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Questo catalogo
è realizzato grazie al contributo di:
®
2009, Taormina Arte
TaorminaFilmFest
CATALOGO GENERALE
a cura di
Valentina Mezzacappa
Edizioni Taormina Arte
Comitato Taormina Arte
Comitato
Mauro Passalacqua
Presidente
Giovanni Ricevuto
Giuseppe Buzzanca
Archivio video
Manuele Passalacqua
Segretario generale
Antonino Panzera
Staff Tecnico
Rosario Pagano
Collegio dei Sindaci
Agostino Porretto
Francesco Buzzone
Domenico Pergolizzi
Pierino Botto
Consulente per le relazioni istituzionali
Gino Mauro
Responsabile Affari generali e progetti speciali
Ospitalità
Elisabetta Gulotta
Responsabile Ufficio finanziario
Domenico Scattareggia
Assistente Segretario generale e
Responsabile Amministrazione
Emilia Mammoliti
Direzione allestimenti
Francesca Cannavò
Elisabetta Monaco
segreteria
Responsabile Ufficio stampa
Fabio Tracuzzi
Milena Privitera
responsabile segreteria
Davide Gambale
Saro Laganà
Carlo Papale
Mauro Romano
Relazioni esterne
Michel Curatolo
Responsabile biglietteria
Anna Lo Turco
Sandra Ponturo
delegata rapporti Siae
Responsabile Attività promozionali
e merchandising
Daniela Di Leo
Responsabile settore personale
Giulia La Pica
Segreteria Direzione Organizzativa e Viaggi
Liliana Sangiorgio
Catalogazione immagini e rassegna stampa
Ida Cuzzocrea
Servizi esterni
Maurizio Micali
Salvatore Cubito
Antonio Mazza
Salvatore Sterrantino
Salvatore Bartolotta
Carmelo Currò
Carmelo Natto
Andrea Pagano
Damiano Privitera
Giovanni Raccuia
Domenico Cingari
Antonino Cipolla
Pancrazio Raneri
Comitato Taormina Arte
Corso Umberto, 19
98039 Taormina
Tel. (+039) 094221142
Fax (+039) 094223348
www.taorminafilmfest.it
[email protected]
[email protected]
Taormina Film Fest in Sicilia 2009
Direzione Artistica
Direttore
Deborah Young
Catalogo e traduzioni
Valentina Mezzacappa
Head of Programming
Maria Rosaria Cerino
Segreteria Direzione Artistica
Danilo Politi
Director’s Assistant & Festival Coordinator
Chiara Nicoletti
Cerimoniale
Adriana Sartoga
Cirino Cristaldi
Giampiero Gobbi
International Relations
Maya Breschi
Administration and Sponsorship
Marianna Rubulotta
Hospitality
Maria Teresa Frigo
Antonio Napolitano
Programming Consultant/Special Programs
Luca Di Leonardo
Ufficio Stampa
Maya Reggi
Raffaella Spizzichino
International Communications
Dan Fainaru
Edna Fainaru
Responsabile Campus Taormina e Relazioni
Istituzionali
Fabio Longo
Responsabile Eventi Serali
Fabio Fragomeni
Responsabile Spazio Taormina
Rosella Gioffré
Responsabile eventi speciali e curatore del
programma cinema brasiliano
Donald K. Ranvaud
U.S. Consultant
Silvia Bizio
French Retrospective
Edouard Waintrop
Regia serate Teatro Antico e in Sicilia
Mimma Nocelli
Coordinatore Taormina Film Fest in Sicilia
Valerio Santoro
Conduzioni Lezioni di Cinema
Henri Béhar, Franco Cicero, Giancarlo Scarchilli
Conduzione serate al Teatro Antico
Lorena Bianchetti
Livia Azzariti
Conduzione serate a Palermo e Palma di Montechiaro
Daniela Poggi
Luca Calvani
Conduzione serate a Siracusa
Mimmo Contestabile
Carola Stagnaro
Responsabile interpreti simultanei
Giuliana Ardito
Responsabile proiezioni
Pino Chiodo
Sottotitoli Elettronici
Microcinema
Spedizioniere
Cecchetti Speedcoop
Ringraziamenti
Frederic Mitterrand, Vittoria Matarrese,Turi Cageggi, Lino
Chiechio, Vittoria Alliata di Villafranca, Vittorio Prestifilippo,
Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele, Prof. Guglielmo de’
Giovanni-Centelles, Gisella De Pace, Dott. Fortunato Celi
Zullo, Giovanni Celsi, Paolo Ferrari, Chicca Ungaro, Lance
Volland, Paul Zonderland, Kristin Greiner, Michelle Sewell,
Filippo Roviglioni, Roberto Proia, Luciano Sovena, Antonio
Carloni, Franco Zuliani, Intishal Al Timimi, Valerio De Paolis,
Paulo Branco, Christian De Schutter, Peter Bouckaert, Raphael
Berdugo, Yohann Comte, Andrew Benfer, Marguerite Mello,
Raisa Fomina, Emanuela Volpe, Stefano Chiappi, Daniele
Orazi, Laura Ungaro, Carrie Gordon, Marisa Martins,
Valérie Ardant, Viviana del Bianco, Adeline Colombier,Peter
Scarlet, Silla Simonini, Massoud Al Amrallah, Kellen Quinn,
James Franco, Vince Jollivette, Tommaso Campione, Eric
Mika, Gulin Ustun, Ceylan Karaca, Esther Devos, Adeline
Falampin, Cecile Pico, Chloe Cremont, Meryem Sefrioui,
Jihane Ayed, Gianmario Feletti, Adam Rosner, Karen
Finnegan, Gisela Witschek, Constanze Schumann, Reza
Tashakkori, Amir Esfandiari, Erica Bernardini, Programa
Cinema Do Brasil, Alberto Flaksman, Mario Diamante,
Rucha Patak, Olga Khlasheva, Gulnara Abikeyeva, EunYoung Choi, Claudio Trionfera, Sonia Dichter, Gianni Masi,
Federica Proietti Sperati,Lisa Dicorato, Micaela Bernardini,
Ryan Gaffney, Delphine Eon, Andreas Rothbauer, Elodie
Henneton, Veronique Paul, Sandro Cisco, Alicia Jourdan,
Gianni Masi, Charlotte Renault, Stefano Stefani, Saadia
Karim, Mathilde Henrot, Angiolo Stella, Martin Caraux,
Maura Pierangelini, Giuliana De Giusti, Paola Papi, Maria
Antonietta Sbardella, Elena Vicentin, Cristina Casati, Monica
Venditto, Michele Telaro, Angelo Perrone, Rita Gari, Dafne
Mauro, Maria Veramonti, Grazia Rendo, Loredana Rigato,
Francesca Neri, Pippo Cappellano, Daniele Tignino, John
Walsh, Raphaela Zecchin, Shyam Benegal, Vijay Singh,
Rosario Gallo, Francesco Reitano, Cesare Speranza, Gerri
Gambino, Alessandro Rais, Ignazio Playa.
Direzione Artistica
TaorminaFilmFest
Via degli Zingari, 1
00184 Roma
Tel. +39 06 486808
Fax +39 06 48913988
[email protected]
SOMMARIOSummary
08
Debutta il Taormina Film Fest in Sicilia
di Deborah Young
10
Taormina Film Fest in Sicily makes its bow
by Deborah Young
12
Taormina Arte Award
23
Grande Cinema Taormina
43
La Giuria / The Jury
49
Mediterranea/Mediterranean
67
Oltre il Mediterraneo / Beyond The Mediterranean
85
Guest Of Honor: France
105
Tao Special
111
Donne Forti
119
Donne Forti in Sicilia
125
Focus Brasile
137
Master Class
147
Giovane Commedia Americana
153
CortiSiciliani
159
CampusTaormina
novità estive in arrivo da Hollywood; a Palma di
Montechiaro il programma celebra le donne forti
come le eroine de La siciliana ribelle e Persepolis; mentre a Siracusa sarà protagonista il cinema
brasiliano, un evento reso possibile grazie alla
nuova collaborazione con la Camera di Commercio Italo - brasiliana.
È stato davvero emozionante lavorare all’organizzazione di questi eventi, benché essi rappresentino solo una piccola parte di quello che sarà
quest’anno il festival. Ogni mattina durante le
nostre Master Class prenderanno la parola importanti film maker, dal montatore Roberto Perpignani a Michal Leszczylowski al grande stilista
Emanuel Ungaro che terrà una conferenza sul
binomio cinema-moda. Francesco Alliata, il padre della fotografia cinematografica subacquea
e produttore della leggendaria casa di produzione del dopoguerra Panaria Film, parlerà invece
di Vulcano; l’esperto regista Hugh Hudson, che
quest’anno chiuderà il festival con Revolution
Revisited (director’s cut della pellicola distribuita nel 1985), dialogherà con la celebre attrice e
neo-regista Fanny Ardant, mentre la leggendaria
Deborah Young Jessica Lange discuterà della sua carriera con il
Artistic Director critico Henri Béhar.
Oltre alle Master Class, il festival rinnova il proprio impegno e apre le porte ai giovani amplianIl 2009 segna una data importante nella storia,
do le attività del Campus Taormina. Il programlunga oltre mezzo secolo, del Taormina Film
ma prevede una serie d’incontri tra 600 studenti
Fest. Portare il festival in giro per la Sicilia è il
universitari e le star e i registi del cinema italiano
coronamento di un sogno comune: condividere i
di oggi. Tra questi Carolina Crescentini e Francenostri programmi, le nostre idee e la nostra idea
sco Mandelli. Anche qui lasceremo che la nostra
di cinema con il resto dell’isola. Guardando al fuimmaginazione erri durante conversazioni sul
turo, la commissione di Taormina Arte, in accorgiornalismo cinematografico (Piera Detassis), sul
do con il Servizio Turistico regionale, quest’anno
product placement (Ulderico Acerbi) e sulla muha deciso di rilanciare il venerabile festival come
sica internazionale (con il grande artista brasiliail Taormina Film Fest in Sicilia, con sedi a Palerno Carlinhos Brown).
mo, Siracusa e Palma di Montechiaro, e ovviaNelle due sezioni competitive, Mediterranea e
mente Taormina.
Beyond the Mediterranean, figurano invece alIn questo modo, sarà data la possibilità a quanti
cuni dei titoli più belli tra quelli presentati a Tapiù siciliani possibili di accedere alla manifestaormina negli ultimi anni. E il Concorso Corti Sicizione che, senza dubbio, si rivelerà essere anche
liani, ancora una volta sponsorizzato dal N.I.C.E.
una forte attrattiva turistica per l’isola. Ognuna
(New Italian Cinema Events), ha raggiunto un
delle tre città coinvolte proietterà un programlivello degno di nota.
ma pensato per l’occasione: gli spettatori di PaDonne Forti – argomento della tavola rotonda
lermo si divertiranno con la giovane commedia
moderata da Luciana Castellina- sarà inoltre preamericana, il cui programma prevede le ultime
Debutta il
TaorminaFilmFest
in Sicilia
8
sente nell’elegante cornice delle proiezioni serali
della sezione Grande Cinema al Teatro Antico
con le pellicole The Proposal, Gray Gardens, Sister Smile ed Effi Briest. A Taormina, ogni serata
si aprirà con un vivace show presentato da Livia
Azzariti e Lorena Bianchetti, in collegamento
satellitare con Daniela Poggi e Luca Calvani a Palermo e Palma di Montechiaro e Mimmo Contestabile e Carola Stagnaro a Siracusa, tutti guidati
dalla regia di Mimma Nocelli. Questo sarà un
momento collettivo in cui gli spettatori di tutta
la Sicilia si ritroveranno uniti da un sentimento
comune, quello del Taormina Film Fest in Sicilia!
A inaugurare il festival, l’anteprima di Taormina
55, un documentario prodotto appositamente
per il festival da Antonello Sarno, omaggio ai divi
che hanno reso la manifestazione famosa.
Ancora una volta il festival si unisce alla Sicilia
Film Commission per offrire visibilità alle nuove
produzioni cinematografiche realizzate sull’isola.
Lo Spazio Taormina, il nostro settore industry,
aprirà le porte a venti tra buyer e distributori. Leader nel settore e provenienti da ogni parte del
mondo, questi guarderanno le pellicole prodotte localmente e i film in concorso, una selezione boutique composta di sedici titoli di qualità,
molti dei quali presentati al festival in anteprima
mondiale.
E mentre il festival si allarga a tutta la Sicilia,
resta la sua identità mediterranea e continua
la sua missione di punto d’incontro culturale e
geografico per quest’area del mondo. Dopo aver
celebrato il cinema egiziano e turco, quest’anno Taormina accoglie come suo ospite d’onore
la vicina Francia. Il programma comprende otto
produzioni cinematografiche recenti, selezionate
dal critico Edouard Waintrop, a testimonianza
della straordinaria varietà di generi cinematografici prodotti nell’ultimo decennio. Nella sezione
competitiva del festival a rappresentare la Francia c’è La Fille du RER diretto da André Téchiné
mentre la sezione Grande Cinema dà il benvenuto a Sœur Sourire e Diamant 13. Il Festival è inoltre onorato di conferire il Taormina Arte Award
a due delle più importanti attrici francesi, Catherine Deneuve e Dominique Sanda e all’attrice
americana Jessica Lange. Questo, per Taormina,
è senza dubbio l’anno delle “Donne Forti”.
Vorrei dedicare queste ultime righe della mia introduzione per salutare e ringraziare, dal profondo del mio cuore, la commissione di Taormina
Arte – il Sindaco Mauro Passalacqua, il presidente Nanni Ricevuto, il Sindaco Giuseppe Buzzanca e l’Avvocato Ninni Panzera e tutto il suo
staff- per aver guidato il festival fuori da acque
tempestose verso il mare aperto. All’Assessore
Giambattista Bufardeci ed il Presidente Raffaele Lombardo vanno i miei ringraziamenti per
aver creduto in questo progetto donchisciottesco per un festival esteso all’intera regione e per
aver fatto in modo che questo sogno diventasse
realtà.
Gaetano Blandini e il Ministero dei Beni Culturali sono stati nostri importanti alleati. Chapeau
a Turi Cageggi e Lino Chicchio della splendida
Videobank. Ancora una volta il Capo Programmer Maria Rosaria Cerino ed io, aiutati dal nuovo
arrivato Luca Di Leonardo, restiamo fedeli ai
film che abbiamo selezionato con tanta attenzione. Abbiamo riso e pianto, urlato e festeggiato con l’indimenticabile squadra organizzativa
del festival, composta dal festival coordinator
Chiara Nicoletti e il capo delle relazioni internazionali Maya Breschi, dall’amministratrice e capo
delle sponsorizzazioni Marianna Rubulotta e la
responsabile dell’ospitalità Maria Teresa Frigo.
Senza dimenticare la diplomazia del nostro coordinatore siciliano Valerio Santoro e la generosità
di Antonio Napolitano e Danilo Politi. Il festival
non sarebbe mai stato possibile senza l’instancabile Fabio Longo a Messina, che ha saputo organizzare uno splendido programma per il Campus
ed ha curato i contatti con re e principi.
Il Brasile si è unito a noi grazie all’entusiasmo di
Don Ranvaud e della nostra nuova amica Erica
Bernardini; Hollywood grazie alla persuasività di
Silvia Bizio; la Francia e il resto del mondo grazie
all’impeccabile lavoro di Dan e Edna Fainaru. Viviana Del Bianco merita più che un semplice ringraziamento. Un inchino va alla famiglia allargata degli Alliata. Ringrazio inoltre tutti quelli che
ci hanno aiutato a portare il Taormina Film Fest
in Sicilia, da Alessandro Rais al Sindaco Rosario
Gallo e tutti gli altri che non ho nominato.
2009 marks a turning point in the 55-year history
of the Taormina Film Festival. Taking the festival
to other cities around Sicily is the realization of
a common dream: to share with others on the
island our programs, our ideas and our vision of
cinema. Looking into the future, the Taormina Arte
Committee, in agreement with Sicily’s regional
tourism board, is relaunching the venerable festival
this year as the Taormina Film Fest in Sicily, with
locations in Palermo, Siracusa and Palma di Montechiaro, as well as the main event in Taormina
itself. In this way many more Sicilians will have
access to the festival than before and the festival
will be a strong attraction for tourism around the
island. Each of the three participating cities will
screen unique film programs designed especially
for them: Palermo audiences will laugh with Young
American Comedy, featuring new summer releases
from Hollywood; in Palma di Montechiaro, the
program celebrates Strong Women like the heroines of The Sicilian Girl (LA SICILIANA RIBELLE)
and Persepolis; while in Siracusa, Brazilian cinema
takes the stage, thanks to a new collaboration with
the Italian-Brazilian Chamber of Commerce.
It has been exciting to put together these shows,
which are but a small part of this year’s festival. In
Taormina the program has never been richer or
more varied. Every morning our Master Class series
brings to the podium world-renowned filmmakers,
from editors Roberto Perpignani and Michal Leszczylowski to the great stylist Emanuel Ungaro who
will lecture on Cinema and Fashion. Veteran director Hugh Hudson, who closes this year’s festival
with his newly re-edited Revolution Revisited, will
hold a conversation with debuting director Fanny
Ardant, and mythic actress Jessica Lange will talk
about her career with critic Henri Béhar.
Following the Master Classes, an expanded Campus Taormina program renews our commitment to
open the gates to young audiences, offering daily
encounters between 600 university students and
the contemporary stars and directors of (mainly)
Italian cinema like Carolina Crescentini and Francesco Mandelli. Here, too, we have let our imagination roam in talks about film journalism (Piera
Deborah Young Detassis), product placement (Ulderico Acerbi)
Artistic Director and world music (Brazil’s great artist Carlinhos
TaorminaFilmFest
in Sicilia makes its bow
10
Brown.) The two competition sections, Mediterranea and Beyond the Mediterranean, feature
some of the most exciting films we have brought
to Taormina in recent years. And the Sicilian
Short Film Competition, once again sponsored by
N.I.C.E. (New Italian Cinema Events), has reached
a notable level. Strong Women – who will be
the topic of a round table moderated by Luciana
Castellina – reappear in our glamorous evening
screenings of Grande Cinema at the Teatro Antico
in films like The Proposal, Gray Gardens, Sister
Smile and Effi Briest. Every evening opens with
a lively show hosted by Livia Azzariti and Lorena
Bianchetti in Taormina, connected by satellite
hook-up with Daniela Poggi and Luca Calvani in
Palermo and Palma di Montechiaro and Mimmo
Contestabile and Carola Stagnaro in Siracusa, all
under the direction of Mimma Nocelli. This is the
collective moment for audiences all over Sicily to
be united in a single common emotion, that of
the Taormina Film Fest in Sicily! Opening night
begins with the premiere screening of Taormina
55, a documentary made especially for the festival
by Antonello Sarno, celebrating the stars who
made it famous. For the second year the festival
joins hands with the Sicilia Film Commission as a
showcase for the burst of new productions being
made on the Island. Twenty important buyers and
distributors from around the world will attend
Spazio Taormina, our industry space, to watch
local films and the films in competition, a boutique
selection of just 16 quality pictures, many making
their world or international premiere.
Even as the festival expands throughout Sicily, it
embraces its Mediterranean identity and its mission as a cultural and geographical crossroads of
the area. After celebrating the cinema of Egypt and
Turkey, Taormina fetes its great neighbor France
as Mediterranean Guest of Honor this year. The
show includes eight recent French films selected
by critic Edouard Waintrop that reveal the exceptional range of genres produced in the last decade.
In competition France is well represented by The
Girl on the Train (LA FILLE DU RER) directed by
André Téchiné, and in the Grande Cinema section
by Sister Smile and Diamond 13. It is our honor
to bestow the Taormina Arte Award on two of the
great French actresses who have left their indelible
mark on world cinema, Catherine Deneuve and
Dominique Sanda, as well as American actress Jessica Lange. This is truly a year of “Donne Forti.”
I take the last lines of this introduction to salute
and thank, from the bottom of my heart, the
Taormina Arte Committee - mayor Mauro Passalacqua, president Nanni Ricevuto, mayor Giuseppe
Buzzanca and Avv. Ninni Panzera and his staff
- who have navigated the festival through turbulent
waters into open seas. To Assessore Giambattista Bufardeci and president Raffaele Lombardo
we owe deep thanks for believing in the quixotic
project of an all-regional festival and giving us the
means to make it happen.
Gaetano Blandini and the Italian ministry of culture have been our valued allies. A tip of the hat to
Turi Cageggi and Lino Chiecchio of the wonderful
Videobank. Once again chief programmer Maria
Rosaria Cerino and I, aided by new entry Luca
Di Leonardo, stand by our painstakingly selected
body of films. We laughed and cried, screamed
and celebrated with an unforgettable on-site
staff which numbered festival coordinator Chiara
Nicoletti and head of international relations Maya
Breschi, administrator and head of sponsorship
Marianna Rubulotta and hospitality boss Maria
Teresa Frigo, not to mention the diplomacy of our
Sicilian coordinator Valerio Santoro and the selfless
work of Antonio Napoletano and Danilo Politi. We could never have done the festival without the
tireless labor of Fabio Longo in Messina, who put
together an incredible year of Campus and liaised
for us with kings and princes. Brazil is here because of the enthusiasm of Don
Ranvaud and our new friend Erica Bernardini;
Hollywood because of the persuasive Silvia Bizio;
France and the rest of world thanks to the good
offices of Dan and Edna Fainaru. Viviana Del Bianco deserves much more than thanks. A bow to
the extended Alliata family. To everyone else who
helped take the Taormina Film Fest to Sicily, from
Alessandro Rais to Mayor Rosario Gallo and others
unnamed, I thank you one and all.
TaorminaArteAward
Jessica Lange
Catherine Deneuve
Dominique Sanda
photo by Brigitte Lacombe
Jessica Lange
Definita come una delle attrici più importanti della sua generazione, la due volte premio Oscar Jessica Lange vanta un curriculum di ben oltre trenta lungometraggi. Debutta sul grande schermo
al fianco di Jeff Bridges e Charles Grodin in King
Kong, per la regia di John Guillermin, vincendo
un Golden Globe come migliore attrice esordiente. La consacrazione definitiva arriva quando,
nello stesso anno, riceve due nomination agli
Oscar e altrettante ai Golden Globe per le avvincenti interpretazioni in Frances e Tootsie, la celebre commedia interpretata da Dustin Hoffman
e diretta da Sydney Pollack per la quale vincerà a
casa l’Oscar come miglior attrice non protagonista. Nel 1994, la Lange vince il suo primo premio
Oscar come miglior attrice protagonista per Blue
Sky, pellicola in cui recita insieme a Tommy Lee
Jones. In seguito, la Lange sbalordisce il suo pubblico recitando in progetti del calibro di Country,
la storia di un agricoltore in difficoltà e di sua moglie. Accanto a lei nel film c’è Sam Shepard, suo
co-protagonista in Frances. La sua performance
viene premiata ancora una volta con una candidatura agli Oscar ed una ai Golden Globe, entrambe come miglior attrice protagonista. L’inarrestabile successo di Jessica continua con Sweet
Dreams e Music Box, due ruoli che le fruttano
due nomination agli Oscar ed una terza candida-
tura per Music Box ai Golden Globe. Nel 1996 la
Lange riceve la sua prima candidatura agli Emmy
per la sua interpretazione di Blanche DuBois
nell’adattamento televisivo di A Streetcar Named
Desire. La Lange continua a collezionare ruoli
diversi tra loro in pellicole di successo. Tra questi, Cape Fear di Martin Scorsese con Robert De
Niro, Nick Nolte e Juliette Lewis; Losing Isaiah
con Halle Berry; Rob Roy con Liam Neeson e Big
Fish di Tim Burton, il cui cast stellare comprende
Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudrup ed
Helena Bonham Carter. La Lange compare inoltre nel film di Jim Jarmusch, Broken Flowers, nel
quale interpreta una vecchia fiamma del protagonista Bill Murray.
Nel 2005, Jessica recita nella pellicola indipendente Don’t Come Knocking, scritta ed interpretata
da Sam Shepard. Il film segna la loro prima collaborazione dopo più di quindici anni. Presentato in
anteprima al Sundance FilmFestival e diretto da
Wim Wenders, Don’t Come Knocking racconta
le vicende di un ex divo del cinema il quale, dopo
essere venuto a conoscenza dell’esistenza di un
figlio da qualche parte nel mondo, decide di intraprendere un viaggio alla scoperta di una famiglia
che non sapeva nemmeno di avere. Nella sua ultima fatica cinematografica, Bonneville, la Lange
veste i panni di una donna recentemente rimasta
vedova che, insieme a due amiche, interpretate
dalle pluripremiate Joan Allen e Kathy Bates, decide di intraprendere un viaggio che le cambierà
la vita. Il film, scritto da Daniel Davis e Cristopher
Rowley, è diretto da quest’ultimo. Nel 2008, la
Lange recita al fianco di Tammy Blanchard nel
remake televisivo prodotto dalla CBS TV del film
acclamato dalla critica, Sybil. Lange interpreta
la Dott.ssa Wilbur, una psichiatra impegnata a
far luce sull’infanzia difficile di Sybil (Blanchard),
FilmografiaFilmography
2009
One More River
Grey Gardens
2007
Sybil
2006
Bonneville
2005
Neverwas
Don’t Come Knocking
14
Broken Flowers
2003
Big Fish
1999
Titus
2003
Masked and Anonymous
Normal
1998
Cousin Bette
Hush
Stories from My
Childhood
2001
Prozac Nation
1997
A Thousand Acres
ricerca che induce la paziente a sviluppare un
disturbo della personalità. Sempre per il piccolo
schermo, Jessica Lange ha da poco interpretato
il ruolo di “Big” Edith Bouvier, l’eccentrica zia di
Jackie Kennedy, nella produzione HBO di “Grey
Gardens”, andata in onda il 18 Aprile 2009. Al suo
fianco Drew Barrymore nel ruolo della figlia, “Little” Edith Bouvier.
Acclaimed as one of the greatest actresses of her
generation, two-time Academy Award winner Jessica Lange has dazzled the screen with over thirty
credits to her name. Jessica made her Hollywood
debut in John Guillermin’s King Kong opposite Jeff
Bridges and Charles Grodin, winning a Golden
Globe for Best Acting Debut in a Motion Picture.
She then permanently put her name on the map
by receiving dual Academy Award and Golden
Globe nominations in the same year for her challenging performances in Frances and in Sydney
Pollack’s memorable comedy Tootsie starring opposite Dustin Hoffman, for which she took home
the Oscar for Supporting Actress. In 1994, Lange
won her first Oscar for her Best Actress in Blue
Sky, which she starred opposite Tommy Lee Jones.
Following her previous dynamic performances,
Lange amazed audiences with projects such as
Country, which paired her with Frances co-star
Sam Shepard, to tell the story of a struggling
farmer and his wife.
Lange’s performance again earned her Oscar
and Golden Globe nominations for Best Actress
in a Leading Role. Jessica’s success continued
with Sweet Dreams and Music Box, both which
garnered her Academy Award nominations and
an additional Golden Globe nom for Music Box.
In 1996 Lange picked up her first Emmy nomination for the made for TV adaptation of A Streetcar
Named Desire in which Lange played Blanche
DuBois. Lange continued to take diverse roles in
acclaimed movies which include Martin Scorsese’s
Cape Fear alongside Robert De Niro, Nick Nolte,
and Juliette Lewis; Losing Isaiah opposite Halle
Berry; Rob Roy with Liam Neeson; and Tim Burton’s Big Fish alongside an outstanding ensemble
cast including Ewan McGregor, Albert Finney, Billy
Crudup, and Helena Bonham Carter. Lange also
appeared in Jim Jarmusch’s Broken Flowers starring
Bill Murray, in which Lange played a former flame
of Murray’s character.
In 2005, Jessica starred in the independent film
Don’t Come Knocking. The film, written and costarring Sam Shepard, marked their first collaboration after over 15 years. Debuting at the Sundance
Film Festival, Don’t Come Knocking told the story
of a former movie star who finds out he might have
a child somewhere in the world and sets out on a
journey to find the family he never knew existed.
The film was directed by Wim Wenders. Lange’s
most recent film was Bonneville that premiered
at the Toronto Film Festival in 2006. Starring as a
recent widow Lange takes a life-changing road trip
with fellow award winning actresses Joan Allen and
Kathy Bates. The film was written by Daniel Davis
and Christopher Rowley and directed by Rowley.
In 2008, Lange starred alongside Tammy Blanchard
in the CBS TV remake of the critically acclaimed
Sybil. Lange played Dr. Wilbur, a psychiatrist who
attempts to unravel the abusive childhood which
results in Sybil (Blanchard) developing a multiple
personality disorder. Jessica has recently been
seen in HBO’s film “Grey Gardens”, in which she
played ‘Big’ Edith Bouvier, the eccentric aunt of
Jackie Kennedy, alongside Drew Barrymore who
stars as her daughter ‘Little’ Edith Bouvier. “Grey
Gardens” was aired on April 18, 2009.
1995
A Streetcar Named
Desire
Rob Roy
Losing Isaiah
1991
Cape Fear
1986
Crimes of the Heart
1990
Men Don’t Leave
1985
Sweet Dreams
1994
Blue Sky
1989
Music Box
1992
Night and the City
O Pioneers!
1988
Everybody’s AllAmerican
Far North
1984
Country
Cat on a Hot Tin Roof
1982
Frances
Tootsie
1981
The Postman Always
Rings Twice
1980
How to Beat the High
Co$t of Living 1979
All That Jazz
1976
King Kong
Catherine Deneuve
Nata da una famiglia di attori, Catherine Deneuve fa il suo ingresso nel mondo del cinema quasi
per caso, durante le riprese di un film in cui recita
la sorella maggiore, Françoise Dorleac.
Ma è solo in seguito a Parapluies de Cherbourg
di Jacques Demy e Repulsion di Roman Polanski
che la giovane Catherine decide di seguire la propria vocazione d’attrice. Da allora ha recitato in
oltre 80 film, tutti firmati da registi del calibro
di Luis Bunuel che la scelse per Bella di giorno
e Tristana, Jean-Paul Rappeneau che la diresse
in L’armata sul sofà e Il mio uomo è un selvaggio, Alain Cavalier in La chamade, Jean-Pierre
Melville in Notte sulla città, Marco Ferreri in La
cagna, Claude Lelouch in A noi due e Chissà se lo
farei ancora, Alain Corneau in Codice d’onore e
Fort Saganne, François Truffaut in La mia droga
si chiama Julie e L’ultimo metrò per il quale vince
un César come miglior attrice, André Téchiné in
Hôtel des Amériques, Le lieu du crime, La mia
stagione preferita e Les voleurs, ed infine Régis
Wargnier che la dirige in Indocina, interpretazione che le vale il secondo César come miglior
attrice ed una candidatura agli Oscar. Al film
verrà conferito un Golden Globe ed il premio Box
Office al Festival di Deauville nel 1993.
Nel Marzo del 2000, la Deneuve si reca nuovamente a Los Angeles in occasione della cerimonia di premiazione degli Oscar, dopo che il film di
Régis Wargnier, Est-Ovest – Amore-Libertà, riceve una candidatura come miglior film straniero.
Segue poi la collaborazione con Lars Von Trier
per Dancer in the Dark, vincitore a Cannes e 8
donne e un mistero di François Ozon e poi anche
in Palais Royal, Le héros de la famille, Après lui
e Un conte de Noël. Attraverso i numerosi ruoli
interpretati, Catherine Deneuve ha dimostrato la
capacità di saper affrontare i ruoli più diversi, sia-
2009
La cuisine
Bancs publics
Cyprien
La fille du RER
2008
Mes stars et moi
Je veux voir
Un conte de Noël
2007
Frühstück mit einer
Unbekannten
16
Persepolis
Après lui
2006
Le héros de la famille
Nip/Tuck
Le concile de pierre
2005
Palais royal!
2004
Les temps qui changent
Rois et reine
Princesse Marie
2003
Um Filme Falado
Les liaisons dangereuses
2002
Au plus près du paradis
8 femmes
2001
Le petit poucet (2001)
Absolument fabuleux
Je rentre à la maison
2000
Dancer in the Dark 1999
Est - Ouest
Le temps retrouvé,
d’après l’oeuvre de
Marcel Proust
Pola X
Belle maman
Le vent de la nuit
1998
Place Vendôme
no questi drammatici, fantastici o polizieschi.
Nel 1994 presiede insieme a Clint Eastwood alla
giura del Festival di Cannes e nel 2006 quella del
Festival di Venezia.
Born into a family of actors, Catherine Deneuve’s
first approach with the silver screen arrived by
chance, during the production of a film starring
her older sister, Françoise Dorleac. But it was
only following her role in Jacques Demy’s The
Umbrellas of Cherbourg and in Roman Polanski’s Repulsion that young Catherine decided to
embark on a professional acting career. Since then
she has starred in over 80 features, working with
directors of the like of Luis Bunuel who cast her in
Belle de jour and Tristana, Jean-Paul Rappeneau
who directed her in A Matter of Resistance and
The Savage, Alain Cavalier Heartbeat, Jean-Pierre
Melville A Cop, Marco Ferreri Liza, Claude Lelouch
Us Two and Second Chance, Alain Corneau
Choice of Arms and Fort Saganne, François Truffaut Mississippi Mermaid and The Last Metro for
which she was awarded a César for Best Actress,
André Téchiné Hotel of the Americas, Scene of
the Crime, My Favourite Season and Thieves,
and lastly Régis Wargnier who directed her in
Indochine, for which she won her second César
for Best Actress and earned an Oscar nomination. The film won a Golden Globe and the Box
Office Award at the 1993 Deauville FilmFestival.
In March 2000 Catherine Deneuve returned to Los
Angeles to attend the Oscar ceremony, following
the nomination for Best Foreign Language Film of
Régis Wargnier’s feature East-West. She then went
on to star in Lars Von Trier’s Cannes winner, Dancer in the Dark and 8 Women by François Ozon, as
well as Palais Royal, Family Hero, After Him and A
Christmas Tale. Through her diverse roles, ranging
from the fantastic to the noir, Catherine Deneuve
has proved to be a versatile actress.
1997
Sans titre
Généalogies d’un crime
1996
Court toujours:
L’inconnu
Les voleurs
1995
O Convento
Les cent et une nuits de
Simon Cinéma
1994
La partie d’échecs
1993
Ma saison préférée
1992
Indochine
1991
La reine blanche 1988
Drôle d’endroit pour une
rencontre
Fréquence meurtre
1987
Agent trouble
1986
Le lieu du crime
Speriamo che sia
femmina
1984
Paroles et musique
Fort Saganne
Le bon plaisir
1983
The Hunger
L’africain
1982
Le choc
1981
Hôtel des Amériques
Le choix des armes
1980
Je vous aime
Le dernier métro 1979
Courage fuyons
À nous deux
Ils sont grands, ces petits
Écoute voir...
1978
L’argent des autres
1977
Casotto
March or Die
Anima persa
Le sauvage
L’agression
Zig zig
La femme aux bottes
rouges
Fatti di gente perbene
Touche pas à la femme
blanche
1973
L’événement le plus important depuis que l’homme a
marché sur la lune
1972
Un flic
Liza
1971
Ça n’arrive qu’aux autres
1970
Peau d’âne
Tristana
1969
Tout peut arriver
La sirène du Mississipi
The April Fools
1976
Si c’était à refaire
1968
La chamade
Mayerling
Manon 70
Benjamin ou Les
mémoires d’un puceau
1975
Hustle
1967
Belle de jour
Les demoiselles de
Rochefort
1966
Les créatures
La vie de château
1965
Le chant du monde
Das Liebeskarussell
Les petits chats
Repulsion
1964
Un monsieur de
compagnie
La chasse à l’homme
Les plus belles
escroqueries du monde
Les parapluies de
Cherbourg
La Costanza della
ragione
1963
Vacances portugaises
Le vice et la vertu
1962
Dossier 1413
Les parisiennes
Et Satan conduit le bal
1960
Les portes claquent
L’homme à femmes 1957
Les collégiennes
Dominique sanda
Dominique Sanda nasce Dominique Varaigne l’11
Marzo 1951 a Parigi e cresce in una famiglia cattolica della media borghesia.
Dopo una breve parentesi come studentessa
in arti decorative, inizia a lavorare con Dorian
Leigh: le sue foto appaiono su“Glamour”,“Elle”
e“Vogue”. Robert Bresson, colpito dal suo volto
e, più tardi, dalla sua voce, le offre il ruolo principale in Così bella così dolce. Il ruolo le calza alla
perfezione, tanto che le riesce difficile distinguere tra la propria performance e la propria identificazione con il personaggio. Il film lancia la sua
carriera internazionale e segna la nascita di una
nuova diva: Dominique Sanda.
Segue Erste Liebe, adattamento di una novella
di Turgenev per la regia di Maximilian Schell. Il
film, girato in Ungheria, vede Schell impegnato nel duplice ruolo di regista e di attore. Per la
giovane e spaurita Dominique lavorare al fianco
di Schell nel ruolo del padre di Turgenev si rivela
un’esperienza difficile. Esperienza che supera
grazie al suo forte bisogno di riuscire.
Dominique ha appena 18 anni quando Bernardo Bertolucci la sceglie per il ruolo di Anna ne Il
conformista. Il ruolo di Anna Quadri conferma la
sua reputazione di grande attrice e rende la sua
presenza sul grande schermo insindacabile.
La Sanda viene poi scelta da Vittorio de Sica per
interpretare la parte di Micol ne Il giardino dei
Finzi-Contini. Il film vince un Oscar e, ancora
oggi, il pubblico internazionale identifica Dominique con il personaggio di Micol. Poco dopo
aver partorito, Dominique parte per il Marocco
per girare il film di John Frankenheimer, Questo
impossibile oggetto. Seguono poi ruoli in The
MacKintosh Man per la regia di John Huston
e ne Il lupo della steppa di Fred Haines. Luchino Visconti le riserva un piccolo ma importante
2007
Suster N
2001
The Island of the
Mapmaker’s Wife
2000
Les rivières pourpres 1999
Garage Olimpo
18
1995
Joseph
Brennendes Herz
1994
Guerriers et captives
Nobody’s Children
1993
Der grüne Heinrich
Albert Savarus
Der Fall Lucona
Rosenemil
ruolo in Gruppo di famiglia in un interno, per il
quale l’attrice si identifica con la madre del celebre regista e Bertolucci le offre il ruolo di Ada in
Novecento.
L’interpretazione di Irene ne L’eredità Ferramonti di Mauro Bolognini viene premiata nel 1976
con il premio come miglior attrice al Festival di
Cannes. Liliana Cavani, ritrovando in lei le caratteristiche e la misteriosa presenza di Lou Andréas
von Salomé, le propone il ruolo principale in Al di
là del bene e del male. In seguito al ricongiungimento con Marguerite Duras in occasione di Navire Night, la Sanda continua il proprio percorso
professionale lavorando esclusivamente in Francia: Un dolce viaggio di Michel Deville, Les ailes
de la colombe di Beno”t Jacquot, Una camera in
città di Jacques Demy con il quale Dominique
ha già lavorato in occasione del suo primo ruolo
televisivo in La naissance du jour, adattamento
dell’omonimo romanzo di Colette.
Segue poi L’indiscrétion per la regia di Pierre Larry. Nel 1983 Dominique gira Poussière d’empire,
diretta dal giovane regista vietnamita Lam Lé.
Dominique interpreta il ruolo di una missionaria
francese rimasta in Asia durante la caduta delle
colonie francesi per continuare la sua opera di
catechizzazione mentre i suoi connazionali decidono di far ritorno in patria.
Con il passare del tempo,“la Sanda” acquista
un’aura sempre più profonda e misteriosa, caratteristica che la rende perfetta, più di chiunque altro, per interpretare il ruolo della moglie
del capitano in Le Matelot 512 di René Allio, una
delle sue migliori interpretazioni insieme a quella
regalata in Corps et biens e Les mendiants, entrambi diretti da Beno”t Jacquot.
Con l’avvento, verso la fine degli anni ottanta,
della crisi del cinema italiano la Sanda non esita a
prender parte ad importanti produzioni televisive: ne Quel treno per Pietrogrado diretto da Damiano Damiani interpreta Inès Armand, il grande
amore di Lenin. Lina Wertmuller la dirige invece
in Il decimo clandestino e in Up to Date. Recita al
fianco di Burt Lancaster in Voyage of Terror: The
Achille Lauro Affair diretto da Alberto Negrin e
con Vittorio Gassman in Tolgo il disturbo di Dino
Risi.
Moshe Mizrahi la dirige in Warburg: A Man of
Influence. La reclama anche l’Argentina per interpretare la moglie del Vicere del Messico in Yo,
la peor de todas, diretto da Maria Luisa Bemberg. Interpreta altri 15 film fino al 2000, tra
questi Garage Olimpo di Marco Bechis.
Dominique Sanda è Chevalier de la Légion d'honneur (22 Dicembre 2003), Chevalier de l’ordre
national du Mérite (14 Maggio 1990), Officier
des Arts et des Lettres (15 Novembre 1996).
Born Dominique Varaigne on March 11, 1951
in Paris, Dominique Sanda was brought up in a
middle-class Catholic family.
After a short time as a Decorative Arts student,
she began working with Dorian Leigh: her photos
appeared in“Glamour”,“Elle” and“Vogue”. Robert
Bresson, struck by her image and later by her
voice, offered her the leading role in A Gentle
Woman. The role fitted Dominique so well that she
could hardly distinguish between her performance
and her identification with the character. The film
launched her international career and marked the
birth of a new star: Dominique Sanda.
First Love followed, an adaptation of Turgenev’s
short story, by Maximilian Schell. Shooting the film
in Hungary with the director also playing the part
of Turgenev’s father was very hard work. Dominique was 17, fearful, but with a strong desire
Warburg: A Man of
Influence”
1992
El viaje
By Way of the Stars
1991
Ils n’avaient pas rendezvous
Naissance d’un Golem
Non siamo soli
1990
Yo, la peor de todas
Voyage of Terror: The
Achille Lauro Affair
Tolgo il disturbo
Voglia di vivere
1988
Lenin: The Train
Les mendiants
1987
Le lunghe ombre
1982
Une chambre en ville
L’indiscrétion
1989
In una notte di chiaro
di luna
Il decimo clandestino
1986
Corps et biens
1981
Les ailes de la colombe
1984
Le matelot 512
1983
Poussière d’empire
to succeed. She was only 18 when Bernardo
Bertolucci chose her for the role of Anna in The
Conformist.
The role of Anna Quadri confirmed her reputation
as a great actress and made her presence on the
screen unquestionable.
Sanda was then chosen by Vittorio de Sica for the
part of Micol in The Garden of the Finzi-Continis.
This film won an Oscar in the USA and even today
her worldwide public identifies Dominique with
this character. She had just given birth when she
left for Morocco to shoot Story of a Love Story by
John Frankenheimer. Later on she signed with John
Huston for The MacKintosh Man and with Fred
Haines for Steppenwolf. Luchino Visconti gave her
a short but dazzling role in Conversation Piece,
where she identified with Luchino’s mother; Bernardo Bertolucci gave her the role of Ada in 1900.
As Irene in Mauro Bolognini's The Inheritance,
she received the Best Actress Award at Cannes in
1976. Liliana Cavani, finding in Dominique the
features and mysterious presence of Lou Andréas
von Salomé, gave her the leading role in Beyond
Good and Evil. After her reunion with Marguerite
Duras for Navire Night, she only acted in France:
Sentimental Journey, directed by Michel Deville;
The Wings of the Dove, by Beno”t Jacquot; A
Room in Town, by Jacques Demy who had already
directed Dominique in her first television role in La
naissance du jour, based on Colette’s novel.
Then came L’indiscrétion by Pierre Larry. In 1983
Dominique shot Poussière d’empire, by young
Vietnamese director Lam Lé. She played the part of
a French missionary who remains in Asia to continue catechizing during the collapse of colonial
France whilst her fellow countrymen were returning home. As time went on, “la Sanda” acquired
a deeper and more mysterious cachet. This was
exactly what was required to surpass everyone in
playing the strange character of the captain’s wife
in Le Matelot 512 by René Allio, one of her finest
performances along with that with Beno”t Jacquot
in Lost With All Hands and in The Beggars.
When the Italian cinema crisis began in the late
1980’s, she did not hesitate to act in quality TV
films: Lenin: The Train, by Damiano Damiani,
where Dominique played Inès Armand -Lenin’s
greatest love. Lina Wertmuller directed her in To
Save Nine and Up to Date. She acted with Burt
Lancaster in Voyage of Terror: The Achille Lauro
Affair directed by Alberto Negrin and with Vittorio
Gassman in I'll Be Going Now directed by Dino
Risi.
Moshe Mizrahi directed her in Warburg: A Man
of Influence. Argentina called her back to play the
part of Mexico’s viceroy’s wife in I, the Worst of All,
directed by Maria Luisa Bemberg. She then went
on to star in fifteen films until 2000, among these
Marco Bechis' Garage Olimpo.
Sanda was awarded Chevalier de la Légion
d’honneur (December 22, 2003), Chevalier de
l’ordre national du Mérite (May 14,1990), Officier
des Arts et des Lettres (November 15,1996.)
1980
Caboblanco
Le voyage en douce
La naissance du jour 1977
Damnation Alley
Al di là del bene e del
male
1974
Steppenwolf
Gruppo di famiglia in un
interno
1979
Le navire Night
1976
L’eredità Ferramonti
Novecento
Le berceau de cristal
1973
The MacKintosh Man
Story of a Love Story
1978
La chanson de Roland
Utopia
20
1971
Sans mobile apparent
1970
Il giardino dei FinziContini
Erste Liebe
Il conformista
La notte dei fiori
1969
Une femme douce
GrandeCinemaTaormina
Crossing over
Wayne Kramer
The proposal
Anne Fletcher
Ghost of girlfriends past
Mark Waters
Effi Briest
Hermine Huntgeburth
Gray Gardens
Micheal Sucsy
Sister smile
Stijn Coninx
Diamant 13
Gilles Béat
Revolution revisited
Hugh Hudson
Taormina 55
Antonello Sarno
vada ben oltre il lavoro quoCrossing Over dell’immigrazione
tidiano. E i loro destini si intersecano, per neces-
di Wayne Kramer sità o per caso, con quelli dell’operaia messicana
Mireya Sanchez (Alice Braga), della sorella di
Hamid Baraheri, Zahra (Melody Khazae), della
ragazza del Bangladesh Taslima Jahangir (Summer Bishil), del musicista inglese Gavin Kossef
(Jim Sturgess), dell’attrice australiana Claire
Shepard (Alice Eve), e dell’adolescente coreano
Yong Kim (Justin Chon).
Gli Stati Uniti offrono una speranza - ma questa
ha spesso un costo. Molti ottengono la cittadinanza legalmente, attraverso un lungo processo
burocratico, altri non ci riescono e si ritrovano
in un paese dove virtualmente tutto può essere comprato. E la valuta sono sesso, violenza e
tradimento. Alcuni aspettano il loro turno per
entrare nel paese, altri affrontano personalmente il problema. Max Brogan (Harrison Ford) è un
agente dell’Immigration and Customs Enforcement (ICE) di Los Angeles, e ha giurato di far
rispettare le leggi sull’immigrazione, quindi si
occupa di quelle migliaia di persone che cercano
di entrare negli Stati Uniti alla ricerca di una vita
migliore. Attraverso le vite di Brogan, del suo
collega dell’ICE Hamid Baraheri (Cliff Curtis),
di Denise Frankel (Ashley Judd), un avvocato difensore, e di suo marito Cole Frankel (Ray
Liotta), che giudica l’ammissibilità dei permessi,
possiamo vedere come l’impatto con il problema
The United State of America offer hope – often at a
price. Many obtain citizenship legally, by undergoing a long bureaucratic process, others fail in their
objective to find themselves in the midst of a country where everything has its price. And the currency is sex, violence and betrayal. Some wait for
their turn to access the country, others decide to
take the matter into their own hands. Max Brogan
(Harrison Ford) is an agent with the Los Angeles
Immigration and Customs Enforcement (ICE) and
has sworn to see immigration laws are respected.
He is therefore in charge of those people trying
to enter the States in the hope for a better future.
Through the lives of Brogan, his ICE co-worker
Hamid Baraheri (Cliff Curtis), defence attorney
Denis Frankel (Ashley Judd) and her husband
Cole Frankel (Ray Liotta) who determines permits
acceptability, we are given the chance to witness
how the impact with the immigration phenomena
goes well beyond daily working hours. Their fates
intersect, by chance or out of need, with those of
Mexican labourer Mireya Sanchez (Alice Braga), of
Hamid Baraheri’s sister, Zahra (Melody Khazae), of
Bangladeshi girl Taslima Jahangir (Summer Bishil),
of English musician Gavin Kossef (Jim Sturgess), of
Australian actress Claire Shepard (Alice Eve) and
Korean teenager Yong Kim (Justin Chon.)
Crossing Over
Reg./ Dir.:
Wayne Kramer
Scg./ P.D.:
Toby Corbett
Scen./ Script:
Wayne Kramer
Cost.:
Kristin M. Burke
Fot./ D.o.P.:
Jim Whitaker
Mus.:
Mark Isham
Mont./ Ed.:
Arthur Coburn
22
Cast:
Harrison Ford
Ray Liotta
Ashley Judd
Cliff Curtis
Jim Sturgess
Alice Eve
Alice Braga
Justin Chon
Summer Bishil
Prod.:
Kennedy/Marshall
Company Movie Prose
Distr.:
01 Distribution (Italia)
Dati tec./ Tech. Data:
Stati Uniti/ U.S.A. 2009
113’
Wayne Kramer
Wayne Kramer debutta nel 2003 con The Cooler,
film romantico ambientato a Las Vegas con William H. Macy nella parte di uno sfortunato giocatore di casinò e Maria Bello nella parte di una
cameriera destinata a cambiare la sua sorte. Il film
è accolto con favore dalla critica. Alec Baldwin,
che interpreta il ruolo del boss del casinò, ottiene
una candidatura agli Oscar e vince il premio della
National Board of Review come miglior attore
non protagonista. Fra gli altri riconoscimenti ottenuti dal film ricordiamo le candidature ai Golden
Globe, agli Screen Actors Guild e all’Online Film
Critics per Baldwin e Bello. Kramer vince inoltre il
premio speciale della giuria al Cognac Festival del
Film Poliziesco. Successivamente, Kramer ricostituisce la squadra di The Cooler per il suo secondo
film, il thriller Running Scared. Uscito nel 2006 e
ambientato nel New Jersey (ma girato on location tra il New Jersey e Praga), fanno parte del
cast Paul Walker, Vera Farmiga e Cameron Bright.
Nato in Sudafrica, nel 2000 Kramer ottiene la
cittadinanza americana e per anni, prima del successo ottenuto con The Cooler, si mantiene a Los
Angeles esercitando umili impieghi. Da bambino
sogna una carriera come autore di libri satirici,
sogno che oggi corona disegnando personalmente
gli storyboard dei suoi film. Kramer è in procinto
di dirigere il film Fully Automatic (Warner Bros,
Joel Silver) e “Freedom Riders” (HBO), un film
d’azione sui diritti civili, tratto da una fatto vero
accaduto durante il Freedom Ride del 1961. Kramer vive a Los Angeles con la moglie e il figlio.
Crossing Over è il suo terzo film.
Vegas starring William H. Macy as an unlucky gambler and Maria Bello as the waitress that will forever
change his life. The picture was positively welcomed
by the critics. Alec Baldwin, who stars as the casino
boss, obtained an Oscar nomination and won the
National Board of Review Award for Best Actor in
a Supporting Role. The film was also nominated to
the Golden Globes, the Screen Actors Guild and
Baldwin and Bello were nominated at the Online
Film Critics Awards. Kramer was conferred the
Special Jury Prize at the Cognac Festival du Film Policier. The The Cooler team reunited under Kramer’s
direction for the shooting of thriller Running Scared,
Kramer’s second feature. Released in 2006 and set
in New Jersey (yet shot on location between New
Jersey and Prague) the film starred Paul Walker, Vera
Farmiga and Cameron Bright. Born in South Africa,
Kramer obtained American citizenship in 2000
and for years, before landing a hit with The Cooler,
sustained himself in Los Angeles carrying out poorly
paid jobs. As a child he dreamed of becoming an
author of satirical books, a dream he presently fulfils
by drawing his own storyboards. Kramer is about
to direct Fully Automatic (Warner Bros, Joel Silver)
and Freedom Riders (HBO), an action picture on
civil rights, based on a true story, which took place
during the 1961 Freedom Ride. Kramer presently
lives in Los Angeles with his wife and son. Crossing
Over is his third film.
Wayne Kramer’s directorial debut dates back to
2003 with the feature The Cooler, a story set in Las
2009
Crossing Over
2006
Running Scared
2003
The Cooler The Proposal
di Anne Fletcher
Quando la potentissima dirigente editoriale
Margaret (Sandra Bullock) rischia di essere deportata nella sua terra natale, il Canada, questa brillante professionista dichiara di essere
fidanzata con il suo assistente Andrew (Ryan
Reynolds), che non sospetta nulla e che lei ha
tormentato per anni. Lui accetta di partecipare
all’imbroglio, ma pone delle condizioni.
L’improbabile coppia si dirige allora in Alaska
per incontrare la bizzarra famiglia di lui
(interpretata da Mary Steenburgen, Craig T.
Nelson e Betty White) dove questa donna
metropolitana sempre in controllo si ritrova
in tante situazioni in cui risulta un pesce fuor
d’acqua. Con un imminente matrimonio in vista e un ufficiale del servizio immigrazione alle
calcagna, Margaret e Andrew giurano
con riluttanza di rimanere fedeli al piano, nonostante le conseguenze imprevedibili che potrebbe avere.
When high-powered book editor Margaret
(Sandra Bullock) faces deportation to her native
Canada, the quick-thinking exec declares that
she’s actually engaged to her unsuspecting putupon assistant Andrew (Ryan Reynolds), who
she’s tormented for years. He agrees to participate in the charade, but with few conditions of
his own.
The unlikely couple heads to Alaska to meet
his quirky family (Mary Steenburgen, Craig T.
Nelson, Betty White) and the always-in control
city girl finds herself in one comedic fish-out-ofwater situation after another. With an impromptu wedding in the works and an immigration
official on their tails, Margaret and Andrew
reluctantly vow to stick to the plan despite the
precarious consequences.
Ricatto d’amore / The Proposal
Reg./ Dir.:
Anne Fletcher
Scg./ P.D.:
Nelson Coates
Scen./ Script:
Peter Chiarelli
Cost.:
Catherine Marie Thomas
Fot./ D.o.P.:
Oliver Stapleton
Mus.:
Aaron Zigman
Mont./ Ed.:
Priscilla Nedd-Friendly
24
Cast:
Sandra Bullock
Ryan Reynolds
Malin Akerman
Craig T. Nelson
Mary Steenburgen
Denis O’Hare
Betty White
Prod.:
Kurtzman Orci
Mandeville Films
Touchstone Pictures
Distr.:
Walt Disney Studios
Stati Uniti/ U.S.A., 2009
Running time
Anne Fletcher
La regista Anne Fletcher ha lavorato a The
Proposal dopo il suo grande successo 27 volte
in bianco. Il suo esordio alla regia è avvenuto
con il trionfo a sorpresa del 2006 Step Up.
Director Anne Fletcher came to The Proposal
following her highly successful 27 Dresses. Her
directorial debut was with the 2006 surprise
smash Step Up.
2009
The Proposal
2008
27 Dresses
2006
Step Up
leggendario playboy sulle cui gesta ed avGhosts of Girlfriends Past staiolo,
venture Connor ha basato tutta la sua vita. Lo zio
di Mark Waters Wayne ha un messaggio urgente per il suo pre-
diletto, e glielo recapita tramite i fantasmi delle
fidanzate passate, presenti e future mollate dal
nipote. Queste lo accompagnano lungo un‘esilarante e rivelatrice odissea attraverso una vita di
relazioni fallite. Insieme, scopriranno come Connor sia diventato il playboy senza scrupoli che
tutti conoscono e soprattutto se gli sarà concessa
una seconda possibilità per trovare –e questa volta tenere stretta- la donna della sua vita.
Il famoso fotografo dei divi, Connor Mead (Matthew McConaughey) ama la libertà, il divertimento e le donne…in questo ordine preciso.
Scapolo incallito, sostenitore delle relazioni
libere, non ci pensa due volte a rompere con varie ragazze contemporaneamente, al telefono,
mentre si sta già preparando per la sua prossima
conquista. Il fratello di Connor invece è un tipo
romantico ed è in procinto di sposarsi. Purtroppo,
alla vigilia del grande evento, il derisorio discorso di Connor sull‘amore si rivela una catastrofe
per Paul, per il ricevimento nuziale e per tutti gli
invitati, attivi sostenitori dell’imminente unione.
Tra questi c’è anche l‘amica d‘infanzia di Connor,
Jenny (Jennifer Garner), l‘unica donna della sua
vita che è sempre stata immune al suo grande fascino. Proprio quando sembra che Connor stia per
rovinare il matrimonio, arriva a fargli visita il fantasma di suo zio Wayne (Michael Douglas), il fe-
Celebrity photographer Connor Mead (Matthew
McConaughey) loves freedom, fun and women in
that order. A committed bachelor with a no-strings
policy, he thinks nothing of breaking up with multiple women on a conference call while prepping
his next date. Connor’s brother Paul is more the
romantic type. In fact, he’s about to be married.
Unfortunately, on the eve of the big event, Connor’s mockery of romance proves a real buzz-kill
for Paul, the wedding party and a houseful of wellwishers including Connor’s childhood friend Jenny
(Jennifer Garner), the one woman in his life who
has always seemed immune to his considerable
charm. Just when it looks like Connor may singlehandedly ruin the wedding, he gets a wake-up call
from the ghost of his late Uncle Wayne (Michael
Douglas), the hard-partying, legendary ladies man
upon whose exploits Connor has modeled his
lifestyle. Uncle Wayne has an urgent message for
his protégé, which he delivers through the ghosts
of Connor’s jilted girlfriends past, present and
future, who take him on a revealing and hilarious
odyssey through a lifetime of failed relationships.
Together they will discover what turned Connor
into such a shameless player and whether he has a
La rivolta delle ex / Ghosts of Girlfriends Past
Reg./ Dir.:
Mark Waters
Scg./ P.D.:
Cary White
Scen./ Script:
Jon Lucas
Scott Moore
Cost.:
Denise Wingate
Fot./ D.o.P.:
Daryn Okada
Mont./ Ed.:
Bruce Green
26
Mus.:
Rolfe Kent
Cast:
Matthew McConaughey
Jennifer Garner
Michael Douglas
Breckin Meyer
Lacey Chabert
Robert Forster
Anne Archer
Emma Stone
Prod.:
New Line Cinema
Panther
100’
second chance to find and this time, keep the love
of his life.
Mark Waters
Mark Waters (Regista/Produttore esecutivo),
laureatosi in regia presso l‘American Film Institute, debutta alla regia con la commedia dark
indipendente di grande successo La casa del sì. Il
film viene presentato in anteprima al Sundance
Film Festival nel 1997 e la performance di Parker
Posey riceve il premio speciale della giuria.
In seguito Waters si dedica alla commedia romantica Head Over Heels ed al film Warning:
Parental Advisory, prodotto dalla VH-1.
Seguono altre commedie di successo come Quel
pazzo venerdì e Mean Girls. Quel pazzo venerdì,
interpretato da Jamie Lee Curtis e Lindsay Lohan, riceve una nomination al 2004 Critic’s Choice Award come miglior film per tutta la famiglia
e Jamie Lee Curtis ottiene una nomination ai
Golden Globe. Mean Girls, scritto da Tina Fey e
tratto dal romanzo di Rosalind Wiseman “Queen
Bees and Wannabees”, diventa una delle pellicole più discusse dell‘anno e vince tre MTV Movie
Awards, tra cui uno conferito a Lindsay Lohan
come migliore attrice. Nel 2005, Waters dirige
la commedia romantica fantastica Se solo fosse
vero, interpretata da Reese Witherspoon e Mark
Ruffalo. Nel 2008 Mark firma l‘acclamato film
d‘avventura per tutta la famiglia Spiderwick – le
cronache, adattamento cinematografico della
celebre saga letteraria per ragazzi e successivamente La rivolta delle ex. Per la FOX dirige l’episodio pilota “Eva Adams”. In veste di produttore,
Waters si è occupato del lungometraggio 500
Days of Summer, una commedia romantica sui
generis, interpretata da Joseph Gordon-Levitt e
Zooey Deschanel. L’uscita del film, presentato in
anteprima con successo al Sundance Film Festival, è prevista per il Luglio del 2009.
Mark Waters (Director/Executive Producer), a
graduate of the directing program at the American
Film Institute, made his feature film directorial
debut on the dark comedy indie hit The House of
Yes. The film premiered at the 1997 Sundance Film
Festival, where Parker Posey won a Special Jury
Prize for her performance. Waters’ next projects
were the romantic comedy Head Over Heels
and the VH-1 original movie Warning: Parental
Advisory. He then scored with the back-to-back
hit comedies Freaky Friday and Mean Girls. Freaky
Friday, starring Jamie Lee Curtis and Lindsay Lohan,
earned a 2004 Critic’s Choice Award nomination
for Best Family Film and brought a Golden Globe
Award nomination to Jamie Lee Curtis. Mean Girls,
written by Tina Fey and based on the Rosalind
Wiseman book “Queen Bees and Wannabees”,
became one of the most talked-about films of the
year and won three MTV Movie Awards, including
one for Lindsay Lohan as Best Actress. Waters followed in 2005 with the fantasy comedy romance
Just Like Heaven, starring Reese Witherspoon and
Mark Ruffalo. Last year he directed the acclaimed
family adventure The Spiderwick Chronicles,
adapted from the popular children’s book series,
and, following Ghosts of Girlfriends Past, he directed the FOX television pilot “Eva Adams.” Waters
also recently served as a producer on 500 Days
of Summer, starring Joseph Gordon-Levitt and
Zooey Deschanel. The offbeat romantic comedy
premiered to acclaim at the Sundance Film Festival
and is slated for a July 2009 release.
2009
Ghosts of Girlfriends
Past
2008
The Spiderwick
Chronicles
2005
Just Like Heaven
2004
Mean Girls
2003
Freaky Friday
2002
Warning: Parental
Advisory
2001
Head Over Heels 1997
The House of Yes
Effi Briest
di Hermine Huntgeburth
La giovane Effi Briest, 17 anni ed uno spirito libero, viene obbligata dai genitori a sposare il Barone von Innstetten, un uomo più vecchio di lei
di quasi 20 anni e, un tempo, corteggiatore della
madre. Per la giovane il matrimonio combinato
segna l’inizio di un’esistenza monotona, lontana dalla propria città natale: Innstetten ha solo
tempo per la sua carriera politica e la tranquilla
e pittoresca cittadina di Kessin, sulle rive del Mar
Baltico, offre poche distrazioni. Fino all’arrivo del Maggiore Crampas, compagno d’armi di
Innstettent ed affascinante donnaiolo. Fra Effi e
l’ufficiale sboccia un’appassionata relazione che
porta la giovane a scoprire finalmente l’amore.
Scoperta che però pagherà a caro prezzo: la relazione infatti si rivelerà fatale per Crampas. Effi,
diversamente dalla protagonista del romanzo di
Fontane, si ritroverà a dover affrontare le conseguenze delle sue decisioni, imbarcandosi in un
nuovo capitolo della sua vita…
At her parents’ urging, Effi Briest, a free-spirited 17year-old girl, marries Baron von Innstetten, nearly
20 years her senior – and a former admirer of Effi’s
mother. The arranged marriage spells the beginning of a monotonous existence for Effi far away
from her hometown: Innstetten is entirely preoccupied with his political career, and the sleepy
artist town of Kessin on the Baltic Sea shore offers
little excitement. Until Major Crampas arrives, one
of Innstetten’s military comrades and a charming
womanizer. Effi starts a passionate affair with him
and finally discovers what love is. But it comes at
a steep price: the affair proves fatal for Crampas.
Effi, on the other hand – unlike in Fontane’s novel
– deals with the consequences of her decisions
and embarks on a new chapter in her life...
Effi Briest
Reg./ Dir.:
Hermine Huntgeburth
Scg./ P.D.:
Thomas Freudenthal
Scen./ Script:
Volker Einrauch (based
on “Effi Briest” by
Theodor Fontane)
Cost.:
Lucie Bates
Fot./ D.o.P.:
Martin Langer
Mont./ Ed.:
Eva Schnare
28
Mus.:
Johan Söderqvist
Cast: Julia Jentsch
Sebastian Koch
Mišel Matičević
Juliane Köhler
Thomas Thieme
Rüdiger Vogler
Barbara Auer
Margarita Broich
Mirko Lang
Sunnyi Melles.
Prod.:
Constantin Film
Produktion GmbH
Distr.:
Constantin Film
Verleih GmbH o BETA
CINEMA???
Tel. 00 49 89 4444600
Fax. 00 49 89
444460666
E-mail zentrale@
constantin-film.de
Germania/ Germany
2009 - 117’ 40’’
Hermine Huntgeburth
Nata a Paderborn, Germania, Hermine Huntgeburth, una di nove fratelli e sorelle in una famiglia di medici, iInizia a studiare cinema presso la
Hamburger Hochshule für Bildende Künste nel
1977. Dopo avere ottenuto una borsa di studio
dalla Deutscher Akademischer Austauschdienst
nel 1983, continua gli studi a Sidney. Lavora a
diversi cortometraggi e documentari e, nel 1991
con il suo primo lungometraggio, Im kreis der
lieben, ottiene il premio come miglior nuovo
regista ai Deutscher Filmpreis. Seguono diverse
regie per la televisione: “Ein falscher Schritt”
(1994); “Gefährliche Freunding” (1996); “Und
alles wegen Mama” (1998); “Der Hahn ist tot”
(1999); “Die Stende des Wolfs” (1999). Il suo TV
movie “Romeo” ottiene il prestigioso Adolf Grimme Award.
Tra le regie televisive firmate di recente figurano “Eva Blond und der Zwerg im Schliessfach”
(2003) e “Der Boxer und die Friseuse” (2004) per
la quale nel 2005 ottiene il premio come miglior
regista ai Deutsche Fernsehpreis. La sua serie televisiva in due parti, “Teufelsbratenî, basata sul
romanzo di Ulla Hahn, ottiene nel 2007 il premio
come miglior TV movie al Film Festival di Monaco e quello come miglior regista ai Premi Televisivi Bavaresi. Dirige diversi lungometraggi di
successo, tra questi Das Trio (1998); Bibi Blocksberg (2002) ed il recente Masai Bianca (2005),
presentato in occasione di una proiezione di gala
al Film Festival Internazionale di Toronto.
Upon obtaining a scholarship from the Deutscher
Akademischer Austauschdienst in 1983, she
continued her film studies in Sydney. After working
on a few short films and documentary films, she
was awarded the German Film Award in Gold
for Best New Director in 1991 for her directorial
feature film debut Im kreis der lieben. There followed television films such as “Ein falscher Schritt”
(1994); “Gefährliche Freundin” (1996); “Und
alles wegen Mama” (1998); “Der Hahn ist tot”
(1999); and “Die Stunde des Wolfs” (1999). Her
television movie “Romeo” earned the prestigious
Adolf Grimme Award.
Her more recent television projects include “Eva
Blond und der Zwerg im Schliessfach” (2003);
and “Der Boxer und die Friseuse” (2004), which
won the 2005 German Television Award for Best
Director. Her two-part television series “The
Hidden Word,” based on Ulla Hahn’s novel, was
awarded the VFF TV Movie Award at the 2007 Munich Film Festival and the Bavarian TV Award for
Best Director. Among her feature film credits are
popular hits such as The Trio (1998); Bibi Blocksberg (2002); and most recently, The White Masai
(2005), which was shown at a gala screening at
the International Toronto Film Festival.
Born in Paderborn, Germany, Hermine Huntgeburth was one of nine siblings in a family of
doctors. She began studying film at the Hamburger Hochschule für Bildende Künste in 1977.
2010
Der verlorene Vater
2005
Die weisse Massai
2001
Romeo
1995
Ein falscher Schritt
2009
Das Glück ist eine ernste
Sache Effi Briest
2004
Der Boxer und die
Friseuse
Blond: Eva Blond!
Der Zwerg im
Schließfach
2000
Stunde des Wolfs
Der Hahn ist tot
1991
Im Kreise der Lieben
2007
Teufelsbraten
2006
Väter - Denn sie wissen
nicht was sich tut
2002
Bibi Blocksberg
Das verflixte 17. Jahr
1998
Und alles wegen Mama
Das Trio
1996
Gefährliche Freundin
1988
Die Mitspeisenden
Gray Gardens
di Micheal Sucsy
Drew Barrymore e Jessica Lange sono le protagoniste di questa produzione della HBO Films,
diretta da Michael Sucsy e basata su una storia
ed una sceneggiatura da lui scritta a quattro
mani con Patricia Rozema. Il film, che abbraccia
un lasso di tempo lungo 40 anni, racconta la vera
storia, la storia dietro le quinte delle eccentriche
madre e figlia “Big Edie” and “Little Edie” Bouvier Beale, parenti di Jacqueline Bouvier Kennedy, residenti in una decadente magione negli
Hamptons. Al centro della storia il loro peculiare
legame affettivo.
Il film inoltre ripercorre i loro primi anni ma
anche la lavorazione dell’iconico documentario
realizzato dai fratelli Maysles di cui furono le
protagoniste. Nel cast anche Malcom Gets e Daniel Baldwin, Ken Howard e Jeanne Tripplehorn.
Lucy Donnelly, Rachel Horovitz e Michael Sucsy
sono i produttori esecutivi; David Coatsworth il
produttore.
Drew Barrymore and Jessica Lange star in this
HBO Films production, directed by Michael Sucsy
from a story by Sucsy and teleplay by Sucsy and
Patricia Rozema. Spanning more than 40 years,
the film tells the true, behind-the-scenes story of
eccentric mother and daughter “Big Edie” and
“Little Edie” Bouvier Beale, relatives of Jacqueline
Bouvier Kennedy, and inhabitants of a decaying
mansion in the Hamptons.
The film focuses on their unique bond, recounting their early years, as well as the making of the
iconic documentary about them by the Maysles
brothers. Malcolm Gets and Daniel Baldwin costar, with Ken Howard and Jeanne Tripplehorn.
Lucy Donnelly, Rachael Horovitz and Michael
Sucsy are executive producers; David Coatsworth
produces.
Gray Gardens
Reg./ Dir.:
Michael Sucsy
Scg./ P.D.:
Kalina Ivanov
Scen./ Script:
Michael Sucsy
Patricia Rozema
Cost.:
Catherine Marie Thomas
Fot./ D.o.P.:
Mike Eley
Mont./ Ed.:
Alan Heim
Lee Percy
30
Mus.:
Rachel Portman
Cast: Drew Barrymore
Jessica Lange
Malcom Gets
Daniel Baldwin
Ken Howard
Jeanne Tripplehorne.
Prod.:
HBO Films
Distr.:
HBO Enterprises
Stati Uniti/ U.S.A.
2009
104’
Michael Sucsy
Il regista, scrittore e produttore esecutivo Michael Sucsy debutta alla regia con “Grey Gardens”. In
seguito al conseguimento di un Master in Belle
Arti in campo cinematografico presso il prestigioso Art Center College of Design, Sucsy inizia
a lavorare come regista pubblicitario. Definito
come uno dei migliori registi emergenti dalla rivista “Shoot!”, è accolto nella rosa dei finalisti del
Young Director of the Year Award, consegnato
in occasione del Cannes Lions International Advertising Festival. Tra le numerose esperienze accumulate in campo produttivo durante e prima il
diploma ricordiamo The One, Attacco al potere,
Deep Impact, Godzilla, Da giungla a giungla, The
Shadow Conspiracy e Mars Attacks! Sucsy ha
inoltre conseguito una laurea presso la School of
Foreign Service della Georgetown University.
Director, writer and executive producer Michael
Sucsy makes his directorial debut with “Grey Gardens.” After earning a Master of Fine Arts in film
from the prestigious Art Center College of Design,
Sucsy began directing commercials. Dubbed one
of the industry’s crop of new directors to watch by
“Shoot! Magazine”, he was subsequently nominated for the Young Director of the Year Award, given
in conjunction with the Cannes Lions International
Advertising Festival. Sucsy’s extensive film production experience during and prior to grad school
includes The One, The Siege, Deep Impact, Godzilla, Jungle 2 Jungle, The Shadow Conspiracy and
Mars Attacks! He is also a graduate of Georgetown
University’s School of Foreign Service.
2009
Grey Gardens
La periferia di Bruxelles, alla fine degli anni ’50.
Come ogni ragazza della sua generazione, Jeannine Deckers (Cécile de France) sogna la libertà
e una vita avventurosa. Ma i suoi genitori hanno
già scelto per lei: Jeannine si sposerà e andrà a
lavorare nella panetteria di famiglia. La ragazza
però ambisce ad una vita diversa. Vuole andare
via, incontrare gente nuova. Per un po’ studia
arte, ma senza convinzione. Poi entra in convento. Jeannine scopre che quella della suora domenicana è una vocazione difficile. Le si richiede di
rinunciare alle proprie passioni, inclusa la musica - rinuncia che non è disposta a fare. Le altre
sorelle non la capiscono, ma con la benedizione
della Madre Superiora, Jeannine continua per la
sua strada arrivando a comporre il successo mondiale Dominique.
Per gli spettatori di tutto il mondo, Jeannine divenne “Sorella Sorriso” o la suora cantante. Con
milioni di dischi venduti, il suo fu un successo
di Stijn Coninx planetario e l’unica canzone belga a raggiungere il primo posto nelle classifiche statunitensi. Il
suo successo venne paragonato a quello di Elvis
Presley. Il film ripercorre la singolare e profondamente commovente storia di una ragazza che
non volle mai arrendersi.
Sister Smile
The end of the 1950s, on the outskirts of Brussels.
Like the rest of the young generation of the time,
Jeannine Deckers (Cécile de France) has a thirst
for freedom and adventure. There’s no question of
her following the path her parents have chosen for
her – finding a husband and taking over the family
bakery. She wants a different life. To move away, to
meet other people.
After toying with art studies, she enters a convent.
Jeannine finds out that being a Dominican nun
is a difficult vocation. It requires giving up one’s
Soeur Sourire / Sister Smile
Reg./ Dir.:
Stijn Coninx
Mont./ Ed.:
Philippe Ravoet
Scen./ Script:
Chris Vander Stappen
Ariane Fert
Stijn Coninx
Scg./ P.D.:
Arnaud de Moleron
Fot./ D.o.P.:
Yves Vandermeeren
32
Cost.:
Florence Scholtes
Christophe Pidre
Mus.:
Bruno Fontaine
Cast:
Cécile de France
Sandrine Blancke
Chris Lomme
Marie Kremer
Jo Deseure
Francia-Belgio/ FranceBelgium
2009
124’
Stijn Coninx
Stijn Coninx nasce a Neerpelt, Belgio, il 21 febbraio, 1957. Appassionato di cinema sin dall’infanzia, studia regia cinematografica presso il
RITS di Bruxelles.
Stijn Coninx was born in Neerpelt, Belgium on
February 21, 1957. He developed a passion for
images during his childhood and has been a filmmaking student at the RITS in Brussels.
passions, including music. But she’s not prepared
to do this. The other sisters don’t understand her,
but with the blessing of the Mother Superior, she
sticks to her dream and writes a global pop hit;
Dominique.
For audiences around the world, Jeannine became
“Sister Smile”, also known as the Singing Nun. She
was a worldwide sensation and sold millions of records, providing the only ever Belgian number-one
hit in the U.S. charts. Her success was compared
to that of Elvis Presley.
The film traces the unique and deeply moving
story of this young girl who never gave up.
2003
Sea of silence
1997
When the light comes
1990
Koko Flanel
1992
Daens
1987
Hector
Mat (Gérard Depardieu), un poliziotto del reparto criminale della Polizia di Parigi, scopre che il
suo più caro amico Franck, della squadra antidroga, è stato coinvolto in un enorme traffico di stupefacenti. Mat metterà a rischio la sua carriera e
la sua vita per tentare di salvare l’amico cercando
di neutralizzare la più potente organizzazione
criminale di Parigi.
Mat (Gérard Depardieu), a cop in the criminal
division of the Paris Police Department, finds out
his lifelong friend Franck, from narcotics, has been
embroiled in a big drug scam. Mat will jeopardize
his life and career to help his friend, by trying to
di Gilles Béhat neutralise Paris’ most powerful criminal organisation.
Diamant 13
Gilles Béat
Gilles Béat è un regista ed uno scenografo francese nato il 3 settembre 1949 a Lille. Ha debuttato come attore in Les rois maudits.
Prima di passare a lavorare per la televisione,
negli anni Ottanta ha raggiunto il successo al cinema come regista del film Rue Barbare e Putain
d’histoire d’amour.
French director and production designer Gilles
Béat was born in Lille, on September 3, 1949. He
made his acting debut in Les rois maudits. Before
embarking on a career in television, he shot to
fame in the eighties after directing the features Rue
Barbare and Putain d’histoire d’amour.
Diamant 13 / Diamond 13
Reg./ Dir.:
Gilles Béat
Scg./ P.D.:
Frédéric Astich-Barre
Scen./ Script:
Gilles Béat
Oliver Marchal
Hughes Pagan
Cost.:
Dominique Combelles Nathalie Leborgne
Fot./ D.o.P.:
Bernard Malaisy
Mont./ Ed.:
Thierry Faber 34
Mus.:
Frédéric Vercheval Cast:
Gérard Depardieu
Oliver Marchal
Asia Argento
Aissa Maiga
Prod.:
MK2: Marin Karmitz
Nathanaël Karmitz
Charles Gillibert
Artémis Productions:
Patrick Quinet
Samsa Film:
Claude Waringo
Jani Thiltges
Distr.:
Moviemax
Francia-BelgioLussemburgo/ FranceBelgium-Luxembourg
2009
93’
1990
Dancing Machine
1987
Charlie Dingo
1984
Urgence
1989
Le vent de la Toussaint
1985
Les longs manteaux
1983
Rue Barbare
1981
Putain d’histoire
d’amour
1976
Haro
“Oggi mi sembra un capolavoro – profondo, poetico, originale. Il film di Hudson meriterebbe
di entrare a far parte del novero dei grandi film
sulla Storia”.
Philip French
London Observer
In questo avvincente dramma ambientato tra i
fatti di sangue dell’estate del 1776 e la violenta
vittoria di Yorktown avvenuta nel 1781, Al Pacino
interpreta il ruolo di un rozzo cacciatore che si
ritrova a prendere parte al conflitto.
Il regista Hugh Hudson (Momenti di gloria) rivede la versione distribuita originariamente nelle
sale esclusivamente per il circuito festivaliero e
domestico e dipinge la nascita degli Stati Uniti
con uno stile viscerale comune a poche altre pellicole d’ambientazione storica. Le scenografie, la
fotografia, la colonna sonora di John Corigliano
e il grande cast (Donald Sutherland, Nastassja
di Hugh Hudson Kinski e Joan Plowright) convergono per regalare un effetto rivoluzionario e forte al tempo
stesso.
Revolution Revisited
‘It now strikes me as a masterpiece – profound,
poetic, original. Hudson’s film should take its place
among the great movies about history.” Philip French
London Observer 2009
Al Pacino stars as a rough-hewn trapper drawn
into the conflict in this compelling adventure
framed by the violent summer of 1776 and the
bloody victory of Yorktown in 1781.
Revising the Theatrical Release exclusively for
Festival and home viewing, director Hugh Hudson
(Chariots of Fire) depicts America’s birth in a
visceral style unlike most historical movies. The
Revolution
Reg./ Dir.:
Hugh Hudson
Scg./ P.D.:
Assheton Gorton
Scen./ Script:
Robert Dillon
Cost.:
John Mollo
Fot./ D.o.P.:
Bernard Lutic
Mus.:
John Corigliano
Mont./ Ed.:
Stuart Baird
36
Cast:
Al Pacino
Donald Sutherland
Nastassja Kinski
Joan Plowright
Dave King
Steven Berkoff
John Wells
Annie Lennox
Dexter Fletcher
Sid Owen
Richard O’Brien.
Prod.:
Goldcrest Films
International
Vikings Films
Regno Unito-Norvergia/
United KingdomNorway 1995
126’’
production design, cinematography, John Corigliano score and strong cast (Donald Sutherland,
Nastassja Kinski and Joan Plowright) combine for
an effect revolutionary and powerful.
Hugh Hudson
La storia dell’industria cinematografica britannica è stata meno un susseguirsi di correnti innovative che la successione di brevi impennate
provocate dalle reazioni di singoli individui a circostanze storiche. In seguito al boom degli anni
’60 che era stato reso possibile da finanziamenti
americani, il cinema britannico conosce un periodo di stasi tanto che alcuni ambiziosi registi pubblicitari vengono lanciati verso una carriera sul
grande schermo per far fronte ai Movie Brats ed
alla loro conquista di Hollywood. Tra questi spiccano Hugh Hudson, Ridley Scott e Alan Parker. A
tutti e tre è concessa la regia di film poi divenuti
grandi campioni d’incassi. La pellicola di maggior
successo, sia agli occhi della critica sia per il consenso popolare, è Momenti di gloria di Hudson
(1981). Il film riceve sette candidature agli Oscar
portandosi a casa ben quattro delle ambite statuette: miglior film, miglior sceneggiatura originale, miglior colonna sonora e miglior costumi.
Nel 1982, totalizza ai botteghini statunitensi un
incasso di 65 milioni di dollari.
Nato nel 1936, Hudson non è solo il più grande dei suoi fratelli ma senza dubbio anche il più
complesso. Nasce in una famiglia di facoltosi
proprietari terrieri dello Shropshire e frequenta
Eton. Dopo il servizio di leva durato due anni e
trascorso in Germania, decide di ribellarsi al contesto privilegiato in cui è cresciuto rifiutandosi
di entrare a far parte dell’impresa di famiglia o di
frequentare sia Oxford sia Cambridge.
La sua vera passione è il cinema e prima di approdare alla regia di documentari studia montaggio a Parigi. Il suo documentario più celebre è
Fangio: una vita a 300 all’ora (1975), un raffinato
ritratto del pilota argentino di Formula 1, Juan
Fangio.
Lavorando a Momenti di gloria, Hudson scopre
l’interesse per determinate tematiche. Tra queste vi è la discriminazione di classe, il pregiudizio razziale, l’identità nazionale, la ribellione
nei confronti degli establishment a struttura
piramidale e l’autorità morale ricevuta, i rapporti
tra padri e figli e cambiamenti sociali radicali.
Affronta queste tematiche in tre film, che col
senno di poi si può dire costituiscano una trilogia
informale. Con l’ampliarsi delle ambientazioni e
il passaggio dagli anni ’20 al XVIII secolo la sua
analisi si fa sempre più profonda e acuta.
Il lirico e complesso Momenti di gloria copre i
cinque anni di allenamento per le Olimpiadi del
1924 e di come questi finiscano con influenzare tre uomini ai margini della società. Il primo,
il laico predicatore scozzese a sua volta figlio di
missionari, Eric Liddell (Ian Charleson), un grande atleta i cui principi religiosi gli proibiscono di
correre la Domenica. Il secondo, lo scattista di
talento Harold Abrahams (Ben Cross), trattato
con condiscendenza dai docenti anti-semiti del
suo college di Cambridge per via delle sue origini di immigrante ebreo e la sua “poco elegante”
natura ambiziosa. Il terzo, Sam Mussabini, l’allenatore italo-arabo di estrazione proletaria dal
carattere paterno che accoglie Abrahams sotto
la sua ala protettrice; precursore del professionismo sportivo sarà lui a segnare l’inizio della fine
dell’approccio amatoriale allo sport delle classi
dirigenti. La colonna sonora di Vangelis è trascinante, il tono del film elegiaco e premonitorio.
Con Greystoke la leggenda di Tarzan il signore delle scimmie (1984) cade nel dimenticatoio
una filmografia lunga sei decenni, capace solo di
identificare il personaggio di Tarzan con l’espressione primitiva “Io Tarzan, tu Jane” e viene recuperato il romanzo di Edgar Rice Burroughs del
1912. Il film narra di come John Clayton, futuro
Conte di Greystoke e allevato dalle scimmie in
seguito alla morte dei genitori durante un naufragio, ritorni nell’Inghilterra tardo-vittoriana
per confrontarsi con la sua famiglia aristocratica.
L’uomo riesce a stabilire un legame affettivo solo
con il nonno paterno (interpretato con maestria
da Ralph Richardson alla sua ultima apparizione
sul grande schermo), legame che si rivela capace
di trascendere pregiudizi e ignoranza. Un film
profondamente toccante. Il capolavoro Revolution (1987) la pellicola più complessa e più sottovalutata di Hudson, segue le fortune alterne
di tre persone coinvolte negli scontri politici e
sociali durante la guerra d’indipendenza americana, dove abbondano genitori veri e surrogati,
e la colonia britannica uccide la madre patria per
diventare una neonata repubblica.
Il vero personaggio ribelle del film, l’idealista di
ceto medio newyorchese (Natassja Kinski) disobbedisce ai genitori reazionari partecipando alla
Rivoluzione. Un cacciatore analfabeta (Al Pacino), nel tentativo di evitare il coinvolgimento in
una causa che stenta a capire, viene truffato da
entrambe le fazioni mentre cerca di proteggere l’ultimo figlio che gli è rimasto. Un sergentemaggiore inglese fanatico della disciplina (Donald Sutherland) continua a prestare servizio
anno dopo anno per adempire ai suoi doveri e
servire un sovrano paternalista. Revolution è
un film epico, ironico e avvincente, che a tratti
attinge da Griffith, DeMille e Brecht. La fredda
accoglienza del 1986 suona come una crudeltà. È
arrivato il momento per Revolution di ottenere
dal pubblico l’apprezzamento che merita.
Dopo Revolution, Hudson dirige altri tre lungometraggi – Lost Angels (1989) incentrato su problematiche sociali; la deliziosa storia di formazione La mia vita fino ad oggi (1999), sulla crescita
all’interno di un’eccentrica famiglia dell’alta borghesia scozzese; e I Dreamed of Africa (2000), la
vera storia di un’aristocratica italiana e delle sue
avventure in Kenya, che quasi richiama alla memoria La mia Africa.
Attualmente Hudson è impegnato nei seguenti
progetti:
Catalonia, la versione cinematografica delle memorie di George Orwell, ex-studente di Eaton
e ribelle, sull’amore, il tradimento e la morte
ai tempi della guerra civile spagnola, con Colin
Firth e Kevin Spacey.
In Extremis, un dramma realmente accaduto
ambientato ai giorni nostri e ricco di azione, incentrato sulla figura dell’inviata di guerra Marie
Colvin.
The Captain’s Daughter, una mini-serie in due
parti per la televisione italiana ed europea, basata sul romanzo di Pushkin ambientato ai tempi
della Russia di Caterina La Grande.
The history of the British film industry has been
less a series of New Waves than a succession
of brief surges propelled by singular individuals
responding to historical circumstances. There had
been a lull in British filmmaking after an Americanfinanced boom in the 1960s, and some ambitious
directors of television commercials were launched
onto the big screen to challenge the Movie Brats
who were taking over Hollywood.
The principal filmmakers were Hugh Hudson,
Ridley Scott and Alan Parker. All three went on to
direct major box-office successes, but the biggest
hit of all, both critically and commercially, was
Hudson’s Chariots of Fire (1981). It won four
of the seven Academy Awards for which it was
38
nominated: best film, original screenplay, music
and costumes. It grossed 65 million dollars in the
USA in 1982.
Born in 1936, Hudson was the oldest child and
by any reckoning the most complex. He was born
into a wealthy, long-established landowning Shropshire family and educated at Eton. After two years
National Service in Germany he turned against his
privileged background, refusing either to join the
family business or go to Oxbridge.
Film was his passion, and he studied editing in
Paris before making documentaries. The most celebrated documentary is the stunning Fangio : una
vita a 300 all’ora (1975), a stylish portrait of the
Argentinean Grand Prix driver Juan Fangio.
Hudson discovered in Chariots of Fire certain
themes that engaged him. They include questions
of class distinction, racial prejudice, national identity, rebellion against hieratic establishments and
received moral authority, the relations between
fathers and sons, and radical social change. These
preoccupations he pursued in three films, which
in retrospect constitute an informal trilogy, treating
them in greater depth and with more subtlety as
the settings broadened and moved back in time
from the 1920s to the 18th Century.
The lyrical, richly textured Chariots of Fire covers five years leading up to the 1924 Olympic
Games as they effect three social outsiders. First,
the Scottish lay preacher and son of missionaries,
Eric Liddell (Ian Charleson), a great athlete whose
religious principles forbade him to run on Sundays.
Second, the great sprinter Harold Abrahams
(Ben Cross), patronised by anti-Semitic dons at
his Cambridge college for his Jewish immigrant
background and his ‘ungentlemanly’ ambition. The
third, Sam Mussabini, the paternal working-class
trainer of Arabian-Italian stock, takes Abrahams
under his wing; as the harbinger of professionalism he rings the death knell for the upper-class
amateur tradition. Vangelis’s score is upbeat, the
film’s tone is elegiac and premonitory.
Greystoke: The Legend of Tarzan of the Apes
(1984) set aside six decades of primitive ‘Me Tarzan, You Jane’ movies to engage with Edgar Rice
Burroughs’ original 1912 novel. It tells the story
of how John Clayton, the future Earl of Greystoke,
raised by apes in Africa following the death of his
shipwrecked parents, returns to late 19th Century
England to confront his aristocratic family. Only
with his paternal grandfather (a great performance by Ralph Richardson in his final screen
appearance) does he establish a loving bond that
transcends prejudice and ignorance. This is a film
of tragic beauty.
Hudson’s most complex and underrated picture,
Revolution (1987), follows the contrasted fortunes
of three people caught up in the social and political turbulence of the American War of Independence, where real and surrogate parents abound
and a British colony kills the father to become a
new-born Republic.
The film’s true rebel, a middle-class New York
idealist (Natassja Kinski), defies her Tory parents
by throwing in her lot with the Revolution. An illiterate fur trapper (Al Pacino), attempting to avoid
involvement in a cause he cannot understand, is
cheated by both sides as he seeks to protect his
one remaining son. A martinet English sergeantmajor (Donald Sutherland) soldiers on year after
year, attempting to do his duty and serve his
paternalistic king. A colourful, ironic epic drawing on Griffith, DeMille and Brecht, the film was
cruelly and casually dismissed in 1986. The time
has come for Revolution to find the appreciative
audience it deserves.
Since Revolution Hudson has made three features
– the social problem movie Lost Angels (1989), his
only film made in America; the charming rite-ofpassage story My Life So Far (1999), about growing up in an eccentric upper-middle-class Scottish
family; and I Dreamed of Africa (2000), the true
story, reminiscent of Out of Africa, of an Italian
aristocrat’s adventures in Kenya.
His current projects are:
Catalonia, to star Colin Firth and Kevin Spacey in
a screen version of the classic memoir by another
Old Etonian rebel, George Orwell, about love,
betrayal and death in the Spanish Civil War.
In Extremis, a contemporary action packed true-life
drama of the famed American war reporter Marie
Colvin.
The Captain’s Daughter, a two part mini series for
Italian and European TV based on Pushkin’s novel
set in Catherine the Great’s Russia.
Bend in the River, a screen adaptation of Nobel
prize winner VS Naipaul’s classic masterpiece. Set
in a Congo-like country, a story of post-colonial
dictatorship.
2000
I Dreamed of Africa
1989
Lost Angels
1999
My Life So Far
1985
Revolution
1995
Lumière et compagnie
1984
Greystoke: The Legend
of Tarzan, Lord of the
Apes
1981
Chariots of Fire
1981
Fangio - Una vita a 300
all’ora 1967
The Tortoise and the
Hare
Taormina 55 è un film-documentario dedicato
alla storia del Festival di Taormina ed ai personaggi che lo hanno reso famoso nel mondo. Sulla scia del successo già ottenuto nella
realizzazione di analoghi documenti per grandi
festival e avvenimenti di risonanza nazionale ed
internazionale, Antonello Sarno conserva l’idea
di comporre un racconto rigorosamente senza
testo-guida, di grandezza ed ampiezza cinematografica (cinemascope) ed in cui le immagini e
l’audio raccontino da soli il lungo percorso del
Festival, sottolineandone così l’importanza ed il
prestigio.
Il documentario ripercorre le tappe dello sviluppo della manifestazione in parallelo con quel
genere di turismo glamour e d’élite che il Festival
ha da sempre (e sempre più nel tempo) portato
a Taormina.
Ivi quegli holiday-movies ambientati – grazie al
crescente successo del festival - proprio a Taordi Antonello Sarno mina a cavallo tra gli anni 50 e 60.
I primi anni dell’epopea del Festival, con la Rai
ancora non in grado di trasmettere all’esterno degli studi, è narrata attraverso le splendide
immagini con sonoro d’epoca dei cinegiornali di
proprietà Luce; quindi le magnifiche serate Rai
trasmesse dal Teatro Greco in b/n e, in seguito, a
colori per i David di Donatello prima e per i Nastri d’Argento poi.
Il racconto è ritmato con veloci brani di interviste ed aneddoti ricordati da alcuni tra i più affezionati nomi del cinema, della cultura e dell’industria dello spettacolo tradizionalmente legati al
festival, tra i quali Pippo Baudo, Giuseppe Tornatore, Fiorello, Christian De Sica, Monica Bellucci,
Osvaldo De Santis, Maria Sole Tognazzi, Ferzan
Ozpetek, Valeria Golino, Elsa Martinelli, Erminia
Manfredi.
Taormina 55
Taormina 55
Reg./ Dir.:
Antonello Sarno
Mont./ Ed.:
Emanuele Paletta
Mus.:
AA. VV.
40
Prod.:
Futura per Taormina
Arte
Distr.:
Taormina Arte
42’09’’
Taormina 55 is a documentary on the history
of Taormina’s festival and the personalities who
turned it into a success of worldwide proportions.
Building on the success of his previous documentaries, which he has produced for important
festivals and events of national and international
resonance, Antonello Sarno resumes the idea of a
rigorously unscripted story of cinematic grandeur
and scale (CinemaScope) and lets the images and
original audio tell the tale of the festival’s long journey, underlining its importance and prestige.
The documentary traces the festival’s various
development stages in parallel to the glamour and
élite tourism, which flourished (and flourishes still)
in Taormina thanks to the festival. Therein the birth
of the so-called holiday-movies shot on location –
as a consequence of the festival’s growing prestige
- in Taormina between the Fifties and Sixties.
The first years of the festival’s epic story, when
state television Rai was still unable to broadcast
beyond the boundaries of its sound stages, is
narrated through the breathtaking images and
original audio of Luce’s newsreels; the glamorous
Rai evenings broadcast from the Greek Theatre
in black-and-white follow and lastly the colour
images of the award ceremonies of the Davids and
the Silver Ribbons.
The narration features flashes from various interviews and anecdotes told by beloved personalities
from the world of film, culture and the entertainment business that have been traditionally
involved with the festival. Among them Pippo
Baudo, Giuseppe Tornatore, Fiorello, Christian De
Sica, Monica Bellucci, Osvaldo De Santis, Maria
Sole Tognazzi, Ferzan Ozpetek, Valeria Golino,
Elsa Martinelli and Erminia Manfredi.
Antonello Sarno
Antonello Sarno (Roma, 1960), cronista cinematografico, lavora alle news Mediaset dal 1993,
dove ha editato oltre 9.000 servizi, speciali e
prime serate. Attualmente è inviato speciale- redattore capo per il cinema, gli spettacoli ed il
costume del Tg di Italia Uno Studio Aperto e per
gli altri settimanali della rete, oltre ai canali del
digitale terrestre gestiti dal gruppo Mediaset.
Ha collaborato con i quotidiani “Il Giornale” ed
“Il Tempo”, e con i periodici “Max”, “Vanity Fair”
e “Ciak” e d è stato opinionista e conduttore del
programma “Radio Movie” per Radio RTL 102,5 e
Radio Due Rai nel programma “Gli Spostati”.
Dal 1998 è editorialista dei massimi periodici
del settore cinematografico, tra questi “Box Office” (30.000 copie solo in abbonamento per il
pubblico degli addetti ai lavori) e “Best Movie”
(100.000 copie di diffusione tra edicola e sale
cinematografiche).
Tra il 1989 al 2002 ha pubblicato tredici volumi
di saggistica cinematografica (per Edizioni il Sole
24 Ore, Nuova Eri-Edizioni Rai, Il Castoro, Newton Compton).
Il suo libro “Italian Babilonia” (Mondadori-Colorado Noir), dedicato agli scandali e ai delitti nel
2009
Taormina 55
2008
Venezia 68
2007
Venezia 75
2006
David 50
Bella gente stasera in
Paradiso – Gli attori che
ci hanno accompagnato
per tutta la vita
2005
Lello Bersani - L’uomo
col microfono
2004
E le stelle non stanno a
guardare…
Ciao Alberto – L’altra
storia di un italiano
2003 Venezia 60
mondo dello spettacolo italiano, uscito a novembre 2007 e ormai esaurito, ha ottenuto un ampio
riscontro di stampa e critica e sta diventando
un format televisivo per un’importante rete nazionale. Il suo primo romanzo “Se tornasse caso
mai” (Aliberti-RCS) ha esaurito la prima tiratura
ed è attualmente allo studio una trasposizione
cinematografica.
Antonello Sarno (Rome, 1960), film reporter,
has been working for Mediaset news division
since 1993, editing over 9,000 reports, specials
and prime time programs. He’s presently the
special correspondent and editor-in-chief of the
film, entertainment and trends editorial unit of
Italia Uno’s news “Studio Aperto” and for various
other weekly programs of the network and the
digital terrestrial television channels run by Mediaset. He has worked for daily papers such as
“Il Giornale” and “Il Tempo” and for periodicals
like “Max”, “Vanity Fair” and “Ciak.” He has been
the host and columnist of radio programs “Radio
Movie” for Radio RTL 102,5 and Radio Due Rai’s
“Gli Spostati.”
Since 1998 he has been the editorialist of important film periodicals. Among them “Box Office”
(30,000 subscribers among industry professionals) and “Best Movie” (100,000 copies distributed between newsagent stands and cinemas.)
Between 1989 and 2002 he published 13 film essays (“Edizioni il Sole 24 Ore”, “Nuova Eri-Edizioni Rai”, “Il Castoro”, “Newton Compton”.)
His book “Italian Babilonia” (Mondadori-Colorado Noir), on the scandals and murders that
shook the Italian show business world, was released November 2007 and quickly sold out. The
book was favourably welcomed by critics and
press alike and is about to be turned into a tele-
42
vision format by an important national network.
The first edition of his debut novel “Se tornasse
caso mai” (Aliberti-RCS) sold out and the book is
currently being adapted for the silver screen.
Giuria
Laurent Cantet
Ari Folman
Aimee Mullins
Laurent Cantet
Laurent Cantet, regista, nasce il 15 Giugno 1961 a
Melle, Francia. Nel 1993 dirige il cortometraggio
“Tous à la manif”, seguito poi da un altro cortometraggio nel 1995 intitolato “Jeux de plage”.
Nel 1997 dirige il TV movie “Les Sanguinaires”.
Il suo lungometraggio Risorse Umane (1999)
ottiene un César come miglior primo film, il Discovery of the Year Award agli European Film
Awards ed il premio come miglior esordio alla
regia a San Sebastian. Nel 2001 dirige A tempo
pieno. Il film riceve il Leone dell’Anno a Venezia
e il Louve d’Or a Montreal. Nel 2005 ritorna dietro la cinepresa per dirigere Verso il Sud. La pellicola è accolta nella selezione ufficiale del Festival
di Venezia. Il suo quinto lungometraggio, La
classe (2008), entra a far parte della rosa di titoli
della selezione ufficiale del Festival di Cannes.
Director Laurent Cantet was born June 15, 1961,
in Melle, France. In 1993 he directed the short
film “Tous à la manif”, followed by another short
in 1995 entitled “ Jeux de plage.” In 1997 he
directed the TV movie “Les Sanguinaires”. His
1999 feature Human Resources received a César
for Best First Film, the Discovery of the Year Award
at the European Film Awards and the Best New
Director Award at San Sebastian. In 2001 he
directed Time Out, which was awarded the Lion of
the Year in Venice and the Louve d’Or in Montreal.
In 2005 he stepped once again behind the camera
to direct Heading South. The film was included in
the Venice Film Festival Official selection.
His fifth feature, The Class (2008), was screened in
the Official Selection of the Cannes Film Festival.
44
Ari folman
È la metà degli anni ’80 quando Ari Folman decide, terminato il servizio di leva, di intraprendere il viaggio che ha sempre sognato: un giro del
mondo con uno zaino in spalla. In viaggio da sole
due settimane, durante le quali ha visitato solo
due paesi, Ari si rende conto che viaggiare non fa
per lui. Decide quindi di stabilirsi in una piccola
pensione nell’Asia Sud-Orientale. Da lì scrive agli
amici rimasti a casa, descrivendo loro il viaggio
perfetto. L’anno trascorso in quella pensione a
mettere nero su bianco il frutto della sua fervente immaginazione lo convince, una volta tornato
a casa, a studiare cinema.
Il suo film di diploma, Comfortably Numb (1991)
documenta lo stress traumatico dei suoi amici
più cari mentre si rifugiano dai missili iracheni
che si abbattono su Tel Aviv durante la Prima
Guerra del Golfo. Il risultato è comico e assurdo
al tempo stesso e il film viene premiato come miglior documentario dalla Israeli Film Academy.
Tra il 1991 e il 1996 Ari dirige diversi speciali
destinati al piccolo schermo, prevalentemente
ambientati nei territori occupati. Nel 1996 scrive
e dirige Clara Hakedosha, un lungometraggio basato sul romanzo dell’autore ceco, Pavel Kohout.
La Israeli Film Academy conferisce alla pellicola
sette premi, tra questi quello per miglior regista
e miglior film. Clara Hakedosha inaugura la sezione Panorama della Berlinale e vince il People’s
Choice Award. Proiettato sia negli Stati Uniti sia
in Europa, il film è acclamato dalla critica. Ari
continua a dirigere serie documentaristiche di
successo per poi concedersi nel 2001 una pausa
che dedica alla preparazione del suo secondo lun-
gometraggio. Made in Israel è un fantasy futuristico incentrato sulla ricerca dell’ultimo nazista
sopravvissuto al mondo.
In Israele, Ari è lo sceneggiatore di diverse serie
televisive di successo, tra queste “Be Tipul” che
vince numerosi premi e sulla quale la HBO basa
la serie “In Treatment”.
La sua prima esperienza nel campo dell’animazione arriva con la serie da lui ideata “The Material that Love is Made of”. Ogni episodio si apre
con un documentario d’animazione della durata
di cinque minuti in cui degli scienziati presentano le loro teorie evolutive sull’amore. I documentari si rivelano un successo e spingono Ari a
sviluppare l’originale format di Valzer con Bashir.
Basato su una storia vera, il film intraprende
un viaggio all’interno della memoria del regista
alla ricerca di quei ricordi mancanti sulla guerra
libanese, avvenuta a metà degli anni 80. È una
scelta più che naturale quella di Ari di trasformare questa ricerca in un film d’animazione, ricco di
immaginazione e fantasia.
Ari Folman è nato nel Dicembre del 1962 a Haifa,
Israele. È sposato con Anat Assoulin e ha tre figli.
In the mid 1980s, after completing his military
service, Ari Folman ventured out on his dream
trip to circle the world with a backpack. Just two
weeks and two countries into the trip, Ari realized
traveling was not for him, so he settled into small
guesthouses in Southeast Asia and wrote letters
to his friends at home, letters in which he totally
fabricated the perfect trip. One whole year of
being in one place and writing down the fruits of
his fantastical imagination convinced him to return
home and study cinema.
His graduate film, Comfortably Numb (1991)
documented Ari’s close friends taking cover on the
verge of anxiety attacks during the first Gulf war
while Iraqi missiles landed all over Tel Aviv. The
result was comical and absurd and the film won
the Israeli Academy Award for Best Documentary.
Between 1991-1996 Ari directed documentary
specials for TV, mainly in the occupied territories.
In 1996 he wrote and directed Saint Clara, a
feature film based on a novel by Czech author
Pavel Kohout. The film won seven Israeli Acad-
emy awards, including Best Director and Best
Film. Saint Clara opened the Berlin Film Festival’s
Panorama and won the People’s Choice Award.
The film was screened throughout America and
Europe to critical acclaim. Ari continued directing
successful documentary series and took time off
for his second feature in 2001. Made in Israel is a
futuristic fantasy that centers upon the pursuit of
the world’s only remaining Nazi.
Ari has written for several successful Israeli TV
series, including the award-winning “In Therapy”
(“Be Tipul”), which was the basis for the new
HBO series “In Treatment.”
Ari made his initial attempt at animation in his
series “The Material that Love is Made Of” – each
episode opens with five minutes of documentary
animation which depicts scientists presenting their
theories on the evolution of love. This successful
attempt at documentary animation propelled Ari
to develop the unique format of Waltz with Bashir.
Based on a true story, the film is a quest into the
director’s memory for the missing pieces from the
days of the Lebanon War in the mid 80s. As far as
Ari was concerned, it was only natural to transform the quest into animation, full of imagination
and fantasy.
Ari Folman, born December 1962 in Haifa, Israel,
is married to Anat Assoulin and has 3 children.
Aimee mullins
Con il recente Quid Pro Quo e Into the Woods,
presto nelle sale, Aimee Mullins sta costruendo
la propria carriera d’attrice. Debutta nell’acclamato film dell’artista contemporaneo Matthew
Barney, Cremaster 3, presentato in anteprima
negli Stati Uniti al Guggenheim Museum nel
2003. La pellicola è una straordinaria opera creativa, lodata dal giornale “The Guardian” come “il
primo vero esempio di grande cinema ad essere
realizzato in un contesto di fine art dopo la lavorazione di Un Chien Andalou nel 1929 ad opera
di Dali e Bunuel. Uno dei lavori più immaginativi e brillanti nella storia del cinema d’avanguardia”. Inizialmente la Mullins attira l’attenzione
dei media come atleta. Nata con entrambi gli
arti inferiori privi di fibule, la prognosi di Aimee è sconsolante: i medici le comunicano che
non potrà mai camminare e che è destinata ad
un’esistenza sulla sedia a rotelle. Nel tentativo di
garantirle una motricità indipendente, durante
il suo primo anno di vita i dottori le amputano
entrambe le gambe al di sotto del ginocchio. La
decisione avrà dei risvolti positivi. All’età di due
anni, impara a deambulare con l’aiuto di arti prostetici. Trascorre l’infanzia svolgendo le medesime attività atletiche dei suoi coetanei: nuoto,
ciclismo, softball, calcio e sci, attività che svolge
sempre in compagnia di ragazzini “normodotati”. Dopo il diploma di scuola media superiore,
che consegue con il massimo dei voti, la Mullins
è una dei tre studenti selezionati dal Ministero
della Difesa per una borsa di studio. A soli 17 anni
è la più giovane titolare di un’autorizzazione in
materia di sicurezza ad alta segretezza al Pen-
46
tagono. Lì lavora come analista di informazioni,
posizione che conserva durante tutto il periodo degli studi universitari. Mentre frequenta la
School of Foreign Service presso la Georgetown
University, ingaggia uno dei preparatori atletici
più esperti e rispettati del paese, Frank Gagliano.
Grazie a questa alleanza, diventa la prima donna
con “disabilità fisiche” a competere nella NCAA,
all’interno della squadra atletica di Georgetown,
al tempo detentrice del primo posto nella classifica nazionale. Dotata di arti inferiori prostetici in
filamenti di carbonio intrecciati, modellati sulle
zampe posteriori di un ghepardo, conquista il record mondiale nei 100 e 200 metri e nel salto in
lungo. I suoi primati scatenano furore sul design
radicale del prototipo prostetico da lei indossato.
Il design rivoluzionario delle sue protesi la spinge ad esplorare tematiche connesse all’immagine corporea ed ai cambiamenti dei parametri di
bellezza e femminilità imposti dall’industria della
moda. Nel 1999 la Mullins debutta in passerella
a Londra, su invito di Alexander McQueen, uno
degli stilisti più celebri al mondo. Questa sfilata
innovativa le apre le porte di diversi giornali di
moda; appare così sulla copertina di “ID”, “Dazed
and Confused” e in alcuni servizi pubblicati da
“Vogue”, “Harper’s Bazaar”, “W”, “Glamour” e
“Elle”. Il rotocalco “People” la inserisce nella sua
classifica delle 50 persone più attraenti al mondo, “Esquire” la nomina nella lista “Le donne che
amiamo”, “Sports Illustrated” la definisce una
delle ragazze più belle del mondo dello sport e,
nella lista annuale delle personalità più calde del
momento redatta da “Rolling Stone Magazine”,
figura come la musa più hot. Attraverso le sue diverse collaborazioni con artisti di tutte le discipline, Mullins continua a portare avanti un discorso
incentrato sul potenziale di corpo e mente. Tiene
conferenze presso il MIT Media Lab e la School
of Visual Arts in Manhattan indirizzate a studenti laureati. Oltre alle sue attività professionali, Aimee è membro di commissione e dedica
il suo tempo a diverse organizzazioni no-profit.
Tra queste spiccano Just One Break (JOB) e la
Women’s Sports Foundation (WSF). È inoltre la
Vice Presidente di JOB, il servizio di occupazione
no-profit per persone con disabilità più longevo
degli Stati Uniti, fondato nel 1947 da Eleanor Roosevelt. Dopo avere rivestito per diverso tempo
il ruolo di amministratrice della WSF, fondata dal Billie Jean King, è stata eletta Presidente
dell’associazione, posizione che ricopre dal 2007
al 2009. Aimee Mullins è inoltre una dei soci fondatori (NYC) della Georgetown Entertainment e
Media Alliance.
With recent films including Quid Pro Quo and
the upcoming Into the Woods, Aimee Mullins is
building a career as an actress. Her film debut
was a starring role in the highly acclaimed film by
contemporary artist Matthew Barney, Cremaster
3, first presented in the U.S. at the Guggenheim
Museum in 2003. Cremaster 3 is an astonishing
work of creativity, and was lauded by “The Guardian” as “the first truly great piece of cinema to be
made in a fine art context since Dali and Bunuel
filmed Un Chien Andalou in 1929. It is one of the
most imaginative and brilliant achievements in
the history of avant-garde cinema.” Mullins first
received worldwide media attention as an athlete.
Born without fibulae in both legs, her medical
prognosis was bleak; she would never walk and
indeed would spend the rest of her life using a
wheelchair. In an attempt for an outside chance at
independent mobility, doctors amputated both her
legs below the knee on her first birthday. The decision paid off. By age two, she had learned to walk
on prosthetic legs, and spent her childhood doing
the usual athletic activities of her peers: swimming, biking, softball, soccer, and skiing, always
alongside “able-bodied” kids. After graduating
high school with honors, Mullins was one of three
students in the U.S. chosen for a full academic
scholarship from the Department of Defense, and
at age 17 became the youngest person to hold a
top-secret security clearance at the Pentagon. She
worked there as an intelligence analyst throughout her university experience. While a dean’s
list student at the School of Foreign Service at
Georgetown University, she enlisted the expertise of Frank Gagliano, one of the country’s most
respected track coaches. Through this partnership,
she became the first woman with a “disability” to
compete in the NCAA, doing so on Georgetown’s
nationally top-ranked track team.
Outfitted with woven carbon-fiber prostheses that
were modeled after the hind legs of a cheetah, she
went on to set World Records in the 100 meters,
the 200 meters, and the long jump, sparking a
frenzy over the radical design of her prototype
sprinting legs. Her experience speaking on the
revolutionary design of her prosthetics provoked
her to explore issues relating to body image, and
how fashion advertising impacted standard notions
of femininity and beauty. In 1999, Mullins made
her runway debut in London at the invitation of
one of the world’s most celebrated fashion designers, Alexander McQueen. This groundbreaking
runway show led to the fashion covers of “ID”,
“Dazed and Confused”, and features in “Vogue”,
“Harper’s Bazaar”, “W”, “Glamour”, and “Elle”. She was also named as one of “People” magazine’s “50 Most Beautiful People in the World,”
one of “Esquire’s” “Women We Love,” one of
“Sports Illustrated’s” “Coolest Girls in Sport,” and
was celebrated as the “Hottest Muse” in Rolling
Stone’s annual Hot List. By working with artists
across all disciplines, Mullins continues to drive
forward the conversation on the potential of the
human body and spirit. She guest lectures for
post-graduate programs at MIT Media Lab and the
School of Visual Arts in Manhattan. In addition to
her professional career, Mullins serves on numerous boards and spends much of her time assisting
various non-profit organizations, most notably Just
One Break (JOB) and the Women’s Sports Foundation (WSF). She serves as Vice-President for J.O.B.,
the nation’s oldest non-profit employment service
for persons with disabilities, founded in 1947 by
Eleanor Roosevelt. As a longtime Trustee for the
WSF, founded by Billie Jean King, she was elected
as the foundation’s President, a position she held
from 2007 to 2009. She is also a founding chapter
member (NYC) of the Georgetown Entertainment
and Media Alliance.
MediterraneaMediterranean
GÖlgesizler (the shadowless)
Ümit Ünal
Camino
Javier Fesser
La fille du r.e.r
(The girl on the train)
André Téchiné
Casanegra
Nour-Eddine Lakhmari
Zrubavel
Shmuel Beru
Khaltet Fawzia
(Fawzya a special blend)
Magdy Ahmed Aly
Al-laid al-tawed
(The long night)
Hatem Ali
Giallo? (MYstery?)
Antonio Capuano
collocazione, dove tuttavia si giunge immanGölgesizler ma
cabilmente, a piedi e con bagaglio leggero. Ci si
per ritrovare gli strambi abitanti di sempre:
(The Shadowless) reca
pochi stralunati giovani, molti frastornati vecchi,
di Ümit Ünal con coppole e gilet, seduti all’ombra degli alberi
Affascina, anzi ipnotizza, la trasposizione cinematografica di “Gölgesizler”, l’atteso romanzo del
“Kafka dell’Est” Hasan Ali Toptaş, la cui natura
poeticamente visionaria e superstiziosa poteva
esser resa solo dall’impalpabile sensibilità del pluripremiato regista (e apprezzato scrittore) Ümit
Ünal, capace come pochi di rendersi permeabile
alle più disparate suggestioni. Nella bottega del
barbiere di Istanbul, una mano sgrana il rosario
mentre il giovane apprendista vaga svogliatamente per stazioni radio. Musica classica e rock si
avvicendano, facendosi commento alle immagini
dei molteplici volti della Turchia. Nuri, il vecchio
strambo, ha un turbamento improvviso e solennemente annuncia che “C’è un esercito di scheletri, lì fuori”. A nessuno salta in mente di chiedere:
“Lì fuori dove?”, poiché tutti sanno che si tratta
dell’Altrove. Un Altrove di misteriosa e remotissi-
in fiore, intenti ad ascoltare il Mukhtar ripetere
la storia della leggendaria sparizione del vecchio
Nuri (quel Nuri), inghiottito dal nulla, tenuto in
vita dalla leggenda, sempre rimpianto dalla giovane moglie. Lei stessa svanirà presto nel nulla,
come avverrà per Guvercin, la bella del paese, e
tutti guarderanno con sospetto al figlio di Cennet, perché troppo romantico e sognatore. O forse si è trattato di un orso, il cui verso inquietante
sembra udirsi nella notte. Oppure di chissà quale
imperscrutabile anomalia, facile a immaginarsi
in questo villaggio governato da mille incomprensibili leggi non scritte, a cui guardiamo un
po’ increduli mentre ci prende la vaga sensazione che vi potremmo essere risucchiati noi stessi
da un istante all’altro, rapiti in una dimensione
altra dove i nostri doppelgänger trovano dimora.
È la dimensione in cui personaggi senza ombra si
smarriscono, perché inconsistenti come fiocchi di
neve, come volti riflessi in finestre buie, come riproduzioni del Nessuno che alberga in Ognuno.
The big screen adaptation of “Gölgesizler”, the
much-awaited novel by “Eastern Kafka” Hasan Ali
Topta, is bewitching, or better still, mesmerizing.
The novelist’s poetical visionary and superstitious
nature could only have been adapted by the impalpable sensitivity of multi-awarded director (and accomplished writer) Ümit Ünal and his very special
ability to channel the most disparate influences. In
a barbershop in Istanbul, a hand goes through the
beads of a rosary while a young apprentice lazily
Gölgesizler
Reg./ Dir.:
Ümit Ünal
Scen./ Script:
Ümit Ünal
Fot./ D.o.P.:
Gökhan AtilmiŞ Mont.
Ed.:
Çiçek Kahraman
50
Scg./ P.D.:
Serdar Yilmaz
Cost.:
Nadide Argun
Mus.: Candan Erçetin
Cast:
Aydemir AkbaŞ
Erdem Akakçe
Taner Birsel
Beyti Engin
Altan Erkekli
Onuryay Evrentan
Taies Farzan
Özay Fecht
Arsen Gürzap
Umut KaradaĞ
Hakan Karahan
BiĞkem Karavus
Zeynep Kumral
YiĞit KuŞbeygi
Fuat Onan
Ahmet Özaslan
Selda Özer
Cem Özeren
Ertan Saban
Serkan Şenalp
Ahmet Mümtaz Taylan
Selçuk Yöntem
ve Hasan Ali ToptaŞ
Prod.:
Narsist Film
Distr.:
Narsist Film
Turchia/ Turkey
2009
94’
jumps from one radio station to the other. Classical
and rock music alternate, working as the subtext
to the manifold faces of Turkey. Old codger Nuri
is suddenly upset, “There’s an army of skeletons
out there,” he solemnly announces and no one
needs to ask: “Out there, where?” since everyone
knows he’s talking about Elsewhere. A mysterious
place, an unimaginably remote location, which
can be reached on foot and with a light luggage.
It’s the place where people go to for one more
encounter with the odd inhabitants of always: few
distraught youths, many dazed old men wearing
waistcoats and caps, who sit in the shadow of
blossoming trees absorbed in the Mukhtar’s story
on the legendary disappearance of old Nuri, (that
Nuri,) who was swallowed by the void, kept alive
by the legend, and forever mourned by his young
bride. She too will soon disappear into the void,
just like village beauty, Guvercin, and everyone will
suspect the son Cennet, due to his romantic and
dreamy nature. Or maybe it was a bear; its disturbing lament seems to pierce through the night. Or
even some inscrutable anomaly, easily imaginable
in a village ruled by thousands of unwritten laws.
It calls for our incredulous attention the village, as
a vague feeling sinks in: it’s the imminent fear of
being swallowed into that same void, of falling into
another dimension home to our doppelgänger. The
dimension where shadowless characters, immaterial like flakes of snow, like faces reflected in dark
windows, lose themselves. Characters who are the
reproduction of the No-one, which lives within
Everyone.
zione turca, tra cui Teyzem (1986), My Dreams,
My Love and You (1987) e pubblica un’antologia
di novelle e due romanzi. Dal 1996 lavora come
regista pubblicitario. La sua prima regia per il
grande schermo arriva nel 2002 con il lungometraggio Dokuz, premiato a numerosi festival
cinematografici. Nel 2003 il film viene inoltre
scelto per rappresentare la Turchia agli Oscar.
Nel 2004, Ümit scrive e co-dirige il suo secondo
lungometraggio, Anlat Istanbul. Segue Ara, pellicola che ottiene il premio speciale della giuria
all’Istanbul Film Festival nel 2008. Attualmente
Ünal lavora come regista e scrittore freelance e
risiede sia a Istanbul che a Londra.
Ümit Ünal was born in Turkey, in 1965. He wrote
the screenplays to eight Turkish feature films including My Aunt, (1986), My Dreams, My Love
and You (1987). He has also published a collection of short stories and two novels and has been
directing TV commercials since 1996. His debut
feature Nine (2002), won numerous awards at
various Film Festivals and was the Official Entry
of Turkey for the 2003 Foreign Language Film
Oscar. In 2004 he wrote and co-directed his second feature, Anlat Istanbul. His next film, Ara,
was awarded the Special Jury Prize at the 2008
Istanbul Film Festival. He presently works as
a freelance director/writer and resides both in
Istanbul and London.
Ümit Ünal
Ümit Ünal nasce in Turchia, nel 1965. Firma le
sceneggiature di otto lungometraggi di produ-
2009
Gölgesizler
2004
Anlat Istanbul
2008
Ara
2002
Dokuz
classe accanto a un bambino di Jesus. Quando
Camino diCamino
improvvisamente si ammala, è grazie ai
di Javier Fesser suoi sogni che riesce ad affrontare una serie di
difficili interventi chirurgici. Il regista Jaime Fesser fa uso di audaci contrasti per parlare del diritto di libertà e felicità di ogni essere umano. C’è
anche un po’ di magia in questo film, dalla presenza di fate madrine e spaventosi angeli custodi,
fino ad un simpatico topo che guida Camino verso il mare. La vicenda si ispira alla vera storia di
Alexia Gonzalez, morta nel 1985 e attualmente al
centro di un processo di beatificazione.
Deborah Young
Questo commuovente film spagnolo, vincitore
nel 2008 di ben sei Goya incluso quello come miglior film, si addentra in nuovi territori narrativi,
tematici e cinematografici. Prima di tutto, Camino è uno dei tanti film straordinari selezionati per
questa edizione del festival che si confrontano direttamente con le forti credenze religiose dei suoi
protagonisti e le fatidiche conseguenze che esse
comportano. Camino è il nome di una graziosa e
felice bambina, interpretata dalla deliziosa Nerea
Camacho, che potrebbe tranquillamente essere
uscita dal lungometraggio di animazione Disney,
Cenerentola. La sua famiglia, profondamente
cattolica è dominata dalla figura di una madre
integralista (Carme Elias). La donna, seguace
dell’Opus Dei, ha già fatto rinchiudere in un convento la sua amata sorella, la quale sta studiando
per diventare suora. La madre di Camino sogna
per la figlia il medesimo percorso, ma la bambina si lascia innocentemente cullare dal sogno di
un amore e dall’idea di recitare nello spettacolo
This moving Spanish film, which swept up six
Goya awards for 2008 including Best Film, covers
new ground narratively, thematically and cinematically. First of all, Camino is one of several striking
films in this year’s festival which directly confront
the characters’ strong religious views and their
fateful consequences. Camino is the name of a
pretty, happy little girl, played by the delightful
Nerea Camacho, who could have stepped out of
a Disney film like Cinderella. Her deeply Catholic
family, dominated by her fanatic mother (Carme
Elias), a follower of Opus Dei, has already sent
her beloved sister to a strict convent, where she
is training to become a nun. Her mother would
like Camino to follow the same path, but the girl
innocently dreams of love and acting in the school
play with a boy named Jesus. When she suddenly
falls ill, her dreams help her through a series of
tremendously difficult operations. Director Jaime
Fesser uses bold contrasts to talk about a human
being’s right to freedom and happiness. There is a
little bit of magic in this film, from fairy god mothers and scary guardian angels to a friendly mouse
who leads Camino to the sea. It is inspired by the
Camino
Reg./ Dir.:
Javier Fesser
Cost.:
Tatiana Hernández
Scen./ Script:
Javier Fesser
Mus.:
Rafael Arnau
Mario Gosalvez
Fot./ D.o.P.:
Alex Catalán (A.E.C.)
52
Mont./ Ed.:
Javier Fesser
Scg./ P.D.:
Cesar Macarrón
Cast:
Nerea Camacho
Carmen Elías
Mariano Venancio
Manuela Vellés
Prod.:
PELÍCULAS
PENDELTON
C/ Santa Isabel Nº
13 (Polig. Industrial
Alcobendas)
28108 - Alcobendas
(Madrid)
Tel: 91 662 66 13
Distr.:
WILD BUNCH
99 Rue de la Verrerie
75004 Paris
France
Tel: 33 1 53 01 50 32
Fax: 33 1 53 01 50 49
E-mail: edevos@
wildbunch.eu
www.wildbunch.biz
Spagna/ Spain
2008
143’
real-life story of Alexia Gonzalez, who died in
1985 and is in the process of beatification.
Deborah Young
Javier Fesser
Javier Fesser nasce a Madrid nel 1964 e si laurea
in Scienze Visive presso l’Università Informatica
di Madrid. La scoperta del mezzo cinematografico avviene mentre realizza dei filmati con la sua
Super 8 e, nel 1986, fonda la Línea Films, specializzandosi nella regia di spot pubblicitari che gli
servono da lasciapassare per il mondo del cinema.
Nell’Aprile del 1982 insieme a Luis Manso fonda
la Películas Pendelton, con l’obiettivo di occuparsi di progetti destinati al grande schermo, la sua
vera passione. Debutta scrivendo e dirigendo due
cortometraggi, Aquel ritmillo (1995) e El secdleto de latlompeta (1996). Questi ottengono il più
alto numero di premi mai consegnati a dei cortometraggi, incluso un Goya nel 1995. Durante il
Natale del 1998, viene presentato in anteprima
il suo primo lungometraggio: El milagro de P.
Tinto, visto da 1.300.000 spettatori. Il film riceve
una candidatura ai Goya per miglior debutto registico e ne vince una per gli effetti speciali. Nel
febbraio del 2003 presenta il suo secondo lungometraggio: La gran aventura de mortadelo y filemon. Il film vince cinque Goya nel 2004 e viene
visto da 5,500,000 spettatori. Fesser è l’autore
di numerosi progetti per Internet, come la serie
in quattordici capitoli “Javi y Lucy”, presentata in
anteprima nel Dicembre del 2000 e scaricata da
oltre 2,000,000 di internauti. Nel 2005, scrive
e dirige Binta y la gran idea, un cortometraggio
girato in Senegal in collaborazione con l’UNICEF,
vincitore di ottantotto premi internazionali e
candidato agli Oscar nel 2007. Il film affronta l’argomento dell’istruzione femminile e fa parte del
lungometraggio En el mundo a cada rato. Fesser
è inoltre uno degli autori del Notodofilmfest, un
festival diventato punto di riferimento per la comunità del cortometraggio internet e che attualmente è in procinto di organizzare la sua settima
edizione. Nel 2006, Fesser pubblica il breve romanzo “Tres Días en el Valle” e produce Candida,
il primo film come regista del fratello, del quale
firma anche la sceneggiatura. Camino è il terzo
lungometraggio di Fesser, del quale è sceneggiatore, regista, produttore e montatore.
Javier Fesser was born in Madrid in 1964 and
is a graduate of Visual Sciences at Complutense
University of Madrid. He discovered cinematography making films in Super 8 and in 1986 he
founded Línea Films, specializing in commercial
spots, which led him into the world of filmmaking.
In April 1992 he established Películas Pendelton,
jointly with Luis Manso, in order to take on cinematographical projects, his true vocation. The first
two works he wrote and directed, Aquel ritmillo
(1995) and El secdleto de latlompeta (1996),
became the two most awarded Spanish shorts, including the 1995 Goya. At Christmas 1998, his first
feature film was premiered: El milagro de P. Tinto,
viewed by 1,300,000 spectators and winner of
the Goya for Best Visual Effects and nominated for
another for Best New Director. In February 2003
he presented his second feature: La gran aventura
de mortadelo y filemon, which won five Goya
awards in 2004 and was seen by over 5,500,000
spectators. Fesser is the creator of countless pieces
for Internet, such as the 14 chapter series “Javi y
Lucy”, premiered in December 2000 and registering over two million downloads from the net. In
2005, he wrote and directed Binta y la gran idea,
a short film shot is Senegal in collaboration with
UNICEF that has won 88 awards at international
film festivals and was nominated for an OSCAR
in 2007. This film deals with the issue of girls’
education, and forms part of the full-length film En
el mundo a cada rato. Fesser is also one of the authors of Notodofilmfest, a festival that has become
a reference for short films on Internet and which is
currently preparing its seventh edition. In the year
2006, Fesser published his short novel “Tres Días
en el Valle” [Three days in the Valley] and produced
Candida, his brother Guillermo Fesser’s first film,
in which he also co-authors the script. CAMINO is
Fesser’s third feature film, of which he is screenwriter, director, producer and editor.
2008
Camino
2005
La cabina
2004
En el mundo a cada rato
(segment “Binta y la
gran idea”)
2003
La gran aventura de
Mortadelo y Filemón
2001
“Javi y Lucy”
La sorpresita
1998
El milagro de P. Tinto
1995
Aquel ritmillo
El secdleto de la
tlompeta
Nell’anno in cui Taormina accoglie la Francia
come suo Ospite d’Onore, il festival è onorato
di avere in concorso un film firmato da uno dei
più importanti registi francesi. Andé Téchiné, già
ospite al festival nel 2007 per presentare il suo
film sull’allarme HIV, I testimoni, torna con un
altro lavoro dal ritmo serrato, incentrato su un
argomento d’attualità. La fille du RER è basato
sulla storia, realmente accaduta, di una giovane donna che dichiarò di essere stata aggredita
per ragioni antisemite nonostante la violenza
non avvenne mai. Il caso, portato all’attenzione
dei media, venne accolto da un clima di indignazione generale fino a quando non venne a galla
la verità. Téchiné affronta la storia indirettamente collocando la giovane e bugiarda Jeanne, interpretata come una ragazza dallo spirito
libero perennemente sui rollerblade, dall’attrice
francese Emilie Dequenne, all’interno di un contesto sociale dove si incontrano diverse confesdi André Téchiné sioni e background religiosi. Disoccupata, sola
e desiderosa d’affetto, Jeanne vive in periferia
con la madre (questa interpretata con grazia e
delicatezza dalla Deneuve), che nella loro casa
gestisce un asilo nido. La ragazza intrattiene una
breve relazione con un giovane ma, dopo che
questi si ritrova nei guai con la legge, Jeanne,
sprofondata ancora una volta nella solitudine,
lascia che la sua psiche fragile cada preda di una
pericolosa menzogna con serissime conseguenze.
Attorno alla figura di Jeanne, Téchiné costruisce
con maestria un fitto tessuto sociale, all’interno
del quale si muove un influente avvocato ebreo
(Michel Blanc) un tempo innamorato della madre di Jeanne, la sua famiglia e la sua comunità.
La macchina a mano, che si muove con la stessa
velocità dei pattini della protagonista, conferisce
alla pellicola un ritmo giovanile.
La fille du RER
(The Girl on the Train)
La fille du RER
Reg./ Dir.:
André Téchiné
Mont./ Ed.:
Martine Giordano
Scen./ Script:
André Téchiné
Odile Barski
Jean-Marie Besset
Scg./ P.D.:
Michèle Abbe
Fot./ D.o.P.:
Julien Hirsch
54
Cost.:
Khadija Zeggaï
Mus.:
Philippe Sarde
Cast:
Emilie Dequenne
Catherine Deneuve
Michel Blanc
Ronit Elkabetz
Mathieu Demy
Nicolas Duvauchelle.
Prod.:
Saïd Ben Saïd
Distr.:
UGC Distribution
32 av. Charles de Gaulle
92200 Neuilly-sur-Seine
Tél.: 01 46 40 46 89
Fax: 01 46 40 44 48
Francia/ France 2009
105’
In a year when France is Guest of Honor at
Taomina, the festival is honored to have the new
film of a major French director in competition. André Téchiné, who came to Taormina in 2007 to
present his film on the AIDS crisis The Witnesses,
is back with another fast-paced work treating
a very topical subject. The Girl on the Train is
based on the true story of a young woman who
falsely reported herself to be the victim of antiSemitic violence. Her story was picked up by the
media and occasioned a great outcry before the
truth came out. Téchiné’s treatment of the story
is oblique, glancing: he places the lying young
Jeanne, played as a free-spirited rollergirl by actress
Emilie Dequenne, within a wide social context that
criss-crosses religious backgrounds and beliefs.
Jobless, lonely and hungry for love, Jeanne lives on
the outskirts of Paris with her mother (subtly and
gracefully played by Catherine Deneuve), who
runs a daycare center from their home. She has
a brief relationship with a young man who runs
afoul of the law; alone again, her fragile psyche
slips into a hurtful lie that will have far-reaching
consequences. Téchiné masterfully creates a dense
social fabric around Jeanne that includes an influential Jewish lawyer (Michel Blanc) once in love
with her mother and his family and community. The hand-held camerawork, as fast-moving as the
girl’s roller blades, gives the film a youthful rhythm.
AndrE Techine
Nasce a Valence D’Agen, Francia, il 13 marzo
1943. Come gran parte dei cineasti francesi degli
anni Sessanta, inizia la propria carriera come
critico cinematografico della rivista “Cahiers du
Cinema”. Il debutto alla regia avviene nel 1969
con Pauline s’en va. I film successivi - Souvenirs
d’en France (1975) e Barocco (1976) - rappre-
sentano il vero e proprio trampolino di lancio:
nel 1979 alcuni produttori gli affidano, infatti,
la regia di Le sorelle Brontë, che viene presentato al Festival di Cannes e vede Isabelle Adjani
nel ruolo della celebre scrittrice, Emily Brontë.
Dopo Hôtel des Amériques (1981), si cimenta
nelle trasposizioni cinematografiche di opere
teatrali come La Matiouette (1983), un monologo scritto e interpretato da Jacques Nolot. Nel
1985 Rendez-vous vince il premio per la miglior
regia al Festival di Cannes. Nel 1995 Les roseaux
sauvages (titolo ispirato ad una favola di La
Fontaine) vince il César come miglior film, miglior regia e miglior sceneggiatura. Nel 2001 è
presente alla Mostra Internazionale del Cinema
di Venezia con “Loin”.
André Téchiné was born in Valence D’Agen,
France, on March 13, 1943. Like most directors
from the Sixties, he began his career as a film critic
for the “Cahiers du Cinema”. His directorial debut
arrived in 1969 with Pauline s’en va. Success followed with the films Souvenirs d’en France (1975)
and Barocco (1976), thanks to which a group of
producers assigned him the direction of the film
The Brontë Sisters. The film was selected for competition in Cannes and featured Isabelle Adjani
in the role of famous writer, Emily Brontë. After
Hôtel des Amériques (1983) he began to work
on the big screen version of theatre plays such as
La matiouette (1983), based on the monologue
written and performed by Jacques Nolot. In 1985,
Rendez-vous won Best Director at Cannes Film
Festival. In 1994 Les roseaux sauvages (the title
was inspired by a famous tale by La Fontaine) was
awarded a César for Best Film, Best Director and
Best Screenplay. In 2001 he was in Venice with the
feature Loin.
2009
La Fille du RER
2001
Loin
1991
J’embrasse pas
1983
La matiouette
2007
Les temoins
1998
Alice et Martin
1987
Les innocents
1981
Hotel des Amériques
2004
Les temps qui changent
1996
Les voleurs
1986
Le lieu du crime
1979
Les soeurs Brontë
2003
Les égarés
1994
Les roseaux sauvages
1985
Rendez-vous
1976
Barocco
1993
Ma saison préférée
1975
Souvenirs d’en France
Il cinema marocchino non affronta solo malinconiche storie popolari ambientate nel deserto e
l’innovativo e disinibito Casanegra ne è la prova.
Questa sofisticata storia moderna, diretta da
Nour-Eddine Lakhmari, segue le vicende di due
giovani amici per le strade malfamate di Casablanca. Violenza e realismo sociale fanno da sottotesto alla pellicola, senza dimenticare il gergo
volgare delle battute, così crudo da sconvolgere
gli spettatori all’anteprima del Dubai Film Festival. In Marocco è scandalo quando viene distribuito senza alcuna censura. Ma, proprio come
attestato da Lakhmari, il film riprende accuratamente il modo di parlare e agire del Marocco
metropolitano.
Adil e Karim sono due giovani spacconi che si
aggirano per le strade, uno sognando di trasferirsi in Svezia, l’altro irrimediabilmente ossessionato dalla figura di un’elegante donna della
borghesia. I due giovani protagonisti, Anas Elbaz
di Nour-Eddine Lakhmari e Omar Lotfi, danno vita a questa amicizia fatta
di speranza e disperazione attraverso un’interpretazione che colpisce per la propria credibilità.
La regia elegante e le musiche dell’americano
Richard Horowitz evocano atmosfere moderne e
inquietanti.
Deborah Young
Casanegra
Moroccan films are not all-melancholy folklore
tales set in the desert, as the rule breaking, unbuttoned Casanegra attests. Nour-Eddine Lakhmari’s
utterly modern, worldly story follows two young
friends on the make through Casablanca’s mean
streets. The film has an underlying social realism
and violence, not to mention the dialogue’s vulgar
slang, that shocked audiences when it premiered
at the Dubai Film Festival. It caused a scandal
when it was released, without any censorship,
Casanegra
Reg./ Dir.:
Nour Eddine Lakhmari
Scg./ P.D.:
Badria Soud Elhassani
Scen./ Script:
Nour Eddine Lakhmari
Cost.:
Amina Hamada
Fot./ D.o.P.:
Luca Coassin
Mus.:
Richard Horowitz
Mont./ Ed.:
Sarah Motaa
56
Cast:
Anas Elbaz
Omar Lotfi
Mohamed Benbrahim
Ghita Tazi
Driss Roukhe
Hassan Essakali
Raouia
Haitham Idrissi.
Prod.:
Ali Kettani / Dino Sebti
+212 (0) 522 36 86 87
Marocco/ Morocco 2008
110’
in Morocco. Yet as Lakhmari states, the film accurately reflects the way people really talk and act
in urban Morocco. Adil and Karim are two young
hustlers who prowl the streets, one dreaming of
living in Sweden, the other hopelessly fixated on
an elegant upper class woman. This portrait of
friendship, hope and despair is brought to life by
remarkably strong performances of Anas Elbaz and
Omar Lotfi in the leading roles; its fine camerawork and music by American composer Richard
Horowitz create a disturbing modern atmosphere.
Deborah Young
Nour-Eddine Lakhmari
Nour-Eddine Lakhmari nasce a Safi, Marocco, nel
1964 e si trasferisce in Francia per studiare farmacologia. In seguito accantona gli studi per dedicarsi alla sua passione: il Cinema. Il suo primo
cortometraggio, realizzato on location ad Oslo,
diventa il suo lasciapassare per la Oslo Cinema
Academy. Con i suoi cortometraggi il regista vince diversi premi e riconoscimenti. Il suo primo
lungometraggio, Le regard, viene distribuito nel
2005 incontrando il favore della critica sia in Marocco sia in Scandinavia.
Born in Safi, Morocco, in 1964, Nour-Eddine
Lakhmari moved to France to study Pharmacy but
quickly changed path in order to commit to his
passion: Cinema.
His first short films shot in Oslo earned him admission to The Oslo Cinema Academy. His shorts have
won several awards.
His first feature film Le regard was released in
2005 to wide critical acclaim in Morocco and
Scandinavia.
2008
Casanegra
2005
Le regard 1996
Uten ski på beina
Schmuel Beru, regista e sceneggiatore di Zrubavel, il primo lungometraggio prodotto in Israele
sulla comunità di etiopi ebrei al quale l’autore
appartiene, non ha mai studiato né regia, né sceneggiatura. Beru aveva semplicemente qualcosa
da dire e lo ha fatto con convincente semplicità.
Tra i tanti personaggi memorabili del film, spicca
quello di Yitzhak, un ragazzino la cui madre vuole che diventi un rabbino e il padre un calciatore,
ma il cui sogno è quello di “fare il cinema”. Non
è difficile pensare a questo personaggio come ad
una controfigura di Beru, una sorta di testimone
oggettivo alle tragedie che man mano prendono corpo durante il corso della storia. La sua
famiglia allargata comprende anche un anziano padre impiegato come netturbino; l’uomo,
un tempo figura illustre del suo paese, si rifiuta
di rinunciare alla propria dignità. Tenacemente
attaccato alla speranza di un futuro migliore per
i suoi figli, è amareggiato dalle cattive amicizie
di Shmuel Beru di uno di loro e dalla gravidanza extraconiugale
di un’altra. In questa grande ma unita famiglia, è
solo la giovane generazione a parlare ebraico; gli
anziani al contrario conoscono solo l’aramaico.
Tutti avvertono le pressioni derivanti dall’integrazione nella cultura israeliana, pressioni che
vengono ulteriormente alimentate dal pregiudizio dilagante nei confronti delle loro origini
africane. Nel complesso, il film è un interessante
spaccato sulla vita di una comunità poco conosciuta, ritratto che Beru restituisce con amore
ed ironia. Il film viene presentato in anteprima
internazionale a Taormina.
Deborah Young
Zrubavel
Schmuel Beru had no experience with filmmaking or script-writing when he decided to make
Zrubavel, Israel’s first first feature-length film about
Zrubavel
Reg./ Dir.:
Shmuel Beru
Scg./ P.D.:
Omer Nissim
Scen./ Script:
Shmuel Beru
Cost.:
Tassi Ashto
Fot./ D.o.P.:
Gennady Kuchuk
Mus.:
Abathe Berihun
Esther Rada
Mont./ Ed.:
Reut Han
Eyal Orbach
58
Cast:
Meir Desai
Avinu Beru
Esther Rada
Tamar Imla
Daniel Beru
Prod.:
Transfax Film
Production Ltd.
3 Yagiya Kapayim Street
Tel Aviv 67778
Israel
Tel: +972-3-687-1202
Fax: +972-3-687-1499
[email protected]
Distr.:
Transfax Film
Production Ltd.
Israele/ Israel 2008
72’
the community of Ethiopian Jews to which the
director belongs. Beru simply had something to
say, and he says it simply and convincingly. Of
the film’s many memorable characters, Yitzhak
is a young boy whose mother wants him to be a
rabbi, his father a soccer player, but his dream is to
make movies. One can imagine him as a stand-in
for Beru himself, a kind of objective witness to the
dramas that unfold in the course of the film. His
extended family includes a proud, aging father
who was a great man back in Ethiopia and now
works as a street cleaner, refusing to surrender
his dignity. He insists on a better future for his
children, and is bitter when one hangs out with
“riffraff” and another gets pregnant without being
married. In this large, close-knit family, only the
young generation speaks Hebrew; the elders continue to talk in their native Amharic. All are hard
pressed to become assimilated into Israeli culture,
thanks also to the widespread prejudice against
them for their African origins. All in all, this is a
fascinating snapshot of a little-known community,
made with humor and love. The film is making its
international premiere in Taormina.
Deborah Young
Shmuel Beru
Shmuel Beru è il primo regista etiope d’Israele.
Nel 1984, all’età di otto anni, giunge in Israele attraversando a piedi il deserto sudanese. La
traversata rientra nell’Operazione Mosè, progetto sponsorizzato dalla United Jewish Appeal.
Una volta in Israele la sua famiglia si stabilisce
nell’antica città di Safad, dove Shmuel cresce.
Beru entra a far parte del Corpo d’Intrattenimento dell’Esercito Israeliano, all’interno del quale
presta servizio in qualità di attore. In seguito
consegue una Laurea in Teatro e Scienze Politi-
che presso l’Università di Haifa. Shmuel non ha
mai studiato cinema. Come attore, partecipa a
diverse produzioni televisive israeliane, e figura
nel cast di numerosi allestimenti del Habimah
National Theater, tra questi ricordiamo “Qualcuno volò sul nido del cuculo”, “Giulio Cesare”
e “The Word of the Ethiopian”. Con Zrubavel
debutta sia come sceneggiatore sia come regista. Zrubavel è inoltre il primo film prodotto in
Israele ad avere un cast interamente etiope e
una troupe composta per la maggior parte da
elementi etiopi.
Shmuel Beru is Israel’s first Ethiopian film director.
In 1984, at the age of eight, Beru walked across the
Sudanese desert to immigrate to Israel as part of the
United Jewish Appeal-sponsored Operation Moses.
Upon arrival, his family settled in the ancient city
of Safed where he also grew up. Beru served as an
actor in the Israel Defense Forces Entertainment
Corps and then went on to earn his bachelor’s
degree in Theatre and Political Science from the
University of Haifa. He has never studied cinema.
Shmuel Beru has acted on Israeli television, and
most notably, he has participated in numerous
performances at the Habimah National Theater,
including “One Flew over the Cuckoo’s Nest”,
“Julius Caesar”, and “The Word of the Ethiopian.”
Zrubavel is his screenwriting and directorial debut.
Zrubavel is also Israel’s first film to have an all Ethiopian cast and majority Ethiopian crew.
2008
Zrubavel
Manifesto dell’assertività femminile di contro a
un background socio-politico di certo non incoraggiante - attitudine non nuova nel veterano
del miglior cinema egiziano Magdy Ahmed Ali -,
Fawzya dispiega scenari e figure muliebri da immaginario felliniano, mettendoci istantaneamente di buon umore nel suo suggerire come affrontare con ineffabile positività la pochezza di mezzi
e di pensiero per metterla K.O. con una risata.
Il film si apre con una gustosa sequela di consorti
prescelti dalla gloriosa protagonista menzionata
nel titolo, eletti tra tutti gli altri pretendenti e disposti a soccombere gioiosamente alla sua forza
di carattere pur di prender posto alla sua tavola e
nel suo talamo con ritmi e levità volutamente da
soap-opera, capace di trasformare in occasione di
incontro persino i funerali dei precedenti mariti.
La tragedia incombe, ma Fawzya la smaltisce
festosamente portandola in tavola e banchettandovi con squisito, ottimistico appetito per la
di Magdy Ahmed Aly vita insieme alle persone che godono, a dispetto di tutto, del suo amore inesauribile. Il quale
si esprime straripante e si riversa nella ricchezza delle sue ricette, nei colori seducenti del suo
abbigliamento e make-up, nei canti languidi,
spillando carica erotica al di là del rigore censorio
connaturato alle culture islamiche. E difatti una
nota a parte meritano le generose performance – e misure – della star egizia Ilham Shaheen,
meritatamente premiata quale miglior attrice
all’ultimo festival di Abu Dhabi. Una festa per gli
occhi e per il cuore, dunque. Ma, appena oltre la
briosa leggerezza del film e degli stili di vita che
ritrae, occhieggia la denuncia velata di un autore
severo, il quale non perde occasione per puntare
il dito sulle manchevolezze di un sistema che nella realtà lascia poco spazio a facili entusiasmi. Maria Rosaria Cerino
Khaltet Fawzia
(Fawzya Special Blend)
Khaltet Fawzia
Reg./ Dir.:
Magdy Ahmed Aly
Scg./ P.D.:
Khaled Amin
Scen./ Script:
Hanaa Ateya
Cost.:
Dalia Mahmoud
Fot./ D.o.P.:
Nancy Abdel Fattah
Mus.:
Rageh Dawood
Mont./ Ed.:
Ahmed Dawood
60
Cast:
Ilham Shahin
Fathi Abdel Wahab
Ezzat Abou Ouf
Nagwa Fouad
Prod.:
Shahin Film
Egitto/ Egypt 2008
110’
A manifesto of feminine assertiveness set against
a discouraging social and political background
– a well known trademark of veteran director
Magdy Ahmed Ali whose films no doubt find a
place among the best of Egyptian cinema- Fawzya
deploys settings and womanly figures worthy of
Fellini’s imagery thus immediately cheering up
its audience by suggesting the use of an ineffable positivity against the poverty of thought and
means and the fatal power of laugh on them.
The film opens with a luscious sequence of consorts chosen by the glorious protagonist mentioned
in the title. Picked out from a group of suitors,
these men are willing to joyously succumb to the
woman’s exuberance just to get a chance to sit at
her table and be welcomed into her marriage bed.
The rhythm and levity deliberately echo those of a
soap opera, thus transforming into a social gathering even the funerals of Fawzya’s former husbands.
Despite the incumbent tragedy, Fawzya metabolises it by taking it to her table and banqueting with
exquisite, optimistic hunger for life in the company of the people who, regardless of everything,
enjoy her inexhaustible love. An overflowing love
which permeates the richness of her recipes, the
seducing colours of her attire and make-up, the
languid chants, and spills erotic charge beyond the
censorious rigour of Islamic cultures.
A special mention goes to the generous performance – and measurements- of Egyptian star
Ilham Shaheen, who has been the recipient, and
deservedly too, of the award for Best Actress and
the last Abu Dhabi Film Festival.
This film is a true feast for the eyes and the heart.
But, beyond its sparkling lightness and that of the
lifestyles it portrays, lies the veiled accusation of a
rigorous author, who doesn’t waste the chance to
point the finger at all the defects of a system which
in the real world leaves very little space for any
form of enthusiasm.
Magdi Ahmad Ali
Magdi Ahmad Ali nasce in Egitto nel 1952. Nel
1981 si diploma presso l’Istituto Superiore di Cinematografia de Il Cairo. La Chute (1981), Récit
des temps heureux (1992), The Seven Days of
Mankind (1995) sono solo alcuni dei documentari da lui diretti. Ali firma inoltre la sceneggiatura
del film di Tarek al-Telmessani, Rire, Jeu, Serieux
et Amour (1992) e dirige due lungometraggi:
The Life, my Passion (1995) e The Heroes (1998).
Magdi Ahmad Ali was born in Egypt in 1952. In
1981 graduated from Cairo’s Higher Institute of
Cinema. La Chute (1981), Récit des temps heureux (1992), The Seven Days of Mankind (1995)
are some of the documentaries he has directed.
He also wrote the script to Tarek al-Telmessani’s
film, Rire, Jeu, Serieux et Amour(1992) and
directed two features: The Life, my Passion (1995)
and The Heroes (1998).
2008
Fawzya Special Blend
1998
The Heroes
1995
The Life, my Passion
The Seven Days of
Mankind
1992
Récit des temps heureux
1981
La Chute
questa volta non sia assoggettata
AL-Layl Al-Taweel nonostante
a dichiarazioni pre-redatte dalle autorità da firo compromessi di sorta. Con lui, altri due
(The Long Night) mare
compagni vengono convocati per avviare le pra-
di Hatem Ali tiche della liberazione. Man mano che vengono
La “lunga notte” che dà il titolo all’ultimo lavoro
del siriano Hatem Ali è la metafora del lungo
periodo di reclusione imposto a numerosi cittadini siriani, per ragioni politiche, che per alcuni
finalmente giunge a conclusione. Sono gli anni
novanta e il governo ha vagamente allentato la
repressione nei confronti dei dissidenti politici a
seguito delle sollecitazioni del mondo occidentale, come fuori annunciano i media. In cella, la
vita degli uomini che hanno osato comportarsi
da “infedeli” al regime si è svolta per anni entro
spazi esigui destinati alla condivisione, dove talvolta capita ancora di parlare della vita politica
e culturale del paese, sebbene con voce mesta.
L’anziano del gruppo, Karim / “Abu Nidal”, stimato esempio di coraggio e coscienza politica, giace apaticamente faccia al muro e non gioisce
ormai nemmeno dell’imminente scarcerazione,
sbarbati, ripuliti, rivestiti dei loro abiti i detenuti
riacquistano la loro dignità di uomini - forse di
intellettuali – e si preparano a intraprendere il
cammino verso le proprie case, o meglio verso
ciò che resta delle abitazioni non alienate o non
passate in possesso dei familiari, poco speranzosi in un ritorno che è metafora di un cambiamento che non era ammissibile considerare. Uno
sguardo finale alle pareti ammuffite, alle brande
affastellate in pochi metri quadri, alla fontana
gocciolante, prima di salutare con un ultimo abbraccio commosso l’unico compagno destinato
a restare, più giovane e ancora combattivo. Poi,
la strada. Poi, lo smarrimento al contatto con la
ritrovata società degli uomini, alla vista della varietà delle mercanzie nelle strade, delle cose normali a cui presumibilmente non si aveva accesso
da anni. Infine, forse, il ricongiungimento coi
familiari, che intanto hanno dovuto sopravvivere
all’assenza dei capifamiglia e di cui hanno pagato
l’ardore politico con l’emarginazione, il degradamento, l’esilio.
The “long night” featured in the title of Syrian
director Hatem Ali’s latest film is the metaphor
for the long period of political imprisonment
imposed on numerous Syrian citizens and of how
for some it is finally coming to an end. We are in
the nineties and, following the repeated appeals
coming from the western world, the government
seems to have slightly loosened its grip on political
dissidents, as announced by the medias outside.
AL-Layl Al-Taweel
Reg./ Dir.:
Hatem Ali
Scg./ P.D.:
Taha Al Zua’bi
Scen./ Script:
Haitham Hakki
Mus.:
Kinan Abo Afash
Fot./ D.o.P.:
Mohamed Mgrawi
Mont./ Ed.:
Raoof Zaza
62
Cast:
Khaled Taja
Amal Arafeh
Basel Khayat
Aniseh Dawood
Salim Sabri
Rafiq Sbea’y
Najah Safkoni
Zohear Abed Alkareem
Duha Aldibis.
Prod.:
Reel Film- Haitham
Hakki
Siria/ Syria 2009
93’
For years, those who have had the courage to
oppose the authorities and have consequently
been labelled as “unfaithful” have spent their life
within the confined common spaces of their cells.
Here they have discussed, from time to time and
in a hushed tone, about the cultural and political
situation of their country. The group’s elder, Karim/
“Abu Nidal”, a well-respected example of courage
and political integrity, lies apathetically his face to
the wall, unmoved by the news of his imminent release, even though he is no longer forced to sign a
declaration pre-filled by the authorities or comply
with some compromise. Karim and two other inmates are summoned to get ready for their release.
We watch them, as they wash, groom and dress,
regain their dignity as men – maybe intellectualsand prepare for their return home, better still, to
what is left of their homes and possessions, after
the passage of their disillusioned relatives. Their
return becomes the metaphor for a change, which
till then had been unthinkable. A final glance goes
to the damp walls, the beds crammed into a few
squared metres, the leaking tap, before bidding
goodbye with a last hug to the young and feistier
friend who has been denied his freedom. Then the
streets. Followed by a sense of bewilderment for
the newfound society of men, the variety of goods
on sale in the streets, all the normal aspects of life
they have been deprived of for years. And last,
maybe, the reunion with their families, who in the
mean time have had to survive in their absence,
who have had to pay for their patriarch’s political
ardour with ostracism, degradation and exile.
Hatem Ali
Hatem Ali nasce nel 1962. Studia teatro e pubblica due antologie di racconti e una di testi teatra-
li. Insegna recitazione presso la Damascus Higher
Institute of Drama e supervisiona i progetti di
diploma dei suoi studenti. Scrive diverse sceneggiature per il grande e piccolo schermo e cura la
regia di altrettante serie televisive di successo
come “Az-Zir Salem”, “The Triplett of Andalucía”
(Thoulathiat Al Andalus), “Saladin” (Salahuddine), “The Palestinian Displacement” (At-taghriba Al Philistinia), e “King Farouq” (Al Malek
Farouq). Nel 2007, Hatem Ali dirige “Shaghaf”,
un cortometraggio prodotto dal Syrian General
Establishment of Cinema. Poi, nel 2009, il suo
secondo lungometraggio, Selena, viene distribuito nelle sale. Il suo primo lungometraggio, ALLayl Al-Taweel (The Long Night), non riceve una
distribuzione immediata, da qui la proiezione in
anteprima al Rotterdam Film Festival nel 2009.
Hatem Ali was born in 1962; he studied theatre
and published two collections of short stories, and
a collection of stage plays. A li taught acting at
Damascus Higher Institute of Drama and supervised students’ graduation projects. He has written
a number of teleplays for TV series and films and
directed several TV hit and award-winning series.
Among them: “Az-Zir Salem”, “The Triplett of
Andalucía” (Thoulathiat Al Andalus), “Saladin”
(Salahuddine), “The Palestinian Displacement”
(At-taghriba Al Philistinia), and “King Farouq” (Al
Malek Farouq). In 2007, Hatem Ali directed “Passion” (Shaghaf), a short film that was produced by
the Syrian General Establishment of Cinema. Then,
in 2009, his second feature film Selena underwent
theatrical release. Ali’s first feature film The Long
Night (AL-Layl Al-Taweel) was not immediately
screened, hence the opening at the Rotterdam
Film Festival 2009.
2009
Al-Layl Al-Taweel
Selena
2007
Shaghaf
Cosa spinge l’anziano fiorista Zemeli (Carlo Cantore) a trascorrere tutto quel tempo davanti al
televisore, a guardare servizi giornalistici sull’uccisione di ex-nazisti nascostisi in Sud America?
Chi sono le persone in quella videocassetta arrivata dall’Israele che sembra attirare tanto il suo
interesse? L’uomo è una vittima, un carnefice
o forse entrambe le cose? Con Giallo? Antonio
Capuano abbandona temporaneamente le storie
dalla forte carica immaginativa ambientate nella
sua natia Napoli, come Pianese Nunzio: 14 anni
a maggio, e opta per una vicenda dai toni austeri
ambientata nel nord d’Italia e popolata da personaggi dall’esistenza chiusa e quasi impenetrabile.
Zemeli, uno scapolo attempato e meticoloso,
conduce una vita scandita da cene consumate
davanti al televisore e le commissioni che giungono al suo negozio di fioraio. Il giallo irrompe
quando si scopre protagonista delle immagini
violente e spettrali che scorrono sullo schermo
di Antonio Capuano del suo televisore. Capuano e il direttore della
fotografia Luca Bigazzi utilizzano con sapienza
gli elementi del noir e, creando un equilibrio tra
ironia e pericolo, danno vita ad un’atmosfera di
suspense che avvolge questo uomo normale fino
all’ambiguo finale del film. Questo nuovo film
italiano viene presentato a Taormina in anteprima mondiale.
Deborah Young
Giallo?
(Mystery?)
Why does the elderly florist Zemeli (Carlo
Cantore) spend so much time watching TV news
reports about the murder of former Nazis in hiding
in South America? Who are the people in the
videotape from Israel that he’s so fond of playing? Is he a victim, a murderer, both? In Mystery?
director Antonio Capuano sets aside the strongly
imagined stories set in his native Naples, such as
Giallo?
Reg./ Dir.:
Antonio Capuano
Scen./ Script:
Antonio Capuano
Fot./ D.o.P.:
Antonio Capuano
Luca Bigazzi
Sandro Saulini
64
Mont./ Ed.:
Giogiò Franchini
Scg./ P.D.:
Flaviano Barbarisi
Cost.:
Francesca Balzano
Mus.:
Giuseppe Sasso
Cast:
Carlo Cantore
Teresa Cerciello
Alberto Ricci Hoiss
Francesco Olivero
Claudio Paracchinetto
Marco Carena
Amedeo Ambrosino
Lorenzo Ragazzini Regis
Raffaella Pontarelli
Stefania Silvestrini
Stefano Moffa
Sergio Panariello
Elias Zoccoli
Cristina Giorgetti
Adelaide Davino
Paolo Belletrutti
Pasquale Gentile
Barbara Bouchet.
Prod.: Fabio Galadini
ACT MULTIMEDIA
Accademia del Cinema
e della Televisione, Via
Tuscolana 1055, 00173
Roma, Palazzina, 59,
tel 06-72902504/ 0672970938/ 06-72293735
Italia/ Italy 2009
93’
Pianese Nunzio: Fourteen in May, for an austere
tale set in a gray city in northern Italy and characters who lead closed, almost impenetrable lives.
Zemeli, a fastidious elderly bachelor, divides his
existence between TV dinners and taking orders
in his flower shop. The mystery begins when he
starts to see himself on television in ghostly, violent
images. Ably incorporating elements of film noir,
and balancing the film between danger and irony,
Capuano and cinematographer Luca Bigazzi
create an atmosphere of suspense that hovers
over this ordinary man all the way to the film’s ambiguous conclusion. This new Italian film is being
screened in Taormina as a world premiere.
Deborah Young
Antonio Capuano
Antonio Capuano (Napoli, 1940) è un regista,
scenografo e pittore italiano. È anche autore, televisivo e cinematografico e titolare della cattedra di Scenografia all’Accademia delle Belle Arti
di Napoli. Dopo una lunga gavetta in televisione
come scenografo (tra le altre cose, la serie televisiva “Sheridan, squadra omicidi”), ha esordito nel
mondo del cinema nel 1991 con il lungometraggio Vito e gli altri, un film sulla difficile vita dei
bambini di strada a Napoli.
Ma il successo arriva nel 1996 con il film Pianese
Nunzio, 14 anni a maggio che vince il David di
Donatello nel 1997. Il film narra la storia di un
giovane chierichetto molestato dal parroco della
sua chiesa. Nonostante i forti temi trattati, il film
lo fa in maniera molto toccante tanto da ricevere forte apprezzamento da pubblico e critica.
Successivamente dirige altri film come Polvere
di Napoli (1998) e Luna Rossa (2001). Un altro
film di successo è La guerra di Mario (2005), che
vince anch’esso il David di Donatello. Capuano
inoltre ha diretto dei segmenti nei film collettivi L’unico paese al mondo (1994) e I Vesuviani
(1997).
Director, production designer and Italian painter
Antonio Capuano was born in Naples in 1940. He
has also worked as a writer for both the big and
small screen and is presently chair of production
design at the Naples College of Art. Following a
long rise through the ranks of the television industry as a production designer (including a job on
the series “Sheridan, squadra omicidi”) he stepped
behind the camera for his directorial debut in
1991 for the feature Vito and the Others, a story
on the struggling lives of street kids in Naples.
He shot to fame in 1996 with Pianese Nunzio,
Fourteen in May, which won the David di Donatello in 1997. The film told the story of a young
altar boy molested by his parish priest. Despite the
film’s strong topic, Capuano dealt with the story
touchingly, earning the approval of both the public
and the critic. He then went on to direct Polvere
di Napoli (1998) and Red Moon (2001.) Another
successful feature was Mario’s War (2005), which
won the David di Donatello. Capuano has also
directed segments in the films L’unico paese al
mondo (1994) and The Vesuvians (1997.)
2009
L’amore buio
2001
Luna Rossa
2008
Giallo?
1998
Polvere di Napoli
2005
La guerra di Mario
1997
I Vesuviani (episodio/
fragment Sofialòren)
1996
Pianese Nunzio,14 anni
a maggio
1994
L’unico paese al mondo
1991
Vito e gli altri (1991)
Oltre il Mediterraneo
Beyond the Mediterranean
Corso - the last beat
Gustave Reininger
Sin Nombre
Cary Fukunaga
In jeder sekunde (At any second)
Jan Fehse
Penalty (The penalty)
Ensieh Shah Husseini
No meu lugar (Eye of the storm)
Edouardo Valente
Welcome to sajjanpur
Shyam Benegal
Sonyeon eun Woolji-anneunda
(Once upon a time in seoul)
Hyung-Joon Bae
Kelin
Ermek Tursunov
qui che inizia a leggere. Entra poi a Harvard
Corso - l’ultimo beat prio
e, al Village, conosce Allen Ginsberg, entrando a
parte del fenomeno Beat. Reininger riesce a
(Corso - The last beat) far
cogliere lo spirito libero di questo straordinario
completo da 50$ e mandato in prigione. È pro-
di Gustave Reininger
L’influenza duratura del poeta Gregory Corso sulla poesia americana assume i contorni di
una narrazione umoristicamente drammatica
nell’eccezionale documentario di Gus Reininger, Corso – L’ultimo beat. L’intenso narratore
Ethan Hawke ci guida attraverso l’odissea finale
di Gregory Corso, il più eccentrico dei “Beat”, un
circolo di poeti e scrittori che tra i suoi membri annovera la presenza di Jack Kerouac, Allen
Ginsberg e William Burroughs. Negli Stati Uniti
imperversa la grande depressione quando Corso,
ancora bambino, viene abbandonato dalla madre
italiana. Cresce in affidamento e tra le strade di
Little Italy e quelle del Greenwich Village. All’età
di diciassette anni, è arrestato per il furto di un
poeta americano mentre da Parigi viaggia verso
Venezia e da Roma verso l’Acropoli, in cerca della
sua Musa creativa. Il film fa una scoperta sorprendente che fa tremare le fondamenta dell’ultimo periodo di vita del poeta. Il film è inoltre
un’esplosione di immagini ritrovate, la celebrazione di una poesia come quella di “Bomb”, scritta nel 1958, e dell’inquietante “Sea Chanty”. Tra
le tante facce conosciute presenti nel documentario, c’è anche quella del collega poeta, Allen
Ginsberg, e della cantante-poetessa, Patti Smith.
Deborah Young
The lasting influence of poet Gregory Corso on
American poetry becomes a humorously dramatic
narrative in director Gus Reininger’s exceptional
documentary, Corso – The Last Beat. Passionate narrator Ethan Hawke takes us on the final
odyssey of Gregory Corso, the most colorful of the
inner circle of “The Beats,” poets and writers who
included Jack Kerouac, Allen Ginsberg and William
Burroughs. During the Depression, the infant
Corso was abandoned by his Italian mother. He
grew up in foster homes and on the streets of New
York’s Little Italy and Greenwich Village. At 17, he
was arrested for stealing a $50 suit and thrown
into prison, where he read books. Eventually he
ended up at Harvard and met Allen Ginsberg in
the Village, becoming a part of The Beats’s big
bang. Reininger succeeds in capturing the free
spirit of this extraordinary American poet as he
travels from Paris to Venice, Rome to the Acropolis,
in search of his creative Muse. And incredibly,
Corso - The last beat
Reg./ Dir.:
Gustave Reininger
Mus.:
Stephen Edwards
Scen./ Script:
Gustave Reininger
Cast: Gregory Corso
Allen Ginsberg
William S. Burroughs
Ethan Hawke
Patti Smith
Lawrence Ferlinghetti
Agnès B.
Amiri Baraka
Fot./ D.o.P.:
Harry Dawson
Richard Rutkowski
Mont./ Ed.:
Damien LeVeck
68
Prod.:
Gustave Reininger
Arkwright Ventures,
Tel. 001 310 880 3237
E-mail: gus.reininger@
gmail.com
90’
the filmmaker makes a discovery that shakes the
very foundations of Corso’s later life. The film is an
explosion of found images, a celebration of poetry
like “Bomb”, written in 1958, and the haunting
“Sea Chanty.” Among the many familiar faces that
appear in the film is Corso’s fellow poet, Allen
Ginsberg, and singer-poet Patti Smith.
Deborah Young
Gustave Reininger
Gustave Reininger è l’autore della celebre serie
TV della NBC (e del lungometraggio) “Crime
Story”. Lavorando con Michael Mann, Reininger
mette a punto il dramma in costume anni sessanta sulla mafia di Chicago e la sua conquista di Las
Vegas. La serie lancia le carriere di Dennis Farina
e David Caruso e comprende anche altri nomi
illustri del calibro di Julia Roberts, Madonna,
Dennis Haysbert, Gary Sinise, Miles Davis, Dexter
Gordon, Stanley Tucci e Kevin Spacey.
Il percorso professionale di Gustave Reininger
inizia nel campo degli investimenti bancari internazionali per J.P. Morgan. Mentre vive a Parigi,
Reininger scrive e co-produce il thriller in lingua
francese interpretato da Dennis Hopper, L’Ordre
et la Securitè du Monde. Ritornato negli Stati
Uniti, Reininger partecipa in veste di contributore
alla produzione di “Miami Vice” e “Robbery Homicide Division” di Michael Mann. Come scrittore
e co-produttore lavora con registi come Sydney
Pollack, Michael Apted, Penny Marshall, Paul
Verhoeven e altri importanti film-maker.
Corso – L’ultimo beat, un documentario longitudinale la cui produzione è durata un decennio, segna il suo debutto alla regia. Attualmente
Reininger è impegnato insieme all’Archivescovo
Desmond Tutu, Thich Nhat Hanh, il Dalai Lama,
Deepak Chopra e Sr. Helen Prejean nella chiusura
del lungometraggio di cui è il co-autore e coregista, The Big Question. Tra i suoi impegni cinematografici e televisivi, figura inoltre un progetto
per la drammatizzazione di Corso – The Last
Beat e il thriller politico sull’invasione americana
nella Baia dei Porci, Promises to Keep. Gustave
Reininger, nato nel Kentucky, ha studiato presso
i Gesuiti e si è laureato all’Università di Chicago.
Dopo aver vissuto brevemente a Parigi e Londra,
oggi vive a Los Angeles con le sue tre figlie Olivia,
Isabel e Haven.
Gustave Reininger is the creator of the hit NBC
TV drama series (and feature film), “Crime Story.”
Working with Michael Mann, Reininger crafted the
1960’s period drama of the Chicago Mob and how
they took Las Vegas. It discovered Dennis Farina
and David Caruso and featured other prominent
artists such as Julia Roberts, Madonna, Dennis
Haysbert, Gary Sinise, Miles Davis, Dexter Gordon,
Stanley Tucci and Kevin Spacey. Mr. Reininger’s
professional life began in international investment
banking for J.P. Morgan. While living in Paris, Reininger wrote and co-produced a French language
thriller starring Dennis Hopper, L’Ordre et la Securité du Monde. Returning to America, Reininger
was a contributor to Michael Mann’s “Miami Vice”
and “Robbery Homicide Division.” He has written
for and co-produced with directors Sydney Pollack,
Michael Apted, Penny Marshall, Paul Verhoeven
and other notable filmmakers. Corso – The Last
Beat, a longitudinal, ten-year feature documentary, is Reininger’s feature debut. With Archbishop
Desmond Tutu, Thich Nhat Hanh, the Dalai Lama,
Deepak Chopra and Sr. Helen Prejean, Reininger is
finishing commitments to a feature, The Big Question, which he co-wrote and co-directed. Reininger
is preparing a dramatic version of Corso-The Last
Beat along with his other dramatic film and television commitments, including “Promises to Keep” a
political thriller on the U.S. invasion of Cuba at the
Bay of Pigs. Gustave Reininger was born in Kentucky, was schooled by Jesuits, and graduated from
University of Chicago. After stints of living in Paris
and London, he now resides in Los Angeles with his
three children Olivia, Isabel and Haven.
2010
The Big Question
2009
Corso: The Last Beat
ciante sistema che specula biecamente sui treni
della speranza in seguito all’atteso ricongiungimento al padre speranzoso di espatriare; il coprotagonista Casper (l’altrettanto giovane Edgar
Flores), custode del dodicenne Smiley (Krystian
Ferrer) e leale difensore delle vite di entrambi, ci
si ritroverà imprigionato per aver osato sfidare il
brutale leader Lil’ Mago (Tenoch Huerta Mejia).
Colui che inseguirà caparbiamente fino alla fine
la sua personale vendetta - per non vedere minato il proprio status di capozona - porta tatuato
addosso e persino sul volto i codici della gang
di appartenenza, che recluta, addestra e induce
piccoli gangster ancora in età prepuberale a non
farsi scrupolo di sparare a vista sui “traditori”,
che siano nuovi nemici o fraterni amici – spacciando per onore la disponibilità a sacrificare al
branco ogni cosa umana.
La sapienza della macchina da presa, combinata
alle musiche adrenaliniche, produce immagini vidi Cary Fukunaga branti che rapiscono lo spettatore per portarlo in
Con Sin Nombre, Gael Garcia Bernal e Diego
cima al treno in fuga, facendogli ricordare il perLuna si confermano co-produttori alquanto lunché degli applausi a film come City of God.
gimiranti nell’investire in un’opera prima che
non ha tardato ad ottenere consenso internazionale e premi significativi all’ultimo Sundance
With Sin Nombre Gael Garcia Bernal and Diego
(miglior regia a Cary Fukunaga e miglior fotoLuna give proof of their far-sightedness as producgrafia a Adriano Goldman).
ers, by investing on a debut feature which quickly
Il giovane Fukunaga, già talentuoso direttore
earned international consensus and significant
della fotografia, scrive e dirige il suo primo film
awards at the latest edition of the Sundance Film
con padronanza, distillando da un cast di sconoFestival (Best Director to Cary Fukunaga and Best
sciuti una più che realistica interpretazione di un
Cinematography to Adriano Goldman.)
gruppetto di desesperados centramericani alle
Young Fukunaga, already a talented cinematogprese col sempiterno tentativo di “nortear”, ossia
rapher, masterly wrote and directed his debut
di riuscire a varcare il confine che separa dalla
feature, distilling from a cast of unknowns a more
terra promessa statunitense, possibilmente senza
than credible portrayal of a group of Meso-Ameririmetterci la vita. La teenager honduregna Sayra
can desesperados struggling with the never-ending
(Paulina Gaitan) si ritrova vittima dell’agghiacproblem of overtaking the boundary which
Sin Nombre
(Without Name)
Sin Nombre
Reg./ Dir.:
Cary Joji Fukunaga
Scen./ Script:
Cary Joji Fukunaga
Fot./ D.o.P.:
Adriano Goldman
Mont./ Ed.:
Craig McKay
Luis Carballar
70
Scg./ P.D.:
Claudio “Pache”
Contreras
Cost.:
Leticia Palacios
Mus.:
Marcelo Zarvos
Cast:
Paulina Gaitan
Edgar Flores
Kristyan Ferrer
Tenoch Huerta Mejía
Diana García
Luis Fernando PeÑa
Héctor Jiménez
Prod.:
Canana Films, Creando
Films, Primary
Productions
Distr.:
Focus Features
International
Messico-Stati Uniti/
Mexico-U.S.A. 2009
96’
separates them from the States’ land of promise,
possibly without losing their lives in the process.
Honduran teenager Sayra (paulina Gaitan) discovers herself the victim of a ruthless system, which
grimly speculates on the trains of hope following
the much-awaited reunion with a father eager to
expatriate. Co-protagonist Casper (the equally
young Edgar Flores) guardian of twelve-year-old
Smiley (Krystian Ferrer) and the loyal defender
of both lives, will find himself imprisoned after
challenging brutal leader, Lil’Mago (Tenoch Huerta
Mejia.)
The man, who will stubbornly seek his own
personal vendetta till the very end – in order to
safeguard his boss’ status – and wears a tattoo,
even on his face, which features his gang’s code,
recruits, trains and induces small, prepubescent
gangsters to a no-mercy policy and the shooting
of all “traitors”, whether these be new enemies
or fraternal friends – by selling as honour the will
to sacrifice all human things for the welfare of the
pack.
The skilled use of the camera combined with the
adrenalin rhythms of the soundtrack, produces
intense images which ravish the audience, taking it
to the head of the fleeing train, and reminds it the
reason behind an ovation very similar to the one
which greeted City of God.
Cary Joji Fukunaga
Cary Joji Fukunaga si laurea presso la University
of California, Santa Cruz. Come scrittore, regista
e direttore della fotografia ha girato il mondo –
dal Circolo Polare Artico ad Haiti, passando per
l’Africa Occidentale.
Ha ricevuto diverse borse di studio prestigiose,
inclusa la rinomata USA Rockefeller Foundation
Fellowship nel 2008. Nel 2007 ha inoltre ricevuto una borsa di studio da parte della Cartlidge
Foundation.
Fukunaga ha scritto e diretto il cortometraggio Victoria para Chino, proiettato nel 2005 al
Sundance Film Festival. L’opera ha ricevuto oltre due dozzine di premi internazionali, incluso
lo Student Academy Award ed una menzione
speciale dalla divisione di Los Angeles dei BAFTA. Candidato al MFA del New York University
Graduate Film Program, Fukunaga debutta alla
regia e sceneggiatura con Sin Nombre.
Cary Joji Fukunaga graduated from the University of California, Santa Cruz. His film work as a
writer, director, and cinematographer has taken
him around the world – from the Arctic Circle to
Haiti and West Africa.
He has received several prestigious grants, including a 2008 USA Rockefeller Foundation Fellowship; the John H. Johnson Film Award; and a
2005 Princess Grace Foundation Fellowship. He
also received, in 2007, a Katrin Cartlidge Foundation Bursary.
Mr. Fukunaga wrote and directed the short film
Victoria para Chino, which screened at the 2005
Sundance Film Festival. It was honored with
over two dozen international awards, including a
Student Academy Award and an honorable mention from BAFTA’s Los Angeles chapter.
An MFA candidate from New York University
Graduate Film Program, Mr. Fukunaga marks his
feature film writing and directing debut with Sin
Nombre.
2009
Sin Nombre
2004
Victoria para chino
2003
Kofi
Il Taormina Film Fest ha conosciuto originariamente Jan Fehse nella sua veste di direttore
della fotografia ai tempi di Tattoo, film in cui le
allucinate scelte fotografiche costituiscono un
notevole contributo alla propria cifra di grande
cinema, meritevole appunto di essere celebrato
al Teatro Greco. Qualche anno più tardi, Fehse
torna dunque a Taormina con la propria opera
prima, un film corale che vanta, tra le altre, la
presenza degli ottimi Barbara Auer e Sebastian
Koch e si guadagna subito il Premio al Miglior
Regista Esordiente ai Bavarian Film Awards
2009. Il coro di vite tratteggiato in At Any Second è in realtà una polifonia che si sprigiona,
amplificandolo, dal grido paranoide e perturbante d’inizio, il quale ammonisce – dalle corsie
di un centro di igiene mentale – che la punizione finale è prossima ad abbattersi “per mano
degli angeli che estingueranno il fuoco”. Non
può trattarsi di vite appagate. Si tratta piuttosto
di Jan Fehse di chi lotta per non soccombere all’angoscia di
non poter talvolta strappare alla morte i propri
pazienti psicolabili o la figlia malata terminale, o di chi capisce di avere il cammino segnato
se non dovesse riuscire a sottrarsi agli eccessi
della cocaina fino a sacrificarle quel poco che
ama davvero, o di chi - ormai perso per sempre chi amava davvero- tenta egoisticamente
di cedere una parte del proprio strazio, infine di
chi dal dolore altrui cerca in tutti i modi di non
farsi sconvolgere l’esistenza. Ognuna di queste
esistenze sarà invece sconvolta nell’istante del
reciproco sfiorarsi, e qualcuna irrimediabilmente
alleggerita dei propri 21 grammi di anima - per
quanti sforzi si possano opporre, per una tragedia annunciata o per fatalità, in quell’istante
qualunque. Maria Rosaria Cerino
In jeder Sekunde
(At Any Second)
In jeder Sekunde
Reg./ Dir.:
Jan Fehse
Cost.:
Verena Sapper
Scen./ Script:
Jan Fehse
Christian Lyra
Mus.:
Andreas Helmle
Fot./ D.o.P.:
Philipp Kirsamer
Mont./ Ed.:
Dirk Göhler
72
Scg./ P.D.:
Anette Ingerl
Cast:
Sebastian Koch
Mina Tander
WOtan Wilke Möhring
Ronald Zehrfeld
Jenny Schily
Barbara Auer
Prod.:
Sven Burgemeister,
Andreas Schneppe,
Bernd Burgemeister
TV60Filmproduktion
GmbH
Rambergstr. 3-5
80799 München
Germany
0049 89 360 491 11
0049 89 360 491 30
[email protected]
World Sales:
Bavaria Film
International
Bavariafilmplatz 7 / 71
82031 Geiselgasteig
Germany
+49 89 6499 3506
+49 89 6499 3720
Claudia.rudolph@
bavaria-film.de
Germania/ Germany,
2008
103’
The TaorminaFilmFest’ first encounter with Jan
Fehse took place when he was the cinematographer of feature Tattoo. The hallucinated photographic choices represented a perfect example
of great cinema, worthy of a screening within the
celebrated location of the Greek Theatre.
A few years later, Fehse returns to Taormina with
his own debut feature, an ensemble piece featuring, among others, the presence of exceptional
actors such as Barbara Auer and Sebastian Koch.
Unsurprisingly enough it’s not long before the film
wins the Award for Best Director at the 2009 Bavarian Film Awards. The ensemble of lives depicted in
At Any Second is actually a polyphony originated,
and amplified, by the paranoid and disturbing
scream coming from a mental institution at the
beginning of the story. The lament warns us that the
ultimate punishment is close by and comes “at the
hands of angels who will extinguish the fire.” We
are faced with empty lives. We are made to witness
the struggle against the anguish, which derives
from the impossibility of cheating death in the case
of one’s own psychiatric patients or a terminally ill
daughter. It is also the anguish of a cocaine addict
who is aware of his future downfall unless he retires
from the excesses of drug abuse and still ends up
sacrificing the few important things he really loved.
It’s the anguish of those who have forever lost
their beloved and are selfishly trying to give away
a portion of their pain. But it’s also the struggle of
someone busy protecting their existence from the
pain of others. Each one of these lives will be upset
the moment they graze each other and some will
irremediably be deprived of their 21-grams-soul,
regardless of their many attempts, at the hands of a
foretold tragedy or fatality, which could take place
at any second.
Jan Fehse
Jan Fehse nasce nel 1968 ed è uno dei direttori
della fotografia più importanti della Germania.
Dopo aver lavorato come assistente operatore,
cura la fotografia di lungometraggi e produzioni
televisive, pubblicità e video musicali lavorando
con registi del calibro di Ben Verbong (Es ist ein
Elch entsprungen, Sams in Gefahr), Peter Thorwarth (Goldene Zeiten), Robert Schwentke (Tattoo), Esther Gronenborn (alaska.de) e Andreas
Thiel (Kismet).
La pellicola In jeder Sekunde (2008) segna il suo
debutto alla regia.
Jan Fehse was born in 1968 and is one of Germany’s most renowned cinematographers. After
working as a camera assistant, he was a DoP
on feature and television productions as well as
commercials and music videos with such directors as Ben Verbong (Es ist ein Elch entsprungen, Sams in Gefahr), Peter Thorwarth (Goldene
Zeiten), Robert Schwentke (Tattoo), Esther Gronenborn (alaska.de) and Andreas Thiel (Kismet).
At Any Second (In jeder Sekunde, 2008) marks
his directorial debut.
2008
In jeder Sekunde
Sarà perché diretto con quella che traspare essere la sensibilità di una donna (la già apprezzata
e premiata regista Ensieh Shah Husseini), o sarà
perché girato laddove si è sottratti agli influssi
nefasti di certa televisione, ma in questo deliziosamente imprevedibile film iraniano la disciplina
del calcio, qui utile a risolvere allegramente un
serio problema di sopravvivenza, è totalmente
escluso che possa essere associata a starlet da
sposare e castelli sforzeschi da colonizzare.
Perché nel piccolo villaggio di terra battuta e
caprette saltellanti, popolato da una comunità dotata di iniziativa nonché di buon senso, la
residenza da conquistare a colpi di goal non ha
particolari ambizioni se non quella di sostituire alla svelta l’ex capannone industriale che la
ospita, l’abbigliamento decisamente casual dei
giovani “atleti” (sic!) li rende glamour come può
esserlo Huckleberry Finn e le donne più ambite
sono quelle che sanno come trasformare il caglio
di Ensieh Shah Husseine in ca(l)cio e che non temono di infrangere le
più rigide leggi di Stato per riuscire a introdursi
nello stadio locale, creando il panico pur di non
far mancare il loro supporto di tifose sfegatate agli uomini della propria famiglia, impegnati nella sfida calcistica di una vita: Senzatetto
contro Immobiliaristi. La fotografia vagamente
retrò, con una certa genialità, sembra riprodurre
ad arte l’atmosfera da mezzi di fortuna con cui i
protagonisti della storia si procurano il migliore allenamento possibile per sperare di sopperire all’oggettiva mancanza di strumenti, e riesce
- sfruttando tramonti infuocati, giochi d’acqua,
flore e faune multicolori e ogni stupefacente appiglio sceno-coreografico naturale – a trasmetterci, sulle note di musiche da iPod estivi, molto
ottimismo e un dubbio su chi, tra le vere star del
calcio internazionale e questo gruppo di irresi-
Penalty
Penalty
74
Reg./ Dir.:
Scg./ P.D.:
Asghar Nezhad-Imani
Mohammad Jamalpour
Rasoul Baharangiz
Scen./ Script:
Cost.:
Asghar Nezhad-Imani
Fot./ D.o.P.:
Saed Nikzat
Mus.:
Saeed Ansari
Prod.:
Cheragh-e Sabz Art and
Culture Institute
Mont./ Ed.:
Cast:
Ghasem Zare
Reza Nouri
Sadegh Hatefi
Distr.:
Farabi Cinema
Foundation
International Affairs
13, 1st Floor, Delbar
Alley, Toos St.,
Vali-Asr Ave., Tehran
19617, Iran.
Tel: +98 21 22734939,
22741253,
22741254
Fax: +98 21 22734953
[email protected] / intl@
fcf.ir
www.fcf.ir
Iran, 2009
100’
stibili sfigati, siano i veri campioni. Che vinca il
migliore. Maria Rosaria Cerino
Maybe it’s the director’s feminine sensitivity (the
director in question is the already prized and
award-winning Ensieh Shah Husseini) or maybe it’s
the location, a land which has been miraculously
immune to the disturbing influences of a certain
kind of television, but in this delightfully unpredictable Iranian film, football, here employed as a
cheerful mean to solve a serious matter of survival,
has nothing in common with the well known starlets “in want of a husband” and the colonisation
of monumental castles.
Because in the small dirt road village of hopping
kids, populated by a resourceful and sensible community, the residence to be conquered goal by
goal cherishes no particular ambition other than
quickly replace the former industrial hangar that
hosts it, the decisively casual attire of the young
“athletes’” makes them as glamorous as Huckleberry Finn and the most sought after women
are those who master the art of turning curd into
cheese and who, regardless of rigid state laws and
to everyone’s shock, break into the local stadium,
to support their men as they engage in the football
match of a lifetime: homeless versus real estate
agents.
The vaguely vintage cinematography seems to
reproduce, and with a good dose of brilliance too,
the D.I.Y. atmosphere in which the story’s main
players seek the best available training scheme
to provide for the lack of professional equipment
and still manages – taking advantage of flaming
sunsets, water games, multicoloured plants and
animals and any other breathtaking environmental element – to convey, on the notes of some
summer iPod tune, infectious optimism and the
question on who, between the true stars of international football and this bunch of adorable losers,
is actually the true champion. May the best win.
Ensieh Shah-Hosseini
Ensieh Shah-Hosseini nasce nel 1954 a Gorgan
e consegue un diploma in fotografia cinematografica. Ricercatrice e romanziera, è stata anche
inviata di guerra, documentarista e sceneggiatrice professionista. Il suo romanzo vince il primo
premio a un festival letterario iraniano ventennale e il suo cortometraggio “Deadline” vince il
primo premio al Women Film Festival di Seul nel
2001. Il suo secondo lungometraggio, Goodbye,
Life (inizialmente intitolato Good Night, Commander), basato sulla sua esperienza d’inviata di
guerra durante il conflitto tra Iran e Iraq, è stata
presentato in anteprima al festival di Karlovy
Vary.
Born in 1954 in Gorgan, Ensieh Shah-Hosseini graduated in cinematography. Researcher
and novelist, she has also been a war reporter, documentary filmmaker and professional
screenwriter. Her novel won the best prize at
a 20-year-old Iranian book prize and her short
film “Deadline” won the first prize at the 2001
Women Film Festival in Seoul. Her second feature Goodbye, Life (originally titled Good Night,
Commander), based on her own life as a journalist during the war between Iraq and Iran, premiered at the Karlovy Vary Film Festival.
2009
Penalty
2006
Goodbye, Life
2005
Let’s Go, It’s Late
La selezione brasiliana del festival, composta
di dieci titoli, culmina con la complessa storia
di No Meu Lugar (L’occhio della tempesta) del
regista brasiliano Eduardo Valente. Si tratta di
una storia dai toni tragici incentrata sulla figura
di un poliziotto chiamato a prendere delle scelte di vita o di morte, durante un rapimento che
cambierà per sempre l’esistenza di tre famiglie.
In un quartiere benestante di Rio de Janeiro, la
giovane Sandra esce di corsa per strada e urla ad
una volante della polizia di fermarsi; all’interno
della sua villa, un uomo armato tiene qualcuno in ostaggio. L’agente Ze irrompe nella casa e
preme il grilletto, uccidendo uno dei due uomini.
Ma quale? Il film ci guida attraverso un inaspettato viaggio avanti e indietro nel tempo prima
di darci la risposta. Il viaggio indietro nel tempo
racconta della storia d’amore tra la ragazza e un
onesto e giovane addetto alle consegne, proveniente da una delle violente favelas di Rio. Il
di Eduardo Valente balzo temporale in avanti ci mostra una famiglia
che ritorna a vivere nella villa, ossessionata da
fantasmi passati. La terza storia riguarda Ze e
sua figlia, nel periodo che segue la sparatoria.
Questo non è un film di facile interpretazione,
ma è ricco nella caratterizzazione e carico di significati sociali. È stato presentato in anteprima
a Cannes solo un mese fa, nella sezione Un Certain Regard.
Deborah Young
No Meu Lugar
(The Eye of the Storm)
The festival’s 10-film panorama of contemporary
Brazilian cinema reaches a culmination in the
complex narration of Eye of the Storm, director
Eduardo Valente’s dramatic story about a policeman forced to make a life-and-death decision
during a hostage crisis that will completely upend
the lives of three families. In a wealthy residential
No Meu Lugar
Reg./ Dir.:
Eduardo Valente
Scen./ Script:
Eduardo Valente
Fot./ D.o.P.:
Mauro Pinheiro Jr.
Mont./ Ed.:
Quito Ribeiro
76
Cast:
Marcio Vito
Dedina Bernardelli
Malu Rocha
Licurgo Spinola
Luciana Bezerra
Luca DeCastro
Raphael Sil
Prod.:
Fado Filmes, Pecego
Produções/ Duas
Mariola, Petrobrás,
VideoFilmes
Portogallo-Brasile/
Portugal-Brazil
district of Rio de Janeiro, young housekeeper
Sandra runs out on the street and screams for a
patrol car to stop; inside the villa, an armed man
has taken someone prisoner. Policeman Ze rushes
inside and pulls the trigger, killing one of the two
men. But which one? The film takes us on an
unexpected trip both forward and backward in
time before we learn the answer. The backward
time trip chronicles the love story between the
housekeeper and an honest young deliveryman
from one of Rio’s violent favelas. The forward
story shows a family returning to live in the villa,
haunted by ghosts of the past. The third story is
Ze’s and his daughter’s in the aftermath of the
shooting. This is not an easy film to decipher, but it
is rich in characterization and pregnant with social
meaning. It premiered last month in Un Certain
Regard section at Cannes.
Deborah Young
2009
The Eye of the Storm
2002
Castanho
2006
O Monstro
2001
Um Sol Alaranjado
Shyam Benegal, regista d’essai tra i più apprezzati in India, attualmente affianca alla sua carriera
cinematografica quella di parlamentare. Chi già
conosce i suoi lungometraggi e documentari su
tematiche indiane non potrà che restare piacevolmente colpito da questa commedia dalla
struttura narrativa ineccepibile, il ritmo sostenuto, divertente e sincera al tempo stesso. Ambientato in un piccolo villaggio indiano, Welcome to
Sajjanpur è il primo successo commerciale del regista, essendosi posizionato l’anno scorso al settimo posto in India nella classifica dei film più visti.
Ma è anche un film dotato di cuore e anima: gli
spettatori dovrebbero tenere il conto di quante
volte, nell’arco della storia, è citata la parola “democrazia” e notare la maniera positiva e brillante
con la quale Benegal conclude il film, nonostante
l’epilogo tragico al quale vanno incontro diversi
dei personaggi principali. Nelle interferenze spiacevoli del giovane Mahadev nella vita degli altri
di Shyam Benegal abitanti di Sajjanpur si cela una lezione morale.
Tra i pochi elementi istruiti del villaggio, aspira
a una carriera di romanziere ma presto si rende
conto quanto più facile sia guadagnarsi da vivere
scrivendo lettere accanto all’ufficio postale. L’uso
scorretto del suo talento di scrittore porterà lui e
altri sull’orlo del disastro. Il vivace attore di teatro, Shreyas Talpade guida un cast di personaggi
vincenti ai quali viene anche data la possibilità di
cantare e ballare.
Deborah Young
Welcome to Sajjanpur
Shyam Benegal, one of India’s most revered art
house directors, is currently combining his artistic
career with political duties as a member of Parliament. Those familiar with his feature films and
documentaries on Indian subjects will be delighted
by this beautifully narrated, fast-moving, funny
Welcome to Sajjanpur
Reg./ Dir.:
Shyam Benegal
Scen./ Script:
Ashok Mishra
Fot./ D.o.P.: Rajen Kothari
Mont./ Ed.:
Aseem Sinha
Scg./ P.D.:
78
Samir Chanda
Cost.:
Pia Benegal
Mus.:
Shantanu Moitra
Cast:
Shreyas Talpade
Amrita Rao
Ravi Kishan
Ila Arun
Rajeshwari Sachdev
Divya Dutta
Yashpal Sharma
Ravi Jhankal
Lalit Mohan Tiwari
Shri Vallabh Vyas
Prod.:
UTV Motion Pictures
Distr.:
UTV Motion Pictures
India 2008
133’
yet truthful comedy set in a small Indian village.
Welcome to Sajjanpur is, in fact, Benegal’s first
major commercial hit – it ranked among the top
seven box office movies in India last year. But it is
also a film with a heart and soul: viewers should
count how many times the word “democracy”
is used and see how brilliantly Benegal ends the
film on an upbeat note, despite the tragic fate of
several major characters. There is a moral lesson to
be learned in the unfortunate meddling of young
Mahadev in the private lives of the villagers of
Sajjanpur. One of the only educated young men in
the village, he aspires to be a novelist but finds it
easier to make his living writing letters next to the
post office. The misuse of his gifts as a writer leads
him and others to the brink of disaster. Lively
theater actor Shreyas Talpade headlines a winning
cast of characters, who get to sing and dance, too. Deborah Young
Shyam Benegal
Shyam Benegal inizia come copywriter nel campo della pubblicità. Da lì passa al ruolo di Creative & Accounts Group Head, prima di dedicarsi al
cinema a tempo pieno. Tiene numerose conferenze in India e all’estero e partecipa a seminari incentrati sul cinema, televisione, tecnologia
dell’informazione e i diversi aspetti dei cambiamenti sociali e culturali.
Dirige 26 lungometraggi per il grande schermo,
diversi documentari e serie TV, tra queste una
serie di 53 ore sulla storia dell’India. Tutti i suoi
film hanno ricevuto premi nazionali e internazionali. Tra il 1970 e il 1972, Shyam Benegal è membro dell’Homi Bhabha. Durante questo periodo,
a New York studia televisione per bambini con
CTW e lavora come produttore associato per la
WGBH di Boston.
Riceve due dei premi governativi più importanti
in India, il PadmaShri nel 1976 e il Padma Bhushan nel 1991. Nel 2004 gli viene inoltre conferito il Indira Gandhi National Integration Award e
nel 2005 riceve il Dadasaheb Phalke Award alla
carriera. Nel 2007 consegue una laurea honoris
causa dalla Jamia Millia University di Nuova Delhi. Shyam Benegal gestisce una società di produzione a Mumbai ed è un membro del parlamento
(Rjya Sabha).
Shyam Benegal’s started off as a copywriter in advertising. From there he graduated to become the
Creative & Accounts Group Head before becoming a fulltime filmmaker. He has held numerous
lectures in India and abroad and participated in
seminars dealing with Cinema, Television, Information Technology and the different aspects of social
and cultural change.
He has directed 26 features for the big screen,
several documentaries and TV series, among these
a 53 hour TV series on the history of India.
All his films have won both national and international awards. Between 1970 and 1972, Shyam
Benegal was a fellow of Homi Bhabha, during
which time he studied Children’s Television with
CTW in New York and worked as Associate Producer with WGBH, Boston. He’s also the recipient
of two of the most important governmental awards
– the Padma Shri in 1976 and the Padma Bhushan
1991. He is also received the Indira Gandhi
National Integration Award in 2004 and the Dadasaheb Phalke Award for Lifetime Achievement
in 2005. In 2007, he was conferred with a D.Litt
(Honoris Causa) from the Jamia Millia University,
New Delhi. Shyam Benegal runs a film production
company in Mumbai and is presently a Member of
Parliament (Rajya Sabha.)
2008
Mahadev Ka
Sajjanpur
2005
Netaji Subhas
Chandra Bose
2000
Zubeida
1999
Hari Bhari
1998
Samar
Sankranti
1997
Konark, The
Chariot of the Sun
Vijayanagara,
Where Kings &
Gods Meet
Mamallapuram, A
Riddle in the Sands
Bhumika
1996
Sardari Begum
1995
Making of the
Mahatma
Mammo
1994
Amravati Ki
Kathayen
1993
Suraj Ka Satvan
Ghoda
1992
Antarnaad
1985
Susman
1984
Trikal
Satyajit Ray
Nehru
1983
Mandi
1976
Manthan
1982
Arohan
1975
Nishant
Charandas Chor
1981
Kalyug
1977
Junoon
Anugraham
Kondura
Sanchi
Masterpiece of the
People
1974
Ankur
Si può desumere l’intento del regista coreano
Bae Hyung Joon di omaggiare il suo idolo Sergio
Leone sin dal titolo del suo ultimo film, un action
drama in linea con la più radicata tradizione cinematografica locale i cui protagonisti richiamano alla mente i giovanissimi Noodles e Max
del capolavoro originario. È la Seoul del 1953, la
guerra di Corea ha appena avuto termine e gli
orfani delle tante vittime sono rinchiusi in quello
che ricorda un campo di concentramento, dove
la lotta per la sopravvivenza continua. Tra di
loro, i diciottenni Taeho e Jongdu non impiegano
molto a capire che devono affrontare la strada se
vogliono sperare di farcela. L’uno è la mente, l’altro lo street fighter. Insieme, imparano a superare sfide sempre più rischiose e a puntare in alto.
Intercettano il traffico clandestino che gestisce i
rifornimenti sottratti all’esercito USA e decidono che ne vogliono una fetta. Rischiano il tutto
per tutto per guadagnarsi il rispetto dei gangster
di Hyung-Joon Bae locali e arrivano a diventarne i temibili avversari, capaci di organizzarsi in un piccolo esercito di
gangster per strappare il monopolio del redditizio business. Il prezzo da pagare sarà alto e includerà violente rappresaglie tra gangster, fughe
su mezzi di fortuna e clandestinità, dolorosi tradimenti e persino l’esperienza sconvolgente del
primo brutale omicidio. A mitigare la durezza del
quotidiano, la consolazione dell’amicizia fraterna tra quelli che si apprestano ad essere uomini
passando per il momento più dolce per qualsiasi
adolescente: il primo bacio.
Once Upon
a Time in Seoul
It is clear, right from the very opening credits of the
film, that Korean director Bae Hyung Joon means
to pay a homage to his hero, Sergio Leone, in this
action-packed drama in line with his local cin-
Once Upon a Time in Seoul
Reg./ Dir.:
Hyung-Joon Bae
Scg./ P.D.:
Shin Bo-Kyoung
Scen./ Script:
Han Ji-Hun, Kim SangDon
Cost.:
Kim Jung-Won
Fot./ D.o.P.:
Ki S. Hwang
Mont./ Ed.:
Park Kwang-Il
80
Mus.:
Lee Byung-Hoon
Cast:
Lee Wan, Song Chang-Ui
Prod.:
MK PICTURES & RASCAL
Entertainment
Korea, 2008
ematic tradition and two protagonists that remind
us of the young Noodles and Max of the original
version. Seoul 1953, the Korean War has just come
to a close and the orphaned children are gathered
into a structure, which resembles a concentration
camp. Here, the struggle for survival never rests.
Among them, the two eighteen-year-olds Taeho
and Jongdu immediately understand they must hit
the streets if they want to make it. One is the brain,
the other the street fighter. Together they learn to
overcome challenges that get riskier by the minute
and to aim for the top. They intercept a clandestine traffic of American aids and decide they want
their own cut. They risk everything just to earn the
respect of the local mob and become their fearful
enemies, capable of putting together a small army
of gangsters with which they will snatch the profitable business. The price to pay though is a high
one and includes violent retaliations between the
gangsters, flights on last-minute vehicles and going
into hiding, painful betrayals and even the shocking
experience of a first brutal homicide.The crudeness
of everyday life is mitigated by a fraternal friendship
between those destined to become men by passing
through the sweetest moment of every adolescent’s
life: the first kiss.
Hyung-joon bae
te dell’onestà riscontrata nella sceneggiatura.
Sviluppa così la storia di due ragazzi costretti a
combattere contro un mondo adulto divenuto
senza pietà dopo la guerra coreana e lo racconta
attraverso un’interpretazione molto personale
del genere noir. Il risultato è un successo. E come
dirige l’inesperto Kang Don-won in Too Beautiful
to Die, lo stesso fa con Lee Wan e Song Changeui in Once Upon a Time in Seoul.
Bae first took the directing helm with Too Beautiful
to Lie in 2004, which was praised for his solid
directing and extraordinary sense for commercial
films. Ever since the success of Too Beautiful to
Lie, Bae received many calls from top producers
in the movie business. But in the end, he selected
Once Upon a Time in Seoul to be his second film.
He said he fell in love at first sight with the honesty
found within the script. He evolved the story of
two boys who had to fight against the world of
merciless grown-ups after the Korean War in the
noir genre to express the theme through his own
style. The result was a success. Most of all, as
he wonderfully directed Kang Dong-won in Too
Beautiful to Lie even though he was an inexperienced movie actor, he splendidly led Lee Wan and
Song Chang-eui in the same way with Once Upon
a Time in Seoul.
Bae debutta alla regia nel 2004 con Too Beautiful to Lie, pellicola che viene apprezzata per il
suo solido impianto registico e il senso del commerciale. In seguito al successo di Too Beautiful to Lie, Bae viene contattato da importanti
produttori cinematografici. Alla fine sceglie di
ritornare dietro alla cinepresa per la seconda
volta con Once Upon a Time in Seoul. Il regista
dichiara di essersi innamorato immediatamen-
2008
Once Upon a Time in
Seoul
2004
Too Beautiful to Lie
Proprio come il film, che non utilizza per tutta
la propria durata una sola parola, si è tentati di
restare muti di fronte alla difficoltà di rendere a
parole quello che è offerto ai nostri occhi dalla
singolare opera di Gulnara Jubayeva ambientata nella magia della steppa kazaka. L’autrice sceglie, e gliene rendiamo merito, di non
aggiungere commento né suoni che non siano
quelli scaturiti da espressioni e elementi naturali per raccontare la storia di un giovane amore
suggellato da un patto di sangue che tenta di
sopravvivere e conservarsi (a dispetto di un
ricco marito imposto dalla comunità tribale di
appartenenza e a sorpresa rivelatosi meritevole d’affetto) fino al drammatico epilogo finale.
Nessun dialogo quindi; poca musica. Le immagini si bastano nella loro possenza prodigiosa,
fotografate da un occhio che dimostra con questo lavoro di possedere un’essenza poetica ed
esaltate da un montaggio che intuisce naturaldi Ermek Tursunov mente le soluzioni più evocative. Perché sono
immagini mozzafiato che propongono loquaci
volti di struggente bellezza, incorniciati da folte chiome e copricapi di regale eleganza, e riti
arcaici indecifrabili e affascinanti che accompagnano i parti e le dipartite, e scene di quiete
domestica contrapposti a duelli feroci, e monili
e tatuaggi e costumi variopinti che contrastano il candore delle nevi e che una volta rimossi
rivelano nudi emozionanti nel loro erotismo
privo di malizia. Kelin ci invita a entrare nella
vita di una comunità che non può essere più
distante dalla nostra quotidianità, suggerendoci
di accogliere col massimo rispetto, attraverso il
massimo silenzio, lo spettacolo di rara bellezza
raccolto su pellicola per essere regalato ai nostri
sguardi occidentali.
Kelin
Kelin
Reg./ Dir.:
Ermek Tursunov
Scg./ P.D.:
Alexander Rorokin
Scen./ Script:
Ermek Tursunov
Cost.:
Kuat Tleubayev
Fot./ D.o.P.:
Murat Aliyev
Mus.:
Edil Kussainov
Mont./ Ed.:
Svetlana Niyazova
82
Cast:
Gulsharat Zhubyeva
Turakhan Sadykova
Erzhan Nurymbet
Kuandyk Kystykbayev
Nurzhan Turganbayev
Prod.:
Kazakhfilm JSC
Distr.:
Kazakhfilm JSC
Kazakhstan, 2009
81’
which cannot be more distant from our own dayto-day life, it invites us to greet with the utmost
respect, through religious silence, the spectacle of
rare beauty, which has been immortalised on film
as a gift to our western eyes.
Ermek Tursunov
Just like the film, which throughout the story
doesn’t employ a single word, we are left without
words to describe what Gulnara Jubayeva’s peculiar work, set in the magic of the Kazakh steppe,
offers to our eyes.
The author chooses - and what a credited choice
it is indeed- to leave out all comments and sounds
save those coming from expressions and natural
elements, to tell the story of a young love sealed
by a blood oath which, despite a rich husband imposed on by the tribe and in the end surprisingly
worthy of affection, struggles to survive till its tragic
and final epilogue.
No dialogues then; very little music. The prodigiously powerfulness of the images rendered by a
cinematographer of poetic essence and the instinctively evocative editing satisfy all narrative needs.
These are breathtaking images featuring loquacious faces of heartbreaking beauty, framed by
thickset hair and regally elegant headgear, fascinating and indecipherable archaic rites accompanying the births and deaths, and scenes of domestic
stillness that clash against ruthless duels, tattoos,
jewels and multicoloured attires against the
candour of snow which once removed reveal the
striking nudes of innocent eroticism.
Kelin welcomes us into the life of a community,
Attualmente Ermek Tursunov è uno degli sceneggiatori più importanti del Kazakistan. Negli
anni novanta, si diploma in sceneggiatura e regia
presso la scuola di A. Mitta e Ya. Frid. Lavora
come giornalista e capo redattore per il quotidiano “Megapolis” e come produttore generale per
il canale televisivo 31 Kanal. Oggi lavora come
sceneggiatore e regista. Kelin segna il suo debutto alla regia.
Ermek Tursunov is presently one of Kazakhstan’s
most important scriptwriters. In the nineties, he
graduated in scriptwriting and directing from the
school of A. Mitta and Ya. Frid. He has worked as
journalist and as an editor-in-chief for newspaper
“Megapolis”, and as general producer of TV channel 31 Kanal. He currently works as screenwriter
and director. Kelin is his debut film.
2009
Kelin
GuestOfHonour:France
Ne le dis a personne
Guillaume Canet
Je ne suis pas la pour Être aime
Stéphane Brizé
L’Heure d’ete
Olivier Assayas
Avida
Gustave Kervern e Benoît Delépine
Quand j’etais chanteur
Xavier Giannoli
LeS Bureaux de dieu
Claire Simon
L’emploi du temps
Laurent Cantet
TAoCOURT
I francesi sono capaci di realizzare thriller brillanti, avvincenti e che piacciano al pubblico?
Dopo il successo di Ne le dis à personne, diretto
da Guillaume Canet e uscito nel novembre del
2006, possiamo dire di sì.
Il giovane regista e attore (classe 1973) ha potuto
contare su una storia sufficientemente paranoica
(“Tell No One”) firmata dal romanziere americano Harlan Coben, (autore di “Gone for Good”
– 2003, “Promise me” - 2007 e altri), che ha, con
l’aiuto di Philippe Lefèvre, trasformato in un’ottima sceneggiatura.
Canet ha dimostrato grandi capacità registiche e
di messa in scena, valorizzando e riunendo i più
grandi attori francesi e non solo: François Cluzet,
Marie-José Croze, André Dussollier, Kristin ScottThomas, François Berléand, Nathalie Baye, Jean
Rochefort e lui stesso, Guillaume Canet …
E siccome il cinema non ha eguali se non grazie a
dei personaggi ben tratteggiati, che permettono
agli attori di lavorare a fondo, non possiamo certo stupirci del successo del film: più di tre milioni
di spettatori, nella sola Francia.
Edouard Waintrop
Are the French capable of making brilliant, absorbing thrillers that the public like?
Following the success of Ne le dis à personne,
directed by Guillaume Canet and released in
November 2006, we can say so.
The young director and actor (born 1973) relied
on a pretty paranoid story (“Tell No One”) the
work of the American writer Harlan Coben, (author of “Gone for Good” – 2003, “Promise me” 2007 and others), which with the help of Philippe
Lefèvre, he transformed into a great screenplay.
Canet displays his great directing and choreodi Guillaume Canet graphic talents, bringing together and making the
Ne le dis à personne
Reg./ Dir.:
Guillaume Canet
Scg./ P.D.:
Philippe Chiffre
Scen./ Script:
Guillaume Canet
Cost.:
Carine Sarfati
Fot./ D.o.P.:
Christophe Offenstein
Mus.:
Mathieu Chedid
Mont./ Ed.:
Hervé de Luze
86
Cast:
François Cluzet
Marie-Josée Croze
André Dussollier
Kristin Scott Thomas
Prod.:
Les Productions du
Trésor
Francia/France 2006
125’
most of the leading French and other actors: François Cluzet, Marie-José Croze, André Dussollier,
Kristin Scott-Thomas, François Berléand, Nathalie
Baye, Jean Rochefort and himself, Guillaume
Canet …
And given that cinema has no equals if characters
are well-portrayed, allowing actors to give of their
best, we should not be surprised at the success of
this film: more than three million at the box-office,
in France alone.
Edouard Waintrop
bodies are discovered, murdered the same way as
his wife, Alex is again under suspicion. The enquiry
is re-opened and entrusted to the same detective who had tried to frame Alex. Alex receives an
email that links him to a CCTV tape that seems
to prove Margot is still alive. Her husband throws
himself into a desperate search, to the consternation of his family and arousing the suspicion of his
enemies …
SINOSSI
Margot Beck è stata selvaggiamente mutilata e
assassinata. Suo marito Alex, primo sospettato, è
stato interrogato, poi rilasciato per mancanza di
prove. Non si è mai ripreso dall’atroce accaduto
che non ha saputo evitare, e di cui ha rischiato di
portare la responsabilità.
Si dedica anima e corpo al suo lavoro di pediatra,
e quando otto anni dopo vengono trovati due
cadaveri uccisi nello stesso modo di sua moglie,
Alex è di nuovo sospettato. L’inchiesta è riaperta e consegnata allo stesso agente che tentò di
incastrarlo. Alex riceve una mail che lo collega a
una videocamera di sorveglianza e sembra mostrargli le prove che Margot è ancora viva. L’uomo si lancia in una ricerca disperata, tra la perplessità dei suoi cari e i sospetti dei suoi nemici…
Margot Beck has been savagely murdered and mutilated. Her husband Alex, the prime suspect, has
been interrogated then freed for lack of evidence.
He has never recovered from the appalling event
he could not avoid, and for which he risked paying
the price.
He dedicates himself body and soul to his work
as a pediatrician. When eight years later two other
2006
1998
Je taim
2002
Mon idole
1996
Sans regrets (1996)
2000
J’peux pas dormir...
Un titolo sorprendente, per un film che non è
da meno. Una storia d’amore e di emancipazione che si sviluppa con leggerezza e discrezione.
Il regista Stéphane Brizé ha una maniera molto
personale di far nascere emozioni da una semplice scena di sfratto, da un gesto maldestro, da
una danza senza grazia, da un fraintendimento,
da semplici sguardi. Ha saputo raccontare questo
usciere austero, abituato a muoversi nel mondo
crudele dei fallimenti personali, che, vedendo
alle sue spalle solo errori e rovine, si apre agli altri, e sopratutto, a l’altra. Tutto comincia con un
Tango…
Il film gode di un cast di prima scelta, tra cui spiccano Patrick Chesnais, impressionante nella sua
corazza di tristezza, e Anne Consigny, leggera
come l’amore.
Brizé è un cineasta interessante, anche se ha già
dimostrato di dare il meglio quando è ben accompagnato da ottimi attori.
di Sthéphane Brizé
Edouard Waintrop
Je ne suis pas là
pour être aimé
A surprising title, for a film, which surprises. It is a
story of love and of emancipation that develops
gradually and subtly. The director Stéphane Brizé
has a very personal way of building emotions in a
straightforward eviction scene, through a clumsy
gesture, a graceless dance, a misunderstanding,
or through a simple look. She knows the right way
to tell the story of this austere enforcer, used to
inhabiting a cruel world of personal failure, who
encountering only mistakes and ruin, opens up to
others, and above all, to one other. It all starts with
a tango …
The film benefits from a first-class cast, amongst
whom stands out Patrick Chesnais, deeply moving
in his armour of sadness, and Anne Consigny, with
as light a touch as love.
Je ne suis pas là pour être aimé
Reg./ Dir.:
Stéphane Brizé
Scg./ P.D.:
Valérie Saradjian
Scen./ Script:
Stéphane Brizé, Juliette
Sales
Cost.:
Ann Dunsford
Fot./ D.o.P.:
Claude Garnier
Mont./ Ed.:
Anne Klotz
88
Mus.:
Eduardo Makaroff,
Christoph H. Müller
Cast:
Patrick Chesnais
Anne Consigny
Georges Wilson
Lionel Abelanski
Cyril Couton
Prod.:
TS Productions
Distr.:
Rézo Films
93’
Brizé is an interesting cineaste, not least because
he has already shown how he gives his best when
working with the best actors.
Edouard Waintrop
SINOSSI
Jean Claude Delsart ha cinquant’anni ed è usciere. Organizza gli sfratti di chi non paga l’alloggio,
il pignoramento di mobili di chi accumula debiti,
sfoggiando l’aria funebre dovuta a quel lavoro
poco brillante, ma che gli permette agiatezza
economica. Non ha nient’altro nella vita, tranne
un figlio senza personalità che sembra poco apprezzare la sua professione, ma che spera possa
prendere il suo posto, come lui ha preso quello di
suo padre. E poi un giorno, dopo un piccolo problema di salute, si concede una follia : si iscrive
ad un corso di tango… e l’amore entra nella sua
vita.
Jean Claude Delsart is a fifty year-old enforcer.
He organizes the evictions of those who haven’t
paid their rent, impounds the furniture of debtors,
adopting a funereal air for that sad work, work
however which is to his economic advantage.
There is nothing else in his life besides a son lacking in personality who though he doesn’t like his
father’s profession, hopes nevertheless to take it
over, just as he did his father’s role before him.
Then one day, following a small health problem,
he allows himself one small madness: he enrolls
on a tango course…and love comes into his life.
2009
Mademoiselle Chambon
2006
Entre adultes
2005
Je ne suis pas là pour
être aimé
1999
Le bleu des villes
1996
L’oeil qui traîne
1993
Bleu dommage
Figlio di sceneggiatori, appassionato cinefilo
negli anni ’70 e agli inizi degli ’80, ammiratore
del cinema di Hong-Kong, del Taiwan e dei film
di Ingmar Bergman, legato ai Cahiers du Cinéma e a Rock et folk, Olivier Assayas è stato dichiarato capofila della Nouvelle Vague francese
dal critico Serge Daney, all’epoca di Désordre
(1986). Un ruolo un po’ troppo ingombrante
per lui, che riesce a dare il meglio quando gioca
su una gamma più classica, sulla nostalgia, sui
rapporti tra personaggi fragili, sui sentimenti
appena abbozzati, sulla tenerezza. Nella luce
ammansita dal suo direttore della fotografia
preferito, Eric Gautier, e grazie alla complicità
di attori sensibili, come Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Renier e la troppo ancora
sconosciuta Edith Scob, ritrova l’equilibrio di
Clean e d’Irma Vep, una qualità (francese ?)
degna di Destini sentimentali, uno dei suoi migliori film.
di Olivier Assayas
Edouard Waintrop
L’heure d’été
The son of screenplay writers, a passionate
cinephile of the 70s and early 80s, an admirer of
Hong Kong and Taiwan cinema and the films of
Ingmar Bergman, close to the Cahiers du Cinéma
and to Rock et folk, Olivier Assayas has been
declared the leader of the French Nouvelle Vague
by the critic Serge Daney, at the time Désordre
was issued in 1986. This is a rather too cumbersome epithet for one who gives of his best when
he works in a more classical vein, with nostalgia, dealing with relationships between fragile
people, or with emotions only just revealed, with
tenderness. In the domestic style of his trusted
head technician, Eric Gautier, and thanks to the
involvement of sensitive actors such as Juliette
Binoche, Charles Berling, Jérémie Renier and
L’heure d’été
Reg./ Dir.:
Olivier Assayas
François-Ranaud
Labarthe
Scen./ Script:
Olivier Assayas
Cost.:
Anais Romand, Jürgeu
Doering
Fot./ D.o.P.:
Eric Gautier
Mont./ Ed.:
Luc Barnier
Scg./ P.D.:
90
Cast:
Juliette Binoche
Charles Berling
Jérémie Renier
Edith Scob
Dominique Reymond
Valérie Bonneton
Prod.:
MK2 Productions
Distr.:
MK2 Productions
Francia/ France, 2008
103
the still too little-known Edith Scob, he finds his
balance with Clean and d’Irma Vep, a possibly
French quality worthy of Sentimental destinies,
one of his best films.
Edouard Waintrop
SINOSSI
In piena estate, nella magnifica tenuta familiare,
Adrienne, Frédéric e Jérémie, insieme ai loro figli,
festeggiano i 75 anni della loro madre, Hélène
Berthier, che ha passato la sua vita cercando di
difendere l’opera di suo fratello, il pittore Paul
Berthier. Nessuno sa ancora che sono gli ultimi
giorni che precedono la morte di questa donna,
che li lega e li unisce prima del loro ingresso nelle
crudeltà dell’età adulta. La sua scomparsa li obbliga a fare i conti con il loro passato, con le emozioni che hanno, finora, vissuto senza dolore.
their children, celebrate the 75th birthday of their
mother, Hélène Berthier, who has spent her life
attempting to defend the work of her brother, the
painter Paul Berthier. Nobody knows yet that she
is in the last days of her life, she who held them
together and united them before they encountered
the cruelties of adult life. Her death obliges them
to come to terms with their past, to confront the
emotions with which they have co-existed up to
now without pain.
In the height of summer, at their splendid family
estate, Adrienne, Frédéric and Jérémie, along with
2008
L’heure d’été
2004
Clean
1996
Irma Vep
1986
Désordre
2007
Chacun son cinéma
ou Ce petit coup au
coeur quand la lumière
s’éteint et que le film
commence (segment
“Recrudescence”)
Boarding Gate
2002
Demonlover
1994
L’eau froide
1984
Winston Tong en studio
2000
Les destinées
sentimentales 1993
Une nouvelle vie
1982
Laissé inachevé à Tokyo
1991
Paris s’éveille
1980
Rectangle - Deux
chansons de Jacno
2006
Noise
Paris, je t’aime
1998
Fin août, début
septembre
1989
L’enfant de l’hiver
1979
Copyright
Un sordo muto in fuga si trova imbarcato insieme a dei tossicomani in un traffico di animali. Il
fallimento dell’allevamento di cani di una miliardaria obesa e suicida, li legherà a lei. La donna ne
approfitterà per forzarli a realizzare le sue ultime
volontà.
Tutta questa storia permette di raccontare una
galleria di personaggi bizzarri e strani, paranoici
e tendenti al suicidio, uno più svitato dell’altro.
Sono una sfilza, i comici della catena Canal Plus
che si sono dedicati al cinema con più denaro che
talento. De Kervern e Délépine hanno avuto, al
contrario, pochi soldi ma hanno potuto contare
su talento e originalità. Con l’aiuto di un gruppo
di Gustave de Kervern, Benoît Delépine
di attori più o meno professionisti (come il regista Claude Chabrol, molto divertente nei panni di
zoofilo) tutti straordinari, brillanti, hanno posto
questo film sotto il segno di un surrealismo allegro ( il titolo del film fa riferimento a Salvator
Dalì, soprannominato Avida Dollars da Breton)
più vicino al surrealismo belga per la sua radicalità, che a quello francese.
La rivista “Positif”, quando ha celebrato la rinascita del cinema belga, ha incluso i due registi
francesi nella sua edizione speciale. È stato un
riconoscimento dalla parte di questi due cineasti
che con Altra e Louise Michel, hanno segnato
altri due successi.
Edouard Waintrop
Avida
A fugitive deaf-mute finds himself involved with
drug-users in the trafficking of animals. The failure
of a dog-breeding kennel owned by an obese and
suicidal millionairess ties him to her. The woman
takes advantage of this to force him to do what he
would least want to do.
This entire story allows a train of bizarre and
strange characters to be seen, the paranoid and
Avida
Reg./ Dir.:
Gustave de Kervern
Benoît Delépine
Scen./ Script:
Benoît Delépine,
Gustave de Kervern
Fot./ D.o.P.:
Hugues Poulain
Mont./ Ed.:
Stéphane Elmadjian
92
Scg./ P.D.:
Alain Juteau
MNP Entreprise
Studio Canal
Cast:
Anselme
Fernando Arrabal
Anne Benett
Beu
Jean-Claude Carrière
Claude Chabrol
Marie-Françoise Comble.
Distr.:
Ad Vitam
Prod.:
Francia/ France, 2006
83’
suicidal, each more unhinged than the other.
There is a string of comedians from the Canal plus
channel who are more dedicated to money in
the cinema than to talent. By contrast De Kervern
and Délépine have little money but can rely on
talent and originality. With the help of a group of
actors who are more or less professional (like the
director Claude Chabrol, extremely funny in the
role of zoophile) all of whom are extraordinary
and brilliant, he has put this film into the category
of happy surrealism (the title of the film makes
reference to Salvator Dalì, subtitled as it is Avida
Dollars da Breton) nearer in its radical approach to
Belgian surrealism than to French.
The magazine “Positif”, when it celebrated the
rebirth of Belgian cinema, included the two French
directors in its special edition. This was a recognition on the part of these two cineastes who with
Altra and Louise Michel, marked two other successes.
Edouard Waintrop
Gustave de Kervern
Benoît Delépine
2008
Louise-Michel
2008
Louise-Michel
2006
Avida
2006
Avida
2004
Aaltra
2004
Aaltra
Xavier Giannoli ama i suoi personaggi sopratutto quando hanno l’aria perduta, e ama anche gli
attori che li interpretano. In questo film offre
a Gérard Depardieu (che ritrova in À l’origine,
il suo nuovo film selezionato per il festival di
Cannes 2009) un’occasione unica per superare
se stesso. L’attore ha preso la palla al balzo, ha
saputo sfoggiare tutto il suo talento (davvero
immenso, lo ricordiamo a chi lo ha dimenticato)
per accompagnare la sua provocante partner, Cécile de France, anche lei fantastica.
Giannoli ha saputo dipingere una società, quella dello spettacolo popolare di provincia, ha
reso palpabile una mitologia, ha popolato il suo
schermo di figure simpatiche, di personaggi che
a volte lo sono meno (come Bruno interpretato
da Mathieu Amalric, anche lui formidabile) e ha
fatto incarnare la felicità a Cécile De France, che
sembra esserne un’emanazione. Di colpo tutto
sembra possibile, anche questa storia d’amore
di Xavier Giannoli improbabile e meravigliosa.
Edouard Waintrop
Quand j’étais chanteur
Xavier Giannoli loves his characters, especially
when they have a lost air, and he loves the actors
who play them. This film offers Gérard Depardieu
(whom we find again in À l’origine, his new film
selected for the 2009 Cannes Film Festival) a
unique opportunity to give of his absolute best.
The actor has grasped the ball, knowing how to
make the most of his talent (a considerable one,
we would remind anyone who might have forgotten) to accompany his provocative co-star, Cécile
de France, also fantastic in her role.
Giannoli knows how to describe a way of life, that
of the provincial popular theatre, and has brought
to life a legend, filling his screen with sympathetic
characters as well as those who are less so at times
Reg./ Dir.:
Xavier Giannoli
Scen./ Script:
Xavier Giannoli
Fot./ D.o.P.:
Yorick Le Saux
Mont./ Ed.:
Martine Giordano
94
Scg./ P.D.:
François-Renaud
Labarthe
Cost.:
Nathalie Benros
Mus.:
Alexandre Desplat
Cast:
Gérard Depardieu
Cécile De France
Mathieu Amalric
Christine Citti
Patrick Pineau
Alain Chanone
Christophe
Jean-Pierre Gos
Prod.:
Europa Corp., Rectangle
Productions, France
3 Cinéma, Sofica
Europacorp.
112’
(such as Bruno, played by Mathieu Amalric, another great performance) and has made happiness
real in Cécile De France, who seemed to be only
an aura. Suddenly everything seems possible, even
this improbable and marvellous love-story.
Edouard Waintrop
Sinossi
Alain Moreau ha cinquant’anni e va di città in
città cantando nei balli e negli spettacoli prodotti
dai comitati cittadini. Può sembrare un fallito,
ma ama il suo mestiere, i suoi spettatori, da cui
è adulato. Un giorno incontra una ragazza, ha
la metà dei suoi anni Marion, presentatagli dal
suo padrone. Marion sembra cinica, ma è anche
leggera, fragile e affascinante, e la vita di Alain
inizia ad esserne scossa…
Alain Moreau is fifty years old and goes from town
to town singing at the balls and performances organised by the town committees. He may seem to
be a failure, but he loves his job and his audience
loves him. One day he meets Marion, a girl who is
half his age, and presents her to his boss. Marion
seems to be cynical, but is also light-hearted,
fragile and fascinating, and Alain’s life starts to turn
upside down…
2009
À l’origine
2003
Les corps impatients 2006
1998
L’interview
2005
Une aventure
1996
Dialogue au sommet
1995
J’aime beaucoup ce que
vous faites
1994
Terre sainte
1993
Le condamné
Documentarista di talento, che ha già sondato
il campo della fiction (Ca brûle, nel 2006) Claire
Simon mischia in questo film il reale al gioco di
attrici e attori, facendo interpretare i suoi personaggi ad attori di mestiere e a non professionisti.
Tra i primi Anne Alvaro, Rachida Brakni, Nathalie Baye, Isabelle Carré, Michel Boujenah, Nicole
Garcia, sembrano apprezzare questo gioco tra
reale e finzione. È una nuova forma di ibridazione tra diversi tipi di cinema, e anche di iperrealismo, o di naturalismo francese, che indispettisce
alcuni, ma è ben riuscito e molto ben giocato,
appassionante come può esserlo una scelta radicale, servita da un vero talento.
Edouard Waintrop
A talented documentary maker who has already
worked in fiction (Ca brûle, 2006) Claire Simon
mixes together in this film the real with the play
of actors and actresses, her characters played by
both professional and non-professional actors. In
the first group are Anne Alvaro, Rachida Brakni,
Nathalie Baye, Isabelle Carré, Michel Boujenah
and Nicole Garcia, who seem to enjoy this play
between reality and fiction. Here is a new hybrid
form between diverse types of cinema, as well as
hyper-realism, or French naturalism, which may
irritate some, but is played well and succeeds, absorbing as a radical choice can be when managed
by a true talent.
Edouard Waintrop
Sinossi
Delle ragazze e delle giovani donne raccontano
come affrontano il sesso, l’amore e la maternità, o il rifiuto della maternità. Djamila vorrebbe
prendere la pillola per mantenere una relazione
di Claire Simon duratura con il suo amico. Zoé prende delle pillo-
Les bureaux de Dieu
Les bureaux de Dieu
Reg./ Dir.:
Claire Simon
Scg./ P.D.:
Raymond Sarti
Scen./ Script:
Natalia Rodríguez
Cost.:
Nathalie Raoul
Fot./ D.o.P.:
Claire Simon
Philippe Van Leeuw
Mus.:
Arthur Simon
Mont./ Ed.:
Julien Lacheray
96
Cast:
Anne Alvaro
Nathalie Baye
Michel Boujenah
Rachida Brakni
Isabelle Carré
Lolita Chammah
Béatrice Dalle
Nicole Garcia
Marie Laforêt
Marceline Loridan Ivens
Emmanuel Mouret.
Francia-Belgio/ FranceBelgium, 2008
122’
le che le dà la madre, ma deve anche sopportare
le ingiurie di quest’ultima, che non accetta la sua
« libertà ». Nedjma vive la sua contraccezione
in clandestinità, Hélène ha paura di avere troppi
figli, Maria Angela vorrebbe tanto sapere chi è il
padre del suo bambino…
Davanti a loro, in questi uffici di Dio che sono
i locali del Planning familiare, dei consulenti le
ascoltano, domandandosi insieme a loro che cosa
significhi la libertà sessuale al giorno d’oggi, e i
destini si incrociano come nella vita vera…
Girls and young women describe how they deal
with sex, love and motherhood, or the rejection
of motherhood. Djamila would like to take the pill
in order to keep a long-term relationship with her
friend. Zoé takes the pills given her by her mother,
but has to put up with the harm her mother does
her, who cannot accept her daughter’s ‘freedom’.
Nedjma takes her contraception in secret, Hélène
is afraid of having too many children, whilst Maria
Angela would really like to know who is the father
of her child…
In this God’s office, in this case the family planning clinic, the consultants listen to them, asking
themselves what sexual freedom means today, and
whether destinies cross as in real life …
2008
Les bureaux de Dieu
2003
Mimi
1998
Récréations
2006
Ça brûle
2002
800 km de différence Romance
1997
Sinon, oui
2005
Est-ce qu’on a gagné ou
est-ce qu’on a encore
perdu?
2000
Ça, c’est vraiment toi 1996
Coûte que coûte
Come Nicole Garcia in l’Adversaire, Laurent
Cantet si è ispirato in questo film alla storia
vera e terribile di Jean Claude Romand che, disoccupato e bugiardo, ha finito per uccidere sua
moglie, i suoi figli e i suoi genitori. Ma il regista
e cosceneggiatore (insieme a Robin Campillo)
ha lasciato il suo racconto in sospeso, e lascia
questa triste storia come uno stupefacente generatore di problemi. Cantet, che si è sempre
preoccupato del contesto sociale (basti pensare
al suo eccellente primo lungometraggio, Ressources humaines) ha dichiarato di aver evitato
di fare del suo protagonista uno psicopatico e
della sua storia un film dell’orrore.
La sorte di Vincent diventa qualcosa di universale. E noi restiamo implicati in questa vicenda mano a mano che la messa in scena sposa
il punto di vista del personaggio di cui, dice
ancora Cantet, « il film è la proiezione sullo
schermo ».
di Laurent Cantet Aurélien Recoing, attore di raro talento, offre il
suo volto e la sua espressione inquieta a questa
visione sbalordita del mondo, e Karin Viard è
formidabile nel ruolo di sua moglie.
L’emploi du temps
Like Nicole Garcia in l’Adversaire, Laurent Cantet
was inspired in this film by the true tragic story
of Jean Claude Romand, who unemployed and a
liar, ended up killing is wife, children and parents.
But the director and co-screenwriter (with Robin
Campillo) halt this account half-way, and leave
this sad story as a bewildering begetter of problems. Cantet, who has always been concerned
with social problems (consider only his excellent
first full-length film, Ressources humaines) claims
to have avoided making a psychopath of his character and a horror film from his story.
Vincent’s fate has something of the universal. And
L’emploi du temps
Reg./ Dir.:
Laurent Cantet
Scg./ P.D.:
Romain Denis
Scen./ Script:
Robin Campillo
Laurent Cantet
Cost.:
Anne Laval
Elisabeth Mehu
Fot./ D.o.P.:
Pierre Milon
Mus.:
Jocelyn Pook
Mont./ Ed.:
Robin Campillo
Stephanie Leger
98
Cast:
Aurélien Recoing
Karin Viard
Serge Livrozet
Jean-Pierre Mangeot
Monique Mangeot
Nicolas Kalsch
Marie Cantet
Prod.:
Haut et Court
Distr.:
Haut et Court
Francia/ France
134’
we are directly involved in these events as the
mise-en-scene joins with the point of view of the
protagonist of whom, as Cantet says, ‘the film is a
projection on a screen”.
Aurélien Recoing, an actor of rare talent, lends
to his face a disturbed expression and a dazed
vision of the world, and Karin Viard is marvellous
in the role of his wife.
Sinossi
Consulente d’impresa, Vincent viene licenziato, e invece di confessare tutto alle persone che
lo circondano e che lo adorano, si inventa un
nuovo lavoro presso i servizi dell’ONU a Ginevra. Non avendo nulla da fare, passa le giornate
in macchina, percorre strade di campagna, si
ferma nelle piazzole di sosta per imparare a memoria alcuni documenti con cui risponderà alle
domande quando, tornato a casa, gli chiederanno notizie sulla sua giornata. A volte incontra
personaggi strani, come Jean-Michel, falsario
pieno di vita che gli è così simpatico. Più il tempo passa, più lui sprofonda nelle sue bugie, nelle
sue menzogne, fin dove arriverà?
Vincent is fired as a business consultant, and
instead of telling all to those around him and his
loved ones, he invents for himself a new role at
the United Nations in Geneva. As he has nothing
to do, he passes his time in his car, driving along
country roads, stopping in lay-bys to learn by
heart the documents which will enable him to
answer any questions he is asked about his day
when he returns home. Sometimes he meets
strange characters, like Jean-Michel, a full of life
forger whom he really likes. As time goes by,
the deeper he gets with his lies and inventions –
where will he end up?
2008
Entre les murs
1999
Ressources humaines
1995
Jeux de plage
2005
Vers le sud
1997
Les sanguinaires
1994
Tous à la manif
2001
L’emploi du temps Il cinema francese rivisitato – attraverso una
scelta di cortometraggi animati – nel côté anomalo della visionarietà, della comicità surreale e del fantasy più sorprendente. Selezione dei
cartoons francesi più premiati e applauditi, dal
2000 a oggi, ai Festival internazionali del Court
métrage di Clermont-Ferrand e del Film d’animation di Annecy. In 14 titoli, una cavalcata nel
meglio dell’animazione d’Oltralpe, con particolari
omaggi a un autore, Bruno Collet, e a tre Scuole:
la Fabrique, la Poudrière e la Scuola infografica
Supinfocom di Valenciennes.
IL PROGRAMMA
AP 2000 di Bail-Delpoux-Ebzant-Lauwick, 2000,
8’. Spassoso catastrofico bellico con pulci nucleari in guerra contro micidiali antiparassitari:
una sorta di Saddam-Bush sul groppone d’un
docile cane europeo. Riscrittura ludica e in 3D di
sequenze d’antologia, da L’impero colpisce ancora al kung-fu, da Robocop a I magnifici sette, a
l’effetto “bullet-time” di Matrix. Entusiasmante
film di “fin d’études”. OMAGGIO ALLA SUPINFOCOM. Premiato a Clermont-Ferrand 2001.
La belle au bois d’or (La Bella Dimenticata nel
bosco) di Bernard Palacios, 2001, colore, 12’51’’.
Variazione sul tema della Bella Addormentata,
che ha avuto di recente una versione d’irresistibile parodia in Isabelle au bois dormant di Claude
Cloutier. OMAGGIO A LA FABRIQUE.
Le dos au mur (Spalle al muro) di Bruno Collet,
2001, colore, 7’13. Nel Purgatorio degli oggetti,
un personaggino di ghisa passa in rassegna la sua
esistenza: condannato dalla nascita a bloccare
con la schiena una persiana aperta, la sua vita di
“ometto-busto” è stata una lunga, cieca sottomissione. E tuttavia, si ricorda, un giorno, di aver
creduto nell’amore...Poetico recupero ai giorni
nostri, con la tecnica degli oggetti animati, di atmosfere alla Andersen, tipo Il soldatino di piombo
e la ballerina (già tradotto in disegni animati da
Paul Grimaux). OMAGGIO A BRUNO COLLET.
Le faux pli (Il pacco sbagliato) di Lepeintre-Arditti-Delpuech, 2002, colore, 5’51’’. In un mondo
senza suolo, tutto è sospeso a fili in movimento:
operai, poliziotti, detenuti, passanti. In questo
di Mario Serenellini universo che non appoggia da nessuna parte,
France frou-frou
2000-09: dieci anni
di capolavori di cartoon
100
il film, in 3D, ci fa assistere alla prima giornata di lavoro di un giovane. OMAGGIO ALLA
SUPINFOCOM.
Dalì: Destino di Dominique Monféry, da DalìDisney, colore, 2003, 6’. Viaggio onirico di una
ballerina, assediata da oggetti surreali in un paesaggio desertico, trasportata dall’onda malinconica e appassionata di una canzone spagnola.
Sessant’anni dopo il temerario progetto, rimasto
incompiuto, di un cartoon Disney, su disegni e
sceneggiatura di Salvador Dalì, la realizzazione
fortemente voluta dal nipote Roy Disney e affidata a un regista francese, che rende magicamente col 2D elettronico le forme liquefatte e
cangianti del pittore spagnolo.
Calypso is like so (Il calipso è così) di Bruno Collet,
2003, colore, 7’08’’. Strepitoso adattamento con
l’animazione di puppets delle atmosfere inquiete
e notturne di La paura corre sul fiume di Charles Laughton, protagonista uno sbozzato Robert
Mitchum, con le immancabili scritte sulle nocche:
“Love” e “Hate”. OMAGGIO A BRUNO COLLET.
Une histoire vertébrale (Una storia vertebrale)
di Jérémy Clapin, 2004, colore, 9’09’’. Lui è piegato a angolo retto in avanti, la faccia che guarda per terra, lei è piegata a angolo retto all’indietro, la faccia rivolta al cielo. Simmetrici l’uno
all’altra, sarebbero la coppia perfetta. Ma anche
se abitano nello stesso condominio e s’incrociano
per le scale, non si vedono mai, perché uno guarda in su e l’altra in giù. Finché, un giorno...
Workin’ Progress (Progresso in corso) di GarciaFligans-Vandendaele-Flinois, 2004, colore, 4’17’’.
Un musical ironicamente celebrativo del bravo
lavoratore alla catena, dello spirito di corpo e dei
destini progressivi dell’edilizia metropolitana. Un
balletto del mattone, una coreografia esilarante
e amara, nell’abbraccio suadente d’una musica
contagiosa. OMAGGIO ALLA SUPINFOCOM.
Versus di Cafflaux-Noël-Salas, 2005, colore, 5’38’’.
Su due isole sperdute in mezzo all’Oceano, due
clan di samurai sono in lotta perpetua per contendersi l’isoletta di mezzo. In un perfetto 3D,
l’assurdità e la stupidità della guerra, stile I due
castelli o Cavallette di Bruno Bozzetto. OMAGGIO ALLA SUPINFOCOM.
Bob di Jean-Pierre Poirel, 2006, colore, 3’39’’.
Lavoro alla catena in un immenso complesso
industriale, dove gli operai, sempre più spersonalizzati, diventano funzioni e numeri, “formattati”
dalle macchine. Un allucinante Tempi moderni in
2D elettronico. OMAGGIO A LA POUDRIÈRE.
Dog Days (Giorni da cani) di Geoffroy de Crécy,
2006, colore, 15’44’’. Increscioso scambio, a uno
stop per la benzina, tra una vivace neonata di
rango borghese e il cucciolo d’una famiglia di
villici: la bambina intraprenderà così la carriera delle passerelle canine e il cagnetto riceverà
un’educazione di classe, fino agli studi universitari e alla laurea. In uno spassoso 3D, le estreme
conseguenze di “test esistenziali” illustrati da
film come Toto le héros.
La queue de la souris (La coda del topo) di Benjamin Renner, 2007, colore, 4’10’’. Di impressionante perizia tecnica, su una tessitura bidimensionale a contrasto nero-rosso campisce una
sfida Davide-Golia tra un topino e un leone gigantesco. Il giovane autore, studente della Poudrière, limita gli effetti all’essenzialità di giochi
grafici e ritmi sapienti, con evidente richiamo al
primo Michel Ocelot, tra découpage e ombre cinesi. Cartoon d’or 2008 (l’Oscar europeo dell’animazione). OMAGGIO A LA POUDRIÈRE.
Bingo Bongo! - 01 di Federico Vitali, 2009, colore, 6’. Primo e ultimo: un promo di serie (26x6’)
rimasto promo. Dall’autore delle fulminee Sales
Blagues, la fuga epocale d’un ladro di polli inseguito dal resto della fattoria: mastino, coniglio,
anatre a razzo. Un delirio d’azione e di gags.
COMICA FINALE
BBB (da Read My Lips di Atmo), 2007, colori, 3’.
A volte cantano, e sempre ce la cantano. Chi? I
tre B....
DURATA COMPLESSIVA (conduzione inclusa): 1
ora e 50 minuti
organizzazione: Arc-enfer, Parigi collaborazioni: Ministère des Affaires Etrangères
et Européennes, Festival International du Film
d’Animation di Annecy, Festival International du
Court Métrage di Clermont-Ferrand, Musée des
Beaux-Arts di Montréal, Serge Bromberg (Lobster), Canal +.
Here is a different side of French cinema, seen
through a choice of animated short films, on the
visionary edge of surreal comedy and amazing fantasy. A selection of the most highly awarded and
appreciated French cartoons from 2000 to today
at the international short film festivals of ClermontFerrand and Annecy Film d’animation. In 14 titles,
we are treated to a cavalcade of the country’s
finest animation which features a special salute to
one film maker, Bruno Collet, and to three schools
of filmmaking: la Fabrique, la Poudrière and la
Scuola infografica Supinfocom of Valenciennes.
THE PROGRAM
AP 2000 by Bail-Delpoux-Ebzant-Lauwick, 2000,
8’. A hilarious war catastrophe, with nuclear fleas
at war against lethal anti-parasites, a sort of Saddam-Bush waged on the hump of a tame European
dog. There is a playful rewriting in 3D of classic
film sequences from The Empire Strikes Back to
kung-fu, from Robocop to The Magnificent Seven,
to the “bullet-time” effect of Matrix. An enthusiastic after-hours work. SALUTE TO SUPINFOCOM.
Awarded at Clermont-Ferrand 2001.
La belle au bois d’or by Bernard Palacios, 2001,
color, 12’51’’. Variations on the Sleeping Beauty
theme, which was recently and irresistibly
parodied in Isabelle au bois dormant by Claude
Cloutier. SALUTE TO LA FABRIQUE.
Le dos au mur (Back to the Wall) by Bruno Collet,
2001, color, 7’13. In the Purgatory of objects,
a character made of ghisa looks back on his
existence: condemned from birth to hold up some
blinds with his back, his life as a “block-man” was
one long, blind act of submission. And yet, he remembers the day when he still believed in love…A
poetic look at our times using the technique of
animated objects, Andersen-like atmosphere like
The Soldier and the Ballerina (previously translated
into animated drawings by Paul Grimaux). SALUTE
TO BRUNO COLLET.
Le faux pli (The Wrong Package) by LepeintreArditti-Delpuech, 2002, colore, 5’51’’. In a world
without a floor, everything hangs by moving
strings: workmen, policemen, prisoners, passersdi Mario Serenellini by. In this universe which is suspended nowhere,
France frou-frou
2000-09:ten year
of cartoon masterpieces
102
the film, in 3D, shows us a young man’s first day at
work. SALUTE TO SUPINFOCOM.
Dalì: Destino di Dominique Monféry, by DalìDisney, color, 2003, 6’. The dreamlike journey of
a ballerina attacked by surreal objects in a desert
landscape, transported on the wave of a passionate, melancholy Spanish song. Sixty years after the
bold but unfinished project of a Disney cartoon,
based on drawings and screenplay by Salvador
Dali, the production of this film was strongly
desired by nephew Roy Disney and entrusted to a
French director, who magnificently rendered Dali’s
liquid, shining forms in electronic 2D.
Calypso is like so by Bruno Collet, 2003, color,
7’08’’. Incredible adaptation of The Night of
the Hunter by Charles Laughton with a dark,
nightmarish atmosphere and animated puppets,
a sketched Robert Mitchum and the unforgettable “Love” and “Hate” written on his knuckles.
SALUTE TO BRUNO COLLET.
Une histoire vertébrale (A Vertebral Story) by
Jérémy Clapin, 2004, color, 9’09’’. He bends over
at a right angle facing the ground; she bends over
at a right angle facing the sky. Symmetrical one
against the other, they would make the perfect
couple. However, although they live in the same
apartment building and they meet on the stairs,
they never see each other, because one looks up
and the other looks down. Until one day…
Workin’ Progress, by Garcia-Fligans-VandendaeleFlinois, 2004, color, 4’17’’. An ironically celebrative musical of a good worker on the chain gang,
of esprit du corps, and of the progressive destiny
of the urban construction trade. A ballet of bricks,
a bitter-sweet but exhilarating choreography, in the
persuasive embrace of contagious music. SALUTE
TO SUPINFOCOM.
Versus by Cafflaux-Noël-Salas, 2005, color, 5’38’’.
On two god-forsaken islands in the middle of the
ocean, two clans of Samurai are in perpetual battle
over a little island in the middle. In perfect 3D, the
film illustrates the absurdity and stupidity of war,
in a style recalling I due castelli or Cavallette by
Bruno Bozzetto. SALUTE TO SUPINFOCOM.
Bob by Jean-Pierre Poirel, 2006, color, 3’39’’.
Work on the assembly line of an immense indus-
trial complex, where the workers are increasingly
depersonalized, becoming functions and numbers
formatted by the machines. A nightmarish Modern
Times in electronic 2D. SALUTE TO LA POUDRIÈRE.
Dog Days, by Geoffroy de Crécy, 2006, color,
15’44’’. An unfortunate exchange, at a gas station,
of a lively middle-class baby and a puppy: the little
girl grows up learning a profession of dog shows
and the little dog receives a first-class education,
going on to college and a Bachelors degree. In a
delightful 3D, here is the extreme consequence
of “existential tests” illustrated in films like Toto le
héros.
La queue de la souris (The Rat’s Tail) by Benjamin Renner, 2007, color, 4’10’’. Technically very
impressive. On a two-dimensional warp in black
and red, a David-Goliath challenge takes place
between a little mouse and a huge lion. The
young filmmaker, a student of la Poudrière, limits
the effects to essential graphic games and skillful
rhythms, clearly recalling early Michel Ocelot in
the découpage and Chinese shadow-play. Cartoon
d’or 2008 (the European Oscar for animation).
SALUTE TO LA POUDRIÈRE.
Bingo Bongo! - 01 by Federico Vitali, 2009, color,
6’. First and last: a series promo (26x6’) which has
been left just that. From the director of the thunderous Sales Blagues, the epic escape of a chicken
thief chased by the rest of the farm: mastiff, rabbit,
ducks. A delirious piece of gags and action.
COMIC FINALE:
BBB (from Read My Lips by Atmo), 2007, color,
3’. Sometimes they sing, these uppity three B’s…
TOTAL RUNNING TIME (including intro): 110
minutes
organization Arc-enfer, Paris
in association with Ministère des Affaires
Etrangères et Européennes, Festival International
du Film d’Animation di Annecy, Festival International du Court Métrage di Clermont-Ferrand, Musée des Beaux-Arts di Montréal, Serge Bromberg
(Lobster), Canal +.
TaoSpecial
moving midway
Godfrey Cheshire
La fabbrica dei martiri
Annalisa Vozza, Camilla Cuomo
Yes, madame, sir
Megan Boneman
In questo documentario personale e riuscito, il
celebre critico Godfrey Cheshire esamina uno dei
più grandi miti iconici americani: le piantagioni
del sud. Quando, nel 2004, ritorna nella sua casa
d’infanzia nel Nord Carolina, Cheshire scopre
che suo cugino, Charlie Silver, ora proprietario
dell’antica piantagione di famiglia, la Midway
Plantation, si sta organizzando per spostare
letteralmente la proprietà allo scopo di sfuggire all’invadente sviluppo urbano. La notizia
sconvolge alcuni membri dell’eccentrica famiglia
Cheshire, preoccupati delle conseguenze che
il “trasloco” potrebbe avere sui fantasmi della
piantagione. Mentre osserva i preparativi per
l’eventuale messa in atto del trasloco – un’impresa spettacolare che ricorda il Fitzcarraldo di
Herzog- Cheshire viene a conoscenza di un importante segreto custodito dalla famiglia e vecchio di generazioni: la relazione avvenuta tra il
bis-bis-bis-nonno ed una schiava avrebbe lasciato
di Godfrey Cheshire in eredità alla famiglia bianca dei Cheshire oltre
100 cugini Afro-americani della cui esistenza il
regista non ha mai sospettato nulla. E mentre
avvengono gli incontri con questi nuovi parenti
e si medita sul loro punto di vista riguardo alla
complessa storia di Midway, il film maker guarda
alla piantagione anche come un’immagine capace di influenzare profondamente la visione americana sulla razza, la storia e la politica, attraverso lavori come La capanna dello zio Tom, Nascita
di una nazione e Via col vento. Un’interessante
combinazione tra le vere vicende di una famiglia
ed il saggio culturale, Moving Midway guarda
alle tematiche trattate da autori del sud come
William Faulkner, Truman Capote e Tennessee
Williams con ironia ed arguzia.
Moving Midway
In this acclaimed personal documentary, noted
Moving Midway
Reg./ Dir.:
Godfrey Cheshire
Mus.:
Ahrin Mishan
Fot./ D.o.P.:
Jay Spain
Stati Uniti/ U.S.A., 2007
95’
Mont./ Ed.:
Ramsey Fendall
Greg Loser
106
film critic Godfrey Cheshire examines one of
America’s most potent mythic icons: the Southern
plantations. When he returns to his childhood
home in North Carolina in 2004, Cheshire discovers that his cousin, Charlie Silver, who now owns
their family’s ancestral Midway Plantation, has formulated plans to uproot and relocate its buildings
to escape encroaching urban development. The
news upsets some of Cheshire’s eccentric family,
who worry about the move’s effects on the plantation’s ghosts. While observing the preparations for
and eventual execution of themove – a spectacular
feat recalling Herzog’s Fitzcarraldo – Cheshire
also unearths a crucial secret in his family’s past:
A liaison between his great-great-great grandfather and a slave woman has left Cheshire’s white
family with over 100 African-American cousins
whose existence they had never suspected. As he
begins to meet these new relatives and consider
their perspective on Midway’s complex history, the
filmmaker also looks at the Southern plantation as
an image that profoundly influenced Americans’
views of race, history and politics, in works such
as Uncle Tom’s Cabin, The Birth of a Nation and
Gone With the Wind. An innovative combination
of real-life family drama and cultural essay, Moving Midway brings a witty, ironic perspective to
issues treated by Southern authors such as William
Faulkner, Truman Capote and Tennessee Williams.
Godfrey Cheshire
City e pubblica i propri articoli su diverse testate,
tra queste il “New York Times”, “Newsweek”,
“Variety”, “Interview” e “Film Comment”. È il primo critico americano ad aver scritto ampiamente sul cinema iraniano e, come inviato in Iran,
ad aver trattato registi come Abbas Kiarostami e
Mohsen Makmalbaf. Nel 2000, il MoMa dedica
al suo saggio “La morte della pellicola/ La decadenza del cinema” un simposio; il libro tratta
infatti le imminenti conseguenze dell’introduzione, nel mondo del cinema, del digitale. Moving
Midway è il suo primo film.
Godfrey Cheshire is an American film critic,
journalist, and filmmaker. Born June 3,1951, in
Raleigh, North Carolina, he helped found a successful Raleigh newsweekly in 1978 and served
as its arts editor and film critic until 1991. Based
in New York City since then, his film criticism
has appeared in publications including the “New
York Times”, “Newsweek”, “Variety”, “Interview”
and “Film Comment”. The first American critic
to write extensively about Iranian cinema, Cheshire has reported from Iran on directors such
as Abbas Kiarostami and Mohsen Makmalbaf. In
2000, New York’s Museum of ModernArt devoted a special symposium to his essay “The Death
of Film/The Decay of Cinema,” about the impending consequences of the digitization of cinema.
Moving Midway is his first film.
Godfrey Cheshire è un critico cinematografico,
giornalista e film maker di nazionalità americana, nato il 3 Giugno, 1951 a Raleigh nel Nord
Carolina. Nel 1978 contribuisce alla nascita di un
settimanale locale di successo per il quale riveste
il ruolo di redattore culturale e critico cinematografico fino al 1991. Da allora vive a New York
USA
2007
Moving Midway
Il volto del carismatico leader Khomeini insieme
ai suoi successori, ritratti dei martiri nazionali, figure animali che simboleggiano il bene e il
male. Sono questi enormi dipinti, commissionati
e sponsorizzati dal governo, che in Iran ricoprono i muri d’interi palazzi: pitture che fanno parte
della campagna propagandistica islamica iniziata
ai tempi della Rivoluzione del 1979 e tenuta viva
ancora oggi, a dispetto di una religione iconoclasta. Proliferati in seguito alla guerra contro
l’Iraq, scoppiata un anno dopo la formazione
della Repubblica Islamica, i murales si affollano
ai bordi delle strade, tra le pubblicità di elettrodomestici o cellulari, e sono diventati delle vere e
proprie “epopee” di uomini comuni che – attraverso il sacrificio e il martirio, caro alla tradizione religiosa sciita - vogliono essere riconosciuti
appieno come eroi nell’immaginario collettivo.
L’insieme di queste opere risalta oggi nel paesaggio urbano, amalgamando, in una sola immagidi Annalisa Vozza ne, politica, guerra e religione. Accanto a loro,
tuttavia, stanno trovando posto negli ultimi anni
nuove immagini, astratte e di natura mistica o
veri e propri trompe-l’oeil in stile francese, indice
della volontà di dare un volto nuovo, moderno
e sereno al Paese. Immagini che rispecchiano i
cambiamenti, le paure e le contraddizioni di una
società islamica in fermento, posta sotto i riflettori dell’attenzione internazionale.
(Factory of Martyrs)
The charismatic face of leader Khomeini as he
stands in the company of his successors, portraits
of national martyrs, drawings of animals representing good and evil. These are the huge paintings,
commissioned and sponsored by the government,
that in Iran cover entire buildings: paintings which
are part of the Islamic propaganda started during
the 1979 Revolution and kept alive today, despite
Reg./ Dir.:
Annalisa Vozza
Scen./ Script:
Camilla Cuomo, Annalisa
Vozza
Fot./ D.o.P.:
Ashkan Ashkani
Mont./ Ed.:
Babak Karimi
108
Mont. Su./ Sound Ed.:
Faraj Faraji
Mus.:
Payam Jahanmani,
Ensemble Zarbâng
Cast:
Hannibal Alkhas
Shapoor Biranvand
Kazem Chalipa
Iraj Eskandari
Mohammad Eskandari
Mehdi Ghadyanloo
Feerouzeh
Golmohammadi
Hossein Khosrojerdi
Farzaneh Dilani
Niloofar Qaderinejad
Mahmood Shoeybi
Mohammad Esmail
Soroush
Gholamali Taheri
Iskandar Yarnasab
Voci/ Voices:
Oreste Baldini
Filly Balice
David Coco
Camilla Cuomo
Gianni Giuliano
Babak Karimi
Daniela Marazzita
Stefano Thermes
Annalisa Vozza
Prod.:
Babak Payami
FABRICA SPA
Tel+ 39 0422 516340
fax + 39 0422 5163543 1020
[email protected]
Distr.:
Tsi Televisione Svizzera
Italiana, Via canevascini
– Lugano - Svizzera 6903
Tel. +41-91-8035396
[email protected]
Italia/ Italy 2008
55’
the iconoclastic religion.
These murals, which proliferated following the war
against Iraq which began a year after the formation of the Islamic Republic, are everywhere to be
seen on the streets, amidst the adverts of domestic
appliances and mobile phones, and have become
real “epics” of common men who – through
sacrifice and martyrdom, two concepts dear to
the tradition of Shiite religion- want to be fully
recognised as the heroes in everyone’s imagery.
Today the ensemble of these works stands out in
the urban landscape, amalgamating in one single
image politics, war and religion. These though
are recently being flanked by new, abstract and
mystical images or true French-style trompe-l’oeil
representing the Country’s wish for a modern and
serene identity. These are the images that reflect
the changes, the fears and contradictions of an
Islamic society in turmoil and under the scrutiny of
the international community.
opera come regista esordiente.
Born in Motta di Livenza (Treviso) on August 20,
1978, and with a degree in Modern Literature,
Annalisa Vozza began her professional career in
the theatre as an actress and director. Following
a Master in Film Production, in 2005 she started
working in the documentary field by joining
various European co-productions and developing international projects. She has co-directed
various documentaries: in 2008 she wrote and
directed with Giovanni Santocito the documentary “Dov’era il Muro”. In 2007 she directed with
Cuini Amelio Ortiz the documentaries “Il cinema
alla fine del mondo” (Italy-Argentina) and “Curiò”
(Italy-Brazil), both produced by RAI3.
“Factory of Martyrs” is the result of her collaboration with author Camilla Cuomo and marks her
directorial debut.
Annalisa Vozza
Nata a Motta di Livenza (TV) il 20 agosto 1978 e
laureatasi in Lettere Moderne, Annalisa Vozza ha
iniziato la sua carriera professionale nel teatro,
come attrice e regista. Dopo un master in produzione cinematografica, nel 2005 ha intrapreso
il suo percorso di documentarista, collaborando
in diverse co-produzioni europee e sviluppando
progetti internazionali. Ha firmato diverse coregie: nel 2008 è stata autrice e regista del film
documentario “Dov’era il Muro”, co-diretto con
Giovanni Santonocito. Nel 2007 ha diretto insieme a Cuini Amelio Ortiz i film documentari “Il
cinema alla fine del mondo” (Italia- Argentina) e
“Curiò” (Italia - Brasile), prodotti per RAI3.
“Fabbrica dei Martiri” nasce dalla collaborazione con l’autrice Camilla Cuomo ed è la sua prima
2008
Fabbrica dei martiri
Dov’era il muro
2007
Il cinema alla fine del
mondo
Curiò
“Yes, Madam, Sir” raccontato dal Premio Oscar
Helen Mirren, e girato in più di sei anni, narra
l’avvincente biografia di una delle più emblematiche donne rivoluzionarie Indiane, Kiran Bedi.
Vincitrice del Premio Nobel e del Nobel per la
Pace, Kiran Bedi è considerata la versione moderna di Gandhi, e una delle principali fautrici
di cambiamento nel mondo, che tuttora rimane
un intrigante paradosso. Sfidata da milioni per
il suo impegno verso la giustizia sociale e per la
sua posizione pubblica contro la corruzione, diffamata dalle istituzioni come una procacciatrice
di pubblicità ed una megalomane incontrollabile.
Il vero dramma non sta tanto nella straordinaria
audacia di Bedi, quanto nelle contraddizioni inerenti al suo personaggio.
Yes, Madame, Sir
“Yes, Madam, Sir” narrated by Academy Award©
winner Helen Mirren, and filmed over six years,
portrays the compelling life story of one of India’s
most iconic revolutionaries, Kiran Bedi. Asia Nobel
Prize winner, and Nobel Peace Prize nominee,
Kiran Bedi is considered India’s modern day Gandhi, and one of the worlds greatest living change
agents, yet remains an intriguing paradox. Deified
by millions for her commitment to social justice
and her public stance against corruption; vilified
by the establishment as a publicity seeking, uncontrollable megalomaniac. The true drama lies not in
Bedi’s extraordinary audacity, but in the inherent
contradictions in her character.
Yes, Madame, Sir
Reg./Dir.:
Megan Boneman
Scen./Script:
Megan Boneman
110
Cast:
Helen Mirren (voce
narrante/narrator)
Kiran Bedi
Prod.:
Megan Bonema
Laraine Boneman
DonneForti
riprendimi
persepolis
due partite
8 donne e un mistero
yes, madame, sir
v. sez.TaoSpecial
frida
Capita che spesso il contributo apportato dalle
donne all’industria cinematografica passi inosservato o che venga sottovalutato, nonostante i livelli di eccellenza raggiunti nei più diversi settori
e aree di specializzazione. Quest’anno, portiamo
al Taormina Film Fest in Sicilia una selezione di
Donne Forti, presenti in veste di registe, produttrici, attrici e indimenticabili personaggi come
Frida Khalo o la protagonista de La Siciliana ribelle. Dall’Iran all’India, dalla Francia a Hollywood, questi film esplorano il modo in cui le donne
vivono e hanno vissuto, il loro coraggio e i loro
atti di ribellione nei confronti del mondo.
The contribution of women to the film industry is
often overlooked and undervalued, in spite of the
fact that they have reached the top in all film fields
and areas of specialization. This year, we are bringing to the Taormina Film Fest in Sicily a panorama
of Strong Women who appear in the role of directors, producers, actresses and unforgettable movie
characters like Frida Khalo and the protagonist of
La Siciliana ribelle. From Iran and India to France
and Hollywood, these films explore the way
Deborah Young women live and have lived, and their courage and
Artistic Director acts of rebellion in facing the world.
Donne Forti
112
Riprendimi
Due film maker (ri)prendono una giovane coppia
nel suo quotidiano, per descrivere una “società
liquida” dove il precariato nel lavoro è la norma
da cui i sentimenti vengono irrimediabilmente influenzati. Lucia e Giovanni si lasciano, lui
si innamora di Michela e Lucia non si dà pace,
almeno fino a che non sentirà un batticuore per
Eros, uno dei documentaristi che la segue notte
e giorno con la telecamera. Una tragicommedia
dei sentimenti realizzata col linguaggio del documentario in cui finzione cinematografica e realtà
giocano costantemente in una confusione rimessa in ordine da giovani figure femminili di spicco,
fragili ed energiche, amanti e mogli, fautrici del
proprio destino e di quello di chi sta loro accanto.
Good Morning Heartache (colonna sonora di Billie Holiday) è il mood che pervade il film con una
costante sensazione di tremore nel petto data
dalla vita precaria, un sentimento a metà tra la
paura e l’eccitazione, come in una perpetrata
melodia jazz.
Two filmmakers shoot the every-day-life of
a young couple, describing a “liquid society”,
where work shakiness inevitably influences all
feelings. Lucia and Giovanni break up, he falls
in love with Michela and Lucia cannot get over
it, until she falls for Eros, one of the filmmakers
following her night and day. A tragic-comedy
shot as a documentary, where fiction and reality
constantly come together in a confusion that
eventually comes to an end thanks to the two
young female characters, fragile and energetic,
lovers and wives, creators of their own destiny
and of that of the ones around them. Good Morning Heartache (Billie Holiday’s soundtrack) sets
the mood for this film constantly depicting a
sense of shakiness, a feeling in between fear and
excitement, just like the perpetrating melody of
a jazz song.
Riprendimi
Reg./Dir.:
Anna Negri
Mus:
Dominil Schrrer
Scen./Script:
Anna Negri
Giovanna Mori
Prod:
Claudio Amendola
Roberto Manni
Francesca Neri
Fot./Phot:
Gian Enrico Bianchi
Mont./Ed:
Ilaria Fraioli
Cast:
Alba Rohrwacher
Marco Foschi
Valentina Lodovini
Stefano Fresi
DISTRIB:
Medusa
Italia 2008
Persepolis
Nell’Iran degli anni ’70, Marjane ‘Marji’ Statrapi
guarda agli avvenimenti storici attraverso i suoi
giovani occhi e quelli della sua famiglia idealista
che sogna la sconfitta dell’odiato Shah durante la Rivoluzione Iraniana del 1979. Crescendo, Marji diventa testimone di come il nuovo
Iran, adesso governato dai fondamentalisti
islamici, sia diventato esso stesso una tirannia
repressiva. Considerato che Marij rifiuta pericolosamente di rimanere in silenzio di fronte a
questa ingiustizia, i suoi genitori la mandano a
studiare a Vienna sperando in una vita migliore. Ma questo cambiamento si rivelerà un prova
altrettanto difficile per la giovane donna che
si ritroverà in una cultura differente, costellata da personaggi cinici e da profonde delusioni
che la turberanno molto. E anche quando torna
a casa, Marji realizzerà che sia lei che la città
d’origine sono ormai troppo diverse, e insieme
alla famiglia dovrà capire a quale realtà appartiene davvero.
In 1970s Iran, Marjane ‘Marji’ Statrapi watches
events through her young eyes and her idealistic
family of a long dream being fulfilled of the hated
Shah’s defeat in the Iranian Revolution of 1979.
However as Marji grows up, she witnesses first
hand how the new Iran, now ruled by Islamic
fundamentalists, has become a repressive tyranny
on its own. With Marji dangerously refusing to
remain silent at this injustice, her parents send
her abroad to Vienna to study for a better life.
However, this change proves an equally difficult
trial with the young woman finding herself in a
different culture loaded with abrasive characters and profound disappointments that deeply
trouble her. Even when she returns home, Marji
finds that both she and homeland have changed
too much and the young woman and her loving
family must decide where she truly belongs.
Perspeolis
Reg./Dir.:
Vincent Parannaud
Mariane Satrapi
Scen./Script:
Vincent Parannaud
Mariane Satrapi
Mont./Ed:
Stéphane Roche
Mus:
Olivier Bernet
114
Prod: Tara Grace
Marc Jousset
Kathleen Kennedy
Xavier Rigault
Marc-Antoine
Robert Vitaliy Versace
Cast: Chiara Mastroianni
Catherine Deneuve
Danielle Darrieux
Simon Abkarian
Gena Rowlands
Sean Penn
DISTRIB:
BIM DISTRIBUZIONE
Due partite
Una commedia dolce-amara sul mondo femminile. Due epoche, due modi di essere donne. Anni
Sessanta: una partita a carte per stare insieme.
Ogni giovedì pomeriggio, quattro amiche si
raccontano amori e tradimenti, teorizzando la
maternità, la vita e i problemi del matrimonio.
Litigano, ridono, parlano con complicità e un po’
di cinismo.
Trent’anni dopo: le figlie si ritrovano al funerale
di una delle madri. Sono le stesse bambine che,
durante le partite a carte, giocavano nella stanza
accanto. Come le loro madri, si confidano sogni e
paure, il tempo che passa, il rapporto con il lavoro, il desiderio di maternità.
Sono passati decenni ma l’identità femminile sembra inalterata, nonostante la carriera e
l’emancipazione; essere donna significa oggi
come allora energia, allegria, fatica e dolore.
In this bitter-sweet comedy set in the feminine
universe, two eras and two way of being a woman
are contrasted. The Sixties: a card game is about
to begin. Every Thursday afternoon, four girlfriends
gossip about their love affairs and betrayals, think
about maternity, life and their marriages. They
fight, they laugh, they confide in each other, a little
cynically at times.
Thirty years later: the daughters attend their
mother’s funeral. They’re the same little girls who,
during the card games, used to play in the next
room. Like their mothers, they tell each other
their dreams and fears, passing time, their feelings
about working, their desire for maternity. Dozens
of years have passed but the female identity seems
unaltered, in spite of careers and emancipation;
being a woman, today as back then, means energy, joy, struggle and pain.
Due partite
Reg./Dir.:
Enzo Monteleone
Mus:
Giuliano Taviani
Scen./Script:
CristinaComencini
Enzo Monteleone
Prod:
Riccardo Tozzi
Giovanni Stabilini
Marco Chimenz
Fot./Phot:
Daniele Nannuzzi
Mont./Ed:
Cecilia Zanuso
Cast:
Margherita Buy
Isabella Ferrari
Marina Massironi
Paola Cortellesi
Carolina Crescentini
Valeria Milillo
Claudia Pandolfi
Alba Rohrwacher
Distrib.:
01 Distribution
Italia 2008
8 donne
e un mistero
Un’isolata magione nella campagna ammantata di neve della Francia del 1950. Una famiglia è
riunita per le vacanze… Ma non ci sarà alcuna
festa: il loro amato capofamiglia è stato assassinato! L’omicida non può che essere una delle
otto donne più vicine all’uomo di casa. È stata la
sua potente moglie? La sua cognata zitella? La
sua tirchia suocera? O forse l’insolente cameriera o la leale governante? O può essere stata una
delle sue due giovani e graziose figlie? Una visita
a sorpresa dall’affascinante sorella della vittima
trasforma l’investigazione in una giornata di isterismi, rivalità e addirittura intermezzi musicali.
Oscuri segreti di famiglia insaporiscono situazioni al limite del comico, così come il tradimento
è condito da danze di seduzione. Il mistero della
psiche femminile è rivelato.
One morning at an isolated mansion in the snowy
countryside of 1950s France, a family is gathered for the holiday season. But there will be no
celebration at all because their beloved patriarch
has been murdered! The killer can only be one of
the eight women closest to the man of the house.
Was it his powerful wife? His spinster sister-in-law?
His miserly mother-in-law? Maybe the insolent
chambermaid or the loyal housekeeper? Could it
possibly have been one of his two young daughters? A surprise visit from the victim’s chic sister
sends the household into a tizzy, encouraging
hysterics, exacerbating rivalries, and encompassing
musical interludes. Comedic situations arise with
the revelations of dark family secrets. Seduction
dances with betrayal. The mystery of the female
psyche is revealed.
8 donne e un mistero
Reg./Dir.:
François Ozon
Scen./Script:
François Ozon
Fot./Phot:
Jeanne Lapoirie
Mont./Ed:
Laurence Bawedin
116
Prod:
Olivier Delbosc
Marc Missonnier
Cast:
Catherine Deneuve
Fanny Ardant
Emmanuelle Béart
Isabelle Huppert
Virginie Ledoyen
Danielle Darrieux
Ludivine Sagnier
Firmine Richard
DISTRIB:
BIM Distribuzione
Frida
Frida Khalo è una pittrice rimasta alla storia per
il suo coraggio, la genialità e la vivacità che l’ha
fatta conoscere nel “suo Messico” e poi al mondo
intero. Diego Rivera è l’uomo che per tutta la
vita le è stato accanto, e che con lei ha condiviso
i sogni e le amarezze della rivoluzione messicana.
“Friduccia” rivive tra malinconia e vitalità in una
biopic di Julie Taymor in cui conturbanti e coloratissimi tableaux vivants raccontano un percorso intenso e appassionato: dall’Arte agli uomini,
dal Messico alla sua famiglia e il suo uomo (il
panciuto e brontolone “Dieguito”), la malattia e
la voglia di vivere che trasuda da ogni sua opera.
Il film è un vero e proprio quadro in movimento
con un’eccellente Frida Salma Hayek e musiche
da Oscar che vanno dalla tradizione messicana
rivisitata dalla voce di Chavela Vargas a inedite
melodie di Caetano Veloso.
Painter Frida Khalo will be remembered for the
courage, talent and passion that made her famous
in “her Mexico” and later around the world. Diego
Rivera was the man who, her whole life long, was
at her side and shared her dreams and the bitter
aftertaste of the Mexican revolution. “Friduccia”
comes alive, between melancholy and vitality,
in this biopic directed by Julie Taymor, who uses
brightly colored tableaux vivants to describe an
intensely passionate life. From art to men, from
Mexico to her family and her man (the grumpy,
big-bellied “Dieguito”), her illness and her will to
live, bursting out of every painting she made. The
film is a true portrait in motion, with an excellent
Salma Hayek in the role of Frida Khalo. The Oscarwinning music ranges from Mexican traditional,
revisited by the voice of Chavela Vargas, to new
melodies by Caetano Veloso.
Frida
Reg./Dir.:
Julie Taymor
Mont./Ed:
Francoise Bonnot
Scen./Script:
Hayden Herrera
Clancy Sigal
Diane Lake
Gregory Nava
Anna Thomas
Mus:
Elliot Goldenthal
Fot./Phot:
Rodrigo Prieto
Cast.:
Salma Hayek
Alfred Molina
Mia Maestro
Antonio Banderas
Valeria Golino
Ashley Judd
Prod:
Lindsay Flickinger
Sarah Green
Nancy Hardin
Salma Hayek
Jay Polstein
Roberto Sneider
Lizz Speed
Distr.:
Disney
Messico/USA 2002
DonneForti in Sicilia
la siciliana ribelle
bianche eolie
tradizionalmente maschilista. Come tutte le altre
donne di mafia siciliane, Rita dovrebbe piegarsi
alla legge del silenzio. Ma lei non è come le altre
e la sua vita è una sfida al destino. Rinnegata e
minacciata dal paese e persino dalla madre, Rita
è costretta ad esiliarsi a Roma. Qui è costretta
a vivere sotto falsa identità e a scontrarsi con
la verità: i suoi familiari assassinati non erano
le figure ammirevoli che lei credeva. Intanto il
Procuratore diventa una sorta di figura paterna e
c’è spazio anche per l’amore nella vita di Rita che
scopre la sua femminilità oltre che il diritto di vivere la propria adolescenza.
Ma gli eventi precipitano. Rifiutando di essere la
successiva sulla lista, Rita vive un’illusione che la
di Marco Amenta porterà incontro al suo destino segnato.
La siciliana ribelle
Rita è una ragazza di 17 anni che una mattina, si
reca dal Procuratore di Palermo per vendicare gli
assassini del padre e del fratello, entrambi mafiosi. Per la prima volta una ragazzina di famiglia
mafiosa si ribella apertamente all’organizzazione
Rita is a seventeen years old girl who, one morning, pays a visit to Palermo’s attorney to take
revenge for the murder of her father and brother,
both men of the mafia. For the first time in history a girl belonging to a mafia family decides to
openly rebel against a traditionally patriarchal
organization. Like all other Sicilian mafia women,
Rita should have complied with the law of silence.
But she is like no other and her life challenges fate.
Repudiated and threatened by the town and even
her own mother, Rita is forced to exile in Rome.
Here she must live under a false identity and also
face the truth: her murdered relatives were not
the admirable people she had grown up to know.
In the mean time, the attorney becomes a sort of
surrogate fatherly figure and love finds a place
in Rita’s life. The girl discovers her femininity and
the right to live her own age. But events precipitate. Refusing to be the next on the list, Rita lives
through an illusion that will lead her to an alreadymarked destiny.
La siciliana ribelle
Reg./Dir.:
Marco Amenta
Scen./Script:
Sergio Donati
Marco Amenta
Fot./Phot.:
Luca Bigazzi
Mont./Ed.:
Mirco Garrone
120
Cast:
Veronica D’Agostino
Gerard Jugnot
Marcello Mazzarella
Primo Reggiano
Paolo Briguglia
Prod.:
R&C ProduzioniEurofilm-Roissyfiln-Rai
Cinema
Distr.:
Istituto Luce
Italia 2008
ci dice la voce fuori campo, sono nelle Americhe
in cerca di fortuna. Ed ecco le coraggiose donne.
Con l’immagine di un’anziana donna che rema
lenta ed instancabile, il film ci offre un’indimenticabile ritratto della vita sull’isola di Panarea
e delle sue abitanti che devono occuparsi di se
stesse, anche coi lavori più duri. La donna sembra trascinare con se, sulla piccola barca gremita
di compagne, tutto l’arcipelago delle Eolie con la
drammatica bellezza di quegli anni duri eppure
splendidi, come quelle terre.
Fermo immagine su queste figure femminili che
sono il simbolo di una storia e di un luogo geograficamente ben distinguibile che porta in se la
metafora di tutti i tempi ed è una d’ogni dove.
Bianche Eolie
Bianche Eolie è un cortometraggio che racchiude
in pochi minuti meravigliose immagini piene di
suggestioni. Le Eolie imponenti e bianchissime,
fanno da sfondo con la pomice che si sgretola
sotto i colpi di uomini al lavoro che si lasciano
rotolare nell’acqua come in un emblematico gesto liberatorio. Ma gli uomini sull’isola non sono
tantissimi alla fine degli anni ’40. Molti di loro,
The White Aeolians is a short film that, in a few
minutes, captures marvelous images that stir
the imagination. The Aeolian islands, north of
Sicily, so massive and white, are the backdrop to
the film. The white pumice crumbles under the
pickaxes of men at work, who let themselves roll
in the water like a liberation. But there aren’t so
many men on the island at the end of the 1940’s.
Many of them, as the narrating voice tells us,
are in America in search of fortune. So we meet
the island’s courageous women. The image of
an elderly women who slowly, tirelessly rows a
boat is an unforgettable portrait of life on the
island of Panarea, and of its inhabitants, who
have to take care of themselves with the hardest
labor. This woman seems to drag with her and
her small boat full of women the whole archipelago of the Aeolian islands, in all their dramatic
beauty of those difficult but splendid days. These
women are the symbol of an history and a very
particular place that are the metaphor of all times and places.
Bianche Eolie
Reg./Dir.:
Renzo Avanzo
Quintino Di Napoli
Pietro Moncada
Italia 1947
Dur.: 10’
Speciale Sicilia
una Notte blu cobalto
Una notte blu cobalto
di Daniele Gangemi
Dino è uno studente fuori corso che ha perso vitalità. È stanco, l’università è ormai un peso per
lui, solcato da un vuoto che non sa come riempire. Vaga per una meravigliosa Catania in cerca di
se stesso ma nella sua mente c’è solo Valeria, suo
grande amore che non riesce a riconquistare in
nessun modo.
Dino ha bisogno di ricominciare ma non sa bene
da dove. Passeggiando si trova davanti ad una
pizzeria dall’insegna luminosa Blu Cobalto. Qui
trova lavoro per il servizio di pizza a domicilio. Forse c’è una speranza per lui: così inizia un
viaggio nella stessa Catania di qualche ora prima,
questa volta virata in blu (cobalto?) di una notte
misteriosa nella quale si trova davanti ad una girandola di personaggi strani e a volte inquietanti,
a cominciare dal proprietario della pizzeria. Dino
avrà una sola notte a disposizione, in cui forse
potrà colmarsi quel vuoto interiore, in cui tutto
sarà possibile, persino scegliere se essere felici.
Dino is an out-of-course student who has lost his
vitality. He’s had enough, university has turned
into a nuisance and he’s torn by an emptiness
he fails to overcome. He roams the streets of the
beautiful city of Catania in search of himself. One
single thought inhabits his mind: Valeria, the great
love of his life whom he’s been trying to win back
but to no avail.
Dino needs to start from scratch but he doesn’t
know exactly how or where from. During one of
his walks he finds himself in front of the Blue Cobalt Pizzeria. Here he gets a job as a pizza delivery
boy. Life seems to be suddenly looking up: Dino
undertakes a journey through the same Catania
of a few hours earlier, during a mysterious night
he encounters an array of peculiar and at times
disturbing figures, staring from the owner of the
pizzeria. Dino has only one night to quench his
inner emptiness. Everything will be possible. Even
choosing to be happy.
Una notte blu cobalto
Reg./Dir.:
Daniele Gangemi
Mont./Ed.:
Paola Freddi
Scen./Script:
Daniele Gangemi
Carla Margialis
Mus.:
Giuliano Sangiorgi
Fot./Phot.:
Michele D’Attanasio
124
Cast.:
Corrado Fortuna
Valentina Carnelutti
Regina Orioli
Alessandro Haber
Prod.:
Grazia Rendo per
Orchidea Film
Italia 2009
Focus Brasile
Linha de passe
Walter Salles, Daniele Thomas
El milagro de candeal
Fernando Trueba
Nao por acaso
Philippe Barcinski
Cidade baixa
Sergio Machado
Chega de saudade
Lais Bodanzky
Bodas de papel
André Sturm
No meu lugar
v. sez. Oltre il Mediterraneo
Lavoura arcaica
Luiz Fernando Carvalho
feliz natal
Selton Mello
L’industria cinematografica brasiliana è senza
dubbio una delle più interessanti al mondo, e il
Taormina Film Fest in Sicilia è onorato di dare
il benvenuto ad una generosa delegazione di
produttori e professionisti brasiliani, tra questi
anche il leggendario musicista Carlinhos Brown
e il suo gruppo, accorsi in occasione della nostra
prima retrospettiva dedicata al cinema contemporaneo brasiliano. Un ringraziamento davvero speciale va a Cinema do Brasil, impegnato da
sempre nella promozione del cinema brasiliano
nel mondo. Ma anche a Ancine e alla Camera di
Commercio Italo - brasiliana, specialmente all’infaticabile Erica C. Bernardini per aver portato in
Sicilia la cultura cinematografica brasiliana.
One of the most exciting film-producing countries
in the world is Brazil, and Taormina Film Fest in
Sicily is proud to welcome a large delegation of
Brazilian producers and film industry representatives, along with the legendary musician Carlinhos
Brown and his group, in our first show of contemporary Brazilian cinema. We are deeply indebted
to Cinema do Brasil, which actively promotes
Brazilian films in the world, to Ancine and the
Italo-Brazilian Chamber of Commerce and especially to the tireless efforts of Erica C. Bernardini
Deborah Young for bringing the film culture of Brazil to Sicily and
Artistic Director to our audiences.
Brazil!
126
ti I gloriosi produttori e registi del cinema Novo
tendenzialmente carioca assieme a quelli altrettanto coraggiosi ma piu squattrinati e largamente Paulisti del cinema Marginal. Anche I critici,
le maestranze e sopratutto un gran numero di
giovani provenienti da tutte le regioni che fino
allora potevano solo aspirare a fare dei corti, dei
documentari o “morire sulla spiaggia” con pochi
e sofferti lungometraggi, si misero di buzzo buono per lavorare insieme a una legge (ora diventata proprio leggendaria!) sul cinema. Grazie alla
sensibilizzazione dei politici, la chiaroveggenza e
intelligenza di compagnie statali come Petrobras,
Electrobras, assieme a Unibanco, Oderbrecht
che sono i più grandi artefici a livello alimentare
della “retomanda” perche capirono che si parlava
di impiego, sviluppo, turismo, nuove tecnologie
(gradualmente nella produzione ma sopratutto nell’esercizio/distribuzione) e di stimolo per i
giovani ancora di più della cultura tout court che
porta il Brasile oggi a produrre piu’ film dell’Italia
annualmente e con una share del mercato marcatamente superiore a tutti i paesi europei eccetto la Francia, Gran Bretagna e spesso Spagna. Il giro di boa avvenne quando la Sony Columbia ruppe con le altre majors per via delle razzie
operate da Guber and Peters che forzarono i
giapponesi ad agire come i governi nei confronti
delle banche dopo il Lehman crack e, coprendo
un gap gigantesco, poter quindi usufruire largaDonald K. Ranvaud mente dei neonati tax incentives immaginati dalIl cinema Brasiliano ha fatto passi da gigante dalla legge. In questi ultimi cinque anni gli studios
la triste epoca di Fernando Collor (15 marzo 1990
e le compagnie estere hanno contribuito con un
fino all’espulsione via impeachment il 2 Ottobre
centinaio di milioni di dollari nel cinema locale
1992) quando da un momento all’atro e con caed è questo che ha definitivamente convalidato
ratteristica mancanza di raziocinio, il Presidente
un modello veramente dinamico e lungimirante
aboli tutti i meccanismi di appoggio al cinema e
a livello legislativo. alle arti in generale. La vendetta dei film makers
Chiaramente una selezione di film a un festival
che avevano votato in blocco e vociferosamenviene anche determinate dagli ospiti possibili e
te contro di lui si è costruita pezzo per pezzo
al desiderio di rappresentare le diversità sia arnegli anni fino ad arrivare a creare quello che
tistiche sia regionali. È difficile fare combaciare
sempre reclamavano e cioè un cinema brasiliano
tutte le esigenze anche in virtu della necessità
PERMANENTE.
di coprire delle falle createsi in eventi precedenIn questo senso ci si sentiva meglio quando si
ti che hanno misteriosamente tralasciato film
stava obiettivamente peggio. Lo shock fu il cataimportantissimi (come LAVOURA ARCAICA) per
lizzatore per una industria fino a quel momento
avere un quadro ideale completo a chi segue con
largamente clientelare ritrovo’ uniti e determinaattenzione il cinema Brasiliano in Italia.
Focus Brazil
Per questo è necessario, in questa occasione
almeno, dare a Cesare quello che è di Walter in
quanto fu proprio lui dopo il successo di CENTRAL DO BRASIL, invece di tirare acqua al suo
mulino e cosciente dell’importanza di creare un
desiderio non di UN film ma di cinema brasiliano, ad aprire le porte di Videofilmes per produrre assieme a Mauricio Andrade Ramos debutti
come LAVOURA ARCAICA, MADAME SATA,
CIDADE DE DEUS, CIDADE BAIXA e adesso NO
MEU LUGAR/EYE OF THE STORM. Allo stesso
tempo Videofilmes fin dal 2000 ha sostenuto le
produzioni del doyen Nelson Pereira da Silva, un
lavoro di grande importanza storica come la ricostruzione di LIMITE di Mario Peixoto nonchè i
capolavori documentaristi di Joao Moreira Salles
e il maestro Eduardo Coutinho.
Il modello fu poi seguito da compagnie come O2
di Fernando Meirelles e Paolo Morelli, Gullane
dei fratelli omonimi, Casa do Cinema di Porto
Alegre, Dezenove di Sara Silveira e Carlos Reichenbach e molte altre nobili compagnie che
hanno puntato sempre di più su primi film di
grande qualità piuttosto che sulle regie dei proprietari. I risultati sono visibile e concreti.
Brasilian cinema has come a long way from the
Collor years (15 March 1990 to 2 October 1992)
when all funding and resources were withdrawn
overnight by a President who was subsequently
impeached for corruption. The filmmakers got
their revenge with an enlightened policy that little
by little has built a permanent cinema, a battle
cry on the barricades at the time. The unity of all
film workers, from the historic producers and
directors of Cinema Novo to rapidly recognized
younger directors, determined a focus of attention
that led the politicians to devise one of the most
imaginative and successful film laws in the world.
By leveraging on withholding tax agreements and
engineering a creative architecture that made
companies like Petrobras and Electobras, as well
as the banks and the U.S. studios, who are the
main investors in the industry, Brasil has ended up
producing more films that Italy per year. The early
development of digital distribution and exhibition
has secured a very healthy home market for films,
128
that have increasingly garnered prizes at festivals
and received distribution in many countries, with
sales agents battling to secure the best titles and to
“discover” a remarkable number of new directors.
The studios’ policies to produce for local markets
is to a large degree the fruit of the experiments
in Brasil, and in the last five years the investment
must total well over 100 million dollars.
One of the key players in the so called “retomada
do cinema Brasileiro” is well-represented in this
selection; it is our attempt to “give Caesar what is
Walter’s.” In fact, it is now clear that Walter Salles
and Videofilmes’ decision to foster new talent
rather than build its war chest on the successes
of CENTRAL STATION has been one of the most
important elements in demonstrating the quality of
the talent simmering in Brasil or a long time. The
immediate slate of first films that was championed was LAVOURA ARCAICA, MADAME SATA,
CIDADE DE DEUS, CIDADE BAIXA and now
NO MEU LUGAR/EYE OF THE STORM, not to
mention the tremendous work wholly financed by
the company since 2000 of master documentary
maker Eduardo Coutinho and the films of Joao
Salles, which were rightly featured at the Rome
Film Festival event devoted to Brasilian cinema last
year.
We decided not to include well-known films such
as CIDADE DE DEUS and MADAME SATA, but
the full impact of this slate must be emphasized in
talking about the current vitality of this cinematography. Not least because it has now encouraged
other established companies such as Sao Paulo’s
O2films owned by Paolo Morelli and Fernando
Meirelles to adopt the same strategy (NAO POR
ACASO and A DERIVA are represented here).
With unselfish and imaginative directors like Walter
Salles, Fernando Meirelles and companies like
Gullane, the future continues to look bright down
under the other way!
Linha de passe
La co-direzione di un film e’ frequente nel cinema
Brasiliano. Il rapporto molto speciale tra Walter Salles e Daniela Thomas si era gia’ collaudato
con PRIMERO DIA. Questo primo lungometraggio totalente collaborativo fu girato durante la
“pausa” tra la prima parte carioca di CENTRAL DO
BRASIL, e la seconda girata a Bahia alcuni mesi
piu’ tardi. Mentre Walter ordinava I materiali girati nel primo film, Daniela poteva occuparsi della
peparazione degli attori e Mauricio Ramos degli
aspetti pratici della produzione. Quetsa strategia
permetteva a Walter di mantenere alto il fervore
creativo e a trovare stimuli costanti che trovano verificazioni tra un film e l’altro. Per molti
versi LINHA e’ un “ritorno” a casa, in famiglia,
sostituendo Rio con Sao Paulo e con una storia
edificante di una madre coraggio e dei suoi quattro figli che assieme rappresentano abilmente le
alternative possibili alla sopravvivenza nel contesto moderno e frenetico della grande città. Le
esperienze registiche accumulate fuori con film di
budget più consistenti hanno portato a una struttura narrativa che non dimentica le esigenze del
pubblico (e sono memorabilia le scene dei “moto
boys”) ma si mantiene fedele alla compassione e
all’amore per personaggi semplici ma di grande
spessore umano. Ancora una volta, dopo il premio
di Berlino per la migliore attrice a Fernanda Montenegro, la eccellente quasi debuttante Sandra
Corveloni ha ricevuto il Massimo riconoscimento
come migliore attrice a Cannes.
It’s quite a common practice in Brasilian cinema
to share directing credits and Walter Salles has a
long-standing working relationship with Daniela
Thomas, with whom he directed O PRIMERO DIA
after shooting the Rio de Janeiro part of CENTRAL
STATION and moving on a few months later to
shoot the Bahian part. In this way he was able to
continue working continuously and seamlessly as
he developed the style that was to win him accolades at home and abroad. This movie is especially
significant in that it marked a return to the sense of
“family” in Brasil (CENTRAL but also and especially
FOREIGN LAND, which remains probably his favourite movie) but swapping Rio for Sao Paulo and
a very strong contemporary story. The story of the
four brothers and the heroic Mother Courage magnificently played by Cannes’ best actress Sandra
Corveloni covers all bases in terms of the difficulties
of making ends meet in the megalopolis. Moto boys
and menial jobs clash in a narrative texture that
pulsates with the rhythms of the street. LINHA DE
PASE shows a confident and compassionate hand
deep in the contradictions of today’s Brasil and constructs a skillful bridge between the art house and
the commercial fare that is required for the kinds of
budgets needed to make movies in peace.
Linha de passe
Reg./Dir.:
Walter Salles
Daniela Thomas
Brasile 2008
Distr.:
01 Distribution
Nao por acaso
La grande e meritata reputazione acquisita da
Philippe Barcinski con corti di grande impatto come PALINDROMO (2001) si conferma
pienamente con questo primo lungometraggio
prodotto da Fernando Meirelles. La capacità di
attirare talenti come Leonardo Medeiros e Rodrigo Santoro qui alle prese con una parte diametricamente opposta a quelle che lo hanno reso una
star internazionale in poco tempo dal ABRIL DESPEDACADO di Salles fino a 300 e al CHE, Barcinski rivisita i temi dalla compulsione a ripetere
e delle psicosi maschili di controllo su un universo femminile ignaro e sfuggevole. La morte delle
due presenze femminili più care in un incidente
autostradale spinge I due a trovare dei rimpiazzi
che poi pero’ non si comportono come “l’originale” e creano degli squilibri nella concezione del
mondo. La mentalità geometrica del giocatore di
biliardo (Santoro) e quella matematica della persona onnipotente che e’ il controllore del traffico
in una megalopoli di 20 milioni di persone (Medeiros) ricreano le condizioni per la ripetizione di
un “perfect crash” che attraverso un magistrale
montaggio arriva ad emulare schemi di hitchcockiana memoria. Piu misurato delle elucubrazioni pirotecniche dei corti, NAO POR ACASO e’ un
film nel quale si intravedono sentimenti ed emozioni che prima non trovavano posto.
NAO POR ACASO/NOT BY CHANCE
After the brilliant impact made with his awardwinning shorts (PALINDROMO 2001),, Philippe Barcinski’s first feature attracted a great
cast (Rodrigo Santoro and Leonardo Medeiros with Leticia Sabatella, Branca Messina and
Rita Batata.) It continues the investigation into
compulsiveness and obsessive behaviour that
finds a proper context, allowing compassion to
seep through the quirks. Shot in same year as
“300,” which consecrated Rodrigo Santoro as an
international star, this film shows a completely different aspect of the multifarious talents of
the protagonist of ABRIL DESPEDACADO. The
mathematical configurations of Sao Paulo’s traffic represents the appropriate backdrop for the
vicissitudes of two couples shaped and moulded by a coincidental car crash, that appears to
be reconstructing itself once again according to
the rules of the “perfect crash”. The prompt calculations of the traffic honcho (the equivalent
of God in a city of 20 million people) avoids the
playing out of the catastrophe once again and
in the process teaches the two male members of
the couples to grow and learn to live with their
obsessions. More measured and delicate than his
previous fireworks-like shorts, this film demonstrates the maturity of an emerging new talent,
in the already crowded arena of new directors
who are attracting foreign financing and extensive play at film festivals.
Nao por acaso
130
Reg./Dir.:
Philippe Bacinski
Cast.:
Rodrigo Santoro
Brasile 2007
Un debutto vitale ed elettrizzante del regista
Bahiano Sergio Machado che è stato descritto come un incontro tra Jules e Jim con Cidade
de Deus, e y tu Mama Tambien. Un portentoso triangolo amoroso dove la solidarietà di una
grande amicizia (gli ottimi Lazaro Ramos di
Madame Sata e Wagner Moura di Tropa do Elite) tra companeros viene messa violentemente,
tragicamente e teneramente in discussione dalla
prepotente entrata di quella che all’inizio è solo
una provocante “puta” magistralmente interpretata da Alice Braga. La maniera TOTALE di mettersi completamente nelle mani del regista di
questi meravigliosi attori è quello che rende molto speciale questo film. La conoscenza e l’amore
per ogni aspetto della parte bassa di Salvador
creano un canovaccio di grandissimo risalto nella
regia accorta e premurosa di un talento che è gia
al lavoro su un film tratto dal romanzo del santo
di tutti I Bahiani, Jorge Amado.
Cidade Baixa
This is an electrifying directorial debut from
Bahian Director Sergio Machado which has been
described as the meeting point of Jules et Jim
with Cidade de Deus and Y tu mama tambien. A
steamy love triangle set in the low-life milieu of Salvador, capital of Bahia state, where violence is always potentially seething under the surface despite
the beauty and enchantment. Deco (no relation
to the football player!) played by Lazaro Ramos
and Naldinho (Wagner Moura) have always been
the best of best friends and co-own a small boat.
The appearance of a beautiful and provocative girl,
Karina (Alice Braga), is to change all that. At first
they are happy to pay for her services and share
the god-given passion that she manages to elicit in
them both, but soon the green-eyed monster and
their own obsessions get the better of them and
the movie turns into a fierce battle. Once again it’s
the full commitment of actors that have become
huge stars at home and abroad since they were
plucked by an extraordinarily sensitive and smart
director who is already completing his second feature inspired by one of Jorge Amado’s best-loved
novels QUINCAS BORBAS.
Cidade Baxia
Reg./Dir.:
Sergio Machado
Brasile 2005
La casa produttrice Gullane è forse la piu dinamica e coraggiosa nel contesto Brasiliano attuale.
Rappresentata con due film in concorso all’ultimo festival di Venezia (BIRDWATCHERS e
PLASTIC CITY) Gullane non ha paura di misurarsi
con il contesto internazionale e intraprendere
avventure produttive consistenti. La visione di
Fabiano e la concretezza di Caio, I due fratelli al
centro della compagnia, hanno permesso debutti
e conferme importanti come THE YEAR THAT
MY PARENTS WENT ON HOLIDAY di Cao Hamburger (nominato all’Oscar) e questo CHEGA
DE SAUDADE di uno dei talenti femminili più
significavi che debutto grazie a Marco Mueller
e Sara Silveira, BICHO DE SETE CABEZAS. La
semplice struttura che puo fare ricordale LE BAL
di Scola si allaccia qui a un gioco cinephile che in
un contesto melodrammatico si rifà al Ophuls di
LA RONDE E LOLA MONTES ma con una autoironia e un controllo che rendono ogni dettaglio
rilevante e sorprendente.
Chega de saudades
Gullane Films is the most dynamic and adventurous company operating at the moment in Brasil.
The courage and determination that leads to
co-productions like the wonderful BIRDWATCHERS and PLASTIC CITY (a first for a Brasilian
company to have two films in competition at the
Venice Film Festival) are an indication of their
ability and interest to work across the board in
a modern manner that most companies in Brasil
still do not dare to risk…..Fabiano’s vision and
courage in taking risks and Caio’s great competence and determination in making the films “with
his hands” are a unique combination which has
won them respect and support. These internatinal
experiences give them greater strength in pursuing
a clear-headed strategy for the renovation of Brasilian cinema. CAIO HAMBURGER (THE YEAR MY
PARENTS WENT ON HOLIDAY) and the director
of this film Lais Bodansky are but two of the most
accomplished discoveries who have made their
mark……The simple Scola-like premise of the
dance hall drifts into Ophuls territory (LA RONDE
and LOLA MONTES), but with a degree of selfirony and control that makes even moments that
appear insignificant, very very significant.
Chega de saudades
132
Reg./Dir.:
Lais Bodanzky
Brasile 2007
Bodas de papel
Forse più convenzionale degli altri film nella selezione, questo secondo film di Andre Pompeia
Sturm è tenuto fermamente in piedi dale grandi
prestazioni di Helena Ranaldi e Dario Grandinetti coaidiuvati sia da buon cast sia da una mano
ferma e sicura nella regia. Il suo precedente Sonhos Tropicais nel 2001 causo’ non poca polemica per il trattamento delle traiettorie probabili
nelle storie di immigrazione “forzata” e dimostra
assieme a questo film la varietà, le capacità e gli
interessi poliedrici di Sturm che sicuramente risucirà nella sua maniera di “non accettare prigionieri” a lasciare una marca nel cionema Brasiliano. La premessa di una storia di passione in una
notte di Wagneriana intensità trasforma questa
storia personalissima in una sfida universale per
arrivare a capire fino a che punto ogni persona
nel pubblica potrebbe arrivare...
More conventional than the other movies in the
selection, this film has a melodramatic fabric that
is held in place by the two main actors Helena
Ranaldi and Dario Grandinetti and an excellent
supporting cast. Written, directed and produced
by André Pompeia Sturm, whose debut SONHOS
TROPICAIS in 2001 created quite a stir over the
sensitive subject of immigration, it’s a measured
and mellow piece that testifies to his range of interest and abilities. The premise of the story - passion in a Wagnerian night - turns into a universal
story that fully engages and keeps one wondering
about small details and what one would do in their
place, and how far one would go…..
Bodas de papel
Reg./Dir.:
André Sturm
Brasile 2008
Lavoura arcaica
Questo film e’ una meteora non solo nel cinema brasiliano ma nel cinema mondiale, che lo
ha potuto apprezzare troppo poco. Emerso da
un grande “caso” letterario di Raduan Nassar
questa cronaca di una famiglia libanese che disperatamente cerca di affossare le proprie radici
culturali ed etiche nel terreno fertile popolato da
milioni di lombrichi e vermi che contaminano le
menti ribelli dei più giovani, e’ un tour de force
di inusitata forza poetica. Con la maestria di un
Velasquez nei dettagli e nei richiami e un campo
grande quanto la cappella Sistina, Luiz Fernando Carvalho riesce nell’intento di trasformare
le straordinarie qualità letterarie in sensazioni
sublimi che trasportano il pubblico in un contesto magico di crescita e conoscenza profonda.
Più unico che raro, questo film non sarebbe mai
stato possibile senza il coraggio e la volontà di
sfidare tutti gli schemi di produzione e le logiche
del mercato per porre una pietra miliare di squisita fattura nel cuore dell’anima di un cinema
parallelo possibile nei sogni più intensi del nostro
inconscio.
LAVOURA is an odd and probably unique bird.
A meteorite in a world that has forgotten what
uncompromising artistic vision really looks and
feels like. The chronicle of a coming-of-age for
the children and the whole family of Lebanese
immigrants in the promised land of Brasil is a
most extraordinary hymn to life and the force of
self-consuming sentiments. Unlike anything else I
have ever seen, the blending of visual textures and
an extraordinary musical score with inspired and
deeply moving performances will resonate in the
viewers hearts for a long time. With each image,
each frame moulded with the care and attention
of a Velasquez, the symbiosis of Luiz Fernando
Carvalho (director) and Walter Carvalho (director
of photography) is complete. Practically a spiritual
experience of unparalleled force, this film has
become a milestone for anyone who really knows
and loves Brasilian cinema.
Lavoura Arcaica
134
Reg./Dir.:
Luis Fernando Carvalho
Brasile 2001
Un’altra caratteristica del cinema Brasiliano
recente è la capacità di attori giovani ma già affermati di trovare cospicui fondi per realizzare le
loro opere prime. Selton Mello star di LAVOURA
ARCAICA e di una vasta gamma di altri film molto diversi tra loro come O CHEIRO DO RALO,
NINA, ARIDO MOVIE and JEAN CHARLES assieme a Matheus Nachtergale con il contundente
A FESTA DA MENINA MORTA del 2008 sono
due eccellenti esempi di questa nuova tendenza.
Entrambi afferano con tutte due le mani soggeti
difficili nelle tenebrose budella di contesti familiari difficili. Sarebbe stato ideale poter mostrare
questi due film uno accanto all’altro e aprire un
dibattito sul coraggio e il talento di questi attori
e di altri emergenti ma sarà per un’altra volta.
FELIZ NATAL è diviso in due parti e se uno attraversa l’ironico tunnel della “festa” iniziale sbocca
in un universo che molto a che vedere con il classico LA REGLE DU JEU di Renoir dove ci accorgiamo che non ci sono personaggi “cattivi” e che
tutti, come nella vita “hanno le loro ragioni”
Feliz Natal
Another characteristic of recent Brasilian films is
the number of debut features that established actors are able to secure financing for. Selton Mello,
the star of LAVOURA ARCAICA and an impressive
range of films, like Matheus Nachtergale with A
FESTA DA MENINA MORTA 2008, are excellent
examples of this new trend. Both have chosen
tough subjects and pull no punches, and both rely
on strong casts of relative unknowns to convey
their innovative narrative and stylistic concerns. It
would have ideal to show them side by side, but
screening limitations forced a choice. FELIZ NATAL
is divided into two parts, and the first one is
deliberately aggressive, with characters tearing at
each other so fiercely it can leave one breathless.
Passing through this emotional tunnel one emerges
into a brotherhood that expresses solidarity e
friendship and proves Jean Renoir’s dictum in LA
REGLE DU JEU, that there are no truly bad characters and that “everyone has their reasons”.
Feliz Natal
Reg./Dir.:
Selton Mello
Brasile 20058
MasterClass
Michel Lesczylowski:
il montaggio del futuro
In Scandinavia, Michal Leszczylowski è uno
dei montatori cinematografici di maggior
esperienza. Attivo ed estremamente produttivo nel suo campo, insegna anche montaggio
presso la Dramatiska Institutet, la scuola di
cinema più importante della Svezia.
Leszczylowski è anche il regista di due pellicole. La prima, Directed by Andrey Tarkovsky,
è stata accolta favorevolmente dalla critica
internazionale e distribuita su scala mondiale.
Nel film Leszczylowski affronta le numerose
sfaccettature che caratterizzano le relazioni
sulle quali è costruita l’arte del cinema. È la
storia di un uomo, del suo ambiente emozionale, temporale, politico e geografico. Ed è
anche una storia sulla morte e la vita, sulle
memorie e gli sforzi per renderle accessibili
agli altri esseri umani.
Leszczylowski ha montato alcuni fra i film più
importanti della storia del cinema: Sacrificio di Andrey Tarkovsky è il primo capolavoro, seguito da Conversazioni private, basato
su una sceneggiatura di Ingmar Bergman e
diretto da Liv Ullmann. Negli ultimi cinque
anni, Leszczylowski ha lavorato con numerosi
registi giovani, montando film come Fucking
Åmål- il coraggio di amare, Together, Lilya
4-ever, A Hole in my Heart, Mammuth di
Luka Moodysson, Jalla Jalla, Cops e Zozo di
Josef Fares.
Leszczylowski condivide generosamente il
proprio sapere con gli studenti di cinema della
Dramatiska Institutet, dove dirige il dipartimento di montaggio. In riconoscenza dei suoi
meriti, riceve nel 1997 il titolo di professore.
Da quando è docente presso l’istituto, numerosi sono stati i premi ad esso conferiti, tra
questi anche tre candidature agli Oscar.
2009
I taket lyser stjärnorna
Mammoth
2006
Farväl Falkenberg
Små mirakel och stora
2008
Black Nation
Necrobusiness
Summer of the Flying
Saucer
2005
Zozo
Krama mig
2007
Solstorm
Nina Frisk
138
2004
Masjävlar
Elixir
Ett hål i mitt hjärta
Eiffeltornet
2003
Kopps
2002
Malcolm
Lilja 4-ever
Kom Då!
2000
Jönssonligan spelar högt
Jalla! Jalla!
Tillsammans
Den bästa sommaren
En häxa i familjen
1999
Stjärnsystrar
Michal Leszczylowski is one of Scandinavia’s
most experienced film editors. He is active, and
very productive, both in his profession and as
an editing teacher at the Dramatiska Institutet,
Sweden’s biggest film school.
Leszczylowski has also directed two features.
The first is the internationally acclaimed Directed by Andrey Tarkovsky, which received
worldwide distribution. In his film Leszczylowski tells a story about the multi facetted
relations upon which the art of cinema is built.
It is the story about a man, his time, his emotional, political and geographic environment,
about life and death, about memories and the
struggle to make them available to his fellow
human beings.
Leszczylowskis has edited some of cinema’s
greatest films: The Sacrifice, directed by Andrey
Tarkovsky, was the first masterpiece, followed
by Private Confessions, based on Ingmar Bergman’s script and directed by Liv Ullmann. In
the last five years, Leszczylowski has worked
with many young directors editing films such
as Fucking Åmål, Together, Lilya 4-ever, A Hole
in my Heart, Mammuth by Lukas Moodysson,
Jalla Jalla, Cops and Zozo by Josef Fares.
Leszczylowski generously shares his knowledge with the film students of the Dramatiska
Institutet where he is the head of the editing
department. As recognition of his merits he was
granted the title of professor in 1997. In his
time the school achieved many awards, including three Oscar nominations.
1998
Fucking Åmål
Tulennielijä
Beck
1997
Bara prata lite
1996
Enskilda samtal
1995
Kristin Lavransdatter
Den röda fläcken
1992
Det var en gång en liten
flicka
1994
Himmel över Malmö
Bara du & jag
Betraktelse
1991
Önskas
1993
Hedda Gabler
Tala! Det är så mörkt
1990
Skyddsängeln
1988
Regi Andrej Tarkovskij
Friends
Cenere e sangue
Judith vive a Marsiglia con i figli da quando, dieci
anni prima, è stata esiliata dal suo paese natale
in seguito all’omicidio del marito.
Dopo essersi rifiutata per anni di incontrare la
sua famiglia, Judith, nonostante le sue paure e i
suoi segreti, si lascia andare alla richiesta dei suoi
bambini e accetta di prendere parte al matrimonio di un cugino. Judith e i figli partono alla volta
del loro paese natale per passarvi l’estate; qui
ritroveranno le loro origini e il loro passato. Ma il
ritorno di Judith riaccenderà vecchi odi fra famiglie rivali, dando inizio ad un’inesorabile spirale
di violenza. Al sangue l’ultima parola…
Exiled from her country since her husband’s murder ten years earlier, Judith lives in Marseille with
her three children.
After having refused to see her family for years,
Judith, in spite of her fears and secrets, allows herself to be influenced by her children’s wishes and
accepts an invitation to their cousin’s wedding.
They set off to spend a summer in the old country,
discovering their roots and their past. But Judith’s
return revives old hatreds between rival clans. The
spiral of violence is inexorably set in motion, blood
will tell…
Cenere e sangue
Reg./ Dir.:
Fanny Ardant
Scen./ Script:
Fanny Ardant
Fot./ D.o.P.:
Gérard de Battista (AFC)
Mont./ Ed.:
Célia Lafitedupont
Mus.: David Moreau
140
Cast:
Ronit Elkabetz
Abraham Belaga
Marc Ruchmann
Claire Bouanich
Olga Tudorache
Ion Besoiu
Tudor Aaron Istodor
Madalina Constantin
Razvan Vasilescu
Andrei Aradits
Ion Cosma.
Prod.:
Alfama Films Production
Distr.:
Alfama Films Production
Francia-Romania/
France-Romania, 2009
103’
2009
Visage
Cendres et sang
2008
Hello Goodbye
Il divo
2007
L’ora di punta
Ha-Sodot
Roman de gare
2006
Paris, je t’aime
2004
El año del diluvio
L’odore del sangue
2003
Nathalie...
Sarah
2002
Callas Forever
8 femmes
2001
Change moi ma vie Sin
noticias de Dios
2000
Le libertin 1999
Le fils du Français
La débandade
Balzac
1998
Elizabeth
La cena
1996
Ridicule
Désiré
Pédale douce
1995
Sabrina
Al di là delle nuvole
1995
Les cent et une nuits de
Simon Cinéma
1994
Le colonel Chabert
1993
Amok
1991
La femme du déserteur
Rien que des mensonges
Afraid of the Dark
Jeux d’hiver
1990
Aventure de Catherine C.
1989
Australia
Pleure pas my love
La grande cabriole”
1988
Paura e amore
Piazza Navona
Médecins des hommes
L’altro enigma
1987
La famiglia
1986
Mélo
Le paltoquet
Conseil de famille
1985
Les enragés
L’été prochain
1984
L’amour à mort
Mademoiselle Julie
Un amour de Swann
1983
Les uns et les autres”
Benvenuta
Vivement dimanche!
La vie est un roman
Desiderio
1982
Le chef de famille
1981
La femme d’à côté
Les bons bourgeois
Les uns et les autres
Le roman du samedi:
Mémoires de deux
jeunes mariées
Histoires
extraordinaires: La chute
de la maison Usher
1979
Les dames de la côte
Ego
La muse et la Madone
Les chiens
1978
Le mutant
1976
Marie-poupée
Massimo Ranieri
e Giancarlo Scarchilli:
recitare per professione
Massimo Ranieri è fra i più popolari attori e
cantanti del teatro italiano protagonista di
spettacoli di grande rilievo artistico come “Napoli chi resta e chi parte” di Raffaele Viviani
con la regia di Patroni Griffi, con “L’anima buona di Sezuan” di Bertold Brecht e “L’isola degli
Schiavi” con la regia di Giorgio Streheler, l’edizione italiana di “Barnum” e, in collaborazione
con Maurizio Scaparro, “Liolà” di Pirandello,
“Le mille e una notte”. E l’assidua collaborazione con Scaparro continua proprio con “Pulcinella” tratto da un soggetto inedito di Roberto
Rossellini.
Straordinario successo accompagna da anni i
suoi recital di canzoni italiane e napoletane.
È autore di regie liriche e dell’ultimo suo spettacolo di canzoni che da due anni registra un
eccezionale successo di pubblico.
Per il cinema è stato già da giovane straordinario interprete di Metello per la regia di Mauro
Bolognini e, successivamente, Bube sempre
con la regia di Bolognini, prima di essere assorbito completamente dalla sua attività di cantante e attore di teatro.
Recentemente Ranieri è tornato al cinema con
Claude Lelouch che lo chiama ad interpretare
come protagonista un artista di strada italiano
nel film Le genre Humain.
Nel 2008 Maurizio Scaparro lo chiama ad interpretare come protagonista L’Ultimo Pulcinella che viene presentato con successo alla
Festa del Cinema di Roma.
Il film è una palese metafora del mestiere
dell’attore inserito nell’ambito di vari temi
come lo scontro generazionale fra padri e figli, gli incontri-scontri fra etnie diverse sullo
sfondo di banlieu desolate, luoghi deputati ad
accogliere falliti e disperati.
2008
L’ultimo Pulcinella
2007
Civico zero
142
2005
Fuga
Le courage d’aimer
2004
Le genre humain - 1ère
partie: Les parisiens
2002
Storia di guerra e
d’amicizia
Massimo Ranieri is amongst the most popular
authors and singers of Italian theatre, the lead
in works of great artistic importance such as
Raffaele Viviani‘s “Napoli chi resta e chi parte”,
directed by Patroni Griffi, and Bertold Brecht’s
“The Good Woman of Sezuan” and “Isola degli
Schiavi” directed by Giorgio Streheler, the Italian
edition of “Barnum” and, in collaboration with
Maurizio Scaparro, Pirandello‘s “Liolà” and,”
Le mille e una notte” (“The Thousand and One
Nights”). And his regular collaboration with
Scaparro continues with “Pulcinella”, based on
an unpublished work by Roberto Rossellini. This
extraordinary success has happened alongside
his years of performances of Italian and Neapolitan songs. He is the author of musical works and
his performances of songs have been exceptionally successful with the public over the last two
years. As regards cinema, he as a young man
gave an extraordinary performance in Metello,
directed by Mauro Bolognini and afterwards in
Bube, also directed by Bolognini, before being
completely taken up by his work as a singer and
stage actor.
Recently Ranieri has returned to the big screen
with Claude Lelouch who cast him in the lead
role of an Italian street performer in his film Le
genre Humain.
In 2008 Maurizio Scaparro cast him in the lead
role in L’Ultimo Pulcinella presented to acclaim
at the Festa del Cinema di Roma. The film is
clearly a metaphor for the work of an actor in
various settings such as the generational conflict
between fathers and sons, the encounters between diverse ethnic groups against a backdrop
of desolate suburbs, places made for the gathering together of failures and desperate souls.
2000
Fondali notturni 1997
Volare!
1983
La vela incantata
Legati da tenera amicizia
1981
L’ultima volta insieme
Priest of Love
Habibi, amor mío
Casta e pura
Il carabiniere
1979
La patata bollente
1976
Con la rabbia agli occhi
L’ultima volta
1974
La cugina
1972
Imputazione di omicidio
per uno studente
1971
The Light at the Edge of
the World
Bubù
Incontro
1970
Cerca di capirmi
Metello
Emanuel Ungaro
creatore di costumi
144
Venire da una famiglia di sarti italiani emigrati a
Aix-en-Provence per poi accedere alla creazione
della propria Maison de Couture e alla conquista
della propria libertà, questa è la sfida affrontata
da Emanuel Ungaro trent’anni fa.
Tutto inizia quando il padre, sarto originario della Puglia Messapica, si trasferisce a Aix-en-Provence e apre una bottega di sartoria. Emanuel,
secondo di sei figli, ha appena cinque anni quando inizia a giocare con la macchina da cucire. La
vita di provincia gli insegnerà poi i nodi indispensabili del futuro mestiere e gli servirà per la
scoperta di uno stile di vita legato alla pittura e
alla musica.
Forte di una creatività eccezionale, è a Parigi a
ventidue anni apprendista del couturier basco
Cristóbal Balenciaga, che lo addentra nelle difficoltà del mestiere della sartoria, gli insegna il
rigore, perfezione e ricerca dell’ideale. In questo
momento nasce anche l’Ungaro intimo e tormentato dalla forte personalità del maestro, diviso tra creatività incessante, sensuale, audace, e
bisogno di austerità e solitudine.
Lo stile è un mix di motivi stampati, colori vivi
e contrastati, drappeggi eccezionali che evocano una femminilità ispirata alle strade gioiose di
Aix, al sole e all’accento leggero del Sud. Nel 1965
la sua prima collezione riscuote un vero successo, e già nel 1967 deve traslocare il suo atelier in
Avenue Montaigne su tre piani di uno stupendo
palazzo. Le sue clienti scoprono il contrasto tra
passione e ragione. Ungaro acquisisce una fama
internazionale con accordi di colori e motivi inattesi, con la purezza delle linee e l’insolenza dei
dettagli.
Il lancio del profumo “Diva” nel 1983, dedicato ad
Anouk Aimée, riassume la filosofia del creatore
e ottiene enorme successo: un’arte al servizio
della femminilità e delle sensualità, e le star sono
sedotte da quest’uomo che ama le donne: Jackie
Kennedy, Anouk Aimée, Marisa Berenson, Sophie Marceau, Sharon Stone.
Oggi libero dalle costrizioni ma sottomesso alle
sue passioni, è diventata una delle figure indispensabili della moda. Questo couturier, discreto
come al suo debutto, ricorda alle donne che sono
la felicità di ogni uomo.
Born in a family of Italian tailors immigrated to
Aix-en-Provence, he created his own Maison de
Couture and conquered his own freedom, this the
challenge undertaken by Emanuel Ungaro thirty
years ago.
It all began when his father, a tailor native of Messapic Puglia, moved to Aix-en-Provence where he
opened a tailor shop. Emanuel, the second-born of
six children, was only five when he began to play
with the sewing machine. Provincial life taught
him the fundamental cruxes of his future job and
helped him discover a lifestyle connected to painting and music.
Gifted with an extraordinary creativity, at the age
of twenty-two he moved to Paris where he served
as Cristóbal Balenciaga’s apprentice, discovering
from the famous designer the hardships of couture, the discipline, the perfection and the search
for the ideal. This experience also marked the birth
of the intimate Ungaro, the figure tormented by
the maestro’s strong personality, torn between a
relentless, sensual and bold creativity and a need
for austerity and solitude.
His style developed into a mix of printed motifs,
bright and contrasting colours, exceptional draping
which evoked a femininity inspired by the joyous
streets of Aix, the sun and a light Southern accent.
In 1965 his first collection turned out to be a true
success and in 1967 he moved into his new threestorey atelier, set in a breathtaking building located
in Avenue Montaigne. Through his creations, his
clients discovered the contrast between passion and reason. His unpredictable harmonies of
colours and motifs, the purity of his lines and the
insolence of his details earned him international
fame.
In 1983 he launched the fragrance “Diva”, which
he dedicated to Anouk Aimée. “Diva” summarises
the philosophy of its creator and turned out to be
a stunning success: an art at the service of femininity and sensuality. This man who loves women also
seduced the stars: Jackie Kennedy, Anouk Aimée,
Marisa Berenson, Sophie Marceau, Sharon Stone.
A man free from all constrictions yet subdued
by his passions, he is one of the most important
figures in the world of fashion. This couturier, who
is still as discrete as the day of his debut, reminds
women they are the joy of every man.
1999
The Muse
1980
Gloria 1975
Trompe l’oeil
GiovaneCommediaAmericana
Pineapple express
David Gordon Green
The Hangover
Todd Phillips
Tropic Thunder
Ben Stiller
Humpday
Lynn Shelton
Ghosts of girlfriends past
Mark Waters (v. sez. GrandeCinemaTaormina)
The proposal
Anne Fletcher (v. sez. GrandeCinemaTaormina)
Il Taormina Film Fest in Sicilia si svolge durante
gli spensierati mesi estivi, quando tutti vogliono
ridere. Come può un festival serio proporre una
sezione dedicata alla commedia contemporanea?
Noi pensiamo che la nostra sezione dedicata alla
GIOVANE COMMEDIA AMERICANA possa servire da vetrina ai quei film normalmente ignorati
dai festival nonostante le ottime sceneggiature
e interpretazioni. La nostra selezione, all’interno
della quale si ritrova un classico sfortunatamente sottovalutato come Tropic Thunder ma anche
Pineapple Express, e le anteprime da Hollywood
( Humpday, La rivolta delle Ex e The Hangover)
celebra un genere cinematografico avviato e allo
stesso tempo sempre nuovo durante una delle
sue fasi più divertenti.
Taormina Film Fest in Sicily takes place in the
light-hearted months of summer, when everyone wants to laugh. How can a serious festival
propose a section dedicated to contemporary comedy? We believe that our YOUNG AMERICAN
COMEDY show offers a showcase to films with
excellent scripting and acting, which are normally ignored by festivals. Our selection, which covers the bases from overlooked classics like Tropic Thunder and Pineapple Express to Hollywood
premieres (Humpday, Ghosts of Girlfriends Past,
The Proposal and The Hangover) celebrates an
Deborah Young old but ever-new genre in some of its funniest
Artistic Director moments.
Giovane Commedia
Americana
148
Pineapple Express
Dale Denton è talmente pigro che ha un unico
motivo per andare a far visita all’amico – altrettanto pigro – Saul Silver: ovvero rifornirsi
di quella nuova varietà di marijuana nota come
Pineapple Express che Silver spaccia. Ma quando
Dale è testimone di un omicidio compiuto da
una poliziotta corrotta e da un pericoloso boss
della droga, entra in preda al panico e fugge lasciando sul posto l’erba appena acquistata. Dale
decide però di tornare da Saul per capire se da
quell’erba è possibile risalire a loro: purtroppo
Saul si rende conto che è proprio così, ed i due
iniziano una fuga tragicomica per salvarsi la vita
dai gangster che vogliono eliminarli.
Lazy stoner Dale Denton has only one reason to
visit his equally lazy dealer Saul Silver: to purchase weed, specifically, a rare new strain called
Pinapple Express. But when Dale becomes the
only witness to a murder by a crooked cop and
the city’s most dangerous drug lord, he panics and
dumps his roach of Pineapple Express at the scene.
Dale now has another reason to visit Saul: to find
out if the weed is so rare that it can be traced back
to him. And it is. As Dale and Saul run for their
lives, they quickly discover that they’re not suffering from weed-fueled paranoia; incredibly, the bad
guys really are hot on their trail and trying to figure
out the fastest way to kill them both. All aboard
the Pineapple Express.
Pineapple Express
Reg./Dir.:
David Gordon Green
Music:
Graeme Revell
Scen./Script:
Seth Rogen, Evan
Goldberg
Prod:
Judd Apatow, Shauna
Robertson
Fot./Phot:
Tim Orr
Mont./Ed:
Craid Alpert
Cast:
Seth Rogen
James Franco
Danny McBride
Kevin Corrigan
Craig Robinson
USA 2008
The hangover
Due giorni prima del suo matrimonio, Doug si
reca in macchina a Las Vegas con i suoi due migliori amici Phil e Stu insieme al suo futuro cognato Alan per un sensazionale addio al celibato
che giurano di non dimenticare mai. Ma quando
i tre testimoni dello sposo si svegliano l’indomani
mattina con un mal di testa atroce, non ricordano più niente. La loro suite di lusso è completamente distrutta e lo sposo è sparito. Senza avere
la più pallida idea di cosa sia successo la notte
prima e senza tempo da perdere, il trio deve in
qualche modo cercare di capire gli sbagli fatti
durante la notte e cosa sia mai accaduto, per ritrovare Doug e riportarlo a Los Angeles in tempo
per il suo matrimonio.
Two days before his wedding, Doug and his three
friends drive to Las Vegas for a blow-out bachelor
party they’ll never forget. But, in fact, when the
three groomsmen wake up the next morning, they
can’t remember a thing. For some reason, they
find a tiger in the bathroom and a six-month-old
baby in the closet of their suite at Caesars Palace.
The one thing they can’t find is Doug. With no
clue as to what transpired and little time to spare,
the trio must retrace their hazy steps and all their
bad decisions in order to figure out where things
went wrong and hopefully get Doug back to L.A.
in time to walk down the aisle.
The Hangover
Reg./Dir.:
Todd Phillips
Mus:
Christophe Beck
Scen./Script:
Jon Lucas
Scott Moore
Prod:
Todd Phillips
Dan Goldberg
Fot./Phot:
Lawrence Sher
Mont./Ed:
Debra Neil-Fisher
150
Cast:
Bradley Cooper
Ed Helms
Zach Galfianakis
Justin Bartha
Heather Graham
DISTRIB:
WARNER BROS.
PICTURES ITALIA
Usa 2009
Tropic Thunder
Tre stelle vanagloriose e capricciose dello star system hollywoodiano sono costrette a convivere
dentro lo stesso film: un war movie ad alto budget ambientato nel sud-est asiatico. Tugg Speedman è una tronfia superstar di action movie che
sogna gloria e Oscar, Kirk Lazarus è un attore
drammatico e pluripremiato col vizio del metodo
e dell’immedesimazione estrema, Jeff Portnoy è
il divo grasso e cocainomane della saga comica
“The Fatties”. Decisi a correggere i loro vizi e a
non tollerare oltre bizze e stravaganze, il regista
del kolossal bellico e il sedicente scrittore del
best seller che lo ha ispirato li catapultano dentro una guerra reale e una jungla autenticamente selvaggia. Occupati a bisticciare e a ricostruire le rispettive carriere, procederanno ignari del
pericolo imminente.
Three vain, capricious stars of the Hollywood
system are forced to live inside the same film:
a high-budget war movie set in Southeast Asia.
Tugg Speedman is a superstar of action movies
who dreams of Oscar glory; Kirk Lazarus is an
award-winning dramatic actor too engrained in the
Method; Jeff Portnoy is the overweight cocaineaddicted star of the comic saga, “The Fatties.”
Determined to correct their vices and not to tolerate extravagant whims, the novice director of the
blockbuster, and best-selling author of the book
that inspired it, thrusts them into a real war and
an authentic jungle. Busy back-biting and working
on reshaping their careers, they walk unaware into
imminent danger.
Tropic Thunder
Reg./Dir.:
Ben Stiller
Music:
Theodore Shapiro
Scen./Script:
Ben Stiller
Justin Theroux
Etan Cohen
Prod:
Stuart Cornfeld
Eric McLeod
Ben Stiller
Fot./Phot:
John Toll
Cast:
Ben Stiller
Robert Downey, Jr.
Jack Black
Mont./Ed:
Greg Hayden
USA 2008
Hump Day
Ben e Andrew erano i ribelli della loro università. Sono passati dieci anni da allora e Ben si è sistemato, ha un lavoro, una moglie, una casa con
giardino. Andrew invece ha vissuto da artista
vagabondo, in giro per il mondo, dal Chiapas alla
Cambogia. Un giorno però Andrew si presenta
alla porta di Ben e il ritorno ai bagordi del passato è inevitabile… così dopo una notte di festa
e chiacchiere decidono di lanciarsi una sfida reciproca: partecipare a un concorso di film porno
amatoriali. Discutendo a lungo su quale tipo di
impostazione dare alla loro opera giungono alla
decisione che saranno loro stessi a fare l’amore
davanti alla telecamera. Un progetto artistico,
non un porno, sul quale però la moglie di Ben
potrebbe avere qualcosa da dire…
It’s been a decade since Ben (Duplass) and
Andrew (Leonard) were the bad boys of their
college campus. Ben has settled down and found
a job, wife, and home. Andrew took the alternate
route as a vagabond artist, skipping the globe
from Chiapas to Cambodia. When Andrew shows
up unannounced on Ben’s doorstep, they easily
fall back into their old dynamic of macho oneupmanship. Late into the night at a wild party, the
two find themselves locked in a mutual dare: to
enter an amateur porn contest together. But what
kind of boundary-breaking, envelope pushing porn
can two straight dudes make? After the booze and
“big talk” run out, only one idea remains—they
will have sex together...on camera. It’s not gay; it’s
beyond gay. It’s not porn; it’s art. But how exactly
will it work? And more importantly, who will tell
Anna (Delmore), Ben’s wife?
Hump Day
Reg./Dir.:
Lynn Shelton
Prod:
Lynn Shelton
Scen./Script:
Lynn Shelton
Cast:
Mark Duplass
Alycia Delmore
Joshua Leonard
Lynn Shelton
Fot./Phot:
Benjamin Kasulke
Mont./Ed:
Nat Sanders
152
USA 2009
Corti Siciliani
Being Handy
Vincenzo Cosentino
Anna’s Week
Frank Di Mauro
Seby
Gabriele Galanti
Clamoroso al cibali
Alfio d’Agata
L’altra storia
Aldo Rapé, Nicola Vero
Lorenzo Vacirca
Nico Bonomolo
Au pair
Giulio La Monica
Cosa una donna desidera di più
Massimo Fidanza
Io vivo
Marina Paterna
Per il terzo anno consecutivo, il Taormina Film
Fest punta i riflettori sul nuovo cinema emergente prodotto in Sicilia. Il concorso corti siciliani
ha rappresentato uno dei momenti più salienti
della passata edizione, attirando giovani registi
da tutte le parti dell’isola. I requisiti sono semplici: il regista deve essere nato in Sicilia o essere un
residente da almeno 5 anni; la lunghezza massima per ogni corto non deve superare i 20 minuti.
Anche quest’anno, la pre-selezione, ad opera dei
programmer del N.I.C.E., consentirà a una giuria
popolare di selezionare il vincitore tra una rosa
di 9 corti partecipanti.
Ancora una volta, il New Italian Cinema Events
(N.I.C.E.) di Firenze, che negli ultimi 17 anni ha
fatto da vetrina d’eccezione per i registi italiani
nel mondo presenterà il “N.I.C.E. Award” per il
Miglior Cortometraggio Siciliano. Il film vincitore verrà inserito nel programma del N.I.C.E. di
quest’anno che lo porterà a New York, San Francisco, Mosca, San Pietroburgo, e Amsterdam.
N.I.C.E.
Concorso Corti Siciliani
154
Il festival approfitta di questa occasione per
ringraziare Viviana del Bianco, Grazia Santini
e tutto lo staff del N.I.C.E. per il loro infaticabile supporto e per la loro convinzione che due
festival possono lavorare insieme e raggiungere
grandi traguardi.
For the third year, Taormina Film Fest focuses the
spotlight on the newest filmmaking coming out of
Sicily. The Sicilian short film competition was one
of the highlights last year, attracting young directors from all over the island. The requirements are
simple: the filmmaker must have been born in Sicily or must be a resident for the last five years. The
maximum running time for each film is 20 minutes.
This year, the pre-selection made by N.I.C.E. programmers will allow an audience jury to select the
winning film from among nine main contenders.
Once again, New Italian Cinema Events (N.I.C.E.)
of Florence, which has been a showcase for Italian
filmmakers in the world for the last 17 years will
present the N.I.C.E. Award for Best Sicilian Short
Film. The winning film will be featured in this year’s
N.I.C.E. program in New York, San Francisco,
Moscow, St. Petersburg and Amsterdam.
The festival takes this occasion to salute Viviana
Del Bianco, Grazia Santini and the N.I.C.E. staff
for their tireless support and their belief that two
festivals can work together for the greater good of
all.
e originale avventura di una mano
Being Handy Èdil’incredibile
nome Handy che farà di tutto per diventare
di Vincenzo Cosentino la miglior scrittrice di sempre. Handy dimostrerà
al mondo intero che la determinazione e la motivazione sono le vere chiavi per raggiungere la
Gloria. Perché e’ colui che viene considerato “diverso” che può fare la differenza nel mondo.
It’s the incredible and original adventure of a hand
named Handy and its quest towards becoming the
best writer of all times. Handy will show the whole
world that determination and motivation are the
true keys to Glory. Because it’s the so-called “others” who can really make the difference.
ex Giuseppe, abita in un paese della Sicilia
Anna’s Week Anna,
orientale. In cerca della propria identità e preda
di Frank Di Mauro di facili innamoramenti, vive la sua esistenza
come un personaggio di Almodovar. Questa è
una delle sue settimane.
Anna, formerly Giuseppe, lives in a village in the
East of Sicily. In search of her identity and often
easily infatuated, she lives her existence like the
character of an Almodovar movie. This is how her
weeks usually go.
figlio di un boss della città, sin da ragazzo
Seby Seby,
viene implicato in faccende di mafia. L’arresto
di Gabriele Galanti per racket è la sua iniziazione. Nel carcere, dove
tutti cercano di crearsi uno spazio con la violenza, Seby mostra come per lui sia importante
anche il lato poetico della vita. Si troverà quindi
di fronte ad un dilemma: da una parte la vita del
gangster, dall’altra il mare ed il suo respiro.
Seby, the son of the town’s boss, has been implicated in mafia matters since his childhood. His
arrest for shakedown marks his initiation. In prison,
where everyone violently struggles to earn their
personal space, Seby reveals an unexpected poetic
attitude to life, that will eventually resolve into
a dilemma. What will Seby choose? Will it be a
gangster’s existence or the sea and its freedom?
156
piccolo Pierluigino vede infranto il suo sogno di
Clamoroso al cibali Ildiventare
calciatore da suo padre molto severo,
di Alfio d’Agata che vuole diventi un giudice. Riuscirà a riscattarsi da adulto liberandosi da tutto e realizzando il
suo sogno.
Young Pierluigino dreams of becoming a footballer
but his aspirations are crushed by a father who
wants him to become a judge. Now a grown up
man, Pierluigino breaks free from everything and
sees his dream come true.
storia”, di Aldo Rapé e Nicola Vero (15’)
L’altra storia “L’altra
Un bambino cerca di capire la tragedia delle foi-
di Aldo Rapé, Nicola Vero be, le fosse comuni dove migliaia di persone sono
rimaste vittime dei partigiani comunisti del regime del dittatore Tito.
A child tries to understand the foibas tragedy,
the mass graves that were the burial of the victims of the communist partisans of dictator Tito.
film di animazione, Lorenzo Vacirca
Lorenzo Vacirca Inè unquesto
piccolo uomo, che vive di stenti e svolge i
di Nico Bonomolo lavori più assurdi pur di coronare il suo sogno:
acquistare un’automobile Svamp (la vecchia Fiat
500). Quando finalmente riuscirà ad acquistare
l’auto dei suoi sogni, la sua vita diverrà a colori,
ma un incredibile evento finirà col distruggere
tutto.
In this animation short, Lorenzo Vacirca is a little
struggling man willing to take even the most absurd
of jobs in the hope of seeing his dream come
true: buy a Svamp car (the old Fiat 500.) When
he finally manages to buy the car of his dreams,
Lorenzo’s life suddenly turns into “Technicolor” but
an unpredictable event will end up destroying it all.
Ceccarelli è un paraplegico che vive ancora
Au pair Ivano
con la sua anziana madre alla periferia di Torino.
di Giulio La Monica Quando questa viene a mancare, teme di andare
in una casa di cura ma l’incontro con Erika, una
giovane prostituta, cambierà il suo destino.
Ivano Ceccarelli is a paraplegic who still lives with
his elderly mother in the suburbs of Turin. When
the woman dies, he fears he will be interned in a
hospice. The encounter with Erika, a young prostitute, will change his destiny.
taglio onirico affronta, in maniera metaforiCosa una donna suo
ca, la tematica del corteggiamento e tra simmee complementarietà, le affinità e le divergendesidera di più tria
ze tra uomo e donna.
Tra “siculo ed oriente” la narrazione attraverso il
di Massimo Fidanza
Suspended between Sicilian and Oriental influences, the story, through its dream-like cut and in
a metaphorical way, explores the subject of courtship and, between symmetry and complementariness, the affinities and divergences between men
and women.
è stato realizzato in memoria di GiusepIo vivo “Iope DiVivo”
Matteo, il bambino rapito il 23 novembre
di Marina Paterna del 1993 dalla mafia, tenuto sotto sequestro per
779 giorni per poi essere strangolato e sciolto
nell’acido. Sono così raccontate in sette minuti
le emozioni, le paure e le sensazioni del piccolo
Giuseppe durante la sua prigionia.
“I Live” has been produced in memory of
Giuseppe Di Matteo, the child kidnapped by
the mafia on November 23, 1993. He was held
hostage for 779 days only to be strangled and
dissolved into acid. In seven minutes the director
portrays the emotions, fears and sensations of little
Giuseppe during his imprisonment.
158
CampusTaormina
Anche quest’anno all’interno del fitto palinsesto
del Festival, la Direzione Artistica ha voluto rinnovare l’appuntamento con “Campus Taormina”,
sezione che si propone l’obbiettivo di incrementare la presenza dei giovani al centro della rassegna cinematografica. Un progetto ambizioso
che ha già iniziato a dare i suoi primi risultati,
prova ne è l’aumento dei partecipanti in questa
seconda edizione, da trecentocinquanta studenti
dello scorso anno si è passati a seicento adesioni.
Un importante risultato che va certamente consolidato, questa sezione ha tutte le caratteristiche per diventare un punto di forza. Il Taormina
Film Fest in Sicilia potrà dar vita nelle prossime
edizioni ad un Campus sempre più internazionale attirando sempre più studenti dall’Italia e
dall’Europa. La sezione si articolerà in una serie
di incontri informali, dei workshop, che si svolgeranno ogni giorno, al palazzo dei congressi di
Taormina. C’è un grande entusiasmo per la partecipazione di circa seicento studenti provenienti delle università di Messina, Palermo, Catania,
la Kore, e dalla principale scuola di cinema e
recitazione della Francia. Il segreto del Campus
Taormina nell’attrarre e suscitare tale interesse, si racchiude in due elementi essenziali la sua
struttura dinamica nel confrontarsi in maniera
diretta con i docenti e gli studenti stessi e la loro
passione. Speriamo che per tutti i ragazzi partecipanti Campus Taormina possa rappresentare
un arricchimento interiore e professionale, un
esperienza unica e lavorativa. Un augurio va agli
studenti e a questa attività sempre più indispensabile nel processo didattico della formazione
di Fabio Longo contemporanea.
Campus Taormina
160
Once again, the Taormina Film Fest Artistic
Direction renews its collaboration with “Campus
Taormina”, the section which aims at increasing
the presence of young people at the film festival.
An ambitious project which started already three
years ago, Campus is beginning to give its results,
as proven by the large number of participants in
this second edition: from the 350 students who
attended the event last year, this year we have
reached a number of 600 applicants. An important result which needs to be consolidated, this
section has all the numbers to become a point of
strength within the TaorminaFilmFest. There is no
doubt that the Festival’s following editions will be
able to attract an even wider number of students
from Italy and Europe, thus turning Campus into
an international event. The section will feature a
series of informal meetings and workshops that
will take place everyday at the Taormina Conference Centre. We are all very excited to welcome
the 600 students coming from the universities of
Messina, Palermo, Catania, Kore and from France’s
most important film school. The secret of Campus
Taormina’s ability to attract and arouse such interest may be attributed to the two essential elements
that make up its dynamic and confrontational
structure. The other fundamental characteristic is
represented by the students themselves and their
passion. We truly hope Campus Taormina will
prove to be a chance of personal and professional
growth and a unique work experience. Our best
wishes go to the students and this section, which is
becoming more and more fundamental within the
contemporary training process.
Ulderico acerbi
162
Regista, esperto della vita metropolitana e del
mondo femminile. Nato il 13/01/1973 a Tortona (AL), segno zodiacale Capricorno ascendente
Scorpione. Lingue: Italiano, Inglese e Spagnolo
Also: Art Director, Executice Producer, Song
Lyrics. Appena sedicenne, già lavora nel campo
dello spettacolo dividendosi tra musica, moda,
cinema, televisione e pubblicità. Qualche anno
dopo, parte per Los Angeles, lasciando in Italia
affetti e amicizie per poter iniziare un lungo
percorso di esperienze nel mondo delle produzioni, pubblicitarie e di cinema. Tre anni dopo,
rientrato in Italia, diversifica la propria crescita
professionale ed artistica in differenti media e
paesi. con differenti mansioni e responsabilità,
sviluppando un background creativo, tecnico ed
organizzativo a 360°. Collabora con importanti media televisivi, agenzie pubblicitarie e Major
discografiche in tutto il mondo. Attento osservatore delle evoluzioni del linguaggio artistico e
tecnico, espande la sua conoscenza su progetti
cross media e multidisciplinari, intuendo che la
convergenza tecnologica dei sistemi di produzione e post-produzione audiovisivi avrebbero
cambiato e supportato lo sviluppo del linguaggio
della comunicazione nelle produzioni cinematografiche, pubblicitarie, televisive e del mondo
web. Nel 1999 rientrato in Italia (Milano), diventa il Direttore Creativo del Gruppo Interactive, coordina il più importante reparto di graphic
design e visual effects presente in Italia (con
sede a Milano e Los Angeles), dedicato alle produzioni cinematografiche e pubblicitarie. Lavora
su importanti produzioni audiovisive, Italiane ed
Internazionali, alternandosi tra pubblicità, moda,
musica e il suo principale obbiettivo il cinema.
La sua professione si alterna su differenti media,
passando da ruoli di Art Director, Writer, Second
Director, Executive Producer, Song Lyrics, ect.
All’età di trent’anni (2003), diventa Regista, la
continua evoluzione delle differenti esperienze professionali, definite in un impressionante
moltitudine di progetti realizzati le esperienze
di vita, sommate alle capacità personali, fanno sì
che la sua capacità e visione d’insieme abbia uno
stile preciso ed efficiente nel metodo, congiuntamente ad un talento artistico unico nel suo
genere. La sua specializzazione registica, viene
polarizzata principalmente su soggetti femminili,
la cui natura si esprime principalmente su aspetti
di vita metropolitana, con una forte ed originale
caratterizzazione psicosociologica e sociologica. Realizza importanti campagne pubblicitarie
eleganti e sensuali, attualizzando il linguaggio,
della femminilità, utilizzando tecnica e styling
moderno. Attento osservatore di nuovi linguaggi sociologici e multi generazionali, si ispira ai
canoni estetici moderni e classici, che contestualizza nelle sue storie come linee guida identificative della vita metropolitana. Lavora su differenti format di comunicazione coniugando cinema,
advertising e musica, con l’ntento di sviluppare
nuovi linguaggi di cinema italiano.
PROSSIMI IMPEGNI (preparazione) 2009 PRODUZIONE DEL TEASER E CORTOMETRAGGIO CINEMATOGRAFICO AKITA Soggetto,
Sceneggiatura e Regia Ulderico Acerbi Staring
Eva Riccobono D.O.P Blasco Giurato (pre-production) 2010 PRODUZIONE DI UN NUOVO
LUNGOMETRAGGIO CINEMA, CON DEBUTTO
SUL GRANDE SCHERMO
Director, expert in urban life and the world of
women. Born 13/01/1973 at Tortona (Alessandria), star sign Capricorn with Scorpio in the ascendant. Languages: Italian, English and Spanish
Also: Art Director, Executive Producer, Song Lyrics.
He was already working in the entertainment field
aged sixteen, dividing his time between music,
fashion, cinema, television and advertising. A few
years later he went to Los Angeles, leaving behind
friends and loved ones in order to start a long
period of gathering experience in the world of producing, advertising and cinema. Three years later,
coming back to Italy, his artistic and professional
growth was diversified by experiences in different
media and countries, through new responsibilities
and tasks, developing a 360° creative, technical
and organizational background. He worked with
major television channels, advertising agencies and
record companies worldwide.
A careful observer of the evolution of artistic and
technical language, he expanded his interdisciplinary knowledge through multi-media projects,
intuiting that the convergence of the technology
of audio-visual production and post-production
systems would both change and support the
development of the language of communication
in film, advertising and television production and
in the worldwide web. In 1999 he came back to
Italy to Milan to become the Creative Director of
the Gruppo Interactive, co-ordinating the leading
graphic design and visual effects department
in Italy (with offices in Milan and Los Angeles),
dedicated to film and advertising production. He
worked on leading Italian and international audiovisual productions, moving from advertising, fashion and music to his principle aim, cinema. His
professional life involved him in diverse media, in
roles such as Art Director, Writer, Second Director,
Executive Producer, Song Lyrics, etc. In 2003, aged
thirty, he became a director, a natural evolution
from his diverse professional experiences, shown
in his impressive range of projects managed and
life experiences, the sum of his personal abilities,
such that his ability and vision taken together result in a precise and efficient methodology added
to a unique artistic talent. His specialisation as a
director has been to concentrate mainly on female
themes, expressed mainly through aspects of
urban life, with a strong and original psycho-social
and sociological characterization. He has made elegant and sensual advertising campaigns, using the
language of femininity, using modern techniques
and styling. An attentive observer of new sociological and multi-generational language, he is inspired
by both modern and classic standards which give
context to his stories as a defining guide to urban
life. He works in diverse communication forms,
bringing together cinema, advertising and music,
with the aim of developing a new language in
Italian cinema
WORK IN PROGRESS (in preparation)
2009 PRODUCTION OF TEASER AND CINEMA
SHORT AKITA Subject, screenplay and direction
by Ulderico Acerbi Starring Eva Riccobono D.O.P
Blasco Giurato
(pre-production)
2010 PRODUCTION OF NEW FULL-LENGTH
CINEMA FEATURE, WITH DEBUT ON THE BIG
SCREEN
Carolina crescentini
164
Conseguita la maturità scientifica presso la prestigiosa scuola romana Massimiliano Massimo, si
iscrive alla Facoltà di Lettere, indirizzo Spettacolo. Dopo aver frequentato dei laboratori teatrali
e la “Scuola Azione” presso il “Teatro dei Cocci”,
è ammessa al Centro Sperimentale di Cinematografia, dove si diploma nel novembre del 2006.
Inizia la carriera di attrice con piccoli ruoli in teatro, cinema e televisione. Partecipa alla miniserie
tv, in onda su Canale 5, “Carabinieri: Sotto copertura”, regia di Raffaele Mertes, in cui interpreta
il ruolo di Carla Vichi. Gira vari cortometraggi,
tra cui: É giusto così (2004) di Francesca Olivi
e Fib 1477 (2006) di Lorenzo Sportiello, presentato alla 63° Mostra del Cinema di Venezia.
Inoltre, partecipa al film H2Odio (2006), regia
di Alex Infascelli. Il debutto come protagonista
al cinema avviene con il film, girato alla fine del
2006 e uscito nelle sale il 14 febbraio 2007, Notte prima degli esami - Oggi di Fausto Brizzi, in
cui interpreta il ruolo di Azzurra. Come in Notte
prima degli esami, il protagonista maschile è
Nicolas Vaporidis. Sempre nel 2006 gira un episodio della miniserie tv “Provaci ancora Prof 2”,
diretta da Rossella Izzo e trasmessa nel 2007 da
Raiuno. Tra il 2006 e il 2007 gira la sit-com “Boris”, diretta da Luca Vendruscolo e trasmessa dal
16 aprile 2007 dal canale satellitare Fox di SKY.
All’inizio del 2007 gira il film San Pietroburgo,
regia di Giuliano Montaldo; successivamente è
sul set di Cemento Armato regia di Fausto Brizzi
e Marco Martani, nelle sale nel 2008, e Parlami
d’amore, tratto dall’omonimo romanzo di Carla
Evangelista e Silvio Muccino, che debutta come
regista. Nel 2008, oltre a girare la seconda serie
della sit-com “Boris”, diretta da Luca Vendruscolo, è protagonista di due film per il Cinema: Due
Partite, per la regia di Enzo Monteleone, nelle
sale a febbraio 2009 e Generazione Mille Euro
per la regia di Massimo Venier, nelle sale da fine
Aprile 2009. Nei primi mesi del 2009 ha girato
Henry, film per il Cinema di Alessandro Piva ed
è invece attualmente impegnata nelle riprese di
Oggi Sposi di Luca Lucini.
After graduating from prestigious Roman scientific
high school “Massimiliano Massimo”, Carolina
attended liberal arts college, and more specifically
the Entertainment course of study. After attending
acting workshops and the “Scuola Azione” of the
Teatro dei Cocci, she was admitted to National
Film School, where she graduated on November
2006. Her acting career began with a series of
small stage, screen and TV roles. She was cast in
Canale 5 mini-series “Carabinieri: Sotto copertura”, directed by Raffaele Mertes in which she
played the role of Carla Vichi. She also starred
in various shorts, like: È giusto così (2004) by
Francesca Olivi and Fib 1477 (2006) by Lorenzo
Sportiello, which was presented at the 63rd Edition
of the Venice Film Festival. She also joined the cast
of Alex Infascelli’s feature, H2Odio (2006.)
She debuted in a leading role at the end of 2006 in
Notte prima degli esami- Oggi, directed by Fausto
Brizzi and released on February 14, 2007. Here
Carolina played the part of Azzurra, alongside
male lead Nicolas Vaporidis, also seen in Notte prima degli esami. Still in 2006 she shot an episode
of TV miniseries “Provaci ancora Prof 2”, directed
by Rossella Izzo and aired by Raiuno in 2007.
Between 2006 and 2007 she worked on sit-com
“Boris” directed by Luca Vendruscolo and aired on
FOX from April 16, 2007. At the beginning of 2007
she worked on Giuliano Montaldo’s San Pietroburgo and successively on the set of Cemento Armato
under the direction of Fausto Brizzi and Marco
Martani; the film was distributed in 2008. She also
starred in Parlami d’amore, a film based on Carla
Evangelista and Silvio Muccino’s homonymous
novel. The film marked Silvio Muccino’s directorial
debut. In 2008, Carolina worked on the second
season of Luca Vendruscolo’s TV series “Boris”, in
Enzo Monteleone’s feature Due Partite, released
on February, 2009 and Generazione Mille Euro
directed by Massimo Venier, released at the end of
April 2009.
At the beginning of 2009 she shot Henry a feature
directed by Alessandro Piva. She is presently busy
on the set of Luca Lucini’s Oggi Sposi.
Sicilia,
industria del cinema
Regione Siciliana
Assessorato dei Beni Culturali,
Ambientali e della Pubblica Istruzione
Dipartimento dei Beni Culturali,
Ambientali e dell’Educazione Permanente
POR 2000-2006
misura 2.02 D
Via delle Croci 8 - 90139 - Palermo
tel. + 39 091.7071481 / 091.7071835
fax +39 091.7071713
illustrazione di Nadia Ruju
ispirata al ﬁlm Vulcano diretto da William Dieterle (1949)
ﬁ[email protected]
www.siciliafilmcommission.org
In copertina
Particolare del dipinto di Haward Hodgkin, “Autumn Lake”
Galleria Provinciale d’Arte Moderna e Contemporanea di Messina
Immagine, progetto grafico e impaginazione:
Tina Berenato - Messina
Stampa e allestimento:
Tipolitografia A. Trischitta - Messina

File PDF - Taormina Arte

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