Editorial Pop art and populism. Art as politics? Editoriale

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L’ECCELLENZA IMPRENDITORIALE
DI UN TERRITORIO CHE, ATTRAVERSO L’ARTE
E IL DESIGN, TROVA NUOVI LINGUAGGI
DI COMUNICAZIONE E AGGREGAZIONE
THE ENTREPRENEURIAL EXCELLENCE
OF A LAND WHICH FINDS NEW
LANGUAGES FOR COMMUNICATION AND
AGGREGATION THROUGH ART AND DESIGN
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Patrocini:
Editoriale
Editorial
Pop art e populismo.
L’arte come la politica?
Pop art and populism.
Art as politics?
I
T
l termine “populismo” è forse uno dei più pronunciati negli ultimi tempi. Naturalmente in accezione negativa in quanto riferito ad un atteggiamento proprio
a leader politici che si rapportano con la gente cercando di eluderne l’intelligenza, la saggezza comune, il senso critico, fornendo stereotipi di giudizio banali e
promettendo cose inattuabili o superficiali. In breve, facendo della demagogia.
Certo non viene immediata l’associazione di questa parola all’ambito artistico e
alla Pop art in particolare, che ha la stessa matrice linguistica.
Pop art è una delle più importanti correnti artistiche del secondo dopoguerra. Discende dal graffiante cinismo della Nuova oggettività ma anche dalla
elementarità equilibrata del Neoplasticismo, nato nel 1916 con la fondazione
del gruppo “De Stijl”, composto dai pittori Van Doesburg, Mondrian e Van der
Leck, e che definiva un nuovo vocabolario formale basato sulla semplice combinazione geometrica di linee e colore, accostati in forme di rettangoli e blocchi
cromatici, realizzando così la liberazione della forma naturale.
Parente anche del Dadaismo e del Suprematismo, la Pop art ha le sue origini
storiche nella Gran Bretagna della fine degli anni Cinquanta, ma si svilupperà
poi negli USA nel decennio successivo, irradiandosi di lì in tutto il mondo occidentale. Protagonisti sono Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Andy Warhol e Roy Lichtenstein.
Questa nuova forma d’arte si contrappone nettamente all’intellettualità del coevo Espressionismo astratto e rivolge la propria attenzione agli oggetti, ai miti
e ai linguaggi della società dei consumi, prelevando direttamente le immagini
dai fumetti, dalla pubblicità, dalle foto dei giornali, dalle insegne pubblicitarie,
dalla segnaletica stradale ecc.
L’appellativo “popolare” però non deve essere inteso come arte destinata al popolo ma piuttosto come arte di massa, cioè prodotta in serie. E poiché la massa
non ha volto, l’arte che la esprime deve essere il più possibile anonima: solo così
potrà essere compresa e accettata dal maggior numero possibile di persone, da
una società intesa come impersonale sistema consumistico.
Dunque così come oggi la politica immette negli alti valori (che, idealmente, le
dovrebbero essere propri), un tipo di linguaggio di basso profilo che si autorappresenta nella massa cui si rivolge, anche alcune forme attuali di arte (già
presenti a partire dagli anni Novanta col nome di Neo pop) introducono nel
linguaggio artistico “alto” soggetti “low art”, commerciali e massmediatici, modificandone anche – al pari della Pop art originaria – stile e tecniche espressive.
Tali rappresentazioni si trasformano rapidamente in merce, in oggetti che si
pongono sul mercato assecondandone le peculiari logiche e fondano la propria
comprensibilità sul fatto che i soggetti delle “opere” sono a tutti assolutamente
noti e riconoscibili.
L’artista, di conseguenza, si configura come semplice (banale?) manipolatore di
immagini, di oggetti e simboli già “prodotti” a scopo industriale, pubblicitario,
economico.
Giovanna Grossato
he term “populism” is perhaps on everyone’s lips recently, intended negatively, of course, as it refers to a specific attitude of political leaders who relate
to people by seeking to undermine their intelligence, common sense and critical
instinct by providing banal judgemental stereotypes and promising unrealizable
or superficial things. In short, demagogy.
Certainly the association of this word with the art world, and with Pop Art in
particular, does not come immediately though the linguistic root is the same.
Pop Art is one of the most importance artistic movements of the post-war years.
It descends from the withering cynicism of the New Objectivity but also from
the equilibrated elementariness of Neoplasticism, founded in 1916 with the “De
Stijl” group, composed of the painters Van Doesburg, Mondrian and Van der
Leck, and which defined a new formal vocabulary based on the simple geometrical combination of lines and colours, brought together in forms of chromatic
rectangles and blocks, thereby realizing the liberation of the natural form.
A relation of Dadaism and Suprematism too, Pop Art has its historical origins
in Great Britain at the end of the fifties, but then developed in the USA during
the following decade and from there it irradiated through the western world. Its
main protagonists were Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist,
Andy Warhol and Roy Lichtenstein.
This new art form was in sharp contrast with the intellectualism of its contemporary Abstract Expressionism and turned its attention to the objects, myths and
languages of the consumer society, and drew its images directly from comics, advertising, newspaper photographs, advertising signs, road sign age and so on.
However, the appellative “popular” must not be intended as art directed at the
people but rather as mass art, i.e. produced in batches. And as the mass has no
face, the art that expresses it must be as anonymous as possible: it is only in this
way that it can be understood and accepted by the highest possible number of
people, by a society intended as an impersonal consumer system.
Therefore, just as politicians today inject a type of low-profile language – one
that represents itself in the mass it is aimed at – into the high values that they
ideally ought to be espousing, some current art forms (already present from the
nineties with the name of Neo Pop) introduce “low art”, commercial and massmedia subjects into the “high” artistic language, while also modifying styles and
expressive techniques just like the original Pop Art. These representations are
rapidly transformed into goods, into objects that put themselves on the market in
compliance with its particular logic and while basing their own comprehensibility on the fact that the subjects of the “works” are absolutely recognisable and
familiar to everyone.
As a consequence, the artist takes on the role of a simple (banal?) manipulator
of images, of objects and symbols that have already been “produced” for industrial, publicity or economic purposes.
Giovanna Grossato
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RAFFAELE MINOTTO
Riflessioni
di Alberto Agazzani
I
l tema della “forza retinica”, ossia del potere di un’immagine di “impressionare” la mente dello spettatore attraverso il senso della vista, è
certamente uno dei più complessi ed affascinanti dell’intera storia dell’arte. Si tratta di un aspetto che non investe solo e precipuamente l’arte
moderna e contemporanea, ma che ha trovato negli antichi maestri, Tiziano ed i suoi conterranei al vertice (come definire se non pre-informale
la tecnica usata nel suo ultimo periodo, quello della “Pietà” dell’Accademia a Venezia o del “Marsia” di Kromeriz?), interpreti d’assoluta, forse
ineguagliabile grandezza. La sovraesposizione mediatica e visiva della contemporaneità ha di molto abbassato la capacità retinica di cogliere ed elaborare le immagini: tutto oggi è definitissimo, facile, immediato, pronto per essere colto, consumato e superato. Il concetto stesso
di Pittura, ossia di ciò che sta “dietro l’immagine” prima ancora che nelle figure che ne compongono la dimensione più immediata, è oggi
troppo spesso affidato ad incomprensibili esercizi di puro alessandrinismo, quando non infarcito di “citazioni” senza presente né futuro. La
più espressivamente compiuta ed evidente prova di ciò risulta nell’invenzione, non a caso tutta americana, alla fine degli anni ‘60 del secolo
scorso, del cosiddetto Fotorealismo, ossia di un’ideologia espressiva dipinta che nella sua totale ed assoluta definizione, “alta” la chiameremmo
oggi, potesse addirittura competere, se non addirittura superare, la fotografia stessa, cancellando quel “qualcosa” che ha sempre costituito la
misteriosa ambiguità alla base del concetto tradizionale e occidentale di “Pittura” (ciò che Picasso definiva “quel qualcosa che sta fra la tela
ed il colore”). Ed anche il proliferare dello strumento fotografico, compresa la sua potente accezione video, è certamente la reazione ad una
gara d’immagini che non ammette tempo, né sforzo né, tanto meno, riflessione. La necessità di un ritorno alla riflessione retinica attraverso la
pittura è stata, poi, ripresa e posta al centro della speculazione artistica dalle Avanguardie storiche d’inizio ‘900 (si pensi solo al Cubismo o al
nostro Futurismo). O di singole e solitarie personalità, come negli immediati casi, e variamente differenti, di Alberto Giacometti, Chaim Soutine,
Willy Varlin; o addirittura ed in un qualche modo gli stessi Bacon, Sutherland e Freud, che ne hanno rilanciato e rivitalizzato lo straordinario
potere espressivo (nella nostra contemporaneità nostrana è difficile, poi, prescindere in questa direzione dalla lezione magistrale del gigante
“testoriano” Giancarlo Vitali o in quella, ancora ricca di colpi di scena, del fiorentino Massimo Giannoni). Una pittura, dunque, nella quale l’immagine si concede poco a poco, rivelandosi inaspettatamente e imprevedibilmente, esaltando al massimo il suo potere evocativo ed espressivo;
immagini da attendere, cercare, inseguire, scoprire, complice la luce ed il tempo, destinato inesorabilmente a lasciare il segno del suo passag-
gio su quelle paste e quei grumi che raggrinziscono e s’impolverano
come le nostre stesse esistenze. Raffaele Minotto manifesta nella sua
pittura e nella sua espressività così “venete”, soprattutto in questa fase
di prima ma già definita maturità, quel retaggio quasi genetico che
immediatamente, oltre qualunque altro parallelo possibile, lo ricollega
al genio cadorino ed alla sua strabiliante invenzione visiva: la solidità
granitica del grumo e della spatolata, realizzati con infallibile rapidità, l’uso controllatissimo eppure così seducente del colore, la definizione di immagini che solo alla prima occhiata si concedono, per poi
ritirarsi nel fitto mistero della pittura... Una scelta linguistica impossibile
da compiere razionalmente e replicare da parte dell’individuo-pittore,
ma piuttosto la risultante di una scelta della pittura stessa, di quel
particolare, unico e irreplicabile stile che ha più le caratteristiche della
necessità espressiva di una (innata? genetica?) vocazione. Ricordo
con molta gioia il grande stupore provato allorché, segnalatomi dal
giovanissimo Giovanni Gasparro, altro piccolo maestro dell’intrigante
ambiguità dipinta, m’imbattei primariamente nelle immagini dei dipinti
di Minotto. Ritornai immediatamente al Marsia tizianesco ed a quella
pittura così vera, così difficile, così lontana dalle contraddizioni, dalla
ruffianeria, dalla concettosità gratuita e dalla facilità che tanto piacciono a riviste patinate e curatori in eterne gramaglie. La gioia della
Pittura, di, appunto, un “qualcosa” che non si concede, che t’intriga,
ti rapisce, financo t’inquieta nel non lasciarsi possedere mai completamente. E poi i soggetti. Ritratti di gente comune che assumono le
dimensioni di monumenti all’Umanità: volti rassicuranti e rasserenanti,
sia pure sotto il peso della loro stanchezza e fatica di vivere. E poi gli
scorci ed i paesaggi, portatori di un panico che è mistero prima ancora che terrore, le tavole imbandite e gli interni, dai quali scaturisce
la memoria o il desiderio di un’eterna epifania di natali e domeniche,
case e famiglie, affetti, piccole e grandi cose di semplice, festoso (e
perché no fastoso), quotidiano buon gusto. La riflessione di Minotto
sfugge qualunque fascinazione spettacolare, ma s’insinua nel cuore
segreto della realtà e la restituisce con la magia dell’evocazione, del
mistero, della seduzione. Poesia per l’anima.
Il bosco azzurro 2012
Olio su tela | Oil on canvas
cm. 230x150
nell’altra pagina | on the other page
Riflessi sull’argine 2010
cm. 140x230
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Il banchetto 2012
cm. 65x150
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RAFFAELE MINOTTO
Reflections
by Alberto Agazzani
T
he theme of the “retinal force”, in other words of the power of the image to “impress” the viewer’s mind through the sense of sight,
is certainly one of the most complex and fascinating in the entire history of art. It is an aspect that does not only and principally regard modern and contemporary art as its absolute interpreters of perhaps inimitable greatness could be found among the old masters,
with Titian and his contemporaries in first place (how can be define as anything other than pre-informal the technique used in his latest
period, that of the “Pietà” in the Accademia in Venice or that “Marsyas” in Kromeriz?). Today’s multimedia and visual superimposition
has considerably lowered the retinal ability to grasp and elaborate images: every now is sharply defined, easy, immediate and ready
to taken, consumed and superseded. The very concept of Painting, i.e. of what is “behind the image” even more so than in the figures
that makes up its most immediate dimension, is too often attributed today to incomprehensible exercises in pure Alexandrianism, if it
is not indeed stuffed with “quotations” without any present or future. The most expressively complete and evident proof of what can
be seen in the invention, by no coincidence totally American, at the end of the nineteen sixties of Photorealism, namely a painted
expressive ideology which in its total and absolute definition, what we would call “high” today, could compete with and indeed even
surpass photography itself, with the cancellation of that “something” which has always constituted the mysterious ambiguity that is
at the basis of traditional and western concept of “Painting” (what Picasso defined as “that something that can be found between
the canvas and the paint”). And the proliferation of photographic tools, also in the powerful video sense, is certainly the reaction to
a torrent of images which does not allow for time, effort or, least of all, reflection. The need for a return to retinal reflection through
painting was then resumed and placed in the centre of the artistic speculation of the historical avant-gardes at the beginning of the
20th century (Cubism and Futurism for example). Or of individual and solitary personalities such as in the immediate, and variously
different cases of Alberto Giacometti, Chaim Soutine and Willy Varlin; or even and in some ways Bacon, Sutherland and Freud who
relaunched and revitalized the extraordinary expressive powers (in our own present it is difficult, then, to ignore the contribution
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of Giancarlo Vitali or that, rich in coups de théâtre of Massimo
Giannoni). Painting, therefore, in which the image grants itself a
little at a time, revealing itself unexpectedly and unforeseeably,
exalting its evocative and expressive power to the utmost; images to be waited for, sought, chased, discovered, accomplices
of light and time, destined inexorably to leave the sign of their
passage on those pastes and clots that wrinkle and attract dust
just like our very own existences. In his painting and expressiveness which is so “Veneto”, especially in this phase of initial but
already defined maturity, Raffaele Minotto reveals that virtually genetic legacy that immediately, beyond any other possible
parallel, reconnects him to Titian and to his astonishing visual
invention: the granitic solidity of the lumpiness and of the spatula
strokes, executed with infallible speed, the highly controlled but
yet so seductive use of colour, the definition of images that only
reveal themselves with the first glance before withdrawing into
the dense mystery of painting ... An impossible linguistic option
for the individual-painter to carry out rationally and replicate,
but rather the outcome of the choice of the painting itself, of
that particular, unique and unrepeatable style that has more the
characteristics of the expressive need (innate, genetic?) vocation.
I remember with great joy the amazement experienced when I
came upon the images in Minotto’s paintings, on the suggestion
of the very young Giovanni Gasparro, another little master of
that intriguing painted ambiguity. I returned immediately to Titian’s Marsyas and to that painting that is so real, so difficult, so
distant from the contradictions, from the toadying, from the gratuitous convolutedness and facileness that are so admired by glossy
magazines and curators of eternal miseries. The joy of painting,
namely of “something” that does not yield itself, which intrigues
and ravishes until it makes you impatient for not allowing you to
possess it completely. And then the subjects. Portraits of ordinary
people that assume the dimensions of monuments to Humanity:
reassuring and cheering, despite the weight of their tiredness and
the fatigue of living. And then the views and landscapes, bearers
of a panic which is more mystery than terror, the laid tables and
the interiors, from which springs forth the memory or the desire
for an eternal epiphany of Christmases and Sundays, homes and
families, affections, small and large things of simple, celebrative
(and sumptuous, why not?) daily good taste. Minotto’s reflections
escape from any spectacular attraction as he insinuates himself
into the secret heart of reality and gives it back with the magic of
evocation, mystery and seduction. Poetry for the soul.
Riflesso 2012
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ha rivoluzionato non soltanto le abitudini delle persone ma soprattutto ha minato la capacità dell’uomo di pensare per concetti, di
ragionare immaginando “ciò che non è visibile”. Come lo scienziato o l’antropologo egli inizia un esperimento che durerà mesi e lo
porterà, per ore tutte le notti, davanti al televisore a fare “zapping”. Un’immersione totale senza prendere fiato fino alla saturazione;
in quel preciso istante la visione di un canale non sintonizzato assume un valore liberatorio. Così nasce Shock cioè la frantumazione, la cancellazione dell’immagine, lo stop visivo, che concede un momento di sospensione dal quale finalmente la mente liberata
può far nascere “nuovi giacimenti della percezione e della comunicazione”. Lo shock tecnologico prende inizialmente vita come
video proiettati sulle pareti e lo spettatore inevitabilmente entra a farne parte divenendo ombra inconsistente. Lo stadio successivo
è assai interessante: l’immaterialità dei baluginii del tubo catodico - il cosiddetto “effetto neve” - si fa materia pittorica assumendo
una propria significazione palpabile, acuita più tardi dall’inserimento di una scrittura pre-linguistica o post-atomica; una simbolica
involuzione umana per riscoprire la valenza del “segno” che torna ad essere testimonianza della presenza e del passaggio dell’uomo. La fine delle trasmissioni rende possibile una visione senza confini nel vuoto pieno di valore immaginativo ed energetico, nel blu
profondo di Klein. Una ricerca sull’energia che muove il mondo: concetto sul quale l’artista tutt’oggi continua a lavorare cercando
nuove vie espressive.
Nel 2012 la mostra Shock, nell’ambito dei Musei Civici agli Eremitani, assume una forza dirompente. E’ l’arte contemporanea che
entra, si mescola e si confronta con l’arte storicizzata, ma è soprattutto un segnale a modificare il nostro modo di vedere. Gli shock
si alternano alla rinfusa fino a condurre lo spettatore entro stanze dalle pareti completamente blu dove cornici dorate racchiudono il
vuoto colmo di rinnovato silenzio visivo e audiovisivo, condizione ideale per riappropriarsi del sé.
Dove stiamo andando e cosa abbiamo perso lungo il nostro percorso? Dentro questa domanda sta il dilemma umano, quello sul
quale l’artista sviluppa il suo lavoro per cicli di ricerca – Autoritratto, Lacrime, Traghettare il tempo ecc. - dalla continuità assoluta.
L’uomo contemporaneo è descritto come la sagoma di un automa che galleggia sullo sfondo del tempo segnando solo lievi tracce
al suo passaggio; ma l’automa può riscattarsi attraverso l’azione creativa che traduce l’esigenza di rimettere in causa la ragione e
la funzione dell’arte stessa.
Shock 1990
cm. 50x50
Mostra personale di Renato Pengo Musei Civici agli Eremitani Padova “SHOCK”
Renato Pengo one-man show. Eremitani Civic Museums – Padua “SHOCK”
Renato Pengo
vive e lavora a Padova
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RENATO PENGO
Presenze transitorie
di Erika Ferretto
P
er Renato Pengo essere artista significa saper produrre idee, osservare da individuo pensante il mondo che lo circonda, sperimentare e ricercare fino al raggiungimento della realizzazione nel modo più adatto ed efficace: dalla pittura alla fotografia, dai
video alle installazioni, senza escludere la curiosità per i materiali più disparati. In questo senso l’azione artistica diviene un atto di
scelta i cui motivi riguardano soltanto l’artista ma gli effetti possono agire sulla società.
Pengo sente un’estrema esigenza di libertà mentale. Da questa nascono opere forti che spiazzano, destabilizzano lo spettatore
cercando di innestare una reazione “neuronale”. Così nel 1975 l’artista crea un eloquente trittico dove accosta tre grandi cervelli
commentati dalla frase: “Non siamo più esseri umani” una forte critica che suona da monito a cercare non la via più semplice ma
la più vera, quella che apre la mente. Quest’opera può definirsi come un’intuizione che si fa presagio di ciò che la seguirà proiettando l’artista verso un’analisi lucida e chiara del nostro tempo, quello tecnologico, che viene visto come l’ultimo grande passaggio
epocale. L’oggi che fagocita tutto: tempo, spazio, luoghi e idee risputandoli sotto forma di immagini private di senso e valore, fittizie
come l’eccesso di informazione che non diventa cultura. In questo panorama l’intervento dell’artista diviene l’evento imprevisto e non
richiesto che altera un ordine precostituito dettato dalla routine del consumo e della tecnologia.
Negli anni ’90 Pengo s’interroga sull’effetto che produce sulle nostre menti la moltitudine di immagini consumistiche e pubblicitarie
che ci piombano addosso dalla televisione, dal computer e dalla carta stampata. L’avvento del piccolo schermo, e poi di internet,
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people's habits but especially undermined man's ability to think in concepts and to reason by imagining "that which is not visible".
Like a scientist or anthropologist he begins an experiment that will last months and lead him to zap in front of the television for hours
every evening. Total immersion without drawing breath until complete saturation; in that precise moment viewing an unturned channel
assumes a liberating value. What springs from this is Shock, namely the smashing, the deletion of the image, the visual stop, which
grants a moment of suspension from which the liberated mind can give birth to "new deposits of perception and communication".
Technological shock initially comes to life as video projected onto the walls and the viewer inevitably becomes part of it as a shadow
without substance. The next stage is quite interesting: the immateriality of the flickering of the cathode tube – the "snow effect" – becomes pictorial material by assuming its own palpable signification, sharpened later by the insertion of pre-linguistic or post-atomic
wording; a symbolic human involution for rediscovering the value of the "sign" that returns to being evidence of the presence and
passage of man. The end of the transmissions makes possible a vision without boundaries in the vacuum full of imaginative and energetic value in Klein's deep blue. Research into the energy that moves the world: a concept on which the artist is still working today
and seeking new ways of expression.
In 2012 his show, Shock, in the framework of the Eremitani Civic Museums, assumed a shattering power. It is the contemporary art
that enters, mixes and confronts historicized art, but in particular it is a signal to change our way of seeing. The shocks alternate
loosely until they lead the viewer into rooms where completely blue frames enclose the emptiness filled with renewed visual and audiovisual silence, the ideal condition for taking ownership of oneself again.
Where are we going and what have we lost along our path? Within this question is the human dilemma, the one on which the artist
develops his work in research cycles – Autoritratto, Lacrime, Traghettare il tempo etc. – with absolute continuity. Contemporary man
is described as the outline of an automaton floating on the bottom of time leaving only slight traces of his passage; but the automaton
can redeem himself through the creative action that translates the need to reintroduce the reason and function of art itself.
Renato Pengo
Mostra personale di Renato Pengo Musei Civici agli Eremitani Padova “SHOCK” (foto di Giovanni Umicini)
Renato Pengo one-man show. Eremitani Civic Museums – Padua “SHOCK” (photo by Giovanni Umicini)
lives and works in Padua
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RENATO PENGO
Transitory presences
by Erika Ferretto
F
or Renato Pengo being an artist means being able to produce ideas, observing the world around us as a thinking individual, experimenting and searching until the achievement of the work in the most suitable and effective manner: from painting to photography
and from videos to installations without excluding curiosity for the most disparate materials. In this sense, the artistic action becomes
a deciding one, the reasons for which only regard the artist but whose effects can act on society.
Pengo feels an extreme need for mental freedom. It is from this that powerful works spring, ones that wrongfoot, that destabilize the
observer while seeking to trigger a "neuronal" reaction. In this vein in 1975 the artist created an eloquent triptych in which he brings
together three large brains commented by the phrase: "We are no longer human beings", a trenchant criticism that sounds as a
warning to seek not the easiest way but the truest one, the one that opens the mind. This work can be defined as an intuition which
provides a premonition of what will follow, projecting the artist towards a lucid and clear analysis of our time, the technological one,
which is seen as the last great epochal passage. The today that devours everything: time, space, places and ideas, revealing them
in the form of images without sense and value, phoney like the excess of information that does not become culture. In this panorama,
the artist's intervention becomes the unforeseen and unrequested event that alters a pre-constituted order dictated by the routine of
consumption and technology.
In the 90s Pengo interrogated himself regarding the effect on our minds of the multitude of consumer and advertising images we are
bombarded with from television, the computer and print. The arrival of the small screen, and then the internet, revolutionized not only
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ROBERTO LANARO
Piazzetta 1990
Ferro ossidato | Oxidized iron
cm. 44x36x37
Ferro da torcere, ferro con l’anima
di Giovanna Grossato
T
alete di Mileto, forse il primo filosofo della storia del pensiero occidentale che visse tra il VII e il VI secolo prima di Cristo, pensava che tutte
le cose della terra possedessero un’anima e che quest’anima costituisse una sorta di motore che le rendeva vive e perciò capaci anche di
relazionarsi con tutte le altre. Ad esempio in un magnete la presenza di un’anima si evidenzia col fatto che è capace di attrarre o respingere il
ferro. Ma Talete non è l’unico a dedicare attenzione a quella materia viva che noi consideriamo “inanimata”. Anche Leonardo da Vinci nelle sue
riflessioni artistiche e poetiche vedeva come “il pesante ferro si reduce in tanta sottilità mediante la lima, che piccolo vento poi lo porta via”. La
leggerezza di un materiale così severo, primitivo e poderoso dunque veniva associata al respiro del vento: come dire che l’essenza della materia
può essere così sottile da non appartenere quasi più al mondo reale. Oppure, al contrario, può identificarsi in un ostacolo invalicabile per chi
non ne conosce la via d’attraversamento: “Cos’è disegnare? – si chiedeva il pittore Vincent Van Gogh, scrutando la campagna di Arles - Come
ci si arriva? È l’atto di aprirsi un passaggio attraverso un muro di ferro invisibile che sembra trovarsi tra ciò che si sente e ciò che si può.” Ancora
il ferro. Molto di più di un metallo da forgiare per far binari e macchine, tondini e putrelle. Molto di più anche di un materiale nobile che si nasconde nel cuore delle montagne e che, per diventare manufatto, esige ere preistoriche, prove ed errori, fatiche immani, fuoco, tantissimo fuoco;
e acqua, pensiero, fuliggine, sangue. E perciò non è strano che non siano moltissimi gli scultori che lavorano il ferro perché il farlo presuppone
l’essere in grado di riconoscerne quell’anima che Talete aveva individuato con tanta certezza. Così è per Roberto Lanaro che con il ferro ha da
sempre un rapporto fraterno “il ferro è un materiale che mi è sempre stato famigliare – scrive – fin dall’infanzia, perché mio padre lo lavorava nella
sua bottega”. Difficilmente si può immaginare di avvicinarsi ad un metallo tanto complesso se non se ne è avuta una dimestichezza profonda,
lunga e precoce. E non c’è approccio migliore di quello della bottega. Lì si guarda fare e la paura della prima volta si diluisce nella consapevolezza di sapere già governare l’incontro. All’inizio della sua carriera Lanaro utilizzava la fiamma ossidrica per ottenere figure stilizzate che non
abbandonavano la mimesi, trasformando la realtà in una dimensione fantastica: nascono così, tori e coccodrilli il cui corpo è lo spessore piatto
e pesante del metallo pieno, come origami scuri piegati da Efesto. Ma è negli anni Settanta che le qualità del ferro, la sua anima, si offrono alla
forma nella loro totalità e lavorare una barra o un blocco originario significa per Lanaro far interagire la materia con lo spazio, fare incontrare,
Abbraccio 1991
Ricerca 1997
cm. 55x50x40
e talvolta scontrare, la natura e lo spirito. Nascono opere come “Separazione” 1971 e “Germinazione” del 1975 che preparano le “Architetture” degli anni seguenti: forme pulite e primarie che si muovono libere
e leggere nello spazio. Come il potente nastro che si sviluppa prima in
verticale per poi ripiegarsi su se stesso e che diverrà una grande scultura di 5 metri a Maubeuge in Francia (1988) o come le barre che si
divincolano intrappolate nella fredda morsa di blocchi di calcestruzzo.
Punte che sfondano la loro stessa pelle in opere dal titolo “Proiezione”
e “Lacerazione”, lasciando intravedere la compressa esistenza di un’interiorità spesso tormentata e irrequieta. In modo particolare le piccole
“Architetture” prigioniere del calcestruzzo del’76 e ’77 traducono in
linguaggio contemporaneo la tensione del liberarsi della materia; la
stessa tensione posseduta da altre famose sculture della storia dell’arte
italiana, segnatamente i “Prigioni” di Michelangelo in cui la torsione
dolorosa dei muscoli mostra tutta l’ansia di uscire dal marmo. La stessa
delle contorte barre di ferro di Lanaro. Una grande razionalità formale
degli anni Ottanta ricca di piccoli e grandi capolavori raggruppati sotto il titolo “Intervento”, con soluzioni spesso in evidente relazione con le
figure geometriche semplici, preludono poi alle sonorità monumentali
delle ampie sculture degli anni Novanta capaci di sostenere con identica coerenza le svettanti articolazioni nello spazio come le profonde
segmentazioni che si muovono lungo sentieri orizzontali, alla ricerca
continua di una sintesi tra l’infinità dello spazio e il suo limite.
cm. 30x30x45
Roberto Lanaro
vive e lavora a Molvena (VI)
www.robertolanaroscultore.it
[email protected]
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means making the material interact with space, make its nature and
spirit meet and sometimes clash. This brings into being works like “Separazione” in 1971 and “Germinazione” in 1975 that open the way
for the “Architetture” of the years that would follow: clean and primary
forms that move freely and lightly in space. Like the powerful ribbon
that first develops vertically and then folds on itself and which would
become a large 5-metre sculpture at Maubeuge in France (1988) or
like the bars that become trapped in the cold vice of concrete blocks.
Points that pierce their own skin in works entitled “Proiezione” and “Lacerazione”, making it possible to glimpse the compressed existence of
a tormented and restless interiority. In particular, the little “Architetture”,
from ‘76 and ‘77, prisoners of concrete, translate the tension of freeing
themselves from the material into a contemporary language; the same
tension possessed by other famous sculptures in the history of Italian
art, notably Michelangelo’s “Prisons” in which the painful twisting of
the muscles shows all the anxiety of getting out of the marble. It is the
same in Lanaro’s contorted iron bars. A great formal rationality in the
eighties, rich in small and large masterpieces grouped under the title
“Intervento”, with solutions that are often obviously related to simple
geometrical figures, then foreshadow the monumental sonorities of
the ample structures in the nineties that are capable, with the same
coherence, of sustaining the towering articulation in space like the
deep segmentations that move along horizontal paths in a continuous
search for a synthesis between the infinity of space and its limit.
Roberto Lanaro
Piazzetta 1990
lives and works in Molvena (VI)
www.robertolanaroscultore.it
[email protected]
cm. 41x31x25
Unione 2009
cm. 30x25x63
ROBERTO LANARO
Iron to twist, iron with soul
by Giovanna Grossato
T
hales of Miletus, perhaps the first philosopher of the history of western thought who lived between the VII and VI century BC thought that all
the things of the earth had a soul and that this soul constituted a sort of motor which rendered it alive and therefore also capable of relating
with all the others. In a magnet, for example, the presence of a soul is revealed by the fact that it is able to attract or repel iron. But Thales is
not the only person to dedicate attention to that living material that we consider to be “inanimate”.
In his artistic and poetic reflections Leonardo da Vinci also saw how “the heavy iron is reduced into countless tiny pieces by the file which a
little wind can carry away.” The lightness of such a severe, primitive and weighty material was therefore associated with the breath of the wind:
as if to say that the essence of matter can be so subtle as almost not to belong to the real world any longer. Or, instead, it can be identified as
an insurmountable obstacle for those who do not know the way across: “What is drawing?” the painter Vincent Van Gogh asked, scanning
the countryside of Arles. “How to you reach it? It is the act of opening a passage through an invisible iron wall which seems to be located
between what you feel and what you can do.” Iron again. Much more than a metal to forge to make rails and machines, bars and girders.
Also much more that a noble material that is hidden in the heart of the mountains and that, to become an artefact, requires prehistoric eras,
trial and error, enormous fatigue, fire, lots of fire, and water, thought, soot and blood. And therefore it is not strange that there are not many
sculptors who work with iron because doing so presupposes being able to recognize that soul that Thales had identified with such certainty. So
it is for Roberto Lanaro that he has always had a fraternal relationship with iron: “Iron is a material which has always been familiar to me since
childhood,” he writes, “because my father worked it in his workshop.” It is hard to imagine approaching such a complex metal without having a
profound, long and precocious familiarity with it. And there is no better approach than that of the workshop. There it is possible to observe, and
the fear of the first time is diluted in the awareness of already knowing how to govern the encounter. At the beginning of his career Lanaro used
the oxyacetylene flame to obtain stylized figures that never abandoned mimicry, with the transformation of reality into a fantastic dimension:
the result is bulls and crocodiles whose body is the flat and heavy one of full metal like dark origami objects folded by Hephaestus. But it was
in the seventies that the qualities of iron, its soul, offer themselves in the form of their totality and, for Lanaro, working an original bar or block
14
Tensioni 1991
cm. 48x40x33
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MANUELA SEDMACH
Un momento di attesa
di Marco Stoppa
“M
elius abundare, quam deficere ” dicevano i latini e l’uomo contemporaneo non è da meno. L’abbondanza sembra essere ai
giorni nostri una condizione necessaria per non restare esclusi da un sistema che suggerisce comodamente e con il minimo
sforzo le risposte a tutto, riducendo la nostra capacità di analisi e il nostro livello di attenzione. L’illusione di un appagamento culturale
e materiale ottenuta con relativa facilità dall’uomo contemporaneo, è come una medicina che va somministrata quotidianamente, per
evitare che il paziente si risvegli dall’apparente serenità e scopra nella crisi di astinenza il vuoto interiore e spirituale che lo affligge.
Ritrovare l’equilibrio tra l’essere e l’apparire, tra l’anima e il fisico, tra lo spirito e la materia, è l’obiettivo sotteso di Manuela Sedmach,
artista triestina che opera da lungo tempo nell’ambito dell’arte. Profonda conoscitrice dell’animo umano, Sedmach è convinta che la
rinascita dello spirito e la ricerca della felicità non dipendano dagli altri ma da noi stessi, “sta già dentro di noi”. Ogni sforzo teso al
raggiungimento di questo equilibrio è una trasformazione, una crescita continua che matura lungo un percorso solitario.
A partire dal 2000 l’artista dà inizio a un ciclo di tele ispirate agli spazi infiniti e disabitati dai titoli esplicativi: Preparare un posto,
Destinazione provvisoria, Esilio bianco. Esse rappresentano il carattere universale della lotta solitaria e silenziosa dell’uomo alla
ricerca di se stesso dove, nell’apparente immobilità e dilatazione dello spazio e del tempo, prende il sopravvento la trasformazione
del nostro essere spirituale e materiale. Il deserto, percepito come luogo vuoto e statico, diventa così per l’artista una condizione
necessaria per esaltare il cambiamento e, più in generale, il continuo divenire delle cose, il susseguirsi della nascita e della morte, il
trasferimento di energia da una condizione ad un’altra. Di fronte ad una visione ciclica dell’esistenza, la stessa percezione drammatica della morte, propria della cultura occidentale, viene messa in discussione, con il suggerimento implicito che essa possa essere
serenamente accolta come una tappa inevitabile nel corso della vita.
Con la serie dei Deserti, tutt’ora in evoluzione, Manuela Sedmach matura una ricerca pittorica iniziata alla fine degli anni ’90 che
prendeva definitivamente le distanze dalle rappresentazioni pseudo figurative, dove la presenza dell’uomo era ridotta ad ombra
silenziosa senza identità.
Tornare a casa 2009
Acrilico su tela | Acrylic on canvas
cm. 140x280
Occhi bianchi 2006
cm. 75x130
La descrizione di luoghi indefiniti, spazi atemporali relativi e fisicamente inaccessibili, sono il tentativo di “sottrarre soggetto al quadro” per raggiungere quella condizione di niente visivo e pieno mentale che “contiene la possibilità stessa di vedere” e contrasta con
la saturazione di immagini e spiegazioni dell’odierno.
Di fronte all’ignoto primigenio proposto da Manuela Sedmach lo stesso spettatore è costretto a temporeggiare prima di esprimere un
giudizio, dilatare il tempo della risposta prima che subentri l’ansia di sapere cosa c’è oltre quella coltre atmosferica di nebbia che ci
divide da una luce vibrante e misteriosa, unico punto di riferimento di un luogo senza coordinate. In questo rapporto con lo spettatore
emerge più chiara anche la funzione dell’artista: chi cioè condivide le ansie e i desideri delle persone e le aiuta a ritrovarsi. E’ la
figura dello “stalker”, presa in prestito dall’amato regista dell’artista, Andrei Tarkowsky, “un accompagnatore che difficilmente potrà
godere di ciò che porta gli altri a vedere”.
Nelle ultime opere l’osmosi atmosferica si fa più estesa e ravvicinata occupando per intero la superficie pittorica. Il procedimento
resta il medesimo: delicate velature e sovrapposizioni di materia cromatica ottengono infinite sfumature di grigio allontanandosi gradualmente dal nero del fondo, via via mitigato dal bianco e dall’ocra, unici colori di cui Sedmach necessita per descrivere un luogo
mutevole e vibrante di luce. Il coinvolgimento ora è totale: le grandi tele si avvicinano allo spettatore e lo risucchiano per catapultarlo
oltre la luce, in un altro “dove” in cui – citando il titolo di queste ultime opere – si realizzano i desideri.
Destinazione provvisoria 2007
cm. 140x280
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Manuela Sedmach
vive e lavora a Trieste (TS)
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Heimlich 2012
cm. 100x170
Manuela Sedmach in studio (foto: Stefano Maffione) | Manuela Sedmach in the studio (photo: Stefano Maffione)
MANUELA SEDMACH
A moment of waiting
Dove 2011
Acrilico su tela
Acrylic on canvas
cm. 190x195
by Marco Stoppa
“M
elius abundare, quam deficere” said the Romans, and contemporary man is no different. Today, abundance seems to be a
necessary condition for not being excluded from a system that conveniently and with the minimum effort suggests the answers to
everything, reducing our capacity for analysis and our level of attention. The illusion of cultural and material gratification obtained with
relative ease by contemporary man is like a medicine to be administered daily in order to ensure that the patient does not awaken from
apparent serenity and in the crisis of abstinence discover the interior spiritual emptiness that afflicts him. Finding the balance between being
and appearing, between the body and the soul, between the spirit and the material, is the target set for herself by the Trieste artist, Manuela
Sedmach. A profound cognoscente of the human soul, Sedmach is convinced that the rebirth of the spirit and the search for happiness do
not depend on others but on ourselves: “it is within ourselves.” Every effort made to achieve this balance is a transformation, a continuous
growth that matures along a solitary path. Starting from 2000 that artist initiated a cycle of canvasses inspired by the infinite and inhabited
spaces with explanatory titles: Preparare un posto, Destinazione provvisoria, Esilio bianco. (Prepare a place, Provisional destination, White
exile.) While representing the universal character of humanity’s solitary and silent struggle in the search for itself, the transformation of our
spiritual and material transformation gains the upper hand in the apparent immobility and dilation of space and time. In this way, the desert,
perceived as an empty and static place, becomes a necessary condition for the artist in order to exalt the change and, more in general,
the continuous becoming of things, the succession or birth and death, the transfer of energy from one condition to another. Faced with a
cyclical vision of existence, the very dramatic perception of death, specific to western culture, is put in question with the implicit suggestion
that it can be happily welcomed as an inevitable stage in the course of life. With the series of the Deserti, still evolving, Manuela Sedmach
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matures a pictorial research project initiated in the nineties which
definitively set itself apart from pseudo-figurative depictions in which
the presence of man was reduced to a silent shadow without identity. The description of undefined places, relative timeless spaces
and ones that are physically inaccessible constitute an attempt to
“draw subject out of the picture” in order to reach that condition of
visual nothingness and mental fullness that “contains the very possibility of seeing” and contrasts with the saturation of images and
explanations of the contemporary. Faced with the primitive unknown
proposed by Manuela Sedmach the observers themselves are forced to play for time before making a judgement, to dilate the time
of the reply before the arrival of the anxiety of discovering what
there is beyond that dense atmosphere of fog that separates us from
a vibrant and mysterious light, the sole reference point in a place
without coordinates. The artist’s function also emerges more clearly
in this relationship with the spectator: i.e., one that shares people’s
anxieties and desires and helps them to find themselves. It is the figure of the “stalker”, borrowed from the artist’s beloved director, Andrei
Tarkowsky, “an escort who is unlikely to be able to enjoy what he is
taking the others to see.” In his latest works, the atmospheric osmosis
has become more extensive and closer, occupying the entirety of
the pictorial surface. The procedure remains the same: delicate veiling and superimpositions of chromatic material obtain infinite nuances of grey that gradually distance themselves from the underlying
black, mitigated a little at a time by the white and by the ochre, the
only colours that Sedmach needs for describing an inconstant place
vibrating with light. Involvement is now total: the great canvasses
approach the observers and suck them in before catapulting them
beyond the light, into another “where” in which – to quote the title of
these last works – desires are realized.
Manuela Sedmach
lives and works in Trieste (TS)
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PORDENONE
La cultura è una risorsa,
un investimento sul futuro
A
l viaggiatore che giunge in città, Pordenone si presenta nelle molteplici sfaccettature di una città moderna su cui si posano suggestive opere lasciate dalla storia, testimonianze raccolte, in particolare, in quell’area che risalendo dal fiume Noncello ha segnato
il suo sviluppo, prima quale luogo d’attracco delle imbarcazioni indirizzate ai commerci con Venezia, poi come fonte energetica
per gli opifici che sono stati costruiti lungo il suo corso segnando l’aumento del numero dei mulini e delle attività produttive. Grazie
all’avvento dell’energia idroelettrica, la città conosce un autentico decollo industriale nei settori del tessile, della ceramica e della
carta, a cui seguirà un notevole sviluppo economico ed industriale nelle lavorazioni metalmeccaniche, siderurgiche, chimiche e del
legno. L’affermazione dello spirito imprenditoriale caratterizza per secoli Pordenone facendone una importante città manifatturiera
e, nel secolo scorso, una tra le capitali dell’industria metalmeccanica.
Nel corso degli ultimi dieci anni Pordenone è diventata la seconda città in Italia per reddito prodotto da manifestazioni ed eventi
culturali, quali i festival letterari e di cinematografia, noti in tutto il mondo, che si svolgono in tutte le stagioni dell’anno: Giornate
del Cinema Muto, Dedica Festival, Pordenonelegge.it ed altri ancora. La cultura, del resto, già nel 1500, secolo d’oro per la città,
conobbe grandi splendori con il sorgere di Accademie e Cenacoli, della cui presenza si trova ancora oggi testimonianza lungo
Corso Vittorio Emanuele, l’antica Contrada Maggiore, e con la costruzione e l’ampliamento dei maggiori palazzi del centro storico,
tuttora esistenti, da parte delle famiglie nobili dei Ricchieri, dei Mantica, dei Rorario che facevano a gara per contendersi l’ospitalità
di pittori, umanisti, letterati e poeti.
Pordenone, oggi, va a porsi con l’apertura della Galleria d’Arte
Moderna e Contemporanea “Armando Pizzinato” e gli Spazi
Espositivi di Via Bertossi come centro d’intersezione e dialogo
fra le varie espressioni artistiche, nazionali ed estere. In particolare è attraverso la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea
“Armando Pizzinato” e con PArCo, acronimo di Pordenone arte
contemporanea, che racchiude insieme le due strutture fisicamente disgiunte, ma integrate nella programmazione culturale e, con
i loro 2010 metri quadri di spazi, reale promessa per la valorizzazione dell’arte in Italia, che l’Amministrazione Comunale intende rafforzare non solo l’immagine, ma anche il ruolo propulsivo
della città nel panorama artistico.
La Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, intitolata alla memoria di Armando Pizzinato, ospita nella parte antica la preziosa collezione Zacchi – Ruini con le opere di Giorgio De Chirico,
Massimo Campigli, Roberto Crippa, Filippo de Pisis, Lucio Fontana, Renato Guttuso, Alberto Savinio, Mario Sironi e molti altri
ancora nonché una collezione cospicua di dipinti, sculture, incisioni, fotografie del Novecento. Nell’ala moderna della Galleria
vengono, invece, allestite mostre monografiche ed organizzati
inoltre concerti, letture teatrali e attività didattiche per adulti e
bambini.
Gli Spazi Espositivi di Via Bertossi ospitano invece mostre di fotografia, fumetto e design, in particolare con allestimenti in omaggio a grandi nomi della fotografia nazionale ed internazionale.
Il Comune sta consolidando una puntuale e precisa collaborazione con i soggetti che più di altri hanno fortemente contribuito a
connotare l’immagine e l’attività della città, per giungere insieme
a loro ad una comune identità anche attraverso la periodizzazione delle iniziative a breve, media e lunga scadenza ed all’adozione di una unità di linguaggio. L’allargamento dei contatti con
il territorio e l’apertura oltreconfine, innanzitutto con le regioni
contermini dell’Austria e dell’ex Jugoslavia, saranno gli ulteriori
passaggi importanti ed utili per poter proporre eventi, che portino all’affermazione di questo come territorio per il turismo.
Su questa linea l’esigenza di avviare un sistema culturale regionale cooperante ed integrato che, a fronte di analisi condivise
sulla situazione sempre più critica in cui si trovano i musei e
gli altri istituti culturali presenti in Regione, sia anche in risposta
all’attuale contingenza economica e trovi il suo avvio in una comunione di intenti tra le gallerie d’arte contemporanea, ha aperto un dialogo tra i rappresentanti delle amministrazioni locali e
tra gli operatori. Con il fine di giungere già nei prossimi mesi ad
un percorso virtuoso di reciproca collaborazione per ottimizzare
al meglio i mezzi di comunicazione e per declinare in modo
tematico le proposte culturali su tutto il territorio regionale, pur
nel rispetto delle singole individualità, la Provincia di Gorizia, i
Comuni di Monfalcone, Pordenone, Trieste ed Udine hanno concordato di mettere in rete le gallerie di eccellenza regionale e
di adottare e sottoscrivere il protocollo “Per la valorizzazione
dell’arte contemporanea in FVG e per una gestione sostenibile
degli istituti culturali”.
Sala espositiva interna | Internal exhibition room
PArCO
Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea vista dall'alto (foto di Elena Tubaro)
PArCO Gallery of Modern and Contemporary Art view from above (photos by Elena Tubaro)
Foto Cartoni degli affreschi di Parma in mostra a Pordenone (foto Alessio Buldrin)
pictures of the frescoes of Parma in exhibition in Pordenone (photo by Alessio Buldrin)
Finestra sul mare (Armando Pizzinato) 1949/1950
Olio su compensato (CSAC/Università di Parma) | Oil on plywood (University of Parma)
cm. 164,5x197
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PORDENONE
Culture is a resource,
an investment in the future
T
o visitor coming to town Pordenone presents itself with all the multiple
facets of a modern city with the overlay of all the evocative works left
by history, the testimony, in particular, from that area which, ascending
from the River Noncello, marked its development, initially as a mooring
place for boats engaged in trade with Venice and then as a source of
energy for the factories that were erected along its course with an increase in the number of mills and of production activities. Thanks to the arrival of hydroelectric power the town saw an authentic industrial take-off
in the textile, ceramics and paper sectors that was followed by considerable economic and industrial development in the engineering, iron and
steel, chemical and woodworking areas. For centuries, the affirmation
of the entrepreneurial spirit characterized Pordenone and made it an
important manufacturing centre and, during the last century, one of the
capitals of the engineering industry. Over the last ten years Pordenone
has become Italy's second city in terms of income produced by cultural shows and events such as the literary and film festivals, renowned
all over the world, that take place at every time of the year: Giornate
del Cinema Muto, Dedica Festival, Pordenonelegge.it and many others.
Already in the 1500s, a golden century for the town, the city saw the
arrival of great splendours with the erection of academies and salons
whose presence can still be seen along Corso Vittorio Emanuele – the
old Contrada Maggiore – and with the construction and enlargement
of the major palazzi in the historical centre, and still in existence, by the
22
noble Ricchieri, Mantica and Rorario families who competed with one
another to host painters, humanists, men of letters and poets. Today,
with the opening of the “Armando Pizzinato” Gallery of Modern and
Contemporary Art and the Exhibition Spaces in Via Bertossi, Pordenone
has positioned itself as a crossroads and centre of dialogue for the
various national and foreign forms of expression. In particular, it is
through the “Armando Pizzinato” Gallery of Modern and Contemporary Art along with PArCo (the acronym for Pordenone Contemporary
Art), that brings together the two structures that are physically separate
but integrated in cultural programming and, with their 2010 square metres of space, a real boon for the development of art in Italy, that the
town council intends to reinforce not just in terms of the city's image but
also as a driving force in the artistic panorama. In the older section, the
Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, named after Armando Pizzinato, hosts the precious Zacchi – Ruini collection with works by Giorgio De Chirico, Massimo Campigli, Roberto Crippa, Filippo de Pisis,
Lucio Fontana, Renato Guttuso, Alberto Savinio, Mario Sironi and many
others as well as a conspicuous collection of twentieth century paintings,
sculptures, engravings and photographs. At the same time solo exhibitions are staged in the modern wing of the Gallery and concerts, drama
readings and teaching activities for adults and children are organized.
The exhibition spaces in Via Bertossi host events featuring photography,
comics and design, in particular with the staging of shows that pay
homage to the great names of national and international photography.
The town council is consolidating specific and precise collaboration with
those who, more than anyone else, have contributed to defining the
city's image and activities in order to consolidate a common identity
along with them also through the periodization of short, medium and
long-term initiatives and the adoption of a common language. The
broadening of contacts with the hinterland and opening out beyond the
border, especially with the adjacent regions of Austria and the former
Yugoslavia, will be further important and useful stages for proposing
events that will lead to the success of the area as a centre of tourism. In
this sense, a dialogue has opened between the representatives of local
administrators and operators stemming from the need to launch a cooperating and integrated regional cultural system, with a joint analysis of
the increasingly critical situation in which the museums and other cultural
institutions located in the region find themselves, and also in response
to the current economic picture, and this has led to the articulation of
a communion of intentions of the contemporary art galleries. With a
view to arriving in the coming months at a virtuous path of reciprocal
collaboration for the optimization of the means of communication and
for defining the cultural proposals in a thematic manner throughout the
region, while respecting the individual identities, the Province of Gorizia,
and the Town Councils of Monfalcone, Pordenone, Trieste and Udine
have agreed to unite the regional galleries of excellence in a network
and sign a protocol "For the development of contemporary art in FVG
and for a sustainable management of the cultural institutes."
Un fantasma percorre l’Europa (Armando Pizzinato) 1950
Olio e tempera su tela (Fondazione Musei Civici di Venezia, Galleria Internazionale d’arte moderna Ca’ Pesaro)
Oil and tempera on canvas (Venice Civic Museums Foundation, International Gallery of Modern Art Ca 'Pesaro)
cm. 260x300
Ingresso secondario di PArCO | Secondary entrance of PArCO
Opere di Tonino Guerra in mostra a PArCO | Works by Tonino Guerra on display in PArCO
Nane Zavagno nella parco adiacente a PArCO | Nane Zavagno in the adjacent park to PArCO
PArCO
Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Armando Pizzinato
Viale Dante, 33 Pordenone
www.artemodernapordenone.it
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55. BIENNALE
D’ARTE DI VENEZIA
Palazzo enciclopedico
di Anna Livia Friel
N
el 1955 Marino Auriti, visionario (o lungimirante?) artista italoamericano, depositava il brevetto per The Encyclopedic Palace, torta a forma di edificio dell’ipotetica altezza di 700 metri. Il progetto, accuratissimo nel calcolo di superfici e cubature,
prevedeva la sua collocazione nel National Mall di Washington D.C. mentre i suoi 136 piani avrebbero contenuto tutti i
manufatti, le invenzioni, gli orgogli artistici, scientifici e meccanici della specie umana.
Sorvolando sul fatto che il pensiero che tutte le meraviglie confezionate dall’uomo durante il corso di tutti questi secoli di supremazia
sulle altre specie animali, possano tranquillamente essere contenute in 136 piani, oltretutto rastremati, possa suonare preoccupante,
l’idea di per se è buona: spesso quello che non resta intrappolato dentro alle mura dei musei è destinato ad essere dimenticato, così
come le ricerche più innovative, private dei loro fondamenti storici, finiscono per perdere il loro valore e ruolo nella propria epoca.
Si può dire quindi che la scelta di Massimiliano Gioni, curatore di questa 55^ Biennale d’Arte, di intitolare il grande evento Il palazzo
enciclopedico, vero e proprio tributo al progetto di Marino Auriti, sia del tutto condivisibile, come dire: l’arte è un immenso patrimonio
culturale, la Biennale il suo grande Palazzo, non lasciamoci forviare dai mercati, dalle fiere, dagli artisti più o meno quotati.
La Biennale 2013 ambisce realmente a divenire la wunderkammer della nostra contemporaneità, solidamente strutturata da un carattere retrospettivo che permette alle creazioni di oggi di appoggiarsi a gloriose origini, e di arricchirsi di un percorso complesso
e maturo.
Importanti, ancor più quest’anno le presenze dei padiglioni nazionali, completate da nove novità: Bahamas, Regno del Bahrain,
Repubblica del Kosovo, Kuwait, Maldive, Costa d’Avorio e Nigeria, Paraguay, oltre alla presenza della Santa Sede. Sottolinea Paolo
Baratta, direttore della Biennale di Venezia, l’importanza che
ogni nazione non solo rappresenti la propria specifica produzione d’arte ma che si faccia portavoce di una vitalità in grado
di produrre quell’indispensabile scambio tra i diversi attori che
agiscono sul palco culturale di un Paese.
A chiarire intenti e forma del padiglione Italiano è il vincitore
della curatela Bartolomeo Pietromarchi, che, in sede di conferenza stampa, aveva spiegato con soddisfazione come il tema del
Palazzo Enciclopedico avesse grande affinità con Vice Versa,
titolo scelto per il Padiglione Italiano, tributo questo a Giorgio
Agamben che nelle sue Categorie Italiane. Studi di poetica e
letteratura fa riferimento ad un’arte costituita da serie di concetti
polarmente coniugati, siano essi tragedia e commedia, architettura e vaghezza, leggerezza e velocità, comunque latori di complessità che attraversa altalenanti rapporti dialettici. I quattordici
artisti invitati da Pietromarchi per la rappresentanza nazionale
assumono il ruolo di narratori dell’arte costituendo un “atlante
diacronico di temi riconducibili alla nostra storia e cultura nazionale: rapporto con il paesaggio, la città e l’architettura, riferimenti alla storia e al mito, la spiritualità, l’immaginario e la cultura
popolare”. Il padiglione è allestito in modo da ospitare sei piccole stanze tematiche dove, in un dibattito a due, si confronteranno
giovani artisti ed affermati rappresentanti dell’arte italiana: sul
paesaggio Luigi Ghirri e Luca Vitone, sulla storia Fabio Mauri e
Francesco Arena, il rapporto tra commedia e tragedia per Piero
Golia e Sislej Xhafa, le tradizioni per Marcello Maloberti e Flavio Favelli, l’illusione per Giulio Paolini e Marco Tirelli, la libertà
per Massimo Bartolini e Francesca Grilli, la connessione tra frammento e sistema per Gianfranco Baruchello e Elisabetta Benassi.
Si mescolano dunque generazioni e consapevolezze in questa
raccolta, sobria e misurata, curata dal direttore del MACRO, i
cui interventi tornano più volte a sottolineare l’importanza della ricostituzione di una scuola italiana dell’arte, che, forte della
propria specificità si sappia rapportare e confrontare all’interno
dell’importante evento internazionale.
Il “viceversa”, d’altra parte, allude si all’equilibrio innescato dal
tenersi per mano di opposte figure ma anche alla possibilità di
scambi di ruolo, interazioni tra pubblico e artista, capaci l’uno di
immedesimarsi nell’altro ed innescare quei processi empatici che
generano cultura.
Paweł Althamer
Almech, Deutsche Guggenheim, Berlin, October 2011–January 2012
Photo: Mathias Schormann
Ron Nagle
Dapper Napper 2011
Tecnica mista | Mixed media
cm. 18x18x9
Courtesy Pierre Marie Giraud Gallery - Photo: Don Tuttle
Phyllis Galembo
Cowboy, Tumus Masquerade Group, Winneba, Ghana 2009
Ilfochrome | Ilfochrome
cm. 76x76
Courtesy the artist and Steven Kasher Gallery, New York
Simon Denny
Deep Sea Vaudeo 2009
Installazione (Galerie Buchholz, Cologne)
Installation view (Galerie Buchholz, Cologne)
Courtesy Galerie Buchholz, Berlin/Cologne
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THE 55. VENICE BIENNALE
The Encyclopaedic Palace
by Anna Livia Friel
I
n 1955 Marino Auriti, the visionary (or farsighted?) Italo-American artist, registered a patent for The Encyclopedic Palace,
a cake in the form of a building with a hypothetical height of
700 metres. The project, very precise in the calculation of the
surfaces and volumes, was to be located in the National Mall
in Washington D.C. while its 136 floors were to have contained
all the artefacts, the inventions, and the artistic, scientific and
mechanical wonders of the human race.
Leaving aside the fact that the thought that all the marvels produced by humanity during all these centuries of supremacy over the
other animal species could fit into a 136 floor structure, which
is tapered moreover, could sound worrying, the idea itself is not
bad: often what remains trapped inside the walls or our museums
is destined to be forgotten in the same way as when the most innovative research is deprived of its historical foundations, it ends
up losing its value and its role at its own time.
We can therefore say that the decision taken by Massimiliano
Gioni, curator of this 55th Art Biennale, to entitle the great event
The Encyclopedic Palace, a genuine tribute to Marino Auriti’s
project, is absolutely acceptable, as if to say: art is an immense
cultural asset, the Biennale is its great Palazzo, and let us not be
led astray by the markets, by the fairs, or by the artists or various
degrees of success.
The 2013 Biennale really aims to become a wunderkammer of
our contemporariness, solidly structured by a retrospective nature
that permits today’s creations to pose upon glorious origins and
to enrich itself with a complex and mature path.
Important, even more so this year, is the presence of national pavilions with nine new arrivals: Bahamas, the Kingdom of Bahrain,
the Republic of Kosovo, Kuwait, the Maldives, the Ivory Coast,
Nigeria and Paraguay, in addition to the Vatican. Paolo Baratta,
the Biennale Director, underlines the importance for each nation
not only to showcase their own specific art output but also to
provide a mouthpiece for a vitality capable of producing that
indispensable exchange between the various actors who tread
on a country’s cultural stage.
The intentions and form of the Italian pavilion were clarified by
its curator, Bartolomeo Pietromarchi, who, at a press conference,
explained with satisfaction that the theme of the Encyclopaedic
Palace had great affinity with Vice Versa, the title chosen for the
Italian Pavilion, a tribute to Giorgio Agamben who, in his Categorie Italiane. Studi di poetica e letteratura, makes reference to
an art composed of series of polarly combined concepts, be they
tragedy and comedy, architecture and vagueness, or lightness
and speed, that are in any case bearers of complexity that crosses through seesawing dialectic relationships. The fourteen artists
invited by Pietromarchi to represent the nation assume the role
of narrators of the art to constitute “a diachronic atlas of themes
referable to our national history and culture: relationship with the
landscape, the city and architecture, references to history and
myth, spiritually, and the popular imagination and culture.” The
pavilion is arranged in such a way as to host six small thematic
rooms where, in a two-sided debate, young artists are compared
with successful representatives of Italian art: on the landscape
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Luigi Ghirri and Luca Vitone, on history Fabio Mauri and Francesco Arena, the relationship between comedy and tragedy with
Piero Golia and Sislej Xhafa, tradition with Marcello Maloberti
and Flavio Favelli, illusion with Giulio Paolini and Marco Tirelli,
freedom with Massimo Bartolini and Francesca Grilli, and the
link between fragment and system with Gianfranco Baruchello
and Elisabetta Benassi.
The result is therefore a mixture of generations and awarenesses
in this sober and measured collection, curated by the MACRO
director whose interventions return again and again to underline
the importance of reconstituting of an Italian school of art which,
empowered by its own specific nature, knows how to relate an
compare in the framework of this important international event.
The “vice versa”, on the other hand, alludes, yes, to the balance
triggered in order for us to be taken by the hand by opposing
figures, but also to the possibility of swapping roles, interactions
between the public and the artist, capable of identifying themselves with one another and sparking off those empathetic processes that generate culture.
Guo Fengyi
Confucius 2007
China colorata su carta di riso | Colored ink on rice paper
cm. 299x69
Marino Auriti
Marino Auriti with the Encyclopedic Palaceof the World Photographer unidentified, c. 1950 - Collection American Folk Art
Museum, New York
Artur Żmijewski
Blindly 2010
Video | Video
18:41 min.
Courtesy the Artist, Foksal Gallery Foundation, Warsaw
and Galerie Peter Kilchmann, Zurich
Thierry De Cordier
Mer Montée 2011
Pittura ad olio, smalto e china Cinese su tela
Oil paint, enamel and Chinese ink on canvas
Private Collection, Belgium Courtesy the Artist and Xavier Hufkens,
Brussels
Photography © 2013 Dirk Pauwels, Gent
55. BIENNALE D’ARTE DI VENEZIA
www.labiennale.org
[email protected]
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31
ARNOLD
MARIO
DALL'O
La decorazione
del dramma
di Marcello Palminteri
L'
opera di Arnold Mario Dall'O vive per mezzo di un apparato combinatorio
che affabula tecniche e modi diversissimi fra loro, capaci di trasformare ogni
cosa che rientra nel rito creativo, talvolta rendendo riconoscibile l'origine di ciascun oggetto coinvolto, altre annullandone la memoria, nella reinvenzione in un
contesto del tutto nuovo e straniante. Arnold Mario Dall'O appartiene, per molti
versi, a quel gruppo di artisti che, pur non rappresentando un vero e proprio “movimento” lavorano, in maniera del tutto autonoma, attorno a poetiche e concetti tipici degli artisti “mediali”, riconducibili cioè al quel “Medialismo” teorizzato negli
anni Ottanta dal critico e teorico Gabriele Perretta. Con questo termine parliamo
infatti di un'arte integrata, in cui tradizione e media convivono nel senso che la
tradizione si aggiorna sull'evoluzione della tecnologia. Spesso Dall'O parte da
immagini di cronaca (tratte dalla rete o da riviste) o si avvale di simboli popolari o
religiosi, per operare una rielaborazione visiva e concettuale che, proprio grazie
allo slittamento tecnico-manuale, apre ad un ventaglio ampio di episodi in cui
passato e presente convivono, anche quando apparente è il contrasto fra loro: un
contrasto mai elementare, come rivela, in certe opere, una disposizione di oggetti
che ricorrono più volte in modo diverso. Essi si distribuiscono infatti secondo un’estetica neo-barocca all'interno di cornici decoratissime, stoffe colorate, chincaglierie dorate o argentate, che solo da vicino rivelano la loro reale consistenza, mentre a distanza appaiono come straordinari lavori di oreficeria. Il lavoro dell'artista
si identifica pertanto con l'articolazione di elementi: un’antologia di “messa in
visione” delle cose che genera situazioni e rapporti sempre differenti tra loro. Essi
vengono realizzati a diversi livelli, producendo, raccogliendo e aggregando caratteri collettivi ed individuali, vicinanze e lontananze, parentele e conflitti, entro i
confini reali e virtuali al tempo stesso. Pittura, scultura, video e design si dispongono in un unico piano, azzerando ogni gerarchia, anzi concorrendo ad unificarsi
in una continua “imitazione”, come quando certe elaborazioni pittoriche suggeriscono l'immagine retinata della grafica. A tal proposito, si vedano le opere del recentissimo ciclo Still life: si tratta di una serie di corpi, più spesso di volti, scaricati
da internet ed appartenenti ad anonimi, per lo più morti in circostanze violente
e ora, attraverso la pittura, riprodotti come fossero appunto “nature morte”, nel
senso vero e proprio di “genere”, composizione di oggetti, vegetali o animali morti, assurti ad emblema della caducità della bellezza, pronta a svanire nel breve
volgere della vita, vittima del passare del tempo. Queste immagini, riprodotte
pixel per pixel, ingigantendo oltremodo le foto originarie, variano la percezione
a seconda della distanza di osservazione, così rimarcando la natura proteiforme
dei soggetti e, insieme, la versatilità dell’artista. Di fatto Dell’O opera con estrema
libertà, nomade, nel senso che opera spaziando a trecentosessanta gradi. Sorvola la “gabbia” dello stile e della palese riconoscibilità nella consapevolezza
di saper dare un “marchio” specifico al proprio lavoro. Attraverso l’abbondanza
dei concetti e la specificità di una natura artigianale profusa con estrema abilità
compositiva e pittorica che certamente contraddistingue la sua opera. L’esattezza
del segno, la politezza delle strutture, la costante e felicissima invenzione di tutti i
lavori dell’artista altoatesino (Bolzano, 1960), pur nella varietà dei cicli proposti,
rimandano sempre ad un processo elaborativo che si rivela elegantissimo (anche
quando, volutamente, si rasenta la “decorazione”) e ne diviene uno dei punti di
forza. Insieme a quella capacità di pervenire a soluzioni visive alle quali assegna
la funzione di tramite con l’invisibile svelando i “volti” di una realtà interiore. Qui
Dall’O ritrova la sua dimensione naturale, facendo della propria arte un bisturi
affilatissimo capace di affondare nella materia inafferrabile del dramma, restituendone il senso di ambiguità mortale. E, in questo caso, la decorazione non
nasconde nulla ma rivela in altra luce.
Karton - 1 2012
Pittura acrilica su cartoni | Acrylic painting on cardboard
cm. 190x231x20
Still life - 16 2012
Pittura ad olio su carta, lacca finale | Oil painting on paper, varnish
cm. 58x41,4x3
Tonkita 2009
Materiali vari, galvanizzato in argento | Mixed media, galvanized with silver
cm. 139x27x10
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Still life - 20 2012
Pittura ad olio su carta, lacca finale | Oil painting on paper, varnish
cm. 58x41,4x3
Arnold Mario Dall'O
vive e lavora in Irlanda e Bolzano
www.arnoldmariodallo.net
[email protected]
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ARNOLD MARIO DALL'O
Decorating drama
by Marcello Palminteri
T
he work of Arnold Mario Dall'O lives through a combinatory apparatus that narrates techniques and modes that differ highly from one
another and that are capable of transforming everything that falls into the creative ritual, sometimes making the origin of each object
involved recognizable , and at other times deleting them from memory in the reinvention in a completely new and alienating context. In
many ways Mario Dall'O belongs to that group of artists who, while not representing a real "movement", work in an entirely autonomous
manner around the typical poetics and concepts of "medial" artists, i.e. associated with the "Medialism" theorized in the eighties by the
critic and theorist, Gabriele Perretta. This term regards an integrated art in which tradition and media cohabit in the sense that the tradition
is updated on the evolution of technology. Dall'O often starts from images from the news (taken from the web or from magazines) or makes
use of popular or religious symbols in order to produce a visual and conceptual re-elaboration which, specifically thanks to the technicalmanual drift, opens onto a broad array of episodes in which past and present cohabit, even when there is an apparent contrast between
them: a contrast that is never elementary as revealed, in certain works, by an arrangement of objects that recur several times in a different
way. This is because they are distributed according to a neo-baroque aesthetic inside highly decorated cornices, coloured cloths, gilded and
silvered knick-knacks which only close up reveal their real consistency while from a distance they appear to be extraordinary works of the
jeweller's craft. The artist's work can therefore be identified with the articulation of elements: an anthology of "placing in sight" of the things
that generate situations and relationships that are continually different from one another. They are created at different levels, producing,
collecting and aggregating collective and individual characters, places near and far, kinships and conflicts, within confines which are real
and virtual at the same time. Painting, sculpture, video and design are arranged on a single plane, with the cancellation of all hierarchies
and, indeed, converge towards a unification of themselves in a continuous "imitation", such as when certain pictorial elaborations suggest
the halftone image of printing. Interesting in this regard are the works in the very recent Still life cycle: this is a series of bodies, more often
of faces, downloaded from the internet and belonging to anonymous people most of whom have died in violent circumstances and who are
now, through painting, reproduced as if they were in fact "still lives", in the real sense and specific to the "genre", i.e. compositions of dead
vegetable or animal objects, raised to be emblematic of the frailty of beauty, ready to vanish in life's brief unfolding, victim of the passage
of time. These images, reproduced pixel by pixel, magnifying the original photos exaggeratedly, vary one's perception depending on the
distance from which they are observed, thereby highlighting the protean nature of the subjects and, at the same time, the artist's versatility.
Dell'O actually works with extreme liberty, nomadically, in the sense that he operates by ranging 360 degrees. He ignores the "cage" of
style and patent recognisability in the awareness that he is able to apply a specific "brand" to his work, through the abundance of concepts
and the specificity of an artisan quality permeated with extreme compositional and pictorial skill which unquestionably sets his work apart.
Twins 2010
Materiali vari, galvanizzato in nichel, lampade | Mixed media, galvanized with nickel, light
cm. 100x240x42
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The precision of his sign, the refinement of the structures, and the
constant and extremely successful invention of all the works of this
Alto Adige artist (Bolzano, 1960) always refer, despite the variety of
the proposed cycles, to a creative process of extraordinary elegance
(even when it deliberately borders on "decoration") which becomes
one of its strengths, along with that ability to reach visual solutions to
which he assigns the function of intermediary towards the invisible
to reveal the "faces" of an interior reality. Here Dall'O rediscovers
his natural dimension, making of his art an extremely keen scalpel
that is capable of plunging into the ungraspable matter of drama in
order to restore its sense of mortal ambiguity. And, in this case, the
decoration hides nothing but reveals in other light.
Hellcomes-Welcome - 1 2008
Materiali vari, galvanizzato in argento | Mixed media, galvanized with silver
cm. 66x44x55
Animals (dettaglio) 2009
Materiali vari, galvanizzato in rame | Mixed media, galvanized with copper
cm. 163x31x20
Untitled (work in progress) 2011
Pittura su carta | Mixed media on paper
cm. 336x846
Arnold Mario Dall'O
lives and works in Ireland and Bolzano
www.arnoldmariodallo.net
[email protected]
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MANUELA BEDESCHI
Percorsi illuminati
di Giovanna Grossato
N
ella campagna veneta, poco lontano da Vicenza, a Bagnolo di Lonigo, sorge Villa Pisani, una elegante dimora di campagna,
tra le prime progettate da Andrea Palladio nel ‘500 per la nobile famiglia veneziana dei Pisani. Attuali proprietari, appassionati d’arte e collezionisti, sono Manuela Bedeschi e Carlo Bonetti che nella villa palladiana offrono ospitalità ad artisti e a cenacoli
culturali. Manuela, in questo stimolante contesto, vive e lavora elaborando un genere d’arte che, di primo acchito, potrebbe apparire
assai lontano dal rigore formale dell’architettura palladiana in cui risiede. Si tratta di strutture geometriche attraversate dalla luce o
che, comunque dal rapporto con la luce ricavano una nuova funzione oggettuale. Non solo: grazie alla propagazione luminosa,
gli elementi delle istallazioni di Bedeschi – costituiti essenzialmente da tubi al neon o da tavole pittoriche irrorate sul retro da una
fonte di luce- abbandonano la realtà bidimensionale per seguire un andamento assoluto, totalmente sganciato dal supporto. Il primo
aspetto, quello della disciplina delle misure dei segmenti colorati tra loro e di ciascuno con il tutto, è anche uno dei momenti fondativi
dell’architettura, segnatamente di quella classica che, dalle piramidi mediorientali, mesoamericane ed egizie ai templi greci dorici,
dà un valore sacro alla “divina armonia delle proporzioni” che nel Rinascimento italiano ebbero poi un momento fondamentale di
recupero sia nelle scienze che nelle arti. E dunque si tratta per Bedeschi di rimettere in moto, declinandoli secondo un linguaggio
contemporaneo, i principi basilari non solo del costruire secondo regole geometrico-matematiche che fanno della natura “arte”, ma
anche di integrare di fatto i propri lavori ad una architettura che di tali valori per secoli aveva fatto suoi i principi. E’ accaduto, oltre
che nella villa di Bagnolo, a Mantova, a Brescia, più recentemente a Verona, al Museo Diocesano d’Arte nella Chiesa di S. Fermo
Maggiore, con un’installazione di neon, e, nell’estate 2012, a Vicenza, negli spazi di Casa Gallo, con la mostra “Doppio Quadrato”.
Una personale, tagliata su misura per le stanze dell’appartamento della Biblioteca Internazionale “La Vigna”, ristrutturato dall’architetto veneziano Carlo Scarpa. Accompagnando i ritmi dell’architettura antica Bedeschi traccia, già sulla facciata della residenza,
un quadrato giallo costruito con tubi al neon che include le misure modulari delle finestre e dei marcapiani. A partire dalla facciata, dunque, e dal gran quadrato luminoso che vi si inscrive - pervadendola ma anche liberandone i confini - i lavori dell’artista si
collocano poi in tutte le stanze della casa, sempre utilizzando le misure canoniche e i loro multipli e sottomultipli, segno unificatore
36
tra la pregnante realtà tipica dell’architettura e quella mentale e
simbolica del lavoro dell’artista.
Manuela Bedeschi, inoltre, associa alla regolarità delle forme
l’instabile leggerezza della luce al neon che, collocata all’interno di grandi scatole di plexiglass, irradia il colore nello spazio
circostante. Inno all’elemento primario secondo gli intendimenti
dell’arte povera degli anni Sessanta, integrata però dalle consapevolezze del mutato mondo attuale. Quasi a dire che alla purezza dell’idea e alla sua estrema libertà si oppone il mondo indistricabilmente complesso della contemporaneità che ci assedia.
Le esperienze installative di Bedeschi si inseriscono dunque in
realtà preesistenti, tese a farne emergere i valori di senso che,
non di rado, permettono di tracciare, tra passato e presente, una
mappa etico-estetica, oltreché logico-mentale. Il buono e il bello,
per dirla con gli antichi.
Sempre attiva nel suo territorio d’origine nel nordest italiano,
Manuela Bedeschi ha portato la sua sperimentazione artistica
anche all’estero: nella cattedrale di Lezha, a Tirana, in Francia,
in Austria e negli Stati Uniti. Attualmente nella sua attività si è intensificato l’interesse per la “rilettura” delle facciate e una ripresa
della pittura legata alla retro-illuminazione delle opere. Entrambi
aspetti presenti nella recente mostra “Rossarancio. Manuela Bedeschi da Cleto Munari”, realizzata a palazzo Festa Marzotto,
studio del designer friulano che da moltissimi anni vive e lavora
a Vicenza.
Pindarica 2009
particolare | detail
Pindarica 2009
Manuela Bedeschi
vive e lavora fra Verona e Bagnolo di Lonigo (VI)
www.bedeschimanuela.com
[email protected]
Installazione di tubi al neon | installation of neon tubes
mt. 14,00x5,80
Vicenza, Complesso Monumentale di San Silvestro
I colori dell'acqua 2011
Neon e plexiglass | Neon and plexiglass
cm. 40x40x15
37
MANUELA BEDESCHI
Illuminated paths
by Giovanna Grossato
V
Sedia e tavolino 2012
Tubi al neon, fili elettrici, trasformatore | Neon tubes, wires, transformer
cm. 60x87x130
38
illa Pisani rises at Bagnolo di Lonigo in the Veneto countryside not far from Vicenza. It is an elegant country home and
one of the first designed by Andrea Palladio in the sixteenth century, for the noble Venetian Pisani family. The current owners,
art enthusiasts and collectors, are Manuela Bedeschi and Carlo Bonetti who offer hospitality to artists and cultural dinners in
the Palladian villa. Manuela lives and works in this stimulating
context with the creation of an artistic genre which, at first glance, might appear quite distant from the formal rigorousness of
the Palladian architecture in which she resides. Her works are
geometrical structures traversed by light or which, in any case,
draw a new function from their relationship with light. And there is more: thanks to the luminous propagation, the elements in
Bedeschi's installations – consisting essentially of fluorescent tubes or pictorial panels illuminated from the rear by a source of
light – abandon two-dimensional realities in order to follow an
absolute course released from the support. The first aspect, that
of the discipline of the proportions of the coloured segments visà-vis one another and the whole, is one of the founding moments
of architecture, particularly classical architecture which, from the
pyramids of the Middle East, Central America and Egypt to the
Greek Doric temples, gives a sacred value to the "divine harmony of proportions" that played a fundamental role of recovery in
both the sciences and in the arts during the Italian Renaissance.
For Bedeschi it is therefore a question of reanimating the fundamental principles not only of construction in accordance with
the geometrical-mathematical rules that make nature "art", but
also of integrating her own works with an architecture which
made these values its own for centuries, and of doing so in a
contemporary language. This has been the case not only in the
Bagnolo villa, but also in Mantua, Brescia and more recently in
Verona at the Diocesan Museum of Art in the Church of S. Fermo
Maggiore, with a neon installation and, in summer 2012, in Vicenza, in the spaces of Casa Gallo with the “Doppio Quadrato”
exhibition: a one-woman show made to measure for the rooms
of the apartment of the "La Vigna" International Library, which
had been renovated by the Venetian architect, Carlo Scarpa. Accompanying the rhythms of the old architecture, Bedeschi starts
off from the façade of the house with a yellow square composed
of neon tubes that includes the modular measurements of the
windows and string courses. From the façade and from the great
luminous square inscribed in it – pervading it but also liberating
its borders – the artist's works are then collocated in all the rooms
of the house, again with the use of the canonical measurements
and their multiples and sub-multiples, a unifying sign between
the pregnant reality typical of architecture and the mental and
symbolic one of the artist's work.
Moreover, Manuela Bedeschi associates the regularity of the
forms with the unstable lightness of the neon which, placed inside
large Plexiglas boxes, irradiates the colour into the surrounding
space. The result is a hymn to the primary element in line with the
intentions of the Arte Povera of the sixties integrated, however,
with an awareness of today's mutated world. Almost as if to say
that the undisentangleably complex world that the contemporary
besieges us with clashes with the purity of the idea and its extreme liberty.
Bedeschi's installation experiences are therefore inserted into
pre-existing structures intended to bring out from them the values
of sense which, quite often, make it possible to trace an ethicalaesthetic map, as well as a logical-mental one, between past
and present. The good and the beautiful as the ancients would
have said.
Always active in her land of origin in the Italian northeast, Manuela Bedeschi has also taken her artistic experimentation abroad: to the cathedral of Lezha, to Tirana, and to France, Austria
and the United States. Today, there is an intensified interest in her
activities for "rereading" façades and a return to painting linked
to backlighting the works. Both aspects can be seen in the recent
show, “Rossarancio. Manuela Bedeschi da Cleto Munari”, staged in Palazzo Festa Marzotto, the atelier of the Friuli designer
who has lived and worked in Vicenza for many years.
Seriale 2011
cm. 375x50x44 (6 moduli)
Sullo sfondo, Doppio Quadrato, tecnica mista su tela e neon 2 tele cm. 200 x 200
In the background, Doppio Quadrato, mixed media on canvas and neon 2 canvasses cm. 200x200
Velato svelato 2012
Neon, tecnica mista su tela | Neon, mixed media on canvas
cm. 204x320x9 (3 tele 50x320x9) | (3 canvasses 50x320x9)
Manuela Bedeschi
lives and works between Verona and Bagnolo di Lonigo (VI)
www.bedeschimanuela.com
[email protected]
Più della notte 2006
4 moduli ognuno di | 4 modules each cm. 45x100x22,5
39
MIRTA
CARROLI
T
“Codici Miniati”
sculture, disegni,
xilografie alla
Perl’A Gallery
di Venezia
di Tazio Cirri
Dalla Bibbia di Borso 2011
Ferro patinato | Coated iron
cm. 105x67x3
40
ra i molti che hanno scritto sull’opera dell’artista bolognese
Mirta Carroli, uno dei più apprezzati fu Franco Batacchi. Il
pittore, giornalista e critico scomparso nel 2011, aveva mostrato di comprendere a fondo “Il ritmo segreto del tempo musicale” che Carroli esprimeva soprattutto nelle sue reinterpretazioni
ambientali. Batacchi ne ebbe consapevolezza quando curò nel
2009 una grande mostra monografica di Mirta Carroli nel Castello di Pergine Valsugana. “In quell’occasione, - scrive - osservando la sua metodologia d’approccio all’arduo problema d’inserimento nell’incombente contesto ambientale, ho avuto modo
di apprezzare l’impegno dell’artista nella progettazione di interventi in luoghi ed edifici carichi di vissuto. Ne avevo avuto avvisaglie l’anno precedente, quando mi ero recato a Brisighella,
incantevole cittadina romagnola dove Mirta è nata, per vistare
la mostra ”L’alfabeto del grano”; in quella circostanza avevo ammirato la discrezione e il rispetto con cui era intervenuta lungo il
singolare camminamento porticato soprelevato, oltre che in altri
siti, arricchendo il centro urbano con raffinate operazioni minimaliste. E ne ho avuta conferma pochi mesi or sono, a Ferrara,
dove Mirta ha saputo trovare la misura perfetta per inserire le
proprie “variazioni sul tema “ tra gli affreschi e gli antichi tomi
dell’aulico Palazzo di Schifanoia e nel retrostante Giardino delle
Delizie. Proprio da quest’ultima esperienza nasce il nucleo di
recentissimi lavori: opere in ferro patinato, ideati e realizzati in
funzione della Galleria veneziana. Su questa intuizione - continua Batacchi nel testo del catalogo della mostra presso Perl’A
Gallery di Venezia in occasione della 54ma Biennale di Venezia - Carroli ha innestato il tema portante della mostra “Codici
Miniati” dichiaratamente ispirato alle riflessioni e alle suggestioni
Lettera "A" di Borso d'Este 2011
cm. 20x78x15
Codici di Borso d'Este 2011
cm. 40x80x14
accumulate dall’autrice nei lunghi mesi in cui è stata a contatto con le storie visive dei cicli pittorici del trecentesco palazzo ferrarese
e, soprattutto, con i preziosi incunaboli della famiglia ducale […]. Chi si attendesse una rivisitazione delle elaborate grafie, dei
preziosi inchiostri, delle vivide cromie e dorature dei mirabolanti capilettera, resterebbe spiazzato. Mirta Carroli vive nel Duemila,
sei secoli dopo i fratellastri Lionello e Borso d’Este. Quello che ha captato dai materiali, dagli intonaci screziati di lapislazzuli, dalle
cartapecore e pergamene, dall’aura del tempo, dalle grandi sale in cui la frescura estiva fa presagire il gelo delle notti invernali, è il
senso delle partiture. Vita come musica, impossibile da concepire senza il pentagramma che la sorregge e ne include ogni possibile
variante. Ritmi rigorosi, madrigali senza parole, fino al puro divertimento mozartiano.[…]. Mirta Carroli non si propone, né s’illude di
cambiare il mondo. Ne assapora frammenti e reperti di vitalità, li riordina ed elabora, ne trae alfabeti che traducono in immagini un
linguaggio arcano, eppure comprensibile. Dipana la rete intricata delle consunte figure retoriche per salvarne il semplice messaggio
originario. Ci restituisce il piacere di vedere la bellezza, senza didascalie esplicative fuorvianti. Ha accumulato sapere, naviga nel
presente. Ma lavora con le mani e con il cuore.”
Il critico rilevava dell’artista anche la sostanziosa formazione professionale, seriamente perseguita con anni di intensa preparazione
culturale e tecnica perseguita personalmente e durante gli anni di studio al Liceo artistico ”F. Arcangeli” di Bologna prima e poi
all’Accademia di Belle Arti dove si è laureata nel corso di Scultura. ”La sensazione di familiarità ed elegante compiutezza formale
che proviamo incontrando le sue sculture, - scriveva Batacchi - deriva dallo spessore. Non si tratta di spessore fisico, poiché le costruzioni coniugano l’asciutta icasticità di Ettore Colla con il sublime lirismo incorporeo di Fausto Melotti, bensì di spessore culturale.
Dietro l’abilità di impaginazione, la scansione degli spazi mai scontata, l’equilibrio formale raggiunto senza il ricorso alla simmetria,
si legge in filigrana l’emergere della personalità capace di operare una sintesi tra storia, stile e invenzione.”
Nata a Brisighella (RA) nel 1949, Mirta Carroli si laurea all'Accademia di Belle Arti e nel 1999 riceve il Premio Marconi per la scultura. Dal 1980 docente di Discipline Plastiche presso il Liceo Artistico, ha iniziato ad esporre nel 1984 in personali e collettive in Italia
e all'estero ed ha al suo attivo diverse sculture di grandi dimensioni.
Mirta Carroli
vive e lavora tra Bologna, Milano e Venezia
www.mirtacarroli.it
[email protected]
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MIRTA CARROLI
"Illuminates codices" sculptures,
drawings and xylographs at the
Perl’A Gallery in Venice.
by Tazio Cirri
Dedicato a Borso d'Este 2011
cm. 50x67x5
Codici di Borso d'Este 4 2011
cm. 21x78x12
F
ranco Batacchi was one of the most appreciated of those who wrote about the work of the Ravenna artist, Mirta Carroli. The
painter, journalist and critic who died in 2011 showed that he fully understood "The secret rhythm of musical time" that Carroli expressed particularly in her environmental reinterpretations. Batacchi was aware of it when, in 2009, he curated a great monographic
show dedicated to Mirta Carroli in the Castle at Pergine Valsugana. "On that occasion," he wrote, "observing her way of approaching the arduous problem of insertion into the overhanging environmental context, I was able to appreciate the artist's commitment
to the planning of interventions in places and buildings charged with history. I got a warning of this the previous year when I went
to Brisighella, the magical Romagna town where Mirta was born, to see the show, the "L’alfabeto del grano"; on that occasion I had
admired the discretion and respect with which she intervened along the singular raised arcaded walkway, as well as in other sites,
enriching the town centre with refined minimalist operations. And I got confirmation of this a few months ago, in Ferrara, where Mirta
managed to find the perfect measure in order to insert her own "variations on the theme" among the frescoes and ancient tomes in
the courtly Palazzo di Schifanoia and in the Giardino delle Delizie at its rear. The nucleus of the most recent works derives specifically
from this last experience: works in patinated iron, conceived and realized for the Venetian gallery. On the basis of this intuition,"
Batacchi continues in the text of the catalogue of the exhibition at Venice's Perl’A Gallery on the occasion of the 54th Venice Biennale, "Carroli grafted the bearing theme of the "Illuminated Manuscripts" show which was declaredly inspired by the reflections and
suggestions accumulated by the artist during the long months in which she was in contact with the visual stories of the pictorial cycles
of the fourteenth Ferrara palazzo and, above all, with the precious incunabula of the ducal family [...]. Those expecting a revisitation
of the elaborate handwritings, the precious inks, the vivid colours and gilding of the marvellous capital letters, would be wrongfooted.
Mirta Carroli lives in the 21st century, six centuries after the half-brothers, Lionello and Borso d’Este. What she has captured from
the materials, from the plaster speckled with lapis lazuli, from the vellums and parchments, from the aura or time, and from the great
rooms in which the summer cool foretells the frost of winter nights, is the sense of the musical score. Life like music, impossible to
42
Codici di Borso d'Este 1 2011
cm. 23x92x16
imagine without the pentagram that supports it and includes all of its possible variations. Rigorous rhythms, madrigals without words,
as far as pure Mozart-like fun [...]. Mirta Carroli does not propose herself nor does she delude herself about changing the world. She
savours fragments and shards of vitality, reorders and reworks them, draws alphabets from them which are then translated into an
arcane yet comprehensible language. She unravels the intricate mesh of the worn out rhetorical figures in order to save their original
message. She gives us back the pleasure of seeing beauty without misleading explanatory captions. She has accumulated wisdom
and navigates in the present. But she works with her hands and with her heart."
The critic also noted the artist's substantial professional training, followed seriously over years of intense cultural and technical preparation pursued personally and during her years of study first at the "F. Arcangeli" art school in Bologna and later at the Accademia
di Belle Arti where graduated in the Sculpture course. "The sensation of familiarity and elegant formal completeness we feel when we
encounter her sculptures," Batacchi explains, "derives from their thickness. Not physical thickness – as her constructions combine the
dry figurativeness of Ettore Colla with Fausto Melotti's sublime incorporeal lyricism – but cultural thickness. Behind the page-making
skills, the never obvious scanning of the spaces, and the formal balance achieved without any recourse to symmetry, the emergence
can be read in filigree of a personality capable of creating a synthesis between history, style and invention."
Born in Brisighella (Ravenna) in 1949, Mirta Carroli graduated from the Accademia di Belle Arti and in 1999 was awarded the Marconi Prize for sculpture. She has been an art college lecturer in Plastic Studies and in 1984 began to exhibit in personal and collective
shows in Italy and abroad while her works include various large-scale sculptures.
Mirta Carroli
lives and works between Bologna, Milan and Venice
www.mirtacarroli.it
[email protected]
43
GREGOR PRUGGER
Pantha Rei
di Alessandro Benetti
Gregor Prugger (Ortisei, 1954) fa parte di quella fortunata generazione di artisti della Val Gardena che annovera, tra gli altri, il suo
quasi coetaneo Willy Verginer (1957) e il più giovane Aron Demetz (1972).
Li accomuna il forte radicamento nel territorio, la visione dell’arte come attività artigianale e la predilezione per la lavorazione del
legno - il più “alpino” dei materiali, nella pratica come nell’immaginario.
Radicamento, per Prugger, significa innanzitutto un’intensa partecipazione alla vita culturale della valle (e, più estesamente, della
realtà altoatesina) e la promozione in prima persona di iniziative artistiche corali. Prugger ha fatto parte del gruppo Arti Visive di Bolzano, ha presieduto il circolo culturale di Ortisei ed è stato membro dell'UNIKA che riunisce i principali “artigiani artistici” gardenesi.
A partire da questi presupposti, la sua pratica artistica si è evoluta radicalmente nel corso dei decenni, a dimostrazione del suo eclettismo concettuale: se l’attività giovanile di caricaturista (svolta per conto di riviste come Brunsin, FF e Profil) denuncia un forte interesse
per la figura umana e la sua deformazione in chiave iperrealista, col passare del tempo Prugger si è rapidamente allontanato dalla
figuratività, preferendole un linguaggio di radicale astrazione.
Le sue opere più recenti, come i frammenti di tronco della serie Pantha Rei, indagano le potenzialità scultoree del legno tenero del
tiglio altoatesino, modellato con il più aggressivo degli attrezzi del falegname: la motosega. L’incompatibilità tra supporto, molto fragile, e utensile, estremamente potente, è solo apparente: spiega Prugger che, là dove uno scalpello gli permetterebbe di cesellare la
superficie secondo la sua volontà d’individuo, la lama della sega procede secondo logiche che gli sono incontrollabili. Insinuandosi
nelle venature del legno, materiale anisotropo per eccellenza, essa disegna solchi che corrispondono alla disposizione delle fibre
deboli del tronco. È la costituzione, logica ma irregolare, dell’elemento naturale che definisce l’estetica dell’opera, non il raziocinio
dell’artista. Questo approccio alla pratica artistica comporta una fusione totale tra uomo e natura, sorprendentemente attuata proprio
attraverso un utensile hi-tec come la motosega.
La facilità con cui le fibre del legno si disgregano sotto la pressione della lama denuncia la fragilità dell’elemento naturale la cui
superficie, a lavorazione ultimata, vibra di un chiaroscuro intenso ed inquieto. Pantha Rei, tutto scorre: scorre il tempo, nel tempo la
lama scorre sul legno, nel tempo la materia naturale si disgrega e, insieme alla materia, l’uomo che con essa è un tutt’uno tramite
l’arte.
Il tema dell’erosione attraversa l’opera di Prugger come un’ossessione: Rainfall sembra alludere al tempo stesso alla precipitazione
piovosa e ai solchi che questa lascia sugli oggetti solidi su cui si riversa mentre i paesaggi di Landscape Box e Red Declivity hanno
la consistenza instabile delle “piramidi di sabbia” che punteggiano l’Alto Adige.
Se da un lato l’artista partecipa con slancio mistico a tale processo ineluttabile, pure avverte la necessità di razionalizzare l’immensità incommensurabile dei fenomeni naturali. La pioggia, i paesaggi , i rilievi sono “inscatolati” in una forma geometrica esatta e
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misurabile e i tronchi di tiglio sono recisi con precisione in frammenti dalle estremità levigate. I telai metallici che inquadrano
le superfici di legno, non senza un’eleganza sobria e minimale,
sono superfici liminali cariche di significato. Essi si configurano
come soglie fisiche e concettuali di separazione tra la mise en
scène della scultura, spazio tridimensionale in cui si muove l’osservatore, e la superficie metafisica dell’opera stessa.
I box in cui Prugger materializza momenti discreti del tutto cosmico prestano le loro forme ermetiche alla contemplazione critica
da parte dell’osservatore. Attraverso un processo intuitivo, che
procede dal particolare al generale, anch’egli può tentare di
partecipare dell’arte di Prugger, nella sua costante tensione verso l’universale.
Resti di neve in una vallata 2009
Ferro, legno di tiglio | Iron, lime wood
cm. 75x40x20
Landscapebox 2008
Ferro, legno di tiglio, acrilico | Iron, lime wood, acrylic
cm. 120x55x55
Pantharei 2008
Legno di pero | Pearwood
cm. 150
Gioghi innevati 2009
Legno di tiglio | Lime wood
alt. | h. cm. 160
Gregor Prugger
vive e lavora a Ortisei (BZ)
www.gregorprugger.com
[email protected]
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GREGOR PRUGGER
Pantha Rei
by Alessandro Benetti
G
regor Prugger (Ortisei, 1954) is a member of that fortunate generation of artists from Val Gardena which, among
others, includes his virtual contemporary Willy Verginer (1957)
and the younger Aron Demetz (1972).
What they have in common is their powerful rootedness in their
land, with a vision of art as an artisanal activity and a predilection for working wood – the most "alpine" of materials, both in
practice and in the imagination.
Rootedness, for Prugger, means above all an intense participation in the cultural life of the valley (and, more broadly, the South
Tyrol) and his own personal promotion of choral artistic initiatives.
Prugger took part in the Arti Visive group in Bolzano, he chaired
the Ortisei cultural circle throughout the eighties and, since 1994,
has been a member of the UNIKA group which brings together
the main "artistic artisans" from Val Gardena.
Starting from these premises, his artistic practice evolved radically over the decades, demonstrating his conceptual eclecticism: if
his youthful activity as a caricaturist (for magazines such as Brunsin, FF and Profil) reveals a great interest in the human figure and
its deformation from a hyperrealist viewpoint, with the passage
of time Prugger rapidly distanced himself from figurativism and
preferred a language of radical abstraction.
His most recent works, such as the fragments of the Pantha Rei
series, investigate the sculptural potentials of the soft wood of the
Tyrolese lime tree, modelled using the most aggressive of the woodworker's tools: the chainsaw. The incompatibility between the
support, which is very fragile, and the tool, which is extremely powerful, is merely apparent: Prugger explains that where a chisel
would let him carve the surface in accordance with his personal
desires, the saw blade operates with a logic that he is unable to
control. By insinuating itself into the grain of the wood, an anisotropic material par excellence, it designs grooves that correspond
to the layout of the weak fibres in the trunk. It is the constitution,
logical but irregular, of the natural element that defines the aesthetics of the work, not the artist's reasoning. This approach to
artistic practice entails a total fusion between man and nature,
actuated surprisingly using a hi-tech tool like the chainsaw.
The facility with which the wood fibres disintegrate under the
pressure of the blade denounces the fragility of the natural element whose surfaces, when the work has been completed, vibrate with an intense and restless chiaroscuro. Pantha Rei, everything
flows: time flows, the blade flows in time through the wood, the
natural material disintegrates in time and, along with matter, so
does man who is one with it through art.
The theme of erosion permeates Prugger's oeuvre like an obsession: Rainfall seems to allude simultaneously to the falling precipitation itself and to the grooves it leaves on the solid objects it
pours onto, while the landscapes in Landscape Box and Red Declivity have the precarious consistency of the "pyramids of sand"
that punctuate the South Tyrol.
On the one hand, the artist participates with a mystical swoop in
this ineluctable process, while observing the need to rationalize
the immeasurable immensity of the natural phenomena. Rain, landscapes, the reliefs are boxed in an exact and measureable form
and the lime-wood trunks are cut with precision into fragments
with polished ends. The metal mounts that frame the wood surfaces, not without sober and minimal elegance themselves, are
liminal surfaces charged with meaning. They configure themselves as physical and conceptual thresholds creating a separation
between the sculpture's mise en scène, a 3D space in which the
observer moves, and the metaphysical surface of the work itself.
The boxes in which Prugger gives substance to discrete, totally
cosmic, moments, lend their hermetic forms to critical contemplation by the observers. They too, through an intuitive process
which proceeds from the particular to the general, can attempt
to participate in Prugger's art, in its constant tension towards the
universal.
Notte 2009
Legno di tiglio e acrilico | lime wood and acrylic
cm. 70x70
Escrescenze 2010
Legno di cedro, acrilico | Cedar wood, acrylic
cm. 60x50
Giornate di pioggia 2008
legno di tiglio e acrilico | lime wood and acrylic
cm. 80x80
Gregor Prugger
L'energia dell'albero 2010-2011
Legno di castagno | Chestnut
lungh. | lenght cm. 180 - alt. | h. cm. 140
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lives and works in Ortisei (BZ)
www.gregorprugger.com
[email protected]
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IL CASTELLO
DEL BUONCONSIGLIO
Monumenti e Collezioni Provinciali
S
ede dei principi vescovi dal XIII secolo, il Castello del
Buonconsiglio di Trento è il più importante complesso monumentale della regione. All’antica fortezza medioevale, ingentilita nella seconda metà del XV secolo da una raffinata loggia
voluta dal principe vescovo Hinderbach, si aggiunse nel Cinquecento il Magno Palazzo, una delle più sontuose residenze rinascimentali dell’Italia del nord, destinata a sottolineare il potere e
il prestigio del committente, Vescovo Bernardo Cles, consigliere
dell’imperatore. Gli ambienti sono decorati con splendidi affreschi di Girolamo Romanino, Dosso Dossi, Fogolino e stucchi di
Zaccaria Zacchi. Torre Aquila custodisce il celebre “Ciclo dei
Mesi”, una delle più importanti testimonianze del Gotico internazionale realizzato nel 1400 dal pittore boemo Venceslao.
Il Buonconsiglio, sede principale di una rete di castelli di proprietà provinciale (Stenico, Beseno e Thun), ospita collezioni di
arte, arti applicate e archeologia.
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Nel corso degli ultimi quindici anni, grazie ad interventi di restauro condotti dalle competenti soprintendenze e a lavori connessi
alla preparazione di grandi mostre temporanee estive, l’aspetto
monumentale del Castello ha visto il progressivo ampliamento
degli spazi visitabili e l’apertura di nuove sezioni permanenti.
Nelle sale di Castelvecchio si è aperto il Lapidario, che raccoglie
opere comprese tra l’Alto Medioevo e la fine del Settecento provenienti dalle principali chiese e palazzi trentini, la Sezione egizia, dovuta al lascito del misterioso ufficiale asburgico Taddeo
Tonelli e quella archeologica che, con più di seicento oggetti,
riassume molti aspetti delle vicende del territorio fra la Preistoria
e l’Alto Medioevo. Altre sezioni permanenti molto significative
sono quelle dedicate alla pittura (che annovera tra l’altro opere
di Guardi, Fontebasso, Loth, Ricchi e Lampi), alla scultura lignea
e alle stufe. Il museo custodisce collezioni di bronzetti, stampe,
disegni, codici musicali, monete e medaglie esposti periodicamente a rotazione. Nel prossimo futuro è previsto l’allestimento
di una sezione dedicata al Medioevo e alla storia del Principato
Vescovile.
Sono soprattutto le mostre temporanee estive il punto di forza
dell’attività del Museo, che ha cercato in questi anni di realizzarne su temi differenziati, poco esplorati o inediti, che contribuissero a suscitare l’interesse di un’utenza varia. Le attività del Museo
si estendono inoltre alle sedi periferiche di Castel Beseno in
Vallagarina, Castel Stenico in val Giudicarie e Castel Thun
in valle di Non.
Castel Beseno è stato individuato come luogo deputato ad illustrare la tipologia del castello in quanto strumento bellico e di
controllo della Valle dell’Adige. È il più esteso presidio militare
del territorio e proprio per questa ragione vi è stato ideato un
percorso che intende valorizzare le armi antiche custodite nelle
collezioni museali. Per quanto riguarda la sede di Castel Stenico, recentemente è stato rinnovato l’intero percorso allestitivo
con l’obiettivo di conferire ala struttura, che nella Cappella di
San Martino conserva una pregevole testimonianza della pittura
romanica, la funzione di contenitore di raccolte di arti applicate:
serrature, chiavi, forzieri, oggetti in rame, legno e antico mobilio.
A queste sedi monumentali si aggiunge Castel Thun, aperto al
pubblico il 17 aprile 2010, dopo quasi venti anni di accurati lavori di restauro. Armonico esito di varie fasi evolutive succedutesi
nei secoli, Castel Thun è un esempio tra i più interessanti di architettura castellana, luogo emblematico della storia del principato
vescovile. Il maniero unisce il bel palazzo signorile circondato
da ampi giardini ad un complesso sistema di fortificazioni, costituito da torri, bastioni, fossati e muraglie. L’aspetto più affascinante di Castel Thun è che non ha mai smesso di essere abitato,
conservandosi nel tempo come dimora arredata, specchio del
gusto della famiglia, ma anche del confort e delle esigenze degli
esponenti di un ricco casato. Rinascimento, Settecento, Impero e
Biedermaier convivono nelle sale: secretaires, cassettoni a ribalta, stipi, divani, comodini stile impero, stufe ad olle, argenteria,
porcellane, vetri da tavola, armi bianche, forzieri, carrozze, slitte, oltre a dipinti della scuola dei Bassano, ritratti di Giambattista
Lampi, Crespi, Molteni, Garavaglia, Procaccini, Bergler, sculture
dell’Insom fanno di questa dimora un gioiello da scoprire.
Lapidario | Lapidary
Loggia del Romanino | Loggia of Romanino
Archivio fotografico Castello del Buonconsiglio:
Michelotti – Eccher – Zotta – Munerati
Buonconsiglio Castle photographic archive:
Michelotti – Eccher – Zotta – Munerati
Castello del Buonconsiglio, Giardini | Gardens
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Sala Grande | Geat Hall
CASTELLO
DEL BUONCONSIGLIO
Monuments and Provincial
Collections
of new permanent sections. Open in the rooms of Castelvecchio is the collection
of stone works with pieces from the High Middle Ages to the end of the eighteenth
century from the main churches and palaces in the Trento area, the Egyptian Section, the result of the bequest from the mysterious Hapsburg official, Taddeo Tonelli,
and the archaeological section which illustrates many aspects of the events in the
area between prehistory and the High Middle Ages with over six hundred objects.
Other very significant permanent sections are those dedicated to painting (which,
among others, will include works by Guardi, Fontebasso, Loth, Ricchi and Lampi),
wooden sculpture and stoves. The museum houses collections or small bronzes,
prints, drawings, musical manuscripts, coins and medals exhibited periodically in
rotation. In the near future it is planned to arrange a section dedicated to the
Middle Ages and to the history of the Episcopal Principality. The temporary summer
exhibitions above all are the highlights in the activities of the Museum which, in
recent years, has attempted to stage shows on differentiated themes, ones that have
not been explored very much or at all, that would contribute to arousing the interest
of a variegated public. The Museum's activities also extend to the peripheral seats
of Castel Beseno in Vallagarina, Castel Stenico in Val Giudicarie and Castel
Thun in Valle di Non. Castel Beseno was chosen as the place dedicated to illustrating the castle typology as an instrument of war and of control over the Adige
Valley. This is the largest military garrison point in the area and specifically for this
reason a path was traced here to showcase the ancient weapons in the museum
collections. As far as Castel Stenico is concerned, the entire exhibition path was
renewed recently in order to give the structure, which has remarkable examples of
Romanesque painting in the San Martino Chapel, the function of container for the
applied arts: locks, keys, safes, copper and wood objects and old furniture. In addition to these monumental venues is Castel Thun, open to the public since 17 April
2010 after almost twenty years of painstaking restoration work. The harmonious
outcome of various evolutionary stages over the century, Castel Thun is one of the
most interesting examples of castle architecture, an emblematic location in the history of the Episcopal principality. The manor brings together the lovely stately building
surrounded by spacious gardens and a complex system of fortifications consisting
of towers, bastions, moats and walls. The most fascinating aspect of Castel Thun is
that is has never been uninhabited, remaining over the years as a furnished home,
mirroring the family's taste but also the comfort and needs of the members of a wealthy house. The Renaissance, Settecento, Empire and Biedermaier styles live side
by side in the rooms: secretaires, trunks, sofas, bedside tables in Empire style, pot
stoves, silverware, porcelain, table glassware, weapons, safes, carriages and sleighs as well as paintings from the Bassano school, portraits by Giambattista Lampi,
Crespi, Molteni, Garavaglia, Procaccini and Bergler, and sculptures by Insom make
this home a jewel to be discovered.
T
he seat of the bishop princes since the XIII century, Trento's Castello del Buonconsiglio is the most important monumental
complex in the region. The old medieval fort, ennobled in the second
half of the XV century by a refined loggia desired by the bishop prince
Hinderbach was joined in the Cinquecento by the Magno Palazzo,
one of the most sumptuous residences in Northern Italy, intended to
underline the power and prestige of man who commissioned it, the
Emperor's counsellor, the bishop Bernardo Cles. The rooms are decorated with splendid frescoes by Girolamo Romanino, Dosso Dossi
and Fogolino with stuccowork by Zaccaria Zacchi. Torre Aquila houses the renowned “Cycle of the Months”, one of the most important
examples of International Gothic painted in 1400 by the Bohemian
painter, Venceslao. The Buonconsiglio, the main seat in a network of
castles belonging to the Province, (Stenico, Beseno and Thun),
hosts collections of art, the applied arts and archaeology. Over the
last fifteen years, thanks to the restoration work carried out by the various authorities and the works associated with the preparation of the
great temporary summer exhibitions, the monumental aspect of the
Castle has seen the extension of the visitable spaces and the opening
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Venere castiga Amore
bronzetto | Bronze
Giovanni Battista Lampi
Ritratto in veste di Diana sec. XVIII
cm. 68x54
Pietro Ricchi
Allegoria della Lascivia che sottrae gli attributi alla Fama sec. XVII
cm. 165x265
CASTELLO DEL BUONCONSIGLIO
Maschera d’oro, collezione egizia | Gold mask, Egyptian collection
Via Bernardo Clesio, 5
38122 Trento
www.buonconsiglio.it
[email protected]
51
ACCADEMIA DI BELLE
ARTI DI VERONA
Presidente: Stefano Pachera
Direttore: Massimiliano Valdinoci
L’
Accademia di Belle Arti di Verona è una delle cinque accademie storiche legalmente riconosciute finanziate dagli Enti Locali, insieme a quelle di Bergamo,
Genova, Perugia e Ravenna. L’Accademia di Pittura fu fondata il 18 dicembre del
1764. Direttore perpetuo dell’Accademia fu Gian Bettino Cignaroli, pittore veronese. Dal 1869 per volontà del Conte Paolo Brenzoni, fu istituita la Libera Scuola
Brenzoni di Pittura e Scultura. In data 5 marzo 2012, con l’Accademia di Belle Arti
G. B. Cignaroli, il Comune di Verona e la Provincia di Verona, si è costituita la
Fondazione Accademia di Belle Arti di Verona, iscritta nel registro delle Persone
Giuridiche dalla Prefettura di Verona con decreto n. 230 del 17 ottobre 2012. La
Fondazione Accademia di Belle Arti di Verona prosegue senza soluzione di continuità l’opera svolta dall’Accademia di Belle Arti Cignaroli relativamente all’attività
didattica utile a far conseguire dei titoli di studio equiparati alla Laurea, nell’ambito
del sistema dell’Alta formazione artistica e musicale afferente al Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca.
L’Accademia possiede un “patrimonio” di grande qualità: per professionalità e
competenza, quello dei docenti; per talento e selezione, quello degli studenti, che
continuano a credere nella nostra istituzione. Essa si presenta come un’istituzione
viva, che cerca costantemente di rinnovarsi, ridefinendo le proprie strutture, potenziando i propri programmi ed arricchendo i propri piani didattici. Un “Istituto di
alta cultura”, che rivendica le proprie specificità culturali, l’attenzione nei confronti
delle “arti belle”, della scenografia, della pittura, della scultura e della decorazione, senza dimenticare che lo stesso concetto di “belle arti”, vale a dire del sistema
attraverso il quale le arti storicamente si strutturano, è soggetto a modificazioni
profonde ed a suggestioni che occorre sempre tener presenti e, se possibile, incentivare.
L’OFFERTA FORMATIVA
L’Accademia di Belle Arti è strutturata in due Dipartimenti, così come previsto dai
Decreti Ministeriali: il “Dipartimento Arti visive”, cui afferiscono le scuole di Pittura,
Scultura e Decorazione, ed il “Dipartimento di Progettazione e Arti applicate” cui
afferiscono le scuole di Progettazione artistica per l’impresa (Design), Scenografia
e Restauro. L’Accademia rilascia diplomi accademici di primo livello (tre anni),
diplomi accademici di secondo livello (due anni) e dall’A.A.2012/2013 il diploma
accademico in Restauro a ciclo unico quinquennale per i profili formativi PFP1
(Materiali lapidei e derivati. Superfici decorate dell’architettura) e PFP2 (Manufatti
dipinti su supporto ligneo e tessile. Manufatti scolpiti in legno. Arredi e strutture
lignee. Manufatti in materiali sintetici lavorati, assemblati e/o dipinti). I piani di
studio approvati dai Ministeri MIUR e MIBAC evidenziano una scelta assai chiara:
le Accademie si differenziano dalle Università per lo spazio dato nella formazione
alle attività progettuali e laboratoriali e alle materie teorico-pratiche che propongono; la chiave di successo dell’Accademia dipende principalmente dalla quantità e
dalla qualità dei laboratori, ovvero dalla capacità di far interagire l’insegnamento
teorico e l’attività laboratoriale. I titoli di studio rilasciati dall’Accademia, ai sensi
dell’art. 2 comma 5 della legge 508/1999, sono equipollenti alla laurea triennale
e specialistica, validi per l’ammissione ai concorsi pubblici.
L’Accademia offre dunque ai propri studenti una formazione basata su principi
pedagogici e metodologie didattiche di assoluto valore ed attuate da docenti
motivati verso la didattica, disponibili ed attenti ai bisogni degli allievi e sensibili
al loro ruolo sociale di promotori di trasferimento di conoscenze al contesto di
riferimento dell’istituzione.
ART LEARN
Nell’ambito dell’attenzione che l’Accademia ha da sempre nei confronti delle Nuove Tecnologie, uno spazio particolare è riservato alla multimedialità e alla formazione a distanza tramite la piattaforma Art Learn .
È attivato un ambiente virtuale (AVAC ossia Ambiente Virtuale di Apprendimento
Comunicativo) nel quale sono integrati e disponibili strumenti di apprendimento
digitale: si tratta di un vero e proprio ambiente di nuova generazione a vantaggio
di una didattica e di un apprendimento in continua evoluzione.
ERASMUS, LA MOBILITÀ INTERNAZIONALE
L’Accademia promuove e favorisce la mobilità internazionale degli studenti. All’interno di programmi di mobilità come Socrates e Erasmus o con specifici accordi
di collaborazione e scambio, gli studenti iscritti possono trascorrere un periodo di
studio, frequentare i corsi oppure svolgere attività di ricerca, migliorare la conoscenza delle lingue e della cultura dei vari Paesi, presso le Accademie di tutta Europa che aderiscono ai progetti e nel contempo l’ Accademia accoglie nelle proprie
strutture studenti provenienti dalle altre Accademie europee e Università Europee.
Facciata esterna palazzo Verità Montanari sede di Aba Verona
Exterior facade of the palace Verità Montanari, site of Aba, Verona
Scuola di restauro (Porta Bombardieri) | School of Restoration (Porta Bombardieri)
Scuola di restauro (Iconoteca storica) prima dell'intervento | School of Restoration (historical iconography) before restoration
Scuola di restauro (Iconoteca storica) dopo l'intervento | School of Restoration (historical iconography) after restoration
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plans. An "Institute of High Culture" which boats its own specific cultural
features, the attention to the "beaux-arts", the stage design, to painting,
to sculpture and to decoration, without forgetting that the very concept
of "beaux-arts", namely the system through which the arts are historically
structured, is subject to profound changes and suggestions that must
always be borne in mind and incentivized where possible.
ACCADEMIA DI
BELLE ARTI DI VERONA
President: Stefano Pachera
Director: Massimiliano Valdinoci
A
long with those of Bergamo, Genoa, Perugia and Ravenna, Verona's Accademia di Belle Arti is one of the five legally recognized
historical academies funded by the local authorities. The Academy of
Painting was founded on 18 December 1764. The Perpetual Director
of the Academy was the Veronese painter Bettino Cignaroli. The Libera
Scuola Brenzoni for painting and sculpture was established in 1869
promoted by Conte Paolo Brenzoni. On 5 March 2012, with the Accademia di Belle Arti G. B. Cignaroli, the Commune of Verona and the
Province of Verona, the Fondazione Accademia di Belle Arti di Verona
was established and was entered in the register of Legal Persons by the
Prefecture of Verona by order no. 230 of 17 October 2012. The Fondazione Accademia di Belle Arti continued the work of the Accademia
di Belle Arti Cignaroli without a break as regards the teaching activities
and the award of qualifications that are equivalent to a university degree, in the framework of the higher artistic and musical training system
of the Ministry for Education, the Universities and Research.
The Academy has a top quality "legacy": because of the professionalism and competence of its teaching staff and because of the talent and
selection of the students who continue to believe in our institution. It
presents itself as a living institution that constantly seeks to renew itself, to
redefine its structures, upgrade its programmes and enrich its teaching
54
THE EDUCATIONAL OFFER
The Accademia di Belle Arti has two Departments as envisaged by
ministerial decrees: the "Department of Visual Arts" with the schools of
painting, sculpture and decoration, and the "Department of Design and
Applied Arts" with business design, stage design and restoration. The
Academy issues first-level academic diplomas (three years), second-level
academic diplomas (two years) and, in the 2012/2013 academic year,
the academic diploma in restoration with a single five-year cycle for the
courses PFP1 (Stone materials and derivatives. Decorated architectural
surfaces) and PFP2 (Painted artefacts on wood and textile supports. Artefacts carved in wood. Wooden furnishings and structures. Artefacts
in worked, assembled and/or painted synthetic materials). The study
plans approved by the Ministries for Education and for the Arts reveal
a very clear choice: Academies differ from the Universities because of
the space given to training for design and workshop activities and to the
theoretical-practical subjects that they offer; the key to the Academy's
success depends mainly on the quantity and quality of the workshops,
namely the ability to make theoretical teaching and laboratory activities
interact. The degrees awarded by the Academy, pursuant to art. 2, par.
5 of Act no. 508/1999, are equivalent to a three-year and specialist
degree and are valid for taking part in public competitions.
The Academy therefore offers its students a formation based on pedagogical principles and didactic methodologies of absolute value which are
put in place by highly motivated lecturers who are available and attentive to the needs of students and sensitive to their social roles as promoters of the transfer of knowledge to the institution's context of reference.
ART LEARN
Within the framework of the attention that the Academy has always
paid to new technologies, a particular space is reserved for multimedia
and remote learning using the Art Learn platform.
A virtual environment (AVAC, Virtual Communicative Learning Environment) has been activated and digital learning tools have been integrated and are available in it: this is a real environment of the latest
generation and greatly benefits continuously evolving teaching and learning.
ERASMUS, INTERNATIONAL MOBILITY
The Academy promotes and encourages students' international mobility. In mobility programmes such as Socrates and Erasmus or with specific collaboration and exchange agreements, the enrolled students can
spend a study period, attend courses or carry out research activities,
and improve their knowledge of the languages and culture of different
countries at the Academies throughout Europe that participate in the
projects while, at the same time, the Academy hosts students from other
European academies and universities in its own structures.
Aula di Scenografia | classroom of scenography
Scuola di design: allievi Anastasia Russo, Agnese Bonuzzi, Mascia Antolini, Domeniko D. Lekaj,
Giulia Marchi, Alessandro Zampini | School of Design: students Anastasia Russo, Agnese Bonuzzi,
Mascia Antolini, Domeniko D. Lekaj, Giulia Marchi, Alessandro Zampini
Scuola di pittura (opera Rachele Giordano) | School of painting (art work by Rachel Jordan)
Scuola di design: Domenica Avitabile | School of Design: Domenica Avitabile
Laboratorio di Scultura | Laboratory of Sculpture
ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI VERONA
Via Montanari, 5 – 37122 Verona
tel: 045/8000082 fax 045/8005425
e-mail: [email protected]
www.accademiabelleartiverona.it
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ARRICCHIAMOCI
Da vedere | To see
L'arte e la cultura sono un patrimonio del nostro Paese
PH Neutro
Verona - Forte dei Marmi
Spazio Anna Breda
The New Gallery
Padova
Dall’Argento al Palladio.
Mostra collettiva, Fotografie di Silvia Celeste Calcagno,
Fotovitamina, Jefferson Hayman, Tobia Makover, Beth
Moon e Curtis Wehrfritz. Dalla tradizionale stampa
ai sali d’argento di Jefferson Hayman, ai dagherrotipi
moderni di Curtis Wehrfritz, alla riscoperta del platino
palladio di Beth Moon, passando per le sperimentazioni più diverse, come l’utilizzo della cera d’api di Tobia
Makover, la manipolazione delle immagini attraverso
agenti chimici e vernici di Fotovitamina o l’uso innovativo della ceramica come supporto di Silvia Celeste
Calcagno, la mostra Dall’Argento al Palladio si presenterà come un viaggio nella storia dell’arte fotografica
tra rivisitazione di antiche tecniche e sperimentazioni
innovative. Il tutto sarà arricchito, in vero spirito PH Neutro, dalla presenza delle opere dei Grandi Maestri della Fotografia, storicizzati e contemporanei quali, Ansel
Adams, Gabriele Basilico, Nan Goldin, Duane Michals,
Alex Prager, Sebastiao Salgado, Paolo Ventura ed altri.
Ogni Artista avrà un esclusivo corner dedicato nel quale Opere diverse, arricchite da testi critici e didascalie,
aiuteranno i visitatori ad avvicinarsi ed emozionarsi nei
diversi percorsi della Fotografia d’Autore.
Dopo un’attenta analisi ci siamo resi conto della necessità di offrire ai clienti nuovi servizi ed opportunità per
soddisfare ogni esigenza
E-COMMERCE: Abbiamo un servizio di e-commerce
dotato di strumenti per garantire sicurezza e privacy.
Con questo sistema si potrà acquistare comodamente
da casa.
CONSULENZE PERSONALIZZATE: Per esperienza, abbiamo realizzato che il cliente spesso è confuso nella
scelta di un prodotto di nicchia quale il nostro.
Abbiamo così sviluppato un servizio personalizzato,
che consiste nel portare una selezione di opere d’arte
o design direttamente a casa o nella location desiderata, in modo che la persona possa scegliere con calma
avvalendosi anche della nostra consulenza.
NOLEGGIO: Dedicato a chiunque necessiti di uno
speciale allestimento di spazi occasionali quali fiere,
showroom, eventi speciali.
Saremo in grado di fornirvi a noleggio opere d’arte e
di design che meglio si adattano ai vostri scopi.
NOVITA’: Volete lanciare un nuovo prodotto?
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specializzato in ambientazioni ed un grafico in grado
di realizzare servizi fotografici in cui il prodotto o la
vostra azienda saranno valorizzati in una realtà suggestiva, allineata alla filosofia aziendale.
MIA Milan Art Image Fair- 9-12 Maggio 2013 – Pad.
2 Stand 70
Dall’Argento al Palladio.
A collective show with photographs by Silvia Celeste
Calcagno, Fotovitamina, Jefferson Hayman, Tobia
Makover, Beth Moon and Curtis Wehrfritz. From the
traditional silver salt prints by Jefferson Hayman, to the
modern daguerreotypes by Curtis Wehrfritz, and to the
rediscovery of Beth Moon's palladium platinum, and
passing through the most varied experimentations, such
as Tobia Makover's use of beeswax, the manipulation
of images by means of chemical agents and paints by
Fotovitamina or the innovative use of ceramic as a support by Silvia Celeste Calcagno: the exhibition Dall’Argento al Palladio (from silver to palladium) will present
itself as a journey through the history of photographic art
from revisiting the old techniques and to the innovative
experimentations. All this will be enriched, in the true
spirit of PH Neutro, by the presence of works by the great masters of photography, both past and present, such
as Ansel Adams, Gabriele Basilico, Nan Goldin, Duane
Michals, Alex Prager, Sebastiao Salgado, Paolo Ventura
and others. Every artist will have an exclusive dedicated
corner in which various works, enriched by critical tests
and captions, will help visitors to approach and enjoy
different paths of artistic photography.
PH Neutro
Vicolo Balena,3
Verona
Tel. 045 8007195
Forte dei Marmi
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56
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Spazio Anna Breda
Padova
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La Galleria
Venezia
29/05/2013 – 24/11/2013
Dal 29 maggio al 24 novembre 2013, La Galleria di
Dorothea van der Koelen presenta "In the Mirror of
Reality" (“Nello Specchio del Realtà”) - una mostra collettiva d'arte contemporanea che si concentra sull'idea
della Realtà come rappresentazione della percezione.
Sono presenti 10 artisti di fama internazionale, provenienti da 7 paesi diversi: Lore Bert, Hellmut Bruch, Daniel Buren, Heinz Gappmayr, Nigel Hall, Mohammed
Kazem, Patrick Mimran, François Morellet, Arne Quinze e Bernar Venet. Le opere esposte adoperano una
molteplicità di materiali e di supporti, dalla carta al
vetro, passando per il legno, lo specchio, il metallo o
ancora il plexiglas. Molte opere sono state realizzate
appositamente per l'occasione. L'inaugurazione di terrà mercoledì 29 maggio 2013, dalle18:00 alle 19:30.
From May 29th to November 24th 2013, La Galleria
of Dorothea van der Koelen in Venice presents the
exhibition "In the Mirror of Reality", a group show of
contemporary art which focuses on the idea of Reality as a transformation of perception in visual objects.
10 artists take part in this exhibition from 7 different
countries and are internationally recognized: Lore Bert,
Daniel Buren, Nigel Hall, Mohammed Kazem, Patrick
Mimran, François Morellet, Arne Quinze and Bernar
Venet. The works use different kinds of materials, from
paper to glass, wood, mirror, metal or even plexiglass.
Most of the works have been created specially for the
occasion of the show. The opening will take place on
Wednesday 29th of May 2013, from 6 pm to 7.30 pm.
La Galleria
di Dorothea van der Koelen
San Marco 2566
30124 Venezia
Tel. +39 041 5207415
Fax +39 041 2778080
www.galerie.vanderkoelen.de
57
Flavio Senoner Sculptor
Ortisei (BZ)
Alex Pergher
Bressanone (BZ)
Flavio Senoner studia all`Accademia di Belle Arti di
Firenze, all` Accademia di Belle Arti di Brera e alla
Barnet and Design High School di Londra.
La sua é una scultura antinaturalistica, i suoi volumi
sono astratti, e pervasi da toni lirici e musicali. Flavio
Senoner non si arresta alla semplicità della linea essenzialmente geometrica, ma affianca ad essa la ricerca di nuove solidità e nuovi significati, alludendo forse
a possibili significati totemici e primordiali in linea con
la scultura contemporanea.
La purezza della forma si completa con un tessuto di
cromia, sino a conferire alla scultura caldi e vivaci passaggi tonali di rossi e di gialli brillanti, di blu e verdi
profondi e così via.
Che siano risolte in misure ridotte e minute o in grandi
dimensioni, queste opere ribadiscono sempre e comunque il loro carattere monumentale.
La prossima mostra in programma é alla Galleria LCC
Sulzbach-Rosenberg a Norimberga in Germania,
apertura 20 settembre 2013.
Alex Pergher è nato a Bressanone (1955).
Pittore, grafico, ceramista, e gallerista d’arte, vive e
lavora a Rio di Pusteria (BZ). Espone in mostre personali e colletive in Italia e all’estero dal 1975. Nel
1999 fonda Galerie Milly, agenzia e galleria d’arte
moderna e contemporanea. Fin dai primi anni di attività predilige la corrente iperrealista per passare più
tardi alla sperimentazione materica; ricordiamo a tal
proposito le opere realizzate per i cicli tematici “Scripte et Structura, le scacchiere magiche, sfere e labirinti,
elephant, taurus, rhinozerus”. Inoltre è direttore dalla
galleria civica di Bressanone, presidente della galerie
90 di Rio di Pusteria (BZ), curatore della collezione
“Studi” di Peter Fellin per conto della fondazione della
cassa di risparmio di Bolzano; organizzatore di numerosi eventi espositive d’arte moderna e contemporanea
nonché della mostra “l’oro degli etruschi” al musueo
diocesano di Bressanone in collaborazione con il museo archeologico nazionale di Firenze.
Foto di Matthaeus Kostner
He attended the Fine Arts Academy of Florence and
the Academy of Fine Arts of Brera from which he graduated with honours and at Barnet and Design High
School in London.
His is anti-naturalistic sculpture in which the volumes
are abstract and pervaded by lyrical and musical tones. Flavio Senoner doesn’t dwell on the simplicity of
the geometrical line, but he combines it with a research
on new forms and new meanings, maybe hinting to
some totemic and primordial meanings in line with the
tendencies of contemporary sculpture. The purity of the
form is complemented by a veil of colour, so as to give
the form
warm and brilliant variations of nuances, from red to
bright yellow, from blue to deep green
and so on. Whether they are made in a small and petit
or large size, these works always stress their monumental aspect. The next exhibition in the LCC SulzbachRosenberg Gallery in Nürnberg / Germany will be
inaugurating an 20 of september 2013.
Flavio Senoner Sculptor
via Nevel, 11 39046 Ortisei (BZ) Tel. +39 0471 797843 Mob. +39 338 3843433
[email protected] www.flaviosenoner.com
58
Alex Pergher was born in Bressanone (1955). Painter,
graphic designer, ceramist and art gallerist, he lives
and works in Rio di Pusteria (BZ). He has exhibited his
artworks in solo and group shows in Italy and abroad
since 1975. In 1999 he founded the “Galerie Milly”,
a contemporary art gallery and agency. At the beginning of his artistic path, Alex Pergher embraced the
hyperrealist style, later turning to material experimentation. Most notable are his works created for the thematic cycles “Scripta et Structura”, spheres and labyrinths,
elephants, Taurus and rhinoceros. He’s also director of
the City Gallery Bressanone, president of the Gallery
90 in Rio di Pusteria (BZ), curator of the art collection
“Studi” from Peter Fellin on behalf of the foundation
“Cassa di Risparmio” of Bolzano; organizer of many
exhibitions of modern and contemporary art as well as
the exhibition “The Gold of the Etruscans” in the diocesan museum in Bressanone in collaboration with the
National Archaeological Museum of Florence.
Alex Pergher
[email protected]
Antonia Zecchinato
Padova
Ordine e Caos - 2011
cotone, seta - cm 16x36x26 - tecnica personale
Antonia Zecchinato nasce a Padova e si laurea in Architettura a Venezia nel 1977. Architetto e designer di
formazione, svolge da oltre trent’anni attività di ricerca
nel campo dell’arte tessile, esponendo i suoi lavori in
prestigiose manifestazioni nazionali ed internazionali.
All’attività artistica affianca l’attività didattica, è, infatti, docente di discipline geometriche e architettoniche
presso il liceo artistico “Pietro Selvatico” di Padova.
Le sue opere di grande, medio e piccolo formato sono
caratterizzate da un equilibrio compositivo determinato dal rapporto tra materia e forma, intreccio di linee e
colore, innovazione e tradizione.
Tutte le sue opere sono pezzi unici, e mostrano nel corso del tempo la loro ferma e rigorosa coerenza che le
rende protagoniste di un percorso lineare e minuzioso,
privo di ogni sorta di eclettismo.
Sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private
in Italia e all’estero.
di Jacopo Iral
Antonia Zecchinato was born in Padua and graduated
in Architecture in Venice in 1977. An architect and
designer by training, for over thirty years she has been
carrying out research activities in the field of textile art
and has exhibited her works at prestigious national
and international shows.
She combines her artistic activity with teaching and is
lecturer in geometrical and architectural subjects at the
“Pietro Selvatico” art institute in Padua.
Her large, medium and small-scale works are characterized by a compositional equilibrium determined by
the relationship between matter and form, the interweaving of lines and colour, and innovation and tradition.
All her works are unique pieces and over time demonstrate their firm and rigorous coherence which makes
them all protagonists in a linear and detailed path without any form of eclecticism.
Her works can be found in public and private collections in Italy and abroad.
Jacopo Iral
Antonia Zecchinato
[email protected]
Stefan Anton Reck
Gesto e Segno
Il pubblico degli appassionati conosce Stefan Anton
Reck per la sua attività di direttore d’orchestra, che lo
vede impegnato alla guida delle maggiori orchestre
e nei più rinomati teatri del mondo. Spesso presente
nelle regioni del Triveneto, dove ha diretto alla Fenice
di Venezia (la Daphne di Richard Strauss) e al Teatro
Verdi di Trieste (il “Ring” wagneriano), Reck è oggi uno
dei più apprezzati interpreti mahleriani e dei compositori della Seconda Scuola di Vienna (Berg, Schönberg,
Webern). Se nota è la presenza sul podio, pressoché
sconosciuta ai più è la sua passione per l'arte. Una
gestualità del tutto mutuata dalla musica, dal gesto direttoriale, si trasforma, nelle opere pittoriche di Reck,
in segno, procedendo per strutture e ritmi di rapida
percezione; i titoli testimoniano la sua provenienza intellettuale: “La voix humaine”, “Winterreise”, “The rite
of spring”, sino al commovente “Im Andenken an Mauro Bortolotti” dedicato al compositore recentemente
scomparso, dove tratto e materia hanno la capacità
di descrivere visivamente la densità della sua musica.
(Marcello Palminteri)
Enthusiasts will know Stefan Anton Reck for his activities as a conductor engaged with the greatest orchestras and in the most celebrated theatres in the world.
Often to be found in the Triveneto regions where he has
conducted in the Fenice in Venice (Richard Strauss's
Daphne) and in the Teatro Verdi in Trieste (Wagner's
Ring) today Reck is one of the most appreciated interpreters of Mahler and of the composers of the Secord
School of Vienna (Berg, Schönberg, Webern). If he is
famous for his presence on the podium, virtually no
one is familiar with his passion for art. The gestural
expressiveness entirely borrowed from music, from the
conductor's gestures, is transformed in Reck's pictorial
works into signs that follow rapidly perceived structures
and rhythms. The titles reveals their intellectual provenance: “La voix humaine”, “Winterreise” and “The rite
of spring”, and the moving “Im Andenken an Mauro
Bortolotti”, dedicated to the composer who died recently, in which the stroke and material have the capacity
to describe the density of his music visually. (Marcello
Palminteri)
Stefan Anton Reck
www.stefan-anton-reck.com
Severino Morlin
Nove (VI)
Monumento al Ceramista: Il Decoratore
opera dello scultore Severino Morlin
Nove in Provincia di Vicenza è Terra di Ceramica, ha
da qualche mese un monumento alla sua tradizione
più eccelsa vale a dire la ceramica e in particolare al
Decoratore. Famosa nel mondo per i suoi decori che
si rifanno alla natura, ai fiori che noi tutti ammiriamo.
Un realismo che ancora adesso di difficile emulazione.
Severino Morlin oltre a essere un pittore e un ceramista è uno scultore che in questa scultura arriva al
vertice della sua produzione, con particolare maestria
nella resa fisiognomica e nell’espressione profonda del
volto, mostra un’eccezionale sintesi nell’interpretazione
compositiva, e un’abilità sotto il profilo tecnico. La scelta materica, il bronzo, risponde all’esigenza di optare
per un materiale di eterna durata, che può essere utilizzato in spazi esterni senza risentirne, anzi, assumendo nel tempo una patina particolare che si modifica e
prende forza nel volgere degli anni. “Il Decoratore” di
Severino Morlin si inserisce, dunque, tra le maggiori
espressioni figurative del nostro tempo, capolavoro che rende onore a Nove e alla tradizione ceramica.
Monument to the Ceramist: The Decorator
works by the sculptor, Severino Morlin
Nove in the Vicenza Province is the Land of Ceramics
and for some months has been a monument to its most
sublime tradition: ceramics and the Decorator in particular. It is famous all over the world for its decorations
inspired by nature, the flowers we all admire: a realism
that it is still difficult to emulate today. As well as being
a painter and ceramist, Severino Morlin is a sculptor
who has reached the zenith of his output with this work,
with particular mastery in rendering physiognomy and
the profound expressions of the face, and he displays
an exceptional synthesis in the compositional interpretation and skill from a technical standpoint. The choice
of material, bronze, meets the need to opt for a material that lasts eternally, one that can be used outdoors
without being affected by it and, indeed, taking on a
particular patina over time that changes and gains
strength as the years pass. Severino Morlin's “Il Decoratore” can therefore be included among the greatest
figurative expressions of our time, a masterpiece which
honours Nove and the ceramic tradition.
Severino Morlin
Studio presso L’antico maglio
Via Segavecchia, 12
36055 Nove (VI) Tel. +39 0424 590178
www.severinomorlin.it
Centro Internazionale di Fotografia
Scavi Scaligeri - Verona
17/05/2013 - 22/09/2013
René Burri. Retrospettiva.
La mostra, realizzata in collaborazione con l’agenzia
Magnum Photos e curata da Michael Koetzl, è una
straordinaria carrellata che racconta, in circa duecento scatti realizzati dal famoso fotografo svizzero Renè
Burri, la storia e i personaggi del ventesimo secolo.
Con il suo lavoro Burri ha testimoniato le guerre di Corea e del Vietnam, la crisi di Cuba con gli Stati Uniti e
ritratto alcune delle personalità più influenti del XX secolo: straordinari i suoi reportage su Picasso al lavoro,
Le Corbusier e Giacometti. Suo è il notissimo ritratto,
del 1963, di Che Guevara con il sigaro tra le labbra.
Burri è considerato un grande fotoreporter, soprattutto
per la particolarità del suo sguardo: nonostante per il
suo lavoro sia stato a contatto con la violenza della
guerra e la disperazione delle vittime, ha sempre evitato le immagini crude e tragiche, e come ha scritto
uno studioso di Burri ”non esiste una sola foto che non
suggerisca l’esistenza possibile di un mondo più umano”. Ciò che lo ha sempre interessato nel suo lavoro è
di riuscire a cogliere il momento nel quale nascono le
idee o muoiono le utopie, le vite vissute.
René Burri. Retrospective.
The show, organized in collaboration with the Magnum
Photos agency and curated by Michael Koetzl, is a second review which recounts the history and personalities of the twentieth century in about two hundred shots
by the great Swiss photographer, Renè Burri.
In his work, Burri covered the wars in Korea and Vietnam and the Cuba crisis with the United States and
portrayed some of the most influential personalities of
the XX century: of extraordinary interest are his reportages on Picasso at work, Le Corbusier and Giacometti.
His is the renowned 1963 portrait of Che Guevara with
the cigar between his lips. Burri is considered to be one
of the great photo reporters, especially because of the
uniqueness of his gaze: though his work was in contact
with the violence of the war and the desperation of
victims he always avoided crude tragic images and, as
a scholar of Burri wrote: "there is not one photograph
that does not suggest the possible existence of a more
human world." What always interested him in his work
was to be able to grasp the moment in which ideas are
born or utopias die, the lives lived.
Centro Internazionale
di Fotografia Scavi Scaligeri
Cortile del Tribunale, Verona
Tel 045 8007490 – 8013732 - 8000574
www.comune.verona.it
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Museo Nicolis
Villafranca di Verona (VR)
Museo di Castelvecchio
Verona
Oggetti leggendari: al Museo Nicolis di Villafranca la
Coppa Vanderbilt, 65 chili d’argento, creata da Cartier, vinta da Nuvolari, per anni scomparsa negli Stati
Uniti. Per i visitatori che la ammirano al Museo Nicolis
è uno straordinario oggetto prezioso, spettacolare, un
pezzo unico in argento massiccio. Per altri invece, appassionati di auto d’epoca e, magari, cultori del mito di
Tazio Nuvolari, è un oggetto entrato nella leggenda.
Non appena Enzo Ferrari seppe della Vanderbilt Cup,
capì subito che si trattava di un’occasione da non perdere e mandò quattro Alfa Romeo della Scuderia Ferrari
con Nuvolari, Brivio e Farina. Il mitico “ Nivola” trionfa nell‘edizione 1936, corsa il 12 ottobre, il giorno del
Columbus Day. L’anno successivo la Coppa Vanderbilt
fu vinta dal pilota tedesco Rosemeyer, su un’imbattibile
Auto Union. Poi la gara non fu più organizzata e quindi
la Coppa non venne assegnata. Di questo trofeo leggendario si sono perse le tracce. Per decenni è rimasto
negli Stati Uniti, e questa è l’unica cosa di cui si è certi,
fino a che la passione e il fiuto da grande collezionista,
non hanno suggerito a Luciano Nicolis, fondatore dell’omonimo Museo, di partire per gli Stati Uniti per riportare
in Italia la Coppa Vanderbilt, un grande trofeo sportivo,
un oggetto d’arte meraviglioso, una pietra miliare nella
storia del motorismo.
Il Comune di Verona, in collaborazione con la National Gallery di Londra, l’Università degli Studi di Verona e la Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed
Etnoantropologici per le province di Verona, Rovigo e
Vicenza organizza, dal 5 luglio al 5 ottobre 2014, una
grande mostra dedicata alla figura e all’opera di Paolo
Caliari detto il Veronese. In quest’ambito ad aprile di
quest’anno è iniziato il lavoro di restauro della immensa tela (10 x 5,5 metri) Cena in casa di Levi, eseguita
dalla Bottega di Paolo Veronese, gli Heredes Pauli, e
completata tre anni dopo la morte dell’artista. L’opera,
di proprietà delle Gallerie dell’Accademia di Venezia,
è normalmente esposta presso la Sala Arazzi di Palazzo Barbieri, sede del Municipio di Verona, dove tornerà alla fine del restauro e dell’esposizione. Il restauro,
grazie al fondamentale contributo della Banca Popolare di Verona, sarà portato avanti dalla restauratrice
Barbara Ferriani, con la formula del cantiere aperto al
pubblico presso la chiesa di San Francesco al Corso,
all’interno del complesso del Museo degli Affreschi
“G.B. Cavalcaselle” alla tomba di Giulietta. Dal mese
di maggio è possibile, per gruppi e su prenotazione,
visitare il cantiere con la guida dei restauratori, oppure, per tutti, osservare gli addetti all’opera sul dipinto
durante la visita al museo.
Legendary objects: The Vanderbilt Cup, 65 kilos of silver
created by Cartier, won by Nuvolari and lost for years in
the United States, at the Nicolis Museum in Villafranca.
For visitors who admire it at the Nicolis Museum it is an
extraordinary and spectacular precious object, a unique
piece in solid silver. For others, enthusiasts of vintage
cars and, perhaps, lovers of the myth of Tazio Nuvolari, it is a precious object that has become part of the
legend. As soon as Enzo Ferrari learnt of the Vanderbilt
Cup he immediately realized that it was an unmissable
occasion and sent four Alfa Romeos from the Ferrari
team with Nuvolari, Brivio and Farina. The mythical "Nivola" triumphed at the 1936 edition, raced on 12 October, Columbus Day. The year afterwards the Vanderbilt
Cup was won by the German driver, Rosemeyer, in an
unbeatable Auto Union. Then the race was no longer organized, the cup was not awarded, and all trace of the
legendary trophy was lost. The only thing that is known
is that it stayed in the United States and this is the only
thing we are certain of until the passion and flair of a
great collector suggested to Luciano Nicolis, founder of
the museum, to head for the USA and bring back the
Vanderbilt Cup, a great sports trophy, a marvellous work
of art and a milestone in the history or motor racing.
Museo Nicolis
Via Postumia
37069 Villafranca di Verona (VR) Tel. +39 045 6303289 / 6304959
Fax +39 045 7979493
[email protected]
www.museonicolis.com
60
Verona City Council, in collaboration with the National Gallery of London, Verona University and the Department of Historical, Artistic and Ethno-anthropological Assets for the Provinces of Verona, Rovigo and
Vicenza, is organizing a large-scale exhibition dedicated to the figure and the works of Paolo Cagliari,
known as Veronese, from 5 July to 5 October 2014.
Within this context restoration work began in April this
year on the immense canvas (10 x 5.5 metres), Supper
in the house of Levi, executed by the Workshop of Paolo Veronese, the Heredes Pauli, and completed three
years after the artist's death. The work, the property
of the Accademia Galleries in Venice, is normally on
display in the Sala Arazzi in Palazzo Barbieri, the Seat
of Verona City Council, where it will return at the end
of the restoration and exhibition. Thanks to the contribution of the Banca Popolare di Verona, the restoration
will be carried out by the restorer, Barbara Ferriani, in
a workshop open to the public in the church of San
Francesco al Corso inside the complex of the“G.B.
Cavalcaselle” Museum of Frescoes at Juliet's Tomb.
Groups will be able to book from the month of May
to visit the workshop with the restorers as guides while
anyone can see the restorers at work on the painting
when visiting the museum.
Museo di Castelvecchio
Verona
Tel. +39 045 8062611
Peggy Guggenheim Collection
Venezia
Robert Motherwell (1915-1991) - Figure with Blots, 1943
David and Audrey Mirvish, Toronto, Canada
Robert Motherwell: i primi collages. Dal 26 maggio all’8
settembre la Collezione Peggy Guggenheim presenta Robert Motherwell: i primi collages, a cura di Susan Davidson. La mostra si focalizza sui papiers collés di Robert Motherwell (1915-1991), e sulle
opere su carta a essi legate, realizzate nel decennio tra il 1941 e il
’51. Con una cinquantina di lavori, l’esposizione è anche un omaggio a Peggy Guggenheim, tra i primi mecenati dell’artista che fu tra i
maggiori esponenti dell’Espressionismo astratto americano. Grazie
al suo incoraggiamento e sotto la tutela di Robert Matta, surrealista
cileno emigrato, Motherwell descrive la scoperta della tecnica del
papier collé come “la più grande tra nostre scoperte [artistiche]”.
Tagliando, strappando e stendendo strati di carta incollata, Motherwell porta in scena il tumulto e la violenza del mondo moderno,
facendosi nuovo e originale portavoce dell’arte americana del secondo dopoguerra. L’artista produce sia collages di figure astratte
che pure astrazioni, e nel 1952 le influenze surrealiste predominanti
nelle sue prime creazioni lasciano definitivamente spazio al suo stile
più maturo, fermamente radicato nell’Espressionismo astratto. Il museo offre tutti i giorni alle 15,30 visite guidate gratuite alla mostra.
Robert Motherwell: the early collages. From 26 May to 8
September, the Peggy Guggenheim Collection is presenting Robert
Motherwell: i primi collages, curated by Susan Davidson. The show
focuses on the papiers collés produced by Robert Motherwell (19151991), and on the works on paper associated with them, created
during the decade from 1941 to '51. With fifty works or so, the exhibition is also pays homage to Peggy Guggenheim, among the first
patrons of this artist who was one of the leading exponents of American Abstract Expressionism. Thanks to the encouragement and
under the tutelage of Robert Matta, the Chilean surrealist émigré,
Motherwell described the discovery of the papier collé technique
as "the greatest among our [artistic] discoveries." Cutting, tearing
and spreading layers of glued paper, Motherwell brings the tumult
and violence of the modern world onto the stage and makes himself
a new and original mouthpiece for American art after the Second
World War. The artist produces both collages of abstract figures as
well as pure abstractions and, in 1952, the surrealist influences that
predominated in his early creations definitively gave way to his more
mature style, firmly rooted in Abstract Expressionism. The museum
offers guided tours of the show every day at 15.30 free of charge.
Peggy Guggenheim Collection
Dorsoduro 701
30123 Venezia
Tel. +39 041 2405401
Fax +39 041 5206885
[email protected]
www.guggenheim-venice.it
FALSAREA
Falsi, falsari, equivoci e travisamenti
nell’arte
50x50x50 Art Südtirol
Forte di Fortezza (BZ)
13/07/2013 - 01/09/2013
Preziosi dettagli
Un Rembrandt per 900 $, una china di Matisse per 1250 $ o un disegno di Picasso per 450 $, apparentemente originali e
venduti via internet. La notizia, pubblicata
dal New York Times e ripresa da Exibart
nell’autunno scorso, mette ovviamente in
fibrillazione un gran numero di gallerie e
di case d’asta online. Véronique Wiesinger, senior curator della Fondazione Alberto Giacometti di Parigi, dichiara di aver
scoperto, solo su un singolo sito web, oltre
2.000 falsi Giacometti proposti come autentici. Con lo scopo di monitorare questi
casi di opere contraffatte la Fondazione
spese nel 2011 più del 40% del suo bilancio, il 15% in più del precedente quinquennio. Assieme agli Eredi di Picasso, che con
Giacometti è l’artista più gettonato dai falsificatori, la Fondazione ha anche istituito
l'Unione Internazionale di Maestri d’Arte
moderna e contemporanea, per promuovere tutele giuridiche contro la circolazione delle opere d'arte che simulano quelle
autentiche.
Nel corso degli ultimi anni, infatti, il web si
è enormemente esteso sul mercato dell’arte, mimetizzando numerose “patacche”
tra le opere originali. I falsi più comuni sono riproduzioni non autorizzate che
violano i diritti d'autore o, nel caso la riproduzione sia stata autorizzata, vi viene
aggiunta una firma fasulla dell'artista che
trasformerà un semplice poster in una costosa edizione limitata. Insomma sembra
che chi vende falsi online non risenta della
crisi. Complici inconsapevoli gli acquirenti che, bizzarramente, si preoccupano in
primo luogo che le opere siano imballate
con cura e che giungano nei tempi stabiliti!
Quando si dice “i dettagli”…..
La 50x50x50 ART SÜDTIROL presenta 50 importanti
artisti altoathesini in una grande esposizione. Per 50
giorni, in 50 stanze, gli artisti selezionati presentano
le loro opere. La mostra non si presenta con un leitmotiv definito, ma tende a dare spazio principalmente
alla pesonalità e all'opera complessiva degli artisti.
Ognuno presenta il suo mondo artistico, il suo messaggio, spaziando dalle forme combinate ai progetti
interattivi, delle varie tipologie d'espresiione artistica
all'arte cosidetta tradizionale, ai dipinti in stile classico
accanto, alle azioni „performance“, istallazioni video,
fotografie, collage concezionali ,sculture realizzate in
tecniche tradizionali. L'intensità, la varietà e l'originalità delle opere esposte permettono un'ampia visione
panoramica sull'operato artistico dell'Alto Adige.
Il direttore artistico della mostra, Hartwig Thaler, dichiara: la massiccia e visualmente minacciosa fortezza storica si trasforma in brillante palcoscenico per
la passione, la profondità e la vitalità dell'espressione
artistica. In una provincia di confine, piena di conflitti
storici, gli artisti interpretano il linguaggio universale
dell'arte per aprire nuovi orrizzonti interni ed esterni.
Precious details
A Rembrandt for $900, an ink drawing by Matisse
for $1250 or a Picasso for $450, apparently original and sold on the internet. The news, published
by the New York Times and reported at Exibart last
autumn obviously panicked countless galleries and
online auction houses. Véronique Wiesinger, senior
curator of the Alberto Giacometti Foundation in Paris, declares that she discovered over 2,000 false
Giacomettis offered as authentic on one website
alone. The foundation spent over 40% of its budget
to monitor these cases of counterfeit works in 2011,
15% up on the previous five-year period. Along with
the heirs of Picasso who, along with Giacometti, is
the artist most targeted by forgers, the Foundation
has also established the International Union of Modern and Contemporary Masters to promote legal
protection against the circulation of artworks that
mimic authentic ones.
This is also because in recent years the internet has
extended enormously into the art market and concealed countless bogus works in the middle of original
works. The most common fakes are unauthorized
reproductions that breach the artist's rights or, if
the reproduction was authorized, a false signature
of the artist is added to transform a simple poster
into a costly limited edition. It seems, in short, that
those who sell forgeries online are not feeling the
crisis. Unconscious accomplices are the buyers who,
curiously enough, are more concerned that the works be packaged with care and be delivered by the
established date! What they call "the details" ...
50
x
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5
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50
IROL
T
SÜD
T
R
A
The 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 exhibition presents
50 important South Tyrolean artists who will showcase
their work in 50 adjoining rooms for 50 days. Their
personalities, as expressed through their craft, is the essence of the exhibition. All the artists design their own
space according to their artistic sensibilities as well as
their own unique worldviews. Combined forms, complex subjects and overlapping projects exist side-byside with more traditional modes of artistic expression.
For instance, a room with classic panel art borders on
a performance art action room; video installations,
photography and concept themed collages are shown
next to classical sculptures. The intensity of the works,
their variety and originality, promise the viewer a unique tour through the contemporary South Tyrolean art
scene.
As Hartwig Thaler, the curator of the exhibition says
"The architectural and military-historical fortress of
Franzensfeste resonates with the work and becomes an
exciting stage for the passion and fervor and depth
and vitality of the exhibited contemporary art. The artists of this conflict-prone border province make use of
the universal language of art to showcase new inner as
well as outer horizons."
50x50x50 Art Südtirol
Via Brennero
39045 Fortezza (BZ)
Tel. +39 0472 458698
www.forte-fortezza.it
[email protected]
Villa Foscarini Rossi
e il Museo Rossimoda della Calzatura
Stra (VE)
Il complesso architettonico seicentesco di Villa Foscarini Rossi sorge a Stra lungo le rive del fiume Brenta,
non lontano da Padova e Venezia. Edificato dalla nobile famiglia Foscarini, che affidò il compito ad illustri
architetti e decoratori, è costituito da villa padronale e
foresteria circondate da un suggestivo parco.
La Villa padronale, rimaneggiata nel corso dell’800
dall’architetto Giuseppe Jappelli, ospita attualmente il
Museo Rossimoda della Calzatura con l’esposizione di
oltre 1700 modelli di calzature femminili di lusso, prodotte dall’azienda negli oltre 60 anni di attività, frutto
delle sue collaborazioni con gli stilisti più importanti
del panorama internazionale della moda.
La Foresteria, nata come edificio destinato agli ospiti,
è costituita da un grande corpo centrale, al quale sono
affiancate due grandi ali, unite da un porticato passante decorato "alla sansovina" e da un’ampia mansarda.
Il Salone centrale, adibito alle feste, fu riccamente decorato nel 1652 dal bresciano Domenico De Bruni con
un sapiente gioco di prospettive, mentre al veneziano
Pietro Liberi fu affidato il compito di rappresentare le
scene allegoriche alle pareti e il trionfo delle virtù della
nobile famiglia veneziana sul soffitto.
The seventeenth century architectural complex of Villa
Foscarini Rossi rises at Stra along the banks of the River
Brenta, not far from Padua and Venice. Erected by the
noble Foscarini family which commissioned illustrious
architects and decorators to do the work, it consists of
the main villa and the guest quarters surrounded by a
suggestive park.
The main Villa, reworked during the nineteenth century by the architect, Giuseppe Jappelli, now hosts the
Rossimoda Footwear Museum, exhibiting over 1700
models of deluxe female footwear produced by the
companies in more than sixty years in business, fruit of
its collaborations with the most important stylists in the
international fashion panorama,
The Foresteria, created as a building for hosting guests,
consists of a large central body at the sides of which
are two large wings, joined by a portico decorated in
the style of Sansovino with a large mansard.
The central hall, used for parties, was richly decorated
in 1652 by the Brescia artist, Domenico De Bruni, with
a skilful play of perspectives, while the Venetian Pietro
Libero was commissioned to depict the allegorical scenes on the walls and the triumph of the virtues of the
noble Venetian family on the ceiling.
Villa Foscarini Rossi
e il Museo Rossimoda della Calzatura
Via Doge Pisani 1/2
30039 Stra (VE)
Tel. e Fax +39 049 9801091
[email protected]
www.villafoscarini.it
www.museodellacalzatura.it
61
Museo Casa Giorgione
Castelfranco Veneto (TV)
Palazzo della Ragione
Padova
06/04/2013 - 17/11/2013
Anche in estate proseguono le iniziative organizzate
dal Museo Casa Giorgione in collaborazione con partner di primo rilievo, tra cui il Conservatorio di musica
“Agostino Steffani” e l’Associazione Amici dei Musei e
dei Monumenti della Castellana e di Castelfranco. Tra
il 19 e il 23 giugno il Museo apre le porte al mondo
della fotografia con una mostra di Guido Guidi sulla
Tomba Brion di Carlo Scarpa a San Vito di Altivole: la
mostra sarà visitabile al Museo Casa Giorgione fino ai
primi di agosto. Evento centrale dell’estate castellana
sarà anche la mostra di scultura contemporanea (18
maggio – 18 agosto 2013), che aprirà la rassegna
“Arte in torre”, iniziativa volta a restituire al pubblico
gli spazi della Torre Civica di Castelfranco Veneto.
Obiettivo dell’amministrazione comunale è quello di
valorizzare la torre utilizzandola anche come spazio
per ospitare eventi artistici di grande qualità. Si spiega
così la prima mostra, che aprirà a maggio, dedicata
a cinque artisti di fama nazionale ed internazionale
(Marco Bernardi, Graziano Pompili, Bruno Raspanti,
Claudia Steiner, Angelo Zennaro) che interpreteranno
a loro modo ciascuno un piano della Torre, utilizzando
materiali come il legno, il ferro, il piombo, la terracotta, la ceramica, il marmo e il vetro, in dialogo con un
ambiente estremamente affascinante.
Venetkens. Viaggio nella terra dei Veneti antichi.
La rilevanza e unicità della mostra, rispetto ad analoghe e pur illustri rassegne espositive realizzate nel
passato, è data dal fatto che per la prima volta viene presentata la storia degli antichi Veneti in modo
articolato ed esaustivo, grazie a una lettura spaziotemporale (dalle origini dei primi insediamenti fino al
contatto con il mondo romano nei territori del Veneto,
Friuli Venezia Giulia e Trentino), che raccoglie tutte le
conoscenze acquisite negli anni, integrandole con le
più recenti scoperte archeologiche e gli ultimi studi
sull'argomento. Oltre alla complessità e all'indubbio
valore scientifico di tale operazione culturale, la mostra risulterà particolarmente accattivante anche per
il pubblico più giovane per la particolarità dell'allestimento, che comprende postazioni multimediali, effetti sensoriali e le ricostruzioni di un'abitazione, di un
santuario e di un tumulo funerario. Sono previsti inoltre
percorsi didattici e laboratori.
Torre Civica: Allestimento in occasione dell’inaugurazione lo scorso 8 dicembre 2012
The initiatives organized by the Museo Casa Giorgione
continue this summer in collaboration with leading partners including the “Agostino Steffani” Conservatory of
Music and the association, Amici dei Musei e dei Monumenti della Castellana e di Castelfranco. Between
19 and 23 June the Museum is opening its doors to the
world of photography with a show by Guido Guidi on
Carlo Scarpa's Tomba Brion at San Vito di Altivole: the
show can be visited at the Museo Casa Giorgione until
the beginning of August. Another key summer event in
the town will be the contemporary sculpture show (18
May – 18 August 2012) which will open the "Arte in
Torre" review, an initiative intended to return the spaces
of Castelfranco Veneto's Torre Civica to the public. The
town council's aim is to exploit the tower also be using
it as a space for hosting high-quality artistic events. This
explains the first exhibition which will open in May,
dedicated to five artists of national and international
fame, (Marco Bernardi, Graziano Pompili, Bruno Raspanti, Claudia Steiner and Angelo Zennaro) who will
each interpret a floor of the Tower in their own way
using materials such as wood, iron, lead, terracotta, ceramic, marble and glass, in dialogue with an extremely
fascinating environment.
Museo Casa Giorgione 62
Piazza San Liberale 31033 Castelfranco Veneto (TV) Tel. +39 0423 735626
Fax +39 0423 735621
e-mail: [email protected] www.museocasagiorgione.it Facebook/MuseoCasaGiorgione The significance and uniqueness of the show, compared with similar and illustrious exhibitions staged in the
past, derives from the fact that the history of the ancient
Veneti is presented in an articulated and exhaustive
manner. This is thanks to a spatial and temporal reading (from the origins of the first settlements to contact
with the Roman world in the lands of the Veneto, Friuli
Venezia Giulia and Trentino), that brings together all
the knowledge acquired over the years and integrates
it with the most recent archaeological discoveries and
the latest studies on the subject. In addition to the complexity and unquestionable scientific value of this cultural operation, the exhibition will also be particularly attractive for the younger public with its particular layout
which includes multimedia stations, sensorial effects
and the reconstruction of a home, a sanctuary and a
funeral mound. Educational paths and workshops are
also planned.
Palazzo della Ragione
Padova
Tel. +39 049 8204508 / 049 8204572
[email protected]
http://padovacultura.padovanet.it
Civici Musei agli Eremitani
Padova
Ugo Valeri, definito per affinità di vita e rapidità di tratto, il Toulouse Lautrec italiano, sarà protagonista della più approfondita antologica che gli sia mai stata dedicata, all’indomani del centenario
della morte che ne troncò la vita a trentasette anni, quanto cadde
da un balcone di palazzo Pesaro a Venezia. Commentando la
sua scomparsa, Arturo Martini scriveva al fratello di Ugo, il poeta
Diego Valeri, “Tuo fratello fu per noi tutti una tromba: la tromba
del nuovo mattino”. Il Comune di Padova Assessorato alla Cultura - Musei Civici e la Banca di Credito Cooperativo di Piove
di Sacco (sua città natale), gli dedicano una ampia antologica
curata da Virginia Baradel e Federica Luser, con la direzione di
Davide Banzato. In mostra le sue opere – oltre un centinaio, tra
cui molti inediti - saranno messe a confronto con quelle di altri
protagonisti della pittura italiana a cavallo tra Ottocento e primo
decennio del Novecento, stagione di cui Valeri fu effervescente protagonista. La mostra sarà accompagnata da un catalogo
edito dalle Edizionitrart corredato da studi storico-critici che approfondiscono, attraverso ricerche e indagini mirate, una figura
della storia dell’arte italiana meritevole di nuove riflessioni.
I Musei di Spazio Brazzà
Moruzzo (UD)
Museo Storico Pietro di Brazzà Savorgnan - Museo Artistico Štěpán Zavřel.
Spazio Brazzà è un interessante polo culturale comprendente due musei privati creati per coinvolgere adulti e
bambini, famiglie e scuole su temi riguardanti la storia,
l’arte, l’illustrazione, la letteratura e la cultura per l’infanzia internazionale. Il Museo Storico 'Pietro di Brazza
Savorgnan' racconta le gesta dell'esploratore Pietro di
Brazzà (1852-1905) fondatore di Brazzaville in Congo
e discendenti (Ascanio, Giacomo e Detalmo di Brazzà,
Cora Slocomb, l’ammiraglio von Tirpitz e sua figlia Ilse,
l'ambasciatore Ulrich Von Hassell e sua figlia Fey, i generali Pirzio-Biroli, Eugenia Pirzio-Biroli e Detalmo Pirzio-Biroli);
notevole la Collezione d’arte tribale africana. Il Museo Artistico Štěpán Zavřel, nato per volontà dell’amico Corrado
Pirzio-Biroli con il benestare della famiglia Zavřel, celebra
l’opera omnia di uno dei più grandi maestri dell’illustrazione per l’infanzia: in archivio più di 3000 opere dell’artista, esposti al pubblico più di 200 originali tra incisioni,
acquerelli, illustrazioni, affiches, fotografie, cortometraggi
e documenti inediti. Spazio Brazzà con il Centro Internazionale di Studi per la Cultura dell’Infanzia ‘Štěpán Zavřel’
crea e promuove progetti, agendo a livello internazionale,
in collaborazione con enti e istituzioni con una particolare attenzione al Libro illustrato e alle diverse forme d’arte
rivolte al Bambino. In calendario mostre, laboratori, eventi
culturali rivolti a scuole, adulti e bambini.
Ugo Valeri, defined as the Italian Toulouse Lautrec because of
the affinity of their lives and the speed of their strokes, will be the
protagonist of the deepest anthological review ever dedicated
to him just after the hundredth anniversary of the death which
truncated his life at only thirty-seven when he fell from a balcony
at Palazzo Pesaro in Venice. Commenting on his passing, Arturo
Martini wrote to Ugo's brother, the poet Diego Valeri, “For all of
us, your brother was a trumpet call: the call of the new morning."
The Culture and Civic Museums Office of Padua Council, along
with the Banca di Credito Cooperativo di Piove di Sacco (his
birthplace), are dedicating a wide-ranging anthological show
curated by Virginia Baradel and Federica Luser, with the direction of Davide Banzato. Over one hundred of his works, some
previously unseen, will be on show and will be compared with
those of other protagonists of Italian painting at the end of the
nineteenth century and the beginning of the twentieth, a season
during which Valeri was an effervescent star. The exhibition was
accompanied by a catalogue published by Edizionitrart complete with historical-critical studies examining a figure in the history
of art who merits new reflections, through targeted research and
investigations.
Museo Storico Pietro di Brazzà Savorgnan - Museo Artistico Štěpán Zavřel.
Spazio Brazzà is an interesting cultural pole that comprises two private museums created in order to engage
adults and children, families and schools with themes regarding the history, art, illustration, literature and culture
of childhood internationally. The 'Pietro di Brazza Savorgnan' History Museum recounts the exploits of the explorer, Pietro di Brazzà (1852-1905), founder of Brazzaville
in the Congo and his descendents (Ascanio, Giacomo
and Detalmo di Brazzà, Cora Slocomb, Admiral von Tirpitz and his daughter Ilse, the ambassador Ulrich Von
Hassell and his daughter Fey, the generals Pirzio-Biroli,
Eugenia Pirzio-Biroli and Detalmo Pirzio-Biroli). It includes a notable collection of African tribal art. The Štěpán
Zavřel Art Museum, created by the artist's friend, Corrado
Pirzio-Biroli, with the approval of the Zavřel family, celebrates the opera omnia of one of the greatest masters of
illustration for children: the archives contain over 3000
works by the artist, and more than 200 originals – including engravings, watercolours, posters, photographs,
short films and unpublished documents – are on public display. With the Centro Internazionale di Studi per la Cultura dell’Infanzia ‘Štěpán Zavřel’, Spazio Brazzà creates
and promotes projects at international level, in collaborations with various bodies and institutions, with a particular
focus on illustrated books and other forms of art aimed
at children. The calendar includes exhibitions, workshops
and cultural events aimed at schools, adults and children.
Civici Musei agli Eremitani
Spazio Brazzà
Piazza Eremitani
Padova
Tel. +39 049 8204551
[email protected]
http://padovacultura.padovanet.it
Via del Castello 15
333030 Moruzzo (UD)
Mob. +39 345 69119077
[email protected]
www.castellodibrazza.com
Castello del Buonconsiglio
Trento
È sufficiente camminare attraverso le magnifiche sale del
Castello del Buonconsiglio di Trento e osservare con attenzione gli affreschi e i dipinti che decorano le pareti
per scoprire un mondo fantastico fatto di unicorni, draghi
dalle sette teste, centauri, grifoni, basilischi, sfingi, serpenti e animali fantastici e inconsueti che ricorrono costantemente nella mitologia e nella iconografia castellana. Un
tema, quello degli animali fantastici, che è protagonista
nella mostra estiva “Sangue di drago, squame di serpente: animali fantastici e reali al Castello del Buonconsiglio”
organizzata in collaborazione con il museo Nazionale
Svizzero di Zurigo che si terrà a partire dal 10 agosto
2013 al Castello del Buonconsiglio. Una mostra curiosa
attraverso la storia dell’arte, dall’antichità all’Ottocento,
con numerosi prestiti da musei internazionali, tra questi
magnifici dipinti di Tiziano e Tintoretto. Scultura, pittura,
architettura e disegno, raccontano il mondo animale,
frutto delle fantasie e delle paure dell’uomo. La mostra
avrà una sezione presso la Rocca di Riva del Garda
(MAG) dal titolo «Mostri smisurati e creature fantastiche
tra i flutti», dove saranno esposte opere prevalentemente
cinquecentesche aventi per tema creature fantastiche e
animali mitici che, nell’immaginario antico, abitavano le
acque dei laghi e dei mari.
It is sufficient to stroll through the magnificent rooms of
the Castello del Buonconsiglio in Trento and carefully observe the frescos an paintings that decorate the
walls in order to discover a fantastic world of unicorns,
seven-headed dragons, centaurs, gryphons, basilisks,
sphinxes, serpents and fantastic and unusual animals
that recur constantly in the castle's mythology and iconography. This theme of fantastic animals is the protagonist of the summer exhibition, "Sangue di drago,
squame di serpente: animali fantastici e reali al Castello del Buonconsiglio” ("Dragon's blood, serpent's
scales: fantastic and real animals in the Castello del
Buonconsiglio"), organized in collaboration with the
National Swiss Museum in Zurich, which will be held
from 10 August 2013 in the Castle itself. It is a curious
show that follows the history of art from antiquity to the
nineteenth century with countless loans from international museums, including magnificent paintings by Titian
and Tintoretto. Sculpture, painting, architecture and
drawings recount the animal world, fruit of man's fantasies and fears. The exhibition will have a section at
the Rocca in Riva del Garda (MAG) entitled «Mostri
smisurati e creature fantastiche tra i flutti» ("Immense
monsters and fantastic creatures among the waves"), at
which mainly sixteenth century works will be on show,
illustrating the fantastic creatures and mythical animals
that lived in the waters of the lakes and seas in the
imagination of olden days.
Castello del Buonconsiglio
Via Bernardo Clesio, 5
38122 Trento
www.buonconsiglio.it
[email protected]
Mart
Rovereto (TN)
22/06/2013 - 08/09/2013
ll Mart, a 50 anni dalla sua morte e a 110 anni dalla
nascita, ricorda l’opera di Adalberto Libera con una
mostra a cura di Nicola Di Battista.
L’esposizione si affianca alla sezione Architettura della
mostra La magnifica ossessione che comprende i modelli di numerose e importanti opere di Adalberto Libera, come Villa Malaparte a Capri, Le Scuole Sanzio a
Trento, il Palazzo delle Poste e il Palazzo dei Congressi
di Roma.
Le due esposizioni offrono così una preziosa occasione di approfondimento del lavoro dell’architetto di
Villa Lagarina.
Adalberto Libera ha segnato l’architettura razionalista
italiana con un tratto fortemente riconoscibile.
Il lavoro culturale pionieristico come fondatore del
Gruppo 7 e gli esiti della collaborazione con Mario
De Renzi del “periodo romano” negli anni Trenta,
conducono Adalberto Libera a ricoprire un ruolo di
primo piano nella diffusione dell’architettura italiana
nel mondo.
At 50 years from his death and 110 years from his
birth, Mart will be recalling the work of Adalberto Libera with an exhibition curated by Nicola Di Battista.
The exhibition will flank the Architecture section of the
show, La magnifica ossessione, which will include models of countless important works by Adalberto Libera,
such as Villa Malaparte in Capri, Le Scuole Sanzio in
Trento, and the Palazzo delle Poste and the Palazzo
dei Congressi in Rome.
In this way, the two shows offer a precious occasion
for getting to know the work of this architect from Villa
Lagarina.
Adalberto Libera put his mark on Italian rationalist architecture with a highly recognizable style.
His pioneering cultural work as a founder of Gruppo 7
and the results of his collaboration with Mario De Renzi
during the "Roman period" in the thirties led Adalberto
Libera to play a starring role in the diffusion of Italian
architecture around the world.
Mart - Museo di arte moderna
e contemporanea di Trento e Rovereto
Corso Bettini 43,
38068 Rovereto (TN)
www.mart.trento.it
63
La scuola come competenza:
la tutela del futuro per la cultura artistica italiana
Come ogni bene, tangibile o intangibile, che sia stato ereditato dal passato,
l’arte e la cultura hanno bisogno di chi
le traghetti nel futuro.
L’enorme patrimonio che mette l’Italia
tra le eccellenze mondiali deve poter
contare su un competente turnover generazionale che sappia prendersene
cura per sé e per altri nel tempo.
Conoscere ciò che esso è e che può
rappresentare, anche in termini materiali, prevede e richiede un serio progetto formativo.
The school as competence:
protecting the future for italian
artistic culture
Like any asset, be it tangible or intangible, that has been inherited from the
past, art and culture need those who
can ferry them into the future.
The enormous legacy that places Italy
among the world's excellences must
be able to count on a competent generational turnover that is able to take
care of it for themselves and for others
over time.
Knowing what it is and what it can represent, even in material terms, envisages and requires a serious educational
project.
Con il contributo e patrocinio
della Regione Veneto e della Regione
Autonoma Friuli Venezia Giulia.
With the contribution and sponsorship
of the Veneto Region
and the Autonomous Region
of Friuli Venezia Giulia.
Liceo Artistico Sello
Udine
Il Liceo Artistico “G. Sello” nasce a Udine nel 1959
come Scuola d’Arte, con i due insegnamenti di Arte del
Mobile e dei Metalli. Successivamente si aggiungono
le sezioni di Arte del Tessuto e del Tappeto, di Grafica
Pubblicitaria e Fotografia. Nel 1963 la Scuola diventa
ISTITUTO STATALE D’ARTE e nel 1982 assume il nome
del maestro stipettaio Giovanni Sello, conoscendo una
continua evoluzione. A partire dal 1995/96 l’Istituto attiva la sperimentazione Michelangelo, nella convinzione
che l’istruzione artistica debba realizzarsi su basi umanistiche, scientifiche e tecnologiche le più ampie possibili. La Scuola, sempre legata al territorio in cui opera,
mantiene saldo nel tempo il principio secondo cui il
“fare artistico” non possa essere svincolato da un’ampia
dimensione culturale e da una sperimentazione interdisciplinare. Nel corso degli anni l’Istituto propone percorsi didattici diversificati, integrando l’approccio operativo e quello teorico, al fine di permettere agli studenti
l’accesso all’università e al mondo del lavoro. Oggi il
LICEO ARTISTICO ha assorbito le specializzazioni già
presenti nell’Istituto d’Arte e ha attivato gli indirizzi di
Arti Figurative, Grafica, Scenografia, Architettura e Ambiente, Audiovisivo e Multimediale, Design (Industriale
e della Moda).
MANIFESTAZIONE “ EXTEMPOREBARCOLINA”
In occasione dell'evento “ BARCOLANA 44”, lo scorso 21
febbraio, a Trieste, si è conclusa la terza edizione della
manifestazione “EXTEMPOREBARCOLINA”, organizzata
dal Liceo Artistico “E.U.Nordio” e dalla Società Velica di
Barcola e Grignano, con il patrocinio ed i premi messi
a disposizione dalla Direzione del Servizio Promozione
Progetti Culturali dell'Area Cultura del Comune di Trieste
ed il contributo della Provincia di Trieste, Assessorato alle
Politiche attive del lavoro, Politiche Formative, Cooperazione Sociale con gli sponsor “illycaffè Spa”e “Canvas”.
Sono state premiate le opere selezionate partecipanti ai
concorsi di disegno e pittura, dedicato agli Studenti del
Liceo e della Sezione Speciale per gli Allievi delle scuole
medie della provincia di Trieste e del concorso fotografico “BARCOLANAIMMAGINE”. I concorrenti hanno disegnato e dipinto luoghi conosciuti e vissuti interpretando
il tema “ I colori del mare”. Varie le tecniche scelte che
hanno dato vita alle emozioni che il mare di Trieste ha
saputo suggerire attraverso le competenze espressive acquisite. Per la fotografia, tema“Immagini della città durante la Barcolana”, le opere partecipanti hanno creato un
poliedrico messaggio visivo, summa di tanti giovani occhi
che hanno acutamente osservato e penetrato “da fotoreporter”, descrivendo artisticamente una folla ed una città
cosmopolita che vive la manifestazione.
The Liceo Artistico “G. Sello” was established in Udine
in 1959 as an Art School teaching the Art of Furniture
and the Art of Metal. It later added the Art of Fabrics
and Carpets, of Advertising Graphics and Photography.
In 1963 the School became the ISTITUTO STATALE D’ARTE and in 1982 it took the name of the master cabinetmaker, Giovanni Sello, and continued to evolve. Starting
from 1995/96, the Institute activated its 'Michelangelo'
experimental section, convinced that art education must
be provided on the broadest possible humanistic, scientific and technological bases. The School, always rooted
in the land in which it operates, has remained firmly
convinced over the years that "making art" cannot be
separated from a broad cultural dimension and interdisciplinary experimentation. Over the years the Institute
has offered diversified teaching paths and integrated
the operating and theoretical approaches in order to
give students access to the university and the world of
employment. Today, the LICEO ARTISTICO has absorbed the specializations already present in the Art Institute and has activated the Figurative Arts, Graphics, Stage
Design, Architecture and Environment, Audiovisuals and
Multimedia, and Design (Industrial and Fashion) areas.
“EXTEMPOREBARCOLINA” EXHIBITION
The third edition of the "EXTEMPOREBARCOLINA" show
was completed on the occasion of the "BARCOLANA
44" event on 21 February last in Trieste. This was organized by the Liceo Artistico "E.U.Nordio" and by the Società Velica of Barcola and Grignano and was sponsored
by the Office of the Culture Area's Cultural Projects Promotion Service of Trieste Council which also made the prizes
available, with the contribution of the Province of Trieste,
Office of Active Labour Policies, Training Policies and
Social Cooperation along with the sponsors, "illycaffè
Spa" and "Canvas". Prizes were awarded to the selected
works by the participants in the drawing and painting
competitions, dedicated to the students of the art school
and to the special section of pupils in the middle schools
of the Trieste province and of the "BARCOLANAIMMAGINE" photography competition. The competitors drew and
painted places they were familiar with and experienced
by interpreting the theme "The colours of the sea". Various
techniques were chosen and gave life to the emotions
aroused by the sea around Trieste through the expressive
skills acquired. The photography theme was “Immagini
della città durante la Barcolana” for which the participating works created a polyhydric visual message, the
sum of lots of young eyes which acutely observed and
penetrated like photo reporters to artistically describe and
observe a crowd and a cosmopolitan city enjoying the
event.
Liceo Artistico Sello
Liceo Artistico e Istituto Statale d’Arte
“Enrico ed Umberto Nordio”
Piazza Primo Maggio,12 - Udine
Tel. +39 0432 295259 – +39 0432 502141
Fax +39 0432 511446
www.arteudine.it
[email protected]
[email protected]
64
Liceo Artistico e Istituto Statale d’Arte
“Enrico ed Umberto Nordio”
Trieste
Via di Calvola, 2
34143 Trieste
Tel. +39 040 300660
[email protected]
www.isanordio.it
Liceo Artistico “Max Fabiani”
Gorizia
Istituto Statale d’Arte Enrico Galvani
Cordenons (PN)
Prestigioso riconoscimento al design tessile del Max
Fabiani di Gorizia. Primo premio del concorso Industriare Arte Giovani 2013. Max Fabiani. Un architetto,
ma non solo. Per Gorizia significa Liceo Artistico, una
scuola dove si apprende a vivere l’arte e tutto ciò che a
essa è connesso. Una scuola in cui i docenti si dedicano per offrire ai giovani diverse opportunità attraverso
la partecipazione a concorsi ed eventi che offrono anche uno sguardo concreto al mondo del lavoro.
Una delle opportunità dell’anno che sta per concludersi è stata la partecipazione alla terza edizione di
“Industriare arte giovani”, concorso organizzato da
Confindustria di Udine e dalla Banca Popolare Friuladria, in cui la studentessa Aisha Gomaa della V B
ha vinto il primo premio conquistando uno stage in
un'azienda fashion di Udine. Un altro riconoscimento
è stato conquistato dalla studentessa Monica Mazzoni
della medesima classe e una menzione speciale è andata a Mauro Muzio Medaglia della 4 A. Il corollario
di quest’evento è un’esposizione: nell’atrio di Palazzo
Torriani, a Udine, per tutto il 2013, in orario d’ufficio,
saranno ospitate le opere classificate al primo, secondo e terzo posto. (di Elisa Baldo)
Per innovare e arricchire la sua Offerta Formativa l’Istituto attiva numerosi PROGETTI e partecipa a vari
CONCORSI, tutte iniziative caratterizzate da un denominatore comune: crescere.
Crescita che coinvolge sia gli studenti (percorso di progressiva maturazione) sia la scuola (percorso di progressivo miglioramento) in una sorta di circolo virtuoso
sviluppato lungo tre assi.
CRESCERE ATTRAVERSO IL TERRITORIO.
Scuola e contesto culturale ed economico collaborano allo sviluppo delle attitudini degli allievi che vivono
scenari sempre più ampi e mutevoli.
CRESCERE IMPEGNANDOSI, AIUTANDOSI, VIVENDO BENE LA SCUOLA.
La scuola promuove il benessere scolastico, favorisce
il successo formativo, è attenta alla creatività degli studenti, al loro piacere di stare insieme, alla soddisfazione di un prodotto realizzato.
CRESCERE E MIGLIORARE.
La scuola sente l’esigenza di aprirsi all’innovazione
didattica integrando il concetto di aula chiusa con i
laboratori e le classi aperte, consolidando la didattica
modulare e la multimedialità, avviando procedure di
autovalutazione.
A prestigious award for the textile design of the Max
Fabiani in Gorizia. First prize in the "Industriare Arte
Giovani" 2013 competition.
Max Fabiani, an architect, but more than that. For
Gorizia it means the Liceo Artistico, a school where
you learn to live art and everything connected to it, a
school in which the teachers dedicate themselves to
offering young people different opportunities through
participation in competitions and events that also provide a concrete view of the world of employment.
One of the opportunities during the year about to end
was participation in the third edition of “Industriare
arte giovani”, a competition organized by the Confederation of Industrialists of Udine and by the Banca
Popolare Friuladria in which the fifth-year student Aisha
Gomaa took the first prize and won an internship in a
fashion company in Udine. Another prize was won by
Monica Mazzoni from the same class and a special
mention was made of fourth-year student Mauro Muzio
Medaglia . The corollary of this event is an exhibition:
the works classified in first, second and third place will
be on display in the atrium of Palazzo Torriani in Udine
for the whole of 2013. (Elisa Baldo)
Liceo Artistico "Max Fabiani"
facente parte dell'Istituto comprensivo
ISIS D'Annunzio Fabiani
P.le Medaglie d'oro, 2 - 34070 Gorizia
Tel. +39 0481/531948
Fax +39 0481/533756
[email protected]
www.isa-fabiani.it
In order to innovate and enrich its formative offering,
the Institute has activated countless projects and takes
part in various CONTESTS, all featuring the same common denominator: growth.
Growth that involves both the students (path towards
progressive maturity) and the school (path towards progressive improvement) in a sort of virtuous circle developed along three axes.
GROWING THROUGH OUR SURROUNDINGS. The
school and the cultural and economic context collaborate in the development of the attitudes of the students
who are experiencing increasingly wide-ranging and
changeable scenarios.
GROWING BY COMMITTING AND HELPING
OURSELVES AND LIVING SCHOOL LIFE POSITIVELY.
The school promotes scholastic wellbeing, favours formative success, is attentive to the students' creativity, to
their pleasure in being together, and to the satisfaction
of a finished product.
GROWING AND IMPROVING. The school feels the
need to open itself to teaching innovation by integrating the concept of the closed classroom with open
workshops and classes and with the consolidation of
modular teaching and multimedia by launching selfassessment procedures.
Istituto Statale d’Arte Enrico Galvani
Via Sclavons, 34
33084 Cordenons (PN)
Tel. +39 0434 932628
Fax +39 0434 932069
[email protected]
www.isacordenons.it
Liceo Artistico Statale di Cortina d’Ampezzo
Cortina d'Ampezzo (BL)
Il Liceo Artistico di Cortina d’Ampezzo propone un
percorso culturale indirizzato allo studio dei fenomeni
estetici e alla pratica del fare artistico favorendo l’acquisizione dei metodi specifici della ricerca e la padronanza dei linguaggi e delle tecniche di questo settore.
Il percorso di studio prevede esperienze progettuali
e artistiche nel settore dell’arredamento con esercitazioni nel Laboratorio di Ebanisteria utilizzando tutti i
linguaggi e le diverse strategie espressive proprie dei
vari ambiti del design e delle arti applicate razionali.
Il Liceo Artistico di Cortina d’Ampezzo propone un
percorso liceale in cui lo studente approfondisce tutte le tecniche espressive artistiche e progettuali, dal
disegno figurativo dal vero alla pittura, all’espressione
plastica, al disegno geometrico, dalla fotografia alla
grafica pubblicitaria.
Il Liceo è impegnato fin dal 1995 nell’ambito dei Progetti Europei. Per il biennio 2012/2014 sono stati finanziati due progetti Comenius che consentiranno agli
studenti di fare esperienze di cooperazione europea
con altre scuole in Europa favorendo lo sviluppo di
una coscienza di condivisione e di cittadinanza attiva
attraverso lo scambio di culture diverse.
The Liceo Artistico in Cortina d’Ampezzo proposes a
cultural path directed towards the study of aesthetic
phenomena and artistic practice while encouraging
the acquisition of specific methods of research and the
mastery of languages and techniques in this sector.
The study path envisages design and artistic experiences in the furnishing sector with exercises in the Cabinet-making Workshop using all the languages and
the various expressive strategies specific to the different
ambits of design and rational applied arts.
The Liceo Artistico in Cortina d’Ampezzo offers a scholastic itinerary in which students study all the expressive
artistic and design techniques, from figurative drawing
from life to painting, plastic expression, geometrical
drawing, photography and advertising graphics.
The school has been engaged in the European Projects
framework since 1995. Two Comenius projects were
funded during the 2012/2014 period and allowed
students to gain experience of cooperation with other
schools in Europe with the encouragement of the development of an awareness of sharing and active citizenship through the exchange of different cultures.
Liceo Artistico Statale
Via dei Campi, 2
32043 Cortina d’Ampezzo (BL)
Tel. +39 0436 2638
info@polovalboite
www.polovalboite.it
65
Liceo Artistico "Bruno Munari"
Castelmassa (RO)
"Camminare mano nella mano ci porterà in un magico mondo di giustizia": è questa la traduzione del titolo
inglese ("Walking hand in hand can take us to fair(y)
land") del progetto Comenius che quest'anno ha visto
coinvolti il Liceo Artistico "Bruno Munari" di Castelmassa (Ro) e quattro scuole superiori europee di Grecia,
Spagna, Polonia e Lituania.
Il progetto, articolato durante tutto l'anno scolastico e
centrato sul tema dei diritti umani, ha trovato un suo
momento topico nella settimana tra il 18 e il 22 febbraio scorsi, quando studenti greci, spagnoli, polacchi
e lituani sono scesi in Italia, ospiti dei loro coetanei
polesani. Al di là delle immancabili visite a Ferrara
e Venezia, i ragazzi hanno anche passato un'intera
mattinata presso il Liceo di Castelmassa: dopo l'accoglienza del dirigente, prof.ssa Maria Elisabetta Soffritti, e una visita alla scuola, gli alunni sono stati divisi in
gruppi e, utilizzando l'inglese come lingua veicolare,
hanno svolto varie attività sui diritti umani e sugli stereotipi con cui si identificano gli stranieri. Infine, tutti
i gruppi hanno collaborato col laboratorio di Design
della Moda per realizzare delle t-shirt che riportassero
il logo della manifestazione, creato proprio dagli studenti dell'Artistico Munari.
"Walking hand in hand can take us to fair(y)land" is
the title of the Comenius project carried out this year
by the "Bruno Munari" art institute at Castelmassa (Rovigo) along with four other European high schools from
Greece, Spain, Poland and Lithuania.
The project, spread over the school year and focussing
on the theme of human rights, came to a climax during
the week from 18 to 22 February last when the Greek,
Spanish, Polish and Lithuanian students came to Italy.
Apart from the unmissable visits to Ferrara and Venice,
the young people spent an entire morning at the Castelmassa school: after being welcomed by the director,
Maria Elisabetta Soffritti, and a visit to the school, the
students were divided into groups and, using English as
the lingua franca, they carried out various activities on
human rights and on the stereotypes with which foreigners are identified. Finally, all the groups collaborated
in the Fashion Design Workshop to devise T-shirts with
the logo of the event to be produced by the Munari
students themselves.
Liceo Artistico "Bruno Munari"
Via Matteotti, 34 - 45035 Castelmassa (RO)
Tel. +39 0425-81140
[email protected]
http://www.artisticocastelmassa.it
66
Istituto Istruzione Superiore “G.B.Ferrari”
Liceo Artistico
Este (PD)
Liceo Artistico Statale “M. Fanoli”
Cittadella (PD)
L’indirizzo Artistico dell’I.I.S.Ferrari di Este vive dell’esperienza di una storia che parte dall’istituzione di
una sede staccata dell’ISA Selvatico di PD nel 1966.
Diviene autonomo nel 1970 e intitolato ad Antonio
Corradini. Ai corsi tradizionali di Ceramica, Tessitura
e Legno vengono introdotte alcune sperimentazioni
che si consolidano nel 1995 con i corsi del Progetto
Sperimentale Michelangelo: Arte e Restauro della Ceramica, Architettura e Arredo, Grafica, Moda e Costume. Oggi con la riforma dei Licei l’Offerta Formativa si
sviluppa in quattro settori: Architettura e Ambiente, Arti
Figurative, Design della Moda, Grafica che si avvalgono dei laboratori strutturati e organizzati in continuo
rinnovamento. Nel tempo sono diventate consuetudini
le molte attività in stretto contatto con il territorio, il
coinvolgimento in manifestazioni indette dai Comuni,
dal Museo Nazionale Atestino e da altre istituzioni
e associazioni nonché la partecipazione a concorsi
pubblici e privati con esiti molto positivi. A questo si
aggiungono l’organizzazione di stages estivi e il lavoro di un vivace laboratorio teatrale. La sede si trova in
alcuni edifici storici ristrutturati immersi nel verde.
Manifestazioni artistiche.
Il Fanoli ogni anno partecipa a numerosi concorsi banditi da enti pubblici, privati ed Associazioni, nazionali
e territoriali, la scuola inoltre ha contatti con le realtà
produttive del territorio ed è promotrice di importanti
iniziative, che mettono in luce le qualità e la creatività
degli studenti.
Nell’ambito delle attività didattico – formative legate
anche al percorso di consolidamento dell’autonomia e
dell’autostima degli studenti, della loro partecipazione
attiva alla vita del territorio e della loro responsabilizzazione nei confronti di eventi artistici, il Fanoli ha
realizzato per il Comune di Cittadella, sottoforma di
concorso, un cartello pubblicitario per la promozione
del sistema fortificato i cui lavori di restauro sono da
poco ultimati. Il concorso ha visto coinvolti molti studenti, per premiare l’impegno e la creatività dimostrata in fase di progettazione ci sarà in giugno l’esposizione dei lavori tutti in una sede messa a disposizione
dal Comune di Cittadella. Il Fanoli incontra il territorio
anche con attività creative che vedranno gli studenti
protagonisti del Gironotte 2013 il Festival delle arti e
della musica a Piazzola sul Brenta, con lavori ispirati
ad Alice nel paese delle meraviglie.
The artistic section of the I.I.S. Ferrari in Este is the result of a story that started from the establishment of
a detached unit of Padua's ISA Selvatico in 1966. It
became autonomous in 1970 and was named after
Antonio Corradini. Added to the traditional courses on
Ceramics, Weaving and Wood, were various experimental ones that were consolidated in 1995 with the
courses of the Experimental Michelangelo Project: Art
and Restoration of Ceramics, Architecture and Furnishing, Graphics, Fashion and Costumes. Today, with
the reform of secondary schools, the available courses
are divided into four sectors: Architecture and Environment, Figurative Arts, Fashion Design and Graphics
and these avail of structures and organized workshops
that are in continuous renewal. Many activities in close contact with the hinterland have become customary
over the years with our involvement in events organized
by the local councils, by the Atestino National Museum
and by other institutions. We have also participated in
public and private competitions and achieved many
positive results. Also organized are summer internships
and the activities of a lively theatre workshop. The school is housed in several renovated historical buildings
immersed in greenery.
Istituto Istruzione Superiore
“G.B.Ferrari” Liceo Artistico
Viale Fiume, 55 - 35042 Este (PD)
Tel. +39 0429 2791
Fax +39 0429 602824
www.liceoferrari.it
[email protected]
Art events
Every year the Fanoli Art Institute takes part in numerous competitions sponsored by public and private bodies and associations, national and local. The school
also has contacts with businesses in the area and promotes important initiatives which highlight the qualities
and creativity of the students.
In the framework of its didactic-formative activities linked to the path for the consolidation of its autonomy
and the self-esteem of students, of their active participation in the life of the area and of their assumption
of responsibility with regard to artistic events, Fanoli
created an advertising poster for the town of Cittadella, in the form of a competition, to promote the fortified
systems for which the restoration works have just been
completed. The competition saw the involvement of
a large number of students and, in order to reward
the commitment and creativity demonstrated during the
planning stage, there will be an exhibition in June of
all the works in a venue made available by Cittadella Council. Fanoli also reaches out to its hinterland
with creative activities in which the students will be the
stars of Gironotte 2013, the festival or arts and music
at Piazzola sul Brenta with works inspired by Alice in
Wonderland.
Liceo Artistico Statale “M. Fanoli”
Viale dello sport, 28 – 35013 Cittadella (PD)
Tel. +39 049 5971181
Fax +39 049 5971830
[email protected]
www.liceofanoli.it
Liceo Artistico “Pietro Selvatico”
Padova
Il Selvatico, nato nel 1867, quasi 150 anni fa, è ospitato nella sede dell'ex macello dello Jappelli, dal 1910.
Nel 2006, dopo un lavoro durato tre anni, in cui i
docenti hanno raccolto e catalogato i lavori realizzati
dagli allievi della scuola in questi 150 anni, è stata realizzata con la partecipazione di Comune e Provincia
la MOSTRA STORICA del Selvatico, mostra che si è
sviluppata sui prestigiosi spazi del palazzo del Monte
di Pietà e nella “Rotonda” ed i grandi corridoi della
sede storica dello Jappelli.
Con la Riforma il Selvatico è diventato un LICEO ARTISTICO e le specializzazioni dell' ISTITUTO D'ARTE
sono confluite nei nuovi INDIRIZZI:
Architettura e Ambiente – Arti Figurative Pittura – Arti
Figurative Scultura – Design della Moda e del Tessuto
– design dell'Oreficeria – Scenografia.
In questa fase di cambiamento, siamo impegnati nella costruzione di un NUOVO LICEO ARTISTICO che
offra, ai nostri studenti, una base culturale solida, che
sviluppi gli aspetti della creatività e della progettualità
che saranno verificati, secondo tradizione, nei nostri
attrezzati laboratori d'indirizzo, e nell'innovazione,
attraverso gli strumenti informatici.
The Selvatico Liceo, founded almost 150 years ago
in 1867, has been housed in the premises of the old
Jappelli abattoir since 1910. In 2006, after working
for three years during which the staff collected and
catalogued the works created by the students during
these 150 years, a HISTORICAL EXHIBITION of the
school was organized with the participation of the City
Council and Provincial Government, a show that was
staged in the prestigious spaces of the Palazzo del
Monte di Pietà and in the “Rotonda”, as well as in the
broad corridors of the old Jappelli building.
With the high school reform, the Liceo Selvatico became a Liceo Artistico and the Art Institute's specializations flowed into new sectors:
Architecture and Environment, Figurative Arts – Painting, Figurative Arts – Sculpture, Fashion and Fabric
Design – Jewellery Design – Stage Design.
During this period of change, we have been engaged
in the construction of a new Liceo Artistico which offers our students a solid cultural basis that develops the
aspects of creativity and design which, according to
tradition, will be assessed in our well-equipped specialized workshops and, in terms of innovation, by IT tools.
Liceo Artistico “Pietro Selvatico”
Largo Meneghetti, 1
35131 Padova
Tel. +39 049 8751084 – 049 8758900
[email protected]
www.liceoartisticoselvatico.gov.it
Liceo Artistico Modigliani
Padova
Istituto Statale d'Arte Bruno Munari
Vittorio Veneto (TV)
La società contemporanea comunica e si esprime prioritariamente con le immagini, il linguaggio visivo è
diffuso ovunque, nei luoghi pubblici e privati.
Oggi le immagini si avvalgono sia delle tecniche artistiche tradizionali, architettoniche, pittoriche e scultoree, sia delle tecnologie più innovative, capaci di
interagire con tutti gli altri linguaggi. Il Liceo Artistico
Modigliani di Padova promuove la formazione delle
competenze generali dei principali ambiti disciplinari
e in modo specifico quelle essenziali per comunicare
con il linguaggio visivo in ogni settore. La preparazione acquisita consente ai giovani di intraprendere gli
studi universitari di ogni indirizzo.
Arredare significa prendersi cura dei luoghi, renderli adeguati alla vita dei cittadini. Il progetto
FERM”A”RTE”, promosso da Liceo Modigliani e accolto
dal Comune di Padova e dall'APS, ha consentito agli
allievi di confrontarsi con un tipico progetto di arredo
urbano contemporaneo e di mettere in gioco le competenze acquisite nelle diverse discipline, in una sintesi
resa possibile da conoscenze e abilità interdisciplinari. I progetti per le pensiline del nuovo metro padovano, già presentati alla sala della Gran Guardia sono
stati realizzati e rinnovati negli ultimi due anni.
Il Liceo Artistico Statale “Bruno Munari” di Vittorio Veneto (ex Istituto Statale d’Arte dal 1984) alla luce dei
nuovi indirizzi: Arti Figurative, Architettura e Ambiente,
Design, Grafica, Audiovisivo e Multimediale, propone
un percorso formativo finalizzato allo studio dei fenomeni estetici e alla pratica artistica.
Il fine formativo del Liceo è quello di trasmettere una
cultura che è alla base di quella del progetto e della
comunicazione. Per realizzare questo obiettivo la scuola cerca di mettere in atto l'interazione tra le nuove
possibilità comunicative offerte dalle tecnologie digitali e i saperi artistici e progettuali. In questa prospettiva
i laboratori sono supportati da aule multimediali e da
laboratori dotati di nuove tecnologie. L’utilizzo guidato
di un ventaglio di tecniche espressive – dalle tecniche
di base a quelle avanzate – costituisce occasione per
un utilizzo intensivo di strumenti ed attrezzature.
La realtà scolastica viene posta costantemente in stretta relazione ed interscambio con le realtà professionali
esterne e tutte le sezioni di indirizzo partecipano periodicamente a concorsi regionali e nazionali indetti
da industrie e da altri enti, a manifestazioni, convegni,
progetti, seminari e mostre che promuovono la professionalità degli allievi e il loro inserimento nel mondo
del lavoro.
Contemporary society communicates principally with
images and visual language is widespread in public
and private places.
Today the images make use both of traditional architectural, pictorial and sculptural artistic techniques and
of more innovative technologies that are capable of
interacting with all the other languages. Padua's Liceo
Artistico "Modigliani" promotes training in the general skills in the main disciplinary frameworks and, in a
specific manner, the essential ones for communicating
using visual language in every sector. The preparation
acquired allows young people to undertake university
studies in every area.
Furnishing means looking after places to render them
appropriate for citizens' lives. The FERM”A”RTE”
project, promoted by Liceo Modigliani and backed by
Padua Council and the APS, allowed students to measure themselves with a typical contemporary urban
furnishing project and put the skills acquired in various
disciplines into play in a synthesis made possible by interdisciplinary knowledge and ability. The projects for
the shelters for the new city metro, already presented in
the Sala della Gran Guardia, have been created and
renewed in the last two years.
Liceo Artistico Statale "Amedeo Modigliani"
Via Scrovegni, 30
35131 Padova
Tel. +39 049 8756076
[email protected]
www.liceomodigliani.it
In the light of it new specializations, Figurative Arts,
Architecture and Environment, Design, Graphics, Audiovisual and Multimedia, the “Bruno Munari” State
Art Institute in Vittorio Veneto proposes a formative
itinerary focusing on the study of aesthetic phenomena
and artistic practice.
The school's educational goal is to transmit that culture
underlying all successful projects and communications.
To achieve this end, the school seeks to trigger interactions between the new communicative possibilities
offered by digital technologies and artistic and design
skills. With this in mind the workshops are supported
by multimedia classrooms and laboratories equipped
with new technologies. The guided use of a range
of expressive techniques – from basic techniques to
advanced ones – constitutes an occasion for an intensive use of tools and equipment.
The scholastic ambience is constantly put into a close
relationship and interchange with external professional realities and all the specialized sections participate
periodically in regional and national competitions promoted by industries and other bodies, and in events,
conventions, projects, seminars and shows that promote the students' professionalism and their insertion into
the world of employment.
Istituto Statale d'Arte Bruno Munari
Via Gandhi, 14
31029 Vittorio Veneto (TV)
Tel. +39 0438 551422
Fax +39 0438 940130
[email protected]
www.isamunari.it
67
Treviso
Dal 1970, in pieno centro storico, il Liceo Artistico Statale di Treviso svolge egregiamente la sua funzione di
punto focale dell'arte e della cultura per rispondere
all'esigenza di costituire, nel comprensorio trevigiano, un percorso di studi nel settore delle arti visive,
decorative e architettonico-ambientali con un susseguirsi anche di eventi, incontri d'arte, di architettura,
cicli di conferenze dedicate agli studenti degli ultimi
anni e mostre d'arte organizzate nell'annessa Galleria dell'artistico. Quest'anno tra i vari progetti dei vari
ambiti disciplinari si segnalano quello che ha visto la
partecipazione delle classi 4B sperimentale, 4B e 5B
sper. indirizzo plastico e la loro partecipazione al
concorso di idee per la realizzazione di un pannello
plastico commemorativo per le vittime del campo di
concentramento di Monigo ( Tv ) e vinto dalla studentessa Debora Possamai della classe 4 B sperimentale.
Il concorso, patrocinato dalla fondazione ISTRESCO,
ha tratto ispirazione dal libro “Di là del muro” di Francesca Meneghetti.
Since 1970, right in the heart of the old town centre,
the state art institute of Treviso has been excellently
carrying out its function as a focal point for art and
culture in order to meet the need in the Treviso district
to provide educational courses in the sector of the visual, decorative and architectural-environmental arts,
including the provision of a series of events, encounters
regarding art and architecture, cycles of conferences
dedicated to students in their final years and art exhibitions organized in the schools gallery annexe. This
year the projects in the various disciplinary areas included one with the participation of experimental class
4B and experimental classes 4B and 5B and their participation in a competition for ideas for the creation of
a commemorative plastic panel for the victims of the
concentration camp at Monigo (TV) which was won by
the student Debora Possamai of experimental class 4B.
The competition, supported by the ISTRESCO foundation, drew inspiration from Francesca Meneghetti's
book, “Di là del muro”.
Liceo Artistico Statale di Treviso
Via S. Caterina,10
31100 Treviso
www.liceoartisticotreviso.it
68
Liceo Artistico Michelangelo Guggenheim
Venezia
Liceo Artistico Statale di Venezia
Venezia
Tra i molti progetti e attività del nostro istituto, si segnala la partecipazione al 4° Carnevale Internazionale
dei Ragazzi della Biennale di Venezia, che quest’anno
aveva per titolo “Il leon musico”. La nostra presenza,
fin dalla prima edizione, è stata significativa: sono
state coinvolte ben 13 classi, 180 alunni, 15 docenti
di varie discipline, e 4 assistenti tecnici. Il tema ha
stimolato la produzione di svariati lavori: una performance di teatro nero intitolata “La sinfonia dei sogni
discordi”, una performance-laboratorio con dei vestiti
sonori; l’installazione “The white toys symphony” (una
colonna di giocattoli recuperati all’abbandono dipinti
di bianco); l’installazione “Core-rugato” (un intreccio
di tubi industriali rossi, con una luce lampeggiante per
ricordare il ritmo primordiale). Particolari risultano altre
due installazioni interattive, come le “Tende sonore”,
una serie di moduli composti da elementi di riciclo
come barattoli, posate, conchiglie, bambù, lego, ecc.,
a formare una sorta di nuovo Intonarumori alla Russolo; e le “Melodie ceramiche” una serie di canne in terracotta invetriata disposte come un’onda sonora, che
potevano essere suonate con una bacchetta di legno.
Gli studenti hanno anche supportato i laboratori proposti dalla Biennale.
Lo storico Liceo Artistico di Venezia partecipa al dibattito in
corso nella nostra società civile a proposito della spinosa questione del lavoro che inquina e a volte uccide. Caso emblematico per la risonanza a livello nazionale, è quello dell’ILVA di
Taranto. Il problema ha raggiunto un livello di criticità altissimo
tanto che non si intravedono mediazioni possibili tra la necessità di risanare l’ambiente della città di Taranto e la chiusura
della fabbrica con la conseguente perdita del lavoro per migliaia di addetti, in un territorio già drammaticamente carente
di opportunità. Situazione analoga si riscontra da tempo qui
da noi, nel veneziano, perché a Marghera, nel comune di
Venezia, esiste un polo industriale con caratteristiche simili a
quello di Taranto: industrie altamente inquinanti e con null’altra
contropartita per la salvaguardia dell’ambiente che la chiusura. I nostri ragazzi (classe 4E sotto la guida del prof. di Discipline Pittoriche Maurizio Favaretto) hanno lavorato sul tema
realizzando dei manifesti che ipotizzavano come committente LEGAMBIENTE. La cosa bella è che questa organizzazione
ha visto i lavori e ha abbracciato l’idea rendendosi disponibile
ad ufficializzare la cosa.
Of note among our institute's many projects is participation at the Venice Biennale's 4th International Youth
Carnival which this year was entitled “Il leon musico”.
Our presence has been significant right from the first
edition: all of 13 classes with 180 students, 15 teachers of various subjects and 4 technical assistants.
The theme stimulated the production of various works:
a theatre noir performance entitled “La sinfonia dei
sogni discordi”, a workshop-performance dressed in
sound; the installation “The white toys symphony” (a
column of toys recovered from abandonment and painted white); and the “Core-rugato” installation (a weave
of red industrial tubes with a flashing light to recall the
primordial rhythm). Of particular interest were another
two installations, “Tende sonore” a series of modules
composed of recycled elements such as cans, cutlery,
shells, bamboo, Lego, etc. to form a sort of new Russolo-type Intonarumori; and the “Melodie ceramiche”, a
series of glazed terracotta pipes arranged like a sound
wave that could be played with a wooden stick. The
students also supported the workshops proposed by
the Biennale.
"Michelangelo Guggenheim"
Dorsoduro
30123 Venezia
Tel. +39 041 5209189
[email protected]
www.istarte.it
Venice's historic Liceo Artistico is taking part in the current debate in our civil society regarding the thorny question of businesses that pollute and often kill. An emblematic case because
of its resonance at national level is that of ILVA in Taranto. The
problem has reached an extremely high level of criticality to
the point that it is impossible to see possible mediations between the need to reclaim the environment in the city of Taranto
and the closure of the factory with the consequent job losses
for thousands of workers in an area that suffers dramatically from employment opportunities. A similar situation can be
found here in the Venice area as there is an industrial zone
at Marghera with characteristics similar to those in Taranto:
highly pollutant industries without any other possibility for the
environment other than closure. Our students (class 4E under
the guidance of the teacher of Pictorial Disciplines, Maurizio
Favaretto) have worked on the theme with the creation of posters that imagined the LEGAMBIENTE environmental organization to be our client. What is exciting is that the organization
saw the works and embraced the idea and made it available
in order to render the question official.
Liceo Artistico Statale di Venezia
Dorsoduro 1012
30123 Venezia Tel. +39 041 5210669
Fax +39 041 5280686
[email protected]
www.liceoartistico.ve.it
Istituto Istruzione Superiore "A. Martini"
Liceo Artistico
Schio (VI)
L’attività didattica ha avuto inizio lo scorso anno scolastico con la classe 4Ca indirizzo RESTAURO e CONSERVAZIONE DEI BENI CULTURALI.
La ricerca ha riguardato lo STUDIO, L’ANALISI, il RILIEVO della Chiesa di S. MARIA in VALLE a Schio
L’attività pluridisciplinare si è sviluppata all’interno di
ST.ARTE, RILIEVO ARCHITETTONICO, DISCIPLINE
PLASTICHE e CATALOGAZIONE DEI BENI CULTURALI, confluendo in un risultato unico esposto in mostra lo
scorso anno.
L’importante e prezioso incontro con il FAI (Fondo Ambiente Italiano) è avvenuto all’inizio dello scorso anno
scolastico, con le delegate del FAI Vicenza: Proff.sse
Giovanna Rossi da Schio de Kreutzenberg e Daniela
Piazza che hanno subito intuito la validità del lavoro
incoraggiandoci alla prosecuzione e spingendoci verso l’esposizione a Palazzo Toaldi Capra con il Patrocinio del Comune di Schio.
La misura definita da M. Docci come traduzione in
quantità di una qualità ci ha accompagnati lungo tutto
il percorso grafico sviluppato in questa esercitazione,
che partita dal il rilievo ci ha via via condotti verso
la conoscenza sempre più approfondita, particolare e
specifica di S. Maria in Valle.
The teaching activities started off the last school year
with the specialization in Restoration and Conservation
of Cultural Assets in class 4C.
The research regarded the study, analysis and survey of
the Church of S. Maria in Valle in Schio.
The multidisciplinary activity was developed in History
of Art, Architectural Surveying, Plastic Disciplines and
Cataloguing Cultural Assets, all flowing into a single
result exhibited last year.
An important and precious encounter with the FAI (Italian Environment Fund) took place at the beginning of
the scholastic year with delegates from FAI Vicenza:
Prof. Giovanna Rossi da Schio de Kreutzenberg and
Daniela Piazza who immediately grasped the validity
of the work and encouraged us to continue and press
ahead towards the exhibition at Palazzo Toaldi Capra
with the support of Schio Town Council.
The project – defined by M. Docci as translation into
quantity of a quality that accompanied us along the
entire graphic itinerary that was developed in this exercise – started off from the survey and gradually led
us to a deeper and deeper and particular knowledge
specific to S. Maria in Valle.
Istituto Istruzione Superiore "A. Martini"
Liceo Artistico
Via Pietro Maraschin, 9
36015 Schio (VI)
Tel. +39 0445 523118
Fax +39 0445 525132
[email protected]
www.martini-schio.it
Liceo Artistico "G.De Fabris"
Nove (VI)
Liceo Artistico Nani Boccioni
Verona
Il “De Fabris” delinea il suo nuovo percorso culturale
e formativo, attraverso 6 indirizzi: Arti Figurative, Architettura ed Ambiente, Design, Grafica, Audiovisivo
– Multimediale e Scenografia, Il rafforzamento delle
materie teoriche, introdotto dalla riforma Gelmini è
bilanciato, nel piano dell’offerta formativa del Liceo
Artistico “De Fabris”, da una serie di progetti legati
alla pratica artistica, intesa come capacità tecnica e
creativa.
Conoscere, immaginare, creare, realizzare, sono questi i tratti che definiscono una preparazione solida ma
flessibile, perfettamente adattata alle attuali richieste
della società e del mondo del lavoro.
L’equilibrio tra gli ambiti linguistico, scientifico e artistico offre ai ragazzi una serie di esperienze in grado
di suscitare “curiosità”, supporto indispensabile per la
crescita.
La solida base culturale del liceo, d'altro lato, permette, attraverso le esperienze specifiche degli indirizzi,
di formare dei ragazzi particolarmente capaci di essere flessibili ed elastici, come è ormai richiesto da un
mercato del lavoro e da una realtà complessa ed in
continuo cambiamento.
Il Liceo Artistico “Nani Boccioni” è oggi l'unico Istituto
Superiore di Verona che consente di apprendere l'arte
in tutte le sue declinazioni.
Il Liceo artistico vuole far emergere da ogni allievo
quanto di unico e irripetibile risiede nella sua creatività, nel suo interesse per l’arte e per i fenomeni artistici,
in armonia con il contesto sociale, culturale ed economico in cui vive. Si impegna a formare, anche attraverso l’educazione artistica, cittadini consapevoli e
responsabili.
Dopo un primo biennio comune propedeutico ed orientativo, il Liceo Artistico offre agli alunni la possibilità di
scegliere tra sette indirizzi: architettura e ambiente; arti
figurative; audiovisivo e multimediale; design industriale e dell’arredo;
design della moda; grafico; scenografia.
Il Liceo Artistico di Verona realizza numerosi progetti
sul territorio, in collaborazione con gli Enti pubblici, le
associazioni, le realtà produttive. Realizza mostre ed
esposizioni e partecipa a concorsi nazionali e locali.
Le attività di stages e l’alternanza scuola lavoro rappresentano una parte significativa dell’offerta formativa.
The new cultural and educational approach of "De Fabris" covers 6 specializations: Figurative Arts, Architecture and Environment, Design, Graphics, AudiovisualMultimedia and Stage Design.
The reinforcement of the theoretical subjects, introduced by the Gelmini reform, is balanced in the schools educational gamut by a series of projects linked
to artistic practice intended as technical and creative
capacity.
Knowing, imagining, creating and making: these are
the features that define a solid but flexible preparation,
perfectly in line with the current demands of society
and the world of employment.
The balance between the linguistic, scientific and artistic frameworks offers young people a series of experiences that are capable to arousing "curiosity", an
indispensable support for growth.
The school's solid cultural base, on the other hand, makes it possible through the specific experiences of the
specializations to educate young people to be particularly flexible and elastic as requested today by the job
market and by a complex environment in continuous
change.
Liceo Artistico "G.De Fabris"
36055 Nove (VI)
Tel. +39 0424 590022
Fax +39 0424 827358
www.liceoartisticonove.vi.it
The Liceo Artistico “Nani Boccioni” is the only Higher
Institute of Verona where art of every kind can be studied.
The intention of the school is to bring out what is unique
and unrepeatable in the creativity of every student, in
their interest in art and in artistic phenomena, in harmony with the social, cultural and economic context
in which they live. It undertakes to form aware and
responsible citizens through artistic education too.
After an initial common preparatory two year part, the
Liceo Artistico offers students the option of choosing
from seven sections: architecture and environment; figurative arts; audiovisual and multimedia; industrial
design and furnishing; fashion design; graphics; stage
design.
Verona's Liceo Artistico creates countless projects in its
surroundings in collaboration with public bodies, associations and industry. It stages shows and exhibitions
and participates in national and local competitions.
The internship activities and the alternation of school
and work constitute a significant part of the educational offer.
Liceo Artistico di Verona “Nani – Boccioni”
Via Delle Coste, 6
37138 Verona
Tel. +39 045 569548
[email protected]
www.artevr.it
69
Abbonati e investi nella creatività dei giovani*
AREAARTE nr 14
ESTATE | SUMMER 2013
Abbonamento annuale AreaArte euro 32,00 (4 numeri)
Sommario
Contents
* Per ogni abbonamento, euro 12,00 andranno a favore dei Licei e
Istituti d’Arte del Triveneto sostenuti da AreaArte.
Direttore responsabile | Editor
Giovanna Grossato
Per abbonamenti collegati a www.areaarte.it sezione abbonamento
per informazioni scrivi a [email protected]
Liceo Artistico
“Pascoli”
Bolzano (BZ)
1
Ist. e Liceo delle Arti
“A. VittoriaBomporti-Depero”
Trento e Rovereto (TN)
6
Istituto d’Arte
“P. Selvatico”
Padova (PD)
11
Liceo Artistico
“Walther von
der Vogelweide”
Bolzano (BZ)
2
Liceo Artistico
“Leonardo Da Vinci”
Belluno (BL)
7
Liceo Artistico
“A. Modigliani”
Padova (PD)
12
Liceo Artistico
Merano
Merano (BZ)
3
Ist. d’Arte St.
“Polo della
Val Boite”
Cortina d’Ampezzo (BL)
8
Ist. d’Arte St.
“Bruno Munari”
Castelmassa (RO)
13
Liceo Artistico
“Cademia”
Ortisei (BZ)
4
Ist. d’Arte St.
“M. Fanoli”
Cittadella (PD)
9
Liceo Artistico St.
Treviso
Treviso (TV)
14
Istituto St. d’Arte
“Giuseppe
Soraperra”
Pozza di Fassa (TN)
Ist. Sup. GB. Ferrari
ISA “A. Corradini”
Este (PD)
10
Lic. e Ist. St. d’Arte
“Bruno Munari”
Vittorio Veneto (TV)
15
Liceo Artistico St.
“M. Guggenheim”
Venezia (VE)
Liceo Artistico St.
Venezia
Venezia (VE)
Liceo Artistico St.
“Boccioni”
Verona (VR)
“G. De Fabris”
Nove (VI)
Liceo Artistico
“U. Boccioni”
Valdagno (VI)
Liceo Artistico
“A. Martini”
Schio (VI)
“E. Galvani”
Cordenons (PN)
Liceo Artistico
“Max Fabiani”
Gorizia (GO)
“E. e U. Nordio”
Trieste (TS)
“G. Sello”
Udine (UD)
16
21
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19
24
5
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25
The goal of AREAARTE and its partners is to publicize the value
of our artistic and cultural heritage.
Our commitment: invest in the creativity of the young
annual subscription euro 32.00 (4 issues).
Euro 12,00 will be paid in favour of the schools supported by AreaArte for every subscription.
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Redazione | Editorial staff
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Anno 4. Numero 14.
Registrazione: Tribunale di Vicenza n. 1214 del 19 gennaio 2010
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Pop art e populismo. L’arte come politica?
Pop art and populism. Art as politics?
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Reflections
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Transitory presences
di | by Erika Ferretto
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A moment of waiting
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La cultura è una risorsa,
un investimento sul futuro
Culture is a resource,
an investment in the future
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The 55. Venice Biennale: The Encyclopaedic Palace
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Art and knowledge in the oeuvre of Lore Bert
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36
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“Illuminates codices” sculptures, drawings and xylographs at the Perl’A Gallery in Venice
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40
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Pantha Re
Pantha Rei
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Castello del Buonconsiglio: Monuments and Provincial Collections
48
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Accademia delle belle arti di Verona
52
Da vedere
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57
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Cover by Giada Scattolin - V^C
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71
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Euro 8,00

Editorial Pop art and populism. Art as politics? Editoriale

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