L`Artista come Rishi_Abstract - Museo Nazionale d`Arte Orientale

L’artista come Rishi – Abstract delle opere esposte
The Artist as Rishi – Abstract of the works exhibited
Sala I – Vicino e Medio Oriente
Gallery I – Ancient Near and Middle East
In Profondo blue Baldo Diodato (nasce a Napoli nel 1938, vive e
Baldo Diodato
Profondo blue con palle colorate (serie Tabulae
lavora a Roma) focalizza la sua ricerca svolta negli anni sul tema
lusoriae), 2005-2006
della “tabula lusoria”, gioco diffuso nell'antica Roma in seguito
Tecnica a sbalzo su alluminio o calco (alluminio
all'espansione romana in Medio Oriente nel primo secolo dopo
acrilici e vetroresina), 128x110x0,3 cm
Cristo. Originato, sembra, dal precursore egiziano Siga (o
Deep blue with coloured balls (Tabulae lusoriae
Seega), questo vedeva i due sfidanti muovere le pedine (secondo
series), 2005-2006
Ovidio in vetro colorato) su una scacchiera lignea, lapidea o
embossing technique on aluminium or cast
marmorea. Lo strato di blu profondo su cui palpitano corpuscoli
(aluminium acrylic and fibreglass), 128x110x0,3 cm circolari riproduce l'universo, il movimento dei pianeti e le stelle
nel firmamento e richiama allegoricamente quei toni che per i
popoli medio-orientali (Egizi, Babilonesi, Ebrei)
rappresentavano la divinità.
Franco Ottavianelli
Rotoli sapienziali, 2011
Installazione site specific, 231 rotoli di feltro,
perspex, carta, essenze naturali, misure ambiente
(camino monumentale)
Wisdom rolls, 2011
Site specific, 231 rolls of felt, Perspex, paper,
natural essence
In Profondo Blue Baldo Diodato (born in Naples in 1938, lives
and works in Rome) focuses his research done over the years on
the theme of "tabula lusoria",a popular game in ancient Rome
following the Roman expansion in the Middle East in the first
century A.D. Originated, it seems, from the Egyptian precursor
Siga (or Seega), this game was played by two challengers who
moved the pieces (according to Ovid made in coloured glass) on
a board made of wood, marble or stone. The layer of deep blue
on which circular particles pulsate reproduces the universe, the
movement of planets and stars in the firmament, and
allegorically recalls those tones that for the Middle Eastern
peoples (Egyptians, Babylonians, Jews) represent deities.
Per questo site specific, che l’artista considera anche una “torre
sufi per agnihotra”, Franco Ottavianelli (nasce a Vallerano nel
1943, vive e lavora a Roma) parte, parallelamente, dalla rilettura
della torre Sufi – fulcro da tempo delle sue ricerche artistiche - e
da L’ardore di Roberto Calasso.
For this site specific, which he also sees as a "Sufi tower for
Agnihotra", Franco Ottavianelli (born in Vallerano in 1943, lives
and works in Rome) begins, in parallel, from the reintepretation
of the Sufi tower - focus of his artistic research - and from the
L’ardore by Roberto Calasso.
Sala II – Vicino e Medio Oriente
Gallery II – Ancient Near and Middle East
Nel 1971, al tempo del suo secondo viaggio in Afghanistan,
Alighiero Boetti
Senza titolo (mappa Afghanistan), 1981
Alighiero Boetti (1940-1994) commissiona a ricamatrici afgane
degli arazzi che ritraggono il planisfero.
Tecnica mista su carta, 100 x 80 cm
courtesy Gaia Franchetti
Almeno duecento mappe verranno prodotte per più di vent'anni,
Untitled (Afghanistan map), 1981
prima a Kabul e, dopo l'invasione sovietica dell'Afghanistan, nei
Mixed media on paper, 100x80 cm
campi profughi di Peshawar, in Pakistan. Oltre che ricamate le
mappe di Boetti sono disegnate o realizzate a tecnica mista su
courtesy Gaia Franchetti
carta e rappresentano un perfetto sistema concettuale che misura
il tempo, il suo scorrere affascinante e ineluttabile intrecciando
la storia tra passato e presente.
In 1971, at the time of his second trip to Afghanistan, Alighiero
Boetti (1940-1994) commissioned Afghan embroiderers some
tapestries depicting the world map. At least two hundred maps
will be produced for more than twenty years, first in Kabul and,
after the Soviet invasion of Afghanistan, in refugee camps in
Peshawar, Pakistan. Besides being embroidered, the maps by
Boetti are drawn or created in mixed media on paper and
represent a perfect conceptual system that measures time, its
fascinating and ineluctable flow, interweaving history between
past and present.
Gino De Dominicis
Intervento sul libro “I Sumeri” di André Parrot,
1980
Libro 19x15 cm e foto 7,5 x 6 cm
Intervention on the book “The Sumerians” by André
Parrot, 1980
Book 19x15 cm and picture 7,5x6 cm
Da questo libro sui Sumeri che gli apparteneva, Gino De
Dominicis (1947–1998) ha certamente tratto ispirazione per
creare opere: volti di personaggi simili a graffiti su superfici
monocrome, gli occhi oblunghi come quelli delle sculture
khmer, i sorrisi enigmatici. Aprendo il volume si scopre una
tasca di carta, dove l’artista ha inserito un’immagine firmata sul
retro dedicata a Pio Monti e datata, Roma ‘80. Spiega il
gallerista che si tratta del suo primo quadro figurativo (In
principio era l’immagine), realizzato per la galleria di Via
Principessa Clotilde 5, prima di esser esposto nella galleria di
Gian Enzo Sperone, e ora nella collezione del MoMa di New
York.
Gino De Dominicis (1947-1998) has certainly been inspired by
this book on the Sumerians he owned to create his works: the
faces of graffiti-like characters on monochrome surfaces, oblong
eyes like those of Khmer sculptures, enigmatic smiles. Opening
the book we discover a pocket of paper, where the artist has
inserted a picture signed on the back dedicated to Pio Monti,
dated Rome ‘80. The gallerist explains that this is his first
figurative painting (In principio era l’immagine), made for the
gallery of Via Principessa Clotilde 5, before being exhibited in
the gallery of Gian Enzo Sperone, and now in the collection of
the MoMA in New York .
Sala III – Iran
Gallery III – Iran
Geometria, simbologia e architettura sono i canali tramite cui
Minou Amirsoleimaini
Archeologia del pensiero, 2004
Minou Amirsoleimani (nata a Teheran in Iran, vive da tempo a
Tecnica mista, cartapesta, cera, 35x35x2 cm
Morlupo, Roma) muove il suo pensiero, progettando e
Archaeology of thought, 2004
modellando forme, dando loro rigidità e valore evocativo al
Mixed media on paper, papier mache, wax, 35x35x2 contempo. La coscienza di sé e del proprio universo interiore,
cm
sono alla base di una ricerca che si ispira alla dottrina Sufi della
mistica Islamica.
Geometry, architecture and symbols are the channels through
which Minou Amirsoleimani (born in Tehran in Iran, lives in
Morlupo, Rome) moves her thought, designing and modeling
forms, giving them strength and evocative value at the same
time. The awareness of the self and of one's inner world are the
basis of a research inspired by the Sufi doctrine of Islamic
mysticism.
Patricia Glee Smith
L’Orientalista (con abito yemenita), 2010
Dipinto a olio su legno,103x108 cm
The Orientalist (dressed in Yemenite clothes), 2010
Oil on wood,103x108 cm
L’Orientalista è la sintesi iconografico-concettuale dello
studioso, dell’uomo di cultura partorito dall’occidente, animato
da autentica passione per l’oriente. Nel dipinto di Patricia Glee
Smith (nata a Savanna, Stati Uniti, vive a Otricoli, Terni),
indossa un abito yemenita. L’artista procede per velature,
ispirandosi a grandi maestri del passato e del Novecento, nella
sua descrizione narrativa che entra nel dettaglio.
The Orientalist is the iconographic and conceptual synthesis of
the scholar, the man of culture born in the West, inspired by a
genuine passion for the East. In the painting by Patricia Glee
Smith (born in Savanna, United States, lives in Otricoli, Terni),
he is wearing Yemenite clothes. In her narrative description that
goes into detail, the artist proceeds in veils, inspired by the
masters of the pasts and of the twentieth century.
Alberto Parres
Akasha, 2011
Acrilico su tela 50x150 cm
“Akasha è lo spazio che è dentro e fuori di noi. È lo spazio della
creazione. È il collante di tutto l'Universo. È la natura naturante
del visibile e dell’invisibile”, spiega Alberto Parres (nato a
Tangeri, Marocco, nel 1953, vive e lavora a Roma). Per lui la
pittura è percorso di conoscenza alla ricerca del trascendente che
travalica la forma.
"Akasha is the space within and around us. It is the space of
creation. It is the glue of the whole universe. It is the natura
naturans of the visible and of the invisible, "says Alberto Parres
(born in Tangier, Morocco, in 1953, lives and works in Rome).
For him, painting is a journey of discovery in search of
transcendence that goes beyond form.
Jack Sal
T/1, 2011
Inchiostro pigmentato e nastro di seta su tavola,
60x60 cm
T/1, 2011
Pigmented ink and silk ribbon on wood, 60x60 cm
Jack Sal (nasce nel 1954 a Waterbury, Stati Uniti; vive tra New
York, Roma e Todi) usa la forma/formato di una pagina del
Talmud, insieme alla tecnica del nastro di seta con inchiostro di
colore bruno con cui traccia, esternamente al bordo del nastro,
una linea di confine tra i vari testi. Un’interpretazione
concettuale, la sua, dei testi alla base della cultura ebraica.
Jack Sal (born in 1954 in Waterbury, United States, lives in New
York, Rome and Todi) uses the shape / size of a page of The
Talmud, together with the technique of silk ribbon with brown
ink, with which he traces, outside the edge of the ribbon, a
boundary between the different texts. A conceptual
interpretation, of the texts at the foundation of Jewish culture.
Sala IV – Islam
Gallery IV – Islam
La mano è un tema ricorrente delle sculture cucite di Maimuna
Maimuna Feroze Nana
Mano Sufi, 2005-2006
Feroze Nana (è nata nel 1938 a Karachi, Pakistan, vive tra
Scultura di stoffa, lana, filo, specchi, plastica 98x48 Milano e Gubbio) rievoca l'immagine di quelle mani di latta
cm
messe sulle piccole tombe dei santi sufi, nel deserto del Sindh
Sufi hand, 2005-2006
(Pakistan), dove l’artista è cresciuta. Ma è anche un simbolo che
Sculpture made of fabric, wool, wire, mirrors,
appartiene a molte culture: una mano che chiede, prega, protesta.
plastic, 98x48 cm
The hand is a recurring theme of the sculptures sewn by
Maimuna Feroze Nana (born in 1938 in Karachi, Pakistan, she
lives between Milan and Gubbio); her hands evoke the image of
those tin-made hands put on the small tombs of Sufi saints in the
desert of Sindh (Pakistan), where the artist grew up. But it is
also a symbol that belongs to many cultures: a hand expressing
request, prayer, protest.
Bruno Ceccobelli
Ri-svegli, 2010
Ceramica lustro, 35x40x20 ca.
A-wakening, 2010
Ceramic luster, 35x40x20 cm apx.
Sala V – Gandhara
Gallery V – Gandhara
Al concetto secondo il quale ogni essere umano è
potenzialmente un Buddha, in grado cioè di apprendere la verità
finale grazie ad una "visione interiore”, un Risveglio, s’ispira
questo lavoro di Bruno Ceccobelli (nasce a Todi, Perugia nel
1952, dove vive e lavora). La ricerca dell’artista è ricca di
simboli dedotti da antiche culture e religioni orientali, rielaborati
alla ricerca di un segno carico di memoria e denso di significati.
The work of Bruno Ceccobelli (born in Todi, Perugia in 1952,
where lives and works) is inspired by the concept that every
human being is potentially a Buddha, able to learn the truth
through a final "inner vision", an awakening. The artist's
research is rich with symbols derived from ancient cultures and
religions of the East, revised in the search of a sign full of
memory and meanings.
Luigi Ontani
TriBali, 2009-2010
Maschera in legno pule dipinta con colori naturali,
realizzata a Bali con I Wayan Sukarya, 76x56 cm e
progetto a china e acquerello
TriBali, 2009-2010
Pule wood mask painted with natural colors, made
in Bali with I Wayan Sukarya, 76x56 cm, ink and
watercolor project
Pensata come maschera esemplare, TriBali contiene già nel
titolo il riferimento geografico. “E’ un’icona dell’osservazione
rispettosa/dispettosa della storia della maschera a Bali” - spiega
Luigi Ontani che, negli anni Settanta, ricerca la maschera in giro
per il mondo, partendo dalla Commedia dell’Arte italiana.
Sodhon
Biography of moment, 2010
Acrilico su tela, 51x51 cm
Biography of moment, 2010
Acrylic on canvas, 51x51 cm
“La vita umana è soggetta a mutazione e decadimento”. Queste
le parole che si trovano all’interno del maala dipinto da
Sodhon, nato nel 1971 a Lhasa (Tibet). “Essa scorre proprio
come i secondi, i minuti, le ore”. L’artista esprime questo
concetto contrapponendo il microcosmo della vita umana al
macrocosmo rappresentato dal maala, costituito non solo da
preghiera e contemplazione, ma anche da divertimenti, svago,
routine quotidiana, così come espresso nello storyboard del
Designed as an exemplary mask, TriBali contains a geographical
reference in the title. "It is an icon of the (dis)respectful
observation of the history of mask in Bali" – explains Luigi
Ontani who, in the ‘70s, researches masks around the world,
beginning with Italian Commedia dell'Arte.
cerchio più esterno.
"Human life is subject to change and decay." These are the
words written within the maala painted by Sodhon, born in
1971 in Lhasa (Tibet). "It passes as seconds, minutes and hours."
The artist expresses this concept by contrasting the microcosm
of human life to the macrocosm represented by the maala,
constituted not only by prayer and contemplation, but also by
entertainment, leisure, daily routine, as expressed in the
storyboard of the outer circle.
Sala VI – Tibet e Nepal
Gallery VI – Tibet and Nepal
Quello rappresentato dall’artista è il medesimo Buddha ritratto
Gonkar Gyatso
Buddha Sakyamuni, 2007
nelle thangka tradizionali. La figura del Buddha si è evoluta nel
Stampa a tecnica mista su carta artistica, 84x65 cm
tempo, seguendo la comprensione dell’artista della cultura nel
Buddha Sakyamuni, 2007
suo senso più ampio. Śākyamuni è adornato con adesivi e ritagli
Mixed media screen print on fine art paper, 84x65
di giornale. La scelta di Gonkar, nato a Lhasa (Tibet), nel 1961,
cm
non intende essere una provocazione né, tanto meno, essere
irriverente; per l’artista, combinare l’immagine sacra del Buddha
con la cultura popolare è il suo modo di rendere il Buddhismo
più accessibile, più vicino a tutti.
Drugu Choegyal Rinpoche
All things appear in the form of clouds/ Verses of
harmony, 2009
Tempera su carta artistica, 43x68 e 38x56 cm
All things appear in the form of clouds/ Verses of
harmony, 2009
Gouache on artistic paper, 43x68 and 38x56 cm
Tarshito
The Buddha represented by the artist is the same as the one
portrayed in traditional thangkas. The figure of the Buddha has
evolved over time, following the artist's understanding of culture
in its broadest sense. Śākyamuni is adorned with stickers and
newspaper. The choice of Gonkar, born in Lhasa (Tibet), in
1961, is not intended to be provocative or irreverent. The
combination of the sacred image of the Buddha with popular
culture is just the artist’s own way of making Buddhism more
accessible, closer to everyone.
Drugu Choegyal Rinpoche (Kham, Tibet, 1946) non è solo un
artista: è un visionario, un maestro, un illuminato, un veggente.
Attraverso i suoi dipinti, riesce a dare forma non solo alle sue
emozioni e ai suoi pensieri, ma anche alle sue esperienze
meditative. Ed è quello che fa nel primo dipinto: meditando,
dopo aver raggiunto la calma e aver reciso la fluttuazione dei
pensieri, riesce a comprendere la natura dei fenomeni, la realtà
ultima, la vacuità. Il secondo dipinto, invece, raffigura i Versi di
armonia di Padma Karpo, filosofo tibetano. Punto cardine di
questo testo è, infatti, il concetto dei “Quattro
incommensurabili”: amore, compassione, gioia, equanimità.
Solo attraverso la pratica di questi principi potrà, il discente,
incamminarsi per il sentiero che porta alla liberazione.
Drugu Choegyal Rinpoche (Kham, Tibet, 1946) is not only an
artist; he is a visionary, a teacher, an enlightened one, a seer.
Through his paintings, he manages to give form not only to his
emotions and his thoughts, but also to his meditative
experiences. And that's what he does in the first work:
meditating, after reaching calm and cutting the flow of thoughts,
he fully understands the nature of phenomena, the ultimate
reality, emptiness. The second painting depicts the "Verses of
harmony" of Padma Karpo, Tibetan philosopher. The main point
of this text is the concept of the "Four Immesurables": love,
compassion, joy and equanimity. Only through the practice of
these four principles will the practitioner walk the path to
liberation.
Vedendo a Dharamsala gli artigiani tibetani in esilio, nasce
Ricevere e trasformare, 2006
Tappeto-pittura in lana, pittura acrilica, foglia oro,
92x187x191h cm
Receiving and transforming, 2006
Tibetan carpet weaving on wool, with acrylic
painting and gold leaf application, 92x187x191h cm
l’idea di collaborazione per i progetti dei tappeti-preghiera, in
cui Tarshito (nato nel 1952 in Puglia è architetto, artista, docente
di Design all’Accademia di Belle Arti di Venezia) mette in
relazione meditazione/spiritualità a design e pittura, intesa come
una sorta di respiro.
Seeing the exiled Tibetan artisans in Dharamsala, the artist gives
birth to the idea of collaboration on projects of prayer-carpet, in
which Tarshito (born in 1952 in Apulia, architect, artist,
Professor of Design at the Accademia di Belle Arti in Venice)
puts in connection meditation/spirituality with design and
painting, regarded as a sort of breath.
Sala VII – Estremo Oriente (Giappone)
Gallery VII – Far East (Japan)
I dipinti di Ikeda (nato a Kobe, Giappone nel 1952, vive e lavora
Uemon Ikeda
Alcuni pesci volando alti diventano draghi
a Roma) catturano ciò che di naturale c’è nell’individuo. Tutto è
mobile, soggetto a cambiamenti improvvisi, così l’artista sposta
(La matière bleue, Does not do anything exciting,
Woman in the coffee, Red Woman), 2008
la sua attenzione lontano da temi invasivi e crea giochi di luce,
Acquerello, 21x29,7 cm
come in una sorta di liberazione dalla sofferenza di cui l’uomo è
Some fishes, flying high, become dragons
schiavo.
(La matière bleue, Does not do anything exciting,
Woman in the coffee, Red Woman), 2008
The paintings of Ikeda (born in Kobe, Japan in 1952, lives and
Watercolour, 21x29,7 cm
works in Rome) capture what is natural in the individual.
Everything is mobile, subject to change without notice, so the
artist shifts his attention away from invasive issues and creates
light effects, as a sort of liberation from the suffering to which
man is a slave.
Anna Onesti
L’alfabeto dei semi, 2010
Aquilone in stile Edo, gouache e inchiostro sumi su
carte nepalesi, stecche di bambù e fili di cotone,
147x96 cm
The alphabet of seeds, 2010
Edo-style kite, gouache and sumi ink on Nepali
papers, sticks of bamboo and cotton yarns, 147x96
cm
Realizzato nel tipico stile Edo l'aquilone di Anna Onesti (nasce a
Rocca di Papa, Roma nel 1956, dove vive e lavora), che rimane
folgorata dal mondo orientale durante un viaggio-soggiorno in
Giappone, nel 1994. La ricerca sugli aquiloni – che definisce
“nuvole di carta” - risale al 2005 e segna una svolta nel lavoro
dell’artista, in direzione della leggerezza e del movimento.
Anna Onesti (born in Rocca di Papa, Rome, in 1956, where she
lives and works), was struck by the Orient during a trip to
Japan, in 1994. She builds her kite in the Edo style. Research on
kites - which she calls "clouds of paper" - dates back to 2005
and marks a turning point in her work, in the direction of
lightness and movement.
Silvia Stucky
Il giardino dei fili intrecciati, 2009
Libro che si compone di 20 fogli dipinti con motivi
desunti dalle stoffe della collezione Marie Eve
Gardère; gouache su carta, stampa digitale su tela,
filo da ricamo, 24x25 (chiuso) e 24x50 (aperto)
The Garden of twisted wires, 2009
Book composed of 20 sheets painted with motifs
derived from the fabrics of the collection Marie Eve
Gardère; gouache on paper, digital print on fabric,
embroidery thread, 24x25 cm (opened) e 24x50 cm
(closed)
Il libro, realizzato e rilegato a mano da Silvia Stucky (è nata a
Roma, dove vive e lavora, nel 1959), si compone di venti fogli
dipinti a gouache con motivi desunti da stoffe asiatiche e
africane. La copertina è un mosaico di immagini fotografiche
digitali, stampato su tela, con inserto di filo da ricamo.
Naoya Takahara
Continenti, 2005
Intervento su enciclopedie, 64x24x31 cm
Continents, 2005
Intervention on encyclopaedias, 64x24x31 cm
Takahara (nato a Ehime, Giappone nel 1954, vive e lavora a
Roma) presenta un progetto studiato appositamente per
un’Enciclopedia. Nella sua opera egli fa in modo che arte e
parola si incontrino, senza interferenza alcuna e fa sì che le
scalfitture del disegno si fermino nel punto in cui inizia la
scrittura, creando un mondo in cui la conoscenza si unisce al
sapere.
The book, produced and hand-bound by Silvia Stucky (born in
Rome, where she lives and works, since 1959), consists of
twenty sheets gouache painted with motifs derived from Asian
and African textiles. The cover is a mosaic of digital
photographic images, printed on canvas, with an insert of
embroidery thread.
Takahara (born in Ehime, Japan in 1954, lives and works in
Rome) presents a project specifically designed for an
encyclopedia. In his work he makes art and word meet, without
interference, and makes the scratches of the design stop at the
point where the writing begins, creating a world in which
learning is combined with knowledge.
Sala VIII – Gandhara (Sala ovale)
Gallery VIII – Gandhara (Oval room)
Mantiene intatta l’impronta di un lungo viaggio in India,
Massimo Livadiotti
Anima, 2009
l’installazione di Massimo Livadiotti (nato a Zavia, Libia nel
1959, vive e lavora a Roma). L’artista ha voluto rappresentare
Installazione a parete: stoffa stampata e dipinta ad
acrilico (250x80 cm), tronco di quercia (h 31 cm simbolicamente, con la forza di penetrazione della pittura,
diametro 18 cm) con pittura ad olio
l’essenza di quel continente complesso e multiforme, attraverso
Soul, 2009
le presenze animiche che lo popolano.
Wall installation: print and acrylic on fabric
(250x80 cm), oak trunk (h 31 cm - diameter 18 cm),
with oil painting
The installation by Massimo Livadiotti (born in Zavia, Libya in
1959, lives and works in Rome) retains the imprint of a long trip
to India. The artist wanted to represent symbolically, with the
penetrating power of painting, the essence of that complex and
multifaceted continent, through the presence of the souls who
inhabit it.
Emilio Leofreddi
Dreams, 2005
Tecnica mista su tela, 100x100 cm ca.
Dreams, 2005
Mixed media on canvas, 100x100 cm apx.
Come up with full inhalation è l’invito al respiro profondo che
tocca il diaframma, della pratica yoga. In chiave ironica Emilio
Leofreddi (è nato nel 1958 a Roma , dove vive e lavora come
pittore e autore video) mette a confronto la cultura millenaria
indiana con la filosofia del quotidiano della sua gente. Una
dialettica nutrita di contrasti, come appare evidente a qualsiasi
viaggiatore che si rechi nel subcontinente indiano.
Come up with full inhalation is the invitation to take the deep
breath touching the diaphragm, typical of the yoga practice. In
an ironic way, Emilio Leofreddi (born in 1958 in Rome, where
he lives and works as a painter and video author) compares the
ancient Indian culture with the philosophy of everyday life of its
people. A dialectic nourished by contrasts, as is evident to any
traveller who goes to the Indian subcontinent.
Anna Paparatti
Il mio Buddha, 1995
Dipinto ad olio su tela, 100x80 cm
My Buddha, 1995
Oil on canvas, 100x80 cm
Sala XIII – Estremo Oriente
Gallery XIII – Far East
Protagonista di quel cambiamento radicale avvenuto alla fine
degli anni ’60, Anna Paparatti attraverso le sue opere racconta la
sua vita interiore. Il mio Buddha, con i suoi ornamenti regali,
costituisce un ritratto immaginario e rappresenta una bellezza
regale significante, un’originale sintesi del buddhismo tibetano e
della ricerca intellettuale e spirituale dell’artista.
Protagonist of the radical change that occurred in the late 60's,
Anna Paparatti tells, through her works, her inner life. My
Buddha, with its royal ornaments, is an imaginary portrait and
represents a significant royal beauty, an original combination of
Tibetan Buddhism and of the intellectual and spiritual research
of the artist.
Sala Bianca – India
White Gallery – India
L’opera di Ketna Patel (il nome intero è Ketna Jitendra Patel, di
Ketna Patel
Untitled, 2002
nazionalità britannica, nasce nel 1968 in Uganda da una famiglia
Collage fotografico, tecnica mista, 81x106 cm
proviene dal Gujarat, India; dal 1996 vive a Singapore) gioca
Untitled, 2002
sulla tridimensionalità di oggetti che trovano la loro dimensione
Photographic collage, mixed media, 81x106 cm
dialogando con i collage fotografici e gli elementi pittorici. E’ la
traduzione visiva del quotidiano indiano, in cui i sogni appaiono
alimentati dalla pubblicità.
Ketna Patel's work (her full name is Ketna Jitendra Patel, a
British national, born in 1968 in Uganda from a family coming
from Gujarat, India, has lived in Singapore since 1996) plays on
the three-dimensionality of objects that find their dimension in
dialogue with photo collages and pictorial elements. It is the
visual translation of Indian newspapers, in which dreams are fed
by advertising.
Rupa Chordia
Krishna, 2003
Dipinto ad olio su tela 18x18 cm – incorniciato
35x35 cm
Krishna, 2003
Oil on canvas 18x18 cm – framed 35x35 cm
Nel suo piccolo dipinto dedicato alla divinità indù, Rupa
Chordia (nasce a Puna, India, nel 1978, vive tra Cincinnati, Stati
Uniti e l’India) si appropria della tavolozza, utilizzando i colori
ad olio in tutta la loro potenzialità. Ad influenzare il suo lavoro
l’aspetto formale di pattern della tradizione indiana, ma anche le
variazioni cromatiche delle spezie.
In her small painting dedicated to the Hindu deity, Rupa Chordia
(born in Pune, India, in 1978, she now lives in Cincinnati, USA
and India) takes possession of the palette, using oil colours in
their full potential. Her work is strongly influenced not only by
traditional Indian patterns, but also by chromatic variations of
spices.
Ultimo ambiente – Mostra India
Final gallery – India exhibition
Nello spazio intermedio tra Transavanguardia e Orientalismo,
Enzo Barchi
Enzo Barchi (è nato a Roma nel 1963, dove vive e lavora) si è
Shanta Rasa. Contemplazione di Kamadeva, 2007
Dipinto ad olio su tavola, 80x60 cm
costruito un suo stile e una particolare poetica. Eleganti,
Shanta Rasa. Contemplations of Kamadeva, 2007
spirituali e dialettiche, le sue opere evocano un percorso di
Oil on board, 80x60 cm
conoscenza e semplicità, una via della saggezza e della pace che
i suoi uomini e le sue donne praticano con naturalezza e
positività.
At the intermediate between Transavantgarde and Orientalism,
Enzo Barchi (born in Rome in 1963, where he lives and works)
has built his style and poetics. Elegant, spiritual and logical, his
works evoke a journey of discovery and simplicity, a path of
wisdom and peace that his men and women practice in a natural
and positive way.
Corridoio da Sala Bianca e Sala I
Corridor from White Gallery to Gallery I
Nel Tempio delle Scimmie - Swayambhumath (Rajasthan) Patrizia Molinari
Swayambhumath, 2007
Patrizia Molinari (nasce a Senigallia 1948, vive e lavora a
Fotografia digitale stampata su carta cotone, 70x100 Roma), coglie un qualcosa di arcaico, che non è spiegabile
cm
razionalmente. Un luogo in cui si riflette la dimensione mentale
Swayambhumath, 2007
dell’artista, fatta di silenzio, meditazione, lontananza dalle cose.
Digital photo on cotton paper, 70x100 cm
In the Monkey Temple - Swayambhumath (Rajasthan) - Patrizia
Molinari (born 1948 in Senigallia, lives and works in Rome),
captures something archaic, which cannot be explained
rationally. A place that reflects the mental dimension of the
artist, a place of silence, meditation, far away from things.
Samagra (Anna Maria Colucci)
Yin e yang, 1973
Fotografia stampata su tela, 60x60 cm
Yin and yang, 1973
Photographic on canvas, 60x60 cm
Yin e yang è per Samagra (al secolo Anna Maria Colucci, nasce
a Verbania nel 1938, vive tra Sant’Oreste e Goa, India) la
conquista del Sé del processo junghiano di individuazione, che è
integrazione progressiva attraverso l’attività simbolica, ma è
anche il tutto, l’armonia, l’azzeramento dei conflitti delle antiche
filosofie orientali.
Yin e yang is for Samagra (née Anna Maria Colucci, born in
1938 in Verbania, Sant'Oreste, lives in Goa, India) the conquest
of the Self in the Jungian process of individuation, which is
progressive integration through symbolic activity, but which is
also the whole, harmony, the zeroing of ancient Eastern
philosophical conflicts.
L’artista come Rishi – The Artist as Rishi
Quando l’artista contemporaneo si confronta con la philosophia perennis allo scopo di penetrare la realtà, non solo con
strumenti logici ma anche attraverso l’intuizione mistica, vive l’esperienza creativa come ‘gesto sacro’, generando in sé
una trasformazione i cui effetti sono visibili nell’opera d’arte.
In questa prospettiva l’artista come il Rishi, il veggente della tradizione vedica, può accedere ad un mondo non
confinato nei limiti percettivi dei sensi e della mente ma quale gradazione ininterrotta di ‘piani segreti’: dall’Uno al
Tutto, dalle tenebre alla luce, dal microcosmo al macrocosmo.
La mostra L’artista come Rishi esplora convergenza tra pensiero occidentale e orientale alla luce di una ‘metafisica
unitaria’, ora di matrice laica ora religiosa. Come una corrente invisibile attraversando ogni civiltà, ancora oggi ispira
l’uomo nel suo desiderio di evoluzione.
Frutto della sinergia tra il Museo Nazionale di Arte Orientale “G. Tucci”, Sala 1 (Centro Internazionale d’Arte
Contemporanea), Bibliothè (Bhaktivedanta Cultural & Educational Library) e ASIA Onlus (Associazione per la
Solidarietà Internazionale in Asia), l’esposizione presenta nelle tre sedi coinvolte i lavori di 40 artisti. Selezionati dagli
anni Settanta alla contemporaneità più recente, sono diversi per provenienza geografico-culturale (dall’occidente
all’estremo oriente), generazione, stile e linguaggio. Opere in prevalenza figurative affiancano altre, aniconiche. Un
gioco di rimandi ed attraversamenti che innesca inediti confronti, genera sconfinamenti e dissolvenze, incrementa
scambi e arricchimenti fra artisti accomunati dal medesimo fil rouge. Misticismo quale terreno comune di tutte le
religioni in ogni epoca della storia o filosofia vissuta non come arido esercizio intellettuale ma in quanto motore del
processo creativo.
Questo progetto aspira ad ampliare la portata della nostra coscienza, e ad affinare la nostra comprensione del mondo.
Ciò che sembra veramente sacro nella pratica artistica non è solo racchiuso nell’oggetto d'arte ma piuttosto in ciò che
essa rivela sulla vera natura dell'uomo.
When the contemporary artist is confronted with the philosophia perennis in order to penetrate reality, not only with
logical instruments, but also through mystical insight, he lives the creative experience as a 'sacred gesture', generating in
himself a transformation whose effects are visible in the artwork.
In this regard the artist as Rishi, the seer of Vedic tradition, may have access to a world not contained within the limits
of perception of the senses and of the mind, but as a continuous gradation of 'secret plans': from One to All, from
darkness to light, from microcosm to macrocosm.
The exhibition The Artist as Rishi wants to explore the convergence between Eastern and Western thought in the light
of a 'unitary metaphysics', through both a secular and a religious matrix. Like an invisible current through each
civilization, inspiring man still in his desire to change.
The result of co-operation and synergy among the National Museum of Oriental Art “G. Tucci”, Sala 1 (International
Center for Contemporary Art), Bibliothè (Bhaktivedanta Cultural & Educational Library) and ASIA Onlus (Association
for International Solidarity in Asia), the exhibition presents the works of 40 artists in 3 different locations. Selected
artists from the ‘70s to the latest contemporaries, diverse in their geographic and cultural origin, generation, style and
language; whose works - mostly figurative - accompany other, non-iconic pieces. A play of reference and fusion that
triggers startling comparisons between cultures and creates subtle links between the works of artists united by the same
fil rouge; the mysticism that is common ground to all religions in every period of history and philosophy, regarded not
as an arid intellectual exercise but as a driver of the creative process.
This project aims at widening our knowledge and at enhancing our understanding of the world. What really seems
sacred in artistic practice lies not only in the object of the art, but in what it reveals of the true nature of mankind.