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2 3 Si ringrazia la direzione del progetto “FormArt Lavoro” per la gentile collaborazione La Rete Giovani di Salerno è amica di Linea d’Ombra Festival Culture Giovani 4 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani MANAGEMENT PA FESTIVAL STAFF Comune di Salerno Settore Affari Generali Responsabile unico di procedimento Annamaria Barbato Direzione artistica generale Peppe D’Antonio Comune di Salerno Ufficio Turismo Duffy Jillian Lucia La Manna Giacomina Rossi Luigi Sarli Comune di Salerno Responsabile staff del Sindaco Paolo Donatantonio Comune di Salerno Area comunicazione Daniela Apolito Anna Fiore Peppe Iannicelli Codirezione artistica Gianluca De Falco Agostino Riitano Curatori sezione cinema CortoEuropa Luca Granato Gaetano Maiorino Curatore sezione Musica Eddy Palescandolo Curatore sezione Scrittura e arti visive Diego De Silva Promozione e gestione giuria giovani, workshop e concorso “La notte delle catastro” Francesco Daniele con la collaborazione di Antonio Maiorino Mario Piscopo Responsabile Rapporti internazionali Hanka Irma van Dongen con la collaborazione di Pedro J. De Luna Garcia (stagiaire) Direttore marketing culturale e territoriale Michele Rosco Gerenze Media e web marketing planner Andrea Centrella con la collaborazione di Grazia Libertazzi (stagiaire) Gianluca Punzi (stagiaire) Redazione catalogo Fiorella Loffredo Design e graca Pino Grimaldi con la collaborazione di Alessandra Alfani Arturo Barbarisi Rodolfo Fimiani Maria Pia Malizia Ufficio Stampa Nazionale Umberto Di Micco Gianni Valentino con la collaborazione di Titti Fabozzi Tonia Peluso Direttore di produzione e organizzazione Rossella Labriola Direttore tecnico allestimenti e strutture Marcello Gallo con la collaborazione di Federica Procida Promoter e buyer turistico Ida Paradiso con la collaborazione di Carla Gliorio Paolo Lamberti Mariapaola Esposito (stagiaire) Segreteria generale Serena De Rosa 5 7 Presentazioni 8 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Vincenzo De Luca Sindaco di Salerno Rivolgo, con piacere, il saluto mio personale e della Civica Amministrazione agli organizzatori, ai protagonisti, al pubblico dell’edizione 2009 di Linea d’OmbraFestival Culture Giovani. La manifestazione, sostenuta n dalla prima edizione dal Comune di Salerno, continua a crescere per qualità dei contenuti e della programmazione esplorando – con ispirata coerenza – quella linea d’ombra che attraversa le società, le generazioni, i mondi. E’ un terreno arduo quello scelto dal direttore Peppe D’Antonio dagli organizzatori ma fecondo di stimoli creativi multivalenti che la caratteristica multimediale dell’evento ben riesce a comporre intercettando nuove tendenze sociali ed espressive sempre con il tratto distintivo dell’eccellenza che anima ogni evento e manifestazione che coinvolga il Comune di Salerno. L’urbanistica, il teatro e l’opera lirica, la qualità di vita, la tutela dell’ambiente sono le espressioni di un’eccellenza che perseguiamo ogni giorno per rendere Salerno sempre più bella ed accogliente. In questa prospettiva ben s’inserisce l’annuale appuntamento con la musica, il cinema, il teatro, la letteratura che conduce a Salerno grandi protagonisti, migliaia di spettatori e tantissimi giovani che hanno modo in prima persona di avere un contatto ravvicinato con gli esponenti più prestigiosi della multimedialità. Il tema prescelto per l’edizione 2009 è quanto mai stimolante. Il Caos declinato nel cinema, nella musica, nella scrittura, nella performing art. Viviamo tempi complessi nei quali i punti di riferimento sono sempre più precari e sbiaditi. L’arte può pertanto aiutarci a ritrovare le nostre più profonde coordinate esistenziali. In questa edizione trova posto anche il ricordo dell’amica Virella Granese appassionata promotrice di mille iniziative culturali al servizio della nostra comunità. Sono convinto che il suo carisma continuerà ad accompagnare il Festival. Benvenuti a Salerno e buon festival a tutti! Presentazioni 9 Vincenzo De Luca Major of Salerno On behalf of the Civic Administration, it is my pleasure to personally greet the organisers, protagonists and the general public to the 2009 edition of the Linea d’Ombra-Festival Culture Giovani. Supported from its very rst edition by Salerno Town Council, the event continues to grow in terms of the quality of its contents and planning, exploring that grey line that crosses society, generations and worlds with inspired consistency. It is a hard land the one chosen by the director Peppe D’Antonio by the organisers, but one that is abounding with polyvalent creative stimuli, which the multimedia aspect of the event is well equipped to compose, intercepting new social and expressive trends always with that distinctive excellence that enlivens each event and show that involves Salerno Town Council. Town planning, the theatre and opera, quality of life and protecting the environment are expressions of the excellence that we pursue every day to make Salerno ever more beautiful and welcoming. From this point of view, the annual event ts in well with music, cinema, theatre and literature, bringing leading artists, thousands of spectators and many young people to Salerno, who are able to come into close contact with representatives at the very top of multimedia. The theme chosen for the 2009 edition is as stimulating as ever. Chaos broken down into cinema, music, literature and performing arts. We are living in complex times where our reference points are increasingly precarious and faded. Art may therefore help us to regain our deepest existential references. In this edition, there is also room to remember our friend Virella Granese, the passionate promoter of a thousand cultural initiatives for our community. I am convinced that her charisma will continue to go hand-in-hand with the Festival. Welcome to Salerno and enjoy the festival! 10 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Angelo Villani Presidente della Provincia di Salerno La rassegna cinematograca “Linea d’Ombra – Festival delle Culture Giovani”, giunta con crescente successo alla XIV edizione, continua a caratterizzarsi per l’originalità della proposta e per l’elevato livello qualitativo del programma. La traccia iniziale si è ormai consolidata: pellicole d’autore ed una serie di iniziative collaterali che conferiscono alla manifestazione un orizzonte sempre più ampio, di largo respiro culturale. Il cinema, la ction, la creatività multimediale hanno assunto le coordinate di componenti essenziali dell’immaginario collettivo. Linea d’Ombra sotto questo aspetto rappresenta una sperimentazione che vale la pena sostenere convintamente. Infatti non solo consente di valutare da vicino opere di grande spessore artistico, ma anche di entrare in contatto con un universo di talenti spesso non adeguatamente considerati anche da circuiti particolarmente attenti alle proposte innovative. Per tali motivazioni la Provincia di Salerno ha deciso di condividere pienamente il progetto, in continuità con le precedenti edizioni. Un particolare apprezzamento desidero rivolgere al Direttore Artistico e a quanti hanno collaborato con entusiasmo e competenza ad elaborare i contenuti di un’iniziativa che si colloca a pieno titolo nella prestigiosa agenda di appuntamenti che hanno luogo nella città di Salerno. Porgo il benvenuto agli ospiti nella certezza che Linea d’Ombra costituisca per i partecipanti ed i fruitori una utile occasione di confronto e di riessione. Presentazioni 11 Angelo Villani President of the Province of Salerno Having reached its 14th edition with growing success, the Linea d’Ombra – Festival delle Culture Giovani lm festival continues to make a name for itself due to the originality and high quality of the programme. The initial outline has now been established: original lms and a series of related initiatives that give the event increasingly far-reaching cultural horizons. Cinema, ction and multimedia creativity have employed the coordinates of essential components of the collective imagination. From this point of view, Linea d’Ombra is an experiment that is denitely worth supporting. Indeed not only does it allow us to examine works of great artistic merit up close, but we can also come into contact with a world of talent that does not often receive the consideration it deserves also from clubs that pay particular attention to innovative proposals. These are the reasons why the Province of Salerno has decided to fully partake in the project as in previous editions. I would particularly like to express my appreciation to the Artistic Director and to all those who have worked enthusiastically and skilfully on the contents of an initiative that have a rightful place on the prestigious line-up of events that will take place in Salerno. I would like to welcome our guests in the certainty that Linea d’Ombra is a useful occasion for comparison and reection for its participants and users. 12 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Peppe D’Antonio Direttore artistico Dentro il Caos, una stella danzante. La quattordicesima edizione ha bisogno una più meditata premessa perché mi auguro apra un nuovo ciclo di un festival che negli anni si è conquistato uno spazio considerevole nel panorama degli eventi nazionali e internazionali. Innanzitutto già nel titolo si avverte che il doppio percorso di Linea d’Ombra Salerno Film Festival e del Festival delle Culture Giovane si unica organicamente in Linea d’Ombra Festival Culture Giovani, com’era naturale e giusto. Dal suo esordio Linea d’Ombra non è mai stato solo un festival di cinema, ha provato, negli anni a gettare uno sguardo sulle altre arti producendo incontri importanti nell’ambito della musica e della letteratura. Oggi, in questo vecchio/nuovo formato, riprende un cammino mai interrotto e ulteriormente lo precisa allargando i propri interessi anche alle performing art. Ma non basta. E’ anche evidente che questo progetto non può che idealmente – e spero a breve organicamente – legarsi all’idea di Salerno come città della creatività giovanile, capace di accogliere momenti alti di spettacolarità ma anche, aggiungerei soprattutto, di formazione e di produzione, un luogo in cui si incrocino i saperi aperti delle nuove e vecchie arti nella prospettiva di favorire la crescita di nuovi talenti. E’ l’idea che ha retto Linea d’Ombra in tanti anni e oggi appare tanto più necessaria in un momento di crisi delle risorse nanziarie e di un ridiscussione delle presenza della mano pubblica all’interno del settore della cultura. Temo, e mi auguro di sbagliare, che un richiamo a pratiche neo liberiste in campo dello spettacolo e della cultura nasconda la volontà di “chiudere i conti” denitivamente con un settore sociale e una visione del mondo che hanno egemonizzato una parte consistente del novecento. Detto questo, è assolutamente vero che bisogna cambiare, che è necessario trovare forme di produzione culturale che non vivano solo di nanziamenti statali ma siano in grado di intercettare risorse private e contare sull’appoggio diretto del pubblico. Ma ogni “mercato”, come sanno gli economisti, è sempre determinato da regole denite nel tempo, dunque un semplice richiamo a esso nisce per non volerne vedere le rigidità ssate da posizioni oggettive di vantaggio, le quali, seppur legittime sul piano del diritto, non sempre rispondono alle necessità sociali. La crisi attuale mi sembra ne sia un esempio. Che fare? verrebbe di dire. Innanzitutto provare a cambiare strada. Investire sulla cultura mi sembra un segno di ducia nel futuro, l’idea che non lasciamo in eredità solo problemi irrisolti – destino di ogni società e di ogni epoca storica – ma anche gli strumenti per risolverli a vantaggio di tutti. Chi opera in questo settore deve sentire tale responsabilità e uscire dall’idea – tutta vecchio stile – dell’individualismo, della difesa dello status quo, della diffidenza e della Presentazioni 13 celebrazione autistica del proprio piccolo spazio. C’è bisogno di nuovi modelli cooperativi di organizzazione culturale per crescere e dare risposte non più precarie, disorganiche e improduttive alle attese della collettività e soprattutto dei giovani. Noi ci siamo messi in questa direzione, spero se ne vedano a breve i frutti. Questa edizione inaugura anche un nuovo assetto della direzione artistica. Colgo l’occasione per dare il benvenuto a Agostino Riitano e Gianluca De Falco, co-direttori artistici del festival e segnale di un necessario svecchiamento - a partire da chi vi scrive –, e per ringraziare coloro che hanno collaborato con competenza e convinzione al festival ma non fanno più parte dell’organizzazione, un grazie davvero sentito. Questa edizione del festival, particolarmente ricca di spunti, è tutta dedicata a Virella Granese, mia dolce amica, morta lo scorso gennaio. Le porto affetto per quel che è stata e riconoscenza per quel che ha fatto per la città e per il festival. Per questo motivo, la sezione curata da Diego De Silva, è stata intitola “Il caffè letterario di Virella Granese”, un progetto che ella ha portato avanti per anni cercando, con umiltà e onestà intellettuale, di produrre sensibili cambiamenti nella coscienza collettiva. Sono certo che le sarebbe piaciuta la scelta del tema di questa edizione, il Caos, che servirà come traccia guida delle diverse sezioni che lo compongono. Ci è sembrato naturale, dopo aver “celebrato” il quarantennale del sessantotto, aprire una nestra sul tema della rottura di un ordine, che sia esso sociale, politico, matematico, culturale o artistico, rottura che ci spaventa ma anche ci intriga. L’idea che il battito d’ali di una farfalla in Malesia possa produrre un urgano a New York può inquietare, ma ha il dono di dirci che il mondo è un sistema complesso e anche instabile, come i nostri sistemi culturali, e non vi è nulla di inessenziale, nulla di trascurabile. In questo senso il caos è una celebrazione della vita e non a caso i greci lo ponevano all’origine di tutto. Non voglio seguire i mille rivoli di discussione che tale tema produce – ne daremo conto all’interno di questo stesso catalogo – ma mi piace segnalare l’intervento di un gruppo di dieci studenti, sviluppato in collaborazione con alcune cattedre dell’Università di Salerno. Il cinema, ma non solo, è un territorio che si può attraversare e pensare con diversi strumenti, quello della losoa appare oggi particolarmente stimolante. Io sono felice di ospitarli – spero la cosa si ripeta – a voi il giudizio sulla qualità del loro lavoro. Mentre indiscutibile sarà la qualità degli interventi dei loro professori, Marcello Frixione, Massimo De Carolis e Laura Bazzicalupo, che introdurranno tre lm esemplari, a loro e nostro giudizio, sul tema del caos. Leggere questa edizione del festival isolando le singole sezioni diventa difficile, in realtà abbiamo pensato, pur mantenendo una certa divisione in segmenti, di mantenere ciascun momento del festival in aperto dialogo con gli altri. Il cinema, nella sezione competitiva, continua il suo viaggio alla scoperta dei 14 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani nuovi talenti della cinematograa europea, in quelle fuori concorso declina il tema del caos in un modo “serio”, con focus_caos, e in un altro più leggero e divertente, “La notte delle catastro”, una notte intera di proiezioni con lm cult come “Blob, uido mortale” di Irvin S. Yearworth o “L’esercito delle dodici scimmie” di Terry Gilliam. Discorso che prosegue nell’incontro, sul tema “Caos, tra arte, losoa e scienza”, con un losofo, ma appassionato di cinema, come Umberto Curi, un matematico, ma appassionato di musica, come Tito Tonietti, e un critico appassionante come Achille Bonito Oliva. Le performing art propongono due percorsi, uno dentro lo spazio città con la “Caos Parade” delle street band, l’altro interno, proprio del teatro o meglio della Chiesa dell’Addolorata, sede degli incontri, con i Lenz Rifrazioni e Alessandro Bergonzoni. Scelte meditate lungo l’asse del tema guida del festival. Inne apertura alla musica all’interno del Social Network, attivo dalle undici di sera, un luogo che si presterà a incontri, scambi, relazioni tra ospiti, giurati, pubblico e artisti, il tutto accompagnato dalla musica. Presentazioni 15 Peppe D’Antonio Art director A shining star among the Chaos. The fourteenth edition needs a better thoughtout premise as I hope it will open up a new cycle of a festival that has achieved a considerable presence over the years in terms of national and international events. Above all, as pointed out in the title the dual course of the Linea d’Ombra Salerno Film Festival and the Festival delle Culture Giovane are organically combined in the Linea d’Ombra Festival Culture Giovani, as was only right and natural. Since its debut Linea d’Ombra has never just been a lm festival; over the years it has tried to cast a glance over other arts, setting up important meetings for music and literature. Today in this old/new format, it continues along a path that has never been interrupted, clarifying it further by extending its interests also to the performing arts. But that’s not all. It is also evident that this project can do no other – and I hope this will be all-encompassing in the near future – than ideally associate itself with the idea of Salerno as a town of youthful creativity, able to gather moments rich in spectacularity, but also, I would add above all, opportunities for training and production, a place where open knowledge of the new and old arts come together with the outlook of supporting the growth of new talent. This is the idea that has driven Linea d’Ombra over many years and which now seems even more necessary in this time of nancial crisis and a new discussion regarding the public intervention in the culture sector. I fear, and I hope I’m wrong, that a call to new free trading practices in the world of showbusiness and culture hides the desire to “settle the score” once and for all with a social sector and a view of the world that have hegemonised a substantial part of the twentieth century. Having said this, it is absolutely true that change needs to be made, that it is necessary to nd forms of cultural production that are not created by state funding alone, but which are able to intercept private resources and count on the direct support of the public. However, every market, as economists know, is always determined by rules that are dened over time, therefore a simple call thereto ends in not being able to see the strict measures xed by advantageous objective positions, which albeit legitimate in terms of the law, do not always answer the social needs. The current crisis seems to me to be an example of this. What can we do? I dare say. Above all, we must try to change course. I believe that investing in culture is a sign of trusting in the future, the idea that we will bequeath unresolved problems alone – the destiny of every society and every historic period – but also the tools to resolve them for the benet of everyone. Those working in this sector should feel this responsibility and leave behind the ideas of individualism, defending the status quo, diffidence and the autistic celebration of one’s own small space, all of which are out of date. New cooperative models of cultural organisation are needed to grown and provide solutions that are no longer precarious, nonorganic and non-productive attending to collectivity and the youth in particular. 16 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani We have positioned ourselves in this direction and we hope to see the fruit of our labours before too long. This edition also sees a new arrangement in terms of artistic direction. I’d like to take this opportunity to welcome Agostino Riitano and Gianluca De Falco, artistic co-directors of the festival and an indication of a necessary more youthful approach – starting with the person who’s writing to you – and to thank those who have worked with skill and conviction at the festival, but who are no longer part of the organisation, a heartfelt thank-you. This edition of the festival, particularly rich in ideas, is entirely dedicated to Virella Granese, my lovely friend who passed away in January. I was fond of her for what she was and the recognition for what she did for the town and the festival. This is the reason why the section managed by Diego De Silva has been called “The literary coffee-shop of Virella Granese”, a project that she pursued for years in an attempt to make signicant changes in the collective conscience with humility and intellectual honesty. I’m certain that she would have liked the choice of the theme of this edition, Chaos, which will act as a guiding thread through the different sections comprising the festival. To us it seemed natural, after having celebrated the fortieth anniversary of 1968, to open a window onto the theme of the breaking-down of an order, whether social, political, mathematical, cultural or artistic, a breakingdown that frightens yet also intrigues us. The idea that the beating of the wings of a buttery in Malaysia can produce a hurricane in New York can cause unease, but it has the gift of telling us that the world is a complex and also unstable system, like our cultural systems, and it’s nothing superuous or negligible. In this way, chaos is a celebration of life and there’s little wonder why the Greeks regarded it as being the origin of everything. I don’t want to follow the thousands of branches of discussion that this topic produces – we’ll account for it within this catalogue – but I would like to point out the intervention of a group of ten students, developed in partnership with some professors at the University of Salerno. Cinema, but not just cinema, is a territory that you can cross and consider with different tools, the philosophical tool appears to be especially stimulating in the current climate. I am happy to welcome them; indeed I hope that it happens again. I’ll leave you to judge the quality of their work. On the other hand, the quality of the interventions of their professors Marcello Frixione, Massimo De Carolis and Laura Bazzicalupo, will be indisputable, who will introduce three exemplary lms on the theme of chaos in their and our opinion. It becomes difficult to interpret this edition of the festival by isolating the individual sections. We actually considered keeping each moment of the festival in open dialogue with the other while maintaining a certain division in segments. In the competitive section, cinema continues its journey in search of new talent in European cinematography. The theme of chaos unravels in the non-competitive sections in a serious manner with focus_caos and in another lighter and more entertaining section, “The night of catastrophes”, a whole night of projections with Presentazioni 17 cult lms like The Blob by Irvin S. Yearworth or Twelve Monkeys by Terry Gilliam. An issue that continues in the meeting on the topic of “Chaos, among art, philosophy and science” with a philosophy, who’s also a lm buff, like Umberto Curi, a mathematician, yet music lover, like Tito Tonietti, and a passionate critic like Achille Bonito Oliva. The performing arts offer two paths, one within the city space with the Chaos Parade of street bands, and the other indoors, in the theatre or better still Chiesa dell’Addolorata, where meetings with Lenz Rifrazioni and Alessandro Bergonzoni will be held. These are considered choices along the axis of the festival’s leading theme. Finally, musical overtures within the Social Network, active from 11pm, a place that will lend itself to meetings, exchanges, relations between guests, jury members, the public and artists, all of which will be accompanied with music. Il caffè letterario di Virella Granese 20 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani A un’amica La morte di Virella Granese, mia dolce amica per moltissimi anni, ci ha colpito tutti nel profondo. Virella, con caparbietà e umiltà, aveva n dall’inizio contribuito alla nascita e allo sviluppo del festival Linea d’Ombra, ne aveva con me condiviso i rischi, tanti forse troppi, i successi e gli insuccessi, consapevole, sempre, dell’importanza dell’evento. Aveva accolto, non senza una sana dose di preoccupata ironia, l’incarico di Presidente del Consiglio di Amministrazione, incarico che sapeva delicato e difficile poiché, pur non mancando i sostegni nanziari e organizzativi, la certezza dei contributi arrivava sempre troppo tardi, a volte con qualche spiacevole sorpresa. La scelta di dedicare a lei la quattordicesima edizione appare del tutto naturale, come naturale, quasi dovuto, aprire il festival con la sezione “Scrittura” – da qualche tempo curata da Diego De Silva – dandole questa volta un nome che ricorda il suo impegno nello sviluppo culturale della città, ecco perché “Il caffè letterario di Virella Granese”. L’omaggio a lei e il ricordo del suo lavoro, ha trovato quasi una naturale collocazione all’interno della Gelleria di Paola Verrengia che, singolare coincidenza, in collaborazione con il Centro Museale Plart di Napoli, dedica una mostra all’artista Alessandro Ciffo. Virella aveva combattuto, purtroppo senza ottenere il risultato sperato, per collocare stabilmente a Salerno il Plart, nato dallo straordinario lavoro di ricerca di Maria Pia Incutti, che oggi è uno degli luoghi in cui si realizza l’incontro tra la ricerca scientica, il recupero, il restauro e la conservazione delle opere d’arte di design in materiale plastico. A completare il percorso, tutto interno alle sue passioni civili e intellettuali, complice Diego De Silva, lo spazio della Galleria si riempirà anche di parole, di emozioni, di suoni che vengono da giornalisti e scrittori come Rosaria Capacchione e Hamid Ziarati. La prima impegnata in una lotta per la luce e contro la violenza oscurantista della camorra, il secondo, iraniano di nascita e italiano di adozione – ma non senza un’inquieta nostalgia – racconta della sua ricerca di una nuova identità a conne tra due mondi che non sanno dialogare. Peppe D’Antonio Il Caffè letterario di Virella Granese 21 To a friend The death of Virella Granese, my dear friend for many years, affected me deeply. Virella, with determination and humility, contributed to the creation and development of the Linea d’Ombra festival right from the outlet. With me she shared the risks, many, perhaps too many, the successes and failures while always being aware of the importance of the event. She took on the job of being Chairman of the Board of Director not without a healthy dose of anxious irony, a task that she knew was delicate and difficult since, while nancial and organisational support was not lacking, the certainty of the contributions always arrived too late, something with some unpleasant surprises. The decision to dedicate the fourteenth edition to her seemed totally natural, as it is natural and only proper to open the festival with the “Writing” section – managed for some time now by Diego De Silva. This time giving it a name that pays tribute to her commitment to the cultural development of the town, hence “The literary coffee-shop of Virella Granese”. The tribute to Virella and the remembrance of her work found its natural setting in Galleria Paola Verrengia who, in a remarkable coincidence, dedicates an exhibition to the artist Alessandro Ciffo in partnership with Centro Museale Plart of Naples. Virella fought, unfortunately without ever achieving the desired result, to site the Plart permanently in Salerno, founded by the extraordinary research work of Maria Pia Incutti. It is now one of the places where the scientic research, recovery, restoration and preservation of plastic design artworks all come together. Diego De Silva helps in completing the journey, all part of her intellectual and civil interests. The gallery space will also become full of words, emotions and sounds that come from journalists and writers like Rosaria Capacchione and Hamid Ziarati. The former is involved in a ght for light and against the obscurantist violence of organised crime; whereas the latter, Iranian by birth and Italian by adoption – but not without an uneasy sense of nostalgia – tells us about his search for a new identity in between two worlds that don’t know how to communicate. Peppe D’Antonio 22 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Diego De Silva è nato a Napoli nel 1964 e vive attualmente a Salerno. Ha pubblicato da Einaudi i romanzi La donna di scorta (2001, nalista premio Montblanc), Certi bambini (2001, premio selezione Campiello, nalista premio Viareggio, premi BrancatiZafferata, Fiesole, Bergamo), Voglio guardare (2002, premio Pisa), Da un’altra carne (2004, premio Mel) e l’ultimo Non avevo capito niente (2007, Premio Napoli; nalista premio Recanati; nalista premio Strega 2008). Da Certi bambini è stato tratto nel 2004 il lm omonimo diretto dai fratelli Frazzi, vincitore di numerosi premi nazionali e internazionali, fra cui l’Oscar europeo e due David di Donatello. Suoi racconti sono apparsi in svariate antologie, fra cui Disertori e Crimini (Einaudi Stile Libero 2000 e 2005), nel quale ultimo compare Il covo di Teresa, da cui, nel 2006, è stato tratto l’omonimo lm tv interpretato da Lina Sastri per la regia di Stefano Sollima. Con Antonio Pascale e Valeria Parrella ha scritto lo spettacolo teatrale Tre terzi, interpretato da Marina Confalone per la regia di Giuseppe Bertolucci. Scrive anche per il cinema, la tv e il teatro e collabora al quotidiano Il Mattino e al mensile Giudizio universale. I suoi libri sono tradotti in Inghilterra, Francia, Spagna, Germania, Olanda, Portogallo e Grecia. Diego De Silva was born in Naples in 1964 and currently lives in Salerno. He has published the novels La donna di scorta (2001, nalist, Montblanc Prize), Certi bambini (2001, Campiello selection prize, nalist Viareggio Prize, BrancatiZafferata Prizes, Fiesole, Bergamo), Voglio guardare (2002, Pisa Prize), Da un’altra carne (2004, Mel Prize) and nally Non avevo capito niente (2007, Napoli Prize; nalist, Recanati Prize; nalist, 2008 Strega Prize) by Einaudi. In 2004 the lm of the same name directed by the Frazzi brothers was based on Certi bambini, winning numerous national and international prizes, including the European Oscar and two David di Donatello. His stories have appeared in a range of anthologies, including Disertori e Crimini (Einaudi Stile Libero 2000 and 2005), which featured Il covo di Teresa. In 2006, the TV lm of the same name starred Lina Sastri and was directed by Stefano Sollima. With Antonio Pascale and Valeria Parrella he wrote the play Tre terzi, starring Marina Confalone and was directed by Giuseppe Bertolucci. He also writes for the cinema, TV and the theatre and works with Il Mattino and the monthly Giudizio universale. His books have been translated for the UK, France, Spain, Germany, Holland, Portugal and Greece. Il Caffè letterario di Virella Granese 23 Rosaria Capacchione è una giornalista coraggiosa. Tenace e verace. Nata a Napoli, vive da sempre a Caserta, dove lavora come cronista giudiziaria al quotidiano Il Mattino. Nel marzo del 2008, durante il processo Spartacus è stata minacciata di morte insieme a Roberto Saviano e al magistrato Raffaele Cantone; da allora vive sotto scorta. Da poco è uscito L’oro della camorra, il suo originale libro che descrive il nuovo volto della criminalità organizzata a partire dal guardaroba dei boss. Rosaria Capacchione, che non ama i riettori ed il giornalismo di opinione, si denisce una giornalista che, semplicemente, fa il suo lavoro attenendosi ai fatti, vericati personalmente non dandosi delle anse, e retticando se commette un errore. “Sto cercando di raccontare la verità della storia - spiega - E’ quella verità che può cambiare le cose e le persone, non io”. Le indagini della giornalista, dalla provincia casertana - “una zona di guerra, dove un giornalista che si è fatto le ossa qui, può lavorare ovunque” - si sono spinte no al “cinico nord”, al “ricco nord”, dove la camorra non spara ma fa i suoi investimenti e perciò viene tollerata, anche dalla stampa locale che se ne disinteressa. Rosaria Capacchione is a brave, determined and true journalist. Born in Naples, she has always lived in Caserta, where she works as a judicial reporter on the daily Il Mattino. In 1991 she published an article that caused problems for Sandokan, the boss of the Casalesi. In March 2008, during the Spartacus case she received death threats alongside Roberto Saviano and the magistrate Raffaele Cantone; from that moment on she has lived under protection. L’oro della camorra was recently published, her original book that describes the new face of organised crime, starting with the bosses’ wardrobes. Rosaria Capacchione, who doesn’t like the spotlight and journalism of opinions, called herself a journalist who does her job simply by adhering to the facts, which she checks personally as she doesn’t trust press agencies and corrects if she makes a mistake. “I am trying to tell the truth of the story,” she explains. “It’s the truth that can change things and people, not me.” From the province of Caserta – “a war zone where a journalist that has learnt the ropes here can work anywhere” – the journalist’s investigations have been pushed to the “cynical north”, the “rich north”, where organised crime doesn’t shoot, but makes its investments and is therefore tolerated, also by the local press that disassociates itself. 24 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Hamid Ziarati è uno scrittore iraniano nato a Teheran nel 1966. Per motivi di salute, nel 1981 si trasferisce in Italia, dove già vivevano il fratello e la sorella, entrambi medici. Quando parte per l’Italia ha solo 15 anni, un’età che lo rende appetibile come soldato in Iran, e gli viene permesso di lasciare la sua terra solo a condizione di non portare denaro con sé. In Italia frequenta prima il liceo e poi l’università al Politecnico di Torino, dove consegue la laurea in ingegneria. Ora ha una famiglia, che denisce metà italiana e metà iraniana. La nascita del suo primo glio gli ha fatto sorgere la necessità di scrivere un libro che parlasse del ricordo e dell’appartenenza alla sua terra. Nasce così Salam, Maman, che vede come protagonista Alì, un bambino che, attraverso i suoi occhi, racconta gli avvenimenti drammatici dell’Iran degli anni ’70 e della rivolta khomeinista, intrecciati alla sua quotidianità. Hamid Ziarati is an Iranian writer born in Tehran in 1966. For health reasons, he moved to Italy in 1981, where he brother and sister were already living, both of whom are doctors. When he left to come to Italy he was just 15 years old, an age that left him open to becoming a soldier in Iran. He was given permission to leave his country on the condition that he would take no money with him. In Italy he attended high school and then the Polytechnic University of Turin, where he graduated in Engineering. He now has a family, which he called half Italian and half Iranian. The birth of his rst son made him feel the need to write a book recalling the memories and belonging to his homeland. That’s how Salam, Maman came about, which sees Alì as the lead character, a child who recounts the dramatic events in 1970s Iran and the Khomeini revolt through his own eyes, combined with everyday life. Il Caffè letterario di Virella Granese 25 Caos: tra losoa, scienza e arte La Teogonia di Esiodo racconta che in principio c’era il Caos – da qualche parte bisogna pur cominciare – e da lui discendono, per generazione, Gaia, la terra dall’ampio petto, Eros, l’amore, la luce e l’oscurità degli inferi. Insomma il caos, almeno stando ad Esiodo, è generoso di vita. Ma il suo ruolo, ci dice la scienza moderna, non si esaurisce in questo atto iniziale. L’evoluzione dei sistemi complessi – mi chiedo spesso quali siano quelli semplici, ma questo è un altro discorso – è soggetta alla “teoria del caos”, che mi appare come uno strepitoso ossimoro, una contraddizione in termini. Lo sviluppo caotico fa capolino nella selezione naturale delle specie – a proposito, celebriamo il centocinquantesimo anniversario dalla pubblicazione del libro che dette un colpo mortale al narcisismo dell’uomo – nelle previsioni meteorologiche, nell’economia, cosa che dimentichiamo nelle sue fasi espansive e riscopriamo in quelle recessive, ma sempre in ritardo. Inne mentre la matematica sembra giocare con le “regole” del caos – resta una scienza astratta, o no? – la sica ci pone domande inquietanti. Ervin Laszo, losofo e scienziato del “Club di Budapest” ricorda che le dinamiche dello sviluppo, applicabili al futuro, non sono lineari ma caotiche, tipiche dell’evoluzione dei sistemi complessi. Siamo costretti a passare da fasi di stabilità a momenti d’instabilità, oscilliamo tra continuità e discontinuità, ordine e caos. In questa situazione anche minime uttuazioni producono effetti su larga scala e il “battito d’ali di una farfalla in California può creare una tempesta in Mongolia”. Una volta generati dal caos, il nostro antico progenitore non vuole lasciarci in pace e segue da vicino la nostra incerta evoluzione. Il caos è anche disordine sociale, perdita di un’armonia. “Alla losoa, noi tutti chiediamo un po’ d’ordine per proteggerci dal caos” hanno scritto Deleuze e Guattari ma, pochi anni prima, Adorno dichiarava che il “compito attuale dell’arte è introdurre caos nell’ordine”. Castoridis – losofo e critico d’arte - ha scritto: “Un primo modo per affrontare la questione della grande arte consisterebbe allora nel dire che, mentre dà forma al Caos, essa lo disvela e nello stesso tempo, grazie a quella forma, crea un Cosmo”. Dunque viviamo in una continua oscillazione tra due estremi, da un lato la necessità di mettere in crisi modelli consolidati di sapere e di forme d’arte per aprirsi ad un nuovo caos produttivo, dall’altro la necessità di ritrovare un’armonia che rompa la tensione innescata dalla caduta nel caos. Effetto pendolo? Peppe D’Antonio 26 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Caos: in philosophy, science and art The Theogony by Hesiod recounts that in the beginning there was Chaos – you had to begin somewhere – and from him descended, by generation, Gaia, the wide-breasted earth, Eros, love, light and the obscurity of the underworld. In short, chaos, at least as it was to Hesiod, is full of life. But according to modern science, its role was not exhausted in this initial act. The evolution of complex systems – I often ask myself which are the simplest ones, but that’s another discussion – is subject to the Chaos Theory, which to me seems to be like one resounding oxymoron, a contradiction of terms. The chaotic development makes an appearance in the natural selection of the species – by the way, we are celebrating the 150th anniversary of the publication of the book that gave a mortal blow to man’s narcissism – in weather forecasting and the economy, something that we forget in its communicative stages and discover again in the recessionary stages, but always late on. Finally, whereas mathematics seems to play with the “rules” of chaos – it remains an abstract science, doesn’t it? – physics asks us some disturbing questions. Ervin László, philosopher and scientist of the Club of Budapest recalls that the dynamics of development applicable to the future aren’t linear but chaotic, typical of the evolution of complex systems. We are obliged to move from phases of stability to moments of instability, we oscillate between continuity and discontinuity, order and chaos. In this situation even minimal uctuation produce wide-scale effects and the “beating of the wings of a buttery in California can cause a storm in Mongolia”. Once generated by chaos, our old ancestor doesn’t want to leave us in peace and follows our uncertain evolution up close. Chaos is also social disorder, the loss of harmony. “From philosophy, we all ask for a bit of order to protect us from chaos,” wrote Deleuze and Guattari. However, a few years before, Adorno stated that the “current role of art is to introduce chaos into order”. Castoriadis, the philosopher and art critic, wrote, “An initial way in which to tackle the question of great art would thus consist in saying that, whereas it gives shape to Chaos, it unveils it and creates a Cosmos at the same time due to that form”. We therefore live in a constant oscillation between two extremes. On one hand there is the need to throw established models of knowledge and art form into crisis to open ourselves up to a new productive chaos; on the other hand there’s a need to regain a harmony that breaks up the tension triggered by the fall into chaos. Is this the pendulum effect? Peppe D’Antonio Il Caffè letterario di Virella Granese 27 Achille Bonito Oliva nasce a Caggiano (Salerno) nel 1939. Compie studi classici per poi laurearsi in giurisprudenza nel 1961. Successivamente si iscrive alla facoltà di lettere e matura la sua iniziale vocazione, la poesia. Partecipa alla riunione di Fano del Gruppo 63 con il suo primo libro di poesia Made in mater, del 1967. Dal 1968 vive a Roma, dove ha iniziato la sua avventura di critico d’arte e insegna storia dell’arte contemporanea alla facoltà di architettura dell’Università “La Sapienza”. Ha curato mostre in Italia e all’estero, tra le quali “Vitalita’ del negativo nell’arte italiana” (1970), partecipazione italiana alla “VII Biennale di Parigi” (1971), “La delicata scacchiera, Marcel Duchamp 1902-1968” (1973), “Contemporanea - arte” (1973), “Aperto ‘80” (1980), “Avanguardia transavanguardia 68-77” (1982), “XIII Biennale di Parigi” (1985), “Biennale di Dakar” (1998). E’ stato inoltre curatore generale della 45esima edizione della Biennale di Venezia (1993): “Punti cardinali dell’Arte”. Ad Achille Bonito Oliva sono stati assegnati il premio della critica “Flash Art International” (1982), il premio di giornalismo internazionale “Certosa di Padula” (1985), il primo premio internazionale “Tevere” (1986), il premio “Bussotti Opera Ballet” (1988), ií premio internazionale per la critica “Valentino d’oro” (1991), il cavalierato per l’ordine delle arti e lettere della Repubblica francese (1992), il premio “Europa Festival” di Locarno (1995), il premio “Oasi d’oro” del festival multimediale di Pantelleria (1995), il premio “Festival di Giffoni Vallepiana” (1996), il premio “Pino Pascali” per la critica d’arte di Polignano a Mare (1997), il premio “Fregene” per la saggistica e la critica d’arte (2000). Curatore culturale degli Incontri internazionali d’arte e dell’Electronic Art Café. Curatore generale della XLV edizione della Biennale di Venezia (1993). Consulente culturale per la regione Campania e della Metropolitana di Napoli. Direttore degli Annali delle Arti per la regione Campania, consulente per le arti della Fondazione Orestiadi di Gibellina. Achille Bonito Oliva born in Caggiano (Salerno) in 1939. He nished his classical studies, before graduated in Law in 1961. He then joined the Faculty of Arts and developed his initial vocation, poetry. He took part in the Fano del Gruppo 63 meeting with his rst book of poetry Made in mater, 1967. He has lived in Rome since 1968, where he started with adventure as an art critic and teaches contemporary art at the Faculty of Architecture at the University La Sapienza. He has curated exhibitions in Italy and abroad, including “Vitalita’ del negativo nell’arte italiana” (1970), the Italian participation at the 7th Paris Biennial (1971), “La delicata scacchiera, Marcel Duchamp 1902-68” (1973), “Contemporanea – arte 28 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani (1973), “Aperto ‘80” (1980), “Avanguardia transavanguardia 68-77” (1982), “13th Paris Biennial” (1985), “Dakar Biennial” (1998). He was also general curator of the 45th edition of the Venice Biennial (1993): “Punti cardinali dell’Arte”. Achille Bonito Oliva has received the following recognitions: the “Flash Art International” critics’ prize (1982), the “Certosa di Padula” international journalist prize (1985), the rst “Tevere” international prize (1986), the Bussotti Opera Ballet Prize (1988), the international critics’ award “Valentino d’oro” (1991), the knightship for the order of arts and literature of the French Republic (1992), the “Europa Festival” prize at Locarno (1995), the “Oasi d’oro” prize of the Pantelleria Multimedia Festival (1995), the “Festival di Giffoni Vallepiana” prize (1996), the “Pino Pascali” prize for art criticism at Polignano a Mare (1997), the “Fregene” prize for art criticism and essays (2000). Cultural curator of Incontri Internazionali d’Arte and the Electronic Art Café. General curator of the 45th edition of the Venice Biennial (1993). Cultural consultant for the Campania Region and Naples City Council. Director of the Annali delle Arti for the Campania Region and consultant for the arts of the Fondazione Orestiadi of Gibellina. Il Caffè letterario di Virella Granese 29 Umberto Curi, nato a Verona il 4 settembre 1941, dopo aver conseguito la laurea (1964) e successivamente la specializzazione(1967) in losoa, nel 1971 consegue la libera docenza in Storia della losoa moderna e contemporanea. Dal 1986 è professore ordinario di Storia della losoa presso la Facoltà di Lettere e Filosoa dell’Università di Padova, presso la quale ha presieduto anche il corso di laurea in Filosoa, dal 1994 al 2008. Ha diretto per oltre vent’anni la Fondazione culturale “Istituto Gramsci Veneto” ed è stato anche per un decennio membro del Consiglio Direttivo della Biennale di Venezia. Formatosi alla scuola di Carlo Diano, Marino Gentile e Paolo Bozzi, in una posizione comunque di spiccata indipendenza, all’incirca all’inizio degli anni settanta incontra Massimo Cacciari. A partire da quel momento, si avvia un sodalizio estremamente solido e fecondo, all’insegna di una comune ricerca del nuovo, e di un impegno teoretico rigoroso , che va oltre il piano strettamente scientico, in direzione di una partecipazione civile e politica mai assorbita dentro gli schemi dell’ortodossia, ispirata alla massima autonomia del lavoro intellettuale. Nella sua più matura attività di ricerca, si possono individuare tre fondamentali linee di indagine: la riessione sul nesso politica-guerra, e sulla nozione teoretica di polemos, lungo la linea che congiunge Eraclito a Heidegger; la valorizzazione della narrazione, sia intesa come mythos, sia concepita come opera cinematograca; la meditazione su alcuni temi fondamentali dell’interrogazione losoca, quali l’amore e la morte, il dolore e il destino. Fra le sue numerose opere della fase più matura, di particolare rilievo sono Endiadi. Figure della duplicità, Feltrinelli, Milano 1995; Polemos. Filosoa come guerra, Bollati Boringhieri, Torino 2000; La forza dello sguardo, ivi 2004; Meglio non essere nati. La condizione umana tra Eschilo e Nietzsche, ivi, 2008. L’assiduo lavoro di losoa del cinema è testimoniato soprattutto da Lo schermo del pensiero. Cinema e losoa, Raffaello Cortina, Milano 2000 e Un losofo al cinema, Bompiani, Milano 2006. Umberto Curi was born in Verona on 4 September 1941, after having graduated (1964) and then completing his Master’s degree (1967) in philosophy, he gained the university teacher qualication in the History of Modern and Contemporary Philosophy in 1971. He has been full professor of the History of Philosophy at the Faculty of Arts and Philosophy of the University of Padua since 1986, where he also chaired the degree course in Philosophy from 1994 to 2008. He managed the Istituto Gramsci Veneto cultural institute for more than twenty years and was also a member of the Board of Directors of the Venice Biennial for ten years. Having 30 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani trained at the school of Carlo Diano, Marino Gentile and Paolo Bozzi, albeit in a position of considerable autonomy, he met Massimo Cacciari in the early 1970s. An extremely solid and fertile association then began based on a shared research of the new and rigorous theoretical commitment that went beyond the narrow scientic plan towards a civil and political participation never absorbed behind the orthodox schemes, aspiring towards the utmost autonomy of intellectual work. In his more mature research activities, three fundamental lines of investigation can be identied: reection about the war/politics connection and about the theoretical notion of polemos, along the line that joins Heraclitus with Heidegger; the development of narration, whether understood as mythos or perceived as a cinematographic work; and meditation about some fundamental subjects of philosophical interrogation, such as love and death, pain and destiny. Among his many works during his most mature stage, those of particular importance are Endiadi. Figure della duplicità, Feltrinelli, Milan 1995; Polemos. Filosoa come guerra, Bollati Boringhieri, Turin 2000; La forza dello sguardo, Turin 2004; Meglio non essere nati. La condizione umana tra Eschilo e Nietzsche, Turin, 2008. His assiduous work on the philosophy of cinema is especially noted in Lo schermo del pensiero. Cinema e losoa, Raffaello Cortina, Milan 2000 and Un losofo al cinema, Bompiani, Milan 2006. Il caffè letterario di Virella Granese Il Caffè letterario di Virella Granese 31 Tito Tonietti insegna Storia della Scienza e delle Tecniche all’Università di Pisa, dove in passato ha anche insegnato Storia Comparata ed Interculturale delle Scienze. Nelle sue ricerche si occupa di studiare e raccontare le eventuali relazioni che si sono vericate, nella storia, tra le diverse culture scientiche (europee, cinesi, indiane, arabe, ecc.), mettendole a confronto senza assumere il punto di vista eurocentrico. In particolare, si occupa delle diverse teorie matematiche della musica. In generale, nelle sue ricerche si impegna ad evitare di cancellare dalla storia il purtroppo ricorrente inusso delle guerre sull’evoluzione delle scienze. È autore di alcuni libri, tra cui: Nuvole in silenzio. Arnold Schönberg svelato (Plus, 2004); Catastro. Una controversia scientica (Dedalo, 1983). La parola catastrofe evoca lutti e distruzioni. Ma per catastrofe si è anche intesa una variazione continua, graduale e piccola nelle condizioni di un fenomeno, in grado di produrre un grande effetto, un grande mutamento, talvolta visibile nella forma. Allora il mondo che ci circonda ci offre innumerevoli esempi di catastrofe: una gura luminosa, un’onda che si frange, la formazione di un essere vivente, il battito del cuore, l’acqua che bolle. Il francese René Thom iniziando negli anni ‘60 lo studio di questi fenomeni, ha nito per provocare una controversia nell’establishment scientico internazionale perché le catastro non sono una teoria scientica nel senso corrente del termine. Questo è il primo libro dove, dopo un’esposizione delle catastro essenziale ma ricca di esempi e gure, si affronta la controversia analizzandola in tutti i suoi aspetti, matematici, losoci, storici e di politica scientica. Di fronte a casi come questi ci si chiede perché i ricercatori scientici siano così ostili ai cambiamenti ed intolleranti nei confronti dei punti di vista che appaiono radicalmente nuovi ed eretici. Una farfalla che batte le ali nella foresta amazzonica può generare una perturbazione meteorologica a Londra. Questa eventualità è diventata nel frattempo tanto popolare da venir citata sempre più spesso come esempio dei sistemi “caotici” e “complessi”. Ma l’effetto farfalla è in realtà una generalizzazione delle catastro. I modelli di Thom hanno dato origine ad applicazioni e sviluppi nei campi più svariati, dall’idrodinamica all’embriologia, dalla linguistica all’economia. Tito Tonietti teaches the History of Science and Techniques at the University of Pisa, where he also formerly taught Comparative and Intercultural History of Science. In his research he has studied and compared the relations that have occurred in history between the different scientic cultures (European, Chinese, Indian, Arab, etc.), comparing them without adapting a eurocentric point of view. He particularly focuses on the different mathematical theories of music. In his research he generally strives to erase from history the unfortunate recurrent inuence of the wars on the development of science. He has written some books including Nuvole in silenzio. Arnold Schönberg svelato (Plus, 2004) and Catastro. 32 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Una controversia scientica (Dedalo, 1983). The word catastrophe evokes grief and destruction, yet catastrophe also means a continual, gradual, small variation in the conditions of a phenomenon that is able to produce a big effect, a large mutation, sometimes visible in the form. Then our surrounding world offers us countless examples of catastrophes: a luminous gure, a breaking wave, the formation of a living thing, a heartbeat, boiling water. The Frenchman René Thom, who started to study these phenomena in the 1960s, ended up causing controversy in the international scientic establishment as catastrophes are not a scientic theory in the current sense of the term. This is the rst book where, after displaying the essential catastrophes yet rich in examples and gures, he tackles the controversy by analysing it in all its aspects: mathematics, philosophy, history and scientic politics. In light of cases such as these he asks us why scientic researchers are so hostile to change and intolerant to points of view that seem radically new and heretical. A buttery that beats its wings in the Amazon rainforest can cause a meteorological disturbance in London. This contingency has become so popular in the meantime that it has been increasingly cited as an example of chaotic and complex systems. However, the buttery effect is actually a generalisation of catastrophes. Thom’s models have given rise to applications and developments in a whole range of elds, from hydrodynamics to embryology, from linguistics to economics. Il Caffè letterario di Virella Granese 33 La Galleria Paola Verrengia La Galleria Paola Verrengia comincia la sua attività nel 1993. In oltre dieci anni ha indagato le varie tendenze dell’Arte Contemporanea, dei grandi maestri del dopoguerra e di artisti emergenti nel campo dell’Arte Astratta ed Informale, dell’Arte Concettuale e della Fotograa. La prima collaborazione con Linea d’Ombra Festival Culture Giovani è del 1997 con l’esposizione di alcune delle tavole originali del “Viaggio di G. Mastorna” disegnate da Milo Manara su un’idea di Federico Fellini. Nel maggio del 2007 è la volta di Studio Azzurro con Origine e Deposizione - Miniatures da “The Cenci”. Galleria Paola Verrengia has been opened since 1993. Its main goal is to showcase the various trends in contemporary art, ranging from modern the avant-garde masters to emerging artists of all mediums. At the beginning, the gallery focused on Italian Abstract and Tachism art. During the last 5 years the gallery has been broadering to the international art scene, promoting e collaborating with artists e galleries abroad. The gallery’s rst collaboration with Linea d’Ombra Festival Culture Giovani was in 1997 with the exhibition of some of the original artwork of “Viaggio di G. Mastorna” designed by Milo Manara based on Federico Fellini’s idea. In May 2007 it was the turn of Studio Azzurro with ‘Origin and Deposition - Miniatures from “The Cenci”’. Alessandro Ciffo – Silicon Colors 21 marzo 2009 – 30 aprile 2009 L’artista e designer di Biella, che ha eletto il silicone a materiale esclusivo per dare vita alle sue produzioni d’arte multicolori, ironizza sull’uso delle resine plastiche e del colore in un ambito borderline tra arte e design. La Galleria Paola Verrengia insieme al Centro di ricerca Museale Plart di Napoli hanno dedicato due mostre a questo giovane artista: Silicon D al Plart di Napoli a partire dal 20 marzo 2009 e Silicon Colors alla Galleria Paola Verrengia dal 21 marzo 2009. 34 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani La ricerca artistica di Ciffo è basata su un unico materiale: il silicone, che l’artista scopre nel 1997 durante la sua collaborazione con il gruppo Cracking Art, e con il quale crea superci lucide e colorate, grandi anfore, vasi li-formi, lampadari, cubi, parallelepipedi, forme che all’occorrenza si trasformano in panche, poltrone, tavoli. L’artista è tra i primi a sperimentare questo materiale sintetico, valorizzando la sua consistenza adesiva che si traduce, nella composizione dell’opera, in imprevedibilità della forma. Alessandro Ciffo (Biella, 1968) è un giovane artista e designer autodidatta e autoprodotto. Diplomato in Elettronica Industriale nel 1987, nel 1996 collabora con il gruppo Cracking Art alla creazione dei Crecking Gadget. Nel 1997 crea la prima collezione XXI SILICO. Vive e lavora a Biella, dove, nella sua officina, dà vita a mobili, vasi, gomme e altri oggetti di arte e decoro. Tra le mostre personali e collettive più recenti segnaliamo: Galleria Dillmos, XXI Silico, Milano (1999), Galleria Dilmos, Milano – Salone del Mobile (2000, 2001, 2002, 2004), Città dell’Arte – Fondazione Pistoletto, Biella (2002), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2002), Sant’Elia 2007 kg di Silicone in Tipograa (2007), Galleria Secondome, XXI Silico – Marmimolli, Roma (2008). Il Caffè letterario di Virella Granese 35 The artist and designer of Biella, who chose silicon as the only material in which to create his multicoloured art productions, is ironical about the use of the plastic resin and colour in a borderline eld between art and design. Galleria Paola Verrengia, with the Centro di Ricerca Museale Plart of Naples, has dedicated two exhibitions to this young artist: Silicon D at Plart in Naples opening 20 March 2009 and Silicon Colors at Galleria Paola Verrengia opening 21 March 2009. Ciffo’s artistic research is based on one material, silicon, which the artist discovered in 1997 during his collaboration with the Cracking Art group. He uses it to create smooth, coloured surfaces, large amphoras, wire-form vases, chandeliers, cubes, blocks and shapes that turn into benches, chairs and table as needed. The artist is one of the rst to experiment with this synthetic material, using its adhesive consistency to advantage, which translates in the unpredictability of the form in the composition of the work. Alessandro Ciffo (Biella, 1968) is a young, self-taught and self-produced artist and designer. He graduated in Industrial Electronics in 1987 and worked with the Cracking Art group in 1996 to create Cracking Gadgets. In 1997 he made the rst XXI SILICO collection. He lives and worked in Biella, where he makes furniture, vases, tyres and other art and decorative objects in his workshop. Among his most recent personal and collective exhibitions are: Galleria Dillmos, XXI Silico, Milan (1999), Galleria Dilmos, Milan – Salone del Mobile (2000, 2001, 2002, 2004), Città dell’Arte – Fondazione Pistoletto, Biella (2002), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin (2002), Sant’Elia 2007 kg di Silicone in Tipograa (2007), and Galleria Secondome, XXI Silico – Marmimolli, Rome (2008). Il Plart, inaugurato a Napoli il 25 gennaio del 2008, ospita una collezione di oltre 1500 oggetti in plastica che coprono un arco di tempo che va dalla ne dell’ ‘800 ai giorni nostri. 36 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Il Plart rappresenta un’unione curiosa e raffinata di oggetti in plastica, a rma di artisti e designer, ma è anche un nuovo luogo di ricerca. Esso nasce, infatti, da un’iniziativa privata dedicata alla ricerca scientica e alla conservazione delle opere d’arte e di design in materiale plastico. La storia del Plart comincia molti anni fa quando ho intuito che oggetti e manufatti in plastica, col tempo, sarebbero divenuti beni di grande interesse artistico. E’ così che è cominciata un’attenta e avventurosa ricerca di oggetti in plastica, guardando sempre alla loro forma, al design e alla materia. In questa mia passione di ricerca, durata circa 30 anni, mi ha da sempre accompagnata il mio amico Architetto Nunzio Vitale, che ha curato, con puntuale competenza, la scelta di quelli che io ormai chiamo “reperti” storici della storia della plastica. Inizialmente, il mio intento era quello di realizzare questo ambizioso progetto nella città di Salerno, perché proprio qui un gruppo di studiosi, molto attenti all’arte, coordinato dall’amica, nonché presidente dell’Associazione Culturale Lineare A, Virella Granese, aveva molto creduto nel progetto. La sede individuata per ospitare il museo della plastica sarebbe dovuto essere il settecentesco Palazzo Genovesi ed il progetto per la sua realizzazione avrebbe dovuto coinvolgere anche l’amministrazione comunale. Quest’iniziativa, purtroppo, non si è mai concretizzata, nonostante il sostegno di una persona colta ed avveduta come è stata Virella. Il Caffè letterario di Virella Granese 37 Col tempo ho collezionato numerosissimi oggetti e credo sia ambizione di ogni collezionista aperto e benpensante, avere la possibilità di far vivere la sua collezione fuori dalle mura dei propri archivi. Metterla, in denitiva, a disposizione del pubblico, comunicare, attraverso un luogo espositivo, le proprie emozioni, i propri sentimenti, la storia del perché ha collezionato pazientemente tutti quegli oggetti con i quali si stabilisce un rapporto intenso, direi quasi di affetto, un legame che dura tutta la vita. Opened on 25 January 2008 in Naples, the Plart is home to a collection of more than 1,500 plastic objects, which cover a period of time from the 19th century to the present day. The Plart is a curious and elegant bringing together of plastic objects by artists and designers, but it is also a new research space. It was in fact created by a private initiative dedicated to scientic research and the preservation of works of art and design in plastic materials. The history of the Plart began many years ago when I guessed that plastic objects and manufactured items would become artistic heritage of great interest over time. That’s how my careful and adventurous research began into plastic objects, always looking at their shape, design and material. Throughout my loving research, which has lasted for about 30 years, my friend the architect Nunzio Vitale has always been by my side. With an exact skill, he managed the selection of the items which I now call historic “ndings” in the history of plastic. 38 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani It was initially my intention to carry out this ambitious project in the town of Salerno as a group of scholars here who paid special attention to art, which was run by my friend and president of the Associazione Culturale Lineare A, Virella Granese, had believed strongly in the project. The headquarters identied for the plastics museum would have been the 18th century Palazzo Genovesi and the plans for its creation would have also involved the town council. Unfortunately, this initiative never materialised, despite the support of such a cultured and shrewd person like Virella was. Over time I have collected numerous objects and I believe that it’s the ambition of every open-minded and conformist collector to have the chance to let his collection be experienced beyond the walls of its archives. In summary, making the collection available to the general public, communicating its sentiment through an exhibition and its history of why you have patiently collected all those objects with which you’ve established an intense Ð I would say Ðalmost affectionate relationship, a bond that will last a lifetime. Maria Pia Incutti Performing Art 40 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Il rito come caos «Dove il mondo cessa di essere il palcoscenico delle nostre speranze e dei nostri desideri per divenire l’oggetto della libera curiosità e della contemplazione, lì iniziano l’arte e la scienza», diceva Albert Einstein. «Se cerchiamo di descrivere la nostra esperienza all’interno degli schemi della logica, entriamo nel mondo della scienza; se, invece, le relazioni che intercorrono tra le forme della nostra rappresentazione sfuggono alla comprensione razionale e pur tuttavia manifestano intuitivamente il loro signicato, entriamo nel mondo della creazione artistica. Ciò che accomuna i due mondi è l’aspirazione a qualcosa di non arbitrario, di universale.» Nel Caos arte e scienza si incontrano, dando vita, ognuna con i propri strumenti a creazioni dal forte impatto visivo, in cui la posizione dell’uomo diviene centrale e rispondente alle archetipiche strutture rituali. Il rito è precisamente quello spazio ufficiale nel quale il rivolgimento dell’ordinario a nome dello straordinario può avvenire e in cui è paradossalmente considerato lecito. Il rito autorizza quindi la trasgressione della norma, la rottura dell’interdetto che in periodo profano mantiene viva, a ni conservativi, la separazione tra la vita e il sacro, che protegge insomma la società dai disordini tipicamente legati alla sacralità. La festa, segna quindi l’irruzione violenta del sacro nella vita travolgendo il normale corso degli eventi. Il rito, la festa sono quindi i momenti in cui si accede alla sfera del sacro non solo arrestando il lavoro, l’ordinario, ma rovesciando tutte le norme che a quest’ultimo sono intrinsecamente legate. In questa direzione si posiziona la scelta degli interventi urbani del Teatro Potlach e della Contrabbanda; due momenti in cui l’azione performativa è rito, festa bacchica e carnascialesca. Il rito si congura anche come «caos ritrovato», come ri-attualizzazione dei primordi, e quindi come «sospensione dell’ordine del mondo». In questo senso, le follie e le dissolutezze, sono concesse. «Occorre agire contro le regole, tutto deve svolgersi al rovescio». L’incesto, la violenza, il disordine e le parodie del potere si costituiscono di fatto come un ri-orientamento al ventre, al magma originario. Età dell’oro e Caos, epoche immaginarie alle quali il rito ritorna, sono quei luoghi mitologici che precedono ogni civiltà, ogni istituzione, antecedenti il lavoro e la tipica scansione del tempo ad esso connaturata. La creazione dei Lenz Rifrazione parte proprio dal Libro Primo de “Le Metamorfosi” di Publio Ovidio Nasone, seguendo un percorso di generazione dal nulla universale no alla creazione dell’umanità e al passaggio attraverso le quattro età descritte dal poeta : Età dell’Oro, Età d’Argento, Età del Bronzo, Età del Ferro. Un rito è tanto più efficace se si attualizza in dramma: mimando i simboli sacri del vissuto e dell’inimmaginabile. Un gesto lo costituisce, una voce scandita lo esplicita. La voce rituale pronunzia in uno spazio-tempo eternizzato la parola Perfoming Art 41 segreta e imperativa che ordina alla divinità di essere presente, di occupare il luogo vuoto al centro dell’ assemblea. La “voce” che ospiteremo è Alessandro Bergonzoni, il quale gioca con le parole, spingendosi oltre il signicato superciale, sino a farne perdere di vista il senso, quello che rappresentano nel concreto, sfumando nell’immaginario e immaginico, nell’incredibile e nell’impossibile, come dichiara il sistema Afai da lui ideato, ovvero abbinamenti fantastici apparentemente incredibili, direi assolutamente caotici. Discorre, argomenta, recita, legge, gesticola si diverte a destrutturare e ricostruire il lessico quotidiano, a giocare con sostantivi, verbi, aggettivi, proverbi e soprattutto a interpretare e reinterpretare modi di dire, adagi e massime della lingua italiana. Il caffè letterario di Virella Granese Agostino Riitano 42 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Rite as chaos Where the world ceases to be the scene of our personal hopes and wishes, where we face it as free beings admiring, asking and observing, there we enter the realm of art of science,” said Albert Einstein. If we try to describe our experience within the boundaries of logic, we enter the world of science. If, on the other hand, the relationships that run between the forms of our representation escape rational comprehension while nevertheless intuitively showing their meaning, we enter the realm of artistic creation. What the two worlds have in common is the aspiration towards something that isn’t arbitrated or universal. In Chaos, art and science come together, giving life to creations with a strong visual impact, each with their own tools, where man’s position becomes central and in keeping with the ritual archetypical structures. The rite is precisely the official space in which the upheaval of the ordinary in the name of the extraordinary can happen and where, paradoxically, it is considered permissible. Rites therefore allow the rule to be transgressed, the prohibited to be broken down, which keeps the separation between life and the sacred alive, which protects society from the disorder typically associated with sacredness, in the profane period for conservative purposes. Festivals therefore mark the violent eruption of the sacred in life, upsetting the normal course of events. Rites and festivals are therefore the times when you can enter the sacred sphere not only stopping the work, the ordinary, but upsetting all the rules that are intrinsically linked in the latter. The selection of the urban activities of Teatro Potlach and Contrabbanda are placed to this end: two moments where performance action is a ritual, Bacchic and carnivalesque festival. Rites also takes the form of “re-found chaos”, re-actualisation of the very beginnings, and therefore of the suspension of world order”. This is why foolish acts and debauchery are allowed. It is necessary to act against the rules; everything must take place upside down.” Incest, violence, disorder and travesties of power are actually like a re-orientation in the belly, in the original magma. The Golden Age and Chaos, imaginary ages to which the rite returns, are the mythological places that precede every civilisation, every institution, prior to work and the typical passing of time to which it is rooted. The creation of Lenz Rifrazione actually starts with Book 1 of the “Metamorphoses” by Publius Ovidius Naso, following the passing of generations from the universal nothing to the creation of mankind and the passage through the four ages described by the poet: the Golden Age, the Silver Age, the Bronze Age, and the Iron Age. A rite is much more effective if it is realised in drama: miming the sacred symbols of life and the unimaginable. A gesture constitutes it, a rhythmic voice explains it. The ritual voice enunciates the secret and imperative word in an etherised time-space that orders the divinity to be present, to occupy the empty space in the middle of Perfoming Art 43 the assembly. The “voice that we will host is that of Alessandro Bergonzoni, who plays with words, pushing them beyond their surface meaning so far that we lose sight of their sense, what they represent in the concrete, fading into the imaginary and abounding in images, in the incredible and impossible, as the Afai system states which he invented, or rather I’d say absolutely chaotic, apparently incredible fantastic combinations. He talks, argues, recites, reads and gesticulates. He has fun deconstructing and reconstructing the daily lexicon, playing with nouns, verbs, adjectives, proverbs and, above all, interpreting and reinterpreting Italian sayings, adages and maxims. Agostino Riitano 44 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Chaos dal libro primo de “Le Metamorfosi” di Publio Ovidio Nasone Lenz Rifrazioni Gruppo di ricerca teatrale di Parma costituitosi nel 1985, ha portato in palcoscenico una serie di progetti monograci e pluriennali su numerosi autori, quali: Büchner, Hölderin, Lenz, Kleist, Rilke, Dostoevskij, Majakovskij, Shakespeare, Goethe, Grimm, Anderson, Calderón de la Barca, Genet. Il progetto di Lenz Rifrazioni nasce dalla sda di rappresentare l’irrapresentabile, ovvero di portare in scena i grandi testi classici considerati, appunto, irrapresentabili per la loro sperimentalità linguistica e/o drammaturgica. La loro poetica si riconosce nell’estrema e sacrale fedeltà alla parola del testo, nel lungo lavoro laboratoriale con gli attori, nell’originale lavoro di installazione scenica e creazione lmica. Tutto ciò porta la progettualità artistica di Lenz Rifrazioni ad essere riconosciuta come una delle più originali ed interessanti nel teatro di ricerca non solo italiano, ma anche europeo. La traduzione, la riscrittura drammaturgica, l’imagoturgia delle messinscene sono rmate da Francesco Pititto, che ne cura la regia insieme a Maria Federica Maestri. Lenz Rifrazioni si esibisce con Chaos, messa in scena fortemente esplicativa e coerente con il tema di questa quattordicesima edizione di Linea d’Ombra - Festival Culture Giovani. Il progetto ha inizio nel 2007 con la messa in scena, nel maggio dello stesso anno, di Radical Change, scrittura performativa contemporanea de Le Metamorfosi di Publio Ovidio Nasone realizzata attraverso nove installazioni ispirate ad altrettante metamorfosi. Il nuovo lavoro, Chaos, dal Libro Primo della suddetta opera, indaga i riferimenti poetici del rapporto dialettico tra mito e materia all’interno di una dimensione originaria, indica le tappe della creazione dal nulla universale all’umanità, mostra la scansione delle quattro età descritte da Ovidio: Età dell’Oro, Età d’Argento, Età del Bronzo, Età del Ferro. Siamo all’inizio dei tempi, nel caos che precede la nascita dell’umanità. Il pensiero poetico e losoco dell’elegiaco latino è, dunque, il sostrato testuale di una ricerca lmica, visuale, spaziale e sonora realizzato con una potenza visiva e simbolica estrema, tesa ad una composizione scenica costruita attraverso visioni ed illuminazioni archetipe. La parola latina diventa viva entrando nella dimensione performativa come cornice testuale, conducendo il pubblico in un passato indenito ed in una presa di coscienza dell’identità. Lo sguardo dello spettatore è così portato ad astrarsi dall’azione scenica. I corpi dei performer sono il tramite tra il testo e gli spettatori, conducendo questi ultimi Perfoming Art 45 in un viaggio nelle pulsioni poetiche di Ovidio, attraverso un’impalcatura di attrazioni e repulsioni, contatti ed allontanamenti, maturazioni e distruzioni reciproche. I corpi si lasciano attraversare dalle parole dei versi latini e dal grido di parole d’amore e disperazione di Romeo e Giulietta. Sugli schermi grandi occhi insieme a foglie ed alberi. Immagini e primissimi piani di corpi: tre giovani donne ed un uomo, nudi e rasati, prima ombre, poi presenze, si attraggono e si respingono giocando con gli attrezzi presenti sulla scena, ovvero sgabelli, bottiglie di plastica, lettini ospedalieri, palloni da basket, resti confusi, mentre indossano e si svestono da magliette e calzoncini. Il contatto, la vicinanza e l’allontanamento tra i due sessi vanno a determinare anche altre letture quali la ricerca dell’uno verso l’altra, il riconoscimento nei diversi ruoli, la consapevolezza che la volontà dell’uno non può essere il desiderio dell’altra. In questi corpi, in questi gesti pulsa l’energia sessuale di un mondo primordiale che può diventare provocazione e violenza senza raggiungere l’eros. Ma è anche innocenza che ferisce. Qualcosa che chiede il proprio tempo per non essere fagocitata, qualcosa su cui soffermarsi e riettere. Atto puro di ribellione e speranza di una possibilità. E il quesito nale di Hölderin, a chiusura della performance, “Che cos’è l’uomo/Come è possibile che esista una cosa/che fermenta, e bolle come un caos!” Lenz Rifrazioni A theatrical research group from Parma founded in 1985, has staged a series of monographic projects over many years about numerous writers including Büchner, Hölderin, Lenz, Kleist, Rilke, Dostoyevsky, Majakovsky, Shakespeare, Goethe, Grimm, Anderson, Calderón de la Barca and Genet. Lenz Rifrazioni’s project comes from the challenge of representing the unrepresentable, or rather staging the big classical texts that are actually regarded as being unrepresentable for their linguistic and/or dramatic experimentation. Their poetics is recognised in the extreme and sacred loyalty to the words of the text, in the long workshop work done with the actors and in the original scenic installation and lm creation work. All this has caused the artistic design of Lenz Rifrazioni to be regarded as one of the most original and interesting in experimental theatre not just in Italy, but also in Europe. The tradition, dramatic rewriting and imagoturgy of the sets are managed by Francesco Pititto, who takes care of the directing with Maria Federica Maestri. Lenz Rifrazioni exhibits with Chaos, a strongly explanatory production that is in line with the topic of this 14th edition of Linea d’Ombra - Festival Culture Giovani. The project began in 2007 with the staging of Radical Change, a contemporary performance writing of the Metamorphoses by Publius Ovidius Naso done through nine installations inspiring as many metamorphoses with the staging, in the May of the same year. The new work, Chaos, of Book 1 of the afore-stated work, investigates the poetic references of the dialectic relationship between myth and matter within an original dimension, indicates the stages of the creation from the 46 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani universal nothing to humanity, shows the spanning of the four ages described by Ovid: the Golden Age, the Silver Age, the Bronze Age, and the Iron Age. We are at the beginning of time, in the chaos that precedes the birth of mankind. The poetic and philosophical thinking of the Latin elegiac is therefore the textual foundation of lm, visual, spatial and sound research done with an extreme visual and symbolic power aimed at a scenic composition built through archetypal visions and lighting. The Latin word becomes alive when it enters the performance dimension as a textual frame, leading the audience into an undened past and in an awareness of identity. The spectator’s attention is therefore made to wander from what’s happening on the stage. The performers’ bodies are the vehicle between the text and spectators, leading them along a journey into the poetic thrusts of Ovid through a structure of attractions and repulsions, contact and distancing, maturity and reciprocal destruction. Bodies allow themselves to be used to communicate the words of the Latin verses and the cries of words of love and desperation of Romeo and Juliet. Eyes, leaves and trees are shown on the big screens. Images and the very rst levels of bodies: three young women and a man, naked and shaven, rst shadows, then presences, attract and repel playing with the equipment on the set, or rather stools, plastic bottles, hospital beds, basketballs, jumbled ruins, while they put on T-shirts and shorts and undress again. The contact, proximity and distancing between the two sexes go on to also determine other interpretations including the research of one towards the other, the recognition in the different roles and an awareness that the will of one cannot be the desire of the other. In these bodies, in these gestures, the sexual energy of a primordial world that can cause provocation and violence pulsates without reaching Eros. But even innocence hurts. Something that asks for its own time as not to be gobbled up and sometimes upon which to dwell and reect. A pure act of rebellion and hope for a chance. And the performance ends with the nal question of Hölderin, “What is man?/How it is possible that something exists/that ferments and bubbles like chaos?” Perfoming Art 47 Nel di e con Alessandro Bergonzoni Regia: Alessandro Bergonzoni e Riccardo Rodol “Un’ideale corda tesa a delimitare gli spazi del monologo da quelli del soliloquio. Un attore-attore che si muove nella ricerca di una precisione contemporaneamente complessa e comicamente dissonante. Uno spazio per sottolineare la reale linea d’ombra di Alessandro Bergonzoni, mai come stavolta, sotto i vostri occhi e per i vostri cervelli.” “An ideal thread aimed at marking out the spaces of monologue from the spaces of soliloquy. An actor-actor that moves around seeking precision that is complex and comically discordant at the same time. A space to underline the real shadowy line of Alessandro Bergonzoni, seen as never before, in your eyes and minds.” Riccardo Rodol Marco, il Territorio NEL (fare) NEL (mentre) NEL (posto) NEL (momento) NEL (contesto) NEL (pensato) NEL (dire) NEL (guardare): il dentresco una sorta di sorte, questo è il costrutto: costruire il distrutto. L’illimitata delimitazione (bergon-zone) il retroquadro di punti scardinati. NO (negazione del Nord), SU (la parte altra del Sud), ES (essere come abbreviazione di Est), OV’EST (dov’è). Dove è tutto? Li mentre si è la (nella memoria fotograca). Nell’energia enucleare perchè estrarre la forza chiusa costa. Uno spettacolo sulla cauzione per sprigionare le forze. Aprimi cielo Marco, il Territorio IN (doing) IN (the meantime) IN (the place) IN (the moment) IN (the context) IN (thought) IN (saying) IN (looking): the inner belly a sort of sorts, that’s the construct: constructing the destroyed. The limitless delimitation (bergon-zone) the back of the canvas of unhinged points. NO (negation of the North), SO (the other part of the South), E (being as an abbreviation of the East), WEST (where). Where is everything? There while it’s over here (in the photographic memory). In the energy, to dene as to extract the closed force comes at a price. A show on the caution of releasing the forces. Open the sky up for me. Alessandro Bergonzoni Alessandro Bergonzoni debutta in teatro nel doppio ruolo a lui congeniale di attore-autore con Scemeggiata (1982), a cui faranno seguito Chi cabaret fa per tre (1983) e La regina del Nautilus (1984). Già in questi primi spettacoli Bergonzoni sviluppa i temi comici che diventeranno fondamentali nei suoi successivi lavori: il riuto del reale come riferimento artistico, “l’esplorazione” linguistica e l’assurdo come mondo comico da esplorare a tutto campo. 48 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Nello stesso anno scrive Il Canto del Giallo, sei racconti “gialli” per il settimanale “Panorama” e alcuni articoli per “7”, supplemento del “Corriere della Sera”. Nel febbraio 1992 debutta con Anghingò. Nel novembre Mondadori pubblica il suo secondo libro E’ già mercoledì e io no. Per il Natale del 1992 su invito delle Messaggerie, Bergonzoni prepara Motivi di soddisfazione accampati nel deserto un libro progetto a tiratura limitata composto da 21 incipit di altrettanti romanzi immaginari e da 16 copertine. Il 1995 vede l’uscita per Garzanti del suo terzo libro Il grande Fermo e i suoi piccoli andirivieni dove per la prima volta si cimenta con la struttura del romanzo. Nel 1996 vince sia il premio “Saint Vincent” che il “Gradara Ludens” per la ricerca svolta nell’ambito del comico; nella primavera dello stesso anno il “Premio Candoni” gli commissiona un atto unico, che intitolerà Chi ha ucciso il maiale, da presentare all’interno della sezione nuova drammaturgia. Questo testo assieme all’inedito Ambetrè comporrà poi lo spettacolo Al Bergo Bergonzoni allestito dalla compagnia torinese Assemblea Teatro. Sempre nel 1996 Alessandro Bergonzoni debutta nel ruolo di sceneggiatore-attore nel suo primo cortometraggio Piccola Mattanza, diretto da Claudio Calabrò, che viene presentato al Torino Filmfestival. All’inizio del 1997 debutta il suo nuovo spettacolo teatrale Zius. Nel dicembre dello stesso anno esce, per la Ubulibri, Silences - Il teatro di Alessandro Bergonzoni, la raccolta dei sei testi teatrali che raccontano i suoi quindici anni di attività. Da maggio 1999 il nuovo libro Opplero - Storia di un salto - edito da Garzanti e presentato al Salone di Torino - è in distribuzione. In novembre debutta al Teatro Due di Parma con Madornale 33. Il 2000 lo vede cominciare una strettissima collaborazione con la “Casa dei Risvegli - Luca De Nigris”. Per questa associazione che si occupa del risveglio dal coma e della successiva riabilitazione cura insieme a Riccardo Rodol gli spot cinematograci/ televisivi e la campagna stampa diventandone anche il testimonial. Da questa collaborazione nasce nell’ottobre 2001 Coma reading messo in scena all’Arena del Sole di Bologna insieme ad Alessandro Baricco, Pino Cacucci e Gabriele Romagnoli. Nel 2001 interpreta la parte del direttore del circo nel “Pinocchio” di Roberto Benigni. Nella primavera del 2004 nasce Predisporsi al micidiale parte prima: l’inaudito, percorso necessario per arrivare al debutto nell’ottobre del 2004 del denitivo Predisporsi al micidiale col quale vince il “Premio dell’Associazione Nazionale dei Critici di teatro”. Perfoming Art 49 Il 7 settembre 2005 esce per Bompiani il nuovo libro Non ardo dal desiderio di diventare uomo nchè posso essere anche donna bambino animale o cosa, A novembre dello stesso anno debutta al Teatro Duse di Bologna il suo nuovo lavoro teatrale dal titolo NEL. Il 22 febbraio 2008 a Napoli inaugura la sua prima personale d’arte. Alessandro Bergonzoni Making his debut in the theatre in the dual role he enjoyed as writer and actor with Scemeggiata (1982), followed by Chi cabaret fa per tre (1983) and La regina del Nautilus (1984). Bergonzoni had already developed comic themes in these initial shows, which would become fundamental in his subsequent works: the refusal of reality as an artistic reference, linguistic exploration and the absurd as a comic world to be explored across the eld. In Autumn 1989 Mondadori published his rst book, Le balene restino sedute, winner of Palma D’Oro di Bordighera as best comic book of the year in June 1990 and an indication of the editorial phenomenon of the explosion of comic writers at that time. April 1991 marked the start of Bergonzoni’s collaboration with Radio 2. In the same year, he wrote Il Canto del Giallo, six thrillers for the weekly Panorama and some articles for 7, the Corriere della Sera supplement. In February 1992 he made his debut with Anghingò. In the November Mondadori published his second book E’ già mercoledì e io no. For Christmas 1992 as invited by Messaggerie, Bergonzoni prepared Motivi di soddisfazione accampati nel deserto, a book planned as a limited edition consisting of 21 openings of as many imaginary novels and 16 covers. 1995 saw the publication of his third book Il grande Fermo e i suoi piccoli andirivieni for Garzanti where he experimented with the structure of the novel for the rst time. In 1996 he won the Saint Vincent and Gradara Ludens awards for the research done in comedy. In the spring of the same year, the Candoni Award commissioned him to write one act called Chi ha ucciso il maiale, to be presented in the new playwriting section. As well as the unpublished Ambetrè, this text went on to be part of the show Al Bergo Bergonzoni staged by the Turin-based company Assemblea Teatro. Also in 1996 Alessandro Bergonzoni made his debut as actor and screenwriter in his rst short lm Piccola Mattanza, directed by Claudio Calabrò, which was presented at the Turin Film Festival. At the beginning of 1997 his new play Zius was staged for the rst time. In December 1997, Silences - Il teatro di Alessandro Bergonzoni came out for Ubulibri, a collection of six theatrical texts that recount the rst fteen years in the business. His new book Opplero - Storia di un salto, edited by Garzanti and presented at the Turin Salon has been distributed since May 1999. In the same year he began to collaborate with the GR RAI newspaper with the known publication called L’epitalamo and he made his debut with Madornale 33 at Teatro Due in Parma in November. 2000 saw him begin a close collaboration with “Casa dei Risvegli - Luca De Nigris”. This association involved the reawakening and subsequent rehabilitation of 50 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani lm/television spots and press campaign with Riccardo Rodol, for which he also became a spokesperson. Coma reading was created from this collaboration in October 2001, staged at the Arena del Sole of Bologna with Alessandro Baricco, Pino Cacucci and Gabriele Romagnoli. In 2001 he played the role of a circus ringmaster in Pinocchio by Roberto Benigni. In Spring 2004 Predisporsi al micidiale parte prima: l’inaudito was created, a necessary path to achieve the debut of the denitive Predisporsi al micidiale in October 2004, with which he won the Premio dell’Associazione Nazionale dei Critici di Teatro. On 7 September 2005, his new book Non ardo dal desiderio di diventare uomo nchè posso essere anche donna bambino animale o cosa was published for Bompiani. In November of the same year his new play, NEL, was shown for the rst time at Teatro Duse in Bologna. On 22 February 2008 he opened his rst one-man art show in Naples. Perfoming Art 51 Street Band Contrabbanda. Giovane ensemble capitanata da Luciano Russo, clarinettista diplomato al Conservatorio S. Pietro a Maiella. Nata d’impulso, durante un sogno cresciuto da un sonno su un tavolino di piazza Bellini a Napoli in un freddo febbraio del 2000. Luciano riunisce ed educa al suono, alla musica 26 ragazzi di belle speranze. Provano e incominciano a produrre suoni da banda, mischiando Bob Marley con Nino Rota, i Beatles e paolo Conte, Jannacci e Loredana Bertè, Gianni Boncompagni e i Blues Brothers, giusto per citare gli accostamenti più arditi e strampalati. Ci aggiungono anche un po’ di napoletanità di annata (Raffaele Viviani). Ad apprezzarli e coadiuvarli nelle loro malefatte metropolitane c’è anche quel gaglioffo etnometropolitano di Daniele Sepe. A young ensemble headed up by Luciano Russo, the clarinettist who graduated from Conservatorio S. Pietro a Maiella. Born on impulse, during a dream that grew from falling sleeping on a table in Piazza Bellini in Naples one cold February day in 2000, Luciano gathered together and educated 26 hopeful youths in sound and music. They experiment and began to produce band sounds, mixing Bob Marley with Nino Rota, The Beatles and Paolo Conte, Jannacci and Loredana Bertè, Gianni Boncompagni and the Blues Brothers, just to name the most daring and curious combinations. A touch of vintage Neapolitanism is also added in the form of Raffaele Viviani. To enjoy and assist them in their awed metropolitan there’s also that oash ethnicmetropolitan Daniele Sepe. Trombe e Tromboni/Trumpets and Trombones, Luca De Luca, Gennaro Ferraiuolo, Sandrino (Molisso), Paolo Petraroli, Ciro Riccardi, Gerone, Zain Saldin, Alfredo Scialò, Sassofoni/Saxophones, Fungo (Rosaria Bisceglia), Renata Ciannella, Riccardo Colicchio, Davide d’Alò, Guido Fusco, Fulvia Guardascione, Gianluca Guarino, Massimo Napolitano, Francesco Orabona, Gino Prisco, Luciano Russo… o’ maestro!, Clarinetti/Clarinets Arianna Caputo, Danilo De Luca, Giancarlo Hujo, Azzurra Mancini, Manuela Marleo, Donatella Podano, Bettina (Riccardi), Stefano Serino, Mauro Vella, Percussioni/Percussions Lorenzo Caggiano, Luciano Esposito, Marco Rescigno, Marta Riccardi 52 Parata Immagini. Musica, danze, ritmo e gure sui trampoli sono le caratteristiche di questa rappresentazione che invaderà le piazze e le strade in un maestoso percorso itinerante. Mettendo in risalto gli angoli più caratteristici del luogo, lo spettacolo, inframmezzato da musica suonata dal vivo, da annunci e presentazioni delle scene da parte di un cantastorie, arricchirà e trasformerà l’immagine stessa della città, donandole un aspetto nuovo, immergendola in un’atmosfera da sogno. Il Teatro Potlach è stato fondato nel 1976 a Fara Sabina (Rieti). Il suo nome è derivato dagli studi antropologici dei fondatori, e signica, nel linguaggio degli indigeni dell’America nordoccidentale, il rito del dono gratuito che conferisce prestigio a chi lo elargisce e a chi lo riceve. La storia del Potlach nasce negli anni dell’avanguardia teatrale romana da una scelta di ricerca e sperimentazione. L’identità artistica del Potlach si è espressa contemporaneamente nella produzione di spettacoli di sala e di spettacoli di strada, e nell’attivazione di iniziative pedagogiche che hanno coinvolto l’insieme delle tecniche espressive e performative, dal clown, alla parata, al teatro musicale. Dal 1991 il Teatro Potlach realizza il progetto Città invisibili in Europa e in America, un lavoro teatrale “fuori dai teatri” che trasforma gli spazi quotidiani attraverso la scoperta dell’identità culturale del luogo e l’elaborazione dell’energia creativa dei suoi abitanti. Music, dance, rhythm and gures on trampolines are the characteristics of this representation, which will invade the squares and streets in a majestic route. Highlighting the most charming corners of the place, the show, fragmented by live music, announcements and presentations of the scenes by a singer-songwriter, will enrich and transform the city’s image, giving it a new appearance and bathing it in a dreamy atmosphere. Teatro Potlach was founded in 1976 in Fara Sabina (Rieti). Its name comes from the anthropological studies of the founders and means the rite of giving a free gift, which bestows prestige on he who extends it and he who receives it in the language of the indigenous peoples of northwest America. The history of the Potlach was born in the years of Roman avant-garde theatre from a selection of research and experimentation. Potlach’s artistic identity was expressed at the same time in the theatre and street production, and in the implementation of educational initiatives that involved the whole range of expressive and performance techniques, from clowns to parata and musical theatre. Since 1991 Teatro Potlach has created the Città invisibili project in Europe and in America, an “out of the theatre” theatrical work that transforms everyday spaces through discovering the cultural identity of the place and processing the creative energy of its inhabitants. Cinema 54 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Linee d’ombra e terre di conne E’ difficile, individuare un tratto comune nelle opere presentate in concorso nella sezione Passaggi d’Europa. Eppure almeno qualche traccia visibile mi sembra di coglierla. La prima è che i giovani cineasti europei - è appena il caso di ricordare che il festival presenta in concorso solo opere prime o seconde - cercano nuove suggestioni, nuove narrazioni fuori dai conni dell’Europa, meglio oltre lo spazio che denisce, oggi ancora, l’occidente. La seconda è l’attenzione a vicende di un’umanità inquieta e sperduta ai limiti della contemporaneità. La terza è il ritorno della commedia che sa far emergere i tratti comuni di una generazione ancora indecisa se attraversare o meno la linea d’ombra del passaggio all’età adulta. Tom Schreiber con il suo Dr. Alemàn ci trasporta, mantenendo il punto di vista di un giovane tedesco laureato in medicina, in Colombia, nel ventre oscuro di una città attraversata dalla violenza e da una legge, da un ordine, che egli non coglie, nendo per determinare una catastrofe. Duane Hopkins, giovane talento britannico del quale sentiremo ancora parlare, confeziona un lm di storie minime, se non minute, ma con una tenerezza, un’umanità, un senso dell’immagine che lascia stupiti: tre racconti morali alla maniera di Rohmer. Di non minore intensità è Eden di Declan Recks, regista irlandese che ha il merito di raccontare la storia di una crisi coniugale, dello smarrimento di un uomo e di una donna, come se fosse la prima volta, come se non vi fosse stato nessuno prima di lui ad aver tentano la stessa impresa. Film che si segnala anche per la straordinaria bravura degli attori - ma il discorso vale per tutte le opere selezionate, davvero - e della protagonista, Eileen Walsh, per questo lm già premiata al Tribeca Film Festival. La cinematograa della Repubblica Ceca non ha dato molto spazio alla commedia, eppure ecco arrivare questo Frantisěk the womanaizer di Jan Prušinovský. La storia di un don Giovanni che non sa crescere mi ricorda Allen dei primi tempi, con il ritmo incalzante delle situazioni e gli snodi narrativi tutti giocati sul lo dell’ironia, con al fondo un senso, mai frusto, di malinconia. L’Islanda è terra di conne, non solo geogracamente, e Olaf Fleur – all’opera seconda dopo il successo di The Amazing Truth About Queen Raquela vincitore del Teddy Awards al Festival di Berlino del 2008 - confeziona una commedia sul conne tra la tradizione cinematograca europea e quella nordamericana. Storie di sbullonati che cercano un rivincita nella vita, spesso sbagliando mira, lasciandosi incartare in relazioni pericolose e sognando mondi ed esperienze lontane per ritrovarsi poi ripiegati sul piccolo mondo del proprio io. Sul lo dello smarrimento anche il lm dello svedese Johan Jonason che, tra gli altri, ha il merito di sviluppare in forma di commedia un conitto generazionale tra un cinquantenne psicotico e un giovane falso terapeuta in grado di trascinarlo in un percorso tra catastrofe e improbabile resurrezione, il tutto nel terso cielo della campagna svedese. Peppe D’Antonio Passaggi d’Europa 55 Shadowy lines and neighbouring lands It is difficult to identify a shared line in the works presented in the competition in the Passaggi d’Europa section. And yet I seem to be able to gather together a few visible traces at the very least. The rst is that young European lmmakers – it should be reminded that the festival only presents rst or second works in the competition – are seeking new inuences, new narration beyond the boundaries of Europe, or better still beyond the space that denes the West even today. The second is the attention paid to issues of an uneasy humanity lost in the bounds of consistent modernity. The third is the return of comedy that knowingly draws out the common threads of a generation that is still undecided over whether to cross the shadowy line into adulthood or not. Tom Schreiber with his Dr. Alemàn transports us to Colombia, while maintaining the point of view of the young German medical graduate, into the obscure belly of a city studded with violence and by a law and order that he doesn’t share, which ends up causing a catastrophe. Duane Hopkins, the young British talent who we still keep hearing about, packages a lm of minimal yet not minute stories, but with a tenderness and humanity, a sense of image that leaves you amazed: three moral tales in the style of Rohmer. No less intense is Eden by Declan Recks, an Irish director who had the merit of telling the story of a marital crisis, the confusion of a man and a woman, as if it were the rst time, as if there had been nobody before him who had attempted the same task. This is a lm that also stands out due to the extraordinary acting – but this actually applies for all the selected works – and the protagonist, Eileen Walsh, who has already been awarded at the Tribeca Film Festival for this lm. The lm scene in the Czech Republic has never really given much space to comedy, and yet Frantisěk the womanizer by Jan Prušinovský has come along. The story of a Don Giovanni who doesn’t know how to grow up reminds me of early Allen, with the driving rhythm of the situations and the unravelling of the narrative that’s all played with irony and with a deep-seated sense of melancholy that’s never overcome. Iceland is a land of boundaries, not just geographically, and Olaf Fleur – in his second work following the success of The Amazing Truth About Queen Raquela, winner of the Teddy Awards at the 2008 Berlin Festival – packages a comedy about the boundaries between the European and North American lm tradition. Stories about losers who seek revenge in life, often getting their aim wrong and letting themselves become boxed into dangerous relationships, dreaming about worlds and experiences that are far away, before then nding that they have retreated into the small world of one’s small self. The lm by the Swede Johan Jonason is also about confusion. He, among others, is worthy of developing a generational conict between a psychotic fty year old and a aky young therapist in the form of comedy, who is able to drag his patient along a path lined with catastrophes and an improbable resurrection, all of which is set in the clear sky of the Swedish countryside. Peppe D’Antonio 57 Passaggi d’Europa Better Things Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata Cast Better Things Better Things Duane Hopkins 2008 Uk 35 mm, 1:2,35 93’ Rachel Mcintyre Emma Cooper Liam Mcilfatrick Che Corr Freddie Cunliffe Jane Foxhall Tara Ballard Betty Bench Frank Bench Duane Hopkins Chris Barwell Lol Crawley Douglas Macdougall Dan Berridge Jamie Leonard Mel O’connor Angie Mudge Samm Haillay Rachel Robey Produzione Flying Moon Filmproduktion Gmbh Uk Film Council Film4 Em Media Mmvii Distribuzione Celluloid Dreams 2 rue Turgot 75009 Paris France Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Passaggi d’Europa 59 L’agorafobia di Gail la costringe in casa, dove si nasconde leggendo romanzi. Lei divide l’appartamento con sua nonna e solo gradualmente cercano di avvicinarsi, di capirsi. Rob deve superare la perdita della sua danzata. Il signore e la signora Galdwin passano un momento di crisi dopo 60 anni di matrimonio. Anni di verità taciute hanno costruito una barriera tra di loro, che lei cerca di distruggere, amando profondamente il marito, con piccoli gesti. Gail’s agoraphobia makes her stay at home, where she hides away reading novels. She shares the at with her grandmother and they slowly try to become closer and understand each other. Rob has to overcome the loss of his girlfriend. Mr and Mrs Galdwin reach a crisis point after 60 years of marriage. Years of halftruths have built a wall between them, which she tries to break down by loving her husband deeply with small gestures. 60 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Duane Hopkins Nato in Inghilterra nel 1973, ha studiato principalmente come pittore e fotografo. Ha realizzato il suo primo cortometraggio Field nel 2001, che è stato proiettato per la prima volta a Cannes durante la Settimana della Critica. Nel 2003 ha realizzato il suo secondo cortometraggio intitolato Love me or leave me alone, tra essi ha ottenuto oltre 30 premi internazionali. Better Things è il suo lungometraggio di debutto. È co-proprietaria della THIRD FILMS, con il suo partner di produzione Samm Haillay. Sta attualmente sviluppando progetti fotograci e progetti di messa in opera insieme a lavori di lungometraggi. Duane Hopkins was born in southern England in 1973. Studied mainly as a painter & photographer. Made his rst short lm Field in 2001, which premiered at Cannes as part of Critics Week. In 2003 made his second short lm entitled Love me or leave me alone, between them they have gathered over 30 international awards. Better Things is his debut feature lm. Co-owns THIRD FILMS with his producing partner Samm Haillay. Currently developing photographic and installation projects alongside feature lm work. Dichiarazioni del regista “Essenzialmente, ero interessata alla descrizione del bisogno degli individui di sicurezza e certezza, la loro necessità di base per la stabilità emotiva e la felicità; tutto ciò che associamo con la compagnia. Mi sono avvicinato a ciò attraverso i temi dell’amore formativo, la conseguente ricerca di relazioni durature, e le sue conseguenze per qualcuno che si avvicina alla ne della propria vita. Molti di questi temi saranno familiari per il pubblico, ma ritengo, principalmente entro un ambiente urbano, e in relazione all’uso di droghe, normalmente all’interno di un contesto socio-politico. La mia intenzione è di utilizzare questi tempi all’interno di un nuovo ambiente, esplorare le azioni di generazioni divise alla ricerca della felicità, del successo e il fallimento dell’amore; e l’uso di sostituti articiali per gli stessi scopi. Vita, amore, perdita ed ebbrezza”. Statement of director “Essentially, I was interested in describing the individuals’ need for security and safety, their basic need for emotional stability and happiness; all the things we associate with companionship. I approached this through the themes of formative love, the resulting search for lasting relationships, and its consequences on someone nearing the end of their life. Many of these themes will be familiar to audiences, but I believe mainly within an urban setting, and in relation to drug use, normally within a socio-political context. My intention is to use these themes within a new environment, to explore the actions of separate generations in the pursuit of happiness, the success and failure of love; and the use of articial substitutes to the same ends. Life, love, loss and intoxication”. Dr. Alemán Dr. Alemán Tom Schreiber 2008 Germania 35 mm 1:2,35 Dolby Digital Durata 106’ Dr. Alemán Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Cast August Diehl Marleyda Soto Lúis Andrés Parra Hernán Méndez Victor Villegas Sceneggiatura Oliver Keidel Tom Schreiber Montaggio Andreas Wodraschke Fotografia Olaf Hirschberg Suono Rainer Heesch Bvft Musica Josef Suchy Costumi Hania Awaragi Juan Carlos Giraldo Produttore Harry Flöter, Jörg Siepmann, Arne Ludwig Produzione 2Pilots Filmproduction Distribuzione Telepool GmbH München Sonnenstrasse 21 D-80331 Munich Germany 62 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Per il suo anno di stage, dopo la laurea in medicina, Marc sceglie una delle città più pericolose della Colombia, Cali. Nel primo giorno in ospedale egli entra a contatto con una realtà dura, fatta di feriti, sangue che scorre da tavoli operatori approssimativi. Soprattutto resta colpito dall’altissimo numero di feriti da arma da fuoco e da strane pallottole segnate da un cartiglio. Egli è attratto da questo mondo e l’incontro con la giovane proprietarie di un chiosco di bibite, Wanda, gli apre le porte della favela dominata da una gang, la stessa che uccide e ferisce usando proprio le pallottole con quello strano marchio. In breve egli diventa per tutti il Dr. Alemán e si lascia coinvolgere in un mondo del quale, anche a causa della cocaina che comincia sniffare di frequente, non comprende le sfumature, gli intrighi, le strane alleanze, i rituali di vita e di morte. For his internship year, after graduating in Medicine, Marc chooses one of the most dangerous cities in Colombia, Cali. On his rst day in the hospital, he nds himself in a harsh reality made up of wounds and blood that ows from the makeshift operating tables. He is shocked most of all by the high number of gunshot wounds and strange bullets marked with a scroll. He nds himself attracted to this world and a meeting with the young owner of a drinks stall, Wanda, opens doors into the favela dominated by a gang, the same one that kills and injures using the bullets with that strange mark. In short he becomes Dr. Alemàn to everyone and lets himself become involved in a world, whose nuances, intrigues, strange alliances and rituals of life and death he does not understand, also due to the cocaine that he starts to snort on a frequent basis. Passaggi d’Europa 63 Tom Schreiber Nato nel 1969 a Freising in Germania, nel 1994 si iscrive alla Kunsthochschule für Medien di Colonia per studiare cinema e televisione. Tra il 1996 e il 1997 frequenta la Scuola Internazionale di Cinema e Tv di San Antonio de los Baños a Cuba. Nel 1997 il suo cortometraggio Viene del cielo viene presentato in alcuni festival europei e nel 1998 vince il National Short Feature Award al Filmfest di Dresden. Nel 1999 si laurea con il cortometraggio Vita Reducta. Dr. Alemán è il suo secondo lungometraggio dopo i successi raccolti nel 2003 alla Berlinale e al Taormina Film Festival con il suo lungometraggio d’esordio Narren (Fools). Dichiarazioni del regista “Dr. Alemán è una storia di avventura riguardo la bramosia di vita ed esperienze, riguardo la passione per il tentare qualsiasi cosa e affrontare qualsiasi rischio, lontano dalla propria socializzazione personale. Allo stesso tempo, è una parabola riguardo il mondo che sviluppa insieme, con tutti i suoi problemi, modalità versatili di vita e gli standard morali che li accompagnano. Dr. Alemán è la storia personale di un problema globale e molto attuale: l’imposizione delle proprie regole su società straniere. Per me Dr. Alemán è la storia di una catastrofe personale, di un grande amore e di una esperienza ai limiti. A parte ciò, è un lm politico che tenta di descrivere come le differenti culture si fondano e indica che il vivere insieme è possibile solo con il rispetto per il modo di vivere delle altre persone”. Dr. Alemán Tom Schreiber was born in 1969 in Freising in Germany. In 1994 he enrolled at the Kunsthochschule für Medien in Cologne to study lm and television. From 1996 to 1997 he attended the International Cinema and Television School of San Antonio de los Baños in Cuba. In 1997 his rst short lm Viene del cielo was presented at some European festivals and he won the National Short Feature Award at the Dresden Filmfest in 1998. In 1999 he graduated with the short lm Vita Reducta. Dr. Alemán is his second feature lm after the success in 2003 at the Berlinale and the Taormina Film Festival with his debut feature lm Narren (Fools). Statement of director “Dr. Alemán is an adventure story about the greed for life and experience, about the passion for trying out everything and taking any risk, far away from your personal socialisation. At the same time, it is a parable about the world growing together, with all its problems, versatile ways of life and the moral standards coming along with them. Dr. Alemán is the personal story of a global and very current issue: the imposition of one’s own rules on foreign societies. For me, Dr. Alemán is the story of a personal catastrophe, of a big love and a borderline experience. Apart from that, it is a political lm trying to describe how different cultures merge and indicating that living together is only possible with respect for other people’s way of life”. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata Eden Cast Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Distribuzione Eden Eden Declan Recks 2008 Irlanda 35mm Dolby Digital 85’ Aidan Kelly Eileen Walsh Padraic Delaney Karl Sheils Lesley Conroy Sarah Greene Carolyn Murray Brendan Kelleher Eugene O’ Brien Gareth Young Owen Mcpolin Philipe Faujas Stephen Rennicks Hugh Drumm John Hand Louise Stanton Patsy Giles David Collins Liberation Entertainment 190 Westwood Blvd Penthouse Los Angeles CA 90025 Passaggi d’Europa 65 All’avvicinarsi del loro decimo anniversario di nozze, Brenda e Billy sembrano apparentemente una coppia perfetta. Ma la donna avverte che il suo uomo non la desidera e confessa a un’amica che da molto tempo non fanno più l’amore. Il marito, infatti, sembra essere attratto dalla giovane e bella Imelda, vivace glia di un suo collega con la quale tenta timidi approcci. Breda spera che l’avvicinarsi del giorno dell’anniversario faccia ritrovare al marito la passione e l’affetto che sembrano spenti. Ma proprio la sera della festa, dopo che si è cucita uno splendido vestito rosso, il marito l’ignora per corteggiare, questa volta in modo sfacciato, la ragazza. Breda decide di andar via e di vivere un’esperienza intima cruciale e dolorosa allo stesso tempo. Approaching their tenth wedding anniversary, Brenda and Billy outwardly appear to be the perfect couple. But the wife says that her husband doesn’t want her and confesses to a friend that they haven’t made love for a long time. Indeed the husband appears to be attracted to the beautiful, young Imelda, the lively daughter of one of his colleagues, at whom he makes timid passes. Breda hopes that their anniversary will allow her husband to regain the passion and affection that they seem to have lost. But on the actual evening of the celebration, after she has made herself a beautiful red dress, her husband ignores her to make advances at the girl, this time in an audacious manner. Breda decides to leave, undergoing a painful and crucial intimate experience at the same time. 66 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Declan Recks si è laureato al DunLaoghaire College of Art and Design (Dublino), e alla UCLA Extension (Los Angeles), dove ha studiato lm e televisione. E’ stato sceneggiatore/regista del premiato cortometraggio Big Swinger che nel 1989 ha vinto il Fuji Award (U.K.) per la migliore produzione ed è stato proiettato in vari festival cinematograci internazionali e da numerose stazioni televisive, incluse: R.T.E., B.B.C., Canal Plus e Arte. Il lm è stato inoltre distribuito come supporto per vari spettacoli in Irlanda e Inghilterra. Dichiarazioni del regista “La prima volta che ho letto “Eden”, un copione teatrale di Eugene O’Brien ancora in fase di produzione, mi ha immediatamente colpito come qualcosa che mi sarebbe piaciuto provare ad adattare per il cinema. Il copione era ambientato in un mondo a me familiare, la zona centrale dell’Irlanda, e trattava della semplice storia di un marito ed una moglie, Billy e Breda, che si stavano avvicinando al decimo anniversario di nozze con in mente obiettivi molto diversi. Sono stato particolarmente interessato ad esplorare il modo in cui i due protagonisti sono riusciti a vivere sicamente sotto lo stesso tetto pur essendo emotivamente molto distanti l’uno dall’ altro, come potrebbero essere due persone qualsiasi”. Eden Declan Recks is a graduate of DunLaoghaire College of Art and Design (Dublin), and UCLA Extension (Los Angeles), where he studied lm and television. He was writer/director of the award winning short lm Big Swinger. The lm won the 1989 Fuji Award(U.K) for best overall production. It was screened at several international lm festivals and by numerous television stations, including: R.T.E., B.B.C., Canal Plus and Arte. The lm was also released as a support to several features in Ireland and England. Statement of director “Eden rst came to my attention as a manuscript for an as yet un-produced play by Eugene O’Brien. Eugene’s play, which was written as two monologues, struck me immediately as something I would like to try and adapt for lm. The play was set in a world familiar to me, the midlands of Ireland, and related the simple story of a husband and wife Billy and Breda who are approaching their tenth wedding anniversary with very different goals in mind. I was particularly interested in exploring how the central characters managed to physically live under the same roof yet be emotionally as far apart as any two people could be”. Frankie is a womanizer Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata Fratisek je devkar Frankie is a womanizer Jan Prusinovsky 2008 Repubblica Ceca 35 mm 83’ Cast Josef Polásek Ela Lehotská Martin Pechlát Zdena Hadrbolcová Petra Nesvacilová Leos Noha Marika Procházková Petr Ctvrtnícek Barbara Trojanová Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Produttore Produzione Distribuzione Jan Prusinovsky Otakar Senovsky Petr Bednár Matej Matuska Michal Cech Petr Hapka Jan Vlcek Simona Krompholcová Ondrej Zima Evolution Films Bioscop Kuneticá 2 120 00 Praha 2 68 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani František lavora come psichiatra no a quando, una delle sue pazienti, lo accusa davanti alla commissione medica di avere abusato di lei. Gli ritirano la licenza, perde il lavoro e anche la moglie, non più disposta a perdonargli i suoi continui tradimenti. La donna lo caccia di casa e inizia una nuova relazione con un avocato, amico di famiglia, da tempo innamorato di lei. Senza casa, senza lavoro, senza prospettive, František deve inventarsi una nuova vita e non sa che la moglie, nel frattempo aspetta un bambino, cosa che, forse, poteva cambiare le sue prospettive. Inizia a lavorare alla scuola guida del fratello, tipo ruvido e rancoroso, per altro geloso della compagna, donnona dai facili costumi che nirà per mettere nei guai anche il protagonista, questa volta senza colpe. František works as a psychiatrist until one of his patients accuses him of having abused her before the medical board. They take away his licence, he loses his job and also his wife, who is no longer prepared to forgive him his constant betrayals. His wife throws him out and begins a new relationship with a lawyer, a family friend who has been in love with her for ages. Homeless, unemployed and without any prospects, František has to invent a new life for himself and doesn’t know that his wife, who becomes pregnant in the meantime, something which, could perhaps change her point of view. He starts to work at the school run by his brother, a rough and rancorous guy, who is also jealous of his partner, a hussy with her easy costumes who will also end up causing trouble for the leading man, for which he isn’t to blame this time. Passaggi d’Europa 69 Jan Prušinovský nato nel 1979 a Hořovice, ha studiato analisi e sviluppo della sceneggiatura alla FAMU di Praga. Ha collaborato alla sceneggiatura per la commedia estiva The Rafters (Rafťáci, 2006) di Karel Janák e del cortometraggio per la TV Taxi (2006). Ha scritto inoltre la sceneggiatura per i corti del suo college The Lesson of God (Boží lekce, 2003), Ládík Is the Best in the County (Ládík je nejlepší v okrese, 2004), Bubble Bath Is the Best (Nejlepší je pěnivá, 2005) e Gallery (Galerie, 2006), tutti diretti da lui. La commedia Frankie Is a Womanizer (2008) è il suo lungometraggio d’esordio. Ha lavorato anche ad alcuni video musicali ed è stato assistente alla regia sul set della tragicommedia Teddy Bear (Medvídek, 2007) di Jan Hřebejk. Jan Prušinovský was born in 1979 in Hořovice. He studied script editing and screenwriting at Prague’s FAMU. He was involved in the script for Karel Janák’s summer comedy The Rafters (Rafťáci, 2006) and the short television lm Taxi (2006). He also wrote the screenplays for his college shorts The Lesson of God (Boží lekce, 2003), Ládík Is the Best in the County (Ládík je nejlepší v okrese, 2004), Bubble Bath Is the Best (Nejlepší je pěnivá, 2005) and Gallery (Galerie, 2006), all of which he directed. The comedy Frankie Is a Womanizer (2008) is his feature debut. He also worked on music clips and was assistant director on the set of Jan Hřebejk’s tragicomedy Teddy Bear (Medvídek, 2007). Note di produzione Lo scopo di questa sceneggiatura è di collegarsi a questa tradizione così come mostrare gli attuali problemi (contemporanei) della società ceca (e non solo), che sono rimasti almeno parzialmente gli stessi del tempo di Kristián. Tuttavia, vi sono alcuni argomenti attuali molto scottanti e questi sono emersi sono negli ultimi decenni, come per esempio la liberalizzazione di certe convenzioni e altri che oggigiorno sembrano molto più complicati. La storia di František, nonostante la sua serietà, viene narrata con un certo distacco e un punto di vista imparziale, che crea gli spazi per situazioni comiche o umoristiche. Ognuna di queste storie minori viene percepita da un punto di vista differente. František affronta le conseguenze di comportamenti uguali al proprio, in situazioni diverse e diventa uno spettatore. About the production The purpos of this screenplay is to link to this tradition as well as show actual (current) problems of (not only) Czech society, which have partially remained the same since the time of Kristián. However, there are some very hot current issues and those have been emerging only in recent decades, such as liberalization of certain conventions and others which nowadays seem much more complicated. The story of František, despite its seriousness, is narrated with a certain distance and a dispassionate point of view, which creates space for comic or humourous situations. Each of these minor stories are perceived from a different point of view. František meets consequences of behaviour identical to his own in different situations and he becomes a spectator. All these experiences lead him towards awakening and transformation. Guidance Guidance Johan Jonason 2008 Svezia 35mm 1:1.85 Dolby Digital Durata 80’ Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Guidance Cast Björn Andersson Eva Fritjofsson Emil Johnsen Ronald Jones Vanna Rosenberg Jimmy Lindström Maria Selbing Ingvar Öhrner Sceneggiatura Johan Jonason Montaggio Helena Fredriksson Britta Norell Fotografia Simon Pramsten Suono Anders Billing Musica Axel Boman Fredrik Fahlman Scenografia Gilles Balabaud Costumi Gilles Balabaud Trucco Eva von Bahr Produttore Mimmi Spång Rebecka Lafrenz Produzione Garagefilm Ab Distribuzione Swedish Film Institute Box 27126 S-102 52 Stockolm Sweden Passaggi d’Europa 71 La relazione tra il giovane Carl, che si propone come terapista, e Roy, un cinquantenne sovrappeso, è simile al gioco del gatto con il topo. Carl partecipa a un seminario sui rapporti interpersonali nel quale incontra Roy, combattuto da una serie di complessi psicosomatici che lo avevano costretto a chiudersi in casa per diciotto mesi. Il sostituto, che rimpiazzava il suo il suo medico curante per un giorno, è convinto che il problema di Roy stia tra le sue orecchie. La moglie, nel frattempo, cerca di confortare il marito con un metodo poco convenzionale e lui, per non subire ulteriori pressioni, decide di partire con Carl verso un piccola e spartana baita nella campagna svedese. Inizia un periodo di esercizi sici e scambi spirituali tra i due, accompagnati da una dieta rigida. The relationship between the young Carl, who fancies himself as a therapist, and Roy, an overweight fty-year-old, is like a cat playing with a mouse. Carl takes part in a seminar about interpersonal relationships where he meets Roy, beaten down by a series of psychosomatic complexes that made him shut himself away at home for eighteen months. The locum who replaced his doctor for a day is convinced that Roy’s problem is in his head. Meanwhile, his wife tries to comfort her husband with a somewhat conventional method and, so that he isn’t subjected to further pressure, he decides to leave with Carl to go to a small, spartan log cabin in the Swedish countryside. Thus begins a period of physical exercise and spiritual exchanges between the two, as well as a strict diet. 72 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Johan Jonason è nato nel 1970 a Stoccolma. Ha cominciato a girare lm mentre studiava Fine Art a Londra. Nel 2003 il suo cortometraggio Terrible Boy ha vinto il prestigioso premio ”1 km lm” allo Stockholm International Film Festival ed è stato anche nominato per l’annuale Swedish Film Award . Nel 2006 Jonason ha diretto il mediometraggio News in the Archipelago (Nyheter i skärgården). Guidance è il suo lungometraggio d’esordio. Attualmente sta lavorando alla sceneggiatura del suo prossimo lavoro. Note di produzione “Una storia divertente, bizzarra e piena di speranze su un uomo che cerca un metodo alternativo di terapia per liberarsi dei problemi che si trascina sulle spalle. Una coppia urbana di mezza età sta avendo dei problemi: Roy è depresso e ha lasciato il lavoro, Ylva è davvero stufa della situazione. Improvvisamente compare un terapista alternativo che si offre di curare Roy in una remota fattoria. Dopo le minacce di divorzio, Roy decide di provare la nuova cura che risulta immediatamente molto strana. Una simulazione di yoga e le umiliazioni sono mescolate con dure sessioni di allenamento. Ritornata in città, Ylva gode una rara sensazione di libertà ma una telefonata dalla fattoria la preoccupa. La terapia diviene costantemente più bizzarra e Roy fugge, ma improvvisamente ritrova la propria forza interiore e ritorna per vendicarsi”. Guidance Johan Jonason, born 1970 in Stockholm, started making lms while studying Fine Art in London. In 2003 his short lm Terrible Boy won the prestigious award ”1 km lm” at Stockholm International Film Festival and was also nominated for the annual Swedish Film Award. In 2006, Jonason directed the 40-min long News in the Archipelago (Nyheter i skärgården). Guidance is Jonason’s feature lm debut. He is currently working on the script of his next feature. About the producion “A hopeful and humoristic and weird story about a man who tries an alternative therapy method to get rid of his back problems. A middle-aged urban couple is having problems: Roy is depressed and on leave from work, Ylva is fed up with the situation. An alternative therapist shows up, offering Roy therapy at a remote farm. After threats of divorce Roy goes, but the method immediately proves to be of a strange variety. Fake yoga and humiliations are intermingled with tough workout sessions. Back in the city Ylva enjoys sporadic sensations of freedom but a phone call to the farm worries her. The therapy gets steadily more bizarre and nally Roy runs away, but suddenly nds new inner strength and returns to wreak vengeance. The Higher Force Titolo Originale Stora Planid Titolo Inglese The Higher Force Regia Olaf de Fleur Johannesson Anno 2008 Nazione Islanda Formato 35mm 1:2,35 Durata 82’ Cast Petur Johann Sigfusson Eggert Thorleifsson Ingvar E. Sigurdsson Benedikt Erlingsson Harpa Arnardottir Ilmur Kristjansdottir Stefan Schaefer Zlatko Krickic Lu Yu and Michael Imperioli Sceneggiatura Olaf de Fleur Stefan Schaefer Thorvaldur Thorsteinsson Montaggio Gudni Páll Sæmundsson Benedikt Johannesson Olaf de Fleur Fotografia Rune Kippervik Suono Gunnar Arnason Musica Pavel E Smid Karl H. Hamilton Cleverdon Costumi Linda Stefansdottir Trucco Thorunn Brandsdottir Produttore Helgi Sverrisson Olaf de Fleur Produzione Poppoli Pictures Distribuzione Visit Films 89 Fifth Ave Suite 1002 New York, NY 10003 74 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani David vive in un piccolo villaggio dell’Islanda. Continua a perseguitarlo il ricordo della morte, a causa di un incidente d’auto, di suo fratello più piccolo, l’unico che condividesse la sua passione per il kung fu. Si guadagna da vivere andando in giro a riscuotere il pizzo per una banda sgangherata di maosi dilettanti, nella cui grine è caduto n da adolescente. L’unica luce nella sua grigia esistenza si accende quando egli incontra Harald e crede che sia lui il resposabile della morte del fratello. Per vendicarsi, convince la banda di maosi, complice un insieme di fortuite circostanze e l’assoluta idiozia del capo, che l’uomo sia in realtà un solitario e misterioso truffatore scomparso in Messico qualche anno prima. David lives in a small village in Iceland. The memory of his youngest brother’s death in a car accident continues to persecute him. His brother was the only person who shared his love for kung fu. He earns his keep by going around collecting protection money for a ramshackle band of amateur maa, into whose clutches he fell when he was an adolescent. The only light in his grey existence is turned on when he meets Harald and believes that he’s the one who was responsible for the death of his brother. To avenge him, he convinces the maa band, party to a series of chance circumstances and the absolute idiocy of the boss, that the man is actually a lone and mysterious fraudster who vanished in Mexico a few years before. Passaggi d’Europa The Higher Force Olaf de Fleur Johannesson si occupa di regia da oltre un decennio. Nel 2003 ha fondato la sua casa di produzione indipendente, Poppoli Pictures. E’ stato selezionato al Berlinale Talent Campus sia nel 2003 che nel 2004. Con il suo Shining Star, ha vinto il premio come miglior documentario al Icelandic Film Award nel 2004 e ha ricevuto lo stesso riconoscimento l’anno successivo con Africa United. Con il suo primo lungometraggio Queen Raquela, Olaf ha vinto il premio come miglior lm al Berlinale Teddy Awards nel 2008. Dopo Queen Raquela, nel giugno del 2008 ha girato in Islanda il suo secondo lungometraggio, Higher Force. Olaf de Fleur Johannesson has been a dedicated lmmaker for over a decade. He founded his own independent production company, Poppoli Pictures, in 2003. Olaf was selected for the Berlinale Talent Campus in 2003 and 2004. For Shining Star, he won the best documentary feature award at the Icelandic Film Awards in 2004, and he won the award again in 2005 for Africa United. Olaf wrote and directed his rst feature lm Queen Raquela and won the “Best Feature” at the Berlinale Teddy Awards 2008. While following Queen Raquela Olaf shot his second feature lm in Iceland in June 2008 called Higher Force. Dichiarazioni del regista “Ho sempre voluto fare un lm in cui il nemico principale è la vita di tutti i giorni. La talità1 della vita terrena, come Buddha l’ha chiamata. Il nemico principale dei protagonisti del mio lm è questa talità, e ogni singola persona lo combatte con una fraintesa auto affermazione di sé, generando una vita ttizia lontana dalla così-detta-vita. Le parole come “essere” hanno poco senso. La nostra società ha generato un mondo nel quale se “non sei qualcuno” sei nessuno. E questo il tema principale del lm, la gente che pretende di avere importanza, la gente pronta a ngere di valere qualcosa no al punto di autodistruggersi e perno andare oltre. E’ un piccolo teatro in cui un miraggio artefatto ha una breve vita. E’ un lm sulla capacità di resistere all’essere nessuno e alle conseguenze che ne derivano.” 75 Statement of the director “I’ve always wanted to do a lm where the main enemy is the every-day life. The mundane suchness as Buddha named it, of life. The head enemy of my characters in The Higher Force is the named suchness, where every single person ghts it with mis-understood self-importance, where characters create a ctitious life out of there socalled-lives. Words like “Being” have little to say. Our society has created a world that says, “when you’re not someone, you’re no-one at all”. And that’s the main theme of the lm, people pretending to have importance, people ready to fake their own value up to a point of selfdestruction, and even continue from that point on. It’s a little theater where a man-made mirage comes to a brief life. It’s a lm about resisting the fact of being a nobody and the consequences thereof.” CortoEuropa 78 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Corti ma non brevi Lavorare ad una selezione vuol dire lasciare indietro altri titoli e altre storie, dare giudizi di valore, esprimere opinioni sulla qualità delle opere che si guardano, ma non solo... A volte si è costretti a fare i conti con esigenze ancora più complesse, più pratiche, che prescindono dal valore intrinseco dell’opera. Bisogna tener conto dei tempi, degli orari, degli spazi di proiezione. Spesso si nisce, giocoforza, a limare questa o quest’altra sezione in favore della riuscita organizzativa dell’intero evento, ed i più penalizzati, a volte, sono proprio i cortometraggi. Noi crediamo che sia indispensabile dare il giusto spazio alla visione di questi piccoli capolavori brevi, costati tante fatiche e sforzi produttivi, sopratutto in un momento così critico per il settore cinematograco. Da quest’anno abbiamo deciso dunque di alzare il limite massimo di durata dei corti da quindici a venticinque minuti. Non è più possibile scegliere in base a parametri codicati di tempi e formato, è necessario scegliere ciò che emoziona, in ciascuna forma questa emozione prenda vita. I cortometraggi che vi proponiamo, visionati tra oltre duecento, sono lm che trascinano con sé ossessioni attualissime e drammi individuali. Raccontano commedie di uomini per nulla eroici, viaggiatori esistenziali nel riquadro di uno schermo, di un’immagine, anche di un singolo fotogramma. Talento e poesia, vera e terribile realtà, surreale e comica avventura, proprio perché l’emozione deriva, per forza di cose, dalla capacità di costruire attorno ad essa una struttura che la sappia comunicare con i tempi giusti, con le immagini migliori, con il colore (o il bianco e nero) più adeguato. Ad essere mostrato ai nostri occhi è il caotico scorrere della vita dell’uomo, protagonista dopotutto, del miracolo della libertà in un mondo in bilico sull’onnipresente Linea d’Ombra. Sia essa il classico passaggio generazionale, la perdita dell’innocenza e la traumatica scoperta dell’età adulta; oppure una virtuale connessione della rete che permette di superare le distanze e le barriere; o ancora quel conne geograco e metaforico tra mondi, etnie, sessualità, Linea usata come esile riparo dietro cui nascondersi, essa è sempre la direttrice sulla quale ci muoviamo per raccontare come intorno a noi la società si modica e si evolve. I corti di quest’anno sono soprattutto intrusioni della realtà nell’universo dell’immagine. Tragedia e commedia, sperimentazione narrativa e semplici lavori di genere che proprio nella loro essenzialità racchiudono il fascino dell’arte cinematograca. Siamo sicuri che, come per noi, anche per voi i ventidue lavori presentati in questa edizione di Linea d’ombra non termineranno con i titoli di coda. Ce li porteremo dietro per ore dopo la proiezione, forse per giorni, come ingombranti segnali di scenari futuribili e angoscianti, ma anche raffigurazioni confortanti di piacevoli nzioni. Luca Granato Gaetano Maiorino Corto Europa 79 Short but not brief Working on a shortlist means leaving out other titles and stories, giving judgments of worth, expressing opinions on the artistic and technical merit of the works that you watch, and much more. Sometimes you are obliged to deal with even more complex and practical requirements regardless of the intrinsic merit of the work. You need to bear in mind the length, timings and the projection spaces. Often it’s inevitable that you end up chopping one section or another in favour of being able to organise the whole event, and indeed at times short lms are the ones that are penalised the most. We believe that it’s vital to give the right space to show these little short masterpieces, which are the fruit of hard work and effort in terms of production, especially at a time that is so critical for the lm sector, where short lms often nd it hard to locate market positioning, particularly in the Italian market. This year we therefore decided to raise the maximum run time limit for short lms from fteen to twenty-ve minutes. It is no longer possible to choose based on parameters of time and format. We must choose what moves us, in whatever form this emotion exists. The short lms that we are proposing – we looked at more than 200 – are lms that drag very current obsessions and individual dramas along with them. They recount the comic situations of men who are not at all heroic, existential travellers in the context of one screen, of an image, also of one single frame. Talent and poetry, a truly awesome reality, a surreal and comic adventure, actually because the emotion necessarily comes from the ability to construct a structure around it that communicates in the right amount of time, with the best images and most suitable colour (or black and white). We are shown the chaos that runs through man’s life, who is the protagonist after all, of the wonder of freedom in a world in the balance on the omnipresent grey line, or Linea d’Ombra. Whether the classic generational passage, the loss of innocence and the traumatic discovery of adulthood; or a virtual connection of the web that allows us to overcome distances and barriers; or that geographical and metaphorical boundary between worlds, ethnic groups and sexual orientation, a line used as a weak shelter behind which to hide, this is always the guiding principle used to tell how society alters and evolves around us. This year’s short lms are above all intrusions into the reality of the world of the image. Tragedy and comedy, narrative experimentation and simple works of the genre that actually feature the charm of the art of lm in their basics. We are certain that the twenty-two works presented in this edition of Linea d’ombra will not end with the closing credits for you as well as for us. They will remain with us for hours after the showing, maybe even for days, as cumbersome indications of tormenting, future scenarios, but also comforting depictions of enjoyable ction. Luca Granato Gaetano Maiorino 80 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani 2 Birds 2 Birds si svolge durante una chiara notte d’estate e segue un gruppo di adolescenti nel percorso dall’innocenza all’età adulta. È uno studio delicato di aneliti, amore e compassione che li lega l’un l’altro e ce li fa apparire umani anche quando affrontano la più difficile delle scelte. 2 Birds è il secondo lm della trilogia di Runarsson’s Crossroad. Il primo è il corto The Last Farm premiato e nominato all’Oscar. 2 Birds takes place during one bright summer night and follows a group of young teenagers on a journey from innocence to adulthood. It is a delicate study in yearning, love and the compassion that binds us all together and makes us human, even when facing the most difficult of choices. 2 Birds is the second lm of Runarsson’s Crossroad trilogy. The rst one is the award winning and Oscar nominated short lm The Last Farm. CortoEuropa Rúnar Eyjólfur Rúnarsson è nato il 20.01 1977 a Reykjavík, Islanda. Nel 1994 Rúnar è uno dei due fondatori di Óháðakvikmyndagerðin in attività negli anni ‘90. Si tratta di una organizzazione islandese non prot che mira alla cooperazione tra i soci in eventi cinematograci e produzioni cinematograche indipendenti. Ad oggi, l’organizzazione è stata al centro di dozzine di corti e documentari ed ha organizzato un paio di piccoli festival. Nel 1996 è stato direttore del Reykjavík Short Film Festival. Nel 2005 ha iniziato a lavorare alla Directors Line presso la The National Film School of Denmark. Conseguirà la laurea nell’estate 2009. Nel 2006 è stato nominato all’Oscar per il corto The Last Farm mentre nel 2008, alla Palma d’Oro per il corto 2 Birds. Rúnar Eyjólfur Rúnarsson was born 20.01 1977 In Reykjavík, Iceland. In 1994 Rúnar is one of two founders of Óháðakvikmyndagerðin that was active in the nineties. A registered none protable organization in Iceland with the purpose of cooperation between members in lm events and independent lmmaking. Today the organization has been the center of dozens shorts and documentaries, and organized couple of mini festivals. In 1996 he has been director of Reykjavík Short Film festival. In 2005 he started at the Directors Line at The National Film School of Denmark. He Will graduate in the summer of 2009 2006. Oscar Nominated for his short lm The Last Farm 2008. Golden Palm nominated for his short lm 2 Birds Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 81 Smafuglar 2 Birds Rúnar Rúnarsson 2008 Islanda 35mm 15’ Cast Atli Óskar Fjalarsson Hera Hilmarsdóttir Víkingur Kristjánsson Ómar Örn Hauksson Sceneggiatura Rúnar Rúnarsson Montaggio Jacob Schulsinger Suono Sophia Olsson Sylvester Holm Musica Frank Mølgaard Knudsen Scenografia Snorri Freyr Fairweather Costumi Hrafnhildur Hólmgeirsdóttir Trucco Áslaug Dröfn Sigurdardóttir Produttore Thórir S. Sigurjónsson Skúli Fr. Malmquist Hlín Jóhannesdóttir Produzione Zik Zak Filmworks Distribuzione Premium Films 82 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani L’arbitro I destini di due ladroni si incrociano nella bolgia infernale di un derby calcistico di terza categoria. In the hellish mayhem of a lowest division football match, the destinies of two thieves cross path. CortoEuropa Paolo Zucca nato a Cagliari nel 1972, laureato in Lettere Moderne a Firenze con una tesi sul teatro contemporaneo irlandese, nel 2000 è stato selezionato tra i borsisti della Scuola RAI per Sceneggiatori Cinematograci e Televisivi e con alcuni colleghi ho scritto il lungometraggio Gli Angeli di Borsellino, valutato come Opera di Interesse Culturale Nazionale dal Ministero per i Beni Culturali e prodotto nel 2003 dalla C.D.I. di Giovanni di Clemente. Nel 2004 si è diplomato in regia presso la N.U.C.T. (Nuova Università del Cinema e della Televisione), presso gli studi di Cinecittà, a Roma. Ha scritto, diretto e prodotto diversi cortometraggi, per i quali ha ricevuto numerosi premi. L’Arbitro, il suo ultimo cortometraggio, è stato in concorso al Festival di ClermontFerrand 2009. Paolo Zucca born in Cagliari in 1972, a graduate in Modern Arts in Florence with a thesis on contemporary Irish theatre, in 2000 he was selected for a study grant from the RAI School for Television and Film Screenwriters. With colleagues he wrote the feature lm Gli Angeli di Borsellino, regarded as a National Work of Cultural Interest by the Ministry of Culture and produced in 2003 by C.D.I. of Giovanni di Clemente. In 2004 he graduated in directing from N.U.C.T. (New University of Cinema and Television), at Cinecittà Studios, in Rome. He has written, directed and produced many short lms, for which he has received many awards L’Arbitro, his last short lm, competed at the Festival di Clermont-Ferrand 2009. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 83 L’arbitro The referee Paolo Zucca 2008 Italia Digital Betacam 15’ Cast Luca Pusceddu Gilberto Idonea Franco Fais Enrico Sassu Teresa Matta Alessandro Biolla Giorgio Franco Zucca Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Produttore Produzione Distribuzione Paolo Zucca Alessio Santoni Patrizio Patrizi Maurizo Corda Alessio Santoni Montagio Alessio Santoni Luca Schiavo Andrea Casciu Dino Sechi Annamaria Fara Istituto Superiore Etnografico della Sardegna (Nuoro) Istituto Superiore Etnografico della Sardegna (Nuoro) 84 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Baba al samah Il desiderio di riscatto di Mehdi da un passato di umiliazioni, simboleggiato da una pesante porta antica, lo conduce in un viaggio catartico verso la distruzione della porta per mezzo del fuoco puricatore. Mehdi’s desire for release from a past of humiliations, symbolised by an old, heavy door, leads him into a cathartic journey towards the destruction of the door by a purifying re. CortoEuropa Francesco Sperandeo nato a Palermo il 16 Febbraio del 1979. La forte passione per il cinema e le arti visive lo inducono a recarsi a Roma per partecipare ad alcuni stage formativi in regia ed organizzazione delle riprese. Nel giro di pochi mesi entra a far parte del gruppo di produzione del lm Pinocchio per la regia di Roberto Benigni. Dal 2007 insegna Regia ed Organizzazione e gestione delle riprese dell’audiovisivo presso corsi IFTS realizzati in collaborazione con l’Università degli studi di Palermo (DAMS). Bab al samah, il suo primo cortometraggio da regista, sceneggiatore e produttore. Finalista ai nastri d’argento 2008, riceve una menzione speciale per la sua struttura narrativa e tecnica. Il recente premio “Michelangelo Antonioni” ricevuto all’ItaliaFilmFest 2009 di Felice Laudadio lo ha decretato come il miglior cortometraggio italiano del 2008. Francesco Sperandeo was born in Palermo on 16 February 1979. His deep love for the cinema and visual arts made him go to Rome to take part in some training internships in lm directing and management. Over the course of a few months he became part of a production group on the lm Pinocchio directed by Roberto Benigni. He has been teaching Directing and Management and audio-visual lming management at IFTS since 2007 in partnership with the University of Palermo (DAMS). Bab al samah is his rst short lm as director, screenwriter and producer. Finalist at the 2008 Nastri d’argento, he received a special mention for his narrative and technical structure. The recent prize “Michelangelo Antonioni” received at the 2009 ItaliaFilmFest of Felice Laudadio declared it to be the best Italian short lm of 2008. 85 Titolo Originale Bab al samah – La porta del perdono Titolo Inglese The door of forgiveness Regia Francesco Sperandeo Anno 2008 Nazione Italia Formato 16mm 16/9 1.77:1 Dolby Digital 5.1 Durata 15’ Cast Mohammed Sayari Fabrizio Bucci Mohammed Kouka Montassar Maagli Serena Napoli Sceneggiatura Moez Ben Hassen Nizar Kaabi Francesco Sperandeo Montaggio Michele Sblendorio Fotografia Giovanni Galasso Suono Fabio Santesarti Musica Ziad Trabelsi (Orchestra di piazza Vittorio) Costumi Scalabrino Naama Mejri Massimiliana Tiberi Produttore Antonio Sperandeo Francesco Sperandeo Produzione Antonio Sperandeo Francesco Sperandeo 86 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Il Citofono Adele, quarant’anni suonati, davanti al cancello di un grande condominio romano, suona disperatamente il campanello di un uomo al terzo piano, che l’ha lasciata. Lui non vuole aprire. Lei con enfasi da romanzo racconta di un grande amore perduto, l’uomo tutt’al più di rapporto sessuale. Presto tutto il condominio viene coinvolto: chi mente? Comunque, nessuno apre. Nello stesso tempo, l’infanzia di questa novella Adele H., grande fan di Maria Callas, le scorre davanti. E la bionda madre, un tempo bellissima ora molto liftata, ancora incombe su di lei. Having just turned 40, Adele, at the gate of a large Roman apartment block, desperately rings the doorbell of a man on the third oor, who has left her. He doesn’t want to open the door. With novel-style emphasis, she tells of a great love lost; while the man talks more about a sexual relationship. The whole apartment block soon gets involved: who’s lying? Nonetheless, no one opens the gate. At the same time, the infant of this ction Adele H., a big fan of Maria Callas, runs in front of her. And the blonde-haired mother, who was once beautiful and has now had one too many face lifts, is still incumbent on her. CortoEuropa Emanuela Rossi nata a Fermo, provincia di Ascoli Piceno, nel 1968. Ha studiato Storia del cinema e Direzione di attori all’Universitàdi Bologna e a Parigi. Ha lavorato a Milano come giornalista free-lance per i più importanti magazines femminili e poi si è trasferita a Roma, dove ha lavorato come autrice tv e sceneggiatrice della tv (La Squadra, Carabineri). Nel 2004 come sceneggiatrice ha vinto un Articolo 8 con la sceneggiatura La bessa sull’immigrazione albanese. Il bambino di Carla (2007), il suo primo lavoro come regista, ha vinto il Festival Arcipelago di Roma come miglior cortometraggio italiano ed è stato nella Cinquina dei Nastri d’Argento 2007 e David di Donatello 2008. Ha partecipato in Festival internazionali a New York, Londra, Taiwan, Montpellier, Marocco, Australia etc… Emanuela Rossi was born in Fermo, in the province of Ascoli Piceno, in 1968. She studied Film History and Acting Direction at the University of Bologna and in Paris. She worked in Milan as a freelance journalist for leading women’s magazines and then moved to Rome, where she worked as a TV actress and screenwriter (La Squadra, Carabinieri). In 2004 as a screenwriter she won an Articolo 8 with the screenplay La bessa sull’immigrazione albanese. Il bambino di Carla (2007), his rst work as a director, won the Festival Arcipelago in Rome as best Italian short lm and was shown at the 2007 Cinquina dei Nastri d’Argento and 2008 David di Donatello. She has taken part in international festivals in New York, London, Taiwan, Montpellier, Morocco, Australia, etc. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 87 Il Citofono The Intercom Emanuela Rossi 2008 Italia 35mm 1:1,85 24’ Cast Iaia Forte Maddalena Matrone Karen Di Porto Rosa Di Porto Annamaria Teresa Ricci Sceneggiatura Emanuela Rossi Montaggio Paola Freddi Elsa De Falco Bonomi Fotografia Ferran Paredes Suono Filippo Porcari Musica Verdi, Mozart, Puccini Scenografia Luca Coratella Costumi Elisa Papetti Trucco Elisa Papetti Produttore Emanuela Rossi 88 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Corrente Lui è un minatore, ogni giorno si lava nel ume per tentare di staccare quella vita dalla pelle e lasciarsi andare con la corrente. Anche lei sogna di andare via, ma è bloccata. Sono tutti trattenuti da catene. Sono dominati dalla forza della montagna. Ogni giorno partono e ogni giorno ritornano. E la notte si trovano nell’unico posto possibile. Tutti vogliono lei. Tutti sopravviveranno. Un giorno però la catena viene spezzata. He is a miner, everyday he washes in the river to try and get that life off his skin and let himself go with the ow. She dreams of going too, but she’s stuck. They’re all being held by chains. They’re dominated by the force of the mountain. They leave everyday and they go back everyday. At night they’re in the only place possible. They all want her. They all survive. One day the chain is broken. CortoEuropa Rodrigo Areias è nato a Guimarães, in Portogallo, nel 1978. Si è laureato in Suoni e Immagini alla Art School dell’ Universidade Católica, successivamente ha completato il Cinema Course alla Tisch School of Arts della New York University. Rientrato in Portogallo, ha lavorato come assistente in varie produzioni a Contracosta e varie messe in opera di video, musica e suoni per il cinema. Ha diretto vari videoclip, cortometraggi studenteschi e per scopi educativi e un lungometraggio, Tebas. È un produttore della Periferia Filmes di nomi famosi del cinema portoghese, quali Edgar Pêra, João Canijo, Cláudia Tomaz, Rita Azevedo Gomes, F.J. Ossang e nuovi registi come André Gil Mata e João Rodrigues. Rodrigo Areias was born in Guimarães, Portugal in 1978. Graduated in Sound & Image at the Art School of Universidade Católica in the area of Image, he made afterwards the Cinema Course at Tisch School of Arts da New York University. Back in Portugal, he worked as assistant in several productions at Contracosta and several video installations, music and sound for cinema. He directed several video-clips, student short lms and for educational purposes and a feature lm,Tebas. He is a producer in Periferia Filmes of wellknown names of Portuguese Cinema such as Edgar Pêra, João Canijo, Cláudia Tomaz, Rita Azevedo Gomes, F.J. Ossang and new directors as André Gil Mata e João Rodrigues. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 89 Corrente Flow Rodrigo Areias 2008 Portogallo 16mm 1:1,85 Dolby Sr 15’45’’ Cast Vítor Correia Inês Mariana Moitas Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione Distribuzione Rodrigo Areias Tomás Baltazar Jorge Quintela Pedro Pestana Sean Riley & The Slowriders Ricardo Preto Susana Abreu Susana Abreu Rodrigo Areias PERIFERIA FILMES Portuguese Short Film Agency 90 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Cronaca di un rapimento Graziana Massimucci lavora da cameriera e pretende una vita migliore. È disposta a fare qualunque cosa per ottenerla, anche se si tratta di rapire la glia del suo datore di lavoro egiziano – nonostante la sua totale inesperienza nel mondo del crimine - per chiedere un consistente riscatto. Suo glio Michele, aspirante regista di cinema, decide di realizzare un video per chiedere i soldi... Graziana Massimucci works as a waitress and claims a better life for herself. She is prepared to do anything to get it, even if it means kidnapping the daughter of her Egyptian employer – regardless of her total lack of experience in the world of crime – to demand a substantial ransom. Her son Michele, an aspiring lm director, decides to make a video to ask for the money... CortoEuropa Guido Tortorella nato il 24/09/1977 a Milano. Nel Maggio 2005 si diploma come “Filmmaker” presso la Scuola Civica di Cinema, Televisione e Nuovi Media di Milano. Il suo secondo cortometraggio, Bere il mare, vince il Lucania Film Festival 2005, vince il premio della critica al Festival di Maremetraggio 2006 ed è ammesso alla fase nale di Genova Film Festival 2005 e di Milano Film Festival 2005. Il suo primo videoclip Welcome to my loft vince il premio Salamandra al festival Zerotrenta 2006. Il breve documentario Il silenzio fuori prodotto dal CSC, viene trasmesso in diffusione nazionale nel palinsesto di Flux tv (2006). Dal Gennaio 2006 è iscritto al corso di regia del Centro Sperimentale di Cinematograa di Roma. Il suo lm di diploma, attualmente in postproduzione, è stato coprodotto da Medusa lm e Centro Sperimentale di Cinematograa. Guido Tortorella was born on 24/ 09/1977 in Milan. In May 2005 he graduated as a lmmaker from the Scuola Civica di Cinema, Televisione e Nuovi Media in Milan. His second short lm, Bere il mare, won the 2005 Lucania Film Festival, the Critics’ Prize at the 2006 Festival di Maremetraggio and was admitted into the nal stage of the 2005 Genoa Film Festival and 2005 Milan Film Festival. His rst videoclip Welcome to my loft won the Salamandra Prize at the 2006 Zerotrenta Festival. The short documentary Il silenzio fuori produced by CSC, was broadcast nationwide on the Flux tv programme schedule (2006). He has attended the directing course at the Centro Sperimentale di Cinematograa in Rome since January 2006. His graduating lm, currently in post-production, was co-produced by Medusa Film and the Centro Sperimentale di Cinematograa. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 91 Cronaca di un rapimento Cronicle of a kidnapping Guido Tortorella 2008 Italia Beta digitale 15’ Cast Patrizia Loreti Pietro De Silva Beniamino Marcone Astrid Meloni Sceneggiatura Andrea Cedrola Chiara Ridolfi Guido Tortorella Montaggio Giovanni Furore Fotografia Ethel Pistritto Suono Andrea Viali Musica Andrea Farri Scenografia Lara Sikic Costumi Teresa D’Arienzo Produttore Livia Barbieri Produzione Centro Sperimentale di Cinematografia Distribuzione Carla Manfredonia (CSC) 92 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Day In/Day Out Day In/Day Out è un dramma contemporaneo ambientato in un quartiere operaio. Charlie è innamorato di Ania, una lavoratrice polacca immigrata. Ania gli dà speranza e rappresenta una fuga dalla routine quotidiana; mentre Charlie lotta per curare il suo anziano padre che soffre di Alzheimer. Day In/Day Out is a contemporary drama set in a working class neighbourhood. Charlie is in love with Ania, an immigrant Polish worker. Ania gives him hope and represents an escape from the daily routine, while Charlie ghts to care his old father who suffers from Alzheimer’s. CortoEuropa Jez Scott ha iniziato ad appassionarsi alla fotograa e alla scrittura. Ha conseguito un Master in Film e Televisione allo York St John College nel 2006. Ha continuato a fare diversi corti per imparare come dirigere e raccontare delle storie. Day In/Day Out è il suo primo lm con un budget, commissionato dallo Screen Yorkshire e dalUK Film Council con 9000 sterline. Sta attualmente scrivendo il lungometraggio tratto da Day In/Day Out. Jez Scott started out loving photography and writing. He did a Master’s in Film and Television at York St John College in 2006. He continued to make several short lms to learn how to direct and tell stories. Day In/ Day Out is his rst lm with a budget, commissioned by Screen Yorkshire and the UK Film Council with £9,000. He is currently writing the feature lm based on Day In/Day Out. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 93 Day In/Day Out Day In/Day Out Jez Scott 2008 Inghilterra Mini Hdv 17’55’’ Cast Stuart Wade Al Kossy Maja Domin Phil Holland Jez Scott Jez Scott Kyle Heslop Andy Ludbrook My Exit Music Jeremy Scott David Johnson Costumi Jeremy Scott David Johnson Trucco Bonnie Patricia Morgan Produttore David Johnson Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia 94 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Del blanco al negro Due amici d’infanzia si rincontrano in una lussuosa casa di Madrid. Ciononostante, l’invitato rimane sorpreso dal padrone di casa quando gli fa una strana proposta che deve accettare o non accettare. Two childhood friends meet in a luxurious house in Madrid. Nonetheless, the guest is surprised by the host when he makes him a strange offer that he has to accept or not CortoEuropa 95 Gerardo Herrero Asturie, 1979. Studia Legge all’Università di Oviedo e Cinema alla ECAM dove si diploma in regia. Gira sei cortometraggi tra video, super 8 e 35mm. Realizza videoclip e documentari corti per la casa di produzione Telespan 2000 per la quale sta sceneggiando il lm Seven Aromas. Gerardo Herrero Asturias, 1979. He studied Law at the University of Oviedo and Cinema at ECAM where he graduated in directing. He has shot six short lms including video, super 8 and 35mm. He has made videoclips and short documentaries for the production company Telespan 2000, for which he is scripting the lm Seven Aromas. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata Del blanco al negro Turn to black Gerardo Herrero 2009 Spagna 35mm Dolby Digital 1:1,85 11’ Cast Manuel Gancedo Alberto Lozano Isabel Pintor Alicia Cifredo Sceneggiatura Álvaro Aguilera Gerardo Herrero Montaggio Pol Álvarez Cervelló Sergio Jiménez Barranquero Fotografia Alberto Cruz Suono Iñaki Ruiz Maeso Musica White Noise Scenografia Eduardo Fuembuena Costumi Irene Gómez, Rosa Sanz del Castillo Trucco Carmen Ruíz Clara Méndez-Leite Produttore Ángel Luis González Martínez Luis Alejandro Ruiz Sánchez Produzione ECAM Distribuzione ECAM 96 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani La determinazione dei generi Un sabato, tre amici all’ultimo anno delle superiori decidono quasi per gioco di buttarsi alla conquista della più carina della classe, ma al ritorno a scuola dopo quel ne settimana niente sarà più lo stesso. One Saturday, three friends in their nal year at secondary school decide to throw themselves into winning over the most attractive girl in their class just for a laugh, but when they go back into school after the weekend things will never be the same again. CortoEuropa 97 Ivan Silvestrini è nato a Roma il 22 gennaio 1972. Studia cinema a Scienze Umanistiche (La Sapienza) e in seguito regia al Centro Sperimentale di Cinematograa, dove sta per diplomarsi con un corto coprodotto da Medusa Film. La determinazione dei generi è il suo settimo corto. Ivan Silvestrini was born in Rome on 22 January 1972. He studied cinema in Humanities at La Sapienza and then directing at the Centro Sperimentale di Cinematograa, where he is about to graduate with a short lm co-produced by Medusa Film. La determinazione dei generi is his seventh short lm. Titolo Originale La determinazione dei generi Titolo Inglese The will of gender Regia Ivan Silvestrini Anno 2008 Nazione Italia Formato HD Durata 15’ Cast Elena Radonicich Beniamino Marcone Roberto Di Maio Marco Cassini Enrico Saccà Mario Marrone Simone Salvatore Vincenzo Schiavo Ivan Silvestrini Roberta Troncarelli Teresa D’Arienzo Alessandra Giacci Chiara Grassi Centro Sperimentale di Cinematografia Distribuzione Carla Manfredonia (CSC) Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione 98 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani L’estraneo Un uomo aiuta un’anziana signora a portare le borse della spesa no alla sua casa e poi è così gentile che le pulirà tutta la cucina. Perché lo fa non lo sa nemmeno lui, ma lo scoprirà molto presto. A man helps an old woman to carry the shopping bags to her home then he´s so kind to clean up all the kitchen. He doesn´t even know why he’s doing all that, but he’ll nd out very soon. CortoEuropa Fabian Ribezzo nato in Argentina nel 1968. Regista, sceneggiatore, attore, disegnatore e animatore, ha prodotto i suoi primi lavori televisivi e cinematograci in Italia negli anni ’90. Con i suoi cortometraggi di genere fantastico La uccido? e Il Cancello vince 15 premi internazionali e rappresenta Italia nel 52° Festival di Cannes come parte della “Kodak European New Talent”. Nel 2005 si trasferisce in Mozambico con sua moglie e suo glio per lavorare al progetto Umanitario Cinemarena dove produce lm educativi, pubblicità e documentari per la Cooperazione Italiana, Handicap International e Nazioni Unite. Fabian Ribezzo was born in Argentina in 1968. Cinema director, script writer, actor, animator and designer, he has produced most of his early cinematographic and television works in Italy between 1990 and 2005, getting 15 international prizes for his short fantastic reality lms La uccido? and Il Cancello. He represents Italy in 52th Cannes Festival as part of “Kodak European New Talent”. In 2005 Fabian moves to Mozambique with his wife and child, where he works for Humanitarian Project Cinemarena, producing all sort of educative, advertising and documentaries for the Italian Cooperation, Handicap International and United Nations. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 99 L’estraneo The outsider Fabian Ribezzo 2008 Italia Super 16mm 23’ Cast Maureen St Jones Moreno Mari Annaick Nicolazik Sceneggiatura Fabian Ribezzo Michele Cogo Montaggio Fabian Ribezzo Dario Zanasi Fotografia Federico Shlatter Suono Gigi Busachi Vasco Bellettini Musica Nicola Bagnoli Scenografia Tommaso Garavini Alessandra Contini Raffaele Baraldi Marco Pasqualicchio Costumi Vivian Lorca Valentina Cencetti Produttore Gianluca Arcopinto Fabian Ribezzo Produzione Picapicafilm Distribuzione Pablo Film Bonga Mbilo Multimedia Max Mann 100 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani ˆ Fata galbena care rade Mia e Florin Popescu, i due personaggi principali, sono due persone comuni, entrambi oltre i 50 anni ed entrambi leggermente spaventati dai cambiamenti tecnologici che avvengono intorno a loro. Per essi il computer non è niente altro che un elemento d’arredamento, no a che la possibilità di comunicare con il loro glio Alex, che vive negli Stati Uniti, li fa entrare nel mondo virtuale. Essi si districano in questo nuovo territorio usando le istruzioni che Alex gli ha inviato in una lettera. Ciononostante, i passi che dovrebbero essere semplici vengono resi difficili dalle paure infondate dei genitori, da una parte, e dall’altra, talvolta, dal linguaggio troppo tecnico usato dal loro glio. Mia and Florin Popescu, the two main characters, are two ordinary persons, both over 50 and both a little scared of the technological changes going on around them. To them, the computer is nothing more than furniture until the chance to communicate with their son, Alex, who lives in USA, makes them step into the virtual world. They unravel this new territory using the instructions Alex has sent them in a letter. Nevertheless, the steps that should be simple are rendered difficult by the unfounded fears of the parents, on one hand, and the sometimes too technical language used by their son, on the other CortoEuropa Constantin Popescu laureato presso l’Università di Bucarest in lingue e letterature straniere, si specializza nel 1999 in Lingua e Cultura Britannica e in Lingua e Cultura Spagnola. Nel 2002 esordisce come scrittore con il romanzo Chew and you’ll breath easier, premiato dall’Associazione degli Scrittori di Bucarest come miglior romanzo d’esordio nel 2003. Nel corso degli anni si interessa di cinema e realizza tre cortometraggi e un lm per la TV. Nel 2004 gira il suo primo cortometraggio The Apartment, di cui cura anche la sceneggiatura, poi nel 2005 è la volta di A lineman’s cabin. Nel 2007 gira The train, un lm per la tv mentre, nel 2008 gira il suo terzo cortometraggio Water. Fata Galbena Care Rade Yellow smiley face è il suo ultimo lavoro. Constantin Popescu graduated from the University of Bucharest in Foreign Languages and Literature, he did a Master’s in British Language and Culture and Spanish Language and Culture in 1999. In 2002 he made his debut as a writer with the novel Chew and you’ll breath easier, awarded by the Bucharest Writers’ Association as best debut book in 2003. Over the years he became interested in cinema and has made three short lms and a television lm. In 2004 he shot his rst short lm The Apartment, for which he also did the screenwriting. In 2005 it was the turn of A Lineman’s Cabin. In 2007 he shot The train, a television lm. In 2008 he shot his third short lm Water. Fata Galbena Care Rade – Yellow smiley face is his latest work. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 101 Fata galbena care râde The Yellow Smiley Face Constantin Popescu 2008 Romania 35mm 1:1,85 15’ Cast Luminita Gheorghiu Teodor Corban George Constantinescu Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione Distribuzione Doru Lupeanu Eugen Kelemen Liviu Marghidan Mirel Cristea Florian Stoica Simona Paduretu Brandusa Ioan Andreea Tana Corina Brailescu Alexandru Teodorescu Saga Film con il supporto di Romanian CNC Saga Film con il supporto di Romanian CNC 102 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Horoscopo Perchè innamorarsi ci fa diventare idioti? Potrebbe avere a che fare con il nostro segno zodiacale? Why does falling in love turn us into idiots? Could it be something to do with our starsign? CortoEuropa 103 Miguel A. Carmona è nato a Siviglia. A 19 anni gira il primo cortometraggio, Dorso, che vince il premio del pubblico al Notodolmfest nel 2003. Due anni dopo è sceneggiatore del lungometraggio, ¿Por qué se frotan las patitas? e nel 2007 gira Horoscopo prodotto da La Mirada Obliqua. Miguel A. Carmona was born in Seville. He made his rst short, Dorso, at the age of 19. In 2005, Álvaro Begines asked him to write the screenplay for what was to be his rst lm, ¿Por qué se frotan las patitas? Two years later, in 2007, Miguel Ángel decided to make his rst serious short lm. The result was Horóscopo, produced by La Mirada Oblicua. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata Horoscopo Horoscope Miguel A. Carmona 2008 Spagna Minidv 12’ Cast Alex O’Dogherty Teresa Hurtado De Ory Sebastián Haro Sceneggiatura Miguel Angel Carmona Álvaro Begines Montaggio Sergio Román Fotografia Alejandro Espadero Suono Josè A. Martìn Musica Álvaro Begines Juan Enrique Moreno Scenografia Rubén Martín Trucco Ana Rosa Gavira Produttore Álvaro Begines Produzione La Mirada Oblicua Distribuzione Programa Madeinshort Junta De Andalucia 104 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani L’inganno Un ragazzino percorre una strada dimenticata alla ricerca di una ricompensa. Quando la trova si accorge di essere il protagonista di un gioco di memoria. A young boy walks along a forgotten road looking for a reward. When he gets it, he realizes to be the protagonist of a memory game. CortoEuropa Davide Balbi è nato a Genova nel 1971. Laureato in legge, ha preferito seguire la sua passione per il teatro e il cinema dopo i diversi stage e corsi frequentati. E’ sceneggiatore, regista e attore. Nel 1997 esordisce come regista cinematograco al Genova Film Festival con il cortometraggio Il Calzolaio. Vi ripartecipa nel 1999 con Penality che vince il Primo Premio “Obiettivo Liguria” e gira il mondo nei più prestigiosi festival di cortometraggi. Nel 2000 Balbi gira Bianco e Nero, lm per la tv, senza però tralasciare i suoi impegni teatrali che, a partire dal 1997 l’hanno visto regista e protagonista di intensi lavori, l’ultimo dei quali “Camorra Minneapolitana - The True Story” . Davide Balbi was born in Genoa in 1971. A law graduate, he preferred to pursue his love for the theatre and lm after several internships and courses. He is a screenwriter, director and actor. In 1997 he made his debut as a lm director at the Genova Film Festival with the short lm Il Calzolaio. He took part again in 1999 with Penality, which won the “Obiettivo Liguria” rst prize and was shown at leading short lm festivals around the world. In 2000 Balbi shot Bianco e Nero, a television lm, without however neglecting his theatrical commitments, which saw him become a director and actor of some intense works as from 1997, the last of which was “Camorra Minneapolitana - The True Story” . Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata L’inganno The trick Davide Balbi 2008 Italia 35 mm DigiBeta 10’10’’ Cast Andrea Oppedisano Domenico Biglietto Fiammetta Bellone Antonio Ornano Laura Saitta Davide Balbi Lucia Vita Sceneggiatura Davide Balbi Montaggio Riccardo Traverso Matteo Nigro Fotografia Giulio Pietromarchi Suono Giulio Pietromarchi Musica Luca Cimadomo Roberto Logli Augusto Forin Scenografia Elisa Sanna Trucco Lidia Mini Produttore Maodit Cinema Produzione Maodit Cinema Distribuzione Maodit Cinema 105 106 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Megatron E’ il compleanno di Maxim. Ha 8 anni. Vive con la madre in una villaggio, lontano dalla città. Per il suo compleanno, la madre lo porta al McDonald’s. It’s Maxim’s birthday. He’s 8 years old. He lives with his mother in a village far away from the city. His mother takes him to McDonald’s for his birthday. CortoEuropa Marian Crisan è nato nel 1976 a Salonta in Romania. Diplomato in regia cinematograca e televisiva all’Academy of Theatre and Film di Bucarest. Vive a Bucarest. Con Megatron ha vinto la Palma d’oro per il miglior cortometraggio al Festival di Cannes 2008. Tra i suoi lavori The Amateur (2007), Family Portrait (2006), Help (2003) e The Man with his left hand in his pocket (2000). Marian Crisan was born in 1976 in Salonta, Romania. She graduated in television and lm directing from the Academy of Theatre and Film in Bucharest. She lives in Bucharest. She won the Palma d’oro for best short lm at the 2008 Cannes Film Festival with Megatron. Among her works, there’s The Amateur (2007), Family Portrait (2006), Help (2003) and The Man with his left hand in his pocket (2000). Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata Megatron Megatron Marian Crisan 2008 Romania 35mm 1:1,85 14’ Cast Gabriela Crisu Maxim Strinu Damian Oancea Erwin Simshenson Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione Marian Crisan Tudor Pojoni Tudor Mircea Tudor Pojoni Rotton Cristina Barbu Cristina Barbu Anca Dumitru Anca Puiu Mandragora 107 108 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Minitrip Un piccolo stralunato racconto di un disastro annunciato, un’odissea ridotta in farsa drammatica. Minitrip è il caotico viaggio della nazionale albanese di Bowling, persa, malgrado tutto, nei bassifondi clandestini di Bruxelles. Lavoro nero, prostituzione, un’ elemosina molto ordinata, psicologia da poliziotti.... l’inferno di Bruxelles è lastricato di buone intenzioni. A short eye-opening account of a disaster that’s announced, an odyssey reduced to dramatic farce. Minitrip is the chaotic journey of the Albanian national bowling team, lost in spite of everything in the clandestine slums of Brussels. Moonlighting, prostitution, well organised begging, police psychology... The hell of Brussels is paved with good intentions. CortoEuropa Jean-Michel Vovk è nato nel 1961, Jean-Michel Vovk si forma come attore presso l’ I.N.S.A.S. di Bruxelles. Intraprende così una carriera molteplice e variegata, che lo porta a lavorare in teatro, al cinema e in televisione (recentemente in Tv con “François Dolto, le desir de vivre “ accanto a Josiane Balasko). Vovk è anche insegnante di recitazione e doppiatore. Il cortometraggio “Mini” è la sua prima opera da regista. Jean-Michel Vovk sta attualmente preparando un secondo cortometraggio e nendo di scrivere la sceneggiatura di un lungometraggio. Jean-Michel Vovk was born in 1961, he trained as an actor at the Brussels I.N.S.A.S. He then began a varied and manifold career, which caused him work in theatre, cinema and television (he was recently on TV with “François Dolto, le desir de vivre” alongside Josiane Balasko). Vovk also teaches recitation and works as a dubber. The short lm Mini is his rst work as director. JeanMichel Vovk is currently working on a second short lm and is nishing writing a screenplay for a feature lm. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 109 Minitrip Minitrip Jean-Michel Vovk 2008 Belgio 35mm 16’33’’ Cast Ilir Sulejmani Georges Siatidis David Quertignez Eddy Letexier Eddy Letexier Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione Distribuzione Jean-Michel Vovk Jeremy Ducrocq Manu Dacosse Christian Monheim David Quertignez Sebastien Autphenne Pascale Vervloet Lisa Schonker Be-Films Sprl Be.Films Be.Films 110 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Monsieur Sélavy In viaggio con Monsieur Sélavy. Un lm diario sulle vicissitudini dell’esistenza e di come affrontarle con dignità. Un viaggio in cui le coordinate spazio-tempo si complicano… On the move with Monsieur Sélavy. A lm diary about the vicissitudes of existence and how to encounter them with dignity. A journey in which space and time coordinates become a bit tangled… CortoEuropa Peter Volkart ha studiato arti visive e lm-making a Zurigo e a New York. Dal 1985 realizza cortometraggi indipendenti e documentari per la televisione. Ha creato trailer e brevi lmati pubblicitari e collabora a numerosi progetti di lungometraggi come direttore artistico e responsabile del montaggio. Dal 1995 gestisce uno studio di disegno graco a Zurigo specializzato in motion graphics, effetti speciali e tutti i tipi di produzioni multi-mediali. Oltre a lavorare a livello pubblicitario, Peter Volkart ha presentato varie mostre in gallerie d’arte e musei d’arte in Svizzera e all’estero. Monsieur Sélavy è il suo terzo cortometraggio. Peter Volkart has studied visual arts and lmmaking in Zurich and New York. Since 1985 he has made independent short lms as well as documentaries for television. He has created trailers and commercial shorts and has been collaborating on numerous feature lm projects as art director and editor. Since 1995 he runs a graphic design studio in Zurich specializing in motion graphics, special effects and all kinds of mixed media productions. Besides working commercially Peter Volkart has had various exhibitions in art galleries and art museums in Switzerland and abroad. Monsieur Sélavy is his third short lm. 111 Titolo Originale Monsieur Sélavy Titolo Inglese Monsieur Sélavy - The Way it is Regia Peter Volkart Anno 2008 Nazione Svizzera Formato 35 mm 1:1,66 Dolby Digital SR-D Durata 10’ Sceneggiatura Montaggio Fotografia Musica Scenografia Produttore Produzione Distribuzione Peter Volkart Harald & Herbert Hans Ulrich Schenkel Paul Avondet Anita Hansemann Franziska Reck Reck Filmproduktion Look Now! 112 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Murche Da bambino Reza sognava di poter nuotare nell’aria. Uno stato di pura felicità. Una volta cresciuto non riesce più a provare la stessa sensazione. Così, da adulto, inizia a cercare la persona che fu la ragione di questa sensazione meravigliosa. As a small child Reza dreamed he could swim in the air. A state of pure felicity. When he grew up he lost this feeling. So as an adult man he starts searching for the only person who was the reason for this wonderful feeling. CortoEuropa 113 Behrooz Karamizade è nato nel 1978 a Ahwaz in Iran. Nel 1984 lui e la sua famiglia emigrarono verso quella che un tempo era l’Unione Sovietica. Dal 1985 vive in Germania. Dal 2004 studia regia cinematograca nella Filmclass del Prof. Yana Drouz/Prof. David Safarian presso la University of Arts a Kassel. Nel 2008 gira Murche, il suo primo cortometraggio e To be a child in Iran, il suo primo documentario. Behrooz Karamizade was born in 1978 in Ahwaz (Iran). In 1984 he and his family emigrated to the former Sowjetunion. Since 1985 he is living in Germany. Since 2004 he studies lmdirecting in the Filmclass of Prof. Yana Drouz/Prof. David Safarian at the University of Arts in Kassel. Murche (2008) is his rst short ction lm and To be a child in Iran (2008) is his rst documentary. Titolo Originale Murche (Persische: Ameiser) Titolo Inglese Murche (Persian: Ants) Regia Behrooz Karamizade Anno 2008 Nazione Germania Formato HD Panasonic P2 Durata 20’ Cast Aryane Glöckner Simon Reza Flöck Narges Rashidi Jaschar Sarabtchian Ali Azizi Amir Raufsad Diyar Bozkurt Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione Behrooz Karamizade Nari Kim Jakub Bejnarowicz Philipp Teubner Ramtin Rahimi Christine Prinzing Kathleen Draeger Sandra Sabo Muna Kebede Christina Baskal Tatjana Baskal Manuel Challal Behrooz Karamizade 114 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Protect me from what I want Daz cerca l’amore. Saleem cerca sesso. A spasso, sotto un sottopassaggio della metropolitana, i due si incontrano ed iniziano una relazione. Tornati alla camera di Daz, Saleem inizia una pericolosa, ma eccitante avventura sessuale. I mondi disparati di entrambi i personaggi si sovrappongono e si scontrano per raccontare una storia di solitudine e desiderio in una città a tarda notte. Daz is looking for love. Saleem is looking for sex. Cruising at an underground archway, the two meet and connect. Back at Daz’ bedsit, Saleem embarks on a dangerous, thrilling sexual adventure. Both characters’ disparate worlds overlap and collide to tell a tale of loneliness and longing in a city late at night. CortoEuropa Dominic Leclerc come drettore degli Sheffield Theatres, Dominic ha lavorato come assistente alla regia per molti spettacoli teatrali e come direttore della coreograa per molte opere tra le quail Much Ado About Nothing, The Unthinkable, The Little Fir Tree, Girl in the Goldsh Bowl, e The Ugly Duckling. Ha vinto il premio Oxford Samuel Beckett, il Channel 4 Regional Theatre Director Scheme e il David Fraser Bursary (ITV). Tra i suoi lavori video: Holby City (BBC), Coronation Street, Emmerdale (ITV), Protect Me From What I Want (Screen Yorkshire) e Cilla Black’s TV (music video). Dominic Leclerc as director of the Sheffield Theatres, Dominic has worked as Assistant Director on many theatre productions and choreography director on many works, including Much Ado About Nothing, The Unthinkable, The Little Fir Tree, Girl in the Goldsh Bowl and The Ugly Duckling. He has won the Oxford Samuel Beckett award, the Channel 4 Regional Theatre Director Scheme and the David Fraser Bursary (ITV). Among his television work: Holby City (BBC), Coronation Street, Emmerdale (ITV), Protect Me From What I Want (Screen Yorkshire) and Cilla Black’s TV (music video). 115 Titolo Originale Protect me from what I want Titolo Inglese Protect me From what I want Regia Dominic Leclerc Anno 2008 Nazione UK Formato HD Durata 13’ Cast Naveed Choudhry Elliott Tittensor Dominic Leclerc James Schofield Martin Parry Gareth Fry Gareth Fry Paul Rowan Humaira Khan Emily Thornton Diane Whitley Whitley- Leclerc Productions Distribuzione Whitley- Leclerc Productions Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione 116 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Silba Perfidia Ramiro indossa occhiali che mettono a fuoco e distorcono la realtà in modo che la sua vita scorra serena e senza sorprese. Perduto nel ripetitivo, meccanico susseguirsi delle sue giornate, non si rende conto di cosa è vero e cosa sta solo immaginando. Ramiro wears glasses that focus or unfocus reality so that he can live a calm life with no surprises. A couple of events will break his routine and deprive him of his glasses. He will have no other choice but to deal with his hard present... and his forgotten past. CortoEuropa César Esteban Alenda unisce al suo diploma in Architettura, quello in Design Graco e Regia. Come regista ha partecipato al Berlinale Talent Campus e ha lavorato come montatore e direttore della post-produzione nel corto prodotto dalla Spanish Film Academy, La Increible Historia del Hombre sin Sombra. Come regista, ha scritto e diretto tre cortometraggi: Manolo Marca Registrada (animazione, 2006) Manolo Global (2007) Silba Perdia (2008) César Esteban Alenda combines his degree on architecture with graphic design and lm director. As a lmmaker he took part in the belinale talent campus, and he worked as an editor and director of postproduction in the Spanish Film Academy awarded short lm La increíble historia del hombre sin sombra. He has written and directed three short lms: Manolo Marca Registrada (Animation, 2006) Manolo Global (Fiction, 2007) and Silba Perdia (Fiction, 2008). 117 Silba Perfidia Whistle Perfidia Cesar Esteban Alenda 2008 Spagna Super 16mm 1 : 1,85 Dolby Sr Durata 16’40’’ Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Cast Roger Alvarez Manuela Paso Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Produttore Produzione Distribuzione Cesar Esteban Alenda Ivan Rodriguez Tom Connole Miguel Lopez Sergio De La Puente Jorge Fisac José Esteban Alenda Solita Films, S.L. Solita Films, S.L. 118 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Veglia E’ notte. Un appartamento. Un uomo e una ragazza. Una stazione. Una donna seduta su una panchina. I treni che passano senza sosta. Il sonno che non arriva. Gli occhi che rimangono aperti. Chi è l’uomo per la ragazza? E la ragazza per l’uomo? Perché non dormono? Cosa li tiene svegli? Veglia è un viaggio attraverso la notte. It’s night-time. An apartment. A man and a girl. A station. A woman sat on a bench. Trains pass by without stopping. Sleep won’t come. Eyes stay open. Who is the man for the girl? Why aren’t they sleeping? What is making them stay awake? Veglia is a journey through the night. CortoEuropa Michele Rho è nato a Milano nel 1976. Si è diplomato in regia teatrale presso la Scuola d’arte drammatica Paolo Grassi di Milano e ha lavorato come regista e attore in teatro, quindi si è dedicato alla regia cinematograca e televisiva. Nel 2004 scrive e dirige il cortometraggio Post-it prodotto da G. Arcopinto e SKY con il quale ottiene svariati riconoscimenti nei più importanti festival internazionali e che attualmente fa parte di un lm dal titolo “Bambini” prodotto da Gianluca Arcopinto. Nel 2004 gira Un autoritratto, prodotto da SKY autore e nel 2008 Veglia, prodotto da RedRoad. Michele Rho was born in Milan in 1976. He graduated in theatre directing from the Scuola d’arte drammatica Paolo Grassi in Milan and worked as a director and theatre actor. He then devoted himself to television and lm directing. In 2004 he wrote and directed the short lm Post-it produced by G. Arcopinto and SKY, for which he achieved a range of recognitions from the most important international festivals. He is currently taking part in a lm entitled Bambini produced by Gianluca Arcopinto. In 2004 he shot Un autoritratto, produced by SKY autore and in 2008 Veglia, produced by RedRoad. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 119 Veglia Wake Michele Rho 2008 Italia 35mm 18’ Cast Giuseppe Cederna Anna Della Rosa Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco Produttore Produzione Distribuzione Michele Rho Antonio Civilini Andrea Locatelli Lorenzo Dal Ri Fionn Regan Roberto Ranghieri Sara Costantini Teresa Barone Michele Rho REDROAD Produzioni REDROAD Produzioni 120 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Vigilante Ambientato nel calmo e idilliaco villaggio di Hewson, Vigilante è un cupo e satirico mockumentary che segue uno dei membri del gruppo di vigilanza del villaggio, che ha il compito di sradicare il crimine e i comportamenti antisociali. Questo avvincente cortometraggio si interroga sul concetto di crimine e punizione, chiedendoci quanto lontano ci spingiamo, o ci potremmo spingere, per rendere la nostra comunità un posto migliore. Set in the quiet and idyllic village of Hewson, Vigilante is a dark and satirical mockumentary that follows one member of a village group as he sets out to eradicate crime and anti social behaviour. This compelling short interrogates our understanding of crime and punishment, asking to what lengths should we, and would we, go to make our community a better place. CortoEuropa Darren Bolton dopo aver conseguito il diploma in scrittura e drammaturgia, Darren fonda il primo dei suoi due progetti creativi, Shooting Fish Theatre Company nel 2002. Rat Race è stata la prima grande produzione intrapresa dalla compagnia, scritta e diretta da Darren e portata in tour in tutta la nazione. Il suo secondo grande lavoro è stato Laminated commissionato dall’Arts Council of England e in tour dall’autunno 2008. Dal 2004, seguendo la sua passione per i lm, Darren ha lanciato il suo secondo progetto, la Blueprint Film, e ha completato il suo primo cortometraggio, Link, un intenso poema su un amore interrotto. Nel 2006 (per la Screen Yorkshire) ha scritto e diretto Invisible. Che è stato proiettato in numerosi festival nel mondo e ha vinto il premio per la miglior regia al Calgary Fringe Film Festival e una menzione d’onore come miglior corto al Festival di Aarhus in Danimarca. Darren Bolton after obtaining a rst class degree in writing he set up the rst of two creative businesses, Shooting Fish Theatre Company in 2002. Rat Race was the rst large production undertaken by the company, written and directed by Darren it toured nationally in 2003. Darren’s second major play Laminated commissioned by the Arts Council of England has recently toured. In 2004 following a long-standing passion for lm Darren launched his second business Blueprint: Film and completed his rst short lm Link, a visual poem about broken love. In 2006 Darren wrote and directed Invisible that was screened at numerous festivals around the world and went on to win an award for Best Director at the Calgary Fringe Film Festival and Honorary Mention for Best Short Film at the Aarhus Festival of Independent Arts. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 121 Vigilante Vigilante Darren Bolton 2008 Inghilterra 35mm Dolby SR 12’ Cast Simon Cassidy Geoff Holman Jaqueline Phillips James Lauren Darren Bolton Chris Anstey Chris Fisher Tyler Crowe Darren Bolton David Brook Robert Gardner Susan Pennington Mark Adair Maxine Wollaston Georgina Thornton Parr Terri-Lee Lindley Emma Martin Produttore Emily Bignell Produzione Blueprint: Film Distribuzione Blueprint: Film Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Trucco 122 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Les Williams Tra i suoi regali di matrimonio, Francis ha ricevuto un cane. Chiede a William, il suo amico di infanzia, di badargli mentre lui è in luna di miele. Questa semplice richiesta rivela un problema profondamente radicato in William. Among his wedding presents, Francis has received a dog. He asks William, his childhood friend, to look after it while he’s on his honeymoon. This simple request reveals a deep-seated problem that William has. CortoEuropa Alban Mench trascorre la sua infanzia in Inghilterra. A 18 anni inizia a scrivere su Cinelibre e L’Ecran Fantastique e consegue due master, in economia e in cinema. Nel 2003 fonda la società di produzione Callipolis Films. Ha diretto i seguenti cortometraggi: Pink Room (2004), Valériane Goes to Town (2006) e nel 2008 The Williams, selezionato al Festival di Cannes (Premio uniFrance del Cortometraggio), al World Film Festival (Montréal) - 2008 e all’ International Film Festival of Braunschweig 2008. Alban Mench spent his childhood in England. At the age of 18 he started to write in Cinelibre and L’Ecran Fantastique and gained two Master’s degrees in Economics and Film. In 2003 he founded the production company Callipolis Films. He directed the following short lms: Pink Room (2004), Valériane Goes to Town (2006) and in 2008 The Williams, selected at the Cannes Film Festival (UniFrance Short Film Award), the 2008 World Film Festival (Montréal) 2008 and at the 2008 Braunschweig International Film Festival. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 123 Les Williams The Williams Alban Mench 2008 Francia 35mm 1.66 Colore 14’ Cast Jacques Bonnaffé Denis Lavant Alban Mench Noel Fuzellier Benoît Feller Thomas Francois Joris Lachaise Hélène Delaporte Estelle Zocly Florence Azario Produttore Olivier Berlemont Ludovic Henry Produzione Les Films au Long Course Distribuzione Premium Films Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Scenografia Costumi Trucco Fuori Concorso 126 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Beket Freak e Jajà si trovano in una terra di nessuno, senza data né tempo. L’uomo non abita più il pianeta. Solo qualche strano personaggio sopravvissuto appare raramente. I due protagonisti si incontrano ad una fermata del bus in mezzo al nulla, senza conoscersi. Il bus arriva, ma non si ferma. Era il bus che portava a GODOT, il Dio che si è manifestato al di là della montagna sotto forma di sonorità musicale. Avendo perso il bus, Freak e Jajà decidono allora di cercarlo a piedi. Iniziano così un viaggio che farà loro incontrare i bizzarri personaggi che abitano questa landa. Freak and Jajà nd themselves in a land where there’s nobody, where’s there no date or time. Man no longer inhabits the planet. Only a few strange characters who have survived appear occasionally. The two protagonists meet at a bus stop in the middle of nothing without knowing one another. The bus arrives, but doesn’t stop. It was the bus going to GODOT, the god that appeated beyond the mountain in the form of musical sound. Having missed the bus, Freak and Jajà then decide to nd it on foot. This is how a journey begins that causes them to meet the bizarre characters who live in this land. Fuori Concorso Davide Manuli nasce a Milano nell’aprile del 1967. Dal 1987 al 1992 a New York è attore all’Actors Studio e al Lee Strsberg Institute. Diventa assistente di Al Pacino e Charly Laughton per la CHAL productions. Attore protagonista nel lungometraggio ‘The Contenders’ prodotto da Milos Forman per la Columbia University. Nel 1993 è attore nel lm L’incantevole aprile del regista Mike Newell (3 candidature Oscar e vincitore di 2 Golden Globes). Nel 1995 è nalista al ‘Premio Solinas’ con la sceneggiatura di Girotondo, giro attorno al mondo. Dal 1997 al 2004 gira 4 cortometraggi, 1 lungometraggio, 1 documentario (Inuit) e 1 Back-stage (‘Controvento’ di Peter del Monte). Nel 2006 il lm-documentario “InauditiInuit!” è in concorso a Torino. Nel 2008 gira Beket in Concorso a Locarno. Vince il Premio della Critica Indipendente. Davide Manuli was born in Milan in April 1967. 1987-1992 New York, actor at the Actors Studio and at Lee Strasberg Institute. Became assistant to Al Pacino and Charly Laughton for CHAL productions. Lead role in the feature lm The Contenders produced by Milos Forman for Columbia University. 1993 Actor in the lm L’incantevole aprile directed by Mike Newell (3 Oscar nominations and winner of 2 Golden Globes). 1995 Finalist and study grant at Premio Solinas with the screenplay of Girotondo, giro attorno al mondo. 1997-2004 He shot 4 short lms, 1 feature lm, 1 documentary (Inuit) and 1 backstage (Controvento by Peter del Monte). 2006 The lm documentary Inauditi-Inuit! competed in Turin. 2008 He shot Beket competing at Locarno. It won the Independent Critics’ Award. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Formato Durata 127 Beket Beket Davide Manuli 2009 Italia 35 mm B/N Dolby SR 80’ Cast Luciano Curreli Jerome Duranteau Fabrizio Gifuni Simona Caramelli Simone Maludrottu Paolo Rossi Roberto ‘Freak’ Antoni Sceneggiatura Montaggio Fotografia Suono Musica Scenografia Costumi Produttore Produzione Davide Manuli Rosella Mocci Tarek Ben Abdallah Marco Fiumara Roberto ‘Freak’ Antoni Alessandra Mostacci Stefano Ianne Massimiliano Cigala Marco Saveriano Miss Kittin The Hacker Mario Courrier Valentina Stefani Davide Manuli Bruno Tribbioli Alessandro Bonifazi Blue Film Shooting Hope Production La Notte delle Catastrofi 130 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani This is the end Finalmente è arrivata!! La lunga attesa è nita. Dopo tanto tempo il sogno è diventato realtà. Molti di noi avevano perso ogni speranza ma ora è ufficiale: e’ arrivata la ne del mondo!! I bambini non ci possono ancora credere, i genitori fanno fatica a mandare a letto i loro gli che vogliono sapere tutto sulle ultime favole di Nostradamus, le signore passano intere giornate a provare il vestito delle grandi occasioni che avevano comprato quando se ne accennava alla tv e adesso si chiedono se il nero forse non le smagrirà troppo, gli anziani tentano di capire se c’è un limite d’età per partecipare e nel dubbio presentano falsi certicati d’invalidità per assicurarsi i primi posti, quelli che non sono ancora iscritti a Facebook hanno paura di non sapere con chi parlarne il giorno dopo, la Rai si è fatta battere ancora una volta dalla concorrenza ma ha assicurato gli highlights dell’evento a ne serata (ma c’è sempre Emule o qualche sito cinese al massimo). Insomma è tutto pronto. Eppure quanta fatica per arrivarci. Ci avevano raccontato di tutto per alimentare l’attesa: dai pastorelli di Fatima con i loro segreti ormai demodè all’allarme tecnologico del Millenium Bug del post 1999, dal mito di Charles Manson con le sue pose da Anticristo ai lodevoli suicidi di massa che, purtroppo, non risolvevano il problema, dagli stormi di asiatici con mascherine anti-Sars alla difficile convivenza con mucche pazze e polli modicati, dalle promesse bibliche di un’Apocalisse in arrivo alla profezia dei Papi sulla distruzione di Roma allo scoccare del 112° pontece. E quante speranze riposte inutilmente nella scienza: neanche gli esperti del Cern di Ginevra, giocando con un semplice acceleratore di particelle, erano poi riusciti a creare un vero buco nero in grado di risucchiare nalmente questa maledetta materia, guriamoci quindi se potevamo farci spaventare dai Maya che avevano opzionato il 2012 come anno della ne. Ecco perché tanta felicità nell’annunciare che l’incandescente spettacolo della distruzione del pianeta è pronto per essere gustato ma, data l’unicità dell’evento, questa volta il piacere sarà riservato a pochi eletti, qualche centinaio di valorosi umani che avranno l’onore di assistere ad una formidabile rappresentazione (molto più vera del reale come è naturale al giorno d’oggi) del meglio del cinema catastroco e fantascientico mai realizzato. Un rito propiziatorio lungo 12 ore, una maratonanotturna di puro piacere, con un quiz nale che eleggerà il vero highlander e una posta in palio ancora più alta: raccontare nalmente a chi non c’era che faccia ha la ne del mondo. It’s the end of the world, as we know it (and I feel ne). Gianluca De Falco La notte delle catastrofi 131 This is the end At last it’s arrived! The long wait is over. The dream has nally become reality. Many of us had lost every hope, but now it’s official: the end of the world has arrived! The children still can’t believe it and their parents are nding it really hard to send their kids to bed when they want to know everything about the famous predictions of Nostradamus. Women spend entire days trying on their dress for special occasions that they bought when it was announced on the television and now they’re asking if black makes them look too thin. The elderly are trying to understand if there’s an age limit to taking part and, given the doubt, they offer false disability certicates to ensure they have the rst places. Those who still haven’t signed up on Facebook are worried about who they can talk to about it the day after. Rai has been beaten yet again by the competition, but it has guaranteed highlights of the event at the end of the evening (but there’s always Emule or some Chinese site at the most). In short, it’s all ready. And yet, what hard work it’s been to get to this point. They told us all sorts of things to fuel the wait: from the shepherd children of Fatima with their secrets that are now de mode, the technological alarm of the Millennium Bug post 1999, the myth of Charles Manson with Antichrist poses, and the laudable mass suicides that do not unfortunately resolve the problem, the storms of Asians with their anti-SARS masks and the difficult cohabitation with mad cows and modied chickens, the biblical promises of an Apocalypse in arrival with the prophecy of the Popes about the destruction of Rome with the advent of the 112th pontiff. And how many useless hopes cast aside in science. Not even the experts of Cern in Geneva, playing with their simple particle accelerator, were then able to create a true black hole capable of nally sucking this cursed matter back, therefore imagine if we could be scared by the Mayas who have opted for 2012 as the end of the world. That’s why there’s so many happiness in announcing that this burning spectacle of the destruction of the planet is ready to be tasted, but given the one-off nature of the event, this time the pleasure will be reserved to a few chosen ones, a few hundred brave humans who will have the honour of attending a formidable depiction (much more real than reality as is only natural nowadays) of the best of catastrophic and science ction cinema that has not yet come true. A 12-hour long propitiation rite, a night-time marathon of pure pleasure, with a quiz at the end that will appoint the true highlander and an even higher place on the bandstand: being able to nally tell those who weren’t there what the end of the world actually looks like. It’s the end of the world, as we know it (and I feel ne). Gianluca De Falco 132 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani La cosa da un altro mondo Hendry deve combattere, nella sua base al polo Nord, contro mostro sanguinario arrivato dallo spazio. Drammatica lotta e conquista di segretaria. Classico della science ction con una buona dose di orrore. Ispirato al racconto Who Goes There? di John W. Campbell è il primo lm su un mostro che viene dallo spazio. Prodotto e supervisionato da Howard Hawks, rifatto nel 1982 da John Carpenter con La cosa. In his base at the North Pole, Hendry must ght against a bloodthirsty monster that has come from space. A dramatic ght and win for the secretary. A science ction classic with a good dose of horror. Inspired by the story Who Goes There? by John W. Campbell, this is the rst lm about a monster from space. Produced and supervised by Howard Hawks, redone in 1982 by John Carpenter with The Thing. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata La cosa da un altro mondo The Thing Christian Nyby 1951 USA 87’ Cast Margaret Sheridan Kenneth Tobey Robert Cornthwaite Douglas Spencer James Young Sceneggiatura Charles Lederer Howard Hawks Ben Hecht Montaggio Roland Cross Fotografia Russell Harlan Musica Dimitri Tiomkin Produttore Howard Hawks Produzione Edward Lasker Distribuzione Winchester, R.K.O. R.K.O. - Cosmovideo La notte delle catastrofi Christian Nyby nato a Los Angeles, in California, nel 1913, ha cominciato la sua carriera nel cinema negli anni ’40 come montatore. In quel periodo lavorò a quattro lm del famoso regista Howard Hawks, uno dei quali (Red River) gli valse una nomination agli Oscar. Inizialmente semplice carpentiere negli studi cinematograci, presto trovò la sua strada come montatore, e nel 1951 ebbe l’opportunità di dirigere il suo primo lm: The Thing from Another World, più conosciuto come La cosa, che ebbe un grande successo che fu attribuito soprattutto al produttore Howard Hawks. Nyby ha continuato la sua carriera avendo molto successo come regista televisivo a partire dagli anni ’50, no a tutti gli anni ’70. Ha diretto infatti diversi episodi dei più grandi show televisivi di quel periodo, da Perry Mason a Emergency!, da The Twilight Zone a Kojak. E’ morto nel 1993. 133 Christian Nyby born in Los Angeles, California, in 1913, he started his career as a lm editor in the 1940s. During this period, he worked on four lms for famous director Howard Hawks, of which one (Red River) led to an Academy Award nomination. He began his career in the carpentry division at the studios, worked his way up to editor, then got the chance to direct his rst lm in 1951. The Thing from Another World (or The Thing as it is more commonly known) was an instant success attributed mostly to the producer Howard Hawks. Nyby went on to have a prolic television and movie directing career, from the 1950s to the 1970s. He directed episodes of almost every major television show of the period, from Perry Mason, Emergency!, The Twilight Zone, to Kojak. He died in 1993. 134 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani The day after tomorrow A causa di strani avvenimenti atmosferici, il paleoclimatologo americano Jack Hall e il suo collega scozzese Rapson ipotizzano l’avvento di una nuova ‘glaciazione’. Il loro timori vengono confermati quando scoprono che sta per prepararsi una tempesta globale che investirà il pianeta e lo farà piombare in una nuova Era Glaciale. Mentre cerca di avvertire la Casa Bianca dell’imminente disastro ambientale, Hall deve riuscire anche a raggiungere la città di New York per salvare suo glio Sam che si trova nella biblioteca pubblica di Manhattan... Due to some strange atmospheric happenings, the American palaeoclimatologist Jack Hall and his Scottish colleague Rapson predict the coming of a new Ice Age. Their fears are conrmed when they discover that a global storm is gathering that will assail the planet and make it fall into a new Ice Age. While he tries to alert the White House of the imminent environmental disaster, Hall must also reach New York City to save his son Sam, who’s in Manhattan Public Library... Titolo Originale The day after tomorrow Titolo Inglese The day after tomorrow - L’alba del giorno dopo Regia Roland Emmerich Anno 2004 Nazione USA Durata 125’ Cast Dennis Quaid Jake Gyllenhaal Emmy Rossum Dash Mihok Jay O. Sanders Sceneggiatura Roland Emmerich Jeffrey Nachmanoff Montaggio David Brenner Fotografia Ueli Steiger Musica Harald Kloser Produttore Roland Emmerich Mark Gordon Produzione Centro Polis Entertainment Mark Gordon Production Lions Gate Distribuzione 20th Century Fox La notte delle catastrofi Roland Emmerich nato a Stoccarda nel 1955, dal 1977 al 1981 frequenta il corso di cinema alla Hochschüle für Film Und Fernsehen di Monaco dove inizia a realizzare alcuni cortometraggi. É il 1984 quando dà vita al suo primo lungometraggio: 1997 – Il principio dell’arca di Noè, cui seguiranno Joey (1985) e Fantasmi a Hollywood (1987). Arrivato in America, investe i suoi guadagni come produttore di pellicole come Eye of the Storm (1991), Il tredicesimo piano (1999), Arac Attack (2002) e Trade (2007). Nel contempo, entra nel meccanismo cinematograco degli Studios, portando alla luce progetti come I nuovi eroi (1992), Stargate e il tanto conosciuto Independence Day (1996). Nel 1998 il suo Godzilla è un op cinematograco, nel 2000 gira Il Patriota. Il suo capolavoro arriva però nel 2004 con L’alba del giorno dopo. Presidente della giuria del Festival di Berlino nel 2005, si interessa alla messa in scena di Transformers (2007), ma la Dreamworks gli preferirà poi un più giovane Michael Bay. Nel 2008 si butta nel progetto 10000 a.C. dove rinuncia alla sua tipica trilogia tematica lmica (paure reali, amori, battute ridanciane) per far rivivere sullo schermo i cavernicoli. 135 Roland Emmerich born in Stuttgart in 1955, he attended the lm course at the Hochschüle für Film und Fernsehen in Munich from 1977 to 1981 where he began to make some short lms. In 1984 he made his rst feature lm: The Noah’s Ark Principle, followed by Joey (1985) and Ghost Chase (1987). When he went to America, he invested his earnings as a producer of lms such as Eye of the Storm (1991), The Thirteenth Floor (1999), Eight Legged Freaks (2002) and Trade (2007). At the same time, he became part of the lm mechanism at the Studios, bringing to light projects such as Universal Soldier (1992), Stargate and the well-known Independence Day (1996). In 1998 his Godzilla was a op and he shot The Patriot in 2000. His masterpiece came about in 2004 with The Day After Tomorrow. President of the jury of the Berlin Festival in 2005, he was interesting in the shooting of Transformers (2007), but Dreamworks ended up having a preference for the younger Michael Bay. In 2008 he threw himself into the project 10,000 BC where he renounced his typical three theme style (real fear, love and giggly humour) to experience cave dwellers on the screen. 136 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Deep Impact Mentre gli astronomi dormicchiano, un ragazzino sveglio nota in cielo qualcosa di strano: un meteorite gigantesco è in rotta di collisione con la Terra. Il governo mette un coperchio sulla notizia, ma una giornalista TV fa uno scoop. Manca un anno all’impatto. Si prepara una missione speciale suicida. Si selezionano un milione di cittadini da mettere al riparo. Qualcosa di nuovo nella prima parte di questo colosso catastroco, ma la regia di M. Leder non è all’altezza. Riduce il caos sociale a un ingorgo di traffico stradale. Robert Duvall e l’afroamericano Morgan Freeman come presidente degli USA tengono alta la bandiera. While the astronauts doze, a young boy who’s awake notices something strange in the sky: a gigantic meteorite is on a collision course with Earth. The government covers up the news, but a television journalist makes a scoop. There’s just one year until impact. A suicidal special mission is prepared. A million citizens are chosen to be sheltered. Something new in the rst part of this catastrophic colossus, but the direction by M. Leder isn’t up to scratch. He reduces the social chaos into a traffic jam. Robert Duvall and the AfricanAmerican M. Freeman as President of the United States hold the ag high. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata Deep Impact Deep Impact Mimi Leder 1998 USA 122’ Cast Robert Duvall Téa Leoni Elijah Wood Vanessa Redgrave Morgan Freeman Sceneggiatura Bruce Joel Robin Michael Tolkin Montaggio John Wells Fotografia David Rosenbloom Musica James Horner Produttore Richard D. Zanuck Produzione David Brown Distribuzione Paramount - Dreamworks Zanuck/Brown U.I.P. - CIC VIDEO La notte delle catastrofi Mimi Leder è nata a New York il 26 gennaio 1952. È stata la prima donna ad essere ammessa e a raggiungere il diploma all’American Film Institute. Ha iniziato a lavorare in alcune serie TV come Hill Street giorno e notte, Avvocati a Los Angeles, e dal 1995 ha diretto molti episodi di E.R. Medici in prima linea, grazie ai quali ha vinto due Emmy Awards e ricevuto tre nomination ai “Directors Guilds of America”. Ha debuttato sul grande schermo nel 1997 con The Peacemaker, interpretato da George Clooney e Nicole Kidman, e l’anno successivo ha sbancato i botteghini con il campione d’incassi Deep Impact. Nel 2000 ha diretto Un sogno per domani con Kevin Spacey e Helen Hunt e alcuni episodi della serie John Doe. Nel 2007 ha diretto Antonio Banderas e Morgan Freeman in Thick as Thieves, lm di prossima uscita nelle sale americane. 137 Mimi Leder was born in New York on 26 January 1952. She was the rst woman to be admitted and to graduate from the American Film Institute. She started to work on some TV series such as Hill Street Blues and LA Law. From 1995 onwards he directed many episodes of ER, thanks to which she won two Emmy Awards and received three nominations for the Directors’ Guild of America. She made her debut in lm in 1997 with The Peacemaker, starring George Clooney and Nicole Kidman. The year after she broke the bank with the blockbuster lm Deep Impact. In 2000 she directed Pay it Forward with Kevin Spacey and Helen Hunt, as well as some episodes of the series John Doe. In 2007 she directed Antonio Banderas and Morgan Freeman in Thick as Thieves, a lm that’s about to come out in American cinemas. 138 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Le dernier combat Nella Parigi devastata da una catastrofe nucleare e in mano a bande di disperati violenti, un uomo si aggira, solo, scongge un cattivo, non riesce a salvare l’unica donna rimasta, riparte. Molta azione, ma una vicenda ridotta all’osso in questo esordio del 23enne Besson. Più che una metafora, è un esercizio di stile ma, in questo suo limite, c’è una forza narrativa ammirevole e la capacità di renderla per immagini, arricchendola di piccole invenzioni, di notazioni incisive, di sapienti ellissi, di materiale plastico. Pochi personaggi, non una parola di dialogo, suggestiva colonna musicale di Eric Serra. In a Paris devastated by a nuclear catastrophe and controlled by bands of violent desperados, one man roams alone, defeats a bad guy and unable to save the one woman left, he leaves again. Lots of action, but an incident reduced to a minimum in this debut of the 23-year-old Besson. More than a metaphor, it is an exercise in style, but within his boundaries, there is an admirable narrative force and the ability to turn it into images, enriching it with small inventions, incisive notations, expert ellipsis and malleable material. There are few characters, not a word of dialogue, and a striking soundtrack by Eric Serra. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata Le dernier combat Le dernier combat Luc Besson 1982 Francia 90’ Cast Pierre Jolivet Jean Bouise Fritz Wepper Jean Reno Christiane Krüger Sceneggiatura Luc Besson Pierre Jolivet Montaggio Sophie Schmit Fotografia Carlo Varini Musica Eric Serra Produttore Luc Besson Produzione Les Films Du Loup Distribuzione Mikado Film La notte delle catastrofi Luc Besson La sua carriera nel cinema inizia nel 1983 quando, a soli ventiquattro anni, gira il suo primo lungometraggio, Le dernier combat. Il successo raggiunto gli permette di siglare un contratto con la Gaumont per realizzare Subway nel 1985. Besson comincia quindi a lavorare alla realizzazione di un lm fondamentale anche e soprattutto perché riporta il regista indietro nel tempo ai giorni in cui il suo principale interesse era il mare: Le Grand Bleu. Pellicola accolta negativamente al festival di Cannes del 1988 ma che diviene presto un fenomeno sociale e un oggetto di numerose analisi che tentano di spiegare il successo che ottiene presso i giovani. Nel 1991 realizza Atlantis, sorta di documentario in cui Besson torna a cimentarsi con le bellezze e le meraviglie del mondo sottomarino. Ma quello che conta per la sua carriera da regista sono soprattutto i tre lm girati fra il 1990 e il 1997: Nikita, Leon e Il quinto elemento. Sceneggiatore, produttore e regista di decine di clip musicali, lm, sceneggiati, spot promozionali, la sua ultima fatica è un lungometraggio d’animazione, Arthur e il popolo dei Minimei. 139 Luc Besson His lm career began in 1983 when he shot his rst feature lm, Le dernier combat, at the age of 24. The success that he achieved allowed him to sign a contract with Gaumont to make Subway in 1985. Besson then started to work on making a fundamental lm also and especially because it took the director back in time to when his main interest was the sea: Le Grand Bleu. A lm that wasn’t well received at the 1988 Cannes Festival, but which soon became a social phenomenon and the subject of numerous analyses that attempted to explain its success among young people. In 1991 he made Atlantis, a sort of documentary where Besson went back to trying his hand with the beauty and wonders of the world beneath the sea. However what matters in terms of his directing career are the three lms shot between 1990 and 1997: Nikita, Leon and The Fifth Element. Screenwriter, producer and director of dozens of music clips, lms, screenplays, promotional spots. His last work was an animation feature lm, Arthur and the Minimoys. 140 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani L’esercito delle 12 scimmie Nel 2035 i sopravvissuti a un virus, che nel 1997 sterminò cinque miliardi di persone, vivono sottoterra, mentre la supercie del pianeta è popolata soltanto da animali. Per capire il come e il perché della catastrofe si spedisce indietro nel tempo un ergastolano intelligente. Macchinoso e sbretellato sul piano narrativo, il sesto lm di Gilliam (l’unico americano del gruppo Monty Python) vale su quello gurativo per certe fulminee invenzioni registiche, i desolati paesaggi metropolitani, l’energia recitativa di Willis, l’istrionismo schizoide di Pitt. Raro esempio di un titolo che indica una falsa pista. In 2035 the survivors of a virus, which exterminated ve billion people in 1997, live underground, while the surface of the planet is populated by animals alone. To understand the how and why of the catastrophe, an intelligent lifer sends us back in time. Complicated on the narrative level, the sixth lm by Gilliam (the only American of the Monty Python team) counts on the gurative level due to certain ashes of directing invention, the desolate metropolitan landscapes, the acting energy of Willis and the schizoid histrionics of Pitt. This is a rare example of a title that points you in the wrong direction. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata L’esercito delle 12 scimmie Twelve Monkeys Terry Gilliam 1996 USA 125’ Cast Bruce Willis Madeleine Stowe Brad Pitt Joey Perillo Irma St. Paule Sceneggiatura Terry Gilliam Janet Peoples David Webb Peoples Montaggio Mick Audsley Fotografia Roger Pratt Musica Paul Buckmaster Produttore Charles Roven Produzione Atlas Entertainment Distribuzione UIP - CIC VIDEO La notte delle catastrofi Terry Gilliam nasce il 22 novembre 1940 a Minneapolis. La sua carriera inizia ufficialmente nel 1969 quando partecipa alla formazione del “Monty Python’s Flying Circus”, collaborando alla sceneggiatura di tutti i lm del gruppo. Nel 1977 esordisce alla regia con Jabberwocky e nel 1981 dirige I banditi del tempo. Nel 1985 si impone all’attenzione della critica, e ottiene una candidatura all’Oscar per il miglior script, con il fantasioso e complesso Brazil. Sfoggia cinelia anche nel successivo Le avventure del barone di Munchausen. Con La leggenda del re pescatore vince il Leone d’Argento a Venezia, nel 1996 gira L’esercito delle dodici scimmie. Trova consensi vicini al culto anche il successivo Paura e delirio a Las Vegas. Il suo ultimo lavoro, I fratelli Grimm e l’incantevole strega, risale al 2005. 141 Terry Gilliam born 22 November 1940 in Minneapolis. His career officially began in 1969 when he took part in the training for Monty Python’s Flying Circus, working on the screenplay for all the lms in the series. In 1977 he made his directing debut with Jabberwocky and in 1981 he directed Time Bandits. In 1985 he came to the attention of the critics, obtaining an Oscar nomination for best script, with the imaginative and complex Brazil. He also showed off in his next work The Adventures of Baron Munchausen. He won the Leone d’Argento in Venice with The Fisher King. He shot Twelve Monkeys in 1996. His next lm Fear and Loathing in Las Vegas also practically saw success as a cult lm. His last work to date, The Brothers Grimm, was shot in 2005. 142 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Fluido Mortale Proveniente da un mondo remotissimo nello spazio e sconosciuto, una “goccia” gelatinosa assimila gli umani e diventa sempre più enorme. È un lm di fantascienza degli anni ‘50, con le ingenuità e i trucchi maldestri dell’epoca, divenuto famoso in Italia alla ne degli anni ‘80 grazie a una trasmissione TV di RAI3, curata da Enrico Ghezzi, Marco Giusti e Co. Per la prima volta protagonista McQueen (ancora Steven). La canzone del titolo è di Burt Bacharach. Un seguito (Beware! The Blob, 1971) e un remake 30 anni dopo. Coming from a remote world in space and unknown, a gelatinous “drop” assimilates humans and becomes increasingly huge. This 1950s science ction lm, with the ingenuity and clumsy tricks of the time, became famous in Italy at the end of the 1980s due to a TV programme on RAI3, edited by Enrico Ghezzi, Marco Giusti and co. McQueen (still Steven) plays a leading role for the rst time. The title song is by Burt Bacharach. There was a sequel (Beware! The Blob, 1971) and a remake 30 years later. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata Fluido Mortale The Blob Irvin S. Yeawirth Jr. 1958 Usa 80’ Cast Steve McQueen Aneta Corsaut Earl Rowe Alden Stephen Chase Olin Howland Sceneggiatura Kay Linaker Theodore Simonson Montaggio Alfred Hillman Fotografia Thomas E. Splading Musica Ralph Carmichael Burt Bacharach Produttore Fairview Production Produzione Tonylyn Production Inc. Distribuzione Paramount - Eureka Video La notte delle catastrofi Irvin Shortess “Shorty” Yeaworth Jr. (14 febbraio 1926, Berlino, Germania) ha cominciato la sua carriera a soli 10 anni, cantando nella prima stazione radiofonica del mondo, la KDKA di Pittsburgh in Pennsylvania. Più tardi divenne un produttore radiofonico e televisivo. Il suo primo lm è stato Twice Convicted, girato a Chester Springs in Pennsylvania alla ne degli anni ’50. Ha diretto tre lm di fantascienza tra gli anni ’50 e gli inizi degli anni ’60 (The Blob (1958), 4D Man (1959), Dinosaurus! (1960)), ma poi tornò al suo primo amore: i lm religiosi (molti con Billy Graham). Prima di morire in un incidente automobilistico il 19 luglio del 2004 ad Amman, in Giordania, stava costruendo un parco tematico chiamato Jordanian Experience alle porte di Aquaba in Giordania. 143 Irvin Shortess “Shorty” Yeaworth Jr. (February 14, 1926, Berlin, Germany) began his career in radio, singing (at age ten) on the rst radio station in the world, KDKA in Pittsburgh, Pennsylvania. He later became a radio and TV producer. His rst feature, Twice Convicted, was shot in Chester Springs, Pennsylvania, in the early 1950s. He directed three sci- lms in the late ‘50s/early ‘60s (The Blob (1958), 4D Man (1959), Dinosaurus! (1960)), then went back to his rst love: making religious lms (some with Billy Graham). Before he died, on July 19, 2004, in Amman, Jordan in a road accident, he was building a theme park called Jordanian Experience at the Aquaba Gateway in Jordan. 144 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Plan 9 from outer space Alieni, provenienti dall’iperspazio, presumono di conquistare la Terra, facendo resuscitare i morti di un cimitero nella San Fernando Valley. Saranno scontti. Quarto lungometraggio di Edward D. Wood Jr. cui resero omaggio Rudolph Grey con una biograa e Tim Burton con un lm. Qualicato con l’iperbole del “lm più brutto della storia del cinema” e, perciò, diventato oggetto di culto, cosa che non gli impedisce di essere assai divertente, almeno per chi sa apprezzarne lo spudorato dilettantismo, le strampalate scenograe, i dialoghi tremendi, l’assurda logica narrativa. Aliens from hyperspace think they will conquer the Earth by reviving the dead in a cemetery in San Fernando Valley. They will be beaten. This is the fourth feature lm by Edward D. Wood Jr., to whom tributes were paid by Rudolph Grey with a biography and Tim Burton with a lm. Overstated as the “worst lm in the history of cinema”, which is why it has developed a cult following, this hasn’t stopped it for being almost entertaining, at least for those who are able to appreciate the shameless amateurism, odd scenography, terrible dialogue and absurd narrative logic. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata Plan 9 from outer space Plan 9 from outer space Edward D. Wood 1959 USA 70’ Cast Gregory Wacott Mona McKinnon Duke Moore Tom Keene Bela Lugosi Sceneggiatura Montaggio Fotografia Musica Produttore Distribuzione Edward D. Wood Edward D. Wood William C. Thompson Gordon Zahler Edward D. Wood Eagle Pictures La notte delle catastrofi Edward D. Wood Jr. meglio noto come Ed Wood (1924 - 1978) è divenuto famoso dopo la morte per essere stato denito da diversi critici come “il peggior regista di tutti i tempi”. Dopo una breve esperienza teatrale, nell’immediato dopoguerra, con il lavoro The Casual Company, che ebbe poco successo di pubblico, fondò con mezzi di fortuna una propria casa di produzione cinematograca e realizzò il cortometraggio western Streets of Laredo.Nel 1951 realizzò il suo secondo cortometraggio, The Sun Was Setting. Il suo primo lungometraggio fu il semiautobiograco Glen or Glenda, il cui tema di fondo era il travestitismo. Iniziò con questo lm il rapporto fra Ed Wood e l’attore Bela Lugosi. Tra i lm realizzati dal sodalizio Wood-Lugosi si ricordano Bride of the Monster (1955) e Plan 9 from Outer Space (1959), forse il suo più celebre. Per gravi problemi economici il regista si dedicò poi alla realizzazione di lm softcore e in seguito girò anche alcune pellicole pornograche. Ed Wood, già in pessime condizioni economiche e di salute a causa dell’alcool, morì il 10 dicembre 1978 a soli 53 anni, per un attacco cardiaco. È considerato uno dei padri del genere dei B-movies. 145 Edward D. Wood Jr. best known as Ed Wood (1924-78), became famous after his death for having been called “the worst director of all time” by many critics. After a brief experience in theatre immediately after the war with the work The Casual Company, which had little success with the general public, he founded his own lm production company with a stroke of luck and made the short Western lm Streets of Laredo. In 1951 he made his second short lm, The Sun Was Setting. His rst feature lm was the semi-autobiography Glen or Glenda, whose basic theme was travestitism. The relationship between Ed Wood and the actor Bela Lugosi began with this lm. Among the lms made by the Wood-Lugosi collaboration, we recall Bride of the Monster (1955) and Plan 9 from Outer Space (1959), perhaps his most famous lm. Due to serious nancial problems the director then devoted himself to making soft-core lms and he then also shot some pornographic lms. Ed Wood, already in a terrible nancial situation and severe health problems due to alcohol, died of a heart attack on 10 December 1978 at only 53 years. He is regarded as one of the forefathers of the B movie genre. Cinema e Caos 148 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Al Caos, al Caos! Così è (se vi piace). E Alice attraversa lo specchio: quel paese è la meraviglia del Caos. Un mondo capovolto, specchio che riette e inverte. L’aveva immaginata proprio identica al suo salotto quella stanza nella Casa dello Specchio. E così è, tutto è identico e normale, eppure diverso da quanto mai avrebbe potuto credere. Tutto è vivo: i quadri, l’orologio sulla mensola e quelle pedine degli scacchi che l’avrebbero guidata in quel mondo normalmente diverso. Il Re e la Regina Bianchi, intrappolati nella cenere del camino, non vedono quella creatura venuta dall’altra stanza, ma la avvertono come una strana potenza che li porta in salvo. E Alice non comprende il contenuto di quella pagina del libro lasciato aperto sul tavolo: quelle parole sono scritte in una lingua che non conosce o, forse, non hanno un senso. È lo specchio a riettere il solo ordine che Alice comprende, ad invertire le parole restituendole signicatività. Che meraviglia! Questo mondo del Caos è sorprendente. Non si può restar chiusi in una casa che conserva il sapore del già visto nel vecchio mondo. Bisogna uscire, esplorare, lasciarsi stupire. Il giardino dai ori parlanti, il sentiero che non conduce in alcun luogo e la Regina Rossa che mostrerà ad Alice le normali leggi del Caos. Questo strano mondo è un’enorme scacchiera, ognuno può esserne pedina, ma il percorso per conquistare una casella è assai complicato. Bisognerà correre restando immobili, prender treni acquistando ad ogni fermata un biglietto di ritorno, risolvere assurdi nonsense per ricoprire il bramato ruolo di Regina del Caos. E chiedere informazioni a degli insetti, mettersi in salvo aggrappandosi alla barba di un caprone, cercare una via di fuga non lasciandosi incantare dai giochi linguistici di strani e saputi gemelli, cavillarsi sul signicato di un nome e sulla forma ad esso corrispondente su indicazione di un uomo dalle sembianze di uovo. Il Mondo della Casa dello Specchio mette alla prova qualsivoglia tradizione logica che imponga di non credere alle cose impossibili. Il Caos è ammissibile, districabile e passibile di pensiero. Ecco cosa trovò Alice aldilà dello specchio: la conferma della plausibilità di un pensiero caotico. Queste brevi righe mal compendiano il densissimo romanzo di Lewis Carroll Through the Looking Glass and What Alice Found There, incantevole seguito del ben più celebre Alice’s Adventures in Wonderland, ma il loro intento – lungi dal voler sintetizzare – è quello di consegnarci un’idea sulla natura caotica del pensiero, sull’arduo compito del pensiero contemporaneo di farsi misura del Cinema e Caos 149 Caos. Le indicazioni di Gilles Deleuze e Pierre Félix Guattari sono illuminanti in merito. Il concetto è uno stato caoide per eccellenza: esso rinvia ad un caos reso consistente, divenuto Pensiero, caosmo (caos e cosmo insieme) mentale. E che cosa sarebbe il pensiero se non si misurasse incessantemente con il caos? Il pensiero – misura del Caos e misurato dal Caos – non ricava senso e signicatività dal casuale e caotico compiersi degli avvenimenti, è il caos stesso ad assumere il gravoso incarico di produttore di un senso. È il caos a fornire sensati modelli conoscitivi. Alice attraversa lo specchio convinta di ritrovarsi in un fantastico mondo, dissimile dal proprio e, solo per questo, caotico. Quel mondo è, invece, caoticamente sensato. La Regina Bianca imbecca Alice sulla possibilità di esercitarsi a credere alle cose impossibili. «Sai», le dice, «quando avevo la tua età, mi esercitavo per mezz’ora al giorno. Ebbene, continua, a volte credevo nientedimeno che a sei cose impossibili prima della colazione!» La lezione che i viaggi di Alice possono dare è quella di interrogarsi su quale tra i due mondi – quello dell’immaginazione e quello dell’intelletto, per dirla kantianamente – sia quello del caos. Di interrogarsi sull’ammissibilità di un pensiero che comprenda entrambi come normalmente caotici. Facciamo Finta! Continua a ripetersi Alice, ngiamo che quella casa aldilà dello specchio esista davvero, ngiamo di essere regine, di rendere sensate le innumerevoli immagini della fantasia. Come nel lancio dei dadi, lasciamo che il caso decida gli avvenimenti, che la composizione di un concetto si concretizzi nella caotica frammentazione delle possibilità. Ancora Deleuze e Guattari ci avvertono che «ogni concetto losoco è un tutto frammentario che non si adatta ad altri concetti poiché i contorni non coincidono». Non coincide il contorno di un’idea possibile con quello di un’idea impossibile. È la loro compossibilità a rendere il Caos matrice necessaria del pensiero. E, allora, Alice può trovarsi aldilà o aldiquà dello Specchio, nulla varia, il Caos è dappertutto, da entrambe le parti. Lo Specchio rietterà Caos per l’uno o l’altro mondo, dividendo il territorio del comprensibile da quello dell’incomprensibile, del sensato dall’insensato, del detto dal non dicibile. Da Alice, amabile e temeraria paladina del Caos, passando per Pirandello, glio del Caos per geograca e metaforica provenienza, giungiamo a noi, gli dello stesso e sempre diverso Caos, eredi ed antenati di un visibile che solo caoticamente possiamo testimoniare. Così è (se vi piace!). Sara Matetich 150 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani To Chaos, to Chaos! That’s the way it’s done (if you like) It’s Alice through the looking glass: the country is the wonder of chaos. A world turned upside-down, a mirror that reects and inverts. Alice imagined that the room in the house of the looking glass would be exactly the same as her living room. And that’s the way it is. Everything’s identical and normal, and yet it’s much more different than she could ever have thought. Everything’s alive: the paintings, the clock on the mantelpiece and the chess pawns that would guide her into that normally yet different world. The White King and Queen, trapped in the chimney’s ashes, do not see the creature that has come from the other room, but they hail her like a strange power that will bring them to safety. Alice doesn’t understand the content of the page of the book left open on the table. The words are written in another language that she doesn’t understand or perhaps they are senseless. It is the mirror that reects the only order that Alice understands; it inverts the words, giving them meaning again. How wonderful! This chaotic world is surprising. You just can’t stay inside a house that holds a avour of what’s already been seen in the old world. You need to go out and explore to be left amazed. The garden of talking owers, the path that leads nowhere and the Red Queen who shows Alice the normal laws of chaos. This strange world is an enormous chessboard, each of which can have pawns, but how you win a square is very complicated. You need to run whilst remaining immobile, catch trains by buying a return ticket at every stop, resolve nonsensical absurdities to hold the longed-for role of the Queen of Chaos. You have to ask insects for directions, save yourself by grasping onto the beard of a billy goat, nd an escape route while not allowing yourself to be enchanted by the wordplays of strange, wise twins, quibbling about the meaning of a name and the its corresponding form on the instructions of a man who resembles an egg. The world of the house of the looking glass puts any logical tradition to the test that prevents you from believing in the impossible. Chaos is allowed; it can be extricated and is liable to thinking. That’s what Alice nds on the other side of the looking glass: the conrmation of the plausibility of chaotic thought. These few lines poorly summarise the extremely long book by Lewis Carroll Through the Looking Glass and What Alice Found There, the enchanting sequel of the much more famous Alice’s Adventures in Wonderland, but their intention Ð long enough to merit a summary in themselves Ð is to give us an idea about the chaotic nature of thought, the arduous task of contemporary thinking to measure ourselves against chaos. Gilles Deleuze and Pierre Félix Guattari provided some illuminated pointers on this topic. The concept is a chaotic state par excellence. It refers to a chaos that’s made solid, Cinema e Caos 151 has become Thought, mental chaosmos (chaos and cosmos together). And what would thought be if it didn’t incessantly measure itself with chaos? Thought, the measure of chaos and measured by chaos, does not obtain sense and meaning from the random and chaotic coming true of events. It is chaos itself that assumes the onerous task of producing sense. It is chaos that provides sensible cognitive models. Alice goes through the looking glass convinced that she nds herself in a fantastical world that is unlike her own and one which, for that reason alone, is chaotic. Instead that world is chaotically sensible. The White Queen prompts Alice about the possibility of practising believing in the impossible. She says to Alice, “When I was your age, I always did it for half-an-hour a day. Why, sometimes I’ve believed as many as six impossible things before breakfast.” The lessons that Alice’s travels can give are about wondering which of the two worlds is the chaotic one, the realm of the imagination or the world of intellect, to put it like Kant, and to wonder about the acceptability of a thought that includes both as normally chaotic. Let’s pretend is what Alice carries on repeating. Let’s pretend that the house beyond the looking glass really exists; let’s pretend to be queens, to render the countless images of fantasy sensible. Like the throwing of die, let’s leave it to chance to decide events, that the composition of a concept is realised in the chaotic fragmentation of possibilities. Deleuze and Guattari warn us again that, “every philosophical concept is a fragmentary whole that doesn’t adapt to other concepts since the surroundings do not coincide.” The form of a possible idea does not dovetail with the form of an impossible idea. It is their compossibility that makes the chaos a necessary matrix of thought. Therefore Alice can nd herself on the other side or on this side of the looking glass, and nothing changes as chaos is all over the place on both sides. The looking glass will reect chaos for one world or the other, dividing the territory of the understandable from that of the incomprehensible, of the sensible from the nonsensical, of the said from the unspeakable. From Alice, the lovable and daring champion of chaos, to Pirandello, the son of chaos with his geographical and metaphorical origin, we come to ourselves, children of the same and ever-changing chaos, heirs and forebears of the visible to which we can only chaotically testify. That’s the way it’s done (if you like). Sara Matetich 152 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Il Caos Il caos. In quanti modi è possibile declinare, coniugare, le idee che, furtivamente, si fanno strada nella nostra mente all’affacciarsi di tale termine? Come descrivere le immagini che, con enorme forza, si propongono di esplicare questo concetto di cui tante volte abbiamo sentito parlare, ma su cui, forse, così poche volte ci siamo interrogati? Le tre note che seguiranno, di qui a poche righe, si propongono di indagare una parte di questo universo che, pur essendoci così vicina, ci è al contempo così poco comprensibile: esse cercheranno allora di accompagnarci in questo breve viaggio, ognuna a suo modo, ognuna per una strada diversa. Talvolta partendo da una suggestiva fotograa, analizzata nel suo rapporto col mondo, ci rammenteranno che il caos non è solo quel disordine che immediatamente si affaccia alla nostra mente, che eccita la nostra immaginazione. Esso è anche la crisi che ci può coinvolgere quotidianamente, quando ciò che conosciamo, inaspettatamente, muta e diviene il diverso; e che però, nel turbare la nostra esistenza, ci apre a nuove prospettive. E talvolta, invece, richiamando i passi di un racconto, si ricorderà che il caos è anche la complessità dell’ordine della natura. Quella natura che l’uomo raramente riesce a comprendere attraverso la molteplicità delle sensazioni a cui è sottoposto e che pure lo costringe, sempre e continuamente, a confrontarsi col mondo. E, inne, in un breve scritto che parlerà di cinema ma anche di realtà e immaginazione, tecnologia e umanità, si scaverà nel fondo di questa arte, divenuta fulcro esplicativo di un secolo, del suo modo di sentire, del suo modo di rapportarsi alla vita e di rappresentarla. Tre modi, dunque, di affrontare il tema del caos. Tre diversi modi di pensarlo, di viverlo, di vederlo all’opera nel mondo. Poiché il caos può, per sua stessa natura, assumere forme indenite e trasparenti tali da apparire, ad un occhio, come il disordine che pervade l’universo e, ad un altro, come la possibile rottura di quella tranquillità che ci appare scontata nella nostra quotidianità. Pietro Simone Di Chiara Cinema e Caos 153 Chaos Chaos. In how many ways it is possible to break down and conjugate the ideas which make furtive inroads into our minds when faced with this term? How can we describe the images, with considerable strength, that offer themselves up to explain this concept, which we have heard spoken about so often, but perhaps which we have rarely wondered about? The three notes that follow (there are only a few lines given here) propose investigating one part of this universe that, while being so close to us, we understand so little about at the same time. They will therefore try to accompany us in this brief journey, each in its own way, each in a different way. Sometimes starting with a striking snapshot, analysed in terms of its relationship with the world, they will remind us that chaos isn’t solely the disorder that immediately springs to mind, which excites our imagination. It is also the crisis that can involve us on a daily basis, when what we know unexpectedly mutates and becomes something different, and which in upsetting our existence opens us up to new views. And sometimes, on the other hand, by recalling the stages of a story, you remember that chaos is also the complexity of the order of nature. The nature that man is rarely able to understand through the multitude of feelings to which he is subjected and which also always constantly forces him to make comparisons between himself and the world. Finally, in a short piece that deals with the cinema, but also reality and imagination, and technology and humanity, we dig down deep into this art, which has become a fulcrum of explanation for a century, with its way of feeling, dealing with life and depicting it. Three ways therefore of tackling the subject of chaos. Three different ways in which to consider, experiment and see it at work in the world. Given that chaos can, due to its very nature, take on indenite and transparent forms, which on one hand seem like the disorder that pervades the universe and, on the other hand, like the possible breakdown of that tranquillity that seems a foregone conclusion to us in our everyday life. Pietro Simone Di Chiara 154 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Il caos della natura, fra letteratura e percezione L’uomo è il creatore del caos. Prigioniero della sensibilità, non può fare a meno di perdersi nella complessità del mondo e delle sue leggi. L’incapacità di cogliere le regolarità del mondo lo mette nella condizione di non poter agire nella consapevolezza della consequenzialità degli eventi. È proprio questo il concetto che Ray Bradbury, all’inizio degli anni cinquanta, esprimeva nel racconto A Sound Of Thunder, che avrebbe anni dopo ispirato il meteorologo Edward Lorenz nella denominazione del cosiddetto effetto farfalla – evocativa metafora della teoria del caos –. In un futuro immaginario, l’uomo, grazie alle sue conoscenze tecniche, è riuscito nalmente a viaggiare nel tempo. Decide allora di sfruttare questa possibilità per un ne economico: una fantomatica agenzia di viaggi organizzerà dei safari che consentiranno ad individui facoltosi di tornare indietro nel tempo, per andare a caccia di animali mitici e ormai scomparsi. Accadrà, però, un imprevisto. Proprio in uno di questi safari, benché meticolosamente organizzati, un uomo, colto dal terrore, calpesta una farfalla. Questo fatto, all’apparenza insignicante, avrà conseguenze assolutamente enormi nella storia dell’umanità. “It couldn’t change things. Killing one buttery couldn’t be that important! Could it?” sono le parole pronunciate dal protagonista del racconto, una volta scoperti gli effetti del suo atto. La storia è completamente mutata, senza possibilità di ritorno. È proprio nella impossibilità della percezione umana di cogliere nell’esperienza il signicato di ogni singolo evento, che si pone il nodo della questione. Nonostante la percezione sia stata, nella storia del pensiero umano, motivo di costante riessione, è nel XX secolo che più si avverte l’esigenza di una risposta alla sua problematicità. Secolo di avanguardie artistiche, di assoluta pervasione mediatica nel quotidiano, di spettacolarizzazione della religione e della politica, ha ancora una volta messo l’uomo dinanzi a quel limite che dall’inizio dei tempi lo ha accompagnato in ogni epoca storica. Il mondo è diventato improvvisamente liquido. L’uomo si è trovato davanti uno scenario completamente nuovo, veicolato soprattutto dall’immagine. La visione è divenuta, come molti loso avevano già immaginato, il senso per eccellenza. E questa apparente follia ha indotto l’uomo a smettere di interrogarsi su di sé, ad essere totalmente estraneo. Più la società contemporanea ha spinto l’uomo ad agire, meno egli ha compreso le proprie azioni. Il secolo della responsabilità personale ha, invero, prodotto soprattutto un soggetto irresponsabile. Ma quando l’uomo, costretto da un richiamo interiore, comprende che il sopravvento del mondo delle immagini, da lui creato, lo ha disperso, non può far altro che provare un’atroce sofferenza. Per un passato che, forse, non è mai Cinema e Caos 155 stato, in cui le esperienze erano regolate e si poteva tranquillamente parlare sognando. Solo quando sentirà che qualcosa manca, solo allora, l’uomo potrà recuperare ciò che ha perso, potrà controllare la sovraesposizione dei sensi. In questo quadro l’uomo di Bradbury, l’uomo del nostro tempo, non può far altro che dubitare. Ed è proprio questo uomo che resta solo, di fronte al dubbio scaturito dalla percezione del caos che lo circonda, disarmato e scontto. La sua condizione ricorda la gura del principe ne La vida es sueño di Calderón de la Barca. Incapace di distinguere tra realtà e sogno, Sigismondo vive rocambolesche vicende. Avvilito dall’evidenza di quanto accaduto, attanagliato dall’impossibilità di plasmare gli eventi, va in cerca di una risposta soddisfacente che renda comprensibile lo stato della sua condizione. Incapace di affermare la realtà degli eventi vissuti, si arrende alla convinzione che “tutta la vita è sogno”. Riportato alla vita reale è costretto ad agire, come ognuno di noi è chiamato a reagire alla tempesta di sensazioni che lo annega. Quale sarà la direzione dell’agire umano a questo punto? Dilaniato tra la possibilità di una affannosa corsa verso il raggiungimento dei propri scopi e la possibilità di responsabilizzare le proprie azioni, nonostante la totale incertezza circa i loro effetti, l’uomo ha ancora la libertà di scegliere? Il principe di de la Barca sceglierà la responsabilità, poiché “sia realtà o sogno, una sola cosa importa: agire bene”. Francesco Marino Iandiorio Martina Autuori Pietro Simone Di Chiara 156 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani The chaos of nature in literature and perception Man is the creator of chaos. A prisoner of sensitivity, he can do other than lose himself in the complexities of the world and its laws. The inability to gather together the regularities of the world makes him unable to act in the awareness of the consequentiality of events. This is the concept that Ray Bradbury expressed in his story A Sound Of Thunder at the start of the 1950s, which would later inspire the meteorologist Edward Lorenz in the naming of the so-called buttery effect Ð the delightful metaphor of the Chaos Theory. In an imaginary future, man is nally able to time travel due to his technical knowledge. He then decides to exploit this possibility for nancial ends: a phantom travel agency will organise safaris that will allow wealthy individuals to go back in time to hunt mythical and now extinct animals. However, something unexpected happens. On one of these very safaris, despite being meticulously organised, a man, in a state of panic, treads on a buttery. This apparently insignicant fact will have absolutely enormous consequences on the story of mankind. “It couldn’t change things. Killing one buttery couldn’t be that important! Could it?” are the words of the story’s main character, having discovered the effects of his action. History is changed completely, without the possibility of altering it back. The crux of the question lies in humans being completely unable to learn from experience the signicance of each individual event. Although this lack of perception has been a reason for constant reection in the history of human thought, it is in the 20th century that we have been most warned about the need for an answer to our problem. A century of artistic avant-garde, the complete media permeation in daily life and the increasing dramatisation of religion and politics have once more brought man before that boundary that has accompanied him in every historical period since the beginning of time. The world has suddenly become liquid. Man has found himself faced with a completely new scenario, which is spread above all by image. As many philosophers had already imagined, vision has become the meaning par excellence; and this apparent madness has caused man to stop wondering about himself and become a total stranger. The more contemporary society has pushed man to act, the less he has understood his actions. The century of personal responsibility has in fact produced an irresponsible subject above all else. However, when man, obliged by an inner voice, understands that the upper hand of the world of images, which he has created and dispersed, he can do no other than feel an awful sufferance. For a past that perhaps never existed, where experiences were regulated and one could daydream without worrying. Only when he feels that there’s something missing, only then, man will be able to recover what he’s lost; he will be able to control the Cinema e Caos 157 over-exposure of the senses. In this framework, Bradbury’s man, the man of our time, can do no other than doubt. And it’s actually this man who remains alone, facing the doubt that has originated from the perception of chaos surrounding him, defenceless and defeated. His condition recalls the gure of the prince in La vida es sueño of Calderón de la Barca. Unable to distinguish between reality and dream, Sigismondo experiences incredible events. Disheartened by the evidence of what has happened, haunted by the impossibility of moulding the events, he goes in search of a satisfactory answer that renders the state of his condition understandable. Unable to conrm the reality of the events he’s experienced, he surrenders to the belief that “all life’s a dream”. Taken back to real life, he is forced to act, like one of us he is called upon to react to the storm of feelings that drown him. In which direction will humans act at this point? Torn between the possibility of an exhausting dash to achieve his purpose and the possibility to take responsibility for his actions, despite the total lack of certainty about their effect, does man still have the freedom to choose? The prince of de la Barca will choose responsibility, since “whether it’s reality or a dream, only one thing matters: acting well”. Francesco Marino Iandiorio Martina Autuori Pietro Simone Di Chiara 158 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Caos e/è Cinema. Molteplici discipline hanno esplicitato la tematica del caos, ma è il cinema l’arte che l’ha resa con maggior vigore, poiché il cinema è di per sé caotico. L’unica arte capace di accogliere gli sviluppi tematici di ogni disciplina e di portarli, così, all’implosione. Proprio uno dei primi lm della storia, L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat, girato nel 1895 da Louis Lumière e proiettato in pubblico nel gennaio 1896, segnando l’inizio di una nuova era per le arti visive, ci offre un’idea di questa peculiare attitudine del cinema. Nel lm, della breve durata di 50 secondi, viene ripresa, dal fondo del campo visivo, una locomotiva che, procedendo lentamente, avanza sino ad invadere la parte sinistra dello schermo per poi fermarsi. Le porte del treno si aprono ed i passeggeri, scendendo e salendo dai vagoni, danno forma ad un caotico via vai. La scena risultò talmente realistica da seminare il panico tra gli spettatori presenti all’evento, convinti che il treno proiettato sullo schermo fosse reale e li avrebbe travolti. Nonostante l’episodio possa sembrare più vicino alla leggenda che alla realtà, esso permette comunque di comprendere quale sia stato l’effetto destabilizzante prodotto da questa nuova forma d’arte sul pubblico dell’epoca. Effetto prodotto dal superamento di quella staticità tipica delle arti no ad allora conosciute con l’intento di giungere ad un’arte dinamica, in grado di rendere l’immagine in movimento. L’uomo si trova di fronte ad un nuovo modo di esprimere il reale nell’arte, che non può far altro che confondere, turbare e quindi produrre nell’animo un sentimento di rottura. Il cinema rompe la staticità. Si pone come la nuova arte, quella che dà maggior espressione ai turbamenti e alle frantumazioni della nostra società. Per sua stessa natura il cinema è un insieme di tracce che non possono essere scomposte; ha bisogno di tutte le arti per essere. Possiede peculiarità proprie della letteratura, lineamenti tipici del teatro, sembianze losoche e tipicamente riscontrabili nelle arti gurative; tuttavia, pur avvalendosi di esse, è qualcosa d’altro. Restando in questa molteplicità è, pertanto, impossibile attribuire un unico senso ad un lm, una singola chiave di lettura che tenga conto di tutte le sue possibili interpretazioni. Il lm può essere letto solo quando lo si lascia alla sua natura, fatta di movimento, di azione, della commistione di tracce diverse. Un lm è un supplemento della realtà denita. E in questo sta la sua forza caotica. Il caos, come il cinema, è un insieme di tracce, di continui rinvii ad un qualcosa d’altro. Cinema e Caos 159 Un aspetto di tutto ciò è denito dal compenetrarsi di nzione e realtà, caratteristica strutturante del cinema. Ma parlare di realtà, in un’opera cinematograca, è sempre una forzatura; ci si trova comunque di fronte ad una realtà ttizia, illusoria, menzognera. Tuttavia un lm può apparire più reale di ciò che si vive quotidianamente. Nonostante ciò, resta un ineluttabile scarto tra nzione e realtà. Ed è proprio qui che si pone il ne dell’opera cinematograca, offrire una parvenza di continuità tra questi due termini opposti e, servendosi dell’immaginazione, agire sul sentire degli spettatori e sui loro desideri. Il cinema sarebbe, dunque, in grado di plasmare le credenze del pubblico, anche solo per un istante, esortando ad abbandonare quel senso comune che guida il fare quotidiano e che non lascia credere a situazioni fantastiche e surreali. Una volta abbattuta questa sorta di barriera, ecco che il caos si esprime in tutta la sua complessità. Ed è proprio tale complessità a consentire l’utilizzo di questo mezzo per scopi completamente diversi: indottrinare le masse – come accadeva con Triumph des Willens, in tempi non molto distanti –, ma anche portare alla ribalta dinamiche sociali. Ed è sempre, ancora, questa caoticità a rendere l’opera cinematograca la forma più vicina all’allucinazione e a farle occupare un posto privilegiato nella costruzione di mondi paralleli e metafore esistenziali. Si pensi alla corrente cinematograca fantascientica, capace di immaginare mondi altri, ma soprattutto a quella che, con l’avvento di nuove tecnologie, ha tentato di presentare allo spettatore una vera e propria realtà virtuale – che può, ad esempio, diventare semiorganica e pericolosa, come accade in eXistenZ di Cronenberg – e ha rappresentato l’amplicazione delle facoltà umane. Questo cinema si è reso capace di mostrare le paure dell’uomo insite nel rapporto con la sua facoltà di creare vite articiali, ha esplicitato il timore di una futura, possibile autonomia del mondo articiale da quello umano, ma anche l’innita gamma di intersezioni possibili tra uomo e macchina. Apprendere il cinema quale espressione del caos vuol dire apprenderlo quale aporia del mondo contemporaneo. Sempre. Sebastiano Maritato Dario Di Stefano Attilio Di Lauro Mariaelena Massa 160 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Chaos and/is Cinema. Many disciplines have explained the subject of chaos, but cinema is the art that has rendered it with the greatest force, as cinema is chaotic in itself. It is the only art that is able to bring together the thematic developments of every discipline, therefore causing them to implode. One of the rst lms in history, L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat, shot in 1895 by Louis Lumière and shown in public in January 1896, marking the beginning of a new era for the visual arts, actually provides us with an idea of this curious ability of lm. In the lm, with a short run time of 50 seconds, a locomotive is shot from the back if the visual eld, moving slowly forwards until it invades the left part of the screen before stopping. The doors of the train open and the passengers, getting off and onto the carriages, give rise to a chaotic coming and going. The scene is so realistic that it caused panic among the viewers at the event, who were convinced that the train projected on the screen was real and would have run them over. Although the episode may seem closer to the stuff of legends than reality, it did however allow us to understand what the destabilising effect was produced by this new art form on the audience of the time. The effect produced by overcoming the typical static nature of the arts known up until then with the intention of reaching a dynamic art, which was able to render a moving image. Man found himself in front of a new way of expressing reality in art, which could do no other than confuse, upset and therefore produce a broken feeling in the soul. Cinema broke staticity. It offered itself as the new art, as something that gave greater expression to the upsets and turmoil of our society. Due to its very nature, cinema is a set of tracks that cannot be dismantled. It requires all the arts to be itself. It possesses features from literature, typical aspects of the theatre, philosophical likenesses and typical recognitions in the gurative arts. Despite availing of these elements, it was something different. Whilst remaining in this multiplicity it is therefore impossible to attribute a single meaning to a lm, a single reading that bears in mind all its possible interpretations. A lm can only be interpreted when it is left to its own devices, consisting of movement, action and the combination of different elements. A lm is a supplement to dened reality, and therein lies its chaotic strength. Chaos like cinema is a set of elements, of continuous references to something different. An aspect of all this is dened by being fully aware of ction and reality, the structural characteristic of cinema. However, talking about reality in a work of cinema is always forcing things; we do however nd ourselves in front of a ctitious, illusory and deceitful reality. Nevertheless a lm can seem more real than what you experience everyday. This aside, it still remains an inescapable scrap between ction and reality. Herein lies the purpose of a lm, to offer a semblance of continuity between these two opposing terms and to draw upon the feeling of the viewers and their desires by using the imagination. Cinema e Caos 161 Cinema would therefore be able to mould the beliefs of the audience, even if just for a second, urging them to abandon that common sense that guides everyday actions and which does not let them believe in fantastic and surreal situations. Once this sort of barrier has been broken down, that’s when chaos is expressed in all its complexity. It is actually this complexity that allows this means to be used for completely different purposes: indoctrinating the masses, as happened with Triumph des Willens, not so long ago, but also bringing social dynamics into the spotlight. It is always still this chaoticness that makes lm the closest form to hallucination and makes it occupy a privileged place in the creation of parallel worlds and existential metaphors. We’re thinking about the science ction lm wave, which is able to imagine other worlds, but above all it tried to present an actual virtual reality to the viewer with the advent of new technologies, which can, for example, become semi-organic and dangerous, as happens in Cronenberg’s eXistenZ. It has represented the extension of human abilities. This cinema has made it possible to show man’s innate fears as regards his ability to create articial lives. It has explained the fear of a future and the possible independence of the articial world from that of the human world, as well as the innite range of possible intersections between man and the machine. Understanding cinema as an expression of chaos means understanding it as the unsolvable question of the contemporary world. Always. Sebastiano Maritato Dario Di Stefano Attilio Di Lauro Mariaelena Massa 162 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Obiettivo Caotico La foto vincitrice del World Press Photo 2009 rivela un’ambiguità di fondo. In un ambiente estremamente disordinato si aggira un poliziotto armato che si accinge ad entrare in una stanza, un rettangolo nero che l’obbiettivo della macchina fotograca non ci mostra. La didascalia informa che la casa è nell’Ohio, ma ciò che la foto rappresenta fuoriesce dai conni dell’Ohio e degli Stati Uniti, acquisendo una dimensione globale. Anthony Suau, l’autore dello scatto, è riuscito con una sola immagine a rendere denita e assolutamente concreta l’esperienza quasi immateriale dell’attuale dissesto nanziario. Questa casa pignorata è lo specchio della crisi economica, è il collasso di un sistema, quello capitalista, l’unico che il mondo occidentale abbia conosciuto. Tale sistema, potenza anonima e priva di scopo oltre quello di funzionare, è apparso ai più come un universo chiuso, che non ammette un esterno che le sia alternativo. L’implosione della macchina apre dunque scenari imprevedibili, caotici. Ma il caos non è semplicemente assenza di regole, è anche discontinuità con un ordine precedente. In questo senso la crisi economica prima di tutto è crisi, divisione. È nella parola crisi, nel suo signicato originario di separazione, che riposa l’essenza del caos. Il caos, in quanto tale, apre alla possibilità di dimensioni altre. Se, dunque, si pensa allo scenario socio-economico in cui ci troviamo, si può ipotizzare che la realtà torni ad assumere contorni simili all’ordine precedente? Oppure il perpetuarsi della crisi stessa approderà ad un ordine differente e alla relativa dissoluzione del mondo come lo abbiamo sempre conosciuto? Il sistema agonizzerà per molto pur non giungendo ad una denitiva rottura, oppure si riusciranno a superare i suoi limiti attraverso il compimento di un modello alternativo che non replichi gli errori di quello attuale? La risposta a queste domande è ancora lontana, perché l’uomo è privo di strumenti conoscitivi che gli permettano di avere certezze su ciò che sarà. Ecco che allora la casa della foto, con i suoi oggetti sparsi sul pavimento, con i suoi inquilini non più presenti, eppure in qualche modo ancora percepibili, tra pareti Cinema e Caos 163 che hanno smesso di essere casa per essere solo abitazione; quella casa diventa la casa di ognuno di noi e il poliziotto, crisi incarnata, un nemico da cui non possiamo sfuggire. Perché, dunque, ambiguità nella foto di Suau? Il fatto che non si riesca a decodicare immediatamente questa istantanea è sintomatico della rispondenza che sussiste tra il contenuto dell’opera e il modo in cui esso è veicolato. Il caos è dentro e fuori l’obbiettivo. Perché così come una realtà caotica non la si può afferrare in modo veloce, anche il senso di quest’immagine non lo si intuisce ad un primo sguardo, ma necessita di un’indicazione esterna, la didascalia, per essere compreso. E questa indicazione è l’intenzione dell’artista. Se il fotografo non ci dicesse cosa sta ritraendo, non capiremmo quest’immagine. E se in pieno caos fossero solo le azioni umane a dare un senso alle cose? Sono gli uomini ad imprimere o a poter imprimere un senso alle cose, quando queste di senso non ne hanno più. Floriana Bonifacio Milena Talento Assunta Catoio 164 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Chaotic Scope The winning photo of the 2009 World Press Photo reveals a deep ambiguity. An armed policeman hangs about in an extremely unordered environment. He is about to enter a room, a black rectangle that the scope of the camera doesn’t show us. The caption tells us that the house is in Ohio, but what the photo represents oozes from the connes of Ohio and the USA, acquiring a global dimension. Anthony Suau, the photographer, has been able to render the almost immaterial experience of the current nancial upset denite and completely tangible with a single image. This casa being seized reects the economic crisis. It is the collapse of a system, that of capitalism, the only one that the Western world has ever known. This system, an anonymous power and lacking any purpose other than to function, has appeared as a closed universe to many, which doesn’t admit an exterior that is an alternative. The implosion of the machine therefore opens up chaotic, unforeseeable scenarios. However, chaos isn’t simply an absence of rules, it is also discontinuity with a previous order. In this sense the economic crisis is crisis and division rst of all. The essence of chaos lies in the word crisis, in its original meaning of separation. Chaos, as such, opens up the possibility of other dimensions. If we then think about the socio-economic scenario in which we nd ourselves, can we assume that reality returns to resemble surroundings which are similar to the previous order? Or will the perpetuation of the crisis itself come to a different order and the relative dissolution of the world as we have always known it? Will the system be on its deathbed for a long time without actually reaching a denitive breakdown or will it be able to overcome its limits through using an alternative model that doesn’t repeat the errors of the current model? The answers to these questions are still far away because man lacks any cognitive tools that allow him to be certain about what will be. That’s how the house in the photo, with its objects scattered on the oor, with its lack of residents, can still somehow be made out between the walls that have stopped being a home to just become a dwelling. That house becomes one of our houses and the policeman, crisis incarnate, an enemy from whom we cannot escape. So why is there ambiguity in Suau’s photo? The fact that he wasn’t able to immediately decode this snapshot is symptomatic of the correspondence that holds good between the content of the work and the way in which it’s conveyed. Chaos is within and outside the scope. Because just as a chaotic reality cannot be grasped quickly, also the meaning of this image cannot be guessed at rst glance, but it needs an external clue, the caption, to be understood. This indication is the intention of the artist. If the photographer weren’t to tell us what he’s depicting, we wouldn’t understand this image. Cinema e Caos 165 And we were in complete chaos, could only human actions give a meaning to things? Men are the ones who impress or can impress a meaning to things when these things no longer have a meaning. Floriana Bonifacio Milena Talento Assunta Catoio 166 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani eXistenZ Un gruppo di persone appassionate di giochi virtuali viene convocato per provare un nuovo gioco, “eXistenZ”, basato su un miscuglio tra la più avanzata tecnologia dei microchip e la bioingegneria genetica. Allegra Geller, l’inventrice, illustra ai presenti il prototipo del giocattolo, il ‘pod’, ricoperto di un materiale simile a carne umana. Il pod si inserisce nel sistema nervoso del giocatore tramite un ‘bioport’ o connettore spinale. Il pod può accedere ai ricordi del giocatore, cosicché ogni partita procede in modo diverso a seconda della persona che sta giocando. A un certo punto un uomo, che si dichiara delle forze anti-eXistenZ, spara ad Allegra con una pistola fatta di carne e sangue e danneggia gravemente il game-pod. Nel caos che segue, Allegra viene salvata da Ted, uno degli addetti alla sicurezza. Per controllare lo stato del pod, Allegra convince Ted a collegarsi con un gamepod nel suo stesso corpo, in modo da partecipare al gioco insieme a lei. Dopo non poche difficoltà, Ted e Allegra riescono nalmente ad entrare nel gioco, dando inizio alla partita. A group of virtual game fans is called upon to test a new game, “eXistenZ”, based on a melting pot of the most advanced microchip technology and genetic bioengineering. Allegra Geller, the inventor, illustrates the game prototype to those present, the pod, covered with a material that resembles human skin. The pod is inserted into the gamer’s nervous system using a bioport, or a spinal plug. The pod can access the gamer’s memories, so that every game develops differently depending on the person who’s playing it. At a certain point, a man, who declares himself to be from the anti-eXistenZ forces, shoots at Allegra with a gun made from skin and blood and seriously damages the gamepod. In the chaos that ensues, Allegra is saved by Ted, one of the safety operatives. To check the state of the pod, Allegra convinces Ted to connect himself with a gamepod in his own body in order to participate in the game with her. After considerable difficulties, Ted and Allegra nally manage to enter into the game, starting the match. Cinema e Caos 167 David Cronenberg È uno dei principali interpreti di quel genere cinematograco che è stato spesso soprannominato body horror, che esplora il terrore dell’uomo di fronte alla mutazione del corpo, all’infezione e contaminazione della carne, e alla barriera mostruosa dei dati biologici. I suoi primi lm si incentrano sulla modica del corpo umano da parte di scienziati, e si risolvono in un’anarchia sociale (Il demone sotto la pelle, Rabid sete di sangue). Più avanti Cronenberg cominciò ad interessarsi all’angoscia interiore dei protagonisti frutto dello sconsiderato progresso della scienza (Brood - La covata maleca, Scanners, Videodrome). In un periodo più tardo lo scienziato stesso è trasformato dalla sua stessa arroganza (La mosca). Questo percorso culmina in Inseparabili. La successiva produzione di Cronenberg si rivolge maggiormente a temi psicologici come il contrasto fra realtà soggettiva e oggettiva: Il pasto nudo, dal romanzo di William Burroughs, sull’arte come esplorazione dei meandri mentali, in questo caso sotto l’effetto di allucinogeni; eXistenZ, sull’illusione, il gioco, il moltiplicarsi dei livelli di realtà; M. Buttery, sull’amore impossibile e sul desiderio come elaborazione cerebrale; Spider; sul tormentato mistero della malattia psichica. Nel 2005 gira A History of Violence. Il suo ultimo lavoro è Eastern Promises del 2007. David Cronenberg he is one of the main interpreters of that genre of lm that has often been nicknamed body horror, which explores man’s horror as regards body mutation, infection and contamination of the esh, and the monstrous barrier of biological data. His rst lms focuses on alterations made to the human body by scientists, which end up in social anarchy (Shivers, Rabid). Cronenberg then started to occupy himself with the inner torment of his protagonists, fruit of the reckless progress of science (The Brood, Scanners, Videodrome). Later on, the scientist himself is transformed by his own arrogance (The Fly). This path culminated in Dead Ringers. Cronenberg’s subsequent production mainly focused on psychological subjects such as the contrast between subjective and objective reality: Naked Lunch, based on the book by William Burroughs, about art as exploration of mental twists and turns, in this case under the effect of hallucinogenics; eXistenZ, about illusion, the game, the multiplication of levels of reality; M. Buttery, about impossible love and desire as cerebral elaboration; Spider; on the tormented mystery of mental illness. In 2005 he shot A History of Violence. His last lm was Eastern Promises in 2007. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata eXistenZ eXistenZ David Cronenberg 1999 Canada 97’ Cast Jennifer Jason Leigh Jude Law Ian Holm Willem Dafoe Don McKellar David Cronenberg Ronald Sanders Peter Suschitzky David Cronenberg Andras Hamori Robert Lantos Produzione Alliance Atlantis Communications Canadian Television Fund Natural Nylon Entertainment Serendipity Point Films The Harold Greenberg Fund The Movie Network (Tmn) Distribuzione Cecchi Gori Group Sceneggiatura Montaggio Fotografia Produttore 168 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Le valigie di Tulse Luper La storia di Moab Primo episodio, e unico arrivato in Italia, della trilogia di Greenway, il lm narra la storia di Tulse Luper le cui vicende si svolgono sullo sfondo dei principali avvenimenti dell’ultimo secolo, dal 1928 sino al 1989.Catalogatore ossessivo, la sua vita avventurosa è scandita da due elementi: le prigioni in cui è stato rinchiuso da tutti i personaggi allucinati nella cui vita si è intromesso, per caso o perchè spinto dalla sua infantile curiosità, e 92 valigie in cui colleziona altrettanti oggetti per simboleggiare l’umanità, 92 come il numero atomico dell’uranio, materiale che ritorna sovente. The rst episode, and the only one to have reached Italy, of the trilogy by Greenaway, the lm tells the story of Tulse Luper, whose events take place with the background of the main happenings of the last century, from 1928 to 1989. An obsessive cataloguer, his adventurous life is spelt out by two elements: the prisons in which he was locked up by all the wild-eyed characters in whose lives he interfered by chance or because he was pushed by his childish curiosity, and 92 suitcases in which he collects just as many objects to symbolise humanity, 92 like the atomic number of uranium, a material that often returns. Cinema e Caos 169 Peter Greenaway studia pittura e cinema alla Walthamstow School of Art e tenta in seguito, senza riuscirvi, di entrare al Royal college of Art Film School. Come pittore ottiene la sua prima personale nel 1964 alla Lord’s Gallery. Negli anni successivi comincia a lavorare come tecnico del montaggio al Central Office of Information e a dirigere i primi cortometraggi. Nel 1982 viene presentato a Venezia “I misteri del giardino di Compton House”, suo primo lungometraggio a soggetto. I suoi otto lm successivi - fra cui: “Il ventre dell’architetto”; “Il cuoco, il ladro, sua moglie e l’amante”, “I racconti del cuscino” lo impongono come uno dei maggiori autori europei. Nel contempo realizza video, documentari e mostre che testimoniano il suo interesse per le diverse forme di espressione artistica. Peter Greenaway He studied painting and cinema at the Walthamstow School of Art and then unsuccessfully tried to go to the Royal College of Art Film School. As a painter he achieved his rst one-man exhibition in 1964 at the Lord’s Gallery. Over the next few years he started to work as an editing technician at the Central Office of Information and directed his rst short lms. In 1982 he showed The Draughtsman’s Contract in Venice, his rst feature lm. His next eight lms – including The Belly of an Architect, (1987); The Cook the Thief his Wife & her Lover (1989); and The Pillow Book (1996) – turned him into one of the leading directors in Europe. At the same time, he created videos, documentaries and exhibitions that support his interest in other forms of artistic expression. Titolo Originale Le valigie di Tulse Luper la storia di Moab Titolo Inglese The Tulse Luper suitcases The Moab story Regia Peter Greenaway Anno 2003 Nazione Gran Bretagna Durata 125’ Cast JJ Feild Valentina Cervi Drew Mulligan Scott Williams Nigel Terry Sceneggiatura Peter Greenaway Montaggio Elmer Leupen Chris Wyatt Fotografia Reinier Van Brummelen Musica Borut Krzisnik Produzione Abs Production De Lux Production Focus Film KFT Gam Films Kasander Studio 12-A Distribuzione Istituto Luce 170 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Pulp Fiction Il manifesto pulp di Tarantino è la storia di quattro episodi di ordinaria violenza, dove le vite di assurdi personaggi si intrecciano fra loro. Mentre due balordi si preparano per una rapina, una coppia di killer ripulisce con cura la scena del crimine, con l’aiuto dell’uomo che risolve ogni problema. Al loro anco c’è anche la dolce Mia, moglie del capo che beve solo frappè nella tavola calda, ha un caratteraccio e nisce in overdose. Nel frattempo un pugile, scelto per perdere un incontro truccato, manda ko il suo avversario e scappa con il bottino... Tarantino’s pulp manifesto is the story of four episodes of unexceptional violence, where the lives of absurd characters intertwine. While two fools prepare for a robbery, a couple of killers carefully clean the crime scene, with the help of the man who can resolve any problem. They’re accompanied by the sweet Mia, the boss’ wife who only drinks milkshakes in diners. She has an attitude problem and ends up having an overdose. Meanwhile, a boxer, chosen to lose a rigged ght, knocks out his opponent and runs off with the prize money... Cinema e Caos 171 Quentin Tarantino (Knoxville, 27 marzo 1963) Esordisce come attore in un cortometraggio da lui stesso diretto: My Best Friend’s Birthday (1987), poi appare in serie tv come Cuori senza età. Con i soldi recuperati nanzierà la sua prima pellicola Le iene (1992), presentata al Sundance Film Festival. Con il lm Pulp Fiction vince la Palma d’Oro al Festival di Cannes del 1994 e conquista sette nomination agli Oscar. Gli anni che vanno dal 1998 al 2003 rappresentano per Tarantino un periodo di passaggio, che lo vedono impegnato esclusivamente in piccole particine in alcuni lm come Girl 6 - Sesso in linea di Spike Lee e altri autori . Ci sono voluti cinque anni di attesa per dare alla luce una delle migliori pellicole degli ultimi tempi, ovvero, Kill Bill diviso in due volumi usciti nelle sale cinematograche in periodi diversi. Nel 2007 Tarantino fa il suo ritorno alla regia cinematograca rmando il double-feature Grindhouse in collaborazione con Robert Rodriguez.Il prossimo progetto del regista è il war movie Inglourious Bastards, che si ispira a pellicole di culto tra cui Quel maledetto treno blindato di Enzo G. Castellari. Quentin Tarantino (Knoxville, 27 March 1963) He made his debut as an actor in a selfdirected short lm, My Best Friend’s Birthday (1987). He then appeared in television series like The Golden Girls. With the money earned he nanced his rst lm Reservoir Dogs (1992), presented at the Sundance Film Festival. He won the Palma d’Oro at the 1994 Cannes Film Festival with Pulp Fiction and won seven Oscar nominations. The years between 1998 and 2003 were a period of passage for Tarantino, which saw him exclusively involved in small parts in lms such as Girl 6 by Spike Lee and other writers. A ve-year wait was needed before one of the best lms in recent years was made, or rather, Kill Bill, divided into two volumes, came out at the cinema at different times. In 2007 Tarantino made his return to lm directing with the double-feature Grindhouse in collaboration with Robert Rodriguez. The director’s next project was the war movie Inglourious Bastards, which was inspired by cult lms including Quel maledetto treno blindato by Enzo G. Castellari. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata Pulp Fiction Pulp Fiction Quentin Tarantino 1994 USA 153’ Cast John Travolta Samuel L. Jackson Uma Thurman Harvey Keitel Tim Roth Quentin Tarantino Sally Menke Andrzej Sekula Karyn Rachtman Lawrence Bender Danny DeVito Produzione A Band Apart Jersey Films Miramax Films Distribuzione Cecchi Gori Disribuzione Sceneggiatura Montaggio Fotografia Musica Produttore 172 173 Workshop stage e premi Linea d’Ombra 174 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Workshop Giuseppe Maurizio Laganà Autore e regista, completati gli studi artistici all’Accademia, entra nel mondo dell’animazione incontrando Bruno Bozzetto, con il quale stabilisce un lungo sodalizio artistico ed una procua collaborazione che, iniziata come animatore per i primi lungometraggi, culmina come direttore artistico di due episodi di “Allegro non troppo” (Il “Bolero” di Ravel e “L’après midi d’un faune” di Debussy). Tra i suoi lms d’autore meritano un cenno: l’opera prima “Preghiera della notte”, su testo poetico di Giannalberto Bendazzi, “l’Om salbadgh”- delicata favola della Bassa padana, “Pixnocchio”(1981)- primo lm italiano interamente realizzato in computer animation- “Tiramolla story”- miniserial video (4 episodi da 15’) e la prima serie televisiva importante, basata sul notissimo “lupastro”di Silver…“LupoAlberto”(52 ep x 6’30”), trasmessa e replicata con notevole successo dal gennaio 1998. Tra i lavori successivi: la regia della seconda serie di “Sandokan”, già trasmessa dalla RAI con ottimi ascolti e “Lupo Alberto II “ e le altre serie da 26 ep x 26’: “Spaghetti Family”- realizzata con l’Autore Bruno Bozzetto-,“Un Medico in famiglia”, “L’Ultimo dei Mohicani” e “Farhat, Principe del deserto”– le due ultime vendute in moltissimi paesi del mondo- ed ancora la serie “Felix” (13 x 26’) -coproduzione italo-tedesca – dalla quale ha tratto due lungometraggi destinati ai piccolissimi: ”Felix, ein hase auf weltreise” e “Felix2, der Hase und die verixte Zeitmaschine”. Il primo dei due lm (Titolo italiano:“Felix coniglietto giramondo”) è uscito in Germania nella primavera 2005, come vero“box-office buster” superando concorrenti disneyani dai budget molto, molto più corposi ! Le regie più recenti sono: la terza serie di Sandokan “Le due tigri”-appena conclusa-, il lm pilota della serie “Moose”, ed in lavorazione, “Kim” (26 x 26’) dal romanzo di Rudyard Kipling. La sua lmograa comprende un gran numero di sigle televisive (Mai dire Goal, Bim-Bum-Bam ed altre), spot pubblicitari e lms industriali, animati e dal vero. Molti di questi lm sono stati selezionati a festivals internazionali, quali Zagabria, Annecy, Toronto, Parigi, Hiroshima, Amal,Treviso, ottenendo premi e riconoscimenti vari, in particolare: TrevisoCartoon 94’ (Migliore Sigla televisiva), Parigi 1995 (Cortometraggio, Festival dell’Arte), Cartoons on the Bay 2005 (Pulcinella d’oro, migliore serie animata) e molti altri minori. Ha tenuto vari seminari e corsi di Cinema d’Animazione in Italia e all’estero; in particolare: Atéliers d’Animation- Annecy (F), “Cartoon Media” -Bruxelles (B), Workshop stage e premi Linea d’Ombra 175 DAMS dell’Università di Udine/Gorizia e l’Istituto Europeo di Design, per il quale ha coordinato corsi ‘masters’. Ha fatto parte di diversi comitati di selezione e giurie delle più importanti rassegne d’Animazione, in particolare: “Golden Cartoon” del cinema d’Animazione Europeo (B), “Positano”(I) ed il “Festival d’Annecy” (1985,2006). Come giornalista ha collaborato con numerose testate, rmando testi, creando personaggi, fumetti e moltissime illustrazioni per l’Unità, Corriere dei Piccoli (dove ha pubblicato oltre 60 puntate di “Capitan Brok”, 40 di “Bruscolini”: il nonno più piccolo del mondo e 40 del“Viaggio fantastico nella Cibosfera”), Linus, Grazia, Insieme, Sale e Pepe, Cosmopolitan, Bella ed altre ancora, oltre a diversi libri per bambini per Rizzoli, La Coccinella e Mondadori. Writer and director, having nished his artistic studies at the Academy, he entered the world of animation meeting Bruno Bozzetto, with whom a long artistic association was established, as well as a protable partnership which, having started as an animator for the rst few feature lms, culminated as artistic director of two episodes of Allegro non troppo (Ravel’s Bolero and Debussy’s L’après midi d’un faune). His following lms deserve a mention: his rst work Preghiera della notte, based on the poetic text of Giannalberto Bendazzi; L’om salbadgh, a delicate fairytale of the low plain of the River Po; Pixnocchio (1981), the rst Italian lm made entirely in computer animation; Tiramolla Story, a video mini-serial (4 15-minute episodes); and the rst important television series based on the well-known wolf, Silver, Lupo Alberto (52 61/2-minute episodes), broadcast and repeated with considerable success since January 1998. Among his subsequent work, there’s the direction of the second series of Sandokan, already broadcast by RAI with excellent acclaim and Lupo Alberto II and the other series of 26 26-minute episodes: Spaghetti Family, created with the writer Bruno Bozzetto, Un Medico in famiglia, L’Ultimo dei Mohicani and Farhat, Principe del deserto, the last two have been sold in many countries around the world, as well as the series Felix (13 26-minute episodes), a German-Italo co-production, on which two children’s feature lms were based: Felix, ein hase auf weltreise and Felix2, der Hase und die verixte Zeitmaschine. The rst of the two lms (Italian title: Felix coniglietto giramondo) came out in Germany in the spring of 2005 as a real boxoffice blockbuster beating its Disney competitors with much bigger budgets! His most recent directing projects include the third series of Sandokan Le due tigri, just nished, the pilot lm of the series Moose and, in production, Kim (26 26-minute episodes) from the Rudyard Kipling novel. His lmography includes a large number of television signature sequences (Mai dire Goal, Bim-Bum-Bam and others), publicity spots and industrial, animated and real life lms. 176 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Many of these lms have been selected at international festivals, including Zagreb, Annecy, Toronto, Paris, Hiroshima, Amal and Treviso, winning various prizes and recognitions, especially: Treviso Cartoon 1994 (Best Television Signature), Paris 1995 (Short Film, Art Festival), Cartoons on the Bay 2005 (Pulcinella d’oro, best animated series) and many other lesser awards. He has held various seminars and courses on Animated Cinema in Italy and abroad at Atéliers d’Animation, Annecy (France), Cartoon Media, Brussels (Belgium), DAMS at the University of Udine/Gorizia and the Istituto Europeo di Design, where he has coordinated Master’s courses, in particular. He has taken part on a range of selection committees and panels at leading animation festivals at Golden Cartoon of European Animated Film (Belgium), Positano (Italy) and Annecy Film Festival (1985, 2006) in particular. As a journalist he has worked with numerous publications, adding his signature to texts, creating characters, comics and many illustrations for L’Unità, Corriere dei Piccoli (where he has published over 60 instalments of Capitan Brok, 40 instalments of Bruscolini: il nonno più piccolo del mondo and 40 instalments of the Viaggio fantastico nella Cibosfera), Linus, Grazia, Insieme, Sale e Pepe, Cosmopolitan, Bella and others, as well as many children’s books for Rizzoli, La Coccinella and Mondadori. Workshop stage e premi Linea d’Ombra 177 Premi LdO_09 Valentina Lodovini Mediterranea umbra (Umbertide, 1978) per colori e impatto, cinela vera e appassionata, sorriso che parla più del sico, linee drammaturgiche intense e lineari, romantica senza “ismi”. Sa scegliere lm e copioni, diplomata al CSC debutta in “Ovunque sei”, poi Valentina Lodovini la notiamo, eccome, spaesata danzata ricattata dall’usuraio in “L’amico di famiglia”, maestra in trasferta come altri tempi nel delta di “La giusta distanza”, amante rivale di pura energia in “Riprendimi”, dolorosa reattiva in “Il passato è una terra straniera”, graniticamente dolce compagna in “Fortapàsc”, precaria girovaga con spirito amoroso in “Generazione mille euro”: ha già conosciuto cinema di autore e di festival importanti, colleghi stimolanti, personaggi pieni anche se non sempre protagonisti. Valentina Lodovini ha sfumature ancora da rivelare, istinto non più grezzo, voce pronta allo stupore, sguardo grandi …forme ma piena modernità di cuore. Continui così. Valentina Lodovini A true Mediterranean from Umbria (Umbertide, 1978) with her colours and impact, a true lm buff, a smile that speaks more than her body, intense and linear theatrical lines, romantic without “isms”. She knows how to choose lms and scripts. Having graduated from CSC she made her debut in Ovunque sei. He then saw Valentina Lodovini as a confused girlfriend blackmailed by a moneylender in L’amico di famiglia, a teacher on secondment like in the past in the delta of La giusta distanza, the purely energetic rival lover in Riprendimi, reactively painstricken in Il passato è una terra straniera, the rock-solid sweet partner in Fortapàsc, the precarious wanderer with a loving spirit in Generazione mille euro. She has already experienced independent cinema and leading festivals, met stimulating colleagues, full-bodied characters, although not always leading roles. Valentina Lodovini has shades yet to be revealed, an instinct that’s not crude anymore, a voice that’s ready to amaze, great facial expressions, and forms yet has a totally modern heart. Let’s hope she carries on in this way. Maurizio di Rienzo 178 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Michele Riondino “Il teatro è rappresentazione, il cinema è essere, in teatro consapevole falsità ma per il cinema vera trance”. Compara due mondi espressivi e ragiona sul suo mestiere di attore Michele Riondino (Taranto, 1979) diplomato all’Accademia, subito in scena per Emma Dante, Patroni Griffi, Bellocchio, ma anche pronto ventenne per cinema di cortometraggio, buone ction tv ma rivelatosi appieno nel 2008 in “Il passato è una terra straniera” di Vicari nel ruolo-specchio psicanalitico del protagonista Elio Germano: notevole Riondino per impronta sica e di sguardo quale pokerista tentatore dirompente, “infernale psico-apatico manipolatore per reazione a una infanzia con madre anaffetiva”. Un personaggio-parete da scalare? Vetta raggiunta. Poi, conferma di eclettismo bene misurato in “Fortapàsc” di Marco Risi in cui è in bilico fra leale impegno e cattiva strada, una interpretazione con sfumature ed energie giuste. In arrivo altri due lm per Michele, la commedia sentimentale on the road “Dieci inverni” di Mieli e “Mar piccolo” di Di Robilant in cui è neoboss di un quartiere dissestato della sua ambigua Taranto. Ci sorprenderà ancora… Michele Riondino “Theatre is representation, cinema is being, in the theatre there’s conscious pretence, but for the cinema there’s true trance”. Michele Riondino (Taranto, 1979) compares the two expressive worlds and reasons about his trade as an actor. A graduate of the Accademia, he immediately went on stage for Emma Dante, Patroni Griffi, and Bellocchio, but was also ready at the age of 20 for short lms and good TV drama. In 2008 he fully revealed himself in Il passato è una terra straniera by Vicari in the psychoanalytic mirror role of the lead Elio Germano: Riondino was remarkable with his physical mark and look as explosive provocateur poker player, “infernal psycho-apathetic manipulator as a reaction to a childhood with a mother who wasn’t affectionate”. Is this a character climbing wall? Summit reached. Then as conrmation of sound eclecticism measured in Fortapàsc by Marco Risi where he is torn between loyal commitment and a bad path, an interpretation with shades and correct energy. Other two lms are coming out for Michele, the sentimental on the road comedy Dieci inverni by Mieli and Mar piccolo by Di Robilant, in which he’s the new boss of a shaky neighbourhood of his ambiguous Taranto. He’ll surprise us yet again Maurizio di Rienzo Workshop stage e premi Linea d’Ombra 179 Massimo Venier (Varese, 1967) conosce pesi e misure del mestiere di autore di ‘centrocampo’, occhio-metronomo per teatro e soprattutto per alta televisione e cinema d’impatto comico. Ha diretto cinque dei lm veri campioni d’incasso marcati dall’esplosivo trio AldoGiovanni&Giacomo, da segnalarne il primo, “Tre uomini e una gamba”, 1997, e l’ultimo insieme, “Chiedimi se sono felice”, 2004; è stato inventivo scrittore-regista di tv che ha fatto epoca col dirompente satirico ‘Mai dire gol’ (1990-97) orchestrando comici vari incalzati dall’ironia vocalmente off della Gialappa’s band. Nel 2006 ha bene accompagnato in lm anche la coppia stralunata Ale&Franz per “Mi do di te”. Ma è nel 2009 con “Generazione mille euro” commedia realistica dal ritmo non furbo, con dialoghi contorni e colori milanesi adeguati al tema, il precariato in vita/lavoro/amore dei 25-30enni di oggi, che Venier ha diretto da sé un lm signicativo e intelligente con attori (Tiberi Mandelli Lodovini Crescentini) cesellati mai sopra le righe. Massimo Venier (Varese, 1967) knows the weights and measurements of being a writer in the mideld with an eye for detail like a metronome for theatre and top comic television and lm in particular. He has directed ve real blockbusters marked by the explosive trio Aldo, Giovanni & Giacomo, including the rst lm Tre uomini e una gamba (1997) and their last lm together, Chiedimi se sono felice (2004). He was the inventive television director/writer who made history with the explosive satirical ‘Mai dire gol’ (1990-97), devising various comedians pursued vocally off by the irony of Gialappa’s band. In 2006 he also accompanied the eye-opening couple Ale&Franz in lm for Mi do di te. But it is in 2009 with Generazione mille euro, a realistic comedy with its slow rhythm, surrounding dialogue and Milanese colours suited to the theme, the danger in life, work and love of today’s 25-30-year-olds, directed by Venier that is an important and intelligent lm with chiseled actors (Tiberi Mandelli Lodovini Crescentini) that are never in full control. Maurizio di Rienzo 180 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Stage di cinema Fabio De Luigi Chi è Fabio De Luigi? Attore? Più registi di cinema ora lo valorizzano. Comico? Ben 30 personaggi costruiti con tocchi di satira lunare per tv doc: in ‘Mai dire gol’, ‘Mai dire GF’, ‘Mai dire domenica’, è stato Olmo-Ingegner Cane-Dottor Scarpa-Medioman… ha imitato Bublè, Vieri, Calderoli, Carlo Lucarelli, Miguel Bosè… Presentatore? Vedi ‘Mai dire GF2’. Giocatore di baseball? Serie a1 a 20 anni con Rimini e Sant’Arcangelo (ove è nato nel 1967 e ancora, bella scelta, abita). Teatro? Brillante simil Lemmon in “Irma la dolce” e poliedrico in “Il bar sotto il mare”. Al cinema lo ‘scopre’ Giulio Manfredonia: De Luigi con tenerezza sognata (“Se fossi in te”) coprotagonista bizzarro (“E’ già ieri) ed è proprio bravo nel poco visto “Ogni volta che te ne vai”. Poi accetta di mordere tre cinepanettoni consecutivi (2006-08), i “Natale in...” ma dando stile e sorriso fra mr.Bean e Fellinismi a personaggi non banali di tali farse amorose; appare serio in “Come Dio comanda”, cesella nel tourbillon di caratteri di “Ex” un italiano medio postfantozziano con punte diaboliche; bravo come improbabile schernito cantante anni 50 in “Gli amici del bar Margherita”. Fabio De Luigi, comico per molte stagioni e racconti fuori norma, romagnolo quindi estremo e ‘antico’ che di dolcezza metasica e contropiede comico, di pennello astratto e consapevole follia fa sue originali doti di mestiere. Fabio De Luigi Who is Fabio De Luigi? An actor? More lm directors now appreciate him. A comic? 30 characters created with touches of lunar satire for genuine TV: in ‘Mai dire gol’, ‘Mai dire GF’, ‘Mai dire domenica’, he’s been Olmo-Ingegner Cane-Dottor Scarpa-Medioman, etc. He has imitated Bublè, Vieri, Calderoli, Carlo Lucarelli and Miguel Bosè, etc. A presenter? See ‘Mai dire GF2’. A baseball player? A1 League at the age of 20 with Rimini and Sant’Arcangelo (where he was born in 1967 and still lives today, a good choice). Theatre? Brilliant fellow man Lemmon in Irma la dolce and multifaceted in Il bar sotto il mare. In terms of cinema he ‘unveiled’ Giulio Manfredonia: De Luigi with dreamy tenderness (Se fossi in te) bizarre co-star (E’ già ieri) and is just great in the little seen Ogni volta che te ne vai. He then accepted to gobble up three consecutive delicious lms (2006-08), the Natale in... yet providing style and laughs with Mr Bean and Fellini elements as well as characters who are certainly not boring to the extent of making them amorous. He plays it straight in Come Dio comanda, a chisel in the whirlwind of character of Ex, an average post-Fantozzi Italian lm with diabolic edges. He’s great as an improbable jeered-at 1950s singer in Gli amici del bar Margherita. Fabio De Luigi, comic for many seasons and freakish stories, a Romagnolo who’s therefore extreme and ‘old-fashioned’, whose original tricks of the trade are metaphysical gentleness and comic counterattacks, abstract brushstrokes and conscious madness. Maurizio di Rienzo Workshop stage e premi Linea d’Ombra 181 Davide Ferrario, laurea in letteratura americana all’Università di Milano, inizia a lavorare nel campo del cinema negli anni ‘70 come critico cinematograco e saggista, avviando al contempo una piccola società di distribuzione a cui si deve la circuitazione in Italia di Fassbinder, Wenders, Wajda e di altri registi. Lavora, in seguito, in qualità di agente italiano per alcuni registi americani indipendenti come John Sayles, e Jim Jarmusch. Nel 1985 scrive la sua prima sceneggiatura per “45° Parallelo” di Attilio Concari, lm documentario sulla musica dei C.S.I., girato tra Mongolia ed Italia per il quale riceve il premio De Sica a Venezia. Comincia la propria attività di regista nel 1987 con il cortometraggio “Non date da mangiare agli animali”, e nel 1989 dirige il suo primo lungometraggio, “La ne della notte”, giudicato miglior lm indipendente della stagione. Per Daniele Segre scrive le sceneggiature di “Occhi che videro” (1989) e “Manila Paloma Blanca” (1992). A settembre del 1994 escono in contemporanea il suo secondo lungometraggio, “Anime ammeggianti”, ed il suo primo romanzo: “Dissolvenza al nero”. Il lm partecipa alla Mostra del Cinema di Venezia ed è l’unico italiano invitato al Sundance Film Festival. Nel 1995, oltre ad alcuni cortometraggi e programmi tv, produce e codirige con Guido Chiesa il documentario “Materiale resistente”, un lavoro che sovrappone rock ed inchiesta sulla memoria partigiana. Nel 1997 esce il suo terzo lm, “Tutti giù per terra”, tratto dall’omonimo romanzo di Giuseppe Culicchia. Il lm è presentato al Sundance Film Festival oltre che al Festival di Locarno 97 dove Valerio Mastandrea vince il Pardo d’oro come migliore attore protagonista. Nel marzo 1998 esce il fortunato “Figli di Annibale”, con Diego Abatantuono, Silvio Orlando e Valentina Cervi. Nel 2005 il suo lungometraggio “Dopo mezzanotte” (interamente realizzato in digitale all’interno del Museo Nazionale del Cinema di Torino e con un budget molto ridotto), ha ottenuto un grande successo in Italia, ed è stato venduto in tutto il mondo, ottenendo tre nomination ai David di Donatello. Rigorosamente indipendente, non è solo regista ma guida, al contempo, e con notevoli risultati la propria casa di produzione. Nell’aprile del 2009 esce il suo ultimo lm:“Tutta colpa di Giuda”, nuova rivisitazione sulla Passione di Cristo, interpretato da Kasia Smutniak, Fabio Troiano, Gianluca Gobbi, Luciana Littizzetto e Cristiano Godano. Davide Ferrario, having graduated in American literature at the University of Milan, began to work in the world of cinema in the 1970s as a lm critic and essayist. At the same time he also started up a small distribution company, which brought the lms of Fassbinder, Wenders, Wajda and other directors to Italy. He 182 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani then worked as an Italian agent for some independent American directors such as John Sayles and Jim Jarmusch. In 1985 he wrote his rst screenplay for 45° Parallelo by Attilio Concari, a documentary lm on the music of C.S.I., shot in Mongolia and Italy, for which he received the De Sica Prize in Venezia. He started his directing career in 1987 with the short lm Non date da mangiare agli animali and he directed his rst feature lm in 1989, La ne della notte, judged to be the best independent lm of the season. He wrote the screenplays Occhi che videro (1989) and Manila Paloma Blanca (1992) for Daniele Segre. In September 1994 his second feature lm, Anime ammeggianti, and his rst book, Dissolvenza al nero, came out at the same time. The lm took part in the Venice Film Festival and was the only Italian lm invited to participate at the Sundance Film Festival. In 1995, in addition to some short lms and television programmes, he produced and co-directed the documentary Materiale resistente with Guido Chiesa, a work that superimposed rock and an investigation into the memories of the partisans. His third lm came out in 1997, Tutti giù per terra, based on the book of the same name by Giuseppe Culicchia. The lm was presented at the Sundance Film Festival and the 1997 Locarno Film Festival where Valerio Mastandrea won the Pardo d’oro as Best Actor. The successful Figli di Annibale came out in March 1998, with Diego Abatantuono, Silvio Orlando and Valentina Cervi. In 2005 his feature lm Dopo mezzanotte (completely made in digital in the National Cinema Museum in Turin and with a very small budget), was hugely successful in Italy and was sold all over the world, receiving three David di Donatello nominations. Strictly independent, he’s not just a director, but he successfully runs his own production company at the same time. His latest lm came out in April 2009, Tutta colpa di Giuda, a new reworking of the Passion of Christ, starring Kasia Smutniak, Fabio Troiano, Gianluca Gobbi, Luciana Littizzetto and Cristiano Godano. Musica 184 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Electronik sound Se il caos è visto come forma di insidia e limite del pensiero, magma dissolutivo di assetti consolidati, e talora riserva innita di virtualità, quel virtuale sul quale ogni evento e ogni realtà deniscono la propria consistenza, la musica elettronica è forse il genere musicale che meglio rappresenta questo concetto. Partiamo da esperimenti che risalgono al 1897 col telharmonium, strumento che doveva diffondere la musica attraverso le cornette del telefono. Poi al thereminin URSS nel 1917, strumento ancora in uso che serviva a controllare l’altezza e il volume del suono oltre che alla sua produzione: alla sua presentazione in Europa erano presenti anche Toscanini e Rachmaininoff. Il manifesto della musica futurista del 1911 di Francesco Balilla e l’arte dei rumori ; nel 1948 gli studi di Schaeffer sui rumori dei treni sino a giungere ali anni ’50 dove era forte l’esigenza dei compositori di poter creare direttamente la musica senza dover passare per le manipolazioni interpretative dell’esecutore-artista, e di affidare al caso il prodotto nale che ne scaturiva. Il Passaggio Fantastico N.4 di John Cage eseguito a N.Y. nel ‘51 rafforzò il concetto di casualità: le micro vibrazioni di particelle elettriche compongono un’opera sonora che lascia al compositore la libertà di gestire la propria creazione . Nel ’51 a Colonia, Hartmann fonda Lo Studio per la musica elettronica diretto da Stockhausen, ove si mette in evidenza la contraddizione dell’artista di voler dire qualcosa di nuovo servendosi però dei vecchi segni sonori giungendo alla constatazione che se è possibile analizzare i suoni, sarà forse anche possibile produrli sinteticamente. Luigi Nono, Petrassi, Vlad, Maderna, Petracci sono esponenti italiani a ne anni ’50 della scuola di Colonia. Negli anni ’60 gli USA diventano i maggiori produttori del genere elettronico grazie alla nascita del sequenzer. Ma, è con la nascita dei sintetizzatori che si ha una diffusione globale del genere a cavallo degli anni ’70 ed ’80. Sempre negli anni ’70 in Germania nasce la cosiddetta “KosmicheMusik” sperimentale ed ossessiva, i Tangerine Dream, Kraftwerk, Cluster rappresentano quel periodo pop e sperimentale , ma altrove Bowie, Brian Eno, RoxiMusic, poi Devo e i Suicide presentano un’elettronica ipnotica mai ascoltata prima. Alla ne degli anni ’80 con JohFoxx , ex Ultravox , ABC, Human League, Heaven 17 ,Culture Club la new wave sposa il genere pop elettronico come unico suono espressivo. L’ ambient music di Eno, che si ispira ad Eric Satie, i Japan, alcuni album dei Pink Floyd, Jean Michel Jarre, danno nuove connotazioni spaziali al genere. A metà anni ’80 si passa all’House music nata in alcune discoteche di N.Y. e Chicago, un genere dance che vede in F. Knuckles il primo esponente ed un modo del tutto particolare di usare i dischi alla consolle …L’Intelligent Dance Music di Aphex Twin….e l’Electronic Dance Music , la Club Culture sono un’espressione odierna delle varie sfaccettature che assume oggi il genere elettronico sperimentale e dance che presentiamo in un piccolo spazio serale del Social Network del nostro Festival Culture Giovani. Musica 185 If chaos is seen as a type of trap and the boundary of rational thinking, the divisive magma of consolidated order, and at times the innite reserve of virtuality, that virtual level on which every event and reality dene their own solidity, electronic music is perhaps the musical genre that best represents this concept. Starting with experiments going back to 1897 with the telharmonium, an instrument that had to spread music through telephone receivers. Then there was the USSR theremin in 1917, an instrument still in use today that helped to regulate the pitch and volume of sound as well as its production. Toscanini and Rachmaninoff were also present at its presentation in Europe. There was the 1911 manifest of Futurist music by Francesco Balilla and the art of noise. In 1948 there were Schaeffer’s studies on the noises of trains up to the 1950s when there was a strong need for composers to be able to create music directly without having to pass for the interpretative manipulation of the artist-performer and randomly commit to the nal product that arose. Imaginary Landscape No.4 by John Cage performed in New York in 1951 reinforces the concept of casuality: the micro-vibrations of electric particles compose a sound work that gives the composer the freedom to manage his own creation. In 1951 in Cologne, Hartmann founded Lo Studio for the electronic music conduced by Stockhausen, where the contradiction of the artist was highlighted in wanting to say something new while using the old notes, therefore coming to the realisation that if it’s possible to analyse sounds it will also perhaps be possible to produce them synthetically. Luigi Nono, Petrassi, Vlad, Maderna and Petracci were Italian representatives of the School of Cologne until the end of the 1950s. In the 1960s the USA became the leading producers of the electronic genre due to the creation of the sequencer. However, it was with the introduction of synthesizers that the genre was spread worldwide between the 1970s and 80s. The so-called experimental and obsessive KosmicheMusik was also created in the 1970s in Germany. Tangerine Dream, Kraftwerk and Cluster represented this pop and experimental period, with Bowie, Brian Eno and Roxi Music elsewhere, and then Devo and the Suicides offered hypnotic electronic music that had never been heard before. At the end of the 1980s with JohFoxx, former Ultravox, ABC, Human League, Heaven 17 and Culture Club, the new wave combined with the electronic pop genre as a single expressive sound. The ambient music of Eno, which was inspired by Eric Satie, the Japan, some of Pink Floyd’s albums, and Jean Michel Jarre, give new spatial connotations to the genre. In the mid 1980s there was a move towards house music, which was created in some New York and Chicago clubs, a dance genre that saw its rst representative in F. Knuckles and a completely particular way of using discs on the console. The Intelligent Dance Music of Aphex Twin and Electronic Dance Music, Club Culture are today’s expression of the various facets that now take on the dance and experimental electronic genre that we will be presenting in a small night-time space of the Social Network of our Festival Culture Giovani. Eddy Palescandolo 186 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Tra musica e parole: Teresa De Sio ed Enrico De Angelis Teresa De Sio Nel 1976 comincia la sua attività artistica con Eugenio Bennato e i Musicanova muovendosi nell’ambito della tradizione popolare partenopea. L’esperienza culmina nel 1979 con un LP dalle forti atmosfere folk intitolato Villanelle popolaresche del ‘500. Nel 1980 viene pubblicato il suo primo album da solista Sulla terra sulla luna in cui la giovane cantautrice affronta tematiche e sonorità più moderne. Nel 1982 pubblica l’omonimo album Teresa De Sio in cui l’artista conferma la sua predilezione per il napoletano come linguaggio ideale grazie alla sua uidità. L’anno successivo pubblica l’album Tre. Nel 1985 intraprende una più specica ricerca musicale in realtà mai cessata. L’album è Africana, Teresa è affiancata da Brian Eno. L’anno successivo pubblica Toledo e regina. Nel 1988 è la volta di una particolarissima pubblicazione in doppio album intitolata Sindarella suite. Nel 1991 la De Sio pubblica ben due album: uno di inediti intitolato Ombre rosse e la raccolta Voglia ‘e turnà, Nel 1993 esce La mappa del nuovo mondo in cui l’impegno e la tematica sociale entrano a far parte del suo mondo poetico in composizioni come Teresa stanca di guerra e soprattutto Io non mi pento. Nel 1994 consolida una forma di spettacolo originalissima intitolato “Parole e musica”, in cui pubblico e artista interagiscono attraverso il dialogo unitamente alle performance dal vivo. Nel 1995 registra in presa diretta e senza pubblico l’album Un libero cercare al teatro Petrella di Longiano. Collaborano anche Fabrizio De André e Fiorella Mannoia. Nel 1999 l’artista realizza il progetto La notte del Dio che balla, fra tradizione e tecnologia. È in questo periodo che Teresa si avvicina alla musica popolare pugliese, alla taranta in particolare. Infatti, dopo molti concerti e progetti live come Da Napoli a Bahia da Genova a Bastia, Teresa si mette a punto Craj, un originalissimo spettacolo a metà tra musica e teatro che intende omaggiare la tradizione popolare pugliese, in quest’ambito nasce un nuovo lavoro in studio pubblicato alla ne del 2004, A Sud! A Sud!, in cui Teresa torna a celebrare in forma ancora più compiuta la musicalità mediterranea. A Maggio 2007 pubblica il nuovo lavoro Sacco e fuoco. Nel 2008 Teresa presenta Riddim a Sud. Teresa De Sio In 1976 she began her artistic work with Eugenio Bennato and the Musicanova working in the eld of Neapolitan popular tradition. The experience culminated in 1979 with an LP with a strong folk atmosphere entitled Villanelle popolaresche del ‘500. In 1980 her rst solo album was published Sulla terra sulla luna where the young singer-songwriter tackles more modern topics and sounds. Musica 187 In 1982 she published her homonymous album Teresa De Sio where the artist asserted her preference for Neapolitan as her ideal language due to her uidity. The following year, she published the album Tre. In 1985 she started more a specic musical research that has actually never stopped since. Africana was the name of the album and Teresa was accompanied by Brian Eno. The following year, she published Toledo e regina. In 1988 it was the turn of a highly special publication in the form of a double album entitled Sindarella suite. In 1991 De Sio published two more albums: one with new material entitled Ombre rosse and the compilation Voglia ‘e turnà. In 1993 La mappa del nuovo mondo came out in which social commitment and topics became part of her poetic world in compositions such as Teresa stanca di guerra and above all Io non mi pento. In 1994 a highly original show form was established entitled “Parole e musica”, where the audience and artist interact through dialogue combined with live performances. In 1995 she recorded the album Un libero cercare live, without an audience, at Teatro Petrella di Longiano. Fabrizio De André and Fiorella Mannoia also collaborated with her. In 1999 the artist created the project La notte del Dio che balla, between tradition and technology. In this period Teresa became close to popular Apulian music and to the taranta in particular. Indeed following many concerts and live projects like Da Napoli a Bahia da Genova a Bastia, Teresa perfected Craj, a highly original show halfway between music and theatre that intended to pay tribute to the popular Apulian tradition. A new work in study was created in this eld, which was published at the end of 2004, A Sud! A Sud!, where Teresa went back to celebrate Mediterranean musicality. In May 2007 she published her new work Sacco e fuoco. In 2008 Teresa presented Riddim a Sud. Enrico De Angelis è giornalista, critico musicale e storico della canzone italiana. Ha scritto e curato numerosi libri e collane sulla “canzone d’autore”, espressione coniata da lui stesso.. ha rmato le raccolte integrali di Jacques Brel e Luigi Tenco, e volumi su Paolo Conte e sulla storia del Club Tenco nel quale opera dall’anno di fondazione, il 1972, e ne è tuttora il responsabile artistico. Dirige o presta consulenza artistica per numerose manifestazioni musicali. Enrico De AngelisIs a journalist, music and historical critic of italian song. He has written or edited many books and series on “canzone d’autore” (singer – song writing), a term that he himself coined for the rst time. He has signed off on the integral collections of the work by Jacquel Brel e Luigi Tenco and the volumes on Paolo Conte and the history of Club Tenco, for which work he has worked as the artistic manager since the year of foundation in 1972 and is still such today. He provides management or artistic consultancy for many musical shows. 188 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Social network Akufen djset Mark Leclair, meglio conosciuto come Akufen, è uno dei nomi di spicco della scena minimal a livello mondiale. Canadese come Richie Hawtin, paragonato spesso a Philip Glass, Akufen ha dato nuove prospettive alla via del minimale e ha girato i clubs più importanti del Globo: da Detroit a Berlino, da Zurigo a Londra (dove il prestigioso Fabric gli ha commissionato una delle sue compilation). Lo pseudonimo Akufen deriva dalla parola francese “acouphène”. Il suo primo album, del 2002, “My Way” ha introdotto il concetto di “microsampling” che consiste nell’utilizzare campionamenti e clips estremamente piccoli e brevi, ottenuti da registrazioni effettuate da stazioni radio F.M. in modo casuale ma come elemento principale della sua musica. Il synth gioca un ruolo cruciale nel sound di Akufen. Dopo il successo di “My Way” Akufen ha prodotto molti dischi e remixes sotto diversi pseudonimi fra i quali ricordiamo Anna Kaufen, Horror Inc. . Apprezzato per i suoi live set e per le sue produzioni sulla storica Fonce Inc, sulla Trapez, sulla Perlon Records e per la sua label Musique Risquée. Akufen senza mai tralasciare qualità e sperimentazione riesce a creare un suono minimale ma condito di funk adatto al danceoor. Akufen djset Mark Leclair, best known as Akufen, is one of the leading names on the world minimal scene. Canadian like Richie Hawtin, often compared to Philip Glass, Akufen has opened up new horizons for the minimal path and has frequented the most important clubs in the world: from Detroit to Berlin, from Zurich to London (where the leading Fabric club commissioned one of his compliations). The pseudonym Akufen comes from the French word acouphène. His rst album in 2002 “My Way” introduced the concept of “micro-sampling”, which consists in using extremely short, small samples and clips, made from recordings randomly taken from FM radio stations, but as the main element of his music. The synth plays a crucial role in Akufen’s sound. Following the success of “My Way” Akufen produced many discs and remixes in 2002 under different pseudonyms including Anna Kaufen, Horror Inc. Praised for his live sets and for his productions on the established Fonce Inc, Trapez, Perlon Records and for his own label Musique Risquée, Akufen manages to create a minimal sound dressed with funk suitable for the dance oor without ever compromising quality and experimentation. Musica 189 Alessio Bertallot djset Alessio Bertallot è un musicista e un Dj, un conduttore radiofonico e televisivo, un giornalista e un cantante. Questa poliedricità è la naturale conseguenza di un approccio da outsider nei confronti della musica e della comunicazione di essa. E’ stato il primo a portare il rap nel tempio della Canzone Italiana, il Festival di Sanremo; il primo a ideare e condurre un programma dedicato alla musica alternativa su MTV; uno dei pochi musicisti a coniugare musica elettronica e poesia. Uno dei pochi Dj ad eseguire colonne sonore, dal vivo, a lm proiettati sul grande schermo, usando i piatti al posto dell’orchestra. Dal 1996 è, con il suo programma “ B Side “ in onda su Radio DeeJay, il punto di riferimento della musica elettronica e della Club Culture in Italia. Alessio Bertallot djset Alessio Bertallot is a musician and a DJ, a radio and TV presenter, a journalist and a singer. His multi-faceted character is the natural consequence of the approach of an outsider towards music and its communication. He was the rst person to bring rap into the temple of Italian song, the Sanremo Festival. He was also the rst to create and present a programme dedicated to alternative music on MTV and was one of the few musicians to bring together electronic music and poetry. He is one of only a few DJs to make live soundtracks for lms projected on the big screen, using turntables instead of an orchestra. He has been the reference point of electronic music and Club Culture in Italy since 1996 with his programme B Side on Radio DeeJay. Jahcoozi liveset Dalla scena clubbing di Berlino arriva questo trio dai bassi pesanti composto dalla nativa dello Sri Lanka ma cresciuta a Londra Sasha Perera, dal produttore e multistrumentista Ronot Koch e dal berlinese nato in Israele Oren Gerlitz. Dopo la rottura con l’etichetta Kitty-Yo, sempre di Berlino, conosciuta per aver lanciato Peaches, nel 2005 è avvenuto il loro debutto con “Pure Breed Mongrel” ben accolto dalla critica. Adesso tornano con un secondo album dalla produzione R&B e dalla precizione techno, un mostro grime-tech-dub-ravetronico che risulta allo stesso tempo irresistibilmente pop e che fa da perfetto contraltare ai testi personali, satirici e di commento sociale della bella Sasha. Una fuga dagli stereotipi. Jahcoozi liveset This heavy bass trio comes from the Berlin clubbing scene, consisting of Sri Lankan native but London raised Sasha Perera, the producer 190 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani and multi-instrument playing Ronot Koch and Israeli born Berliner Oren Gerlitz. After breaking away from the Kitty-Yo label in Berlin, known for having launched Peaches, 2005 saw the making of their debut “Pure Breed Mongrel”, which was well received by the critics. Now they’re back with a second album with R&B production and techno precision, a grime-tech-dub-rave-tronic monster that is also irresistibly pop at the same time and acts as the perfect lectern for personal, satirical and social commentary texts written by the beautiful Sasha. An escape from stereotypes. Members of the band: Sasha Perera/Robot Koch/Oren Gerlitz Labels: Crosstownrebel/playhouse/BPITCH Kangding Ray & band Kangding Ray è David Letellier nato 1978 in Francia. Laureatosi in architettura a Rennes attualmente vive a Berlino dove lavora in campi diversi: musica, architettura, spettacoli, installazioni. David Letellier nasce come chitarrista e percussionista, le sue inuenze variarono dal rock al jazz, per passare poi alla musica elettronica. La sua musica è situata al crocevia tra “ digitality “ e sensibilità. Nelle sue composizioni, le melodie strumentali si combinano con suoni metallici ed elettronici. Integra abilmente loop di chitarra, linee di basso, rumore , strumenti acustici ed anomalie digitali per creare un sound melodico e sosticato. Kangding Ray + band è un progetto nuovo presentato meno di un mese fa al Transmedial festival di Berlino. Label raster-norton la label di Alva Noto Kangding Ray & band Kangding Ray is David Letellier, born in 1978 in France, he lives and works in Berlin. He graduated in architecture in Rennes and works in a range of elds in Berlin: music, architecture, shows and installations. David Letellier started out as a guitarist and percussionist whose inuences varied from rock to jazz before moving on to electronic music. His music is located at the crossroads between digitality and sensitivity. The instrumental melodies combine with metallic and electronic sounds in his compositions. He skilfully integrates guitar loops, bass lines, noise, acoustic instruments and digital anomalies to create a sophisticated melodic sound. Kangding Ray + band is a new project presented less than a month ago at the Berlin Transmedial Festival. Label raster-norton of Alva Noto Musica 191 Lucio Luongo, art director e videomaker del collettivo Hub Labs, nasce e lavora a Napoli senza perdere il contatto e la frequentazione assidua con il resto del mondo: dalle capitali dell’arte ai gruppi di artisti, di cui con Hub Labs si occupa di produrre opere e cataloghi. Inizia a studiare arte e dopo il diploma, si perfeziona in graca e design in una scuola di specializzazione napoletana dove adesso è docente. Sin dagli anni 80, come designer sperimentatore del segnale digitale del Commodore 64, e poi del 386 e del Mac, inizia a scolorare e ricomporre vecchie pellicole (insieme ad altri artisti, rma i primi visual degli Almamegretta). Nella wave dei party house della scena artistica e musicale dei primi anni 90, crea i visual e la comunicazione dei più importanti eventi dei primordi della musica elettronica in Italia. Di quegli anni realizza anche reportage fotograci - tesi, oltre la documentazione, a rappresentare una modalità esistenziale che oggi appare perduta. In seguito si occupa del design di album di gruppi napoletani (99 Posse) e parallelamente continua la sua ricerca video. Da due anni insieme a Mattia Casalegno e Plank ha creato il progetto visual anti-materia ed hanno prodotto vari lavori come: VESUVIUS, videoworks of napolitan artists, quartiere 798 Pechino, Cina, in occasione dell’ anno della cultura italiana in Cina; Fendi/ Microfestival sensoriale e altri… ha partecipato più volte al Romaeuropa festival in collaborazione col sound artist Maurizio Martusciello nel 2007 e col soundartist Terra con TERRAE live nel 2005. www.anti-materia.com www.myspace.com/antimateria_KLF Lucio Luongo, art director and videomaker of the Hub Labs collective, was born and works in Naples without ever losing contact and an assiduous attendance with the rest of the world. From the cities of art to groups of artists, with which together with Hub Labs he takes care of producing works and catalogues. He began to study art and, after graduating, he improved in graphics and design in a Neapolitan specialist school where he’s now a lecturer. From the 1980s, as an experimental design of the digital signal of the Commodore 64, and then the 386 and Mac, he became to fade and put together old lms again (with other artists, he designed the rst visuals of the Almamegretta). In the house party wave of the art and music scene in the early 1990s, he created the visuals and the communication of the leading events of the primitive electronic music in Italy. At that time he also created photographic reportage - texts, as well as the documentation, to represent an existential means that now seems to have been lost. He then took care of designing the albums of some Neapolitan bands (99 Posse), whilst continuing his video research at the same time. From two years working with Mattia Casalegno and Plank he has created the anti-matter visual project and they have produced various works such as: VESUVIUS, videoworks of Neapolitan artists; 798 Headquarter, 192 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Pechino, China, for the year of Italian culture in China; Fendi/Microfestival Sensoriale and others, etc. He has participated several times at the Romaeuropa Festival in partnership with the sound artist Maurizio Martusciello in 2007 and the sound artist Terra with TERRAE live in 2005. www.anti-materia.com www.myspace.com/antimateria_KLF Musica 193 KaosKoncerto Enzo Avitabile & i Bottari Il recupero mai scontato della tradizione nel sound di Enzo Avitabile racchiude alla perfezione il dialogo spirituale, sociale e politico fra le culture del Mediterraneo. Egli rompe i conni del mondo valorizzando la cultura di provincia come modello etico/ sperimentale. Artista sempre impegnato nel sociale, decide di non rinunciare al patrimonio lessico/musicale della sua terra e dall’incontro con i Bottari di Portico fa del ritmo ancestrale la sua unica fede. Frutto di questa collaborazione è l’album Salvamm’ ‘o munno che ottiene ben quattro nomination ai BBC World Music Award 2004 ed altri due nel 2005, parte degli introiti del cd sono devoluti ad Amnesty International per la causa dei bambini soldato. Nel 2006 Enzo abbraccia la musica sacra popolare con Sacro Sud e, presso l’Università degli Studi Suor Orsola Benincasa, cura il laboratorio di etnomusicologia “Tradizione e cemento”. Nel 2007 continua l’avventura artistica con i Bottari con l’album doppio il cui titolo è Festa, Farina e Forca, di rivoluzionaria memoria, a cui partecipano Matthew Herbert, Bill Laswell, Banco De Gaia, Dibango, Djivan Gasparian e Luigi Lai. Enzo Avitabile & i Bottari The never discounted recovery of tradition in the sound of Enzo Avitabile includes spiritual, social and political dialogue between Mediterranean cultures in its perfection. He breaks down the boundaries of the world, promoting the province’s culture as an experimental and ethical model. An artist who has always been involved in social work, he decided not to renounce the musical/lexical heritage of his land and he made his ancestral rhythm into his only faith from the meeting with the Bottari di Portico. The fruit of this collaboration was the album “Salvamm’ ‘o munno”, which received four nominations at the 2004 BBC World Music Awards and another two in 2005, part of the takings of the CD were devolved to Amnesty International for soldier children. In 2006 Enzo embraced popular sacred music with “Sacro Sud” and he began to run the “tradizione e cemento” ethnic musicology workshop at the Università degli Studi Suor Orsola Benincasa. In 2007 he continued his artistic adventure with the Bottari with the double album entitled “Festa, Farina e Forca”, with its revolutionary memory, with the participation of Matthew Herbert, Bill Laswell, Banco De Gaia, Dibango, Djivan Gasparian and Luigi Lai. 194 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Manu Dibango è il leggendario musicista dell’Afro & della Black Music, dotato di uno straordinario ed innato talento musicale, denito il “Miles Davis della World Music” dal magazine americano Blue Music (1994). Compositore e arrangiatore, suona anche il vibrafono e la marimba, ma predilige in assoluto i saxes (tenore, soprano e alto), e si diverte particolarmente al piano, strumento del quale si serve per comporre. Ambasciatore nel mondo per l’ Unesco. L’Africa stessa lo denisce il “Grandfather” della musica afro. Nato nel 1933 in Camerun, lascia nel ’49 la sua terra per andare a studiare musica in Europa. Qui scopre le stelle del jazz come Luis Armstrong, Duke Ellington, Lester Young, Charlie Parker. Suona il sax nei tanti jazz clubs, svela il proprio animo musicale. Il 1960 è il tempo delle rivoluzioni di indipendenza in Africa e, quando il grande maestro zairese Kabasele gli chiede di unirsi alla sua band, lui torna nel suo continente, arricchisce (ora da musicista e ricercatore) la propria conoscenza di musiche tradizionali africane, incide una quantità incredibile di album (lui dice: ”intorno ai quaranta!”) e va in tournèe visitando gran parte dei paesi africani. Manu Dibango is the legendary Afro and Black Music musician, gifted with an extraordinary and innate musical talent. He was called the “Miles Davis of World Music” by the American magazine Blue Music (1994). Composer and arranger, he also plays the vibraphone and marimba, but his absolute favourite is the saxophone (tenor, soprano and alto). He also particularly enjoys playing the piano, an instrument that he uses to compose. He is a world ambassador for Unesco. Africa itself calls him the Grandfather of Afro music. Born in 1933 in Cameroon, he left his homeland in 1949 to go and study music in Europe. That’s where he discovered jazz stars like Louis Armstrong, Duke Ellington, Lester Young and Charlie Parker. He plays the sax in many jazz clubs, baring his musical soul. 1960 was the time of the revolutions of independence in Africa and when the great Zairian maestro Kabasele asked him to join his band, he went back to his continent and enriched (as a musician and researcher) his own knowledge of traditional African music. He recorded an incredible number of albums (he says ”about forty!”) and went on tour, visiting the majority of African countries. Musica 195 Pole Nonostante il background musicale e la forte passione per la scena dance, Stefan Betke alias Pole è senz’altro meglio conosciuto ai più per i suoi progetti di dub minimale. Attivo remixer, proprietario dell’etichetta Scape, musicista e dj, ingegnere del suono, promoter, titolare di uno studio di registrazione e produttore, Pole è uno degli artisti più competenti nel panorama della musica contemporanea. Ma soprattutto è un musicista capace di assemblare sonorità che non sono connabili in nessun genere prestabilito, se non quello estremamente personale, profondo e sperimentale. Per Pole, conta la qualità del contenuto/risultato e soprattutto il tessuto che ci circonda; non a caso tre, tra i suoi primi album, portano il nome di Blue (1998), Red (1999) e Yellow (2000). Come praticamente tutti gli artisti di Berlino è impegnato come dj nei club, per gli show in radio e festival, ma quello che lo contraddistingue è la ricerca continua nell’esaltazione della tecnica e della mescolanza di suoni inconsueti che spaziano dal jazz sperimentale all’hip hop, all’elettronica. Come un unico usso sonoro. Oltre che per la sua label Scape, faro guida del panorama dub mondiale, Pole produce per la Mute (factory fra le più importanti al mondo) e svariate altre etichette, collaborando con artisti del valore di John Tejada e Depeche Mode. www.scape-music.de Pole Despite his musical background and a deep love for the dance scene, Stefan Betke AKA Pole is undoubtedly best known to most for his minimal dub projects. An active remixer, owner of the label Scape, musician and DJ, sound engineer, promoter, owner of a recording and production studio, Pole is one of the most competent artists on the contemporary music scene. Above all, however, he’s a musician who’s able to assemble sounds that do not border on any agreed genre, other than a genre that’s extremely personal, deep and experimental. For Pole, it’s the quality of the content/result that matters and above all the fabric that surrounds it. There’s little wonder then that his rst three albums were called Blue (1998), Red (1999) and Yellow (2000). Just like virtually all artists from Berlin, he works as a DJ in clubs and radio and festival shows, but what makes him stand out is his constant research in the fervour of technique and the mixing of unusual sounds ranging from experimental jazz to hip hop and electronic. Like one single ow of sound. As well as for his label Scape, a beacon of the world dub scene, Pole produces for Mute (one of the world’s leading factories) and various other labels, working with leading artists such as John Tejada and Depeche Mode. Progetto Scuola 198 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Gli studenti e il caos Il “Progetto Scuola” di Linea d’Ombra Festival Culture Giovani si svolge da molti anni e con successo, coinvolgendo migliaia di ragazzi delle scuole medie superiori della provincia di Salerno. Potremmo considerarlo come un percorso di avvicinamento al Festival. Un percorso signicativo e importante per capire come il cinema è accolto dai più giovani, come questi lo usano per provare a interpretare il mondo in cui vivono, in che modo il cinema li emoziona e li aiuta in una fase tanto bella quanto difficile come quella dell’adolescenza. Tra le tante cose che ci restano impresse di questa avventura, le più belle nascono dalle riessioni degli studenti, dalle discussioni che si innescano alla ne di ogni proiezione e anche da quelle che nascono dopo in classe e nei gruppi di coetanei. So che questo accade e per noi è la più la più grande delle soddisfazioni. The School Project of Linea d’Ombra Festival Culture Giovani has taken place for many years with great success, involving thousands of children in high schools in the province of Salerno. We can regard it as a means of approaching the Festival. It is an important and signicant way of understanding how cinema is perceived by young people, how they use it to try to interpret the world in which they live, how cinema involves them emotionally and helps them in a stage of life, adolescence, which is as wonderful as it is difficult. Among the many things that stay with us from this adventure, the best aspects come from the reections of the students, from the discussions that are triggered at the end of each projection and also from those that occur afterwards in class and in peer groups. I know that this happens and it gives us great satisfaction. Progetto scuola 199 Elenco delle scuole che hanno aderito al Progetto Scuola/Linea d’Ombra 2009 con i relativi responsabili: Istituto Magistrale A. Galizia Nocera Inferiore Paola Sinatore Istituto Tecnico per il Turismo Flavio Gioia Amal e Maiori Gorga Maria Tina Istituto Prof. di Stato per Serv. Comm e Turist. Polla Petroni Maria Istituto Statale d’Istruzione Superiore “Giovanni XXIII” Salerno Negri Gaetano Istituto Professionale di Stato per l’Agricoltura e l’Ambiente Angri Carlo de Fazio Liceo Regina Margherita Salerno Di Maro Marco Liceo Classico G. Vico Nocera Inferiore Caporaso Gianfranca Istituto Tecnico Commerciale M. Della Corte Cava dei Tirreni Senatore Annamaria Liceo Scientico A. Genoino Cava dei Tirreni Vitolo Francesco Istituto Tecnico per Geometri L. Vanvitelli Nocera Superiore Nasti Giuseppa Istituto Tecnico per Geometri L. Vanvitelli Cava dei Tirreni Salsano Annamaria Liceo Classico F. De Sanctis Salerno Del Bufalo Maria Liceo Artistico A. Sabatini Salerno Baldi Marilena Istituto Tecnico Commerciale G. Amendola Salerno Iannone Leonilde ITAS S. Caterina Salerno Spacagna Gemma Istituto Professionale di Stato per i Servizi Sociali Sarno Manzo Carla Liceo Scientico Enrico Medi Battipaglia Gervasio MariaPia Istituto Tecnico Commerciale R. Kennedy Battipaglia Alfano Biagio Liceo Scientico G. Da Procida Salerno Babbino/Albanese Istituto d’Arte Filiberto Menna Salerno Tafuri Cristina Istituto Tecnico Industriale B. Focaccia Salerno Tartaglia Massimo Istituto Tecnico Industriale B. Focaccia Baronissi Ansanelli Nicola Liceo Scientico B. Rescigno Roccapiemonte Sessa Vincenzina Liceo Scientico G. Galilei Sarno Vaccaro Giovanna 200 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Gomorra Totò, tredici anni, porta la spesa a domicilio nelle case del vicinato, ma sogna di affiancare i grandi, quelli che girano in macchina, indossano i giubbotti antiproiettile, contano i soldi e i loro morti. Per diventare grandi, a Scampia, è necessario scambiare l’adolescenza con una pistola. Come accade a Marco e Ciro, che trovano le armi dei clan e credono di essere invincibili e mettere paura, ma c’è sempre chi ne ha meno di loro. Si può cambiare mestiere, come fa Pasquale, che dalla confezione in nero di abiti d’alta moda passa a guidare i camion della camorra in giro per l’Italia, ma non si esce dal Sistema che controlla tutto. E quando Roberto si lamenta di un posto redditizio e sicuro nel campo dello smaltimento dei riuti tossici, Franco, il suo datore di lavoro, lo ammonisce: “non credere di essere migliore di me”. Il lm è tratto dal libro di Roberto Saviano, scrittore oggi costretto a vivere sotto scorta a causa delle minacce delle camorra. 13-year-old Totò takes the shopping to the homes in his neighbourhood, but he dreams of joining the grown-ups that drive around in their cars wearing bullet-proof vests, counting their money and their dead. To become a grown-up in Scampia, you have to exchange your adolescence with a gun. As happens to Marco and Ciro, who nd the clan’s arms and think they’re invincible, instilling fear, but there’s always someone who has less than them. You can change jobs, like Pasquale, who from tailoring black haute couture dresses starts to drive the lorries of organised crime around Italy, but can’t escape the System that controls everything. When Roberto moans about a protable, secure position in the eld of the disposal of toxic waste, Franco, his employer, warns him, “Don’t think you’re better than men”. The lm is based on the book by Roberto Saviano, a writer who is now forced to live under protection due to death threats from organised crime. Progetto scuola Matteo Garrone nato a Roma nel 1968, esordisce nel cinema con il corto Silhouette (1996), premiato al Sacher Festival e l’anno seguente realizza il suo primo lungometraggio Terra di Mezzo. Nel 1998 rma la co-regia, con Massimo Gaudioso e Fabio Nunziata, del corto Un caso di forza maggiore e dirige Ospiti, il suo secondo lungometraggio. Nel 2000 presenta a Venezia Estate Romana. Il suo quarto lungometraggio, L’imbalsamatore (2002), è premiato al Festival di Cannes. Nel 2005 è in concorso al Festival di Berlino con il lm Primo Amore. Gomorra ha vinto il Gran Prix della Giuria al Festival di Cannes del 2008. Matteo Garrone was born in Rome in 1968, he made his debut in the cinema with the short lm Silhouette (1996), awarded at the Sacher Festival. The following year, he made his rst feature lm Terra di Mezzo. In 1998 he co-directed the short lm Un caso di forza maggiore with Massimo Gaudioso and Fabio Nunziata and directed Ospiti, his second feature lm. In 2000 he presented Estate Romana in Venice. His fourth feature lm, L’imbalsamatore (2002), was a winner at the Cannes Film Festival. In 2005 he competed at the Berlin Festival with the lm Primo Amore. Gomorra won the Grand Prix of the Jury at the 2008 Cannes Film Festival. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata 201 Gomorra Gomorra Matteo Garrone 2008 Italia 135’ Cast Salvatore Abbruzzese Gianfelice Imparato Maria Nazionale Toni Servillo Carmine Paternoster Soggetto Roberto Saviano Sceneggiatura Maurizio Braucci Ugo Chiti Gianni Di Gregorio Matteo Garrone Massimo Gaudioso Roberto Saviano Montaggio Marco Spoletini Fotografia Marco Onorato Produttore Domenico Procacci Produzione Fandango Rai Cinema Distribuzione 01 Distribution 202 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Non pensarci Stefano Cardini è un trentacinquenne che, dopo aver vissuto un accenno di fama come punk rocker, si ritrova disoccupato, senza idee, senza danzata e senza un letto in cui dormire. Abbandona Roma, la città dello spettacolo, fonte di confusione esistenziale, per far ritorno nella casa paterna, tipica villetta borghese con giardino, luogo ideale dell’ordine e dell’armonia, cose che a lui, disadattato e del tutto fuori dagli schemi, mancano. La sua famiglia infatti sembra vivere perfettamente adagiata nella consuetudine, serena nella banalità del quotidiano. Sembra, ma non è così in realtà. Stefano parte per cercare rifugio alle proprie inquietudine ma nisce a dover mettere ordine in quelle degli altri. Stefano Cardini is a thirty-ve year old who, after having had a bit of fame as a punk rocker, nds himself unemployed, without ideas, a girlfriend and a place to sleep. He leaves Rome, the home of showbiz and source of existential confusion, to go back to his family home, a typical bourgeois detached house with a garden, the ideal place for order and harmony, things which he is lacking, being maladjusted and out of the scheme of things. Indeed his family appear to live perfectly in this normalcy, serene in the banality of everyday life. That’s how it seems, but that’s not actually the case. Stefano leaves to seek refuge for his unease, but ends up having to sort out everyone else’s. Progetto scuola Gianni Zanasi è nato nel 1965 a Vignola, in provincia di Modena. Dopo gli studi in losoa a Bologna, si iscrive a una scuola di scrittura teatrale e a un corso di cinema diretto da Nanni Moretti. In seguito frequenta il Centro Sperimentale di Cinematograa di Roma dove, nel 1992, consegue il diploma di regia. Esordisce nel 1993 con il corto Le belle prove, che viene premiato al Festival di Torino. Due anni dopo riunisce lo stesso cast per il suo primo lungometraggio, Nella Mischia, selezionato alla Quinzaine des Realisateurs del Festival di Cannes. Successivamente gira quasi in contemporanea Fuori di me e A domani, che va in concorso a Venezia nel 1999. Nel 2004 il suo documentario La vita breve ma la giornata è lunghissima, ha una menzione speciale della giuria Mostra del cinema di Venezia. Nel 2007 torna in Laguna alle Giornate degli Autori con Non Pensarci. Gianni Zanasi was born in 1965 in Vignola, in the province of Modena. After studying philosophy in Bologna, he enrolled in theatre writing school and a cinema course run by Nanni Moretti. He then attended the Centro Sperimentale di Cinematograa in Rome, where he gained a diploma in directing in 1992. He made his debut in 1993 with the short lm Le belle prove, which won a prize at the Turin Film Festival. Two years later he brought together the same cast for his rst feature lm, Nella Mischia, selected at the Quinzaine des Realisateurs at the Cannes Festival. He then shot Fuori di me and A domani virtually at the same time, which competed at Venice in 1999. In 2004 his documentary La vita breve ma la giornata è lunghissima, had a special mention from the panel at the Venice Film Show. In 2007 he returned to the lagoon at Venice Days with Non Pensarci. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata Non pensarci Don’t think about it Gianni Zanasi 2008 Italia 109’ Cast Valerio Mastandrea Stefano Cardini Anita Caprioli Michela Cardini Giuseppe Battiston Sceneggiatura Gianni Zanasi Michele Pellegrini Fotografia Giulio Pietromarchi Musica Merci Miss Monroe Les Fauves Atomik Dog Produttore Beppe Caschetto Produzione Rita Rognani Pumkin Production ITC Movie La 7 Distribuzione 01 Distribution 203 204 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Si può fare La vicenda è tratta dalla vera storia della cooperativa “Noncello” di Pordenone formata ex malati di mente. Milano, primi anni Ottanta, Nello è un sindacalista dalle idee rivoluzionarie e perciò ritenuto scomodo dai suoi stessi compagni. Lo mandano a dirigere la Cooperativa 180, formata da malati di mente impegnati in inutili attività assistenziali. A stretto contatto con i suoi nuovi dipendenti, egli scova in ognuno di loro delle potenzialità nascoste, che decide di tirar fuori. Li fa lavorare in gruppo, sdando le incomprensioni di molti e il timore degli stessi familiari, e riesce a far loro realizzare opere non solo utili e belle ma anche ben retribuite. Sembra una scommessa vinta, ma la fragilità di qualcuno mette tutto in discussione e il gruppo precipita nel dramma, da cui si deve uscire con la forza del collettivo. The plot is based on the true story of the Noncello cooperative of Pordenone made up of former psychiatric patients. Milan, early 1980s, Nello is a trade unionist with revolutionary ideas, which is why he is regarded uncomfortably by his pals. They send him to manage Cooperativa 180, made up of psychiatric patients employed in useless welfare activities. In close contact with his new employees, he discovers the hidden potential in each of them, which he decides to bring out. He makes them work in groups, challenging the misunderstandings of many and the fear of their own relatives, and manages to make them create not only useful and beautiful work, but which is also well paid. He seems to have won the bet, but someone’s fragility questions it all and the group falls headlong into drama, which he has to get out of with the strength of the collective. Progetto scuola Giulio Manfredonia è nato a Roma nel1967, si è dedicato al cinema n dagli anni delle scuole superiori anche grazie allo zio Luigi Comencini. Nel 1985 è stato assistente alla regia de La storia, tratto dal libro di Elsa Morante. Il suo esordio come regista avviene però nel 1998 con il corto Tanti auguri, che vince il Nastro d’Argento e il premio come miglior cortometraggio al Festival di Annecy. Nel 2001 dirige Se fossi in te, il suo primo lungometraggio, a cui seguono il documentario Sono stato negro pure io del 2002 ed E’ già ieri del 2003. Giulio Manfredonia was born in Rome in 1967. He devoted himself to lm since his high school years also thanks to his uncle Luigi Comencini. In 1985 he was the director’s assistant of La storia, based on the book by Elsa Morante. However, his directing debut came about in 1998 with the short lm Tanti auguri, which won the Nastro d’Argento (Silver Ribbon) and prize as best short lm at the Annecy Festival. In 2001 he directed Se fossi in te, his rst feature lm, followed by the documentary Sono stato negro pure io in 2002 and E’ già ieri in 2003. Titolo Originale Titolo Inglese Regia Anno Nazione Durata 205 Si può fare You can do it Giulio Manfredonia 2008 Italia 111’ Cast Claudio Bisio Anita Caprioli Giuseppe Battiston Giorgio Colangeli Bebo Storti Soggetto Fabio Bonifaci Sceneggiatura Giulio Manfredonia Fabio Bonifaci Montaggio Cecilia Zanuso Fotografia Roberto Forza Musica Pivio e Aldo De Scalzi Produttore Angelo Rizzoli Produzione Rizzoli Film Distribuzione Warner Bros Italia 206 Indice 207 Indice Gerenze Presentazioni Vincenzo De Luca Angelo Villani Peppe D’Antonio Il Caffè Letterario di Virella Granese A un’amica di Peppe D’Antonio Diego De Silva Rosaria Capacchione Hamid Ziarati Caos: tra losoa, scienza e arte di Peppe D’Antonio Achille Bonito Oliva Umberto Curi Tito Tonietti La Galleria Paola Verrengia Alessandro Ciffo - Silicon Colors Il Plart di Mariapia Incutti Performing Art Il rito come caos di Agostino Riitano Chaos - Lenz Rifrazioni Nel - Alessandro Bergonzoni Street Band - Contrabbanda Street Band - Parata immagini/ Teatro Potlach Cinema Linee d’ombra e terre di conne di Peppe D’Antonio Passaggi d’Europa Better Things Dr. Alemán Eden Frankie is a womanizer Guidance The Higher Force 4 8 10 12 20 22 23 24 25 27 29 31 33 33 36 40 44 47 51 52 54 58 61 64 67 70 73 Corto Europa Corti ma non brevi di Luca Granato e Gaetano Maiorino 2 Birds L’arbitro Baba al Samah Il citofono Corrente Cronaca di un rapimento Day In/Day Out Del Blanco al Negro La determinazione dei generi L’estraneo Fata galbena care râde Horoscopo L’inganno Megatron Minitrip Monsieur Sélavy Murche Protect me from what I want Silba Perdia Veglia Vigilante Les Williams Fuori Concorso Beket La notte delle Catastro This is the end di Gianluca De Falco La cosa da un altro mondo The day after tomorrow Deep Impact Le dernier combat L’esercito delle 12 scimmie Fluido mortale Plan 9 from outer space 78 80 82 84 86 88 90 92 94 96 98 100 102 104 106 108 110 112 114 116 118 120 122 126 130 132 134 136 138 140 142 144 208 Linea d’Ombra_Festival Culture Giovani Cinema e Caos Al Caos, al Caos! Così è (se vi piace). di Sara Matetich 148 Il Caos di Pietro Simone Di Chiara 152 Il caos della natura, fra letteratura e percezione di Francesco Marino Iandiorio, Martina Autuori e Pietro Simone Di Chiara 154 Caos e / è Cinema di Sebastiano Maritato, Dario Di Stefano, Attilio Di Lauro e Mariaelena Massa 158 Obiettivo Caotico di Floriana Bonifacio, Milena Talento e Assunta Catoio 162 eXistenZ 166 Le valigie di Tulse Luper 168 Pulp Fiction 170 Workshop stage e premi Linea d’Ombra Giuseppe Maurizio Laganà 174 Valentina Lodovini Michele Riondino Massimo Venier Fabio De Luigi Davide Ferrario Musica Electronik sound di Eddy Palescandolo Tra musica e parole: Teresa De Sio ed Enrico De Angelis Social network - Akufen, Alessio Bertallot, Jahcoozi, Kangding Ray e Lucio Luongo KaosKoncerto - Enzo Avitabile & I Bottari, Manu Dibango e Pole Progetto Scuola Gli studenti e il caos di Peppe D’Antonio Elenco delle scuole partecipanti Gomorra Non pensarci Si può fare 177 178 179 180 181 184 186 188 193 198 199 200 202 204