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Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani
Direzione tecnica e artistica Linea
d’Ombra-Festival Culture Giovani
Via Trotula De Ruggiero, 24
84121 Salerno (SA) - ITALY
Tel +39 089 662 565
+39 089 662 565
Fax: +39 089 662 566
www.festivalculturegiovani.it
[email protected]
MANAGEMENT PA
Comune di Salerno - Settore
Affari Generali
Responsabile Unico di
Procedimento
Annamaria Barbato
Comune di Salerno - Ufficio
Turismo
Luigi Sarli
Lucia La Manna
Michela Senatore
FESTIVAL STAFF
Direzione artistica
Peppe D’Antonio
Agostino Riitano
Selezione CortoEuropa
Luca Granato
Gaetano Maiorino
Rapporti internazionali
Hanka Irma van Dongen
con la collaborazione di Emanuela
Maria Rago
Produzione Club Festival
ElectroArt/Eddy Palescandolo
Giuria /Workshop
Francesco Daniele
con la collaborazione di Serena De Rosa
e Mario Piscopo
Marketing e Comunicazione
Michele Rosco
con la collaborazione di Grazia
Libertazzi (web tv)
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Gerenze
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Comunicazione/Media planning/Web
content management
Rossella Labriola
con la collaborazione di Alessandra
Addonizio (stagaire)
Catalogo
Fiorella Loffredo/coordinamento
editoriale
Rodolfo Fimiani/progetto grafico e
impaginazione
Identità visiva
Vincenzo Pinto/concept
Federica D’Ambrosio/concept
Arturo Barbarisi/visual design
Maria Pia Malizia/produzione
Ufficio Stampa
DMV Comunicazione
Umberto Di Micco e Gianni Valentino
con la collaborazione di Titti Fabozzi
Direzione generale
Simona Caracciolo
con la collaborazione di Mario Piscopo
e Rosario Romano
Direzione tecnica
Marcello Gallo
Ospitalità
Ida Paradiso
con la collaborazione di Carla Gliorio e
Paolo Lamberti
Segreteria generale
Serena De Rosa
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Vincenzo De Luca Sindaco di Salerno
Saluto con grande piacere la quindicesima edizione del Festival Linea d’Ombra
che anche quest’anno si presenta come una grande occasione di incontro e
confronto per tanti giovani salernitani e provenienti da altre regioni d’Italia.
Quest’anno il tema della manifestazione è “l’identità”, tema sicuramente
complesso ma di grande attrattiva e fascino soprattutto per le giovani
generazioni alla ricerca di una propria identità in una società in continuo
cambiamento.
Il tema sarà declinato nelle varie sezioni che compongono il festival: dal
cinema alla musica alla video-arte, alla performing art. Momenti di riflessione
importanti per tutti coloro che avranno la possibilità e il piacere di prendere
parte a questo che è diventato un appuntamento unico nel panorama
nazionale dei festival cinematografici destinati ai giovani.
Questa edizione del Festival Linea d’Ombra sarà caratterizzata da una
parentesi completamente nuova ed interessante che contribuirà sicuramente
a creare uno spirito ancora più familiare: il simposio. Artisti, docenti, esperti
di comunicazione, impresa e soprattutto giovani, seduti intorno ad un
tavolo squisitamente imbandito, confronteranno esperienze e cercheranno
nuove forme di collaborazione per fare impresa perchè la cultura, gli eventi
culturali, continuino a rappresentare momenti di crescita per una comunità e
non risentano dei drastici tagli dei finanziamenti pubblici destinati a questo
specifico settore.
L’identità, la sua perdita, la sua ricerca, saprà creare un fertile confronto tra gli
artisti protagonisti delle varie sezioni e i giovani provenienti da tutta Italia che
verranno a seguire gli eventi che con i primi potranno interagire. Tutti insieme
avranno poi la possibilità di visitare Salerno, una città sempre più accogliente e
a misura dei giovani, che si è saputa creare anch’essa una nuova identità aperta
agli standard europei, alle sfide che la crisi mondiale ci ha messo di fronte,
ma senpre con una attenzione particolare alla crescita sociale, culturale ed
economica del territorio.
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Presentazioni
Vincenzo De Luca Major of Salerno
I am really happy to welcome the fifteenth edition of the Fstival Linea d’Ombra
which also this year represents a big opportunity for so many young people from
Salerno and from other regions in italy, to meet together and exchange their
opinions.
This year the theme is “identity”, a real complex but also very interesting and
challenging theme above all for the young generations in search of their own
identity in an ever changing society.
This theme will be dealt with in the different sections of the festival: from cinema
to music, video-art, performing art. They will be important reflection opportunities
for all those who will have the possibility and pleasure of taking part into what has
become a unique event in the national panorama of film festivals devoted to young
people.
This edition of the Festival Linea d’Ombra will be characterized by a completely new
and interesting interval which will certainly help to create an even more familiar
atmosphere: the symposium. Artists, teachers, communication experts, enterprises
and above all young people, sitting at a sumptuously laid table, will exchange their
experiences and will try to find new collaborations for setting up enterprises, in
order that culture, cultural events, continue representing opportunities of growth,
thus neutralizing the negative effects of the drastic cuts of public fundings to this
specific sector.
Identity, its loss, the search of it, will be able to create a fertile exchange of
opinions among the artists protagonists of the different sections and the young
people coming from all over Italy, who will also be able to interact with the artists
themselves. All of them together will have the possibility of visiting Salerno, a town
which is becoming more and more welcoming and built for young people, which
has been able to find its own new identity open to European standards, to the
challenges coming from the world crisis, always taking care of the social, cultural
and economic growth of its territory.
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Edmondo Cirielli Presidente della Provincia di Salerno
La provincia di Salerno ha un patrimonio d’identità che le consente di agire da
protagonista nella produzione di eventi culturali. Sul suo territorio non ci sono
semplici segni materiali ed architetture che ne testimoniano ruoli di primo
piano nella storia delle vicende politiche e militari, economiche e religiose, del
Mezzogiorno d’Italia e del Mediterraneo.
Ma sono fortemente presenti pulsioni della creatività dell’uomo d’arte, di
scienze e di pensiero, di teatro e di musica, di dottrine delle relazioni sociali,
politiche ed economiche. Al di là di queste testimonianze, la nostra idea di
Provincia intende alimentare nuove forme d’espressione del presente e di
rappresentazione del futuro, affermando la centralità del suo patrimonio
storico, nell’interscambio con le altre culture e nella ricerca di moderne forme
delle relazioni dell’uomo con la natura e con le tecnologie della conoscenza e
della comunicazione.
Le illimitate possibilità offerte dai nuovi linguaggi del cinema e della
multimedialità permettono di esaltare storie e soggettività delle nostre
comunità in un mondo in continua evoluzione. Linea d’Ombra-Festival delle
Culture Giovani è un’occasione di incontri, oltre che di sperimentazione per
coltivare nuovi talenti del mondo dello spettacolo e della cultura. La città di
Salerno e la sua provincia, sui loro territori, offrono saperi antichi e moderni e
le giuste scenografie storiche, artistiche ed ambientali per la celebrazione di un
mondo reale, non prigioniero del virtuale.
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Presentazioni
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Edmondo Cirielli President of the Province of Salerno
The province of Salerno has got a heritage of identity which allows it to act as a
protagonist in the production of cultural events. On its territory not only simple
tangible evidences testifying its leading role in the history of political and military,
economic and religious events in the South of Italy and in the Mediterranean,
can be found, but also strong impulses to creativity from men of art, of science,
of thought, of theatre and music, of doctrine on social, political and economic
relationships, are clearly emerging. Beyond these evidences, our idea of Provincial
Administration is centred on encouraging new forms of expression of the present
and of representation of the future, affirming the central role of its historical
heritage, in the interchange with other cultures and in the search of modern forms
of relationships of man with nature and with the technologies of knowledge and
communication. The unlimited possibilities offered by the new cinema languages
and multimedia expressions allow to enhance stories and individualities of our
communities in a continuously developing world. Linea d’Ombra-Festival of
Young Cultures is an opportunity of meeting and experimenting new talents of
the show and culture world. The town of Salerno and its province offer its old and
modern culture and the suitable historical, art and environmental backgrounds for
celebrating a real world, not imprisoned within a virtual reality.
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L’identità, oltre l’identità
È un po’ difficile sintetizzare in poche battute le novità di questa magmatica
quindicesima edizione di Linea d’Ombra Festival Culture Giovani. Proviamoci
comunque. La prima sta nel nuovo assetto della direzione artistica. Il progetto,
firmato a quattro mani, non segna solo l’apertura verso nuovi territori dell’arte
e della cultura, ma anche l’inizio di una fase di ripensamento della strategia
complessiva della manifestazione, e questa è la seconda novità.
Ovviamente si mette in crisi una storia perché si ha la forza e la voglia di
guardare avanti, molto avanti. Questa forza nasce dal fatto che la storia del
nostro festival è ricca, significativa, importante, tale da rendere orgogliosi
chiunque vi abbia lavorato nel corso dell’ultimo lustro. Abbiamo accompagnato
la crescita della città di Salerno, in rapido sviluppo verso standard europei,
la vocazione non provinciale della Regione Campania e il suo voler guardare
all’arte contemporanea, alle nuove forme di sapere, alle culture che si declinano
al futuro senza accontentarsi dell’eterno ritorno dell’identico. Lo abbiamo
fatto dapprima con il cinema, poi allargando lo sguardo alla video-arte e ai
nuovi media, alla musica e infine alla performing art. Nessuna scelta è stata
comoda, facile, dettata dalla pura voglia di compiacere il “pubblico” - che
tuttavia continua a seguirci numerosissimo, proprio perché ha fiducia nelle
nostre proposte. Un festival, per come lo abbiamo costruito nel tempo e ne
intendiamo il senso, non può accontentarsi di presentare il già noto e non deve
riproporre i modelli dell’industria culturale, perché se così facesse sarebbe, nel
primo caso, inutile nel secondo addirittura dannoso. Proprio per ragionare su
questo passaggio, non facile, abbiamo immaginato il “Simposio”, brevi incontri
a pranzo con protagonisti della cultura, dello spettacolo e dell’industria che ci
aiuteranno a capire come si va ridefinendo il panorama nazionale degli eventi e
il loro rapporto nel secondo decennio del terzo millennio. Noi porteremo a quei
tavoli del gusto anche le nostre idee e le nostre proposte, sapendo che almeno
due cose sono chiare: la prima, la nostra storia è un punto di partenza e non
d’arrivo; la seconda: dobbiamo investire nelle idee e produrle o aiutare chi ha
talento per farlo.
La scelta del tema non è stata segnata da questa nostra specifica ricerca, ma
dall’idea che proprio il rapido consumarsi di storie e di narrazioni sul finire
del secolo scorso aveva lasciato il millennio successivo orfano di una forma
in cui pensarsi. Poi certo c’è stato l’attacco alle Twin Towers. Tutto è sembrato
maledettamente più semplice: conta solo lo scontro delle civiltà, le identità
che si danno come opposte, la guerra preventiva e tutto quello che, speriamo
ci siamo lasciati alle spalle, forse. Ma nel frattempo le arti si danno convegno
intorno al capezzale delle identità in crisi, registrano i vagiti del nuovo che
ancora non sa nascere accanto all’affannoso respiro del vecchio che ancora non
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Presentazioni
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vuole morire. In mezzo a tutto questo, siede la paura, ovviamente sentimento
comprensibile ma che non dà vita, la toglie e taglia la memoria, soprattutto
a noi, figli e nipoti di migranti. Oggi i rumeni per noi, ieri i nostri nonni a Ellis
Island per gli “americani”, a tutti o quasi è toccato essere l’altro cui confrontarsi
per definire la propria identità. Questo sentimento ha ispirato la retrospettiva
dedicata al cinema rumeno contemporaneo. Deve avere un significato il fatto
che negli ultimi cinque anni una nuova generazione di registi rumeni abbia
prodotto opere che sono uscite dai confini nazionali e hanno vinto alcuni dei
maggiori festival internazionali. La stessa ricchezza di proposte la troviamo
anche all’interno delle scelte della sezione Performing art, dedicata a quelle
arti che per loro natura si realizzano nel rapporto imprescindibile con lo
Spazio e il Tempo. Ospiteremo esperienze artistiche ampie, che favoriscono
la contaminazione tra le diverse espressioni della creatività performativa
contemporanea, utilizzando spesso il Centro Storico della Città di Salerno come
palcoscenico e location.
La città sarà anche “oggetto di lavoro” di un articolato laboratorio
multidisciplinare. Il laboratorio curato dal Collettivo Hypertopia di Torino vedrà
allo stesso tavolo Associazioni Territoriali, Istituzioni Pubbliche e Università,
proporrà una lettura dell’identità della città attraverso lo sguardo di un
gruppo di giovani provenienti da realtà e tradizioni socio-culturali differenti.
Intorno al tema festivaliero ruoterà anche la programmazione musicale che
quest’anno sarà ospitata al Club Festival, uno spazio dedicato, all’interno del
Complesso Monumentale di S. Sofia, che ricostruisce una perfetta atmosfera
da club berlinese, un viaggio nelle nuovissime tendenze del clubbing
internazionale, passando da dj set a live avvincenti, da vj set a installazioni
d’arte contemporanea.
Ancora le identità saranno protagoniste del workshop diretto dallo scrittore
Diego De Silva accompagnato dal regista Stefano Incerti, dallo scrittore e
saggista Silvio Perrella e dalla sceneggiatrice Giovanna Koch.
Consegniamo l’apertura di questa edizione agli Afterhours, una band che ha
segnato in maniera indelebile il rock indipendente in Italia permettendo a
questo tipo di musica di uscire allo scoperto e di dimostrarsi una importante
realtà. La band di Manuel Agnelli presenterà un concerto speciale al Teatro
Augusteo con ingredienti del tutto diversi dal solito. Agnelli dichiara che “Non
sarà più quieto in quanto acustico, anzi, sarà un mix completo tra canzoni,
letteratura e teatro con molti ospiti provenienti dai più svariati ambiti, nel quale
l’ossatura del progetto sarà naturalmente la musica degli Afterhours”.
Buon festival a tutti!
Peppe D’Antonio - Agostino Riitano
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The identity, beyond the identity
It is a bit hard to synthesize in a few lines the novelties of this magmatic fifteenth
edition of Linea d’Ombra Festival of Young Cultures. However let us try. The first one
is the new kind of art direction. This project, signed by two art directors, not only
marks the opening of this event towards new territories of art and culture, but also
the beginning of a new strategy of planning the whole event, and this is the second
novelty.
Obviously a history is rewritten, because we have the courage and we wish to look
ahead, further. This courage is born from the fact that the history of our festival is
rich, meaningful, important, such as to make whoever has worked for it over the
last fourteen years, be proud of that. We have accompanied the growth of the town
of Salerno, rapidly developing towards European standards, the not provincial
vocation of the Region of Campania and its interest in the contemporary art, into
new forms of knowledge, into cultures projected into the future, without being
satisfied with the eternal reference to what is identical. We have done it first by our
interest in cinema, then widening our horizons to video-art and then to new media,
to music and at last to the performing art. No choice has been comfortable and
easy, only dictated by the wish of pleasing the “public” – who however continues
following us in great numbers, just because it trusts upon what we are able to
offer it. A festival, as we have built and intended it over time, cannot be satisfied
with presenting what is already known, and must not reproduce the models of
the cultural industry, because if it did so, it would be not only useless but also even
harmful. Just for debating about this not easy transition stage, we have imagined
the “Symposium”, short meetings held at lunch with protagonists of the world of
culture, of the show and of the industry, who will help us to understand how the
national panorama of events and their relationship in the second ten years of the
third millennium, is going to become. We will bring to those gourmet tables our
ideas and suggestions too, being sure that at least two things are clear: the first
one is that our history is a starting point and not a point of arrival; the second one
is that we must invest in our ideas and produce them or help those who have the
talent to do it.
The choice of the theme of this edition has not been influenced by this specific
research, but by the idea that just the rapid consumption of stories and narrations
at the end of the last century had left the following millennium orphan of a suitable
form within to consider ourselves. Then there was the attack to the Twin Towers.
Everything seemed to be really more simple: only the conflict between civilizations
is important, identities considered to be opposed, the preventive war and all that we
have left behind ourselves. But meanwhile arts meet at the death-bed of the identity
in crisis, they record the cries of the new which is still not able to be born beside the
difficult breath of the old which still does not want to die. In the middle of all this,
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Presentazioni
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fear sits, that is obviously an understandable feeling but which does not bring life,
it rather takes it off and cuts memory, above all to us, children and nephews of
migrants. Today Rumanian people for us, yesterday our grandparents at Ellis Island
for the “Americans”, everyone or almost everyone has experienced to be the other
with whom to deal with, in order to define hisown identity. This feeling has inspired
the retrospective devoted to the contemporary Rumanian cinema. It must be
meaningful that over the last five years a new generation of Rumanian directors has
produced works which have got success outside the national boundaries and have
won prizes at some of the most important international festivals. The same wide
range of contributions can be found within the section Performing art, devoted to
those arts which are naturally inclined to a relationship with Space and Time. We
will host wide art experiences, which foster the contamination between different
expressions of the contemporary performing creativity, often using the Historical
Centre of the Town of Salerno as stage and location.
The town will also be the “working subject” of a well structured multidisciplinary
workshop. The workshop directed by the Collective Hypertopia in Turin will provide
the presence at the same table of Territorial Associations, Public Institutions and
Universities, and it will suggest the reading of an identity of the town through the
eyes of a group of young people coming from different environments and having
different social-cultural traditions. On the festival theme the music program will
also be centred, this year it will be hosted at the Festival Club, a dedicated space
within the Monument Complex of S. Sofia, which reconstructs a perfect atmosphere
of a Berlin club, a journey through the very new trends of the international
clubbing, ranging from dj sets to captivating lives, from vj sets to contemporary art
installations.
Identities will be also protagonists of the workshop directed by the writer Diego De
Silva accompanied by the director Stefano Incerti, the writer essayist Silvio Perrella
and by the script writer Giovanna Koch.
We give the task to open this edition to the Afterhours, a band which has indelibly
marked the independent rock in Italy, allowing this kind of music to emerge and
become an important musical genre. Manuel Agnelli’s band will present a special
concert at Augusteo Theatre with really unusual ingredients. Agnelli states that “It
will not be quiet anymore, since it will be acoustic, it will be rather a complete mix
between songs, literature and theatre with many guests coming from the most
varied fields, within which the main frame will be of course the Afterhours’ music”.
Enjoy the festival then!
Peppe D’Antonio - Agostino Riitano
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Dalla B alla Zeta
I nostri giovani autori non si sono lasciati prende dallo sconforto, in un anno di
crisi globale, e hanno saputo mettere in fila le emozioni, dalla B di Bollywood
Hero alla zeta di Zero, per offrirci un panorama convincente e forte di questa
nuova stagione del cinema europeo. E nel seguire le loro tracce visive, i lori
percorsi narrativi non sarebbe neanche difficile ritrovare, un po’ a sorpresa,
il tema della quindicesima edizione, l’identità. Ovviamente in crisi, starei per
aggiungere, se non fosse ovvio che qualsiasi racconto sull’identità non può che
preannunciare una sua messa in crisi, un suo sprofondare, un suo dissiparsi oltre
i confini dell’io, solido e qualche volta stolido.
Lo si comprende seguendo Nick, giovane protagonista di Bollywood Hero,
perdersi e ritrovarsi e ancora perdersi lungo le strade di Mumbai. La sua è
una dolorosa discesa all’inferno del senso accompagnato dalle immagini che
non solo vedono, ma inventano la realtà. Perduti nel nulla di una malinconica
cittadina del Belgio, i protagonisti di C’est déjà l’étè non hanno più un centro. Il
padre ha perso il lavoro e il senso della propria storia, la figlia ha un bambino
e nessuna idea di maternità, il più giovane si guarda intorno e non riconosce
il mondo come possibile. La cinepresa ne registra le parabole vitali senza
interferire, in lucida distanza. Altre identità in crisi, multiple e mutanti, quelle
messe in scena in The disapparence of Alice Creed. Un gioco triangolare, i cui
vertici – in una sorta di geometria non euclidea – appaiono instabili, indefiniti,
sfuggenti. Un gioco delle parti in cui vince sempre chi lascia aperte più
possibilità. Il passo è quello leggero della commedia, la forma quella del road
movie in terra americana, ma i protagonisti di Friendship! sono giovani tedeschi,
meglio ex compagni della dissolta DDR che vanno alla ricerca di orizzonti di
senso, per il passato da cui provengono e il futuro che ancora non li accoglie.
Nothing Personal ovvero, la vertigine, il vuoto e il progressivo riempirsi della
distanza tra due corpi, due storie, due vite. Contatto senza scambio, scambio
senza contatto, solitudini non solitarie, insomma cinema come gioco di sguardi
e di corpi e di spazi. Zero, film polacco, chiude il cerchio, è il caso di dire, con
frammenti di storie che si intrecciano nel reticolo della nuove città dell’est.
Personalità border line, quasi tutte, e quasi tutte segnate dalla solitudine e dalla
sensazione di sfuggire al tempo, di aver perso il filo della storia nella cronaca di
un tempo ormai chiuso in se stesso. Tutto si scambia ma la somma resta zero.
Peppe D’Antonio
direttore artistico
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Il Caffè letterario di Virella Granese
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From B to Zed
Our young authors have not given in to despair, in this year of global
crisis, and have been able to offer us a wide range of emotions, from the
B of Bollywood Hero to the Zed of Zero, which represent a convincing and
impressive panorama of this new season of the European cinema. And on
following their image tracks, their narrative courses, it is not difficult to
unexpectedly find, the theme of the fifteenth edition of this festival, the
identity. Obviously it is in crisis, I would add, but it is obvious that any story
about identity cannot but let us foresee its crisis, its sinking, its vanishing
beyond the boundaries of the I, which is solid and sometimes dull too.
We can understand that following Nick, the young protagonist of Bollywood
Hero, who gets lost and finds himself again and gets lost once again in the
streets of Mumbai. This is his painful fall in the hell of sense, accompanied
by images which do not only see but invent reality. Lost in the nothing of
a melancholic town in Belgium, the protagonists of C’est déjà l’étè have
not got a centre anymore. His father has lost his job and the sense of his
own history, his daughter has got a child and no idea of motherhood,
his youngest child looks around him and does not recognize the world
around him as a possible world. The camera records its life parables without
interfering, at a lucid distance. Other multiple and mutant identities are
in crisis, those staged in The disapparence of Alice Creed. A triangle play,
with its vertexes – in a kind of non Euclidean geometry – which seem
to be unstable, indefinite, slippery. A party game in which the one who
always leaves more than one possibility opened, wins. The pace is the light
one of the comedy, the form is that of the road movie in the American
land, but the protagonists of Friendship! are young German young men,
it would be better to say, former fellows of the dissolved DDR being in
search of horizons of sense, for the past from which they come from and
the future which has not welcomed them yet. Nothing Personal that is the
vertigo, the emptiness and the gradual filling in of the distance between
two bodies, two stories, two lives. Contact without exchange, exchange
without contact, not lonely solitudes, then cinema as interplay of glances,
bodies and spaces. Zero, a Polish film, closes the circle, it is right to say, by
fragments of stories intertwining with each other in the network of the new
towns of the east. In it personalities are almost all of them border line, and
almost all of them are marked by loneliness and by the feeling of escaping
time, of having lost the thread of history in the chronicle of a time by now
closed in itself. Everything is exchanged, but the final sum is always zero.
Peppe D’Antonio
Art Director
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Bollywood hero
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
Bollywood hero
Bollywood hero
Diederik van Rooijen
2009
Olanda
35 mm
85’
Cast Egbert-Jan Weeber
Ishwari Bose-Bhattacharya
Akhilesh Kumar
Vijay Kadam
Rubina Rafique Qureshi
Jay Pathak
Diederik van Rooijen
Moek de Groot
Lennert Hillege NSC
Jan Schermer
Bart Westerlaken
Yunnus Pathan
Bho Roosterman-Vroegen
Hanneke Niens
Anton Smit
Produzione IDTV Film
Distribuzione A Film
Meeuwenlaan 98-100,
1021 JL Amsterdam-Noord
tel: 020 – 3445144
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Produttore
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Passaggi d’Europa
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Nick, un giovane attore olandese, si reca a Mumbai per recitare in un film
della Bollywood indiana. Appena giunto, causa accidentalmente alla morte
di una bambina investita da un taxi in strada. Egli è profondamente scioccato
e decide di sostenere economicamente il tassista e di aiutare chiunque glielo
chieda. Nel frattempo sul set il suo rapporto con l’attrice protagonista, Sita, si
sta lentamente trasformando in amore. Ma lei è promessa sposa al produttore
del film, che ben presto lo licenzia. Nick subisce lentamente una profonda
trasformazione, non vuole più essere solo testimone della miseria e del degrado
che vede intorno a sè ma decide di passare all’azione. Decisione che lo porterà
molto più lontano di quanto avrebbe immaginato.
Dutch actor Nick travels to Mumbai to play a small part in a Bollywood movie.
During the film shoot Nick develops a close friendship with his co-actress,
Bollywood star Sita Singh. Nick helps Sita to make her own choices and tries to
prevent her arranged marriage with the son of a rich Bollywood producer. With
the 8mm camera of his father Nick looks at the city and tapes his experiences.
As always he takes things for granted until he witnesses the accident of a young
homeless girl, who gets hit by a car as she crosses the street towards him.
Nobody seems to take notice of the accident and so Nick rushes off to a hospital
in a taxi with her. Even so the little girl dies. Nick feels guilty about the girl’s
death and feels that he has to make up for this by helping the poor in as many
ways possible. He decides to no longer be a passive eyewitness to all the misery
around him.
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Bollywood hero
Diederik van Rooijen (26-12-1975), nato in Olanda,
è cresciuto tra Olanda, Grecia e America. Si è laureato
all’Accademia d’Olanda di Cinematografia e Televisione
nel 2001 col suo film in inglese “Chalk-Gesso”. A parte il
suo lavoro di sceneggiatore per cinema e TV, è regista
di spot pubblicitari. Con i suoi spot per la “Volkswagen
Polo Gti” ha vinto il Premio Leone di Bronzo a Cannes
nel 2006. Il suo corto “Babyphoned” ha vinto il primo premio come corto durante il
Festivale del Cinema Olandese nel 2002. Ha diretto il lungometraggio “Zulaika” nel
2003, che ha vinto parecchi premi. Il suo corto “Dummy” ha rappresentato l’Olanda
agli Academy Awards 2007, nella categoria corti Live action.
Diederik van Rooijen (1975) was born in the Netherlands and he grew up in
Holland, Greece and America. He graduated at the Netherlands Film and Television
Academy in 2001 with his English language film “Chalk”. With his commercials for
“Volkswagen Polo Gti” he won the Cannes Bronze Film Lion Award in 2006. His
short film “Babyphoned” won the NPS Award Best Short Film, during the Dutch
Film Festival 2002. He directed the feature film “Zulaika” in 2003, which won several
awards. Diederik van Rooijen is director and scriptwriter of short films, television
drama and feature films. His short film “Dummy” was the Dutch entry for the
Academy Awards 2007, in the category Live action short .
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C’est Déjà l’été
Bollywood hero
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
C’est Déjà L’été
It’s Already Summer
Martijn Maria Smits
2010
Paesi Bassi/Belgio
HD cam/35 mm
85’
Cast Patrick Descamps
Benjamin Willem
Julie Anson
Sceneggiatura Bastiaan Kroeger
Martijn Maria Smits
Montaggio Axel Skovdal Roelofs
Martijn Maria Smits
Fotografia Benito Strangio
Suono Jaap Hermans
Musica Ernst Reijseger
Scenografia Laure Colson
Costumi Claudine Tychon
Produttore Annemiek van Gorp
René Goossens
Joseph Rouschop
Produzione De Productie (Olanda)/
Tarantula (Belgio)
Distribuzione De Productie
Gas Houderstraat 9
3061 EH Rotterdam
The Netherlands
www.deproductie.nl
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Jean e i suoi due figli Marie, una diciottenne con un bambino di pochi mesi, e
Benjamin, quattordicenne introverso e difficile, vivono a Liegi in Belgio. Il padre
non ha ancora detto a nessuno di essere stato licenziato. Esce di casa come se
andasse a lavoro ma vive in un precario equlibrio psicologico. La moglie lo ha
lasciato e i figli non sembrano capirlo. La figlia cura poco il bambino, avuto da
un ragazzo ora in galera, che lascia spesso in custodia al fratello più piccolo, per
andare in giro con gli amici. Il fratello più piccolo preferisce andare in motorino,
commettere piccoli reati o giocare con pistole false piuttosto che andare a
scuola. L’unico che si occupi di lui è un maestro che ne ha capito il disagio e la
solitudine in cui vivono tutti. Ma forse è troppo tardi.
Jean has a daughter Marie and a son Benjamin. He has been fired from the
Cockerill steel factory. He is so ashamed that he keeps this secret from his two
children. Marie has a baby, but the child’s father is in jail. Benjamin should be
going to school, but prefers to spend his time with friends, mopeds, pranks and
fake guns. The three family members live separately from each other, all alone
in the same house. They only talk to each other when they need something.
They all seem to have a problem falling asleep at home and are searching for a
cure beyond. Jean decides to leave with his van, but without leaving a message.
He roams around, looking for warmth and a safe place to rest. He drives to
Rotterdam, where his ex-wife has started a new life.
2-04-2010 9:23:29
25
Martijn Maria Smits, nato in Olanda, ha studiato Arti
Audiovisive e Fotografia ad Antwerp, Belgio. Nel 2006
si è laureate in regia all’Accademia di Cinematografia
Olandese con il suo corto vincitore del premio
Otzenrath. Nel 2009 ha vinto il Vitello d’Oro per il miglior
dramma televisivo al Festival Cinematografico d’Olanda
di Utrecht per il suo corto “Anvers” (SG).Attualmente
Martijn Maria Smits vive a Buenos Aires dove sta lavorando al suo prossimo
progetto.
Passaggi d’Europa
Martijn Maria Smits was born in Holland and studied Audio Visual Arts and
Photography in Antwerp, Belgium. In 2006 he graduated in directing from
the Dutch Film Academy with his prize-winning short “Otzenrath”. In 2009 he
won the Golden Calf for Best Television Drama at the Netherlands Film Festival
Utrecht for his short film “Anvers” (SG). Currently Martijn Maria Smits lives in
Buenos Aires where he is working on his next project.
Dichiarazioni del regista
“Sono interessato a storie su persone
che hanno sperimentato situazioni
che hanno smorzato I loro sentimenti;
vite immobili, persone che rimangono
in silenzio. Benjamin, Marie e Jean
non esprimono più i loro sentimenti
l’uno nei confronti dell’altro, è come
sen fossero degli estranei l’un l’altro,
anche se condividono la stessa casa.
Penso che nell’immediato futuro le cose
come queste saranno anche peggiori.
La civiltà occidentale sembra ritirarsi
nel suo guscio, invece di condividere
i suoi pensieri con altre persone. In
un posto come quello in cui vive
questa famiglia, si è spesso costretti
ad adattarsi a questo stile di vita. Qui
bisogna sopravvivere. I personaggi
vivono ai margini, essi non hanno scelto
di trovarsi in questa situazione”.
Statement of director
I’m interested in stories about people that
have experienced situations which have
blunt their feelings; stilled lives, people
who remain silenced. Benjamin, Marie
and Jean no longer express their feelings
towards each other, it seems like they are
strangers to each other, even though they
share the same house. I think that in the
immediate future, things like these will
become worse. Western civilization seems
to retreat into its own shell instead of
sharing its thoughts with other people. In
a place where this family live one is often
forced to adapt to this lifestyle. Here one
has to survive. The characters live in the
margin, they haven’t chosen to be in this
situation.
2-04-2010 9:23:29
The disappearance
of Alice Creed
Titolo Originale The disappearance of Alice
Creed
Titolo Inglese The disappearance of Alice
Creed
Regia J Blakeson
Anno 2010
Nazione UK
Formato 35 mm
Durata 98’
Cast Gemma Arterton
Eddie Marsan
Martin Compston
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
J Blakeson
Mark Eckersley
Philipp Blaubach
Keith Quirk
Marc Canham
Sally Black
Sarita Allison
Sarita Allison
Adrian Sturges
CinemaNX
WestEnd Films
www.westendfilms.com
2-04-2010 9:23:30
Passaggi d’Europa
27
Su una strada di periferia, due uomini mascherati sequestrano una giovane
donna, legata e imbavagliata la portano in un isolato appartamento
insonorizzato. Lei è Alice Creed, figlia di un milionario. I suoi rapitori sono, il
freddo, efficiente Vic e il suo giovane complice Danny, che hanno elaborato un
piano meticoloso. Ma le cose non vanno secondo le intenzioni dei due uomini
ed una serie di imprevisti sconvolge i piani di tutti e tre i personaggi, fra avidità,
potere, amore, sesso e violenza. Alice non ci sta a fare la parte della vittima
senza combattere.
On a suburban street, two masked men seize a young woman. They bind and
gag her and take her to an abandoned, soundproofed apartment. She is Alice
Creed, daughter of a millionaire. Her kidnappers, the coldly efficient Vic an his
younger accomplice Danny, have worked out a meticulous plan. But Alice is not
going to play the perfect victim – she’s not giving in without a fight. In a tense
power -play of greed, duplicity and survival we discover that sometimes
disappearances can be deceptive…
2-04-2010 9:23:30
J Blakeson è nato ad Harrogate, North Yorkshire, la
sua passione per il cinema lo ha portato a iscriversi
all’Università di Warwick, dove ha studiato Cinema e
Letteratura e, nel suo tempo libero, ha scritto e diretto
due film 16mm a budget limitato, “Struggling-Lottando”
(1997) e “Nastro Rosso” (1998). Dopo la laurea ha
cominciato la sua carriera di sceneggiatore, vendendo
il suo primo lungometraggio all’età di 24 anni. Mentre continuava a scrivere
lungometraggi, J ha lavorato a due corti uno dopo l’altro: “Pitch Perfect-Culmine
perfetto” (2005) e “The Appointment-L’appuntamento” (2009). Dal Since 2001 J
ha prevalentemente lavorato come sceneggiatore. Ha scritto scennegiature per
lungometraggi di vario genere. ”The Disappearance of Alice Creed-La scomparsa di
Alice Creed” segna il suo debutto come regista di lungometraggi.
J Blakeson born and raised in Harrogate, North Yorkshire, J’s passion for cinema
took him to he University of Warwick, where he studied Film and Literature and,
in his spare time, wrote and directed two low budget 16mm films, “Strugling”
(1997) and “Red Tape” (1998). After graduation he set about developing his career
as a screenwriter, selling his first feature screenplay aged 24. While continuing to
write features, J mad two subsequent short films: “Pitch Perfect” (2005) and “The
Appointment” (2009). The Disappearance of Alice Creed” marks his debut as a
feature film director.
“Infine ho voluto fare un film di
rapimento nel quale non si vede nulla
del rapimento, o nessuna delle cose
solite che si vedrebbero in questo tipo
di film.” Sapevo da quell’esperienza che
se avevo intenzione di scrivere qualcosa
che avrei diretto io, avevo bisogno di
ridurre fortemente le cose al minimo,
così mi sono posto delle regole: che
l’80% di esso dovesse svolgersi in un
solo posto e che non dovesse prevedere
più di tre personaggi. E quelle regole
sono state per me una vera e propria
aspirazione, poiché esse mi hanno
costretto a pensare come ricavare il
massimo da questo schema, e alla fine
ciò voleva dire sviluppare davvero i
personaggi”.
Statement of director
Ultimately I wanted to create a kidnap
movie in which you see nothing of the
kidnap itself, or any of the standard things
you’d usually see in this kind of film. I knew
from that experience that if I was going
to write something for me to direct, I
needed to pare things down considerably,
so I set myself some rules: that 80% of
it would take place in one location and
that it would have no more than three
characters. And those rules were a real
inspiration to me, because they forced me
to think about how to get the most out
of this setup, and ultimately that meant
really developing the characters.
The disappearance of Alice Creed
28
2-04-2010 9:23:30
The disappearance of Alice Creed
Friendship!
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
Friendship!
Friendship!
Markus Goller
2010
Germania
35 mm
108’
Cast Matthias Schweighöfer
Friedrich Mücke
Alicja Bachleda
Sceneggiatura Oliver Ziegenbalg
Montaggio Olivia Retzer
Markus Goller
Fotografia Ueli Steiger A.S.C.
Suono Matthew Nicolay
Musica Peter Horn, Andrej Melita
Martin Probst
Scenografia Deborah Riley
Costumi Maria Schicker
Trucco Svetlana Britt
Produttore Quirin Berg
Tom Zickler
Max Wiedemann
Produzione Wiedemann & Berg
Filmproduktion
Mr.Brown Entertainment
Produktion
Distribuzione Bavaria Film International
www.bavaria-filminternational.de
2-04-2010 9:23:31
30
Novembre 1989. La Germania celebra la caduta del muro di Berlino. Veit e
Tom, due ragazzi cresciuti nella parte est della città, decidono di partire per
New York con non più di cento marchi in tasca e tanti sogni in testa. Vogliono
raggiungere San Francisco per cercare il padre di Veit che era fuggito dalla
Germania comunista molti anni prima, almeno così essi credono. Con un
po’ di coraggio e molta ingenuità, iniziano un viaggio nel cuore profondo
dell’America. Conoscono poche parole - “Amicizia” e “Noi siamo comunisti” –
che paradossalmente funzionano. Arrivati fortunosamente nel Nuovo Messico,
incontrano Zoey, una bella ragazza di cui entrambi si innamorano e che per un
tratto li accompagnerà nella loro avventura, tra falsi pezzi del muro crollato,
automobili da trasportare da costa a costa, singolari personaggi che fumano
strana erba profumata e qualche esibizione come spogliarellisti in un locale gay,
i due ragazzi arriveranno a San Francisco per scoprire una dolora verità.
November, 1989. The Berlin Wall has fallen. The whole world celebrates, and
the two pals Veit and Tom along with it. The two young East-Germans, products
of the GDR´s repressive Communist regime, heed the call of the West, and set
out for America with little more than 100 Deutsch-Marks in their pocket and a
dream in their head: to make it to San Francisco. Veit´s convinced that his dad´s
been living there since he fled the GDR years ago. But with their knowledge of
English limited to the words “friendship” and “We are Communists,” they´re in for
a rough ride. With a combination of patience and luck, the pals make it to New
Mexico, where they meet Zoey, a young woman whose beauty matches her
business sense. Then they´re off to Las Vegas, where they top off their funds by
stripping in a gay club. Finally they´ve got enough cash to get to San Francisco.
2-04-2010 9:23:31
Passaggi d’Europa
31
Markus Goller was born in the 1969 in Munich, Germany.
He has directed over 300 commercials and worked in the past as an editor
and 2nd unit director. “Friendship!” is his second feature film after 2001’s “Mask
Under Mask”. Since 2002 Goller lives and works in the United States.
Friendship!
Markus Goller è nato nel 1969 a Monaco, Germania.
Ha diretto oltre 300 spot pubblicitari e ha lavorato al
montaggio e regista di seconda unità. “Friendship!” è il
suo secondo lungometraggio dopo “Mask Under Mask”
del 2001. Dal 2002 Goller vive e lavora negli Stati Uniti.
2-04-2010 9:23:32
Nothing personal
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
Nothing Personal
Nothing Personal
Urszula Antoniak
2009
Paesi Bassi/Irlanda
35 mm
85’
Cast Stephen Rea
Lotte Verbeek
Urszula Antoniak
Nathalie Alonso Casale
Daniel Bouquet
Jan Schermer
Ethan Rose
Jane English
Bho Roosterman-Vroegen
Marly Van De Wardt
Reinier Selen
Edwin van Meurs
Produzione Rinkel Film
TV Productions
Distribuzione Bavaria Film International
www-bavaria-filminternational.de
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
2-04-2010 9:23:32
Passaggi d’Europa
33
Una giovane donna, bella e anticonformista, vagabonda per scelte, cerca la
solitudine nell’austero paesaggio del nord dell’Irlanda. un uomo, saggio, ironico
ed educato alla vecchia maniera, abita in una vecchia casa in una bella isola
dell’Irlanda. I due si incontrano e chiudono un singolare accordo: scambiare
cibo con lavoro, ma a condizione di non aver nessun contatto personale,
nessuna domanda. Chi romperà per prima l’accordo?
A young, rebellious dutch woman walks the trails of Ireland, vagabond by
choice, enjoying the solitude she was looking for in the austere landscape of
Connemara. He is a man in his prime, living a solitary life in a secluded house
on a beautiful island. She is radical and uncompromising. He is wise and ironic.
What connects them is solitude they both see as freedom. He proposes her to
work for him in exchange of food. She agrees at one condition: there will be
no personal contact between them, just work. Soon the two of them become
curious about each other and want both: to keep their ‘nothing personal’ deal
and to break it. Who will be the first one to break the deal?
2-04-2010 9:23:32
34
Nothing personal
Urszula Antoniak si è laureata all’Accademia
Cinematografica sia in Polonia che in Olanda. Il suo
film “Bijlmer Odyssey-L’Odissea di Bijlmer” è stata una
delle poche produzioni Tv olandesi che hanno avuto
successo in molti Paesi e anche fuori dell’Europa. La sua
commedia sull’integrazione in Olanda “Olandese per i
Non avanzati” ha riscosso successo sia del pubblico che
della critica. “Nothing Personal-Niente di personale” è il primo lungometraggio di
Urszula e la prima co-produzione insieme a Stephen Rea. E’ stato girato in Irlanda,
Olanda e Spagna.Come gli altri film “Niente di personale” associa ad immagini
poetiche una sottile ironia.
Urszula Antoniak has graduated from both Polish and Dutch Film Academies. Her
film “Bijlmer Odyssey” was one of the few TV Dutch productions that sold in many
territories in and outside Europe. Her comedy about integration in Holland “Dutch
for non Advanced” has drawn attention of both audience and critics. “Nothing
Personal” is Urszula’s feature film debut and international co-production featuring
Stephen Rea and shot in Ireland, Holland and Spain. Like her other pictures “Nothing
Personal” combines poetic images with light irony.
Note di produzione
Entrambi i personaggi sono sconosciuti.
Del loro passato e delle loro motivazioni
non conosciamo nulla. A me non
piacciono i film che cercano di spiegare
motivazioni umane complesse,
che implicano una “psicologia del
personaggio”.Nella vita reale noi
intuiamo e non conosciamo ciò che
spinge le persone a fare ciò che fanno.
“Niente di Personale” assomiglia ad
una situazione di vita reale in cui
incontriamo un estraneo, che rifiuta di
aprirsi all’altro, tuttavia si rapporta a lui
mentre è in sua presenza. Come donna
regista, io sono naturalmente portata
verso le protagoniste femminili e non mi
piace presentare le donne come vittime.
Lotte nel film è una persona che è
attiva piuttosto che passiva, che sceglie
la solitudine ma non è lacrimevole.
Volevo creare un personaggio di un
ribelle- ruolo che di solito è affidato a
personaggi maschili- e dargli il volto di
una donna.
About the producion
Both characters are tabula rasa. We know
nothing about their past or motivations.
I dislike films that try to explain complex
human motives by implying “psychology
of character”. In real life we guess rather
than know what moves people to do what
they do. Nothing Personal resembles a
real-life situation of meeting a stranger
and goes to the extreme while following
a character who steadfastly refuses to
open towards the other person, yet melts
while spending time in his presence. Being
a woman director I.m naturally drawn
towards strong female protagonists and
dislike presenting women as victims. Lotte
in the film is a person who is active rather
than passive, who chooses solitude but is
not pitiful. I wanted to create a character
of a rebel - who is usually male - and give
it a woman.s face.
2-04-2010 9:23:32
Zero
Nothing personal
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
Zero
Zero
Paweł Borowski
2009
Polonia
35 mm
110’
Cast Robert Wieckiewicz
Andrzej Mastalerz
Sonia Bohosiewicz
Marian Dziedziel
Kamilla Baar
Rafał Mohr
Aleksandra Poplawska
Joanna Bogacka
Gabriela Muskala
Cezary Kosinski
Magdalena Poplawska
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
Paweł Borowski
Magdalena Mikolajczyk
Arek Tomiak
Maria Chilarecka
Marek Wronko
Leszek Freund
Adam “Burza” Burzynski
Wojciech Zogała
Anna Imiela-Szczesniak
Liliana Gatazka
Piotr Dzieciol
Opus Film
ul. Lakowa 29
90-554 Lodz
Poland
Monolith Films
www.monolith.pl
2-04-2010 9:23:32
36
E’ mattino in un’anonima città del Nord dell’Europa. Un manager,
probabilmente ricco ma infelice, risponde a telefono. Parla a scatti e dà il
consenso al suo interlocutaore di passare all’azione. Dall’altro capo del filo c’è
un singolare personaggio che, con un suo socio, viaggia in uno sgangherato
furgone, perfetta copertura per il loro lavoro di inverstigatori privati. Passano
all’azione che avrà imprevedibili conseguenze per molte persone, ciascuna
delle quali ignora la vita e l’esistenza delle altre. Seguendo le tracce del vecchio
furgone, incontriamo per le vie della città l’amore e l’odio, il tradimento e
la perversione, il sesso e la violenza. Nell’arco di ventiquattro ore, mentre le
lancette dell’orologio compiopno un intero giro, molter storie sono racontate,
alcune finite, altre appena cominciate.
The day rises in a huge, unspecified metropolis. A cell phone rings in a big,
manager’s cabinet, on a high floor of an international corporation’s building. A
businessman looks at the cell’s screen for a while, then he finally answers. It is a
sloppy, fat guy calling, from a shaky van, driven together with his strange friend.
He asks for the decision regarding flowing a certain person. After hesitating a
while, the businessman confirms the job. He does not suspect, that his “yes” sets
in motion stream of incidents, which would effect fate of some citizens. This is
the beginning of multi-plot story, where the fate of many characters entwines
and where each of characters’ decisions, have the consequences not only for
them.
2-04-2010 9:23:33
37
Passaggi d’Europa
Zero
Paweł Borowki è nato a Varsavia nel 1973. Dal 1992 al
1997 ha studiato all’Accademia d’Arte di Varsavia, Pittura
e Animazione filmica, e si è laureato con i massimi
voti e la lode. Nel 2001 ha girato “Love Gamestation”,
un corto di animazione. Il suo corto “I love you” (regia,
sceneggiatura, fotografia) è stato presentato in tutta
la Polonia come film fuori programma nei cinema.
Dal 1997 lavora nella pubblicità come regista creativo e ha realizzato oltre 30
spot per la TV e promo. Scrive per il più grande quotidiano polacco, “Gazeta
Wyborcza”, in una sezione denominata “Other site of screen”.
Paweł Borowki was born in the 1973 in Warsaw. From 1992 to 1997 he studied
at Academy of Art in Warsaw, Painting and Film Animation, and he graduated
with honours. In 2001 he shot “Love Gamestation”, a short animation film. His
short film “I love you” (directing, script, pictures) was shown all around Poland
as an extra film in cinemas. Since 1997 he works in advertising as a creative
director and he made over 30 tv commercials and promos. He writes for the
biggest polish newspaper, “Gazeta Wyborcza”, in a section called “Other site of
screen”.
“Questa è una storia il cui inizio è la
fine e la cui fine è l’inizio. E’ la storia
di persone che vivono in una città
dei nostri giorni, che potrebbe però
essere una città qualunque in un posto
qualunque. Come molti personaggi della
storia, è una città senza nome. La storia
si basa sul principio secondo il quale la
telecamera segue l’ultimo personaggio
che sta parlando nel dialogo. Come
se volesse scoprire il destino di tutti i
personaggi anonimi che incontriamo
lungo il cammino. Comunque, noi, come
spettatori vediamo solo frammenti della
nostra vita – solo quei frammenti che
la telecamera ci consente di vedere. Ci
sono molte cose che non scopriremo
mai. E’ un film sull’amore anche se
questa parola non viene proferita nel
film. E’ un film su ciiò che esiste al di là
della cornice filmica e oltre il cinema.
I nostri difetti. Ti invito, spettatore, ad
entrare nel mondo dello Zero”.
Statement of the director
This is a story whose beginning is an end,
and whose end is a beginning. It tells the
story of people living in a present-day
city, which in reality could be any city
anywhere. Like the many characters in
the story it is a nameless city. No Christian
names or surnames are given. The story
rests upon the principle of how the camera
follows the last character speaking in
the dialogue. As if it wanted to discover
the fate of all the anonymous characters
that we meet along the way. However,
we as viewers, see only fragments of their
lives – only those fragments which the
camera allows us to see. There are many
things we will never find out. This is a film
about a certain disappointment with
positive film protagonists. It is a film about
love although no such word is spoken
in the film. It is a film about that which
exists beyond the film frame and beyond
cinema. Our faults. I invite you, the viewer,
to the world of Zero.
2-04-2010 9:23:33
2-04-2010 9:23:34
2-04-2010 9:23:34
40
Dove vuole arrivare il cinema?
Dove vuole arrivare questo film? Un personaggio di uno dei venticinque
cortometraggi che varcano la Linea d’Ombra di quest’anno, lo chiede mentre
viene raccontata la sua storia: lo chiede a se stesso, a un suo compagno sullo
schermo, forse al suo regista.
Dove vuole arrivare questo cinema? Lo chiede un pubblico che vive
un passaggio epocale dal punto di vista tecnologico, con l’esplosione
dell’affascinante 3D di ultima generazione, protagonista della visione più
coinvolgente e avvolgente che ci sia mai stata in più di cento anni di immagini
in movimento.
Entrambe le domande poste ci permettono di intraprendere un percorso, e ad
entrambe le domande proveremo a rispondere insieme viaggiando attraverso
la rassegna che proponiamo nel XV anno di CortoEuropa.
Della sorte del personaggio di cui sopra, scopriremo guardando fino in fondo la
sua storia; dove stia andando il cinema, in particolare quello europeo, proviamo
a scoprirlo insieme ai giovani registi i cui cortometraggi sono stati selezionati
nel nostro concorso.
Nelle opere di quest’anno, l’elemento che si evidenzia maggiormente e la
tendenza ad un progressivo ritorno al cinema d’artigianato. Un “artigianato
tecnologico”, dove la tecnologia (le riprese in digitale che ormai sono la norma),
sempre più low budget e sempre più alta qualitativamente, rappresenta però il
mezzo per favorire il racconto, piuttosto che per soddisfare un mero desiderio
di stupire il pubblico con stravaganti trovate visive, o effetti speciali che rubano
la scena. C’è molta sperimentazione narrativa più che stilistica, voglia di parlare
della quotidianità con occhi più sognanti di quelli che ci si potrebbe permettere
in tempo di crisi (economica, identitaria, valoriale).
Ecco quindi che un dramma familiare diventa una surreale sceneggiatura
scritta da un bambino, che la precarietà si trasforma in un gioco a premi, che la
morte si siede a chiacchierare con gli uomini fumando una sigaretta come un
impiegato in pausa pranzo, o cerca di sedurre con lo sguardo ammaliante di un
bell’uomo di mezza età, senza incutere alcun timore.
Le storie d’amore si spengono in un motivetto allegro o una gag slapstick,
un’intera vita viene riassunta in una ricetta a cui manca l’ultimo ingrediente.
Anche quando l’individualità si perde all’interno di uno spazio de umanizzante,
come il perimetro angusto di un ufficio, e i rapporti tra genitori e figli diventano
sempre più duri, oscillando tra sensi di colpa e incomunicabilità, dominano
ironia e sarcasmo.
Forse è una reazione, forse la realtà è talmente complicata che a volte è meglio
provare ad affrontarla da un’altra angolazione anziché sbatterci contro a muso
duro.
2-04-2010 9:23:34
Corto Europa
41
A margine di questa tendenza e opposta a essa, non mancano tuttavia più
classiche riflessioni sociali e storie di emozioni profonde che rispondono ai
naturali canoni di genere, opere che nella brevità e nella struttura trovano la
loro compiutezza: drammi narrati secondo le regole consuete, in cui il rigore
stilistico è lo strumento migliore per esprimere il dolore, l’abbandono, la
scomparsa dei sentimenti.
E allora continuiamo a chiederci, dove vogliamo arrivare con questi film?
Probabilmente a raccontare che siamo identità in crisi, prima di tutto alla ricerca
di punti di riferimento più stabili, di una strada più sicura, o soltanto della via
di fuga più semplice. Magari immaginando che possa bastare spingere un
pulsante per far spegnere tutto, oscurare lo schermo, e ripartire.
Gaetano Maiorino
Luca Granato
2-04-2010 9:23:34
42
What is the purpose of cinema?
What is the purpose of this film? A character of the twenty-five short films crossing
the Shadow Line of this year, asks while his story is told: he asks this to himself, to his
fellow on the screen, perhaps to his director.
What is the purpose of this cinema? A public living period of transition that
is epoch-making from a technological point of view, with the explosion of the
charming last generation 3D, protagonist of the most involving and enveloping
vision that has ever existed over more than one hundred years of moving images.
Both the above asked questions allow us to follow an itinerary, and we will try to
answer to both of them, by travelling through the festival which we present in the
Fifteenth year of the section devoted to short films, that is CortoEuropa.
We will know about the destiny of the above mentioned character by looking at the
whole of his story: where is cinema directed, in particular the European cinema, let
us find it out together with the young directors whose short films have been selected
in our contest.
Among the works of this year, the element which most emerges is the tendency to
a gradual restoration of the handicraft cinema. A“technological handicraft”, where
technology (digital shooting which is now normal), a lower and lower budget
and a higher and higher quality technology, represents the means for fostering
the telling of a story, rather than satisfying a mere wish of surprising the public
with extravagant eye ideas, or special effects stealing the scene. There is a lot of
narrative, rather than stylistic experimentation, a wish of speaking about daily life
with more dreaming eyes than those we could afford in a time of economic, identity
and value crisis.
Then a family drama becomes a surreal script written by a child, precariousness
transforms itself into a prize contest, death sits and chats with men smoking a
cigarette as an employee does during the lunch break, or tries to seduce with the
charming glance of a handsome middle aged man, and it does not inspire any fear.
Love stories die out in a catchy tune or a slapstick gag, a whole life is synthesized
in a recipe in which the last ingredient is missing. Even when individualism gets
lost within a de-humanizing past, like the narrow perimetre of a building, and the
relationships between children and parents become darker and darker, oscillating
between senses of guilt and incommunicability, irony and sarcasm dominate.
Perhaps it is a reaction, perhaps reality is so complicated that sometimes it is better
to try to face it from another point of view rather than obstinately knocking our
head against it.
Beside this tendency and on the opposite side, we can make more classical social
reflections and reflect and recall stories of deep emotions which meet the natural
canons of the genre, that is works that in their brevity and structure find their
completeness: dramas narrated according to the usual rules, in which the stylistic
2-04-2010 9:23:34
Corto Europa
43
rigour is the best instrument for expressing sorrow, desolation, lack of feelings.
And then we continue asking ourselves, what is the purpose of these films? Probably
to tell that our identity is in crisis, first of all it is searching for firmer points of
reference, a safer course, or only for an easier way of escape, perhaps imagining
that it can be enough to press a button to switch everything off, to black out the
screen and start again.
Gaetano Maiorino
Luca Granato
2-04-2010 9:23:35
44
5 recuerdos
Irma percorre passaggi di un mercato ripetendo tra sé e sé una lista
d’ingredienti. Ricorda i primi quattro, ma il quinto le sfugge una volta, e un’altra
ancora. Irma dovrà avviare un viaggio nel più profondo della sua memoria per
recuperare quel ricordo perduto.
Irma goes through a market in the open air, repeating a list of ingredients. She
remembers the first four ones, but she cannot remember the fifth one, once and
then once again. Irma will have to start a journey within the depth of her memory
to be able to recover that lost memory.
2-04-2010 9:23:35
CortoEuropa
Oriana Alcaine è nata a San Sebastián
nel 1979. Si è laureata in comunicazione
audiovisiva presso l’Università Antonio
de Nebrija di Madrid. Si è specializzata
in regia cinematografica presso il CECC
(Centre d’Estudis Cinematogràfics de
Catalunya), a Barcellona. Ha lavorato in
produzioni cinematografiche dal 2001 e
risiede attualmente in Messico.
Alejandra Márquez. è nata a San Luis
Potosí (México) nel 1982. Ha studiato
Cinema presso il CECC (Centre d’Estudis
Cinematogràfics de Catalunya), a
Barcellona, dove ha vissuto per cinque
anni. Dal 2006 vive in Messico, dove
sviluppa, scrive e dirige come freelance
diversi prodotti audiovisivi.
Oriana Alcaine was born in San
Sebastián in 1979. She got a degree
in audiovisual communication at
the University Antonio de Nebrija in
Madrid. Then he specialized in cinema
direction at the CECC (Centre d’Estudis
Cinematogràfics de Catalunya), in
Barcellona. He has worked in many
cinema productions since 2001 and now
lives in Mexico.
Alejandra Màrquez was born in
San Luis Potosí (México) in 1982.
She has studied Cinema at the CECC
(Centre d’Estudis Cinematogràfics de
Catalunya), in Barcellona, where she
has lived for five years. She has lived in
Mexico since 2006, where she develops,
writes and directs as a freelance, a lot of
audiovisual products.
45
Titolo Originale 5 Recuerdos
Titolo Inglese 5 Memories
Regia Oriana Alcaine
Alejandra Márquez
Anno 2009
Nazione Spagna
Formato 16 mm
Durata 12’
Cast Ireri Solís
Olivia Rossetti
Katia Acevedo
Yanni Torres
Patricio Solís
Javier Giménez
Sceneggiatura
Montaggio
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Produttore
Produzione
Distribuzione
Alejandra Márquez Abella
Yibrán Asuad Mújica
Andrés León Becker
REC Play Audio
Pedro “Zulu” González
Héctor “Carry” Iruegas
Enrique Flores
Emigre Film / Televisa
Kimuak
2-04-2010 9:23:35
46
Amona Putz!
A volte ai matrimoni con figli piccoli manca la nonna... Ma solo a volte…
At times at wedding ceremonies with young children the grandmother is not
present...But only simetimes…
2-04-2010 9:23:35
CortoEuropa
47
Telmo Esnal. Zarautz, 1966. Dopo aver
lavorato come aiuto-regista per alcuni
film comincia a sviluppare i suoi primi
lavori con Asier Altuna. Negli ultimi
tempi sembra che si azzardi a lavorare
da solo.
Telmo Esnal was born in Zarautz in
1966. After having worked as assistant
director for some films he starts making
his first works with Asier Altuna. In
recent times he has beein trying to work
alone.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
Amona Putz!
The Inflatable Granma!
Telmo Esnal
2009
Spagna
Paesi Baschi
9’
Cast Egoitz Lasa
Nagore Aranburu
Kontxu Odriozola
Telmo Esnal
Asier Pujol
Gaizka Bourgeaud
Urko Garai
Javi P3Z
Biaffra
Marian Fernández Pascal,
Asier Altuna
Produzione Txintxua Films
Distribuzione Kimuak
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Produttore
2-04-2010 9:23:36
48
Arena
Mauro è agli arresti domiciliari. I tatuaggi lo aiutano a trascorrere il tempo. Tre
ragazzini della zona si prendono beffa di lui dalla finestra. Fuori batte il sole di
mezzogiorno.
Mauro is under house arrest. Tattooing helps him while away the time. Three
local kids taunt him through his window. Outside, the midday sun beats down.
2-04-2010 9:23:36
CortoEuropa
João Salaviza è nato a Lisbona nel
1984. Ha studiato cinematografia, e
soecializzato in montaggio alla Scuola
di Teatro e Cinema di Lisbona, e poi
ha continuato i suoi studi di cinema
all’Università del Cinema a Buenos Aires.
Il suo primo corto, “Duas Pessoas”(Due
Persone), è stato presentato in parecchi
festival internazionali, eha vinto il “Take
One Award” a Vila do Conde. Lavora
attualmente primcipalmente come
montatore per il cinema e la televisione.
“Arena”, che ha ricevuto finanziamenti
dalla ICA e la RTP, è il suo secondo corto.
João Salaviza was born in Lisbon in
1984. He studied Cinema, specialising
in editing, at the Lisbon Theatre and
Film School and went on to complete
his film at the Universidad del Cine, in
Buenos Aires. His first short film, “Duas
Pessoas”(Two People), was shown at
several international film festivals,
winning the “Take One Award” in Vila do
Conde. He works mainly as a film editor
for cinema and television. “Arena”, which
received backing from the ICA and RTP,
is his second short film.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
49
Arena
Arena
João Salaviza
2009
Portogallo
35 mm
15’
Cast Carloto Cotta
Rodrigo Madeira
João Salaviza
João Salaviza
Vasco Viana
Inês Clemente
João Salaviza
Maria João Mayer
François D’Artemare
Produzione Filmesdotejo
Distribuzione La Big Family
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Scenografia
Produttore
2-04-2010 9:23:36
50
Banduryst
Ventiquattr’ore nella vita di Vasyl, giovane musicista ucraino. Arrivato a Napoli
alla ricerca di successo, Vasyl si vede costretto a sopravvivere consegnando
bombole del gas a domicilio. Ma quando a fine giornata telefona alla
madre lontana racconta la sua vita così come la vorrebbe, confondendo
rischiosamente sogno e realtà.
A day in the life of Vasyl, a young and talented Ukrainian musician who has
come to Naples looking for success but has to make a living delivering gas
bottles across the city. But, when work is over and he calls his far-away mother
Vasyl tells his life the way he would like it, mixing dream and reality.
2-04-2010 9:23:36
CortoEuropa
Danilo Caputo nel 2004 è al San
Francisco Conservatory of Music per
studiare con il compositore Dusan
Bogdanovic, poi a Berlino dove studia
Drammaturgia e Performing Arts con
l’artista statunitense David Levine.
Nel 2007 scrive e dirige Polvere, un
cortometraggio che vincerà diversi
premi nazionali. Nel 2008 consegue la
laurea in Filosofia presso la Federico II di
Napoli. Nel 2009 partecipa da assistente
alla regia alla lavorazione de Lo Spazio
Bianco, un film di Francesca Comencini.
Poco dopo prendono il via le riprese di
Banduryst. Nel 2010 è invitato al Talent
Campus del Festival del Cinema di
Berlino.
Danilo Caputo attends the San
Francisco Conservatory of Music to
study with guitarist and composer
Dusan Bogdanovic. He then moves
to Berlin to study Dramaturgy and
Performing Arts with artist David Levine.
In 2007 he writes and directs Dust, a
short film awarded with several national
prizes. In 2008 he earns a degree
in Philosophy in Naples. In 2009 he
works on The White Space, a Francesca
Comencini’s film. Later that same year
he writes and directs Banduryst, his
second short film. In 2010 he is a guest
of the Talent Campus held by the Berlin
Film Festival.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
51
Banduryst
Banduryst
Danilo Caputo
2009
Italia
14’
Cast Basilio Momako
Salvatore De Rosa
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Produttore
Produzione
Distribuzione
Danilo Caputo
Andrea Campajola
Angelo Caliendo
Riccardo Gaggioli
Tradizionale ucraina
Irene Iaccio
Irene Iaccio
Paolo Pucino
Taratata Film
Taratata Film
2-04-2010 9:23:36
52
Bingo
Bingo è un giovane zingaro che dalla Moldavia è venuto in Olanda in cerca di
un destino migliore. Per sopravvivere come immigrato clandestino, lavora in
una ditta di scasso insieme a Sergei, un ex pugile russo e a Umar, un insegnante
di biologia di Grozny, in Cecenia. I tre uomini sono subappaltati da Sait, un
ambiguo turco subappaltatore di manodopera. Nonostante le circostanze
difficili nelle quali si trova a vivere, Bingo conserva il suo senso dell’humour e
gioia di vivere. Mentre i suoi compagni abbattuti, Bingo insegue il suo sogno
di guadagnare abbastanza soldi per costruirsi una casa nella sua patria. Il suo
ottimismo sarà messo alla prova da un incidente.
Bingo is a young gypsy from Moldova who came to the Netherlands in search of
better fate. In order to survive as an illegal immigrant he works for a demolition
company together with Sergei, a former boxer from Russia, and Umar, a biology
teacher from Grozny, Chechnya. The three men are hired by Sait, a shady Turkish
labour subcontractor. Despite the hard circumstances Bingo maintains his sense
of humour and joy of living. While his two mates are dispirited, Bingo follows his
dream of earning enough money to build a house in his homeland. Eventually
his optimism is put to the test by an accident.
2-04-2010 9:23:37
53
CortoEuropa
Timur Ismailov è nato e cresciuto a
Baku (Azerbaijan) nel 1977. Ha studiato
scienze politiche e sociali a Baku ed
economia e filosofia a Kaliningrad
(Russia). Nel 2004 Timur è stato
ammesso all’Accademia del Cinema e
della Televisione in Olanda,alla Facoltà
di Montaggio. Successivamente si
è dedicato alla regia. Nel 2009 ha
scritto e diretto il suo film col quale ha
conseguito la laurea “Bingo”, che ha
vinto il I premio nazionale e 7 premi
internazionali.
Timur Ismailov was born and grew
up in Baku (Azerbaijan) in 1977. He
studied social and political sciences in
Baku and economics and philosophy
in Kaliningrad (Russia). In 2004 Timur
was admitted to Netherlands Film
and Television Academy, faculty of
screenwriting. Later on he switched to
directing fiction. In 2009 he both wrote
and directed his graduation film “Bingo”,
which won 1 major national award and
7 international prizes.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
Bingo
Bingo
Timur Ismailov
2009
Olanda
27’
Cast Jacques Lucassen
Appie Boukhizzou
Eline van der Velden
Nadezhda Voloc
Angela Sochirca
DorinaTataru
Larisa Dascal
Victoria Botnar
Violeta Bilici
Sceneggiatura Timur Ismailov
Bastiaan Tichler
Montaggio Annelotte Medema
Fotografia Lennart Verstegen
Sergiu Barbara
Suono Narek Nikoghosyan
Igor Cobileanski
Musica Sergiu Voloc
Scenografia Sara van Eerden
Wietske van den Bout
Costumi Daniëlle van der Kooij
Trucco Bruce Stamper
Produttore Maarten van der Ven
Produzione Netherlands Film
TV Academy
Distribuzione Netherlands Film
TV Academy
2-04-2010 9:23:37
54
Blu sofà
I fratelli Baczynski hanno dato un tempo alla morte: la aspettano, seduti sul
divano del salotto, da più di trent’anni, tutti i giorni, dalle 17,00 alle 20,00.
Dorota, Tadeusz, Mordechaj, hanno un fratello, Leopold, da sempre escluso
dalla loro vita e dal divano, un tre posti, di velluto blu.Quella strana attesa
quotidiana, è lo strategemma che permette ai fratelli di vivere tranquillamente
il resto della giornata, con l’illusoria certezza che nulla di mortale può loro
succedere fuori orario. A Leopold non resta che spiarli e attendere che il divano,
finalmente, si liberi.
Baczynski brothers have given a deadline to death: they have been waiting for
it, sitting in the sofa of the sitting room for thirty years, all days from 5 p.m. to 8
p.m. Dorota, Tadeusz, Mordechaj, have got a brother, Leopold, they have always
left out from their life and from the sofa, a three seat sofa made of blue velvet.
That strange daily wait is the stratagem allowing the brothers to quietly live
the rest of the day, with the illusory certainty that nothing deadly can happen
to them outside that preset time. Leopold does not have anything to do but
spying them and waiting that finally the sofa becomes vacant.
2-04-2010 9:23:37
CortoEuropa
Giuseppe Baresi Lavora dal 1982 come
regista e direttore della fotografia. I
suoi video e film, spesso al confine tra
documentario e videoarte, trattano
poeticamente i temi dello spazio e del
viaggi. Ha collaborato per molti anni
con Studio Azzurro.
Pippo Delbono. Autore, attore,
regista. Nei primi anni ottanta fonda
La Compagnia Pippo Delbono, con la
quale ha realizzato tutti i suoi spettacoli.
Nel 2003 gira il film “Guerra”, nel 2006
“Grido”. Il suo ultimo lungometraggio
“La paura” (2009) è stato interamente
girato con un telefono cellulare.
Lara Fremder nata a Milano, ha
collaborato con Studio Azzurro.
E’ autrice di numerosi soggetti e
sceneggiature per il cinema tra cui
“Garage Olimpo” e “Hijos-Figli” di di
Marco Bechis.
Giuseppe Baresi has worked since 1982
as director and photography director.
His videos and films, often being border
line between the documentary film and
videoart, deal with themes of space and
travel. He has collaborated for many
years with Studio Azzurro.
Pippo Delbono is author, actor,
director.Over the first ‘80es he founded
“The Company Pippo Delbono” with
which he has made all his shows. In
2003 he shoots the film“Guerra-War”
and in 2006 “Grido-Cry”. His last feature
film “La paura-The fear” (2009) has been
wholly shot by a mobile.
Lara Fremder was born in Milan, he
collaborated with Studio Azzurro at the
writing of texts and the dramaturgy of
many video works. She is the author
of a variety of cinema stories and
scripts among which there are “Garage
Olimpo”(Olimpo Garage) and “HijosChildren” by Marco Bechis.
55
Titolo Originale Blu sofà
Titolo Inglese Blu sofà
Regia Giuseppe Baresi
Pippo Delbono
Lara Fremder
Anno 2009
Nazione Italia
Durata 20’
Cast Bobò
Pippo Delbono
Lucia Della Ferrera
Nelson Lariccia
Lara Fremder
ValentinaAndreoli
Giuseppe Baresi
Huub Nijhuis
Esther Musatti
Laura Sidoli
Laura Sidoli
Federico Cecconi
Massimo Colombo
Simona Fremder
Produzione Associazione Culturale
Ultimo Minuto
Distribuzione Premium Films
130 rue de Turenne
75003 Paris
web site
www.premium-films.com
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
2-04-2010 9:23:37
56
Dimmi cosa vedi
Accade tutto in un attimo. Pochi secondi dilatati in cui i contorni di ciò che è
reale e ciò che non è perdono di significato e scompaiono. Garson Poole è un
uomo intrappolato in quest’istante di vita che per la prima volta vede oltre il
filtro di ogni ricerca e coglie la sua incapacità di rapportarsi ai mutamenti del
mondo.
It all happens in the bat of an eyelid: a few long seconds where the borders
between all that which is real and unreal lose their meaning and fade away.
Garson Poole is a man trapped at that point in life when, for the first time, he
sees everything for what it really is and recognizes his inability to relate to the
changes of the world.
2-04-2010 9:23:37
CortoEuropa
Dario Jurilli è nato a Terlizzi (Ba) nel
1983. Dopo la formazione classica,
si trasfrerisce a Roma dove vive e
lavora fino al 2009. Nel 2001 realizza il
cortometraggio “Filottete”, in seguito
realizza “La storia di Bela” e nei due anni
successivi il documentario ”Utopia…
uomini città ideali” e ”The book of
Seasons” videoinstallazione per il teatro
Kismet OperA. Nel 2005 realizza il
cortometraggio ”Libera nos” e nel 2006
“La mia famiglia è magica e immensa”.
Ammesso ai corsi di regia del Centro
Sperimentale di Cinematografia di Roma
produce “Due Bambine”, “Dimmi Cosa
Vedi” . Vj Resident presso “L’elecrton
Libre” di Parigi (rue de rivoli,59), insieme
a Luigi Mastandrea forma nel 2003 i
M.i.n.D., un progetto audiovisivo di
sperimentazione delle nuove arti visive
legate alla musica elettronica.
Dario Jurilli was born in Terlizzi (Ba)
in 1983. After his classical studies, he
moved to Rome, where he has worked
and lived up to 2009. In 2001 he makes
the short film “Filottete”, after he makes
“La storia di Bela” and during the
later two years, the documentary film
”Utopia…uomini città ideali”and ”The
book of Seasons” a videoinstallation
for the theatre Kismet OperA. In 2005
he makes the short film ”Libera nos”
and in 2006 “La mia famiglia è magica e
immensa”. Admitted to attend the film
direction courses at the Experimental
Centre of Cinematography in Rome he
produces “Due Bambine”, “Dimmi Cosa
Vedi” . Vj Resident at the “L’electron
Libre” di Parigi (rue de rivoli,59),
together with Luigi Mastandrea he sets
up in 2003 the M.i.n.D., an audiovisual
experimentation project of the new
visual arts linked to electronic music.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
57
Dimmi cosa vedi
Tell Me What You See
Dario Jurilli
2009
Italia
HD
26’ 40’’
Cast Stefano Gabrini
Roberta Mattei
Francesco Lamantia
Antonio De Mattia
Lele Vannoli
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Animazione
Produttore
Produzione
Dario Jurilli
Alberto Masi
Antonio Scappatura
Daniela Bassani
Valeria Marrale
Luigi Mastandrea
Simone Siconolfi
Simona Scandagli
Beatrice Mazzone
Livia Barbieri
Centro Sperimentale Di
Cinematografia Production
2-04-2010 9:23:37
58
Esta Mañana
Stamattina inizia un altro giorno per Pablo Ugarte, proprio come qualsiasi altro
giorno della sua vita. Costretto a vivere una vita di lavoro e personale che egli
odia, non è capace di cambiarla o di migliorarla in nessun modo. Fortunatamente
questo non sarà semplicemente un altro giorno, Pablo sta per scoprire il sottile
filo che divide nelle nostre vite, la realtà dall’immaginazione. Egli sta per capire
che ogni cosa che ci circonda potrebbe essere un’illusione se non siamo capaci di
apprezzarla ed averne cura.
This morning another day begins for Pablo Ugarte, just like any other day in his
life. Stuck in a working and personal life he loathes, he is not able to change or
improve it in any way. Luckily this will not be just another day, Pablo is about to
discover the thin line that divides in our lives the real from the imaginary. About
to realise that everything surrounding us may be an illusion if we are not able to
appreciate and care about it.
2-04-2010 9:23:38
CortoEuropa
59
William Welsh. Laureato in economia
aziendale all’università dei paesi Baschi
e in produzione cinematografica presso
la ECAM di Madrid. Ha lavorato nel
cinema e nella pubblicità dal 1999 nel
gruppo di progetto della produzione
di “Sabotage”, ”Torrente 2”, ”Bourne
Ultimatum”, ”The Limits of control” or
“Los Cronocrimenes”. “Esta Mañana” è il
suo primo corto in 35mm come scrittore
/ regista.
William Welsh. With degrees in
business administration from the
University of the Basque Country and in
film production from ECAM in Madrid.
Has worked in film and commercials
since 1999 in the production crew of
projects such as “Sabotage”, ”Torrente
2”, ”Bourne Ultimatum”, ”The Limits of
control” or “Los Cronocrimenes”. “Esta
Mañana” is his first 35mm shortfilm as
writer / director.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
Cast Pablo Viar
Alvaro González
Vanesa Martinez
Meghan Shaw
Polina Kyrianova
Marta Galante
Marion Berenguer, Aitor
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Produttore
Produzione
Distribuzione
Esta Mañana
This Morning
William Welsh
2010
Spagna
18’
William Welsh
Raquel Torres
Beatriz Sainz
Fernando Pocostales
Garikoitz Gamarra
Joanna Welsh
Jesús Pérez Solero
Seven Senses Produciones
The Family
2-04-2010 9:23:38
60
Il grande forse
Roma. Un uomo tranquillo nel cuore della notte. E’ a spasso lungo l’Appia Antica
con Merlino, il suo cane fidato e molto “sensibile” ai diversi tipi di energie che lo
circondano. Che sia la notte di Halloween lo scopre quando si ritrova a prendere
per il collo un ragazzo mascherato da mummia che lo ha improvvisamente
fatto oggetto di uno scherzo. Liquidato quest’ultimo ed i suoi amici con un
rimbrotto benevolo, l’uomo riprende a percorrere “la madre di tutte le strade”
fino a ritrovarsi davanti all’ingresso di una splendida villa nella quale stanno
accedendo spettri, zombi e discinte regine delle tenebre. Si siede ad osservare
quello strano viavai ed incontra la Morte. E con lei l’uomo tranquillo inizia il suo
dialogo.
Rome. A quiet man in the dead of night. He is walking along the Old Appia
Antica with Merlino, his faithful dog very “sensitive” to different types of energies
surrounding him. He finds out that it is Halloween night when he finds himself
seizing a boy disguised himself as a mummy by the scruff of his neck, because
he has abruptly played him a trick. Having got rid of him with a benevolent
warning, the man continues going along “the mother of all the roads” up to the
entrance of a splendid villa into which ghosts, zombies and half-dressed queens
of darkness are entering. He sits and observes those strange comings and goings
and meets Death. And with her the quiet man starts his dialogue.
2-04-2010 9:23:38
CortoEuropa
Marco Tullio Barboni Ha lavorato come
aiuto-regista, collaborando a lungo
con la produzione cinematografica
T.O.T.A. s.r.l. E’ stato co-autore del
soggetto e autore della sceneggiatura
del film “Ciao Nemico” interpretato
da Giuliano Gemma e Johnny Dorelli,
ha scritto la sceneggiatura dei “Nati
con la camicia” e “Non c’è due senza
quattro” interpretati da Terence Hill e
Bud Spencer. Co-autore del soggetto e
autore della sceneggiatura del film “Un
piede in paradiso” interpretato da Bud
Spencer, Carol Alt e Thierry Lhermitte e
della sceneggiatura di tre episodi della
serie televisiva “Extralarge” interpretata
da Bud Spencer. Co-autore del soggetto
ed autore della sceneggiatura di
diciannove episodi della serie televisiva
“La squadra”.
Marco Tullio Barboni He has worked
as assistano director, and fora long time
he has collaborated with the cinema
production T.O.T.A. s.r.l. He has been
co-author of the story and author of
the script of the film“Ciao Nemico-Hallo
enemy” starring Giuliano Gemma and
Johnny Dorelli, he wrote the script of
“Nati con la camicia-Born lucky” and
“Non c’è due senza Quattro-There is
no two without four” starring Terence
Hill and Bud Spencer. Co-autthor of
the story and author of the script of
the film “Un piede in paradiso-A foot
in the Heaven” starring Bud Spencer,
Carol Alt and Thierry Lhermitte and of
the script of three episodes of the Tv
serial “Extralarge” starring Bud Spencer.
He has been co-author of the story
and author of the script of nineteen
episodes of the Tv serial “La squadra-The
Squad”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
61
Il grande forse
The big maybe
Marco Tullio Barboni
2009
Italia
35 mm
16’
Cast Philippe Leroy
Roberto Andreucci
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Gabriele Costa
Maurizio Calvesi
Alessio Costantino
Franco Micalizzi
Sandro Scarmiglia
Sandro Scarmiglia
Nadia Ciarlantini
Roberto Andreucci
2-04-2010 9:23:38
62
Hnappurinn
Un ragazzo vive una vita molto monotona. Un giorno però egli trova un
pulsante rosso sul muro della sua cucina intorno al quale c’è scritto “Non
premere”. Deve quindi decidere cosa fare.
Young man lives every day as the same. One day he finds a Red Button inside
his kitchen wall and around the button spells “Do Not Press”. Now he needs to
take a decision of what to do.
2-04-2010 9:23:38
CortoEuropa
Bui Baldvinsson è nato a Reykjavik
Islanda, nel 1975.
Ha imparato subito la tecnica
cinematografica e televisiva, perchè suo
padre lavorava alla televisione nazionale
in Islanda. Dalla soffitta dello studio egli
vedeva, sin da fanciullo, tutti i tipi di
produzioni, cercando di scoprire come il
tutto funzionava.
Ma è stato nell’anno 2000, quando ha
finito l’Accademia del Cinema Islandese
che egli ha cominciato a lavorare
nell’industria cinematografica. Ha
lavorato a molti film, come “Flags of our
fathers” di Clint Eastwood, “Journey 3D”
di Eric Brevic, “Little trip to heaven” di
Baltasar.
Ha diretto pochi video musicali
per gruppi islandesi e anche spot
pubblicitari, ma il suo primo corto è “Il
Pulsante”.
Bui Baldvinsson was born in Reykjavik
Iceland in 1975.
He soon learned the way’s of film and
television from his father that worked
in the national tv station in Iceland.
From young age he watched all kinds of
productions from the attic of the studio.
Figuring out how everything worked.
But it was not until the year 2000
when he finished the Icelandic Film
Academy, that he started working in the
film industry. He has worked in many
movies, like Clint Eastwood’s “Flags
of our fathers” Eric Brevic’s “Journey
3D” Baltasar’s “Little trip to heaven”.
Mainly he has directed few music videos
for domestic bands in Iceland and also
few commercials. But his first short film
is “The Button”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
63
Hnappurinn
The Button
Sigurbjörn Búi Baldvinsson
2009
Islanda
Beta Sp/HD cam
12’35’’
Cast Guðmundur L. Þorvaldsson
Sigurbjörn Búi Baldvinsson
Jóhannes Tryggvason
Omar Jabali
Árni Benediktsson
Eberg
Snorri Freyr Fairweather
Aslaug Drofn Sigurdardottir
Aslaug Drofn Sigurdardottir
Árni Filipusson
Davíð Óskar Ólafsson
Hreinn Beck
Produzione Mystery Island
Distribuzione Mystery Island
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
2-04-2010 9:23:38
64
If I Should Fall Behind
Dopo l’annegamento di sua figlia nel Gran Canale di Dublino, John Neeson
sceglie di imporsi un esilio volontario, trascorrendo le notti in una casa popolare
e I suoi giorni trasportando acqua santa dalla chiesa della città e gettandola nel
canale, nel tentativo di sopprimere i demoni che lo ossessionano. Con la sua
improvvisa partenza, John si è lasciato alle spalle sua moglie Sharon e il figlio
adolescente che sono costretti a cavarsela da soli. Entrambi sono addolorati a
loro modo e ognuno per conto proprio. Nel giro di due giorni una madre andrà
in pezzi, un uomo sarà spinto ad azioni estreme, ed un ragazzo diventerà un
uomo per salvare la sua famiglia dalla rovina. After the drowning of his daughter in Dublin’s Grand Canal, John Neeson
chooses to cast himself into a self imposed exile, spending his nights in an
abandoned council flat and his days carrying holy water from a city church
and dispensing it into the canal in an attempt to suppress his demons. With his
sudden departure, John leaves behind his wife Sharon and teenage son to fend
for themselves. Both grieve independently to one another and in their own
ways. Set over two days, a mother will fall apart, a man will be pushed to the
edge and a boy will become a man in order to save his family from destruction.
2-04-2010 9:23:39
d
CortoEuropa
Morgan Bushe è nato a Dublino. Dopo
il college ha collaborato alla scrittura
dei lungomeytraggi “Vamana Burn” “The
Day I Tried to Live with Lance Daly-Il
giorno che ho cercato di vivere con
Lance Daly, entrambi in fase di sviluppo
con il Comitato del Cinema Irlandese.
Ha anche scritto “North Atlantic DriftCorrente Nord Atlantica”, un dramma
in sei parti per la TV3. Ad Aprile 2003 è
stato nominato Capo Sviluppo con la
Fastnet Films, ma nel 2006 si è dimesso
per cominciare la sua attuale attività
di produttore freelance. Nel dicembre
2007 ha collaborato alla scrittura e ha
diretto “Mr. Crocodile in the CupboardMr.Crocodile nella credenza”. Nel corso
del 2008 ha scritto e diretto il corto
della Filmbase “If I Should Fall Behind-Se
dovessi restare indietro”, ha partecipato
al programma del prestigioso
produttore EAVE.
Morgan Bushe was born in Dublin.
Following college, he co-wrote the
feature films “Vamana Burn” and “The
Day I Tried to Live with Lance Daly”,
both currently in development with the
Irish Film Board. He also wrote “North
Atlantic Drift”, a six part drama series,
for TV3. In April 2003 he was appointed
as Head of Development with Fastnet
Films but in 2006 he stepped down to
start in his current role as a freelance
producer. In December 2007 he cowrote and directed “Mr. Crocodile in
the Cupboard”. During 2008 he wrote
and directed the Filmbase short film “If I
Should Fall Behind”, participated in the
prestigious EAVE producer’s program.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
65
Morgan Bushe
2009
Irlanda
14’
Cast Jordan Boyle
Brendan Conroy
Amy Cox
Rhianna Cunningham
Kim Donohoe
Graham Dunphy
Denis Furlong
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
Morgan Bushe
Gwyn Moxham
Arthur Mulhern
Sue Downey
Grattan Smith
Helen McDermott
Eddie Devoy
Liz Byrne
Rory Dungan
Fastnet Film
Fastnet Film
2-04-2010 9:23:39
66
Io parlo!
Bruno ha dodici anni e vorrebbe tanto diventare amico di Luca, il fidanzato
venticinquenne di sua sorella Claudia, ma Luca non lo considera affatto.
Quando Bruno un giorno lo vede con un’altra ragazza, forse ha l’occasione per
raggiungere il suo scopo.
Bruno 12 years old, would like to be friend of Luca, 25, the boyfriend of his sister
Claudia, but Luca doesn’t even see him. When Bruno catches him talking with
another girl, he sees the chance to reach his goal.
2-04-2010 9:23:39
CortoEuropa
Marco Gianfreda nato a Roma nel
1974. Nel 2001 consegue la Laurea
in Filosofia Teoretica con una tesi su
Hegel, presso l’Università degli Studi di
Roma “La Sapienza”. Dal 1998 al 2003
frequenta scuole di scrittura creativa
e sceneggiatura cinematografica
(Centro Internazionale Alberto Moravia;
Scuola Holden; Tracce). Nel 2006 il
cortometraggio “Tana libera tutti”, di
cui scrive il soggetto e la sceneggiatura,
ottiene più di 40 premi, fra cui la
nomination al David di Donatello. Nel
2009 realizza il cortometraggio “Io parlo!”
che ottiene il premio come Miglior Film
Straniero all’Independent’s Film Festival
in Florida, la Nomination come Miglior
Cortometraggio all’International Youth
Film Festival UK e ha rappresentato
l’Italia al “Kodak European Showcase for
New Talents” all’interno del ClermontFerrand Short Film Festival 2010.
Marco Gianfreda Born in Rome in 1974.
In 2001 he got a degree in Theoretic
Philosophy by discussing a thesis about
Hegel, at the University of Rome “La
Sapienza”. From 1998 to 2003 he attends
schools of creative writing and film script
writing (International Centre Alberto
Moravia; Holden School; Tracce). In 2006
the short film “Tana libera tutti”(Tana
frees everyone”, for which he writes the
story and the script, is awarded over 40
prizes, among which the nomination for
the David of Donatello. In 2009 he makes
the short film “I speak!” which is selected
in over 45 international festivals,
thus obtaining among the others:
the prize as Best Foreign Film at the
Independent’s Film Festival in Florida,
the Nomination as Best Short Film at the
International Youth Film Festival UK and
has represented Italy ha at the “Kodak
European Showcase for New Talents”
within the Clermont-Ferrand Short Film
Festival 2010.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
67
Io parlo!
I’ll Tell On You!
Marco Gianfreda
2009
Italia
Super 16
20’
Cast Orlando Rudnicki
Alessio Vassallo
Valentina D’agostino
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Produzione
Distribuzione
Marco Gianfreda
Claudio Di Mauro
Duccio Cimatti
Gianluca Costamagna
Giordano Corapi
Valerio Girasole
Chiara Ferrantini
Tratto Indipendente
Tratto Indipendente
2-04-2010 9:23:39
68
Jacco’s Film
Jacco è uno scienziato, inventore, musicista, filosofo, architetto e atleta. Egli vive
con i suoi genitori poiché ha ancora dieci anni. Mentre sua madre e suo padre
litigano, Jacco ci mostra quello che sa dei pesci d’altura. Egli spia il mondo
da un periscopio e sta lavorando ad uno straordinario rifugio sotterrane. E’
questo il modo di tenere la realtà a distanza di sicurezza? Con numerosi trucchi
visivi e prospettive divertenti, gli autori di questo piccolo commovente film si
nascondono dietro il loro piccolo, malinconico eroe dalla fervida fantasia.
Jacco is scientist, inventor, musician, philosopher, architect and athlete. He lives
with his parents because he is still only ten. While his mum and dad argue, Jacco
shows us how much he knows about deep sea fishes. He spies on the world
through a periscope, and is working on an extraordinary underground hut. Is
this his way of keeping reality at a safe distance? With numerous visual tricks
and humorous perspectives, the makers of this moving little film stand firmly
behind their small, melancholic hero with his rich fantasy.
2-04-2010 9:23:39
CortoEuropa
Daan Bakker è nato ad Harderwijk,
in Olanda, il 16 maggio 1979. Hel
1995 ha deciso, dopo un “open day”
che voleva frequentare l’Accademia
Cinematografica d’Olanda. Aveva 16
anni e, poiché pensava di essere troppo
giovane, ha fatto prima altre cose. Dopo
aver recitato in una serie TV peruviana,
aver studiato per un po’ scienze
cinematografiche e televisive, aver fatto
un tirocinio teatrale ed essere andato
a zonzo per un paio di anni, ha deciso
che era giunta l’ora di fare un corto per
essere ammesso al corso di regia. Nel
2009, si è laureato con “Jacco’s Film-Il
Film di Jacco”.
Daan Bakker was born in Harderwijk,
the Netherlands, on 16 May 1979. He
decided in 1995, after visiting an open
day, that he wanted to attend the
Netherlands Film Academy. He was 16
and, because he thought he was too
young, he did other things first. After
playing in a Peruvian TV series, a brief
study of film and television sciences, a
theatre training and a couple of years
loafing around, he decided the time
had come and made a short film to be
admitted to the directing course. In
2009, he graduated with “Jacco’s Film”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
69
Jacco’s Film
Jacco’s Film
Daan Bakker
2009
Olanda
HD cam
17’
Cast Michael Nierse
Mike Meijer
Marike van Weelde
Jurg Molenaar
Nienke Sikkema
Ergun Simsek
Sceneggiatura Daan Bakker
Sammy Reynaert
Montaggio Michelle Hofman
Fotografia Robbie Van Brussel
Suono Jaap Sijben
Musica Matthijs Van Der Veer
Scenografia Lotte Keijzer
Julia Reijman
Costumi Amasja Koolen
Jolien Margry
Trucco Judith Van Belle
Paulien Hartman
Produttore Derk-Jan Warrink
Constant Van Panhuys
Produzione The Netherlands Film and
Television Academy, The
Netherlands
Distribuzione SND Films
2-04-2010 9:23:40
70
La porta
Una notte nell’Hotel Novecento, durante un blackout, un elegante signore ed
il vecchio portiere, entrambi zoppi, iniziano nel buio a raccontarsi, attraverso la
porta di vetro che li divide e che nasconde a noi le loro parole.
During a power failure, a well-groomed gentleman and a porter become
acquainted in Hotel Novecento. They have a lot to say to each other, despite
the social barrier that separates them. Stylised performance by two gentlemen,
shot in elegant black-and-white.
2-04-2010 9:23:40
CortoEuropa
Pietro Messina, nato a Caltagirone
(Ct) nel 1981, si è laureato con lode
al D.a.m.s di Roma Tre. Attualmente
frequenta il corso di regia del Centro
Sperimentale di Cinematografia e sta
lavorando al suo nuovo cortometraggio
“La stanza consueta”. Autore di diversi
documentari come “Francesco”, una
produzione Rai –Telethon, “Un’altra
volta”, selezionato al Milano Film
Festival, e Miglior documentario
“Magma Film Festival” e “Pirrera”,
Vincitore del 14° Premio “Libero Bizzarri”
Piero Messina was born in Caltagirone
(Ct) in 1981, he got a degree with
honours at D.a.m.s of the University of
Rome Three. Now he is attending the
film direction corse of the Experimental
Centre of Cinematography and is
working at his new short film “La stanza
consueta-The usual room”. Author
of many documentary films such as
“Francesco”, a Rai –Telethon production,
“Un’altra volta-Another time”, selected
by Milan Film Festival, and best
documentary film at the “Magma Film
Festival”, and “Pirrera”, winner of the 14th
Prize “Libero Bizzarri”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
71
La porta
The door
Piero Messina
2009
Italia
35 mm
12’
Cast Giorgio Colangeli
Roberto Herlitzka
Sceneggiatura Giacomo Bendotti
Ilaria Macchia
Piero Messina
Montaggio Yael Leibel
Fotografia Davide Manca
Suono Emanuele Cicconi
Musica Piero Messina
Scenografia Luca Filaci
Produzione CSC Production
2-04-2010 9:23:40
72
Saharské Pisky
Vaclav e Anna sono sposati da 25 anni. Decisono di festeggiare il loro
anniversario nel posto del loro primo incontro. Ma cosa accadrà durante questa
celebrazione?
Vaclav and Anna have been married for 25 years. They decide to celebrate their
anniversary on the place they had first met. What is going to happen during this
celebration?
2-04-2010 9:23:40
CortoEuropa
Josef Tuka è nato nel 1979 a České
Budějovice. Nel 2005 si è laureato
presso l’Atelier di drammaturgia
televisiva e sceneggiatura alla Facoltà
di Drammaturgia del JAMU di Brno.
Alla fine dei suoi studi gli è stato
conferito il premio del RFettore per la
produzione di film d’autore. Un anno
dopo è stato ammesso al dipartimento
di regia della FAMU, dove ha conseguito
il baccalaureato e ha intrapreso i suoi
studi di dottorato (2009).
Sta collaborando con la televisione
ceca, le sociatà di produzione SunFilms
e Lovecraft e l’ufficio di redazione
multimediale della Radio ceca. Vive e
lavora a Praga.
Josef Tuka He was born at 1979 in
České Budějovice. In the year 2005 he
graduated The Atelier of broadcast
dramaturgy and screen-writing in
Theatre faculty of JAMU in Brno. At the
end of studying he was awarded with
Dean award for author film production.
One year later he was admitted to FAMU
department of direction, where he gat
bachelor’s degree and take up master’s
study (2009).
He is cooperating with Czech Television,
production company SunFilms and
Lovecraft and multimedia redactor’s
office of Czech Radio. He’s living and
working in Prague.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
Saharské Pisky
Saharan Sands
Josef Tuka
2009
Repubblica Ceca
19’
Cast Cyril Drozda
Zora Valchařová-Poulová
Ilona Baráth
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
73
Josef Tuka
Štěpán Vodrážka
Jan Cabalka
Filip Slavík
Petra Horváthová
Josef Tuka
Jan Cabalka
Adéla Leinweberová
Kristýna Richterová
David Procházka
Bachelor film FAMU,
Prague
Céská Televize
Famu
2-04-2010 9:23:40
74
Schonzeit
I fratelli Oli e Jan sono messi a confronto con l’assenza dei loro genitori. Mentre
il più giovane si ritira nel suo mondo, il maggiore cerca di compensare ciò che
gli manca. Essi affrontano la routine quotidiana- una solitudine, due solitudini.
The brothers Oli and Jan are confronted with the absence of their parents. While
the younger of the two withdraws into his own world, the older tries to
make up for what is missing. They cope with the daily routine – a lonesome
twosome.
2-04-2010 9:23:41
CortoEuropa
Irene Ledermann è nata a Zurigo nel
1976. Dopo essersi diplomata al liceo
artistico, si iscrive al Zürcher Hochschule
der Künste (ZHdK) dove si diploma in
Arts & Education nel 2002. Tra il 2006
e il 2009 frequenta il Master of Arts in
Filmréalisation alla Zürcher Hochschule
der Künste. In questi anni gira tre
cortometraggi (“Schonzeit” (2009),
“Prima Vera” (2007) e “Hier beginnt
die EU” (2005)) e un documentario,
“Kinderfrage Aktuell” (2006).
Irene Ledermann She was born in
Zurich in 1976. After she got a diploma
at the Art Liceo, she enroled at the
Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK)
where she got a diploma in Arts &
Education in 2002. Between 2006
and 2009 she attends the Master of
Arts in Filmréalisation at the Zürcher
Hochschule der Künste. In these
years she shoots three short films
(“Schonzeit” (2009), “Prima Vera” (2007)
and “Hier beginnt die EU” (2005)) and a
documentary film, “Kinderfrage Aktuell”
(2006).
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
75
Schonzeit
Closed season
Irene Ledermann
2009
Svizzera
HD cam
20’
Cast Youri Ledermann
Manuel Neuburger
Jörg Reichlin
Yannick Fischer
Siro Accorinti
Jan Zapata
Nora Ly
Sceneggiatura Irene Ledermann
Montaggio Lisa Blatter
Irene Ledermann
Fotografia Lorenz Merz
Suono Simon Liniger
Ivo Schläpfer
Musica Marcel Vaid
Scenografia Marlen Grassinger
Costumi
Trucco Maya Hirsch
Produttore Stefan Kirchhof
Produzione Zürcher Hochschule der
Künste ZHDK
Distribuzione See Production
2-04-2010 9:23:41
76
Separation Agency
Rob si sveglia una mattina e scopre che la sua ragazza lo ha mollato, e la notizia
gli viene data nel modo più strano.
Rob wakes up one morning to find out that his girlfriend has dumped him, with
the news being delivered in the strangest possible way.
2-04-2010 9:23:41
CortoEuropa
77
Shane Martin. ‘Separation Agency’ è
il suo terzo corto in qualità di scrittore/
regista. Scritto come part del progetto
Norma, il film ha vinto premi per la
scrittura e la regia. Nel 2005 Shane ha
scritto e diretto ‘A Tree Story’ finanziato
dalla NI Screen. Esso ha avuto notevole
successo, dato che è stato proiettato
in parecchi festival, fra i quali il Festival
internazionale di Edimburgo.
Shane Martin. ‘Separations Agency’ is
his third short film as writer/director.
Previous credits include ‘The Headcase’
(2004). Made as part of Project Norma,
the film won awards for writing and
directing. In 2005 Shane wrote and
directed ‘A Tree Story’ funded by the
NI Screen. It enjoyed a successful
run having been screened at several
festivals amongst them the Edinburgh
International film festival.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
Cast Oddie Braddell
Vincent Fegan
John McGlynn
Richard Boyle
Eunan McDonald
Garrath Patterson
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
Separations Agency
Separations Agency
Shane Martin
2009
Irlanda
Digi Beta
4’ 50’’
Shane Martin
Brian Philip Davis
Shelly Garrett
Will McConnell
Kevin Connolly
Sian Jones
Heather Long
Heather Long
Brendan Mullin
Lucid Dreams Ltd
Lucid Dreams Ltd
2-04-2010 9:23:41
78
Stato privato
Italia 2009. A cosa serve la libertà senza giustizia sociale?
Italy 2009. What does freedom serve for without any social justice?
2-04-2010 9:23:41
CortoEuropa
Luigi Marmo nasce ad Eboli (Sa) nel
1979. Dopo gli studi liceali si trasferisce
a Perugia dove si laurea in Scienze della
Comunicazione nel 2004. Nel 2001
fonda il Laboratorio Cinematografico
Gabriele Anastasio, con cui collabora
fino al 2004. Nel 2003 cura la prima
edizione del BiancoFilmFestival di
Perugia, in qualità di direttore artistico.
Nel 2003 partecipa al progetto
Autoritratto Italiano, Ipotesi Cinema di
Ermanno Olmi, per RaiTre. Nel 2005/06
collabora con Cinecittà Entertainment
in qualità di filmmaker. Nel 2007 crea la
Hobos Factory, marchio di produzione
audiovisiva e firma la realizzazione
di vari documentari e cortometraggi.
Attualmente lavora come operatore
di ripresa e montatore in una serie di
documentari per Rai e Mediaset.
Luigi Marmo He was born in Eboli (Sa)
in 1979. After having attended the liceo
he moved to Perugia where he got a
degree in Science of Communication
in 2004. In 2001 he founds the Cinema
Lab with Gabriele Anastasio, with
whom he collaborates until 2004. In
2003 he works at the first edition of
the BiancoFilmFestival in Perugia, as
art director. In 2003 he participates
into the project Autoritratto Italiano,
Ipotesi Cinema-(Italian Self-Portrait,
Cinema Hypothesis) by Ermanno
Olmi, for the Tv channel RaiTre. In
2005/06 he collaborates with Cinecittà
Entertainment as film maker. In 2007 he
creates the Hobos Factory, a trademark
of audiovisual production and makes a
number of documentary films and short
films. Now he works as cameraman and
editor in a number of documentary
films for Rai and Mediaset Tvs.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
79
Stato privato
Private state
Luigi Marmo
2009
Italia
14’
Cast Emiliano Di Silvestro
Paolo Marmo
Sceneggiatura Luigi Marmo
Laura Venetucci
Montaggio Luigi Marmo
Fotografia Luigi Marmo
Suono Alessandro Inglima
Musica Mario Spinelli
Scenografia Fabio Langone
Costumi Serena Pozza
Trucco Serena Pozza
Produttore Luigi Marmo
Produzione Hobos Factory 2010
Distribuzione Hobos Factory 2010
2-04-2010 9:23:41
80
Strings of affection
L’opera mostra il particolare legame di una donna con l’ambiente domestico
che la circonda. Usando un gomitolo di filo, ella comincia a tessere fili per tutte
le stanze della casa, creando una tela di ragno all’interno della casa. Poco a
poco prende forma una strana geometria interiore, subito molto liberatoria,
ma che finisce per soffocarla totalmente. La casa diventa uno spazio mentale,
uno specchio della psiche del personaggio, “ come se volessimo seguire il filo
dei suoi pensieri “. L’architettura sembra essere un luogo del cambiamento, allo
stesso molto aperta verso l’esterno, anche se si richiude su sé stessa come una
trappola. Preso in questa rete, il corpo della donna è costretto, mentre il suo
spirito fugge e i suoi gesti sono liberati.
Strings of Affection shows the particular connection of a woman with her
domestic surrounding. Using a ball of string, she begins weaving threads
through all the rooms of the house, creating a web inside the apartment. Little
by little a strange inner geometry takes shape, at once very liberating, but
quickly totally constricting. The apartment becomes a mental space, a mirror of
the psyche of the character, “ as if we could follow the thread of her thoughts “.
The architecture appears as a place of mutation, at the same time very open to
the outside, while closing on itself as a trap. Taken in this net, the woman’s body
is forced, whereas its spirit escapes and the gestures are liberated.
2-04-2010 9:23:42
CortoEuropa
Emmanuelle Antille è nata nel 1972
a Losanna, Svizzera. Ha studiato
alla Scuola Superiore di aryi Visive
di Ginevra e alla Rijksakademie ad
Amsterdam. Realizza film, fotografie e
installazioni, scrive testi e sceneggiatura,
è una cantante e una musicista. Il suo
interesse è focalizzato sull’analisi dei
rapporti e I comportamenti domestici, le
dinamiche che si stabiliscono all’interno
di gruppi, e i comportamenti che
caratterizzano la vita di un clan. Antille
ha ricevuto parecchi riconoscimenti
e premi compresi: tre Premi Arte
Svizzera, il Premio Kiefer-Hablitzel,
Rassegna+Concorso cinematografico, il
premio Migros Culture, il premio Swiss
Studio a Berlino e il premio Couvent
des Recollets a Parigi. Nel 2003 ha
rappresentato la Svizzera nella 50esima
edizione della Biennale di Venezia.
Emmanuelle Antille was born in
1972 in Lausanne, Switzerland. She
studied at the Ecole Supérieure
d’Art Visuel in Geneva, and at the
Rijksakademie in Amsterdam. She
makes films, photographs and
installations, writes texts and scripts,
is a singer and musician. Her interest
is concentrated on the analysis of
domestic relations and behaviours, the
dynamics established within groups,
and behavioural that characterise the
life of a clan. Antille has received several
recognitions and awards including:
three Swiss Art Awards, Kiefer-Hablitzel
Prize, Review + film contest, Migros
Culture, Swiss Studio in Berlin and in
Couvent des Recollets in Paris. In 2003
she represented Switzerland in the 50th
edition of the Venice Biennale.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
81
Emmanuelle Antille
2009
Svizzera
10’
Cast Antoinette Antille
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Musica
Produttore
Emmanuelle Antille
Emmanuelle Antille
Emmanuelle Antille
Jane Hunter
Emmanuelle Antille
2-04-2010 9:23:42
82
Toute ma vie
Alessandra sta passeggiando per la città , quando è salutata da un uomo che
non riconosce. Anche se egli le continua a raccontare momenti importanti della
sua vita,il volto dell’uomo le rimane del tutto sconosciuto.
Alessandra is walking in the city when she is hailed by a man she doesn’t
recognize. Even though he keeps telling her about important moments of her
life, his face remains totally unknown to her.
2-04-2010 9:23:42
CortoEuropa
Pierre Ferriere è nato nel 1964. Voleva
diventare un regista fin dall’età di
dieci anni. I suoi registi di riferimento
sono Hitchcock, Spielberg, Melville,
De Palma, Scorsese, Fincher. Il suo
primo cortometraggio “Le pélican”
risale al 1992, al quale ha fatto seguito
“Force Spéciale” (1995). Nel 1994 è co
sceneggiatore di “Paranos”. Negli ultimi
dieci anni di è dedicato anche alla tv
firmando “La planète de Donkey Kong” e
“Les guignols de l’info”.
Pierre Ferriere was born in 1964. He
wanted to become a director when
he was just ten. The directors who are
his points of reference are Hitchcock,
Spielberg, Melville, De Palma, Scorsese,
Fincher. He first short film “Le pélican”
datesback to 1992, “Force Spéciale”
(1995) has followed it. In 1994 he is coscript writer of “Paranos”.Over the last
ten years he has also worked for the TV
writing “La planète de Donkey Kong”
and “Les guignols de l’info”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
83
Toute ma vie
The Story Of My Life
Pierre Ferriere
2009
Francia
35 mm
5’ 55’’
Cast Caterina Murino
Vincent Desagnat
Pierre Ferriere
Carlo Rizzo
David Quesemand
Eddy Laurent
Gilles Blanchard
Sandrine Weill-Knibbeler
Stéphane Caput
Alain Grandgerard
Ari Swebel
Produzione Five2one
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Costumi
Produttore
2-04-2010 9:23:42
84
L’uomo dei sogni
Silvia, tassista romana di trentacinque anni, è una donna vivace, spiritosa e
indipendente. Ciononostante – o forse proprio per questo – non ha ancora
trovato l’anima gemella: tutti gli uomini che le capita di frequentare, infatti, si
rivelano presto o tardi una delusione.
Silvia, a thirty-five year old cab driver in Rome, is a bright, cheerful and
independent woman. In spite or perhaps because of this, she has yet to find her
true soul-mate: all the men she goes out with sooner or later turn out to be a
disappointment.
2-04-2010 9:23:43
CortoEuropa
Alberto Mascia si laurea in Scienze
della Comunicazione nel 2006
all’Università di Padova. Nello stesso
anno vince il premio di saggistica
cinematografica Fernaldo Di
Giammatteo e pubblica una monografia
dedicata ai fratelli Coen (Alla ricerca
del senso, Edizioni Cadmo). Nel 2009
si diploma in regia presso il Centro
Sperimentale di Cinematografia di
Roma. Scrivendo la sceneggiatura
“Emma” vince nel 2004 il Premio Cabiria,
Il suo primo cortometraggio è del 2005,
“L’Attesa”.
Alberto Mascia got a degree in Science
of Communication in 2006 all’Università
in Padua. In the same year he wins
the prize Fernaldo Di Giammatteo
for cinema essays and publishes a
monograph dedicated to Coen brothers
(Alla ricerca del senso-In search of
sense, Edizioni Cadmo). In 2009 he
got a diploma in film direction at the
Experimental Centre of Cinematography
in Rome. By writing the script of “Emma”,
he wins the Prize Cabiria in 2004, his
first short film was released in 2005, its
title is “L’Attesa-The Wait”.
85
Titolo Originale L’uomo dei sogni
Titolo Inglese Dream Man
Regia Alessandro Capitani
Alberto Mascia
Anno 2009
Nazione Italia
Formato 35mm
Durata 26’
Cast Cecilia Dazzi
Luciano Scarpa
Davide Paganini
Vanessa Scalera
Alessandro Giallocosta
Paola Maffioletti
Luis Molteni
Sceneggiatura Enrico Saccà
Chiara A. Ridolfi
Valerio Acampora
Alessandro Capitani
Alberto Mascia
Montaggio Leonardo Colasanti
Fotografia Davide Manca
Suono Fabio Russo
Musica Fabrizio Fornaci - Rai Trade
Edizioni Musicali
Scenografia Andrea Castorina
Costumi Roberta Goretti
Produttore Chiara Grassi
Alessandro Guida
Produzione Centro Sperimentale di
Cinematografia Production
Rai Cinema
2-04-2010 9:23:43
86
Val Dood!
Fons sta per intraprendere il suo primo volo da paracadutista. Ciò che comincia
come un’eccitante avventura assume una svolta terribile, quando il suo
istruttore mostra segni di mania suicida.
Fons is about to embark upon his first parachute jump. What begins as an
exciting adventure takes a nightmarish turn, when his instructor shows signs of
suicidal behavior.
2-04-2010 9:23:43
CortoEuropa
Arne Toonen si è laureato all’Accademia
d’Arte di Arnhem nel 1998. Dopo aver
lavorato come scenografo, al montaggio
e caricatore del ciac per due anni, è
ammesso a frequentare il secondo anno
dell’Accademia del Cinema Olandese
ad Amsterdam. Nel 2003 si laurea con
sette progetti filmici fra i quali i due
film da 25 minuti Faja e Anderland.
Durante il periodo della laurea si unisce
alla hazazaH film, dove per lo più dirige
video di musica e spot per la televisione.
Dal 2008 si sta dedicando più ai film
per la Tv. Ha diretto il film per la Tv
Keep Holland Clean-Mantieni l’Olanda
pulita, cinque episodi della commedia a
puntate Schnitzelparadijs e il corto Oh
Deer!-O cervo per il Festival del Cinema
Olandese nel 2008. Il suo corto NPS
Drop Dead-Bello da morire! È stato dato
in prima rappresentazione al Festival
del Cinema Olandese nel 2009. Arne sta
lavorando al suo primo lungometraggio
su Dik Trom.
Arne Toonen graduated from the
Arnhem art academy in 1998. After
working as a set builder, editor and
clapper loader for two years he is
allowed to start in the second year of
the Dutch Film Academy in Amsterdam.
In 2003 he graduates with seven film
projects among which the two 25
minute films Faja and Anderland. During
his graduation year he joins hazazaH
film, where he mainly directs music
videos and television commercials.
Since 2008 he focuses more on fiction.
He directed the One Night Stand Keep
Holland Clean, five episodes of the
comedy series Schnitzelparadijs and the
short film Oh Deer! for the Dutch Film
Festival 2008. His NPS short Drop Dead!
premiered at the Netherlands Film
Festival 2009. Arne is working on his first
feature film about Dik Trom.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
87
Val Dood!
Drop Dead!
Arne Toonen
2009
Olanda
9’11’’
Cast Edson Daconceicao
Olaf Schuur
Wessel Blankstein
Lotte Tabbers
Chris Thomas
Demelza Janmaat.
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
Daan Kmiecik
Brian Ent, D.C.E
Martijn van Broekhuizen
Roberto van Eijden
Erik Jan Grob
Luuk van Bemmelen
Moibe Coster
Niels Wahlers
Margreet Ploegmakers
Hazazah Pictures
SND Films
2-04-2010 9:23:43
88
Villingur
Un corto ispirato alla storia di un impiegato d’ufficio che decide di perdersi.
Con uno sguardo alle forze che ci muovono ad azioni al di là della ragione,
il film esplora i limiti dell’uomo nella natura e le conseguenze che derivano
dall’ottenere ciò che si vuole. A short film inspired by the story of an office clerk who sets out to lose himself.
Looking at the forces that drive us beyond reason, the film explores the limits of
man in nature and the consequences of getting what you want.
2-04-2010 9:23:44
CortoEuropa
89
Hákon Pálsson Nato nel 1984 con una
formazione in fotografia e produzione
cinematografica, a vari livelli, Hakon
ha cominciato a sperimentare la
regia nel 2009. “The Wild One” è il suo
primo corto ma egli lavora anche con
varie compagnia teatrali e di danza
contemporanea.
Hákon Pálsson Born in 1984 ith a
background in photography and film
production on various levels Hakon
started experimenting with directing in
2009. “The Wild One” is his debut short
film but he also works with various
theater and contemporary dance
companies.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
Cast Víkingur Kristjánsson
Laufey Elíasdóttir
Ævar Þór Bendiktsson
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Produttore
Produzione
Distribuzione
Villingur
The Wild One
Hákon Pálsson
2009
Islanda
16’30’’
Hákon Pálsson
Ryan Parteka
David Oldfield
Hordur Ellert Olafsson
Ben Frost
Hákon Pálsson
Hákon Pálsson
Selfproduced
Selfproduced
2-04-2010 9:23:44
90
Il vincitore
In un futuro prossimo, “la crisi” ha ridotto drasticamente il numero dei lavori
tradizionali. Il governo per risolvere questo problema ha istituito il “lavoro
oggettistico”: tutti i maggiorenni che non possiedono uno dei pochi lavori
tradizionali rimasti disponibili, sono obbligati a vestire una tuta bianca, segno
di appartenenza ad una classe sociale subalterna e spersonalizzata. La loro
mansione è quella di sostituire gli oggetti. L’unico modo per uscire da questa
condizione è vincere al “Gratta e Lavora”, che mette in palio oltre un milione di
posti di lavoro. Marco e Giulia aspettano un figlio, indossano la tuta bianca, lui
lavora come bidone dell’immondizia. Un giorno, al ritorno dal “lavoro” decide di
grattare un biglietto e vince un colloquio per un posto di lavoro…
In a near future, “the crisis” ha drastically reduced the number of traditional
jobs. In order to solve this problem the government has instituted the “object
job”: all adults who do not have one of the few still available traditional jobs, are
obliged to wear a white overall, showing that they belong to a social inferior
and depersonalized class. Their task is that of replacing objects. The only way to
come out from this condition is to win a “Scrape and win” card which offers as
a prize over one million jobs. Marco and Giulia are expecting a child, they wear
the white overall, he works as a rubbish bin. One day, coming back from his “job”
he decides to scrape a ticket and wins a job interview…
2-04-2010 9:23:44
CortoEuropa
Davide Labanti è nato a Bologna
il 2 ottobre del 1977, vive e lavora
tra Bologna e Roma. Laureato in
giurisprudenza presso la facoltà di
Bologna, durante il periodo di pratica
forense inizia a lavorare come praticante
giornalista presso la redazione stampa
dell’emittente radiofonica locale Città
del Capo – Radio Metropolitana. Nel
novembre 2006 frequenta un corso
di regia cinematografica tenuto
dalla cooperativa Voli di Bologna.
Dall’inizio del 2007 ad oggi ha scritto
e diretto sette cortometraggi ed un
documentario. Nel giugno 2007 è
assistente alla regia per la fiction
“Il commissario De Luca”. Da allora
si divide tra lavori come assistente
alla regia su produzioni televisive e
cinematografiche, tra cui l’ultimo film di
L. Wertmüller “Mannaggia alla miseria”
e come assistente di produzione su
produzioni pubblicitarie.
Davide Labanti Born in Bologna on
October 2nd 1977, he lives and works
between Bologna and Rome. He got
a degree in Law at the university of
Bologna, during the period when
he was an articled clerk, he started
working as journalist trainee at the local
press office of Città del Capo - Radio
Metropolitana. In November 2006 he
attended a course of film direction
held by the association Voli di Bologna.
From the beginning of 2007 to date he
has written and directed seven short
films and a documentary film. In June
2007 he is assistant director for the
Tv fiction “Il commissario De Luca-De
Luca commissioner”. Since then he
has alternatively worked as assistant
director for Tv and cinema productions,
among which there is the last film by
L. Wertmüller “Mannaggia alla miseriaDamn misery” and as production
assistant for commercial productions.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Formato
Durata
91
Il vincitore
The winner
Davide Labanti
2009
Italia
HD
19’
Cast Stefano Pietro Detassis
Alessandra Chieli
Giuliano Pascali
Filippo Fagotto
Sceneggiatura Davide Labanti
Stefano Pietro Detassis
Alessandra Chieli
Montaggio Antonella Bianco
Davide Labanti
Fotografia Giorgio “Gigì” Giannoccaro
Suono Mirko Fabbri
Musica Thomas Corrado
Marco Zieger
Scenografia Raffaele Vesco
Costumi Chiara Valentini
Produttore Stefano Pietro Detassis
Alessandra Chieli
Davide Labanti
Produzione Amaro Teatro
2-04-2010 9:23:45
92
The way to Macondo
Willy Lander è un attore meticoloso. “Mild weekend” è la sua grande
opportunità per diventare famoso e lui è determinato affinchè ciò succeda.
Willy Lander is a meticulous actor. “Mild Weekend” is his great chance to success
and he is determined to make it happen.
2-04-2010 9:23:45
do
CortoEuropa
Chico Pereira. Almadén (Ciudad Real,
Spagna), 1979. Ha cominciato a scrivere
corti come studente di scienze ed è
arrivato a realizzare “Swing” (2001), un
debutto pieno di errori e di entusiasmo.
Dopo aver concluso il suo ultimo anno
per ottenere la laurea a Napoli, si è
trasferito a Edimburgo e ha cominciato
a seguire un corso di video produzione.
Da allora, ha realizzato corti e ha anche
coltivato la sua grande passione nel
dirigere attori. “The way to macondo-La
strada verso macondo” (2009) gli ha
fatto vincere il premio come migliore
progetto di produzione all’Alcine 39 –
festival internazionale di corti ad Alcala
de Henares a Madrid nel novembre
2009.
Chico Pereira. Almadén (Ciudad
Real, Spain), 1979. He started writing
short films as a science student and
got to make “Swing” (2001), a debut
plenty of mistakes and enthusiasm.
After accomplishing his final year of
the degree in Naples, he moved to
Edinburgh and started a course in video
production. Since then, he has been
making short films and also growing
a deep interest in directing actors.
“The way to macondo” (2009) won
Best production design at Alcine 39 International short film festival Alcala de
Henares of Madrid in november 2009.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
93
The way to Macondo
The way to Macondo
Chico Pereira
2009
Spagna
17’
Cast Pearson Brodie
Tomek Bork
Anna Frackiewicz
Marek Pietrzykowski
Malgorzata Scislowicz
Dayle Teegarden
Aleksandra Kocela
Remigius Rachuba
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
Costumi
Trucco
Produttore
Produzione
Distribuzione
Chico Pereira
Nick Gibbon
Julian Schwanitz
Mark Deas
Jean-David Caillouet
Niina Topp
David Salvador
Grace Chang
Agata Wojcikiewicz
Natalia Caballero
Opa Films
Opa Films
2-04-2010 9:23:45
2-04-2010 9:23:45
2-04-2010 9:23:46
96
George Bologan Addetto alle politiche culturali per
l’emigrazione presso la Ambasciata di Romani in Italia
Mi fa particolare piacere rispondere all’ invito da parte di Linea d’OmbraFestival Culture Giovani e di salutare l’iniziativa culturale della divulgazione
della nuova cinematografia romena, considerata da autorevoli critici europei,
una cinematografia all’ avanguardia. Si tratta di un industria cinematografica
in cui il tema è sì, attuale, ma anche impressionante grazie alla sensibilità del
messaggio. Dietro l’immagine si trova la straordinaria complessità del mondo
presente e del uomo nel suo insieme.
Le arti, la cultura, la creazione intellettuale rappresentano uno dei principali
settori in cui la Romania si afferma nel mondo. Il dinamismo del fenomeno
culturale romeno, di cui l’arte cinematografica è parte, continua ad essere la
nostra moneta forte. La Romania partecipa attivamente al dialogo culturale
europeo ed internazionale, riceve ma anche, come nella cinematografia,
“emette” beni culturali. Dopo il 2002 la cinematografia romena ha cominciato
ad affermarsi tramite le nuove generazioni. Non credo sbagliare se affermo
che alcuni film grazie al tema e al modo in cui si sono realizzati, ci riportano
al tempo dei grandi film del neorealismo italiano. Alcuni tratti comuni sono:
l’osservazione della realtà, il tema sociale e il superamento di alcune mentalità
reminiscenze dal epoca totalitarista comunista, il problema della persona e
dei rapporti interpersonali. Il cinema di oggi ha bisogno di una “rivoluzione
antropologica” per riportare al centro le preocupazioni della persona umana.
Il cinema non è solo uno strumento di comunicazione, ma anche un veicolo di
cultura e una proposta di valori. L’uomo deve diventare soggetto di riferimento
per un cinema di qualità, propositivo di cultura e di valori universali.
Simile iniziative, come quelle promosse da Linea d’Ombra- Festival Culture
Giovani, hanno un fine molto utile: stimolare la conoscenza dell’altro, che
riveste un compito essenziale nell’edificazione della coscienza e nella cultura
contemporanea europea.
2-04-2010 9:23:46
Cinema rumeno contemporaneo
97
George Bologan Attacchè for Cultural Policies at the Embassy
of Rumania in Italy
I am particularly pleased to accept the invitation by Linea d’Ombra- Festival Culture
Giovani and to salute this cultural event aiming at promoting the knowledge of
the new Rumanian cinema, considered by authoritative European critics as an
advanced cinematography. It is a cinema industry focused on topical issues but
which is also impressive for the sensitivity which characterizes its message. Behind
images we can find the extraordinary complexity of our present and of man as a
whole.
Arts, culture, intellectual creation represent one of the main fields in which
Rumania is imposing itself. The dynamism characterizing the Rumanian cultural
phenomenon, of which cinema art is a part, still continues being our hard currency.
Romania is actively participating in the European and international cultural
dialogue, it receives, but is also a source, and cinema is an example of that, of
cultural heritage. After 2002 Rumanian cinematography has started imposing
itself through the new generations. I do not think to mistake if I say that some films,
thanks to their theme and the way they have been made, recall us the time of the
great Italian Neorealism. Some characteristics are common: the observation of
reality, social themes and the overcoming of some mentalities, a reminiscence of
the totalitarian communist age, the problem of the individual and of interpersonal
relationships. Cinema today needs an “anthropological revolution”, in order to
bring again the worries of human beings to the fore. Cinema is not only a means
of communication, but also a vehicle of culture and values. Man must become a
reference point for a quality cinema, able of promoting culture and universal values.
Such events, as those promoted by Linea d’Ombra- Festival Culture Giovani, have a
very important mission: to stimulate our knowledge of others, which is essential for
building the individual’s conscience in our contemporary European culture.
2-04-2010 9:23:46
98
Noi, loro. La Romania
contemporanea attraverso il cinema
Ho un ricordo particolarmente vivo delle giornate che portarono alla
deposizione prima e all’uccisione poi di Ceauşescu e della moglie, tra gli ultimi
despoti di un sistema che aveva fallito, contraddicendo un pieno le premesse
storiche da cui era nato. Ne ho un ricordo vivo perché molti giovani intellettuali
italiani ed europei sentirono il bisogno di partecipare a quelle “gloriose
giornate”, quasi una replica, a più di un secolo di distanza, delle vicende di lotta
per la liberazione dei popoli oppressi nell’Europa dell’ottocento. Molti di loro
tornarono con una ricca documentazione, foto, film, racconti e reportage che
rendevano giustizia di un popolo e della sua voglia di libertà.
Insomma, eravamo alle soglie di quella “fine della storia” che sarà teorizzato da
Francio Fukuyama solo tre anni dopo. E’ inutile dire che la “storia” si è ripresa la
sua vendetta solo qualche anno dopo, ma questo è un altro discorso. Torniamo
alla Romania, che dopo la liberazione faceva i conti con i suoi problemi interni,
non ultimo la complessità delle sue etnie, tra cui quella rom (quasi il 2%
dell’intera popolazione). Non sarà sfuggito ai più avvertiti che nell’occidente
colto ed emancipato, i rom sono diventati i “rumeni” tout court, e che tanto per
chiarire era meglio costruire un bel muro (reale o immaginario) tra “noi” e “loro”,
perché quel loro era perturbante nel migliore dei casi, pericoloso nel peggiore.
Poi c’è stato l’ingresso nell’Unione Europea e dunque una parte consistente
della popolazione rumena ha tentato la strada della emigrazione alla ricerca
di migliori condizioni di vita. Forse è utile ricordare che la Romania ha subito
un costante decremento della popolazione dal 1987 a oggi, più di milioni di
abitanti in meno. Insomma, come i nostri nonni all’inizio del secolo, hanno
abbandonato le loro case e le loro famiglie per cercare fortuna all’estero, e come
i nostri nonni sono stati oggetto di pregiudizi e di emarginazione. Solo il tempo
ha sanato ferite profonde, ma non possiamo affidare solo al tempo il compito
di sciogliere i grumi di paura dentro cui si sono costruite le nuove identità
dell’Europa contemporanea. E’ un compito della cultura, innanzitutto dell’arte,
direi. Ecco perché, riflettendo sulla natura dell’identità, abbiamo sentito il
bisogno di indagare la nuova realtà culturale della Romania a partire dal cinema
e non solo per l’ovvia ragione che essenzialmente di cinema si è nutrito fino ad
ora Linea d’Ombra. Il cinema ha avuto, infatti, la capacità di dare forma più in
breve e con più solidità – e non sembri un paradosso trattandosi d’immagini
– alle nuove identità sociali che la abitano, ha potuto rendere visibile le forme
del transito da una storia all’altra, sovente in forma di dramma, altre in quelle
di commedia, ha reso prossimi volti e storie per noi lontane, ha posto davanti
ai nostri occhi uno specchio in cui riflettere (inteso in senso ampio) sulla natura
della nostra identità, ha mostrato i disagi di una civiltà che non si lascia iscrivere
nelle forme banali della cronaca, ma ha storia e ha voglia di futuro.
Peppe D’Antonio
2-04-2010 12:13:50
99
We, they. Contemporary Rumania
through cinema
I have a really alive memory of the days which led to the fall and the execution of
Ceausescu and later of his wife. He was one of the last tyrants of a system which
had failed, thus fully contradicting the historical assumptions from which it had
been born. That memory is still alive because a lot of young Italian and European
intellectuals felt the necessity of participating into those “glorious days”, almost a
repetition, more than a century after, of the struggle events which had led to the
liberation of the peoples oppressed in the Ninenteenth century Europe. A lot of
them came back with a rich documentation of photos, films, stories and reportages
which testified the sufferings of a people and its wish for freedom. We were just at
the beginning of that “end of the history” which would be theorized by da Francio
Fukuyama only three years later. It is useless saying that “history” has taken its
revenge only some years later, but this is another question. Let us go back to Rumania
which after its liberation had to reckon with its internal problems, among which
there was the complex mixture of its different ethnic groups within its population,
one of them was that of the Roms. The most informed people in the cultivated and
emancipated western world certainly know that by now the Roms have become
“Rumanian” tout court, and that, just to be explicit, it was better to build a wall (real
or imaginary) between “them” and “us”, because that they was upsetting in the
best cases and dangerous in the worst cases. Then Rumania was admitted within
the European Union and then a big part of the Rumanian population has tried to
emigrate in search of a better life. Perhaps it is worth mentioning that Rumania has
undergone a continuous decrease in its population from 1987 up to date, in terms
of millions of individuals less than the original number of inhabitants. Only time has
been able to heal their deep wounds, but we cannot only trust on time to relieve the
feeling of dread within which the new identities of the contemporary Europe have
been built. It is a task of culture, above all of art, I dare say. That is why, starting from
a reflection upon the nature of identity, we have felt the necessity of investigating
about the new cultural phenomenon of Rumania starting from cinema and not
only for the obvious reason that the Festival Linea d’Ombra has always focused its
attention on cinema. Cinema has been able to give shape in a more essential and
stronger way – and it is not a paradox, even if it deals with images – to the new social
identities inhabiting it, it has been able to make the transition forms from a story to
another, often as a drama, other times as a comedy, clearly visible, it has made faces
and stories which seem to us to be far away, nearer and familiar, it has put a mirror
before our eyes, by which we can reflect (in a wider sense) upon the nature of our
identity, it has shown the unease of a civilization which cannot be banally registered
in the chronicle news, since it has got a history and is ready to be projected into the
future. Peppe D’Antonio
2-04-2010 12:13:50
100
L’altra identità: il cinema rumeno
contemporaneo
Il cinema può essere la parte migliore di un paese. Anche quando
mostra i problemi e i drammi del suo presente o del suo recente
passato. E rappresentarne i fermenti e le voglie di cambiamento. È
successo con il neorealismo italiano o con l’Iran degli anni ’80 e ’90.
Accade ora in Romania, dove una generazione di registi - nati dopo il
1966 – è diventata il biglietto da visita di una nazione che altrimenti
fa notizia per i casi di cronaca. Si tratta di un gruppo di artisti che ha
cominciato a emergere nel 2001, anche se l’esplosione è avvenuta nel
2007 con la doppia vittoria a Cannes: Palma d’oro a “4 mesi, 3 settimane,
2 giorni” di Cristian Mungiu e “Un certain regard” a “California Dreamin’ –
Endless” di Cristian Nemescu. Film belli, che ricevono premi importanti,
ottime recensioni ma che poi, soprattutto in Italia, faticano a uscire
nelle sale e, anche quando vengono distribuiti, non ottengono grande
successo.
Il cinema romeno del nuovo millennio è però la novità più significativa
quanto meno nel panorama europeo, dal momento che dei film
prodotti a Bucarest in passato pochi avevano ricevuto attenzione
da noi. Lo spettatore italiano conosce un po’ Lucian Pintilie e meglio
Radu Mihaileanu. L’uno, autore negli anni ’60 dei fondamentali
“Domenica alle 6” e “Ricostruzione” e poi boicottato da Ceasescu, torna
protagonista negli anni ‘90 con la sua capacità di raccontare il male: “La
Chene” (1992), “Un’estate indimenticabile” (1994), “Terminus Paradis”
(1998) e “Niki e Flo” (2003). Mihaileanu ha raggiunto il successo nel
’98 con la risata che esorcizza l’Olocausto di “Train de vie”. Identità e
“sopravvivenza”, ma anche l’inganno a fin di bene, sono gli assi portanti
della sua opera, come in “Ricchezza nazionale” e “Vai e vivrai”. Autore
eclettico e sensibile, Mihaileanu vive in Francia e tra le altre cose fu
assistente di Marco Ferreri. È tornato alla ribalta negli ultimi mesi con il
bello e ottimista “Il concerto”, questo sì un successo di pubblico anche
da noi. Un film che a rigore non appartiene, né per modalità produttive,
né per ambientazione né per stile, alla nuova onda ma che presentiamo
in rassegna a provare che la nuova generazione, pur sbucata
all’improvviso, non viene dal nulla. In precedenza c’era stato Liviu
Ciulei, premiato a Cannes con “Padurea spanzulatilor - La foresta degli
impiccati” nel 1965, mentre cineasti come Mircea Veroiu (“Sa mori ranit
2-04-2010 12:13:50
101
din dragoste de viata – Morire ferito dalla voglia di vivere”), Stere Gulea
(“Morometii – La famiglia Moromete”) o Mircea Daneliuc (“Croaziera –
La crociera”, “Sistemul nervos – Sistema nervoso”) sono stati presentati
in rare occasioni. Senza dimenticare che proprio un romeno, Grigore
Brezeanu nel 1912, girò il primo lungometraggio di cui si ha notizia,
“Indipendenta Romaniei”, la cui vicenda (la pellicola fu bruciata dal
produttore deluso per l’insuccesso economico) è ricostruita in “Restul e
tacere – Il resto è silenzio” da Nae Caranfil nel 2007.
La nuova onda non può essere considerata una “scuola”. I giovani
cineasti si conoscono perché l’ambiente del cinema rumeno è piccolo,
qualche volta lavorano insieme, hanno pure realizzato un film collettivo
a episodi (“Racconti dell’età dell’oro” scritto e sostenuto da Mungiu), ma
non c’è un manifesto comune. Anche se lo stile realista con un tocco
grottesco, la scelta di usare spesso la macchina a mano in lunghi piani
sequenza che valorizzano anche un gruppo di attori (giovani e meno
giovani) di valore li accomuna. Porumboiu, Mitulescu (“Cum mi-am
petrecut sfarsitul lumii – Come ho festeggiato la fine del mondo”) e
Mungiu, ma anche Nemescu (morto nell’agosto 2006 a soli 27 dopo
aver completato le riprese di “California Dreamin’ ”), hanno frequentato
la stessa scuola di cinema – l’Università nazionale di teatro e cinema
“Caragiale” – ma in corsi diversi. Se sono arrivati a maturare insieme e
a fare i conti con il regime comunista e il superamento della dittatura
di Ceausescu (l’89, le sue premesse e conseguenze sono il centro di
tanti loro film) si deve più a un’evoluzione generale della Romania, a
un’elaborazione popolare di cui i registi sono interpreti. E il fatto che le
vittorie a Cannes siano arrivate nell’anno dell’ingresso nella Ue ne è il
simbolo.
Lasciando fuori lo sfortunato Nemescu, il gruppo di punta comprende
Cristian Mungiu, Cristi Puiu, Corneliu Porumboiu e Catalin Mitulescu, cui
vanno aggiunti tra gli esperti Radu Munteanu (“Hartia va fi alabastra –
Paper Will Be Blue” del 2006 e “Boogie” del 2008), Calin Netzer (il primo
a ricevere un premio, a Locarno con “Maria” nel 2003 e autore del buon
“Medaglia d’onore presentato in concorso al Torino Film Festival 2009)
e Tudor Giurgiu. A loro vanno aggiunti Bobby Paunescu (“Francesca”,
che ha suscitato polemiche per i giudizi senza peli sulla lingua sui cerri
nostri politici e per l’immagine non del tutto positiva che l’Italia ha in
Romania), Adrian Sitaru (il polanskiano “Hooked”) e Radu Jude (la satira
“Cea mai fericita fata din lume – La ragazza più felice del mondo”) e i
coregisti dei “Racconti dell’età dell’oro” Hanno Hofer, Costantin Popescu,
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Ioana Uricaru e Razvan Marculescu, tutti ai primi lavori anche se Sitaru
e Jude hanno già mostrato con i cortometraggi di avere una marcia in
più. E l’ultimo arrivato, Florin Serban, premiato a febbraio a Berlino per
“Eu cand vreau sa fluier, fluier – Se voglio fischiare, fischio”.
L’apripista è Cristi Puiu, autore nel 2001 (l’anno precedente in Romania
non era stato prodotto nessun film!) di “Stuff and Dough”, road movie
macchina a spalla presentato a Cannes (Quinzaine des realisateurs,
che nel 2002 seleziona “Occident” di Mungiu). Puiu esplode nel 2005
con “La morte del signor Lazarescu”, premio “Un certain regard” a
Cannes 2005, racconto delle ultime ore di un vecchio qualunque, dal
malore in casa alla ricerca di un ospedale che lo accolga. Con uno stile
solo in apparenza semplice, Puiu usa la sofferenza come specchio del
disinteresse e delle frustrazioni generali.
Di Porumboiu la nostra rassegna presenterà i due lungometraggi,
entrambi forti e amari. La commedia “A-fost sau na-fost - A est di
Bucarest” (Camera d’or a Cannes 2006), ragiona sulla fine di Ceausescu.
Nel sedicesimo anniversario dei fatti tre uomini si chiedono se c’è stata
la rivoluzione. Si ride ma resta la sensazione di qualcosa che forse non
c’è stato. L’ironia nei dialoghi resta in “Politist, adjectiv – Poliziotto,
aggettivo” (2009) che osserva la confusione morale diffusa. Cristi
(Dragos Bucur) è un giovane poliziotto che ha l’ordine di arrestare un
ragazzino di famiglia borghese che ha offerto hashish a due compagni
di scuola. Il suo capo (Vlad Ivanov) vuole invece che lo becchi in
flagranza di reato. Cristi osserva i ragazzi, indaga per risalire ai trafficanti
ma non vuole colpire chi consuma droga. L’ufficiale vuole che sia
rispettata la legge in vigore e in un faccia a faccia sembra convincerlo
con il suo cinismo. Tra i due manca un linguaggio comune, danno
alle parole significati diversi: il discorso del poliziotto è più vicino al
pensiero dello spettatore dalla mentalità aperta, quello del maggiore
in grado più rispondente alle definizioni del vocabolario. Con risultato
spiazzante.
Iper-realista è “4 mesi, 3 settimane e 2 giorni” di Cristian Mungiu. È il
1987, due studentesse vivono in una residenza universitaria. Il film
svia lo spettatore su false piste prima di rivelare il tema dell’aborto. La
macchina a mano crea tensione e rivela l’atmosfera oppressiva, i piani
sequenza con i dialoghi mai scanditi da tagli di montaggio rivelano la
bravura di Anamaria Marinca e Laura Vasiliu. Sul grottesco si muove il
collettivo “Racconti dell’età dell’oro”, leggende metropolitane dell’epoca
comunista che diventano film con risultati alterni: il più bello è l’ultimo,
2-04-2010 12:13:50
103
quello dell’uccisione del maiale con il gas, ovviamente di Mungiu.
Storia di amicizia tra studentesse è ìLove Sick ñ Legaturi Bolnavicicaseî
esordio di Tudor Giurgiu, già aiuto di Mihaileanu e Pintilie. La vicenda
del confronto fra due giovani universitarie di provenienza diversa (la
cittadina e la ragazza della campagna), della loro amicizia e del legame
omosessuale che si instaura (e di come devono nasconderlo in una
società che non lo accetta) è narrata con leggerezza e senza luoghi
comuni.
Nicola Falcinella
2-04-2010 12:13:51
104
The other identity:
the contemporary Rumanian cinema
Cinema can be the best thing of a country. Even when it shows the
problems and dilemmas of its present or of its recent past and represents
its stirrings and wish of change. This happened at the time of the Italian
neo-realism or in Iran in the ‘80es and ‘90es. This happens now in Rumania,
where a generation of directors –born after 1966 – has become the visiting
card of a nation which otherwise is popular for news items. They are a
group of artists who started to emerge in 2001, even if their boom took
place in 2007 with a double victory in Cannes: Golden Palm to “4 months,
3 weeks, 2 days” by Cristian Mungiu and “Un certain regard” to “California
Dreamin’ – Endless” by Cristian Nemescu. They are beautiful films, which
have received important prizes, very good reviews but then they are
hardly released specially in the Italian cinemas and even when they are
distributed, they are not hits.
The Rumanian cinema of the new millennium is the most interesting
novelty at least in the European cinematographic panorama, since only
a few films produced in Bucarest in the past had attracted our attention.
The Italian spectator knows a little about Lucian Pintilie and better knows
Radu Mihaileanu. The former, author in the ‘60es of the fundamental films
“On Sunday at 6” and “Reconstruction” later boycotted by Ceausescu,
comes to the fore again in the ‘90es for its ability of telling about evil: “La
Chene” (1992), “An unforgettable summer” (1994), “Terminus Paradis”
(1998) and “Niki and Flo” (2003). Mihaileanu became popular in ’98
with the laughter exorcising the holocaust of “Train de vie”. Identity and
“survival”, but also deceit for a good reason, are the fundamentals of his
work as in “National richness” and “Go and you will live”. Eclectic and
sensitive author, Mihaileanu lives in France and among other things he
was assistant director of Marco Ferreri. Over the last months he has made
a comeback with his beautiful and optimistic film “The concert”, and this
certainly has been a hit in Italy too. It is a film which does not properly
belong, both as regards its production procedures, and its setting and style,
to the new trend, but which we present in this festival to show that the new
generation, even if it has abruptly come out, does not come from nothing.
Before him there had been Liviu Ciulei, who was awarded a prize in Cannes
for “Padurea spanzulatilor – The forest of hanged people” released in 1965,
while directors like Mircea Veroiu (“Sa mori ranit din dragoste de viata
2-04-2010 12:13:51
105
– To die after being hurt by the wish of living”), Stere Gulea (“Morometii –
Moromete family”) or Mircea Daneliuc (“Croaziera – The cruise”, “Sistemul
nervos – Nervour system”) have been very seldom presented. On the other
hand we must remember that just a Rumaninan, Grigore Brezeanu in 1912,
shot the first feature film known in the history of cinema, “Indipendenta
Romaniei”, the plot of which (the film was burnt by the producer because
he was disappointed from its economic flop) was reconstructed in “Restul e
tacere – What remains is the silence” by Nae Caranfil in 2007.
The new trend cannot be considered a”school”. The young directors know
each other because the Rumanian cinema set is little, sometimes they
work together, they have also made a film all together in collaboration,
consisting of a number of episodes (“Tales of the golden age”, written and
supported by Mungiu), but there is no common manifesto. Apart from
the realistic style having a grotesque touch, they share the use of a hand
camera for shooting long sequence foregrounds also enhancing a group
of good actors (young and less young). Porumboiu, Mitulescu (“Cum miam petrecut sfarsitul lumii – How I celebrated the end of the world”) and
Mungiu, but also Nemescu (died in August 2006 when he was only 27,
after having completed the shooting of“California Dreamin’ ”), attended
the same cinema school– the national University of Drama and Cinema
“Caragiale” – but enrolled in different courses. If they have grown up and
have had the Communist regime and the overcoming of Ceausescu’s
dictatorship to reckon with (the year 1989, its bases and consequences are
the focus of their so many films) that is due more to a general evolution
of Rumania, to a popular interpretation of it that directors have shown
in their films. And their winning in Cannes just in the year of the entry of
Rumania into the Eu is a symbol of that.
Keeping the unlucky Nemescu outside, the leading group includes Cristian
Mungiu, Cristi Puiu, Corneliu Porumboiu and Catalin Mitulescu, to them,
among the experts Radu Munteanu (“Hartia va fi alabastra – Paper Will
Be Blue” released in 2006 and “Boogie” released in 2008), Calin Netzer
(the first director who received a prize in Locarno with “Mary” in 2003
and author of the beautiful “Honour medal”presented for competing at
Turin Film Festival in 2009) and Tudor Giurgi to be added. To them Bobby
Paunescu (“Francesca”, which aroused polemics for the outspoken critiques
about some of our politicians and for the not completely positive image
that Italy has got in Rumania), Adrian Sitaru (with his Polansky style film
“Hooked”) ande Radu Jude (with his satire “Cea mai fericita fata din lume
– The happiest girl in the world”) and the codirectors of the “Tales of the
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Golden age” Hanno Hofer, Costantin Popescu, Ioana Uricaru and Razvan
Marculescu are to be added too, all of them are debutants, even if Sitaru
and Jude have also showed in their short films, to be a cut above. And the
last one to be mentioned from a chronological point of view, Florin Serban,
who was awarded in the last February in Berlin for his “Eu cand vreau sa
fluier, fluier – If I want to whistle, I whistle”.
The forerunner is Cristi Puiu, author in 2001 (in the foregoing year no film
was produced in Rumania!) of “Stuff and Dough”, road movie, shot with
a shoulder camera and presented in Cannes (Quinzaine des realisateurs,
which in 2002 selected “Occident” by Mungiu). Puiu’s hit in 2005 was “The
death of Mr.Lazarescu”, which was awarded the prize “Un certain regard”
in Cannes 2005, it is a tale of the last hours lived by an ordinary old man,
since when he is caught by a malaise in his house, to his search for finding
medical assistance in a hospital. With a style which seems to be simple,
Puiu uses suffering as a mirror of indifference and frustrations in general.
As regards Porumboiu our festival will present his two deep and bitter
feature films. The comedy “A-fost sau na-fost – To the east of Bucarest”
(Golden Camera in Cannes 2006), reflects upon the end of Ceausescu’s
regime. On the sixteenth anniversary from his fall three men ask
themselves if the revolution really took place. They laugh but the feeling
that something which perhaps did not really happen remains. Irony can
be also found in the dialogues of “Politist, adjectiv – Policeman, adjective”
(2009) which reflects upon a widespread moral confusion. Cristi (Dragos
Bucur) is a young policeman who has been ordered to arrest a young boy
belonging to a bourgeois family, because he has offered two of his class
mates some hashish. His boss (Vlad Ivanov) wants that he catches him in
the act. Cristi watches the boys, investigates in order to trace the traffickers
but he does not want to hit who consumes drugs. The officer above him
wants the law to be observed and in a face to face it seems that he has
convinced him with his cynicism. They do not speak a common language,
they give to words different meanings: the policeman’s speech is closer to
the spectator’s thought, who is open minded, that of the major is more
consistent with the dictionary definitions. The result is wrong-footing.
Hyper-realistic is the film “4 months, 3 weeks and 2 days” by Cristian
Mungiu. We are in the year 1987, two students live in a university residence.
This diverts the spectator’s attention to other themes, before focusing upon
the theme of abortion. The hand camera creates suspense and reveals the
oppressive atmosphere, the sequence foregrounds with dialogues never
scanned by editing cuts, show the talent of the actresses Anamaria Marinca
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107
and Laura Vasiliu. A grotesque atmosphere characterizes the collective
work “Tales of the Golden Age”, metropolitan legends of the Communist
age which become films with alternate results: the most beautiful tale is the
last one, that telling about the killing of the pug with gas, it is of course by
Mungiu.
The story of the friendship between two students is ìLove Sick ñ Legaturi
Bolnavicicaseî debut by Tudor Giurgiu, who has already been assistant
director of Mihaileanu and Pintilie. The story of two young university
students coming from different places (one from the town and the other
from the country), of their friendship and their homosexual relationship
which is born from that (and of how they are forced to keep it secret in
a society which does not accept it) is told with lightness and without
commonplaces.
Nicola Falcinella
2-04-2010 12:13:52
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4 luni, 3 săptămâni
şi 2 zile
Otilia e Gabjta sono due studentesse universitarie che alloggiano nel
dormitorio di una città romena. Siamo negli anni che precedono la caduta
del regime di Ceausescu e Gabjta affitta una stanza d’albergo in un hotel di
bassa categoria. Ha un motivo preciso: con l’assistenza dell’amica ha deciso
di abortire grazie anche all’intervento di un medico che però rischia l’arresto,
essendo l’interruzione procurata della gravidanza un reato. Otilia resta a fianco
dell’amica soffrendo intimamente per quanto sta accadendo e scoprendo
progressivamente la fragilità della sua condizione umana.
Otilia and Gabjta are two university students who have found an accomodation
in the dormitory of a Rumanian town. These are the years preceding the fall
of Ceausescu’s regime and Gabita hires a hotel room in a low class hotel. Her
plan is: by the help of her friend she wants to have an abortion, also thanks to
the help of a doctor who is ready to risk his imprisonment, since it is a crime
to cause abortion. Otilia assists her friend and intimately suffers for what has
happening and thus gradually realizes how fragile our human condition is.
2-04-2010 12:13:52
Cristian Mungiu appartenente a quella
che viene definita la generazione
“postdicembrista”, cioè a quella
categoria di uomini di cultura rumeni
formatasi successivamente alla
rivoluzione rumena. Dopo aver studiato
Letteratura inglese all’Università di Iasi,
lavora per alcuni anni come giornalista
e come insegnante. Nel 1998 si diploma
all’Accademia di Teatro e Film di
Bucarest specializzandosi in regia ed
comincia a collaborare per alcuni film
come aiuto regista come “Train de vie Un treno per vivere” del 1998 del regista
Radu Mihăileanu. In seguito lavora
ad alcuni cortometraggi che rivelano
la sua bravura come regista e che gli
fanno vincere diversi premi. Nel 2002 il
suo lungometraggio “Occident” viene
presentato al Quinzaine des Réalisateurs
del Festival di Cannes. Nel 2007 vince la
Palma d’oro al Festival di Cannes per il
suo secondo lungometraggio “4 mesi, 3
settimane e 2 giorni”.
Cristian Mungiu belongs to that
generation which is called “post
December”, that is to that category
of Rumanian intellectuals who
were educated after the Rumanian
revolution. After having studied English
Literature at the University of Iasi, he
works for some years as a journalist and
teacher. In 1998 he gets his diploma
at the Drama and Film Academy in
Bucarest, specializing in direction and
starts collaborating as assistant director
of some films such as “Train de vie – A
train for living” released in 1998 and
directed by Radu Mihăileanu. Later he
works at some short films which show
his talent as director and make him win
quite many prizes. In 2002 his feature
film “Occident” was presented at the
Quinzaine des Réalisateurs within the
Festival of Cannes. In 2007 he wins
the the Golden Palm at the Festival of
Cannes for his second feature film “4
months, 3 weeks and 2 days”.
109
Titolo Originale 4 luni, 3 săptămâni şi
2 zile
Titolo Inglese 4 Months, 3 Weeks And
2 Days
Regia Cristian Mungiu
Anno 2007
Nazione Romania
Durata 113’
Cast Cristian Mungiu
Anamaria Marina, Vlad
Ivanov, Laura Vasiliu
Montaggio Dana Bunescu
Fotografia Oleg Mutu
Suono Titi Fleancu
Dana Bunescu
Cristian Tarnoveţchi
Costumi Dana Istrate
Produttore Cristian Mungiu
Oleg Mutu
Produzione Mobra Film
Distribuzione Lucky Red
2-04-2010 12:13:53
110
A Fost sau n-a fost?
È il 22 dicembre. Sono trascorsi sedici anni dagli sconvolgimenti del 1989 e
si sta avvicinando il Natale. Piscoci, un anziano pensionato, si è ritirato a vita
privata e si sta preparando a trascorrere ancora una volta le festività tutto da
solo. Manescu è un professore di storia scontento di dover dilapidare tutto il
suo stipendio mensile per pagare i suoi numerosi debiti. Neppure Jderescu, il
proprietario della televisione locale, è interessato al Natale. Quello che desidera,
con l’aiuto di Pisconi e Manescu, è trovare la risposta a una domanda che lo
assilla da sedici anni: “C’è stata veramente una rivoluzione nella loro città?”
It is December 22nd. Sixteen years have elapsed since the turmoils of 1989 and
Christmas is drawing near. Piscoci, an old pensioner, has retired to his private life
and is preparing himself to spend this festivity alone once again. Manescu is a
history teacher who is disappointed by being forced to dissipate all his monthly
wage for paying his many doubts. Not even Jderescu, the owner of the local Tv
company, is interested in Christmas. What he really wants is to find, by the help
of Pisconi and Manescu, the answer to a question which has nagged him for
sixteen years: “Has ever been a real revolution in their town?”
2-04-2010 12:13:53
111
Corneliu Porumboiu. Regista e
sceneggiatore, nasce a Vaslui il 14
settembre 1975. Nel 2004 ha vinto
un premio di sezione al Festival di
Cannes presentando il cortometraggio
“Călătorie la oraş” (“Viaggiatori in città”).
Nel 2006 ha vinto la Camera d’Oro
al Festival di Cannes con il film “A Est
di Bucarest” (“A fost sau n-a fost?”),
vincitore in Italia del Festival Terra di
Siena.
Corneliu Porumboiu. Director and
script writer, he was born in Vaslui on
September 14th 1975. In 2004 he won
a special section prize at the Festival
of Cannes for his short film “Călătorie
la oraş” (Travellers in town).In 2006 he
won the Golden Camera at the Festival
of Cannes for his film To the Eats of
Bucarest (A fost sau n-a fost?), which is
the winning film in Italy, at the Festival
Festival Terra di Siena.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
12:08 East of Bucarest
Corneliu Porumboiu
2006
Romania
89’
Cast Corneliu Porumboiu
Ion Sapdaru
Mircea Andreescu
Teo Corban
Montaggio Rossana Szel
Fotografia Marius Panduru
George Dascalescu
Suono Alexandru Dragomir
Sebastian Zsemlye
Musica Rotaria Group
Scenografia Daniel Raduta
Costumi Monica Raduta
Produttore Corneliu Poromboiu
Produzione A Periscop Pictures
Distribuzione Istituto Luce
2-04-2010 12:13:53
112
Amintiri din Epoca
de Aur
Il film è una combinazione di varie storie vere che ritrae un’era in cui il cibo
era più importante del denaro, la libertà era più importante dell’amore e la
sopravvivenza era più importante dei principi. Gli ultimi 15 anni del regime di
Ceausescu furono i peggiori della storia della Romania. Tuttavia, la macchina
della propaganda dell’epoca si riferisce immancabilmente a quel periodo come
a “l’epoca d’oro”…
The film is a collection of different true stories depicting an age in which
food was more important than money, freedom was more important than
love and survival was more important than principles. The last 15 years of
Ceausescu’s regime were the worst years in the history of Rumania. However,
the propaganda machine of that time does not fail to always refer to that period
as “the golden age”…
2-04-2010 12:13:53
Hanno Höfer. Hanno Höfer è nato nel
1967 a Timişoara, è un regista, produttore
e musicista tedesco-rumeno.
Cristian Mungiu vedi pag. 109.
Constantin Popescu è nato in Romania
nel 1973. Il suo debutto letterario è
avvenuto nel 2002. Da allora i suoi lavori
sono stati pubblicati su alcune importanti
riviste di letteratura, un suo racconto ha
vinto il premio dell’Associazione degli
Scrittori di Bucarest come miglior opera
d’esordio.
Ioana Uricaru è nata e cresciuta in
Romania. Si è trasferita a Los Angeles dopo
l’ammissione al master in Produzione
Cinematografica e Televisiva presso la
USC’s School of Cinematic Arts. Nel 2009
è stata una delle registe residenti della
Cinefondation del Festival di Cannes.
Razvan Marculescu Nato in Romania nel
1976. Si laurea in cinema all’Università del
Cinema e del Teatro di Bucarest nel 1998.
Nel 1997 è autore del cortometraggio
“Cristi and Vera” a cui segue “Bus” del 1998.
Nel 2000 dirige il cortometraggio “Dark
Assylum” e ne cura anche il montaggio.
Hanno Höfer. Born in 1967 in Timişoara,
Romania, is a German-Romanian movie
director, producer and musician.
Cristian Mungiu see page 109.
Constantin Popescu. Born in Romania
in 1973. His literary debut was in 2002.
Since then he published texts in several
important literary papers and a novel
which won the prize for debut awarded
by the Writers Association of Bucharest
in 2002.
Ioana Uricaru was born and raised in
Romania. She relocated to Los Angeles
upon admission to the MFA in Film and
Television Production program at USC’s
School of Cinematic Arts. In 2009 she was
a resident of the Cinefondation of the
Cannes Film Festival.
Razvan Marculescu Born in Romania
in 1976. He graduates in film at the
University of Cinema and Theatre of
Bucharest in 1998. In 1997 he directs the
short film “Vera and Cristi”, followed by
“Bus” in 1998 and, in 2000, the short film
“Dark Assylum” and also by the editing.
113
Titolo Originale Amintiri din Epoca de Aur
Titolo Inglese The Golden Age
Regia Hanno Höfer
Cristian Mungiu
Constantin Popescu
Ioana Uricaru
Razvan Marculescu
Anno 2009
Nazione Romania
Durata 100’
Cast Cristian Mungiu
Alexandru Potocean
Teodor Corban
Emanuel Parvu
Avram Birau
Paul Dunca
Montaggio Dona Bunescu
Theodora Penciu
Ioana Uricaru
Fotografia Andrei Pandele
Suono Dana Bunescu
Cristinel Sirli
Musica Hanno Höfer
Laco Jimi
Scenografia Cezara Armasi
Mihaela Poenaru
Dana Istrate
Simona Paduretu
Costumi Dana Istrate
Brânduşa John
Luminita Mihai
Ana Ioneci
Trucco Maria Trifu
Drink Făcăianu
River Parpala
Lidia fondazione
Produttore Oleg Mutu
Cristian Mungiu
Produzione Mobra Film
Distribuzione Archibald Enterprise Film
2-04-2010 12:13:53
114
Le Concert
All’epoca di Brežnev, Andreï Filipov è il più grande direttore d’orchestra
dell’Unione Sovietica e dirige la celebre Orchestra del Bolshoi. Ma viene
licenziato all’apice della gloria quando si rifiuta di separarsi dai suoi musicisti
ebrei, tra cui il suo migliore amico Sacha. Trent’anni dopo lavora ancora al
Bolchoi, ma…come uomo delle pulizie. Una sera Andreï si trattiene fino a tardi
per tirare a lustro l’ufficio del direttore e trova casualmente un fax indirizzato
alla direzione del Bolshoi: è del Théâtre du Châtelet che invita l’orchestra
ufficiale a suonare a Parigi… All’improvviso, Andreï ha un’idea folle: riunire i
suoi vecchi amici musicisti, che come lui vivono facendo umili lavori, e portarli a
Parigi, spacciandoli per l’orchestra del Bolshoi.
At Brežnev’s time, Andreï Filipov is the greatest orchestra conductor in the
Soviet Union and conducts the famous Bolshoi Orchestra, but he is dismissed at
the height of his career, because he refuses to part from his Hebrew musicians,
among them there is his best friend Sacha. Thirty years after he still works
at Bolchoi, but…as cleaner. One evening Andreï stays at work until late for a
thorough cleaning of the director’s office and casually finds a fax addressed
to the director of Bolshoi: it comes from the Théâtre du Châtelet and invites
the official orchestra of Bolshoi to play in Paris… Suddenly a mad idea flashes
through his mind: to gather his old friends musicians who like him live doing
menial tasks and to take them to Paris, passing them off as members of the
Bolshoi orchestra.
2-04-2010 12:13:53
Radu Mihăileanu (Bucarest, 23 aprile
1958) nel 1980 si è stabilito poi in
Francia, dove si è diplomato presso
l’Istituto di Cinematografia di Parigi.
Nel 1989 ha realizzato, insieme a Marco
Ferreri il telefilm “Symposium”. Nel
1993, decide di dirigere il suo primo
lungometraggio “Tradire” (1993), anche
se il suo più grande capolavoro sarà
“Train de vie – Un treno per vivere”
(1998), storia di un piccolo villaggio
ebreo dell’Europa dell’Est che viene
progressivamente invaso dai nazisti. Il
film, intenso e divertente, ottiene una
nomination al César per la migliore
sceneggiatura originale, un David di
Donatello per il miglior film straniero,
l’Audience Award World Cinema, il
premio Anicaflash e il premio FIPRESCI.
Nel 2002, firma il film tv “Ricchezza
nazionale” e, a seguire, “Vai e vivrai”
(2005), vincitore di un César per la
migliore sceneggiatura e per il miglior
film e “Il concerto” (2009).
Radu Mihăileanu (Bucarest, April 23rd
1958) in 1980 the he moved to France,
where he got a diploma at the Cinema
Institute in Paris. In 1989 he made,
together with Marco Ferreri the TV
film”Symposium”. In 1993, he decides
to direct his first feature film To betray
(1993), even if his bigger masterpiece
will be Train de vie – A train for living
(1998) starring Agathe De La Fontaine,
Lionel Abelanski and Marie José Nat,
living in a little Hebrew village in the
Eastern Europe which is gradually
invaded by Nazis trying to escape
from the Nazi concentration camps
disguising themselves as deportees,
crossing the war frontiers. The story,
intense and amusing, won a nomination
at César for the best original script
writing, a Donatello’s David Prize for the
best foreign film, the Audience Award
World Cinema, the prize Anicaflash and
the prize FIPRESCI. In 2002, he made
the Tv film National Richness, and the
following Go and you will see (2005),
winner of a César for the best script
writing and as the best film and The
concert (2009).
115
Le Concert
The Concert
Radu Mihaileanu
2009
Romania
Francia
Belgio
Italia
Durata 119’
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Cast Radu Mihaileanu
Aleksei Guskov
Dmitri Nazarov
François Berléand
Miou-Miou
Valeri Barinov
Ludovic Troch
Laurent Dailland
Armand Amar
Selim Azzazi
Viorica Petrovici
Alain Attal
Valerio De Polis
Andrè Logie
Vlad Paunescu
Produzione France 3 Cinèma
Rtbf
Mars Films
Les Productions Du TrÉsor
OÏ OÏ OÏ Productions
Castel Films
Panache Productions
Distribuzione BIM
Montaggio
Fotografia
Musica
Scenografia
Costumi
Produttore
2-04-2010 12:13:53
116
Francesca
Francesca è una giovane maestra d’asilo che sogna di emigrare in Italia. Nella
speranza di una vita migliore, la giovane è pronta ad affrontare qualunque
ostacolo, persino i dubbi e le preoccupazioni delle persone che le sono vicine.
Il piano prevede che Mita, il suo ragazzo, la raggiunga in Italia non appena
porterà a termine un piccolo affare in cui è coinvolto. Ma le cose prendono una
piega infelice, vengono alla luce penose verità e le priorità cambiano.
Francesca is a young teacher at a nursery school, who dreams of emigrating
to Italy. Hoping to find a better life, she is ready to face any obstacle, even the
doubts and worries of the people close to her. According to her plans, Mita, her
boyfriend, will reach her in Italy as soon as he will have accomplished a little
affair in which he is involved. But things take a bad turn, painful truths emerge
and other priorities are to the fore.
2-04-2010 12:13:53
Bobby Paunescu. Regista, scrittore
e produttore di “Francesca,” il suo
lungometraggio è stato ufficialmente
selezionato per il 67° Festival
Internazionale del Cinema di Venezia,
Sezione Orizzonti, e gli ha fatto vincere
il premio FIPRESCI come migliore film
al Festival Internazionale del Cinema di
Gijón, Spagna nel 2009. Ha co-prodotto
il film “La Morte del Sig.Lazarescu” nel
2005, diretto da Cristi Puiu. Attualmente
sta producendo “Fuori dalla Notte” e
“Aurora”.
Bobby Paunescu. Director, writer
and producer of “Francesca,” his feature
debut was officialy selected for the
67th Venice International Film Festival,
The Orizzonti section, and garnered
the FIPRESCI prize for best film at the
2009 Gijón International Film Festival,
Spain. He associated-produced the 2005
picture “The Death of Mister Lazarescu”,
directed by Cristi Puiu. Presently he
is producing “Out of the Night” and
“Aurora”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
117
Francesca
Francesca
Bobby Paunescu
2009
Romania
96’
Cast Bobby Păunescu
Monica Birladeanu
Doru Boguta
Teo Corban
Ioachim Stroe
Andrei Butica
Petru Barladeanu
Miai Dorobantu
Mirela Fraser
Monica Florescu
Produttore Bobby Păunescu
Cristi Puiui
Anca Puiu
Produzione Mandragora Movies
Distribuzione Fandango
Montaggio
Fotografia
Musica
Scenografia
Costumi
2-04-2010 12:13:54
118
Moartea Domnului
Lazarescu
Il signor Lazarescu ha 63 anni e vive con suoi tre gatti in una piccola casa.
Sua moglie è morta otto anni prima e sua figlia si è trasferita in Canada. Un
sabato pomeriggio Lazarescu ha un malessere e chiama l’ambulanza. Prima
che arrivi il personale paramedico, cerca di alleviare i dolori. Apre l’armadietto
dei medicinali e si accorge di averli finiti. Cerca allora aiuto dai vicini che
preoccupati tentano di aiutarlo. Finalmente arriva l’ambulanza.
Mr.Lazarescu is 63 years and lives with his three cats in a small house. His wife
died eight years before and his daughter moved to Canada. One Saturday
afternoon he is caught by a malaise and calls the ambulance. Before the arrival
of paramedics he tries to relieve his pains. He opens the drug cabinet and finds
that no drug is left. Then he calls his neighbours for help and, alarmed at his
health conditions, they try to help him. At last the ambulance arrives… 
2-04-2010 12:13:54
Cristi Puiu (nato il 3 April 1967) è iun
regista e sceneggiatore rumeno. Nel
1992 è stato ammesso a frequentare
il Dipartimentodi pittura della Scuola
Superiore di Arti Visive di Ginevra.
Dopo il primo anno si è rivolto agli
stidi di cinematografia presso la
stessa scuola e si è laureato nel 1996.
Dopo essere ritornato in Romania,
debutta come regista nel 2001 con il
road movie “Stuff and Dough” (Marfa
şi Banii) a budget ridotto. Il film ha
ricevuto parecchi riconoscimenti in
festival cinematografici internazionali
e ha partecipato al concorso dellla
Quinzaines des Realisateurs del Festival
di Cannes. Ha continuato con un corto,
“Cigarettes and Coffee” (Un cartuş de
Kent şi un pachet de cafea) (2004), al
quale è stato conferito il Leone d’Oro
per il miglior corto al Festival del
Cinema di Berlino nel 2004.
Cristi Puiu (born 3 April 1967)
is a Romanian film director and
screenwriter. In 1992 he was admitted
as a student at the Painting Department
of Ecole Superieure d’Arts Visuels in
Geneva. After the first year he switched
to film studies at the same school and
graduated in 1996. After returning
to Romania, Cristi Puiu started Cristi
Puiu’s debut as a director was in 2001
with the low budget road movie “Stuff
and Dough” (Marfa şi Banii). The film
received several awards in international
film festivals and competed in the
Quinzaines des Realisateurs section of
the Cannes Film Festival. He continued
with a short film, “Cigarettes and Coffee”
(Un cartuş de Kent şi un pachet de
cafea) (2004), which was awarded the
Golden Bear for best short film at the
2004 Berlin International Film Festival.
119
Titolo Originale Moartea Domnului
Lazarescu
Titolo Inglese The Death of Mr
Lazarescu
Regia Cristi Puiu
Anno 2005
Nazione Romania
Durata 153’
Cast Luminita Gheorghiu
Ion Fiscuteanu
Monica Barladeanu
Sceneggiatura Cristi Puiu
Razvan Radulescu
Montaggio Dana Bunescu
Fotografia Oleg Mutu
Suono Constantin Fleancu
Cristian Tarnovetchi
Musica Andreaa Pacuraru
Scenografia Tudor Hristescu
Costumi Cristina Barbu
Lidia Constantin
Lidia Ivanov
Produttore Alexandru Munteanu
Produzione A Mandragora Production
Distribuzione The Coproduction Office
2-04-2010 12:13:54
120
Legaturi bolnavicioase
Alex e Kiki sono due studentesse che vivono nello stesso condominio a
Bucarest. Le due ragazze stringono amicizia e ben presto diventano inseparabili:
passano le giornate a parlare di tutto e spesso dormono insieme a casa di
Alex. La loro amicizia si sviluppa rapidamente nonostante le due ragazze siano
molto divese caratterialmente: Alex è una ragazza forte, ma tranquilla ed è
determinata a proseguire gli studi per non deludere i suoi genitori. Kiki invece
nasconde una personalità instabile sotto una facciata di eccentricità...
Alex and Kiki are two students who live in the same condominium in Bucarest.
They make friendship and soon they become inseparable: they spend
wholedays talking with each other about everything and they often sleep
together at Alex’ home. Their friendship rapidly develops itself, even if thw two
girls have got a temper very different from each other : Alex is a strong and
determined girls, even if she is calm, she is ready to continue her studies not to
disappoint her parents. Kiki on the contrary has got a moody personality that
she hides behind an eccentric appearance...
2-04-2010 12:13:54
Tudor Giurgiu (nato nel 1972 a ClujNapoca, Romania) è un regista rumeno.
E’ stato Presidente della Televisione
Nazionale Rumena, la TVR, fra il 2005
e il 2007. Tudor Giurgiu è anche un
regista di video di musica e ha realizzato
documentari. Giurgiu è proprietario
della Librafilm, una società di
produzione indipendente ed è l’ideatore
e il presidente del Festival del Cinema
della Transilvania. Love Sick, il suo primo
lungometraggio, è uscito in Romania
nel 2006.
Tudor Giurgiu (born 1972 in ClujNapoca, Romania) is a Romanian
film director. He was President of the
Romanian National Television, TVR,
between 2005 and 2007. Tudor Giurgiu
is also a director of music videos and
has made documentaries. Giurgiu owns
Librafilm, an independent production
company and is the initiator and
President of the Transilvanian Film
Festival. Love Sick, his first full-length
film, was released in Romania 2006.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
121
Love Sick
Tudor Giurgiu
2006
Romania
85’
Cast Cecilia Stefanescu
Tudor Giurgiu
Ioana Barbu
Maria Popistaşu
Tudor Chirilă
Mircea Diaconu
Tora Vasilescu
Montaggio Alexandru Radu
Alma Cazacu
Fotografia Alexandru Sterian
Suono Gelu Costache
Christinel Sirl
Musica Vlaicu Golcea i
Scenografia Adriana Grand
Costumi Eliza Frone
Produttore Oana Giurgiu
Produzione Libra Film Productions
Distribuzione Libra Film Productions
Transilvania Film Multi
Media Est
2-04-2010 12:13:54
122
Politist, adjectiv
Cristi è un poliziotto cui viene affidato l’incarico di pedinare e incastrare un
ragazzo, accusato da un suo compagno di liceo di consumare e spacciare
sostanze stupefacenti. Raccogliendo alcuni resti di spinelli, l’agente cerca le
prove del reato di spaccio, senza però trovarle. In Romania anche il consumo e
il possesso sono perseguibili per legge, ma Cristi decide di non rovinare la vita
di un giovane che si comporta come tanti suoi coetanei in altri paesi europei.
Si rifiuta quindi di arrestarlo, contravvenendo agli ordini del suo superiore,
convinto che presto la legge cambierà.
Cristi is a policeman who is entrusted with shadowing and catching a boy
accused of consuming and peddling drugs by one of his college mates. By
collecting some remains of joints, he wants to find evidences of the peddling
crime, but he does not find them. In Rumania consumption and peddling are
prosecuted by law too, but Cristi decides not to ruin the life of a young boy who
behaves just like many other boys of his age in other European countries. Then
he refuses to arrest him, disobeying the orders of the officer above him, being
convinced that soon the law will change. 
2-04-2010 12:13:54
Corneliu Porumboiu. Il suo
lungometraggio del 2006 “12:08 a Est
di Bucarest” (A fost sau n-a fost?) gli ha
fatto vincere il premio Telecamera d’Oro
al Festival del Cinema di Cannes, seguito
da più di una dozzina di altri premi in
festival del cinema in tutto il mondo.
Nel 2009 il film “Polizia, Aggettivo” ha
vinto il premio della giuria – Un Certain
Regard – nel 2009 al Festival del Cinema
di Cannes. Gli è stato anche conferito
il secondo premio, Cinéfondation
per “Una gita alla città” al Festival del
Cinema di Cannes nel 2004.
Corneliu Porumboiu’s 2006 feature
12:08 East of Bucharest (A fost sau n-a
fost?) won him the Camera d’Or prize
at the Cannes Film Festival, followed
by more than a dozen other prizes
at film festivals around the world. In
2009 the movie “Police, Adjective”
won the jury’s prize – Un Certain
Regard – at 2009 Cannes Film Festival.
He was also awarded the Second
Prize, Cinéfondation for “A Trip to the
City” at Cannes Film Festival in 2004.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
123
Politist, adjectiv
Police, Adjective
Corneliu Porumboiu
2009
Romania
115’
Cast Corneliu Porumboiu
Dragos Bucur
Vlad Ivanov
Ioan Stoica
Irina Saulescu
Cosmin Selesi
Montaggio Roxana Szel
Fotografia Marius Panduru
Suono Sebastian Zsemlye
Alexandru Dragomir
Musica Dan Dimitriu
Scenografia Mihaela Poenaru
Costumi Georgiana Bostan
Produttore Marcela Ursu
Produzione Periscop Film
Distribuzione Coach 14
2-04-2010 12:13:54
2-04-2010 9:23:50
2-04-2010 9:23:50
126
La notte dei mutanti
Un noto motto delfico consigliava, ad ogni uomo che volesse divenire saggio,
di conoscere se stesso. Cosa già di per sé molto complessa, il riconoscimento
della propria essenza, o identità personale, è diventato, nel mondo post-umano,
un’impresa quasi impossibile. Spinti da un eccesso di informazioni e di stimoli
che provengono da ciò che ci circonda, la ricerca interiore, la domanda sul
che cosa siamo davvero noi, è andata svanendo perché non viene più posta.
Ci si accontenta di apparire, in televisione, su un giornale o semplicemente
in un ritrovo cittadino, piuttosto che sondare i difficili labirinti di cui siamo
realmente composti. Non è più tempo dell’interrogazione su di sé perché non
c’è più tempo per la riflessione: siamo esseri riflessi in un mondo fatto di sole
azioni. Ed è proprio il cinema l’unica arte che può interrompere questa spirale
negativa, aprendoci un varco verso la domanda e conducendoci, magari, a
qualche risposta. Il cinema, infatti, è un movimento puro, una successione di
istantanee che però ci danno la possibilità di riflettere su ciò che vediamo. Per
questo riteniamo che “La Notte dei mutanti” possa essere un punto di incontro
e di partenza per conoscerci realmente in una realtà che tenta costantemente di
impedirci di farlo. I film presentati in questa sezione sono di vario genere, tutti
improntati però alla manifestazione di un aspetto diverso della frammentazione
dell’identità personale e sociale che stiamo vivendo e che, in alcuni casi, il
cinema ha preannunciato. Sperando che la proiezione di queste pellicole
possa, tra una scena e un’altra, riprendere il filo, perennemente sospeso, della
domanda: Chi siamo?
Francesco Marino Iandiorio
Presidente Associazione Arché
2-04-2010 9:23:50
La notte deli mutanti
127
The night of mutants
A well known Delphic motto recommended each man who wanted to become
wise, to know himself. A very complex thing in itself, the recognition of one’s own
essence or personal identity, has become, in the post-human world, an almost
impossible enterprise. Spurred by an overabundance of information and stimuli
coming from what surrounds us, the search of our inner self, the question about
what we really are, has been fading away because it is not asked anymore. We are
contented with appearing on TV or in the newspaper or simply in a public popular
place in town, rather than investigating the complex labyrinths of which we are
really made. There is no time for asking about oneself because there is no time for
reflecting anymore: we are beings reflected in a world made only of actions. And it is
just cinema the only art which can stop this negative spiral, opening a way through
the question and leading us to, maybe, some answers. Cinema is a pure movement,
a succession of shots which can give us the possibility of reflecting upon what we
see. Therefore we think that “The Night of Mutants” can be a meeting and starting
point for being able to really know ourselves, within a reality which continuously
tries to deny this possibility. The films presented in this section are of a different kind,
but they are all focused on the expression of a different aspect of the fragmentation
of the personal and social self, a phenomenon we are living now and that, in some
cases, cinema has forerun. We hope that to see these films could, between one
scene and another, help us to take again the thread of the question: Who are we?,
which is still interrupted.
Francesco Marino Iandiorio
President of the Association Arché
2-04-2010 9:23:50
128
IL BACIO DELLA PANTERA
“Sa una cosa? Sono sempre curioso di sapere ciò che si nasconde dietro una
facciata.”
Così Oliver Reed (Kent Smith) rivolgendosi a Irina Dubrovna (Simone Simon)
mentre, nelle prime sequenze del film, entra nella casa/tana della donna
pantera. Con questa battuta, che pare essere una dichiarazione d’intenti del
regista, si svela l’essenza di questa pellicola che ha fatto scuola nel genere
horror.
Come un’identità, anche un’ambiguità è qualcosa di evidente. È un varco, una
finestra su ciò che è nascosto, poiché solo percependo che ciò che abbiamo
dinanzi non è solo ciò che abbiamo dinanzi, ma è anche qualcos’altro, possiamo
accedere alla realtà delle cose, cioè alla loro identità. Se così non fosse, Oliver, il
protagonista maschile, non potrebbe riconoscere la facciata di cui parla come
una facciata.
Il modo con cui Tourneur rende percepibile questa ambiguità consiste nel
sottrarre elementi rivelatori allo sguardo dello spettatore: la (presunta)
trasformazione di Irina in pantera, così come gli omicidi, non sono mai mostrati,
ma sempre solo fatti intuire. Lasciando questi elementi all’immaginazione,
e ancor di più lasciando il pubblico nel dubbio (Irina si trasforma davvero
in pantera? È vera la leggenda che la sua gente le ha tramandato o è solo
un’omicida? Mistero.), il regista crea uno stile auratico e sofisticato. Questo
mondo solo avvertito e mai palesato è il mondo in cui l’identità di Irina e la
pluralità di identità in essa contenuta coesistono; in questo mondo è ancora
saldo il legame uomo-animale, memoria di un tempo ancestrale in cui regno
animale e regno umano non erano diversi e opposti, ma anzi il secondo era una
filiazione del primo; in questo mondo, lontano nel tempo e nello spazio (Irina è
d’origine serbe), l’eros è forza positiva e negativa insieme, dato che la passione
distrugge ciò cui anela.
Floriana Bonifacio
2-04-2010 9:23:50
129
CAT PEOPLE
“Do you want to know it? I am always eager to know what is behind appearance.”
So Oliver Reed (Kent Smith) addresses himself to Irina Dubrovna (Simone Simon)
while during the first sequences of this film, he is entering the house/den of the
woman panther. In these words, which seem to be an intent statement of the
director, the essence of this film being the forerunner of the whole horror genre, can
be found.
Like an identity, an ambiguity is also evident. It is a way trough, a window on what
is hidden, because only perceiving what there is before us is not only what there
is before us, but is also something else, we can access the true reality of things,
that is their identity. If it were not so, Oliver, the male leading character, could not
recognize the appearance he speaks about just as an appearance.
Tourneur makes us perceive this ambiguity by not providing the spectator with
telltale elements: the (assumed) transformation of Irina into a panther, as well
as the murders, are never showed, but they are only implied. Leaving these
elements to imagination, and even more leaving the public in doubt (Has Irina
really transformed into a panther? Is the legend her people have handed down
to her real or is she only a murderer? It is a mystery), the director creates an aural
and sophisticated style. This world which has been up to now only felt but never
expressed, is the world in which Irina’s identity and the plurality of identities
contained in it coexist; in this world the link man-animal is still strong, a memory
of an ancestral time in which the animal world and the human world were not so
different and opposed, but the latter was rather a derivation of the former; in this
world, far away in time and in space (Irina is of a Serbian origin), eros is a positive
and negative power at the same time, since passion destroys what it longs for.
Floriana Bonifacio
2-04-2010 9:23:50
130
INSEPARABILI
L’originale sceneggiatura di Inseparabili (1988) trae spunto dal romanzo
Twins (1977) di Bari Wood e Jack Geasland, che narra di un evento realmente
accaduto: nel 1975 vengono ritrovati dalla polizia i corpi dei gemelli Marcus,
noti ginecologi newyorkesi, decomposti e abbracciati in un appartamento di
Manhattan.
Il film è la storia dell’inseparabile destino dei gemelli Mantle, due illustri
rappresentanti della ginecologia d’avanguardia per l’utilizzo di strumenti
innovativi, studiati appositamente per i loro interventi (Divaricatore Mantle).
Per Cronenberg la ginecologia rappresenta un modo per vedere il sesso da
un punto di vista non convenzionale, non contaminato cioè da convenzioni e
pregiudizi sociali.
I due fratelli sono fisicamente identici – entrambi interpretati da Jeremy Irons –,
ma hanno profonde differenze caratteriali. Elliot Mantle è forte e spregiudicato,
impertinente e disinibito con le donne; Beverly Mantle è mite e introverso,
dominato dalla figura del fratello. Condividono ogni aspetto della vita – le
donne, il sesso, la professione, la fama –, compreso l’amore per la stessa donna,
la diva del cinema Claire Niveau, che diventa l’elemento di disequilibrio nella
saga dei gemelli Mantle.
La differenza caratteriale che li contraddistingue non ne impedisce uno
scambio di ruoli, conducendo l’uno a seguire il destino dell’altro. Il film mostra
quanto possa essere terribile la profonda relazione tra due fratelli i quali, non
avendo un limite netto che li definisca singolarmente, non possiedono una
propria identità senza l’altro.
Nel film si manifesta l’ideale cronenberghiano della “nuova carne”. La “nuova
carne” è un’espressione estetica basata sulla trasformazione o metamorfosi
del corpo umano, che avviene essenzialmente con la fusione tra l’organismo
e la materia; essa è il filo conduttore che attraversa quasi tutta l’opera
cinematografica del “maestro della carne”. Inoltre la “nuova carne” è il
superamento psicofisiologico dell’idea della soggettività classica; è come se
l’essere umano cronenberghiano avanzasse verso un nuovo spazio vitale.
Pertanto Cronenberg ricostruisce una teoria della soggettività connessa da
un lato con l’esistenzialismo e con la problematizzazione contemporanea
dell’identità, e dall’altro con la rottura del dualismo psicofisico classico di origine
cartesiana (corpo-anima).
In Inseparabili la donna affetta da una rara malformazione uterina – l’utero
mutante “triforcuto” che la rende sterile – è “nuova carne” per i gemelli Mantle.
La scelta dell’utero “triforcuto” non è casuale, in quanto l’amore è considerato
come un errore, uno scherzo della natura, che interviene per distruggere il
perfetto equilibrio che armonizza i difetti e le virtù antitetiche dei due gemelli.
Come in altri film del regista, la visione chiarificatrice dei timori e delle paure
2-04-2010 9:23:50
131
dei protagonisti si materializza nel mondo onirico. Le angosce di Beverly
si proiettano profeticamente in un incubo, attraverso un’immagine che
simboleggia la repulsione che egli prova all’idea di un distacco dal fratello.
Nell’incubo Beverly, incapace di reagire, guarda la sua amata Claire strappare
a morsi il cordone ombelicale che lo lega inseparabilmente a Elliot e che
contemporaneamente è un organo di piacere che mostra la dicotomia tra
l’attrazione e la repulsione sessuale. Nel film la femminilità è l’elemento di
rottura che infrange il sincronismo biologico e psicologico tra i due fratelli. Essa,
oltre a rappresentare l’alterità del sesso, ne simboleggia anche la morte.
Sebastiano Maritato
2-04-2010 9:23:50
132
DEAD RINGERS
The original script of Inseparable (1988) takes inspiration from the novel Twins
(1977) by Bari Wood and Jack Geasland, telling about a real event: in 1975
the corpses of Marcus twins are found by the police, they were well known
gynaecologists from New York, they were found decomposed and each other
hugged in a flat in Manhattan.
This film is the story of the inseparable destiny of Mantle twins, two famous
representatives of the avant-garde gynaecology because of the use of innovative
instruments, specially studied for their interventions (Mantle retractor). According
to Cronenberg, gynaecology represents a way of considering sex from a non
conventional point of view, that is not contaminated by social conventions and
prejudices.
The two brothers are physically identical to each other – their roles are both played
by Jeremy Irons –, but their temper is different from many points of view. Elliot
Mantle is strong and unscrupulous, impertinent and uninhibited with women;
Beverly Mantle is meek and introvert, dominated by the personality of his brother.
They share any aspect of life – women, sex, profession, fame–, the love for the same
woman included, the cinema star Claire Niveau, who becomes the element of
unbalance in the saga of Mantle brothers.
The difference of temper which distinguishes them does not hinder an exchange
of roles, leading one to follow the destiny of the other. This film shows how the
deep relationship between the brothers can be terrible, since there is no clean limit
defining them singularly, no one of them has his own identity without the other.
In this film Cronenberg’s ideal of the “new flesh”. The “new flesh” is an aesthetic
expression based on the transformation or metamorphosis of the human body,
which essentially takes place by the fusion between body and matter; it is the
leit-motive which can be found through the whole cinematographic work by the
“master of flesh”. The “new flesh” is also the psychophysiologic overcoming of
classical subjectivity; it is as if Cronenberg’s human being advanced towards a new
life space. Therefore Cronenberg traces a theory of subjectivity connected from one
side with existentialism and the contemporary problematization of the identity, and
on the other side with the break of classical psychophysical dualism of Cartesian
origin (body-soul).
In Inseparable the woman affected by a rare uterus malformation- the mutant
“three-forked” uterus which makes her be sterile – is “new flesh” for Mantle twins.
The choice of the “three-forked” uterus is not casual, since love is considered
a mistake, a freak of nature, intervening for destroying the perfect balance
harmonizing antithetical faults and virtues of the twins.
As in other films of this director, the clarifying vision of the fears and worries of the
protagonists materializes in the dream world. Beverly’s anxieties are prophetically
projected into a nightmare, through an image symbolizing the repulsion he feels
2-04-2010 9:23:50
133
at the idea of detaching from his brother. In the nightmare, Beverly, incapable
of reacting, sees his beloved Claire tearing the umbilical cord strictly tying him
to Elliot, by biting it, and the umbilical cord itself appears to be at the same time
a sexual pleasure organ showing the dichotomy between sexual attraction and
repulsion. In this film femininity is the breaking element infringing the biological
and psychological synchronism between the two brothers. It, besides representing
the otherness of sex, also symbolizes its death.
Sebastiano Maritato
2-04-2010 9:23:51
134
DISTRICT 9
In ogni vicenda razziale, in ogni vicenda che comporti una netta distinzione
tra due mondi, che sia, tale distinzione, artificiosa o meno, vi è anche, sempre
e comunque, nel sottofondo, una profonda questione legata all’identità. Che
sia identità sociale, che sia identità individuale. Sono almeno due, dunque, gli
aspetti legati all’identità che ci scorrono dinanzi agli occhi, nel momento in cui
ci accingiamo a trascorrere del tempo guardando District 9: abbiamo da un lato
un’esasperazione della diversità razziale e dall’altro, invece, la frammentazione
di un’identità individuale, che però non si smarrisce mai completamente.
Ma partiamo dalla storia: una nave aliena giunge sulla terra per stabilirsi sopra
la più grande città del Sudafrica, Johannesburg. Probabilmente colpiti da una
serie di problemi mai esplicitati nel corso della pellicola, gli alieni saranno
costretti a trascorrere sulla terra un periodo di tempo indefinito.
La convivenza con gli esseri umani, però, non si rivela semplice. Visti come
degli estranei, visti come qualcosa di sostanzialmente diverso, essi vengono
confinati in una zona ben precisa, in cui sono costretti e da cui non possono
uscire. Questo, però, ancora non basta: devono essere ulteriormente confinati,
in un luogo più distante, più isolato. Ed è qui che entra in gioco il protagonista
del film. Suo è, infatti, il compito di far sì che gli alieni si trasferiscano senza
creare eccessivi problemi. Ed è proprio durante tale operazione che si imbatterà
nella causa della sua perdita, mai veramente profonda, di identità: trovato uno
strano strumento, ci gioca incoscientemente, finché non gli viene spruzzato,
sul viso, uno strano liquido. Da questo momento in poi il suo corpo comincia a
trasformarsi: il suo braccio diviene quello di un alieno; le sue unghie cadono; la
pelle viene via, così come i denti. Sta diventando, lui stesso, un alieno.
Visto, adesso, dagli umani, solo come una possibile cavia per esperimenti, ma
non ancora del tutto alieno, si ritrova a fuggire, nel tentativo di recuperare ciò
che sta perdendo e che ha già perso: la propria vita, personale e sociale. In
sostanza, la sua propria identità, in parte anche psicologica. Difatti questo suo
cambiamento lo spinge, costretto dalla necessità, a guardare le cose anche dal
punto di vista degli alieni: l’alieno diviene, allora, un possibile alleato. L’alieno
diviene, allora, colui il quale può salvare la sua esistenza. È l’altro, quel diverso
così assolutamente diverso, in quel momento, a rappresentare l’unico elemento
di cui ci si possa fidare, l’unico elemento riconoscibile, in un mondo che, privati
della propria identità, non si è più in grado di riconoscere.
Pietro Simone Di Chiara
2-04-2010 9:23:51
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DISTRICT 9
In any event involving racism as well as a clear distinction between two worlds,
even if this distinction can be artificial or not, in the background there is always a
deep question involving identity, both of a social and of an individual kind. There
are at least two aspects linked to identity passing on the screen while we see District
9: from one hand we can see a heightened racial discrimination and from the other
hand a fragmentation of the individual identity, which never completely fades
away.
But let us start from the story: an alien ship comes to the earth to settle above the
biggest city in South Africa, Johannesburg. Probably hit by a variety of problems
which are never told explicitly in the film, the aliens will be forced to spend on the
earth an indefinite period of time.
Living together with human beings results to be complicated. Considered as
substantially strangers and different from human beings, they are confined to a
circumscribed area, from which they cannot come out. But that is not enough: they
must be even more isolated, in a more distant place. At this point the protagonist
comes into play. His task is that of making the aliens move without causing
big problems. Just during this mission he will realize the cause of the loss of his
identity, which is never so deep: having found a strange instrument, he carelessly
plays with it, until a liquid is sprayed on his face. From now on his body starts its
transformation: his arm becomes that of an alien; his nails, his skin as well as his
teeth fall out. He himself is becoming an alien.
Considered now by men only as a possible guinea pig, even if he is not wholly
alien, he finds himself running away trying to recover what he is losing and what
he has lost: his own personal and social life, that is substantially his own, also
psychological identity. This transformation then pushes him, forced by necessity, to
look at things from the point of view of aliens too: the alien then becomes a possible
ally. The alien becomes then, who can save his life. It is the other, that one who is so
absolutely different, at this point, to represent the only element who he can trust on,
the only recognizable element in a world which, because of our loss of identity, we
are not able to recognize anymore.
Pietro Simone Di Chiara
2-04-2010 9:23:51
136
FACE/OFF
Un ripetuto gioco di metamorfosi e scambi è alla base di film hollywoodiano,
Face Off, ma non troppo, che trova un riscatto all’ipertrofia e al manierismo
di certe situazioni topiche nell’originalità della loro trattazione. L’identità è
qui manipolata attraverso l’espediente fantascientifico del trapianto facciale,
che consente all’agente dell’FBI Sean Archer (John Travolta), prima, ed al suo
antagonista Castor Troy (Nicolas Cage), poi, di assumere l’uno le sembianze
dell’altro. Mutazione pericolosa la loro, che vede Castor installato nella vita
pubblica e privata del poliziotto e quest’ultimo alle prese con la necessità di far
fronte alla doppia minaccia incarnata dall’assassino: non più “semplicemente”
salvare la città di Los Angeles da una bomba batteriologica, ma anche difendere
la propria famiglia, insidiata dal criminale che ha ormai preso il volto del Bene,
lasciandolo intrappolato dietro la scomoda faccia del Male.
Il regista John Woo chiama in causa la mitologia greca nell’attribuire i nomi
ai suoi personaggi: Castor e Pollux Troy (fratello del terrorista) rinviano
apertamente ai Dioscuri Castore e Polluce, uccisi da un arciere, elemento che a
sua volta ritorna nell’assonanza con il cognome Archer.
Il doppio, l’equivoco, la trasformazione sono topoi ormai noti della letteratura e
del cinema: dalla commedia greco-latina alla più recente sci-fi anglosassone, lo
scambio di persona provoca la storia stessa, ne è elemento fondante. Rinnovato
qui è lo spirito: essere intrappolati dietro un aspetto che non è il proprio - e che
finisce anche per essere sconveniente, improprio - implica guardare se stesso
fuori da sé, nell’altro e, viceversa, vedere in sé il nemico, l’altro da sé.
La notte dei mutanti è lunga: tensioni, scontri a fuoco, inseguimenti. L’agnizione
è affidata alla moglie di Sean, ma bisognerà passare per il face to face del duello
finale e per un successivo mirabolante intervento chirurgico prima che il Bene
torni ad avere il corpo e l’identità che da sempre gli appartiene.
Antonella Russo
2-04-2010 9:23:51
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FACE/OFF
On a repeated interplay of metamorphoses and exchanges the Hollywood film,
Face Off, is based, even if not so much, since the hypertrophy and mannerism of
certain topical situations are made up for the originality with which they are dealt
with. The identity is here manipulated by the science fiction device of the face
transplant, which allows the FBI agent Sean Archer (John Travolta), first, and his
antagonist after, Castor Troy (Nicolas Cage), to take the appearance of each other.
It is a dangerous mutation which causes Castor to be involved in the public and
private life of the policeman and the latter to be forced to face the double threat
represented by the murderer: not only “merely” saving the city of Los Angeles from
a bacteriological bomb, but also defending his own family, threatened by the
criminal who has now taken the face of Good, leaving him trapped behind the
uncomfortable face of Evil.
The director John Woo takes the names of the characters from the Greek mythology:
Castor and Pollux Troy (the terrorist’s brother) clearly refer to the Dioscuris Castore
and Polluce, killed by an archer, an element which can be found again in the
assonance with the surname Archer.
The double, the misunderstanding, are typical elements of literature and cinema:
from the Greek-Latin comedy, to the more recent Anglo Saxon sci-fi the mistaken
identity causes the story itself, is its determining element. But the spirit is here
renewed: to be trapped behind an appearance which is not ours – and which
becomes disadvantageous, improper –it implies to be able to look inside ourselves
from outside ourselves, in the other and, viceversa, to see our enemy inside
ourselves, being other than ourselves.
The night of mutants is long: tensions, fire conflicts, chases. Recognition is carried
out by Sean’s wife, but before that there is the face to face of the final duel and then
an amazing surgical intervention before Good takes the body and identity that it
has always had.
Antonella Russo
2-04-2010 9:23:51
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FRANKENSTEIN JUNIOR
Cosa accade quando l’uomo infrange i limiti delle leggi naturali per far
progredire la scienza in direzioni sconosciute, arrogandosi il ruolo di creatore?
Nasce la creatura in Frankenstein, or the modern Prometheus, romanzo
fantascientifico di Mary Shelley, del 1818.
Il moderno Prometeo del libro è Victor von Frankenstein, giovane scienziato
che, dopo aver messo insieme una nuova creatura dalle parti di vari cadaveri,
riesce nell’esperimento di infonderle la vita. Il mostro venuto alla luce non
ha nome, non ha passato, non ha né padre, né madre; è orrendo a vedersi e
suscita repulsione in chiunque abbia la sventura di incontrarlo: il suo stesso
creatore fugge da lui inorridito scatenandone l’infelicità e la violenza. Il non
essere all’altezza del “padre” genera nel “figlio” uno sconfinato senso di colpa:
egli stesso è la colpa poiché il suo stesso esistere è sentito come tale. Il mostro
assetato solo di amore, di bellezza e di affetti, viene spinto dal dolore, provocato
dal ripudio, verso l’odio e la crudeltà.
La creatura è incompresa dal creatore e dalla comunità del creatore, è smarrita,
priva di un punto saldo e stabile di riferimento. L’incomprensione e la non
appartenenza ad una comunità condanna l’individuo all’incertezza riguardo
la propria identità, i propri sentimenti, la direzione e lo scopo delle proprie
azioni. L’individuo, oramai dissociato, si affanna nella ricerca, spesso vana, di
un qualche equilibrio, di una ragione che renda la vita degna di essere vissuta.
Questa ragione per la creatura non può che essere la vendetta, visto il continuo
fallimento dei suoi sforzi volti ad ottenere un riconoscimento da parte di chi
lo ha abbandonato e dalla comunità tutta, la quale non fa altro che rifiutare il
diverso, combatterlo, fagocitarlo. L’umanità intera, per paura, pecca contro la
creatura ed essa, mossa dalla stessa paura, la ricambia, macchiandosi di orribili
delitti: la creatura, infatti, non potrà mai accedere allo status di essere umano,
non avrà mai un’identità.
Questo dramma legato all’informe macchina di violenza in cui la creatura si
trasforma, ha fatto sì che la versione cinematografica, girata nel 1931 da J.
Whale, rappresentasse al meglio il cinema d’orrore e del terrore. Trasposizione
del romanzo in un altro linguaggio, seppur con qualche infedeltà, il film resta
un cult horror, lo stesso Boris Karloff passerà alla storia come la “creatura di
Frankenstein”. Il film è un capolavoro in quanto riesce a coniugare l’ingenuità
alla crudeltà. Seguono un The bride of Frankenstein del 1935, sempre per la regia
di Whale, e un Son of Frankenstein del 1939, per la regia di R. Lee, in cui i tratti del
mostro diventano ancora più umani e patetici.
È a questi tre film che Mel Brooks fa il verso con il suo Frankenstein Junior del
1974 (titolo originale Young Frankenstein). Più che una parodia del testo della
Shelley è quasi una riscrittura. Il nipote del barone Frankenstein (Gene Wilder),
conosciuto, per suo volere, come Frankenstìn, si reca in Transilvania dopo la
2-04-2010 9:23:51
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morte del nonno. Lì ritrova il laboratorio, lo stesso usato per il film di Whale, in
cui è nata la creatura e dà vita ad un altro essere a cui, per errore dell’aiutante
gibbuto Igor (Marty Fieldman), è stato trapiantato un cervello anormale. Da
qui si dipana una sceneggiatura ricca di doppi sensi e gag esilaranti, messe in
scena che ricalcano i luoghi famosi dei film degli anni trenta, senza tralasciare il
disagio identitario della creatura, sola ma in una continua ricerca d’affetto, e un
finale che è tutta una sorpresa!
Uno dei motivi del comico è quello di correggere i costumi con il riso e questo
film ne rappresenta uno dei migliori esemplari.
Maria Elena Massa
YOUNG FRANKENSTEIN
What happens when man overcomes the limits of natural laws for making science
develop towards unknown directions, claiming the role of creator? A creature is
born in Frankenstein, or the modern Prometheus, a science fiction novel by Mary
Shelley, published in 1818.
The modern Prometheus of the book is Victor von Frankenstein, a young scientist
who, after having composed a new creature from parts of different corpses,
succeeds in carrying out his experiment and infuses life in it. The monster brought
to life has no name, no past, no father, no mother: it is horrible looking and causes
repulsion in whomever meets him: his own creator runs away from it horrified, thus
causing him to be unhappy and violent. His not being up to his “father” causes
in the “son” an unlimited sense of guilt: he is the guilt himself because his own
existence is felt as such. The monster only hungry for love, beauty and affections, is
driven by sorrow, caused by rejection, towards hatred and cruelty.
The creature is not accepted by its creator and by the creator’s community, it is
lost, without any firm and stable frame of reference. The lack of understanding
and his not belonging to a community condemns the individual to consider his
identity uncertain, as well as his feelings, the direction and range of his own actions.
The individual, being by now dissociated, troubles himself for finding, in vain, his
balance, a reason for living. This reason cannot be for him but revenge, after the
failure of his efforts aiming at obtaining a recognition from whom has abandoned
him, and from the community itself, which refuses those who do not conform to
standards, fights them and swallows them up. The whole mankind, being scared,
sins against the creature and it, moved by the same fear, returns it, becoming guilty
of horrible crimes: the creature will never be able to get the status of human being, it
will never have an identity.
2-04-2010 9:23:51
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The film version of this tragedy, linked to the huge violence machine in which
the creature transforms itself, and directed by J.Whale in 1931 represents at best
horror and terror cinema. It is the transposition of the novel in another language,
even if with some modifications, this film still remains a cult horror, Boris Karloff
himself would go down in history as “Frankenstein’s creature”. This film is a
masterpiece since it succeeds in matching innocence with cruelty. Then the films
The bride of Frankenstein follows in 1935, directed by Whale too, and the film Son
of Frankenstein released in 1939, directed by R. Lee, in it the features of the monster
become even more human and pathetic.
Mel Brooks spoofs these three films with his Frankenstein Junior released in 1974
(original title Young Frankenstein). More than a parody of Shelley’s text, it is almost
a rewriting of it. The nephew of the baron Frankenstein (Gene Wilder), known, as
Frankenstìn as he wanted to be called, goes to Transilvania after his grandfather’s
death. There he finds his laboratory again, the same one used by Whale for his
film, in which the creature was born, and brings to life another being, to which, by
a mistake made by the hunchbacked servant Igor (Marty Fieldman), an abnormal
brain has been transplanted. From then on a script rich in double senses and very
funny gags, as well as put-ons imitating famous scenes of films of the Thirties,
develops, without neglecting the identity discomfort of the creature, being alone
but always in search of love, and an end which is a real surprise!
One of the reasons of comic is that of correcting habits by laughter and this film is
one of the best examples of this.
Maria Elena Massa
2-04-2010 9:23:51
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MEMENTO
Ognuno di noi crede di sapere chi è, o almeno, ne ha un’idea. La credenza in
una propria identità è dovuta principalmente alla capacità di ricordare: alla
memoria. Soltanto grazie alla consapevolezza delle azioni compiute e subite,
dei pensieri elaborati, delle frasi dette, siamo in grado di avere un concetto di
noi stessi.
Nel caso di Leonard colpito, a seguito di un incidente, da una patologia al
cervello che gli impedisce di assimilare nuovi ricordi, avere un’idea di sé
diventa qualcosa di estremamente complicato. Leonard ricorda tutto quanto
è accaduto prima dell’incidente, sa chi era, ma non sa chi è. Ogni mattina si
sveglia in una stanza d’albergo per lui “anonima”, anche se si tratta della stessa
stanza in cui alloggia da molto tempo. Privo di memoria a breve termine è
incapace di percepire il trascorrere del tempo, di costruire il filo conduttore
della propria esistenza. Infatti venendo meno la capacità di ricordare svanisce
la possibilità di dare un senso e una direzione alla proprie azioni e alla vita in
generale, si crea un vuoto che sembrerebbe impossibile da colmare, ma che
invece lo è solo apparentemente. Leonard infatti decide di prendere appunti
su ciò che gli accade (scrivendo su bigliettini, tatuandosi le informazioni più
importanti, disegnando mappe), per avere un punto di partenza ogni volta che
si dileguano i ricordi. In questo modo sembra possibile creare una storia, una
concatenazione di fatti capace di procuragli un motivo per continuare a vivere.
Ciò che interessa non è tanto la verità o la falsità degli appunti presi, quanto la
percezione della loro esistenza e di ciò che testimoniano.
Lo stratagemma escogitato da Leonard non può tuttavia essere efficace rispetto
ad uno dei bisogni fondamentali dell’essere umano: la capacità di tessere
relazioni con l’altro. Non si può pensare di creare un legame con qualcuno
se dopo cinque minuti non ci si ricorda nemmeno di averlo conosciuto. In
seguito ad una raccolta di dati possiamo tentare di comprendere l’altro, di
scoprire la sua identità, ma non potremo mai instaurare con lui una relazione
affettiva. La capacità stessa di vivere forti emozioni viene meno, tutto è vissuto
necessariamente con maggiore distacco.
Dall’assenza di un’identità solida, come nel caso di un’identità non vissuta
ma rivissuta sugli appunti di vita trascritti, possono conseguire continui
mutamenti d’identità, osservabili nei comportamenti. Quando agiamo in un
determinato modo piuttosto che in un altro, lo facciamo in base ad una certa
rappresentazione di noi stessi e della realtà che ci circonda. E’ dunque facile
capire che se non ricordassimo di aver appena compiuto un’azione, il nostro
comportamento sarebbe diverso rispetto a quello che deriverebbe da una
piena consapevolezza di quanto è accaduto. Nel caso di Leonard, ad esempio,
un appunto non coincidente con la realtà dei fatti potrebbe incidere su tutta la
sua storia successiva e cambiare la percezione stessa della sua identità.
2-04-2010 9:23:51
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Potremmo dunque associare il concetto di un’identità fragile all’idea del
continuo mutamento di questa, inteso come manifestazione di diverse identità
nel corso del tempo. Ma allora siamo davvero sicuri che questo problema
riguardi soltanto chi, come Leonard, è affetto da una patologia? Non siamo
anche tutti noi soggetti a continue modificazioni e quindi testimoni viventi
dell’impossibilità di un’identità solida, definitivamente compiuta?
Dario Di Stefano
MEMENTO
Each of us thinks to know himself, or at least he has got an idea of himself. The belief
in one’s own identity is mainly due to the ability of remembering: to memory. Only
thanks to the consciousness of the actions we have performed and suffered, of the
thoughts we have made, of the sentences we have uttered, we are able of having a
conception of ourselves.
In the case of Leonard being affected, after an accident, by a brain pathology which
hinders him from remembering, to have an idea of himself becomes something
really complex. Leonard remembers everything about what happened before the
accident, he knows who he was but not who he is. Every morning he wakes up in
a hotel room which is “anonymous” for him, even if it is the same room in which
he has stayed for a long time. Since he has not got his short term memory, he
cannot perceive the passing of time, he cannot find the thread of his own existence.
Since he lacks the ability of remembering, the possibility of giving a sense and a
direction to his actions and life in general, fades away, a void which seems to be
impossible to fill, is created, but this is only an apparent impossibility. Leonard
decides to take notes about what happens to him (by writing on cards, tattooing
the most important information, drawing maps), in order to have a starting
point any time memories fade away. In this way it seems to be possible to create
a story, a succession of events able of giving him a reason to continue his living.
What interests him is not the truth or falsity of the notes he takes, but rather the
perception of their existence and of what they testify.
The stratagem devised by Leonard cannot however be efficient compared with one
of the fundamental needs of human beings: the ability of having relationships with
others. You cannot think to create a tie with anyone if after five minutes you do not
even remember to have met him. After a collection of data we can try to understand
the other, to know his identity, but we will be never able to start a love relationship
with him. The ability of living strong emotions itself, fails, everything is necessarily
lived with more detachment.
2-04-2010 9:23:51
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From the lack of a firm identity, as in the case of a not lived identity, that is an
identity lived on written notes about life, continuous changes of identity can derive,
and that can be observed in the individual’s behaviour. When we act in a certain
way rather than in another way, we dot it according to a certain representation
of ourselves and of the reality surrounding us. It is then easy to understand that
if we did not remember to have just performed an action, our behaviour would
be different from that which would derive from a full consciousness of what has
happened. In the case of Leonard, for example, a note not consisting with the reality
of events could influence his whole later story and could change the perception of
his identity.
We could then match the idea of a fragile identity to the idea of the continuous
change of it, intended as expression of different identities over time. But are we then
really sure that this problem concerns only those, who, like Leonard, are affected
by a pathology? Are we all not subject to continuous changes and then living
witnesses of the impossibility of having a firm, finally complete identity?
Dario Di Stefano
2-04-2010 9:23:51
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TETSUO - THE IRON MAN
Scena: Lei, bellezza asiatica dai lunghi capelli neri e dalle folte sopracciglia
che le delineano lo sguardo ormai perso, giace morta nella vasca da bagno,
piena del suo stesso sangue, cosparsa forse di petali o foglie. Lui, impiegato
giapponese fino a qualche attimo prima impeccabile con la sua camicia dal
colletto inamidato e i capelli scolpiti dalla gelatina, fissa la donna pietrificato.
Guardandosi subito dopo allo specchio si rende conto che il suo essere umano
sta mutando. Un’armatura di rottami di metallo sta, infatti, invadendo il suo
corpo: il metallo, innestandosi nella sua carne, sta occupando le sue viscere. Il
riflettersi della sua immagine nello specchio ferma per un attimo la sequenza
velocissima dei frames, ma la scena viene interrotta dagli squilli di un telefono
al quale l’uomo di metallo risponde. Una voce stridula gli dice che sa tutto:
quello che ha fatto, quello che è successo e della sua mutazione in una bestia di
metallo. La voce diventa così un grido che lo minaccia di morte.
La scena appena raccontata descrive un momento chiave del film giapponese
Tetsuo, The Iron Man, un horror degli anni ’80, girato dal regista Shinya
Tsukamoto, che è anche l’attore protagonista. La pellicola, in bianco e nero, ha
un montaggio da videoclip per il susseguirsi velocissimo delle immagini e fa un
ampio uso della tecnica dello stop-motion, non solo per far muovere gli oggetti,
ma anche gli attori tra le strade dei sobborghi della città, producendo uno degli
effetti predominanti del cinema cyberpunk.
Il film rappresenta l’incubo rapsodico dell’umanità stessa di essere attaccata in
futuro dalla tecnologia che, continuando ad evolversi e ad invadere il mondo,
minaccia l’uomo ogni giorno, rendendolo sempre meno libero.
Per questo motivo il regista Tsukamoto sceglie un’atmosfera apocalittica e
affronta tematiche erotico-sessuali dai toni splatter che solo i manga avevano
saputo raccontare, grazie alla dinamicità di tavole in bianco e nero e ad una
macabra ironia. Il tutto è reso ancora più tetro dal compositore Chu Isliiwaka
che ha scelto una musica elettronica che ha perso qualsiasi melodia, proprio
per rimanere fedele al puro ritmo casuale del rumore e al gioco epilettico della
sequenza di fotogrammi senza un continuum logico o un contesto temporale.
La corazza di Tetsuo non è l’esoscheletro dell’Iron Man, il supereroe dei fumetti
della Marvel, che nasce proprio per proteggere l’uomo dalla contaminazione
del metallo con il suo cuore e che solo in seguito userà per sconfiggere
il crimine. L’ammasso di metallo del protagonista giapponese è invece
come un virus, iniettato dall’uomo nell’uomo stesso, per controllare le sue
azioni costringendolo ad un’aggressività spaventosa che degenera in atti di
masochismo estremo.
Tetsuo ha bisogno di un nuovo corpo per sopravvivere in questo mondo di
metallo ecco perché, come nella mitologia greca c’era la figura del monstruum
per descrivere ciò che spaventa, ciò che è compartecipazione di due nature
2-04-2010 9:23:51
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e per questo semplicemente diverso o sconosciuto, così il genere horror
fantascientifico ci rivela la necessità di un corpo cyborg che è insieme natura
biologica e protesi artificiale per costruire un’identità allo stesso tempo umana e
tecnologica che può terrorizzare perché sempre più inumana, ma che è sempre
più possibile.
Tetsuo, The Iron Man, forse non concede molte interpretazioni o riflessioni,
ma va visto perché è l’unico modo per capire come il cinema riesca con il suo
linguaggio a raccontare anche una trama che assomiglia più ad un delirio
o ad un incubo. Dopo la visione del film, per chi non ha gradito le scene di
una violenza inspiegabile, è vivamente consigliato sottoporsi a due ore di
commedia romantica, come Il favoloso mondo di Amelie (per tutta la durata
del film non esagerare con gli snack dolci altrimenti l’eccesso di zuccheri è
inevitabile!), o semplicemente passare al prossimo film della notte dei mutanti,
per cancellare, se non il sangue, almeno le risatine malefiche di Tetsuo e il suo
volare veloce con un trucco e una pettinatura decisamente anni ‘80!
Lucia Arminio
2-04-2010 9:23:52
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TETSUO - THE IRON MAN
Scene: She, an Asian beauty with her long black hair and her thick eyelashes
outlining her look, which is by now lost, lies dead in her bath tub, full of her blood,
perhaps covered with petals or leaves. He, a Japanese employee who up to a
while before had been an impeccable man in his starched collar shirt with his hair
sculpted by gel, stares at the woman as if he were petrified. Looking at himself in
the mirror soon after, he realizes that his human appearance is changing. A frame
of metal scraps is invading his body: metal, penetrating his meat, is occupying
his bowels. His image reflecting in itself in the mirror, stops for a while the very
quick sequence of the frames, but the scene is interrupted by the telephone rings
to which the metal man answers. A shrill voice tells him that it knows everything:
what he has done, what has happened and his mutation into a metal beast. The
voice then becomes a scream threatening him with death. The scene we told above
describes a key point of the Japanese film Tetsuo, The Iron Man, a horror film of
the ‘80es, directed by the Japanese director Shinya Tsukamoto, who is also the
leading actor. The film in white and black has a videoclip style editing because of
the very quick succession of images and in it the technique of the stop-motion, is
widely used, not only for moving objects, but also actors in the streets of the city
suburbs, thus producing one of the dominant effects of the cyberpunk cinema.
This film represents the rhapsodic nightmare of mankind which is afraid of being
attacked by technology in the future, a technology which continuing to develop
and invade the world, threatens man every day, gradually taking off his freedom.
For this reason the director Tsukamoto chooses an apocalyptic atmosphere and
deals with erotic-sexual themes using splatter tones which mangas had been able
to tell, thanks to the dynamism of black and white tables and to a macabre irony.
The whole is even darker because of the electronic music by the composer Chu
Isliiwaka, a music which has lost any melody, just to be faithful to the pure casual
rhythm of noise and the epileptic style of the frame sequences following each other
without a logic continuum or a time context. Tetsuo’s cuirass is not the iron Man’s
exoskeleton, the superhero of Marvel’s comics, who is born just for protecting man
from metal contamination with its heart, and which only later he would use it to
defeat crime. The heap of metal of the Japanese protagonist is on the contrary
a kind of virus, injected by man into man himself, in order to control his actions,
forcing him to be terribly aggressive and to degenerate into extreme masochism
actions. Tetsuo needs a new body to survive in this metal world, that is why, just
like in the Greek mythology there was the figure of the monstruum functional to
the description of something frightening, and the simultaneous presence of two
beings in the mythological monster, made it a different and unknown being, the
science fiction horror genre today, shows the necessity of a cyborg body which is
at the same time biological nature and artificial prosthesis, in order to build a both
human and technological nature, able to terrorize because it is more and more
2-04-2010 9:23:52
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inhuman, and also more and more possible. Tetsuo, The Iron Man, perhaps does
not allow different interpretations or reflections, but it must be seen because it is
the only way to understand how cinema is able with its own language to tell a story
which is more similar to a delirium or a nightmare. After having seen this film, for
those who have not enjoyed the scenes which seem to be inexplicably violent, we
strongly recommend you to spend two hours seeing a love comedy such as The
wonderful world of Amelie (while you see this film do not exaggerate with eating
sweet snacks otherwise the excess of sugars in your blood is inevitable!), or simply
to see the following film of the mutants’ night, for eliminating, if not blood, at least
Testuo’s evil chuckles and his quick flying with an undoubtedly ’80 style make up
and hairstyle!
Lucia Arminio
2-04-2010 9:23:52
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Cat people
Oliver, giovane ingegnere, incontra allo zoo Irene, disegnatrice di moda
d’origine slava: i due presto si innamorano. Dai racconti che lei gli fa, Oliver
comprende che la donna, divenuta sua moglie, è convinta di avere una
maledizione. Essa non vuole baciare il marito, perchè teme, così facendo, di
scatenare le passioni e di trasformarsi in una pantera assassina. Alice, una
collega di Oliver che lo ama in segreto, gli consiglia di far visitare la moglie da
un celebre psichiatra, il dottor Judd. Quando Irene apprende che Oliver inizia
a passare sempre più tempo con la sua collega, gelosa, inizia a perseguitare
Alice. Alice ne parla al dottor Judd, il quale, convinto che si tratti di fantasie, vuol
averne la prova. Si cela nell’appartamento di Irene, e quando questa giunge, la
bacia sulla bocca. La donna si trasforma in una belva e uccide il medico. Più tardi
si trova nei viali dello zoo una pantera morta, trafitta dal pugnale del medico.
Oliver, a young engineer, meets Irene, a young fashion designer of Slav origin at
the zoo: they take to each other and from this attraction love soon is born. From
the tales she tells him, Oliver understands that his wife is really convinced, that
she is under a curse. He does not take care about it, but since he has married
her, he has been worried for her strange behaviour. She does not want to kiss
her husband, because she is afraid that by doing so, she can unleash passion
and transform herself into a murderer panther. Alice, one of Oliver’s colleagues,
who secretly loves him, advises him to have his wife be examined by a famous
psychiatrist, dr.Judd. When Irene learns that Oliver spends longer and longer
time with his colleague. Being jealous of her husband, starts pestering Alice.
Alice talks to doctor Judd about that, and he, being convinced that they are
fancies, wants to have the proof of that. He hides himself within Irene’s flat and
when she arrives, kisses her on her mouth. The woman transforms herself into a
wild beast and kills the doctor. Later a dead panther is found along the alley of
the zoo, stabbed by the doctor’s stab.
Titolo Originale
Titolo italiano
Regia
Anno
Nazione
Durata
Cat people
Il bacio della pantera
Jacques Tourneur
1942
Usa
73’
Cast Simone Simon
Kent Smith
Tom Conway
Jane Randolph
Dewitt Bodeen
Mark Robson
Nicholas Musuraca
Johnn L. Cass
Roy Webb
Albert S. D’Agostino
Walter E. Keller
Produttore Val Lewton
Produzione Rko
M&R Swan Video
Skorpion Entertainment
Skema
T.C.Fox Home Entertainment
Sirio Hv
Cde Hv
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Scenografia
2-04-2010 9:23:52
Jacques Tourneur. Si trasferisce ad
Hollywood con il padre, anche lui
regista. Inizia a lavorare come editor
per conto di suo padre, poi inizia a
dirigere cortometraggi, spesso con lo
pseudonimo di Jack Turner, in Francia
e in America. Nel 1935 durante le
riprese di “A Tale of Two Cities” di David
O. Selznick, incontra Val Lewton. Nel
1942 Lewton, che viene nominato
capo della sezione horror della RKO,
chiede a Tourneur di lavorare per lui. Il
primo film “Il Bacio della Pantera” (1942)
ha grande successo di pubblico e di
critica. Dello stesso genere horror sono
“I Walked with a Zombie” (1943), “La
Notte del Demonio” (1957) e “Il Clan del
Terrore” (1964). Altri suoi film che hanno
fatto la storia di Hollywood negli anni
d’oro sono l’avventuroso “La Leggenda
dell’Arciere di Fuoco” (1950) e il western
“Wichita” (1955).
149
Jacques Tourneur. He moved to
Hollywood with his father, who also a
director. He started working as editor
for his father, then he started directing
short films, often using his pseudonym
Jack Turner, in France and in America. In
1935 during the shooting of “A Tale of
Two Cities” by David O. Selznick, he met
Val Lewton. In 1942 Lewton, who was
appointed head of the horror section
of the RKO, asked Tourneur to work for
him. His first film “The panther’s kiss
(1942) was a hit. The films “I Walked with
a Zombie” (1943), “The Devil’s Night”
(1957) and “The Terror Clan” (1964) are
of the same horror kind. Other films
he directed belong to the history of
Hollywood in its golden years, they are
the adventure film “The legend of the
fire archer” (1950) and the western film
“Wichita” (1955).
2-04-2010 9:23:53
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Dead Ringers
Elliot e Beverley Mantle, gemelli legatissimi fra loro, fanno ambedue i
ginecologi. E’ praticamente impossibile distinguerli fisicamente. Elliot è il più
forte e spregiudicato, impenitente donnaiolo con le clienti, mentre Beverley, più
mite appare dominato dalla figura del fratello. Alla clinica si presenta un’attrice,
Claire, ninfomane dichiarata e affetta da una rarissima anomalia anatomica nel
suo addome. La relazione fisica con Elliot è immediata e violenta. Alternandosi
i due nel ruolo amatorio con Claire, fatalità vuole che il più fragile, Beverley, si
innamori di lei tanto che il rapporto con il fratello entra in crisi. Claire, presa dal
suo lavoro, si allontana e Beverley, smarrito, si lancia a capofitto nella spirale
della droga. Elliot, pur di restare in sintonia con il gemello che assiste con cura,
poco a poco diventa anche lui un tossicodipendente.
Elliot and Beverley Mantle, twins who are very tied to each other, are both
gynaecologists. It is almost impossible to distinguish them by their physical
appearance. Elliot is the strongest and most uninhibited of them both, he is
also an incorrigible womanizer with his clients, while Beverley seems to be
dominated by his brother’s personality. To the clinic where they work, an actress
comes, her name is Claire, she is a professed nymphomaniac, and is affected
by a very rare anatomic anomaly in her abdomen. Her sexual intercourse with
Elliot takes place immediately and violently. The twins alternate themselves in
the role of Claire’s lover, but the most fragile of the twins, Beverley, for a fatal
chance, falls in love with her, and the relationship with his brother becomes
critical. Claire, busy with her work, goes away and Beverley, throws himself
confused into the spiral of drug addiction. Elliot, ready to remain in step with his
brother, little by little he also becomes a drug addict.
Titolo Originale
Titolo italiano
Regia
Anno
Nazione
Durata
Dead ringers
Inseparabili
David Cronenberg
1988
Canada
116’
Cast Jeremy Irons
Geneviève Bujold
Heidi von Palleske
Barbara Gordon
Stephen Lack
Sceneggiatura David Cronenberg
Norman Snider
Montaggio Ronald Sanders
Fotografia Peter Suschitzky
Musica Howard Shore
Produttore Carol Baum
Marc Boyman
David Cronenberg
Produzione The Mantle Clinic
Distribuzione Medusa Distribuzione
2-04-2010 9:23:53
David Cronenberg. E’ considerato il
maestro assoluto di un cinema mutante
e visionario. Dopo un apprendistato nei
cortometraggi e nel softcore, si lancia
nel genere horror nel realizzando un
film commerciale “Il demone sotto la
pelle”. Nel 1976 segue “Rabid sete di
sangue”. In “Brood - La covata malefica”
(1978), trasforma in cupe immagini
horror la paura della procreazione.
S’impone all’attenzione della critica e
del pubblico con “Scanners” (1979). Nel
1982 segue “Videodrome” che chiude la
prima fase della sua carriera. Nel 1986
dirige un remake di un film di fantascienza degli anni ‘50 di Kurt Neuman
“La mosca”. Questa è l’opera che porterà
il regista al successo internazionale. Il
film vince l’Oscar per gli effetti speciali.
Nel 1996 Cronenberg si aggiudica il
Premio Speciale della Giuria al Festival
di Cannes con “Crash” e nel ‘99 l’Orso
d’Argento al Festival di Berlino con
“eXistenz”. “A History of Violence” (2005)
è uno dei suoi lavori a più alto budget.
A settembre 2007, trionfa a Toronto con
“La promessa dell’assassino” aggiudicandosi il premio dei fan..
151
David Cronenberg. He is considered
the absolute master of changing and
visionary cinema. After his apprenticeship in the field of short films and
softcore, he starts his career as horror
film director, making a commercial film
entitled “The devil under the skin”. In
1976 “Rabid blood thirsty”. In “Brood –
the evil brood” (1978), he transforms
into dark horror images the fear for procreation. He wins the success of critics
and the public with “Scanners” (1979).
In 1982 “Videodrome” follows, it ends
the first stage of his career. In 1986 he
directs a remake of a science fiction film
dating back to the Fifties, directed by
Kurt Neuman “The fly”. This work would
be an international hit. This film wins
the Oscar for its special effects. In 1996
Cronenberg wins the Special Prize of
the Jury at Cannes Festival with “Crash”
and in ‘99 the Silver Bear at the Festival
of Berlin with “eXistenz”. “A History of
Violence” (2005) is one of his highest
budget works. On September 2007, “The
promise of the murderer” was a hit in
Toronto and won the fans’ prize..
2-04-2010 9:23:53
152
District 9
Nel 1982 un milione di alieni è sbarcato sulla terra in cerca di aiuto. Autentici
rifugiati in avaria, con l’astronave incapace di ripartire, vengono collocati in
una vasta area chiamata Distretto 9 all’interno di Johannesburg. Passati 20
anni l’insofferenza nei confronti degli “umani” nei confronti dei “non umani” è
sempre più palpabile. Il Governo attua così un’autentica migrazione di massa,
decidendo di spostare il milione di alieni in un’altra zona. Inizia così un enorme
migrazione, gestita dalla Mnu, società privata interessata esclusivamente alle
potentissime armi degli alieni che possono però essere azionate solo dal Dna
alieno, rimanendo così inutili per il genere umano. Fino a quando uno degli
operativi della Mnu, sul campo per censire gli alieni, non viene infettato da un
loro virus, che ne muterà il codice genetico. Wikus Van Der Merwe, umano con
il dna alieno, diventerà così l’uomo più ricercato dai “potenti” della terra, perchè
l’unico in grado di poter maneggiare le potentissime armi “spaziali”. Inizierà così
un’infinita caccia all’uomo.
In 1982 a million aliens land on the earth in search of help. They are real refugees
with their space shuttle being damaged and incapable of leaving again, they are
located in a wide area called District 9, within Johannesburg. After 20 years have
elapsed, intolerance against “humans”, against “non humans” is more and more
self-evident. The Government then carries out a real mass migration, deciding to
move the million alien. Therefore a huge migration takes place, it is managed by
the Mnu, a private company which is absolutely careless of the aliens’ well being,
since it is only interested in their very powerful weapons. But these weapons
can be operated only by the alien Dna, thus being useless for mankind, until
one of the members of Mnu staff is infected by one of their viruses, which would
change his genetic code. Wikus Van Der Merwe, a human having an alien Dna,
would then become the most required man by the “most powerful men” on the
earth, because he is the only one to be able to handle the aliens’ very powerful
“space” weapons. Then an endless man hunting starts.
Titolo Originale
Titolo italiano
Regia
Anno
Nazione
Durata
District 9
District 9
Neill Blomkamp
2009
Usa
112’
Cast Sharlto Copley
David James
Jason Cope
Vanessa Haywood
David James
Sceneggiatura Neill Blomkamp
Terri Tatchell
Montaggio Julian Clarke
Fotografia Trent Opaloch
Musica Clinton Shorter
Produttore Peter Jackson
Carolynne Cunningham
Produzione Key Creatives
QED International,
WingNut Films
Distribuzione Sony Pictures
2-04-2010 9:23:53
Neill Blomkamp. All’età di sedici
anni approda nel mondo degli effetti
speciali per conto della casa Deadtime
Quando ha 18 anni la sua famiglia si
trasferisce in Canada, più in preciso a
Vancouver, dove si iscrive alla Vancouver
Film School. La sua carriera come
regista inizia dirigendo cortometraggi
e spot pubblicitari. Nel 2007 dirige tre
cortometraggi live action ambientati
nell’universo del videogioco “Halo”, noti
come “Landfall”, per promuovere l’uscita
di “Halo 3”. Nel 2008, “Halo: Combat”, il
secondo dei tre lavori, ha vinto la Palma
d’oro come miglior cortometraggio al
Festival di Cannes.
153
Neill Blomkamp. At the age of sixteen
he comes to the world of special effects working for the house Deadtime.
When he is 18 years his family moves to
Canada, and more exactly to Vancouver,
where he enrols at the Vancouver Film
School. His career as a director starts by
directing short films and commercials.
In 2007 he directs three live action
short films set in the world of the video
game “Halo”, known as “Landfall”, for the
promotion of “Halo 3” release. In 2008,
“Halo: Combat”, the second one of his
three works, won the golden Palm as
best short film at Cannes Festival.
2-04-2010 9:23:53
154
Face/Off
Ormai da otto lunghi anni Sean Archer, agente dell’FBI, dà la caccia al terrorista
internazionale Castor Troy, responsabile di efferati omicidi e assassino di
suo figlio Michael. Quando Sean riesce a catturare Castor sembra la fine di
un incubo, ma è soltanto l’inizio: il malvivente ha nascosto a Los Angeles un
ordigno capace di radere al suolo il centro della città, progettato dal geniale e
paranoico fratello Pollux. Sean, assunte le sembianze di Castor grazie ad una
sofisticata operazione chirurgica, decide di introdursi segretamente nel carcere
di massima sicurezza che ospita Pollux per farsi rivelare l’ubicazione della
bomba. Mentre Archer, divenuto Castor, sta cercando di avere l’informazione
giusta, il vero Castor si sveglia dal coma e costringe il chirurgo a trapiantargli la
faccia di Archer, che era stata messa in conservazione. Le parti così si rovesciano.
Sean Archer has been by now, an FBI agent for eight years, he is hunting the
international terrorist Castor Troy, who has committed brutal murders and has
killed his son Michael too. When Sean succeeds in catching Castor, it seems
to him the end of a nightmare, but it is only the beginning: the criminal has
hidden in Los Angeles, a bomb having the capacity of razing the centre of the
city to the ground, it was designed by his paranoiac genius brother Pollux.
Sean, after having transformed himself into a double of Castor, thanks to a
sophisticated surgical operation, decides to sneak in the high security prison
where Pollux is imprisoned, in order to know where the bomb is located. While
Archer, become Castor, is trying to have the right information, the true Castor
wakes up from his coma and forces the surgeon to transplant on him Archer’s
face which had been put apart for preservation. Roles then upturn.
Titolo Originale Face/Off
Titolo italiano Face/Off – Due facce di un
assassino
Regia John Woo
Anno 1997
Nazione Usa
Durata 137’
Cast John Travolta
Nicolas Cage
Joan Allen
Gina Gershon
Alessandro Nivola
Sceneggiatura Mike Werb
Michael Colleary
Montaggio Steven Kemper
Christian Wagner
Fotografia Oliver Wood
Musica John Powell
Produttore Terence Chang
Michael Colleary
Produzione Douglas/Reuther
Productions
Paramount Pictures
Touchstone Pictures
Wcg Entertainment
Productions
Distribuzione Buena Vista International
Italia
2-04-2010 9:23:53
John Woo. Ha inziato la sua carriera
a Hong Kong dove, in vent’anni, ha
realizzato ventisei film. Cresciuto
artisticamente nella commedia, verso la
metà degli anni Ottanta si è segnalato
per una serie di ‘gangster stories’ dalle
venature romantiche. Ha esordito nella
regia nel 1973 con “The Young Dragons”.
Dopo aver realizzato altri due film di arti
marziali ha realizzato otto commedie
di fila. Nel 1986 ha firmato “A Better
Tomorrow”, leggendario giallo venato di
romanticismo. Il suo ultimo film realizzato in Asia è stato “Hard Boiled” (1991).
Ha debuttato ad Hollywood nel 1992
con “Senza Tregua”.
155
John Woo. He started his career in Hong
Kong where over twenty years, he has
made twenty-six films. Grown as an
artist in the field of comedy, around the
first half of the Eighties he distinguished
himself for having directed a number
of ‘gangster stories’ with romantic
tones. He started his career as director
1973 with “The Young Dragons”. After
having made other two films about
martial arts he made a succession of
eight comedies. In 1986 he directed “A
Better Tomorrow”, a legendary detective
story with romantic tones. His last film
made in Asia was “Hard Boiled” (1991).
He debuted in Hollywood in 1992 with
“Non-stop”.
2-04-2010 9:23:53
156
Young Frankenstein
Frederick Frankenstein, erede del famoso barone, è un brillante scienziato di
una università americana. L’apertura del testamento del suo avo lo costringe a
raggiungere frettolosamente la Transilvania. L’amore per la scienza, il caso e una
qualche inclinazione genetica lo spingono ben presto a ripetere l’esperimento
del barone. Funziona tutto bene, tranne che il servo Igor, incaricato di prelevare
il cervello di un genio, preleva quello di un pazzo. Naturalmente la nuova
creatura semina, non appena si muove, terrore e morte; è, tuttavia, vulnerabile
nei suoi sentimenti perché incline alla compassione e, soprattutto, all’amore.
Le cento avventure porteranno il Mostro a divenire un borghese marito di
Elizabeth, ex fidanzata del giovane scienziato; d’altra parte, porteranno a nozze
anche il giovane Von Frankenstein con l’assistente Inga.
Frederick Frankenstein, heir of the famous baron, is a brilliant scientist at
an American university. The opening of the will of his ancestor forces him
to quickly leave for Transilvania. His love for science, the chance and some
genetic inclination soon push him to repeat the experiment of the baron.
Everything works at best, but his servant Igor, entrusted with extracting the
brain of a genius, extracts that of a mad man. Of course the new creature,
spreads, wherever he goes, terror and death; he is however vulnerable in his
feelings, because he is prone to sympathy and above all love. His one hundred
adventures lead the Monster to become a bourgeois husband of Elizabeth, the
former girlfriend of the young scientist; and on the other hand even the young
Von Frankenstein marries his assistant Inga.
Titolo Originale
Titolo italiano
Regia
Anno
Nazione
Durata
Young Frankenstein
Frankenstein Junior
Mel Brooks
1974
Usa
106’
Cast Gene Wilder
Peter Boyle
Sceneggiatura Gene Wilder
Mel Brooks
Montaggio John C. Howard
Fotografia Gerald Hirschfeld
Musica John Morris
Produttore Michael Gruskoff
Produzione 20th Century Fox
Crossbow Productions
Gruskoff/Venture Films
Jouer Limited
Distribuzione 20th Century Fox
2-04-2010 9:23:54
Mel Brooks. Nel 1968 esordisce sul
grande schermo con “Per favore, non
toccate le vecchiette”, che non ottiene
grandi incassi al botteghino ma frutta
a Mel Brooks l’Oscar come Migliore
sceneggiatura originale. Due anni dopo
“Il mistero delle dodici sedie” (1970) si
rivela un altro flop di incassi. Il 1974 è
forse il suo anno migliore: “Mezzogiorno
e mezzo di fuoco” ottiene un successo
enorme di pubblico e critica. Quasi
contemporaneamente riesce a mettere
a segno un colpo ancora più clamoroso:
sempre nel 1974 esce nelle sale
“Frankenstein Junior”.
Nel 1977 esce “Alta tensione” che prende
in giro il cinema di Alfred Hitchcock.
“Balle spaziali”, nel 1987 prende di mira
la saga di Guerre Stellari ma anche tutto
il cinema di fantascienza. “Robin Hood:
un uomo in calzamaglia” (1993), fa il
verso al “Robin Hood: principe dei ladri”
di Kevin Costner, uscito in quegli anni.
“Dracula: morto e contento” (1995),
parodia di tutti i numerosi film dedicati
alla leggenda del vampiro, è l’ultimo
film di Mel Brooks come regista.
157
Mel Brooks. Director, actor but also
script writer, theatre and Tv producer as
well as composer with an innate comic
talent, he was born in Brooklyn, New
York, on June 28th 1926.
In 1968 he started his career at the
cinema with “Please, do not touch little
old women”, which also marks the beginning of his art fellowship with Gene
Wilder. This film does not sell very well,
however this first work of his causes Mel
Brooks to win a Oscar as the best original script. Two years later “The mystery
of the twelve chairs” (1970) results to be
another flop. 1974 is perhaps his best
year: “Fire midday and a half” is a big hit.
Once again in collaboration with Wilder,
he directs one of the best American
comedies of the post-war period, a film
which ridicules the western film stereotypes so popular at that time. Almost
at the same time he succeeds in hitting
another even more resounding target:
again in 1974 “Frankenstein Junior” is
released. It is the first and also the only
film in which Mel Brooks is only the
director. In 1977 “High tension” which
ridicules Alfred Hitchcock’s films (more
specifically his film “The woman who
lived twice”). “Space balls”, in 1987 satirizes the saga of Star Wars (by George
Lucas) but also all science fiction films.
“Robin Hood: a man in tights” (1993),
ridicules the film “Robin Hood: prince
of thieves” by Kevin Costner, released in
those years. “Dracula: dead and happy”
(1995, starring Leslie Nielsen), is a
parody of all the so many films devoted
to the legend of the vampire, and it is
the last film directed by Mel Brooks.
2-04-2010 9:23:54
158
Memento
Dopo un incidente l’investigatore assicurativo Leonard Shelby perde
completamente la memoria a breve termine. Ogni evento che caratterizza la
sua vita da quel momento in poi viene automaticamente dimenticato dopo
pochissimo tempo. Svegliandosi ogni mattina scopre di non ricordare nulla
del giorno prima, la sua vita diventa così un continuo e disperato tentativo di
ricostruire i ricordi grazie a appunti, tatuaggi e fotografie. A complicare il tutto
c’è il fatto che la sua missione nella vita diviene quella di uccidere l’assassino di
sua moglie.
After an accident the insurance detective Leonard Shelby completely loses
his short term memory. From then on each event characterizing his life is
automatically forgotten in a very short time. Each morning he wakes up he
finds out that he does not remember anything of the day before, his life then
becomes a continuous and desperate attempt to recollect memories thanks
to notes, tattoos and photos. As a further complication of the situation, the
mission he has set himself in his life at this point, is that of killing the murderer
of his wife.
Titolo Originale
Titolo italiano
Regia
Anno
Nazione
Durata
Memento
Memento
Christopher Nolan
2000
Usa
113’
Cast Guy Pearce
Carrie-Anne Moss
Joe Pantoliano
Mark Boone Junior
Sceneggiatura Christopher Nolan
Jonathan Nolan
Montaggio Dody Dorn
Fotografia Wally Pfister
Musica David Julyan
Produttore Jennifer Todd
Suzanne Todd
Produzione Newmarket Capital Group
Team Todd
I Remember Productions
Distribuzione Istituto Luce
2-04-2010 9:23:54
Christopher Nolan. Regista e
sceneggiatore. Inizia a girare filmati
all’età di sette anni, prendendo in prestito la super8 di suo padre. “Following”
è il suo lungometraggio d’esordio a
cui segue ‘Memento’ ispirato alla storia
breve scritta da suo fratello Jonathan,
“Memento Mori”. La terza pellicola è un
remake del film di Erik Skjoldbjærg uscito nel 1997 a cui Nolan lascia lo sesso
titolo,”Insomnia” (2002). Tre anni dopo,
al giovane regista arriva la sua grande
opportunità, dirigere un nuovo film
sull’eroe di sempre, l’uomo pipistrello,
“Batman Begins”. Il film porta di nuovo al
successo la saga, tanto che se ne realizza
un nuovo episodio nel 2008, “Il cavaliere
oscuro”, con Heath Ledger. Prima del
secondo Batman il regista dirige anche
“The Prestige”, storia di due prestigiatori
che, a cavallo tra ‘800 e ‘900, si sfidano a
colpi di trucchi e inganni.
159
Christopher Nolan. Director and
script writer, he starts shooting amateur
films at the age of seven, borrowing
his father’s super8 camera. “Following” is his debut feature film followed
by ‘Memento’ inspired from the short
story written by his brother Jonathan,
“Memento Mori”. The third film is a
remake of the film by Erik Skjoldbjærg
released in 1997 to which Nolan gives
the same title, ”Insomnia” (2002). Three
years later this young director is given
his great opportunity, to direct a new
film about an eternal hero, the bat man,
“Batman Begins”. This film becomes a hit
and brings the saga it comes from, to
the fore, so that a new episode is made
in 2008, “The dark rider”, starring Heath
Ledger. Before the second Batman he
also directs “The Prestige”, the story of
two conjurers who, between ‘800 and
‘900, challenge each other by using
tricks and traps.
2-04-2010 9:23:54
160
Tetsuo - The Iron man
Una giovane coppia investe con la macchina un ragazzo, spaventati i due
fuggono abbandonandolo. Nell’incidente, una scheggia di metallo entra nel
braccio del giovane, infettandolo e dando inizio ad una serie di mutazioni. Il
ragazzo investito e’ infatti dotato di poteri speciali: riesce a controllare il metallo
e fondersi con esso. Il giovane vive in una fabbrica abbandonata, da dove
dirigerà la sua vendetta contro lo sventurato impiegato.
A young couple runs over a boy with their car, being scared, they both run
away leaving the boy without help. Because of the accident a metal splinter
penetrates into the arm of the boy, infecting it and causing a number of
mutations in him. As a consequence the boy shows to have special powers: he is
able of controlling metals and of melting with it. He lives in a neglected factory,
from which he directs his revenge against the unlucky employee.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
Shinya Tsukamoto
1988
Giappone
67’
Cast Tomorowo Taguchi
Shinya Tsukamoto
Kei Fujiwara
Sceneggiatura Shinya Tsukamoto
Montaggio Shinya Tsukamoto
Fotografia Kei Fujiwara
Shinya Tsukamoto
Musica Chu Ishikawa
Produttore Shinya Tsukamoto
Produzione JAPAN HOME VIDEO (JHV)
K2 SPIRIT
KAIJYU THEATER
2-04-2010 9:23:54
Shinya Tsukamoto è un regista di
culto e di grande influenza per la
cinematografia giapponese, soprattutto
per il cinema d’avanguardia, nonostante
egli stesso sia stato pesantemente influenzato da registi occidentali, Lynch e
Cronenberg su tutti.“ Tetsuo” è il suo film
più noto, soprattutto nell’underground
cinematografico in continua ricerca di
stranezze, dove Tsukamoto fonde gli
insegnamenti dei registi sopra citati, sia
a livello contenutistico che di semplice
tecnica cinematografica, riuscendo però
a creare un’opera che ha una propria
personalità. In particolare la fusione
carne-metallo e le stranezze del bodyhorror rimandano inevitabilmente alle
opere di Cronenberg mentre la tecnica
cinematografica, come l’uso del bianco
e nero o anche l’utilizzo di suoni forti e
insistenti rimandano ad “Eraserhead – la
mente che cancella” di David Lynch.
161
Shinya Tsukamoto is a cult director
having a great influence on Japanase
cinematography, above all as regards
avant-garde cinema, even if he himself
has been strongly influenced by
western directors, above all Lynch and
Cronenberg. “Tetsuo” is his most famous
film, known above all in the cinema
underground, always in search of eccentricity, where Tsukamoto combines
the teachings of the above mentioned
directors, both as regards the content
and the mere cinematographic technique, but at the same time succeeding
in making a work having its own style.
In particular the fusion meat-metal
and the eccentricity of the body-horror
inevitably recall Cronenberg’s works,
while the cinematographic technique,
like the use of black and white colours
or even the use of loud and unceasing
sounds recall “Eraserhead – the erasing
mind” by David Lynch.
2-04-2010 9:23:54
2-04-2010 9:23:55
2-04-2010 9:23:55
164
La bocca del lupo
Un uomo torna a casa, dopo una lunga assenza. Scende al volo da un treno in
una livida città portuale. L’attraversa cercando i luoghi di un tempo, ormai in
dismissione, che affiorano alla memoria nel loro antico splendore. Nella piccola
dimora nel ghetto della città vecchia, l’aspetta da anni una cena fredda e la
compagna di una vita. Mary ed Enzo si sono aspettati e voluti sin dal tempo
del loro incontro dietro le sbarre, quando ancora si mandavano messaggi muti,
registrati su cassette nascoste. Una casetta in campagna sopra la città e il suo
mare, questo è il loro sogno, lontano dal tempo presente, sospeso in un altro
tempo di semplice felicità. Ora e ancora, condividono il loro destino furtivo con
i compagni degli abissi nel dedalo di Croce Bianca, via Pré, Sottoripa… nomi
antichi di un posto non ancora moderno dove il Novecento s’è incagliato come
una nave senza ancora.
A man comes back home after having been away for a long time. In the nick of
time he gets off from a train at a grey port town. He goes around it looking for
the places he once went to, which are by now neglected and come to his mind in
their old splendour. In a little house, in the ghetto of the old town, a cold dinner
has been waiting for him for years and with it the partner of his life. Mary and
Enzo have been waiting for each other and desired one another since when they
met behind bars, when they still sent each other dumb messages, recorded in
hidden cassettes. A little house in the country overlooking the town and its sea,
this is their dream, far from the present, suspended in another dimension of
simple happiness. Now and again, they share their furtive destiny with the abyss
companions through the maze of White Cross, Pré Street, Sottoripa…old names
of a not yet modern place where the Nineteenth century has run aground like a
ship without anchor.
2-04-2010 9:23:55
Fuori Concorso
Pietro Marcello. Nel 2004 ha realizzato
il film documentario Il cantiere, vincitore
dell’11a edizione del festival Libero
Bizzarri. L’anno seguente ha portato a
termine il film documentario La baracca.
Nel 2005 ha collaborato come
volontario per una ONG in Costa
d’Avorio per la realizzazione di un
docu-film dal titolo Grand Bassan.
Nel 2007 ha firmato la regia de Il
passaggio della linea, un documentario
girato interamente sui treni espressi
che attraversano l’Italia. Il film è
stato presentato alla 64. edizione
della Mostra del Cinema di Venezia
all’interno della sezione Orizzonti e si
è aggiudicato il Premio Pasinetti Doc
e la Menzione speciale premio Doc/it.
Candidato come Miglior Documentario
di Lungometraggio ai premi David di
Donatello 2008, il film è andato in onda
su Rai 3 all’interno di DOC3 ed è uscito
in edicola con la rivista “Internazionale”.
Pietro Marcello. In 2004 he releases
his documentary film The yard, winner
of the 11° edition of the festival Libero
Bizzarri. The year after he completes the
documentary film The hut.
In 2005 he collaborates as volunteer
for a Non Government Organization in
the Ivory Coast for a docu-film entitled
Grand Bassan. In 2007 he directs
the documentary The line passage,
a documentary wholly shot on the
express trains going through Italy. The
film was presented at the 64th edition
of the Cinema Show in Venice within
the section Horizons and was awarded
the Prize Pasinetti Doc and the special
Mention prize Doc/it. It was a candidate
as the Best Feature Documentary Film
for the prize David di Donatello in
2008, the film was broadcasted on Rai
3 TV Channel within DOC3 and was
marketed at news-stands as supplement
to the magazine “Internazionale”.
Titolo Originale
Titolo Inglese
Regia
Anno
Nazione
Durata
165
La bocca del lupo
Wolf’s mouth
Pietro Marcello
2009
Italia
76’
Cast Vincenzo Motta
Mary Monaco
Pietro Marcello
Sara Fgaier
Pietro Marcello
Manuele Vernillo
Era
Nicola Giuliano
Francesca Cima
Dario Zonta
Produzione Indigo Film
l’Avventurosa Film
Distribuzione Bim
Sceneggiatura
Montaggio
Fotografia
Suono
Musica
Produttore
2-04-2010 9:23:55
2-04-2010 9:23:55
167
2-04-2010 9:23:55
168
Identità e rappresentazione
L’immagine di Edipo che interroga la sfinge è divenuta nel corso del Novecento
l’allegoria della moderna condizione dell’essere umano. È con la pubblicazione
de L’interpretazione dei sogni, infatti, che Freud metaforicamente apre il
secolo forse più tragico della storia umana. Si diceva che un’immagine presa
dal mito greco definisce meglio di ogni altra la modernità come condizione
dell’incertezza. L’uomo è sempre più solo e sempre più estraneo: una sorta di
naufrago parzialmente straniero in ogni luogo ed in ogni ruolo. Egli è anche
straniero a casa propria: come dice Sigmund Freud egli è anche spogliato
della certezza del proprio essere, abitato da un inconscio che lo disturba e lo
disorienta. La storia di Edipo – e in questo sta la sua grande modernità – è la
storia della ricerca di origine e identità; di un esiliato che – inconsapevolmente
scacciato dalla propria casa – vi ritorna di nuovo inconsapevolmente; ritorna
da estraneo eppure ne prende il governo. La sua saggezza – che lo rende re – è
immersa nell’inconsapevolezza. Il suo destino è una ricerca che lo avvicina
alla verità e che al contempo lo perde. Forse non a caso nel mito di Edipo
assume un ruolo fondamentale un’altra figura, la cui saggezza è figlia della sua
ambiguità: Tiresia, colui che uomo visse sette anni come donna. Il Novecento,
almeno per coloro che si sono formati nell’alveo del pensiero psicoanalitico,
è secolo che nasce sotto l’influsso di queste riflessioni. Così il Novecento ha
costruito e riproposto il tema dell’identità, proprio forse per consentire che
se ne compisse il tragico destino. Siamo oggi tutti “disidentici”. Più che di
identità viviamo costantemente immersi in una sorta di “disidentità”: sessuale,
sociale, culturale, religiosa. Il tema dell’identità, tuttavia, oggi si declina anche
e soprattutto in riferimento alla compatibilità di identità culturali eterogenee e
alla sostenibilità sociale di società sempre più complesse e multiple. Le identità
culturali, religiose, linguistiche, politiche ci hanno mostrato che, seppur con
sofferenza, con lotte, talvolta massacri, sono possibili, forse, affrancamenti e
trasformazioni. L’identità sessuale e di genere, seppur in modo diverso, è stata
invece “biologizzata”, “naturalizzata”, divenendo di fatto immodificabile, se non
a ragione di un atto contro natura. Tutto ciò oggi non è più vero: il limite è stato
superato e le nostre città non sono state distrutte come Sodoma e Gomorra.
Al fine di poter indagare il tema dell’identità attraverso le arti della
rappresentazione abbiamo invitato artisti e tradizioni performative diverse
che sono immerse e compromesse con il tema dell’identità. La Compagnia
ravennate Fanny&Alexander presenterà Emerald City, spettacolo ispirato al
Mago di Oz a partire dall’opera “Him” di Maurizio Cattelan, l’Hitler in ginocchio.
Him è costretto ad ascoltare le confessioni e le richieste di tutte le voci del
mondo. Ed ecco che questo emblema diventa un monito interrogativo sulla
mancanza di cervello, di cuore, di coraggio e di identità. Mentre la cittàmiraggio della favola appare come quel regno inventato che l’artista si trova a
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gestire una volta che un viaggiatore qualunque varchi la soglia del suo mondo
irto e attraente.
7 14 21 28 è il titolo dell’ultima produzione di Antonio Rezza e Flavia
Mastrella che ospiteremo al Festival. Non c’è una trama, una storia certa a cui
aggrapparsi, ma uno studio sfaccettato su alcuni esemplari di umanità. Rezza
presta voce e corpo, Flavia Mastrella crea “l’habitat”. La scena vive di una sua
autonomia artistica. Gli habitat di Flavia Mastrella influenzano la drammaturgia,
deviano il pensiero costruttore e distruttore di Rezza, non sono ornamenti
esteriori, ma segni di un linguaggio scenico personalissimo che si determina
definitivamente nel corpo auto-deturpante del performer. Il corpo, elemento
centrale del linguaggio artistico di Rezza, è un corpo al quale l’artista chiede la
deformazione fino al parossismo, la deformità del corpo come amplificazione
del pensiero e della parola.
320 kili è il peso totale di cinque giovani artisti che compongono l’omonimo
collettivo di circo contemporaneo vincitori del Premio Equilibrio 2009
che metterà in scena Invisibile: “Una riflessione su come la follia riesca a
contaminare la realtà della vita di tutti i giorni, schegge di quotidianità per
mettere in risalto la fragilità della nostra esistenza e spingerci a guardare
oltre per vedere la solitudine che spesso ignoriamo d’ignorare, la fragilità dei
rapporti umani, la comica delicatezza della “normalità”.
“Tony Clifton Circus vuole essere un’insegna luminosa, con lampadine colorate
e ad intermittenza, utile a segnalare la presenza di qualcosa di inatteso”, questo
è quanto recita la presentazione della compagnia che invaderà Salerno con
la dissacrante e crudele comicità che li contraddistingue. Tony Clifton Circus
si esibiranno con due spettacoli, o meglio, con un format televisivo “Cagnara”,
sul tema dell’identità creato ad hoc per la città di Salerno e successivamente
metteranno in scena il divertentissimo spettacolo “Rubbish Rabbit”.
Agostino Riitano
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Identity and representation
The image of Oedipus interrogating the sphinx has become, over the Twentieth
century, the allegory of the modern condition of human beings. By the publication
of his The interpretation of dreams, Freud metaphorically opens the century which
is perhaps the most tragic one in the history of mankind. An image taken from the
Greek myth is said to be the best for defining better than any other, modernity as
the condition of uncertainty. The man is more and more alone and more and more
stranger: a kind of a survivor from a wreck partially stranger in any place and role.
He is also stranger in his homeland: as Sigmund Freud says, he is also deprived from
the certainty of his own being, inhabited by an unconsciousness which disturbs him
and disorientates him. The story of Oedipus – and this is the reason of his modernity
– is the story of the search of his origin and identity; of an exile who – unconsciously
expelled from his house – comes back to it unconsciously; he comes back to it as a
stranger, even if he recovers his ruling role. His wisdom – which makes him king – is
immersed in his unconsciousness. His destiny is a research which takes him closer
to the truth and at the same time makes him be lost. Perhaps it is not a chance that
in Oedipus’ myth a fundamental role is played by another figure, the wisdom of
which derives from his ambiguity: Tiresias, who even if he was a man, lived seven
years as a woman. The Twentieth century, at least for those who were educated
in the background of the psycho-analytical thought is a century which was born
under the influence of these reflections. Then the Twentieth century has built and
suggested from a new point of view, the theme of identity, perhaps just in order
to allow the fulfilment of its tragic destiny. Today we are all without an identity.
Rather than with an identity we live continuously immersed in a kind of different
“non identities”: the sexual, social, cultural, religious identity. The theme of identity,
however, is today also and above all referred to the compatibility of heterogeneous
cultural identities and to the social sustainability of more and more complex and
multiple societies. Cultural, religious, linguistic, political identities have showed us
that, even by suffering, struggles, sometimes massacres, perhaps liberations and
transformations can be possible. Sexual and gender identity, even if in another way,
has been on the contrary “made biologic”, “naturalized”, thus becoming practically
unchangeable, as considered against nature. All that today is not true anymore:
the limit has been overcome, and our towns have not been destroyed like Sodoma
and Gomorra.
In order to investigate the theme of identity through the arts of representation we
have invited different artists and performing traditions being involved with the
theme of identity. The Company from Ravenna Fanny&Alexander will perform
Emerald City, a show inspired from the Magician of Oz starting from the work
“Him” by Maurizio Cattelan, a Hitler brought to his knees. Him is forced to listen to
the confessions and requests of all the voices of the world. And then this emblem
becomes a questioning warning about the lack of brain, heart, courage and
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identity. While the town mirage of the tale appears like that invented reign which
the artist finds himself to rule, once any traveller enters the door of his difficult and
attractive world.
7 14 21 28 is the title of the last production by Antonio Rezza and Flavia Mastrella
our Festival will play host. There is no plot, a definite story to seize on, but only
a multifaceted study about some examples of human beings. Rezza gives his
voice and body, Flavia Mastrella creates the “habitat”. The scene has got its own
autonomous art life. The habitats by Flavia Mastrella influence dramaturgy, divert
Rezza’s constructive and destructive thought, they are not external decorations,
but signs of a very personal scenic language which definitively fixes itself in the
self-disfiguring body of the performer. From the body, central element of Rezza’s
art language, the artist requires its deformation up to paroxysm, a deformation as
amplification of thought and speech.
320 kilograms is the total weight of five young artists forming the homonymous
company of contemporary circus, winners of the Prize Equilibrio 2009 which will
perform Invisible: “a reflection upon how madness is able to contaminate the
reality of daily life, fragments of daily routine showing the frailty of our existence,
thus spurring us to look beyond, to see the solitude we often do not know we are
ignoring, the frailty of human relationships, the comic delicacy of “normality”.
“Tony Clifton Circus is like a sign, with coloured and flashing light bulbs, useful for
signalling the presence of something unexpected”, this is the presentation of the
company which will invade Salerno with the scoffing and cruel humour which
characterizes them. Tony Clifton Circus will perform in two shows, or rather in a TV
format “Cagnara (Din)”, about the theme of identity tailor made for the town of
Salerno and later they will perform the very funny show “Rubbish Rabbit”.
Agostino Riitano
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Razzaumana/Italia
Oliviero Toscani
Oliviero Toscani e La Sterpaia, la sua Bottega dell’Arte della Comunicazione
visita le città, i paesi, le piazze e ad ogni tappa allestisce veri e propri studi
fotografici. Un progetto di fotografia e video sulle differenze morfologie e
condizioni umane, per rappresentare tutte le espressioni, le caratteristiche
fisiche somatiche, sociali e culturali del nuovo paesaggio italiano.
Ci sono differenze tra gli occhi un altoatesino e di un siciliano? Tra gli zigomi
di un romano e di un lombardo? Tra il portamento di un leccese e di un
napoletano? E la tra la bocca di un sardo e quella di un toscano?
Le fotografie e i video saranno proiettati sulla facciata della Chiesa di Santa Sofia
ed inseriti poi in un archivio multimediale e in una rassegna neverending di
esposizioni e pubblicazioni.
Oliviero Toscani and La Sterpaia, his Shop of the Communication art visits
towns, villages, squares and at any halt it installs real photo studios.
A project for discovering different morphologies, for representing expressions,
physical, somatic, social and cultural characteristics of our peninsula.
A photo and video project about differences, morphologies and human
conditions, for representing all expressions, physical, somatic, social and
cultural characteristics of the new Italian landscape.
are there any differences between the eyes of a native of Alto Adige and a
Sicilian? Between the cheekbones of a Roman and a native from Lombardia?
Between the bearing of a native from Lecce and a Neapolitan? And between the
mouth of a Sardinian and a Tuscanian?
The photos and videos will be shown on the façade of the church of Santa Sofia
and then they will be included in a multimedia archive and in a never ending
review of exhibitions and publications.
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Me da igual/Rubbish Rabbit
Tony Clifton Circus
Me da igual
Titolo per azioni provvisorie
Sotto il nome di “Me da igual” sono raccolti episodi performativi isolati. Derive
di pensieri, di progetti in corso, prendono forma in un luogo anomalo, dove
il contenitore e la modalità di fruizione costituiscono parte dell’oggetto della
rappresentazione.
Cagnara
A che serve la nostra presenza? A presentare, collegare, introdurre, guidare, far
incontrare. È dunque la nostra presenza una presentazione o meglio una presenzazione. Senso… noi che siamo portatori di non-senso.
Eppure…Me da igual, il senso lo trovino gli altri, noi abbiamo altro da fare,
dobbiamo accogliere il pubblico, affrontare lo spazio e il tempo. Un prologo,
dissonante e dissennato: un’azione precipitata con il dichiarato proposito di
invitare, incuriosire, blandire gli spettatori affinché lo spettacolo sia anche loro.
Tutto questo, ovviamente, solo per fare un po’ di spettacolo, solo per far ridere
un po’, solo per scherzo… ovviamente… ovviamente… ovviamente.
Me da igual
Title for provisional actions
Under the title “Me da igual” isolated performing episodes are collected. Drifts of
thoughts, projects under realization, take their shape in an anomalous place, where
the container and the way of enjoying it become part of the performance subject.
Cagnara
What does our hope serve for?
To present, to connect, to introduce, to guide, to make people meet.
It is then our presence a presentation or rather a pre-sensation. Sense… we who are
bearers of non sense.
And yet…Me da igual, lets the sense be found by others, we have other things to
do, we must welcome the public, to face the space and time. A discordant and crazy
prologue: a rash action having the overt purpose of inviting, exciting curiosity,
flattering spectators, so that the show can also be their show.
And all of this is obviously only to make a show, only for laughing a little, only for
joking….obviously…obviously…obviously.
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Rubbish Rabbit
da un’idea di Nicola Danesi de Luca e Iacopo Fulgi
con Nicola Danesi de Luca, Iacopo Fulgi, Enzo Palazzoni
musiche originali di Enzo Palazzoni
organizzazione: Francesca Corona.
“Abbiamo vissuto per anni facendo ridere le persone e ci è sempre sembrato
il lavoro più bello che potessimo fare... Noi ci divertivamo, le persone che
ci incontravano si divertivano e per di più eravamo pagati. Poi abbiamo
cominciato a non divertirci più, essere clown è diventato mestiere, un lavoro
come un altro ed è stato inevitabile chiederci... “perche’ continuiamo”? La
nostra frustrazione è aumentata nel vedere che per gli altri, il pubblico, gli
organizzatori, i colleghi... andava tutto bene! Tutto bene...i vecchi trucchi, le
vecchie magie, le vecchie battute, le routine ripetute migliaia di volte... E poi,
è assurdo chiedere ad un clown sicurezza...un clown non è un orsacchiotto di
peluche...un clown è un pazzo, un diverso, un libero. Questo può regalare, o
meglio vendere, pazzia, diversità, libertà. Così cerchiamo di essere in “Rubbish
Rabbit” pazzi, diversi, liberi. In questa ansia di cambiare abbiamo trovato,
del tutto inconsciamente, dei modelli eccezionali: i bambini. Loro sono
pazzi, diversi, liberi, almeno prima di essere trasformati in piccoli e stressati
consumatori teledipendenti. E cosa fanno i bambini se lasciati soli: casino,
rumore, distruzione. Ecco, si...nel nostro spettacolo questo vogliamo: essere
bambini... fare quello che ci passa per la testa senza preoccuparci del perché!
Per questo in “Rubbish Rabbit” rompiamo la maggior parte delle cose che ci
passano per le mani, ci spariamo, ci buttiamo per terra, balliamo, facciamo la
lotta con il nostro peluche gigante... semplicemente perché è la cosa che ci fa
divertire di più, e state certi...vedercelo fare non sarà per nulla rassicurante.
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Rubbish Rabbit
From an idea by Nicola Danesi de Luca and Iacopo Fulgi
performed by Nicola Danesi de Luca, Iacopo Fulgi, Enzo Palazzoni
original music by Enzo Palazzoni
organization: Francesca Corona “We have lived for years making people laugh and it has always been for us the best
work we could do... We enjoyed ourselves, the people we met enjoyed themselves
and what is more we were paid for that. Then we started not enjoying ourselves
anymore, to be a clown has become a job as any other, and it has been natural to
ask ourselves…. “why do we still continue”? Our frustration increased as we saw
that for the others, our public, the organizers, our colleagues… everything was
ok! Everything was ok… the old tricks, the old magic, the old lines, the routines
repeated one thousand times... And then, it is absurd to ask a clown security...a
clown is not a teddy bear...a clown is a mad, a different man, a free individual. He
can give, or rather sell, madness, diversity, freedom. So we try to be in “Rubbish
Rabbit” free, different, free. In this wish for changing we have found, completely
unconsciously, exceptional examples: children. They are crazy, different, free, at
least before being transformed into little stressed teleaddicted consumers. And
what do children do if they are left alone? Fuss, noise, destruction. Yes then…in
our show we want this: to be children...to do what crosses our mind without being
worried to find a reason for it! For this reason in “Rubbish Rabbit” we break the
most part of the things which come to our hands, we shoot at ourselves, we throw
ourselves on the ground, we dance, we fight with our gigantic teddy bear…simply
because it is the thing which amuses us most, and be sure that looking at us will be
certainly not encouraging.
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Tony Clifton Circus
Nato nel 2001 il “Tony Clifton Circus” vuole essere un’insegna luminosa, con
lampadine colorate e ad intermittenza, utile a segnalare la presenza di qualcosa
di inatteso. Il progetto Tony Clifton Circus nasce da una causa scatenante,
l’incontro con Anthony Jerome Clifton, un artista più o meno sconosciuto,
italoamericano, la cui estetica può ridursi a quattro parole “la vita è strana”.
La formazione di questo “Circo dell’anomalia” è responsabilità di Nicola Danesi de
Luca e Iacopo Fulgi. Sono due clown molto diversi tra loro. Nicola è cervellotico,
tenta di essere razionale, politico, cosciente... ama la parola, il suono ed il senso
della parola, in scena vorrebbe cantare. Iacopo è corporale, è vittima dei suoi raptus,
volutamente incosciente per sfiducia nella ragione, è umorale... balla, suda, in scena
vorrebbe vomitare. Trovare una poetica, una linea di ricerca costante al lavoro del
T.C.C. non è facile, quello che cercano di mettere in scena è la stranezza, l’anomalia;
amano far ridere ma ancor più amano far strozzare la risata in gola allo spettatore.
Vogliono essere riconosciuti ed apprezzati ma pensano che la strada migliore
per farlo sia non essere accomodanti, non assecondare le voglie del pubblico,
portare davanti agli spettatori qualcosa che sia imbarazzante più che divertente.
Da queste premesse nascono i loro spettacoli veri e propri esperimenti di
comicità estrema o meglio di estremismo comico, nei quali amano mischiare la
più elementare demenzialità alla sottile eleganza poetica.
Tony Clifton Circus
Born in 2001 the “Tony Clifton Circus” is intended to be a sign with coloured and
flashing light bulbs useful for signalling the presence of something unexpected.
The project Tony Clifton Circus was born from a triggering cause, the meeting with
Anthony Jerome Clifton, a more or less unknown artist, an Italian American artist,
his aesthetics can be reduced to four words “life is strange”.
This “Circus of anomaly” has been set up by Nicola Danesi de Luca and Iacopo Fulgi.
They are two clowns very different from each other.
Nicola is crazy, he tries to be rational, political, conscious... he loves speech, sound
and the sense of words, on the stage he would like to sing.
Iacopo is corporal, is a victim of his fits, voluntarily unconscious since he has no trust
on reason, he is moody... he dances, sweats, on the stage he would like to vomit.
To find a poetics, a constant work research line of the T.C.C. is not easy, what they
try to stage is strangeness, anomaly; they love making people laugh but they even
more love the laughter be stifled in the spectator’s throat.
They want to be acknowledged and appreciated but think that the best way to
do it is not to be complaisant, not to comply with the public’s tastes, to present
spectators with something embarassing rather than amusing.
From these assumptions their shows which are real experiments of extreme
humour or rather of comic extremism are born, in them they love mixing the most
elementary craziness with a subtle poetic elegance.
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Cinema e Caos
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Emerald City
Fanny & Alexander
produzione Fanny & Alexander e Santarcangelo Festival 2008 in collaborazione con
L’arboreto - Teatro Dimora di Mondaino
con il sostegno di REACT! Residenze Artistiche Creative Transdisciplinari
ideazione: Chiara Lagani e Luigi de Angelis
musiche: Mirto Baliani
immagini video: ZAPRUDERfilmmakersgroup
drammaturgia: Chiara Lagani
costumi: Chiara Lagani e Sofia Vannini con Marta Benini (sartoria)
regia, scene, luci: Luigi de Angelis
con Marco Cavalcoli
Autore degli scatti: Enrico Fedrigoli
Emerald City è la città miraggio, un’utopia, la capitale smeraldo di quel regno
inventato e inesistente che l’artista si trova a gestire una volta che un viaggiatore
qualunque varchi la soglia del suo mondo irto e attraente.
il mago di Oz assume qui ancora, dopo le passate avventure di “Dorothy. Sconcerto
per Oz” e di “Kansas”, le sembianze di un’opera d’arte contemporanea, effigie del
dittatore-attore: “Him”. E così, nei panni di quest’opera, il Mago resta in ascolto
della mutevole voce dell’umanità, inginocchiato nel suo studio-laboratorio
privato. Dietro di lui è una parete composta da altoparlanti, coni di varia misura e
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forma da cui escono parole di uomini e donne: le confessioni-preghiere di tutto
il mondo rivolte a Lui. Chi chiede un cuore, chi un cervello, chi il coraggio: una
babelica sinfonia umana.
La confessione è una forma di esercizio sull’impotenza delle parole di fronte alla
complessità del pensiero. Essa si nutre del sentimento dell’inconfessabile: ciò
che non si può proferire o raccontare se non attraversando in maniera empirica
un concreto mistero personale. È la sola forma linguistica che a Emerald City
assumono le richieste sconsolate dell’umanità. Oz ha deciso di rispondere a
tutte le confessioni umane con un’unica definitiva confessione, la sua: universale,
televisiva, composta in una lingua mimetica che ha a lungo studiato...
La “mimycry” o lingua nonverbale della mimica facciale che a poco a poco si
compone sul suo volto è il riflesso condizionato di tutte le voci umane, miste
eppur discrete; suoni di cuori cervelli e fegati di cui Oz si è a lungo avvelenato e
nutrito... Trattasi di un alfabeto muscolare o grammatica dei gesti con cui il Mago
riconverte i desideri fondamentali dell’umanità risolvendoli nella rivelazione
segreta della sua arte: chiunque intenderà questa lingua ne trarrà immediato
profitto...
Babele di voci per le confessioni dell’umanità al mago: interpreti Aftab Ahmed
(pakistano), Anonimo (cinese), Juan Carlos Barbero Bernal (spagnolo), Joanna
Grace Barbosa (filippino), Verónica Fiorillo Beltrán (spagnolo), Panajotis Nicola
Budrojannis (greco), Christopher Garwood (inglese), Titilope Hassan (yoruba,
dialetto nigeriano), Jarmo Jantunen (finlandese), Aicha Kaous (marocchino),
Katsiaryna Khila (russo), Mihaela Cornelia Nemes (rumeno), Dagmar Roberts
(slovacco), Eva Wiesmann (tedesco), Marie-Line Zucchiatti (francese).
Attori Elizabeth Annable (inglese), Chey Chankethya (cambogiano), Emi del
Bene (giapponese), Koen De Preter (fiammingo), Tomas Kutinjac (croato), Chiara
Lagani, Francesca Mazza, Fiorenza Menni (italiano). Interviste a Luigi de Angelis
(francese), Elisabetta Gulli Grigioni e Vitaliano Ravagli (italiano), Tahar Lamri
(algerino), Efimia Mahnea “Fima” (moldavo). Registrazioni voci Marco Parollo.
realizzazione scenotecnica Nicola Fagnani (Opera Ovunque), Amir Sharif-pour
assistente alla regia Elizabeth Annable
promozione Valentina Ciampi, Marco Molduzzi
ufficio stampa Marco Molduzzi
logistica Sergio Carioli
amministrazione Marco Cavalcoli, Debora Pazienza
Si ringraziano Sandro Amati, Allan Bennett, Francesco Bernabini, Rosa Maria
Bollettieri Bosinelli, Francesco Fuzz Brasini, Adele Cacciagrano, Associazione
Cantieri, Patrizio Cenacchi, Luigi Dadina, Paula e Leonardo de Angelis, Piersandra
Di Matteo, Loretta Federici, Isabel Fernández García, Vic Ildefonso, Tahar Lamri,
Paula Loikala, Alberto Marchesani, Franco Masotti, Giorgio Minestrini, Elena
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Cinema e Caos
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Morandi, Gisberto Morselli, Marino Pedroni, Rodolfo Sacchettini, Scuola Superiore
di Lingue Moderne per Interpreti e Traduttori dell’Università di Bologna - Sede di
Forlì, Paolo Trioschi e tutti i ragazzi dei laboratori Oz-Alfavita. Un grazie speciale a
Fiorenza Menni e Davide Sacco.
I testi delle confessioni e delle interviste sono stati composti con il contributo
diretto degli interessati: si tratta di materiali biografici variamente contaminati
con altri letterari o cronachistici.
Si ringraziano gli attori, gli interpreti e tutte le persone intervistate per aver messo
a disposizione i loro pensieri e le loro parole.
production Fanny & Alexander and Santarcangelo Festival 2008
in collaboration with L’arboreto – Theatre House of Mondaino
supported by REACT!
from an idea of Chiara Lagani e Luigi de Angelis
music: Mirto Baliani
video images: ZAPRUDERfilmmakersgroup
dramatization: Chiara Lagani
costumes: Chiara Lagani and Sofia Vannini in collaboration with Marta Benini
(dressmaking)
director, scenes, lights: Luigi de Angelis
performer Marco Cavalcoli
Emerald City is the mirage town, a utopia, the emerald capital of that invented
reign which does not exist and that the artist finds himself to rule once a
traveller enters the doors of its difficult and attractive world.
The magician of Oz once again takes here, after the past adventures
of “Dorothy. Disconcertment for Oz” and of “Kansas”, the appearance of
a contemporary art work, image of the dictator-actor: “Him”. And then,
embodying this work, the Magician is listening to the changing voice of
mankind, kneeling in his private study-laboratory. Behind him there is a wall
made of loud-speakers, different sized and shaped cones, from which words
of men and women come out: the confessions-prayers from all over the world
addressed to him. Who is asking a heart, who is asking a brain, who is asking
the courage: a chaotic human symphony.
The confession is a kind of exercise of the impotence of words facing the
complexity of the thought. It feeds itself of the feeling of what cannot be
confessed: what that cannot be uttered or told if you do not empirically go
through a concrete personal mystery. It is the only linguistic form that the
sad requests of mankind assume in Emerald City. Oz has decided to answer
to all the human confessions addressed to him, by one final confession, his
confession: universal, broadcasted on TV, uttered in a mimetic language which
has got a long, studied…
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The “mimicry” or non verbal language of facial expressions which little by
little takes shape on his face is the conditioned reflex of all the human voices,
mixed even if they are discreet; sounds of hearts, brains and livers with which
Oz has for long time poisoned and nourished himself.. It is a muscle alphabet
or gesture grammar by which the Magician reconverts the fundamental
aspirations of mankind resolving them in the secret revelation of his art:
whoever will understand this language will immediately take advantage of it...
Babel of voices for the confessions of mankind to the magician: performers
Aftab Ahmed (Pakistani), Anonym (Chinese), Juan Carlos Barbero Bernal
(Spanish), Joanna Grace Barbosa (Philippine), Verónica Fiorillo Beltrán
(Spanish), Panajotis Nicola Budrojannis (Greek), Christopher Garwood (English),
Titilope Hassan (Yoruba, Nigerian dialect), Jarmo Jantunen (Finnish), Aicha
Kaous (Moroccan), Katsiaryna Khila (Russian), Mihaela Cornelia Nemes
(Rumanian), Dagmar Roberts (Slovak), Eva Wiesmann (German), Marie-Line
Zucchiatti (French).
Actors Elizabeth Annable (English), Chey Chankethya (Cambodian), Emi del
Bene (Japanese), Koen De Preter (Flemish), Tomas Kutinjac (Croatian), Chiara
Lagani, Francesca Mazza, Fiorenza Menni (Italian). Interviews to Luigi de
Angelis (French), Elisabetta Gulli Grigioni and Vitaliano Ravagli (Italian), Tahar
Lamri (Algerian, Efimia Mahnea “Fima” (Moldavian). Voice recordings Marco
Parollo.
Scenotechnical installations Nicola Fagnani (Opera Ovunque), Amir Sharif-pour
assistant director Elizabeth Annable
promotion Valentina Ciampi, Marco Molduzzi
press office Marco Molduzzi
logistics Sergio Carioli
administration Marco Cavalcoli, Debora Pazienza
We thank Sandro Amati, Allan Bennett, Francesco Bernabini, Rosa Maria
Bollettieri Bosinelli, Francesco Fuzz Brasini, Adele Cacciagrano, Associazione
Cantieri, Patrizio Cenacchi, Luigi Dadina, Paula e Leonardo de Angelis,
Piersandra Di Matteo, Loretta Federici, Isabel Fernández García, Vic Ildefonso,
Tahar Lamri, Paula Loikala, Alberto Marchesani, Franco Masotti, Giorgio
Minestrini, Elena Morandi, Gisberto Morselli, Marino Pedroni, Rodolfo
Sacchettini, Higher School of Modern Languages for interpreters and
Translators at the University of Bologna – Seat of Forlì, Paolo Trioschi and all the
students of the laboratories Oz-Alfavita. We specially thank Fiorenza Menni and
Davide Sacco. The texts of confessions and interviews have been written with
the direct contribution of the concerned people: they are biographic materials
contaminated in different ways by other literary or chronicle materials.
We thank the actors, the performers and all the interviewed people for having
placed heir thoughts and words at our disposal.
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Cinema e Caos
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7-14-21-28
Flavia Mastrella e Antonio Rezza
con Antonio Rezza e con Ivan Bellavista
(mai) scritto da Antonio Rezza
un Habitat di Flavia Mastrella
assistente alla creazione: Massimo Camilli
disegno luci: Maria Pastore
Una produzione Teatro 91 - Fondazione Teatro Piemonte Europa – Rezza Mastrella
La storia
In un paese allo sbando un uomo è affascinato
dallo spazio che diventa numero. La particella
catastale dell’ingegno porta l’essere animato
a fondersi con la civiltà numerica al declino.
Una donna bianca, vestita di rete e di illusione,
rimpiange il tempo degli inizi, quando l’amore
è solo affanno e poco ancora. Il non senso
civico sfugge a chi governa come bestie questo
ammasso di carne alla malora. Si vota con la
gola gonfia delle urla di chi ha votato prima,
ci si lascia sovrastare dall’istituzione che detta
convenzione e cancella dignità. Il sollevatore di
pesi solleva se stesso e la famiglia organizzata
che sputa fiato su ogni collo alla deriva. Intanto
la cultura si finanzia con i soldi del padrone:
il servilismo non ha dote. Seduti nell’alto dei
cieli ad aspettare il Dio mozzo che ci ha fatto
a pezzi. E finalmente i numeri a rendere lo
spazio fallace, in balia della cifra che lo schiaccia. Costretto a ragionare non per
logica ma per sottrazione, l’uomo è improvvisamente migliore: sotto di lui non
c’è la terra che lo seppellirà ma la tabella di uno spazio mai così confuso.
Che poi si ride è un problema legato alla mercificazione della pelle macellata.
In questo gioco macabro e perverso si affaccia la fiaba allucinata: altro che felici
e contenti, qui la nevrosi insegue il capriolo: uno che scappa e l’altro che corre
con due gambe che non ne fanno una. Fossimo zoppi faremmo più paura. CATALOGO_FCG2010.indd 181
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Escalation e Tentennamento
Improvvisamente cessa il legame con
il passato: corde, reti e lacci tengono in
piedi la situazione. Si gioca alla vita in
un ideogramma. Il tratto, tradotto in tre
dimensioni, sviluppa volumi triangolari
diretti verso l’alto che coesistono con linee
orizzontali: ma in verticale si muove solo
l’uomo. Il rosso sanguigno della seta brillante
rende inquieta l’atmosfera e accoglie l’uomo
urlante e stremato che incede, comico suo
malgrado, verso le trappole di un ordine
precostituito.
L’ideogramma, di ispirazione cinese, è scritto
con oggetti a noi familiari durante l’infanzia...
la scultura sprigiona metafora... ed è proprio
la metafora a tenere insieme anche la storia. Il
compagno di gioco affianca l’inconsapevole
eterno bambino che è costretto a cedere a
una realtà biologica e numerica che lo spinge
inevitabilmente dove il vigore del suo tempo
vuole.
F.M.
Il Salto in gola
Salti in lato e sui contorni: perdita del significato residuo e parola alle cifre dello
sterminio. Inutile pensare a chi moriva ieri quando lo sterminio è in pieno corso.
Lo spazio è come un numero, per chi si vuole perdere, per chi rinuncia al filo del
discorso che è lo stesso filo che ti impicca. Il corpo si è dato alla gola che raschia
ormai nell’intimo. Il fianco duole ancora per una nuova ed eterna alleanza. Qui
non si racconta la storiella della buona notte, qui si porge l’altro fianco. Che non
è la guancia di chi ha la faccia come il culo sotto. Il fianco non significa se non è
trafitto. Con la gola secca e il corpo in avaria si emette un altro suono. Fine delle
parole. Inizio della danza macabra.
A.R.
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Cinema e Caos
183
Flavia Mastrella e Antonio Rezza dal 1987 hanno realizzato otto opere teatrali
interpretate da Rezza in questione all’interno degli spazi ideati da Mastrella: “Nuove
parabole” 1988, “Barba e cravatta” 1990, “I vichinghi elettronici” 1991, “Seppellitemi
ai fornetti” 1992, “Pitecus” 1995, “Io” 1998, prodotto dal Teatro Stabile delle Marche,
“Fotofinish” 2003, “Bahamut” 2006, prodotto dal CRT Artificio.
Nel 1991 hanno partecipato al Festival di Avignone con “Barbe et cravate”. Hanno
realizzato una serie sterminata di cortometraggi e tre film “Escoriandoli” presentato a
Venezia nel 1996 “Delitto sul Po” del 2001 e “Fotofinish2” 2006. Per la televisione hanno
scritto e diretto tra il 1999 e il 2000 il programma “Troppolitani” trasmesso da RAI 3.
Tra il 1990 e il 2006 Flavia Mastrella espone sculture, videosculture e foto a Roma, Zurigo
e nella Certosa di San Lorenzo a Padula all’interno della mostra “Le opere e i giorni” curata
da Achille Bonito Oliva.
Nel 1998 Antonio Rezza scrive il suo primo romanzo “Non cogito ergo digito” edito da
Bompiani cui seguono, per lo stesso editore “Ti squamo” del 1999, “Son(n)o” del 2005, e a
settembre 2007 “Credo in un solo oblio”.
Nel 2004 Flavia e Antonio realizzano lo spettacolo jazz “Fusion” insieme a The Fringe. Nel
2006 la GAM di Bologna dedica ai due un mese di installazione e spettacolo. Nel 2007
Flavia Mastrella espone al PAN a Napoli l’istallazione Boe alla deriva. Insieme vincono il
Premio Francesca Alinovi 2007.
Nel 2008 realizzano il cortometraggio “Nell’Aldilà”. Antonio Rezza presenta alla
Milanesiana “Ipotesi di film su Cristo Morto” (progetto per un film da realizzare).
Sempre nel 2008 presentano al Festival del Cinema di Venezia “Il passato è il mio
bastone”, documentario analitico sul metodo di lavoro MastrellaRezza. Per la letteratura
Antonio Rezza vince il Premio Feronia con “Credo in un solo oblio”. Flavia Mastrella espone
l’habitat di “Autopatia” a Roma.
Alla fine dell’anno esce con la casa editrice Kiwido la prima raccolta antologica dei
cortometraggi in bianco e nero “Ottimismo Democratico”. Nel 2009 a Biella, all’interno
della Fondazione Pistoletto, presentano il corto “Nell’aldilà” con l’esposizione dell’abito di
scena relativo.
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7-14-21-28
Flavia Mastrella and Antonio Rezza
performers Antonio Rezza and Ivan Bellavista
(never) written by da Antonio Rezza
a Habitat by Flavia Mastrella
creation assistant: Massimo Camilli
lighting designed by Maria Pastore
A production Teatro 91 – Fondazione Teatro Piemonte Europa – RezzaMastrella
The story
In a country in total chaos a Man is charmed by the space which becomes number.
The cadastre parcel of the intellect leads the animated being to melt with the
declining numeric civilization. A white woman dressed in a network and illusion,
regrets the time of the beginning, when love was only pain and something more.
The civic non sense escapes those who rule like beasts this heap of flesh going to
ruin. Voting is performed with the throat full of the shouts of those who have voted
before, the institution dictating convention and cancelling dignity imposes itself.
The weight lifter lifts himself and the organized family spitting its breath on any
neck being adrift. Meanwhile culture is funded with the boss’ money: servility has no
dowry. Sitting high in the sky waiting the broken God who has torn us into pieces.
And finally the numbers make the space fallacious, at the mercy of figures which
crash it. Forced to reason not by logic but by subtraction, man is suddenly better:
below him there is not the earth which will bury him but the table of a space which
has been never so confused.
Laughing is a problem linked to the commodification of the slaughtered flesh. In
this macabre and perverse play the hallucinated tale peeps in: other than they lived
happily ever after, here neurosis chases the roe deer: the one flees away and the
other runs with two legs which together are not even one.If we were lame we were
scarier. Escalation and Shilly-shalling
The link with the past abruptly ends: ropes, nets and laces support the situation. The
life game is played in an ideogram. The stroke, transposed into three dimensions,
develops triangular volumes directed upwards coexisting with horizontal lines:
but only man advances. The purple red of the bright silk makes the atmosphere be
restless and welcomes the screaming man who advances exhausted, even if he is
comic, towards the traps of a preset order.
The ideogram, of Chinese inspiration, is written with objects familiar to us during
our childhood…… the sculpture gives out the metaphor.........and is the metaphor
which also keeps history together. The play mate accompanies the unconscious
2-04-2010 9:23:57
Cinema e Caos
185
eternal child who is forced to surrender to a biological and numeric reality which
inevitably pushes him where the vigour of his time wants him.
F.M.
The jump in the throat
Jumps on the sides and along the edges: loss of the residual meaning and leave
to speak to the figures of the massacre. It is useless to think of those who were
dying yesterday when the massacre is carried out. The space is like a number for
whom wants to get lost, for whom does not renounce to the thread of what one
was saying, which is the same thread hanging you. The body has given itself to
the throat which by now hawks inwardly. The hip still hurts for a new and eternal
alliance. Here the tale of the good night is not told, here the other hip is offered.
Which is the not the cheek of whom has his face like his bum underside. The hip
does not mean anything if it is not transfixed. With a dry throat and the body being
adrift another sound is emitted. End of words. The macabre dance start.
A.R.
2-04-2010 9:23:57
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Flavia Mastrella and Antonio Rezza since 1987 have written eight theatre
works performed by Rezza within spaces designed by Mastrella: “Nuove
parabole” (New parables)1988, “Barba e cravatta”(Beard and tie) 1990, “I vichinghi
elettronici”(Electronic Vikings) 1991, “Seppellitemi ai fornetti” 1992, “Pitecus” 1995,
“Io” ( I ) 1998, produced by the theatre Teatro Stabile delle Marche, “Fotofinish” 2003,
“Bahamut” 2006, produced by CRT Artificio.
In 1991 they participated in the Festival of Avignon with “Barbe et cravate”. They
have made an endless variety of short films and three films “Escoriandoli” presented
in Venice in 1996 “Delitto sul Po”(Murder along the Po) in 2001 and “Fotofinish2” in
2006. For TV they have written and directed between 1999 and 2000 the program
“Troppolitani” broadcasted by the Channel RAI 3.
Between 1990 and 2006 Flavia Mastrella exhibited sculptures, videosculptures and
photos in Rome, Zurich and in the Charterhouse of San Lorenzo in Padula within the
exhibition “Le opere e i giorni” edited by Achille Bonito Oliva.
In 1998 Antonio Rezza writes his first novel “Non cogito ergo digito” published by
Bompiani, by the same publisher he writes “Ti squamo” (I scale you) in 1999, “Son(n)
o”(Sleep) in 2005, and in September 2007 “Credo in un solo oblio”(I believe in an only
oblivion).
In 2004 Flavia and Antonio perform the “jazz show “Fusion” together with The Fringe.
In 2006 the GAM in Bologna devotes do them a month of installations and shows.
In 2007 Flavia Mastrella exhibits at the contemporary museum PAN in Naples, the
installation “Buoys adrift”. Together they win the Prize Premio Francesca Alinovi 2007.
In 2008 they make the short film “In the Afterlife”. Antonio Rezza presents at
Milanesiana “Ipotesi di film su Cristo Morto” (Hypothesis of a film on the Dead Christ)
(a project for a film to be made).
In 2008 again they present “Il passato è il mio bastone”(The past is my stick) at the
Cinema Festival in Venice, an analytic documentary about the working method of
MastrellaRezza. In the field of literature Antonio Rezza wins the Prize Feronia with his
book “Credo in un solo oblio” (I believe in an only oblivion). Flavia Mastrella exhibits
the habitat “Autopatia” (Autopathy) in Rome.
At the end of the year by the publishing house Kiwido the first anthology collection
of white and black short films “Ottimismo Democratico”(Democratic Optimism) will
be published. In 2009 in Biella, within the Pistoletto Foundation, they presented the
short film “Nell’aldilà” (In the Afterlife) with the exhibition of the stage costume.
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... alla ricerca della propria identità...
musicale...
Andare alla ricerca della propria identità nella società moderna e globalizzata
mi sembra un’impresa ardua, faticosa, come voler metter ordine in un sistema
entropico senza tener conto delle dinamiche interne e dell’ordine casuale
delle cose. Se partiamo dal presupposto che: ” la nostra identità personale si
modifica e si arricchisce progressivamente lungo l’intero corso dell’esistenza,
attraverso i diversi incontri ed eventi che la percorrono”. Essa è oggi concepita,
piuttosto che come un’essenza unitaria e immutabile, come un contenitore
plurimo, in cui convergono e interagiscono più componenti diverse tra loro
: affettiva, sociale, professionale, politica, linguistica certamente, ma anche
musicale. Se costruiamo l’identità attraverso gli eventi che ci accadono, la
memoria degli eventi crea e plasma la nostra formazione personale pertanto
anche su fatti che hanno segnato la storia di vita musicale. Partendo da questo
concetto abbiamo creato una sezione musicale, a cura dell’associazione
culturale Electroart, proponendo un percorso con sonorità che possono
richiamare alla memoria la nostra storia di vita musicale, ripresentata qui
come una ricerca, con un’unica chiave di lettura: ” l’elettronica”. Qui il sound
elettronico assume un filo conduttore sperimentale , di ricerca, utilizzando
anche la casualità ma con un unico tema comune “la ricerca dell’identità
musicale”.E’ per questo che apriamo con i Tetine (Brasile) con un progetto di
ricerca delle sonorità brasiliane per poi passare ad ATOM tm ,riconosciuto
come uno dei ricercatori più accreditati nel mondo dell’elettronica, che ha
abbandonato le sonorità pure e basiche tedesche per scoprire nuovi mondi
e ritmi trasferendo la propria vita e la propria ricerca musicale in Cile . I Notic
Nastic invece ci propongono una ricerca richiamando alla memoria sonorità
punk e funk , tipiche della New York degli anni’ 80. Anche Dani Siciliano
ripropone cover new wave degli anni ’80 accompagnata dal pianista Kelvin
Sholar , già utilizzato in altri progetti da Carl Craig. Lo stesso Bruno Pronsato
può sembrare un nome scontato nella scena musicale con le sue sonorità
minimal techno ma la sua storia personale musicale rock riappare e traspare nel
suo live che rilascia brividi ed emozioni; i DOP trio emergente francese amato
dalle nuove generazioni NUWAVE che non amano sposare un solo genere
musicale ma mixare in live generi completamente diversi tra loro utilizzando
l’ironia come forma di lettura ed espressiva . E Pantha du Prince , il principe
dll’elettronica,una chicca, un cameo da non perdere, sofisticato, colto e difficile
da imitare ma soprattutto da dimenticare, in ultimo il dj set di saluto di Ernesto
Ferreyra , argentino, che ci ripropone un set melanconico , dance, elettronico
richiamando alla memoria sussurrandola “don’t cry for me argentina”.
Eddy Palescandolo
presidente associazione culturale Electroart
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Musica
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... in search of its own musical
identity...
To go in search of our identity in our modern and globalized society seems to
be a hard work, as if we wanted to give an order to an entropic system, without
considering the internal dynamics and casual order of things. Let us start from the
assumption that: ” our personal identity changes and gradually develops along the
whole course of our life, through the different meetings and events characterizing
it”. Identity is today conceived, rather than a unique and unchangeable essence,
as a multiple container in which more different components merge and interact
with each other: they are the affection, social, professional, political, linguistic and
certainly also the musical components. If we build an identity through the events
happened to us, the memory of these events creates and shapes our personal
evolution, it is the same with the musical events which have left their mark on our
life. Starting from this assumption we have created a musical section, edited by
the musical association Electroart, suggesting an itinerary with sounds which can
recall our history of musical history, presented here as a research, with an only
reading key: ” the electronic music”. Here the leit-motiv of the experimental musical
research is the electronic sound, casualness is also used, but with an only common
theme: the research of musical identity”. That is why we open this section with the
Tetine (Brazil) and with a research project of Brazilian sounds, followed by ATOM
tm, considered one of the most expert researchers in the world of electronic music,
who has given up pure and basic German sounds for experimenting new worlds
and rhythms, and for this he has moved to Chile. The research of Notic Nastic
on the contrary, is focused on punk and funk sounds, typical of New York in the ’
80es. Dani Siciliano also presents the cover new wave of the ’80es, accompanied
by the pianist Kelvin Sholar, who has already collaborated at other projects
with Carl Craig. Bruno Pronsato himself can be considered an obvious presence
on the musical stage with his minimal techno sounds, but his own musical rock
background reappears and emerges his live inspiring us thrills and emotions; there
are the DOP, an emerging French trio, much loved by the new NUWAVE generations
who do not like an only musical genre but to mix in lives, genres completely
different from each other, using irony as a reading and expression form. And then
Pantha du Prince , the prince of electronic music, a tidbit, a cameo not to be missed,
he is sophisticated, cultivated and difficult to imitate, but above all to be forgotten,
and at last the farewell dj set by Ernesto Ferreyra , an Argentinian, who presents a
melancholic, dance, electronic set recalling us, almost whispering it “don’t cry for
me Argentina”.
Eddy Palescandolo
president of the Cultural Association Electroart
2-04-2010 9:23:58
190
TETINE /Soul Jazz Records/Slum Dunk Music/ live
I Tetine (Bruno Verner ed Eliete Mejorado) nascono a San Paolo nel 1995.
La loro produzione spazia tra tropical music, punk funk/electro e baile
funk sperimentale, con frequenti incursioni nel mondo delle performance
audiovisive: dalle colonne sonore per film a lavori di videoarte esposti sia
in Europa che in Sud America. Diverse label pubblica i loro album: Bizarre,
Mr Bongo e Soul Jazz. Dopo essersi trasferiti a Londra, hanno contribuito in
maniera fondamentale alla diffusione dell’underground musicale brasiliano in
Inghilterra e nel resto d’Europa, compilando e mixando la prima raccolta di baile
funk pubblicata fuori dal Brasile (Funk Carioca, etichetta Slum Dunk Presents
2004) e la storica raccolta dei migliori brani post-punk prodotti in Brasile nei
primi anni ‘80 uscita su Soul Jazz nel 2007, influenzando una nuova generazione
di dj e produttori in tutto il mondo. I loro live, concerti rock o performance
artistiche, sono stati presentati al Barbican Centre di Londra, Whitechapel Art
Gallery, Frankfurter Kunstverein, in musei (Palais de Tokyo di Parigi) e in festival
come l’Adventures in Modern Music di Chicago e il Sonar di Barcellona. Il loro
“Slum Dunk Radio Show” su Resonance Fm è una delle trasmissioni cult dal
2002, in essa i due suonano ogni sorta di stranezza sonora, oscura o inaspettata,
proveniente dal Brasile. Da febbraio è sul mercato il loro ultimo album “From A
Forest Near You” su Slum Dunk Music.
(http://www.myspace.com/tetine)
TETINE /Soul Jazz Records/Slum Dunk Music/ live
The Tetine (Bruno Verner and Eliete Mejorado) were born in San Paolo in 1995.
Their production includes tropical music, punk funk/electro and experimental baile
funk, with frequent incursions in the world of audiovisual performances: from film
sound track to videoart works exhibited both in Europe and South America. Diverse
label publishes their album: Bizarre, Mr Bongo and Soul Jazz. After having moved
to London, they have largely contributed to the spread of the Brazilian musical
underground in England and in the rest of Europe, compiling and mixing the first
collection of baile funk published outside Brazil (Funk Carioca, label Slum Dunk
Presents 2004) and the historical collection of the best post-punk pieces produced in
Brazil in the first ‘80es years published in Soul Jazz in 2007, thus influencing a new
generation of djes and producers all over the world. Their lives, their rock concerts
or art performances, were presented at the Barbican Centre in London, Whitechapel
Art Gallery, Frankfurter Kunstverein, in museums (Palais de Tokyo in Paris) and
in festivals such as the Adventures in Modern Music in Chicago and the Sonar in
Barcelona. Their “Slum Dunk Radio Show” in Resonance Fm has been one of the
cults, in it the two play any kind of odd, dark or unexpected things coming from
Brazil. Since February their last album has been put on the market “From A Forest
Near You” in Slum Dunk Music.
(http://www.myspace.com/tetine)
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Cinema e Caos
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ATOM ™ /Raster-noton/Chile-Francoforte/liveset
Composer e designer Uwe Schmidt - aka Atom Heart,
Atom ™, Señor Coconut - è uno degli sperimentatori
di post-techno più prolifico e prodigioso della musica
elettronica sperimentale. Anche se il suo primo strumento
fu un drumkit, Schmidt venne attirato dalla possibilità di
sperimentazione dell’elettronica analogica. Le sue prime
tracce si sono orientate su musica dance ma nella metà degli
anni ’90 la sua ricerca si sposta verso sonorità dancefloor
multistrati, dense di complessi suoni non facilmente
riducibile ad un unico genere. Incorporando elementi
techno, acid, ambient, jazz, funk, electro, ClaudiaMarie ’60 e rock psichedelico.
Attraverso una serie di progetti da solista e collaborazioni con Tetsu Inoue ,
Schmidt ha contribuito a formulare la melodica hard trance e techno. Gli anni
’90 sono stati il periodo di progetti come Orange, Datacide, Softcore e Coeur
Atomique , nel 1996 ha inventato Señor Coconut e ha pubblicato l’album “El
Gran Baile” nel 1997, subito dopo si è trasferito a Santiago del Cile, al fine di
staccarsi dalla scena musicale europea. Nel 2000, ha lavorato ad una release,
“una fusione di Latin-Kraftwerk” di El Baile Alemán. L’album contiene diversi
classici Kraftwerk rielaborati con strumentazione latina e ritmo. Da allora
numerosi progetti si sono avvicendati sino alla release su Raster-Noton
”Liedgut” del 2009.
(www.myspace.com/atomtm)
ATOM ™ /Raster-noton/Chile-Francoforte/liveset
Composer and designer Uwe Schmidt - aka Atom Heart, Atom ™, Señor Coconut – is
one of the most productive and prodigious experimenters of post-techno in the
field of the experimental electronic music. Even if his first instrument was a drumkit,
Schmidt was attracted by the possibility of experimenting analogical electronic
music. His first tracks have been influenced by a dance music but in the first half of
the ‘90es, his research has been directed towards multilayered dancefloor sounds,
complex sounds, not easily referable to an only genre, including techno, acid,
ambient, jazz, funk, electro, ClaudiaMarie ’60 elements and psychedelic rock. By a
variety of soloist projects and collaborations with Tetsu Inoue, Schmidt has helped
to create the melodic hard trance and techno music. In the ’90es he has worked
at projects such as Orange, Datacide, Softcore and Coeur Atomique , in 1996 he
invented Señor Coconut and has published the album “El Gran Baile”, in 1997, soon
after that he moved to Chile, in order to retire from the European musical stage.
In 2000, he worked at a release, “a fusion of Latin-Kraftwerk” of El Baile Alemán.
This album includes a number of classical Kraftwerk pieces rearranged with Latin
instruments and rhythm. Since then he has worked at a lot of other projects up to
the release about Raster-Noton ”Liedgut” in 2009.
(www.myspace.com/atomtm)
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Notic Nastic/shitkatapult/Ney york/live
Notic Nastic è un’anonima macchina da musica elettronica composta da
neon geeks fantasy, provengono da New York e Berlino dove vivono e
producono musica che potrebbe essere descritta come pumping, popped
out, dei bon-bons elettronici viziosi. Sono specializzati in voci tortuose e
freaky beats che convergono in un live set hard, energetico e coinvolgente.
Sul palco, un duo ragazza/ragazzo indossano delle singolari maschere
incandescenti, lampeggianti che ricordano un incontro tra l’ impero alieno
e antiche principesse egiziane sotto l’effetto di un acido. Notic Nastic
(talvolta accompagnati nell’oscurità da un gruppo di ballerini incandescenti!) letteralmente “ballando perdono i loro pantaloni “ mentre il pubblico si
scatena in contorte torsioni al ritmo della musica. Questi sensitivi piccoli alieni
“notic nastic” sono anonimi soprattutto perché il mistero è cool ed eccitante.
Affermano che le persone dovrebbero essere risucchiate così profondamente
da sentire il grande potere universale che unisce e connette tutti in modo da
sentire un’unica energia frizzante. Siamo tutti uno, baby! “I’ts dark but is ok” è il
loro ultimo album con shitkatapult!
(www.myspace.com/noticnastic)
Notic Nastic/shitkatapult/Ney york/live
Notic Nastic is anonymous electronic machine composed by neon geeks fantasy,
they come from New York and Berlin where they live and produce music which
could be described as pumping, popped out, of vicious electronic bon-bons. They
are specialized in tortuous voices and freaky beats merging in a hard, energetic
and involving live set. On the stage a duet girl/boy wear peculiar incandescent,
flashing masks, recalling a meeting between the alien empire and old Egyptian
princesses being under the effect of an acid. Notic Nastic (sometimes accompanied
in the dark by a group of a incandescent dancers!) literally “dancing they lose their
trousers“ while the public runs wild in contortions in time with the music. These
sensitive “notic nastic” little aliens are anonymous above all because the mystery
is cool and exciting. They affirm that people should be so deeply sucked to feel the
big universal power uniting and connecting everyone in an only sparkling energy.
We are one all together Siamo tutti uno, baby! “I’ts dark but is ok” is their last album
with shitkatapult!
(www.myspace.com/noticnastic)
Pronsato
Il vero nome di Pronsato, che non è affatto italiano ma viene da pensare che
gli piacerebbe esserlo, è Steven Ford ed è originario di Seattle. La vita è un
gioco per Steven: ex batterista della hardcore band texana “Voice Of Reasons”
e accanito fan di band rock innovative come “Gang Of Four” e “My Bloody
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Valentine”, improvvisamente viene folgorato dai i ritmi in quattro quarti.
Si trasferisce così a Berlino, dove pubblica singoli e remix (per etichette
come Telegraph e Hello? Repeat), e nel 2004 debutta per l’etichetta tedesca
Orac, Silver Cities, tra minimale, funk, house e techno. Il suo stile è di origine
minimaltechno ma nei live è talmente poliedrico e meticoloso che ci offre una
tavolozza di suoni spesso inattesi come in un quadro di Kandisky: il suo live è
quasi una composizione scientifica rotazionale ma condita di allegria.
Il secondo album di Pronsato “Why Can’t We Be Like Us”, uscito nel 2008, è stato
un successo di pubblico e critica inserendosi in alto nella classifica dei dischi
più belli del decennio di “Resident advisor”.
(www.myspace.com/brunopronsato)
Pronsato
The real name of Pronsato, who is not Italian at all but we like imagining that he
would like to be Italian , is Steven Ford and he comes from Seattle. Life is a game for
Steven: former drummer of the Texan hardcore band “Voice Of Reasons” and a keen
fan of innovative rock bands such as “Gang Of Four” and “My Bloody Valentine”,
he has been unexpectedly struck by four quarter rhythms. Then he moved to
Berlin, where he published single and remix discs (for labels such as Telegraph
and Hello? Repeat), and in 2004 debuted for the German label Orac, Silver Cities,
ranging between minimal, funk, house and techno music. His style is of minimal
techno origin but in lives he is so eclectic and meticulous that he offers us an
often unexpected palette of sounds as in a picture by Kandisky: his live is almost a
scientific rotational composition seasoned with jolliness.
The second album by Pronsato “Why Can’t We Be Like Us”, released in 2008, has
been a hit, thus reaching a high position within the parade of the most beautiful
discs of the decennium of “Resident advisor”.
(www.myspace.com/brunopronsato)
Dani Siciliano feat Kelvin sholar/K7!/San
Francisco/ live + piano
Racconta sorridendo Dani Siciliano, che il
suo ultimo progetto “Discovered” è nato
quasi per scherzo, quando una coppia di suoi
amici, cresciuti con lei nella ribollente scena
disco di San Francisco le hanno chiesto di
reinterpretare, alla sua maniera, alcune canzoni
dance di quel movimento per gli invitati al loro
party di matrimonio.
Il risultato delle sue interpretazioni vocali
accompagnate da uno dei più richiesti e stimati
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pianisti contemporanei, l’americano Kelvin Sholar, uno dei pochi in grado di
muoversi con disinvoltura tra Jazz, Musica Classica, Blues ed Elettronica è stato
così convincente che ha deciso di costruirci un album. Nel mentre ha deciso
di trasferirsi da Londra a Parigi e lì, attraverso una catena di amici è entrata
in contatto con Gael, un talentuoso pianista di lunga formazione e mentalità
molto aperta con il quale il feeling è stato immediato. Il criterio per la selezioni
dei brani è stato quello della lunga affezione, coltivata da Dani nella sua carriera
da dj a San Francisco, per la loro versione in vinile, così tanto volte suonata sulle
piste da ballo.
Canzoni come “Love light in flight” di Stevie Wonder, “Haven’t you heard” di
Patrice Rushen e “Was that all it was” di Jean Carn hanno in comune delle liriche
incalzanti e complesse melodie, illuminate ed esaltate da una impeccabile
qualità di produzione. L’idea è stata quella di rileggere quelle melodie attraverso
nuovi arrangiamenti che dessero luce e purezza alle composizioni registrate in
“realtime” e senza nessun successivo lavoro di edit.
Le atmosfere calde del suono analogico, il lirismo del piano e la cristallina
qualità della voce di Dani Siciliano (per lungo tempo “intrappolata” nelle trame
elettroniche) hanno fatto il resto, donando un’aura di magia e colorata dolcezza
sarà un live da sogno.
Dani Siciliano feat Kelvin sholar/K7!/San Francisco/ live + piano
Dani Siciliano while smiling tells about his last project “Discovered” which was born
for a joke, when a couple of friends, grown up with her in the seething disco scene
of San Francisco asked her to reinterpret, in her manner, some dance songs of that
movement for the people invited at their wedding party.
The result of her voice interpretation accompanied by one of the popular and
appreciated contemporary pianists, the American Kelvin Sholar, one of the few
pianists able of playing with self-confidence a wide range of genres from Jazz,
to Classical music, to Blues and Electronic, has been so convincing that she has
decided to make an album. Meanwhile she also decided to move from London to
Paris and there, through a chain of friends, she has come in contact with Gael, a
talented pianist having a wide background and a very open mentality with whom
she has immediately got in tune. The criterion for the choice of pieces has been that
of a long affection for them, cultivated by Dani in her career as dj in San Francisco,
for their vinyl version, so often played on dance floors.
Songs like “Love light in flight” by Stevie Wonder, “Haven’t you heard” by Patrice
Rushen and “Was that all it was” by Jean Carn have in common insistent lyrics and
complex melodies, enlightened and enhanced by a perfect production quality.
The idea has been that of giving a new reading of those melodies through new
arrangements which would give light and purity to the compositions recorded in
“real time” and without any too hard editing work.
The warm atmospheres of the analogic sound, the lyricism of the piano and the
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Workshop stage e premi Linea d’Ombra
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crystalline quality of the voice of Dani Siciliano (for a long time being “trapped”
into electronic wefts) have done the rest, giving a magic atmosphere and a coloured
sweetness, it will be a dream live.
Pantha du Prince /Dial/Amburgo/Liveset
Pescando la mattina e filosofeggiando la sera: Hendrik Weber ha aggiornato
il concetto di Marxismo nella vita di tutti i giorni. Alzatosi dal letto, trasforma
la sua vita in un opera d’arte digitale e quando torna a letto, manipola
flussi di dati digitali. Altri pseudonimi sono Panthel o Gluhen 4 e si aggira
come un satellite orbitante intorno alla Dial e alla scena indipendente
tedesca. Nel 2003 ha pubblicato il suo controverso album di debutto
“Diamond Daze”: questo lavoro rappresenta un sublime approccio fisico
alla musica e fondamentalmente una incredibile collezione di esperienze
e vissuto all’interno delle scene indierock, new music e techno. Attraverso
l’ascolto è semplice ritrovare i canonici riferimenti alla techno detroit, Theo
Parrish, Moodyman, Acid House o alle care vecchie hit techno, non bisogna
sottovalutare nemmeno le influenze del Noisepop (My Bloody Valentine,
Slowdive, A.R. Kane), come quelle della electronic music, minimale e folk
nell’approccio a volte psichedelico del suono di Pantha du Prince. Hendrik
Weber ama rompere la funzionalità delle strutture sonore tradizionali, senza
dimenticare l’inesorabile malinconia che gioca un ruolo vitale in tutti i suoi
suoni. Il suo ultimo album appena uscito “Black Noise” è stato acclamato da
pubblico e critica.
(www.panthaduprince.com)
Pantha du Prince /Dial/Amburgo/Liveset
Fishing in the morning and philosophizing
in the evening: Hendrik Weber has updated
Marxist ideas in everyday life. As soon as he
gets up, he transforms his life into a digital
work of art and when he goes to bed again,
he manipulates digital data flows. Other
pseudonyms are Panthel or Gluhen 4 and he
wanders about like an orbiting satellite around
the Dial and the independent German stage.
In 2003 he published his controversial debut
album “Diamond Daze”: this work represents a
lofty physical approach to music and really an
incredible collection of experiences lived on the
indierock, new music and techno stages. While listening to him it is easy to find
canonical references to the techno detroit, Theo Parrish, Moodyman, Acid House
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or to the dear old techno hits, but you must not even underestimate the influences
coming to him from the Noisepop (My Bloody Valentine, Slowdive, A.R. Kane), as
well as those of the electronic music, the minimal and folk music, in the approach
at times psychedelic to Pantha du Prince’s sound. Hendrik Weber loves breaking the
functionality of the traditional sound structures, without forgetting the inevitable
melancholy playing a vital role in all his sounds. His last album, which has just been
released, “Black Noise”, has already become a hit.
(www.panthaduprince.com)
DOP /Circus company/Francia/live
Trio parigino, i cui componenti non amano definirsi dj. Raramente trascorrono
tempo nei club, preferiscono usare strumenti fisici e scrivere “canzoni” non
“tracce”. Considerati outsider della scena elettronica perché producono
seguendo il loro istinto. Damien Vandesande, Jonathan “Jo” Illel e Clemente
Zemstov sono in bilico come sul filo di un rasoio house/ techno, anche se le
loro canzoni a malapena toccano questi generi. Con diffuse release su Milnor
Modern, Circus Company e ORAC il gruppo si è esibito mostrando l’inventività
di fondere suoni disparati (rap, blues, free jazz, Malian kora, house, experimental
pop ed altri) in uno strano miscuglio con funky packages senza preoccuparsi di
una propria classificazione stilistica. Dichiarano durante un intervista: “Cerchiamo di fare qualcosa di diverso, ogni
volta, senza ricette”. (www.myspace.com/dopdopdop)
DOP /Circus company/Francia/live
Trio from Paris, its members do not love to be called djs. They seldom spend
their time in clubs, they prefer using physical instruments and writing “songs”
not “tracks”. They are considered as outsiders of the electronic music because
they produce following their instinct. Damien Vandesande, Jonathan “Jo” Illel
and Clemente Zemstov are on the house/techno knife-edge , even if their songs
hardly touch on these genres. With widespread releases on Milnor Modern, Circus
Company and ORAC, this group has performed showing their inventiveness in
being able of combining a variety of sounds (rap, blues, free jazz, Malian kora,
house, experimental pop and others) in a strange mixture with, without taking care
of being included in a specific style category. During an interview they have stated: “We try to do something different, every time
without folllowing a recipe”. (www.myspace.com/dopdopdop)
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Ernesto Ferreya djset/Cadenza/Argentina
Ernesto Ferreyra e’ nato e cresciuto in Argentina e precisamente a Cordoba.
Ha iniziato all’età di 15anni a mettere le mani sui piatti ma solo quando si è
trasferito in Messico ha intrapreso la vera carriera professionale di dj. Guidato
da uno spirito nomade, dopo 4 anni si trasferisce a Montreal dove riesce a
distinguersi per le sue origini latine con uno stile facile da ballare ma difficile da
decodificare in quanto unisce il groove latino al minimalismo nordamericano.
Il suo Ep di debutto è “Memoria Colectiva”, seguito da “Exodo” ma Ernesto e’
inarrestabile , le sue performance sia dj set che live act sono apprezzate in
tutto il mondo e soprattutto ai festival come l’anno scorso al Transmediale
festival di Berlino. Lavora alle sue produzioni sia come solista che a quelle
per il progetto “Chic” in duo con Guillaume Coutu Dumont. Ernesto Ferreyra
appartiene alla scena elettronica canadese della musique risqèe di Akufen e del
Mutek Festival di Montreal.
(www.myspace.com/enestoferreyra)
Ernesto Ferreya djset/Cadenza/Argentina
Ernesto Ferreya was born and grown in Argentina and exactly in Cordoba. He
started at the age of 15 to play cymbals, but only when he moved to Mexico he
started his real professional career of dj. Guided by a nomad spirit, after 4 years
he moved to Montreal where he succeeded in distinguishing himself for his Latin
origins with a style easy to be danced but difficult to be decoded, since it joins the
Latin groove to North-American minimalism. His Ep debut is “Memoria Colectiva”,
followed by “Exodo” but Ernesto’s success is ever increasing, his performances both
of dj set and live act are appreciated all over the world and above all at festivals, like
last year at the Transmedia festival in Berlin. He has worked at his productions both
as a soloist and in collaboration with other artists, like at the project “Chic” where
he has sung in a duet with Guillaume Coutu Dumont. Ernesto Ferreya belongs to the
electronic Canadian scene of the musique risqèe of Akufen and the Mutek Festival
in Montreal.
(www.myspace.com/enestoferreyra)
Progetto visuale
Omino 69
Vidraulika
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Afterhours a Teatro
Special guest: Vasco Brondi - Le luci della centrale elettrica
Protagonisti della scena rock italiana, gli Afterhours hanno da sempre
manifestato un forte desiderio di sperimentazione musicale, la voglia di mettersi
in gioco su più fronti, di sovvertire. La band, capitanata da Manuel Agnelli, è
in giro per l’Italia, in questi giorni, con il tour “Il teatro degli Afterhours”, uno
spettacolo inconsueto che contiene una sorta di miscellanea di vari generi.
Canzoni, letteratura e teatro sono gli ingredienti fondamentali dello show.
Pionieri della musica indipendente, con più di vent’anni di carriera alle spalle,
il loro esordio risale alla seconda metà degli anni Ottanta. Il nome del gruppo
deriva dall’omonima canzone dei Velvet Underground di Loou Reed. E’ il
1988 quando gli Afterhours lanciano il mini cd “All the good children go to
hell”; passerà qualche anno e due album, riconosciuti internazionalmente “During Christine’s sleep” (1990), “Cocaine Dead” (1991) e “Pop Kill your soul”
(1993) - prima di arrivare all’italiano. La cover di “Mio fratello è figlio unico” di
Rino Gaetano, per l’album tributo legato ad Arezzo Wave, è la prima traccia
cantata nella lingua madre dei membri del gruppo, a cui segue poi la cover
de “La canzone popolare” per il tributo a Ivano Fossati. Nel 1995 esce “Germi”,
il primo album interamente cantato in italiano. E’ con questo disco che
emergono le caratteristiche musicali della band: melodia e rumore, cut-up
nei testi, sperimentazione pop ed ironia, elementi post-grunge e post-punk.
La consacrazione degli Afterhours prende forma quando Mina reinterpreta
“Dentro Marilyn”, estratto dall’album, inserendolo nel suo disco “Leggera”,
con il titolo “Tre volte dentro me”. Dopo due anni la band firma un contratto
discografico con la Mescal e registra quello che viene considerato da molti
il loro capolavoro “Hai paura del buio?”. L’album contiene 19 canzoni in cui
convergono la furia hardcore (“Lasciami leccare l’adrenalina” e soprattutto
“Dea”) la melodia pop (“Voglio una pelle splendida”), la sperimentazione su
4 piste e l’Hi-Fi più evoluto nei brani strumentali, il grunge di “Male di miele”,
l’hard rock (“Veleno”), le provocazioni di “Come vorrei”, gli accenni di space rock
(“Elymania”) e le ballate acustiche (“Simbiosi”). Inizia così un percorso live che
vede gli Afterhours esibirsi sui palchi di tutta Italia per la prima volta. Nel 1998,
partecipano al concerto del Primo Maggio in Piazza San Giovanni a Roma. Nel
1999 esce “Non è per sempre”: il suono si fa più ricercato e meno aggressivo.
Parte il “Non è per sempre Tour” che approda anche a Bologna dove allo stadio
Dall’Ara gli Afterhours condividono il palco con i R.e.m. Nel 2001 esce “Siam tre
piccoli porcellin”, doppio live della band, che contiene l’inedito “La sinfonia dei
topi”. Il disco è formato da un cd elettrico e uno acustico. Al percorso discografico
degli Afterhours si associa quello parallelo di Manuel Agnelli come produttore
(di Cristina Donà, Scisma, Marco Parente, Massimo Volume, Verdena) e come
scrittore (la raccolta di racconti “Il meraviglioso tubetto”, edito da Mondadori).
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Nel 2002 viene pubblicato “Quello che non c’è” che, in pochissimi giorni, si
piazza clamorosamente alla quarta posizione della classifica ufficiale di vendita.
Arriva anche il riconoscimento dall’Italian Music Awards: gli Afterhours vengono
premiati per il miglior testo italiano per il brano “Quello che non c’è”. Nel 2004
è la volta del CDS di “Gioia e Rivoluzione”, brano storico degli Area, riproposto,
oltre che in versione live e sul supporto cd, anche nel film di Guido Chiesa
“Lavorare con lentezza”, in cui gli Afterhours interpretano la band guidata
da Demetrio Stratos. Nel 2005 esce “Ballate per piccole iene”, prodotto da
Greg Dulli, già leader degli Afghan Whigs, album che ottiene un successo di
pubblico clamoroso, piazzandosi nella classifica dei dischi più venduti in Italia
direttamente alla seconda posizione. Nel 2006, l’album esce nella versione
inglese con il titolo“Ballads For Little Hyenas” e con l’aggiunta di due pezzi.
Confermando la vocazione alle esibizioni live, gli Afterhours tornano in tour sui
palchi di Italia, d’Europa e degli U.S.A. Nel 2007 vengono pubblicati da Virgin due
doppi DVD antologici che narrano la storia della band e rapidamente scalano la
vetta delle classifiche di vendita. Nel 2008 esce l’album pubblicato da Universal
“I milanesi ammazzano il sabato”, che esordisce direttamente al terzo posto. Alla
sua realizzazione contribuiscono ospiti del calibro di Greg Dulli (Twilight Singers,
Gutter Twins), Stef Kamil Carlens (dEus, Zita Swoon), Brian Ritchie (Violent
Femmes), Cesare Malfatti (La Crus, Amor Fou) e John Parish (P.J. Harvey). Dopo il
tour promozionale de “I milanesi ammazzano il sabato”, gli Afterhours sbarcano
nuovamente in America, dove si esibiscono al North by North West Festival di
Toronto e alla prestigiosa Mercury Lounge di New York.
La militanza ai piani alti del rock viene definitivamente legittimata quando, nel
2009, sono invitati a partecipare alla 59^ edizione del Festival di Sanremo dove,
seppur eliminati, con il brano “Il paese è reale”, ricevono il Premio della Critica
“Mia Martini”. La canzone non appare in nessun’altra compilation del festival.
Per scelta della band, infatti, “Il Paese è reale” diventa una raccolta unica nel suo
genere: un progetto discografico che include brani inediti composti da 19 artisti
protagonisti della scena musicale indipendente, una sorta di tributo alla fertile e
ricca produzione underground del nostro paese.
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Afterhours at the Theatre
Special guest: Vasco Brondi - Le luci della centrale elettrica
Protagonists of the Italian rock stage the Afterhours have always showed a big
interest in musical experimentation, in putting themselves on the line in different
fields, in disrupting. This band, led by Manuel Agnelli, is on tour in Italy, in these
days, with their show “The theatre of the Afterhours”, an unusual show which
includes a kind of mixture of different genres. Songs, literature and theatre are the
fundamental ingredients of this show. Pioneers of the independent music, with a
more than twenty-year experience, their debut dates back to the second half of
the ‘80es. The name of this group comes from the homonymous song of the Velvet
Underground by Lou Reed. In 1988 the Afterhours released their mini cd “All the
good children go to hell”; after some years they released two albums which were
international hits - “During Christine’s sleep” (1990), “Cocaine Dead” (1991) and
“Pop Kill your soul” (1993) – then they wrote in Italian. The cover of “Mio fratello è
figlio unico” (My brother is an only child) by Rino Gaetano, for the tribute album
linked to Arezzo Wave, is the first track sung by them in their mother tongue, it
was followed by the cover “La canzone popolare” (The folk-song) tribute to Ivano
Fossati. In 1995 “Germi” (Germs) was released, it is their first album wholly sung in
Italian. With this disc the musical characteristics of the band clearly emerge: melody
and noise, cut-up in the texts, pop experimentation and irony, post-grunge and
post-punk elements. The consecration of the Afterhours takes place when Mina
reinterprets “Dentro Marilyn” (Inside Marilyn), an extract from their album that
she includes in her disc “Leggera” (Light), with the title “Tre volte dentro me”(Three
times inside me). After two years this band signs a record contract with the Mescal
and records the album which is widely considered their masterpiece “Hai paura
del buio?”(Are you afraid of the dark?). This album includes 19 songs in which the
hardcore fury (“Lasciami leccare l’adrenalina”(Let me lick adrenalina) and above
all “Dea”(Goddess)) pop melody (“Voglio una pelle splendida”(I want a splendid
skin)), 4 track experimentation and the most developed Hi-Fi in the instrument
pieces, the grunge of “Male di miele”(the evil of honey), hard rock (“Veleno”(Poison)),
the challenges of “Come vorrei”(How I would like it), the space rock suggestions
(“Elymania”) and the acoustic ballads (“Simbiosi”(Symbiosis)) merge. Then they
start a live tour all over Italy for the first time. In 1998, they participate into the
concert of the First of May at San Giovanni square in Rome. In 1999 “Non è per
sempre”(It is not for ever) is released: their sound becomes more refined and less
aggressive. Then the tour “It is not for ever” gets to Bologna where at the stadium
Dall’Ara the Afterhours share the stage with the R.e.m. In 2001 “Siam tre piccoli
porcellin”(We are three little pigs), a double live of the band is released, it contains
the new album “La sinfonia dei topi”(The symphony of mice). The record consists of
an electric and an acoustic cd. The discographic course of the Afterhours is parallel
to that of Manuel Agnelli as producer (of Cristina Donà, Scisma, Marco Parente,
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Massimo Volume, Verdena) and as writer (the collection of tales “Il meraviglioso
tubetto”(the wonderful little pipe) published by Mondadori). In 2002 “Quello che
non c’è” (What is not there) which, in a few years unexpectedly wins the fourth
position in the official sale charts, is released. For the same song the Afterhours are
also awarded a prize as best Italian song text by the Italian Music Awards. In 2004
the CDS “Gioia e Rivoluzione”(Joy and Revolution) is released, it is a historic song
by the Area, presented again, both in its live version on cd, and in the film by Guido
Chiesa “Lavorare con lentezza”(To work with slowness), in which the Afterhours play
the role of the band led by Demetrio Stratos.
In 2005 “Ballate per piccole iene”(Ballads for little Hyenas, produced by Greg Dulli,
former leader of the Afghan Whigs, this album soon becomes a hit, getting the
second position in the charts of the best seller records in Italy. In 2006, this album
is released in its English version with the title “Ballads For Little Hyenas” with
the addition of two pieces. Confirming their vocation for live perfomances, the
Afterhours come back on tour on the Italian, European and U.S.A. stages. In 2007
two double omnibus DVD are published by Virgin, they narrate the story of the
band and they rapidly top the charts. In 2008 the album published by Universal
“I milanesi ammazzano il sabato”(The people from MIlan kill the Saturday), got
the third position in the charts. Big guests like Greg Dulli (Twilight Singers, Gutter
Twins), Stef Kamil Carlens (dEus, Zita Swoon), Brian Ritchie (Violent Femmes),
Cesare Malfatti (La Crus, Amor Fou) and John Parish (P.J. Harvey) collaborated at
making this album. After the promotion tour for the album “I milanesi ammazzano
il sabato”, the Afterhours once again get to America, where they perform at the
North by North West Festival in Toronto and at the prestigious Mercury Lounge in
New York.
Their high quality rock experience is finally acknowledged when in 2009, they are
invited to participate into the 59th edition of Sanremo Festival, where, even if they
are eliminated with the song “Il paese è reale”(The Country is real), they receive the
Critique Prize “Mia Martini”. This song does not appear in any other compilation of
the festival. The band itself has chosen to make “Il Paese è reale” a collection unique
in its genre: a record project which includes new songs composed by 19 artists
protagonists of the independent musical stage, a kind of tribute to the fertile and
rich underground production in our country.
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202
Sick Tamburo
Passamontagna, verve rock, gusto per il trasformismo e un formidabile impatto
live. Non secondario, l’uso della sintassi. Sick Tamburo è il nome del progetto.
Ignota, la loro identità. Per meglio dire, il loro volto sul palcoscenico durante i
concerti, alla maniera dei Devo e dei Residents. Perché i fan, ma non soltanto
loro, sanno benissimo che i polmoni di questo progetto spin-off dei Prozac+
sono proprio loro: Gian Maria Accusani ed Elisabetta Imelio. Rispettivamente
chitarrista e bassista di quella formazione che alcuni anni fa finì in classifica
con le hit pop-punk “Pastiglie” e“Acida”, che qui si propongono invece come
chitarrista e cantante. Con una line-up composta da Boom Girl (il tuono), Mr.
Man (la mente), Doctor Eye (l’occhio-batteria) e String Face (la corda-basso)
il gruppo inizia il suo tour nazionale 2010 dalla Campania, dove eseguirà
le filastrocche assonanti del suo primo album omonimo, pubblicato dodici
mesi fa. Matrici rock, modulazioni elettroniche, arrangiamenti che esaltano
l’utilizzo del delay per narrare il sapore di baci, seme e sangue, paura e luna.
Non sono allucinati ma provocano allucinazioni; volendo essere precisi,
“Topoallucinazione”. E sono un’altra scoperta dell’etichetta La Tempesta, label
tra gli altri di Le luci della centrale elettrica, Il teatro degli orrori, Moltheni.
Ski mask, rock verve, a taste for quick-changing and an extraordinary live impact.
A not secondary element is the special use of syntax. Sick Tamburo is the name
of the project. Their identity is unknown. More exactly, their face is not showed
on the stage during their concerts, following Devo and Resident’s style. Because
their fans, but not only their fans, well know that just Gian Maria Accusani and
Elisabetta Imelio.are the lungs of this spin-off project of the Prozac+ . They are
respectively guitarist and bass player of that band that only some years ago entered
the charts with the pop-punk hits “Pastiglie-Tablets” and“Acida-Acid”, they here
present themselves as guitarist and singer. With a line-up made up with Boom
Girl (the thunder), Mr. Man (the mind), Doctor Eye
(the eye-drums) and String Face (the string- bassplayer) this band starts his national tour 2010 from
Campania, where it will perform the assonant
non-sense rhymes of its first homonymous album,
published twelve months ago. Rock background,
electronic modulations, arrangements emphasizing
the use of delay for narrating the taste of kisses,
seed and blood, fear and moon. They are not
hallucinated but cause hallucinations, more exactly
a “Topoallucinazione-Mouse hallucination”. And
they are the new talents discovered by the label
La Tempesta, also label, among the others, of the
Le luci della centrale elettrica, Il teatro degli orrori,
Moltheni.
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2-04-2010 9:23:59
204
“Luoghi comuni” di Hypertopia
Hypertopia é un’associazione interdisciplinare di artisti e ricercatori. Propone
attraverso il linguaggio dell’arte e delle nuove tecnologie strumenti (arte, teatro,
economia, nuove tecnologie..) e spazi di riflessione sul tema dell’identità in termini
collettivi ma anche individuali, per poi proporre a ricercatori(psicologi, sociologi,
antropologi,economisti...) di analizzare e approfondire le tematiche rilevate con
l’intervento.
Dal 2001 studia e sperimenta una metodologie di indagine che ogni volta si adatta
in funzione del contensto socio-culturale in cui viene applicata (scuole, imprese,
associazioni giovanili, associazioni di tutela di handicap fisico, biblioteca) e si
arricchisce di nuovi linguaggi .
Hypertopia a Salerno
A Salerno il collettivo hypertopia propone una lettura dell’identità della città
attraverso lo sguardo di un gruppo di giovani provenienti da realtà e tradizioni
socio-culturali differenti .
Dal 6 al 12 aprile, i ragazzi seguiti dal video maker Fabio Colazzo raccoglieranno
video interviste di cittadini salernitani che raccontano una loro domanada.
Azioni quotidiane che vorrebbero avere il proprio culmine il giorno 11 di aprile...
in cui tutti i salernitani attarverso con un falsh mob saranno invitati in una
piazza pubblica per scrivere la loro domanda .
Ogni giorno, dopo le interviste il gruppo di giovani si riunirà nel Complesso di
Santa Sofia per realizzerare un microspettacolo di teatro multimediale d’ombre
con la regia di Mara Loro e per riflettere su nuove idee progettuali con il
sostegno della ricercatrice Luigia Simona Sica.
Se con le video interviste avviene una prima lettura del territorio e con il teatro
multimediale d’ombre se ne approfondiscono alcuni aspetti, con la definizione
di alcune idee progettuali dei ragazzi si tenta di elaborare delle risposte a
questi interrogativi. Il giorno 13 di aprile presso il complesso di Santa Sofia
tutti i contenuti video, teatrali e progettuali verranno presentati con l’ausilio del
chiosco multimediale e interattivo dell’artista francese Guillaume Zitoun.
Il progetto fiorirà in relazione alla risposta del territorio. A questo proposito
sorprendente é la collaborazione che fin da ora la cittadinanza ci sta regalando.
Nella speranza che questo sia prima di tutto un momento di festa e di libertà
di espressione la collabiorazione e la partecipazione di ogni cittadino a questo
progetto é per noi, collettivo hypertopia, motivo di grande soddifazione e di
vitalità.
Con il Patrocinio dell’Assessorato alle Politiche Sociali, Comune di Salerno.
Consulenza Scientifica:
Luigia Simona Sica, ricercatrice presso il Dipartimento di scienze relazionali,
Università degli Studi di Napoli Federico II.
2-04-2010 9:23:59
Workshop
205
Giovanna Truda, Docente di Sociologia presso la facoltà di Scienze della
Formazione, Università degli Studi di Salerno.
Mediazione territoriale:
Gianluca De Martino, Associazione Rete Giovani per Salerno.
Francesco Arcidiacono Arci Salerno – Progettto S.P.R.AR. “Centro Ostaglio
Emannuela Adinolfi
Artisti salernitani
Francesco Di Lisa
Pierfrancesco Solimene
Ciro Fundarò
Rosario Memoli
Lucia Lamberti
Musicisti
Mihretughide e Panacea
Paolo Cimmino e Percussion Ensemble Musicateneo
Collaborazione aIlestimento installazione
Sarah Adinolfi
Responsabile azione flash mob Salerno
Pina Stella Caiazzo
Associazioni che partecipano al laboratorio
Rete GIovani per Salerno
Associazione Aut Aut
Associazione Agenzia per la promozione della Gioventu
Associazione Volontariato Comunicazione e Solidarietà
Associazione La Tenda
Associazione Yoga
Teatro Sociale
Associazione Volontariato il Ricino Fiorito
2-04-2010 9:24:00
206
Hypertopia (Turin-Paris )
Hypertopia is an interdisciplinary association of artists and researchers. It suggests,
through the language of art and of new technologies, instruments (art, drama,
economy new technologies,...) and spaces for reflecting upon the theme of
identity from a collective and also an individual point of view, so that to suggest to
researchers (psychologists, sociologists, anthropologists, economists...) the analysis
and study in depth of the themes found during the intervention.
Since 2001 it has studied and experimented a methodology of investigation any
time being adapted to the social-cultural context in which it is applied (schools,
enterprises, youth associations, associations protecting physically handicapped
people, libraries) every time it has enriched itself with new languages.
Hypertopia in Salerno
In Salerno the collective project to be realized suggests a reading of the identity of
the town of Salerno through the observation of a group of young people coming
from different social-cultural contexts and traditions.
From April 6th to April 12th, they will be coordinated by the video maker Fabio
Colazzo and will collect video interviews of Salernitan citizens telling a question.
Daily actions which will have their culminating point on April 11th... on which all
Salernitan citizens will be invited by a flash mob, in a public square to write their
own question.
Every day, after the interviews, the group of young people will meet at the Complex
of Santa Sofia to make a micro show of shadow multimedia theatre by the
direction of Mara Loro and to reflect upon new project ideas with the support of the
researcher Luigia Simona Sica.
If with the video interviews a first reading of the territory is made and with the
shadow multimedia dramatization some of its aspects are analyzed, with the
definition of some project ideas coming from the young people, we try to give
answers to questions.
On april 13th, at the complex of Santa Sofia, all the video, theatre and project
materials will be presented by the help of the multimedia and interactive kiosk of
the French artist Guillaume Zitoun.
The project will develop according to the response of the territory. In this regard it is
surprising how citizens are actively and promptly collaborating with us.
Hoping that this is above all a way to have fun and be able to express ourselves
freely, the collaboration and participation of every citizen into this project, is for
us who belong to the collective hypertopia, a source of big satisfaction and vital
energy.
This project is patronized by the Assessorship for Social Policies of the Town of
Salerno.
Scientific advice:
Luigia Simona Sica, researcher at the Department of Psychology of the
University of Turin.
2-04-2010 9:24:00
Workshop
207
Giovanna Truda, Professor of Sociology at the Faculty of Training Sciences at the
University of Salerno.
Territorial mediation:
Gianluca De Martino, Associazione Rete Giovani per Salerno.
Francesco Arcidiacono Arci Salerno – Progettto S.P.R.AR. “Centro Ostaglio
Emannuela Adinolfi
Artists of Salerno
Francesco Di Lisa
Pierfrancesco Solimene
Ciro Fundarò
Rosario Memoli
Lucia Lamberti
Musicians
Mihretughide e Panacea
Paolo Cimmino e Percussion Ensemble Musicateneo
Collaboration installations
Sarah Adinolfi
Responsible action flash mob Salerno
Pina Stella Caiazzo
Associations
Rete GIovani per Salerno
Associazione Aut Aut
Associazione Agenzia per la promozione della Gioventu
Associazione Volontariato Comunicazione e Solidarietà
Associazione La Tenda
Associazione Yoga
Teatro Sociale
Associazione Volontariato il Ricino Fiorito
2-04-2010 9:24:00
208
L’identità tra scrittura e immagine
Diego De Silva è nato a Napoli nel 1964 e vive
attualmente a Salerno. Ha pubblicato da Einaudi i
romanzi La donna di scorta (2001, finalista premio
Montblanc), Certi bambini (2001, premio selezione
Campiello, finalista premio Viareggio, premi BrancatiZafferata, Fiesole, Bergamo), Voglio guardare (2002,
premio Pisa), Da un’altra carne (2004, premio Melfi)
e l’ultimo Non avevo capito niente (2007, Premio
Napoli; finalista premio Recanati; finalista premio
Strega 2008). Da Certi bambini è stato tratto nel 2004
il film omonimo diretto dai fratelli Frazzi, vincitore
di numerosi premi nazionali e internazionali, fra
cui l’Oscar europeo e due David di Donatello. Suoi
racconti sono apparsi in svariate antologie, fra
cui Disertori e Crimini (Einaudi Stile Libero 2000 e
2005), nel quale ultimo compare Il covo di Teresa,
da cui, nel 2006, è stato tratto l’omonimo film tv
interpretato da Lina Sastri per la regia di Stefano
Sollima. Con Antonio Pascale e Valeria Parrella ha scritto lo spettacolo teatrale
Tre terzi, interpretato da Marina Confalone per la regia di Giuseppe Bertolucci.
Scrive anche per il cinema, la tv e il teatro e collabora al quotidiano Il Mattino
e al mensile Giudizio universale. I suoi libri sono tradotti in Inghilterra, Francia,
Spagna, Germania, Olanda, Portogallo e Grecia.
Diego De Silva was born in Naples in 1964 and currently lives in Salerno. He
has published the novels La donna di scorta (2001, finalist, Montblanc Prize),
Certi bambini (2001, Campiello selection prize, finalist Viareggio Prize, BrancatiZafferata Prizes, Fiesole, Bergamo), Voglio guardare (2002, Pisa Prize), Da un’altra
carne (2004, Melfi Prize) and finally Non avevo capito niente (2007, Napoli Prize;
finalist, Recanati Prize; finalist, 2008 Strega Prize) by Einaudi. In 2004 the film of the
same name directed by the Frazzi brothers was based on Certi bambini, winning
numerous national and international prizes, including the European Oscar and two
David di Donatello. His stories have appeared in a range of anthologies, including
Disertori e Crimini (Einaudi Stile Libero 2000 and 2005), which featured Il covo di
Teresa. In 2006, the TV film of the same name starred Lina Sastri and was directed
by Stefano Sollima. With Antonio Pascale and Valeria Parrella he wrote the play
Tre terzi, starring Marina Confalone and was directed by Giuseppe Bertolucci. He
also writes for the cinema, TV and the theatre and works with Il Mattino and the
monthly Giudizio universale. His books have been translated for the UK, France,
Spain, Germany, Holland, Portugal and Greece.
2-04-2010 9:24:00
Musica
209
Stefano Incerti è nato a Napoli nel 1965.
Appassionato di cinema, tra il 1978 e il 1984 ha
realizzato numerosi cortometraggi in Super8.
Dopo la laurea in Giurisprudenza si trasferisce a
Roma dove inizia a lavorare nel cinema. Diventa
aiuto regista prima di Enzo De Caro per “Io Peter
Pan” (1989) e “Ladri di futuro” (1990), poi di
Pappi Corsicato, Mario Martone (“Rasoi”, 1993) e
Francesco Calogero (“Nessuno”, 1992). Fortissima
è la collaborazione con Martone per il quale sarà anche produttore in “Morte
di un matematico napoletano”(1992) e suo assistente nella messa in scena de
“Riccardo II” di William Shakespeare. È il 1995 quando Incerti decide di passare
dietro la macchina da presa firmando “Il verificatore”, lungometraggio per il
quale ha vinto il David di Donatello come miglior regista esordiente e il Premio
Kodak Opera prima al Festival di Venezia. Nel 1997 firma l’episodio “Il diavolo in
bottiglia” del film corale “I vesuviani”, seguito nel 1999 da “Prima del tramonto”
a cui poi seguono “La Vita come Viene” (2003) e “L’Uomo di Vetro” (2007). Nel
2003 firma anche “Stessa rabbia, stessa primavera” - suo secondo documentario
dopo “Ritratti d’Autore: Francesco Rosi” del 1996 - sul film di Marco Bellocchio
“Buongiorno, notte”. “Complici del Silenzio” è il suo ultimo lungometraggio.
Stefano Incerti was born in Naples in 1965. Keen on cinema, between 1978
and 1984 he made a lot of Super8 short films. After having got a degree in
Law, he moved to Rome where he started working in the cinema. He became
assistant director first of Enzo De Caro for the film “I Peter Pan” (1989) and
then of “Thieves of future” (1990), then for Pappi Corsicato, Mario Martone
(“Rasoi”, 1993) and Francesco Calogero (“Nobody”, 1992). He has very strictly
collaborated with Martone for whom he also produced “Death of a Neapolitan
mathematician”(1992) and was his assistant director in the staging of “Richard
II” by William Shakespeare. In 1995 Incerti decides to work behind the camera as
director of the feature film “The tester”, for this feature film he won the Donatello
David prize as best debutant director and the prize Kodak First Work at the Festival
of Venice. In 1997 he directs the episode “The devil in the bottle” belonging to the
ominibus film “The Vesuvians”, followed in 1999 by “Before the Sunset”, “Life as it
comes” (2003) and “The Glass man” (2007). In 2003 he also directs “Same anger,
Same Spring” – his second documentary film after “Auteur portraits: Francesco Rosi”
in 1996 – about the film by Marco Bellocchio “Good morning, night”. “Accomplices
of silence” is his last feature film.
2-04-2010 9:24:00
210
Giovanna Koch è nata a Roma nel 1949. Dopo aver
conseguito i suoi studi in campo umanistico, frequenta i
primissimi corsi italiani di scrittura cinematografica presso
Cinema Democratico sotto la guida di Leo Benvenuti, Ugo
Pirro ed Enrico Vanzina. Debutta, come collaboratrice alla
sceneggiatura, nella serie televisiva “Il Generale di Luigi
Magni”, sulle avventure napoletane di Giuseppe Garibaldi.
Subito dopo inizia a lavorare per Radio Rai cimentandosi
sia nella redazione di programmi culturali (Il paginone,
Corpo 10, Note Azzurre, Lampi d’inverno, Scaffale), che
nella scrittura di testi e nella conduzione. Parallelo è anche
il percorso nel settore della sceneggiatura, che la porta
prima in Spagna e poi in Nicaragua (per una serie televisiva sulla vita di Sandino
firmata dal regista Miguel Littin), poi nuovamente in Italia con la scrittura di due
tv-movie, una commedia sull’adozione (“Oscar per due”, per la regia di Felice
Farina) e un giallo sul tema dell’usura (“Nessuna paura”, per la regia di Marcello
Avallone). Un breve excursus nel cinema con una storia di ragazzi sbandati
sopra una bellissima barca a vela (“Sottovento!”, per la regia di Stefano Vicario)
e molta scrittura di polizieschi nelle fiction seriali con “Occhio di Falco” (sette
puntate), “La Squadra” (una quindicina di puntate per quattro serie successive),
“Distretto di Polizia” (due puntate).
Giovanna Koch was born in Rome in 1949. After having studied classical
subjects, she attended the very first Italian courses of cinematographic writing at
the Democratic Cinema, under the guide of Leo Benvenuti, Ugo Pirro and Enrico
Vanzina. She debuted, as script writing assistant in the Tv serial “The General” by
Luigi Magni”, about the Neapolitan adventures of Giuseppe Garibaldi, Soon after
that she started working in the editing staff of cultural programs for Radio Rai
(for programs like Il paginone, Corpo 10, Note Azzurre, Lampi d’inverno, Scaffale),
and at the writing of texts and the conduction of programs. At the same time she
has much worked in the field of script writing, and for this she goes first to Spain
and then to Nicaragua (for a Tv serial on Sandino’s life, directed by Miguel Littin),
then she comes back to Italy and writes the script of two Tv movies, of a comedy
on adoption (“Oscar for two”, directed by Felice Farina) and a detective story
about the theme of usury (“Do not be afraid”, directed by Marcello Avallone). She
has also written other scripts, such as one about the story of wild boys sailing on
a very beautiful sailing boat (“Lee!”, directed by Stefano Vicario) and many others
for the detective serials “Hawk-eyes” (episodes), “The Squad” (fifteen episodes for
four serials, each one broadcasted for four successive years), “Police District” (two
episodes).
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Musica
211
Silvio Perrella è nato a Palermo nel 1959 ma vive e
lavora a Napoli da molti anni dove attualmente ricopre la
carica di presidente della Fondazione Premio Napoli. Tra
le sue opere: “Calvino” (Laterza, 1999), “Fino a Salgareda.
La scrittura nomade di Goffredo Parise” (Rizzoli, 2003) e
“Giùnapoli” (Neri Pozza, 2006). Ha curato e introdotto il
“Meridiano Mondadori” dedicato a Raffaele La Capria.
Per Adelphi si sta occupando dei libri di Goffredo Parise.
Ha curato e introdotto diversi saggi come “Il critico come
artista” di Oscar Wilde (Feltrinelli, 1995), “L’aria della sera e
altri racconti” di Silvio D’Arzo (Bompiani, 1995), “Nel ventre
della balena e altri saggi” (Bompiani, 1996), “Verba volant.
Profezie civili di un anticonformista” (Liberal, 1998), “New York” di Goffredo
Parise (Rizzoli, 2001), “Lontano” di Goffredo Parise (Avagliano editore, 2002),
“L’estate e altri saggi solari” di Albert Camus (Bompiani, 2003 con Caterina
Pastura. Dirige la rivista mediterranea “Mesogea”. Collabora stabilmente con
“L’Indice” e a “Il Mattino”. È professore a contratto dell’Università “Orientale” di
Napoli.
Silvio Perrella was born in Palermo in 1959 but he has lived and worked in Naples
for many years, where he presently acts as president of the Foundation Naples
prize. Among his works there are: “Calvino” (Laterza, 1999), “Up to Salgareda. The
nomad writing by Goffredo Parise” (Rizzoli, 2003) and “Giùnapoli” (Neri Pozza,
2006). He has edited the “Meridiano Mondadori” dedicated to Raffaele La Capria.
For the publishing house Adelphi he is editing the works by Goffredo Parise. He has
edited and written the introductions to many essays such as “The critic as artist” by
Oscar Wilde (Feltrinelli, 1995), “The evening air and other essays” by Silvio D’Arzo
(Bompiani, 1995), “In the womb of the whale and other essays” (Bompiani, 1996),
“Verba volant. Civil prophecies of an nonconformist” (Liberal, 1998), “New York” by
Goffredo Parise (Rizzoli, 2001), “Far away” by Goffredo Parise (Avagliano editore,
2002), “The Summer and other sunny essays” by Albert Camus (Bompiani, 2003
in collaboration with Caterina Pastura. He directs the Mediterranean magazine
“Mesogea”. He permanently collaborates with the newspapers “L’Indice” and “Il
Mattino”. He is a contract professor at the University “Orientale” in Naples.
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Il simposio:
cibo, cultura, conversazione
Cibo, cultura e conversazione sono legati indissolubilmente. Parlare a tavola è
piacevole e di buona educazione, anche con la bocca piena. E parlare di cultura
è piacere doppio, piacere al quadrato, specialmente per noi, intellettuali della
Magna Grecia, abituati da millenni a esercitare insieme queste arti.
“Il simposio” vede conversare, intorno a del cibo preparato da chef di qualità,
alcuni ospiti del Festival che si occupano di organizzazione culturale e gli
organizzatoti di Linea d’Ombra, per vedere come confrontare le esperienze,
come costruire reti, come rafforzare relazioni. Perché noi intellettuali,
specialmente in Magna Grecia, siamo molti bravi a conversare, ma poi non
siamo capaci di metterci d’accordo, di collaborare, di “fare rete” come si dice
oggi. Invece da questo bisogna partire, qui è il nodo, qui è il salto, questo è il
Rubicone, non possiamo aspettare ancora. Questa volta a tavola converseremo
piacevolmente, ma troveremo anche le ragioni della collaborazione.
L’evento si svolgerà nel Teatro Vittoria, una struttura multifunzionale, che oltre
ad avere una cucina attrezzata, è anche organizzata per ospitare eventi e
convegni. Situata nel Centro di Salerno a due passi dal Teatro Augusteo è luogo
d’incontro ideale per questi appuntamenti.
Il format prevede due momenti diversi che si intrecciano: un dibattito, che vede
confrontarsi ospiti provenienti non solo dalla regione, e la ristorazione. I dibattiti
saranno organizzati su quattro tematiche: la produzione culturale, cibo e
cultura, industria e cultura, festival in Campania. Ogni dibattito sarà strutturato
come una conversazione, per cui l’ospite sarà sottoposto a domande e proposte
da parte dell’organizzazione del Festival, ma anche degli altri ospiti presenti.
Il tema generale è chiaro: far incontrare operatori regionali, con qualche
incursione nazionale, per cercare collaborazioni e sinergie. I tempi cambiano, il
livello dei finanziamenti pubblici è destinato a diminuire anche drasticamente,
sia per quel che riguarda gli interventi statali, sia i fondi strutturali gestiti dalle
Regioni. Quindi occorre imparare a fare impresa, a cercare altre fonti di entrata,
a lavorare sulle sponsorship e sulle attività collaterali capaci di procurare
ricavi. E occorre collaborare, non gestire il proprio settore in competizione o
in isolamento. Il futuro degli eventi culturali in Campania è legato dunque alla
capacità di innovare e di trovare strade diverse, altrimenti di cultura non si
parlerà più.
La parte del cibo è organizzata con la presenza di quattro (tutte donne) diverse
chef emergenti della regione. Il tema è duplice: da una parte il finger food,
cibo per giovani, dall’altra l’uso dei vegetali, caratteristica della cucina locale.
A lungo i napoletani sono stati nominati “magnafoglie” per la loro dieta basata
sugli ortaggi e sulle verdure che crescevano sul fertilissimo territorio vulcanico.
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Musica
215
La cucina vegetariana non è perciò una scelta trendy, ma un legame con la
tradizione.
L’idea è dunque quello di lavorare sulla sperimentazione di un modello di cibo
adatto ai giovani, ma che esca dalla dicotomia fast-food/cibo della nonna.
Tradizione e innovazione, sperimentazione e prodotto locale, questa è la sfida
affidata alle chef.
Queste conversazioni a tavola giocano dunque con il tema dell’identità da
più punti di vista: perché il mangiare, senza scomodare Feurbach, da sempre
segna la nostra coscienza e il nostro “essere”; perché il mangiare dei giovani
è oggi privo di identità, schiacciato dalla globalizzazione che dà in questo
campo i suoi peggiori effetti; perché l’arte e la cultura sono luoghi di ricerca
dell’identità, come vuol dimostrare l’intero Festival. Perché la dialettica tra locale
e innovazione, infine, è l’unica in cui si può lavorare per darsi un progetto di
nuove identità.
Michele Rosco
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216
Programma gastronomico: Le Magnafoglie a Linea d’Ombra
Quattro pranzi vegetariani del Sud da spizzicare, cucinati in rosa
A cura di Luciano Pignataro
14 Aprile
Lina Martone
Il Megaron, Paternopoli
L’orto dell’Irpinia
15 Aprile
Teresa Di Napoli
Il Papavero, Eboli
La verdura della Piana del Sele
16 Aprile
Rosa Rocco
La Tavernola, Battipaglia
Gli ortaggi della Piana del Sele
17 Aprile
Giovanna Voria
Agriturismo Corbella, Cicerale
La biodiversità del Cilento
Nel bicchiere i vini di
Centrella
Feudi di San Gregorio
Longo
Viticoltori De Conciliis
Programma culturale: Cibo cultura e conversazione
Discussioni a bocca piena tra cultura e sviluppo locale
14 Aprile
Cultura come risorsa per lo sviluppo
con Maurizio Gemma, direttore generale Campania Film Commission
modera: Agostino Riitano
In questa conversazione si discuterà di come produrre in Campania sviluppo
attraverso la cultura, e specialmente di come portare gli eventi culturali, oggi
dedicati alla distribuzione di “prodotti” realizzati altrove, possano diventare essi
stessi produttori culturali.
2-04-2010 9:24:01
Simposio
217
15 aprile
Cibo e cultura
con Cinzia Scaffidi, responsabile del centro studi di Slow Food
Luciano Pignataro, giornalista de “Il Mattino”
modera:Valerio Borgianelli
Con l’aiuto dello Slow Food Nazionale e del curatore della parte culinaria
dell’evento, oltre che opinion leader del mangiarbere in Campania, si ragionerà
della possibilità che il cibo non sia semplice supporto agli eventi, funzione
ancillare e al massimo fonte di ricavi, ma protagonista della cultura.
16 aprile
Imprese e cultura: sponsor o partner?
con Antonio Bottiglieri, Vice Presidente Fondazione Cassa di Risparmio
Salernitana e Adriano Giannola, Presidente Istituto Banco di Napoli - Fondazione
Modera: Michele Rosco
Qual è il rapporto tra imprese e cultura? Che cosa significa svolgere il ruolo di
sponsorship di eventi culturali? Non è più tempo di mecenatismo, ma di vere
e proprie partnership, in cui la promozione di un territorio significhi anche
promozione del sistema delle imprese.
17 aprile
Eventi in Campania: quali collaborazioni?
con Claudio Gubitosi, ideatore e direttore artistico Giffoni Film Festival,
Domenico De Masi, Presidente della Fondazione Ravello
Antonio Oddati, dirigente Regione Campania - Responsabile dell’Obiettivo
Operativo 1.10 POR FESR Campania 2007.2013
Modera: Peppe D’Antonio
Con i principali protagonisti degli eventi in Campania e con la partecipazione
della Regione, si discuterà di quali prospettive ci sono per la collaborazione tra i
Festival, ma specialmente quali prospettive e quali progetti si aprono nel nuovo
decennio.
2-04-2010 9:24:01
218
The symposium: food, culture,
conversation
Food, culture and conversation are tightly linked to each other.To talk at table
is pleasant and is a sign of politeness, even with a full mouth. And to talk about
culture is a double pleasure, squared pleasure, specially for us, intellectuals of
Magna Grecia, having practiced these arts for millennia.
“The symposium” is a conversation while tasting food prepared by an
appreciated chef, held by some guests of the Festival working in the field of
cultural event organization and the organizers of Linea d’Ombra, in order to
exchange their opinions, to build networks, strengthen relationships. Because
we, intellectuals from Magna Grecia, are very good at talking, but then we are
not able to reach an agreement, to collaborate, to “make a network” as it is
said today. Therefore we must start from this, this is the point, this is the turning
point, this is our Rubicon river to be crossed, we cannot wait anymore. This is
why we will have a pleasant conversation at table, and we will also find good
reasons for our collaboration.
The event will take place at the Vittoria Theatre, a multi-function structure,
which besides having a well equipped kitchen, is also suitable for hosting
events and meetings. Situated in the centre of Salerno a few metres from
Augusteo Theatre, it is the ideal place for these appointments.
The format of this event provides two steps which are interconnected: a
debate in which guests coming not only from other parts of Campania region,
and dinner. Debates will be organized according to four themes: cultural
production, food and culture, industry and culture, festivals in Campania.
Each debate will have a conversation pattern, that is the guest will have to
answer questions asked by the Festival organizers, as well as by the other
guests participating into the event. The general theme is simple: to let regional
operators in the field of cultural event organization meet together in order to
find collaborations and synergies. Times are changing, the amount of public
funds is going to drastically decrease, both as regards state interventions and
the structural funds managed by Regional Administrations. Then it is necessary
to learn enterprise strategies, to look for other sources of income, to work for
finding sponsorships and at the other related potentially profitable activities. It
is also necessary to collaborate, not to manage one’s own sector by competition
and in isolation. The future of cultural events in Campania is then linked to the
ability of innovating and finding new possibilities, otherwise culture will not be
a topic of interest and debate anymore.
The part of the event referring to food has been organized with the presence
of four (all of them are women) different emerging chefs from Campania. The
theme is double: on one side there is finger food, food for young people, on the
2-04-2010 9:24:01
Simposio
219
other side there is the use of vegetables, a characteristic of the local cuisine. For
a long time Neapolitans have been called “magnafoglie”(that is leaf eaters) for
their diet based on vegetables which were grown on their very fertile volcanic
territory. Vegetarian cuisine is then not a trendy choice, but a link with tradition.
The idea is then that of working on the experimentation of a kind of food
suitable for young people, but outside the dichotomy fast-food/grandmother’s
food. Tradition and innovation, experimentation and local products, this the
challenge our chefs will take up.
These table conversation then play with the theme of identity from different
points of view: because to eat, without disturbing Feuerbach, has always the
mark of our conscience and our “being”; because young people’s eating habits
show to have no identity, suppressed by globalization which produces its worst
effects in this field; because art and culture are places for a search of identity,
as the whole Festival shows. Because the dialectics between local traditions
and innovation, at last, is the only context within we can work to plan new
identities.
Michele Rosco
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220
Gastronomy program: The Magnafoglie (Leaf eaters) at Linea d’Ombra
Four vegetarian lunches from the South to nibble at, cooked in pink
By Luciano Pignataro
April 14th
Lina Martone
Il Megaron, Paternopoli
The orchard of Irpinia
April 15th
Teresa Di Napoli
Il Papavero, Eboli
Greens of the Sele plain
April 16th
Rosa Rocco
La Tavernola, Battipaglia
Vegetables of the Sele plain
April 17th
Giovanna Voria
Farmhouse Corbella, Cicerale
Biodiversity in Cilento
Nel bicchiere i vini di
Centrella
Feudi di San Gregorio
Longo
Viticoltori De Conciliis
Cultural program: Food culture and conversation
Conversations with a full mouth between culture and local development
April 14th
Culture as resource for development
with Maurizio Gemma, general director Campania Film Commission
moderator: Agostino Riitano
In this conversation the ways to produce development in Campania by
culture, will be discussed specially as regards how to present cultural
events, which today are devoted to the distribution of “products” made
elsewhere, and which can instead become culture producers themselves.
2-04-2010 9:24:01
221
April 15th
Food and culture
with Cinzia Scaffidi, manager of the study centre of Slow Food
Luciano Pignataro, journalist of “Il Mattino”
moderator:Valerio Borgianelli
By the help of the National Slow Food and the organizer of the gastronomic
part of this event, who is also an opinion leader of good eating in
Campania, the possibility that food is not only a pleasant accessory to
events, having an ancillary function and being at most source of income,
but a protagonist of culture, will be the subject for this conversation.
April 16th
Enterprises and culture: sponsor or partner?
with Giovanni Vietri, President of the Foundation Cassa di Risparmio
Salernitana
Moderator: Michele Rosco
What is the relationship between enterprises and culture? What does it
mean to perform the role of sponsor of cultural events? It is not the time for
patronage anymore, but for real partnerships, in which the promotion of a
territory can also mean promotion of the enterprise system.
April 17th
Events in Campania: what collaborations?
with Claudio Gubitosi, creator and art director of Giffoni Film Festival,
Domenico De Masi, President of the Ravello Foundation
Antonio Oddati, Manager of the Regional Administration of Campania
– responsible for the Operational Objective 1.10 POR FESR Campania
2007.2013
Moderator: Peppe D’Antonio
Together with the main protagonists of events in Campania and with the
participation of the Regional Administration, the possible prospects of
collaboration between different Festivals, but above all what future cultural
prospects and projects within the next ten years are foreseen, will be
discussed in this conversation.
2-04-2010 9:24:02
222
2-04-2010 9:24:02
Indice
223
Indice
Gerenze
Presentazioni
Vincenzo De Luca
Edmondo Cirielli
Peppe D’Antonio
Agostino Riitano
Cinema – Passaggi d’Europa
Dalla B alla Zeta
di Peppe D’Antonio
Bollywood Hero
The disappearance of
Alice Creed
Friendship!
Nothing personal
Zero
Cinema – CortoEuropa
Dove vuole arrivare il cinema?
di Luca Granato e Gaetano Maiorino
5 recuerdos
Amona Putz!
Arena
Banduryst
Bingo
Blu sofà
Dimmi cosa vedi
Esta manana
Il grande forse
Hnappurinn
If I should fall behind
Io parlo!
Jacco’s Film
La porta
Saharské Pisky
Schonzeit
Separation Agency
4
8
10
12
18
20
23
26
29
32
35
40
44
46
48
50
52
54
56
58
60
62
64
66
68
70
72
74
76
Stato privato
Strngs of affection
Toute ma vie
L’uomo dei sogni
Val Dool!
Villingur
Il vincitore
The way to Macondo
Cinema – L’altra identità: il cinema
rumeno contemporaneo
George Bologan
Noi, loro. La Romania contemporanea
attraverso il cinema
di Peppe D’Antonio
L’altra identità: il cinema rumeno
contemporaneo
di Nicola Falcinella
4 luni, 3 saptamani si 2 zile
Amintiri din Epoca de Aur
Le Concert
Francesca
Moartea Domnului Lazarescu
Politist, adjectiv
Cinema – La notte dei mutanti
La notte dei mutanti
di Francesco Marino Iandiorio
Il bacio della pantera
di Floriana Bonifacio
Inseparabili
di Sebastiano Maritato
District 9
di Pietro Simone Di Chiara
Face/Off
di Antonella Russo
78
80
82
84
86
88
90
92
96
98
100
108
110
112
114
116
118
120
122
126
128
130
134
136
2-04-2010 9:24:02
224
Frankenstein Junior
di Maria Elena Massa
Tetsuo – The Iron man
di Lucia Arminio
Cat People
Dead Ringers
District 9
Face/Off
Young Frankenstein
Memento
Tetsuo-The Iron man
Cinema – Fuori Concorso
La bocca del lupo
Performing Art
Identità e rappresentazione
Razzaumana/Italia by Oliviero Toscani
Me da igual/Rubbish Rabbit
by Tony Clifton Circus
Emerald City – Fanny & Alexander
7 – 14 – 21 – 28. Flavia Mastrella
e Antonio Rezza
138
144
148
150
152
154
156
158
160
164
168
172
173
177
181
Musica
… alla ricerca dell’identità…
musicale…
di Eddy Palescandolo
Tetine
ATOM
Notic Nastic
Prosato
Dani Siciliano
Pantha du Prince
DOP
Ernesto Ferreya
Afterhours a Teatro
Sick Tamburo
Laboratori e Workshop
“Luoghi comuni” di Hypetropia
L’identità tra scrittura e imagine
Diego De Silva
Stefano Incerti
Giovanna Koch
Silvio Perrella
Simposio
Il Simposio: cibo, cultura,
conversazione
di Michele Rosco
188
190
191
192
192
193
195
196
197
198
202
204
208
214
2-04-2010 9:24:02

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