PALAZZETTO BRU ZANE CENTRE DE MUSIQUE ROMANTIQUE

NELL'AMBITO DELLA PROGRAMMAZIONE CULTURALE
DEL CARNEVALE DI VENEZIA 2014
Palazzetto Bru Zane – lunedì 3 marzo 2014, ore 20
Guillaume Vincent, pianoforte
PALAZZETTO
BRU ZANE
CENTRE
DE MUSIQUE
ROMANTIQUE
FRANÇAISE
Il «pezzo di genere» pianistico
Il «pezzo di genere» fiorisce in età romantica sotto l’influsso di
quello spirito rapsodico che definisce l’intero Ottocento: la mente sembra libera da costrizioni formali e si dispiega a seconda
dell’ispirazione del momento. Ma già le epoche precedenti incoraggiavano questa creatività attraverso l’arte dell’improvvisazione. I preludi romantici (Chopin, Kalkbrenner, Hummel…)
riprendono questa vena barocca, ravvivata da armonie sulfuree
e spesso sorprendenti. Contemporaneamente quei «pianisti-poeti» che furono Chopin, Heller o – in Germania – Mendelssohn,
Schumann e Brahms inventano il «notturno», l’«intermezzo»,
la «rapsodia»… Perfino lo «studio» pianistico, genere didattico che parrebbe così poco propizio all’effusione dell’anima, si
carica di un pathos nuovo. Poiché, accanto a Cramer o Czerny,
Hélène de Montgeroult, Chopin, Liszt, Chaminade e Saint-Saëns
gli conferiscono una nuova capacità espressiva. Certe menti
rivoluzionarie, come Alkan, non esiteranno a conferirgli una
spettacolare dimensione temporale (dai venti ai trenta minuti).
La « pièce de genre » pianistique
La « pièce de genre » éclot à l’époque romantique sous l’influence
de la rhapsodie qui définit le XIXe siècle tout entier : l’esprit semble
libéré des contraintes formelles et s’épanouit selon l’inspiration
du moment. Mais les périodes antérieures prônaient déjà cette
créativité à travers l’art de l’improvisation. Les préludes romantiques (Chopin, Kalkbrenner, Hummel…) poursuivent cette veine
baroque, ravivée par des harmonies sulfureuses et souvent surprenantes. Simultanément, les « pianistes-poètes » que furent Chopin,
Heller ou – en Allemagne – Mendelssohn, Schumann et Brahms
inventent le « nocturne », l’« intermezzo », la « rhapsodie »…
Même l’« étude » pianistique, genre pédagogique qu’on croirait
si peu propice à l’épanchement de l’âme, se charge d’un nouveau
pathos. Car, aux côtés de Cramer ou Czerny, Hélène de Montgeroult, Chopin, Liszt, Chaminade et Saint-Saëns lui confèrent un
nouveau pouvoir d’expression. Certains esprits révolutionnaires,
comme Alkan, n’hésiteront pas à lui donner une dimension temporelle spectaculaire (de vingt à trente minutes).
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Benjamin Godard
Barcarolle no 2 op. 80
Charles-Valentin Alkan
Sonatine op. 61 :
Allegro vivace – Allegramente con placidità – Scherzo-Minuetto – Tempo giusto
Claude Debussy
L’Isle joyeuse
Clair de lune, extrait de la Suite bergamasque
Franz Liszt
Liebesträume [Rêves d’amour] :
No 1. Hohe Liebe [l’Amour exalté] – No 2. Seliger Tod [J’étais mort]
No 3. O Lieb, so lang du lieben kannst [Aime aussi longtemps que tu peux aimer]
Durata del concerto / Durée du concert
1h
Le opere
Les œuvres
Benjamin Godard: Barcarolle n. 2 op. 80
Nella Francia dell’ultimo quarto dell’Ottocento, mentre la seconda
rivoluzione industriale è al suo culmine, una società nuova si va
delineando in seguito allo sviluppo dei trasporti, all’industrializzazione delle città e all’instaurazione definitiva della Repubblica. Di
fronte alla modernità di un mondo che sembra progredire sempre
più rapidamente, alcuni compositori esplorano il registro della nostalgia nelle proprie composizioni destinate ai salotti dell’alta società. Quest’ultima, nata dalla grande borghesia del commercio e
dell’industria, tende a imitare le antiche élites: si fa aristocratica e
ama sognare – lontana dal tumulto del loro tempo – una perduta
età dell’oro nella quale il tempo sospeso consentiva di contemplare la vita. La barcarola risponde a questo stato d’animo. Entrata nel
repertorio dei pianisti da salotto negli anni Quaranta dell’Ottocento
(Mendelssohn, Chopin, Liszt), torna a essere un genere di moda negli
anni Ottanta: per il tempo di un breve pezzo il cui ritmo ternario illustra il movimento delle gondole e lo sciabordio dei canali, una nuova
generazione di compositori rivisita così lo spirito romantico anziché
rispondere alle sirene del wagnerismo. Gabriel Fauré inizia nel 1881
un ciclo di tredici barcarole che si concluderà nel 1921. Pubblicata nel
1884, anche la Deuxième Barcarolle s’inserisce in una serie di sei pezzi
che – dall’opera 44 (1878) alla 129 (1891) – costellano la produzione
di Godard per canto e pianoforte o pianoforte solo. L’opera 80 in fa
minore, indicata Andantino, tranquillo, propone tre sviluppi successivi del tema iniziale in pianissimo, i quali si fanno via via più agitati
nei passaggi di bravura richiesti all’interprete.
Benjamin Godard : Barcarolle no 2 op. 80
Dans la France du dernier quart du XIXe siècle, alors que la seconde révolution industrielle bat son plein, une société nouvelle se
dessine : les transports se développent, les villes s’industrialisent
et la République s’installe durablement. Face à la modernité d’un
monde qui semble avancer toujours plus rapidement, certains
compositeurs explorent un registre nostalgique dans les œuvres
qu’ils destinent aux salons de la haute société. Cette dernière, issue d’une grande bourgeoisie du commerce et de l’industrie, tend
à imiter les anciennes élites : elle s’aristocratise et se plait à rêver –
loin du tumulte de leur époque – d’un âge d’or révolu, où le temps
suspendu permettait de contempler la vie. La barcarolle répond à
cet état d’esprit. Entrée dans le répertoire des pianistes de salon
depuis les années 1840 (Mendelssohn, Chopin, Liszt), elle redevient
un genre à la mode dans les années 1880 : le temps d’une courte
pièce dont le rythme ternaire illustre le mouvement des gondoles
et le clapotis des canaux, une nouvelle génération de compositeur
revisite alors l’esprit romantique plutôt que de répondre aux sirènes du wagnérisme. Gabriel Fauré débute, en 1881, un cycle de
treize barcarolles qui s’achèvera en 1921. Publiée en 1884, la Deuxième Barcarolle s’inscrit elle aussi dans une série de six pièces
qui jalonnent – de l’opus 44 (1878) à l’opus 129 (1891) – la production de Godard pour chant et piano, ou piano seul. L’opus 80, en fa
mineur, noté « Andantino, tranquillo », propose trois développements successifs de son thème initial – pianissimo – s’agitant au
gré des traits de bravoure demandés à l’interprète.
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Charles-Valentin Alkan: Sonatine op. 61
Allegro vivace – Allegramente con placidità – ScherzoMinuetto – Tempo giusto
Charles-Valentin Alkan : Sonatine op. 61
Allegro vivace – Allegramente con placidità – Scherzo-Minuetto –
Tempo giusto
Pubblicata nel 1861 e contemporanea dei 48 Motifs, la Sonatine
di Charles-Valentin Alkan non ha nulla della miniatura musicale e s’impone – a quattordici anni dalla pubblicazione della
romanticissima Grande Sonate «Les Quatre Âges» – come il capolavoro «classico» del pianista compositore. L’opera 61 è un
omaggio alle grandi figure viennesi: se la sua tonalità sembra
strizzare l’occhio alla Sonata in la minore composta da Mozart
a Parigi nel 1778, lo stile e la forma si rifanno anche a Haydn e
Beethoven. Al vertice della propria arte Alkan affronta il classicismo con l’audacia di quel virtuoso del Secondo Impero che
è, nella continuità delle trascrizioni dei concerti di Mozart o
Beethoven da lui proposte nel 1860-61. Del resto, agli inizi
degli anni Trenta del Novecento il compositore, pianista e critico musicale Sobarji dirà che questa Sonatine «risuona come
una sonata di Beethoven scritta da Berlioz». Tra rigore classico e difficoltà tecniche Alkan propone nel corso dei quattro
movimenti una vera e propria sfida agli interpreti: «un esercizio di alta acrobazia pieno di trabocchetti», per riprendere
l’espressione di Brigitte François-Sappey e François Luguenot.
Dopo l’iniziale Allegro vivace, al tempo stesso intrigante e aggraziato, la Sonatine si fa lirica e calma nell’Allegramente con
placidità. A parte un momento di pausa concesso al pianista
nel trio centrale dello Scherzo-Minuetto, il virtuosismo richie-
Publiée en 1861 et contemporaine des 48 Motifs, la Sonatine
de Charles-Valentin Alkan n’a rien d’une miniature musicale et
s’impose – quatorze ans après l’édition de sa très romantique
Grande Sonate « Les Quatre Âges » – comme le chef d’œuvre
« classique » du pianiste-compositeur. Cet opus 61 est un hommage aux grandes figures viennoises : sa tonalité semble être
un clin d’œil à la Sonate en la mineur que Mozart composa
à Paris en 1778 ; son style et sa forme empruntent également
à Haydn et à Beethoven. Au sommet de son art, Alkan aborde
néanmoins le classicisme avec l’audace du virtuose du Second
Empire qu’il est alors et dans la continuité des transcriptions
de concertos de Mozart ou Beethoven qu’il propose en 1860 et
1861. Le compositeur, pianiste et critique musical Sobarji dira
d’ailleurs de la Sonatine, au début des années 1930, qu’elle
« résonne comme une sonate de Beethoven écrite par Berlioz ».
Entre rigueur classique et difficultés techniques, Alkan propose
au cours des quatre mouvements un véritable défi pour ses
interprètes : « un exercice de haute voltige, empli de traquenards » pour reprendre l’expression de Brigitte François-Sappey et François Luguenot. Débutant sur un Allegro vivace à la
fois intriguant et plein de grâce, la Sonatine se fait lyrique et
calme au cours de l’Allegramente con placidità. Hormis un
bref temps de pause offert au pianiste au cours du trio central
sto da Alkan procede quindi in crescendo fino al termine della
composizione e giunge al parossismo nella diabolica coda che
si conclude in Tempo giusto.
du Scherzo-Minuetto, la virtuosité exigée par Alkan va alors
crescendo jusqu’à la fin de l’œuvre et trouve son paroxysme
dans la coda diabolique qui conclue le Tempo giusto.
Claude Debussy: L’Isle joyeuse
Questo sfavillante pezzo per pianoforte, eseguito per la prima
volta da Ricardo Viñes il 10 febbraio 1905, coincide con un periodo in cui la vita di Debussy conosce importanti mutamenti.
Nel 1903 il compositore incontra Emma Bardac, di cui diventa
amante probabilmente agli inizi del 1904. Durante l’estate, la
coppia si reca a Jersey e quindi a Pourville. Quando Lilly, la moglie di Debussy, apprende della relazione, compie un tentativo
di suicidio il 13 ottobre, gesto che suscita un notevole scandalo.
Debussy perde quasi tutti gli amici, ma non rinuncia a Emma
che sposerà nel 1908. Raramente il musicista si abbandona a
un’espressione così esuberante e a colori così vividi come quelli de L’Isle joyeuse, intimamente associata alla propria passione
amorosa. Su un abbozzo della partitura scrive: «Le battute qui
allegate appartengono a madame Bardac – p.m. [piccola mia]
– che me le dettò un martedì dell’agosto 1904». Anche se termina l’opera nell’agosto 1904, Debussy l’aveva tuttavia cominciata nel 1903, prima del suo idilliaco soggiorno estivo. Ancora
una volta egli s’ispira ai movimenti dell’acqua e agli scintillii
della luce, elementi soggetti a infinite metamorfosi, come gli
elementi tematici del pezzo. In una lettera all’organista Désiré
Claude Debussy : L’Isle joyeuse
Cette éblouissante pièce pour piano, créée par Ricardo Viñes le
10 février 1905, coïncide avec une époque où la vie de Debussy
connut d’importants bouleversements. En 1903, le compositeur
rencontra Emma Bardac, dont il devint l’amant probablement
au début de l’année 1904. Durant l’été, le couple se rendit à Jersey, puis à Pourville. Quand Lilly, la femme de Debussy, apprit
la liaison, elle fit une tentative de suicide le 13 octobre, geste qui
provoqua un scandale considérable. Debussy perdit presque tous
ses amis, mais ne renonça pas à Emma qu’il épousa en 1908. Il
s’abandonna rarement à une expression aussi exubérante et à
des couleurs aussi flamboyantes que celles de L’Isle joyeuse, intimement associée à sa passion amoureuse. Sur une esquisse de
la partition, il écrivit : « Les mesures ci-jointes appartiennent à
Mme Bardac – p.m. [petite mienne] – qui me les dicta un mardi de
juin 1904. » S’il acheva l’œuvre en août 1904, il l’avait toutefois
commencée en 1903, avant son idyllique séjour estival. Il s’inspira
une fois encore des mouvements de l’eau et des miroitements de la
lumière, éléments sujets à d’infinies métamorphoses, comme les
éléments thématiques de la pièce. Dans une lettre à l’organiste Désiré Walter, Debussy compara L’Isle joyeuse à L’Embarquement
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Walter, Debussy paragona L’Isle joyeuse a L’imbarco per l’isola di
Citera di Watteau, precisando nondimeno che essa racchiude
«una minore malinconia»: «Vi s’incontrano maschere della commedia italiana, giovani donne che cantano e danzano, mentre il
tutto si conclude nella gloria del sole al tramonto».
pour l’île de Cythère de Watteau, précisant qu’elle contenait toutefois « moins de mélancolie » : « On y rencontre, des masques
de la comédie italienne, des jeunes femmes chantant et dansant ;
tout se terminant dans la gloire du soleil couchant. »
Claude Debussy: Clair de lune, estratto della Suite
bergamasque
Il Clair de lune è il terzo pezzo della Suite bergamasque, prima
importante opera pianistica di Claude Debussy, composta nel
1890 e pubblicata nel 1905. Con sobrio arcaismo essa coniuga
la suite di danze barocca allo spirito delle «Feste galanti» cantate da Verlaine. Dopo un Prélude pieno di allegria, un Menuet
dalle tessiture asciutte stilizza un liuto mentre un Passepied
crea arabeschi su un accompagnamento in staccato. Ma l’evidente gemma della Suite bergamasque è questo Clair de lune, la
cui titolazione fa certamente riferimento all’omonima poesia di
Verlaine, i versi della quale ispirano a Debussy il titolo dell’intera composizione («Votre âme est un paysage choisi / Que
vont charmant masques et bergamasques»). In un re bemolle
maggiore pervaso di serenità il Clair de lune presenta sonorità
risonanti e sensuali, con una parte centrale più animata dalle
mobili armonie di singolare bellezza. Il brano è rappresentativo
di un’estetica che potremmo definire impressionista – anche
se Debussy rifiutò il termine. Pezzo tra i più noti della musica
Claude Debussy : Clair de lune, extrait de la Suite
bergamasque
Le Clair de lune est la troisième pièce de la Suite bergamasque,
première partition importante de Claude Debussy pour le piano,
composée en 1890 et publiée en 1905. Avec un archaïsme discret,
elle conjugue la suite de danses baroque à l’esprit des « Fêtes galantes » chantées par Verlaine. Après un « Prélude » plein d’allégresse, un « Menuet » aux textures sèches stylise un luth et un
« Passepied » forme quelques arabesques sur un accompagnement staccato. Mais l’évident joyau de la Suite bergamasque
est ce Clair de lune, dont l’intitulé fait certainement référence au
poème homonyme de Verlaine, dont les vers inspirent également à
Debussy le titre de sa partition entière (« Votre âme est un paysage
choisi, Que vont charmant masques et bergamasques »). Dans un
ré bémol majeur baigné de sérénité, le Clair de lune présente des
sonorités résonnantes et sensuelles, avec une partie centrale plus
animée, aux harmonies mouvantes d’une singulière beauté. Le
morceau est représentatif d’une esthétique que l’on pourrait qualifier d’impressionniste – même si Debussy récusa le terme. Pièce
classica, questo Clair de lune ha dato a Debussy una fama che
nessun’altra sua composizione gli ha conferito, neppure quelle
più importanti (il pezzo è stato ripreso svariate volte dalla pubblicità o dal cinema, per esempio nei film Sette anni in Tibet di
Jean-Jacques Annaud, Tokyo Sonata di Kiyoshi Kurosawa o Ocean’s Eleven di Steven Soderbergh, per citare solo questi esempi).
Del Clair de lune sono stati realizzati innumerevoli arrangiamenti; quello più notevole è l’orchestrazione di André Caplet,
discepolo di Debussy.
parmi les plus connues de la musique classique, ce Clair de lune a
offert à Debussy une notoriété qu’aucune autre de ses partitions,
même les plus importantes, ne lui ont apporté (le morceau a été
repris de nombreuses fois par la publicité ou par le cinéma, par
exemple dans les films Sept ans au Tibet de Jean-Jacques Annaud,
Tokyo Sonata de Kiyoshi Kurosawa ou Ocean’s Eleven de Steven
Soderbergh, pour ne citer que ces titres). D’innombrables arrangements du « Clair de lune » ont vu le jour ; le plus notable étant
l’orchestration d’André Caplet, disciple de Debussy.
Franz Liszt: Liebesträume [Sogni d’amore]
N. 1. Hohe Liebe [Amore elevato] – N. 2. Seliger Tod [Ero
morto] – N. 3. O Lieb, so lang du lieben kannst [Ama, finché
puoi amare]
Franz Liszt : Liebesträume [Rêves d’amour]
No 1. Hohe Liebe [l’Amour exalté] – No 2. Seliger Tod [J’étais mort] –
No 3. O Lieb, so lang du lieben kannst [Aime aussi longtemps que
tu peux aimer]
Genio della trascrizione per pianoforte delle opere dei contemporanei, Liszt sfruttò il proprio talento per adattare le sue stesse opere: i tre notturni per pianoforte che compongono questi
Liebestraüme, pubblicati nel 1850, ne sono probabilmente l’esempio più famoso. Da tre lieder composti negli anni Quaranta
su testi di Johann Ludwig Uhland (Hohe Liebe e Gestorben war
ich) e Ferdinand Freiligrath (O Lieb, so lang du lieben kannst),
Franz Liszt ricava questa suite di notturni per pianoforte: non
si fa scrupolo alcuno in tal caso di scostarsi dalle opere originali
per far sentire all’ascoltatore quello che le parole non possono
più esprimere. L’amore in questi Sogni è di natura mutevole:
Génie de la transcription pour piano des œuvres de ses contemporains, Liszt mit également son talent pour l’adaptation au service
de ses propres œuvres : les trois nocturnes pour piano qui composent ces Liebestraüme, publiés en 1850, en sont sans doute le
plus fameux exemple. De trois lieder composés dans les années
1840 sur des textes de Johann Ludwig Uhland (« Hohe Liebe » et
« Gestorben war ich ») et Ferdinand Freiligrath (« O Lieb, so lang
du lieben kannst »), Franz Liszt tire une suite de nocturnes pour
piano : il ne s’interdit alors nullement de s’écarter des œuvres initiales pour faire sentir à l’auditeur ce que les paroles ne peuvent
plus exprimer. L’amour dans ces Rêves est de nature changeante :
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quasi religioso in Hohe Liebe, carnale in Gestorben war ich, rivolto al futuro in O Lieb… Il compositore sceglie la medesima
tonalità di la bemolle maggiore per il primo e l’ultimo notturno
(il secondo è in re maggiore), gettando così tra questi due pezzi un ponte che sembra rafforzato dalla scrittura pianistica: la
conclusione di Hohe Liebe pare infatti abbozzare l’introduzione
di O Lieb. Diversamente dagli altri due – relativamente poco
presenti nel repertorio degli interpreti – quest’ultimo pezzo è
una delle composizioni di Liszt più spesso eseguite ai nostri
giorni. L’inatteso e straordinario slancio in si maggiore che acquista al termine dell’introduzione, oltre all’ampia gamma di
sentimenti che percorre (dalla tenerezza all’esaltazione) rendono infatti questo notturno una delle opere emblematiche del
romanticismo europeo.
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quasiment religieux dans « Hohe Liebe », charnel dans « Gestorben
war ich », regardant l’avenir dans « O Lieb… ». Le compositeur
choisit la même tonalité de la bémol majeur pour le premier et
le dernier nocturne (le deuxième est en ré majeur) et dresse ainsi
un pont entre ces deux pièces qui semble renforcé par l’écriture
pianistique : la conclusion de « Hohe Liebe » paraît en effet esquisser l’introduction de « O Lieb ». Contrairement aux deux autres –
relativement discrètes dans le répertoire des interprètes – cette
dernière pièce est certainement l’une des œuvres de Liszt les plus
souvent jouée de nos jours. L’envol extraordinaire et inattendu en
si majeur que prend ce nocturne à l’issue de l’introduction ainsi
que l’amplitude des sentiments qu’il parcourt (de la tendresse à
l’exaltation) ont fait de lui l’une des œuvres emblématiques du
romantisme européen.
I compositori
Les compositeurs
Charles-Valentin Alkan (1813-1888)
Iscritto al Conservatorio di Parigi già all’età di sette anni, Alkan
studia pianoforte con Zimmermann, armonia con Dourlen, organo con Benoist, fino al 1834, mentre contemporaneamente compone e si esibisce in pubblico. Negli anni Trenta, periodo in cui
insegna solfeggio al Conservatorio, la sua gloria è probabilmente
eclissata da quella di Liszt. Alkan scrive la maggior parte della
propria opera negli anni Quaranta. La sua produzione, destinata soprattutto alla tastiera (pianoforte o pianoforte a pedaliera),
è estremamente virtuosistica e affronta numerosi generi: studi,
preludi, concerti di vari tipi, impromptus, sonate (citiamo l’importante Grande Sonate «Les Quatre Âges»). La singolare fantasia
di Alkan affonda le proprie radici nella tradizione imitativa francese del secolo precedente, ed è segnata anche dal classicismo
viennese e dalla figura di Bach, di cui il musicista è uno dei più
attivi riscopritori in Francia. Amico di Liszt e di Chopin (di cui è
l’unico rivale), di Fétis (con cui discute di questioni teoriche), di
Lammenais, Hugo e Sand, Alkan partecipa ai dibattiti estetici del
proprio tempo, ma la sua austera personalità rimane per tutti un
enigma. Le sue apparizioni in concerto sono rare e alcuni periodi
della sua esistenza solitaria sono pochissimo noti. La sua misantropia si accentuerà a partire dal 1848, anno del fallito tentativo
di diventare docente di pianoforte al Conservatorio. Alkan investe allora tutte le proprie energie nelle istituzioni musicali ebraiche. Verso il 1873 riprende un’attività pubblica organizzando i
«Petits Concerts de musique classique».
Charles-Valentin Alkan (1813-1888)
Étudiant au Conservatoire de Paris dès l’âge de 7 ans, Alkan y
travaille le piano avec Zimmermann, l’harmonie avec Dourlen,
l’orgue avec Benoist, jusqu’en 1834, tout en composant et en se
produisant en public. Dans les années trente, époque à laquelle
il enseigne le solfège au Conservatoire, la gloire de Liszt l’éclipse
sans doute. Il livre l’essentiel de son œuvre dans les années quarante. Sa production est surtout dévolue au clavier (piano ou piano-pédalier), d’une très grande virtuosité et aborde de nombreux
genres : études, préludes, concertos de différents types, impromptus, sonates (citons l’importante Grande Sonate « Les Quatre
Âges »). La singulière imagination d’Alkan prend racine dans la
tradition imitative française du siècle précédent, marquée aussi
par le classicisme viennois et par la figure de Bach, dont le musicien est l’un des plus actifs re-découvreurs en France. Ami de Liszt
et de Chopin (dont il est le seul rival), de Fétis (avec lequel il discute
de questions théoriques), de Lammenais, Hugo et Sand, Alkan participe aux débats esthétiques de son temps, mais sa personnalité
austère reste pour tous énigmatique. Ses apparitions en concert
sont rares et certaines périodes de son existence solitaire très peu
connues. Sa misanthropie va s’accentuer à partir de 1848, année
de son échec à l’obtention d’un poste de professeur de piano au
Conservatoire. Il s’investit alors dans les institutions musicales
juives. Vers 1873, il reprend une activité publique en organisant
les « Petits Concerts de musique classique ».
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Claude Debussy (1862-1918)
Nato in un ambiente modesto, Debussy ricevette una prima
educazione alquanto sommaria. I suoi studi musicali iniziarono
verso il 1870, sotto la guida di Jean Cerutti e poi di Antoinette
Mauté. Accortisi rapidamente delle sue capacità, lo iscrissero al
Conservatorio nel 1872. Debussy seguì con alterna fortuna le
classi di Marmontel (pianoforte), Durand (armonia) e Guiraud
(composizione), prima di ottenere un primo prix de Rome nel
1884. Tre anni dopo lo ritroviamo assiduo frequentatore dei salotti e degli ambienti simbolisti. Scopre allora Bayreuth, i gamelan giavanesi, Musorgskij o Maeterlinck, ed elabora il proprio
stile così particolare, fondato su una libertà formale e tecnica,
una supremazia dei sensi sulla regola (nel rifiuto di qualunque
gratuito accademismo) e un’assoluta padronanza della scrittura e dell’orchestra. A poco a poco la fama procuratagli da opere
come il Prélude à l’après-midi d’un faune (1891-1894) o i Nocturnes per orchestra (1897-1899) gli conferisce lo statuto di capofila dell’avanguardia, posizione confermata nel 1902 dalla prima
esecuzione dell’opera Pelléas et Mélisande. Personaggio chiave
della storia della musica moderna, Debussy è autore di un catalogo ricco di centocinquanta opere che includono pressoché
tutti gli organici. Tra i suoi contributi fondamentali citiamo la
Suite bergamasque, i Préludes e le Images per pianoforte, La Mer,
Jeux e le Images per orchestra, nonché vari lavori cameristici
(tra cui un quartetto e tre sonate) e vocali (Proses lyriques, Chansons de Bilitis).
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Claude Debussy (1862-1918)
Issu d’un milieu modeste, Debussy reçut une première éducation
assez sommaire. Ses études musicales commencèrent vers 1870,
sous la direction de Jean Cerutti puis d’Antoinette Mauté. Très vite
conscients de ses capacités, ils l’inscrivirent au Conservatoire en
1872. Debussy suivit avec plus ou moins de bonheur les classes
de Marmontel (piano), Durand (harmonie) et Guiraud (composition), avant d’obtenir un premier prix de Rome en 1884. Trois
ans plus tard, on le retrouve fréquentant avec assiduité les salons
et les milieux symbolistes. Il découvre alors Bayreuth, les gamelans javanais, Moussorgski ou Maeterlinck, et élabore son style
si particulier, fondé sur une liberté formelle et technique, une primauté des sens sur la règle (dans un refus de tout académisme
gratuit), et une maîtrise sans faille de l’écriture et de l’orchestre.
Peu à peu, la réputation que lui valent des ouvrages comme le
Prélude à l’après-midi d’un faune (1891-1894) ou les Nocturnes
pour orchestre (1897-1899) lui confère le statut de chef de file
de l’avant-garde, position que confirme, en 1902, la création de
l’opéra Pelléas et Mélisande. Personnage-clef de l’histoire de
la musique moderne, Debussy est l’auteur d’un catalogue riche
de 150 œuvres touchant à presque toutes les formations. Parmi
ses contributions majeures, citons la Suite bergamasque, les
Préludes et les Images pour piano, La Mer, Jeux et les Images
pour orchestre, ainsi que diverses pièces de musique de chambre
(dont un quatuor et trois sonates) et de musique vocale (Proses
lyriques, Chansons de Bilitis).
Benjamin Godard (1849-1895)
Enfant prodige del violino, allievo di Richard Hammer e Henri
Vieuxtemps, Benjamin Godard entra al Conservatorio di Parigi,
dove studia composizione con Henri Reber. Fallisce due volte al
concorso per il prix de Rome, ma occupa nondimeno un posto
importante nella vita musicale francese agli inizi della Terza Repubblica: virtuoso tanto di pianoforte quanto di violino, Godard
si esibisce in quartetto e i suoi pezzi pianistici riscuotono un sicuro successo nei salotti. Direttore d’orchestra, riprende i concerti
Pasdeloup e fonda la Société des Concerts modernes. Dal 1887 è
docente al Conservatorio di Parigi, incaricato della classe di musica d’insieme. Il suo catalogo di circa duecento numeri abbraccia
tutti i generi a eccezione della musica religiosa: sei opere, tra cui
Jocelyn (1888), celebre per la Berceuse, e La Vivandière, incompiuta,
che riscosse un grande successo postumo; pezzi orchestrali tra
cui varie sinfonie a programma (Symphonie orientale, Symphonie
légendaire con cori o, ancora, Le Tasse, sinfonia drammatica con
soli e cori che gli merita il Prix de la Ville de Paris nel 1878); vari
concerti, pezzi di musica da camera, nonché un’abbondante produzione di mélodies e brani per pianoforte. Lo stile di Godard,
nella vena del classicismo romantico di un Mendelssohn, si mantiene alquanto tradizionale, saldamente tonale; il compositore
manifesta apertamente il proprio disinteresse per lo stile wagneriano. La sua carriera s’interrompe prematuramente: cagionevole di salute, Godard è costretto a lasciare Parigi per Cannes, dove
muore nel 1895.
Benjamin Godard (1849-1895)
Enfant prodige du violon, élève de Richard Hammer et d’Henri
Vieuxtemps, Benjamin Godard entre au Conservatoire de Paris où
il étudie la composition avec Henri Reber. Il échoue deux fois au
concours de Rome, mais n’en tient pas moins une place importante
dans la vie musicale française des débuts de la IIIe République :
aussi virtuose au piano qu’au violon, Godard se produit en quatuor et ses pièces de piano connaissent un succès certain dans les
salons. Chef d’orchestre, il reprend les concerts Pasdeloup et crée la
Société des Concerts modernes. Il est professeur au Conservatoire
de Paris, chargé de la classe d’ensemble instrumental à partir de
1887. Son catalogue d’environ 200 numéros d’opus touche à tous
les genres, à l’exception de la musique religieuse : six opéras, dont
Jocelyn (1888), célèbre pour sa « Berceuse », et La Vivandière, inachevé, qui connut un grand succès posthume ; des pièces orchestrales dont plusieurs symphonies à programme (Symphonie orientale, Symphonie légendaire avec chœurs, ou encore Le Tasse,
symphonie dramatique avec soli et chœurs qui lui vaut le Prix de la
Ville de Paris en 1878) ; plusieurs concertos, des pièces de musique
de chambre, ainsi qu’une abondante production de mélodies et de
musiques pour piano. Le style de Godard, dans la veine du classicisme romantique d’un Mendelssohn, reste assez traditionnel, fermement tonal ; le compositeur affirma ouvertement son désintérêt
pour le style wagnérien. Sa carrière s’interrompt prématurément :
de santé fragile, Godard est contraint de quitter Paris pour Cannes,
où il meurt en 1895.
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Franz Liszt (1811-1886)
Nato a sud di Vienna in una regione che è stata temporaneamente
ungherese, Liszt viene iniziato dal padre allo studio del pianoforte. Bambino dotato, la cui educazione musicale sarà sostenuta da
alcuni magnati ungheresi, diventa allievo di Carl Czerny che gli fa
compiere importanti progressi. Incoraggiato dal padre a trasferirsi a Parigi, Liszt si integra nella sua città d’adozione grazie a una
notevole disinvoltura linguistica. È lì, dopo che Cherubini gli ha
rifiutato l’ammissione al Conservatorio, che studia contrappunto
con Reicha e composizione con Paer. Il suo amore per l’erudizione
lo spinge a frequentare gli ambienti artistici più in vista di Parigi.
Dopo un difficile periodo creativo durante il quale pensa di farsi
prete, ritrova interesse per la composizione al momento della Rivoluzione di Luglio. Si susseguono una vita scandita da incontri
decisivi con i contemporanei (Berlioz – che ha difeso e incoraggiato –, Chopin, Paganini…), un posto d’insegnante al Conservatorio
di Ginevra, quindi la scelta di una carriera di virtuoso. L’eccezionale
figura del pianista, sovrapposta a quella del patriota, genera allora
un fenomeno di “lisztomania” internazionale. Liszt è protettore e
suocero di Wagner, e insegna a future celebrità quali Marie Jaëll e
Emil von Sauer. I suoi concerti per pianoforte coniugano difficoltà
tecnica e concezione formale innovatrice (ciclicità), le trascrizioni
per pianoforte presentano un’inventiva rara per l’epoca e le Rapsodie ungheresi mettono in auge la musica tzigana del suo paese
natale. I poemi sinfonici (Mazeppa, Les Préludes), l’oratorio Christus
e la Dante-Symphonie figurano tra le sue opere più visionarie.
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Franz Liszt (1811-1886)
Né au sud de Vienne dans une région momentanément hongroise,
Liszt est initié au piano par son père. Enfant doué, dont l’éducation
musicale sera soutenue par quelques magnats hongrois, il devient
l’élève de Carl Czerny qui lui fait accomplir des progrès considérables.
Encouragé par son père à gagner Paris, Liszt s’intègre dans sa ville
d’adoption grâce à une aisance linguistique remarquable. C’est là,
après que Cherubini a refusé de l’admettre au Conservatoire, qu’il étudie le contrepoint auprès de Reicha et la composition avec Paer. Son
goût pour l’érudition le pousse à fréquenter le Tout-Paris artistique.
Après une période créatrice difficile durant laquelle il songe à devenir
prêtre, il retrouve un intérêt pour la composition au moment de la
Révolution de Juillet. S’ensuivent une vie scandée par des rencontres
déterminantes avec ses contemporains (Berlioz – qu’il a défendu et
encouragé –, Chopin, Paganini…), un poste d’enseignant au Conservatoire de Genève puis le choix d’une carrière de virtuose. La figure
exceptionnelle du pianiste, superposée à celle du patriote, engendre
alors un phénomène de « lisztomanie » international. Il est le protecteur et le beau-père de Wagner, et enseigne à de futures célébrités telles que Marie Jaëll et Emil von Sauer. Ses concertos pour piano
allient difficulté technique et conception formelle innovante (cyclicisme), ses transcriptions pour piano présentent une inventivité rare
pour l’époque et ses Rhapsodies hongroises mettent à l’honneur la
musique tzigane de son pays natal. Ses poèmes symphoniques (Mazeppa, Les Préludes), l’oratorio Christus et la Dante-Symphonie
figurent parmi ses œuvres les plus visionnaires.
L'interprete
L'interprète
Guillaume Vincent, pianoforte
Guillaume Vincent ottiene a 16 anni un Prix de piano all’unanimità e un diploma de formazione superiore al Conservatoire
supérieur de Paris, dove prosegue gli studi con Jean-François
Heisser e Marie-Josèphe Jude in piano, e Yves Henry in armonia, col quale otterrà il master di pianoforte e il premio d’armonia; consegue nel 2011 il diploma d’artista interprete. Ha vinto
premi di numerose isituzioni, tra cui Lipsia nel 2008, Académie
Ravel, Sacem, Fonda­tion Lacroix, Orchestre national de France
nel 2009, «Rivelazione classica» dell’Adami nel 2010, JeunesTalents nel 2011, Fondation Safran pour la musique nel 2012, concours Marguerite Long… È regolarmente invitato da numerosi
festivals, tra cui la Folle Journée a Nantes e a Tokyo, la Roque
d’Anthéron, il Festival de Pâques e l’Août Musical a Deauville, il
Festival de Cordes-sur-ciel, Piano aux Jacobins a Tolosa, le Lille
Piano(s) festival e Esprit du Piano a Bordeaux. Si esibisce spesso nel repertorio cameristico, e ha avuto occasione di suonare
con R. Capuçon, A. Dumay, A. Soumm, A. Laloum o il Quatuor
Ardeo. Recentemente, ha esordito con l’Orchestra della Radio di
Francoforte, l’Orchestra del Festival di Budapest, l’Orchestre du
Capitole di Tolosa e ha effettuato una tournée in Giappone con
l’Orchestra di Kanazawa. Il suo primo disco, dedicato ai Préludes
di Rachmaninov, è uscito nel novembre 2012.
Guillaume Vincent, piano
Guillaume Vincent obtient à 16 ans un Prix de piano à l’unanimité et un diplôme de formation supérieure au Conservatoire
supérieur de Paris, où il poursuit ses études avec Jean-François
Heisser et Marie-Josèphe Jude en piano et Yves Henry en harmonie, avec qui il obtiendra son master de piano et son prix d’harmonie ; il obtient en 2011 son diplôme d’artiste interprète. Il est
lauréat des prix de nombreuses institutions, notamment Leipzig
en 2008, Académie Ravel, Sacem, Fonda­tion Lacroix, Orchestre
national de France en 2009, Révélation classique de l’Adami en
2010, JeunesTalents en 2011, Fondation Safran pour la musique en
2012, concours Marguerite Long… Il est régulièrement invité par
de nombreux festivals, entre autres la Folle Journée à Nantes et à
Tokyo, la Roque d’Anthéron, le Festival de Pâques et l’Août Musical
à Deauville, le Festival de Cordes-sur-ciel, Piano aux Jacobins à
Toulouse, le Lille Piano(s) festival et Esprit du Piano à Bordeaux.
ll se produit souvent en musique de chambre, et a eu l’occasion
de jouer avec R. Capuçon, A. Dumay, A. Soumm, A. Laloum ou le
Quatuor Ardeo. Récemment, il a fait ses débuts avec l’Orchestre
de la Radio de Francfort, l’Orchestre du Festival de Budapest, l’Orchestre du Capitole de Toulouse et a effectué en tournée au Japon
avec l’Orchestre de Kanazawa. Son premier disque, consacré aux
Préludes de Rachmaninov, est paru en novembre 2012.
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Prossimi eventi a Venezia
Prochains événements à Venise
Venerdì 7 marzo 2014, ore 18
Palazzetto Bru Zane
Conferenza di Olga Visentini: La musica al femminile nella
Francia della Belle Époque
Ingresso libero. Consigliata la prenotazione
Venerdì 7 marzo 2014, ore 20
Palazzetto Bru Zane
Compositori al femminile
In occasione della manifestazione Donne a Venezia
organizzata dalla città di Venezia
Musiche di JAËLL, CHAMINADE, BONIS
Lidija e Sanjia Bizjak, pianoforte a quattro mani
Domenica 16 marzo 2014
Un’occasione straordinaria per introdurre alla musica i
bambini dai 6 anni in su insieme alle loro famiglie!
Palazzetto Bru Zane
Concerto per le famiglie
Info: [email protected] / 041 5211005
Sabato 22 marzo 2014, ore 17
Palazzetto Bru Zane
Trii con pianoforte
Musiche di PIERNÉ, LA TOMBELLE
Trio Wanderer
Giovedì 27 marzo, ore 18
Palazzetto Bru Zane
Presentazione-Concerto
Alexandre Dratwicki, direttore scientifico del Palazzetto Bru Zane
David Violi, pianoforte
Finale con brindisi
Ingresso libero. Prenotazione obbligatoria
Info: [email protected] / 041 5211005
Festival Félicien David, da Parigi al Cairo
(5 aprile – 17 maggio)
Sabato 5 aprile 2014, ore 17
Scuola Grande San Giovanni Evangelista
Opera da salotto
Le Saphir
Opéra-comique in tre atti (trascrizione e adattamento per
nove strumentisti e sei cantanti)
Sabato 5 aprile 2014, ore 17
Palazzetto Bru Zane
Panorama
Musiche di DAVID, LENORMAND, BERLIOZ
Trio Chausson
Seguirà un brindisi
Martedì 8 aprile ore 18
Conferenza di Adriana Guarnieri: L'esotismo nell'Ottocento
Ingresso libero. Info: [email protected] / 041 5211005
Contributi musicologici
Hélène Cao, Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon
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Traduzioni
Paolo Vettore
Palazzetto Bru Zane
Centre de musique romantique française
San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia
tel. +39 041 52 11 005
bru-zane.com