scarica il catalogo della mostra
Transcript
scarica il catalogo della mostra
A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART PA L A Z Z O S A L U Z Z O PA E S A N A A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART Mostra a cura di / Curated by Marco Marrone e Margherita Artoni In collaborazione con / In collaboration with Luce Gallery, Torino Testi / Essay Margherita Artoni Traduzione / Translation Stephen Piccolo [email protected] www.insideindia.it Layout grafico / Graphic layout Art Cafè Adv, Torino Finito di stampare nel mese di novembre 2010 Printed in November 2010 by Grafica Piemontese, Volpiano (To) Printed in Italy Ringraziamenti Acknowledgements Peter Nagy Shalini Sawhney Nikola Cernetic Monica De Cardenas Enrico Debandi Gabiele Ferrarotti Salvatore Burgarello Roberto Martinez I can see myself there, a few months ago in Mumbai, the heart of fascinating India, and the start of a personal itinerary in which art has become a new source of expression. i rivedo alcuni mesi fa a Mumbai, nel cuore dell’affascinante India e di un percorso personale che ha trovato nell’arte una nuova fonte di espressione. M Come d’incanto ecco l’incontro con quegli artisti con i quali avevo sino a quel momento solo intrattenuto rapporti telefonici ed epistolari, con tanto di mail come si usa fare in questa nostra realtà nella quale fermarsi è vietato, quasi al pari di meditare e rimodellarsi. Esercizio invece che vede in primo piano proprio tali artisti, al contempo moderni e così gelosamente ancorati alle tradizioni. In India tutto si mescola, i contrasti sono forti, aspri, nelle persone e nelle situazioni. Tradurli in opere non è impresa facile e riesce solo a quanti consideravo grandi e ho potuto riscontrare tali. L’idea di una mostra dedicata all’India attraverso le immagini dei suoi più importanti artisti contemporanei iniziò a balenarmi all'inizio 2009. Mi pareva lontana, quasi offuscata. Giorno dopo giorno, invece, contatto dopo contatto, eccola tradotta in realtà. I maestri che hanno dato vita a questa collettiva si sono avvicinati al sottoscritto con le stesse cadenze. Inizialmente con un po’ di curiosità, poi con sempre maggior trasporto assecondando la mia voglia di conoscere e progredire nella scoperta di un mondo, il loro, così altamente denso di significati. Quello che il pubblico potrà vivere accostandosi alla collettiva è la loro forza, sprigionata nelle opere allocate in uno dei contesti più nobili ed eleganti di Torino, Palazzo Saluzzo Paesana. Con la presente invio pertanto un caloroso saluto a tutti coloro che interverranno all’evento museale/istituzionale di cui sopra e rivolgo il mio affettuoso abbraccio a questi sei spettacolari autori che hanno creduto nell’iniziativa facendola via via propria. La loro passione è diventata la mia. Fonderle è stato impegno probante, per tutti, ma credo di poter dire che il gruppo, alla fine, ha saputo farlo nel rispetto delle individualità e della sacralità del Paese da cui gli artisti provengono. Marco Marrone As if by magic, I met the artists with whom I had previously had only contact by telephone or letters, through the many e-mails that are an integral part of this reality of ours, where pauses are forbidden, just like meditation and reshaping of oneself. An exercise, on the other hand, in which precisely these artists are front runners, simultaneously modern and jealously anchored to traditions. In India everything mingles, the contrasts are vivid, harsh, in people and situations. Translating them into works is not an easy task, and only the artists I considered great, or learned to appreciate as such, are capable of doing it. The idea of an exhibition on India, seen through the images of some of its most important contemporary artists, came into my head at the start of 2009. It seemed distant, almost blurry. Yet day after day, contact after contact, it has become a reality. The great artists who have contributed to this group show all had the same pattern of approach. At first a bit of curiosity, then greater transport, responding to my desire to know and to progress in the discovery of a world, their world, one full of unexpected meanings. The viewer of this show wil be able to sense their force, the force unleashed by works positioned in one of the most noble, elegant contexts of Turin, Palazzo Saluzzo Paesana. I would like to send warm greetings to all those who will take part in the museum /institutional event outlined above, and in particular extend an affectionate welcome to these six spectacular artists, who have believed in the initiative and gradually embraced its objectives. Their passion has become my passion. Combining their works in this show has been a complex commitment, for everyone, but I believe I can say that the group, in the end, has been capable of doing it while respecting the individualities and sacred character of the artists’ native land. Marco Marrone Introduzione Introduction Nelle sontuose stanze dell’Appartamento Padronale di Palazzo Saluzzo Paesana alcuni tra i più autorevoli artisti dello scenario contemporaneo indiano vestono Inside India con le loro opere. La mostra si inserisce in una fase cruciale della storia dell'India, esaltandone il prestigio ed esplorandone la straordinaria vivacità del panorama culturale ed estetico. Il sistema dell’arte contemporanea indiana ha conosciuto nell'ultimo decennio uno sviluppo senza precedenti. Il collezionismo autoctono, alimentato dall’ incalzante interesse dei “nuovi ricchi”, ha infatti raggiunto in poco tempo notevole autonomia e risonanza suscitando di riflesso l’attrattiva di Oriente e Occidente. Il motore di questo “boom” è da rintracciare nella radicale svolta politico-economica che ha portato l'India, dal 1991 in avanti, ad abbandonare il socialismo protezionista d'impronta nehruviana in favore di un'apertura spiccatamente liberista al mercato straniero. Con la sottoscrizione dei prestiti da parte della Banca Mondiale e del Fondo Monetario Internazionale la “Nuova India” viene ufficialmente alla luce. Nell’era della globalizzazione - diretta conseguenza del liberismo - l'India conosce dunque la sua fortuna, entrando di diritto nella rosa delle più influenti "tigri" dell'economia orientale, ma è proprio in questo contesto che il Paese riflette con inedita fermezza sulle contraddizioni attuali. Sospeso tra continuità e innovazione esso si specchia nella propria complessità, sceglie la forza della tradizione e muove una chiara denuncia contro la logica del progresso. Mumbai, Delhi, Baroda e Kolkata oggi non sono più le città di un tempo, nella superficie come nell'essenza. E solo l'arte, in questo contesto, può tentare di restituire coerenza storica e nuova linfa vitale al presente delle metropoli ibride. Gli artisti indiani, del tutto immersi nel caotico limbo post-moderno, sperimentano e perlustrano diverse possibilità estetiche - dalla pittura alla scultura, dalla fotografia alla videoarte, per finire con le installazioni più ardite - rimanendo in totale sintonia con la cornice multiforme che abbraccia il 21esimo secolo. Osservandone le opere è facile apprezzare come alcuni artisti abbiano raccolto in eredità l’utopia negata di Gandhi e di Nehru; altri, al contrario, hanno saputo concentrarsi - e si concentrano tuttora sull’incredibile espansione urbana del Paese, sulle sue tentacolari baraccopoli e sulle questioni migratorie che coinvolgono buona parte della popolazione. Una serie di spunti attraverso cui riflettere sul passato, sulla storia spesso tragica dell'India, sull'eredità della colonizzazione britannica e soprattutto sul nuovo e rimarchevole ruolo del Paese nel mondo. Inside India si propone di raccontare i colori e i profumi di una terra affascinante e pregna di cultura, mettendo in luce le sue trasformazioni attraverso il linguaggio dell'arte contemporanea. Intento ambizioso se si pensa alla direzione che molta arte d'avanguardia, spesso oscillante tra il banale e l'assurdo, sta prendendo negli ultimi anni. Ad ogni modo l’arte indiana prende le distanze dagli espedienti di superficie, e volge il suo sguardo privilegiato all’uomo e al desiderio che lo spinge ad elevarsi fino alle vette più alte dell’esistenza. Non si tratta quindi di celebrare una cultura in quanto tale, ma di ritrovare nelle opere di Atul Dodiya, Riyas Komu, Jagannath Panda, Justin Ponmany, Thukral & Tagra e T V Santhosh, la sublime dignità nazionale di un Paese che, pur nell’umiltà, ha saputo conferire alla propria storia una ragion d'essere tanto umana quanto estetica. Some of the most outstanding artists on the Indian contemporary scene garb the sumptuous rooms of the Appartamento Padronale of Palazzo Saluzzo Paesana with their works in the exhibition Inside India. The show sheds light on a crucial phase of Indian history, with the growing prestige and extraordinary vivacity of the Indian cultural and aesthetic panorama. The Indian contemporary art system has gone through a period of unprecedented growth over the last five years. The phenomenon of local art collecting, fed by the burgeoning interest of the “nouveaux riches”, has rapidly achieved autonomy and importance, generating worldwide appeal in its wake. The motor behind this “boom” can be traced back to the radical political-economic turnaround that has led India, from 1991 on, to abandon the protectionist socialism of Nehru in favor of free-market openness to foreign trade. Thanks to loans from the World Bank and the International Monetary Fund, the “New India” has officially been born. In the era of globalization – a direct consequence of freemarket tenets – India has found its fortune, then, entering the ranks of the most influential "tigers" of the Orient. But it is precisely in this context that the country reflects on its present contradictions, with unusual resolve. Suspended between continuity and innovation, India gazes into the mirror of its own complexity, chooses the force of tradition and expresses a clear critique of the occidental logic of progress. Mumbai, Delhi, Baroda and Kolkata, today, are no longer the cities they once were, in terms of both area and essence. Only art, in this context, can attempt to restore historical coherence and new vital energy to the present of the hybrid metropolis. Indian artists, fully immersed in the chaotic postmodern limbo, experiment with and explore different aesthetic possibilities – from painting to sculpture, photography to video art, all the way to the most daring forms of installation – remaining totally in tune with the framework of multiple forms specific to the 21st century. Observing the works, it is easy to understand how certain artists have absorbed the legacy of the denied utopia of Gandhi and Nehru; others, instead, have begun and continued to concentrate on the incredible urban growth of the country, its sprawling shantytowns, and the issues of migration that have an impact on a large portion of the population. A series of stimuli through which to reflect on the past, on the often tragic history of India, the legacy of British colonization and, above all, the new, remarkable role of the country in the world. Inside India sets out to narrate the colors and aromas of a fascinating land laden with culture, shedding light on its transformations through the language of contemporary art. An ambitious program, if we consider the direction taken by much of the avant-garde art of recent years, often balanced between the banal and the absurd. In any case, Indian art shuns superficial expedients, focusing on man and the desire that motivates him to reach for the loftiest goals of life. The idea is not to pay homage to a culture as such, but to rediscover, in the works of Atul Dodiya, Riyas Komu, Jagannath Panda, Justin Ponmany, Thukral & Tagra and T V Santhosh, the sublime dignity of a nation that, even in humble circumstances, has been able to perceive a reason for being in its history, based on both human and aesthetic parameters. Atul Dodiya Nel fervido clima degli anni Ottanta, Atul Dodiya inaugura il proprio percorso artistico inserendosi nel contesto della sperimentazione realistica. Particolarmente ispirato dalle opere di Sigmar Polke e David Salle, egli ricerca le componenti oggettive dell'esistente perlustrando le possibilità estetiche e gnoseologiche del fotorealismo. Verso la metà degli anni Novanta, l'artista integra i suoi studi precedenti con una serie di influenze diversificate e innovative. Nasce così un linguaggio originale e più maturo, denso di intrecci e rimandi culturali, testimone di un'epoca tanto ibrida quanto attuale. Articolati tra prerinascimentale e postmoderno, arte classica e kitsch, i nuovi contenuti delle opere di Dodiya abbandonano la sterilità dei loro confini per incontrare, come in un puzzle, il proprio opposto complementare. Ne deriva una sorta di “patch-work culturale”, poliedrico ma coerente nella sua espressione globale, che si esplica in un sistema logico dove le radici della storia convivono con le forme del presente e per molti versi concorrono a plasmarle. Atul Dodiya 1959 Born in Bombay I dipinti e le installazioni, gravidi di riferimenti letterari e filmografici, sono soliti accogliere frammenti di storia occidentale accanto alle componenti mitiche e folkloriche della cultura popolare indiana. L’ibridazione dei linguaggi artistici si pone infatti come primo obiettivo quello di partorire un'estetica grandiosa e rivoluzionaria, dove Oriente e Occidente possano giungere ad un'assimilazione finalmente costruttiva. A proposito della sua versatilità, Dodiya afferma: «L'India è un paese vastissimo. Culture ricche e diversificate abitano la stessa terra e si rivelano fonte d'inesauribile ispirazione: dalla mitologia all'epica, dal folklore al cinema. Sono nato e cresciuto a Bombay, e l'incredibile fermento della città ha avuto da sempre una grande influenza sul mio modo di percepire il mondo. Quando ero studente ho seguito per lo più corsi sull'arte occidentale, ragion per cui anche nella mia ultima produzione è possibile avvertire numerosi richiami alla celebre pittura di Europa e Stati Uniti. Nei miei primi lavori è facile individuare l'influsso estetico di Robert Rauschenberg e Jasper Johns, integrato solo pochi anni dopo dalle stimolanti suggestioni di Picasso e Matisse». Eppure, in alcuni lavori, egli non si limita a suggerire le contaminazioni artistiche che lo coinvolgono, bensì mette in mostra un dichiarato confronto/scontro tra l'arte degli antichi maestri e la propria personale reinterpretazione contemporanea. Si ricordi Cracks in Mondrian (Bose Pacia Gallery, New York, 2005), opera in cui l'artista interagisce con il neo-plasticismo mondrianiano rivisitandone i motivi caratteristici con un occhio di riguardo nei confronti del “qui ed ora”. Ogni tela contiene un'evidente macchia rossa - rappresentazione stilizzata di uno stato dell'India - ed è decorata con polvere di marmo e acrilici. Il connubio tra i due materiali è scelto non soltanto per ricreare le griglie di Mondrian, ma anche per simulare l' “effetto crepatura” che oggi ne investe la maggioranza dei lavori. Le crepature sono, tuttavia, anche un'alternativa metaforica per smantellare le speranze dell'astrattismo, denunciando a voce alta il marciume delle tubature - ecco perché la tela è sorretta da un misterioso tubo bianco - e gli edifici sgangherati di molti quartieri indiani. È tempo di dire addio all'universalismo mondrianiano. Le sperimentazioni sono dunque moltissime, sia a livello stilistico che materico, ed è nell'esauribile curiosità per il nuovo che si estrinseca la geniale indole di Dodiya. Nei suoi lavori, l'artista tratta spesso tematiche di natura storico-politica tessendo eventi globali e intimi in un unico ordine concettuale. Emblematica è l'opera che egli dedica al tanto stimato Mahatma 5 Gandhi, la cui reputazione popolare è stata offuscata in seguito agli atti di violenza originatisi con la Partizione dell'India, che stabiliva i confini nazionali in base alle maggioranze religiose. Con la serie di acquarelli An Artist of Nonviolence (Gallery Chemould, Mumbai, 1999), Dodiya si impegna a restituire al grande padre dell’India moderna la dignità di un tempo, ripercorrendone la biografia e i valori perseguiti: «Penso che non solo l'India abbia bisogno di Gandhi, ma l'intera umanità. La filosofia della non-violenza è ancora incredibilmente attuale nel contesto contemporaneo, quotidianamente minacciato dall'odio, dall'intolleranza e dal terrorismo» (intervista ad Atul Dodiya, 9 Ottobre 2006). Nonostante la meticciata plurivalenza del suo messaggio, l'arte di Dodiya è comunque profondamente radicata in una sorta di “ethos nativo” che riflette immancabilmente nelle memorie d'infanzia e nelle preoccupazioni di natura locale una tensione sempre immutata nei confronti della tradizione. Di creazione relativamente recente è Antler’s Anthology (2007). Ospitata ne nel prestigioso Museum Fridericianum per Documenta 12, essa comprende un corpo di poemi in lingua Gujarati. I testi, a loro volta impreziositi da decori evocativi - per lo più immagini quotidiane dell'India antica e contemporanea -, sono realizzati in acquerello, polvere di carbone e marmo su carta, tracciando con ricchezza espressiva un ideale collegamento tra il “prima” e il “dopo”. L'uso dell'acquerello, ereditato dall'Inghilterra e largamente impiegato nelle tradizioni di Cina e Giappone, segna pertanto un'ulteriore tappa creativa nell'evoluzione stilistica di Dodiya. Ancora una volta egli assorbe il potenziale di una tecnica lontana dalla propria cultura e ne forgia le linee con temi profondamente personali. Nella “Sala” dell'appartamento padronale, la mostra Inside India espone quattro tele metalliche. Queste intriganti sculture realizzate in ferro ricordano, a un primo sguardo, il retro di un quadro; sono infatti visibili travi e graffette, come se la lamiera fosse distesa su un telaio ligneo. Le immagini si sostanziano in un mix tra la lega normalmente usata per saldare la carrozzeria delle auto e la pasta necessaria a lisciarne le ammaccature: il tutto, a sua volta, fissato con una sottile patina d'olio. Inoltre il processo di ossidazione preserva la lastra dalla ruggine e conferisce al ferro una suggestiva tonalità grigio-metallica. L'immagine principale è impreziosita da piccoli magneti colorati, acquistati dallo stesso artista in musei europei e americani; essi raffigurano alcune tra le più rilevanti icone della storia dell'arte valorizzando in egual misura tradizione orientale e occidentale. Sebbene l'effetto complessivo abbia del malinconico, il vivace bagliore dei magneti si oppone alla monocromia del ferro rendendo l'atmosfera più leggera e al tempo stesso seducente: “galleggia” - afferma l'artista - “come un fuoco che vola nel buio della notte”. 6 Il disegno dei corpi femminili individua con precisione quasi "radiografica" la sofferenza esistenziale che si cela dietro la lotta per la sopravvivenza, in un'epoca in cui la pratica del terrore si diffonde senza tregua in India come in Occidente. In The Robe (Drying), le due serie di immagini tratte dall'Elegy to Spanish Republic di Robert Motherwell sono interpretate come panni umidi appesi a un filo e avvolgenti, dall'alto, una donna stilizzata senza veli. Saranno questi indumenti a coprire il corpo della sagoma scheletrica? Una volta asciugati, li vestirà? I magneti con le immagini di Leonardo, Van Gogh, George Washington, il Pensatore di Rodin, si posano sul filo come uccelli variopinti o, ancora, come sgargianti mollette da bucato. In Tsunami una nuova figura femminile è ritratta nell'arduo compito di mantenere l'equilibrio di fronte al persistente riproporsi della dialettica tra “base” e “grembo”, simbolicamente rappresentata dalla contrapposizione tra l’uovo dorato e l’uovo bianco. La generale stabilità della donna è inoltre minacciata dall'immagine astratta di un vortice (ancora una volta estrapolata dal repertorio visivo di Motherwell), un vero e proprio Tsunami sospeso e “galleggiante” sul corpo di lei. Soltanto un magnete è usato da Dodiya per descrivere la sconcertante precarietà della quiete, e l'incisione del titolo si integra perfettamente con l'immagine di Portrait of Black Woman: sublime e antico dipinto di Marie-Gullemine Banoist. Babel è una torre di teste dorate. Un'immagine del Man Walking di Alberto Giacometti che si lascia alle spalle questa torre pendente. La schiena dell'uomo è ferita da un martello, ma la dignità del suo percorso resta immutata: nessuno interromperà il suo passo. Ogni testa è etichettata con il nome di un'artista e costituisce, di voce in voce, il polifonico autoritratto di un Dodiya immerso nella contemporaneità ma immancabilmente memore delle proprie radici e tradizioni (autoritratto ulteriormente caratterizzato nell'opera Hammer Head). Intanto, dall'angolo in alto, Giulio Cesare osserva la scena. Sempre all'interno della “Sala”, sono installate due sculture dal carattere particolarmente forte e stentoreo: i patiboli. In If mountains shiver in the cold e The wind sleeps Dodiya riflette sull'ultima libertà che resta all'uomo. La forca, generalmente associata a sensazioni di morte e condanna, è qui individuata nella grandiosità della sua estetica e testimonia la paradossale coesistenza tra forma e contenuto che si ripropone, in chiave alternativa, nel poema che completa l'opera (testo da leggere, ma anche dipinto da ammirare). L'osservatore ha infine la possibilità di percepire il proprio volto riflesso nello specchio e idealmente “imprigionato” nella corda del cappio: un modo tanto tragico quanto catartico per elevarsi grazie all'arte e per riflettere con occhi nuovi sulla vita e sulla morte. I versi su carta, decorati con acquerello e carboncino, sono di Allama Prabhu, santone mistico del dodicesimo secolo e celebre poeta di Vachana. Il poema fonte di ispirazione è tratto dal classico Speaking of Siva, in seguito tradotto e curato da A.K. Ramanujan. Una scommessa con l'arte e con la storia, quella di Atul Dodiya. Una sfida quanto mai coraggiosa, soprattutto se coltivata nella routine del vivere quotidiano. Egli spiega in questi termini la propria condizione di artista: «Pur avendo una personalità abbastanza convenzionale nella routine di ogni giorno, quando entro nel mio studio e inizio a dipingere mi sento finalmente libero di essere me stesso e di sperimentare qualunque cosa mi dica il mio istinto». Prima la libertà. Presupposto dell'arte. Tutte le descrizioni dei lavori di Atul Dodiya esposti per Inside India si devono integralmente al contributo dell'artista. 7 Riyas Komu Nello scenario contemporaneo dell'arte indiana, specialmente in Mumbai, è raro riuscire ad individuare nelle produzioni artistiche una ben definita prospettiva politica. Riyas Komu, al contrario, si distingue dalla consueta tendenza all’osservazione “imparziale” esprimendo una chiara presa di posizione rispetto a temi molto delicati quali la violenza, l'instabilità sociale, la diplomazia internazionale, l'alienazione urbana. Riyas Komu 1971 Born in Kerala Musulmano filomarxista e strenuo sostenitore degli ideali gandhiani, l'artista racconta di sé e del mondo segnalando un continuo rimando tra biografia e storia. Cresciuto in Kerala, terra dei “giorni verdi” profondamente inebriata da valori di sinistra, Komu lascia la città natale intorno agli anni '90 per trasferirsi a Mumbai. Qui la sua mentalità urta inevitabilmente contro la minaccia del pogrom e l'avvento del nazionalismo hindu di destra, che fa della fede musulmana non più un semplice credo, bensì uno stato d'essere tanto traumatico quanto profondamente interiorizzato. Komu si trova dunque di fronte a un bivio: da un lato la crescente tensione sociale che invade Mumbai, dall’altra la pressione dell’Islam radicale che ha indotto molti keralesi ad aderire al fondamentalismo jiadista. Gli eventi dell'11 settembre e la rivolta anti-musulmana in Gujarat sono fonte di ulteriore inquietudine per l'artista, ma egli impara a trovare nell'afflizione del “pianto postumo” l'energia per ricongiungersi all'infanzia perduta della famiglia e del gioco. Komu è un grande appassionato di sport. Specialmente il calcio rappresenta per lui una delle attività più complete e umanamente stimolanti, al punto da cambiare città per trasferirsi a Borivali. 8 Egli spiega: «Sono innamorato della storia del calcio, per me il più completo tra i giochi. L'abilità e l'efficienza di questo sport ha finora superato le più diverse pretese. Durante la mia infanzia ero solito giocare a calcio con gli altri bambini della mia età; aspettavamo che il raccolto fosse terminato per poter rincorrere il pallone nelle risaie vicino casa». Più tardi, dopo i suoi studi, Komu inizia ad addentrarsi anche nella dimensione politica del calcio, importante punto di partenza per nuovi spunti e considerazioni che lo porteranno, nel 2007, a realizzare esibizioni di grande impatto e originalità come la serie fotografica Mark Him (The Guild, Mumbai). Tuttavia la produzione intorno al tema del calcio trova la sua massima eloquenza con il mezzo scultoreo. Si pensi a Left Legs VI - VII (2008), a Tribute to a Footballer (2010) e alla recentissima mostra Subrato Caesar (Gallery Maskara, Mumbai, 2010), nota per aver ospitato una scenografica installazione in vetro e metallo con palloni disposti in sequenza. «È tempo di capire - continua l'artista - che cosa può dare il Campionato del Mondo all'India e alla sua storia». Nonostante la fede nei confronti delle potenzialità civili e culturali del messaggio sportivo, una sorta di pessimismo realistico pervade l'intera opera di Komu ed è facile avvertire il costante riferimento simbolico alla morte (Undertakers, 2007) e al decadimento spirituale dell'era contemporanea. Sculture, fotografie e dipinti, investiti di un profondo senso umano e ontologico, esibiscono le conseguenze dell'urbanizzazione, della distorsione mediatica e della commistione tra istituzioni religiose e Stato in un percorso rivelatorio dove la forma incarna la sostanza, se ne estranea e infine la giudica. La critica dell'artista non si rivolge esclusivamente alle contraddizioni dell'India post-moderna, ma si allarga anche all'Occidente, all'Iran e alla Cina. Quest'ultima, prima delle degenerazioni burocratiche e autoritarie, ha incarnato per molto tempo il “grande sogno” degli abitanti del Kerala, ragion per cui Komu ha scelto di riservare all'argomento una parte significativa della sua produzione (uno su tutti, Why should everyone look like Mao, 2007). Dal senza tetto al diseredato, dall'emarginato al calciatore, i protagonisti dei dipinti sono talvolta estrapolati dal repertorio visivo dei mass media. Eroi intimi e vittime della storia. Il tema dell'immigrazione, tanto caro all'artista, occupa una parte considerevole delle rappresentazioni su tela. Komu ha vissuto in prima persona il dramma dello sradicamento e si serve della tecnica ritrattistica per “contare le teste” di chi, proprio come lui, ha patito la condizione del “non privilegiato”. I sette ritratti di Systematic Citizens (Palette Art Gallery, New Delhi, 2006) sono forse i più rappresentativi, in tal senso, e hanno il merito di portare a galla il patimento esistenziale che si cela dietro le aspettative dell'immigrato contadino. Negli ultimi anni Komu ha rivisitato il ritratto attraverso il cinema, la fotografia e la pittura, senza però tradire la maniacale predisposizione al vero che contraddistingue la sua firma. L'aderenza alla realtà si riconferma anche nelle sculture lignee. Estremamente debitrici nei confronti della grande tradizione decorativa indiana, esse stigmatizzano i valori propugnanti delle grandi ideologie del XX secolo rivelandone l'effettiva inconsistenza. La lavorazione artigianale del legno - passione ereditata dal padre già in tenera età - non è quindi un mero espediente formale, ma una vera e propria strategia espressiva praticata con cura per mettere a nudo la perdita delle tradizioni connessa al dilagare della globalizzazione economica. La poetica di Komu è strettamente connessa alle dinamiche storiche e, più in generale, a agli eventi della contemporaneità. La conoscenza di ciò che accade nel mondo è fondamentale per produrre arte consapevole, così come non è possibile avvicinarsi al presente senza una riflessione sul passato. Intervistato da Ullekh N.P, Komu afferma: «Seguo costantemente gli sviluppi internazionali e mi aggiorno sulle ultime notizie in modo tale da non restare vittima dell'ignoranza e della vulnerabilità. Ciò significa che sono sempre pronto per l'occasione; non mi farò sorprendere se domani gli Unni dei tempi moderni busseranno alla mia porta. è molto importante essere consci delle dinamiche del presente quando si producono oggetti d'arte, opere pensate e realizzate per sopravvivere alle generazioni future. Non vorrei che le mie creazioni venissero fraintese a causa di una generica e stolta inconsapevolezza». Nel 2007 Riyas Komu è stato il più giovane artista indiano ad esporre alla Biennale di Venezia, ottenendo un riconoscimento di portata macroscopica. Un successo che non ha placato il “sacro fuoco” dell'artista né, tanto meno, il valore etico delle sue “ossessioni”. 9 Jagannath Panda Le opere di Panda ci obbligano con cromatica finezza a “guardarci intorno”. Per apprezzare il significato dei suoi lavori è infatti necessario abbandonare il punto di vista solipsistico in favore di un’osservazione partecipativa e sinestetica, dove “l’altro da sé” è il vero protagonista. In tal senso si rivela possibile la percezione della vita e, soprattutto, della natura nella sua intrinseca bellezza e sacralità. Tuttavia, l’arte di Panda non si traduce in mera suggestione estetica. Jagannath Panda 1970 Born in Bhubaneswar Stimolato da un’antica e scolorita memoria lo sguardo dell’artista esplora la dimensione onirica del ricordo, ma solo per riportare in vita la realtà più concreta e quotidiana. Il visibile urbano è a tratti evocato ed enfatizzato grazie a un surrealistico gioco tra impalpabile e dettaglio, ed è l’apparente ordinarietà degli elementi rappresentati ad acquistare gradualmente un significato più intenso e, per molti aspetti, nuovo. Gli animali sono i soggetti privilegiati dei quadri e delle sculture di Panda. Essi non sono mai considerati in quanto tali, bensì nel rapporto gerarchico che intrattengono tra loro e con gli esseri umani; se il cane è il miglior amico dell’uomo il ragno è facilmente detestabile, e così via… Oltre all’aspetto della convivenza tra specie, viene esplorata la paradossale tendenza dell’uomo ad investire di significati “umani” i comportamenti animali; vecchie mitologie e leggende, fortemente presenti nelle radici religiose dell’artista, ne sono la più evidente testimonianza. Nelle opere di Panda animali mitici abitano il contesto urbano dell’India odierna, ne visitano gli spazi e ne sentono gli odori (Untitled, 2010). Essi sono esiliati dal loro ambiente naturale e soffrono lo stesso trauma che l’artista ha vissuto dopo l’allontanamento da Orissa, città natale. Come il cervo sogna di tornare nelle verdi valli (Echoes of Intensity, 2010), Panda ripensa alle proprie radici e avverte costantemente la tensione quasi profana che nasce dall’incontro tra natura e metropoli, tradizione e innovazione, passato e presente. Un incontro contraddittorio, senza dubbio, ma chiarificante se reinterpretato alla luce di una nuova consapevolezza. Anche sul piano prettamente stilistico è possibile intravedere una persistente dialettica tra due dimensioni opposte, tant’è vero che nelle tele le componenti classiche del folclore indiano abbracciano i richiami al minimalismo occidentale. Infanzia e maturità si accompagnano nella tela come la pittura al tessuto, ed è in tale connubio che si traduce tutta la magia di un’arte tanto evanescente quanto rivelatrice. 10 Gli animali, immersi nel dramma della realtà urbana, vivono uno squilibrio esistenziale che li rende simili a “fantasmi”, per non dire “revenants”, morti che ritornano. Il loro naturale istinto perde infatti di senso mentre la minaccia della tragedia incombe sulle strade asfaltate. Ispirato da una lucida disillusione e dal culto sepolcrale di una certa ritualità indiana - simile per molti aspetti all'antica cultura egizia -, Panda decide quindi di vestire le vittime della modernità con un elegante broccato, celebrando così il loro riscatto oltre la vita (Cult of Survival, 2010). Forte è dunque la critica che l’artista muove contro il fenomeno dell’urbanizzazione e le conseguenze che questo comporta. Con l’allontanamento da Orissa, luogo della fede e dell’infanzia, Panda sperimenta in prima persona la condizione alienante dell’immigrato. Nei suoi viaggi in Europa egli incontra spesso luoghi e paesaggi contaminati dall’azione umana; qui alla sacra- lità della natura si sostituiscono gli sterili complessi cittadini e l’acqua, elemento tanto “rispettato” in India, riempie le piscine di coloro che sono in testa alla “gerarchia” dell’economia contemporanea (Water-05, 2005). I Paesi Occidentali sono i più tipici rappresentanti del way of life fondato sul consumo e sul progresso, e la cieca fiducia nelle possibilità di quest’ultimo decreta l’allarmante prevaricazione della tecnologia sulla natura. Tuttavia le intenzioni dell’uomo urbanizzato non sono malvagie. Egli sogna una vita migliore per sé e per la propria famiglia, ed è genuina l’ambizione che lo spinge a costruire muri, case, palazzi: grandiose “prigioni” per l’anima, come afferma lo stesso Panda. L’impossibilità di trovare autentica realizzazione nell’habitat da egli stesso creato costringe l’uomo a patire un dolore sia fisico che psicologico: in questo frangente vengono alla luce le prime domande. Esiste una via per uscire dal circolo vizioso? Un altro “mondo possibile”? L’artista non risponde, ma ci aiuta a riflettere. Con occhio al tempo stesso nostalgico e ironico, egli fotografa il contesto attuale da più punti di vista coinvolgendo l’osservatore in una dimensione problematica e proprio per questo affascinante. Animali e oggetti di ogni giorno, dipinti con colori tenui, invadono il mondo di Panda con energia vibrante e pittoresca mentre simboli enigmatici sospesi tra storia e mito si scoprono strumenti per una comprensione più profonda dell'esistente. All’uomo non resta nulla, se non il dovere morale di indagare le conseguenze delle proprie utopie e azioni. 11 Justin Ponmany Le opere di Justin Ponmany riflettono con eclettico minimalismo la rapida trasformazione sociale che negli ultimi anni sta investendo l'India e, in particolare, Mumbai. La capitale indiana dell'economia e dell'intrattenimento sta infatti conoscendo radicali processi di modernizzazione e molte zone della città oggi ospitano lussuose aree commerciali, piccoli “teatrini” partoriti dall'Occidente. Justin Ponmany 1974 Born in Kerala Nei lavori di Ponmany è il rigore della fotografia digitale, prima ancora della pittura, a meditare sul futuro dell'India nell'era della globalizzazione. Affidandosi al concetto di “memoria plastica” egli esplora l'incerta condizione dell'individuo, confinato nella dimensione intima per eludere la promiscuità metropolitana, e rintraccia nell'abbandono delle tradizioni la principale causa del decadimento locale. Il patrimonio culturale è la posta in gioco da rischiare per il patto col “progresso” ed è in questa perdita, figlia di chi è incapace di vedere a lungo termine, che trova sfogo tutto il biasimo dell'artista per la sterile utopia del “boom”. Tuttavia la sola reazione plausibile non è da ricercare tanto nei fatti quanto in un più profondo e radicale mutamento di mentalità. Più elastica e “non biodegradabile” (dal titolo della mostra Non- biodegradable Memory, Sakshi Gallery, Mumbai, 2004), la memoria di ciascuno non deve censurare il presente ma riconsiderarlo alla luce del passato e dei valori della propria terra. Reazione ambiziosa, poiché espressa ed auspicata attraverso l'immediatezza dell'arte figurativa. Così come con la fotografia, la scultura e la video-installazione, Ponmany usa il dipinto oleografico per catturare l'essenza della contemporaneità; qui l'antica pratica della pittura incontra le moderne tecniche di riproduzione grafica, stabilendo tra il “prima” e il “dopo” un contatto lineare anche nella concreta sperimentazione artistica. Le opere narrano principalmente la storia di persone e luoghi che sono stati messi da parte nel nome dell'urbanizzazione e di una darwinistica concezione della sopravvivenza. Statue, corpi, animali e oggetti quotidiani galleggiano sulle tele avvolti da frammenti testuali (Admit One, 2006) o scenari geometrici (Staple Agony II, Plastic Memory, 2006), in un clima sospeso che assegna allo sguardo dell'osservatore il compito di tradurre in logica il molteplice significante. Nell'era digitale la tecnologia riorganizza infatti la percezione del reale facendo collidere sfera pubblica e privata, i confini del sé perdono di definizione e tendono a sublimare negli spazi della città e dell'arte. 12 Oscillanti tra concettuale e “pop”, i quadri oleografici hanno la particolarità di assumere colorazioni differenti a seconda dell'illuminazione e del punto di vista di chi guarda. La luce naturale, soprattutto se tenue, dipinge il pigmento con effetti caleidoscopici e regala all'icona una ricchezza cromatica sconvolgente nella sua prossimità al tridimensionale. Per Ponmany, profondamente influenzato dagli sviluppi intermediali (soprattutto di estrazione cinematografica) della Mumbai contemporanea, la tecnologia è dunque importante, ma solo se utilizzata ai fini di una sincera comprensione del mondo e della sua estetica. Il medium non è il messaggio: ne è strumento. «La grafica digitale è usata in tutto il mondo per modificare il materiale preparatorio o per forgiare una specifica identità visiva, com'è evidente nella serie Transit di Subodh Gupta. I miei dipinti si servono dell'applicazione tecnologica per rappresen- tare l'era post-laser e mettono in discussione le più comuni interpretazioni sull'ologramma» (Justin Ponmany, intervista rilasciata nel 05/2006). Ma l'opera di Ponmany è anche interazione. Basti pensare a Pledge 02, opera del 2008 ospitata nelle stanze di Palazzo Saluzzo Paesana durante la mostra Inside India. Il dipinto oleografico in tre pannelli scandaglia il confine che separa la pittura dall'espressione scultorea e coinvolge il visitatore in una relazione deittica forgiandone l'esperienza in senso dinamico. Storia umana e astrazione mediatica sono i temi che, a ruoli alterni, occupano il primo piano e lo sfondo delle rappresentazioni. Nella mutevolezza di tale rapporto vengono scandagliati i principali paradossi della post-modernità e le risposte preconfezionate cedono il posto al beneficio del dubbio. Intanto sulla tela il banale si carica di enfasi mitologica mentre la visione esperisce il proprio potenziale interpretativo. Che il viaggio chimerico abbia inizio. 13 Thukral & Tagra Sumir Tagra e Jiten Thukral, in arte Thukral & Tagra, ritraggono l'India del ventunesimo secolo interpretando i nuovi costumi e atteggiamenti che sono emersi a seguito dell'apertura economica verso il mercato straniero. La cultura indiana, profondamente influenzata dal fenomeno della globalizzazione, si trova infatti di fronte a un bivio che vede, da un lato, lo slancio internazionale verso il futuro e, per contro, una tutt’altro che residuale aderenza alle tradizioni. Thukral & Tagra Jiten Thukral 1976 Born in Jalandar, Panjab Sumir Tagra 1978 Born in New Delhi Estrosi ed esperti in grafica e design, i due artisti sentono l'esigenza di ridefinire il patrimonio culturale del paese facendosi portavoci di un'estetica produttiva e multiforme intrisa di storia, elementi pop e vita di strada. Essi guardano con pungente ironia alle contraddizioni della contemporaneità, ne individuano le più rilevanti implicazioni e le divulgano, infine, con la propria arte. Bersaglio per eccellenza è il “feticismo del marchio”, vero e proprio eidolon psicologico che induce il compratore a investire di eccezionale significato l'immagine di un'azienda e il suo appeal del “mai visto e mai provato”. Un particolare interesse è rivolto alla rappresentazione del Punjab e dei suoi rapporti con il consumismo. Oggi il cittadino indiano sta partecipando, per lo più inconsapevolmente, alla mitizzazione della merce occidentale, favorendo l'omologazione globale sia dal punto di vista estetico che semiotico. T & T si oppongono alla minaccia dell'alienazione, ma invece di tradurre il proprio biasimo in aspra denuncia o cupa amarezza scelgono di animare la riflessione sul consumo estremizzandone la logica e abbracciandola, in apparenza, in tutte le sue declinazioni. Il risultato è “Bosedk”, brand più unico che raro, frutto di un'eccentrica soluzione stilistica a metà tra l'inglese e il punjabi. “Bosedk Design” permette di sfruttare a pieno l'attitudine comunicativa di ciascun materiale e riassume l'ambizione che spinge T & T oltre i confini della pop-art, alla strenua ricerca di un ordine creativo altro, spiazzante, ma assolutamente genuino nella sua appartenenza a un futuro ancora in nuce. «Oramai tutto è pop art - spiega Tagra. - Dobbiamo trovare un nuovo codice per parlare al mondo. Questa è il nostra sfida per il futuro: cosa possiamo fare che non sia già stato fatto?» Le sperimentazioni di T & T accolgono una notevole varietà di forme espressive: dall'oggetto al dipinto, dalla grafica al colore. Tuttavia ogni produzione - anche la meno rappresentativa - porta con sé un'impronta caratteristica, rivelandosi metonimia preziosa di un lavoro dinamico ma coerente nel suo insieme. 14 Tra le installazioni più emblematiche e provocatorie si ricordino le bottiglie di salsa al cioccolato, disposte su bianchi scaffali con precisione warholiana durante la mostra Everyday Bosedk (Nature Morte, New Delhi, 2006). Ognuna di esse reca sull'etichetta il primo piano di un giovane ragazzo punjabi, abbastanza scuro da poter suggerire un'umoristica associazione tra carnagione e cioccolato, e buona parte di queste curiose sculture sono distribuite durante l'esibizione: a questo punto il visitatore non è più passivo, ma anche lui si trova a far parte del gioco. Mentre lo show si sovverte in performance egli afferra la bottiglia, la apre, la scopre vuota. «Il nostro marchio inventato cerca di dimostrare che - afferma Sumir, - è tutto così effimero; tu sei tentato di toccare, ma scopri che l'oggetto è vuoto in essenza e spirito. In fin dei conti non è nulla, proprio come l'acqua tonica Bosedk esposta nella nostra istallazione». Il brand di T & T non è pertanto un inno gratuito al prodotto mercificato ma, al contrario, un'esplorazione intensa di quest'ultimo volta a rivelarne la sostanziale pochezza, celata con l'inganno da perspicaci operazioni di design e packaging. Le dieci bottiglie dipinte a mano presenti nell'esibizione Inside India riprendono il medesimo concetto, mettendo in luce con tono esilarante il contrasto tipicamente tardo-moderno tra essere e apparire. La problematica del consumismo, ampiamente evocata attraverso la riproduzione artigianale dei più banali oggetti di consumo, trova un fertile terreno d'espressione anche in sculture più imponenti e scenografiche. Un esempio è 315 Sector 23, opera del 2008 installata al centro della “Sala Rossa”. Essa riproduce con precisione miniaturistica l'architettura post-moderna delle case dei “nuovi ricchi”, fieri rappresentanti della classe media indiana recentemente favorita dal boom economico. T & T esaltano il cattivo gusto che si palesa nell'ostentazione del benessere - metaforicamente rappresentato dalla presenza di bottiglie di liquore sui balconi dell'abitazione - e ridicolizzano il “Punjabi Baroque” trasformando le dimore di periferia in castelli fatiscenti galleggianti su nuvole di fiori. Ciononostante, la coppia creativa non demonizza la valorizzazione delle merci e crede con grande convinzione nelle potenzialità stilistiche di un modo nuovo e spiccatamente attuale di “fare branding”. Potenzialità stilistiche, ma anche morali, in quanto si tratta di isolare dal gran serraglio delle immagini pubblicitarie segmenti promozionali orientati a un lavoro utile, capace di attrarre un interesse concreto e lontano dai privilegi dei pochi. Il linguaggio di T & T conquista l'indiano e l'occidentale, il povero e il benestante, coinvolgendo le personalità più dissimili nel delizioso processo del “consumo intelligente”. Altro tema a cui i due artisti sono molto legati è quello della migrazione, ben indagato nello show Noveau Riche (Nature Morte, Berlin, 2009), sia nelle tele Dominus Aerius elegance che nei Morpheus Paintings. I soggetti di questi lavori sono giovani chiassosi dal fare presuntuoso che, speranzosi in un futuro di ricchezza e successo, lasciano l'India per inseguire il “sogno americano”. Tuttavia, in poco tempo, la maschera del bad boy cede e il “figlio di mamma” si dimostra incapace di sfuggire alla propria inettitudine. Converrebbe riderci sopra, ma Bollywood è ancora lontana. Oltre al consumismo e all'immigrazione, T & T hanno saputo approfondire questioni sociali di grande delicatezza e intimità, come per esempio l'AIDS e l'HIV, sempre cercando di conservare la leggerezza di fondo che caratterizza tutta la loro opera. L'interpretazione dei due artisti fugge dai catastrofismi, ed esorta alla pratica del sesso protetto con un invito fraterno e spiritoso: “Put it on”. Lo slogan dà il nome alla mostra del 2007, ospitata dalla sede newyorkese di Bose Pacia e ricca di lavori ad alto impatto visivo ed emozionale. Tra questi si distinguono imponenti dipinti dall'estetica vagamente murakamiana, al contempo minimalisti e barocchi. In particolare, essi celebrano il consumo del condom - ecco un chiaro esempio di “consumo intelligente” - con un'eleganza fuori dal comune, senza tuttavia rinunciare a un tenero e complice ammiccamento (Let's Play Safe, 2007). Narcisistica e “poco indiana”, l'arte di T & T occupa una posizione eccezionale nel panorama dell'India contemporanea. I loro dipinti, come le sculture e installazioni, abitano infatti una regione intermedia tra Punjab e Occidente, ed è nella poesia di questa “terra di mezzo” che si dispiega l'universo dei due piccoli omini su tela. T & T hanno davvero inventato qualcosa. 15 T V Santhosh L’arte di T V Santhosh, nei dipinti come nelle sculture, racconta in forme davvero inedite la straziante condizione umana di fronte alla violenza del mondo contemporaneo. “Guerra di Storia e Storia della Guerra” è stato il tema predominante della scorsa produzione dell’artista, secondo un’inquietante binomio che si ripropone talvolta anche negli ultimi lavori. T V Santhosh 1968 Born in Kerala Santhosh ci provoca e ci invita a riflettere sul come la minaccia della violenza non si esaurisca negli atti terroristici e nelle relative guerre di ritorsione che ormai connotano il nostro tempo, bensì in un più grande e indefinito clima di paura determinato non tanto dagli eventi reali quanto dal modo in cui questi sono raccontati dai canali istituzionali con l'impiego fuorviante dei media. Ogni giorno accadono nel mondo eventi tragici, ma la loro natura è costantemente enfatizzata, oltre che da drastiche misure di sicurezza applicate dai governi, anche e non secondariamente dall’insistente azione (dis)informativa volta alla spettacolarizzazione di un pericolo che pertanto diventa sempre più ossessionante. Reale, certamente, ma ancor più “percepito”, spesso fino a veri e propri stati di psicosi collettiva. A tal proposito l’artista ha affermato in una recente intervista: «Il mondo viene conosciuto attraverso lenti dipinte di notizie, le quali ci narrano con grande enfasi storie di innocenti massacrati e di esplosioni spettacolari, sputando parole d'odio e promuovendo propagande volte al nascondimento della verità. Quello di oggi è un mondo strano, esposto e manipolato. Un mondo in cui risulta impossibile riconoscere il vero nemico e dove il termine “terrorismo” denota ugualmente l'aggressore e il bersaglio». La maggior parte dei lavori di Santhosh si pone in modo problematico rispetto alla contemporaneità e invita a rispondere alla domanda: “Chi è il vero nemico?” (si pensi al dipinto Your Terrorist Our Freedom Fighter, 2004). L’osservatore non può non sentirsi interpellato, ma non è certo l’adesione a una posizione precostituita la giusta risposta alla provocazione dell’artista. Nel mondo globalizzato le diverse culture collidono e si surriscaldano - di riflesso ai mezzi di comunicazione - in una crescente entropia che nel momento in cui mescola linguaggi, religioni, modelli tradizionali e punti di vista fino a qualche decennio fa ancora profondamente autoreferenziali, tende ad attenuare le differenze tra lecito e illecito, verità e apparenza, giusto ed ingiusto, vittima e carnefice. Intanto il caos regna sovrano nella mente del cittadino mentre la minaccia dell’ignoto alimenta il motore della società dell’informazione. Di conseguenza Santhosh non utilizza la sua arte per esprimere un ipotetico credo politico o ideologico, ed egli stesso a più riprese ha voluto definirsi “a-politico”. Il suo obiettivo non è dunque militante ma decisamente critico e si risolve, per così dire, nella “scannerizzazione” il più possibile profonda delle contraddizioni attuali, intervenendo sulle tele con grande carattere e insoliti accostamenti. 16 Dal punto di vista stilistico i dipinti testimoniano, ancor più degli altri lavori, la notevole evoluzione dell'artista. Partendo dall'iperrealismo monocromatico dalle tenui tonalità giallo seppia egli ha infatti sperimentato le prime giustapposizioni tra verde e viola per poi giungere all'effetto psichedelico che contraddistingue tutta la sua ultima produzione. Qui i colori acidi raggiungono l'apice espressivo con la scelta dei rapporti tensivi tra verde, giallo e rosso al punto da dare, a chi guarda, l'impressione di assistere ad una pittura tanto performante quanto “infiammata” dalla violenza che essa stessa manifesta. L'accesso alle risorse globali - diventato molto più semplice negli anni '90 con Internet, la TV satellitare e la stampa internazionale - ha dato agli artisti indiani, specialmente se fotorealisti, un grande impulso creativo; le immagini che abitano le tele di Santhosh sono infatti estrapo- late da notiziari, giornali e siti web. Nei suoi lavori sono inoltre frequenti i riferimenti a narrazioni cinematografiche d’ispirazione tarkovskiana e a fotografie scientifiche, a volte fuse in un'unica creazione (si pensi a Metabolism Test, in cui un topo di laboratorio è inserito nel contesto evocativo del “Settimo sigillo” di Ingmar Bergman). Le vicende mediorientali sono assolutamente degne di nota nella produzione dell'artista. Nonostante gli avvenimenti nella Striscia di Gaza siano per lui temi di enorme interesse, Santhosh non si sofferma troppo sulle specificità del conflitto palestinese/israeliano e tenta di osservare i fatti con l'occhio di chi vede nella guerra una tragica ma “democratica” sofferenza. L'icona quindi non è scelta per il significato intrinseco che rappresenta, bensì per la capacità di farsi emblema e “trascendere” l'accadimento in quanto tale. Una volta selezionate, le immagini vengono elaborate al computer e rovesciate nella corrispettiva copia negativa. Il risultato finale è un interessante gioco visivo conferito dalla neutralità universalizzante dell’immagine polarizzata. «Dopo che l'immagine di un combattente nemico viene trasposta in negativo, la medesima icona diventa irriconoscibile all'istante. Ho notato che il capovolgimento cromatico della figura acquista così una sorta di neutralità, in grado di trasfigurare concetti specifici in qualcosa di più ampio e universale» (dal catalogo T V Santosh. Unresolved Stories, The Guild, 2004-2007). Le immagini polarizzate (o solarizzate) - già esplorate nelle loro possibilità estetiche da “mostri sacri” come Man Ray ed Andy Warhol - non sono qui meri espedienti formali, ma veri e propri filtri conoscitivi attraverso cui percepire il reale nella sua verità latente: un modo altro per vedere cosa si nasconde dietro la superficie dei tanti credi e ideologie. Solo attraverso il processo di “disvelamento” è possibile comprendere alla radice i meccanismi della finzione mediatica e della retorica politica, e l'opera di Santhosh ne incarna in tal senso l'esplicita denuncia. L’opera dell'artista conta alcuni dipinti su tela nei quali sono esibiti sia il positivo che il negativo di una singola immagine. Le copie, tra loro affiancate, non assumono necessariamente connotazioni opposte; esse sono infatti due dimensioni del medesimo stato d'essere e costringono l'osservatore a constatare l’ambiguità del reale, particolarmente iperbolica nell'era della globalizzazione. Santhosh intervista la storia, e lo fa con la freddezza che comporta un autentico processo di straniamento. Oriente e Occidente - proprio come le immagini polarizzate - sono ormai facce di una stessa medaglia, e schierarsi in difesa di presunte inalienabili identità sarebbe il modo migliore per cadere nel disordine psicologico. Rincorrere l’obiettività di uno sguardo disincantato diventa un imperativo morale, e la presa di distanza dagli eventi è l’unica arma utile a individuare e infine criminalizzare il patto diabolico tra comunicazione mediatica e terrore. Tale poetica è ripresa, se non addirittura ampliata, nelle installazioni scultoree. Acciaio, LED e ossa in fibra di vetro costituiscono l’universo tridimensionale di Santhosh. Si tratta principalmente di una ricostruzione metaforica delle conseguenze dei disastri bellici (esplosioni, crolli, morti), ma altrettanto importanti sono i richiami alle tradizioni. Se gli abitanti del Manipur (nord-est dell’India) sono soliti raccogliere le ossa dei loro cari per conservarne il ricordo, nel primo periodo cristiano le ossa dei santi venivano conservate presso le fondamenta delle Chiese. Dopo la guerra, dopo ogni guerra - dolore, sepoltura, memoria dei vivi - quei led, nella proiezione artistica di Santhosh, si traducono nel rinvio trasfigurato a quelle assenze, a quel silenzio, a quelle morti. Ed è proprio la cifra di quest’opera, tanto urgente quanto necessaria, a risolversi, per noi, nel tòpos artistico di una sottile interrogazione. 17 For the english version see pages 62>69 Palazzo Saluzzo Paesana, l’Appartamento Padronale Capolavoro di Gian Giacomo Plantery, Palazzo Saluzzo Paesana è stato definito “l’esempio più ampio e complesso di edificio nobiliare settecentesco”. Delimitato da quattro vie e confinante con una piazza, il palazzo ha il fronte principale non su Via Garibaldi, antico decumano (uno degli assi principali della città) della Augusta Taurinorum, ma sulla perpendicolare, via della Consolata, corrispondente alla cinta muraria dell’accampamento romano. Le facciate presentano grandi differenze. Alle due facciate principali, ricche di stucchi e cornici, maschere e fregi, fanno da contrappunto quelle sulla piazza: nude, prive di ornamenti e severe, quasi a segnalare la natura della via, che andava a chiudere sugli juvarriani Quartieri Militari. Attraverso il portone si può ammirare la prospettiva scenografica interna della costruzione. La complessa successione di ambienti prevede due ingressi principali che immettono ognuno in un vasto androne coperto, seguito da un portico che presenta ai lati lo scalone principale e una scala secondaria che conduce ai piani alti. Il palazzo, strutturato in origine su due atri, è caratterizzato da un grande cortile d’onore arricchito da un doppio loggiato su due fronti contrapposti che dilatano lo spazio, facendolo apparire più ampio e capiente di quanto non sia realmente. Esemplari sono gli sviluppi originali delle volte “planteriane”, che permettono la copertura di ampi spazi con volte a vela lunettate senza sostegni intermedi. Le forme della volta conciliano le esigenze dell’estetica classica con le caratteristiche di solidità e rappresentatività. La superficie della volta viene percepita dall’osservatore come più superfici indipendenti che si spezzano, si compongono e si complicano. Salendo lo scalone dell’atrio principale del palazzo e percorrendo il loggiato, dal quale si coglie l’armoniosa scenografia del cortile d’onore, si raggiunge il portale d’ingresso adorno di stucchi, preziosi per sobrietà e eleganza. Dalla porta si accede, tramite un vestibolo, all’atrio, imponente nelle sue proporzioni (50 mq2 7,40 m di altezza), nodo di distribuzione verso il resto dell’appartamento, decorato dall’affresco a tutta volta ispirato al “giudizio di Paride” e dal grande pavimento in seminato a disegni policromi. Da un primo spazio con quattro salette si giunge ad una delle ampie sale dalle dimensioni originarie. Finemente decorata la volta con al centro un grande affresco arricchito da “grisailles” e busti (celebranti la famiglia Saluzzo di Paesana). 18 La grande ed importante sala d’angolo, detta “Sala rossa” o “Camera di Parata”, che ha tuttora conservato l’aspetto originario, è la più ricca per arredo e decorazione conservati: specchiere, camino, angoliere intarsiate, porte e sovrapporte dorate. Un parato di damasco cremisi, guarnito da una frangia di seta “color aurora” copre le pareti e riveste le tre porte ricamate “di piccol Gallone d’oro falso”. Le sovrapporte, intagliate e dorate, racchiudono i dipinti di Domenico Guidobono. La sala seguente, di minori dimensioni, è arricchita da arredi con dorature, consolles, ed ha copertura a cassettoni ottagonali in gesso del primo Novecento, decorati con motivi a piccole volute. Da questa sala si accede a due sale gemelle, anch’esse affrescate, e da queste, tramite un corridoio, ad una sala che si affaccia sul cortile d’onore. Da una sala di disimpegno si sono ricavate due parti, una corridoio di collegamento tra atrio e locali, l’altra articolata su diversi spazi di eventi e relazione, arredati con materiali ed elementi tradizionali, adatti alla qualità ed ai criteri dell’insieme. Palazzo Saluzzo Paesana, the Master Apartment Turin is well known for his royal residences positioned along the perimeter of the city, as well as for the baroque and free-style buildings located in its historical center. Masterpiece of Gian Giacomo Plantery, Palazzo Saluzzo Paesana has been defined as "the vastest and most complex example of a XVIII Century noble building". Delimited by four roads and close to a square, the Palazzo's main entrance is not located on Via Garibaldi, one of the main avenues of ancient Turin, but on the perpendicular road, Via della Consolata, which runs along the former Roman city walls. The main facades, rich in ornaments, are opposed to the external walls facing the Piazza: not decorated, severe and sober, in line with the historical nature of the Via, which once ended at the Military Headquarters from Juvarra. Through the main door of the Palazzo it is possible to admire the scenographic perspective of the internal courtyard. The complex sequence of spaces was based on two main entrances, each one leading to a vast covered atrium, followed by a porch connected on both sides with the main stairway and with another set of stairs, leading to the upper floors. The Palazzo, originally structured on two atria, is characterized by a massive noble courtyard enriched by two opposite loggias that amplify the spaces percieved by the visitor, making it appear even bigger. The hall is covered by a typical "Planteriana" vaulting resting upon the perimetral structures only, architectural solution that allowed the realization of very wide rooms, a perfect compromise between aesthetic and solidity. Walking up the noble stairway of the main entrance of the Palazzo and going along the loggia, which offers an astonishing view of the inner courtyard, the visitor will reach the entrance of the Apartment, decorated with precious and elegant details. The door gives access through a vestibule to the atrium, characterized by massive dimensions (50 square meters * 7,40 m height), strategically connected with all other rooms of the apartment and decorated with a fresco inspired by the "Judgment of Paris" as well as with a coloured mosaic floor. A first space composed by four smaller rooms (which can serve as operational offices) leads to the first salon, which preserves the original dimensions. The vaulting is finely decorated with a big fresco at its center, enriched by “grisailles” and statues celebrating the Saluzzo Paesana family. The big and important corner salon, also called “Sala rossa” (Red Salon) or “Camera di Parata”, which still preserves the original aspect, maintains the richest collection of original ornaments and furniture: mirrors, fireplace, hand-crafted consoles, golden doors and door panels. A precious dark red fabric decorated with silk elements covers all walls and the three golden-plated doors. The golden door panels, also crafted in wood, frame three paintings of Domenico Guidobono: St. Thomas Apostolus, St. Joseph with Child, St. Anna and the Virgin, whereas the ceiling fresco, also realized by Guidobono, pictures the “Sacrifice of Isaac”. The vaulting fresco captures the visitor's eye with a light and shadow effect, repeated in the trompe-l'oeil situated in the corners of the vaulting. The following salon, smaller in dimensions, is enriched by golden furniture and consoles and is covered by a finely decorated plaster coffered ceiling from the beginning of the XIX Century. This salon gives access to two further, smaller frescoed rooms as well as, through a corridor, to a bigger room facing the inner courtyard. An additional section of the apartment, connecting the atrium with the other main rooms, serves as functional space for managing the event logistics and is furnished with traditional materials and elements, which blend seamlessly in the historical context of the location. A JOURNEY THROUGH CONTEM PORARY INDIAN ART WORKS Atul Dodiya Hammer Head, 2010 Lega per saldature, olio, magneti museali su lamiera di ferro ossidata con supporti in acciato fresato Auto-body solder, oil and museum magnets on oxidized milled steel with two milled steel stands Dipinto: 183 x 122 x 5 cm / Painting: 72 x 48 x 2 inches Supporti: 25 x 13 x 31 cm ciascuno / Stands: 10 x 5 x 12 inches each 22 Atul Dodiya Babel, 2010 Lega per saldature, olio, foglia d'oro, magneti museali su lamiera di ferro ossidata con supporti in acciato fresato Auto-body solder, oil, gold leaf and museum magnets on oxidized milled steel with two milled steel stands Dipinto: 198 x 137 x 5 cm / Painting: 78 x 54 x 2 inches Supporti: 25 x 13 x 31 cm ciascuno / Stands: 10 x 5 x 12 inches each 24 Atul Dodiya The Robe (Drying), 2010 Lega per saldature, olio, foglia d'oro, magneti museali su lamiera di ferro ossidata con supporti in acciato fresato Auto-body solder, oil, gold leaf and museum magnets on oxidized milled steel with two milled steel stands Dipinto: 214 x 152 x 5cm / Painting: 84 x 60 x 2 inches Supporti: 25 x 13 x 31cm ciascuno / Stands: 10x5x12 inches each 26 Atul Dodiya 28 Tsunami, 2010 Lega per saldature, olio, foglia d'oro, magneti museali su lamiera di ferro ossidata con supporti in acciato fresato Auto-body solder, oil, gold leaf and museum magnets on oxidized milled steel with two milled steel stands Dipinto: 214 x 152 x 5 cm / Painting: 84 x 60 x 2 inches Supporti: 25 x 13 x 31 cm ciascuno / Stands: 10 x 5 x 12 inches each Atul Dodiya If mountains shiver in the cold, 2010 Ferro ossidato, olio, lega per saldature, specchio, fibra di vetro con acquerello e carboncino su carta Oxidized milled steel, oil, auto body solder, mirror, fiberglass with watercolor and charcoal on paper 260 x 122 x 107 cm / 102 x 48 x 42 inches 30 Atul Dodiya The wind sleeps, 2010 Ferro ossidato, olio, lega per saldature, specchio, fibra di vetro con acquerello e carboncino su carta Oxidized milled steel, oil, auto –body solder, mirror, fiberglass with watercolor and charcoal on paper 260 x 137 x 107 cm / 102 x 54 x 42 inches 32 Riyas Komu Safe to Light, 2010 Legno riciclato e ferro Recycled wood and metal 132 x 66 x 94 cm / 52 x 26 x 37 inches 34 Riyas Komu Middle Mind Set, DESERT, 2008 Legno riciclato e vernice per auto Recycled wood and automotive paint 213 x 213 cm / 84 x 84 inches 36 Jagannath Panda The Embryonic Space, 2010 Acrilico, tessuto e colla su tela Acrylic, fabric and glue on canvas 305 x 229 cm / 120 x 90 inches 40 Jagannath Panda Cult of Survival, 2010 Tubo di plastica, vernice per auto, fibra di vetro, resina, fiori di plastica, acrilico, tessuto Plastic pipe, auto paint, fiberglass, rexine, plastic flowers, acrylic paint, fabric 63 x 190 x 145 cm / 25 x 75 x 57 inches 42 Jagannath Panda Untitled, 2010 Acrilico, tessuto e colla su tela Acrylic, fabric and glue on canvas 51 x 102 cm / 20 x 40 inches 44 Jagannath Panda Echoes of Intensity, 2010 Acrilico, tessuto e colla su tela Acrylic, fabric and glue on canvas 198 x 229 cm / 78 x 90 inches 46 Justin Ponmany Kundali, 2008 Acrilico e pigmento olografico su tela in due pannelli Acrylic and holographic pigment on canvas in two parts 190 x 325 cm / 75 x 128 inches 48 Thukral & Tagra Phantoms @XI B-4, 2010 Acrilico e olio su tela Acrylic and oil on canvas 274 x 183 cm / 108 x 72 inches 52 Thukral & Tagra 315 Sector 23, 2008 Tecnica mista Mixed media 156 x 105 x 105 cm / 61 x 41 x 41 inches 54 T V Santhosh Living in a wound, 2008 Vetroresina, ferro e pannello di LED Fibreglass, metal and LED panel 216 x 45 x 49 cm / 85 x 18 x 19 inches Supporto: 92 x 69 x 55 cm / Stool: 36 x 27 x 22 inches 56 57 T V Santhosh Endless Chain of Revenges, 2010 Olio su tela Oil on canvas 122 x 183 cm / 48 x 72 inches 58 T V Santhosh Endless Chain of Revenges II, 2010 Olio su tela Oil on canvas 122 x 183 cm / 48 x 72 inches 60 Atul Dodiya In the intense atmosphere of the 1980s, Atul Dodiya began his career in the context of experimental realism. Particularly inspired by the works of Sigmar Polke and David Salle, he looks for the objective components of what exists, probing the aesthetic and gnoseological possibilities of photorealism. Toward the middle of the 1990s he integrates his previous studies with a series of new, diversified influences. The result is an original, more mature language, dense in cultural references and intertwinings, in a very timely hybrid approach. Drawing on pre-Renaissance and postmodern sources, classical art and kitsch, the new contents of Dodiya’s works abandon the sterility of their boundaries to encounter, as in a puzzle, their complementary opposites. The result is a sort of cultural patchwork, multifaceted yet coherent in its overall expression, taking form in a logical system where the roots of history coexist with the forms of the present and, in many ways, contribute to shape them. 62 The paintings and installations, laden with references to literature and film, usually contain fragments of occidental history along with elements of Indian mythology and folklore. The foremost objective of the crossing of artistic languages is to generate a grand, revolutionary aesthetic, where East and West can finally achieve a constructive assimilation. Speaking of his versatility, Dodiya says: «India is such a vast country; it has such vast and diverse cultures coexisting and great sources from which to draw inspiration: from mythology to epics to folklore to cinema. I was born and brought up in Bombay, and the city’s incredible diversity has been a major influence on me. And always as a student, I was interested in Western art. We were taught mostly in Western art, so the great paintings of Europe and the United States have influenced me immensely. In my early works, I was really influenced by Robert Rauschenberg and Jasper Johns. And I've been equally moved by Picasso and Matisse». Yet in certain works he does not simply suggest the artistic contaminations that are a part of his background; he also stages an unabashed confrontation between the art of the historical masters and his own, personal, contemporary reinterpretation. Just consider Cracks in Mondrian (Bose Pacia Gallery, New York, 2005), a work in which the artist interacts with the neo-plasticism of Mondrian, reworking its characteristic motifs with an eye on the “here and now”. Every canvas contains a vivid red mark – a stylized representation of a state of India – and is decorated with marble dust and acrylics. The combination of the two materials is chosen not only to re-create the grids of Mondrian, but also to simulate the “cracked effect” visible in most of Mondrian’s works today. The cracks, nevertheless, are also a metaphorical alternative for the dismantling of the hopes of abstraction, a cry of protest against the rotting of the pipes – this is why the canvas is supported by a mysterious white tube – and the decrepit buildings of many Indian neighborhoods. It is time to say goodbye to the universalism of Mondrian. Dodiya’s experiments are many, both in stylistic and material terms, and he has an endless curiosity for the new. In his works, the artist often addresses themes of a historical-political nature, intertwining global and intimate events in a single conceptual order. An emblematic example is the work on the revered figure of Mahatma Gandhi, whose popular reputation was tarnished by the acts of violence that began after the Partition of India, where national borders were drawn according to religious majorities. With the series of watercolors An Artist of Nonviolence (Gallery Chemould, Mumbai, 1999), Dodiya attempts to restore the dignity of the great father of modern India, retracing his biography and the values he pursued: «I feel that it is not just India that is in need of Gandhi, but everywhere. There is so much hate, so much intolerance, the terrorism and killings, and Gandhi's philosophy of nonviolence is very relevant today» (interview with Atul Dodiya, 9 October 2006). In spite of the hybrid nature and many facets of its message, the art of Dodiya is deeply rooted in a sort of “native ethos” that reflects childhood memories, concerns of a local nature, in an unflagging relationship with tradition. A relatively recent creation is Antler’s Anthology (2007). Shown in the prestigious Fridericianum during Documenta 12, the work includes a series of poems in the Gujarati language. The texts, enhanced at times by evocative decorations – mostly images of everyday life in ancient and contemporary India – are done in watercolors, charcoal and marble dust on paper, to outline an expressive, rich connection between “before” and “after”. The use of watercolors, inherited from England and widely used in the traditions of China and Japan, marks another creative phase in the stylistic evolution of Dodiya. Once again, he absorbs the potential of a technique distant from his own culture and applies it to address deeply personal themes. In the “Sala” of the main apartment, the exhibition Inside India features four milled steel canvases. These intriguing steel sculptures, at first glance, do indeed resemble the back of a canvas; stretchers and staples are visible, as if the sheet metal had been attached to a wooden frame. The images take form in a mixture between the alloy normally used for welding auto bodywork and the material used to repair its dents and scratches: everything is then fixed with a thin coat of oil. The oxidation process protects the sheet from rust and gives the steel an evocative gray, metallic tone. The main image is enhanced by small colored magnets purchased by the artist himself in European and American museums; they show some of the most important icons of art history, putting equal emphasis on the oriental and occidental traditions. Though the overall effect has something melancholy about it, the bright glow of the magnets contrasts the monochrome steel, making the atmosphere lighter and more seductive: «it floats – the artist says like a fire flying in the darkness of the night». The figures/female bodies are like x-rays, revealing their painful existence and struggle for survival in a time when violence is so prominent, not only in India but everywhere. Dodiya has used the image of a wellknown work Elegy to the Spanish Republic series by the American artist Robert Motherwell. In The Robe (Drying), two Elegy images are shown like wet clothes hanging on a line above the nude female figure who is holding a chakki (a hand mill). Do these drying garments belong to this skeletal figure? Once they are dry, will she wear them? The colorful magnets with images of Leonardo, Van Gogh, George Washington, Rodin’s Thinker, etc., are sitting like birds on the line, or holding the cloth like clothespins. History and past coexist in the present. In Tsunami probably the same female figure is seen, holding an egg and sitting on a golden egg. On the egg she holds a baby, also seated. She has to balance without breaking, or falling like an acrobat. The whole act becomes quite difficult considering the whirlpool-like form, another Motherwell image, turned into a Tsunami, hovering above her. On the engraved title Tsunami there is a magnet, an image of a painting by the 18th-century French female artist Marie-Gullemine Banoist, Portrait of Black Woman. Babel is a gold tower of heads. An image of Giacometti's Man Walking leaves the leaning tower behind. He bears a fallen hammer on his back. His dignified walk reflects integrity. Nothing will change his walk. Each head is labeled with an artist’s name. Various voices! These heads are also a kind of self-portrait for Dodiya (like the work Hammer Head). He tries to do many different things simultaneously, he may at times get baffled himself, but what keeps him going is the great art of the past. Julius Caesar is watching the drama from the upper corner! Also inside the “Sala” there are two sculptures of a particularly forceful character: the gallows. In If mountains shiver in the cold and The wind sleeps Dodiya sets out to address the ultimate freedom man has. The gallows generally represents death, punishment and fear. But he finds the form esthetically beautiful, like the text attached to the pole, that can be read but is also a painting (watercolor and charcoal on paper). Viewers are confronted, seeing their own reflection in the attached mirror as they observe/read. Questions about life, existence and fear of death fade when the gallows is observed not as an object of fear but as an aesthetic artifact. A work of art has the power to elevate man. The verse used in the gallows works are by Allama Prabhu, a 12th-century mystic-saint and Vachana poet of the Kannada language from southern India. The poem is from the classic 'Speaking of Siva' translated and edited by late A.K. Ramanujan. A wager with art and history, on the part of Atul Dodiya. A courageous dare, especially when cultivated in the routine of everyday life. He explains his condition as an artist in these terms: «Although I'm very traditional and conventional in my normal routine, I feel that the studio is my kingdom, and in the space in which I am painting, the canvas or the paper, I have the freedom to do what I want». First, freedom. The necessary condition for art. All the descriptions of the works by Atul Dodiya shown in Inside India are fully based on the artist’s contributions. 63 Riyas Komu On the Indian contemporary scene, especially Mumbai, it is seldom possible to identify a clear political perspective in artistic output. Riyas Komu, on the other hand, stands out from the trend of “impartial” observation, and expresses a clear position on very delicate issues like violence, social instability, international diplomacy, urban alienation. A Marxist Muslim and strenuous champion of the ideals of Gandhi, the artist narrates his own life and the world, in a continuous interlocking of biography and history. Raised in Kerala, the land of the “green days”, steeped in leftist values, Komu left his native city in the 1990s to move to Mumbai. Here his mentality inevitably ran up against the risk of pogrom and the advent of right-wing Hindu nationalism. His Muslim faith was no longer just a question of belief, but became a traumatic state of being, a deep issue of identity. Komu found himself at a crossroads: on the one hand, the growing social tension in Mumbai, on the other the pressure of radical Islam, which induced many people from Kerala to embrace jihadist fundamentalism. 64 The events of 11 September and the anti-Muslim revolt in Gujarat led to further concerns for the artist, who learned to find, in the affliction of “posthumous mourning”, the energy to reconnect with the lost childhood of family and play. Komu loves sports. Especially soccer, which he sees as one of the most complete and humanly stimulating activities. This love even led him to change cities, to move to Borivali. He explains: «I see soccer as a complete game and I am in love with the history of the game. The ability and efficiency of this game has always survived pretensions. It’s a game I played the most as a child with all the boys of my village. We would wait for the harvest to be over so that we could play football in the rice fields back home». Later, after completing his studies, Komu began to penetrate the political dimension of soccer, an important starting point for new stimuli and considerations that led him, in 2007, to create exhibitions of great impact and originality like the photographic series Mark Him (The Guild, Mumbai). But the output on the theme of soccer reaches its point of greatest eloquence in sculpture. Just consider Left Legs VI - VII (2008), the Tribute to a Footballer (2010) and the very recent exhibition Subrato Caesar (Gallery Maskara, Mumbai, 2010), containing a striking installation of glass and metal with soccer balls arranged in a sequence. “The time has come to understand”, the artist continues, “what the World Cup can give to India and its history.” In spite of his faith in the civil and cultural potential of the message of sports, a sort of realistic pessimism pervades all of Komu’s work, easily sensed in the constant symbolic reference to death (Undertakers, 2007) and to the spiritual decadence of the contemporary era. Sculptures, photographs and paintings, filled with a profoundly humane, ontological meaning, display the consequences of urbanization, of media distortion and the mingling of religious and state institutions, in a revealing path where the form embodies the substance, separating from it and, finally it, passing judgment on it. The artist’s critique is not only aimed at the contradictions of post-modern India, but widens to include the West, Iran and China as well. The latter, prior to its bureaucratic and authoritarian degenerations, long represented the “great dream” of the inhabitants of Kerala, and this is why Komu has addressed its issues in a significant portion of his work (one example will suffice: Why should everyone look like Mao, 2007). From the homeless to the disinherited, the outcast to the soccer player, the protagonists of the paintings are often gathered from the visual repertoire of the mass media. Intimate heroes and victims of history. The theme of immigration, a major concern of the artist, is seen in a considerable portion of his works on canvas. Komu has had firsthand experience of the drama of uprooting, and makes use of portraiture to perform a “head count” of those, like him, who have undergone the condition of being “underprivileged”. The seven portraits of Systematic Citizens (Palette Art Gallery, New Delhi, 2006) are perhaps the most representative works, in this sense, bringing out the existential anguish that lies behind the expectations of the peasant immigrant. In recent years Komu has reworked portraiture through cinema, photography and painting, but without betraying the maniacal pursuit of truth that is the earmark of his work. This realism is also seen in the wooden sculptures. Highly influenced by the great Indian decorative tradition, they stigmatize the values of the great ideologies of the 20th century, revealing their effective inconsistencies. The crafting of the wood – a passion inherited from his father, during childhood – is therefore not just an aesthetic expedient, but also a true expressive strategy, practiced with care to reveal the loss of traditions caused by the spread of economic globalization. The poetics of Komu is closely connected to historical dynamics and, more generally, to contemporary events. Knowledge of what is happening in the world is fundamental to produce conscious art, just as it is not possible to approach the present without reflecting on the past. In an interview with Ullekh N.P, Komu says: «I watch international developments and constantly feed and update myself on news so that I am mature enough to make my existence invulnerable. Which means I am always ready for the occasion… I won’t be surprised if the modern-day Huns arrive at my doorstep tomorrow. See, it’s very important to be aware of your surroundings when you are making objects, because you make them with the expectation that they will live for a longer period. And I don’t like misinterpreting things out of ignorance or lack of awareness, whichever way you look at it». In 2007 Riyas Komu was the youngest Indian artist ever to show work at the Venice Biennial, where he met with wide-ranging acclaim. But this success has not extinguished the “sacred flame” in the artist, nor has it altered the ethical value of his “obsessions”. Jagannath Panda Panda’s works force us, with their chromatic refinement, to “look around us”. To appreciate the meaning of his works, one must abandon a solipsistic perspective in favour of a synaesthetic way of observing, where “the otherthan-self” is the true protagonist. In this sense, the perception of life probes to be possible, as well as the nature in its intrinsic holiness and beauty. Nevertheless, Panda’s art is never a matter of mere aesthetic suggestion. Stimulated by an ancient, pale memory, the gaze of the artist explores the dream dimension of that memory, but only to bring the most concrete, everyday reality back to life. The urban scene is evoked and emphasized, at times, through a surreal game between the intangible and the detail. The apparently ordinary character of the things represented gradually takes on a more intense and, in many ways, new meaning. Animals are often seen in Panda’s paintings and sculptures. They are never simply seen as such, but as part of a hierarchy, both within their ranks and with respect to human beings. The dog is man’s best friend, the toad is easy to hate, and so on… Beyond the aspect of coexistence of different species, the work explores the paradoxical tendency of man to attribute “human” meanings to animal behavior; old myths and legends, strong presences in the religious background of the artist, are the best evidence of this tendency. In Panda’s works mythical beasts inhabit the urban context of modern India, visiting its spaces and perceiving their smells (Untitled, 2010). They are exiled from their natural environment and undergo the same trauma the artist experienced after moving away from Orissa, his hometown. Just as the deer dreams of returning to green valleys (Echoes of Intensity, 2010), Panda thinks back on his roots and constantly senses the almost profane tension that comes from the encounter between nature and metropolis, tradition and innovation, past and present. This is undoubtedly a contradictory encounter, but it can offer clarification if it is reinterpreted in the light of a new awareness. On a purely stylistic plane, it is also possible to glimpse a persistent dialectic between two opposite dimensions; in the canvases, the classical elements of Indian folklore interact with reminders of Western minimalism. Childhood and adulthood advance together in the painting, like the paint with the cloth; all the magic of an art that is evanescent but also very revealing lies in this combination. The animals, immersed in the drama of urban reality, experience an existential imbalance that makes them resemble “ghosts”, or even “revenants”, the dead who return to life. The natural instinct loses its meaning as the threat of tragedy looms over the asphalt cities. Inspired by lucid disenchantment and the sepulchral worship of certain Indian ritual practices – that in many ways resemble ancient Egyptian culture – Panda decides to dress up the victims of modernity in an elegant brocade, celebrating their redemption, beyond life (Cult of Survival, 2010). The artist forcefully critiques the phenomenon of urbanization and its consequences. When he left Orissa, the place of his faith and his childhood, Panda had a firsthand experience of the alienating condition of the immigrant. In his trips in Europe he often encounters places and landscapes contaminated by human action; here, the sacred quality 65 66 of nature is replaced by sterile constructions, and water, an element treated with great “respect” in India, is used to fill the swimming pools of those in charge of the “hierarchy” the contemporary economy (Water-05, 2005). The Western countries are the most typical representatives of the way of life based on consumption and progress. Blind faith in the possibilities of the latter has led to the alarming dominance of technology over nature. Yet the intentions of urbanized man are not evil. He dreams of a better life for himself and his family, and the ambition that drives him to build walls, houses and buildings is genuine: grand “prisons” for the soul, as Panda expresses it. The impossibility of finding true realization in the habitat he has created forces man to suffer both physical and psychological pain: in this situation, the first questions come to light. Is there a way out of the vicious circle? Another “possible world”? The artist does not answer, but helps us to reflect. With a simultaneously nostalgic and ironic gaze, he photographs the present context from multiple vantage points, engaging the viewer in a problematic dimension that is fascinating precisely because of the issues it raises. Animals and everyday objects, painted with pale colors, invade the world of Panda with vibrant, picturesque energy, while enigmatic symbols suspended between history and myth reveal themselves to be tools for a deeper understanding of the existing world. All that is left, for man, is the moral duty to investigate the consequences of utopias and actions. Justin Ponmany The works of Justin Ponmany reflect, with eclectic minimalism, the rapid social transformation that has impacted India in recent years, especially in Mumbai. The Indian capital of the economy and entertainment is going through radical processes of modernization, and many zones of the city contain luxurious shopping centers: small “theaters”, offspring of the West. In Ponmany’s works the rigor of digital photography, more than painting, conveys meditations on the future of India in the globalization. Relying on the concept of “plastic memory”, he explores the uncertain condition of the individual, confined to an intimate dimension to escape metropolitan promiscuity. He sees the abandoning of traditions as the main cause of local decline. Cultural heritage is at risk in the pact with “progress”, and it is this loss caused by those incapable of long-term foresight that forms the context for the artist’s critique of the sterile utopia of the “boom”. Nevertheless, the only plausible reaction is not to be found in the facts, but in a deeper and more radical change of mentality. More elastic and “not biodegradable” (as in the title of the exhibition Non-biodegradable Memory, Sakshi Gallery, Mumbai, 2004), the memory of each individual should not censor the present, but reconsider it in the light of the past and the values of one’s own land. An ambitious reaction, because it is expressed and urged through the immediacy of figurative art. As with photography, in sculpture and video installations Ponmany uses oleographs to capture the essence of the contemporary world; the ancient practice of painting meets modern techniques of graphic reproduction, establishing a linear contact between “before” and “after”, also in concrete artistic experimentation. The works mainly narrate the story of people and places that have been set aside in the name of urbanization and a Darwinistic conception of survival. Statues, bodies, animals and everyday objects float on the surfaces, wrapped in text fragments (Admit One, 2006) or geometric settings (Staple Agony II, Plastic Memory, 2006), in a suspended atmosphere that assigns the gaze of the observer the task of translation of multiple signifiers into logic. In the digital era, technology reorganizes perception of the real, making the public and private spheres collide. The confines of the self lose their definition and tend to be sublimated in the spaces of the city and art. Wavering between conceptual and “pop”, oleographic paintings take on different colors, depending on the lighting and the vantage point of the viewer. Natural light, especially when dim, triggers kaleidoscopic effects, giving the image an amazing chromatic richness, approaching a 3D effect. For Ponmany, deeply influenced by inter-media development (especially related to film) of contemporary Mumbai, then, technology is important, but only if it is used for the purpose of a sincere understanding of the world and its aesthetics. The medium is not the message: it is the tool. «Computer graphics is used worldwide to edit preparatory material or forge a specific visual identity, as is evident in Subodh Gupta's Transit series. My own paintings use paint technology to represent a post-laser era, to undermine and question popular associations of holograms» (Justin Ponmany, interview, 05/2006). Thukral & Tagra But the work of Ponmany is also interaction. Just consider Pledge 02, the work from 2008 hosted at Palazzo Saluzzo Paesana during the exhibition Inside India. The three oleographic panels fathom the border which separates the painting from sculptural expression and engage the visitor in a deietic relationship, shaping his experience in a dynamic way. Sumir Tagra and Jiten Thukral, who go by the name Thukral & Tagra, portray the India of the 21st century, interpreting its new lifestyles and attitudes, that have emerged following economic opening to foreign markets. Indian culture, profoundly influenced by the phenomenon of globalization, is faced by a crossroads between the international thrust toward the future and a far from residual rapport with traditions. Full of verve, expert in graphics and design, the two artists feel the need to redefine the cultural heritage of their country, acting as the spokespersons for a productive, multi-form aesthetic steeped in history, pop elements and street life. They observe the contradictions of the contemporary world with pungent irony, identifying relevant implications and divulging them, finally, through their art. Their favorite target is “brand fetishism”, a true psychological eidolon that induces buyers to attribute exceptional meaning to the image of a company and its appeal of the “never seen and never experienced before”. One particular focus is the representation of the Punjab and its relationships with the cult of consumption. Today’s Indian citizens are participating, often unconsciously, in the myth-making of occidental goods, favoring global standardization in both aesthetic and semiotic terms. T & T oppose the threat of alienation, but instead of translating their critique into bitter accusation or gloomy ire, they choose to enliven their reflections on consumption by taking its logic to extremes, apparently embracing all its various facets. The result is “Bosedk”, a unique brand, an Human history and media abstraction are the themes that, alternating, occupy the foreground and the background of the depictions. Inside this mutable relationship, the main paradoxes of the postmodern condition are explored, and pre-set answers fade, replaced by beneficial doubt. On the canvas, the banal takes on mythological emphasis, while sight realizes its potential for interpretation. Let the chimerical voyage begin. eccentric stylistic solution, halfway between English and Punjabi. Bosedk Design permits full exploitation of the communicative aptitude of each material, and sums up the ambition that pushes T & T beyond the confines of Pop Art, in hot pursuit of an “other” creative order, disorienting but absolutely genuine in its belonging to a future still to be revealed. «Everything is pop art now Tagra explains - We have to find a new word for us. That's our challenge for the future: What can we do that hasn't been done before?» The experiments of T & T include a remarkable range of expressive forms: from the object to the painting, graphics to color. Nevertheless, each production – even the least representative – has its own characteristic features, showing itself as a precious metonym of a dynamic but extremely coherent body of work. Among the most emblematic and provocative installations, we should mention the bottles of chocolate sauce arranged with Warhol-like precision on shelves during the exhibition Everyday Bosedk (Nature Morte, New Delhi, 2006). Each bottle bears, on its label, the close-up of a Punjabi youth, dark enough to suggest a humorous association between complexion and chocolate. Most of these curious sculptures were distributed to visitors during the exhibition: at this point the visitor is no longer passive, and becomes a part of the game. As the exhibition turns into a performance, the visitor takes the bottle, and discovers it is empty. «Our fake brand reflects that - Sumir says. - It's so fancy. You're tempted to touch it, but it's empty in essence and spirit, in the end it's nothing - just like the Bosedk tonics in our installation». The brand of T & T, then, is not a gratuitous hymn to merchandise, but instead an intense exploration of it, aimed at revealing its lack of 67 68 substance, concealed behind the deception of skillful operations of design and packaging. The ten hand-painted bottles shown in the exhibition Inside India return to this same concept, revealing the typically late-modern contrast between being and appearing in an exhilarating way. The issue of consumption widely evoked through crafted reproduction of the most banal consumer objects meets with fertile ground for expression in the more imposing, theatrical sculptures. One example is 315 Sector 23, a work from 2008 installed at the center of the “Red Salon”. It reproduces, with miniaturist precision, the postmodern architecture of the homes of the “new rich”, proud representatives of the Indian middle class recently boosted by the economic boom. T & T bring out the bad taste of this ostentation of wellbeing – metaphorically represented by the presence of liquor bottles on the balconies of the houses – and poke fun at the “Punjabi Baroque”, transforming suburban dwellings into crumbling castles floating on clouds of flowers. Nevertheless, this creative duo does not demonize the appreciation of merchandise, and believes strongly in the stylistic potential of a new, very timely way of doing “branding”. Stylistic potential, but also moral potential, because the idea is to isolate, from the great range of advertising images, promotional segments oriented toward a useful work, capable of attracting concrete interest, far from the privileges of the few. The language of T & T conquers the Indian and the Occidental, the poor and the rich, involving very different personalities in the delightful process of “intelligent consumption”. Another theme of interest for the artists is that of migration, explored in the show Nouveau Riche (Nature Morte, Berlin, 2009), by the paintings Dominus Aerius elegance or the Morpheus Paintings. The subjects of these works are young rowdies with a presumptuous air, encouraged by hopes of a future of wealth and success, who leave India to pursue the “American dream”. But the bad boy mask quickly fades and the “mama’s boy” comes out, incapable of getting beyond his own ineptitude. It would be best to laugh it off, but Bollywood is still far away. Besides consumption and immigration, T & T have investigated social questions of great delicacy like AIDS and HIV, always attempting to conserve the lightness that is a part of all their work. The interpretation of the two artists avoids catastrophic forebodings, and encourages safe sex with a fraternal, amusing slogan: “Put it on”. This becomes the name of an exhibition in 2007, at the New York headquarters of Bose Pacia, full of works of great visual and emotional impact, including impressive paintings with a vaguely Murakamian aesthetic, simultaneously minimalist and baroque. In particular, they praise the consumption of the condom – a clear example of “intelligent consumption” – with uncommon elegance, not without a bit of tender empathy (Let's Play Safe, 2007). Narcissistic and rather “un-Indian”, the art of T & T occupies an exceptional position on the contemporary Indian art scene. Their paintings, like their sculptures and installations, exist in a region between the Punjab and the West, and it is in the poetry of this “middle ground” that the universe of the two little men on canvas unfolds. T & T have truly invented something. T V Santhosh The art of T V Santhosh, in paintings and in sculptures, narrates the anguishing human condition, faced with the violence of the contemporary world, in a truly original way. “War of History and History of War” has been the main theme of the output of the artist, in a disturbing dichotomy also found in the latest pieces. Santhosh provokes us and encourages us to reflect on how the threat of violence is not limited to the acts of terrorism and related wars of reprisal that are a part of our time; it also extends to a larger, indefinite climate of fear caused not so much by real events as by the way they are narrated by institutional channels, with the misleading complicity of the mass media. Every day tragic events happen in the world, but their nature is constantly emphasized, not only by the drastic security measures applied by governments, but also and equally by the insistent (dis)informative action performed by the spectacularizing of a danger that therefore becomes a growing obsession. A real danger, of course, but one that is even more “perceived”, often to the point of triggering true states of collective psychosis. In a recent interview the artist discussed these issues: «One looks at the world through the tinted spectacles of ‘news reports’ that unroll the stories of massacre of innocents, spectacular highlights of explosions, flux of faces of people who make headlines, spitting the words of hate and arrogance and the kinds of propaganda campaigns that just struggle to hide nothing but truth. It is a strange world exposed and manipulated. A world where one does not know who the real enemy is, yet ‘terror’ is the common word for both those who resist and those who attack». Most of Santhosh’s work confronts the contemporary world in a problematic way, inviting us to answer the question: “Who is the true enemy?” (as in the case of the painting Your Terrorist Our Freedom Fighter, 2004). The observer cannot help but feel called upon, though a pre-set position is certainly not the right answer to the artist’s challenge. In the globalized world the various cultures collide and overheat – reflecting the communications media in a growing entropy that when it mixes languages, religions, traditional models and viewpoints still deeply selfreferential until a few decades ago, tends to weaken the differences between the licit and the illicit, justice and injustice, victim and persecutor. In the meantime chaos reigns supreme in the mind of the citizen, while the threat of the unknown fuels the engines of the information society. As a result Santhosh does not use his art to express a hypothetical political or ideological credo, and he has repeatedly defined himself as “a-political”. His objective, then, is not militant, but decidedly critical, and takes the form (so to speak) of the deepest possible “scan” of the present contradictions, intervening on the canvases with great character and unusual combinations. From a stylistic viewpoint the paintings, even more than the other works, reveal the remarkable evolution of the artist. Starting with monochromatic hyperrealism based on pale yellow sepia tones, he then experimented with the first juxtapositions of green and violet, and then reached the psychedelic effect that sets all of his latest work apart. Here the acid colors achieve great heights of expressive power, in the choice of tensile relationships between green, yellow and red, to the point of conveying the impression of painting that “performs”, as if “enflamed” by the violence it displays. The access to global resources – which became much simpler in the 1990s with the rise of the Internet, satellite TV and the international press – has given Indian artist, especially the photorealists, great creative thrust; the images that dwell on the canvases of Santhosh, in fact, are taken from the newspapers and websites. There are frequent references, in his works, to cinema narratives of Tarkovskian inspiration and to scientific photography, at times combined in a single creation (just consider Metabolism Test, in which a laboratory mouse is inserted in the evocative context of the “Seventh Seal” of Ingmar Bergman). Middle Eastern affairs are often addressed in the work of the artist. Though the events on the Gaza Strip interest him very much, Santhosh does not dwell too long on the specificities of the Palestinian/Israeli conflict, and attempts to observe the facts with the eye of one who sees war as a tragic but “democratic” ordeal. The icon, then, is not chosen for the intrinsic meaning it represents, but for its capacity to become an emblem and to “transcend” the event as such. Once selected, the images are processed by computer and reversed into a negative copy. The final result is an interesting visual game triggered by the universalizing neutrality of the polarized image. «If you turn the image of an enemy fighter into a negative, all of a sudden you can no longer recognize him though it is still the same image. I found that the negative image acquires some kind of neutrality that makes it travel beyond its local meanings and become something universal» (from the catalogue TV Santosh. Unresolved Stories, The Guild, 2004-2007). The polarized images – already explored for their aesthetic possibilities by the likes of Man Ray and Andy Warhol – are not mere formal expedients, here, but true cognitive filters through which we can perceive reality in all its latent truth: another way to see something that is concealed behind the surface of many credos and ideologies. Only through the process of “unveiling” is it possible to understand, at the root, the mechanisms of media fiction and political rhetoric, and the work of Santhosh, in this sense, is an explicit protest. The artist’s work includes certain paintings on canvas that show both the positive and the negative of the same image. The copies, side by side, do not necessarily take on opposite connotations; they are, in fact, two dimensions of the same state of being, and they force the observer to recognize the ambiguity of the real, particularly marked in the era of globalization. Santhosh interviews history, and does so with the coolness that leads to a genuine process of estrangement. Orient and Occident – just like polarized images – are two sides of the same coin, so trying to defend some supposed unalienable identities is the best way to fall into psychological disorder. Pursuit of the objectivity of a detached gaze becomes a moral imperative, and taking a distance from events is the only weapon that serves to identify and, finally, denounce the diabolical pact between media communication and terror. This poetics is taken up again, and perhaps even amplified, in the sculptural installations. Steel, LEDs and fiberglass are the materials of the three-dimensional universe of Santhosh. This is mainly a metaphorical reconstruction of the consequences of war disasters (explosions, collapses, casualties), but the references to traditions are equally important. While the inhabitants of Manipur (in northeastern India) gather the bones of their loved ones to conserve their memory, in the early Christian period the bones of saints were conserved in the foundations of churches. After the war, after every war – suffering, burial, memory of the living – those LEDs, in the artistic projection of Santhosh, are translated into the transfigured reminder of those absences, that silence, those deaths. The signature of this work, as urgent as it is necessary, takes the form, for us, of the artistic topos of subtle questioning. 69 A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART ATUL DODIYA 1959 Born in Bombay Education 1982 BFA, Sir JJ School of Art, Bombay 1991-1992 Ecole des Beaux-Arts, Paris Selected Solo Exhibitions 2010 If It Rains Fire, Nature Morte, Berlin 2010 Malevich Matters and Other Shutters, Vadehra Art Gallery, New Delhi 2008 Pale Ancestors, Bodhi Art, Mumbai 2007 Vadehra Art Gallery, New Delhi Museum Gallery, Mumbai Chemould Prescott, Mumbai 2006 Sumukha Gallery, Bangalore Singapore Tyler Print Institute, Singapore Bodhi Art, New Delhi, Mumbai, New York 2005 Faculty of Fine Arts, Vadodara Bose Pacia, New York 2004 Faculty of Fine Arts, Vadodara 2003 Bose Pacia, New York 2002 Walsh Gallery, Chicago Sakshi Gallery, Bombay Reina Sofia Museum, Madrid 2001 The Fine Art Resource, Berlin The Japan Foundation Asia Center, Tokyo Gallery Chemould, Bombay 1999 Vadehra Art Gallery, New Delhi Gallery Chemould, Bombay 1997 Cima Gallery, Calcutta 1989, 91, 95, 97 Gallery Chemould, Bombay 70 Selected Group Exhibitions 2010 Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin 2009-10 All That Is Solid Melts into Air: Indian Contemporary Art in Global Times, Lakeeren, Mumbai 2009 Progressive to Altermodern: 62 Years of Indian Modern Art, Grosvenor Gallery, London Divagations: Spaces of Possibility, Raza Foundation Awardees Show, Art Alive, New Delhi Life is A Stage, Institute of Contemporary Indian Art (ICIA), Mumbai Art Basel, Nature Morte/Bose Pacia and Gallery Chemould Urban Manners – 2, curated by Adelina von Fürstenberg, presented by Art for the World Europa, SESC Pompeia, San Paulo, Brazil. 2008-09 Body Chatter: An Exhibition of Contemporary Indian Art, Walsh Gallery, Chicago Where In The World, Devi Art Foundation, New Delhi 2008Material/Im-material, Gallery Collection, Bodhi Art, Gurgaon Anxious, Galerie Mirchandani + Steinruecke, Mumbai Modern and Contemporary Indian Art, Vadehra Art Gallery, New Delhi Multiple Modernities: India, 1905-2005, Philadelphia Museum of Art, USA Frontlines: Notations from the Contemporary Indian Urban, BodhiBerlin, Berlin Portrait of a Place, Rob Dean Art Gallery, London 2007-08 India Art Now: Between Continuity and Transformation, Province of Milan, Milan, Italy 2007 Hungry God – Indian Contemporary Art, Busan, Korea (Tour exhibition) Private/Corporate IV– Daimler Chrysler Contemporary, Berlin - A Dialogue of the collections Lekha and Anupam Poddar, New Delhi and Daimler Chrysler, Stuttgart/Berlin 2006 India Express – Sacred & Popular, the Helsinki City Art Museum, Helsinki Exhibition Concept – Erja Pusa, Sointu Fritze, Tuija Kutti Hungry God – Indian Contemporary Art, Arario Beijing, China 2005 Bhupen among Friends Museum Gallery, Bombay - Presented by Gallery Chemould, Bombay Icon: India Contemporary collateral event, 51st Venice Biennale 2004-06 Edge of Desire: Recent Art in India Art Gallery of Western Australia, Perth; Asia Society Museum, New York; Tamayo Museum, Mexico City; Museum of Contemporary Art (MARCO) Monterrey, Mexico; Asian Art Museum, San Francisco; Royal Ontario Museum, Toronto 2004 Androgene curated by Alka Pande, India Habitat Center, New Delhi ZOOM! (Art in Contemporary India) curated by Nancy Adajania, and Luis Serpa, Museo Temporario/Culturgest, Lisbon The Search paintings from National Gallery of Modern Art Mumbai, curated by Dr Saryu Doshi, Omni Society for Fine Arts, Muscat, Sultanate of Oman South Asian Masters at Alhamra curated by Salima Hashmi, Alhamra Center, Lahore Masala Diversity & Democracy in South Asian Art, William Benton Museum of Art, University of Connecticut Storrs 2003 Under the Skin of Simulation - Three contemporary painters from India, with Shibu Natesan and Surendran Nair, Fine Art Resource, Berlin Sub Terrain - Artworks in the city fold, curated by Geeta Kapur, Haus der Kulturen der Welt, Berlin Crossing generations: di VERGE - Forty years of Gallery Chemould, an exhibition spanning four generations of Indian artists, curated by Geeta Kapur and Chaitanya Sambarani, The National Gallery of Modern Art, Bombay The tree from the seed - Contemporary art from India, curated by Gavin Jantjes, Henie Onstad Center, Oslo 2002 New Indian Art: Home- Street- Shrine- Bazaar- Museum, curated by Prof Gulammohammed Sheikh and Dr Jyotindra Jain, Manchester Art Gallery, Manchester A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART Capital & Karma: Recent Position in Indian Art, guest curators Angelika Fitz and Michael Worgottor, Kunsthalle, Vienna Secular Practice; Recent Art from India, Hoopoe curatorial, Contemporary Art Gallery (CAG) Vancouver 2001 Yokohama Triennale, Yokohama Moving Ideas: A Contemporary Dialogue with India, Hoopoe curatorial, OBORO, Montreal Century City: Art & Culture in the Modern Metropolis Bombay/Mumbai,curated by Geeta Kapur and Ashish Rajadhyaksha, Tate Modern, London 1997 Out of India: Contemporary Art of South Asian Diaspora, Curated by Jane Farver, Queens Museum of Art, New York Reality: Contemporary Narrative Painting from India, Contemporary Art Museum, Houston, Texas Tryst with Destiny: Art from Modern India, Singapore Art Museum; Singapore Indian Contemporary Art: Post Independence, NGMA New Delhi 1988 India/Contemporary Art, World Trade Center, Amsterdam RIYAS KOMU 1971 Born in Kerala, India Education Bachelors in Fine Arts, Sir J.J. School of Art, Mumbai Masters in Fine Arts, Sir J.J. School of Art, Mumbai (1999) Select Solo Exhibitions 2010 Subrato to César, Gallery Maskara, Mumbai 2009 Sakshi Art Gallery, Mumbai 2008 Bodhi Art Gallery, Berlin Mark Him (Second half), Gallery 88, Kolkata 2007 Mark Him (First half), The Guild Art Gallery, Mumbai 2006 Systematic Citizen, Palette Art Gallery, New Delhi Faith Accompli, Sakshi Gallery, Mumbai 2005 The Third Day, Lalit Kala Academy, Rabindra Bhavan, New Delhi presented by Sakshi Gallery, Mumbai GRASS, photography show, The Guild Art Gallery, Mumbai 2003 Sarasu, photography show on Raja Ravi Verma Press, The Guild Art Gallery, Mumbai 2002 UNCONDITIONAL, Sakshi Gallery, Mumbai 2002 – 2003 AMBULANCE, Renaissance Art Gallery, Bangalore Select Group Exhibitions 2010 Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin 2008 The Ghost of Souza, inaugural show in Bowery space, Aicon Gallery, New York 2007 Think with the Senses – Feel with the Mind. Art in the Present Tense, 52nd International Art Exhibition, Venice Biennale INDIA NOW: Contemporary Indian Art Between Continuity and Transformation, Provincia di Milano, Milan, Italy (through February 2008) Kashi ten light years, Kashi Art Gallery, Mattancherry, Kochi Frame/Grid/Room/Cell/, Bodhi Art Gallery, Mumbai INDIA TIME,Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi, Milan, Italy Swarovski Museum, Innsbruck, Austria New Wave: Contemporary Indian Art, Aicon Gallery,London , UK Grid, Bodhi Art Gallery, New Dehli Photographs, Guild Art Gallery, Mumbai, India Other, inaugural show, Aicon Gallery, London, UK Annual show, Sakshi Gallery, Mumbai, India 2006 Bronze, sculpture show, Rabindra Bhavan, New Delhi Art on the Beach, Made by Indians, St Tropez, Gallery Enrico Navarra, Paris On Difference #2 (represented Korea), Wurtt. Kunstverein, Stuttgart, Germany Maarkers, Bodhi Art Gallery, Mumbai Red Earth And The Pouring Rain, Lanxess ABS Gallery, Baroda Strangeness, Anant Art Gallery, Kolkatta 2005 KAAM, Aicon Gallery, New York and Palo Alto Span, Sakshi Gallery, Mumbai Endless Terrain, Lalit Kala Academy, Rabindra Bhavan, New Delhi Double Enders, Mumbai, Delhi, Bangalore, Cochin Present Future, National Gallery of Modern Art, Mumbai Configurations, Anant Art Gallery, New Delhi Are we like this only? Rabindra Bhavan, New Delhi Whose space is it anyway? Gallery Espace, New Delhi Mannat Jali, Marine Drive, Mumbai Public Art Project, Gallery Chemould, Mumbai World Social Forum, Brazil. 2004 Group show during VASL Residency, Karachi, Pakistan Anticipations, Museum Gallery, Mumbai Bombay Boys, Palette Art Gallery, New Delhi A New Mediatic Realism, Bayer ABS Gallery, Baroda, India Generation I, Saffron Art Gallery, Mumbai RED, Palette Art Gallery, New Delhi Mumbai x 17, Kashi Art Gallery, Cochin, India 2003 Crossing Generations:Diverge, 40 years of Gallery Chemould, National Gallery of Modern Art, Mumbai Highlights, Sakshi Gallery, Mumbai 2D/3D, Visual Art Center, Hong Kong Ideas and Images, National Gallery of Modern Art, Mumbai Art for Art/ Switzerland Meets India, Kala Ghoda Festival, Mumbai 2002 Ways of Resisting 1992- 2002, Sahmat/ Rabindra Bhavan, New Delhi 71 A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART Words and Images, The Guild Art Gallery/ National Gallery of Modern Art, Mumbai Creative Space, Sakshi Gallery/ India Habitat Center, New Delhi Crosscurrents, Jehangir Art Gallery, Mumbai Asian Art Festival, Singapore Harmony Shows (2004-1999), Nehru Centre, Mumbai Debt, The Guild Art Gallery, Mumbai Tribute to Picasso, The Guild Art Gallery, Mumbai 2001 The Human Factor, Jehangir Art Gallery, Mumbai Engendering Images of women, The Guild, Mumbai Excerpts from my diary, Fine Art Company, Mumbai 2000 Mumbai Metaphor, Tao Art Gallery, Mumbai Exile Longings, Lakeeren Art G JAGANNATH PANDA 1970 Born in Bhubaneswar Education 2002 Master of Arts, Fine Sculpture, Royal College of Art, London 1997 Visiting Research Fellow, Fukuoka University of Education, Japan 1994 Master of Fine Arts (Sculpture), M.S University, Faculty of Fine Arts, Baroda 1991 Bachelor of Fine Arts (Sculpture), B.K College of Art and Crafts, Bhubaneswar 72 Solo Exhibitions 2009 The Action of Nowhere, Gallery Nature Morte, New Delhi; Alexia Goethe Gallery, London 2007 Nothing Is Solid, Gallery Chemould, Mumbai 2006 Berkley Square Gallery, London 2005 Gallery Nature Morte, New Delhi 2000 Gallery Chemould, Mumbai Nature Morte at the Hungarian Information and Cultural Centre, New Delhi 1998 Za moca Foundation Gallery, Tokyo Group Exhibitions 2010 Looking Glass, Religare Arts Initiative, New Delhi Commonwealth Games Exhibition - Lalit Kala Akademi, New Delhi Astonishment of Being, Birla Academy, Kolkata - Studio La Città, Verona Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin 2009 Beyond Globalization, Beyond Art Space, Beijing India Xianzai, MOCA, Shanghai Chalo! India, Mori Art Museum, Tokyo; Contemporary Art Museum, Seoul; Essl Museum, Vienna 2008 Where in the World, Devi Art Foundation, New Delhi Urgent Conversations, Art Alive, New Delhi Sub-Architecture-Continental, Galerie LeGaillard, Paris 2007 Frame, Grid, Room, Cell, Bodhi Art Mumbai Hear and Now: Young Voices from India, Grosvenor Vadehra, London Private/ Corporate-iv, Daimler Chrysler Contemporary, Berlin 2006 Shadow Lines Vadehra Art Gallery, New Delhi 2005 Palette Gallery, New Delhi Paths of Progression, Bodhi Art, New Delhi and Saffronart, Mumbai (travels) Gallery Nature Morte, New Delhi 'Negotiating Matter', Anant Art Gallery, New Delhi Are We Like This Only?, Vadhera Gallery at Rabindra Bhawan, New Delhi 2004 Galleri 27 Oslo, Norway Generation-1, Saffronart and the Guild Art Gallery, Mumbai Gallery Nature Morte, New Delhi 2003 Dots and Pixels, Gallery Espace, New Delhi 2002 Graduate Show, Royal College of Art, London Hockney Gallery, Royal College of Art, London Dali Universe, London 2001 Royal College of Art, London 2000 Khoj International Exhibition, the British Council, New Delhi Lalit Kala Akademy, Bhubaneshwar 1999 Edge of the Century, Art Inc. Gallery, New Delhi 1997 The Sight of Asia, Fukuoka, Japan. 1996 Manifestation of Visual and Verbal. New Delhi Punjab Lalit Kala Akademi, Chandigarh 1995 Beyond the Shores, Rabindra Bhawan, New Delhi 1994 Jehangir Art Gallery, Mumbai 1993 Bal Bhawan, Daman 1990 Rabindra Bhawan, New Delhi 1989 Museum of Fine Arts, Chandigarh JUSTIN PONMANY 1974 Born in Kerala, India Education 1996 BFA (painting), Sir J.J. School of Art Selected Solo Exhibitions 2008 Gallery Loop, Hongdae, Seoul 2007 Who's keeping Score, Bose Pacia Gallery, New York 2006 Procreation, Nature Morte, Milan 2005 Salt (Plastic Memory-Part II), Nature Morte, India 2004 Non-biodegradable Memory, Sakshi Gallery, Mumbai A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART Selected Group Exhibitions 2010 Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin 2009-10 All That Is Solid Melts Into Air: Indian Contemporary Art in Global Times, Lakeeren, Mumbai 2009 Living of the Grid, Anant Art Centre, New Delhi Dear Jabir, The Guild Art Gallery, Mumbai Indian Summer, Galerie Christian Hosp, Berlin Multitudes, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan, Bangalore in collaboration with Zen Studio Gallery and Artflute.com Re-Claim/ Re-Cite/ Re-Cycle, presented by Latitude 28 at Travancore Art Gallery, New Delhi; Bose Pacia, Kolkata Shapeshifter, Aicon Gallery, London The Other (Indian) Story: Retrospecting Lakeeren-The Contemporary Art Gallery (1995-2009), presented by Lakeeren at The Gallery of Modern Art, National Centre for the Performing Arts (NCPA), Mumbai Threshold: Forging Narratives in South Asian Contemporary Art, Aicon Gallery, New York Material Texts, Kashi Art Gallery, Kochi 2008-09 Signs Taken for Wonders: Recent Art from India and Pakistan, Aicon Gallery, London 2008 November, 1x1 Contemporary, Al Quoz, Dubai Indian Art at Swarovski 'Crystal World' Show, 2nd Exhibition, Tirol – Österreich, Austria Indi Genius, presented by Sakshi Gallery and Soka Contemporary Space, Taipei at Sakshi Gallery, Mumbai 2007 Thermocline of Art, New Asian Waves, ZKM, Museum of Contemporary Art, Karlsruhe, Germany Swarovski Crystal World Show, Austria The Armory Show, Nature Morte, New York Photography, Video, Mixed Media III, Daimler Contemporary, Daimler Chrysler, Stuttgart; Berlin, Germany Private/Corporate IV-A Dialogue of the Collections Lekha and Anupam Poddar, New Delhi, and Daimler Chrysler, Stuttgart/Berlin 2006 Fiac Art Fair, Nature Morte/ BosePacia, Paris Art Basel, Nature Morte, Switzerland Hungry God-Indian Contemporaries, Arario Gallery, Beijing 2005 Three Person Show, Bombay Art Gallery, Mumbai Outside Europe, from the Daimler Chrysler Collection, Galerie Der Stadt, Sindelfingen (Stuttgart), Germany The artist lives and works in Baroda/ Bombay/ Calcutta/ Mysore/ Rotterdam/ Trivandrum, House of World culture, Berlin Whose Space Is It Anyway?, Gallery Espace, New Delhi We are like this only, Vadhera Art Gallery, New Delhi Arad Biennale, Romania Summer Show, curated by Peter Nagy, Nature Morte, New Delhi Present Future, curated by Saryu Doshi, N.G.M.A., Mumbai Identity Alienation Amity, curated by Bina Sarkar Ellias, Tao Art Gallery, Mumbai Span, Sakshi Gallery, Mumbai Double Enders, Jehangir Art Gallery, Mumbai 2004 Bombay x 17, Kashi Art Gallery, Cochin Metallic, The Palette Art Gallery, New Delhi Ideas and Images, curated by Saryu Doshi, N.G.M.A., Mumbai Bombay Boys, The Palette Art Gallery, New Delhi 2003 Awardees, Bose Pacia Gallery, New York Highlights, Sakshi Gallery, Mumbai Ideas and Images, curated by Saryu Doshi, N.G.M.A., Mumbai Camp Show, The Guild Art Gallery, Mumbai Inaugural Show, The Indian Habitat center, Viart Gallery, Delhi 4 Artists, Sakshi Gallery, Bangalore Art for Art an Indo-Swedish Project on "Bench Art', Kalaghoda, Mumbai 2002Words and Images, the Guild Art Gallery, N.G.M.A, Mumbai Cutting Edge Contemporary, Art Edge, N.G.M.A, Mumbai Tenth Anniversary Exhibition, Sakshi Gallery, The Indian Habitat Center, Delhi Crosscurrents, Jehangir Art Gallery The New Paradigms, the Indian Habitat Center, Delhi Debt, The Guild Art Gallery, Mumbai The 7- Harmony Show, Nehru Center, Mumbai 2000 Embarkations, (The Millennium Show), curated by Yashodhara Dalmia, Sakshi Gallery, Mumbai The Mumbai Metaphor, curated by Anupa Mehta, Tao Art Gallery, Mumbai Exile and Longing, Lakheeren Gallery, Mumbai Memos for the New Millennium from Artists of the Molting World, curated by Abhay Sardesai, Birla Academy of Art and Culture, Mumbai 1999 Wall Paper Kala Ghoda Art Fair Mumbai and Lakheeran Gallery, Mumbai Legatee Sir J.J.School of Art Fine Art Company Gallery, Mumbai Inaugural Show, Fine Art Company Gallery, Mumbai Icons of the Millennium, Lakheeren Gallery, Mumbai 1998 Windows to the Soul, Auction in Aid of NAB conducted by Sotheby's, Mumbai Indian Contemporary Art, the RPG Collection, Germany 73 A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART T V SANTHOSH 1968 Born in Kerala Education 1994 B.F.A in Sculpture, Kalabhavan, Santiniketan, West Bengal 1997 M.A. (Fine) in Sculpture, Faculty of Fine Arts, M.S.U, Baroda Selected Solo Exhibitions 2010 Burning Flags, Aicon Gallery, London, in collaboration with The Guild 2009 Living with a Wound, Grosvenor Vadehra, London, in collaboration with The Guild 2008 A Room to Pray At Avanthay Contemporary, Zurich, in collaboration with The Guild, Mumbai 2008 Countdown, Nature Morte Delhi, in collaboration with The Guild Art Gallery Mumbai 2006 Scars of an Ancient Error, Singapore Art Fair presented by The Guild Art Gallery Mumbai 2005 False Promises, Grosvenor Gallery London, in collaboration with The Guild Art Gallery Mumbai 2004 Unresolved Stories, Nature Morte Delhi, in collaboration with The Guild Art Gallery Mumbai 2003 One Hand Clapping/Siren, Jehangir Art Gallery Mumbai presented by The Guild Art Gallery Mumbai 1997 At Faculty of Fine Arts Gallery, MSU, Baroda 74 Selected Group Exhibitions 2010 Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin 2009 Failed Plot, curated by Gayatri Sinha, India Special Exhibition at KIAF 09, Korea International Art Fair 2009 Purple Wall Project curated by Gayatri Sinha at India Art Summit, New Delhi 2009 The Armory Show, New York 2009 ARCO 09, Madrid 2009 Progressive to Altermodern: 62 Years of Indian Modern Art, Grosvenor Gallery, London 2009 In the Mood for Paper, F2 Gallery, Beijing 2008 Art Amsterdam 08 2008 Basel Art Fair, with Nature Morte 2008 Sh Contemporary, Shanghai 2008 101 Tokyo: Contemporary Art Fair, Tokyo 2008 Signs Taken for Wonders: Recent Art from India and Pakistan, Aicon Gallery, London 2007 Year 07, London, presented by Grosvenor Vadehra 2007 Basel Art Fair, with Nature Morte 2007 Kashi Art Gallery, 10th Anniversary show, Kochi 2007 India 20, organized by Alekhya Foundation, Vadodara 2006 Here and Now: Young Voices From India, Grosvenor Vadehra London 2005 Kaam, Arts India New York 2005 Change of Address, The Guild Art Gallery Mumbai. 2005 Paths of Progression, Saffronart and Bodhi Art Delhi, Mumbai, New York and Singapore 2005 Endless Terrain, Yashodhara Dalmia, Rabindra Bhavan New Delhi 2005 2005 Whose Space is it anyway? Curated by Gallery Espace Delhi in collaboration with The Guild Art Gallery, Mumbai 2005 Are We Like This Only? Vadehra Art Gallery Delhi 2004 Bombay Boys, Palette Art Gallery Delhi 2004 A Tribute to Bhupen Khakhar, Tao Art Gallery Mumbai 2004 Generation I, Saffron Art Gallery in collaboration with The Guild Art Gallery Mumbai 2004 Red at Palette Art Gallery Delhi 2003 The Dual Path of Indian Art Today, Galerie Mueller & Plate Munchen 2003 Highlights, Sakshi Mumbai 2002 Trans-Figuration, Curated by Yashodhara Dalmia, Presented by Art Inc, India Habitat Centre Delhi 2002 Words and Images, by The Guild Art Gallery, NGMA Mumbai 2002 The Contemporary Asian Art Fair, by The Guild Art Gallery in Singapore 2002 Mela- A Carnival of Indian Art, Curated by Anupa Mehta, RPG Show, at Jehangir Art Gallery 2002 Tribute to Picasso, The Guild Art Gallery, Mumbai 2002 The Human Factor, by The Guild Art Gallery at Jehangir Art Gallery 2001 Excerpts from my Diary Pages, Curated by Sasha Altaf, Fine Art Company Gallery 2001 Engendering Images of Women, The Guild Art Gallery Mumbai 2001- 2004 Harmony Show, at Nehru Center Mumbai 2000 Exile and Longing, Lakeeren Art Gallery Mumbai 2000 Kala Ghoda Show on Functional Objects, by The Guild Art Gallery Mumbai A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART THUKRAL & TAGRA Jiten Thukral 1976 Born in Jalandar, Panjab, India Sumir Tagra 1978 Born in New Delhi, India Jiten Thukral - Education 1998 Bachelor of Fine Arts, Chandigarh Art College, Chandigarh 2000 Master of Fine Arts, Delhi College of Art, New Delhi Sumir Tagra - Education 2001 BFA, Delhi College of Art, New Delhi 2006 PG, Communication Design, National Institute of Design, Ahmedabad, India Shankar's Academy of Arts, New Delhi Selected Solo Exhibitions 2011 Nature Morte, New Delhi Thukral & Tagra Foundation, Project Booth, Art Summit, New Delhi Tokyo Gallery and Tokyo Art Fair, Tokyo 2010 Low-Tech Family Vacations, Singapore Tyler Print Institute, Singapore Arario Gallery, Seoul Ullens Center for Contemporary Art, Beijing 2009 Max Wigram Gallery, London Singapore Tyler Print Institute, Singapore Nouveau Riche, Nature Morte Berlin, Berlin 2008 New Improved Bosedk at Chatterjee & Lal, Mumbai Trident Hotel, Gurgaon, presented by Nature Morte Somnium Genero – 02 at Gallery Barry Keldoulis, Sydney Somnium Genero – café at Tokyo Art Fair, presented by Nature Morte 2007 Adolescere-Domus at Art Statements, Art Basel, presented by Bose Pacia / Nature Morte Put it On, Bose Pacia, New York Everyday Bosedk, Nature Morte, New Delhi Vector Classics, at Jehangir Nicholson Gallery, NCPA, Mumbai 2006 Vector Classics, at Alliance Francaise, New Delhi Selected Group Exhibitions 2011 Lyon Biennale – Lyon, France Maximum India - Kennedy Center, Washington D.C. 2010 Richmond Art Gallery, Vancouver Urban Matters 2 - SESC Pompie, Sao Paulo Khoj-in-Context - Public Art.Ecology, New Delhi 11th Hour - Tang Contemporary, Beijing Inside India - Palazzo Saluzzo Paesana, Turin Commonwealth Games Exhibition, Lalit Kala Akademie, New Delhi 2009 ARCO, Madrid, presented by Nature Morte Not Alone, Durban Art Galley, Durban Visitar II, Stainless Gallery, New Delhi Passage to India II, Initial Access, Wolverhampton Chalo India!, National Museum of Contemporary Art, Seoul Chalo India!, Essl Museum, Vienna India Xanzai, Museum of Contemporary Art, Shanghai Confines/Frontiers, IVAM, Valencia A Work of Persol, Galleria Otto Zoo, Milan Art Summit, New Delhi, presented by Nature Morte Trident Hotel, Gurgaon, presented by Nature Morte Frieze Art Fair, London, presented by Max Wigram Asian Art Biennial, National Taiwan Museum of Fine Arts, Taipei Vancouver Sculpture Biennale, Vancouver Artissima Art Fair, Turin, presented by Max Wigram Asia Pacific Triennial, Queensland Art Gallery, Brisbane 2008 The Audience and the Eavesdropper: New Art from India & Pakistan, Philips de Pury & Company, London and New York Chalo India!, at Mori Museum, Tokyo Art Basel 39, presented by Bose Pacia / Nature Morte Make Art Stop AIDS, at UCLA Fowler Museum, Los Angeles Imaginary Realities, at Max Wigram Gallery, London 2007 Face East, at Wedel Fine Arts, London Animamix Biennial 2007, at The Museum of Comtemporary Art, Shanghai New Delhi/New Wave at Marella Gallery, Milan Size Matters at Art Consult, New Delhi Galerie Mirchandani + Steinruecke, Mumbai FIAC, Paris, presented by Bose Pacia / Nature Morte 2006 FIAC, Paris, presented by Bose Pacia / Nature Morte Taipei Art Fair, Taipei, presented by Nature Morte Global Edit 06, Armani Casa with Wallpaper Magazine, Milan 2005 Nature Morte, New Delhi Iconography, at Nature Morte, New Delhi 2004 Visual Dialogue, at Hype Gallery, London 75 IN COLLABORAZIONE CON IN COLLABORATION WITH Palazzo Saluzzo Paesana L’Appartamento Padronale GRAFICA PIEMONTESE Atul Dodiya Jagannath Panda Justin Ponmany Riyas Komu Thukral & Tagra T V Santhosh www.insideindia.it