Catalogo - artespressione

GALLERIA ARTESPRESSIONE - Via della Palla, 3 - 20123 Milano - www.artespressione.com
Via della Palla,
3 - 20123 Milano
www.artespressione.com
Galleria
artespressione
- Via- della
Palla, 3 - 20123 Milano
Paula Nora Seegy
presenta
LOUIS BOURJAC
Pigalle
a cura di
Matteo Pacini
30 marzo / 20 aprile 2012
presents
LOUIS BOURJAC
“Pigalle”
Fri 30 March - Fri 20 April 2012
project
PAULA NORA SEEGY
curator
MATTEO PACINI
translation
Norman Russell
photos
Louis Bourjac
press office
STUDIO DE ANGELIS
lighting
VIABIZZUNO
print
GRAFICHE CMF Foligno
cover
“PIGALLE, LES DEUX MOULINS”, 2000
gelatina al bromuro d’argento
firmata e numerata, n° 2/10 - 30x40 cm
Une amitié née dans un bar,
deux regards qui parlent
des gens de la nuit.
Un livre comme le scénario
d’une nuit Blanche,
de Montmartre à Pigalle…
Des rencontres au hasard
et des verres qui coulent à flot…
Louis Bourjac
Nicolas Fretel
LOUIS BOURJAC, PIGALLE AND “INDUSTRIAL LANDSCAPES”.
This time we are speaking of a journey. A metaphorical journey in a vast territory – photography – undertaken through a series of
points of view. A complex and structured walk where different personalities enter into relationship with each other. These are visual
inquiries distinct from each other, but also points of encounter where eyes meet and then go down separate paths.
The starting-point is a French photographer, Louis Bourjac, a sophisticated artist of great contrasts, with a nature that is restless
but profound and delicate, and at the same time both blunt and painstaking.
Bourjac elegantly observes and immortalizes worlds that seem to run along parallel tracks apparently destined never to meet. He moves
with insouciance from the glamour of high fashion, when working with the grand houses of Paris, to blood-soaked Spanish corridas, from
nights of fun along the streets of Montmartre to the rusty abandoned machinery of the decommissioned industries of Antwerp.
A gaze – his own – curious and attentive, backed up by a photographic medium intended “for connoisseurs”, black and white.
Although in photography it once represented a technological limitation, black and white is now considered something that adds
value. It is said, to be sure, that our perception of reality takes place for the most part through contrasts, not only with regard to
visual reality but also with regard to the emotions. Darkness and light, hot and cold, life and death. Black and white represent
visually the two poles between which the existence of things unfurls in an infinite gradation of greys.
In some cases the exaggerated accentuation of contrasts is reminiscent of the technique of engraving, especially in the “Polyaths”
series obtained by dipping plates coated with a gelatine of silver bromide into a special bath in order to create the very deepest blacks.
Thus through the essential nature of black and white Bourjac expresses his artistic personality, by entering into different fields, by
focussing on the details and parts that are constitutive of the goal of gaining a more complete vision of the whole. In the “Pigalle”
series, through shots taken unawares in the course of evenings enjoyed among friends, Bourjac offers a very personal and
detailed portrait of a noisy and lively society moving about in one of the most fascinating quarters of the French capital. One can
almost sense the smells, the music, the bustle and laughter, the craziness.
Equally interesting is how Bourjac confronts the subject of landscape, not the landscape of postcard views but that of the most filthy
and rusty of abandoned industrial plants that provides us with a strong visual stimulus thanks to the fascination of the decay and
squalor resulting from dereliction. From here we move to the encounter with other realities, different but nevertheless still alive to the
documentation of the landscape, that of a group of five photographers who have made industry the focal point of their visual research.
This is not a homogeneous group (it is marked by different routes and different approaches), but it has the unifying aim of reflecting
on the relationship that exists between industry and territory understood both as landscape and as urban environment.
It is not a coincidence, in the present context, that several years ago the Italian Association for the Industrial Archaeological
Heritage (AIPAI) embarked on a campaign, through its contacts with various Italian universities, to protect the cultural value of
industry on the historical, economic, architectural and engineering levels.
ANGELO DESOLE, PIERCLAUDIO DURANTI, MARCELLO MODICA, MAURIZIO NIMIS and MERI VALENTI offer us angles on
industrial culture different from those of Louis Bourjac that nevertheless come together to form a rich harmony.
Matteo Pacini
LOUIS BOURJAC, PIGALLE E “I PAESAGGI DELL’INDUSTRIA”.
E’ di un viaggio che questa volta si parla. Un viaggio metaforico in un territorio sterminato, la fotografia, attraverso una serie di
punti di vista. Un cammino complesso e articolato dove entrano in relazione personalità diverse, ricerche visive distinte, ma anche
punti di incontro per sguardi che si intersecano ripercorrendo poi strade opposte.
Il punto di partenza è un fotografo francese, Louis Bourjac, raffinato artista dai grandi contrasti, inquieto di indole ma profondo e
delicato, essenziale e minuzioso al tempo stesso.
Con eleganza Bourjac osserva e immortala mondi che sembrano correre su binari paralleli, apparentemente destinati a non
incontrarsi. Con disinvoltura passa dal luccichio della moda, collaborando con le grandi maison parigine, alle cruente corride
spagnole; dalle notti di festa lungo le strade di Montmartre, ai rugginosi macchinari in disuso delle industrie dismesse di Anversa.
Uno sguardo, il suo, curioso e attento, avvalorato da un mezzo fotografico definito “per intenditori”, il bianco e nero che, se per
la fotografia un tempo rappresentava un limite tecnologico, è ora considerato un valore aggiunto. Si dice infatti che la nostra
percezione della realtà avvenga in gran parte attraverso i contrasti, non solo nella realtà visiva ma anche in quella emozionale. Il
buio e la luce, il caldo e il freddo, la vita e la morte. Il bianco e il nero rappresentano visivamente gli antipodi entro i quali si svolge
l’esistenza delle cose, in un’infinita gradazione di grigi.
In alcuni casi, l’esasperata accentuazione dei contrasti richiama alla tecnica dell’incisione, soprattutto nella serie “Polalyths”
ottenuta attraverso bagni speciali su lastre alla gelatina di bromuro di argento per generare neri profondissimi.
Attraverso l’essenzialità del bianco e nero quindi, Bourjac esprime la sua personalità artistica addentrandosi in ambiti diversi,
focalizzandone i dettagli e le parti costitutive allo scopo di avere una visione più completa dell’insieme.
Nella serie “Pigalle”, attraverso gli scatti rubati durante le serate di festa tra amici, offre un ritratto personalissimo e dettagliato di
una società rumorosa e allegra, che si muove in uno dei quartieri più affascinanti della capitale francese. Se ne percepiscono gli
odori, la musica, il trambusto e le risate, la follia.
Con altrettanto interesse Bourjac affronta il tema del paesaggio, ma non quello degli scorci da cartolina che la sua Parigi offre
generosa, ma quelli più sporchi e rugginosi degli stabilimenti industriali dismessi che concedono grandi stimoli visivi grazie al
fascino della decadenza e del degrado dovuto all’abbandono. Da qui l’incontro con altre realtà, diverse ma sempre attente alla
documentazione paesaggistica: quelle di un gruppo di 5 fotografi che dell’industria hanno fatto il perno della loro ricerca visiva.
Non si tratta di un gruppo omogeneo (è segnato da percorsi diversi e differenti approcci), ma ha lo scopo unificante di ragionare
sul rapporto che intercorre tra industria e territorio inteso come paesaggio e anche come ambiente urbano.
Non è casuale, in questo senso, il patrocino dell’AIPAI, l’Associazione Italiana per il Patrimonio Archeologico Industriale che,
attraverso il rapporto con diverse università italiane, ha intrapreso da anni una battaglia in difesa del valore culturale dell’industria
sotto il piano storico, economico, architettonico e ingegneristico.
ANGELO DESOLE, PIERCLAUDIO DURANTI, MARCELLO MODICA, MAURIZIO NIMIS e MERI VALENTI regalano sguardi
differenti a quello di Louis Bourjac sulla cultura industriale, che insieme però si amalgamano in grande armonia.
Matteo Pacini
“PIGALLE, danseurs”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10
30x40 cm
“PIGALLE, danseuses”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10
30x40 cm
“PIGALLE, backgammon”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/10
30x40 cm
“PIGALLE, jeune fille à la bière”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10
30x40 cm
“PIGALLE, pierre carré AUX les noctambules”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/10
30x40 cm
“PIGALLE, Bourvil”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10
30x40 cm
“PIGALLE, rue andré antoine”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/10
30x40 cm
“PIGALLE, rachid”, 2000
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/10
30x40 cm
“anvers, dragueuse”, 1998
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10
24x34 cm
“Anvers pont-roulant”, 1998
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10
24x34 cm
“anvers, RAILS SUR QUAI”, 1998
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 3/10
24x34 cm
“ANVERS, DEUX PELLES”, 1998
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/5
50x60 cm
“GRETZ, NE PAS CHANGER LA VITESSE”, 2010
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 2/5
39x50 cm
“GRETZ, OUTILS ET HUILE”, 1998
gelatina al bromuro d’argento firmata e numerata, n° 1/5
39x50 cm
“LE QUAI à ANVERS”, 1998
stampa digitale su telo cerato, pezzo unico
80x200 cm
Dans ce port immense
Bati pour conquerir le monde
Je me perds sous la pluie
En poursuivant les ombres
Louis Bourjac
Nicolas Fretel
presents
I PAESAGGI DELL’INDUSTRIA
3 maggio / 15 maggio 2012
ANGELO DESOLE
PIERCLAUDIO DURANTI
MARCELLO MODICA
MAURIZIO NIMIS
MERI VALENTI
LOUIS BOURJAC
CON IL PATROCINIO DI
L’ASSOCIAZIONE ITALIANA PER IL PATRIMONIO ARCHEOLOGICO INDUSTRIALE
L’Aipai si occupa da quindici anni di patrimonio industriale in tutte le sue forme (edifici, macchine, archivi
cartacei, fotografici e cinematografici, ecc.). Era naturale che prima o poi nel suo percorso di iniziativa e di
lavoro incrociasse anche la fotografia, attraverso il lavoro di un gruppo di autori dediti alla documentazione
di siti ed edifici dismessi della produzione.
È un fenomeno questo della fotografia industriale che ormai ha assunto valenze e rilevanza nazionale
e internazionale e che offre molteplici possibilità di approccio, culturali e artistiche, che vanno dal
fascino di un passato ormai concluso, alla consapevolezza che senza riscoprirlo e valorizzarlo le società
contemporanee rischiano di rimanere senza radici e senza memoria. Per questo ci siamo impegnati
perché i risultati di questo lavoro si cristallizzassero in una mostra che rappresenta per l’Associazione
solo l’inizio di un itinerario di ricerca e di collaborazione che fa parte di un approccio multidisciplinare al
patrimonio industriale, che non è solo pluralità di metodologie scientifiche, ma anche di linguaggi e di
forme comunicative.
Renato Covino
(presidente nazionale Aipai)
ITALIAN ASSOCIATION FOR THE INDUSTRIAL ARCHAEOLOGICAL HERITAGE
The Italian Association for the Industrial Archaeological Heritage (Aipai) has been concerned for the last
fifteen years with the industrial heritage in all its forms (buildings, machinery, paper, photographic and
cinematographic archives, etc). It was natural in the course of the project and its work that sooner or later
photography would also be encountered through the work of a group of creative people dedicated to the
documentation of sites and disused buildings where production had ceased.
It is a phenomenon of industrial photography that is has already assumed an importance and relevance on the
national level, and that it offers multiple possibilities of different cultural and artistic approaches that range from
fascination with a past now over to the awareness that without rediscovering it and appreciating it contemporary
societies risk being cut off from their roots and their memory. That is why we are committed to this work, and why
its results have been crystallized in an exhibition that represents, through the Association, just the beginning of
a journey of research and collaboration that forms part of a multidisciplinary approach to the industrial heritage
involving a plurality not only of scientific methodologies but also of languages and forms of communication.
Renato Corvino
(national president, Aipai)
ANGELO DESOLE nasce a Sassari nel 1974. Dopo la laurea in Storia del Cinema, conseguita a
Bologna con una tesi sull’opera teorica di Andreij Tarkovskij, si trasferisce a Padova per seguire un Master
Universitario dedicato ai temi dell’archeologia industriale organizzato dal Dipartimento di Storia. In seguito
manterrà una costante collaborazione col Master, di cui diventerà tutor didattico per diversi anni. Questo
gli permetterà di girare l’Italia e conoscere i più importanti tesori del patrimonio industriale nazionale. A
partire da questa esperienza il suo interesse per l’immagine si sposta verso la fotografia che, nel giro di
pochi anni, diventa il fulcro della sua ricerca personale sui temi dell’industria, affiancando attività pratica e
riflessione teorica su limiti e possibilità del mezzo fotografico come fonte di studi per la storia. La prima seria
occasione di cimentarsi col mezzo arriva nel 2008, quando partecipa alla campagna di documentazione
fotografica per le Colline Metallifere del Grossetano. Dopo questa campagna collaborerà a diversi progetti
di studio occupandosi sempre della parte relativa alla ripresa fotografica. Attualmente è iscritto alla Scuola
di Dottorato in Storia e Critica dei Beni Artistici, Musicali e dello Spettacolo dell’Università di Padova, all’interno
della quale porta avanti un progetto di ricerca dedicato alla storia della fotografia industriale in Italia.
ANGELO DESOLE was born in Sassari in 1974. After graduating in the History of Cinema, he pursued
further studies in Bologna with a thesis on the theoretical work of Andrei Tarkovsky, and then went on to
Padua to do a University Masters degree on topics of industrial archaeology organized by the Department
of History. Afterwards he continued to collaborate with the Masters course, becoming a tutor on it for several
years. This allowed him to go round Italy and get to know the most important treasures of the national
industrial heritage. As a result of this experience, his interest in images moved to photography, which for a
few years became the focal point of his personal research on industrial topics, bringing together practical
activities and theoretical reflection on the limits and possibilities of the medium of photography as a source
for historical study. The first serious opportunity to take up the challenge of the medium came in 2008, when
he participated in a campaign for the photographic documentation of the Colline Metallifere of Grossetano.
After this campaign, he collaborated in various study projects, always with responsibility for the part relating
to the taking of photographs. At present he is enrolled in the Doctoral School of the History and Criticism of
Artistic and Musical Heritage and of Performing Arts of the University of Padua, within which he is pursuing
a research project on the history of industrial photography in Italy.
Snia Viscosa, torviscosa (UD)
dettaglio
PIERCLAUDIO DURANTI nasce a Terni nel 1971, dove svolge gli studi e inizia a dedicarsi alla
fotografia. Scopre il fascino dell’archeologia industriale nel 1989 quando, ancora giovanissimo, collabora
con un’agenzia di moda locale che utilizzava l’area dismessa di Papigno come location per book e
presentazioni. Il suo approccio alla fotografia in fabbrica avviene quindi casualmente e in maniera assai
lontana da quella attuale. Si accorge presto del rapido trasformarsi di questi sistemi fragili, sottoposti
quotidianamente a ogni tipo di razzia delle materie prime e ad atti di vandalismo. Inizia allora un vero e
proprio lavoro di documentazione fotografica dei luoghi e dei macchinari sul territorio ternano e nazionale
rappresentando, e a volte interpretando con tecniche personali, questi monumenti industriali, tentando
comunque di coglierne la bellezza. Si addentra, armato di cavalletto e banco ottico, in quei luoghi reconditi
e apparentemente vuoti e lasciati a se stessi. In questi luoghi si possono trovare spazi in attesa di essere
scoperti ed essere vestiti da identità desiderose di parlare e dialogare, desiderose di appartenere a un
luogo che parli di loro. Da sempre attratto dalla fotografia analogica e stenopeica aderisce all’etica “slow
photo”, una sorta di manifesto contro il consumo frenetico dell’immagine digitale e la riappropriazione del
tempo necessario per crearla.
PIERCLAUDIO DURANTI born in Terni in 1971, where he completed his studies and began to devote
himself to photography. He discovered the fascination of industrial archaeology in 1989 when, still very young, he
worked with a local fashion agency which used the dismantled area of Papigno as a location for collections and
presentations. His approach to factory photography thus started off casually and in a manner very distant from his
current approach. He quickly became aware of the rapid deterioration of these fragile systems, subject as they
are on a daily basis to all kinds of looting of primary materials and acts of vandalism. So he began a veritable
work of photographic documentation of sites and machinery both in the Terni area and nationally, representing
and sometimes interpreting these industrial monuments with personal techniques while attempting concurrently
to capture their beauty. Armed with his tripod and camera case, he penetrated isolated and seemingly empty sites
that had been left to their own devices. In such places it was possible to find spaces waiting to be discovered and
to be invested with an identity that wished to speak, to enter into dialogue, spaces that wished to belong to a place
that spoke of them. Having always been attracted by analogue and stenopoeic photography, he subscribes to the
“slow photo” ethic, a kind of manifesto against the phrenetic consumption of digital images and a reappropriation
of the time necessary for the act of creating them.
DISTILLERIA - FERRARA
dettaglio
MARCELLO MODICA è nato a Milano nel 1987. Dopo aver conseguito la Laurea in Urbanistica presso il Politecnico
di Milano, con una tesi sull’identità territoriale delle regioni metropolitane europee, sta completando la Specialistica in
Pianificazione Urbana e Politiche Territoriali presso la stessa Università. Si interessa di archeologia e cultura industriale da
circa dieci anni, portando avanti un percorso personale di ricerca, documentazione e ricostruzione storica di siti industriali
dismessi sul territorio italiano ed europeo. La fotografia industriale di Modica è l’evoluzione di una personale fascinazione,
radicata nell’infanzia, per le rovine industriali. Tutto è dovuto alla presenza, in prossimità della propria abitazione, di un
immenso complesso industriale in abbandono che con le sue cinque ciminiere e le impressionanti architetture segna
fortemente l’immaginario dell’autore-bambino (si tratta della SNIA Viscosa di Varedo). All’età di quindici anni l’autore
accede per la prima volta a quel territorio sconosciuto e nel contempo familiare. La fotografia, mai considerata fino ad
allora, viene scelta come lo strumento più efficiente per dare corpo alla documentazione del luogo (in termini di costi,
tempo e fedeltà della riproduzione). Dalla SNIA Viscosa la ricerca di luoghi simili da visitare e documentare si estende
dapprima all’Italia per poi approdare, nel corso degli anni, a paesi come Germania, Belgio, Francia, Polonia e Ucraina.
Senza avere nessun riferimento in particolare, la ricerca fotografica di Modica si autoalimenta cercando costantemente
di migliorarsi, appoggiandosi sempre di più a un’attività parallela e complementare che consiste nella ricostruzione
storica dei luoghi visitati. La fotografia di Modica ha lo scopo di preservare la memoria visuale dell’epoca industriale,
cosciente del fatto che i cambiamenti dell’economia e della società implicano spesso e volentieri la trasformazione dei
luoghi della produzione. Se il progresso non contemplerà la loro sopravvivenza, ci penserà la fotografia.
MARCELLO MODICA was born in Milan in 1987. After graduating in Urban Planning at the Milan Polytechnic with
a thesis on the territorial identity of the European metropolitan regions, he completed his studies as a Specialist in Urban
Planning and Regional Politics at the same university. He has been interested in industrial archaeology and culture for
about ten years, developing a personal programme of research, documentation and historical reconstruction of dismantled
industrial sites in Italian and European regions. Modica’s industrial photography has evolved from a personal fascination
with industrial ruins dating from his childhood. He owes everything to the presence, close to his own home, of an immense
abandoned industrial complex which with its five smokestacks and impressive architecture made a powerful impression
on his imagination as a child (this was the SNIA Viscosa factory of Varedo). At the age of fifteen he gained access for the
first time to this area that although unknown was at the same time familiar. Photography, which he had never reckoned
until that time, came to be chosen by him as the most efficient instrument for embodying the documentation of the place (in
terms of cost, time and accuracy of reproduction). From SNIA Viscosa the search for similar places to visit and document
took him first to Italy and then, in the course of time, to countries such as Germany, Belgium, France, Poland and Ukraine.
Without having any point of reference in particular, Modica’s photographic research is nourished by a ceaseless quest for
improvement, relying increasingly on a parallel and complementary activity consisting in the historical reconstruction of the
places visited. Modica’s photography has the aim of preserving the visual memory of the industrial era, conscious of the fact
that changes in the economy and in society very often entail the transformation of sites of production. If economic progress
will not allow these sites to continue to exist, photography will see to it that something survives.
SISAS - PIOLTELLO (MI)
dettaglio
MAURIZIO NIMIS
è nato a Bergamo, nel 1967. Dopo aver portato a termine studi di indirizzo chimico biologico,
esercita la professione di consulente aziendale per sistemi di gestione per la qualità, ambiente e sicurezza. Dal fascino
delle fabbriche dismesse, fotografate al loro interno durante manifestazioni artistiche e durante reportage pubblicati nel
web, approda alla fotografia dei luoghi in abbandono. Da diversi anni intraprende quindi una serie di viaggi sempre più
frequenti, prima in Italia, e quindi in parte d’Europa, dedicandosi interamente a questo specifico soggetto. Costruisce
un proprio progetto web nel quale alcune delle immagini di questi luoghi sono pubblicate. Tratta inoltre tematiche
dell’abbandono nelle varie forme in cui si presenta ai nostri occhi e nella società. In un blog personale racconta di questi
viaggi condotti con lo scopo di indagare i luoghi lasciati al loro destino. La passione per la fotografia, e la preferenza
per i soggetti industriali, lo stimola a riprenderne spazi e forme, con un approccio a volte estetico, altre puramente
documentativo, sia con tecnica digitale che con pellicola in bianco e nero. Alla fissità del soggetto ripreso, l’abbandono,
si contrappone un approccio fotografico espressivo variabile, dipendente dalla natura della campagna fotografica e dalle
motivazioni all’origine del viaggio. Vi sono quindi ragioni documentali, quando alla fotografia di edifici, impianti e paesaggio
si associano informazioni storiche, tecniche. E’ presente la natura del reportage, quando l’immagine è di supporto alla
narrazione. Vi è un approccio estetico, quando l’immagine deve avere una capacità di penetrazione nell’osservatore
che, stimolato nel proprio immaginario, osservi i luoghi in abbandono nella loro espressione più suggestiva. E’ questo un
elemento che dovrebbe permettere un avvicinamento e un diverso sguardo del pubblico a luoghi che sono per il senso
comune indice di degrado, e attraverso una visione più positiva attribuire loro un valore di testimonianza storica e culturale.
MAURIZIO NIMIS was born in Bergamo in 1967. After completing his studies in chemical biology, he worked as a
business consultant for systems of management concerning quality, the environment and safety. His fascination with disused
factories, photographed as settings for art exhibitions and for articles published on the internet, led him to the photography of
derelict sites. For several years he undertook a series of journeys with increasing frequency, first in Italy and then in other parts
of Europe, dedicating himself entirely to this specific subject. He constructed his own website on which he published some of
the images of these places. He also deals with the theme of abandonment in the various forms in which it presents itself to our
eyes and within society. In a personal blog he tells the story of these journeys undertaken with the aim of investigating places
that have been left to their fate. His passion for photography and his preference for industrial subjects stimulate him to shoot
spaces and forms with an approach that is sometimes aesthetic, sometimes purely documentary, using both digital technology
and black and white film. The fixity of the subject taken, that of abandonment, is contrasted with an expressive, variable
photographic approach, depending on the nature of the photographic project and the motives that inspired the journey. There
are therefore documentary considerations when historical and technical information is associated with the photography of
buildings, industrial plant and landscape. The nature of reportage is present when the image is presented in support of the
story. There is an aesthetic approach when the image must have the capacity to penetrate the observer who, stimulated in his
own imagination, observes the abandoned sites under their most suggestive aspect. This is an element that should enable
the public to draw closer to the places, places that are commonly regarded as a sign of decay, see them with a fresh eye, and
through a more positive vision endow them with the value of historical and cultural testimony.
MINIERA BOSCO - SAN CATALDO (CL)
dettaglio
MERI VALENTI, nata a San Severino Marche nel 1973, si laurea nel 2001 all’Università di Perugia in Scienze Politiche.
Inizia a fotografare nel 1995 usando la macchina fotografica come un registratore, considerando i propri scatti come
appunti, strumenti di lettura del territorio contemporaneo civile e industriale. Con il suo maestro Paolo Nebbiai apprende
le tecniche della fotografia analogica, lo studio del paesaggio, il fascino dell’estetica dei materiali e l’uso della pellicola in
bianco e nero come scelta stilistica privilegiata. L’architettura industriale e i prodotti dell’industria pesante, il calcestruzzo, il
ferro, l’acciaio, diventano soggetti ricorrenti delle sue immagini. Nel 2003 conosce la disciplina dell’Archeologia Industriale
con l’insegnamento del Professor Gino Papuli, studia i monumenti industriali interessandosi particolarmente ai macchinari
e alle componenti del processo siderurgico. Il suo primo importante lavoro di ricerca e documentazione sull’industria
ha come oggetto l’acciaieria ILVA di Bagnoli. La descrizione della fabbrica, la maestosità dei giganti siderurgici e
la loro funzionalità nel processo produttivo si condensano in “ILVA03”, presentato a Terni nel 2006 al XIII Congresso
Internazionale TICCIH e in parte pubblicato sul n°5 della rivista Around Photography. Nel 2007 frequenta il Master di II
Livello in Conservazione, Gestione e Valorizzazione del Patrimonio Industriale presso l’Università degli Studi di Padova
ampliando così la conoscenza delle realtà industriali sul territorio nazionale ed europeo. Le fotografie che presenta nella
mostra “I paesaggi dell’industria” sono il frutto di un lavoro dedicato al porto di Genova, fulcro e orizzonte della città ligure.
La narrazione del sito e della sua attività di carico e scarico di persone e merci è il racconto contemporaneo di un luogo
vivo di memoria: del lavoro, dei portuali e delle loro macchine, significanti e imprescindibili attori della confusa e odierna
realtà genovese.
MERI VALENTI,
born in San Severino Marche in 1973, graduated in 2001 from the University of Perugia in Political
Sciences. She began taking photographs in 1995, using the camera as a recorder and thinking of her own snaps as notes, a
means of reading the contemporary civil and industrial area. Then from her teacher, Paolo Nebbiai, she learned the techniques
of analogue photography, the study of the landscape, the fascination of the aesthetics of materials and the use of black and
white film as the stylistic preference of choice. Industrial architecture and the products of heavy industry - concrete, iron and
steel – came to be recurrent subjects in her images. In 2003 she became acquainted with the discipline of industrial archaeology
under the instruction of Professor Gino Papuli, and studied industrial monuments with a particular interest in machinery and
the components of the iron and steel manufacturing process. Her first important work of research and documentation on
an industrial topic was centred on the ILVA steelworks at Bagnoli. The description of the factory, the grandeur of the giant
steelworks and their functional role in the productive process were all brought together in “ILVA03”, presented at Terni in 2006
at the XIII International TICCIH Congress and partially published in volume 5 of the journal Around Photography. In 2007 she
pursued a Masters course at Level II in the Conservation, Management and Promotion of the Industrial Heritage at Padua
University, thus increasing her knowledge of the industrial world on the national and European level. The photographs that
she presents in the exhibition “Industrial Landscapes” are the fruit of a work dedicated to the port of Genoa, the focal point
and defining horizon of the Ligurian city. The description of the site and of its activities of loading and unloading of persons
and goods is the contemporary story of a place still alive in the memory: the story of the work, the port installations and their
machinery, actors in the tumultuous everyday reality of Genoa that are important and cannot be ignored.
PORTO - GENOVA
dettaglio
LOUIS BOURJAC nasce a Parigi nel 1955. Riceve la prima educazione presso
un istituto gesuita dove da subito emerge il suo temperamento testardo e ribelle. Dal
1975 al 1980 viaggia tra l’Africa, le Antille e il Guyane, regione francese dell’America
del Sud. Dal 1982 al 1987 è di nuovo a Parigi, dove studia fotografia con Henri Coste
e Beni Trutmann e acquisisce esperienza collaborando con varie agenzie e riviste.
A questo periodo risale il reportage in Colombia che gli diede modo di entrare in
contatto con le culture indigene e con gli chamanes Guajiros. Di ritorno a Parigi nel
1988 comincia la collaborazione con le grandi maison della moda parigina come
Chanel, per la quale impronta importanti campagne pubblicitarie e Givenchy, per la quale realizza una serie
di opere a colori per rappresentare al meglio la filosofia del marchio. Parallelamente è attratto dal quotidiano
e dagli ambienti urbani realizzando serie di scatti in bianco e nero della Parigi notturna, del quartiere Pigalle
e di archeologia industriale. La sua attenzione è catturata anche da momenti di aggregazione umana
come gli incontri di boxe e da manifestazioni folcloristiche come le corride spagnole e i toreri. Numerose
le esposizioni che alternano il suo interesse per il quotidiano a quello della moda e dei suoi retroscena:
“60 anni di suffragio femminile”, “Notturni”, “Le strutture industriali e le tracce operaie”, “50 anni di profumi
Givenchy”, “Passanti ordinarie” e “N & B, dietro le quinte della moda”.
LOUIS BOURJAC
born in Paris in 1955, Louis Bourjac received his early education at a Jesuit
institute, where his stubborn and rebellious temperament soon emerged. From 1975 to 1980 he travelled
in Africa and in the South American French regions of Antilles and Guyane. From 1982 to 1987 he was
again in Paris, where he studied photography with Henri Coste and Beni Trutmann and acquired experience
through working with various agencies and magazines. To this period belongs his reportage in Colombia,
which allowed him the opportunity of coming into contact with indigenous cultures and Guajiro shamans.
On his return to Paris in 1988 he began working with the great Parisian fashion house of Chanel, for whom
he helped to shape important advertising campaigns, and Givenchy, for whom he realized a series of
works in colour to represent the philosophy of the brand in the best possible way. Parallel to this, he was
attracted by everyday scenes and by urban environments, carrying out a series of shots in black and white
of Paris by night, the Pigalle quarter and industrial archaeology. His attention was also caught by moments
when people come together for occasions like boxing matches, or for traditional festivals like Spanish
corridas and bullfights. He has mounted numerous exhibitions and retrospectives in which his attraction to
the everyday alternates with his interest in fashion: “60 years of female suffrage”, “Nocturnes”, “Industrial
structures and the traces of working lives”, “50 years of Givenchy perfumes”, “Ordinary passers-by” and
“N&B, behind the scenes of fashion”.
FOS - GAZ - 2010
26x26 cm