon plutôt sage, puis son adolescence tourmentée jusqu’au choix décisif de
devenir femme, tout cela bien sûr sous le regard de parents et de proches peu enclins à l’approuver.
Van Durme, âgée aujourd’hui de 62 ans, a
voulu affirmer davantage et partager avec
d’autres ce choix: elle a recherché de vieux travestis, pour la plupart anciens compagnons de
route, et leur a demandé de remonter sur les
planches (et sur leurs hauts talons), malgré leur
âge et bien qu’ils aient quitté la scène depuis
longtemps. Elle a ensuite convaincu Van Laeker
et Platel de mettre en scène et en mouvement
la petite bande, au total neuf personnages dont
Non hanno paura di nulla questi Fiamminghi, né del rischio di secessione del loro Paese (il Belgio), né di affrontare con la loro arte
le questioni più scottanti della società. È ciò
che fa, in particolare, da quasi vent’anni
l’ortopedagogista e coreografo autodidatta
Alain Platel con la sua compagnia Les Ballets
C. de la B.
La compagnia ha sede a Gand, calderone
culturale attivo quanto Anversa, l’altra grande città delle Fiandre. Ed è lì che Platel e i
suoi collaboratori creano spettacoli dai quali
raramente il pubblico resta indifferente. Questa volta, ha collaborato con il regista Franck
Van Laeker e con una delle sue attrici, Vanessa
Van Durme, per un lavoro che ha illuminato
il Festival di Avignone (dove si è tenuta la
prima dello spettacolo, poi ripreso nell’ambito della Biennale della Danza di Lione). Questa transessuale di Gand, splendida interprete
delle madre nella pièce Tous des Indiens, si
era imposta più recentemente guadagnandosi
il consenso del pubblico con l’emozionante
assolo Regarde maman, je danse, nel quale
raccontava con apparente semplicità la sua
infanzia di ragazzino beneducato, poi la sua
adolescenza tormentata fino alla scelta definitiva di diventare donna, il tutto sotto lo sguardo dei genitori e dei parenti poco disposti ad
approvare il cambiamento.
La Van Durme, che ha oggi 62 anni, ha voluto ribadire e condividere con altri la sua scelta:
così, ha cercato dei vecchi travestiti, perlopiù
ex compagni di lavoro, e ha chiesto loro di
risalire sulla scena (e sui tacchi) nonostante
l’età e il fatto che avessero lasciato il palco-
Those Flemings don’t seem to be afraid of
anything: neither of splitting their country
(Belgium) asunder nor of using their art to
question the burning issues in their society.
For the past twenty years, self-taught choreographer and orthopaedist Alain Platel and his
collective Les Ballets C. de la B have been
doing exactly that. Based in Ghent, a cauldron of creativity as active as Antwerp, the
other large city of Flanders, Platel and his colleagues concoct pieces that rarely leave the
public unscathed. This time he has worked with
director Frank Van Laeke on a piece for one
of his comediennes, Vanessa Van Durme.
Gardenia had its successful première at the
last Avignon Festival. This she-male from
Ghent was well-known for her superb performances as the Mother in Tous des Indiens. Recently Van Durme met with further audience
approval in the solo work Regarde maman, je
danse, where she described with apparent simplicity her own childhood as a rather shy boy,
then a tormented teenager who finally decided
to become a woman, all under the disapproving gaze of both parents and family.
Van Durme, who is now 62, wanted to say
more about her life-choice and share it with
others: she searched for old transvestites, many
of them companions from former days. She
asked them to mount the stage once again in
their high heels – this despite their age and
the fact that many had retired from the stage
years ago. She then convinced Van Laeke and
Platel to direct and choreograph the little band
of nine performers which included one young
man and Vanessa herself as the Mistress of
44
un jeune homme, le seul, et Vanessa en meneuse de revue. Le résultat de ce Gardenia est
détonnant: paillettes et clinquant ne résistent
pas longtemps devant la vérité des vieux corps
usés qui, peu à peu, se livrent sans fard ni fausse
pudeur tels qu’ils furent et tels qu’ils sont devenus.
Au bout du compte, et malgré les réticences
initiales, les travestis reçoivent comme un cadeau l’initiative de la comédienne et transforment ce qui risquait de n’être qu’un pathétique
remake du film Ginger e Fred en un moment
de vérité et de théâtre dansé éblouissant. Quant
au public, il ne peut qu’apprécier le parfum de
ce tendre, cruel et pourtant si drôle Gardenia.
Sonia Schoonejans
Ririe-Woodbury Dance Company
Alwin Nikolais, le maître
de la danse-magie
Crucible; Liturgies; Kaleidoscope Suite; Tensile
Involvement; Imago; Noumenon Mobilus: The
Chrystal and the Sphere – chor. et mus. Alwin
Nikolais
www.ririewoodbury.com
Rovereto (Italie), Auditorium Melotti
Il faut toujours revoir les classiques de la
modernité après un certain temps, surtout après
avoir constaté combien de chorégraphes actuels,
ceux qui sont le plus dans le vent, ont retenu la
leçon des “anciens” maîtres.
La compagnie américaine Ririe-Woodbury,
fondée en 1964 à Salt Lake City par Shirley
Ririe et Joan Woodbury, se consacre au répertoire d’un chef de file très original comme Alwin
Nikolais. Depuis les années 1950 jusqu’à sa
mort en 1993, il a donné vie à une série de
créations totales, dont il a signé la chorégraphie, la musique, les éclairages, les costumes
et la mise en scène. À une époque créatrice de
recherche touche-à-tout, avec un style vraiment
nouveau et personnel, Nik – c’est ainsi qu’on
l’appelait – a exprimé, pendant des décennies
et avec une joie authentique à l’aide de formes
et de couleurs, son talent optimiste et léger. À
telle enseigne qu’en revoyant maintenant des
pièces comme Kaleidoscope de 1956 ou Imago
de 1963, sur les sons électroniques des oscillateurs, qui ont même acquis aujourd’hui un parfum romantique, on retrouve toute l’intelligence
et le plaisir simple et direct de la danse théâtrale conçue comme magie, qui doit et sait charmer et surprendre. C’est un genre de séduction
fantasque qui a rencontré et rencontre toujours
la faveur du public actuel, accompagné de musiques captivantes dans le cas des Momix de
Moses
Pendleton
ou
d’images
technologiquement plus sophistiquées dans le
cas du “dadaïste” Philippe Decouflé (y compris son nouveau show sexy pour le Crazy Horse
parisien).
À Nikolais, peu d’éléments suffirent pour dessiner des trajectoires précises, des mouvements
synchrones et des entrelacements exacts: des
cordes élastiques pour Tensile Involvement
scenico da molto tempo. Ha poi convinto Van
Laeker e Platel a creare un lavoro per il gruppo, in totale nove personaggi, tra i quali un
giovane, l’unico, e la stessa Vanessa come protagonista. Il risultato di questo Gardenia è sorprendente: le paillettes e la retorica non resistono a lungo davanti alla verità di vecchi corpi
vissuti che, a poco a poco, si liberano del fard
e dei falsi pudori per mostrarsi com’erano e
come sono diventati.
Alla fine, mettendo da parte le reticenze iniziali, per i travestiti l’iniziativa dell’attrice è
stata una sorta di regalo. Hanno trasformato
ciò che avrebbe potuto diventare un remake
patetico del film Ginger e Fred in un momento
di verità e di teatro-danza illuminante. Quanto al pubblico, apprezza il profumo tenero, crudele e tuttavia divertente di questa Gardenia.
Sonia Schoonejans
Alwin Nikolais, il maestro
della danza-magia
Chrystal and the Sphere – cor. e mus. Alwin
Nikolais
Rovereto, Auditorium Melotti
Fa bene, a distanza di tempo, rivedere i classici della modernità, soprattutto dopo aver visto quanti coreografi attuali, che vanno per la
maggiore, hanno assorbito dalla lezione degli
“antichi” maestri.
La compagnia americana Ririe-Woodbury,
fondata nel 1964 a Salt Lake City da Shirley
Ririe e Joan Woodbury, si dedica al repertorio
di un caposcuola originalissimo come Alwin
Nikolais, che dagli anni Cinquanta del secolo
scorso fino alla sua scomparsa nel 1993 ha dato
vita a una serie di creazioni totali, firmando
coreografia, musica, luci, costumi, messa in scena. In un’epoca creativa di ricerca a tutto campo, di segno davvero nuovo e personale, Nik –
come veniva chiamato semplicemente – ha
espresso per decenni e con autentica gioia di
forme e colori il suo talento ottimista e leggero. E così, rivedendo ora brani come
Kaleidoscope del 1956 o Imago del 1963, sui
suoni elettronici degli oscillatori, che oggi prendono un sapore persino romantico, si ritrovano
tutta l’intelligenza e il piacere semplice e diretto di una concezione della danza teatrale come
magia, che deve e sa attrarre, sorprendere, incantare. È un genere di seduzione fantastica
che ha incontrato e incontra il favore costante
del più vasto pubblico dei nostri giorni, con
musiche accattivanti nel caso dei Momix di
Moses Pendleton, e con tecnologie d’immagine più sofisticate nel caso del “dadaista” Philippe
Decouflé (persino nel suo nuovo show sexy
del Crazy Horse parigino).
A Nikolais, in anni non sospetti, sono bastati pochi elementi – come le corde elastiche per
Tensile Involvement del 1955 o le stoffe
46
Ceremonies. The result is explosive: the sequins and tinsel cannot hide the reality of
old tired bodies for long. Little by little they
leave behind what they once were and reveal, without false modesty or make-up, what
they have become.
Ultimately, and despite initial reluctance,
these transvestites treat Van Durme’s initiative as a gift and transform what might be
just a pathetic remake of Ginger and Fred
(film by Italian director Federico Fellini –
Editor’s Note) into a moment of absolute truth
and dazzling dancing drama. And the audience? They can but appreciate the flavour of
this tender and cruel, yet often very funny
Gardenia.
Sonia Schoonejans
Alwin Nikolais, Master
of Dance Magic
Crystal and the Sphere – chor. and mus. Alwin
Nikolais
Rovereto (Italy), Auditorium Melotti
It’s good, from time to time, to revisit modern
classics, especially when viewing today’s choreographers and seeing what they have absorbed
from their “old” masters. The Ririe-Woodbury
Dance Company was founded in 1964 in Salt
Lake City by Shirley Ririe and Joan Woodbury
and is the troupe chosen to serve as the home
of the repertoire of works created by Alwin
Nikolais. Since the 1950’s until his death in
1993, Nikolais gave creative birth to a great
number of works – creating not only the choreography but also music, lights, costuming
and décor. In an era of creativity in so many
new different fields, Nik – as he was affectionately called – expressed with genuine joy
his talent and optimism in shapes, colours and
movement. Thus, seeing again works like Kaleidoscope (1956) or Imago (1963), with the
electronic sounds of the oscillators now taking on an almost romantic flavour, one rediscovers all the intelligence and the pleasure of
a simple and direct conception of dance as
theatrical magic that attracts, surprises and
enchants. It is a fantastic genre which bewitched
then and continues to bewitch the wider audiences of today, using seductive music (as in
the case of Moses Pendleton’s Momix) and
highly sophisticated and technologically-produced images (like those seen in the works of
“Dadaist” Philippe Decouflé, even in his new
sexy show at the Crazy Horse in Paris).
But Nikolais was using many of these elements long before the current crop of creators: bungee cords for Tensile Involement
(1955); stretch fabrics for the 1953 Mobilus
noumenon; sticks in Kaleidoscope; hats and
arm extensions for Imago; or only tights for
Liturgies in 1983. All used to draw precise
Ririe Woodbury
Dance Company:
“Tensile”,
c. Alwin Nikolais
(ph. B. Herridge)
(1955), des étoffes
extensibles pour
Noumenon
Mobilus (1953),
des bâtons pour
Kaleidoscope ou
encore des chapeaux coniques et
des prolongements
pour les bras pour
Imago ou de simples maillots pour
Liturgies (1983).
Les jeunes danseurs de la compagnie
RirieWoodbury dansent
avec soin, fidèles
à l’orignal, comme le garantit le directeur de la
troupe Alberto Del Saz, mais en même temps
avec l’énergie qui caractérise actuellement des
interprètes américains de qualité, forts d’une
technique qui a évolué.
Crucible est un sommet d’inventivité, entre
théâtre noir, cinéma d’avant la sonorisation
(Nikolais fut pianiste accompagnateur pour des
films muets) et effets de dédoublements, grâce
à l’emploi d’une surface de miroirs. Une leçon
de beauté et de divertissement que l’on retrouve
avec bonheur de nos jours dans Bothanica des
Momix. Nik en aurait été content, ainsi que du
grand succès que le public a réservé à ses chefsd’œuvre historiques.
Ballet Kirov du Théâtre Mariinsky
de Saint-Pétersbourg
Le premier “Spartacus”
ressuscité
Spartacus – chor. Leonid Yakobson, mus. Aram
Khatchatourian
www.mariinsky.ru
Saint-Pétersbourg (Russie), Théâtre Mariinsky
Cela fait 18 ans qu’au Théâtre Mariinsky de
Saint-Pétersbourg se déroule le festival des
“Étoiles des nuits blanches”, où se produisent
les artistes de l’opéra et du ballet du grand théâtre
russe, ainsi que des stars internationales. Ce
festival a lieu chaque année du 21 mai au 21
juillet. Le moment culminant des spectacles de
ballet a été incontestablement la nouvelle production de Spartacus de Leonid Yakobson,
datant de 1956, sur la musique d’Aram Khatchatourian. Il s’agit de la première version de
ce ballet, moins célèbre que celle créée en 1968
par Youri Grigorovitch pour le Ballet du Théâtre
Bolchoï de Moscou.
estensibili per Noumenon Mobilus del 1953 o i
bastoni per Kaleidoscope o i cappellini e le prolunghe per le braccia in Imago o anche le sole
calzamaglie per Liturgies del 1983 – per disegnare traiettorie precise, movimenti sincroni e
intrecci esatti. I giovani danzatori della compagnia Ririe-Woodbury li eseguono ora con cura,
fedeli all’originale, come garantisce il direttore artistico del gruppo Alberto Del Saz, ma al
tempo stesso con l’energia che caratterizza la
qualità degli interpreti americani di oggi, forti
di una tecnica evoluta.
Crucible è una summa di inventiva, tra teatro nero, ritmo da cinema pre-sonoro (Nikolais
fu pianista accompagnatore di film muti) ed
effetti di raddoppio con uso di una superficie
di specchio. Ed è una lezione di divertimento e
di bellezza da cui una hit come Bothanica dei
Momix ha imparato enormemente. Nik ne sarebbe stato contento, come del grande successo di applausi che il pubblico ha tributato a
questi suoi storici capolavori.
Balletto Kirov del Teatro Mariinsky
di San Pietroburgo
Il primo “Spartacus”
risuscitato
Spartacus – cor. Leonid Yakobson, mus. Aram
Khachaturian
www.mariinsky.ru
San Pietroburgo (Russia), Teatro Mariinsky
È giunto ormai al suo diciottesimo anno il
festival delle “Stelle delle notti bianche” al Teatro
Mariinsky di San Pietroburgo, in cui si esibiscono gli artisti dell’opera e del balletto del grande teatro russo insieme a stelle internazionali.
Questo festival si tiene ogni anno dal 21 maggio al 21 luglio. Il momento culminante degli
47
paths and patterns, synchronized movement
and accurate inter-weaving. The young dancers of the Ririe-Woodbury Company perform
these works now with care and fidelity to
the original choreography, under the supervision of their artistic director Alberto Del
Saz, but at the same time they bring the fresh
energy and strong technique that characterizes the quality of American performers today.
Crucible is a summation of inventiveness:
elements of black light theatre, the rhythms
of silent movies (Nikolais was an accompanist for silent films) and doubling effects
thanks to the use of mirrored surfaces. It is a
lesson in fun and beauty from which the creators of the Momix hit Bothanica have learnt
an enormous amount. Nik would have been
happy with the troupe’s great success and the
applause the Italian public bestowed on his
great masterpieces.
Kirov Ballet of the Mariinsky
Theatre, St. Petersburg
The First “Spartacus”
Resurrected
Spartacus – chor. Leonid Yakobson, mus. Aram
Khachaturian
www.mariinsky.ru
St. Petersburg, Mariinsky Theatre
The Mariinsky’s annual Stars of the White
Nights Festival, showcasing the Theatre’s biggest stars in opera and ballet, as well as international ones, is now in its 18th year. This summer’s festival ran for two months from 21 May
to 21 July. The highlight of its ballet performances was undoubtedly the première on 1 July
of a revival of Leonid Yakobson’s 1956 pro-
Igor Zelensky – Kirov Ballet:
“Spartacus”,
c. Leonid Yacobson
(ph. N. Razina)
un ruolo mimico. I numerosi combattimenti con
le spade risultano realistici e coinvolgenti. La
scena finale in cui Frigia piange sul corpo del
marito morto è molto melodrammatica.
Questa curiosità dell’epoca sovietica, così
spettacolare e grandiosa, ha un suo interesse
storico, e alla fine risulta affascinante.
Nella rappresentazione cui ho assistito, Yuri
Smekalov ha danzato splendidamente nel ruolo protagonistico. Konstantin Zverev, giovane
solista bello ed elegante, è stato un Harmodius
strepitoso e faceva bella coppia con Yulia
Stepanova, nuovo talento, irresistibile nel ruolo di Aegina. Un impatto drammatico, il loro,
che ha offuscato lo Spartacus di Smekalov e la
Frigia di Daria Vasnetsova. Il migliore del cast
è stato il Crasso interpretato con incomparabile autorevolezza e spessore artistico da Vladimir
Ponomarev, il miglior caratterista del Mariinsky
di oggi.
Kevin Ng
Konstantin Zverev, Yulia Stepanova – Kirov Ballet: “Spartacus”, c. Leonid Yacobson
(ph. V. Baranovsky)
Cette production, réglée par l’ancien danseur
du Kirov Vyacheslav Khomyakov, a été une
excellente initiative, aussi parce que le ballet
fut créé à l’origine précisément pour le Kirov
et parce que, lors du festival de l’année dernière, la compagnie du Mariinsky avait déjà
repris un autre ballet de Yakobson, Shurale.
Par rapport au Spartacus de Grigorovitch du
Bolchoï, celui de Yakobson est plus riche en
pantomime et en effets spectaculaires qu’en
danse. La mise en scène est fastueuse, avec de
longues processions dans les deux premiers actes.
Les costumes et les décors sont tout aussi somptueux et offrent un spectacle d’une remarquable richesse visuelle, notamment les monuments
de marbre qui représentent la Rome impériale
dans toute son opulence. Par un effet intéressant de la mise en scène, l’action à la fin de
chacun des huit tableaux se fige.
En outre, l’intrigue se développe de façon
plus clair dans le ballet de Yakobson. Mais le
rapport entre la courtisane Égine et Harmodius
(l’ami de Spartacus qui, à la fin, le trahira) est
très emphatique, avec profusion de luxure et
d’émotion; il en résulte que le pas de deux de
Phrygie et Spartacus semble plutôt plat. Le personnage d’Égine est d’ailleurs plus intéressant
et profond que celui de Phrygie. Crassus (le
“méchant” romain) est ici un rôle mimé. Les
nombreux duels sont réalistes et captivants. La
scène finale où Phrygie pleure sur le corps de
son époux est très mélodramatique.
Cette «curiosité» de l’époque soviétique, si
spectaculaire et grandiose, présente un intérêt
historique et peut charmer.
Igor Zelensky et Viktoria Tereshkina ont été
les protagonistes de la “première” de ce Spartacus. Lors de la représentation à laquelle j’ai
spettacoli di balletto è stato indubbiamente la
nuova produzione dello Spartacus di Leonid
Yakobson del 1956 sulla musica di Aram
Khachaturian. Si tratta della prima versione di
questo balletto, ma è meno famosa di quella
creata nel 1968 da Yuri Grigorovich per il Balletto del Teatro Bolshoi di Mosca.
Questa nuova produzione, curata dall’ex
danzatore del Kirov Vyacheslav Khomyakov,
è parsa un’ottima iniziativa, anche perché il balletto fu creato all’origine proprio per il Kirov e
perché al festival dello scorso anno la compagnia del Mariinsky aveva già ripreso un altro
balletto di Yakobson, Shurale. Igor Zelensky
e Viktoria Tereshkina sono stati i protagonisti
alla “prima” di questo Spartacus.
Rispetto allo Spartacus di Grigorovich del
Bolshoi, quello di Yakobson è più ricco di pantomima e di effetti spettacolari che non di danza vera e propria. Sfarzosa è la messa in scena,
in cui dominano le lunghe affollate processioni dei primi due atti. I costumi e le scene sono
altrettanto sontuosi, offrendo uno spettacolo di
notevole ricchezza visiva: la scenografia
marmorea, in particolare, raffigura la Roma
Imperiale in tutta la sua opulenza. Con un interessante effetto registico, l’azione alla fine di
ciascuno degli otto quadri è immobilizzata.
Inoltre, la vicenda ha uno sviluppo più chiaro nel balletto di Yakobson. C’è enfasi nel rapporto tra la cortigiana Aegina e Harmodius
(l’amico di Spartaco che alla fine lo tradirà); il
pas de deux di Frigia e Spartaco risulta infatti
alquanto piatto rispetto a quello di Aegina e
Harmodius, tutto lussuria ed emozione. Il personaggio di Aegina, in generale, pare più interessante e profondo di quello di Frigia. Crasso
(il “cattivo” romano) è qui, in buona sostanza,
48
duction of Spartacus. This was actually the
first-ever production set to Aram
Khachaturian’s score, though it is less famous
than Grigorovich’s 1968 production for the
Bolshoi Ballet.
The revival, supervised by the former Kirov
dancer Vyacheslav Khomyakov, was most appropriate, since this production was originally
created for the Kirov Ballet. It was also timely
as an earlier work by Yakobson, Shurale, was
revived by the Mariinsky during last year’s
festival. Igor Zelensky and Viktoria
Tereshkina led the première cast of Spartacus.
Compared to Grigorovich’s Bolshoi version, this Yakobson production is far more
substantial in mime and spectacle than in actual dancing. There is a lot of splendid pageantry on stage, especially with the endless
grand processions in the first two acts. The
costumes and sets are more sumptuous, thus
providing a richer visual spectacle. The marble
décor depicting Imperial Rome is particularly
lavish. An interesting feature is that at the
end of each of the eight scenes the action is
frozen and then depicted immediately afterwards on a backdrop.
The story is better developed as well in
this Yakobson production. There is more emphasis on the courtesan Aegina and Harmodius
(Spartacus’ friend who later deserts him).
Phrygia’s pas de deux with Spartacus are rather
dull in comparison with the lustful duets of
Aegina and Harmodius which are more emotionally charged. Aegina’s characterization
is more interesting and profound than that of
Phrygia. Crassus is essentially a mime role.
The several lengthy sword-fighting scenes are
extremely realistic and thrilling. Phrygia’s
grief over the body of her dead husband in
the closing scene is too melodramatic.
Overall this Soviet period curiosity, so grand
assisté, Youri Smekalov a dansé merveilleusement le rôle-titre. Konstantin Zverev, jeune
soliste beau et élégant, a été un Harmodius époustouflant, aux cotés de Youlia Stepanova, nouvel espoir, irrésistible dans le rôle d’Égine. Leur
impact dramatique a obscurci le Spartacus de
Smekalov et la Phrygie de Daria Vasnetsova.
Le meilleur, dans cette distribution, a été le
Crassus interprété avec une autorité et une épaisseur artistique incomparables par Vladimir
Ponomarev, le plus grand mime du Mariinsky
de nos jours.
Kevin Ng
Aterballetto
Casanova, la solitude du
libertin
Casanova – chor. Eugenio Scigliano, mus.
Antonio Vivaldi et d’autres
www.aterballetto.it
Florence, Cortile del Bargello
De quoi parlent les chansons et les ballets sinon, le plus souvent, d’amour? Dans le cas de
Casanova, on parle aussi de sensualité et d’éros,
un registre convenant au jeune chorégraphe italien Eugenio Scigliano, qui signe des ballets de
technique “néo-classique” avec un côté désinvolte. C’était également ce qui caractérisait sa
personnalité de danseur, interprète apprécié du
Balletto di Toscana et ensuite des créations de
Mauro Bigonzetti; et il en a fait maintenant sa
marque de chorégraphe, chorégraphe de beaux
corps, possédés par le démon du sexe, le désir
éternel, croix et délice de l’humanité.
Un an après ses débuts et de longues tournées, Casanova se révèle une production réus-
Aterballetto
Casanova, la solitudine
del libertino
Casanova – cor. Eugenio Scigliano, mus. Antonio Vivaldi e altri
www.aterballetto.it
Firenze, Cortile del Bargello
Di cosa “parlano” canzoni e balletti se non,
preferibilmente, d’amore? Nel caso di Casanova,
anche di sensualità e di eros, un registro molto
congeniale a Eugenio Scigliano, che sa firmare balletti di tecnica “neoclassica” dal tocco spregiudicato, proprio come questo. Portava questo stesso marchio nella sua fisicità di danzatore,
come elemento di spicco nel Balletto di Toscana e poi nelle creazioni di Mauro Bigonzetti;
questa è anche la sua impronta come coreografo, coreografo di corpi belli, in preda al demone dell’eterno richiamo del sesso, gioia e condanna dell’umanità.
Dopo un anno dal debutto, con molte date in
tournée, Casanova si è rivelato una produzione di successo, carico di attrattiva per qualunque pubblico, nei costumi-lingerie di Kristopher
Millar e Lois Swandale e sotto le luci di Carlo
Cerri che magnificano ogni muscolo.
Un grande specchio d’epoca con un’imponente cornice dorata troneggia al centro dell’unica scena, amplificando le figure riflesse.
Al centro un protagonista, Giacomo Casanova,
che attraversa, nel Settecento pre e anti-romantico
e libertino, le sue infinite avventure galanti con
compagne d’ogni tipo, dalla vergine alla monaca alla peccatrice. C’è un fondo drammatico in tanta leggerezza, dove s’inanella una
conquista dopo l’altra: la solitudine esistenziale inguaribile, che accomuna gli esseri umani
49
and spectacular, is fascinating and of historical
interest.
The performance of Spartacus that I attended
was admirably danced by Yuri Smekalov in
the title role. Konstantin Zverev, a handsome
and stylish young soloist, was outstanding as
Harmodius. He was well matched with the talented newcomer Yulia Stepanova who was
compelling as Aegina. They definitely outshone
and had a stronger dramatic impact than
Smekalov and Daria Vasnetsova as Phrygia.
The best in this cast was Crassus, danced with
incomparable weight and authority by Vladimir
Ponomarev, presently the greatest male character dancer in the Mariinsky Ballet.
Kevin Ng
Aterballetto
Casanova, the Libertine
in his Loneliness
Casanova – chor. Eugenio Scigliano, mus. Antonio Vivaldi and others
www.aterballetto.it
Florence, Cortile del Bargello
What else do song and dance “speak” of if
not (preferably) of love? In the case of Casanova, Italian Eugenio Scigliano, with his “neoclassical” technique and unconventional flair,
also speaks of sensuality and eroticism. The
same physicality he bore as a dancer, so promiStefania Figliossi, Daniele Ardillo –
Aterballetto: “Casanova”,
c. Eugenio Scigliano (ph. A. Anceschi)
site, pleine d’attrait pour tout public, avec les
costumes (des sous-vêtements) de Kristopher
Millar et Lois Swandale et les éclairages de
Carlo Cerri qui magnifient les muscles.
Un grand miroir d’antan, enchâssé dans un
cadre doré imposant, domine au centre de la
scène et amplifie les personnages qui s’y reflètent. Au centre le protagoniste, Giacomo Casanova, qui traverse, au XVIIIème siècle antiromantique et libertin, ses interminables
aventures galantes avec des compagnes en tout
genre, de la vierge à la religieuse et à la pécheresse. Mais on perçoit un fond dramatique dans
cette légèreté, où l’on enchaîne une conquête
après l’autre: la solitude existentielle partagée
par les hommes de toute époque, y compris la
nôtre évidemment.
Les anecdotes biographiques du séducteur
par excellence, tirées de l’Histoire de ma vie,
ont inspiré à Scigliano, pour les excellents danseurs de la compagnie Aterballetto (dirigée par
Cristina Bozzolini) des duos passionnés, des
trios et des ensembles, qui multiplient et dédoublent les rencontres fulgurantes mais aussi
les refus amoureux. Avec, toujours cependant,
un côté mélancolique inexorable pour tous ceux
qui “vivent au bord du précipice”, là où l’éros
rencontre la mort.
Dans ce ballet, un Casanova épuisé, vieilli
et désenchanté parcourt sa vie à rebours: les
duels, les cérémonies aristocratiques, les fêtes
à la cour, les fuites, les guerres (auxquelles renvoient les vareuses verdâtres des danseurs).
Des mélodies baroques réitérées, Vivaldi, et
des bruits divers – piaffements, verrous qui
s’ouvrent et se ferment, lames d’épées qui vibrent et combattent – colorent constamment ce
récit dansé, empreint d’inquiétudes sous-jacentes.
L’épilogue montre de nombreux Casanova,
comme clonés par le miroir. Les chemises de
nuit enlevées, le(s) chevalier(s) prend/prennent
congé en faisant une révérence. Prêts à recommencer la nuit suivante.
Les Ballets de Monte-Carlo
Ce qui fait la différence
Shéhérazade – chor. Jean-Christophe Maillot,
mus. Nikolaï Rimsky-Korsakov; 7 to 8 and –
chor. Shen Wei, mus. Dirk P. Haubrich
www.balletsdemontecarlo.com
Monte-Carlo, Opéra
Au cours des dernières années, nous avons
assez rarement parlé des Ballets de Monte Carlo,
une compagnie pourtant bien active et qui pourrait être l’une des plus importantes en Europe.
La raison en est précisément ce conditionnel:
“pourrait”; car elle travaille dans des conditions
matérielles, économiques, d’indépendance et de
prestige tout à fait privilégiées. Je ne dirai pas
“devrait”, parce que, en un certain sens, c’est
une compagnie privée, qui ne dépense pas l’argent des contribuables comme toutes les autres,
et qui a donc le droit d’être ce qu’elle veut;
mieux, ce que veut la Principauté qui la finance
(avec quelques sponsors, eux-mêmes liées à
di tutte le epoche, ovviamente anche quelle
contemporanee.
Le suggestioni biografiche del seduttore per
antonomasia, tratte dalla sua Histoire de ma
vie, hanno ispirato a Scigliano, per i sempre
ottimi danzatori dell’Aterballetto diretto da
Cristina Bozzolini, duetti accesi di passionalità,
trii, insiemi, che moltiplicano e sdoppiano i
folgoranti continui incontri ma anche i rifiuti amorosi, con quel fondo di malinconia
ineludibile per chiunque sente di “vivere al
bordo del precipizio”, nel punto dove l’eros
lotta contro la morte.
Stanco di battaglie, un Casanova anziano
e disincantato ripercorre a ritroso, secondo
Scigliano, i suoi ricordi, tra duelli, cerimonie aristocratiche, balli di corte, fughe, azzardi, trascorsi di guerra, cui alludono i pastrani verde militare dai danzatori.
Melodie barocche insistite, Vivaldi, e poi
suoni vari – scalpitii, rumori di chiavistelli
che si aprono e chiudono, di lame che vibrano e combattono – tingono costantemente il
racconto danzato di inquietudini sotterranee.
L’epilogo mostra tanti Casanova, come
clonati, allo specchio. Tolte le sottane da notte,
il/i cavaliere/i prende/ono congedo con un
inchino. Pronti a ricominciare la notte seguente.
Quel che fa la differenza
Shéhérazade – cor. Jean-Christophe Maillot,
mus. Nikolai Rimsky-Korsakov; 7 to 8 and –
cor. Shen Wei, mus. Dirk P. Haubrich
Monte-Carlo, Opéra
Abbiamo parlato abbastanza poco, negli
ultimi anni, dei Ballets de Monte Carlo, una
compagnia ben attiva e che potrebbe essere
una delle più importanti in Europa. La ragione sta in quel condizionale: potrebbe, perché
ha condizioni materiali, economiche, d’indipendenza, di prestigio, del tutto privilegiate.
Non mi permetto di dire “dovrebbe”, perché
in un certo senso è una compagnia privata,
che non spende denaro di contribuenti come
tutte le altre, e quindi ha il diritto di essere
quel che vuole; cioè, quel che vuole il Principato che la finanzia (insieme ad alcuni sponsors
pur sempre legati all’economia monegasca).
Da 25 anni è infatti una piccola occupazione ufficiale della principessa Caroline di Monaco, la quale, se proprio deve averne, certamente preferisce il balletto alla Croce Rossa
(lei stessa ha studiato danza classica da bambina, portata all’Accademia di Marika
Besobrasova da sua madre, Grace Kelly, attrice e amante della danza). L’impegno dev’essere poi diventato ancor meno noioso per
Caroline da quando, nel 1993, ha nominato
direttore della compagnia Jean-Christophe
Maillot (francese, oggi 50 anni), a suo tempo
ottimo danzatore di John Neumeier al Balletto di Amburgo, bel ragazzo simpatico e bril-
50
nent an element in Balletto di Toscana and
then in the creations of Mauro Bigonzetti, has
become his hallmark as a choreographer. He
is the creator of the movement of beautiful
bodies, prey to the demon of the eternal appeal of sex and joy, which is also the damnation of mankind.
A year after its début and many performances on tour, Casanova has proved to be a
success, with appeal for a wide audience. Visually it satisfies with Krisopher Miller and Lois
Swandale’s costume-lingerie and Carol Cerri’s
subtle lighting magnifying the movement of
every muscle.
A large mirror set in an antique gold frame,
amplifying the reflected figures, is at the centre of the scene. In its centre the hero, Casanova stands with his endless love affairs with
women of all types, from the virgin, to the
nun to the fallen woman – a solitary figure in
a pre-Romantic and libertine 18th century. But
in midst all the glitter, with seduction upon
seduction, there is drama: that incurable existential loneliness that unites human beings
throughout all epochs, including our contemporary times.
Taking his inspiration from Histoire de ma
vie, the evocative autobiography of the Seducer par excellence, Scigliano has created
for the excellent dancers of Cristina Bozzolini’s
Aterballetto duets burning with passion, trios,
ensembles which multiply and then split. All
describe the sizzling amorous encounters but
also love’s rejection, with that underlying feeling of melancholy, inescapable for anyone “living on the edge of the precipice”: the point
were Eros struggles with Death.
Tired of battles, Scigliano’s elderly, disenchanted Casanova looks back on his memories – duels, court balls, aristocratic ceremonies, flights, narrow escapes, gambles and
wartime battles (hinted at in the military-green
greatcoats of the dancers).
Insistent baroque melodies (Vivaldi) are
mixed with various sounds: the clatter of
hooves, the sounds of doors being bolted and
unbolted, clashing swords – sounds that tinge
the tale being danced with a feeling of hidden
anxiety. The epilogue shows us many
Casanovas, as if cloned in a mirror. The chevaliers remove their nightshirts and take their
farewell with a bow. Ready to begin their quest
again with the next sunset.
What Makes the
Difference?
Shéhérazade – chor. Jean-Christophe Maillot,
mus. Nicolai Rimsky-Korsakov; 7 to 8 and –
chor. Shen Wei, mus. Dirk P. Haubrich
Monte-Carlo, Opéra
We have spoken very little in recent years
of the Ballets de Monte Carlo, a company which
l’économie monégasque).
Depuis 25 ans les Ballets de Monte-Carlo
sont en effet l’une des occupations officielles
de la princesse Caroline de Monaco, qui préfère certainement le ballet à la Croix-Rouge
(elle a fait de la danse classique quand elle était
enfant, amenée à l’Académie de Marika
Besobrasova par sa mère, Grace Kelly, actrice
et passionnée de danse). L’occupation est devenue probablement encore moins ennuyeuse
pour Caroline depuis que, en 1993, elle a nommé
comme directeur de la compagnie Jean-Christophe Maillot (français, aujourd’hui âgé de 50
ans), en son temps excellent danseur de John
Neumeier au Ballet de Hambourg, beau garçon sympathique et brillant, à son aise dans
le milieu artistique-mondain et branché, qui
est devenu un bon ami de la princesse.
C’est pourquoi, comme je le disais au début, on s’est occupé relativement peu de cette
compagnie: elle nous a toujours paru un cas à
part, une affaire princière privée, indemne de
toute critique, dont le poids dans le monde
réel de la danse consiste surtout à donner un
travail bien rémunéré à presque 50 danseurs
de nationalités diverses.
Certes, une telle compagnie aurait pu devenir un pôle et un instrument important pour
l’art chorégraphique en Europe. Mais à Maillot
cette irréalité privilégiée parut probablement
naturelle et presque due, et il se mit tout de
suite à jouer au directeur-chorégraphe-patron,
sur le modèle de son ancien maître, John
Neumeier.
Ainsi, les Ballets de Monte-Carlo sont-ils
centrés depuis 17 ans sur l’œuvre chorégraphique de Jean-Christophe Maillot, même si
le répertoire compte quelques classiques du
XXème siècle (surtout Balanchine), quelques
noms prestigieux (Forsythe, Neumeier, Kylián,
Tharp) et quelques créations de chorégraphes
contemporains mineurs qui ne ternissent surtout pas la gloire de Maillot, dont les créations sont réalisées sans lésiner sur les moyens,
avec une compagnie formée à sa mesure et à
son service.
Pour accroître son prestige et celui de sa
compagnie – mais cela soit dit avec admiration pour ses qualités de concepteur-organisateur artistique – Maillot anime depuis 10
ans, tout les deux ans, le “Monaco Dance Forum”. Un festival avec spectacles, événements
multimédias, rencontres, expositions etc.; se
voulant à sa naissance comme une sorte de
mecque de la danse contemporaine, avec des
autocélébrations parfois embarrassantes
(comme un prix attribué ponctuellement à
Maillot, à ses propres ballets, à ses interprètes, à la compagnie elle-même...); il est devenu ensuite un festival plus «normal», toujours centré sur les Ballets de Monte-Carlo
mais accueillant aussi des compagnies et des
auteurs de qualité.
La dernière édition, sur trois phases (en décembre 2009, en avril et en juillet 2010) était
consacrée au centenaire des “Ballets Russes”,
avec une exposition, des colloques et des spectacles inspirés de ce thème. L’un des derniers,
avec la compagnie de Monte-Carlo, rassemblait une Shéhérazade de Maillot et une créa-
lante, ben disposto alla mondanità modaiola
profumata d’arte e cultura, come si usa oggi,
e divenuto suo buon amico.
Ecco perché, come dicevo all’inizio, ci siamo occupati relativamente poco di questa compagnia: perché ci è sempre sembrata un caso
a parte, un principesco affare privato, indenne da critica, il cui peso nel mondo reale della
danza consiste soprattutto nel dare un lavoro comodo e ben retribuito a quasi 50 buoni
danzatori di diverse nazionalità.
Certo, una compagnia simile poteva divenire un polo e uno strumento importante per
l’arte coreografica in Europa. Invece a Maillot
sembrò forse naturale e dovuta quell’irrealtà
privilegiata, quell’indiscutibilità in casa propria, e si mise subito a fare il direttore-coreografo-padre-padrone, sul modello del suo
antico maestro John Neumeier.
Così, i Ballets de Monte-Carlo sono centrati da 17 anni sul lavoro coreografico di
Jean-Christophe Maillot, anche se il repertorio generale conta qualche classico del
Novecento (Balanchine soprattutto), qualche
nome prestigioso (Forsythe, Neumeier, Kylián,
Tharp) e diverse creazioni di coreografi contemporanei minori che non oscurino gli esiti
di Maillot, le cui creazioni sono senza risparmio di mezzi e con una compagnia formata
a sua misura e al suo servizio.
A maggior lustro suo e della sua compagnia, ma indubbiamente a suo merito
organizzativo, Maillot anima da 10 anni il
“Monaco Dance Forum”, un festival con spettacoli, eventi multimediali e vari, incontri,
mostre eccetera; nato pretenziosamente come
una mecca della danza contemporanea, con
autocelebrazioni talvolta imbarazzanti (come
un premio attribuito puntualmente a Maillot,
ai suoi propri balletti, ai suoi interpreti, alla
compagnia stessa...) è poi divenuto una più
normale rassegna, con al centro i Ballets de
Monte-Carlo ma anche con compagnie e autori di qualità.
La scorsa edizione, in tre fasi (dicembre,
aprile e luglio) era dedicata al centenario dei
“Ballets Russes”, con una mostra, convegni
52
is very active and could be one of the most
interesting in Europe. And the reason lies entirely in that conditional tense: it “could”; it
has the material wherewithal, economic independence, prestige and is quite privileged. I
am not saying it “should” because it is a private company that, unlike others, does not spend
taxpayers’ money and therefore has the right
to be as it wishes; or rather what the Principality wishes.
Indeed for the past 25 years the company
has been under the patronage of Princess
Caroline of Monaco, who if truth be told, prefers
the ballet to the Red Cross. As a child Caroline,
was taken by her mother, Princess Grace the
actress and lover of dance, to the ballet Academy of Marika Besobrasova in Monte-Carlo.
The commitment must also have become much
less tedious for Caroline when, in 1993, JeanChristophe Maillot, a former excellent dancer
with John Neumeier at the Hamburg Ballet,
was appointed the company director. The
French dancer (now 50 years old) was handsome, bright, well-versed in the worldiness,
and he became a friend.
That’s why, as I said at the beginning, we
have dealt with relatively little with the Ballets de Monte-Carlo: it always seemed a special case. It was principally a private affair,
free from criticism, whose weight in the real
world of dance was limited mainly to giving
comfortable and well-paid employment to
nearly 50 good dancers of different nationalities.
Of course, a similar company could well
have become a centre of dance and an important tool for the choreographic art in Europe.
Instead Maillot seemed immediately to consider it quite natural, perhaps given his privileged and indisputable position, to take on the
role of director-choreographer-father-master,
in the mould of his old master John Neumeier.
Thus for 17 years the Ballets de Monte-Carlo
has been centered on the choreography of JeanChristophe Maillot. Although it should be said
that the repertoire has included some classics
of the 20th century (especially Balanchine),
Les Ballets de Monte-Carlo: “Shéhérazade”, c.Jean-Christophe Maillot (ph. M. L. Briane)
tion de Shen Wei, le chorégraphe chinois installé à New York, devenu ces dernières années
l’un des auteurs les plus intéressants de la scène
internationale.
La différence, le contraste n’est pas seulement de style, de technique et de culture, que
l’on ne pourrait plus lointaines entre les deux
pièces. À proprement parler, il ne s’agit même
pas de différence; c’est tout simplement la démonstration vivante de ce qui est chorégraphie
et ce qui est un spectacle de danse mis en scène
plus ou moins habilement, plus ou moins agréablement, par un professionnel de la danse qui
a décidé «de faire» le chorégraphe. Il faut dire
que ce dernier est un cas très commun, voire le
plus fréquent que l’on puisse trouver dans les
théâtres et dans les compagnies du monde entier.
La Shéhérazade de Maillot, c’est cela: un
titre et une musique captivants, à l’occasion du
centenaire (la Shéhérazade de Michel Fokine
fut l’un des premiers grands succès des Ballets
Russes, en 1910), un sujet bien connu «revisité»
sans y ajouter rien de revélateur, des costumes
tape-à-l’œil de goût médiocre; et finalement (l’essentiel devenant ici secondaire), une chorégraphie oscillant entre danse et pantomime, entre
technique classique et contemporain “gestuel”
et fragmenté, comme c’était à la mode il y a
deux décennies.
Certes, Maillot a fait des choses meilleures,
ce n’est peut-être qu’une pièce de circonstance.
Mais pourquoi? La Shéhérazade de Fokine et
Bakst est tout simplement meilleure que celleci, qui n’est ni traditionnelle ni vraiment moderne, sans unité, sans une inventivité vraie,
sans nous donner l’émotion pour la découverte
d’un monde créé par un chorégraphe authentique.
En revanche, dans la pièce de Shen Wei, on
ressent tout suite cette émotion. Les huit danseurs entrent sur une petite course légère et parcourent l’espace scénique; c’est presque rien,
mais avec une poésie de mouvement si essentielle qu’elle nous enchante. On comprend tout
e diversi spettacoli ispirati in vario modo a
quel tema. Uno degli ultimi, con la compagnia di Monte-Carlo, riuniva una Shéhérazade
di Maillot e una creazione di Shen Wei, il
coreografo cinese trapiantato a New York divenuto in questi anni uno dei più interessanti autori di danza della scena internazionale.
La differenza, il contrasto non era solo di
stile, di tecnica, di cultura, lontane quanto
più non si potrebbe. Anzi, non era nemmeno
differenza, ma dimostrazione viva, sotto i
nostri occhi, di che cosa sia coreografia, e
che cosa uno spettacolo di danza messo in
scena, più o meno abilmente, più o meno gradevolmente, da un professionista della danza che decide di fare il coreografo; caso, questo, comunissimo, anzi, il più frequente che
si possa trovare nei teatri e nelle compagnie
del mondo intero.
Questo è la Shéhérazade di Maillot: un titolo e una musica attraenti, lo spunto del centenario (la Shéhérazade di Michel Fokine fu
uno dei primi clamorosi successi dei Ballets
Russes, nel 1910), il noto soggetto ritoccato
o “reinterpretato” senza nessun apporto di senso, costumi vistosi di gusto mediocre; e infine (giacché l’essenziale qui diventa secondario) una coreografia incerta tra danza e
pantomima, tra tecnica classica e contemporaneo “gestuale” e spezzato di qualche decennio fa.
Maillot ha fatto cose migliori, questo forse era solo un pezzo d’occasione; ma perché? La Shéhérazade di Fokine e Bakst è semplicemente più bella di questa, che non è né
antica né davvero moderna; e senza un’unità, senza un’inventiva vera, senza che mai si
provi l’emozione di scoprire un mondo creato da un coreografo autentico.
Quell’emozione, la si è provata fin dall’inizio del pezzo di Shen Wei. Gli otto danzatori
entrano con una piccola corsa leggera e percorrono lo spazio della scena; è un nulla, ma
con una poesia di movimento così essenziale da incantare, da farci sentire subito che
53
some prestigious names (Forsythe, Neumeier,
Kylián, Tharp) and other creations by minor
contemporary choreographers who do not
overshadow the work of Maillot. But no resources are spared for his creations and it
seems it is for these that the company exists.
For 10 years, chiefly for his own glory and
that of his company, but certainly to the credit
of his organizational skills, Maillot has been
the life and soul of the “Monaco Dance Forum”. A festival of shows, multi-media events,
meetings, exhibitions etc., it was born, rather
pretentiously, to be a Mecca of contemporary dance. At times it has been embarrassingly self-congratulatory – with prizes
awarded to Maillot, one of his ballets, his
performers or the company itself. It has now
become a more normal festival, still with the
Ballets de Monte-Carlo at its centre but also
featuring other companies and first-rate choreographers.
The last edition, in three phases (December 2009, April and July 2010) was devoted
to the centenary of “Ballets Russes”; an exhibition, conference and several shows were
inspired in various ways by the theme. One
of them, with the Monte-Carlo company,
brought together a Shéhérazade by Maillot
and a creation of Shen Wei, the New Yorkbased Chinese choreographer who in recent
years has become one of the most interesting artists on the international dance scene.
The difference? They could not have been
further apart but the contrast was not just one
of style, technique, culture or aesthetics. Indeed, it was not even a difference, but a live
demonstration, before our very eyes, of what
is choreography and what instead is a dance
performance staged, more or less skilfully,
more or less pleasantly, by a professional
dancer who decides to become a choreographer. It is a situation frequently found these
days in theatres and companies worldwide.
This describes Maillot’s Shéhérazade: an
attractive title and music, within the inspiration of the centenary (the Michel Fokine
Shéhérazade was one of the first sensational
successes of the Ballets Russes in 1910); a
known libretto touched up or “reinterpreted”
without anything of interest added, flashy costumes in poor taste, and finally (as the essential element becomes secondary here), uncertain choreography. It was somewhere
between dance and mime, somewhere between
classical technique and a contemporary emphatic and fragmented style that went out of
fashion a few decades ago. Maillot has made
better ballets, perhaps this was just a piece
of circumstance, but why did he make it?
Fokine and Bakst's Shéhérazade is simply
better. Maillot’s Shéhérazade is neither ancient nore truly modern, without unity, without
real inventiveness or even an attempt at discovering the world of emotion that can be
created by a real choreographer.
Emotion was already present in the first
ten seconds of Shen Wei’s creation. The eight
dancers enter with little jogging motions and
go quickly through the scene – nothing but
the poetry of movement. Movement so es-
Les Ballets de Monte-Carlo: “7 to 8 and”,
c. Shen Wei (ph. A. Sterling)
de suite que l’on n’est pas en train d’assister à
une pièce de danse quelconque, mais à une œuvre
d’art contemporain faite de mouvement, c’està-dire que l’espace et le temps sont les éléments
pures de l’invention. Le corps en perd presque
son côté physique au sens ordinaire du terme;
ce processus qui consiste à “isoler les parties du
corps” (comme l’écrit le chorégraphe lui-même
dans une simple note du programme) n’est pas
anatomique mais dynamique, ne concerne pas
les formes physiques mais le mouvement en soi.
La technique semble élémentaire, mais elle est
fondée sur un travail soigné de coordination et
d’équilibre, et sur une grande concentration, que
les artistes de la compagnie américaine Shen Wei
Dance Arts possèdent avec naturel et que les
danseurs de Monte-Carlo semblent avoir adoptée avec une certaine conviction.
La musique de ce 7 to 8 and (le titre peu
importe), pas très intéressante en soi mais parfaitement adéquate, est de Dirk P. Haubrich,
compositeur allemand âgé de 44 ans, qui a également collaboré avec Jirí Kylián.
Les décors, les costumes, les éclairages, les
projections, dans un espace mystérieux et presque
sans théâtralité au sens habituel du terme, tout
a été conçu par le chorégraphe lui-même. Les
références à l’opéra chinois, à la danse postmoderne américaine, aux arts plastiques et visuels d’une certaine époque et d’un certain lieu
etc., que nombre de critiques déduisent de la
biographie de Shen Wei, sont certainement légitimes, mais au fond ne comptent pas pour
grand-chose dans la valeur unitaire de son œuvre.
Les Ballets de Monte-Carlo entrent ainsi dans
la liste des compagnies “normales” pour lesquelles ce chorégraphe singulier a créé et créera.
Que cela soit utile à la définition de son œuvre
(comme c’est certainement le cas du travail avec
ses interprètes) est douteux; mais c’est un doute
qui demeure pour tout chorégraphe original.
Alfio Agostini
non siamo davanti a un solito balletto di oggi,
ma a un’opera d’arte contemporanea fatta di
movimento, cioè di spazio e di tempo come
elementi puri d’invenzione. Il corpo perde quasi
di fisicità nel senso ordinario; il suo processo
di “isolare le parti del corpo” (come scrive lo
stesso coreografo in poche semplici righe sul
programma) non è anatomico ma dinamico,
non riguarda le forme fisiche ma il movimento in se stesso. La tecnica pare elementare,
ma è fondata su un lavoro accurato di coordinamento e di equilibrio e su una grande concentrazione, che gli artisti della compagnia
americana Shen Wei Dance Arts possiedono
con naturalezza e che i danzatori di MonteCarlo sembrano aver adottato con una certa
convinzione.
La musica di questo 7 to 8 and (il titolo
non importa), poco interessante in sé ma perfettamente adeguata, è di Dirk P. Haubrich,
compositore tedesco 44enne, collaboratore
anche di Jirí Kylián.
Le scene, i costumi, le luci, le proiezioni,
in uno spazio misterioso e quasi senza
“teatralità” nel senso comune, tutto è ideato
dallo stesso coreografo. I riferimenti all’opera cinese, alla danza post-moderna americana, alle arti plastiche e visuali di una certa
epoca e luogo eccetera, che molti critici
desumono dalla biografia di Shen Wei, sono
senz’altro legittimi, ma in fondo non contano
molto nel valore unitario della sua opera matura di oggi.
I Ballets de Monte-Carlo entrano così nella
lista delle compagnie “normali” per le quali
ha creato, e certamente creerà, questo coreografo singolare. Se ciò gioverà o meno alla
definizione della sua opera (come invece certamente il lavoro coi suoi propri interpreti) è
dubbio; ma è un dubbio che vale per tutti i
rari coreografi davvero originali.
Alfio Agostini
54
sential to enchant and to make us feel immediately that we are not confronted by the usual
dance pièce but a contemporary work of art
made of movement, i.e. space and time as
elements of pure invention. The dancer’s body
loses its physicality in the ordinary sense.
Wei’s process of “isolating body parts” (as
he writes in a few simple lines of programme
notes) is not anatomical but dynamic, not
aimed at individuals but at the movement itself. The technique seems elementary but is
based on an accuracy of coordination and
balance and on a high level of concentration,
something that the members of his American Shen Wei Dance Arts company have naturally and that the dancers of Monte-Carlo
troupe seem to have adopted with a certain
conviction.
The music for 7 to 8 and (the title is of
little importance) is by 44-year-old German
composer, Dirk P. Haubrich, who has collaborated with Jirí Kylián; it was not very
interesting in itself, but perfectly adequate.
The décor, costumes, lighting and projections,
all by the choreographer, created a mysterious space without “theatricality” in the usual
sense. The references to Chinese Opera,
American post-modern dance, visual arts of
a certain time and place, that many critics
detect thanks to the biography of Shen Wei,
are certainly legitimate, but ultimately do not
matter when his mature work of today is seen
as a whole.
The Ballets de Monte-Carlo is now on the
list of “regular” companies for which this
unique composer of dance has created pieces.
If this will benefit or not the definition of
his work (as the work he does with his own
company certainly does) is doubtful, but it
is a doubt that applies to all very original
and rare choreographers.
Alfio Agostini
M u l t i M ed i a
TV-WEB
TV-Web
TV-WEB
Vous vous rappelez que l’on s’est plaint
du fait que la télé généraliste, “normale”,
ne retransmettait (presque) jamais la danse
d’art? Oubliez cela. Il y a le web qui nourrit les affamés de belle danse. Les chorégraphes agissent désormais sur la Toile directement, munis de leurs caméras
numériques personnelles, grâce à
“YouTube” qui offre la possibilité d’atteindre les écrans du monde entier. Un exemple clair et efficace: sur www.ciedcadecoufle.com, à l’entrée TV DCA, on trouve
une série de vidéos, qui remonte à cet été,
montrant les étapes de la création du nouveau spectacle de Philippe Decouflé, et qui
présente les protagonistes et les répétitions
de sa création (qui débute en octobre à Rennes), comme si on était dans le studio avec
eux.
Sur le même site, on peut voir également
des images et des vidéos de Sombrero avec
ses ombres inversées (c’est-à-dire blanches
sur un fond noir), Abracadabra, Codex et
le merveilleux duo asymétrique avec le très
grand Christophe Salengro et la toute petite Catherine Savy, ainsi que le délicieux
clip Le P’tit Bal.
Une remarque en passant: des enquêtes
récentes montrent que la télévision compte
de moins en moins dans la consommation
des produits culturels. Elle est remplacée
par Internet, les smart phones, l’ipad: avec
ces nouveaux instruments, on voit ce qu’on
veut quand on veut. Donc: à bas la “vieille
passivité” de la télé!
Ricordate i pianti sul fatto che la TV
generalista, “normale”, non trasmette la danza d’arte in prima serata (né mai)? Dimenticateli. Ci pensa il web a nutrire gli affamati
di bella danza e nella rete ormai i coreografi
fanno da sé, ora che telecamere digitali personali e “Youtube” offrono tutte le chances
comunicative sugli schermi globali del mondo. Un esempio chiaro ed efficace: su
www.ciedca-decoufle.com, alla voce TV DCA,
si trova una serie di video, inseriti quest’estate, che mostrano le tappe della creazione del
nuovo spettacolo di Philippe Decouflé e che
ci presentano protagonisti e momenti preparatori della sua nuova creazione al debutto in
ottobre a Rennes, “come se fossimo lì, in famiglia”.
Una nota a margine: indagini recenti dicono che la TV conta sempre meno nei consumi
culturali, soppiantata da Internet, smart phone,
ipad: con questi nuovi strumenti vedi quel che
vuoi e quando vuoi. E quindi abbasso la “vecchia passività” televisiva!
You may well recall the oft heard complaint
that regular prime-time – or any time for that
matter – TV programming neglected the art
of dance. Forget it! We honestly believe that
the web has all the necessary sustenance to
feed our hunger for the beauty of the dance.
Now choreographers and companies can,
through digital cameras and YouTube, have
all the needed opportunities to appear on screens
around the globe. An excellent example is at
http://www.ciedca-decoufle.com/BlogDek/
under the banner of TV DCA. A series of videos
have been posted over the summer showing
the creation of a new work by Philippe Decouflé
to debut in October in Rennes. They allow us
to become players in the preparatory moments
of his new creation “as if we were there in the
creative family”.
As a side bar: Recent surveys indicate that
TV has less and less a role in cultural consumption, driven out by the Internet, smart
phones, Ipad et al. With these new tools you
can see what you want when you want. And
thus ridding us of the old-fashioned passivity
of TV!
E.G.V.
DVD
Nutcracker Sweeties – chor. David Bintley,
mus. Duke Ellington, Billy Strayhorn –
Birmingham Royal Ballet; The Judas Tree
– chor. Kenneth MacMillan, mus. Brian
Elias – The Royal Ballet
De ce “double bill” en DVD (l’expression tombe bien, s’agissant d’un programme
anglais), la première pièce, Nutcracker
Sweeties de David Bintley, plus que d’une
gourmandise de Noël, a la saveur d’un pudding (pastiche typiquement indigeste de la
cuisine anglaise!).
Sur la musique de Tchaïkovsky du CasseNoisette, re-élaborée en version jazz par
Duke Ellington et Billy Strayhorn (le JazzNutcracker), Bintley revisite pour le Birmingham Royal Ballet (dont il est le directeur) la tradition du divertissement dans
le ballet du XIXème siècle. Évoquant un
monde de marins et de majorettes et s’appuyant sur des sonorités jazz, il voudrait
peut-être copier l’esprit pétillant de certains
ballets dans le style “Broadway” de Balanchine. Mais n’ayant pas le génie de Mr
DVD
Nutcracker Sweeties – cor. David Bintley, mus.
Duke Ellington, Billy Strayhorn – Birmingham
Royal Ballet; The Judas Tree – cor. Kenneth
MacMillan, mus. Brian Elias – The Royal Ballet
Di questo “double bill” in DVD (l’espressione casca bene, trattandosi qui di cose inglesi), il primo lavoro, Nutcracker Sweeties
di David Bintley, più che d’una leccornia natalizia, ha il sapore di un pudding (tipico pasticcio indigesto
della cucina inglese!).
Sulla musica di
Ciaikovsky dello
Schiaccianoci,
rielaborata in chiave jazz da Duke
Ellington e Billy
Strayhorn (il cosiddetto
JazzNutcracker),
Bintley rivisita per
il Birmingham
Royal Ballet (di cui
è direttore) la tradizione
del
divertissement nel
b a l l e t t o
ottocentesco. Evocando un mondo di
marinai
e
majorettes
e
avvalendosi di
sonorità jazz, vorrebbe forse emulare
lo spirito spumeg-
56
DVD
Nutcracker Sweeties – chor. David Bintley,
mus. Duke Ellington, Billy Strayhorn –
Birmingham Royal Ballet; The Judas Tree –
chor. Kenneth MacMillan, mus. Brian Elias –
The Royal Ballet
Nutcracker Sweeties by David Bintley, the
first course on the menu of this “double bill”
DVD, tastes more
like an indigestible
Christmas pudding
than a holiday treat.
The music of
Tchaikovsky’s The
Nutcracker was reworked as The Jazz
Nutcracker by
Duke Ellington and
Billy Strayhorn.
Bintley treats the
piece for his Birmingham Royal
Ballet in the tradition of a 19th century ballet divertissement. Evoking
a world of sailors
and majorettes and
using jazz sounds
would hopefully
emulate the spirit of
one of Balanchine’s
bubbly Broadway
ballets. But not having Mr B’s choreo-
B., il ne fait que signer une revue de cabaret (et non pas des meilleures), truffée de
pas banals. Plus que l’humour, l’ironie et
le glamour (comme la présentation enthousiaste sur la «pochette» du DVD voudrait
le faire croire), c’est le mauvais goût qui
l’emporte.
D’un tout autre niveau est le second titre proposé: The Judas Tree, une pièce –
la dernière – de 1992 de Kenneth MacMillan
pour le Royal Ballet de Londres. Ce n’est
sans doute pas le meilleur MacMillan, bien
que la gravité existentialiste et le nihilisme
qui traversent ce “drame dansé” reflètent
pleinement la personnalité sombre du chorégraphe écossais. Mais: qu’il s’agisse du
charme vampirique de Leanne Benjamin
(femme fatale porteuse de mort et de destruction dans un chantier sordide d’ouvriers)
ou de celui rude d’Irek Moukhamedov (le
chef de chantier qui finit tragiquement
pendu) ou encore de celui délicat de Michael
Nunn (l’ami trahi du chef de chantier); qu’il
s’agisse de l’inventivité et du pathos de
certaines séquences chorégraphiques ou de
la musique riche en atmosphères de Brian
Elias, le ballet a un certain impact qui fait
oublier la naïveté de quelques moments
(comme les luttes entre ouvriers) et les excès
de théâtralité.
La direction vidéo de ces deux pièces est
très soignée.
Cristiano Merlo
Prima Ballerina – par Laurent Gentot –
avec Svetlana Zakharova et Oulyana
Lopatkina – FRF
On avait déjà cité ce DVD intitulé Prima
Ballerina dans l’article de couverture du
numéro 211 de Ballet2000, consacré aux
étoiles russes de nos jours dans le monde.
Le DVD rassemble deux films-portraits
de Laurent Gentot, sur le fond d’une Russie où soufflent de spectaculaires rafales
de vent et de neige: Svetlana Zakharova:
la tsarine de la danse et Lopatkina, l’âme
de la danse. Ce rapprochement entre deux
ballerines russes fort différentes l’une de
l’autre, appartenant, par-dessus le marché,
à deux compagnies historiquement “concurrentes”, celle du Théâtre Bolchoï de
Moscou et celle du Théâtre Mariinsky de
Saint-Pétersbourg, semble supposer une
“rivalité” qui rappelle la balletomanie romantique. Si ce n’était que les enthousiasmes et les animosités du public de nos jours,
soutenant les raisons d’être de l’une ou de
l’autre, soient peu de choses en regard des
batailles entre les “taglionistes” (les admirateurs de l’éthérée Maria Taglioni) et les
“elssleristes” (les partisans de la torride
Fanny Elssler) qui animaient les chroniques
du XIXème siècle.
Ainsi, certains trouvent inégalables les
lignes archi-sinueuses de Zakharova, ses
pieds superbement cambrés et l’extension
prodigieuse de ses jambes (que l’on admire
ici dans plusieurs films, depuis Le Lac, son
“cheval de bataille”, jusqu’à Shéhérazade
avec sa Zobeïde à la sensualité curviligne,
giante di certi balletti in stile Broadway di
Balanchine. Ma non avendone il genio coreografico, finisce solo per creare una rivista da
cabaret (e non delle migliori), infarcita di passi
scontati. Più che l’umorismo, l’ironia e il
glamour (come vorrebbe darci a intendere l’entusiastica nota sul retro della copertina), domina il cattivo gusto.
Di tutt’altro livello è il secondo titolo del
DVD: The Judas Tree, un lavoro – l’ultimo –
del 1992 di Kenneth MacMillan per il Royal
Ballet di Londra. Non è forse il miglior
MacMillan, benché la cupezza esistenzialista
e il nichilismo che attraversano questo “dramma
danzato” fossero pienamente nelle corde del
coreografo scozzese. Eppure, sarà il fascino
vampiresco di Leanne Benjamin (femme fatale portatrice di morte e distruzione in un sordido cantiere di operai) o quello rude di Irek
Mukhamedov (il nerboruto capocantiere che
finisce tragicamente impiccato) o quello delicato di Michael Nunn (l’amico tradito dal
capocantiere); sarà l’inventiva e il pathos di
certe sequenze coreografiche o la musica densa
di atmosfere di Brian Elias; fatto sta che il
balletto ha un certo impatto che fa dimenticare l’ingenuità di alcuni momenti (come le lotte tra gli operai) e gli eccessi di teatralità.
Molto accurata la regia video di entrambi i
pezzi.
Cristiano Merlo
Prima Ballerina – di Laurent Gentot – con
Svetlana Zakharova e Ulyana Lopatkina – FRF
Avevamo già accennato a questo DVD intitolato Prima Ballerina nell’articolo di copertina del numero 211 di BallettoOggi, dedicato alle stelle russe dei nostri giorni nel
mondo.
Il DVD raccoglie due film-ritratto di Laurent
Gentot, sullo sfondo di una Russia dove soffiano spettacolari folate di vento e di neve:
Svetlana Zakharova: la tsarine de la danse e
Lopatkina, l’âme de la danse.
Quest’accostamento di due ballerine russe assai
diverse tra loro, appartenenti per di più a due
compagnie storicamente “concorrenti”, quella del Teatro Bolshoi di Mosca e quella del
Teatro Mariinsky di San Pietroburgo, sembra
insinuare una “rivalità” che ricorda la
ballettomania ottocentesca. Se non fosse che
gli entusiasmi e le animosità del pubblico di
oggi, nel sostenere le ragioni dell’una o dell’altra, siano davvero poca cosa rispetto alla
lotte agguerritissime tra “taglionistes” (gli
ammiratori della eterea Maria Taglioni) ed
“elssleristes” (i partigiani della focosa Fanny
Elssler) di cui narravano le cronache dell’Ottocento romantico.
Così, c’è chi trova ineguagliabili le linee
iper-sinuose della Zakharova, i suoi piedi superbamente arcuati, l’estensione prodigiosa
delle gambe e la flessuosità del cambré (che
ammiriamo qui in vari filmati, dal Lago, il
suo “pezzo forte”, a Shéhérazade, con la sua
Zobeida dalla sensualità curvilinea, degna di
un quadro di Delacroix). E c’è chi risponde
che è solo esibizionismo tecnico (e fuori luogo quando si tratta, per esempio, di Giselle);
nulla a che vedere con la ricerca sofisticata
57
graphic genius Bintley has only created, at its
best, a not-very-good cabaret revue laced with
commonplace steps. Though from the enthusiastic notes that come with the DVD we are
told we should be appreciating the work’s humour, irony and glamour, what it chiefly leaves
behind is a bad taste.
On a completely different level is the second piece: The Judas Tree. Created in 1992
by Kenneth MacMillan for the Royal Ballet
of London, it was his last work. Although
the existential gloom and nihilism which is
shot through this “dance-drama” is fully within
the range of the Scottish choreographer, it is
not top-notch MacMillan. Yet there is the fascination of watching the vampirish Leanne
Benjamin (the femme fatale who brings death
and destruction to a group of shipyard workers), the rough Irek Mukhamedov (the brawny
foreman who ends tragically hung) or the delicate Michael Nunn (the betrayed friend of the
foreman). With the creativity of the choreography and pathos of certain scenes, all set to
the densely atmospheric music of Brian Elias,
the fact is the work has an impact that makes
the viewer forget the naivety of certain moments – like the struggle between the workers – and the excess of theatrics.
Both works have been directed with great
care and attention given to the requirements
of video presentation.
Cristiano Merlo
Prima Ballerina – by Laurent Gentot – with
Svetlana Zakharova and Ulyana Lopatkina –
FRF
We already mentioned this DVD entitled
Prima Ballerina in the cover story dedicated
to international Russian stars (issue No. 211
of Ballet2000).
digne d’un tableau de Delacroix). Mais les
adversaires répondent que ce n’est que de
l’exhibitionnisme technique (et déplacé, de
plus, quand il s’agit, par exemple, de
Giselle); rien à voir avec la recherche du
style, soigné dans les moindres détails, avec
la musicalité raffinée et l’intensité introspective de Lopatkina (on en donnera pour exemple
sa sublime Mort du cygne, où rien n’est étalé,
mais intériorisé et évoqué). Dans les interviews, on remarque aussi une diversité de
caractère: Zakharova est posée, concrète et
douce, Lopatkina quelque peu abstraite et énigmatique, les yeux presque exorbités.
Pour en revenir au XIXème siècle, le poète
Théophile Gautier considérait Carlotta Grisi
comme la synthèse parfaite entre Taglioni (la
«danseuse chrétienne») et Elssler (la «danseuse païenne»), mais peut-être seulement
parce qu’il était amoureux d’elle. Il ne reste
alors qu’à nous demander, à notre tour, s’il
existe une synthèse entre la sensuelle Svetlana
et l’austère Oulyana. La réponse appartient
aux spectateurs.
Cristiano Merlo
Livres
Danser, Enquête dans les coulisses d’une
vocation – par Pierre-Emmanuel Sorignet –
Editions La Découverte
Voici un ouvrage mené avec beaucoup de
sérieux par un auteur dont le métier de danseur se joint à une formation de sociologue:
c’est donc sur le terrain qu’il a mené son enquête.
Ses analyses des différents moments de la
formation et de la carrière de l’interprète chorégraphique ont toutes un accent d’authenticité. Elles ne se limitent d’ailleurs pas à la
vie professionnelle mais touchent également
la vie privée qui, on s’en doute, est souvent
déterminée par le choix professionnel. Les
nombreux témoignages qui étayent ses enquêtes, pris principalement dans le monde des
danseurs “contemporains”, mettent en lumière
la précarité de la profession en même temps
que son attrait sur des jeunes de plus en plus
nombreux. Ceci n’est pas le moindre des paradoxes dans ce milieu où la brièveté et l’effort physique le disputent au prestige et à la
joie de la scène.
Il en ressort un tableau très précis, non seulement du style de vie et des motivations du
danseur mais aussi du système de production et de programmation tel qu’il existe en
France. Car l’enquête concerne principalement ce pays, même si de nombreuses observations liées au monde de la danse se retrouvent un peu partout. En tout cas, ce travail,
le premier du genre, démonte parfaitement
les nombreux ressorts qui mènent vers ce
qu’on appelle une “vocation”. C’est ce qui
fait son prix!
Sonia Schoonejans
Gontcharova alla Scala – par Vittoria Crespi Morbio – Amici della Scala (en italien)
Les “Amici della Scala” (les “Amis de La
dello stile, sviscerato sin nei minimi particolari, con la musicalità raffinatissima e l’intimo sentire della Lopatkina (basti l’esempio
della sua sublime Morte del cigno, dove nulla
è ostentato, ma interiorizzato ed evocato). Una
diversità, quella tra le due stelle, che si coglie
anche nelle interviste rivelando due caratteri
opposti: composta, concreta e dolce la
Zakharova, sempre un po’ astratta ed enigmatica la Lopatkina, con occhi quasi spiritati.
Tornando all’Ottocento, il poeta Théophile
Gautier riteneva che Carlotta Grisi fosse la
perfetta sintesi tra la Taglioni (la “danseuse
chrétienne”) e la Elssler (la “danseuse
païenne”), ma forse solo perché ne era innamorato. Non resta allora che chiederci, a nostra volta, chi sia e se esista la sintesi tra la
sensuale Svetlana e l’austera Ulyana. La risposta agli spettatori.
Cristiano Merlo
Libri
vocation – di Pierre-Emmanuel Sorignet –
Editions La Découverte (in francese)
Ecco un libro scritto con molta serietà da
un danzatore con in più una formazione di
sociologo: ed è proprio su questo doppio terreno che l’autore ha condotto la sua inchiesta.
La sua analisi delle diverse fasi della formazione e della carriera del ballerino è uno
specchio della realtà. E non si limita alla vita
professionale ma abbraccia anche la vita privata, a sua volta perlopiù influenzata dalla scelta
professionale. Le numerose testimonianze che
arricchiscono la sua inchiesta, condotta principalmente tra i danzatori “contemporanei”,
rivelano lo stato di precarietà della professione, così come l’attrazione che esercita sui giovani, numerosi nel voler intraprendere questo
mestiere. Non è questo l’unico paradosso di
una professione in cui la brevità della carriera si scontra con il desiderio di fama e di prestigio, e in cui lo sforzo fisico si combina al
piacere e alla gioia di stare in scena.
Ne risulta un panorama molto preciso, non
solo dello stile della vita e delle motivazioni
del danzatore ma anche del sistema di produzione e della programmazione, in Francia. Infatti l’inchiesta riguarda principalmente questo Paese, anche se molte osservazioni fanno
riferimento ad altre realtà. In ogni modo, questo
lavoro, il primo del genere, mostra perfettamente la forza di volontà che alimenta quella
che si chiama “vocazione”. È il suo prezzo.
Sonia Schoonejans
Gontcharova alla Scala – di Vittoria Crespi Morbio – Amici della Scala
Gli Amici della Scala editano libri, molto
ben fatti, perlopiù d’opera e musica. Ma questo Gontcharova alla Scala di Vittoria Crespi
Morbio interesserà anche i cultori del balletto.
Esponente del neo-primitivismo russo (affascinata dall’iconografia popolare e religiosa d’ispirazione pagana), la pittrice russa Natalia
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The DVD contains two video-portraits by
Laurent Gentot filmed against the backdrop
of a Russia of spectacular gusts of wind and
blowing snow: Svetlana Zakharova: la tsarine
de la danse and Lopatkina, l’âme de la danse
(Svetlana Zakharova: the Tsarina of the Dance
and Lopatkina, the Soul of the Dance). This
combination of two very different Russian
dancers, belonging to two historically-competing companies, the Bolshoi Theatre in
Moscow and the Mariinksy Theatre in St.
Petersburg, seems to imply a “rivalry” that
r e c a l l s t h e e x c e s s e s o f 1 9 th c e n t u r y
balletomanes. Except that the enthusiasm or
animosity of today’s public is as nothing compared to the battles lines drawn between the
“Taglionistes” – admirers of the ethereal Marie
Taglioni – and the “Elssleristes” – partisans
of the fiery Fanny Elssler – as recorded by
chroniclers of the “Romantic” period of 19th
century ballet.
Today we have those who praise the unparalleled ultra-sinuous lines of Zakharova,
her feet superbly arched, the prodigious extension of the legs and cambré (which we
can admire here in various excerpts, from Swan
Lake, her “forte”, to Shéhérazade where her
sensuously serpentine Zobeide is worthy of a
Delacroix painting). Then there are those who
counter that it is all technical exhibitionism
(and out of place when it comes to a ballet
like, for example, Giselle). They avow that it
bears no comparison to the constant search
for refinement, the honing to the smallest detail, the musicality and intimacy that Lopatkina
brings to her dance (just as an example, her
sublime Dying Swan, where there is no ostentation only internalized emotions). And the
difference between the two stars is highlighted
in the interviews that reveal two opposing personalities: the composed and sweet Zakharova,
all practicality, while the enigmatic Lopatkina,
with her almost haunted eyes, always seems
a bit abstracted.
Returning to the 19th century, the poet
Théophile Gautier belived that Carlotta Grisi
was the perfect synthesis between Taglioni (the
“danseuse chrétienne”) and Elssler (the
“danseuse païenne”); but that may be only
because he was in love with her. It remains
then for us to ask then if there is a modernday synthesis between the sensual Svetlana
and the austere Ulyana. A question only the
audience can answer.
Cristiano Merlo
Books
vocation – by Pierre-Emmanuel Sorignet –
Editions La Découverte (in French)
Here is a work carried out in all seriousness by an author who combines his career as
a dancer with his training as a sociologist: it
is on that basis that he conducted his research.
His analysis of different stages in the training
and career of a dance performer all have a
tone of authenticity. His view is not limited
solely to the professional lives of dancers but
Scala”) de Milan publient des livres, très bien
faits, le plus souvent d’opéra et de musique. Mais ce Gontcharova alla Scala de
Vittoria Crespi Morbio intéressera aussi les
amoureux du ballet.
Représentante du néo-primitivisme russe
(fascinée par l’iconographie populaire et religieuse d’inspiration païenne), le peintre
russe Natalia Gontcharova (1881-1962) fut,
avec son compagnon Michel Larionov, à
l’origine du “rayonnisme” (sorte de courant
du futurisme russe). Elle collabora ensuite
avec les Ballets Russes de Diaghilev dès
1914, dessinant, entre autres, les décors et
les costumes des Noces de Bronislava
Nijinska et de L’Oiseau de feu de Michel
Fokine dans la reprise de 1926. Ce fut précisément ce dernier (d’accord avec Diaghilev) – semble-t-il – à la vouloir comme collaboratrice des Ballets Russes, pour donner
un côté avant-gardiste à l’esthétique “art
nouveau” de ses ballets, accusés d’être
“vieux-jeu” depuis que Vaslav Nijinsky avait
fait ses débuts de chorégraphe, avec ses ballets iconoclastes et scandaleux.
Ici le lecteur trouvera une note biographique sur le peintre, un essai critique sur
son parcours artistique et de nombreuses
images (photographies et maquettes) de ses
costumes et décors.
C.M.
WEB
En attendant le Festival
de Cuba… quand la
danse se fait diplomate
On a désormais l’habitude, dans notre
monde occidental, de considérer la culture
et le spectacle en termes d’économie, celle
des producteurs et des programmateurs, ou
de divertissement (c’est ainsi que le voient
notamment les politiciens). Cela vaut
aujourd’hui aussi pour l’art du ballet, naguère aimé par les rois et les tzars, à la
fois mécènes et spectateurs.
En vérité, il y a encore des exceptions à
cette règle de la culture comme “marchandise” à vendre, si l’on pense en termes de
politique culturelle, c’est-à-dire de politique faite par la culture, et précisément par
le ballet. En effet, il y a des états qui soutiennent leurs propres compagnies nationales et, au besoin, qui s’en servent sur le
plan diplomatique.
Il suffit de penser au cas cubain où Terpsichore règne depuis plus de 50 ans: la compagnie fondée par Alicia Alonso à Cuba
en 1948 est devenue le Ballet Nacional de
Cuba, après l’accès au pouvoir de Fidel
Casto en 1959. Ce qui a permis à Alonso
de fonder une école nationale.
En février dernier, des artistes du Ballet
du Théâtre Bolchoï de Moscou, dont Anna
Antonitcheva, Dmitri Belogolovtsev et
Galina Stepanenko, se sont produits à Cuba,
to how, not surprisingly, that career choice
affects their personal life. The many stories
that he uses for his research, mostly elicited
from the world of “contemporary” dance, highlight a profession that, while it is precarious,
has become more and more attractive to young
people. This is not the least of the paradoxes
in a milieu where brevity of career life and
sheer physical effort compete with the prestige and the joy of being on stage.
There results a very clear picture, not only
of the lifestyle and motivations of the dancer
but also the system of production and programming as it exists in France. Although the survey chiefly examines the scene in France, many
observations of the world of dance in general
can be found. In any case the work, the first
of its kind, fully dissects the multiple reasons
for pursuing what is called a “vocation”. And
what makes it worth the price!
Sonia Schoonejans
Gontcharova (1881-1962) fu, con il compagno Michel Larionov, all’origine del
“raggismo” (sorta di corrente del futurismo
russo, cui avrebbe aderito anche Kazimir
Malevic). La pittrice collaborò poi coi Ballets
Russes di Diaghilev dal 1914, disegnando, tra
l’altro, le scenografie e i costumi delle Noces
di Bronislava Nijinska e dell’Uccello di fuoco di Michel Fokine nella ripresa del 1926.
Pare che sia stato proprio questi (d’accordo
con Diaghilev) a volerla come collaboratrice
dei Ballets Russes, per dare un tocco avanguardista all’estetica “art nouveau” dei suoi
balletti, accusati d’essere ormai vetusti da quando Vaslav Nijinsky aveva debuttato come coreografo, con i suoi lavori iconoclasti e scandalosi.
Qui si troverà una nota biografica sulla pittrice, un saggio critico sul suo percorso artistico e numerose immagini (tra fotografie e
bozzetti) dei suoi costumi e décors.
Cristiano Merlo
WEB
Aspettando il Festival di
Cuba… quando la danza
fa diplomazia
Ci stiamo abituando, nel nostro mondo occidentale, a ragionare di cultura e spettacolo
in termini di economia, quella degli impresari e dei programmatori, o di consenso ludico,
sempre inseguito, specie dai politici. Il che
vale oggi anche per l’arte del balletto, un tempo
prediletta dai re e dagli zar, finanziatori e spettatori al tempo stesso.
In realtà, ci sono ancora eccezioni a questa
regola della cultura come “merce” che si deve
vendere, se si pensa in termini di vera politica culturale, cioè di politica fatta con la cultura, e proprio con il balletto. Ci sono infatti
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Gontcharova alla Scala – by Vittoria Crespi
Morbio – Amici della Scala (in Italian)
The beautifully produced editions published
by Amici della Scala normally look to opera
and music for their subject; but Gontcharova
alla Scala (“Gontcharova at La Scala”) by
Vittoria Crespi Morbio will be of interest to
lovers of the dance.
An exponent of Russian Neo-primitivism
(a fascinating school of popular and religious
pagan-inspired iconography), the Russian
painter Natalia Gontcharova (1881-1962) was,
with her husband Michel Larionov, a founder
of Rayonism (a precursory of Russian Futurism) which Kazimir Malevich also joined. In
1914 she began collaborating with Diaghilev’s
Ballets Russes creating, amongst other works,
the sets and costumes for Bronislava Nijinksa’s
Les Noces and The Firebird of Michel Fokine
when it was revived in 1926. Apparently it
was Fokine himself (with the agreement of
Diaghilev) who wanted her as contributor of
the legendary troupe to give a touch of avantgarde to the Art Nouveau aesthetic of his ballets that had become a trifle stale since the
days when Vaslav Nijinsky had premièred his
iconoclastic and scandalous works.
The book includes a biographical note on
the artist, a critical essay on her artistic heritage and numerous images (photographs and
designs) of her décors and costumes.
C.M.
WEB
Aspects of the Festival of
Cuba … when Dance
becomes Diplomacy!
We are accustomed in our Western world,
to think of culture and entertainment in terms
of economy, of entrepreneurs and programmers, or as a political football constantly tossed
about in a disinterested fashion by politicians.
This is true today for the art of ballet, once a
sur la scène du Théâtre Karl Marx de La
Havane, parallèlement à la Foire Internationale du Livre qui se déroule chaque année sur cette île. Les danseurs russes ont
dansé Giselle et Casse-Noisette. Il s’agit,
pour les Moscovites, d’un retour important
après 30 ans, d’un signe tangible de la reprise des relations entre Cuba et la Russie,
alliées pendant la Guerre Froide jusqu’à la
chute de l’Union Soviétique.
Ballet2000 a rendu compte, dans le numéro d’août (211), du triomphe à New York
d’Alicia Alonso pour les célébrations de ses
90 ans. Sur www.nytimes.com, le site web
du New York Times, on trouve un article sur
elle intitulé Still Dancing, Her Way, From
the Soul qui parle du programme de la soirée comprenant un film sur la carrière
d’Alonso et un Don Quichotte spécial avec
une distribution différente par chaque acte.
Une ovation a salué la grande ballerine, adorée par les balletomanes, qui se souviennent
de sa Giselle et de son extraordinaire longévité sur scène. En 1995, elle apparut pour
la dernière fois dans Le Papillon, une pièce
créée par elle-même. Elle avait 75 ans.
Ainsi, Alonso, qui a déclaré à la presse
américaine: «Je ne veux pas être rappelée,
je voudrais seulement ne pas être oubliée»,
a-t-elle invité, à son tour, la crème du ballet U.S. à La Havane.
C’est ainsi qu’entre octobre et novembre, au prochain festival de la capitale cubaine, la vingt-deuxième édition sur cinquante ans, on pourra voir des artistes de
l’American Ballet Theatre, mais aussi du
New York City Ballet: un beau signe
d’ouverture dans les relations entre les ÉtatsUnis de Barack Obama et le Cuba de Raúl
Castro. Toutes les informations se trouvent
sur www.balletcuba.cult.cu et sur
www.festivalballethabana.cult.cu. L’ABT
présentera Theme and Variations, une pièce
que Balanchine créa en 1947 précisément
pour l’extraordinaire Alicia Alonso dans sa
période américaine, commencée en 1940,
Fancy Free de Jerome Robbins sur la musique de Bernstein (à savoir l’entertainment
le plus «top», de 1944) et Seven Sonatas,
création de 2009 d’Alexeï Ratmansky sur
la musique de Domenico Scarlatti (voir
www.villagevoice.com, le site du journal
new-yorkais, où l’on trouve aussi une vidéo avec des répétitions et une interview
du chorégraphe).
Sur la scène de La Havane, on aura alors
une sorte de “rétrospective” des relations
controversées entre les États-Unis et la
Russie pendant soixante ans d’histoire. On
commencera
par
Balanchine,
pétersbourgeois, qui quitta la Russie en
1924, chorégraphe des Ballets Russes de
Diaghilev et ensuite fondateur du New York
City Ballet et de la nouvelle esthétique du
ballet américain. Il fut ensuite “ambassadeur” des États-Unis en Russie, quand il y
fit son retour en 1962 avec le NYCB et
avec des ballets comme Symphony in C et
le révolutionnaire Agon. On passera ensuite
à Robbins-Rabinowitz, fils d’émigrés juifs
stati che sostengono le proprie compagnie nazionali e, al bisogno, se ne servono diplomaticamente.
Si veda il caso cubano dove Tersicore impera da più di 50 anni: la compagnia fondata
da Alicia Alonso a Cuba nel 1948 è diventata
il Balletto Nazionale di Cuba dopo l’arrivo al
potere di Fidel Casto nel 1959. Il che ha permesso poi alla Alonso di fondare anche una
scuola nazionale.
Su www.ansa.it/web/notizie/rubriche/spettacolo/, agenzia giornalistica da tenere sempre d’occhio, si trova notizia che lo scorso
febbraio alcuni artisti del Balletto del Teatro
Bolshoi di Mosca, fra i quali Anna Antonicheva,
Dmitry Belogolovtsev e Galina Stepanenko,
sono saliti in scena a Cuba, nel Teatro Karl
Marx dell’Avana, in concomitanza con l’annuale “Fiera Internazionale del Libro” dell’isola.
I ballerini russi si sono esibiti come ospiti in
Giselle e nello Schiaccianoci. Si tratta, per i
moscoviti, di un importante ritorno dopo ben
30 anni, un segno tangibile della ripresa delle
relazioni tra Cuba e la Russia, alleate durante
la Guerra Fredda e sino alla fine dell’Unione
Sovietica, prima di raffreddare i contatti.
BallettoOggi ha reso conto, sul numero di
agosto (211), del trionfo a New York di Alicia
Alonso festeggiata per i suoi 90 anni. Su
www.nytimes.com, il sito del New York Times,
si trova un articolo su di lei intitolato Still
Dancing, Her Way, From the Soul che riferisce del programma della serata con un film
sulla carriera della Alonso e lo speciale Don
Chisciotte con tre casts. Un’ovazione ha salutato la grande ballerina, adorata dai
ballettomani, che ricordano la sua Giselle e la
sua straordinaria longevità in scena. La sua
ultima volta fu nel 1995 quando danzò Le
Papillon, un lavoro creato da lei stessa. Aveva 75 anni.
La Alonso, che ha dichiarato alla stampa
americana “Non voglio essere ricordata, vorrei soltanto non essere dimenticata”, ha colto
l’occasione per invitare di rimando all’Avana
la crème del balletto USA.
Ed ecco che al prossimo festival nella capitale cubana, il 22° in 50 anni, tra ottobre e
novembre, saranno di scena artisti
dell’American Ballet Theatre ma anche del New
York City Ballet, un bel segnale di volontà di
apertura nelle relazioni tra gli USA di Barack
Obama e la Cuba di Raúl Castro. Tutte le notizie sono su www.balletcuba.cult.cu e su
www.festivalballethabana.cult.cu: l’ABT presenta Theme and Variations, il lavoro che
Balanchine pensò nel 1947 appunto per la straordinaria Alicia Alonso della fase americana,
iniziata nel 1940, Fancy Free di Jerome
Robbins su musica di Bernstein, ovvero
l’entertainment più chic per pupe e marinai
(1944), e Seven Sonatas, creazione del 2009
di Alexei Ratmansky su musica di Scarlatti
(vedi www.villagevoice.com, il sito del giornale newyorkese, dove si trova anche un video con momenti di prova e dichiarazioni del
coreografo).
Ecco dunque di scena all’Avana il frutto
delle controverse relazioni USA-Russia sul filo
di sessant’anni di storia. Si comincia da
61
favourite of kings and tsars, both patrons and
interested spectators. However there are still
exceptions to this rule of culture as a commodity when true cultural policy is made by
the art itself – in this case ballet. There are
places that support their national companies
and use them to extend diplomatic relations
to other nations.
A case in point is Cuba, where Terpsichore
has ruled for over 50 years. The company
founded in 1948 by Alicia Alonso became the
National Ballet of Cuba after Fidel Castro came
to power in 1959. And with it came the founding, by Alonso, of a national school.
In February a group of artists from Moscow’s
Bolshoi Ballet, including Anna Antonicheva,
Dmitry Belogolovtsev and Galina Stepanenko,
graced the stage of the Karl Marx Theatre in
Havana in conjunction with the International
Book Fair. The Russian dancers performed as
guests artists in Giselle and The Nutcracker.
This is, for Moscow, an important return after
30 years; a tangible sign of the resumption of
relations between Cuba and Russia, allies during the Cold War and until the end of the Soviet Union when contacts grew cool.
In its August issue (No. 211) Ballet2000 recognized the triumphant celebration of Alicia
Alonso’s 90th birthday in New York. The New
York Times website, at www.nytimes.com,
features an article on Alonso entitled Still
Dancing, Her Way, From the Soul outlining
the programme for the gala: a film portrait
and the special Don Quixote with its three different casts (one for each act). The great artiste was greeted with an ovation from her fans
who recall her incomparable Giselle and her
extraordinary stage longevity. The last time
she danced on stage was in 1995 when, at the
age of 75, she performed La Papillon. La
Alonso, told reporters “I do not want to be
remembered. I just do not want to be forgotten”, and took the opportunity to invite the
cream of American dance to Havana.
And the next festival in Havana, the 22nd in
50 years, between October and November, will
feature major artists not only from American
Ballet Theatre, but also from New York City
Ballet, a good sign of the opening of relations
between Barack Obama’s USA and Raul
Castro’s Cuba. All the news concerning the
Festival is on www.balletcuba.cult.cu and
www.festivalballethabana.cult.cu. ABT will
present Theme and Variations, a work that
Balanchine created in 1947 specifically for the
extraordinary Alicia Alonso during her American period, Fancy Free (1944) by Jerome
Robbins with music by Bernstein, which remains an entertaining and chic take on sailors
and their gals and Seven Sonatas, Alexei
Ratmansky’s new work (2009) to music by
Domenico
Scarlatti
(see
www.villagevoice.com, the site of the New
York newspaper where one can find a video
with scenes of the rehearsals and comments
by the choreographer).
Here in Havana the story of controversial
US-Russian relations for over sixty years will
be encapsulated. We start with Balanchine’s
exile from St. Petersburg in 1924 after the Revo-
russes ayant fui l’Europe, la pauvreté et la
violence antisémite (jeromerobbins.org). Et
on arrivera au “libre voyageur “ Ratmansky
(voir www.thirteen.org/sundayarts/alexeiratmansky, avec un bref portrait du chorégraphe pour la télé). Âgé de 42 ans, lui
aussi pétersbourgeois, il a été danseur à Het
Nationale Ballet en Hollande, puis au Ballet
Royal Danois et au NYCB, directeur du Ballet
du Bolchoï jusqu’en 2004, où il a recréé avec
intelligence des titres oubliés ou interdits des
années 1930. Aujourd’hui il est artiste résident à l’ABT.
Des danseurs du NYCB se produiront à Cuba
dans Chaconne, pas de deux sur la musique
de Gluck, et dans les brillantissimes Tarantella,
Stars and Strips pas de deux et Who Cares?
sur des chansons de Gershwin, tous de Balanchine. On continuera avec deux pièces de
Robbins sur des musiques de Chopin, In the
Night de 1970 et Other Dances, créé en 1976
pour Natalia Makarova et Mikhail Baryshnikov,
étoiles russes fugitives et américanisées. Il y
aura également le spirituel Liturgy, sur la musique d’Arvo Pärt, signé par l’Anglais
Christopher Wheeldon. Âgé de 37 ans, après
avoir été chorégraphe résident au New York
City Ballet, il vient de renoncer à avoir une
compagnie à lui, en révolte – semble-t-il –
contre la direction et ses exigences “commerciales” (comme on le disait au début).
Tout cela n’a pas échappé au Miami Herald
(www.miamiherald.com), journal très attentif aux événements cubains et aux humeurs
de la “Pequeña Havana”, le quartier de la ville
qui accueille une vaste communauté de Cubains aux États-Unis, pas plus qu’à l’agence
Associated Press (www.ap.org), qui parle du
projet de rendre désormais plus faciles les voyages pour les Américains se rendant à Cuba
(notamment les étudiants et les chercheurs),
et qui rappelle la date de la dernière visite de
l’ABT à Cuba: 1960.
On trouve aussi des indications à ce propos
sur le site américain, en langue espagnole,
www.danzaballet.com, qui compte parmi ses
rédacteurs la Cubaine Isis Wirth, très informée sur ces thèmes (elle est aussi collaboratrice de Ballet2000). On peut y lire aussi une
déclaration du directeur exécutif de la compagnie américaine: «Cinquante ans, c’est trop
long. On est des artistes, pas des politiciens.
On croit vraiment que ce voyage en novembre peut être un pont entre les deux communautés artistiques afin de créer un dialogue
non seulement entre les artistes mais aussi entre
les deux communautés»).
De toutes façons: le parcours qu’on a retracé, ce voyage dans la politique culturelle
mondiale du ballet, montre que l’Histoire avec
un grand H et l’histoire du ballet vont constamment de pair, avec aléas, rencontres et disputes, génération après génération. C’est ainsi
que l’art de Terpsichore est mis à contribution, au-delà des discours et de la rhétorique,
à chaque fois que l’on veut trouver les clefs
pour ouvrir de nouvelles portes de communication, également entre “ennemis” et anciens
“ennemis” de notre planète.
Balanchine, pietroburghese, fuoriuscito dalla
Russia nel 1924, coreografo dei Ballets Russes
di Diaghilev e poi anima del New York City
Ballet e della rinnovata estetica del balletto
d’oltreoceano. Fu poi “ambasciatore” inviato
dagli USA in Russia, dove tornò appunto finalmente nel 1962 con il NYCB e con balletti
come Symphony in C e il rivoluzionario Agon.
Si passa poi a Robbins-Rabinowitz, figlio di
immigrati ebrei russi in fuga dall’Europa della
povertà e della violenza antisemita
(jeromerobbins.org). E si arriva così fino al “libero viaggiatore” Ratmansky (vedi
www.thirteen.org/sundayarts/alexei-ratmansky,
con un suo breve profilo televisivo). 42 anni,
pure pietroburghese, è stato ballerino a Het
Nationale Ballet in Olanda, al Balletto Reale
Danese e al NYCB, direttore del Balletto del
Bolshoi fino al 2004, dove ha ricreato con spirito titoli dimenticati/proibiti degli anni Trenta. Ora è artista residente dell’ABT,
I danzatori del NYCB portano a Cuba
Chaconne, passo a due su musica di Gluck, e
poi i brillantissimi Tarantella, Stars and Strips
(pas de deux), Who Cares? su canzoni di
Gershwin, tutti di Balanchine. Si continua con
due balletti di Robbins su musiche di Chopin,
In the Night del 1970 e Other Dances, nato nel
1976 per Natalia Makarova e Mikhail
Baryshnikov, stelle russe fuggitive e
americanizzate. In più c’è il tocco attuale e spirituale di Liturgy, su musica di Arvo Pärt, firmato dall’inglese Christopher Wheeldon. 37
anni, dopo essere stato coreografo residente al
New York City Ballet, ha appena abbandonato l’impresa di animare un suo gruppo, in rivolta – pare – contro il management e le sue
esigenze “commerciali”.
Non sfugge tutto questo al Miami Herald
(www.miamiherald.com), giornale molto attento
alle faccende cubane e agli umori della “Pequeña
Havana”, il quartiere della città che ospita una
vasta comunità di cubani in USA, ma neanche
all’agenzia Associated Press (www.ap.org), che
informa dell’intenzione di “facilitare” prossimamente i viaggi degli Americani a Cuba (specie
studenti e ricercatori), e che ricorda la data dell’ultima visita dell’ABT a Cuba, nel 1960.
E ne dà notizia anche il sito USA, in lingua
spagnola, www.danzaballet.com, che ha
un’informatissima collaboratrice cubana, Isis
Wirth (pure collaboratrice di BallettoOggi), e
che riporta una dichiarazione del direttore esecutivo della compagnia americana: “Cinquant’anni sono troppi. Siamo artisti non politici. Crediamo davvero che questo viaggio in
novembre sarà un ponte tra le due comunità
artistiche capace di creare un dialogo non solo
tra gli artisti ma anche tra le comunità stesse.
Ad ogni modo: questo viaggio ballettistico nella
politica culturale mondiale dimostra che la Storia con la S maiuscola e la storia del balletto
vanno costantemente insieme, con corsi e ricorsi, incontri e scontri, di generazione in generazione. L’antica arte di Tersicore è chiamata in
causa, al di là di tanti discorsi e parole, ogni
volta che si vuole trovare le chiavi per aprire
nuove porte di comunicazione, anche tra “nemici” o “ex nemici” su tutto il nostro pianeta.
62
lution, his time as choreographer for Diaghilev’s
Ballets Russes, then as the heart and soul of
New York City Ballet. His return, at the behest of the USA who sent him back to Russia
as its “ambassador” in 1962 with his company
and with ballets such as Symphony in C and
the revolutionary Agon. And you reach the days
of “free traveller” Ratmansky (see
www.thirteen.org /sundayarts/Alexei Ratmansky
for a short TV profile). Born in St. Petersburg
in 1968, he was also a dancer with Het Nationale
Ballet in Holland, The Royal Danish Ballet,
NYCB and, until 2004, director of the Bolshoi
Ballet. Ratmansky is now choreographer-inresidence at ABT. Not forgetting RobbinsRabinowitz, the son of Russian Jewish immigrants fleeing poverty and anti-Semitic violence
in their homeland (www.jeromerobbins.org).
NYCB brings Chaconne, a pas de deux to
music by Gluck, as well as the sparkling Tarantella, Stars and Strips pas de deux and Who
Cares? to Gershwin songs, all by Balanchine;
there will also be two of Robbins’s pieces to
music by Chopin: In the Night (1970) and Other
Dances created in 1976 for Natalia Makarova
and Mikhail Baryshnikov, the refugee Russian
stars who became Americans. In addition there
is the touching and spiritual Liturgy with music by Arvo Pärt, created by Christopher
Wheeldon. The English born Wheeldon has been
resident choreographer with NYCB and has
recently given up having his own company in,
it would seem, protest against its management
and those aforementioned “commercial” demands.
None of this has escaped the lens of the Miami Herald (www.miamiherald.com) which
pays close attention to Cuban affairs and the
moods of “Pequeña Havana”, the neighbourhood of the city that hosts a large community
of Cuban émigrés. But neither has it gone unnoticed by the Associated Press (www.ap.org)
news agency; they have suggested that the future travel of Americans, especially students
and researchers, to Cuba is shortly to be “facilitated” and recall that the last visit to that
country by ABT took place in 1960.
This has also been discussed on
www.danzaballet.com – an American website
in Spanish – which has as its highly well-informed Cuban contributor Isis Wirth (a
Ballett2000 colleague). They carried a statement by the Executive Director of the American troupe: “Fifty years is too long. We are
artists, not politicians. We really do believe this
trip in November will be a bridge between the
two artistic communities, creating a dialogue
between artists and, actually, communities.”
So in looking at Cuba where we have centred our journey into the ballet world’s cultural
policy, we see that history with a capital H and
the history of ballet are constant companions.
Courses, recourses, meetings and clashes: from
generation to generation, beyond the speeches
and the endless words, the ancient art of
Terpsichore can help when you want to find
the keys to open the door of communication
between enemies (or former enemies) around
the world.
programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi
ARTE
www.arte.tv
24. X, 14. XI: Tanztheater de Nuremberg:
Dans l’oeil du caligraphe – c. Daniela Kurz
21. XI: Robin Orlyn: de Johannesburg au
Palais Garnier (docum.); Lourder!: Can You
Hear Me – c. Eun-Me Ahn
28. XI: Hans Hof Ensemble: Höhenluft
Classica
www.classica.tv
15, 17, 21. X: Giselle – c. Jean Coralli,
Jules Perrot, Marius Petipa (Patrice Bart)
– Balletto del Teatro alla Scala; int. Alessandra Ferri, Massimo Murru, Roberto Bolle
18, 22, 26. X: Danza in scena: Felix Rucket
18, 20, 23, 29. X: Cursive II – c. Lin Hwaimin – Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan;
Danza in scena: Petra Conti
19. X: Danza in scena: Another Evening
Venezia/Arsenale – c. Bill T. Jones – Bill
T. Jones & Arnie Zane Dance Company
22, 24, 28. X: Intervista a John Neumeier
22. X: Danza in scena: Meredith Monk
25, 30. X: A Midsummer Night’s Dream –
c. George Balanchine – Balletto del Teatro alla Scala; int. Alessandra Ferri, Roberto Bolle
Alessandra Ferri, Massimo Murru – Teatro alla Scala, Milano: “Sogno di una notte di mezza
estate” (“A Midsummer Night’s Dream”, c. George Balanchine)
Mezzo
www.mezzo.tv
16. X: Carolyn Carlson: Blue Lady;
Ashes – c. Koen Augustijnen – Les
Ballets C. de la B.
18, 23. X: In the Night; The Concert;
In G – c. Jerome Robbins; Triade
– c. Benjamin Millepied – Ballet de
l’Opéra de Paris
17, 20, 25. X: Spartacus – c. Yuri
Grigorovich – Bolshoi Ballet; Irek
Mukhamedov, Alexander Vetrov,
Lyudmilla Semenyaka
24, 27, 30. X, 1, 6. XI: Shéhérazade
– c. Michel Fokine – Mikhailovsky
Ballet; Farukh Ruzimatov
31. X, 3, 8, 13. XI: Coppélia – c.
Charles Jude – Ballet de l’Opéra
de Bordeaux
7, 10, 15, 20. XI: La Dame aux
camélias – c. John Neumeier – Ballet
de l’Opéra de Paris; Agnès Letestu,
Stéphane Bullion
14, 17, 22, 27. XI: Cursive II – c.
Lin Hwai-min – Cloud Gate Dance
Theatre of Taiwan; Dancer’s studio: Rachid Ouramdane; Dancer’s
Aurélie Dupont, Manuel Legris –
Ballet de l’Opéra de Paris: “In the
Night” – c. Jerome Robbins
(ph. S. Mathé)
64
Studio: Emio Greco
21, 24, 29. XI: Karma One, an essay on
Carolyn Carlson (docum.); Signes – c.
Carolyn Carlson – Ballet de l’Opéra de Paris;
int. Marie-Agnès Gillot, Kader Belarbi
Mezzo live HD
www.mezzo.tv
16, 17, 18, 19, 31. X: Coppélia – c. Charles
Jude – Ballet de l’Opéra de Bordeaux
23, 24, 25, 26. X: La Dame aux camélias
– c. John Neumeier – Ballet de l’Opéra de
Paris; Agnès Letestu, Stéphane Bullion
1, 13, 14, 15, 16, 27, 28, 29, 30. XI: Sylvia –
c. John Neumeier – Ballet de l’Opéra de Paris;
int. Aurélie Dupont, Manuel Legris, Nicolas
Le Riche; Marie-Agnès Gillot, José Martínez
5, 6, 7, 8, 20, 21, 22, 23. XI: La Petite
Danseuse de Degas – c. Patrice Bart –
Ballet de l’Opéra de Paris
Sky
www.skyprogrammeinformation.co.uk
18. X: Sutra – c. Sidi Larbi Cherkaoui
25. X: Sylvie Guillem, Akram Khan: Sacred
Monsters
26, 27, 28. X: Sylvia – c. John Neumeier
– Ballet de l’Opéra de Paris; Aurélie Dupont,
Nicolas Le Riche, Marie-Agnès Gillot, José
Martínez

Joaquín Cortés - Artemis danza

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