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www .stmoritzartmasters.com 2013
Tobias Rehberger · St. Moritz Art Masters 2013 · © SAM
www.stmoritzartmasters.com
2013
St. Moritz Art Masters 2013
Ün cordiel bainvgnieu
Liebe Freunde des St. Moritz Art
Masters Es freut uns ausserordentlich, Sie im Namen von St. Moritz und
Engadin St. Moritz zum diesjährigen
Kunst- und Kulturfestival St. Moritz
Art Masters begrüssen zu dürfen. Die
6. Ausgabe dieses einzigartigen Anlasses wird Sie mit einer Fülle an zeitgenössischen Kunstausstellungen von
regionalen, nationalen und internationalen Künstlerinnen und Künstlern
begrüssen.
Die Installation von OLIVER KRUSE
am Ufer des St. Moritzersee konnte
letzten Sommer in Zusammenarbeit
mit St. Moritz realisiert werden und
soll unsere Gäste über das ganze Jahr
hinweg begrüssen und einladen das
Kunstwerk zu erkunden. Schauen Sie
auf ihrem WALK OF ART vorbei.
Die Gemeinde und der Kurverein
St. Moritz sowie die Tourismusorganisation Engadin St. Moritz unterstützen
diesen hochkarätigen Anlass, der Kunst
und Kultur vereint. Wir freuen uns, Sie
in St. Moritz und im Engadin zu begrüssen.
Dear Friends of the St. Moritz Art
Masters. On behalf of St. Moritz and
Engadin St. Moritz we are very happy
to invite you to our annual festival
of art and culture: the St. Moritz Art
Masters. The 6th edition of this unique
event will inspire you with a wealth of
contemporary art exhibitions by regional, national and international artists.
Last summer the installation by the artist
OLIVER KRUSE on the shore of Lake
St. Moritz was realised in cooperation
with St. Moritz. It welcomes our guests
all year round, inviting them to explore
the installation. Why don’t you pay it a
visit on your WALK OF ART?
The municipality and the Tourist Board
St. Moritz as well as the Tourist Organization Engadin St. Moritz support
this prestigious event which combines
art and culture. We look forward to
welcoming you in St. Moritz and in the
Engadin.
Cari amici dei St. Moritz Art Masters,
è con immensa gioia che anche
quest’anno, nel nome di St. Moritz e di
Engadin St. Moritz, vi porgiamo il
nostro benvenuto al festival artistico
e culturale St. Moritz Art Masters. La
sesta edizione di questa iniziativa, unica
al mondo, vi accoglierà con una ricca
scelta di esposizioni d’arte contemporanea di autori regionali, nazionali e internazionali.
L’installazione di OLIVER KRUSE, in
riva al Lago di St. Moritz, è stata realizzata la scorsa estate in collaborazione
con St. Moritz: per tutto l’anno saluterà
i nostri ospiti, invitandoli ad ammirare
quest’opera d’arte. Perché non darle
un’occhiata durate il vostro WALK OF
ART?
Il comune e l’azienda di soggiorno di
St. Moritz, così come l’organizzazione
turistica Engadin St. Moritz, sostengono tale evento di prim’ordine nel nome
dell’arte e della cultura. Siamo lieti di
ospitarvi a St. Moritz e in Engadina.
Sigi Asprion
Richard Dillier
Ariane Ehrat
Mayor of St. Moritz
President St. Moritz Tourist Board
CEO Engadin St. Moritz Tourist Organization
Oliver Kruse · Interrelate
Willkommen
Welcome
Benvenuto
Liebe Freunde der Kunst und des Engadin, Ich freue mich Sie jetzt zur nunmehr
6. Ausgabe der St. Moritz Art Masters zu
begrüssen!
Dear Friends of Art and the Engadin, I am
pleased to welcome you to the 6th edition of
the St. Moritz Art Masters.
Cari amici dell’arte e dell’Engadina, sono
lieto di darVi il benvenuto alla sesta edizione
del St. Moritz Art Masters (SAM)!
The art scene may be fast-moving, however,
when designing our festival we have always
tried to create a counterpoint to the hectic
pace of our time: art and culture lovers are
cordially invited to take their time and spend
a few days viewing a great number of exciting exhibitions in unusual places, taking part
in workshops and symposiums and engaging themselves in a relaxed way in an
excellent programme set against the worldwide unique backdrop of the Engadin. Over
the years we have developed the late-summer in this region to become a late-summer
of art.
Dati i ritmi frenetici dell’ambito artistico, con
la struttura del nostro festival abbiamo sempre cercato di fungere da contraltare ai fulminei cambiamenti dell’epoca attuale: tutti gli
interessati all’arte e alla cultura sono cordialmente invitati a concedersi qualche giorno
per visitare le innumerevoli esposizioni di
prim’ordine in luoghi singolari, per partecipare a workshop e simposi, per dedicarsi liberamente e in pieno relax a un programma
eccellente nello scenario unico al mondo
dell’Engadina. Nel corso degli anni abbiamo
trasformato la tarda estate di questa regione
in una tarda estate dell’arte.
The charm of SAM is not least the result of
an annual re-definition of exhibition sites and
the presence of well over 100 international
artists that the festival has presented over
the years. This has led to an exchange between
nations and culture which is especially
valuable to us.
Il particolare fascino di SAM è dovuto, non
da ultimo, anche alle annuali ridefinizioni degli spazi espositivi nonché alla presenza di
oltre 100 artisti internazionali, che il festival
ha presentato in questi anni. Lo scambio tra
nazioni che ne è conseguito ricopre per noi
particolare importanza.
The fact that we combine and harmoniously
integrate art and brands within the context
of SAM has been beneficial to all parties
concerned. Brands do not only act as sponsors, but become an important part of the
festival by their commitment and their contributions. Without this co-operation the
successful development of the festival
would not have been possible.
Anche la nostra peculiarità di unire e integrare in modo armonioso arte e mercato, si sta
rivelando all’interno del SAM una fruttuosa
combinazione per i due ambiti. Qui da noi i
mercati non fungono solo da sponsor, ma
diventano parte fondamentale del festival
grazie al loro impegno e ai loro contributi.
Senza una simile collaborazione non sarebbe stata possibile un’evoluzione così efficace del festival.
In Anbetracht der Schnelllebigkeit des
Kunstbetriebs haben wir stets versucht mit
der Struktur unseres Festivals einen Gegenpol zu den rasanten Entwicklungen unserer
Zeit zu setzten: Kunst- und Kulturinteressierte sind herzlich eingeladen, sich ein paar
Tage Zeit zu nehmen um die Vielzahl erstklassiger Ausstellungen an ungewöhnlichen
Orten zu sehen, an Workshops und Symposien teilzunehmen und sich vor der weltweit
einzigartigen Kulisse des Engadins frei und
gelöst auf ein vorzügliches Programm einzulassen. Über die Jahre haben wir den
Spätsommer in der Region zu einem
Spätsommer der Kunst entwickelt.
Nicht zuletzt resultiert der besondere
Charme von SAM auch aus der alljährlichen
Neudefinition der Ausstellungsorte und der
Präsenz von weit über 100 internationalen
Künstlerinnen und Künstlern, die das Festival über die Jahre präsentiert hat. Der hierdurch entstandene Austausch zwischen den
Nationen und Kulturen ist für uns besonders
wertvoll.
Auch unsere Besonderheit Kunst und Marken miteinander zu kombinieren und harmonisch zu integrieren, stellt sich als eine für
beide Seiten fruchtbare Kooperation innerhalb von SAM heraus. Marken fungieren
hier nicht nur als Sponsoren, sondern werden durch ihr Engagement und ihre Beiträge
zu einem wichtigen Teil des Festivals. Ohne
diese Zusammenarbeit wäre die so erfolgreiche Entwicklung des Festivals nicht möglich gewesen.
Wir bedanken uns ganz herzlich bei allen Beteiligten der ersten Stunde: bei der Region
des Engadins, den Galerien, Institutionen,
Sammlern und Privatleuten, die uns den
Rücken gestärkt haben. Wir haben die
Weltoffenheit der Engadiner auch gegenüber unkonventioneller Ideen und Projekten
in den letzten sechs Jahren als aussergewöhnlich kennen und schätzen gelernt.
Nur mit Hilfe dieser Unterstützung von Beginn an konnten wir uns dorthin entwickeln
wo wir jetzt stehen: mitten im Spätsommer
der Kunst und Kultur des Engadins.
Our heartfelt thanks go to everybody who
has been with us from the start: the Engadin
region, the galleries, institutions, collectors
and individuals who have supported us. In
the past six years we have come to know
and appreciate the exceptional openness of
the Engadin people towards unconventional
ideas and projects.
It is only with this support from the very beginning that we have been able to reach the
point where we are now: in the middle of
the late-summer of art and culture in the Engadin.
Ringraziamo di cuore tutti i partecipanti della
prima ora: la Regione dell’Engadina, le gallerie, le istituzioni, i collezionisti e i privati che
ci hanno dato man forte. Negli ultimi sei anni
abbiamo imparato a conoscere e ad apprezzare il singolare spirito cosmopolita degli engadinesi anche davanti a idee e progetti non
proprio convenzionali.
È solo grazie a un simile sostegno, dimostratoci fin dall’inizio, che siamo riusciti ad arrivare dove ci troviamo adesso: al centro della
tarda estate dell’arte in Engadina.
Reiner Opoku
Reiner Opoku
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
Rückschau
St. Moritz Art Masters 2008–2012
Auf den folgenden 6 Seiten zeigen wir Ihnen
eine kleine Auswahl an Highlights der Ausstellungen der vergangenen 5 Jahre.
Retrospective
St. Moritz Art Masters 2008–2012
On the following six pages we show you a
small selection of exhibition highlights of the
past six years.
Retrospettiva
St. Moritz Art Masters 2008–2012
Nelle seguenti 6 pagine vi mostriamo una
piccola selezione di attrazioni e mostre delle
5 passate edizioni.
Barthi Kher · Fussgängerzone, St. Moritz
George Condo · Kulmpark, St. Moritz
2008
Nobuyoshi Araki
Aurèle
Joseph Beuys
George Condo
Eric Fischl
Robert Indiana
Barthi Kher
David LaChapelle
Richard Long
Otto Muehl
Jean-Pierre Raynaud
Ugo Rondinone
Dieter Roth
Frank Stella
Fabien Verschaere
Not Vital
Franz West
Heimo Zobernig
David LaChapelle · Französische Kirche, St. Moritz
Reiner Opoku
Frank Stella · Paracelsus Gebäude, St. Moritz
Ugo Rondinone · Badrutt’s Palace Hotel, St. Moritz
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2009
Nobuyoshi Araki
Tim Berresheim
Daniele Buetti
Miriam Cahn
Sylvie Fleury
Bethan Huws
Mike Kelley
Manfred Leve
Richard Long
Floris Neusuess
Christina Oiticica
Marcel Osztrowszki
Arne Quinze Thiago Rocha Pitta
Florio Puenter
Gerhard Richter
Rotraut
Julian Schnabel
Joel Shapiro
Serge Spitzer
Peter Vann
Sylvie Fleury · Kempinski Grand Hotel des Bains, St. Moritz
Arne Quinze · Kempinski Grand Hotel des Bains, St. Moritz
Julian Schnabel · Reformierte Kirche, St. Moritz
Nobuyoshi Araki · Kempinski Grand Hotel des Bains, St. Moritz
Mike Kelley · Turnhalle, St. Moritz
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2010
Ueli Adler
AES+F
Stephan Balkenhol
Miquel Barceló
John Chamberlain
Com&Com
Gino de Dominicis
Wim Delvoye
Christian Eisenberger
Franco Fontana
Gabriella Gerosa
Marcus Gossolt
Lauren Greenfield
Antonio Guccione
Johannes M. Hedinger
James Howell
Ilya & Emilia Kabakov
Robert B. Kaeppeli
Jannis Kounellis
Zilla Leutenegger
Renée Levy
Steve McCurry
Alessandro Mendini
Karin Sander
Hannes Schmid
Roman Signer
Laurie Lynn Stark
Amedeo M.Turello
Not Vital
Cara Weston
Hans Witschi
Zilla Leutenegger · Turnhalle, St. Moritz
Ilya & Emilia Kabakov · Fluss Inn, Champfèr
Stephan Balkenhol · See, St. Moritz
AES+F · Fussgängerzone, St. Moritz
Wim Delvoye · Französische Kirche, St. Moritz
Miquel Barceló · Reformierte Kirche, St. Moritz
Not Vital · Chesa Merleda, La Punt Chamues-ch
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2011
Shirin Aliabadi
John M. Armleder
Vahakn Arslanian
Stanley Brouwn
Balthasar Burkhard
Michel Comte
George Condo
Ronnie Cutrone
Jiri Georg Dokoupil
Li Wei
Jennifer Wen Ma
Choi Jeong Hwa
Ferran Martin
Tomas Espina
Alejandro Diaz
Jacqueline Baum
Ursula Jakob
Holger Eckstein
Greg Gorman
Paul Harrison
Lois Hechenblaikner
Becker Jonathan
Martina Klein
Urs Marty
Steve McCurry
Jonathan Meese
Sarah Morris
Yves Netzhammer
Stephan Reusse
Richard Avedon
Julian Schnabel
Roman Signer
Louis Soutter
Jules Spinatsch
Fiete Stolte
Christine Streuli
Yu Tsai
Amedeo M.Turello
William Klein
John Wood
Gilles-Marie Zimmermann
Yves Netzhammer · Paracelsus Gebäude,
St. Moritz
Jonathan Meese · Chesa Planta, Samedan
Li Wei · St. Moritz
Shirin Aliabadi · Chesa Planta, Zuoz
Jennifer Wen Ma · See, St. Moritz
John M. Armleder · Turnhalle, St. Moritz
Ferran Martin · See, St. Moritz
Jiri Georg Dokoupil · Reformierte Kirche, St. Moritz
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2012
Carl Andre
Ron Arad
Herbert Brandl
Roberto Cabot
Letizia Cariello
Carlito Carvalhosa
Urs Cavelti
Saint Claire Cemin
Hamish Fulton
Hannes Gruber
Melli Ink
Oliver Kruse
Lutz & Guggisberg
Markus Müller
Vik Muniz
Paulo Sergio Niemeyer
Giuliano Pedretti
Thiago Rocha Pitta
Peter Vernon Quenter
Boris Rebetez
Stephan Rinck
Mimmo Rotella
Tom Sachs
Rolf Sachs
Hannes Schmid
Kerim Seiler
James Turell
Amedeo M.Turello
Adriana Varejão
Cabaret Voltaire
Gabriel Vormstein
Dan Walsh
Pedro Wirz
Ding Yi
Carlito Carvalhosa · Chesa Planta, Samedan
Adriana Varejão · Französische Kirche, St. Moritz
Saint Claire Cemin · Fussgängerzone, St. Moritz
Hamish Fulton · Chesa Merleda,
La Punt Chamuesch-ch
Thiago Rocha Pitta · El Paradiso, St. Moritz
Ron Arad · Reformierte Kirche, St. Moritz
Lutz & Guggisberg · Paracelsus Gebäude,
St. Moritz
Vik Muniz · Reformierte Kirche, St. Moritz
Tom Sachs · Badrutt‘s Palace Hotel, St. Moritz
PHOTO WORKSHOP
30. & 31. August 2013
Nira Alpina Hotel Via dal Corvatsch 76 · 7513 Silvaplana Surlej
Der bekannte Fotograf Amedeo
M.Turello und weitere bekannte Fotografen werden in diesem zweitägigen
praktischen Workshop während des
St. Moritz Art Masters 2013 über Porträtphotographie, figurative und Modefotografie referieren. Die Workshops
geben den Kursteilnehmern eine aussergewöhnliche Gelegenheit die Künstler bei der Arbeit zu beobachten. Ziel
ist es, dass jeder Teilnehmer seine Erwartungen an das Medium erweitern
kann. Die Fotografen sind während
des zweitägigen Workshops anwesend.
Die Teilnehmerzahl ist beschränkt. Anmeldungen werden nach Eingang berücksichtigt. Preis für den zweitägigen
Workshop inkl. Snacks und Mittagessen im Nira Alpina Hotel:
CHF 480 (inkl. MWST)
Bitte senden Sie Ihre Bewerbung für
den Workshop, in Englisch, an:
[email protected]
Renowned photographer Amedeo
M.Turello and further well-known
photographers will present a two-day
practical workshop on portrait, figurative and fashion photography during the
St. Moritz Art Masters 2013. The
Workshop will provide students with
an exceptional opportunity to witness
three very different artists at work and
aims to drive each student further in
their expectations of the medium. The
photographers will be present throughout the workshop allowing students
to plan their shots.
The number of participants is limited
and participation will be accepted
upon registration. Price for the two-day
workshop including snacks and lunch
at Nira Alpina Hotel:
CHF 480 (incl. VAT).
Il famoso fotografo Amedeo M.Turello
e altri celebri colleghi animano un
workshop di due giorni dove, nel corso
di St. Moritz Art Masters 2013, si parla
di fotografia di ritratto, figurativa e di
moda. Il workshop offre ai partecipanti
la straordinaria opportunità di osservare gli artisti all’opera. Lo scopo è che
ogni allievo possa ampliare le proprie
aspettative rispetto al mezzo. Durante
i due giorni di workshop è assicurata la
costante presenza dei fotografi.
Il numero di posti è ridotto. Le domande d’ammissione saranno valutate
nell’ordine d’arrivo. Prezzo del workshop di due giorni, incl. snack e pranzi
al Nira Alpina Hotel: CHF 480 (incl. IVA)
Programm 2013
Wir freuen uns, Ihnen ein umfangreiches
Programm präsentieren zu dürfen. Der
grösste Teil unserer Veranstaltungen, insbesondere die Kunstausstellungen des
„WALK OF ART“, sind kostenlos und täglich geöffnet.
Bitte beachten Sie, dass für gewisse
Abendveranstaltungen Tickets gekauft
werden können. Informationen hierzu erhalten Sie ab Juli 2013 unter:
www.stmoritzartmasters.com
Fri, 23/08
sat, 24/08
sun, 25/08
Siamo lieti di presentarvi un programma
quanto mai vario e ricco. La maggior parte
delle nostre manifestazioni, in particolare le
esposizioni d‘arte del „WALK OF ART“,
sono gratuite e aperte quotidianamente.
Vi preghiamo di notare che per alcuni eventi serali occorrono i biglietti. Otterrete informazioni in proposito da luglio 2013 sul sito:
www.stmoritzartmasters.com
MON, 26/08
tue, 27/08
WALK OF ART Ausstellungen / Exhibitions / Esposizioni: Sils - S-chanf
Ganzer Tag
Whole Day
Tutti i giorni
Mercedes Benz ART LOUNGE PostHaus St. Moritz · 10 - 17 h
WALK OF ART TOURS St. Moritz / Zuoz-S-chanf · 11 - 13 h
E.A.T.
E.A.T.
Engadin Art Talks Engadin Art Talks Zuoz
Zuoz
Vormittag
Morning
Mattina
Nachmittag
Afternoon
Pomeriggio
Press Conference
ART TALK
Press
Walk of Art
ART TALK
SAM
Opening Night
Cocktail Prolongé
E.A.T.
E.A.T.
Engadin Art Talks Engadin Art Talks Zuoz
Zuoz
WED, 28/08
THU, 29/08
Abend
Evening
Sera
Si prega di inviare le domande d’ammissione al workshop, in inglese, a:
[email protected]
Please send your application for the
workshop to:
[email protected]
We are delighted to present you a
thought-provoking program. Most of our
events, especially the art exhibitions
“WALK OF ART” are free of charge and
open daily.
Please note that for some evening events
you will be able to buy tickets individually.
More information starting July 2013:
www.stmoritzartmasters.com
ART TALK
FRI, 30/08
SAT, 31/08
SUN, 01/09
WALK OF ART Ausstellungen / Exhibitions / Esposizioni: Sils - S-chanf
Ganzer Tag
Whole Day
Tutti i giorni
Mercedes Benz ART LOUNGE PostHaus St. Moritz · 10 - 17 h
10 - 14 h
WALK OF ART TOURS St. Moritz / Zuoz-S-chanf · 11 - 13 h
Vormittag
Morning
Mattina
Nachmittag
Afternoon
Pomeriggio
Kids Day
Abend
Evening
Sera
SAM Gallery
Cocktail Prolongé
Photo-Workshop
Nira Alpina
Silvaplana-Surlej
Photo-Workshop
Nira Alpina
Silvaplana-Surlej
ART TALK
ART TALK
Photo-Workshop
Nira Alpina
Silvaplana-Surlej
Photo-Workshop
Nira Alpina
Silvaplana-Surlej
SAM Foundation
Charity Night
Tribute Claude
Nobs
Impressum
Herausgeber / Editor / Editore
St. Moritz Art Masters International AG
Konzeption / Concept / Concetto
LATESTA AG, St. Moritz
Artwork
Tati’s Design Keller AG, St. Moritz
Druck / Print / Druck
Gammeter Druck, St. Moritz
St. Moritz Art Masters 2012 – Photo-Workshop Steve McCurry, Jock Sturges and Amedeo M.Turello
Übersetzung / Translation / Traduzione
Lektorat / Proofreading / Correzione bozze
Brigitta Klingler, Lavin
Claudia Marinelli, Pavia (I)
Copyright
Text oder Fotos dürfen ohne vorherige
schriftliche Bewilligung weder verwendet noch
reproduziert werden.
Bitte senden Sie Anfragen an:
St. Moritz Art Masters
[email protected]
Text or photos may not be used or reproduced
in any form without prior written permission.
Please send requests to:
St. Moritz Art Masters
[email protected]
Con divieto di ripodurre testi o foto, integralmente
o parzialmente, se non previo permesso scritto.
Inviare le richieste a:
St. Moritz Art Masters
[email protected]
Programm / Program / Programma
Version Mai 2013 – Änderungen vorbehalten
Version May 2013 – All information subject
to change
Versione maggio 2013 – Non si escludono
cambiamenti
St. Moritz Art Masters
Office St. Moritz:
Postfach 82
CH - 7500 St. Moritz
Tel +41 81 833 10 28
Fax +41 86 081 833 10 28
[email protected]
www.stmoritzartmasters.com
ST. MORITZ
Mercedes-Benz Art Lounge
MB
Posthaus · Via dal Vout 3 · 7500 St. Moritz
The Posthaus, in the centre of the
town of St. Moritz, will again this year
host the Mercedes-Benz Art Lounge
and transform it into the unique place
to be during the St. Moritz Art Masters
for encounters, talks and good company.
Als Treffpunkt für Künstler, Kunstliebhaber, Kunstinteressierte und jedermann
bietet die Lounge Gelegenheit, an
Künstlergesprächen teilzunehmen, sich
über Ausstellungen und Künstler zu
informieren sowie sich für gemütliches
Beisammensein zu treffen.
As a meeting point for artists, art
lovers, guests interested in art and for
everybody else, the lounge offers the
opportunity to participate in artist talks,
get information about exhibitions and
artists or to just drop in for an informal
get-together.
Das detaillierte Programm der diesjährigen Künstlergespräche „SAMposium“
ist ab Juli verfügbar unter
www.stmoritzartmasters.com
The detailed program of this year’s
artist talks “SAMposium” will be
available in July at
www.stmoritzartmasters.com
Walk of Art Tours
St. Moritz-Dorf, St. Moritz-Bad & Zuoz/S-chanf
St. Moritz Art Masters Event Office
Öffnungszeiten / Opening hours / Orario d’apertura
täglich / daily / giornaliero, 10 - 17 h
Sonntag / Sunday / Domenica 1.9.2013, 10 - 14 h
Die Mercedes-Benz Art Lounge im
Posthaus mitten im Dorf wird auch
dieses Jahr anlässlich des St. Moritz
Art Masters zum einzigartigen Ort für
Begegnungen, Gespräche und Geselligkeit.
unterstützt von
con il supporto di
supported by
MERCEDES-BENZ
Anche quest’anno durante i St. Moritz
Art Masters la Mercedes-Benz Art
Lounge, presso la Posta centrale del
paese, sarà la singolare sede di incontri,
conversazioni e intrattenimento.
Erleben Sie die Highlights des St. Moritz
Art Masters WALK OF ART in einer geführten Tour (2 Std). Die geführten
Touren finden täglich statt und bieten
die Möglichkeit, die Ausstellungen des
WALK OF ART in St. Moritz-Dorf,
St. Moritz-Bad bzw. Zuoz/S-chanf zu
Fuss zu erkunden.
Informationen sind ab Mitte August
unter www.stmoritzartmasters.com
erhältlich.
Experience the highlights of the St.
Moritz Art Masters WALK OF ART in a
guided tour (2h). The guided tour takes
place daily and offers the opportunity
to explore and experience the WALK
OF ART in St. Moritz Dorf, St. Moritz
Bad or Zuoz/S-chanf on foot.
More information is available from
mid-August at
www.stmoritzartmasters.com
Punto di ritrovo per artisti, amanti
dell’arte, curiosi, insomma per tutti,
la Lounge offre l’opportunità di partecipare alle conversazioni degli artisti, di
informarsi su esposizioni e autori,
o d’incontrarsi per il piacere di stare
insieme.
Il programma dettagliato del „SAMposium“ (conversazioni con gli artisti) di
quest’anno è disponibile da luglio su
www.stmoritzartmasters.com
Walk of Art Tour St. Moritz-Dorf
Saint Clair Cemin – „Tai Chi Penguin“
Tour St. Moritz-Dorf
Treffpunkt / Meeting Point / Ritrovo Mercedes-Benz Art Lounge @ PostHaus
Tour St. Moritz-Bad
Treffpunkt / Meeting Point / Ritrovo Kempinski Grand Hotel des Bains
Tour zuoz/S-chanf
Treffpunkt / Meeting Point / Ritrovo Chesa Planta, Zuoz
Zeit / Time / ora 11 h
Dauer / Duration / Durata ca. 2 Stunden / approx. 2 hours / circa 2 ore
Kostenlos / free of charge / gratuito
St. Moritz Art Masters Artist Talks
Potrete ammirare le attrazioni del
WALK OF ART dei St. Moritz Art
Masters con un tour guidato (2 ore). Le
visite guidate si effettuano ogni giorno
e permettono di scoprire a piedi le
esposizioni del WALK OF ART a
St. Moritz-Dorf, a St. Moritz-Bad o a
Zuoz/S-chanf.
Le informazioni sono disponibili a
partire da metà agosto su
www.stmoritzartmasters.com
ENGADIN ART TALKS
„GHOSTS AND THE UNCANNY“
24 & 25 AUGUST 2013
Halle am Plazzet, Dorfplatz · 7524 Zuoz · www.engadin-art-talks.ch
Die einsame Bergwelt mit ihren dunklen
Wäldern und felsigen Höhlen galt schon
immer als „Versteck“ und „Zufluchtsort“ von Geistern und Gespenstern.
Wir freuen uns, bei den diesjährigen
Engadin Art Talks / E.A.T. zu erfahren,
wie die Berge und ihre (un)-heimlichen
Bewohner und die daraus entsprungenen Sagen und Geschichten die Fantasie beflügeln und Kreativität schaffen.
So werden bei den vierten Engadin Art
Talks in Folge nationale und internationale Künstler, Architekten und Schriftsteller im Kontext von „GHOSTS AND
THE UNCANNY“ über ihre Arbeiten
diskutieren und philosophieren.
Das hochkarätig besetzte Symposium
wird von Hans Ulrich Obrist, Co-Direktor der Serpentine Gallery, London und
Beatrix Ruf, Direktorin der Kunsthalle
Zürich geleitet. Gründungsdirektorin ist
die Zürcher Verlegerin Cristina Bechtler.
Ganz herzlich eingeladen sind alle
Kenner, Liebhaber und Interessierte.
Die Vorträge werden auf Deutsch
oder Englisch gehalten.
The lonely mountain world with its
dark forests and craggy caves has always been seen as a ‘hiding place’ and
‘refuge’ for ghosts and spirits. At this
year’s Engadin Art Talks / E.A.T. we
look forward to finding out how the
mountains and their eerie residents,
and the stories and legends about
them inspire imagination and creativity.
Il solitario paesaggio montano, con le
sue cupe foreste e i suoi anfratti
rocciosi, è ritenuto da sempre “nascondiglio” e “rifugio” di spiriti e fantasmi. La prossima edizione degli
Engadin Art Talks / E.A.T. è tutta dedicata a questi misteriosi abitanti delle
montagne, a storie e leggende di cui
sono protagonisti, che mettono le ali
alla fantasia e alla creatività.
At the fourth Engadin Art Talks a
succession of nationally and internationally renowned artists, architects and
writers will discuss and explore their
work in the context of ‘GHOSTS AND
THE UNCANNY’.
The symposium with its eminent
speakers is led by Hans Ulrich Obrist,
Co-Director of the Serpentine Gallery,
London and Beatrix Ruf, Director of
the Kunsthalle Zurich. The founding director of the E.A.T. is Zurich publisher
Cristina Bechtler.
Sotto il titolo “GHOSTS AND THE UNCANNY” gli Engadin Art Talks 2013
invitano per la quarta volta consecutiva
artisti, architetti e designer nazionali e
internazionali a discutere e dialogare
sul proprio lavoro.
Il prestigioso convegno è diretto da
Hans Ulrich Obrist, codirettore della
Serpentine Gallery di Londra, e da Beatrix
Ruf, direttrice della Kunsthalle di Zurigo,
a cui si affianca la fondatrice dell’evento,
l’editrice zurighese Cristina Bechtler.
All connoisseurs, lovers and followers of art, architecture and design
are warmly invited to attend. The
lectures are presented in German or
English.
Alla manifestazione sono cordialmente invitati tutti i conoscitori,
estimatori e amanti dell’arte. Le
relazioni saranno tenute in lingua
tedesca o inglese.
G H O S T S AND T H E U NCAN N Y
24 / 25 AUGUST 2013
ZUOZ
Samstag / Saturday / Sabato
24.8.2013
10 – 13 h, 15 – 18 h
mit anschliessendem Aperó
followed by drinks
con aperitivo finale
Sonntag / Sunday / Domenica
25.8.2013
11 – 14 h
Engadin Art Talks / E.A.T. 2012
Ort / Place / Località
Halle am Plazzet, Dorfplatz
7524 Zuoz
Leitung / Lead / Direzione
Cristina Bechtler, Hans Ulrich Obrist,
Beatrix Ruf
www.engadin-art-talks.ch
[email protected]
Mit / With / Con
Kerstin Brätsch
Iso Camartin
Kurt Derungs
Dan Graham
Zvi Hecker
Bethan Huws
Cameron Jamie
Tim Krohn
Jonathan Ledgard
Ernesto Neto
Katrin Sigurdardottir
Michael Steiner
Philip Ursprung
Not Vital
Änderungen vorbehalten.
All information subject to change.
Non si escludono cambiamenti
People’s Republic of China
by Gérard A. Goodrow
Sommer 2013. Länderschwerpunkt
der 6. Ausgabe der St. Moritz Art
Masters ist die Volksrepublik China.
Manche Kritiker könnten meinen, es
sei bereits zu spät, liegt doch der grosse Boom um die zeitgenössische Kunst
aus dem Reich der Mitte schon länger
zurück. Die schnell gelangweilte Karawane der globalen Kunsttouristen lässt
sich nicht aufhalten, sie ist schon wieder unterwegs: nach Polen, nach Brasilien, nach Indien, überhaupt zum nächsten „Flavor of the Week“.
Doch genau deswegen ist es an der
Zeit, endlich einen ernsthaften Blick auf
das Kunstgeschehen des Landes zu
werfen, das für die meisten Kunstenthusiasten im Westen noch immer rätselhaft erscheint. Weit entfernt von allen Klischees und Vorurteilen, die noch
aus der Zeit um die Kulturrevolution
stammen, liefern die ebenso sensibel
wie scharfsinnig kuratierten Gruppenausstellungen und die sorgfältig ausgewählten Einzelausstellungen und Projekte aus China neue, spannende
Einblicke in eine ferne, fremde Welt,
die viele von uns schon zu kennen
glaubten.
Von jungen Nachwuchskünstlern aus
der traditionsreichen Akademiestadt
Chongqing in der Provinz Sichuan im
Südwesten Chinas über preisgekrönte
Künstlerpersönlichkeiten und anerkannte Wegbereiter wie Ai Weiwei,
Fang Lijun und den Fotojournalisten Liu
Heung Shing bis hin zu dem faszinierenden Fotokünstler Chen Fuli, dessen
fantasievolle Arbeiten an der Grenze
zur Malerei schweben – dem Besucher
der SAM 2013 wird ein vielfältiges und
unverfälschtes Bild der aktuellen Kunst
und der neuen Gesellschaft der Volksrepublik China vermittelt.
SAM wirft einen Blick in das Heute und
die Perspektiven der Zukunft eines der
spannendsten Länder der Welt.
A Chinese youth skating past the giant statue of Mao, Dalian, 1981
Photograph by Liu Heung Shing, all rights reserved
Summer 2013. The 6th edition of
the St. Moritz Art Masters is putting
special emphasis on the People’s
Republic of China.
Estate 2013. Ospite d’onore della
sesta edizione dei St. Moritz Art
Masters è la Repubblica popolare
cinese.
Some might criticize that it is almost
too late for such a focus, since the
great boom of contemporary art from
China is already a thing of the past.
The easily bored caravan of global art
tourists has since moved on. To Poland, Brazil, India or whatever the next
“flavor of the week” might be.
Alcuni critici penseranno che ciò avvenga
in ritardo, poiché il grande boom dell’arte contemporanea proveniente dal
Regno di Mezzo è ormai superato. La
carovana globale dei turisti dell’arte,
subito annoiati da ogni novità, ha già
ripreso il suo viaggio: in Polonia, in
Brasile, in India, insomma al prossimo
„Flavor of the Week“, qualunque esso
sia.
And this is precisely why now is exactly
the right time to finally take a serious
look at the art scene of this enormous
country, which remains an enigma for
most Western art enthusiasts. Far removed from all the clichés and preconceptions that actually date back to the
Cultural Revolution and the period immediately following, the sensitively
and intelligently curated group exhibitions and carefully selected solo
presentations and special projects by
emerging artists and internationally
acclaimed art personalities from China
offer exciting insights into a faraway
world, which many of us thought we
already knew.
From new talents living and working in
the tradition-steeped academy city of
Chongqing in Sichuan Province in the
southwest of China and award-winning artists such as Ai Weiwei, Fang
Lijun and the photojournalist Liu Heung
Shing to the imaginative, paintinginspired photoworks of Chen Fuli –
visitors to SAM 2013 will be granted a
multifaceted and unadulterated view of
contemporary art and the rapidly
changing society in the new China of
today and tomorrow.
Ma proprio per questo è tempo di gettare finalmente uno sguardo più attento
sul divenire artistico di un Paese che,
per la maggior parte degli appassionati
d’arte occidentali, resta pur sempre un
mistero. Lungi da ogni stereotipo o pregiudizio, ancora legato alla Rivoluzione
culturale, le esposizioni collettive – tanto
intense quanto curate con acume –, ma
anche le mostre personali e i progetti
dalla Cina, selezionati con cura, offrono
scorci interessanti su un mondo lontano
e sconosciuto, che molti di noi supponevano di conoscere.
Dalle giovani promesse della città di
Chongqing, ricca di tradizioni accademiche e situata nella provincia di Sichuan,
nella Cina sudoccidentale, a premiate
personalità artistiche o a riconosciuti
precursori come Ai Wei Wei; dal fotogiornalista Liu Heung Shing fino all’affascinante fotografo d’arte Chen Fuli, le
cui fantasiose opere sfiorano il confine
con la pittura: al visitatore dei SAM
2013 viene offerta una panoramica
quanto mai varia e genuina dell’arte più
attuale e della nuova società affermatasi
nella Repubblica popolare della Cina.
Uno sguardo sull’attualità e una prospettiva sul futuro di uno dei più interessanti
Paesi al mondo.
Sils-Maria
Andrea Robbi Museum
Jungjin Lee
WALDHAUS SILS
Rune Guneriussen
Sils-Maria
Cesa Fonio · 7514 Sils Maria · www.stephanwitschi.ch
Dienstag bis Sonntag · Tuesday to Sunday · Da martedì a domenica · 14 - 18 h
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Stephan Witschi Gallery, Zurich
7514 Sils Maria · Tel +41 81 838 51 00 · www.waldhaus-sils.ch
ganztägig geöffnet · open all day · tutti i giorni
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
A I B I C ontemporary
Armin Berger Gallery Zurich
Some of Lee’s photographs are about ...
nothing, or nothing much, or nothing worth
stopping for, and yet they beat like a heart.
Vicky Goldberg (Fotografiekritikerin u.a. für
New York Times)
“Some of Lee’s photographs are about ...
nothing, or nothing much, or nothing worth
stopping for, and yet they beat like a heart.”
Vicky Goldberg (photography critic for the
New York Times, a. o.)
Alcune foto di Lee non rappresentano... niente, o niente di più, o ancora niente per cui
valga la pena fermarsi, e tuttavia pulsano
come un cuore.
Vicky Goldberg (Critica fotografica per il
New York Times)
Zentral ist, was sie in dem Moment „sah“,
als das Motiv entstand. Die Idee der Landschaft als Spiegel des inneren Selbst hat
ihren Ursprung in China und geht zurück auf
die Yuan Dynastie. Auf dieser Grundlage
basiert auch die Serie WIND.
The core element is what she “saw” in the
moment the motive evolved. The idea of
landscape as a mirror depicting the inner
self has its origin in China and dates back to
the time of the Yuan Dynasty. It is also the
basis of the WIND series.
Jungjin Lee’s ausgefeilte Technik trägt wesentlich zur magischen Wirkung ihrer Bilder
bei. Sie trägt eine flüssige, lichtempfindliche Emulsion, sogenanntes „Liquid Light“,
auf handgeschöpftes Reispapier auf. So
entsteht eine Oberflächenbeschaffenheit,
die den Motiven eine einzigartige Tiefe und
Textur verleiht.
Ihre Arbeiten sind u.a. in folgenden Sammlungen vertreten: Metropolitan Museum of
Art, New York / Whitney Museum of American Art, New York / FNAC, Paris / National
Museum of Contemporary Art, Kwachon,
Korea
Jungjin Lee‘s sophisticated technique substantially contributes to the magic effect of
her pictures. She applies a liquid, photo-sensitive emulsion, so-called “liquid
light”, on hand-made rice paper, thus creating a surface finish which lends unique
depth and texture to the motives.
Her work is presented, a. o., in the context
of the following collections: Metropolitan
Museum of Art, New York / Whitney Museum of American Art, New York / FNAC,
Paris / National Museum of Contemporary
Art, Kwachon, Korea
Der norwegische Konzeptkünstler Rune
Guneriussen arbeitet mit alltäglichen, quasi
unbeseelten Objekten wie Lampen, Globen, Telefonen und Stühlen, die er in
scheinbar unberührten Landschaften platziert. Sie sind damit die einzige Spur
menschlicher Präsenz.Normalerweise ist er
der einzige Zeuge seiner standortspezifischen Installationen, welche eine einzigartige Kombination von Natur und menschlichem Beiwerk bedeuten. Dem Betrachter
bleibt allein eine Fotografie als greifbarer
Beweis der zwischenzeitlichen Präsenz von
Guneriussens Werk. Sein Beitrag zu den
Art Masters jedoch ist dem Betrachter
nicht nur als Fotografie, sondern auch als
Installation zugänglich. Dieser sieht sich
beim Hotel Waldhaus Sils mit der spannenden Herausforderung konfrontiert, diese
lebendige Tradition und die aussergewöhnliche Lage inmitten der Natur zu vereinen.
L’artista concettuale norvegese Rune Guneriussen lavora con oggetti quotidiani, per
così dire senz’anima, come lampade, mappamondi, telefoni e sedie, che piazza in
paesaggi apparentemente incontaminati.
Essi sono così l’unica traccia della presenza
umana. Di solito l’autore è l’unico testimone delle sue installazioni specificamente
localizzate, che rappresentano una singolare combinazione di natura e accessori umani. Allo spettatore resta solo una fotografia,
quale concreta testimonianza della momentanea presenza dell’opera di Guneriussen.
Tuttavia il suo contributo agli Art Masters
non è accessibile al pubblico solo come fotografia, bensì anche come installazione.
Quest’ultima, situata presso l’Hotel Waldhaus Sils, affronta l’affascinante sfida di
combinare una tradizione vivace con la
straordinaria posizione in mezzo alla natura.
Jung Lin Lee
Wind 07-106, 2007, emulsion on
handmade rice paper, 75 x 145 cm
Centrale è ciò che l’artista „vedeva“, nel
momento in cui ha ripreso il suo soggetto.
L’idea del paesaggio come specchio dell’io
interiore trova le proprie origini in Cina e risale alla dinastia Yuan. Su queste basi si
fonda anche la serie WIND.
L’elaborata tecnica di Jungjin Lee contribuisce notevolmente al magico effetto delle
sue opere. La Lee applica un’emulsione liquida, fotosensibile, la cosiddetta „Liquid
Light“, su carta di riso fatta a mano. Si crea
così una qualità della superficie che conferisce ai motivi una singolare profondità e
struttura.
Le sue opere sono esposte, tra l’altro, nelle
seguenti collezioni: Metropolitan Museum
of Art, New York / Whitney Museum of
American Art, New York / FNAC, Paris / National Museum of Contemporary Art,
Kwachon, Corea
Norwegian born Rune Guneriussen is a
conceptual artist whose works cast everyday
objects in seemingly untouched landscapes,
where they constitute the only trace of a
human presence. By placing inanimate
things like lamps, globes, telephones and
chairs in landscapes, the artist combines
nature and manmade structures into whimsical installations. Normally Guneriussen is
the only witness of his site-specific settings, leaving the audience with nothing but
the photograph as tangible proof which documents the brevity of his works. The artist
believes in art as a means to question and
bewilder rather than to patronize and restrict. He does not want to dictate a way to
understand his art, but indicates a path to
understand a story. The Waldhaus Sils offers him the challenge to combine this
lively tradition and the exceptional location
in the midst of the surrounding nature.
Rune Guneriussen
En lampe på bordet brenner, 2011
edition of 5+2
189 cm x 150 cm, c-print / aluminium
2
Walk of Art
Walk of Art
1
St. Moritz
BADRUTT’S PALACE HOTEL
Donald Baechler
Walk of Art
Via Serlas 27 · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni
Der amerikanische Künstler Donald Baechler,
der in Hartford, Connecticut, im Jahre 1956
geboren wurde, gilt weithin als einer der
bedeutendsten Maler seiner Generation.
Neben Gemälden umfasst sein Oeuvre
Zeichnungen, Collagen und zunehmend
seit Mitte der 80er Jahre, Skulpturen. Sein
Repertoire an Motiven ist in verschiedenen
Genres zu finden, beginnend bei Zeichnungen und endend mit Skulpturen, wo nach
einem Prozess der Transformation diese
Motive schliesslich ein dreidimensionales
Volumen annehmen. Auch hier bleibt die
Signatur des Malers sichtbar, in der farbigen Patina der Bronze-Skulpturen, deren
Oberflächen stark bearbeitet sind.
Baechler hat gesagt: „Mit Skulpturen war
ich wieder auf der Suche nach einer Möglichkeit, Formen zu machen, als ob ich noch
nie eine Skulptur zuvor gemacht hätte. Ich
wollte vergessen, wie man Armaturen
macht oder wie man Lehm richtig verwendet oder wie man überhaupt etwas richtig
macht, und so begann ich mit meinen Händen zu drücken und Formen zu machen. Es
gibt keine erzählerische Absicht, es ist nur
eine Reaktion auf die Materialien. Ich bin an
diskreten und stummen Objekten interessiert. Mich interessieren das Narrative, die
Psychologie und diese Dinge nicht, die viele
Menschen in meinen Bildern lesen und
was sie an meinen Skulpturen interessiert.”
The American artist Donald Baechler, who
was born in Hartford, Connecticut, in 1956,
is widely considered as one of the most
significant painters of his generation. In
addition to paintings, his oeuvre includes
drawings, collages and, increasingly since
the mid-80s, sculptures. His repertoire of
motifs is to be found dispersed across
different genres, starting from drawings
and ending up as sculptures where, after a
process of transformation, these motifs
finally take on three-dimensional volume.
Yet even here the signature of the painter
remains visible in the colored patinas of the
bronze sculptures’ heavily worked surfaces.
Baechler said: “With sculpture, I was looking again for a way to make forms as if I’d
never made sculpture before. I wanted to
forget about armatures and the proper way
of using clay or the proper way of doing
anything, and started just squeezing things
with my hands, making shapes… There is
no narrative intention; it’s just a response to
materials. I’m interested in discreet and
very mute objects, and I’ve never really
been interested in narrative or psychology
or these things which many people read
into my paintings and probably into the
sculptures.”
Donald Baechler
„Clay Pot Flowers“, 2011
fussgängerzone
Olaf Breuning
St. Moritz
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Galerie Thaddaeus Ropac
Fussgängerzone · Pedestrian zone · zona pedonale · 7500 St. Moritz
ganztägig geöffnet · open all day · tutti i giorni
L’artista americano Donald Baechler, nato
a Hartford, Connecticut, nel 1956, è considerato a tutt’oggi uno dei più significativi
pittori della sua generazione. Oltre ai quadri,
la sua produzione comprende disegni, collage e, in misura crescente dalla metà degli
anni ’80, sculture. Il repertorio dei soggetti
di Baechler va ricercato in diversi generi,
partendo dai disegni e terminando con le
sculture, dove dopo un processo di trasformazione tali soggetti assumono infine volumi tridimensionali. Ma anche qui la firma
del pittore resta visibile nella patina colorata
delle sculture di bronzo, le cui superfici
risultano fortemente lavorate.
Baechler ha dichiarato: „Con le sculture,
ero nuovamente alla ricerca di un modo per
modellare le forme, come se non avessi
mai fatto una scultura prima. Volevo dimenticare come si fanno le armature, come si
lavora in modo corretto la creta o come si fa
qualsiasi altra cosa; così iniziai a plasmare la
materia con le mani e a creare forme... Non
c’è alcun intento narrativo, si tratta di una
reazione ai materiali. Mi interessano i soggetti discreti e muti. Non mi interessano la
narrativa, la psicologia e tutte le cose che
molte persone vedono nei miei quadri o da
cui sono attratte nelle mie sculture.“
Der Schweizer Künstler Olaf Breuning lebt
und arbeitet in New York. Sein Oeuvre umfasst Fotografie, Skulptur, Zeichnungen, Videos und Installationen. Breuning setzt
auch das Internet als Strategie für seine
Kunst ein. Er nutzt Plattformen wie YouTube und Tumblr, um mit anderen in Interaktion zu treten. Nur wer über eine gute Portion Humor verfügt, kann die Arbeiten des
Schweizers verstehen. Denn dem Künstler
sitzt der Schalk im Nacken. In zahlreichen
Fotografien spielen Verkleidung und Tarnung eine grosse Rolle, die teilweise zu
absurden und skurrilen Sujets führen. Während St. Moritz Art Masters werden Skulpturen des Künstlers im öffentlichen Raum
zu sehen sein. Seine Skulpturen sind eine
Kombination aus Text und Form, die durch
Wortwitz bestechen und es genau auf den
Punkt bringen. Mit einfachen Mitteln kommentiert Olaf Breuning den Zeitgeist unserer Gesellschaft.
The Swiss artist Olaf Breuning lives and
works in New York. His work includes photography, sculpture, drawings, videos and
installations. Breuning also uses the Internet as a strategy for his art. He uses platforms such as YouTube and Tumblr to interact with others. Only someone who has a
good dose of humor can understand the
work of the Swiss, because the artist is a
real teaser. In numerous photographs covering and camouflage play a major role and
lead to absurd partially quirky subjects. During St. Moritz Art Masters there will be
sculptures by the artist in public space. His
sculptures are a combination of text and
form. Their wordplay brings it just to the
point. Olaf Breuning comments on the zeitgeist of our society with simple means.
Olaf Breuning
„Installation view“
L’artista svizzero Olaf Breuning vive e lavora a New York. La sua produzione comprende fotografia, scultura, disegni, video e installazioni. Del resto Breuning ricorre anche
a Internet quale strategia per la propria arte,
utilizzando piattaforme come YouTube e
Tumblr per interagire con gli altri. Solo chi è
fornito di una buona dose di umorismo, può
davvero comprendere i lavori dello svizzero;
l’artista, infatti, è un vero burlone. In numerose sue fotografie il travestimento e il camuffamento giocano un ruolo importante,
generando a volte soggetti assurdi e stravaganti. Durante St. Moritz Art Masters si
possono ammirare le sculture di questo autore esposte in spazi pubblici. Le sue opere,
una combinazione di testo e forma, colpiscono per i giochi di parole e vanno dritte al
punto. Con mezzi semplici, Olaf Breuning
commenta lo spirito della nostra attuale società.
4
Walk of Art
3
St. Moritz
„Black Box Project“ · CRYSTAL HOTEL
KERIM SEILER
Relay (Situationist Space Program)
Walk of Art
Crystal Hotel · Via Traunter Plazzas 1 · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
Der Schweizer Künstler Kerim Seiler erweitert das Dach des Crystal Hotels zum
zweiten Mal für die St. Moritz Art Masters
Stiftung. Bereits im Jahr 2012 baute Kerim
Seiler sein Projekt „Relay (Situationist Space
Program)“ auf.
Seilers Installation funktioniert nicht nur als
Kunstwerk, sondern auch als und Atelierraum. Das Werk ist ein eins-zu-eins Nachbau des ersten Relay welches fix installiert
in Johannesburg steht. Durch die enge Verbindung des Künstlers zu der Metropole
wird ein Künstler aus Südafrika im Juli eingeladen. Im August kommt ein weiterer
Gast aus China, da die diesjährige Ausgabe
des St. Moritz Art Masters den Fokus auf
zeitgenössische chinesische Kunst setzt.
In den Sommermonaten Juli und August
werden die beiden Künstler das „Relay (Situationist Space Program)“ als Atelier nutzen.
Das Stipendium im Sinne eines organisierten Dérive ermöglicht den Künstlern über
den Dächern von St. Moritz zu arbeiten. Die
Einladung an die Künstler steht unter dem
Stern des kulturellen Austauschs und ist
nicht mit einer spezifischen Aufgabenstellung verbunden. Während den Ausstellungszeiten steht das Relay den Besuchern
des St.Moritz Art Masters offen. Vielleicht
treffen sie die Künstler bei der Arbeit an.
Li Li
The Swiss artist Kerim Seilerextends the
roof of the Crystal Hotel for the second
time for the St. Moritz Art Masters Foundation. Already in 2012, Kerim Seiler built his
project „relay (Situationist Space Program).“
Seiler‘s installation works not only as art
but also as a studio space. The work is a
one-to-one replica of the first relay which is
permanently installed in Johannesburg.
Due to the close connection between the
artist and the metropolis an artist from
South Africa will be invited in July. In
August another guest will come from China
since this year‘s edition of the St. Moritz Art
Masters puts the focus on contemporary
Chinese art.
During the summer months of July and
August, the two artists, will use the „relay
(Situationist Space Program)“ as a studio.
The scholarship in the sense of an organized Dérive allows artists over the roofs of
St. Moritz to work. The invitation to the
artist serves cultural exchange and does
not entail a specific task. During the exhibition times the relay is open to visitors of the
St. Moritz Art Masters. Maybe they will
meet the artists at work.
Gerald Machona
È la seconda volta che l’artista svizzero
Kerim Seiler amplia il tetto del Crystal Hotel
per la Fondazione St. Moritz Art Masters.
Già nel 2012 Kerim Seiler aveva installato il
suo progetto „Relay (Situationist Space
Program)“.
La sua installazione non è solo un’opera
d’arte, ma si appresta a diventare altresì
atelier per altri artisti. Anche a Johannesburg esiste un „Relay (Situationist Space
Program)“ di Kerim Seiler, e viene utilizzato
come studio. Grazie allo stretto rapporto di
Seiler con la metropoli sudafricana, in luglio
sarà invitato un artista dal Sudafrica; ad agosto toccherà a un cinese, poiché quest’anno i
St. Moritz Art Masters si concentrano
sull’arte cinese contemporanea.
Nei mesi estivi di luglio e agosto i due artisti potranno utilizzare il „Relay (Situationist
Space Program)“ come atelier temporaneo.
La loro borsa di studio copre i costi del viaggio, tre settimane di permanenza all’Hotel
Crystal e l’opportunità di lavorare con vista
sui tetti di St. Moritz. Tale borsa di studio ha
come fine quello di favorire lo scambio culturale tra le nazioni.
Reformierte Kirche
AI WEIWEI
St. Moritz
Reformierte Kirche · Protestant Church · Chiesa Protestanta
Via Maistra 18 · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
Seit 2009 hat Ai Weiwei (*1957) eine Serie
monumentaler Holzskulpturen unter dem
Titel „Tree“ realisiert. Ai arrangierte Teile von
abgestorbenen Bäumen (Stämme, Stümpfe,
Äste) unterschiedlicher Holzarten aus verschiedenen Bergregionen Südchinas zu
neuen, künstlichen Bäumen.
Die Idee für diese Werkserie entstand, als
sich Ai in Jingdezhen aufhielt, wo er seine
Sonnenblumenkerne (Tate Modern, 2010)
aus Porzellan produzieren liess. In der Gegend verkaufen Händler abgestorbene
Baumteile, die, in der Tradition der Chinesischen Gelehrtensteine, ihrer interessanten
Formen wegen geschätzt werden.
In „Iron Tree“ entwickelt Ai die Idee weiter,
indem er den grössten und komplexesten
„Tree“ in gegossenem Eisen umsetzt. Der
„Iron Tree“ besteht aus 99 durch übergrosse, sichtbare Schrauben und Muttern zusammengehaltenen Einzelteilen. Wie oft in
Ai Weiwei’s Werken spielen das Kombinieren und Kopieren eine wichtige Rolle. Unverwandte Teile werden zu einem schlüssigen Ganzen kombiniert.
A partire dal 2009 Ai Weiwei (*1957) ha
realizzato una serie di monumentali sculture in legno dal titolo „Tree“. Ai ha adattato parti di alberi morti (tronchi, ceppi, rami)
di diversi tipi di legno, provenienti da varie
regioni montane della Cina del Sud, in nuovi
alberi artificiali.
L’idea per la serie di opere è stata ispirata
da un soggiorno dell’artista a Jingdezhen,
dove ha fatto produrre i suoi Semi di girasole (Tate Modern, 2010) in porcellana. Nei
dintorni i commercianti vendono parti di
alberi morti che, nell’erudita tradizione delle
pietre cinesi, sono apprezzate per le loro
interessanti forme.
Con „Iron Tree“ Ai sviluppa ulteriormente
quell’idea, trasponendo il suo „Tree“ più grande e complesso nel ferro fuso. L’“Iron Tree“
è composto da 99 parti singole, tenute insieme da viti e dadi enormi, ben in vista.
Come accade spesso nelle opere di Ai Weiwei, il combinare e il copiare giocano un
ruolo importante. Parti tra loro non affini
vengono combinate a formare una nuova
unità.
Since 2009 Ai Weiwei (*1957) has created
a series of monumental wooden sculptures
titled „Tree“. Ai arranged parts of dead
trees (roots, trunks, branches) from different species collected from mountain areas
around southern China to look like new,
artificial „Trees“.
The idea was born when Ai visited Jingdezhen, where he had the „Sunflower
Seeds“manufactured for his exhibition at
Tate Modern (2010). In the area around
Jingdezhen local vendors sell dry wood and
tree trunks which are areappreciated for
their interesting shape, in the tradition of
Chinese scholars’ rocks.
The work „Iron Tree“ develops the concept
further as the biggest and most complex
Tree has now been realized in iron. „Iron
Tree“ consists of 99 pieces which are held
together by oversized screws and nuts. As
in other works by Ai Weiwei the concepts
of assembling and copying play an important role. The artist made unrelated parts
from different areas come together to form
a new unit.
Ai Weiwei
„Iron Tree“ 2013, iron, 628 x 710 x 710 cm, courtesy the artist and Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
6
Walk of Art
5
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Figures do not relate to any individual vehicle, do not form part of any offer and are intended solely to aid comparison between different types of vehicle. The vehicle
shown features optional equipment.
St. Moritz
7
Turnhalle · gym · palestra · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 Uhr
„Aufwändige Malerei“
Die vier Künstler dieser Ausstellung haben
eines gemeinsam: den aufwändigen Produktionsprozess, wenn sie malen!
Dieser aufwändige Produktionsprozess zeigt
sich ganz unterschiedlich: Die Bilder von
Liu Wei „Go East – Go West“ haben über
zwei Jahre zahlreiche Umgestaltungen
durchgemacht; und stets hat sie der Künstler mit zunehmender Dichte und Komplexität aufgeladen. Die Malereien von Xue
Feng sind mit sorgfältig aufgebrachten Pinselstrichen ausgeführt, sie vermengen
Poster der Tourismusdestination Hangzhou
und Rückblenden auf die traditionelle Landschaftsmalerei. Ni Youyu hat einen ganz eigenen Malprozess entwickelt: Seine goldgrundierten Bilder mit ihren schwarzen
Konturstrichen rekurrieren auch auf die traditionelle Landschaftsmalerei. Aber in einem
aufwändigen Prozess wäscht und erodiert
er die schwarzen Linien, die einem zeitlosen und surrealen Inhalt Gestalt geben.
Li Xi grundiert ihre Leinwände mit grosser
Sorgfalt mit Tee und allerlei anderen Materialien und zieht dann ihre Linien, auf den
spirituellen Übergangszustand des „Bardo“
im tibetischen Buddhismus anspielend –
mit der Linie als der einzig wahrhaften
Darstellung des Selbst in der chinesischen
Tradition. Li Zhenwei verwendet die mathematische Konstante Pi, um abstrakte Kompositionen zu entwickeln – Pi einschliesslich der ersten zehntausend Dezimalstellen,
um Zahl und Farbe und Anordnung von
Farbknoten auf der Leinwand zu bestimmen.
„Painstaking Painting“
The four artists presented in this exhibition
have one thing in common: it is this painstaking production process when they paint.
This painstaking production process may
manifest itself in diverse ways: Liu Wei’s
paintings “Go East – Go West” have morphed over almost two years into several
appearances; the artist revisited the paintings again and again, adding complexity
here, subtracting some there. Xue Feng’s
“Flashback”-paintings are executed with
exquisitely elaborated brushstrokes, fusing
poster images of the Tourist City of Hangzhou with flashbacks to its own cultural traditions. Ni Youyu devised a painting process
of his own: his gold-coloured paintings with
black brushstrokes depart from Chinese
traditional landscape painting. Yet in a complicated process he washes and erodes the
black lines and shapes a timeless and surreal content. Li Xi primes her canvases with
great care and media like tea and others to
then draw her lines, alluding to the liminal
state of “Bardo” in Tibetan Buddhism – the
line being the true representation and expression of self in Chinese tradition. Li
Zhenwei uses the mathematical constant
Pi to create his abstract compositions - inclusive of 10 000 decimal places, to determine the numbers and colours and spacings of paint dots lined up on the canvas.
Liu Wei
„Go East“, 2010, 180 x 440 cm, Oil on canvas
„Pittura accurata“
I quattro artisti presenti in questa esposizione hanno una cosa in comune: l’accurato
procedimento creativo adottato quando dipingono!
Tale accurato procedimento creativo si manifesta in vari modi: i quadri “Go East – Go
West” di Liu Wei si sono formati in almeno
due anni, con varie stesure; l’artista li ha rivisitati più volte aggiungendo complessità
qui, sottraendone lì. La serie “Flashback” di
Xue Feng è stata eseguita con pennellate
squisite ed elaborate, fondendo immagini
da poster della città turistica di Hangzhou
con flashback di antiche tradizioni culturali.
Ni Youyu ha concepito un metodo pittorico
tutto suo: i quadri dorati con pennellate
nere si distanziano dalla classica pittura di
paesaggi cinese. Eppure, con un processo
complicato, egli scava ed erode le linee
nere plasmando una materia senza tempo e
surreale. Li Xi stende un’attenta imprimitura sulle proprie tele, ricorrendo a materiali
come il tè o altro per tracciare i propri tratti
con allusione allo stato liminale del “bardo”
nel buddhismo tibetano (la linea è l’autentica rappresentazione ed espressione di sé
nella tradizione cinese). Li Zhenwei usa la
costante matematica Pi per creare la sua
composizione astratta: 10 000 cifre decimali
per determinare numeri, colori e spazi dei
segni di pittura allineati sulle tele.
Walk of Art
Per4mance.
turnhalle
SIGG COLLECTION
St. Moritz
Palace Galerie
Fang Lijun
Walk of Art
Via Serlas · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Fang Lijuns (*1963) Bildern treten immer wieder kahlköpfige Figuren auf, die zu
seinem Markenzeichen geworden sind.
Ihre charakteristischen Gesichter spiegeln
verschiedene Emotionen wieder wie
Angst, Enttäuschung oder Auflehnung. Sie
sind als sein zweites Ich zu verstehen und
repräsentieren das neue und das alte
China. Der Künstler sticht durch seine philosophischen Selbstbildnisse im Wasser hervor
sowie durch das vielfach erscheinende
Motiv des Schwebens. Seine illustrativen
Holzschnitte bedienen sich an der Ästhetik
von Comics und Volkskunst. Sie stellen die
nationale Identität im Wandel dar und zeigen eine eingängige Formel für einen inneren Widerstand. Ihre Botschaft: Man muss
schwimmen, um nicht unterzugehen. Man
muss fliegen, um nicht abzustürzen. Für die
Generation des „Mao Goes Pop“, so eine
Ausstellung 1993 in Sydney, hat Fang wie
kein Anderer die politische Unterdrückung der Chinesen vor und nach 1989 mit
buddhistischem Gleichmut quittiert.
In Fang Lijun‘s (* 1963) images always occur
baldhead figures, which have become his
trademark. Their characteristic faces reflect
different emotions like anxiety, frustration
or rebellion. They represent his alter ego as
well as the new and old China. The artist
stands out for his philosophical selfportraits in water as well as for the motif
of floating, which appears in many of his
pictures. His illustrative woodcuts are inspired by the aesthetic of comics and popular
art. They represent the national identity in
transition, pointing towards a plausible formula for an inner resistance. Their message:
Swim not to sink. Fly not to fall. For the generation “Mao Goes Pop”, which was an
exhibition title in Sydney in 1993, Fang Lijun
has like no other acknowledged the political
oppression of the Chinese before and after
1989 with Buddhist equanimity.
Palace Galerie
Shao Fan
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Mercedes-Benz
Via Serlas · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
Nelle opere di Fang Lijun (*1963) compaiono
costantemente figure calve, che sono ormai
diventate il suo tratto distintivo. I loro volti
caratteristici riflettono differenti emozioni,
dalla paura alla delusione o alla ribellione.
Esse rappresentano il suo alter ego, al pari
che la Cina attuale e passata. L’artista risalta
nei suoi autoritratti filosofici nell’acqua, così
come per il motivo ricorrente dello stare
sospesi. Le sue xilografie illustrative si ispirano all’estetica dei fumetti e dell’arte popolare: riproducono l’identità nazionale in
via di trasformazione e sembrano indicare
una formula semplice per una sorta di resistenza interiore. Questo il loro messaggio:
bisogna nuotare per non annegare. Bisogna
volare per non cadere. Per la generazione
del „Mao Goes Pop“, dal titolo di una mostra
del 1993 a Sydney, Fang Lijun ha reagito
come nessun altro con imperturbabilità
buddhista all’oppressione cinese prima e
dopo il 1989.
Shao Fan’s (*1964 Peking, China) klare,
friedliche Hintergründe ermöglichen es ihm
seine Motive wie Tiere, Landschaften und
Portraits aus der Vulgarität, die sie umgeben, zu lösen. Dabei werden die erzählerischen und zeitlichen Einflüsse auf ein Minimum reduziert. Durch seine ruhige und
umsichtige Perspektive, zusammen mit
seiner einzigartigen Bildsprache, spiegeln
die Gemälde Shao Fans Haltung dem Leben
gegenüber. Neben der Malerei zeigt sich
seine vielseitige Schöpfungskraft in den
Bereichen der Skulptur, der grafischen und
gartenbaulichen Gestaltung. Das V&A Museum in London hat ihn als ersten chinesischen Künstler mit seinen dekonstruierten,
neu erstellten klassischen chinesischen
Möbeln in die Sammlung aufgenommen.
Seine Arbeiten wurde vor kurzem in der
National Portrait Gallery in Canberra, Australien, der 4. Guangzhou Triennale in
Guangzhou, China und an der Staatlichen
Kunstsammlung Dresden, Deutschland ausgestellt.
st. Moritz
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
Shao Fan’s (*1964 in Beijing, China) pure,
peaceful backgrounds enable him to extract
the subjects - animals, landscapes and portraits – from their ambient vulgarity, thereby
reducing the influence of narrative and
timeliness to the bare minimum. Through
his tranquil and prudent perspective, together with his unique visual language, the
paintings reflect Shao Fan’s attitude towards life. In addition to painting, his creation
further diversifies across a wide range encompassing sculpture, graphic design and
horticultural design. His deconstructed,
recreated Chinese classical furniture won
him the distinction of being the first Chinese
artist whose work is collected by the V&A
Museum in London, UK. His work has
recently been exhibited at the National
Portrait Gallery in Canberra, Australia; The
4th Guangzhou Triennial in Guangzhou, China
and at Staatliche Kunstsammlung Dresden,
Germany.
Gli sfondi puri, pacifici di Shao Fan (*1964
Pechino, Cina) gli permettono di estrapolare
i suoi soggetti (animali, paesaggi e ritratti)
dalla volgarità che li circonda, riducendo in
tal modo ai minimi termini l’influsso narrativo e quello dell’attualità. Attraverso una
prospettiva tranquilla e prudente, unita a un
singolare linguaggio visivo, i dipinti riflettono l’atteggiamento di Shao Fan verso la
vita. Oltre alla pittura, la sua vivace forza
creativa si esprime anche negli ambiti della
scultura, dell’arte grafica e del design di giardini. Il Victoria & Albert Museum di Londra lo
ha inserito, quale primo artista proveniente
dalla Cina, nella propria collezione con i suoi
mobili cinesi classici decostruiti e rielaborati. Recentemente le sue opere sono state
esposte alla National Portrait Gallery di Canberra, Australia, alla IV Triennale di Guangzhou, Cina, e alla Galleria nazionale di Belle
Arti di Dresda, Germania.
Shao Fan
„Rabbit at Desk“ 2012
oil on canvas
210 x 170 cm
Fang Lijun
1999.2.1, 1998, woodcut, 488 x 732 cm
9
Private Collection, Switzerland
Courtesy Galerie Urs Meile,
Beijing-Lucerne
Walk of Art
8
St. Moritz
GALERIE Christophe Graber
Shi Jinsong
Walk of Art
Licence to Please – or
Explosive Amalgamation
Manifested in highly-polished surfaces and
intriguing forms, the aesthetics of power
is the theme central to the work of Chinese
conceptual artist Shi Jinsong (*1970).
Exhibitions at the Museum of Fine Arts in
Berne and the Centre Pompidou in Paris,
which exposed Shi Jinsong to a wider audience, located his juxtaposition of popular
symbols with formidable social and philosophical concerns at the intersection of highbrow and mass culture. This approach of
juxtaposition-and-synthesis also appears in
the jewellery creations of designer Christophe Graber, who takes inspiration from pop
culture’s superficial forms and materials,
and combines them with more profound
cultural and historical references.
“Baby Stroller” is the deceptively innocent title of the Shi Jinsong sculpture
being exhibited in Gallery Christophe Graber
in St. Moritz. This menacingly beautiful
object, created soon after the birth of his
daughter, belongs to the 2006 Na-ZhaBaby-Boutique series in which the artist
fabricated familiar baby accessories – rattles,
scooters, tricycles – incorporating fragments of threatening weaponry. As with
Shi Jinsong’s previous works, the sensational
“Baby Stroller” takes an ordinary aspect of
Chinese everyday life (“Na Zha” is the
Chinese God of the Lottery) and seamlessly
invests it with both private biographical
references and stinging critique of the globalized world economy, creating an amalgam
charged with explosive social criticism.
St. Moritz
11
Via Maistra 4 · 7500 St. Moritz · T +41 81 834 90 34 · www.galerie-karsten-greve.com
Montag - Samstag · Monday - Saturday · Lunedi - Sabato · 11 - 13, 15 - 18.30 h
Via Maistra 21 · 7500 St. Moritz · Tel +41 81 834 90 00 · www.christophegraber.com
www.burgercollection.org
täglich · daily · tutti i giorni · 11 - 19 h
Licence to Please – oder
Brisantes Amalgam
Die Ästhetik der Macht, die sich in faszinierenden Formen und spiegelnden Oberflächen zeigt, ist prägendes Thema des chinesischen Konzeptkünstlers Shi Jinsong
(*1970). Mit Ausstellungen im Kunstmuseum Bern und im Centre Pompidou in Paris
einem breiteren Publikum bekannt geworden, arbeitet Shi Jinsong an der Schnittstelle
von Hoch- und Massenkultur, verbindet populäre formale Elemente mit ambitionierten
gesellschaftlichen oder philosophischen Anliegen. Diese synthetisierende Haltung findet sich auch in den Schmuckkreationen
des Designers Christophe Graber, der sich
sowohl von tiefgründigen, kulturgeschichtlichen Motiven wie auch von populären
Formen und Materialien inspirieren lässt.
„Baby Stroller“ lautet der harmlose Titel
einer Skulptur von Shi Jinsong. die nun in
Christophe Grabers Galerie in St. Moritz
ausgestellt wird. Das martialisch-schöne
Objekt stammt aus der Na-Zha-BabyBoutique-Serie, die um 2006 entstand, als
Shi Jinsongs Tochter zur Welt kam. Aus
diversen Waffen-Versatzstücken hatte der
Künstler Neu-Interpretationen von bekannten Kinder-Accessoires geschaffen: Rasseln,
Trotinett, Dreirad, etc.. Wie schon in früheren Werken gelingt es Shi Jinsong auch im
aufsehenerregenden „Baby Stroller“ chinesische Alltagskultur – Na Zha ist der chinesische Gott der Lotterie –, die globalisierte
Weltwirtschaft und die eigene Biografie
zu einem eindrücklichen Werk zu amalgamieren, vollgepackt mit hintersinnig-gesellschaftskritischer Sprengkraft.
GALERIE KARSTEN GREVE
Zhou Tiehai
Licence to Please – ovvero
un amalgama dirompente
L’estetica del potere che si manifesta in
forme affascinanti e superfici riflettenti, è
una delle tematiche fondamentali dell’artista
concettuale Shi Jinsong (*1970).
Diventato ormai famoso presso un ampio
pubblico grazie alle mostre al Kunstmuseum di Berna e al Centre Pompidou di Parigi,
nella sua arte Shi Jinsong si trova a metà tra
la civiltà progredita e la cultura di massa,
unendo elementi formali popolari con le
ambiziose problematiche sociali o filosofiche. Questo approccio sintetizzante si trova
anche nelle creazioni di gioielli del designer
Christophe Graber, che si fa ispirare sia dai
motivi profondi legati alla storia culturale sia
da forme e materiali popolari.
“Baby Stroller” è l’innocente titolo di una
scultura di Shi Jinsong, ora esposta alla
galleria di Christophe Graber a St. Moritz.
L’oggetto caratterizzato da una bellezza
aggressiva viene dalla serie Na-Zha-BabyBoutique, nata intorno al 2006, quando venne
al mondo la figlia di Shi Jinsong. Utilizzando
diversi elementi estrapolati dal mondo delle
armi, l‘artista ha reinterpretato famosi accessori per bambini come il sonaglio, il monopattino, il triciclo ecc. Come già nelle sue
prime opere, Shi Jinsong riesce ad amalgamare anche nel sensazionale „Baby Stroller“
la cultura legata alla quotidianità cinese – Na
Zha è il dio cinese della lotteria –, l’economia mondiale globalizzata e la propria biografia in un’opera impressionante, con
pieno coinvolgimento del pubblico grazie
alla forza esplosiva della critica a doppio
senso nei confronti della società.
Shi Jinsong
„Baby Stroller”
Courtesy of the Burger Collection,
Hong Kong
Das Hauptthema des 1966 in Shanghai
geborenen Zhou Tiehai ist der „Zusammenprall der chinesischen und westlichen
Welt“, der sich unter anderem in der technischen Umsetzung seiner Bilder manifestiert. Ein Grossteil seiner Arbeiten besteht
aus Fragmenten von Pflanzen, Figuren,
Fischen oder Felsen. Diese für die traditionelle chinesische Malerei charakteristischen
Elemente werden nur ausschnitthaft und
stark vergrössert auf Leinwand gespritzt.
Hierdurch geht die typische, präzise Linienführung zugunsten von weichen, nahezu
unmerklichen Farbübergängen verloren.
Weniger offensichtlich, aber dennoch ein
wesentlicher Bestandteil seiner Kunst, ist
die Infragestellung des Künstlers als notwendiger Umsetzer der Bildgedanken.
Zhou Tiehai lässt die meisten seiner Airbrush-Bilder ganz im Sinne der westlichen
Konzeptkunst von Assistenten ausführen.
The oeuvre of Zhou Tiehai, born 1966 in
Shanghai, focuses on the clash of the Chinese with the Western world. A great part of
his works show fragments of plants, figures,
fishes or rocks. These elements are typical
of traditional Chinese paintings, but Zhou
Tiehai depicts them in a completely unconventional way by using the airbrush method.
This technique does not allow an accurate
line management but enables the artist to
create almost imperceptible colour passages. The untraditional way of artistic realisation is another crucial point of Zhou Tiehai’s
art. Much like in the Western Concept Art
he questions the role of the artist as the
person who necessarily creates the piece
of art by running a workshop which mainly
executes his airbrush paintings.
Zhou Tiehai
Bamboo, 2005, Acryl auf Leinwand, 160 x 200cm
Il tema centrale dell’opera di Zhou Tiehai,
nato nel 1966 a Shangai, è lo „scontro tra il
mondo cinese e quello occidentale“, che
fra l’altro si manifesta nella contaminazione
di tecniche dei suoi quadri. I suoi lavori sono
composti per lo più da frammenti di piante,
figure, pesci o rocce. Tali elementi, caratteristici della pittura tradizionale cinese, vengono spruzzati su tela, ma in modo frammentato e assai ingrandito. In tal modo si
perde il tratteggio tipico e preciso a tutto
vantaggio di passaggi di colore morbidi,
quasi impercettibili. Forse meno evidente,
eppure elemento essenziale della sua opera,
è la messa in discussione dell’artista quale
indispensabile traduttore di concetti in immagini. Zhou Tiehai fa eseguire gran parte
dei quadri ad aerografo da assistenti, seguendo l’arte concettuale occidentale.
Walk of Art
10
GALERIE andrea CARATSCH
not Vital
St. Moritz
12
FREEDOM
Die Galerie Andrea Caratsch eröffnet
neue Räume an der Via Serlas 12 mit einer
Werkübersicht 1986–2013 von Not Vital.
In drei Ausstellungsräumen werden 20
Skulpturen präsentiert. Die neuesten Arbeiten sind im Pekinger Atelier entstanden.
Edle Materialien wie Marmor, Gold, Silber
und Edelstahl werden neben „armen“
Stoffen wie Knochen, Plastik, Holz und
Gips verarbeitet; die Textur der Materialien
und die ungewöhnliche Formensprache
sind augenfällig.
Doch es ist das subtile Spiel zwischen dem
Sichtbaren und dem Unsichtbaren, zwischen Form und Inhalt, Natur und Kultur,
welches das Œuvre Not Vitals besonders
reizvoll macht. Seine Arbeiten entstehen
aus einer engen Verbundenheit mit der
Engadiner Berg- und Gedankenwelt und
schlagen gleichzeitig Brücken zu den entferntesten Kontinenten und Kulturen. Seine
Kunst dreht sich um das Existentielle und
hebt über Kulturen hinweg Gegensätze auf.
Galerie Andrea Caratsch is opening a new
space at Via Serlas 12 with a Not Vital
retrospective including works dating 1986–
2013. A total of 20 sculptures will be presented, the latest of which were created in
Vital’s Beijing studio. Precious materials
such as marble, gold, silver and stainless
steel are used in addition to “poor” materials
like bone, plastic, wood and plaster; the
texture of the materials and the unusual formal language are his trademark.
However, it is the subtle interplay between
the visible and the invisible, between form
and content, nature and culture, which makes
Not Vital’s work particularly intriguing. His
sculptures result from an intimate relationship with the Engadine mountains and the
mentality of their people, yet building bridges
to the most remote continents and cultures.
His art revolves around the existential and
brakes down differences across cultures.
TO DAY D R E A M
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Not Vital
Mond, 2004, White statuario marble, Ed. of 2, ø 130 cm (51 1/5 in.)
S i l vap l a n a–S u rl e j / Swi t zerl a n d
n i raa l pi n a .com
Galerie Andrea Caratsch apre un nuovo
spazio in Via Serlas 12 con una retrospettiva
sulle opere di Not Vital dal 1986 al 2013. In
tre sale d’esposizioni vengono presentate
20 sculture – gli ultimi lavori sono nati nel
suo studio di Pechino. Materiali pregiati
come marmo, oro, argento e acciaio inossidabile si alternano a materie più “povere”
come ossa, plastica, legno e gesso; qui
spiccano la consistenza dei materiali e l’inconsueto linguaggio delle forme.
Ed è proprio la sottile interazione tra il visibile e l’invisibile, tra forma e contenuto, tra
natura e cultura, a rendere le opere di Not
Vital particolarmente entusiasmanti. I suoi
lavori nascono da uno stretto vincolo con le
montagne e la mentalità dell’Engadina e
gettano al contempo ponti verso le culture
e i continenti più lontani. La sua arte verte
sull’esistenziale elevandosi oltre le culture,
alla ricerca degli opposti.
Walk of Art
Via Serlas 12 & 35–37 · 7500 St. Moritz · www.galeriecaratsch.com
Montag - Samstag · Monday - Saturday · Lunedì - Sabato · 14 - 19 h
St. Moritz
Kulm Hotel & Schlossereiwerkstatt
SéBaStIEn DE GanaY
Walk of Art
Schlossereiwerkstatt, Via Aruons 33, 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In de Ganays Kunst geht es in erster Linie
um Interaktivität und Partizipation. Sie ist
weit entfernt von den „coolen“ Produktionen des Minimalismus oder der Simulationskunst. De Ganay räumt der Rolle des
Betrachters als Teilnehmer ein Vorrecht ein.
Seine Braille-Arbeiten, Karton-Werke oder
Punktbilder operieren mit einer neuen Methode, die als „Relationaler Minimalismus“
bezeichnet werden könnte. Die Werke sind
nicht von Hand hergestellt, sondern industriell
produziert, sie betonen den Inhalt gegenüber der Form und übersetzen das Objekt
in eine benutzerfreundliche Kategorie, die
einem allgemeinen Publikum zugänglich
ist. De Ganays Methode ist begründet in
einem „offenen System“, einer vielfältigen
Auswahl von einfachen Elementen, die zu
immer komplexeren Strukturen zusammengebaut werden. Die einfachen geometrischen Formen können sich rasch multiplizieren, um so neue Kunstwerke zu bilden.
Inspiriert vom Zusammen- und Auseinanderfalten, wie wir es alle kennen, zeugen
die XL-Carton Chairs von der Kreativität, die
sich in unseren einfachsten Gesten verbirgt, und erinnern uns an die Unbeständigkeit unserer Gegebenheiten.
Sébastien De Ganay
Sean, 2010, oil on felt + epoxy · 130 / 189 cm
De Ganay’s art is above all one of interactivity and participation. Far from being the
“cool” production of Minimalism or Simulationist art, his practice demonstrates a truly
”relational aesthetic”. He privileges the
role of the viewer as participant. His Braille
works, carton series or dot paintings produce a new order of practice which could
be termed Relational Minimalism. The
works are manufactured rather than handcrafted artefacts, they emphasize content
over form and transpose the work into a
user-friendly category accessible to a general public. His practice is founded on the
notion of an “open system”, a varied menu
of simple elements, building into more and
more complex structures. The simple geometric elements can quickly multiply to
form new artworks. Inspired by the folding
and unfolding we all know and do, the XL
carton-chairs testify to the creativity that
our most ordinary gestures reveal, reminding us of the impermanence of our condition.
Nella sua arte De Ganay si concentra in
prima linea sull’interattività e sulla partecipazione. Siamo molto lontani da certe produzioni accattivanti del minimalismo o del
simulazionismo. De Ganay accorda allo
spettatore il privilegio di un ruolo attivo,
partecipe. Le sue opere in braille, i lavori su
cartone o i quadri a punti obbediscono a un
nuovo metodo, che si potrebbe definire
„minimalismo relazionale“. Le opere non
vengono prodotte a mano, ma in maniera
industriale; esse rivalutano il contenuto
rispetto alla forma e trasportano l’oggetto
in una categoria di facile comprensione,
accessibile a un pubblico più ampio. Il metodo di Sébastien de Ganay si fonda su un
„sistema aperto“, una scelta quanto mai
varia di elementi semplici che vengono
assemblati in strutture sempre più complesse. Le forme geometriche semplici
possono moltiplicarsi velocemente, dando
quindi vita a nuove opere d’arte. Così, ispirate dal piegare e dispiegare, azioni che tutti
noi conosciamo, le XL-Carton Chairs testimoniano la creatività che si cela dietro i
nostri gesti più banali. E la riconducono alla
mutevolezza della nostra condizione.
Schlossereiwerkstatt
KUENG CAPUTO
St. Moritz
Schlossereiwerkstatt, Via Aruons 33, 7500 St. Moritz · T +41 (0)79 747 74 63
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Happen Projects
Sarah Kueng und Lovis Caputo arbeiten
seit ihrem Design-Studium an der Zürcher
Hochschule der Künste als Partner. Das
Schweizer Künstler/Designer-Duo praktiziert
in seinen Design-Arbeiten einen Ansatz, der
sich nicht auf gängige Referenzsysteme –
oder in ihren eigenen Worten auf ‘künstlichen Grenzen’ – beschränken lässt. Durch
die sorgfältige Beobachtung der materiellen Welt, sozialer Haltungen und kultureller
Kontexte fordern sie in der meisterlichen
Handhabung der Improvisation Unerwartetes heraus. In ihren Objekten und Installationen ist die Unvollkommenheit Teil einer
Strategie, durch die sie einen Kommentar
zu Design und seinem Kontext bieten.
Die Bodeninstallation in der ehemaligen
Schlossereiwerkstatt wurde als ‘Bühne’ für
die Design Ausstellung Neu/Vertraut konzipiert. Die Farbformen, die durch das traditionelle Engadiner Sgraffito inspiriert sind,
bilden eine neue Wahrnehmungsebene,
welche die Beziehung zwischen vergangener und gegenwärtiger Anwendung in den
Raum stellt.
Sarah Kueng e Lovis Caputo collaborano
fin da quando erano studenti di design all’Istituto Superiore di Belle Arti di Zurigo, dal
2004 al 2008. Questo duo svizzero di designer/
artisti ha un approccio al design che trascende i tradizionali contesti di riferimento
o, come loro affermano, i “confini artificiali”.
Motivato da una scrupolosa osservazione
del mondo materiale e dall’attenzione ai
fenomeni sociali e culturali, il loro processo
creativo ha il suo punto di forza nell’improvvisazione che provoca risultati sorprendenti.
I loro oggetti e le loro creazioni denotano
una ricercata imperfezione, con cui stimolano commenti sul design stesso e il proprio
contesto.
Il pavimento dell’officina dismessa è stato
concepito da Kueng Caputo come scenografia per la mostra di design Neu/Vertraut.
Il linguaggio delle forme colorate, ispirate
agli sgraffiti engadinesi, crea una nuova
percezione nella relazione fra usi passati e
presenti.
Sarah Kueng and Lovis Caputo have worked
in partnership since they were both students of design at the Zurich University of
the Arts from 2004 to 2008. The Swissborn designer/artist duo practice design
with an approach that is not restricted by
obvious reference systems or, in their
words, ‘artificial boundaries’. Driven by a
meticulous observation of the material world
and attention to social attitudes and cultural
contexts as a source of inspiration, their
creative approach masters improvisation
and challenges the unexpected. Their objects
and installations articulate imperfection and
offer a commentary on design and its context.
The floor installation in the former metal
workshop was conceived as a ‚stage‘ for
the design exhibition Neu/Vertraut. Inspired
by traditional Engadine sgraffiti, the coloured
shapes form a new layer of perception that
negotiates the correlation between past
and current use.
Kueng Caputo
Schlossereiwerkstatt, 2013 · Bodenfarbe auf Gussbeton
14
Walk of Art
13
St. Moritz
CHÂTEAU PAPILLON des ARTS
PIERo del bondio
Walk of Art
Via Foppas 15 · 7500 St. Moritz · Tel +41 79 423 0271
täglich · daily · tutti i giorni · 16 - 19 h
Piero del Bondio ist 1947 in Stampa geboren
und wächst im Bergell auf. An der Kunstgewerbeschule in Luzern besucht er die Fachklasse Skulptur und bildet sich an der
Académie des Beaux-Arts, Paris und an der
Accademia di Belle Arti, Rom weiter.
Längere Aufenthalte folgen in Spanien, Portugal und besonders in Frankreich, wo er im
Atelier „Les Grisons“ in der Cité Internationale des Arts in Paris arbeitet. 1981 kehrt
Piero del Bondio ins Bergell zurück.
„Meine Kunst ist meditativ und vergänglich
wie das Leben selbst“, so beschreibt der
eigenwillige Künstler seine Arbeit.
Das Werk Piero del Bondios bewegt sich
zwischen Minimal Art und Arte Povera. Ihm
gelingt es immer wieder, mit neuen Facetten
seiner Kreativität zu überzeugen, die beeinflusst ist von orientalischen Philosophien.
Materialien wie Erde, Kalk und Papier stehen
im Zentrum seines gestalterischen Schaffens, das durch archaische Kraft, Schlichtheit und Ausdrucksstärke beeindruckt. Die
Skulpturen, Installationen, Zeichnungen und
Aquarelle lassen Alltägliches aus veränderten Perspektiven und in neuen Dimensionen erfahren, sind intensiv und strahlen
gleichzeitig eine kontemplative Ruhe aus.
Piero del Bondio
@Yoko
Piero del Bondio was born in 1947 in
Stampa and grew up in the valley of
Bregaglia. At Lucerne University of Applied
Sciences and Arts he takes specialized
classes in sculptur and he studies further at
Académie des Beaux-Arts, Paris and at
Accademia di Belle Arti, Rome. Longer
stays follow in Spain, Portugal and especially
in France where he works at the Atelier
„Les Grisons“ at Cité Internationale des
Arts in Paris. In 1981 Piero del Bondio returns to Bregaglia.
„My art is meditative and transient, such as
life itself“, this is how this unconventional
artist describes his work.
Piero del Bondio’s oeuvre moves between
Minimal Art and Arte Povera. Again and
again he succeeds in convincing with new
facets of his creativity which is influenced
by oriental philosophies. Soil, limestone
and paper are the core materials of his
creative work which impresses by archaic
power, simplicity and strength of expression.
The sculptures, installations, drawings and
watercolours make the viewer perceive
everyday things in diversified perspectives
and in new dimensions, they are intense
and radiate a contemplative peace at the
same time.
Piero del Bondio è nato nel 1947 a Stampa
ed è cresciuto in Val Bregaglia. Alla Scuola
di Arti Applicate a Lucerna si specializza nel
ramo della scultura e si perfeziona poi
all’Académie des Beaux-Arts di Parigi e
all’Accademia di Belle Arti di Roma. Soggiorni più lunghi seguono in Spagna, Portogallo e specialmente in Francia, dove lavora
presso lo studio „Les Grisons“ nella Cité
Internationale des Arts di Parigi. Nel 1981
Piero del Bondio ritorna in Val Bregaglia.
„La mia arte è meditativa e transitoria come
la vita stessa“, così l‘anticonvenzionale artista descrive il suo lavoro.
L’opera di Piero del Bondio si muove tra
Minimal Art e Arte Povera. La sua creatività,
influenzata dalle filosofie orientali, riesce
sempre a convincere con nuove sfumature.
Materiali come terra, calce e carta stanno al
centro del suo lavoro creativo che impressiona tramite forza arcaica, sobrietà ed
espressività. Le sue opere, le sculture, le
installazioni, illustrazioni e acquarelli, mostrano e fanno percepire aspetti quotidiani da
un punto di vista inedito e con nuove dimensioni. Pur intense, riflettono allo stesso
tempo una tranquillità contemplativa.
Posthaus St. Moritz
Su-Mei Tse
St. Moritz
Via dal Vout 3 · 7500 St. Moritz · (Galerie Tschudi)
täglich · daily · tutti i giorni
Weitere Informationen · more information · ulteriori informazioni:
Tschudi Galerie · Chesa Madalena · Somvih 115 · 7524 Zuoz · T +41 81 850 13 90
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Galerie Tschudi Zuoz
Die chinesischen Schriftzeichen für die
Himmelsrichtungen wurden von Su-Mei
Tse überdacht. Sie streben nicht exakt den
„geraden Weg“ an. Der Übergang zum
Neonlicht, eine künstlerisch subtile Abweichung, wandelt hier die Ideogramme in
Licht um. Dabei überschreiten die Symbole
ihre Bedeutung und werden zu abstrakten,
offenen Bildern. Im Gegensatz zum Westen, wo die Richtungen vertikal konzipiert
werden, sind sie bei den Chinesen horizontal. Dieser künstlerische Kompass erweitert auch den Horizont unseres Daseins
und erinnert daran, dass es möglich ist, die
Welt auf andere Weise wahrnehmen.
Su-Mei Tse, eine chinesisch-britische
Künstlerin, lebt in Luxemburg und Berlin.
Sie spielt auch Cello. Sie stellt international
aus und erhielt unter anderem Auszeichnungen wie den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig im Jahr 2003. Ihre Arbeit
ist oft eine heikle Passage von Sprache zu
Bild, von Musik zu Stille, von Anwesenheit
zu Abwesenheit, wie ein Wunsch, das Offensichtliche aufzuheben.
Gli ideogrammi cinesi utilizzati per indicare
i punti cardinali sono stati ripensati da
Su-Mei Tse: non aspirano a indicare esattamente la „retta via“. Il ricorso alla luce al
neon, sottile deviazione artistica, trasforma
gli ideogrammi in pura luminosità. Così i
simboli oltrepassano il loro significato e diventano immagini astratte, dischiuse. In
contrasto con il mondo occidentale, dove le
direzioni sono concepite verticalmente,
presso i cinesi sono in orizzontale: questa
bussola artistica tende dunque ad ampliare
l’orizzonte della nostra esistenza e ci ricorda
che è possibile percepire il mondo in modo
diverso.
Su-Mei Tse, un’artista anglocinese, vive in
Lussemburgo e a Berlino. Suona anche il
violoncello. Le sue opere sono esposte a
livello internazionale e hanno ottenuto vari
riconoscimenti, tra cui il Leone d’oro alla
Biennale di Venezia 2003. Il suo lavoro consiste spesso in un delicato passaggio dalla
lingua all’immagine, dalla musica al silenzio,
dalla presenza all’assenza, quasi un desiderio di sospendere l’ovvietà.
The chinese characters for the cardinal
points, reconsidered by Su-Mei Tse, don‘t
exactly aspire to being the «straight path».
The transition to the neon light, an artistic
subtle deviation, here transforms the ideograms into light. Thereby, the symbols
exceed their meaning and become abstract, open images. And because, contrary
to the West where the directions are conceived vertically, the Chinese ones are based
on horizontality; this artistic compass tends
also to expand the horizons of our existence
by reminding us that it is possible to perceive
the world in another way.
Su-Mei Tse, a Sino-British artist, lives between Luxembourg and Berlin. She also
plays the cello. She exhibits internationally
and has received, among other prestigious
awards, the Golden Lion at the Venice
Biennale in 2003. Her work is often a delicate passage from language to image, from
music to silence, from presence to absence, like a desire to suspend the obvious.
Su-Mei Tse
Dong, Xi, Nan, Bei (East東, West西, South南, North北), 2006
Neon, Edition of 5, 60 x 60 cm
16
Walk of Art
15
St. Moritz Suvretta
Hotel Suvretta House
Tchan FAu-li (Chen Fuli)
Walk of Art
Via Chasellas 1 · 7500 St. Moritz
ganztägig geöffnet · open all day · open all day
Tchan Fau-li (Chen Fuli), 1916 geboren,
ist ein Fotograf, der viele ethnisch reiche
Fotos gemacht hat. Um die HongkongFotografie aus dem Kontext des westlichen
Piktorialismus zu lösen, erklärte er, dass
„Landschaftsfotografie die etablierte Tradition der chinesischen Malerei ehren solle“
und er plädierte für einen „verbindenden
Stil von Fotografie und Malerei“. Er arbeitete sein ganzes Leben daran, die Ästhetik
der chinesischen Malerei auf die Fotografie
anzuwenden, mit der Vision, am Ende
Hongkong-Fotografien zu schaffen, die von
der gleichen Ästhetik geprägt sind. Tchan
Fou-li gründete die chinesische „Photographic Association of Hong Kong“, eine Vereinigung von überwiegend chinesischen Fotografen. Seine Arbeiten sind durch einen
starken Sinn für die chinesische Geschichte
und Poesie gekennzeichnet, sowohl was
die schwarz-weissen als auch was die farbigen Abzüge betrifft.. Fuli hat den einzigartigen „Tchan Style“ begründet.
Tchan Fau-li (Chen Fuli), born 1916, is a
photographer who has created many ethnically rich photos. To detach Hong Kong photography from the context of western pictorialism, he posted that “landscape photography should honour the tradition established by Chinese painting“ and promote a
“composite-style of photography and painting”. He has worked his entire life to apply
the aesthetics of Chinese painting to photography with a vision of eventually creating
Hong Kong photos imbued with those
same aesthetics. Tchan Fou-li founded the
Chinese Photographic Association of Hong
Kong, an association comprised mostly of
Chinese photographers. His work is mainly
characterized by a strong sense of Chinese
heritage and poetics in black and white as
well as in color prints. Fuli has established
the unique „Tchan Style“.
Chen Fuli
Tchan Fau-li (Chen Fuli), nato nel 1916, è
un fotografo a cui si devono molti scatti
fortemente etnici. Per liberare l’ambiente
fotografico di Hong Kong dal contesto del
pittoricismo occidentale, ha dichiarato che
„la fotografia paesaggistica dovrebbe onorare l’affermata tradizione della pittura cinese“
e ha promosso „uno stile che combinava
fotografia e pittura“. Ha dedicato tutta la
sua vita a far sì che l’estetica della pittura
cinese fosse introdotta nella fotografia,
spinto dal sogno di imprimere quella stessa
estetica alle immagini di Hong Kong. Tchan
Fau-li ha fondato la „Chinese Photographic
Association of Hong Kong“, composta principalmente da fotografi cinesi. Le sue opere
sono caratterizzate da un forte senso per la
storia e la poesia cinesi, come pure dall’utilizzo del bianco e nero nelle sue stampe a
colori. A Fuli si deve il singolare „Tchan Style“.
Engadiner MUSeum
Jan Fabre
St. Moritz
Via dal Bagn · 7500 St. Moritz · T +41 81 833 43 33 · www.engadiner-museum.ch
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 12 h & 14 - 17 h
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Guy Pieters Gallery
Der breiten Öffentlichkeit ist der Künstler,
Theatermacher und Autor Jan Fabre
(*1958, Antwerpen) durch seine grossen
Bronzen “Wie der Mann, der die Wolken
misst” (1988) und “Auf der Suche nach
Utopia” (2003) bekannt. In dieser Ausstellung sehen wir einen neuen Aspekt der
Beziehung Fabres zu diesem Edelmetall. Sie
zeigt eine Reihe von kleinen Bronzen, die er
zwischen 2006 und 2012 hergestellt hat.
To the general public, the artist, theatre-maker and author Jan Fabre (Antwerp, 1958)
is renowned for his large bronzes, such as
“The man who measures the clouds”
(1988) and “Searching for Utopia” (2003).
In this exhibition we see a different aspect
of Fabre’s relationship with this precious
metal. It shows the series of small bronzes
he made between 2006 and 2012.
Presso il grande pubblico l’artista, regista di
teatro e autore Jan Fabre (*1958, Anversa)
è conosciuto per i suoi grandi bronzi “L’uomo che misura le nuvole” (1988) e “Alla
ricerca dell’Utopia” (2003). Nella presente
esposizione conosciamo un nuovo aspetto
del rapporto di Fabre con questo metallo
nobile. In mostra, ecco una serie di piccoli
bronzi creati tra il 2006 e il 2012.
In these new works Fabre explores the
many facets of life and death: he plants a
laurel between the wing-cases of a beetle,
mounts a compass in a skull, and lets a
crust of drawing pins grow over a self-portrait with truncated ram’s horns. Some of
the works are completely new creations,
while others refer to earlier elements in his
oeuvre. The glow of the bronze gives them
a sacral aura: they become sacred relics.
Fabre’s bronzes are given a special treatment so they do not oxidise; in this way they
retain a sublime golden shine. They thereby refer to the tradition of gilding in art.
Nei suoi nuovi lavori l’artista esplora l’eterogeneità della vita e della morte: pianta un
alloro tra le elitre di un coleottero, costruisce una bussola dentro un teschio e lascia
crescere un’incrostatura di puntine da disegno sopra il suo autoritratto con corna di
montone. Alcune delle opere sono creazioni del tutto inedite, mentre altri elementi
fanno riferimento alla produzione precedente. La lucentezza del bronzo dona loro
un’aura sacrale: diventano così reliquie sacre. I bronzi di Fabre vengono sottoposti a un
trattamento particolare, per evitarne l’ossidazione; in tal modo conservano un sublime
splendore dorato. E richiamano senz’altro la
tradizione della doratura nell’arte.
In diesen neuen Arbeiten erforscht Fabre
die Vielgestaltigkeit von Leben und Tod: Er
setzt einen Lorbeerzweig zwischen die Flügeldecken eines Käfers, baut einen Kompass in einen Schädel ein und lässt eine
Kruste von Reissnägeln über seinem
Selbstportrait mit Widderhörnern wachsen.
Einige der Werke sind völlig neue Kreationen, während andere Elemente auf sein
früheres Oeuvre verweisen. Das Leuchten
der Bronze verleiht ihnen eine sakrale Aura:
sie erscheinen dadurch wie heilige Reliquien.
Fabres Bronzen erhalten eine besondere
Behandlung, damit sie nicht oxidieren können;
auf diese Weise behalten sie einen erhabenen goldenen Glanz. Sie verweisen dabei
auf die Tradition der Vergoldung in der Kunst.
Jan Fabre
Avant-grade, bronze, 2012, 8,3 x 96 x 34,4 cm
photo: Pat Verbruggen, © Angelos bvba
18
Walk of Art
17
St. Moritz
„Eglise Au Bois“
Robert Wilson
„Eglise Au Bois“
Paul Thek
Walk of Art
Französische Kirche / French Church / Chiesa Francese · Plazza Paracelsus · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
KOOL - Snowy Owl Video Portrait
„Ich denke, dass diese Arbeiten in vielfältiger Weise gesehen werden können. Sie
können im Museumbereich oder in
U-Bahn-Stationen gesehen werden. Sie
können an Orten gesehen werden, wo die
Leute Schlange stehen wie in Flughäfen.
Sie könnten auf einer Armbanduhr sein. Sie
können im Fernsehen sein. Sie können ein
Bild in Ihrem Hause sein. Sie können an der
Wand hängen. Sie könnten in einem Kamin
sein – anstelle eines Feuers. An einer Wand
zu Hause, können sie wie ein Fenster sein
– ein Fenster, das uns eine andere Welt
zeigt. Es ist etwas sehr Persönliches. Es ist
ein Dokument unserer Zeit. Sie sind was
ich Porträts nenne.“– Robert Wilson
In der griechischen Mythologie wurde die
Eule oft mit der Göttin Athene, der Vogel-Göttin, in Verbindung gebracht, die mit
Weisheit, den Künsten und Fähigkeiten assoziiert wird. Aus diesem Grund werden
Eulen für weise gehalten. Durch die Integration einer Vielzahl von kreativen Elementen wie Beleuchtung, Kostüm, Make-up,
Choreografie, Gestik, Text, Sprache, Bühnenbild und Erzählung handeln Robert
Wilsons Video-Porträts von einer vollständigen Synthese aller Medien. Das Medium
der Serie ist HD-Video, die aber durch zeitbasierte Kameraarbeit, mit den gefrorenen
Momenten der Fotografie, verwischt wird.
Robert Wilson
Kool (Snowy Owl), 2006
High definition video
KOOL – Snowy Owl Video Portrait
“I think these works can be seen in numerous ways. They can be seen in museum
spaces. They can be seen at subway stops.
They can be seen in places where people
are queuing in airports. They could be on
the face of a wristwatch. They could be on
TV. They can be an image in your home.
They can be hanging on a wall. They could
be in a fireplace – the way we have a fire.
On a wall at home, they can be like a
window – a window that shows us another
world. It’s something very personal. It’s a
document of our time. They are what I call
portraits.” – Robert Wilson
In Greek mythology the owl was often associated with the goddess Athena, a bird
goddess who became associated with wisdom, the arts, and skills, and as a result,
owls became associated with wisdom. By
incorporating a multitude of creative elements; lighting, costume, make-up, choreography, gesture, text, voice, set design and
narrative – Robert Wilson’s Video Portraits
act as a complete synthesis of all the media
in the realm of his art-making. The medium
for this series is HD video, but the form
blurs timebased cinematography with the
frozen moment of still photography.
St. Moritz
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Französische Kirche / French Church / Chiesa Francese · Plazza Paracelsus · 7500 St. Moritz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
KOOL - Snowy Owl Video Portrait
„Penso che queste opere possano essere
viste in situazioni diverse. Possono essere
viste in un museo o nelle stazioni del metrò.
Possono essere viste in luoghi dove la gente sta in fila, come agli aeroporti. Potrebbero trovarsi sul cinturino di un orologio.
Possono comparire in tv. Possono essere
un quadro nella vostra casa. Possono essere appese a una parete. Potrebbero stare in
un caminetto, al posto del fuoco. E sulla
parete di una casa possono sembrare una
finestra; una finestra che ci mostra un altro
mondo. È qualcosa di molto personale. È un
documento del nostro tempo. Queste opere sono ciò che io chiamo Ritratti.“– Robert
Wilson
Nella mitologia greca la civetta era sacra ad
Atena, la dea alata associata alla sapienza,
alle arti e al talento. Ecco perché le civette
sono spesso simbolo di saggezza. Attraverso l’integrazione di numerosi elementi creativi come illuminazione, costume, trucco,
coreografia, gestualità, testo, lingua, scenografia e racconto, i Videoritratti di Robert
Wilson trattano di una sintesi completa di
tutti i mezzi espressivi. Il mezzo di supporto
della serie è il video HD che, tuttavia, grazie
a un lavoro basato sui tempi della telecamera viene sfumato dagli effetti congelati della
fotografia.
Paul Thek (1933–1988) war ein US-amerikanischer Zeichner, Maler, Bildhauer und
Installationskünstler. Seine Talente als
Zeichner und Handwerker befähigten ihn
Arbeiten in allen erdenklichen Medien und
Materialien herzustellen. Thek kann als
bahnbrechender Multimedia-Künstler im
wahrhaften Sinn bezeichnet werden. Er
nutzte seine religiösen als auch seine kulturellen Erfahrungen aus New York City sowie auch die Erfahrungen seiner langen
Aufenthalte in Europa für seine Arbeit. Sein
Themenspektrum bewegt sich von Spiritualität über Philosophie bis hin zu Gesellschafts- und kunsthistorischer Kritik. Seine
Kunst ist humorvoll, selbstkritisch und erhaben.
»Kunst ist Liturgie; und wenn das Publikum
auf den heiligen Charakter der Symbole reagiert, dann hoffe ich, dass ich mein Ziel
erreicht habe, wenigstens in jenem Moment.« (Interview, Szeemann/Thek 1973).
In der Französichen Kirche, im Kontext von
Robert Wilsons Videoinstallation, wird seine Skulptur „Pink Cross with feathers“
(1969) präsentiert. Thek traf Wilson in New
York City im selben Jahr, als Wilson eine
neue Form der Oper „School with Birds“
entwickelte. Wilson und Thek haben künstlerisch kooperiert und sich gegenseitig ihr
Leben lang beeinflusst. Somit ist diese von
Robert Wilson kuratierte und auf den Ort
der Kirche zugeschnittene Ausstellung eine
ganz besondere, da sie zwei Künstler wiedervereint, die seit über 40 Jahren nicht
mehr zusammengebracht wurden.
Paul Thek (1933 – 1988) was an American
painter, sculptor and installation artist. His
technical skills as a draftsman and craftsman enabled him to create works in every
material imaginable. Thek can be considered a ground-breaking multi-media artist in
the true sense. Thek always used his religious experience, American and more specifically New York City cultural experience as
well as impressions from his travels and
studies in Europe to inform his art. Thek‘s
art ranges in a wide area of topics from spirituality, philosophy andsexuality to a critical
look at social, class and art historical issues. His art is always humorous, self critical
and sublime.
„Art is Liturgy, and if the public responds to
its sacred character, then I hope I have realized my aim, at least at that instance.“
(Thek interviewed by Harald Szemann
1973).
At the French Church, in the context of the
multi-channel-video-installation by Robert
Wilson we will present Thek’s object „Pink
Cross with feathers“ from 1969. Thek met
Robert Wilson in New York City in the same
year as Wilson was performing and directing a new kind of opera with his “School of
Byrds”. Wilson and Thek collaborated on a
number of performances at the time, both
artists exerting a profound and lifelong influence on each other.
The presentation at the French Church is
very a special one, reuniting two artists
whose works have not been shown together in over 40 years.
Paul Thek (1933–1988) è stato un disegnatore, pittore, scultore e autore di installazioni statunitense. Il suo talento come artigiano e disegnatore gli ha permesso di lavorare
con tutti i mezzi espressivi e i materiali immaginabili. Thek potrebbe essere definito,
nel senso più vero del termine, un pioniere
dell’arte multimediale. Per la sua produzione ha utilizzato le proprie esperienze religiose, quelle culturali vissute a New York, ma
anche le esperienze legate ai lunghi soggiorni in Europa. Le tematiche trattate variano
dalla spiritualità alla filosofia fino alla critica
sociale e della storia dell’arte. La sua arte è
sublime, ricca di umorismo e autocritica.
»L’arte è liturgia; e quando il pubblico reagisce di fronte al carattere sacro dei simboli,
io spero di aver raggiunto il mio obiettivo,
per lo meno in quell’istante.« (Intervista,
Szeemann/Thek 1973).
Nella chiesa francese, nel contesto della videoinstallazione di Robert Wilson, viene
presentata la sua scultura „Pink Cross with
feathers“ (1969). Thek incontrò Wilson a
New York proprio negli anni in cui quest’ultimo stava sviluppando una nuova forma
della sua opera „School with Birds“. Wilson
e Thek hanno collaborato a livello artistico,
influenzandosi l’un l’altro per tutta la vita.
Pertanto questa combinazione, curata da
Robert Wilson e adattata agli ambienti della
chiesa, è davvero peculiare, in quanto riunisce i due artisti dopo oltre 40 anni.
Paul Thek
Pink Cross with Feathers, 1969, collection of Tom Lenders
Produced by Dissident Industries, Inc.
Walk of Art
19
St. Moritz
KEMPINSKI GRAND HOTEL DES BAINS
“Emotional Stories”
Walk of Art
Aus einer Vielzahl von Perspektiven, zeigt
die Ausstellung „Emotional Stories“, wie
die Künstler die Herausforderung gelöst haben und bietet neue Möglichkeiten, um
über zeitgenössische visuelle Praxis nachzudenken. Dem Publikum wird die Macht
der Evokation der Fotografie näher gebracht. Die erzählende Kraft des Mediums
schafft starke Momente der Meditation von
bekannten und gelobten Meistern wie Liu
Heung Shing, Patrick Demarchelier, Ehrs,
Joel Meyerowitz, Ferdinando Scianna,
Hans-Georg Esch, Mimmo Jodice ...
Vorträge, Künstlergespräch und Projektionen von Filmen sind auch für die verschiedenen Bereiche des St Moritzer Walk of Art
geplant.
Joel Meyerowitz
Camel Coats, New York City, 1975
This year the Exhibition will integrate the
photography component with the principal
theme of “China”. Through many contributions we plan to pay attention to how photography is a narrative medium, capable to
describe particular historical moments or
moments in everyday life. Capturing intimate
moments of strong inspiration or evocative
landscape views, the photographers are
able to reproduce in a single picture a magic
sequences of emotions like in a movie storyline.
From a variety of perspectives, the exhibition
“Emotional Stories” shows how the artists
have solved that challenge, offering new
ways to think about what contemporary
visual practice is and what it will become.
The audience will become closer to the
power of evocation of photography. The
narrative force of the medium will create
strong moments of meditation from Masters that are known and acclaimed to the
large public like Liu Heung Shing, Patrick
Demarchelier, Bruno Ehrs, Joel Meyerowitz,
Ferdinando Scianna, Hans-Georg Esch,
Mimmo Jodice...
Lectures, artist talk and projections of films
are also planned for various different spaces on the St Moritz Walk of Art circuit.
St. Moritz
22
Via Mezdi 27 · 7500 St. Moritz
ganztägig geöffnet · open all day · tutto il giorno
Via Mezdi 27, 7500 St. Moritz
ganztägig geöffnet · open all day · tutto il giorno · 10 - 18 h
In diesem Jahr wird die Fotografie-Ausstellung „China“ als Hauptthema behandeln.
Durch viele Beiträge planen wir die Aufmerksamkeit auf Fotografie als narratives
Medium zu lenken, welches in der Lage ist,
bestimmte historische Momente oder Augenblicke im Alltag zu beschreiben. Intime
Momente voll starker Inspiration oder stimmungsvolle Landschaftsaufnahmen werden
eingefangen. Die Fotografen sind fähig in
einem einzigen Bild magische Sequenzen
von Emotionen wie in einer Filmhandlung
zu reproduzieren.
Kempinski gRAnd Hotel des Bains
Liu Heung Shing
Quest‘anno la mostra si propone di integrare
la componente dedicata alla fotografia con il
tema principale della „Cina”. Attraverso numerosi contributi abbiamo voluto prestare
attenzione a come la fotografia sia un
potente mezzo narrativo, in grado di immortalare la storia così come di raccontare particolari della vita di tutti i giorni. Catturando
momenti intimi di forte ispirazione o suggestivi scorci paesaggistici, i fotografi sono in
grado di riprodurre in una singola immagine
una magica sequenza di emozioni come in
una trama cinematografica.
Da una varietà di punti di vista, „Emotional
Stories“ mostra come gli artisti hanno risolto
questa sfida offrendo nuovi modi di pensare
a ciò che la pratica visiva contemporanea è
e cosa diventerà. Il pubblico si avvicinerà al
potere evocativo della fotografia. La forza
narrativa del mezzo stimolerà la contemplazione delle opere di Maestri noti e acclamati
dal grande pubblico quali Liu Heung Shing,
Patrick Demarchelier, Bruno Ehrs, Joel
Meyerowitz, Ferdinando Scianna, Hans-Georg
Esch, Mimmo Jodice...
Conferenze, Artist Talk e proiezioni di film
sono programmate nei vari spazi del circuito
della St Moritz Art Walk.
2013 ist China eine Wirtschaftsmacht, die
weltweit den grössten kommerziellen
Markt hat, Verbraucher natürlicher Ressourcen ist und Appetit auf das Beste von allem
hat. Vor dreissig Jahren waren alle Menschen gleich arm, heute hat China mehr als
eine Million Millionäre und die Kluft zwischen arm und reich ist so gross wie in den
USA. Der Anbruch der Wirtschaftsreformen im Jahr 1978 hat nur langsam Einzug
in die 80er gehalten. In den Fotografien des
Pulitzerpreis-gekrönten Fotografen Liu Heung
Shing sehen wir, wie weit sich China seit
damals verändert hat.
Als Liu seine ersten Bilder im Jahr 1983 unter dem Titel „China nach Mao“ veröffentlichte, fing er das alltägliche Leben der
Volksrepublik China ein. Heute stehen wir
einem ganz anderen China gegenüber. Lius
Fotografien verfolgen die aussergewöhnliche Reise, die China von Mao bis heute
zurückgelegt hat. Öffnung und Reformen
bewegen die Gesellschaft vom Kollektivismus zu Individualismus und erzeugen neue
Talente, die nun die soziale und kulturelle
Vielfalt Chinas sind. Lius Fotografien zeigen
die Eckpfeiler der Welt, auf denen die vorliegenden gelegt wurden; auf denen Chinas
Traum jetzt gebaut wird.
China 2013 is an economic powerhouse:
the world’s largest commercial market,
consumer of natural resources and appetite
for the best of everything. Thirty years ago,
all people were equally poor; today China
has over a million millionaires and a richpoor gap as wide as the USA. The dawning
of economic reform in 1978 made slow inroads through the 1980s, yet, in the photographs of Pullitzer-prize winning photographer Liu Heung Shing, we see just how far
China has come since then.
When Liu created his first body of images
of China – published in 1983 as China After
Mao – the scenes of daily life he captured
were familiar throughout the PRC. Today,
we face a very different “China”. Liu’s photographs track the extraordinary journey
that China has travelled from Mao to now,
as opening and reform moves society from
collectivism towards individualism, and produces new talents who now contribute to
the social and cultural diversity that is China
today. Liu’s photographs show the world
upon which the cornerstones of the present were laid; upon which the Chinese
Dream is now being built.
Liu Heung Shing
Two Chinese women yuppies driving a convertible in Shanghai, 2010
Nell’attuale 2013 la Cina è una potenza economica che detiene il massimo mercato
commerciale del mondo, ha un enorme
consumo di risorse naturali e aspira al
meglio in ogni settore. Trent’anni fa tutti
erano ugualmente poveri; oggi la Cina annovera oltre un milione di milionari e il divario
fra poveri e ricchi è grande quanto quello
degli USA. L’avvento delle riforme economiche nel 1978 ha sortito i propri effetti
solo lentamente, negli anni ’80. Nelle fotografie del premio Pulitzer Liu Heung Shing
possiamo vedere quanto è cambiata la Cina
da allora.
Quando nel 1983 Liu pubblicò le sue prime
immagini con il titolo „La Cina dopo Mao“,
catturava la vita quotidiana nella Repubblica
popolare cinese. Oggi ci troviamo davanti a
una Cina assai diversa. Le fotografie di Liu
testimoniano lo straordinario viaggio che il
suo Paese ha compiuto da Mao a oggi; tra
apertura e riforma, la società si è spostata
dal collettivismo all’individualismo e ha prodotto nuovi talenti, che ora costituiscono la
varietà sociale e culturale della Cina. Le foto
mostrano le basi di un mondo su cui sono
stati gettati i pilastri del presente: quelli sui
quali ora si costruisce il sogno cinese.
Walk of Art
21
madulain
Chesa Colani
“L’arte al cinema“
chesa Planta zuoz
A COLLECTIVE FROM SICHUAN
Walk of Art
Chesa Colani, 7523 Madulain · [email protected]
ganztägig geöffnet · open all day · tutto il giorno · 10 - 13, 14 - 18 h
Chesa Colani präsentiert das Kino-Programm: „L‘arte al cinema“, kuratiert von
Adolfo Conti und Letizia Cariello. Das KinoProgramm befasst sich mit der Frage: Wie
wird Kunst in Dokumentarfilmen präsentiert? Kann man die Kunst besser durch
Filmemacher verstehen oder wäre eine
neutrale Darstellung effektiver? Reflexionen über diese und andere Themen begleiten drei der bedeutendsten Kunst-Dokumentarfilme: der aussergewöhnliche Film
“LËN” von Elia Romanelli, Sieger beim
Asolo Art Film Festival; „Herculaneum Diari
del Buio e della Luce“ von Marcellino De
Baggis, Italien; „Opalka, ein Leben, ein
Werk“ von Andrzej Sapija, Polen.
Diego & Bernardo Inc.; Chesa Colani; Galleria Massimo Minini und SKIRA Ed, präsentieren das Buch und Video „Im Fluss“ von
Cariello. Das Buch dokumentiert die Performance im Fluss Flaz während St. Moritz Art
Masters 2012.
Chesa Colani presents the cinema program
“L’arte al cinema“ which is curated by
Adolfo Conti and Letizia Cariello. The cinema
program deals with the question: how is art
presented in documentaries? Is it better to
approach art through filmmakers or would a
neutral presentation be more effective?
Reflections on this and other subjects will
accompany three of the most meaningful
documentaries about art: the extra-ordinary
“LËN” by Elia Romanelli, winner at Asolo
Art Film Festival, Herculaneum; “Diari del
Buio e della Luce” by Marcellino De Baggis,
Italia; “Opalka”, one life, one oeuvre by
Andrzej Sapija, Polonia.
Diego & Bernardo Inc., Chesa Colani, Galleria Massimo Minini and Skirà Ed, present
the book and video “Im Fluss” by Cariello.
The book documents the performance in
the river Flaz during St. Moritz Art Masters
2012.
Letizia Cariello
Steingarten, 2012
site-specific permanent installation, Chesa Colani roof/terrace
www.letiziacariello.com
Chesa Colani presenta: “L’arte al cinema“, a
cura di Adolfo Conti e Letizia Cariello. Il programma si confronta con alcune questioni:
Come viene presentata l‘arte nei documentari? È più corretto un approccio da cineasta o
non sarebbe più efficace un punto di vista
neutro? Alcune riflessioni su questo e altri argomenti accompagneranno tre dei più significativi documentari sull‘arte: lo straordinario
“LËN” di Elia Romanelli, vincitore dell‘Asolo
Art Film Festival; „Herculaneum. Diari del
Buio e della Luce” di Marcellino De Baggis,
Italia; “Opalka, one life, one oeuvre„ di Andrzej
Sapija, Polonia.
Diego & Bernardo Inc., Chesa Colani, Galleria
Massimo Minini e Skirà editore. presentano il
libro e il video “Im Fluss” di Letizia Cariello,
dopo la performance nel fiume Flaz durante i
St. Moritz Art Masters 2012.
ZUOZ
Plazzet · 7524 Zuoz
täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 13 h, 14 - 18 h
Unterstützt von
Supported by
Sostenuto da
Organhaus Art Space
Der Kern der China-Ausstellung während
des SAM 2013 legt den Fokus auf die Provinz Sichuan, insbesondere den Stadtstaat
Chongqing. Präsentiert von Artalliance und
Yang Shu, Kurator und Dozent am Sichuan
Fine Arts Institute, werden jüngere Künstler dem europäischen Publikum vorgestellt.
Einige von ihnen sind bereits prominent bei
Sammlern, andere sind überhaupt nicht bekannt. Die Künstlergruppe gibt eine einzigartige Perspektive durch eine de-zentralisierte Sicht weit weg von den politischen
und wirtschaftlichen Zentren Chinas.
Die Ausstellung wird von „Organhaus Art
Space“, einer unabhängigen Künstlerorganisation in Chongqing, unterstützt. Diese
wird eine Einführung in die Kunstszene von
Sichuan gestalten.
Yang Mian, ein prominenter Künstler aus
Chengdu, führt die Gruppe von jüngeren
Künstlern wie Wang Haichuan (Fotografie)
und Li Yi Fan (Video) an.
Il nucleo dell’esposizione dedicata alla Cina,
durante SAM 2013, si focalizza sulla provincia di Sichuan, in particolare sulla
città-stato di Chongqing. Presentati da Artalliance e da Yang Shu, curatore e docente
al Sichuan Fine Arts Institute, i giovani artisti vengono proposti al pubblico europeo.
Alcuni di loro sono già celebri presso i collezionisti, altri sono del tutto sconosciuti. Il
gruppo di artisti offre una prospettiva unica,
de-centralizzata del Paese, lontano dai centri politici ed economici della Cina.
L’esposizione è sostenuta da „Organhaus
Art Space“, un’organizzazione artistica indipendente di Chongqing, che si occuperà di
introdurla sulla scena delle Belle Arti di Sichuan.
Yang Mian, un famoso artista di Chengdu,
guida il gruppo composto da colleghi più giovani come Wang Haichuan (fotografia) e Li
Yi Fan (video).
The core of the China exhibition during the
SAM 2013 puts its focus on the Province of
Sichuan, in particular the City-state of
Chongqing. Presented by Artalliance and
Yang Shu, curator and lecturer at the
Sichuan Fine Arts Institute, younger artists
are introduced to the European audience.
Some of them are already sought-after by
collectors, others not known at all. A group
of artists will thus feature a unique perspective, characterized by a de-centralized point
of view far from the political and commercial
centres of China.
The exhibition is supported by “Organhaus
Art Space”, an independent art organisation
based in Chongqing, who will give an introduction to the present art scene in
Sichuan.
Yang Mian, a prominent artist from Chengdu,
is leading a group of young artists like Wang
Haichuan (photography) and Li Yi Fan (video).
Yang Mian
CMYK series, South Song Dynasty, Butterly on Camellia
120 x 120 cm, Acrylic on canvas, 2013
24
Walk of Art
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^
^
Walk of Art
The Czech sculptor David Cerný was born
in 1967 in Prague. His critical artworks with
a sense of black humor gained a lot of attention and were controversially discussed.
His oeuvre “Entropa” attracted controversy
for its stereotyped depictions of the various
EU member states and turned out to have
been created by Cerný and two friends
rather than being a collaboration between
artists from each of the member states. For
2012 Summer Olympics Cerný created
„London Booster“ – a double-decker bus
with mechanical arms for doing push-ups.
During St. Moritz Art Masters Cerný will
show his monumental sculpture “In Utero”
from the year 2000, made of stainless steel.
The naked expectant women is kneeling on
her legs. The observer can crawl into the
larger-than-life sculpture and watch a video
projection inside.
^
Der tschechische Bildhauer David Cerný
wurde 1967 in Prag geboren. Seine kritischen Kunstwerke mit Sinn für schwarzen
Humor haben viel Aufmerksamkeit auf sich
gezogen und wurden kontrovers diskutiert.
Sein Werk „Entropa“ sorgte für eine Kontroverse, da er verschiedene EU-Mitgliedsstaaten in Stereotypen darstellte. Zudem
stammte die Arbeit von ihm und zwei
Freunden, anstelle von Künstlern aus allen
Mitgliedsstaaten. Für die Olympischen
Sommerspiele 2012 erschuf Cerný „London
Booster“ – einen Doppeldeckerbus mit mechanischen Armen für Push-Ups. Während
St. Moritz Art Masters zeigt Cerný seine monumentale Skulptur „In Utero“ aus dem
Jahr 2000, welche aus Edelstahl gefertigt
wurde. Die nackte schwangere Frau kniet
auf ihren Beinen. Der Betrachter kann in die
überlebensgrosse Skulptur kriechen und
eine Video-Projektion im Inneren ansehen.
^
I lavori di Hubert Kiecol risaltano per limpidezza e naturalezza. L’artista le ottiene con la
riduzione e la conseguente condensazione di
forme elementari. Fin dagli anni Ottanta
Kiecol ha elaborato un lessico scultoreo che,
nonostante il rigore, presenta una impressionante varietà. I soggetti sono scale, steli,
case, finestre ecc. Il suo materiale prediletto
è diventato il cemento, la pietra artificiale
della modernità, che egli ha liberato dalla quotidianità per mezzo delle forme e degli accurati parametri in scala. Attraverso tali strategie,
le sue opere acquistano una laconica monumentalità che tuttavia non incombe, ma contiene piuttosto un elemento poetico. Grazie
alla giustapposizione di tre scale, l’originaria
forma quadrata della scultura „Viaggio a…“
non viene chiusa dando vita così a un movimento che continua.
Lo scultore ceco David Cerný è nato nel
1967 a Praga. Le sue opere d’arte critiche,
caratterizzate da un umorismo nero, hanno
attirato molto interesse e suscitato reazioni
contrastanti. Il suo lavoro „Entropa“ è stato
oggetto di una vera controversia, poiché
rappresentava diversi Stati dell’UE secondo
gli stereotipi più logori. Per di più la scultura
era opera sua e di due amici, anziché la
collaborazione tra artisti di tutti gli Stati
membri. Per le Olimpiadi 2012 Cerný ha
creato il „London Booster“, un bus a due
piani con braccia meccaniche a mo’ di pushup. Nel corso dei St. Moritz Art Masters
l’artista espone la sua monumentale scultura „In Utero“, risalente al 2000 e in acciaio
inossidabile. Una donna incinta nuda se ne
sta inginocchiata: lo spettatore può infilarsi
nella gigantesca scultura e guardare un video al suo interno.
^
täglich · daily · tutti i giorni
^
Hubert Kiecol
„Reise nach...“ 2012
Weissbeton · 170 x 405 x 285 cm
Clarity and self-evidence characterize
Hubert Kiecol’s works. The artist achieves
this reduction through the compaction of
simple forms. Since the eighties he has developed a sculptural vocabulary which
shows an impressive variety despite its
strictness. His subjects are stairs, steles,
houses, windows etc. Concrete has become
his favourite material, the artificial stone of
modern age, which he releases through his
forms and his careful scale decisions from
everyday life. Through his strategy his
works gain a laconic monumentality, however, they are never overwhelming but contain a poetic element. Through the arrangement of the three stairs the square basic
shape of the sculpture „Journey to…“
remains open and a dynamic process is set
in motion.
In Zusammenarbeit mit
In collaboration with
In collaborazione con
Häusler Contemporary
^
Klarheit und Selbstverständlichkeit zeichnen die Arbeiten von Hubert Kiecol aus.
Dies erreicht der Künstler durch die Reduktion und die daraus entstehende Verdichtung einfacher Formen. Seit den achtziger
Jahren hat er ein skulpturales Vokabular
entwickelt, das trotz seiner Strenge eine
eindrucksvolle Vielfalt aufweist. Die Motive
sind Treppen, Stelen, Häuser, Fenster etc.
Sein bevorzugtes Material wurde Beton,
das künstliche Gestein der Moderne, den
er durch die Formen und seine sorgfältigen
Massstabsentscheidungen aus dem Alltag
befreite. Durch seine Strategien gewinnen
diese Werke eine lakonische Monumentalität, die jedoch nicht überwältigt, sondern
ein poetisches Element enthält. Durch die
Anordnung der drei Treppen wird die quadratische Grundform der Skulptur „Reise
nach…“ nicht geschlossen und eine weiterlaufende Bewegung beginnt.
ZUOZ
^
täglich · daily · tutti i giorni
zuoz
David Cerný
David Černý
In Utero, 2000
stainless steel
26
Walk of Art
Zuoz
Hubert Kiecol
^
Zuoz
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25
Zuoz
Galerie MoniCa de Cardenas
claudia losi
Hotel Castell
Nicolas Party
Chesa Albertini · Via Maistra 41 · 7524 Zuoz · T +41 81 868 8080 · www.monicadecardenas.com
Dienstag - Samstag · Tuesday - Saturday · Martedì - Sabato · 15 - 19 h
Via Castell · 7524 Zuoz
täglich · daily · tutti i giorni
Die künstlerische Arbeit von Claudia Losi
befasst sich mit der Beziehung des Menschen zur Natur. Das Er-Wandern und die
direkte Erfahrung sind zentrale Aspekte dieser Forschung. Die Interessen der Künstlerin
umfassen verschiedene Disziplinen, wie
Naturwissenschaften, Geographie und Kartographie, Literatur und Dichtung. Durch
den Einsatz von Stickereien und anderen
Techniken stellt sie die Transformation und
die Rhythmen von Flechten, Gletschern
und geologischen Karten dar, in dem Versuch, eine ideale Verbindung zwischen
Mensch und Natur zu erreichen. Oft wiederkehrend ist die Idee des Fadens und der
Stickerei als Metapher der Beziehung. In
Zuoz zeigt sie eine Gruppe von neuen
Beton-Skulpturen, die reale und imaginäre
Symbiosen darstellen.
Kontrastreich gelingt es im Castell, immer
wieder neue überraschende Akzente zu
setzen und die historischen Räume auf gelungene Art mit neuen Architektur- und Designelementen zu verbinden. Ein Teil der
komfortablen Zimmer trägt die farbenfrohe
urbane Handschrift des international renommierten UN Studio Amsterdam, der
andere Teil wurde von Hans-Jörg Ruch in
klarer Formensprache mit lokalem Arvenholz gestaltet. Die vielbeachtete Sammlung
des Hoteleigentümers Ruedi Bechtler mit
Werken zeitgenössischer Künstler verleiht
dem Hotel einen unverwechselbaren
Charme. Durch die persönliche Beziehung
zu Künstlern entstanden Installationen und
Räumlichkeiten wie die legendäre „Rote
Bar“ der Multimediakünstlerin Pipilotti Rist
und der Architektin Gabrielle Hächler sowie
jüngst zum 100-jährigen Jubiläum der kleine Speisesaal „Belvair“ des jungen Künstlers Nicolas Party.
The artistic research of Claudia Losi addresses the direct experience of nature,
travel and exploration as opportunities to
gain knowledge. Walking is a central aspect
of this process, combined with the artist’s
interests that range through many different
disciplines, from the natural sciences to
geography and cartography, literature and
poetry. Through the use of embroidery and
other techniques, the artist reproduces the
rhythms of transformation of lichen, glaciers
and geological maps, in an attempt to
“sew” an ideal link between nature and
human beings. A recurring feature of her
work is the idea of the thread, of embroidery as a metaphor of relation; since 1998
Losi has also undertaken a series of collective projects connected with these
practices. In the exhibition in Zuoz, among
other works, she exhibits a new series of
sculptures in cement, representing different types of symbiosis: natural, real and
imagined ones.
La ricerca artistica di Claudia Losi è dedicata
alla relazione tra l’essere umano e la natura,
al viaggio e all’esplorazione in quanto occasioni di conoscenza. Camminare e fare
esperienza dei luoghi sono aspetti centrali
di questa ricerca, gli interessi dell’artista
abbracciano discipline diverse, come le scienze naturali, la geografia e la cartografia, la
letteratura e la poesia. Tramite il ricorso al
ricamo e ad altre tecniche, l’artista ricalca
nel suo lavoro i ritmi di trasformazioni di
licheni, ghiacciai, mappe geologiche, nel
tentativo di “cucire” un legame ideale tra
natura e umano. Ricorrente è l’idea del filo
e del ricamo come metafore della relazione:
a partire dal 1998 Losi intraprende anche
una serie di progetti collettivi legati all’innesco di queste pratiche.
A Zuoz mostra una serie di nuove sculture
in cemento, che rappresentano situazioni o
relazioni di simbiosi sia reali che immaginarie.
Claudia Losi
Marmagne, 1999
Black and white photograph heat-pressed on canvas,
embroidery, felt
190 x 130 cm
Courtesy Galleria Monica De Cardenas, Milano/Zuoz
Nicolas Party
Installation view Hotel Castell
Zuoz
The Castell is a world of contrasts. Never
at a loss for new and surprising ideas, it
successfully blends historic rooms with the
latest architectural and design elements.
Some of the comfortable rooms bear the
colourful and cosmopolitan hallmark of
Amsterdam-based UNStudio, which is worldfamous. Others are the work of Swiss
architect Hans-Jörg Ruch, whose clear
language of form finds expression in wood
from the local stone pine forests. The Hotel
owes its distinctive charm to the much-admired collection of contemporary art works
belonging to its owner. Ruedi Bechtler
knows the artists personally and has commissioned installations and interiors such
as the legendary Red Bar, by multimedia
artist Pipilotti Rist and architect Gabrielle
Hächler. The most recent edition, marking
the centenary, is the small Belvair dining
room by the young artist Nicolas Party.
Nell’universo ricco di contrasti dell’hotel
Castell non mancano idee sorprendenti per
rinnovare i suoi storici ambienti con un riuscito mix di inediti elementi architettonici
e di design. Una parte delle confortevoli
stanze porta la variopinta firma urbana del
cosmopolita UN Studio di Amsterdam, l’altra parte è stata allestita da Hans-Jörg Ruch
con un linguaggio formale lineare e il locale
legno di cembro. L’ammirevole collezione
del proprietario dell’hotel, Ruedi Bechtler,
vanta opere d’arte contemporanea che conferiscono all’albergo il suo inconfondibile
fascino. Il rapporto personale con gli artisti
ha visto nascere installazioni e spazi come
il mitico „Bar rosso“ dell’artista multimediale Pipilotti Rist e dell‘architetto Gabrielle
Hächler, o la recentissima saletta da pranzo
„Belvair“ del giovane artista Nicolas Party
per il centenario del Castell.
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Walk of Art
Walk of Art
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s-chanf
ViLLA Flor
BELLANTE
Enzo Cucchi + Ten Italian Poets
GALERIE VON BARTHA CHESA
imi knOEbel
Somvih 19 · 7525 S-chanf · T +41 81 851 22 30 · www.villaflor.ch
täglich · daily · tutti i giorni · 16 - 19 Uhr oder nach Vereinbarung · or upon request · e su accordi
Chesa Perini · Via Maistra · 7525 S-chanf · T +41 79 320 76 84 · www.vonbartha.com
bis 15. September 2013
Nach Vereinbarung · by appointment · su appuntamento: T +41 79 320 76 84
BELLANTE ist das neuste Buch der Éditions Moon Rainbow. Es beinhaltet Gedichte
von zehn italienischen Dichtern und Zeichnungen, die ENZO CUCCHI zu diesen
Gedichten für dieses Buch geschaffen hat.
Auflage: 500 nummerierte Exemplare
Vorzugsausgabe: 50 nummerierte Exemplare signiert von Enzo Cucchi
Buchgestaltung: Wilfried Dickhoff
Die Ausstellung in der VILLA FLOR zeigt
Enzo Cucchis BELLANTE Zeichnungen, das
Buch und darauf bezogene Arbeiten.
Éditions Moon Rainbow, gegründet in Berlin
2012 von den Verlegern und Autoren
Maryam Sachs und Wilfried Dickhoff, ist
ein Verlag, der sich unvorhergesehenen Begegnungen zwischen Lyrik und visueller
Kunst in Form von limitierten Bucheditionen widmet.
Imi Knoebel (*1940 in Dessau, Deutschland) studierte von 1962-64 an der Werkkunstschule (Schule für Angewandte
Kunst) in Darmstadt. 1964 zog es ihn an die
Kunstakademie Düsseldorf, fasziniert vom
Lehrstil und der Persönlichkeit von Joseph
Beuys. Knoebel distanzierte sich jedoch
von den anderen Studenten und BeuysSchülern. Er entwickelte seinen eigenen,
minimalistischen Stil, beeinflusst durch den
grossen Vorgänger Casimir Malewitsch.
Nach puristischen Strichzeichnungen, Lichtprojektionen und weissen Gemälden (19721975) wandte sich Knoebel im Jahr 1974
zum ersten Mal der Farbe zu. Knoebel lebt
und arbeitet in Düsseldorf.
BELLANTE is the most recent book by
Éditions Moon Rainbow, including poems
by ten Italian poets and drawings created
for this book by ENZO CUCCHI.
The book is published in a limited edition of
500 numbered copies and a special edition
of 50 copies signed by Enzo Cucchi.
Designed by Wilfried Dickhoff.
The exhibition at VILLA FLOR presents
Enzo Cucchi’s original BELLANTE drawings,
the book and related works.
Éditions Moon Rainbow, founded in 2012
by the publishers and writers Maryam
Sachs and Wilfried Dickhoff, is a publishing
house based in Berlin focusing on limited
edition books, presenting distinct encounters between poetry and visual arts.
BELLANTE è l‘ultimo libro pubblicato da
Éditions Moon Rainbow, dedicato alle poesie
di dieci autori italiani e illustrato da ENZO
CUCCHI.
Stesura: 500 esemplari numerati
Edizione speciale: 50 esemplari numerati
firmati da Enzo Cucchi
Layout: Wilfried Dickhoff
BELLANTE è in mostra alla VILLA FLOR
che presenta i disegni di Enzo Cucchi, il libro
e i lavori correlati.
La casa editrice Éditions Moon Rainbow,
fondata a Berlino nel 2012 dagli editori e
autori Maryam Sachs e Wilfried Dickhoff,
pubblica libri in edizione limitata - ispirati da
inattesi incontri tra la lirica e le arti visive.
Enzo Cucchi
Untitled, 2013, Bleistift auf Papier, Aus dem Zyklus BELLANTE, Éditions Moon Rainbow 2013
Nummer 16C-22C, 2012
Acryl / Aluminium
7-teilig 49,1 x 319 x 1 cm
Imi Knoebel (*1940 in Dessau, Germany)
studied from 1962-64 at the Werkkunstschule (School for Applied Arts) in
Darmstadt and in 1964, fascinated by the
teaching style and personality of Joseph
Beuys, he moved to the Kunstakademie
(Art Academy) in Düsseldorf. Knoebel, however, distanced himself from the other
Beuys students and developed his own,
minimalist style, influenced by its great forerunner Casimir Malevich. After puristic line
drawings, light projections and white paintings (1972-75) Knoebel turned to colour for
the first time in 1974. Knoebel lives and
works in Düsseldorf.
S-Chanf
Imi Knoebel (*1940 a Dessau, Germania)
dal 1962 al ’64 frequentò la Werkkunstschule (Scuola di Arti Applicate) di
Darmstadt. Nel 1964, affascinato dai metodi
d’insegnamento di Joseph Beuys, si trasferì
all’Accademia di Belle Arti di Düsseldorf.
Tuttavia Knoebel si distanziò dagli altri studenti e dagli allievi di Beuys, sviluppando il
suo personale stile mimimalista influenzato
dal grande precursore Casimir Malevich.
Dopo il periodo dei disegni al tratto puristi,
delle proiezioni luminose e dei dipinti bianchi (1972-1975), nel 1974 Knoebel tornò per
la prima volta al colore. L’artista vive e lavora
a Düsseldorf.
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Walk of Art
Walk of Art
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S-Chanf
Galerie Peter Vann
peter Vann
fundaziun Not Vital
中 (Middle)
Walk of Art
Bestiarium
One often speaks of somebody leading a
“full life”, and there can be few people who
qualify for this definition more than photographer Peter Vann. For him, life and work
would seem to be synonyms – and this also
applies to where he lives: house and gallery
in S-chanf are in the same protected historic building, the oldest sections of which
date from the 14th century. Before Vann
tackled the restoration of this architectural
gem, part of the interior had been used as
stables for livestock. It is these animals that
Peter Vann has now figuratively awakened
to new life, by talking to farmers and livestock owners, setting up his easel and portraying breeds that often have a history going back many centuries. These pictures of
sheep and pigs, cockerels and cattle are a
clear continuation of a medieval tradition:
the “bestiary”, with its descriptions and illustrations of the animal kingdom. Vann’s
Bestiary revives the archaic peasant tradition of the region in which he lives, and we
find it moving because of the symbiosis of
man and domestic animal that has slumbered deep in our subconscious soul for
thousands of years. This series of works
was produced for the Leica Gallery in
Salzburg and has now returned to where it
originated.
32
7546 Ardez · T +41 81 860 08 37 · www.notvital.com
Dienstag - Samstag · Tuesday - Saturday · Martedì - Sabato · 15 - 18.30 h
Somvih 24 · 7525 S-chanf · Tel +41 81 850 16 22 · www.galeriepetervann.com
täglich · daily · tutti i giorni · 14 - 18 h
Bestiarium
Der Fotograf Peter Vann führt das, was
man ein Vollzeitleben nennen könnte. Leben und arbeiten sind bei ihm eins und das
auch im räumlichen Sinne: Seine Galerie in
S-chanf dient gleichzeitig als sein Wohnhaus. Das Gebäude steht unter Denkmalschutz und seine ältesten Teile stammen
aus dem 14 Jahrhundert. Bevor Vann die
Restaurierung des Kleinods in die Hand
nahm, diente ein Teil der Räume als Stall für
die Nutztiere der Bewohner. Jetzt hat Peter
Vann diese Tiere wieder zum Leben erweckt, hat Bauern und Tierhalter in der Umgebung besucht, seine Leinwand aufgestellt und die oft uralten Rassen portraitiert.
Die Bilder von Schaf und Schwein, Gockel
und Rind stehen sichtbar in der Tradition
der mittelalterlichen Bestiarien, die sich
dichterisch oder illustrativ mit der Tierwelt
auseinandersetzten. Vanns Bestiarium lässt
das Bäuerliche und Archaische seiner Heimat aufleben und rührt uns an, weil die jahrtausende alte Symbiose von Mensch und
Nutztier weiterhin tief in unserer Seele
schlummert. Die Serie wurde für die Leica-Galerie in Salzburg angefertigt und ist
jetzt dahin zurückgekehrt, wo alles anfing.
ARDEZ
Bestiarium
Il fotografo Peter Vann conduce quella che
si potrebbe definire una vita a tempo pieno.
Vita e lavoro per lui sono una cosa sola, anche a livello di spazi: la sua galleria a S-chanf
è al contempo la sua abitazione. L’edificio è
stato posto sotto tutela e le parti più antiche
risalgono al XIV secolo. Prima che Vann intraprendesse il restauro di questo gioiello,
una parte degli spazi serviva da stalla per gli
animali del precedente inquilino. Oggi Peter
Vann ha riportato alla loro dignità quegli animali, ha fatto visita a contadini e allevatori
dei dintorni, ha montato il suo schermo e
ritratto razze spesso antichissime. Le immagini di pecore e maiali, galli e buoi si rifanno visibilmente alla tradizione dei bestiari medievali, che si confrontano in modo
poetico o illustrativo con il mondo animale.
Il Bestiario di Vann fa rivivere lo spirito contadino e arcaico della sua patria e ci colpisce, perché la millenaria simbiosi tra l’uomo
e l’animale domestico è ancora sopita nel
profondo della nostra anima. La serie è stata fotografata per la Galleria Leica di Salisburgo e ora è ritornata lì dove tutto è iniziato.
Peter Vann
Anna
2012
Die Ausstellung zeigt einen Überblick von
zeitgenössischen chinesischen Künstlern,
die mit den Medien Performance, Video,
Fotografie und Skulptur arbeiten. Es sind
Künstler, die Not Vital seit der Eröffnung
seines Ateliers im Stadtteil Caochangdi in
Peking getroffen hat und die er bewundert.
Zu den Künstlern gehören He Yunchang
(何云昌), Hu Qingyan (胡庆雁), Hang Ran
(黄然), Deng Tai (邓泰), Made In, Liu Dongxu
(刘冬旭) und Ai Weiwei (艾未未).
The work in this exhibition will consist of a
showcase of contemporary Chinese artists
who use performance, video, photography
and sculpture in their practice. They are artists
whom Not Vital has met and admired since
opening his studio in the Caochangdi
district of Beijing. The artists include He
Yunchang (何云昌), Hu Qingyan (胡庆雁),
Hang Ran (黄然), Deng Tai (邓泰), Made In,
Liu Dongxu (刘冬旭) and Ai Weiwei (艾未未).
L’esposizione mostra una panoramica di artisti cinesi contemporanei che utilizzano
come mezzi d’espressione la performance,
il video, la fotografia e la scultura. Si tratta di
artisti scelti da Not Vital, che li ammira fin
dall’apertura del suo atelier nel quartiere
Caochangdi di Pechino.
Tra gli artisti ricordiamo Er Yunchang
(何云昌), Hu Qingyan (胡庆雁), Hang Ran
(黄然), Deng Tai (邓泰), Made In, Liu Dongxu
(刘冬旭) e Ai Weiwei (艾未未).
中
中 (Middle)
Walk of Art
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scuol · Unterengadin
fundaziun NAIRS
Walk of Art
Zentrum für Gegenwartskunst NAIRS, Scuol/Nairs/Unterengadin
NAIRS Contemporary Art Center, Scuol/Nairs/Lower Engiadine
Centro d‘arte contemporanea NAIRS, Scuol/Nairs/Engadina Bassa
Arte Hotel Bregaglia
Video Arte Palazzo Castelmur
bergell
15. Juni - 01. September 2013
Donnerstag - Sonntag · Thursday - Sunday · Giovedì - Domenica · 15 - 18 h · und nach Vereinbarung · and upon request · e su accordi
www.nairs.ch · [email protected] · Tel 081 864 98 02
Hotel Bregaglia 7606 Promontogno · täglich · daily · dutto i giorni · 10 - 17 h
www.artehotelbregaglia.ch
Palazzo Castelmur 7605 Stampa-Coltura · Dienstag - Sonntag · Tuesday - Sunday · Martedi - Domenica · 11 - 17 h
www.palazzo-castelmur.ch
UNINHABITABLE OBJECTS – Zweckfreie Architektur und Nutzen der Kunst
Die Ausstellung handelt von den Gemeinsamkeiten von Kunst und Architektur und
deren inneren Verwandtschaften. Dabei
geht es ebenso um Aussensichten von
Künstlern auf Aspekte der Architektur wie
auch um künstlerische Praktiken in der Architektur.
UNINHABITABLE OBJECTS – Architettura libera da scopi e utilizzo dell‘arte
La mostra si occupa della comunanza di
arte e architettura e delle loro intime affinità. S’incentra, cioè, su come gli artisti
interpretano dall’esterno aspetti dell‘architettura, ma anche sulle pratiche artistiche
nell‘architettura.
Das Kunstereignis ARTE HOTEL BREGAGLIA
wird fortgesetzt und findet vom 2.6. 28.9.2013 bereits zum vierten Mal statt.
Die zeitgenössischen Positionen von mittlerweile 14 Künstlerpositionen decken Vergessenes aus der bald 140-jährigen Geschichte des Hotel Bregaglia in Promontogno auf
und ziehen Verbindungen ins Heute.
The art event ARTE HOTEL BREGAGLIA
will take place again this year for the fourth
time from 2.6. - 28.9. 2013. The contemporary positions of now 14 artists will reveal
forgotten aspects from the almost 140-yearold history of the Hotel Bregaglia in Promontogno and establish connections with
the present.
Artisti: Peter Brunner–Brugg, Hans-Rudolf
Fricker, Ralph Hauswirth, Jürg Hugentobler,
Markus Müller, Marjetica Potrč, Vaclav
Pozarek, Tina Z’Rotz/Markus Schwander,
Christian Schwager, Not Vital, Hans Peter
Wörndl.
Curatore: Christof Rösch | Supporto scientifico: Dott.sa Katharina Ammann
Begegnungen mit der zeitgenössischen
Videokunst werden den Besucherinnen
des Palazzo Castelmur in Stampa-Coltura
ermöglicht. In der Ausstellung VIDEO
ARTE PALAZZO CASTELMUR (2.6. –
20.10.2013) sind Werke von zehn KünstlerInnen zu sehen, die – eingegliedert in die
aus dem 18. und 19. Jahrhundert stammenden Räume – auf den historischen Ort,
an dem Geschichte geschrieben und aufbewahrt wird, Bezug nehmen und ebenso
vielfältige als auch unerwartete Assoziationen
eröffnen.
Die Ausstellungen lassen das Bergell diesen Sommer zu einem lebendigen Ort des
künstlerischen Austauschs werden.
Visitors to the Palazzo Castelmur in StampaColtura will have the opportunity to view
contemporary video art in the exhibition
VIDEO ARTE PALAZZO CASTELMUR
(from 2.6 - 20.10.2013). Here ten artists will
show their productions which are integrated in the 18th and 19th century rooms of
the Palazzo Castelmur and refer to this place
where history was written and where history
is preserved, creating a variety of unexpected associations. This summer the exhibitions will allow the Bergell to become a
lively place of artistic exchange.
KünstlerInnen: Peter Brunner–Brugg, HansRudolf Fricker, Ralph Hauswirth, Jürg Hugentobler, Markus Müller, Marjetica Potrč,
Vaclav Pozarek, Tina Z’Rotz/Markus Schwander, Christian Schwager, Not Vital, Hans Peter
Wörndl.
Kurator: Christof Rösch | Wissenschaftliche
Begleitung: Dr. Katharina Ammann
Führung/Finissage
Sonntag 1.9.2013 · 16 Uhr
Kunstpädagogischer Workshop für Kinder
26./27.8.2013 auf Anmeldung
Tina Z‘Rotz / Markus Schwander, 44°, 2008
UNINHABITABLE OBJECTS – Purposeless Architecture and the Benefit of Art
The exhibition addresses the common
ground of art and architecture and their
inner affinities. The focus is just as much on
the outside viewpoint of artists on architecture as it is on artistic practices in architecture.
Participating artists: Peter Brunner–Brugg,
Hans-Rudolf Fricker, Ralph Hauswirth, Jürg
Hugentobler, Markus Müller, Marjetica Potrč,
Vaclav Pozarek, Tina Z’Rotz/Markus Schwander, Christian Schwager, Not Vital, Hans Peter
Wörndl.
Curator: Christof Rösch | Academic consultant: Dr. Katharina Ammann, Chur/Zürich
Guided tour/Finissage
Sunday 1 September 2013, 4pm
Educational Workshop for children
26 and 27 August 2013 upon registration
Visite guidate/Finissage
domenica 1.9.2013 alle ore 16
Atelier artistico-pedagogico per
bambini
26/27.8.2013 su prenotazione
Palazzo Castelmur in Coltura bei Stampa
Quest’anno l’evento artistico ARTE HOTEL
BREGAGLIA viene ripreso per la quarta
volta, dal 2.6. al 28.9.2013.
Stabilendo legami con l’attualità, le installazioni di artisti contemporanei (per ora ne
sono previsti 14) svelano aspetti dimenticati
della storia dell’Hotel Bregaglia che compirà
presto 140 anni.
I visitatori del Palazzo Castelmur hanno
inoltre la possibilità di confrontarsi con la
video arte contemporanea. La mostra
VIDEO ARTE PALAZZO CASTELMUR
(2.6. - 20.10.2013) presenta opere di dieci
artisti, inserite negli spazi del XVIII e XIX secolo. Dal confronto con un luogo dove di
storia ne è stata scritta e conservata, nascono
le più disparate e inedite associazioni.
Le mostre di quest’estate fanno della Val
Bregaglia un centro di scambio artistico.
34
Walk of Art
33
St. Moritz art masters foundation
La Fondazione St. Moritz Art Masters (Fondazione
SAM) è stata istituita nel 2009 dagli stessi promotori
del St. Moritz Art Masters. Il suo scopo è quello di
presentare e sostenere i più significativi autori internazionali, che si occupano in particolare dell’arte come
„linguaggio globale“. In tal modo s’intende offrire agli
artisti e ai progetti selezionati la possibilità di mostrarsi
al pubblico nel corso del St. Moritz Art Masters e di
sfruttare la vetrina della manifestazione.
Die St. Moritz Art Masters Stiftung (SAM Stiftung) wurde 2009 von den Gründern des St. Moritz Art Masters
ins Leben gerufen. Die Stiftung hat zum Ziel, Projekte
von aussergewöhnlichen, international aufstrebenden
Künstlern, welche sich auf die globale „Sprache“ der
Kultur fokussieren, zu unterstützen und zu präsentieren.
Den Künstlern und ausgewählten Projekten soll die
Möglichkeit gegeben werden, sich während St. Moritz
Art Masters zu präsentieren und die Plattform des Anlasses zu nutzen.
Projekt 2010
„Ship of Tolerance” des Künstlerpaares Ilya & Emilia.
Das Schiff „Wind of Tolerance” im St. Moritzersee
stand als Sinnbild für die interkulturelle Verständigung
zwischen den Völkern in den Wogen des Weltgeschehens. Die Kinder der Oberengadiner Schulen malten
ihre Bilder auf einzelne Segeltücher, aus denen das
grosse Segel des Schiffes entstand.
Projekt 2011 „Blackbox”
„Spreading the Word” der Schweizer Künstlerinnen
Jacqueline Baum & Ursula Jakob. Die Stiftung publizierte
unter dem Projekt „Blackbox“ einen öffentlichen Wettbewerb für Schweizer Künstler aus dem Bereich der
Bildenden Künste. In einem zweistufigen Auswahlverfahren wurde das Projekt von Jacqueline Baum & Ursula
Jakob ausgewählt. Die beiden Künstlerinnen erhielten
somit die Möglichkeit, ihr Projekt im Engadin im Sommer
2011 zu erarbeiten und die Installation während St. Moritz
Art Masters 2011 im Rahmen des „WALK OF ART“ zu
präsentieren.
Projekt 2012 „Blackbox”
Der Schweizer Künstler Kerim Seiler wurde für das
Projekt 2012 ausgewählt, sein Projekt „Relay – Situationist
Space Program” im Engadin zu realisieren. Eine architektonische Installation, welche während St. Moritz Art
Masters 2012 im Rahmen des „WALK OF ART“ erlebbar war und für 2013 Künstlern als Atelier dienen soll.
Projekt 2013 „Blackbox” „Relay“
Die Installation des Schweizer Künstlers Kerim Seiler
„Relay“ wird diesen Sommer als Wohn- und Atelierraum für Künstler dienen. Durch die enge Verbindung
des Künstlers zu Johannesburg wird ein Künstler aus
Südafrika im Juli eingeladen sowie ein chinesischer
Künstler im August. Den beiden Stipendiaten wird die
Möglichkeit geboten über den Dächern von St. Moritz
zu arbeiten und dem kulturellen Austausch zwischen
den Nationen zu dienen.
2011
The St. Moritz Art Masters Foundation (SAM Foundation)
was established in 2009 by the founders of St. Moritz
Art Masters. The Foundation supports and shows projects of exceptional, international rising artists focusing
on the global „language“ of culture. Artists and selected projects shall be given the opportunity to present
themselves during St. Moritz Art Masters and to use
the network of the platform.
Project 2010
„Ship of Tolerance“ by Ilya & Emilia Kabakov. The ship
as a symbol of connection and transaction between
continents and countries carried a proclamation for
tolerance: Teach it! Learn it! Live it!. Children from the
schools of the Upper Engadin drew and expressed
their thoughts on the theme of tolerance on sails. The
colourful drawings were attached to the ship forming
the sail.
Project 2011 “Blackbox”
„Spreading the Word” by the Swiss artists Jacqueline
Baum & Ursula Jakob. The Foundation published an
open call for Swiss visual artists under the project title
“Blackbox”. In a two-step process the project of
Jacqueline Baum & Ursual Jakob was selected. The
artists had the opportunity to elaborate their project in
the summer 2011 in the Engadin and to present the
installation during St. Moritz Art Masters as part of the
„Walk of Art“.
Project 2012 „Blackbox”
The Swiss artist Kerim Seiler has been chosen to participate in the project 2012 and to realize his project
„Relay – Situationist Space Program” in the Engadin. The
architectural installation was finished for St. Moritz Art
Masters 2012 and was part of the Walk of Art. Artists will be able to use the installation as a workshop in
2013.
Project 2013 „Blackbox” „Relay“
This summer the installation by the Swiss artist Kerim
Seiler „Relay“ will serve as a living and working space
for artists. Prompted by Kerim Seiler‘s close association
with Johannesburg an artist from South-Africa will be
invited to stay there in July, and a Chinese artist in
August. Both will receive a grant and the opportunity to
work above the roofs of St. Moritz and thereby further
the cultural exchange between nations.
2010
Progetto 2010
„Ship of Tolerance” della coppia di artisti Ilya & Emilia
Kabakov. La barca „Wind of Tolerance”, nel Lago di
St. Moritz, rappresentava il simbolo di un’intesa interculturale tra i popoli in mezzo ai flutti degli avvenimenti
mondiali. I bambini delle scuole altoengadinesi hanno
dipinto i propri quadri su singoli pezzi di tela, che hanno
poi composto la grande vela dell’imbarcazione.
Progetto 2011 „Blackbox”
„Spreading the Word” delle artiste svizzere Jacqueline
Baum & Ursula Jakob. Nell’ambito del progetto „Blackbox“, la Fondazione ha indetto un concorso pubblico
per artisti svizzeri dell’area delle arti figurative. Dopo
una doppia selezione è stato scelto il progetto di
Jacqueline Baum & Ursula Jakob. Le due artiste hanno
ottenuto così la possibilità di elaborare il loro progetto in
Engadina, nell’estate 2011, e di esporre la propria
installazione durante il St. Moritz Art Masters 2011 nella cornice del „Walk of Art“.
DONOR
St. Moritz Art Masters
foundation
Die St. Moritz Art Masters Stiftung freut sich über Gönner, um
die Stiftung und ihre Vision, Ziele und Projekte zu unterstützen
und die Stiftung weiter zu entwickeln. Die Stiftung ist eng mit
dem jährlich stattfindenden Anlass St. Moritz Art Masters verbunden.
The St. Moritz Art Masters Foundation welcomes donors
to further establish and develop the objectives and projects
of the foundation. The foundation is closely linked to the
annual event SAM in the Engadin.
La Fondazione St. Moritz Art Masters è lieta di accettare il contributo dei suoi benefattori, che sostengono la visione, gli scopi
e i progetti della Fondazione permettendole di continuare a svilupparsi. La Fondazione è strettamente legata all’annuale manifestazione di St. Moritz Art Masters.
Progetto 2012 „Blackbox”
L’artista svizzero Kerim Seiler è stato selezionato per il
progetto 2012. Il suo lavoro, „Relay–Situationist Space
Program”, è un’installazione architettonica, che ha potuto essere ammirata durante il St. Moritz Art Masters
2012, nell’ambito del „Walk of Art“, e che nel 2013
fungerà da atelier per gli artisti.
Progetto 2013 „Blackbox” „Relay“
Quest’estate l’installazione „Relay“ dell’artista svizzero
Kerim Seiler sarà utilizzata come spazio abitativo e atelier
per gli artisti. Dato lo stretto rapporto di Seiler con
Johannesburg, a luglio verrà invitato un artista sudafricano; in agosto toccherà a uno cinese. Ai due borsisti si
offre così la possibilità di lavorare con vista sui tetti di
St. Moritz e di mettersi al servizio dello scambio culturale tra le nazioni.
Die „ST. MORITZ ART MASTERS FOUNDATION
CHARITY NIGHT” zu Gunsten der Stiftung findet am
Freitag 30. August 2013 statt.
The „ST. MORITZ ART MASTERS FOUNDATION
CHARITY NIGHT” benefitting the foundation will take
place on Friday August 30, 2013.
La „ST. MORITZ ART MASTERS FOUNDATION
CHARITY NIGHT” a sostegno della Fondazione si
svolgerà venerdì 30 agosto 2013.
Mehr Informationen / More information / Piu informazione:
[email protected]
2012 / 2013
St. Moritz Art Academy
Mobility
St. Moritz Art Academy, Postfach 40
, 7500 St. Moritz
T +41 79 885 29 05 · [email protected]
www.stmoritz-art-academy.com
Mercedes-AMG Probefahrten / Test Drives / Giri di prova
23.08. - 01.09.2013 · 10 - 17h
Die SMAA ist eine neue schweizerische
Stiftung, welche im Engadin in regelmässiger Folge ausgesuchte Kunstworkshops
auf höchstem Niveau anbietet. In ungezwungener, entspannter und dennoch konzentrierter Atmosphäre können sich alle Interessierten für einige Zeit inmitten der
inspirierenden Engadiner Berge zurückziehen, um sich fortzubilden. Die Dozenten
der St. Moritz Art Academy sind herausragende Persönlichkeiten der internationalen
Kunstszene; im Diskurs mit ihnen haben
die Teilnehmenden Gelegenheit, ihre praktischen Fähigkeiten und künstlerischen Positionen in diversen Fachgebieten (Malerei,
Zeichnen, Skulptur, Fotografie, neue Medien) zu verfeinern und auszubauen. Die
Workshops dauern vier bis fünf Tage und
können zu bestimmten Daten im Spätwinter und Sommer besucht werden.
Anlässlich des St. Moritz Art Masters startet die SMAA in Zuoz und Umgebung mit
Kursen von Donald Baechler, USA, Andreas
Kopp, Deutschland und Kerim Seiler,
Schweiz.
The St. Moritz-Art-Academy (SMAA) courses and workshops are conducted by leading personalities from the international art
scene. In a relaxed, inspiring yet focused
atmosphere professional artists, art students and enthusiasts can take a break
from daily routines by spending some time
in the marvellous setting of the Engadin
mountains. There, during SMAA they will
find opportunities to advance their artistic
skills and oeuvres, instructed by internationally renowned artists as lecturers.
Techniques may range from painting, drawing and sculpting to photography and
new media. Classes will be offered twice a
year, in spring and in late summer, stretching over five days at a time. The classes
will focus on the work of each individual
student. All personal works as well as those of other participants will be critically analysed.
The first SMAA August classes will be held
in and around Zuoz with the artists Donald
Baechler, USA, Andreas Kopp, Germany
and Kerim Seiler, Switzerland.
Friend of St. Moritz Art Masters
www.stmoritzartmasters.com
Aussergewöhnliche Entdeckungen
Das St. Moritzer Art Masters verwandelt das
Oberengadin im Sommer in das Zentrum der
Kunst- und Kulturszene. Unterstützen Sie diesen einzigartigen Anlass,
welcher sich zum Ziel gesetzt hat, zur festen
Institution für Connaisseure der Kunst und
Kunstinteressierte im Engadin zu werden.
Als FRIEND OF SAM unterstützen Sie
nicht nur den Anlass, sondern profitieren
auch:
·2 Eintritte für SAM Abendanlass während
St. Moritz Art Masters
(Ende August / Anfang September)
· Einladung zu einem Künstlergespräch
für 2 Personen
· Regelmässige Information (Email)
über SAM Aktivitäten
· Information zum neuen Programm
bevor das offizielle Programm bekannt
gegeben wird
Jahresbeitrag: CHF 1‘000 (exkl. MWST)
Bitte senden Sie uns bei Interesse eine Email
an: [email protected]
oder rufen Sie uns an (+41 81 833 10 28)
um das Anmeldeformular zu bestellen.
La SMAA è una nuova fondazione svizzera
che, in Engadina, propone regolarmente
selezionati workshop d’arte di altissimo
livello. In un’atmosfera spontanea, rilassata
e tuttavia concentrata, gli interessati possono ritirarsi per qualche tempo tra le suggestive montagne engadinesi e dedicarsi al
proprio aggiornamento. I docenti della St.
Moritz Art Academy sono personalità di
spicco della scena artistica internazionale;
nel confronto con essi, i partecipanti hanno
l’opportunità di perfezionare e potenziare le
proprie abilità pratiche e il proprio ruolo artistico in vari settori (pittura, disegno, scultura, fotografia, nuovi mezzi espressivi). I
workshop durano da quattro a cinque giorni
e possono essere frequentati periodicamente nel tardo inverno e in estate.
In contemporanea con i St. Moritz Art Masters, la SMAA prende l’avvio a Zuoz e dintorni con i corsi di Donald Baechler, USA,
Andreas Kopp, Germania e Kerim Seiler,
Svizzera.
Support this unique platform with the aim of
establishing it as a permanent sixture for art
enthausiast in the Engadin.
As FRIEND OF SAM you not only support
this unique event but also benefit:
· 2 tickets for a SAM evening event during
St. Moritz Art Masters
(end of August / beginning of September)
· Invitation to an artist talk for 2 persons
· Regular information on SAM activities
by email
· Information on seasonal program
before the official program is published
Come esclusivi partner di mobilità dei
St. Moritz Art Masters, anche quest’anno le
marche Mercedes-Benz e Mercedes-AMG
hanno riservato alcune sorprese a tutti i partecipanti all‘evento.
Con partenza dal parcheggio dell‘hotel
Schweizerhof, si possono trovare i prodotti
scelti della gamma Mercedes-AMG nello
scenario da sogno dell‘Engadina.
Inoltre, per chi ama le energie rinnovabili,
esiste anche la possibilità di noleggiare una
smart E-Bike, per scoprire il Walk of Art
su due ruote.
Tobias Rehberger explores the boundaries
and transitions between art and design in
new ways. The motif designed by Tobias
Rehberger represents the Corvatsch mountain range; it can be laid over the map of the
ski area and matches it in size and proportion.
The green circles mark the sites where fatal
mountain accidents have occurred. The exact
number of those cannot be reconstructed,
the green circles in the mountain range therefore create a fictional diagram. The addition
of this realistic element to the idealized design creates a contrast between the almost
naïve representation of the beauty of the
mountains and their elemental power.
Rehberger abstracts reality and thus finds
his own visual language for St. Moritz
Art Masters. The German artist (born 1966
in Esslingen am Neckar) lives and works
in Frankfurt am Main. In 2010, Tobias
Rehberger won the “Golden Lion” at the
Venice Biennale.
Tobias Rehberger scandaglia i confini e i
passaggi tra arte e design in maniera innovativa. Il soggetto da lui creato rappresenta
una trasposizione astratta del massiccio del
Corvatsch, che si può sovrapporre in modo
congruente sulla carta dei comprensori
sciistici. I cerchi verdi segnano, in realtà, i
luoghi dove si sono verificate sciagure alpine
con vittime. Le cifre esatte non si lasciano
intendere nel dettaglio, e così i segni verdi
all’interno del soggetto montano si trasformano in un diagramma fittizio. La grafica
idealizzata, rivestita di questo elemento
realistico, contrasta con la rappresentazione quasi naif della bellezza delle montagne
con la loro forza primigenia. Rehberger astrae
la realtà e trova in tal modo il suo personale
linguaggio visivo per St. Moritz Art Masters.
L’artista tedesco (*1966 a Esslingen am
Neckar) vive e lavora a Francoforte sul
Meno. Nel 2009 ha vinto il „Leone d’oro“
alla Biennale di Venezia.
Tobias Rehberger
Scoperte straordinarie
D’estate gli Art Masters di St. Moritz trasformano l’Alta Engadina nel centro della
scena artistica e culturale. Sostenete questa singolare iniziativa, che
si è posta come fine quello di diventare
un’istituzione di riferimento per conoscitori
dell’arte e curiosi in Engadina.
Come FRIEND
OF SAM non sosterrete solo questo progetto, ma ne avrete anche:
· 2 ingressi per una serata-evento durante
i St. Moritz Art Masters
(fine agosto / inizio settembre)
· Invito alla conversazione con un artista
per 2 persone
· Regolari informazioni (e-mail)
sulle attività di SAM
· Informazioni sul nuovo programma
prima della sua presentazione ufficiale
Annual Fee CHF 1‘000 (excl. VAT)
Quota annuale: CHF 1‘000 (IVA escl.)
To apply, please send an email to:
[email protected] or call
+41 81 833 10 28 to receive the application
form.
As an exclusive mobility partner of the
St. Moritz Art Masters, the Mercedes-Benz
and Mercedes-AMG brands once again
have a number of highlights in store for all
event visitors.
Starting from the parking lot of the Hotel
Schweizerhof, select products from the
Mercedes-AMG portfolio can be tested
against the idyllic background of the Engadin.
Completely in keeping with the philosophy
of sustainability, it is also possible to rent
one of the “smart” ebikes and explore the
Walk of Art on two wheels.“
FRIEND
St. Moritz
Art Masters
Exceptional Discoveries
St. Moritz Art Masters is transforms the
famous alpine destination St. Moritz as well
as the surrounding Engadin region into the
centre of the arts and culture scene.
Als exklusive Mobilitätspartner der St. Moritz
Art Masters halten die Marken MercedesBenz und Mercedes-AMG auch in diesem
Jahr wieder einige Highlights für alle
Event-Besucher bereit.
Ab dem Parkplatz des Hotels Schweizerhof
können ausgewählte Produkte aus der
Mercedes-AMG Palette in der Traumkulisse
des Engadins getestet werden.
Ganz im Sinne der Nachhaltigkeit besteht
zudem die Möglichkeit, eines der „smart“
E-Bikes auszuleihen und den Walk of
Art auf zwei Rädern zu entdecken.
Se siete interessati vi preghiamo di inviarci
una mail: [email protected]
o di telefonarci (+41 81 833 10 28)
per richiedere il modulo d’iscrizione.
Tobias Rehberger lotet die Grenzen und
Übergänge zwischen Kunst und Design
neu aus. Das von Tobias Rehberger entworfene Motiv stellt eine abstrakte Umsetzung des Corvatsch Massivs dar, das sich
deckungsgleich über die Skigebietskarte
legen lässt. Die grünen Kreise markieren
eigentlich die Stellen, an denen sich Bergunglücke mit tödlichem Ausgang ereignet
haben. Die genauen Zahlen liessen sich
nicht im Detail nachvollziehen, so dass die
grünen Markierungen im Bergmotiv zu einem
fiktivem Diagramm werden. Die Unterfütterung der idealisierten Grafik mit diesem realistischen Element kontrastiert die
nahezu naive Umsetzung der Schönheit der
Berge mit deren Urgewalt. Rehberger abstrahiert die Realität und findet so für
St. Moritz Art Masters zu einer eigenen
Bildsprache. Der deutsche Künstler (*1966
in Esslingen am Neckar) lebt und arbeitet in
Frankfurt am Main. Im Jahr 2009 gewann
Tobias Rehberger den „Goldenen Löwen“
der Biennale in Venedig.
pirelli.com
ENGINEERED
TO EXCITE
Leica M Monochrom, available in black chrome finish.
LEICA M MONOCHROM
The fascination of digital black and white photography.
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The fascination of black and white photography is more alive today than ever before. Time for a camera that finally
makes it possible to create authentic monochrome photography in digital form: the Leica M Monochrom is the first
digital 35 mm camera developed exclusively for shooting in black and white. Its full-format sensor works without
colour filters and thus delivers ‘true’ black and white images with unrivalled sharpness and dynamic range. This
makes the M Monochrom the perfect tool for fine-art photographers and all lovers of black and white photography.
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Leica Camera AG I Oskar-Barnack-Strasse 11 I 35606 SOLMS I GERMANY I www.leica-camera.com
Partner Hotels 2013
Das St. Moritz Art Masters wird grosszügig unterstützt von den St. Moritzer
5-Sterne-Hotels. Spezielle Packages
werden angeboten. Mehr Informationen erhalten Sie direkt bei den Hotels.
The St. Moritz Art Masters is generously supported by the 5-Star-LuxuryHotels of St. Moritz. Special packages
are being offered. Please contact the
hotels directly for more information.
Gli Hotel a cinque stelle di St. Moritz
sostengono St. Moritz Art Masters.
Speciali pacchetti vengono offerti. Per
maggiori informazioni, si prega di contattare direttamente gli alberghi.
Badrutt‘s Palace Hotel
Via Serlas 27 · CH-7500 St. Moritz
Tel +41 (0)81 837 1000
Fax +41 (0)81 837 2999
www.badruttspalace.com
Kempinski Grand Hotel des Bains St. Moritz
Via Mezdi 27 · CH-7500 St. Moritz
Tel +41 (0)81 838 3838
Fax +41 (0)81 838 30 00
www.kempinski.com/stmoritz
Kulm Hotel St. Moritz
Via Veglia 18 · CH-7500 St. Moritz
Tel +41 (0)81 836 80 00
Fax +41 (0)81 836 80 01
www.kulm.com
Hotel Suvretta House
Via Chasellas 1 · CH-7500 St. Moritz
Tel +41 (0)818 36 36 36
Fax +41 (0)818 36 37 37
www.suvrettahouse.ch
www.stmoritz.ch
Invest in aerodynamic art.
WALK OF ART
1 SILS
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Robbi Museum
Jungjin Lee
9 St. Moritz
Palace Galerie
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17 St. Moritz
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Suvretta House
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The new CLA. The four-door coupé from Mercedes-Benz with the
best drag coefficient ever in a production car. Untamed.
2 SILS
WALDHAUS SILS
Rune Guneriussen
10 St. Moritz
GALERIE
Christophe Graber
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18 St. Moritz
Engadiner MUSeum
Jan Fabre
3 St. Moritz
BADRUTT’S
PALACE HOTEL
Donald Baechler
11 St. Moritz
GALERIE
KARSTEN GREVE
Zhou Tiehai
19 St. Moritz
„Eglise Au Bois“
Robert Wilson
4 St. Moritz
fussgängerzone
Olaf Breuning
12 St. Moritz
GALERIE
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20 St. Moritz
„Eglise Au Bois“
Paul Thek
5 St. Moritz
„Black Box Project“ CRYSTAL HOTEL
KERIM SEILER
Relay (Situationist Space Program)
13 St. Moritz
Kulm Hotel & Schlossereiwerkstatt
SéBaStIEn
DE GanaY
21 St. Moritz
KEMPINSKI GRAND
HOTEL DES BAINS
“Emotional
Stories”
6 St. Moritz
Reformierte Kirche
AI WEIWEI
14 St. Moritz
Schlossereiwerkstatt
KUENG CAPUTO
22 St. Moritz
KEMPINSKI GRAND
HOTEL DES BAINS
Liu Heung Shing
7 St. Moritz
turnhalle
SIGG COLLECTION
15 St. Moritz
CHÂTEAU PAPILLON
des ARTS
PIERo del bondio
8 St. Moritz
Palace Galerie
Fang Lijun
16 St. Moritz
Posthaus
Su-Mei Tse
A Daimler Brand
Discover the unusual. #Untamed. A digital photo installation. www.untamed-installation.com
Fuel consumption urban/extra-urban/combined: 8.4–5.3/4.9–3.6/6.2–4.2 l/100 km;
combined CO₂ emissions: 144–109 g/km. Efficiency class: C–A+.
Figures do not relate to the specific emissions or fuel consumption of any individual vehicle, do not
form part of any offer and are intended solely to aid comparison between different types of vehicle.
Provider: Daimler AG, Mercedesstraße 137, 70327 Stuttgart
23 MADULAIN
Chesa Colani
“L’arte al cinema“
WALK OF ART
St. MORITZ
27 ZUOZ
Galerie MoniCa
de Cardenas
claudia losi
31 s-chanf
GALERIE
PETER VANN
PETER VANN
24 ZUOZ
chesa Planta zuoz
A COLLECTIVE
FROM SICHUAN
28 ZUOZ
Hotel Castell
Nicolas Party
32 ARDEZ
Fundaziun
not vitaL
中 (Middle)
25 ZUOZ
Hubert Kiecol
29 s-chanf
Villa Flor
BELLANTE
Enzo Cucchi + Ten Italian Poets
33 sCUOL
Fundaziun Nairs
26 ZUOZ
David Cerný
30 s-chanf
GALERIE
VON BARTHA CHESA
imi knOEbel
34 BERGELL
Arte Hotel
Bregaglia
Video Arte Palazzo Castelmur
中
10
7
11 5
4
12
8
16
3
9
6
15
13
18
14
17
22
21
20
19
^
Programm / Program / Programma
Version Mai 2013 – Änderungen vorbehalten
Version May 2013 – All information subject to change
Versione maggio 2013 – Non si escludono cambiamenti
WALK OF ART
engadin
32
Madulain
Samedan
Bergell
Champfèr
34
St. Moritz-Dorf
Silvaplauna
1-22
2
1
swissimage © 2012 swisstopo (BA130178)
Sils
Surlej
23
La Punt
Chamues-ch
Celerina
Maloja
Bever
St. Moritz-Bad
Pontresina
Ardez
Scuol 33
Zuoz
28
26
25 24
27
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St. Moritz - Palace-Galerie - 081 833 18 55
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