Katalog - Irene Andessner
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Katalog - Irene Andessner
TEMPORANEA Le realtà possibili del Caffè Florian Irene Andessner Donne Illustri TEMPORANEA Le realtà possibili del Caffè Florian CONTENUTO / CONTENTS / INHALT Promotore / Initiator: Caffè Florian – Venezia Curatore / Curator / Kurator: Stefano Stipitivich Irene Andessner, Donne Illustri 6 Daniela Gaddo Vedaldi Saluto / Greeting / Grußwort Venezia, Caffè Florian 13 giugno – 31 luglio 2003 9 Andra Fuchs Dedica / Dedication / Widmung 10 Stefano Stipitivich Prefazione / Preface / Vorwort 12 Peter Fabian Donne Illustri – Un incontro cospiratore nel Florian A Conspiratorial Meeting at Florian’s Ein konspiratives Treffen im Florian 15 Agnesina Morosini 19 Catarina Cornaro 23 Cecilia Venier-Baffo 27 Veronica Franco 31 Marietta Robusti 35 Moderata Fonte 41 Barbara Strozzi 45 Elena Lucrezia Cornaro-Piscopia 49 Elisabetta Querini-Valier 53 Rosalba Carriera 57 Myriam Zerbi Questione d’identità A Question of Identity Die Frage der Identität 61 Myriam Zerbi Il Merito delle Donne 1600/2003 The Worth of Women 1600/2003 Das Verdienst der Frauen 1600/2003 62 Antefatto / Preface / Vorgeschichte 64 Prologo / Prologue / Prolog 65 Il Merito delle Donne 2003 72 The Worth of Woman 2003 79 Das Verdienst der Frauen 2003 89 Irene Andessner Breve profilo / Brief profile / Kurzprofil 90 Opere / Works / Werke 91 Sponsor del progetto / Project sponsors / Projektsponsoren Computer animation: Mirva Bertan Photograph prev. page: Sebastian Stachowski Photograph back cover: Carmen Riemer Courtesy: Galleria Giuseppe Casagrande, Roma Artista / Artist / Künstlerin: Irene Andessner ”Donne Illustri“ – Direzione di produzione / In charge of production / Produktionsleitung: Jutta Itzinger Set-Styling / Set design: Olli Aigner Costumi/Styling / Costumes/Styling / Kostüme/Styling: Jutta Itzinger Ute Neuber Karin Slama (Tostmann Trachten) Contributo artistico / Artistic contribution / Künstlerischer Beitrag: Marinella Biscaro Trucco / Makeup / Maske: Bernd Bauer Fotografia / Photography / Fotografie: Dieter Brasch Peter Kubelka Acconciature / Hairstyling: Gerhard Kopfer (Bundy Bundy) Hannes Steinmetz (Bundy Bundy) Allestimento / Exhibition architecture / Ausstellungsarchitektur: Mirva Bertan Direzione artistica / Artistic management / Kunstmanagement: Stefan Rothleitner Redazione e conformazione / Editing and layout / Redaktion und Layout: Peter Fabian Ufficio stampa / Press officer / Presse: Anna Zemella Testi / Text / Textbeiträge: Daniela Gaddo Vedaldi Andra Fuchs Stefano Stipitivich Myriam Zerbi Peter Fabian Ricerche storico-artistiche / Art-historical research / Kunsthistorische Recherche: Günther Wimmer Myriam Zerbi Traduzioni / Translations / Übersetzungen: Federico Dalpiaz Roxana Esmailji Damaris Gehr Anthony Hills Silvia Scardocci Myriam Zerbi Elaborazione immagini / Image processing / Bildbearbeitung: Albert Winkler (Vienna Paint) Si ringraziano / With thanks to / Dank an Walter Lürzer’s students from the Institut für Design der Universität für angewandte Kunst Wien: Denis Mujakovic (Scribbles) Christo Penev (Video documentation) Mladen Penev (Photo assistance) Carmen Riemer (Photo documentation) Aglika Spassova (Scribbles) Sebastian Stachowski (Set photography) Sponsor del progetto / Project sponsors / Projektsponsoren: Volpinum Collection of contemporary art Vienna Paint T-Mobile Austria Tostmann Trachten On Stage 2000 Knips Fotofachhandel Itz’Projects Fotolabor Fayer Dangl-Licht Bundy Bundy Artikel Editionen 5 6 Saluto T Daniela Gaddo Vedaldi emporanea – Le realtà possibili del caffè Florian” è alla sua settima edizione. Ripenso alle tante difficoltà affrontate in questi anni assieme agli artisti per questa sfida del “fare arte” in un luogo così diverso dal museo o dalla galleria. Al Florian per operare nel campo del’ arte contemporanea tutto diventa più difficile perché tutto è “intoccabile”. Il Florian è storia, ricordi, passato ma anche quotidianità, luogo di lavoro attivo. Quindi per l’artista si tratta di un impegno difficile, confrontarsi cioè con una realtà che sembra non deputata all’operare artisticamente. Ma gli artisti invitati, forse stimolati dalle difficoltà del luogo, hanno sempre dato vita a installazioni che hanno lasciato un segno. Quando Riccardo Selvatico con il suo cenacolo di amici ebbe la geniale idea, seduto ai tavolini della sala “Senato”, di dar vita alla Prima Esposizione Internazionale d’Arte, non immaginava certo che le sale stesse del caffè sarebbero diventate luogo del fare arte per rendere omaggio, proprio in concomitanza con la Biennale, alla sua geniale intuizione. Io credo anche alla forza e al significato dei numeri : la settima edizione di “Temporanea” vede protagonista (finalmente!) una donna, Irene Andessner. La sala “degli uomini illustri”, quella che Giulio Carlini nella seconda metà del’800 dedicò a Marco Polo, a Palladio, a Goldoni e a tanti altri, diviene, grazie alla sensibilità dell’artista austriaca, la “Sala delle donne illustri” con Gaspara Stampa, Veronica Franco, e molte altre, ma soprattutto con Modesta Pozzo, che volle poeticamente chiamarsi Moderata Fonte, una veneziana che nella seconda metà del ‘500, in tempi di misogenia diffusa, ebbe il coraggio di scrivere “Il merito delle donne”. Irene Andessner reinterpreta a modo suo queste veneziane di un tempo vestendone i panni , per farci meditare sul passato, sul presente, sul futuro di questa nostra città e di questo nostro strano periodo di passaggio epocale che stiamo vivendo e sul ruolo delle donne . E allora mi vengono in mente i versi di Veronica Franco su Venezia “…meraviglia e stupor de la natura…” ma mi auguro anche, da donna, assieme a queste donne “illustri”, che ci sia anche spazio per “pensieri di pace” simili a quelli scritti da una donna che la penna sicuramente la sapeva usare, Virginia Woolf. Greeting T Daniela Gaddo Vedaldi emporanea- The Possible Realities of Caffè Florian” is in its seventh edition. I think back on all of the challenges we have faced in the last years together with the artists as we dared ourselves to “make art” in a place that is so unlike a museum or gallery. In creating contemporary art in an atmosphere as unique as Florian’s everything is complicated because everything is “untouchable”. Caffè Florian is history, memories, the past but also the present, a work in progress and a place of work. All of which mean a difficult endeavour for the artist, a confrontation with a reality which, at first glance, may not seem to lend itself to working creatively. However, the artists invited, perhaps stimulated by a challenge, have always given life to works that have left their mark. When Riccardo Selvatico, seated with friends for dinner at tables in the Florian’s Senate Room, came up with the ingenious idea of creating the first International Art Exhibition, he could not have imagined that those very rooms would become a place for creating art in honour of, and in cooperation with, his own outstanding initiative, the Biennale di Venezia. I believe in both the strength and the importance of numbers: the seventh edition of “Temporanea” sees as its protagonist (finally!) a woman, Irene Andessner. The Sala degli Uomini Illustri (Room of Illustrious Men) , which Giulio Carlini dedicated to Marco Polo, Palladio, Goldoni and so many others in the second half of the 1800s, becomes the Sala delle Donne Illustri (Room of Illustrious Women) with Gaspara Stampa, Veronica Franco, and many more, but above all, Modesta Pozzo. Despite being born in the mid 1500s, this Venetian who would poetically call herself “Moderata Fonte” (Moderate Source) had the courage to write “Il Merito delle Donne” (“The Worth of Women”). Irene Andessner reinterprets in a style all of her own these historic Venetian women by putting herself in their shoes, literally, and inviting us to meditate on the past, the present and the future of our city, this strange period of passage we are living and of the role women. And so, Veronica Franco’s verses about Venice come to mind: “…marvel and stupor of nature…” and I hope, as a woman, together with these “illustrious” women, that there is also space for “thoughts of peace,” as another woman who certainly knew how to use her pen, Virginia Woolf, once wrote. Grußwort D Daniela Gaddo Vedaldi ie Veranstaltung “Temporanea – Le realtà possibili del caffè Florian“ findet nun zum siebten Mal statt. Ich muss dabei an die großen Schwierigkeiten denken, mit denen ich wegen der Beschaffenheit des Ausstellungsraumes zusammen mit den Künstlern konfrontiert war. Da das Florian weder ein Museum noch eine Galerie ist, stellt es für die Ausstellenden eine gewisse Herausforderung dar. Da diese Räumlichkeiten „unberührbar“ sind, ist es für die zeitgenössische Kunst schwierig, damit umzugehen. Das Florian bedeutet Geschichte, Erinnerungen, Vergangenheit sowie Alltäglichkeit, es ist auch ein Ort aktiver Arbeit. Deshalb spielt sich in den Räumen des Cafés eine heikle Situation ab: die Künstler sind mit einem Ort konfrontiert, der auf dem ersten Blick kaum ein lebendiges künstlerisches Wirken erlaubt. Trotzdem haben all die eingeladenen Künstler der vorausgehenden Ausgaben beeindruckende Installationen gemacht, und das Gelingen ist vielleicht gerade auch der Herausforderung, die durch die schwierige Situation entstanden ist, zu verdanken. Als Riccardo Selvatico zusammen mit seinen Freunden im SenatSaal sitzend zur genialen Idee kam, die erste internationale Kunstausstellung ins Leben zu rufen, hätte er sicher nicht gedacht, dass die Räume des Florian zu einem Ort für zeitgenössisches künstlerisches Schaffen werden könnten. Das Kunstgeschehen soll daher auch eine Hommage an seine geniale Intuition sein. Ich glaube auch an die Kraft und Bedeutung der Zahlen: Die siebte Ausgabe der „Temporanea“ hat mit Irene Andessner endlich eine Frau als Hauptfigur. Der „Saal der berühmten Männer“, der in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts von Giulio Carlini gestaltet und bedeutenden Männern wie Marco Polo, Palladio und Goldoni gewidmet wurde, wird nun durch die Sensibilität der österreichischen Künstlerin zum „Saal der berühmten Frauen“. Andessner widmet diesen Saal den bedeutenden venezianischen Frauenfiguren unter denen beispielsweise Gaspara Stampa, Veronica Franco und Modesta Pozzo figurieren. Letztere ist besser bekannt als Moderata Fonte, eine Venezianierin, die während dem extrem frauenfeindlichen 16. Jahrhundert den Mut hatte, den Dialog „Das Verdienst der Frauen“ niederzuschreiben. Irene Andessner gibt uns mit ihrer Arbeit eine persönliche Deutung dieser Venezianerinnen, in dem sie sich in sie verwandelt. Sie gibt uns so die Gelegenheit, über die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft dieser Stadt und dieser eigenartigen Übergangszeit, in der wir uns befinden, im Rahmen der weiblichen Fragestellung nachzudenken. In diesem Zusammenhang kommen mir die Verse Veronica Francos in den Sinn, die Venedig als „erstaunliches Wunder der Natur“ bezeichnet hat. Und als Frau hoffe ich, dass dieser durch die „berühmten Frauen“ geprägte Raum auch zu einem Ort für „Friedensgedanken“ wird, für Gedanken im Stil Virginia Woolfs, eine Frau die gewiss wusste, wie man schreibt. 7 Dedica V Andra Fuchs i è un aspetto nelle opere di Irene Andessner che mi ha affascinato sin dall’inizio: la ricerca (in questo caso della donna) di identità e di ciò che le società (e le rappresentanti dello stesso sesso) hanno da offrire in questo frangente! In qualità di figlia e sorella, ma anche di madre di tre figlie, tenterò di dare, ovviamente al meglio la mia interpretazione, dei segni di questa ricerca, e del piacere che l’accompagna, di calarsi di volta in volta nei panni dei vari personaggi femminili. L’emulare, lo sperimentare, il provare forgiano la personalità di noi tutti. Irene Andessner esaspera queste tendenze nel ricercare meticolosamente e nell’inscenare con grande impegno – interrogare figure femminili della storia. Le opere che ne sono scaturite (foto, video e pitture) semplificano un accesso di per se complesso. Rimane la questione di fondo: Tu chi sei?” ed è lo specchio nella mano dell’artista. Nel Caffè Florian Irene Andessner consente ai signori del creato l’incontro con grandi donne, che non si sono limitate ad interpretare il ruolo tradizionale di donna oggetto, ma che si sono distinte come pioniere nella loro arte o nel loro mestiere conseguendo fama e considerazione ed esercitando così una sorta di potere che può essere considerato politico. Il caffè, da Venezia a Vienna luogo di comunicazione, ambito prettamente femminile, si pone come il topos ideale per questo tipo di incontri. Auguro all’artista Irene Andessner e a questo progetto impegnativo il meritato successo e ringrazio per l’onore che mi è stato fatto chiedendomi di accordare il mio patrocinio. Dedication O Andra Fuchs ne aspect of the works of Irene Andessner has fascinated me from the beginning: the search (here, by the woman) for identity and for that which society (and colleagues of the same sex) have to offer on top! As daughter and sister, but also as mother of three daughters, I am naturally an extremely close witness to this search, of the pleasure that accompanies it, the slipping into of roles of another. Imitation – trying out and trying on – is an essential part of our formation. Irene Andessner pushes this to the limit when she precisely investigates and lavishly stages historical female figures – questions them, in fact. The resulting works (photo, video and painting) make up-to-date, complex access easier. The core question “Who are you?” is the mirror in the hand of the artist. In the Caffè Florian Irene Andessner gives the gentlemen the opportunity to encounter great women who not only broke with the role of the decorative female handed down but also, as pioneers of their guild, acquired reputations and standing that allowed them to exert a nearly political power. The cafè, the place of communication from Venice to Vienna – a particularly female environment – seems the ideal location for this encounter. I wish the artist Irene Andessner and the project their well-earned success, and am deeply grateful for the honour of being patron. Widmung E Andra Fuchs in Aspekt in den Arbeiten Irene Andessners hat mich von Anbeginn fasziniert: Die Suche (hier der Frau) nach Identität und dem, was die Gesellschaften (und Kolleginnen) dazu anbieten! Als Tochter und Schwester, aber auch Mutter dreier Töchter, werde ich natürlich intensiv Zeuge dieser Suche, und der begleitenden Lust, in Rollen zu schlüpfen. Das Nachahmen, Ausprobieren, Anprobieren formt uns alle. Irene Andessner treibt es auf die Spitze, wenn sie präzise recherchiert und aufwändig inszeniert – historische Frauengestalten befragt. Die entstehenden Arbeiten (Foto, Video und Malerei) erleichtern den zeitgemäßen, vielschichtigen Zugang. Die Kernfrage bleibt: „Wer bist du?“ – und der Spiegel in der Hand der Künstlerin. Im Caffè Florian ermöglicht Irene Andessner den Herren der Schöpfung die Begegnung mit großartigen Frauen, die nicht nur mit der tradierten Rolle des dekorativen Weibchens brachen, sondern auch als Pioniere ihrer Zunft Ruf und Ansehen erwarben, so wie politischen Einfluss ausübten. Das Caféhaus, von Venedig bis Wien der Ort der Kommunikation – einem weiblichen Spezialgebiet –, scheint der ideale Ort für diese Begegnung zu sein. Ich wünsche der Künstlerin Irene Andessner und dem engagierten Projekt den verdienten Erfolg und danke herzlich für die Ehre der Schirmherrschaft. 9 10 Prefazione H Stefano Stipitivich onoré de Balzac in uno dei suoi Racconti d’Italia dice che il Caffè Florian “…è insieme una borsa , un foyer di teatro, un gabinetto di lettura, un circolo, un confessionale …” oggi, se potesse continuare il suo elenco, dovrebbe aggiungere anche che il “salotto buono” dei Veneziani è anche “spazio deputato per l’arte contemporanea”. Dopo Bruno Ceccobelli, Mimmo Rotella, Fabrizio Plessi, Luca Buvoli , Arcangelo, e Gaetano Pesce il Florian con “Temporanea” accoglie il progetto artistico di Irene Andessner. Il suo intervento trasforma la “Sala degli uomini illustri” in “Sala delle donne illustri”: Marco Polo, Tiziano, Goldoni, Palladio, vengono messi a confronto con dieci donne della storia di Venezia, come Moderata Fonte, che riaffermava, già alla fine del ‘5oo, la centralità della donna. Irene Andessner reinterpreta queste “donne illustri” attraverso la fotografia, usa cioè il media fotografico per creare degli autoritratti, dei “tableaux vivants”, per portarci a meditare sul ruolo della donna nei secoli. Dopo la moglie di Mozart, dopo Marlene Dietrich e Wanda von Sacher-Masoch eccola vestire i panni di Cecilia Baffo Venier, la “sultana”, o di Marietta Robusti, detta “la Tintoretta”, e di tante veneziane del passato. Irene Andessner è testimone preziosa di questa nostra epoca di mutamenti: attraverso il lavoro di un’ equipe da studio cinematografico, diventa altro da sé, proiezione di sé. Lei non reinterpreta ma diviene veramente Agnesina Morosini, badessa di San Zaccaria o Caterina Cornaro, la regina di Cipro. L’autoritratto fotografico dà forma alla sua femminilità. Con la meticolosa ricostruzione storica, con lo studio delle biografie dei personaggi femminili, grazie all’arte, Irene Andessner é veramente quel personaggio, riproponendocene la testimonianza dopo tanti secoli. La donna contemporanea spesso deve trasformare il proprio corpo per adeguarlo ai canoni della “donna perfetta”, agli stereotipi delle riviste femminili, è obbligata a mutare forme, peso, per divenire altro da sé, per Irene invece il corpo diventa strumento non per raccontare ma per rendere presente il passato. Irene Andessner non impersona donne celebri dei secoli andati, diviene realmente colei che rappresenta, rimanendo però sempre se stessa. E in questo contesto chi guarda è costretto a usare la propria mente, a passare dal “…che bello sembra un quadro!“ ad una meditazione più profonda sulla storia e sulla memoria collettiva. Ma Irene Andessner non guarda il tutto con distacco intellettualistico, c’è invece in lei partecipazione piena, dovuta al suo essere donna, artista, che si avvale dell’occhio meccanico come di un complice. Nella sala “Liberty” del Florian Irene Andessner ci porta ad un ulteriore approfondimento su una di queste donne “illustri”. Un grande ritratto, realizzato da Marinella Biscaro, non fotografico ma “tradizionale” ad olio, che ritrae Irene come Moderata, ci introduce a soffermarci sulla figura di questa veneziana di fine ‘500, sul ruolo , anzi “sul merito delle donne”. E il Florian ancora una volta diventa, grazie a Irene Andessner, luogo di meditazione creativa! Preface H Stefano Stipitivich onoré de Balzac in one of his Stories of Italy writes that Caffè Florian is “simultaneously a stock exchange, a theatre, a reading room, a club, and a confessional…” Today, if he were to continue, he could add that Venice’s “Great Drawing Room” is also a “space reserved for contemporary art”. After Bruno Ceccobelli, Mimmo Rotella, Fabrizio Plessi, Luca Buvoli , Arcangelo, and Gaetano Pesce, the Florian with “Temporanea” welcomes the artistic project of Irene Andessner . Her work transforms the “Sala degli uomini illustri” (Room of Illustrious Men) into the “Sala delle donne illustri” (Room of Illustrious Women). Marco Polo, Titian, Goldoni, Palladio, are paired with ten historic Venetian women, such as Moderata Fonte, who, already in the 1500s, affirmed women’s central position in society. Irene Andessner re-interprets these “illustrious women” through photography using the medium to create self-portraits, “tableaux vivants”, encouraging us to meditate on the role of women through the centuries. After Mozart’s wife, after Marlene Dietrich and Wanda von Sacher-Masoch here she is dressed in the clothes of Cecilia Baffo Venier, the “Sultaness”, or Marietta Robusti, the so-called “Tintoretta”. Irene Andessner is a precious witness of our times of change: through the work of a cinematographic studio team she transforms to another. Andessner does not re-interpret but truly becomes Agnesina Morosini, abbess of San Zaccaria o Caterina Cornaro, the queen of Cyprus. The photographic self-portrait lends form to her femininity. By means of meticulous historical reconstruction and careful biographical study, through art Irene Andessner truly is the character, the resurfacing of a testimony from centuries ago. Today’s woman must often transform her body to fit the canons of the “perfect woman”, fashion magazine stereotypes, and is forced to mutate form, weight, in order to become someone other than herself. For Irene, the body becomes instead an instrument that does not tell a story but rather renders present the past. She does not impersonate famous women of centuries past, but instead becomes the person she represents, remaining at the same time herself. It is in this context that the observer is pushed to use his mind, to move from “…amazing, it looks like a painting!“ to a deeper form of contemplation of history and of the collective memory. But Andessner does not look with intellectual detachment, she is instead fully participative, due to her identity as a woman, as a woman artist, who uses the mechanic eye as an accomplice. In the “Liberty Room” of the Florian Irene Andessner brings us to further probe the character of one of these “illustrious” women. A large portrait realised by Marinella Biscaro, not photographed but a “traditional” oil painting, which portrays Andessner as Moderata Fonte, requests us to stop for a moment on the figure of this Venetian, on her role, and above all, on the “merit of women.” And the Florian becomes once again, thanks to Irene Andessner, a place of creative meditation! Vorwort I Stefano Stipitivich n einer seiner Erzählungen schreibt Honoré Balzac, dass das Caffè Florian zugleich Börse, Theaterfoyer, Lektürekabinett, Zirkel und Beichtstuhl ist. Könnte er seine Aufzählung weiterführen, müsste er heute hinzufügen, dass das berühmteste Caffè Venedigs auch ein Raum für zeitgenössische Kunst ist. Nach Bruno Ceccobelli, Mimmo Rotella, Fabrizio Plessi, Luca Buvoli, Arcangelo und Gaetano Pesce nimmt das Caffè Florian das künstlerische Projekt von Irene Andessner auf. Mit ihrem Eingriff verwandelt sie die Sala degli Uomini illustri (Saal der berühmten Männer) in eine Sala delle Donne illustri (Saal der berühmten Frauen). Den im Saal vorkommenden Figuren wie Marco Polo, Tizian, Goldoni oder Palladio werden zehn weibliche Berühmtheiten aus der Geschichte Venedigs entgegengestellt, Frauen wie Moderata Fonte, die sich schon am Ende des 16. Jh. der zentralen Bedeutung der Frau bewusst waren. Irene Andessner präsentiert uns eine fotografisch vermittelte Neuinterpretation dieser Frauenfiguren. Sie verwendet das Medium der Fotografie um Selbstbildnisse zu erzeugen, Tableaux vivants, mit denen sie bei uns das Nachdenken über die Rolle der Frau in den Jahrhunderten anregen will. Nachdem sie in vergangenen Arbeiten die Frau von Mozart, Marlene Dietrich und Wanda von Sacher-Masoch verkörpert hat, sehen wir sie nun als Cecilia Baffo Venier, die Sultanin, als Marietta Robusti, genannt die Tintoretta oder als eine weitere der zehn gewählten venezianischen Frauenfiguren. Irene Andessner ist eine wertvolle Zeugin unserer heutigen, im Wandel begriffenen Epoche. Mit Hilfe eines Filmteams macht sie aus sich selbst eine andere Person, eine Selbstprojektion. Sie liefert nicht eine Interpretation von Agnesina Morosini, Äbtissin von San Zaccaria, oder Caterina Cornaro, der Königin von Zypern, sondern wird selbst zu diesen Figuren. Das fotografische Selbstbildnis gibt ihrer Weiblichkeit eine Form. Mittels einer sorgfältigen historischen Rekonstruktion und einem genauen Studium der biographischen Daten der darzustellenden Frauen legt sich Irene Andessner die Mittel zurecht, die es ihr ermöglichen, sich in diese zu verwandeln, sie nach vielen Jahrhunderten nochmals nachzubilden. Die heutige Frau ist genötigt, den eigenen Körper immer wieder neu zu verwandeln und dem Kanon der vollkommenen Frau anzupassen, jenen Stereotypen, die man in den Frauenzeitschriften vorfindet. Sie muss diesen zufolge die Körperform und das Gewicht ändern und läuft Gefahr, sich dabei zu „veräußerlichen“. Irene Andessner benutzt ihren Körper nicht dazu, etwas zu erzählen, sondern um die Vergangenheit zu vergegenwärtigen. Sie will nicht einfach Figuren aus der Vergangenheit verkörpern, sondern tatsächlich zur dargestellten Figur werden und dabei sich selbst bleiben. In diesem Zusammenhang werden die BetrachterInnen dazu aufgefordert, den eigenen Verstand zu gebrauchen. Sie dürfen nicht vor der bloßen Feststellung, dass das Werk schön ist und wie ein Bild aussieht stehen bleiben, sondern sollten zu einer tieferen Meditation über die kollektive Geschichte übergehen. Das bedeutet nicht, 11 dass Irene Andessner einer intellektualistischen Distanziertheit verhaftet bleibt. In ihrer Arbeit gibt es eine völlige Hingabe und etwas Komplizenhaftes im Umgang mit der Kamera, die ihrem Frau-Sein zuzuschreiben sind. Im Liberty-Saal des Caffè Florian vertieft Irene Andessner das Thema der Donne illustri, indem sie es nicht mehr mit den Mitteln der Fotografie behandelt, sondern mit einem großen Bildnis in traditioneller Ölmalerei präsentiert, das von Marinella Biscaro realisiert wurde und auf dem Andessner als Moderata Fonte porträtiert ist. Dieses Bild bietet nochmals die Gelegenheit, sich mit dieser Venezianerin aus dem Ende des 16. Jh.s auseinander zu setzen und mit ihr das Verdienst der Frauen anzuerkennen. Das Caffè Florian wird mit Irene Andessner somit noch einmal zu einem Ort der kreativen Meditation! 12 Donne Illustri Un incontro cospiratore nel Caffè Florian Donne Illustri A Conspiratorial Meeting at Peter Fabian Peter Fabian V V enezia è la città dell’acqua e della luce. Raggi di sole si stendono sulle sue vene d’acqua sommergendole di uno splendore dorato. Lo splendore della città è custodito nel cuore del suo nome – ancorato nel suo etimo più profondo. L’acqua (lo conferma la mitologia) è anche rinvio all’insondabile elemento femminino. Insomma: Venezia è femminile fin dalle radici. È dunque giunta l’ora di portare tutto ciò alla luce. Siamo nel 1978: una studentessa austriaca iscritta all’Accademia di Belle Arti di Venezia, nella classe di Emilio Vedova, siede sola nel Caffè Florian. È Irene Andessner. Avvolta dall’aura antica, la donna vive lo spazio carico di storia. Eminenze grigie gettano il loro sguardo nella sua tazzina da tè: tra loro si lasciano riconoscere Goldoni, Tiziano, Marco Polo ed altri. Sono dieci ritratti in olio simili a medaglioni, attribuiti a Giulio Carlini. Siamo nel 2002, quando Irene Andessner si trova nuovamente seduta nella “Sala degli uomini illustri”. In compagnia della Signora Vedaldi, titolare del Caffè, e del curatore del programma artistico del Florian, Stefano Stipitivich. Insieme progettano un “attentato alla vita” dei rispettabili Veneziani: Andessner reca allegria nella più oscura delle sale. La aiutano, nel suo intento, le menti più illuminate della Serenissima: Agnesina Morosini, la badessa del convento di San Zaccaria; Caterina Cornaro, la figlia della Repubblica; Cecilia Venier-Baffo, la “Sultana” di Venezia; Veronica Franco, la cortigiana più pagata d’Italia; Marietta Robusti, la pittrice nota con il nome di “Tintoretta”; Moderata Fonte, la poetessa propugnatrice dei diritti delle donne; Barbara Strozzi, la più celebre compositrice veneziana; Elena Lucrezia Cornaro-Piscopia, la prima donna laureata; Elisabetta Querini-Valier, la dogaressa incoronata; Rosalba Carriera, la pittrice di corte del rococò di fama europea. Irene Andessner si trasforma nelle dieci donne “illustri”, seguendo l’ordine qui menzionato, sì da trasformare, a sua volta, la “Sala degli Uomini Illustri” in “Sala delle Donne Illustri”. I suoi ritratti fotografici, approntati mediante il sostegno di fonti storiche ricavate da una serie di immagini delle donne veneziane prescelte, pendono illuminati dinanzi ai dipinti di Carlini; giusto per l’arco breve di una stagione estiva. Per dirla con le parole di Moderata Fonte, è solo “merito delle donne”, se esse vengono presentate in questa maniera al pubblico internazionale della cinquantesima Biennale di Venezia. Biennale, che non a caso deve la propria nascita ad un’idea, che oltre cent’anni or sono, vide la luce proprio in questo spazio espositivo. A Moderata Fonte è riservato nel Caffè un posto d’onore: Irene Andessner allestisce la “Sala Moderata Fonte” – si tratta della nota “Saletta Liberty” – con un ritratto a figura intera illuminato in trasparenza ed un ritratto “Fonte”, per il quale ha posato nello studio di Marinella Biscaro. – Impressionata ed ispirata dai meriti della straordinaria Moderata. enice is the city of light and water. Rays of sunlight extend over the city’s water veins, covering them with golden splendour. The splendour of the city is kept in the heart of its name – anchored in its deepest etymon. Water, as confirmed by mythology, is also the return of the unfathomable feminine element. In conclusion: Venice is feminine right from its roots. The moment has arrived to bring all of this into the light. It is 1978: an Austrian student in Emilio Vedova’s class at the Accademia di Belle Arti di Venezia sits down alone at a table at the Caffè Florian. She is Irene Andessner. Wrapped in an ancient aura, the woman lives the space filled with history. Grey figures look down into her cup of tea: Goldoni, Titian, Palladio, Marco Polo and Dandolo can be seen amongst them. They are the ten oil portraits, similar to medals, attributed to Giulio Carlini. We are in 2002, when Irene Andessner finds herself seated once again in the “Sala degli Uomini Illustri” (Room of Illustrious Men). In the company of Daniela Vedaldi and Stefano Stipitivich, head of the Caffè and curator of the Florian’s artistic program, respectively. Together they plan an “attempted assassination” of respectable Venetians: Andessner brings joy to the darkest of the Caffè’s rooms. The most illuminated minds of La Serenissima help her meet her goal: Agnesina Morosini, Abbess of the Convent of San Zaccaria; Caterina Cornaro, Daughter of the Republic; Cecilia Venier-Baffo, The “Sultaness” of Venice; the Caffè Florian Donne Illustri Ein konspiratives Treffen im Caffè Florian Peter Fabian Veronica Franco, First Courtesan of Italy; Marietta Robusti, La Tintoretta; Moderata Fonte, The Women’s Rights Poet; Barbara Strozzi, The Venetian Composer; Elena Lucrezia Cornaro-Piscopia, The First Female University Graduate; Elisabeth Querini-Valier, The Crowned Dogess; Rosalba Carriera, The Rococo portraitist to the courts of Europe. Irene Andessner transforms herself into the ten “illustrious” women, following the order cited here, and in this way transforms the Room of Illustrious Men into the Room of Illustrious Women. Her photo portraits, created with the support of exhaustively researched historic images of the Venetian women chosen, hang illuminated in front of Carlini’s paintings, just for the length of the brief summer season. To quote Moderata Fonte, it is thanks only to the “merit of women”, if they are being presented in this manner at the fiftieth Biennale di Venezia. A Biennale which, not by chance, owes its birth to an idea formed over one hundred years ago in this very exhibition space. The seat of honour at the Caffè has been reserved for Moderata Fonte: Irene Andessner sets up the “Moderata Fonte Room” – the famous Liberty Room – with a full-length portrait illuminated in transparency and a “Fonte” portrait for which the artist posed in the studio of Marinella Biscaro. Impressed and inspired by the merits of the extraordinary Moderata. V enedig ist die Stadt des Wassers und des Lichts. Sonnenlicht fließt über ihre Wasseradern und taucht sie in goldenen Glanz. Venedigs Glanz ist bereits (etymologisch betrachtet) im Namen verankert. Und Wasser ist (mythologisch begründet) das unergründliche Element des Weiblichen. Venedig ist also von Grund auf weiblich. Höchste Zeit, dass dies ans Licht kommt. 1978: Irene Andessner, Studentin aus Österreich, inskribiert bei Emilio Vedova an der Kunstakademie von Venedig, sitzt allein im Caffè Florian. Ein geschichtsschwerer, auratischer Raum. Graue Eminenzen blicken ihr in die Teetasse – Goldoni, Tizian, Palladio, Marco Polo, Dandolo und all die anderen. Zehn Ölporträt-Medaillons, Giulio Carlini zugeschrieben. 2002: Irene Andessner sitzt wieder im „Saal der berühmten Männer“. Zusammen mit der Caféhaus-Chefin Daniela Vedaldi und Stefano Stipitivich, dem Kurator des Caffè FlorianKunstprogramms. Gemeinsam planen sie einen weiblichen „Anschlag“ auf die ehrenwerten Venezianer: Andessner bringt Heiterkeit in den dunkelernsten Raum. Und dies mit den hellsten Köpfen der Serenissima: Agnesina Morosini, die Äbtissin von San Zaccaria; Catarina Cornaro, Tochter der Republik; Cecilia Venier-Baffo, Die Venezianische Sultanin; Veronica Franco, Erste Kurtisane Italiens; Marietta Robusti, die Tintoretto-Malerin; Moderata Fonte, die Frauenrecht-Dichterin; Barbara Strozzi, die Komponistin Venedigs; Elena Lucrezia Cornaro-Piscopia, die erste Doktorin der Welt; Elisabetta Querini-Valier, die gekrönte Dogaressa; Rosalba Carriera, die europäische Hofmalerin des Rokoko. Irene Andessner verwandelt sich, der Reihe nach, in diese zehn „illustren“ Frauen – und die „Sala degli Uomini Illustri“ in die „Sala delle Donne Illustri“ (Salon der berühmten Frauen). Ihre Fotoporträts, inszeniert nach historischen Bildreferenzen der gewählten Venezianerinnen, hängen illuminiert vor den Carlini-Gemälden. Einen kurzen Sommer lang. Mit Moderata Fonte gesprochen, ist es das „Verdienst der Frauen“, dass sie auf diese Weise „vorgestellt“ werden – dem internationalen Publikum zur 50. Biennale von Venedig (deren Idee vor über 100 Jahren in eben diesem Raum geboren wurde). Der Moderata Fonte selbst gibt Irene Andessner in der „Saletta Liberty“ einen Ehrenplatz: mit einem Ganzkörperporträt-Leuchtkasten in Lebensgröße und einem in Öl auf Leinwand gemalten „Fonte“-Porträt, für das sie Marinella Biscaro Modell gesessen hat. Eine „Sala Moderata Fonte“ als Referenz an die verdienstvolle Moderata. 13 Pietro I. Orseolo Agnesina Morosini Agnesina Morosini (IX secolo/9th Century/9. Jhdt.) Badessa del convento di San Zaccaria L a stirpe nobiliare Morosini viene annoverata tra le famiglie fondatrici di Venezia. Agnesina Morosini diviene badessa del ricco convento di San Zaccaria all’epoca del dogato di Pietro Tradonico, eletto nell’836. Leggenda narra, che la donna abbia creato un prezioso copricapo, che avrebbe poi offerto in omaggio al doge. Il “corno ducale”, un berretto tempestato di perle e gemme, orlato di oro massiccio e ricamato con il motivo di un corno, divenne da quel giorno il più noto degli attributi dogali. Durante le solenni processioni dogali, che il 13 settembre, vigilia della consacrazione di san Zaccaria, annualmente conducono dal Palazzo Ducale alla chiesa di convento, il pesante copricapo viene recato dinanzi al doge, adagiato su di un cuscino. Proprio uno di questi giorni, il 13 settembre dell’anno 864, si rivela fatale per Tradonico, assalito ed ucciso nel bel mezzo della chiesa, in un attentato i cui autori non furono mai catturati. Abbess of the Convent of San Zaccaria Agnesina Morosini’s noble descent can be directly linked to the three founding families of Venice. She became abbess of the rich convent of San Zaccharia during the reign of Doge Pietro Tradonico, elected in 836. Legend has it that the woman created a precious cap, which she offered as a gift to the Doge. The “corno ducale”, a cap embedded with gems and pearls, hemmed with solid gold and embroidered with a horn motif, would from that day on become the most famous of the Doge’s possessions. During the solemn royal processions which on the 13th of September of each year saw the vigil of the consacration of San Zaccaria parade from the Ducal palace to the church, the precious cap was carried ahead of the Doge on a cushion. It was on this very day in 864 that Doge Tradonico was assaulted and killed in the middle of the church by assassins who were never captured. Äbtissin von San Zaccaria Das Adelsgeschlecht Morosini zählt zu den Gründerfamilien Venedigs. Agnesina Morosini wird Äbtissin des reichen Klosters S. Zaccaria zur Zeit des Dogen Pietro Tradonico (ab 836). Der Legende nach kreiert sie eine edle Kopfbedeckung, die sie dem Dogen zum Geschenk macht. Der „Corno ducale“, eine perlen- und edelsteinbesetzte Mütze mit massivem Goldrand und einem Hornmotiv, ist fortan das markanteste Attribut der Dogen. Auf den feierlichen Dogenprozessionen, die alljährlich am 13. September, am Vorabend der Weihe von S. Zaccaria, vom Dogenpalast zur Klosterkirche führen, wird die schwer wiegende Dogenmütze dem Dogen auf einem Kissen voran getragen. Für Tradonico wird der der 13. September 864 zum Unglückstag: Gedungene Attentäter überfallen ihn mitten in der Kirche und töten ihn auf der Flucht. Fonti visive/Visual source/Bildreferenzen: “Benedictine du Monastère de S. Zacharie à Venise en habit de Choeur”, Helyot, 1500 circa (Stanford University Libraries) 17 Vettore Pisani Catarina Cornaro Catarina Cornaro (1454-1509) Figlia della Repubblica Nata il 25 novembre del 1454, giorno di S. Caterina, in seno all’influente stirpe dei Corner, Caterina Cornaro viene da subito designata a diventare una sovrana controllata entro il programma di conquista dell’isola di Cipro. Nominata “Figlia della Repubblica” dal veneziano “Consiglio dei Dieci” all’età di 14 anni, inviata a Cipro e data in moglie a Giacomo II, figlio illegittimo e successore del re di Cipro Giovanni II di Lusignano, la ventenne Caterina, in seguito all’improvviso decesso del marito e del figlio Giacomo III, nato come successore al trono, si cinge il capo con la corona di Cipro sotto la bandiera di Lusignano, per abdicare, 15 anni dopo, sotto la pressione del fratello Giorgio Cornaro, e ritirarsi ad Asolo in qualità di pensionata statale. Se da un lato a Caterina Cornaro si deve l’impegno volto ad ostacolare la manovra di sottomissione di Cipro alla bandiera del Leone di S. Marco, dall’altro è l’intervento della donna stessa ad averla resa, infine, possibile. Daughter of the Republic Born on the 25th of November 1454, Saint Catherine’s Day, under the influential Corner family crest, Caterina Cornaro was destined to become the puppet sovereign of the island of Cyprus. Nominated by the Venetian Council of Ten as the “Daughter of the Republic” at the age of fourteen, she was sent to Cyprus and given as wife to Giacomo II, the illegitimate son and successor of Giovanni II of Lusignano. Upon the unexpected death of her husband and son, Giacomo III, born as successor to the Cyprian throne, Caterina Cornaro was crowned Queen of Cyprus under the Lusignano Flag, only to abdicate 15 years later, bowing beneath the pressure of her brother, Giorgio Cornaro, and retreating into state pension at Asolo. If, on the one hand, Caterina Cornaro obstructed the Republic from raising San Marco’s lion flag in Cyprus, on the other, she was the very person that made La Serenissima’s conquest of the island possible. Tochter der Republik Am 25. November 1454, dem Tag der Hl. Katharina, in das einflussreiche Geschlecht der Corner hinein geboren, sollte Catarina Cornaro in der Eroberungsdiplomatie um die Insel Zypern zu einer beherrschten Herrscherin heranwachsen. Im Alter von 14 Jahren von Venedigs „Rat der Zehn“ zur „Tochter der Republik“ ernannt, nach Zypern entsandt und mit Jacques II., dem illegitimen Sohn und Nachfolger des Zypern-Königs Jean II. de Lusignan, vermählt, setzt sie sich als Zwanzigjährige – nach dem plötzlichen Ableben ihres Mannes und ihrem, als Thronfolger geborenen Sohn Jacques III. – unter der Fahne der Lusignan die Krone von Zypern auf, um 15 Jahre später, auf Drängen ihres Bruders Giorgio Cornaro, abzudanken und sich als Staatspensionärin auf Asolo zurückzuziehen. Das Staatsmanöver, in Zypern die Fahne des Markuslöwen zu hissen, war von Caterina Cornaro zwar verzögert, aber schließlich auch ermöglicht worden. Fonti visive/Visual source/Bildreferenzen: Ritratto/Portrait/Porträt “Caterina Cornaro”, Gentile Bellini, 1500 (Szépmüvészeti Muzeum, Budapest) „Venedig huldigt Caterina Cornaro“, Hans Makart, 1872 (Österreichische Galerie, Wien) 21 Enrico Dandolo Cecilia Venier-Baffo Cecilia Venier-Baffo (1525-1583) La sultana veneziana Nata come figlia illegittima da una relazione extraconiugale tra due esponenti della nobiltà veneziana sull’isola egea di Paro, Cecilia Venier-Baffo viene rapita all’età di dodici anni dal corsaro Barbarossa Hayr-ad-Din Pascià e recata in dono al sultano Suleiman. Chiamata Nûr Bânû (donna della luce), Cecilia cresce nella fortezza del sultano, diventa la favorita di suo figlio Selim, cui dà una figlia ed un figlio, il successore al trono di Selim II. Riconosciuta ufficialmente da Selim II come propria moglie, Nûr Bânû rimane fino alla fine dei suoi giorni la first lady del regnante, sino all’età del regno di suo figlio Murad III. In qualità di sultana valida (madre del sultano), durante il critico frangente della sconfitta navale di Lepanto, si impegna per l’istituzione di una lobby filo-veneziana nel palazzo del sultano, osteggiando, poco prima di morire, un attacco della flotta turca programmato contro l’isola di Creta, retta a quell’epoca da Venezia. La sultana coltiva una corrispondenza con il Doge e Caterina de’Medici, mentre sua “nuora” Safje intrattiene un rapporto epistolare con Elisabetta d’Inghilterra. “Chi è costantemente in cerca di favore e di clemenza, troverà il sostegno della madre o della favorita del sultano, o perlomeno non susciterà nessun dispiacere”, scrive l’ambasciatore veneziano Jacopo Saranzo nel 1581. La circostanza, che una donna di stirpe veneziana si sia mostrata capace di esercitare un simile influsso sul sultano – il despota assolutistico in stile orientale – desta profondo rispetto e stupore nella diplomazia europea. The Venetian Sultaness Born the illegitimate daughter of two members of the Venetian aristocracy on the Greek island of Paro, Cecilia Venier-Baffo was kidnapped at the age of twelve by the Barbarossa pirate Hayr-ad-Din Pascià and was given as a gift to the Sultan Suleiman. Renamed Nûr Bânû (Woman of Light), Cecilia was raised in the fortress of the sultan, becoming the favourite of his son, Selim. Recognised as the wife of Selim II and giving birth to his son and successor to the throne, Murad III, Nûr Bânû remained until the end of her days the First Reigning Lady, when her son Murad III reached the age of majority. As the Valid Sultaness (the mother of the Sultan), she worked to institute a pro-Venetian lobby in the Sultan’s palace at the critical moment of Venice’s defeat at Lepanto. Shortly before her death, she managed to stop an attack by the Turkish float on the Venice-dominated island of Crete. The Sultaness cultivated a correspondence with the Doge and with Caterina de’Medici, while her “daughter-in-law” Safje became “penfriends” with Elizabeth I of England. “He who looks for favour or clemency finds support in the mother or the favourite of the Sultan, and, at the very least, will not displease,” writes the Venetian ambassador Jacopo Saranzo in 1581. The fact that a Venetian noblewoman was able to have such an influence over the Sultan, an absolute despot of the Oriental mould, arouses deep respect and admiration for this woman’s talents in world diplomacy. Die venezianische Sultanin Um 1525 als uneheliche Tochter einer Affäre zwischen Angehörigen zweier venezianischer Adelsfamilien auf der Ägäischen Insel Paros geboren, wird Cecilia Venier-Baffo im Alter von zwölf Jahren vom Korsaren Barbarossa Hayr-ad-Din Pasha geraubt und Sultan Suleiman als Geschenk übergeben. Im Serail des Sultans wächst sie, nun Nûr Bânû (Frau des Lichts) genannt, zur Favoritin von dessen Sohn Selim heran, dem sie eine Tochter und einen Sohn – den späteren Thronfolger Selims II. – schenkt. Von Selim II. offiziell als seine Frau anerkannt, bleibt Nûr Bânû bis zur ihrem Tod die First Lady des Herrscherhauses – bis in die Regierungsepoche ihres Sohnes Murad III. Als Valide Sultana (Mutter des Sultans) setzt sie sich – im kritischen Klima der verlorenen Seeschlacht von Lepanto – für eine Venedig-freundliche Lobby im Sultanspalast ein und verhindert z.B. noch kurz vor ihrem Tod einen geplanten Angriff der türkischen Flotte auf das von Venedig gehaltene Kreta. Sie korrespondiert mit dem Dogen und mit Katharina von Medici, ihre „Schwiegertochter“ Safiye mit Elisabeth von England. „Wer immer Gunst und Gnade von der Pforte sucht, dem steht es an, Gefallen bei der Mutter oder der Favoritin des Sultans zu finden, oder zumindest kein Missfallen zu erregen“, schreibt der Venedig-Botschafter Jacopo Saranzo 1581. Wie eine Frau venezianischen Geschlechtes einen derartig großen Einfluss auf den Sultan, den absolutistischen Despoten orientalischer Prägung, ausüben kann, versetzt die europäische Weltdiplomatie in Ehrfurcht und Staunen. Fonte visiva/Visual source/Bildreferenz: “La Sultane reine“, Joseph-Marie Vien, 1748 (Musée du Petit Palais, Paris) 25 Andrea Palladio Veronica Franco Veronica Franco (ca 1546 – 1591) Prima Cortigiana d’Italia Figlia della cortigiana Paola Fracassa, da cui viene istruita nel canto, nella musica e nella poesia, iniziata in tenera età alle arti erotiche ed al concubito, nonché temporaneamente maritata con il medico Paolo Panizza, Veronica Franco figura fin dall’età di vent’anni al numero 204 dell’elenco ufficiale delle “più rispettabili” cortigiane. Amata e ritratta da Tintoretto e Paolo Veronese, viene visitata e descritta da Michel de Montaigne, stimata e favorita dal critico letterario Domenico Venier. Sulla lista di ricevimento della donna, che scelse di “fare di propria necessità virtù”, figurano il Conte di Mantova ed il Cardinale Luigi d’Este. Di lei è fatta menzione anche nel protocollo veneziano della visita ufficiale del re Enrico III di Francia nel 1574, e, precisamente, nella parte più gioviale del documento. Questa circostanza le vale la nomina di “Prima cortigiana d’Italia”. Nel 1575 esce il suo volume di liriche “Terze Rime”. Nel 1577, madre di sei figli nati da altrettante relazioni illegittime, fonda e finanzia la prima casa pubblica delle donne, chiamata “Casa del soccorso”, ideata per il sostegno di prostitute in ritiro e mogli maltrattate; riprende apertamente le situazioni sociali ostili alle donne e manifesta la propria approvazione allo scritto polemico “Inferno monacale” della veneziana Arcangela Tarabotti. Denunciata nel 1580 per stregoneria, magia nera ed eresia, viene convocata dall’inquisizione, cui riesce a sottrarsi grazie alla sua prontezza di parola. Prodigatasi a causa del suo impegno sociale, derubata e truffata dal suo stesso personale domestico, sovraffaticata dal mantenimento dei propri figli e di quelli lasciati dal deceduto fratello Geronimo, probabilmente ammalata di tifo o di sifilide, muore in un quartiere popolare nei pressi della chiesa di San Samuele. Il lieto fine della vicenda di Veronica si lascia attendere per quattro lunghi secoli, fino a quando, e siamo nel 1997, Hollywood si cura di farne una pellicola, intitolata “Dangerous beauty”. First Courtesan of Italy Daughter of the courtesan Paola Fracassa, who taught the girl singing, music and poetry, Veronica Franco began learning the erotic arts and the ways of the concubine at a tender age. Although married for a brief time to the doctor Paolo Panizza, from the age of twenty Veronica Franco was listed as number 204 in the official registry of Venice’s “most respectable” courtesans. Loved and painted by Titian and Paolo Veronese, she was visited by Michel de Montaigne and was esteemed and favoured by literary critic Domenico Venier. The guest list of this woman who chose to make “a virtue of her necessity” included the Count of Mantua and Cadinal Luigi d’Este. She is even mentioned in the Venetian protocol of the official visit of Henry III of France in 1574, and precisely in the liveliest part of this document. On this occasion she won the title of “First Courtesan of Italy.” Her volume of poetry, “Terze Rime” was published in 1575. In 1577, the mother of six children from the same number of illegitimate relationships, she founded the first public house for women, calling it “Casa del soccorso” or the “House of Assistance”, created to help abused wives and ex-prostitutes begin a new life. At the same time, she openly returned to practising the world’s oldest profession and gave her consent to the controversial “Inferno monacale”, written by the Venetian Arcangela Tarabotti. Denounced for witchcraft, black magic and heresy in 1580, she was called upon by the inquisition, where she managed to save herself with her eloquence. Having done all she could for her social cause, robbed and cheated by her own servants, overtired with the burden of caring for her children and those left in her care upon the death of her brother, Veronica Franco died in the popular quarters of San Samuele, victim of typhus or syphilis. Veronica’s happy ending would have to wait for four centuries before coming true with production of the 1997 Hollywood film in her honour, “Dangerous Beauty”. Erste Kurtisane Italiens Tochter der Kurtisane Paola Fracassa, von dieser im Singen, Musizieren, Dichten ausgebildet, in die Liebeskünste eingeweiht, früh verkuppelt und – vorübergehend – verheiratet mit dem Arzt Paolo Panizza: Mit Zwanzig ist Veronica Franco bereits im amtlichen Katalog der „höchst ehrbaren“ Kurtisanen (als Nummer 204) angeführt – geliebt und gemalt von Tintoretto und Paolo Veronese, besucht und beschrieben von Michel de Montaigne, geschätzt und gefördert vom Literaturkritiker Domenico Venier. Auf der Empfangsliste der Frau, die sich entschlossen hat, „aus meinen Bedürfnissen eine Tugend zu machen“, stehen Herzog von Mantua und der Kardinal Luigi d’Este. Im venezianischen Protokoll des Staatsbesuches von König Heinrich III. von Frankreich (1574) steht Veronica Franco – für den gemütlichen Teil; damit Aufstieg zur „Ersten Kurtisane Italiens“. 1575 erscheint ihr Gedichtsband „Terze Rime“. 1577 initiiert und finanziert sie, die Mutter von sechs unehelichen Kindern aus sechs Verbindungen, das erste öffentliche Frauenhaus („Casa del Soccorso“) für Prostituiertenaussteigerinnen und misshandelte Ehefrauen, kritisiert frauenfeindliche Sozialzustände, unterstützt die Streitschrift „Inferno monacale“ (Unwesen der Nonnenhölle) der Venezianerin Arcangela Tarabotti. 1580 der Zauberei, Schwarzen Magie und Gotteslästerung bezichtigt, zitiert man sie zur Inquisition, der sie dank ihrer Redegewandtheit entkommt. Verausgabt durch ihr soziales Engagement, beraubt und betrogen von ihrem Hauspersonal, überfordert vom Unterhalt ihrer eigenen und der Kinder ihres verstorbenen Bruders Hieronimo, erkrankt vermutlich an Typhus und/oder Syphilis, stirbt sie im Armenviertel nahe der Kirche von San Samuele. Das Happy end von Veronica Franco lässt vier Jahrhunderte auf sich warten – inszeniert von Hollywood als „Dangerous Beauty“ (1997). Fonte visiva/Visual source/Bildreferenz: Ritratto/Portrait “Veronica Franco”, attrib. to Tintoretto, ca 1575 (Worchester, Massachussets) 29 Tiziano Vecellio Marietta Robusti Marietta Robusti (1554-1590) La Tintoretta Com’è noto, il vero nome di Tintoretto è Jacopo Robusti. Il pittore, affezionato alla figlia Marietta, la prediletta tra gli otto figli, la traveste da ragazzo per poterla condurre con sé ovunque, ed insegnarle lungo il percorso innumerevoli cose. Marietta apprende dal padre i segreti del disegno e della pittura, e si rivela tosto pronta – al pari dei suoi fratelli Domenico e Marco – a lavorare nella bottega paterna. Dal 1580 la figlia del maestro diviene celebre per i suoi ritratti, a tal punto, che presso la nobiltà veneziana posare per la “Tintoretta” diviene una vera e propria moda. Per amore del padre rifiuta gli inviti prestigiosi delle corti di Spagna ed Austria, interessate a farne la propria ritrattista. Nel 1586 acconsente al matrimonio con il gioielliere Jacopo d’Augusta, alla sola condizione, tuttavia, che questi si dichiari pronto a vivere nella casa dei genitori di lei. Dopo quindici anni di lavoro nello studio di Tintoretto la sua tecnica vale come difficilmente distinguibile da quella paterna, sicché le sue opere cominciano a non sopravvivere più in maniera autonoma. Solo nel 1920 viene scoperta su alcuni quadri del Tintoretto la firma della figlia, una “M” oppure “MR”; oggi sappiamo che la mano di Tintoretta è complice anche della tela “Vecchio con fanciullo”, opera considerata a lungo come il migliore tra i ritratti realizzati da Tintoretto. Quando quattro anni prima del decesso del padre, in seguito al parto del suo primo figlio, Marietta Robusti muore, si dice che la produzione-Tintoretto abbia registrato un sensibile calo. The Tintoretta As is known, Tintoretto’s real name was Jacopo Robusti. The painter, fond of his daughter Marietta, the favourite of his eight children, dressed the girl as a boy in order to bring her with him wherever he went so that she might be educated in the many aspects of his work. Marietta learned from her father the secrets of drawing and painting and soon revealed herself, like her brothers Domenico and Marco, worthy of working with their famous father. From 1580 onwards the master’s daughter was famous for her portraits, to the point that posing for the “Tintoretta” became a fashion of the Venetian nobility. Marietta’s love of her father would cause her to refuse invitations to the prestigious courts of Spain and Austria who wished her to be their court portraitist. In 1586 she agreed to marry the jeweller Jacopo d’Augusta, on the sole condition that they live in her paternal house. After fifteen years of work in Tintoretto’s studio, her painting technique was difficultly distinguishable from that of her father’s, which led her works to be confused with those of the Master. Only in 1920 were the marks “M” or “MR” discovered in some of Tintoretto’s paintings. Today we know that the hand of Marietta played its part in the creation of “Vecchio con fanciullo”, considered to be one of Tintoretto’s best portraits. When, four years before Tintoretto’s death, Marietta died of complications in the birth of her first child, it is said that the great Master’s work saw a considerable decline in quality. La Tintoretta Jacopo Robusti wird Tintoretto (Färber) genannt. Seine, unter acht Kindern bevorzugte Lieblingstochter Marietta steckt er in Knabenkleider, damit sie ihn überall hin begleiten – und damit viel lernen – kann. Marietta unterrichtet er im Zeichnen und Malen, trainiert sie – wie seine beiden Söhne Domenico und Marco – für die Arbeit in seinem Atelier. Ab 1580 wird die Meister-Tochter für ihre Porträts berühmt, und in der Aristokratie ist es angesagt, „La Tintoretta“ Modell zu sitzen. Angebote, als Hofmalerin nach Spanien oder nach Österreich zu gehen, lehnt sie ihrem Vater zuliebe ab. Den Juwelier Jacopo d’ Augusta heiratet sie (1586) erst, als sich dieser bereit erklärt, unter dem Dach ihres Elternhauses zu leben. Nach 15 Jahren Arbeit in Tintorettos Atelier gilt ihre Maltechnik von der des Vaters als nicht mehr unterscheidbar, so dass ihr Werk nicht als eigenständig überleben wird. Erst 1920 entdeckt man in Tintorettos Bildern ihre „M“- bzw. „MR“-Signatur, so auch im Gemälde „Alter Mann mit Knaben“, das lange Zeit als Jacopo Tintorettos bestes Porträt gelten soll. Als Marietta Robusti vier Jahre vor ihrem Vater und nach der Geburt ihres ersten Kindes stirbt, geht die TintorettoProduktion deutlich zurück, heißt es. Fonte visiva/Visual source/Bildreferenz: Autoritratto/Self-portrait/Selbstporträt “Marietta Robusti”, ca 1580 (Uffizi, Firenze) 33 Marco Polo Moderata Fonte Moderata Fonte (1555-1592) La poetessa propugnatrice dei diritti delle donne Nata nel 1555 e battezzata col nome di Modesta, Moderata Fonte è figlia secondogenita di Marietta e Ieronimo da Pozzo, appartenenti alla colta e benestante borghesia veneziana. Alla morte prematura dei genitori, avvenuta nel 1556, Modesta viene accolta nel convento di Santa Marta, dove si distingue fin da subito per la sua straordinaria memoria e prontezza di parola. Presentata come bambina-prodigio all’illustre quanto corpulento predicatore e poeta Gabriele Fiamma, questi si sente in obbligo di definire la tenera Modesta uno “spirito incorporeo”. Se lei gli sembra uno “spirito incorporeo”, ribatte prontamente Modesta, allora lui di contro le dà l’impressione di un “corpo privo di spirito”. A nove anni passa in casa Saraceni, la famiglia dei nonni materni, dove attinge le materie d’insegnamento dalla cartella del fratello Leonardo ed apprende da sola a leggere e scrivere in latino. Qui comincia a comporre versi. Sotto l’eloquente pseudonimo “Moderata Fonte” pubblica nel 1581 i “Tredici Canti di Floridoro”, i “Giorni di festa”, ed infine il dramma sacro “La passione di Cristo”. Anonimi escono sonetti, canzoni, madrigali sui temi più svariati, composti su commissione. Nel 1582 Moderata va a nozze con l’avvocato Filippo de’Zorzi, cui darà tre figli, ponendo così freno al proprio impulso letterario. Tra il 1588 e il 1592 lavora al dialogo “Il Merito delle donne”, ultimato il giorno stesso della sua morte, sopraggiunta all’appena trentasettenne, mentre dà alla luce il quarto figlio. “Il merito delle donne, scritto da Moderata Fonte in due giornate. Oue chiaramente si scopre quanto siano elle degne, e più perfette de gli huomini” (così suona il titolo per esteso) esce postumo nel 1600. “Madonna Modesta” (come la chiama il biografo Giovanni Nicolò Doglioni) sopravvive con questo libro, ora, sì, come “spirito incorporeo”. Questa spiritosa ed ironica riflessione delle donne sulla superiorità, sull’inferiorità e sugli inconvenienti dei rispettivi uomini, nella cornice di un incontro esclusivamente al femminile, rappresenta una novità assoluta entro la letteratura dialogica nel contesto delle controversie di genere del XVI e XVII secolo, di quella “Querelle des femmes”, che è parte di un movimento che coinvolse l’Europa intera. Nello scritto polemico proto-femministico abbozzato in forma di romanzo, la poetessa sviluppa una trama con sette donne, le cui differenze d’età, condizione sociale e temperamento permettono all’autrice di lasciar cozzare l’una contro l’altra le posizioni più contrastanti, senza con ciò imporre singole affermazioni né prendere personalmente posizione. Le veneziane si riuniscono nel giardino di un palazzo, presso una fontana esagonale (la “fonte”) decorata con sette figure allegoriche, che rappresentano la Castità, la Solitudine, la Libertà, l’Innocenza (delle donne), nonché la Falsità e la Crudeltà (degli uomini). Al centro troneggia la settima figura: una donna dai seni riversanti acqua, la quale nella conversazione viene personificata da Corinna, che con i suoi discorsi placa la sete di sapienza delle attente compagne, e mediante cui l’”Alice Schwarzer rinascimentale” (come nel 2001 un recensore tedesco definisce Moderata Fonte) si impegna a favorire l’accesso delle donne alle scienze. The Women’s Rights Poet Born in 1555 and baptised with the name of Modesta, Moderata Fonte was the second daughter of Marietta and Ieronimo da Pozzo, members of the wealthy and cultured Venetian bourgeoisie. Upon the premature death of her parents in 1556, Modesta was taken in by the convent of Santa Marta, where she distinguished herself right away for her extraordinary memory and way with words. Presented as a prodigal child to Gabriele Fiamma, the corpulent as much as illustrious poet and preacher felt obliged to define the young Modesta as a “bodyless soul”. She replied that he, instead, gave the impression of being a “body without soul”. At the age of nine she went to live at the Saracen house, with the family of her maternal grandmother, where she got into her brother Leonardo’s schoolwork and taught herself how to read and write. Here she began to compose verse. Under the eloquent pseudonym of Moderata Fonte she published “Tredici Canti di Floridoro” (“Thirteen Songs of Floridoro”), “Giorni di Festa” (“Holidays”) and finally the religious drama “Christ’s Passion” in 1581. She would also anonymously compose a number of sonnets, songs, and madrigals on a variety of subjects on commission. In 1582 Moderata married the lawyer Filippo de’Zorzi, to whom she would give three children, thus breaking her literary impulses. Between 1588 and 1592 she worked on the Dialogue “Il Merito delle Donne” (“The Worth of Women”), finished the day of her death at the age of thirty-seven while giving birth to her fourth son. “Il Merito delle Donne, written by Moderata Fonte in two days. Where one clearly sees how dignified they are, and how they are more perfect than men” is the full title with which the work was published, posthumously, in 1600. “Madonna Modesta,” as her biographer Giovanni Nicolò Doglioni would call her, would survive with this book now that she had, in fact, truly become a “bodyless soul.” This witty and ironic reflection by women on the superiority, inferiority and perplexities of men, framed by a meeting in exclusively female company, represents an absolutely new concept in terms of dialogue literature in the context of the controversies regarding the subject in the sixteenth and seventeenth centuries, of which the “Querelle des femmes” was part of a movement which would involve the whole of Europe. In this controversial pro-feminist writing sketched in the form of a novel, the poet depicts a group of seven women, of different ages, social classes and temperaments allowing the author to contrast their clashing opinions, therefore avoiding stating a single view or taking a personal stance. The Venetians meet in a palace garden near a hexagonal fountain (the “fonte” or “source”) decorated by seven allegorical figures which represent Chastity, Solitude, Liberty, Innocence (of women), and also Falsity and Cruelty (of men). In the middle is a seventh figure: a woman whose breasts pour water who personifies the character of Corinna in the conversation, whose declarations quench the thirst for knowledge sought by her companions, and through whom, the Renaissance Alice Schwarzer (as a German critic defined Moderata Fonte in 2001) attempts to give women access to the sciences. 37 38 Moderata Fonte 39 Die Alice Schwarzer der Renaissance Geboren im Jahr 1555 als zweites, auf den Namen Modesta getauftes Kind der Marietta und des Hieronimo da Pozzo, die dem wohlhabenden und kultivierten venezianischen Bürgertum angehören, jedoch bereits 1556 sterben. Modesta kommt in das Kloster San Marta, wo sie durch ein außergewöhnliches Gedächtnis und ihre Schlagfertigkeit auffällt. Dem ebenso berühmten wie dickleibigen Prediger und Dichter Gabriele Fiamma als Wunderkind vorgeführt, fühlt sich dieser bemüßigt, die zarte Modesta als „körperlosen Geist“ zu bezeichnen. Wenn sie ein „körperloser Geist“ sei, dann wirke er auf sie wie ein „geistloser Körper“, kontert Modesta. Mit neun Jahren kommt sie in das Haus Saraceni, der großelterlichen Familie mütterlicherseits, wo sie Lehrstoff aus dem Schulranzen ihres älteren Bruders Leonardo bezieht und sich allein lateinisch Lesen und Schreiben beibringt. Und sie dichtet. Unter dem sprechenden Pseudonym Moderata (i.S.v. maßgeblich, selbst bestimmend) Fonte (Brunnen, Quelle) veröffentlicht sie 1581 die „Dreizehn Gesänge des Floridoro“ und „Die Festtage“, danach das geistliche Spiel „Das Leiden Christi“. Sonette, Kanzonen und Madrigale zu verschiedenen Themen, die sie als Auftragsarbeiten verfasst, erscheinen anonym. 1582 lässt sich Moderata Fonte in ihrem Schreibfluss bremsen: vom Steueradvokaten Filippo de’ Zorzi, den sie heiratet und zum dreifachen Vater macht. Zwischen 1588 und 1592 schreibt sie am „Verdienst der Frauen“ („Il merito delle donne“), das sie an dem Tag vollendet, an dem sie 37-jährig im Kindbett, bei der Geburt ihres vierten Kindes, stirbt. „Das Verdienst der Frauen gefasst von Moderata Fonte in zwei Tagwerke, in denen offenbar wird, wie würdevoll sie sind und wie viel vollkommener als die Männer“ (wie der Titel vollständig lautet) erscheint posthum im Jahr 1600. Mit diesem Buch überlebt „Madonna Modesta“ (Biograf Giovanni Nicolò Doglioni, 1593) – nun wirklich ein „körperloser Geist“. Geistreich und ironisch formuliert, erfolgt die Auseinandersetzung mit den Über-, Unter- und Verlegenheiten der Frauen respektive Männer in einer rein femininen Gesprächsrunde – ein Novum innerhalb der Dialogliteratur im italienischen Geschlechterstreit des 16./17. Jahrhunderts, der „Querelle des Femmes“, die Teil eines gesamteuropäischen Phänomens ist. In der in Romanform angelegten, protofeministischen Streitschrift entwickelt die Dichterin einen Plot mit sieben Frauen, deren Verschiedenheit in Alter, Stand und Temperament es ihr gestattet, die unterschiedlichen Standpunkte aufeinanderprallen zu lassen, ohne selbst einzelne Behauptungen aufzustellen oder persönlich Position zu beziehen. Die Venezianerinnen versammeln sich in einem Palastgarten an einem sechseckigen Brunnen (fonte) mit allegorischen Figuren, die für Keuschheit, Einsamkeit, Freiheit, Arglosigkeit (der Frauen) sowie für Falschheit und Grausamkeit (der Männer) stehen. In der Mitte die siebte Figur: eine Frau mit Wasser spendenden Brüsten, die in der Konversation von Corinne personifiziert wird, die mit ihren Vorträgen den Wissensdurst der lauschenden Geschlechtsgenossinnen stillt, und womit die „Alice Schwarzer der Renaissance“ (deutscher Buchrezensent, 2001) für den weiblichen Zugang zu den Wissenschaften wirbt. Fonte visiva/: Ritratto “Moderata Fonte”, riproduzione d’incisione su rame ne “Il Merito delle Donne”, autore sconosciuto, 1589 circa Visual source: “Moderata Fonte” Portrait, reproduction of the copper incision in “Il Merito delle Donne”, author unknown, circa 1589 Bildreferenz: Porträt „Moderata Fonte“, Kupferstichfaksimile in „Il Merito delle Donne“, Künstler/in unbek., um 1589 Marinella Biscaro Marinella Biscaro Irene Andessner “Madonna Modesta”, 2003 olio su tela / oil on canvas / Öl auf Leinwand, 66 x 54 cm Bendedetto Marcello Barbara Strozzi Barbara Strozzi (1619 – n 1664) La donna-compositore Nel registro di battesimo di Santa Sofia figura soltanto il nome della madre, Isabella Garzoni. Isabella è la governante e compagna di Giulio Strozzi, che adotta la figlia, designando sua madre come erede sostituto fino alla maggiore età della ragazza. Giulio Strozzi, figlio illegittimo a sua volta, e riconosciuto in un secondo momento come figlio da Roberto Strozzi, è poeta, librettista e promotore della musica contemporanea. Nel 1634 Barbara Strozzi debutta come cantante nell’Accademia privata, affascinando compositori del calibro di Nicolò Fontei, che le dedica una serie di canti. Nel 1637 Giulio Strozzi fonda un’Accademia propria, nota con il nome di “Accademia degli Unisoni”, che diviene per Barbara, istruita nelle tecniche della composizione presso maestri prestigiosi come il discepolo di Monteverdi Francesco Cavalli, luogo di permanente esibizione pubblica. Ben presto la sua condizione di interprete femminile ed autonoma di opere composte da uomini, nonché compositrice ed esecutrice pubblica di composizioni proprie, suscita invidia, beffe e denunce. La sua istruzione nel canto rende inoltre possibile un’identificazione da cortigiana; tuttavia il ritratto in cui posa per Bernardo Strozzi (non imparentato con Barbara, nonostante l’apparenza) nel 1635 circa, mostra una donna, che intaccata dalla rappresentata “franchezza”, compie indisturbata il proprio percorso di compositrice. Nel 1644 Barbara Strozzi comincia a pubblicare le proprie composizioni: fino al 1659 escono quattro volumi ed una collana di Motetti, chiamata “Sacra Corona”. Barbara suona nella “liga” dei più produttivi compositori del suo tempo, compone oltre 125 opere compiute, tutte di altissima qualità artistica, elaborate senza eccezione con precisione, e determinate nei tempi e negli abbellimenti. I libretti per le sue opere sono scritti dal padre Strozzi. Per diversi anni la compositrice cura una relazione privata con Paolo Vidman, cui dà tre figli, vivendo tuttavia per tutta la vita nella casa paterna, casa che nello stesso tempo è di proprietà del compagno. The Woman Composer Only her mother, Isabella Garzoni, is listed in the baptism register at the church of Santa Sofia. Isabella was the housekeeper and companion of Giulio Strozzi, who adopted their daughter, designating her mother as the heir until the girl reached the age of majority. Giulio Strozzi, himself the illegitimate son of Roberto Strozzi, was a poet, a libbretist and a promoter, a member of the Accademia degli Incogniti, focusing on contemporary music of the era. In 1634 Barbara Strozzi debuted as a singer in the private Accademia, fascinating composers such as Nicolò Fontei, who would dedicate a series of songs to her. In 1637 Giulio Strozzi founded his own Accademia, the famous Accademia degli Unisoni, which became a public stage for Barbara, who had studied the techniques of composition under prestigious masters such as Monteverdi’s disciple, Francesco Cavalli. Her status as the autonomous interpreter of works composed by men, besides as composer and interpreter of her own pieces would soon invite envy, mockery and derision. Barbara’s education in the vocal arts made it possible for her to be identified as a courtesan though the portrait in which she posed for Bernardo Strozzi (of no relation) around 1635 shows a woman able to follow her path as a composer, apparently untouched by her “open heart”. In 1644 Barbara Strozzi began to publish her compositions: four volumes and a collection of Motetti, called the “Sacra Corona” were released by 1659. Barbara plays part in the “league” of the most productive composers of her time, composing over 125 works, all of excellent artistic quality. The books for her works were written by her father Strozzi. For many years the composer had a private relationship with Paolo Vidman, who fathered her three children, living her life under the roof of her paternal home and that of her partner’s wife. Der weibliche Komponist Im Taufregister von Santa Sofia ist nur der Name der Mutter Isabella Garzoni vermerkt. Isabella, die Haushälterin und Lebensgefährtin von Guilio Strozzi, der seine eigene Tochter Barbara adoptiert und ihre Mutter bis zur ihrer Volljährigkeit stellvertretend als Erbin einsetzt. Guilio Strozzi – selbst ein illegitimer, erst nachträglich anerkannter Sohn von Roberto Strozzi – ist Dichter, Librettist und als Mitglied der Accademia degli Incogniti Förderer der zeitgenössischen Musik. 1634 tritt Barbara Strozzis in dieser Privatakademie erstmals als Sängerin auf, begeistert Komponisten wie Nicolò Fontei, der ihr eine Reihe von Liedern widmet. 1637 gründete Guilio Strozzi eine eigene Akademie (Accademia degli Unisoni), die für die – auch (von Monteverdi-Schüler Francesco Cavalli) in Kompositionstechniken ausgebildete – Barbara zum ständigen Forum wird. Als Frau mit eigenständigen Interpretationen von Werken männlicher Komponisten oder gar selbst als Komponistin in Erscheinung zu treten, provoziert Neid, Spott und Denunziationen. Mit ihrer Gesangsausbildung passt sie ins Bild der Kurtisane, und das Porträt, das Bernardo Strozzi (nicht mit ihr verwandt) etwa 1635 von ihr malt, zeigt eine Musikerin, die von der dargestellten Offenherzigkeit unbeschadet, ihren Weg als Komponistin macht. Ab 1644 publiziert Barbara Strozzi ihre Kompositionen, bis 1659 erscheinen vier Bände, dazu eine Sammlung von Motetti (Sacra Corona). Sie spielt in der Liga der produktivsten Komponisten ihrer Zeit, schafft über 125 Einzelwerke in durchweg hoher Kompositionsqualität mit präziser, Tempi und Ornamentierungen festlegender Durcharbeitung aller Musikstücke. Die Libretti kommen aus der Feder von Vater Strozzi. Privat pflegt sie mit Giovanni Paolo Vidman eine langjährige Beziehung, aus der drei Kinder hervor gehen, lebt jedoch Zeit Lebens im Haushalt ihres Vaters, zugleich unter dem Dach des Hauses, das der Familie ihres Lebenspartners gehört. Fonte visiva/Visual source/Bildreferenz: “Suonatrice di gamba”/“Suonatrice in gamba”/Gambaspielerin (portrait di Barbara Strozzi), Bernardo Strozzi, ca 1635 (Gemäldegalerie, Dresda) 43 Paolo Sarpi Elena Cornaro Piscopia Elena Lucrezia Cornaro-Piscopia (1646 – 1684) Prima donna laureata Elena Cornaro nasce il 1646 nel Palazzo Loredan sul Canal Grande, come figlia del nobile Gianbattista Cornaro e di Zanetta Boni. La famiglia Cornaro-Piscopia possiede proprietà terriere e Palazzi a Venezia e Padova, piantagioni a Cipro e case di commercio (in qualità di deterrenti del monopolio del sale) nell’intera regione d’influenza veneziana. In luogo dell’iscrizione nel registro nobiliare veneziano, alla giovane Elena viene impartito l’insegnamento del latino e del greco, seguiti dal francese e dallo spagnolo, nonché dall’ebraico ed aramaico. Studia storia, letteratura, arte e musica, filosofia, matematica, fisica ed astronomia. A diciassette anni dispone di una conoscenza che solo pochissimi uomini a lei contemporanei sono in grado di eguagliare. Nel 1665 manda a monte il fidanzamento con un nipote del Doge combinato dal padre, facendo menzione del voto di castità, infranto segretamente all’età di undici anni. Rifiuta la revoca propostagli da Papa Alessandro VII e si vota all’ordine Benedettino femminile. Con il nome di “Scolastica” e con la veste di suora (indossata sotto l’abito da corte), vive “in secularo” nel palazzo paterno, conducendo, pur immersa nel lusso, un’esistenza modesta all’insegna dell’ascesi e della devozione. Durante la sua collaborazione caritatevole nell’ospedale di San Lorenzo dei Mendicanti, si ammala di “febbre rossa”. Guarita, riprende i suoi studi nella residenza estiva di famiglia a Padova. Dal 1670 presiede l’Accademia privata dei Pacifici a Venezia. Il padre, nominato nel frattempo Procuratore di San Marco, ottiene nel 1677 l’ammissione di Elena al dottorato nell’università di Padova. E questo avviene in un’epoca in cui le donne sono ritenute inadeguate alla carriera scientifica. Nel 1678 la Cornaro è nominata “Magistra et Doctrix Philosophiae” nella Cattedrale Santa Maria Assunta di Padova, con una cerimonia dalle sembianze di un’incoronazione. Ancora oggi, nella Calle del Carbon a Venezia, una lapide commemorativa ci ricorda la “Prima donna laureata nel mondo”. The World’s First University Graduate Elena Cornaro was born in 1646 in Palazzo Loredan on the Grand Canal, daughter of nobleman Giabattista Cornaro and Zanetta Boni, a woman of simple birth who became Gianbattista’s wife after giving him three illegitimate children. The Cornaro-Piscopia family owned palaces and lands in Venice and Padua, plantations in Cypress and businesses in all areas under Venetian influence. Instead of registry as a Venetian noblewoman, the young Elena was given an education in Greek and Latin, French and Spanish and even Hebrew and Aramaic. She studied history, literature, art and music, philosophy, mathematics, physics and astronomy. At seventeen she enjoyed a wealth of knowledge rivalled by few of her male contemporaries. In 1665 Elena broke her engagement with a nephew of the Doge arranged by her father, citing her vow of chastity as reason, secretly broken at the age of eleven. Refusing the revocation proposed to her by Pope Alexander VII, she chose to join the female Benedictine order with the title of “scholar” and to wear the clothes of a nun (beneath her court apparel), living a “secular life” in her father’s palace. Surrounded by luxury, she conducted a modest existence in the name of the church and devotion. While doing charitable work at the Hospital of San Lorenzo dei Mendicanti, she contracted “red fever” and, once cured, continued her studies from the family’s summer home in Padua. In 1670 she became president of the private Accademia dei Pacifisti in Venice. In the meantime, her father had become the Procuratore of San Marco and in 1677 obtained Elena’s admission to pursue her doctorate at the university of Padua. All of this at a time when women were retained inadequate to study the sciences. In 1678 Elena was named “Magistra et Doctrix Philosophiae” in an eleaborate ceremony similar to a coronation at the Cathedral of Santa Maria Assunta in Padua. One can still see a plaque commemorating the World’s First Female University Graduate” in Calle del Carbon in Venice. Erste Doktorin der Welt Elena Cornaro wird 1646 im Palazzo Loredan am Canal Grande in Venedig geboren, als Tochter des Adeligen Gianbattista Cornaro und der Bauerstochter Zanetta Boni. Die Familie Cornaro-Piscopia besitzt Landgüter und Paläste in Venedig und in Padua, Plantagen in Zypern und Handelshäuser (als Salz-Monopolisten) im gesamten venezianischen Einflussbereich. An Stelle eines Eintrags im venezianischen Adelsregister erhält die junge Elena Unterricht in Latein und Griechisch, später auch in Französisch und Spanisch sowie in Hebräisch und Aramäisch; sie studiert Geschichte, Literatur, Kunst und Musik, Philosophie, Mathematik, Physik und Astronomie. Mit 19 läßt Elena eine vom Vater angebahnte Verlobung mit einem DogenNeffen platzen – verweist auf das Keuschheitsgelübde, das sie mit elf Jahren heimlich abgelegt hat; eine Aufhebung durch Papst Alexander VII. lehnt sie ab und verschreibt sich dem Frauenorden der Benediktinen. Unter dem Nonnennamen „Scolastica“ und in Nonnenkleidung (die sie unter der Hofkleidung trägt) wohnt sie „in secularo“ im Palast ihres Vaters, führt umgeben von Luxus ein Leben in Askese, holt sich im Krankenhaus San Lorenzo de Mendicanti, wo sie karitative Dienste leistet, das „rote Fieber“. Genesen und weiter studieren in der elterlichen Sommerresidenz in Padua. Seit 1670 ist sie Vorsitzende an der privaten Accadèmia dei Pacifici in Venedig. 1677 setzt ihr Vater, mittlerweile Prokurator von San Marco, ihre Aufnahme als Doktorandin an der Universität Padua durch. Frauen gelten bis dahin für die Wissenschaften als ungeeignet. 1678 gestaltet sich Elenas Ernennung zur „Magistra et Doctrix Philosophiae“ in der Kathedrale Santa Maria Assunta in Padua „wie eine Krönung“ (Zeitzeuge Antonio Lupis). An die „Prima donna laureata nel mondo“ (Erste Doktorin der Welt) erinnert in Venedig eine Gedenktafel an der Calle del Carbon. Fonte visiva/Visual source/Bildreferenz: Ritratto/Portrait “Elena Lucrezia Cornaro-Piscopia”, Giovanni Molinari, 1673 (Museo Civico, Padova) 47 Francesco Morosini Elisabetta Querini Valier Elisabetta Querini-Valier (*? – 1708) La dogaressa incoronata Elisabetta Querini-Valier discende da un nobile casato veneziano, che agli albori del XIV secolo, nella lotta per il potere contro le più antiche famiglie nobiliari, come molte altre famiglie non apostoliche (cui appartengono anche i Tiepolo), perde, tramite confisca statale, gli immobili di proprietà situati al di là del ponte di Rialto, ma che riesce nondimeno ad affermarsi nei secoli successivi, malgrado l’influenza politica ed economica sensibilmente ridotta. All’epoca di Elisabetta l’incoronazione della dogaressa è prassi abolita da tempo, per una questione di costi. Silvestro Valier, doge dal 1694 al 1700, rappresenta tuttavia un’eccezione, organizzando, a dispetto delle vigenti leggi contro il lusso, una sontuosa cerimonia d’incoronazione per la propria consorte. Lo splendore della corona si addice perfettamente allo stile di vita dei due coniugi, avvezzi a condurre una vita principesca fin dalla giovinezza. Elisabetta e Silvestro figurano per esempio tra i clienti abituali del Ridotto, una sorta di odierno Casinò, dove giocano regolarmente ingenti somme di denaro. Estremamente sfarzoso, infine, il sepolcro di famiglia nella chiesa dei SS. Giovanni e Paolo, progettata da Andrea Tirali, dove la dogaressa, resa celebre dalla corona, riposa tra i suoi congiunti. The Crowned Dogess Elisabeth Querini-Valier, descended from the noble Venetian house whose members, in the 14th century, had their lands situated beyond the Rialto Bridge confiscated by the State, result of the fight for power between Venice’s noble families. Despite the significant reduction of political and economic power, the non-apostolic family managed to reaffirm itself in the centuries that followed. At Elisabeth’s time, the coronation of the Dogess was a practice long abolished, for motives of cost. Silvestro Valier, doge from 1694 to 1700, represented an exception, and organised a sumptuous ceremony for his consort despite the laws against luxury. The splendour of the crown was a perfect reflection of the couple’s lifestyle, used to living a regal existence from the time of their youth. Elisabetta and Silvestro figured among the habitual clients of the Ridotto, a type of Casino of the times where they were known to gamble fortunes. The extremely striking tomb of the family, where the famously crowned dogess and her relatives lie can be found in the church of Saints Giovanni e Paolo and was projected by Paolo Tirali. Die gekrönte Dogaressa Elisabetta Querini-Valier stammt aus einer venezianischen Adelsfamilie, die wie andere, nicht apostolische Familien (wozu auch die Tiepolo zählten) Anfang des 14. Jahrhunderts im Machtstreit gegen die älteren Adelsgeschlechter ihre Immobilien jenseits der Rialtobrücke durch Konfiszierung an den Staat verlieren, sich aber in den folgenden Jahrhunderten – wenn auch politisch und wirtschaftlich weniger einflussreich – weiter behaupten. Zur Zeit von Elisabetta ist die Krönung der Dogenfrauen bereits abgeschafft – aus Kostengründen. Silvestro Valier, Doge von 1694 bis 1700, erwirkt jedoch eine Ausnahme und setzt, trotz aller geltenden Anti-Luxusgesetze, für seine Frau eine prunkvolle Krönung durch. Der Glanz der Krone entspricht durchaus dem Naturell der beiden, die bereits vor ihrer Regierungszeit einen fürstlichen Lebensstil pflegten. So waren sie zum Beispiel Stammkunden im Ridotto (entspricht Spielcasino), wo sie regelmäßig viel Geld verspielten. Prächtig zuletzt, von Andrea Tirali gestaltet, das Valier-Familiengrab in der Kirche SS. Giovanni e Paolo, in dem auch die gekrönte Dogaressa ruht. Fonte visiva/Visual source/Bildreferenz: Ritratto/Portrait “La dogaressa Elisabetta Querini-Valier”, Nicolò Cassana, 1694 (Fondazione Querini Stampalia,Venezia) 51 Carlo Goldoni Rosalba Carriera Rosalba Carriera (1675-1757) La pittrice di corte del rococò di fama europea Rosalba nasce a Venezia nel 1675 come prima delle tre figlie dell’amministratore Andrea Carriera e di sua moglie, la ricamatrice e merlettaia Alba Foresti. Il suo talento nel disegno le vale l’insegnamento di Giuseppe Diamantini e Antonio Balestra. Da Felice Ramelli apprende, a sua volta, la miniatura in acquerello e la tecnica a pastello. I suoi quadri miniati – ritratti ed allegorie a decoro di tabacchiere e medaglioni – suscitano in breve tempo apprezzamento considerevole. Intorno al 1703 scopre per suo conto – ma altresì per i suoi coevi – la pittura a pastelli, che diventa di lì a poco la sua specialità. L’assidua domanda delle sue raffigurazioni, realizzate con tale tecnica, di soggetti religiosi, allegorici e mitologici, la inducono ad ingaggiare le proprie giovani sorelle Giovanna ed Angela, che divengono così sue assistenti e discepole. Fatta qualche eccezione, gli eleganti ritratti dalle tinte tenere e chiare, rifinite con un effetto perlato e vellutato, si sposano a meraviglia con il raffinato gusto del Rococò. Nel 1705 Rosalba diviene membro dell’Accademia de San Luca a Roma, per poi trovare spazio anche nell’Accademia Clementina di Bologna. Dal 1715 assume come proprio assistente l’influente commerciante d’arte Pierre Crozat. Invitata nel 1720 all’Accademia d’Arte di Parigi, la veneziana inaugura lo stile che in seguito la storia dell’arte definirà mediante il concetto di “pittura a pastello francese”. In questo stile ritrae come delfino Ludovico XV, ispirando i ritrattisti francesi rococò, da Maurice-Quentin de la Tour a Elisabeth-Louise Vigée-Le Brun. Al 1721 risale l’incontro con Antoine Watteau: i due pittori si ritraggono l’un l’altro, entro la cornice di un “confronto al vertice” dell’arte rococò. Rosalba si risolve in seguito a tornare a Venezia, dove vive insieme alla sorella Giovanna, cui si aggiunge in un secondo momento anche Angela, divenuta vedova del pittore Giovanni Antonio Pellegrini. Rosalba Carriera viene corteggiata da uomini di tutta Europa. Tra i suoi committenti spiccano il conte Christian Ludwig II von Meckenburg-Schwerin, il re Federico IV di Danimarca, nonché il principe elettore Max Emmanuel II di Baviera. I committenti più assidui sono i principi elettori di Sassonia, Federico Augusto I (detto “Il Forte”) e suo figlio Federico Augusto II, nella cui pinacoteca a Dresda si raccoglie una collezione-Carriera di oltre 150 opere. Nel 1723 viene invitata a Modena dal conte Rinaldo d’Este, con l’incarico di ritrarre, oltre il committente stesso, le sue tre figlie ed una serie di membri della corte. Nel 1730 si reca presso la corte viennese dell’imperatore Carlo VI, per ritrarre la famiglia imperiale debitamente abbellita, e diventare, in quell’occasione, oggetto della battuta di spirito dell’imperatore, secondo cui la pittrice “avrà pure del talento, ma la bellezza le manca”. Nei suoi autoritratti Rosalba Carriera è solita non abbellire nulla: da quello che risale agli inizi del suo percorso artistico, in cui reca nella mano l’effige della sorella (1715), all’allegoria dell’Inverno che risale all’apice della sua attività (1731), fino al suo ultimo autoritratto, dal quale lascia trasparire la sua incipiente sofferenza agli occhi (1745), l’autrice si attiene alla realtà per come questa si offre. La pittrice di corte del rococò di fama europea trascorre gli ultimi anni della sua vita nella totale cecità. The Rococo portraitist to the courts of Europe The first of three children born to administrator Andrea Carriera and his wife, Alba Foresti, embroiderer and lace-maker, Rosalba Carriera was born in 1675. Thanks to her talent in drawing, Giuseppe Diamantini e Antonio Balestra agreed to take her on as pupil. She learned the art of watercolour miniature and how to handle pastels from Felice Ramelli. Her miniature paintings – portraits and allegories which decorated tobacconists and medallions – soon received critical acclaim. In 1703 she discovered, for herself and her contemporaries, pastel painting, which from then onwards, became her specialisation. The numerous requests for her works of religious, allegorical and mythological subjects realized with this technique pushed her to involve her younger sisters, Giovanna and Angela, who became her assistants and disciples. With few exceptions, her elegant portraits in light pastel colours, finished with a velvety pearl effect match perfectly with the refined tastes of the Rococo style. In 1705 Rosalba became a member of the Accademia de San Luca in Rome, and later, of the Accademia Clementina di Bologna. From 1715 she hired the influential art dealer Pierre Crozat as her assistant. Invited in 1720 to the Academy of Arts in Paris, the Venetian inaugurated a style which art history would remember as “French pastel painting”. She portrayed the Dauphin Louis XV in this style, inspiring French Rococo portraitists, from MauriceQuentin de la Tour to Elisabeth-Louise Vigée-Le Brun. Her 1721 meeting with Antoine Watteau resulted in the painters’ portraits of one another, a “Confrontation at the Vertex of Rococo Art”. With this, Rosalba resolved to return to Venice where she lived with her sisters Giovanna and later Angela, upon the loss of her husband painter Giovanni Antonio Pellegrini. Rosalba Carriera was courted by Europe’s leading men, among whom Count Christian Ludwig II von Meckenburg-Schwerin, the King Frederick IV of Denmark, as well as the Prince-Elect of Bavaria Max Emmanuel II. The most assiduous concomitants were the Prince Elects of Saxony, Frederick August I (“The Strong”) and his son, Frederick August II, who would collect over 150 of Carriera’s works to hand in the halls of his Dresdan palace. In 1723 she was sent to Modena by Count Rinaldo d’Este, with the task of painting not only the commissioner of the works himself but also his three daughters as well as a series of court members. In 1730 she visited the Viennese court of Emperor Charles VI in order to paint the imperial family, deliberately rendered more attractive, causing the emperor to joke, “She may very well be talented but , but she is lacking in beauty!” In her self-portraits Rosalba Carriera does nothing to flatter herself: from her self-portrait painted at the beginning of her artistic career in which she is shown holding a portrait of her sister (1715), to the allegory for Winter painted at her climax (1731), to her last selfportrait, in which she allows her suffering to transpire in the eyes( 1745), the artist renders the reality before her perfectly. The portraitist to the courts of Europe during the rococo period spent her last years in total blindness. 55 56 Rosalba Carriera Die europäische Hofmalerin des Rokoko Rosalba wird 1675 als älteste von drei Töchtern des Hausverwalters Andrea Carriera und seiner Ehefrau, der Stickerin und Spitzenmacherin Alba Foresti, in Venedig geboren. Als sie Zeichentalent erkennen läßt, kommt sie zu Guiseppe Diamantini und Antonio Balestra in die Lehre. Die Aquarellminiatur- und Pastellmalerei erlernt sie bei Felice Ramelli. Schon bald sind Miniaturbildnisse von Rosalba Carriera – Portraits und Allegorien auf Schnupftabakdosen und Medaillons – sehr geschätzt. Um 1703 entdeckt sie für sich – und ihre Zeit – die Pastellmalerei, die sie bald perfekt beherrscht. Auf die Nachfrage nach ihren, in dieser Technik geschaffenen religiösen, allegorischen und mythologischen Halbfigurendarstellungen reagiert die Malerin, in dem sie ihre beiden Schwestern Giovanna und Angela einstellt, junge Malerinnen als Schülerinnen und Gehilfinnen aufnimmt. Die eleganten, trotz möglicher Zugeständnisse charakterisierenden Porträts in den zarten, hellen Farben treffen mit ihrer samt- und perlmuttartigen Oberflächenwirkung den sensiblen Geschmacksnerv des Rokoko. Seit 1705 ist Rosalba Mitglied der Accademia de San Luca in Rom, später auch der Accademia Clementina in Bologna. Ab 1715 lässt sie den einflussreichen Kunsthändler Pierre Crozat für sich arbeiten. 1720 an die Pariser Kunstakademie berufen, initiiert die Venezianierin das, was später als französische Pastellmalerei in die Kunstgeschichte eingeht. In diesem Stil porträtiert sie Ludwig XV. als Dauphin, und inspiriert die französischen Porträtmaler des Rokoko – von Maurice-Quentin de la Tour bis zu Elisabeth-Louise Vigée-Le Brun. 1721 trifft sie Antoine Watteau – sie zeichnen sich gegenseitig. Ein Gipfeltreffen der Rokokomalerei! Dann kehrt sie nach Venedig zurück, wohnt mit ihrer Schwester Giovanna zusammen, nimmt später auch Angela auf, als diese zur Witwe des Malers Giovanni Antonio Pellegrini wird. Rosalba Carriera wird in ganz Europa hofiert. Zu ihren Auftraggebern zählen Herzog Christian Ludwig II. von Mecklenburg-Schwerin, der König Friedrich IV. von Dänemark und Kurfürst Max Emanuel II. von Bayern. Die meisten Bilder bestellen die Kurfürsten von Sachsen, Friedrich August I. (der Starke) und sein Sohn Friedrich August II., in deren Gemäldegalerie zu Dresden über 150 Pastelle von Rosalba Carriera landen. 1723 lädt sie Herzog Rinaldo d’Este nach Modena ein, um seine drei Töchter, sich selbst und eine Reihe von Hofleuten porträtieren zu lassen. 1730 geht sie an den Wiener Hof von Kaiser Karl VI., um dessen Familie gehübscht zu malen und sein Bonmot-Opfer zu werden („Begabt mag sie ja sein, aber hübsch ist sie nicht.“). In ihren Selbtporträts beschönigt Rosalba Carriera nichts – von der Selbstdarstellung am Beginn ihrer Karriere, das Porträt ihrer Schwester in der Hand haltend (1715), über die Winter-Allegorie auf dem Höhepunkt ihrer Künstlerlaufbahn (1731), bis zu ihrem letzten Selbstporträt, auf dem sie ihr beginnendes Augenleiden durchblicken lässt (1745). Ihre letzten Jahre verlebt die europäische Hofmalerin der Rokokozeit vollkommen erblindet. Fonte visiva: Autoritratto con ritratto della sorella Visual source: Self-portrait holding portrait of her sister Bildreferenz: Selbstporträt mit Porträt ihrer Schwester 1715 (Uffizien Florenz) 57 Questione d’identità A Question of Identity Die Frage der Identität Myriam Zerbi 58 I am Irene Andessner. E’ una questione d’identità, identità trasformata e ribadita ad ogni mutazione, in continua metamorfosi, che si rimette in gioco intrecciata a storie del passato. L’identificazione con altre donne è ripercorrere tappe dell’eterno femminino, sulle tracce vitali di esistenze che hanno lasciato segni del loro passaggio, è un gettare un ponte sull’abisso che divide l’oggi dal tempo che fu. Il viaggio veneziano della Andessner è un penetrare in dieci condizioni esistenziali femminili, conoscere e appropriarsi della materia di vita di dieci antiche figlie della Serenissima che, invitate dall’artista austriaca, entrano nella stanza degli Uomini Illustri del Caffè Florian per tramutarla in Sala delle Donne Illustri. Lo sguardo dell’uomo, di Marco Polo, di Enrico Dandolo, di Tiziano, di Goldoni, di Benedetto Marcello, di Palladio, storici protagonisti della Repubblica del Leone schermati dalle presenze femminili, benché celato, permane in quello delle dame dimenticate, la dogaressa Morosini, la cortigiana-poetessa Veronica Franco, la pittrice Rosalba Carriera, la musicista Barbara Strozzi, la regina di Cipro Caterina Cornaro, la prima donna laureata al mondo Elena Piscopia, Moderata Fonte, la letterata di fine Cinquecento che rivendica i diritti del sesso debole. Tutte insieme si ritrovano al Florian a dialogare tra loro e con il pubblico dei nostri giorni. La donna artista, per mezzo del suo corpo, ripete l’atto della creazione, infonde sostanza di vita in esseri trascorsi e, appropriandosi di una forma e di un nome, li rianima. “Mascha”, strega medievale, spirito magico o sciamano, richiama in vita, reincarnati in sé, ritratti ripescati dall’oblio, attraverso un’operazione artistica che ha l’aspetto di un rituale. Impersonare è mettersi una maschera, il termine stesso “persona” è per i latini una maschera, un volto che serve per dissimulare la personalità o invece riuscire ad esprimerla con più forza per mezzo del “diverso da sé”. Un grande rigore intellettuale e una progettualità dove nulla è lasciato al caso nel lavoro di Irene Andessner e del suo efficientissimo team concorrono a produrre l’incantamento. Fuori del tempo personale, trascendendo lo spazio, l’artista diviene l’altra, assumendone i connotati e, mentre lo spirito di ogni “persona” rappresentata impregna di sé l’artefice, questi aliena la propria personalità per forgiare e plasmarsi in una nuova creatura, che vive delle due differenti nature. Evoca realtà proprie di colei che è richiamata e che, con nuova fierezza, volge gli occhi nella stessa direzione del suo corrispettivo maschile. Sostenendone lo sguardo. Il trucco, l’acconciatura, il costume, tutta la preparazione del set in cui avverrà la mutazione ha la valenza di una danza rituale che prelude all’atto creativo. Dal crogiolo del fare artistico, scintille di creatività e i raggi dei riflettori, come l’alone della luna che si pensava avesse potere fertilizzante, rivelano nuove creature. Regista, sceneggiatore e attore, attivatore di processi di conoscenza oltre che estetici, usando il suo corpo come linguaggio, Irene Andessner si fa creatrice di nuove entità che la fotografia, la più realistica delle arti e insieme potente mezzo di finzione scenica, riscrive con la luce. Le assenze ritornano ad essere presenze in tableaux vivents di forte impatto. La metamorfosi è colta nel momento dell’accadimento, nell’atto che segue la rivelazione, nella scoperta di un’inedita apparenza “altra” impregnata di passato e presente come di realtà e di artificio, in una sorta di sospensione delle passioni data dall’aver oltrepassato il confine percettivo che separa l’identità corporea della Andessner e il corpo degli altri esseri in via di trasmutazione. Il travestimento e l’ambiguità visiva dell’apparente sono terreni fluidi in cui si muovono protagonisti della scena artistica contemporanea mondiale, dai giapponesi Mariko Mori e Yasumasa Morimura a Luigi Ontani e dall’ americana Cindy Sherman ai francesi Pierre e Gilles e ai newyorkesi Tony Oursler e Andres Serrano, solo per citare alcuni esempi. L’autoritratto come spazio d’indagine, stillante di pulsioni e di emozioni, campo magnetico, teatro di battaglia, agito fino alla cancellazione e alla negazione da Arnulf Rainer, suo maestro all’Accademia di Belle Arti di Vienna, è il primo topos con cui la Andessner dipingendo si confronta, scoprendo un sé che muta nella notte, privato del maquillage e del glamour dei costumi da indossatrice che velavano il suo io nelle giornate di lavoro. Scesa dalle passerelle calcate del mestiere della moda, dove il vestito veste travestendo, Irene Andessner ha assunto sé stessa come mannequin di un percorso artistico all’insegna del trasformismo, sondando cammini diversi che l’hanno condotta a divenire performer di narrazioni in cui i personaggi femminili che incarna assumono la valenza di icone. Superata la soglia che, attraversata, permette all’identità di incontrare l’alterità e di potenziarsi, il corpo, oggetto di manipolazione alchemica, riverbera sfaccettature di verità nei corpi inventati e ritrovati. Luogo privilegiato di ogni possibile scenario esistenziale, palcoscenico che accoglie soggetti e trame, si va colorando di sfumature di sembianze e di vite. Donna luna, e come tale continuamente in movimento, nelle Donne Illustri al Florian, con un colpo d’ala Irene Andessner si svincola dall’obbligo della mimesi: mentre il busto delle Donne Illustri rispecchia, ricontestualizzati, ritratti e descrizioni d’epoca, a testimonianza dell’aspetto tramandato dalle fonti e dalle stampe, la parte inferiore del corpo è un mix sorprendente e futuribile di pelle, jeans, materiali tecnologici, che immettono il personaggio nell’adesso e ora sbalzandolo dagli onori politici o accademici alle mode delle vetrine urlanti e dei manifesti pubblicitari delle nostre strade in un cortocircuito di senso di penetrante intensità. Lo shock visivo prodotto dall’esperienza dell’ibrido e dall’ambiguità percettiva diventa provocazione carica di ironia. “La mente ha corridoi che vanno oltre lo spazio naturale” scrive Emily Dickinson e, se per capire in modo più profondo e completo la realtà c’è sempre bisogno di immaginarla, il racconto che si struttura, passaggio dopo passaggio, attraverso il personaggio Irene Andessner, rilegge trame cadute per noncuranza nel dimenticatoio. Con l’intenzione non di “restituire le donne alla storia, ma la storia alle donne”, come dichiara il famoso enunciato della storica americana Joan Kelly. I am Irene Andessner. It is a question of identity, an identity transformed and repeatedly reconfirmed with each new disguise and metamorphosis, an identity that reinvents itself through the enactment of stories of the past. The identification with other women is retracing the steps of womanhood following the vital signs of others who have left behind signs of their passage, thus building the bridge between the past and the present. Andessner’s Venetian journey traces the process through which the Austrian artist meets and appropriates the lives of ten different female lives, those of the daughters of the Serenissima. Invited by the artist, they enter the room of Illustrius Men and transform it into the room of Illustrious Women. The gaze of the man, of Marco Polo, of Enrico Dandolo, of Titian, of Goldoni, of Benedetto Marcello, of Palladio, historical protagonists of the Republic of the Lion screened by the female presences, albeit hidden, endures in the eyes of the forgotten women: the dogess Morosini, the courtesan-poetess Veronica Franco, the painter Rosalba Carriera, la musician Barbara Strozzi, the queen of Cyprus Caterina Cornaro, the world’s first university graduate Elena Piscopia, Moderata Fonte, the sixteenth century writer who claims the rights of the weaker sex. Together they meet at the Florian to converse amongst themselves and with the public of our days. The woman artist, by means of her body, repeats the act of Creation, gives substance and life to beings of the past and, by appropriating a form and a norm, reanimates them. “Mascha”, the medieval witch, magical spirit or shaman, brings back to life, reincarnated in herself , portraits dredged from the oblivion. To impersonate is to put on a mask, the term “persona” meant “mask “ to the Latins; a face used to conceil a personality or else to express it more deeply by means of the “other than self.” With great intellectual rigour and a project where no matter is left to chance, Irene Andessner and her efficient team vie to create enchantment. Far from her own time, transcending space, the artist becomes the other, assuming its features and, though the spirit of each “persona” represented impregnates the artist, she alienates her own personality to forge a new creature, moulding herself into this new being who participates in its dualistic natures. She evokes the reality of the one to whom she has given new life. With new pride, she turns her eyes in the direction of her male counterpart, sustaining his gaze. The makeup, the hairstyle, the costume, the cosmetic work, all of the preparation on the set in which this mutation will unfold has the importance of a ritualistic dance which preludes the creative act. From the melting pot of artistic work, sparks of inspiration and reflector rays, like the moon’s halo that was once thought to bring fertility, reveal new beings. Director, and activator of thoughts which go beyond aesthetics , using her body as language, Irene Andessner becomes the creator of new entities that photography, the most realistic of the arts and both powerful means of visual fiction, rewrites with light. The absences turn to presences in high impact tableaux vivents. The metamorphosis is caught in the moment in which it occurs, in the act which follows its revelation, in the discovery of the unedited appearance of the “Other” impregnated with the past and the present, reality and artifice, in a suspension of the passions coming from having overstepped the boundary that separates the physical identity of Andessner and the body of the other beings going through transmutation. Transvestitism and visual ambiguity are a fluid terrain, becoming the ideal setting for the protagonists of the contemporary art scene, such as Japanese Mariko Mori and Yasumasa Morimura, Luigi Ontani and American Cindy Sherman, French artists Pierre and Gilles and New Yorkers Tony Oursler and Andres Serrano, to cite just a few. The self-portrait as space for exploration, dripping compulsion and emotion, a magnetic field, a battle ground, reworked to the point of cancellation and negation of Arnulf Rainer, her professor at the Academy of Fine Arts of Vienna, is Andessner’s first topos with which she deals. Through the self-portrait Irene Andessner discovers a self who alters in the night, stripped of the makeup and glamour of costumes which veiled the wearer in her days of work. As descended from the fashion catwalks where clothes dress by disguising , Irene Andessner has hired herself as the mannequin of an artistic path in search of transformation, seeking alternate roads that have brought her to become a performer, the writer of her own stories in which the female figures she incarnates turn to icons. Overcome the threshold which, once passed, allows the identity to meet its alter and to strengthen itself, the body, subject of alchemic manipulation, reverberates the versions of the truth in the creatures invented and discovered. Irene’s body is the site of every possible scenario, a stage which welcomes all subjects and plots, which proceeds by colouring itself with the countless shades of figures and lives. Moon woman continuously in movement, in “Donne Illustri”at the Florian the artist frees herself from the chains of mimicry in the wink of an eye. While her bust mirrors portraits and descriptions belonging to the era of these women, testimonials brought down to us by written sources and prints, her lower body is a surprisingly futuristic mix of leather, jeans, and high tech materials that dismisses the character from political or academic honours throwing her into the here and now to screaming store windows and fashions ads in a sensorial short circuit of penetrating intensity. The visual shock produced by the experience of the hybrid and of the perceptive ambiguity becomes a provocation filled with irony. “The mind has corridors that go beyond natural space” writes Emily Dickinson and, if it is true that in order to understand reality completely we must first imagine it, the story being built, passage by passage, through the personality of Irene Andessner rereads plots carelessly fallen into oblivion “not to give women back to history but to give history back to women,” as Joan Kelly, famous American historian, used to say. 59 60 I am Irene Andessner. Hier geht es um Identität, einer verwandelten und im ständigen Prozess der Metamorphose sich neu hervorbringenden Identität, die auf spielerische Weise stets mit den Geschichten der Vergangenheit verflochten ist. Es geht um einen Identifikationsprozess mit anderen Frauen, rückblickend auf die verschiedenen Etappen des Ewig-Weiblichen, entlang den vitalen Spuren außergewöhnlicher Existenzen, um die Überwindung der Kluft zwischen dem Heute und der Vergangenheit. Die Spuren führen Andessner nach Venedig, wo sie sich der Existenz von zehn Frauenfiguren dieser Stadt annimmt und diese in die Stanza degli Uomini Illustri (Saal der berühmten Männer) des Caffè Florian einlädt, und den Raum dadurch in einen Saal der berühmten Frauen verwandelt. Der männliche Blick, hier des Marco Polo, des Enrico Dandolo, des Tizian, des Goldoni, des Benedetto Marcello, und des Palladio, alles historische Persönlichkeiten der Löwen-Republik, wird nun von den weiblichen Figuren abgeschirmt. Es sind die heute in Vergessenheit geratenen Frauen, wie die Dogin Morosini, die Kurtisane und Dichterin Veronica Franco, die Malerin Rosalba Carriera, die Musikerin Barbara Strozzi, die Zypern-Königin Caterina Cornaro, die Doktorin Elena Piscopia, die Literatin Moderata Fonte, die die Rechte des schwachen Geschlechts geltend machte, die sich heute im Florian versammeln. Durch die Aneignung von deren Aussehen und Namen lässt Irene Andessner diese Frauen wieder erstehen. Wie die mittelalterliche Hexe „Mascha“, ein magischer sowie schamanischer Geist, erweckt Irene Andessner aus der Vergessenheit zurück geholte und sich selbst einverleibte Porträts zum Leben, mittels eines künstlerischen Verfahrens, das rituelle Züge aufweist. Verkörpern heißt, eine Maske aufsetzen. Das lateinische Wort „persona“, von dem wir den deutschen Begriff „Person“ ableiten, bedeutet „Maske“. Es ist ein Gesicht, welches das intime Wesen eines Menschen verstellen kann, es aber auch in einer ausgeprägt intensivierten Form in Erscheinung bringen kann. Die Künstlerin geht in ihrer Arbeit mit intellektueller Strenge und sorgfältiger Planung vor und löst auf diesem Wege beim Betrachter eine verzaubernde Wirkung aus. Sie tritt aus dem Rahmen der persönlichen Zeit heraus und transzendiert den Raum, um zur „anderen“ zu werden, in dem sie ihre Merkmale annimmt. Sie lässt sich von dem Geist der dargestellten Persönlichkeit durchdringen und gibt dabei das eigene Selbst auf. Sie wird zum Substrat für die Gestaltung und Formung eines neuen Wesens, das an den zwei verschiedenen Naturen teilhat. Sie evoziert die Eigenschaften der inszenierten Frauenfigur, die jetzt mit einer neuen Kraft den Blick ihres männlichen Pendants folgen und aushalten kann. Kosmetik, Frisur, Kostüm sowie das Set, auf dem die Verwandlung stattfinden soll, entsprechen einem rituellen Tanz, der einen schöpferischen Akt einleitet. Als konzeptionelle Künstlerin, Regisseurin und Darstellerin, setzt Irene Andessner nicht nur ästhetische, sondern auch kognitive Prozesse in Gang. Dabei setzt sie den eigenen Körper ein, um ihn mit der Fotografie, dem einerseits realistischsten künstlerischen Mittel und andererseits dem wirksamsten Mittel täuschender Inszenierung, zugleich neu zu schreiben. Das Abwesende kehrt mit diesen Tableaux vivants mit starker Wirkung zur Anwesenheit zurück. Die Metamorphose ist im Augenblick des Geschehens festgehalten, und zwar in einem Akt nach der Offenbarung, in dem die Ambivalenz von Vergangenheit und Gegenwart, von Wirklichkeit und Kunstgriff neu geprägten „anderen“ Erscheinung erhalten bleibt. Es findet eine gewisse Einstellung der Leidenschaft statt, durch die Überschreitung der Wahrnehmungsgrenze, welche die Trennung der körperlichen Identität der Andessner von den Körpern der dargestellten Figuren im Prozess der Verwandlung verwischt. Die Verkleidung und die visuelle Zweideutigkeit der Erscheinung sind weltweit Schwerpunkte der gegenwärtigen künstlerischen Szene, mit denen sich die Japaner Mariko Mori und Yasumasa Morimura und der Italiener Luigi Ontani, die Amerikanerin Cindy Sherman und die Franzosen Pierre und Gilles, wie auch die New Yorker Tony Oursler und Andres Serrano auseinandersetzen. Das Selbstbildnis versteht sich hier als Feld der Selbsterforschung, ist emotional hoch geladen, wird zum Beispiel bei Arnulf Rainer (ihrem Lehrer an der Wiener Kunstakademie) bis zur Ausmerzung und Verneinung gesteigert. Es ist das erste Topos mit dem sich die Künstlerin malend auseinander setzt. Sie entdeckt das Selbst, wenn sie sich von Maquillage und Mode befreit, und sich verwandelt wieder findet. Später geht sie in andere Rollen, wird zur eigenen Regisseurin und Performerin, nimmt den Status weiblicher Ikonen an. Sobald die Grenze, welche der Identität eine Begegnung mit der Alterität ermöglicht, überschritten wird, strahlt der Körper, als Objekt der alchemischen Manipulation, Fassetten der Wahrheit in den erfundenen und neu gefundenen Körper zurück. Der Körper wird hier zum vorzüglichen Ort jeglicher möglichen existentiellen Inszenierung, eine Bühne, die Subjekte und Handlungen auf-, und verschiedene Aussehens- und Lebensnuancen annimmt. In der Arbeit „Donne Illustri“ bricht Irene Andessner das historisierende Spiel: Während die Merkmale der Oberkörper der berühmten Frauen den Quellen der Malerei und der alten Druckgrafik entnommen sind und somit auf historisch überlieferte Angaben verweisen, zeigt der untere Teil des Körpers einen überraschenden Mix aus Leder, Jeans und Accessoires, der die Figuren in unsere Gegenwart versetzt, um sie von den politischen bzw. akademischen Auszeichnungen direkt in die Richtung der schreienden Moden der Vitrinen und der Werbeplakate heutiger Straßen zu schleudern. Der durch die Erfahrung der Zweideutigkeit der Wahrnehmung hervorgerufene visuelle Schock ladet sich mit einer provokativen Ironie auf. „Das Denken hat Gänge, die über den natürlichen Raum hinausgehen“, schreibt Emily Dickinson. So ist, um die Realität tiefer und vollständiger zu verstehen, der Einsatz der Vorstellungskraft erforderlich. Die Erzählung, die in verschiedenen Abschnitten durch die Figur Irene Andessners gegliedert ist, stellt die durch Nachlässigkeit in Vergessenheit geratenen Handlungen neu vor, gemäß dem Ziel, „nicht die Frauen der Geschichte zurückzugeben, sondern die Geschichte den Frauen“, wie es die Historikerin Joan Kelly formuliert hat. 61 Il Merito delle Donne The Worth of Women Das Verdienst der Frauen 1600/2003 Condotto e elaborato da Chaired and edited by Moderiert und bearbeitet von Myriam Zerbi Daniela Gaddo Vedaldi 1 Daria Martelli 4 Amministratore unico e proprietaria del Caffè Florian / CEO and Owner of Caffè Florian / Inhaberin und Generalmanagerin des Caffè Florian Scrittrice / Writer / Schriftstellerin Marinella Biscaro 5 Artista / Artist / Künstlerin Michela Vanon Alliata 2 Docente di letteratura inglese all’Università veneziana di Ca’ Foscari / Professor of English Literature at Ca’ Foscari University in Venice / Professorin für englische Literatur an der Universität Ca’ Foscari, Venedig Andra Fuchs 6 Collezionista e mecenate / Art collector and patron / Kunstsammlerin und Förderin 1 2 3 A B Mirva Bertan 3 Irene Andessner A Architetto e responsabile dell’allestimento della mostra “Donne illustri” / Architect of “Donne Illustri” / Architektin der Ausstellung „Donne illustri“ Artista / Artist / Künstlerin 4 Myriam Zerbi B Moderatrice / Chair / Moderatorin Storica dell’arte e giornalista / Art Historian and Journalist / Kunsthistorikerin und Journalistin 5 6 7 Annamaria Orsini Cammarata 7 Storica dell’arte / Art Historian / Kunsthistorikerin 62 nobilissima città di Venezia…è difst noble city of Venice…so different ferentissima da tutte le altre ed è nuofrom all others, a new and miracuL M D va e maravigliosa opera della man di Dio; lous work of the hand of God; and for a o e sì per questo, come per molte rare e sopranaturali eccellenze in nobiltà e dignità avanza tutte le altre città del mondo, così antiche come moderne, onde drittamene può chiamarsi Metropoli dell’universo. La pompa e la grandezza di questa terra è inestimabile, le sue ricchezze non hanno fine, la sontuosità delle fabbriche, la splendidezza del vestire, la libertà del vivere e l’affabilità delle persone quanto sia rara e stimata, non si può immaginar, né descrivere. E cara e stimata Venezia e insieme è amata e temuta; ed è gran cosa come a tutti piaccia l’abitarvi; che ogni persona venga di che luogo esser si voglia, come ad un tratto gusta la dolcezza del suo vivere, par che non se ne sappia più partire. Di qua viene che in lei sono persone de tutti i paesi…qui corre il denaro più che in ogni altro luogo ed è città libera pur come è il mare e senza leggi dà leggi agli altri…Qui a gara i più scelti ingegni in tutte le arti e professioni convengono, tutte le virtù vi regnano, le delizie e i piaceri si gustano, i vizi si estirpano e vi fioriscono tutti i buoni costumi. Negli uomini il valor, senno e cortesia è notabile; la bellezza, accortezza e castità è riguardevole nelle donne… In questa città veramente divina… this, like for its many other rare and supernatural qualities it is far superior in nobility and dignity than any other city in the world, both ancient and modern, that may call itself a Metropolis. The pomp and the grandness of this land is inestimable, its wealth has no end, the sumptuousness of its products, the splendour of its clothes, the liberty of life and the kindness of its people, rare and esteemed, cannot be imagined, cannot be described. How dear and appreciated is Venice, both loved and feared; and it is a great thing that all love to live here; that no matter where one may come from, once having tasted the sweetness of life here, it seems they no longer know how to leave. People from all countries come here…here money flows more than in any other place and it is a free city, like the sea it is without law yet it imposes laws on others…Here the foremost in all arts and professions meet to compete, here all virtues are mastered, all delicacies and pleasures are tasted, vices are eradicated and all good manners bloom. In men of honour, intelligence and courtesy is notable; beauty, sagacity and chastity are considerable in the women…. In this truly divine city… Prefazione di Moderata Fonte alla disputa “Il Merito delle Donne”. Moderata Fonte’s introduction to the dialogue in “Il Merito delle Donne” ie Stadt ist vollkommen anders als alle übrigen Städte und darüber hinaus ein außergewöhnliches, wunderbares Werk Gottes. Daher übertrifft Venedig alle antiken und modernen Städte der Welt an Adel und Würde. Sie unterscheidet sich aber auch wegen all ihrer anderen seltenen und übernatürlichen Vorzüge, weshalb sie sich mit Recht „Metropole des Universums“ nennen kann. Die Pracht und die Größe dieser Stadt sind unschätzbar, ihre Reichtümer unendlich; die Herrlichkeit der Gebäude, die Kostbarkeit der Kleidung, die Freizügigkeit des Lebens und die Freundlichkeit der Menschen – all dies lässt sich weder vorstellen noch beschreiben. Venedig wird geachtet und geschätzt und zugleich geliebt und gefürchtet; es ist etwas Besonderes, dass alle gern hier leben, und jede Person, woher sie auch immer gekommen sein mag, nie wieder weggehen möchte, sobald sie die Süße dieses Lebens gekostet hat. Aus diesem Grund ist die Stadt von Menschen aus vielen verschiedenen Ländern bewohnt… Hier fließt das Geld reichlicher als an anderen Orten, und Venedig ist so frei wie das Meer; niemand herrscht über Venedig, wie Venedig andere beherrscht… Hier versuchen sich die die größten Talente aller Künste und Berufe gegenseitig zu übertreffen, hier herrschen alle Tugenden, man genießt alle sittsamen Vergnügungen und Freuden und die Laster rottet man aus. Die Männer sind von beachtlicher Tapferkeit, Vernunft und Höflichkeit. Schönheit, Klugheit und Keuschheit sind an den Frauen bemerkenswert… In dieser also wirklich göttlichen Stadt… Moderata Fontes Einleitung des „Streitgespräches“ im „Verdienst der Frauen“ Antefatto Preface Vorgeschichte V V I enezia fine Cinquecento, la scrittrice Moderata Fonte inventa un dialogo chiamato Il merito delle donne in cui immagina che, sotto il dogato di Pasquale Cicogna (1585-1595), giunte in gondola in un giardino, vaghissimo e delizioso, sette donne di età diverse, costumi conformi, gentili, virtuose e di elevato ingegno, Adriana anziana vedova, Virginia sua figlia, ragazza da marito, Cornelia giovane sposa, Lucrezia sposata da assai tempo, Elena novella sposa, Leonora giovane vedova e Corinna giovane “single”, diremmo oggi, che si presenta con l’ emblematica impresa libero cor nel mio petto soggiorna, non servo alcun, né d’altri son che mia, decidono di prendersi il tempo e l’occasione di trovarsi insieme in una domestica conversazione, suonando musica (con liuto e arpicordo), cantando e recitando versi. Passano il tempo novellando e ragionando e entrano nel mare vastissimo che non ha riva né fondo dell’argomento “uomini”. Per fare e disfare il mondo con le parole, con il dialogo che diventa dipintura parlante. enice, towards the end of the fifteen hundreds, the writer Moderata Fonte invents the dialogue Il Merito delle Donne (The Worth of Women) in which she imagines that seven women of different ages, of similar customs, gentile, virtuous and of high intellect arriving by gondola meet in graceful and delicious garden under the reign of Doge Pasquale Cicogna (15851595). Adriana, an aged widow, her young married daughter Virginia, Cornelia, a young wife, Lucrezia, long-married, Elena the newly-wed, Leonora a young widow and Corinna, the young “single”, as we would say today, who presents herself with the emblematic phrase, a free heart lives in my breast, I serve no one, I am but mine, decide to take the time and the opportunity to meet in a domestic conversation, playing music (lute and harpsichord), singing and reciting verse. They pass the time telling stories and discussing and enter that sea so vast that it has neither bottom nor shore, the topic of “men.” To create and undo the world with words in a dialogue that becomes a talking painting. m Venedig des auslaufenden 16. Jahrhunderts schreibt Moderata Fonte einen Dialog mit der Überschrift „Das Verdienst der Frauen“, der sich unter dem Doganat von Pasquale Cicogna und somit zwischen 1585 und 1595 abspielt. Sieben Frauen treffen mit der Gondel in einem Garten von entzückender Schönheit ein, um sich einer von Laute und Cembalo untermalten Konversation hinzugeben, und um zu singen und anmutige Verse vorzutragen. Sie sind alle unterschiedlichen Alters und Familienstandes, aber gleichen Blutes und ebenbürtiger Sitten, liebenswürdig, tugendhaft und von hohem Verstand. Es sind sieben Frauen, und die erste von ihnen heißt Adriana, sie ist schon betagt und eine Witwe; die zweite ist eine ihrer Töchter im heiratsfähigen Alter, Virginia genannt; die dritte eine junge Witwe namens Leonora; die vierte, Lucrezia, ist eine seit langer Zeit verheiratete Frau; die fünfte ist die erst seit kurzem verheiratete Cornelia; die sechste, Corinna mit Namen, ist eine junge Single-Frau, die sich mit dem Motto „Ein freies Herz schlägt in meiner Brust, ich diene keinem und gehöre niemandem als mir selbst.“ vorstellt; und die Siebte ist Helena, eine frisch Vermählte. Sie verbringen ihre Zeit mit Erzählungen und Überlegungen und wagen sich auf dieses weite Meer hinaus, das weder Ufer noch Grund hat, indem sie die Thematik „Männer“ für ein Streitgespräch auswählen. Sie bilden und zerstören mit ihren Wörtern eine Welt, so dass ihr Dialog zu einer „sprechenden Malerei“ wird. 63 64 Prologo Prologue Prolog V V V enezia 2003, al Florian, bottega da caffè tra le più antiche e rinomate della città, fondata nel 1720 da Floriano Francesconi all’insegna della “Venezia trionfante”, teatro d’incontri celebri. Nelle stanze che, trasformate dall’arte di Irene Andessner e di Marinella Biscaro vedranno la Sala degli Uomini Illustri trasformarsi nella Sala delle Donne illustri e la Sala Liberty mutarsi in Sala Moderata Fonte, quattrocento anni dopo, sette donne (più due) si trovano ripensando al Dialogo cinquecentesco della letterata veneziana Moderata Fonte, e, partendo dalle frasi che si scambiano le antiche Signore, fanno circolare opinioni su tematiche antiche e moderne in una miscela alchemica di oggi, ieri, di serio e faceto, di profondo e di ironico, continuamente in via di trasmutazione enice, 2003, at the Florian, the oldest and most renown Caffè in the city, founded in 1720 by Floriano Francesconi under the sign “Venezia Trionfante,” a theatre of famous and infamous encounters, we see the Sala degli Uomini Illustri turned into the Sala delle Donne Illustri and the Sala Liberty becoming the Sala Moderata Fonte, transformed by the art of Irene Andessner and Marinella Biscaro. Here, four hundred years later, seven women (plus two) meet to reconsider Moderata Fonte’s sixteenth century Dialogue, and, beginning with the words exchanged by these ancient Ladies, this new generation share their thoughts and opinions on themes both ancient and modern. In an alchemic mix of today, yesterday, of serious and facetious, of profound and of ironic, transmutating. enedig im Jahre 2003 im Florian, eines der ältesten und berühmtesten Kaffeehäuser der Stadt, gegründet im Jahre 1720 von Floriano Francesconi und von ihm „Venezia trionfante“ genannt. In dem Saal der „berühmten Männer“, der durch die Kunst von Irene Andessner in den Saal der „berühmten Frauen“ verwandelt wurde und im „Liberty-Saal“, der durch Marinella Biscaro in einen „Moderata FonteSaal“ verwandelt wurde, treffen sich sieben (plus zwei) Frauen. Sie denken über die Erzählung Moderata Fontes nach und entwickeln, von den Gesprächen der antiken Damen ausgehend, eigene Gedanken über alte und neue Themen. Dies erfolgt in einer alchemistischen Mischung von Gestern und Heute, von Ernst und Spass, Tiefgang und Ironie und in steter Verwandlung. Il Merito delle Donne 2003 Myriam Zerbi: riunite in lieto conversare vi leggo un pot pourri di frasi prese dal Dialogo Il merito delle donne. Ove chiaramente si scuopre quanto siano elle degne e più perfette degli uomini. Un collage di pensieri di donne antiche…che risuona a tratti così attuali… Contro gli uomini Leonora inizia affermando: ogni porta ha il suo battitoio. Sui mariti: tra i mariti c’è chi è geloso, chi traditore, o dedito al gioco, ci sono quelli rabbiosi che gridano e picchiano, c’è l’avaro, c’è il carnefice crudele; le mogli non hanno riposo se non quando egli va fuori di casa. Sugli amanti: gli amanti se sono sbarbatelli sono superbi, leggeri e volubili, falsi, insolenti, sfacciatissimi, non hanno né pazienza né discrezione, falsi e perfidi, buoni solo, dice Cornelia, per potersi servire di loro come un ventaglio di piume che non è buono se non da far fresco l’estate. Gli amanti maturi sono superbi, vanagloriosi, ingannatori e pieni di insidie. I vecchi, hanno mangiato il fior della loro fama e non è avanzato altro in loro che crusca o semola. Sono gelosissimi, sospettosi, avari. Gli uomini, (tutti) son senza regola nei loro appettiti, hanno parole dolci e poi son tutti veleno tanto che per loro non basterebbe tutta la teriaca che fanno gli speziali, né tutta la virtù terapeutica che è nel corno dell’alicorno. Corinna afferma: negli uomini si trova onestà come il sangue nei morti. Oh se gli uomini ci sentissero un poco a far questi ragionamenti… vari saggi ed è stata tradotta all’estero, attirando sia le specialiste sia le comuni lettrici. In che cosa consiste l’attrattiva di questo antico testo? Certamente l’opera interessa per la sua tematica, che anticipava i tempi e che appare in consonanza con la nostra epoca e con la nostra società, pervasa dai principi del femminismo. Negli anni Settanta, del testo appena riscoperto fu fatta una lettura politica. La conversazione rappresentata ne Il merito venne interpretata dalla sua scopritrice, Anna Jaquinta, come un “tentativo di autocoscienza”, la pratica adottata dalle femministe, che si riunivano in gruppi per parlare del loro privato in chiave politica, analizzando la condizione femminile, secondo il principio che “il privato è politico”. Il Dialogo continua ad affascinare le donne di oggi non solo per i suoi contenuti, ma anche per il modo in cui si svolge. Moderata Fonte mette in scena una conversazione tra amiche, che, nella casa e nel giardino di una di loro, si confidano le loro esperienze personali, riflettono e scherzano, con un linguaggio leggero e concreto. Parlano degli uomini, secondo il tema che si sono date, ma divagano continuamente, affrontando vari argomenti, come la cultura e l’arte del tempo, il costume e l’aspetto urbanistico di Venezia, in una conversazione domestica, secondo la definizione di Moderata Fonte, ERMELLICNO Prima morte, che macchia A S I T À Daria Martelli, ci racconta un po’ di Moderata Fonte e del suo Dialogo? Daria Martelli: L’incontro di oggi può essere un’occasione per riflettere sulla singolare “fortuna” di questa scrittrice del tardo Rinascimento veneziano, “fortuna” nel senso di successo che un autore ha presso i suoi contemporanei e presso i posteri. Quando era in vita, nella seconda metà del Cinquecento, Moderata Fonte era nota e apprezzata come autrice di opere poetiche, scritte nel gusto del tempo, composizioni che a noi non appaiono molto notevoli. Invece la sua opera maggiore per valore letterario e per originalità, il dialogo in prosa Il merito delle donne, fu terminata il giorno prima di morire di parto, nel 1592. A quel tempo il parto era un’esperienza molto rischiosa, tanto che, secondo l’uso, le donne facevano testamento prima di affrontarlo. L’opera, pubblicata postuma nell’anno 1600 e non più edita, fu ben presto dimenticata insieme con la sua autrice, che scomparve dalla storia della letteratura. Dopo quattro secoli di oblio Il merito delle donne fu riscoperto negli anni Settanta del secolo appena concluso, nell’ambito del movimento femminista, quando suscitò grande interesse. Un interesse che è andato crescendo nei decenni seguenti, infatti l’opera è stata oggetto di come le donne hanno sempre fatto e continuano a fare. In questo dialogo, “mutatis mutandis”, le donne di oggi riconoscono le proprie relazioni amicali, la propria vita quotidiana, avvertendo una consonanza tra il proprio modo di essere e quello rappresentato da Moderata Fonte. La riscoperta di questa scrittrice, come di altre, negli anni del femminismo, significò il recupero di una cultura e di una storia delle donne che erano state cancellate, facendo apparire il genere femminile inferiore, un genere che non avesse mai espresso personalità notevoli. Colmando il vuoto storico e culturale che fin allora le donne avevano avuto alle spalle, si fondava una genealogia e un’identità di genere, premesse per conquistare l’autostima, l’orgoglio di essere donne. Nel caso di Moderata Fonte, non si recuperava solo una scrittrice, una donna che aveva elaborato ed espresso un suo pensiero originale, ma anche una scrittrice che si era posta dal punto di vista femminile ed era stata consapevole della condizione della donna, tanto da apparire una “femminista ante litteram”. Per questo Moderata Fonte assume un valore simbolico. Myriam Zerbi: Riprendiamo le parole del Dialogo Corinna: essi (gli uomini) nacquero dall’insensata terra perché noi poi nascessimo della viva carne… prima si gettano le fondamenta in terra di niun valore o vaghezza e sopra vi s’ergono poi le sontuose fabbriche con gli adorni palagi. Apprezzando la raffinatezza con cui è definita la superiorità delle donne essendo nate queste da viva carne, e non dal fango, da cui era stato plasmato l’uomo, chie- diamo a Mirva Bertan di parlarci dell’architettura al tempo del Dialogo. Pensando al periodo di Moderata Fonte e al lavoro di Irene Andessner ho fatto subito un collegamento con l’architetto che più ha costituito in quell’epoca il momento di cambiamento e cioè Andrea Palladio, presente con il suo ritratto nella galleria degli Uomini Illustri del Florian. Pur non avendo lavorato molto a Venezia città, ha lavorato moltissimo per la nobiltà veneziana nell’entroterra. Il periodo di Moderata Fonte e di Palladio è un periodo di grandi mutamenti urbanistici, a Venezia si stanno definendo gli spazi pubblici che daranno l’attuale fisionomia della città, si sta costruendo il Ponte di Rialto, di cui si parla anche nel Dialogo, per il quale Palladio aveva realizzato un progetto. Palladio è l’architetto che meglio interpreta le necessità di una parte della nobiltà veneziana, arricchitasi con i commerci sul mare e, consapevole dello spostamento del polo commerciale dal Mediterraneo all’Atlantico dovuto alla scoperta dell’America, di investire non più solo nei commerci di mare ma passare ad una “pietrificazione della rendita” cioè investire in case d’affitto ed in possedimenti in campagna. Palladio, usando stilemi classici, rivisti nelle dimensioni e soprattutto nei materiali, che sono per necessità molto più poveri di quelli dell’antichità, da’, attraverso la costruzione di ville molto semplici ma al corpo mio allo stesso tempo evocative nella forma e nei materiali, come un’investitura, quasi divina, e una nuova identità ai nobili veneziani che vanno per la prima volta nel contado a gestire aziende agricole e a godere “la villeggiatura”. Muta quindi identità ai veneziani che decidono di misurarsi in un’altra realtà. Irene Andessner nei suoi lavori prende sempre nuove e diverse identità pur restando sempre sé stessa. Il suo lavoro gira sempre intorno all’identità, tematica che si ritrova in molti artisti contemporanei anche di paesi non europei, dove l’identità può essere anche data anche da un semplice documento in cui viene ufficialmente decretato e riconosciuto : “Tu sei questo”. Tu Irene sei certamente passata oltre e stai facendo sull’identità un lavoro diverso. Irene Andessner: Sì, alcuni mi dicono che mi immedesimo nella personalità altrui, rimanendo allo stesso tempo me stessa. Annama ria Orsini Cammarata: Riflettendo sul tuo “essere artistico”, Irene, mi sembra che tu voglia fare della tua vita e del tuo corpo la tua opera d’arte. E’ così? Irene Andessner: Be’, non sono io a poter asserire una tal cosa di me stessa. Io faccio solo il mio lavoro. Penso che se davvero fossi un’opera d’arte, non potrei neanche esserne consapevole fino in fondo. È un po’ come per i matti. Il fatto stesso di riflettere sull’essere matti in realtà esclude la pazzia. Annamaria Orsini Cammarata: no, no, non sto dicendo questo… 65 FENISCE Sola vivomi ogn’or, muoio e rinasco O L I T U D I N E 66 Irene Andessner: dico che non posso dire di essere un’opera d’arte perché se dicessi una cosa del genere non potrebbe essere vera. Se qualcuno vive senza dire “io sono matta” o “io sono un’opera d’arte” allora si che forse è davvero una matta o una vera opera d’arte. Io di me non posso dire che sono un’opera d’arte. Faccio il mio lavoro senza aver voglia di essere “qualcuno”, con il mio lavoro io mi diverto, amo molto farlo, devo farlo, ho un impulso naturale a seguire il mio percorso artistico. Annamaria Orsini Cammarata: Penso, invece, e confesso con sacro terrore, a ciò che una donna-artista, come la Orlan, fa del proprio corpo: lo getta in un’avventura di mutazione attraverso una serie di inusitate operazioni di chirurgia plastica che le danno un’altra identità, trasformandola in un altro da sé, nella ricerca di un’identità nomade e antiestetica. Myriam Zerbi: a proposito di identità, anche lo pseudonimo rientra in un discorso di identità, Daria Martelli perché, secondo te Modesta dal Pozzo ha voluto adottare uno pseudonimo? Daria Martelli: Moderata Fonte si chiamava un realtà Modesta Pozzo e assunse lo pseudonimo quando incominciò a pubblicare i suoi libri. Molti scrittori di ogni tempo, anche dei nostri giorni, hanno adottato un altro nome, ciascuno per una propria ragione. L’autrice del Dialogo non dice quale fu la sua. Lo zio, NicoIò Doglioni, che ci ha lasciato una breve biografia di Moderata, afferma che la scrittrice assunse lo pseudonimo “per rispetti convenienti” a una “donzella”, qual era quando incominciò a farsi conoscere con le sue opere. Le ‘donzelle” veneziane del tempo erano quasi sempre segregate in casa e le rare volte che uscivano dovevano coprirsi il volto. Dunque, secondo l’interpretazione di Doglioni, Moderata avrebbe celato la sua identità per riserbo, per nascondersi. Questa scelta può avere un’altra spiegazione. In un tempo in cui tutte le donne traevano la loro identità da un uomo, essendo “la figlia di”, “la moglie di’, “la madre di”, lei scelse un’identità fondata sul proprio valore. Anche se nei documenti risulta come Modesta “moglie di Filippo Zorzi”, come scrittrice è Moderata Fonte e vale per sé e per le sue opere. Michela Vanon Alliata: Appare curiosa la scelta di questo pseudonimo, che in fondo non si allontana tanto dal nome originale, di fronte alla libertà dei suoi scritti che preannunciano e precorrono tempi moderni, un nome che sembra denotare una sorta di pudore. Daria Martelli: Modesta diventa Moderata e Pozzo diventa Fonte; mentre la modestia, quella delle “donzelle”, ha un significato morale, la moderazione è spirituale e intellettuale. E il pozzo che è acqua... Daria Martelli: L’acqua sorgiva ha dei significati simbolici di inizio, nascita, di crescita, di alimentazione, di vita. Nello scegliersi una sua identità lei si è data simbolicamente tutti questi significati. Non ci lascia spiegazioni sul suo pseudonimo ma io l’ho interpretato così. E poi, nel mezzo del giardino meraviglioso in cui si svolge la conversazione delle sette donne, c’è una fontana, questa è sicuramente lei, l’affermazione simbolica della sua scelta. Myriam Zerbi: A proposito di nomi, in Italia noi donne oggi possiamo mantenere anche da sposate il nostro nome “da ragazze” e aggiungere, facoltativamente, il nome del marito al nostro, come ad affermare chi siamo e con chi siamo, mentre ci sono società occidentali progredite e lingue come quella francese dove la moglie non è che Madame Nome e Cognome del marito. Trovo questa modalità di grande violenza psicologica, non solo essere costrette a cambiar cognome, ma ad assumere anche il nome di battesimo del consorte sparendovi totalmente dietro senza alcuna distinzione. Un francese che si risposasse una miriade di volte avrà sempre accanto a sé Madame (suo di lui) Nome e Cognome e nulla cambierebbe per la società. Com’è la situazione in Austria? Andra Fuchs: In Austria è possibile decidere il cognome che la nuova famiglia adotterà. Ciononostante ad esempio mia figlia lo scorso anno ha optato quasi automaticamente per il cognome del marito senza in pratica neppure porsi la questione. Per lo più infatti si segue la tradizione familiare. Ma di certo non è la tradizione a decidere della mia identità. Secondo Goethe in fondo il nome non è che suono e fumo. Annamaria Orsini Cammarata: Riportando il discorso sul Dialogo mi piace ricordare l’accurata descrizione che Modesta-Moderata fa del giardino in cui si svolge il convegno: un giardino all’italiana con tanti verdissimi arboscelli; con le sue piante tagliate secondo la maestria dell’ “ars topiaria” in forma di piramide, di fungo o di melone; le aiuole di composizione geometrica; i vasi di cedri; le ordinatissime siepi di bosso; i pergolati di odorosi gelsomini… ma anche un giardino “venezianissimo” perché rimirante l’acqua, il sogno di “un giardino in mezzo al mare” come direbbe Henry James. La varietà linguistica, la minuzia descrittiva rivelano un’attenzione per le cose del mondo, una grazia d’animo, una sottigliezza, che sono tipicamente femminili; quasi un aereo richiamo… Michela Vanon Alliata: il giardino è anche il luogo felice, nella tradizione del “locus amoenus”, dell’ “hortus conclusus”… Michela Vanon Alliata: quasi stagnante, certo… Daria Martelli: Moderata mette amore nella descrizione… Daria Martelli: diventa “fonte” Annamaria Orsini Cammarata: un piacere così raro… Michela Vanon Alliata: una fontana zampillante, bella, viva. Daria Martelli: Le donne che prendono parte alla conversazione dicono che è un paradiso… Annamaria Orsini Cammarata: in questo leggiadro e vaghissimo giardino… Daria Martelli: e aggiungono che in quel luogo si trovano tanto bene perché non vi sono uomini… Annamaria Orsini Cammarata: certo, loro inizialmente sono dentro casa e guardano il giardino dall’alto, poi vi scendono felici, come a conquistarsi uno spazio che è possibilità di libertà, di godimento… Irene Andessner: senza uomini. Myriam Zerbi: Sentiamo cosa Moderata Fonte fa dire a Elena Elena: noi (donne) siamo di tale natura dove non domina alcuna ferocità, per non vi aver molto luogo la collera e il sangue, riusciamo più umane e mansuete e meno inclinate ad eseguire i nostri desideri, dove all’incontro gli uomini, di complession calda e secca, signoreggiati dalla collera, essendo tutti fiamma e fuoco, sono anco più inclinati ad errare e manco si ponno astenere da i loro disordinati appetiti… impazienza immoderata nelle loro voglie intemperate ed ardenti, sì nelle carnalità come in ogni altro loro desiderio il quale in loro è di tanta forza che ai sensi sottopongono la ragione… Daria Martelli: In questo passo Moderata Fonte segue le conoscenze scientifiche del tempo. Non dimentichiamo che l’autrice è una donna di grande cultura. Spesso Moderata denuncia i condizionamenti culturali, i divieti e i limiti imposti alle donne, come la mancanza di istruzione, e in questo la sentiamo molto vicina. Ma, secondo la cultura del suo tempo, definisce anche che cosa le donne e gli uomini sarebbero “per natura”. Non si può dire che cosa siamo “per natura” e che cosa “per cultura”. Oggi rivendichiamo come un valore non solo la differenza tra donne e uomini, ma anche la differenza tra donna e donna. Ogni donna, sciolta dai condizionamenti e libera di esprimersi, è diversa dalle altre, per la varietà e la ricchezza del genere femminile. Credo che le donne abbiano enormi risorse interiori, che hanno appena incominciato a esprimere, con risultati già sorprendenti. Col tempo si vedrà quanta potenzialità è nel genere femminile, represso per tanti secoli. Myriam Zerbi: Il sacerdote gesuita Anton Giulio Brignole Sale (1605-1655), poeta e prosatore, figlio del doge genovese Gian Francesco scriveva: Ad una femmina scienze? Perchè? Perchè sappia? Che? Dir bene? No, bensì far male! Non credere perchè cose buone ella studi, migliore ne divenga. La femmina è composta sol di malizia. Tanto più squisiti cibi le dai, tanto più malvagi umori le accresci. Nessuno infatti, che abbia cervello quanto un’oca, vorrà mai prendere per moglie chi abbia questo orribi- lissimo dono del sapere, peggiore in una donna che una gobba, un fetor di fiato, un guerciume. Femmina letterata per moglie? Misericordia! Venga pur più tosto Lucifero, che avrem più pace! dovendo star essi bassi e umili, vedete come s’innalzano, come ci soprastano contra ogni ragione e ogni giustizia. Lucrezia: vuoi far fare cervello ad un uomo? Dagli moglie. E ancora trecento anni dopo, Grazia Livi, una scrittrice toscana dei nostri tempi scrive in “Donne senza cuore”: io l’intelligenza la dovevo nascondere “non ti far vedere troppo intelligente!” le raccomandava sua madre, “Come fosse una protuberanza da nascondere con i capelli”. Parlando di matrimonio ci sono diversi modi di sposarsi, ci si sposa per amore, per mutuo soccorso, per interesse, per interessi o… per arte, vero Irene? Daniela Gaddo Vedaldi: Io vedrei una cosa che rivela una differenza tra uomini e donne, il fatto ad esempio che una riunione come questa che stiamo facendo oggi difficilmente può realizzarsi tra uomini. Loro si ritrovano insieme per parlare, ma di cose diverse, su un altro piano e con una sensibilità differente… Irene Andessner: Gli uomini si raccontano le loro storie e oltre a quelle reali fantasticano inventandosene non poche sulle donne. E discutono animatamente se Don Giovanni fosse da considerare uno stupratore o un artista della seduzione oppure se vada interpretato da chi legge le sue Memorie come un ibrido faustiano. Ed è sempre su questo piano che spaziano Da Ponte, Casanova, Goethe, Cagliostro, Goldoni e via dicendo. Daniela Gaddo Vedaldi: credo che tra uomini ci sia sempre una comunicazione che rimane un po’ in superficie, mentre tra noi donne riusciamo a scavare di più, siamo più disposte ad aprirci e confrontarci… Daria Martelli: siamo state sempre abituate a fare così e in fondo anche questo è da considerare un condizionamento culturale. Noi donne di oggi sentiamo famigliare la conversazione di amiche, così come si svolge nel Dialogo di Moderata Fonte, perché le donne hanno continuato per secoli a esprimersi in questo modo… Annamaria Orsini Cammarata: forse è un modo che rappresenta una necessità e un desiderio, la voglia di riunirsi attorno a qualcosa, con leggerezza, ben diversa dalla modalità maschile del discorrere… Daria Martelli: Moderata si esprime con studiata leggerezza e sapiente ironia. Una leggerezza che non è affatto superficialità e permette al discorso di essere profondo. Annamaria Orsini Cammarata: questa è un’arte femminile… “Bisogna nascondere la profondità, dove? Nella superficie.” diceva il grande scrittore Hugo Von Hofmannsthal, ed è ciò che molte di noi spesso si industriano a fare ancora oggi. Irene Andessner: ... O anche per “amore dell’arte” come Arnim Dietrich ha definito questa opzione quando è diventato mio marito. Io mi sono sposata l’anno scorso con un uomo che di cognome si chiama Dietrich. Allora stavo lavorando ad un progetto artistico su Marlene Dietrich, personaggio in cui “mi trasformavo”. Perché la trasformazione fosse completa avevo bisogno anche di adottare il suo cognome per poter apporre sugli “Autoritratti “ di Marlene la firma “Dietrich”. Così mi sono messa a cercare a Berlino, la città di Marlene, un uomo con quel cognome. Ho scritto a tutti i single di Berlino aventi come cognome Dietrich e quindi ne ho invitati 30 ad una sorta di “casting”. Michela Vanon Alliata: e di questi trenta? Irene Andessner: tre di questi potevano andare bene, ne ho scelto poi uno di 68 anni, mai stato sposato, omosessuale, ma che era il candidato ideale su 30 pretendenti. Gli ho proposto di sposarsi con me con un matrimonio a termine, della durata di un anno facendogli presente che lui mi avrebbe dato il nome di cui avevo bisogno e in cambio sarebbe L diventato famoso in quanto marito di… Marlene Dietrich. Lui ha detto “sono omosessuale, ma questo non fa niente vero?” Mi ha quindi detto che doveva parlare con la sua famiglia della questione. Il giorno successivo mi ha richiamato dicendo che la famiglia non aveva posto impedimenti e che lui era pronto a dire “Si”. Corinna: Ci ingegnamo di parer belle in tutti i modi … poi che siamo nate per allegrar ed adornar il mondo. Annamaria Orsini Cammarata: Sulla bellezza vorrei leggervi una poesia di una donna, la scrittrice Emily Dickinson: “La bellezza non ha causa: esiste. Inseguila e sparisce. Non inseguirla e rimane. Sai afferrare le crespe del prato quando il vento vi avvolge le sue dita? Iddio provvederà affinchè non ti riesca”. E’ evidente che anche Emily, donna tormentata e singolare, in quanto vive l’esperienza dell’isolamento dalla vita come ricchezza e profondità di pensiero, senta la necessità di descrivere la Bellezza; così come la sentono le donne del Dialogo cinquecentesco che, con la loro portavoce Corinna dicono: “Ci ingegnamo di parer belle”. Anche noi oggi dobbiamo ingegnarci di parere belle, ma in realtà la nostra bellezza è qualcosa che desideriamo più per noi stesse che per gli altri, nonostante ci venga imposta dal di fuori… Myriam Zerbi: io trovo interessantissima a proposito di canoni di bellezza imposti l’osservazione che fa la scrittrice e sociologa marocchina Fatema Mernissi a proposito di noi donne occidentali libere ed emancipate rispetto alle musulmane coperte da “chador” o peggio da “burqua”. Afferma che anche noi abbiamo il nostro “velo” e che il nostro velo è la taglia 42, e la necessità di apparire per tutta la vita delle quindicenni, altrimenti anche noi, senza bisogno di essere coperte, diveniamo invisibili per gli uomini. La bellezza in SOLEI SoB loEporR goT aÀme stesso ed a altri luce Michela Vanon Alliata: lo sventurato rispose… Irene Andessner: Ci siamo quindi sposati con una cerimonia in grande stile, con vestito da sposa, fotografie e tutto. Michela Vanon Alliata: Sei ancora sposata con lui? Irene Andessner: Finito il lavoro delle Donne illustri al Caffè Florian vado a Berlino per separarmi. Daria Martelli: non so se ‘per natura” o “per cultura” ma è così. Myriam Zerbi: Oh se gli uomini ci sentissero un poco a far questi ragionamenti… direbbero sicuramente le nostre antenate del Dialogo che comunque non si limitano a parlare di uomini, ma saggiano diversi argomenti, alcuni dei quali ancor oggi ritenuti tipicamente femminili: Myriam Zerbi: Continuo a leggere dal Dialogo Corinna: (noi donne) siamo soggetti più disposti per natura alla pietà e all’amore. Leonora: (gli uomini) essendo inferiori a noi e perciò Come l’estetica: il piede di vitello, posto in decozione per 40 giorni e unito ad acqua ha virtù di scacciare le rughe dalla faccia e lisciar la pelle come di giovane di 15 anni. questo nostro periodo è uno stereotipo fisso da adottare o al quale tentare di avvicinarsi, non è vista come qualcosa di mutevole che cambia ed evolve con il tempo e le situazioni. Annamaria Orsini Cammarata: Dev’esserci una ricerca personale di “questa parvenza d’assoluto” che è la bellezza, che noi tentiamo di fermare come il pittore fa con i tratti del volto quando fa un ritratto; tenta di sottrarli alla ineluttabilità della mutazione, alla possibilità del cambiamento. In un atto d’amore infinito. Forse anche noi compiamo questo atto d’amore nei nostri confronti cercando di fermare questa nostra bellezza che è vaghezza, ma anche tormento e consolazione. Marinella Biscaro: Anche l’incisione in bianco e nero posta nel frontespizio del testo Il merito delle donne può essere stato un atto d’amore verso Moderata, basti pensare alla sua “volontà di essere” nei tempi in cui per le donne c’era poco spazio e scarso riconoscimento sociale. Moderata, che non era affatto una cortigiana, appare invece abbigliata nello stesso modo in cui si vestivano le cortigiane del Cinquecento. Questo in quanto queste si travestivano da gentildonne spacciandosi per tali per conseguire i loro scopi, come appare nelle illustrazioni del libro “Habiti delle donne veneziane” di Giacomo Franco o nel libro a noi contemporaneo “Le cortigiane” di Lynne Lawner. Da qui è iniziata la mia ricerca. Ho deciso di appro- 67 68 fondire il contesto storico, politico e sociale dell’epoca in cui era vissuta Moderata Fonte. Sfogliando i decreti del Senato e le leggi della Serenissima ho conosciuto le regole e i limiti imposti alle cortigiane che erano fortemente sostenute in quanto ritenute un valido deterrente contro la sodomia tra uomini condannata pesantemente dal governo veneziano… Myriam Zerbi: la sodomia continua a terrorizzare i governi ancora ai nostri giorni: negli Stati Uniti qualche anno fa è stata promulgata una legge per la quale questa pratica veniva vietata con punizioni severissime sia tra individui dello stesso sesso che tra eterosessuali. Marinella Biscaro: La Serenissima infatti, al tempo di Moderata, anche per scongiurare questo pericolo dava spazio alle cortigiane creando però una serie di regole entro le quali queste potevano muoversi. Ad esempio era vietato loro indossare le perle, potevano sostituirle con collane in oro ed argento che le imitavano anche se, nei loro “boudoir”, se ne servivano in abbondanza come si vede nei ritratti del Tiziano, di Paris Bordon, di Heintz, del Veronese. E un altro elemento che le carat- FARFALLA Vinta da bella vista S E M P L I C I T À T À terizzava nel sociale era il colore giallo, dovevano avere sempre qualcosa addosso di giallo, il velo e lo scialle giallo le identificava… Myriam Zerbi: il giallo deve avere una valenza particolare se ha finito per identificare i “diversi”. Nell’orrore della Shoah gli ebrei venivano contrassegnati da una stella di colore giallo. Marinella Biscaro: Nel Cinquecento la bellezza femminile trionfava in residenze accoglienti, ed in mezzo a tanti ornamenti raffinati, le cortigiane diventavano modelle portatrici di un messaggio di bellezza. Infatti dagli artisti rinascimentali nasce l’idea fantastica di prendere singole qualità da più persone belle allo scopo di comporre l’ideale di Venere, Flora, Leda, Danae. Nel ritratto di Moderata sono presenti solo alcuni particolari del modo di “apparire belle” al tempo di Moderata, come l’avere i capelli biondi che le donne ottenevano facendoseli schiarire con intrugli vegetali sotto il sole, sulle altane dei tetti veneziani, schermando il viso dai raggi per mezzo di “solane”, sorta di cappelli aperti sul capo e con larghe falde a proteggere il biancore della pelle. Finemente intrecciati e sollevati sulla fronte i capelli venivano acconciati a formare due corni. Le veneziane depilavano anche la fronte per aver la fronte alta e facevano sopracciglia pallidissime, man tenevano la pelle chiara e si tingevano le labbra di rosso (suggerimenti e formule le nostre antenate li trovavano nel Trattato di Trotula, donna medico del dodicesimo secolo e, nel Manoscritto di Caterina Sforza). Myriam Zerbi: leggo un passo molto pertinente da Il merito delle donne. Ci si veste di nero, dice Lucrezia: quasi il negro apporti un non so che di riputazione e onore e le donne si tingono i capelli di biondo, Elena afferma che questo: porge un’aria nobile ed insomma chi ha una bella testa bionda le vien dato il titolo di bella donna. E continuano insieme a disputare di bellezza e Adriana chiede: Ma di quei ricci, quei corni che ne dite? e aggiunge: Un bel viso ha una gran forza per traer gli animi ed accender le viscere… e Cornelia recita: ma spesso il bello annoia e il brutto piace. Marinella Biscaro: Moderata Fonte si presenta coronata d’alloro, onor d’imperatori e di poeti, come dice Cornelia nel Dialogo, simbolo quindi di potere e di eccellenza nella poesia, nella letteratura e attributo della cultura in generale. Una delle differenze tra donne nubili e cortigiane era che le “donzelle” d’onesti costumi dovevano vivere una vita molto ritirata, le cortigiane avevano invece il permesso e l’occasione di girare, di andare in luoghi pubblici come ad esempio il Ridotto, una sorta di Casinò del tempo, e potevano in tal modo incontrare letterati e uomini di cultura. Solo alle donne di condizione sociale elevata era permesso studiare in casa con maestri e precettori, comporre versi ma senza poter potenziare le facoltà indiio stessa m’ardo viduali e allenare la ragione in quanto questo era ritenuto obiettivo prettamente maschile. Per impostare i corretti valori morali delle donne, per tenerne sotto controllo le tendenze naturali ed abituare i loro spiriti alla modestia e all’obbedienza era consigliato di frenare e limitare entusiasmi e desideri di liberazione, ponendo limiti ad ogni aspetto del loro comportamento. Moderata era cresciuta in questo contesto, ma fortunatamente lo zio Nicolò Doglioni la stimolò e la aiutò a farsi una biblioteca, a tradurre i classici, a comporre le sue prime opere. Per Moderata Fonte c’è stato un momento di liberazione che l’ha porta a divenire quello che è diventata in un sistema che ostacolava l’istruzione per le donne. Myriam Zerbi: Troviamo conferma di questo in quello che dicono Corinna e Lucrezia: Gli uomini proibiscono alle donne d’imparar a leggere e a scrivere dicendo che l’istruzione è la rovina delle donne. ma Lucrezia asserisce: E’ bene che noi impariamo a badare a noi stesse senza aver bisogno del loro aiuto e ribatte Corinna: se venissimo istruite sin da fanciulle, supereremmo gli uomini in qualsivoglia scienza ed arte. Marinella Biscaro: Tornando al ritratto di Moderata, dalla fisionomica risulta un’espressione penetrante ed i lineamenti non dolci sottolineano una dimensione interiore turbata. Sono d’accordo con Daria Martelli quando descrive il suo sguardo che va oltre il presente “con malinconica consapevolezza”. Io mi sono immersa nel suo tempo, nella sua vita, nelle realtà del mondo familiare, nelle sue frustrazioni. Il suo volto conserva queste memorie e, solamente dopo aver colto “l’anima del soggetto”, ho potuto prendere in mano il pennello…ed è stato meraviglioso. Poi ho fatto personalmente le foto di Irene perché io, come ritrattista, posso cogliere l’espressione che il soggetto mi trasmette. A quello che il soggetto storico, in questo caso Moderata Fonte, mi trasmette, si unisce quello che il viso di Irene Andessner mi trasmette. Oltre e al di là delle sembianti estetiche, ho cercato di cogliere l’espressività significativa del soggetto. Myriam Zerbi: Sentiamo cosa dicono le nostre antenate sull’amicizia… Quando è vera, niuna cosa è migliore, gli amici si conoscono più nelle avversità e al bisogno spesso è meglio un buon amico di uno stretto parente, la vera amicizia è cagion d’ogni bene. Aggiungo che invece un personaggio come Oscard Wilde, magnifico dandy e scrittore di teatro affermava “chiunque può simpatizzare col dolore di un amico, ma solo chi ha un animo nobile riesce a simpatizzare col successo di un amico”. Cosa ne pensate dei due punti di vista? Michela Vanon Alliata: mi è venuto in mente un altro bellissimo aforisma di Oscar Wilde, altrettanto scintillante e provocatore che dedico alla nostra moderatrice e animatrice dell’incontro: “L’amicizia è molto più tragica dell’amore, dura più a lungo”… Myriam Zerbi: assolutamente vero, ti ringrazio di cuore dell’omaggio. Davvero talvolta l’amicizia è un porto sicuro confronto alla crudel passion d’amore, come la chiamano le protagoniste del Dialogo. Michela Vanon Alliata: Gli aforismi di Wilde che, come è noto, sono stati accostati a quelli di Nietsche, sono una straordinaria riprova di come si possa essere estremamente profondi pur mantenendosi in superficie, leggeri e addirittura fatui. Del resto non è la leggerezza una delle Lezioni americane, una delle proposte per il nuovo millennio di Italo Calvino, cui Wilde, sempre in anticipo sui tempi, può essere accostato se non altro per la scrittura limpida e controllata, insieme semplice e fluente, nonché per suo fondo filosofico? Anche quando, all’apice del successo, venne abbandonato da tutti, condannato, esiliato, mandato in carcere, ridotto in povertà per aver sbandierato l’amicizia pericolosa con il giovane Lord Douglas, Wilde non perse mai il suo brio, la sua grazia scherzosa e la sua leggerezza, rimanendo fino alla fine impenitente, invincibile, fedele a se stesso. Il bel ritratto di Moderata Fonte è un ritratto misterioso, che non rilascia subito i suoi significati, ma custodisce una cifra segreta. E’ soprattutto un ritratto molto androgino. Questa androginia evoca il clima estetico e culturale inglese di fine secolo e ancora una volta mi fa pensare a Wilde, apostolo del primato dell’arte e di tutta una serie di atteggiamenti e pose legati a quello spregiudicato fenomeno di pensiero e di costume che è il dandysmo. Esibizionista e istrionico, arbitro del gusto e geniale uomo di teatro, Wilde volle vivere la propria vita come un’opera d’arte, come forse Irene Andessner oggi. Del resto un altro dei suoi celeberrimi aformismi così recita: “Ho messo tutto il mio genio nella vita e soltanto il mio talento nell’arte”. Il dandy è colui che rivolge tutti i suoi sforzi nell’ identificare la personalità con l’essere in maschera. Egli elegge il suo corpo a fini artistici, lo plasma come lo scultore modella la sua materia, lo esibisce e ostenta come l’attore davanti a un palcoscenico. L’obiettivo cui tende risiede nella sorpresa, nell’essere sempre imprevedibile, nel suscitare stupore e meraviglia. Nella sua crociata per la riforma dell’abbigliamento, che prevedeva colori chiassosi, cravatte celesti e vermiglie, brache al ginocchio, calze di seta, pizzi e merletti ai polsi, mantelli a ruota e tutta una serie di stravaganti indumenti, Wilde sovvertì la tradizionale cultura vestimentaria maschile. La spavalda rivoluzione sartoriale intrapresa da Wilde non riguardava naturalmente soltanto gli abiti e le fogge, ma il corpo e soprattutto l’identità che con lui si definì nella direzione di una marcata femminilizzazione o per lo meno di una forte ambiguità e androginia. (Forse ci voleva proprio una sensibilità omosessuale per riuscire a guardare oltre, oltre gli angusti confini del perbenismo vittoriano e non solo in materia di costume o di morale sociale, ma anche di arte). molto ricca, se si estendesse alla società, al modo di pensare e alla storia di un luogo, diverso dal proprio. Disapproviamo il consumismo turistico di quelli che in un’agenzia comprano un “pacchetto viaggio all inclusive” come se acquistassero un televisore, senza nessuna preparazione e senza nessun vero desiderio di conoscenza. Si viaggia perché è di moda e al ritorno si può fare bella figura con gli amici e i conoscenti, mostrando foto e filmati. Oggi è diffuso anche un tipo di turismo detestabile, il turismo sessuale; infatti molti partono per l’Oriente o per il Sud America per approfittare della prostituzione, anche quella minorile. Myriam Zerbi: E’ una delle piaghe del nostro tempo e della nostra civiltà capitalistica. A proposito invece di quelli che viaggiano fotografando “ad ogni piè sospinto” credo che viaggiare guardando tutto “mediato” dall’obiettivo di una macchina fotografica o di una cinepresa tolga spazio all’esperienza straordinaria dell’andare, dell’usare tutti i propri sensi per conoscere luoghi, personaggi, usi e modi di essere o di vivere, mentre se i mezzi di riproduzione vengono usati con moderazione ed arte diventano testimonianze oltre che ricordi, mezzi per captare e godere poi da lontano, Myriam Zerbi: le dame del Dialogo hanno curiosità di frammenti di esistere presenti solo in quella determinata circostanza e in quel determiTroppo diverso è dalla lingua il core nato posto. F A L S I T À PERSEA viaggiare… Leonora: Se non vi fossero tanti pericoli che gran piacere l’andare a vedere le meraviglie del mondo, come in quei mari lontani dove dicono che nascono le perle, e il Mar Rosso famoso per gli antichi egizi che vi si sommersero… Ancor oggi le isole lontane e il Mar Rosso dagli stupendi fondali sono le mete sognate da molti viaggiatori. Viaggiatore è parola nobile, mentre turista è diventato un termine spregiativo detestato, qual è la differenza tra le due categorie? Daria Martelli: Il tema è suggerito dalla città in cui ci troviamo, Venezia, che è sempre stata una città cosmopolita, un tempo meta di quelli che si chiamavano viaggiatori e adesso invasa dal turismo di massa. Al tempo di Moderata Fonte i viaggiatori stranieri erano intellettuali di classe sociale superiore, che venivano in Italia per completare la loro preparazione culturale. Dopo la metà del Cinquecento, specialmente se venivano da paesi dove si era affermata la Riforma religiosa, inserivano nel loro viaggio, oltre a Roma, anche Venezia. Nella città soggiornavano per lunghi periodi, osservavano, s’informavano e spesso scrivevano diari di viaggio. Queste opere, alcune rimaste manoscritte e pubblicate nei secoli seguenti, sono fonti storiche molto utili per conoscere la vita quotidiana e il costume del tempo. I viaggiatori, giunti da altri paesi e da altre culture, facevano spesso acute osservazioni su costumanze che a loro apparivano insolite, mentre i Veneziani non le consideravano degne di essere registrate, perché normali. I viaggiatori sono i precursori dei turisti di oggi. Anche oggi il viaggio potrebbe essere un’esperienza culturale Daria Martelli: Certo il viaggio intelligente è un’esperienza straordinaria, un’occasione di arricchimento. E’ il modo di viaggiare che distingue i viaggiatori dai turisti, come quelli che invadono Venezia, intruppati dietro a un capogruppo, che, con ombrellino bene in vista, recita sempre la stessa litania, porta il branco a vedere due o tre luoghi rituali, dove vengono scattate le foto ricordo, poi lo porta nei soliti negozietti a comprare paccottiglia e souvenir, e infine lo accompagna alla partenza. E questi turisti credono di aver conosciuto Venezia. Annamaria Orsini Cammarata: Forse a determinati turisti non importa conoscere davvero, in modo profondo, un luogo. Daria Martelli: Può accadere che qualcuno si sbagli, creda di essere arrivato in una città e invece è in un’altra… Myriam Zerbi: mi è accaduto di sentire, in un gruppo di giapponesi in gondola, mentre la fisarmonica strimpellava “O sole mio”, qualcuno chiedere: “Ma quando andiamo a vedere il Vesuvio?” Daniela Gaddo Vedaldi: C’è anche di peggio. Il turismo è un bene commerciale, di consumo, un oggetto che si vende. La gente viene letteralmente trasportata. A volte succede che dei turisti seduti qui al Florian nei tavolini in Piazza chiedano: Ma in che città siamo? Il fatto di domandarsi in che città si sia indica che il viaggio è stato acquistato ad occhi chiusi. A me c’è una cosa che fa male al cuore, quando sento dire che il Caffè Florian è un locale per turisti. Per me è una pugnalata… Daria Martelli: da querela per diffamazione… Daniela Gaddo Vedaldi: purtroppo e per fortuna ci vengono anche i turisti e il Caffè vive anche grazie a loro. Ne vengono tanti, però il Florian non è affatto un locale per turisti, semmai possiamo chiamarlo un locale per i viaggiatori. Molti sono passati di qui. Noi teniamo un libro sul quale chi passa può scrivere qualcosa, lasciare un appunto, un pensiero. Capita che a volte lascino qualche parola, una semplice dedica, altre volte qualcuno lascia una poesia o un disegno, talora cose davvero molto belle. I viaggiatori esistono ancora. Annamaria Orsini Cammarata: Certo, io difendo assolutamente la categoria dei viaggiatori. Michela Vanon Alliata: Ci sono anche i turisti dell’anima, non soltanto quelli a caccia di sesso…da Goethe a Stendhal, da James a Stevenson, da Sterne a Casanova, per rimanere in ambito veneziano, da Chatwin a Sepúlveda. Per questi scrittori il viaggio divenne strumento di conoscenza, conquista o riconquista dell’identità, visione di sé, attingendo in alcuni casi a una dimensione autenticamente rivelatoria, configurandosi come forte e struggente momento epifanico. Annamaria Orsini Cammarata: ci sono quelli che hanno bisogno di uscire da sé e di andare verso l’altrove… Michela Vanon Alliata: nel viaggio domina una dialettica fra movimento e stasi, desiderio di sfuggire alle costrizioni del luogo e del sé e tensione alla definizione della propria identità in relazione ad un diverso contesto geografico e culturale. L’elemento più ricorrente del viaggio è infatti l’incontro con l’altro: la dimensione che viene negata è quella che si può definire della “normalità”. In questo senso il viaggio può configurarsi come esperienza dello spaesamento e dell’alterità, ma può anche diventare espediente per dilatare il tempo residuo dell’esistenza, per un’elaborazione dell’angoscia di morte. Esso è allontanamento dei meccanismi percettivi dal noto e dal familiare, confronto/ scontro con il diverso, con stimoli nuovi che annullano l’automatismo del “riconoscimento” e consentono finalmente di “vedere“. Il viaggio quindi non produce solo “straniamento”, ma può diventare fecondo strumento di conoscenza, drammatizzazione e realizzazione della storia interna della persona, geografia delle emozioni, metafora del movimento esistenziale. Il viaggio infatti non è mai soltanto un attraversamento neutrale di spazi, ma un’immersione del soggetto in se stesso. Giova ricordare il viaggio di formazione noto come “Grand Tour” che a partire dal Settecento finì con l’avere nell’Italia una meta privilegiata, divenendo per le classi abbienti inglesi un’istituzione, un modo per dare fondamento all’educazione, secondo i dettami di una tradizione che prescrive il viaggio come necessario alla formazione della personalità, arricchimento spirituale dell’uomo di cultura, e di come questo fenomeno finì anche per influenzare gli orientamenti del gusto in materia d’arte. Penso al vedutismo e alla pittura di paesaggio… 69 COCCODRILCLO Io l’uomo uccido e poi lo piango morto R U D E L T À 70 Annamaria Orsini Cammarata: una veduta di Carlevarjis, una di Canaletto, un ritratto eseguito da Rosalba Carriera, erano preziosi ricordi di viaggio, le cartoline degli antichi viaggiatori. Myriam Zerbi: Sentiamo ora come si scambiavano notizie, ricette e antidoti d’amore le donne della Venezia cinquecentesca, le stesse che affermavano per l’uomo l’amore è effetto del desiderio, nella donna non può esserci desiderio senza amore. Esiste una fonte come quella di Cupido che ha il potere di scacciare amore dal nostro cuore… esistono rimedi contro il mal d’amore: come la pelle fresca di una pecora, la polvere dove si sia rivoltata una mula o far bere all’amante il sangue della persona amata. E per far innamorare una donna, un uomo deve mettere sul suo fianco destro gli intestini di una iena e qualsiasi donna posi lo sguardo su di lui sarà subito infiammata d’amore. Se ci chiediamo come si parla d’amore oggi, una risposta può essere “con gli SMS, i messaggini dei telefoni cellulari”. “Ti @mo”. “Sono c8 di te”. “6 il mio @more”. “3pidante 3mo nell’attesa” e così via… questo linguaggio rapido, essenziale, condizionato dalle 160 battute, è usato non solo dai teenagers, ma da utenti di messaggi telefonici di ogni età e condizione. “La verità, vi prego, sull’amore” intitolava un suo libro di poesie l’inglese Wystan Hugh Auden, morto a Vienna nel 1973 e, a proposito dell’amore, si domandava “Verrà senza avvisare, proprio mentre mi sto mettendo le dita nel naso? Busserà la mattina alla mia porta o mi pesterà un piede in autobus? Giungerà come il cambio del tempo? Sarà gentile o rude il suo saluto? Darà una svolta a tutta la mia vita? Annamaria Orsini Cammarata: Credo che si parli sempre d’amore, qualsiasi cosa facciamo può essere un atto d’amore. Andra Fuchs: Ho sempre visto l’amore come un ponte, gettato ad unire due sponde, il ponte è metafora di comunicazione tra esseri diversi messi in contatto tra loro. Un ponte e la volontà di costruirlo, questo è per me l’amore. Nel libro di Moderata Fonte le signore si lamentano sempre quanto si sentono usate, represse e limitate dai loro uomini. Dell’amore che deve esserci stato all’inizio della relazione quasi non fanno parola. Eppure è l’amore che unisce due anime, che rende possibile la comunicazione e che le riavvicina nel tempo. Come un ponte. Se l’amore viene ingoiato nella routine del matrimonio, allora vengono allo scoperto tutti le problematiche trattate nel libro. Oltre alla difficoltà che si ha di emanciparsi dalle cose inculcate e dalle tradizioni che caratterizzano l’ambiente familiare.. Liquerizia allevia le malattie del petto Mirabolani misti di polvere d’aloe contro la caduta di capelli Zucca e cedro contro la febbre Viole contro il mal di capo e contro la tosse Camomilla fa bene al capo Finocchio ottimo per gli occhi E vino “per confortar petto e stomaco”, vino dolce, malvasia, moscato, vermiglio o bianco… Siamo qui ospiti della Signora Daniela Gaddo Vedaldi, proprietaria di questo mitico Caffè, chissà quante ne ha viste di coppie, personaggi, persone, cose buffe, passare in queste sale… Daniela Gaddo Vedaldi: Voglio citare qualche personaggio che ha lasciato qualche segno di delicatezza che possa in qualche modo dare al genere maschile il beneficio d’inventario. Partiamo da Floriano che è stato il fondatore di questo Caffè che decise di chiamare “Alla Venezia trionfante”. Questo esercizio ha preso in seguito il nome da lui, suo primo gestore, Floriano Francesconi. Quest’uomo sapeva certo entrare in comunicazione con la gente, sapeva farsi benvolere, sapeva essere amico di tutti, tanto che il locale prese il suo nome, chiamandosi, come lui, Florian. Un altro segno di particolare delicatezza maschile lo ha lasciato Antonio Canova, grande scultore e amico del gestore Floriano, nipote del fondatore. Siamo a fine Settecento. Antonio Canova regala al suo amico un modello di piede preparato da lui stesso in legno perché questo povero Floriano soffriva di gotta e aveva dei problemi per farsi fare le scarpe. Così, avrebbe potuto portare questa forma di piede dal calzolaio che, finalmente senza fargli male, avrebbe potuto preparargli le scarpe. Un bel pensiero d’amicizia. Qualche volta anche gli uomini riescono ad essere molto delicati. Un altro grande uomo affezionato del Florian è stato il pianista Arthur Rubinstein. Abbiamo sue foto seduto ai tavolini del nostro Caffè sulla Piazza. Mi hanno raccontato che quando veniva qui ordinava caffè o te, ma arrivava sempre con il suo pacchettino di dolci perché diceva che quelli del Florian proprio non gli piacevano. Era una sua piccola debolezza, ma sicuramente apprezzava tutto il resto se, pur di venire qui, arrivava con il suo pacchettino. Irene Andessner: Che storia! Daniela Gaddo Vedaldi: Un’altra particolarità del Florian è che ormai da quarant’anni è gestito da donne, cosa nuova e particolare perché per due secoli e mezzo era stato gestito da uomini prima di passare in mano femminili. Annamaria Orsini Cammarata: Chi è stata la prima? Myriam Zerbi: il Dialogo è un affascinante prontuario di rimedi naturali… Rabarbaro contro la febbre Siena e erba egizia contro la malinconia Aloe contro la collera e la flemma Noce moscata aiuta lo stomaco e le donne gravide Mirra facilita la digestione Daniela Gaddo Vedaldi: la mamma di mio marito che, rimasta vedova, seppe inserirsi, in modo molto coraggioso, alla guida di un’azienda che conosceva solo in modo marginale, ed è grazie a lei che la famiglia ha potuto mantenere la proprietà del locale. In qualche modo io ho fatto una cosa analoga, fortunatamente in circostanze meno drammatiche. Ho deciso di lasciare il mio lavoro precedente per consentire a mio marito la possibilità di mantere il suo ruolo di studioso della statistica. Anche se non è stato facile, sono riuscita a ricavare il mio spazio al Caffè Florian, ottenendone soddisfazioni personali notevoli. Non mi pento assolutamente della mia scelta. CORINNA LibeIroNcorDnelI PmioE petN toDsogE giNorZna,Anon servo alcun, né d‚altri son che mia Annamaria Orsini Cammarata: E’ questo che mi affascina sempre di chi si dedica al ritratto. C’è questa volontà di identificazione, di appropriazione nella ripetizione dei tratti e, al tempo stesso, di superamento di una soglia… Daria Martelli: di rubare l’anima? Myriam Zerbi: Disputando e filostocando assai, discorron le nostre sette donne di medici e di avvocati dei loro giorni, di poteri curativi delle pietre, di alchimia, di chi con far l’alchimia, chi l’astrologo, e chi l’erbolato e chi il lapidario cercano di levar il denaro di borsa ai creduli, della spesa sostenuta per il Ponte di Rialto rinnovato, di letterati, rimpiangendo gli ingegni dei tempi antichi: ai nostri giorni il mondo va invecchiando e gli uomini peggiorando. E anche d’arte e di musica che fa romper le pietre e piangere di dolcezza e raddoppia la contentezza in chi è già contento e accresce la malinconia a chi è già malinconico, di corrispondenze tra poeta e pittore. Lucrezia dice: Parmi che il poeta abbia gran conformità con il pittore perché, sì come quel va con lo stile dipingendo e variando disegni e colori, con pieni, vuoti, ombre, linee, impressi e rilievi, così il dotto poeta con la penna va figurando con varie parole i bei disegni che ha nella mente. Cornelia aggiunge: La pittura è il corpo della poesia e la poesia l’anima della pittura. Annamaria Orsini Cammarata: La pittura è la voglia che l’anima abbia un colore, la voglia di vedere il proprio mondo poetico che prende una forma, un corpo, un’immagine,un colore appunto. Mi ha colpito che le donne del Dialogo, parlando del ritratto dicano che con esso si conserva l’imagine viva… alla memoria dei posteri; per loro è, dunque, solo è una trasmissione di sembianze. Non mi pare che per te, Marinella, il ritratto sia questo… Marinella Biscaro: ti assicuro che quando faccio un ritratto, io entro nel personaggio e mi carico della stessa energia che questo mi trasmette. Dal momento stesso che lui si pone davanti a me mi comunica il suo modo di vivere, di essere, da come si atteggia e da come si presenta con gli oggetti cari. Qualsiasi particolare una spilla o altro mi racconta la storia della sua vita e forse arrivo a conoscere anche quella dei suoi antenati. Per me ritrarre significa entrare nel soggetto, cogliere “il carisma dell’Io” e darne testimonianza. E’ una ricerca di verità in quanto il volto è testimone e espressione della nostra coscienza. In questo processo di riflessione non sono io, come artista, la protagonista ma la persona che vuole il suo ritratto. Io vedo che nella società di oggi spesso l’uomo è un numero o una macchina e che l’arte, andando oltre la raffigurazione dell’apparenza “antropologica”, mette in risalto soprattutto i disagi, le fragilità, la perdita di certezze del corpo umano che muta nel tempo. Io penso che identificarsi nel proprio ritratto, sia invece un modo di acquisire la consapevolezza della ricchezza interiore propria dell’Essere, del Vissuto e del Tramandato da influenze ereditarie. Il ritratto può anche essere occasione per acquisire maggior autostima sentendo, con la conferma data dall’identificazione, la responsabilità della propria vita sia come presente che come futuro. Annamaria Orsini Cammarata: Ritrarre, come ho già detto, è, secondo me, un atto d’amore, un amore innocente e perverso insieme, è fermare una sembianza e nello stesso tempo andare oltre, dentro e oltre… Marinella Biscaro: oltre sì, nell’anima di ogni persona risuonano le voci e le eco di quella sua storia. Annamaria Orsini Cammarata: Anche nel caso del tuo ritratto di Irene Andessner/Moderata Fonte, c’è Irene, c’è Moderata Fonte e ci sei tu… Marinella Biscaro: Irene Andessner ha dato il suo volto a Moderata per rivendicare un femminile che nella storia è stato parziale o marginale, io, con questo ritratto desidero dare dignità ad un “antico femminile” e identificazione alla mia ricerca concettuale. La ricerca mi ha calata nella dimensione culturale e storico-sociale di ogni realtà femminile per capire l’ interiorità di ciascuna, ma anche nelle questioni tecniche del tempo, dalla preparazione delle tele ai metodi di realizzazione del dipinto. Una volta maturate le conoscenze che mi hanno portato al processo di individuazione del personaggio antico, ho cominciato le riprese fotografiche che faccio sempre personalmente. Irene Andessner si è presentata coperta da un lenzuolo bianco come fosse in preparazione di un intervento chirurgico e, come in una regia, si sono accese le luci ed io ho cominciato a fotografare. Ogni scatto diventava un documento carico di potenza scientifica, lavorando, un po’ come faceva Paolo Menegazza (1831-1910), per costruire ed indagare atteggiamenti ed espressioni attraverso variazioni mimiche dettagliate. Man mano che procedevo, vedevo instaurarsi uno stretto rapporto tra il volto della Andessner e il personaggio femminile antico in quanto nel dipinto deve trasparire una profonda affinità tra il soggetto reale e quello storico perché il ritratto risulti “autentico”. Annamaria Orsini Cammarata: ogni pennellata è identificazione e conoscenza; ogni pennellata è leggerezza e profondità; ogni pennellata è dis-velamento. Marinella Biscaro: Dis-velamento sì. Conosco Irene Andessner da 27 anni. Studiavamo insieme all’Accademia di Belle Arti di Venezia con Emilio Vedova. E’ una donna tenace e determinata che essendo in forte rapporto creativo con il suo “Animus” (il controsessuale maschile da dove nascono profonde energie, come dice Jung), usa le sue potenzialità per dare dignità a quel femminile che è stato ghettizzato, superando le categorie storiche. Il suo ritratto psicologico è il matrimonio del suo femminile con il suo maschile, senza esibizione ma con armonia e completezza, come in un rapporto di fiducia del quale lei e lui si ritrovano a far parte. Insieme nell’Essere. Myriam Zerbi: Può un ritratto diventare lo specchio dell’io? Marinella Biscaro: Gli aspetti interiori e non apparenti di un ritratto mi hanno portata anche a studiare la scienza fisiognomica che, come opportunità di conoscenza, mi permette di cogliere gli aspetti dell’essere, cioè le tracce che conducono alla conoscenza del carattere, delle percezioni, delle passioni che l’uomo ha nella vita. Dietro ad ogni volto si svelano gli aspetti più intimi della personalità ed il ritratto diventa una conferma e un punto di riferimento certo e incontestabile. Myriam Zerbi: lasciamo ancora una volta la voce ad Adriana, Corinna e Virginia: Adriana: Gli uomini hanno tutti i torti del mondo a volersi prezzare più di noi e non riconoscere il nostro gran merito; e in fine un uomo senza donna è pur una mosca senza capo. Corinna: la nostra grammatica di donne non si confa con quella loro di uomini, del verbo amare loro hanno il passivo e noi l’attivo, noi amiamo ed essi sono amati. Ma infine Corinna e Virginia concludono cantando: Se ornan il ciel le stelle, ornan le donne il mondo, con quanto è in lui di bello e di giocondo. E con ciò ringraziandovi tutte, è giunto il tempo di prender commiato l’una dall’altra. FEPBO Ho fatto del mio bisogno virtù I A C E R E 71 ERMINE First death, that marks my body C H A S I T Y 72 The Worth of Woman 2003 Myriam Zerbi: Let us gather in happy conversation as I wish to read a pot pourri of phrases from the Dialogue Il Merito delle Donne, where one discovers how they (women) are clearly worthy and more perfect than men. A collage of thoughts of ancient women …that is still so current today… Against men, Leonora begins by affirming: Every door has its knocker… On husbands: There’s the jealous husband, the cheater, the gambler, there are the angry ones that scream and hit, there’s the miser, the cruel torturer, their wives haven’t a moment of rest until they leave the house. On lovers: Young lovers are superb, light and voluptuous, false, insolent, shameless; they have neither patience nor discretion, false and untrustworthy, only good, says Cornelia, as a feather fan, useless except to freshen the summer air. Mature lovers are superb, boastful, deceitful and full of temptations. Old lovers have eaten their cake and all that is left is the bran. They are jealous, suspicious and avaricious. Men (All) have no rules for their appetites, are sweet words and then all poison since all the theriac made by the apothecaries would not be enough for them, nor would all the therapeutic virtue of the unicorn’s horn. Corinna affirms: One finds honesty in men like blood in the dead. Oh if men could hear what we are saying… Daria Martelli, could you tell us a little about Moderata Fonte and her Dialogue? Daria Martelli: Today’s encounter is an occasion to reflect upon the singular “luck” this late Renaissance writer had regarding her success as an author both during her own times and with posterity. During her lifetime, in the second half of the fifteen hundreds, Moderata Fonte was known and appreciated as the author of poetical works, written in the style of the times, compositions that do not appear to be of much note to us. Instead, her greatest work for its literary value and originality was completed the day before she died of childbirth in 1592. At this time childbirth was extremely risky, so much so that before affronting it women would write their wills. Published posthumously in 1600 and never again edited, the work and its author were soon forgotten, disappearing from literary history. After four centuries of oblivion, Il Merito delle Donne was rediscovered in the nineteen seventies, sparking great interest within the women’s rights movement. An interest which grew with the passing of the years. In fact, the work has been the object of numerous essays and has been translated abroad, attracting both common readers and specialists in the field. What is the attraction that draws one to this ancient text? Certainly the work interests readers thanks to its theme which deals with the principles of feminism, which was far ahead of its period and is still current in our times and in our society. In the Seventies a political reading was made of the rediscovered text. The conversation which takes place in Il Merito delle Donne was interpreted by is discoverer, Anna Jaquinta, as a “tentative of self-awareness,” a practice adopted by members of the feminist movement, who would meet to discuss their private lives in political terms, analysing the female condition according to the “private is political” principle. The Dialogue continues to fascinate women today not only for its contents but also for the manner in which it unfolds. Moderata Fonte introduces conversation between friends which takes place in the house and garden of one of the women and where they confide their personal experiences, reflecting upon them and joking, with light yet concrete words. They speak of men, their chosen theme, yet continuously branch off, dealing with a variety of topics, such as the art and culture of their times, the customs and the aesthetics of the city of Venice, in a domestic conversation, as Moderata Fonte called it, as women have always done and continue to do. In this Dialogue, “mutatis mutandis”, today’s women recognize their own friendships, their everyday lives, seeing the similarities between their own way of being and that of Moderata Fonte. The rediscovery of this author in the years of the feminist movement, like of many others, signified the recovery of a culture and a history of women that had been cancelled, making women appear to be inferior, a gender which had never contributed noteworthy characters. Filling the historical and cultural abyss that until then was women’s past, these works founded a genealogy and a racial identity, reasons for self-confidence and for having pride in being a woman. In Moderata Fonte’s case, not only was an author retrieved, a woman who had elaborated and expressed an original thought, but also a writer who projected herself from the female point of view and was aware of women’s condition , to the point of becoming a feminist “ante litteram”. For this reason Moderata Fonte has symbolic value. Myriam Zerbi: Let us return to the words of the Dialogue. Corinna: (Men) are born of the senseless earth so that we could then be born of live flesh…first they throw the foundations into valueless earth and then sumptuous buildings with palatial adornments emerge. Appreciating the refinement with which the superiority of women is defined, being born of live flesh and not of mud, of which man was formed, let us ask Mirva Bertan to speak to us of architecture at the time of the Dialogue. Mirva Bertan: Thinking about Moderata Fonte’s period and the work produced by Irene Andessner, I right away connected the greatest moment of architectural change of the period and its instigator, Andrea Palladio, present in his portrait in the gallery of Uomini Illustri at the Florian. Despite having worked little in Venice, much of his work was commissioned by the Venetian nobility on the mainland. Moderata Fonte’s and Palladio’s times were a period of great urban change. In Venice, public spaces were being defined and the city was taking on the physiognomy we see today. The Ponte di Rialto, spoken of in the Dialogue, was being built, and an unrealized project was also planned by Palladio. Palladio is the architect who best interprets the needs of a part of the Venetian nobility, having amassed its riches thanks to sea commerce on the Mediterranean, and aware of the shifting of the commercial pole towards the Atlantic, thanks to the discovery of the Americas. A knowledge which will lead to the “petrifaction of income,” investing in rental houses and lands in the countryside rather than sea voyages. Using classical style, revised in dimensions and, above all, materials, which are by necessity much poorer than those used in ancient times, he gives a new identity to the Venetian nobility who enter the countryside for the first time to manage farms and to enjoy country holidays. This new identity is achieved through the construction of villas which are extremely simple yet at the same time evocative, both in form and in materials, like an investiture, almost divine. In this way it changes the identity of the Venetians who decide to measure themselves in terms of another reality. Irene Andessner creates new and different identities in her work while at the same time remaining always herself. Her work revolves around the identity , a theme which can be found in the works of many contemporary artists, even outside of Europe, where one’s identity may be given by a simple document officially release and recognised stating: “This is you.” You, Irene, have certainly moved beyond this and are working on the identity from a different point of view.´ Irene Andessner: Yes, some people tell me that I identify myself with the personalities of others, remaining, however, always myself. Annamaria Orsini Cammarata: Reflecting on your “artistic self”, Irene, it seems to me that you would like to make a work of art of your body and of your life. Is this true? Irene Andessner: Well, I can’t be the one to say such a thing about myself. I just do my work. I think that if I really were to be a work of art I couldn’t be truly aware of it . It’s the same as when speaking of insanity. The very act of reflecting upon insanity excludes it. Annamaria Orsini Cammarata: No, no, that’s not what I was saying… Irene Andessner: I mean that I cannot say that I am a work of art because if I were to say that then it could not be true. If a person lives without saying “I am crazy” or “I am a work of art” then maybe they really might be either insane or a piece of artwork. I cannot call myself a work of art. I do my work without trying to be “someone,” I have a lot of fun with my work, I love doing it, I have to do it, I have a natural impulse and I have to follow my artistic path. Annamaria Orsini Cammarata: I think instead, and I must confess, with true terror, of at what a woman artist, such as Orlan, does to her own body: she throws in into an adventure of mutation through a series of unusual plastic surgery operations that give her another identity, transforming her into another self, in search of a nomadic and anti-aesthetic identity. Myriam Zerbi: With regards to identity, even the pseudonym is part of the subject, Daria Martelli, in your opinion, why did Modesta dal Pozzo give herself a pseudonym? Daria Martelli: Moderata Fonte’s real name in fact was Modesta Pozzo and she took on a pseudonym when she began to publish her books. Many writers in every period, even nowadays, have adopted pen names, each with their own reason. The author of the Dialogue does not explain hers. Her uncle, Nicolò Doglioni, who left us a brief biography of Moderata, affirms that the writer took on a pseudonym “ for the respect proper” to a “maiden,” which she was when she started to become known for her works. The Venetian “maidens” of the time were almost always segregated in houses and, on the rare occasions when they went out, had to cover their faces. So, according to Doglioni’s interpretation, Moderata would have hidden her identity out of reserve, in order to hide herself. This choice may have another explanation. In a time when all women’s identities were created by association with a man, being the “the daughter of “, “the wife of”, “the mother of” , she chose an identity founded on her own value. Even if in the documents Modesta was the “wife of Filippo Zorzi”, as a writer she was Moderata Fonte and was known for herself and her works. Myriam Zerbi: On the topic of names, today in Italy we can keep our “maiden” name and , if we wish, may add the name of our husbands, as if to affirm who we are and with whom we are. There are advanced occidental societies and languages, like French, where the wife is no more that Madame Name and Last Name of the husband. I find this modality of great psychological violence, not only for the person obliged to change their last name, but also to change their first name to that of the consort, vanishing completely behind the man with no distinction. A Frenchman who remarries a myriad of times will always have a Madame Name and Last Name (his) and nothing would change for society. What is it like in Austria? Andra Fuchs: In Austria it is possible to decide the last name that the family will adopt. Despite this, my daughter, for example, opted for the last name of the husband last year without even questioning the matter. Plus, it follows the family tradition. But of course it is not tradition to decide my identity. According to Goethe, in the end a name is nothing but smoke and noise. Annamaria Orsini Cammarata: Returning to the Dialogue I would like to recall the accurate description that Modesta-Moderata gives of the garden in which the meeting takes place: an Italian garden with many “green young trees”, with its plants trimmed according then they descend , as though conquering a space that offers the possibility of liberty, of pleasure… Irene Andessner: without men. Myriam Zerbi: Let us hear what Moderata Fonte makes Elena say. Elena: We (women) are of such a nature that no ferocity exists, for having little space for anger and blood, we result more humane and meek and are less inclined to follow our desires, whereas men are the opposite, of hot and dry composition, dominated by anger, being all flame and fire, they are even more inclined to err and cannot abstain from their inordinate appetites … immoderate impatience in their intemperate and ardent desires, their desire is of such force, both in carnality as in all others, that the senses undermine reason… Daria Martelli: In this passage Modera Fonte follows the scientific learning of the time. We must not forget that the author is a woman of great culture. Moderata often denounces cultural conditioning, the censorship and the limits imposed upon women, such as the lack of education, and in this, we find her opinions very close to own . However, according to the culture of her times, she also defines what men and women are “by nature”. We cannot clearly differentiate between what PHOENIX I live alone in eternity, die and am reborn S O L I T U D E Michela Vannon Alliata: It is a curious choice for a pseudonym, not all that different from her own name. Given the liberty of her written works so ahead of their times, it is a name which seems to denote a certain modesty. Daria Martelli: Modesta (Modesty) becomes Moderata (Moderate) and Pozzo (Well) becomes Fonte (Fountain), while modesty, that of the “maidens”, has a moral significance the moderation is spiritual and intellectual. And a well that is water… Michela Vanon Alliata: Almost stagnant, of course… to the mastery of the “ars topiaria” in pyramidal form, of mushroom or melon, the flower beds of geometric composition, vases of lemon trees, perfectly ordered box hedges; fragrant jasmine bowers…but also a “very Venetian” garden because of the presence of water, the dream of “a garden in the middle of the sea,” as Henry James would say. The linguistic variety, the minute details reveal an attention for the things of the world, a peace of mind, a subtlety, that are typically feminine; almost a call of the heavens… we are “by nature” and what we are “by culture”. Today we value the differences between men and women, but also the differences between women and women. Each woman, free of conditioning and with the liberty to express herself, is different from all others, thanks to the variety and wealth of the female gender. I believe that women have enormous interior resources which they have only just begun to express, and with surprising results. With time we will see the potential of the female gender, repressed for so many centuries. Michela Vanon Alliata: The garden is also a happy place, in the tradition of “locus amoenus”, of “hortus conclusus”… Myriam Zerbi: The Jesuit priest Anton Giulio Brignole Sale (1605–1655), poet and writer, son of the Genovese doge Gian Francesco wrote: Daria Martelli: Moderata puts love into her descriptions… Learning for a woman? Why? Why should she know? What? Speak well? No, only to do harm! Do not believe that because she studies good things, She becomes better. The woman is composed but of malice. The better the food you give them, the worse their humours. In fact, nobody who has as much brain as a goose, Would ever want a wife with the horrible gift of knowledge, Worse in a woman than a hunch-back, bad breath, a twitch. Daria Martelli: becomes a “fountain”. Annamaria Orsini Cammarata: A pleasure so rare… Michela Vanon Alliata: A gushing fountain, beautiful, alive. Daria Martelli: A source of water has symbolic meanings of beginning, of birth, of growth, of nourishment of life. In choosing her identity she symbolically gave herself these meanings. She doesn’t leave us explanations for her pseudonym but I have interpreted it in this way. And besides, in the middle of the marvellous garden in which the conversation of the seven women unfolds, there is a fountain, this is surely her, the symbolic affirmation of her choice. Daria Martelli: The women who take part in the conversation say that it is a paradise… Annamaria Orsini Cammarata: in this elegant and charming garden… Daria Martelli: and they add that they feel so good in this place because there are no men. Annamaria Ormesini Cammarata: Of course, they are initially in the house looking at the garden from above, 73 BUTTER FLY Attracted by the fire, I burn myself S I M P L I C I T Y 74 Well-read woman for a wife? Misery! Rather invite Lucifer, we’ll have more peace! And again three hundred years later, Grazia Livi, a Tuscan writer of our times writes in “Women Without Hearts”. I should have hidden intelligence, “don’t let them see you as being too intelligent!” her mother warned. “As though it were a wart to be hidden with hair.” Daniela Gaddo Vedaldi: I do see one thing that reveals a difference between men and women, for example today’s encounter would have taken place between men with difficulty. They meet to speak, but of other things, on another level and with a different sensibility… Irene Andessner: Men tell each other their stories and then exaggerate them, inventing not just a few details about women, They livelily discuss whether Don Giovanni should be considered a rapist or an artist of seduction or a Faustian hybrid, depending on who reads his memoirs. And it is always at this level that they consider Da Ponte, Casanova, Goethe, Cagliostro, Goldoni and so on. Daniela Gaddo Vedaldi: I believe that between men communication always remains a little superficial, while between us women we are able to go deeper, we are more prepared to open up, to compare… Daria Martelli: We are used to doing things in this way and in the end, even this must be considered a form of cultural conditioning. We women of today are used to conversation between friends, like that which takes place in the Dialogue of Moderata Fonte, because wo- SUNL II BshiEne RonlyT upon myself and upon Y men have continued to express themselves in this way for centuries… Leonora: (Men) are inferior to us and should therefore remain low and humble, see how they rise above us, despite all reason and justice. Lucrezia: Do you want to make brains in a man? Give him a wife. Speaking of marriage, there are many ways to get married, there are marriages for love, for mutual help, for interest, for interests or… for art, right Irene? Irene Andessner: Or even for the “love of art” as Arni Dietrich defined this option when he became my husband. I got married last year to a man whose last name is Dietrich. At the time I was working on an artistic project on Marlene Dietrich, a character in which I “transformed myself.” In order for the transformation to be complete, I needed to adopt his surname so that I might sign the “Selfportraits” of Marlene with the autograph “Dietrich.” And so I began to search Berlin, Marlene’s native city, for a man with that last name. I wrote to every single in Berlin with “Dietrich” as a surname and then I invited thirty to a sort of “casting”. Michela Vanon Alliata: And of these thirty? Irene Andessner: Three of these could have been okay, I chose a 68-year-old never married homosexual who was the ideal candidate of the thirty interviewees. My proposal was for him to marry me and to remain married for one year, letting him know that he would give me his name and in exchange would become famous as the husband of …Marlene Dietrich. He said, “I’m gay, but it doesn’t matter, right?” Then he said that he would have to speak with his family about the matter. The next day he other lights called me back and said that his family had no objections and that he was ready to say, “Yes.” Michela Vanon Allieta: The poor man replied… Annamaria Orsini Cammarata: Perhaps it is this manner of doing things which represents a necessity and a desire, the desire to reunite around something, with lightness, which is quite distinct from the male manner of conversation… Daria Martelli: Moderata expresses herself with a studied lightness and a sage irony. A lightness that is not at all superficial and allows the conversation to deepen. Annamaria Orsini Cammarata: this is the female art…”Where must one hide the depth? On the surface.” Said the great author Hugo Von Hofmannsthal, and that is what many of us still try to do today. Daria Martelli: I don’t know if it is “by nature” or “by culture” but it is like this. Myriam Zerbi: Let us continue to read from the Dialogue. Corinna: (We women) are by nature better disposed to piety and love. Irene Andessner: We got married in grand style , with a wedding dress and photos and all. Michela Vanon Alliata: Are you still married? Irene Andessner: Once I finish the Donne Illustri work I am planning to visit Berlin for our separation. Myriam Zerbi: Oh if only men could hear us saying such things… our ancestors of the Dialogue would surely say. They did not, however, limit themselves to speaking only of men, but discussed many topics, many still considered typically “female” today: Such as aesthetics: the feet of a veal, decocted for 40 days and mixed with water rids the face of wrinkles and smoothes the skin like that of a fifteen-year-old. Corinna: We think of new means to appear beautiful in all ways…because that we are born to create happiness and to adorn the world. Annamaria Orsini Cammarata: I would like to read you a poem on beauty by Emily Dickinson: “Beauty has no reason: it exists. Follow it and it disappears. Do not follow it and it remains. Do you know how to hold down the creases in the lawn when the wind wraps it around its fingers? God won’t let you succeed.” It is evident that Emily, a tormented single woman, living the experience of isolation in life as a wealth and depth of thought, feels the necessity to describe Beauty; just as the women from the fifteen hundreds , with Corinna as their spokesperson, said: “We fool ourselves to appear beautiful.” Even today we must fool ourselves to appear beautiful but in reality our beauty is something that we desire more for ourselves than for others, despite the fact that it is imposed upon us by an external force… Myriam Zerbi: With regards to the imposed canons of beauty, I find extremely interesting the observations of Moroccan sociologist Fatema Mernissi concerning we free and emancipated occidental women, in contrast to Muslim women covered with the “chador”, or worse, with the “burqua.” She affirms that we have our own “veil” and that our veil is the size 42, and the necessity to keep the appearance of a 15-year-old for our entire lives, otherwise we too, without the need of any veil, become invisible to men. Beauty in our times is a fixed stereotype that we must adopt or at least try to come close to it, it is not seen as something changing that alters and evolves with time and situations. Annamaria Orsini Cammarata: There must be a personal search for “this absolute appearance” that is beauty, that we try to freeze time like painter with facial features when he creates a portrait; trying to remove them from the unavoidability of mutation, from the possibility of change. In an act of infinite love. Perhaps we also compute this act of love for ourselves, trying to stop our beauty in its haziness, but also torment and consolation. Marinella Biscaro: Even the black and white incision on the cover of the text for Il merito delle donne may be seen as an act of love towards Moderata, just think of her “desire to exist” in times when there was little space and scarce social recognition for women. Moderata was not at all a courtesan, yet appears dressed in the clothes of a courtesan of the Fifteen hundreds. This because courtesans used to dress as noblewomen in an attempt to appear as such to reach their goals, as appear in the illustrations of “Habits of Venetian Women” by Giacomo Franco o the contemporary source, “The Courtesans” by Lynne Lawner. This is where my research began. I decided to deepen the historical, political and social context of Moderata Fonte’s lifetime. Flipping through the Senate decrees and the laws of La Serenissima, I learned the rules and limits imposed on courtesans that were strongly supported as they were considered a strong deterrent of sodomy between men which was heavily condemned by the Venetian government… Myriam Zerbi: Sodomy continues to terrorize governments even today: some years ago in the United States, a law was passed in which this practised merited extremely severe punishment, both in heterosexuals and members of the same sex. Marinella Biscaro: In fact, at the time of Moderata, la Serenissima gave space to courtesans in order to avoid this danger. There were, however, limits within which the courtesans could act. They were not allowed to wear pearls, they could substitute these with necklaces of gold or silver which imitated them although they wore them anyway in their “boudoirs”, as we can see from the portraits of Titian, Paris Bordon, Heintz and Veronese. Another element which characterized them was the colour yellow as they always had to wear something yellow, a veil or a yellow shall identified them… Myriam Zerbi: Yellow must be of particular significance since it has ended up being used to identify the “Others”. In the Shoah the Jews were marked with a yellow star. Marinella Biscaro: In the Fifteen hundreds feminine beauty triumphed in palaces and, surrounded by elegant ornaments, the courtesans became models of beauty. In fact Renaissance artists invent the idea of taking singular qualities from a number of beautiful girls in order to compose the ideal of Venus, Flora, Leda, Danae. In the portrait of Moderata one notes some details of beauty at the time, such as having blond hair which women obtained by lightening the hair with vegetable extracts under sun, on Venetian rooftop terraces, screening the face with “solane” topless hats with large skirts to protect the whiteness of the skin. Hair was finely braided and pulled away from the forehead and styled to form two horns. The Venetians would remove the hair from the forehead in order to maintain a high forehead and paled the eyebrows, keeping the skin milky and colouring lips red (suggestions and formulas of our ancestors may be found in Trattato di Trotula, a thirteenth century female doctor and the Manuscript of Caterina Sforza) Myriam Zerbi: Here is a passage from Il merito delle donne which is very pertinent: One dresses in black, says Lucrezia: black brings a certain reputation and honour and women tinge their hair blond, Elena affirms that: it gives a noble air and in the end who has a nice blond head is given the title of beautiful woman. They continue to discuss beauty together and Adriana asks: but what do you think of those curls, those horns? And adds: a beautiful face has a great power of attraction and the ability to alight the heart… and Cornelia recites: but often the beauty bores and it is the ugly one that is liked. Marinella Biscaro: Moderata Fonte presents herself with a crown of laurel, honour of emperors and poets, as Cornelia says in the Dialogue, therefore a symbol of power of excellence in poetry, in literature and an attribute of culture in general. One of the differences bet- ween single women and courtesans was that virtuous “maidens” had to live a very socially limited life. Courtesans were able to visit public places such as, for example, the Ridotto, a type of Casino of the time and were able to meet men of arts and letters in this way. Only women of high social standing were allowed to study at home with master and tutors, they were allowed to compose verse but could not develop individual faculties and train reason as this was considered an exclusively masculine objective. In order to impose the correct moral values for women, to hold natural tendencies under control and habituate their spirits to modesty and obedience it was advised to limit and break desires of liberation, enforcing limits to every aspect of their behaviour. Moderata grew up within this context , but luckily her uncle, Nicolò Doglioni, stimulated her and helped her to build a library, to translate classics and to compose her own works. For Moderata Fonte there was a moment of liberation that brought her to being what she became in a system that obstructed women’s education. Myriam Zerbi: We find confirmation of this in what Corinna and Lucrezia say: Men prohibit women to learn to read and write saying that instruction is the ruin of women. But Lucrezia asserts: It’s good that we learn to take care of ourselves without needing their help and Corinna replies: if we were to be instructed since childhood we would outdo men in both arts and sciences. Marinella Biscaro: Returning to the portrait of Moderata, her physiognomy has a penetrating expression playwright, affirmed that “anybody can sympathise with the sufferings of a friend but it requires a very fine nature to sympathise with a friend’s success.” What do you think of the two points of view? Michela Vanon Alliata: Another fabulous aphorism of Wild’s, twinkling and provoking, which I would like to dedicate to Myriam, just came to mind: “Friendship is far more tragic than love, it lasts longer…” Myriam Zerbi: Absolutely true, thank you! It really is true that friendship is often a safe haven compared with the cruel passion of love, as the protagonists in the Dialogue refer to it. Michela Vanon Alliata: Wilde’s aphorism, as is well known, have been paired with those of Nietsche, proof of how one may be extremely profound while remaining superficial, light and, in fact, facetious. Is lightness not one of Italo Calvino’s Lezioni Americane (American Lessons), his proposal for the new millennium, which puts him in the same category as Wilde, always ahead of his time, thanks to a clean and controlled writing style, simplicity and fluidity with a philosophical base? Even when Wilde was condemned , exiled, sent to jail and reduced to poverty at the climax of his success for displaying his dangerous friendship with the young Lord Douglas, Wilde never lost his whit, joking grace and his lightness, remaining impertinent to the very end, invincible and true to himself. The beautiful portrait of Moderata Fonte is a mysterious portrait, that does not tell all of its meaning right away, but keeps a part of itself secretly hidden. It is PERSEA-TREE The heart is all too different from the tongue F A L S I T Y and her less-than-sweet features reflect an inner turmoil. I agree with Daria Martelli when she describes her look as going beyond the present with “melancholy awareness.” I have submerged myself in her time, in her life, in the realities of a familiar world, in her frustrations. Her face preserves these memories and, only after having understood the “soul of the subject”, did I take the paintbrush in hand…and it was wonderful. Then I personally photographed Irene because I, as a portrait artist, could catch the expression that my subject was transmitting. What the historical subject, in this case Moderata Fonte, transmits unites with what the face of Irene Andessner transmits. Above and beyond aesthetic similarities, I have tried to catch the symbolic expression of the subject. Myriam Zerbi: Let us hear what our ancestors had to say about friendship… When it is true, there is nothing better. One gets to know a friend best in times of adversity and in times of need often a good friend is better than a close relative. True friendship is the source of every good thing. I must add that Oscar Wilde, magnificent dandy and above all a very androgynous portrait. This androgyny evokes the aesthetics and English culture at the turn of the century which once again makes me think of Wilde, apostle of the art and manners and poses connected with that non-conformist phenomenon of thought and culture which was dandyism. Histrionic and exhibitionistic, an arbiter of good taste and a genius of the theatre, Wilde wished to live his life as though it were a work of art, perhaps like Irene Andessner today. Of this, another of his famous quips goes, “I put all of my genius into life and only my talent into art.” A dandy is he who puts all of his efforts into identifying the personality with the being in the mask. He who chooses his body to meet artistic ends, moulds it like a sculptor models his medium, exhibits and shows it off like an actor on stage. The objective is to surprise, to be unforeseeable, to marvel. In his crusade for the reform of clothing, which foresaw bright colours, ties of sky blue and vermilion, knee-length trousers, silk stockings, lace and eyelet at the wrist, cloaks and a series of extravagant accessories, Wilde overthrew the traditional male clothing culture. Naturally, the bold sartorial revolution begun by Wilde did not only regard clothing and accessories but the body and above all the identity which, thanks to him, defined the direction of 75 76 a marked feminisation or, at the very least, a strong ambiguity or androgyny. (Perhaps a homosexual sensibility was needed to see beyond the confines of Victorian prudery and not only in customs or social morals but also in art.) Myriam Zerbi: The women in the Dialogue are curious about travel… Leonora: If there weren’t so many dangers, imagine what a great pleasure to go and see the marvels of the world, like in those far away seas where pearls are born, and in the Red Sea famous for the ancient Egyptians who were flooded by it… Still today the islands far away and the Red Sea of amazing corrals are destinations dreamed of by many travellers. Traveller is a noble word, while tourist has become an insulting, hated term, what is the difference? Daria Martelli: The theme is suggested by the city in which we find ourselves, Venice, which has always been a cosmopolitan city, at one time the destination of those who called themselves travellers and now invaded by mass tourism. During Moderata Fonte’s times, foreign travellers were intellectuals of the upper classes, who came to Italy in order to complete their cultural training. After the mid-fifteen hundreds, especially if they came from countries where Church Reform had taken place, they often added Venice, besides Rome, to their voyage. They would stay in the city for long periods, observing, learning and would often write diaries of their travels. These works, some which became manuscripts and were published in the centuries to follow, are extremely useful historic sources which describe everyday life and customs of the time. The travellers, arriving from other countries and from other cultures, often made acute observations of customs which seemed strange to them, while the Venetians did not consider them worthy of note since it was the norm. The Travellers were the precursors of today’s tourists. A trip can still be a rich cultural experience if extended to the society, the manner of thinking and the history of a place different from one’s home. We disapprove of tourism of the “all-inclusive package” variety as though one were buying a television, without any preparation and with no real desire for knowledge. One travels because it is fashionable and returns home with photos and movies to show friends and family, but mostly to show off. Today a detestable type of tourism is commonplace: sexual tourism. In fact, many leave for the Orient or South America to take advantage of prostitution, even child prostitution. Myriam Zerbi: It is one of the plagues of our time and of our capitalistic society. Returning to the travelling while taking pictures “with every step”, I believe that travelling while looking at everything through the objective of a camera or a video camera takes away from the extraordinary experience of walking, using all of ones senses to get to know places, people, customs and ways of being and living. If reproductive mediums are used with art and moderation they become a testimo- CROCODI LE I kill the man, then cry for his death C R U E L T Y ny to be added to memory, ways to capture and later enjoy from afar fragments which are present only in that determined circumstance and place. Daria Martelli: The intelligent trip is an extraordinary experience, an enriching event. It is a way to travel that distinguishes the traveller from the tourist, like those who invade Venice, trouped in by a guide with his umbrella raised high, reciting the same phrases over and over, who drags the group to see two or three ritual sites where they take souvenir pictures, and then takes them to the usual shops to buy junk and prezzies, finally accompanying them to their departure. And these tourists leave believing that they have seen Venice. Annamaria Orsini Cammarata: Maybe some tourists don’t really care whether or not they have really seen a place. Daria Martelli: It’s possible that some of them mistake one city for another… Myriam Zerbi: Once I saw a group of Japanese in a gondola, while an accordion played “O sole mio”, and somebody asked, “But when are we going to see Vesuvius?” Daniela Gaddo Vedaldi: There’s worse. Tourism is an economic good, of consumption, an object for sale. People are literally transported. Sometimes tourists seated at the Florian at the tables in Piazza Marco ask: Which city are we in? The very fact of asking which city one is in is evidence that the trip was bought eyes closed. Hearing that Caffè Florian is a place for tourists is a stab to the heart for me. It’s a slap in the face… Daria Martelli: Sue for defamation… Daniela Gaddo Vedaldi: Fortunately and unfortunately tourists also visit Caffè Florian and the Caffè lives also thanks to them. Many come, but the Florian is not at all a place for tourists, at most we might call it a place for travellers. Many pass here. We have a guest book where visitors may write something, leave a note, a thought. Sometimes they leave a few words, sometimes simply their name, other times a poem or a drawing, some really beautiful. Travellers still exist. Annamaria Orsini Cammarata: Certainly, I absolutely defend the traveller category. Michela Vanon Alliata: There are also tourists of the soul, not only those in search of sex…from Goethe to Stendhal, from James to Stevenson, from Sterne to Casanova, to remain within the Venetian circle, from Chatwin to Sepùlveda. For these writers the voyage became an instrument of knowledge, conquest or reconquest of the identity, a self-vision, in some cases touching an authentically revelatory dimension, becoming an intense epiphany. door in the morning or step on my foot on the bus? Will it arrive like a time change? Will its greeting be kind or rude? Will it change my life?” Annamaria Orsini Cammarata: There are those that need to escape themselves and to go elsewhere… Annamaria Orsini Cammarata: I think that it’s always love. Anything we do can be an act of love. Michela Vanon Alliata: In travel a dialectic dominates movement and stability, the desire to escape the constrictions of a place and of oneself and one’s tension in order to define one’s identity in relation to a different geographic and cultural context. The returning element in travel is in fact the meeting with the Other: the dimension that is removed is what we might define as “normality”. In this sense travelling can be seen as an experience of bewilderment but may also become a way to wide away the time of one’s existence, the working out of the fear of death. This means moving away from the mechanisms of perception of the familiar and the known , to confront what is different, with new stimuli that nullify “recognition” and consent “sight”. Therefore the voyage does not only produce “estrangement” but can become a fertile instrument of knowledge, the dramatisation and realisation of a person’s internal stories, a geography of the emotions, a metaphor of existential movement. A trip is never only a passing through of neutral spaces, but an immersion of the subject in itself. We should recall the formation trip known as the “Grand Tour” that from the seventeen hundreds onwards ended in Italy as the destination of choice, becoming an institution for the English upper classes, the foundation of one’s education, according to a tradition which saw the trip as a necessary formation of one’s personality, a spiritual enrichment of the cultured man. This phenomenon has a significant influence on tastes in art, such as vedutismo and landscape painting… Andra Fuchs: I have always seen love as a bridge, built to unite two shores, the bridge is a metaphor for communication between two different beings that have made contact. A bridge and the desire to build it, this is what love is to me. In Moderata Fonte’s book the women complain about how they feel used, repressed and limited by their men. Of the love that must have existed at the beginning of the relationship they barely breath a word. And yet it is love that unites two souls, that makes communication possible and that brings the couple together with time. Like a bridge. If love is swallowed in the routine of marriage, then all of the problems discussed in the book come to the surface. Beyond the difficulty of separating it from what is ingrained and the traditions that characterise the family environment…. Annamaria Orsini Cammarata: A view of Carlevarjis, one of Canaletto, a portrait painted by Rosalba Carriera, were precious souvenirs of a trip, the postcards of ancient travellers. Myriam Zerbi: Let us now hear how the Venetian women of the fifteen hundreds exchanged news, recipes, antidotes of love, the same women who affirmed that for men love is the effect of desire, in women there cannot be desire without love. There is a fountain, like that of Cupid, that has the power to drive away love in our hearts… there are remedies against heartbreak: like the fresh skin of a goat, the dust of where a mule has rolled or making the lover drink the blood of the person loved. To make a woman fall in love, a man should put the intestines of a hyena on his thigh and any woman who looks at him will fall in love right away. If we ask ourselves how we speak of love today, one answer could be with SMSs, cell phone messages. This rapid language, essential, limited 160 spaces, is not only used by teenagers but people of all types and ages. “The truth, I beg, about love” is the name of the book of English poet Wystan Hugh Auden. With regards to love, he asked, “Will it arrive without knocking, right when I have my finger in my nose? Will it knock on my riano suffered from gout and had problems having shoes made. In this way he was able to bring the wooden foot to the shoemaker who, finally without hurting him, could make him his shoes. A kind token of friendship. Sometimes even men are able to be delicate. Another great man attached to the Florian was the pianist Arthur Rubinstein. We have photos of his seated at the tables of our Caffè in the Piazza. I was told that when he visited he ordered coffee or tea, but always arrived with his own package of sweets as he said that he didn’t like those at the Florian. It was his little weakness, though he certainly must have appreciated the rest, if he took the trouble to bring his own sweets in order to come here. Irene Andessner: What a story! Daniela Gaddo Vedaldi: Another particularity of the Florian is that for the last forty years it has always been managed by women. This is a new aspect as for two and a half centuries it was always managed by men before passing into women’s hands. Annamaria Orsini Cammarata: Who was the first? Myriam Zerbi: the Dialogue is a fascinating encyclopaedia of natural remedies… Rhubarb against fever Siena and Egyptian herb against melancholy Aloe against cholera and phlegm Nutmeg helps the stomach and pregnant women Myrrh helps digestion Liquorice alleviates chest ailments Aloe powder against hair loss Squash and citron against fever Violets against headache and coughs Camomile helps the head Fennel is excellent for the eyes And wine “ to comfort the chest and stomach”, sweet wine, malvasia, moscato, vermiglio or white… We are here the guests of Mrs. Daniela Gaddo Vedaldi, owner of this magnificent Caffè. Who knows how many couples, characters, people, funny things she has seen in these rooms… Daniela Gaddo Vedaldi: I would like to cite a few characters that have left their marks that might in some way give the male sex the benefit of inventory. Starting with Floriano, the founder of this Caffè who decided to call it “Alla Venezia TrionP fante” (“Venice Triumphant”). This establishment was named after him, its first manager, Floriano Francesconi. This man knew how speak with people, how to make himself liked, how to be a friend to all, so much so that the caffè came to be named after him, Florian. Another sign of particular male kindness was that left by Antonio Canova, great sculptor and friend of Floriano, nephew of the founder. We are at the end of the seventeen hundreds. Antonio Canova gave his friend a model of a foot which he carved himself as poor Flo- Daniela Gaddo Vedaldi: My husband’s mother who, widowed, learned to integrate herself, in a very courageous manner, as the head of a company that she had previously only known superficially, and it is thanks to her that the family was able to keep the Florian. I entered in more or less the same way, fortunately in far less dramatic circumstances. I decided to leave my previous job in order to consent my husband to continue his job as a professor of statistics. And although it was not easy, I have managed to find my own space at Caffè Florian, giving me a lot of personal satisfaction. I have never regretted my decision. Myriam Zerbi: Discussing and philosophising quite a bit, our seven women speak of the doctors and lawyers of their time, of the curative powers of stones, of alchemy, of who works with alchemy, of the astrologist, of the herbalist, of the lapidary who tries to take money from the purses of believers, of the costs sustained for the new Rialto Bridge, of scholars, of the missing geniuses of ancient times: the world is getting older and the men worse. They also discuss art and music that make the stones Annamaria Orsini Cammarata: Painting is the desire that the soul should have a colour, the desire to see the poetic world take shape, a body, an image, a colour. It struck me that the women in the Dialogue, speaking of portraits, say that with this the live image is conserved…for the memory of their posterity; therefore, the portrait is but a transfer of an appearance for them. I don’t believe the same can be said of the portrait is for you, Marinella… Marinella Biscaro: I can assure you that when I paint a portrait, I enter the personality and take on the same energy which I transmit. From the moment in which the subject is in front of me he communicates his way of life, of being, from how he acts to how he presents himself with important objects. Every detail, a brush or other, tells the story of his life and perhaps I also come to know that of his ancestors. To me, painting portraits means entering the subject, catching “the charisma of the Self” and giving it a witness. It is the search for the truth where the face is a witness and an expression of our conscience. In this process of reflection I am not, as an artist , the protagonist but the protagonist is the person who wants his portrait. I often see man as a number or a machine in today’s society and that, above all, art puts into focus uneasiness, fragilities, the loss of certainties of the human body that changes with time, going beyond the rebuilding of “anthropological” appearance. I think that identifying oneself with one’s portrait, is a way instead of acquiring the knowledge of the wealth within one’s Being, of the Lived and the Handed Down of hereditary influences. The portrait can also be the opportunity to acquire self-esteem by feeling the responsibility of one’s own life in terms of both the present and the future, the confirmation given by identification. Annamaria Orsini Cammarata: This is what always fascinates me about who dedicates their work to portraiture. There is the desire to identify, to appropriate in the repetition of features and at the same time to go beyond… Daria Martelli: to rob the soul? Annamaria Orsini Cammarata: To portray, as I already said, is , in my opinion, an innocent love yet at the same time perverse, it is freezing an appearance and yet going beyond, within and further… PHOEBUSL IEreAsolSvedU toRmake a virtue of my need E crack and doubles the happiness of the content and the melancholy of the sad, they discuss the parallels between the poet and the painter. Lucezia says: It seems to me that the poet has much in common with the painter as the painter follows the style varying drawings and colours, with positives, negatives, shadows, lines, impressions and reliefs, so the poet with his pen creates beautiful drawings in the mind. Cornelia adds: painting is the body of poetry and poetry is the soul of painting. Marinella Biscaro: Yes, beyond. The voices and echoes of each person’s story resounds in the soul. Annamaria Orsini Cammarata: Even in the case of your portrait Irene Andessner/Moderata Fonte. There is Irene, there is Moderata Fonte and you are there too… Marinella Biscaro: Irene Andessner gave her face to Moderata to rivendicate a woman who in history was partial or marginal. With this portrait I wish to give dignity to an “ancient woman” and identification to my conceptual research. 77 78 Research has brought me to the cultural and socio-historical dimension of each female reality in order to understand the interior of each one, but also in technical matters of the time, from the preparation of the canvases to the painting methods. Once I had the knowledge that brought me to the selection of the ancient character, I began the photographic shoots that I always do personally. Irene Andessner presented herself covered wit a white bed sheet, as though she were preparing for surgery and, as though shooting a film, the lights came on and I began to take photos. Every picture became a document filled with scientific meaning, working, a little like Paolo Menegazza (1831–1910) once did, to construct and investigate attitudes and expressions by miming detailed variations. Little by little as I continued, I saw a close relationship between Andessner’s face and that of the ancient female character grow, as it is necessary that a deep affinity grow between the real and historic subjects in the painting in order that the portrait result “authentic”. Annamaria Orsini Cammarata: Each brushstroke is an identification and knowledge, each brushstroke is superficiality and depth, each brushstroke is unveiling. Marinella Biscaro: Yes, unveiling. I have known Irene Andessner for 27 years. We studied together at the Accademia di Belle Arti di Venezia with Emilio Vedova. She is a tenacious and determined woman who has a strong relationship with her “Animus” ( the male countersex where profound energies are born, according to Jung) , she uses her potentialities to give dignity to the feminine that has been ghettoised, rising above historical categories. Her psychological portrait is a marriage between her female and male sides, without exhibition but in harmony and completion, like a relationship of faith of which he and she find themselves a part. Together in the Being. Myriam Zerbi: Can a portrait become a mirror of the I? Marinella Biscaro: The interior aspects and the apparent aspects of a portrait have brought me to study the science of physiognomy that, as opportunities of know- ledge, allow me to assimilate the aspects of the being, the signs which lead to knowledge of the character, of the perceptions, of the passions that the man has in life. Behind every face the most intimate facades of the personality are unveiled and the portrait becomes a confirmation, a definitive and incontestable reference point. Myriam Zerbi: Let us listen once again to Adriana, Corinna and Virginia. Adraina: Men have all the vices in the world and wish to be praised more than us and do not recognise our great merit, and in the end a man without a woman is but a fly without a head. Corinna: Our women’s grammar is not the same as men’s, the verb to love is passive for them and active for us, we love and they are loved. But in the end Corinna and Virginia conclude singing: If the sky is decorated with stars, the world is decorated with women, with beauty and joy. And with these words, I thank you all, we’ve reached the moment to take leave from one another. CORINNA A free heart beats in my breast, I serve no one and belong to no one but myself I N D E P E N D E N C E Das Verdienst der Frauen 2003 Myriam Zerbi: In diesem fröhlichem Gespräch versammelt, trage ich euch einen Potpourri von Auszügen aus dem Dialog Das Verdienst der Frauen vor, …in dem man deutlich sieht, wie sehr sie würdiger und vollkommener als die Männer sind. Eine Collage von Betrachtungen jener damaligen Frauen… die zum Teil sehr aktuell tönen… Gegen die Männer: Jede Tür hat ihren Türklopfer. Gegen die Ehemänner: Männer sind entweder eifersüchtig oder untreu, diese geben sich dem Spiel hin, jene schlagen und schreien aus Wut, unter ihnen findet man geizige und grausame Henker; die Frauen finden erst dann Ruhe, wenn die Ehemänner aus dem Hause gehen. Über die jungen Liebhaber: Gerade diese Grünschnäbel sollte man vor allen anderen fliehen, da sie, jung und ungestüm, wie sie sind, auch flatterhafter und wankelmütiger sind; zudem sind sie hochmütig, anmassend, unverschämt, falsch und perfid… Das Verhalten dieser jungen Liebhaber ist so indiskret und offensichtlich, dass es jeder bemerken muss. Sie sind einzig dazu geeignet, sagt Cornelia, um die Zeit zu vertreiben, um sich zu amüsieren – gleich einem Fächer aus Federn, der nur dazu zu gebrauchen ist, einen im Sommer zu erfrischen. Über die Liebhaber, die das richtige Alter haben: Sie sind hochmütig und eitel, blasiert, trügerisch und reich an Tücke. Über die alten Liebhaber: Sie haben das beste des Mehls schon verbraucht, und es ist, wie man sagt, nichts übrig geblieben ausser Kleie. Ausserdem sind sie von Natur aus ausgesprochen eifersüchtig und argwöhnisch, träge und knauserig. Die Männer – alle Männer – sind masslos in ihrem Verlangen, sie sprechen süsse Wörter aus, um hinterher eine Art Gift auszuteilen, gegen das kein Gegengift behilflich sein kann, nicht einmal die grosse therapeutische Wirkungskraft des Einhornhornes. Corinna sagt ihrerseits: Ach, wenn die Männer nur eine Weile unseren Gedanken zuhören würden… Daria Martelli, erzählen Sie uns doch etwas über Moderata Fonte und ihr Dialog. Daria Martelli: Die heutige Zusammenkunft bietet uns die Gelegenheit, über den seltsamen Erfolg dieser Schriftstellerin der venezianischen Spätrenaissance nachzudenken. Mit Erfolg meine ich hier das Echo einer Autorin in der eigenen und in der künftigen Zeit. Während ihres Lebens in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts war Moderata Fonte als Autorin dichterischer Kompositionen bekannt und geschätzt. Auch wir bewundern diese Texte, die im Stil jener Zeit geschrieben sind. Das Werk, das aus heutiger Sicht hinsichtlich literarischem Wert und Originalität als ihr bedeutendstes gilt, ist jedoch der Dialog Das Verdienst der Frauen. Es wurde von Moderata im Jahre 1592, einen Tag vor Ihrem Tode, der durch eine Geburt verursacht wurde, vollendet. Damals war die Geburt eine dermassen ge- fährliche Angelegenheit, dass es für die Frauen ein gewöhnlicher Brauch wurde, noch vorher das Testament zu machen. Das im Jahr 1600 nachgelassene, und seither nicht mehr herausgegebene Werk, geriet bald zusammen mit seiner Autorin in Vergessenheit und verschwand aus der literarischen Szene. Vier Jahrhunderte später wurde Das Verdienst der Frauen im Rahmen der feministischen Bewegung der 70er Jahre wieder entdeckt. Das Werk erweckte hier ein lebendiges Interesse, das in den folgenden Jahrzehnten ständig wuchs und dank einer zunehmenden Reihe verschiedener Essais und Übersetzungen auch im Ausland bekannt wurde, wo sich gewöhnliche und spezialisierte Leserinnen mit ihm auseinandergesetzt haben. Worin liegt der Reiz dieses alten Textes? Als Erstes richtet sich unser Interesse auf dessen Thematik. Diese überschreitet das Verständnis jener Epoche und steht im Einklang mit unserer Zeit und Gesellschaft, die von den Grundsätzen des Feminismus durchdrungen sind. In den 70er Jahren wurde der wieder entdeckte Text einer politischen Lektüre unterzogen. Die Entdeckerin des Textes, Anna Jaquinta, deutete die im Verdienst dargestellte Konversation als einen „Versuch zum weiblichen Selbstbewusstsein“. Für Jaquinta ist hier der typisch feministische Vorgang einer Zusammenkunft als Gelegenheit zur politischen Diskussion über eigene private Erfahrungen schon vorweggenommen. keine außerordentliche Persönlichkeiten gegeben. Indem das historische und kulturelle Vakuum, das die Frau bis in die heutige Zeit zu ertragen hatte, gefüllt wurde, konnte eine Genealogie und Geschlechtsidentität begründet werden, die eine Voraussetzung zur Erlangung weiblicher Selbstachtung und Stolz darstellt. Mit Moderata Fonte haben wir nicht einfach eine Frau entdeckt, die ihr persönliches Denken erarbeitet und ausgedrückt hat, sondern auch eine Schriftstellerin, die sich von einem weiblichen Gesichtspunkt aus mit den weiblichen Verhältnissen auseinandergesetzt hat, um so als vorzeitige Feministin zu erscheinen. Darin liegt der symbolische Wert dieser Figur. Myriam Zerbi: Kommen wir wieder auf die Wörter des Dialogs zurück. Corinna: Denn sie (die Männer) entstanden aus unbelebter Erde, damit wir aus lebendigem Fleisch geschaffen werden konnten. Und überhaupt, was bedeutet schon diese Ersterschaffung? Zuerst baut man in die Erde die Fundamente ohne Wert oder Anmut, auf denen sich dann prachtvolle Gebäude und geschmückte Paläste erheben. Mit Anerkennung der geistreichen Darlegung Corinnas über die Überlegenheit der weiblichen Herkunft aus HERME LIN Lieber sterben, als dass mein Körper befleckt wird K E U S C H H E I T Auch das Prinzip, dass „das Private politisch sei“ gemäß dem die weiblichen Verhältnisse zu analysieren sind, ist hier schon eingeführt. Es ist aber nicht nur wegen dem Inhalt, dass die heutigen Frauen von diesem Dialog fasziniert sind. Auch die Form, in der sich der Dialog abspielt ist von großem Interesse. Moderata Fonte inszeniert ein Gespräch zwischen Freundinnen, die sich im Rahmen des Hauses und des Gartens ihre persönlichen Erfahrungen anvertrauen und mit einer leichten und konkreten Ausdrucksweise nachdenken und scherzen. Das Thema, das für das Gespräch bestimmt wurde sind die Männer, von diesem schweifen die Frauen jedoch oft ab, um die verschiedensten Gegenstände zu besprechen. Beispiele dafür sind die zeitgenössische Kunst und Kultur, die Bräuche und das urbanistische Aussehen Venedigs. Diese „häusliche“ Konversation, wie sie von Moderata Fonte genannt wird, war unter den Frauen schon immer üblich und ist es auch heute noch. In diesem Dialog können die heutigen Frauen ihre Freundschaftsbeziehungen und ihr alltägliches Leben wieder erkennen und ihre Lebens- und Denkweise mit der von Moderata Fonte vergleichen. Die während den Jahren des Feminismus stattgefundene Wiederentdeckung dieser wie auch anderer Schriftstellerinnen ging mit einer Neubewertung einer Frauen-Kultur und -Geschichte einher, wie sie aus der Perspektive der traditionellen Geschichtsauffassung nicht möglich gewesen wäre. Gemäß dieser traditionellen Perspektive wurde den Frauen eine niedrige Stellung zugeordnet, mit der Begründung, unter ihnen habe es dem Fleisch gegenüber der männlichen aus dem Lehm, bitte ich Mirva Bertan, uns etwas über die Architektur aus der Zeit des Dialogs zu sagen. Mirva Bertan: Hinsichtlich der Zeit Moderata Fontes und der Arbeit Irene Andessners ist mir als erstes die Figur von Andrea Palladio in den Sinn gekommen. Er ist jener Architekt, der am meisten zur Erneuerung seiner Epoche beigetragen hat und dessen Portrait in der Galerie der berühmten Männer im Florian hängt. Obwohl er die meisten seiner Aufträge vom Adel des Festlands erhielt und sein Hauptwerk nicht in Venedig selbst steht, ist er in diesem Zusammenhang sehr wichtig. In seiner und Moderata Fontes Zeit erfolgen in Venedig nämlich bemerkenswerte städtebauliche Veränderungen. Der öffentliche Raum wird neu definiert und erhält jene Physiognomie, die bis heute das Aussehen der Stadt bestimmt. Es wird zum Beispiel die RialtoBrücke gebaut, von der auch im Dialog die Rede ist und für die Palladio ein Projekt ausgearbeitet hatte. Palladio ragt unter den Architekten als jener heraus, der den Bedürfnissen des venezianischen Adels, der sich durch den Handel auf dem Meer bereichert hatte, entgegenkam. In der Epoche der Entdeckung Amerikas wurde man sich der Veränderungen bewusst, die mit der Verlegung des Handels vom Mittelmeer zum Atlantik entstanden. Man erkannte die Notwendigkeit, die Investitionen nicht mehr ausschließlich auf den Handel zu konzentrieren, sondern auch auf andere Bereiche zu erweitern. Es wurde nun in Liegenschaften wie Mietgebäude und 79 80 Landesbesitz angelegt, was zu einer Art „Versteinerung der Rente“ führte. Palladios Werk ist in diesem Zusammenhang zu verstehen. Der Architekt hat den klassischen Stil eingesetzt, diesen jedoch hinsichtlich Materialien und Dimensionen, die nun bescheidener wurden, abgeändert. Nach seinem Entwurf wurden zahlreiche Villen erbaut, die ziemlich einfach sind. Hinsichtlich Materialien und Formen evozieren sie jedoch eine höchst suggestive Wirkung. Sie verliehen dem venezianischen Adel eine beinahe göttliche Investitur und vor allem eine neue Identität, denn jetzt begeben sich die Adeligen auch auf das Land, um landwirtschaftliche Betriebe zu verwalten und um das ländliche Leben zu genießen. Mit der neuen Architektur ist somit eine neue Lebensweise verbunden, die auch eine neue Identität des Adels zur Folge hat. Auch Irene Andessner nimmt in ihren Arbeiten immer wieder neue Identitäten an, ohne dabei ihre eigene zu verlieren. Ihre Arbeit dreht sich konstant um die Identitätsfrage, eine Thematik, die man bei vielen zeitgenössischen Künstlern wieder finden kann, und die sogar bei nicht europäischen Künstlern aktuell ist, obwohl bei ihnen die Identität manchmal nur durch ein Dokument gegeben ist, mit dem offiziell bestimmt und anerkannt wird, dass man eine bestimmte Person ist. Es dünkt mich, Irene, dass Du mit deiner Arbeit im Vergleich einen weiteren Schritt gemacht hast und die Thematik der Identität neu aufgegriffen hast. mit Entsetzen an das, was Orlan als Künstlerin mit ihrem Körper macht. Sie schleudert ihn mittels ungewöhnlicher Eingriffe plastischer Chirurgie in ein Verwandlungsabenteuer, in dem sie immer wieder neue Identitäten findet und sich in ein „anderes als sich selbst“ verwandelt, auf der Suche nach einer nomadisierenden und antiästhetischen Identität. Myriam Zerbi: Was die Identität betrifft, finde ich, dass auch das Pseudonym dazugehört. Daria, warum hat Ihrer Meinung nach Modesta dal Pozzo einen Pseudonym angenommen? Daria Martelli: Modesta dal Pozzo hat den Pseudonym Daria Martelli: ...wird zum Springbrunnen. Michela Vanon Alliata: Ein sprudelnder, schöner und lebendiger Quell. Daria Martelli: Das Quellwasser hat bestimmte symbolische Bedeutungen. Es wird mit dem Anfang, der Geburt, mit dem Wachstum, der Nahrung und dem Leben assoziiert. Moderata hat sich in ihrer Identitätswahl alle diese Bedeutungen angeeignet. Sie verrät uns nirgends den Grund ihrer Wahl, ich selber habe sie so ausgelegt. Übrigens steht auch inmitten des wunderschönen Gartens, der von den sieben Frauen des Dialogs zum Treffpunkt ausgewählt wurde ein Brunnen. Er stellt gewiss die Autorin selbst dar, es ist ein symboli- PHÖENIX Allein lebe ich zu jeder Stunde, allein sterbe ich und werde wiedergeboren I N S A M K E I T Irene Andessner: Ja, es wurde mir schon gesagt, dass ich die Persönlichkeit anderer Menschen verkörpern und gleichzeitig ich selbst bleiben kann. Annamaria Orsini Cammarata: Irene, wenn ich über dein „künstlerisches Wesen“ nachdenke, kommt es mir vor, als ob du von deinem Leben und von deinem Körper ein Kunstwerk machen möchtest. Sehe ich das richtig? Irene Andessner: Es scheint mir schwierig, so etwas von mir zu behaupten. Ich mache einfach meine Arbeit. Währe ich wirklich ein Kunstwerk, dann – so glaube ich – könnte ich dessen nicht wirklich bewusst sein. Es ist ein wenig wie bei den Verrückten. Das Reflektieren über das Verrückt-Sein schließt die Möglichkeit der Verrücktheit aus. Annamaria Orsini Cammarata: Nein, nein, das ist nicht genau das, was ich meinte… Irene Andessner: Ich kann nicht sagen, dass ich ein Kunstwerk bin. Wenn jemand lebt, ohne „ich bin verrückt“ oder „ich bin ein Kunstwerk“ zu sagen, dann wäre es möglich, dass diese Person wirklich verrückt oder ein Kunstwerk ist. Von mir selbst kann ich nicht behaupten, ein Kunstwerk zu sein. Ich mache meine Arbeit ohne den Wille, „jemanden“ zu sein, sondern um mich zu amüsieren. Ich liebe es, diese Dinge zu tun und habe einen natürlichen Impuls, meinen künstlerischen Weg zu gehen. Annamaria Orsini Cammarata: Anderseits denke ich „Moderata Fonte“ angenommen, als ihre ersten Werke herausgegeben wurden. Zahlreiche Schriftsteller aller Zeiten bis in die Gegenwart haben einen neuen Namen angenommen, jeder aus persönlichen Gründen. Die Autorin des Dialogs verschweigt die eigenen. Moderatas Onkel, Nicolò Doglioni, der eine kurze Biografie seiner Enkelin niedergeschrieben hat, erzählt jedoch, dass die Schriftstellerin den Decknamen wegen dem „gebührenden Respekt gegenüber einer Jungfrau“ angenommen hat, als sie zu Beginn ihrer schriftstellerischen Tätigkeit noch jung und unverheiratet war. Der Handlungsraum der venezianischen Jungfrauen (donzelle) jener Zeit war fast ausschließlich auf den häuslichen Bereich eingeschränkt. Bei den seltenen Aufenthalten außerhalb des Hauses mussten sie sich das Gesicht bedecken. Doglioni meint deshalb, dass Moderata die eigene Identität aus Zurückhaltung verhüllt habe, um sich zu verbergen. Ihr Verhalten läßt sich jedoch auch so begründen: In einer Epoche, in der die Identität jeglicher Frau von jener eines Mannes abstammte, und die Frau ausschließlich als „Tochter, Ehefrau oder Mutter des“ galt, hat sich Moderata für eine eigene Identität entschieden. Obwohl sie in den Dokumenten als Modesta „Frau des Filippo Zorzi“ eingetragen ist, heißt sie als Schriftstellerin Moderata Fonte, der Name, der für sie selbst und ihr Werk steht. Michela Vanon Alliata: Ich finde die Wahl von diesem Pseudonym, der sich im Grunde genommen nicht besonders vom ursprünglichen Name unterscheidet interessant in Hinblick auf die Freiheit ihrer Schriften, welche die heutige Zeit ankündigen und vorwegnehmen. Es ist ein Name, der eine Art Keuschheit oder Schamhaftigkeit zu verraten scheint. Daria Martelli: Modesta (Bescheidene) wird zu Moderata (Zurückhaltende) und Pozzo (Schöpfbrunnen) zu Fonte (Springbrunnen); während die Bescheidenheit, z.B. der Jungfrauen, eine moralische Eigenschaft ist, hat die Zurückhaltung eine geistige und intellektuelle Bedeutung. Und der Schöpfbrunnen, der … Michela Vanon Alliata: …stagnierendes, seichtes Wasser enthält… Jasminlauben… Es ist aber auch unbestreitbar ein Garten venezianischer Art, da er sich im Wasser spiegelt, gleich dem Traum von einem „Garten mitten im Meere“, wie Henry James sagen würde. Die sprachliche Vielfalt und die deskriptive Genauigkeit verraten Moderatas Aufmerksamkeit für die Welt und ihre Dinge, die Anmut ihres Geistes und ihre Feinheit, die typisch weiblich sind. Beinahe eine himmlische Lockung… Michela Vanon Alliata: Der Garten wird in der Tradition des „locus amoenus“ und des „hortus conclusus“ ja auch als glücklicher Ort dargestellt… Daria Martelli: Moderata fügt ihrer Erzählung Liebe hinzu… SONF NE Allein spende ich mir und den anderen Licht R E I H E I T sches Bild für den von ihr gewählten Namen. Annamaria Orsini Cammarata: so eine seltene Lust... Myriam Zerbi: Was die Namen anbelangt, ist es in Italien den Frauen heutzutage erlaubt, auch als Ehefrauen ihr Mädchenname zu behalten, und es ist ihnen offen gelassen, ob sie den Namen des Mannes dazunehmen wollen. Wir können sagen wer und mit wem wir sind. Es gibt anderseits fortgeschrittene westliche Gesellschaften und Sprachgebiete, wie unter anderen das französische, in dem die Ehefrau einzig als „Madame“ gefolgt vom Name und Vorname ihres Mannes angesprochen wird. Ich finde, dass dieser Brauch eine große psychologische Gewalt in sich birgt. Nicht nur sind die Frauen gezwungen, ihren eigenen Familiennamen abzugeben, sie müssen auch den Vornamen des Ehemannes annehmen. Dadurch verschwinden sie hinter ihm, ohne jegliche Möglichkeit sich von ihm zu unterscheiden. Ein Franzose, der sich verschiedene Male wiederverheiraten würde, hätte immer wieder eine Madame mit seinem Vornamen und Namen, und es würde sich gesellschaftlich gesehen absolut nichts ändern. Wie sieht das in Österreich aus? Daria Martelli: Die Frauen die an der Konversation teilnehmen, bezeichnen ihn als ein Paradies... Andra Fuchs: In Österreich ist es möglich, sich für den Familiennamen zu entscheiden. Anderseits hat sich zum Beispiel meine Tochter letztes Jahr fast automatisch für den Namen ihres Mannes entschieden, praktisch ohne jegliche Infragestellung. Meistens folgt man den Familienbräuchen. Aber gewiss ist es nicht die Tradition, die entscheidet, wie meine Identität zu sein hat. Goethe hat gesagt, dass der Name nicht mehr als Klang und Rauch sei. Annamaria Orsini Cammarata: Um wieder auf den Dialog zurückzukommen: Besonders fasziniert mich Modesta-Moderatas sorgfältige Beschreibung des Gartens, der den Frauen als Treffpunkt dient: ein typisch italienischer, von unzählig vielen grünen Spalierbäumchen bewachsener Garten, von denen einige, gemäß der „ars topiaria“, in der Form einer Pyramide, andere in der eines Pilzes oder einer Melone zugeschnitten sind; mit all den Rabatten geometrischer Form, Zedernvasen, ordentlichen Buchsbaumhecken, duftenden Frau war. Oft klagt sie die kulturellen Bedingungen an, die Verbote und die Grenzen, denen die Frauen unterstellt wurden, unter ihnen z.B. ihr Ausschluss aus der Bildung. Darin steht Moderata auch unserem Anliegen sehr nahe. Anderseits folgt sie in der Bestimmung der Natur des Weiblichen und des Männlichen dem Geist ihrer Zeit. Wir alle sind heutzutage damit einverstanden, dass es unmöglich ist zu sagen, was an uns Natur und was Kultur sei. Wir erkennen nicht nur die Unterschiede zwischen Mann und Frau, sondern auch die Unterschiede zwischen Frau und Frau als einen Wert an. Gelöst von den Beeinflussungen und ausdrucksfrei, unterscheidet sich jede Frau von den anderen. Daher stammt auch die Vielfalt des weiblichen Geschlechts. Ich finde, dass Frauen beeindruckende Fähigkeiten in Annamaria Orsini Cammarata: in diesem lieblichen, anmutigen Garten… Daria Martelli: Und es ist nicht zu übersehen, dass die Frauen sich gerade auch wegen der Abwesenheit der Männer an jenem Ort besonders wohl fühlen… Annamaria Orsini Cammarata: Gewiss; sie befinden sich zuerst im Haus und blicken von dort in den Garten. Später gehen sie freudig hinunter, wie wenn sie sich einen Raum, der Freiheit und Genuss verspricht, erobern würden… Irene Andessner: Frei von den Männern. Myriam Zerbi: Hören wir zu, was Moderata Fonte der Elena sagen lässt: Elena: Wir (Frauen) zeichnen uns darin aus, dass in unserem Wesen keine Wildheit herrscht, da Galle und Blut nur eine kleine Rolle bei unserem Temperament spielen. Und das macht uns menschlicher und sanfter als Männer und verleitet uns weniger dazu, unseren Leidenschaften zu folgen. Ihr Temperament hingegen ist heiß und trocken; von der Galle beherrscht, sind alle Männer ganz Feuer und Flamme und lassen sich eher dazu verleiten, Fehler zu begehen, und können sich ihrer ausschweifenden Begierden kaum enthalten. Daher rühren ihr Zorn, ihr Ungestüm und ihre Raserei in ihrer Wut und daher kommt ihre unmäßige Ungeduld, wenn es um ihre zügellosen und glühenden Gelüste geht, die fleischlichen und die anderen, die in ihnen eine solche Gewalt haben, dass sie ihren Verstand den Sinnen unterwerfen…. Daria Martelli: An dieser Stelle vertritt Moderata Fonte die wissenschaftlichen Kenntnisse ihrer Zeit. Vergessen wir nicht, dass Moderata eine besonders gebildete sich bergen, diese jedoch erst in der heutigen Zeit mit überraschenden Ergebnissen zum Ausdruck gebracht haben. In der Zukunft wird man gewiss merken, was für Potenziale das weibliche Geschlecht in sich birgt; jene Potenziale, die in den vergangenen Jahrhunderten stets verdrängt wurden. Myriam Zerbi: Der jesuitische Priester Anton Brignole Sale (1605–1655), Dichter und Schriftsteller, Sohn des genuesischen Doge Gian Francesco, schreibt: Einer Frau die Wissenschaften? Wieso? Damit sie wisse? Was? Gut zu sprechen? Nein, sondern Schlechtes zu tun! Glaube nicht, dass ihr gutes Studium sie besser mache. Das Weib besteht einzig aus Arglist. Je besser der Geschmack der Speisen, die du ihr gibst, desto besser wachsen in ihr die schlechtesten Launen. Keiner, auch nur mit dem Verstand einer Gans, würde eine Frau, die jene schreckliche Gabe der Erkenntnis besitzt als Gattin nehmen, da sie schlimmer als eine bucklige, mundgerüchige, schielende Frau ist. Eine Literatin als Ehefrau? Barmherziger Gott! Sogar wenn Luzifer an ihrer Stelle wäre, würden wir es friedlicher haben! Dreihundert Jahre später schreibt Grazia Livi, eine zeitgenössische toskanische Schriftstellerin in „Herzlose Frauen“: „Ich musste die Intelligenz geheim halten“. Selbst ihre Mutter riet ihr, sie solle nicht allzu klug erscheinen – als Klugheit ein abscheulicher Auswuchs wäre, den sie unter dem Haar zu verstecken hätte. Daniela Gaddo Vedaldi: Ein Unterschied zwischen den Männern und den Frauen besteht auch darin, dass eine Zusammenkunft wie diese unter Männern kaum vorstellbar ist. Sie treffen sich oft zum Gespräch, aber über andere Themen, auf einer anderen Ebene und mit einer anderen Sensibilität… Irene Andessner: Die Männer erzählen sich ihre eigenen, wirklichen Geschichten, aber darüber hinaus erfinden sie nicht wenige Phantasiegeschichten über die Frauen. Und sie diskutieren lebhaft, ob Don Giovanni als Vergewaltiger oder als Verführungskünstler aufzufassen sei oder ob seine Memoiren als eine Art Faustsches Hybrid zu deuten sind. Auf ähnliche Weise reden sie über Da Ponte, Casanova, Goethe, Cagliostro, Goldoni und so fort. Daniela Gaddo Vedaldi: Ich finde, dass die Kommunikation zwischen Männern dazu tendiert, immer an der Oberfläche zu bleiben, während wir Frauen eher dazu fähig sind, unsere Gedanken zu vertiefen, indem wir auch bereit sind, uns gegenüber den anderen zu öffnen und uns mit ihnen zu konfrontieren… Daria Martelli: Wir sind das schon seit immer so gewohnt. Dies ist übrigens auch ein Ergebnis des kulturellen Einflusses. Wir Frauen fühlen uns in einem Gespräch zwischen Freundinnen wohl, weil sich die Frauen schon seit immer auf diese Weise ausgedrückt haben… Annamaria Orsini Cammarata: Vielleicht ist es eine Weise, die ein Bedürfnis und ein Verlangen verkörpert, die Lust, sich um etwas zu versammeln, auf lockere Weise, die jedoch nichts mit der Leichtsinnigkeit der männlichen Art des Gesprächs zu tun hat… Daria Martelli: Moderata drückt sich mit gekonnter Leichtigkeit und Ironie aus. Eine Leichtigkeit, die nie Oberflächlichkeit ist, sondern ein tiefsinniges Gespräch ermöglicht. Annamaria Orsini Cammarata: Das ist schließlich die weibliche Kunst… „Mann soll die Tiefe verstecken, aber wohin? Auf der Oberfläche“, schreibt der große Schriftsteller Hugo Von Hoffmanstahl. Genau dies ist auch das Vorhaben von vielen Frauen. Daria Martelli: Schwierig zu sagen, ob dies von Natur aus so ist oder ob es kulturell bedingt ist, auf jeden Fall ist es so. Myriam Zerbi: Ich möchte nun die Lektüre des Textes fortsetzen: Corinna: Wir Frauen sind von Natur aus mitfühlend und zur Liebe bereit. Leonora: (die Männer) sind uns gegenüber unterlegen, sie müssten sich deshalb erniedrigen und demütigen; Aber seht wie sie sich erheben und uns Frauen mit jeglichen ungerechten Mitteln beherrschen. Lucrezia: Wer einem Mann Verstand verschaffen will, der gebe ihm eine Frau. Apropos Heirat: es gibt verschiedene Beweggründe, um sich zu verheiraten. Es kann die Liebe sein, die gegenseitige Hilfe, oder die daraus resultierenden Vorteile. Es kann aber auch die Kunst sein, nicht wahr, Irene? Irene Andessner: … Oder die „Liebe für die Kunst“, wie Arnim Dietrich diese Möglichkeit bezeichnet hat, als er zu meinem Ehemann wurde. 81 SCHMETTERLING Vom schönen Schein besiegt, verbrenne ich mich selbst F R E I H E I T 82 Ich habe mich letztes Jahr mit einem Mann verheiratet, dessen Name Dietrich ist. Damals arbeitete ich an einem künstlerischen Projekt über Marlene Dietrich. In diesem Projekt habe ich mich in diese Figur „verwandelt“. Damit diese Verwandlung vollständig war, musste ich auch meinen Nachnamen wechseln. Ich wollte meine Marlene-Selbstbildnisse nämlich mit dem Namen „Dietrich“ unterzeichnen. So habe ich in Berlin, der Stadt von Marlene Dietrich einen Mann mit diesem Namen gesucht. Ich habe allen ledigen Berlinern mit dem Nachnamen Dietrich geschrieben und schließlich 30 von ihnen zu einer Art „casting“ eingeladen. Michela Vanon Alliata: Und von diesen dreißig? Irene Andessner: Drei von ihnen waren für die Rolle geeignet; ich habe dann einen achtundsechzigjährigen schwulen Mann ausgewählt, der nie verheiratet war, der ideale Kandidat unter den dreißig Bewerbern. Ich habe ihm eine kurzfristige einjährige Ehe vorgeschlagen, in der er mir seinen Name geliehen hätte und dafür als Marlene Dietrichs Mann berühmt geworden wäre. Er hat gesagt: „Ich bin schwul, aber das macht nichts aus, oder?“ Er hat mir schließlich gesagt, dass er mit seiner Familie darüber sprechen muss. Am nächsten Tag teilte er mir mit, dass seine Familie einverstanden war, und dass er nun bereit war, sein JaWort zu geben. Michela Vanon Alliata: Der arme hat zugesagt… Irene Andessner: Danach haben wir uns mit einer Zeremonie in grossem Stil geheiratet, in weiß, mit Fotos und allem Anderen, was dazugehört. Michela Vanon Alliata: Seid ihr immer noch verheiratet? Irene Andessner: Sobald die Arbeit der Donne illustri im Caffè Florian abgeschlossen ist, kehre ich nach Berlin zurück, um die Scheidung einzuleiten. Myriam Zerbi: Oh, wenn die Männer für eine Weile unseren Gedanken zuhören würden… würden unsere Vorfahrinnen des Dialogs sicher sagen. Ihre Diskussionen beschränken sich jedoch nicht nur auf das Thema „Männer“, sondern befassen sich mit den verschiedensten Gegenständen, von denen viele auch heute noch als typisch weiblich gelten, wie z.B. die Ästhetik: Der Kalbsfuß, vierzig Tage im Absud gehalten und dann mit Wasser verdünnt, hilft als Pflege gegen die Runzeln des Gesichtes und glättet die Haut, so dass man wie eine Fünfzehnjährige erscheint... Corinna: Wir geben uns die grösste Mühe, mit allen Mitteln schön zu erscheinen… da wir geboren sind, um die Welt zu erfreuen und zu schmücken. Annamaria Orsini Cammarata: Zum Thema „Schönheit“ möchte ich euch ein Gedicht von der Schriftstellerin Emily Dickinson lesen. Die Übersetzung lautet: „Die Schönheit hat keine Ursache: sie existiert einfach. Verfolge sie, sie wird dir entkommen. Verfolge sie nicht und sie bleibt. Gelingt es Dir, die Wellen festzuhalten, die der Wind in einer Wiese erzeugt, wenn er seine Finger um das Gras wickelt? Gott wird dafür sorgen, dass es dir nicht gelingt“. Es ist klar, dass auch Emily als gequälte und einzigartige Frau, die in ihrer Zurückgezogenheit vom Leben eine Erfahrung von Fülle und Tiefe des Denkens macht, das Bedürfnis hat, die Schönheit zu beschreiben. So wie auch die Frauen des Renaissancedialogs, die mit ihrer Wortführerin Corinna sagen: „Wir bemühen uns, schön zu erscheinen“. Auch wir heutige Frauen müssen uns bemühen, schön zu erscheinen. In Wirklichkeit ist unsere Schönheit jedoch etwas, das wir mehr für uns selbst begehren als für die anderen, obwohl sie uns von außen aufgezwungen wird… Myriam Zerbi: Ich finde sehr interessant, was die marokkanische Soziologin und Schriftstellerin Fatema Mernissi zum aufgezwungenen Schönheitskanon schreibt. Sie zeigt diesbezüglich auf, worin die Unterschiede zwischen unserer freien und emanzipierten Welt und jener der muslimischen Frau, die sich mit dem Tschador oder Burqua bedecken muss liegen. Sie sagt, dass auch wir unser „Schleier“ haben. Dieser ist die Konfektionsgröße 42 und der Zwang, ein ganzes Leben lang wie eine Fünfzehnjährige zu erscheinen. Auch wir sind ohne diese Attribute für die Männer unsichtbar. Die Schönheit ist heute ein fixes Stereotyp, das man annehmen kann oder dem man sich annähern kann, sie wird nicht als etwas Wandelbares, etwas, das sich in der Zeit verändert und entwickelt erfahren. Annamaria Orsini Cammarata: Man sollte diesem „Schein des Absoluten“, wie es für mich die Schönheit ist, auf persönlichem Weg begegnen. Wir möchten die Schönheit für uns greifbar machen, indem wir wie der Maler vorgehen, der ein Bildnis malt und die Züge eines Gesichtes festhält, mit der Absicht, sie der Veränderung und dem Wandel zu entreißen. Es handelt sich dabei um einen unendlichen Liebesakt. Auch wir vollziehen diesen Liebesakt uns selbst gegenüber, wenn wir unsere Schönheit festhalten möchten, obwohl sie etwas Waages, Qual und Trost ist. Marinella Biscaro: Auch die schwarz-weiße Radierung, die auf der Titelseite des Dialogs Das Verdienst der Frauen steht, kann als Liebesakt für Moderata verstanden werden. In der Tat „wollte sie jemand sein“, in einer Epoche, die den Frauen nur wenig Raum und kaum soziale Anerkennung bot. Moderata, die keineswegs eine Kurtisane war, erscheint in dieser Darstellung mit den Attributen einer Kurtisane des 16. Jahrhunderts. Die Kurtisanen verkleideten sich oft, um wie adlige Frauen zu erscheinen, und gaben sich als solche aus, um ihre Ziele zu erreichen, wie es Giacomo Franco im Buch „Habiti delle donne veneziane“ und in unseren Tagen Lynne Lawner in „Le Cortigiane“ deutlich beschreiben. Dies war der Ausgangspunkt meiner Forschung. Ich habe mich mit dem historischen, sozialen, und politischen Kontext Moderata Fontes Zeitalter auseinandergesetzt. Die Erlasse des Senats und die Gesetze der Serenissima durchblätternd, wurden mir die Regeln und die Grenzen, die den Kurtisanen aufgezwungen wurden, klar. Die Stadt Venedig unterstützte die Kurtisa- nen ausdrücklich, da sie als ein wertvolles Mittel gegen die Männliche Sodomie, für die man von der venezianischen Regierung sehr streng bestraft wurde, angesehen wurden… Myriam Zerbi: Auch heute fühlen sich die Regierungen von der Sodomie bedroht. In den USA ist vor ein Paar Jahren ein Gesetz erlassen worden, das diese Praktik sehr streng bestraft, und dies sowohl bei homosexuellen als auch in bei heterosexuellen Individuen. Marinella Biscaro: In der Tat hat die Stadt Venedig während der Zeit Moderatas den Kurtisanen Platz gemacht, um diese Gefahr zu verhindern. Es wurden eigene Vorschriften eingeführt, welche die Kurtisanen zu befolgen hatten. Obwohl sie sich als Adelige verkleideten, um ihr Ziel zu erreichen, mussten sie sich jenen genauen Vorschriften anpassen. Zum Beispiel war es für sie verboten, Perlen zu tragen, die deshalb durch Goldund Silberketten ersetzt wurden. Perlen wurden jedoch in den „Boudoirs“ oft getragen, wie man an den Gemälden Tizians, Paris Bordons, Heintzs und Veroneses sehen kann. Ein anderes Merkmal, das die Kurtisanen in der Gesellschaft auszeichnete, war die gelbe Farbe: sie mussten immer etwas Gelbes tragen, sei es einen Schleier oder einen Schal… Myriam Zerbi: Die gelbe Farbe scheint schon immer als ein Merkmal der „Anderen“ gegolten zu haben. Während dem Schrecken der Shoah wurden die Juden mit einem gelbem Stern gekennzeichnet. Marinella Biscaro: Während dem 16. Jahrhundert hielt die Schönheit einen Siegeszug in die gemütlichen Wohnsitze ein, wo die Kurtisanen inmitten dem reichen und kostbaren Schmuck zu Modellen wurden, die eine Schönheitsbotschaft in sich trugen. Die Künstler der Renaissance erfanden die fantastische Idee, einzelne Eigenschaften von mehreren Personen zu vereinen, um eine ideale Venus, Flora, Leda oder Danae zu malen. Verschiedene Details in Moderatas Bildnis verweisen auf den ästhetischen Geschmack ihrer Zeit. Dazu gehört das blonde Haar, das auch die dunkelhaarigen Frauen mit Hilfe von pflanzlichen Präparaten färbten. Dazu mussten sie sich der Sonne aussetzen, indem sie sich auf den „altane“, für die venezianischen Dächer typische Holzkonstruktionen, aufhielten. Dabei mussten sie ihren hellen Teint vor den Sonnenstrahlen schützten. Dazu hatten sie spezielle Hüte, die oben offen waren. Das Haar wurde sorgfältig geflochten und über der Stirn emporgehoben, um schließlich in der Form von zwei Hörnern befestigt zu werden. Die Venezianerinnen enthaarten den Haaransatz, um eine höhere Stirn zu erhalten, bleichten die Augenbrauen bis sie ganz hell wurden, hielten auch den Teint möglichst hell und färbten sich die Lippen rot. Die Ratschläge und Formeln konnten unsere Vorfahrinnen in einem Traktat von Trotula, eine Ärztin des 12. Jahrhunderts und in der Handschrift von Caterina Sforza finden. Myriam Zerbi: Ich lese nun eine passende Stelle aus dem Verdienst der Frauen: Man kleidet sich schwarz, sagt Lucrezia, als würde Schwarz eine gewisse Reputation und Ehre verleihen und man färbt sich das Haar blond. Elena sagt, dass die Haare blond zu tragen nicht nur hübsch sei, sondern der Frau auch eine edle Aura verleihe. Kurzum, wer einen schönen blonden Schopf hat, dem wird der Titel einer schönen Frau verliehen. Sie setzen das gemeinsame Gespräch über die Schönheit fort und Adriana fragt: Aber was sagt ihr zu jenen Locken und Hörnern? – und anschliessend: – Ein schönes Gesicht hat genügend Kraft, um die Herzen zu verführen und die Eingeweide zu entflammen… und Cornelia antwortet: aber oft ist das Schöne langweilig, während das Hässliche gefällt. Marinella Biscaro: Moderata Fonte wird uns mit Lorbeer gekrönt vorgestellt. Cornelia sagt, dass dies die Ehre der Kaiser und Dichter ist, also das Symbol der Macht und die Auszeichnung in der Dichtung, in der Literatur und auch sonst im Bereich der Kultur. Der größte Unterschied zwischen den ledigen Frauen und den Kurtisanen lag in ihrem Lebensstil. Während die anständigen Frauen aus gutem Hause ein sehr zurückgezogenes Leben zu verbringen hatten, durften die Kurtisanen in der Stadt umhergehen und sich auch im öffentlichen Raum blicken lassen. Dazu gehörte auch der „Ridotto“, eine Art Casino aus jener Zeit, wo man Kontakt zu Schriftstellern und gelehrten Männern aufnehmen konnte. Nur den Frauen aus der Oberschicht war es erlaubt, zu studieren und Verse zu komponieren. Dies erfolgte zuhause durch Privatlehrer. Ihnen war es jedoch nicht erlaubt, die individuellen Fähigkeiten zu stärken und das Denken auszubilden, da dies als ein ausschließlich männliches Privileg aufgefasst wurde. Damit es möglich wurde, den Frauen gewisse moralische Konventionen aufzuerlegen, damit man ihre natürlichen Neigungen unter Kontrolle bringen und ihren Geist zur Bescheidenheit und Hörigkeit gewöhnen konnte, wurde empfohlen, bei ihnen die BeF A L geisterung und den Wunsch nach Freiheit zu bremsen und einzuschränken. Dem weiblichen Verhalten wurden somit ständig Grenzen gesetzt. Moderata ist in diesem Kontext aufgewachsen, glücklicherweise wurde sie jedoch durch ihren Onkel Nicolò Doglioni intellektuell angeregt und erhielt von ihm auch Unterstützung bei der Zusammenstellung einer eigenen Bibliothek, bei der Übersetzung von Klassikern und bei der Abfassung ihrer ersten Werke. Dies ist innerhalb eines Systems, das die Bildung der Frauen behinderte, ein wichtiger Moment der Befreiung. Erst dadurch konnte Moderata Fonte zu dem werden, was sie geworden ist. Marinella Biscaro: Ich möchte nochmals auf das Bildnis von Moderata zurückkehren. Aus ihrer Physiognomie entsteht ein eindringlicher Ausdruck und die harten Züge unterstreichen eine erregte innere Dimension. Ich bin mit Daria Martelli einverstanden, die ihren Blick als „mit einem melancholischen Bewusstsein“ die Gegenwart überschreitender beschreibt. Ich habe mich in ihre Zeit eingelebt, in ihr Leben, in die Tatsachen ihrer familiären Realität, in ihre Frustrationen. Ihr Gesicht birgt in sich diese Erinnerungen. Erst nachdem ich die „Seele meines Sujets“ erfasst hatte, konnte ich mit dem Malen beginnen… und es war ein wunderbares Erlebnis. Danach habe ich Irene fotografiert, weil ich als Portraitmalerin den Ausdruck, der mir von meinem Sujet übermittelt wird, erkennen kann. Zu dem, was mir das historische Sujet, in diesem Fall Moderata Fonte übermittelt, kommt jenes hinzu, das mir durch Irene Andessners Gesicht übermittelt wird. Jenseits der ästhetischen Erscheinung habe ich versucht, die typische Expressivität des Sujets zu erfassen. Myriam Zerbi: Hören wir zu, was unsere Vorfahrinnen über das Thema Freundschaft sagen… Wenn sie echt ist, ist nichts besser als diese; Freunde erkennt man vor allem im Unglück. In der Not ist ein Freund oft behilflicher als jeder enger Verwandte. Die echte Freundschaft ist Ursache alles Guten. Ich möchte hier noch hinzufügen, dass Oscar Wilde, der großartige Dandy und Dramaturg gesagt hat, dass „jeder den Schmerz eines Freundes bemitleiden kann aber nur ein vornehmes Gemüt mit dem Erfolg eines Freundes sympathisieren kann“. Was meint ihr zu diesen zwei Gesichtspunkten? PERSEASAllCzuHverHschie den ist von der Zunge E I T Myriam Zerbi: Corinna und Lucrezia bestätigen deine Ausführungen. Sie sagen, dass die Männer den Frauen verbieten, das Lesen und Schreiben zu erlernen, mit der Begründung, dass Bildung die Frauen verdirbt. Aber Lucrezia hält dagegen, dass es gut sei, dass wir lernen, uns um uns selber zu kümmern, ohne auf ihre Hilfe angewiesen zu sein. Corinna sagt dazu: Würden wir schon im Mädchenalter eine Ausbildung erhalten, würden wir die Männer in allen Künsten und Wissenschaften übertreffen. Michela Vanon Alliata: Es ist mir noch ein weiterer schöner Aphorismus von Oscar Wilde in den Sinn gekommen, der genauso schillernd und provozierend ist und den ich der Moderatorin dieser Zusammenkunft widmen möchte: „Die Freundschaft ist viel tragischer als die Liebe, sie dauert länger“… Myriam Zerbi: Das stimmt absolut, ich danke dir herzlich für diese Widmung. Oft ist die Freundschaft wirklich ein sicherer Hafen gegenüber der grausamen Leidenschaft der Liebe, wie es die Protagonistinnen des Dialogs sagen. Michela Vanon Alliata: Die Aphorismen von Wilde, die, wie man weiß, mit denen Nietzsches verglichen wurden, sind ein außerordentliches Beispiel dafür, dass es möglich ist, zugleich extrem tief zu sein und doch auf der Oberfläche zu bleiben, also leicht und sogar oberflächlich zu sein. Übrigens, ist nicht die Leichtigkeit eine der amerikanischen Lehren, einer der Vorschläge von Italo Calvino für das neue Millennium, mit dem Wilde, auch hier den Zeiten voraus, verglichen werden kann, wenigstens was die Schreibweise anbe- langt, die klar und kontrolliert, zugleich einfach und fließend und hinsichtlich dem philosophischen Inhalt? Auch als er auf dem Gipfel des Erfolges von allen verlassen wurde und verurteilt, verbannt und eingesperrt wurde, verarmt, weil er seine gefährliche Freundschaft zum jungen Lord Douglas öffentlich preisgegeben hatte, hat er nie seine Frische, seinen scherzhaften Charme und seine Leichtigkeit verloren und war bis zum Ende frech, unschlagbar und sich selber treu. Das schöne Portrait von Moderata Fonte ist ein geheimnisvolles Bildnis, das seine Bedeutungen nicht sofort preisgibt, sondern eine geheime Chiffre bewahrt. Es ist vor allem ein androgynes Bildnis. Diese Androgynie evoziert das ästhetische und kulturelle Klima vom England des ausgehenden 19. Jahrhunderts und lässt mich nochmals an Wilde denken. Als Verkünder der Vorherrschaft der Kunst und einer ganzen Reihe von Verhaltensweisen und Posen, ist er in das Phänomen des Dandy einzureihen, jene unbefangene Figur, die eine neue Denk- und Verhaltensweise verkörpert. Als exhibitionistischer und komödiantenhafter Geschmacksrichter und genialer Dramaturg wollte Wilde sein Leben wie ein Kunstwerk inszenieren, vergleichbar vielleicht mit Irene Andessner heute. Schlussendlich lautet ein weiteres seiner berühmten Aphorismen folgendermaßen: „Ich habe mein ganzes Genie in das Leben hineingetan und nur mein Talent in die Kunst“. Der Dandy ist jener, der alle seine Bemühungen darauf ausrichtet, die eigene Persönlichkeit mit der eigenen Maske zu identifizieren. Er bestimmt seinen Körper zu künstlerischen Zwecken. Er formt ihn, wie der Bildhauer seine Skulptur in der Materie modelliert, stellt ihn aus und trägt ihn zur Schau wie der Schauspieler auf der Bühne. Er verfolgt stets das Ziel zu überraschen, unvorhersehbar zu sein und Erstaunen auszulösen. In seinem Kreuzzug für die Erneuerung der Bekleidung, mit der Forderung nach grellen Farben, das Herz nach hellblauen und roten Krawatten, nach Knickerbockern, Seidenstrümpfen, Spitzen und Bordüren an den Handgelenken, radförmigen Mänteln und nach einer ganzen Reihe von extravaganten Kleidungsstücken, hat Wilde die traditionelle männliche Kleiderkultur revolutioniert. Diese mutige Moderevolution, die von ihm unternommen wurde, betraf natürlich nicht nur die Kleider, sondern auch den Körper und die Identität, die durch eine betonte Verweiblichung oder zumindest einer androgynen Zweideutigkeit geprägt war. (Vielleicht war gerade eine homosexuelle Sensibilität notwendig, um über die engen Horizonte des viktorianischen Spießertums hinwegschauen zu können, und dies nicht nur hinsichtlich der Kleidung und der gesellschaftlichen Moral, sondern auch hinsichtlich der Kunst.) Myriam Zerbi: Die Damen des Dialogs sind an Reisen interessiert… Leonora sagt: Wenn nicht so viele Gefahren auf Seereisen lauerten, dann wäre es ein großes Vergnügen, auszuziehen und die Wunder der Welt zu sehen – wie etwa jene fernen Meere, von denen man sagt, dass in ihnen 83 CORIN NA Ein freies Herz schlägt in meiner Brust, ich diene keinem und gehöre niemandem als mir selbst U N A B H Ä N G I G K E I T 84 Perlen Wachsen, oder das Rote Meer, berühmt dafür, dass in ihm die Ägypter untergingen. Auch heutzutage sind entfernte Inseln und das Rote Meer mit den wunderschönen Tauchgründen für viele Reisende traumhafte Destinationen. Das Wort „Reisende“ tönt gut während „Tourist“ zu einem abwertenden Begriff geworden ist. Worin besteht der Unterschied zwischen den zwei Kategorien? Daria Martelli: Das Thema ist auch durch die Stadt, in der wir uns befinden, vorgegeben. Venedig war immer eine kosmopolitische Stadt. Früher war sie die Destination jener, die sich „Reisende“ nannten und jetzt ist sie vom Massentourismus überflutet. Zur Zeit Moderata Fontes waren die Reisenden Intellektuelle aus der Oberschicht, die nach Italien kamen, um ihre kulturelle Bildung zu vervollständigen. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts war in ihrer Reise neben einem Aufenthalt in Rom auch einer in Venedig obligatorisch. Dies hauptsächlich dann, wenn die Reisenden aus Ländern stammten, in denen die religiöse Reform stattgefunden hatte. Sie hielten sich für einen längeren Zeitraum in der Stadt auf, in dem sie Beobachtungen anstellten, sich informierten und oft auch ein Reisetagebuch führten. Diese Tagebücher, von denen einige als Handschriften erhalten sind und andere in den drauffolgenden Jahrhunderten gedruckt wurden, sind sehr nützliche historische Quellen, um den Alltag und die Bräuche der Zeit zu studieren. Diese Reisenden, die aus anderen Ländern und Kulturen stammten, haben oft sehr scharfsinnige Beobachtungen über Bräuche, die ihnen ungewohnt erschienen, gemacht, wo hingegen die Venezianer diese nicht für eine Aufzeichnung würdig hielten, weil sie für sie als etwas Gewöhnliches galten. Die Reisenden sind die Vorgänger der heutigen Touristen. Auch heutzutage könnte die Reise eine bereichernde kulturelle Erfahrung sein, wenn sie sich auf die Gesellschaft, auf die Denkweise und die Geschichte eines Ortes konzentrieren und zur Wahrnehmung der Andersartigkeit beitragen würde. Wir lehnen dagegen die auf den Konsum ausgerichtete Variante des Tourismus ab. Diese funktioniert so, dass man in einer Reiseagentur ein Arrangement, in dem alles inbegriffen ist, einkauft so wie man auch einen Fernseher kaufen würde, ohne jegliche Vorbereitung und ohne den Wunsch, etwas über das Land zu erfahren. Man reist weil es „in“ ist und weil man bei der Rückkehr einen guten Eindruck bei den Verwandten und Freunden machen kann, wenn man ihnen die Fotos und Filme zeigt. Heute ist auch eine sehr verpönte Form von Tourismus verbreitet, der Sextourismus; viele Männer reisen heute nämlich in den Osten oder nach Südamerika, um von der Prostitution, auch der Kinderprostitution zu profitieren. Myriam Zerbi: Das ist eines der größten Probleme in unserer heutigen kapitalistischen Zivilisation. Aber um auf jene zurückzukommen, die während der Reise ständig herumfotografieren: Ich bin überzeugt, dass die Vermittlung einer Reiseerfahrung durch das Objektiv des Fotoapparates oder der Videokamera zu einer Einschränkung der Wahrnehmung führen kann. Die spezielle Erfahrung der Bewegung, der Gebrauch von allen Sinnen zur Erkundung der Orte, Menschen, Bräuche und Lebensweisen geht dadurch verloren. Wenn diese Bildmedien jedoch mit Zurückhaltung und mit künstlerischer Sensibilität eingesetzt werden, erhalten sie eine neue Bedeutung. Sie haben nicht nur einen Erinnerungswert sondern werden zu Zeugnissen jener Erlebnisse, zu Mitteln, um diese einzufangen und aus der Entfernung zu genießen. Sie werden zu Lebensbruchstücken, die ihren Sinn aus einer bestimmten Situation oder einem bestimmten Kontext erhalten. Daria Martelli: Intelligentes Reisen ist sicher eine außergewöhnliche Erfahrung, eine Gelegenheit zur Bereicherung. Es ist die Art und Weise, wie man reist, die einen Reisenden von jenen Touristen unterscheidet, die auch Venedig überfluten und hinter dem mit einem auffälligen Schirmchen gekennzeichneten Gruppenleiter herlaufen, der für sie immer wieder die selbe Litanei herunterrattert und seine Herde zu zwei oder drei Sehenswürdigkeiten hinführt. Nachdem er ihnen Zeit für ein Paar Erinnerungsfotos gegeben hat, bringt er sie in einen Souvenirladen, wo sie Mitbringsel und Ramsch kaufen können, um sie dann wieder zum Ausgangsort zurück zu begleiten. Und diese Touristen meinen, sie hätten Venedig kennen gelernt. Annamaria Orsini Cammarata: Anscheinend ist es für viele Touristen nicht wichtig, ein vertieftes und genaues Verständnis für den bereisten Ort zu entwickeln. Daria Martelli: Bei diesen Touristen kann es passieren, dass sie sich auch hinsichtlich dem Aufenthaltsort täuschen, so dass sie glauben, sich in einer anderen Stadt aufzuhalten, als es wirklich der Fall ist. Myriam Zerbi: Ich habe einmal gehört, wie jemand von einer Japanergruppe, die in der Gondel inmitten des „o sole mio“-Geplempers vorbeifuhr, gefragt hat, wann die Vesuv-Besichtigung stattfinden würde. Daniela Gaddo Vedaldi: Es gibt noch Schlimmeres. Der Tourismus ist heute zu einem kommerziellen Gut, zu einem Konsum- und Verkaufsgegenstand geworden. Die Menschen werden wie Ware herumtransportiert. Manchmal kommt es vor, dass Touristen, die hier draussen an den Tischchen des Florian platz nehmen fragen, in welcher Stadt sie sich jetzt befinden. Die Tatsache, dass diese Leute sich fragen, in welcher Stadt sie sich nun befinden zeigt, dass sie die Reise mit geschlossenen Augen gebucht haben. Es schmerzt mich sehr, wenn ich erfahre, dass das Caffè Florian als Touristenlokal bezeichnet wird. Ich empfinde das als einen Dolchstoss… KROKO DIL Erst töte ich den Menschen, und dann betrauere ich den G R A U S A M K E I T Daria Martelli: … so eine Behauptung ist eine Ver- leumdungsklage wert… Daniela Gaddo Vedaldi: Leider, aber auch glücklicherweise, kommen auch die Touristen hierher und das Caffè Florian konnte auch dank ihnen überleben. Es kommen viele von ihnen, aber das Florian ist sicherlich nicht ein Touristenlokal. Vielmehr möchte ich es als ein Lokal für Reisende bezeichnen. Viele von ihnen sind hier vorbeigekommen. Wir führen ein Gästebuch, wo jeder, der vorbeikommt etwas aufschreiben kann. Man kann eine Bemerkung oder einen Gedanken hinterlassen. Es kommt manchmal vor, dass jemand einige Wörter hineinschreibt, z.B. eine Widmung oder ein Gedicht oder eine Zeichnung macht. Zum Teil sind es wirklich schöne Sachen. Es gibt auch heute noch Reisende. Annamaria Orsini Cammarata: Sicher, auch ich möchte die Kategorie der Reisenden verteidigen. Michela Vanon Alliata: Ausser den Sextouristen gibt es auch die Seelentouristen. Ich möchte diesbezüglich für Venedig auf Goethe, Stendhal, James, Stevenson, Sterne und Casanova und im allgemeinen auf Chatwin und Sepúlveda verweisen. Für diese Schriftsteller war die Reise ein Mittel zur Erkenntnis, zur Eroberung oder Wiedereroberung der eigenen Identität und zur Selbstanschauung. Sie haben manchmal aus einer wirklich offenbarenden Dimension geschöpft, und sich als starkes und verzehrendes Erscheinungsmoment dargestellt. Annamaria Orsini Cammarata: Es gibt auch jene, die ein Bedürfnis haben, aus sich selbst herauszutreten und sich in Richtung des „anderswo“ zu bewegen. Michela Vanon Alliata: Während der Reise herrscht eine Dialektik von Bewegung und Stillstand, der Wunsch, von den Zwängen des Ortes und des Selbst zu entfliehen und ein Streben nach einer eigenen Identität in Verbindung mit einem anderen geographischen und kulturellen Kontext. Das häufigste Element der Reise ist nämlich die Begegnung mit den Andersartigen: die Dimension, die dabei verneint wird ist jene, die man als „normal“ bezeichnen kann. In dieser Hinsicht kann die Reise als Erfahrung der Entfremdung und der Verschiedenheit gestaltet werden, sie kann aber auch zu einem Mittel werden, um die verbleibende Lebenszeit auszuweiten, also um die Todesangst zu verarbeiten. Die Reise geht mit einer Vernichtung der bekannten und familiären Wahrnehmungsmechanismen, sie ist Konfrontation mit dem Andersartigen, sie gibt neue Anregungen, die den Automatismus der „Wiedererkennung“ vernichten und schliesslich das „Sehen“ ermöglichen. Die Reise bewirkt somit nicht nur Entfremdung; sie kann zu einem fruchtbaren Erkenntnisinstrument werden, zur Dramatisierung und Realisierung der inneren Geschichte einer Person und deren Gefühlsgeographie beitragen, sowie zur Metapher der existentiellen Bewegung werden. Die Reise kann nämlich nicht auf ein neutrales Durchqueren des Raumes reduziert werden, vielmehr geht sie mit einem Eintauchen des Subjekts Toten in sich selbst einher. Der Verweis auf die Bildungsreise, genannt „Grand Tour“ ist hier nützlich. Seit dem 18. Jahrhundert hatten diese Reisen das Land Italien zur privilegierten Destination und wurden bei den Engländern aus der Oberschicht zu einer Institution, welche die Erziehung nach dem Diktat einer Tradition, welche die Reise als eine Notwendigkeit bei der Bildung der Persönlichkeit und als Bereicherung des Kulturmenschen vorschreibt, zu begründen hatte. Dieses Phänomen hat auch die Kunst beeinflusst, ich denke an die Veduten- und Landschaftsmalerei… Annamaria Orsini Cammarata: Eine Ansicht von Carlevarjis, eine von Canaletto, ein Gemälde von Rosalba Carriera, das waren auch wertvolle Reiseandenken, die Postkarten der antiken Reisenden. Myriam Zerbi: Hören wir nun, welche Kenntnisse und Liebesrezepte sich die Frauen im Venedig des 16. Jahrhunderts austauschten. Es sind dieselben, die behaupten, dassbeim Mann die Liebe erst eine Folge der Begierde ist, während es bei der Frau keine Begierde ohne Liebe geben kann. Es gibt einen Brunnen, der ähnlich wie jener des Cupido die Macht besitzt, die Liebe aus unserem Herz zu vertreiben. Es gibt Mittel gegen den Liebeskummer, wie etwa ein frisches Schafsfell oder der Staub, in dem sich ein Maultierweibchen gewälzt hat. Auch vom Blut der geliebten Person zu trinken soll dem Liebenden gegen die Liebe helfen. Und um eine Frau in sich verliebt zu machen, muss ein Mann das Eingeweide einer Hyäne auf seine rechte Hüfte legen. Jede Frau, die ihn anschaut wird sich sofort verlieben. Wenn wir uns fragen, wie man heute über die Liebe spricht, könnte eine Antwort „mit dem SMS, den kleinen Botschaften auf dem Mobiltelefon“ sein. „Ti@mo“ (ich liebe dich). „Sono c8 di te“ (ich bin in dich verknallt). „6 il mio @more“ (du bist mein Geliebter). „3pidante 3mo nell’attesa“ (ängstlich zittere ich in der Erwartung) und so weiter… Diese schnelle und auf das Wesentliche beschränkte Sprache, bedingt durch die 160 Anschläge, wird nicht nur von den Teenagern verwendet, sondern von den Benutzern des SMS jeden Alters und Stellung. „Bitte die Wahrheit über die Liebe“ betitelte der englische, 1973 in Wien gestorbene Dichter Wystan Hugh Auden eines Seiner Gedichte, in dem er sich hinsichtlich der Liebe fragte: „Wird sie kommen ohne sich voranzukündigen, während ich den Finger in die Nase bohre? Wird sie morgens an meine Tür anklopfen oder mir im Bus auf die Füsse treten? Wird sie wie der Zeitwechsel kommen? Wird sie lieb sein oder grob grüssen? Wird sie meinem ganzen Leben eine Wende geben?“. Annamaria Orsini Cammarata: Ich glaube, dass man immer über die Liebe spricht. Alles, was gemacht wird, kann als ein Akt der Liebe verstanden werden. Andra Fuchs: Ich habe die Liebe immer als eine Art Brücke aufgefasst. Diese wird gebaut, um zwei Ufer zu verbinden und ist somit eine Metapher der Kommunikation zwischen unterschiedlichen Wesen, die miteinander in Verbindung stehen. Eine Brücke und der Wille sie zu bauen, das ist für mich Liebe. Im Buch von Moderata Fonte beklagen sich die Frauen ständig darüber, wie sie sich durch ihre Männer ausgenützt, unterdrückt und eingeschränkt fühlen. Von der Liebe, die es am Anfang der Beziehung gegeben haben muss, sagen sie kein Wort. Und doch ist es die Liebe, die zwei Seelen verbindet, die Kommunikation ermöglicht und die die Seele in der Zeit wieder annähert. Wie eine Brücke. Wenn die Liebe von der Routine der Ehe verschlungen wird, dann kommen all die Probleme, die in dem Buch behandelt werden zutage. Ausser all den Schwierigkeiten, die sich ergeben, wenn man sich von den eingeprägten Verhaltensweisen und von den Traditionen, die die familiäre Umgebung charakterisieren emanzipieren will. dell zum Schuhmacher bringen, der ihm, ohne Schmerzen zuzufügen, neue Schuhe anfertigen konnte. Eine schöne Aufmerksamkeit. Manchmal können auch die Männer sehr lieb sein. Eine weitere bedeutende Männerfigur, die das Caffè Florian liebte war der Pianist Arthur Rubinstein. Wir haben Fotos, auf denen er draussen auf unseren Tischchen aufgenommen ist. Es wurde mir erzählt, dass er, wenn er hierher kam nur Tee oder Kaffee bestellte und immer ein Päckchen mit Kuchen mitbrachte, weil er jene des Florian nicht gerne hatte. Es war eine kleine Schwäche von ihm, aber sicher hat er alles andere geschätzt, wenn er, nur um hierher zu kommen dieses Päckchen mitbrachte. Myriam Zerbi: Der Dialog ist ein faszinierendes Nachschlagewerk natürlicher Heilmittel… Irene Andessner: Was für eine Geschichte! Rhabarber zum Abklingen des Fiebers Senna ist für den Melancholiker gut Die Aloe reinigt die Galle und das Phlegma Die Muskatnuss ist Schwangeren Frauen sehr bekömmlich und hilft schwachen Mägen bei der Verdauung Balsamharz erleichtert dem Magen die Verdauung Lakritz hilft bei Problemen in der Brust Mirabellenpulver gemischt mit dem Pulver der Aloe hilft gegen Haarausfall Kürbis und Zeder wirken gegen Fieber Veilchen gegen Kopfschmerzen und gegen Husten Kamille tut dem Kopf gut Fenchel ist ausgezeichnet für die Augen Und einen guten, süßen Wein oder der Muskat- oder Malvasierwein eignet sich, um Brust und Magen zu stärken Wir sind hier Gäste der Frau Daniela Gaddo Vedaldi, Besitzerin von diesem mythischen Kaffeehaus. Wer weiss, wie viele Paare, Persönlichkeiten, Leute sie gesehen hat und wie viele lustige Ereignisse sie in diesen Sälen erlebt hat. Daniela Gaddo Vedaldi: Ich möchte einige Persönlichkeiten nennen, die ein Zeugnis von Feinfühligkeit gegeben haben und auf diese Weise dem männlichen Geschlecht den Nutzen des Inventars geben. Beginnen wir mit Floriano. Er war der Begründer dieses Kaffeehauses, das er „Venezia trionfante“ genannt hat. Dieses Lokal wurde später nach dem Namen dieses ersten Inhabers, nach Floriano Francesconi genannt. Dieser Mann hatte sicherlich ein Verständnis dafür, wie man mit den Leuten kommuniziert, er konnte sich beliebt machen, konnte für alle ein Freund sein, so dass das Lokal seinen Namen erhielt und bis heute Florian heisst. Ein weiteres Zeugnis von besonderer männlicher Feinfühligkeit ist uns durch Antonio Canova, der grosse Bildhauer und Freund des damaligen Inhabers Floriano (der Enkel des Gründers) gegeben. Wir befinden uns in der Zeit des ausgehenden 18. Jahrhunderts. Antonio Canova schenkt seinem Freund ein Fussmodell, das er selbst aus Holz angefertigt hat, weil dieser arme Floriano an Gicht litt und Probleme bei der Anfertigung von Schuhen hatte. So konnte er dieses Fussmo- Daniela Gaddo Vedaldi: Eine weitere Eigenschaft des Florian ist, dass es seit vierzig Jahren von Frauen geführt wird, was neu und besonders ist, da es die 250 Jahre von Männern geführt wurde bevor es in weibliche Hände geriet. Annamaria Orsini Cammarata: Wer war die erste? Daniela Gaddo Vedaldi: Die Mutter meines Mannes. Als sie zur Witwe wurde, hat sie die mutige Entscheidung getroffen, die Führung dieses Betriebs zu übernehmen, obwohl sie ihn nur am Rande kannte. Es ist dank ihr, dass das Lokal Eigentum unserer Familie geblieben ist. Auch ich habe etwas Ähnliches gemacht, glücklicherweise unter weniger dramatischen Umständen. Ich habe beschlossen, die Arbeit, der ich bis zu jenem Zeitpunkt nachgegangen war aufzugeben, damit mein Mann weiterhin als Gelehrter der Statistik arbeiten konnte. Obwohl es nicht so einfach war, konnte ich meinen Raum im Florian erarbeiten. Daraus sind mir beachtliche Befriedigungen erwachsen. Ich bereue meine Entscheidung überhaupt nicht. Myriam Zerbi: Unsere sieben Frauen Diskutieren und reden über Ärzte und Anwälte ihrer Zeit, über die heilende Kraft von Steinen, über Alchimie, über jene Leute, die als Alchemisten, als Astrologen, als Pflanzensammler oder Steinsammler versuchen, den leichtgläubigen Leuten Geld aus der Börse zu locken. Sie sprechen über die Ausgaben für die Renovierungsarbeiten der Rialto-Brücke, über Schriftsteller und über die vergangenen Persönlichkeiten, und beklagen, dass die Welt ihrer Gegenwart gealtert ist und die Menschen sich verschlechtert haben. Sie sprechen auch über Kunst und Musik, welche die Steine spaltet und aus Milde weinen lässt und die Freude verdoppelt bei denen, die schon glücklich sind und die Melancholie verstärkt bei denen, die schon melancholisch sind. Lucrezia sagt: Ich habe den Eindruck, dass der Dichter grosse Ähnlichkeit mit dem Maler hat, denn so wie jener mit dem Pinsel alle möglichen Formen und Farben auf die Leinwand bringt, mehr oder weniger Volumina darstellt, die Schatten, Linien und Tiefenwirkungen variiert, so ordnet der gelehrte Dichter mit seiner Feder die verschiedenen Worte zu einem schönen Gebilde, das er im Kopf entworfen und geformt hat… Cornelia fügt hinzu: Dann wäre also die Malerei der Körper der Dichtung und die Dich- 85 86 tung die Seele der Malerei. Geschichte. werden? Annamaria Orsini Cammarata: Die Malerei ist die Lust, dass die Seele eine Farbe hat, die Lust zu sehen, wie die eigene poetische Welt eine Form, einen Körper, ein Bild, also eine Farbe annimmt. Es hat mich beeindruckt, dass die Frauen des Dialogs, wenn sie vom Bildnis sprechen sagen, dass mit ihm das lebendige Bild erhalten bleibt… für die Erinnerung der Nachfahren. Für sie ist das Bildnis also eine Übertragung des äusseren Aussehens. Ich glaube, dass für dich, Marinella, das Bildnis etwas anderes sei… Annamaria Orsini Cammarata: Auch in deinem Portrait von Irene Andessner/Moderata Fonte gibt es die Irene, gibt es die Moderata und gibt es dich… Marinella Biscaro: Die innerlichen Aspekte eines Portraits, die nicht in Erscheinung treten, haben mich auch dazu geführt, die Wissenschaft der Physiognomik zu studieren. Marinella Biscaro: Ich versichere, dass ich, wenn ich ein Bildnis male, in die darzustellende Figur eintrete, dass ich mich der selben Energie auflade, die diese mir übermittelt. Ab dem Zeitpunkt, in dem das Sujet sich vor mich hinstellt, kommuniziert es mir seine Lebens, seine Seinsweise. Und dies in der Art, wie es sich verhält und wie es sich mit den geliebten Gegenständen vorstellt. Jedes Detail, wie eine Brosche oder etwas anderes erzählt mir die Geschichte seines Lebens und vielleicht gelingt es mir sogar jenes seiner Vorfahren kennen zu lernen. Portraitieren bedeutet für mich, in das Sujet hineinzutreten, das Charisma des Ich zu erfassen und davon ein Zeugnis abzulegen. Es ist eine Wahrheitssuche, weil das Antlitz Zeuge und Ausdruck von unserem Bewusstsein ist. In diesem Reflexionsprozess bin nicht ich, als Künstlerin, die Hauptfigur, sondern die Person, die sich das Portrait wünscht. Ich sehe, dass in der heutigen Gesellschaft der Mensch oft als Nummer oder Maschine wahrgenommen wird. Indem die Kunst die Abbildung der „anthropologischen“ Erscheinung überschreitet, macht sie vor allem das Unbehagen, die Zerbrechlichkeit und den Verlust an Gewissheit im menschlichen Körper, der sich in der Zeit verändert, sichtbar. Ich denke, dass durch die im Portrait stattfindende Identifizierung eine Möglichkeit entsteht, sich ein Bewusstsein des inneren Reichtums des Seins zu verschaffen, der gelebten und der geerbten Einflüsse. Das Portrait kann auch als Gelegenheit gewertet werden, eine grössere Selbstachtung zu gewinnen. Durch die Selbstidentifikation kann das Leben nämlich als Gegenwart und Zukunft wahrgenommen werden. Marinella Biscaro: Irene Andessner hat ihr Gesicht der Moderata Fonte geliehen, um eine Weiblichkeit geltend zu machen, die es in der Geschichte nur teilweise oder am Rande gegeben hat. Mit diesem Portrait möchte ich einer „antiken Weiblichkeit“ Würde, und meiner konzeptionellen Recherche Identität verleihen. Die Nachforschungen über die Innerlichkeit meiner weiblichen Sujets, aber auch über die technischen Fragen der damaligen Malerei, die von der Vorbereitung der Leinwände bis zu den Realisationsmethoden des Bildes gehen, haben mich in die kulturelle und historisch-gesellschaftliche Situation der Frau versetzt. Nachdem die Erkenntnisse, die mich zu einem Identifikationsprozess mit der antiken Figur geführt haben, herangereift waren, habe ich mit den fotografischen Aufnahmen, die ich immer selber mache, begonnen. Irene Andessner hat sich durch ein Leintuch bedeckt vorgestellt, wie wenn sie sich auf einen chirurgischen Eingriff vorbereitet hätte. Und wie in einer Regie sind die Lichter angegangen und ich habe begonnen zu fotografieren. Jede Aufnahme ist ein Dokument, das mit wissenschaftlichem Potenzial aufgeladen ist. Ich habe ähnlich wie Paolo Menegazza (1831–1910) gearbeitet, indem ich Gebärden und Ausdrücke mit detaillierten mimischen Variationen konstruiert und erforscht habe. Bei diesem Vorgang konnte ich beobachten, wie ein enges Verhältnis zwischen dem Gesicht der Andessner Diese ist für mich eine Erkenntnisgelegenheit, die es mir erlaubt, gewisse Aspekte des Seins zu verstehen. Ich meine damit die Spuren, die zur Kenntnis des Charakters, der Eindrücke, der Leidenschaften, die der Mensch im Leben hat, führen. Auf jedem Gesicht zeigen sich die intimsten Aspekte der Persönlichkeit und das Bildnis wird zu einer Bestätigung und zu einem sicheren und unhinterfragbaren Bezugspunkt. Myriam Zerbi: Geben wir nochmals das Wort an Adriana, Corinna und Virginia: Die Männer haben alles Unrecht der Welt, wenn sie sich höher als uns einschätzen und unseren grossen Verdienst nicht anerkennen; denn schliesslich ist ein Mann ohne eine Frau wie eine Fliege ohne Kopf. Corinna: Unsere weibliche Grammatik stimmt nicht mit der ihrigen überein. In der ersten Person benutzen sie das Passiv, nicht das aktiv, welches uns vorbehalten ist; denn wir lieben und sie werden geliebt. Corinna und Virginia schliessen den Dialog ab, indem sie die folgenden Verse singen: So wie die Sterne den Himmel zieren so die Frauen die Welt mit allem, was diese an Schönheit und Freude birgt. Und damit möchte ich mich bei euch allen bedanken, PHÖBE Ich habe mich entschlossen, aus meinen Bedürfnissen eine Tugend zu machen L U S T Annamaria Orsini Cammarata: Es ist das, was mich immer bei den Portraitmalern fasziniert. Es gibt dieser Wille zur Identifikation, der Aneignung in der Wiederholung der Züge und gleichzeitig, der Wille zur Überschreitung einer Schwelle… Daria Martelli: …die Seele zu rauben? Annamaria Orsini Cammarata: Portraitieren ist meiner Meinung nach, wie gesagt, ein Liebesakt, eine Liebe, die zugleich unschuldig und pervers ist. Es bedeutet, eine Erscheinung festzuhalten und gleichzeitig zu überschreiten, es ist ein „nach innen- und hinüber gehen“… Marinella Biscaro: Ja, hinüber. In der Seele einer jeden Person ertönen die Stimmen und Echos der eigenen und jenem der antiken weiblichen Figur entstand, denn im Portrait muss eine tiefe Affinität zwischen dem reellen und dem historischen Sujet durchscheinen, damit es „authentisch“ wirkt. Annamaria Orsini Cammarata: Jeder Pinselstrich ist Identifizierung und Erkenntnis. Jeder Pinselstrich ist Leichtigkeit und Tiefe. Jeder Pinselstrich ist Ent-hüllung. Marinella Biscaro: Ent-hüllung ja. Ich kenne Irene Andessner seit 27 Jahren. Wir studierten zusammen an der Accademia di Belle Arti di Venezia mit Emilio Vedova. Sie ist eine hartnäckige und bestimmte Frau, die in einer starken kreativen Beziehung mit ihrem Animus (das männliche Gegengeschlecht, aus dem tiefe Energien entstehen, wie Jung sagt) steht und ihre Potenziale benutzt, um jener Weiblichkeit, die gettoisiert wurde die Würde zurückzugeben, indem sie die historischen Kategorien überwindet. Ihr psychologisches Portrait ist die Vermählung ihres Weiblichen mit ihrem Männlichen, ohne Vorführung sondern mit Harmonie und Vollständigkeit, wie in einer vertraulichen Beziehung, an der sie und er teilhaben. Miteinander im Sein. Myriam Zerbi: Kann ein Bildnis zum Spiegel des Ich da die Zeit gekommen ist, dass wir uns voneinander verabschieden. Irene Andessner Irene Andessner Irene Andessner Nata a Salisburgo 1978/79 Accademia di Belle Arti di Venezia (Emilio Vedova) 1979-85 Accademia di Belle Arti di Vienna (Max Weiler, Arnulf Rainer) 1982/83 Borsa di studio a Roma 1989–2000 Atelier a Colonia Vive e lavora a Vienna e Venezia Born in Salzburg 1978/79 Akademie der Bildenden Künste, Venice (Emilio Vedova) 1979-85 Akademie der Bildenden Künste, Vienna (Max Weiler, Arnulf Rainer) 1982/83 Working scholarship in Rome 1989–2000 Studio in Cologne Lives and works in Vienna and Venice Geboren in Salzburg 1978/79 Akademie der Bildenden Künste Venedig (Emilio Vedova) 1979-85 Akademie der Bildenden Künste Wien (Max Weiler, Arnulf Rainer) 1982/83 Arbeitsstipendium Rom 1989–2000 Atelier in Köln Lebt und arbeitet in Wien und Venedig Breve profilo Brief profile Kurzprofil Terminati gli studi presso le accademie d’arte a Vienna (con Max Weiler e Arnulf Rainer) e a Venezia (Emilio Vedova) e trascorso un anno a Roma come titolare di una borsa di studio (1982), Irene Andessner, nata a Salisburgo, si è concentrata sempre più sul tema dell’autoritratto. Prendendo le mosse dalla pittura gestuale nello spirito degli ”Junge Wilde”, si è presto accostata alla tecnica pittorica classica (olio su tela) con autoritratti concettualmente leggibili come ”immagini-data”. Dalla metà degli anni ’90 l’artista applica i suoi concetti alle tecniche fotografiche e video. La messa in scena di sé con gioco delle parti prende il posto dell’autoritratto dipinto. Ne emergono ”immagini postume” sulla scorta dei modelli della storia dell’arte (come Sofonisba Anguissola o Costanza Mozart, nonché sante (la Madonna Nera), personaggi della fiction (Rachel tratta da ”Bladerunner”) e miti moderni (Marlene Dietrich). Nel progetto ”I.M.Dietrich” l’identificazione nel ruolo si spinge fino all’assunzione del cognome del personaggio attraverso un matrimonio reale. Nelle vesti di “Wanda” l’artista riproduce l’immagine ideale che Leopold von Sacher-Masoch aveva della donna. Following her studies at the Kunstakademie in Vienna (with Max Weiler and Arnulf Rainer) and in Venice (Emilio Vedova), and a scholarship year in Rome (1982), the Salzburg-born Irene Andessner has increasingly concentrated on the self-portrait theme. Taking off from gestural painting in the spirit of the “Jungen Wilden” she soon linked classical painting techniques (oil on canvas) with self-portraits which can be conceptually read as “date pictures”. Since the mid-90s she has translated her concepts into the techniques of photography and video. Self-staging through role-play has taken the place of the painted self-portrait. “Afterimages” of art-historical and time-historical examples such as Sofonisba Anguissola or Constanze Mozart are emerging, as well as sacred (Black Madonna) and fictional (Rachel from “Blade Runner”) individuals and modern myths (Marlene Dietrich). In the “I.M.Dietrich” project the role identification goes so far as the assumption of the exemplar’s family name through a real marriage. As “Wanda” she reproduces Leopold of Sacher-Masoch’s ideal image of woman. Nach ihrem Studium an den Kunstakademien in Wien (bei Max Weiler und Arnulf Rainer) und Venedig (Emilio Vedova) sowie einem Stipendiumsjahr in Rom (1982) konzentriert sich die gebürtige Salzburgerin Irene Andessner zunehmend auf das Thema Selbstporträt. Von der gestischen Malerei im Zeitgeist der „Jungen Wilden“ ausgehend, verknüpft sie bald die klassische Maltechnik (Öl auf Leinwand) mit konzeptuell als „Datumsbilder“ lesbaren Selbstporträts. Irene Andessner si attesta come artista che sviluppa originariamente il genere dell’autoritratto. A Peter Sloterdijk le sue immagini sono servite come esempio di voyeurismo contemplativo per la sua definizione del concetto di ”de-tratto”, con cui il filosofo demarca la posizione diametralmente opposta al ritratto, inteso come dissoluzione e quindi intercambiabilità della rappresentazione figurativa della personalità. ”Che questo sia il mio viso è puramente casuale”, ha affermato la Andessner in un’intervista nel 1994 su di una serie di suoi autoritratti, la cui tensione trae origine dalla differenziazione dell’autorappresentazione. Immagini tramandate, ricordate, rappresentate, idealizzate e “autopercepite”… l’immagine della donna cui l’artista presta il suo volto mutevole “è sempre fittizia, negli occhi dell’osservatore e della società” (Andessner). Non “I was”, bensì “I am” (come chiama il suo team di produzione) è il motto dell’artista. Un credo con cui rende attualissime anche figure storiche e offre una specie di contro-presente. Irene Andessner is an artist who has advanced the selfportrait genre in an original way. For the philosopher Peter Sloterdijk her pictures serve as an illustrative example of his definition of “Détrait”, with which he indicates a standpoint opposite to that of the portrait: namely, the disintegration and thereby the interchangeability of the artistic representation of personality. “The face is only mine by chance,” said Andessner in an interview in 1994 about a series of self-portraits whose tension results from the way the self-depictions vary. Handed down, remembered, imagined, idealised, self “perceived” images… the image of the woman to whom she lends her changeable face “is always a fiction – in the eyes of the beholder as much as of society” (Andessner). Not “I was” but “I am” (as she calls her production team) is the artist’s motto. A credo through which she herself gives absolutely contemporary expression to historical figures. And offers an art which counterpoints the contemporary. Ab Mitte der 1990er Jahre setzt sie ihre Konzepte in den Techniken Fotografie und Video um. Die Selbstinszenierung mit Rollenspiel tritt an die Stelle des gemalten Selbstporträts. „Nachbilder“ von kunst- und zeitgeschichtlichen Vorbildern wie Sofonisba Anguissola oder Constanze Mozart entstehen, auch heilige (Schwarze Madonna) und fiktive (Rachel aus „Bladerunner“) Personen sowie moderne Mythen (Marlene Dietrich). Im Projekt „I.M.Dietrich“ geht die Rollenidentifikation bis zur Annahme des Familiennamens des Vorbildes durch eine reale Heirat. Als „Wanda“ (re)produziert sie das Idealbild, das Leopold von Sacher-Masoch von der Frau hatte. Irene Andessner gilt als Künstlerin, die das Genre Selbstporträt originär weiterentwickelt. Peter Sloterdijk dienen ihre Bilder als Anschauungsbeispiel für seine Begriffsbestimmung vom „Détrait“ – mit dem der Philosoph die Gegenposition zum Porträt, nämlich die Auflösung und damit die Austauschbarkeit der bildnerischen Darstellung von Persönlichkeit, markiert. „Das Gesicht ist nur zufällig meines“, sagte Andessner 1994 in einem Interview über eine Selbstporträtreihe, deren Spannung aus der Unterschiedlichkeit der Selbstdarstellungen resultiert. Überlieferte, erinnerte, vorgestellte, idealisierte, selbst „wahrgenommene“ Bilder… das Bild der Frau, der sie ihr wandelbares Gesicht leiht, „ist immer fiktiv – in den Augen des Betrachters wie der Gesellschaft“ (Andessner). Nicht „I was“, sondern „I am“ (wie sie ihr Produktionsteam nennt) ist das Motto der Künstlerin. Ein Credo, mit dem sie selbst historische Gestalten sehr gegenwärtig zum Ausdruck bringt – und eine Art Gegen-Gegenwart anbietet. 89 90 Opere Works Werkgruppen Mumien, Dämonen, Totenköpfe, Portraits, 1982–85 Gotische Kirchenfiguren, 1985/86 Die Kämpfer, 1986–1988 Selbstportraits, 1989–1992 Portraits (Kölner Zyklus), 1993/94 Neue Selbstportraits, 1994/95 Mein Murano, 1995 Vorbilder, 1995–1998 Malerhut, 1997 Barbara Blomberg, 1998 Cyberface, 1998 Frauen zu Salzburg, 1999 Wasserfest, 1999/2002 Milli Stubel-Orth/Irrlichter, 2000 Cyber-Irma(Irma von Troll-Borostyani), 2001 Portrait – Détrait, 2000 I.M. Dietrich, 2001 Portraitprojekt, 2001 ff Wanda SM, 2001–2003 Donne illustri, 2002–2003 Die schöne Ulmerin, 2003 Opere ed installazioni video per l’esposizione Video productions and video installations Videoproduktionen und Videoinstallationen 39 1/2 < 27°, VHS video 1.5 min (continuous loop), for the Die verlassenen Schuhe exhibition in the Rheinischen Landesmuseum Bonn, 1993 Vorbilder, video installation, (VHS video and CDROM 5 min, continuous loop), Galerie Carol Johnssen, Munich, 1996, Galerie Claudia Böer, Hanover, 1997 Cyberface, video installation, Lutz Teutloff Galerie at the Artforum Berlin 1998; Podewil – Zentrum für aktuelle Künste, Berlin, 1999 etc. Frauen zu Salzburg, video installation (VHS video 17 min 15 sec), Museum Carolino Augusteum, Salzburg, 1999 Malerhut, video, 1998 Irrlichter, video installation, 2000 I.M. Dietrich, video 45 min, 2001/2003 Wanda SM, video installation, 2003 Donne Illustri, 2003 Die schöne Ulmerin, 2003 Cataloghi, pubblicazioni, articolo, features Catalogues, publications, art pages, features Kataloge, Publikationen, Feuilletons, Features Ren C. Andessner, Klaus Honnef, edited Ferdinand Maier, Galerie Zeitkunst, Kitzbühel, catalogue, 1991 Porträts von Irene Andessner, Enno Stahl, Apex No. 18, 1993 Irene Andessner, Interview by Marion Hövelmeyer, in the exhibition catalogue für sie(h), Galerie im Turm, Kulturzentrum Schlachthof, Bremen, 1995 Die Überwindung der Nähe, Ulrike Jagla-Blankenburg, KunstZeit 2/1997 Irene Andessner – Vorbilder, texts by Peter Baum, Peter Watzl; Neue Galerie der Stadt Linz, catalogue with CD-ROM, 1998 Austrian Spotlight, pp. 14/15, Arthothek Wien 1998 Sphären – Mikrosphärologie, vol. 1 (pp. 194ff), Peter Sloterdijk, Suhrkamp Verlag, 1998 Voorbij de schone schijn, Filip Luyckx, Sint-Lukasgalerij, Brussels, 4/1999 Light Boxes – Leuchtkastenkunst (pp. 27, 40, 77, 79, 83, 84, 122, 123, 150), Stephan Trescher, Verlag für moderne Kunst Nürnberg, 1999 Irene Andessner – Frauen zu Salzburg, texts by Wolfram Morath, Peter Laub, Alfred Zellinger; edited Carolino Augusteum, Salzburg 1999 Hotelsoli – Frauen zu Salzburg, texts by Klaus Honnef, Peter Watzl; edited Helga Rabl-Stadler, Salzburg, catalogue, 1999 Irene Andessner: Im Badehaus, edited Werner Wolf, Museum der Wahrnehmung, Folder 1999 Majestät, Mätresse und immer sie selbst, Gunder Clauss, Art 2/2000 CYBERFACE...REN, edited Dr. Klaus Wölfer, Österr. Kulturinstitut Rom, Folder 2000 Irene Andessner – Cyberface Ohne Spiegel leben – Sichtbarkeiten und posthumane Menschenbilder, pp. 191 ff, Andreas Leo Findeisen, Wilhelm Fink Verlag, Munich 2000 Die Vielen Gesichter der Irene Andessner, Werner Horvath, Kunststücke, feature 20 min, ORF 2000 New Austrian Spotlight, p. 1, Arthothek Wien 2000 Milch vom ultrablauen Strom – Strategien österr. Künstler 1960–2000, pp. 97 ff, edited Wolfgang Denk, Kunsthalle Krems, 2000 Photographie – die Sammlung, p. 22, edited Peter Baum, Lentos Kunstmuseum Linz, 2000/2001 Irene Andessner, Micky Kwella, catalogue Podewil Artists-in residence, Berlin, 2000/2001 Die ephemere Figur, pp. 32/33, Exhibition Gallery of Provisonal, Municipal Council of Macau (VRC), 2001 M. heiratet Dietrich, Ulla Rogalski, Handelsblatt/Galerie, 28.12.2001 I.M. Dietrich, Werner Horvath, Treffpunkt Kultur, feature 8’40 min, ORF 2001 Von Kopf bis Fuß auf Dietrich eingestellt, Gunder Clauss, Art 2/2002 Irene Andessner, Interview Alexander Pühringer, Frame Jan-Mar 2002 Marlene Dietrich und Venus im Pelz: Frau inszeniert sich als Vorzeigefrau, Hans Haider, Die Presse 23.9.2002 Donne Illustri – Irene Andessner, catalogue, edited Stefano Stipitivich, Caffè Florian, Venice, 2003 Meine Lebensbeichte, Wanda Sacher-Masoch, artist book edition with illustrations from Irene Andessner’s Wanda SM production and dossier, Belleville Verlag, Munich, 2003 I am Irene Andessner, texts from Raimund Kast, Peter Sloterdijk, Gerald Matt, Michaela Knapp, Peter Fabian; Cantz Verlag, Stuttgart, 2003 Sponsor del progetto Project sponsors Projektsponsoren Volpinum Collection of contemporary art, Vienna www.volpinum.com Knips Fotofachhandel, Vienna www.knips.com Vienna Paint, Vienna www.viennapaint.com Itz’Projects, Vienna Si ringraziano per il cortese sostegno le imprese che hanno consentito la realizzazione del progetto "Donne Illustri". We thank those companies who have made the realisation of this project possible through their generous support. Wir danken für die freundliche Unterstützung durch die Unternehmen, die die Projektrealisierung ermöglicht haben. Fotolabor Fayer, Vienna www.fayer.at T-Mobile Austria, Vienna www.t-mobile.at Dangl-Licht, Vienna Tostmann Trachten, Seewalchen/Vienna www.tostmann.at Bundy Bundy, Vienna www.bundybundy.at On Stage 2000, Munich www.onstage2000.de Artikel Editionen, Berlin www.artikel-editionen.com 91 © Copyright 2003 by: Caffè Florian – Venezia Irene Andessner (photographs) The authors (text) Tutti i dritti riservati Finito di stampare nel giugno 2003 M&C Grafica – Martellago/VE – Italy