portraits - nhow Milan

25.10.2012 > 29.03.2013
nhow hotel
Via Tortona 35 Milano - Tel. +39 02 48 98 861
www.nhow-hotels.com
nhow hotel Milano è una nuova formula di hotel
di design che si trasforma in galleria d’arte e spazio
esperienziale, secondo un nuovo concetto di
contemporaneità e lifestyle italiano. Fulcro d’arte,
design e moda, nhow è situato nel nuovo polo
milanese della creatività, in Via Tortona 35.
nhow hotel Milano nasce dall’esperienza di NH
Hoteles e supera l’immaginario, proponendo
una struttura in continuo mutamento e interazione,
coniugando comfort e minimalismo, tendenze
e architettura contemporanea.
nhow hotel Milano represents a new kind of design
hotel, which becomes an art gallery and
an experiential space according to a new concept
of contemporaneity and Italian lifestyle. Art, design
and fashion hub, nhow is located in the new Milanese
center for creativity, in Via Tortona 35.
nhow hotel Milano comes from the experience of NH
Hoteles and goes beyond the expected, offering
an ever-changing structure, embracing comfort and
minimalism, trends and contemporary architecture.
Portraits Art & Design
Art and design exhibition
nhow hotel presents
Portraits Art & Design
October 25th 2012
March 29th 2013
Curator
Elisabetta Scantamburlo
[email protected]
Brand identity and catalogue design
Univisual – Milano
[email protected]
Press office
Espresso Communication Solutions S.r.l.
[email protected]
Printing and binding
Sincronia – Legnano (MI)
Printed in 1,000 copies – October 2012
Thanks to
Martina Citterio
and Arianna Mia
for having supplied
some of the works
on show.
nhow hotel Milano
25.10.2012 > 29.03.2013
Exhibition curated by
Elisabetta Scantamburlo
Portraits è un viaggio nell’arte e nel design
attraverso il ritratto interpretato da 18 creativi
che tra pittura, scultura, fotografia e design
esplorano visioni insolite e ardite. Sempre di più
nell’arte contemporanea si assiste a un ritorno al
figurativo e in particolare al ritratto. Quasi un
ritorno alla tradizione più antica, un distacco dalla
ricerca del sensazionale, un recupero di ciò che è
più vicino. Il ritratto diventa così un guardarsi allo
specchio per vedersi, conoscersi e riconoscersi.
I ritratti raccolti rappresentano un vasto campo
di investigazione tra reale e irreale, oggettivo
e soggettivo. Il mezzo rappresentativo scelto rivela
la visione particolare dell’artista. E chi osserva
l’opera come di fronte a un film ritrova tratti
e squarci interiori familiari e inediti evocati sia
dalla scelta del soggetto che dalla modalità
espressiva. Passeggiando tra i Portraits ecco allora
che si incontrano i personaggi delle favole di Anna
Caruso, che si muovono spaesati in un mondo
contemporaneo. Sono donne (e uomini) di oggi
che non si riconoscono nel mondo che li circonda,
eroine uscite da una dimensione interiore,
che tentano di adattarsi a un mondo esteriore
ed estraneo. La loro perplessità è quella dell’uomo
di oggi che non è più capace di trovare il suo posto
nei codici, modi e luoghi che abita.È lo stesso
mondo abitato dai ragazzi di Anna Muzi, ritratti
nei supermercati tra bistecche di manzo e ortaggi
colorati o in un vuoto astratto. Dietro un’aria fiera
e ammiccante nascondono un’ambiguità fatta
di vulnerabilità e minaccia. Sono giovani d’oggi,
appena adolescenti, ma già pronti ad affrontare
un mondo che li attrae e che ancora non conoscono
pienamente. In un’allarmante associazione
ra giovinezza, consumo massificato e violenza
implicita, Anna Muzi esplora un modello
di adolescenza capace di esercitare un fascino
autentico e conturbante. Alberto Zamboni indaga
il ritratto attraverso i volti di personaggi celebri.
I suoi ritratti iperrealisti sono scavati con colori, luci
e ombre che lasciano intravedere negli sguardi
e nelle rughe i tratti intimi celati dietro la maschera
che la fama impone. Dal realismo pittorico a quello
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
Portraits is a trip through art and design from the
perspective of the portrait, interpreted in its various
expressive possibilities. 18 creatives from the fields
of art and design have been invited to explore unusual
and imaginative visions through painting, sculpture,
and photography. In the last years, contemporary art
has seen a comeback to a figurative language, and in
particular to the portrait. It is a return to tradition,
a detachment from the search for sensation,
and a repossession of something intimate.
A portrait becomes a way to look in the mirror to see
oneself, to know, and recognize oneself. The portraits
selected represent a wide range of investigation
between real and unreal, objective and subjective.
The chosen medium reveals the personal vision
of the artist, and the viewer, like when watching
a movie, can recognize traits and inner depths evoked
by the choice of the subject and by the expressive
way. There, one meets characters from the fairy tales
lost in a contemporary world, like in Anna Caruso’s
works. They are today’s women (and men), unable
to place themselves in reality the way it is, modern
heroines trying to adapt to an extraneous world.
Their bafflement is that of the contemporary man,
unable to find his place in the codes, ways and places
he lives in. That is the same world where Anna Muzi’s
teen-agers live. Depicted in front of supermarket’s
shelves, between beefsteaks and colourful
vegetables, or against an abstract void, they are
ambiguously vulnerable and menacing behind
a proud and alluring look. They are today’s youth,
barely adolescents, and yet ready to face an enticing
world, which they haven’t yet fully known.
In an alarming association between youth, mass
consumption and implied violence, Anna Muzi draws
attention to the ambiguity of a teen-age model able
to exert a fascination as authentic as disturbing.
Alberto Zamboni explores the field depicting
celebrities. In his hyperrealist works, faces are carved
with colours, lights and shadows, bringing on the
surface glances and wrinkles speaking of an intimate
side usually hidden behind the mask imposed by
fame. From pictorial to the photographic,
and metaphysic realism of Alessandro Barattoni.
fotografico e metafisico di Alessandro Barattoni.
Le sue foto mostrano pezzi di volti, occhi chiusi,
facce voltate, quasi a voler rendere visibile –
nascondendola – quella parte intima che neanche
il ritratto più fedele può rappresentare. Creano uno
strato di silenzio che si sovrappone all’immagine,
un senso di sospensione nel quale l’ascolto interiore
emerge in un momento di profonda intimità
col soggetto ritratto. I ritratti di Francesco
Granducato, mosaici di cannucce colorate,
producono uno spiazzamento di fronte al mezzo
e ai suoi effetti cromatici. Un oggetto semplice
come una cannuccia di plastica diventa così
il mezzo per scardinare le associazioni automatiche
portando a riflettere su quanto i codici, i segni
e la loro arbitrarietà influenzano il nostro modo
di vedere e di percepire la realtà.
Quelli di Gian Piero Gasparini sono invece grandi
puzzle fatti di frammenti di tessuti di recupero
colorati. Anche qui il soggetto è immediatamente
riconoscibile, e la tecnica usata produce
una sensazione di straniamento, richiamando
allo stesso tempo i colori dello schermo televisivo
a tubo catodico. Il mezzo usato posa un velo tra
soggetto e spettatore, sottolineando l’esistenza della
dimensione privata di quei personaggi celebri la cui
vita diventa di pubblico dominio. Dal realismo
all’astratto. L’“iconista” Gaetano Grizzanti è interprete
di un linguaggio in cui i suoi ideogrammi globali sono
la trasposizione artistica della modalità di
comunicazione dell’uomo contemporaneo che torna
a esprimersi attraverso un alfabeto universale.
I suoi segni sono il ritratto di concetti universali.
Franco Guarneri presenta un coccodrillo a misura
reale e dei cactus realizzati con legni di recupero.
Legni che diventano simbolo di un mondo che
continua a vivere e a rigenerarsi. L’artista crea così
un ritratto emblematico della natura riplasmando
la sua stessa materia. Gli animali preferiti di Felipao
sono invece i Bulldog francesi che si trasformano nelle
sue mani in sculture pop, tele su cui rappresentare
con ironia anche modi e mode del nostro tempo.
Elisabetta Scantamburlo
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His works reveal but fragments of portraits, shut eyes,
turned faces. They also highlight—by hiding it—the
private life of one’s own, that even the more detailed
portrait cannot depict. Barattoni’s art arouses
a silence, a suspension where inner listening emerges
in a moment of deep intimacy with the portrayed
subject. Francesco Granducato’s portraits, mosaics
made with colorful cut straws, take by surprise with
their medium and its chromatic effects.
A simple common object like a plastic straw becomes
the way by which Granducato upsets automatic
associations, suggesting a thought on how codes,
signs, and their arbitrariness can influence our way
of perceiving life. Gian Piero Gasparini makes big
patchworks with fragments of recycled fabric.
The subjects are famous models, presenting
a collective portrait of how canons of beauty have
changed through decades. The technique is again
surprising, recalling at the same time the colours
of the old cathode-ray tube television. The chosen
medium casts a veil between viewer and subject,
underlining the existence of a private dimension
pertaining the single person, not fully accessible even
when one is a public character. From realism to
abstractionism, in Gaetano Grizzanti’s (the “iconist”)
works. Grizzanti has created a language where global
ideograms are an artistic transposition of today’s
means of communication. His work shows how man
has gone back to use a universal alphabet surpassing
any barrier of language, culture and space.
His signs are a synthesis of universal concepts.
Franco Guarneri shows a real-size crocodile,
and some cactuses carved and assembled with
recycled wood becoming a symbol for a world that is
willing to regenerate. The artist thus creates an
emblematic portrait of nature by moulding its own
matter. On the other side, Spanish artist Felipao’s
favourite animal is the French Bull-dog, which in the
artist’s hands turns into a pop sculpture, a canvas
on which he playfully exposes more vices than virtues
of contemporary life.
Elisabetta Scantamburlo
Alessandro Barattoni
Ritratti dell’anima, stati emozionali dove ciò
che è celato parla più di ciò che è mostrato.
Alessandro Barattoni
Portraits of the soul, emotional states where what
is hidden speaks more than what is shown.
Alessandro Barattoni è un graphic designer.
Da molti anni opera nella creatività per i settori
moda e design, si occupa di immagine
e comunicazione, trend research e advertising.
In parallelo all’attività lavorativa, oltre alla passione
per la pittura, c’è la fotografia, che eredita dal padre
e dal nonno. Realizza immagini fotografiche
per lo più in bianco e nero “scaldate” dal color
seppia. Sono immagini di grande formato, anche
nella formula descrittiva dei soggetti fotografati.
Questi due aspetti principali, soggetto e formato,
sono legati entrambi da un vincolo espressivo
indissolubile. Come nella pittura, anche nella
fotografia gli elementi rappresentati o le persone
ritratte comunicano spesso un senso di apparente
immobilità e di incompletezza. “Il mio intento è
quello di riuscire ad esprimere attraverso i soggetti
che fotografo, uno stato emotivo che tende
ad un senso di sospensione e di silenzio, nel quale
l’ascolto interiore dei soggetti appare come
un momento di profonda intimità rispetto a tutto
ciò che è al di fuori di loro stessi, e questo prevale
e va oltre la pura connotazione fisica”. I volti
fotografati appaiono ai nostri occhi come ritratti
dell’anima e dello spirito – un’“…anima al cospetto
di se stessa…” come scriveva E. Dickinson – più che
figure riprese meccanicamente da una fotocamera.
I soggetti appaiono sempre per metà, al limite
dell’inquadratura, o illuminati da luce radente,
un modo questo, per volerli rispettare in tutta
la loro intimità, nella loro segretezza, nella loro
infinità. La definizione delle immagini è portata
al limite, composta da una grana di particelle
di colore che crea una trama fitta a nebulosa,
a volte tanto rarefatta quanto può esserlo la foschia
nell’immobilità di un paesaggio invernale.
Alessandro Barattoni is a graphic designer.
For many years he has been working in the fashion
and design fields as creative and communication
manager, trend researcher and art director.
Together with his work, he has nurished his passion
for painting and photography, which he has
inherited from his father and grandfather.
His photographs are mostly in black and white
"warmed" by the sepia color, the color that has
always characterized the photographs of the past.
Pictures are printed in very large size, also in the
descriptive formula of the subjects photographed.
The two main factors, subject and format, are both
linked by an indissoluble bond of expression.
As in painting, also in photography the elements
represented or the people portrayed often
communicate a sense of incompleteness
and apparent immobility. “My intention is to be able
to express through the subjects I photograph
an emotional state eliciting a sense of suspense
and silence. The inner listening of the subjects
appears as a moment of deep intimacy severed
from the outside, which is a state that prevails
and goes beyond the pure physical connotation.”
The faces photographed are portraits of the soul
and spirit, like a “…soul admitted to itself…”
as written by Emily Dickinson, more than just
figures mechanically taken with a camera.
The subjects always appear in half size on the edge
of frame, or are illuminated by a grazing light,
in a way that respects their intimacy, privacy,
and infinity. The definition of the images is also
brought to the limit, with a grain of color particles
that creates a dense texture like a nebula
sometimes as thin as the haze in the stillness
of a winter landscape.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
The Secret
Fotografia digitale
Digital photography
150x100 cm
2011
I am
Fotografia digitale
Digital photography
150x100 cm
2012
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Anna Caruso
Dove realtà, sogno e favola si incontrano, nasce
una nuova dimensione così straordinariamente
vicina all’attualità di ogni giorno.
Anna Caruso
Where reality, dream, and fable merge, they give
rise to a new world, uncannily close to our today’s
actuality.
Anna Caruso nasce a Cernusco sul Naviglio (MI)
nel 1980. Nel 2004 consegue il diploma di Laurea
presso l'Accademia di Belle Arti di Bergamo e apre
lo studio d’arte a Treviglio (BG), dove vive e lavora.
La scelta di accostare la pittura tradizionale a ritratti
insoliti e fugaci, spesso tratti dal mondo fiabesco
sono alla base del linguaggio artistico di Anna
Caruso. L’artista porta alla luce una visione anti
naturalista del mondo circostante. Il carattere
onirico delle sue opere è reso con maestria
dalla rappresentazione realistica di luoghi, corpi
e oggetti, ma posti e sovrapposti su livelli differenti.
Materiale proveniente da diversi regni – realtà,
sogno, favola – si confondono tra loro creando
un mondo nuovo, apparentemente inconsistente,
leggero, velato, ma fissato sulla tela con gran cura
del dettaglio tanto da sembrare più concreto
del mondo reale. I personaggi sono quelli
delle fiabe: Biancaneve, Alice e il Bianconiglio.
Sulla tela condividono lo spazio con simboli,
luci e ombre del mondo contemporaneo.
La loro perplessità è quella dell’uomo di oggi
che non è più capace di trovare il suo posto
nei codici, modi e luoghi che abita. Dal 2003
ad oggi Anna Caruso ha esposto in numerose
collettive e fiere di arte contemporanea in Italia
e all'Estero, quali Arte Fiera Bergamo, Immagina –
Fiera d’arte contemporanea a Reggio Emilia,
Biennale Arte Contemporanea a Trani (BA)
e Gallerie Pinna a Berlino. Tra i numerosi premi
e riconoscimenti: Premio Bergamo Artefiera
nel 2009 e nel 2010, Gran Premio Internazionale
dell'Arte 2006 a Roma, e il Primo Premio Grafica
Terzo Trofeo Moroni, New Artemisia Gallery,
Bergamo nel 2005 e nel 2006.
Anna Caruso was born in 1980, in Cernusco sul
Naviglio (Milan). After graduating at the
Accademia di Belle Arti in Bergamo in 2004,
she opened her own studio near Bergamo, where
she actually lives. Anna Caruso’s painting lies
between traditional technique and innovative
contents. With her command of the painting
technique, she brings to life an anti naturalistic,
oneiric view of the world. The dreamlike character
of her creation is masterfully rendered by a realistic
representation of places, people and objects, which
are placed on different layers, superimposed on one
another. Material coming from diverse realms—
reality, dream, fable—mingles and creates yet
another world. It is an apparently flimsy, light,
veiled sphere, but pinned down to canvas with such
a care for details so as to become almost more real
than reality. Favorite characters come from the fairy
tales: Snow White, Alice and the White Rabbit.
On the canvas, they share space with symbols,
lights and shadows of the contemporary world.
Their bafflement is that of today’s man when he
is no more able to place himself in the codes, ways,
and places he inhabits. Since 2003, Anna Caruso
has taken part in many collective exhibitions and
fairs, mainly in Italy, such as Arte Fiera Bergamo,
Immagina - Fiera Arte Contemporanea in Reggio
Emilia, Biennale Arte Contemporanea in Trani (BA),
and at Gallerie Pinna in Berlin. The young artist
received different art prizes, including the following:
Arte Fiera Bergamo Prices in 2009 and in 2010;
International Art Price in Rome, 2006; Graphic
Price Trofeo Moroni in Bergamo, in 2005 and 2006.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
The first supper
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
200 x 200 cm
2012
I conigli sognano orologi di plastica
Acrilico e gesso su tela
Acrylic and chalk on canvas
120 x 80 cm
2011
This must be the apple
Acrilico e gesso su tela
Acrylic and chalk on canvas
120 x 80 cm
2011
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Felipao
Arte e design si uniscono in piccole sculture pop,
una tela tridimensionale su cui rappresentare vizi,
modi e mode contemporanei.
Felipao (Felipe Garcia-Banon) è un artista spagnolo
che prima di dedicarsi all’arte ha lavorato
per diverse multinazionali e ha vissuto e viaggiato
in molti paesi in tutto il mondo, osservando
le persone, i loro sguardi, il loro comportamento,
le loro reazioni. Felipao crede che l’ispirazione
possa provenire da qualsiasi luogo, dagli affreschi
di un palazzo veneziano così come dalle strisce
sulla maglietta di un venditore di gelati a Bombay.
Attualmente Felipao vive a Madrid dove ha il suo
studio. Si interessa molto alla moda e all’interior
design, e al modo in cui questi si collegano all’arte.
La Pop-art e la decorazione sono due dei suoi
mondi preferiti, che combina nelle sue sculture,
i Poppi: una serie di sculture in numero limitato
dalla forma e dimensione del bulldog francese,
il cane preferito dall’artista. Ogni scultura
è realizzata in vetroresina ed è dipinta e decorata
a mano. Felipao le realizza fondendo le sue idee
all’utilizzo di materiali differenti, colori brillanti,
patchwork di tessuti, disegni geometrici, ritagli
di giornale, luci led. Ogni Poppi ha un certificato
di “adozione” che porta il suo nome e numero
e il nome del proprietario. Il nome Poppi deriva
dal nome di un paese toscano dove Felipao si è
trovato a passare in passato in cerca di ispirazione.
Poppi è anche un nome breve, sexy e richiama sia
la parola cucciolo (in inglese: puppy) che la Pop-art.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
Top
Poppi Blue Marlin
Vetroresina
Fibreglass
50x25x35 cm
5 kg
2012
Felipao
Art and design blend in little pop sculptures,
playful three-dimensional canvases, where to pin
down contemporary vices and manners.
Bottom
Poppi Lovers Flag
Vetroresina
Fibreglass
50x25x35 cm
5 kg
2012
Felipao (Felipe Garcia-Banon) is a Spanish artist
who was not born to be an artist. Before creating
pop art sculptures he worked for different
multinational companies, and has lived in and
travelled to several countries all around the world,
observing people, their expressions,
their behaviours, their reactions. He believes
that inspiration can be found anywhere,
in the frescoes of a Venetian palace, as well as
in the stripes on the shirt of an ice cream seller
in Bombay. Today, Felipao lives in Madrid, where
he has his own studio. He is much interested
in fashion and interior design, and the way they are
linked to art. Pop-art and decoration are two of his
favourite worlds, which he combines in his
sculptures, the Poppis. It’s a series of limitednumbered sculptures in the shape and size
of the French bulldog, the artist’s favourite dog.
Each one of them is made in fibreglass, handpainted and decorated. Felipao mixes in them
his own ideas and unique concepts by merging
different materials, using crispy colours, patchwork
fabrics, geometric drawings, comics collage,
led lights. All of the Poppis come with an “adoption”
certificate stating their name, the owner’s name,
and the piece number. The name Poppi comes from
a village in Tuscany, where Felipao found himself
some time ago looking for inspiration. Poppi is also
a short, sexy word, and a mixture of puppy and pop art.
Left
Leather Victim
Vetroresina
Fibreglass
50x25x35 cm
5 kg
2012
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Gian Piero Gasparini
Un nuovo linguaggio visivo materico per un ritratto
collettivo che mostra come i canoni di bellezza sono
cambiati negli anni.
Gian Piero Gasparini
A new visual materic language for a collective
portrait showing how canons of beauty have
changed through the decades.
Gian Piero Gasparini, classe ’69, si è diplomato
presso l’Istituto Marangoni di Milano come
illustratore di moda. Ha lavorato nell’ambito
dell’arredamento come decoratore di interni
e lavora da diversi anni nel campo dell’arte come
pittore nella città di Milano, avendo al suo attivo
già numerose personali in diverse gallerie della
città. Le tele di Gian Piero Gasparini – grandi puzzle
contemporanei – incuriosiscono l’osservatore
per due motivi: la composizione formale e i volti
conosciuti. Le opere sono inizialmente composte
da frammenti di tessuto recuperato e combinato
con maestria dall’autore, che poi vengono dipinte
con aniline colorate. Il soggetto ritratto
è immediatamente riconoscibile, ma la tecnica
usata dall’artista produce una sensazione
di straniamento. Il volto conosciuto, terreno facile
in cui entrare, si scontra con una tecnica che invita
all’esplorazione. In questa indagine il soggetto
e la tecnica si fondono e sostengono a vicenda
pur mantenendo una loro indipendenza su due piani
differenti, ma intrecciati l’uno nell’altro. La presenza
importante del mezzo sposta l’attenzione verso
il lato sconosciuto del personaggio riconosciuto,
verso quella dimensione privata dell’esistenza
cui il pubblico non ha accesso. Una volta entrati
nell’opera questo sfasamento crea quasi uno
stordimento che poi si dissolve nell’equilibrio
raggiunto dall’artista tra visibile e invisibile.
L’artista ha preso parte a numerose esposizioni
d’arte in Italia e in Inghilterra, tra cui “SOS Design”
Triennale Bovisa, Milano nel 2010 e presso Parosh
Gallery, Milano nel 2011, e The Delicate Mayhem
Gallery, Londra nel 2012.
Gian Piero Gasparini was born in 1969.
After graduating at the Istituto Marangoni in Milan
as a fashion illustrator, he worked as an interior
designer, and collaborated with different design
studios. Currently, he lives and works as a painter
in Milan. Gian Piero Gasparini’s paintings are big
contemporary mosaics intriguing the viewer for two
reasons: the formal composition and the familiarity
of the subjects. The works are originally composed
with fragments of recycled fabric, later painted with
aniline colors. The subject portrayed is immediately
recognizable, but the technique used by the artist
creates a sense of estrangement. The well-known
faces are an easy ground to enter, but this somehow
clashes with a technique suggesting a deeper
investigation. In this exploration, subject
and technique merge and support each other,
maintaining at the same time their own
individuality on different—yet intertwined—levels.
The strong presence of the media shifts
the attention toward a hidden side of the known
subject, toward a private dimension which
is common to everyone. Gasparini’s works thus
create a sort of bewilderment and haze, which
disappear once we are back to the perfect balance
between visible and invisible reached by the artist.
Gian Piero Gasparini has taken part in various
exhibitions in many art galleries in Italy
and in England, such as “SOS Design” Triennale
Bovisa, Milan in 2010; the Parosh Gallery, Milan
in 2011; and at The Delicate Mayhem Gallery,
London in 2012.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
Twiggy
Tecnica mista e anilina su tela
Mixed media and aniline on canvas
150 x 150 cm
2012
Veruska
Tecnica mista e anilina su tela
Mixed media and aniline on canvas
150 x 150 cm
2012
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Francesco Granducato
Associazioni mentali automatiche vengono
stravolte dal mezzo rappresentativo, invitando
a una riflessione su quanto i codici, i segni e la loro
arbitrarietà influenzano la nostra percezione
della realtà.
Francesco Granducato
Automatic associations get overturned
by the artist’s medium, suggesting a reflection
on how codes and signs can influence our way
of perceiving reality.
Artista eclettico e sottilmente ironico, Francesco
Granducato crea opere di genuina immediatezza
sul filo della comunicazione a sorpresa, giocate
sul labile confine tra illusione e realtà, tra linguaggi
iconografici e significati simbolici. Sono opere che
celano più di una sorpresa a partire dall'utilizzo di
un mezzo espressivo unico e originale: le cannucce.
Una scelta spiazzante, fuori da ogni schema
precostituito, pura invenzione che permette
di trasformare un oggetto d'uso comune
in un mezzo di comunicazione e riflessione.
Sezionate e ricomposte in un mosaico di colori,
le cannucce ricostruiscono il mondo visibile,
incantano ipnotiche per la loro semplicità.
La forza della provocazione risiede infatti nel modo
in cui un oggetto semplice come una cannuccia
di plastica diventa il mezzo per scardinare
e capovolgere le associazioni automatiche,
e raggiungere l’essenza del soggetto ritratto.
Nascono così incanti che invitano a spezzare
le catene e costringono l'osservatore a vedere oltre
le ombre ingannevoli della realtà... ed ecco che
le sorprese si moltiplicano. Inattese visioni
che giocano con la confusione tra realtà,
rappresentazione e significato. La chiave di lettura
è quindi il paradigma dell'associazione inaspettata
che crea uno sfasamento nelle nostre abitudini
mentali portandoci a riflettere su quanto i codici,
i segni e la loro arbitrarietà influenzano il nostro
modo di vedere e di percepire la realtà.
Francesco Granducato’s art bears a genuine
immediacy and irony. Born on the subtle line
between illusion and reality, iconographic languages
and symbolic meanings, it communicates
by surprise. Granducato’s works hide more than just
one surprise, starting from their very own media:
colored straws. A surprising, unconventional choice,
turning a common object into a means
of communication and consideration. Cut and used
as tesserae of a colorful mosaic, they rebuild
the visible world, hypnotically enchanting in their
simplicity. The provoking strength lies in how
a simple object becomes a way to shift meanings,
unhinging and turning upside down usual
associations to reach the essence of the portrayed
object. The result is a visual surprise.
The eye, not accustomed to this art medium is first
captured by the way colors and shapes take on
a peculiar depth, an inner light. This is but one
aspect of Granducato’s works, where the artist
deftly makes use of plastic tubes as if they were
wet paint in his hands, using them to give
profundity and open a way to introspection
in his portraits. The unexpected association creates
a bewilderment in the mental habits of the viewer,
thus bringing to a different consideration of how
codes and signs can influence our way of seeing
and perceiving reality.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
Marylin (dettaglio/detail)
Polipropilene, tecnica mista
Polypropylene, mixed media
103 x 113 cm
2011
Picasso
Polipropilene, tecnica mista
Polypropylene, mixed media
90 x 113 cm
2011
Che
Polipropilene, tecnica mista
Polypropylene, mixed media
122 x 103 cm
2011
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Gaetano Grizzanti
Un modello linguistico che riconduce alla matrice
segnica propria di una trasmissione multicanale,
largamente assunta dalla nostra quotidianità.
Gaetano Grizzanti
A linguistic model that leads to the matrix of signs,
typical of a multichannel transmission, largely taken
from our everyday reality.
Stratificazione di circuiti intellettivi, polisemia
di molteplici intrecci e sovrapposizioni:
l’icona “iconista” di Gaetano Grizzanti è veicolo
e interprete di una nuova forma d’interazione,
un’immagine parlante, un autentico “ideogramma
globale” di un linguaggio semplice, originale,
concreto e praticabile. Le sue opere sono
testimonianza e trasposizione artistica
delle modalità di comunicazione dell’uomo
del terzo millennio che, all’alba di una nuova era,
torna a esprimersi attraverso un alfabeto universale,
capace di abbattere ogni barriera di lingua,
cultura e spazio. In contrapposizione alla roboanza
della comunicazione di oggi, l’icona iconista
di Grizzanti si caratterizza attraverso una sintesi
concettuale in cui profondità di pensiero, ironia
e provocazione si fondono insieme, costituendo
una vera e propria rivoluzione nell’arte figurativa
contemporanea. L’idea dell’opera viene
a sovrapporsi a quella di messaggio: tele dipinte,
ma anche sculture in metacrilato e installazioni
digitali, vanno a incarnare il logos dell’artista,
che nell’essenza di codici specifici è in grado
di mettersi in relazione diretta con l’inconscio
dei fruitori. L’asetticità degli sfondi, la nettezza
del colore, la linearità del tratto e la rigorosità
delle forme, conducono all’annullamento del gesto
pittorico per il raggiungimento di una divulgazione
diretta e non mediata. Grizzanti si fa così interprete
dell'”Iconismo” – trasposizione artistica da lui
stesso ideata nell’anno 2000 – nella volontà
di raccogliere uno o più significati all'interno
di un medesimo soggetto, là dove l'essenzialità
del concetto dell’icona “iconista” diviene dunque
sintesi figurata di una contemporaneità
che soddisfa il naturale bisogno d’immediatezza
ed estemporaneità interiore, propria dell’individuo.
Stratification of intellectual circuits, polysemy
of multiple interlacements, and overlapping areas:
Gaetano Grizzanti’s “iconist” icons are the vehicle,
and interpreter of a new form of interaction,
a talking picture, a “global ideogram” of a simple,
original, actual, and concrete language.
Grizzanti’s works are an evidence, and an artisticfigurative transposition of the new means
of communication of the contemporary man,
turning -at the dawn of a new era- to a universal
alphabet, capable of breaking down all barriers
of language, culture and space. Contrarily to much
of the current pretentious communication,
Grizzanti’s iconist icons are characterized by
a conceptual synthesis, where depth of thought,
irony, and provocation are blended together,
creating an authentic revolution in the
contemporary visual arts. The concept of the iconist
work overlaps the “message”. Painted canvas,
but also methacrylate sculptures, and digital
installations embody the essence of the artist’s
logos, capable to get in direct contact with the
unconscious of the audience. Aseptic backgrounds,
sharp colours, linear strokes, and strict shapes lead
to the erosion of the pictorial action, achieving
a direct and immediate divulgation.
In such a way, Grizzanti has become the interpreter
of the “Iconism”—artistic transposition created by
himself in 2000—wishing to gather one or more
meanings into the same subject, where
the essentiality of the iconist icon becomes
a figurative synthesis of a contemporaneity
answering man’s natural need of inner immediacy
and extemporariness.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
Sex appeal
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
80 x 40 cm
2012
Eternity
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
80 x 80 cm
2012
Infinite love
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
80 x 40 cm
2012
Connect
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
30 x 30 cm
2012
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Franco Guarneri
Sculture che nella loro materia e forma sono
metafora e simbolo di un mondo che si rigenera.
Franco Guarneri
Sculptures that in their substance and shape are a
metaphor and symbol of a regenerating world.
Franco Guarneri è un artista milanese che ha
maturato la sua esperienza artistica tra Milano
e Roma. Da anni Guarneri si dedica prevalentemente
alla scultura lignea utilizzando legni di recupero,
tavole dismesse dalle impalcature, travi di vecchi
sottotetti, assi che altrimenti finirebbero in discarica.
Sotto le sue mani, con l’ausilio di scalpello e vernici,
quei legni riprendono vita. Diventano piante, lunghi
rami coperti di foglie tesi verso l’alto, e foreste
di lunghi cactus, tornando così ad “essere vegetali,
metafora e simbolo di un mondo che non vuole
perdersi, ma continuare a vivere”.
Le opere esposte ci mostrano anche un passaggio
successivo, la trasformazione dal vegetale
all’animale, come se il materiale usato non fosse
che un simbolo della vita pura che si rigenera
trasformandosi. I cactus silenziosi diventano così
l’ambiente naturale di un coccodrillo scolpito
a misura reale. La pelle dura, le squame di diverse
misure, gli occhi attenti, i denti sono scolpiti
nel legno e diventano materia viva e pulsante.
Il processo interiore creativo non cambia. L’artista
crea un ritratto della natura riplasmando la sua
stessa materia. Ridà vita e una forma a un materiale
che ha avuto in passato una vita indipendente,
realizzando un ritratto a un tempo realistico
e oggettivo, ma anche astratto e quindi personale.
Franco Guarneri is a Milanese artist who matured
his experience between Milan and Rome.
Presently, Franco Guarneri’s art is mainly devoted to
wood sculpture. He uses salvaged woods, such as
scaffolding boards, old attic’s beams, planks which
would otherwise end in a dump. Under his hands,
with the help of chisel and coating, those woods
take on a new life becoming plants, slender upward
branches covered with leaves, forests of long
cactuses. Those woods become again “vegetables,
metaphor and symbol of a world that does not want
to get lost, but goes on living.”
The works exhibited show us also a successive
passage, the transformation from vegetable to
animal, as if the material used by the artist were but
a symbol of pure life regenerating itself anew. Silent
cactuses thus become the natural environment of a
crocodile sculpted in real life size. The tough skin,
the scales of different sizes, the watchful eyes and
the sharp teeth become a material which is alive,
and throbbing with life. The inner creative process
does not change. The artist makes a portrait of
nature, molding anew its own substance. He gives
life and shape to a material, which had an
independent life, carving a portrait which is at a
time realistic and objective, and abstract and thus
personal.
Crocodile
Vecchie assi da ponteggio, manici di scopa,
listelle di parquettes
Old wood, broomsticks, parquette laths
425x135x40h cm
2012
Cactus
Antiche travi di legno
Old wooden beams
Misure varie
Various dimensions
2010
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
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Anna Muzi
Il fascino conturbante di una gioventù che viene a
patti con un mondo più grande di lei.
Anna Muzi
The perturbing fascination of a youth coming
to terms with a world bigger than itself.
Anna Muzi è nata a Roma nel 1962 e vive e lavora
a Milano. Ha frequentato l’Accademia di Moda
e Costume a Roma e la Central St. Martins School
of Arts di Londra. Nel 1998 ha tenuto la sua prima
personale presso la galleria Antonia Jannone
di Milano. Tra il 2007 e il 2009 ha esplorato
attraverso la pittura il quartiere in cui abita: la zona
che gravita su via Paolo Sarpi, la Chinatown
ambrosiana. Attualmente Anna Muzi ambienta
i suoi dipinti nei supermercati, e preferibilmente
nei reparti verdure e macelleria. Qui, sullo sfondo
di confezioni ordinatamente impilate di bistecche
di manzo, tranci di pollame e ortaggi assortiti,
ritrae postadolescenti dall’aria fiera, talvolta
ammiccante, ma sempre vagamente minacciosa.
Ognuno di loro brandisce un’arma: un oggetto
totemico prelevato dall’immaginario
cinematografico o televisivo, che resta però
uno strumento efficace di difesa-offesa, con tutto
il suo potenziale distruttivo. Sono ritratti
che offrono nel modo più esplicito, proprio come
nella vetrina di un supermercato, un ritratto
dei giovani d’oggi, appena adolescenti, ma già
pronti alla difesa, quasi già troppo consapevoli
di un mondo che ancora non conoscono.
I colori degli abiti, degli ambienti con cui sembrano
confondersi, le pose, gli sguardi provocatori
o canzonatori, possono rientrare all’interno degli
schemi di un gioco da ragazzi, ma hanno il sapore
di una metafora del reale che rende questi ritratti
più realistici che ludici. In un’allarmante
associazione tra giovinezza, consumo massificato
e violenza implicita, Anna Muzi mette in luce
l’ambiguità di un modello di adolescenza capace
di esercitare un fascino tanto autentico quanto
conturbante. Forse anche per il suo essere
un modello di “alto consumo”.
Anna Muzi was born in Rome in 1962, and she lives
and works today in Milan. She attended the
Academy of Fashion and Costume in Rome,
and The Central St. Martins School of Arts
in London. Her first solo exhibition was hold in 1998
at the Galleria Antonia Jannone in Milan.
Between 2007 and 2009, she explored with her
painting the neighbourhood where she lives,
the Milanese Chinatown. Her portraits of young
Chinese were exposed at Spazio Orso 16 and at the
New Centro Internazionale di Brera in Milan,
and the Galleria d’Arte Contemporanea in Lugano.
Currently, Anna Muzi sets her paintings
in supermarkets (as Georges Ritzer put it,
nowadays’ temples), and preferably in the
vegetable and meat departments.
Against the background of beefsteaks, poultry and
vegetables, she portrays proud post-adolescents,
sometimes flirty, and always vaguely threatening.
Each one of them brandishes a weapon, a totemic
object often inspired by the movies, which stays
for an effective defence-offence with all its
destructive potential. These works explicitly show
a portrait of today’s youth, teenagers already
equipped for defending themselves, as if they
already had an awareness of a threatening world
they still don’t fully know. The colors of the clothes,
of the background with which they seem to merge,
the poses, the challenging or sneering glance,
they could all be part of a game’s rules. Yet, they are
such a precise metaphor of reality that they don’t
look any more playful after the first glance.
In an alarming association between youth violence
and implied mass consumption, Anna Muzi
highlights the ambiguity of a model of teen-age able
to exert a fascination as authentic as disturbing.
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
Farfalle
Olio su tela
Oil on canvas
100 x 100 cm
2009
Life is sweet (Chemical Brothers)
Olio su tela
Oil on canvas
100 x 100 cm
2011
Nin Com Pop (Lali Puna)
Olio su tela
Oil on canvas
100 x 100 cm
2011
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Alberto Zamboni
L’iperrealismo si unisce a riferimenti classici
in una rappresentazione intima delle icone
del mondo del cinema e dell’arte.
Alberto Zamboni
Hyperrealism joins classical references
in an intimate portrayal of icons from the movies
and arts.
Dopo essersi diplomato all’Istituto Europeo
di Design, Alberto Zamboni si è dedicato
all’illustrazione nel campo dell’editoria,
collaborando allo stesso tempo anche nel campo
pubblicitario come illustratore per varie campagne
pubblicitarie e come designer anche nel mondo
della moda. Dal 2000 si dedica esclusivamente
alla pittura, prediligendo un linguaggio figurativo,
un taglio realista e neoclassico e contaminandolo
con la fotografia, per avvicinarsi in modo
virtuosistico alla realtà, e raggiungere
un’espressione essenziale nella semplicità scarna
e rarefatta dell’immagine. Alberto Zamboni indaga
la figura e il ritratto come banco di prova di abilità
compositiva e analisi dell’animo umano, ricercato
all’interno della natura umana. La sua pittura,
intima e mentale, è impostata sui registri
dell’indagine introspettiva, con un occhio attento
ai grandi classici. Nelle sue opere si colgono
citazioni e allusioni al repertorio iconografico
del passato, come sentito “tributo”. Pose, sguardi,
primi piani, stati d’animo, umori e pensieri vagano
come luci e ombre, passando su volti intensi,
catturati nell’attimo di una riflessione, messi
di fronte allo specchio delle verità più riservate.
Albero Zamboni ha esposto in molte personali
e collettive sia in Italia che all’estero.
After graduating from the Istituto Europeo
di Design in Milan, Alberto Zamboni devoted
to illustration, and started collaborating with
different Italian publishing houses, also working
at the same time in advertising. He collaborated
as designer and illustrator for well-known fashion
and watch companies. Since 2000, he has devoted
exclusively to painting, choosing a figurative way
of expression, and a realistic and neoclassic style.
His language approaches the reality of the
photographic image, his desire being to express
simply through the minimal elements of the image.
The artist deftly looks into figures and faces,
analyzes the human heart inside the human nature.
His paintings are private and mental, based
on an inner investigation, and always keeping
an eye on the masters from the past.
In fact, in his works allusions and strong tributes
to historical iconography are easily recognizable.
What poses, gazes, close-ups hide is revealed
by the lights and shades cast on them.
From those cleavages where light and dark touch,
inner revelations are given shape. Those faces are
intense portraits, as if the people portrayed were
in front of the mirror of a simple truth.
Alberto Zamboni has shown his works in solo
and collective exhibitions, both in Italy and abroad.
Totò
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
90 x 110 cm
2011
Anna Magnani
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
90 x 110 cm
2011
Portraits Art & Design > nhow hotel Milano
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Callas
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
100 x 100 cm
2011
Alessandro Barattoni
Milano, Italy
www.alessandrobarattoni.com
Anna Caruso
Bergamo, Italy
www.annacaruso.it
Felipao
Madrid, Spain
www.felipao.es
Gian Piero Gasparini
Milano, Italy
www.gpgasparini.com
Francesco Granducato
Alassio, Italy
www.francescogranducato.it
Gaetano Grizzanti
Milano, Italy
www.grizzanti-iconista.it
Franco Guarneri
Milano, Italy
Anna Muzi
Milano, Italy
www.annamuzi.com
Alberto Zamboni
Milano, Italy
www.albertozamboni.it