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SOMMARIO THE FINE DINING WATERS Equilibra celebra 30 anni all’insegna del benessere e della bellezza! Grazie a Te, siamo diventati ciò che siamo, una “family company” che si è fatta bandiera della qualità italiana nel mondo. /DQRVWUDVƋGDSHULOIXWXURJXDUGDDOODULFHUFDDOOŚLQQRYD]LRQHDOEHQHVVHUHHDOODEHOOH]]D PDVRSUDWWXWWRDGDSSRUWDUHXQEHQHƋFLRQHOODVRFLHW¡LQFXLYLYLDPR 8QFRUUHWWRVWLOHGLYLWDSHULOFRUSRFRUULVSRQGHDGXQFRUUHWWRVWLOHGHOOŚDQLPD FKHFLVFKLHUDLQSULPDOLQHDSHUXQLPSHJQRVRFLDOHVHULRHFRVWDQWH (www.equilibra.it/essereDonna). Equilibra: perché Tu ci stai a cuore. La Fondazione Sandretto Re Rebaudengo è un centro 4)60T%68)'328)1436%2)%23463æ8. Da più di vent’anni, l’obiettivo della Fondazione è sostenere e promuovere i giovani artisti e far conoscere ad un pubblico sempre più ampio i fermenti e le tendenze più attuali nel panorama dell’arte contemporanea internazionale. Il vasto campo delle arti visive Q4-8896%A7'90896%A*383+6%æ%A:-()3A-278%00%>-32- e performance – viene analizzato e proposto al pubblico non solo grazie alle mostre, ma anche attraverso molteplici attività didattiche ed eventi collaterali di approfondimento. Un luogo per l’aggiornamento di appassionati e conoscitori e per la formazione di chi al contemporaneo si deve ancora avvicinare. Ed Atkins Josh Kline Unemployment Harun Farocki Parallel I-IV Orari di apertura delle mostre Giovedì 20.00 – 23.00 Venerdì – Sabato – Domenica 12.00 – 19.00 Sostengono l’attività della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo @fondazionesandretto MOLE ANTONELLIANA - TORINO 6 OTTOBRE 2016 > 9 GENNAIO 2017 www.centrodelcorto.it www.centrodelcorto.it IN COLLABORAZIONE COLLABORAZIONE CON IN CONJUNCTION CONJUNCTION WITH MAIN MEDIA PARTNER PA ARTNER Con il patrocinio SE TT IM A N A L E DI C IN E M A CA M SI TV OD E V ISI O N E M .C O M L’ U NI TEL ES PETTACOLO FI L Ve t t o r e u f f i c i a l e CO Sindacat o Nazionale Giornalisti Sindacato Cinema togrra afici Italiani Cinematografi TorinoFilmLab Meeting Event, Awards & Films 23-25 novembre 2016 25 film realizzati nel 2016, 12 nella sezione del Torino Film Festival dedicata al TorinoFilmLab. Mentre 300 professionisti del cinema mondiale sbarcano in città per incontrare i film del futuro, il TFL porta a Torino i suoi successi internazionali. Scopriteli tutti! E non perdete: The Happiest Day in the Life of Olli Mäki di Juho Kuosmanen, vincitore di Un Certain Regard a Cannes (Festa Mobile); Godless di Ralitza Petrova, Pardo d’Oro a Locarno (sezione TFL); Jesús di Fernando Guzzoni in concorso Torino 34. supported by promoted by technical partners main venues THE FINE DINING WATERS sponsor media partner Scarica l’App, scopri il programma e acquista il tuo biglietto. YOUR VISION FOR ALL Access Services for the Sensory Impaired YOUR VISION IN ANY LANGUAGE DAL 1932, MERAVIGLIA ITALIANA. APPUNTAMENTI MUSEO NAZIONALE DEL CINEMA E TORINO FILM FESTIVAL DOMENICA 20 NOVEMBRE ORE 18.30 INCONTRO CON GABRIELE SALVATORES ‘IL CINEMA E LA POETICA DEL TERRITORIO’ Conduce Enrico Magrelli Alba, Teatro Sociale LUNEDÌ 21 NOVEMBRE ORE 18.30 INCONTRO CON GABRIELE SALVATORES E EZIO BOSSO ‘CINEMA E MUSICA’ Conduce Alberto Barbera Torino, Auditorium grattacielo Intesa Sanpaolo Ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria a partire da lunedì 14 novembre, ore 10 su www.torinofilmfest.org MARTEDÌ 22 NOVEMBRE ORE 20.30 2^ EDIZIONE PREMIO CABIRIA Cena di gala, charity Torino, Hotel Principi di Piemonte Il Premio “Cabiria”, alla sua seconda edizione, viene assegnato a un regista, un attore o un’attrice che si siano particolarmente distinti per la loro attività nel corso dell’anno. Il Premio prende il nome dal capolavoro del cinema muto italiano realizzato a Torino da Giovanni Pastrone nel 1914, divenuto fonte di ispirazione per innumerevoli artisti di tutto il mondo, che hanno contribuito con la loro creatività allo sviluppo del linguaggio e dell’estetica del cinema. VENERDÌ 25 NOVEMBRE ORE 19.00 1^ EDIZIONE PREMIO LANGHE-ROERO E MONFERRATO A PAOLO SORRENTINO Cocktail di gala, charity Torino, Palazzo della Luce Il Torino Film Festival e il Museo Nazionale del Cinema, in collaborazione con la Regione Piemonte, hanno istituito il ‘Premio Langhe – Roero e Monferrato’, che verrà attribuito annualmente, a partire da questa edizione, ad un autore o attore cinematografico di rilevanza internazionale. Il Premio Langhe-Roero e Monferrato nasce all’insegna del legame profondo tra valorizzazione del patrimonio artistico, vocazione culturale della regione e i successi di quella cultura del vino che ha portato al riconoscimento del territorio quale parte integrante del Patrimonio Mondiale UNESCO, per questo motivo il premio consisterà in 100 bottiglie dei migliori vini della zona. Il premio verrà assegnato quest’anno a Paolo Sorrentino, Premio Oscar 2014, in occasione di una serata speciale organizzata nell’ambito del Torino Film Festival. Sommario Contents GIURIE/JURIES IX PREMI/AWARDS TORINO 34 GRAN PREMIO TORINO CLICCA SULLE SEZIONI COLORATE PER ACCEDERE AI FILM XVI 1 2016 17 FESTA MOBILE I FILM FILM COMMISSION PREMIO MARIA ADRIANA PROLO VINTAGE 21 28 68 70 71 CINQUE PEZZI FACILI 87 AFTER HOURS I FILM 95 98 TFFDOC INTERNAZIONALE.DOC ITALIANA.DOC FUORI CONCORSO LOVE 117 120 131 139 145 ITALIANA.CORTI 153 ONDE I FILM ARTRUM FAROCKI 167 170 186 194 TORINOFILMLAB 201 COSE CHE VERRANNO. LA TERRA VISTA DAL CINEMA 215 I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK 229 TORINO SHORT FILM MARKET 241 INDICI/INDEX 245 TORINO FILM FESTIVAL via Montebello 15 - 10124 Torino Tel: +39 011 8138811 Fax: +39 011 8138890 [email protected] www.torinofilmfest.org 34° TORINO FILM FESTIVAL 18 - 26 novembre 2016 direttore Emanuela Martini guest director Gabriele Salvatores segretario generale Bruna Ponti con la collaborazione di Giulia Denti (stagista) assistente alla direzione e rapporti con gli autori Mara Signori con la collaborazione di Paola Ramello coordinamento del programma e ricerca film Luca Andreotti con la collaborazione di Salvo Cutaia logistica Flavio Armone MUSEO NAZIONALE DEL CINEMA presidente Paolo Damilano direttore Alberto Barbera assistente di direzione e coordinamento dei festival Angela Savoldi vice direttore e conservatore capo Donata Pesenti Campagnoni comunicazione, promozione, pr Maria Grazia Girotto ufficio stampa Veronica Geraci SOMMARIO tffdoc, italiana.corti Davide Oberto con la collaborazione di Paola Cassano, Mazzino Montinari, Séverine Petit organizzazione e rapporti con gli autori Paola Cassano Iacopo Bertolini (stagista) onde Massimo Causo con la collaborazione di Roberto Manassero consulenti per la selezione Pier Maria Bocchi, Chiara Borroni, Federico Gironi, Barbara Grespi, Federico Pedroni corrispondenti Rodrigo Diaz (America Latina), Jim Healy (Nord America) coordinatore generale Daniele Tinti retrospettiva «cose che verranno. la terra vista dal cinema» Emanuela Martini con la collaborazione di Luca Andreotti amministrazione Erika Pichler comunicazione e marketing Maria Grazia Girotto con la collaborazione di Bianca Girardi, Giovanna Lomonte, Alessandro Weber (stagista) montaggi clip Cristina Sardo pr internazionale Lucius Barre proiezione auditorium g. agnelli - lingotto e supervisione cinema digitale Angelo D’Alessio ufficio stampa Chicca Ungaro con la collaborazione di Tiziana Ciancetta, Flavia Corsano, Carolina Lucchesini, Paolo Morelli, Alberto Nota supervisione proiezioni pellicola Sergio Geninatti Chiolero comunicazione web Nicola Assetta (coordinamento), Guglielmo Maggioni (sito), Cristina Gallotti, Marco Petrilli (documentazione), Chiara Borroni, con la collaborazione di Chiara Lenzi (social network), ITS - ICTPiemonte (documentazione video), Alessio De Marchi (traduzioni) sottotitoli elettronici Sub-Ti Limited, Londra servizi fotografici IED Torino conferenze stampa (moderatore) Bruno Fornara ufficio ospitalità Elisa Liani con la collaborazione di Dina Buzio, Dario Cazzola, Paolo Giannini ufficio accrediti Alberto Bianca (responsabile), Stefano Blangetti, Alessio Oggianu interpreti Anna Ribotta, Marina Mocetti Spagnuolo, Giliola Viglietti, Imsuk Jung, Asuka Ozumi biglietteria elettronica Soft-Solutions, Torino servizio maschere REAR Soc. Coop., Grugliasco autisti Agenzia per il Lavoro Gi Group Spa, Torino manifesto Concept & Art Direction: Independent Ideas logo e grafica Flarvet, Torino trasporti DHL International Spa coordinamento autori Paola Ramello, con la collaborazione di Bianca Bertola, Simona Carnino, Raffaella Giordana, Glenda Manzetto, Ricke Merighi, Elisa Micalef, Lucia Parato auto Fiat segreteria giurie Federica Ceppa, Simona Ceppa, Silvia Fessia con la collaborazione di Bob Liew sigla Enarmonia, Chicca Richelmy (regia), Fabio Barovero (musica) tff lounge coordinamento organizzativo Tiziana Tortarolo coordinamento volontari Piero Valetto amministrazione Andrea Merlo regia cerimonie apertura e chiusura Dario Ceruti SOMMARIO allestimento sale per videoproiezioni Euphon (Pierluigi Patriarca, supervisione) servizi assicurativi Reale Mutua Assicurazioni ideazioni e progetto uffici temporanei e installazioni Elena D’Agnolo Vallan, Marco Ostini Allestimenti: Ideazione Srl, Torino Interfiere stand & exhibition, Moncalieri cleaning services Multiservizi, Torino agenzia viaggi Amarganta Viaggi, Torino Protravel Inc., NYC CATALOGO 2016 PROGETTO GRAFICO E IMPAGINAZIONE Maicol Casale TESTI Cristina Gallotti, Roberto Manassero, Marco Petrilli TRADUZIONI Mara Dompè, Gail McDowell, Olivia Jung © 2016 Museo Nazionale del Cinema Fondazione Maria Adriana Prolo ISBN 978-88-902095-5-0 SOMMARIO Associazione Amici del Torino Film Festival info: ASSOCIAZIONE AMICI DEL TORINO FILM FESTIVAL via Montebello 15 10124 Torino Italia L’Associazione è stata promossa da giovani imprenditori e professionisti per concretare un impegno a sostegno del dialogo tra le culture e le esperienze dell’universo giovanile, della creatività artistica, della formazione professionale dei giovani. L’Associazione affianca istituzionalmente il Festival mettendo a disposizione risorse finanziarie, competenze e servizi professionali, per promuoverlo e valorizzarlo e per diffondere una maggiore consapevolezza del valore culturale, sociale, economico e d’immagine che il Festival ha per Torino e per le nuove generazioni. L’Associazione organizza inoltre nel corso dell’anno attività riservate ai soci, quali anteprime cinematografiche e altre iniziative. The Association Friends of the Torino Film Festival The Association Friends of the Torino Film Festival is promoted by young entrepreneurs and professionals in order to encourage and support the dialogue between the culture and the experiences of young people, their artistic creativity, and their professional schooling. The Association is an institutional support for the Festival, offering financial resources, expertise and professional services; it promotes and valorizes the Festival, and heightens its image as a vehicle of cultural, social and economic values for Turin and for the young generations. Throughout the year, the Association also organizes activities reserved to its members, such as film previews and other initiatives. soci benefattori Armando Testa Spa Camera Commercio Industria Artigianato Agricoltura - Torino Euphon Fondazione CRT soci benemeriti Gruppo Giovani Imprenditori Unione Industriale di Torino Confederazione Nazionale Artigianato Kodak soci sostenitori Gruppo Giovani Imprenditori API - Torino Lega Cooperative Torino Alberghina Studio Ottica Orange Essegierre Unione Giovani Dottori Commercialisti di Torino UTET soci onorari Art Directors Club Italiano British Council Centre Culturel Français Goethe Institut Juventus F.C. soci ordinari Giancarlo Baraldo Franco Carrer Piera Detassis Richi Ferrero Bruno Gambarotta Carlo Gonella Luciana Littizzetto Monica Mailander Luca Martini Ugo Nespolo Domenico Siniscalco Gigi Venegoni presidente Lorenzo Jona Celesia vice presidenti Andrea Alberghina Paola Goffi Davide Varvello segretario e tesoriere Emanuela Barreri comitato direttivo Andrea Alberghina Emanuela Barreri Mauro Boglione Paola Goffi Massimo Moretto Lorenzo Jona Celesia Cosimo Palumbo Davide Varvello SOMMARIO Associazione Festival Italiani di Cinema info: ASSOCIAZIONE FESTIVAL ITALIANI DI CINEMA (AFIC) via Faà di Bruno 67 00195 Roma Italia Nel complesso del sistema audiovisivo italiano, i festival rappresentano un soggetto fondamentale per la promozione, la conoscenza e la diffusione della cultura cinematografica e audiovisiva, con un’attenzione particolare alle opere normalmente poco rappresentate nei circuiti commerciali come ad esempio il documentario, il film di ricerca, il cortometraggio. E devono diventare un sistema coordinato e riconosciuto dalle istituzioni pubbliche, dagli spettatori e dagli sponsor. Per questo motivo e per un concreto spirito di servizio è nata nel novembre 2004 l’Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC). Gli associati fanno riferimento ai principi di mutualità e solidarietà che già hanno ispirato in Europa l’attività della Coordination Européenne des Festivals. Inoltre, accettando il regolamento, si impegnano a seguire una serie di indicazioni deontologiche tese a salvaguardare e rafforzare il loro ruolo. L’AFIC nell’intento di promuovere il sistema festival nel suo insieme, rappresenta già oggi più di trenta manifestazioni cinematografiche e audiovisive italiane ed è concepita come strumento di coordinamento e reciproca informazione. Aderiscono all’AFIC le manifestazioni culturali nel campo dell’audiovisivo caratterizzate dalle finalità di ricerca, originalità, promozione dei talenti e delle opere cinematografiche nazionali e internazionali. L’AFIC si impegna a tutelare e promuovere, presso tutte le sedi istituzionali, l’obiettivo primario dei festival associati. The Association of Italian Film Festival Within the framework of the Italian audiovisual system, festivals represent a fundamental means for the promotion, knowledge and diffusion of film and audiovisual culture, with particular attention to works that normally receive little attention in commercial circuits, like documentaries, research films and shorts.They must also become a coordinated system that is recognized by public institutions, spectators and sponsors. For this reason, and in a concrete spirit of service, the Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC) was created in November 2004. Association members adhere to the principals of mutuality and solidarity that inspire the activities of the Coordination Européenne des Festivals in Europe. Moreover, by accepting the regulations, they promise to follow a series of deontological indications whose purpose is to safeguard and strengthen their role. AFIC’s aim is to promote the festival system as a whole, and already today it represents over thirty Italian cinematographic and audiovisual manifestations. It has been conceived as an instrument of coordinated and reciprocal information. AFIC members include cultural manifestations in the audiovisual field that are characterized by research, originality and the promotion of talents and cinematographic works, both at home and abroad. AFIC also strives to protect and promote at every institutional level the primary objective of the associated festivals. SOMMARIO TorinoFilmLab info: TorinoFilmLab via Cagliari 42 10153 Torino Italia Tel: +39 011 237 92 21 [email protected] www.torinofilmlab.it Lanciato nel 2008, il TorinoFilmLab sostiene filmmaker emergenti da tutto il mondo attraverso attività di formazione, sviluppo di progetti e finanziamento alla produzione e alla distribuzione e può vantare quasi settanta film completati, presentati nei maggiori festival del mondo e distribuiti a livello internazionale. Il 34° Torino Film Festival ospita la nona edizione del TorinoFilmLab Meeting Event (23-25 novembre), evento che coinvolge trecento professionisti dell’industria cinematografica presenti in città per incontrare i «film del futuro» e un forum di coproduzione internazionale in cui vengono presentati pubblicamente i progetti sviluppati all’interno dei programmi del TorinoFilmLab, i migliori dei quali saranno premiati con finanziamenti alla produzione e altri premi collaterali. Il 2016 è stato un anno particolarmente ricco di risultati, con venticinque film lanciati in festival come Sundance, Rotterdam, Berlinale, Cannes, Karlovy Vary, Locarno, Venezia e molti altri. A Cannes, cinque lungometraggi targati TorinoFilmLab si sono aggiudicati altrettanti premi, tra cui il premio Un certain regard, il Nespresso Grand Prize della Semaine de la critique e i due premi Fipresci delle stesse sezioni. A Locarno il TorinoFilmLab si è aggiudicato il Pardo d’oro, e a Venezia il premio per la miglior regia nel Concorso Orizzonti. Tra i ben quattordici film targati TorinoFilmLab presenti quest’anno al Festival, ricordiamo: The Happiest Day in the Life of Olli Mäki di Juho Kuosmanen (Festa Mobile), Godless di Ralitza Petrova (sezione TorinoFilmLab) e Jesús di Fernando Guzzoni (Torino 34). TorinoFilmLab Launched in 2008, TorinoFilmLab supports emerging filmmakers from all over the world through training, development, production & distribution funding activities; TFL can boast almost seventy completed films, presented in major international festivals worldwide and widely distributed internationally. The 34 Torino Film Festival hosts the ninth edition of the TorinoFilmLab Meeting Event (November, 23-25), which involves three hundred industry professionals coming to town to meet the “films of the future;” an international co-production forum where the projects developed within the various TorinoFilmLab programmes are presented publicly, and the best of them are rewarded with production grants as well as several other collateral prizes. 2016 has been especially rich of results for TFL, with twenty-five films launched at festivals such as Sundance, Rotterdam, Berlinale, Cannes, Karlovy Vary, Locarno, Venice and many others. In Cannes five TFL-supported feature films won as many prizes, among which the Un certain regard Prize, the Nespresso Grand Prize of the Semaine de la critique and the two FIPRESCI Awards of the same sections. A TorinoFilmLab movie gained the highest honour of the Golden Leopard in Locarno, and in Venice another one was awarded for Best Directing in the Orizzonti competition. The Happiest Day in the Life of Olli Mäki by Juho Kuosmanen (Festa Mobile), Godless by Ralitza Petrova (TorinoFilmLab section) and Jesús by Fernando Guzzoni (Torino 34) are only some of the highlights among the fourteen TorinoFilmLab films presented at Torino Film Festival this year. TH VII SOMMARIO 34° TORINO FILM FESTIVAL Gran Premio Torino 2016 Istituito nel 2009, il Gran Premio Torino è un riconoscimento assegnato ogni anno ai cineasti che, dall’emergere delle nouvelle vague in poi, hanno contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del cinema contemporaneo. In questa edizione, il premio sarà assegnato a uno dei massi direttori della fotografia del cinema mondiale: Christopher Doyle. Nato in Australia all’inizio degli anni Cinquanta, fuggito di casa appena maggiorenne, passato negli anni Settanta per Israele, l’India, la Thailandia e Taiwan, Doyle (che dopo aver abbracciato la cultura e la lingua cinese ha cominciato a farsi chiamare anche con il nome acquisito Du Ke Feng), ha esordito nel cinema all’inizio degli anni Ottanta ed è diventato in breve tempo uno dei più grandi direttore della fotografia degli ultimi decenni. Celebre soprattutto per il sodalizio artistico con Wong Kar-wai, Christopher Doyle ha legato il proprio nome anche a registi come Stanley Kwan, Chen Kaige, Zhang Yimou, Gus Van Sant, Jim Jarmusch, Neil Jordan, M. Night Shyamalan, Alejandro Jodorowsky. In omaggio all’artista, il Festival presenterà due film: Wind di Saw Tiong Guan, cortometraggio in cui Doyle si racconta alla macchina da presa, e Port of Call di Philip Yung, thriller di Hong Kong la cui fotografia è ovviamente firmata da Doyle stesso. Gran Premio Torino 2016 Created in 2009, the Gran Premio Torino is an award given every year to filmmakers who, from the rise of the Nouvelles Vagues on, have contributed to the renewal of the film language, to the creation of new aesthetic models and to the popolurization of the most significant trends in contemporary cinema. This year, the award will be given to one of world cinema’s greatest directors of photography: Christopher Doyle. Born in Australia in the early 1950s, Doyle ran away when he was eighteen and spent the 1970s in Israel, India, Thailand and Taiwan; after embracing China’s culture and its language, he began to also call himself Du Ke Feng. He debuted in film in the early 1980s and soon became one of the greatest cinematographers in recent decades. Christopher Doyle is famous above all for his artistic partnership with Wong Kar-wai, but he has also worked with directors such as Stanley Kwan, Chen Kaige, Zhang Yimou, Gus Van Sant, Jim Jarmusch, Neil Jordan, M. Night Shyamalan, and Alejandro Jodorowsky. In tribute to the cinematographer, the Festival will present two films: Wind by Saw Tiong Guan, a short in which Doyle talks about himself in front of the movie camera; and Port of Call by Philip Yung, a Hong Kong thriller whose photography is, of course, by Doyle himself. VIII SOMMARIO 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury TORINO 34 edward lachman a.s.c. PRESIDENTE DELLA GIURIA PRESIDENT OF THE JURY (Usa), stimato e pluripremiato direttore della fotografia, ha collaborato con registi come Haynes, Soderbergh, Altman, Sofia Coppola, Herzog, Wenders, Schlöndorff, Godard. Come artista visivo ha esposto opere in numerosi musei e gallerie in tutto il mondo. Con Carol (2015) e Lontano dal paradiso (2002) si è aggiudicato due nomination agli Oscar, mentre con la miniserie Hbo Mildred Pierce (2011) ne ha ottenuta una agli Emmy. Oltre al cinema di finzione, ha lavorato molto anche nel documentario e nel cinema sperimentale. (USA) is a revered and award-winning cinematographer who has collaborated with directors such as Haynes, Soderbergh, Altman, Sofia Coppola, Herzog, Wenders, Schlöndorff, Godard, among others. He is also known as a visual artist that has exhibited his works in many museums and galleries throughout the world. His work in Carol (2015) and Far from Heaven (2002) garnered him Academy Award nominations and the HBO miniseries Mildred Pierce (2011) earned him an Emmy nomination. In addition to narrative features, he also consistently contributed to experimental and documentary genres. don mckellar (Canada), scrittore, regista e attore, ha scritto Highway 61 (1991) e Dance Me Outside (1994) e Il violino rosso (1998). Ha ricevuto un Genie Award per il suo ruolo in Exotica di Atom Egoyan e il Prix de la jeunesse a Cannes per il suo debutto alla regia, Last Night (1998). Altre apparizioni cinematografiche e televisive includono eXistenZ di David Cronenberg e False verità di Egoyan. Ha inoltre collaborato all’adattamento cinematografico di Cecità di José Saramago. Tra i suoi lavori più recenti, The Grand Seduction, premiato nel 2014 con un Directors Guild of Canada Award per la regia. IX SOMMARIO (Canada) is a writer, director and actor. He was the screenwriter of Highway 61 (1991), and cowriter of Dance Me Outside (1994) and The Red Violin (1998). He received a Genie Award for his role in Atom Egoyan’s Exotica and the Prix de la jeunesse at Cannes for his directorial debut, Last Night (1998). Other film and television appearances include David Cronenberg’s eXistenZ and Egoyan’s Where the Truth Lies. He collaborated on the film adaptation of Jose Saramago’s Blindness. His more recent work includes The Grand Seduction, for which he won a DGC Award for Best Direction in 2014. 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury TORINO 34 mariette rissenbeek (Paesi Bassi) ha studiato lingua e letteratura tedesca. Dopo un periodo in un’agenzia pubblicitaria a Berlino, è passata alla società di distribuzione cinematografica Tobis Film, dove ha lavorato alla coproduzione di Così lontano così vicino (1993) di Wim Wenders. Nel 1995 si è spostata alla Regina Ziegler Filmproduktion e ha poi fondato la propria società ad Amburgo e prodotto Highway Society (2000) di Mika Kaurismäki. Dopo aver lavorato alla Hofmann & Voges Entertainment di Monaco, nel 2002 è entrata alla German Films Service + Marketing GmbH, di cui oggi è direttrice generale. (The Netherlands) studied German language and literature. After working at an advertising agency in Berlin, she moved to the film industry and started working at the distribution company Tobis Film, where she was also involved in the coproduction of Wim Wenders’ Faraway, So Close! (1993). In 1995 she joined Regina Ziegler Filmproduktion. She then founded her own production company in Hamburg and produced Mika Kaurismäki’s Highway Society (2000). She later joined Hofmann & Voges Entertainment in Munich and in 2002 moved to German Films Service + Marketing GmbH, where she is currently General Manager. adrian sitaru (Deva, Romania, 1971) vive e lavora a Bucarest. Nel 2007 il suo cortometraggio Waves ha vinto il Pardino d’oro per il miglior cortometraggio a Locarno, mentre il primo lungometraggio Hooked (2008), presentato alle Giornate degli autori della Mostra di Venezia, lo ha consacrato come una delle voci più significative del nuovo cinema rumeno postcomunista. In questa edizione del Festival presenta due lavori: Illegitimate e Fixeur, entrambi del 2016. (Deva, Romania, 1971) lives and works in Bucharest. In 2007 the short film Waves brought him the Golden Leopard of Tomorrow in Locarno Film Festival. His debut feature film, Hooked, premiered at Venice Days in 2008 and established him as one of the most important new voice in Romanian post-communist cinema. In this edition of the Festival he presents two films: Illegitimate and Fixeur, both directed in 2016. hadas yaron (Israele, 1990) ha studiato teatro all’Aleph High School of the Performing Arts di Tel Aviv. Nel 2006 ha esordito nel cinema in Out of Sight di Lemarit Ain. Con il secondo film, La sposa promessa (2012) di Rama Burshtein, presentato alla Mostra di Venezia, ha vinto diversi riconoscimenti, tra cui la Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile. Un riconoscimento che ha ottenuto anche al Torino Film Festival nel 2014 grazie alla sua interpretazione nel film di Maxime Giroux Félix et Meira. L’anno scorso il Festival le ha conferito il premio 500X-Fiat Award per il film La felicità è un sistema complesso. X SOMMARIO (Israel, 1990) studied theatre at the Aleph High School of the Performing Arts in Tel Aviv. 2006 marked her film debut in Out of Sight by Lemarit Ain and her second movie, Fill the Void by Rama Burshtein (2012), received various prizes, including the Volpi Cup for Best Actress. She received a prize in this same category at the 2014 Torino Film Festival thanks to her performance in the film Félix et Meira by Maxime Giroux. Last year, the Festival gave her the 500X-Fiat Award for her role in La felicità è un sistema complesso. 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC kamal aljafari (Ramallah, Palestina, 1972) è stato tra gli artisti dell’edizione del 2009 del seminario di cinema Robert Flaherty a New York e nel biennio 2009-2010 è stato studente della borsa di studio Benjamin White Whitney all’Istituto Radcliffe di Harvard e al Film Study Center. Nel 2010 ha insegnato cinema alla New School di New York e dal 2011 al 2013 è stato responsabile del dipartimento di regia presso la Deutche und Fernsehakademie di Berlino. L’anno scorso ha presentato al Festival Recollection. (Ramallah, Palestine, 1972) was a featured artist at the 2009 Robert Flaherty Film Seminar in New York, and in 2009-2010 was the Benjamin White Whitney Fellow at Harvard University’s Radcliffe Institute and Film Study Center. In 2010, he taught film at the New School in New York City, and from 2011 to 2013 he was head of the directing program for the German Film and Television Academy (DFFB), Berlin. Last year he presented at Torino Film Festival Recollection. ann carolin renninger (Germania) ha studiato scienze culturali a Lipsia, Parigi e Strasburgo. Lavora come produttrice presso la casa di produzione Zero One Film, con sede a Berlino, e nel 2010 ha fondato la Joon Film, una piattaforma aperta alle collaborazioni tra artisti con cui produce film fuori dalle logiche di mercato e dalle tradizionali gerarchie della produzione cinematografica. Di recente ha lavorato con registi e artisti come Aleksandr Sokurov, René Frölke, Narimane Mari, Filipa César, Marta Popivoda, Anna Marziano. (Germany) studied cultural sciences in Leipzig, Paris and Strasbourg. She works as a producer for Zero One Film, Berlin, and founded in 2010 her own company Joon Film – an open platform for artistic collaborations. With joon film she follows the approach of producing films outside the market and traditional hierarchies of film production. She recently has worked and works with filmmakers and artists like Alexander Sokurov, René Frölke, Narimane Mari, Filipa César, Marta Popivoda, Anna Marziano. gaël teicher (Francia), nonostante il grande interesse (ma il poco talento) per la bicicletta e il rugby, è diventato produttore prima per la Pom Films e poi per La Traverse, producendo i film di Laurent Achard, Martin Verdet, Paul Vecchiali, Jean-Claude Brisseau. Ha lavorato anche come distributore per i film di Jean-Daniel Pollet, Idrissa Ouedraogo, Moustapha Alassane, e come editore di libri di cinema, in particolare su Jean-Daniel Pollet, Danièle Huillet e Jean-Marie Straub, Johan van der Keuken, Jean-François Laguionie e Stephen Dwoskin. XI SOMMARIO (France), despite his great interest in (but scarce talent for) cycling and rugby, became a producer, first at POM Films and then at La Traverse, producing films by Laurent Achard, Martin Verdet, Paul Vecchiali, and Jean-Claude Brisseau. He has also worked as a distributor for movies by Jean-Daniel Pollet, Idrissa Ouedraogo, and Moustapha Alassane, and as an editor of books on cinema, in particular about Jean-Daniel Pollet, Danièle Huillet and Jean-Marie Straub, Johan van der Keuken, Jean-François Laguionie and Stephen Dwoskin. 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury TFFDOC - I TA L I A N A . D O C eleonora danco (Italia) lavora come autrice, regista, attrice e performer in ambito teatrale. Ha esordito nel 1998 con Ragazze al muro, a cui sono seguiti nel 2000 Nessuno ci guarda e, nel corso degli anni, altre rappresentazioni come Me vojo sarvà, Ero purissima, Sabbia, Scroscio, La giornata infinita, Squartierati, Intrattenimento violento, Senza titolo 3 e Donna numero 4. Nel cinema ha invece lavorato con registi come Moretti, Bellocchio, Placido, Muccino, Avati, Scola. N-Capace (2014), suo primo lungometraggio, ha ricevuto due menzioni speciali al Torino Film Festival. (Italy) works as a playwright, director, actress, and performer for the stage. Her first play, Ragazze al muro (1998), was then followed by Nessuno ci guarda (2000), and, over the next few years, by the plays Me vojo sarvà, Ero purissima, Sabbia, Scroscio, La giornata infinita, Squartierati, Intrattenimento violento, Senza titolo 3 and Donna numero 4. As an actress for cinema, she has collaborated with Moretti, Bellocchio, Placido, Muccino, Avati, Scola. N-Capace (2014), her first feature as a filmmaker, won two Special Mention at Torino Film Festival. luciano rigolini (Italia) è un produttore indipendente. È stato responsabile delle acquisizioni per il canale televisivo Arte, per quanto riguarda il cinema d’autore documentario. Ha sempre cercato nuove forme narrative, col proposito di mantenere vivo e innovativo il cinema indipendente. Ha prodotto i lavori di registi come Chris Marker, Aleksandr Sukurov, Naomi Kawase, Alain Cavalier, Apichatpong Weerasethakul, Tsai Ming-Liang e Laurie Anderson, e ha scoperto diversi talenti emergenti. (Italy) is an independent producer. He was ARTE’s tv channel commissioning editor, where he was responsible for auteur documentary film. He has always sought new narrative forms, in the interest of keeping independent film alive and innovative. He produced works by directors such as Chris Marker, Alexander Sukurov, Naomi Kawase, Alain Cavalier, Apichatpong Weerasethakul, Tsai Ming-Liang and Laurie Anderson, and he also discovered many young talents. marcello sannino (Portici, Napoli, 1971), dopo aver lavorato come libraio, dal 2002 ha deciso di dedicarsi a tempo pieno al cinema. Oltre all’attività di regista, dal 2008 collabora con l’Arci Movie di Ponticelli, curando laboratori sul linguaggio cinematografico presso gli istituti di istruzione superiore. I suoi lavori sono stati spesso presentati al Torino Film Festival, dove nel 2010 Corde ha ricevuto il premio speciale della giuria e nel 2012 La seconda natura ha ottenuto la menzione speciale e il premio Ucca. XII SOMMARIO (Portici, Naples, Italy, 1971), after working as a bookseller, in 2002 began dedicating himself to cinema full time. Besides his activities as a director, in 2008 he started to collaborate with Arci Movie in Ponticelli, running laboratories on film language at institutes of higher learning. His works have often been presented at the Torino Film Festival, where, in 2010 Corde received the Special Jury Prize and in 2012 La seconda natura received a Special Mention and the UCCA Award. 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury I TA L I A N A . C O R T I colapesce © F A B R I Z I O VAT I E R I (Solarino, Siracusa, 1983) a quindici anni registra un brano con Roy Paci e da allora si dedica alla musica. Fonda gli Albanopower e poi, con lo pseudonimo Colapesce, pubblica un EP omonimo nel 2010. Due anni dopo esce con l’album Un meraviglioso declino, premiato con la Targa Tenco e il Pimi per il migliore esordio. Il 2015 è l’anno di Egomostro e della collaborazione con Alessandro Baronciani, con cui pubblica il graphic novel La distanza e dà vita agli spettacoli Concerto disegnato e Isola di Fuoco, ispirato a Vittorio De Seta. (Solarino, Syracuse, Italy, 1983) recorded a song with Roy Paci when he was fifteen and ever since then has dedicated himself to music. He founded the band Albanopower and then, using the pseudonym Colapesce, published a same-titled EP in 2010. Two years later, he released the album Un meraviglioso declino, which was awarded the Targa Tenco and the PIMI for Best New Artist. 2015 was the year of Egomostro and his collaboration with Alessandro Baronciani, with whom he published the graphic novel La distanza and created the shows Concerto disegnato and Isola di Fuoco, inspired by Vittorio De Seta. lucia veronesi (Mantova, 1976), diplomata in pittura all’Accademia di Brera di Milano, nel 2003 si è trasferita a Venezia, dove è cofondatrice di Spazio Punch, uno spazio culturale non profit con sede in Giudecca. I suoi lavori video, dove confluiscono pittura, collage e disegno, sono stati esposti in numerose mostre, in Italia e all’estero, tra cui Video Art Summer Nights di Tel Aviv, Othermovie a Lugano, il Montreal Underground Festival, la Fondazione Merz di Torino. Nel 2014 ha partecipato al Torino Film Festival con il documentario sperimentale Le cose da lontano realizzato con Valentina Bonifacio. (Mantova, Italy, 1976) graduated in painting from the Accademia di Brera in Milan; in 2003, she moved to Venice, where was one of the cofounders of Spazio Punch, a nonprofit cultural space. Her video works, which bring together painting, collages and drawings, have been shown at many exhibits, in Italy and abroad, including Video Art Summer Nights in Tel Aviv, Othermovie in Lugano, the Montreal Underground Festival, and the Fondazione Merz in Turin. In 2014 she participated at the Torino Film Festival with her documentary Le cose da lontano, codirected with Valentina Bonifacio. matteo zoppis (Roma, 1986) ha studiato regia alla New York University SCPS. Con il suo primo lungometraggio Il Solengo, codiretto con Alessio Rigo de Righi, ha vinto il premio speciale per il miglior film a DocLisboa, quello per il miglior documentario italiano al 33° Torino Film Festival, a Filmmaker e al Bellaria Film Festival. Il film è stato inoltre presentato in numerosi festival, tra cui Rotterdam, Göteborg, Cinéma du réel e Bafici. Vive e lavora a Berlino come regista e direttore della fotografia. XIII SOMMARIO (Rome, Italy, 1986) studied directing at the New York University SCPS. His first feature film, Il Solengo, which he co-directed with Alessio Rigo de Righi, won the Special Prize for Best Film at DocLisboa, and Best Italian Documentary at the 33 Torino Film Festival, at the Filmmaker and at the Bellaria Film Festivals. The film was also presented at many other festivals, including Rotterdam, Göteborg, Cinéma du réel, and BAFICI. He lives and works in Berlin as a director and cinematographer. RD 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury gianlorenzo franzì (Italia), ideatore di Buioinsala, un programma televisivo sul cinema, scrive su «Nocturno», la «Rivista del Cinematografo», «Teatro contemporaneo e Cinema», e sui siti nocturno.it e lameziaterme.it. Direttore artistico di diversi festival, ha creato la Ligeia d’argento all’interno del Festival di Lamezia Terme. Ha inoltre pubblicato i romanzi Come in cielo così in terra e We Are the Dead, e diversi libri di cinema, tra cui Voci notturne e Strade perdute, un dizionario di cinema in sette volumi. (Italy) created Buioinsala, a TV program on cinema, and writes for “Nocturno Cinema,” “Rivista del Cinematografo,” “Teatro contemporaneo e Cinema,” and the websites nocturno.it and lameziaterme.it. He is the artistic director of several festivals; at his festival Lamezia Terme, he created the Ligeia d’argento. He has published two novels, Come in cielo così in terra and We Are the Dead, and several books on cinema (Voci notturne, and Strade perdute, a dictionary of film in seven volumes). frédéric jaeger (Germania), caporedattore del portale critic.de, lavora come critico freelance per diverse pubblicazioni, tra cui il «Berliner Zeitung», lo «Spiegel Online», il «Taz Die Tageszeitung», il «Der Freitag», il «Kolik.Film» e il «Die Presse». Direttore artistico della Settimana della critica della Berlinale, è membro del consiglio dell’Associazione dei critici cinematografici tedeschi. (Germany) is editor in chief of critic.de. He works as a freelance critic for “Berliner Zeitung,” “Spiegel Online,” “Taz - Die Tageszeitung,” “Der Freitag,” “Kolik.Film,” “Die Presse” among others. He is artistic director of Berlin Critics’ Week, a parallel film and debate forum to the Berlinale, and member of the board of the German Film Critics’ Association. yael shuv (Israele), caporedattrice della sezione di critica cinematografica di «Time Out Tel Aviv» fin dalla pubblicazione del primo numero nel 2002, si è laureata all’Università di New York con una specializzazione in cinema. Attualmente tiene corsi di cinema alla Open University di Israele ed è inoltre stata consulente artistica per l’Israele Film Fund e membro della giuria in diversi festival internazionali come Locarno, Venezia e Rotterdam. XIV SOMMARIO (Israel) has been the chief film critic at “Time Out Tel Aviv” since the publication of its first issue in 2002. Having graduated from New York University with a master’s degree in cinema studies, she teaches film courses at the Open University of Israel. She has served as an artistic advisor for the Israeli Film Fund and as a juror in international film festivals such as Locarno, Venice and Rotterdam. 34° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury PREMIO CIPPUTI CIPPUTI francesco tullio altan (Treviso) ha frequentato la facoltà di architettura di Venezia e alla fine degli anni Sessanta ha vissuto a Roma, occupandosi di scenografia e sceneggiatura per il cinema e la televisione. Si è trasferito a Rio de Janeiro nel 1970 e nel 1974 ha iniziato a collaborare con giornali italiani. Tornato in Italia nel 1975, ha creato la Pimpa e ha pubblicato i suoi primi fumetti su «Linus». Due anni dopo è nato il suo personaggio più celebre, Cipputi. Le sue vignette di satira politica sono pubblicate regolarmente dall’«Espresso» e dalla «Repubblica». (Treviso, Italy) studied architecture in Venice and in the late 1960s moved to Rome, where he was involved in making sets and writing screenplays for films and TV. He moved to Rio de Janeiro in 1970 and in 1974 began collaborating with Italian newspapers. He returned to Italy in 1975, created Pimpa and published his first comic strips in “Linus.” Two years later, he created his most famous character, Cipputi. His satirical political cartoons are regularly published in “l’Espresso” and “la Repubblica.” claudio carabba (Siena, 1943), giornalista e critico cinematografico, ha lavorato per diverse testate, tra cui «La Nazione», «Paese Sera» e «L’Europeo», come inviato speciale e caporedattore di cultura e spettacoli. Attualmente tiene una rubrica di critica cinematografica sul settimanale «Sette» e collabora al «Corriere fiorentino». Fra i suoi libri Il cinema del ventennio nero (Vallecchi), Il fascismo a fumetti (Guaraldi) e Sogni proibiti, il cinema comico americano (Vallecchi). Per Einaudi ha curato l’antologia dedicata a Federico Fellini, Racconti umoristici. (Siena, Italy, 1943), journalist and film critic, has worked for various publications, including “La Nazione,” “Paese Sera” and “L’Europeo” as a special correspondent and as editor-inchief for culture and entertainment. At present, he writes film reviews for the weekly “Sette” and collaborates with “Corriere fiorentino.” His books include Il cinema del ventennio nero (Vallecchi), Il fascismo a fumetti (Guaraldi) and Sogni proibiti, il cinema comico americano (Vallecchi). For Einaudi, he edited the Federico Fellini anthology, Racconti umoristici. stefania casini (Italia), attrice, giornalista, regista e produttrice, ha recitato con registi come Bertolucci, Greenaway, Argento. Trasferitasi a New York alla metà degli anni Settanta, ha recitato in Il male di Andy Warhol (1976) di Jed Johnson e diretto con Francesca Marciano Lontano da dove (1983). Tornata in Italia, ha girato Un paradiso di bugie (1997) e prodotto e diretto i documentari Schiaffo alla mafia (2009), MADE IN Albania (2012), Le acque segrete di Palermo (2014). Ha inoltre ideato l’installazione Memorie perdute, parte del progetto sui migranti MARE NOSTRUM. XV SOMMARIO (Italy), actress, journalist, director and producer, has performed with directors such as Bertolucci, Greenaway, and Argento. After moving to New York in the mid-1970s, she appeared in Andy Warhol’s Bad (1976) by Jed Johnson and, with Francesca Marciano, directed Lontano da dove (1983). After returning to Italy, she directed Un paradiso di bugie (1997) and produced and directed the documentaries Schiaffo alla mafia (2009), MADE IN Albania (2012), and Le acque segrete di Palermo (2014). She also created the installation Memorie perdute, part of the project on migrants, MARE NOSTRUM. 34° TORINO FILM FESTIVAL Premi/Awards GRAN PREMIO TORINO a/to Christopher Doyle TORINO 34 Miglior film/Best Film: € 15.000 Premio speciale della giuria/ Special Jury Award Fondazione Sandretto Re Rebaudengo: € 7.000 Premio per la miglior attrice/ Best Actress Award Premio per il miglior attore/ Best Actor Award Premio per la miglior sceneggiatura/ Best Screenplay Award Premio del pubblico/Audience Award TFFDOC Miglior film/Best Film Internazionale.doc: € 5.000 Premio speciale della giuria/ Special Jury Award Internazionale.doc Miglior film/Best Film Italiana.doc, in collaborazione con/in collaboration with Persol: € 5.000 Premio speciale della giuria/ Special Jury Award Italiana.doc SOMMARIO PREMIO SCUOLA HOLDEN/ HOLDEN SCHOOL AWARD Premio per miglior sceneggiatura/ Best Script Torino 34 PREMIO ACHILLE VALDATA/ ACHILLE VALDATA AWARD Giuria dei lettori di «Torino Sette»/ Jury composed of readers of “Torino Sette” Miglior film/Best Film Torino 34 PREMIO AVANTI!/AVANTI! AWARD Distribuzione delle opere prime premiate nella rete dei cineforum e dei cineclub/Distribution of winning first films in the film forum and film club circuit Migliori cortometraggi e documentari italiani/Best Italian Shorts and Documentaries PREMIO FIPRESCI/FIPRESCI AWARD Miglior film/Best Film Torino 34 PREMIO GLI OCCHIALI DI GANDHI/GANDHI’S GLASSES AWARD Assegnato dal Centro Studi «Sereno Regis» (Torino) al film che meglio interpreta la visione gandhiana del mondo. È parte del progetto «Irenea, cinema e arte per la pace»/Awarded by the Centro Studi “Sereno Regis” (Turin) to the best movie representation of a Gandhi-like vision of the world. It’s part of the project «Irenea, cinema e arte per la pace» PREMIO CIPPUTI/CIPPUTI AWARD Premio alla carriera a/Life Time Achievement Award to Francesca Comencini Miglior film sul mondo del lavoro/ Best Film about the Work World PREMIO INTERFEDI/INTERFEDI AWARD Premio per il rispetto delle minoranze e per la laicità, attribuito dalla Giuria Interfedi/Interfedi Jury Award for the respect of minority rights and laity ITALIANA.CORTI Concorso cortometraggi italiani/ Italian Short Film Competition Premio Chicca Richelmy per il Miglior film: € 2.000, offerti da/offered by Associazione Chicca Richelmy Premio speciale della giuria/ Special Jury Award XVI P R E M I C O L L AT E R A L I / C O L L AT E R A L AW A R D S 34° TORINO FILM FESTIVAL Con il consueto piacere Regione Piemonte e Città di Torino salutano la nuova edizione del Torino Film Festival, una vetrina di grande prestigio e caratura internazionale che le istituzioni sostengono da sempre con convinzione. Il nostro impegno guarda sia alla qualità culturale espressa sia alla valorizzazione di lungo periodo messa in campo nel settore cinematografico, ambito strategico per lo sviluppo complessivo del territorio. Dopo tante edizioni di successo ci sembra doveroso sottolineare come il festival continui a mantenere alta la sua vocazione verso il cinema nuovo e intatta la voglia di esplorare il futuro. L’omaggio al punk, inteso come fenomeno culturale e generazionale sul quale interrogarsi a quarant’anni dagli esordi discografici, è un esempio di questa curiosità intellettuale aperta ai diversi linguaggi, che trova conferma anche nella scelta di un guest director d’eccezione come Gabriele Salvatores. Un ringraziamento va a tutti coloro che sono impegnati nella realizzazione di questa 34° edizione, con l’auspicio che il Torino Film Festival continui a rappresentare un momento di crescita per il Piemonte e di coinvolgimento di nuove fasce di pubblico, come avviene con la striscia di appuntamenti sul territorio del Moving TFF. Infine auguriamo al pubblico, che numeroso affollerà gli spazi del festival alla ricerca di quella magia che solo il cinema sa fornire, buon divertimento. Francesca Paola Leon Assessore alla Cultura Città di Torino Antonella Parigi Assessore alla Cultura Regione Piemonte XVII SOMMARIO 34° TORINO FILM FESTIVAL As always, the Piedmont Region and the City of Turin are delighted to welcome the new edition of the Torino Film Festival, a highly prestigious, international showcase which our institutions have always steadfastly supported. Our commitment stems from both the cultural quality the Festival expresses and its long-term valorization of the film sector, a strategic area for the overall development of the territory. After so many successful editions, we feel it is our duty to underscore the consistently high level of its vocation for new cinema and its undiminished interest in exploring the future. One example of the festival’s intellectual curiosity, open to many languages, is this year’s tribute to punk, in the sense of a cultural and generational phenomenon worthy of examination, forty years after its recording debut. Another confirmation is the TFF’s choice of Gabriele Salvatores as its exceptional guest director. Our thanks go to all those who are involved in the organization of this 34 edition. May the Torino Film Festival continue to represent a moment of growth for Piedmont, increasingly involving new segments of the public, as is the case with Moving TFF, the series of initiatives held throughout our territory. In closing, to the many people who will crowd the festival venues in search of that magic which only cinema can provide, enjoy. TH Francesca Paola Leon Councilor for Culture City of Turin Antonella Parigi Councilor for Culture Piedmont Region XVIII SOMMARIO TORINO 34 | ANTONIO CAMPOS CHRISTINE | LUKAS VALENTA RINNER | MOHAMED «HAMÈ» BOUROKBA, EKOUÉ LABITEY LES DERNIERS PARISIENS | ANDREA DE SICA I FIGLI DELLA NOTTE | FERNANDO GUZZONI JESÚS | ZANG QIWU JUAN ZENG ZHE - THE DONOR | WILLIAM OLDROYD LADY MACBETH | MELISA LIEBENTHAL LAS LINDAS | JOAQUÍN DEL PASO MAQUINARIA PANAMERICANA | THOMAS KRUITHOF LA MÉCANIQUE DE L’OMBRE | GABE KLINGER PORTO | DOUGLAS SEOK TURN LEFT TURN RIGHT | TAMARA DRAKULIĆ VETAR - WIND | SEBASTIAN HILGER WIR SIND DIE FLUT - WE ARE THE TIDE CHLOÉ LERICHE AVANT LES RUES LOS DECENTES SOMMARIO TORINO 34 chloé leriche AVANT LES RUES Canada, 2016, HD, 97’, col. BEFORE THE STREETS regia, sceneggiatura, montaggio, produttore/director, screenplay, film editing, producer Chloé Leriche fotografia/cinematography Glauco Bermudez scenografia/ production design Frédéric Devost costumi/costume design Yola Van Leeuwenkamp suono/sound Martyne Morin, Sylvain Bellemare interpreti e personaggi/ cast and characters Rykko Bellemare (Shawnouk), Kwena Bellemare Boivin (Kwena), Jacques Newashish (Paul-Yves), Martin Dubreuil (Thomas Dugré), Janis Ottawa (Anita), Guylaine Ottawa (la poliziotta/ female police officer), Louis-Philippe Moar (Raoul) produzione/production Les films de l’autre ** contatti/contacts Wide Matthias Angoulvant [email protected] www.widemanagement.com 2 SOMMARIO Nella valle del fiume Saint-Maurice, in Quebec, vive la popolazione indigena degli Atikamekw, caratterizzata da un profondo legame con la natura e da una lingua secolare. Shawnouk è nato in questa terra, ma da sempre ne mette in discussione i valori. Il coinvolgimento in una tragica rapina, però, segna per lui il punto di non ritorno. Shawnouk decide così di riavvicinarsi alle proprie origini, alla foresta e ai misteri della tradizione su cui si fonda la sua vera identità. «Ho trascorso molto tempo presso diverse comunità indigene e visitato più volte la riserva di Obedjiwan. Ho partecipato a molte cerimonie tradizionali e a raduni di nativi; ho vissuto con le famiglie e trovato molti amici. Ho fatto ricerche e approfondito il concetto di giustizia riparativa; ho anche assistito ai consigli degli anziani, in cui si discutono diverse questioni e si avanzano soluzioni. La decisione di far tornare il protagonista alla propria tradizione è cresciuta in questo contesto e in questo continuo clima di scambio». ** The Atikamekw Indian tribe lives in the Saint-Maurice River Valley, in Quebec. The tribe has deep ties to nature and a centuries-old language. Shawnouk was born in this land but has always questioned its values. His involvement in a tragic robbery marks a point of no return for him. Shawnouk decides to return to his origins, to the forest and the mysteries of the tradition on which his own identity is based. “I spent a lot of time in different native communities. I visited Obedjiwan several times. I took part in many traditional ceremonies and pow wows, I lived with different families and made many friends. I also did research and read about the native concept of restorative justice. I attended councils of elders, where village elders meet to discuss different issues and question solutions. In my film, the resolution, with the return to tradition, grew out of these exchanges.” TORINO 34 Chloé Leriche (Canada), autodidatta, lavora nel cinema dal 2001 ricoprendo diversi ruoli e dedicandosi sia alla finzione sia alla videoarte. Dopo il primo cortometraggio, La réplique, si è legata al collettivo Kino e ha realizzato oltre venti cortometraggi, tra cui Fragment ou lettre à un Allemand (dont je suis amoureuse en secret), con il quale ha vinto una menzione speciale al festival francese Vidéoforme. Nel 2008 ha partecipato al Festival di Toronto con il corto Les grands, poi entrato a far parte della Top Ten 2008, selezione dei migliori dieci film canadesi dell’anno. Attiva nel campo del sociale, nel 2004 ha iniziato a insegnare cinema con il progetto Vidéo Paradiso, destinato alle persone senza fissa dimora, e tra il 2006 e il 2013 ha lavorato con Wapikoni Mobile, organizzazione non profit che offre formazione in campo audiovisivo alle comunità native del Québec e dell’Ontario. Avant les rues è il suo primo lungometraggio. Chloé Leriche (Canada), an autodidact, has worked in film since 2001 in different capacities, dedicating herself to both fiction and video art. After her first short, La réplique, she joined the collective Kino and has made over twenty shorts, including Fragment ou lettre à un Allemand (dont je suis amoureuse en secret), with which she won a Special Mention at the French festival Vidéoforme. In 2008, she participated at the Toronto Film Festival with the short Les grands, which entered the Top Ten for 2008, a selection of the ten best Canadian films of the year. She is also active in social work; in 2004, she began teaching film with the Vidéo Paradiso project for homeless people, and between 2006 and 2013 she worked with Wapikoni Mobile, a non-profit organization which teaches audiovisual subjects to the native communities of Quebec and Ontario. Avant les rues is her first feature film. filmografia essenziale/ essential filmography La réplique (cm, 2001), Comme une ombre allongée sur l’asphalte (cm, 2001), L’homme et la fenêtre (cm, 2002), Fragment ou lettre à un Allemand (dont je suis amoureuse en secret) (cm, 2004), Les grands (cm, 2008), Un cri au bonheur (Virages) (cm, 2008), Qui est là (cm, 2008), Soleils blues (cm, 2010), Avant les rues (2016). TORINO 34 antonio campos CHRISTINE Usa-Regno Unito/USA-UK, 2016, HD, 115’, col. regia/director Antonio Campos soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Craig Shilowich fotografia/cinematography Joe Anderson montaggio/film editing Sofía Subercaseaux scenografia/ production design Scott Kuzio costumi/costume design Emma Potter musica/music Danny Bensi, Saunder Jurriaans suono/sound Micah Bloomberg interpreti e personaggi/ cast and characters Rebecca Hall (Christine), Michael C. Hall (George), Tracy Letts (Michael), Maria Dizzia (Jean), J. Smith-Cameron (Peg), Tim Simons (Steve), Kim Shaw (Andrea), John Cullum (Bob Anderson), Morgan Spector (Dr. Parsons), Jayson Warner Smith (Mitch), Kimberley Drummond (Gail) produttore/producer Melody Roscher produzione/production Yes but Film ** contatti/contacts Great Point Media Jon Wray [email protected] www.greatpointmedia.com 3 SOMMARIO © JOE ANDERSON CHRISTINE Primi anni Settanta. Christine Chubbuck è una giovane giornalista goffa e algida, che lavora per un’emittente locale in Florida. Nonostante il desiderio di migliorare professionalmente, vive una situazione di conflitto con il direttore della tv, che vuole notizie capaci di far presa sul pubblico, a discapito della qualità. Colpita nel profondo, già instabile e insicura per via dell’incapacità di entrare in relazione con gli altri, Christine cade in uno stato di nevrosi che la porterà a compiere in diretta un gesto clamoroso. Basato su una storia vera. «Fin dall’inizio volevo far emergere l’ambizione di Christine, perché mi interessava la sua ossessione di migliorarsi come giornalista. La storia, nel film, avrebbe potuto seguire un’altra direzione. Avrebbe potuto essere il racconto di una ragazza bizzarra che riesce a farcela nel caotico mondo del giornalismo. In realtà, ho cercato di arrivare alla vera storia conservando un tono giocoso. […] Volevo che il pubblico si dimenticasse che si parlava di una donna che si è suicidata. Christine non sa che si ucciderà. Perciò era importante fin dall’inizio dare al film un’energia tutta diversa». ** The early 1970s. Christine Chubbuck is a young journalist, awkward and introverted. She works for a local broadcaster in Florida and despite her desire to grow professionally, she is in conflict with the TV director, who wants news items which grab the spectators’ attention, to the detriment of the quality of the news. Deeply hurt, already unstable and insecure because of her inability to make friends with the others, Christine falls into a state of neurosis which leads her to commit a shocking act on live TV. Based on a true story. “Right from the start, I wanted to show a certain ambition in Christine. I always wanted to show Christine obsessing over how to become a better journalist. The film’s story could have taken a very different turn. It could have been a story of an odd quirky girl who makes it in the rough-and-tumble world of broadcast journalism. I wanted to come into it with that kind of playfulness. […] I wanted to make the audience forget that it’s a story about a woman who kills herself. She doesn’t know she’s going to kill herself. So it was important to me that the beginning of the film had a different kind of energy.” TORINO 34 Antonio Campos (New York City, Usa, 1983), regista e produttore, ha studiato presso la New York University’s Tisch School of the Arts. Ha diretto una ventina di cortometraggi, tra cui Pandora (2002), Buy It Now (2005), vincitore della Cinéfondation di Cannes, e The Last 15 (2007). Nel 2008 ha esordito nel lungometraggio con Afterschool, presentato a Un certain regard di Cannes, a cui ha fatto seguito Simon Killer (2012), presentato al Sundance. Figura inoltre fra i soci fondatori della casa di produzione Borderline Films. Antonio Campos (New York City, NY, USA, 1983), director and producer, studied at New York University’s Tisch School of the Arts. He has directed about twenty shorts, including Pandora (2002); Buy It Now (2005), which won the Cinéfondation Award at the Cannes Film Festival; and The Last 15 (2007). In 2008, he debuted in feature films with Afterschool, presented in the section Un certain regard at Cannes, followed by Simon Killer (2012), presented at Sundance. He is also one of the founding partners of the production company Borderline Films. filmografia/filmography Pandora (cm, 2002), Buy It Now (cm, 2005), The Last 15 (cm, 2007), Afterschool (2008), Simon Killer (2012), Christine (2016). TORINO 34 lukas valenta rinner LOS DECENTES PREMIO CIPPUTI Austria-Corea del Sud-Argentina/ Austria-South Korea-Argentina, 2016, HD, 100’, col. Lukas Valenta Rinner (Salisburgo, Austria) ha studiato all’Università del cinema di Buenos Aires. Ha diretto il cortometraggio Carta a Fukuyama, prima di esordire nel lungometraggio con Parabellum, presentato in diversi festival internazionali, come Göteborg, Jeonju, Amburgo e Londra. Los decentes è il suo secondo lungometraggio. A DECENT WOMAN regia/director Lukas Valenta Rinner sceneggiatura/screenplay Lukas Valenta Rinner, Ana Godoy, Martin Shanly, Ariel Gurevich fotografia/cinematography Roman Kasseroller montaggio/film editing Ana Godoy musica/music Jimin Kim, Jongho You suono/sound Nahuel Palenque interpreti e personaggi/ cast and characters Iride Mockert (Belén), Martin Shanly, Andrea Strenitz, Mariano Sayavedra produttori/producers Ana Godoy, Lukas Valenta Rinner produzione/production Nabis Filmgroup coproduzione/coproduction Jeonju Cinema Project ** contatti/contacts Figa Film Sandro Fiorin [email protected] www.figafilms.com In cerca di un’occupazione, la sprovveduta Belén finisce a lavorare come cameriera per una famiglia dell’alta società argentina in una gated community alla periferia di Buenos Aires. In quel luogo blindato e così rispettabile, un giorno la donna fa una strana scoperta: proprio accanto al complesso residenziale sorge una nutrita comunità di nudisti, che passa le giornate tra bagni in piscina e sessioni di sesso tantrico. Un canto di sirene troppo invitante per non essere raccolto da Belén, che si trova a condurre un’inattesa doppia vita tra perbenismo e licenziosità. «Ho vissuto a lungo in Argentina, e in questo paese le classi abbienti hanno ormai la tendenza a isolarsi. Sempre più spesso vivono in piccole comunità completamente indipendenti, con infrastrutture semiurbane come asili, uffici, supermercati e cinema che consentono loro di vivere senza alcun contatto col mondo esterno. Poi vedi dei ragazzi di sedici anni che arrivano in città e non sanno neppure prendere un autobus. È un fenomeno contemporaneo che associo agli effetti del capitalismo». ** Belén finds a job as a cleaning lady for a wealthy Argentinian family living in a gated community outside Buenos Aires. One day, she makes a bizarre discovery: just on the other side of that respectable and tightly guarded place there is a lively community of nudists who pass the time by the pool or in tantric sex sessions. Like a siren’s song, Belén is drawn in and she soon finds herself living a double life, balancing between respectability and promiscuity. “I’ve been living in Argentina for many years, and one trend that has become very apparent for wealthy social groups is to isolate themselves. Increasingly, these people live in small communities that are completely cut off, with semi-urban infrastructures like nurseries, offices, supermarkets, cinemas, etc., so you can live without any contact at all with the outside world. Then you get young people who go into the city at the age of sixteen and they don’t know how to take a bus. It strikes me as a contemporary phenomenon; I chalk it up to the effects of capitalism.” 4 SOMMARIO TORINO 34 Lukas Valenta Rinner (Salzburg, Austria) studied at the Universidad del cine in Buenos Aires. He directed the short film Carta a Fukuyama and made his feature debut with Parabellum, which was selected in different international festival, such as Göteborg, Jeonju, Hamburg and London. Los decentes is his latest film. filmografia/filmography Carta a Fukuyama (cm, 2010), Parabellum (2015), Los decentes (2016). TORINO 34 mohamed «hamé» bourokba, ekoué labitey LES DERNIERS PARISIENS Francia/France, 2016, HD, 106’, col. PARIS PRESTIGE regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Mohamed «Hamé» Bourokba, Ekoué Labitey fotografia/cinematography Lubomir Bakchev montaggio/film editing Karine Prido scenografia/ production design Samuel Teisseire interpreti e personaggi/ cast and characters Reda Kateb (Nasser), Slimane Dazi (Arezki), Elisa Bachir (la ragazza della banlieu/banlieusarde), Yassine Azzouz (Diomede), Anaïs Honvault Zborowski, Mylene Bude (il cliente notturno/night client), Andrew Tisba (dj) produttori/producers Mohamed «Hamé» Bourokba, Ekoué Labitey, Benoît Danou produzione/production La Rumeur Filme coproduzione/coproduction Ici et Là Productions ** contatti/contacts Memento Films Sata Cissokho [email protected] www.memento-films.com 5 SOMMARIO Il trentenne Nasser torna a Parigi dopo essere stato in carcere. Su invito di Margot, l’ufficiale di libertà vigilata che lo segue, inizia a lavorare nel bar del fratello, Le Prestige, situato a Pigalle. Il rapporto tra i due uomini, però, è da sempre conflittuale e ci vorrà poco perché antiche ferite tornino a sanguinare. «Les derniers parisiens è il primo film fatto da un gruppo rap che, per anni, si è nutrito di disparate influenze attraverso l’hip hop. […] Il nostro scopo era portare la cultura rap sullo schermo, nel modo in cui noi l’abbiamo vissuta in tour. […] Volevamo che il film trasmettesse l’urgenza e le insicurezze di cui i nostri personaggi sono preda. L’ambizione era dirigere un film di finzione radicato nella realtà delle sue storie, delle sue location, di generazioni ancora segnate da rischi e tensioni. Plasmare e scrivere questo film ha richiesto un lungo processo di riflessione, ma siamo riusciti a superare gli ostacoli incontrati. Les derniers parisiens è stato girato in fretta, con il dinamismo tipico della nostra identità artistica». ** Nasser is in his thirties when he goes back to Paris after spending some time in jail. Margot, his probation officer, encourages him to work at his brother’s bar, Le Prestige, located in Pigalle. The two brothers, however, never got along and it doesn’t take long for old wounds to fester. “Les derniers parisiens is first and foremost a film made by a rap group that, for years, has been feeding itself off various influences through hip-hop. […] Our aim is to bring rap culture to the screen the way we experience it on tour. […] We wanted the film to relay the urgency and insecurities that seize our characters. Our ambition was to direct a fiction film that is grounded in the reality of its stories, its main location, of these two generations still infused with risks and tensions. Shaping and writing this film was a long thought-out process but it also bears the hazards encountered in its making. Les derniers parisiens was shot fast with this dynamic that characterizes our artistic identity.” TORINO 34 Mohamed «Hamé» Bourokba e Ekoué Labitey si sono conosciuti all’università nel 1994. Tre anni dopo hanno fondato il gruppo rap La rumeur, divenendo in pochi anni una delle realtà più apprezzate e rispettate della scena hip hop nazionale, facendosi portavoce delle istanze delle periferie e di tutti i figli dell’immigrazione postcoloniale. Nel 2002 hanno esordito con l’LP L’ombre sur la mesure, divenuto in breve tempo un classico del genere. Nel 2004 «Hamé» Bourokba si è trasferito a New York, dove ha studiato cinema presso la Tisch School of Arts. Al suo ritorno ha diretto il cortometraggio Ce chemin devant moi (2012), presentato nella selezione ufficiale al Festival di Cannes. Les derniers parisiens (2015) rappresenta il loro debutto nel lungometraggio. Mohamed “Hamé” Bourokba and Ekoué Labitey met at university in 1994. Three years later, they started the rap group La Rumeur. They became the voice of the plight of the banlieue and of the children of France’s postcolonial immigration history. In just a few years they gained respect and recognition as one of the most important components of the French hip-hop scene. Their first LP, L’ombre sur la mésure, was released in 2002 and quickly became a genre classic. “Hamé” Bourokba moved to New York in 2004, where he studied cinema at the Tisch School of Arts. After his return, he directed the short Ce chemin devant moi (2012), presented at the official selection of the Cannes Film Festival. He then made his debut feature Les derniers parisiens in 2015, which wrote and directed with Ekoué. filmografia/filmography Mohamed «Hamé» Bourokba: Ce chemin devant moi (cm, 2012). Mohamed «Hamé» Bourokba, Ekoué Labitey: Les derniers parisiens (2015). TORINO 34 andrea de sica I FIGLI DELLA NOTTE Italia/Italy, 2016, HD, 85’, col. I FIGLI DELLA NOTTE regia, musica/ director, music Andrea De Sica soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Andrea De Sica, Mariano Di Nardo fotografia/cinematography Stefano Falivene montaggio/film editing Alberto Masi scenografia/ production design Dimitri Capuani costumi/costume design Sabine Zappitelli suono/sound Antoine Vandendrieessche interpreti e personaggi/ cast and characters Vincenzo Crea (Giulio), Ludovico Succio (Edoardo), Fabrizio Rongione (Mathias), Yuliia Sobol (Elena), Luigi Bignone (Paolo), Pietro Monfreda (Michi) produttori/producers Marta Donzelli, Gregorio Paonessa, Joseph Rouschop, Valerie Bournoville produzione/production Vivo Film coproduzione/coproduction Tarantula ** contatti/contacts Vivo Film [email protected] www.vivofilm.it Giulio è un diciassettenne di buona famiglia che viene spedito in collegio. In quel luogo isolato sulle Alpi, in cui vigono regole ferree che limitano ogni tipo di contatto con l’esterno, fa amicizia con il bislacco Edoardo. A cementare il loro rapporto le frequenti fughe notturne, allorquando la vigilanza sugli studenti sembra allentarsi. Iniziano così a frequentare un nightclub, nascosto tra i boschi, che diviene per i due un rifugio. Qui conoscono Elena, una prostituta, a cui presto si legano. Improvvisa la scoperta: le trasgressioni che tengono nascoste a tutti in realtà fanno parte del programma formativo della scuola. Eppure ci dovrà essere un modo per essere davvero liberi… «La situazione estrema di un collegio per rampolli di ricche famiglie è stata la chiave che ho scelto per confrontarmi con uno dei sentimenti più forti che un adolescente possa sperimentare: l’abbandono. Il collegio è nel film l’incarnazione, sotto forma di uno spazio fisico concreto, delle difficoltà di relazione tra genitori e figli nel passaggio dall’infanzia all’età adulta». ** Giulio, a seventeen-year-old from a well-to-do family, is sent to a boarding school. In this isolated place in the Alps, where iron-clad rules limit all contact with the outside, he makes friends with Edoardo, who is rather odd. Their friendship is sealed by frequent escapes at night, when the surveillance of the students seems to lapse. They begin to frequent a nightclub hidden in the forest, which becomes a refuge for the two young men. This is where they meet Elena, a prostitute, and become fond of her. Suddenly, they discover that the transgressions they have kept hidden are actually part of the school’s educational program. And yet there must be a way for them to become truly free… “The extreme situation of a boarding school for the children of the rich was the key I chose to study one of the strongest feelings an adolescent can experience: abandonment. In the film, the college is the physical, concrete incarnation of the difficulties in the relationship between parents and children during their passage from childhood to adulthood.” 6 SOMMARIO TORINO 34 Andrea De Sica (Roma, 1981) si è diplomato al Centro Sperimentale di Cinematografia nel 2008 e laureato in filosofia nel 2009. Ha lavorato come assistente alla regia di Bernardo Bertolucci, Ferzan Ozpetek, Vincenzo Marra e Daniele Vicari. Ha scritto e diretto diversi corti e documentari, tra cui L’esame (2007), presentato in più di cinquanta festival in tutto il mondo; Foschia Pesci Africa Sonno Nausea Fantasia (2010), diretto insieme a Daniele Vicari; Mia and Me (2011-2012), una serie televisiva prodotta da Rainbow Entertainment. I figli della notte (2016) segna il suo esordio nel lungometraggio. Andrea De Sica (Rome, Italy, 1981) graduated from the Centro Sperimentale di Cinematografia in 2008 and received a degree in philosophy in 2009. He has worked as assistant director with Bernardo Bertolucci, Ferzan Ozpetek, Vincenzo Marra and Daniele Vicari. He has written and directed various short films and documentaries, including L’esame (2007), presented at over fifty festivals throughout the world; Foschia Pesci Africa Sonno Nausea Fantasia (2010), which he codirected with Daniele Vicari; and Mia and Me (2011-2012), a TV series produced by Rainbow Entertainment. I figli della notte (2016) is his directorial debut in feature films. filmografia/filmography L’inferno sono gli altri (cm, 2007), L’esame (cm, 2007), Il grande spettacolo (cm, 2008), Foschia Pesci Africa Sonno Nausea Fantasia (coregia/codirector Daniele Vicari, doc., 2010), Io sto bene (tv, ep., 2011), Mia and Me (serie tv/tv series, ep., 2011-2012), Città dell’uomo (tv, doc., 2013), I figli della notte (2016). TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION fernando guzzoni JESÚS Francia-Cile-Germania-Grecia-Colombia/ France-Chile-Germany-Greece-Colombia, 2016, HD, 87’, col. JESUS regia, sceneggiatura/ director, screenplay Fernando Guzzoni fotografia/cinematography Barbara Alvarez montaggio/film editing Andrea Chignoli scenografia/ production design Rodrigo Bazaes, Macarena Silva costumi/costume design Francisca Román suono/sound Carlo Sánchez, Roberto Espinoza, Jean-Guy Véran interpreti e personaggi/ cast and characters Nicolas Duran (Jesús), Alejandro Goïc (Hector), Gastón Salgado, Sebastiàn Ayala, Esteban González produttori/producers Marianne Dumoulin, Jacques Bidou, Giancarlo Nasi produzione/production JBA Production, Rampante Films coproduttori/coproducers Titus Kreyenberg, Konstantina Stavrianou, Irini Vougioukalou, Diana Bustamante, Paola Pérez, Jorge Forero coproduzione/coproduction unafilm, Graal Films, Burning Blue ** contatti/contacts Premium Films Leslie Saussereau [email protected] www.premium-films.com 7 SOMMARIO La ricerca della propria identità spinge il diciottenne Jesús a mettere continuamente alla prova i propri limiti. Questo, però, porta lui e i suoi amici a compiere un’azione dalla quale nessuno può tornare indietro. La sola persona a cui rivolgersi, allora, è la più inaspettata, cioè il padre di Jesús, con il quale il ragazzo ha un rapporto superficiale, nonostante sia l’unico genitore rimastogli. «Nel marzo del 2012 un ragazzo di nome Daniel Zamudio è stato brutalmente ucciso da altri quattro in una piazza del centro. La sua morte è il tipo di avvenimento che spaventa e spinge ad agire. Per curiosità, ho iniziato a indagare sul caso e ho capito che aveva molti elementi in comune con ciò su cui stavo lavorando. Vittima e carnefici erano ragazzi con figure paterne assenti, o poco presenti, e provenivano dallo stesso contesto sociale. Uno di loro, però, era morto. Questo fatto ha catturato la mia attenzione e mi ha disturbato: ai miei occhi rappresentava un fallimento collettivo, visto che siamo tutti ragazzi che provengono dalla stessa marginalità sociale». ** Eighteen-year-old Jesús is searching for his identity and this makes him constantly test his own limits. But because of this, he and his friends do something which can never be undone. The only person they can turn to is the most unexpected one, Jesús’ father, with whom he has a superficial relationship even though he is the only parent the boy still has. “In March 2012, a young man was brutally murdered by four other young men in a square downtown. The death of Daniel Zamudio is the kind of things that worry you and encourage you to do things. Out of curiosity, I started looking deeper into the case and I realized it had elements that were related with what I was looking for. The victim, as well as the murderers were young people with vague or absent father figures and they all came from the same social background, but there was a dead person among them. That fact caught my attention; it disturbed me. That death represented to me the failure of the people, since we are young people that come from the same social marginality.” TORINO 34 Fernando Guzzoni (Santiago del Cile, Cile, 1983) con il documentario La colorina è stato in concorso al Festival des films du monde di Montreal e ha poi vinto il premio per la miglior regia al Sanfic - Festival internacional de cine e quello per il miglior film al Trieste Film Festival. Ha inoltre partecipato a oltre venti festival internazionali. Con Carne de perro, suo primo lungometraggio di finzione, scritto durante il periodo di residenza presso la Cinéfondation di Cannes, ha invece vinto il premio Kutxa-New Directors a San Sebastián. Il film ha ricevuto inoltre diversi altri riconoscimenti, tra cui il premio Ingmar Bergman a Göteborg e il premio per la miglior opera prima all’Avana. Fernando Guzzoni (Santiago, Chile, 1983) screened the documentary film La colorina in the Festival des films du monde’s official competition, Montreal, Canada, and was awarded the Best Director Award in Sanfic and Best Film Award in the Trieste Film Festival, Italy. The documentary participated in more than twenty international festivals. Carne de perro is his first long feature fiction film. Written in the Cannes Festival résidence, the film was given the New Directors Award in the San Sebastián Festival. It was also awarded the Ingmar Bergman Prize in Göteborg Film Festival and won Best Opera Prima in La Habana Film Festival. filmografia/filmography La colorina (doc., 2008), Carne de perro (2012), Jesús (2016). TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION zang qiwu JUAN ZENG ZHE PREMIO CIPPUTI Cina/China, 2016, HD, 105’, col. Zang Qiwu (Cina) ha iniziato a lavorare in ambito cinematografico nel 1999, come assistente alla regia. Nel corso della sua carriera ha lavorato in più occasioni con Zhang Yimou, in particolare sui set di La città proibita (2006), Sangue facile (2009), Shan Zha shu zhi lian (2010), I fiori della guerra (2011). The Donor (2016) rappresenta il suo esordio nel lungometraggio. THE DONOR regia/director Zang Qiwu soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Qin Haiyan, Li Xiaobing fotografia/cinematography Dong Jingsong montaggio/film editing Liao Qingsong suono/sound Li Danfeng interpreti e personaggi/ cast and characters Ni Dahong (Yang Ba), Qi Dao (Li Daguo), Li Zhen (la moglie di Yang Ba/Yang Ba’s wife), Zhang Hang (Li Xiaohui), Zhang Chen (Yang Lebao) produttori/producers Geng Wang, Wang Ying ** contatti/contacts Whatsfilm Jing Liu [email protected] www.whatsfilm.org Yang Ba, uomo d’estrazione modesta, non ha scelta: per evitare la demolizione della sua casa e continuare a sostenere le spese scolastiche del figlio deve sottoporsi all’espianto di un rene. A giovarne sarà la sorella del ricco Li Daguo, in pericolo di vita. L’operazione però fallisce, e Li Daguo cerca di convincere Yang Ba a cedere un rene del figlio. Ma la persuasione diviene aperta minaccia, e Yang Ba è costretto a difendere la famiglia in ogni modo possibile. «Durante le riprese e la postproduzione avevamo ben chiara l’idea di creare immagini sorprendenti. Abbiamo preparato proscenio e fondali in modo accurato, perché protagonisti e personaggi secondari fossero chiaramente distinguibili. Stessa cosa per la stratificazione dei personaggi e gli oggetti nelle inquadrature. Per una persona qualsiasi come Yang Ba, ad esempio, abbiamo colto gli aspetti più semplici e veritieri della sua vita. Quando si ha a che fare con un determinato contesto e una certa atmosfera, bisogna in primis costruire l’atmosfera, mentre il contesto passa in secondo piano e non va presentato in modo intenzionale». ** Yang Ba, a man of modest origins, has no choice: in order to keep his home from being demolished and to continue paying his son’s school expenses, he has to sell a kidney. The mortally-ill sister of wealthy Li Daguo is to benefit from the transaction. But the operation fails and Li Daguo tries to convince Yang Ba to give up one of his son’s kidneys. But persuasion turns into open threats and Yang Ba finds himself defending his family any way he can. “During shooting, we were very aware of making the shots stunning, and also considerate for post production. Front scene and background are carefully arranged, main characters and minor characters should be distinguishable, same for the layers that showed among characters and all objects in frame. For an ordinary guy like Yang Ba, we caught the simplest and truest aspect of him. When dealing with environment and atmosphere, building atmosphere is the primary consideration, environment is put in second place and not presented intentionally.” 8 SOMMARIO TORINO 34 Zang Qiwu (China) began working in film in 1999 as an assistant director. Over the course of his career, he has worked many times with Zhang Yimou, in particular on the sets of Curse of the Golden Flower (2006), A Woman, a Gun and a Noodle Shop (2009), Shan Zha shu zhi lian (2010) and The Flowers of War (2011). The Donor (2016) is his debut feature film. filmografia/filmography Juan Zeng Zhe (The Donor, 2016). © DANIEL FOELDES TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION william oldroyd LADY MACBETH Regno Unito/UK, 2016, HD, 88’, col. LADY MACBETH regia/director William Oldroyd soggetto/story dal racconto La Lady Macbeth del distretto di Mcensk di/from the short story Lady Macbeth of the Mtsensk District by Nikolaj Leskov sceneggiatura/screenplay Alice Birch fotografia/cinematography Ari Wegner montaggio/film editing Nick Emerson scenografia/ production design Jacqueline Abrahams costumi/costume design Holly Waddington suono/sound Steve Peckover interpreti e personaggi/ cast and characters Florence Pugh (Katherine), Cosmo Jarvis (Sebastian), Paul Hilton (Alexander), Naomi Ackie (Anna), Christopher Fairbank (Boris) produttore/producer Fodhla Cronin O’Reilly produzione/production Sixty Six Pictures, iFeatures distribuzione/distribution Teodora Film ** contatti/contacts Teodora Film Margherita Chiti [email protected] 1865. Nella campagna inglese, Katherine conduce una misera esistenza: il matrimonio soffocante con un uomo molto più anziano di lei, triste e rancoroso, è arrivato a un punto di stallo, così come i rapporti con i familiari, freddi e inflessibili nei suoi confronti. Poi, improvvisa, la riscoperta dell’amore: l’incontro con Alexander, ventiduenne di bell’aspetto e dai modi provocatori che lavora nella fattoria del marito, scatena in lei sentimenti che credeva ormai spenti. Tra i due l’intesa è immediata e a Katherine non rimane che andare fino in fondo, forte e viva come non si sentiva da tempo. «Durante la preparazione delle riprese di Lady Macbeth è stato fondamentale mettere al centro del film gli attori e il copione. In quanto regista teatrale mi avvicino a ogni lavoro con massimo rispetto per il copione e per chi lo ha scritto: è abbastanza normale che lo scrittore sia presente durante il periodo delle prove e il mio scopo principale è aiutare gli attori a capire come mettere in scena nel miglior modo possibile le sue intenzioni». ** Rural England, 1865. Katherine leads a miserable life, stifled by her loveless marriage to a bitter old man twice her age. Their relationship is in a deadlock, and so is the one with his cold, unforgiving family. She unexpectedly discovers love when she meets Alexander, a handsome and provocative twenty-two-year-old who works on her husband’s estate. The embers of feelings she thought were extinguished suddenly reawaken in her. They immediately connect with a burning passion. Katherine feels more powerful and alive than ever before, and will stop at nothing to get what she wants. “When preparing to direct Lady Macbeth it was important for me to continue to put the actors and script at the center of the film. As a theater director I approach each project with respect for the writer and the script – it is quite common for the writer to be present throughout the rehearsal period and my main job is to help the actors to understand how best to realise the intentions of the writer.” 9 SOMMARIO TORINO 34 William Oldroyd ha studiato presso la Royal Academy of Dramatic Arts di Londra. Successivamente ha diretto il Young Vic Theatre, curando la regia di Spettri di Henrik Ibsen nella nuova versione di Frank McGuinnes. Quindi ha lavorato anche fuori dal Regno Unito, curando gli adattamenti di Kean di Jean-Paul Sartre a Tokyo, Aspettando Godot di Samuel Beckett a Monaco di Baviera e La serva padrona di Giovan Battista Pergolesi in Portogallo. Ha esordito al cinema nel 2011 con il cortometraggio Christ’s Dog, a cui ha fatto seguito Best (2013), vincitore del Sundance London Short Film. Lady Macbeth è il suo primo lungometraggio. William Oldroyd studied directing at the Royal Academy of Dramatic Art in London. He then ran the Young Vic Theatre, directing plays like Frank McGuinnes’ new version of Henrik Ibsen’s Ghosts. He also worked abroad, putting on stage Jean-Paul Sartre’s adaptation of Kean in Tokyo, Samuel Beckett’s Waiting for Godot in Munich, and Giovan Battista Pergolesi’s La serva padrona in Portugal. He made his cinematic debut in 2011 with the short Christ’s Dog, followed by Best (2013), which won the short film competition at Sundance London. Lady Macbeth is his first feature. filmografia/filmography Christ’s Dog (cm, 2011), Best (cm, 2013), Lady Macbeth (2016). TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION melisa liebenthal LAS LINDAS Argentina, 2016, HD, 77’, col. Melisa Liebenthal (Argentina, 1991) ha terminato il suo percorso di studi come regista all’Università del cinema di Buenos Aires. Las lindas è il suo primo lungometraggio. THE PRETTY ONES regia, sceneggiatura/ director, screenplay Melisa Liebenthal montaggio/film editing Sofía Mele, Melisa Liebenthal musica/music Ángeles Otero suono/sound Marcos Canosa interpreti/cast Melisa Liebenthal, Josefina Roveta, Victoria D’Amuri, Camila Magliano, Michelle Sterzorvsky, Sofía Mele produttore/producer Eugenia Campos Guevara ** contatti/contacts Stray Dogs Laura Nacher [email protected] www.stray-dogs.com Melisa Liebenthal (Argentina, 1991) completed her training as a film director at the Universidad del cine in Buenos Aires. The Pretty Ones is her first feature-length. filmografia/filmography Airportness (cm, 2010), Alegría del hogar (cm, 2013), Las lindas (2016). Melisa e le sue amiche si conoscono da anni: insieme sono state prima bambine, poi adolescenti e ora sono giovani donne. Ma come è avvenuto il passaggio? Com’erano da piccole e com’è stata la loro adolescenza? Attraverso fotografie, ricordi condivisi, filmati di feste, cene e momenti quotidiani emerge il ritratto di un gruppo di ragazze a cui la società chiede prima di tutto di essere carine, «lindas», e che non sempre si trovano a proprio agio con queste aspettative. «Mi è sempre interessato il genere dell’autoritratto, prima di tutto come spettatrice. Facendo questo film mi sono quindi sentita particolarmente esposta: sono comunque un personaggio anch’io, ho una mia storia. Filmo quelle che sono le mie amiche da sempre: all’università, in palestra, alle riunioni o alle cene. Ormai sono abituate a vedermi tirare fuori d’improvviso la videocamera e riprenderle. Nonostante ciò, quando ho capito che questi filmati sarebbero diventati un film, una di loro ha deciso di non farsi più riprendere, e così è stato. Ed è anche questo un argomento di cui si parla nel film». ** Melisa and her friends have known each other for years; they started out together as little girls, then adolescents and now they are young women. But how did this passage occur? What were they like when they were small and what was their adolescence like? Photographs, shared memories, and movies of parties, dinners and everyday moments create the portrait of a group of girls who society expects, above all, to be pretty, “lindas,” and who aren’t always at ease with these expectations. “I was always interested in the genre of self-portraits, first of all as a spectator. While making this film I felt particularly exposed: I’m a person, too, I have my own history. The people I film are my lifelong friends: at university, at the gym, at meetings or at dinner. They’re used to seeing me suddenly pull out my movie camera and start filming them. But when I realized that these film clips would become a movie, one of them decided not to let herself be filmed anymore, and that’s what happened. This, too, is a topic we discuss in the movie.” 10 SOMMARIO TORINO 34 TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION joaquín del paso MAQUINARIA PANAMERICANA PREMIO CIPPUTI Messico-Polonia/Mexico-Poland, 2016, HD, 86’, col. MAQUINARIA PANAMERICANA regia/director Joaquín Del Paso sceneggiatura/screenplay Joaquín Del Paso, Lucy Pawlak fotografia/cinematography Fredrik Olsson montaggio/film editing Raúl Barreras costumi/costume design Yupanqui Ramos suono/sound Santiago Arroyo, Santiago De la Paz interpreti e personaggi/ cast and characters Javier Zaragoza (Jesus Carlos), Ramiro Orozco (Ignacio), Irene Ramirez (Soledad), Edmundo Mosqueira (Celestino), Delfino López (Delfino), César Panini (Golden Boy), Javier Camacho (Rubio), Israel Ruiz (Tonatiuh), Regina DuPacci (Arancha) produttori/producers Joaquín Del Paso, Susan Bernal produzione/production Amondo Films, Black Maria coproduzione/coproduction Mantarraya, Instituto Mexicano de cinematografía, Estudios Churubusco, Terminal Films, Santiago de la Paz Nicolau, The Polish National Film School in Łódź ** contatti/contacts LuxBox Anne Sophie Trintignac [email protected] www.luxboxfilms.com 11 SOMMARIO L’officina meccanica Maquinaria Panamericana è un posto ideale per lavorare: si respira un clima perfetto, fra colleghi c’è armonia, i ritmi sono blandi e non si disdegna mai una pausa caffè. Il tutto sotto lo sguardo benevolo di Don Alejandro, il principale. Ecco perché trovarlo d’improvviso morto una mattina getta i dipendenti nel panico. Non solo i dipendenti perdono il miglior capo che esista al mondo, ma come ben presto scopriranno rischiano anche di perdere il lavoro, dato che la fabbrica è in bancarotta. A questo punto le soluzioni non sono molte, e la migliore sarebbe mantenere in vita Don Alejandro… «Il film è come la memoria di un mondo che sta scomparendo, una descrizione satirica di come vanno le cose in questo momento nel mio Paese e ovunque in generale. In Messico la situazione è così delicata, economicamente e politicamente, che le persone vivono in un costante regime di paura. Ci aggrappiamo con disperazione a ciò che abbiamo guadagnato e la sola idea di una nuova crisi porta al panico collettivo». ** The Maquinaria Panamericana garage is an ideal place to work: the mood is perfect, there’s harmony among the employees, the rhythm is relaxed and nobody ever says no to a coffee break. All this under the benevolent gaze of their boss, Don Alejandro. This is why the employees are thrown into a panic one morning when they find him dead. Not only have they lost the best boss in the world but they soon discover that they also risk losing their jobs, since the garage is bankrupt. At this point, there don’t seem to be many solutions to the problem and the best one is to keep Don Alejandro alive… “The film is like a reminder of a world that is about to disappear, and also a satirical comment on the current state of things in my country and around the world. The situation in Mexico is so fragile, economically and politically, that people live in a constant state of fear. We hold on to what we have earned with desperation and just the idea of a new crisis leads to collective panic.” TORINO 34 Joaquín del Paso (Città del Messico, 1986) ha lavorato come assistente di produzione e aiuto regista in diverse produzioni televisive e cinematografiche. Nel 2006 ha diretto il suo primo cortometraggio, Día Uno, e partecipato a un laboratorio di regia alla Scuola di cinema e televisione di San Antonio de Baños a Cuba. Nel 2007 si è iscritto alla Scuola polacca di cinema di Łódź e l’anno successivo ha presentato al Torino Film Festival il corto Diálogo sobre una Imágen, diretto con Martyna Starosta. I suoi film successivi hanno avuto proiezioni nei principali festival internazionali, tra cui FidMarseille, il Festival di cinema di Cracovia, lo Gdynia Film Festival in Polonia e la Berlinale. Joaquín del Paso (Mexico City, 1986) worked as assistant producer and assistant director for many TV and cinema productions. In 2006 he directed his first short movie, Día Uno, and he participated in a directing workshop at the TV and Cinema School San Antonio de Baños in Cuba. In 2007 he entered the Polish Film School in Łódź and the following year he presented his short Diálogo sobre una Imágen, codirected with Martyna Starosta, at the Torino Film Festival. His next films have been screened at the major international festivals, including FIDMarseille, the Krakow Film Festival, the Gdynia Film Festival in Poland and the Berlin Film Festival. filmografia/filmography Día Uno (cm, 2006), Diálogo sobre una Imágen (coregia/codirector Martyna Starosta, cm, doc., 2008), Czarna Góra (cm, 2009), Amekska (cm, 2010), Waterdrop (cm, 2011), The Absolute Truth of Thomas Schviefel (coregia/codirector Lucy Pawlak, 2010), Dream of San Juan (doc., 2012), Syjamski (cm, 2013), Maquinaria Panamericana (2016). 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION thomas kruithof LA MÉCANIQUE DE L’OMBRE Francia-Belgio/France-Belgium, 2016, HD, 93’, col. © BENOIT DELFOSSE TORINO THE EAVESDROPPER regia/director Thomas Kruithof sceneggiatura/screenplay Thomas Kruithof, Yann Gozlan fotografia/cinematography Alex Lamarque montaggio/film editing Jean-Baptiste Beaudouin scenografia/ production design Thierry François costumi/costume design Christophe Pidre musica/music Grégoire Auger suono/sound Nicolas Provost interpreti e personaggi/ cast and characters François Cluzet (Duval), Denis Podalydes (Clément), Sami Bouajila (Labarthe), Simon Abkarian (Gerfaut), Alba Rohrwacher (Sara), Bernard Eylenbosch produttori/producers Thibault Gast, Matthias Weber produzione/production 24 25 Films coproduzione/coproduction Scope Pictures ** contatti/contacts WTFilms Sonia Droulhiole Un contabile ex alcolista di mezza età, da tempo in cerca di un impiego, accetta di lavorare per una misteriosa organizzazione che gli chiede di trascrivere delle intercettazioni telefoniche: rimarrà invischiato in un pericoloso intrigo politico che vede coinvolti i servizi segreti francesi. «L’idea iniziale alla base del film consisteva nel prendere un impiegato modello, uno di quelli capaci di seguire scrupolosamente le regole, e immergerlo in un sottobosco di cospirazioni politiche e servizi segreti nel quale non avrebbe avuto altra scelta che imparare a disobbedire». ** A middle-aged, financially struggling man is looking for work two years after suffering alcoholism. He gets hired by a mysterious employer to transcribe phone-tapped conversations, which propels him into the heart of a large-scale political plot and gets him trapped in the French services underworld. “My initial impulse to make this film was to take a perfect employee, one that scrupulously follow the instructions, and to make him dive into an underworld of political conspiracies and secret services, where he will have no choice but to learn to disobey.” [email protected] www.wtfilms.fr 12 SOMMARIO TORINO 34 Thomas Kruithof (1976) vive e lavora a Parigi. Nel 2013 ha diretto il cortometraggio Retention, selezionato in oltre quaranta festival e vincitore di sette premi (tra cui il Prix coup de cœur du public Unifrance, il gran premio della giuria e il premio del pubblico al Festival di PontaultCombaut e il premio del pubblico al Peace & Love Film Festival di Örebro, in Svezia), oltre che preselezionato per il premio César 2014 nella categoria miglior cortometraggio dell’anno. La mécanique de l’ombre, che in Francia uscirà nelle sale a inizio 2017, è il suo primo lungometraggio. Thomas Kruithof (1976) lives and works in Paris. In 2013 he directed the short film Retention, selected in forty film festivals and winner of seven awards (including Audience Award Coup de cœur of Unifrance, the Gran Prix of the Jury and Audience Award at PontaultCombaut Film Festival and Audience Award at Peace & Love Film Festival, in Örebro, Sweden); the film has also been part of the list of the pre-nominees for 2014 César Award for Best Short. La mécanique de l’ombre is his first feature and will be released in France in early 2017. filmografia/filmography Retention (cm, 2013), La mécanique de l’ombre (2016). TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION gabe klinger PORTO Portogallo-Usa-Francia-Polonia/ Portugal-USA-France-Poland, 2016, 35mm-16mm-Super8, 75’, col. PORTO regia/director Gabe Klinger sceneggiatura/screenplay Larry Gross, Gabe Klinger fotografia/cinematography Wyatt Garfield montaggio/film editing Gabe Klinger, Géraldine Mangenot scenografia/ production design Ricardo Preto interpreti e personaggi/ cast and characters Anton Yelchin (Jake), Lucie Lucas (Mati), Françoise Lebrun, Paulo Calatré, Chantal Akerman (voce/voice) produttori/producers Rodrigo Areias, Sonia Buchman, Gabe Klinger, Nicolas R. de la Mothe, Todd Remis, Julie R. Snyder produzione/production Bando à parte, Gladys Glover, Double Play Films, Madants coproduttori/coproducers Klaudia Smieja, Beata Rzezniczek ** contatti/contacts New Europe Film Sales Ewa Bojanowska [email protected] www.neweuropefilmsales.com Nella città di Porto vivono due stranieri, l’americano Jake [Anton Yelchin alla sua ultima interpretazione, ndr] e la studentessa francese Mati. Il destino sembra giocare con loro, facendoli imbattere l’uno nell’altra in occasioni e luoghi diversi. È Jake a cogliere l’offerta suggerita da questi incontri casuali, prendendo coraggio e avvicinando Mati. Nonostante le premesse, non sarà l’inizio di una storia d’amore, ma porterà a un’unica notte di intimità il cui ricordo tornerà con insistenza nelle vite di questi due amanti occasionali, rivelando loro la potenza di un incontro. «Jake e Mati sono personaggi bloccati nel tempo. Sono fermi a una certa notte che non stanno più vivendo, ma che stanno pensando o sognando. C’è una frase di James Benning che mi ha sempre colpito: “Tutto il tempo è solo ricordo”. È di questo che parla il film, e mettendo a confronto i formati di ripresa diversi ed esplorando ciò che possono rivelare al pubblico sul modo in cui viviamo il tempo attraverso i ricordi (e i sogni), ho cercato di dire qualcosa di realmente intenso sui suoi protagonisti». ** Two foreigners live in the city of Oporto, the American Jake [Anton Yelchin, in his final acting appearance, editor’s note] and the girl Mati, a student from France. Destiny seems to be toying with them, as they run into each other at different times and places. Jake takes advantage of the opportunity provided by these casual encounters, gets up his courage and approaches Mati. Despite the good start, it isn’t the beginning of a love story but a one night stand. The memory of that night will return insistently in the lives of these two occasional lovers, showing them the power of an encounter. “Jake and Mati are characters stuck in time. They are stuck in one night, even though they are no longer living that one night. They are perhaps thinking about it or dreaming it. There’s something James Benning says that really resonates with me: ‘All of time is just memory.’ That’s really what the film is about, and in contrasting these different shooting formats, in exploring what they could reveal to the audience about how we live time through memory (and dream), I could begin to say something really poignant about these two characters.” 13 SOMMARIO TORINO 34 Gabe Klinger (San Paolo, Brasile, 1982), docente di cinema, ha insegnato all’Università dell’Illinois e al Columbia College di Chicago. Archivista, curatore e filmmaker, ha lavorato inoltre come critico cinematografico collaborando con riviste quali «Sight & Sound», «Film Comment» e «Cinema Scope». Nel 2013 ha pubblicato un volume su Joe Dante, scritto con Nil Baskar, e ha diretto Double Play: James Benning and Richard Linklater, con il quale ha vinto il Leone d’oro per il miglior documentario sul cinema alla Mostra di Venezia. Porto segna il suo esordio nel cinema di finzione. Gabe Klinger (São Paulo, Brazil, 1982) has taught film studies at University of Illinois and Columbia College in Chicago, Illinois. Archivist, curator, filmmaker and critic, his articles have appeared in “Sight & Sound,” “Film Comment,” “Cinema Scope,” and many other publications. His book on Joe Dante, co-edited by Nil Baskar, was published in 2013. With Double Play: James Benning and Richard Linklater he won the Golden Lion for Best Documentary on Cinema at 2013 Venice Film Festival. Porto is his first feature film. filmografia/filmography Double Play: James Benning and Richard Linklater (doc., 2013), Porto (2016). TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION douglas seok TURN LEFT TURN RIGHT Cambogia-Usa-Corea del Sud/ Cambodia-USA-South Korea, 2016, HD, 68’, col. Douglas Seok (Chicago, Illinois, Usa, 1983) vive e lavora a Seul. Ha conseguito un master in cinema digitale alla DePaul University di Chicago. Nel 2015 ha lavorato come direttore della fotografia del film Dream Land di Steve Chen e, in precedenza, come assistente alla regia di Lee Isaac Chung per i film Lucky Life (2010) e Abigail Harm (2012). Tutti e tre i film sono stati presentati al Torino Film Festival, nella sezione Onde. Turn Left Turn Right (2016) è il suo primo lungometraggio. TURN LEFT TURN RIGHT regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio/ director, story, screenplay, film editing Douglas Seok fotografia/cinematography Steve Chen suono/sound Min Eun Seo, Jean-Baptiste Haehl interpreti e personaggi/ cast and characters Kanitha Tith (Kanitha), Thavy Pov (la madre/mother), Vanthoeun Bo (il padre/father), Saveth Dy (Dy Saveth) produttori/producers Steve Chen, Douglas Seok produzione/production Sea Oak Studios, Anti-Archive ** contatti/contacts Anti-Archive Steve Chen [email protected] Phnom Penh, Cambogia. Kanitha è una ventenne iperattiva e dotata di uno spirito libero. La madre, donna di vedute tradizionaliste, la vorrebbe sposata e sistemata, mentre il padre, anziano e malato, è ormai sul punto di morire. Kanitha è una sognatrice, ama la musica pop e perde un lavoro dopo l’altro, ma dentro di sé sogna di condividere con il padre l’ultima gioia della sua vita: un ricordo d’infanzia da ripescare nella memoria e una piccola cosa da fare insieme per tornare uniti come un tempo. «Il montaggio è stato molto complesso, ma solo così sono riuscito a sviscerare il film. Ho pensato di trattare il film come fosse un oggetto e ho fatto esperimenti con il materiale che avevamo girato. Ho iniziato dando una forma precisa alla collezione di musica rock cambogiana che era alla base di molte scene, affrontando alcune parti del film in modo quasi “scultoreo”. Potevo usare solamente effetti come la sovrimpressione o la stratificazione, ma proprio grazie a tecniche così semplici sono riuscito a dare una consistenza più profonda e ricca al film». ** Phnom Penh, Cambodia. The twenty-year-old Kanitha is hyperactive and a free spirit. Her very traditional mother would like to see her married and settled. Her father, elderly and sick, is nearing his deathbed. Kanitha is a dreamer, she loves pop music and keeps losing one job after another. But what she really wants is to share one last happy moment with her father: seek out a childhood memory, find a little something to do together so they can be close like they used to. “The editing process was arduous, but that’s how I unearthed the film. I thought about what the film could feel like as an object and experimented with the source materials that had been recorded. I began molding the trove of Cambodian rock music that motivated many scenes, deciding to treat parts of the film in a more sculptural way. I was limited to using effects like superimposition and layering but found that such simple techniques could yield a deep, rich texture for the film.” 14 SOMMARIO TORINO 34 Douglas Seok (Chicago, IL, USA, 1983) lives and works in Seoul, South Korea. He has a master’s in digital cinema from Chicago’s DePaul University. He worked as Lee Isaac Chung’s assistant director for Lucky Life (2010) and Abigail Harm (2012). In 2015, he was the photography director for Steve Chen’s Dream Land. All three movies were presented in the Onde section of the Torino Film Festival. Turn Left Turn Right (2016) is his first feature. filmografia/filmography Turn Left Turn Right (2016). TORINO 3 4 / F E AT U R E FILM COMPETITION tamara drakulić VETAR Serbia, 2016, HD, 80’, col. Tamara Drakulić (Serbia) ha studiato all’Accademia di belle arti di Belgrado. Sta attualmente lavorando alla tesi di un master in antropologia visiva che ha frequentato presso la facoltà di filosofia dell’Università di Belgrado. Ha esordito come regista nel 2012 con Swing, e due anni dopo ha presentato il suo secondo lavoro, Ocean, nella sezione Onde del Torino Film Festival. Oltre a essere regista, è stata autrice, selezionatrice musicale e voce del programma radiofonico indipendente Ljuljaška di Novi Radio Beograd. WIND regia/director Tamara Drakulić soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Ana Rodić dal suo racconto/ from her short story Kites fotografia/cinematography Igor Đorđević montaggio/film editing Jelena Maksimović musica/music Maja Ćurćić interpreti e personaggi/ cast and characters Tamara Stajić (Mina), Eroll Bilibani (Andrej), Darko Kastratović (Saša), Tamara Pjević (Sonja) produzione/production Monkey Production, Cinnamon Production ** contatti/contacts Jelena Angelovski [email protected] La sedicenne Mina sta trascorrendo l’estate sul fiume Bojana, in Montenegro, insieme con il padre Andrej. Pigra e indolente, Mina sfoggia il più ostentato disinteresse per ciò che la circonda, mentre il padre, incallito fumatore, comincia forse a instaurare una relazione più seria con la fidanzata. Con estremo disappunto, Mina si innamora di un kitesurfer, Saša, più grande di lei e fidanzato con Sonja. Un triangolo amoroso che non ha conseguenze evidenti, ma che lascia una traccia profonda nell’universo dell’adolescente. «Penso che cinema e arte debbano avere un legame con la società e la cultura, ma che non debbano farsi governare da queste. È l’individuo che gira un film o realizza qualcosa di artistico. Solo a quel punto, poi, l’arte deve guidare la società. Quindi, nonostante io sia serba e la gente si aspetti che parli di guerra e cambiamenti, credo sia fondamentale che mi senta libera di sperimentare con il linguaggio cinematografico e mettere in scena una storia semplice e intima come questa. Una storia che rispecchia, niente di più e niente di meno, il mio punto di vista». ** Sixteen-year-old Mina is spending the summer with her father Andrej on the Bojana river, in Montenegro. Lazy and apathetic, Mina displays great disinterest in her surroundings, while her father, a confirmed smoker, might be getting more serious about his girlfriend. To her great annoyance, Mina falls in love with a kite surfer, Saša, who is older than her and engaged to Sonja. A love triangle with no evident consequences but which will leave a deep mark on the adolescent’s universe. “I think that film and art should be connected with society and culture. Yet, they must not be directed by it. Individual is the one who should direct the film, and make art. Then, art is the one that should lead society. Therefore I think that although especially as Serbian director I am expected to talk about war and transition, it is crucially important to feel free to experiment with film language in order to make a simple, intimate story as this one, that is giving nothing else or more than my personal view.” 15 SOMMARIO TORINO 34 Tamara Drakulić (Serbia) studied at Academy of fine arts in Belgrade and she is working on her master thesis in visual anthropology at faculty of philosophy in Belgrade. Her debut in direction was in 2012 with Swing. Her second movie, Ocean, was presented in 2014 in the section Onde of the Torino Film Festival. She was the author, music editor, and the voice behind independent radio show Ljuljaška, at Novi Radio Beograd. filmografia/filmography Ljuljaška (Swing 2012), Okean (Ocean, doc., 2014), Vetar (Wind, 2016). © MARTIN LUDWIG TORINO 3 4 / F E AT U R E sebastian hilger WIR SIND DIE FLUT Germania/Germany, 2016, HD, 84’, col. ** contatti/contacts Edgar Derzian [email protected] www.wirsinddieflut.de 16 SOMMARIO © SIMON VU - ANNA WENDT FILMPRODUKTION GMBH WE ARE THE TIDE regia/director Sebastian Hilger sceneggiatura/screenplay Nadine Gottmann fotografia/cinematography Simon Vu montaggio/film editing Linda Bosch scenografia/ production design Karina Ferg costumi/costume design Sophie Klebba suono/sound Kai Ziarkowski interpreti e personaggi/ cast and characters Max Mauff (Micha), Lana Cooper (Jana), Swantje Kohlhof (Hanna), Roland Koch (Karl), Max Herbrechter (prof. Feuerstein), Waldemar Hooge (Daniil) produttori/producers Lasse Scharpen, Johannes Jancke, Edgar Derzian, Anna Wendt, Fabian Winkelmann produzione/production Anna Wendt Filmproduktion GmbH coproduzione/coproduction Filmakademie BadenWuerttemberg, Institute of Animation, Visual Effects and Digital Postproduction, Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf FILM COMPETITION Quindici anni fa l’oceano è sparito dalla costa di Windholm, in Germania. E così pure i bambini del luogo. Il giovane fisico Micha vorrebbe condurre studi approfonditi su questo fenomeno inspiegabile, ma necessiterebbe della borsa di studio che gli è stata negata. Decide comunque di partire, accompagnato da Jana, ex collega e figlia del rettore dell’università in cui lavora. Ad attendere i due, un mistero da svelare e i fantasmi del loro passato in comune. «Ci chiamano la “generazione Y”; ci hanno cresciuti facendoci credere di essere speciali e in grado di cambiare il mondo con le nostre idee e le nostre scelte. Ma continuiamo a sbattere contro porte chiuse. Siamo sempre in attesa del prossimo contratto a tempo determinato, del prossimo subaffitto, della prossima relazione a breve termine. Siamo intrappolati tra le incertezze. […] È questa la vita, oppure deve ancora cominciare? E in tal caso quando comincerà? […] Cambierà mai qualcosa? E come cambierà? Il mio film parla della delusione di un’intera generazione. E della sua determinazione ad andare comunque avanti». ** Fifteen years ago, the ocean disappeared from the coast of Windholm, Germany. So did the local children. The young physicist Micha would like to conduct an in-depth study of this inexplicable phenomenon but that calls for a grant, which he is denied. He decides to leave anyway, accompanied by Jana, a former colleague and the daughter of the rector of the university where he works. A mystery to be resolved and the ghosts of their shared past await them. “They call us ‘Generation Y.’ We were raised to believe we were special, that we could change the world with our ideas and our choices. Now, we find ourselves facing closed doors. We’re all waiting for the next short-term contract, the next sublet, the next temporary relationship. We are stuck in the inbetweens. […] Is this life, or is it still on its way? And if it is, when will it arrive? […] Will it ever be different? And how should it be different? We Are Tide is a movie about the disappointment of a whole generation – and its determination to still carry on.” TORINO 34 Sebastian Hilger (Adenau, Germania, 1984) ha cominciato fin dal 2003 a dirigere e produrre piccoli film realizzati con una MiniDv. Ha studiato presso l’Università di Colonia, realizzando diversi cortometraggi e videoclip. Dopo la laurea si è iscritto alla Filmakademie Baden-Wurttemberg per approfondire le conoscenze in regia cinematografica. In questa fase ha sviluppato i progetti del corto d’animazione Tim Schroder and the End of All Times (2012), selezionato in diversi festival internazionali; di altre due corti, The World Outside e Marder; e dello stesso We Are the Tide, suo secondo lungometraggio dopo il primo Ayuda (2009), girato in 16mm. Sebastian Hilger (Adenau, Germany, 1984) began directing and producing small films in MiniDV format in 2003. He studied at the University of Cologne, making various shorts and video clips. After graduating, he enrolled at the Filmakademie BadenWurttemberg to study movie directing. In this period, he developed the animated short projects Tim Schroder and the End of All Times (2012), selected at various international festivals; two other shorts, The World Outside and Marder; and We Are the Tide, his second feature film after his first one, Ayuda (2009), which was shot in 16mm. filmografia/filmography Momentaufnahme (cm, 2004), Ein Glas Wasser (cm, 2004), Entspiegelt (cm, 2005), Meine Mutter (cm, 2005), Spielverderber (cm, 2005), Konsequenzen (cm, 2006), Atemzug/Spielzug (cm, 2008), Ayuda (2009), Als gäbe es ein Morgen (cm, videoclip, 2009), Im dritten Jahr (cm, 2011), Auf der Suche (cm, 2011), Keine Spur besonderer Eigenschaften (cm, 2011), Tim Schröder und das Ende aller Tage (Tim Schroeder and the End of All Time, cm, anim., 2012), Die Welt da draußen (The World Outside, cm, 2013), Marder (cm, 2013), Wir sind die Flut (We Are the Tide, 2016). GRAN PREMIO TORINO SAW TIONG GUAN WIND SOMMARIO 2016 | PHILIP YUNG DAAP HYUT CAM MUI - PORT OF CALL GRAN PREMIO TORINO 2016 Christopher Doyle DI/BY EMANUELA MARTINI Christopher Doyle è nato nel 1952 a Sydney, da dove è scappato a diciott’anni su una nave mercantile norvegese. Ha allevato mucche in Israele, trivellato terreni in India, ha imparato la medicina cinese in Thailandia, è diventato fotografo negli anni Settanta a Taiwan. E negli stessi anni è nato di nuovo, come Du Ke Feng (che significa «come il vento»), il suo io cinese (una lingua che parla correntemente, nelle declinazioni cantonese e mandarino, come l’inglese, il francese, lo spagnolo, il giapponese). All’inizio degli anni Ottanta (per caso, ha detto lui, spinto dall’amico Edward Yang che esordiva nella regia), ha anche incontrato, a Taiwan, la sua arte e la sua vocazione: direttore della fotografia, uno dei più grandi degli ultimi decenni. Leggendario il suo rapporto con Wong Kar-wai (otto film insieme), e poi il lavoro con Stanley Kwan, Chen Kaige, Zhang Yimou e molti altri autori cinesi e taiwanesi. Ma anche con Gus Van Sant (Psycho e Paranoid Park), Jim Jarmusch (The Limits of Control), Barry Levinson (Liberty Heights), Neil Jordan (Ondine), Philip Noyce (The Quiet American), M. Night Shyamalan (Lady in the Water), Sebastián Silva (Magic Magic), Alejandro Jodorowsky (Poesía sin fin). È stato inoltre regista di alcuni film, tra i quali il bellissimo ritratto di tre diverse generazioni Hong Kong Trilogy: Preschooled Preoccupied Preposterous. Non ama teorizzare, ma invita a «fare», «inventare», «esprimersi»: e il suo sguardo ha suggestioni profonde e carnose, ma anche accenti di limpidissima poesia del quotidiano. Si considera il «mediatore» tra quello che appare sullo schermo e lo spettatore, e sostiene che la condizione di «straniero dall’interno», com’è stato lui per gran parte della sua vita («un bianco in un mondo giallo»), sia quella ideale per essere un buon direttore della fotografia, per riuscire a catturare le cose che spiccano, che la gente conosce, ma che non ha mai guardato consapevolmente. Un occhio libero, eccentrico, profondo, per il quale una ripresa «è sempre la prima ripresa». 18 SOMMARIO GRAN PREMIO TORINO 2016 Christopher Doyle was born in 1952 in Sydney and ran away aboard a Norwegian merchant ship when he was eighteen. He has raised cattle in Israel, worked as an oil driller in India, studied traditional Chinese medicine in Thailand, and he became a photographer in Taiwan during the 1970s. During those same years, he was reborn as Du Ke Feng (which means “like the wind”), his Chinese name. He is fluent in Chinese – both the Cantonese and the Mandarin dialects – and also speaks English, French, Spanish and Japanese. In Taiwan, in the early 1980s (by chance, he says, encouraged by his friend Edward Yang, who was debuting as a director), he also encountered his art and his vocation: cinematography, and he is one of the greatest in recent decades. His work with Wong Kar-wai is legendary (eight movies together) and he has also worked with Stanley Kwan, Chen Kaige, Zhang Yimou and many other Chinese and Taiwanese filmmakers. But he has also collaborated with Gus Van Sant (Psycho and Paranoid Park), Jim Jarmusch (The Limits of Control), Barry Levinson (Liberty Heights), Neil Jordan (Ondine), Philip Noyce (The Quiet American), M. Night Shyamalan (Lady in the Water), Sebastián Silva (Magic Magic), and Alejandro Jodorowsky (Poesía sin fin), and has directed a number of movies, including the beautiful portrait of three different generations, Hong Kong Trilogy: Preschooled Preoccupied Preposterous. Rather than theorize, he prefers to encourage people to “do,” “invent,” “express themselves;” his gaze has deep, full grandeur, as well as accents of crystalclear poetry of the quotidian. He considers himself a “passage” between what appears on the screen and the audience member, and believes that being an “outsider from the inside,” as he has been for much of his life (“a white guy in a yellow world”), is vital for becoming a good cinematographer, able to capture things which stand out, which people recognize but have never consciously noticed. To this free, eccentric and profound eye, a shot “is always the first shot.” GRAN PREMIO TORINO 2016 saw tiong guan WIND Malesia-Hong Kong/Malaysia-Hong Kong, 2016, HD, 33’, bn/bw-col. WIND regia/director Saw Tiong Guan fotografia, interprete/ cinematography, cast Christopher Doyle montaggio/film editing Lim Chee Yong, Fu Hsien Loong produttori/producers Christopher Doyle, Saw Tiong Guan ** contatti/contacts Saw Tiong Guan [email protected] Christopher Doyle ha condotto un’esistenza a dir poco straordinaria: dopo aver lasciato i deserti australiani per l’oceano, ha viaggiato in tutto il mondo, lavorato come marinaio e scavatore di pozzi e vissuto in un kibbutz. Una vita avventurosa, che l’ha portato a Taiwan, dove, infine, a trentadue anni, ha imbracciato per la prima volta una macchina da presa, divenendo uno dei direttori della fotografia più noti e apprezzati del cinema contemporaneo, collaboratore di registi come Wong Kar-wai, Gus Van Sant, James Ivory e Neil Jordan. In questo film racconta la sua vita seduto di fronte all’obiettivo, fra ricordi, immagini e riflessioni. «Le esperienze di Chris mi sono state d’ispirazione quando, dodici anni fa, mi sono trovato a decidere cosa fare della mia vita. Wind è stato realizzato lo scorso anno, durante un momento per me veramente difficile. Chris non solo mi ha ispirato, ma mi ha anche aiutato durante la realizzazione. Pertanto Wind vuole celebrare il potere che si sprigiona quando si lavora a un film, e per questo vorremmo condividerlo con tutti i bambini che hanno bisogno d’ispirazione o aiuto». ** Christopher Doyle has lived an extraordinary life: after leaving the Australian desert for the ocean, he has voyaged throughout the world, worked as a sailor and a well-digger, and lived in a kibbutz. This adventurous life led him to Taiwan, where, at thirty-two years of age, he picked up a movie camera for the first time and became one of contemporary cinema’s most famous and sought-after directors of photography, collaborating with directors such as Wong Kar-wai, Gus Van Sant, James Ivory and Neil Jordan. In this movie, he sits in front of the camera and tells the story of his life through memories, images and reflections. “Chris’ life experiences inspired me twelve years ago when I was at a crossroad, deciding what I should do with my life and Wind was filmed last year, at the lowest point of my life. Chris not only inspired me, he helped me through making this film together. Wind is thus a celebration of the power of filmmaking and film. And we would like to share it with children who need inspiration and help.” 19 SOMMARIO GRAN PREMIO TORINO 2016 Saw Tiong Guan (Malesia, 1980) coltiva la passione per il cinema fin da giovane, da quando lavorava come commesso in un videonoleggio. Laureatosi in giurisprudenza (materia che tuttora insegna), ha proseguito parallelamente la sua formazione in ambito cinematografico, ottenendo nel 2011 un dottorato di ricerca presso l’Università di Melbourne. Come regista ha esordito nel 2007 con il cortometraggio G16 G17, premiato all’Eco Film Festival di Kuala Lumpur, e nel 2013 ha diretto e prodotto il documentario Past Present. Saw Tiong Guan (Malaysia, 1980) has had a passion for cinema ever since he worked in a video store in his youth. After receiving his law degree (a subject he still teaches), he continued his education in the world of film, receiving a PhD from the University of Melbourne in 2011. He debuted as a director in 2007 with the short G16 G17, which received an award at the Kuala Lumpur Eco Film Festival and in 2013 he directed and produced the documentary Past Present. filmografia/filmography G16 G17 (cm, 2007), Past Present (doc., 2013), Wind (mm, doc., 2016). GRAN PREMIO TORINO 2016 philip yung DAAP HYUT CAM MUI Hong Kong, 2015, HD, 126’, col. Philip Yung lavora in ambito televisivo e cinematografico dal 1998. Nel 2009 ha esordito come regista e sceneggiatore con il lungometraggio con Glamorous Youth, ottenendo numerosi riconoscimenti sia a Hong Kong, sia all’estero. Successivamente ha diretto il dramma What’s Up Girls (2014). Port of Call, presentato all’Hong Kong International Film Festival e al Far East Film Festival di Udine, segna la sua prima collaborazione con Christopher Doyle. PORT OF CALL regia, sceneggiatura/ director, screenplay Philip Yung fotografia/cinematography Christopher Doyle montaggio/film editing William Chang Suk-Ping, Liu Ching-Sung suono/sound Du Chih Tu interpreti e personaggi/ cast and characters Aaron Kwok (Chong Sir), Jessie Li (Jiamei Wang), Elaine Jin (May), Michael Ning (Chi-chung Ting), Patrick Tam (Smokey, il poliziotto/the policeman), Maggie Shiu (la signora Law/Madam Law) produttori/producers Julia Chu, Kingman Cho, Esther Koo produzione/production Mei Ah Entertainment Development, Inc., Golden Gate Productions ** contatti/contacts Mei Ah Entertainment Winnie Chan [email protected] www.meiah.com Chong Sir, investigatore della polizia di Hong Kong dai metodi particolari, viene incaricato di indagare su un caso di assassinio: una giovane prostituta è stata uccisa da un cliente. Nulla di anormale, se non fosse che omicida e vittima si conoscevano, pur senza essersi mai visti, e al primo appuntamento la ragazza aveva chiesto al cliente di ucciderla. Per Chong Sir è l’inizio di un viaggio nelle personalità dell’omicida e della vittima alla ricerca della verità sul caso. «Nell’aprile 2008 a Hong Kong si è verificato un caso di omicidio e smembramento. Una sedicenne che è stata uccisa mentre lavorava come squillo. Stranamente, prima di venire uccisa, ha detto al cliente (in altre parole all’assassino, un ventiquattrenne): “Voglio morire”. Non potevo smettere di pensarci. Quali erano il significato e la storia dietro questa frase? Quando la ragazza ha pronunciato quella frase doveva crederci davvero, altrimenti l’assassino non l’avrebbe presa sul serio. Al tempo stesso, perché il killer ha pensato che lei fosse sincera e ha deciso di reagire uccidendola?» ** Chong Sir is a detective for the Hong Kong Police Department investigating the murder of a young prostitute killed by a customer. So far nothing unusual, until you consider that the victim and the murderer knew each other even though they never met before: on their first encounter, the girl asked her client to kill her. Chong Sir dives into the investigation, tapping into the killer and the victim’s personalities to shed light on the truth. “In April 2008, a murder and dismemberment case happened in Hong Kong. A sixteen-year-old young woman was killed while working as an on-call prostitute. Eerily, before she was killed, she said to her customer (in other words, her killer, a young man aged twenty-four), ‘I really want to die.’ I couldn’t get my mind off it. What would be the meaning and story behind this sentence? She must have meant it when she said it; otherwise her killer would not have taken it seriously. At the same time, why would the killer think that it was spoken from her heart, and decide to respond by actually killing her?” 20 SOMMARIO GRAN PREMIO TORINO 2016 Philip Yung has worked in television and cinema since 1998. He wrote and directed his first feature Glamorous Youth in 2009, which was well received in festivals in Hong Kong and abroad. He then directed the drama What’s Up Girls in 2014. Port of Call marks his first collaboration with Christopher Doyle; it was presented at the Hong Kong International Film Festival and the Far East Film Festival in Udine. filmografia/filmography Ming mei shiguang (Glamorous Youth, 2009), Mei gaau siu nui (What’s Up Girls, 2014), Daap hyut cam mui (Port of Call, 2015). F E S TA M O B I L E I FILM MANDIE FLETCHER ABSOLUTELY FABULOUS: THE MOVIE | MIA HANSEN-LØVE L’AVENIR | RAFAEL PALACIO | BEN YOUNGER BLEED FOR THIS | JOACHIM LAFOSSE L’ÉCONOMIE DU COUPLE | PAUL VERHOEVEN ELLE | MOHAMED DIAB ESHTEBAK - CLASH | MAURIZIO ZACCARO LA FELICITÀ UMANA | PHILIPPE LIORET LE FILS DE JEAN | ADRIAN SITARU FIXEUR | BEN WHEATLEY FREE FIRE | GARY ROSS FREE STATE OF JONES | LAV DIAZ HELE SA HIWAGANG HAPIS - A LULLABY TO THE SORROWFUL MYSTERY | JUHO KUOSMANEN HYMYILEVÄ MIES - THE HAPPIEST DAY IN THE LIFE OF OLLI MÄKI | ADRIAN SITARU ILEGITIM - ILLEGITIMATE | ROBERT GREENE KATE PLAYS CHRISTINE | JOHNNY MA LAO SHI - OLD STONE | ELISABETTA SGARBI LA LINGUA DEI FURFANTI | LOGAN SANDLER LIVE CARGO | ANTONIN PERETJATKO LA LOI DE LA JUNGLE | BRILLANTE MA MENDOZA MA’ ROSA | SÉBASTIEN BETBEDER MARIE ET LES NAUFRAGÉS | SACHA WOLFF MERCENAIRE | CHAD HARTIGAN MORRIS FROM AMERICA | STEVE DELLA CASA, CHIARA RONCHINI NESSUNO CI PUÒ GIUDICARE | DANIELE SEGRE NOME DI BATTAGLIA DONNA | MAHA HAJ OMOR SHAKHSIYA - PERSONAL AFFAIRS | TERENCE DAVIES A QUIET PASSION | ANURAG KASHYAP RAMAN RAGHAV 2.0 - PSYCHO RAMAN | ALAIN GUIRAUDIE RESTER VERTICAL | FRANCESCA PEDRONI ROBERTO BOLLE. L’ARTE DELLA DANZA | KENNETH BRANAGH ROMEO AND JULIET | ANDREA MOLAIOLI SLAM - TUTTO PER UNA RAGAZZA | DANIS TANOVIĆ SMRT U SARAJEVU - DEATH IN SARAJEVO | ALESSANDRO MARIA BUONOMO SONO GUIDO E NON GUIDO | CLINT EASTWOOD SULLY | ARGYRIS PAPADIMITROPOULOS SUNTAN | SÉBASTIEN BETBEDER LE VOYAGE AU GROENLAND | JOHN MICHAEL MCDONAGH WAR ON EVERYONE | JOYCE ILLINGWORTH BETWEEN US WONG WEXFORD PLAZA FILM COMMISSION ALESSANDRO CASTELLETTO GIPO, LO ZINGARO DI BARRIERA | CRAIG GOODWILL SADIE PREMIO MARIA ADRIANA PROLO COSTA-GAVRAS Z V I N TA G E | MICHAEL CIMINO THE DEER HUNTER | FABIO GARRIBA | MARIO GARRIBA VOCE DEL VERBO MORIRE | IN PUNTO DI MORTE | D.W. GRIFFITH INTOLERANCE | RAFFAELLO MATARAZZO LITTORIA | MUSSOLINIA DI SARDEGNA | GIUSEPPE VERDI | LA NAVE DELLE DONNE MALEDETTE | NANNI MORETTI PALOMBELLA ROSSA | GIANNI ZANASI LE BELLE PROVE | FRANCESCO MUNZI NASTASSIA | SILVIA PERRA LA FINESTRA | GILLO PONTECORVO GIOVANNA | OTTO PREMINGER WHERE THE SIDEWALK ENDS NAGISA ŌSHIMA MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE I PARENTI TUTTI SOMMARIO F E S TA M O B I L E Festa mobile DI EMANUELA MARTINI Elle (2016) Si apre con Between Us, intensa commedia drammatica americana su una giovane coppia il cui rapporto va in crisi nel momento stesso in cui decidono di sposarsi, diretta da Rafael Palacio Illingworth e interpretata da Olivia Thirlby (Juno) e Ben Feldman (Mad Men), e si chiude con Free Fire, adrenalinico scontro a colpi di arma da fuoco e di battute tra dodici uomini e una donna rinchiusi in una fabbrica dismessa a Boston negli anni Settanta, diretto da uno dei migliori giovani cineasti britannici di oggi, Ben Wheatley, e interpretato da Cillian Murphy e Brie Larson (Oscar 2016 per Room). In mezzo, la messe di film raccolti durante l’anno per portare al Festival gli esemplari più attesi o che ci sono piaciuti di più tra la produzione mondiale inedita in Italia. 22 SOMMARIO F E S TA M O B I L E I più attesi Sully, la storia, già leggendaria, dell’ammaraggio sull’Hudson nel 2009 dello US Airways 1549 pilotato da Chesley «Sully» Sullenberg, diretto da Clint Eastwood e interpretato da Tom Hanks e Aaron Eckhart; Roberto Bolle: l’Arte della Danza, il documentario diretto da Francesca Pedroni che segue il tour estivo della Bolle & Friends tra Pompei, le Terme di Caracalla e l’Arena di Verona; Free State of Jones di Gary Ross e con Matthew McConaughey, la storia avventurosa e dolente del disertore dell’esercito confederato che alla fine della Guerra di secessione creò uno stato autonomo antisegregazionista; Absolutely Fabulous: The Movie, versione cinematografica di Mandie Fletcher della celebre sitcom F E S TA M O B I L E britannica con Jennifer Saunders e Joanna Lumley; Bleed for This, ritorno alla regia di Ben Younger (1 km da Wall Street) con il biopic sul pugile Vinny Pazienza, interpretato da Miles Teller e Aaron Eckhart; Kate Plays Christine di Robert Greene, docufiction tesissima in cui Kate Lyn Sheil si prepara per interpretare il ruolo di Christine Chubbuck, la giornalista il cui suicidio in diretta tv nel 1974 ispirò Quinto potere di Lumet; La loi de la jungle, la scatenata commedia demenziale di Antonin Peretjatko, con Vincent Macaigne, Vimala Pons e Mathieu Amalric, che sta ottenendo un grande successo in Francia; Romeo and Juliet, ripresa del recente allestimento londinese di Kenneth Branagh, con Lily James e John Madden (Cenerentola e il principe in Cinderella), ambientato negli anni Cinquanta e piena di suggestioni felliniane; Le fils de Jean, viaggio attraverso due continenti e alcuni drammatici segreti familiari firmato da Philippe Lioret (Welcome); Fixeur, il nuovo, serrato dramma morale di Adrian Sitaru, su un tirocinante dell’agenzia FrancePresse di Bucarest che scova finalmente un caso scottante sul quale fare carriera. Quello che ci è piaciuto di più nei festival stranieri Isabelle Huppert irresistibile in due film d’autore, firmati da Paul Verhoeven (Elle) e Mia Hansen-Løve (L’avenir), in cui l’attrice gioca con grinta e humor sui casi che possono sconvolgere la vita di una signora non più giovanissima; l’aspro, paradossale, buffo resoconto della vita da «separati in casa» della coppia composta da Bérénice Bejo e Cédric Khan, in uno dei film più belli di Cannes 2016, L’économie du couple di Joachim Lafosse; la satira feroce e la logica stringente con cui Danis Tanović ci parla di Europa in Death in Sarajevo, adattato dalla pièce di Bernard-Henry Lévy; l’atmosfera via via più arroventata e claustrofobica di Clash di Mohamed Diab, con un gruppo di manifestanti di fazioni diverse rinchiusi per un giorno in una camionetta della polizia nel centro del Cairo; la sontuosa maestria con cui Lav Diaz racconta l’epopea del rivoluzionario filippino Andrés Bonifacio y de Castro nel torrenziale A Lullaby for a Sorrowful Mystery; la misura dolente e ironica con cui Terence Davies ricostruisce la vita, la casa e le relazioni affettive di Emily Dickinson in A Quiet Passion; l’umorismo laconico e straniante di The Happiest Day in the Life of Olli Mäki del 23 SOMMARIO F E S TA M O B I L E finlandese Juho Kuosmanen; il serrato gioco della macchina da presa, la densa efficacia dei dialoghi e la netta presa di posizione morale di Illegitimate, ancora di Adrian Sitaru; il terribile dilemma in cui viene invischiato un tassista cinese in Old Stone, ossessivo noir metropolitano di Johnny Ma; la lucida, affannosa lotta per la sopravvivenza della famiglia di disperati di Ma’ Rosa di Brillante Mendoza; la fisicità spigolosa e nervosa con cui Mercenaire di Sacha Wolff segue il suo protagonista dalla Nuova Caledonia alla Francia; lo humor e la tenerezza con cui Maha Haj (scenografa per Elia Suleiman) descrive i giorni sempre uguali di una coppia di pensionati israeliani in Personal Affairs; la vitalità sregolata e anticonformista con cui Alain Guiraudie ci parla ancora di sessi e generi in Rester vertical; il perfetto gioco di riflessi tra un serial killer e il poliziotto che gli dà la caccia nel travolgente thriller Psycho Raman dell’indiano Anurag Kashyap (Bombay Velvet, Ugly); la spudorata spavalderia dei poliziotti Alexander Skarsgård e Michael Peña nel travolgente poliziesco War on Everyone di John Michael McDonagh (The Guard, Calvary). Qualche indie Il sofferto Live Cargo di Logan Sandler, con Dree Hemingway e con inedite Bahamas fotografate in bianco e nero; Morris from America, complicato e tenero coming of age di un tredicenne afroamericano trapiantato con il padre in Germania; i due film più recenti di un giovane autore francese habitué del Festival, Sébastien Betbeder (Les nuits avec Théodore, 2 automnes 3 hivers), che con Marie et les naufragés e Le voyage au Groenland porta il suo humor stralunato, rispettivamente, su un’isola della Bretagna, insieme a un gruppetto di naufraghi per amore, e tra i ghiacci del Nord, con due aspiranti attori parigini; Wexford Plaza della canadese Joyce Wong, storia dolceamara di un’irresistibile ragazza sovrappeso che fa la guardia notturna in un centro commerciale e cerca l’anima gemella su un’app. Last but not least, un gruppo di film italiani, più o meno eccentrici, impegnati, interrogativi Da Slam - Tutto per una ragazza, nel quale Andrea Molaioli riambienta il romanzo omonimo di Nick Hornby a Roma, al mockumentary Sono Guido e non Guido, F E S TA M O B I L E Fixeur (2016) nel quale Alessandro Maria Buonomo inventa un fratello gemello vero autore delle poesie di Guido Catalano; dal viaggio di Maurizio Zaccaro attraverso il mondo, per chiedere a intellettuali, artisti, filosofi, politici che cos’è oggi la felicità (La felicità umana) a quello di Elisabetta Sgarbi sui volti e i corpi modernissimi degli umili ritratti dal Romanino nei suoi affreschi in tre chiese della Val Camonica (La lingua dei furfanti); dallo sguardo sugli anni Sessanta di Steve Della Casa, che in Nessuno ci può giudicare rievoca l’impatto che ebbero il rock italiano e i musicarelli sui cambiamenti radicali del decennio, a quello di Daniele Segre, che in Nome di battaglia donna ricostruisce la Resistenza attraverso lo spaccato preciso offerto dalle partigiane piemontesi che parteciparono alla lotta; dall’omaggio a Gipo Farassino, lo chansonnier torinese paragonato a Brassens e Montand (Gipo, lo zingaro di Barriera di Alessandro Castelletto), al sensuale viaggio nell’erotismo compiuto da una scrittrice straniera in una villa italiana (Sadie di Craig Goodwill), entrambi sostenuti dalla Piemonte Film Commission. Festa Mobile Vintage Una piccola sottosezione è dedicata a compleanni, restauri, riscoperte del cinema del passato. 24 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Omaggi: a David Bowie, con Furyo, intrigante, sensuale war movie di Nagisa Ōshima, a Michael Cimino, con la versione restaurata del capolavoro Il cacciatore, ai fratelli Fabio e Mario Garriba, inventivi trait d’union tra Bellocchio e Moretti, con i cortometraggi I parenti tutti e Voce del verbo morire e il mediometraggio In punto di morte. Anniversari: a cento anni dalla prima uscita negli Stati Uniti, la versione restaurata dal MoMA di Intolerance di D.W. Griffith, l’invenzione, la passione, gli eccessi spettacolari di un maestro da cui tutti hanno tratto ispirazione; a dieci anni dalla morte di Gillo Pontecorvo, Giovanna (episodio italiano del progetto internazionale sulle donne La rosa dei venti), cinema civile al meglio; a cinquanta da quella di Raffaello Matarazzo, la copia restaurata di Giuseppe Verdi, romanzatissimo, romantico biopic del compositore, La nave delle donne maledette, delirante e irresistibile, e alcuni frammenti dell’autore che saranno presentati nel corso della tavola rotonda sul suo cinema. Restauri: profetico e surreale, Palombella rossa, uno dei capolavori di Nanni Moretti, che nel 1989 aveva già capito tutto, e uno dei noir meno noti e più duri di Otto Preminger, con la coppia di Vertigine (Gene Tierney e Dana Andrews), Sui marciapiedi, che anticipa asprezze alla James Ellroy. F E S TA M O B I L E Festa mobile BY EMANUELA MARTINI L’economie du couple (2016) It opens with Between Us, an intense dramatic comedy from America about a young couple whose relationship starts going downhill the moment they decide to get married; the film is directed by Rafael Palacio Illingworth and stars Olivia Thirlby (Juno) and Ben Feldman (Mad Men). It ends with Free Fire, an adrenalized clash of weapons and repartee between twelve men and a woman inside an abandoned factory in Boston during the 1970s; directed by Ben Wheatley, one of Britain’s top young filmmakers of the moment, it stars Cillian Murphy and Brie Larson (2016 Oscar for Room). In between, a harvest of films gathered throughout the year, bringing to the TFF the most awaited movies and the ones we liked best from worldwide production that has yet to screen in Italy. 25 SOMMARIO F E S TA M O B I L E The most awaited Sully, the already legendary story of the 2009 water landing on the Hudson river of US Airways flight 1549, piloted by Chesley “Sully” Sullenberg, directed by Clint Eastwood and starring Tom Hanks and Aaron Eckhart; Roberto Bolle: l’Arte della Danza, the documentary directed by Francesca Pedroni which follows the summer tour of Bolle & Friends to Pompeii, the Baths of Caracalla and the Arena of Verona; Free State of Jones by Gary Ross and starring Matthew McConaughey, the adventurous and painful story of a Confederate Army deserter who, at the end of the Civil War, created an independent, anti-segregationist state; Absolutely Fabulous: The Movie, Mandie Fletcher’s film version of the famous British sitcom, starring Jennifer Saunders and Joanna F E S TA M O B I L E Free State of Jones (2016) Lumley; Bleed for This, the directorial return of Ben Younger (Boiler Room) with a biopic about the boxer Vinny Pazienza, starring Miles Teller and Aaron Eckhart; Kate Plays Christine by Robert Greene, a tense docu-fiction in which Kate Lyn Sheil prepares to portray Christine Chubbuck, the journalist who committed suicide on live TV in 1974, inspiring Network by Lumet; La loi de la jungle, a wild, screwball comedy by Antonin Peretjatko, starring Vincent Macaigne, Vimala Pons and Mathieu Amalric, already a hit in France; Romeo and Juliet, the filming of Kenneth Branagh’s recent stage production in London, with Lily James and John Madden (Cinderella and the prince in Cinderella), set in the 1950s and full of Felliniesque charm; Le fils de Jean, a journey across two continents and several dramatic family secrets, directed by Philippe Lioret (Welcome); Fixeur, the new, fast-paced moral drama by Adrian Sitaru about an apprentice at the France-Presse agency in Bucharest who finally uncovers a burning issue which might launch his career. What we liked best at foreign festivals An irresistible Isabelle Huppert in two art- 26 SOMMARIO F E S TA M O B I L E house movies, directed by Paul Verhoeven (Elle) and Mia Hansen-Løve (L’avenir), in which, with pluck and humor, the actress deals with situations which could upset the life of a woman who is past her prime; the harsh, paradoxical and funny story of a couple, Bérénice Bejo and Cédric Khan, who are separated but still living together, in L’économie du couple by Joachim Lafosse, one of the best movies at the 2016 Cannes Festival; the ferocious satire and urgent logic with which Danis Tanović discusses Europe in Death in Sarajevo, an adaptation of the play by Bernard-Henri Lévy; the increasingly hot and claustrophobic atmosphere in Clash by Mohamed Diab, in which a group of protesters from different factions are locked up for a day in a police van in downtown Cairo; the sumptuous mastery with which Lav Diaz recounts the saga of the Philippine revolutionary Andrés Bonifacio y de Castro, in the torrential A Lullaby for a Sorrowful Mystery; the painful and ironic measure with which Terence Davies reconstructs the life, home and affections of Emily Dickinson in A Quiet Passion; the laconic and alienating humor of The Happiest Day in the Life of Olli Mäki by the Finnish director Juho Kuosmanen; the concise filming, intensely effective dialogues and clear-cut moral stance of Illegitimate by Adrian Sitaru; the terrible dilemma affecting a Chinese taxi driver in Old Stone, an obsessive metropolitan noir by Johnny Ma; the lucid, laborious struggle for survival of a destitute family in Ma’ Rosa by Brillante Mendoza; the edgy and nervous physicality with which Sacha Wolff follows his protagonist from New Caledonia to France in Mercenaire; the humor and tenderness with which Maha Haj (a screenwriter for Elia Suleiman) describes the monotonous daily routine of a retired Israeli couple in Personal Affairs; the dissolute and nonconformist vitality with which Alain Guiraudie still discusses sexes and genders in Rester vertical; the perfect contest of reflexes between a serial killer and the policeman hunting him down in the rousing thriller Psycho Raman by India’s Anurag Kashyap (Bombay Velvet, Ugly); the brazen cheekiness of the policemen Alexander Skarsgård and Michael Peña in the captivating detective movie War on Everyone by John Michael McDonagh (The Guard, Calvary). F E S TA M O B I L E A few indies The tormented Live Cargo by Logan Sandler, starring Dree Hemingway, offering a new side of the Bahamas and filmed in black and white; Morris from America, a complicated and tender coming of age story about a thirteen-year-old Afro-American who moves to Germany with his father; the two newest films by a young French director, Sébastien Betbeder, a TFF regular (Les nuits avec Théodore, 2 automnes 3 hivers), whose movies Marie et les naufragés and Le voyage au Groenland are marked by his wild-eyed humor; the first film is set on an island in Bretagne, with a small group of lovelorn castaways, and the second in the icy North, with two aspiring actors from Paris; Wexford Plaza by the Canadian Joyce Wong, a bittersweet story about an irresistible girl who works as a night watchman in a shopping mall and uses an app to search for her soul mate. And, last but not least, a group of Italian films, varyingly eccentric, engagé, inquiring From Slam - Tutto per una ragazza, in which Andrea Molaioli sets the same-titled novel by Nick Hornby in Rome, to the mockumentary Sono Guido e non Guido, in which Alessandro Maria Buonomo invents a twin brother who is the real author of Guido Catalano’s poetry; from Maurizio Zaccaro’s journey across the world to ask intellectuals, artists, philosophers and politicians what happiness is, today (La felicità umana), to the movie by Elisabetta Sgarbi about the very modern faces and figures in the humble portraits Romanino painted in his frescos in three churches in Val Camonica (La lingua dei furfanti); from Steve Della Casa’s take on the 1960s, Nessuno ci può giudicare, which evokes the impact Italian rock and musical films had on the decade’s radical changes, to the film by Daniele Segre, who, in Nome di battaglia donna, reconstructs the Resistance through the precise cross-section offered by Piedmont’s female partisan fighters who participated in the struggle; from the tribute to Gipo Farassino, Turin’s cabaret artist who has been compared to Brassens and Montand (Gipo, lo zingaro di Barriera by Alessandro Castelletto), to a foreign author’s sensual journey into eroticism in an Italian villa (Sadie by Craig Goodwill), both of which were supported by the Piemonte Film Commission. 27 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Festa Mobile Vintage A small sub-section is dedicated to anniversaries, restorations and rediscoveries in the cinema of the past. Tributes: to David Bowie, with Merry Christmas Mr Lawrence, an intriguing, sensual war movie by Nagisa Ōshima; to Michael Cimino, with the restored version of his masterpiece The Deer Hunter; to the brothers Fabio and Mario Garriba, innovative links between Bellocchio and Moretti, with the short films I parenti tutti and Voce del verbo morire and the mediumlength In punto di morte. Anniversaries: one hundred after it was first released in the United States, Intolerance by D.W. Griffith, in the version restored by the MoMA, the imagination, the passion, the spectacular excesses of a maestro who has inspired one and all; ten years after the death of Gillo Pontecorvo, Giovanna (the Italian episode of the international project on women La rosa dei venti), civil cinema at its best; fifty years after the death of Raffaello Matarazzo, the restored copy of Giuseppe Verdi, a fictionalized, romantic biopic about the composer, La nave delle donne maledette, delirious and irresistible, and a few clips by the filmmaker which will be presented during a round table discussion of his cinema. Restorations: prophetic and surreal, Palombella rossa, one of the masterpieces by Nanni Moretti, who already in 1989 had it all figured out; and one of the least-known and harshest noirs by Otto Preminger, starring the couple from Laura (Gene Tierney and Dana Andrews), Where the Sidewalk Ends, a forerunner of James Ellroy’s asperity. F E S TA M O B I L E mandie fletcher ABSOLUTELY FABULOUS: THE MOVIE Regno Unito/UK, 2016, HD, 91’, col. ABSOLUTELY FABULOUS: THE MOVIE regia/director Mandie Fletcher soggetto/story dall’omonima serie tv di/ from the tv series of the same title by Jennifer Saunders sceneggiatura/screenplay Jennifer Saunders fotografia/cinematography Chris Goodger montaggio/film editing Anthony Boys, Gavin Buckley, Billy Sneddon scenografia/ production design Harry Banks costumi/costume design Rebecca Hale musica/music Jake Monaco interpreti e personaggi/ cast and characters Julia Sawalha (Saffy), Jane Horrocks (Bubble), June Whitfield (la madre/mother), Chris Colfer (Christopher), Kate Moss (se stessa/herself), Lulu (se stessa/herself), Emma Bunton (se stessa/herself), Robert Webb (Nick), Barry Humphries (Charles), Indeyarna Donaldson-Holness (Lola), Jennifer Saunders (Eddy), Joanna Lumley (Patsy) produttori/producers Damian Jones, Jon Plowman produzione/production Ten17P, Epicmedia, Sine, Olivia Pilipinas coproduttore/coproducer Marc Hubbard distribuzione/distribution 20 Century Fox Italy TH ** contatti/contacts 20 Century Fox Italy TH www.20thfox.it 28 SOMMARIO Edina Monsoon e Patsy Stone trasudano sfarzo e glamour. Da sempre sono abituate a una vita agiata nei posti più trend di Londra, tra shopping, drink e nottate. Durante un’inaugurazione ultramodaiola, però, spingono accidentalmente Kate Moss nel Tamigi e sono travolte dalla tempesta mediatica che si scatena dopo la prematura scomparsa della top model. In fuga senza un soldo verso la Costa Azzurra, Edina e Patsy riusciranno comunque a rendere la loro vita un festa perenne… «Sono appassionatissima di Jennifer Saunders. Non solo è una scrittrice formidabile, ma è anche un’attrice straordinaria. Con la maggior parte degli attori, si ottiene una buona performance ma si sta ancorati a terra. Con Jennifer, invece, c’è sempre un momento in cui, se le dai spazio, taglia le corde e fluttua sopra di te. In più, adesso ha una tale fiducia in se stessa che in questo film ha fatto cose veramente speciali, perché riesce anche a essere commovente. Absolutely Fabulous non è solamente una commedia sul fallimento e lo sbronzarsi di continuo. Alla base ci sono onestà e verità, e questo dà al film un certo spessore». ** Edina Monsoon and Patsy Stone are still oozing glitz and glamour, living the high life they are accustomed to; shopping, drinking and clubbing their way around London’s trendiest hotspots. But when they accidentally push Kate Moss into the river Thames at an uber fashionable launch party, they become entangled in a media storm surrounding the supermodel’s untimely demise. Fleeing penniless to French Riviera, they hatch a plan to make their escape permanent and live the high life forever more. “I’m desperately fond of Jennifer Saunders. She’s not just a terrific writer, but she’s also an extraordinary performer. With most performers, you get a good performance, but it’s grounded. But there’s something about Jennifer where, if you give her a moment, she’ll cut the strings and float above. Plus, she now has a confidence in herself which, I believe, has made for something very special in this film, because she’s touching as well. This film is not just all about broad comedy, about falling over and getting drunk. There’s an honesty and a truth which underlies the whole thing, and that gives it a consequence.” F E S TA M O B I L E Mandie Elizabeth Fletcher (Regno Unito) ha iniziato la sua carriera alla Bbc, come assistente ispettrice di produzione e poi come direttrice di produzione in programmi comici. In seguito è diventata regista di situation comedy. Con la serie tv della Bbc Blackadder ha vinto nel 1998 il premio per la miglior serie comica ai Bafta. Nel 1994 ha debuttato come regista per il cinema con Deadly Advice. In seguito ha continuato a lavorare in televisione, con serie come Hamish Macbeth, Jam and Jerusalem, In and Out of the Kitchen, The Ginge, The Geordie and the Geek, Stella, Roger and Val Have Just Got In. È stata inoltre regista degli ultimi episodi della serie Absolutely Fabulous di Jennifer Saunders, andata in onda dal 1992 al 2012. Mandie Elizabeth Fletcher (UK) began her career at the BBC as an assistant floor manager and later production manager on comedy programmes, becoming a director of situation comedy. For Blackadder she won the Best Comedy Series Award at the 1988 BAFTAs. Her debut feature was Deadly Advice. She has continued to work in television with Hamish Macbeth and Jam and Jerusalem, In and Out of the Kitchen, The Ginge, The Geordie and the Geek, Stella, Roger and Val Have Just Got In and she also directed the latest episodes of Absolutely Fabulous by Jennifer Saunders (1992-2012). filmografia essenziale/ essential filmography Deadly Advice (1994), Absolutely Fabulous: The Movie (2016). © OLIVIER VIGERIE F E S TA M O B I L E mia hansen-løve L’AVENIR Francia-Germania/France-Germany, 2016, 35mm, 100’, col. THINGS TO COME regia, sceneggiatura/ director, screenplay Mia Hansen-Løve fotografia/cinematography Denis Lenoir montaggio/film editing Marion Monnier scenografia/ production design Anna Falguères costumi/costume design Rachèle Raoult suono/sound Vincent Vatoux interpreti e personaggi/ cast and characters Isabelle Huppert (Nathalie), André Marcon (Heinz), Roman Kolinka (Fabien), Edith Scob (Yvette), Sarah Le Picard (Chloé), Solal Forte (Johann), Elise Lhomeau (Esla), Lionel Dray (Hugo), Grégoire Montana-Haroche (Simon), Lina Benzerti (Antonia) produzione/production CG Cinéma coproduzione/coproduction Detail Film, Arte France Cinéma, Rhône-Alpes Cinéma ** contatti/contacts Les Films du Losange Lise LZ. Zipci [email protected] www.filmsdulosange.fr Nathalie è una professoressa di filosofia che vive a Parigi con il marito, anche lui filosofo, e i loro due figli. Entrambi ex sessantottini più per contingenze anagrafiche che per altro, con l’età hanno visto affievolirsi la fiamma dell’impegno politico e accendersi la propensione all’agiatezza. La vita di Nathalie sembra serenamente avviata alla vecchiaia, quando il marito la lascia per un’altra. Una rottura inattesa, inspiegabile con gli strumenti della logica, che Nathalie può superare solamente abbandonandosi alla propria emotività. «Quando scrivo mi preoccupano il ritmo, la musicalità e un sacco di altre cose, ma quasi mai la mancanza di informazioni sulla “psicologia” dei personaggi. Di solito, ciò che bisogna sapere emerge da sé, nella narrazione, senza bisogno di essere spiegato. In realtà, nella scrittura e attraverso l’editing cerco di rimuovere più informazioni possibili. Se mi sembra che una scena serva semplicemente a raggiungere uno scopo, la elimino. Se invece decido di mantenerla, è perché ha un valore esistenziale, poetico». ** Nathalie is a philosophy professor who lives in Paris with her husband, also a philosopher, and their two children. They both lived through the events of 1968, but over time their political engagement became weaker as their level of comfort increased. Nathalie’s life seems to be serenely headed toward old age, until her husband suddenly leaves her for another woman. An unexpected breakup, rationally inexplicable, which she will be able to overcome only by embracing her emotional side. “When I write, I’m concerned with rhythm, musicality and lots of other things but hardly at all with a lack of information about the characters’ ‘psychology.’ What we need to know is generally expressed as we go along without needing to be explained. In fact I try, from writing through editing, to remove as much information as possible. If I feel a scene merely serves a purpose, I cut it out. If I keep it, it has existential value, poetry.” 29 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Mia Hansen-Løve (Parigi, Francia, 1981) è stata fra gli interpreti di Fin août, début septembre (1998) e di Les destinées sentimentales (2000) di Olivier Assayas. Ha quindi frequentato il Conservatorio del X arrondissement di Parigi e collaborato in veste di critica con i «Cahiers du cinéma». Nel 2003 ha poi realizzato il cortometraggio Après mûre réflexion. Nel 2007 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, Tous est pardonné, presentato alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes, seguito nel 2009 da Il padre dei miei figli (2009), presentato sempre a Cannes, ma a Un certain regard, dove ha vinto il premio speciale della giuria. Con Un amour de jeunesse, suo terzo lungometraggio, è stata in concorso a Locarno, mentre con L’avenir ha vinto l’Orso d’argento all’ultima edizione della Berlinale. Mia Hansen-Løve (Paris, France, 1981) started her film career playing roles in Olivier Assayas’ movies Fin août, début septembre (1998) and Les destinées sentimentales (2000). She then studied at the X Arrondissement Conservatory in Paris and worked as a film critic for the “Cahiers du cinéma.” In 2003, she made her first short, Après mûre réflexion. In 2007, she wrote and directed her first feature Tout est pardonné, which was screened at the Quinzaine des réalisateurs in Cannes. Her second movie, Le père de mes enfants, was also presented in Cannes, but in the Un certain regard section, where it won the Special Jury Award. Un amour de jeunesse (2011), her third feature, was in competition at the Locarno Film Festival, while L’avenir (2016) won the Silver Bear at the latest edition of the Berlinale. filmografia/filmography Après mûre réflexion (cm, 2004), Tout est pardonné (2007), Le père de mes enfants (Il padre dei miei figli, 2009), Un amour de jeunesse (2011), Eden (id., 2014), L’avenir (2016). F E S TA M O B I L E rafael palacio illingworth BETWEEN US Usa, 2016, HD, 93’, col. BETWEEN US regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Rafael Palacio Illingworth fotografia/cinematography Todd Banhazl montaggio/film editing Daniel Raj Koobir scenografia/ production design Nicolas Kelley Ruiz costumi/costume design Alexis Johnson musica/music Ephrem Lüchinger suono/sound David Beede interpreti e personaggi/ cast and characters Olivia Thirlby (Dianne), Ben Feldman (Henry), Adam Goldberg (Liam), Analeigh Tipton (Veronica), Scott Haze (Robert), Peter Bogdanovich (George), Lesley Ann Warren (Elsa) produttori/producers Madeline Samit, Eleonore Meier, Bert Hamelinck produzione/production Caviar Content, Nora Films ** contatti/contacts Nora Films Eleonore Meier [email protected] www.nora-films.com I trentenni Henry e Dianne devono fare i conti con la realtà della coppia: gli anni della giovinezza, fatta di avventure, nuovi incontri e un futuro tutto da scoprire, sono finiti. Ciò che li attende è l’incubo della normalità e dell’età adulta: una casa in periferia, uno o più bambini e un cane da portare a spasso. Ma è davvero quello che vogliono? Quando le tensioni li porteranno a separarsi, seppure per una notte sola, troveranno le risposte che tanto cercavano. «L’approccio visivo alla storia riflette i temi che affronto. È allo stesso tempo un approccio serio e giocoso, con la macchina da presa che segue l’azione più che esserne protagonista. Inquadrature lunghe, movimenti di macchina classici, montaggio narrativo: uno stile coraggioso ed elegante. Volevo che questo film fosse un’esperienza catartica per il pubblico: affidandomi a personaggi imperfetti e responsabili di errori da cui risulteranno però rafforzati, cerco di far capire agli spettatori che non sono i soli a soffrire e che la felicità è un cammino difficile per chiunque». ** Henry and Dianne, both thirty years old, must come to grips with the reality of their life as a couple: the years of their youth, made of adventures, new encounters and a future waiting to be discovered, are over. What awaits them is the nightmare of normality and adulthood: a house in the suburbs, one or more children, and a dog to walk. But is this really what they want? When the tension results in a separation – albeit for just one night – they will find the answers they are searching for. “The visual approach to the story will mirror the themes reflected in it. It is at the same time serious and playful. With the camera being the host of the spectacle rather than a protagonist in it. Long takes, traditional camera moves, editing for story. A style that is fearless and elegant. I want this film to be a cathartic experience for the audience. By seeing flawed characters making stupid mistakes and becoming stronger as a result, I’d like them to realize that they are not alone in their struggles and that being happy is hard work for everybody.” 30 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Rafael Palacio Illingworth (Messico, 1978) ha passato la giovinezza in Messico e in Colombia, per poi trasferirsi a Los Angeles, dove ha studiato presso l’American Film Institute Conservatory. Appassionato di arti visive (pittura e scultura su tutte), ha diretto i cortometraggi El mago (2002), Guerrilla Garden (2010) e Man in a Room (2010), presentato in competizione alla Mostra di Venezia. Nel 2009 ha esordito nel lungometraggio con il dramedy Macho. Attualmente sta sviluppando il suo ultimo progetto, intitolato El gaucho. Rafael Palacio Illingworth (Mexico, 1978) spent his youth in Mexico and Colombia before moving to Los Angeles, where he studied at the American Film Institute Conservatory. An enthusiast of the visual arts (above all, painting and sculpture), he has directed the shorts El mago (2002), Guerrilla Garden (2010) and Man in a Room (2010), which competed at the Venice Film Festival. In 2009, he debuted in feature films with the dramedy Macho. At present, he is developing his latest project, entitled El gaucho. filmografia/filmography El mago (cm, 2002), Macho (2009), Guerrilla Garden (cm, 2010), Man in a Room (cm, 2010), Between Us (2016). F E S TA M O B I L E ben younger BLEED FOR THIS Usa, 2016, HD, 116’, col. BLEED FOR THIS regia, sceneggiatura/ director, screenplay Ben Younger soggetto/story Ben Younger, Pippa Bianco, Angelo Pizzo fotografia/cinematography Larkin Seiple montaggio/film editing Zac Stuart-Pointer scenografia/ production design Kay Lee costumi/costume design Melissa Vargas musica/music Julia Holter interpreti e personaggi/ cast and characters Miles Teller (Vinny Pazienza), Aaron Eckhart (Kevin Rooney), Katey Sagal (Louise Pazienza), Ciarán Hinds (Angelo Pazienza), Ted Levine (Lou Duva) produttori/producers Bruce Cohen, Emma Tillinger Koskoff, Chad A. Verdi, Noah Kraft, Ben Younger, Pamela Thur produzione/production Younger Than You Productions distribuzione/distribution Notorious Pictures ** contatti/contacts Notorious Pictures [email protected] [email protected] www.notoriouspictures.it 31 SOMMARIO Tra la seconda metà degli anni Ottanta e la fine degli anni Novanta, Vinny Pazienza è stato un pugile italoamericano famoso sia per le sue vittorie sul ring sia per una vita privata di eccessi e stravaganze. Nel pieno della carriera rimase vittima di un incidente automobilistico che rischiò di compromettere in maniera irreversibile la sua colonna vertebrale. Grazie però alla determinazione e al coraggio del suo allenatore, Kevin Rooney, Vinny riuscì a rimettersi in piedi e a riprendere a combattere. Questa è la sua storia. «Prima di avventurarmi nel mondo del pugilato, volevo parlare con le persone e sentire la storia raccontata attraverso le loro parole. Vinny stesso è un personaggio molto interessante, quindi è stato divertente sentirlo raccontare come sono andate le cose. Guardando alcune vecchie videocassette dei parenti di Vinny, abbiamo visto cose davvero notevoli, come i vestiti che indossavano all’epoca o le dinamiche familiari colorite. In realtà, non ho descritto la vera natura della famiglia di Vinny perché il pubblico non ci avrebbe creduto: ho dovuto giocare di sottrazione più che abbellire». ** Between the second half of the 1980s and the end of the ’90s, Vinny Pazienza was an Italian-American boxer whose victories in the ring and excessive lifestyle had made him famous. At the peak of his career he was involved in a car accident which caused apparently irreparable damage to his spine. But thanks to the willpower and courage of his trainer, Kevin Rooney, Vinny managed to get back on his feet and start boxing again. This is his story. “Before I even got into the fight stuff, I just want to talk to people and hear them tell the story in their own words. Vinny himself is a very compelling character so it was pretty entertaining to hear him tell me what happened. In old VHS tapes recorded by Vinny’s family members, we saw all these great moments — everything from the costumes they wore back then to a family dynamic that was insanely colorful. In fact, I couldn’t portray Vinny’s family as they actually were because the a udience wouldn’t believe it. I had to pull back rather than embellish.” F E S TA M O B I L E Ben Younger (New York City, Usa, 1972) ha debuttato nel 2000 con 1 Km da Wall Street, film sulle speculazioni della finanza americana interpretato da Ben Affleck e Giovanni Ribisi e presentato anche al Torino Film Festival; dopo alcuni cortometraggi ha diretto nel 2005 Prime, con Meryl Streep, Uma Thurman e Bryan Greenberg. Prima di lavorare nel cinema ha lavorato nel mondo della politica come analista per l’ufficio di controllo di New York. A soli ventuno anni ha diretto la campagna elettorale della candidata democratica Melinda Katz, diventando il più giovane direttore di una campagna elettorale. Ben Younger (New York City, NY, USA, 1972) made his debut as a filmmaker in 2000 with the Ben Affleck and Giovanni Ribisi-starrer Boiler Room. After some short movies, in 2005 he directed Meryl Streep, Uma Thurman and Bryan Greenberg in Prime. Prior to his work as a filmmaker, he originally toiled in politics, serving under the New York City Comptroller’s office. He became the youngest campaign manager ever while working on the State Assembly campaign for democratic candidate Melinda Katz at the age of twenty-one. filmografia/filmography Boiler Room (1 Km da Wall Street, 2000), The Hit Man and the Investigator (cm, 2001), The Car Thief and the Hit Man (cm, 2001), Toothpaste (cm, 2004) Prime (id., 2005), Bleed for This (2016). © KRIS DEWITTE F E S TA M O B I L E joachim lafosse L’ÉCONOMIE DU COUPLE Belgio-Francia/Belgium-France, 2016, HD, 100’, col. AFTER LOVE regia/director Joachim Lafosse sceneggiatura/screenplay Mazarine Pingeot, Fanny Burdino, Joachim Lafosse fotografia/cinematography Jean-François Hensgens montaggio/film editing Yann Dedet scenografia/ production design Olivier Radot costumi/costume design Pascaline Chavanne suono/sound Marc Engels, Ingrid Simon, Valérie Le Docte, Thomas Gauder interpreti e personaggi/ cast and characters Bérénice Bejo (Marie), Cédric Kahn (Boris), Marthe Keller (Christine), Jade Soentjens (Jade), Margaux Soentjens (Margaux) produttori/producers Sylvie Pialat, Benoît Quainon, Jacques-Henri, Olivier Bronckart produzione/production Les films du Worso, Versus Production distribuzione/distribution Bim ** contatti/contacts Bim Federica De Sanctis [email protected] www.bimfilm.com 32 SOMMARIO © F A B R I Z I O M A LT E S E DOPO L’AMORE Dopo quindici anni di matrimonio, Marie e Boris hanno divorziato. A comprare l’appartamento in cui vivono con le due figlie è stata Marie, ma a pagare i lavori di ristrutturazione Boris. Il problema è che devono continuare a vivere insieme, visto che lui non può permettersi di comprare un’altra casa. Quando però è già stato detto e fatto tutto, nessuno dei due ha intenzione di lasciar correre. «In una coppia il denaro rappresenta uno dei motivi di litigio, anche se non è la causa profonda della discussione. Il denaro non è la ragione per cui Boris e Marie non si possono più amare. Il denaro è il pomo della discordia, ma dietro c’è sempre il modo in cui si ottiene o meno il riconoscimento dell’altro, a seconda di ciò che si è fatto o non si è fatto. L’investimento non è mai solamente economico o finanziario. Boris e Marie non concordano su come misurare ciò che si sono dati l’un l’altra, perché fin dall’inizio non c’è stata chiarezza sul rispettivo investimento nella coppia. Anche piccoli calcoli fanno grandi storie d’amore». ** After fifteen years of living together, Marie and Boris decide to get a divorce. Marie had bought the house in which they live with their two daughters, but it was Boris who had completely renovated it. Since he cannot afford to find another place to live, they must continue to share it. When all is said and done, neither of the two is willing to give up. “In a couple, money represents one of the things we can quarrel about, it’s not the deep cause of the dispute. Money isn’t the reason why Boris and Marie can’t love each other anymore. Money is the apple of discord, but behind that there is always the way in which one gets acknowledgement or not, the way in which one seeks recognition for what one has or has not done. Investment is never only economical or financial. Boris and Marie cannot agree on how they should measure what they’ve given each other, because they haven’t been clear from the beginning about their own respective investment in the couple. Short reckonings also make great love stories.” F E S TA M O B I L E Joachim Lafosse (Uccle, Belgio) ha studiato tra il 1997 e il 2001 presso l’Institut des arts de diffusion di Louvain-la-Neuve. Il suo film di diploma, Tribu, è stato premiato come miglior cortometraggio belga al Festival international du film francophone di Namur nel 2001. Il suo primo lungometraggio Folie privée (2004) ha vinto il premio Fipresci al Festival internazionale di Bratislava. Il successivo Ça rend heureux (2006) è stato in concorso a Locarno e nello stesso anno Proprietà privata, con Isabelle Huppert, ha partecipato sempre in concorso alla Mostra di Venezia, dove ha vinto il premio Signis. Nel 2012 ha diretto À perdre la raison, presentato in Un certain regard di Cannes, vincitore di quattro premi Magritte e proposto per rappresentare il Belgio per l’Oscar al miglior film straniero. Joachim Lafosse (Uccle, Belgium) studied at the Institut des arts de diffusion in Louvain-la-Neuve, Belgium, from 1997 to 2001. The short film Tribu was his thesis project with which he participated to the Namur International Festival, receiving the award for Best Short Film in 2001. His first feature, Folie privée (2004), won the FIPRESCI Award at the Bratislava International Film Festival. Of his following movies, Ça rend heureux (2006) was in competition in Locarno, while Nue propriété (2006), starring Isabelle Huppert, participated to the Venice Film Festival, where it won the SIGNIS Award. À perdre la raison (2012) was presented in Cannes’ Un certain regard section, won four Magritte Awards, and was nominated to represent Belgium in the Foreign Films section of the Academy Awards. filmografia/filmography Tribu (cm, 2001), Folie privée (2004), Ça rend heureux (2006), Nue propriété (Proprietà privata, 2006), Élève libre (Élève libre - Lezioni private, 2008), Avant les mots (doc., 2010), À perdre la raison (2012), Les chevaliers blancs (2015), L’économie du couple (Dopo l’amore, 2016). F E S TA M O B I L E paul verhoeven ELLE Francia/France, 2016, HD, 130’, col. ELLE regia/director Paul Verhoeven soggetto/story dal romanzo/from the novel Oh… di/by Philippe Djian sceneggiatura/screenplay David Birke fotografia/cinematography Stéphane Fontaine montaggio/film editing Jobter Burg scenografia/ production design Laurent Ott costumi/costume design Nathalie Raoul musica/music Anne Dudley suono/sound Jean-Paul Mugel, Alexis Place, Katia Boutin, Cyril Holtz interpreti e personaggi/ cast and characters Isabelle Huppert (Michèle), Laurent Lafitte (Patrick), Anne Consigny (Anna), Charles Berling (Richard), Virginie Efira (Rebecca), Christian Berkel (Robert), Judith Magre (Irène), Jonas Bloquet (Vincent), Alice Isaaz (Josie), Vimala Pons (Hélène), Raphaël Lenglet (Ralf), Arthur Mazet (Kevin), Lucas Prisor (Kurt), Hugo Conzelmann (Phillip Kwan), Stéphane Bak (Omar) produttori/producers Saïd Ben Saïd, Michel Merkt coproduttori/coproducers Thanassis Karathanos, Kate Merkt, Diana Elbaum, Sébastien Delloye, Francois Touwaide ** contatti/contacts SBS Productions Kevin Chneiweiss Nulla sfugge al controllo di Michèle: l’azienda che dirige, leader nel campo della produzione software di videogiochi, i rapporti con i dipendenti, la sua rete sociale, la routine familiare e le amicizie. Un meccanismo oliato da anni di impeccabile gestione di ogni situazione, da cui è bandita ogni manifestazione di debolezza o sbavatura. Michèle, però, ha anche subito l’aggressione di uno sconosciuto: un atto brutale, che si rivelerà carico di inattese conseguenze emotive. «Quando Isabelle Huppert ha visto il film, mi ha detto: “Uno dei suoi aspetti più interessanti è la costante ambiguità”. Ha ragione, il film è sempre ambiguo; è difficile afferrare completamente questa donna. Tutto è fluttuante, gli elementi si intrecciano… Avevo fatto qualcosa di simile in altri film, in particolare in Atto di forza – in un genere del tutto diverso – mescolando sogno e realtà. Alla fine non sai con certezza cosa pensare: non è chiaro. Mi piace tenere aperte delle alternative. Come nella vita, dove non sai mai cosa si nasconde o meno dietro un sorriso». ** Nothing can escape Michèle’s control: the company she runs, a leader in producing software for videogames; her relations with her employees; her social network; her family routine and friendships. A mechanism which has been well-oiled by years of impeccably managing every situation, from which any signs of weakness or flaws are banned. But Michèle has also been attacked by a stranger. This brutal act will prove to have many unexpected, emotional consequences. “When Isabelle Huppert saw the movie, that was one of the things she said to me: ‘The most interesting aspect is the perpetual ambiguity.’ She’s right, it’s always ambiguous. It’s hard to completely grasp this woman. Everything is fluctuating, strands intertwine... I had already done that in other movies, particularly Total Recall – in a totally different genre – by combining dream and reality. At the end, you’re not sure what to think. It’s unclear. I like keeping options open. Just like in life, you never know what’s hiding behind a smile. Or not.” [email protected] www.sbs-distribution.fr 33 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Paul Verhoeven (Amsterdam, Paesi Bassi, 1938), laureatosi in fisica e matematica, si è arruolato in Marina, dove ha iniziato a girare documentari d’argomento militare. Dopo alcuni lavori televisivi, ha realizzato la popolare serie medievale Floris (1969). I suoi primi film, in cui ha debuttato anche l’attore Rutger Hauer, hanno riscosso un certo interesse in Europa per la loro carica erotica e sovversiva. Dopo il successo di Il quarto uomo (1983), si è trasferito negli Stati Uniti dove ha realizzato film come RoboCop (1987), Atto di forza (1990), Basic Instinct (1992) e L’uomo senza ombra (2000). Tornato in Europa, nel 2006 è stato in concorso a Venezia con Black Book. Paul Verhoeven (Amsterdam, The Netherlands, 1938) graduated in physics and mathematics. He then enrolled in the navy, where he began to shoot military documentaries. He worked with the television and then made the popular medieval television series, Floris (1969). His first films, which also introduced the actor Rutger Hauer, aroused a certain interest in Europe because of their erotic power. After the success of The Fourth Man (1983) he moved to the United States, where his films include RoboCop, Total Recall, Basic Instinct and Hollow Man. Back in Europe, he participated in competition at Venice Film Festival with Black Book. filmografia essenziale/ essential filmography Floris (tv, 1969), Wat zien ik? (Gli strani amori di quelle signore, 1971), Turks fruit (Fiore di carne, 1973), Keetje Tippel (Kitty Tippel… quelle notti passate sulla strada, 1975), Soldaat van Oranje (Soldato d’Orange, 1977), Spetters (Spruzzi, 1980), De vierde man (Il quarto uomo, 1983), Flesh & Blood (L’amore e il sangue, 1985), RoboCop (id., 1987), Total Recall (Atto di forza, 1990), Basic Instinct (id., 1992), Showgirls (id., 1995), Starship Troopers (Starship Troopers Fanterie nello spazio, 1997), Hollow Man (L’uomo senza ombra, 2000), Zwartboek (Black Book, 2006), Steekspel (2012), Elle (2016). F E S TA M O B I L E mohamed diab ESHTEBAK Egitto-Francia-Germania/Egypte-France-Germany, 2016, HD, 97’, col. CLASH regia/director Mohamed Diab sceneggiatura/screenplay Khaled Diab, Mohamed Diab fotografia/cinematography Ahmed Gabr montaggio/film editing Ahmed Hafez scenografia/ production design Hend Haidar musica/music Khaled Dagher suono/sound Ahmed Adnan interpreti e personaggi/ cast and characters Nelly Karim (Nagwa), Hany Adel (Adam), Tarek Abdel Aziz (Hossam), Ahmed Malek (Mans), Ahmed Dash (Fares) Husni Sheta (Fisho), Aly Eltayeb (Huzaifa), Amr El Kady (M. Hashem) produttori/producers Mohamed Hefzy, Eric Lagesse, M.W. Zackie coproduttori/coproducers Olivier Père, Rémi Burah, Nicole Gerhards coproduzione/coproduction Film Clinic, Sampek Productions, Emc Pictures, Arte France Cinema, Niko Films distribuzione/distribution AcademyTwo ** contatti/contacts AcademyTwo Beatrice Gulino [email protected] www.academytwo.com 34 SOMMARIO Il Cairo, estate 2013, due anni dopo la rivoluzione egiziana. Sull’onda della destituzione del presidente islamista Mohamed Morsi, un furgone della polizia che trasporta manifestanti di fazioni politiche e religiose avverse vaga tra le violente proteste. I detenuti riusciranno a superare le loro divergenze per riuscire a sopravvivere? «Il mio film Cairo 678 uscì qualche settimana prima della rivoluzione del 2011. Allora presi parte al movimento e decisi quasi subito che ne avrei fatto un film. Negli ultimi cinque anni, però, le cose sono cambiate così velocemente che ogni idea diventava obsoleta ancor prima di essere scritta. Solo dopo gli eventi del 2013, io e mio fratello Khaled discutemmo di un’idea che era venuta in mente a lui e che avrebbe dato origine a questo film. Abbiamo così cominciato a confrontare le nostre idee, convinti che fosse il modo migliore per parlare di ciò che oggi sta accadendo in Egitto. Dal 2013 le forze coinvolte nel conflitto sono le stesse: i rivoluzionari, i Fratelli musulmani e l’esercito. Ironia della sorte, l’unico soggetto possibile sulla rivoluzione era il suo fallimento». ** Cairo, summer of 2013, two years after the Egyptian revolution. In the wake of the ouster of Islamist president Morsi, a police truck full of detained demonstrators of divergent political and religious backgrounds roams through violent protests. Can the detainees overcome their differences to stand a chance of survival? “My film Cairo 678 was released in Egypt a few weeks before the 2011 revolution. I took part in the movement and soon enough I wanted to make a film about it. But for the last five years, things have changed so fast that each idea became obsolete even before we started writing. Only after the 2013 events did my brother Khaled and I discuss the idea of Clash, which he came up with. We got down to work by bouncing ideas, thinking that this was the best way to talk about what’s happening in Egypt. Since 2013, the conflicting forces involved have been the same: the revolutionaries, the Muslim Brotherhood, and the army. Ironically, the only relevant subject we could find about the revolution was its failure.” F E S TA M O B I L E Mohamed Diab (Ismailia, Egitto, 1978), sceneggiatore e regista, conosciuto per il film d’esordio Cairo 678 (2010), uscito un mese prima della rivoluzione egiziana, ha scritto il blockbuster francoegiziano The Island di Sherif Arafa, candidato egiziano agli Oscar nel 2007. Oltre all’attività nel mondo del cinema, è conosciuto per la sua aperta partecipazione alla rivoluzione egiziana del 2011, che gli ha fatto ottenere nello stesso anno uno speciale riconoscimento ai Webby Awards, il più importante premio internazionale per l’eccellenza su Internet. Clash ha aperto la sezione Un certain regard all’ultimo Festival di Cannes. Mohamed Diab (Ismailia, Egypt, 1978), screenwriter and director, is known for his directorial debut film Cairo 678 (2010) which was released a month before the Egyptian revolution. He wrote the blockbuster French Egyptian The Island, films which was the 2007 Egyptian nomination for the Academy Awards. Asides filmmaking, he is known for his vocal participation and his involvement in the 2011 Egyptian revolution, which earned him a Webby Award, the most important acknowledgement for excellence on the Internet. Clash opened the section Un certain regard in the last Festival of Cannes. filmografia/filmography 678 (Cairo 678, 2010), Eshtebak (Clash, 2016). F E S TA M O B I L E maurizio zaccaro LA FELICITÀ UMANA Italia/Italy, 2016, HD, 85’, col. HUMAN HAPPINESS regia, soggetto, fotografia, produttore/director, story, cinematography, producer Maurizio Zaccaro montaggio/film editing Massimo Salvucci musica/music Yo Yo Mundi, Andrea Alessi interpreti/cast Serge Latouche, André Comte-Sponville, Ariane Mnouchkine, Sergio Castellitto, Ermanno Olmi, Vandana Shiva, Bruno Bozzetto, Aleida Guevara produzione/production FreeSolo Produzioni ** contatti/contacts Free Solo Produzioni Maurizio Zaccaro [email protected] Povertà crescente, instabilità sociale ed economica, guerre, fanatismi: come può l’uomo contemporaneo essere felice in un simile contesto? «Oggi il mondo vive un cambiamento epocale, non c’è posto per chi si lascia vincere dallo stato delle cose, per chi si lascia sottomettere da un’economia sempre più selvaggia, per chi non ha ambizioni di riscatto. Non basta lo sdegno per come siamo governati, o sfruttati e schiavizzati da un’economia sempre più feroce. Dobbiamo trovare il coraggio per avviare il cambiamento a patto che prima, come suggerisce Camus, cambiamo noi stessi, e velocemente, se non vogliamo che “il passato divori il futuro”. […] Senza interventi della politica e di una nuova economia, il futuro prossimo potrebbe somigliare al passato degli anni della Belle époque, quando a dominare la scena sociale erano solamente ricchi possidenti coi loro patrimoni milionari. E il dominio dei nuovi ricchi di oggi potrebbe finire per soffocare, domani, le società, il loro stesso benessere e soprattutto la felicità umana». ** Growing poverty, social and economic instability, wars, fanaticism: how can contemporary people be happy in a context like this? “Today, the world is experiencing momentous change; there isn’t any room for those who let themselves be overcome by the state of things, for those who let themselves be subjugated by an increasingly savage economy, for those who don’t strive for redemption. It’s not enough to be indignant over how we are governed, or exploited and enslaved by an increasingly ferocious economy. We must find the courage to initiate change, providing – as Camus suggests – we first change ourselves, and fast if we don’t want ‘the past to devour the future.’ […] Unless politics and a new economy intervene, the upcoming future might resemble the past during the years of the belle époque, when the social scene was completely dominated by the rich and their millionaire patrimonies. And the dominion of today’s nouveau riches could end up suffocating tomorrow’s societies, their own wellbeing and, above all, human happiness.” 35 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Maurizio Zaccaro (Milano, 1952), diplomato alla Scuola del cinema di Milano, nel 1977 ha realizzato Overkill, vincitore a Oberhausen. La frequentazione del laboratorio di Ipotesi Cinema lo ha portato a realizzare nel 1988 In coda alla coda, mentre nel 1991 con Dove comincia la notte ha vinto un David di Donatello, premio ottenuto anche nel 1999 con Un uomo perbene. Dal 2000 al 2011 ha diretto fiction televisive e miniserie e nel 2009 il documentario Il Piccolo, presentato a Venezia come il successivo Un foglio bianco (2011). Nel 2013 e nel 2015 ha partecipato al Torino Film Festival con i documentari Adelante petroleros L’oro nero dell’Ecuador e Augusto Tretti: un ritratto (1985). Maurizio Zaccaro (Milan, Italy, 1952), after graduating from the Milan Film School in 1977, made the short film Overkill, receiving an award at Oberhausen. He then went to the film school Ipotesi Cinema, which brought him to making In coda alla coda in 1988. He won a David di Donatello in 1991 for Dove comincia la notte, and a second one in 1999 for Un uomo per bene. He directed many TV movies and miniseries from 2000 to 2011, and the documentary film Il Piccolo (2009), participating at the Venice Film Festival, just like Un foglio bianco (2011). In 2013 and 2015 he took part to the Torino Film Festival with the documentary Adelante petroleros L’oro nero dell’Ecuador and Augusto Tretti: un ritratto (1985). filmografia essenziale/ essential filmography Overkill (cm, 1977), Augusto Tretti: un ritratto (doc., 1985), In coda della coda (1988), Dove comincia la notte (1990), Kalkstein - La valle di pietra (1992), L’articolo 2 (1993), Il carniere (1996), La missione (1997), Cristallo di rocca (1998), Un uomo perbene (1999), I ragazzi della via Pal (tv, 2002), Al di là delle frontiere (tv, 2003), Mafalda di Savoia (tv, 2005), ’O professore (tv, 2006), Lo smemorato di Collegno (tv, 2008), I nove semi (l’India di Vandana Shiva) (2009), Un foglio bianco (2011), A testa alta (2013), A testa alta: i martiri di Fiesole (tv, 2014). F E S TA M O B I L E © GUY FERRANDIS philippe lioret LE FILS DE JEAN Francia/France, 2015, HD, 98’, col. regia/director Philippe Lioret soggetto/story dal romanzo/from the novel Si ce livre pouvait me rapprocher de toi di/ by Jean-Paul Dubois sceneggiatura/screenplay Philippe Lioret, Nathalie Carter fotografia/cinematography Philippe Guilbert montaggio/film editing Andréa Sedlackova scenografia/ production design Colombe Raby, Yves Brover musica/music Flemming Nordkrog suono/sound Jean-Marie Blondel, Éric Tisserand, Germain Boulay interpreti e personaggi/ cast and characters Pierre Deladonchamps (Mathieu), Gabriel Arcand (Pierre), Catherine de Léan (Bettina), Marie-Thérèse Fortin (Angie), Pierre-Yves Cardinal (Sam), Patrick Hivon (Ben), Lilou MoreauChampagne (Anna), Milla Moreau-Champagne (Rose), Hortense Monsaingeon (Marina), Romane Portail (Carine), Timothy Vom Dorp (Valentin), Martin Laroche (Rémi) produttori/producers Marielle Duigou, Philippe Lioret produzione/production Fin Août coproduttori/coproducers Pierre Even, Marie-Claude Poulin coproduzione/coproduction Item 7, France 3 Cinéma ** contatti/contacts Le Pacte Ioana Dragomirescu © FIN AOUT PRODUCTION GUY FERRANDIS A KID Poco più che trentenne, Mathieu è stato cresciuto dalla madre nella convinzione di essere nato dall’incontro occasionale con uno sconosciuto. Una telefonata gli rivela invece tutt’altra verità, mettendolo al corrente dell’identità del padre, un canadese deceduto da poco e padre di altri due figli. Deciso a conoscere i fratelli, Mathieu parte per Montreal, ma una volta arrivato a destinazione capisce con amarezza di essere il solo a desiderare il ricongiungimento familiare. «Ho letto molto tempo fa il romanzo di Jean-Paul Dubois, e, pur non avendo idea del film che ne avrei ricavato, ha significato molto per me e non riuscivo a separarmene. Dopo Welcome e Tutti i nostri desideri, volevo realizzare un film solare e mi è venuta in mente una situazione di partenza che, pur assente nel romanzo, è nata proprio dalla sua lettura: un uomo scopre di avere due fratelli di cui non sa nulla, e li vuole incontrare. Comprati i diritti del libro non l’ho più riaperto: è stato una fonte di ispirazione, un punto di partenza. Se non l’avessi letto non ci sarebbe stato questo film». ** Mathieu is in his early thirties. He was raised by his single mother and grew up believing he was the result of a one-night stand with a stranger. But when he receives a phone call, he discovers the identity of his father, a Canadian who recently passed away. He also finds out that he has two brothers. Mathieu decides to meet them and sets off for Montreal, where he has to come to terms with the disappointment of being the only one interested in that family reunion. “I had read Jean-Paul Dubois’s novel a long time ago, and even though I didn’t know what film to make of it, it meant something special to me and I couldn’t put the book away on the shelf. After Welcome and Toutes nos envies, I wanted a sunny film and a starting point which is not in the book, but which the book inspired, came to mind: a man discovers he’s got two brothers he didn’t know about and wants to meet them. We got the rights for the book, but I didn’t reopen it; it’s only been a source of inspiration, a starting point. But without it, there wouldn’t have been a film.” Philippe Lioret (Parigi, Francia, 1955) è entrato nel mondo del cinema lavorando come tecnico del suono per registi come Robert Altman e Michel Deville, e nel 1994 ha esordito come regista con Tombés du ciel. Tre anni dopo ha girato la commedia Tenue correcte exigée, seguita nel 2001 da Mademoiselle, con Sandrine Bonnaire, e nel 2004 da L’équipier, candidato a tre premi César. Dopo due cortometraggi, parte del film collettivo Tête de gondole (2005), ha girato Je vais bien, ne t’en fais pas, per il quale gli attori Mélanie Laurent e Kad Mérad hanno ricevuto due premi César. Nel 2009 il Torino Film Festival ha proiettato Welcome, campione d’incassi in Francia e vincitore di numerosi premi internazionali, tra cui quello della giuria ecumenica nella sezione Panorama della Berlinale. Philippe Lioret (Paris, France, 1955) entered the world of cinema by working as a sound technician for directors such as Robert Altman and Michel Deville. In 1994, he debuted with Tombés du ciel. Three years later he shot the comedy Tenue correcte exigée, followed in 2001 by Mademoiselle, starring Sandrine Bonnaire. In 2004 his film L’équipier received three nominations for César Awards. After two shorts in the collective film Tête de gondole (2005), he made Je vais bien, ne t’en fais pas, for which the actors Mélanie Laurent and Kad Mérad each received a César. His film Welcome, screened at the 2009 Torino Film Festival, was a box office hit in France and received several international awards, including the Prize of the Ecumenical Jury from the Panorama section of the Berlinale. filmografia/filmography Tombés du ciel (1994), 3000 scénarios contre un virus (ep. La Sirène, tv, 1994), Tenue correcte exigée (1997), Pas d’histoires! 12 regards sur le racisme au quotidien (ep. Pas d’histoire, 2001), Mademoiselle (2001), L’équipier (2004), Tête de gondole (ep. Tue l’amour, ep. Vache qui rit, 2005 ), Je vais bien, ne t’en fais pas (2006), Welcome (id., 2009), Toutes nos envies (Tutti i nostri desideri, 2011), Le fils de Jean (2015). [email protected] www.le-pacte.com 36 F E S TA M O B I L E SOMMARIO F E S TA M O B I L E adrian sitaru FIXEUR Romania-Francia/Romania-France, 2016, HD, 98’, col. THE FIXER regia/director Adrian Sitaru sceneggiatura/screenplay Claudia Silisteanu, Adrian Silisteanu fotografia/cinematography Adrian Silisteanu montaggio/film editing Mircea Olteanu suono/sound Ioan Filip, Dan-Stefan Rucareanu interpreti e personaggi/ cast and characters Tudor Aaron Istodor (Radu Patru), Mehdi Nebbou (Axel), Nicolas Wanczycki (Serge), Diana Spatarescu (Anca), Adrian Titieni (l’ispettore di polizia/ police inspector) produttori/producers Anamaria Antoci, Adrian Silisteanu produzione/production 4 Proof Film coproduttore/coproducer Jean des Forêts coproduzione/coproduction Petit Film ** contatti/contacts MPM Film Ricardo Monastier [email protected] www.mpmfilm.com A Radu, apprendista giornalista presso un’emittente francese in Romania, lo scandalo su un giro di prostituzione minorile tra la Francia e la Romania sembra l’occasione per fare il salto di qualità professionale. Conoscendo la lingua, si trova in una posizione di vantaggio; così, quando la minorenne Anca viene rimpatriata, si offre come interprete per due giornalisti venuti da Parigi. La ragazza viene però affidata a un istituto di suore e per Radu e i colleghi non è facile riuscire a rintracciarla e convincerla a parlare. Soprattutto, Radu non ha fatto i conti con il conflitto fra i suoi obiettivi, l’etica giornalistica e la semplice pietà umana. «Ovviamente Fixeur parla di abuso e manipolazione, ma anche, e forse soprattutto, del dualismo del nostro sistema di valori. Durante la lavorazione mi sono trovato ancora una volta assalito da vecchi demoni: mi sono accorto di quanto io stesso, spinto dal desiderio di raggiungere la perfezione e accecato dal principio per cui sono autorizzato a mettere l’arte prima della vita, abbia sempre maltrattato i miei attori, i miei collaboratori e persino gli animali dei miei film». ** Radu is doing an apprenticeship as a journalist at a French broadcasting station in Romania and a scandal over an underage prostitution ring between France and Romania seems like his chance to make progress in his career. He’s at an advantage since he knows the language, so when the underage prostitute Anca is repatriated, he offers to interpret for two journalists who have arrived from Paris. But the girl is entrusted to an institution run by nuns, and Radu and his colleagues have a hard time tracking her down and convincing her to talk. Above all, Radu hasn’t taken into account the conflict with his objectives, journalistic ethics and simple human compassion. “Fixeur is a film about abuse and manipulation, of course, but it’s also, even foremost, a film about the duality of our system of values. During the working process, I found myself once again gripped by old demons. I realised how much, propelled by the desire to reach perfection, blinded by a precept which authorised me to put art before life, I had always abused my actors, my collaborators and even animals.” 37 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Adrian Sitaru (Deva, Romania, 1971) vive e lavora a Bucarest. Nel 2007 il suo cortometraggio Waves ha vinto il Pardino d’oro per il miglior cortometraggio internazionale a Locarno, mentre il primo lungometraggio Hooked (2008), presentato alle Giornate degli autori della Mostra di Venezia, lo ha consacrato come una delle voci più significative del nuovo cinema rumeno postcomunista. Da allora i suoi lavori hanno ottenuto riconoscimenti da festival internazionali come il Sundance, la Berlinale, i festival di Chicago, Locarno e Sarajevo. In questa edizione del Torino Film Festival, oltre a essere membro della giuria del concorso Torino 34, presenta anche il film Illegitimate (2016). Adrian Sitaru (Deva, Romania, 1971) lives and works in Bucharest. In 2007, the short film Waves brought him the Golden Leopard of Tomorrow at the Locarno Film Festival. His debut feature film, Hooked, premiered at Venice Days in 2008 and established him as one of the most important new voices in Romanian post-communist cinema. Since then, his films have won recognition at festivals such as Sundance, Berlinale, Chicago, Locarno and Sarajevo. In this 2016 edition of the Torino Film Festival, he is also a member of the jury of the Official Competition and he presents another film, Illegitimate (2016). filmografia/filmography Valuri (Waves, cm, 2007), Pescuit Sportiv (Hooked, 2008), Lord (cm, 2009), Colivia (The Cage, cm, 2009), Din Dragoste, Cu Cele Mai Bune Intentii (Best Intentions, 2011), Chefu (House Party, cm, 2009), Domestic (2012), Counterpart (cm, 2014), Excursie (Excursion, cm, 2014), Artă (Art, cm, 2014), Ilegitim (Illegitimate, 2016), Fixeur (2016). F E S TA M O B I L E ben wheatley FREE FIRE Regno Unito/UK, 2016, HD, 90’, col. FREE FIRE regia/director Ben Wheatley sceneggiatura, montaggio/screenplay, film editing Amy Jump, Ben Wheatley fotografia/cinematography Laurie Rose scenografia/ production design Paki Smith costumi/costume design Emma Fryer musica/music Geoff Barrow, Ben Salisbury suono/sound Martin Pavey interpreti e personaggi/ cast and characters Sharlto Copley (Vernon), Armie Hammer (Ord), Brie Larson (Justine), Cillian Murphy (Chris), Jack Reynor (Harry), Babou Ceesay (Martin), Enzo Cilenti (Bernie), Sam Riley (Stevo), Michael Smiley (Frank), Noah Taylor (Gordon) produttore/producer Andy Starke produzione/production Rook Films distribuzione/distribution Movies Inspired ** contatti/contacts Movies Inspired Stefano Jacono [email protected] Boston, anni Settanta. In un magazzino abbandonato, trenta fucili d’assalto stanno per passare dalle mani di una gang di afroamericani a un gruppo affiliato all’Ira: a organizzare la compravendita la coriacea Justine, a fare da intermediario il pacchiano Ord. Tutto sembra procedere per il meglio, ma presto le trattative si trasformano in scontro aperto. E visti i personaggi coinvolti e la quantità di armi a loro disposizione, le conseguenze non possono che essere esplosive. «Abbiamo spesso grandi opinioni sulla nostra persona, ma raramente siamo messi davvero alla prova. Possiamo credere di essere degli eroi, e poi scoprire di essere solo dei codardi. Oppure credere di essere brave persone, e invece scoprirci cattivi o perfidi. È interessante, dunque, osservare questi personaggi e le loro vite attraverso azioni minime. Come, ad esempio, guardarli mentre si chiedono se è meglio strisciare in una certa direzione, salire le scale o ancora raggiungere un telefono… Mi interessava proprio questo: rappresentare piccole decisioni che portano a conseguenze terribili». ** Boston, 1970s. In an abandoned warehouse, an African-American gang is about to sell thirty assault rifles to an IRA-affiliated group. Justine, a tough woman, arranged the deal, while the tacky man known as Ord poses as the intermediary. Everything seems to go smoothly, until the negotiations turns into an open gun fight. Considering the people involved and the number of weapons at their disposal, the consequences are bound to be terrible. “Everyone has this massive baggage of ideas about themselves and very rarely do we get tested. You might think you are a great hero then find out what a terrible coward you are. Or you thought you were nice and you’re quite nasty and mean. It’s interesting to see those characters, their whole lives reduced down to very tiny actions. Like should I crawl over here or what if I went up those stairs or what if I get to a telephone? That was the thing I was thinking of: micro decisions leading to terrible consequences.” 38 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Ben Wheatley (Billericay, Regno Unito, 1972) lavora come regista cinematografico, televisivo e pubblicitario. Dopo aver diretto episodi per le serie tv britanniche Comedy: Shuffle, Modern Toss, The Wrong Door, ha esordito nel lungometraggio nel 2009 con Down Terrace. Sono seguiti i tre film per la televisione Steve Coogan: The Inside Story (2009), Burge & Way (2011), Inside Burge & Way (2011), e poi, per il cinema, Kill List (2011), Killer in viaggio (2012), presentato alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes, e I disertori (2013), vincitore del premio speciale della giuria al Festival di Karlovy Vary. Con High-Rise (2015) ha partecipato all’ultima edizione del Torino Film Festival. Ben Wheatley (Billericay, UK, 1972) works as a director for films, TV and advertisements. After directing episodes of the British TV series Comedy: Shuffle, Modern Toss, and The Wrong Door, he debuted in feature films in 2009 with Down Terrace. This was followed by three TV movies, Steve Coogan: The Inside Story (2009); Burge & Way (2011); and Inside Burge & Way (2011). He then made the films Kill List (2011); Sightseers (2012), presented at the Quinzaine des réalisateurs in Cannes; and A Field in England (2013), which won the Special Jury Prize at the Karlovy Vary Film Festival. With High-Rise (2015) he attended the last Torino Film Festival edition. filmografia/filmography Comedy: Shuffle (serie tv/tv series, 2007), Modern Toss (serie tv/tv series, 2008), The Wrong Door (serie tv/tv series, 2008), Down Terrace (2009), Steve Coogan: The Inside Story (tv, 2009), Ideal (serie tv/tv series, 20092010), Burge & Way (tv, 2011), Inside Burge & Way (tv, 2011), Kill List (2011), Sightseers (Killer in viaggio, 2012), The ABCs of Death (ep. U Is for Unearthed, 2012), A Field in England (I disertori, 2013), Doctor Who (serie tv/tv series, 2014), High-Rise (2015), Free Fire (2016). F E S TA M O B I L E gary ross FREE STATE OF JONES Usa, 2016, HD, 129’, col. FREE STATE OF JONES regia, sceneggiatura/ director, screenplay Gary Ross soggetto/story Leonard Hartman fotografia/cinematography Benoît Delhomme montaggio/film editing Juliette Welfling, Pamela Martin scenografia/production design Philip Messina costumi/costume design Louise Frogley musica/music Nicholas Britell interpreti e personaggi/ cast and characters Matthew McConaughey (Newton Knight), Gugu Mbatha-Raw (Rachel Knight), Mahershala Ali (Moses Washington), Keri Russell (Serena Knight), Brian Lee Franklin (Davis Knight), Donald Watkins (Wilson), Christopher Berry (Jasper Collins), Sean Bridgers (Will Sumrall) produttori/producers Jon Kilik, Scott Stuber produzione/production Larger Than Life Productions, Route One Films, Vendian Entertainment distribuzione/distribution 01 Distribution ** contatti/contacts 01 Distribution www.01distribution.it 39 SOMMARIO Al culmine della Guerra civile, il contadino del Mississippi Newt Knight guida una rivolta contro la Confederazione, «la guerra dell’uomo ricco combattuta dall’uomo povero», come sarebbe poi passata alla storia. Insieme a un’improbabile banda di contadini e schiavi fuggiaschi, Knight conduce la battaglia tra le paludi del Mississippi e, nonostante l’inferiorità numerica e tecnica, porta la Contea di Jones a separarsi dagli Stati della Confederazione. «C’è un motivo per cui sono stati scritti più libri sulla Guerra civile che su qualsiasi altro periodo della storia americana. E c’è un motivo per cui Abraham Lincoln ha avuto più biografie di qualsiasi altro personaggio della storia, a parte Gesù. Quel periodo è una cesura profonda nella storia della coscienza americana. È una ferita nella nostra storia dai danni incalcolabili. Morirono seicentomila persone. Ci sono volute varie generazioni e più di un secolo perché si potesse trovare un senso a tutto questo. Newt Knight restituisce l’essenza della Guerra civile, che è stata fondamentalmente uno scontro sul piano morale». During the peak of the Civil War, a Mississippi farmer called Newt Knight leads a rebellion against the Confederacy and “a rich man’s war and a poor man’s fight,” as it would later be known in history. Banding together a motley crew of deserters, farmers, and escaped slaves, Knight launches an uprising in the Mississippi swamps. Despite being fewer in number and ill equipped, they manage to secede from the Confederacy and create a Free State of Jones. “There’s a reason why there are more books written about the Civil War than any other period in American history. And why there are more biographies about Abraham Lincoln than any other historical figure, except Jesus. That period has been deeply repressed in the history of the American conscience. It’s a wound in our history that has caused immeasurable damages. Over six hundred thousand people died. It’s taken several generations and over a century to find a meaning for all of this. Newt Knight reveals the essence of the Civil War, which was fundamentally a battle fought over moral grounds.” F E S TA M O B I L E Gary Ross (Los Angeles, California, Usa) inizia a lavorare nel mondo del cinema come sceneggiatore, ottenendo una candidatura agli Oscar per Big (1988), scritto in collaborazione con Anne Spielberg, e poi per Dave - Presidente per un giorno (1993), grazie al quale ottiene anche il premio Paul Selvin del Writers Guild of America. Nel 1998 debutta nella regia con la commedia Pleasantville, grande successo di pubblico e di critica, e nel 2003 scrive e dirige Seabiscuit - Un mito senza tempo, che ottiene sette candidature all’Oscar, comprese quelle per miglior film e migliore sceneggiatura. Nel 2012 scrive e dirige il campione d’incassi Hunger Games, che dà inizio alla serie di film basati sulla trilogia distopica della scrittrice Suzanne Collins. Gary Ross (Los Angeles, CA, USA) started working in cinema as a screenwriter. He received an Academy Award Nomination for Big (1988), which he cowrote with Anne Spielberg, and won the Paul Selvin Honorary Award from the Writers Guild of America for Dave (1993). He made his directorial debut in 1998 with Pleasantville, a success with viewers and critics alike. In 2003, he wrote and directed Seabiscuit, receiving seven Oscar nominations, including Best Picture and Best Screenplay. He wrote and directed the box office hit The Hunger Games in 2012, the first in the series of movies adapted from Suzanne Collins’ dystopic trilogy. filmografia/filmography Pleasantville (id., 1998), Seabiscuit (Seabiscuit - Un mito senza tempo, 2003), The Hunger Games (Hunger Games, 2012), Free State of Jones (id., 2016). F E S TA M O B I L E lav diaz HELE SA HIWAGANG HAPIS Filippine/Philippines, 2016, HD, 480’, bn/bw A LULLABY TO THE SORROWFUL MYSTERY regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio/ director, story, screenplay, film editing Lav Diaz fotografia/cinematography Larry Manda scenografia/ production design Popo Diaz costumi/costume design Jona Ballaran musica/music Ely Buendia, Danny Fabella suono/sound Erwil Romulo interpreti e personaggi/ cast and characters John Llyod Cruz (Isagani), Piolo Pascual (Simoun), Hazel Orencio (Oryang), Alessandra De Rossi (Cesaria) produttori/producers Bianca Balbuena, Hazel Orencio produzione/production Ten17P, Epicmedia, Sine, Olivia Pilipinas coproduttori/coproducers Jeremy Chua, Fran Borgia coproduzione/coproduction Potokol, Akanga Film Asia ** contatti/contacts Films Boutique Giorgia Hueisse [email protected] www.filmsboutique.com 40 SOMMARIO La rivoluzione filippina che, tra il 1896 e il 1897, liberò l’arcipelago asiatico dalla secolare dominazione spagnola. Le vicende dei principali attori che vi presero parte, tra eroi nazionali, personaggi letterari e mitologici, in un racconto metalinguistico in bilico tra indagine storica, letteratura, epos e inconscio collettivo. «Si dice che sia rischioso mettere in discussione i dettagli storici. Si dice che sia ancora più rischioso correggere i travisamenti dei fatti storici. Ma la cosa più rischiosa di tutte è non prestare attenzione alla verità che questi avvenimenti celano. Ci sono da sempre discussioni sulla morte di Andres Bonifacio, il più delle volte amare, piene di cattiveria, ambigue, faticose e pessimiste. Le discussioni spesso hanno conseguenze cruente. Oggi regnano la paura e la codardia. Ma desiderare la libertà non può essere un’illusione. […] Dobbiamo liberare la nostra patria da coloro che la possiedono ingiustamente, perché la storia ce lo insegna. Spero solo che la ribellione possa significare qualcosa per il mio Paese». ** Between 1896 and 1897, the Philippine revolution freed the Asian archipelago from centuries-old Spanish dominion. The vicissitudes of the protagonists who participated in the struggle – national heroes, and literary and mythological personalities – in a metalinguistic tale which is historical investigation, literature, epic and collective subconscious. “It is said that it is perilous to argue about historical details. It is also said that it is more perilous to correct any distortions made on historical events. But that it is most perilous of all to turn one’s back to the truth behind these events. There is an endless discourse about the truth of Andres Bonifacio’s death, oftentimes bitter, vicious, ambiguous, tiring and resigned. Discussions often lead to bloody results. Fear reigns nowadays, an enduring cowardice. But to yearn for freedom is not an illusion. […] It is our obligation to free our motherland from those who do not own it because history remembers. I only hope that this rebellion could mean something for the country.” F E S TA M O B I L E Lav Diaz (Cotabato, Filippine, 1958) ha frequentato il Mowelfund Film Institute di Quezon City e ha esordito nel 1997 con The Criminal of Barrio Concepcion, imponendosi come uno degli autori più innovativi del cinema filippino. La consacrazione è arrivata con Batang West Side (2002), premiato a Bruxelles e Singapore, e con il fluviale Evolution of a Filipino Family (2004), presentato a Rotterdam e a Torino, così come il documentario I figli dell’uragano (2014). I suoi ultimi lavori sono stati presentati ai più grandi festival internazionali, fra cui Cannes (Norte - The End of History, 2013), Locarno (From What Is Before, 2014, Pardo d’oro), Berlino (A Lullaby for the Sorrowful Mystery, 2016, Alfred Bauer Award) e Venezia (The Woman Who Left, 2016, Leone d’oro). Lav Diaz (Cotabato, Philippines, 1958) studied at the Mowelfund Film Institute in Quezon City and debuted in 1997 with The Criminal of Barrio Concepcion, making a name for himself as one of the most innovative directors of Filipino cinema. Lasting legitimation arrived with Batang West Side (2002), which received awards at Brussels and Singapore, and with Evolution of a Filipino Family (2004), presented at Rotterdam and Turin, as also the documentary Storm Children (2014). His latest films have been presented in Cannes (Norte - The End of History, 2013), Locarno (From What Is Before, 2014, Golden Leopard), Berlin (A Lullaby for the Sorrowful Mystery, 2016, Alfred Bauer Award) and Venice (The Woman Who Left, 2016, Golden Lion). filmografia essenziale/ essential filmography Serafin Geronimo, kriminal ng baryo concepcion (The Criminal of Barrio Concepcion, 1998), Burger Boys (1999), Batang West Side (2002), Hesus rebolusyonaryo (Hesus the Revolutionary, 2002), Ebolusyon ng isang pamilayang Pilipino (Evolution of a Filipino Family, 2004), Heremias: Unang aklat - Ang alamat ng prinsesang bayawak (2005), Melancholia (2008), Florentina Hubaldo, CTE (2012), Norte, hangganan ng kasaysayan (Norte The End of History, 2013), Mula sa kung ano ang noon (From What Is Before, 2014), Ang babayeng humayo (The Woman Who Left, 2016). F E S TA M O B I L E juho kuosmanen HYMYILEVÄ MIES Finlandia/Finland, 2016, 16mm, 92’, bn/bw THE HAPPIEST DAY IN THE LIFE OF OLLI MÄKI regia/director Juho Kuosmanen soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Mikko Myllylaht, Juho Kuosmanen fotografia/cinematography J-P Passi montaggio/film editing Jussi Rautaniemi scenografia/ production design Kari Kankaanpää costumi/costume design Sari Suominen suono/sound Pietu Korhonen interpreti e personaggi/ cast and characters Jarkko Lahti (Olli Mäki), Oona Airola (Raija Jänkä), Eero Milonoff (Elis Ask), Joanna Haartti (Laila Ask), Esko Barquero (Snadi), Elma Milonoff (Evi), Leimu Leisti (Tuula), Hilma Milonoff (Anneli) produttore/producer Jussi Rantamäki produzione/production Aamu Film Company ltd. coproduttori/coproducers Jamila Wenske, Sol Bondy, Nicklas Wikström Nicastro, Simon Perry, Katarina Krave ** contatti/contacts Les Films du Losange Lise LZ. Zipci Nell’estate del 1962 il pugile finlandese Olli Mäki viene ingaggiato per sfidare l’americano Davey Moore, campione mondiale dei pesi piuma. Un’occasione unica, che gli permetterebbe di raggiungere la fama e la ricchezza. Per prima cosa, Olli deve lasciare la cittadina di campagna dove vive per trasferirsi a Helsinki, poi deve assolutamente perdere peso. Il suo manager ha preparato un piano d’allenamenti serratissimo, mentre il bel mondo della grande città ha accolto Olli come se fosse un eroe nazionale. Sarebbe tutto perfetto. Se non fosse che il giovane pugile si è innamorato della bella Raija… «L’umore alla base di The Happiest Day in the Life of Olli Mäki è leggero. Nonostante sia la storia di una crisi esistenziale e di una ricerca identitaria, per l’impianto narrativo del film era fondamentale provare a volare alto, come un deltaplano, piuttosto che sguazzare nel fango». ** In the summer of 1962, the Finnish boxer Olli Mäki is hired to challenge America’s Davey Moore, the world featherweight champion. This is a once-in-a-lifetime opportunity, his ticket to fame and fortune. First of all, Olli must leave the rural town where he lives and move to Helsinki. Then he absolutely has to lose some weight. His manager has prepared a tough training schedule for him, while the big city’s high society welcomes Olli like a national hero. Everything would be perfect, if only the young boxer hadn’t fallen in love with beautiful Raija… “The basic mood in The Happiest Day in the Life of Olli Mäki is light. Although it’s a story about an existential crisis and finding oneself, it is crucial to the narrative that we don’t wallow in the mud but, instead, fly like a kite.” [email protected] www.filmsdulosange.fr Juho Kuosmanen (Finlandia, 1979) ha studiato regia presso la Aalto University di Helsinki, dove ha realizzato il suo primo cortometraggio d’animazione, Knight of the Galaxy, a cui è seguito Roadmarkers, vincitore del terzo premio nella selezione della Cinéfondation del Festival di Cannes nel 2008. Nello stesso anno un altro corto, Citizens, è stato premiato con il Pardo d’argento al Festival di Locarno e, due anni dopo, il film realizzato come tesi di laurea, il mediometraggio The Painting Sellers, ha vinto la Cinéfondation di Cannes; in seguito è stato presentato nella sezione Onde del Torino Film Festival. The Happiest Day in the Life of Olli Mäki è il suo primo lungometraggio. Oltre a occuparsi di regia cinematografica, lavora anche in ambito teatrale in veste di regista e attore e collabora con l’ensemble sperimentale West Coast Kokkola Opera. Juho Kuosmanen (Finland, 1979) studied directing at Aalto University in Helsinki, where he made his first animated short, Knights of the Galaxy, followed by Roadmarkers, which came in third in the Cinéfondation selection at the 2008 Cannes Film Festival. That same year, another of his shorts, Citizens, received the Silver Leopard at the Locarno Film Festival and, two years later, his graduation film, the medium-length The Painting Sellers, won the Cinéfondation Award at Cannes; the film was then presented in Onde section at the Torino Film Festival. The Happiest Day in the Life of Olli Mäki is his first feature film. Besides directing movies, he works in theatre as a stage director and actor and also collaborates with the experimental ensemble West Coast Kokkola Opera. filmografia/filmography Galaksien Ritari (Knight of the Galaxy, cm, anim., 2006), Kestomerkitsijät (Roadmarkers, cm, 2007), Kaupunkilaisia (Citizens, cm, 2008), Taulukauppiaat (The Painting Sellers, mm, 2010), Hymyilevä Mies (The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, 2016). 41 SOMMARIO F E S TA M O B I L E F E S TA M O B I L E adrian sitaru ILEGITIM Romania-Polonia-Francia/Romania-Poland-France, 2016, HD, 88’, col. ILLEGITIMATE regia/director Adrian Sitaru sceneggiatura/screenplay Alina Grigore, Adrian Sitaru fotografia/cinematography Adrian Silisteanu, Alexandru Timosca montaggio/film editing Mircea Olteanu, Theo Lichtenberger scenografia/ production design Elena Manea costumi/costume design Marian Vasilescu musica/music Ely Buendia, Danny Fabella suono/sound Ioan Filip, Dan-Stefan Rucareanu interpreti e personaggi/ cast and characters Adrian Titieni (Victor Anghelescu), Bogdan Albulescu (Cosma Anghelescu), Cristina Olteanu (Gilda Anghelescu), Alina Grigore (Sasha Anghelescu), Robi Urs (Romeo Anghelescu), Miruna Dumitrescu (Julie), Liviu Vizitiu (Bogdan), Mihaela Perianu (Ema) produttore/producer Anamaria Antoci produzione/production Domestic Film coproduttori/coproducers Stanisław Dziedzic, Klaudia Smieja, Yohann Cornu coproduzione/coproduction Film Produkcja, Damned Films ** contatti/contacts Versatile Alexandre Moreau Una normale cena in famiglia diventa l’innesco di una crisi familiare, quando quattro fratelli scoprono nel passato del padre qualcosa che avevano sempre ignorato. Siamo nella Bucarest contemporanea, ma il fantasma della dittatura di Ceaușescu, non ancora così lontano, lascia tracce in ogni famiglia e fa emergere la differenza inconciliabile che separa la generazione cresciuta in pieno regime da quella cresciuta in un Paese libero. «Volevo fare un film diverso, con uno stile cinematografico differente dai miei lavori precedenti. Come autore, volevo essere il meno invasivo possibile, sia nella sceneggiatura sia nella regia, e cercavo qualcosa a metà fra la finzione e il documentario. Inoltre, verso la fine del lavoro, il destino e il Centro nazionale per la cinematografia mi hanno portato a realizzare il film senza un budget adeguato, quasi senza soldi, come era accaduto per il mio primo lungometraggio, Hooked». ** An ordinary family dinner becomes a fuse sparking a family crisis when four brothers discover something they hadn’t known about their father’s past. We are in contemporary Bucharest but the ghost of the Ceaușescu dictatorship, which fell not so long ago, leaves traces in every family and brings to light the irreconcilable differences separating the generation which grew up during the regime from the one which grew up in a free country. “I was to make a different kind of film, in a different cinema style besides my previous work. To be as little intrusive as possible as an author, both in the script and the directing. A film intended as half fiction, half documentary. Also, towards the end, forced by faith and the National Centre for Cinematography, to be able to make this film without a proper budget, nearly without any money, the same way it happened with my first feature, Hooked.” [email protected] www.versatile-films.com 42 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Adrian Sitaru (Deva, Romania, 1971) vive e lavora a Bucarest. Nel 2007 il suo cortometraggio Waves ha vinto il Pardino d’oro per il miglior cortometraggio internazionale a Locarno, mentre il primo lungometraggio Hooked (2008), presentato alle Giornate degli autori della Mostra di Venezia, lo ha consacrato come una delle voci più significative del nuovo cinema rumeno postcomunista. Da allora i suoi lavori hanno ottenuto riconoscimenti da festival internazionali come il Sundance, la Berlinale, i festival di Chicago, Locarno e Sarajevo. In questa edizione del Torino Film Festival, oltre a essere membro della giuria del concorso Torino 34, presenta anche il film Fixeur (2016). Adrian Sitaru (Deva, Romania, 1971) lives and works in Bucharest. In 2007 the short film Waves brought him the Golden Leopard of Tomorrow at the Locarno Film Festival. His debut feature film, Hooked, premiered at Venice Days in 2008 and established him as one of the most important new voices in Romanian post-communist cinema. Since then, his films have won recognition at festivals such as Sundance, Berlinale, Chicago, Locarno and Sarajevo. In this 2016 edition of the Torino Film Festival, he is also a member of the jury of the Official Competition and he presents another film, The Fixer (2016). filmografia/filmography Valuri (Waves, cm, 2007), Pescuit Sportiv (Hooked, 2008), Lord (cm, 2009), Colivia (The Cage, cm, 2009), Din Dragoste, Cu Cele Mai Bune Intentii (Best Intentions, 2011), Chefu (House Party, cm, 2009), Domestic (2012), Counterpart (cm, 2014), Excursie (Excursion, cm, 2014), Artă (Art, cm, 2014), Ilegitim (Illegitimate, 2016), Fixeur (2016). F E S TA M O B I L E robert greene KATE PLAYS CHRISTINE PREMIO CIPPUTI Usa, 2016, HD, 112’, col. KATE PLAYS CHRISTINE regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio/director, story, screenplay, film editing Robert Greene fotografia/cinematography Sean Price Williams scenografia/ production design John Dickson musica/music Keegan DeWitt suono/sound Rachel Cameron interpreti/cast Kate Lyn Sheil, Deanna Davis, Stephanie Coatney, Michael Ray Davis, Zachary Gossel, Holland Hayes, David Mackey, Linda Roser, Mike Rubino, Marty Stonerock, Steve Zurk produttori/producers Douglas Tirola, Susan Bedusa produzione/production 4 Row Films, Faliro House Productions coproduttori/coproducers Bennett Elliot, Danielle Rosen TH ** contatti/contacts Dogwoof Luke Brawley [email protected] www.dogwoof.com L’attrice Kate Lyn Sheil deve interpretare una parte molto difficile nel suo prossimo film: quella di Christine Chubbuck, giornalista televisiva che nel 1974 si uccise in diretta durante un notiziario. Un caso unico nella storia della televisione. Il documentarista Robert Greene segue l’attrice nel difficile lavoro di immedesimazione, tra le riprese del film, le sedute al trucco, le discussioni con la madre e i tentativi sempre più dolorosi di portare sullo schermo la storia e i sentimenti di una donna di cui, al di fuori del gesto disperato, si sa poco o nulla. «Erano circa dieci anni che tentavo di fare un film su Christine Chubbuck, pur sapendo che non avrei potuto affidarmi alla struttura del documentario tradizionale. Non mi interessava raccontare, in modo chiaro e univoco, la storia di una donna che si è suicidata in diretta televisiva. […] Dopo Actress, il mio ultimo film, ho trovato il modo per farlo, ho trovato un metodo utile a esprimere le motivazioni ignote alla base del gesto di Christine. Non ho fatto ricorso a risposte scontate; mi sono immerso nelle acque torbide tra finzione e documentario». ** The actress Kate Lyn Sheil has to play a very difficult role in her next movie: that of Christine Chubbuck, the TV journalist who killed herself in 1974 during a live news broadcast. A one-of-a-kind event in the history of television. The documentary filmmaker Robert Greene follows the actress in her difficult task of identifying with the journalist, during the shooting of the movie, makeup sessions, discussions with her mother and her increasingly painful attempt to portray on the screen the story and the feelings of a woman about whom almost nothing is known, except for that desperate act. “I’ve been trying to make a film about Christine Chubbuck for nearly a decade, but I could never imagine a traditional documentary portrait. I didn’t want to make a straightforward story about a woman who committed suicide on live television. […] After my last movie Actress, however, I found a way in – by jumping into the murky waters between performance and documentary, I found a method that I thought might help me express that unknowable quality of Christine Chubbuck’s actions, without resorting to easy answers.” 43 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Robert Greene (North Carolina, Usa, 1976) lavora come regista, montatore e critico cinematografico. Ha esordito alla regia con il cortometraggio The Rehobeth Trilogy (2002), a cui sono seguiti Ye Are the Light of the World (Don’t Stare into the Sun) (2003), Six Videos about Tourism (2003), Sports: A 12 Part History (2005), One Dead in Ohio (2006). Successivamente ha diretto i documentari Owning the Weather (2009), proiettato alla Conferenza sui cambiamenti climatici alle Nazioni Unite, Kati with an I (2010), il corto Dry Biscuit (2011) e Fake It So Real (2012). Con Actress ha partecipato al Torino Film Festival 2014 nel concorso Internazionale.doc. Robert Greene (NC, USA, 1976) is a director, film editor and movie critic. He debuted in directing with the short The Rehobeth Trilogy (2002), which was followed by Ye Are the Light of the World (Don’t Stare into the Sun) (2003), Six Videos about Tourism (2003), Sports: A 12 Part History (2005), and One Dead in Ohio (2006). He later directed the documentaries Owning the Weather (2009), screened at the UN Climate Change Conference, and Kati with an I (2010), the short Dry Biscuit (2011) and Fake It So Real (2012). He took part to the international documentary competition at the Torino Film Festival 2014 with Actress. filmografia/filmography The Rehobeth Trilogy (cm, doc., 2002), Ye Are the Light of the World (Don’t Stare into the Sun) (cm, doc., 2003), Six Videos about Tourism (cm, doc., 2003), Sports: A 12 Part History (cm, doc., 2005), One Dead in Ohio (cm, doc., 2006), Owning the Weather (doc., 2009), Kati with an I (doc., 2010), Dry Biscuit (cm, doc., 2011), Fake It So Real (doc., 2012), Actress (doc., 2014), Kate Plays Christine (doc., 2016). F E S TA M O B I L E johnny ma LAO SHI PREMIO CIPPUTI Cina-Canada/China-Canada, 2016, HD, 85’, col. Johnny Ma (Shanghai, Cina, 1982), trasferitosi in Canada ancora bambino, ha lavorato nel mondo della finanza e della moda e dal 2008 ha iniziato a interessarsi anche di cinema. Laureatosi in regia e sceneggiatura presso la Columbia University di New York, ha diretto i cortometraggi O genio de Quintino (2011) e A Grand Canal (2013), proiettati e premiati nei festival di tutto il mondo. Old Stone, presentato nella sezione Forum della Berlinale, segna il suo debutto nel lungometraggio di finzione. OLD STONE regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Johnny Ma fotografia/cinematography Ming Kai Leung montaggio/film editing Mike Long costumi/costume design Li Ke musica/music Lee Sanders suono/sound Sheng Yong interpreti e personaggi/ cast and characters Chen Gang (Lao Shi), Nai An (Mao Mao), Wang Hongwei (il capitano/captain), Zhang Zebin (Li Jiang), Luo Xue’er (Xue’er) produttori/producers Wu Xianjian, Chi-an Lin, Jing Wang, Sarah Stallard produzione/production Maktub Films ** contatti/contacts Asian Shadows Anne-Sophie Lehec [email protected] www.chineseshadows.com Lao Shi, tassista cinese di mezza età, si trova coinvolto in un incidente automobilistico nel quale un uomo rimane gravemente ferito. Pur di aiutarlo lo segue all’ospedale e paga le spese mediche. La situazione, però, prende una piega drammatica: Lao Shi viene indagato dalla polizia, abbandonato dalla moglie e dal datore di lavoro, oltre che dalla compagnia assicurativa. Trovatosi improvvisamente solo, con le cure dell’uomo a gravare su di lui, scivola lentamente nella solitudine e nel crimine, lasciandosi travolgere dall’atmosfera di disperazione e cinismo che sembra aver inghiottito l’intero Paese. «Con Old Stone cerco di esprimere qualcosa che avverto da molto tempo; il fatto, cioè, che nella nostra società è sempre più difficile compiere buone azioni. Ciascuno pensa ai propri interessi invece di curarsi degli altri. Lo scopo del film non è lanciare delle accuse dirette: semmai vorrei riflettere su quello che sta succedendo. L’uomo contemporaneo è ormai abituato a comportarsi in modo inumano». ** Lao Shi, a middle-aged Chinese taxi driver, is involved in a car accident which seriously injures a man. To help him, he follows the man to the hospital and pays his medical bills. But the situation takes a dramatic turn: Lao Shi is investigated by the police and abandoned by his wife and his employer, as well as by his insurance company. He finds himself alone, responsible for the man’s medical care, and he slowly slips into solitude and crime, overwhelmed by the atmosphere of desperation and cynicism which seems to have engulfed the entire country. “To me, the Old Stone story is my way of expressing what I had felt for a long time that, in our society, it is harder and harder for people to do good deeds. Everyone looks after their own interest first before considering anyone else. It is not my goal to point fingers with this film. I only want to reflect the reality of what is happening in our society. That the man of the modern time is practical to the point of being inhumane.” 44 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Johnny Ma (Shanghai, China, 1982) moved to Canada as a young boy, worked in finance and fashion, and became involved in the world of film in 2008. He graduated in directing and screenwriting from Columbia University in New York and directed the shorts O genio de Quintino (2011) and A Grand Canal (2013), which were screened and awarded prizes at festivals throughout the world. Old Stone, presented in the Forum section at the Berlin Film Festival, marks his debut in fiction feature films. filmografia/filmography O genio de Quintino (cm, 2011), A Grand Canal (cm, 2013), Lao Shi (Old Stone, 2016). F E S TA M O B I L E elisabetta sgarbi LA LINGUA DEI FURFANTI ROMANINO IN VALLE CAMONICA Italia/Italy, 2016, HD, 32’, col. THE LANGUAGE OF ROGUES ROMANINO IN VALLE CAMONICA regia/director Elisabetta Sgarbi soggetto/story Giovanni Reale, Eugenio Lio fotografia/cinematography Elio Bisignani, Andres Arce Maldonado montaggio/film editing Andres Arce Maldonado, Elisabetta Sgarbi scenografia/ production design Luca Volpatti produzione/production Betty Wrong ** contatti/contacts Elisabetta Sgarbi www.bettywrong.com Elisabetta Sgarbi compone in un unico film il ciclo di affreschi che Romanino realizzò, tra il 1532 e il 1541, a Pisogne, a Breno, a Bienno, in val Camonica. La regista prende sul serio lo scambio di vita e forma che sprigiona l’energia degli affreschi di Romanino: torna tra le case e tra la gente di quei borghi che anche il pittore doveva aver osservato a lungo e, infine, ritratto; li rimette all’opera e li tratta come pittura, per dare nuova vita alla pittura già impetuosa di Romanino. «Un film ininterrotto, questo, che mi segue da anni. Anzi da cui sono inseguita da anni, da prima di conoscere la valle Camonica, da prima di conoscere Romanino: da quando mio zio Bruno, mia madre Rina, e poi mio fratello Vittorio, si arrampicavano sin lassù, precedendomi. Così che questo film, così personale nei modi, mi sembra una strana biografia familiare, un mio nascosto romanzo di formazione, che ho condiviso con un altro amico e compagno di avventure, Giovanni Reale». ** In this movie Elisabetta Sgarbi gathers the cycle of frescos that Romanino realized between 1532 and 1541, in Pisogne, Breno and Bienno, in val Camonica, Italy. That exchange between life and form that Romanino’s frescos emanate in the three churches is taken seriously. Coming back between the houses and the people of those villages, that Romanino too must have observed for long, and, in the end, portrayed, they are put at work again and managed as painting, to give new life to Romanino’s already wild painting. “This is a continuous movie, that I’ve been following for years. Or rather, that has been following me for years, even before knowing valle Camonica, even before knowing Romanino: since my uncle Bruno, my mother Rina, and my brother Vittorio then, used to climb up there, forerunning me. So that this movie, so personal in the tones, seems to me like a strange family biography, a kind of my hidden coming of age novel, that I’ve shared with another friend and partner in many adventures, Giovanni Reale.” 45 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Elisabetta Sgarbi (Modena), direttrice e creatrice della casa editrice La nave di Teseo, ha esordito alla regia nel 1999. Ha ideato il festival La Milanesiana, letteratura musica cinema scienza arte filosofia e teatro, e da quattordici anni ne cura la direzione artistica. I suoi film hanno partecipato ai più importanti festival cinematografici del mondo, come quelli di Venezia, Locarno, Cannes, Roma, Londra e New York. Nel corso degli anni ha presentato diversi lavori al Torino Film Festival, tra i quali, in concorso, l’esordio nel lungometraggio, Notte senza fine (2004). Il suo terzo lungometraggio di finzione, Colpa di comunismo, è stato in concorso alla scorsa edizione del Festival. Elisabetta Sgarbi (Modena, Italy), creator and director of the publishing house La nave di Teseo, debuted in directing in 1999. She created and for fourteen years has been the artistic director of the festival La Milanesiana, literature music cinema science art philosophy and theatre. Her films have participated at the world’s most important film festivals, including Venice, Locarno, Cannes, Rome, London and New York. She participated many times at the Torino Film Festival, where she has presented various works, including, in competition, her debut feature film, Notte senza fine (2004). Her third feature film, Colpa di comunismo, was in competition during the last edition of the Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Frammenti di una biografia per versi e voce (cm, 1999), Projeto meninos de luz (cm, 2000), (non sempre) merci beaucoup (cm, 2000), La consolazione e la spina dolorosa (cm, 2001), Alladin Flash(-back) (cm, 2001), Belle di notte (mm, 2001), La notte che si sposta Gianfranco Ferroni (mm, 2002), Rue de Varenne (cm, 2002), Notte senza fine (2004), Due contro una (mm, doc., 2005), NevicheRò (2006), Il pianto della statua (mm, 2007), L’ultima salita - La Via Crucis di Beniamino Simoni (doc., 2009), Deserto Rosa - Luigi Ghirri (doc., 2009), Cosa è l’avanguardia? (doc., 2011), L’invenzione di Ariosto - Tullio Pericoli (2011), Racconti d’amore (2013), Per soli uomini (2014), Il pesce siluro è innocente (2014), Il pesce rosso dov’è? (2015), Colpa di comunismo (2015). F E S TA M O B I L E logan sandler LIVE CARGO Usa, 2016, HD, 88’, bn/bw LIVE CARGO regia/director Logan Sandler soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Thymaya Payne, Logan Sandler fotografia/cinematography Daniella Nowitz, Peter Zuccarini montaggio/film editing Nick Ellsberg, Garret Price musica/music The Blair Brothers scenografia/ production design Emmeline Wilks-Dupoise interpreti e personaggi/ cast and characters Dree Hemingway (Nadine), Keith Stanfield (Lewis), Robert Wisdom (Roy), Sam Dillon (Myron), Leonard Earl Howze (Doughboy), Frantz Lecoeur (Jean-Pierre) produttori/producers Thymaya Payne, Logan Sandler, Rene Bastian, Lauren Brady, Mortimer Canepa, Randolph Hearst Harris, Tina Preschitz produzione/production SimonSays Entertainment ** contatti/contacts Logan Sandler [email protected] www.livecargomovie.com Nadine e Lewis hanno appena perso il bambino che tanto aspettavano. Nel tentativo di guarire la ferita e ricucire lo strappo che si sta consumando, si concedono una vacanza in una remota isola delle Bahamas, dove la famiglia di Nadine possiede da anni una casa. Un luogo meraviglioso, e per la ragazza carico di ricordi. Ma dietro l’apparente quiete del paradiso tropicale, si nascondono conflitti insanabili e trame ignote: da un lato c’è Roy, l’anziano patriarca che governa l’isola, e dall’altro lo spietato Doughboy, boss del locale traffico di esseri umani, che vorrebbe espandere il proprio giro d’affari. In mezzo il giovane e ingenuo Myron, plagiato da Doughboy e attratto da Nadine. Per la coppia è una discesa all’inferno. «Sono in parte cresciuto in queste isole e volevo fare un film che avesse lo stesso sentore, che presentasse le sottili differenze e gli intrighi che danno alle Bahamas la sua vibrazione carica di vita. Al tempo stesso, mi interessava proporre un dramma ben congegnato, che desse soddisfazione allo spettatore, ricco di tensione fin dall’inizio». ** Nadine and Lewis have just lost the child they had waited so long for. In an attempt to heal the wound and make peace, they go on vacation to a remote island in the Bahamas, where Nadine’s family has owned a house for years. It is a marvelous place, full of memories for the young woman. But behind the apparent tranquility of the tropical paradise, irreconcilable conflicts and mysterious intrigue lurk. On the one hand, there is Roy, the ancient patriarch who rules the island; on the other, there is Doughboy, the merciless boss of the local human trafficking activities, who would like to expand his business. In the middle there is young, naïve Myron, subjugated by Doughboy and attracted to Nadine. It is a descent into hell for the couple. “I grew up part time in these islands and I wanted to create a film that was in tune with the subtle distinctions and particular machinations that make the islands hum and come to life, while at the same time delivering to our audience a satisfying drama ripped from the headlines.” 46 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Logan Sandler ha studiato produzione cinematografica presso la Loyola Marymount University’s School of Film and Television, diplomandosi nel 2011 con il cortometraggio All It Will Ever Be. Successivamente si è perfezionato in regia presso l’American Film Institute, dove ha concluso gli studi nel 2014 presentando il corto Tracks. Con Live Cargo, suo lungometraggio d’esordio, ha partecipato al Tribeca Film Festival 2016. Attualmente sta lavorando a un nuovo progetto, per ora intitolato Bela, e al pilot di una serie televisiva ambientata a Miami. Logan Sandler studied film production at Loyola Marymount University’s School of Film and Television, graduating in 2011 with the short All It Will Ever Be. He later specialized in directing at the American Film Institute, where he completed his studies in 2014, presenting the short Tracks. Live Cargo, his debut feature film, participated at the 2016 Tribeca Film Festival. He is presently working on a new project, provisionally entitled Bela, and on the pilot of a new TV series set in Miami. filmografia/filmography All It Will Ever Be (cm, 2011), Tracks (cm, 2014), Live Cargo (2016). © S I D O N I E P O N TA N I E R F E S TA M O B I L E antonin peretjatko LA LOI DE LA JUNGLE Francia/France, 2016, HD, 99’, col. Antonin Peretjatko (Francia, 1974) si è laureato alla Scuola di cinema Louis Lumière e ha diretto diversi cortometraggi e mediometraggi, tra cui L’heure de pointe, Changement de trottoir, French Kiss, L’opération de la dernière chance e Vous voulez une histoire? Dopo aver realizzato i making of dei film di Jacques Audiard Il profeta e Un sapore di ruggine e ossa, nel 2013 ha diretto il suo primo lungometraggio, La fille du 14 juillet. STRUGGLE FOR LIFE regia/director Antonin Peretjatko sceneggiatura/screenplay Antonin Peretjatko, Frederic Ciriez, Maud Ameline fotografia/cinematography Simon Roca montaggio/film editing Antonin Peretjatko, Xavier Sirven scenografia/ production design Yann Megard, Serge Fernandez costumi/costume design Sidonie Pontanier suono/sound Fabrice Osinski, Julien Roig, Vincent Verdoux interpreti e personaggi/ cast and characters Vincent Macaigne (Châtaigne), Vimala Pons (Tarzan), Pascal Légitimus (Duplex), Mathieu Amalric (Galgaric), Fred Tousch (Friquelin), Rodolphe Pauly (Damien), Jean-Luc Bideau (Rosio), Pascal Tagnati (Ulrich), Thomas De Pourquery (Georges), Philippe Laudenbach (De Rostiviec) produttore/producer Alice Girard produzione/production Rectangle Productions coproduzione/coproduction France 3 Cinema, Orange Studio, Scope Pictures, Imav Editions, Chaya Films ** contatti/contacts Be For Films Pamela Leu [email protected] www.beforfilms.com 47 SOMMARIO Quando il governo francese decide di lanciare il turismo invernale nei suoi territori in Guiana, spedisce l’impacciato funzionario del ministero delle normative e degli standard, Marc Châtaigne, a supervisionare la costruzione delle piste da sci. Approdato in America centrale, lo sprovveduto burocrate si trova a fare i conti non solo con la scarsa ospitalità della giungla, ma anche con una collega dall’aspetto provocante e dall’attitudine poco collaborativa. «Volevo una sceneggiatura più lineare del solito, che si esprimesse sullo schermo in tutta la sua pienezza, con personaggi più forti e diversi registri di recitazione. Rispetto al mio lavoro precedente, La fille du 14 juillet, che non era un film di attori, ho cercato di approfondire soprattutto l’aspetto della recitazione. La loi de la jungle, invece, è sia un film d’autore sia un film di attori. Vedendolo, abbiamo fiducia nei personaggi, vogliamo essere con loro oppure essere loro. È stata un’occasione per approfondire il mio lavoro con Vimala Pons e Vincent Macaigne: ho preteso moltissimo, perché dessero più di loro stessi». ** When the French government decides to promote winter tourism in its territories in Guyana, it sends Marc Châtaigne, a clumsy functionary from the Ministry of Regulations and Standards, to supervise construction of a ski slope. After landing in Central America, the inexperienced bureaucrat finds himself dealing not only with the meager hospitality of the jungle, but also with a colleague whose looks are provocative but whose attitude is less than collaborative. “I wanted a screenplay that would be more linear than what I habitually do, yet would express its full scope on screen with stronger characters and a wider range in terms of acting register. I wanted to dig deeper into the acting than I had with La fille du 14 juillet, which clearly wasn’t an actors’ film. I feel that Struggle for Life is both a director’s film and an actors’ film. We believe in the characters, we want to be with them or to be them. The movie gave me the opportunity to deepen my work with Vimala Pons and Vincent Macaigne. I wanted them to give me more of themselves.” F E S TA M O B I L E Antonin Peretjatko (France, 1974) graduated from Louis Lumière Film School, and directed several short and medium-length films such as Rush Hour, Changement de trottoir, French Kiss, L’opération de la dernière chance and Vous voulez une histoire? After directing two “making-of” for Jacques Audiard (A Prophet and Rust and Bone), he made his first feature film in 2013, La fille du 14 juillet. filmografia/filmography La montagne égrenée (cm, doc., 1998), L’heure de pointe (cm, 2002), Changement de trottoir (cm, 2004), French Kiss (cm, 2004), L’opération de la dernière chance (cm, 2006), Paris monopole (cm, 2010), Les secrets de l’invisible (cm, 2011), La fille du 14 juillet (2013), Vous voulez une histoire? (cm, 2014), La loi de la jungle (2016). F E S TA M O B I L E brillante ma mendoza MA’ ROSA Filippine/Philippines, 2016, HD, 110’, col. MA’ ROSA regia/director Brillante Ma Mendoza soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Troy Espiritu fotografia/cinematography Odyssey Flores montaggio/film editing Diego Marx Dobles scenografia/ production design Dante Mendoza musica/music Teresa Barrozo suono/sound Albert Michael Idioma interpreti e personaggi/ cast and characters Jaclyn Jose (Ma’ Rosa), Julio Diaz (Nestor), Felix Roco (Jackson), Andi Eigenmann (Raquel), Kristofer King (Jomas), Mercedes Cabral (Linda), Jomari Angeles (Erwin), Maria Isabel Lopez (Tilde) produttore/producer Loreto Larry Castillo produzione/production Center Stage Productions ** contatti/contacts Films Distribution Joris Boyer [email protected] www.filmsdistribution.com Ma’ Rosa ha quattro figli. Per vivere gestisce un piccolo discount in uno dei quartieri più poveri di Manila, dove è amata da tutti. Purtroppo gli affari non vanno a gonfie vele, quindi lei e il marito Nestor, per arrotondare, spacciano droga fuori dal negozio. Un giorno finiscono al centro di una retata e vengono arrestati. Pur di aiutare i genitori a uscire di galera i figli sono disposti a tutto, anche a comprare la libertà dalla polizia corrotta, secondo un sistema diffuso e accettato. La cifra che però viene richiesta è di gran lunga al di sopra delle possibilità della famiglia di Ma’ Rosa. Come fare a procurarsela? Ogni mezzo sembra accettabile, anche quelli meno ortodossi. Ispirato a un fatto vero. «Ma’ Rosa è probabilmente il film più difficile che abbia fatto da tempo, a causa dell’argomento sensibile affrontato. Abbiamo svelato un’altra tipologia di corruzione all’interno della polizia filippina, ormai evidente a tutti. Ciò che mostriamo, infatti, è divenuto pratica comune in qualsiasi distretto della capitale delle Filippine». ** Ma’ Rosa has four children. She owns a small convenient store in one of the poorest neighborhoods of Manila where everybody likes her. Business isn’t going too well so, to make ends meet, Rosa and her husband Nestor resell small amounts of narcotics on the side. One day, they get arrested. Rosa’s children are ready to do anything to buy their parents’ freedom from the corrupt police, a widely accepted practice. But the bribe is more what Ma’ Rosa’s family can afford. How will they put that sum of money together? Finding themselves in a desperate situation, they will resort to anything to reach their goal, even by the most unconventional means. Based on a true story. “Ma’ Rosa is perhaps one of the most difficult films I’ve done so far because of the sensitivity of the topic. We are exposing another paradigm of the corrupt police system in the Philippines, which is so rampant. What we are showing has become common practice in every district of the capital of the Philippines.” 48 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Brillante Ma Mendoza (San Fernando, Filippine, 1960) ha esordito nel lungometraggio con The Masseur, con cui ha vinto il Pardo d’oro a Locarno nel 2005, mentre nel 2006 ha diretto The Teacher, vincitore del premio CinemAvvenire al Torino Film Festival. Nel 2008 ha ottenuto il premio Caligari alla Berlinale con Slingshot e nello stesso anno ha partecipato in concorso a Cannes con Service. Nel 2009 ha partecipato al Torino Film Festival con Kinatay - Massacro, dopo aver vinto il premio per la migliore regia a Cannes. Ha poi diretto, tra gli altri, Lola (2009), presentato in concorso a Venezia, Captive (2012), in concorso a Berlino, Thy Womb (2012), ancora in competizione a Venezia, e Trap (2015), menzione speciale della giuria di Un certain regard a Cannes. Con Ma’ Rosa (2016) ha nuovamente partecipato in concorso a Cannes, regalando all’interprete Jaclyn Jose il premio per la migliore attrice. Brillante Ma Mendoza (San Fernando, Philippines, 1960) made his debut with the feature The Masseur, that received the Golden Leopard in Locarno in 2005, and in 2006 The Teacher won the CinemAvvenire Award at the Torino Film Festival. Slingshot got him a Caligari Film Award in Berlin in 2008. The same year he presented Service in competition in Cannes. He participated to the Torino Film Festival in 2009 with Kinatay shortly after winning Best Director in Cannes. He made several more movies in the following years, including: Lola (2009, in competition in Venice), Captive (2012, in competition in Berlin), Thy Womb (2012, also presented in Venice), and Trap (2015, Special Mention from the jury of the section Un certain regard in Cannes). His latest film Ma’ Rosa (2016) also participated in the competition in Cannes this year, where Jaclyn Jose received the award for Best Actress. filmografia essenziale/ essential filmography Masahista (The Masseur, 2005), Kaleldo (Summer Heat, 2006), Manoro (The Teacher, 2006), Foster Child (2007), Tirador (Slingshot, 2007), Serbis (Service, 2008), Kinatay (Kinatay - Massacro, 2009), Lola (2009), 60 Seconds of Solitude in Year Zero (2011), Captive (2012), Thy Womb (2012), Sapi (2013), Taklub (Trap, 2015), Asia sanmenkyô (2016), Ma’ Rosa (2016). F E S TA M O B I L E sébastien betbeder MARIE ET LES NAUFRAGÉS Francia/France, 2016, HD, 104’, col. MARIE AND THE MISFITS regia, sceneggiatura/ director, screenplay Sébastien Betbeder soggetto/story Louison Pochat fotografia/cinematography Sylvain Verdet montaggio/film editing François Quiqueré scenografia/ production design Lionel Acat musica/music Sébastien Tellier suono/sound Jérôme Aghion interpreti e personaggi/ cast and characters Pierre Rochefort (Siméon), Vimala Pons (Marie), Eric Cantona (Antoine), Damien Chapelle (Oscar), André Wilms (Cosmo), Emmanuelle Riva (Suzanne), Wim Willaert (Wim) produttore/producer Frédéric Dubreuil produzione/production Envie de Tempête Productions ** contatti/contacts Alpha Violet Keiko Funato [email protected] www.alphaviolet.com Antoine l’aveva avvertito: Marie è pericolosa. Ma ciò non impedisce a Siméon di abbandonare tutto per seguirla. Un “tutto” che non è molto, visto che la storia con Béatrice è finita e la rivista per cui lavorava ha chiuso. Siméon decide quindi di lasciare Parigi e andare in Bretagna, sull’isola di Groix. Tuttavia, se pensava di iniziare un’avventura a due, si sbagliava: anche Oscar, il suo coinquilino musicista e sonnambulo, e lo stesso Antoine, scrittore in crisi d’ispirazione, sbarcano sull’isola. L’involontario quartetto parigino si trova così immerso in un luogo totalmente diverso, con personaggi tutti da scoprire. «Ho iniziato a pensare al film durante la postproduzione di 2 automnes 3 hivers. La spinta è stata il desiderio utopico di costruire un film in cui tocca ai personaggi far avanzare la storia. Ho deciso allora che l’età dei protagonisti sarebbe stata leggermente maggiore rispetto all’altro film, come se Marie e Siméon fossero i fratelli più grandi di Arman e Amélie. Mi interessava vedere come avrebbero influenzato la trama, o come sarei riuscito a renderli responsabili della narrazione». ** Antoine had warned him: Marie is dangerous. But this doesn’t keep Siméon from dropping everything to follow her. This “everything” isn’t much, since his relationship with Béatrice is over and the magazine he works for has folded. So Siméon decides to leave Paris and go to the island of Groix, in Bretagne. However, if he had been thinking about starting an adventure à deux, he was wrong: Oscar, his musician and sleep-walking flatmate, and even Antoine, an author with writer’s block, also come to the island. The involuntary Parisian quartet thus find themselves immersed in a completely different environment with new people to discover. “I began thinking about the film during the post-production of 2 automnes 3 hivers. I was driven by the utopian desire to construct a movie in which the characters themselves would have to develop the story. So I decided that the protagonists would be slightly older than in the other movie, as though Marie and Siméon were the elder siblings of Arman and Amélie. I was interested in seeing how they would influence the plot, or how I would manage to make them responsible for the narration.” 49 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Sébastien Betbeder (Pau, Francia, 1975), formatosi a Le Fresnoy, ha realizzato diversi cortometraggi, tra cui Les mains d’Andréa (2006). Nello stesso anno ha diretto il suo primo lungometraggio, Nuage, selezionato a Locarno. Nel 2008 ha presentato a Torino La vie lointaine e l’anno successivo il corto Toutes les montagnes se ressemblent, diretto con Christelle Lheureux. Nel 2010 ha girato Yoshido (Les autres vies), selezionato da numerosi festival, tra cui quelli di Parigi e Rotterdam. Nel 2012 ha partecipato alla sezione Onde con Les nuits avec Théodore e l’anno successivo, sempre a Torino, ha ricevuto il premio speciale della giuria per 2 automnes 3 hivers (2013). Sempre al Festival, nel 2014 ha presentato il corto Inupiluk. Quest’anno presenta al Festival anche il lungometraggio Le voyage au Groenland. Sébastien Betbeder (Pau, France, 1975) studied at Le Fresnoy and has made numerous shorts, including Les mains d’Andréa (2006). That same year, he directed his first feature film, Nuage, selected at Locarno. In 2008, he presented La vie lointaine at the Torino Film Festival, and the next year the short Toutes les montagnes se ressemblent, directed in collaboration with Christelle Lheureux. In 2010, he shot Yoshido (Les autres vies), selected in Paris and Rotterdam. In 2012 premiered with Les nuits avec Théodore at Onde section, and the following year he won in Turin the Jury Special Prize with 2 automnes 3 hivers. In 2014 he presented in Turin, the short Inupiluk.In 2016 Festival he also presents his feature Le voyage au Groenland. filmografia/filmography La fragilité des revenants (cm, 1999), Le haut mal (cm, 2000), Des voix alentour (cm, 2003), Nu devant un fantôme (cm, 2005), Les mains d’Andréa (cm, 2006), Nuage (2007), La vie lointaine (mm, 2008), Toutes les montagnes se ressemblent (coregia/codirector Christelle Lheureux, cm, 2009), The Unbroken Line (cm, 2010), Yoshido (Les autres vies) (mm, 2010), Sarah Adams (cm, 2011), Les nuits avec Théodore (2012), 2 automnes 3 hivers (2013), Inupiluk (cm, 2014), Le film que nous tournerons au Groenland (cm, 2015), Marie et les naufragés (2016), Le voyage au Groenland (2016). F E S TA M O B I L E sacha wolff MERCENARIE Francia/France, 2016, HD, 103’, col. Sacha Wolff (Strasburgo, Francia 1981) ha studiato presso la scuola di cinema La Fémis di Parigi. Amante del documentario, oltre che del cinema di finzione, ha scritto e diretto i cortometraggi Does It Make a Sound? (2006) e Retour (2007). Con Mercenaire (2016) ha fatto il suo esordio nel lungometraggio. MERCENARY regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Sacha Wolff fotografia/cinematography Samuel Lahu montaggio/film editing Laurence Manheimer musica/music Luc Meilland suono/sound Julien Sicart interpreti e personaggi/ cast and characters Toki Pilioko (Soane), Iliana Zabeth (Coralie), Laurent Pakihivatau (Abraham), Mikaele Tuugahala (Sosefo), Petelu Sealeu (Leone), Maoni Talalua (Tomasi), Teotola Maka (Epiphania) produzione/production Timshel Productions, 3B Productions coproduzione/coproduction Arte Cinéma France ** contatti/contacts Be For Films Pamela Leu [email protected] www.beforfilms.com Grazie all’intercessione del viscido Abraham, Soane si trasferisce dalla nativa Polinesia in Francia per diventare rugbista professionista. A causa di un errore finisce in una squadra di seconda categoria. Sebbene sia un cittadino francese, si ritrova presto emarginato ed è costretto a subire l’avversione di chi lo considera soltanto un giocatore di rugby. «La traiettoria del viaggio di Soane è condizionata anche dai fattori storici che tuttora caratterizzano i rapporti tra l’Oceania e gli antichi colonizzatori, gli europei. Il legame poco chiaro con Abraham, che da tutore e figura salvifica diventa un trafficante senza scrupoli, è funzionale al tema e illustra le difficoltà di far coesistere i valori tradizionali polinesiani con quelli occidentali. I giocatori di rugby di oggi sono i discendenti delle vittime della tratta degli schiavi di ieri, rapiti dai capitani delle navi europee e condannati a una schiavitù camuffata da lavoro che li costringeva a vivere in condizioni disumane in giro per il mondo». ** Through the intercession of shifty Abraham, Soane moves from his native Polynesia to France to become a professional rugby player. Because of a mishap he ends up on a second-rate team. Even though he is a French citizen, he soon finds himself marginalized and must suffer the aversion of those who consider him nothing more than a rugby player. “The trajectory of Soane’s journey is also conditioned by History, which haunts the relationship between the Oceanians and the former colonizers, the Europeans. His ambivalent relationship with Abraham, who goes from protector and savior to unscrupulous smuggler and blackmailer, works along these lines and illustrates the complexity of adapting Polynesian traditional values to Western values. Rugby men today are heirs to the descendants of blackbirding victims, people subjected to disguised slavery by white boat captains who captured and forced them to work as slaves in unhuman conditions all over the world.” 50 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Sacha Wolff (Strasburg, France, 1981) studied at the film school La Fémis in Paris. Enraptured with documentaries and fiction films, he has written and directed the shorts Does It Make a Sound? (2006) and Retour (2007). Mercenaire (2016) is his debut feature film. filmografia/filmography Does It Make a Sound? (cm, 2006), Retour (cm, 2007), Mercenaire (2016). F E S TA M O B I L E © JEFF VESPA chad hartigan MORRIS FROM AMERICA Germania-Usa/Germany-USA, 2016, HD, 89’, col. MORRIS FROM AMERICA regia, sceneggiatura/ director, screenplay Chad Hartigan fotografia/cinematography Sean McElwee montaggio/film editing Anne Fabini scenografia/ production design Babett Klimmeck costumi/costume design Nana Kolbinger musica/music Keegan DeWitt interpreti e personaggi/ cast and characters Markees Christmas (Morris Gentry), Craig Robinson (Curtis Gentry), Carla Juri (Inka Meinart), Jakub Gierszał (Pierre), Lina Keller (Katrin) produttori/producers Martin Heisler, Adele Romanski, Sara Murphy, Gabriele Simon coproduttore/coproducer Arek Gielnik ** contatti/contacts Visit Films Joe Yanick [email protected] www.visitfilms.com Il tredicenne afroamericano Morris ha qualche problema: oltre a essere nel pieno della pubertà e con qualche chilo di troppo, si è appena trasferito con il padre nella cittadina universitaria di Heidelberg, in Germania, non certo famosa per socievolezza e apertura degli abitanti. Per sua fortuna, a fare da eccezione c’è Katrin, due anni più grande, con la quale Morris condivide la passione per l’hip-hop. Riuscirà Morris a integrarsi nella nuova città e magari, con l’aiuto di Katrin, a diventare il nuovo Notorious B.I.G. della Germania? «Avevo in testa di girare un coming of age su quell’esperienza tutta particolare che è il primo amore. Poi, a un certo punto, mi è venuta l’idea di un personaggio di colore, e subito mi è sembrato che tutto tornasse. Non mi veniva in mente nessun altro film che avesse come protagonista maschile un ragazzo nero nel tipo di situazione che descrivo, o con quel tipo di sensibilità. Tutte queste cose fanno di Morris un personaggio unico». ** Morris, thirteen years old and black, has a couple of problems: besides being in the throes of puberty and slightly overweight, he and his father have just moved to the university town of Heidelberg, Germany, which isn’t famous for the sociability and openness of its inhabitants. Luckily, the exception is Katrin, two years older, with whom Morris shares a passion for hip-hop. Will Morris manage to integrate into the new city and maybe, with Katrin’s help, become the new Notorious B.I.G. of Germany? “I knew I wanted to make a coming of age movie about that particular first love experience, and then, somewhere along the lines, the idea to make the character black came into my head and really made sense. I couldn’t think of any other movies that had a young, black, male protagonist that would be in the kinds of situations this story had, or had this type of sensitivity. It made Morris unique.” 51 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Chad Hartigan (Nicosia, Cipro, 1982) è un regista e attore indipendente nato da padre irlandese e da madre americana. Dopo aver frequentato la North Carolina School of the Arts, con indirizzo cinema, nel 2006 ha partecipato al film di Aaron Katz Dance Party USA e nel 2008 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, Luke and Brie Are on a First Date, presentato al Hamptons International Film Festival e alla base del remake latinoamericano Luna en Leo (2013). Nel 2013 This Is Martin Bonner, suo secondo film, è stato presentato in anteprima al Sundance Film Festival, dove ha vinto il premio del pubblico Best of Next, e al Torino Film Festival. Chad Hartigan (Nicosia, Cyprus, 1982) is an Irish, American independent filmmaker and actor with Irish father and American mother. After attending the North Carolina School of the Arts, School of Filmmaking, in 2006 he participated in the movie by Aaron Katz, Dance Party USA. In 2008 he wrote and directed his first feature, Luke and Brie Are on a First Date, which premiered at the Hamptons International Film Festival and went on to spawn a Latin American remake in 2013 called Luna en Leo. His second feature, This Is Martin Bonner, premiered at the 2013 Sundance Film Festival where it won the Audience Award for Best of NEXT and was screened also at Torino Film Festival. filmografia/filmography Luke and Brie Are on a First Date (2008), This Is Martin Bonner (2013), Morris from America (2016). F E S TA M O B I L E steve della casa, chiara ronchini NESSUNO CI PUÒ GIUDICARE Italia/Italy, 2016, video, 83’, bn/bw-col. NESSUNO CI PUÒ GIUDICARE regia/directors Steve Della Casa, Chiara Ronchini montaggio/film edior Chiara Ronchini fotografia/cinematography Filippo Genovese suono/sound Marco Furlani interpreti/cast Don Backy, Caterina Caselli, Tony Dallara, Ricky Gianco, Mal, Rita Pavone, Gianni Pettenati, Shel Shapiro, Piero Vivarelli, Massimo Scarafoni produzione, distribuzione/ production, distribution Cinecittà Luce ** contatti/contacts Cinecittà Luce Marlon Pellegrini [email protected] www.cinecittaluce.it 52 SOMMARIO Goffredo Lombardo, il patron della Titanus, diceva che i film con Gianni Morandi e Caterina Caselli negli anni Sessanta avevano salvato la sua casa produttrice. I loro film, effettivamente, costavano poco e incassavano tantissimo. Per la prima volta la canzone italiana, che fino a quel momento anche nel cinema era rivolta a tutta la famiglia, guardava a un pubblico decisamente più giovane. La stessa cosa succedeva con i film dei cosiddetti «urlatori»: Adriano Celentano, Mina, Tony Dallara. A metà anni Sessanta il consumo giovanile della cultura era un fenomeno così significativo da anticipare la contestazione che sarebbe poi esplosa nel Sessantotto. Il documentario racconta con la viva voce dei protagonisti di allora e con la ricchezza degli archivi dell’Istituto Luce la complessità del fenomeno. In quell’epoca, film semplici e di poche pretese diventarono lo specchio di una generazione e la cartina di tornasole di un’Italia in pieno cambiamento. Come diceva Pasolini, dopo il boom economico il Paese non era più lo stesso. E anche quei film hanno contribuito a cambiarlo. ** Goffredo Lombardo, the owner of Titanus, said that the movies made in the 1960s starring Gianni Morandi and Caterina Caselli had saved his production company. In fact, their movies cost little to make and scored big at the box office. For the first time, Italian song, which until that moment had been entirely directed at families, even in movies, began to address a decidedly younger audience. The same thing happened with the so-called “shouters”: Adriano Celentano, Mina, Tony Dallara. In the mid-1960s, young people’s consumption of culture was such a significant phenomenon that it anticipated the protests which would explode in 1968. This documentary uses the viva voce of the protagonists of the time and the vast archives of the Istituto Luce to recount the complexity of the phenomenon. During that era, simple, unpretentious films became the mirror of a generation and the litmus test of a country undergoing radical change. As Pasolini said, Italy was no longer the same after the economic boom. And those movies helped change it. F E S TA M O B I L E Steve Della Casa (Torino, 1953), tra i fondatori del Torino Film Festival, che ha diretto dal 1999 al 2002, è stato direttore del Roma Fiction Fest (2007-2013), presidente della Film Commission Torino Piemonte (2005-2013) e al momento è direttore del Festival Sottodiciotto. Dal 1994 fa parte della squadra di autori e conduttori della trasmissione radiofonica Hollywood Party, in onda su RaiRadio3. Ha pubblicato volumi su Monicelli, Mattoli, Freda, Argento, Bellocchio, Risi, sul cinema mitologico italiano e sull’industria cinematografica torinese. Come regista ha realizzato documentari come Italia ’70 - Il cinema a mano armata (2004), Uomini forti (2006) e I tarantiniani (2013), diretto con Maurizio Tedesco e vincitore di un Nastro d’argento per il miglior documentario sul cinema. Steve Della Casa (Turin, Italy, 1953), one of the founders of the Torino Film Festival, which he directed from 1999 until 2002, was the director of the Roma Fiction Fest (2007-2013), president of the Film Commission Torino Piemonte (2005-2013) and is presently the director of the Festival Sottodiciotto. Since 1994, he has been a member of the team of writers and hosts of the radio show Hollywood Party, which airs on RaiRadio3. He has published books on Monicelli, Mattoli, Freda, Argento, Bellocchio, and Risi, about Italian mythological cinema and about Turin’s film industry. He has directed documentaries such as Italia ’70 Il cinema a mano armata (2004), Uomini forti (2006) and I tarantiniani (2013), codirected with Maurizio Tedesco and the winner of a Silver Ribbon for Best Documentary About Cinema. filmografia/filmography Il cinema a mano armata (doc., 2004), Uomini forti (doc., 2006), Flaiano: Il meglio è passato (doc., 2010), Perché sono un genio! Lorenza Mazzetti (doc., 2016), I tarantiniani (coregia/codirector Maurizio Tedesco, doc., 2013), Nessuno ci può giudicare (coregia/codirector Chiara Ronchini, doc., 2016). F E S TA M O B I L E © ELENA BOSIO daniele segre NOME DI BATTAGLIA DONNA Italia/Italy, 2016, HD, 59’, col. NOME DI BATTAGLIA DONNA regia, soggetto, montaggio/ director, story, film editing Daniele Segre fotografia/cinematography Paolo Ceretto, Paolo Ferrari musica/music Maria Teresa Soldani suono/sound Edgar Iacolenna, Alessandro Bernard interpreti/cast Marisa Ombra, Carmen Nanotti, Carla Dappiano, Gisella Giambone, Enrica Morbello Core, Maria Airaudo, Rosi Marino, Maddalena Brunero produzione/production I Cammelli ** contatti/contacts I Cammelli Daniele Segre [email protected] www.danielesegre.it Durante la Resistenza, nel novembre del 1943, si formarono i «Gruppi di difesa della donna per l’assistenza ai combattenti per la libertà». Questi gruppi promuovevano manifestazioni per rivendicare la pace in città e nei comuni della provincia; le donne raccoglievano indumenti per i partigiani, confezionavano bandiere e bracciali, le più anziane tessevano calze di lana e maglie, le più giovani facevano le gappiste, le staffette o imbracciavano le armi. Marisa, Carmen, Carla e le altre protagoniste di questo racconto hanno partecipato alla Resistenza in Piemonte, e ora raccontano quella stagione illustrandone difficoltà, impegno, perdite, crescite e conquiste. «In un tempo di revisionismi, in cui le partigiane e i partigiani sono dimenticati o ricordati sullo stesso piano dei criminali e torturatori della X Mas, ho sentito la necessità di esplorare e raccontare il grande contributo che hanno dato alla liberazione dal nazifascismo. […] Il mio è un atto di gratitudine, e confido che il film porti a riflettere sulla nostra storia, offrendo una serie di ricordi e pensieri su cosa hanno rappresentato l’impegno e il sacrificio delle donne nella Resistenza». ** During the Resistance, in November 1943, the “women’s defense groups to help the freedom fighters” were formed. These groups promoted peace demonstrations in the city and the towns in the province. The women collected clothing for the partisan fighters, they made flags and wristbands, the older women knitted woolen socks and sweaters, the younger ones were active in the GAPs (Patriotic Action Groups), became couriers or bore arms. Marisa, Carmen, Carla and the other protagonists of this story participated in the Resistance in Piedmont and reminisce about that period, illustrating their difficulties, commitment, losses, growth and victories. “In a time of revisionism, when the Partisan men and women have been forgotten or are placed on the same level as the criminals and torturers of the Decima MAS, I felt the need to explore and recount the great contribution they made to our liberation from Nazi-Fascism. […] This is an act of gratitude and I hope the film will make people reflect on our history by offering a series of memories and thoughts about what the commitment and sacrifice of women in the Resistance represented.” 53 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Daniele Segre (Alessandria, 1952) ha iniziato la sua carriera come fotografo, prima di esordire nella regia con il documentario Perché droga nel 1976. Ha quindi pubblicato il libro fotografico Ragazzi di stadio e fondato la casa di produzione I Cammelli. Nel 1983 ha diretto il lungometraggio di finzione Testadura, presentato in concorso a Venezia, a cui sono seguiti, tra gli altri film, Manila Paloma Blanca, Vecchie, Mitraglia e il verme, Conversazione a Porto, Morire di lavoro, Lisetta Carmi - Un’anima in cammino, presentato a Venezia nel 2010, e Sic Fiat Italia, presentato al Torino Film Festival 2011, dove nel 2014 ha portato Il viaggio di Carlo, ritratto dell’attore Carlo Colnaghi, e nel 2015 Morituri. Daniele Segre (Alessandria, Italy, 1952) began his career in photography, before debuting as a director in 1976 with the documentary Perché droga. He published the book of photographs Ragazzi di stadio and founded the production company I Cammelli. In 1983, he directed the feature-length fiction movie Testadura, which competed in Venice. It was followed by other films, including Manila Paloma Blanca, Vecchie, Mitraglia il verme, Conversazione a Porto, Morire di lavoro, Lisetta Carmi Un’anima in cammino, presented in Venice in 2010, and Sic Fiat Italia, which was presented at the 2011 Torino Film Festival, where in 2014 he also presented Il viaggio di Carlo, about the life of the actor Carlo Colnaghi, and last year Morituri. filmografia essenziale/ essential filmography Perché droga (coregia/codirector Franco Barbaro, mm, doc., 1976), Ragazzi di stadio (mm, doc., 1980), Testadura (1983), Vite di ballatoio (mm, doc., 1984), Manila Paloma Blanca (1992), Come prima, più di prima, t’amerò (mm, doc., 1995), Sto lavorando? (mm, doc., 1998), Volti Viaggio nel futuro d’Italia (tv, doc., 2002), Vecchie (2002), Mitraglia e il verme (2004), Conversazione a Porto (doc., 2006), Morire di lavoro (doc., 2008), Lisetta Carmi - Un’anima in cammino (mm, doc., 2010), Je m’appelle Morando - Alfabeto Morandini (mm, doc., 2010), Sic Fiat Italia (doc., 2011), Il viaggio di Carlo (cm, doc., 2014), Morituri (2015). F E S TA M O B I L E maha haj OMOR SHAKHSIYA Israele/Israel, 2016, HD, 88’, col. Maha Haj, cresciuta a Nazareth, ha lavorato come scenografa per diverse produzioni e contemporaneamente ha iniziato a occuparsi di regia e sceneggiatura. Ha esordito nel 2009 con il cortometraggio Oranges e in seguito scritto e diretto il documentario Within These Walls (2010) e lo stesso Personal Affairs (2016), suo eserdio nel lungometraggio di finzione. PERSONAL AFFAIRS regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Maha Haj fotografia/cinematography Elad Debi montaggio/film editing Véronique Lange scenografia/ production design Rabia Safiti costumi/costume design Hamada Atallah suono/sound Raja Dubayah interpreti e personaggi/ cast and characters Sanaa Shawahdeh (Nabeela), Mahmoud Shawahdeh (Saleh), Doraid Liddawi (Tarek), Hanan Hillo (Samar), Ziad Bakri (Hicham), Amer Hlehel (George), Maisa Abd Elhadi (Maysa), Jihan Dermelkonian (la nonna/grandmother) produttore/producer Baher Agbariya produzione/production Majdal Films coproduttori/coproducers Ehab Assal, Monther Haj ** contatti/contacts Films Boutique Giorgia Hueisse [email protected] www.filmsboutique.com Nazareth. Una coppia matura manda avanti una quotidianità ormai stanca; neanche l’idea dell’imminente visita al figlio Hicham, emigrato da tempo in Svezia, li distrae. Dall’altra parte del confine, a Ramallah, la figlia Samar aspetta un bambino e si prende cura della nonna, mentre il fratello Tarek non ha alcuna intenzione di fidanzarsi con Maysa, un’amica di Samar. Il cui marito, invece, meccanico di professione, si vede proporre un ruolo in un film americano. «Lo spazio riflette i personaggi, che hanno personalità molto diverse anche se appartengono alla stessa famiglia. Ho cercato di trasmetterlo con le immagini. Hicham, che vive in Svezia, è in armonia con il mondo. Il candore tranquillo della campagna contrasta in modo brusco con la confusione di Nazareth e Ramallah. Non a caso Tarek, il fratello, è vivace e a suo modo nevrotico, proprio come il posto in cui vive. A Nazareth, i loro genitori sono provati dalla routine e anche in questo caso la dimensione domestica funge da specchio. Ciò che mi premeva era evidenziare queste divergenze attraverso la composizione delle inquadrature e i colori». ** Nazareth. An elderly couple goes through the motions of a jaded existence; not even the idea of the upcoming visit by their son Hicham, who emigrated to Sweden years earlier, can distract them. On the other side of the border, in Ramallah, Samar is expecting a baby and takes care of her grandmother, while her brother Tarek has no intention of becoming engaged to Maysa, a friend of Samar. Whose husband, a mechanic, is offered a part in an American movie. “The space mirrors the characters. They have very different personalities, even if they belong to the same family. I wanted to translate that into images. Hicham, who lives in Sweden, is in harmony with his environment. The country’s quiet whiteness sharply contrasts with the noise that prevails in Nazareth and Ramallah. Tarek is dynamic and somewhat neurotic. He is much more like Ramallah. In Nazareth, the parents are also affected by their daily rut. Domestic space acts like a mirror here as well. I wanted to highlight these diverging situations through composition in the frame and colors.” 54 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Maha Haj, grew up in Nazareth, worked as a set designer for various productions and at the same time became involved in directing and screenwriting. She debuted in 2oo9 with the short Oranges and later wrote and directed the documentary Within These Walls (2010) and Personal Affairs (2016), which marks her debut in fiction feature films. filmografia/filmography Oranges (cm, 2009), Within These Walls (doc., 2010), Omor Shakhsiya (Personal Affairs, 2016). F E S TA M O B I L E terence davies A QUIET PASSION Regno Unito/UK, 2016, HD, 126’, col. A QUIET PASSION regia, sceneggiatura/ director, screenplay Terence Davies fotografia/cinematography Florian Hoffmeister montaggio/ film editing Pia di Cialua scenografia/ production design Merijn Sep costumi/costume design Catherine Marchand musica/music Ian Neil suono/sound Johan Maertens, Paul Cotterell interpreti e personaggi/ cast and characters Cynthia Nixon (Emily Dickinson), Jennifer Ehle (Lavinia Dickinson), Jodhi May (Susan Gilbert), Catherine Bailey (Miss Vryling Buffam), Emma Bell (Emily Dickinson da giovane/as a young woman), Duncan Duff (Austin Dickinson), Keith Carradine (Mr Dickinson) produttori/producers Roy Boulter, Solon Papadopoulos produzione/production Hurricane Films, Potemkino coproduttori/coproducers Peter De Maegd, Tom Hameeuw ** contatti/contacts Double Dutch International Lisa Clark [email protected] www.doubledutchinternational.com 55 SOMMARIO Con un padre pervaso di senso del dovere e di responsabilità civile e una madre dalla salute molto fragile, i fratelli Dickinson, Emily, Austen e Vinnie, crescono con un forte attaccamento alla casa e alla famiglia. La guerra civile e l’ossessione per la religione aprono le prime crepe nella serenità familiare dei Dickinson, con una giovane Emily, appassionata di poesia, che mostra un animo ribelle e intransigente. Una fierezza che la porta ad accettare faticosamente l’amore per un uomo sposato e la relazione extraconiugale del fratello. «Non volevo realizzare un ritratto che raffigurasse solamente cupa tensione o consolazioni solitarie. È vero, Emily era molto timida, ma possedeva un senso dell’umorismo ironico e vivace e amava ridere, o chi fosse in grado di farla ridere. E amava le serate e i balli che inauguravano l’anno universitario. Le sue amicizie erano profonde, ma era nel nucleo familiare che trovava la sua felicità. La famiglia è stata la fonte della sua arte. La sua vita è stata all’insegna di una serena dignità». ** Their father is ruled by a sense of duty and civic responsibility and their mother has a fragile constitution; thus, the Dickinson siblings, Emily, Austen and Vinnie, grow up with a strong attachment to their home and family. The Civil War and a religious obsession cause the first rifts in the serenity of the Dickinson family, and young Emily, captivated by poetry, reveals a rebellious and intransigent nature. Because of her pride, she has difficulty accepting her love for a married man and her brother’s extramarital affair. “I do not wish to paint a portrait that is all sombre tension and solitary solace. She was extremely shy, true. But she has a wry, lively sense of humour and loved to laugh or be made to laugh. And she loved the soirees and balls which began each commencement of the university. Her friendships were intense but it was within the family that she found her greatest happiness. It was the wellspring of her art. Her life is one of quiet dignity.” F E S TA M O B I L E Terence Davies (Liverpool, Regno Unito, 1945) a sedici anni lascia la scuola per frequentare la Coventry Drama School. Esordisce nel 1976 con il cortometraggio autobiografico Children, per poi iscriversi alla National Film School, dove realizza un altro corto, Madonna and Child. Conclude poi la Terence Davies Trilogy con Death and Transfiguration (1983). Nel 1988 e nel 1992 realizza i suoi due capolavori: Voci lontane… sempre presenti (premio della critica al Festival di Cannes) e Il lungo giorno finisce, opere autobiografiche ambientate nella Liverpool degli anni Quaranta e Cinquanta. Seguono poi Serenata alla luna (1995), in concorso a Cannes, e La casa della gioia, da un romanzo di Edith Wharton. Torna poi a Cannes nel 2008 con il documentario su Liverpool Of Time and the City, presentato anche al Torino Film Festival. Nel 2015 il Festival gli ha assegnato il Gran Premio Torino e ha presentato Sunset Song. Terence Davies (Liverpool, UK, 1945) quit school at sixteen to study at the Coventry Drama School. He debuted in 1976 with the autobiographical Children and then enrolled at the National Film School, where he made another short, Madonna and Child. He concluded The Terence Davies Trilogy with Death and Transfiguration (1983). In 1988 and 1992 he made his two masterpieces: Distant Voices, Still Lives (FIPRESCI Prize at Cannes) and The Long Day Closes, autobiographical films set in Liverpool during the 1940s and 1950s. These were followed by The Neon Bible (1995), in Cannes competition, and The House of Mirth, based on the novel by Edith Wharton. He returned to Cannes in 2008 with his documentary about Liverpool Of Time and the City, also presented at the Torino Film Festival, which in 2015 gave him the Gran Premio Torino and presented his film Sunset Song. filmografia/filmography Children (cm, 1976), Madonna and Child (cm, 1980), Death and Trasfiguration (cm, 1983), The Terence Davies Trilogy (Terence Davies Trilogy, 1983), Distant Voices, Still Lives (Voci lontane… sempre presenti, 1988), The Long Day Closes (Il lungo giorno finisce, 1992), The Neon Bible (Serenata alla luna, 1995), The House of Mirth (La casa della gioia, 2000), Of Time and the City (doc., 2008), The Deep Blue Sea (2011), Sunset Song (2015), A Quiet Passion (2016). F E S TA M O B I L E anurag kashyap RAMAN RAGHAV 2.0 India, 2016, HD, 127’, col. PSYCHO RAMAN regia/director Anurag Kashyap sceneggiatura/screenplay Vasan Bala, Anurag Kashyap fotografia/cinematography Jay Oza scenografia/ production design Tiya Tejpal montaggio/film editing Aarti Bajaj costumi/costume design Shruti Kapoor musica/music Ram Sampath suono/sound Vinit D’Souza interpreti e personaggi/ cast and characters Nawazuddin Siddiqui (Raman), Vicky Kaushal (Raghav), Sobhita Dhulipala (Simmy), Mukesh Chhabra (Loan Shark), Anuschka Sawhney (Ankita) produttori/producers Vikas Bahl, Vikramaditya Motwane produzione/production Phantom Production coproduttori/coproducers Shibasish Sarkar, Vivek B Agrawal ** contatti/contacts Stray Dogs Laura Nacher [email protected] 56 SOMMARIO Raman è un serial killer che vive a Mumbai e che trova, per così dire, ispirazione nelle gesta di un suo predecessore, l’omicida seriale Raman Raghav, che operava in India negli anni Sessanta. Oltre a quella per il suo mentore, ha una seconda grande ossessione: quella per il giovane poliziotto Raghav. Fa di tutto per trovarsi faccia a faccia con lui. Ma se il killer non è del tutto normale, anche il poliziotto non è un esempio di stabilità mentale… «Fare questo film non significa glorificare la figura di Raman Raghav. Abbiamo usato la forma di un thriller romanzato per intessere una storia su argomenti che di solito ignoriamo. Questo film non è basato su un personaggio della vita reale; si ispira però a un personaggio che è vissuto negli anni Sessanta. È difficile fare un film ispirato a un personaggio reale perché ci si muove su territori molto pericolosi e si avverte il proprio senso di responsabilità». ** Raman is a serial killer; he lives in Mumbai and finds his inspiration, as it were, in the deeds of his predecessor, the serial killer Raman Raghav, who was active in India during the 1960s. Besides his obsession with his mentor, he is also quite obsessed with Raghav, a young policeman Raman is trying his hardest to come face to face with. But if the killer isn’t completely normal, the policeman isn’t exactly an example of mental stability, either… “Making this movie we are not glorifying Raman Raghav. It is in a fictionalised, thriller way where we have woven a story around the things we usually ignore. This movie is not based on a real life character; it is inspired from a character who was in the 1960s. It’s difficult to make a film inspired by a real life character because you are treading a very dangerous line. You have your own sense of responsibility.” F E S TA M O B I L E Anurag Kashyap (India, 1972), uno di registi indiani più importanti degli ultimi anni, è stato anche produttore, sceneggiatore e attore in oltre quaranta film. Nel 2003 il suo esordio nel lungometraggio, Paanch, non è stato distribuito a causa del divieto dell’Indian Censor Board, ma l’anno successivo il secondo lungo, Black Friday, è stato presentato a Locarno. Tra i suoi lavori come regista, Ugly (2013) ha avuto l’anteprima alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes (ed è stato poi presentato a Torino) e Bombay Velvet (2015) al Festival di Locarno. Tra i film che ha prodotto figurano invece Trishna (2012) di Michael Winterbottom e Lunchbox (2013) di Ritesh Batra, realizzato in collaborazione con il TorinoFilmLab. Nel 2013 ha ricevuto la medaglia di Chevalier des arts et des lettres dal Ministero francese della cultura e della comunicazione. Anurag Kashyap (India, 1972) is one of India’s most important directors in recent years; he has also produced, scripted and acted in over forty films. In 2003 his debut feature-length film, Paanch, wasn’t distributed due to a ban by the Indian Censor Board, but the following year, his second feature film, Black Friday, was presented at the Locarno Film Festival. Among the films he has directed, Ugly (2013) premiered at the Quinzaine des réalisateurs in Cannes (and was then presented in Turin) and Bombay Velvet (2015) at the Festival in Locarno. Films he has produced include Trishna (2012) by Michael Winterbottom and Lunchbox (2013) by Ritesh Batra, made in collaboration with TorinoFilmLab. In 2013, the Order of Arts and Letters was awarded to him by the French Ministry of Culture and Communication. filmografia essenziale/ essential filmography Last Train to Mahakali (tv, 1999), Paanch (2003), Black Friday (2004), No Smoking (2007), Return of Hanuman (2007), Dev.D (2009), Gulaal (2009), That Girl in Yellow Boots (2010), Mumbai Cutting (ep. Pramod Bhai 23, 2011), Gangs of Wasseypur (2012), Bombay Talkies (2013), Ugly (2013), That Day After Every Day (cm, 2013), Kali-Katha (cm, 2014), Bombay Velvet (2015), Madly (ep. Clean Shaven, 2016), Raman Raghav 2.0 (Psycho Raman, 2016). F E S TA M O B I L E alain guiraudie RESTER VERTICAL Francia/France, 2016, HD, 100’, col. STAYING VERTICAL regia, sceneggiatura/ director, screenplay Alain Guiraudie fotografia/cinematography Claire Mathon montaggio/film editing Jean-Christophe Hym scenografia/ production design Toma Baqueni costumi/costume design Sabrina Violet, François Labarthe, Adelaïde Le Gras suono/sound Philippe Grivel, Jeanne Delplancq, Nathalie Vidal interpreti e personaggi/ cast and characters Damien Bonnard (Léo), India Hair (Marie), Raphaël Thiéry (Jean-Louis), Christian Bouillette (Marcel), Basile Meilleurat (Yoan), Laure Calamy (Mirande), Sébastien Novac (il produttore/producer) produttori/producers Sylvie Pialat, Benoît Quainon ** contatti/contacts Wild Bunch Esther Devos [email protected] www.wildbunch.biz Sulle tracce di un branco di lupi per documentarsi per il suo nuovo lavoro, il regista Léo incontra Marie, una giovane pastora che vive fra le montagne della Francia meridionale insieme con i suoi due figli, e nove mesi dopo si ritrova ad affrontare una inaspettata paternità. Abbandonato da Marie, Léo resta a vivere con il burbero padre della ragazza e con il neonato, di cui si scopre un padre attento e dedito. Nella valle, però, abitano anche l’anziano Marcel e il giovane Yoan; entrambi attirano l’attenzione di Léo, sempre pronto a mettersi in gioco fino in fondo. «È sempre stato importante per me tracciare connessioni tra la mia vita passata e quella attuale per mezzo di racconti, leggende e miti. È un percorso che intendo esplorare, è sempre stata una questione essenziale nella mia vita. [...] Molti degli elementi del film afferiscono all’immaginario fiabesco: la città di Séverac dominata dal castello, le zone misteriose della palude Poitevin e, naturalmente, il lupo…» ** As he tracks a pack of wolves in preparation for his next movie, the director Léo meets Marie, a young shepherdess who lives in the mountains of southern France with her two children. Nine months later, he finds himself dealing with an unexpected paternity. After Marie abandons him, he stays on to live with the girl’s gruff father and the newborn child, and discovers himself to be an attentive and dedicated father. But elderly Marcel and Yoan live down in the valley; they both attract the attention of Léo, who is always ready to put himself completely on the line. “I think it’s always been important for me to establish bridges between the life I led yesterday and my life today through tales, legends and myth. It’s an avenue that’s important for me to explore. It’s been an essential question since time immemorial. […] Many of the film’s elements recall the imaginativeness of a fairytale: the town of Séverac with the castle towering over it, the mysterious areas of the Poitevin marshland and, of course, the wolf...” 57 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Alain Guiraudie (Villefranche-deRouergue, Francia, 1964) ha studiato all’Università di Montpellier e nel 1990 ha realizzato il suo primo cortometraggio, Les héros sont immortels. Il mediometraggio Du soleil pour les gueux (2001) è un esempio del suo cinema atipico che mescola il western, il racconto picaresco e quello filosofico. Nel 2001 Ce vieux rêve qui bouge ha vinto il premio Jean Vigo ed è stato premiato alla Quinzane des réalisateurs. Nel 2003 ha diretto il lungometraggio Pas de repos pour les braves, che ha partecipato a numerosi festival come quelli di Cannes e Karlovy Vary, e nel 2005 Voici venu le temps, presentato in concorso al Torino Film Festival, così come, due anni più tardi, Le roi de l’évasion. Nel 2013 con Lo sconosciuto del lago ha vinto il premio per la regia di Un certain regard a Cannes. Alain Guiraudie (Villefranche-deRouergue, France, 1964) studied at the University of Montpellier and made his first short film in 1990, Les héros sont immortels. His medium-length film, Du soleil pour les gueux (2001) is exemplary of his atypical cinema, which mixes westerns, picaresque stories and philosophical tales. In 2001 he realized Ce vieux rêve qui bouge, that won the Jean Vigo Prize and was awarded at the Quinzane des réalisateurs. In 2003 he directed the feature film Pas de repos pour les braves, that was shown in several film festivals such as Cannes and Karlovy Vary, and in 2005 he made Voici venu le temps, screened in competition at Torino Film Festival, just as Le roi de l’évasion. In 2013 L’inconnu du lac won for the Best Director at Un certain regard section in Cannes. filmografia/filmography Les héros sont immortels (cm, 1990), Tout droit jusqu’au matin (cm, 1994), La force des choses (cm, 1997), Du soleil pour les gueux (mm, 2000), Ce vieux rêve qui bouge (mm, 2001), Pas de repos pour les braves (2003), Voici venu le temps (2005), Le roi de l’évasion (2009), L’inconnu du lac (Lo sconosciuto del lago, 2013), Rester vertical (2016). F E S TA M O B I L E francesca pedroni ROBERTO BOLLE. L’ARTE DELLA DANZA Italia/Italy, 2016, HD, 105’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Francesca Pedroni fotografia/cinematography Krishna Agazzi montaggio/film editing Aline Hervé interpreti/cast Roberto Bolle, Melissa Hamilton, Nicoletta Manni, Otto Bubeníček, Jiří Bubeníček, Alexandre Riabko, Matthew Golding, Joan Boada, Anna Tsygankova, Maria Kochetkova, Eric Underwood produttori/producers Piero Maranghi, Emanuela Bolle produzione/production Classica Italia, Artedanza distribuzione/distribution Nexo Digital ** contatti/contacts Nexo Digital Luana Solla [email protected] www.nexodigital.it © L. ROMANO ROBERTO BOLLE. L’ARTE DELLA DANZA In tour con Roberto Bolle e dieci eccezionali ballerini di tutto il mondo, scelti dallo stesso Bolle, per avvicinare la danza a un pubblico di migliaia di spettatori. Tappe di questo viaggio sono il Teatro Grande di Pompei, un luogo che grazie a Bolle si è aperto al balletto e alla danza, l’Arena di Verona, con la sua straordinaria platea di quattordicimila persone, e il Teatro delle Terme di Caracalla a Roma, con le sue secolari, imponenti rovine a fare da scenografia alla performance. «Accompagnare Roberto Bolle in tour è stata una magnifica avventura. Abbiamo seguito da vicino l’étoile e i suoi compagni di viaggio, cercando di entrare da osservatori silenziosi nel loro mondo, partecipando al ritmo del tour, scandito ora per ora, fino a notte avanzata, da una scaletta serratissima di impegni e dal linguaggio universale e non verbale della danza. Una sfida adrenalinica che ci ha permesso di avvicinarci in modo inedito alla personalità di un artista unico». ** On tour with Roberto Bolle and ten fantastic dancers from all over the world, chosen personally by Bolle to bring an audience of thousands of spectators closer to dance. Tour venues included the Teatro Grande of Pompeii, which was opened to ballet and dance shows thanks to Bolle; the Verona Arena, with its extraordinary amphitheatre seating fourteen thousand people; and the Theatre of the Baths of Caracalla in Rome, with its ancient, imposing ruins as a backdrop to the performance. “Accompanying Roberto Bolle on this tour was a magnificent adventure. We closely followed the étoile and his travel companions, entering their world as silent observers, participating in the rhythm of the tour, beating time hour by hour deep into the night, with a quick-paced schedule of commitments and the universal, nonverbal language of dance. This highly-charged challenge allowed us to study the personality of a unique artist in a new way.” Francesca Pedroni si occupa di danza da oltre venticinque anni. Autrice e regista per il canale satellitare Classica HD, dal 2006 ha ideato e seguito in veste di autrice i documentari della serie Danza in scena, firmandone dal 2011 anche la regia. Scrive regolarmente di danza sulle pagine del quotidiano «il manifesto» dal 2002 e dal 1990 è tra i collaboratori della rivista specializzata «Danza&Danza». Tra le sue pubblicazioni, la monografia Alwin Nikolais per i tipi dell’Epos di Palermo e Album di compleanno 1813-2013. La scuola di ballo dell’Accademia Teatro alla Scala (Tita, 2013). Nel 2015 ha curato la collana di dvd I capolavori della danza, edita da Classica HD e dal «Corriere della Sera». Insegna storia del balletto e della danza alla Scuola di ballo dell’Accademia Teatro alla Scala dal 2000 e dal 2001 è docente ospite presso il Master eventi culturali dell’Alta scuola media comunicazione e spettacolo dell’Università cattolica di Milano. Francesca Pedroni has been involved with dance for over twenty-five years. She is a writer and director for the satellite channel Classica HD. She has been creating and writing documentaries for the series Danza in scena since 2006, and also started directing them in 2011. She has been writing about dance for the newspaper “il manifesto” since 2002 and has been a collaborator for the specialized journal “Danza&Danza” since 1990. Her published works include the monograph Alwin Nikolais (ed. L’Epos, Palermo) and Album di compleanno 1813-2013. La scuola di ballo dell’Accademia Teatro alla Scala (ed. Tita, 2013). In 2015, she curated the DVD series I capolavori della danza, edited by Classica HD and “Corriere della Sera.” She has been teaching history of ballet and dance at the Ballet School of the Accademia Teatro alla Scala since 2000. She has also been a guest professor at the Master’s degree in cultural events of the Postgraduate School of Media Communications and Performing Arts of Milan’s Catholic University since 2001. filmografia essenziale/ essential filmography Roberto Bolle. L’Arte della Danza (doc., 2016). 58 SOMMARIO F E S TA M O B I L E F E S TA M O B I L E kenneth branagh ROMEO AND JULIET Regno Unito/UK, 2016, HD, 184’, col. ROMEO AND JULIET regia/director Kenneth Branagh regia teatrale/ theatre directors Kenneth Branagh, Rob Ashford coreografia/choreographer Rob Ashford soggetto/story dall’omonima tragedia di/ by the tragedy of the same title by William Shakespeare scenografia, costumi/ production design, costume design Christopher Oram musica/music Patrick Doyle suono/sound Christopher Shutt interpreti e personaggi/ cast and characters Richard Madden (Romeo), Lily James (Juliet), Derek Jacobi (Mercutio), Meera Syal (la nutrice/nurse) produzione/production Branagh Theatre Live, Picturehouse Entertainment, Tomboy Productions distribuzione/distribution Nexo Digital ** contatti/contacts Nexo Digital Luana Solla [email protected] www.nexodigital.it 59 SOMMARIO Nella Verona del Cinquecento la rivalità tra le nobili famiglie dei Montecchi e dei Capuleti è ormai degenerata e coinvolge sia i membri della famiglia sia i simpatizzanti delle opposte fazioni. In questo precario equilibrio, il giovane Romeo Montecchi s’innamora di Giulietta Capuleti, già promessa in sposa al nobile Paride. Il tentativo degli innamorati di vivere il loro sentimento nonostante l’ostilità delle rispettive famiglie condurrà a una serie di tragedie di cui l’ultima sarà proprio la morte dei giovani amanti. «L’idea che il teatro e il cinema s’incontrino è eccitante. Per questo l’arrivo sul grande schermo dei nostri spettacoli apre la via a una nuova sfida. Abbiamo un team di grande esperienza in entrambi gli ambiti, quello teatrale e quello cinematografico: i risultati – in particolare nell’esplorazione della magia insita nell’opera di Shakespeare – dovrebbero essere affascinanti». ** In 16 -century Verona, the rivalry between the Montague and Capulet families has degenerated, involving the members of the noble families as well as the sympathizers of the opposing factions. In this precarious equilibrium, young Romeo Montague falls in love with Juliet Capulet, who is engaged to the nobleman Paris. The two try to fulfill their passion for each other despite the hostility of their respective families, leading to a series of tragedies culminating in the death of the young lovers. TH “The idea of theatre and film coming together is exciting. For this reason, when one of our shows makes it onto the silver screen it opens the way for a new challenge. We have very experienced teams in both fields, theatre and film: the result – in particular in our exploration of the magic inherent to Shakespeare’s work – should be fascinating.” F E S TA M O B I L E Kenneth Branagh (Belfast, Regno Unito, 1960), attore, sceneggiatore e regista attivo nel cinema, a teatro e anche in tv (come protagonista della serie Il commissario Wallander), è stato candidato a cinque premi Oscar. Nel 1988 si è fatto conoscere con il film Enrico V, tratto dal dramma storico di Shakespeare, che gli è valso le nomination all’Oscar per la miglior regia e il miglior attore protagonista. Da Shakespeare ha tratto i film Molto rumore per nulla (1993), Hamlet (1996), Pene d’amor perdute (2000) e As You Like It - Come vi piace (2006). Ha inoltre lavorato a Hollywood, spaziando da Mary Shelley (Frankenstein di Mary Shelley, 1994) a Thor (nell’omonimo film del 2011), alla favola di Cenerentola, da cui nel 2015 ha tratto un film di grande successo. Kenneth Branagh (Belfast, UK, 1960), actor, screenwriter and director for cinema, theatre, and television (as the star of the TV series Wallander), has been nominated for five Oscars. In 1988, he gained renown with the film Henry V, based on Shakespeare’s historical drama, for which he received Oscar nominations for Best Director and Best Actor. Shakespeare was also the source of his films Much Ado About Nothing (1993), Hamlet (1996), Love’s Labour’s Lost (2000) and As You Like It (2006). His work in Hollywood ranges from Mary Shelley (Mary Shelley’s Frankenstein, 1994) to Thor (in the 2011 film of the same title), to the fairytale Cinderella, on which he based a worldwide hit film in 2015. filmografia/filmography Henry V (Enrico V, 1989), Dead Again (L’altro delitto, 1991), Peter’s Friends (Gli amici di Peter, 1992), Swan Song (Il canto del cigno cm, 1992), Much Ado About Nothing (Molto rumore per nulla, 1993), Mary Shelley’s Frankenstein (Frankenstein di Mary Shelley, 1994), In the Bleak Midwinter (Nel bel mezzo di un gelido inverno, 1995), Hamlet (id., 1996), Love’s Labour’s Lost (Pene d’amor perdute, 2000), Listening (2003), As You Like It (As You Like It - Come vi piace, 2006), The Magic Flute (Il flauto magico, 2006), Sleuth (Sleuth - Gli insospettabili, 2007), Thor (id., 2011), National Theatre Live (tv, ep., 2013), Jack Ryan: Shadow Recruit (Jack Ryan - L’iniziazione, 2014), Cinderella (Cenerentola, 2015), Romeo and Juliet (2016). © ALBERTO NOVELLI F E S TA M O B I L E andrea molaioli SLAM - TUTTO PER UNA RAGAZZA Italia/Italy, 2016, HD, 100’, col. Andrea Molaioli (Roma, 1967) esordisce nel 2007 con La ragazza del lago: presentato alla Mostra di Venezia, nella sezione Settimana della critica, il film riceve il premio Pasinetti e il premio Isvema e ottiene poi svariati riconoscimenti, tra cui dieci David di Donatello, tre Nastri d’argento e quattro Ciak d’oro. Nel 2011 firma Il gioiellino, ispirato alla vicenda del crack Parmalat, che partecipa a numerosi festival internazionali ed è candidato ai David di Donatello e ai Nastri d’argento. - TUTTO PER UNA RAGAZZA SLAM regia/director Andrea Molaioli soggetto/story dal romanzo Tutto per una ragazza di/ from the novel Slam by Nick Hornby sceneggiatura/screenplay Francesco Bruni, Ludovica Rampoldi, Andrea Molaioli fotografia/cinematography Daria D’Antonio montaggio/film editing Giogiò Franchini scenografia/ production design Alessandra Mura costumi/costume design Massimo Cantini Parrini musica/music Teho Teardo suono/sound Alessandro Rolla interpreti e personaggi/ cast and characters Ludovico Tersigni (Sam), Barbara Ramella (Alice), Jasmine Trinca (Antonella), Luca Marinelli (Valerio), Fiorenza Tessari (la madre di Alice/Alice’s mother), Pietro Ragusa (il padre di Alice/Alice’s father), Gianluca Broccatelli (Lepre), Fausto Maria Sciarappa (Marco), Tony Hawk (voce/voice) produttori/producers Nicola Giuliano, Francesca Cima, Carlotta Calori produzione/production Indigo Cinema, Rai Film distribuzione/distribution Universal Pictures Italia ** contatti/contacts Universal Pictures Italia Marina Caprioli [email protected] www.universalpictures.it 60 SOMMARIO Per il sedicenne Sam lo skateboard rappresenta tutto: passa le sue giornate allo skatepark e addirittura confessa pensieri e paure al poster di Tony Hawk, il più famoso skater di sempre. Ma il vero sogno di Sam è diventare il primo rappresentante della sua famiglia a frequentare l’università, senza ripetere l’errore commesso dalla madre, dal nonno e dal bisnonno… Vale a dire, diventare genitore a sedici anni. Quando Sam incontra Alice, l’amore entra nella sua vita, un amore così intenso da allontanarlo da tutto e da tutti. Persino dallo skateboard. Ma per il povero Sam le novità non sono ancora finite… «L’adolescenza porta con sé l’unicità di un momento della vita in cui tutto deve ancora accadere, in cui possiamo sbagliare, cambiare idea e sbagliare di nuovo. Così è anche per i protagonisti del mio film, finché la prospettiva di un figlio in arrivo non li mette di fronte all’imprevisto. Questo film racconta di come la scelta di un’assunzione di responsabilità possa diventare la più coraggiosa scommessa di libertà». ** To sixteen-year-old Sam, skateboarding is everything: he spends all his time at the skate park and even confesses his thoughts and fears to his poster of Tony Hawk, the most famous skater ever. But Sam’s real dream is to become the first member of his family to go to university, without repeating the error his mother, his grandfather and his greatgrandfather had committed… Meaning, he doesn’t want to become a parent at sixteen. When Sam meets Alice, love enters his life, a love so intense that it distracts him from everything and everybody else. Even skateboarding. But, more new things are in store for poor Sam… “Adolescence contains the uniqueness of a moment in life when everything still has to happen, when we can make mistakes, change our mind and then make more mistakes. This is what happens to the protagonists of my movie, until the prospect of a baby on the way confronts them with the unexpected. This film recounts how the choice to assume responsibility can become the most courageous gamble for freedom.” F E S TA M O B I L E Andrea Molaioli (Rome, 1967) debuted in 2007 with La ragazza del lago; presented at the Venice Film Festival in the Film Critics’ Week section, the movie received the Pasinetti Award and the Isvema Award, and also won various other recognitions, including ten David di Donatello Awards, three Silver Ribbons, and four Golden Ciak Awards. In 2011, he made Il gioiellino, inspired by the Parmalat bankruptcy; the film participated at numerous international festivals and was nominated for David di Donatello Awards and Silver Ribbons. filmografia/filmography La ragazza del lago (2007), Il gioiellino (2011), Slam - Tutto per una ragazza (2016). F E S TA M O B I L E danis tanović SMRT U SARAJEVU Francia-Bosnia ed Erzegovina/ France-Bosnia and Herzegovina, 2016, HD, 85’, col. DEATH IN SARAJEVO regia, sceneggiatura/ director, screenplay Danis Tanović soggetto/story dalla pièce/from the play Hôtel Europe di/ by Bernard-Henri Lévy fotografia/cinematography Erol Zubčević montaggio/editing Redžinald Šimek scenografia/ production design Mirna Ler costumi/costume design Na Arnautalić, Hatidža Nuhić musica/music Mirza Tahirović suono/sound Samir Fočo interpreti e personaggi/ cast and characters Jacques Weber (Jacques), Snežana Vidović (Lamija), Izudin Bajrović (Omar), Vedrana Seksan (Vedrana), Muhamed Hadžović (Gavrilo), Faketa Salihbegović Avdagić (Hatidža), Edin Avdagić (Edo) produttori/producers Francois Margolin, Amra Bakšić Čamo produzione/production Margo Cinema, SCCA/pro.ba coproduttore/coproducer Adis Đapo ** contatti/contacts The Match Factory Sergi Steegmann [email protected] www.the-match-factory.com 61 SOMMARIO Sono passati cento anni da quando l’arciduca Francesco Ferdinando fu assassinato a Sarajevo, creando il pretesto per la prima guerra mondiale. Un secolo dopo, i diplomatici d’Europa si ritrovano nella stessa città per celebrare la pace e il dialogo tra le nazioni. Ma i dipendenti dell’hotel scelto per il summit sono da tempo indignati per le condizioni salariali. E lo sciopero indetto per il giorno della cerimonia, insieme ai problemi della società contemporanea e alle scorie del conflitto nell’ex Jugoslavia, solleva questioni legate a un passato controverso e tuttora discusso. «Mi interessava fare un film da Hotel Europe, abbracciando il suo spirito e ampliando i suoi temi. Le scene in cui il relatore francese prova il discorso vengono dalla pièce di Lévy: osserviamo l’uomo arrivare in hotel, andare nella sua stanza a ripassare e poi, alla fine del film, si vede la vera messinscena dello spettacolo a Sarajevo. Tutto ciò che accade al di fuori di quella stanza d’albergo, invece, è una mia invenzione. È una prospettiva bosniaca e contemporanea sul secolo più sanguinoso della nostra storia». ** One hundred years have passed since Archduke Franz Ferdinand was assassinated in Sarajevo, creating the pretext for the First World War. A century later, European diplomats congregate in the same city to celebrate peace and dialogue among nations. But for a while now, the employees of the hotel where the summit is held have been upset about their wage situation. And the strike they call on the day of the ceremony, along with the problems of contemporary society and the repercussions of the conflict in former Yugoslavia, raise questions about a controversial past which is still under discussion. “I was inspired to make an entire film around the play Hôtel Europe, encompassing its spirit and expanding its ideas. The French VIP speaker’s dialogue is directly from Lévy’s original play. We see him arrive at the hotel, rehearsing in his room, and then at the end of the film we see actual footage from the Sarajevo premiere. Everything else that happens outside of his hotel room is my construction. It’s a Bosnian, a contemporary perspective on the bloodiest century in our history.” F E S TA M O B I L E Danis Tanović (Zenica, Jugoslavia, 1969) si è laureato in musica prima di iniziare a studiare presso la Sarajevo Film Academy, salvo poi interrompere gli studi allo scoppio della guerra e seguire l’esercito bosniaco con la sua videocamera. A conflitto terminato si è trasferito a Bruxelles per riprendere gli studi di cinema. Il suo primo film, No Man’s Land (2001), ha ottenuto una quarantina di riconoscimenti, tra cui il premio per la sceneggiatura a Cannes, un Oscar e un Golden Globe per il miglior film straniero. Con Un episodio nella vita di un raccoglitore di ferro è stato in concorso alla Berlinale nel 2013 e ha vinto due Orsi d’argento. Danis Tanović (Zenica, Yugoslavia, 1969) graduated in music before beginning to study at the Sarajevo Film Academy. His studies were interrupted, however, by the outbreak of the Bosnian War. He accompanied the Bosnian army with his camera during the war and then moved to Brussels to resume his film studies. His feature debut No Man’s Land received over forty international awards; among them, it won a prize at Cannes in 2001 and was also awarded an Oscar and a Golden Globe for Best Foreign Language Film. An Episode in the Life of an Iron Picker screened in competition at the Berlinale in 2013 and won two Silver Bears. filmografia/filmography Ničija zemlja (No Man’s Land, 2001), September 11 (11 settembre 2001; ep. Bosnia-Herzegovina, cm, 2002), L’enfer (id., 2005), Triage (id., 2009), Cirkus Columbia (id., 2010), Epizoda u životu berača željeza (Un episodio nella vita di un raccoglitore di ferro, 2013), Tigers (2014), Smrt u Sarajevu (Death in Sarajevo, 2016). F E S TA M O B I L E alessandro maria buonomo SONO GUIDO E NON GUIDO Italia/Italy, 2016, HD, 75’, col. SONO GUIDO E NON GUIDO regia/director Alessandro Maria Buonomo sceneggiatura/screenplay Paolo Cenzato, Marco Ferrarini fotografia/cinematography Chiara Caliò montaggio/film editing Serena Pighi musica/music Luca Righi, Leo Einaudi suono/sound Riccardo Arrigoni interprete/cast Guido Catalano produzione/production Elianto Film, Fargo Film ** contatti/contacts Elianto Film [email protected] Guido Catalano è il più grande poeta professionista vivente: ventimila copie vendute, più di cento live all’anno, uno stuolo di sostenitori, ma soprattutto di sostenitrici, in tutta Italia. Questo lo sanno tutti. Quello che quasi nessuno sa è che Guido Catalano ha un segreto, e che questo segreto si chiama Armando, suo gemello nonché vero autore delle poesie che hanno reso famoso il fenomeno Guido Catalano. Armando è affetto dalla sindrome di Kräftor, nota comunemente come reversofonia, che lo fa parlare al contrario, rendendolo incomprensibile. Invece di dire “Io sono Armando Catalano”, Armando dice “oI onos odnamrA onalataC”. I due hanno così escogitato un sistema infallibile: Armando scrive, Guido declama. Ed entrambi fanno talmente bene il proprio mestiere da essere diventati il più grande poeta professionista vivente. Come sono riusciti i due gemelli a tenere segreta la verità fino a questo momento? Qualcuno sa come stanno veramente le cose? Com’è la loro vita fuori dal palcoscenico? Ma soprattutto: si sono mai scambiati di ruolo per concupire una donna? ** Guido Catalano is the greatest professional poet alive, with twenty thousand copies sold, over a hundred live performances a year, and a multitude of fans all over Italy, and especially popular among women. Everybody knows that. But what nobody knows is that Guido Catalano has a secret. And that secret is called Armando: his twin brother and real author of the poems that created the Guido Catalano phenomenon. Armando suffers from Kräftor Syndrome, also known as “reversophonia,” a conversion disorder that makes him speak backwards, rendering his speech unintelligible. Instead of saying “I am Armando Catalano,” he would say “I ma odnamrA onalataC.” So the twins came up with a cunning plan: Armando would write what Guido would then recite. They are so good at their respective jobs that they soon become the greatest professional poet alive. How did they manage to keep the truth hidden for so long? How does their partnership really work? What is their life like off stage? But, above all, did they ever trade places when seducing a woman? 62 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Alessandro Maria Buonomo si è diplomato in regia alla Civica scuola di cinema e televisione di Milano. A soli sedici anni ha vinto il 48h Film Festival di Taranto, a ventuno il Festival di Sondrio. Nel 2013 è stato selezionato per Fare Cinema, corso di formazione di Marco Bellocchio, e nel 2014 ha partecipato al laboratorio di OffiCine con Silvio Soldini e Alba Rohrwacher, dopo aver firmato la serie di spot Don’t Play with Food con Giobbe Covatta. Nello stesso anno ha realizzato il cortometraggio Nontiscordardimé e ha iniziato a lavorare con 3zero2TV, dove a tutt’oggi cura la regia live di eventi sportivi. Alessandro Maria Buonomo graduated in filmmaking from the Civica scuola di cinema e televisione in Milan. He was just sixteen years old when he won the Taranto’s 48h Film Festival, and twenty-one when he received an award from the Sondrio Festival. In 2013, he was selected for Fare Cinema, a professional training course taught by Marco Bellocchio. After completing the series of ads Don’t Play with Food with Giobbe Covatta in 2014, he participated in the OffiCine workshop with Silvio Soldini and Alba Rohrwacher. That same year he also directed the short Nontiscordardimé and started working with 3zero2TV, where he currently directs the live coverage of sport events. filmografia/filmography Nontiscordardimé (cm, 2014), Sono Guido e non Guido (doc., 2016). F E S TA M O B I L E clint eastwood SULLY Usa, 2016, HD, 95’, col. SULLY regia/director Clint Eastwood soggetto/story dal libro/from the book Highest Duty di/by Chesley «Sully» Sullenberger, Jeffrey Zaslow sceneggiatura/screenplay Todd Komarnicki fotografia/cinematography Tom Stern montaggio/film editing Blu Murray scenografia/ production design James J. Murakami costumi/costume design Deborah Hopper musica/music Christian Jacob, The Tierney Sutton Band interpreti e personaggi/ cast and characters Tom Hanks (Chesley «Sully» Sullenberger), Aaron Eckhart (Jeff Skiles), Laura Linney (Lorrie Sullenberger) produttori/producers Clint Eastwood, Frank Marshall, Allyn Stewart, Tim Moore produzione/production Flashlight Films, Kennedy-Marshall Company, Malpaso coproduttori/coproducers Jessica Meier, Kristina Rivera distribuzione/distribution Warner Bros. Italia ** contatti/contacts Warner Bros. Italia www.warnerbros.it Il 15 gennaio 2009, il volo US Airways 1549 decolla dall’aeroporto LaGuardia di New York, direzione Charlotte, Carolina del Nord. A bordo ci sono centocinquanta passeggeri e in cabina di pilotaggio il comandante Chesley «Sully» Sullenberger e il copilota Jeff Skiles. A 850 metri d’altezza uno stormo di uccelli colpisce il velivolo, costringendo il pilota a un ammaraggio d’emergenza, perfettamente riuscito. Nessun passeggero perde la vita in quello che è ricordato come il «Miracolo dell’Hudson», e solo grazie alla destrezza e all’esperienza di Sully. Sul comandante, però, lo scampato incidente ha conseguenze emotivamente devastanti, complici le varie testimonianze che è chiamato a rilasciare al National Transportation Safety Board per difendere le sue azioni. «Chiunque sia in grado di prendere delle decisioni quando le cose vanno male e sappia risolvere un problema senza farsi prendere dal panico è una persona degna di esser rappresentata in un film. Ma, per me, il vero conflitto è avvenuto dopo, quando sono state messe in discussione le decisioni di Sully, malgrado abbia salvato tante vite». ** On January 15 , 2009, US Airways flight 1549 took off from LaGuardia airport in New York, heading to Charlotte, North Carolina. There were a hundred and fifty passengers on board of the flight piloted by Captain Chesley “Sully” Sullenberger and copilot Jess Skiles. But a flock of birds flew into the plane engines at 2,800 feet, forcing the pilot to perform an emergency water landing, which he executed perfectly. Everybody on board survived in what became known as the “Miracle on the Hudson,” all thanks to Sully’s pilot skills and experience. The incident, however, had an emotionally devastating effect on the captain, especially after a few witness reports put his career and reputation in jeopardy and he was summoned by the National Transportation Safety Board to defend his actions. TH “Any person who can make decisions when things are going bad and can solve problems without letting panic get in the way deserves to be portrayed on film. For me, the real conflict happened after the incident, when Sully’s decisions were called into question, despite the many lives he saved.” 63 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Clint Eastwood (San Francisco, California, Usa, 1930) diventa celebre con i western di Sergio Leone e nel 1971 esordisce alla regia con Brivido nella notte. Negli anni seguenti interpreta la parte dell’ispettore Callaghan e continua a realizzare western e film di altri generi come il biografico Bird (1988), omaggio al jazzista Charlie Parker, che conquista due premi a Cannes. Nel 1992 vince quattro Oscar con Gli spietati e successivamente si impone come un grande autore contemporaneo con opere come Potere assoluto (1997), Mystic River (2003) e Million Dollar Baby (2004), secondo Oscar per la miglior regia e per il miglior film. Nel 2015 torna a ricevere sei candidature dall’Academy per American Sniper, negli Stati Uniti uno dei cinquanta maggiori incassi della storia. Clint Eastwood (San Francisco, CA, USA, 1930) reached stardom with his roles in Sergio Leone’s westerns. He made his behind the camera debut in 1971, directing the movie Play Misty for Me. Over the following years, he played the role of Inspector Callaghan and directed a few westerns and other genre films, like Bird (1988), a tribute to Charlie Parker rewarded at Cannes. He won four Oscars in 1992 with Unforgiven (1992) and then made his mark as a great contemporary director with Absolute Power (1997), Mystic River (2003) and Million Dollar Baby (2004), his second Oscar for Best Director and Best Picture. His 2015 film American Sniper received six Oscar nominations and became one of the fifty most successful movies in American history. filmografia/filmography Play Misty for Me (Brivido nella notte, 1971), High Plains Drifter (Lo straniero senza nome, 1973), The Outlaw Josey Wales (Il texano dagli occhi di ghiaccio, 1976), Pale Rider (Il cavaliere pallido, 1985), Bird (id., 1988), Unforgiven (Gli spietati, 1992), A Perfect World (Un mondo perfetto, 1993), The Bridges of Madison County (I ponti di Madison County, 1995), Absolute Power (Potere assoluto, 1997), Midnight in the Garden of Good and Evil (Mezzanotte nel giardino del bene e del male, 1997), Mystic River (id., 2003), Million Dollar Baby (id., 2004), Flags of Our Fathers (id., 2006), Letters From Iwo Jima (Lettere da Iwo Jima, 2006), Changeling (id., 2008), Gran Torino (id., 2008), Invictus (id., 2009), Hereafter (id., 2010), J. Edgar (id., 2011), Jersey Boys (id., 2014), American Sniper (id., 2014), Sully (id., 2016). F E S TA M O B I L E argyris papadimitropoulos SUNTAN Grecia/Greece, 2016, HD, 104, col. SUNTAN regia/director Argyris Papadimitropoulos soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Argyris Papadimitropoulos, Syllas Tzoumerkas fotografia/cinematography Christos Karamanis montaggio/film editing Napoleon Stratogiannakis scenografia/ production design Aliki Kouvaka costumi/costume design Marli Aliferi interpreti e personaggi/ cast and characters Makis Papadimitriou (Kostis), Elli Tringou (Anna), Dimi Hart (Jason), Hara Kotsali (Alin), Milou Van Groesen (Mila), Marcus Collen (Morten), Yannis Tsortekis (Takis), Maria Kallimani (Tzina), Syllas Tzoumerkas (Orestis) produttori/producers Phaedra Vokali, Argyris Papadimitropoulos produzione/production Marni Films, Oxymoron Films coproduttori/coproducers Ernst Fassbender, Theodora Valenti, Konstantina Stavrianou, Petros Pappas, Stelios Kotionis, Lasse Scharpen coproduzione/coproduction Faliro House, FassB Films, Foss Productions, Graal, Nova ** contatti/contacts Visit Films Joe Yanick [email protected] www.visitfilms.com 64 SOMMARIO Kostis è un dottore di mezza età, scapolo e senza famiglia, che si trasferisce su un’isoletta dell’Egeo. Qui trascorre un inverno lungo e solitario, ma con l’arrivo dell’estate l’isola viene invasa da giovani turisti in cerca di divertimento. Rapito dall’edonismo che lo circonda, Kostis si innamora della bellissima Anna, lasciandosi trascinare in un vortice di feste, alcol e sesso. Ossessionato dall’oggetto del suo desiderio, dovrà fare i conti con la maturità alle porte e la giovinezza, mai pienamente vissuta, che reclama ciò che non gli è stato concesso fino ad allora. «Ho girato Suntan, il mio film più personale, ad Antiparos durante l’estate, un momento in cui l’isola straripa di festaioli. Fare le riprese in un posto come quello, nel periodo più caotico dell’anno, potrebbe sembrare una missione impossibile, ma per me è stata una scelta ovvia. Vado ad Antiparos da quando avevo quindici anni, come qualsiasi adolescente in preda agli ormoni, e tuttora continuo ad andarci, sebbene mi avvicini pericolosamente all’età di Kostis, il protagonista». ** Kostis is a middle-aged doctor, a bachelor without any family; he has moved to a small island in the Aegean sea. He spends a long and solitary winter there, but when summer arrives the island is invaded by young tourists in search of fun. Captivated by the hedonism surrounding him, Kostis falls in love with beautiful Anna and lets himself be swept away in a whirlwind of parties, alcohol and sex. Obsessed with the object of his desire, he will have to come to terms with looming maturity and with youth, which he had never experienced in full and which is claiming that which had been denied him until this moment. “My most personal film to date, Suntan was shot during the summertime on the tiny island of Antiparos, when the place was packed with non-stop party-goers. Shooting a film during the busiest time of the season on a Greek island might sound like an impossible mission, but for me, it was an obvious choice. I’ve been going to Antiparos since I was fifteen years old, like any hormonal teenager, and I still continue to do so – although I’m dangerously close to the age of my main character, Kostis.” F E S TA M O B I L E Argyris Papadimitropoulos (Atene, Grecia, 1976) ha studiato cinema ad Atene, Oxford e presso il Berlinale Talent Campus. Dopo aver diretto diversi cortometraggi, nel 2008 ha incontrato uno straordinario successo di pubblico e di critica con la commedia Bank Bang. Successivamente si è cimentato con il dramma in Wasted Youth, selezionato come film di apertura al Festival di Rotterdam nel 2011. Ha inoltre diretto più di duecento spot pubblicitari e, come produttore, dato vita alla Oxymoron Film, con la quale realizza i progetti di altri colleghi. Tra questi, At Home di Athanasios Karanikolas, premiato alla Berlinale nel 2014. Argyris Papadimitropoulos (Athens, Greece, 1976) studied film in Athens, Oxford and at the Berlinale Talent Campus. After directing various shorts, in 2oo8 his comedy Bank Bang received audience and critical acclaim. He next tried his hand at drama with Wasted Youth, selected as the opening film at the 2011 Rotterdam Film Festival. He has also directed over two hundred commercials and, as a producer, created Oxymoron Film, with which he has produced the projects of other colleagues, including At Home by Athanasios Karanikolas, which won at the 2014 Berlin Film Festival. filmografia/filmography Pendulum (cm, 2003), Tender (cm, 2004), Bank Bang (2008), Wasted Youth (coregia/codirector Jan Vogel, 2011), Suntan (2016). F E S TA M O B I L E sébastien betbeder LE VOYAGE AU GROENLAND Francia/France, 2016, HD, 98’, col. JOURNEY TO GREENLAND regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Sébastien Betbeder fotografia/cinematography Sébastien Godefroy montaggio/film editing Céline Canard suono/sound Roman Dymny interpreti e personaggi/ cast and characters Thomas Blanchard (Thomas), Thomas Scimeca (Thomas), François Chattot (Nathan), Ole Eliassen (Ole), Adam Eskilden (Adam), Benedikte Eliassen, Mathias Petersen, Judith Henry, Martin Jensen produttore/producer Frédéric Dubreuil produzione/production Envie de Tempête Productions coproduttori/coproducers William Jéhannin, Stéphane Auclaire, Louise Hentgen coproduzione/coproduction UFO Distribution, Bobi Lux ** contatti/contacts Cercamon Sébastien Chesneau [email protected] www.cercamon.biz Thomas e Thomas hanno molto più in comune del nome: entrambi attori squattrinati a Parigi, stanno attraversando un momento complicato. Incerti sul da farsi, decidono di partire. E cosa può esserci di meglio dello sperduto villaggio in Groenlandia dove vive il padre di uno di loro? Detto fatto, i due si trovano alle prese con ghiaccio, carne cruda di balena e una lingua ostica che è l’unico modo per comunicare con gli abitanti del posto, che tra l’altro non potrebbero essere più diversi dai parigini… Un mix perfetto per mettere alla prova un’amicizia. «Il fratello del mio produttore, Nicolas Dubreuil, è un esploratore che vive sei mesi all’anno nel paese di Kullorsuaq, uno degli angoli più remoti della Groenlandia. Verso la fine della primavera del 2013, mi ha chiesto se fossi interessato a girare un film su due suoi amici inuit, Ole e Adam, che sarebbero venuti per la prima volta in Francia per dieci giorni. Non mi sentivo legittimato a fare un documentario sulla loro permanenza qui, così gli ho proposto invece di fare un film di finzione dove avrebbe prevalso la realtà». ** Thomas and Thomas have much more in common than just their name: they are both penniless actors in Paris and are going through a complicated moment. Un about what steps to take, they decide to leave and what better destination than the isolated village in Greenland where the father of one of them lives? No sooner said than done; the two find themselves grappling with ice, raw whale meat, and a difficult language which is the only way to communicate with the local inhabitants, who couldn’t be more different from the Parisians… A perfect combination to put their friendship to the test. “My producer’s brother Nicolas Dubreuil is an explorer who lives six months a year in Kullorsuaq, one of the most remote villages of Greenland. In late spring 2013, he asked me if I was interested by making a film about two of his Inuit friends, Ole and Adam, coming to France for the first time during ten days. I didn’t feel that I had the legitimacy to do a documentary on their stay, but proposed him instead to create a fiction where reality would prevail.” 65 SOMMARIO F E S TA M O B I L E Sébastien Betbeder (Pau, Francia, 1975), formatosi a Le Fresnoy, ha realizzato diversi cortometraggi, tra cui Les mains d’Andréa (2006). Nello stesso anno ha diretto il suo primo lungometraggio, Nuage, selezionato a Locarno. Nel 2008 ha presentato a Torino La vie lointaine e l’anno successivo il corto Toutes les montagnes se ressemblent, diretto con Christelle Lheureux. Nel 2010 ha girato Yoshido (Les autres vies), selezionato da numerosi festival, tra cui quelli di Parigi e Rotterdam. Nel 2012 ha partecipato alla sezione Onde con Les nuits avec Théodore e l’anno successivo, sempre a Torino, ha ricevuto il premio speciale della giuria per 2 automnes 3 hivers (2013). Sempre al Festival, nel 2014 ha presentato il corto Inupiluk. Quest’anno presenta al Festival anche il lungometraggio Marie et les naufragés. Sébastien Betbeder (Pau, France, 1975) studied at Le Fresnoy and has made numerous shorts, including Les mains d’Andréa (2006). That same year, he directed his first feature film, Nuage, selected at Locarno. In 2008, he presented La vie lointaine at the Torino Film Festival, and the next year the short Toutes les montagnes se ressemblent, directed in collaboration with Christelle Lheureux. In 2010, he shot Yoshido (Les autres vies), selected in Paris and Rotterdam. In 2012 premiered with Les nuits avec Théodore at Onde section, and the following year he won in Turin the Jury Special Prize with 2 automnes 3 hivers. In 2014 he presented in Turin, the short Inupiluk. In 2016 Festival he also presents his feature Marie et les naufragés. filmografia/filmography La fragilité des revenants (cm, 1999), Le haut mal (cm, 2000), Des voix alentour (cm, 2003), Nu devant un fantôme (cm, 2005), Les mains d’Andréa (cm, 2006), Nuage (2007), La vie lointaine (mm, 2008), Toutes les montagnes se ressemblent (coregia/codirector Christelle Lheureux, cm, 2009), The Unbroken Line (cm, 2010), Yoshido (Les autres vies) (mm, 2010), Sarah Adams (cm, 2011), Les nuits avec Théodore (2012), 2 automnes 3 hivers (2013), Inupiluk (cm, 2014), Le film que nous tournerons au Groenland (cm, 2015), Marie et les naufragés (2016), Le voyage au Groenland (2016). F E S TA M O B I L E john michael mcdonagh WAR ON EVERYONE Regno Unito/UK, 2015, HD, 98’, col. WAR ON EVERYONE regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay John Michael McDonagh fotografia/cinematography Bobby Bukowski montaggio/film editing Chris Gill scenografia/ production design Wynn P. Thomas costumi/costume design Terry Anderson musica/music Lorne Balfe suono/sound Phil Lee interpreti e personaggi/ cast and characters Michael Peña (Bob Bolano), Alexander Skarsgård (Terry Monroe), Theo James (Lord James Mangan), Tessa Thompson (Jackie Hollis), Caleb Landry Jones (Birdwell), Stephanie Sigman (Dolores) produttori/producers Chris Clark, Flora Fernandez Marengo, Phil Hunt, Compton Ross produzione/production Reprisal Films coproduttore/coproducer Elizabeth Eves distribuzione/distribution Movies Inspired ** contatti/contacts Movies Inspired Stefano Jacono [email protected] 66 SOMMARIO Bob e Terry sono una coppia di poliziotti dai modi bruschi e dalle abitudini che mal si sposano con il loro lavoro: alcol, cocaina e strip club sono i loro passatempi preferiti, così come correre a folle velocità sulle strade del New Mexico e guadagnare qualche dollaro extra sfruttando il tesserino che si portano sempre dietro. Quando, però, calcano un po’ troppo la mano e pestano i piedi a James Mangan, lord inglese e boss del crimine, si troveranno ad affrontare conseguenze tanto esplosive quanto tragicomiche. «Quando mi veniva chiesto su cosa stessi lavorando, e io citavo War on Everyone, dicevo che era una cosa a metà fra Il braccio violento della legge ed Hellzapoppin’. Scherzavo solo in parte. War on Everyone è una buddy comedy molto nera con uno spirito anni Settanta, un umorismo visivo e verbale eccentrico, svolte narrative improvvise e la musica di Glen Campbell. I miei due film precedenti erano misurati, contemplativi, aderenti al soggetto. Questo, invece, è più dinamico, con momenti calmi e meditativi che seguono scene velocissime». ** Bob and Terry are a couple of cops with rough manners and a few bad habits that don’t mix well with their job. Alcohol, cocaine, strip clubs, speeding down the roads of New Mexico, and making a few extra bucks with their badges are just some of their favorite things. But when they go too far, stepping on the toes of James Mangan, a British aristocrat and crime lord, they will have to deal with some explosive and tragicomic consequences. “When I was asked about the projects I was developing, and I mentioned War on Everyone, I said that it was The French Connection meets Hellzapoppin’. I was only being partly facetious. War on Everyone is a buddy-buddy black comedy with a 1970s feel to it, outlandish visual and verbal humour, left-field narrative turns, and the music of Glen Campbell. The Guard and Calvary were directed in a measured, contemplative style, relevant to the subject matter. This one has a very different dynamic, one of quick-paced scenes followed by calm, contemplative moments.” F E S TA M O B I L E John Michael McDonagh (Londra, Regno Unito, 1967) ha esordito come regista e sceneggiatore nel 2000, con il cortometraggio The Second Death. Nel 2011 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, Un poliziotto da happy hour, poliziesco dai toni comici (interpretato da Brandan Gleeson) che gli è valso, tra i numerosi riconoscimenti, la menzione d’onore per la migliore opera prima alla Berlinale. Successivamente ha realizzato, sempre con Gleeson come protagonista, il drammatico Calvario (2014), premiato ancora una volta a Berlino, con il premio della giuria ecumenica. War on Everyone è il suo primo film girato negli Stati Uniti. John Michael McDonagh (London, UK, 1967) made his first short film, the The Second Death, in 2000. In 2011, he wrote and directed his first feature, The Guard, a crime drama with comic undertones (starring Brendan Gleeson) that received many awards, including the Honorable Mention for Best Debut Film at the Berlinale. He participated again at the Berlinale in 2014 with his next movie, Calvary (which also featured Gleeson in the lead role), winning the Prize of the Ecumenical Jury. War on Everyone was the first film he made in the United States. filmografia/filmography The Second Death (cm, 2000), The Guard (Un poliziotto da happy hour, 2011), Calvary (Calvario, 2014), War on Everyone (2015). F E S TA M O B I L E joyce wong WEXFORD PLAZA Canada, 2016, HD, 80’, col. WEXFORD PLAZA regia, sceneggiatura/ director, screenplay Joyce Wong fotografia/cinematography Maya Bankovic montaggio/film editing Darby MacInnis scenografia/ production design Adam Belanger costumi/costume design Sarah Lake suono/sound Ian Reynolds interpreti e personaggi cast and characters Reid Asselstine (Betty), Darrel Gamotin (Danny), Ellie Posadas (Celine), Francis Melling (Rich) produttori/producers Harry Cherniak, Matt Greyson, Joyce Wong produzione/production Highway 401 Films ** contatti/contacts Highway 401 Films Matt Greyson Betty è una guardia addetta alla sicurezza in un desolato e opprimente centro commerciale. Oltre al panorama asfittico delle sue giornate, il fatto che il suo fisico non rientri in uno standard socialmente accettato non la aiuta di certo a trovare l’anima gemella, che cerca senza grandi risultati su un social d’incontri. Un giorno al centro commerciale conosce Danny, anche lui con il suo carico di problemi, ed è subito amore. Purtroppo, però, le cose si complicano quando una foto di Betty discinta diventa più pubblica del previsto. ** Betty works as a security guard in a desolate and depressing shopping mall. Besides the jaded panorama of her days, the fact that she doesn’t fit society’s norms about bodyweight certainly doesn’t help her find her soul mate, who she unsuccessfully looks for using a social networking dating app. One day, at the mall, she meets Danny, who also has a load of problems, and it’s love at first sight. Unfortunately, things get complicated when a photo of a scantily dressed Betty becomes more public than expected. [email protected] Joyce Wong (Canada), residente a Toronto, si è laureata alla York University in produzione cinematografica nel 2007 e l’anno successivo ha preso parte a un Talent Lab della Berlinale. Nel suo lavoro è stata supportata dagli Arts Council di Canada e Ontario. Con il cortometraggio Banana Bruises ha vinto nel 2006 il premio per il miglior cortometraggio al Cinesiege Film Festival, con Souvenirs from Asia (2008) il premio per il miglior cortometraggio al ReelWorld Film Festival e con il successivo EmBodying Toronto il premio del Women in Film & Television Toronto per il film più innovativo diretto da una donna nel 2009. I suoi film sono stati proiettati in diversi festival internazionali, tra cui Hot Docs International Documentary Film Festival, il San Francisco International Asian American Film Festival e l’Hong Kong International Film and Video Awards. Recentemente ha terminato la sua residenza artistica presso il centro per il documentario Brooklyn’s Uniondocs, realizzando l’esperienza interattiva Gentrification Guilt Meter. Joyce Wong (Canada), based in Toronto, graduated from York University with a BFA in Film Production in 2007 and participated in the Berlinale Talent Lab in 2008. Her work has been supported by the Canada Arts Council and the Ontario Arts Council. Awards she has won include: Cinesiege Film Festival’s Best Fiction Short Award (2006) for Banana Bruises; ReelWorld Film Festival’s Outstanding Canadian Short Award (2008) with Souvenirs from Asia; and WIFT-T’s Most Innovative Film by a Female Director Award (EmBodying Toronto, 2009). Her films have screened at festival such as Hot Docs International Documentary Film Festival, San Francisco International Asian American Film Festival and Hong Kong International Film and Video Awards. Recently, she completed an artist residency at Brooklyn’s Uniondocs Centre for Documentary Arts, producing an interactive experience titled Gentrification Guilt Meter. filmografia/filmography Banana Bruises (cm, 2006), Souvenirs from Asia (cm, 2007), EmBodying Toronto (coregia/codirector Sonia Hong, cm, 2009), Wexford Plaza (2016). 67 SOMMARIO F E S TA M O B I L E F E S TA M O B I L E - FILM COMMISSION alessandro castelletto GIPO, LO ZINGARO DI BARRIERA Italia/Italy, 2016, HD, 90’, col. Alessandro Castelletto (Torino, 1971) si è laureato presso la facoltà di lettere e filosofia dell’Università di Torino. Nel 2006 ha fondato la casa di produzione Endeniu Audiovisivi. Lavora come regista di documentari, videoclip, filmati istituzionali e magazine televisivi: suoi lavori sono stati trasmessi su Rai, Raisat Cinema, Arte, Mtv. Lavora inoltre come montatore. GIPO, LO ZINGARO DI BARRIERA regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Alessandro Castelletto soggetto/story Federico Voria fotografia/cinematography Luciano Federici suono/sound Mirko Guerra interpreti/cast Luca Morino, Carlo Ellena, Giovanni Tesio, Gian Mesturino, Massimo Scaglione, Valentina Farassino, Gabriella Daghero, Umberto Bossi produttori/producers Valentina Farassino, Alessandro Castelletto produzione/production Endeniu, Fondazione Caterina Farassino ** contatti/contacts Endeniu [email protected] www.endeniu.it Luca Morino, musicista e cantante dei Mau Mau, trova uno scatolone davanti alla porta del suo negozio. Dentro c’è del materiale su Gipo Farassino: vinili, foto, libri e articoli di giornale. Ma anche oggetti intimi e personali. Un ritrovamento non casuale: chi lo ha recapitato lo sta invitando a compiere un viaggio alla ricerca dello chansonnier. Seguendo le tracce presenti all’interno del pacco, Morino incontrerà personaggi legati al mondo farassiniano e luoghi di una Torino nascosta e sconosciuta ai più. E sarà catapultato in situazioni oniriche e surreali. «Gipo, lo zingaro di Barriera non è solo il tentativo di riscoprire la figura di Farassino, autoctono Johnny Cash sabaudo, artista sottovalutato e spesso etichettato con facili stereotipi, ma anche un viaggio al centro della natura più profonda di un uomo. Viaggio che confluisce costantemente nel quartiere periferico e popolare della Barriera di Milano a Torino in cui Gipo nacque nel 1934. Periferia circoscritta geograficamente ma emotivamente universale e illimitata. Indelebile luogo dell’anima». ** Luca Morino is a musician and singer of the group Mau Mau. One day, he finds a box at his doorstep containing vinyl records, photographs, books and magazine articles about Gipo Farassino, as well as a few personal items. He didn’t find it by chance: it was left there on purpose, inviting him on a journey in search of the musician. Morino follows the trail of clues contained in the box. As he explores this hidden side of the city ignored by most, he meets people from Farassino’s world and finds himself in some surreal and dreamlike situations. “Gipo, lo zingaro di Barriera is more than an attempt to discover who this character, Farassino, really was. There is more to this regional version of Johnny Cash than the underrated artist, pigeonholed and victim of others’ stereotypes. The film is also an expedition into the furthest corners of his very nature. The journey always brings us back to Barriera di Milano, a working-class area on the outskirts of Turin where Gipo was born in 1934. This peripheral neighborhood, while geographically limited, is also universal and boundless on an emotional level. It’s an indelible place of the soul.” 68 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - FILM COMMISSION Alessandro Castelletto (Turin, Italy, 1971) got his bachelor of arts from the University of Turin. He started the production company Endeniu Audiovisivi in 2006. He directed several documentaries, videos, public service ads, and TV magazines, and also works as a film editor. His work aired on several networks, like RAI, RAISat Cinema, ARTE, and MTV. filmografia/filmography Giorgio Agosti, le quotidiane virtù dell’Italia civile (doc., 2004), Giovanni Pesce: l’ultimo garibaldino (doc., 2007), Tanzen mit Righeira (doc., 2008), Righi liberante (doc., 2009), Around the Dub Sync (doc., 2009), Cinefiat presenta (doc., 2012), Gipo, lo zingaro di Barriera (doc., 2016). F E S TA M O B I L E - FILM COMMISSION craig goodwill SADIE Canada-Italia/Canada-Italy, 2016, HD, 92’, col. regia/director Craig Goodwill soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Brian Clark, Peta-Megan Dunn fotografia/cinematography David Ungaro montaggio/film editing Glenn Berman, Michael Doherty scenografia/ production design Paola Bizzarri costumi/costume design Cristina Audisio musica/music Silvio Amato suono/sound Vito Martinelli interpreti e personaggi/ cast and characters Analeigh Tipton (Sadie), Marta Gastini (Francesca), Jan Bijvoet (Minos), Jakob Cedergren (Alex), Valentin Merlet (Thierry), Pietro Giunti (il barista/bartender) produttori/producers Brian Dreyfuss, Neil Dunn, Craig Goodwill, Mike Macari coproduttore/coproducer James Khanlarian ** contatti/contacts Fargo Film Ladis Zanini [email protected] www.fargofilm.it 69 SOMMARIO © L O R I S T. Z A M B E L L I SADIE Sadie è una scrittrice emergente che viene invitata in Italia dall’ex amante per festeggiare l’uscita del nuovo libro. Con lei c’è anche Francesca, imperscrutabile e misteriosa. Le due donne si troveranno in una villa isolata e fuori dal tempo, dove nulla è come sembra. «L’approccio a Sadie è poetico, pur nella violenza, nella psicologia e nell’erotismo che contraddistinguono il film: attraverso la scoperta del dolore e del piacere si arriva alla verità. Ci interessava far compiere al pubblico un viaggio nella psiche e nella moralità della devianza, alla scoperta della linea sottile che separa i nostri desideri e dal loro impatto sull’animo umano. L’ambientazione nella campagna italiana crea un’illusione, nascondendo il mondo misterioso delle sette, dove ideali ormai sorpassati di giusto e sbagliato sono sostituiti dal fascino per l’occulto e dall’attrazione fisica per l’assassinio. Attimo dopo attimo, la protagonista sprofonda così sempre di più in un modo che un tempo l’avrebbe spaventata». ** Sadie is an emerging writer. Her ex invites her to Italy to celebrate the publication of her new book. There she meets Francesca, inscrutable and mysterious. The two women find themselves in a remote villa from another time where nothing is at it seems. “The concept for treating Sadie is poetic in its violence, psychology and eroticism, and through the discovery of pain and pleasure we discover truth. Applying these notions, we intend to take the audience on a journey through the psychology and morality of deviancy, discovering the fine line between our own desires, and their impact on our souls. The setting of an Italian country side casts an illusion, masking the mysterious world of secret societies, where passé ideas of right and wrong are replaced by the allure of the occult, and the carnal intrigue of murder. With each passing moment Sadie falls deeper into a world she once feared.” F E S TA M O B I L E - FILM COMMISSION Craig Goodwill ha cominciato a lavorare come produttore e assistente alla regia in film come Will Hunting - Genio ribelle (1998), Studio 54 (1998), Driven (2001), Superstar (1999), Loser (2000) e nella miniserie La tempesta del secolo (1999). Ha poi viaggiato da Haiti all’India girando e producendo documentari per National Geographic, Cbc, Alliance Atlantis e realizzando il lungometraggio documentario Godless. Nel frattempo ha continuato a girare spot per marchi come Nike, Microsoft, Bank of America e Nokia. Come sceneggiatore e regista di film di finzione, ha trovato il successo con Patch Town (2014), basato su un precedente e omonimo cortometraggio del 2011. Il film è stato presentato in anteprima al Festival di Palm Springs e in seguito a Mosca, Shanghai e Montreal. Craig Goodwill began his film career as a producer and director’s assistant on films such as Good Will Hunting (1998), 54 (1998), Driven (2001), Superstar (1999), Storm of the Century (1999), Loser (2000). Subsequently, he traveled from Haiti to India directing and producing documentaries for National Geographic, CBC, Alliance Atlantis, and completing a feature documentary called Godless. He continues to shoot commercials for clients such as Nike, Microsoft, Bank of America, and Nokia. His career as a narrative writer and director launched with his award-winning feature Patch Town (2014), based on his short of the same title of 2011. The film premeried at Palm Springs, and then at Moscow, Shanghai and Montreal. filmografia/filmography Disaster DIY (serie tv/tv series, ep., 2007), Quest for Excellence (tv, doc., 2009), Carlawood (serie tv/tv series, ep., doc., 2010), Godless (serie tv/tv series, ep., doc., 2011), Patch Town (cm, 2011), Artist: Unknown (cm, 2012), The Spirit Game (cm, 2013), Patch Town (2014), Sadie (2016). F E S TA M O B I L E - PREMIO MARIA ADRIANA PROLO costa-gavras Z Francia-Algeria/France-Algeria, 1969, 35mm, 127’, col. Z, L’ORGIA DEL POTERE regia/director Costa-Gavras soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of same title by Vasilis Vasilikos sceneggiatura/screenplay Costa-Gavras, Jorge Semprún fotografia/cinematography Raoul Coutard montaggio/film editing Françoise Bonnot scenografia/ production design Jacques D’Ovidio costumi/costume design Piet Bolscher musica/music Mikis Theodorakis suono/sound Sidi Boumedienne Dahmane, Jean Nény, Alex Pront interpreti e personaggi/ cast and characters Yves Montand (Z), Irene Papas (Hélène), Jean-Luis Trintignant (il giudice/judge), François Périer (il procuratore/prosecutor), Jacques Perrin (il fotoreporter/photoreporter), Charles Denner (Manuel), Pierre Dux (il generale/ gen. Missou), Georges Géret (Nick), Bernard Fresson (Matt) produzione/production Valoria Films, Reggane Films, Office National pour le Commerce et l’Industrie Cinématographique In una non meglio precisata nazione del Mediterraneo, il potere è in mano a un governo fantoccio guidato dai militari. Gli unici a opporsi alla dittatura sono i membri di un partito pacifista di sinistra. Quando questi organizzano una manifestazione a cui è prevista la partecipazione del loro leader, personaggio carismatico e risoluto, strane voci iniziano a circolare su un possibile attentato organizzato ai danni del capo del partito. L’uomo, dal canto suo, non presta attenzione alle voci e conferma la propria partecipazione. Il giorno del corteo, però, le indiscrezioni sono purtroppo confermate dai fatti: un veicolo investe il politico, che muore di lì a poco in ospedale. Secondo la ricostruzione della polizia si sarebbe trattato di un incidente causato dall’ubriachezza del guidatore. Una palese montatura sulla quale indaga il giudice istruttore del locale tribunale. Nel corso delle indagini, l’uomo acquisirà una nuova coscienza sullo stato in cui versa il suo Paese. The military controls the puppet government of an unspecified country in the Mediterranean. The members of a pacifist left-wing movement are the only ones standing against the dictatorship. While they are organizing a protest, a rumor spreads that someone is going to try to assassinate their leader, a charismatic and determined man who brushes the threat aside and confirms his participation nonetheless. But on the day of the protest, the rumor turns true: a vehicle runs over the politician, who dies shortly thereafter in the hospital. According to the police, the accident was caused by a drunk driver. Clearly a cover up that the prosecutor intends to debunk, but the investigation will open his eyes on the actual state of his country. ** contatti/contacts KG Productions Léonie Bege [email protected] www.kgproductions.fr 70 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - PREMIO MARIA ADRIANA PROLO Costa-Gavras (Loutra-Iraias, Grecia, 1933) ha esordito dirigendo film polizieschi e thriller, per dedicarsi poi a un cinema di natura politica, con cui ha criticato le malversazioni di regimi dittatoriali e i loro legami con le potenze internazionali. Titoli come il 13° uomo (1967), Z, l’orgia del potere (1969), nominato per due premi Oscar e vincitore del premio della giuria a Cannes, La confessione (1970), L’amerikano (1972), L’affare della sezione speciale (1975), per cui ha vinto il premio per la regia a Cannes, Missing Scomparso (1982), suo primo film hollywoodiano, insignito della Palma d’oro, dell’Oscar e del Bafta alla sceneggiatura, gli altri film americani Betrayed - Tradita (1988) e Music Box Prova d’accusa (1989), che ha ottenuto l’Orso d’oro, e ancora Amen. (2002), con cui ha vinto il Berlinale Camera Award, e Verso l’eden (2009). Costa-Gavras (Loutra-Iraias, Greece, 1933) started his career directing crime dramas and then shifted to political cinema to shine a critical light on the malpractices of dictatorships and their relations with major foreign powers. Masterpieces like: Un homme de trop (1967); Z (1969), nominated for two Academy Awards and winner of the Jury Award in Cannes; L’aveu (1970); État de siège (1972); and Section spéciale (1975), which earned him Best Director in Cannes. His first Hollywood movie, Missing (1982), received a Golden Palm, an Academy Award and a BAFTA Award for Best Screenplay. He then directed a few more movies in the States, like Betrayed (1988); Music Box (1989), which won the Golden Bear; Amen. (2002), winner of the Berlinale Camera Award; and Eden à l’Ouest (2009). filmografia/filmography Compartiment tueurs (Vagone letto per assassini, 1965), Un homme de trop (Il 13° uomo, 1967), Z (Z , l’orgia del potere, 1969), L’aveu (La confessione, 1970), État de siège (L’amerikano, 1973), Section spéciale (L’affare della sezione speciale, 1975), Claire de femme (Chiaro di donna, 1979), Missing (Missing Scomparso, 1982), Hanna K. (id., 1983), Conseil de famille (Consiglio di famiglia, 1985), Betrayed (Betrayed - Tradita, 1988), Music Box (Music Box - Prova d’accusa, 1989), La petite apocalypse (La piccola apocalisse, 1992), Lumière et Cie (coregia/codirectors aa.vv., ep., cm, 1995), Mad City (Mad City - Assalto alla notizia, 1997), Amen. (id., 2002), Le Couperet (Cacciatore di teste, 2005), Eden à l’Ouest (Verso l’eden, 2009), Le capital (2012). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E nagisa ōshima MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE Regno Unito-Giappone-Nuova Zelanda/ UK-Japan-New Zealand, 1983, 35mm, 123’, col. FURYO regia/director Nagisa Ōshima soggetto/story dai romanzi/from the novels The Seed and the Sower, The Night of the New Moon di/by Laurens van der Post sceneggiatura/screenplay Nagisa Ōshima, Paul Mayersberg fotografia/cinematography Tōichirō Narushima montaggio/film editing Tomoyo Oshima scenografia/ production design Shigemasa Toda musica/music Ryuichi Sakamoto suono/sound Mike Westgate interpreti e personaggi/ cast and characters David Bowie (maggiore/maj. Celliers), Tom Conti (colonnello/col. Lawrence), Ryuichi Sakamoto (capitano/capt. Yonoi), Takeshi Kitano (sergente/sgt. Gengo Hara), Jack Thompson (capitano/capt. Hicksley) produttore/producer Jeremy Thomas produzione/production Jeremy Thomas Production, National Film Trustees Durante la seconda guerra mondiale l’esercito giapponese gestisce un campo di reclusione a Giava, in cui sono rinchiusi militari in prevalenza britannici e olandesi. A dirigerlo il giovane capitano Yonoi, che mantiene la disciplina con il pugno di ferro e applica il codice militare nipponico ai prigionieri occidentali. Nei confronti di queste persone il capitano nutre un profondo disprezzo, dal momento che hanno preferito arrendersi piuttosto che morire in combattimento. L’arrivo del maggiore neozelandese Celliers, però, fa precipitare l’uomo in una crisi personale devastante: come accettare l’attrazione per un altro uomo? «È impossibile che io riesca ad avvicinarmi, anche lontanamente, al lavoro fatto da Ōshima e dalla nostra troupe. È così spontaneamente legato alla sensibilità giapponese... Ōshima ha bilanciato in modo unico lo stile recitativo nipponico, che è molto contenuto, e le necessità della recitazione occidentale, di stampo neorealistico. Li ha messi in conflitto per creare l’atmosfera in parte onirica del film». (David Bowie) ** During WWII, the Japanese army has a prison camp in Java, primarily for British and Dutch soldiers. The camp is run by young captain Yonoi, who maintains discipline with an iron fist and applies the Japanese military code to his western prisoners. The captain deeply despises the prisoners since they preferred to surrender rather than die in combat. But when the New Zealander major Celliers arrives, Yonoi is thrown into a devastating personal crisis: how can he accept being attracted to another man? “There is no way I could even remotely get near to the kind of work that Ōshima and our team has done. It’s so inherently from a Japanese sensibility... Ōshima got such a peculiar balance between the stylistic acting of the Japanese, which is restrained, and the needs of the neo-realist acting of the westerns. He kept them against each other to produce this almost dream state in the film.” (David Bowie) 71 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Nagisa Ōshima (Tamano, Giappone, 1931 - Fujisawa, Giappone, 2013) è stato uno dei maestri del cinema giapponese. Esponente della cosiddetta nuberu bagu, ha raccontato le contraddizioni della società nipponica del secondo dopoguerra, in cui il materialismo si affiancava all’osservanza di regole secolari, generando conflitti insanabili. Tra i suoi titoli più importanti, Racconto crudele della giovinezza (1960), Il cimitero del sole (1960), Notte e nebbia in Giappone (1960), La cerimonia (1971), Ecco l’impero dei sensi (1976), vero caso mediatico a causa degli espliciti contenuti sessuali, L’impero della passione (1978), premio per la migliore regia a Cannes, e Furyo (1983), vincitore di un Bafta per la migliore colonna sonora. Ha chiuso la carriera con Tabù - Gohatto (1999), presentato in concorso a Cannes. Nel 2009 il Torino Film Festival gli ha dedicato una retrospettiva completa. Nagisa Ōshima (Tamano, Japan, 1931 Fujisawa, Japan, 2013) is considered one of the maestros of Japanese cinema. An exponent of “nuberu bagu,” his films depict the contradictions of Japanese society since WWII, in which materialism is flanked by observance of centuries-old rules, generating irresolvable conflicts. His most important films include Cruel Story (1960); The Sun’s Burial (1960); Night and Fog in Japan (1960); The Ceremony (1971); In the Realm of the Senses (1976), a true sensation because of its explicit sexual content; Empire of Passion (1978), which won Best Director at Cannes; and Merry Christmas Mr Lawrence (1983), which received a BAFTA for Best Score. His final film was Taboo (1999), presented in competition at Cannes. In 2009, the Torino Film Festival dedicated a complete retrospective to him. filmografia essenziale/ essential filmography Seishun zankoku monogatari (Racconto crudele della giovinezza, 1960), Taiyō no hakaba (Il cimitero del sole, 1960), Nihon no yoru to kiri (Notte e nebbia in Giappone, 1960), Etsuraku (Il godimento, 1965), Muri shinju: Nihon no natsu (Japanese Summer: Double Suicide, 1967), Koshikei (Death by Hanging, 1968), Gishiki (La cerimonia, 1971), Ai no korīda (Ecco l’impero dei sensi, 1976), Ai no bōrei (L’impero della passione, 1978), Merry Christmas Mr Lawrence (Furyo, 1983), Max mon amour (Max amore mio, 1986), Gohatto (Tabù - Gohatto, 1999). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E michael cimino THE DEER HUNTER Regno Unito-Usa/UK-USA, 1978, 35mm, 182’, col. IL CACCIATORE regia/director Michael Cimino soggetto/story Michael Cimino, Deric Washburn, Louis Garnfinkle, Quinn K. Redeker sceneggiatura/screenplay Deric Washburn fotografia/cinematography Vilmos Zsigmond montaggio/film editing Peter Zinner interpreti e personaggi/ cast and characters Robert De Niro (Michael), John Savage (Steven), Christopher Walken (Nick), John Cazale (Stan), Meryl Streep (Linda), George Dzundza (John), Chuck Aspegren (Axel), Shirley Stoler (la madre di Steven/Steven’s mother), Rutanya Alda (Angela) produttori/producers Michael Cimino, Michael Deeley, John Peverall, Barry Spikings produzione/production EMI Films, Universal Pictures Pennsylvania, anni Sessanta. Michael, Nick e Steven sono tre amici in partenza per il Vietnam. Catturati dall’esercito vietcong, sono costretti alla tortura della roulette russa, alla quale miracolosamente sopravvivono. Dopo un fortunato tentativo di fuga guadagnano la libertà, ma le ferite che li hanno segnati nel fisico e nell’animo rendono impossibile ogni ritorno alla normalità. Steven è invalido alle gambe, Nick, diventato disertore, frequenta i peggiori locali di Saigon e pratica la roulette russa, mentre Michael prova senza riuscirci a reinserirsi nella vita della comunità. Fino al tragico finale che lo vedrà, ancora una volta, in Vietnam. «Non sono partito con l’idea di fare un film che parlasse della guerra del Vietnam, perché non provavo alcun interesse verso la politica legata alla guerra. […] Piuttosto, ho diretto un film sugli effetti e i traumi che questa ha provocato su una famiglia… […] Ogni grande film che parli della guerra è automaticamente contro di essa, nel caso in cui ne racconti la verità. Perché in qualche modo ne mostra la follia». ** Pennsylvania, the 1960s. Michael, Nick and Steven are three friends on their way to Vietnam. After being captured by the Vietcong, they are forced to play Russian roulette and miraculously survive. After a successful escape, they regain their freedom but the wounds in their bodies and souls have made their return to normal life impossible. Steven is a paraplegic, Nick has become a deserter and frequents the dives of Saigon to play Russian roulette, while Michael tries unsuccessfully to fit back in with their community. Until the tragic finale which finds him, once more, in Vietnam. “I never started out to make a film about the Vietnam War, I had no interest in the politics of war. […] I made a film about the effects of trauma and tragedy on a family… […] Any great movie about war is automatically anti-war if it tells the truth about war, you see the madness.” 72 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Michael Cimino (New York City, Usa, 1939 - Los Angeles, California, Usa, 2016) ha esordito nel 1974 con Una calibro 20 per lo specialista, prima di realizzare Il cacciatore (1978), con cui ha ottenuto due Oscar (miglior film e miglior regia). Ha quindi diretto I cancelli del cielo (1980), capolavoro western che a causa dell’insuccesso commerciale ha segnato negativamente il resto della sua carriera, a cui hanno fatto seguito L’anno del dragone (1985), Il siciliano (1987), Ore disperate (1990) e Verso il sole (1996). Nel 2001 ha pubblicato il romanzo Big Jane e nel 2007 ha partecipato al film collettivo Chacun son cinéma, prodotto per festeggiare i sessant’anni del Festival di Cannes. Nel 2012, in occasione della presentazione della versione restaurata dei Cancelli del cielo, è stato insignito del premio Persol alla Mostra di Venezia e nel 2015 del Pardo d’onore a Locarno. Michael Cimino (New York City, NY, USA, 1939 - Los Angeles, CA, USA, 2016) debuted in 1974 with Thunderbolt and Lightfoot before making The Deer Hunter (1978), which won him two Oscars (Best Picture and Best Director). His next movie, Heaven’s Gate (1980), although a western masterpiece, was a commercial failure which marked the rest of his career. His next movies were Year of the Dragon (1985), The Sicilian (1987), Desperate Hours (1990) and Sunchaser (1996). In 2001 he published the novel Big Jane and in 2007 he participated in the collective film Chacun son cinéma, produced to celebrate the 60 anniversary of the Cannes Film Festival. In 2012, during the presentation of the restored version of Heaven’s Gate, he was given the Persol Award at the Venice Film Festival and in 2015 he received the Leopard of Honor at the Locarno Film Festival. TH filmografia/filmography Thunderbolt and Lightfoot (Una calibro 20 per lo specialista, 1974), The Deer Hunter (Il cacciatore, 1978), Heaven’s Gate (I cancelli del cielo, 1980), Year of the Dragon (L’anno del dragone, 1985), The Sicilian (Il siciliano, 1987), Desperate Hours (Ore disperate, 1990), Sunchaser (Verso il sole, 1996), Chacun son cinéma (ep., No Translation Needed, cm, 2007). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E fabio garriba I PARENTI TUTTI A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE Italia/Italy, 1967, 35mm, 19’, bn/bw ALL THE RELATIVES regia/director Fabio Garriba fotografia/cinematography Elio Bisignani scenografia/ production design Giacomo Calò costumi/costume design Franco Della Noce interpreti/cast Fabio Garriba, Bianca Bresadola, Renato Tomasino, Anna Rossiello, Nerina Breccia, Gianna Soldano produzione/production Centro Sperimentale di Cinematografia ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it Un ragazzo immagina di essere morto e di sentire i commenti di familiari e amici. «“Mi sento un cadavere, devo far presto a seppellirmi altrimenti puzzo!” Da questa osservazione si è sviluppato in me il desiderio di assistere ai miei funerali: desiderio elementare che credo ognuno di noi abbia provato. Si trattava cioè di un mio bisogno personale di vedere morta e seppellita la mia infanzia, la mia adolescenza e chiudere così i rapporti con i familiari per poter resuscitare adulto. Tuttavia nel cortometraggio si crea un’ambiguità che porta a sospettare che il protagonista non sia morto. Questa ambiguità riflette la mia situazione reale. Oggi, a un anno di distanza, posso dire in sincerità che la cassa caricata sul carro funebre era vuota perché mi ritrovo con addosso ancora il mio cadavere alla ricerca di una fossa dove seppellirlo». ** A boy imagines being dead and hearing the comments of his family and friends. “‘I feel like a corpse, I must hurry up and bury myself before I start to stink!’ From this observation I developed the desire to witness my own funeral: a basic desire, which I believe everybody must have felt sometime. It was a personal need of mine to see my childhood and adolescence dead and buried, in order for me to close my relationship with my relatives and be reborn as an adult. However, in this short film there is an ambiguity leading one to suspect that the protagonist is not dead. This ambiguity reflects my real situation. Today, a year on, I can sincerely say that the coffin on the hearse was empty because I am still wearing my own corpse, in search of a grave in which to bury it.” 73 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Fabio Garriba (Soave, Verona, 1944 Verona, 2016), protagonista di entrambe le pellicole del fratello Mario, nel corso della sua carriera ha recitato in film come Vento dell’est di Jean-Luc Godard (1970), Agostino d’Ippona di Roberto Rossellini (1972), Sbatti il mostro in prima pagina di Marco Bellocchio (1972), La via dei babbuini di Luigi Magni (1974), Novecento di Bernardo Bertolucci (1976) e La terrazza di Ettore Scola (1980). Ha inoltre lavorato anche come assistente alla regia per Bertolucci (Partner, 1968) e Pier Paolo Pasolini (Porcile, 1969). Nel 1967 ha diretto il cortometraggio I parenti tutti. Fabio Garriba (Soave, Verona, Italy, 1944 - Verona, Italy, 2016) starred in both films his brother Mario directed; over the course of his career he acted in movies such as Le vent d’est by Jean-Luc Godard (1970), Agostino di Ippona by Roberto Rossellini (1972), Sbatti il mostro in prima pagina by Marco Bellocchio (1972), La via dei babbuini by Luigi Magni (1974), Novecento by Bernardo Bertolucci (1976) and La terrazza by Ettore Scola (1980). He also worked as assistant director for Bertolucci (Partner, 1968) and Pier Paolo Pasolini (Porcile, 1969). In 1967 he made the short I parenti tutti. filmografia/filmography I parenti tutti (cm, 1967). © FIORELLA ILARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E mario garriba VOCE DEL VERBO MORIRE Italia/Italy, 1970, 35mm, 16’, bn/bw VOICE OF THE VERB TO DIE regia/director Mario Garriba fotografia/cinematography Emilio Bestetti montaggio/film editing Jobst Grapow interprete/cast Fabio Garriba produzione/production Centro Sperimentale di Cinematografia ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it Un giovane cerca in tutti i modi di suicidarsi, ma la (s)fortuna non lo assiste e tutti i tentativi falliscono (tragi)comicamente. «Era la prima volta che mi mettevo dietro una macchina da presa e ho voluto provare tutto: carrelli avanti e indietro, accelerazioni, rallentamenti, gag, colore, bianco e nero, viraggi, cinema muto, sonoro... Ma intanto avevo dimenticato che per fare cinema occorre soltanto fortuna». ** A young man tries to commit suicide in every possible way, but his ‘luck’ never runs out, and all his attempts fail (tragi)comically. “It was the first time I stood behind a camera and I wanted to try everything: forward and backward dollies, speeding up and slowing down, gags, colour, black and white, use of toning, silent cinema and sound etc. In the meantime, I’ve forgotten cinema is only a question of luck.” 74 SOMMARIO A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Mario Garriba (Soave, Verona, 1944 Italia, 2013) esordisce nel lungometraggio nel 1971 con In punto di morte, saggio di diploma per il Centro sperimentale di cinematografia, che, caso unico nel suo genere, vince il Pardo d’oro al Festival di Locarno. In precedenza aveva diretto il cortometraggio Voce del verbo morire (1970). Nel corso della carriera realizzerà solamente un altro film, Corse a perdicuore (1980), portato a termine dopo diversi anni di tentativi e di infinite resistenze dell’industria cinematografica italiana dell’epoca. Mario Garriba (Soave, Verona, Italy, 1944 - Italy, 2013) debuted in feature films in 1971 with In punto di morte, his graduating film at the Centro sperimentale di cinematografia which, a unique case in its genre, won the Golden Leopard at the Locarno Film Festival. He had previously directed the short Voce del verbo morire (1970). Over the course of his career, he made only one other movie, Corse a perdicuore (1980), which he completed after several years and infinite resistance from the Italian film industry of the era. filmografia/filmography Voce del verbo morire (cm, 1970), In punto di morte (mm, 1971), Corse a perdicuore (1980). © FIORELLA ILARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E mario garriba IN PUNTO DI MORTE Italia/Italy, 1971, 16mm, 57’, bn/bw ON THE POINT OF DEATH regia, sceneggiatura/ director, screenplay Mario Garriba fotografia/cinematography Mario Berta montaggio/film editing Fabio Garriba, Mario Garriba scenografia/ production design Lidija Yurakic musica/music Dimitri Nicolau Golovnyi interpreti/cast Fabio Garriba, Elio Capitoli, Ercole Ercolani, Jobst Grapow, Luigi Guerra, Maria Marchi produzione/production Centro Sperimentale di Cinematografia ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it A Orvieto, un giovane di buona famiglia si comporta in maniera irriverente e goliardica nei confronti dei familiari, del mondo del lavoro e delle istituzioni, travolgendo con il suo sarcasmo ogni barriera sociale. Non arrestandosi nemmeno di fronte alla morte: estremo, tragico gioco. «Non ho voluto raccontare una storia. Ho preso invece un personaggio che con le sue contraddizioni mi permettesse di passare di continuo dalla realtà alla finzione, dal presente al passato come se fossero la stessa cosa. Un personaggio chiuso dentro una città di provincia con giornate tutte uguali fatte da desideri inutili. Mi sono posto dietro la macchina da presa con distacco, guardando le cose attraverso inquadrature fisse. […] Una scelta che non è stata casuale, ma nata anche in rapporto ai pochissimi mezzi di cui disponevo: una Eclair 16mm, un Nagra III per la presa diretta, sette milioni di preventivo e quindici giorni di lavorazione. Si trattava quindi di ritrovare il cinema all’interno di una struttura che in apparenza lo negava o perlomeno lo nascondeva». ** In Orvieto, a middle-class youth is behaving in an irreverent and mocking way towards his family, work and institutions, crushing every social barrier with his sarcasm. He won’t stop even in the face of death, playing an extreme and tragic game. “I didn’t want to tell a story. Instead I took a character who, with his contradictions, would allow me to move continually from reality to fiction, from present to past, as though they were the same thing. A character caught in a provincial town, where every day looks the same and desires are all pointless. I got behind the movie camera dispassionately, looking at things through stationary shots. [...] This wasn’t by chance; in part, I made this decision because of the few means at my disposal: a 16mm Eclair, a Nagra III for shooting live, an estimate for seven million and fifteen work days. Thus, we had to find cinema within a structure which seemed to negate it or at least hide it.” 75 SOMMARIO A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Mario Garriba (Soave, Verona, 1944 Italia, 2013) esordisce nel lungometraggio nel 1971 con In punto di morte, saggio di diploma per il Centro sperimentale di cinematografia, che, caso unico nel suo genere, vince il Pardo d’oro al Festival di Locarno. In precedenza aveva diretto il cortometraggio Voce del verbo morire (1970). Nel corso della carriera realizzerà solamente un altro film, Corse a perdicuore (1980), portato a termine dopo diversi anni di tentativi e di infinite resistenze dell’industria cinematografica italiana dell’epoca. Mario Garriba (Soave, Verona, Italy, 1944 - Italy, 2013) debuted in feature films in 1971 with In punto di morte, his graduating film at the Centro sperimentale di cinematografia which, a unique case in its genre, won the Golden Leopard at the Locarno Film Festival. He had previously directed the short Voce del verbo morire (1970). Over the course of his career, he made only one other movie, Corse a perdicuore (1980), which he completed after several years and infinite resistance from the Italian film industry of the era. filmografia/filmography Voce del verbo morire (cm, 1970), In punto di morte (mm, 1971), Corse a perdicuore (1980). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E d.w. griffith INTOLERANCE Usa, 1916, 35mm, 198’, bn/bw, muto/silent INTOLERANCE: LOVE’S STRUGGLE THROUGHOUT THE AGES regia, scenografia, produttore/director, production design, producer D.W. Griffith soggetto/story dalla poesia/from the poem Out of the Craddle Endlessly Rocking di/by Walt Whitman sceneggiatura/screenplay D.W. Griffith, Hettie Grey Baker, Tod Browning, Anita Loos, Mary H. O’Connor, Frank E. Woods fotografia/cinematography G.W. Bitzer montaggio/film editing D.W. Griffith, James Smith, Rose Smith costumi/costume design D.W. Griffith, Clare West musica/music Joseph Carl Breil interpreti/cast Lilian Gish, Ralph Lewis, Mae Marsh, Robert Harron, Constance Talmadge, Josephine Crowell, Margery Wilson, Frank Bennet, Elmer Clifton, Miriam Cooper, Alfred Paget produzione/production Triangle Film Corporation, Wark Producing ** contatti/contacts MoMA Katie Trainor [email protected] www.moma.org 76 SOMMARIO Quattro episodi distinti, che abbracciano un arco temporale di duemila anni, per dimostrare come il seme dell’intolleranza abbia sempre germogliato nell’animo umano. Nell’antica Babilonia scoppia la guerra tra il principe Belshazzar e Ciro il Grande, imperatore di Persia; guerra che verrà persa dal primo a causa della rivalità tra i devoti di due divinità babilonesi, Bel-Marduk e Ishtar. In Palestina, alcuni momenti della storia biblica, dalla punizione dell’adultera alle nozze di Cana, fino alla crocefissione di Gesù, ucciso dal fanatismo di chi lo circondava. Nella Francia del XVI secolo, l’escalation di violenze, fomentate dai regnanti cattolici, che nel 1572 porta alla strage di san Bartolomeo, in cui perdono la vita migliaia di ugonotti, appartenenti alla corrente calvinista. Nell’America dei primi anni Dieci un industriale riduce gli stipendi dei dipendenti per contribuire alle iniziative di un intransigente gruppo di salvaguardia morale; ciò provoca uno sciopero, represso nel sangue, e l’inizio della rovina per una coppia di giovani, che, perso il lavoro, scivolano nel crimine. ** Four separate episodes spanning two thousand years, to show how the seeds of intolerance have always taken root in the human soul. In ancient Babylonia, war breaks out between prince Belshazzar and Cyrus the Great, emperor of Persia; Belshazzar loses the war because of the rivalry between the followers of two Babylonian divinities, Bel-Marduk and Ishtar. Palestine is the setting of episodes from the Bible, from the punishment of the adulteress to the wedding in Cana, and the crucifixion of Jesus, killed by the fanaticism around him. In 16 -century France, the escalation of violence fomented by Catholic monarchs leads to the St. Bartholomew’s Day Massacre in 1572, when thousands of Calvinist Huguenots lost their lives. In America during the 1910s, a factory owner lowers the salary of his workers to contribute to the initiatives of an intransigent group of social reformers; this causes a strike which is repressed in blood and marks the beginning of the end for a young couple who lose their livelihood and turn to crime. TH F E S TA M O B I L E - V I N TA G E D.W. Griffith (LaGrange, Kentucky, Usa, 1875 - Los Angeles, California, Usa, 1948) è considerato uno dei padri fondatori del cinema americano e del linguaggio cinematografico classico. I suoi meriti principali rimangono quelli di aver adottato e codificato alcune innovazioni linguistiche e tecniche (la soggettiva, il raccordo sull’asse, il carrello, la panoramica, il primo piano, ad esempio), aver teorizzato e reso pratica comune il montaggio come strumento narrativo e aver stabilito il primato del lungometraggio. Tra le pellicole più importanti da lui dirette (su un numero totale di cinquecento), Nascita di una nazione (1914), epico e controverso affresco sulla guerra di Secessione, che ebbe un notevole successo di pubblico; Intolerance (1916), con cui cercò di rispondere alle critiche per il film precedente ottenendo però risultati scarsi al box office; e la parabola dickensiana Giglio infranto (1919). Fondatore con Charlie Chaplin, Mary Pickford e Douglas Fairbanks della United Artists, nel 1936 è stato insignito dell’Oscar onorario. D.W. Griffith (LaGrange, KY, USA, 1875 - Los Angeles, CA, USA, 1948) is considered one of the founding fathers of American film and the classic cinematographic language. His primary merit is for having adopted and codified a number of linguistic and technical innovations (such as point of view shots, axial cuts, dollies, pan shots, close-ups), for having theorized and popularized editing as a narrative instrument, and for having transformed feature film in the usual format. Some of the most important movies he directed (out of a total of five hundred) are Birth of a Nation (1914), an epic and controversial fresco about the Civil War and a box office success; Intolerance (1916), with which he tried to respond to critics of his previous film but was a financial failure; and the Dickensian parabola Broken Blossom (1919). He founded United Artists with Charlie Chaplin, Mary Pickford and Douglas Fairbanks, and in 1936 he received an honorary Oscar. filmografia essenziale/ essential filmography Birth of a Nation (Nascita di una nazione, 1914), Intolerance (1916), A Romance of Happy Valley (Il romanzo della valle felice, 1919), Broken Blossom (Giglio infranto, 1919), Way Down East (Agonia sui ghiacci, 1920), Orphans of the Storm (Le due orfanelle, 1921), Dream Street (Amore d’altri tempi, 1921), One Exciting Night (Notte agitata, 1922), America (1924). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E raffaello matarazzo LITTORIA Italia/Italy, 1933, 35mm, 11’, bn/bw LITTORIA regia/director Raffaello Matarazzo ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE Documentario sulla fondazione di Littoria (che dal 1945 si chiamerà Latina), una delle nuove città sorte su una zona paludosa, dopo la bonifica dell’Agro pontino. La prima parte, «Palude», mostra una distesa d’acqua con casette di paglia; la seconda parte, «Bonifica», illustra il lavoro che porta al risanamento della terra, l’aratura e infine la costruzione della città. Solo più tardi sorgono le case e gli insediamenti pubblici, mentre i cartelli segnalano la divisione in borghi. I bambini sono intenti a giocare, le donne fanno il pane: nasce Littoria. I tetti delle case, le fontane, la caserma, l’edificio delle poste e gli altri edifici sono sovrastati dal simbolo del Fascio. ** The subject of this documentary is the foundation of Littoria – named Latina after 1945 –, one of the new towns sprung up in marshland after Agro pontino’s reclamation. The first part, “Palude,” shows us a stretch of water surrounded by small straw huts. The second part, “Bonifica,” illustrates the land’s reclamation works, the plowing, and finally the construction of the town. Houses and public buildings appear only later, while signs indicate the division into different areas. Children are busy playing, women bake bread. It’s the beginning of a new city: Littoria. Over house-roofs, fountains, barracks, the post-office and many other building is the symbol of the Fascist party: the fasces of Roman lictor. 77 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Raffaello Matarazzo (Roma, 19091966) esordisce come critico cinematografico su «Il Tevere» e «L’Italia letteraria» e lavora come aiuto regista per Mario Camerini. L’esordio alla regia avviene nel 1933, con Treno popolare, il cui insuccesso lo induce a orientarsi verso la commedia, con film come L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) e Giorno di nozze (1942). Dopo alcuni film girati in Spagna, dà inizio a una pluriennale collaborazione con la Titanus, da cui nasce la lunga serie di film interpretati da Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson e sceneggiati da Aldo De Benedetti (Catene, 1949, Tormento, 1950, I figli di nessuno, 1951, Chi è senza peccato…, 1952, Torna!, 1953, L’angelo bianco, 1955). Negli anni Sessanta torna alla commedia, per poi chiudere la carriera con il melodramma Amore mio (1964). Raffaello Matarazzo (Rome, Italy, 1909-1966) debuted as a film critic for “Il Tevere” and “L’Italia letteraria” and worked as assistant director for Mario Camerini. He debuted as a director in 1933 with Treno popolare, but its lack of success convinced him to turn to comedy, with movies such as L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) and Giorno di nozze (1942). After shooting some films in Spain, he began a multi-year collaboration with the production company Titanus and made a long series of movies starring Amedeo Nazzari and Yvonne Sanson, and written by Aldo De Benedetti (Catene, 1949; Tormento, 1950; I figli di nessuno, 1951; Chi è senza peccato…, 1952; Torna!, 1953; L’angelo bianco, 1955). He returned to comedy during the 1960s and ended his career with the melodrama Amore mio (1964). filmografia essenziale/ essential filmography Treno popolare (1933), Kiki (1934), Joe il rosso (1936), L’anonima Roylott (1936), Sono stato io! (1937), L’albergo degli assenti (1939), Giù il sipario (1940), Trappola d’amore (1940), Notte di fortuna (1941), Giorno di nozze (1942), Il birichino di papà (1943), La fumeria d’oppio (1947), Lo sciopero dei milioni (1948), Paolo e Francesca (1949), Catene (1949), Tormento (1950), I figli di nessuno (1951), Il tenente Giorgio (1952), Chi è senza peccato... (1953), Torna! (1953), Vortice (1953), La schiava del peccato (1954), L’angelo bianco (1955), La risaia (1956), L’ultima violenza (1957), Malinconico autunno (1958), Cerasella (1960), Adultero lui, adultera lei (1963), I terribili 7 (1964), Amore mio (1964). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E raffaello matarazzo MUSSOLINIA DI SARDEGNA Italia/Italy, 1933, 35mm, 13’, bn/bw MUSSOLINIA DI SARDINIA regia/director Raffaello Matarazzo ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE Documentario sulla fondazione della città nuova di Mussolinia, in provincia di Oristano. Mussolinia (che dal 1945 si chiamerà Arborea) sorge in seguito all’edificazione di una grande diga nel bacino del fiume Tirso. L’imponenza della diga è mostrata in tutti i suoi particolari: sono gli impianti idroelettrici che, attraverso il duro lavoro di aratura e semina dei campi, hanno reso colonizzabili quarantamila ettari del Campidano di Oristano. Le immagini suggeriscono l’impegno della costruzione di una città dal nulla alle masserie e alle prime case, alle strade ordinate, alla nuova chiesa. Le ultime inquadrature sono dedicate al mercato, all’esposizione delle merci, ai volti delle donne che lo frequentano. ** The documentary is about the foundation of a new town in the province of Oristano: Mussolinia. Named Arborea after 1945, it was founded as a result of a dike’s construction in the Tirso basin. The film shows the vastness of the dike in details. Forty thousand hectares of Campidano were made suitable to settlement thanks to hydroelectric plants, and the hard work of plowing and sowing the fields. The images show the efforts of building up a city from nothing to the first farms and houses, the road network and the new church. The last frames are in a street market: the display of goods to be sold and the faces of women doing their shopping. 78 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Raffaello Matarazzo (Roma, 19091966) esordisce come critico cinematografico su «Il Tevere» e «L’Italia letteraria» e lavora come aiuto regista per Mario Camerini. L’esordio alla regia avviene nel 1933, con Treno popolare, il cui insuccesso lo induce a orientarsi verso la commedia, con film come L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) e Giorno di nozze (1942). Dopo alcuni film girati in Spagna, dà inizio a una pluriennale collaborazione con la Titanus, da cui nasce la lunga serie di film interpretati da Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson e sceneggiati da Aldo De Benedetti (Catene, 1949, Tormento, 1950, I figli di nessuno, 1951, Chi è senza peccato…, 1952, Torna!, 1953, L’angelo bianco, 1955). Negli anni Sessanta torna alla commedia, per poi chiudere la carriera con il melodramma Amore mio (1964). Raffaello Matarazzo (Rome, Italy, 1909-1966) debuted as a film critic for “Il Tevere” and “L’Italia letteraria” and worked as assistant director for Mario Camerini. He debuted as a director in 1933 with Treno popolare, but its lack of success convinced him to turn to comedy, with movies such as L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) and Giorno di nozze (1942). After shooting some films in Spain, he began a multi-year collaboration with the production company Titanus and made a long series of movies starring Amedeo Nazzari and Yvonne Sanson, and written by Aldo De Benedetti (Catene, 1949; Tormento, 1950; I figli di nessuno, 1951; Chi è senza peccato…, 1952; Torna!, 1953; L’angelo bianco, 1955). He returned to comedy during the 1960s and ended his career with the melodrama Amore mio (1964). filmografia essenziale/ essential filmography Treno popolare (1933), Kiki (1934), Joe il rosso (1936), L’anonima Roylott (1936), Sono stato io! (1937), L’albergo degli assenti (1939), Giù il sipario (1940), Trappola d’amore (1940), Notte di fortuna (1941), Giorno di nozze (1942), Il birichino di papà (1943), La fumeria d’oppio (1947), Lo sciopero dei milioni (1948), Paolo e Francesca (1949), Catene (1949), Tormento (1950), I figli di nessuno (1951), Il tenente Giorgio (1952), Chi è senza peccato... (1953), Torna! (1953), Vortice (1953), La schiava del peccato (1954), L’angelo bianco (1955), La risaia (1956), L’ultima violenza (1957), Malinconico autunno (1958), Cerasella (1960), Adultero lui, adultera lei (1963), I terribili 7 (1964), Amore mio (1964). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E raffaello matarazzo GIUSEPPE VERDI Italia/Italy, 1953, 35mm, 120’, col. GIUSEPPE VERDI regia/director Raffaello Matarazzo soggetto/story Mario Monicelli, Leo Benvenuti, Liana Ferri, Giovanna Soria, Piero Pierotti e da un’idea di/and from an idea by Maleno Malenotti fotografia/cinematography Tino Santoni montaggio/film editing Mario Serandrei scenografia/ production design Alberto Boccianti costumi/costume design Dino Di Bari musica/music Giuseppe Verdi interpreti/cast Pierre Gressoy, Gaby Andrè, Anna Maria Ferrero, Mario Del Monaco, Tito Gobbi produttore/producer Maleno Malenotti produzione/production Consorzio Verdi ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it 1901, l’anziano Giuseppe Verdi è ormai vicino alla morte. Prima di morire, però, il grande compositore torna con la mente al lontano 1838: Giuseppe è a Milano, la città che ha ospitato i nomi più celebri della musica sinfonica e dell’opera, e tenta di superare l’esame di ammissione al conservatorio. Nonostante sia respinto, non si arrende e poco dopo ottiene un discreto successo con la sua prima opera: Oberto, Conte di San Bonifacio. Qualche anno più tardi, superato un brutto periodo di crisi, Verdi incontra il soprano Giuseppina Strepponi e trova finalmente il successo. La sua fama aumenterà ancora di più dopo la composizione del Nabucco, nel 1842, fino a trasformarlo nel compositore più noto della sua epoca e nel simbolo della lotta per l’indipendenza dell’Italia. ** 1901, elderly Giuseppe Verdi is near death. But before he dies, the great composer thinks back to 1838: Giuseppe is in Milan, the city which has welcomed the greatest names in symphonic music and opera, and is trying to pass the entrance exam to the conservatory. Even though he isn’t accepted, he doesn’t give up and a short while later his first opera, Oberto, Conte di San Bonifacio, is fairly successful. A few years after that, following a period of deep crisis, Verdi meets the soprano Giuseppina Strepponi and finally achieves success. He becomes even more famous after composing Nabucco, in 1842, which transforms Giuseppe into the most famous composer of his time and the symbol of Italy’s fight for independence. A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE 79 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Raffaello Matarazzo (Roma, 19091966) esordisce come critico cinematografico su «Il Tevere» e «L’Italia letteraria» e lavora come aiuto regista per Mario Camerini. L’esordio alla regia avviene nel 1933, con Treno popolare, il cui insuccesso lo induce a orientarsi verso la commedia, con film come L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) e Giorno di nozze (1942). Dopo alcuni film girati in Spagna, dà inizio a una pluriennale collaborazione con la Titanus, da cui nasce la lunga serie di film interpretati da Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson e sceneggiati da Aldo De Benedetti (Catene, 1949, Tormento, 1950, I figli di nessuno, 1951, Chi è senza peccato…, 1952, Torna!, 1953, L’angelo bianco, 1955). Negli anni Sessanta torna alla commedia, per poi chiudere la carriera con il melodramma Amore mio (1964). Raffaello Matarazzo (Rome, Italy, 1909-1966) debuted as a film critic for “Il Tevere” and “L’Italia letteraria” and worked as assistant director for Mario Camerini. He debuted as a director in 1933 with Treno popolare, but its lack of success convinced him to turn to comedy, with movies such as L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) and Giorno di nozze (1942). After shooting some films in Spain, he began a multi-year collaboration with the production company Titanus and made a long series of movies starring Amedeo Nazzari and Yvonne Sanson, and written by Aldo De Benedetti (Catene, 1949; Tormento, 1950; I figli di nessuno, 1951; Chi è senza peccato…, 1952; Torna!, 1953; L’angelo bianco, 1955). He returned to comedy during the 1960s and ended his career with the melodrama Amore mio (1964). filmografia essenziale/ essential filmography Treno popolare (1933), Kiki (1934), Joe il rosso (1936), L’anonima Roylott (1936), Sono stato io! (1937), L’albergo degli assenti (1939), Giù il sipario (1940), Trappola d’amore (1940), Notte di fortuna (1941), Giorno di nozze (1942), Il birichino di papà (1943), La fumeria d’oppio (1947), Lo sciopero dei milioni (1948), Paolo e Francesca (1949), Catene (1949), Tormento (1950), I figli di nessuno (1951), Il tenente Giorgio (1952), Chi è senza peccato... (1953), Torna! (1953), Vortice (1953), La schiava del peccato (1954), L’angelo bianco (1955), La risaia (1956), L’ultima violenza (1957), Malinconico autunno (1958), Cerasella (1960), Adultero lui, adultera lei (1963), I terribili 7 (1964), Amore mio (1964). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E raffaello matarazzo LA NAVE DELLE DONNE MALEDETTE Italia/Italy, 1953, 35mm, 89’, col. LA NAVE DELLE DONNE MALEDETTE regia/director Raffaello Matarazzo soggetto/story Léon Gozlan sceneggiatura/screenplay Raffaello Matarazzo, Ennio De Concini, Aldo De Benedetti fotografia/cinematography Aldo Tonti montaggio/film editing Leo Catozzo scenografia/ production design Piero Filippone, Mario Chiari costumi/costume design Dario Cecchi musica/music Nino Rota interpreti e personaggi/ cast and characters May Britt (Consuelo Silveris), Ettore Manni (Paolo Da Silva), Tania Weber (Isabella Silveris), Eduardo Ciannelli (Michele McLawrence), Luigi Tosi (capitano/captain Fernandez), Gualtiero Tumiati (Pietro Silveris), Olga Solbelli (Anita), Giorgio Capecchi (Victor McDonald) produzione/production Excelsa Film ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento Una nave piena di ladre, prostitute e assassine solca l’oceano. È guidata da Fernandez, uomo duro e spietato, pronto a sedare con crudeltà ogni ribellione. Tra le donne ammassate nella stiva c’è l’innocente Consuelo: nei suoi occhi fragili e bellissimi, il dissoluto avvocato Da Silva, imbarcatosi clandestinamente sulla nave, trova finalmente la speranza di un riscatto morale. A bordo, però, accompagnata da un anziano signore che ha sposato per interesse, c’è anche Isabella, la cugina di Consuelo, responsabile dell’infanticidio di cui la povera ragazza è accusata. Temendo di essere scoperta, Isabella si getta tra le braccia di Fernandez. Quando però la donna costringe Fernandez a far fustigare Consuelo e Da Silva, dopo che questi l’hanno pubblicamente accusata, esplode la rabbia delle galeotte, che travolgono i loro carcerieri e prendono il controllo della nave. ** A ship full of female thieves, prostitutes and murderers is crossing the ocean. At the helm is Fernandez, a hard and merciless man who is ready to brutally crush all rebellion. Among the women crowded in the hold is innocent Consuelo: in her fragile and beautiful eyes, the dissolute lawyer Da Silva, who snuck onboard, finally finds hope for his moral redemption. But onboard the ship there is also Isabella, Consuelo’s cousin, who is responsible for the infanticide for which the poor girl is accused. Fearing discovery, Isabella throws herself into the arms of Fernandez. But when the woman forces Fernandez to have Consuelo and Da Silva whipped after they publically accuse her, the prisoners rebel, overwhelm their jailers and take control of the ship. [email protected] www.fondazionecsc.it A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE SOMMARIO 80 F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Raffaello Matarazzo (Roma, 19091966) esordisce come critico cinematografico su «Il Tevere» e «L’Italia letteraria» e lavora come aiuto regista per Mario Camerini. L’esordio alla regia avviene nel 1933, con Treno popolare, il cui insuccesso lo induce a orientarsi verso la commedia, con film come L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) e Giorno di nozze (1942). Dopo alcuni film girati in Spagna, dà inizio a una pluriennale collaborazione con la Titanus, da cui nasce la lunga serie di film interpretati da Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson e sceneggiati da Aldo De Benedetti (Catene, 1949, Tormento, 1950, I figli di nessuno, 1951, Chi è senza peccato…, 1952, Torna!, 1953, L’angelo bianco, 1955). Negli anni Sessanta torna alla commedia, per poi chiudere la carriera con il melodramma Amore mio (1964). Raffaello Matarazzo (Rome, Italy, 1909-1966) debuted as a film critic for “Il Tevere” and “L’Italia letteraria” and worked as assistant director for Mario Camerini. He debuted as a director in 1933 with Treno popolare, but its lack of success convinced him to turn to comedy, with movies such as L’anonima Roylott (1936), L’albergo degli assenti (1939) and Giorno di nozze (1942). After shooting some films in Spain, he began a multi-year collaboration with the production company Titanus and made a long series of movies starring Amedeo Nazzari and Yvonne Sanson, and written by Aldo De Benedetti (Catene, 1949; Tormento, 1950; I figli di nessuno, 1951; Chi è senza peccato…, 1952; Torna!, 1953; L’angelo bianco, 1955). He returned to comedy during the 1960s and ended his career with the melodrama Amore mio (1964). filmografia essenziale/ essential filmography Treno popolare (1933), Kiki (1934), Joe il rosso (1936), L’anonima Roylott (1936), Sono stato io! (1937), L’albergo degli assenti (1939), Giù il sipario (1940), Trappola d’amore (1940), Notte di fortuna (1941), Giorno di nozze (1942), Il birichino di papà (1943), La fumeria d’oppio (1947), Lo sciopero dei milioni (1948), Paolo e Francesca (1949), Catene (1949), Tormento (1950), I figli di nessuno (1951), Il tenente Giorgio (1952), Chi è senza peccato... (1953), Torna! (1953), Vortice (1953), La schiava del peccato (1954), L’angelo bianco (1955), La risaia (1956), L’ultima violenza (1957), Malinconico autunno (1958), Cerasella (1960), Adultero lui, adultera lei (1963), I terribili 7 (1964), Amore mio (1964). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E nanni moretti PALOMBELLA ROSSA Italia-Francia/Italy-France, 1989, 35mm, 89’, col. RED LOB regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Nanni Moretti fotografia/cinematography Giuseppe Lanci montaggio/film editing Mirco Garrone scenografia/ production design Giancarlo Basili, Leonardo Scarpa costumi/costume design Maria Rita Barbera musica/music Nicola Piovani suono/sound Franco Borni interpreti e personaggi/ cast and characters Nanni Moretti (Michele Apicella), Silvio Orlando (l’allenatore/coach), Mariella Valentini (la giornalista/reporter), Alfonso Santagata (il primo personaggio fastidioso/ first tiresome character), Claudio Morganti (il secondo personaggio fastidioso/second tiresome character), Asia Argento (Valentina), Eugenio Masciari (l’arbitro/referee), Mario Patanè (Simone), Antonio Petrocelli (il fascista/fascist), Remo Remotti (l’alter ego dell’allenatore/ coach’s alter ego) produttori/producers Nella Banfi, Angelo Barbagallo, Nanni Moretti produzione/production Sacher Film coproduzione/coproduction Palmyre Productions ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento In seguito a un incidente stradale, Michele Apicella, funzionario del partito comunista, cade in uno stato di amnesia. Mentre è in trasferta in Sicilia con la squadra di pallanuoto in cui gioca, dal fondo della memoria iniziano ad affiorare alcuni ricordi del suo passato: la militanza politica, la carriera da deputato, momenti di quando era bambino, le prime bracciate in piscina. A confondere il tutto, il fatto che gli parlino di un gesto eclatante di cui si è da poco reso protagonista in un programma televisivo, ma che Michele non riesce assolutamente a ricordare. E, durante la partita a cui sta partecipando, altri brandelli di memoria tornano a galla, con esiti ora drammatici, ora grotteschi. ** Michele Apicella, an official for the Communist Party, loses his memory after a car accident. While playing an away game in Sicily with his water-polo team, he starts to remember glimpses of his past: his political activism, his career as a politician, some childhood memories, like when he first learned how to swim in the pool. But what makes it all the more confusing is that people keep telling him about this epic thing he did on a TV show recently, which Michele just cannot seem to recall. More memories float to the surface during the water-polo match, with dramatic and even grotesque consequences. A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE [email protected] www.fondazionecsc.it 81 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Nanni Moretti (Brunico, Bolzano, 1953), considerato uno dei più importanti registi europei contemporanei, dopo i primi cortometraggi esordisce nel lungo con Io sono un autarchico (1976), film-caso che lo fa conoscere a critica e pubblico, così come il successivo Ecce bombo (1978). In seguito dirige Sogni d’oro (1981), premio speciale della giuria a Venezia, Bianca (1984), La messa è finita (1984), Orso d’argento e premio Cicae a Berlino, Palombella rossa (1989), premio Bastone bianco a Venezia, il documentario La cosa (1990), Caro diario (1993), premio alla regia a Cannes, Aprile (1998), La stanza del figlio (2001), Palma d’oro e premio Fipresci ancora a Cannes, Il caimano (2006), Habemus Papam (2011) e Mia madre (2015), insignito del premio della giuria ecumenica sempre a Cannes. Fondatore della casa di produzione Sacher Film, è stato direttore del Torino Film Festival nel biennio 2007-08. Nanni Moretti (Brunico, Bolzano, Italy, 1953) is considered one of the greatest contemporary European filmmakers. After making a few short films, he directed the feature Io sono un autarchico (1976), putting him on the map for critics and viewers alike. He followed it with another hit, Ecce bombo (1978). Among his next movies: Sogni d’oro (1981), Special Jury Prize in Venice; Bianca (1984); La messa è finita (1984), winner of the Silver Bear and the CICAE Award in Berlin; Palombella rossa (1989), which won the Bastone Bianco Award in Venice; the documentary La Cosa (1990); Caro diario (1993), which won the Jury Prize in Cannes; Aprile (1998); La stanza del figlio (2001), which received the FIPRESCI Prize and the Palme d’Or in Cannes; Il caimano (2006); Habemus Papam (2011); and Mia madre (2015), which received the Prize of the Ecumenical Jury in Cannes. He created the production company Sacher Film, and ran the Torino Film Festival from 2007 to 2008. filmografia essenziale/ essential filmography Paté de bourgeois (cm, 1973), Io sono un autarchico (1976), Ecce bombo (1978), Sogni d’oro (1981), Bianca (1984), La messa è finita (1984), Palombella rossa (1989), La cosa (doc., 1990), Caro diario (1993), Aprile (1998), La stanza del figlio (2001), Il caimano (2006), Habemus Papam (2011), Mia madre (2015). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E gianni zanasi LE BELLE PROVE Italia/Italy, 1992, 16mm, 27’, col. THE GOOD VERSIONS regia/director Gianni Zanasi soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Lorenzo Favella, Gianni Zanasi fotografia/cinematography Tarek Ben Abdallah montaggio/film editing Cesar Meneghetti scenografia/ production design Popo Diaz costumi/costume design Jona Ballaran musica/music Ely Buendia, Danny Fabella suono/sound Marco Tidu interprete/cast Simona Caparrini produzione/production Centro Sperimentale di Cinematografia Cinque ragazzi tra i tredici e i quindici anni vivono nella periferia di Roma: Lorenzo, il più piccolo, è spesso tenuto ai margini del gruppo fino a quando, nel tentativo di ribaltare la situazione, inventa la notizia che un loro comune amico sta per morire a causa di un cancro… L’esordio nella regia di Gianni Zanasi, realizzato quando era allievo del Centro Sperimentale di Cinematografia. Five thirteen to fifteen-year-old kids from a town just outside Rome. Lorenzo, the youngest, is usually left out by the others. In an attempt to turn the situation around, he lies about a friend of theirs dying from cancer… The directorial debut by Gianni Zanasi, shot when he was a student at the Centro Sperimentale di Cinematografia. ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE Gianni Zanasi (Vignola, Modena, 1965), dopo gli studi di filosofia all’Università di Bologna, si è iscritto a una scuola di scrittura teatrale e a un corso di cinema diretto da Nanni Moretti. Ha poi frequentato il Centro sperimentale di cinematografia di Roma, dove nel 1992 ha conseguito il diploma di regia. Tre anni dopo ha esordito con Nella mischia, selezionato alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes. Nel 1999 ha diretto Fuori di me e A domani, quest’ultimo presentato in concorso alla Mostra di Venezia. Nel 2004 ha realizzato il documentario La vita è breve ma la giornata è lunghissima, menzione speciale della giuria alla Mostra di Venezia. Sempre a Venezia ha presentato nel 2007 Non pensarci, dal quale è stata tratta una serie televisiva di successo, di cui ha diretto alcuni episodi. L’anno scorso il Torino Film Festival ha presentato La felicità è un sistema complesso. Gianni Zanasi (Vignola, Modena, Italy, 1965), after studying philosophy at the University of Bologna, enrolled at a theatrical writing school and took a film course directed by Nanni Moretti. He then attended the Centro sperimentale di cinematografia in Rome, where he received his filmmaking degree in 1992. Three years later, he debuted with Nella mischia, selected for the Quinzaine des réalisateurs in Cannes. He then directed Fuori di me (1999), and A domani (1999), which was presented in competition in Venice. His 2004 documentary La vita è breve ma la giornata è lunghissima received a Special Mention in Venice, where he later presented Non pensarci (2007), subsequently developed into a TV series. The Torino Film Festival presented La felicità è un sistema complesso (2015) in last year’s edition. filmografia/filmography Le belle prove (cm, 1992), Nella mischia (1995), A casa per le elezioni (cm, doc., 1996), A domani (1999), Fuori di me (1999), La vita è breve ma la giornata è lunghissima (doc., 2004), Padri e figli (tv, ep., 2005), Non pensarci (2007), Non pensarci (serie tv/tv series, ep., 2007), La felicità è un sistema complesso (2015). 82 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E F E S TA M O B I L E - V I N TA G E francesco munzi NASTASSIA Italia/Italy, 1996, 16mm, 11’, col. NASTASSIA regia/director Francesco Munzi fotografia/cinematography Paolo Bravi montaggio/film editing Walter Fasano suono/sound Lilio Rosato interprete/cast Marcello Aliotta produzione/production Centro Sperimentale di Cinematografia ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it La storia di una ragazza russa, Nastassia, che vive in Italia e ha nostalgia della sua patria. Francesco Munzi, in uno dei primi lavori realizzati quando era allievo del Centro sperimentale di cinematografia, riprende la ragazza mentre racconta la sua vita di straniera e in vari momenti della sua vita privata e lavorativa: all’aeroporto con un cartello in mano per proporsi come interprete, in un locale, mentre legge in una sala davanti al pubblico, a casa… ** One of Francesco Munzi’s first shorts, made in his early days as a film student at the Centro sperimentale di cinematografia. The film follows Nastassia, a homesick Russian woman living in Italy, as she talks about her life as a foreigner, sharing various stories from her personal life and from work. Holding a sign at the airport offering her translating services, in a bar, reading in front of an audience, at home… A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE Francesco Munzi (Roma, 1969), laureato in scienze politiche, nel 1998 si diploma in regia al Centro sperimentale di cinematografia. Nel 2004 gira il suo primo lungometraggio di finzione, Saimir, presentato nella sezione Orizzonti della Mostra di Venezia, che riceve una menzione speciale del premio Luigi De Laurentiis Opera Prima. Nel 2006 il film ottiene inoltre cinque candidature ai Nastri d’argento – vincendo il premio per il miglior regista emergente –, due ai David di Donatello ed è nominato all’European Film Awards come miglior rivelazione (Prix Fassbinder). Nel 2008 realizza il suo secondo lungo, Il resto della notte, presentato nella Quinzaine des réalisateurs di Cannes, e nel 2014 torna a Venezia, in concorso, con Anime nere, premiato con nove David di Donatello. Nel 2016 ha firmato con Gianni Amelio il libro L’ora di regia, parte della collana del Centro sperimentale di cinematografia ed edito da Rubbettino. Francesco Munzi (Rome, Italy, 1969), after getting his degree in political science, studied filmmaking at the Centro sperimentale di cinematografia, graduating in 1998. In 2004, he made his first feature film, Saimir, and presented it in the Horizons section of the Venice Film Festival, where it got a special mention for the Luigi De Laurentiis Opera Prima Award; in 2006, it received another five Silver Ribbons nominations, winning Best New Director, two David di Donatello, and a European Film Festival nomination for European Discovery of the Year (Prix Fassbinder). His second movie, Il resto della notte (2008), was presented at the Quinzaine des réalisateurs in Cannes. He returned to the Venice Film Festival in 2014 with Anime nere, winning nine David di Donatello Awards. In 2016, he wrote the book L’ora di regia with Gianni Amelio as part of the Centro sperimentale di cinematografia series published by Rubbettino. filmografia essenziale/ essential filmography Valse (cm, 1992), Tre del mattino (cm, 1994), Nastassia (cm, 1996), L’età incerta (cm, 1998), Giacomo e Luo Ma (cm, 1999), Van Gogh (doc., 1990), La disfatta (doc., 1994), Il neorealismo. Letteratura e cinema (doc., 1999), Saimir (2004), Il resto della notte (2008), Anime nere (2014). 83 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E F E S TA M O B I L E - V I N TA G E silvia perra LA FINESTRA Italia/Italy, 2016, HD, 24’, col. Silvia Perra (Cagliari, 1988) è laureata in comunicazione presso l’Università di Cagliari, dove ha frequentato i corsi di regia tenuti da Salvatore Mereu. Nel 2016 si è diplomata in regia al Centro sperimentale di cinematografia di Roma, con il cortometraggio La finestra, sotto la supervisione del suo docente di regia, Gianni Amelio. THE WINDOW regia/director Silvia Perra soggetto/story Davide Bertoli, Silvia Perra fotografia/cinematography Martina Diana montaggio/film editing Gianandrea Caruso scenografia/production design Silvia Di Francesco costumi/costume design Giulia Pagliarulo suono/sound Michelangelo Marchese, Simone Panetta, Daniele De Angelis interpreti/cast Antonio Delogu, Maria Antonia Erre, Antonella Cabras, Maurizio Mossa produzione/production Centro Sperimentale di Cinematografia ** contatti/contacts Cineteca Nazionale Laura Argento [email protected] www.fondazionecsc.it A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE 84 SOMMARIO Gli ultimi quattro abitanti di un piccolo villaggio sono costretti contro la loro volontà ad abbandonare la casa in cui hanno sempre vissuto. Questo cambiamento mina l’equilibrio di due di loro, spingendoli a organizzare la fuga per riassaporare la libertà. «Ho voluto indagare il sentimento di alienazione che si manifesta in seguito allo sradicamento, per cause esterne, dal proprio luogo di origine. Nell’entroterra sardo, lo spopolamento per ragioni economiche o ambientali ha ridotto al minimo gli abitanti di alcuni paesi. Alcuni di essi, però, faticano ad accettare di vivere il resto della loro vita lontano dalle proprie case. Un’effimera instabilità psicofisica che li induce a cercare una soluzione per non omologarsi con il nuovo. Si torna quindi in quei luoghi, presso ciò che è noto e rassicurante, per vivere in solitudine ma in pace con il mondo». ** The last four inhabitants of a small village are forced to move out against their will, leaving their lifelong homes. This change destabilizes two of them in particular, and they start planning their escape to taste freedom once again. “I wanted to study the feeling of alienation which arises after people are uprooted, for external reasons, from their place of origin. In inland Sardinia, depopulation for economic or environmental reasons has reduced the number of inhabitants of some villages to a minimum. But some of these people struggle to accept the idea of living out the rest of their lives far from their own homes. An ephemeral psychophysical instability induces them to search for a solution so they don’t adapt to their new circumstances. Thus, they return to those places, to what is familiar and reassuring, to live in solitude but in peace with the world.” F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Silvia Perra (Cagliari, Italy, 1988) received her degree in communications from the University of Cagliari, where she attended directing classes taught by Salvatore Mereu. In 2016, she graduated in directing from Rome’s Centro sperimentale di cinematografia with the short film La finestra, under the supervision of her directing professor, Gianni Amelio. filmografia/filmography Aula 3 - Storie di rifugiati politici (doc., 2012), Jovid (doc., 2012), La finestra (cm, 2016). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E gillo pontecorvo GIOVANNA Italia/Italy, 1955, 35mm, 36’, bn/bw GIOVANNA regia/director Gillo Pontecorvo soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Gillo Pontecorvo, Franco Solinas fotografia/cinematography Enrico Menczer montaggio/film editing Enzo Alfonzi costumi/costume design Elena Mannini musica/music Mario Zanfred interpreti/cast Armida Gianassi, Carla Pozzi produttore/producer Giuliana G. De Negri produzione/production Tirrenica Film ** contatti/contacts Cinecittà Luce Marlon Pellegrini [email protected] www.cinecittaluce.it Nei primi anni Cinquanta in uno stabilimento tessile di Prato le operaie protestano contro la decisione della dirigenza di mettere in atto dei licenziamenti. Ai ferri corti con la proprietà, che cerca di sabotarle in ogni modo, occupano la fabbrica. Nel tentativo di rompere la loro resistenza, il proprietario prima chiude la strada che porta alla fabbrica, poi taglia la corrente elettrica. A capo delle operaie c’è Giovanna, che però deve scontrarsi con la disapprovazione del marito, fortemente contrario al suo coinvolgimento nell’occupazione. «Avremmo potuto rappresentare una donna nella Resistenza, o nei suoi rapporti quotidiani casalinghi, ma ci sembrava utile raccontare la storia di una donna che deve vincere anche le resistenze degli ambienti che erano, o che avrebbero dovuto essere, più vicini a favorire il suo allacciarsi alla scena politica e sociale. E così abbiamo pensato alla storia di Giovanna, operaia tessile moglie di un metalmeccanico, comunista per di più, che malgrado l’opposizione del marito e contro questa opposizione partecipa attivamente a un’occupazione di fabbrica». ** Prato, early 1950s. The female workers of a textile factory decide to protest against the impending lay-offs planned by management. While the latter tries to sabotage them at every turn, the ladies occupy the factory. The proprietor attempts to break their resistance, first by blocking the road to the factory, then cutting off the electricity. Giovanna spearheads the workers, but she has to endure her husband’s strong disapproval of her involvement in the occupation. “We could’ve just portrayed a woman during the Resistance, or just in her daily domestic relations. But we thought it would’ve been more useful to tell the story of a woman who also had to fight against the resistance from those places that were (or should have been) more inclined to support her role in the social and political scene. And so we came up with the story of Giovanna, a worker in a textile factory married to a metalworker who, to top it all off, was a communist. Despite her husband’s objections, and in spite of them, she took an active role in occupying the factory.” 85 SOMMARIO F E S TA M O B I L E - V I N TA G E Gillo Pontecorvo (Pisa, 1919 - Roma 2006) esordisce nei primi anni Cinquanta con alcuni documentari e nel 1957 debutta nel lungometraggio con La grande strada azzurra. Nel 1959 vince il premio per il miglior documentario al Festival di Karlovy Vary con Pane e zolfo. Gli fanno seguito Kapò (1961), candidato agli Oscar come miglior film straniero, La battaglia di Algeri (1966), il suo titolo più noto, con cui ottiene il Leone d’oro e il premio Fipresci a Venezia, oltre a tre nomination agli Oscar, Queimada (1969), premiato per la regia ai David di Donatello, così come il successivo Ogro (1979). Nel 1992 diviene curatore alla Mostra del cinema di Venezia, per subentrare alla direzione nel 1996, mantenendola fino all’anno successivo. Nel frattempo nel 1995 partecipa al Torino Film Festival con il cortometraggio corale Roma dodici novembre 1994, che ottiene la menzione speciale. Gillo Pontecorvo (Pisa, Italy, 1919 Rome, Italy, 2006), after starting his career with a few documentaries in the early 1950s, he made his feature debut with La grande strada azzurra (1957). Pane e zolfo received the Best Documentary Award at the Karlovy Vary Festival in 1959. He followed it up with Kapò (1961) and its Academy Award nomination for Best Foreign Film. His most famous film, La battaglia di Algeri (1966), received three Academy nominations, a Golden Lion and the FIPRESCI Prize in Venice. He received an award for Best Director at the David di Donatello for Queimada (1969), and again for Ogro (1979). He became one of the curators of the Venice Film Festival in 1992, and directed it in 1996 and 1997. During that time, he also participated to the Torino Film Festival in 1995 with the ensemble short Roma dodici novembre 1994, receiving a Special Mention. filmografia essenziale/ essential filmography Missione Timiriazev (doc., 1953), Giovanna (mm, 1955), La grande strada azzurra (1957), Gli uomini del lago (cm, doc., 1959), Pane e zolfo (doc., 1959), Kapò (1960), La battaglia di Algeri (1966), Queimada (1969), Ogro (1979), L’addio a Enrico Berlinguer (doc., 1984), 12 registi per 12 città (coregia/codirectors aa.vv., 1989), Roma dodici novembre 1994 (coregia/codirectors aa.vv., cm, doc., 1995), Un altro mondo è possibile (coregia/codirectors aa.vv., doc., 2001), Firenze, il nostro domani (coregia/ codirectors aa.vv., doc., 2003). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E otto preminger WHERE THE SIDEWALKS ENDS Usa, 1950, 35mm, 95’, bn/bw SUI MARCIAPIEDI regia, produttore/ director, producer Otto Preminger soggetto/story dal romanzo/from the novel Night Cry di/ by William L. Stuart sceneggiatura/screenplay Victor Trivas, Frank P. Rosenberg, Robert E. Kent, Ben Hecht fotografia/cinematography Joseph LaShelle montaggio/film editing Louis Loeffler costumi/costume design Oleg Cassini musica/music Cyril Mockridge suono/sound Alfred Bruzlin, Harry M. Leonard interpreti e personaggi/ cast and characters Dana Andrews (detective Mark Dixon), Gene Tierney (Morgan Taylor), Gary Merrill (Tommy Scalise), Berth Freed (detective Paul Klein), Tom Tully (Jiggs Taylor), Karl Malden (detective Thomas), Ruth Donnelly (Martha), Craig Stevens (Kenneth Paine), produzione/production Twentieth Century Fox Il detective Dixon è stato redarguito per l’ennesima volta dai superiori: i suoi modi insoliti e violenti non possono essere più tollerati. Quando, durante una colluttazione, involontariamente uccide Kenneth Paine, sospettato di omicidio e noto amante del gioco d’azzardo, Dixon si trova seriamente nei guai. Dopo averne fatto sparire il cadavere, viene incaricato di trovare l’assassino dell’uomo. Nel tentativo di incolpare il boss delle scommesse Tommy Scalise, per sbaglio fa cadere l’accusa sul tassista Jiggs Taylor, suocero di Paine. Una volta incontrata Morgan, figlia di Taylor e moglie insoddisfatta della vittima, di cui si innamora perdutamente, Dixon capisce di dover impedire a ogni costo che l’uomo finisca in prigione. ** Detective Dixon has been reprimanded for the umpteenth time by his superiors: his unconventional and violent ways will no longer be tolerated. During a scuffle, he involuntarily kills Kenneth Paine, a murder suspect and well-known gambler; Dixon is now in real trouble. After getting rid of the man’s body, he is assigned the case and has to find the man’s assassin. He tries to frame the gambling boss Tommy Scalise but by mistake puts suspicion on the taxi driver Jiggs Taylor, Paine’s father-in-law. Dixon meets Morgan, who is Taylor’s daughter and the victim’s unhappy wife; he falls in love with her and realizes he has to do everything he can to keep the man out of prison. ** contatti/contacts Lab 80 Film Angelo Signorelli SOMMARIO Otto Preminger (Wiznitz, Ukraine, 1905 - New York City, NY, USA, 1986) initially worked in theatre and directed his first feature film, The Great Love, in 1931. In 1935, Joseph Stack, the owner of Twentieth Century Fox, invited him to move to the United States. Preminger shot his first Hollywood film, Under Your Spell (1938), while he was also working as an actor for cinema and on Broadway. In 1940 he directed Laura, and established himself, thanks to his next movies as well, as one of the maestros of noir. During the 1950s and ’60s, he directed some of the most famous American movies of the era – Angel Face (1952); The Moon Is Blue (1953); Carmen Jones (1954), which won prizes at Berlin and Locarno; The Man with the Golden Arm (1955); Bonjour tristesse (1957); Anatomy of a Murder (1959); Exodus (1960) – and also worked as an actor, for example for Billy Wilder in Stalag 17 (1953). filmografia essenziale/ essential filmography Laura (Vertigine, 1940), Angel Face (Seduzione mortale, 1952), The Moon Is Blue (La vergine sotto il tetto, 1953), Carmen Jones (1954), River of No Return (La magnifica preda, 1954), The Man with the Golden Arm (L’uomo dal braccio d’oro, 1955), Bonjour tristesse (Buongiorno tristezza, 1957), Anatomy of a Murder (Anatomia di un omicidio, 1959), Exodus (id., 1960), Advise & Consent (Tempesta su Washington, 1962), In Harm’s Way (Prima vittoria, 1965). [email protected] www.lab80.it 86 Otto Preminger (Vyžnycja, Ucraina, 1905 - New York City, Usa, 1986) lavora inizialmente in ambito teatrale e, nel 1931, dirige il suo primo lungometraggio, Il grande amore. Nel 1935, su invito di Joseph Stack, patron della Twentieth Century Fox, si trasferisce negli Stati Uniti. Schiavo della tua malia (1938) è il suo primo film hollywoodiano, girato mentre lavora anche come attore nel cinema e a Broadway. Nel 1940 dirige Vertigine, affermandosi anche con le pellicole successive come uno dei maestri del noir. Negli anni Cinquanta e Sessanta firma poi alcuni dei più celebri film americani del periodo – Seduzione mortale (1952), La vergine sotto il tetto (1953), Carmen Jones (1954), premiato a Berlino e Locarno, L’uomo dal braccio d’oro (1955), Buongiorno tristezza (1957), Anatomia di un omicidio (1959), Exodus (1960) – oltre a lavorare come attore, ad esempio per Billy Wilder in Stalag 17 (1953). F E S TA M O B I L E - V I N TA G E CINQUE PEZZI FACILI ARTHUR PENN ALICE’S RESTAURANT LINDSAY ANDERSON IF…. | MICHELANGELO ANTONIONI BLOW-UP | | FRANÇOIS TRUFFAUT JULES ET JIM | STUART HAGMANN THE STRAWBERRY STATEMENT SOMMARIO CINQUE PEZZI FACILI Cinque pezzi facili DI/BY GABRIELE SALVATORES Jules et Jim (1962) Era tutto pronto. La mia stanza, la scrivania, persino la targhetta d’ottone col mio nome sulla porta dell’ufficio legale di mio padre. Ma c’erano in giro quei film, in quegli anni… E quella musica che ti catturava dalla colonna sonora! Devo ringraziare questi cinque film, questi «Cinque pezzi facili» (ma non semplici), perché sono tra quelli che mi hanno impedito di fare l’avvocato. Un film può cambiarti la vita? Nel mio caso la risposta è sì. Anche se, per essere sincero, accanto a quei film, c’erano anche tanti romanzi e tante, tante canzoni. Sicuramente nella storia del cinema ci sono film più belli, più profondi, anche più interessanti dal punto di vista artistico. Ma quei film mi hanno fornito la spinta emotiva, irrazionale, che mi ha permesso di incamminarmi sulla strada del teatro prima e del cinema poi. L’emozione senza pensiero, forse, non è sufficiente. Ma anche il pensiero da solo non basta. Ecco perché voglio condividere questi film con voi. Perché faccio questo mestiere nella speranza che (sì!) un film possa cambiarti la vita. 88 SOMMARIO CINQUE PEZZI FACILI Everything was ready. My office, my desk, even the brass plate with my name on the door of my father’s law practice. But there were those movies going around, back then… And that music which grabbed you from their soundtracks! I have to thank these five films, these “Five easy pieces” (easy, but not simple), because they are some of the ones which prevented me from becoming a lawyer. Can a movie change your life? In my case the answer is yes. But to be quite honest, besides those films there were also many novels and lots and lots of songs. Without a doubt, the history of cinema has films which are more beautiful, more profound, even more interesting from an artistic point of view. But those films gave me the emotional, irrational impetus which enabled me to follow the path of theatre, first, and then of cinema. Emotion without thought might not be enough. But thought alone isn’t enough, either. This is why I want to share these films with you. Because I am in filmmaking in the hope that (yes!) a movie can change your life. CINQUE PEZZI FACILI arthur penn ALICE’S RESTAURANT Usa, 1969, 35mm, 111’, col. ALICE’S RESTAURANT regia/director Arthur Penn soggetto/story dall’omonima canzone di/ from the song of the same title by Arlo Guthrie sceneggiatura/screenplay Venable Herdon, Arthur Penn fotografia/cinematography Michael Nebbia montaggio/film editing Dede Allen scenografia/ production design Warren Clymer costumi/costume design Anna Hill Johnstone musica/music Arlo Guthrie suono/sound Jack Fitzstephens, Sanford Rackow interpreti e personaggi/ cast and characters Arlo Guthrie (se stesso/himself), Pat Quinn (Alice Brock), James Broderick (Ray Brock), Pete Seeger (se stesso/himself), Lee Hays (se stesso/himself), Michael McClanathan (Shelly), Geoff Outlaw (Roger Crowther) produttori/producers Hillard Elkins, Joe Manduke produzione/production Elkins Entertainment, Florin Nel 1965 Arlo Guthrie, pur di evitare la chiamata alle armi, s’iscrive al college. La sua carriera accademica però dura poco: a causa dei capelli lunghi e dei modi poco convenzionali viene espulso. Fa allora visita a una coppia di amici, Alice e Ray, che vivono in una chiesa sconsacrata con un gruppo di hippie e gestiscono un ristorante. Dopo aver passato un breve periodo con loro, Arlo viene di nuovo chiamato alla visita militare ma, ancora una volta, riesce a sfuggire all’arruolamento. Tornerà da Alice e Ray rendendosi conto di come tutto sia cambiato. «Alice’s Restaurant parla di una potenziale transizione, perché i personaggi, a modo loro, sanno cosa stanno cercando. […] Bisogna ricordare che appartengono alla classe media bianca. Non sono poveri, affamati o proletari. Non sono come gli afroamericani. Ma non sono nemmeno militanti. Perciò gli abitanti della chiesa non rappresentano una minaccia. Per loro è facile vivere lì, anche se la maggior parte delle persone non potrebbe permettersi un simile lusso. Da questo punto di vista il film descrive una classe sociale ben precisa: è un film borghese». ** In 1965, Arlo Guthrie enrolls at college to avoid the draft. But his academic career is short-lived: he is expelled for his long hair and unconventional ways. So he goes to visit two friends, Alice and Ray, who live in a deconsecrated church with a group of hippies and run a restaurant. After spending a short time with them, Arlo is once again called up for his military medical exam but once again manages to avoid the draft. He returns to Alice and Ray and realizes how everything has changed. “Alice’s Restaurant is a film of potential transition because the characters know, in some way, what they are looking for. [...] It’s important to remember that the characters in Alice’s Restaurant are middle-class whites. They aren’t poor or hungry or working class. They are not in the same boat as African Americans. But they’re not militants either. In this respect the church dwellers are not particularly threatening. They find it easy to live there, even if most people can’t afford such a luxury. From this point of view, this film depicts a very specific social class. It’s a bourgeois film.” 89 SOMMARIO CINQUE PEZZI FACILI Arthur Penn (Pittsburg, Pennsylvania, Usa, 1922 - New York City, Usa, 2010) è stato uno dei registi più apprezzati della New Hollywood: nei suoi film ha sempre riservato particolare attenzione alla descrizione della società americana, verso cui ha mantenuto un atteggiamento critico. Tra i suoi titoli di maggiore successo, il dramma Anna dei miracoli (1962), vincitore di ben due Oscar, Mickey One (1965), influenzato dalle nouvelle vague, il gangster movie Gangster Story (1967), premiato con altri due Oscar, il western crepuscolare Il piccolo grande uomo (1970), il noir Bersaglio di notte (1975), un altro western, più crudo e disperato, Missouri (1976) e il dramma corale Gli amici di Georgia (1981). Arthur Penn (Pittsburg, PA, USA, 1922 - New York City, NY, USA, 2010) was one of New Hollywood’s favorite directors. His movies have always carefully described and criticized American society. His most successful films include the drama The Miracle Worker (1962), which received two Oscars; the schizophrenic Mickey One (1965), influenced by Europe’s Nouvelle Vague; the gangster movie Bonnie & Clyde (1967), which also won two Oscars; the crepuscular western Little Big Man (1970); the disenchanted noir Night Moves (1975); another western, only more crude and desperate, The Missouri Breaks (1976); and the mournful drama Four Friends (1981). filmografia/filmography Billy the Kid (Furia selvaggia, 1958), The Miracle Worker (Anna dei miracoli, 1962), Mickey One (id., 1965), The Chase (La caccia, 1966), Bonnie & Clyde (Gangster Story, 1967), Alice’s Restaurant (id., 1969), Little Big Man (Il piccolo grande uomo, 1970), Visions of Eight (Ciò che l’occhio non vede, ep. The Hightest, 1973), Night Moves (Bersaglio di notte, 1975), The Missouri Breaks (Missouri, 1976), Four Friends (Gli amici di Georgia, 1981), Target (Target - Scuola omicidi, 1985), Dead of Winter (Omicidio allo specchio, 1987), Penn & Teller Get Killed (Con la morte non si scherza, 1989), Lumière et compagnie (ep., 1995). CINQUE PEZZI FACILI michelangelo antonioni BLOW-UP Regno Unito-Italia-Usa/UK-Italy-USA, 1966, 35mm, 111’, col. BLOW-UP regia/director Michelangelo Antonioni soggetto/story dal racconto/from the short story Las dabas del diablo di/by Julio Cortázar sceneggiatura/screenplay Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra fotografia/cinematography Carlo Di Palma montaggio/film editing Frank Clarke costumi/costume design Jocelyn Rickards musica/music Herbie Hancock suono/sound Robin Gregory interpreti e personaggi/ cast and characters David Hemmings (Thomas), Vanessa Redgrave (Jane), Sarah Miles (Patricia), John Castle (Bill), Jane Birkin (la modella bionda/blonde model), Gillian Hills (la modella bruna/brunette model), Peter Bowles (Ron), Veruschka von Lehndorff (Veruschka), Julian Chagrin (il mimo/mime), Claude Chagrin (il mimo/mime) produttore/producer Carlo Ponti produzione/production Bridge Films, MetroGoldwyn-Mayer ** contatti/contacts Park Circus: Classic Film Distribution [email protected] www.parkcircus.com 90 SOMMARIO Londra, anni Sessanta. Thomas è un fotografo di moda di successo: scontroso ed egocentrico, passa le giornate al volante di una Rolls Royce cabrio, tra servizi fotografici, feste e incontri con bellissime modelle. Pensando di aver fotografato per puro caso un omicidio, si mette a indagare, attratto dal mistero della vicenda. Si trova così di fronte a un puzzle di foto mancanti, rullini rubati e una donna sconosciuta, che sospetta essere l’assassina. Eppure, ancora una volta, la realtà in cui è confinato finirà per prevalere sulla verità. «Direi che i miei film sono politici anche se non inerenti alla politica. […] Sono politici nell’approccio; hanno un punto di vista ben definito. E possono essere considerati politici per l’effetto che hanno sul pubblico. Blow-Up, ad esempio, non parla solo di un certo stile di vita londinese, ma esprime dei punti di vista riguardo a quello stile di vita. Nonostante questo, non ho voluto veicolare alcun punto di vista attraverso le parole…» ** London, the 1960s. Thomas is a successful fashion photographer. Moody and selfish, he spends his days at the wheel of a Rolls Royce convertible, going from photo shoots to parties and dates with beautiful models. When he thinks he has unwittingly photographed a murder, he starts to investigate, attracted by the mystery surrounding the incident. He soon finds himself dealing with a puzzle of missing photos, stolen rolls of film and an unknown woman he suspects is the murderer. And yet, once more, his reality ends up prevailing over the truth. “I would say my films are political, but not about politics. […] They are political in their approach; they are made from a definite point of view. And they may be political in the effect they have on people. Blow-Up, for example, was not only about a certain life style in London, but it expressed a feeling about that style. And yet I wouldn’t want to put that feeling into words…” CINQUE PEZZI FACILI Michelangelo Antonioni (Ferrara, 1912 - Roma, 2007), laureatosi in economia, si è avvicinato al teatro e al cinema scrivendo come critico, prima di iscriversi al Centro sperimentale. Dopo aver collaborato alla sceneggiatura di Un pilota ritorna (1942) di Roberto Rossellini ed essere stato aiuto di Marcel Carné, ha esordito nel 1947 con il documentario Gente del Po. Ha quindi debuttato nel cinema di finzione nel 1950 con Cronaca di un amore, cui faranno seguito una serie di opere, tra cui L’avventura (1960), Deserto rosso (1964), Professione: reporter (1975), che lo imporranno come uno degli autori di riferimento del cinema della modernità. Nel 1995 ha vinto l’Oscar alla carriera. Michelangelo Antonioni (Ferrara, Italy, 1912 - Rome, Italy, 2007), after receiving a degree in economics, entered the world of theatre and cinema, writing reviews and later enrolling at the Centro sperimentale di cinematografia. After collaborating on the screenplay of Un pilota ritorna (1942) by Roberto Rossellini and working as an assistant to Marcel Carné, he debuted in 1947 with the documentary Gente del Po. He debuted in fiction films in 1950 with Cronaca di un amore, which was followed by a series of movies including L’avventura (1960), Deserto rosso (1964) and Professione: reporter (1975) making him a reference point in films about modern times. In 1995, he received an Oscar for Lifetime Achievement. filmografia essenziale/ essenziale filmography Gente del Po (cm, doc., 1947), Cronaca di un amore (1950), La signora senza camelie (1953), I vinti (1953), Le amiche (1955), Il grido (1957), L’avventura (1960), La notte (1961), L’eclisse (1962), Deserto rosso (1964), BlowUp (1966), Zabriskie Point (1970), Professione: reporter (1975), ll mistero di Oberwald (1981), Identificazione di una donna (1982), 12 registi per 12 città (ep. Roma, cm, doc., 1989), Al di là delle nuvole (1995), Eros (ep. Il filo pericoloso delle cose, cm, 2004), Lo sguardo di Michelangelo (cm, doc., 2004). CINQUE PEZZI FACILI lindsay anderson IF.... Regno Unito-Usa/UK-USA, 1968, 35mm, 111’, bn/bw-col. SE... regia/director Lindsay Anderson soggetto/story David Sherwin, John Howlett sceneggiatura/screenplay David Sherwin fotografia/cinematography Miroslav Ondrícek montaggio/film editing David Gladwell scenografia/ production design Jocelyn Herbert costumi/costume design Shura Cohen musica/music Marc Wilkinson interpreti e personaggi/ cast and characters Malcolm McDowell (Mick Travis), David Wood (Johnny Knightly), Richard Warwick (Wallace), Christine Noonan (la ragazza/girl), Rupert Webster (Bobby Phillips), Robert Swann (Rowntree), Hugh Thomas (Richard Denson), Michael Cadman (Fortinbras), Peter Sproule (Barnes), Peter Jeffrey (il preside/headmaster) produttori/producers Michael Medwin, Lindsay Anderson produzione/production Memorial ** contatti/contacts Park Circus: Classic Film Distribution [email protected] www.parkcircus.com 91 SOMMARIO Il sistema della public school britannica è ingessato dai suoi stessi riti d’iniziazione: timidi adolescenti impacciati sono umiliati dagli studenti più anziani, in nome del concetto di gerarchia che permea i prestigiosi istituti come riflesso della tradizionalista società inglese. Ma Mick Travis decide di non assecondare questa mentalità e, insieme a due compagni, prepara una macabra sorpresa per il giorno della cerimonia di fine anno, uno dei momenti più solenni all’interno del calendario di celebrazioni del liceo. «I protagonisti di Se..., senza esserne consapevoli, sono essenzialmente ragazzi vecchio stile. Non sono antieroi, né dropout, né marxisti-leninisti o maoisti o lettori di Marcuse. La loro ribellione è inevitabile non per quello che pensano, ma per quello che sono. Mick gioca un po’ a fare l’intellettuale, ma quando agisce lo fa d’istinto. Se la sua storia è “su” qualcosa, è sulla libertà. In questo senso sono tutti dei tradizionalisti. Sono loro, e non i loro coetanei conformisti, a parlare la lingua di Shakespeare». ** The British public school system is blocked by its own initiation rites: shy, awkward adolescents are humiliated by the elder students in the name of a concept of hierarchy that permeates prestigious institutes like a reflection of England’s traditionalist society. But Mick Travis decides he isn’t going to go along with that mentality and, along with two companions, prepares a macabre surprise for the ceremony that celebrates the last day of school, one of the institute’s most solemn moments. “The heroes of If.... are, subconsciously, old-fashioned boys... traditionalists. They are neither antiheroes nor dropouts nor Marxist-Leninists nor Maoists nor readers of Marcuse. Their rebellion is inevitable, not because of what they think but because of what they are. Mick plays the intellectual but when he reacts he does so instinctively. If his story is ‘about’ something, it is about freedom. In this sense they are all traditionalists. It is they, not their conformist contemporaries, who speak the tongue that Shakespeare spoke.” CINQUE PEZZI FACILI Lindsay Anderson (Bangalore, India, 1923 - Angoulême, Francia, 1994) si è laureato nel 1948 a Oxford, dove si è appassionato al teatro. Tra i primi collaboratori della rivista «Sequence», è stato il fondatore con Karel Reisz e Tony Richardson del Free Cinema. Ha realizzato numerosi cortometraggi, come O Dreamland ed Every Day Except Christmas, prima di esordire nel lungometraggio con Io sono un campione (1963). Nel 1968 ha realizzato Se..., Palma d’oro a Cannes, per poi dedicarsi soprattutto al teatro e alla televisione. Ha poi diretto film come O Lucky Man! (1973), Britannia Hospital (1982) e nel 1986 Le balene d’agosto, sua ultima regia per il cinema. Lindsay Anderson (Bangalore, India, 1923 - Angoulême, France, 1994) graduated in 1948 from Oxford, where he was captivated by theater. He was one of the first collaborators of the magazine “Sequence” and the founder along with Karel Reisz and Tony Richardson of Free Cinema. He directed several short films, like O Dreamland and Every Day Except Christmas, and his debut feature film was This Sporting Life (1963). In 1968 he made If…., which won the Golden Palm at Cannes, and then dedicated himself primarily to theater and television. He later directed films such as O Lucky Man! (1973), Britannia Hospital (1982) and, in 1986, The Whales of August, the last film he directed for cinema. filmografia essenziale/ essential filmography Meet the Pioneers (mm, doc., 1948), Three Installations (cm, doc., 1952), O Dreamland (cm, doc., 1953), Thursday’s Children (cm, doc., 1954), £20 a Ton (cm, doc., 1955), A Hundred Thousand Children (cm, doc., 1955), Every Day Except Christmas (mm, doc., 1957), This Sporting Life (Io sono un campione, 1963), The White Bus (mm, 1967), If.... (Se..., 1968), O Lucky Man! (id., 1973), In Celebration (Celebrazione, 1975), Look Back in Anger (1980), Britannia Hospital (id., 1982), The Whales of August (Le balene d’agosto, 1987), Glory! Glory! (tv, 1989), Is That All There Is? (mm, tv, 1993). CINQUE PEZZI FACILI françois truffaut JULES ET JIM Francia/France, 1962, 35mm, 105’, bn/bw JULES E JIM regia/director François Truffaut soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Henri-Pierre Roché sceneggiatura/screenplay François Truffaut, Jean Gruault fotografia/cinematography Raoul Coutard montaggio/film editing Claudine Bouché musica/music Georges Delerue interpreti e personaggi/ cast and characters Jeanne Moreau (Catherine), Oskar Werner (Jules), Henri Serre (Jim), Vanna Urbino (Gilberte), Sege Rezvani (Albert), Anny Nelsen (Lucie), Sabine Haudepin (Sabine), Marie Dubois (Thérèse), Michel Subor (il narratore/narrator) produzione/production Les Films du Carrosse, S.E.D.I.F. ** contatti/contacts MK2 www.mk2pro.com Jules, austriaco, e Jim, francese, sono due amici fraterni che vivono nella Parigi d’inizio Novecento. A unirli è soprattutto l’amore per l’arte e per le donne, che si scambiano con complicità. Quando incontrano la bella Catherine, irrequieta e passionale, si rompono gli equilibri: nonostante entrambi la amino, Catherine sposa Jules e si trasferisce con lui in Austria. Terminata la prima guerra mondiale, che li ha separati, Jim va a trovare la coppia, che nel frattempo ha avuto una bambina e sta affrontando una crisi sentimentale. A questo punto Jim decide di mettersi in gioco con Catherine, che accetta il suo amore. «Jules e Jim è prima di tutto un film di personaggi. La storia è semplicissima; se non si amano i personaggi, non si può amare il film, ne sono sicuro. Del resto, se i personaggi non hanno interesse, nemmeno il film ne ha. L’epoca è del tutto secondaria. Mi ci sono imbarcato senza sapere cosa richiedesse fare un film d’epoca. Sono contento di questa incoscienza, senza la quale avrei rinunciato a fare il film o l’avrei modernizzato». ** Jules, an Austrian, and Jim, a Frenchman, are best friends who live in Paris in the early 1900s. What ties them most closely together is their love for art and for women, who they willingly swap. When they meet beautiful Catherine, restless and passionate, the equilibrium is broken. Even though they both love her, Catherine marries Jules and moves to Austria with him. After the end of WWI, which had separated them, Jim goes to visit the couple, who now have a baby girl and are in the throes of a marital crisis. At this point, Jim decides to try his luck with Catherine, who accepts his love. “Jules et Jim is, above all, a movie about characters. The story is very simple; if you don’t love the characters, I’m sure you can’t love the movie. After all, if the characters aren’t interesting, the movie isn’t, either. The period when the movie is set is entirely secondary. I started out not knowing what it takes to make a period piece movie. I’m thankful for this recklessness; without it I would have given up on making the movie or I would have modernized it.” 92 SOMMARIO CINQUE PEZZI FACILI François Truffaut (Parigi, Francia, 1932 - Neuilly-sur-Seine, Francia, 1984), dopo studi irregolari, vari mestieri e un breve periodo in riformatorio, nel 1953 è stato invitato da André Bazin a collaborare ai «Cahiers du cinéma». Ha realizzato alcuni cortometraggi, poi nel 1959 con l’esordio I 400 colpi si è imposto tra i protagonisti della nouvelle vague insieme ai colleghi Chabrol, Godard, Rivette e Rohmer. Ha quindi dato vita a una lunga e variegata filmografia, con cui è diventato uno dei registi più famosi e influenti della storia del cinema. François Truffaut (Paris, France, 1932 Neuilly-sur-Seine, France, 1984), after lackluster studies, various jobs and a short period in a reformatory, was invited by André Bazin to collaborate on “Cahiers du cinéma” in 1953. After making a few shorts, in 1959 his debut feature film, Les quatre cents coups, made him one of the protagonists of the Nouvelle Vague alongside Chabrol, Godard, Rivette and Rohmer. This was the start of a long and variegated filmography which made him one of the most famous and influential directors in film history. filmografia essenziale/ essential filmography Les quatre cents coups (I 400 colpi, 1959), Tirez sur le pianiste (Tirate sul pianista, 1960), Jules et Jim (Jules e Jim, 1962), Fahrenheit 451 (id., 1966), La mariée était en noir (La sposa in nero, 1968), La sirène du Mississipi (La mia droga si chiama Julie, 1969), La nuit américaine (Effetto notte, 1973), L’histoire d’Adèle H. (Adele H., una storia d’amore, 1975), L’homme qui aimait les femmes (L’uomo che amava le donne, 1977), La chambre verte (La camera verde, 1978), Le dernier métro (L’ultimo metrò, 1980), Vivement dimanche! (Finalmente domenica!, 1983). CINQUE PEZZI FACILI stuart hagmann THE STRAWBERRY STATEMENT Usa, 1970, 35mm, 109’, col. FRAGOLE E SANGUE regia/director Stuart Hagmann soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by James Kunen sceneggiatura/screenplay Israel Horovitz fotografia/cinematography Ralph Woolsey montaggio/film editing Marje Fowler, Roger J. Roth, Fredric Steinkamp musica/music Ian Freebairn-Smith suono/sound Franklin Milton, Harry W. Tetrick interpreti e personaggi/ cast and characters Bruce Davison (Simon), Kim Darby (Linda), Bud Cort (Elliot, il timoniere/the coxswain), Murray MacLeod (George), Tom Foral (l’allenatore/coach), Bob Balaban (Elliot, l’organizzatore/ the organizer), Michael Margotta (Swatch) produttori/producers Robert Chartoff, Irwin Winkler produzione/production Metro-Goldwyn-Mayer, Chartoff-Winkler Productions San Francisco, anni Sessanta. Simon è uno studente universitario, privo di una vera coscienza politica, che si fa convincere dal compagno di stanza a partecipare a uno sciopero all’interno del campus. A muoverlo è soprattutto il desiderio di conoscere qualche ragazza. Simon comincia per questo a partecipare in modo attivo all’occupazione dell’università, ma in realtà sente maturare un forte sentimento di adesione alle proteste del movimento studentesco. Movimento che, però, in un crescendo di tensione e violenza sarà represso nel sangue dalle autorità. «Quando è arrivato il momento di girare Fragole e sangue sono tornato con la mente agli anni dell’università. Volevo che il film fosse un collage. La sceneggiatura non era assolutamente convenzionale così come il romanzo da cui era tratta. Sentivo l’influenza di Un uomo da marciapiede; e m’interessava fare un film hollywoodiano che applicasse tecniche sperimentali, proprio come succedeva in quel caso». ** San Francisco, the 1960s. Simon is a university student; although he doesn’t have a true political conscience, his roommates convince him to take part in a campus strike. Since he is, above all, motivated by a desire to meet girls, he begins to actively participate in occupying the university. Simon begins to believe strongly in the protest called by the student movement but the movement will be repressed in blood by the authorities, in a crescendo of tension and unjustified violence. “When it came time to shoot The Strawberry Statement I tried to put myself back in that time when I was in college. I wanted the film to be a collage. The screenplay wasn’t conventional by any means either, and as I said, the novel wasn’t traditional either. I was influenced by the film Midnight Cowboy. I wanted to make a Hollywood film that implemented experimental techniques just as that film had done.” 93 SOMMARIO CINQUE PEZZI FACILI Stuart Hagmann (Sturgeon Bay, Wisconsin, Usa, 1942) ha iniziato la carriera di regista in ambito televisivo, dirigendo, tra il 1968 e il 1969, quattro episodi del serial Mannix e tre di Missione impossibile. Nel 1970 ha esordito sul grande schermo con Fragole e sangue, pellicola controversa a causa dell’approccio apertamente politico, con la quale ha vinto il premio della giuria al Festival di Cannes. In seguito ha diretto Jackie (1971), senza però incontrare il successo del film precedente, e i tv movies She Lives! (1973) e Tarantulas: The Deadly Cargo (1977). Stuart Hagmann (Sturgeon Bay, WI, USA, 1942) began his directing career in television, directing four episodes of the series Mannix and three episodes of Mission Impossible between 1968 and 1969. In 1970, he debuted on the silver screen with The Strawberry Statement, a controversial film due to its openly political approach which won the Jury Prize at the Cannes Film Festival. He next directed Believe in Me (1971), which wasn’t as successful as the previous film, and the TV movies She Lives! (1973) and Tarantulas: The Deadly Cargo (1977). filmografia/filmography Mannix (tv, 4 ep., 1968-1969), Mission: Impossible (Missione impossibile, tv, 3 ep., 1969), The Strawberry Statement (Fragole e sangue, 1970), Believe in Me (Jackie, 1971), She Lives! (tv, 1973), Bronk (tv, ep., 975), Tarantulas: The Deadly Cargo (tv, 1977). Antiporno (2016) SOMMARIO AFTER HOURS #SCREAMERS | JOEL POTRYKUS THE ALCHEMIST COOKBOOK | | SION SONO ANTIPORNO | ADAM PINNEY THE ARBALEST | BRUNO BIGONI CHI MI HA INCONTRATO, NON MI HA VISTO | NA HONG-JIN GOKSUNG THE WAILING | JUSTIN KELLY KING COBRA | ED GASS-DONNELLY LAVENDER | ANNA BILLER THE LOVE WITCH | MARIO BAVA LA MASCHERA DEL DEMONIO | MATT JOHNSON OPERATION AVALANCHE | ERIK SKJOLDBJÆRG PYROMANEN - PYROMANIAC | KŌJI SHIRAISHI SADAKO VS KAYAKO | CHRIS PECKOVER SAFE NEIGHBORHOOD | CHRISTOPHE DEROO SAM WAS HERE | MICHAEL O’SHEA THE TRANSFIGURATION | KEVIN SMITH YOGA HOSERS DEAN MATTHEW RONALDS TIÃO ANIMAL POLÍTICO SOMMARIO AFTER HOURS After Hours DI EMANUELA MARTINI Safe Neighborhood (2016) La sezione eccentrica del festival raccoglie come ogni anno una serie di film che spaziano dall’horror al mockumentary, dal bizzarro all’erotico, dalla metafora sofisticata alla commedia demenziale. Vocazione notturna: inaugurata nel 2015, anche quest’anno il primo sabato del Festival, da mezzanotte al mattino successivo, sarà la Notte horror, con Sam Was Here di Christopher Deroo, angosciante viaggio in villaggi deserti di un venditore porta a porta, perseguitato da una voce che dalla radio invita alla caccia a un serial killer (quasi Duel rivisto da Carpenter); The Return of the Living Dead di Dan O’Bannon, esilarante cult americano del 1985 dove, tra un cimitero e una morgue, s’incontrano punk e zombi; e Sadako Vs Kayako di Kōji Shiraishi, dove invece si scontrano senza esclusione di colpi le due entità maligne delle due serie horror giapponesi più celebri (The Ring e The Grudge). Ma l’horror è sfaccettato: si tinge di sanguigno demonismo e di sottili sfumature politiche nella travolgente narrazione di The Wailing del coreano Na Hong-Jin; rielabora abilmente il found footage nella tensione crescente di #Screamers di Dean Matthew Ronalds; si fa accorato come un mélo nella maturazione del ragazzino nero del Bronx che crede di essere un vampiro in The Transfiguration di Michael O’Shea; ribalta lo stereotipo degli adolescenti assediati fino a toni spiazzanti di commedia in Safe Neighborhood di Chris Peckover; e arriva alla satira demenziale in Yoga Hosers, secondo capitolo della «True North Trilogy» di Kevin Smith, dove sua figlia, Harley Quinn Smith, e quella di Johnny Depp, Lily-Rose Depp, affrontano truppe di mostriciattoli nazisti a forma di bratwürst. 96 SOMMARIO AFTER HOURS Un posto a sé meritano il più classico e disturbante dei film gotici italiani, La maschera del demonio di Mario Bava, con la strega Barbara Steele che si reincarna nella pronipote, e la personalissima ricerca di una strada psicanalitica al gotico contemporaneo di Lavender, il nuovo thriller di Ed Gass-Donnelly (premio Fipresci al Torino Film Festival del 2010, con Small Town Murder Songs). Dalle parti del thriller: Pyromaniac di Erik Skjoldbjærg (autore di Insomnia, l’originale dal quale Christopher Nolan ha tratto il remake), angosciante ricognizione nelle ossessioni del giovane piromane che terrorizza un paesino norvegese, e The Arbalest di Adam Pinney, la storia in flashback di un miliardario che vive recluso e ricorda Howard Hughes e che in realtà ha rubato l’idea che lo ha reso celebre. Stravaganze: la storia dell’alchimista nero che vive con il gatto Kaspar in una roulotte nei boschi, tentando di mettersi in contatto con il Maligno (The Alchemist Cookbook di Joel Potrykus), e quella della mucca che ha vissuto a lungo in città come un umano e che va a ritrovare se stessa nel deserto (Animal Político del brasiliano Tião). Sexy Hours: la strega procace che cerca di conquistare l’amore con pozioni magiche, in The Love Witch, la nuova fantasia erotica di Anna Biller (al Festival nel 2006 con Viva), che combina ironia e cinefilia; la giovane artista che, davanti a una troupe nella sua casa dai colori squillanti, vuole trasformarsi in attrice erotica, in Antiporno, rivisitazione di Sion Sono (retrospettiva al Festival nel 2011) della serie Roman Porno prodotta dalla Nikkatsu negli anni Settanta; il giovanotto prestante che diventa la star della Cobra Video, specializzata in hardcore, il suo produttore, gli spezzoni dei suoi film, in King Cobra di Justin Kelly, biopic di Brent Corrigan. E non poteva mancare il mockumentary: Operation Avalanche di Matt Johnson, ennesima variazione sulla più popolare delle «teorie del complotto» (non siamo mai andati sulla Luna!), con due giovani agenti Cia infiltrati alla Nasa che scoprono i ritardi del progetto Apollo; e Chi mi ha incontrato, non mi ha visto, imprevedibile mockumentary italiano nel quale un regista appassionato di Rimbaud (Bruno Bigoni) entra in possesso di una foto che potrebbe rivoluzionare la biografia artistica del poeta (ma sarà vera o falsa?). AFTER HOURS After Hours BY EMANUELA MARTINI Sam Was Here (2016) Like every year, the Festival’s eccentric section brings together a series of movies that range from horror flicks to mockumentaries, from the bizarre to the erotic, from sophisticated metaphors to screwball comedies. Nocturnal vocation: inaugurated in 2015, this year, too, the first Saturday of the Festival will be the Night of Horror, from midnight until the next morning, with screenings of Sam Was Here by Christopher Deroo, a door-to-door salesman’s distressing journey through deserted towns as he is hounded by a voice on the radio inviting listeners to hunt down a serial killer (almost like a Duel remake by Carpenter); The Return of the Living Dead by Dan O’Bannon, a hilarious American cult movie from 1985, in which punks and zombies bump into each other at a cemetery and a morgue; and Sadako Vs Kayako by Kōji Shiraishi, featuring the no-holds-barred clash between the evil beings from Japan’s two most famous horror films (The Ring and The Grudge). But horror is multifaceted: it takes on shades of bloody demonism and subtle political nuances in the overpowering story of The Wailing by Korea’s Na Hong-Jin; it skillfully re-elaborates found footage in the growing tension of #Screamers by Dean Matthew Ronalds; it becomes as fervent as a melodrama, as a black boy from the Bronx who thinks he is a vampire matures in The Transfiguration by Michael O’Shea; it overturns the stereotype of besieged adolescents, even taking on disorienting shades of comedy in Safe Neighborhood by Chris Peckover; and it becomes madcap satire in Yoga Hosers, the second installment of the “True North Trilogy” by Kevin Smith, in which the director’s daughter, Harley Quinn Smith, and 97 SOMMARIO AFTER HOURS Johnny Depp’s daughter, Lily-Rose Depp, deal with troops of little Nazi monsters shaped like bratwursts. The most classic and disturbing of the Italian gothic films deserves a place of its own: Black Sunday by Mario Bava, as the witch Barbara Steele is reincarnated in her greatgranddaughter; so does the very personal search for a psychoanalytical take on contemporary gothic in Lavender, the new thriller by Ed GassDonnelly (the FIPRESCI Award at the 2010 TFF for Small Town Murder Songs). As for thrillers: Pyromaniac by Erik Skjoldbjærg (the author of Insomnia, the original on which Christopher Nolan based his remake), a disquieting foray into the obsessions of a young pyromaniac who is terrorizing a Norwegian town; and The Arbalest by Adam Pinney, the story in flashbacks of a Howard Hughes-like billionaire who lives in seclusion and actually stole the idea which made him famous. Extravagances: the story of a black alchemist who lives with his cat Kaspar in a trailer in the woods and tries to make contact with the Devil (The Alchemist Cookbook by Joel Potrykus); and the story of a cow who, after living for a long time in the city like a human being, goes into the desert to find herself (Animal Político by Brazil’s Tião). Sexy Hours: a provocative witch who tries to attract love by using magic potions, in The Love Witch, the new erotic fantasy by Anna Biller (at the 25 Torino Film Festival with Viva) which combines irony and a love for cinema; a young artist in front of a film crew in her brightlycolored house who wants to turn herself into an erotic actress, in Antiporno by Sion Sono (a retrospective at the 2011 Festival), his interpretation of the series Roman Porno, produced by Nikkatsu during the 1970s; a young hunk who becomes the star of Cobra Video, his producer, clips from his films, in King Cobra by Justin Kelly, a biopic about Brent Corrigan. And how could we not have mockumentaries: Operation Avalanche by Matt Johnson, yet another variation on the most popular “conspiracy theory” of all (we never landed on the Moon!), as two young CIA agents infiltrate NASA and discover delays in the Apollo project; and Chi mi ha incontrato, non mi ha visto, an unpredictable Italian mockumentary in which a director who is a Rimbaud enthusiast (Bruno Bigoni) gets his hands on a photograph which could revolutionize the poet’s artistic biography (but is it real or a fake?). TH AFTER HOURS dean rolands #SCREAMERS Usa, 2016, HD, 85’, col. Dean Rolands (Glendale, California, Usa, 1976) lavora come sceneggiatore, regista e produttore in ambito televisivo e cinematografico. Ha esordito sul grande schermo nel 20o2 con il cortometraggio Bounty, al quale sono seguiti diversi altri corti. Nel 2007 è passato al lungometraggio con Netherbeast Incorporated, seguito a sua volta da Here & Now (2010), Ashley (2013), Going Bongo (2015). Attualmente sta lavorando a un nuovo lungometraggio, intitolato Forever. #SCREAMERS regia/director Dean Rolands soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Tom Malloy, Dean Rolands fotografia/cinematography Mark Davis montaggio/film editing Aaron Gordon, Sullivan Slentz scenografia/ production design Matthew Eames musica/music Jeffrey Alan Jones suono/sound Mike McFadden interpreti e personaggi/ cast and characters Tom Malloy (Tom Brennan), Chris Bannow (Chris Grabow), Griffin Matthews (Griffin), Abbi Snee (Abbi), Emanuela Gualiussi (Manu), Theodora Wholley (Tara Rogers), Tim Barnowsky (Francis T.), Mark Davis (Mark) produttore/producer Tom Malloy produzione/production Trick Candle Productions coproduttore/coproducer Emanuela Gualiussi ** contatti/contacts Riaya Aboul Ela [email protected] Tom Brennan e Chris Grabow sono i creatori di Gigaler, piattaforma di successo su cui vengono pubblicati gli Screamers, clip dall’alto contenuto di terrore. Un giorno ricevono un video con una ragazza in un cimitero e una presenza disturbante alle sue spalle, che diviene subito virale. Incuriositi dalla storia che si nasconde dietro il filmato, Tom e Chris scoprono che la protagonista potrebbe essere Tara Rogers, una giovane scomparsa da tempo. «Come ha detto Hitchcock, “il terrore non sta nello sparo, ma nella sua previsione”. Oggi stiamo lentamente perdendo il significato di quella citazione a causa dei thriller e degli horror mainstream. Al pubblico si offre uno sparo ripetuto all’infinito, senza alcuna preparazione. Con #Screamers siamo tornati a quella forma di racconto affidandoci a uno stile più attuale, il “docu-horror”, facendo in modo che il pubblico si senta parte dell’azione, come una mosca sul muro». ** Tom Brennan and Chris Grabow are the creators of Gigaler, a popular platform which publishes Screamers, clips with a high content of horror. One day, they receive a video of a girl in a cemetery and a disquieting presence behind her; it immediately goes viral. Intrigued about the story behind the clip, Tom and Chris discover that the protagonist might be Tara Rogers, a young girl who disappeared a long time ago. “Alfred Hitchcock said: ‘There is no terror in a bang, only the anticipation of it.’ With mainstream suspense and horror we get with cinema today, we are slowly losing the meaning of this quote. What we are giving audiences instead is the ‘bang’ over and over again without any anticipation. With #Screamers we return to this type of storytelling done with a modern day style, docu-horror, allowing the audience to feel like they are there as a fly on the wall.” 98 SOMMARIO AFTER HOURS Dean Rolands (Glendale, CA, USA, 1976) works as a screenwriter, director and producer for television and film. He debuted on the silver screen in 2002 with the short Bounty, which was followed by numerous other shorts. In 2007, he turned to feature films with Netherbeast Incorporated, followed by Here & Now (2010), Ashley (2013), and Going Bongo (2015). At the moment he is working on a new feature-length movie entitled Forever. filmografia essenziale/ essential filmography A.W.O.L (cm, 2003), Split (cm, 2004), Portrait (cm, 2004), The Netherbeast of Berm-Tech Industries, Inc. (cm, 2004), Little Victim (cm, 2005), Screen Wars (tv, 2005-2006), Go-Go Guy (cm, 2006), Netherbeast Incorporated (2007), Here & Now (2010), Ashley (2013), Going Bongo (2015), #Screamers (2016). AFTER HOURS joel potrykus THE ALCHEMIST COOKBOOK Usa, 2016, HD, 82’, col. Joel Potrykus (Ossineke, Michigan, Usa, 1977) vive e lavora a Grand Rapids, nello stato del Michigan, dove è stato tra i fondatori della casa di produzione multimediale Sob Noisse. Ha diretto i cortometraggi Gordon (2007) e Coyote (2010), il lungometraggio d’esordio Ape (2012), con cui ha vinto il premio per il migliore regista emergente al Festival di Locarno, e Buzzard (2014), ultimo capitolo di quella che ha chiamato la “trilogia degli animali”, presentato al South by Southwest e nuovamente a Locarno. THE ALCHEMIST COOKBOOK regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio/director, story, screenplay, film editing Joel Potrykus fotografia/cinematography Adam J. Minnick scenografia/ production design Michael Lapp musica/music Tim Dewit, Jamie Greefe, Brian Harding, Andrew Miller interpreti e personaggi/ cast and characters Ty Hickson (Sean), Amari Cheatom (Cortez) produttori/producers Bryan Reisberg, Andrew D. Corkin, Ashley Young, Joel Potrykus produzione/production Sob Noisse, Uncorked Productions coproduttori/coproducers Kevin Clancy, Mike Saunders ** contatti/contacts OscilloScope Cameron Swanagon [email protected] www.oscilloscope.net Sean è un giovane emarginato che vive in una roulotte nei boschi con la sola compagnia del gatto Kaspar. Pieno di disprezzo per le autorità e il genere umano, ha scelto l’isolamento per dedicarsi allo studio dell’alchimia, lo scopo della sua vita. Deciso a carpire i segreti della natura e piegarla al proprio volere, Sean fa il grande passo e inizia a praticare la magia nera. Una decisione azzardata, che evocherà presenze sinistre e pericolose. «Il sacrificio, l’isolamento e l’inevitabile distruzione dell’artista stanno per essere messe in discussione. Dentro di sé Sean è un creatore incompreso che cerca di proteggersi dalle critiche e dalle interferenze esterne. L’impossibilità di fare ciò che vorrebbe, però, lo delude fortemente, anche se rifiuta di abbandonare l’alchimia finché non vedrà la propria orrenda fine. E nel corso di tale processo subisce una vera e propria trasformazione. Nulla per lui è troppo prezioso da fermarlo, né tantomeno sacro». ** Sean is a marginalized young man who lives in a camper in the woods; his sole companion is his cat Kaspar. Filled with contempt for the authorities and the human race, he has chosen isolation in order to dedicate himself to alchemy, his life’s purpose. Determined to learn the secrets of nature and bend them to his will, Sean takes the big step and begins to practice black magic. A risky decision, which will soon summon sinister and dangerous presences. “The sacrifice, isolation, and inevitable destruction of the artist are about to be put on trial. At its core, Sean is a misunderstood creator, trying to shield himself from criticism and interference. He suffers from delusions of the impossible, and refuses to quit until he sees it through to its ugly end, literally transforming himself in the process. Nothing is too precious to stop him, nothing is sacred.” 99 SOMMARIO AFTER HOURS Joel Potrykus (Ossineke, MA, USA, 1977) lives and works in Grand Rapids, Michigan, where he helped found the multimedia production company Sob Noisse. He has directed the shorts Gordon (2007) and Coyote (2010); his debut feature film Ape (2012), with which he won Best Emerging Director at the Locarno Film Festival; and Buzzard (2014), the final chapter of what he calls the Animal Trilogy, presented at the South by Southwest Festival and at Locarno. filmografia/filmography Gordon (cm, 2007), Coyote (cm, 2010), Ape (2012), Buzzard (2014), The Alchemist Cookbook (2016). AFTER HOURS tião ANIMAL POLÍTICO Brasile/Brazil, 2016, HD-16mm-VHS, 75’, col. Tião è uno dei fondatori della casa di produzione Trincheira, con sede a Recife, in Brasile. Ha realizzato diversi cortometraggi, tra i quali Muro e Sem Coração sono stati premiati come miglior cortometraggio alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes. Muro ha vinto anche il Grande Prêmio Cidade al festival portoghese di Vila do Conde. Animal Político è il suo primo lungometraggio. POLITICAL ANIMAL regia, sceneggiatura/ director, screenplay Tião fotografia/cinematography Marcelo Lordello, Gustavo Jahn montaggio/film editing Leonardo Lacca scenografia, costumi/ production design, costume design Iomana Rocha, Melissa Dullius, Gustavo Jahn musica/music Jon Wygens suono/sound Guga S. Rocha, Pablo Lamar interpreti/cast Rodrigo Bolzan, Elisa Heidrich, Victor Laet, Mário Sergio Cabral, Isabel Novaes, Arthur Gomes, Marina Couceiro produttore/producer Leonardo Lacca produzione/production Trincheira Una mucca tenta di convincersi di essere felice. Una notte, la vigilia di Natale, l’animale avverte una profonda sensazione di solitudine, qualcosa di strano, che non le era mai capitato di provare. Questo momento è come l’epifania di una crisi che la spinge a intraprendere un nuovo cammino di comprensione, la ricerca della sua vera identità. ** A cow tries to convince herself she is happy. One night, on Christmas Eve, the cow experiences a deep feeling of emptiness, something strange she has never felt before. The crisis makes her want to start a journey of enlightenment, a search for her true self. ** contatti/contacts Tião [email protected] 100 SOMMARIO AFTER HOURS Tião is one of the creators of Trincheira, a production company based in Recife, Brazil. He directed several short films: Muro and Sem Coração won the prize for Best Short at the Director’s Fortnight, in Cannes. Muro also won the Grande Prêmio Cidade de Vila do Conde, Portugal. Animal Político is his first feature film. filmografia/filmography Eisenstein (cm, 2006), Muro (cm, 2008), Sem Coração (cm, 2014), Animal Político (2016). AFTER HOURS sion sono ANTIPORNO Giappone/Japan, 2016, HD, 78’, col. ANTIPORNO regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Sion Sono fotografia/cinematography Maki Ito montaggio/film editing Junichi Ito scenografia/ production design Hirofumi Nishikiori costumi/costume design Kazuhiro Sawataishi musica/music Tomonobu Kikuchi suono/sound Hironori Ito interpreti/cast Ami Tomite, Fujiko, Sayaka Kotani, Mana Yoshimuta, Ami, Ai Shimomura, Ami Fukuda, Yuya Takayama, Dai Hasegawa, Hirari Ikeda, Saki, Hideyuki Kobashi, Hitedoshi Kawaya, Takumi Banda, Tomo Uchino produttori/producers Naoko Komuro, Masahiko Takahashi produzione/production Django Film ** contatti/contacts Nikkatsu Mami Furukawa [email protected] www.nikkatsu.com Kyoko è un’artista ventunenne con manie di protagonismo. In un momento di sconforto si sfoga contro la sua assistente, più grande di lei, umiliandola sessualmente di fronte al loro staff. Improvvisamente qualcuno urla «taglia!» e ci si scopre sul set di un film. Una frattura della realtà che permette a Noriko di assumere il ruolo dominante e ribaltare il gioco di umiliazioni. «Sion Sono ha diretto un film pornografico in cui critica pesantemente il genere. Il suo scopo è portare in superficie le prospettive del cinema porno e dimostrare che sia le strutture di potere che regolano la società sia le relazioni umane sono intercambiabili, se messe in collegamento da differenti punti di vista attraverso i meccanismi del cinema. Nel momento in cui il pubblico sente urlare “taglia!”, la realtà e i personaggi di finzione, così come il bilanciamento del loro potere e gli eventi, subiscono un improvviso rovesciamento. Possiamo separare il reale dalla finzione? Chi può decidere cosa è giusto e cosa è sbagliato?» (N. Komuro, M. Takahashi) ** Kyoko is a twenty-one-year-old artist who loves being at the center of attention. One day, feeling down, she lashes out against her assistant, sexually humiliating her in front of the rest of the staff. Suddenly someone yells “Cut!” and we realize that they are actually on a movie set. A fracture in reality that allows Noriko to take back the upper hand and turn the tables of humiliations onto Kyoko. “Sion Sono creates a porn film while heavily criticizing itself. He intends to bring to the surface porn’s perspectives and to show that both social power structure and human relationship are interchangeable when the different points of view are connected through cinema. Once the audience hears ‘Cut!’, the tables suddenly turn: the balance of power between real-life and fictional characters instantly reverses. Inherently, how can we separate fact from fiction? And who can tell right from wrong?” (N. Komuro, M. Takahashi) 101 SOMMARIO AFTER HOURS Sion Sono (Toyokawa, Giappone, 1961) è uno dei registi giapponesi più conosciuti e apprezzati all’estero. Nei suoi film descrive la società nipponica in modo provocatorio e violento, con numerosi riferimenti alla cultura pop. Tra le sue opere, Suicide Club (2002), che con Noriko’s Dinner Table (2005) fa parte di una trilogia sull’alienazione, Strange Circus (2005), con cui ha vinto il premio della giuria del Berliner Zeitung, e Love Exposure (2008), vincitore del premio Fipresci e del Caligari Film Award alla Berlinale, nonché primo tassello della «trilogia dell’odio», di cui faranno parte Cold Fish (2010) e Guilty of Romance (2011). Con Himizu (2011) ha partecipato in concorso a Venezia, dove nel 2013 ha presentato Why Don’t You Play in Hell. Nel 2011 il Torino Film Festival gli ha dedicato una retrospettiva. Vi ha fatto ritorno nelle edizioni successive con Tokyo Tribe (2014), Love & Peace (2015), TAG (2015) e Shinjuku swan (2015). Sion Sono (Toyokawa, Japan, 1961) is an internationally acclaimed Japanese filmmaker. His movies depict Japanese society in a provocative and violent way, amid a plethora of pop culture references. His most renown films include Suicide Club (2002), which is part of a trilogy on alienation along with Noriko’s Dinner Table (2005), winner of the Berliner Zeitung Jury Award, and Love Exposure (2008), winner of the FIPRESCI Award and the Caligari Film Award at the Berlinale. Love Exposure is also the first film of the “trilogy of hate,” which includes Cold Fish (2010) and Guilty of Romance (2011). He participated to the Venice Film Festival in 2011 with the feature Himizu, and in 2013 with Why Don’t You Play in Hell. The Torino Film Festival paid tribute to him with a retrospective in 2011. He participated in several TFF editions with his films Tokyo Tribe (2014), Love & Peace (2015), TAG (2015) and Shinjuku Swan (2015). filmografia essenziale/ essential filmography The Room (1992), Suicide Club (2002), Noriko’s Dinner Table (2005), Strange Circus (2005), Hazard (2006), Exte: Hair Extensions (2007), Love Exposure (2008), Cold Fish (2010), Guilty of Romance (2011), Himizu (2011), Why Don’t You Play in Hell (2013), Tokyo Tribe (2014), Love & Peace (2015), Riaru onigokko (TAG, 2015), Shinjuku suwan (Shinjuku Swan, 2015), Antiporno (2016). AFTER HOURS adam pinney THE ARBALEST Usa, 2016, HD, 76’, col. THE ARBALEST regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio/director, story, screenplay, film editing Adam Pinney fotografia/cinematography Hugh Braselton scenografia/ production design Aimee Holmberg costumi/costume design Karen Freed musica/music Thomas Barnwell, Ian Deaton suono/sound Nicole Powell interpreti e personaggi/ cast and characters Mike Brune (Foster Kalt), Tallie Medel (Sylvia Frank), Jon Briddell (l’uomo con il vestito/ man in a suit), Robert Walker Branchaud (John Frank), Felice Monteith (Myra Ney), Matt Stanton (Paul, il fonico/the sound guy), Marc Farley (Haskell, l’operatore/the camera guy) produttore/producer Alex Orr produzione/production ATL Film Services ** contatti/contacts Alex Orr [email protected] L’eccentrico Foster Kalt, famoso creatore di giocattoli negli anni Settanta, ha un’unica ossessione: Sylvia Frank. Fin dal loro primo incontro, nella stanza di un hotel a New York nel 1968, la donna è divenuta per lui un pensiero fisso, tanto da spingerlo a spiarla e a perseguitarla, nonostante i continui rifiuti. La soluzione per porre fine a questo tormento potrebbe essere un gioco, un’invenzione definitiva e inquietante… «Durante la produzione ho fatto delle scelte stilistiche molto precise per mostrare in modo inusuale concetti e sensazioni comuni. I movimenti di macchina sono premeditati e ben motivati. Io e Hugh Braselton, il direttore della fotografia, abbiamo lavorato duro per ottenere una resa non convenzionale e arricchire le interpretazioni degli attori. Da un punto di vista visivo, gran parte delle influenze riscontrabili nel film provengono da Godard, da Weekend, Il disprezzo o La donna è donna, in cui i colori primari sono preminenti. Volevo che i colori, le immagini e la scenografia fossero come personaggi». ** The 1970s. Foster Kalt is an eccentric and famous creator of toys and he has just one obsession: Sylvia Frank. Right from the first time they met in a New York hotel in 1968, he has been fixated on the woman, to the point that he spies on her and stalks her, even though she constantly turns him down. The solution which could put an end to this torment might be a game, a definitive and disturbing invention… “I wanted to make strong stylistic choices during production to show familiar ideas and feelings in an unfamiliar way. Camera movements are intentional and motivated. Hugh Braselton, the DP, and I worked hard on getting unconventional coverage to complement the performances. Visually, much of the influence for this film came from the color films of Jean-Luc Godard – Weekend, Le Mémpris, and Une femme est une femme – where primary colors are abundant. It was my intention to have the colors, images and production design act as characters in the film.” 102 SOMMARIO AFTER HOURS Adam Pinney lavora in ambito televisivo e cinematografico da tredici anni. Membro del collettivo Fake Wood Wallpaper, con sede ad Atlanta, ha collaborato come direttore della fotografia al thriller 24 Exposures (2013) di Joe Swanberg e come operatore di ripresa per due film diretti da Alex Orr, il produttore di The Arbalest: l’horror Blood Car (2007) e la commedia A Is for Alex (2010), di cui Pinney è stato anche sceneggiatore. Come regista ha esordito nel 2002 con il cortometraggio Helena, a cui è seguito nel 2003 The Last Last and the Tribulations of Johnnybush. Adam Pinney has been working in television and film for thirteen years. A member of the collective Fake Wood Wallpaper, headquartered in Atlanta, he has collaborated as director of photography on the thriller 24 Exposures (2013) by Joe Swanberg and as a cameraman on two films directed by Alex Orr, the producer of The Arbalest: the horror movie Blood Car (2007) and the comedy A Is for Alex (2010), for which Pinney also wrote the screenplay. He debuted in directing in 2002 with the short Helena, which was followed in 2003 by The Last Last and the Tribulations of Johnnybush. filmografia/filmography Helena (cm, 2002), The Last Last and the Tribulations of Johnnybush (cm, 2003), The Arbalest (2016). AFTER HOURS bruno bigoni CHI MI HA INCONTRATO, NON MI HA VISTO Italia/Italy, 2016, HD, 65’, col. THOSE WHO ENCOUNTERED ME, DIDN’T SEE ME regia, soggetto/ director, story Bruno Bigoni sceneggiatura/screenplay Bruno Bigoni, Lara Fremder fotografia/cinematography Italo Petriccione montaggio/film editing Cristina Flamini scenografia, costumi/ production design, costume design Silvia Cremaschi suono/sound Daniel Covi interpreti/cast Bruno Bigoni, Rocco Bigoni, Gianni Canova, Eric Claire, Laetitia Dehoule, Steve Della Casa, Dominique Evoli, Minnie Ferrara, Riccardo Magherini, Renato Minore, Alessandro Mor, Desirée Olmi, Mathieu Pastore, Alessandro Quattro, Claudio Savina, Maurizio Tabani produttori/producers Bruno Bigoni, Minnie Ferrara, Mario Castagna, Riccardo Annoni produzione/production Altamarea Film, Fake Film ** contatti/contacts Minnie Ferrara [email protected] www.minnieferrara.it 103 SOMMARIO La passione per Arthur Rimbaud spinge il regista Bruno Bigoni a compiere un viaggio avventuroso alla ricerca di alcune risposte sulla vita del grande poeta. L’incontro con un’inedita fotografia del poeta e con una sconvolgente registrazione della sua voce cambierà per sempre la vita e il lavoro del regista. «Lavoravo da tempo a un progetto su Rimbaud. […] Poi il documentario ha avuto una battuta d’arresto, si è incagliato in un evento inaspettato che ha trasformato il progetto in qualcosa di spericolato: l’offerta, fattami da una sconosciuta francese, di una fotografia inedita che, una volta acquisita e resa pubblica, avrebbe totalmente cambiato ciò che fino a oggi è stato detto e scritto sul poeta bambino. […] A tutto ciò, si aggiunge poco tempo dopo un’altra sconvolgente scoperta. Oltre alla fotografia, infatti, sarei potuto entrare in possesso di un documento straordinario: la registrazione originale della voce del poeta, raccolta a Marsiglia poco prima della sua morte». ** A passion for Arthur Rimbaud convinces the director Bruno Bigoni to go on an adventurous trip in search of answers about the great poet’s life. When he runs across an unpublished photograph of the poet and hears a disturbing recording of Rimbaud’s voice, his life and his work are changed forever. “For a while, I had been working on a project about Rimbaud. […] Then the documentary had a setback, it ran aground on an unexpected event which transformed the project into something reckless: an unknown French woman offered me an unpublished photograph which, purchased and made public, would have completely changed everything which had been said and written about the child poet to date. […] On top of all this, a short while later there was another amazing discovery. Besides the photograph, I could also come into possession of the poet’s voice, recorded in Marseille shortly before he died.” AFTER HOURS Bruno Bigoni (Milano, 1950) nel 1972 è tra i soci fondatori del Teatro dell’Elfo. Nel 1977 si laurea in lettere moderne e nel 1979 partecipa alla creazione della rassegna Filmmaker di Milano. Nel 1983, insieme con Kiko Stella, esordisce alla regia con Live e nel 1987 inizia l’attività in campo documentaristico con Nome di battaglia: Bruno, che vince numerosi premi. Nel 1990 fonda con Minnie Ferrara e Kiko Stella la società di produzione e distribuzione Minnie Ferrara & Associati, con cui realizza i suoi lavori seguenti. Nel 1993 partecipa poi al Festival di Locarno con il lungometraggio Veleno. Collabora con l’Università Cattolica di Milano e tiene seminari e laboratori sul cinema documentario allo Iulm di Milano. Ha partecipato a dieci edizioni del Torino Film Festival. Bruno Bigoni (Milan, Italy, 1950) was one of the founders of the Teatro dell’Elfo in 1972. In 1977, he received his degree in humanities and in 1979 helped create the Filmmaker Festival in Milan. In 1983, with Kiko Stella, he debuted in directing with Live and in 1987 he began his activity in documentary filmmaking with Nome di battaglia: Bruno, which won numerous prizes. In 1990 he, Minnie Ferrara and Kiko Stella founded the production and distribution company Minnie Ferrara & Associati, with which he made his following films. In 1993, he participated at the Locarno Film Festival with the feature-length Veleno. He collaborates with the Catholic University in Milan and holds seminars and laboratories on documentary cinema at Milan’s IULM. He has participated at ten editions of the Torino Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Live (coregia/codirector Kiko Stella, 1983), Nothing (cm, doc., 1985), Nome di battaglia: Bruno (cm, doc., 1987), Lux interior (cm, doc., 1989), Jamaica (cm, doc., 1990), Italia 90. Lavori in corso (mm, doc., 1990), Belli sciallati (cm, doc., 1996), Amleto… frammenti (cm, doc., 1997), Scene da Pinocchio (1998), Faber (coregia/codirector Romano Giuffrida, 1999), Comizi d’amore 2000 (cm, 2000), Cuori all’assalto - Storia di Raffaele e Cristina (cm, doc., 2002), Riccardo III (2004), Illuminazioni (2004), Don Chisciotte e… (2006), Il colore del vento (2011), Chi mi ha incontrato, non mi ha visto (doc., 2016). AFTER HOURS na hong-jin GOKSUNG Corea del Sud/South Korea, 2016, HD, 156’, col. THE WAILING regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Na Hong-Jin fotografia/cinematography Hong Kyung Pyo montaggio/film editing Kim Sun Min scenografia/ production design Lee Hwo Kyung costumi/costume design Chae Kyung Hwa musica/music Jang Young Gyu, Dalpalan suono/sound Park Yong Ki interpreti e personaggi/ cast and characters Kwak Do Won (Jong-gu), Hwang Jung Min (Il-gwang), Kunimura Jun (lo straniero/stranger), Chun Woo Hee (la donna anonima/ anonymous woman) produttori/producers Suh Dong Hyun, Kim Ho Sung produzione/production Side Mirror, Fox International Production (Korea) distribuzione/distribution Movies Inspired ** contatti/contacts Movies Inspired Stefano Jacono [email protected] La quotidianità sonnolenta di un piovoso villaggio coreano è sconvolta da un omicidio atroce: una famiglia massacrata dal padre, che viene trovato sul luogo del delitto in stato confusionale e con la pelle ricoperta di strane bolle. Dopo alcuni giorni si verificano altri episodi sanguinosi simili: per il goffo poliziotto Jong-gu, incaricato delle indagini, la motivazione dietro questi gesti è inspiegabile. Secondo la stampa locale sarebbero causati dall’intossicazione provocata da non meglio precisati funghi velenosi, mentre per i residenti della zona la colpa sarebbe imputabile a un giapponese (prontamente ribattezzato “lo straniero”) che da qualche tempo vive nei boschi. Ma l’orrore è solo all’inizio… «The Wailing è stato realizzato ricercando una totale perfezione, dopo due anni e otto mesi di stesura e revisione della sceneggiatura, sei mesi di riprese e un anno di lavoro di postproduzione. Nello specifico, la cura con cui la produzione ha lavorato per le riprese in loco è stata straordinaria». ** The drowsy routine of a rainy South Korean town is rattled by a string of brutal murders that started when a man killed his entire family. The police found him on the crime scene in a state of shock, his skin covered in boils. Jong-gu is the (rather clumsy) officer handling the investigation. He starts running across other similar incidents, just as bizarre and gory, but cannot seem to find the reason for this string of deaths. The local press is attributing them to food poisoning, probably some kind of mushrooms. Residents in the area blame a Japanese man (which they simply call “the foreigner”) who has been living in the woods for some time. But the horrors have just begun… “The Wailing was made with a complete devotion to perfection, encompassing two years and eight months of screenplay writing and revision, six months of shooting and a year of post-production work. In particular, the production team’s devotion to location shooting was extraordinary.” 104 SOMMARIO AFTER HOURS Na Hong-Jin (Corea del Sud, 1974) è considerato uno dei maggiori talenti del cinema thriller e fantastico coreano. Esordisce come regista e sceneggiatore nel 2005 con il cortometraggio The Perfect Fishplate, a cui segue nel 2007 Sweat. L’anno successivo è la volta del suo primo lungometraggio, The Chaser, con cui partecipa fuori concorso al Festival di Cannes e si fa conoscere in tutto il mondo. Nel 2011 gira invece The Yellow Sea (2011), che, sempre a Cannes, partecipa a Un certain regard e viene premiato in numerosi festival. Na Hong-Jin (South Korea, 1974) is considered one of South Korea’s best thriller and fantasy filmmakers. He wrote and directed his first shortfilm The Perfect Fishplate in 2005, followed by Sweat in 2007. The Chaser (2008), his first feature, was screened at the Cannes Film Festival out of competition, making him known worldwide. The Yellow Sea (2011) participated in Cannes’s Un certain regard section and won many awards from festivals worldwide. filmografia/filmography Wanbyeoghan domiyoli (The Perfect Fishplate, cm, 2005), Han (Sweat, cm, 2007), Chugyeogja (The Chaser, 2008), Hwanghae (The Yellow River, 2011), Goksung (The Wailing, 2016). © WILLIAM ANZEVINOCREDIT AFTER HOURS justin kelly KING COBRA Usa, 2016, HD, 91’, col. KING COBRA regia, sceneggiatura/ director, screenplay Justin Kelly soggetto/story Justin Kelly, D. Madison Savage fotografia/cinematography Benjamin Loeb montaggio/film editing Joshua Raymond Loeb scenografia/ production design Anastasia White costumi/costume design Matthew Simonelli musica/music Tim Kvasnosky suono/sound Scott Krarmer interpreti e personaggi/ cast and characters James Franco (Joe), Christian Slater (Stephen), Keegan Allen (Harlow), Garrett Clayton (Sean-Brent Corrigan), Alicia Silverstone (Janette), Molly Ringwald (Amy) produttori/producers Jordan Yale Levine, Scott Levinson, James Franco, Vince Jolivette, Shaun Sanghani produzione/production Yale Productions, SSS Entertainment, Digital Ignition Entertainment, RabbitBandini Productions ** contatti/contacts The Exchange Danny Gusman [email protected] www.theexchange.ws 105 SOMMARIO Stephen è un quarantenne solitario che, sotto lo pseudonimo di King Cobra, produce film porno gay. Sean è un bel diciassettenne pieno di sogni ma con il portafoglio vuoto. Quando si conoscono on line, nasce fra i due una collaborazione che porta alla nascita di una star, Brent Corrigan, nome d’arte di Sean. Ma attira anche l’invidia di Joe e Harlow, due marchette spiantate che si improvvisano produttori pornografici e che, pur di avere Sean, farebbero di tutto. Anche uccidere… Da una storia vera. «Sul web le persone si reinventano di continuo. Si creano innocui avatar o pericolose identità per presentarsi sui social media. Sono modi per giocare con la propria identità, per essere percepiti come qualcun altro, per fantasticare e sfuggire a un’esistenza altrimenti comune. Tutti i personaggi di King Cobra […] si sono creati identità on line per appagare le loro fantasie, per arricchire le loro vite, per raggiungere il successo e vivere una versione personale del sogno americano, senza curarsi delle conseguenze sugli altri». ** Stephen is a solitary forty-year-old who makes gay porn under the pseudonym King Cobra. Sean is a handsome seventeen-year-old full of dreams and an empty wallet. They meet online and strike up a collaboration that will lead Sean, aka Brent Corrigan, to stardom. Jealous of his success, Joe and Harlow, two cash-strapped hustlers turned porn producers, will go to any length to get Sean. Even kill… Based on a true story. “People reinvent themselves online all the time. From creating innocent avatars to harmful false identities to merely presenting oneself on social media – it’s a way to play with identity, to be perceived as someone or something else, to fantasize and escape an otherwise normal existence. The characters in King Cobra […] all created online identities as a means to fulfill their fantasies, to enrich their lives, to find success and live their version of the American dream, regardless of how that affected other people.” AFTER HOURS Justin Kelly vive e lavora a Los Angeles. Ha esordito come regista e sceneggiatore nel 2006 con il cortometraggio Debris, a cui sono seguiti Front (2007) e Girl! (2009). Nel 2015 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, I Am Michael, con la partecipazione nel cast di James Franco, Zachary Quinto, Emma Roberts e la produzione esecutiva di Gus Van Sant, ottenendo un buon successo al Sundance Film Festival e alla Berlinale. Attualmente sta sviluppando il suo nuovo progetto, intitolato Welcome the Stranger. Justin Kelly lives and works in Los Angeles. He made his debut as director and screenwriter with the short Debris (2006), followed by Front (2007) and Girl! (2009). In 2015, he wrote and directed his first full-length film, I Am Michael, featuring performances by James Franco, Zachary Quinto, Emma Roberts, and Gus Van Sant as the executive producer. The movie was favorably received at the Sundance Film Festival and the Berlinale. He is currently working on a new project called Welcome the Stranger. filmografia/filmography Debris (cm, 2006), Front (cm, 2007), Girl! (cm, 2009), I Am Michael (2015), King Cobra (2016). AFTER HOURS ed gass-donnelly LAVENDER Canada, 2016, HD, 92’, col. LAVENDER regia/director Ed Gass-Donnelly soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Colin Frizzell, Ed Gass-Donnelly fotografia/cinematography Brendan Steacy montaggio/film editing Dev Singh scenografia/ production design Oleg M. Savytski costumi/costume design Anne Dixon musica/music Sarah Neufeld, Colin Stetson suono/sound Peter Clements interpreti e personaggi/ cast and characters Abbie Cornish (Jane), Diego Klattenhoff (Alan), Justin Long (Liam), Dermot Mulroney (Patrick) produttori/producers Ed Gass-Donnelly, David Valleau produzione/production South Creek Pictures, 3 Legged Dog Films ** contatti/contacts Ambi Distribution Lilla Soria [email protected] www.ambidistribution.com Dopo aver perso la memoria a causa di un incidente d’auto, Jane, su consiglio dello psicologo, torna a visitare la casa dove è cresciuta. Qui un inquietante sospetto inizia a farsi strada nella donna: e se fosse stata proprio lei la causa della morte di alcuni parenti che credeva di non aver mai conosciuto? «Ho sempre delle reazioni contrastanti di fronte alla parola “horror”. The Others ha avuto sicuramente una grande influenza sul film, ma in realtà non sono un fan dell’horror come genere. Ci sono bei film che mi fanno una gran paura, ma non mi considero un appassionato. […] Quello che apprezzo in The Others è la ricchezza delle performance degli attori. […] Un’altra grande influenza l’ha avuta Shining: in alcuni punti mi sono anche detto che forse lo stavamo involontariamente copiando. Non un plagio intenzionale, certo, ma quella ripresa in cui c’è la ragazza nel corridoio… Sembra proprio una di quelle inquadrature classiche alla Kubrick, con il personaggio al centro. Credo si tratti semplicemente di assecondare i propri gusti. Come se cercassimo di usare situazioni che troviamo spaventose e inquietanti». ** After losing her memory in a car accident, Jane is prompted by her therapist to visit her childhood home. But a sneaking suspicion creeps up on the woman. She used to think she never met her parents, but what if they had died because of her? “I have such a mixed response to the word ‘horror.’ The Others was definitely a big influence. I’m not really a horror fan, per se. Even though I appreciate some great movies that happen to be scary, I’m not really a fan of the genre. […] But what I liked about The Others was just that it was such a rich world of performances. […] The other movie that influenced my film was The Shining. There were times when I thought we were inadvertently referencing The Shining. It wasn’t outright plagiarism, but the shot of the girl in the hall is sort of like Kubrick’s classic center frame. I think it’s just where our tastes tend to go. We try to find things that we find to be creepy and unsettling.” 106 SOMMARIO AFTER HOURS Ed Gass-Donnelly (Toronto, Canada, 1977) ha iniziato la sua carriera come regista teatrale per poi dedicarsi al cinema all’inizio degli anni Duemila. Dopo alcuni cortometraggi, nel 2007 ha esordito nel lungometraggio con This Beautiful City, che, presentato in diversi festival internazionali tra cui quelli di Toronto e di Karlovy Vary, ha ottenuto numerosi riconoscimenti, come il premio per miglior film al Rhode Island International Film Festival. Con il successivo Small Town Murder Songs (2010) ha partecipato in concorso al Torino Film Festival, vincendo il premio Fipresci. Ha quindi diretto negli Stati Uniti l’horror The Last Exorcism - Liberaci dal male (2013), su sceneggiatura di Damien Chazelle, e The Determinist (2014, in collaborazione con Kat Germain). Ed Gass-Donnelly (Toronto, Canada, 1977) began his career as a theatrical director, after which he dedicated himself to film at the beginning of this century. After making a few shorts, in 2007 he debuted in feature films with This Beautiful City, which was presented at various international festivals, including the ones in Toronto and Karlovy Vary, and received numerous awards, including Best Film at the Rhode Island International Film Festival. The following movie, Small Town Murder Songs (2010), was selected in competition at Torino Film Festival, where won the FIPRESCI Award. Then he directed the American horror movie The Last Exorcism (2013), from a script by Damien Chazelle, and The Determinist (2014, codirector Kat Germain). filmografia/filmography Polished (cm, 2002), Dying Like Ophelia (cm, 2002), Pony (cm, 2002), Pink (cm, 2003), This Beautiful City (2007), 60 Seconds of Regret (cm, 2009), Small Town Murder Songs (2010), The Last Exorcism (The Last Exorcism - Liberaci dal male, 2013), The Determinist (coregia/ codirector Kat Germain, cm, 2014), Lavender (2016). AFTER HOURS anna biller THE LOVE WITCH Usa, 2016, 35mm, 120’, col. THE LOVE WITCH regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio, scenografia, costumi, musica, produttore/director, story, screenplay, film editing, production design, costume design, music, producer Anna Biller fotografia/cinematography M. David Mullen interpreti e personaggi/ cast and characters Samantha Robinson (Elaine), Gian Keys (Griff), Laura Waddell (Trish), Jeffrey Vincent Parise (Wayne), Jared Sanford (Gahan), Robert Seeley (Richard), Jennifer Ingrum (Barbara) produzione/production Anna Biller Productions ** contatti/contacts OscilloScope Cameron Swanagon [email protected] www.oscilloscope.net California, anni Sessanta. Quando la bellissima Elaine, che si professa strega per amore, rimane vedova in circostanze misteriose decide di trasferirsi da San Francisco in una cittadina di provincia dove magia e riti orgiastici sono tollerati. Qui, per mezzo di pozioni e sortilegi, potrà dare inizio alla ricerca dell’uomo ideale. Con conseguenze spesso sanguinose… «La figura della strega è un’immagine femminile carica di significati: rappresenta sia il potere della donna sia la paura dell’uomo verso la sua sessualità. È la versione femminile di un serial killer: una donna che uccide per amore. La strega è narcisista in modo patologico, quindi ho cercato di mostrare come veda il mondo dentro di sé. Mi sono ispirata a Repulsione di Polanski, in cui viene rappresentata la spaventosa vita interiore di una donna problematica, e a Marnie di Hitchcock, girato in Technicolor e con quelle caratteristiche da horror e da film sentimentale che, insieme al direttore della fotografia, stavo cercando». ** California, the 1960s. When beautiful Elaine, who calls herself a love witch, is widowed under mysterious circumstances, she decides to move from San Francisco to a small town where magic and orgiastic rites are tolerated. Here, through potions and spells, she can begin her search for the ideal man. Often with bloody consequences… “The witch is a very loaded female image, as she stands for both female power and the male fear of female sexuality. She is the female version of the serial killer: a woman who kills for love. She is pathologically narcissistic, and I try to show how the world looks to her from the inside. I was inspired by films such as Polanski’s Repulsion, which details the nightmarish inner life of a damaged woman, and Hitchcock’s Marnie, which had the Technicolor look and horror-romance quality that I and my cinematographer were going for.” 107 SOMMARIO AFTER HOURS Anna Biller ha realizzato musical per il teatro come Princess Butterfly (2001) e The Lady Cat (1995), diversi cortometraggi e mediometraggi come Three Examples of Myself as Queen (1994), Fairy Ballet (1998), The Lady Cat (2001), The Hypnotist (2001) e l’acclamato horror-western A Visit from the Incubus (2001). È conosciuta soprattutto per la rivisitazione dei film di genere, per l’umorismo, il gusto per il burlesque e gli eccessi visivi delle sue storie, e inoltre per i set stilizzati e i costumi colorati che lei stessa crea. È diplomata alla Ucla e ha conseguito un master al California Institute of the Arts. Nel 2006 ha realizzato il suo primo lungometraggio, Viva, presentato al Torino Film Festival insieme a una selezione di altri suoi lavori. Anna Biller has directed musical plays such as Princess Butterfly (2001) and The Lady Cat (1995) and has completed a number of short and middle-length films, such as Three Examples of Myself as Queen (1994), Fairy Ballet (1998), The Lady Cat (2001), The Hypnotist (2001) and the acclaimed horror-western short A Visit from the Incubus (2001). She is known for her use of film genres, humour, the burlesque and visual excess of her films, and for her colourful stylized sets and costumes, which she creates herself. She has a BA in art from UCLA and an MFA in art and film from CalArts. In 2006 she directed her first feature film, Viva, shown at Torino Film Festival together with a selection of other works from her filmography. filmografia/filmography Three Examples of Myself as Queen (cm, 1994), Fairy Ballet (cm, 1998), The Lady Cat (cm, 2001), A Visit from the Incubus (cm, 2001), The Hypnotist (mm, 2001), Viva (2006), The Love Witch (2016). AFTER HOURS mario bava LA MASCHERA DEL DEMONIO Italia-Repubblica Federale Tedesca/Italy-FRG, 1960, 35mm, 87’, bn/bw BLACK SUNDAY regia, fotografia/ director, cinematography Mario Bava soggetto/story dal racconto Il Vij di/ from the short story Viy by Nikolaj Gogol sceneggiatura/screenplay Mario Bava, Marcello Coscia, Ennio De Concini, Mario Serandrei scenografia/ production design Giorgio Giovannini montaggio/film editing Mario Serandrei musica/musica Roberto Nicolosi interpreti e personaggi/ cast and characters Barbara Steele (Katia Vajda), John Richardson (Dr André Gorobec), Andrea Checchi (Dr Thomas Kruvajan), Ivo Garrani (principe/prince Vajda), Arturo Dominici (Javutich), Tino Bianchi (Ivan) produttore/producer Massimo De Rita produzione/production Galatea, Jolly Film Russia, 1830. Diretti a Mosca per prendere parte a un congresso scientifico, il dottor Kruvajan e il dottor Gorobec rinvengono in una cappella sconsacrata il sarcofago di una strega giustiziata un secolo prima. In seguito a un incidente, una goccia del sangue di Kruvajan cade sul cadavere mummificato, facendo risorgere la strega. Quest’ultima, avida di vendetta, si dirige verso un castello dove, insieme al padre e al fratello, vive Katia, una sua pronipote. «Avevo letto Il Vij di Gogol, che è una storia stupenda e un film ancora da farsi. A Silvi Marina, lo lessi ai miei figli, che all’epoca erano ancora piccoli: dalla paura i due poveretti, dormirono con noi nel lettone. Siccome in quel periodo era uscito Dracula pensai di fare un film del terrore. Avevo Il Vij, era il mio primo film da regista e si trattava di un passo molto serio, perché se fallivo avevo chiuso come regista e come operatore. Venne fuori La maschera del demonio: del Vij era rimasto solo il nome del protagonista, ed era tutta un’altra storia. Il film fece cinque miliardi d’incasso in America, e da lì in poi ho fatto il regista». ** Russia, 1830. Dr Kruvajan and Dr Gorobec are traveling to Moscow to attend a scientific conference. Along the way, they stop inside a deconsecrated chapel, where they find the sarcophagus of a witch who had been put to death a century earlier. After an accident, a drop of Kruvajan’s blood falls on the witch’s mummified corpse, bringing her back to life. The witch is eager for revenge and goes to a castle where Katia, a great-granddaughter of hers, lives with her father and her brother. “I had read Viy by Gogol, which is a marvelous story and a film waiting to be made. At Silvi Marina, I read it to my children, who were still small at the time: poor things, they were so scared they slept between us in bed. Since Dracula had just come out, I thought I’d make a horror movie. I had Viy, it was the first movie I ever directed and it was a very big step, because if I failed it was over for me as a director and a cameraman. The result was Black Sunday. It was a completely different story, all that was left of Viy was the protagonist’s name. The movie made five billion lira in America, and from then on I was a director.” 108 SOMMARIO AFTER HOURS Mario Bava (Sanremo, Imperia, 1914 - Roma, 1980) ha appreso la passione per il cinema, oltre all’amore per la pittura e all’interesse per tutto ciò che riguarda l’immagine, dal padre, un operatore ai tempi del cinema muto. Fino al 1960 è stato direttore della fotografia (si è limitato a dirigere solo qualche cortometraggio negli anni Quaranta), poi ha debuttato nella regia con La maschera del demonio, ancora oggi considerato il suo capolavoro. In seguito è passato al cinema a colori, dando inizio a una lunga serie di horror gotici largamente trascurati dalla critica italiana. Il suo cinema, molto noto anche all’estero, è stato fatto oggetto di un’importante rivalutazione nel corso degli ultimi trent’anni. Mario Bava (Sanremo, Imperia, Italy, 1914 - Rome, Italy, 1980) inherited the passion for the cinema, his love for painting, and an interest in everything that has to do with images from is father, who was a cameraman during the time of silent movies. He worked as director of photography until 1960. In the 1940s he directed a few short films. Black Sunday is his debut feature, and is considered his masterpiece. Subsequently, he started to make color films and a long series of gothic horror films that were largely overlooked by Italian critics. His cinema earned a healthy reputation abroad and has been subjected to an important reevaluation over the last thirty years. filmografia essenziale/ essential filmography La maschera del demonio (1960), I tre volti della paura (1963), La frusta e il corpo (1963), Sei donne per l’assassino (1964), Terrore nello spazio (1965), Diabolik (1968), Il rosso segno della follia (1969), Reazione a catena (1971), Gli orrori del castello di Norimberga (1972), La casa dell’esorcismo (1974), Schock (1977), La venere d’Ille (1978). © COLIN MEDLEY AFTER HOURS matt johnson OPERATION AVALANCHE Usa, 2015, HD, 93’, col. Matt Johnson (Toronto, Canada) ha studiato cinema all’Università di York. È coautore della serie del 2009 Nirvana the Band the Show e nel 2013 ha diretto il suo primo lungometraggio The Dirties: il film ha ottenuto diversi riconoscimenti, tra cui il gran premio della giuria per la miglior sceneggiatura allo Slamdance Film Festival. Operation Avalanche è il suo secondo lungometraggio. OPERATION AVALANCHE regia/director Matt Johnson sceneggiatura/screenplay Matt Johnson, Josh Boles fotografia/cinematography Jared Raab, Andrew Appelle montaggio/film editing Curt Lobb scenografia/ production design Chris Crane costumi/costume design Jona Ballaran musica/music Jay McCarrol suono/sound Matt Chan interpreti e personaggi/ cast and characters Ray James (se stesso/himself), Josh Boles (se stesso/himself), Owen Williams (se stesso/himself), Matt Johnson (se stesso/himself), Krista Madison (Julie) produttori/producers Matt Johnson, Matthew Miller, Lee Kim produzione/production XYZ Films, Resolute Films and Entertainment, Zapruder Films coproduttore/coproducer Jared Raab distribuzione/distribution Movies Inspired ** contatti/contacts Movies Inspired Stefano Jacono [email protected] 109 SOMMARIO 1967, guerra fredda. La Cia sospetta che all’interno della Nasa ci sia una talpa russa decisa a sabotare il programma Apollo. Invia così due giovani agenti sotto copertura, che si fingono registi interessati a riprendere la corsa allo spazio. Quello che i due scoprono, però, è ben più scioccante dell’esistenza di una spia russa: a proposito di Apollo, infatti, il governo americano sta nascondendo un segreto in grado di cambiare la storia. «Dopo aver girato The Dirties volevo capire come si comporterebbe un personaggio come Matt [uno dei due protagonisti, già al centro del film precedente di Johnson, ndr] se avesse vero potere. Mi hanno sempre affascinato l’ambizione e i limiti che la gente è decisa a superare per inseguire il potere, e mi sembravano degli argomenti interessanti da affrontare. La mia amicizia con Owen è cambiata nel corso del tempo, in parte proprio a causa di questi problemi, e ho voluto raccontarla sullo schermo prima che sfiorisse del tutto». ** 1967, the Cold War. The CIA suspects there is a Russian spy at NASA trying to sabotage the Apollo program. It sends in two young undercover agents who pretend to be directors interested in filming the Space Race. But what the two agents discover is much more shocking than the existence of a Russian spy: the U.S. government is hiding a secret about the Apollo program that could change history. “After shooting The Dirties I wanted to see how someone like Matt [one of the two protagonists, who had also starred in Johnson’s previous movie, editor’s note] would behave if he had real power. I have always been fascinated by ambition and the limits people are willing to overcome to chase after power, and these seemed like interesting topics to deal with. My friendship with Owen also changed over time, partly because of these problems, and I wanted to bring it to the screen before it completely faded away.” AFTER HOURS Matt Johnson (Toronto, Canada) studied film at York University. He cocreated the series Nirvana the Band the Show (2009) and in 2013 directed The Dirties, which received numerous awards, including the Grand Jury Prize for Best Narrative at the 2013 Slamdance Film Festival. Operation Avalanche is his second feature. filmografia/filmography Nirvana the Band the Show (serie tv/tv series, 2009), The Dirties (2013), Operation Avalanche (2016). AFTER HOURS erik skjoldbjærg PYROMANEN Norvegia/Norway, 2016, HD, 97’, col. PYROMANIAC regia/director Erik Skjoldbjærg soggetto/story dal romanzo/from the novel Before I Burn di/by Gaute Heivoll sceneggiatura/screenplay Bjørn Olaf Johannessen fotografia/cinematography Gösta Reiland montaggio/film editing Sverrir Kristjansson costumi/costume design Anne Pedersen musica/music Gaute Tønder, Maja Ratkje suono/sound Håkon Lammetun interpreti e personaggi/ cast and characters Trond Hjort Nilsen (Dag), Per Frisch (Ingeman), Liv Bernhoft Osa (Alma), Henrik Rafaelsen (Johansen) produttori/producers Edward A. Dreyer, Aage Aaberge produzione/production Glør Film AS ** contatti/contacts Norwegian Film Institute Stine Oppegaard [email protected] www.nfi.no Norvegia, estate del 1981. Il diciannovenne Dag è cresciuto con i genitori nel tranquillo villaggio di Finsland e fin da bambino è stato abituato dal padre, responsabile della locale squadra di pompieri, ad accompagnarlo durante le sue missioni. Tornato dal servizio militare, Dag non sembra più lo stesso. E anche i genitori se ne sono accorti. Fino a quando, improvvisi, gli incendi cominciano a scoppiare. Tratto da una storia vera. «Sarebbe troppo riduttivo dare una sola risposta alla domanda sul perché Dag ha fatto quel che ha fatto. C’erano sicuramente diversi motivi: perché voleva farsi notare, perché era un narcisista, perché aveva un rapporto malato con il padre e si sentiva trascurato. […] In Norvegia abbiamo la nostra storia recente di terrorismo e di persone che hanno fatto cose difficilmente comprensibili. Ciascuno di noi sa cosa significhi essere soli, e per molti aspetti lo è. Il rimedio sono i rapporti sociali, anche se per qualcuno questi rapporti non significano nulla». ** The year is 1981 and it is summer in the little village of Finsland. Dag is nineteen years old and has spent his childhood in the countryside living with his parent, Norways. His father is chief of the local volunteer fire brigade and Dag has, since he was a child, been going along with his father to the call-outs. Dag has recently returned after a year of military service and his parents notice that he has changed. Then the fires begin. Based on a true story. “It’s too reductive to give one single answer to the question ‘why Dag is doing it.’ There were a few things: he has a need to be seen, he has a streak of narcissism, he has this uneven bond with his father, and he feels excluded. […] We’ve had our recent history of terrorism in Norway and people doing things it’s hard to fathom. Each of us has a sense of knowing something about loneliness – on some level we’re alone. The remedy is social interaction, but this interaction doesn’t feel meaningful for some people.” 110 SOMMARIO AFTER HOURS Erik Skjoldbjærg (Norvegia, 1964) si è laureato presso la National Film and Television School di Londra nel 1997 e, dopo alcuni cortometraggi, ha debuttato nello stesso anno con Insomnia, celebre thriller che prima ha partecipato alla Semaine de la critique di Cannes e poi, nel 2002, è stato rifatto a Hollywood da Christopher Nolan. Grazie al successo del film, ha fatto il suo debutto internazionale con Prozac Nation (2001) e in seguito ha girato sia film per il cinema sia episodi di miniserie televisive. Nel 2013 ha partecipato con Pioneer al Festival di Toronto e nel 2015 ha creato con Karianne Lund e Jo Nesbø la serie televisiva di successo Occupied, di cui ha diretto due episodi. Erik Skjoldbjærg (Norway, 1964) graduated from the National Film and Television School in London in 1997 and after some shorts he made his feature film debut with Insomnia (1997). The film was selected for the Semaine de la critique in Cannes and was remade in 2002 by Christopher Nolan. He made his international debut with Prozac Nation (2001), and has since directed several feature films and TV-dramas. His film Pioneer (2013) was selected by Toronto International Film Festival, and then he co-created with Karianne Lund and Jo Nesbø and partly directed the successful drama-series Occupied. filmografia/filmography Vinterveien (cm, 1993), Close to Home (cm, 1994), Spor (cm, 1996), Insomnia (1997), Prozac Nation (2001), Skolen (serie tv/tv series, ep., 2004), En folkefiende (2005), Størst av alt (serie tv/tv series, ep., 2007), Nokas (2010), Pionér (Pioneer, 2013), Okkupert (Occupied, serie tv/tv series, ep., 2015), Pyromanen (Pyromaniac, 2016). AFTER HOURS kōji shiraishi SADAKO VS KAYAKO Giappone/Japan, 2016, HD, 98’, col. Kōji Shiraishi (Fukoka, Giappone, 1973) ha studiato regia cinematografica presso la Kyushyu Sangyo University, per poi cominciare a lavorare come assistente alla regia. Ha esordito nella regia nel 2004, con il lungometraggio Ju-rei: The Uncanny. Tra i film successivi, che lo hanno reso uno più apprezzati registi giapponesi di horror e thriller, The Curse (2005), Carved (2007), Grotesque (2009), Occult (2009) e A Record of Sweet Murder (2014). Con Sadako Vs Kayako (2016), suo ultimo film, ha partecipato al Festival di Toronto. SADAKO VS KAYAKO regia/director Kōji Shiraishi soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Takashi Shimizu, Kōji Suzuki fotografia/cinematography Hidetoshi Shinomiya musica/music Kōji Endō interpreti e personaggi/ cast and characters Mizuki Yamamoto (Yuri Kurahashi), Tina Tamashiro (Suzuka Tagaki), Aimi Satsukawa (Natsumi), Misato Tanaka (Ayako Takagi), Masahiro Kōmoto (Shinichi Morishige), Masanobu Andō (medium Kyozo) produttori/producers Reiko Imayasu, Toshinori Yamaguchi, Mikihiko Hirata produzione/production Kadokawa, NBCUniversal Entertainment distribuzione/distribution Movies Inspired ** contatti/contacts Movies Inspired Stefano Jacono [email protected] 111 SOMMARIO La studentessa universitaria Natsumi ha da poco acquistato un videoregistratore usato per passare su dvd alcune vecchie videocassette. Guardando un video trovato nel lettore, cade vittima della maledizione dello spirito maligno Sadako, di cui in precedenza aveva sentito parlare. Intanto la liceale Suzuka, perseguitata da alcuni strani sogni, è attratta dalla casa che si trova in fondo alla via in cui vive. Anni prima l’abitazione era stata teatro dello sterminio di una famiglia, e qui Suzuka vi incontra lo spirito di Kayako e di suo figlio Toshio. Quando Natsumi e Suzuka si conoscono, capiscono entrambe che per liberarsi dai sortilegi di cui sono vittima dovranno far sì che Sadako e Kayako si fronteggino e si distruggano a vicenda. Non resta quindi che introdurre la videocassetta nella casa e attendere che lo scontro abbia inizio… ** Natsumi is a college student who recently bought a used tape recorder to transfer a few old VHS tapes to DVD. She finds a tape in the device and watches it, falling victim of the curse of an evil spirit called Sadako. Meanwhile Suzuka, a high school student, starts having weird dreams and is lured to a house at the end of the street where a family was brutally massacred years before. There she runs into the ghosts of Kayako and her son Toshio. When Natsumi and Suzuka finally meet, they realize that the only way of breaking their curses is to make their respective ghosts, Sadako and Kayako, confront and destroy each another. All they have to do is play the tape inside the house and wait for the match to begin… AFTER HOURS Kōji Shiraishi (Fukoka, Japan, 1973) graduated in filmmaking from Kyushyu Sangyo University and started working as director’s assistant. He made his first feature, Ju-rei: The Uncanny, in 2004, and soon became one of Japan’s favorite filmmakers in the horror and thriller genre with titles like The Curse (2005), Carved (2007), Grotesque (2009), Occult (2009) and A Record of Sweet Murder (2014). His latest movie, Sadako Vs Kayako (2016), participated to the Toronto Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Ju-rei: Gekijō-ban-Kuro-ju-rei (Ju-rei: The Uncanny, 2004), Noroi (The Curse, 2005), Kuchisake-onna (Carved, 2007), Gurotesuku (Grotesque, 2009), Okaruto (Occult, 2009), Teketeke (2009), Teketeke 2 (2009), Shirome (2010), Chō Akunin (2011), Ada: Senritsu-hen (Ada: Part I, 2013), Ada 2: Zetsubō hen (Ada: Part II, 2013), Karuto (Cult, 2013), Aru yasashiki satsujinsha no kiroku (A Record of Sweet Murder, 2014), Sadako Vs Kayako (2016). AFTER HOURS chris peckover SAFE NEIGHBORHOOD Australia-Usa, 2016, HD, 85’, col. regia/director Chris Peckover soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Chris Peckover, Zack Kahn fotografia/cinematography Carl Robertson montaggio/film editing Julie-Anne De Ruvo scenografia/ production design Richard Hobbs costumi/costume design Anna Cahill musica/music Brian Cachia interpreti e personaggi/ cast and characters Olivia DeJonge (Ashley), Levi Miller (Luke), Ed Oxenbould (Garrett), Virginia Madsen (Deandra), Patrick Warburton (Robert), Aleks Mikic (Ricky), Dacre Montgomery (Jeremy) produttori/producers Brett Thornquest, Sidonie Abbene, Brion Hambel, Paul Jensen produzione/production Storm Vision Entertainment, Best Medicine Productions coproduttore/coproducer Mat Graham ** contatti/contacts Versatile Alexandre Moreau [email protected] www.versatile-films.com © S E A N O R E I L LY SAFE NEIGHBORHOOD Deandra e Robert Lerner vivono in un quartiere residenziale con il figlio tredicenne Luke. Durante le festività natalizie decidono di passare una serata fuori con gli amici e affidano il ragazzo ad Ashley, la giovane babysitter che da anni lo segue e che è in procinto di lasciare la città. Luke, deciso a cogliere la palla al balzo, è pronto come non mai a dichiarare il suo amore, che tiene nascosto ormai da tempo, alla bella Ashley. La nottata, però, prenderà una piega imprevista quando qualcuno, armato e risoluto, farà di tutto per irrompere nella casa dei Lerner. «Safe Neighborhood è un film che parla dei problemi legati alla crescita. Oggi i ragazzini diventano grandi a una velocità incredibile, fanno parte della generazione di Internet e per loro l’accesso a qualsiasi tipo di informazione è la norma. Al posto di Sixteen Candles - Un compleanno da ricordare [famoso teen movie del 1984, ndr] ormai potremmo avere “Sixteen Condoms”, sedici profilattici. Per questo penso sia emozionante che Safe Neighborhood dia voce alla nuova realtà adolescenziale. E lo fa, per di più, con un punto di vista sul genere home invasion che non avete mai visto prima». ** Deandra and Robert Lerner live in a residential neighborhood with their thirteen-year-old son, Luke. They decide to spend an evening out with their friends during the Christmas holidays and entrust the boy to Ashley, the girl who has been babysitting Luke for years and will soon be leaving town. Luke decides to take the bull by the horns and is ready to declare his love for beautiful Ashley, a feeling he has been hiding for a while. But the evening takes an unexpected turn when someone, armed and determined, tries everything to break into the Lerner’s home. “Safe Neighborhood is a film about growing pains. Kids today mature at a screaming speed. They are the Internet Generation, and they have only ever known total access. Sixteen Candles has given way to ‘Sixteen Condoms.’ What’s exciting about Safe Neighborhood is it nails this new voice. Further, it delivers the package in a wicked twist on the home invasion genre like you’ve never seen.” 112 SOMMARIO AFTER HOURS Chris Peckover (Montreal, Canada) è cresciuto a Dallas e attualmente vive e lavora a Los Angeles. Ha studiato a Yale, dove ha ricevuto il prestigioso Edgar J. Boell Prize, e si è diplomato presso il Peter Stark Producing Program della University of Southern California, dove ha anche insegnato con il ruolo di guest professor. Ha esordito nel 2007 con il cortometraggio comico Alive and Well, a cui nel 2010 è seguito il suo primo lungometraggio, l’horror Undocumented. Chris Peckover (Montreal, Canada) grew up in Dallas and presently lives and works in Los Angeles. He studied at Yale, where he received the prestigious Edgar J. Boell Prize, and graduated from the Peter Stark Producing Program at the University of Southern California, where he also taught as a guest professor. He debuted in 2007 with the comedy short film Alive and Well, which was followed in 2010 by his first feature film, the horror movie Undocumented. filmografia/filmography Alive and Well (cm, 2010), Undocumented (2010), Safe Neighborhood (2016). AFTER HOURS christophe deroo SAM WAS HERE Francia-Danimarca/France-Denmark, 2016, 74’, HD, col. Christophe Deroo ha lavorato come direttore della fotografia e si è poi dedicato alla regia, con particolare attenzione per l’horror e il thriller. Ha esordito nel 2012 con il cortometraggio Skom, a cui è seguito Polaris (2013). Quindi ha diretto The Hanged Alley (2014) e Spaceman (2015), entrambi realizzati in Giappone. Nel 2016 è passato al lungometraggio proprio con Sam Was Here, la cui sceneggiatura è ispirata al corto Polaris. SAM WAS HERE regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Christophe Deroo fotografia/cinematography Emmanuel Bernard musica/music Christine interpreti e personaggi/ cast and characters Rusty Joiner (Sam), Sigrid Lachapelle (Eddy), Rhoda Pell (Rebecca), Hassan Galedary (Thomas) produzione/production Vixens, Kitsuney ** contatti/contacts Sonia Droulhiole 1998. Sam è un venditore che sta attraversando il deserto del Mojave, in California. Da giorni non incontra anima viva e non riesce a parlare al telefono con la moglie. Quando l’automobile si rompe, Sam rimane isolato. Per non perdere il contatto con il mondo, ascolta l’unica radio locale e scopre che un assassino è a piede libero nella zona. Nel frattempo strane minacce iniziano a perseguitarlo sul cercapersone. Gradualmente torna a incontrare delle persone, che però si mostrano ostili e aggressive. Forse lo scambiano per il fuggitivo, o forse cercano di trasformarlo in un omicida. [email protected] «L’attitudine a credere che condividendo il bello che c’è nelle nostre vite migliori la nostra condizione non dovrebbe oscurare il fatto che anche l’odio cresce con le stesse modalità. Lo si capisce vedendo i commenti ostili e offensivi sui social, una discarica per l’odio più sfrenato. […] Oggi, il solo fatto di non mettere un “like” giustifica lo scatenarsi della gogna pubblica. Sam è colpevole? Merita la violenza che si sfoga contro di lui? Di certo c’è solo che soffrirà a causa di una (cyber) comunità piena d’odio insorta contro di lui». ** 1998. Sam, a salesman, is crossing the Mojave Desert in California. He hasn’t seen a living soul in days and is unable to contact his wife on the phone. When Sam’s car breaks down, he is isolated. To keep in contact with the world he listens to the local radio station and discovers that an assassin is on the loose in the area. In the meantime, he begins to receive strange threats on his pager. He gradually begins to encounter people but they are hostile and aggressive. Maybe they have mistaken him for the fugitive, or perhaps they are trying to turn him into a murderer. “The tendency to believe that sharing what’s positive in our lives improves our human condition shouldn’t blind us to the fact that hate is also simultaneously on the rise in the same way. This is visible through the countless hostile and offensive comments that proliferate on social networks, a dumping ground for unbridled hate. […] Today, the simple fact of not liking you justifies the fact of publicly destroying you. Is Sam guilty? Does he deserve the violence unleashed upon him? What is certain is that he will suffer at the hands of a hate-filled (cyber) community rallied against him.” 113 SOMMARIO AFTER HOURS Christophe Deroo first worked as a director of photography and then moved on to directing, focusing in particular on horror movies and thrillers. He debuted in 2012 with the short Skom, which was followed by Polaris (2013). He next directed The Hanged Alley (2014) and Spaceman (2015), both of which were made in Japan. In 2016, he turned to feature films with Sam Was Here, whose screenplay is based on the short Polaris. filmografia/filmography Skom (cm, 2012), Polaris (cm, 2013), The Hanged Alley (cm, 2014), Spaceman (cm, 2015), Sam Was Here (2016). AFTER HOURS michael o’shea THE TRANSFIGURATION Usa, 2016, HD, 97’, col. Michael O’Shea (New York City, Usa) ha studiato cinema presso il Conservatory of Theatre Arts - Suny Purchase College e ha esordito nella regia con il cortometraggio Milo (2014), da lui scritto e diretto. La sceneggiatura del film è diventata poi l’ossatura per lo stesso The Transfiguration (2016), suo primo lungometraggio. THE TRANSFIGURATION regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Michael O’Shea fotografia/cinematography Sung Rae Cho montaggio/film editing Kathrjn J. Schubert scenografia/ production design Danica Pantic costumi/costume design Samantha Hawkins musica/music Margaret Chardiet suono/sound Coll Anderson interpreti e personaggi/ cast and characters Eric Ruffin (Milo), Chloe Levine (Sophie), Aaron Clifton Moten (Lewis) produttore/producer Susan Leber produzione/production Transfiguration Productions coproduttore/coproducer Billy Mulligan ** contatti/contacts Protagonist Pictures David Bartholomew [email protected] www.protagonistpictures.com Milo è un adolescente di New York solo al mondo: orfano e senza amici, è vittima di violenze e soprusi a scuola. Il suo unico rifugio è l’appartamento del fratello, dove, per sfuggire alla solitudine e alla frustrazione, s’immerge nel mondo dei vampiri, tra film e romanzi. L’incontro con la vicina di casa Sophie fa nascere in lui sentimenti sconosciuti. Per Milo si tratta di un cambiamento inatteso, che lo costringe, però, a tenere a bada le inquietanti pulsioni che segretamente lo tormentano. «Stilisticamente sono influenzato da quelli che potremmo chiamare i nuovi neorealisti, registi come Azazel Jacobs, Kelly Reichardt, i fratelli Safdie o Ramin Bahrani. E poi mi piace alla follia Lars von Trier. E pure Gaspar Noé. Ma sono affascinato anche dagli horror a basso budget e in generale dai film di serie B. Ad esempio, credo che, nei campi lunghi in cui il protagonista si aggira nel paesaggio urbano guardandosi attorno, si intraveda almeno in parte la mia passione per il cinema di Jean Rollin, in particolare per Vierges et vampires». ** Adolescent Milo lives an isolated life in New York: a friendless orphan, he is the victim of violence and bullying at school. His only refuge is his brother’s apartment, where he escapes his solitude and frustration by immersing himself in the world of vampires through movies and novels. When he meets Sophie, the next-door-neighbor, unfamiliar feelings are sparked in him. This is an unexpected change for Milo and it forces him to control the secret, disquieting urges which prey on him. “In terms of style, I am influenced very much by I guess you could call the new neo-realists like Azazel Jacobs, Kelly Reichardt, the Safdie brothers, or Ramin Bahrani, and god do I love Lars von Trier. I think I may idolize that guy. And Gaspar Noé is great. But I also love low budget horror and exploitation movies. Like all the wide shots of Milo walking and looking in these landscapes… I think that at least in part comes from my love of Jean Rollin and specifically Requiem for a Vampire.” 114 SOMMARIO AFTER HOURS Michael O’Shea (New York City, NY, USA) studied film at the Conservatory of Theatre Arts - SUNY Purchase College and debuted in directing with the short Milo (2014), which he wrote and directed. The screenplay of that movie became the framework for The Transfiguration (2016), his first feature film. filmografia/filmography Milo (cm, 2014), The Transfiguration (2016). AFTER HOURS kevin smith YOGA HOSERS Usa, 2016, HD, 87’, col. YOGA HOSERS regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Kevin Smith fotografia/cinematography James R. Laxton scenografia/ production design Cabot McMullen costumi/costume design Carol Beadle musica/music Christopher Drake suono/sound Erwil Romulo interpreti e personaggi/ cast and characters Lily-Rose Depp (Colleen C.), Harley Quinn Smith (Colleen M.), Johnny Depp (Guy Lapointe), Tony Hale (Bob Collette), Natasha Lyonne (Tabitha), Justin Long (Yogi Bayer), Austin Butler (Hunter Callowan), Tyler Posey (Gordon Greenleaf), Adam Brody (Ichabod) produttori/producers Liz Destro, Jennifer Schwalbach, Jordan Monsanto produzione/production Abbolita Films distribuzione/distribution Leone Film Group ** contatti/contacts Leone Film Group [email protected] www.leonefilmgroup.com 115 SOMMARIO Del tutto disinteressate al lavoro di commesse in uno store di Winnipeg, le adolescenti Colleen C. e Colleen M. preferiscono dedicarsi ai social network e a elaborare ingegnosi cartelli di scuse per andare nel retrobottega a provare con la loro rock band, il cui terzo componente è un improbabile batterista più che trentenne. L’altra grande passione delle due ragazze è lo yoga, che praticano seguendo gli insegnamenti di un sedicente maestro. La scoperta accidentale di un antico demone le condurrà in un universo del tutto nuovo, dove si scontreranno con un esercito di bratwurst nazisti pronti a sodomizzare il Canada. «Yoga Hosers è il tipo di film che vorrei vedere se fossi una ragazza di dodici anni, così ho deciso di realizzarlo. […] Durante le riprese, dopo aver concluso una scena, portavo Harley e Lily-Rose a vedere il girato e loro capivano subito cosa avrebbero dovuto fare in modo diverso. Nessuno più di una ragazza di quindici anni vuole essere sicuro di apparire e di risultare sempre meglio di come sembra». ** Adolescents Colleen C. and Colleen M. are completely disinterested in their jobs as salesclerks in a store in Winnipeg. They prefer to concentrate on social networks and invent signs with clever excuses so they can go in the backroom and rehearse with their rock band, whose third member is an improbable drummer who is over thirty years old. The other passion of the two girls is yoga, which they do with a self-styled teacher. They accidently discover an ancient demon, leading them into a completely new universe where they will battle an army of Bratwurst Nazis ready to sodomize Canada. “Yoga Hosers is the movie I wanted to see when I was a twelve-yearold girl, so I decided to make it. […] After we shot a scene, I would bring Harley and Lily-Rose over to watch their takes, and they would immediately see what they needed to do differently. Nobody wants to make sure that they look better and sound better more than fifteen-year-old girls.” AFTER HOURS Kevin Smith (Red Bank, New Jersey, Usa, 1970), diventato celebre con il film d’esordio Clerks - Commessi (1994), presentato al Sundance, è un regista, attore e produttore, fondatore della casa di produzione View Askew Productions. Creatore di un mondo a metà tra il grottesco, il comico, l’horror, il fantasy e la parodia, sospeso fra cinema indie e industria, fin dal primo film ha dato vita ai personaggi di Jay & Silent Bob, tornati poi in lavori come Generazione X (1995), In cerca di Amy (1997) e Dogma (1999), in opere di altri registi come Scream 3 di Wes Craven (2000) e in fumetti a firma dello stesso Smith. Altri fumetti di sua creazione sono invece ispirati al mondo dei supereroi e a figure come Devil, Green Arrow e l’Uomo ragno. Yoga Hosers fa parte della «True North Trilogy», inaugurata da Tusk e destinata a concludersi con Moose Jaws. Kevin Smith (Red Bank, NJ, USA, 1970), made famous by his debut film Clerks (1994), presented at Sundance, is a director, actor and producer, with his own company View Askew Productions. The creator of a world which is part grotesque, comedy, horror, fantasy and parody, suspended between indie and mainstream cinema, his first movie brought to life the characters Jay & Silent Bob, who returned in films such as Mallrats (1995), Chasing Amy (1997) and Dogma (1999); in films by other directors such as Scream 3 by Wes Craven (2000); and in comic books created by Smith. Other comic books of his are inspired by the world of superheroes and figures such as Daredevil, Green Arrow and SpiderMan. Yoga Hosers is part of the “True North Trilogy,” which began with Tusk and will conclude with Moose Jaws. filmografia/filmography Clerks (Clerks - Commessi 1994), Mallrats (Generazione X, 1995), Chasing Amy (In cerca di Amy, 1997), Dogma (id., 1999), Jay & Silent Bob Strike Back (Jay & Silent Bob... Fermate Hollywood!, 2001), Jersey Girl (id., 2004), Clerks II (id., 2006), Zack and Miri Make a Porno (Zack & Miri - Amore a... primo sesso, 2008), Cop Out (Poliziotti fuori - Due sbirri a piede libero, 2010), Red State (id., 2011), Tusk (2014), Holidays (2016), Yoga Hosers (id., 2016). SOMMARIO TFFDOC INTERNAZIONALE.DOC CARMIT HARASH ATTAQUE | ANNE MARIE BORSBOOM BOI, SONG OF A WANDERER | | - SPECTRES GUILLERMINA PICO BORRA TODO LO CHE DIJA DEL AMOR PORQUE NO SABIÁ BIEN QUIÉN ERA MARIA KOURKOUTA, NIKI GIANNARI FANTASMATA PLANIOUNTAI PANO APO TIN EUROPI | PHILIP SCHEFFNER HAVARIE | GÜLDEM DURMAZ KAZARKEN | - HOUSES WITHOUT DOORS | LUCIANA DECKER NANA | THEO ANTHONY RAT FILM | LAURA HURTAS MILLÁN SOL NEGRO | CARLOS CHAHINE TCHEKHOV ARE HAUNTING EUROPE AVO KAPREALIAN MANAZIL BELA ABWAB À BEYROUTH I TA L I A N A . D O C | PIERPAOLO DE SANCTIS A PUGNI CHIUSI | FRANCESCA BONO | DAVIDE GROTTA HIDDEN PHOTOS | FILIPPO TICOZZI MOO YA | TOMMASO LIPARI PRO LOCO | ENRICO MARIA ARTALE SARO | ZIMMERFREI LA VILLE ENGLOUTIE MAURO RUVOLO AB URBE COACTA A BITTER STORY FUORI CONCORSO JEFF FEUERZEIG AUTHOR: THE JT LEROY STORY | FABRIZIO FERRARO COLOSSALE SENTIMENTO | WANG BING DEANG - TA’ANG | JEAN-DANIEL POLLET LA FEMME AUX CENT VISAGES | JEAN-PAUL FARGIER PARLE-MOI ENCORE | JONATHAN LITTELL WRONG ELEMENTS LOVE JEAN PAINLEVÉ, GENEVIÈVE HAMON LES AMOURS DE LA PIEUVRE | TITTA RACCAGNI DIARIO BLU(E) | FABRIZIO TERRANOVA DONNA HARAWAY: STORY TELLING FOR EARTHLY SURVIVAL | RUTH BECKERMANN DIE GETRÄUMTEN - THE DREAMED ONES | JANE GILLOOLY SUITCASE OF LOVE AND SHAME | LUCIANA FINA TERCEIRO ANDAR | SÉBASTIEN LIFSCHITZ LES VIES DE THÉRÈSE | MIKE HOOLBOOM WE MAKE COUPLES SOMMARIO TFFDOC TFFdoc DI DAVIDE OBERTO «L’amore è crudele. L’amore è egoista. L’amore non capisce il dolore altrui. L’amore colpisce sempre sull’altra guancia. L’amore rompe. L’amore distrugge. L’amore è volgare. L’amore è una forbice. L’amore taglia. L’amore è una scure. L’amore è bugiardo. L’amore è ingannevole. L’amore è avido. L’amore è un banchiere. L’amore è pigro. L’amore è geloso. L’amore è orgoglioso. L’amore vuole tutto. L’amore è una pompa di estrazione. L’amore è vorace. L’amore è astratto. L’amore è un algoritmo. L’amore è meschino. L’amore è un uncino. L’amore è un Leviatano. L’amore è arrogante. L’amore brucia. L’amore è un’arma biologica. L’amore è aggressivo. L’amore è irascibile. L’amore colpisce duro. L’amore è una bomba a grappolo. L’amore è una frusta. L’amore è capriccioso. L’amore è impaziente. L’amore è invidioso. L’amore non conosce la moderazione. L’amore è vanitoso. L’amore è un drone e san Valentino è un soldato che si diverte a sparare su uno schermo». (Paul B. Preciado, Saint-Valentin est une ordure, «Libération», 23/2/2015). L’amore è il motore che muove ogni cosa, e quest’anno ispira anche il focus di TFFdoc, che diventa per l’occasione TFFdoc/Love. Attraverso sei film declineremo il tema dell’amore in tutte le varianti enunciate nella citazione di Paul B. Preciado. Lo faremo con i registi e le registe dei film che presenteremo e con filosofe, autori, giornalisti, ricercatrici, biografe, militanti che ci accompagneranno in questo tunnel of love. Ma prima un’ouverture: in La femme aux cents visages di Jean-Daniel Pollet, centinaia di ritratti femminili danno volto a un testo sul desiderio sulle note della colonna sonora di Il bandito delle undici e aprono a We Make Couples, del cineasta e artista canadese Mike Hoolboom, per una critica marxista sulla portata rivoluzionaria della coppia che lascia il campo, o meglio lo scoglio, a Les amours de la pieuvre di Jean Painlevé e Geneviève Hamon, cortometraggio del 1965 sulle capacità seduttive del polpo, che a sua volta rimanda al primo film che apre la serie degli incontri: Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival di Fabrizio Terranova. In questo film, Donna Haraway – autrice di quel Manifesto Cyborg che rivoluzionò la filosofia e il femminismo negli anni Novanta – attorniata da meduse fluttuanti, 118 SOMMARIO TFFDOC da un polpo di peluche e dal suo adorato cane, ci racconta la sua storia, i suoi amori, la sua filosofia e lascia immaginare mondi futuri. L’educazione sentimentale, la trasmissione di modelli di vita e di amore, e la trasmissione del linguaggio con cui definirli saranno al centro del programma composto da Diario Blu(e) di Titta Raccagni e da Terceiro Andar di Luciana Fina, mentre con Suitcase of Love and Shame di Jane Gillooly ci addentreremo nel territorio della comunicazione fra amanti. The Dreamed Ones di Ruth Beckermann, attraverso lo scambio di lettere tra i poeti Ingeborg Bachmann e Paul Celan, racconta di un’Europa che esce dalla guerra e cerca nuovi codici, nuove parole e nuove pratiche per dire l’amore, che preparano il campo alla rivolta degli anni Sessanta che cambierà la vita, anzi le vite di Thérèse Clerc, giovane moglie, e poi madre, e poi femminista, e poi lesbica e poi militante e poi donna anziana, malata di un male incurabile protagonista di Les vies de Thérèse di Sébastien Lifshitz, film che chiude il focus. A comporre TFFdoc, ovviamente le due competizioni che indicano le direzioni che il cinema documentario sta imboccando: Internazionale.doc (undici titoli rappresentanti altrettanti Paesi) e Italiana.doc (otto titoli). Da segnalare fuori concorso, l’esordio alla regia di Jonathan Littell, l’autore di Le benevole, Il secco e l’umido e Trittico, con Wrong Elements; il ritorno al festival di uno dei registi fondamentali del cinema contemporaneo, Wang Bing con Ta’ang; l’emozionante ritratto di Jean-Daniel Pollet, Parle-moi encore, realizzato dall’amico Jean-Paul Fargier; e il film-caso-letterario dell’anno: Author: The JT LeRoy Story di Jeff Feuerzeig, ossia la falsa-vera storia dell’autore che con Sarah e Ingannevole è il cuore più di ogni cosa ha ipnotizzato la scena letteraria e culturale mondiale dell’inizio del millennio. Ma soprattutto il primo kolossal documentario: Colossale sentimento di Fabrizio Ferraro, film notturno in bianco e nero in cui statue rimosse dalla Storia riprendono vita e attraversano Roma per tornare a casa. TFFDOC TFFdoc BY DAVIDE OBERTO “Love is cruel. Love is selfish. Love doesn’t understand the pain of others. Love always smites the other cheek. Love is a nuisance. Love destroys. Love is vulgar. Love is a pair of scissors. Love cuts. Love is an ax. Love is a liar. Love is deceptive. Love is greedy. Love is a banker. Love is lazy. Love is jealous. Love is proud. Love wants it all. Love is a jack pump. Love is insatiable. Love is abstract. Love is an algorithm. Love is petty. Love is a hook. Love is a Leviathan. Love is arrogant. Love burns. Love is a biological weapon. Love is aggressive. Love is irascible. Love hits hard. Love is a cluster bomb. Love is a whip. Love is capricious. Love is impatient. Love is envious. Love knows no moderation. Love is vain. Love is a drone and Saint Valentine is a soldier who has fun shooting at a screen.” (Paul B. Preciado, Saint-Valentin est une ordure, “Libération,” 02/23/2015). Love is the driving force behind everything and this year it has inspired the focus of TFFdoc, which, for the occasion, becomes TFFdoc/love. With six films, we will parse all the variations of love listed in the quote by Paul B. Preciado above. We will do so with the directors of the movies presented, as well as with the philosophers, authors, journalists, researchers, biographers and activists who will accompany us down this “tunnel of love.” But first, an overture: in La femme aux cents visages by Jean-Daniel Pollet, hundreds of portraits of women give form to a text on desire, to the notes of the soundtrack of Pierrot le fou; it leads the way for We Make Couples, by the Canadian filmmaker and artist Mike Hoolboom, which offers a Marxist critique of the revolutionary importance of the couple; which then leaves the field, or better the reef, to Les amours de la pieuvre by Jean Painlevé and Geneviève Hamon, a short film from 1965 about the seductive talents of octopi; which in turn refers to the first film which opens the series of encounters, Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival by Fabrizio Terranova. In this film, Donna Haraway – the author of A Cyborg Manifesto, which revolutionized philosophy and feminism in the 1990s – is surrounded by floating jellyfish, a plush octopus and her adored dog, as she recounts her story, her loves and her philosophy, and lets us imagine future worlds. 119 SOMMARIO TFFDOC Sentimental education, the transference of models of life and love, and the transference of language to define them are the focus of the program composed of Diario Blu(e) by Titta Raccagni and Terceiro Andar by Luciana Fina; while Suitcase of Love and Shame by Jane Gillooly takes us into the territory of communication between lovers. The Dreamed Ones by Ruth Beckermann uses the correspondence between the poets Ingeborg Bachmann and Paul Celan to recount post-war Europe searching for new codes, new words and new ways for saying love; it prepares the way for the revolution of the 1960s, which will change the life – or better, the lives – of Thérèse Clerc, first a young wife, then a mother, then a feminist, then a lesbian, then an activist, and then an elderly woman suffering from an incurable disease, the protagonist of Les vies de Thérèse by Sébastien Lifshitz, the film which concludes the focus. Obviously, TFFdoc is composed of the two competitions which indicate the directions documentary cinema is taking: Internazionale.doc (eleven films from eleven countries) and Italiana.doc (eight films). Out of competition: Wrong Elements, the directorial debut of Jonathan Littell, the author of Les bienveillantes, Le sec et l’humide and Triptych; the return to the festival of one of contemporary cinema’s fundamental directors, Wang Bing, with Ta’ang; the touching portrait of Jean-Daniel Pollet, Parle-moi encore, made by his friend Jean-Paul Fargier; and the filmliterary sensation of the year: Author: The JT LeRoy Story by Jeff Feuerzeig, the true-fake story of the author whose books Sarah and The Heart Is Deceitful Above All Things hypnotized the worldwide literary and cultural scene in the early 2000s. And above all, the first documentary colossal: Colossale sentimento by Fabrizio Ferraro, a nocturnal film in black and white in which statues displaced by History come to life and cross Rome to return home. TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC carmit harash ATTAQUE Francia/France, 2016, video, 75’, bn/bw-col. Carmit Harash (Israele) si è laureata alla Scuola di cinema Sam Spiegel di Gerusalemme e ha lavorato come montatrice per la televisione. Nel 2000 ha lasciato il suo Paese per trasferirsi in Francia, dove vive tuttora. Film de guerre (2007), Demain (2010) e Trêve (2013), che insieme compongono una trilogia sul rapporto fra Israele e la guerra, sono stati tutti presentati al Torino Film Festival. ATTACK regia, fotografia, montaggio/ director, cinematography, film editing Carmit Harash ** contatti/contacts Carmit Harash [email protected] «In Francia, dopo gli attentati del gennaio 2015, regnano caos e confusione. Attaque raffigura questo periodo travagliato sollevando questioni politiche senza risposta. Poiché la democrazia è sotto attacco, tutti sembrano perduti, dai comuni cittadini agli intellettuali a quelli che devono prendere decisioni. Non è più chiara nemmeno la differenza tra realtà e immaginazione. […] Il verbo politico appartiene ancora a pochi, mentre le minoranze sono invitate a unirsi a una maggioranza dominante, un’orchestra che canta con una sola e unica voce, diventata ancora più forte dopo gli attacchi terroristici. […] Esplorare di giorno in giorno il paesaggio parigino rivela come la geopolitica viva all’interno della società stessa, e tutto questo ci riguarda personalmente. Mentre alcuni sono alla ricerca di risposte immediate che mettano un po’ di ordine nel caos, il mio film suggerisce il contrario: è consapevolmente caotico e non ricerca risposte o stabilità. Vuole, invece, scegliere la libertà come unico modo possibile per mantenere la nostra democrazia». ** “Chaos and confusion reign in France since the attacks that took place in January 2015. This troubled period is depicted in Attack, raising political questions without answers. As democracy is under attack, it seems that everyone is lost, from ordinary citizens to intellectuals and decision makers, and that the difference between reality and imagination is no longer clear. […] The political say still belongs to few, while minorities are requested to join the dominant majority, an orchestra that sings in one and only voice, louder after the terror attacks. […] Exploring the Parisian landscape day by day reveals how geopolitics beats within society itself, and that it personally concerns us all. While some are seeking immediate answers that will put some order to the chaos, my film suggests the contrary: it is consciously chaotic and is not looking for answers or stability. It wishes to choose liberty as the only possible way to keep our democracy.” 120 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Carmit Harash (Israel) graduated from the Sam Spiegel Film School in Jerusalem and worked as a film editor for television. In 2000 she left her country and moved to France, where she currently lives. Film de guerre (2007), Demain (2010) and Trêve (2013) form a trilogy about the connection between Israelis and war. The three films were presented at the Torino Film Festival. filmografia/filmography Le cercle de l’exil (mm, doc., 2003), Jeudi, batailles perdues (cm, 2006), Film de guerre (mm, doc., 2007), Demain (mm, doc., 2010), Trêve (doc., 2013), Où est la guerre (doc., 2015), Attaque (doc., 2016). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC anne marie borsboom BOI, SONG OF A WANDERER Paesi Bassi-Usa-Giappone-Israele/ The Netherlands-USA-Japan-Israel, 2013, HD, 72’, col. Anne Marie Borsboom (L’Aia, Paesi Bassi, 1959) ha studiato dal 1981 al 1984 presso la Amsterdam Film Academy. Esperta operatrice di ripresa, come regista ha diretto il cortometraggio per la televisione All Quiet, i lungometraggi documentari Heimwee, Carnavalsvrouwen e Gipsy Jew. BOI, SONG OF A WANDERER regia, fotografia, montaggio, produttore/ director, cinematography, film editing, producer Anne Marie Borsboom suono/sound Ruth Terpstra interprete/cast Nitzan Krimsky ** contatti/contacts Autlook Filmsales GmbH Youn Ji [email protected] www.autlookfilms.com Nitzan Krimsky è una ventenne israeliana fuggita da Tel Aviv per appagare il desiderio di perdita di sé che da sempre la smuove. S’imbarca in un viaggio che la porta da Tokyo a New York, da Amsterdam a Milano, durante il quale fa sesso con altre ragazze e sperimenta con le droghe. Nitzan tiene un foto-diario dei suoi spostamenti, scattando autoritratti con cui cerca di disinnescare la sua inquietudine. Poi la decisione di cambiare sesso: la ricerca di un mondo nuovo, un viaggio alla scoperta della nuova identità, che cresce di pari passo con il ritorno alle origini ebraiche. «“E ogni volta che si liberava dal passato, scopriva che la sua vita stava ricominciando” (Orlando, Sally Potter). Questa frase definisce lo spirito del film, girato in dodici anni e in origine pensato per raccontare le condizioni di vita in Paesi dove la politica e la religione interferiscono con la libertà individuale. Poi è diventato la storia di una battaglia interiore. Un viaggio attraverso la vita e attorno al mondo per trovare pace e salvezza. “Morire e rinascere”, se è quello che serve, quando si è onesti con se stessi». ** Nitzan Krimsky is a twenty-year-old Israeli who left Tel Aviv to fulfil her lifelong wish of losing herself. She embarks on a journey around the world, from Tokyo to New York, from Amsterdam to Milan, sleeping with girls and experimenting with drugs. Nitzan keeps a photo-journal throughout her travels, taking pictures of herself to try to defuse her anxiety. Until she decides to undergo gender reassignment surgery. The search for a new world, a journey to search for a newly conquered identity, which develops hand in hand with her return to her Jewish roots. “‘And ever since she let go of the past, she found her life was beginning’ (from the film Orlando by Sally Potter). This defines the spirit of the film, filmed over 12 years, originally aimed to relate the living conditions of individuals in countries where political and religion issues made living difficult. However it became the story of an inner struggle. A journey through life and around the world to find peace and salvation. ‘To die and be reborn’ if that is what it takes, being true to oneself.” 121 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Anne Marie Borsboom (The Hague, The Netherlands, 1959) studied at the Amsterdam Film Academy from 1981 to 1984. Besides being an experienced camera operator, she also directed the television short All Quiet, and the feature documentaries Heimwee, Carnavalsvrouwen and Gipsy Jew. filmografia essenziale/ essenziale filmography All Quiet (cm, tv, 1994), Gipsy Jew (doc., 2009), Boi, Song of a Wanderer (doc., 2013). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC guillermina pico BORRA TODO LO QUE DIJE DEL AMOR PORQUE NO SABÍA BIEN QUIÉN ERA Argentina, 2016, HD, 62’, col. ERASE EVERYTHING I SAID ABOUT LOVE regia, soggetto, montaggio, produttore/ director, story, film editing, producer Guillermina Pico suono/sound Catarina Apolonio ** contatti/contacts Guillermina Pico [email protected] Un flusso d’immagini di ciò che ci circonda. Momenti di bellezza, spesso casuali, a volte quotidiani, catturati dalla videocamera e sospesi nel tempo. Gli elementi della natura, le relazioni umane, i sentimenti che ne scaturiscono. Tutto ciò che siamo. «Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era è un filo di frammenti di qualcosa che è reale, parti che non appartengono a un tutto che sta per arrivare. A collegarli è una connessione più sottile. Se preferite, può essere visto come una forma di inventario, un insieme di relazioni in movimento tra immagini ricorrenti. […] Queste parole di Jonas Mekas riassumono il punto centrale del mio lavoro: “Che importanza ha di cosa un film parli, quale sia il suo soggetto o il suo argomento? Parla d’amore, del sole, degli alberi, di belle donne, dell’estate, di un picnic sull’erba. Cos’è un argomento nell’arte e nella vita?”» ** A flow of images of what surrounds us. Moments of beauty, often serendipitous, sometimes mundane, captured by the video camera and suspended in time. Elements of nature, human relations, the feelings they spark. All that we are. “Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era is a thread of fragments of something real, parts that do not belong to a whole that should come; but that are linked by a more subtle connection. It can be seen, if you will, as a kind of inventory, a set of dynamic relationships between recurrent images. […] These words by Jonas Mekas summarizes the core of this work: ‘What matter what the film is about, its subject, its argument? It is about love, sun, trees, beautiful women, the summer, a picnic on the grass. What is an argument in art or in life?’” Guillermina Pico (Santa Rosa, Argentina, 1985) ha studiato regia cinematografica presso la Scuola di comunicazione La Metro di Cordoba e in seguito si è perfezionata in video digitale a Barcellona, presso l’IdecPompeu Fabra, e presso la scuola di documentario The Observatory. Ha seguito inoltre il laboratorio di cinema dell’Universidad Torcuato di Tella e il Robert Flaherty Film Seminar di New York. Dal 2011 al 2014 ha collaborato alla programmazione del Festival Mar del Plata e al momento lavora come montatrice freelance e coordinatrice della postproduzione per Television Digital Abierta. Ha diretto diversi cortometraggi proiettati e premiati nei festival di tutto il mondo, prima di esordire nel lungometraggio proprio con Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era. Guillermina Pico (Santa Rosa, Argentina, 1985) studied movie directing at the La Metro School of Communication in Cordoba and later furthered her studies in digital video in Barcelona, at Idec-Pompeu Fabra, and at The Observatory, a school for documentary filmmaking. She has also attended the film laboratory of the Universidad Torcuato in Tella and the Robert Flaherty Film Seminar in New York. Between 2011 and 2014, she collaborated on the programming of the Festival Mar del Plata and presently works as a freelance editor and postproduction coordinator for Television Digital Abierta. She directed various short films, which have screened and been awarded prizes at festivals throughout the world, before debuting in feature films with Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era. filmografia essenziale/ essential filmography Un poc de orden en mi vidita (cm, 2009), Yo, Natalia (cm, 2009), Un montón de pins (cm, 2011), El pasito de onda (cm, 2013), Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era (doc., 2016). 122 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC maria kourkouta, niki giannari FANTASMATA PLANIOUNTAI PANO APO TIN EUROPI Grecia-Francia/Greece-France, 2016, HD-16mm, 99’, bn/bw-col. SPECTRES ARE HAUNTING EUROPE regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Maria Kourkouta, Niki Giannari fotografia, montaggio/ cinematography, film editing Maria Kourkouta suono/sound André Fèvre produttori/producers Carine Chichkowsky, Maria Kourkouta produzione/production Survivance Productions ** Maria Kourkouta [email protected] La vita quotidiana dei rifugiati (per lo più siriani, curdi, pachistani e afgani) nel campo profughi di Idomeni. Le code per il cibo, per il tè, per le visite mediche, mentre si aspetta di attraversare il confine tra la Grecia e la Macedonia. Un giorno, però, l’Europa chiude una volta per tutte i propri confini. I “residenti” di Idomeni, allora, decidono a loro volta di occupare i binari, bloccando i treni che trasportano merci attraverso la frontiera. «Il film è un regalo per i rifugiati. Un regalo in cambio di tutto ciò che dobbiamo loro: la vita e l’esercizio della politica, poiché, in questa Europa ormai chiusa, sono gli unici ancora in grado di muoversi davanti a ogni tipo di muro. È un invito ad accogliere i rifugiati, e i fantasmi che ritornano insieme a loro». ** The daily life of refugees (Syrian, Kurdish, Pakistani, Afghani, and others) in the camp of Idomeni. Refugees waiting in queues for food, tea and doctors; waiting to cross the border between Greece and Macedonia. One day, Europe closes its borders for them once and for all. The “residents” of Idomeni decide, in their turn, to occupy the train tracks, blocking the trains that carry goods across the border. “The film is a gift for the refugees. A gift in return for all that we owe them: life and political practice – as they are the only ones who can still move in the face of all sorts of walls in enclosed Europe. It’s a call to welcome the refugees, as well as the ghosts that return with them.” Maria Kourkouta (Grecia, 1982), dopo aver studiato storia dei Balcani nel proprio Paese, nel 2006 si è trasferita a Parigi (dove ormai risiede la maggior parte del tempo) per intraprendere una tesi di dottorato sulla questione del ritmo nel cinema. A partire dal 2008 ha cominciato a lavorare come filmmaker, realizzando film girati quasi sempre in 16mm e sviluppati presso laboratori indipendenti come l’Etna e l’Abominable, di cui è anche membro attivo. I suoi lavori sono per la maggior parte distribuiti dall’associazione Light Cone, dedicata alla distribuzione, la diffusione e la difesa del cinema sperimentale. Niki Giannari (Grecia, 1968) è una scrittrice greca. Maria Kourkouta (Greece, 1982), after studying the history of the Balkans in Greece, moved to Paris in 2006 where she currently lives most of the time. In France, she did some research for her PhD on the question of rhythm in cinema. Since 2008, she made several films, mostly on 16mm at different independent run-artists film laboratories in France (such as L’Etna and L’Abominable, where she is still active as a member). Most of her cinematic works are distributed by Light Cone, dedicated to distribution, diffusion and protection of experimental cinema. Niki Giannari (Greece, 1968) is a Greek writer. filmografia/filmography Maria Kourkouta: Preludes (cm, 2010), Return to Aeolus Street (cm, 2013). Maria Kourkouta, Niki Giannari: Fantasmata planiountai pano apo tin Europi (Spectres Are Haunting Europe, doc., 2016). 123 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC philip scheffner HAVARIE Germania/Germany, 2016, HD, 93’, col. HAVARIE regia, montaggio/ director, film editing Philip Scheffner soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Merle Kröger sceneggiatura/screenplay Merle Kröger, Philip Scheffner fotografia/cinematography Terry Diamond, Bernd Meiners suono/sound Pascal Capitolin, Volker Zeigermann, Florian Marquardt produttori/producers Merle Kröger, Caroline Kirberg produzione/production pong coproduttori/coproducers Meike Martens, Marcie Jost, Peter Zorn coproduzione/coproduction Blinker Filmproduktion, worklights media production, ZDF ** contatti/contacts Pong Film [email protected] www.pong-berlin.de Il 14 settembre 2012, alle ore 14:56, la nave da crociera Adventure of the Seas riferisce al centro di soccorso marittimo spagnolo l’avvistamento di un gommone alla deriva, con tredici persone a bordo. A partire da un video caricato su YouTube e da alcuni racconti biografici, prende forma una coreografia che abbraccia passato, presente e futuro dei naviganti del Mediterraneo. «Dall’ottobre 2014 sono peggiorate in modo significativo sia la situazione politica sia il modo in cui viene diffuso ciò che sta accadendo nel Mediterraneo. Notiamo con preoccupazione che le immagini delle persone sui barconi – persone che a causa della politica dei confini europea rischiano la vita per garantire un futuro a se stesse e alle loro famiglie – sono ormai parte della nostra quotidianità. Siamo rassegnati a vedere queste immagini in televisione settimana dopo settimana. C’è una sensazione crescente d’impotenza, che nella migliore delle ipotesi è espressa dai vari “Non possiamo fare niente”, e nella peggiore porta alla paura che genera continui attacchi incendiari agli accampamenti dei rifugiati». ** On 14 September 2012 at 2:56 pm, the cruise liner Adventure of the Seas reports to the Spanish Maritime Rescue Centre the sighting of a dinghy adrift with thirteen persons on board. From a YouTube clip and biographical tales evolve a choreography reflecting the past, present and future of the voyagers on the Mediterranean. TH “Yet since October 2014, both the political situation and the way what is happening in the Mediterranean Sea is being disseminated have worsened significantly. We note with grave concern that the images of people in boats risking their lives to secure a future for them and their families as a result of European border policy have become part of our everyday life today. We are resigned to seeing these images week after week on television. There is an increasingly feeling of helplessness, which is at best expressed along the lines of ‘We can’t do anything’ and at worst in the sort of fear that has led to arson attacks on refugee housing also being carried out on a weekly basis.” 124 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Philip Scheffner (Homburg, Germania, 1966) vive e lavora come artista e regista a Berlino. Insieme a Merle Kröger, Alex Gerbaulet e Caroline Kirberg gestisce la piattaforma di produzione pong. Con i suoi lavori è stato più volte al Forum della Berlinale; in particolare, ha presentato i documentari The Halfmoon Files (2007), vincitore del premio per il miglior documentario al Festival di Mar del Plata e del Prix des mediathèques al FidMarseille, Day of the Sparrow (2010) e Revision (2012). Nel 2016 ha realizzato anche un altro documentario, And-Ek Ghes... Philip Scheffner (Homburg, Germany, 1966) lives and works as an artist and director in Berlin. Along with Merle Kröger, Alex Gerbaulet and Caroline Kirberg, he runs the production platform pong. Several of his works have screened at the Berlin Film Festival; in particular, he presented the documentaries The Halfmoon Files (2007), which won Best Documentary at the Festival di Mar del Plata and the Prix des mediathèques at FIDMarseille; Day of the Sparrow (2010); and Revision (2012). In 2016, he made his another documentary, And-Ek Ghes... filmografia essenziale/ essential filmography A/C (doc., 2003), The Halfmoon Files (doc., 2007), Day of the Sparrow (doc., 2010), Revision (doc., 2012), And-Ek Ghes... (doc., 2016), Havarie (doc., 2016). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC güldem durmaz KAZARKEN Belgio-Francia/Belgium-France, 2016, HD, 90’, col. regia/director Güldem Durmaz fotografia/cinematography Güldem Durmaz, Simon Backès, Piet Eekman, Bernard Verstraete montaggio/film editing Simon Backès, Güldem Durmaz musica/music Fred Costa suono/sound Valentin Mazingarbe interpreti/cast Denis Lavant, Güldem Durmaz, Martin Selze, Marie-Sohna Condé ** contatti/contacts CBA - Centre de l’audiovisuel Gabriella Marchese [email protected] © ESTELLE RULLIER KAZARKEN AS WE DIG In Anatolia, durante un antico rito di guarigione, una donna si muove in stato sognante. A guidarla una figura mitologica, il centauro Kheiron, che la sottopone a una forma di psicoanalisi dal sapore selvaggio. Un viaggio nel tempo che dal presente riporta la donna nel villaggio materno dove, nel 1915, l’intera popolazione armena sparì nel nulla, o tra le rovine di un ospedale d’epoca romana, dove i malati erano curati con le acque sacre e con visioni oniriche. «Il mio maestro di tai chi dice che non dovremmo cercare la bellezza, ma concentrarci piuttosto sulle strutture (del corpo, del movimento, dell’universo, della vita). Solo allora la bellezza può emergere. Io e il mio compagno abbiamo lottato contro la struttura di questo film per anni, spesso fermandoci a riflettere, aggiungendo nuove riprese e nuovo materiale suggeriti dal passare del tempo e dagli incontri che facevamo… Fino a quando abbiamo capito che il film cominciava finalmente a svilupparsi secondo le nostre regole; fino a quando il suo significato o i suoi significati hanno cominciato a crescere liberamente, come a volte succede con la musica». ** During an ancient healing rite in Anatolia, a woman moves in a dream state. Her guide is a mythological figure, the centaur Kheiron, who subjects her to a form of psychoanalysis with a savage flair. A journey through time, which takes the woman from the present back to her home village where, in 1915, the entire Armenian population disappeared into thin air, and to the millenary ruins of a Roman-era hospital, where the sick were cured with sacred water and dreamlike visions. “My Tai Chi Master says one shouldn’t look for beauty, but rather concentrate on structure (of body, movement, the universe, life). Then only, beauty might emerge. My partner and I struggled with the structure of this film for years, frequently pausing for reflection, shooting and adding new material that the passing time, or new encounters, would suggest... until we found that the film had finally started to evolve in front of us according to its own rules. Until its meaning (or meanings) got a chance to develop freely, like music sometimes does.” 125 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Güldem Durmaz (1971) vive e lavora tra Bruxelles, Istanbul e Parigi e realizza cortometraggi, documentari, installazioni video e performance, oltre a tenere dei workshop teatrali. Nelle sue opere esplora le connessioni tra memoria, linguaggio e identità culturali e transculturali, lavorando con attori professionisti e non, con lingue segrete e inventate, dentro spazi e situazioni tanto reali quanto onirici. Con i cortometraggi Şoför (2001) e Koro (2002) ha partecipato ai più importanti festival cinematografici internazionali, tra cui Venezia e Locarno, dove ha ottenuto diversi riconoscimenti. Nel 2011 ha diretto il documentario sperimentale Ben/O, dedicato alla figura dell’artista transessuale curdo Esmeray. Kazarken è il suo primo lungometraggio documentario. Güldem Durmaz (1971) lives and works in Brussels, Istanbul and Paris, making short films, documentaries, video installations and performances, as well as holding theatrical workshops. Her works explore the connection between memory, language and cultural and trans-cultural identity. She works with professional and non-professional actors, using secret and invented languages, within spaces and situations that are both real and dreamlike. Her short films Şoför (2001) and Koro (2002) participated at the top international film festivals, including Venice and Locarno, where she received various awards. In 2011, she directed the experimental documentary Ben/O, dedicated to the Kurdish transsexual artist Esmeray. Kazarken is her first feature-length documentary. filmografia/filmography Şoför (cm, 2001), Koro (cm, 2002), Ben/O (cm, doc., 2011), Kazarken (doc., 2016). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC avo kaprealian MANAZIL BELA ABWAB Siria-Libano/Syria-Lebanon, 2016, HD, 90’, col. HOUSES WITHOUT DOORS regia, sceneggiatura, fotografia/director, screenplay, cinematography Avo Kaprealian montaggio/film editing Raya Yamisha musica/music Samer Saem Eldahr (Hello Psychaleppo) suono/sound Avo Kaprealian, Raya Yamisha, Raed Younan produttori/producers Mohammad Ali Atassi, Christin Luettich produzione/production Bidayyat for Audiovisual Arts ** contatti/contacts Bidayyat for Audiovisual Arts Christin Luettich [email protected] www.bidayyat.org Il film ritrae i cambiamenti nella vita di una famiglia armena sulla linea del fronte di Aleppo, ad Al Midan, una zona che ha dato riparo agli armeni perseguitati un secolo fa e che oggi lo offre a molti siriani sfollati. Dal balcone di casa, il regista riprende con una piccola camera i cambiamenti nel suo quartiere e nella sua famiglia, intrecciando le immagini con estratti di classici del cinema, per illustrare il parallelismo tra il genocidio armeno e la situazione in cui si trovano oggi i siriani. «L’importanza di questo film risiede a mio avviso nel fatto che si tratta di un documento, un vero coinvolgimento in ciò che io e altre persone stiamo passando, nella tesi di una mancanza di giustizia subita dai miei avi uccisi un secolo fa. Temo che quella stessa mancanza di giustizia si ripeta oggi per i siriani e che non ci sia alcuna giustizia. Ma, da regista siriano, credo che la rivoluzione, qualunque rivoluzione, […] cresca e abbracci ogni aspetto della vita, inclusa l’arte. I nostri film devono essere rivoluzionari: radicali in ciò che propongono, estremi nella loro forma». ** The film portrays the changes in the life of an Armenian family on Aleppo’s frontline in Al Midan, an area that gave shelter to the persecuted Armenians one hundred years ago and today to many displaced Syrians. From the balcony of his home, the director films with a small camera the changes in his neighbourhood and his own family, interweaving his images with extracts from classical films to illustrate the parallels between the Armenian genocide and Syrians’ reality today. “To me, the importance of this film lies in its importance as a document, a true involvement in what I and others lived through, the thesis of the absence of justice for my forefathers who were murdered one hundred years ago, and my fear that this lack of justice will be repeated with the Syrian people. It is a fear of that there is no justice at all. But, as a Syrian director I believe that the revolution, any revolution […] grew and spread to every aspect of life, including the arts. Our films must be revolutionary: radical in what they propose, extreme in their form.” 126 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Avo Kaprealian (Aleppo, Siria, 1986), appartenente a una famiglia sirianoarmena, si è trasferito dalla sua città natale a Damasco, per studiare teatro alla Scuola superiore di arti drammatiche, dove si è laureato nel 2011. Ha poi partecipato a diversi laboratori organizzati da DocMed, Bidayyat for Audiovisual Arts e Screen Beirut mirati allo sviluppo di progetti cinematografici. Prima di girare Houses Without Doors, realizzato in totale solitudine e suo esordio nel lungometraggio documentario, ha diretto il cortometraggio Just Two Steps Too, presentato allo Yerevan Golden Apricot Film Festival. Avo Kaprealian (Aleppo, Syria, 1986) is from a Syrian-Armenian family. He left his hometown to study theater at the Higher Institute of Dramatic Arts in Damascus, where he graduated in 2011. He took part in several film workshops organized by DocMed, Bidayyat for Audiovisual Arts and Screen Beirut and dedicated to the development of film ideas. Before directing his feature documentary Houses Without Doors, which he filmed entirely by himself and that is his first feature-length film, he has directed one short entitled Just Two Steps Too, that was shown at the Yerevan Golden Apricot Film Festival. filmografia/filmography Just Two Steps Too (cm, doc., 2012), Manazil bela abwab (Houses Without Doors, doc., 2016). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC luciana decker NANA PREMIO CIPPUTI Bolivia, 2016, HD, 65’, col. Luciana Decker (1993) studia antropologia a La Paz, in Bolivia. Ha seguito corsi e seminari presso la Escuela popular para la comunicación e la Eca e ha lavorato come assistente alla regia, operatrice e fotografa di scena in diverse produzioni. Come regista ha esordito con il cortometraggio Erasmo, a cui è seguito Nancy vs Hector. Nana rappresenta il suo esordio nel lungometraggio. NANA regia, fotografia/director, cinematography Luciana Decker montaggio, produttori/ film editing, producers Miguel Hilari, Gilmar Gonzales, Joaquín Tapia, Simón Avilés, Luciana Decker suono/sound Carlos Gutierrez interpreti/cast Hilaria Huaycho, Ayda Huaycho, Julia Huaycho, Fermín Huaycho, Helena Huaycho, Janeth Huaycho, Francisca Huaycho, Pablo Choque ** contatti/contacts Luciana Decker [email protected] Hilaria lavora da circa quarant’anni come domestica per la famiglia di Luciana. Quest’ultima decide di riprendere il loro rapporto quotidiano con la videocamera, così da indagare i sentimenti e le abitudini che uniscono le loro vite. Le riprese vanno avanti per quattro anni, un periodo in cui le distanze tra le due appaiono tanto siderali quanto impercettibili, come in un misterioso gioco di vicinanza e lontananza al quale non si possono sottrarre. «Tutte le riprese di Nana sono state effettuate con la mia camera portatile. Ho iniziato a fare filmati domestici su Hilaria senza una precisa intenzione e quando poi ho deciso di realizzare un film su di lei ho semplicemente continuato a filmare. Credo che sia l’unico modo per rappresentare la nostra relazione. La struttura del film ha preso forma durante il suo stesso svolgimento. […] Le scene con Hilaria mostrano la distanza fisica, sociale e culturale che ci separa, e attraverso quest’ottica ho maturato un nuovo sguardo sia su di lei sia su di me; su tutto ciò che riguarda “me” e ciò che riguarda “lei”». ** Hilaria has been working as a maid for Luciana’s family for forty years. One day, Luciana starts making home videos of their daily interactions, exploring the feelings and habits that tie their lives together. She kept filming for four years, revealing the massive yet imperceptible distance between them like a mysterious game of proximity and distance from which they cannot escape. “The whole shooting of Nana has been made on my own with a handheld camera. I started filming home videos with Hilaria without further intention. Later on, I decided to make a film about her continuing with this way of filming, because I consider it the only way of portraying our intimate relationship. The structure of the film has been constructed during the process of making it. […] The images I made of Hilaria show the physical, social and cultural distance between us, and through the lens, I have had a new look of her and me and everything that has to do with ‘her’ and ‘me.’” 127 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Luciana Decker (1993) studied anthropology in La Paz, Bolivia, taking classes and seminars at the Escuela popular para la comunicación and at la Eca. She worked as director’s assistant, camera operator, and set photographer for several productions before making her directorial debut with the short Erasmo, followed by Nancy vs Hector. Nana is her first feature. filmografia essenziale/ essential filmography Erasmo (cm), Nancy vs Hector (cm), Nana (doc., 2016). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC theo anthony RAT FILM Usa, 2016, HD, 82’, col. RAT FILM regia, soggetto, fotografia, montaggio/ director, story, cinematography, film editing Theo Anthony musica/music Dan Deacon interprete/cast Maureen Jones (voce narrante/narrator) produttori/producers Riel Roch-Dechter, Sebastian Pardo produzione/production Memory ** contatti/contacts Memory Riel Roch-Decter [email protected] www.memory.is I topi vivono nei muri, nei cunicoli, tra le recinzioni e i vicoli: luoghi di separazione e confine che segnano le nostre vite, ma che per questi animali assumono una dimensione totalmente diversa, una dimensione domestica. Attraverso il loro punto di vista, e quello di chi li ama, di chi ci convive e di chi, invece, li uccide, la storia della città di Baltimora viene esplorata in un modo diverso e assolutamente originale. «Il mio documentario sfida la tipica rappresentazione oggettiva che di norma il giornalismo offre di un’esperienza. M’interessa fare film che indaghino il modo in cui la realtà soggettiva sia mercificata per adattarsi a storie di sfruttamento e produzione. Voglio capire come questo processo sia usato per anestetizzare il dolore ed eliminare le responsabilità, e come, nella realizzazione di un film, la separazione tra artista e soggetto riprenda logiche di sfruttamento più ampie, di tipo capitalistico. Voglio fare film con un linguaggio visivo riconoscibile, in grado sia di accogliere sia di sfidare questo tipo di rappresentazione». ** Mice live in walls, in crawl spaces, between fences and alleys: places of separation and boundaries which mark our lives, but which assume a completely different dimension for these animals, a domestic dimension. From their point of view, and that of the people who love them, live with them and even kill them, the history of Baltimore is explored in a different and absolutely original way. “My documentary work challenges the journalistic role of presenting an objective account of experience. I am interested in making films that explore how subjective reality is commodified to fit outsider’s narratives of consumption and production. I want to understand how this process is used to anesthetize pain, to eliminate accountability, and how the divisions of artist and subject in film production mimic larger capitalist modes of exploitation. I want to make films that use a familiar visual language that can simultaneously speak to and challenge these histories of representation.” 128 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Theo Anthony (1989) vive a Baltimora, dove lavora come scrittore, fotografo e filmmaker. Con i suoi lavori è apparso su siti e riviste di rilevanza internazionale, quali «The Atlantic», «Vice» e «Agence-France Presse». Ha diretto il cortometraggio Chop My Money (2014) e il documentario Rat Film, presentati ai festival di Toronto, Locarno e Rotterdam. Nel 2015 è stato incluso da «Filmmaker’s Magazine» tra le «25 New Faces of Independent Film». Attualmente sta lavorando al documentario Maison pour la vie. Theo Anthony (1989) lives in Baltimore, where he works as an author, photographer and filmmaker. His works have appeared in internationally famous magazines, such as “The Atlantic,” “Vice” and “Agence-France Presse.” He has directed the short film Chop My Money (2014) and the documentary Rat Film, which were presented at the festivals of Toronto, Locarno and Rotterdam. In 2015, “Filmmaker’s Magazine” included him among its “25 New Faces of Independent Film.” He is presently working on the documentary Maison pour la vie. filmografia/filmography Chop My Money (cm, doc., 2014), Rat Film (doc., 2016). TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC laura huertas millán SOL NEGRO Francia-Colombia/France-Colombia, 2016, HD, 43’, col. BLACK SUN regia/director Laura Huertas Millán fotografia/cinematography Jordane Chouzenoux, Laura Huertas Millán montaggio/film editing Isabelle Manquillet, Laura Huertas Millán, Herman Barón Camacho suono/sound Juan Felipe Rayo, Jocelyn Robert interpreti e personaggi/ cast and characters Nohemi Millán (Antonia), Martha Millán (la sorella/sister), Laura Huertas Millán (la nipote/niece), Juan Pablo Barragán (Felipe), Nicolas Corrales Posada (il bambino/child), Jose Ignacio Uribe Castellanos (lo studente/student) produttori/producers Franco Lolli, Capucine Mahé produzione/production Evidencia Films coproduttori/coproducers Christophe Barral, Toufik Ayadi coproduzione/coproduction Les films du Worso ** contatti/contacts Les films du Worso Christophe Barral [email protected] www.lesfilmsduworso.com Antonia è una cantante lirica dalla bellezza non comune, al contempo florida e triste. Quando viene ricoverata in un istituto di riabilitazione dopo un tentativo di suicidio, il legame con i suoi familiari è irrimediabilmente compromesso. Solo la sorella, al contrario degli altri, è toccata nel profondo dalla vicenda… Le difficili relazioni familiari e le sofferenze emergono poco alla volta, e diventano musica, elegia, autoetnografia o finzione. «Come si può filmare il massimo dell’intimità, la cosa più vicina a se stessi, quando è esattamente ciò da cui si vorrebbe fuggire? Antonia è un personaggio di finzione ispirato alla vera vita di mia zia, una ex cantante lirica alla quale qualche anno fa, dopo un tentato suicidio, fu diagnotisticato un disturbo bipolare. Le ho chiesto di replicare alcuni episodi passati e presenti della sua vita nascondendosi dietro la maschera di Antonia. Ero in cerca di un modo per confrontarmi con lei, per affrontare la questione dell’eredità familiare di una malattia che ha colpito lei, mia mamma, mia nonna, e magari colpirà anche me». ** Antonia is an opera singer of uncommon beauty, both lush and somber. When she ends up in a rehabilitation center after attempting suicide, all her family ties are irreparably broken. But unlike everyone else, her sister remains deeply affected by what happened... Conflicted family relationships and sorrows emerge little at a time, becoming music, elegy, autoethnography, or fiction. “How can you film what is supposed to be the most intimate, the closest to you, when it is precisely the thing that you want to escape the most? Antonia is a fictional character inspired by the real life of my aunt, a former lyrical singer who was diagnosed with bipolarity a few years ago after a suicide attempt. I proposed to my aunt to replay episodes of her life, from the present and past, under the mask of Antonia’s persona. I was seeking for a way to relate to her again, and to confront a familial and genetic legacy of mental illness affecting her, my mother, my grandmother, and eventually me.” 129 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Laura Huertas Millán si è diplomata all’Istituto di belle arti di Parigi e a Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Dal 2014 è membro del Film Study Center e del Sensory Ethnography Lab di Harvard. I suoi film sono stati proiettati in musei e gallerie come il Guggenheim di New York, il Palais de Tokyo di Parigi e il Museo di arte moderna di Buenos Aires. Sono anche stati selezionati da festival come il FidMarseille, Curtas Vila do Conde, Doclisboa, Tampere Film Festival e L’Alternativa, festival di cinema indipendente di Barcellona. Ha inoltre partecipato alla Biennale dell’immagine in movimento di Buenos Aires, dove ha ottenuto una menzione speciale per il premio Norberto Griffa, e a Videobrasil nel 2013, aggiudicandosi il premio Resartis. Laura Huertas Millán graduated from the Beaux-Arts of Paris and Le Fresnoy. She has been a fellow at the Film Study Center and the Sensory Ethnography Lab at Harvard University since 2014. Her films have screened internationally in a number of art venues, as the Guggenheim Museum (NY), Palais de Tokyo (Paris), and the Museum of Modern Art of Buenos Aires. Her work has been part of the official selections of film festivals such as FIDMarseille, Curtas Vila do Conde, Doclisboa, Tampere Film Festival, L’Alternativa Indipendent Film Festival of Barcelona, among others. She participated in the biennials Bienal de la imagen en movimiento in Buenos Aires (Special Jury Mention for the Norberto Griffa Prize), and Videobrasil 2013 (Resartis Prize). filmografia/filmography Journey to a Land Otherwise Known (cm, 2011), Aequador (cm, 2012), Sol negro (mm, doc., 2016). © K A R I M G O YA R E B TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC carlos chahine TCHEKHOV À BEYROUTH Francia-Libano/France-Lebanon, 2016, HD, 51’, col. CHEKHOV IN BEIRUT regia/director Carlos Chahine fotografia/cinematography Rachel Aoun montaggio/film editing Martine Bouquin musica/music Sharif Sehnaoui produzione/production Autres Rivages ** contatti/contacts Autres Rivages Karima Benouadah [email protected] www.autres-rivages.com Tornato in Libano per dirigere una versione del Giardino dei ciliegi di Čechov, Carlos Chahine riscopre un passato che aveva dimenticato e ci conduce nel misterioso universo della sua infanzia, condividendo con noi il tormentato percorso dell’esule e la bellezza di un mondo scomparso. «Tchekhov à Beyrouth è un film sull’esilio. Quello strano sentimento che perseguita l’adulto a confronto con il bambino che è stato, insoddisfatto, alla ricerca di risposte dove non ce ne sono, dove non c’è altro che il destino umano. Il giardino dei ciliegi di Čechov mi fa sempre pensare al Libano, al mio Paese d’origine, ed è stato probabilmente per questo che ho deciso di tornare a Beirut e girare là, dove la poesia incontra la realtà». ** Upon his return to Lebanon to direct his stage play of Chekhov’s Cherry Orchard, Carlos Chahine rediscovers his forgotten past. We are taken into the mysterious world of his childhood, sharing the haunting path of exile and the beauty of a lost world. “Tchekhov à Beyrouth is a film about exile. That strange feeling that haunts the adult confronted to the child he once was, unsatisfied, searching for answers, where there is none, only human destiny. Chekhov’s Cherry Orchard always reminded me of Lebanon, my homeland, which is probably why I decided to go back to Beirut and direct the play there, where poetry met reality.” Carlos Chahine (Libano) lascia la sua terra natale dopo la guerra del 1975. Dopo il diploma in chirurgia dentistica, professione che non ha mai praticato, scopre il teatro grazie a Vera Gregh, che lo incoraggia a diventare attore. Dal 1985 al 1988 segue i corsi dell’École nationale d’art dramatique presso il Théâtre national di Strasburgo. Dopo aver lavorato in Francia ed Europa con registi come Michel Vinaver, Matthias Langhoff, Silviu Purcărete, Alain Françon, René Loyon, Viviane Théophilidès, Stuart Seide, Philippe Van Kessel e Christian Rist, fa ritorno in Libano grazie al regista Ghassan Salhab, con il quale gira due film, Terra incognita (2002) e Atlal (2006). Nel 2008 scrive, dirige e interpreta il suo primo cortometraggio, La route du Nord, presentato in diversi festival internazionali e vincitore l’anno successivo del Best Narrative Short Award al Tribeca. Tchekhov à Beyrouth è il suo primo documentario. Carlos Chahine (Lebanon) leaves his mother country because of the war in 1975. After a diploma in dental surgery, a profession he never practiced, he discovered theater in Paris with Vera Gregh, who encouraged him to begin acting. Thus, he took courses at École nationale d’art dramatique, in Théâtre national de Strasbourg, from 1985 to 1988. After having worked in France and in Europe with directors such as Michel Vinaver, Matthias Langhoff, Silviu Purcărete, Alain Françon, René Loyon, Viviane Théophilidès, Stuart Seide, Philippe Van Kessel, Christian Rist, he made a comeback to Lebanon thanks to Ghassan Salhab, with whom he made two films, Terra incognita (2002) e Atlal (2006). In 2008, he wrote, directed and acted in his first short film, La route du Nord. The film received many international awards, including Best Narrative Short Award at Tribeca in 2009. Tchekhov à Beyrouth is his first documentary. filmografia/filmography La route du Nord (cm, 2008), Tchekhov à Beyrouth (mm, doc., 2016). 130 SOMMARIO TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC TFFDOC - I TA L I A N A . D O C mauro ruvolo AB URBE COACTA PREMIO CIPPUTI Italia/Italy, 2016, HD, 75’, col. AB URBE COACTA regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio, musica, produttore/ director, screenplay, cinematography, film editing, music, producer Mauro Ruvolo ** contatti/contacts [email protected] In una Roma decaduta, dove la nevrosi dei tempi moderni si esprime attraverso un umorismo cinico e volgare, Mauro Bonanni si affaccia alla vecchiaia con profondo disagio esistenziale. Come tanti, lamenta l’invasione di extracomunitari degli ultimi anni, ma il suo razzismo, di vita più che ideologico, si rivela contraddittorio. Mauro, infatti, è così attratto da quelle terre lontane da partire improvvisamente per Cotonou, nel Benin, dove anni addietro ha condiviso un viaggio con un dipendente beninese. «Ab Urbe Coacta è stato una profonda esperienza di vita, giunto alla sua forma finale non solo dopo un lungo lavoro di selezione, ma dopo l’evoluzione di un’idea aperta a cambi di rotta anche radicali, quasi passiva nei confronti delle soluzioni che la realtà man mano suggeriva. I pochi elementi di finzione sono plasmati su un tessuto di personaggi e situazioni reali e il percorso narrativo è tracciato da “documenti” che non hanno avuto bisogno di messa in scena. Proprio la necessità di raccontare una romanità che sta scomparendo è stata uno dei motori trainanti del progetto». ** In a decadent Rome, where the neurosis of modern times finds expression in cynical and vulgar humor, Mauro Bonanni contemplates old age with deep existential anxiety. Like many people, he complains about the invasion of illegal aliens in recent years but his racism, sparked by experiences rather than by ideology, proves to be contradictory. In fact, Mauro is so fascinated by those faraway lands that he abruptly leaves for Cotonou, in Benin, where years before he had gone on a trip with a Beninese employee. “Ab Urbe Coacta was a profound life experience; it achieved its final form not only after a long work of selection, but after the evolution of an idea which was open to radical changes in course, almost passively accepting the solutions which reality suggested, bit by bit. The few fiction elements were molded onto a fabric of real characters and situations and the narrative pathway was traced by ‘documents’ which needed no staging. One of the driving forces of the project was the need to depict a Roman spirit which is disappearing.” 131 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Mauro Ruvolo (Italia), artista poliedrico indipendente, ha mosso i primi passi all’inizio degli anni Novanta come producer musicale sulla scena elettronica londinese. Poco dopo ha affiancato all’attività di musicista e restauratore audio di film, quella di filmmaker e montatore, lavorando a numerosi materiali audiovisivi per Rarovideo (dai videosaggi di Adriano Aprà sul Conformista di Bertolucci e sui Clowns di Fellini al documentario di Tatti Sanguineti sul La rabbia di Pasolini e Guareschi). Molto prolifico nella realizzazione di trailer, ha curato riprese e montaggio del documentario Liberi tutti di Luca Rea. Ab Urbe Coacta è il suo primo lungometraggio. Mauro Ruvolo (Italy), multifaceted independent artist, got his start in the early 1990s as a music producer on London’s electronic scene. Shortly after this, his work as a musician and audio restorer for films was augmented by his activities as a filmmaker and editor, working on audiovisual material for Rarovideo (including the video essays of Adriano Aprà on Il conformista by Bertolucci and on Clowns by Fellini, and the documentary by Tatti Sanguineti about La rabbia by Pasolini and Guareschi). He has made many trailers, and oversaw the shooting and film editing of the documentary Liberi tutti by Luca Rea. Ab Urbe Coacta is his first feature film. filmografia/filmography Ab Urbe Coacta (doc., 2016). TFFDOC - I TA L I A N A . D O C pierpaolo de sanctis A PUGNI CHIUSI PREMIO CIPPUTI Italia/Italy, 2016, HD, 74’, bn/bw-col. A PUGNI CHIUSI regia, soggetto/ director, story Pierpaolo De Sanctis da un’idea di/ from an idea by Domenico Monetti, Luca Pallanch sceneggiatura/screenplay Pierpaolo De Sanctis, Alessandro Aniballi, Giordano De Luca fotografia/cinematography Niccolò Palomba montaggio/film editing Eugenio Persico musica/music Andrea «Fish» Pesce, Daniele De Santis suono/sound Salvatore Tagliavia interprete/cast Lou Castel produttori/producers Edvige Liotta, Marco Puccioni, Giampietro Preziosa produzione/production Inthelfilm ** contatti/contacts Inthelfilm Giampietro Preziosa [email protected] La parabola artistica ed esistenziale dell’artista di origini svedesi Lou Castel. Un vissuto «intrappolato» tra due personaggi diretti da Marco Bellocchio: l’Alessandro di I pugni in tasca (1965) e il Giovanni di Gli occhi, la bocca (1982). Attraversando una Roma sospesa tra archeologia postindustriale e relitti pasoliniani, Castel si apre a un lungo flusso di (in)coscienza sul suo ruolo di attore e al tempo stesso di militante politico, in un generoso atto d’amore verso ciò che resta del suo mestiere oggi. «A pugni chiusi è il risultato di un corteggiamento iniziato nel 2008. Un rapporto fatto di telefonate, viaggi, scambi di mail, proposte, tentativi abortiti, nuove soluzioni, grandi rifiuti (suoi, di Lou Castel) e tenaci ostinazioni (mie). Fino al punto in cui ci siamo trovati complici, sperimentando un approccio nuovo al film che avevo in mente: un metodo di “creazione diretta”, che ha trasformato lo spessore della recitazione da un recitato storico del passato a un recitato drammatico del presente. Un linguaggio imprevedibile per entrambi, scaturito nell’urgenza dell’essere ora e qui». ** The artistic and existential arch of the Swedish actor Lou Castel. A life “trapped” between two characters directed by Marco Bellocchio: Alessandro in I pugni in tasca (1965) and Giovanni in Gli occhi, la bocca (1982). As he crosses Rome, suspended between post-industrial archeology and Pasolinian ruins, Castel unleashes a long stream of (sub)consciousness about his role as both actor and political activist, in a generous act of love toward what remains of his profession today. “A pugni chiusi is the outcome of a courtship I started in 2008. A relationship made of phone calls, trips, e-mail correspondence, proposals, failed attempts, new solutions, great refusals (Lou Castel’s) and stubborn insistence (mine). Until we became accomplices, experimenting a new approach to the film I had in mind: a method of ‘direct creation,’ which transformed the depth of the acting from a ‘historical narration of the past’ into a ‘dramatic narration of the present.’ An unpredictable language for both of us, catalyzed by the urgency of being here and now.” 132 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Pierpaolo De Sanctis (Roma) è studioso di cinema e autore di documentari, dj e produttore discografico. Ha scritto numerosi saggi sul cinema italiano degli anni Sessanta e Settanta, pubblicati in volumi collettanei e riviste, ed è coautore di due monografie dedicate a Matteo Garrone e Paolo Sorrentino, oltre che del volume Pop Film Art. Visual culture, moda e design nel cinema italiano anni Sessanta e Settanta. Nel 2015 ha fondato l’etichetta Four Flies Records, specializzata nella pubblicazione in vinile di musica italiana prodotta per il cinema, la radio e la televisione durante gli anni Sessanta e Settanta. Pierpaolo De Sanctis (Rome, Italy) is a film scholar and documentary filmmaker, DJ and record producer. He has written many essays on Italian cinema of the 1960s and ’70s, published in collective books and journals, and coauthored two monographs dedicated to Matteo Garrone and Paolo Sorrentino, as well as the volume Pop Film Art. Visual culture, moda e design nel cinema italiano anni Sessanta e Settanta. In 2015, he founded the label Four Flies Records, specialized in producing vinyl recordings of Italian music written for film, radio and television during the 1960s and ’70s. filmografia/filmography Gli invisibili - Esordi italiani del nuovo millennio (coregia/codirectors Christian Carmosino, Enrico Carocci, Francesco Del Grosso, mm, doc., 2007), Nell’occhio di Venere (cm, 2012), A pugni chiusi (doc., 2016). TFFDOC - I TA L I A N A . D O C francesca bono A BITTER STORY Italia/Italy, 2016, HD, 53’, col. Francesca Bono (Cavallermaggiore, Cuneo, 1985), fotografa diplomata presso lo Ied di Torino, nel corso degli anni ha seguito e documentato il processo creativo di numerosi progetti artistici. Attualmente vive e lavora in Cile. A Bitter Story è il suo primo mediometraggio. A BITTER STORY regia, montaggio/ director, film editing Francesca Bono sceneggiatura/screenplay Francesca Bono, Fabio Ferrero fotografia/cinematography Matteo Tortone musica/music L’Amortex suono/sound Luca Testolin fonico/sound engineer Alessandro Abba Legnazzi interpreti/cast Deng Qu, Hu Yun Fei, Hu Ying Ying, Hu Jin Jie, Hu Yu Bei, Wang Feng Teng produttore esecutivo/ executive poducer Fabio Ferrero produzione/production Officina Koiné coproduzione/coproduction B612Lab, B-Sight, Consorzio Monviso Solidale ** contatti/contacts Fabio Ferrero [email protected] Barge e Bagnolo sono due piccoli comuni ai piedi delle Alpi, in cui da secoli l’attività principale è l’estrazione della pietra e in cui, dalla fine degli anni Novanta, è presente la seconda comunità cinese d’Europa. È qui che per i ragazzi cinesi inizia un altro anno scolastico, con la stessa incertezza rispetto al futuro, ma con una novità: un laboratorio teatrale ideato e realizzato per loro. «Diversamente da ciò che pensiamo, la comunità cinese è poco compatta e strutturata. Non esistono gruppi d’interesse, attività ricreative o culturali. Sono nuclei familiari che si relazionano a seconda delle necessità. Questo limbo vede gli adolescenti come interpreti di una doppia frizione: nei confini della comunità vivono lo scontro con i retaggi delle origini, rappresentate dai genitori, che impongono una visione severa e antiquata della vita senza lasciare spazio al confronto; nell’ambito del contesto d’adozione, invece, faticano a fare propri quegli strumenti di interpretazione e interazione con la realtà, fondamentali per una consapevole affermazione delle proprie potenzialità». ** Barge and Bagnolo are two small towns at the foot of the Alps and for centuries their primary activity has been quarrying stone. Since the late 1990s, the towns have been home to the second largest Chinese community in Europe. A new school year begins for the Chinese children here, with the same uncertainty about the future but with something new: a theatrical laboratory created and conducted for them. “As opposed to what we tend to think, the Chinese community isn’t compact and structured. There are no interest groups, nor recreational or cultural activities. The family nuclei interact according to need. This limbo sees adolescents dealing with a double friction: inside the community, they clash with the legacy of their origins, represented by their parents, who impose a strict and archaic view of life without leaving any room for discussion; instead, within the context of adoption, the young people struggle to absorb the instruments they need in order to interpret and interact with reality, fundamental for an informed affirmation of their own potential.” 133 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Francesca Bono (Cavallermaggiore, Cuneo, Italy, 1985), a photographer who graduated from Turin’s IED, has followed and documented the creative process of many artistic projects over the years. At present, she lives and works in Chile. A Bitter Story is her first medium-length film. filmografia/filmography A Bitter Story (mm, doc., 2016). TFFDOC - I TA L I A N A . D O C davide grotta HIDDEN PHOTOS Italia/Italy, 2016, HD 68’, col. HIDDEN PHOTOS regia, soggetto/ director, story Davide Grotta fotografia/cinematography Alexander Fontana montaggio, suono/ film editing, sound Gabriele Borghi musica/music Daigoro Vitello interpreti/cast Kim Hak, Nhem En, Chhoeun Yeh, Mon Rean, Kim Harp, Som Ravy, Com Chivon produttori/producers Heidi Gronauer, Lorenzo Paccagnella produzione/production ZeLig ** contatti/contacts ZeLIG - School of Documentary, Television and New Media Emanuele Vernillo [email protected] Kim Hak, giovane fotografo cambogiano, è alla ricerca di un immaginario per il suo Paese che superi il cliché iconografico legato all’Angkor Wat o ai Khmer rossi. Nhem En, anziano fotografo del regime, autore di circa 14.000 fototessere di prigionieri politici destinati a morte certa, sta invece progettando il proprio ingresso nel business del dark tourism, la moda di visitare luoghi in passato teatro di tragedie e violenze. Quale immagine proporre, dunque, di un Paese e della sua storia? «Non ho scelto la Cambogia per rispolverare la memoria dei Khmer rossi e delle loro atrocità. Ci sono banalmente inciampato. Ho invece scelto questo Paese perché pensavo fosse il miglior laboratorio per conoscere l’uomo e la sua relazione con il tempo, il passato e la storia. Credo che la fotografia unisca in modo privilegiato l’uomo al tempo, che in qualche modo rappresenti questo legame. In fondo, ogni fotografia appartiene al passato. Ma il punto è: che uso facciamo dell’immagine della nostra storia? Durante il montaggio ho poi scoperto che pochissime persone, le più coraggiose, si fanno domande e cercano risposte a partire da una fotografia». ** Kim Hak, young and talented Cambodian photographer, looks for a new imaginary of his country far from the iconographic cliché represented by Angkor Wat/Khmer Rouge. Nhem En, old photographer of the regime, author of about 14.000 mug shots of prisoners destined to certain death, is planning his entry in the business of dark tourism. What image to choose to represent our history, our country? “I did not choose to shoot in Cambodia in order to refresh our memory of the Khmer Rouge regime and its atrocities. I stumbled into it without originality. I chose this country because I thought it was the best laboratory to get to know the human being and his relation with time. With past and his history. I think that the practice of photography links, in a very privileged way, man to time, he represents it. Each photography belongs to the past. The point is: what use do we make of images of our history? During the editing I found out that just few brave people pose them questions while looking at a picture and search for answers.” 134 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Davide Grotta, laureatosi in archeologia navale, ha cominciato a lavorare come fotografo specializzandosi nel settore dell’archeologia subacquea. Nel 2009 ha iniziato a collaborare con l’agenzia fotogiornalistica Agf, dedicandosi in particolare a temi legati alla politica e all’economia. Ha poi continuato le sue ricerche fotografiche a Phnom Penh, in Cambogia, dove ha vissuto per due anni, concentrandosi sulla relazione tra identità dell’uomo e influenza della cultura di massa. Nel 2016, ha finito gli studi in regia presso la scuola di cinema documentario ZeLig. Davide Grotta, after graduating in naval archaeology, began taking photographs in the world of underwater archaeology. In 2009 he dedicated himself to editorial photography in collaboration with the photojournalistic agency AGF focusing on politic and economic issues. For two years he has lived in Phonm Pehn to continue his photograph research. Interested on the relationship between man’s identity and the influence of mass culture, he completed his studies in film directing at ZeLig - School for documentary. filmografia/filmography Del vivere consueto - Notes for a Portrait About Roberta Dapunt (cm, doc., 2015), Hidden Photos (doc., 2016). TFFDOC - I TA L I A N A . D O C filippo ticozzi MOO YA Italia/Italy, 2016, HD, 64’, col. MOO YA regia, soggetto, fotografia, montaggio/ director, story, cinematography, film editing Filippo Ticozzi suono, produttore/ sound, producer Federico Minetti interprete/cast Anthony Modesto Opio produzione/production Effendemfilm ** contatti/contacts Filippo Ticozzi [email protected] Opio è un uomo cieco che vive in uno sperduto villaggio africano. Passa la maggior parte del suo tempo seduto, ascoltando la propria terra, colma di mistero e dal passato sanguinoso. Un giorno, senza un motivo apparente, decide di partire. «Il viaggio senza meta di un non vedente per ridefinire le coordinate di un mondo. Questo avevo in mente prima di girare. Riformulare il nostro punto di vista attraverso il fluttuare di un cieco; un vedere più elementare e frammentario per penetrare un luogo che appare familiare e invece è ancora immensamente misterioso. Una sorta di documentario di fantascienza, dove degli spiriti possenti, come Moo Ya del Nilo, mettono ancora timore e dove la tragedia dell’uomo pare interminabile». ** Opio is a blind man who lives in an isolated African village. He spends most of his time sitting and listening to his land, full of mystery and a bloody past. One day, without any apparent reason, he decides to leave. “The directionless voyage of a blind man to redefine the coordinates of a world. This is what I had in mind before I began shooting. To reformulate our point of view through the peregrinations of a blind man; a more elementary and fragmentary way of looking to penetrate a place that seems familiar and instead is still immensely mysterious. A sort of science fiction documentary, where powerful spirits, like Moo Ya of the Nile, still spark fear and where the tragedy of mankind seems interminable.” 135 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Filippo Ticozzi (Voghera, Pavia, 1973) ha realizzato nel 2014 il suo primo lungometraggio documentario, Inseguire il vento, selezionato in vari festival internazionali (tra cui Visions du réel, Full Frame, Filmmaker, Doc/Ita Awards) e premiato come miglior documentario a Cinema Vérité, in Iran. In precedenza, aveva diretto la serie documentaria per la televisione Il paese breve (2008), i cortometraggi Lilli (2008) e Dall’altra parte della strada (2010) e i documentari brevi Un cammino lungo un giorno (2011) e A tentoni come fosse notte (2014). Filippo Ticozzi (Voghera, Pavia, Italy, 1973) made his first feature-length documentary, Inseguire il vento, in 2014; it was selected for various international festivals (including Visions du réel, Full Frame, Filmmaker, Doc/Ita Awards) and won Best Documentary at Cinema Vérité, in Iran. Before this, he had directed the documentary TV series Il paese breve (2008), the shorts Lilli (2008) and Dall’altra parte della strada (2010), and the short documentaries Un cammino lungo un giorno (2011) and A tentoni come fosse notte (2014). filmografia/filmography Il paese breve (tv, 2008), Lilli (cm, 2008), Dall’altra parte della strada (cm, 2010), Un cammino lungo un giorno (cm, doc., 2011), A tentoni come fosse notte (cm, doc., 2014), Inseguire il vento (doc., 2014), Moo Ya (doc., 2016). TFFDOC - I TA L I A N A . D O C tommaso lipari PRO LOCO Italia/Italy, 2016, HD, 61’, col. PRO LOCO regia, fotografia, montaggio, suono/ director, cinematography, film editing, sound Tommaso Lipari interpreti/cast Massimo Izzi, Marte Vivenzi, Mirko Vivenzi ** contatti/contacts Tommaso Lipari [email protected] www.tommasolipari.it Fare qualcosa per il luogo che si abita. Passarci sopra, sottolinearlo, renderlo vivo grazie alle rotte segnate dalle ruote di uno skate, che, scivolando sullo spazio quotidiano e dimenticato, lo segnano con visioni diverse. Prendersi tutto il tempo necessario, senza paura di perderlo, nel ripetere diverse volte un trick e rendere così giustizia alla fatica che un’idea fissa comporta. Osservare gli skater, esseri lunari, significa alleggerire l’anima dal peso di dover fare qualcosa con un ritorno. Significa far saltare la soglia tra realismo e finzione, per scegliere una strada che vede nel reale cose che stanno nella testa. «Realizzare Pro Loco è stato piacevolmente faticoso, perché mi sono ritrovato a lottare da una parte contro i pregiudizi di chi ritiene che lo skateboarding sia un argomento superficiale e dall’altra con gli skater, abituati a standard estetici e contenutistici che non mi interessavano. Non volevo, insomma, realizzare un “video sportivo” con il classico montaggio veloce dei tricks eseguiti alla perfezione». ** To do something for the place where you live. To pass over it, underscore it, make it come alive through the courses traced by the wheels of skateboards which, sliding over mundane and forgotten space, mark it with different visions. To take all the time it needs, without fear of wasting it, repeating a trick over and over and thereby doing justice to the effort a fixation comports. To observe skaters, lunar beings, means to free the soul from the weight of having to do something with a return trip. It means crossing the threshold between realism and fiction, choosing a path which sees in reality things that are actually in your head. “Making Pro Loco was pleasurably difficult because I found myself fighting, on the one hand, against the prejudices of people who find skateboarding superficial and, on the other, with the skaters, who are accustomed to standards of esthetics and content which didn’t interest me. In short, I didn’t want to make a ‘sports video’ with the classic fast editing of perfectly performed tricks.” 136 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Tommaso Lipari (Como, 1985) esordisce nel 2000, quando è ancora uno studente, con il cortometraggio documentario Banditi, mentre con il successivo videodiario Le grotte del formaggio (2002) vince un premio al Sottodiciotto Film Festival. Trasferitosi a Roma, lavora come creativo per Fox International Channels e nel 2007 si sposta a Milano, dove all’attività di videomaker freelance affianca quella di artista, esponendo per la galleria Studio Maffei. Nel 2010 partecipa alla Biennale di Mosca con l’installazione Stalker su un mare di nebbia. Nello stesso periodo inizia a esplorare il mondo dell’animazione, in particolare la tecnica tradizionale e successivamente il reportage video. Tommaso Lipari (Como, Italy, 1985) debuted as a student in 2000 with the short documentary Banditi; his next video-diary, Le grotte del formaggio (2002), won a prize at the Sottodiciotto Film Festival. He moved to Rome, where he worked as a creative for Fox International Channels, and in 2007 he moved to Milan, where he works both as a freelance video maker and as an artist, exhibiting at the Studio Maffei art gallery. In 2010, he participated at the Moscow Biennale with the installation Stalker su un mare di nebbia. In that same period, he began to explore the world of animation, in particular traditional technique, and later video news reporting. filmografia/filmography Banditi (cm, doc., 2000), Le grotte del formaggio (doc., 2002), Sulla strada (doc., 2003), Stalker su un mare di nebbia (inst., 2010), Pro Loco (doc., 2016). TFFDOC - I TA L I A N A . D O C enrico maria artale SARO Italia/Italy, 2016, HD, 67’, col. SARO regia, produttore/ director, producer Enrico Maria Artale montaggio/film editing Valeria Sapienza musica/music Emanuele De Raymondi, Marco Messina suono/sound Gianluca Palma interpreti/cast Enrico Maria Artale, Daniel Mejia Vargas, Sarah Sammartino, Giuseppe Sammartino, Maria Luisa Artale, Silvia Alù, Marco Morana, Saro Sardo Infirri produzione/production Film After Film ** Film After Film Enrico Maria Artale [email protected] www.filmafterfilm.com «Mio padre è uscito dalla mia vita quando avevo poco più di un anno. Da allora non ne ho voluto sapere nulla, e più volte, crescendo, mi sono rifiutato di conoscerlo. Ora che ho trovato un suo messaggio nella segreteria telefonica, decido finalmente di farmi raccontare qualcosa in più, prima di partire per un lungo viaggio solitario attraverso la Sicilia, convinto di riuscire a rintracciarlo, a incontrarlo e a registrare tutto con la macchina da presa». «Ho girato il materiale utilizzato in questo film quando avevo venticinque anni. Poi ho chiuso tutto in un cassetto, e ne sono passati altri cinque prima che mi decidessi a rivederlo. Si è trattato di un gesto terapeutico necessario: ho girato per superare un blocco psicologico e ho montato per rielaborare emozioni in un primo momento rifiutate. Emozioni e questioni che ho scoperto essere universali, finalmente condivisibili. Così la pratica cinematografica è diventata condizione di possibilità dell’esperienza, una spinta interiore della vita stessa». ** My father got out of my life when I was little more than a year old. Since then, I never wanted to know anything about him and several times, as I was growing up, I refused to meet him. But after finding a voice mail from him, I finally decided to let people tell me a bit more, before leaving on a long and solitary journey through Sicily, convinced I’d manage to track him down, meet with him and record everything with a movie camera. “I shot the material used in this film when I was twenty-five years old. Then, I locked it all up in a drawer and five more years passed before I decided to take another look at it. It was something therapeutic and necessary for me: I shot the film to overcome a psychological block, and I edited it to re-elaborate emotions I had initially refused to accept. Emotions and questions which I discovered were universal and finally sharable. Thus, filmmaking became an enabling condition of the experience, an interior thrust of life itself.” 137 SOMMARIO TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Enrico Maria Artale (Roma, 1984) si è laureato in estetica presso la facoltà di filosofia all’Università di Roma La Sapienza e si è poi diplomato in regia presso il Centro sperimentale di cinematografia. Nel 2009 ha girato il documentario televisivo I Giganti dell’Aquila, poi trasmesso da Raitre. Ha scritto e diretto diversi cortometraggi vincitori di premi internazionali, tra cui Il respiro dell’arco (2012), Nastro d’argento per il miglior cortometraggio. Nel 2013 ha presentato il suo primo lungometraggio, Il terzo tempo, nella sezione Orizzonti alla Mostra di Venezia; il film ha ottenuto il premio Pasinetti per l’opera prima, assegnato dal Sindacato nazionale giornalisti cinematografici italiani. Negli ultimi anni ha diretto alcuni documentari per Sky Arte e curato alcuni laboratori formativi sul cinema e l’autonarrazione. Enrico Maria Artale (Rome, Italy, 1984) graduated in aesthetics from the department of philosophy of the Università di Roma La Sapienza and then received a degree in directing from the Centro sperimentale di cinematografia. In 2009, he directed the TV documentary I Giganti dell’Aquila, which aired on Raitre. He has written and directed various short films which have won international prizes, and his film Il respiro dell’arco (2012) won a Silver Ribbon for Best Short Film. In 2013, he presented his first feature film, The Third Half, in the Horizons section at the Venice Film Festival; the movie received the Pasinetti Award for Best First Film, awarded by the Italian National Syndicate of Film Journalists. In recent years, he has directed a number of documentaries for Sky Arte and has curated educational laboratories on film and self-narration. filmografia/filmography Allegro compreso (cm, 2009), I Giganti dell’Aquila (doc., tv, 2009), Hai in mano il tuo futuro! (cm, 2010), Il respiro dell’arco (cm, 2012), Il terzo tempo (2013), Sei in un Paese meraviglioso (doc., serie tv/tv series, 2015), Saro (doc., 2016). © ROBERTO BEANI TFFDOC - I TA L I A N A . D O C zimmerfrei LA VILLE ENGLOUTIE Italia/Italy, 2016, HD, 64’, bn/bw THE DROWNED CITY regia/director Anna de Manincor soggetto/story ZimmerFrei sceneggiatura/screenplay Anna de Manincor, Claire Astier montaggio/film editing Davide Pepe, Anna de Manincor fotografia/cinematography Roberto Beani musica/music Massimo Carozzi, Susanna La Polla suono/sound Massimo Carozzi interpreti/cast Kemais Ouchem, Rayan Ouchem, DJ Noam, Rayane Big Show, Frédéric Sercy, Jonathan Goffé, Kévin Théraud, Manuel Marcos, Claire Astier, Muriel Poil, Michel Lahaye, Gérard Chaise, David Lautrey, Pascal Terrier, Anaïs Blanchard, Jean Sémon, Denis Dubois, Danyele Papillot, Pauline Sémon, Anton, Garance Torres-Amariglio, Patricia Davanture, Olivier Genelot, Jean-Michel Minvielle, Jean-Marc Ruget, Jean-François Maugey, Christophe Pratx, Louise Gandois, Eléa Nardin produzione/production Centre National des Arts de la Rue L’Abattoir coproduzione/coproduction InSitu network Il film è il settimo della serie Temporary Cities, ritratti di città filmati in piccole aree che stanno affrontando un processo di trasformazione: un quartiere, una piazza, un bar o anche una singola panchina. Il tema principale sono i residenti, la loro percezione e l’uso dello spazio pubblico. «Il film ritrae Chalon-sur-Saône, ex città industriale, con uno sguardo fantascientifico e ne esamina il possibile futuro. Come apparirà Chalon-sur-Saône nel 2040? Il documentario è una creazione collettiva e originale che proietta visioni, paure e desideri su una città immaginaria e distopica. Il futuro è già qui». ** This is the seventh instalment of the Temporary Cities series: portraits of cities filmed in small areas about to undergo a transformation: a neighborhood, a square, a café, or even a single bench. Every one of them connected by a central theme: its residents, their perception, and how they use these public spaces. “The film portrays a former industrial city, Chalon-sur-Saône, through a sci-fi filter, examining its potential future. What will Chalon-sur-Saône look like in 2040? The documentary is a collective and original creation, projecting visions, fears, and desires on an imaginary, dystopic city. The future is already here.” ** contatti/contacts Serena Gramizzi SOMMARIO ZimmerFrei (Italy) is an art collective created by Massimo Carozzi, Anna de Manincor, and Anna Rispoli. It originated in Bologna in 2000, and has now spread to its hometown and Brussels. Combining cinema, visual arts, music, and performance pieces, the group’s artistic approach explores urban environments, both real and imaginary, searching for the boundaries between public and private spaces. While still experimenting with performance art, in recent years ZimmerFrei has been focusing more on artistic documentaries. The Torino Film Festival paid tribute to the collective in the Onde section of its 2012 edition, screening a selection of their work. filmografia essenziale/ essential filmography N.K. - Never Keep Souvenirs of a Murder (cm, 2000), Presente Continuo (cm, 2003), Panorama_Roma (cm, 2004), Panorama_Bologna (cm, 2005), Panorama_Venezia (cm, 2005), Stone Money (cm, 2005), Controfigura (Body Double) (cm, 2006), Third Take (cm, 2006), why we came (cm, 2006), Teenage Lightning (cm, 2006), The Colony (cm, doc., 2007), Memoria Esterna (cm, 2007), Focus Puller (cm, 2008), Panorama_Harburg (cm, 2009), LKN Confidential (mm, 2010), The Hill (mm, doc., 2011), Temporary 8 (mm, doc., 2012), Hometown | Mutonia (doc., 2013), La beauté c’est ta tête (doc., 2014), Steadfast on Our Sand (doc., 2015), La ville engloutie (doc., 2016). TH [email protected] 138 ZimmerFrei (Italia) è un collettivo artistico formato da Massimo Carozzi, Anna de Manincor e Anna Rispoli. Nato a Bologna nel 2000, oggi si divide tra la città di origine e Bruxelles. La pratica artistica del gruppo, a metà strada tra cinema, arti visive, musica e performance, esplora gli ambienti urbani, tanto reali quanto immaginari, alla ricerca dei confini tra spazi pubblici e territori privati. Pur continuando a sperimentare nell’ambito dell’arte performativa, in questi ultimi anni la ricerca di ZimmerFrei si è focalizzata sempre più sulla produzione di documentari d’artista. Nel 2012 il Torino Film Festival, nella sezione Onde, ha dedicato un omaggio al gruppo, proiettando una selezione delle loro opere. TFFDOC - I TA L I A N A . D O C TFFDOC - FUORI CONCORSO jeff feuerzeig AUTHOR: THE JT LEROY STORY Usa, 2016, HD, 110’, col. AUTHOR: THE JT LEROY STORY regia, soggetto/ director, story Jeff Feuerzeig fotografia/cinematography Richard Henkels montaggio/film editing Michelle M. Witten interpreti/cast Laura Albert Jim Czarnecki, Danny Gabai, Molly Thompson, Brett Ratner, Henry S. Rosenthal, Gus Van Sant, Asia Argento, Paul David Hewson produzione/production Dogwoof ** contatti/contacts Dogwoof Luke Brawley [email protected] www.dogwoof.com 9 gennaio 2006: il «New York Times» smaschera lo scrittore JT LeRoy, romanziere di culto, autore dei crudi romanzi autobiografici Sarah, Ingannevole è il cuore più di ogni cosa e La fine di Harold. Dietro il nome di LeRoy, la musicista e operatrice telefonica di linee sexy Laura Albert, che ha creato di sana pianta il personaggio con l’aiuto di alcuni complici. Ma per quale motivo? «Non avevo mai sentito parlare di JT LeRoy, né avevo letto i suoi libri o tantomeno seguito lo scandalo nel 2006. È stata un’amica giornalista a farmi appassionare alla storia. […] Così ho fatto un passo indietro e ho letto il materiale disponibile: ero convinto che ci fosse molto di più di quello che era stato detto. Quindi ho contattato Laura Albert. […] Dopo la scoperta, Laura era stata letteralmente scomunicata dal mondo letterario, etichettata come un paria e una truffatrice. Era stata condannata per frode per aver firmato a nome JT LeRoy un contratto cinematografico, utilizzando quindi un’identità inesistente. In seguito a ciò si era chiusa in se stessa». ** January 9 , 2006: the “New York Times” unmasks the author JT LeRoy, a cult novelist, the author of the crude autobiographical novels Sarah, The Heart Is Deceitful Above All Things, and Harold’s End. Behind LeRoy’s hides Laura Albert, musician and phone-sex operator, who created the character with the help of a few friends. But why? TH “I had never heard of JT LeRoy, nor had I read the books, nor had I heard about the scandal as it was breaking in 2006. A journalist friend of mine turned me onto the story a few years later. […] I went back and read everything that had been written and I said to myself, there must be more to the story than we are being told. I then reached out to Laura Albert. […] And at this point in time, she’d literally been excommunicated from the literary community. She’d been labeled a pariah and a fraud. She’d been actually convicted of fraud in a court of law for signing the name JT LeRoy on a movie contract and that’s a human being that does not exist. And she was curled up in a ball.” 139 SOMMARIO TFFDOC - FUORI CONCORSO Jeff Feuerzeig (Usa, 1964), documentarista, nelle sue opere ha spesso raccontato la carriera travagliata o segnata da riconoscimenti inattesi o tardivi di personaggi del mondo della musica e dello sport: il cantautore texano Daniel Johnston, la band degli Half Japanese e il misconosciuto pugile Chuck Wepner. Ha esordito nel 1990 con il documentario breve Jon Hendricks: The Freddie Sessions, a cui sono seguiti Half Japanese: The Band That Would Be King (1993), The Devil and Daniel Johnston (2005), per cui ha ottenuto il premio per la regia al Sundance, The Dude (2011) e il tv movie The Real Rocky (2011). Jeff Feuerzeig (Usa, 1964), is a documentary filmmaker. His works have often recounted tormented careers or those marked by unexpected or tardy recognition of people from the world of music and sports: the Texan singer-songwriter Daniel Johnston, the band Half Japanese, and the overlooked boxer Chuck Wepner. He debuted in 1990 with the short documentary Jon Hendricks: The Freddie Sessions, which was followed by Half Japanese: The Band That Would Be King (1993); The Devil and Daniel Johnston (2005), which received the Directing Award at the Sundance Film Festival; The Dude (2011) and the TV movie The Real Rocky (2011). filmografia/filmography Jon Hendricks: The Freddie Sessions (cm, doc., 1990), Half Japanese: The Band That Would Be King (doc., 1993), The Devil and Daniel Johnston (doc., 2005), The Dude (cm, doc., 2011), The Real Rocky (tv, 2011), Author: The JT LeRoy Story (doc., 2016). TFFDOC - FUORI CONCORSO fabrizio ferraro COLOSSALE SENTIMENTO Italia/Italy, 2016, HD, 83’, bn/bw COLOSSALE SENTIMENTO regia, fotografia, montaggio/director, cinematography, film editing Fabrizio Ferraro soggetto/story Simone Ferrari, Fabrizio Ferraro suono/sound Simone Frati produzione/production Boudu-Passepartout ** contatti/contacts Boudu Fabio Parente [email protected] www.boudu.it Roma, 1630-40: lo scultore barocco Francesco Mochi realizza il Battesimo di Cristo per la chiesa di San Giovanni Battista de’ Fiorentini di Roma. L’opera, rifiutata dal committente, inizia una peregrinazione di luogo in luogo che durerà quasi quattrocento anni. Roma, gennaio 2016: un gruppo di visionari decide di riportare la scultura nel luogo dov’era stata concepita. Improvvisamente, Cristo rompe il silenzio di quattrocento anni e si rivolge a Giovanni Battista. «L’esigenza di riportare peso, misura, gravitazione nel luogo del cinema, dinanzi alla tendenza opaca di molti film contemporanei. […] La bella immagine per la bella immagine, sedurre per sedursi, senza nessun elemento concreto e nessuna informazione sul processo, nel suo conflitto. Allora abbiamo deciso di realizzare un vero e proprio kolossal in questa nuova fase digitale. Costruire un evento colossale che sappia reimmettere al centro dell’immagine alcuni elementi compositivi della vita di fuori per insediarsi in quel margine di tempo, di storia, così da incontrare, allora sì, la dimensione della bellezza e della sua fragile eternità». ** Rome, 1630-40. The baroque sculptor Francesco Mochi creates the Baptism of Christ for the church of San Giovanni Battista de’ Fiorentini in Rome. The client who commissioned it refused it, sending it on a peregrination from place to place that would last almost four hundred years. Rome, January 2016: a group of visionaries decides to bring the sculpture back to where it was conceived. Suddenly, Christ breaks a four-hundred-year-silence and speaks to John the Baptist. “The need to bring weight, measure, gravitation back to the place of cinema, in the face of the opaque tendencies of many contemporary filmmakers. […] The beautiful image for the sake of the beautiful image, seducing to seduce oneself, without any concrete element or information about the process, in its conflict. So we decided to make a true colossal in this new digital phase. To construct a colossal event which can put a few compositional elements of outside life back into the center of the image, to occupy that margin of time, of history, in order to encounter, finally, the dimension of beauty and its fragile eternity.” 140 SOMMARIO TFFDOC - FUORI CONCORSO Fabrizio Ferraro si è dedicato alla fotografia e all’organizzazione di eventi culturali cinematografici, dirigendo nel 2000 e 2001 la Mostra cinematografica internazionale di Terzo Cinema. Ha quindi pubblicato Breviario di estetica audiovisiva amatoriale - Natura, immagine, etica (2006) e, tra il 2006 e il 2008, ha realizzato una tetralogia di film sull’amatorialità, presentati in vari festival tra cui il Torino Film Festival e il FidMarseille. Nel 2009 ha diretto Je suis Simone - La condition ouvrière, menzione speciale al Torino Film Festival. Fabrizio Ferraro dedicated himself to photography and organizing cinematographic cultural events, directing in 2000 and 2001 the Terzo Cinema International Film Festival. He then published Breviario di estetica audiovisiva amatoriale - Natura, immagine, etica (2006) and, between 2006 and 2008, he made a tetralogy of movies about amateurism, presented at various festivals, including the Torino Film Festival and FIDMarseille. In 2009, he directed Je suis Simone La condition ouvrière, which received a Special Mention at the Torino Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Je suis Simone - La condition ouvrière (doc., 2009), Piano sul pianeta Malgrado tutto, coraggio Francesco! (doc., 2010), Ethos (verrà presto il giorno in cui gli attori e le attrici non crederanno più che le loro maschere e i loro costumi siano essi stessi) (doc., 2011), Penultimo paesaggio (2011), Quattro notti di uno straniero (2013), Quando dal cielo (doc., 2015) e Sebastiano (2016). TFFDOC - FUORI CONCORSO wang bing DEANG Hong Kong-Francia/Hong Kong-France, 2016, HD, 147’, col. TA’ANG regia/director Wang Bing fotografia/cinematography Shan Xiaohui, Wang Bing montaggio/film editing Adam Kerby, Wang Bing suono/sound Emmanuel Soland produttori/producers Mao Hui, Wang Yang produzione/production Chinese Shadows, Wil Productions coproduttori/coproducers Wang Jia, Francesca Feder, Danièle Palau ** contatti/contacts Asian Shadows Anne-Sophie Lehec [email protected] www.chineseshadows.com All’inizio del 2015 il territorio della minoranza etnica birmana dei Ta’ang, al confine fra Birmania e Cina, è teatro di un’aspra guerra civile, i cui scontri costringono migliaia di bambini, donne e anziani a compiere un esodo in terra cinese. Un allontanamento forzato che tutti sperano si trasformi presto in ricordo. «Abbiamo filmato la vita nei due campi profughi di Maidihe e Chachang, dove avevano trovato rifugio, rispettivamente, quattromila e duemila persone. Le condizioni di vita e la geografia del campo sono in costante evoluzione a causa del sovraffollamento, con molte persone che sono accampate sul ciglio della strada. Molti rifugiati sono ospitati da parenti o amici nei villaggi lungo il confine. La maggior parte di loro fa lavori occasionali per gli agricoltori cinesi della zona, nel tentativo di racimolare qualche soldo per tirare avanti; di solito aiutano con la raccolta della canna da zucchero. Abbiamo ripreso molte donne delle etnie Ta’ang e Dai che vivono nel campo di Chachang, tra cui Jin Xiaoman e Jin Xiaoda, arrivate attraverso il confine con i bambini e gli anziani dei loro villaggi». ** In early 2015, the territory of the Burmese ethnic minority Ta’ang, on the border between Burma and China, was the theatre of a harsh civil war. The clash compelled thousands of children, women and elderly people onto Chinese soil. A forced banishment everyone hopes will soon be transformed into a memory. “We filmed life in the two refugee camps of Maidihe and Chachang, which were sheltering around four thousand and two thousand refugees. Living conditions and camp locations are constantly changing due to overcrowding, with many people camping by the roadside. Many refugees are staying with relatives or friends in the small villages along the border. Most of them are doing odd jobs for local Chinese farmers, to make enough money to get by, usually helping with the sugar-cane harvest. We filmed several Ta’ang and Dai women living in Chachang camp, including Jin Xiaoman and Jin Xiaoda who had come across the border into China with their children and old folk from their villages.” 141 SOMMARIO TFFDOC - FUORI CONCORSO Wang Bing (Xi’an, Cina, 1967) ha studiato fotografia all’Accademia di belle arti di Lu Xun nel 1992 e cinematografia all’Accademia di cinema di Pechino nel 1995. Nel 1999 ha poi iniziato la sua carriera di filmmaker indipendente, segnata dalla prolificità e da una forte impronta politica. I suoi documentari sono stati presentati nei festival più prestigiosi del mondo, come il Cinéma du réel, DocLisboa, FIDMarseille, Rotterdam, Cannes e Venezia. Nel 2007 ha presentato fuori concorso a Cannes Fengming, a Chinese Memoir, mentre a Venezia ha partecipato in concorso con The Ditch (2010), suo primo lavoro di finzione, ha vinto la sezione Orizzonti con ’Til Madness Do Us Part (2013) e ha vinto ancora a Orizzonti, per la migliore sceneggiatura, con Bitter Money (2016). Wang Bing (Xi’an, China, 1967) studied photography at the Lu Xun Academy of Fine Arts in 1992 and filmmaking at the Beijing Film Academy in 1995. In 1999, he began his career as an independent filmmaker, a career marked by the number and strong political stance of his films. His documentaries have been presented at the world’s top festivals, including Cinéma du réel, DocLisboa, FIDMarseille, Rotterdam, Cannes and Venice. In 2007, at Cannes, he presented Fengming, a Chinese Memoir out of competition, and in 2010 he participated in competition in Venice with The Ditch, his first fiction film. He won the Venice Horizons section in 2013 with ’Til Madness Do Us Part and in 2016, with Bitter Money, he won Best Screenplay in Horizons section again. filmografia/filmography Tie xi qu (West of the Tracks, doc., 1999-2003), Baoli gongchang (Brutality Factory, cm, doc., 2007), He fengming (Fengming, a Chinese Memoir, doc., 2007), Yuan You (Crude Oil, doc., 2008), Tong dao (Coal Money, mm, doc., 2008), Jia bian gou (The Ditch, 2010), San zimei (Three Sisters, doc., 2012), Gudu (Alone, 2012), Feng ai (’Til Madness Do Us Part, doc., 2013), Fu yu zi (Father and Son, mm, doc., 2014), Yizhi (Traces, cm, doc., 2014), Deang (Ta’ang, doc., 2016), Ku Kian (Bitter Money, doc., 2016). TFFDOC - FUORI CONCORSO jean-daniel pollet LA FEMME AUX CENT VISAGES Francia/France, 1966, 16mm, 8’, bn/bw THE WOMAN OF ONE HUNDRED FACES regia, fotografia, montaggio/director, cinematography, film editing Jean-Daniel Pollet testo/text Jean Thibaudeau musica/music Antoine Duhamel voce narrante/narrator Jean Topart produzione/production Argos Films ** contatti/contacts La traverse Gael Teicher [email protected] Dall’antichità a Modigliani, volti femminili della storia della pittura montati sul tema integrale del Bandito delle undici composto da Antoine Duhamel. «Il testo che ho scritto per il film era composto di un’unica frase, descrittivo-vocativa, rivolta alle immagini da una voce maschile, in modo da costituire un discorso del desiderio, pronunciato alla seconda persona singolare e al presente, ma con una distanza marcata, in modo che non fosse riducibile a una coscienza o a un personaggio». (Jean Thibaudeau) «Gli ho fatto ascoltare la musica che avevo composto per Il bandito delle undici e mi ha detto: “La prendo e costruisco il film sulla musica”. Qualche volta mi sono divertito, nelle conferenze, a mostrare la sequenza della traversata della Durance del Bandito delle undici prima muta, poi con la musica, e infine a mostrare La femme au cent visages, in cui la stessa musica accompagna un altro supporto visivo». (Antoine Duhamel, 1998) ** Faces of women captured in paintings from the antiquities to Modigliani’s times, accompanied by the notes of Pierrot le fou, composed by Antoine Duhamel. “The text I wrote was made of one descriptive-evocative phrase about the images portrayed; a phrase spoken by a male voice to convey a discourse about desire, pronounced in the second person singular and in the present tense, but with a sense of detachment so that it couldn’t be attributed to a specific conscience or character.” (Jean Thibaudeau) “I made him listen to the music I composed for Pierrot le fou and he told me: ‘I’ll take it and make a movie out of it.’ Sometimes, during conferences, I enjoyed showing the scene of the Durance crossing from Pierrot le fou, first on silent and then with the music on; I would then follow it with La femme au cent visages, where the same music accompanies an entirely different visual support.” (Antoine Duhamel, 1998) 142 SOMMARIO TFFDOC - FUORI CONCORSO Jean-Daniel Pollet (La Madeleine, Francia, 1936 - Cadenet, Francia, 2004), cineasta difficilmente assimilabile a una scuola o tendenza, ha deciso al liceo di fare il regista e da quel momento si è dedicato al cinema con alterne fortune: basti pensare a La ligne de mire (1960), mai mostrato al pubblico e pesantemente attaccato dalla nouvelle vague, o, al contrario, allo stesso Méditerranée, accolto invece come un capolavoro dai «Cahiers du cinéma». Il sodalizio artistico con Claude Melki, l’impegno durante il maggio francese, la frequentazione degli ambienti del Cinema Nôvo brasiliano sono tutti elementi che rientrano nel cinema di Pollet, scomparso nel 2004 dopo una lunga e proficua carriera. Nel 1998 il Torino Film Festival gli ha dedicato una retrospettiva completa. Jean-Daniel Pollet (La Madelaine, France, 1936 - Cadenet, France, 2004) as a filmmaker can hardly be classified in a school of thought or trend. He decided he would become a director in high school, and has dedicated his life to cinema ever since, with mixed success: La ligne de mire (1960), for instance, was never publicly released and was severely criticized by the Nouvelle Vague; Méditerranée, on the other hand, was a resounding success, elevated as a masterpiece by the “Cahiers du cinéma.” His creative partnership with Claude Melki, his role in France’s May 1968 protests, or in the circles of Brazilian Cinema Nôvo are all elements that resurface in Pollet’s cinema. He died in 2004 after a long and prolific career, to which the Torino Film Festival dedicated a complete retrospective in 1998. filmografia essenziale/ essential filmography Bassae (cm, 1964), Une balle au cœur (1965), Le Horla (mm, 1966), La femme aux cent visages (cm, 1966), Les morutiers (cm, 1966), Tu imagines Robinson (1967), L’amour c’est gai, l’amour c’est triste (1968), Le maître du temps (1970), Le sang (1972), L’ordre (1973), L’acrobate (1975), Pascale et Madi (cm, 1976), Pour mémoire (1980), Au père Lachaîse (cm, 1986), Contretemps (1988), Trois jours en Grèce (1990), Dieu sait quoi (1996), Jour après jours (coregia/codirector Jean-Paul Farger, 2006). TFFDOC - FUORI CONCORSO jean-paul fargier PARLE-MOI ENCORE Francia/France, 2016, HD-16mm-35mm, 55’, col. PARLE-MOI ENCORE regia, sceneggiatura/ director, screenplay Jean-Paul Fargier ** contatti/contacts La traverse Gaël Teicher [email protected] Dieci anni dopo Jour après jour, Jean-Paul Fargier torna a parlare di Jean-Daniel Pollet per un nuovo capitolo della serie Cinéaste de notre temps di André S. Labarthe e Janine Bazin. Raccoglie le ossessioni ricorrenti e le ragioni del cinema di Pollet e le fa dialogare fra loro: la Grecia, Claude Melki, i testi dei suoi film, la fiction contro la non-fiction, il movimento contro l’immagine statica, l’idea della cosiddetta «durata concentrata». Spettatore, critico, collaboratore e ammiratore del cinema di Pollet, Fargier costruisce un discorso personale e appassionato, ricorrendo a frammenti di film, interviste e making of. «Il tema principale del film è la parola. Le parole che Jean-Daniel metteva nelle sue immagini, nei suoi documentari o nei suoi film di finzione. Le parole che condivideva con gli scrittori e i dialoghisti con cui lavorava. Il film stesso è fatto di parole e di riflessioni sulla parola. In qualche modo, è il ritratto di alcune di esse e di come tornavano di continuo nei film di Jean-Daniel: “abyme”, “amour”, “association”, “compréhension”…» ** Ten years after his documentary Jour après jour, Jean-Paul Fargier reopens the chapter about Jean-Daniel Pollet in a new page of the series Cinéaste de notre temps by André S. Labarthe and Janine Bazin. Fargier brings together the recurring obsessions and reasons behind Pollet’s films and lets them talk to each other: Greece, Claude Melki, his screenplays, fiction versus non-fiction, movement versus static images, the idea of the so-called “concentrated duration.” Viewer, critic, collaborator, and admirer of Pollet’s work: Fargier creates a personal and passionate conversation punctuated with fragments from his films, interviews, and behind the scenes. “Words are the main theme. The words Jean-Daniel used in his images, documentaries, or fictional films. The words he shared with the writers, playwrights, and dialogue-writers he worked with. The movie itself is made of words, and musings about words. In a way, it’s a portrait of a specific set of words that would always pop up in Jean-Daniel’s work: ‘abyme’, ‘amour’, ‘association’, ‘compréhension’…” 143 SOMMARIO TFFDOC - FUORI CONCORSO Jean-Paul Fargier (Aubenas, Francia, 1944) è regista, produttore televisivo, scrittore, giornalista, critico d’arte e di cinema e professore di cinema. Collaboratore delle riviste «Tribune socialiste» (1967-1970), «Cinéthique» (1968-1973), «Cahiers du cinéma» (1978-1989), «Le Monde» (1980-1982 e 1993-1996), «Libération» (19821983), «Art Press» e «Turbulences Vidéo», ha inoltre scritto due romanzi, pubblicato la raccolta di articoli Tivi ou Tivi pas e testi collettivi come Où va la vidéo ? Membro del collettivo Groupe Cinéthique negli anni Settanta, autore di diversi documentari televisivi, è stato uno dei pionieri del formato video nel cinema francese, a partire soprattutto da una esposizione organizzata nel 1986 al Festival di Avignone. Jean-Paul Fargier (Aubenas, France, 1944) is a filmmaker, TV producer, writer, journalist, art and film critic, and film professor. He collaborated with several magazines over the years, like “Tribune socialiste” (1967-1970), “Cinéthique» (1968-1973), “Cahiers du cinéma” (1978-1989), “Le Monde” (1980-1982 and 1993-1996), “Libération” (19821983), “Art Press” and “Turbulences Vidéo.” He also wrote two books, published a collection of articles under the title Tivi ou Tivi pas, and collective works like Oú va la vidéo? He was a member of the collective Groupe Cinéthique in the 1970s. He wrote several documentaries for television, and he was one of the pioneers of the video format in French cinema, especially after the exposition organized during the 1986 Avignon Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Quand on aime la vie on va au cinéma (come/as Groupe Cinéthique, doc., 1975), Godard/Sollers: L’entretien (doc., 1984), Vingt p’tites tours (serie tv/tv series, cm, doc., 1989), Impressionisme, les origines (doc., 1994), Un siècle d’écrivains (serie tv/tv series, ep. Curzio Malaparte, Charles Péguy, doc., 1995), La case de l’oncle Doc (serie tv/tv series, ep. Man Ray Monsieur machine à coudre, doc., 1998), Versailles, les jardins du pouvoir (tv, doc., 2001), Jour après jour (coregia/codirector Jean-Daniel Pollet, doc., 2006), M la maudite (tv, doc., 2007), Empreintes (serie tv/tv series, ep. Jérôme Savary, animal (pas) triste, doc., 2009), Reims la romaine (cm, doc., 2010), …Et de Gaulle créa la Cinquième (tv, doc., 2012), Parle-moi encore (mm, doc., 2016). © BENJAMIN LOYSEAU TFFDOC - FUORI CONCORSO jonathan littell WRONG ELEMENTS Francia-Germania-Belgio/France-Germany-Belgium, 2016, HD, 133’, col. WRONG ELEMENTS regia/director Jonathan Littell fotografia/cinematography Joachim Philippe, Johann Feindt montaggio/film editing Marie-Hélène Dozo suono/sound Yolande Decarsin, Yves Comeliau produttore/producer Jean-Marc Giri produzione/production Veilleur de nuit coproduttori/coproducers Thomas Kufus, Benoît Roland coproduzione/coproduction Zero One Film, Wrong Men ** contatti/contacts Le Pacte Ioana Dragomirescu [email protected] www.le-pacte.com Geofrey, Nighty e Mike sono stati rapiti ancora adolescenti e arruolati a forza nell’Lra (Lord’s Resistance Army), una formazione irregolare che dal 1989 combatte contro l’esercito ugandese. Fondatore della milizia è il celeberrimo Joseph Kony, che sostiene di essere guidato dagli spiriti. I tre giovani, come altri sessantamila ragazzi, hanno partecipato a battaglie e atrocità di ogni tipo, e portano dentro di sé ferite difficilmente rimarginabili, con le quali devono fare i conti quotidianamente. Intorno a loro una società che li rifiuta e li considera elementi sbagliati. E, intanto nella giungla, da più di venticinque anni, Joseph Kony continua a combattere a capo dei ribelli dell’Lra. «Perché l’Lra? Perché credo che metta in gioco qualcosa di essenziale: la nostra concezione delle nozioni di “boia”, “assassino” e “crimine”. Cosa succede con i concetti di misfatto e responsabilità quando il colpevole, rapito ancora bambino e lasciato da solo a costruirsi il proprio sistema di valori, diventa consapevolmente un killer?» ** Geofrey, Nighty, and Mike were kidnaped as teenagers and forcibly enrolled in the LRA (Lord’s Resistance Army), a militia group that has been fighting against the Ugandan government since 1989. The group was founded by the notorious Joseph Kony, who believed he was guided by spirits. The three boys, along with sixty thousand other kids, participated in battles and every kind of atrocity that was perpetrated. They still carry the wounds inside, dealing with them on a daily basis, and unlikely to ever fully heal. They are surrounded by a society that rejects them, that considers them wrong elements. Meanwhile, more than twenty-five years have gone by and Joseph Kony is still fighting in the jungle at the head of the LRA. “Why, then, the LRA? I believe this particular case puts something essential at stake: our very conception of the notions of ‘torturer,’ ‘killer,’ and ‘crime.’ What happens with the concept of wrongdoing and responsibility when the perpetrator, kidnapped as a child, becomes, within the only system of reference left to him, a willful killer?” 144 SOMMARIO TFFDOC - FUORI CONCORSO Jonathan Littell (New York City, Usa, 1967) è un giornalista e scrittore francoamericano che per lungo tempo ha lavorato con l’organizzazione non governativa Action Against Hunger, in Bosnia, Cecenia, Afghanistan e nella Repubblica democratica del Congo. Ha pubblicato il romanzo Le benevole, premiato dall’Accademia di Francia e tradotto in Italia da Einaudi; i saggi Cecenia, anno III e Il secco e l’umido. Una breve incursione in territorio fascista; la raccolta di articoli, apparsi originariamente su «Le Monde», dal titolo Diario siriano, in cui racconta le tre settimane passate al fronte, nella cittadina siriana di Homs; il volume di critica d’arte Trittico. Tre studi da Francis Bacon. Wrong Elements, che ha partecipato fuori concorso all’ultima edizione di Cannes, rappresenta il suo esordio alla regia. Jonathan Littell (New York City, NY, USA, 1967) is a French-American journalist and writer who worked extensively with the NGO Action Against Hunger in countries like Bosnia, Chechnya, Afghanistan, and the Democratic Republic of Congo. He published several works, including: the novel The Kindly Ones (ed. HarperCollins), which received the Grand Prix from the Académie Française; the essays Tchétchénie An III, and Le sec et l’humide; Syrian Notebooks: Inside the Homs Uprising, a collection of articles he wrote during his three weeks in Syrian town of Homs (originally published by “Le Monde”); and Triptych: Three Studies after Francis Bacon. The documentary Wrong Elements marks his debut behind the camera, and was screened out of competition at this year’s Cannes Film Festival. filmografia/filmography Wrong Elements (doc., 2016). TFFDOC - LOVE jean painlevé, geneviève hamon LES AMOURS DE LA PIEUVRE Francia/France, 1965, 35mm, 13’, col. THE LOVE LIFE OF THE OCTOPUS regia, fotografia, montaggio/directors, cinematography, film editing Jean Painlevé, Geneviève Hamon musica/music Pierre Henry voce narrante/narrator Roger Clairval produttori/producers Bianca Balbuena, Hazel Orencio produzione/production Ten17P, Epicmedia, Sine, Olivia Pilipinas coproduttori/coproducers Jeremy Chua, Fran Borgia coproduzione/coproduction Potokol, Akanga Film Asia ** contatti/contacts Les documents cinématographiques Archives Jean Painlevé Marie Jager [email protected] Tra i più misteriosi animali marini, i polpi depongono le uova una sola volta all’anno. I loro movimenti, la respirazione, il loro modo di nutrirsi e di nascondersi negli anfratti delle rocce. La loro affascinante vita di coppia. «I polpi sono stati il soggetto del mio primo film mostrato in pubblico, un documentario in bianco e nero girato a Port Blanc, dove ero ospite dei miei amici Hamon. Una delle loro figlie, Geneviève, è diventata una mia collaboratrice indispensabile. Intorno al 1958 abbiamo iniziato un altro film, questa volta a colori, Les amours de la pieuvre, presso i laboratori Arago a Banyuls-surMer, nei Pirenei Orientali. Abbiamo lavorato al progetto per dieci anni, visto che agosto era l’unico momento dell’anno durante il quale potevamo monitorare la deposizione e lo sviluppo delle uova». (Jean Painlevé) ** The octopus, one of the most mysterious sea creatures. Laying their eggs only once a year, the way they move, breathe, feed, and hide between the rocks. And their fascinating love life. “The octopus was the subject of my first public film in 1927, a blackand-white documentary filmed in Port Blanc, where I was staying with my friends the Hamons. One of their daughters, Geneviève, became my indispensable collaborator. Around 1958, we began another film, in color, The Love Life of the Octopus, at the Arago Laboratory in Banyuls, in the Eastern Pyrenees. The project lasted ten years, since August was the only month of the year during which one could monitor the laying and development of the eggs.” (Jean Painlevé) 145 SOMMARIO TFFDOC - LOVE Jean Painlevé (Francia, 1902-1989), dopo gli studi in biologia, ha aderito alle avanguardie artistiche e cinematografiche degli anni Venti e Trenta e ha iniziato a sviluppare tecniche innovative per la fotografia e le riprese delle creature marine. Con L’hippocampe, ou cheval marin (1934) ha realizzato il primo film girato sott’acqua. Fondatore e direttore dell’Institut du cinéma scientifique, tra il 1925 e il 1982 ha girato oltre duecento film, spesso insieme alla compagna Geneviève Hamon e ai collaboratori Maurice Jaubert, Pierre Henry e François de Roubaix. Geneviève Hamon (Francia, 19051989), collaboratrice e compagna di Jean Painlevé, è accreditata a partire dagli anni Sessanta come coregista, ma ha partecipato alle riprese dei film realizzati da Painlevé a partire dagli anni Venti, creando le scenografie degli acquari, occupandosi degli animali, delle riprese e della documentazione. Oltre all’attività di regista si è dedicata alla grafica pubblicitaria, al disegno, alla moda e alle arti visive. Jean Painlevé (France, 1902-1989), after studying biology, joined the avant-garde art and film movements of the 1920s and 1930s, developing innovative photographic techniques to take pictures of underwater creatures. In 1934, he made L’hippocampe, ou cheval marin (1934), the first film ever to be shot underwater. He founded and directed the Institut du cinéma scientifique. Between 1925 and 1982, he made over two hundred movies, most of which with his partner Geneviéve and his collaborators Maurice Jaubert, Pierre Henry and François de Roubaix. Geneviève Hamon (France, 1905-1989) is Jean Painlevé’s partner and collaborator. She started being credited as his codirector in the 1960s, even though she had been participating in his productions since the 1920s, setting up the underwater scenes, taking care of the animals, doing camera work and documentation. Beside her work in filmmaking, she was also a graphic artist in advertisement, fashion, and visual arts. TFFDOC - LOVE titta cosetta raccagni DIARIO BLU(E) Italia/Italy, 2016, HD, 27’, col. DIARIO BLU(E) regia, montaggio/ director, film editing Titta Cosetta Raccagni soggetto/story Titta Cosetta Raccagni, Barbara Stimoli suono/sound Francesca De Isabella animazione/animation Nicolò Manzolini/ Studio Seiperdue voce narrante/narrator Alice Raffaelli produzione/production Associazione Culturale Dello Scompiglio ** contatti/contacts Titta Cosetta Raccagni [email protected] Un racconto autobiografico, nato come installazione video, che riporta agli anni Novanta e ai tempi del liceo. C’è un amore disperato, un’identità da cercare, un coming out da urlare. «Diario Blu(E) è un viaggio introspettivo, un salto nel mio io di venticinque anni fa. Riconosco tante cose di me, mentre per altre vorrei dire a quella ragazza: “Forza, stai tranquilla, vedrai che ce la farai!” Rivivere quel periodo porta inevitabilmente a un paragone con l’oggi, mio e di tutte le persone LGBTQI, e perdonatemi l’etichetta. La situazione generale è senza dubbio più serena e aperta, ma le discriminazioni non sono scomparse, soprattutto in età adolescenziale. I quotidiani casi di omofobia e bullismo sono lì a testimoniarlo. Questo lavoro è soprattutto per loro, per le ragazze e i ragazzi che si trovano nel tumulto di quell’età». ** An autobiographic story created as a video installation that brings us back to the 1990s and high school. The desperate love, the search for one’s identity, a coming out to be shouted out loud. “Diario Blu(E) is an introspective journey, a trip into my past self, twenty-five years ago. I recognize a lot of things about myself, but there are also other times when I’d like to tell that girl ‘Be strong, don’t worry, you’ll make it through this!’ After experiencing again that period in my life, I inevitably compared it to my current life and to that of all the LGBTQI people out there (pardon my label). Overall, the situation is definitely more open and serene. But discriminations haven’t disappeared, especially for adolescents, as cases of homophobia or bullying appear in the news every day. I made this film especially for them, for those teenage boys and girls who are having a hard time at that age.” Titta Cosetta Raccagni nel 2001 si è laureata in storia del cinema e nello stesso anno ha ottenuto il diploma di filmmaker alla Scuola del cinema di Milano. Da sempre attiva nel circuito underground italiano, ha realizzato reportage, documentari, corti e visuals, con particolare attenzione alla sperimentazione e alla ricerca. Ha lavorato con Gabriele Salvatores, Alina Marazzi, Luca Bigazzi, Francesca Comenicini, Fabrizio Bentivoglio, Alessandra Speciale. Il suo cortometraggio Manga kissa (2011), girato a Tokyo, è stato selezionato dal team di Ridley Scott per far parte del film Life in a Day. Collabora da dieci anni con Filmmaker, per cui ha realizzato Lezione di anatomia (2006), corto vincitore al Festival internazionale Sguardi Altrove, Dalle mani (2009) e Martesana, le stagioni in città, opera in quattro episodi tutt’ora in progress. È inoltre organizzatrice della Ladyfest, festival a tematica di genere e sessualità, e fa parte del gruppo di registe «Le ragazze del porno», progetto per una pornografia altra. Titta Cosetta Raccagni graduated in film history and got a filmmaking degree from Milan’s Scuola di cinema in 2001. She has always been active in the Italian underground scene, making reports, documentaries, shorts, and visuals, focusing especially on experimentation and research. She has worked with Gabriele Salvatores, Alina Marazzi, Luca Bigazzi, Francesca Comenicini, Fabrizio Bentivoglio, and Alessandra Speciale. Manga Kissa (2011), the short she made in Tokyo, was selected by Ridley Scott’s team to be part of his film Life in a Day. She has been working with production company Filmmaker for ten years, during which she made Lezione di anatomia (2006), winner of Milan’s Sguardi Altrove Internazional Festival, Dalle mani (2009), and Martesana, le stagioni in città, a project in four episodes that is still in the making. She is the organizer of Ladyfest, a festival on gender and sexuality, and she is also part of the group of female filmmakers called “Le ragazze del porno,” a project for a different form of pornography. filmografia essenziale/ essential filmography Lezione di anatomia (cm, 2006), Dalle mani (cm, 2009), Manga kissa (cm, 2011), Diario Blu(E) (cm, 2016). 146 SOMMARIO TFFDOC - LOVE TFFDOC - LOVE fabrizio terranova DONNA HARAWAY: STORY TELLING FOR EARTHLY SURVIVAL Francia-Belgio/France-Belgium, 2016, HD, 81’, col. Fabrizio Terranova, regista, drammaturgo e attivista, vive e lavora a Bruxelles. Insegna alla Scuola di ricerca grafica di Bruxelles, dove ha fondato e cogestisce il Master in narrativa e sperimentazione e narrazione speculativa. Autore di Josée Andrei, an Insane Portrait, un documentario sperimentale poi trasformato in un libro, è tra i fondatori di DingDingDong, istituto per migliorare le conoscenze sulla malattia di Huntington. DONNA HARAWAY: STORY TELLING FOR EARTHLY SURVIVAL regia, sceneggiatura/ director, screenplay Fabrizio Terranova fotografia/cinematography Tristan Galand montaggio/film editing Bruno Tracq musica/music Laurent Baudoux & The Fan Club Orchestra suono/sound Nicolas Lebecque, Frédéric Fichefet interpreti/cast Donna Haraway, Rusten Hogness, Cayenne Pepper produttore/producer Ellen Meiresonne produzione/production Atelier Graphoui coproduttori/coproducers Olivier Marboeuf, Javier Packer-Comyn coproduzione/coproduction Kunstenfestivaldesarts, Spectre Productions, CBA - Centre de l’audiovisuel, Fabbula, Rien à Voir ** contatti/contacts CBA Gabriella Marchese [email protected] 147 SOMMARIO Donna Haraway è una studiosa di primo piano nel campo della scienza e della tecnologia, una femminista e un’appassionata di fantascienza. La sua fama è esplosa negli anni Ottanta, quando il suo lavoro sul gender, l’identità e la tecnologia ha segnato un punto di svolta e ha affermato un femminismo franco e allegro, oltre le categorie di genere. «La scelta cinematografica di Fabrizio Terranova, uno pseudorealismo con elementi di finzione, corrisponde molto precisamente al tipo di presenza che rende questo ritratto un modello d’integrità. Qui non si prende posizione né si offre un parere neutrale: è un dispositivo che vincola Haraway non più di quanto succedesse con Josée Andrei, il soggetto del primo, eccellente film di Terranova. Un dispositivo, però, che lascia i soggetti liberi di essere sinceri a proprio modo e affida al lavoro dell’immagine la responsabilità di trasformare questo documento registrato in un lavoro documentario a quattro mani». (I. Stengers) ** Donna Haraway is a prominent scholar in science and technology, a feminist, and a science-fiction enthusiast. She became known in the 1980s through her work on gender, identity, and technology, a turning point in the affirmation of a frank and cheerful form of feminism beyond gender categories. “Fabrizio Terranova’s cinematic choice, a pseudo-realist but discretely fictional one, corresponds very precisely to the mode of presence that makes this portrait a model of integrity. Neither taking over nor offering a neutral opinion, it is a device that constrains Haraway no more than it constrained Josée Andrei, the subject of his first, admirable film, but leaves them to use their own mode of being honest and entrusts in the work of the image the responsibility of turning this recorded document into a co-created documentary work.” (I. Stengers) TFFDOC - LOVE Fabrizio Terranova lives and works in Brussels. He is a filmmaker, activist, dramaturge, and teacher at ERG (École de Recherche Graphique) in Brussels, where he launched and co-runs the master’s programme in Narrations and Experimentation and Speculative Narration. He is the author of Josée Andrei, an Insane Portrait, an experimental documentary that was turned into a book. He is also a founding member of DingDingDong, an institute devoted to improving our knowledge of Huntington’s disease. filmografia/filmography Josée Andrei, an Insane Portrait (doc., 2010), Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival (doc., 2016). TFFDOC - LOVE ruth beckermann DIE GETRÄUMTEN Austria, 2016, HD, 89’, col. Ruth Beckermann (Vienna, Austria, 1952) ha studiato giornalismo e arte tra Tel Aviv, New York e Vienna, città dove si è laureata nel 1977. Parallelamente ha iniziato l’attività di giornalista, collaborando con testate austriache e svizzere. Con Josef Aichholzer e Franz Grafl ha fondato nel 1978 la casa di distribuzione Filmladen, per la quale ha lavorato per sette anni. Nel 1985 ha cominciato a lavorare come regista e scrittrice. THE DREAMED ONES regia, produttore/ director, producer Ruth Beckermann soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Ina Hartwig, Ruth Beckermann fotografia/cinematography Johannes Hammel montaggio/film editing Dieter Pilcher suono/sound Georg Misch interpreti/cast Anja Plaschg, Laurence Rupp produzione/production Ruth Beckermann Filmproduktion ** contatti/contacts Austrian Films Anne Laurent-Delage [email protected] www.austrianfilms.com Anja e Laurence, due giovani attori, si trovano fianco a fianco in uno studio di registrazione per leggere il carteggio tra i poeti Ingeborg Bachmann e Paul Celan, conosciutisi nella Vienna del secondo dopoguerra e provenienti da ambienti opposti: lei cresciuta in una famiglia nazionalsocialista, lui figlio di genitori ebrei morti nella Shoah. Il drammatico scambio di lettere diviene il viatico per una storia d’amore dai toni spesso accesi e contrastanti fra gli stessi attori, in uno scambio inatteso e coinvolgente tra realtà e finzione, passato e presente. «Questo film esplora senza dubbio un terreno per me nuovo. In The Dreamed Ones, non solo lavoro per la prima volta con degli attori, ma adotto un approccio diverso. All’inizio non avevo idea di quanto mi sarei allontanata dal film-saggio; l’idea di utilizzare come base un testo letterario si è sviluppata solamente dopo aver incontrato la critica Ina Hartwig; nel corso di un anno abbiamo lavorato insieme alla sceneggiatura». ** Anja and Laurence are two young actors who find themselves side by side in a recording studio as they read out loud the correspondence between the poets Ingeborg Bachmann and Paul Celan, who met in Vienna after the end of WWII. The poets came from completely different milieus: she grew up in a Nazi family while he was the son of Jews who died in the Shoah. The dramatic correspondence becomes a vehicle for a love story with tension and contrasts even between the actors, in an unexpected and gripping exchange between reality and fiction, past and present. “This film certainly does explore new territory. In The Dreamed Ones I not only worked with actors for the first time but also adopted a completely different approach; at the beginning I didn‘t know precisely how far I would move away from the essay film. The idea of using a literary text as the basis developed from a meeting with the literary critic Ina Hartwig, and over the course of a year I developed the screenplay for the film together with her.” 148 SOMMARIO TFFDOC - LOVE Ruth Beckermann (Vienna, Austria, 1952), after studying art history and journalism in Tel Aviv and New York, earned a doctorate from the University of Vienna. She worked as a journalist for several magazines in Austria and Switzerland. Along with Josef Aichholzer and Franz Grafl, she co-founded the Filmladen distribution company in 1978. She was involved with the company for seven years. She has been working as a writer and filmmaker since 1985. filmografia/filmography Auf Amol a Streik (cm, doc., 1878), Der Hammer Steht auf der Wiese da Draussen (cm, doc., 1981), Wien Retour (doc., 1984), Der Igel (cm, doc., 1986), Die Papierene Brücke (doc., 1987), Nach Jerusalem (doc., 1991), Jenseits des Krieges (doc., 1996), Arena Besetzt (doc., 1999), Ein Flüchtiger Zug nach dem Orient (doc., 1999), Homemad(e) (2001), Zorros Bar Mizwa (doc., 2006), Mozart Enigma (cm, 2006), American Passages (doc., 2011), Jackson/Marker 4AM (cm, 2012), Those Who Go Those Who Stay (2013), Die Geträumten (The Dreamed Ones, 2016). TFFDOC - LOVE jane gillooly SUITCASE OF LOVE AND SHAME Usa, 2013, HD, 70’, col. Jane Gillooly è una regista sperimentale americana, nelle cui opere è riscontrabile uno spiccato interesse per il cinema inteso come strumento di memoria e come militanza. A caratterizzare il suo lavoro, inoltre, è il tentativo di superare i concetti di finzione e narrazione per una differente ricostruzione del reale. Diversi suoi lavori sono stati presentati con successo nelle più importanti istituzioni culturali al mondo. SUITCASE OF LOVE AND SHAME regia, produttore/ director, producer Jane Gillooly fotografia/cinematography Beth Cloutier montaggio/film editing Jane Gillooly, Pam Larson scenografia/ production design Marcy Goldberg Sacks suono/sound Rob Todd ** contatti/contacts Jane Gillooly [email protected] La ricostruzione di una relazione adultera consumatasi tra un uomo e una donna nel Midwest degli anni Sessanta e registrata per intero, come se si trattasse di un diario intimo, su un nastro magnetico. Uno sguardo voyeuristico e complice in grado di penetrare, con tenerezza ed empatia, nel privato di un rapporto svelato dopo tanto tempo. «Sono entrata in possesso delle registrazioni grazie a un amico, Albert Stake, che le ha trovate in una valigia comprata su eBay. Sapeva che ero interessata a fare un film sul tempo a partire da una raccolta. Mentre ero a caccia di oggetti, […] ho ritrovato una piccola scatola contenente tutti i contraccettivi che ho utilizzato in vita mia. Affascinata, l’ho svuotata: raccontava realmente una storia sulle politiche sessuali di un certo periodo. E ho pensato che sarebbe stato un modo interessante di costruire un film». ** The reconstruction of an adulterous love affair between a man and a woman from the Midwest during the 1960s. An entire liaison recorded on audiotapes, almost as if they were a personal diary. A voyeuristic and complicit, mesmerizing and empathic glance into a private affair discovered long after its time. “I found the audiotapes through a friend, Albert Stake. He discovered them in a suitcase he bought on eBay. He knew I was thinking of making a film about time that was inspired by a collection. While I was looking around for objects, […] I found a collection of all my old birth control in a little box. It was fascinating unpacking this box, it really did tell a story about sexual politics in a certain period. And I thought this would be an interesting way to build a film.” 149 SOMMARIO TFFDOC - LOVE Jane Gillooly is an American experimental filmmaker. Her work has been influenced by her deep-seated interest in cinema as an instrument of memory and activism, always pushing the boundaries of fiction and narrative for a different reconstruction of reality. Her work has been successfully featured in some of the major cultural institutions in the world. filmografia/filmography Leona’s Sister Gerri (1995), Dragonflies, the Baby Cries (2000), The Not Yet Dead Club (2006), Today the Hawk Takes One Chick (2008), Suitcase of Love and Shame (2013). TFFDOC - LOVE luciana fina TERCEIRO ANDAR Portogallo/Portugal, 2016, HD-DV, 62’, col. THIRD FLOOR regia/director Luciana Fina fotografia/cinematography Helena Inverno, Luciana Fina, Rui Xavier montaggio/film editing Luciana Fina, Cláudia R. Oliveira suono/sound Olivier Blanc, Emanuele Costantini, Miguel Cabral interpreti/cast Aissato Baldé, Fatumata Baldé produttori/producers Luciana Fina, Luisa Homem produzione/production LAF studio, Terratreme ** contatti/contacts Luciana Fina - LAF Studio [email protected] www.lucianafina.net Lisbona, Bairro das Colónias, terzo piano. Fatumata e Aissato, la madre e la figlia maggiore di una numerosa famiglia originaria della Guinea-Bissau, parlano di amore e felicità. Nel palazzo, alle sette di sera, un suono regolare e sempre uguale come il battito di un cuore riverbera attraverso l’edificio, dal terzo al quinto piano. Come quelle di una poesia, una storia, una lettera o una preghiera, le parole viaggiano da una lingua all’altra, creando connessioni. «L’educazione sentimentale che modella le nostre vite passa attraverso un’idea di felicità e attraverso gli incontri con il mondo che ci circonda. Dal quinto al terzo piano, nello spazio comune di un palazzo nel cuore del centro storico di Lisbona, il dialogo con due donne originarie della Guinea-Bissau articola generazioni, memorie, linguaggi ed esperienze che hanno plasmato le nostre vite e i nostri sentimenti. Il cinema per sua natura mette a fuoco, seleziona, capta, ingrandisce o avvicina. E produce immagini non solo per raccontare, ma per creare legami, ammettendo il compatibile e l’incompatibile, l’incontro sensibile di diversi universi». ** Lisbon, Bairro das Colónias, third floor. Fatumata and Aissato, the mother and the eldest daughter of a large family originally from Guinea-Bissau, discuss love and happiness. At 7 pm, from the third to the fifth floor, a regular sound, always the same, like the beating of a heart, reverberates through the building. As a poem, a story, a letter and a prayer are spoken, words travel from one language to another, creating connections. “The sentimental education which shapes our lives passes by way of an idea of happiness and our encounters with the world around us. From the fifth to the third floor, in the shared space of an apartment building in historical downtown Lisbon, a conversation with two women from Guinea-Bissau articulates generations, memories, languages and experiences which have molded our lives and our emotions. By its nature, cinema focuses on things, it selects, captures, enlarges or brings them closer. And it produces images not only to tell stories, but to create ties, acknowledging the compatible and the incompatible, the sensitive encounter of different universes.” 150 SOMMARIO TFFDOC - LOVE Luciana Fina lavora a Lisbona dal 1991. Dopo una lunga collaborazione con la Cineteca portoghese come programmatrice indipendente, ha esordito come regista nel 1998. Nel 2003 ha iniziato a realizzare una serie di ritratti video riuniti nel progetto O Tempo de um Retrato. I suoi lavori sono stati ospitati da festival e mostre di tutto il mondo. Il suo ultimo documentario, In Medias Res (2013), ha ottenuto una menzione d’onore al Festival Temps d’images, nella sezione dedicata ai film sull’arte, e il premio per il miglior film portoghese al Festival di Arquiteturas. Ha sviluppato una serie di progetti che riflettono sulla creazione di identità visive, sulla fotografia, sulla grafica e sul design. Luciana Fina has worked in Lisbon since 1991. Following a long collaboration with Cinemateca Portuguesa as an independent programmer, she made her debut as a filmmaker in 1998. In 2003, she began a series of video portraits that came together in the O Tempo de um Retrato project. Her work has been shown internationally at festivals and exhibitions. Her most recent documentary, In Medias Res, was awarded an Honourable Mention at the Temps d’Images Films on Art Award and the Best Portuguese Film Prize at the Arquiteturas Film Festival. She develops projects involving creating visual identity, photography and graphic and editorial design. filmografia/filmography A Audiência (doc., 1998), Jérôme Bel, le film (mm, 1999), 24h e Outra Terra (mm, doc., 2001), Taraf, Três Contos e Uma Balada (mm, doc., 2003), O Encontro (doc., 2004), Le réseau (doc., 2006), Portraire (2009-2012), In Medias Res (doc., 2013), Terceiro Andar (doc., 2016). TFFDOC - LOVE sébastien lifshitz LES VIES DE THÉRÈSE Francia/France, 2016, HD, 55’, bn/bw-col. regia/director Sébastien Lifshitz fotografia/cinematography Paul Guilhaume montaggio/film editing Pauline Gaillard suono/sound Clément Laforce, Yolende Decarsin interprete/cast Thérèse Clerc produttore/producer Muriel Meynard produzione/production Agat Films, Cie ** contatti/contacts Doc & Film Hannah Horner [email protected] www.docandfilm.com © A G AT F I L M S & C I E THE LIVES OF THÉRÈSE Thérèse Clerc ha speso la sua vita in mille battaglie: dal diritto all’aborto alla parità sessuale fino ai diritti per gli omosessuali. Dopo aver scoperto di essere stata colpita da un male incurabile, ha deciso di raccontarsi, con dolcezza ma senza perdere la tenacia e la lucidità che l’hanno sempre contraddistinta, parlando della sua esistenza, delle sue lotte, di ciò che ha amato. «Nella storia del cinema ci sono poche storie di sofferenza come questa. Quelle che si trovano, però, sono memorabili. Tra quelle che mi hanno colpito, ci sono Lampi sull’acqua - Nick’s Movie di Wenders, My Sister Yoka di Johan van der Keuken, No Home Movie di Chantal Akerman o il film di Naomi Kawase sulla nonna. Grazie a questi lavori documentari, ho capito subito che non volevo fare un film in cui la morte, in qualche modo, fosse favorita, e trionfasse alla fine della storia. Al contrario, ho deciso che il film dovesse stare dalla parte della vita, così da proseguire l’opera e le lotte di Thérèse». ** Thérèse Clerc has fought a thousand battles: from abortion rights to sexual equality and gay rights. After discovering she has an incurable disease, she decided to tell her story, gently but without renouncing her hallmark tenacity and lucidity, talking about her life, her battles, what she has loved. “In cinema history, there are few stories of similar agony, but the existing ones remain in memory. I could name a few that particularly struck me, like Wenders’ Nick’s Movie, Johan van der Keuken’s My Sister Yoka, Chantal Akerman’s No Home Movie or the film by Naomi Kawase about her grandmother. Through these documentary works, I realized very quickly that I did not want to make a film somehow giving the advantage to death, leting it win at the end of the story. On the contrary, I decided I would try a film that remained on the side of life to continue the work and struggles of Thérèse.” 151 SOMMARIO TFFDOC - LOVE Sébastien Lifshitz (Neuilly-sur-Seine, Francia, 1968) ha esordito nel 1996 con il cortometraggio Il faut que je l’aime. Sono seguiti il documentario Claire Denis la vagabonde (1996), il mediometraggio Les corps ouverts (1998), insignito del premio Jean Vigo, Quasi niente (2000), suo primo lungometraggio di finzione, La traversée (2001), presentato al Festival di Cannes nella Quinzane des réalisateurs, Wild Side (2004), con cui ha vinto il Teddy Award alla Berlinale, Plein sud - Andando a sud (2009), Les invisibles (2012), premiato come miglior documentario ai César, e Bambi (2013). Con Les vies de Thérèse (2016) ha vinto la Queer Palm all’ultimo Festival di Cannes. Sébastien Lifshitz (Neuilly-sur-Seine, France, 1968) debuted in 1996 with the short Il faut que je l’aime, which was followed by the documentary Claire Denis la vagabonde (1996); the medium-length Les corps ouverts (1998), which received the Prix Jean Vigo; Presque rien (2000), his first fiction feature film; La traversée (2001), presented at the Cannes Film Festival in the Quinzane des réalisateurs; Wild Side (2004), which won the Teddy Award at the Berlinale; Plein sud (2009); Les invisibles (2012), Best Documentary Film at the César Awards; and Bambi (2013). Les vies de Thérèse (2016) won the Queer Palm at the latest Cannes Film Festival. filmografia/filmography Il faut que je l’aime (cm, 1996), Claire Denis la vagabonde (doc., 1996), Les corps ouverts (mm, 1998), Presque rien (Quasi niente, 2000), La traversée (doc., 2001), Wild Side (2004), Plein sud (Plein sud - Andando a sud, 2009), Les invisibles (doc., 2012), Bambi (doc., 2013), Les vies de Thérèse (mm, doc., 2016). TFFDOC - LOVE mike hoolboom WE MAKE COUPLES Canada, 2016, HD, 59’, bn/bw-col. WE MAKE COUPLES regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio, suono, produttore/ director, screenplay, cinematography, film editing, sound, producer Mike Hoolboom ** contatti/contacts Mike Hoolboom [email protected] www.mikehoolboom.com Questa storia d’amore marxista pone un quesito: la coppia può essere una forma di resistenza? Con la partecipazione straordinaria di Occupy, le Pussy Riot, una capra fuggiasca, due barboncini, un esercito di manifestanti, Mos Def, Frankenstein e il primo bacio del cinema. «Ci ho messo anni per fare questo film, perché prima doveva essere vissuto». ** This Marxist love story asks: could the couple also be a form of resistance? With guest appearances by Occupy, Pussy Riot, a runaway goat, two poodles, an army of street marchers, Mos Def, Frankenstein and cinema’s first kiss. “It took years to make because it had to be lived first.” Mike Hoolboom (Canada) ha realizzato più di ottanta film e video, partecipato a oltre quattrocento festival e ottenuto una trentina di premi. Vincitore del premio Tom Berner per il suo servizio alla comunità e di due premi alla carriera (dalla città di Toronto e dal festival ungherese Mediawave), ha presentato retrospettive in festival nazionali e internazionali, come l’Images Festival di Toronto, il Cinéma du réel di Nyon, il Cinema de Balie di Amsterdam, il Curtas di Vila do Conde, il Jihlava International Documentary Festival e il Bafici. Tra i fondatori del collettivo Pleasure Dome, ha lavorato come direttore artistico dell’Images Festival di Toronto e come coordinatore presso il Canadian Filmmakers Distribution Centre. Dal 2004 lavora per «Fringe Online», progetto web che mette a disposizione gli archivi di quaranta media artists canadesi. Mike Hoolboom (Canada) has made over eighty films and videos. His work has appeared in over four hundred festivals, garnering thirty awards. He has been granted the Tom Berner Award for community service and two lifetime achievement awards, the first from the city of Toronto, and the second from the Mediawave Festival in Hungary. He has enjoyed retrospectives of his work at the Images Festival in Toronto, Visions du réel in Nyon, Cinema de Balie in Amsterdam, Vila do Conde Festival, Jihlava Documentary Festival and BAFICI. He is a founding member of the Pleasure Dome screening collective and has worked as the artistic director of the Images Festival and as coordinator at Canadian Filmmakers Distribution Centre. Since 2004 he has been working on “Fringe Online,” a web project which makes available the archives of forty Canadian media artists. filmografia essenziale/ essential filmography Song for a Mixed Choir (1980), White Museum (cm, 1986) Mexico (coregia/codirector Steve Sanguedolce, cm, 1992), Escape in Canada (cm, 1993), Frank’s Cock (cm, 1993), House of Pain (cm, 1995), Letters from Home (cm, 1996), Panic Bodies (doc., 1998), Tom (2002), Imitations of Life (2003), In the Dark (cm, 2003), Public Lighting (2004), Fascination (doc., 2006), School (cm, 2008), Mark (doc., 2009), Lacan Palestine (doc., 2012), Buffalo Death Mask (2014), Scrapbook (2015), Incident Reports (2016). 152 SOMMARIO TFFDOC - LOVE I TA L I A N A . C O R T I | LUIS FULVIO IL FUTURO DI ERA | | PAOLA GANDOLFI IN TEMPO PER MODIFICHE TEMPORALI | DANIELE RAGUSA LAST SHIP | FRANCESCO SELVI LONTANO OVEST | ENNIO EDUARDO DONATO ’A MAZZAMMA | CLEMENTE BICOCCHI NOTTURNO | ANTONIO DI BIASE NUOVA ZITA | ALESSIA CECCHET ONIKUMA | MATTEO CANETTA REDENZIONE | FRANCESCO DONGIOVANNI STUDIO | GABRIELE DI MUNZIO TANJATALES FABRIZIO PATERNITI MARTELLO EX VOTO CAMILLA SALVATORE UN INFERNO SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I fabrizio paterniti martello EX VOTO Italia/Italy, 2016, HD, 12’, bn/bw Fabrizio Paterniti Martello (Italia, 1988) ha studiato lettere classiche all’università e al momento frequenta l’ultimo anno del corso di montaggio presso il Centro sperimentale di cinematografia di Roma. EX VOTO regia/director Fabrizio Paterniti Martello aiuto regia/ assistant director Claudia Librizzi montaggio/film editing Fabrizio Franzini suono/sound Maurilio Romano ** contatti/contacts Francesco Paterniti Martello [email protected] Fabrizio Paterniti Martello (Italy, 1988) studied classics at university and is presently in his last year in the film editing course at the Centro sperimentale di cinematografia in Rome. In un piccolo centro dei monti Nebrodi, in Sicilia, centinaia di fedeli scalzi e vestiti di bianco affrontano il freddo invernale invocando la grazia di san Sebastiano. Il rito votivo coinvolge la comunità da generazioni. «“Di te tutto conosco, di me tutto ignoro”. Tra sacro e profano, in una mistura di folclore e liturgia, si percepisce una naturale passione che va al di là della religione e della superstizione. Ho cercato di filmare l’intimo coinvolgimento della comunità; parlo della misteriosa relazione tra fede e individuo. Queste persone provano un sentimento di fede comune che muove all’appartenenza». ** In a small town in the Nebrodi mountains, in Sicily, hundreds of barefoot worshippers, dressed in white, brave the winter cold and invoke the grace of saint Sebastian. The votive rite has involved the community for generations. “‘About you, I know everything; about myself, I know nothing.’ Between the sacred and the secular, in a mixture of folklore and liturgy, a natural passion can be sensed that goes beyond religion and superstition. I tried to film the intimate involvement of the community; I’m talking about the mysterious relationship between faith and the individual. These people have a feeling of shared faith which forges the sense of a community.” 154 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I filmografia/filmography Vraiment Marcel (cm, 2013), Incontro ravvicinato con un autore di un certo tipo (cm, 2016), Ex voto (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I luis fulvio IL FUTURO DI ERA Italia/Italy, 2016, HD, 24’, col. Luis Fulvio (1977) vive a Roma. Ha seguito un classico percorso di studi e da anni collabora con l’archivio film della Fondazione Csc e con Fuori Orario. Nel 2014 ha realizzato Coda, presentato al Torino Film Festival. IL FUTURO DI ERA regia/director Luis Fulvio fotografia/cinematography Donatello Fumarola montaggio/film editing Piero Lassandro suono/sound Dario Salvagnini, Antonio Giannatonio interprete/cast Roberto Baglivi produzione/production Zomia, Abelmary ** contatti/contacts Luis Fulvio [email protected] [email protected] Luis Fulvio (1977) lives in Rome. He followed a classic path of studies and for years has collaborated with the film archive of the Fondazione CSC and with Fuori Orario. In 2014, he made Coda, presented at the Torino Film Festival. Un uomo scolpisce un albero nell’Italia del Sud. «Il film è un dialogo senza parole tra un uomo e un mito, Era. Uno scontro materico figlio di atavici sentimenti di vendetta, in cui l’atto distruttivo si fa creazione e quest’ultima è data agli umani solo attraverso la distruzione. La metamorfosi è un atto di dolore». ** A man carves a tree in Southern Italy. “The film is a wordless dialogue between a man and a legend, Era. A material clash, the offspring of atavistic feelings of revenge, in which the destructive act becomes creation and this latter is bestowed on humans only through destruction. Metamorphosis is an act of pain.” 155 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I filmografia/filmography Coda (cm, 2014), Il futuro di Era (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I camilla salvatore UN INFERNO Italia/Italy, 2016, HD, 16’, col. Camilla Salvatore (Torre Annunziata, Napoli, 1993) ha studiato a Milano laureandosi in pittura e arti visive presso la Nuova accademia di belle arti. Ha esordito nel 2015 con il cortometraggio Franchino e nel 2016, con il sostegno di Filmap, ha realizzato Un inferno. UN INFERNO regia, fotografia/ director, cinematography Camilla Salvatore suono/sound Ennio Donato interpreti/cast Giuseppe Fiorenza, Martina De Franco, Ciro Oliviero, Pasquale Garofalo, Elisa Vitiello, Arturo Damasco, Michele Borriello, Raimondo Bracale, Ilenia Perna, Federica Caso produzione/production Arci Movie, Centro FilmaP, Parallelo 14 produzioni ** contatti/contacts Centro FilmaP - Arci Movie [email protected] [email protected] In un piccolo studio di tatuaggi nella provincia di Napoli si nasconde un microcosmo vivo. Le chiacchiere e le confessioni fra tatuatore e clienti svelano il carattere di ciascuno; costruiscono l’affresco di un luogo autentico, con i suoi miti e le sue regole, e svelano l’anima di un mestiere che si presta a creare intimità fra dolore, sangue e racconti. «Il tatuatore ci conduce alla scoperta di un mondo vivo e caotico: “un inferno”, perché popolato da personaggi contraddittori, segnato da storie che celano un aspetto talvolta grottesco, il dramma di esistenze al limite. Non si tratta di un giudizio di valore. Infernale è la condizione che lega con forza e attaccamento alla vita anche gli aspetti più crudi dell’esistenza. Ciascuno è già stato giudicato e talvolta anche condannato, ma è in questo contesto che si può osservare la tenacia e l’entusiasmo di chi combatte ancora. Gli eventi si susseguono in modo ciclico, e anche la struttura del film, senza momenti di stallo e con una conclusione circolare, sottolinea questa continuità, come una giornata che non finisce ma ricomincia ugualmente ogni volta». ** There is a living microcosm inside a small tattoo parlor near Naples. Little by little, the chats and the confessions between the tattoo artists and his customers reveal their various personalities. Each exchange like a brush stroke on the tableau of this genuine place, with its legends and rules, revealing the soul of a profession that creates intimacy from pain, blood, and stories. “The tattoo artist accompanies us on the discovery of a lively and chaotic world. An ‘inferno’ populated with contradictory characters, filled with revealing and sometimes grotesque stories about living on the line. It’s not a judgment. What’s infernal is the condition that makes even the crudest side of existence part of our attachment to life. Everyone has already been judged, and sometimes even condemned, but it’s in this context that we can see the tenacity and enthusiasm of those who are still fighting. The events follow one another cyclically, like the film’s structure: without any pauses and with a circular ending underlining this continuity, like a day that doesn’t end and starts over the same every time.” 156 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Camilla Salvatore (Torre Annunziata, Naples, Italy, 1993) majored in painting and visual arts from the Nuova accademia di belle arti in Milan. She made her directorial debut in 2015 with the short Franchino, followed by Un inferno, made with the Filmap’s support. filmografia/filmography Franchino (cm, 2015), Un inferno (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I paola gandolfi IN TEMPO PER MODIFICHE TEMPORALI Italia/Italy, 2016, 9,5mm-HD, 6’, bn/bw Paola Gandolfi ha un approccio alla pittura e al video legato soprattutto alla figura femminile, alle dinamiche psichiche che definiscono l’identità di genere della donna e alle lente trasformazioni storiche e sociali della condizione femminile nella società. Dal 1980 al 2000 ha lavorato dipingendo quadri e realizzando sculture e ha partecipato a mostre in tutto il mondo. Dal 2000 ha iniziato a lavorare anche con il video e l’animazione. IN TEMPO PER MODIFICHE TEMPORALI regia/director Paola Gandolfi montaggio/film editing Marco Salvatori suono/sound Ermanno Ghisio-Erba, Stefano Di Fiore produttori/producers Paola Gandolfi, Patrizia Bayliss-Smith ** contatti/contacts Produzione 8 Production Laura Catalano [email protected] [email protected] www.pr8duction.com Otto quadri raccontano la preparazione di una bambina per il suo primo giorno di scuola. Le riprese del padre alla stessa Paola Gandolfi, risalenti al 1955, sono rielaborate in una dimensione fiabesca e senza tempo. «Ho ritrovato un piccolo film che mio padre aveva girato con la sua cinepresa Pathé 9.5. Era il mio primo giorno di scuola, lui filmava la mia “vestizione/preparazione”. Mi sono resa conto, guardando e riguardando il filmato, che il protagonista è il tempo. […] Le immagini scorrono nel video di oggi e io mi trovo, ora, tra me piccola e me grande, con mia madre che mi vestiva e mio padre che non si vede, ma mi guardava/filmava. […] Ora sono io quella che guarda, quella che detiene il gioco, quella che modifica, e sono l’unica superstite della scena. Ho spiato frame su frame, come un detective che cerca le tracce di un delitto. […] Fare questo corto è stato come uno scavo archeologico, ho fatto e detto ciò che a quell’età non si può fare o dire. Con i suoni, i segni, le modifiche che ho disegnato, ho dato la voce al mio film muto». ** Eight tableaux about a girl getting ready for her first day of school. The images, captured by Paola Gandolfi’s father back in 1955, are filtered through a timeless and fairytale-like dimension. “I found a home video made by my father with his Pathé 9.5 video camera. It was my first day of school, and my father was recording me as I got ready. As I watched the footage over and over again, I realized that the real protagonist is time. […] The images flow into the present video, and I find myself caught between the woman I am and the girl I once was, when my mother would dress me for school and my father hidden behind the camera, watching and filming. […] Now I am the one watching, leading the game, changing it, and the only one left from that scene. I observed it, spying it frame by frame like a detective looking for clues to a crime. […] Making this short was like an archaeological dig. I did and said what I couldn’t do and say at the time. With sounds, signs, and the changes I drew, I gave a voice to my silent film.” 157 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Paola Gandolfi’s approach to painting and video-making is connected to the female figure, to the psychic dynamics that define the identity of the female gender, and the slow social and historical transformations of the conditions of women in society. She was a prolific painter and sculptor from 1980 to 2000, participating to exhibitions worldwide, and, in 2000, she also started working with videos and animations. filmografia/filmography La recherche de ma mère (coregia/codirector Francesca Ravello, cm, 2003), Macchina Madre (cm, 2007), Elettricità nascosta (coregia/codirector Maura Manfredi, cm, 2011), In tempo per modifiche temporali (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I daniele ragusa LAST SHIP Italia/Italy, 2015, HD, 10’, col. LAST SHIP regia/director Daniele Ragusa soggetto/story Daniele Ragusa, Davide Iacono, Carlo Distefano interprete/cast Gianni Rodolico ** contatti/contacts Cut-Up Distribution [email protected] www.cut-up.tv Negli stessi luoghi in cui è stato girato La terra trema di Luchino Visconti (1948), la famiglia Rodolico costruisce navi da quattro generazioni. Se ieri un’intera comunità si raccoglieva intorno a questi maestri d’ascia e si identificava con loro, oggi quel mondo sta scomparendo a causa dei tempi che cambiano. Tuttavia, è il legno che conserva e costruisce il ricordo di una conoscenza molto antica, come quella degli ultimi carpentieri navali. «Last Ship è la muta testimonianza di una memoria ormai perduta. Il racconto di un lento declino; dello scorrere inesorabile del tempo; di qualcosa che vive solo nella pelle riarsa e nelle rughe dei volti. I momenti morti sono, prima di ogni cosa, il vero racconto: rendono Last Ship simile a un vecchio album di famiglia. Di quelli da sfogliare con malinconia, sperando che qualcosa di quel primitivismo possa essere salvaguardato anche dentro il nostro mondo». ** In the same places where La terra trema by Luchino Visconti (1948) was filmed, the Rodolico family has been building ships for four generations. If yesterday around these shipwrights a whole community used to gather and identify itself, today that world is disappearing because of the changing times. However, it is the wood that still preserves and builds the memory of a very ancient knowledge: the one of the last shipwrights. “Last Ship is the silent testimony of a now-forgotten memory. It is the story of a slow decline; of the inexorable passage of time; of something that only lives in the parched skin and wrinkles of people’s faces. The dead moments are, above all, the true story: they make Last Ship something like an old family photo album. The kind you flip through with melancholy, hoping that something of that primitivism might be safeguarded in our world, too.” 158 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Daniele Ragusa Monsoriu (Italia) si è laureato nel 2009 in fotografia al Dams dell’Università di Roma Tre e ha iniziato a lavorare nel reparto scenografico della casa di produzione Palomar, per la serie televisiva Il commissario Montalbano. Nel 2014 ha lavorato per Il racconto dei racconti di Matteo Garrone e nello stesso anno ha scritto e diretto lo spot pubblicitario Always, per FernetBranca. Nel 2015 ha lavorato come assistente alla regia per il film di Enrico Lando Quel bravo ragazzo, e ha diretto il cortometraggio Giorno lento, basato sui fatti della strage di Aurora, oltre ad altri due spot pubblicitari. Daniele Ragusa Monsoriu (Italy) graduated in 2009 in cinematography at DAMS University in Rome Tre. He worked at the Palomar scenic segment for Raicinque television productions of Inspector Montalbano. In 2014 he worked for the film Tale of Tales by Matteo Garrone and in the same year he wrote and directed the commercial Always for Fernet-Branca. In 2015 he worked as assistant director for the film Quel bravo ragazzo by Enrico Lando and he directed the short film Giorno lento, based on the facts of the Aurora massacre, and two commercials. filmografia/filmography Giorno lento (cm, 2015), Last Ship (cm, 2015). I TA L I A N A . C O R T I francesco selvi LONTANO OVEST Italia/Italy, 2016, HD, 26’, col. Francesco Selvi (Cesena, 1980) ha iniziato a girare i primi cortometraggi all’interno del circuito Nomadica, dopo dieci anni di percorso teatrale. Oltre a essere regista, è anche redattore della rivista online «Rapporto confidenziale» e ideatore di programmi radiofonici. Lontano Ovest è il suo quarto cortometraggio. LONTANO OVEST regia, sceneggiatura/ director, screenplay Francesco Selvi fotografia, montaggio/ cinematography, film editing Luca Nervegna costumi/costume design Monia Strada, Manuela Ballot musica/music Chrys Yan interpreti e personaggi/ cast and characters Mattia Abbondanza (cowboy), Marco Laghi (l’indiano 1/ native american 1), Caterina Borghesi (la ragazza del sogno/ girl in the dream), Luciano Vitali (l’indiano 2/ native american 2), Luca Ferri (l’indiano 3/native american 3), Dario Agazzi (l’indiano 4/ native american 4) produzione/production La Furia ** contatti/contacts Francesco Selvi [email protected] Il Far West, terra di grandi promesse, di fertili pianure ancora libere e di giacimenti d’oro. Il Far West è la terra dove i sogni di ogni pioniere possono diventare realtà. Ciascuno ha un personale Far West. Un cowboy cerca il suo, in un viaggio pieno di aspettative che lo porterà a oltrepassare montagne e a guadare fiumi, approdando infine in un luogo dove i sogni sono finiti da un pezzo... O forse devono solo essere ripensati. «Sin da piccolo ho sognato il Far West, tifato per gli indiani, sofferto per le carovane in fiamme o per l’eccidio sul fiume Sand Creek… Tutti quegli uomini che si muovevano verso una terra del sogno... Il mio cowboy si muove in un mondo (il nostro, il mio) dove ormai ogni sogno è tramontato. E forse è giusto così!» ** The Far West, a land of great promises, still free fertile plains and gold fields. The Far West is the land where every pioneer’s dreams can come true. Since it’s the land of dreams, everyone has their own personal Far West. A cowboy looks for his own on a journey full of expectations that will take him to cross mountains and wade rivers, finally arriving in a place where dreams are long gone... Or maybe just need to be thought about again. “I dreamt about the Far West ever since I was a kid, rooting for the Indians, grieving for the caravans in flame or the massacre of the Sand Creek River… All those men heading toward a land of dreams… My cowboy travels through a world (our world, yours and mine) in which dreams are no more. And maybe that’s the way it should be.” 159 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Francesco Selvi (Cesena, Italy, 1980) started making shorts in the Nomadica circle after working in theatre for ten years. Besides making films, he is also the editor of the online magazine “Rapporto Confidenziale” and the creator of a few radio shows. Lontano Ovest is his fourth short. filmografia/filmography Ecco (cm, 2010), L’attesa (cm, 2011), Domani parto (cm, 2011), Lontano Ovest (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I ennio eduardo donato ’A MAZZAMMA Italia/Italy, 2016, HD, 19’, col. Ennio Eduardo Donato (Napoli, 1984) ha studiato filosofia e storia delle idee. Nel 2014 ha collaborato alla sceneggiatura del corto Ciao mamma, prodotto da Sky e Cattleya. Nel 2015 ha diretto un mediometraggio sull’emergenza abitativa a Torino, Tornare a casa. ’A MAZZAMMA regia/director Ennio Eduardo Donato suono/sound Camilla Salvatore, Luisa Izzo, Doriana Monaco interpreti/cast Pasquale De Fabbio, Sergio ’O Marenaro, Gennaro De Fabbio, Bruno Panunzio, Mariolina De Fabbio produzione/production Arci movie/filmap, Atelier di cinema del reale, Parallelo 41 produzioni ** contatti/contacts Centro FilmaP - Arci Movie [email protected] [email protected] «Mazzamma» è un termine napoletano. Storicamente si usa per indicare il pesce di piccole dimensioni e per traslato, con valore spregiativo, gruppi di persone che vivono ai margini della società o un insieme di cose senza valore. Pasquale è un parcheggiatore abusivo che sta scontando gli arresti domiciliari. Ogni giorno può uscire di casa un paio d’ore: durante questo tempo, torna nella piazza dove lavorava e visita il magazzino pieno di cianfrusaglie accumulate in una vita. «Quando conobbi Pasquale mi raccontò del suo modo di arrangiarsi, dei piccoli reati e della repressione che subiva. Pensai che fosse condannato a infrangere qualche divieto per trovare il suo spazio, per rompere qualche muro e poter accantonare le cose accumulate in una vita. Decisi di farne il vitale protagonista di un film divertente, che mostra una condizione umana abusiva, illegittima, ma (r)esistente». ** “Mazzamma” is a Neapolitan term. Historically, it is used to indicate small-sized fish and, by extension and with a derogatory slant, groups of people who live at the margins of society, as well as an accumulation of valueless things. Pasquale is an unauthorized car-park attendant who has been sentenced to house arrest. He is allowed outside for a few hours every day: during this time, he returns to the piazza where he used to work and visits a storage room full of the junk he has accumulated over his lifetime. “When I met Pasquale, he told me about his way of making do, the petty crimes and the repression inflicted on him. I thought he was destined to break laws in order to find some space of his own, to knock down a wall and store the things he has accumulated over his life. I decided to make him the dynamic protagonist of an entertaining film which depicts a human condition that is unauthorized and illegitimate, but resists/exists.” 160 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Ennio Eduardo Donato (Naples, Italy, 1984) studied philosophy and the history of ideas. In 2014, he collaborated on the screenplay of the short Ciao mamma, produced by Sky and Cattleya. In 2015 , he directed a medium-length film about Turin’s housing crisis, Tornare a casa. filmografia/filmography Tornare a casa (mm, 2015), ’A mazzamma (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I clemente bicocchi NOTTURNO Italia/Italy, 2016, HD, 10’, bn/bw NOTTURNO regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio/ director, screenplay, cinematography, film editing Clemente Bicocchi soggetto/story liberamente ispirato all’omonimo racconto di/ loosely based on Nightfall by Isac Asimov ** contatti/contacts Clemente Bicocchi [email protected] Immagini da un altro pianeta: un mondo lontano, ma a prima vista identico al nostro. Una sola differenza: la luce perpetua, che si diffonde incessantemente su tutta la superficie. Ogni duemila anni, però, il pianeta sprofonda nell’oscurità. Quel momento sta per arrivare… Il passaggio di un gregge di capre al tramonto, in una remota baia di un’isola greca, può essere lo spunto per un viaggio visionario e metafisico. «Sono in Grecia e il caso mi fa assistere a un evento magico, che associo subito a un racconto di Asimov che mi aveva da sempre rapito e turbato. Da quel momento l’idea fissa: tornare in quel luogo e filmare. Dopo due anni raccatto il materiale tecnico, prendo un volo per Cefalonia, affronto due ore di motorino, venti minuti di cammino impervio nella sterpaglia e mi ritrovo appollaiato su una scogliera, in attesa... Tutto questo per realizzare un piccolo film di fantascienza con un gregge di capre che passa al tramonto in una baia sperduta. A volte bisogna inseguire le proprie visioni». ** Images from another planet. A far away world, seemingly identical to ours in every way but for one: the constant daylight shining all the time, everywhere. Every two thousand years, though, the planet plunges into darkness. That time is about to come… A herd of goats grazing in the remote bay of a Greek island at sunset can become the inspiration for a visionary and metaphysical journey. “I was in Greece and I happened to witness a magical event, which immediately reminded me of one of Asimov’s stories that always enthralled and perturbed me. I knew I had to get back to that place to take some footage, it became a fixed idea. Two years later, I managed to put together all the equipment. I flew back to Cephalonia, rode a scooter for two hours, climbed up a steep path through the underbrush, and found myself perched on a cliff by the sea, waiting… All this to make a short sci-fi film about a herd of goats crossing a desolate bay at sunset. Sometimes you have to chase your visions.” 161 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Clemente Bicocchi dal 1998 realizza documentari e piccoli film sperimentali, tra i quali Educazione affettiva, uscito in molte sale cinematografiche italiane, e Africa nera marmo bianco, che ha vinto il premio per il miglior documentario al Festival di Annecy, quello del pubblico al Cambridge Film Festival, al Berlin Independent Film Festival e all’Africa World Documentary Film Festival. Il film è stato inoltre in concorso alla Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, al New York African Film Festival e in diversi altri festival internazionali. Clemente Bicocchi has been making documentaries and experimental shorts since 1998. His documentaries include: Educazione affettiva, screened in many movie theaters throughout Italy, and Africa nera marmo bianco, which received many awards from the Annecy Film Festival, the Cambridge Film Festival, the Berlin Independent Film Festival, and the Africa World Documentary Film Festival. The documentary also participated in several other international film festivals and competitions, from the Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, to the New York African Film Festival, among others. filmografia essenziale/ essential filmography Africa nera marmo bianco (2012), Educazione affettiva (coregia/codirector Federico Bondi, doc., 2015), Notturno (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I antonio di biase NUOVA ZITA Italia/Italy, 2016, 16mm, 11’, col. Antonio Di Biase (Pescara, 1994), dopo essersi diplomato presso il Liceo artistico di Pescara, nel 2016 ha conseguito la laurea triennale in pittura presso l’Accademia di belle arti di Brera a Milano. Nel corso degli anni ha realizzato circa dieci cortometraggi, spaziando tra il documentario e la finzione. NUOVA ZITA regia, fotografia, montaggio/director, cinematography, film editing Antonio Di Biase suono/sound Massimo Mariani produttori/producers Antonio Di Biase, Riccardo Annoni ** contatti/contacts Antonio Di Biase [email protected] Nel corso di una giornata in mezzo al mare pescarese, l’occhio della Bolex 16mm oscilla sul peschereccio Nuova Zita, fissando frammenti di un universo ancestrale, fuori dal tempo. «Nuova Zita racconta una giornata di pesca a strascico, vista dall’interno di un peschereccio: dall’uscita in mare a mezzanotte, fino al rientro intorno alle quattro del pomeriggio. Il film è interamente girato in 16mm, con una Bolex degli anni Sessanta. La macchina da presa ondeggia assieme alla barca, diventa un tutt’uno con essa. Il racconto è costruito attraverso una successione d’immagini improvvisate, come in una sinfonia visiva. Ogni immagine è concepita dunque con lo scopo di ricreare l’atmosfera che si respira all’interno della Nuova Zita, con i suoi colori, i suoi suoni e i suoi odori». ** During one full day in the middle of the sea off Pescara, the eye of the Bolex 16mm sways on the fishing boat Nuova Zita, immortalizing fragments of an ancestral universe, out of time. “Nuova Zita recounts a day spent trawling, as seen from onboard a fishing boat: from the moment it goes out to sea at midnight until it returns around four in the afternoon. The film is shot entirely in 16mm with a Bolex from the 1960s. The movie camera sways with the boat, becoming one and the same with it. The story is constructed along a series of improvised images, like a visual symphony. Thus, each image is conceived with the goal of recreating the atmosphere onboard the Nuova Zita, with its colors, its sounds and its smells.” 162 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Antonio Di Biase (Pescara, Italy, 1994), after graduating from the Arts High School in Pescara, received his three-year degree in painting from the Brera Fine Arts Academy in Milan in 2016. Over the years, he has made roughly ten short films, both documentaries and fiction. filmografia essenziale/ essential filmography Braccoblood (cm, 2011), Mani tese (cm, 2011), 01 (cm, 2013), Borgo Marino (cm, 2014), Il pittore della maestà (cm, 2014), Cibus Trittico (cm, 2011/2015), Nuova Zita (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I alessia cecchet ONIKUMA Italia-Usa/Italy-USA, 2016, HD, 12’, col. Alessia Cecchet (Feltre, Belluno), laureata in cinema al Dams di Bologna, vive e lavora negli Stati Uniti, dove ha completato la sua educazione in filmmaking presso la Syracuse University, nello Stato di New York. Interessata alle intersezioni tra cinema, live action, animazione stop motion e fibre tessili, possiede inoltre una formazione come direttrice della fotografia. ONIKUMA regia, fotografia, montaggio, animazione/ director, cinematography, film editing, animation Alessia Cecchet costumi/costume design Paul Capotosto suono/sound Nigel Li interpreti/cast Sandy Siquier, Sarineh Garapetian, Jacob Riddle produttore/producer Carlton Daniel jr ** contatti/contacts Alessia Cecchet [email protected] www.alessiacecchet.com Onikuma è uno yokai, un demone del folclore giapponese, che appare sotto forma di orso bipede, ed è noto per dare la caccia ai cavalli. Circondate da un paesaggio sconosciuto, due donne iniziano un percorso che le porterà a comprendere che i demoni possono apparire sotto molteplici forme. «Cinema per me significa empatia. Nei miei film cerco di creare un legame con il pubblico attraverso lacune, opacità e incertezze che chiedono di colmare vuoti e spazi indefiniti con memorie, valori ed esperienze personali. Chiamando in causa uno sguardo disponibile a inscrivere le proprie storie nel tessuto del film, apro il mio lavoro a letture molteplici, a un uso libero e individuale del film. Il mio intento si realizza quando, invece di trovare uno spettatore, creo piuttosto uno user». ** Onikuma is a yokai, a mythological Japanese demon that looks like a bear and hunts horses. Two women embark on a journey in unfamiliar territories that will bring them to understand how demons can appear in many different guises. “For me cinema is empathy. I try to connect with the audience through my films, exploring gaps, uncertainties, and undefined spaces that need to be filled with memories, values, and personal experiences. By calling into question the perspective inscribing its stories on the fabric of the film, I open my work to multiple interpretations, so that viewers may find their own individual meaning in it. I feel I’ve achieved my purpose when I create a ‘user’ rather than just a spectator.” 163 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Alessia Cecchet (Feltre, Belluno, Italy) studied filmmaking at DAMS in the University of Bologna. She moved to the United Stated to complete her film studies at Syracuse University in upstate New York. In her work she combines cinema, live action, stop motion animation, and fabrics, and she is also a trained photography director. filmografia/filmography Psycho-Drama (cm, 2014), Cold Fish (cm, 2015), Onikuma (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I matteo canetta REDENZIONE Italia-Paesi Bassi/Italy-The Netherlands, 2016, HD, 26’, bn/bw Matteo Canetta è un filmmaker che ha lavorato soprattutto in ambito musicale. È stato ricercatore presso il Master of Film dell’Accademia del cinema olandese e, grazie alla rete di contatti costruita attorno al programma di ricerca, ha partecipato a diverse iniziative artistiche, fra cui il Researchlab, serie di eventi in collaborazione con l’Eye Film Institute di Amsterdam. Attualmente sta lavorando a un cortometraggio che investiga i sistemi educativi e la produzione di conoscenza. REDENZIONE regia, fotografia/ director, cinematography Matteo Canetta sceneggiatura, produttori/ screenplay, producers Pierandrea Villa, Matteo Canetta musica/music Sleaford Mods suono/sound Marcello Sodano interpreti/cast Maria Cristina Morani, Alessia Poerio Piterà, Giulia Aliprandi, Carla Pirozzi, Antonio Sodano, Giuseppe De Filippo, Francesco Tancredi, Claudio Perrotta produzione/production Dispositif Films ** contatti/contacts DispositifFilms [email protected] www.dispositif-films.com Per sviluppare un copione sono mescolati in un pastiche commedia classica, saggi di psichiatria e poesia del Novecento. I personaggi incontrati per le strade di un paesino dell’Italia meridionale scoprono il testo e si confrontano con esso, mentre gli autori cercano perdono. «Se ipotizziamo che il sacro equivalga a ciò che è comunemente accettato, l’idea di profanazione diventa un atto di emancipazione e rivoluzione. Mettere in dubbio l’indiscusso permette di conoscerlo meglio». ** To create a script, classic comedy, psychiatric essays and 20 -century poetry are mixed together in a pastiche. People encountered on the streets of a small town in southern Italy discover the text and take it on, while the authors try to be forgiven. TH “If we hypothesize that the sacred equals that which is commonly accepted, the idea of profanation becomes an act of emancipation and revolution. To question the indisputable allows us to know it better.” 164 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Matteo Canetta is a filmmaker who has worked above all in the musical field. He was a researcher at the Master of Film program of the Netherlands Film Academy and, thanks to a network of contacts he constructed through the research program, he has participated in various artistic initiatives, including the Researchlab, a series of events in collaboration with the Eye Film Institute in Amsterdam. At present, he is working on a short film which investigates educational systems and the production of knowledge. filmografia/filmography Redenzione (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I francesco dongiovanni STUDIO Italia/Italy, 2016, HD, 20’, col. Francesco Dongiovanni (1978) vive e lavora in Puglia. Da tempo affronta temi come l’etnografia, il paesaggio, l’archivio, la memoria e il cinema antropologico e lavora per la casa di produzione Murex, da lui fondata con altri collaboratori. Ha realizzato i mediometraggi Densamente spopolata è la felicità (2011), Elegie dall’inizio del mondo - Uomini e alberi (2013), Giano (2014) e il cortometraggio Anapeson (2015), presentato in concorso durante l’ultima edizione del Torino Film Festival. STUDIO regia, fotografia, montaggio, suono/ director, cinematography, film editing, sound Francesco Dongiovanni musica/music Salahaddin Roberto Re David interprete/cast Pierluca Cetera produttore/producer Cosimo Santoro produzione/production Open Reel ** contatti/contacts The Open Reel Cosimo Santoro [email protected] www.theopenreel.com Nello studio di un’artista, i volti e le figure dipinte prendono letteralmente forma. L’occhio e la mano, mentre sono all’opera, sembrano inseguirsi e intrecciarsi. L’immagine cinematografica e la pittura si specchiano, si richiamano, si sovrappongono. «Volevo filmare Pierluca Cetera, artista e amico, al lavoro nel suo studio. Ero curioso di vedere come nascono le sue figure e i suoi corpi. Ci siamo visti durante la realizzazione di un’opera per una mostra in Cina. Da lì è nato questo film: una danza e un pedinamento fra me e lui». ** In an artist’s studio, the painted faces and figures literally take form. While at work, the eye and the hand seem to follow each other and intertwine. The film image and the painting reflect each other, call to each other, overlap. “I wanted to film Pierluca Cetera, an artist and a friend, while he was working in his studio. I was curious to see how his figures and bodies are created. We met up while he was making a piece for an exhibition in China. This film sprang from that meeting: dancing together and tailing each other.” 165 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I Francesco Dongiovanni (1978) lives and works in Puglia. For a while now, he has dealt with topics such as ethnography, landscapes, archives, memory and anthropological cinema, and he works for the production company Murex, which he founded with other collaborators. He has made the medium-length films Densamente spopolata è la felicità (2011), Elegie dall’inizio del mondo - Uomini e alberi (2013 ) and Giano (2014), and the short Anapeson (2015), presented in competition at last year’s Torino Film Festival. filmografia/filmography Densamente spopolata è la felicità (mm, 2011), Elegie dall’inizio del mondo - Uomini e alberi (mm, 2013), Giano (mm, 2014), Anapeson (cm, 2015), Studio (cm, 2016). I TA L I A N A . C O R T I gabriele di munzio TANJATALES Francia-Marocco/France-Morocco, 2016, HD, 19’, col. TANJATALES regia/director Gabriele Di Munzio ** contatti/contacts Gabriele Di Munzio [email protected] www.gabrieledimunzio.net Tangeri. Storie di vita quotidiana s’intrecciano, una voce racconta di resistenze, desideri, coraggio e destino. È la voce di una giovane donna la cui identità rimane nascosta. L’intimità di questi momenti rimane come un’impronta. «Mentre ascolto Douaa per le strade di Tangeri penso che la storia che mi sta raccontando non sia quella di un’amica, ma non posso chiederle niente, è un racconto troppo intimo. Al montaggio metto insieme i pezzi del puzzle, sovrappongo i ricordi non registrati, e ora ne ho la certezza: la storia che mi racconta è la sua storia. Grazie Douaa». ** Tangiers. Stories of everyday life intertwine, a voice recounts a story of resistance, desires, courage and destiny. It’s the voice of a young woman, whose identity isn’t revealed. The intimacy of these moments remains like an imprint. “While listening to Douaa on the streets of Tangiers, I think the story she is telling me isn’t that of a friend, but I can’t ask her, the story is too intimate. During the editing, I put together the pieces of the puzzle, I superimpose the unrecorded memories and now I am certain: the story she told me is hers. Thank you, Douaa.” Gabriele di Munzio (Napoli, 1972) ha frequentato corsi di fotografia e montaggio a Londra dal 1993 al 1995 e ha poi cominciato a interessarsi di teatro grazie ad alcuni seminari tenuti nei centri di ricerca di Peter Brook ed Eugenio Barba e del Teatro Valdoca. Dal 2001 ha realizzato vari documentari nella regione di Poitou-Charentes e dal 2005 si è dedicato a cortometraggi di video-teatro. Nel 2007 ha creato l’associazione Cantine1901, con la quale ha realizzato il cortometraggio Riviera 91, che nel 2009 ha vinto il premio speciale della giuria al Torino Film Festival. Stesso riconoscimento è andato due anni dopo a Occhio di vetro cuore non dorme (2011). Nel 2014 è tornato al Torino Film Festival con Corpo familiare. Gabriele di Munzio (Naples, 1972) attended courses in photography and film editing in London from 1993 to 1995 and then became interested in theatre, thanks to a number of seminars held at the Peter Brook and Eugenio Barba research centers and at the Teatro Valdoca. Since 2001, he has made various documentaries in the region of Poitou-Charentes and since 2005 has dedicated himself to videotheatre shorts. In 2007, he created the association Cantine1901, with which he made the short Riviera 91, which won the Special Jury Prize at the 2009 Torino Film Festival. Two years later, he received the same award for Occhio di vetro cuore non dorme (2011). In 2014, he returned to the Torino Film Festival with Corpo familiare. filmografia/filmography Riviera 91 (cm, 2009), Papillon distrait (cm, 2010), Occhio di vetro cuore non dorme (cm, 2011), Corpo familiare (cm, 2014), TanjaTales (cm, 2016). 166 SOMMARIO I TA L I A N A . C O R T I ONDE I FILM | KIYOSHI KUROSAWA DAGUERROTYPE - LE SECRET DE | CARLO MICHELE SCHIRINZI ECLISSE SENZA CIELO | LEO GABIN EXIT/ENTRY | EUGÈNE GREEN LE FILS DE JOSEPH | ERAN KOLIRIN ME’EVER LAHARIM VEHAGVAOT - BEYOND THE MOUNTAINS AND HILLS | MELISSA DULLIUS, GUSTAVO JAHN MUITO ROMÂNTICO | GARIN NUGROHO NYAI - A WOMAN FROM JAVA | JOÃO PEDRO RODRIGUES O ORNITÓLOGO | TAKEHIRO ITO OUT THERE | ALEJO FRANZETTI PANKE | DAMIEN MANIVEL LE PARC | RITA HUI NGA SHIU PSEUDO SECULAR | BERTRAND BONELLO SARAH WINCHESTER, OPÉRA FANTÔME | SANDRA WOLLNER DAS UNMÖGLICHE BILD - THE IMPOSSIBLE PICTURE LEO GABIN A CRACKUP AT THE RACE RIOTS LA CHAMBRE NOIR ARTRUM YURI ANCARANI THE CHALLENGE | WU TSANG DUILIAN | GABRIEL ABRANTES, BEN RIVERS THE HUNCHBACK HARUN FAROCKI - WORKERS LEAVING THE FACTORY | - THE EXPRESSION OF HANDS | GEGEN-MUSIK - COUNTER-MUSIC | ZUR BAUWEISE DES FILMS BEI GRIFFITH’S FILM - ON CONSTRUCTION OF GRIFFITH’S FILMS | EIN BILD - AN IMAGE | SCHNITTSTELLE - INTERFACE | ICH GLAUBTE GEFANGENE ZU SEHEN I THOUGHT I WAS SEEING CONVICTS | ERNSTE SPIELE I: WATSON IST HIN - SERIOUS GAMES I: WATSON IS DOWN | ERNSTE SPIELE II: DREI TOT - SERIOUS GAMES II | NICHT LÖSCHBARES FEUER - INEXTINGUISHABLE FIRE | BILDER DER WELT UND INSCHRIFT DES KRIEGES - IMAGES OF THE WORLD AND THE INSCRIPTION OF WAR | AUGE/MASCHINE II - EYE/MACHINE HARUN FAROCKI ARBEITER VERLASSEN DIE FABRIK DER AUSDRUCK DER HÄNDE SOMMARIO ONDE Onde DI MASSIMO CAUSO E ROBERTO MANASSERO Pseudo Secular (2016) Seguendo per istinto il destino delle nouvelle vague nelle derive cinematografiche contemporanee, anche quest’anno Onde si fa interprete di quel dialogo mai terminato tra la finitezza del narrare e l’infinitezza dei linguaggi. Diciotto film di metraggio vario, che rispondono, ognuno a suo modo, alla ricerca di un nesso distintamente espressivo tra la Storia, con i suoi eventi, e le storie, coi loro vissuti. A guardarli insieme, ora che li abbiamo amati e scelti tra i tanti visti nel corso dell’anno, i film di Onde si mostrano segnati dal destino di un Cinema che forza la sua stessa classicità, dialoga con la modernità dei Maestri, e dunque interroga il tempo presente con gli strumenti di un’indagine che è prima di tutto linguistica, espressiva. Partendo da Nyai - A Woman from Java, il nuovo lavoro del maestro del cinema indonesiano Garin Nugroho, che apre la nostra sezione nel segno di un confronto tra dramma storico e melodramma umano, molti film di Onde portano la firma di autori ancora e sempre nuovi, anche se già molto amati e classificati, dunque già «classici»: Kiyoshi Kurosawa con Daguerrotype dialoga col gotico europeo per parlare dei suoi fantasmi sospesi tra ossessione e realtà come tra speranza e disperazione, esattamente come Bertrand Bonello in Sarah Winchester, Opéra fantôme s’inventa un dispositivo filmico/teatrale quasi wellesiano per chiudere nella sua Xanadu popolata di spiriti la nota ereditiera americana. Dal gotico al surreale di João Pedro Rodrigues, che in O Ornitólogo 168 SOMMARIO ONDE insiste sul suo cinema delle metamorfosi, forzando un uomo a farsi pellegrino sulla strada buñueliana, per arrivare al cinema parabolico di Eugène Green, che con Le fils de Joseph accompagna un adolescente nella ricerca del padre in un mondo che ha bisogno di coordinate. Lo stesso mondo che l’israeliano Eran Kolirin butta addosso alla famiglia del suo nuovo film, Beyond the Mountains and Hills, sorta di commedia astratta sull’innocenza della colpa. Nella stessa sfera si muove la giovane esordiente tedesca Sandra Wollner, che in The Impossible Picture sembra cercare lo scarto dalle istantanee austrogermaniche di Ulrich Seidl, raccontando attraverso il Super8 la scoperta della colpa nel cuore di una famiglia austriaca degli anni Cinquanta. La scoperta della verità interiore attraverso il dispositivo del cinema è la strategia messa in atto da un altro esordiente, il giapponese Takehiro Ito, in Out There, che dialoga neanche troppo a distanza con la new wave taiwanese tanto quanto la filmmaker hongkonghese Rita Nga Shiu Hui, che invece in Pseudo Secular racconta il presente della sua città tra mutamenti del paesaggio urbano, sociale e umano. Taglia di netto la realtà della Berlino degli immigrati l’argentino Alejo Franzetti, che in Panke fa idealmente dialogare Rossellini e Kramer su uno scenario quasi straubiano. In Muito Romântico, invece, i brasiliani Melissa Dullius e Gustavo Jahn si intrattengono nella loro Berlino con spirito alla Rivette, così come il francese Damien Manivel in Le parc sembra inconsciamente voler dialogare con l’Antonioni di Blow-Up, riscrivendolo sui silenzi e sui passi in vista della verità di due adolescenti alla loro prima uscita. Il silenzio è introflesso nello studio d’artista inciso da Carlo Michele Schirinzi sulla figura di Romano Sambati, protagonista di Eclisse senza cielo, perfetto contraltare del clamore estatico e declamatorio urlato dall’American Dream raffigurato dal collettivo belga Leo Gabin nei due lavori che presentiamo: Exit/Entry, disfunzione paranoica per sguardo con smartphone, e A Crackup at the Race Riots, ritratto d’America annichilita nello streaming offerto all’omonimo libro cult di Harmony Korine come gratuito found footage. ONDE Onde BY MASSIMO CAUSO AND ROBERTO MANASSERO Nyai - A Woman from Java (2016) Instinctively following the Nouvelle Vague’s destiny in contemporary filmmaking trends, Onde once again interprets the unfinished dialogue between the finiteness of narration and the infinity of language. Eighteen films of varying length and each one, in its own way, is a search for a clearly expressive link between Histories, with their events, and Stories, with their experiences. Considered as a whole, and having loved and chosen them from among the many we have seen over the past year, the films in Onde are marked by the destiny of a cinema which challenges its own classical spirit, dialogues with the modernity of the maestros, and, thus, questions present times with the instruments of linguistic and expressive investigation, above all. Starting with Nyai - A Woman from Java, the new film by the maestro of Indonesian cinema Garin Nugroho, which opens our section in the sign of a clash between historical drama and human melodrama, many of the films in Onde were made by directors who are still and always new, even though they are already beloved and classified, and thus, already “classical:” in Daguerrotype, Kiyoshi Kurosawa dialogues with European gothic to depict his ghosts suspended between obsession and reality, between hope and desperation; in the same way, Bertrand Bonello, in Sarah Winchester, Opéra fantôme, invents an almost Wellesian filmic/theatrical device to confine the well-known American heiress in a Xanadu populated by ghosts. 169 SOMMARIO ONDE From the gothic to the surreal, as João Pedro Rodrigues carries on his cinema of metamorphosis and turns a man into a Buñuelian pilgrim in O Ornitólogo; all the way to the parabolic cinema of Eugène Green, whose film Le fils de Joseph accompanies an adolescent searching for his father through a world lacking coordinates. This is the same world which Israel’s Eran Kolirin throws at a family in his new movie, Beyond the Mountains and Hills, a sort of abstract comedy about the innocence of guilt. The young, debut German filmmaker Sandra Wollner navigates this same sphere in her movie The Impossible Picture, which tries to mark a distance from Ulrich Seidl’s Austrian-German snapshots, as she uses a Super8 to discover the guilt in the heart of a 1950s Austrian family. Discovering interior truth by means of a movie camera is the strategy used by another debut filmmaker, Japan’s Takehiro Ito, in Out There, which dialogues closely with Taiwan’s new wave; as does a filmmaker from Hong Kong, Rita Nga Shiu Hui, whose film Pseudo Secular recounts the present time in her city affected by changes in the urban, social and human landscape. Argentina’s Alejo Franzetti slices through the reality of immigrants in Berlin in his film Panke, an ideal dialogue between Rossellini and Kramer in an almost Straubesque scenario. Instead, in their Berlin, the Brazilians Melissa Dullius and Gustavo Jahn enjoy themselves with Rivette-like spirit in Muito Romântico; while in Le parc, French director Damien Manivel seems to be subconsciously dialoguing with the Antonioni of Blow-Up, rewriting it in the truth-seeking silences and footsteps of two adolescents going out for the first time. Silence is introflexed in the artist’s studio of Romano Sambati, recorded by Carlo Michele Schirinzi in Eclisse senza cielo, a perfect counterbalance to the ecstatic and declamatory yell of the American Dream, as depicted by the Belgian collective Leo Gabin in the two works presented here: Exit/Entry, a paranoid dysfunction by means of a Smartphone, and A Crackup at the Race Riots, the portrait of an annihilated America in the streaming of free found footage, inspired by Harmony Korine’s cult book of the same title. ONDE leo gabin A CRACKUP AT THE RACE RIOTS Belgio-Usa/Belgium-USA, 2015, video, 58’, col. A CRACKUP AT THE RACE RIOTS regia, sceneggiatura, montaggio, produttore/director, screenplay, film editing, producer Leo Gabin soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Harmony Korine ** contatti/contacts Leo Gabin [email protected] Una sequela di immagini video in bassa qualità montate fra di loro senza un apparente filo conduttore: adolescenti che si mettono in posa e vanno sullo skateboard, ridono e scherzano tra di loro, danno sfogo al contemporaneo bisogno di esibizionismo, annunciano suicidi che forse non si verificheranno mai. Il tutto caricato sui social network più popolari, come momenti intimi da condividere col mondo. A fare da collante, tra una scena e l’altra, stralci dell’omonimo romanzo di Harmony Korine, come una sorta di canovaccio per una rappresentazione della rappresentazione sfuggita di mano. ** A series of low-quality video images edited together without any apparent leitmotiv: adolescents posing and skateboarding, laughing and joking with each other, venting today’s exhibitionistic urge, announcing suicides that perhaps will never be committed. All this uploaded onto the top social networks like intimate moments to share with the world. Connecting each scene to the next, excerpts from the same-titled novel by Harmony Korine, like a sort of plot outline for a performance of the performance that has gotten out of hand. Leo Gabin è un collettivo belga composto da tre persone, formatosi nel 2000, la cui opera si esprime attraverso la pittura, le installazioni e il cinema. I loro lavori sono stati protagonisti di mostre presso musei e gallerie quali il Dhondt-Dhaenens di Deurle, la Schirn Kunsthalle di Francoforte, il White Cube di Londra e l’M Woods di Pechino. Hanno esordito nel lungometraggio nel 2015 con A Crackup at the Race Riots, che è stato proiettato, tra l’altro, al CPH:DOX, al London Short Film Festival, al Rotterdam International Film Festival. Nella sezione Onde è presente anche il film Exit/Entry, progetto videopittorico che scompone e ricompone la realtà a partire da più di tremila video, rielaborando come A Crackup at the Race Riots simboli e icone della vita americana. Leo Gabin is a Belgian collective composed of three people. Founded in 2000, its opus is expressed through paintings, installations and cinema. Their works have starred in exhibitions at museums and galleries, including the Dhondt-Dhaenens in Deurle, the Schirn Kunsthalle in Frankfurt, the White Cube in London and the M Woods in Beijing. They debuted in feature films in 2015 with A Crackup at the Race Riots, which was screened at festivals such as the CPH:DOX, the London Short Film Festival and the Rotterdam International Film Festival. Another film of theirs is featured in the Onde section: Exit/Entry, a video-pictorial project which breaks down and recomposes reality, starting from more than three thoudand videos; like A Crackup at the Race Riots, it re-elaborates symbols and icons of American life. filmografia/filmography A Crackup at the Race Riots (2015), Exit/Entry (cm, 2016). 170 SOMMARIO ONDE ONDE kiyoshi kurosawa DAGUERROTYPE LE SECRET DE LA CHAMBRE NOIRE Francia-Giappone-Belgio/France-Japan-Belgium, 2016, HD, 131’, col. THE WOMAN IN THE SILVER PLATE regia, sceneggiatura/ director, screenplay Kiyoshi Kurosawa fotografia/cinematography Alexis Kavyrchine montaggio/film editing Véronique Lange musica/music Grégoire Hetzel suono/sound Erwan Kerzanet, Emmanuel de Boissieu interpreti e personaggi/ cast and characters Tahar Rahim (Jean), Constance Rousseau (Marie), Olivier Gourmet (Stéphane) produttore/producer Michiko Yoshitake produzione/production Les Productions Balthazar ** contatti/contacts Celluloid Dreams Pascale Ramonda [email protected] www.celluloid-dreams.com Dopo la scomparsa dell’amata moglie, il celebre fotografo Stéphane ha cercato di colmare il vuoto realizzando dagherrotipi a grandezza naturale che sembrano quasi avere il dono di trattenere parte del soggetto. Quando l’acerbo Jean ne diventa l’assistente, si trova coinvolto nelle ossessioni di Stéphane e si innamora, ricambiato, di sua figlia Marie, la principale modella delle fotografie. Per vivere il loro amore, però, i due ragazzi dovranno evadere da quel mondo di immagini dalla sorprendente forza vitale. «In passato facevo film sulla Yakuza o polizieschi che parlavano di faide tra uomini: nulla di più lontano dall’essere un artista romantico. Forse erano gli unici lavori che mi venivano offerti allora. In quel genere di film, “morte” equivale a “fine”. Tuttavia, quando ho iniziato a girare horror e i fantasmi hanno cominciato a fare il loro ingresso nei miei film, la parola “morte” si è trasformata in qualcosa di teso verso l’eternità e l’immortalità. Credo che in questo cambiamento i rapporti umani fra i miei personaggi abbiano raggiunto naturalmente un lirismo romantico». ** After his beloved wife passes away, the famous photographer Stéphane tries to fill the void by making full-size daguerreotypes which seem to almost capture a part of their subjects. When young Jean becomes his assistant, he finds himself involved in Stéphane’s obsessions and falls in love with the photographer’s daughter Marie, the main model for the pictures. She, too, loves Jean but, in order to live their love story, the two young people must escape from that world of images and their surprisingly dynamic power. “I used to create yakuza or crime film where the stories were centered around feuds between men, nowhere near being a romantic artist. You could say those were the only jobs offered to me back then. ‘Death’ clearly meant the ‘end’ in this genre. But when I started creating horror films and as more ghosts have appeared in my films, ‘death’ transformed into something that is spanned towards eternity or immortality. I suppose the human relationships my characters have has naturally gained a romantic lyricism in the midst of this shift.” 171 SOMMARIO ONDE Kiyoshi Kurosawa (Kobe, Giappone, 1955), studente presso la Rikkyo Daigaku, ha lavorato come assistente e autore di cortometraggi in 8mm, fino agli esordi in produzioni per il mercato video. Nel 1997, con il thriller metafisico Cure ha ottenuto il primo grande successo al Festival di Tokyo. Le opere successive, spesso ospitate in prestigiosi festival internazionali, lo hanno imposto tra i maggiori autori del cinema giapponese. Il suo cortometraggio Soul Dancing è stato presentato al Torino Film Festival nel 2004, dove è tornato l’anno successivo con Loft. Con Tokyo Sonata (2008), interpretato dall’attore feticcio Koji Yakusho, ha vinto il premio della giuria a Un certain regard di Cannes, sezione in cui è tornato nel 2015 con Journey to the Shore, vincendo il premio per la regia. Kiyoshi Kurosawa (Kobe, Japan, 1955) studied at Rikkyo Daigaku and then worked as assistant, director of short films in 8mm, and early productions for the video market. In 1997 his metaphysical thriller Cure gave him his first success at the Tokyo International Film Festival. His later works, most of which have participated at the world’s top festivals, have made him one of the new authors of Japanese cinema. His short film Soul Dancing was presented in 2004 at the Torino Film Festival, where he returned the following year with Loft. In 2008, Tokyo Sonata, starring Koji Yakusho, won the Jury Prize in Un certain regard at the Cannes Film Festival, a section he returned to in 2015 with Journey to the Shore, which won Best Director. filmografia essenziale/ essential filmography Suito Homu (Sweet Home, 1989), Katte ni shiyagare! Gyakuten keikaku (1996), Hebi no michi (Serpent’s Path, 1997), Ningen gokaku (License to Live, 1998), Kumo no hitomi (Eyes of the Spider, 1998), Karisuma (Charisma, 1999), Oinaru genei (Barren Illusions, 1999), Kaïro (Pulse, 2001), Akarui mirai (Bright Future, 2003), Dopperugenga (Doppelganger, 2003), Ghost Cop (2004), Shi no otome (Loft, 2005), Sakebi (Castigo, 2006), Riaru: Kanzen naru kubinagaryû no hi (Real, 2012), Sebunsu kōdo (Seventh Code, 2013), Kurip (Creepy, 2016). ONDE carlo michele schirinzi ECLISSE SENZA CIELO Italia/Italy, 2016, HD, 37’, col. ECLIPSE WITH NO SKY regia, soggetto, fotografia, montaggio, suono, produttore/director, story, cinematography, film editing, sound, producer Carlo Michele Schirinzi interprete/cast Romano Sambati produzione/production Untertosten Film, Produktionen Autarkiken ** contatti/contacts Carlo Michele Schirinzi L’artista Romano Sambati nel suo studio, opera disseppellendo chirurgicamente intimità. E attende. Corpi, lune, luoghi, sindoni senza testa sospese in tragiche cadute; un dolore classico e inviolabile, diretto allo stomaco, un alito remoto che nulla ha da spartire con la contemporaneità… E intanto la sua passione arde impetuosa senza depositare cenere, bruciando tutto, anche se stessa. [email protected] «L’opera di Sambati si scaglia testardamente e orgogliosamente fuori dall’attualità, deborda dalle arti visive e intacca lo spirito ammorbandolo, come un’icona senza tempo, cristallina e priva di simbologie. Il moderno con i suoi strumenti non basta a decifrarla e l’occhio può solo consegnarsi alla luce di questi cosmi in cui la natura, interdetta, tenta di ritrarre i cieli delle sue tele: nessuna opinione, nessun giudizio, solo silenzio muto di lingua, sprofondato in tempi antichi, mitici, crudeli, ma di una crudeltà fiera». ** The artist Romano Sambati is in studio, working on surgically exhuming intimacy. And waiting. Bodies, moons, places, headless shrouds suspended in tragic falls; a classic, sacred sorrow clenching the stomach, a remote whisper that has nothing to do with the contemporary world... And all the while his passion burns impetuously without leaving any ashes, like a flame consuming everything, even itself. “Sambati’s work stubbornly and proudly hurls itself beyond modernity, breaching the boundaries of visual arts and tarnishing the spirit, infecting it, like a timeless icon, pure and without any symbolisms. The modern world and all its instruments aren’t enough to decipher it; the eyes can only rely on the light of these cosmoses where nature attempts to indecisively depict the skies on its canvas: no opinion, no judgment, just the silence devoid of language, sunken in ancient times, mythical, cruel, and with proud brand cruelty.” 172 SOMMARIO ONDE Carlo Michele Schirinzi (Capo di Leuca, Lecce, 1974) sin dal 2000 partecipa a mostre e festival internazionali ricevendo premi e ottenendo retrospettive. Il Torino Film Festival ha più volte premiato i suoi lavori (menzione speciale a Il Nido nel 2003, premio per il miglior cortometraggio a Notturno Stenopeico nel 2009, menzione speciale a Mammaliturchi! nel 2010). Nel 2004 con All’erta! ha vinto la Mostra del nuovo cinema di Pesaro, che nel 2005 gli ha dedicato una retrospettiva, mentre nel 2010 Sonderbehandlung ha vinto il Festival del cinema europeo di Lecce. Nel 2011 ha partecipato con Eco da luogo colpito alla Mostra di Venezia e nel 2015, con Deposizione in due atti, ha vinto il Laceno d’Oro. Il suo lungometraggio I resti di Bisanzio è stato poi presentato in concorso a Pesaro e al Doclisboa. Carlo Michele Schirinzi (Acquarica del Capo, Lecce, Italy, 1974) is a videomaker and artist. In 2004, his short All’erta! won the Shortvillage Award at the Pesaro International Film Festival of New Cinema, which then dedicated the 2005 retrospective to him. Over the years, the Torino Film Festival has presented much of his work: Astrolìte (2002), Il nido (Special Mention in 2003), Oligarchico (2007), Sonderbehandlung (2008), Notturno stenopeico (Best Italian Short in 2009), Mammaliturchi! (Special Mention in 2010), and Natura morta in giallo (2012). Eco da luogo scolpito was selected at the Venice International Film Festival. He presented his first feature film I resti di Bisanzio (2014) in the competition section of Pesaro Film Festival, and at Doclisboa. filmografia/filmography L’amanuense (cm, 2000), £ 3.000 (cm, 2000), Il sepolcro (cm, 2000), Terminale (cm, 2000), Dè-tail (cm, 2001), Trappe (cm, 2001), Astrolìte (mm, 2002), Crisostomo (cm, 2003), Il nido (cm, 2003), All’erta! (cm, 2004), Macerie dell’arcobaleno (cm, 2004), Dal Toboso (cm, 2005), Addestramento all’apocalisse (cm, 2006), Fuga da Nicea (cm, 2008), Notturno stenopeico (cm, 2009), Prospettiva in fuga (cm, 2009), Mammaliturchi! (cm, 2010), Frammenti da un confine (cm, 2010), Eco da luogo colpito (cm, 2011), Natura morta in giallo (cm, 2012), I resti di Bisanzio (2014), Deposizione in due atti (cm, 2015), Eclisse senza cielo (mm, 2016). ONDE leo gabin EXIT/ENTRY Belgio-Usa/Belgium-USA, 2016, HD, 32’, col. EXIT/ENTRY regia, montaggio, produttore/director, film editing, producer Leo Gabin fotografia, interprete/ cinematography, cast Bonnie Calcagno ** contatti/contacts Leo Gabin [email protected] Bonnie è un’insegnante in pensione che si è trasferita da Newburgh, nello Stato di New York, a Carlsbad, in California, dove si prende cura del fratello, handicappato mentale, e del cane cieco. Il motivo che l’ha spinta ad abbandonare la costa est, però, non ha nulla a che vedere con le necessità familiari: l’ombra dello stalking da parte di sconosciuti si era allungata in modo claustrofobico sulla vita di Bonnie. Nonostante il trasferimento, anche nella nuova sistemazione compaiono ben presto segnali inquietanti: sembrerebbe che qualcuno la stia spiando e perseguitando. Alla donna, in un disperato tentativo di provare le attenzioni indesiderate di cui è vittima, non rimane che documentare meticolosamente, per mezzo di una videocamera, la quotidianità. E se si trattasse, invece, di un’ennesima illusione frutto della sua mente? ** Bonnie is a retired teacher who moved from Newburgh, New York, to Carlsbad, California, where she takes care of her mentally-challenged brother and his blind dog. But the reason she left the East Coast has nothing to do with family needs: an unknown stalker has cast a claustrophobic shadow over Bonnie’s life. Despite moving to a new place, some disturbing signals soon begin to appear: somebody seems to be spying on her and hounding her. In a desperate attempt to prove she is a victim of undesired attention, she begins to meticulously document her daily life using a video camera. But what if, instead, it’s only another figment of her imagination? Leo Gabin è un collettivo belga composto da tre artisti provenienti da Gand che, dopo aver frequentato l’Accademia reale della loro città, hanno cominciato a lavorare insieme nel 2000, dedicandosi alla pittura, alle videoinstallazioni e al cinema. I loro lavori sono stati esposti in musei e gallerie come il Dhondt-Dhaenens di Deurle, la Schirn Kunsthalle di Francoforte, il White Cube di Londra e l’M Woods di Pechino. Hanno esordito nel lungometraggio nel 2015 con A Crackup at the Race Riots, che è stato proiettato in festival come il CPH:DOX, il London Short Film Festival e il Festival di Rotterdam e che fa parte della sezione Onde di questa edizione del Torino Film Festival. Exit/Entry, progetto videopittorico che scompone e ricompone la realtà a partire da più di tremila video, rielaborando come il film precedente simboli e icone della vita americana, è stato presentato dalla galleria Peres Project e poi selezionato al FidMarseille. Leo Gabin is a Belgian collective composed of three artists from Ghent. After attending the Royal Academy of their town, they started working together in 2000, dedicating themselves to paintings, video installations and cinema. Their works have been exhibited in museums and galleries such as the Dhondt-Dhaenens in Deurle, the Schirn Kunsthalle in Frankfurt, the White Cube in London and the M Woods in Beijing. They debuted in feature films in 2015 with A Crackup at the Race Riots, which screened at festivals including the CPH:DOX, the London Short Film Festival and the Rotterdam Film Festival, and in the Onde section of this year’s Torino Film Festival. Exit/Entry, a pictorial video project which breaks down and recomposes reality, starting from over three thousand videos, re-elaborating (like their previous film) symbols and icons of American life, was presented at the Peres Project gallery and then selected for FIDMarseille. filmografia/filmography A Crackup at the Race Riots (2015), Exit/Entry (mm, 2016). 173 SOMMARIO ONDE ONDE eugène green LE FILS DE JOSEPH Francia-Belgio/France-Belgium, 2016, 35mm, 115’, col. JOSEPH’S SON regia, sceneggiatura/ director, screenplay Eugène Green soggetto/story Catherine Grossen fotografia/cinematography Raphaël O’Byrne montaggio/film editing Valérie Loiseleux scenografia/ production design Paul Rouschop costumi/costume design Agnès Noden musica/music Adam Michna Z Otradovic, Emilio De Cavalieri, Domenico Mazzocchi suono/sound Benoît De Clerck interpreti e personaggi/ cast and characters Victor Ezenfis (Vincent), Natacha Régnier (Marie), Fabrizio Rongione (Joseph), Mathieu Amalric (Oscar Pormenor), Maria De Medeiros (Violette Tréfouille), Julia De Gasquet (Bernadette), Jacques Bonnaffé (Paysan), Christelle Prot (Philomène) produttori/producers Francine Jacob, Didier Jacob produzione/production Coffee and Films coproduttori/coproducers Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne coproduzione/coproduction Les films du fleuve ** contatti/contacts Les Films du Losange Lise LZ. Zipci [email protected] www.filmsdulosange.fr 174 SOMMARIO Vincent è arrabbiato. Ha quindici anni, vive con la madre Marie e non sa chi è suo padre. Con l’ostinazione tipica della sua età riesce a identificarlo nel famoso editore parigino Oscar Pormenor e a intrufolarsi nel suo studio. Dal suo nascondiglio scopre però cose che un figlio non vorrebbe sapere e che alimentano in lui la fantasia di mettere in scena una versione capovolta del Sacrificio di Isacco del Caravaggio, in cui è il figlio ad alzare la lama sulla testa del padre. Ma l’incontro con Joseph, il fratello buono a nulla di Oscar, ribalta la prospettiva e dà all’incontro un significato inaspettato. «In tutti i miei film e romanzi l’idea deriva fulminea da un altrove, poi la sviluppo con un approccio “mitico”. Nella cultura greca classica, il mito era considerato una storia grazie alla cui continuità narrativa era possibile esprimere una o più verità. Conosco persone che vivono la stessa situazione di Marie e Vincent: una donna che cresce il figlio da sola perché il padre non vuole essere coinvolto per varie ragioni. Una donna che fa questo tipo di scelta è certamente una donna coraggiosa». ** Vincent is angry. He’s fifteen years old, he lives with his mother Marie and he doesn’t know who his father is. With the tenaciousness typical of young people, he identifies his father as the famous Parisian publisher Oscar Pormenor and sneaks into the man’s office. But from his hiding place he discovers things a son doesn’t want to know and which spark in him a fantasy of acting out an inverted version of Caravaggio’s The Sacrifice of Isaac, in which it is the son who raises the blade over the father’s head. But when he meets Joseph, Oscar’s good-for-nothing brother, the perspective is reversed, giving an unexpected meaning to the encounter. “The kernel of the story for each of my films and novels comes from elsewhere, in a flash, and then I develop it ‘mythically.’ The Greeks of the Classical period saw a myth as a story whose simple narrative continuity provided an opportunity to express one or more truths. I knew people who were in the same situation as Marie and Vincent, that is to say, a woman raising her child on her own because the father did not want to be involved for one reason or another. I think a woman who makes the decision to raise her child on her own is a courageous woman.” ONDE Eugène Green (New York City, Usa, 1947) si è trasferito nel 1969 a Parigi, dove nel 1977 ha fondato il Théâtre de la Sapience, con cui ha messo in scena diverse pièce barocche e moderne. Ha esordito come regista con Toutes les nuits, Prix Delluc per la miglior opera prima nel 2001. Ha quindi diretto Le nom du feu, presentato a Locarno nel 2002 e distribuito in coppia con Le monde vivant, che ha partecipato nello stesso anno alla Quinzaine des réalisateurs. Con Correspondances si è aggiudicato nel 2007, insieme a Harun Farocki e Pedro Costa, il premio speciale della giuria a Locarno, dove è tornato in concorso nel 2009 con A Religiosa Portuguesa e nel 2014 con La sapienza. Nel 2011 il Festival gli ha dedicato una retrospettiva e l’anno scorso l’ha nuovamente ospitato con Faire la parole. Eugène Green (New York City, NY, USA, 1947) moved to Paris in 1969, where he founded in 1977 the Théâtre de la Sapience, which has staged numerous Baroque and modern plays. He debuted as a filmmaker with Toutes les nuits, which received the 2001 Prix Delluc for Best First Film. He next made Le nom du feu, a short film which was presented at Locarno in 2002 and was released along with Le monde vivant, which participated that same year at the Quinzaine des réalisateurs. For Correspondances he shared the Special Jury Prize with Harun Farocki and Pedro Costa at the 2007 Locarno Film Festival, where he returned in 2009 with A Religiosa Portuguesa and in 2014 with La sapienza. In 2011 the Festival dedicate a complete retrospective to his works. Last year he presented in Turin the documentary Faire la parole. filmografia/filmography Toutes les nuits (2001), Le nom du feu (cm, 2002), Le monde vivant (2003), Le pont des arts (2004), Les signes (mm, 2006), Digital Sam in Sam Saek 2007: Memories (ep. Corrispondences, mm, 2007), A Religiosa Portuguesa (2009), La sapienza (2014), Faire la parole (doc., 2015), Le fils de Joseph (2016). ONDE eran kolirin ME’EVER LAHARIM VEHAGVAOT Israele-Belgio-Germania/Israel-Belgium-Germany, 2016, HD, 92’, col. BEYOND THE MOUNTAINS AND HILLS regia, sceneggiatura/ director, screenplay Eran Kolirin fotografia/cinematography Shaai Goldman montaggio/film editing Arik Lahav-Leibovich scenografia/ production design Miguel Merkin costumi/costume design Doron Ashkenazi musica/music Asher Goldschmidt suono/sound Avi Mizrahi, Dirk Bombey interpreti e personaggi/ cast and characters Alon Pdut (David), Mili Eshet (Ifat), Shiree Nadav-Naor (Rina), Noam Imber (Omri), Yoav Rothman (Evyatar) produttori/producers Eilon Ratzkovsky, Yochanan Kredo, Yossi Uzrad, Lisa Shiloach Uzrad, Guy Jacoel produzione/production July August Productions, Entre chien et loup, Match Factory Productions coproduttori/coproducers Diana Elbaum, Sebastien Delloye, François Touwaide, Michael Weber, Viola Fügen coproduzione/coproduction Potokol, Akanga Film Asia ** contatti/contacts The Match Factory Sergi Steegmann [email protected] [email protected] www.the-match-factory.com 175 SOMMARIO Per David ritornare alla vita civile dopo ventisette anni nell’esercito non è facile come aveva sperato. Non è semplice ristabilire un contatto quotidiano con i familiari, con la dimensione della casa e soprattutto con la nuova Israele, una società ultracompetitiva e con l’ossessione per il successo. Così l’opportunità di entrare in un’azienda che produce integratori alimentari gli sembra una possibile via d’uscita da cogliere al volo. Ma David non sa quanto il suo Paese è davvero cambiato. «Beyond the Mountains and Hills è un film sul senso di colpa e su cosa significa conviverci. Una colpa che non ha nome né ragione, che sorge dalla terra come nebbiolina. È un film in cui i protagonisti, come personaggi dei cartoni animati, continuano a camminare nel nulla dopo aver superato il bordo della scogliera, completamente in balia del potere confortante dell’ignoranza, di un’ostinata cecità. È un film su alcune brave persone che vivono in una realtà cattiva, che permette solo di essere vittime o carnefici. Una storia che indaga il significato delle decisioni prese in questo tipo di realtà». ** Returning to civilian life after twenty-seven years in the army isn’t as easy as David had hoped. It’s hard to re-establish daily contact with his family, with the dimension of his home and, above all, with the new Israel, an ultra-competitive society obsessed with success. Thus, the opportunity to join a company which produces nutritional supplements seems like a possible escape to be seized without hesitation. But David doesn’t know how much his country has changed. “Beyond the Mountains and Hills is a film about guilt, about living in the shadow of guilt – a guilt with no name or explicit reason, which rises out of the ground like fine mist. It is a film whose heroes, like characters in a cartoon, keep walking on thin air long after they have gone over the cliff’s edge, entirely dependent on the consoling power of not knowing, of a willful blindness. It is a film about good people living in a bad reality, a reality which allows only the roles of the victim or the executioner. It is a story that tries to question the meaning of the decisions made within this reality.” ONDE Eran Kolirin (Israele, 1973) ha iniziato a lavorare nel cinema come sceneggiatore del film Tzur Hadassim, che nel 1999 gli è valso il premio Lipper per la miglior sceneggiatura al Festival di Gerusalemme. Come regista ha poi esordito nel 2007 con il pluripremiato La banda, vincitore fra l’altro del Coup de cœur della giuria di Un certain regard a Cannes e dell’European Film Discovery Award. Con The Exchange (2011), invece, è stato in concorso alla Mostra di Venezia e in seguito ha vinto diversi premi internazionali, tra cui il Fipresci al Festival di San Francisco. Eran Kolirin (Israel, 1973) started working as a screenplayer for the film Tzur Hadassim (1999), for which he won the Lipper Prize for Best Script at the Jerusalem International Film Festival. His feature film debut as a director, The Band’s Visit (2007), won him worldwide critical acclaim and over fifty prestigious awards around the globe, among them the Un certain regard Jury Coup de cœur Award in Cannes, and the European Film Discovery Award. The Exchange (2011) was then screened at the official competition at the Venice Film Festival, and has won several awards, including the FIPRESCI Award in San Francisco International Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Shabatot VeHagim (ep. Eshet Cha’il, Machshavot Shniot, HaLev Shene’elav, Hemshech Yavo, BeChul Ze Lo Nechshav, Tozeret Tsarfat, Pti’ha, Meriach Saruf, Ha-Se’ara, Yom Nisu’im, 2001), Hamasa Ha’aroch (The Long Journey, tv, 2004), Bikur Ha-Tizmoret (La banda, 2007), Hahithalfut (The Exchange, 2011), Me’ever Laharim Vehagvaot (Beyond the Mountains and Hills, 2016). ONDE melissa dullius, gustavo jahn MUITO ROMÂNTICO Germania-Brasile/Germany-Brazil, 2016, 16mm, 72’, col. MUITO ROMÂNTICO regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio, interpreti/directors, story, screenplay, film editing, cast Melissa Dullius, Gustavo Jahn fotografia/cinematography Ville Piippo suono/sound Jochen Jezussek produttori/producers Melissa Dullius, Gustavo Jahn, Gustavo Beck produzione/production Distruktur contatti/contacts Distruktur [email protected] L’avventura di Gustavo e Melissa ha inizio sulla nave cargo che dal Brasile li sta portando in Germania. Si trasferiscono a Berlino, rifugio ideale in cui stare l’uno al fianco dell’altra e inseguire la loro più grande passione: il cinema. Che presto finisce per fondersi con le loro stesse vite, in un continuo inseguirsi tra realtà e finizione. Uno stato di transizione permanente, un movimento centrifugo voluto che mette in crisi il legame della coppia. Finché un giorno un portale cosmico, che collega passato, presente e futuro, compare in casa loro: ad attenderli un altro viaggio, ricco di scoperte inimmaginabili. «Partendo dalle prime riprese a bordo di una nave mercantile fino al montaggio finale, ci sono voluti nove anni, quasi un quarto delle nostre vite, perché completassimo Muito Romântico. Un viaggio dal Brasile verso la Germania che non finirà mai e continuerà a influenzare le nostre vite e il nostro lavoro. Finalmente abbiamo trovato la risposta a una domanda ripetuta infinite volte: perché siete venuti a Berlino? Per fare un film». ** The adventure of Gustavo and Melissa begins on a cargo ship which takes them from Brazil to Germany. They move to Berlin, the ideal place for staying close together and cultivating their great passion: film. Which soon overlaps with their lives in a continuous game of tag between reality and fiction. A state of permanent transition, a deliberate centrifugal movement which leads to a crisis in their life as a couple. Until one day a cosmic portal connecting past, present and future appears in their home: another journey awaits them, full of unimaginable discoveries. “From the shooting of the first images aboard a cargo ship until we finished the editing, it took us nine years – almost a quarter of our lives – to complete Muito Romântico. A journey from Brazil to Germany that will never end and continues to affect us in our lives and work. Finally we found an answer to the question infinitely repeated: Why did you come to Berlin? To make a film.” 176 SOMMARIO ONDE Melissa Dullius (Porto Alegre, Brasile, 1981) e Gustavo Jahn (Florianopolis, Brasile, 1980) sono una coppia di registi e artisti brasiliani che nel 2006 ha dato vita a Distruktur e successivamente si è trasferita a Berlino, dove tuttora risiede. Tra i film realizzati, il cortometraggio Triangûlum (2008), presentato al Forum Expanded della Berlinale e in seguito a Torino, il mediometraggio Cat Effekt (2011), girato a Mosca e presentato con successo nei festival di tutto il mondo, In the Traveler’s Heart (2013), realizzato durante una residenza artistica presso la Nida Art Colony e anche questo proiettato proiettato al 31° Torino Film Festival. Muito Romântico è il loro primo lungometraggio. Melissa Dullius (Porto Alegre, Brazil, 1981) and Gustavo Jahn (Florianopolis, Brazil, 1980) are two Brazilian directors and artists. In 2006, the couple created Distruktur and later moved to Berlin, where they still live. Films they have made include the short Triangûlum (2008), presented at the Berlin Film Festival’s Forum Expanded and later in Turin; the middle-length Cat Effekt (2011), shot in Moscow and successfully presented at festivals throughout the world; and In the Traveler’s Heart (2013), made during an artist-inresidence program at the Nida Art Colony and screened at the 31 Torino Film Festival. Muito Romântico is their first feature film. ST filmografia/filmography Éternau (cm, 2006), Triangûlum (cm, 2008), Don’t Look Back/Labirinto (cm, 2009-2012), Cat Effekt (mm, 2011), In the Traveler’s Heart (cm, 2013), A Máquina do Tempo (cm, 2014), Muito Romântico (2016). ONDE garin nugroho NYAI A WOMAN FROM JAVA Indonesia, 2016, HD, 90’, col. A WOMAN FROM JAVA regia, sceneggiatura/ director, screenplay Garin Nugroho fotografia/cinematography Nur Hidayat montaggio/film editing Andhy Pulung scenografia/ production design Ong Hari Wahyu costumi/costume design Retno Ratih Damayanti suono/sound Siti Asifa Nasution, Khikmawan Santosa interpreti e personaggi/ cast and characters Annisa Hertami (Nyai), Rudi Corens, Gunawan Maryanto, Cahwatie produttori/producers Garin Nugroho, Gita Fara, Andhy Pulung, Retno Ratih Damayanti, Ong Hari Wahyu produzione/production Garin Nugroho Workshop, Treewater Productions, Super 8mm Studio, Jogja Arisan Production ** contatti/contacts Treewater Productions Gita Fara [email protected] Indonesia, 1927, sul finire dell’epoca coloniale olandese. Una donna giovane e bella vive con l’anziano e infermo marito olandese. La donna ha perso il proprio nome e ora è Nyai, «la concubina di uno straniero». Si rende conto di vivere in una sorta di prigione. Deve occuparsi dei visitatori che vengono a trovare il marito malato per il compleanno e per discutere della gestione dei terreni. Nyai è forte, orgogliosa, in grado di gestire il patrimonio del marito: ma ora la gente del luogo e la famiglia del consorte sono arrivate per chiederle conto della sua ricchezza e dei suoi privilegi. «Questo è il primo film accompagnato da una colonna sonora interamente gamelan [orchestra di strumenti musicali di origine indonesiana, ndt]. La colonna sonora del film dimostra come arte, musica e danza possano lavorare insieme dando vita a qualcosa di incredibilmente prezioso, proprio come accade a Giava. Viviamo ancora in una tradizione orale, e chi viene a Giava può rendersi facilmente conto di come canto, danza e arte possano convivere». ** Indonesia, 1927, toward the end of the Dutch colonial era. A young and beautiful woman lives with her old and ailing Dutch husband. She lost her own name and now goes by Nyai, which means “concubine of a foreigner.” She realizes she lives in a sort of prison: she has to look after all the visitors who have come to celebrate her husband’s birthday and discuss how to manage his lands. Nyai is strong, proud, and capable of handling her consort’s estate, but both the locals and his family want to seize her husband’s wealth and privileges. “This is the first film accompanied by an entirely gamelan soundtrack. The soundtrack of the film reflects how the medley of art, music and dance can work together to create something incredibly valuable like it does in Java. We live in an oral tradition, and if you come to Java you can see how song, dance and art all live together.” 177 SOMMARIO ONDE Garin Nugroho (Giacarta, Indonesia, 1961) ha esordito nel lungometraggio nel 1985 con il documentario Hand Clapping, che, come il successivo Land of Challenges, ha vinto il Festival nazionale indonesiano. Nel 1998, con Foglia su un cuscino ha vinto il premio speciale della giuria al Festival di Tokyo e il premio di Un certain regard a Cannes. Nel 2000 ha vinto il Pardo d’argento a Locarno con A Poet, riflessione sulle repressioni di massa del governo indonesiano negli anni Sessanta. Nel 2004 ha partecipato alla Berlinale con Bird-Man Tale e l’anno successivo a Rotterdam con Of Love and Eggs. Nel 2006 ha ottenuto la consacrazione internazionale alla Mostra di Venezia con il film-opera Requiem from Java. Garin Nugroho (Jakarta, Indonesia, 1961) made his directorial debut in 1985 with the documentary Hand Clapping, which won Indonesia’s Film Festival, as did his subsequent feature Land of Challenges (1986). In 1998, Leaf on a Pillow received the Special Jury Prize from the Tokyo Film Festival and an award from the Un certain regard section in Cannes. In 2000, he released his documentary A Poet, a reflection on the mass repression perpetrated by the Indonesian government in the 1960s, which then won the Silver Leopard in Locarno. He participated to the Berlinale with Bird-Man Tale in 2004, and to Rotterdam in 2005 with Of Love and Eggs. He achieved his international consecration in 2006, winning Best Film at the Venice Film Festival with his film-opera Requiem from Java. filmografia essenziale/ essential filmography Daun di atas bantal (Foglia su un cuscino, 1998), My Family, My Films and My Nation (doc., 1998), Dongeng kancil untuk kemerdekaan (Kancil’s Tale of Freedom, doc., 1999), Puisi tak terkuburkan (A Poet, doc., 2000), Layar hidup: Tanjang priok/Jakarta (cm, doc., 2001), Rembulan di ujung dahan (tv, 2002), Aku ingin menciummu sekali saja (Bird-Man Tale, 2002), Rindu kami padamu (Of Love and Eggs, 2004), Serambi (doc., 2005), Opera Jawa (Requiem from Java, 2006), Dibawah pohon (Under the Tree, 2008), Teak Leaves and the Temples (doc., 2008), Generasi biru (The Blue Generation, doc., 2009), Mata tertutup (The Blindfold, 2012), Soegija (2012), Guru Bangsa Tjokroaminoto (2012). © DIEGO SANCHEZ ONDE joão pedro rodrigues O ORNITÓLOGO Portogallo-Francia-Brasile/Portugal-France-Brazil, 2016, HP, 118’, col. THE ORNITHOLOGIST regia/director João Pedro Rodrigues soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata fotografia/cinematography Rui Poças montaggio/film editing Raphaël Lefèvre scenografia/ production design João Rui Guerra da Mata costumi/costume design Patrícia Dória musica/music Séverine Ballon suono/sound Nuno Carvalho interpreti e personaggi/ cast and characters Paul Hamy (Fernando), Xelo Cagiao, João Pedro Rodrigues, Han Wen, Chan Suan, Juliane Elting produttori/producers João Figueiras, Diogo Varela Silva, Vincent Wang, Antoine Barraud, Gustavo Ángel, Alex García, Maria Fernanda Scardino produzione/production Blackmaria, House on Fire, Ítaca Filmes coproduzione/coproduction Le Fresnoy ** contatti/contacts Films Boutique Giorgia Hueisse [email protected] www.filmsboutique.com 178 SOMMARIO Fernando è un ornitologo che sta conducendo una ricerca in solitaria su una specie di cicogna nera, in pericolo di estinzione, che vive lungo un fiume nel Nord del Portogallo. Travolto dalla corrente delle rapide, è tratto in salvo da una coppia di cinesi in pellegrinaggio alla volta di Santiago de Compostela e cerca di tornare indietro, attraversando una foresta scura e impenetrabile. Lungo il cammino incapperà in ostacoli imprevisti e personaggi inattesi che lo metteranno alla prova. La metamorfosi interiore trasformerà Fernando in un uomo nuovo: ispirato, poliedrico e illuminato. «La riflessione sulla spiritualità, iniziata con Morrer Como um Homen ed evocata dal viaggio di A Última Vez Qui Vi Macau, mi ha portato, senza dubbio alcuno, a questo nuovo progetto. O Ornitólogo si immerge a fondo in queste meditazioni, assumendo la forma di un viaggio iniziatico e di una ricerca interiore». ** Fernando is an ornithologist who is conducting solitary research on a species of black stork which live along a river in northern Portugal and are in danger of extinction. After being swept away by the rapids, he is saved by a Chinese couple going on a pilgrimage to Santiago de Compostela. As he tries to make his way back through a dark, impenetrable forest, he comes upon unforeseen obstacles and unexpected people who put him to the test. An interior metamorphosis will transform Fernando into a new man: inspired, multifaceted and illuminated. “The reflection on spirituality, started in my film Morrer Como um Homem and evoked by the journey in A Última Vez Que Vi Macau, led me unquestionably to this new project. O Ornitólogo delves deeper into these contemplations, which take on the form of an initiation journey and an introspective quest.” ONDE João Pedro Rodrigues (Lisbona, Portogallo, 1966) ha esordito nel 1988 con il cortometraggio O Pastor. Nel 2000 ha partecipato in concorso a Venezia con Il fantasma e ha ottenuto una menzione speciale a Cannes nel 2005 con Odete. Ha partecipato al 30° Torino Film Festival con il corto Manhã de Santo António (2012) e ha vinto la sezione Internazionale.doc con A Última Vez Que Vi Macau (2012), diretto con João Rui Guerra da Mata. In coppia con lo stesso regista, ha poi presentato in Onde il cortometraggio Mahjong (2013). João Pedro Rodrigues (Lisbon, Portugal, 1966) debuted in 1988 with the short film O Pastor. The feature O Fantasma was in competition in Venice in 2000, and Odete received a special mention in Cannes in 2005. He participated at the 30 Torino Film Festival with the short film Manhã de Santo António, and won the Internazionale.doc section with A Última Vez Que Vi Macau (2012), which he directed with João Rui Guerra da Mata. With the same codirector Rodrigues also directed the short Mahjong (2013), selected at the Festival in Onde section. TH filmografia/filmography O Pastor (cm, 1988), Esta É a Minha Casa (mm, doc., 1997), Parabéns! (cm, 1997), Viagem à Expo (mm, doc., 1998), O Fantasma (Il fantasma, 2000), Odete (2005), China, China (coregia/codirector João Rui Guerra da Mata, cm, 2007), Morrer Como um Homem (2009), Alvorada Vermelha (coregia/codirector João Rui Guerra da Mata, cm, 2011), Manhã de Santo António (cm, 2012), A Última Vez Que Vi Macau (coregia/codirector João Rui Guerra da Mata, doc., 2012), O Corpo de Afonso (cm, 2013), Mahjong (coregia/codirector João Rui Guerra da Mata, cm, 2013), O Ornitólogo (2016). ONDE takehiro ito OUT THERE Giappone-Taiwan/Japan-Taiwan, 2016, HD, 148’, bn/bw-col. Takehiro Ito (Giappone, 1984) ha studiato presso la Graduate School of Film and New Media, alla Tokyo University of the Arts. Dopo essersi diplomato ha fondato la casa di produzione Eyes Films, per cui ha realizzato lo stesso Out There (2016), suo primo progetto cinematografico. OUT THERE regia, montaggio, produttore/ director, film editing, producer Takehiro Ito soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Takehiro Ito, Ma Chun Chih fotografia/cinematography Yasuyuki Sasaki musica/music Alexandra Barkovskaya suono/sound Ryota Fujiguchi interpreti/cast Ma Chun Chih, Haruo Kobayashi, Ayu Kitaura, Ryuzaburo Hattori, Natsumi Seto produzione/production Eyes Films ** contatti/contacts Eyes Films [email protected] www.eyesfilms.com Il regista Haruo è tornato a Tokyo e sta facendo il casting per proseguire le riprese di un film in parte già girato a Taiwan e dedicato a una coppia locale che negli anni Settanta decide di emigrare negli Stati Uniti. Durante le audizioni, Haruo incontra il giovane taiwanese Ma e riconosce nel ragazzo la stessa alienazione geografica e identitaria che lo attanaglia da sempre. Colpito dallo spaesamento esistenziale di Ma, decide allora di trasformare il suo sentimento nel tema centrale del film. «All’inizio di tutto c’è l’incontro casuale con un giovane taiwanese. Lentamente, mentre lo guardavo, mi veniva voglia di fare un film con lui. Potevo sentire nel ragazzo un senso di perdita, l’insieme di tutto ciò che ci si trova a fronteggiare nelle grandi città asiatiche di oggi: il senso della nazionalità e della storia di un paese; il suo presente, il suo passato e la paura per la propria identità. Questo film è il ritratto in divenire di Ma. Un ritratto ridisegnato più volte durante le riprese. Quando avrete finito di guardarlo, spero possiate provare la sensazione di aver ritrovato un amico che conoscevate da tempo». ** The director Haruo returns to Tokyo and holds auditions so he can continue shooting a movie, part of which has already been shot in Taiwan. The film is about a local couple who decide to emigrate to the United States in the 1970s. During the audition, Haruo meets Ma, a young man from Taiwan; Haruo recognizes in him the same geographical and identity alienation which has always afflicted him. Struck by Ma’s existential disorientation, he decides to transform his feeling into the movie’s central theme. “The beginning of everything was a chance encounter with a Taiwanese youth. While staring at him, I gradually wanted to make a film with him. I found a feeling of ‘loss’ in the youth. What he has continued facing in the modern cities of Asia, it is nationality and history, their past and present, and fear of identity. This film was made as if to draw his portrait. The portrait has been redrawn many times in the process of shooting. When you have finished watching it, I hope that you feel as if finding a friend who you knew from the old days.” 179 SOMMARIO ONDE Takehiro Ito (Japan, 1984) studied at the Graduate School of Film and New Media, at Tokyo University of the Arts. After receiving his degree, he founded the production company Eyes Films, with which he made Out There (2016), his debut film. filmografia/filmography Out There (2016). ONDE alejo franzetti PANKE Germania-Burkina Faso/Germany-Burkina Faso, 2016, HD, 46’, col. Alejo Franzetti (Buenos Aires, Argentina, 1985) si è formato all’Università di cinema Fuc di Buenos Aires, dove ha realizzato diversi cortometraggi e il suo primo lungometraggio, La destrucción del orden vigente. Nello stesso periodo è stato assistente alla regia di Matías Piñeiro, Manuel Ferrari e Jazmín López. Dal 2012 vive a Berlino, dove è studente di Thomas Arslan in un master presso l’Universität der Künste (UdK). Panke è il suo primo film girato a Berlino. PANKE regia, fotografia, montaggio/director, cinematography, film editing Alejo Franzetti suono, produttore/ sound, producer Ricarda Holztrattner interpreti/cast Issaka Zoungrana, Konstantin von Sichart produzione/production FUGA films ** contatti/contacts Fuga Films [email protected] Amadou viene dal Burkina Faso ma vive a Marsiglia. Quando suo fratello Issaka muore, Amadou va a Berlino per rimpatriare il cadavere in Burkina Faso. Il Panke è un fiume di medie dimensioni che nasce a Bernau, nel circondario di Barnim, e si immette nello Sprea, a Berlino. Ha una lunghezza complessiva di ventinove chilometri, di cui venti sono a Berlino. «Panke è l’attore Issaka Zoungrana, le nostre conversazioni mentre facevamo, e cercavamo, il film, lavorando senza copione nella convinzione che sarebbe emerso dalle nostre esperienze e non da alcune parole su un pezzo di carta. Panke è la bellissima e misteriosa lingua africana bissa, parlata da Issaka, che mi ha dato l’ispirazione e mi ha aiutato a trovare la forma definitiva e il tono del film. Panke è il mio caro amico e fratellastro Iván, morto qualche anno fa, e anche il padre di Issaka, morto poco prima che iniziassimo il film. Panke è inoltre il tentativo di seguire il consiglio di Rossellini di fare un film spendendo il meno possibile e aumentare le possibilità di sperimentare nuove forme e strutture». ** Amadou comes from Burkina Faso. Amadou lives in Marseille. Amadou comes to Berlin to repatriate the body of his brother Issaka to Burkina Faso. The Panke is a small to medium sized river which springs from the Barnim in Bernau, and then finish in Berlin in the Spree. It has a length of twenty-nine kilometers, of which twenty kilometers are on the city of Berlin. “Panke is Issaka Zoungrana, and the conversations we had while we were making – finding – the film, because we worked without script, trusting that the film would emerge from our experiences and not from some words written on a piece of paper. Panke is Bissa, that beautiful and mysterious African language that Issaka speaks, which inspired me and helped me a lot to find the final form and tonality of the film. Panke is Iván, my close friend and step-brother who died some years ago, and it is also the father of Issaka, who died short before we started making the film. Panke is also an attempt to follow Rossellini’s suggestions about making a film with the least money possible, in order to enhance the possibility for new forms or structures to arise.” 180 SOMMARIO ONDE Alejo Franzetti (Buenos Aires, Argentina, 1985) studied film at the Universidad del Cine (FUC) in Buenos Aires, where he made several short films and his first feature film La destrucción del orden vigente. He has worked too as assistant director of Matías Piñeiro, Manuel Ferrari, Jazmín López. Since 2012 he lives in Berlin, where he was a master student by Thomas Arslan at the Universität der Künste Berlin. Panke is his first film made in Berlin. filmografia/filmography Todas las veces (cm, 2006), A propósito de Buenos Aires (coregia/codirectors aa.vv., 2006), El contrabajo (cm, 2008), La destrucción del orden vigente (2012), Dos experiencias en el bosque (cm, 2014), Panke (mm, 2016). ONDE damien manivel LE PARC Francia/France, 2016, HD, 71’, col. THE PARK regia, produttore/ director, producer Damien Manivel sceneggiatura/screenplay Damien Manivel, Isabel Pagliai fotografia/cinematography Isabel Pagliai montaggio/film editing William Laboury suono/sound Simon Apostolou, Arnaud Marten, Jérôme Petit interpreti/cast Naomie Vogt-Roby, Maxime Bachellerie, Sessouma Sobere, Bianca Balbuena, Hazel Orencio produzione/production Mld Films, Shellac Sud ** contatti/contacts The Open Reel Cosimo Santoro [email protected] www.theopenreel.it Estate. Un ragazzo e una ragazza si danno il loro primo appuntamento al parco. Inizialmente stanno sulle loro, intimiditi, ma presto si avvicinano sempre più e cominciano a camminare senza meta. Infine, s’innamorano. Ma quando il sole cala è già ora di separarsi, ed è l’inizio di una lunga notte oscura. «I parchi sono pieni di storie ordinarie. […] Quando mi siedo a osservare, noto che gradualmente emerge dall’ordinario un che di anormale, di inconsueto. Come se qualcosa di oscuro e misterioso si nascondesse dietro i prati soleggiati e i giochi all’aperto. Sono queste strane impressioni ad aver ispirato la sceneggiatura. In particolare, il tipico racconto estivo: due adolescenti al primo appuntamento seduti a disagio su una panchina. Ho scelto di adottare il punto di vista della ragazza e di raccontare la storia d’amore, dal loro primo sguardo alla separazione. Da questo momento in poi, ho sentito il bisogno di andare oltre e mostrare lo shock e lo stupore della ragazza. La notte infinita che avvolge il parco, lei che vaga nel buio mentre per la prima volta soffre per amore». ** Summertime. A teenage boy and girl have their first date in a park. At first they are hesitant and shy, but they get closer as they wander aimlessly, and end up falling in love. But when the sun goes down, they have to part ways… It’s the beginning of a long dark night. “Parks are full of ordinary stories. […] As I sit and watch, over time, I notice a strangeness emerging from the ordinary. As if something dark and mysterious was hiding behind the sunlit lawns and outdoor games. It’s these strange impressions that inspired the screenplay. Especially a typical summer story: a teenage girl and boy sitting on a bench, feeling uneasy on their first date. I chose to adopt the girl’s point of view and to relate their love story, from their first look until their separation. From this moment on, I needed to go further and show her state of shock and astonishment. The infinite night that engulfs the park, the young girl wandering in the dark and experiencing heartache.” 181 SOMMARIO ONDE Damien Manivel (Francia, 1981) ha lavorato come ballerino e artista di circo contemporaneo. Parallelamente all’attività di performer, ha diretto diversi cortometraggi, tra cui La dame au chien, selezionato a Rotterdam nel 2011 e vincitore lo stesso anno del premio Jean Vigo. Il suo ultimo corto, Un dimanche matin, è stato selezionato nel 2012 alla Semaine de la critique di Cannes e ha vinto il Nikon Discovery Award, mentre il suo lungometraggio d’esordio, Un jeune poète, ha ricevuto una menzione speciale al Festival di Locarno. Con Le parc ha infine partecipato alla sezione Acid del Festival di Cannes. Damien Manivel (France, 1981) worked as a dancer and as a contemporary circus artist. While working as a performer, he has also been making short films. His short La dame au chien was selected in competition at the Rotterdam Film Festival and won the Jean Vigo Prize the same year. His latest short, Un dimanche matin, was selected at the 2012 edition of La Semaine de la critique in Cannes and won the Nikon Discovery Award. Un jeune poète, his first feature film, was received a Special Mention at the Locarno Film Festival. His latest project, Le parc, was screened in the Acid section of the Cannes Film Festival. filmografia/filmography Viril (cm, 2007), Soit sage ô ma douleur (cm, 2008), La dame au chien (cm, 2010), Un dimanche matin (cm, 2012), Un jeune poète (2014), Le parc (2016). ONDE rita hui nga shu PSEUDO SECULAR Hong Kong, 2016, HD, 180’, col. PSEUDO SECULAR regia/director Rita Hui Nga Shu sceneggiatura/screenplay Rita Hui Nga Shu, Dorothy Cheung fotografia/cinematography Szeto King Fung, Wong Luk Ho, Yuen Chi Min, Carlos Leung Ho Sing, Lau Ho Ming, Rick Lau montaggio/film editing Rita Hui Nga Shu, Wong Wai Nap, Carlos Leung Ho Sing musica/music Wong Hi Yan suono/sound Bone Chan Chi Fung interpreti e personaggi/ cast and characters Siuyea Lo Cun Yip (Tai Cho), Chan Leung Poon (Maxim), Abby Chan Man Yee (Wan), Fish Liew (Li Lei), Helen Ko (Yi) produttori/producers Rita Hui Nga Shu, Ho Tze Ki produzione/production Rabbit Travelogue ** contatti/contacts Rabbit Travelogue Kiki Ho [email protected] Hong Kong, 2011. Gli studenti Tai Cho e Yi partecipano al movimento Occupy Central. Yi viene arrestata e Tai Cho si avvicina alla madre della ragazza. Nel frattempo altri personaggi sono influenzati dalla scossa politica che ha investito la città: Maxim, produttore cinematografico, sente nascere una coscienza politica; l’ex moglie, giornalista televisiva, raccoglie interviste a persone travolte dalle politiche edilizie; la giovane cinese Li Lei incontra Ha Mai, una celebrità del web, e si fa coinvolgere nel movimento... «Questa storia inizia nel 2011, quando in risposta a “Occupy Wall Street” Hong Kong ha avuto la sua prima “Occupy Central”. Il racconto è stato ispirato dalle conseguenze e dai dibattiti generati a Hong Kong dal movimento Occupy, dal successivo movimento studentesco dei girasoli e dalla rivoluzione degli ombrelli. Pseudo Secular parla fondamentalmente di Hong Kong, è l’atto conclusivo delle osservazioni e delle riflessioni che ho fatto in questi ultimi anni. Mi interessa capire come le persone riescano a vivere in una città in continua evoluzione. Volevo descrivere i loro pensieri e i loro sentimenti più intimi attraverso dei paesaggi fluttuanti». ** Hong Kong, 2011. The students Tai Cho and Yi actively participate in the Occupy Central movement. But Yi is arrested and Tai Cho becomes close to the girl’s mother, Wan. In the meantime, other people are affected by the political and social upheaval that has swept the city: Maxim, a rich movie producer, feels the stirrings of a political conscience; his ex-wife, a TV journalist, interviews people whose lives have been affected by China’s construction policy; the young Chinese girl Li Lei meets Ha Mai, a web celebrity, and lets herself get involved in the movement… “This is a story that began in 2011. That year, in response to ‘Occupy Wall Street,’ Hong Kong had its first ‘Occupy Central.’ This tale was directly inspired by the repercussions and discussions generated from that movement, combined with the later Sunflower Student Movement and the Umbrella Revolution. Pseudo Secular is ultimately a story about Hong Kong, and a culmination of my observations and reflections during these past few years. I am concerned with how people cope with living in such a rapidly developing city. I want to portray their inner thoughts and feelings through floating landscapes.” 182 SOMMARIO ONDE Rita Hui Nga Shu vive e lavora a Hong Kong. Nel 1996 si è diplomata presso il dipartimento di cinema e televisione della Hong Kong Academy of Fine Arts e nel 2007 ha conseguito un master presso il Royal Melbourne Institute of Technology. Ha esordito nella regia con il cortometraggio Ah Ming (1996), da lei scritto e montato, a cui sono seguiti altri cortometraggi, il medio Alice in Wonderland (1999) e l’installazione audiovisiva Two Cases. Nel 2009 ha diretto il suo primo lungometraggio, Dead Slowly, a cui hanno fatto seguito gli altri lunghi New Age in Blue (2011) e Keening Woman (2013). Rita Hui Nga Shu lives and works Hong Kong. In 1996, she graduated in film and television from the Hong Kong Academy of Fine Arts and in 2007 received her master’s degree from the Royal Melbourne Institute of Technology. She debuted in directing with the short Ah Ming (1996), which she also wrote and edited, and which was followed by other short films, the medium-length Alice in Wonderland (1999) and the audiovisual installation Two Cases. In 2009, she directed her first feature film, Dead Slowly, which was followed by two other feature films, New Age in Blue (2011) and Keening Woman (2013). filmografia/filmography Ah Ming (cm, 1996), Subway (cm, 1997), She Makes Me Wanna Die (cm, 1998), Invisible City (Wall) (cm, 1998), Alice in Wonderland (mm, 1999), Red Riding Hood (cm, 2002), IDoLetHerMyHeadHave (cm, 2003), Dead Slowly (2009), New Age in Blue (2011), Two Cases (inst., 2012), Lau Fung Shan (2012), Keening Woman (2013), Elegy (cm, 2014), Pseudo Secular (2016). ONDE bertrand bonello SARAH WINCHESTER, OPÉRA FANTÔME Francia/France, 2016, HD, 24’, bn/bw-col. SARAH WINCHESTER regia, sceneggiatura, musica/ director, screenplay, music Bertrand Bonello fotografia/cinematography Irina Lubtchansky scenografia/ production design Antoine Barraud suono/sound Jean-Paul Mugel, Ymes-Marie Omnes, Nicolas Moreau, Jean-Pierre Laforce interpreti/cast Reda Kated, Marie-Agnès Gillot, Juliette Vial, José Luis Basso produzione/production My New Picture ** contatti/contacts Stray Dogs Laura Nacher [email protected] La musica si diffonde in Place de la Bastille: proviene dall’Opéra, ma non accompagna nessuno spettacolo, o almeno non direttamente. Eppure qualcosa la lega al balletto che si sta provando altrove, all’Opéra Garnier, sul cui palco le ballerine, tra le quali l’étoile Marie-Agnès Gillot, ondeggiano seguendo quell’ideale fil rouge musicale diretto da José Luis Basso. Un’opera fantasma – dedicata alla figura di Sarah Pardee Winchester, ereditiera americana e vedova del creatore della Winchester Repeating Arms Company – che non esiste ma non per questo è meno avvolgente. ** Music fills Place de la Bastille: it comes from the Opéra but it isn’t accompanying a performance, or at least not directly. And yet something links it to the ballet being rehearsed at the Opéra Garnier, on whose stage the ballerinas, including the étoile Marie-Agnès Gillot, sway as they follow the ideal musical leitmotif directed by José Luis Basso. A ghost opera – dedicated to Sarah Pardee Winchester, the American heiress and widow of the founder of the Winchester Repeating Arms Company – which doesn’t exist but is nonetheless enchanting. Bertrand Bonello (Nizza, Francia, 1968), regista, sceneggiatore e compositore francese, ha esordito nel lungometraggio nel 1998 con Quelque chose d’organique, presentato nella sezione Panorama della Berlinale. Con il successivo Le pornographe, che vedeva Jean-Pierre Léaud nel ruolo di un regista pornografico, ha partecipato alla Semaine de la critique di Cannes, dove ha vinto il premio Fipresci. A Cannes ha inoltre presentato le sue opere successive: Tiresia (2003), in concorso; il cortometraggio Cindy: The Doll Is Mine (2005); De la guerre - Della guerra (2008), alla Quinzaine des réalisateurs; L’Apollonide (2011), sempre in concorso, così come Saint Laurent (2014). Il suo ultimo lungometraggio di finzione, Nocturama, è stato distribuito in Francia lo scorso settembre. Bertrand Bonello (Nice, France, 1968), French director, screenwriter and composer, debuted in feature films in 1998 with Quelque chose d’organique, presented in the Panorama section at the Berlin Film Festival. His next film, Le pornographe, with Jean-Pierre Léaud portraying a pornography director, participated at the Semaine de la critique in Cannes, where it won the FIPRESCI Award. He also presented his next films at Cannes: Tiresia (2003), in competition; the short Cindy: The Doll Is Mine (2005); De la guerre (2008), at the Quinzaine des réalisateurs; L’Apollonide (2011), in competition, as was Saint Laurent (2014). His latest fiction feature film, Nocturama, was distributed in France last September. filmografia essenziale/ essential filmography Qui je suis (cm, 1996), Quelque chose d’organique (1998), Le pornographe (2001), The Adventures of James and David (cm, 2002), Tiresia (2003), Cindy: The Doll Is Mine (cm, 2005), My New Picture (cm, 2006), De la guerre - Della guerra (De la guerre, 2008), Where the Boys Are (cm, 2010), L’Apollonide (Souvenirs de la maison close) (2011), Ingrid Caven, musique et voix (doc., 2012), Saint Laurent (2014), Sarah Winchester, Opéra fantôme (cm, 2016), Nocturama (2016). 183 SOMMARIO ONDE ONDE sandra wollner DAS UNMÖGLICHE BILD Germania-Austria/Germany-Austria, 2016, 16mm, 70’, col. THE IMPOSSIBLE PICTURE regia, sceneggiatura/ director, screenplay Sandra Wollner fotografia/cinematography Timm Kröger montaggio/film editing Stephan Bechinger scenografia/ production design Michel Jimenez costumi/costume design Miriam Eichinger musica/music Joscha Eickel suono/sound Norbert Bichler, Christoph Kuchner, Simon Peter interpreti e personaggi/ cast and characters Jana McKinnon (Johanna), Eva Linder (la nonna/grandmother), Alexander E. Fennon (il padre/father), Andrea Schramek (la madre/mother), Isabel Schmidt (Lissi), Mira Reisinger (Gerda), Helmut Wiesner (lo zio Leopold/uncle Leopold), David Jakob (lo zio Georg/uncle Georg), Isabella Simon (la zia Bella/aunt Bella), Helmut Langer (Herr Karl) produttori/producers Andrea Grassl, Anja Schmidt produzione/production Filmakademie Baden-Württemberg ** contatti/contacts Filmakademie Baden Württemberg Tim Kroger www.filmakademie.de 184 SOMMARIO Vienna, anni Cinquanta. Un’infanzia viene catturata da un filmino in 8mm girato dalla tredicenne Johanna. «Quella del film è una storia che poteva essere piuttosto frequente nella Vienna degli anni Cinquanta, se le persone ne fossero andate alla ricerca. Da qualche parte tra i ricordi d’infanzia di un’anziana signora viennese, la voce di Helmut Qualtinger e i filmini Super8 di quando ero bambina, è emerso un sentimento sfuggente che mi ha affascinato. Quando ripenso alla mia infanzia, quei ricordi sembrano essere una catena di immagini una vicina all’altra. È difficile a posteriori dire se io li abbia vissuti davvero o se mi siano stati mostrati o me ne abbiano parlato più tardi. Si tratta di foto di famiglia che non mostrano più di una frazione della realtà, immagini di feste, riunioni di famiglia o episodi di tutti i giorni che in qualche modo finiscono per formare il nucleo dei nostri ricordi, a volte sostituendoli del tutto. The Impossible Picture è un film sulla memoria e la sua relazione col cinema, con i film che in un certo senso tutti noi facciamo, con o senza una camera». ** Vienna, the 1950s. A childhood captured on 8mm film, documented by thirteen-year-old Johanna. “The film’s story is a rather common one from Vienna in the 1950s if people had gone looking for it. Somewhere between the childhood memories of an old Viennese lady, the voice of Helmut Qualtinger and the Super8 films of my own childhood, one elusive feeling emerged that fascinated me. When I think back on my childhood, those memories seem to be a chain of images adjacent to each other. Whether I actually experienced these or whether I was just shown them or told about it later can be hard to say in retrospect. These are family pictures, never showing more than a fraction of reality, pictures of parties, family gatherings or everyday events that somehow end up forming the core of our memories, sometimes even replacing them altogether. The Impossible Picture is a film about memory and its inherent relation to filmmaking and to the films we all make, so to speak, whether we use a camera or not.” ONDE Sandra Wollner (Austria, 1983) ha studiato teatro, cinema e scienze della comunicazione presso l’Università di Vienna e nel frattempo ha iniziato a lavorare come montatrice e regista, sperimentando vari formati di ripresa. In seguito ha diretto il settore di postproduzione in una casa di produzione con sede a Vienna e ha cominciato a lavorare ai suoi primi film autoprodotti. Dal 2012 studia cinema documentario all’Accademia di cinema del Baden-Württemberg. The Impossible Picture è il suo primo lungometraggio. Sandra Wollner (Austria, 1983) studied theatre, film and communication at Vienna University. During that time, she started working as an editor and director in various formats. She then headed the postproduction division of a Viennese production company while working on her first self-produced films. She has been studying documentary filmmaking at the Filmakademie Baden-Württemberg since 2012. The Impossible Picture is her first feature film. filmografia/filmography Mountains & Molehills (doc., 2013), Uns geht es gut (cm, doc., 2013), Louis & Luk (cm, doc., 2014), Viktor (cm, 2015), Das Unmögliche Bild (The Impossible Picture, 2016). ONDE ARTRUM ArtRum DI/BY MASSIMO CAUSO The Challenge (2016) Torna la selezione di film firmati da artisti contemporanei realizzata in collaborazione con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. Il mondo del Cinema e quello dell’Arte intersecano qui le loro istanze, per elaborare tensioni estetiche. Ne sono testimonianza i tre lavori selezionati quest’anno: The Challenge di Yuri Ancarani, affresco traslucido di un mondo arabo tra evidenza delle forme e dialogo tra potere e potenza; Duilian di Wu Tsang, ritratto d’eroina sospesa tra tradizione e futuro nella Cina tra diciannovesimo e ventesimo secolo; The Hunchback di Gabriel Abrantes e Ben Rivers, divertissement futuristico dalle Mille e una notte. 185 SOMMARIO ONDE ARTRUM The selection of films by contemporary artists made in collaboration with the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo returns. The demands of the worlds of cinema and art intersect here, generating esthetic tensions. This is confirmed by the three films selected this year: The Challenge by Yuri Ancarani, a translucent fresco of an Arab world, between obviousness of forms and a dialogue between power and potency; Duilian by Wu Tsang, the portrait of a heroine suspended between tradition and future at the turn of the 20 century in China; and The Hunchback by Gabriel Abrantes and Ben Rivers, a futuristic divertissement from One Thousand and One Nights. TH © MAKI GALIMBERTI ONDE ARTRUM yuri ancarani THE CHALLENGE Italia-Francia-Svizzera/Italy-France-Switzerland, 2016, HD, 69’, col. THE CHALLENGE regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Yuri Ancarani fotografia/cinematography Yuri Ancarani, Luca Nervegna, Jonathan Ricquebourg scenografia/ production design Stéphane Dougoud, Tanguy Thirion musica/music Lorenzo Senni suono/sound Pierre-Yves Lavoué, Mirco Mencacci, Luca Ciarfella, Piergiorgio De Luca interpreti/cast Khaled Al-Kaja, Nasser Al-Kaabi, Soul Riders Qatar, Khaled Al-Hammadi, Osama Yacoub, Rachid Mesfer Hamad Al-Shahwani Al-Hajri, Hadi Ghedir Al-Hajri, Hamad Saoud Al-Shahwani Al-Hajri, Jaber Ghanem Ali Al-Fayed Al-Hajri, Abdullah Ali Al-Yafei, Nawaf Abdullah, Rachid Al-Noaimy produttori/producers Christophe Gougeon, Fabrizio Polpettini, Pierre Malachin, Tommaso Bertani produzione/production Atopic, La Bête, Ring Film ** contatti/contacts Slingshot Filmsit Michela Pascolo [email protected] 186 SOMMARIO Un falconiere accompagna i suoi falchi da competizione a un importante torneo in Qatar. Oggi il deserto, con la nascita di città costruite a tavolino, è profondamente diverso da com’era in passato. Luogo di silenzi e tempi dilatati, luce zenitale e venti caldi che sembrano portare via dal corpo ogni traccia d’acqua, ha dovuto accettare le sagome verticali dei grattacieli dove prima l’occhio poteva perdersi all’orizzonte. Tuttavia la caccia con il falco, con i suoi oltre quaranta secoli di storia, resiste, permettendo a chi la pratica di mantenere ancora oggi un rapporto stretto e autentico con il deserto. «The Challenge è un film complesso, anche se la visione è fluida e distesa. Arrivare in quel deserto è semplice, prendi un aereo, una guida, ti fai un tour di due o tre ore, un giro sul cammello e poi rientri in città. Fermarsi e guardare attentamente è quasi impossibile. Mi sono accorto che la vita in queste nuove metropoli come Dubai o Doha si addice a tutti, ma non ai beduini, che continuano ad amare il loro deserto e che hanno bisogno di viverlo appieno e intensamente. È una questione di tradizione». ** A falconer accompanies his competition falcons to an important tournament in Qatar. Instant cities have made the desert a very different place from what it was in the past. A place of silence and dilated time, zenith sunlight and hot winds that seem to suck every trace of water from your body, it has had to accept the vertical silhouettes of skyscrapers where the view used to stretch to the horizon. Nonetheless, falconry, with over forty centuries of history, still resists, allowing those who practice it to maintain a close and authentic relationship with the desert. “The Challenge is a complex movie, even though it’s fluid and tranquil. It’s easy to get to the desert; you take an airplane, you get a guide, you tour around for two or three hours, you ride a camel, and then you return to the city. It’s almost impossible to stop and look carefully. I realized that life in these new metropolises like Dubai or Doha is for everyone but not for the Bedouins, who continue to love their desert and need to experience it in full and intensely. It’s a question of tradition.” ONDE ARTRUM Yuri Ancarani (Ravenna, 1972) è un videoartista e un filmmaker. Le sue opere nascono da una continua commistione fra cinema documentario e arte contemporanea. I suoi lavori sono stati presentati in numerose mostre e musei nazionali e internazionali, tra cui la Biennale di Venezia, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, il MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo di Roma, il Guggenheim di New York, la Biennale di Praga, la Triennale di Milano, il Pac di Milano e il Tirana Institute of Contemporary Art. Tra i festival cinematografici a cui ha partecipato, ci sono la Mostra di Venezia, i festival di Locarno, Rotterdam, Cinéma du réel e South by Southwest. I suoi film hanno ricevuto diversi riconoscimenti, tra cui il Grand Prix in Lab Competition al Festival di Clermont-Ferrand, lo Short Film Grand Prize a IndieLisboa e il premio speciale della giuria a Locarno, vinto proprio con The Challenge. Yuri Ancarani (Ravenna, Italy, 1972) is a video artist and filmmaker. His works are the result of an incessant amalgamation of documentary cinema and contemporary art. They have been presented at many exhibits and national and international museums, including the Venice Biennale, the Sandretto Re Rebaudengo Foundation in Turin, the MAXXI - National Museum of the 21 Century Arts in Rome, the Guggenheim in New York, the Biennale of Prague, the Triennale of Milan, the PAC in Milan and the Tirana Institute of Contemporary Art. Film festivals at which he has participated include the Venice Film Festival, the festivals of Locarno, Rotterdam, Cinéma du réel and SXSW - South by Southwest. His films have received various awards, including the Grand Prix in the Lab Competition at the Clermont-Ferrand Film Festival, the Short Film Grand Prize at IndieLisboa and the Special Jury Prize at Locarno, which he won with The Challenge. ST filmografia/filmography Il capo (cm, doc., 2010), Piattaforma Luna (cm, doc., 2011), Da Vinci (cm, doc., 2012), Ricordi per moderni (cm, doc., 2013), San Siro (cm, doc., 2014), Séance (cm, doc., 2014), The Challenge (doc., 2016). ONDE ARTRUM wu tsang DUILIAN Usa, 2016, HD, 26’, col. DUILIAN regia/director Wu Tsang interpreti e personaggi/ cast and characters Qiu Jin (il bambino/boychild), Wu Tsang (Wu Zhiying) produzione/production Spring Workshop coproduzione/coproduction Centre d’Art Contemporain Genève, ArtHub Asia, Berlin Biennale for Contemporary Art ** contatti/contacts Isabella Bortolozzi Gallerie Andrew Cannon [email protected] www.bortolozzi.com L’amore e la perdita nel rapporto tra la poetessa cinese Qiu Jin (1875-1907) e la calligrafa Wu Zhiying (1868-1934). Femminista e rivoluzionaria, Qiu Jin è stata giustiziata nel 1907 per il coinvolgimento in un tentativo di rovesciare il governo imperiale, venendo poi consacrata come martire della nazione, eroina comunista e icona del femminismo. Il titolo si riferisce a una forma tradizionale di distico poetico, in cui il linguaggio è vincolato alla struttura tonale e fa inoltre riferimento a una forma di duello nel wushu, l’arte marziale cinese. «La barca è come un teatro galleggiante che contiene e costruisce la realtà comprendendo aeree geografiche e periodi diversi. Sullo sfondo si vede la Hong Kong di oggi, e la cosa non ha molto senso. È evidente che non siamo nel 1907, ma credo che l’effetto sia bellissimo. […] Qiu Jin e Wu Zhiying erano legate da una relazione molto intima, che si potrebbe interpretare in un’ottica queer. Non sto cercando di provare che fossero lesbiche, ma sono ugualmente interessata a quest’aspetto delle loro vite». ** The love and loss between Chinese poet Qiu Jin (1875-1907) and calligrapher Wu Zhiying (1868-1934). Feminist, and revolutionary, Qiu Jin was executed in 1907 due to her involvement in an attempt to overthrow the imperial Chinese government and has been alternately heralded as a nationalist martyr, communist hero, and feminist icon. The title refers to a traditional form of couplet poetry, in which language is bound by tonal structure; it also refers to a dueling category in wushu, Chinese martial arts. “The boat is like a floating theater that contains a constructed reality encompassing different geographies and time periods. In the background you see contemporary Hong Kong, which doesn’t make sense. It’s definitely not 1907, you know? But I think it looks beautiful. […] Qiu Jin and Wu Zhiying were women who had a very intimate relationship that could have a queer interpretation. I’m also not trying to prove that they were lesbians, but I am interested in that angle.” 187 SOMMARIO ONDE ARTRUM Wu Tsang (Worcester, Massachusetts, Usa, 1982) vive e lavora a Los Angeles. I suoi lavori – film, installazioni, performance, sculture – spaziano in maniera fluida tra documentario, attivismo e finzione. I suoi progetti sono stati presentati in musei e festival cinematografici internazionali, tra cui il MoMA a New York, la Tate Modern a Londra, lo Stedelijk Museum ad Amsterdam, la Berlin Biennale, il Sanfic a Santiago, l’Hot Docs Festival di Toronto e il festival South by Southwest di Austin. Il suo primo lungometraggio, Wildness (2012), ha avuto l’anteprima alla Documentary Fortnight del MoMA, mentre altri lavori sono stati presentati alla Biennale del Whitney e alla triennale «The Ungovernables» al New Museum di New York. Wu Tsang (Worcester, MA, USA, 1982) lives and works in Los Angeles. Her films, installations, performances, and sculptures move fluidly between documentary, activism, and fiction. Her projects have been presented at museums and film festivals internationally, including MoMA (New York), Tate Modern (London), Stedelijk Museum (Amsterdam), Berlin Biennale SANFIC (Santiago), Hot Docs Festival (Toronto), and South by Southwest Film Festival (Austin). Her first feature film Wildness (2012) premiered at MoMA’s Documentary Fortnight, and her work was also featured in the 2012 Whitney Biennial and in “The Ungovernables” New Museum Triennial in New York. filmografia/filmography Shape of a Right Statement (cm, 2008), Damelo Todo (Gimme Everything, cm, 2011), Wildness (2012), For How We Perceived a Life (Take 3) (2012), Mishima in Mexico (coregia/codirector Alexandro Segade, 2012), Tied and True (coregia/codirector Nana Oforiatta-Ayim, 2012), You’re Dead to Me (2013), A Day in the Life of Bliss (2014), Miss Communication and Mr: Re (coregia/codirector Fred Moten, 2014), The Looks (2015), Girl Talk (coregia/codirector Fred Moten, 2015), Duilian (cm, 2016). ONDE ARTRUM gabriel abrantes, ben rivers THE HUNCHBACK Portogallo-Francia/Portugal-France, 2016, HD, 29’, col. THE HUNCHBACK regia, soggetto, sceneggiatura/directors, story, screenplay Gabriel Abrantes, Ben Rivers fotografia/cinematography Jorge Quintela montaggio/film editing Margarida Lucas musica/music Johannes Brahms, Edvard Grieg suono/sound Pedro Melo, Carlos Abreu interpreti/cast Carloto Cotta, Gustavo Sumpta, Anton Skrzypiciel, Norman MacCallum, Mariana Mourato, Randolph Albright, Celia Williams, Elizabeth Bochman, Pedro Alfacinha, Jonathan Weightman, Maya Booth produzione/production A Mutual Respect Productions coproduzione/coproduction Les Films du Bélier In una società distopica e dall’aspetto avvenieristico, in cui tutto è retto dalle tecnologie più avanzate, a governare il mondo è Dalaya.com, un colosso multinazionale della finanza. Tutto è sottoposto a controllo e i dipendenti, per rilassarsi, sono costretti ad assistere a messe in scena a tema medievale che l’azienda stessa allestisce. Come Il piccolo gobbo delle Mille e una notte, riletto però in chiave psichedelica e fantascientifica. ** In a dystopian society of the future, everything depends on highlyadvanced technology and the world is governed by Dalaya.com, a huge multinational finance company. Everything is controlled and, for relaxation, employees are forced to attend a medieval-themed production run by the company itself. Like The Tale of the Hunchback from One Thousand and One Nights, but in a psychedelic and sci-fi key. ** contatti/contacts IndieLisboa Rui Mendes Gabriel Abrantes (Usa, 1984) ha scritto e diretto una quindicina di corti e mediometraggi, tra cui A History of Mutual Respect (2010), con cui ha vinto il Pardino d’oro a Locarno, Palácios de pena (2011), selezionato a Orizzonti a Venezia, e Toprobana (2013), Prix Uip Berlin alla Berlinale. Nel 2015 ha partecipato al Torino Film Festival con il lungometraggio corale Aqui, em Lisboa. Ben Rivers ha studiato belle arti presso la Falmouth School of Art, interessandosi di scultura, fotografia e produzione cinematografica, con un occhio di riguardo al documentario e alle sue contaminazioni con la finzione. Nel 1996 è stato tra i fondatori della Brighton Cinemateque. Ha ottenuto numerosi premi internazionali, tra cui, nel 2011, il premio Fipresci alla Mostra di Venezia per il suo primo lungometraggio, Two Years at Sea, e nel 2013 il premio per il miglior documentario al Torino Film Festival per A Spell to Ward Off the Darkness, diretto con Ben Russell. È tornato a Torino nel 2015 con il cortometraggio A Distant Episode. Gabriel Abrantes (USA, 1984) has written and directed fourteen short and medium-length films so far, including A History of Mutual Respect (2010), which won the Golden Pardino in Locarno; Palácios de pena (2011), which participated at the Venice Film Festival; and Toprobana (2013), Prix UIP Berlin at the 2014 Berlin Film Festival. In 2015, he attended Torino Film Festival with the choral feature film Aqui, em Lisboa (2015). Ben Rivers studied fine arts at the Falmouth School of Art, initially focusing on sculpture and later shifting his interest to photography and film production, with a special eye on documentaries and their contamination with fiction. In 1996, he was one of the founders of the Brighton Cinemateque. He received numerous international awards, including the FIPRESCI Award at the 2011 Venice Film Festival for his first feature film, Two Years at Sea, and Best Documentary at the 2013 Torino Film Festival for A Spell to Ward Off the Darkness, which he directed with Ben Russell. He made his comeback in Torino in 2015 with the short A Distant Episode. [email protected] www.indielisboa.com filmografia/filmography Gabriel Abrantes, Ben Rivers: The Hunchback (cm, 2016). 188 SOMMARIO ONDE ARTRUM ONDE HARUN FAROCKI Harun Farocki DI BARBARA GRESPI Inextinguishable Fire (1969) Harun Farocki (1944-2014) è stato un filmmaker berlinese, documentarista, videoartista, critico cinematografico e scrittore. Ma in realtà il miglior modo di definirlo è pensatore: acuto interprete della contemporaneità, Farocki ha indagato a fondo la cultura visiva tardonovecentesca, individuandone le radici e mettendone a nudo i più inquietanti risvolti. La sua produzione si è estesa per quasi cinquant’anni e comprende circa cento opere audiovisive, fra cui alcune incursioni nel film di finzione, anche televisivo e anche per ragazzi. Ma il genere che preferiva – e che in sostanza aveva introdotto – era il film saggio, elaborato sulla scia di JeanMarie Straub e Danièle Huillet, e guardando costantemente a Godard; in esso Farocki tratta materiali d’archivio mescolati a sapienti squarci del nostro presente, lavora le immagini con genialità e rinnovata fiducia nella capacità di rivelazione del montaggio, potente strumento in grado di scoprire legami insospettati fra le cose; il suo stile secco e bruscamente umoristico ha influenzato generazioni di filmmaker, e non smette di stregare lo spettatore con il fascino dell’idea. La sua ricerca sullo sguardo, incarnato e disincarnato in macchine della visione, sul depositarsi delle immagini in archivi immensi e, ciononostante, violentemente selettivi, sul rapporto fra media e warfare e, più in generale, sul ruolo attivo, e non semplicemente riproduttivo, delle immagini ha accompagnato, e in molti casi anticipato, la riflessione dei grandi filosofi 189 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI del nostro tempo. Sono celebri i suoi dialoghi con Vilém Flusser e Georges Didi-Huberman, mentre i suoi interventi sul cinema di Bresson sono ormai parte di una storia della critica. A metà degli anni Novanta, Farocki orienta il suo lavoro verso i contesti espositivi, realizzando videoinstallazioni per lo più concepite e prodotte con la moglie Antje Ehmann, curatrice e artista. È una prosecuzione naturale della sua idea dell’immagine, che «deve essere sempre due», dice in una delle sue opere più celebri (Interface, 1995), e ora esplode al di là del singolo schermo, si raddoppia o si moltiplica, non più soltanto nel film, anche nell’ambiente. A due anni dalla sua scomparsa, il Torino Film Festival dedica a Farocki un omaggio, proiettando undici dei suoi più importanti lavori, suddivisi per aree tematiche e introdotti dalla moglie, e coautrice, Antje Ehmann. Le proiezioni sono accompagnate da un convegno internazionale nato dalla collaborazione di quattro università (Torino, Bergamo, Milano-Iulm, Pavia) con il Torino Film Festival e la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, che in concomitanza ha installato l’ultima opera di Farocki, Parallel I-IV. Il convegno – dal titolo Pensare con gli occhi. La politica delle immagini nel lavoro di Harun Farocki – si terrà nei giorni 21-22 novembre nell’aula magna della Cavallerizza dell’Università di Torino, e vedrà la partecipazione dei massimi esperti dell’autore: studiosi come Thomas Elsaesser, Christa Blümlinger, Rember Hüser e Volker Pantenburg. ONDE HARUN FAROCKI Harun Farocki BY BARBARA GRESPI Serious Games I: Watson Is Down (2010) Harun Farocki (1944-2014) was a film director, documentarist, video artist, film critic and author Berlin-based. But actually, the best word to define him is thinker: a shrewd interpreter of contemporary times, Farocki studied in depth the visual culture of the late 20 century, pinpointing its roots and laying bare its most disturbing implications. His opus spans almost fifty years, during which time he made roughly one hundred audiovisual works, including a few forays into fiction films, some for television and even some for young people. But his genre of choice – and which he basically introduced – was the essay film, following on the heels of Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, and with a constant eye on Godard. In these films, Farocki combined archive material and skillful bursts of our present time; he manipulated images with virtuosity and renewed faith in the capacity to reveal that is inherent in film editing, a powerful instrument able to discover unexpected links between things. His terse and brusquely humorous style has influenced generations of filmmakers and never ceases to bewitch spectators with the fascination of his ideas. His research into the gaze, embodied and disembodied in machinery of vision; into how images sediment in immense – and nonetheless violently selective – archives; into the relationship between media and warfare; and, more in general, into the active – and not merely reproductive – role of images, accompanied and, in many cases, anticipated the reflections of the great philosophers of our time. His dialogues with Vilém Flusser and TH 190 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI Georges Didi-Huberman are famous, while his articles on the cinema of Bresson have become part of a history of critique. During the mid-1990s, Farocki oriented his work toward exhibitions, creating video installations which he primarily conceived and produced with his wife Antje Ehmann, a curator and artist. This was a natural evolution of his idea that the image “is always two,” as he says in one of his most important works (Interface, 1995), and now explodes beyond the single screen, doubling or multiplying itself, no longer just in the film, but also in the surroundings. Two years after his death, the Torino Film Festival dedicates a tribute to Farocki and will screen eleven of his most important works, divided into thematic areas introduced by his wife and co-author, Antje Ehmann. Together with the screenings, an international conference has been organized through the collaboration of four universities (Turin, Bergamo, IULM Milan, Pavia), and with the Torino Film Festival and the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, which, in conjunction with the conference, has installed Farocki’s final work Parallel I-IV. The conference – entitled Thinking with the Eyes. The Politics of Images in the Work of Harun Farocki – will be held on November 21-22 in the Cavallerizza lecture hall of the University of Turin, with the participation of top experts on Farocki: scholars like Thomas Elsaesser, Christa Blümlinger, Rember Hüser and Volker Pantenburg. ONDE HARUN FAROCKI Harun Farocki BIOGRAFIA/BIOGRAPHY Harun Farocki (Nový Jicin, Germania, 1944 Berlino, Germania, 2014), dopo gli studi alla Deutsche Film und Fernsehakademie di Berlino, nel clima di agitazione politica della Germania di fine anni Sessanta, inizia a realizzare film agit-prop in bianco e nero e in 16mm, unendo spesso, come nel caso di Inextinguishable Fire (1969), attivismo e performance. Cosciente della specificità del mezzo di comunicazione scelto, Farocki mette al centro dei suoi lavori l’analisi critica delle immagini e il confronto che queste instaurano con la Storia, il potere e il sistema dominante di rappresentazione. Prima con il 16mm, poi con il video e infine con il digitale e l’animazione digitale, Farocki elabora la forma del video-saggio sulle arti visuali. Dai lavori degli anni Ottanta e Novanta, come Before Your Eyes Vietnam (1982), An Image (1983), Images of World and Inscription of War (1988), Still life (1997), alle installazioni degli anni Duemila (Counter-Music, 2004; le serie Serious Games, 2010, e Parellel, 2012-2014, e Labour in a Single Shot, 2011-2014, ideate e curate con la compagna Antje Ehmann), le sue opere tracciano e criticano l’evoluzione del linguaggio delle immagini, fra sedute al banco del montaggio, collage fotografici, riprese di camere di sicurezza, foto aeree della seconda guerra mondiale, pubblicità, frammenti di cinema del passato, camere termografiche, riprese televisive, videogiochi, sequenze digitali, ricostruzioni a computer di paesaggi reali. Nella sua attività di critico per la rivista «Filmkritik», nelle sue pubblicazioni e nei suoi seminari, Farocki ha studiato la storia del cinema e della società tedesca analizzando l’evoluzione del concetto di lavoro (come ad esempio in How to Live in the FRG, 1990) e si è confrontato con autori come Jean-Marie Straub e Danièle Huillet o come Jean-Luc Godard, al quale nel 1998 ha dedicato il volume Speaking with Godard, scritto con Kaja Silvermann. 191 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI Harun Farocki (Nový Jicin, Germany, 1944 Berlin, Germany, 2014), after studying at Berlin’s Deutsche Film und Fernsehakademie in the climate of political agitation sweeping Germany during the late ’60s, began to make agitprop movies in black and white and in 16mm, often combining activism and performance, as is the case with Inextinguishable Fire (1969). Aware of the specificity of his means of communication, Farocki focused his work on a critical analysis of images and the contrasts they create with history, power and the dominant performance system. First with 16mm film, then with video, and finally with digital and digital animation techniques, Farocki developed the video-essay form about the visual arts. From his work during the 1980s and ’90s, such as Before Your Eyes Vietnam (1982), An Image (1983), Images of World and Inscription of War (1988), and Still life (1997), to his installations of the 2000s (Counter-Music, 2004; the series Serious Games, 2010, and Parellel, 2012-2014, and Labour in a Single Shot, 2011-2014, which he created and curated with his partner Antje Ehmann), his works trace and criticize the evolution in the language of images, in between stints at the editing table, photographic collages, security camera shots, aerial photos from WWII, advertising, fragments of films from the past, thermographic cameras, television clips, videogames, digital sequences, computer reconstructions of real landscapes. As a critic for the magazine “Filmkritik,” in his publications and during his seminars, Farocki studied the history of cinema and of German society, analyzing the evolution of the concept of work (for example, in How to Live in the FRG, 1990) and measuring himself against filmmakers such as Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, or Jean-Luc Godard, to whom, in 1998, he dedicated the book Speaking with Godard, which he wrote with Kaja Silvermann. ONDE HARUN FAROCKI Harun Farocki FILMOGRAFIA/FILMOGRAPHY 1960 Jeder ein Berliner Kindl (Everybody a Berliner Kindl, cm, 1966), Zwei Wege (Two Paths, cm, 1966), Die Worte des Vorsitzenden (The Words of the Chairman, cm, 1967), Der Wahlhelfer (The Campaign Volunteer, cm, 1967), Ihre Zeitungen (Their Newspapers, cm, 1968), White Christmas (cm, 1968), Drei Schüsse auf Rudi (Three Shots at Rudi, cm, 1968), Ohne Titel oder: Wanderkino für Ingenieurstudenten (Untitled or: The Wandering Cinema for Engineering Students, mm, 1968), Nicht löschbares Feuer (Inextinguishable Fire, cm, 1969), Ohne Titel oder: Nixon kommt nach Berlin (Untitled or: Nixon Comes to Berlin, cm, 1969), Anleitung, Polizisten den Helm abzureißen (Instructions on how to Pull off Police Helmets, cm, 1969). 1970 Die Teilung aller Tage (The Division of all Days, 1970), Eine Sache, die sich versteht (15x) (Something Self Explanatory - 15x, 1971), Remember Tomorrow is the First Day of the Rest of Your Life (cm, 1972), Die Sprache der Revolution. Beispiele revolutionärer Rhetorik, untersucht von Hans Christoph uch (The Language of Revolution. Examples of a Revolutionary Rhetoric, Examined by Hans Christoph Buch, mm, 1972), Sesamstrasse (Sesame Street, cm, 1973), Make Up (Make Up, cm, 1973), Brunner ist dran (Brunner Is Next, cm, 1973), Einmal wirst auch Du mich lieben. Über die Bedeutung von Heftromanen (Someday You Will Love Me Too. About the Meaning of Dimestore Novels, mm, 1973), Der Ärger mit den Bildern (The Trouble with Images. A Critique of Television, mm, 1973), Über «Gelegenheitsarbeit einer Sklavin» (About “Part-time Work of a Female Slave,” cm, 1974), Moderatoren im Fernsehen (Moderators, cm, 1974), Plakatmaler (Poster Artists, cm, 1974), Die Arbeit mit Bildern. Eine Telekritik von Harun Farocki (The Struggle with Images. A Critique of Television, mm, 1974), Über «Song of Ceylon» von Basil Wright (About “Song of Ceylon” by Basil Wright, cm, 1975), Erzählen (About Narration, mm, 1975), Die Schlacht. Szenen aus Deutschland (The Battle. Scenes from Germany, mm, 1976), Einschlafgeschichten 1-5 (Bedtime Stories 1-5, cm, 1977), Sarah Schumann malt ein Bild (Sarah Schumann Paints an Image, cm, 1977), Ein Bild von Sarah Schumann (An Image by Sarah Schumann, 1978), Zwischen zwei Kriegen (Between Two Wars, 1978), Einschlafgeschichten 1- 192 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI 3/Katzengeschichten (Bedtime Stories 1-3/Cat Stories, cm, 1978), Häuser 1-2 (Buildings 1-2, cm, 1978), Industrie und Fotografie (Industry and Photography, mm, 1979), Anna and Lara machen des Fernsehen vor und nach (Anna and Lara Are Playing Television, cm, 1979), Single. Eine Schallplatte wird produziert (Single. A Record Is Being Produced, mm, 1979), Zur Ansicht: Peter Weiss (On Display: Peter Weiss, mm, 1979), Der Geschmack des Lebens (The Taste of Life, cm, 1979). 1980 Stadtbild (View of the City, mm, 1981), Etwas wird sichtbar (Before your Eyes Vietnam, 1982), Kurzfilme von Peter Weiss. Vorgestellt von Harun Farocki (Short Films by Peter Weiss, mm, 1982), Ein Bild (An Image, cm, 1983), Jean-Marie Straub und Danièle Huillet bei der Arbeit an einem Film nach Franz Kafkas Romanfragment «Amerika» (Jean-Marie Straub and Danièle Huillet at Work On a Film Based on Franz Kaka’s “Amerika,” cm, 1983), Interview: Heiner Müller (cm, 1983), «L’Argent» von Bresson (“L’Argent” by Bresson, cm, 1983), Peter Lorre - Das doppelte Gesicht (The Double Face of Peter Lorre, 1984), Betrogen (Betrayed, 1985), Filmtip: Der Tee im Harem des Archimedes (Filmtip: Tea in the Harem, cm, 1985), Wie man sieht (As You See, cm, 1986), Schlagworte - Schlagbilder. Ein Gespräch mit Vilém Flusser (Catch Phrases - Catch Images. Conversation with Vilém Flusser, cm, 1986), A Filmtip: Kuhle Wampe (Filmtip: Kuhle Wampe, cm, 1986), Filmbücher (Filmbooks, cm, 1986), Die Schulung (Indoctrination, mm, 1987), Filmtip: Der Tod des Empedokles (Filmtip: Death of Empedocles, cm, 1987), Die Menschen stehen vorwärts in den Straßen (cm, 1987), Bilderkrieg (Images-War, mm, 1987), Georg K. Glaser Schriftsteller und Schmied (Georg K. Glaser - Writer and Smith, mm, 1988), Bilder der Welt und Inschrift des Krieges (Images of the World and the Inscription of War, 1988), Kinostadt Paris (Cine City Paris, cm, 1988), Image und Umsatz oder: Wie kann man einen Schuh darstellen (Image and Sales or: How to Depict a Shoe, mm, 1988). 1990 Leben BRD (How to Live in the FRG, 1990), Was ist los (What’s Up?, cm, 1991), Videogramme einer Revolution (Videograms of a Revolution, cm, 1992), Kamera und Wirklichkeit (Camera and Reality, cm, 1992), Ein Tag im Leben der ONDE HARUN FAROCKI Endverbraucher (A Day in the Life of a Consumer, mm, 1993), Die Umschulung (Retraining, mm, 1994), Die führende Rolle (The Leading Role, mm, 1994), Arbeiter verlassen die Fabrik (Workers Leaving the Factory, mm, 1995), Die Küchenhilfen (Kitchen Helpers, 1996), Das Theater der Umschulung (The Theater of the Retraining, cm, 1996), Der Auftritt (The Appearance, cm, 1996), Der Werbemensch (The Ad Guy, cm, 1996), Die Bewerbung (The Interview, mm, 1997), Stilleben (Still Life, mm, 1997), Der Ausdruck der Hände (The Expression of Hands, cm, 1997), Die Werbebotschaft (The Advertisement Info, cm, 1997), Der Finanzchef (The Chief Executive Officer, cm, 1998), Worte und Spiele (Words and Games, 1998). 2000 Gefängnisbilder (Prison Images, 2000), Die Schöpfer der Einkaufswelten (The Creators of the Shopping Worlds, 2001), Erkennen und Verfolgen (War at a Distance, mm, 2003), Nicht ohne Risiko (Nothing Ventured, mm, 2004), Aufschub (Respite, mm, 2007), Zum Vergleich (In Comparison, 2009). 2010 Ein neues Produkt (A New Product, mm, 2012), Sauerbruch Hutton Architekten (Sauerbruch Hutton Architects, 2013). 193 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI INSTALLAZIONI/INSTALLATIONS 1990 Schnittstelle (Interface, cm, 1995). 2000 Ich glaubte Gefangene zu sehen (I Thought I Was Seeing Convicts, 2000), Musik-Video (Music-Video, 2000), Auge/Maschine (Eye/Machine, 2000), Auge/Maschine II (Eye/Machine II, 2001), Auge/Maschine III (Eye/Machine III, 2003), Gegen-Musik (Counter-Music, 2004), Drei Montagen (Three Assemblies, 2005), Ausweg (A Way, 2005), Aufstellung (In-Formation, 2005), Hörstationen (Listening Stations, 2006), Zur Bauweise des Films bei Griffith (On Construction of Griffith’s Films, 2006), Arbeiter verlassen die Fabrik in elf Jahrzehnten (Workers Leaving the Factory in Eleven Decades, 2006), Synchronisation (Dubbing, 2006), Vergleich über ein Drittes (Comparison via a Third, 2007), Deep Play (2007), Übertragung (Transmission, 2007), Fressen oder Fliegen (Feasting or Flying, 2008), Ernste Spiele III: Immersion (Serious Games III: Immersion, 2009). 2010 Ernste Spiele I: Watson ist hin (Serious Games I: Watson Is Down, 2010), Ernste Spiele II: Drei tot (Serious Games II: 3 Dead, 2010), Ernste Spiele IV: Eine Sonne ohne Schatten (Serious Games IV: A Sun Without Shadow, 2010), Umgießen. Variationen zu Opus 1 von Tomas Schmit (RePouring, 2010), Das Silber und das Kreuz (The Silver and the Cross, 2010), Tropen des Krieges (War Tropes, 2011), Parallele (Parallel, 2012), Parallele II (Parallel II, 2014), Parallele III (Parallel III, 2014), Parallele IV (Parallel IV, 2014). ONDE HARUN FAROCKI harun farocki NICHT LÖSCHBARES FEUER Repubblica Federale Tedesca/FRG, 1969, 16mm, 25’, bn/bw regia, sceneggiatura, montaggio, produttore/ director, screenplay, film editing, producer Harun Farocki fotografia/cinematography Gerd Conradt suono/sound Ulrich Knaudt interpreti/cast Harun Farocki, Hanspeter Krüger, Eckart Kammer, Caroline Gremm, Gerd Volker Bussäus, Ingrid Oppermann INEXTINGUISHABLE FIRE Dice Farocki in questo film agit-prop girato durante la guerra in Vietnam: «Quando il napalm sta bruciando, è troppo tardi per cancellarlo. Il napalm va combattuto dove viene prodotto: nelle fabbriche». Vale a dire, la Dow Chemical di Midland, nel Michigan. «Una corporation», aggiunge Farocki, «è come un set, può ricostruire il mondo intero. A causa della crescente parcellizzazione del lavoro, le persone non riconoscono più il proprio ruolo nella creazione di strumenti di distruzione di massa; il prodotto è il risultato del lavoro di operai, studenti e ingegneri». In this agitprop film shot during the Vietnam War, Farocki says: “When napalm is burning, it is too late to extinguish it. You have to fight napalm where it is produced: in the factories.” Which means, Dow Chemical, in Midland, Michigan. “A major corporation is like a set. It can put together the whole world. Because of the growing division of labor, many people no longer recognize the role they play in producing mass destruction. That which is manufactured in the end is the product of the workers, students, and engineers.” harun farocki EIN BILD Repubblica Federale Tedesca/FRG, 1983, 16mm, 25’, col. AN IMAGE regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Harun Farocki fotografia/cinematography Ingo Kratisch montaggio/film editing Rosa Mercedes suono/sound Klaus Klingler musica/music Markus Spies produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, SFB «Quattro giorni in studio a lavorare su una foto di copertina di “Plaboy”. La rivista parla di cultura, di macchine, di un certo stile di vita… Forse al solo scopo di coprire la nudità della donna. Forse è come con le bambole di carta. La donna nuda al centro è il sole attorno al quale ruotano gli eventi di un intero sistema: una cultura, un’economia, un modo di vivere! […] È facile immaginare che i creatori di questa immagine lavorino con la cura, la serietà e la responsabilità che userebbero per scindere l’uranio». 194 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI “Four days spent in a studio working on a centerfold photo for ‘Playboy’ magazine. The magazine itself deals with culture, cars, a certain lifestyle. Maybe all those trappings are only there to cover up the naked woman. Maybe it’s like with a paper-doll. The naked woman in the middle is a sun around which a system revolves: of culture, of business, of living! […] One can well imagine that the people creating such a picture, perform their task with as much care, seriousness, a responsibility as if they were splitting uranium.” ONDE HARUN FAROCKI harun farocki BILDER DER WELT UND INSCHRIFT DES KRIEGES Repubblica Federale Tedesca/FRG, 1988, 16mm, 75’, col. regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Harun Farocki fotografia/cinematography Ingo Kratisch montaggio/film editing Rosa Mercedes suono/sound Klaus Klingler voce/voice Ulrike Grote produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, SFB IMAGES OF THE WORLD AND THE INSCRIPTION OF WAR Per registrare il potenziale distruttivo, i bombardieri alleati della seconda guerra mondiale scattavano fotografie aree dei loro obiettivi. Una di queste foto, scattata sopra l’impianto chimico della Farben (che produceva il gas usato nei campi di sterminio), riprende per caso i dintorni di Auschwitz. Anni dopo, Farocki analizza la foto mettendo in evidenza il campo di concentramento invece dell’obiettivo principale. Tutto ciò rivela una verità tragica, quasi cosmica: la verità è più difficile da cogliere quando l’evidenza è sotto i nostri occhi. In order to record their destructive power, allied bombers in WWII were required to take photos of their targets. One such photo, taken on the Farben chemical plant (producer of poison gas used in the death camps), also unintentionally includes the nearby Auschwitz concentration camp. Decades after the event, Farocki analyzes the photo in terms of being evidence of the actual camp, rather than evidence of the Farben target. This reveals the tragic and almost cosmic truth: the truth is hardest to grasp when the evidence is right before your eyes. harun farocki ARBEITER VERLASSEN DIE FABRIK Germania/Germany, 1995, video-Beta SP, 36’, bn/bw-col. WORKERS LEAVING THE FACTORY regia, sceneggiatura, voce/director, screenplay, voice Harun Farocki montaggio/film editing Max Reimann produttori/producers Harun Farocki, Werner Dütsch produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, WDR Partendo dal primo film mai realizzato, che mostra alcuni operai uscire dalla fabbrica dei fratelli Lumière, il film mostra l’evoluzione nel tempo del rapporto fra imprenditore e lavoratore. Il risultato è un’analisi cinematografica sul cinema stesso, che va da Tempi moderni a Metropolis fino ad Accattone. Farocki dimostra come la sequenza dei Lumière porti già con sé i segni di uno sviluppo sociale prevedibile: la scomparsa del lavoro industriale. 195 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI Starting with the first film ever shot, showing the workers leaving the Lumiere Brothers’ factory, the video becomes a tacit expose of a history of employer/employee relations. The result of this effort is a cinematographic analysis in the medium of cinematography itself, ranging in scope from Modern Times to Metropolis to Accattone. Farocki shows that the Lumière brothers’ sequence already carries within itself the germ of a foreseeable social development: the eventual disappearance of this form of industrial labor. ONDE HARUN FAROCKI harun farocki SCHNITTSTELLE Germania/Germany, 1995, video-Beta SP, 23’, col. INTERFACE regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Harun Farocki fotografia/cinematography Ingo Kratisch montaggio/film editing Rosa Mercedes suono/sound Klaus Klingler voci/voices Harun Farocki, Ulrike Grote produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, Musée Moderne d’art de Villeneuve d’Ascq Nel 1995 il Museo d’arte moderna di Lille commissiona a Farocki un video sul suo lavoro. Il risultato è un’installazione per la mostra The World of Photography e questo film, in cui il regista riflette sul senso di lavorare con le immagini d’archivio invece di crearne di nuove e di proprie. Il titolo originale gioca con il doppio significato, in tedesco, della parola «Schnitt», che indica sia il tavolo di montaggio sia un’interfaccia uomo-macchina, in cui una persona interagisce con un computer per mezzo di una tastiera e un mouse. In 1995 Farocki was commissioned by the Lille Museum of Modern Art to produce a video about his work. His creation was an installation presented at the exhibition The World of Photography, and then this film. It examines the question of what it means to work with existing images rather than producing one’s own, new images. The German title plays on the double meaning of “Schnitt,” referring both to Farocki’s editing table as well as the ‘human-machine interface,’ where a person operates a computer using a keyboard and a mouse. harun farocki DER AUSDRUCK DER HÄNDE Germania/Germany, 1997, video-Beta SP, 30’, col. Storicamente il primo piano era in origine utilizzato per veicolare emozioni attraverso le espressioni del volto. Presto, però, i registi hanno cominciato a interessarsi anche alle mani. Attraverso frammenti di decine di film, Farocki esplora questo tipo di linguaggio visivo, il suo simbolismo, i suoi lapsus freudiani, i suoi automatismi, la sua musica. Spesso le mani tradiscono emozioni che il volto prova a dissimulare. Oppure fungono da strumento (ad esempio, per lo scambio di denaro) o testimoniano una competenza lavorativa. 196 SOMMARIO THE EXPRESSION OF HANDS Historically, the cinema close-up was initially employed to convey emotions through facial expressions. But soon filmmakers also began focusing their attention on hands. Using film extracts, Farocki explores this visual language, its symbolism, Freudian slips, automatisms and its music. Often, hands betray an emotion which the face tries to dissimulate. They can also function as a conduit (exchanging money) or witness to a form of competence (work). regia, voce/ director, voice Harun Farocki sceneggiatura/screenplay Harun Farocki, Jörg Becker fotografia/cinematography Ingo Kratisch montaggio/film editing Max Reimann suono/sound Klaus Klingler produttori/producers Harun Farocki, Werner Dütsch produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, WDR ONDE HARUN FAROCKI ONDE HARUN FAROCKI harun farocki ICH GLAUBTE GEFANGENE ZU SEHEN Germania/Germany, 2000, video-Beta SP, 23’, col. I THOUGHT I WAS SEEING CONVICTS regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Harun Farocki fotografia/cinematography Cathy Lee Crane montaggio/film editing Max Reimann suono/sound Luis Van Rook produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, Generali Foundation, Zdf/3sat, Mainz Inge Classen, Movimento, Christian Baute «Immagini da una prigione di massima sicurezza a Corcoran, California. Le camere di sorveglianza mostrano una porzione di spazio minima. […] Un detenuto ne assale un altro, gli altri si gettano subito a terra. […] Sanno cosa sta per succedere: le guardie lanceranno un avvertimento, poi spareranno proiettili di gomma. Se la lite non finirà, spareranno sul serio. Le immagini sono mute, il fumo di pistola attraversa lo schermo. La camera e la pistola sono l’una a fianco dell’altra. Il campo della visione e il mirino della pistola coincidono». “Images from the maximum-security prison in Corcoran, California. The surveillance camera shows a pieshaped segment. […] A convict attacks another, upon which those uninvolved lay themselves flat on the ground. […] They know what comes now: the guard will call out a warning and then fire rubber bullets. If the convicts do not stop fighting now, the guard will shoot for real. The pictures are silent, the trail of gun smoke drifts across the picture. The camera and the gun are right next to each other. The field of vision and the gun viewfinder fall together.” harun farocki AUGE/MASCHINE II Germania/Germany, 2000, video, 23’, col. regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Harun Farocki con la collaborazione di/ with the collaboration of Matthias Rajmann, Ingo Kratisch, Rosa Mercede montaggio/film editing Max Reimann coproduzione/coproduction Zdf/3sat, Galerie Greene Naftali, Zkm EYE/MACHINE II «Il lavoro si concentra sulle immagini della Guerra del Golfo del ’91. Nelle soggettive dei proiettili che colpiscono il bersaglio, la bomba e il reporter coincidono, come ha sostenuto il filosofo Klaus Theweleit. Al tempo stesso, è impossibile distinguere fra le immagini fotografate e quelle simulate al computer. La perdita di un’immagine “genuina” ha privato l’occhio della sua natura di testimone della storia. Qualcuno ha detto che nella Guerra del Golfo non sono state usate nuove armi, ma è stata introdotta una nuova politica delle immagini». 197 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI “The work centers on the images of the Gulf War in 1991. In the shots taken from projectiles homing in on their targets, bomb and reporter were identical, according to a theory by the philosopher Klaus Theweleit. At the same time it was impossible to distinguish between the photographed and the (computer) simulated images. The loss of the ‘genuine picture’ means the eye no longer has a role as historical witness. It has been said that what was brought into play in the Gulf War was not new weaponry but rather a new policy on images.” ONDE HARUN FAROCKI harun farocki GEGEN-MUSIK Germania/Germany, 2004, video, 23’, col. COUNTER-MUSIC regia, sceneggiatura/ director, screenplay Harun Farocki con la collaborazione di/ with the collaboration of Matthias Rajmann montaggio/film editing Max Reimann suono/sound Matthias Rajmann produzione/production Le Fresnoy, Tourcoing «Le immagini che oggi determinano la vita di una città sono immagini operative, immagini di controllo. Rappresentazioni del traffico: macchine, tram, metro; rappresentazioni che indicano l’altezza dei trasmettitori telefonici, o i buchi nelle reti di comunicazione. Immagini termografiche che rivelano perdite di calore dagli edifici. […] Nonostante le strade, i viali, i mercati, le arcate e le chiese, queste città sono macchine per vivere e per lavorare. Voglio rifare anch’io la “sinfonia di una città”, ma con immagini diverse». “The images which today determine the day of the city are operative images, control images. Representations of traffic regulation, by car, train or metro, representations determining the height at which mobile phone network transmitters are fixed, and where the holes in the networks are. Images from thermo-cameras to discover heat loss from buildings. […] Despite their boulevards, promenades, market places, arcades and churches, these cities are already machines for living and working. I too want to ‘remake’ the city films, but with different images.” harun farocki ZUR BAUWEISE DES FILMS BEI GRIFFITH Germania/Germany, 2006, video, 9’, bn/bw regia/director Harun Farocki curatori, ideazione/ curators, idea Harun Farocki, Antje Ehmann montaggio/film editing Jan Ralske produzione/production Generali Foundation ON CONSTRUCTION OF GRIFFITH’S FILMS «Abbiamo preso una sequenza di Intolerance, in cui il dialogo fra un uomo e una donna è filmato e montato in campo e controcampo. Lo abbiamo riprodotto su due schermi per svelarne l’aspetto narrativo e poi perché l’analisi richiedeva un lavoro di dissezione. L’aspetto narrativo del campo e controcampo, che sarebbe diventato l’usuale cifra stilistica per la ripresa di un dialogo, qui richiama ancora il romanzo. […] Il cinema, però, ha già raggiunto un tale livello d’indipendenza che è la macchina da presa a costruire uno spazio attraverso i dettagli». 198 SOMMARIO ONDE HARUN FAROCKI “We picked a sequence from Griffith’s Intolerance. It shows a dialogue between a man and a woman, filmed and edited as shot and counter shot. We reproduce the shot on two monitors to reveal its narrative character and also because analysis requires us to dissect something. The narrative form of shot/counter shot, which would later become the norm for depicting dialogue in film, remains novel here. […] Cinematography had already achieved such a level of independence that it was the camera that constituted a room with its detail.” ONDE HARUN FAROCKI harun farocki ERNSTE SPIELE I: WATSON IST HIN Germania/Germany, 2009, video, 8’, col. regia, montaggio, produttore/director, film editing, producer Harun Farocki sceneggiatura/screenplay Harun Farocki, Matthias Rajmann fotografia/cinematography Ingo Kratisch montaggio online/ online editing Max Reimann, Jan Ralske suono/sound Matthias Rajmann produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, Medienboard Berlin-Brandenburg, Bienal de São Paulo, Kub, Kunsthaus Bregenz SERIOUS GAMES I: WATSON IS DOWN «Abbiamo filmato un’esercitazione dei marine nella base di Twentynine Palms, in California. Quattro soldati seduti in una classe rappresentano l’equipaggio di un carrarmato. Di fronte hanno dei laptop sui quali manovrano il loro stesso veicolo e tengono d’occhio gli altri membri dell’unità, all’interno di un paesaggio ricreato in digitale. […] L’istruttore piazza l’esplosivo. Un cecchino, che noi filmiamo, spara sul carrarmato. […] Anche con tutta questa attenzione ai dettagli, la morte al computer resta qualcosa di completamente diverso dalla morte reale». “We filmed a drill at the Marine Corps Base Twentynine Palms in California. Four Marines sitting in a class represented the crew of a tank. They had laptops in front of them on which they steered their own vehicle and watched others in the unit being driven through a Computer-Animation Landscape. […] The instructor places explosive devices. A sniper shot the tank, which we documented with the camera. […] Even with all this attention to detail, death in the computer game is still something different than the real one.” harun farocki ERNSTE SPIELE II: DREI TOT Germania/Germany, 2010, video, 8’, col. regia, montaggio, produttore/director, film editing, producer Harun Farocki sceneggiatura/screenplay Harun Farocki, Matthias Rajmann fotografia/cinematography Ingo Kratisch montaggio online/ online editing Max Reimann, Jan Ralske suono/sound Matthias Rajmann produzione/production Harun Farocki Filmproduktion, Medienboard Berlin-Brandenburg, Bienal de São Paulo, Kub, Kunsthaus Bregenz 199 SOMMARIO SERIOUS GAMES II: THREE DEAD “Again, in Marine Corps Base Twentynine Palms, California, we embarked on an exercise with around three hundred extras who represented both the Afghan and Iraqi population. A few dozen Marines were on guard and went out on patrol. The town where the maneuver was carried out was on a slight rising in the desert and its buildings were made from containers. It looked as though we had modeled reality on a computer animation.” «Sempre nella base di Twentynine Palms, in California, ci siamo imbarcati in un’esercitazione con circa trecento comparse, che rappresentavano sia la popolazione afghana sia quella irachena. Una dozzina di marine erano di guardia e sono andati in perlustrazione. La città dove si teneva la manovra era costruita su una piccola altura nel deserto e i suoi edifici erano dei container. Era come se la realtà fosse stata modellata a partire da un’animazione digitale». ONDE HARUN FAROCKI SOMMARIO TORINOFILMLAB | BOGDAN MIRICĂ CÂINI - DOGS | AXEL KOENZEN DEADWEIGHT | | RALITZA PETROVA BEZBOG - GODLESS | PALOMA AGUILERA VALDEBENITO OUT OF LOVE | ANU AUN POLAARPOISS - THE POLAR BOY | ANCA MIRUNA LĂZĂRESCU DIE REISE MIT VATER - THAT TRIP WE TOOK WITH DAD | MEHDI HMILI THALA MON AMOUR | LINA LUŽYTĖ TOGETHER FOR EVER | WISSAM CHARAF TOMBÉ DU CIEL | PABLO LAMAR BOO JUNFENG APPRENTICE JIHANE CHOUAIB GO HOME LA ÚLTIMA TIERRA SOMMARIO TORINOFILMLAB © YEW JIAJUN boo junfeng APPRENTICE Singapore-Germania-Francia-Hong Kong-Qatar/ Singapore-Germany-France-Hong Kong-Qatar, 2016, HD, 96’, col. APPRENTICE regia, sceneggiatura/ director, screenplay Boo Junfeng soggetto/story Boo Junfeng, Raymond Phathanavirangoon fotografia/cinematography Benoit Soler montaggio/film editing Natalia Soh, Lee Chatametikool scenografia/ production design James Page costumi/costume design Meredith Lee musica/music Alexander Zekke, Matthew James Kelly suono/sound Ting Li Lim interpreti e personaggi/ cast and characters Fir Rahman (Aiman), Wan Hanafi Su (Rahim), Matsura Ahmad (Suhaila), Koh Boon Pin (James), Nickson Cheng (Joseph), Crispian Chan (Randy), Gerald Chew (Hock) produttori/producers Raymond Phathanavirangoon, Fran Borgia, Tan Fong Cheng produzione/production Akanga Film Asia, Peanut Pictures, Zhao Wei Films coproduttori/coproducers Jonas Katzenstein, Maximilian Leo, Tom Decourt, Sophie Erbs coproduzione/coproduction Augenschein Filmproduktion, Cinéma Defacto, ZDF, Das Kleine Fernsehspiel ** contatti/contacts LuxBox Anne Sophie Trintignac Aiman, guardia carceraria diligente e professionale, viene traferito presso la prigione di Larangan, istituto considerato all’avanguardia. Qui stringe amicizia con il sergente Rahim, che scopre essere il boia del penitenziario, responsabile anni addietro dell’esecuzione di suo padre. Quando la direzione propone ad Aiman di diventare l’assistente di Rahim, per il ragazzo è l’inizio di un travaglio interiore in cui il doloroso passato e i morsi di coscienza si scontrano con le sue ambizioni. «La prigione di Larangan (letteralmente “prigione proibita”) è la rappresentazione tridimensionale dello stato mentale di Aiman. È come un personaggio a sé stante, oscura ma asettica, con i corridoi che riecheggiano suoni lontani come fossero stregati dal passato. Quando Aiman si avventura per i corridoi, esplorando gli spazi in cui suo padre ha passato gli ultimi giorni di vita, sta compiendo un viaggio dentro di sé. Guarda dentro l’abisso e affronta ciò che lo terrorizza, trovando il modo, alla fine, di avvicinarsi alla forca». ** Aiman, a diligent and professional prison guard, is transferred to the prison of Larangan, considered a cutting-edge facility. Here, he makes friends with Sergeant Rahim, who he discovers is the penitentiary’s executioner, the man who had executed his father years earlier. When the management proposes to Aiman that he become Rahim’s assistant, an inner struggle begins inside the young man, whose painful past and guilty conscience clash with his ambitions. Boo Junfeng (Singapore, 1983) ha studiato cinema a Singapore e in Spagna. Ha esordito nel 2005 con il cortometraggio Un retrato de familia, a cui sono seguiti altri corti, che gli hanno permesso di farsi conoscere nel circuito dei festival internazionali. Nel 2008 ha partecipato al progetto corale Lucky 7, presentato al Festival di Rotterdam, e nel 2010 ha esordito nel lungometraggio con Sandcastle, con cui ha partecipato alla Semaine de la critique di Cannes. Anche Apprentice ha fatto parte della selezione del festival francese, nella sezione Un certain regard. Boo Junfeng (Singapore, 1983) studied film in Singapore and in Spain. He debuted in 2005 with the short Un retrato de familia, followed by other shorts which made his name on the international festival circuit. In 2008, he participated in the group project Lucky 7, presented at the Rotterdam Film Festival, and in 2010 he debuted in feature films with Sandcastle, which participated at the Semaine de la critique in Cannes. Apprentice, too, was selected for the French festival, in the section Un certain regard. filmografia/filmography Un retrato de familia (cm, 2005), Guo Ke (cm, 2005), The Changi Murals (cm, 2006), Katong Fugue (cm, 2007), Keluar Baris (cm, 2008), Tanjong Rhu (cm, 2009), Sandcastle (2010), Apprentice (2016). “Larangan Prison (literally meaning ‘Forbidden Prison’) is a spatial representation of Aiman’s mental state. It is a character in its own right – dark yet sterile, with corridors echoing faraway sounds as if haunted by the past. As Aiman navigates the corridors in search of spaces his father spent his last days, he is also journeying deep into himself. He stares into the abyss and confronts his fears, eventually finding his way into the gallows.” [email protected] www.luxboxfilms.com 202 TORINOFILMLAB SOMMARIO TORINOFILMLAB bogdan mirică CÂINI Romania, 2016, HD, 104’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Bogdan Mirică fotografia/cinematography Andrei Butică montaggio/film editing Roxana Szel scenografia/ production design Augustina Stanciu costumi/costume design Elena Stoyanova musica/music Codrin Lazăr, Sorin Romanescu suono/sound Sam Cohen, Sebastian Zsemlye interpreti e personaggi/ cast and characters Dragos Bucur (Roman), Gheorghe Visu (Hogas), Vlad Ivanov (Samir), Costel Cascaval (Pila), Constantin Cojocaru (Nea Epure), Raluca Aprodu (Ilinca), Catalin Paraschiv (agente/agent Ana), Emilian Oprea (Sebi Voicu), Valeri Yordanov (Leonid), Ela Ionescu (Mara) produttori/producers Elie Meirovitz, Marcela Ursu produzione/production EZ Films, 42 Km Film, Argo Film coproduttori/coproducers Stephan Komandarev, Katya Trichkova ** contatti/contacts Bac Films Franka Schwabe [email protected] www.bacfilms.fr 203 SOMMARIO © IULIA WEISS DOGS Erede di un vasto appezzamento di terreno al confine fra la Romania e l’Ucraina, Roman fa visita alla sua nuova proprietà. L’intenzione sarebbe quella di vendere, ma Hogas, il poliziotto del luogo, svela a Roman che suo nonno era un boss e che il controllo dei suoi affari è ora nelle mani del pericoloso Samir. Il progetto di Roman va quindi a scontrarsi con i piani di Samir e l’incolpevole ragazzo di città diventa il testimone di una faida eterna fra malavita locale e forze dell’ordine. «Il film parla della natura umana. Certo, molti film lo fanno, ma nei miei personaggi c’è qualcosa di speciale: sono consapevoli che la loro natura è profondamente corrotta, e che non possono farci nulla. A volte nella vita si sa di aver scelto la strada sbagliata eppure non si cambia. Ed è quello che succede in Dogs. Probabilmente perché questa contraddizione è insita nei personaggi ed è fuori dal loro controllo. Dogs parla di tre uomini che, contro tutte le apparenze, sono in realtà molto simili. Non combattono solamente l’uno contro l’altro; in verità lottano soprattutto contro se stessi». ** After inheriting a vast stretch of land on the border between Romania and Ukraine, Roman goes to visit his new property. His plan is to sell the land but Hogas, the neighborhood policeman, reveals to Roman that his grandfather was a local boss and that control of the business is now in the hands of a dangerous man, Samir. Thus, Roman’s project clashes with Samir’s plans and the guiltless city boy becomes a witness to an endless feud between local gangsters and the police. “The film is about human nature. Granted – many films are. But there’s something special about the characters of Dogs – they’re aware that their nature is profoundly corrupted but they just can’t help it. Sometimes in life you’re aware that you’ve chosen the wrong path and yet you stay the course. That’s what happens to my characters. It’s probably because this contradiction is inherent to them and it’s beyond their control. […] Dogs is about three men who against all odds are very similar. They don’t just fight each other. Actually, they mostly struggle with themselves.” TORINOFILMLAB Bogdan Mirică (Romania, 1978) fino al 2005 ha lavorato come editore, copywriter e scrittore, salvo poi assecondare la passione per il cinema e iscriversi alla Westminster University di Londra, dove si è diplomato in sceneggiatura. Dopo la laurea è tornato in Romania, dove ha lavorato come sceneggiatore. Nel 2011 ha scritto e diretto il suo primo cortometraggio, Bora Bora, presentato in numerosi festival, tra cui Locarno, Varsavia e Salonicco. Nel 2014, il progetto di Dogs è stato selezionato dalla Cinéfondation di Cannes e Mirică ha vinto una borsa di studio presso la Fondazione Gan per il cinema. Dogs è stato poi presentato quest’anno al Festival di Cannes, nella sezione Un certain regard. Bogdan Mirică (Romania, 1978) until 2005 was a publisher, an advertising writer and a novelist, but he was so passionate about film that he attended Westminster University in London where he majored in screenwriting. After he graduated, he came back to Romania where he worked as a screenwriter. In 2011, Bogdan wrote and directed his first short film Bora Bora, picked by several festivals, including Locarno, Warsaw and Thessaloniki. In 2014, his feature film project Dogs was selected for the Cannes Cinéfondation Workshop and he won a grant from the Gan Foundation for Film. Dogs was then selected at Cannes Film Festival, in Un certain regard section. filmografia/filmography Bora Bora (cm, 2011), Câini (Dogs, 2016). TORINOFILMLAB axel koenzen DEADWEIGHT Germania-Finlandia/Germany-Finland, 2016, HD, 88’, col. Axel Koenzen (Hilden, Germania, 1972) ha studiato fotografia presso il Centro internazionale della fotografia di New York e lavorato come fotografo freelance e visual researcher per case di produzione come la R.S.A. e la Columbia Tristar a Los Angeles. Ha compiuto gli studi di cinema presso la Deutsche Film-und Fernsehakademie, la scuola di cinema e televisione di Berlino, dove ha realizzato i cortometraggi Waxandwane e Firn, quest’ultimo presentato alla Cinéfondation di Cannes. DEADWEIGHT regia/director Axel Koenzen soggetto/story Axel Koenzen, Dirk Praller sceneggiatura/screenplay Axel Koenzen, Horst Markgraf, Boris Doran fotografia/cinematography Alexander Gheorghiu montaggio/film editing Benjamin Mirguet scenografia/ production design Diana Van de Vossenberg costumi/costume design Chiara Minchio, Michael Kleine suono/sound Markus Krohn, Johannes Schmelzer-Ziringer interpreti e personaggi/ cast and characters Tommi Korpela (Ahti Ikonen), Ema Muntean (Katia Martinescu), Archie Alemania (Chelito Sumulong), Manuelito Acido (James Agpalo), Frank Lammers (Eric van de Gejn), Loes Luca (la cameriera del bar/ waitress in the bar), Teun Kuilboer (il portuale al bar/ docker in the bar), Jeanne Balibar (Françoise Kettler) produttori/producers Benny Drechsel, Karsten Stöter produzione/production Rohfilm coproduttori/coproducers Mark Lwoff, Misha Jaari coproduzione/coproduction Bufo, Wdr, Arte ** contatti/contacts Rohfilm Benny Drechsel [email protected] www.rohfilm.de 204 SOMMARIO Ahti Ikonen è un capitano al culmine della carriera. Sta entrando nel porto di Savanna al comando della Brugge, una nave container di 35.000 tonnellate. La necessità di caricare in fretta il gigante del mare provoca però un incidente che costa la vita a un uomo. Il viaggio prosegue, ma l’equilibrio a bordo è compromesso e Ahti si trova costretto a fare i conti con il proprio senso di colpa. Una situazione che esplode quando la Brugge arriva a Rotterdam e i portuali sindacalizzati si rifiutano di scaricarla, usando l’incidente come pretesto per la loro lotta. «Mio zio è stato un capitano e poi pilota ad Amburgo, e io salivo spesso a bordo con lui. Da bambino pensavo fosse la persona più libera che conoscevo, perché navigava per tutto il mondo. Poi, quando ho fatto le ricerche per il film, ho scoperto che quel tipo di libertà non era esattamente come pensavo. Il mare è il regno dell’illusione, e in realtà l’infinito appare minaccioso. [...] Fin dall’inizio sapevo di voler girare su una vera nave e che quello sarebbe stato il solo modo di rendere ciò che ciascuno prova a bordo». ** Ahti Ikonen is a captain at the highpoint of his career. He is entering the port of Savanna at the helm of the Brugge, a 35,000-ton container ship. But the need to load the gigantic ship in a hurry causes a mortal accident. The journey continues but the equilibrium onboard is compromised and Ahti is forced to come to terms with his feelings of guilt. The situation explodes when the Brugge arrives in Rotterdam and the unionized dock workers refuse to unload the ship, using the accident as a pretext in their struggle. “My uncle was a captain and later a pilot in Hamburg. I often went on board with him. As a child, I thought: this is the freest person I know; he sails around the whole world. In the course of researching for the film, it turned out that this freedom on board is not what it’s cracked up to be. The sea is a realm of illusion. In reality, endlessness seems threatening. […] It was clear to me from the start that I wanted to shoot on a real ship and that that would be the only way to convey what it feels like on board.” TORINOFILMLAB Axel Koenzen (Hilden, Germany, 1972) studied photography at the International Center of Photography in New York and worked as a freelance photographer and visual researcher for companies such as R.S.A. and Columbia Tristar Los Angeles. He studied at the German Film and Television School Berlin (DFFB), where he directed several short films including Waxandwane and Firn, premiered at the Cinéfondation in Cannes. filmografia/filmography Waxandwane (cm, 1999), Firn (cm, 2006), Drang (mm, doc., 2009), Deadweight (2016). TORINOFILMLAB jihane chouaib GO HOME Francia-Svizzera-Belgio-Libano/ France-Switzerland-Belgium-Lebanon, 2016, HD, 98’, col. GO HOME regia, sceneggiatura/ director, screenplay Jihane Chouaib fotografia/cinematography Tommaso Fiorilli montaggio/film editing Ludo Troch scenografia/ production design Zeina Saab De Melero costumi/costume design Béatrice Harb musica/music Béatrice Wick, Bachar Mar Khalife suono/sound Henri Maïkoff, Béatrice Wick, Aline Gravoy, Emmanuel Croset interpreti e personaggi/ cast and characters Golshifteh Farahani (Nada), Maximilien Seweryn (Sam), François Nour (Jalal), Mireille Maalouf (la zia Nour/aunt Nour), Julia Kassar (Colette), Mohamad Akil (Costa) produttore/producer Nathalie Trafford produzione/production Paraíso Production Diffusion coproduttori/coproducers Samir, Marie Besson coproduzione/coproduction Dschoint Ventschr, Eklektik Productions ** contatti/contacts Wide Matthias Angoulvant [email protected] www.widemanagement.com 205 SOMMARIO Quando torna a casa, in Libano, Nada si sente fuori posto, una straniera. Se n’era andata per sfuggire alla guerra civile e ora che è tornata tutto le appare cambiato, non più familiare. C’è un unico luogo dove si sente a casa: un edificio abbandonato, con le pareti che cadono a pezzi, dove avverte la presenza del nonno, scomparso misteriosamente durante la guerra. Tra quelle mura è accaduto qualcosa, si è consumata una violenza e Nada vuole saperne di più, e per questo metterà in gioco tutta se stessa. «Quando sei un migrante ti senti spesso dire: “Torna a casa tua”, “Torna da dove sei venuto”. E un giorno torni davvero nel tuo Paese, e ti senti ripetere la stessa cosa: “Tu non fai più parte di questo posto”. Perché nel frattempo sei cambiato, e anche il tuo Paese l’ha fatto. Cosa significa, dunque, oggi, la parola “casa”? Esiste un modo nuovo per definirla? Cosa significa appartenere a un luogo in un’epoca di continua migrazione?» ** When Nada returns home to Lebanon, she feels out of place, a stranger. She had left to escape the civil war and now that she has returned everything seems changed and unfamiliar. There is only one place where she feels at home: an abandoned building whose walls are falling down, where she can sense the presence of her grandfather, who disappeared mysteriously during the war. Something happened between those walls, violence was committed; Nada wants to find out more and puts herself on the line. “‘Go home’ is something you get told a lot when you are an emigrant. ‘Go home, go back to where you come from.’ And one day you go back to your home country, and you hear ‘go home’ again. ‘You’re not from there anymore.’ Because you have changed, and because the country has changed. What is ‘home’ today? Is there a new way to define it? What does it mean to belong, in a time of constant migration?” TORINOFILMLAB Jihane Chouaib (Beirut, Libano, 1976) ha trascorso l’infanzia in Messico, dove la sua famiglia si era stabilita in fuga dalla guerra civile. Durante l’adolescenza ha vissuto in Francia, dove ha studiato filosofia e ha scoperto il teatro. Ha sviluppato fin da subito un forte interesse per la scrittura, e ha quindi lavorato come sceneggiatrice. Nel frattempo, ha diretto diversi corti e mediometraggi in Francia, tra cui Sous mon lit, presentato alla Semaine de la critique di Cannes nel 2005. Nel 2012 ha poi realizzato il documentario Pays rêvé, girato nel suo Libano. Jihane Chouaib (Beirut, Lebanon, 1976) spent her childhood in Mexico, where her family settled fleeing the civil war. During her teenage years, she traveled to France where she studied philosophy and discovered theater. She immediately developed a strong relationship to writing, and worked as a screenwriter. Meanwhile, she directed several short and medium length films shot in France, including the highly acclaimed Sous mon lit, presented at the Critic’s Week during the Cannes Film Festival, in 2005. She directed in 2012 the feature documentary Pays rêvé, shot in Lebanon. filmografia/filmography Otto ou des confitures (mm, 2000), Sous mon lit (mm, 2005), Cyprine (ep. Dru, cm, 2009), Pays rêvé (doc., 2012), Go Home (2016). TORINOFILMLAB ralitza petrova BEZBOG Bulgaria-Danimarca-Francia/ Bulgaria-Denmark-France, 2016, HD, 99’, col. GODLESS regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Ralitza Petrova fotografia/cinematography Krum Rodriguez, Chayse Irvin montaggio/film editing Donka Ivanova, Ralitza Petrova scenografia/ production design Vanina Geleva suono/sound Momchil Bozhkov interpreti e personaggi/ cast and characters Irena Ivanova (Gana), Ivan Nalbantov (Yoan), Ventzislav Konstantinov (Aleko), Alexandr Triffonov (Pavel), Dimitar Petkov (il giudice/judge) produttore/producer Rossitsa Valkanova produzione/production Klas Film, Snowglobe, Alcatraz Films, Film Factory coproduttori/coproducers Eva Jakobsen, Katrin Pors, Mikkel Jersin, Laurence Clerc, Olivier Thery Lapiney, Philippe Akoka ** contatti/contacts Heretic Ioanna Stais [email protected] www.heretic.gr Gana vive in una remota città in Bulgaria, dove lavora come infermiera seguendo anziani pazienti a domicilio. Approfittando della situazione, ne rivende le carte d’identità al mercato nero. A casa si prende cura della madre disoccupata, con cui parla a stento, e manda avanti stancamente la relazione con un meccanico, al quale è legata dalla dipendenza da morfina che li accomuna. Nulla sembra scuotere la coscienza della donna, finché un sentimento di empatia, fino ad allora sconosciuto, la avvicina all’anziano Yoan, di cui si prende cura e che ha già truffato. «Il film è stato realizzato in modo da trasmettere la crudezza e l’autenticità della vita reale. Gran parte del cast è composto da attori non professionisti, la cui vita è simile a quella dei personaggi. Le vicende dell’infermiera, frutto di pura invenzione, si mescolano al fatto che, nella realtà, questa persona si prende davvero cura dei pazienti. In questo modo sono riuscita a esplorare sia la mentalità rassegnata delle vecchie generazioni, sia i valori deformati di quelle nuove». ** Gana lives in a remote city in Bulgaria, where she works as a nurse giving home care to patients. She takes advantage of this situation and sells her patients’ ID cards on the black market. At home, she takes care of her unemployed mother, with whom she barely speaks, and has a tired relationship with a car mechanic, with whom she shares a morphine addiction. Nothing seems to shake the woman’s conscience, until a feeling of empathy, which until then she had never experienced, brings her close to the elderly man Yoan, who she takes care of and who she has already swindled. “The film was designed to carry the rawness and authenticity of real life. Most of the cast are non-actors, whose life is close to that of the characters. The fictional narrative of the nurse was fused with the reality of looking after actual patients. This was a way to explore both the deluded mentality of the past generation, and the skewed values of the present one.” 206 SOMMARIO TORINOFILMLAB Ralitza Petrova (Sofia, Bulgaria, 1976) vive e lavora tra la Francia, il Regno Unito e la Bulgaria. Si è formata in Inghilterra, dove ha studiato prima belle arti e poi regia presso la National Film and Television School. Ha esordito nel 2007 con il cortometraggio Rotten Apples, vincitore del Prix Uip Berlin alla Berlinale. Regista e sceneggiatrice, Petrova ha poi diretto Above Us Only Sky (2008) e By the Grace of God (2009), con cui ha partecipato al Festival di Cannes. Godless (2016), suo primo lungometraggio, ha vinto il Pardo d’oro all’ultima edizione del Festival di Locarno, oltre al premio della giuria ecumenica, al Boccalino e al premio per la migliore attrice. Ralitza Petrova (Sofia, Bulgary, 1976) lives and works in France, the UK and Bulgaria. She studied at England’s National Film and Television School. She debuted in 2007 with the short Rotten Apple, which won the Prix UIP Berlin at the Berlin Film Festival. A director and screenwriter, Petrova next directed Above Us Only Sky (2008) and By the Grace of God (2009), with which she participated at the Cannes Film Festival. Godless (2016), her first feature film, won the Golden Leopard at this year’s Locarno Film Festival, as well as the Prize of the Ecumenical Jury, the Boccalino Award and Best Actress Award. filmografia/filmography Rotten Apples (cm, 2007), Above Us Only Sky (cm, 2008), By the Grace of God (cm, 2009), Bezbog (Godless, 2016). TORINOFILMLAB paloma aguilera valdebenito OUT OF LOVE Paesi Bassi/The Netherlands, 2016, HD, 101’, col. OUT OF LOVE regia, sceneggiatura/ director, screenplay Paloma Aguilera Valdebenito fotografia/cinematography Jasper Wolf montaggio/film editing Saskia Kievits scenografia/ production design Sanne van der Hoeven suono/sound Michel Schöpping interpreti e personaggi/ cast and characters Danil Vorobyev (Nikolai), Naomi Velissariou (Varya) produttori/producers Frans van Gestel, Arnold Heslenfeld, Laurette Schillings produzione/production Topkapi Films coproduzione/coproduction Ntr ** contatti/contacts Reel Suspects Alberto Alvarez Aguilera [email protected] www.reelsuspects.com Quello che vivono Nikolai e Varya è vero amore. Ma il sentimento può essere così semplice da non contenere odio, desiderio di vendetta, una certa soddisfazione nell’alimentare le paure e i bisogni dell’altro, e al tempo stesso nutrirsi di affetto, piacere nel trascorrere tempo insieme, intimità? Se è possibile, di certo non lo è per loro, che vivono una relazione in bilico tra felicità e disperazione. «Dove finisce un rapporto “sano” e dove ne inizia uno distruttivo? Dove è possibile tracciare la linea di demarcazione? Con Out of Love ho cercato di indagare la complessità dell’intimità e la possibilità di violenza che esiste all’interno di una relazione amorosa. Ho voluto rappresentare la passione, l’euforia e l’affinità spirituale, ma anche la minaccia connessa all’esporsi a livello emotivo – l’incertezza, la paura, la vergogna – e la lotta tra autonomia e dipendenza. Il comportamento contradditorio, spesso illogico, delle persone nella loro condizione di massima vulnerabilità è qualcosa che mi ha sempre affascinato». ** Nikolai and Varya are truly in love. But can this feeling be so simple that it doesn’t also contain hate, a desire for revenge, a certain satisfaction in stoking the fears and needs of the other, while, at the same time, it also nourishes itself with affection, pleasure in spending time together, intimacy? Maybe, but not for them, because their relationship wavers between happiness and desperation. “Where does a ‘healthy’ relationship end and where does a destructive one begin? Just where do we draw the line? With Out of Love, I want to investigate the complexity of intimacy and the possibility of violence within a romantic relationship. Depicting the passion, euphoria and the spiritual affinity, but also the threat affiliated with the emotional exposure – the uncertainty, fear, shame – and the struggle between autonomy and dependency. The contradicting, often illogical, behaviour of human beings in their most vulnerable state of being is something that has always fascinated me.” 207 SOMMARIO TORINOFILMLAB Paloma Aguilera Valdebenito (Amsterdam, Paesi Bassi, 1982) si è trasferita a Parigi a diciotto anni per frequentare la scuola di recitazione Acting International, dove si poi è diplomata. Nel 2005 è tornata ad Amsterdam per studiare alla Netherlands Film Academy. Si è laureata come sceneggiatrice e regista con il cortometraggio Stay, Away, che è stato premiato in numerosi festival internazionali e ha ottenuto la nomination per il miglior cortometraggio europeo agli European Film Awards del 2010. Nel 2011 ha scritto e diretto Entre Nosotros, vincitore al Festival Fipa di Biarritz, e nominato come miglior opera prima al Netherlands Film Festival. Nel 2012 ha frequentato il laboratorio di scrittura Binger con il progetto di Out of Love, suo primo lungometraggio. Paloma Aguilera Valdebenito (Amsterdam, The Netherlands, 1982) moved to Paris at the age of eighteen to attend the drama school Acting International where she graduates as an actress a few years later. In 2005 she returned to Amsterdam to study at the Netherlands Film Academy. She graduated as a writer/director with the short film Stay, Away which received several awards at international film festivals and got nominated for Best European Short at the European Film Awards 2010. In 2011 she wrote and directed Entre Nosotros which won the FIPA International Film Festival in Biarritz and got nominated for the Best Debut Award at the Netherlands Film Festival. In 2012 she attended the Binger writers lab with her first feature film project Out of Love. filmografia/filmography Blijf bij me, weg (Stay, Away, cm, 2010), Entre Nosotros (mm, 2011), Out of Love (2016). TORINOFILMLAB anu aun POLAARPOISS Estonia, 2016, HD, 97’, col. THE POLAR BOY regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Anu Aun fotografia/cinematography Heiko Sikka montaggio/film editing Margo Siimon scenografia/ production design Jaagup Roomet costumi/costume design Kristina Lõuk musica/music Sten Šeripov suono/sound Horret Kuus interpreti/cast Roland Laos, Jaanika Arum, Katariina Unt, Jörgen Liik, Kaspar Velberg, Rein Oja, Andrus Vaarik, Ülle Kaljuste, Mirtel Pohla, Henrik Kalmet, Jaan Rekkor, Indrek Sammul, Ene Järvis, Ivo Uukkivi produttors/producers Priit Pääsuke, Kaspar Kaljas produzione/production Luxfilm ** contatti/contacts Luxfilm Priit Pääsuke [email protected] www.luxfilm.ee Mattias ha un sogno e sta per realizzarlo: diventare uno studente di fotografia alla Berlin Arts Academy. L’incontro con Hanna, però, sconvolge i suoi piani. Pur di dimostrare alla fidanzata, di cui è innamoratissimo, di essere un tipo avventuroso e imprevedibile, Mattias comincia a comportarsi in modo avventato, spesso infrangendo la legge. Ciò che ancora non sa è che la ragazza è affetta da disturbo bipolare. Ma lo scoprirà presto. E quando, in un momento di gelosia, commette un crimine che potrebbe portarlo dietro le sbarre, Mattias decide di fingersi anch’egli ammalato di bipolarismo e così evitare la condanna. «Questo film parla del bipolarismo come malattia della società moderna, un luogo dove le persone sentono continuamente il bisogno di essere qualcun altro, qualcuno di migliore secondo una scala di valori contorta. Parla anche, però, delle paure e dei pericoli che nascono dal non sentirsi all’altezza delle proprie aspettative». ** Mattias has a dream and it’s about to come true: to become a student of photography at the Berlin Arts Academy. But when he meets Hanna, his plans are disrupted. To show his beloved girlfriend that he is an adventuresome and unpredictable type, Mattias begins to behave recklessly, and often breaks the law. What he doesn’t know yet, though, is that his girlfriend is bipolar. But he’s about to find out. And when, in a moment of jealousy, he commits a crime that could put him behind bars, Mattias decides to pretend he’s bipolar, too, to avoid a prison sentence. “This film speaks about bipolarity as a disease of modern society, where people constantly seem to feel the need to pretend to be someone else – someone better according to some twisted scale of values – and about the fears and dangers of failing to stand up to their own expectations.” 208 SOMMARIO TORINOFILMLAB Anu Aun (Estonia, 1980) ha studiato regia televisiva e cinematografica e nel 2005 è stata tra i cofondatori della casa di produzione Luxfilm, per la quale attualmente lavora. Ha esordito nel 2003 con il cortometraggio Hourglass Fixer, seguito da Domestic Affairs (2005) e da altri lavori documentari e di finzione con cui ha ottenuto notevoli riscontri nei festival di tutto il mondo. The Polar Boy (2016) rappresenta il suo debutto nel lungometraggio. Attualmente sta lavorando al documentario Walker on Water e al film per bambini Eia’s Christmas at Phantom Owl Farm, le cui uscite sono previste per il 2017 e il 2018. Anu Aun (Estonia, 1980) studied TV and film directing and in 2005 was one of the co-founders of the production company Luxfilm, for which she presently works. She debuted in 2003 with the short Hourglass Fixer, followed by Domestic Affairs (2005) and other documentaries and fiction films which received outstanding recognition at festivals throughout the world. The Polar Boy (2016) is her debut feature film. At present, she is working on the documentary Walker on Water and on the children’s film Eia’s Christmas at Phantom Owl Farm, which should be released in 2017 and 2018. filmografia/filmography Hourglass Fixer (cm, 2003), Domestic Affairs (cm, 2005), Story of Ain Lutsepp (doc., 2006), Indigo Room (cm, 2007), Clayhouse (doc., 2007), Shift (cm, 2010), Forbidden Fruit (doc., 2011), Scout by Heart (doc., 2012), Child of Nature (doc., 2014), Polaarpoiss (The Polar Boy, 2016). TORINOFILMLAB anca miruna lăzărescu DIE REISE MIT VATER Germania-Romania-Ungheria-Svezia/ Germany-Romania-Hungary-Sweden, 2016, HD, 111’, col. THAT TRIP WE TOOK WITH DAD regia, sceneggiatura/ director, screenplay Anca Miruna Lăzărescu fotografia/cinematography Christian Stangassinger montaggio/film editing Dan Olteanu, Hansjörg Weissbrich scenografia/ production design Petra Albert costumi/costume design Györgyi Szakács, Juli Szlávik musica/music Ferenc Darvas suono/sound Tamas Devenyi interpreti e personaggi/ cast and characters Alex Mărgineanu (Mihai), Răvan Enciu (Emil), Ovidiu Schumacher (William), Susanne Bormann (Ulli), Manuel Klein (Hans-Uwe), Marcela Nistor (Neli) produttori/producers David Lindner Leporda, Verona Maier coproduttori/coproducers Cătălin Mitulescu, Andrea Taschler, Daniel Mitulescu, Nándor Lovas, Fredrik Zander, Jessica Ask coproduzione/coproduction Strada Film, Mirage Film Studio, Bayerischer Rundfunk, ARTE, Film Väst, Chimney, BER Film & TV ** contatti/contacts Filmallee David Lindner [email protected] 209 SOMMARIO Arad, Romania, 1968. Nella famiglia rumenotedesca dei Reinholtz ognuno ha i suoi problemi: il padre, quasi del tutto cieco, è depresso e ha già alle spalle un tentativo di suicidio, mentre il diciottenne Emil gioca a fare il ribelle componendo canzoni «scomode» alla chitarra. Dalla morte della madre, tutto ricade sulle spalle del figlio maggiore Mihai, che, ormai esausto, decide di portare il padre nella Repubblica Democratica Tedesca, dove potrà sottoporsi a un intervento chirurgico per riacquistare la vista e, forse, la serenità. È con questo obiettivo che i tre si mettono in viaggio: ma l’incontro con la Primavera di Praga cambierà i loro piani. «Come i carrarmati russi che nel ’68 invasero le strade di Praga, i personaggi del film sono investiti da un evento casuale che ha il potere di cambiare il corso delle loro vite. Sebbene questo sia un racconto d’ambientazione storica, il tema è molto contemporaneo. That Trip We Took with Dad pone una domanda semplice: quanto siamo veramente liberi di scegliere la libertà?» ** Arad, Romania, 1968. In the Romanian-German Reinholtz family, everybody has their own problems: the father, who is almost completely blind, is depressed and has already tried to take his life; eighteen-yearold Emil plays at being a rebel and composes “inconvenient” songs on his guitar. After the mother’s death, it’s all on the shoulders of the eldest son Mihai who, at the end of his tether, decides to take his father to the German Democratic Republic to undergo an operation which will give him back his sight and, perhaps, his serenity. With this objective, the three set off: but their encounter with the Prague Spring will change their plans. “Like the Russian tanks that ran over Prague in 1968, the characters in the film are run over by a random incident with the power to change the course of their entire lives. Even though this is a historical plot, the main theme is very contemporary. That Trip We Took with Dad asks a simple question: how free are we really to choose freedom?” TORINOFILMLAB Anca Miruna Lăzărescu (Timisoara, Romania, 1979) è emigrata in Germania con la famiglia nel 1990 e ha studiato presso l’Accademia di cinema e televisione di Monaco di Baviera, girando diversi documentari e cortometraggi. Il suo film di diploma, Silent River (2011), è stato presentato alla Berlinale Shorts ed è stato proiettato in oltre trecento festival internazionali, vincendo più di ottanta premi e ottenendo una nomination come miglior cortometraggio europeo dalla European Film Academy. Con il precedente documentario One Day Today Will Be Once (2009) ha vinto il Festival di Syracuse e partecipato a numerosi altri festival, tra i quali Rotterdam, Oberhausen, Nyon e Varsavia. È inoltre membro della Film Academy romena ed europea. Anca Miruna Lăzărescu (Timisoara, Romania, 1979) emigrated with her family to Germany in 1990. She studied at the German Academy for Film and Television in Munich and directed several documentary and short films. Her graduation film, Silent River had its premiere in the international competition of the Berlinale Shorts 2011, and was invited to over three hundred international festivals since then, winning more then eigthy awards. It was also nominated for Best European Short 2011 by the European Film Academy. Her documentary film One Day Today Will Be Once (2009) won at the Syracuse Film Festival and was invited to different international festivals, including Rotterdam, Oberhausen, Nyon and Warsaw. She is member of the Romanian and European Film Academy. filmografia/filmography Bucuresti-Berlin (cm, 2004), Salma Beneath Two Skies (cm, doc., 2005), The Secret Of Deva (mm, doc., 20032007), One Day Today Will Be Once (cm, doc., 2009), Apele Tac (Silent River, cm, 2011), Die Reise Mit Vater (That Trip We Took with Dad, 2016). TORINOFILMLAB mehdi hmili THALA MON AMOUR Tunisia-Francia-Italia/Tunisia-France-Italy, 2016, HD, 87’, col. Mehdi Hmili (Tunisi, Tunisia) ha studiato cinema presso la Paris Film School. Ha esordito come regista e sceneggiatore nel 2009 con il cortometraggio X-Moment, a cui sono seguiti Li-La (2011) e The Night of Badr (2012), entrambi dedicati ai temi dell’esilio e dell’amore. Thala mon amour (2016) è il suo primo lungometraggio. Poeta conosciuto in patria per le invettive contro il regime di Ben Ali, vive e lavora tra Parigi e Tunisi. THALA MY LOVE regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Mehdi Hmili fotografia/cinematography Jimmy Boutry montaggio/film editing Anas Saadi scenografia/ production design Mohamed Denguezli suono/sound Aymen Toumy interpreti/cast Ghanem Zrelli, Najla Ben Abdallah, Moez «Speedy» Baatour, Fatma Ben Saidane, Mohamed Dahech, Rim Hamrouni produttori/producers Mohamed Ali Ben Hamra, Soumaya Jelassi produzione/production Polimovie International Pictures coproduzione/coproduction Cinefeel Factory ** contatti/contacts Polimovie Mohamed Ali Ben Hamra [email protected] Tunisia, gennaio 2011. Durante la rivolta contro il regime di Ben Ali, il prigioniero politico Mohamed riesce a evadere. In mente ha un piano ben preciso: tornare dall’amata Hourya, che si è sposata con un uomo che non ama, e con lei fuggire in Algeria. Intorno a loro un Paese ormai scivolato nel baratro della guerra civile. «Questo è un film in chiaroscuro. I personaggi, che sembrerebbero aver perso tutto, cercano una ragione per cui vivere nonostante la distruzione in atto. Sono alla continua ricerca delle ragioni per vivere e per amare ancora. Ho provato a combinare scene dall’estetica iperrealistica con sequenze oniriche. Il passaggio da ambientazioni esterne e notturne ad altre immerse in una luce assassina vuole suggerire un’analogia con l’ambivalenza del potere. Ciò appare evidente soprattutto nella grana satura dei colori e nel modo netto con cui si stagliano gli sfondi, così da riflettere la psicologia dei personaggi». ** Tunisia, January 2011. During the revolt against the Ben Ali regime, the political prisoner Mohamed manages to escape. He has a very precise plan in mind: return to his beloved Hourya, who has married a man she doesn’t love, and run away with her to Algeria. Around them, the country has slipped into the depths of civil war. “This film is a chiaroscuro film; the characters who seem to have lost everything, irresistibly look for reasons to live despite the destruction at work. They keep looking for reasons to live and love again, in spite of everything. I tried to combine the hyper-realistic aesthetics of certain scenes with dream sequences. The transition from outside sets, often by night, to others happening under the light of a murderous sun tries to bring up an analogy with the ambivalence with which all powers are confronted. This is obvious through the texture, the grain, the color saturation and the sharpness of the back grounds that primarily reflects the psychology of the characters.” 210 SOMMARIO TORINOFILMLAB Mehdi Hmili (Tunis, Tunisia) studied film at the Paris Film School. He debuted as a director and screenwriter in 2009 with the short X-Moment, which was followed by Li-La (2011) and The Night of Badr (2012), both of which deal with exile and love. Thala mon amour (2016) is his first feature-length film. A well-known poet at home for his tirades against the Ben Ali regime, he lives and works in Paris and Tunis. filmografia/filmography X-Moment (cm, 2009), Li-La (cm, 2011), The Night of Badr (cm, 2012), Thala mon amour (2016). TORINOFILMLAB lina lužytė TOGETHER FOR EVER Lituania-Romania/Lithuania-Romania, 2016, HD, 98’, col. Lina Lužytė (Vilnius, Lituania, 1984) ha studiato regia cinematografica presso la Lithuanian Academy of Music and Theatre, dove si è diplomata nel 2011. Dal 2009 insegna presso la Skalvija Film Academy. Lo stesso anno ha diretto il cortometraggio drammatico It Would Be Splendid, Yet, con cui ha partecipato a più di quindici festival internazionali, ottenendo premi e riconoscimenti. Nel 2011 è passata al documentario con Igrushki. Together For Ever (2016) rappresenta il suo esordio nel lungometraggio. TOGETHER FOR EVER regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Lina Lužytė fotografia/cinematography Oleg Mutu montaggio/film editing Benjamin Mirguet, Lina Lužytė, Stefan Tatu costumi/costume design Kestas Rimdzius musica/music Jonas Jurkunas interpreti e personaggi/ cast and characters Gabija Jaraminaite (la madre/mother), Dainius Gavenonis (il padre/father), Eila Grybinaite (la figlia/daugther), Darius Meskauskas, Rasa Samuolyte, Giedrius Savickas produttore/producer Dagne Vildziunaite produzione/production Just a Moment, Alien Films ** contatti/contacts Just a Moment Maximilien Dejoie [email protected] www.justamoment.lt Una famiglia qualsiasi con una vita ordinaria. A un certo punto, qualcosa si incrina: la figlia preadolescente si trasforma in una bugiarda compulsiva mentre il padre, stanco della routine, comincia a lavorare come stuntman. Per la madre, impotente di fronte al cambiamento, la sensazione è di non essere necessaria né amata. Ma in lei il bisogno di una famiglia normale è tale da spingerla a ricostruire in ogni modo l’equilibrio perduto. «Siccome appartengo alla generazione dei bamboccioni, mi vedo come un’individualista egocentrica e ossessionata dal lavoro, convinta che una relazione debba “dare” piuttosto che “prendere” e che creare una famiglia sia sempre l’ultima scelta possibile, poiché è sconveniente e faticoso. Al tempo stesso, non credo che essere single o scrivere su Facebook che si è impegnati in una “relazione complicata” siano scelte sincere o alla moda, ma piuttosto tentativi di svicolare dall’incapacità di trovare un equilibrio tra l’io e il noi. Inoltre, oggi le persone sono sempre più individualiste, eppure tutti creano una famiglia. Era questo paradosso a interessarmi». ** An ordinary family leading an ordinary life. But at a certain point, something goes awry: the pre-adolescent daughter turns into a compulsive liar while the father, tired of the routine, begins to work as a stuntman. The mother, helpless in the face of this change, feels she is neither necessary nor loved. But her need for a normal family is so strong that she tries to reconstruct the lost equilibrium any way she can. “Now, as I belong to a generation that ‘refuses to grow up,’ I see myself as an egocentric, workaholic individualist expecting that the relationships should give rather than take, and that starting a family is the last destination when there are no other options left because it’s definitely inconvenient and too time-consuming. And at the same time, I doubt that being single or having a ‘complicated relationship’ status on Facebook is anything but hip or a deliberate choice, but rather an escape depicting one’s inability to balance between me and us. Nevertheless, nowadays people are becoming more and more individualistic but the majority end up having a family. And this paradox interests me greatly.” 211 SOMMARIO TORINOFILMLAB Lina Lužytė (Vilnius, Lithuania, 1984) studied film directing at the Lithuanian Academy of Music and Theatre, where she graduated in 2011. She has been teaching at the Skalvija Film Academy since 2009. That same year, she directed the dramatic short film It Would Be Splendid, Yet, with which she participated at over fifteen international festivals, receiving prizes and recognitions. In 2011, she turned to documentaries with Igrushki. Together For Ever (2016) is her debut feature film. filmografia/filmography It Would Be Splendid, Yet (cm, 2009), Igrushki (doc., 2011), Together For Ever (2016). TORINOFILMLAB © P AT R I C K B A Z wissam charaf TOMBÉ DU CIEL Francia-Libano/France-Lebanon, 2016, HD, 70’, col. HEAVEN SENT regia/director Wissam Charaf sceneggiatura/screenplay Wissam Charaf, Mariette Désert fotografia/cinematography Martin Rit montaggio/film editing William Laboury scenografia/ production design Farah Naboulsi musica/music Wissam Charaf suono/sound Emmanuel Zouki interpreti e personaggi/ cast and characters Rodrigue Sleiman (Samir), Raed Yassin (Omar), Said Serhan (Rami), George Melki (il padre/father), Yumna Marwan (Yasmine) produttore/producer Charlotte Vincent produzione/production Aurora Films coproduttore/coproducer Pierre Sarraf coproduzione/coproduction Né à Beyrouth, Tyrian Purple Pictures ** contatti/contacts Pascale Ramonda [email protected] www.pascaleramonda.com Samir, un militare dato per morto da oltre vent’anni, ricompare nella vita di suo fratello minore Omar, che ora lavora come guardia del corpo a Beirut. Tra momenti drammatici e risvolti comici, Samir si dovrà confrontare con il Paese a cui sente di appartenere. «La guerra civile ha segnato la vita della mia generazione. Io sono nato nel 1973 e la guerra è scoppiata nel ’75. I combattimenti hanno lasciato tracce indelebili e durature nella mia infanzia, e oggi è assolutamente normale accorgersi di quanto quel conflitto, che ha fatto più di duecentomila vittime, influenzi l’arte della mia generazione. Non si può uscire indenni da un’esperienza simile. Tombé du ciel non affronta la questione in modo diretto, ma parla in modo non convenzionale di ciò che la guerra ha lasciato; usa la favola e la fantasia e mostra come una tale eredità riesca ancora oggi a condizionare la vita quotidiana in Libano». ** After twenty years of separation, Samir, former alleged militia death reappears in Omar’s life, his little brother became bodyguard in Beirut. Between drama and comedy, Samir must confront a country that belongs to him. “The civil war shaped the lives of my generation. I was born in 1973 and the war broke out in 1975. The fighting left an indelible, long term mark on my childhood and today it’s perfectly natural to see that this conflict, which killed more than two hundred thousand people, pervades the artistic works of my generation. You can’t come out unscathed from such an experience. Tombé du ciel doesn’t tackle the subject head on. It tackles the heritage of the war in an unconventional way using both fable and fantasy, and shows how deeply this heritage influences everyday life in Lebanon today.” Wissam Charaf (Libano, 1973), regista autodidatta francolibanese, vive tra Parigi e Beirut. Dopo aver lavorato in una radio pirata nei tardi anni Ottanta, alla fine della guerra civile libanese, si è trasferito nel 1998 a Parigi dove ha lavorato come cameraman e montatore per Arte. Da allora si è occupato soprattutto di zone di guerra, dal Libano e il Vicino Oriente al Darfur, dall’Afghanistan alla Corea del Nord, oltre a lavorare come assistente alla regia del regista francese di videoclip Henri-Jean Debon. Ha diretto quattro cortometraggi e il documentario It’s All in Lebanon. I suoi film hanno partecipato a diversi festival, come Locarno, Belfort, Clermont-Ferrand, Visions du réel, Cartagine, Rotterdam e Dubai. Tombé du ciel, presentato nella sezione Acid del Festival di Cannes, è il suo primo lungometraggio. Wissam Charaf (Lebanon, 1973), is a Lebanese-French autodidact director based between Paris and Beirut. After working in pirate radio at the end of the Lebanese civil war in the late 1980s, he left for Paris in 1998. There he worked as a cameraman and editor for ARTE. He has since covered major conflict areas ranging from Lebanon and the Near East to Darfour, Afghanistan, or North Korea. During that period, he also worked as an assistant director on music videos with French director Henri-Jean Debon. He has directed four short films and the feature documentary It’s All in Lebanon. These films have participated in festivals such as Locarno, Belfort, Clermont-Ferrand, Visions du réel, Carthage, Rotterdam, Dubai and many more. Tombé du ciel, premiering in 2016 Cannes Film Festival’s Acid selection, is his first feature film. filmografia/filmography Hizz ya wizz (cm, 2004), A Hero Never Dies (cm, 2006), L’armée des fourmis (cm, 2007), It’s All in Lebanon (doc., 2012), Après (cm, 2016), Tombé du ciel (2016). 212 SOMMARIO TORINOFILMLAB © J O A O L U I Z D A S I LVA J R TORINOFILMLAB pablo lamar LA ÚLTIMA TIERRA Paraguay-Paesi Bassi-Cile-Qatar/ Paraguay-The Netherlands-Chile-Qatar, 2016, HD, 77’, col. THE LAST LAND regia, sceneggiatura, suono/director, screenplay, sound Pablo Lamar fotografia/cinematography Paolo Girón montaggio/film editing Felipe Gálvez scenografia/ production design Carlo Spatuzza interpreti/cast Ramón del Río, Vera Valdez Barreto produttori/producers Pablo Lamar, Ilse Hughan, Wiebke Toppel produzione/production Sapukai Cine, Fortuna Films coproduttore/coproducer Dominga Sotomayor coproduzione/coproduction Cinestación ** contatti/contacts Fortuna Films Ilse Hughan [email protected] www.fortunafilms.co Una collina, una casa isolata, una coppia che vi abita da anni. L’uomo e la donna sono uniti da un rapporto esclusivo, intorno a loro solo la natura. Così, è ancora più difficile lasciare che la persona amata si spenga. Gli ultimi giorni di vita della donna sono per il marito un incessante prendersi cura di lei; e dopo la morte sopraggiunge la difficoltà di accettare la perdita. Nei gesti che compie nei confronti del corpo amato, l’uomo ritrova però il senso di una vita passata insieme e tutto ciò che di sé è rimasto. «La última tierra è un film sugli echi della morte che risuonano durante la vita. Ho voluto rappresentare lo stato d’animo del protagonista quando si confronta con la perdita della sua compagna. Lasciando andare il passato, l’uomo comincia a riconoscere se stesso senza di lei. Lo spettatore è al suo fianco, mentre lui si trova imprigionato in una percezione dilatata del tempo. Riflettendo la presenza dell’ambiente circostante, il film diventa una sorta di rituale intimo». ** A hill, an isolated house, a couple who have been living there for years. The man and the woman live an exclusive relationship, surrounded by nature. Thus, it is even harder to let the beloved person pass away. For the husband, the woman’s last days of life mean ceaseless care giving; and after her death, the difficulty of accepting his loss. But as the man takes care of the beloved body, he finds once more the meaning of a life lived together and what remains of himself. “La última tierra is a film about the echoes of death resonating within life. I wanted to portray the mood of the main character as he experiences the loss of his companion. Through this process of letting go, he begins to recognize himself without her. We accompany him as he is impacted by a heightened perception of time. Reflecting the presence of everything that surrounds him, the film takes on the tone of an intimate ritual.” 213 SOMMARIO TORINOFILMLAB Pablo Lamar (Asunción, Paraguay, 1984) ha studiato all’Università del cinema di Buenos Aires. Ha scritto e diretto i cortometraggi I Hear Your Scream (2008) e Noche adentro (2009), entrambi presentati in anteprima alla Semaine de la critique di Cannes; il primo è stato inoltre proiettato al Torino Film Festival. Il suo esordio nel lungometraggio, La última tierra, ha partecipato in fase di progetto al Taller de análisis de proyectos cinematográficos della TyPA Fundación (Argentina), al Rotterdam Lab (Paesi Bassi) e al programma Framework del TorinoFilmLab. Ha inoltre ricevuto una sovvenzione dal fondo Hubert Bals del Festival di Rotterdam per lo sviluppo della sceneggiatura e vinto i premi Cinecolor e Arte France Cinema del Buenos Aires Lab del Festival di Buenos Aires. Pablo Lamar (Asunción, Paraguay, 1984) studied film at the Universidad del cine in Buenos Aires, Argentina. He has written and directed the short films I Hear Your Scream and Night Inside, both of which premiered at the Semaine de la critique of the Festival de Cannes. Last Land, his first feature film, participated as project in the Taller de análisis de proyectos cinematográficos of the TyPA Fundación (Argentina), Rotterdam Lab (The Netherlands) and TorinoFilmLab, section Framework (Italy). It also received a grant from IFFR’s Hubert Bals Fund for script development and was awarded the Cinecolor and ARTE France Cinema prizes at the Buenos Aires Lab (BAL) of BAFICI, the Buenos Aires International Film Festival. filmografia/filmography Ahendu nde sapukai (I Hear Your Scream, cm, 2008), Noche adentro (cm, 2009), La última tierra (2016). Artificial Intelligence: AI (2001) SOMMARIO C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A CHRIS MARKER LA JETÉE | JEAN-LUC GODARD IL NUOVO MONDO | JINDŘICH POLÁK IKARIE XB 1 - VOYAGE TO THE END OF THE UNIVERSE | JEAN-LUC GODARD ANTICIPATION, OU L’AMOUR EN L’AN 2000 | WILLIAM KLEIN MR FREEDOM | JIM MCBRIDE GLEN AND RANDA | WOODY ALLEN SLEEPER | L.Q. JONES A BOY AND HIS DOG | NORMAN JEWISON ROLLERBALL | BRYAN FORBES THE STEPFORD WIVES | DONALD CAMMELL DEMON SEED | BERTRAND TAVERNIER LA MORT EN DIRECT | LUC BESSON LE DERNIER COMBAT | MICHAEL RADFORD 1984 | ÁLEX DE LA IGLESIA ACCIÓN MUTANTE | GABRIELE SALVATORES NIRVANA | DON MCKELLAR LAST NIGHT | KINJI FUKASAKU BATORU ROWAIARU - BATTLE ROYALE | STEVEN SPIELBERG ARTIFICIAL INTELLIGENCE: AI SOMMARIO C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A Cose che verranno. La terra vista dal cinema Accadde ieri DI EMANUELA MARTINI La Jetée (1962) Titolo e sottotitolo evocativi: «Cose che verranno», cioè la traduzione letterale di Things to Come (in italiano, La vita futura o il più catastrofico Nel 2000: guerra o pace?), che H.G. Wells adattò dal suo libro The Shape of Things to Come, nel quale ipotizzava cosa sarebbe avvenuto in una città immaginaria dopo lo scoppio della seconda guerra mondiale. E «La Terra vista dal cinema», che ovviamente fa risuonare Le voyage dans la lune di Méliès e il romanzo di Verne Dalla Terra alla Luna al quale si ispira (e sotterraneamente La Terra vista dalla Luna di Pier Paolo Pasolini, surreale, straccione futuro-presente): perciò, visioni futuribili, più o meno ironiche, più o meno fantasiose, più o meno scientifiche, dove il cinema diventa il cannocchiale che, con la sua distanza ravvicinata, può consentirci di ipotizzare quello che accadrà a due passi o a due secoli da noi. Ma c’è un terzo titolo, che è passato direttamente al libro che accompagna questa retrospettiva: Pecore elettriche, che dovrebbe essere letto: «Ma gli umani sognano pecore elettriche?» Ovvia parafrasi del titolo originale del racconto di Philip K. Dick dal quale Ridley Scott trasse nel 1982 Blade Runner: Ma gli androidi sognano pecore elettriche? Non so cosa sognino gli androidi (o automi o replicanti o robot o cyborg o…), ma sono abbastanza convinta che gli uomini oggi sognino davvero le pecore elettriche; anzi, che abbiano (abbiamo) cominciato a sognarle molto tempo fa, sotto forma di macchine di varia specie e natura e poi di Doppleganger fatti di carne e plastica e circuiti 216 SOMMARIO C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A e di avatar virtuali. Sogniamo quello che non siamo; viviamo quello che non viviamo. In questo secondo anno abbiamo tracciato un nuovo percorso attraverso previsioni che si sono talvolta realizzate e che non hanno perduto di attualità. Dalle sconsolate considerazioni sull’amore e la perdita dei sentimenti dei cortometraggi di Jean-Luc Godard al doloroso ammonimento di Bertrand Tavernier sulle possibili derive degli spettacoli televisivi; dal viaggio nel 1984 immaginato da George Orwell a quello nella memoria e nel tempo del capolavoro di Chris Marker; dalle metropoli in frenetica attesa della fine del mondo (Toronto in Last Night di Don McKellar) ai mondi desertificati e in rovina post-fine del mondo (Glen and Randa di Jim McBride, Le dernier combat di Luc Besson); dai giochi mortali di Rollerball (l’originale di Norman Jewison) e Battle Royale di Kinji Fukasako ai «giocattoli» che hanno acquistato coscienza e non ne vogliono sapere di scomparire di Spielberg e Salvatores. Ci sono film rari (il cecoslovacco Ikarie XB1 di Jindřich Polák), film sconosciuti diventati piccoli cult (Un ragazzo, un cane, due inseparabili amici di L.Q. Jones), satire frenetiche e anarcoidi (Mr Freedom di William Klein, Il dormiglione di Woody Allen, Azione mutante di Álex de la Iglesia), film da rivalutare nella drammatica attualità della loro narrazione, come Generazione Proteus di Donald Cammell (un computer che vuole un erede da una donna) e La fabbrica delle mogli di Bryan Forbes (benestanti mariti suburbani che preferiscono mogli robot a quelle in carne e ossa). Buon viaggio nel futuro in cui viviamo. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A Things to come. The Earth as seen by cinema It happened yesterday BY EMANUELA MARTINI 1984 (1984) The title and subtitle are evocative: Things to Come, which H.G. Wells adapted from his book The Shape of Things to Come, in which he hypothesized what might happen in an imaginary city after the outbreak of the Second World War. And “The Earth as seen by cinema,” which obviously nods to Le voyage dans la lune by Méliès and the Jules Verne novel From the Earth to the Moon which inspired it (and, covertly, The Earth As Seen from the Moon by Pier Paolo Pasolini, surreal, a future-present tatterdemalion). And thus, future visions, ironical to varying degrees, imaginative to varying degrees, scientific to varying degrees, where cinema becomes the telescope which brings distances closer and allows us to hypothesize what will happen two steps or two centuries from now. But there is also a third title, which passed directly to the volume which accompanies this retrospective: Electric Sheep, which should be read as: “Do humans dream of electric sheep?” This obviously paraphrases the original title of the short story by Philip K. Dick, Do Androids Dream of Electric Sheep?, on which Ridley Scott based his 1982 movie Blade Runner. I don’t know what androids (or robots or replicants or cyborgs or…) dream about, but I’m fairly convinced that humans really do dream about electric sheep. In fact, we started dreaming about them a long time ago, in the shape of various species and types of machines, and then as Doppelgänger made of flesh and plastic and circuits, and as virtual avatars. We dream about what we aren’t; we live what we cannot live. 217 SOMMARIO C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A This second year, we have traced a new pathway using predictions which sometimes came true and which haven’t lost their topicality. From the dispirited considerations on love and the loss of feelings in the short films by Jean-Luc Godard, to Bertrand Tavernier’s pained warning against the possible drift of television shows; from the journey to 1984 imagined by George Orwell, to the memory and time travel in Chris Marker’s masterpiece; from metropolises frenetically awaiting the end of the world (Toronto in Last Night by Don McKellar), to post-apocalyptic worlds threatened by desertification (Glen and Randa by JimMcBride, Le dernier combat by Luc Besson); from the deadly games in Rollerball (the original version by Norman Jewison) and Battle Royale by Kinji Fukasako, to Spielberg and Salvatores’ “toys” which become sentient and have no intention of going away. There are rare films (the Czechoslovakian Voyage to the End of the Universe by Jindřich Polák), unfamiliar films which have become small cult hits (A Boy and His Dog by L.Q. Jones), hectic and anarchic satires (Mr Freedom by William Klein, Sleeper by Woody Allen, Acción mutante by Álex de la Iglesia); films to be re-evaluated in view of how up-to-date their stories are, such as Demon Seed by Donald Cammell (a computer wants a woman to bear its child) and The Stepford Wives by Bryan Forbes (well-off suburban husbands prefer robot wives to flesh-and-blood ones). Have a pleasant journey into the future that’s already here. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A chris marker LA JETÉE Francia/France, 1962, 35mm, 28’, bn/bw regia, sceneggiatura/ director, screenplay Chris Marker fotografia/cinematography Jean Chiabaut, Chris Marker montaggio/film editing Jean Ravel suono/sound Antoine Bonfanti interpreti e personaggi/ cast and characters Jean Négroni (voce/voice), Hélène Chatelain (la donna/woman), Davos Hanich (l’uomo/man), Jacques Ledoux (l’uomo dell’esperimento/ experimenter), André Heinrich, Jacques Branchu, Pierre Joffroy, William Klein produttore/producer Anatole Dauman produzione/production Argos Films IN COLLABORAZIONE CON LA CINETECA NAZIONALE LA JETÉE In un futuro prossimo devastato dalla terza guerra mondiale e contaminato dalle radiazioni, un uomo è sottoposto a esperimenti dagli scienziati che cercano una via di uscita al disastro attraverso il tempo. «Fotoromanzo» teorico e dolente, nel quale i fotogrammi fissi sono accompagnati da una voce narrante, si aprono falle tra i diversi strati temporali e la memoria diventa la vita. Capolavoro che ha ispirato L’esercito delle 12 scimmie di Gilliam. jean-luc godard IL NUOVO MONDO Italia-Francia/Italy-France, 1962, 35mm, 30’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Jean-Luc Godard fotografia/cinematography Jean Rabier montaggio/film editing Agnès Guillemot interpreti e personaggi/ cast and characters Jean-Marc Bory (il marito/husband), Alexandra Stewart (Alexandra), Jean-André Fieschi produttori/producers Alberto Barsanti, Alfredo Bini, Angelo Rizzoli produzione/production Arco Film, Cineriz 218 SOMMARIO IL NUOVO MONDO L’episodio godardiano di Ro.Go.Pa.G. (film collettivo di Rossellini, Godard, Pasolini e Gregoretti) descrive una città-simbolo qualunque (Parigi, in realtà) i cui abitanti, dopo il deflagrare di un’atomica, si ritrovano uguali a prima ma svuotati di sentimenti: voce narrante e riprese dal vero in puro stile nouvelle vague per un apologo di quieta disperazione. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A LA JETÉE In a near future devastated by WWIII and contaminated by radiation, a man is subjected to experiments by scientists in search of a way out of the disaster through time travel. A theoretical and painful “photo story,” in which the still photos are accompanied by a narrator’s voice, chinks appear between different temporal strata, and memory becomes life. A masterpiece which inspired Gilliam’s Twelve Monkeys. filmografia/filmography Olympia 52 (1952), Les statues meurent aussi (coregia/codirector Alain Resnais, cm, doc., 1953), Lettre de Sibérie (doc., 1957), ¡Cuba Si! (mm, doc., 1961), La jetée (cm, 1962), Le joli mai (doc., 1963), Loin du Vietnam (film collettivo/collective film, doc., 1967), La sixième face du pentagone (cm, doc., 1968), La bataille des dix millions (mm, doc., 1971), L’ambassade (cm, 1973), Le fond de l’air est rouge (doc., 1977), Junkopia (cm, doc., 1981), Sans soleil (doc., 1983), A.K. (doc., 1985), Mémoires pour Simone (doc., 1986), Le tombeau d’Alexandre (tv, doc., 1993), Level Five (1997), Chats perchés (tv, mm, 2004). THE NEW WORLD Godard’s episode of Ro.Go.Pa.G. (the collective film by Rossellini, Godard, Pasolini and Gregoretti) describes an unnamed city-symbol (Paris, actually); after an atomic bomb explodes, the inhabitants find themselves the same as before but without any feelings: a narrator’s voice and live shooting in pure Nouvelle Vague style for this parable of quiet desperation. filmografia essenziale/ essential filmography À bout de souffle (Fino all’ultimo respiro, 1960), Une femme est une femme (La donna è donna, 1961), Vivre sa vie (Questa è la mia vita, 1962), Le mépris (Il disprezzo, 1963), Une femme mariée (Una donna sposata, 1964), Pierrot le fou (Il bandito delle undici, 1965), Made in USA (Una storia americana, 1966), La chinoise (La cinese, 1967), Tout va bien (Crepa padrone, tutto va bene, 1972), Passion (id., 1982), Prénom Carmen (id., 1983), Je vous salue, Marie (id., 1985), Histoire(s) du cinéma (tv, 19891998), Nouvelle Vague (id., 1990), Hélas pour moi (1993), For Ever Mozart (1996), Notre musique (2004), Adieu au langage (2014). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A jindrich polák IKARIE XB 1 Cecoslovacchia/Czechoslovakia, 1963, 35mm, 81’, bn/bw regia/director Jindřich Polák soggetto/story dal romanzo La nube di Magellano/from the novel The Magellanic Cloud di/ by Stanisław Lem sceneggiatura/screenplay Pavel Jurácek, Jindřich Polák fotografia/cinematography Jan Kalis, Sasa Rasilov montaggio/film editing Josef Dobrichovský scenografia/ production design Karel Lukas, Jan Zázvorka costumi/costume design Dena Rova musica/music Zdenek Liska interpreti e personaggi/ cast and characters Zdenek Stepánek (cap. Vladimir Abajev), Frantisek Smolík (Anthony Hopkins), Dana Medrická (Nina Kirova), Irena Kacírková (Brigitta) produzione/production Filmové studio Barrandov Tratto da La nube di Magellano di Stanisław Lem e ambientato nel 2163, il film del ’55 cui sono debitori, tra gli altri, Kubrick, Lucas, Star Trek. Una missione spaziale è alla ricerca di vita aliena e, tra i tanti pericoli che affronta durante il viaggio, l’equipaggio si trova anche faccia a faccia con le tendenze e gli istinti autodistruttivi dell’umanità del ventesimo secolo. Art direction futuristica, intelligenza e ironia per un’opera anticipatrice, in edizione integrale e restaurata. Francia-Germania-Italia/France-Germany-Italy, 1967, 35mm, 20’, bn/bw regia, sceneggiatura/ director, screenplay Jean-Luc Godard fotografia/cinematography Jean Rabier montaggio/film editing Agnès Guillemot interpreti e personaggi/ cast and characters Anna Karina (Natasha-Eleanor Romeovich, Hostess 703), Marilù Tolo (Marlene, Miss Physical Love), Jacques Charrier (Nick-John Demetrius), Daniel Bart, Jean-Pierre Léaud produttori/producers Joseph Bercholz, Horst Wendlandt produzione/production Athos Films, Franco London Films, Francoriz Production, Les Films Gibé, Rialto Film, Rizzoli Film 219 Based on The Magellanic Cloud by Stanisław Lem and set in the year 2163, this film from 1955 inspired Kubrick, Lucas and Star Trek, among others. A space mission is searching for alien life and, besides the many dangers it must face during its voyage, the crew must also deal with the inclinations and self-destructive instincts of 20 -century humanity. Futuristic art direction, intelligence and irony for a film that was ahead of its time, in an uncut and restored version. TH jean-luc godard ANTICIPATION, OU L’AMOUR EN L’AN 2000 SOMMARIO VOYAGE TO THE END OF THE UNIVERSE L’AMORE NEL 2000 Nel 2000 i sentimenti non esistono più e si è arrivati alla specializzazione integrale. Il passeggero n. 14 arriva in una stazione orbitale in debito di sesso e deve scegliere tra prestazioni di amore fisico (ma la ragazza non può parlargli) o amore sentimentale (questa invece può solo parlare). Piccolo film acido e romantico, virato in rosso, blu, verde, giallo, fino a riacquistare i colori sul sorriso della Karina. Episodio del film collettivo L’amore attraverso i secoli. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A filmografia essenziale/ essential filmography Smrt v sedle (1959), Clown Ferdinand an Bord (tv, 1959), Páté oddelení (1961), Klaun Ferdinand a raketa (1963), Clown Ferdinand will schlafen (1965), Strasná zena (1965), Pan Tau (tv, 1966), Hra bez pravidel (1967), Nebestí jezdci (1968), Noc klavíristy (1977), Pan Tau (serie tv/tv series, 1970-1978), Smrt stoparek (1979), Lucie, postrach ulice (serie tv/tv series, 1980), The Visitors (serie tv/tv series, 1984), Lucie, postrach ulice (1984), ...a zase ta Lucie! (1984), Chobotnice z druhého patra (tv, 1987), Veselé vánoce prejí chobotnice (1987), Pan Tau - Der Film (1988), Kacenka a zase ta strasidla (1993). ANTICIPATION In the year 2000, feelings no longer exist and total specialization has become a reality. Passenger 14 arrives at an orbital station with a deficit of sex and has to choose between physical acts of love (but the girl can’t speak to him) or sentimental love (in which case she can only speak). A little, bitter and romantic movie, which turns red, blue, green and yellow, until it regains its colors with Karina’s smile. Episod of the collective film Le plus vieux métier du monde. filmografia essenziale/ essential filmography À bout de souffle (Fino all’ultimo respiro, 1960), Une femme est une femme (La donna è donna, 1961), Vivre sa vie (Questa è la mia vita, 1962), Le mépris (Il disprezzo, 1963), Une femme mariée (Una donna sposata, 1964), Pierrot le fou (Il bandito delle undici, 1965), Made in USA (Una storia americana, 1966), La chinoise (La cinese, 1967), Tout va bien (Crepa padrone, tutto va bene, 1972), Passion (id., 1982), Prénom Carmen (id., 1983), Je vous salue, Marie (id., 1985), Histoire(s) du cinéma (tv, 1989-1998), Nouvelle Vague (id., 1990), Hélas pour moi (1993), For Ever Mozart (1996), Notre musique (2004), Adieu au langage (2014). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A william klein MR FREEDOM Francia/France, 1969, 35mm, 95’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay William Klein fotografia/cinematography Pierre Lhomme montaggio/film editing Anne-Marie Cotret scenografia/ production design Jacques Dugied costumi/costume design Janine Klein musica/music Michel Colombier, Serge Gainsbourg interpreti e personaggi/ cast and characters Delphine Seyrig (MarieMadeleine), John Abbey (Mr Freedom), Donald Pleasence (Dr Freedom), Jean-Claude Drouot (Dick Sensass), Serge Gainsbourg (M. Drugstore) produttori/producers Guy Belfond, Christian Thivat, Michel Zemer produzione/production Films du Rond-Point, O.P.E.R.A. EVVIVA LA LIBERTÀ Un supereroe americano è inviato a Parigi dal capo della Freedom Inc. per combattere i «rossi». Lo aiuta una femme fatale discinta, mentre un Mujik Man stalinista e un dragone gonfiabile maoista lo combattono. La folle satira diretta nel 1969 da Klein, fotografo americano espatriato in Francia, autore di Lontano dal Vietnam e di Eldridge Cleaver, mescola pop art, fumetto, trash ante litteram. jim mcbride GLEN AND RANDA SOMMARIO Usa, 1971, 35mm, 93’, col. regia/director Jim Mcbride sceneggiatura/screenplay Lorenzo Mans, Rudy Wurlitzer, Jim McBride fotografia/cinematography Alan Raymond montaggio/film editing Jack Baran, Mike Levine scenografia/ production design Gary Weist suono/sound Jeffrey Lesser, David Neuman interpreti e personaggi/ cast and characters Steve Curry (Glen), Shelley Plimpton (Randa), Woody Chambliss (Sidney Miller), Garry Goodrow (il mago/magician) produzione/production Universal Marion Corporation 220 GLEN AND RANDA Alcuni decenni dopo una catastrofe nucleare, gli umani sono tornati a uno stato primitivo, vivono in comunità rurali e combattono per la sopravvivenza. Due ragazzi, Glen e Randa, decidono di andare in cerca della città che lui ha visto rappresentata su un albo di Wonder Woman. Diretto da Jim McBride prima del suo periodo hollywoodiano (Great Balls of Fire, The Big Easy), una curiosa favola morale influenzata da suggestioni hippie. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A MR FREEDOM An American superhero is invited to Paris by the head of Freedom Inc. to fight the “reds.” He is helped by a scantily-clothed femme fatale, while a Stalinist Mujik Man and a Maoist inflatable dragon do battle against him. The wild satire directed in 1969 by Klein, an American photographer who expatriated to France and the author of Far from Vietnam, and Eldridge Cleaver, mixes pop art, comic strips and trash that was ahead of its time. filmografia essenziale/ essential filmography Broadway by Light (cm, 1958), Cassius le grand (cm, doc., 1964), Who Are You, Polly Maggoo? (1966), Loin du Vietnam (Lontano dal Vietnam, ep., doc., 1967), Festival panafricain d’Alger (doc., 1969), Float Like a Butterfly, Sting Like a Bee (doc., 1969 ), Eldridge Cleaver, Black Panther (doc., 1970), Le couple témoin (1977), Hollywood, California: A Loser’s Opera (1977), Grands soirs & petits matins (doc., 1978), The Little Richard Story (doc., 1980), The French (doc., 1982), Contacts (cm, 1983), Ralentis (cm, 1984), Mode in France (doc., 1984), Babilée ’91 (doc., 1992), In and Out of Fashion (doc., 1998), Messiah (doc., 1999). GLEN AND RANDA A few decades after a nuclear catastrophe, humans have returned to a primitive state; they live in rural communities and fight for their survival. Two teenagers, Glen and Randa, decide to go in search of the city he had seen depicted in a Wonder Woman comic book. Directed by Jim McBride before his Hollywood period (Great Balls of Fire, The Big Easy), an unusual moral fable with hippie overtones. filmografia essenziale/ essential filmography David Holzman’s Diary (doc., 1967), My Girlfriend’s Wedding (doc., 1969), Pictures from Life’s Other Side (doc., 1971), Glen and Randa (1971), Hot Times (Nell’eccitante attesa dell’accoppiamento armonico, 1974), Breathless (All’ultimo respiro, 1983), The Twilight Zone (Ai confini della realtà, serie tv/tv series, ep., 1986), The Big Easy (id., 1986), Great Balls of Fire! (Great Balls of Fire! Vampate di fuoco, 1989), Blood Ties (tv, 1991), The Wrong Man (L’uomo sbagliato, 1993), Uncovered (La tavola fiamminga, 1994), The Informant (tv, 1997), Six Feet Under (id., serie tv/tv series, ep., 2001). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A woody allen SLEEPER Usa, 1973, 35mm, 89’, col. regia, musica/ director, music Woody Allen sceneggiatura/screenplay Woody Allen, Marshall Brickman fotografia/cinematography David M. Walsh montaggio/film editing Ralph Rosenblum scenografia/ production design Dale Hennesy costumi/costume design Joel Schumacher interpreti e personaggi/ cast and characters Woody Allen (Miles Monroe), Diane Keaton (Luna Schlosser), John Beck (Erno Windt), Mary Gregory (Dr Melik), Don Keefer (Dr Tryon), John McLiam (Dr Agon), Bartlett Robinson (Dr Orva) produttore/producer Jack Grossberg produzione/production Rollins-Joffe Productions IL DORMIGLIONE Verso la fine del ventitreesimo secolo, negli Stati Uniti ormai trasformati in dittatura postatomica, viene ritrovato il corpo di un uomo, clarinettista jazz e proprietario di un negozio salutista, ibernato per sbaglio duecento anni prima. Risvegliato, l’uomo si finge robot e si unisce alla resistenza. Woody Allen rielabora l’immaginario della sci-fi politica degli anni Sessanta e Settanta per dare libero sfogo alla sua comicità frenetica e anarcoide. Bananas, ma nel futuro. SLEEPER Toward the end of the 23 century, the United States has been transformed into a post-atomic dictatorship. The body of a man is found; he is a jazz clarinet player and the owner of a health store who had been hibernated by mistake two centuries earlier. After waking up, the man pretends to be a robot and joins the resistance fighters. Woody Allen re-elaborates 1960s and ’70s political science fiction and gives free rein to his frenetic and anarchic humor. Bananas, set in the future. RD filmografia essenziale/ essential filmography What’s Up, Tiger Lily? (Che fai, rubi?, 1966), Take the Money and Run (Prendi i soldi e scappa, 1969), Love and Death (Amore e guerra, 1975), Annie Hall (Io e Annie, 1977), Manhattan (id., 1979), Zelig (id., 1983), Hannah and Her Sisters (Hannah e le sue sorelle, 1986), Radio Days (id., 1987), Crimes and Misdemeanors (Crimini e misfatti, 1989), Deconstructing Harry (Harry a pezzi, 1997), Sweet and Lowdown (Accordi e disaccordi, 1999), Match Point (id., 2005), Whatever Works (Basta che funzioni, 2009), Midnight in Paris (id., 2011), To Rome with Love (id., 2012), Blue Jasmine (id., 2013), Cafè Society (id., 2016). l.q. jones A BOY AND HIS DOG SOMMARIO Usa, 1975, 35mm, 91’, col. regia/director L.Q. Jones soggetto/story dal romanzo Un ragazzo e il suo cane di/from the novel of the same title by Harlan Ellison sceneggiatura/screenplay L.Q. Jones, Wayne Cruseturner fotografia/cinematography John Arthur Morrill montaggio/film editing Scott Conrad musica/music Tim McIntire interpreti e personaggi/ cast and characters Don Johnson (Vic), Susanne Benton (Quilla June Holmes), Jason Robards (Lou Craddock), Tim McIntire (voce di Blood/Blood’s voice), Alvy Moore (Dr Moore), Helene Winston (Mez Smith), Hal Baylor (Michael) produttori/producers L.Q. Jones, Alvy Moore produzione/production LQ-JAF 221 A BOY AND HIS DOG Based on the short novel by Harlan Ellison, A Boy and His Dog (1969), the story of an adolescent and his telepathic dog, set on post-apocalyptic moors where survival is dangerous. Directed by a famous character actor from American films and television (Pat Garrett and Billy the Kid, Casino) and starring twenty-six-year-old Don Johnson, a bizarre and little-known cult movie, venerated by Quentin Tarantino. APOCALYPSE 2024 - UN RAGAZZO, UN CANE, DUE INSEPARABILI AMICI Basato sul romanzo breve di Harlan Ellison Un ragazzo e il suo cane (1969), la storia di un adolescente e del suo cane telepatico, in lande postapocalittiche dove sopravvivere è pericoloso. Diretto da un celebre caratterista del cinema e della tv americani (Pat Garrett e Billy the Kid, Casinò) e interpretato da un Don Johnson appena ventiseienne, un cult movie bizzarro, poco conosciuto e venerato da Quentin Tarantino. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A filmografia/filmography The Devil’s Bedroom (1964), A Boy and His Dog (Apocalypse 2024 - Un ragazzo, un cane, due inseparabili amici, 1975), L’incredibile Hulk (serie tv/tv series, ep., 1980). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A norman jewison ROLLERBALL Regno Unito-Usa/UK-USA, 1975, 35mm, 125’, col. regia, produttore/ director, producer Norman Jewison soggetto/story dal racconto/from the short story Roller Ball Murder di/by William Harrison sceneggiatura/screenplay William Harrison fotografia/cinematography Douglas Slocombe montaggio/film editing Antony Gibbs scenografia/ production design John Box costumi/costume design Julie Harris interpreti e personaggi/ cast and characters James Caan (Jonathan E.), John Houseman (Bartholomew), Maud Adams (Ella), John Beck (Moonpie), Moses Gunn (Cletus), Pamela Hensley (Mackie), Barbara Trentham (Daphne) produzione/production Algonquin ROLLERBALL Nel futuro corporativistico del 2018, il «rollerball» è uno sport violento in cui i giocatori sfogano la propria aggressività: ma uno di loro (James Caan) non ci sta, e si ribella. Fra i più noti racconti fantadistopici del cinema americano, in perfetto equilibrio fra New Hollywood e genere, diretto con piglio classico dal regista di La calda notte dell’ispettore Tibbs e Stregata dalla luna. Rifatto sciaguratamente nel 2002 da John McTiernan. bryan forbes THE STEPFORD WIVES SOMMARIO Usa, 1975, 35mm, 115’, col. regia/director Bryan Forbes soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Ira Levin sceneggiatura/screenplay William Goldman fotografia/cinematography Owen Roizman montaggio/film editing Timothy Gee costumi/costume design Anna Hill Johnstone musica/music Michael Small interpreti e personaggi/ cast and characters Katharine Ross (Joanna Eberhart), Paula Prentiss (Bobbie Markowe), Peter Masterson (Walter Eberhart), Nanette Newman (Carol Van Sant) produttore/producer Edgar J. Scherick produzione/production Fadsin Cinema Associates, Palomar Pictures 222 LA FABBRICA DELLE MOGLI Dimenticate il pessimo e accomodante remake del 2004 con Nicole Kidman: questa Stepford, sobborgo benestante del Connecticut nel quale si trasferiscono da New York Joanna e Walter, è lucidata e inquietante, all’apparenza pacifica e sotto sotto spaventosa. Mogli come automi sexy e casalinghi, mariti sciovinisti e gretti, in un idillio suburbano che si trasforma in incubo. Dal romanzo di Ira Levin, l’autore di Rosemary’s Baby. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A ROLLERBALL In the corporatist future of 2018, “rollerball” is a violent sport in the participants unleash their aggressiveness: but one of them (James Caan) refuses and rebels. One of America’s best-known sci-fi-dystopian films, a perfect balance between New Hollywood and genre movies, directed in a classic style by the director of In the Heat of the Night and Moonstruck. John McTiernan directed a very unfortunate remake in 2002. filmografia essenziale/ essential filmography The Thrill of It All (Quel certo non so che, 1963), Send Me No Flowers (Non mandarmi fiori, 1964), Cincinnati Kid (id., 1965), In the Heat of the Night (La calda notte dell’ispettore Tibbs, 1967), The Thomas Crown Affair (Il caso Thomas Crown, 1968), Fiddler on the Roof (Il violinista sul tetto, 1971), Jesus Christ Superstar (id., 1973), F.I.S.T. (id., 1978), ...And Justice for All (...e giustizia per tutti, 1979), A Soldier’s Story (Storia di un soldato, 1984), Agnes of God (Agnese di Dio, 1985), Moonstruck (Stregata dalla luna, 1987), Other People’s Money (I soldi degli altri, 1991), The Hurricane (Hurricane - Il grido dell’innocenza, 1999). THE STEPFORD WIVES Forget the horrible and accommodating 2004 remake starring Nicole Kidman: this Stepford, a well-to-do suburb in Connecticut, where Joanna and Walter move from New York, is polished and disturbing, apparently peaceful but horrifying underneath. Sexy housewife robot wives, chauvinistic and small-minded husbands, in a suburban idyll which turns into a nightmare. Based on the novel by Ira Levin (the author of Rosemary’s Baby). filmografia essenziale/ essential filmography Whistle Down the Wind (1961), The L-Shaped Room (La stanza a forma di L, 1962), Séance on a Wet Afternoon (Ventimila sterline per Amanda, 1964), King Rat (Qualcuno da odiare, 1965), The Wrong Box (La cassa sbagliata, 1966), The Whisperers (1967), Deadfall (1968), The Madwoman of Chaillot (1969), The Raging Moon (Luna arrabbiata, 1971), The Stepford Wives (La fabbrica delle mogli, 1975), The Slipper and the Rose (La scarpetta e la rosa, 1976), International Velvet (Una corsa sul prato, 1978), Les séducteurs (I seduttori della domenica, ep., cm, 1980), Better Late Than Never (Profumo di mare, 1983), The Naked Face (A faccia nuda, 1984). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A donald cammell DEMON SEED Usa, 1977, 35mm, 94’, col. regia/director Donald Cammell soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Dean Koontz sceneggiatura/screenplay Robert Jaffe, Roger O. Hirson fotografia/cinematography Bill Butler montaggio/film editing Frank Mazzola scenografia/ production design Edward C. Carfagno musica/music Jerry Fielding interpreti e personaggi/ cast and characters Julie Christie (Susan Harris), Fritz Weaver (Alex Harris), Gerrit Graham (Walter Gabler), Berry Kroeger (Petrosian), Lisa Lu (Soong Yen), Larry J. Blake (Cameron) produttore/producer Herb Jaffe produzione/production Metro-Goldwyn-Mayer DEMON SEED Alex is a scientist who has designed the supercomputer Proteus and computerized his own home. When Alex refuses to give Proteus a free terminal for its research, Proteus takes over the domestic one and begins to spy on Susan, the scientist’s wife. A distressing near future, locked inside an obliging and independent house which becomes a prison, a dystopia by the codirector (with Roeg) of Performance. It’s no surprise that Proteus is attracted to Susan: she’s the splendid Julie Christie. GENERAZIONE PROTEUS Alex, uno scienziato, ha progettato il supercomputer Proteus e ha computerizzato la propria casa. Quando Alex gli rifiuta un terminale libero per le sue ricerche, Proteus si fa strada in quello domestico e comincia a osservare Susan, la moglie dello scienziato. Angosciante futuro prossimo, chiuso in una casa servizievole e autonoma che diventa prigione, per la distopia diretta dal coregista (con Roeg) di Sadismo. Non c’è da stupirsi che Proteus sia attratto da Susan: è la splendida Julie Christie. bertrand tavernier LA MORT EN DIRECT Francia-Repubblica Federale Tedesca/ France-FRG, 1980, 35mm, 130’, col. SOMMARIO regia/director Bertrand Tavernier soggetto/story dal romanzo/from the novel The Unsleeping Eye di/by David G. Compton sceneggiatura/screenplay David Rayfiel, Bertrand Tavernier fotografia/cinematography Pierre-William Glenn montaggio/film editing Michael Ellis, Armand Psenny scenografia/ production design Anthony Pratt musica/music Antoine Duhamel interpreti e personaggi/ cast and characters Romy Schneider (Katherine Mortenhoe), Harvey Keitel (Roddy), Harry Dean Stanton (Vincent Ferriman), Thérèse Liotard (Tracey), Max von Sydow (Gerald Mortenhoe) produttori/producers Elie Kfouri, Bertrand Tavernier 223 LA MORTE IN DIRETTA In un futuro prossimo, una scrittrice affetta da una malattia terminale che le lascia due mesi di vita accetta che un’emittente tv filmi la sua agonia. Poi tenta la fuga, ma viene raggiunta da un cameraman che ha delle telecamere impiantate negli occhi. Tratto da un romanzo di David G. Compton, e diretto da Tavernier nel 1980 un dramma che anticipa le tendenze più necrofile della televisione che verrà. Profetico e inquietante. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A filmografia/filmography Performance (Sadismo, coregia/codirector Nicolas Roeg, 19681970), Demon Seed (Generazione Proteus, 1977), U2, Unforgettable Fire (videoclip, 1984), White of the Eye (L’occhio del terrore, 1987), U2, Love Is Blindness (videoclip, 1993), The Argument (cm, 1971-1998), Wild Side (1995), Donald Cammell: The Ultimate Performance (1999). DEATH WATCH In the near future, a writer suffering from a serious illness which has left her only two months to live allows a TV station to film her agony. She later tries to escape but is found by a cameraman who has cameras implanted in his eyes. Based on a novel by David G. Compton and directed by Tavernier in 1980, a drama which anticipates television’s future tendencies for necrophilia. Prophetic and disturbing. filmografia essenziale/ essential filmography L’Horloger de Saint-Paul (L’orologiaio di St. Paul, 1974), Le juge et l’assassin (Il giudice e l’assassino, 1976), Une semaine de vacances (Una settimana di vacanza, 1980), Coup de torchon (Colpo di spugna, 1981), Un dimanche à la campagne (Una domenica in campagna, 1984), Autour de minuit (Round Midnight - A mezzanotte circa, 1986), La passion Béatrice (Quarto comandamento, 1987), La vie et rien d’autre (La vita e niente altro, 1989), Daddy Nostalgie (id., 1990), L. 627 (Legge 627, 1992), L’appât (L’esca, 1995), Capitaine Conan (Capitan Conan, 1996), Holy Lola (La piccola Lola, 2004), In the Electric Mist (L’occhio del ciclone - In the Electric Mist, 2009). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A luc besson LE DERNIER COMBAT Francia/France, 1983, 35mm, 92’, bn/bw regia/director Luc Besson sceneggiatura, produttori/ screenplay, producers Luc Besson, Pierre Jolivet fotografia/cinematography Carlo Varini montaggio/film editing Sophie Schmit scenografia/ production design Thierry Flamand, Christian Grosrichard costumi/costume design Marie Beau, Martine Rapin musica/music Eric Serra interpreti e personaggi/ cast and characters Pierre Jolivet (l’Uomo/the Man), Jean Bouise (il Dottore/the Doctor), Fritz Wepper (il Capitano/the Captain), Jean Reno (il Bruto/the Brute), Maurice Lamy (il Nano/the Dwarf) produzione/production Les Films du Loup In un futuro postapocalittico, dove l’umanità ha perso l’uso della parola e vive in bande tra città abbandonate, tempeste di sabbia e macerie, si aggirano e si scontrano per la sopravvivenza l’Uomo (Pierre Jolivet), il Bruto (Jean Reno), il Capitano, il Nano, il Dottore. Potente esordio in bianco e nero e in cinemascope per Luc Besson, che prende spunto dal suo precedente cortometraggio L’avant dernier e dimostra già la sua grande forza visiva. michael radford 1984 SOMMARIO Regno Unito/UK, 1984, 35mm, 113’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Michael Radford soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by George Orwell fotografia/cinematography Roger Deakins montaggio/film editing Tom Priestley scenografia/ production design Allan Cameron costumi/costume design Emma Porteous musica/music Dominic Muldowney interpreti e personaggi/ cast and characters John Hurt (Winston Smith), Richard Burton (O’Brien), Suzanna Hamilton (Julia), Cyril Cusack (Charrington), Gregor Fisher (Parsons), James Walker (Syme) produzione/production Umbrella-Rosenblum Films Production 224 1984 Cupa e angosciosa trasposizione del romanzo di George Orwell, che già nel 1949 aveva previsto tutto, dall’invadenza del privato da parte di un Grande Fratello dominante alla censura dei sentimenti. Strepitoso John Hurt, ma indimenticabile Richard Burton nella sua ultima interpretazione. Grande confezione, con le musiche degli Eurythmics e la fotografia dai colori desaturati di Roger Deakins. Bellissimo e ancora oggi sottovalutato. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A THE LAST BATTLE In a post-apocalyptic future, in which humans have lost the power of speech and live in gangs, abandoned cities, sandstorms and ruins are the setting where the Man (Pierre Jolivet), the Brute (Jean Reno), the Captain, the Dwarf, and the Doctor roam and clash. Luc Besson’s powerful debut in black and white and in cinemascope takes its cue from his previous short film L’avant dernier and already reveals his great visual power. filmografia essenziale/ essential filmography Le dernier combat (1983), Nikita (id., 1990), Atlantis (id., 1991), Léon (id., 1994), Le cinquième élément (Il quinto elemento, 1997), The Messenger: The Story of Joan of Arc (Giovanna d’Arco, 1999), Angel-A (id., 2005), Arthur et les Minimoys (Arthur e il popolo dei Minimei, 2006), Arthur et la vengeance de Maltazard (Arthur e la vendetta di Maltazard, 2009), Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec (Adèle e l’enigma del faraone, 2010), Arthur et la guerre des deux mondes (Arthur e la guerra dei due mondi, 2010), The Lady (The Lady - L’amore per la libertà, 2011), The Family (Cose nostre - Malavita, 2013), Lucy (id., 2014). 1984 A gloomy and disturbing transposition of the novel by George Orwell, who had already predicted it all back in 1949, from the invasion of privacy by a dominating Big Brother to the censoring of feelings. John Hurt is fantastic, but Richard Burton is unforgettable in his final performance. A great package, with music by the Eurythmics and the desaturated colors of the photography by Roger Deakins. Beautiful and, still today, underestimated. filmografia essenziale/ essential filmography A Cold Night (cm, 1974), The White Bird Passes (tv, 1980), Van Morrison in Ireland (mm, doc., 1980), Another Time, Another Place (Another Time, Another Place - Una storia d’amore, 1983), White Mischief (Misfatto bianco, 1988), Il postino (1994), Homicide: Life on the Streets (ep. Justice: Part I, tv, 1996), B. Monkey (B. Monkey - Una donna da salvare, 1998), Dancing at the Blue Iguana (id., 2000), Ten Minutes Older: The Cello (ep. Addicted to the Star, 2002), The Merchant of Venice (Il mercante di Venezia, 2004), Flawless (Un colpo perfetto, 2007). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A álex de la iglesia ACCIÓN MUTANTE SOMMARIO Spagna-Francia/Spain-France, 1993, 35mm, 90’, col. regia/director Álex de la Iglesia sceneggiatura/screenplay Jorge Guerricaechevarría, Álex de la Iglesia fotografia/cinematography Carles Gusi montaggio/film editing Pablo Blanco scenografia/ production design José Luis Arrizabalaga, Biaffra costumi/costume design Estíbaliz Markiegi, Lena Mossum musica/music Def Con Dos interpreti e personaggi/ cast and characters Antonio Resines (Ramón Yarritu), Álex Angulo (Alex Abadie), Frédérique Feder (Patricia Orujo), Juan Viadas (Juan Abadie), Karra Elejalde (José Óscar «Manitas» Tellería) produttori/producers Agustín Almodóvar, Pedro Almodóvar IN COLLABORAZIONE CON LA CINETECA NAZIONALE AZIONE MUTANTE Nella Spagna del futuro (il 2012), dominata dal mito della bellezza fisica, una banda di portatori di handicap compie attentati contro palestre, cliniche di chirurgia estetica, centri benessere. Il loro nuovo colpo è il rapimento di una giovane ereditiera, che viene trasportata sul pianeta minerario Asturias, dove dovrà avvenire il pagamento del riscatto. Barocco, grottesco, inventivo, il debutto nel lungometraggio di de la Iglesia, prodotto dai fratelli Almodóvar. gabriele salvatores NIRVANA Italia-Francia-Regno Unito/Italy-France-UK, 1997, 35mm, 113’, col. regia/director Gabriele Salvatores sceneggiatura/screenplay Gabriele Salvatores, Pino Cacucci, Gloria Corica fotografia/cinematography Italo Petriccione montaggio/film editing Massimo Fiocchi scenografia/ production design Giancarlo Basili, Sonia Peng musica/music Federico De Robertis, Mauro Pagani interpreti e personaggi/ cast and characters Christopher Lambert (Jimi Dini), Diego Abatantuono (Solo), Sergio Rubini (Joystick), Stefania Rocca (Naima), Amanda Sandrelli (Maria), Emmanuelle Seigner (Lisa), Ugo Conti, Silvio Orlando produttori/producers Vittorio Cecchi Gori, Rita Rusic, Maurizio Totti 225 NIRVANA In una megalopoli futuribile: un programmatore in crisi, un virus nel suo videogame, il protagonista del gioco che acquista una coscienza e chiede di essere liberato. Vinto l’Oscar con Mediterraneo, Gabriele Salvatores spiazza tutti, osa e firma un film di fantascienza cyberpunk a cavallo tra Blade Runner, le storie di William Gibson e Philip Dick e i fumetti di Nathan Never. Un film-ufo, coraggioso e tuttora anomalo per il nostro cinema. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A MUTANT ACTION In the future (2012), Spain is dominated by physical beauty myth and a gang of disabled people carries out incursions against gyms, plastic surgery clinics and wellness centers. Their new raid is the kidnapping of a young heiress, who is transported to the mining planet Axturiax, where her ransom is to be paid. Baroque, grotesque, imaginative, the feature-length debut of de la Iglesia, produced by the Almodóvar brothers. filmografia/filmography Mirindas asesinas (cm, 1991), Acción mutante (Azione mutante, 1993), El día de la bestia (Il giorno della bestia, 1995), Perdita Durango (id., 1997), Muertos de risa (1999), La Comunidad (La comunidad - Intrigo all’ultimo piano, 2000), 800 balas (2002), Crimen perfecto (Crimen perfecto - Finché morte non li separi, 2004), La habitacion del niño (La stanza del bambino, tv, 2006), The Oxford Murders (Oxford Murders Teorema di un delitto, 2008), Balada triste de trompeta (Ballata dell’odio e dell’amore, 2010), La chispa de la vida (La fortuna della vita, 2011), Las brujas de Zugarramurdi (Le streghe son tornate, 2013), Messi (doc., 2014), Mi gran noche (2015). NIRVANA In a future megalopolis: a programmer in crisis, a virus in his videogame, the protagonist of the game which acquires consciousness and asks to be set free. After winning an Oscar with Mediterraneo, Gabriele Salvatores wrong-foots everyone and makes a cyberpunk sci-fi movie, straddling Blade Runner, the stories by William Gibson and Philip Dick, and the Nathan Never comic books. A UFO, a brave film which is still an oddity for Italian cinema. filmografia/filmography Sogno di una notte d’estate (1983), Kamikazen - Ultima notte a Milano (1987), Marrakech Express (1989), Turné (1990), Mediterraneo (1991), Puerto Escondido (1992), Sud (1993), Nirvana (1997), Denti (2000), Amnèsia (2001), Un altro mondo è possibile documentario collettivo (doc., 2001), Io non ho paura (2003), Quo vadis, baby? (2005), Come Dio comanda (2008), Happy Family (2010), 1960 documentario (doc., 2010), Educazione siberiana (2013), Italy in a Day (doc., 2014), Il ragazzo invisibile (2014). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A don mckellar LAST NIGHT Canada-Francia/Canada-France, 1998, 35mm, 95’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Don McKellar fotografia/cinematography Douglas Koch montaggio/film editing Reginald Harkema scenografia/ production design John Dondertman costumi/costume design Lea Carlson musica/music Alexina Louie, Alex Pauk suono/sound John L. Thompson, Steve Munro, Paul Shape interpreti e personaggi/ cast and characters Don McKellar (Patrick Wheeler), Sandra Oh (Sandra), Callum Keith Rennie (Craig Zwiller), Sarah Polley (Jennifer Wheeler), David Cronenberg (Duncan) produttori/producers Niv Fichman, Daniel Iron produzione/production Rhombus Media Il 31 dicembre 1999, a Toronto, personaggi diversi vivono a modo loro l’ultima notte prima della fine del mondo, annunciata per mezzanotte: alcuni in famiglia, il protagonista deciso a restare solo sul suo terrazzo, il direttore della compagnia del gas a ringraziare i suoi clienti, molti a festeggiare nelle piazze. Segmento canadese del progetto Arte Il 2000 visto da…, con lo stesso Don McKellar, Sandra Oh e David Cronenberg, una storia scandita dalle ore, che alterna tensione e umanità. kinji fukasaku BATORU ROWAIARU SOMMARIO Giappone/Japan, 2000, 35mm, 114’, col. regia/director Fukasaku Kinji soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Fukasaku Kenta, Takami Koshun fotografia/cinematography Yanagishima Katsumi montaggio/film editing Abe Hirohide scenografia/ production design Heya Kyōko interpreti e personaggi/ cast and characters Fujiwara Tatsuya (Nanahara Shuya), Kitano Takeshi (Kitano Takeshi), Maeda Aki (Nakagawa Noriko), Yamamoto Taro (Kawada Shougo), Ando Masanobu (Kiriyama Kazou), Kanasawa Tukari (Kitano Yukiko) produttori/producers Kamatami Akio, Kayama Tetsuo, Okada Masumi, Sato Masao produzione/production Battle Royale Production Comittee 226 In una società in profonda crisi economica, alcuni liceali vengono sorteggiati dal governo e mandati su un’isola a massacrarsi a vicenda. Celebre fanta-avventura adolescenziale che all’uscita in patria ha suscitato polemiche a non finire per la violenza e per la cupezza senza speranza: ma è diventato uno dei più grandi successi al botteghino giapponese di tutti i tempi. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A LAST NIGHT December 31 , 1999, Toronto: various people prepare for the end of the world, which is supposed to occur at midnight. Some stay with their families, the protagonist decides to remain on his terrace alone, the director of the gas company thanks his clients, many celebrate in the city squares. The Canadian segment of the Arte project 2000, Seen By..., with Don McKellar, Sandra Oh and David Cronenberg, a story which counts down the hours, alternating tension and humanity. ST filmografia/filmography The Bloody Nose (cm, 1992), Blue (cm, 1992), Last Night (id., 1998), Elimination Dance (coregia/codirectors Bruce McDonald, Michael Ondaatje, cm, 1998), A Word from the Management (cm, 2000), Childstar (2004), Phone Call from Imaginary Girlfriends: Istanbul (cm, 2005), Phone Call from Imaginary Girlfriends: Ankara (cm, 2005), Michael: Tuesdays & Thursdays (ep. Small Talk, Unscripted Conversation, Vomiting, Sleeping with People, Endings, cm, 2011), The Grand Seduction (2013). BATTLE ROYALE In a society in a deep economic crisis, some high school students are chosen at random by the government and sent to an island to massacre each other. A famous adolescent sci-fi-adventure movie which sparked endless polemics when it was released because of its violence and hopeless gloom. But it was also one of Japan’s highest-grossing films ever. filmografia essenziale/ essential filmography Fūraibō tantei: Akai tani no sangeki (The Drifting Detective, 1961), Odoshi (1966), Kurotokage (Black Lizard, 1968), Tora! Tora! Tora! (id., 1970), Bakuto gaijin butai (Gambler in Okinawa, 1971), Jingi naki tatakai (Battles Without Honor and Humanity, 1973), Jingi no hakaba (Graveyard of Honor, 1975), Doberuman deka (Detective Doberman, 1977), Yagyū ichizoku no inbō (Shogun Samurai, 1978), Fukkatsu no hi (Ultimo rifugio: Antartide, 1980), Shanhai bansukingu (Shangai Rapsody, 1984), Kataku no hito (House on Fire, 1986), Hana no ran (A Caos of Flower, 1988), Itsuka giragirasuruhi (Tokyo Gang, 1992), Battle Royale II (2003). C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A steven spielberg ARTIFICIAL INTELLIGENCE: AI Usa, 2001, 35mm, 146’, col. regia/director Steven Spielberg soggetto/story dal racconto Supertoys che durano tutta l’estate di/ from the short story Supertoys Last All Summer Long by Brian Aldiss sceneggiatura/screenplay Ian Watson, Steven Spielberg fotografia/cinematography Janusz Kaminski montaggio/film editing Michael Kahn musica/music John Williams interpreti e personaggi/ cast and characters Haley Joel Osment (David), Frances O’Connor (Monica Swinton), Sam Robards (Henry Swinton), Jake Thomas (Martin Swinton), Jude Law (Gigolo Joe), William Hurt (Prof Hobby) produttori/producers Bonnie Curtis, Kathleen Kennedy, Steven Spielberg 227 SOMMARIO A.I. - INTELLIGENZA ARTIFICIALE In un mondo devastato dai cataclismi ambientali, alcuni scienziati costruiscono automi-bambini in grado di provare emozioni, mentre gli uomini sembrano sempre più incapaci di sentimenti. Tratto da un racconto di Brian Aldiss (Supertoys che durano tutta l’estate) e basato su una sceneggiatura incompiuta di Stanley Kubrick, una variante futuristica di Pinocchio, e uno dei film più cupi e personali di Spielberg, digressione esemplare sui labili confini tra umano e sintetico. C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A ARTIFICIAL INTELLIGENCE: AI In a world devastated by environmental disasters, scientists construct robotchildren able to feel emotions, while humans seem increasingly incapable of feelings. From a short story by Brian Aldiss (Supertoys Last All Summer Long) and based on an unfinished screenplay by Stanley Kubrick, a futuristic variation of Pinocchio, one of Spielberg’s gloomiest and most personal movies, a textbook digression on the fragile boundary between human and synthetic. filmografia essenziale/ essential filmography Close Encounters of the Third Kind (Incontri ravvicinati del terzo tipo, 1977), 1941 (1941 - Allarme a Hollywood, 1979), Raiders of the Lost Ark (I predatori dell’arca perduta, 1981), E.T. the Extra-Terrestrial (E.T. - L’extra-terrestre, 1982), Empire of the Sun (L’impero del sole, 1987), Indiana Jones and the Last Crusade (Indiana Jones e l’ultima crociata, 1989), Always (Always Per sempre, 1989), Jurassic Park (id., 1993), Schindler’s List (id., 1993), Saving Private Ryan (Salvate il soldato Ryan, 1998), Minority Report (id., 2002), Catch Me If You Can (Prova a prendermi, 2002), The Terminal (id., 2004), War Horse (id., 2011), Lincoln (id., 2012). Sid & Nancy (1986) SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK AMOS POE, IVAN KRÁL THE BLANK GENERATION | DEREK JARMAN JUBILEE | ALLAN ARKUSH | PENELOPE SPHEERIS THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION | SUBURBIA | DAN O’BANNON THE RETURN OF THE LIVING DEAD | ALEX COX SID & NANCY ROCK’N’ROLL HIGH SCHOOL SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK I Did It My Way: Essere punk DI EMANUELA MARTINI The Decline of Western Civilization (1981) And now the end is near And so I face the final curtain You cunt, I’m not a queer I’ll state my case, of which I’m certain I’ve lived a life that’s full And each and every highway And that, much more than this I did it my way Qui sopra, la prima strofa di una delle canzoni più famose del mondo (My Way di Claude François e Paul Anka) che Frank Sinatra portò al successo nel 1968. Pare che The Voice la detestasse (la definiva autoindulgente e declamatoria, anche se ammetteva che la canzone «era stata molto buona con lui»); e non piaceva neppure a Elvis Presley (altra incisione di successo). E forse fu proprio per la sua vaga pomposità che alla fine degli anni Settanta My Way diventò molto popolare nella cultura punk, soprattutto grazie alla revisione di Sid Vicious e al suo video, che appare anche nel film di Julien Temple La grande truffa del rock’n’roll (il testo in alto, ovviamente è la versione di Vicious, non quella di Sinatra). 230 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK In questi giorni la Gran Bretagna celebra il quarantesimo anniversario della nascita del punk, che viene fatta coincidere con l’uscita, il 26 novembre del 1976, del primo singolo dei Sex Pistols, Anarchy in the UK. E certamente è proprio là, nella Londra della crisi che di lì a poco porta all’insediamento di Mrs Thatcher a Downing Street, che il punk diventa, oltre che una tendenza musicale, un vero e proprio stile di vita, una moda, una cultura che cresce e si prolunga nei decenni successivi, assumendo connotazioni politiche spesso anche antitetiche. Però, nonostante le celebrazioni inglesi, sappiamo che i primi e solidi accenni di quello che sarebbe poi diventato un punto fermo della cultura nazionale britannica (contraddittoriamente, perché i punk nascevano all’insegna dell’iconoclastia totale, ma questa è la sorte di ogni movimento culturale e artistico antitetico) si sono manifestati oltreoceano, negli Stati Uniti, East Coast. Andy Warhol a parte (che negli anni Sessanta, insieme ai suoi accoliti Velvet Underground, ha inventato, o almeno intuito, tutto quello I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK che sarebbe successo dopo, nell’arte e nella musica), nella prima metà degli anni Settanta c’era nella Bowery di New York un locale che si chiamava CBGB, nel quale si esibivano cantanti e gruppi come Patti Smith, The Stooges, MC5, Iggy Pop, New York Dolls, Talking Heads, Television, Blondie, Devo e altri, per lo più etichettati come hard rock o garage rock. I primi a essere definiti punk rock furono i Ramones, che si costituirono nel 1974; poi arrivarono altri gruppi, come gli Heartbreakers e i Voidoids di Richard Hell. All’inizio degli anni Settanta, un manager musicale inglese che aveva aperto insieme alla moglie stilista un negozio di abiti «alternativi» al 430 di King’s Road andò a New York per affari, conobbe i New York Dolls e diventò il loro manager, ideando i loro nuovi costumi. Nel 1975, tornò a Londra, ribattezzò il negozio Sex e, mentre lui riorganizzava una piccola band, sua moglie cominciò a lavorare su suggestioni sadomaso. La band debuttò lo stesso anno, con il nome Sex Pistols. Così Malcolm McLaren e Vivienne Westwood inventarono il punk, almeno dal punto di vista pubblicitario e del look. Poi arrivarono i Clash, The Damned, The Vibrators, Buzzcocks, The Jam, Siouxsie and the Banshees e tutti gli altri, mentre in America il punk cominciava a darsi una definizione più precisa sulla West Coast, in California e soprattutto intorno a Los Angeles, con i Circle Jerks, The Germs, The Weirdos, The Dickies, Black Flag. Poi l’hardcore punk, l’anarcopunk, il nazi-punk, lo street punk, lo straight edge, e la diffusione in tutto il mondo. Celebriamo comunque l’anarchia nel Regno Unito, catalizzatrice delle tendenze che si manifestavano anche altrove, e quindi l’anniversario del 2016, con questa breve rassegna sul cinema punk che, esattamente come accadde per la musica, apparve prima sulla East Coast americana, poi in Gran Bretagna, da dove rimbalzò sulla West Coast losangelina. Se New York non ha mai smentito la sua vocazione indipendente e documentaristica (The Blank Generation di Amos Poe e Ivan Král, quest’ultimo anche musicista, per esempio con Patti Smith, è il documento che fissa per primo i nuovi volti e le nuove sonorità al CBGB), è ancora una volta a Londra che l’estetica punk trova la sua definizione, soprattutto con il lavoro di Derek Jarman (non solo Jubilee, che comunque è il titolo più rappresentativo) e di Julien Temple (vero «storico» del punk, prima 231 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK di tutto con La grande truffa del rock’n’roll del 1980, poi con Oscenità e furore, Joe Strummer Il futuro non è scritto, The Sex Pistols: There’ll Always Be an England), per ritornare poi di nuovo negli States, in California, a opera di un inglese piuttosto stravagante, Alex Cox, che gira là Repo Man (nel 1984, due anni prima di realizzare, in patria, Sid & Nancy), e di un’americana anticonformista, Penelope Spheeris, che nel 1981 dedica alla nuova musica della West Coast il documentario The Decline of Western Civilization (seguito, negli anni dalla parte II, sul heavy metal, e III, sui gutter punk) e Suburbia, su un gruppo di ragazzi fuggiti di casa che vivono in stile punk in una casa abbandonata nella cintura di LA. E il fenomeno punk si diffonde nel cinema degli indie anni Ottanta, da Permanent Vacation di Jim Jarmusch a Liquid Sky di Slava Tsukerman, da Rock’n’Roll High School di Allan Arkush (prodotto da Corman, con i Ramones) a The Return of the Living Dead, satira horror punk di Dan O’Bannon. La lista sarebbe in realtà molto lunga, da Taxi Driver di Scorsese a Summer of Sam di Spike Lee, da Fuori di cresta di James Merendino a This Is England (film e serie tv) di Shane Meadows. Il Torino Film Festival si limita a offrire una ricognizione sul cinema punk delle origini, nelle sue diverse coniugazioni. I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK I Did It My Way: Being punk BY EMANUELA MARTINI Jubilee (1978) And now the end is near And so I face the final curtain You cunt, I’m not a queer I’ll state my case, of which I’m certain I’ve lived a life that’s full And each and every highway And that, much more than this I did it my way Above, the first stanza of one of the world’s most famous songs (My Way by Claude François and Paul Anka), which Frank Sinatra made a hit in 1968. It seems that The Voice hated the song (he called it self-indulgent and self-serving, even though he admitted that it “had been very good to him”); Elvis Presley (who also made a successful recording of the song) didn’t like it, either. And maybe it was because of this vague pompousness that, in the late 1970s, My Way became very popular in punk culture, thanks to its rendition by Sid Vicious and his video, which also appears in Julien Temple’s movie, The Great Rock’n’Roll Swindle (the stanza above, obviously, is Vicious’ rendition, not Sinatra’s). 232 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK This year, Great Britain is celebrating the fortieth anniversary of the birth of punk, which coincides with the release, on November 26 , 1976, of the first single by the Sex Pistols, Anarchy in the UK. It is without a doubt there, in London in the throes of a crisis which would soon bring Mrs Thatcher to Downing Street, that punk became not just a musical trend but a true lifestyle, a fashion, a culture which would grow and carry on into the following decades, taking on political connotations which were often antithetical. But, despite England’s celebrations, we know that the first, solid glimmers of what would become a constant of British national culture (a contradiction, because punk was born as total iconoclasm, but this is the destiny of every antithetical cultural and artistic movement) actually manifested themselves across the Atlantic, on the East Coast of the United States. Andy Warhol aside (in the 1960s, he and his Velvet Underground acolytes had invented or at least intuited everything that would happen later, in art and in music), during the first half of the 1970s, a club called CBGB in New York’s Bowery TH I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK featured singers and bands such as Patti Smith, The Stooges, MC5, Iggy Pop, New York Dolls, Talking Heads, Television, Blondie, Devo and others, for the most part labeled as hard rock or garage rock. The first to be called punk rock were the Ramones, who formed their band in 1974; then came other groups, like the Heartbreakers and Richard Hell’s Voidoid. In the early 1970s, a British music manager, who had opened an “alternative” clothing boutique at 430 King’s Road with his fashion designer wife, went to New York on business, met the New York Dolls, became their manager and designed their new costumes. In 1975, he returned to London and renamed his store Sex; while he was re-organizing a small band, his wife began to work with sado-maso ideas. The band, called the Sex Pistols, debuted that same year. This is how Malcolm McLaren and Vivienne Westwood invented punk, at least as far as the publicity and the look are concerned. Then came the Clash, The Damned, The Vibrators, Buzzcocks, The Jam, Siouxsie and the Banshees, and all the others, while in America, punk began to take form on the West Coast, in particular in California around the Los Angeles area, with the Circle Jerks, The Germs, The Weirdos, The Dickies, Black Flag. Then came hardcore punk, anarcopunk, Nazi-punk, street punk, straightedge, and punk’s dissemination throughout the world. But, in any case, we are celebrating the anarchy in the United Kingdom – the catalyst of the trends which also manifested themselves elsewhere – and, thus, this anniversary in 2016, with a small overview of punk cinema which, like the music, appeared first on America’s East Coast and then in Great Britain, after which it bounced back over to the West Coast around Los Angeles. New York has never repudiated its indie and documentary vocation (The Blank Generation by Amos Poe, Ivan Král – who is also a musician, playing with Patti Smith, for example – was the first film to immortalize the new faces and sounds at CBGB), but it was once again in London that the punk esthetic found its definition, above all in the films by Derek Jarman (not only Jubilee, which is, in any case, the most representative) and by Julien Temple (the true “historian” of punk, above all with The Great Rock’n’Roll Swindle from 1980, then The Filth and the Fury, Joe Strummer - The Future is Unwritten, The Sex Pistols: There’ll Always Be an England). 233 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Only to return once more to the States, to California, thanks to a rather extravagant Englishman, Alex Cox, who shot Repo Man there (in 1984, two years before making Sid & Nancy back in England), and to a non-conformist American, Penelope Spheeris, who, in 1981, made the documentary The Decline of Western Civilization, about the new West Coast music (over the years, the film was followed by part 2, about heavy metal, and part 3, about gutter punk), and Suburbia, about a group of runaway kids who live the punk lifestyle in an abandoned house in the L.A. suburbs. The punk phenomenon spread to 1980s indie cinema, from Permanent Vacation by Jim Jarmusch to Liquid Sky by Slava Tsukerman, from Rock’n’Roll High School by Allan Arkush (produced by Corman, with the Ramones) to The Return of the Living Dead, a horror punk satire by Dan O’Bannon. The list is actually much longer, from Scorsese’s Taxi Driver to Spike Lee’s Summer of Sam, from SLC Punk! by James Merendino to This Is England (the film and the TV series) by Shane Meadows. The Torino Film Festival limits itself to offering an overview of punk cinema from its origins, in its various inflections. I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK amos poe, ivan král THE BLANK GENERATION Usa, 1976, 16mm, 55’, bn/bw THE BLANK GENERATION regia, produttori/ directors, producers Amos Poe, Ivan Král interpreti/cast Patti Smith Group, Television, Ramones, Heartbreakers, Talking Heads, Blondie, Harry Toledo, Marbles, Tuff Darts, Wayne County, Miamis, Dolls, Shirts, Hilly Krystal Ivan Král (Praga, Cecoslovacchia, 1948) è un musicista, produttore, compositore di colonne sonore e regista. Con Amos Poe ha codiretto i documentari Night Lunch (1976) e The Blank Generation (1976). Oltre ad aver inciso dischi solisti, ha collaborato con artisti quali Patti Smith, Iggy Pop, John Cale, David Bowie, Pearl Jam e U2. Patti Smith Group, Television, Ramones, Heartbreakers, Talking Heads, Blondie sono alcuni tra i protagonisti più celebri dell’avanguardia musicale (ma non solo) che scuote la New York di metà anni Settanta. Una serie di gruppi ai quali, secondo alcuni, si deve l’invenzione del punk. Gravitano intorno al CBGB, storico locale situato sulla malfamata Bowery e culla di una nouvelle vague tossica e beffarda che farà proseliti in tutto il mondo. I registi underground Amos Poe e Ivan Král ne documentano le performance, portando sul grande schermo i sussulti che agitano le notti di una Grande mela apparentemente prossima al collasso, eppure mai così vitale. «La musica è una delle principali motivazioni che stanno alla base dei miei film, così come cercar di cambiare la cultura in cui viviamo è lo scopo primario per cui faccio cinema. Nel senso che, se non siamo noi a cambiare ciò che sta succedendo, chi ci penserà? Con The Blank Generation ho descritto qualcosa che stava succedendo dietro l’angolo, nel mio quartiere, mentre oggi novità di questo tipo sono molto diffuse ma meno intense». (A. Poe) ** The Patti Smith Group, Television, Ramones, Heartbreakers, Talking Heads, and Blondie are some of the most famous protagonists of the musical avant-garde (and more) which is shaking New York in the mid-’70s. A series of bands which, according to some, invented punk rock. They orbit around CBGB, a historical club located in the seamy Bowery neighborhood and the cradle of a toxic, mocking new wave which will find followers throughout the world. The underground directors Amos Poe and Ivan Král film their performances, bringing to the silver screen the shockwaves agitating the nights of the Big Apple, which seems on the verge of collapsing and yet has never been so dynamic. “Music is one of the primal motives behind my films, and that’s my primary motive in making movies, changing the culture that we live in. I mean if we don’t change what’s going on, then who will? With The Blank Generation, it was all happening around the corner, in the neighborhood, now it’s so much more widespread, but less intense.” (A. Poe) 234 SOMMARIO Amos Poe (Tel Aviv, Israele, 1950) è considerato uno dei fondatori del cinema No Wave. Tra i suoi film appartenenti a questo movimento, il documentario Night Lunch (coregia di Ivan Král, 1975), il suo primo lungometraggio Unmade Beds (1976), lo stesso The Blank Generation (1976), The Foreigner (1978) e Subway Rider (1981). Nel 1984 ha diretto Alphabet City, tuttora il suo film più celebre. I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Amos Poe (Tel Aviv, Israel, 1950) is considered one of the founders of No Wave Cinema. Films of his belonging to this movement include the documentary Night Lunch (co-directed with Ivan Král, 1975), his first feature film Unmade Beds (1976), The Blank Generation (1976), The Foreigner (1978) and Subway Rider (1981). In 1984 he directed Alphabet City, still his most famous movie. Ivan Král (Prague, Czechoslovakia, 1948) is a musician, producer, soundtrack composer and director. With Amos Poe he co-directed the documentaries Night Lunch (1976) and The Blank Generation (1976). He has cut solo records and has also collaborated with artists such as Patti Smith, Iggy Pop, John Cale, David Bowie, Pearl Jam and U2. filmografia/filmography Amos Poe: Unmade Beds (1976), The Foreigner (1978), Subway Rider (1981), Alphabet City (id., 1984), Triple Bogey on a Par Five Hole (1991), Dead Weekend (tv, 1995), Frogs for Snakes (Delitti d’autore, 1998), Just an American Boy (doc., 2003), Empire II (2007), La commedia di Amos Poe (2010), A Walk in the Park (doc., 2012), Happiness Is a Warm Gun (2015). Ivan Král: Iggy and the Stooges Live at Academy of Music New York City (cm, 2011). Amos Poe, Ivan Král: Night Lunch (doc., 1975), The Blank Generation (doc., 1976). I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK derek jarman JUBILEE Regno Unito/UK, 1978, 35mm, 106’, col. JUBILEE regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Derek Jarman fotografia/cinematography Peter Middleton montaggio/film editing Nick Barnard scenografia/ production design Mordecai Schreiber costumi/costume design Dave Henderson, Christopher Hobbs musica/music Brian Eno suono/sound John Hayes interpreti e personaggi/ cast and characters Jenny Runacrem (la regina Elisabetta I/Queen Elizabeth I-Bod), Nell Campbell (Crabs), Toyah Willcox (Mad), Jordan (Amyl Nitrite), Hermine Demoriane (Chaos), Ian Charleson (Angel), Karl Johnson (Sphinx), Richard O’Brien (John Dee), David Brandon (Ariel) coproduttori/coproducers Howard Malin, James Whaley coproduzione/coproduction Whaley-Malin Productions, Megalovision Nel 1578 la regina Elisabetta I chiede all’astrologo di corte John Dee di mostrarle il futuro della sua nazione. Con l’aiuto dell’angelo Ariel i due compiono un viaggio temporale di quattrocento anni. Ad attenderli il caos e l’anarchia: a Buckingham Palace si è insediato il magnate delle comunicazioni Borgia Ginz, l’abbazia di Westminster è diventata una discoteca, Londra è in mano a bande di teppisti. Come quella di Bod, a capo di una gang di freak e deviati. «Non c’è niente in The Last of England o in Jubilee che non possiate vedere intorno a voi. […] Per troppo tempo, negli anni Cinquanta e Sessanta, i laburisti si sono abbandonati al pragmatismo a breve scadenza; tutto quello a cui erano veramente interessati era rimanere al potere. Non c’è stata pianificazione sociale, non c’è stata convinzione, nessuna idea di direzione complessiva e certamente nessun interesse per la politica culturale. Così, i problemi che ci troviamo ad affrontare in questo momento nascono dai fallimenti della sinistra, esattamente come dai successi della destra». ** In 1578, Queen Elizabeth I asks her court astrologist John Dee to show her the future of her nation. With the help of the angel Ariel, the two go on a voyage four centuries into the future. Chaos and anarchy await them: the communications magnate Borgia Ginz has taken up residence in Buckingham Palace, Westminster Abbey has been turned into a discotheque, London is in the hands of hoodlums. Like Bod, who leads a gang of freaks and deviants. “There is nothing in The Last of England or in Jubilee which can’t be seen around us. […] For too long, during the 1950s and ’60s, the Labour party abandoned itself to short-term pragmatism; all they were really interested in was staying in power. There was no social planning, no conviction, no idea of an overall direction and certainly no interest in cultural policy. Thus, the problems we are dealing with now were generated by the failure of the left, just as much as by the success of the right.” 235 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Derek Jarman (Londra, Regno Unito, 1942 - Londra, Regno Unito, 1994) rappresenta una delle figure chiave della cultura GLBT del Novecento, sia da un punto vista artistico che militante. Dopo gli esordi come scenografo per Ken Russell sul set di I diavoli (1971), ha lavorato come regista di videoclip musicali, collaborando con band quali The Smiths, Throbbing Gristle e Pet Shop Boys. Parallelamente si è dedicato alla regia cinematografica dirigendo film acclamati e innovativi, quali Sebastiane (1976), Jubilee (1977), The Tempest (1979), Caravaggio (1986), The Last of England (1987), War Requiem (1989), The Garden (1990), Edoardo II (1991), Wittgenstein (1993) e Blue (1993), suo film-testamento. Derek Jarman (London, UK, 1942 London, UK, 1994) played an important role in the GLBT culture of the 20 century, both as an artist and activist. He began working as set designer for Ken Russell for The Devils (1971), and then directed several music videos for bands like The Smiths, Throbbing Gristle and Pet Shop Boys. At the same time, he directed many original and highly praised films, such as Sebastiane (1976), Jubilee (1977), The Tempest (1979), Caravaggio (1986), The Last of England (1987), War Requiem (1989), The Garden (1990), Edward II (1991), Wittgenstein (1993) and Blue (1993), his artistic testament. TH filmografia essenziale/ essential filmography Sebastiane (1976), Jubilee (1977), The Tempest (1979), In the Shadow of the Sun (1981), Jordan’s Wedding (cm, 1981), Pontormo and Punks at Santa Croce (cm, doc., 1982), The Dream Machine (cm, doc., 1983), Waiting for Waiting for Godot (cm, doc., 1983), B2 Tape (cm, doc., 1983), Imagining October (cm, 1984), The Angelic Conversation (1985), Caravaggio (1986), Pirate Tape (cm, 1986) The Queen Is Dead (videoclip, cm, 1987), Aria (coregia/codirectors aa.vv., ep. Depuis le jour, cm, 1987), The Last of England (1987), L’ispirazione (cm, 1988), War Requiem (1989), The Garden (1990), Edward II (Edoardo II, 1991), Wittgenstein (id., 1993), Blue (id., 1993). I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK allan arkush ROCK’N’ROLL HIGH SCHOOL Usa, 1979, 35mm, 93’, col. ROCK’N’ROLL HIGH SCHOOL regia/director Allan Arkush soggetto/story Allan Arkush, Joe Dante sceneggiatura/screenplay Richard Whitley, Russ Dvoch, Joseph McBride fotografia/cinematography Dean Cundey montaggio/film editing Larry Bock, Gail Werbin costumi/costume design Jack Buehler suono/sound Michael Moore interpreti e personaggi/ cast and characters P.J. Soles (Riff Randell), Vincent Van Patten (Tom Roberts), Clint Howard (Eaglebauer), Dey Young (Kate Rambeau), Mary Woronov (Evelyn Togar), Paul Bartel (Mr McGree), Ramones produttore/producer Michael Finnell produzione/production New World Pictures Agli alunni della Vince Lombardi High School interessa solo una cosa: il rock’n’roll. Lo sanno bene gli insegnanti, che cadono come mosche, vittime di continui esaurimenti nervosi. La nuova preside, la tirannica Miss Togar, sembra pronta a riportare l’ordine con ogni mezzo. Ma non ha fatto i conti con Riff Randell, la ragazza più scatenata e ribelle della scuola, che ha dalla sua degli alleati d’eccezione: nientemeno che i Ramones, pronti a portare il caos tra i banchi. «Sono stato influenzato da Animal House e, siccome era stato un grande successo, mi ha permesso di essere molto bizzarro. Un sacco delle situazioni presenti nel film, però, mi erano successe davvero alle superiori. Come ad esempio la matricola chiusa nell’armadietto: era una cosa che mi capitava spessissimo alla Fort Lee High School, nel New Jersey. Sognavo a occhi aperti che gli Yardbirds e i Rolling Stones venissero nella mia scuola per tenere un concerto. Inoltre mi immaginavo corse in moto su e giù per i corridoi. Il bagno dei maschi era sempre pieno di fumo, ma anche di pericoli». ** Some of the students at Vince Lombardi High School are interested in only one thing: rock’n’roll. The teachers are well aware of this and they drop like flies, victims of constant nervous breakdowns. The new principal, domineering Miss Togar, seems ready to do whatever it takes to reinstate order. But she hasn’t taken into account Riff Randell, the school’s wildest and most rebellious student, who can count on exceptional allies: none other than the Ramones, who are ready to bring chaos to the classroom. “I was influenced by Animal House a lot, and that success gave me the freedom to be outrageous. But a lot of the outrageous stuff in Rock’n’Roll High School was stuff that happened to me personally in high school. Like the freshman being shoved in the locker. That happened to me all the time at Fort Lee High School, in New Jersey. I used to daydream that the Yardbirds or the Rolling Stones would come to my school and play a concert. I also daydreamed about motorcycle races up and down the halls. The boys’ room was also always full of smoke, but it was also full of danger.” 236 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Allan Arkush (Jersey City, New Jersey, Usa, 1948) inizia a lavorare in ambito cinematografico a metà anni Settanta nella factory di Roger Corman, occupandosi della realizzazione dei trailer. Successivamente dirige film di culto come Hollywood Boulevard (1976), I gladiatori dell’anno 3000 (1978), Rock’n’Roll High School (1979), Heartbeeps (1981), candidato a un Oscar per il trucco, e Flippaut (1983). In seguito abbandona quasi del tutto il cinema, concentrandosi sulla televisione, dove lavora come regista e produttore, soprattutto di serie. Tra i serial più noti a cui ha collaborato, Ai confini della realtà, Saranno famosi, Avvocati a Los Angeles, Dawson’s Creek, Ally McBeal, Spie, Melrose Place e Heroes. Allan Arkush (Jersey City, NJ, USA, 1948) began working in film in the mid-1970s at Roger Corman’s factory, making trailers. He later directed cult films such as Hollywood Boulevard (1976); Deathsports (1978); Rock’n’Roll High School (1979); Heartbeeps (1981), nominated for an Oscar for Best Makeup; and Get Crazy (1983). He later abandoned cinema almost completely, concentrating on television, where he directed and produced shows, primarily TV series. Some of the best-known series he has collaborated on are The Twilight Zone, Fame, L.A. Law, Dawson’s Creek, Ally McBeal, Snoops, Melrose Place and Heroes. filmografia essenziale/ essential filmography Septuagenarian Substitute Ball (1970), Hollywood Boulevard (coregia/codirector Joe Dante, 1976), Deathsports (I gladiatori dell’anno 3000, coregia/codirector Henry Suso, 1978), Rock’n’Roll High School (1979), Heartbeeps (1981), Get Crazy (Flippaut, 1983), Caddyshack II (Due palle in buca, 1988). I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK penelope spheeris THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION Usa, 1981, 35mm, 100’, col. THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION regia, soggetto/ director, story Penelope Spheeris fotografia/cinematography Steve Conant montaggio/film editing Charlie Mullin suono/sound Alan Cutner interpreti/cast Alice Bag Band, Dinah Cancer, Catholic Discipline, Circle Jerks, Fear, Black Flag, X, The Germs, Frank Gargani, Bill Gazzarri, Michelle Baer Ghaffari, Jenny Lens, Nicole Panter, Roger Rogerson, Rick Schmidlin produttori/producers Jeff Prettyman, Penelope Spheeris produzione/production Spheeris Inc. Los Angeles, 1981. Un luogo di alienazione e miseria che diviene terreno fertile per la nascita e l’affermazione del punk rock, nato qualche anni prima sulla East Coast. Una manciata di band spericolate e folli che, nel pieno di una fioritura artistica con pochi precedenti, gettano le basi per generi e sottogeneri che faranno la storia. X, The Germs, Fear, Black Flag, Circle Jerks, Alice Bag Band e Catholic Discipline sono la punta di un iceberg, un’avanguardia in rotta di collisione con il mondo, sempre in bilico tra tragedia e sarcastica noncuranza. «Ai tempi il punk era un fenomeno nuovo a L.A. Probabilmente avevano già realizzato dei film sull’argomento in Inghilterra o a New York, ma qui no. Non disponevo di un archivio a cui attingere, ma di una compagnia di produzione, sì, e potevo usarne le attrezzature. Quindi facevo il mio lavoro, riprendendo band come gli Staples Singers, i Fletwood Mac o i Doobie Brothers, e poi andavo la sera in un club punk e utilizzavo lo stesso materiale di ripresa». ** Los Angeles, 1981. A place of alienation and misery which becomes fertile soil for the rise and affirmation of punk rock, which had been born a few years earlier on the East Cast. A handful of reckless and wild bands, in a flood tide of artistic flowering with few precedents, set the foundation for genres and sub-genres which would make history. X, The Germs, Fear, Black Flag, Circle Jerks, Alice Bag Band and Catholic Discipline are just the tip of the iceberg, an avant-garde on a collision course with the world, always toeing the line between tragedy and sarcastic disregard. “At that time, punk was so fresh in L.A. They may have been making films in England or New York, but there was really nothing here. I didn’t have a research bank I could tap into, but I had a film company, and I always had equipment checked out on the record company’s account. So I would go do my job and shoot the Staples Singers or Fleetwood Mac or the Doobie Brothers, and then I would go to a punk club at night and use the same equipment there.” 237 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Penelope Spheeris (New Orleans, Louisiana, Usa, 1945) ha studiato biologia presso la University of California e cinema e teatro presso la Ucla. Dopo aver lavorato in televisione, nel 1981 ha diretto il documentario sulla scena punk americana The Decline of Western Civilization, divenuto in breve tempo un film leggendario. Sono seguiti The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (1988), incentrato sulla scena glam ed heavy metal losangelina e The Decline of Western Civilization Part III (1998), in cui è tornata a interessarsi di punk rock. Parallelamente ha diretto i cult movie Suburbia (1983) e Fusi di testa (1992) e un buon numero di commedie, tra cui A Beverly Hills… signori si diventa (1993), Piccole canaglie (1994), La pecora nera (1996) ed Effetti collaterali (1998). Penelope Spheeris (New Orleans, LA, USA, 1945) studied biology at the University of California and film and theatre at UCLA. After working in television, she directed a documentary about the American punk scene, The Decline of Western Civilization, in 1981, which soon became legendary. It was followed by The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (1988), focusing on L.A.’s glam and heavy metal scene; and The Decline of Western Civilization Part III (1998), in which her interest returns to punk rock. At the same time, she directed the cult movies Suburbia (1983) and Wayne’s World (1992), and a good many comedies, including The Beverly Hillbillies (1993), The Little Rascals (1994), Black Sheep (1996) and Senseless (1998). filmografia essenziale/ essential filmography The Decline of Western Civilization (doc., 1981), Suburbia (id., 1983), The Boys Next Door (I ragazzi della porta accanto, 1985), Hollywood Vice Squad (id., 1986), Dudes (Dudes, diciottenni arrabbiati, 1987), The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (doc., 1988), Wayne’s World (Fusi di testa, 1992), The Decline of Western Civilization Part III (doc., 1998), The Beverly Hillbillies (A Beverly Hills… signori si diventa, 1993), The Little Rascals (Piccole canaglie, 1994), Black Sheep (La pecora nera, 1996), Senseless (Effetti collaterali, 1998). I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK penelope spheeris SUBURBIA Usa, 1983, 35mm, 94’, col. SUBURBIA regia, soggetto, sceneggiatura/director, story, screenplay Penelope Spheeris fotografia/cinematography Tim Suhrstedt montaggio/film editing Ross Albert, Michael Oleksinski costumi/costume design Dana Lyman musica/music Alex Gibson suono/sound Troy Porter interpreti e personaggi/ cast and characters Chris Pedersen (Jack Diddley), Bill Coyne (Evan Johnson), Jennifer Clay (Sheila), Timothy O’Brien (Skinner), Wade Walston (Joe Schmo), Flea (Razzle), Maggie Ehrig (Maggie), Grat Miner (Keef), Christina Beck (T’resa), Andrew Pece (Ethan Johnson), DI, T.S.O.L., The Vandals produttori/producers Bert L. Dragin, Roger Corman produzione/production Suburbia Productions Un gruppo di adolescenti in fuga occupa alcune case abbandonate in un quartiere di Los Angeles. Ad accomunarli un presente fatto di abusi, assenza di affetti e prospettive per il futuro, oltre al bisogno di avere una propria famiglia in cui rifugiarsi ed essere al sicuro. A fare da collante l’amore per il punk rock, che diviene per loro valvola di sfogo e ambito di socializzazione. Ma devono fare i conti con i vicini di casa middle cass, che non li vedono di buon occhio, considerandoli criminali sbandati. E, in un crescendo di tensioni, la tragedia finale sarà purtroppo inevitabile. «Ho deciso di scrivere un soggetto di finzione sulla falsariga di un documentario: così è nato Suburbia. Un sacco di storie che ho raccolto sono vere o, comunque, derivano dalla realtà. Non ho ottenuto una grossa distribuzione. È strano perché come film è durato nel tempo e piace ancora. E molto. Parlando di Suburbia o del primo Decline, la gente mi dice: “Quei film mi hanno cambiato la vita”. Proprio così. Questo è ciò che m’importa». ** A group of runaway teenagers occupy some abandoned houses in a Los Angeles neighborhood. What they have in common are life experiences of abuse, lack of affection, and no prospects for the future. But they also share a need for a true family where they can take refuge and feel safe. Their bond is punk rock, which becomes their safety valve and milieu for socializing. But they have to come to terms with their middle class neighbors, who don’t take kindly to them and consider them lowlife criminals. In a crescendo of tension, the tragic finale is inevitable. “I decided to write a fiction piece in the same vein as the documentaries and that’s where Suburbia came from. And a lot of the stories that are laid out in there are true, or a derivation of truth, anyway. It didn’t really get much of a release. It’s weird because it had a lasting power, and people still like Suburbia too. A lot. Between Suburbia and the first Decline, people say: ‘Those movies changed my life.’ So. That’s what’s cool.” 238 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Penelope Spheeris (New Orleans, Louisiana, Usa, 1945) ha studiato biologia presso la University of California e cinema e teatro presso la Ucla. Dopo aver lavorato in televisione, nel 1981 ha diretto il documentario sulla scena punk americana The Decline of Western Civilization, divenuto in breve tempo un film leggendario. Sono seguiti The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (1988), incentrato sulla scena glam ed heavy metal losangelina, e The Decline of Western Civilization Part III (1998), in cui è tornata a interessarsi di punk rock. Parallelamente ha diretto i cult movie Suburbia (1983) e Fusi di testa (1992) e un buon numero di commedie, tra cui A Beverly Hills… signori si diventa (1993), Piccole canaglie (1994), La pecora nera (1996) ed Effetti collaterali (1998). Penelope Spheeris (New Orleans, LA, USA, 1945) studied biology at the University of California and film and theatre at UCLA. After working in television, she directed a documentary about the American punk scene, The Decline of Western Civilization in 1981, which soon became legendary. It was followed by The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (1988), focusing on L.A.’s glam and heavy metal scene; and The Decline of Western Civilization Part III (1998), in which her interest returns to punk rock. At the same time, she directed the cult movies Suburbia (1983) and Wayne’s World (1992), and a many comedies, including The Beverly Hillbillies (1993), The Little Rascals (1994), Black Sheep (1996) and Senseless (1998). filmografia essenziale/ essential filmography The Decline of Western Civilization (doc., 1981), Suburbia (id., 1983), The Boys Next Door (I ragazzi della porta accanto, 1985), Hollywood Vice Squad (id., 1986), Dudes (Dudes, diciottenni arrabbiati, 1987), The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (doc., 1988), Wayne’s World (Fusi di testa, 1992), The Decline of Western Civilization Part III (doc., 1998), The Beverly Hillbillies (A Beverly Hills… signori si diventa, 1993), The Little Rascals (Piccole canaglie, 1994), Black Sheep (La pecora nera, 1996), Senseless (Effetti collaterali, 1998). I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK dan o’bannon THE RETURN OF THE LIVING DEAD Usa, 1985, 35mm, 91’, col. IL RITORNO DEI MORTI VIVENTI regia, sceneggiatura/ director, screenplay Dan O’Bannon soggetto/story Rudy Ricci, John A. Russo, Russell Streiner fotografia/cinematography Jules Brenner montaggio/film editing Robert Gordon scenografia/ production design William Stout musica/music Matt Clifford suono/sound Stanley B. Gill interpreti e personaggi/ cast and characters Clu Gulager (Burt), James Karen (Frank), Don Calfa (Ernie), Thom Mathews (Freddy), Beverly Randolph (Tina), John Philbin (Chuck), Jewel Shepard (Casey), Miguel Nunez (Spider), Brian Peck (Scuz), Linnea Quigley (Trash) produttore/producer Tom Fox produzione/production Hemdale, Fox Films, Greenberg Brothers Partnership coproduttore/coproducer Graham Henderson Il giovane Freddy ha trovato lavoro presso la Uneeda, società che trasporta cadaveri a uso scientifico. Come gli spiega un collega più anziano, la ditta è invischiata in affari poco chiari con l’esercito, che le ha affidato i corpi di alcuni morti tornati in vita una ventina di anni prima, a causa di un misterioso gas tossico di cui, nel seminterrato, esistono ancora dei barili. Quando si verifica l’inevitabile fuga della sostanza, i cadaveri conservati alla Uneeda tornano ancora una volta in vita, così come le salme del vicino cimitero, sotto forma di zombie assetati di sangue. La stessa sorte toccherà a Freddy e ai suoi amici punk rockers accorsi ad aiutarlo, in un’apocalisse di corpi putrescenti e interiora divorate. «Quando ho diretto Il ritorno dei morti viventi non sapevo cosa diavolo stessi facendo. È stato il primo film che ho girato ufficialmente. […] Il ritorno è stata una vera e propria scuola che mi ha insegnato come non fare un film e come non gestire una troupe. Finché non mi è capitato di ripensare all’intero processo, non mi è sembrato nemmeno di aver curato una regia». ** Young Freddy just started working for Uneeda, a company that transports cadavers for scientific purposes. According to an older colleague, the company is embroiled in a series of shady deals with the military. Like those bodies the army gave them twenty years ago that came back to life after being exposed to a mysterious toxic gas. There are still barrels of the substance in the basement. And when the inevitable leak happens, the corpses stored at Uneeda and the bodies buried in the cemetery next door come back to life, turning into blood-thirsty zombies. The same fate awaits Freddy and his punk rock friends who came to his rescue in this apocalypse of putrefying bodies and devoured entrails. “When I directed The Return of the Living Dead, I didn’t know what the hell I was doing. It was the first film that I ever officially directed. […] So Return to me was a real education in how not to direct a movie, how not to manage other people. And I wouldn’t even consider it directing until I rethought the entire process.” 239 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Dan O’Bannon (Saint Louis, Kentucky, Usa, 1946 - Los Angeles, California, Usa, 2007) è stato soprattutto uno sceneggiatore, a cominciare dallo script di Dark Star (1974), primo cortometraggio di John Carpenter, destinato poi a diventare anche un lungo, scritto insieme al regista. In seguito ha collaborato con altri registi come Ridley Scott (Alien, 1979), John Badham (Tuono blu, 1983), Tobe Hopper (Space Vampires, 1985, e Invaders, 1986) e Paul Verhoeven (Atto di forza, 1990). Come regista ha debuttato nel 1969 con il cortometraggio Blood Bath, a cui sono seguiti solamente altri due film, Il ritorno dei morti viventi (1985), divenuto in poco tempo una pellicola di culto, e The Resurrected (1991). Dan O’Bannon (Saint Louis, KY, USA, 1946 - Los Angeles, CA, USA, 2007) was especially known for his writing. He started with John Carpenter’s first short Dark Star (1974), which they then wrote into the full-length feature. He worked with other directors, the likes of Ridley Scott (Alien, 1979), John Badham (Blue Thunder, 1983), Tobe Hopper (Space Vampires, 1985, and Invaders from Mars, 1986) and Paul Verhoeven (Total Recall, 1990). As a director, he made his first short Blood Bath in 1969, followed by just two more features: The Return of the Living Dead (1985), which quickly became a cult film, and The Resurrected (1991). filmografia/filmography Blood Bath (cm, 1969), The Return of the Living Dead (Il ritorno dei morti viventi, 1985), The Resurrected (1991). I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK alex cox SID & NANCY Regno Unito/UK, 1986, 35mm, 112’, col. SID & NANCY regia/director Alex Cox sceneggiatura/screenplay Alex Cox, Abbe Wool fotografia/cinematography Roger Deakins montaggio/film editing David Martin scenografia/ production design Linda Burbank, J. Rae Fox, Andrew McAlpine costumi/costume design Catherine Cook musica/music Dan Wool suono/sound Scott Jacobs interpreti e personaggi/ cast and characters Gary Oldman (Sid Vicious), Chloe Webb (Nancy Spungen), David Hayman (Malcolm), Debby Bishop (Phoebe), Andrew Schoefield (John), Xander Berkeley (Bowery Snax), Perry Benson (Paul), Tony London (Steve) produttore/producer Ed Fellner produzione/production Initial Pictures, U.K. Productions Entity, Zenith Entertainment coproduttore/coproducer Peter McCarthy La tragica storia d’amore tra Sid Vicious, iconico bassista dei Sex Pistols, e Nancy Spungen, groupie americana. Un amour fou iniziato a Londra, quando la band di Sid è capofila della ribellione punk che sta incendiando il Regno Unito. Per i due innamorarsi è un attimo e divengono inseparabili compagni di eccessi. Come ad esempio durante il tour negli Stati Uniti del 1978, che di lì a poco avrebbe segnato la fine dei Sex Pistols. Trasferitisi a New York, Sid e Nancy conducono un’esistenza randagia, segnata dall’eroina e da frequenti litigi. Durante l’ennesima lite Sid accoltella a morte Nancy e poco tempo dopo muore di overdose. «Prima dell’inizio delle riprese non abbiamo fatto molto prove. […] Ci siamo ritrovati intorno a un tavolo e abbiamo letto il copione; avremmo fatto le prove non appena il set fosse stato disponibile, lasciandoci influenzare dalla situazione. Per il cast [la sfida più grande] era quella di ricreare i personaggi in modo vero e credibile, e per la troupe aiutarli in questo compito e riprenderli giorno dopo giorno». ** The tragic love story between Sid Vicious, iconic bassist of the Sex Pistols, and Nancy Spungen, an American groupie. Their crazy love story started in London, when Sid’s band was on the forefront of the punk rebellion that was setting the United Kingdom ablaze. They instantly fall in love and become inseparable partners, also in their excesses. Like during the 1978 tour in the Unites States, which ended with the band breaking up. Sid and Nancy moved to New York, living like strays, doing heroin, and fighting frequently. During yet another fight, Sid stabs Nancy to death and overdoses shortly thereafter. “We actually didn’t do much in the way of rehearsal prior to filming. […] We had a table reading of the script and then usually we’d rehearse as soon as we got to the set and take it from there. For the cast, [the greatest challenge] was to recreate their characters vividly and credibly, and for the crew it was to facilitate and record it, on a daily basis.” 240 SOMMARIO I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK Alex Cox (Liverpool, Regno Unito, 1954) ha studiato regia alla Bristol University e alla Ucla, dopo aver lasciato la facoltà di legge di Oxford. Nel 1980 ha diretto il suo primo cortometraggio, Sleep Is for Sissies, e quattro anni dopo ha esordito nel lungometraggio con Repo Man - Il recuperatore, dramma fantascientifico che, come il successivo western Dritti all’inferno (1986) e il biografico Sid & Nancy (1986), ha contribuito a forgiare la sua immagine di regista di culto. In seguito ha diretto, tra gli altri film, Walker - Una storia vera (1987), con cui ha partecipato in concorso alla Berlinale, Il vincitore (1996), Revengers Tragedy (2002), selezionato in concorso a Locarno, e Searchers 2.0 (2007), presentato nella sezione Orizzonti della Mostra di Venezia. Alex Cox (Liverpool, UK, 1954) studied filmmaking at Bristol University and UCLA after dropping out of Oxford’s Law School. He made his first short, Sleep Is for Sissies, in 1980. Four years later, he directed his debut feature, Repo Man (1984), a sci-fi drama. His next movies, the western Straight to Hell (1986) and the biographic Sid & Nancy (1986) also contributed to forging his image as a cult director. He directed several more films, including Walker (1987), which competed at the Berlinale, The Winner (1996), Revengers Tragedy (2002), which was selected in Locarno, and Searchers 2.0 (2007), which was presented in the Orizzonti section of the Venice Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Repo Man (Repo Man - Il recuperatore, 1984), Straight to Hell (Dritti all’inferno, 1986), Sid & Nancy (id., 1986), Walker (Walker - Una storia vera, 1987), El patrullero (1991), The Winner (Il vincitore, 1996), Three Businessmen (1998), Revengers Tragedy (2002), Searchers 2.0 (id., 2007), Repo Chick (2009), Straight to Hell Returns (2010), Bill the Galactic Hero (2014). TORINO SHORT FILM MARKET Torino Short Film Market DI JACOPO CHESSA «Comprare è molto più americano di pensare e io sono molto americano». Andy Warhol Da quando dirigo il Centro nazionale del cortometraggio – meno di tre anni – ogni volta che mi capita di parlare di «mercato del cortometraggio» suscito reazioni contrastanti. Da un lato l’entusiasmo di chi, produttore o distributore del formato breve, è alla ricerca di spazi e momenti deputati alla vendita e alla costruzione di progetti produttivi; dall’altro lo scetticismo di chi mi oppone una cruda verità, che cioè il mercato del cortometraggio, molto semplicemente, non esiste. Posso dire che il Torino Short Film Market nasce per andare incontro ai primi e per deludere i secondi. Facciamo un piccolo passo indietro e cerchiamo di intenderci su cosa significhi «mercato del corto». Per chi scrive, essenzialmente due cose: da un lato il momento economico, che prevede compravendita, coproduzione, chiusura di accordi; dall’altro il momento di scoperta, di incontro, che è invece corollario all’evento festivaliero, una sorta di suo approfondimento. Possiamo dire che in Italia non esista, attualmente, un mercato del corto né del primo né del secondo tipo. Sono sempre di più i tentativi di aprire le kermesse di corti a eventi industry, invitando produttori, distributori, programmers stranieri e buyers, per arricchirne i cartelloni e, soprattutto, per permettere ai – quasi sempre giovani – cortisti di entrare in contatto con potenziali partner di vario genere. In ogni Paese d’Europa esiste un festival di corti di riferimento, con un mercato a esso collegato. In certi casi anche più di uno. E questa non è la solita geremiade anti-italiana, ma la constatazione che in Italia è il momento di aprire uno spazio che troppo a lungo è stato chiuso. Il Torino Short Film Market nasce su queste basi. Organizzato dal Centro nazionale del cortometraggio, in collaborazione con il Museo nazionale del cinema e il Torino Film Festival, con il sostegno della Film Commission Torino Piemonte, è uno spazio di incontri, di scambio, di sviluppo. Ambisce a essere la conferma dell’esistente, cioè della vitalità degli scambi legati alla forma breve, e una scommessa sul futuro: il corto, oggi più che mai, ci porta anche altrove. 241 SOMMARIO TORINO SHORT FILM MARKET In occasione di questa prima edizione del Torino Short Film Market, il Torino Film Festival ha aperto una finestra sul cortometraggio internazionale, ormai chiusa da un paio d’anni. Non competitiva, per quest’anno, la sezione ha per titolo All you need is short ed è ospitata dal Festival e curata dai programmer del market, Massimiliano Nardulli ed Enrico Vannucci. Una piccola vetrina in grado di restituire la vitalità internazionale che attraversa il mondo del corto nel 2016. TORINO SHORT FILM MARKET Torino Short Film Market BY JACOPO CHESSA “Buying is much more American than thinking and I am very American.” Andy Warhol Ever since I began directing the Italian Short Film Center – less than three years ago – each time I talk about the “short film market” I get contrasting reactions. On the one hand, the enthusiasm of those who produce or distribute the short film format and are in search of spaces and moments dedicated to the sale and the realization of production projects; on the other hand, the skepticism of those who rebut with a brutal truth, that, quite simply, the short film market doesn’t exist. I say that the Torino Short Film Market has been created to foster the former and disappoint the latter. Let’s take a small step back and try to agree on just what the “short film market” means. To me, it basically means two things: on the one side, the economic moment which envisages buying and selling, coproduction, signed agreements; on the other hand, the moment of discovery, of encounter, which is instead a sort of in-depth consequence of the festival itself. We can say that, at present, Italy does not have a short film market, neither of the first kind, nor of the second. There are increasingly more attempts to open the short film kermis to industry events by inviting producers, distributors, foreign programmers and buyers, in order to enhance the lineup and, above all, to permit short film makers – who are almost always young – to come into contact with potential partners of various types. Every country in Europe has a short film festival of reference, with its related market. In some cases, even more than one. And this isn’t the standard anti-Italian jeremiad, but an acknowledgment that the time has come to open a space in Italy that has been closed for too long. The Torino Short Film Market was born from this premise. Organized at the Italian Short Film Center, in collaboration with the National Cinema Museum and the Torino Film Festival, and with the support of the Film Commission Torino Piemonte, it is a space for encounters, exchanges, development. It aims to be a confirmation of something which already exists – the vitality of exchanges regarding the short format – and a gamble on the future: today, more than ever, the short film also takes us elsewhere. 242 SOMMARIO TORINO SHORT FILM MARKET On the occasion of this first edition of the Torino Short Film Market, the Torino Film Festival has reopened a window on international short films which had been closed a few years back. This year, the section entitled All You Need Is Short is non-competitive; it is hosted by the Festival and curated by the market programmers, Massimiliano Nardulli and Enrico Vannucci. A small showcase able to render the international vitality that is traversing the world of short films in 2016. TORINO SHORT FILM MARKET All You Need Is Short Selezione di corti internazionali inediti in Italia/ A selection of international and unreleased shorts LA DISCO RESPLANDECE Spagna-Turchia/Spain-Turkey, 2016, 12’, col. regia/director Chema Garcia Ibarra ** contatti/contacts NUESTRA AMIGA LA LUNA [email protected] Spagna/Spain, 2016, 15’, col. FATIMA MARIE TORRES AND THE INVASION OF THE SPACE SHUTTLE PINAS 25 Filippine/Philippines, 2016, 18’, col. regia/director Carlo Francisco Manatad regia/director Velasco Broca ** contatti/contacts ** contatti/contacts [email protected] [email protected] SCRIS/NESCRIS Romania, 2016, 19’, col. MALE H Serbia-Montenegro, 2016, 20’, bn/bw regia/director Ivan Bakrać ** contatti/contacts [email protected] regia/director Adrian Silisteanu ** contatti/contacts [email protected] 243 SOMMARIO TORINO SHORT FILM MARKET SOMMARIO INDICI/INDEX SOMMARIO Indice dei film/ Index to films 246 Indice dei registi/ Index to directors 249 Indice dei film per nazione/ Index to films by countries 252 Indice dei film/ Index to films A Absolutely Fabulous: The Movie, 28 Ab Urbe Coacta, 131 Acción mutante, 225 Alchemist Cookbook, The, 99 Alice’s Restaurant, 89 Amours de la pieuvre, Les, 145 Animal político, 100 Anticipation, ou l’amour en l’an 2000, 219 Antiporno, 101 Apprentice, 202 A pugni chiusi, 132 Arbalest, The, 102 Arbeiter Verlassen die Fabrik - Workers Leaving the Factory, 195 Artificial Intelligence: AI, 227 Attaque, 120 Auge/Maschine II - Eye/Machine II, 197 Ausdruck der Hände, Der - The Expression of Hands, 196 Author: The JT LeRoy Story, 139 Avant les rues, 2 Avenir, L’, 29 B Batoru Rowaiaru - Battle Royale, 226 Belle prove, Le, 82 Bezbog - Godless, 203 Between Us, 30 Bilder der Welt und Inschrift des Krieges - Images of the World and the Inscription of War, 195 Bitter Story, A, 133 Blank Generation, The, 234 Bleed for This, 31 Blow-Up, 90 Boi, Song of a Wanderer, 121 Borra todo lo che dija del amor porque no sabía bien quién era, 122 Boy and His Dog, A, 221 246 SOMMARIO INDICI/ INDEX C Câini - Dogs, 204 Challenge, The, 186 Chi mi ha incontrato, non mi ha visto, 103 Christine, 3 Colossale sentimento, 140 Crackup at the Race Riots, A, 170 D Daap Hyut Cam Mui - Port of Call, 20 Daguerrotype - The Woman in the Silver Plate, 171 Deadweight, 205 Deang - Ta’ang, 141 Decentes, Los, 4 Decline of Western Civilization, The, 237 Deer Hunter, The, 72 Demon Seed, 223 Dernier combat, Le, 224 Derniers parisiens, Les, 5 Diario Blu(e), 146 Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival, 147 Duilian, 187 E Eclisse senza cielo, 172 Économie du couple, L’, 32 Ein Bild - An Image, 194 Elle, 33 Ernste Spiele I: Watson ist Hin - Serious Games I: Watson Is Down, 199 Ernste Spiele II: Drei Tot - Serious Games II: Three Dead, 199 Eshtebak - Clash, 34 Ex voto, 154 Exit/Entry, 173 F Fantasmata planiountai pano apo tin Evropi - Spectres Are Haunting Europe, 123 Felicità umana, La, 35 Femme aux cent visages, La, 142 Figli della notte, I, 6 Fils de Jean, Le, 36 Fils de Joseph, Le, 174 Finestra, La, 84 Fixeur, 37 Free Fire, 38 Free State of Jones, 39 Futuro di Era, Il, 155 G Gegen-Musik - Counter-Music, 198 Getraumten, Die - The Dreamed Ones, 148 Giovanna, 85 Gipo, lo zingaro di Barriera, 68 Giuseppe Verdi, 79 Glen and Randa, 220 Go Home, 206 Goksung - The Wailing, 104 H Havarie, 124 Hele sa hiwagang hapis - A Lullaby to the Sorrowful Mystery, 40 Hidden Photos, 134 Hunchback, The, 188 Hymyilevä mies - The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, 41 I Ich Glaubte Gefangene zu Sehen I Thought I Was Seeing Convicts, 197 If…., 91 Ikarie XB 1 - Voyage to the End of the Universe, 219 Ilegitim - Illegitimate, 42 Inferno, Un, 156 In punto di morte, 75 In tempo per modifiche temporali, 157 Intolerance, 76 247 SOMMARIO M Manazil bela abwab - Houses Without Doors, 126 Maquinaria Panamericana, 11 Marie et les naufragés, 49 Ma’ Rosa, 48 Maschera del demonio, La, 108 Mazzamma, ’A, 160 Me’ever laharim vehagvaot - Beyond the Mountains and Hills, 175 Mécanique de l’ombre, La, 12 Mercenaire, 50 Merry Christmas Mr Lawrence, 71 1984, 224 Moo Ya, 135 Morris from America, 51 Mort en direct, La, 223 Mr Freedom, 220 Muito Romântico, 176 Mussolinia di Sardegna, 78 J Jetée, La, 218 Juan Zeng Zhe - The Donor, 8 Jubilee, 235 Jules et Jim, 92 N Nana, 127 Nastassia, 83 Nave delle donne maledette, La, 80 Nessuno ci può giudicare, 52 Nicht Löschbares Feuer Inextinguishable Fire, 194 Nirvana, 225 Nome di battaglia donna, 53 Notturno, 161 Nuova Zita, 162 Nuovo mondo, Il, 218 Nyai - A Woman from Java, 177 K Kate Plays Christine, 43 Kazarken, 125 King Cobra, 105 O Omor shakhsiya - Personal Affairs, 54 Onikuma, 163 Operation Avalanche, 109 INDICI/ INDEX L Lady Macbeth, 9 Lao Shi - Old Stone, 44 Last Night, 226 Last Ship, 158 Lavender, 106 Lindas, Las, 10 Lingua dei furfanti, La, 45 Littoria, 77 Live Cargo, 46 Loi de la jungle, La, 47 Lontano Ovest, 159 Love Witch, The, 107 O Ornitólogo, O, 178 Out of Love, 207 Out There, 179 P Palombella rossa, 81 Panke, 180 Parc, Le, 181 Parenti tutti, I, 73 Parle-moi encore, 143 Polaarpoiss - The Polar Boy, 208 Porto, 13 Pro loco, 136 Pseudo Secular, 182 Pyromanen - Pyromaniac, 110 Q Quiet Passion, A, 55 R Raman Raghav 2.0 - Psycho Raman, 56 Rat Film, 128 Redenzione, 164 Reise mit Vater, Die - That Trip We Took with Dad, 209 Rester vertical, 57 Return of the Living Dead, The, 239 Roberto Bolle. L’Arte della Danza, 58 Rock’n’Roll High School, 236 Rollerball, 222 Romeo and Juliet, 59 S Sadako Vs Kayako, 111 Sadie, 69 Safe Neighborhood, 112 Sam Was Here, 113 Sarah Winchester, Opéra fantôme, 183 Saro, 137 Schnittstelle - Interface, 196 #Screamers, 98 Sid & Nancy, 240 Slam - Tutto per una ragazza, 60 Sleeper, 221 Smrt u Sarajevu - Death in Sarajevo, 61 Sol negro, 129 248 SOMMARIO INDICI/ INDEX Sono Guido e non Guido, 62 Stepford Wives, The, 222 Strawberry Statement, The, 93 Studio, 165 Suburbia, 238 Suitcase of Love and Shame, 149 Sully, 63 Suntan, 64 T TanjaTales, 166 Tchekhov à Beyrouth, 130 Terceiro Andar, 150 Thala mon amour, 210 Together for Ever, 211 Tombé du ciel, 212 Transfiguration, The, 114 Turn Left Turn Right, 14 U Última tierra, La, 213 Unmögliche Bild, Das - The Impossible Picture, 184 V Vetar - Wind, 15 Vies de Thérèse, Les, 151 Ville engloutie, La, 138 Voce del verbo morire, 74 Voyage au Groenland, Le, 65 W War on Everyone, 66 We Make Couples, 152 Wexford Plaza, 67 Where the Sidewalk Ends, 86 Wind, 19 Wir Sind die Flut - We Are the Tide, 16 Wrong Elements, 144 Y Yoga Hosers, 115 Z Z, 70 Zur Bauweise des Films bei Griffith - On Construction of Griffith’s Films, 198 Indice dei registi/ Index to directors A Gabriel Abrantes, 188 Paloma Aguilera Valdebenito, 207 Woody Allen, 221 Yuri Ancarani, 186 Lindsay Anderson, 91 Theo Anthony, 128 Michelangelo Antonioni, 90 Allan Arkush, 236 Enrico Maria Artale, 137 Anu Aun, 208 B Mario Bava, 108 Ruth Beckermann, 148 Luc Besson, 224 Sébastien Betbeder, 49, 65 Clemente Bicocchi, 161 Bruno Bigoni, 103 Anna Biller, 107 Wang Bing, 143 Bertrand Bonello, 183 Francesca Bono, 133 Junfeng Boo, 202 Anne Marie Borsboom, 121 Mohamed «Hamé» Bourokba, 5 Kenneth Branagh, 59 Alessandro Maria Buonomo, 62 C Donald Cammell, 223 Antonio Campos, 3 Matteo Canetta, 164 Alessandro Castelletto, 68 Carlos Chahine, 130 Wissam Charaf, 212 Jihane Chouaib, 206 Michael Cimino, 72 Alex Cox, 240 D Terence Davies, 55 Luciana Decker, 127 Álex de la Iglesia, 225 Steve Della Casa, 52 Joaquín del Paso, 11 Christophe Deroo, 113 Pierpaolo De Sanctis, 132 249 SOMMARIO INDICI/ INDEX Andrea De Sica, 6 Mohamed Diab, 34 Lav Diaz, 40 Antonio Di Biase, 162 Gabriele Di Munzio, 166 Ennio Eduardo Donato, 160 Francesco Dongiovanni, 165 Tamara Drakulić, 15 Melissa Dullius, 176 Güldem Durmaz, 125 E Clint Eastwood, 63 F Jean-Paul Fargier, 142 Harun Farocki, 194-199 Fabrizio Ferraro, 140 Jeff Feuerzeig, 139 Luciana Fina, 150 Mandie Fletcher, 28 Bryan Forbes, 222 Alejo Franzetti, 180 Kinji Fukasaku, 226 Luis Fulvio, 155 G Leo Gabin, 170, 173 Paola Gandolfi, 157 Fabio Garriba, 73 Mario Garriba, 74, 75 Ed Gass-Donnelly, 106 Costa-Gavras, 70 Niki Giannari, 123 Jane Gillooly, 149 Jean-Luc Godard, 218, 219 Craig Goodwill, 69 Eugène Green, 174 Robert Greene, 43 D.W. Griffith, 76 Davide Grotta, 134 Alain Guiraudie, 57 Fernando Guzzoni, 7 H Stuart Hagmann, 93 Maha Haj, 54 Geneviève Hamon, 145 H Mia Hansen-Løve, 29 Carmit Harash, 120 Chad Hartigan, 51 Sebastian Hilger, 16 Mehdi Hmili, 210 Mike Hoolboom, 152 Rita Hui Nga Shu, 182 Laura Huertas Millán, 129 I Rafael Palacio Illingworth, 30 Takehiro Ito, 179 J Gustavo Jahn, 176 Derek Jarman, 235 Norman Jewison, 222 Matt Johnson, 109 L.Q. Jones, 221 K Avo Kaprealian, 126 Anurag Kashyap, 56 Justin Kelly, 105 William Klein, 220 Gabe Klinger, 13 Axel Koenzen, 205 Eran Kolirin, 175 Maria Kourkouta, 123 Ivan Král, 234 Thomas Kruithof, 12 Juho Kuosmanen, 41 Kiyoshi Kurosawa, 171 L Ekoué Labitey, 5 Joachim Lafosse, 32 Pablo Lamar, 213 Anca Miruna Lăzărescu, 209 Chloé Leriche, 2 Melisa Liebenthal, 10 Sébastien Lifschitz, 151 Philippe Lioret, 36 Tommaso Lipari, 136 Jonathan Littell, 144 Lina Lužytė, 211 M Johnny Ma, 44 Damien Manivel, 181 Chris Marker, 218 Raffaello Matarazzo, 77-80 250 SOMMARIO INDICI/ INDEX Jim McBride, 220 John Michael McDonagh, 66 Don McKellar, 226 Brillante Ma Mendoza, 48 Bogdan Mirică, 204 Andrea Molaioli, 60 Nanni Moretti, 81 Francesco Munzi, 83 N Na Hong-Jin, 104 Garin Nugroho, 177 O Dan O’Bannon, 239 William Oldroyd, 9 Michael O’Shea, 114 Nagisa Oshima, 71 P Jean Painlevé, 145 Argyris Papadimitropoulos, 64 Fabrizio Paterniti Martello, 154 Chris Peckover, 112 Francesca Pedroni, 58 Arthur Penn, 89 Antonin Peretjatko, 47 Silvia Perra, 84 Ralitza Petrova, 203 Guillermina Pico, 122 Adam Pinney, 102 Amos Poe, 232 Jindřich Polák, 219 Jean-Daniel Pollet, 141 Gillo Pontecorvo, 85 Joel Potrykus, 99 Otto Preminger, 86 R Titta Cosetta Raccagni, 146 Michael Radford, 224 Daniele Ragusa, 158 Lukas Valenta Rinner, 4 Ben Rivers, 188 João Pedro Rodrigues, 178 Dean Matthew Ronalds, 98 Chiara Ronchini, 52 Gary Ross, 39 Mauro Ruvolo, 131 S Camilla Salvatore, 156 Gabriele Salvatores, 225 Logan Sandler, 46 Philip Scheffner, 124 Carlo Michele Schirinzi, 172 Daniele Segre, 53 Francesco Selvi, 159 Doug Seok, 14 Elisabetta Sgarbi, 45 Kōji Shiraishi, 111 Adrian Sitaru, 37, 42 Erik Skjoldbjærg, 110 Kevin Smith, 115 Sion Sono, 101 Penelope Spheeris, 237, 238 Steven Spielberg, 227 T Danis Tanović, 61 Bertrand Tavernier, 223 Fabrizio Terranova, 147 Tião, 100 Filippo Ticozzi, 135 Saw Tiong Guan, 19 François Truffaut, 92 Wu Tsang, 187 V Paul Verhoeven, 33 W Ben Wheatley, 38 Sacha Wolff, 50 Sandra Wollner, 184 Joyce Wong, 67 Y Ben Younger, 31 Philip Yung, 20 Z Maurizio Zaccaro, 35 Gianni Zanasi, 82 Qiwu Zang, 8 ZimmerFrei, 138 251 SOMMARIO INDICI/ INDEX Indice dei film per nazione/ Index to films by countries Algeria Z, 70 Burkina Faso Panke, 180 Argentina Borra todo lo che dija del amor porque no sabía bien quién era, 122 Decentes, Los, 4 Lindas, Las, 10 Cambogia/Cambodia Turn Left Turn Right, 14 Australia Safe Neighborhood, 112 Austria Decentes, Los, 4 Getraumten, Die - The Dreamed Ones, 148 Unmögliche Bild, Das - The Impossible Picture, 184 Bolivia Nana, 127 Danimarca/Denmark Bezbog - Godless, 203 Bosnia ed Erzegovina/ Bosnia and Herzegovina Smrt u Sarajevu - Death in Sarajevo, 61 Egitto/Egypt Eshtebak - Clash, 34 INDICI/ INDEX Cile/Chile Jesús, 7 Última tierra, La, 213 Corea del Sud/South Korea Decentes, Los, 4 Goksung - The Wailing, 104 Turn Left Turn Right, 14 Bulgaria Bezbog - Godless, 203 Câini - Dogs, 204 SOMMARIO Cecoslovacchia/Czechoslovakia Ikarie XB 1 - Voyage to the End of the Universe, 219 Belgio/Belgium Crackup at the Race Riots, A, 170 Daguerrotype - The Woman in the Silver Plate, 171 Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival, 147 Économie du couple, L’, 32 Exit/Entry, 173 Fils de Joseph, Les, 174 Go Home, 206 Kazarken, 125 Mécanique de l’ombre, La, 12 Quiet Passion, A, 55 Wrong Elements, 144 Brasile/Brazil Animal político, 100 Muito Romântico, 176 Ornitólogo, O, 178 252 Canada Avant les rues, 2, Lao Shi - Old Stone, 44 Last Night, 226 Lavender, 106 We Make Couples, 152 Wexford Plaza, 67 Cina/China Juan Zeng Zhe - The Donor, 8 Lao Shi - Old Stone, 44 Colombia Sol negro, 129 Estonia Polaarpoiss - The Polar Boy, 208 Filippine/Philippines Hele sa hiwagang hapis - A Lullaby to the Sorrowful Mystery, 40 Ma’ Rosa, 48 Finlandia/Finland Deadweight, 205 Hymyilevä mies - The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, 41 Francia/France Acción mutante, 225 Amours de la pieuvre, Les, 145 Anticipation, ou l’amour en l’an 2000, 219 Apprentice, 202 Attaque, 120 Avenir, L’, 29 Bezbog - Godless, 203 Câini - Dogs, 204 Challenge, The, 186 Daguerrotype - The Woman in the Silver Plate, 171 Deang - Ta’ang, 141 Dernier combat, Le , 224 Derniers parisiens, Les, 5 Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival, 147 Économie du couple, L’, 32 Elle, 33 Eshtebak - Clash, 34 Fantasmata planiountai pano apo tin Europi - Spectres Are Haunting Europe, 123 Femme aux cent visages, La, 142 Fils de Jean, Le, 36 Fils de Joseph, Les, 174 Fixeur, 37 Go Home, 206 Hunchback, The, 188 Ilegitim - Illegitimate, 42 Jesús, 7 Jetée, La 218 Jules et Jim, 92 Kazarken, 125 Last Night, 226 Loi de la jungle, La, 47 Marie et les naufragés, 49 Mécanique de l’ombre, La, 12 Mercenaire, 50 Mort en direct, La 223 Mr Freedom, 220 Nirvana, 225 Nuovo mondo, Il, 218 253 SOMMARIO INDICI/ INDEX Ornitólogo, O, 178 Out of Love, 207 Parc, Le, 181 Parle-moi encore, 143 Porto, 13 Rester vertical, 57 Sam Was Here, 113 Sarah Winchester, Opéra fantôme, 183 Smrt u Sarajevu - Death in Sarajevo, 61 Sol negro, 129 TanjaTales, 166 Tchekhov à Beyrouth, 130 Thala mon amour, 210 Tombé du ciel, 212 Vies de Thérése, Les, 151 Voyage au Groenland, Le, 65 Wrong Elements, 144 Z, 70 Germania/Germany Apprentice, 202 Avenir, L’, 29 Deadweight, 205 Elle, 33 Ernste Spiele I: Watson ist Hin Serious Games I: Watson Is Down/ Ernste Spiele II: Drei Tot - Serious Games II: Three Dead, 199 Gegen-Musik - Counter-Music, 198 Havarie, 124 Hymyilevä mies - The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, 41 Ich Glaubte Gefangene zu Sehen I Thought I Was Seeing Convicts, 197 Auge Maschine II - Eye Machine II, 197 Morris from America, 51 Muito Romântico, 176 Panke, 180 Reise mit Vater, Die, 209 Schnittstelle - Interface Ausdruck der Hände, Der - The Expression Of Hands, 196 Suntan, 64 Unmögliche Bild, Das - The Impossible Picture, 184 Warm Arbeiter Verlassen die Fabrik Workers Leaving the Factory, 195 Germania/Germany Wir Sind die Flut - We Are the Tide, 16 Wrong Elements, 144 Zur Bauweise des Films bei Griffith - On Construction of Griffith’s Films, 198 Giappone/Japan Antiporno, 101 Batoru Rowaiaru - Battle Royale, 226 Daguerrotype - The Woman in the Silver Plate, 171 Merry Christmas Mr Lawrence, 71 Out There, 179 Sadako Vs Kayako, 111 Grecia/Greece Fantasmata planiountai pano apo tin Europi - Spectres Are Haunting Europe, 123 Suntan, 64 Hong Kong Apprentice, 202 Daap Hyut Cam Mui - Port of Call, 20 Duilian, 187 Pseudo Secular, 182 Wind, 19 India Raman Raghav 2.0 - Psycho Raman, 56 Indonesia Nyai - A Woman from Java, 177 Israele/Israel Me’ever laharim vehagvaot - Beyond the Mountains and Hills, 175 Omor shakhsiya - Personal Affairs, 54 Italia/Italy Ab Urbe Coacta, 131 Anticipation, ou l’amour en l’an 2000, 219 A pugni chiusi, 132 Belle prove, Le, 82 Bitter Story, A, 133 Blow-Up, 90 254 SOMMARIO INDICI/ INDEX Challenge, The, 186 Chi mi ha incontrato, non mi ha visto, 103 Colossale sentimento, 140 Diario Blu(e), 146 Eclisse senza cielo, 172 Ex voto, 154 Felicità umana, La, 35 Figli della notte, I, 6 Finestra, La, 84 Giovanna, 85 Gipo, lo zingaro di Barriera, 68 Giuseppe Verdi, 79 Hidden Photos, 134 Il futuro di Era, 155 In punto di morte, 75 In tempo per modifiche temporali, 157 Last Ship, 158 Lingua dei furfanti, La, 45 Littoria, 77 Lontano Ovest, 159 Maschera del demonio, La, 108 Mazzamma, ’A, 160 Moo Ya, 135 Mussolinia di Sardegna, 78 Nastassia, 83 Nave delle donne maledette, La, 80 Nessuno ci può giudicare, 52 Nirvana, 225 Nome di battaglia donna, 53 Notturno, 161 Nuova Zita, 162 Nuovo mondo, Il, 218 Onikuma, 163 Palombella rossa, 81 Parenti tutti, I, 73 Pro loco, 136 Redenzione, 164 Roberto Bolle. L’Arte della Danza, 58 Sadie, 69 Saro, 137 Slam - Tutto per una ragazza, 60 Sono Guido e non Guido, 62 Studio, 165 Thala mon amour, 210 Un inferno, 156 Ville engloutie, La, 138 Voce del verbo morire, 74 Libano/Lebanon Go Home, 206 Manazil bela abwab - Houses Without Doors, 126 Tchekhov à Beyrouth, 130 Tombé du ciel, 212 Lituania/Lithuania Together for Ever, 211 Malesia/Malaysia Wind, 19 Marocco/Morocco TanjaTales, 166 Messico/Mexico Maquinaria Panamericana, 11 Norvegia/Norway Pyromanen - Pyromaniac, 110 Nuova Zelanda/New Zeland Merry Christmas Mr Lawrence, 71 Paesi Bassi/The Netherlands Boi, Song of a Wanderer, 121 Out of Love, 207 Redenzione, 164 Polonia/Poland Ilegitim - Illegitimate, 42 Maquinaria Panamericana, 11 Porto, 13 255 SOMMARIO Repubblica Federale Tedesca/FRG Anticipation, ou l’amour en l’an 2000, 219 Bild, Ein - An Image, 194 Bilder der Welt und Inschrift des Krieges - Images of the World and the Inscription of War, 195 Mort en direct, La, 223 Nicht Löschbares Feuer Inextinguishable Fire, 194 Romania Câini - Dogs, 204 Fixeur, 37 Ilegitim - Illegitimate, 42 Reise mit Vater, Die - That Trip We Took with Dad, 209 Together for Ever, 211 Serbia Vetar - Wind, 15 Portogallo/Portugal Hunchback, The, 188 Porto, 13 Terceiro Andar, 150 Singapore Apprentice, 202 Hele sa hiwagang hapis - A Lullaby to the Sorrowful Mystery, 40 Qatar Apprentice, 202 Câini - Dogs, 204 Siria/Syria Manazil bela abwab - Houses Without Doors, 126 Regno Unito/UK Absolutely Fabulous: The Movie, 28 Blow-Up, 90 Spagna/Spain Acción mutante, 225 INDICI/ INDEX Free Fire, 38 If…., 91 Jubilee, 235 Lady Macbeth, 9 1984, 224 Merry Christmas Mr Lawrence, 71 Nirvana, 225 Quiet Passion, A, 55 Rollerball 222 Romeo and Juliet, 59 Sid & Nancy, 240 War on Everyone, 66 Svezia/Sweden Hymyilevä mies - The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, 41 Reise mit Vater, Die, 209 Svizzera/Switzerland Go Home, 206 Taiwan Out There, 179 Tunisia Thala mon amour, 210 Ungheria/Hungary Reise mit Vater, Die, 209 Usa Absolutely Fabulous: The Movie, 28 Alchemist Cookbook, The, 99 Alice’s Restaurant, 89 Arbalest, The, 102 Artificial Intelligence: AI, 227 Author: The JT LeRoy Story, 139 Between Us, 30 Blank Generation, The, 234 Decline of Western Civilization, The, 237 Bleed for This, 31 Blow-Up, 90 Boy and His Dog, A, 221 Christine, 3 Deer Hunter, The, 72 Demon Seed, 223 Duilian, 187 Free State of Jones, 39 Glen and Randa, 220 Intolerance, 76 Kate Plays Christine, 43 King Cobra, 105 Lavender, 105 Live Cargo, 46 Love Witch, The, 107 Morris from America, 51 Onikuma, 163 Operation Avalanche, 109 Porto, 13 Rat Film, 128 Return of the Living Dead, The, 239 Rock’n’Roll High School, 236 Rollerball, 222 Safe Neighborhood, 112 Sam Was Here, 113 #Screamers, 98 256 SOMMARIO INDICI/ INDEX Sleeper, 221, Stepford Wives, The, 222 Strawberry Statement, The, 93 Suburbia, 238 Suitcase of Love and Shame, 149 Transfiguration, The, 114 Turn Left Turn Right, 14 Where the Sidewalk Ends, 86 Yoga Hosers, 115