PALAZZETTO BRU ZANE CENTRE DE MUSIQUE ROMANTIQUE

FESTIVAL
ÉDOUARD LALO TRA FOLKLORE E WAGNERISMO
DAL 26 SETTEMBRE AL 10 NOVEMBRE 2015
Palazzetto Bru Zane – giovedì 5 novembre, ore 20
Parigi 1900
Quatuor Hermès
Omer Bouchez e Elise Liu, violini
Yung-Hsin Chang, viola
Anthony Kondo, violoncello
PALAZZETTO
BRU ZANE
CENTRE
DE MUSIQUE
ROMANTIQUE
FRANÇAISE
Come Bizet deve la sua gloria a una sola opera, Carmen, così la
fama di Lalo, per i posteri, appare indissolubilmente legata alla
Symphonie espagnole per violino e orchestra (1875), il cui successo
internazionale non è mai venuto meno. Per i più curiosi, Lalo è
anche l’autore del Roi d’Ys, un’opera ispirata a una leggenda
bretone, regolarmente presente nei programmi lirici. È tutta qui
la notorietà di questo artista, il quale univa a un temperamento
rivoluzionario (che gli costò l’esclusione dagli ambienti «ufficiali»)
un gusto troppo tedesco per soddisfare le regole dell’accademismo
francese; tuttavia, fermarsi a questa visione semplicistica significa
non conoscere Lalo e la sua opera. Per riabilitare il compositore
in tutta la varietà che lo contraddistingue, in questa stagione il
Palazzetto Bru Zane si impegna a far rinascere una parte importante
della sua musica, dallo stile eterogeneo e spesso sorprendente:
il ciclo di concerti veneziano permetterà di riscoprire i suoi trii,
quartetto e quintetto, le sonate e molte delle sue trentadue
mélodies, oggi quasi sconosciute.
Au même titre que Bizet est l’homme d’une œuvre – Carmen –, la
postérité de Lalo semble irrémédiablement liée à sa Symphonie
espagnole pour violon et orchestre (1875) dont le succès international
n’a jamais été démenti. Pour les plus curieux, Lalo est aussi l’auteur
du Roi d’Ys, opéra inspiré d’une légende bretonne qui resurgit
régulièrement dans les programmes lyriques. Voilà la seule notoriété
d’un artiste associant à un tempérament révolutionnaire (qui lui valut
l’exclusion des milieux officiels) un goût trop allemand pour satisfaire
aux règles de l’académisme français. C’est pourtant mal connaître
l’homme et son œuvre que de s’arrêter à ce panorama simpliste. Pour
réhabiliter le compositeur dans toute sa variété, le Palazzetto Bru Zane
s’engage cette saison dans la résurrection d’une partie importante de
sa musique, au style aussi panaché que déroutant : le cycle des concerts
vénitiens fera ainsi entendre ses trios, sonates, quintette et quatuor
et une grande partie de ses trente-deux mélodies, presque inconnues
aujourd’hui.
Il quartetto d’archi nell’Ottocento
Portato alla perfezione stilistica da Haydn e Mozart, il genere del
quartetto diventa con Beethoven un luogo di sperimentazione in cui
nessuno strumento predomina sugli altri. Concezione che non prevale
immediatamente in Francia: Rode e Kreutzer coltivano il «quartetto
brillante», in cui il primo violino canta accompagnato dai suoi tre
comprimari. Ma sotto l’influsso beethoveniano s’imporrà a poco a
poco la maniera egualitaria, di pari passo con la concezione che fa del
quartetto il genere serio per eccellenza, luogo delle confidenze del
compositore. Mentre oltre Reno sono Schubert, Mendelssohn, Schumann
o Brahms a scrivere quartetti, in Francia ne scrivono Reber, Boëly, David,
Blanc, Gouvy o Castillon. Particolare attenzione meritano le produzioni
di Onslow e di Dancla: il primo s’inserisce nel solco di Mendelssohn e
Beethoven (trentasei quartetti tra il 1811 e il 1846), il secondo adotta uno
stile melodico più leggero (quattordici quartetti tra il 1839 e... il 1900!).
Nell’ultimo quarto di secolo il genere si fa più profondo: le partiture
sono meno numerose ma più dense. Accanto a Gounod, e mentre in un
primo tempo Saint-Saëns e Fauré evitano il genere, nel 1890 Franck offre
invece un importante contributo che ispira il giovane Debussy, d’Indy,
Chausson, Magnard, e dal quale Ravel sarà il primo a emanciparsi nel
1903. Il Quartetto di Lalo si inserisce tra questi cambiamenti, di tradizione
germanica ma pure visionario, oltrepassa l'ambito del salotto e si vuole
capolavoro unico del compositore in questo campo.
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Le quatuor à cordes au XIXe siècle
Porté à sa perfection stylistique par Haydn et Mozart, le genre du
quatuor devient avec Beethoven un lieu d’expérimentation, où aucun
instrument ne prime sur les autres. Conception qui ne prévaut pas
immédiatement en France : Rode et Kreutzer cultivent le « quatuor
brillant », où le premier violon chante, accompagné par ses trois
comparses. Mais sous l’influence beethovénienne, la manière égalitaire
s’imposera peu à peu, de même que la conception faisant du quatuor le
genre sérieux par excellence, lieu des confidences du compositeur. Tandis
qu’outre-Rhin Schubert, Mendelssohn, Schumann ou Brahms écrivent
des quatuors, ce sont en France Reber, Boëly, David, Blanc, Gouvy ou
Castillon. Les productions d’Onslow et de Dancla méritent une attention
particulière : le premier s’inscrit dans les lignées de Mendelssohn et
Beethoven (trente-six quatuors entre 1811 et 1846), le second use d’un
style mélodique plus léger (quatorze quatuors entre 1839 et... 1900 !)
Dans le dernier quart du siècle, le genre s’approfondit : les partitions
sont moins nombreuses mais plus denses. À côté de Gounod, et tandis
que Saint-Saëns et Fauré évitent d’abord le genre, Franck lui apporte
en 1890 une contribution majeure qui inspire le jeune Debussy, d’Indy,
Chausson, Magnard, et dont Ravel sera le premier à s’émanciper en
1903. Le Quatuor de Lalo s’inscrit à la croisée de ces mutations, de
tradition germanique mais pourtant visionnaire, il dépasse le cadre du
salon et se veut chef-d’œuvre unique du compositeur dans ce domaine.
Édouard Lalo
Quatuor à cordes :
Allegro vivo – Andante non troppo – Vivace – Appassionato
Namouna
(« Sérénade » arrangée pour quatuor à cordes)
~ Intervallo/Entracte ~
Gabriel Fauré
Quatuor à cordes :
Allegretto moderato – Andante – Finale : Allegro
Durata del concerto / Durée du concert
1h10
Le opere
Les œuvres
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Édouard Lalo: Quartetto per archi
Allegro vivo – Andante non troppo – Vivace – Appassionato
Édouard Lalo : Quatuor à cordes
Allegro vivo – Andante non troppo – Vivace – Appassionato
Iniziato da Lalo nel 1856 ed eseguito nella sua prima versione
nell’aprile 1859 dal Quatuor Armingaud (di cui era stato uno dei
fondatori), il Quartetto in mi bemolle maggiore op. 45 venne rielaborato
dall’autore nel 1883 e ripresentato sotto questa forma il 27 dicembre
1884 alla Société nationale de musique. Il brano, pieno di foga e
vivacità ritmica, reca la firma stilistica di Lalo. Il primo movimento
presenta dapprima un tema dal ritmo fortemente caratterizzato,
detto «zoppo» o «lombardo»: una nota breve fortemente accentata
seguita da una nota puntata. Quanto al secondo tema, è costruito
su un ritmo sincopato, accompagnato da pizzicati del violoncello.
L’esposizione è seguita da uno sviluppo agitato, basato su brevi,
appassionati scambi tra gli strumenti che modulano verso tonalità
molto remote. Il secondo movimento, in do minore, è formato da
due parti, ove la seconda costituisce una ripresa variata della prima;
assai espressivo, evoca le ultime opere di Beethoven, alle quali
bruschi silenzi e linee melodiche di grande eloquenza conferiscono
una dimensione drammatica rimasta a lungo ineguagliata. Lo
scherzo, in sol minore, non allenta minimamente la tensione: in
esso la scrittura strumentale, costellata di aspri contrasti, diventa
irruente. Il trio instaura tuttavia un clima più leggero, colorato
dai pizzicati del violoncello che accompagnano le agili figurazioni
del violino. Il finale, in mi bemolle maggiore, la cui riesposizione è
introdotta da un ritorno dello scherzo, riprende il tono patetico del
secondo movimento.
Commencé par Lalo en 1856 et créé dans une première version en avril
1859 par le quatuor Armingaud (dont il fut l’un des co-fondateurs), le
Quatuor en mi bémol majeur op. 45 fut remanié par son auteur en
1883 et créé pour la seconde fois le 27 décembre 1884 à la Société nationale
de musique. Cette œuvre, pleine de fougue et de vivacité rythmique, porte
la signature du style de Lalo. Le premier mouvement présente d’abord un
thème au rythme fortement caractérisé, « boiteux » ou « lombard » : une
note très brève et accentuée suivie d’une valeur longue. Le second thème
est, quant à lui, construit sur un rythme de syncope, accompagné par
des pizzicati du violoncelle. L’exposition est suivie d’un développement
agité, fondé sur de courts échanges passionnés entre les instruments
qui modulent vers des tonalités très éloignées. Le deuxième mouvement,
en ut mineur, est formé de deux parties, la deuxième constituant une
reprise variée de la première. Très expressif, il évoque les dernières œuvres
de Beethoven, auxquelles des silences abrupts et des lignes mélodiques
d’une grande éloquence confèrent une dimension dramatique longtemps
inégalée. Le scherzo, en sol mineur, ne détend guère l’atmosphère :
l’écriture instrumentale, émaillée de brusques contrastes, s’y fait violente.
Le Trio instaure toutefois un climat plus léger, coloré par les pizzicati du
violoncelle accompagnant les souples dessins des violons. Le finale, en
mi bémol majeur, dont la réexposition est introduite par un retour du
scherzo, renoue avec le ton pathétique du second mouvement.
Édouard Lalo: Namouna (Sérénade arrangiata per
quartetto d’archi)
Riprova del successo del balletto omonimo, l’arrangiamento per
quartetto d’archi della Sérénade tratta dalla suite per orchestra del
balletto-pantomima Namouna di Lalo è anche rappresentativo degli
scambi e delle sinergie tra sedi teatrali e generi musicali diversi,
abituali nell’Ottocento. Il balletto Namouna, composto nel 1881-1882
su un soggetto di Charles Nuitter, basato a sua volta su un «racconto
orientale» in versi di Alfred de Musset ispirato alle Orientales di Victor
Hugo, andò in scena all’Opéra nel 1882; l’anno dopo il compositore ne
trasse una suite per orchestra, che fu eseguita al Théâtre du Château
d’Eau sotto la direzione di Charles Lamoureux. L’opera è inoltre stata
oggetto di varie trascrizioni per formazioni da camera, destinate
a esecuzioni nei salotti. Secondo brano della suite per orchestra,
la Sérénade reca il segno dell’ispirazione orientalista di Namouna,
ispirazione che si manifesta anzitutto attraverso l’orchestrazione,
qui ridotta al quartetto trasformato in grande chitarra o in un altro
strumento a corde pizzicate (pizzicato con sordina). La scrittura è,
peraltro, animata da numerosi contrasti di sfumature, che rendono
ancora più pittoresco il trattamento strumentale. Interamente
costruito su un ostinato di crome, il brano presenta poi un ritmo
molto marcato, caratterizzato da giochi di accenti che evocano
la danza; non offre contenuti tematici molto sviluppati, quanto
piuttosto motivi sinuosi, che tratteggiano l’atmosfera alquanto
vorticosa di questo racconto orientale portato sulle scene.
Édouard Lalo : Namouna (« Sérénade » arrangée pour
quatuor à cordes)
Témoin du succès du ballet dont il est issu, l’arrangement pour quatuor
à cordes de la Sérénade extraite de la suite d’orchestre tirée du balletpantomine Namouna de Lalo, est aussi emblématique des circulations
entre les différentes scènes et les divers genres musicaux au XIXe siècle.
Composée en 1881-1882 sur un argument de Charles Nuitter, lui-même
fondé sur un « conte oriental » en vers d’Alfred de Musset inspiré des
Orientales de Victor Hugo, représentée sous la forme d’un ballet sur la
scène de l’Opéra en 1882, Namouna est ensuite donnée, partiellement,
en tant que suite d’orchestre, au théâtre du Château d’eau l’année
suivante, sous la direction de Charles Lamoureux. L’œuvre a aussi fait
l’objet de multiples transcriptions pour effectifs de chambre à destination
des salons. Deuxième pièce de la suite orchestrale, la Sérénade porte la
marque de l’inspiration orientaliste de Namouna. Celle-ci se manifeste
tout d’abord à travers l’orchestration, ici réduite au quatuor transformé
en vaste guitare ou autre instrument à cordes pincées (jeu en pizzicato
avec sourdine). L’écriture est par ailleurs animée par de nombreux
contrastes de nuances qui ajoutent au pittoresque de ce traitement
instrumental. Entièrement construite sur un ostinato de croches, la
pièce offre ensuite une rythmique très marquée, caractérisée par des jeux
d’accents qui évoquent la danse. Ce morceau n’offre enfin aucun contenu
thématique très développé, plutôt des motifs sinueux qui achèvent de
camper l’atmosphère quelque peu tourbillonnante de ce conte oriental
passé par la scène.
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Gabriel Fauré: Quartetto per archi
Allegretto moderato – Andante – Finale: Allegro
Gabriel Fauré : Quatuor à cordes
Allegretto moderato – Andante – Finale : Allegro
Composto nel 1923-1924 e dedicato al critico musicale Camille
Bellaigue, il Quartetto in mi minore op. 21 di Fauré fu eseguito per la
prima volta il 12 giugno 1925 al Conservatorio di Parigi, alcuni mesi
dopo la morte del compositore. Primo tentativo di Fauré in questo
genere canonico – sul quale per tutto l’Ottocento ha continuato ad
aleggiare l’ombra di Beethoven –, esso è anche il suo ultimo lavoro.
Il primo movimento, dall’atmosfera malinconica, è una forma sonata
libera, con due sviluppi: uno al termine dell’esposizione, l’altro alla fine
della riesposizione, prima della coda. Il primo tema è costruito sotto
forma di dialogo tra la viola, tesa, e il violino, più calmo. Il secondo
tema è esposto cantando dal primo violino. Tali frasi diventano poi
materia di un lavoro contrappuntistico che costruisce lo sviluppo.
Nella riesposizione risuona il secondo tema, in una luminosa
tonalità di mi maggiore che rischiara lo sviluppo finale. L’Andante
presenta un tema pieno di ispirazione, esposto dal primo violino,
cui segue una melodia ascendente affidata alla viola e poi al violino,
su batterie di crome suonate dagli altri strumenti. L’esposizione di
questa forma ternaria, che ha qualcosa anche del rondò, si conclude
con un malinconico motivo della viola. Tutto questo movimento,
che presenta un’orchestrazione e armonie estremamente raffinate,
è impregnato di un’espressiva dolcezza in cui alcuni studiosi hanno
voluto vedere una sorta di «canto del cigno» del compositore. Il breve
quartetto termina con un Allegro imperniato su un tema-refrain di
ispirazione popolare, esposto dapprima dal violoncello.
Composé en 1923-1924, dédié au critique musical Camille Bellaigue,
le Quatuor en mi mineur op. 21 de Fauré fut créé le 12 juin 1925 au
Conservatoire de Paris, quelques mois après la mort du compositeur.
Premier essai de Fauré dans ce genre canonique sur lequel l’ombre de
Beethoven n’a cessé de planer tout au long du XIXe siècle, le quatuor
est aussi sa dernière œuvre. Le premier mouvement, à l’atmosphère
mélancolique, est une forme sonate libre, à deux développements (l’un
à la fin de l’exposition, l’autre à la fin de la réexposition, avant la coda).
Le premier thème est construit sous forme de questions et réponses entre
l’alto, tendu, et le violon, plus apaisé. Le second thème est énoncé cantando
au premier violon. Ces phrases font ensuite toutes deux l’objet d’un
travail contrapuntique construisant le développement. La réexposition
fait entendre le second thème au ton lumineux de mi majeur, qui éclaire le
développement terminal. L’Andante présente un thème plein d’aspiration
énoncé au premier violon, auquel succède une mélodie ascensionnelle
confiée à l’alto, puis au violon, sur des batteries de croches des autres
instruments. L’exposition de cette forme ternaire, qui emprunte aussi à
la forme rondo, s’achève par un motif mélancolique de l’alto. L’ensemble
de ce mouvement, à l’orchestration et aux harmonies extrêmement
raffinées, est empreint d’une douce expressivité dans laquelle certains
commentateurs ont vu le « chant du cygne » du compositeur. Ce bref
quatuor se termine sur un Allegro au thème-refrain d’allure populaire,
énoncé tout d’abord au violoncelle.
I compositori
Les compositeurs
Gabriel Fauré (1845-1924)
Figlio del direttore di una Scuola Normale, Fauré fu iscritto già
all’età di nove anni alla Scuola di musica classica e sacra fondata
nel 1853 da Louis Niedermeyer. Allievo di Loret (organo), SaintSaëns (pianoforte) e Niedermeyer stesso (composizione), ricevette
una formazione eccezionalmente ricca, che gli fece scoprire sia i
maestri antichi che quelli moderni. Non stupisce che alla fine degli
studi nel 1865 intraprenda una carriera nella musica sacra, la quale
lo porta in particolare alla chiesa della Madeleine come maestro di
cappella (1877-1905) e successivamente organista (1896- 1905). In
parallelo, cominciò a frequentare i salotti brillando per il suo talento
di pianista e improvvisatore. Nel 1896 grazie alla sua fama crescente
prende il posto di Massenet come professore di composizione al
Conservatorio, prima di assumere la direzione dell’istituto tra il
1905 e il 1920. Mente libera e aperta (fu uno dei fondatori nel 1871
della Société nationale de musique), Fauré segnò profondamente
i suoi allievi, tra i quali figurano Florent Schmitt, Charles Kœchlin,
Nadia Boulanger e Maurice Ravel. Anche se è autore di un’ambiziosa
tragédie lyrique (Prométhée, 1900), di una magnifica opera (Pénélope,
1913) e di un celebre Requiem (1877), fu innanzitutto nel mondo
intimista e raffinato della musica da camera, del pianoforte e della
mélodie che Fauré sviluppò gli aspetti più innovativi del suo stile.
Melodista di primo piano, armonista di stupefacente intuito, fu uno
dei grandi rappresentanti della musica francese tra Ottocento e
Novecento, posizione che gli meritò nel 1909 un’elezione all’Institut
de France.
Gabriel Fauré (1845-1924)
Fils d’un directeur d’école normale, Fauré fut envoyé dès l’âge de
neuf ans à l’École de musique classique et religieuse fondée en
1853 par Louis Niedermeyer. Élève de Loret (orgue), Saint-Saëns
(piano) et Niedermeyer lui-même (composition), il y reçut une
formation exceptionnellement riche, découvrant aussi bien les
maîtres anciens que modernes. Sans surprise, il embrassa à la fin
de ses études, en 1865, une carrière dans la musique religieuse, qui
le conduisit notamment à l’église de la Madeleine comme maître
de chapelle (1877-1905) puis organiste (1896-1905). Parallèlement,
il se mit à fréquenter les salons, brillant par ses talents de pianiste
et d’improvisateur. En 1896, sa réputation grandissant, il succède
à Massenet comme professeur de composition au Conservatoire,
avant de prendre la direction de l’établissement entre 1905 et
1920. Esprit libre et ouvert (il fut l’un des fondateurs, en 1871,
de la Société nationale de musique), Fauré marqua profondément
ses élèves, parmi lesquels Florent Schmitt, Charles Kœchlin,
Nadia Boulanger et Maurice Ravel. Même s’il fut l’auteur d’une
ambitieuse tragédie lyrique (Prométhée, 1900), d’un magnifique
opéra (Pénélope, 1913), et d’un célèbre Requiem (1877), c’est avant
tout dans le monde intimiste et raffiné de la musique de chambre,
du piano et de la mélodie que Fauré développa les aspects les plus
novateurs de son style. Mélodiste de premier plan, harmoniste
d’une stupéfiante intuition, il fut l’un des grands représentants de
la musique française au tournant du siècle, position qui lui valut
en 1909 une élection à l’Institut.
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Édouard Lalo (1823-1892)
Dopo una rottura non priva di difficoltà con le tradizioni militari
di famiglia, Lalo espresse piuttosto presto la sua passione per la
musica. Iscrittosi nel 1832 al Conservatorio di Lilla nelle classi di
Müller (violino) e Baumann (composizione), sette anni dopo si
trasferì a Parigi allo scopo di perfezionare la propria formazione con
Habeneck (violino), poi con Schulhoff e Crèvecœur (composizione). In
seguito, questo artista dal forte carattere si dedicherà, instancabile e
accanito, a una carriera difficile, spesso ai margini dell’ufficialità. Lo
ritroviamo alla fine degli anni Quaranta dell’Ottocento a guadagnarsi
faticosamente la vita impartendo qualche lezione o suonando come
orchestrale all’Opéra-Comique. Nel 1850 la sua partecipazione alla
Grande Société Philharmonique gli consente d’incontrare Berlioz.
Membro fondatore del Quatuor Armingaud verso il 1856 (per
il quale scriverà nel 1859 la sua opera 19), si concentra dunque
principalmente sulla mélodie e la musica da camera, sviluppando uno
stile ampiamente influenzato dalla musica tedesca. Ma, nonostante
l’appoggio di personalità come Gounod, il riconoscimento arriverà
solo negli anni Settanta, periodo durante il quale Lalo partecipa alla
fondazione della Société nationale de musique (1871) e compone
quasi tutte le sue opere principali, pervase di un afflato sinfonico
che segnerà profondamente le generazioni successive. Fino alla
metà degli anni Ottanta si susseguiranno così il Concerto per violino
e la Symphonie espagnole, scritti per il virtuoso Sarasate, il Concerto
per violoncello, la Rapsodie norvégienne, il balletto Namouna e il suo
grand-opéra Le Roi d’Ys.
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Édouard Lalo (1823-1892)
Rompant non sans quelques difficultés avec la tradition militaire
familiale, Lalo exprima assez tôt son goût pour la musique. Inscrit
en 1832 au conservatoire de Lille, dans les classes de Müller (violon)
et Baumann (composition), il partit sept ans plus tard pour Paris
afin de parfaire sa formation auprès d’Habeneck (violon), puis
Schulhoff et Crèvecœur (composition). Dès lors, cet artiste doté d’un
fort caractère n’aura de cesse de poursuivre avec acharnement
une carrière difficile, souvent en marge des sentiers officiels. On le
retrouve à la fin des années 1840 gagnant péniblement sa vie en
donnant quelques cours ou en jouant comme musicien d’orchestre
à l’Opéra-Comique. En 1850, sa participation à la Grande Société
philharmonique lui vaut de rencontrer Berlioz. Membre fondateur
du Quatuor Armingaud vers 1856 (et pour lequel il écrira, en 1859,
son opus 19), il se concentre alors principalement sur la mélodie et la
musique de chambre, développant un style largement influencé par
la musique germanique. Mais malgré le soutien de personnalités
comme Gounod, la reconnaissance n’interviendra que dans les
années 1870, période durant laquelle il participe à la fondation de
la Société nationale de musique (1871) et où il livre surtout la quasitotalité de son œuvre majeure, empreinte d’un souffle symphoniste
qui marquera profondément les générations suivantes. Jusqu’au
milieu des années 1880 se succéderont ainsi le Concerto pour
violon et la Symphonie espagnole, écrits pour le virtuose Sarasate,
le Concerto pour violoncelle, la Rapsodie norvégienne, le ballet
Namouna et son grand opéra Le Roi d’Ys.
Gli interpreti
Les interprètes
Quatuor Hermès
Omer Bouchez ed Elise Liu, violini
Yung-Hsin Chang, viola
Anthony Kondo, violoncello
Sincerità, finezza e sensibilità sono i termini che meglio
caratterizzano senza alcun dubbio il Quatuor Hermès. Queste
qualità, scoperte precocemente da Miguel da Silva e dai quartetti
Ravel e Ysaÿe, sono state coltivate e sviluppate da Eberhard
Feltz del Quartetto Artemis e dai membri del Quartetto Alban
Berg. Vincitori di numerosi premi internazionali (Concorso
Internazionale di Musica da Camera di Lione, premio SACEM per la
miglior interpretazione dell’opera di Henry Dutilleux Ainsi la nuit,
primo premio al prestigioso Concorso Internazionale di Ginevra,
Académie Maurice Ravel, Fondazione Charles Oulmont, primo
premio del «Young Concert Artists Award» di New York), grazie
al sostegno della società di orologi svizzera Breguet e all’interno
del concorso di Ginevra hanno registrato due CD con opere di
Haydn, Beethoven e Schumann. Ogni anno il Quatuor effettua
tournée negli USA ed è sempre più richiesto anche in Europa. I
festival di Lockenhaus, dell’Orangerie de Sceaux, di Radio France
a Montpellier e il Crescendo di Berlino li vedranno loro ospiti, così
come il Mecklemburg Vorpommern. Recentemente l’Hermès ha
effettuato due tournée in Egitto e Giappone. Dal 2013 il Quatuor
è membro della Fondazione Singer-Polignac di Parigi, in qualità
di «artisti in residenza».
Quatuor Hermès
Omer Bouchez et Elise Liu, violons
Yung-Hsin Chang, alto
Anthony Kondo, violoncelle
Authenticité, finesse et sensibilité sont les termes caractérisant au
mieux le Quatuor Hermès. Ces qualités, découvertes de manière
précoce par Miguel da Silva et les quatuors Ravel et Ysaÿe, sont
ensuite cultivées et développées par Eberhard Feltz, du Quatuor
Artemis, et par les membres du Quatuor Alban Berg. Lauréats
de divers concours internationaux (Concours international
de musique de chambre de Lyon, prix SACEM pour la meilleure
interprétation de Ainsi la nuit d'Henri Dutilleux, premier prix du
Concours international de Genève, Académie internationale de
musique Maurice Ravel, Fondation Charles Oulmont, premier prix
du Young Concert Artists Award de New York), les musiciens du
Quatuor Hermès enregistrent deux CD proposant des œuvres de
Haydn, Beethoven et Schumann. Chaque année, ils effectuent une
tournée aux États-Unis et sont de plus en plus demandés en Europe.
Ils seront prochainement les invités des festivals de Lockenhaus, de
l’Orangerie de Sceaux, de Radio France Montpellier, du Crescendo
à Berlin et du Mecklemburg Vorpommern. Récemment, le Quatuor
Hermès a effectué une tournée en Égypte et au Japon. Depuis
2013, il est en résidence à la Fondation Singer-Polignac à Paris.
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ÉDOUARD LALO: PROSSIME PUBBLICAZIONI
Integrale della musica orchestrale
La Jacquerie
Orchestre Philharmonique Royal de Liège
Solisti della Chapelle Musicale
Reine Elisabeth
Jean-Jacques Kantorow, direzione
ALPHA (3 CD)
Opera in quattro atti, completata da Arthur
Coquard, su un libretto di Édouard Blau e
Simone Arnaud, rappresentata per la prima
volta all’Opéra di Montecarlo il 9 marzo 1895.
Uscita: primavera 2016
Questo cofanetto discografico
comprenderà l’integrale della
musica orchestrale di Édouard
Lalo. Sarà l’occasione di riascoltare
grandi successi come il Concerto per
violoncello e la Symphonie espagnole
nell’interpretazione dei giovani talenti
della Chapelle Musicale Reine
Elisabeth, ma anche di scoprire
altri tesori, come il sorprendente
Concerto per pianoforte o il
Concerto russe per violino.
Orchestre Philharmonique de Radio France
Patrick Davin, direzione
Chœur de Radio France
Michel Tranchant, direzione
Con Véronique Gens, Nora Gubisch, Edgaras
Montvidas...
Collana di CD con libro «Opéra français»
del Palazzetto Bru Zane
Uscita: primavera 2016
Prossimi eventi al Palazzetto Bru Zane
Prochains événements au Palazzetto Bru Zane
Martedì 10 novembre, ore 20
Trii romantici
Musiche di LALO, CHAMINADE
Trio Atos
Giovedì 19 novembre, ore 18
Conferenza di Marco Rapetti:
Paul Dukas a 150 anni dalla nascita
Ingresso libero. Consigliata la prenotazione
CONCERTI FUORI FESTIVAL
Martedì 24 novembre, ore 20
Verso la modernità
Musiche di DUBOIS, BONIS, DUKAS
David Violi, pianoforte
Domenica 29 novembre, ore 15.30
Laboratorio-concerto per le famiglie
Mediazione a cura di Diana D'Alessio
Concerto dell'Ex Novo Ensemble
Musiche di CRAS, CAPLET
Giovedì 3 dicembre, ore 20
Incontro prima del concerto con Luigi Attademo – «Guitaromanie»: la
chitarra nella Parigi del XIX secolo.
La chitarra romantica
Musiche di SOR, DE LHOYER, COSTE, DE FOSSE, CARCASSI
Luigi Attademo, chitarra
Venerdì 15 gennaio, ore 20
Omaggio a Kœchlin
Musiche di KŒCHLIN
Silvia Chiesa, violoncello
Maurizio Baglini, pianoforte
Martedì 2 febbraio, ore 18
Conferenza di Emilio Sala:
Tra «comique absolu» ed «esprit fumiste»: il caso Hervé,
«compositeur toqué»
Ingresso libero. Consigliata la prenotazione
Contributi musicologici
Louise Bernard de Raymond, Hélène Cao, Bénédicte Gandois Crausaz,
Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon
Traduzioni
Arianna Ghilardotti, Paolo Vettore
Palazzetto Bru Zane
Centre de musique romantique française
San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia
tel. +39 041 52 11 005
bru-zane.com