catalogo - Art Slide Design
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SIGN OFF DESIGN a cura di Luca Beatrice SIGN OFF DESIGN ARTISTI E DESIGNER SI CONFRONTANO: MOSTRA COLLETTIVA DI SCULTURE M. Acerbis, A. Agop, Andy, D. Basso, M. Cattaneo, H.P. Ditzler, J.C. Farhi, F. Giardini, A. Guerriero, F. Lucchini, A. Mendini, A. Mocika, E.S. Park, B. Pomodoro, K. Rashid, F. Rotella, M. Sadler, D. Santachiara, S. Soddu, G. Spagnulo. a cura di Luca Beatrice Editore SLIDEart SIGN OFF DESIGN Secondo Norman Potter, “ogni essere umano è un designer”. Enzo Mari, invece, sostiene di essere diventato un bravo designer perché ha avuto una formazione d’artista: “non ho mai separato i miei due percorsi di ricerca, che si sono intrecciati e sovrapposti per tutta la vita. Il processo di elaborazione è identico”. Abbiamo scelto, quali esempi, due figure chiave nell’accezione del termine design nel Novecento. La nostra epoca ha moltiplicato le occasioni di oggetti transitori, in continua mutazione e divenire. Un processo cominciato negli anni Sessanta, da quando cioé ha preso il via una micro produzione di oggetti-sculture diffusi nel gusto e nello stile. Non solo funzione ma anche decorazione e segno grafico, espressioni di un’epoca. Sono cose che, pur nate per essere utilizzate, fanno parte di collezioni museali in tutto il mondo. Prima di allora i due ambiti, arte e produzione industriale, comunicavano ben poco e comunque non in maniera sistematica (si può prendere ad esempio la Bauhaus o il Futurismo). Da una parte le cosiddette “Fine Arts”, di impostazione accademica, dall’altra le “Arts & Crafts”, dette anche minori o applicate, troppo vicine all’estro e all’abilità artigianale per poter aspirare allo statuto di arte vera e propria. La svolta sta nella trasformazione dell’industria da pesante a leggera (settore in cui gli italiani sono stati precursori): siamo sempre negli anni Sessanta, è allora che l’arte perde definitivamente lo statuto di “unicum”, sia attraverso la serialità dell’immmagine pop, sia nella ripetizione minimalista. Oggetto moltiplicato e prodotto industriale delineano forme replicabili all’infinito in grado di determinare e influenzare un gusto contemporaneo. Il terreno sempre più ampliato dell’arte ha coinvolto e inglobato il design nelle nuove categorie espressive. Nel contatto tra questi due mondi si sono generati dialoghi interdisciplinari che tralasciano le identità originarie di ciascuno all’insegna della contaminazione e del meticciato. L’artista, come il designer, produce infatti particelle eterogenee di “domani” immaginati: entrambi creano oggetti, attivano processi, reclutano simboli e inventano “prodotti” che spesso anticipano il futuro. La difficoltà di ieri di metabolizzare le innovazioni all’interno della società, è oggi agevolata dal dinamismo di flussi e riflussi, di input infinti che sollecitano senza sosta ogni angolo del pianeta, raggiungendo l’elite come la massa. Senza più distinzioni di ordine comunicativo. Nell’azzeramento del concetto di “elitario” e di “unicità”, il multiplo, la serie, si aprono a generazioni di fruitori più adattabili ai cambiamenti. La novità è digerita in fretta. I supremi visionari di ieri devono fare i conti con i cannibali consumatori di oggi. La “fame di forme” è assunta dal neomecenatismo di brand e industrie per mescolare creazione artistica e funzionalità architettonica. La materia viva della combinazione tra arte visiva e altri linguaggi creativi sconfina dai propri limiti espressivi in una sorta di melting pot. Questo nuovo sistema, più fluido, investe anche il tema della commitenza. Dal mecenatismo al collezionismo, concepito come passione individuale, si giunge a un rapporto progettuale tra creativo e azienda, sempre più stretto e individuato a monte: artisti e designer studiano il posizionamento, interpretano un pensiero, collegano la proprietà implicita di un materiale per dargli forma e stile. La combinazione è da intendersi soprattutto nell’uso non conforme dei materiali, che simulano sensazioni tattili familiari alle maestranze scultoree (bronzo, legno, marmo, ceramica) pur derivando da nuovi ibridi poliuretanici, plastici e metallici (vetroresina e carbonio). L’oggetto design-scultura diventa allora la risposta al bisogno di forme: mai feticcio, è architettura ridotta e fluido, scomposizione iconografica, simbolo virtuale di un’elaborazione tridimensionale del pensiero creativo che ha preso consistenza. La sfida, molto interessante, proposta da SLIDEart (nuovo marchio di SLIDE) è quella di cercare “fuori dal design” (off design) i segni della trasformazione e dell’innovazione, quasi a voler sottolineare che quel desiderio di utopia e di sogno, folle e immaginifico, sta oltre le regole della produzione e si annida dove meno lo aspetti. Luca Beatrice SIGN OFF DESIGN According to Norman Potter, “every human being is a designer”. Enzo Mari, on the other hand, claims to have become a good designer because of his artistic education: “I have never separated my two research paths, which have intertwined and overlapped all my life. The elaboration process is exactly the same”. We have selected as examples two key figures of the design, as conceived in the twentieth-century. Our age has greatly increased the possibility of fleeting objects, constantly changing and becoming. A process which started in the Seventies when a micro-production of sculpture-objects, popular in terms of taste and style, kicked off. Not merely function but also decoration and graphic sign, expressions of an age. These are things which, although created for a practical use, nowadays belong to museum collections spread all over the world. Until then, the communication between the two fields – art and industrial production – had been scarce and, in any case, not systematic (see for example the Bauhaus or the Futurism). On the one hand, the so-called “Fine Arts”, based on academic sensibilities, and on the other, the “Arts & Crafts”, also called minor or applied arts, which were deemed too close to the creative impulse and to the craftsmanship to aspire to the status of real art. The turning point came about when the heavy industry turned into light industry (a field in which the Italians were forerunners): we are still in the Seventies, it is then that art loses once and for all the status of “uniqueness”, both through the seriality of the pop image and the minimalist repetition. The multiplied object and the industrial product create shapes that can be reproduced over and over and thus determine and influence the contemporary taste. The ever-widening art field has involved and integrated the design in the new expressive categories. The connection of these two worlds gave raise to interdisciplinary dialogues, which disregard each original identity under the mark of contamination and crossbreeding. The artist, as the designer, indeed produces heterogeneous particles of imagined “tomorrows”: they both create objects, start processes, select logos and invent “products” which often anticipate the future. Yesterday’s difficulty in metabolizing innovations within the society is facilitated today by the dynamism of ebbs and flows, of infinite inputs incessantly stirring up any corner of the planet, reaching the elites as much as the masses. Without any more distinction in terms of communicative order. Once the concept of “elitism” and “uniqueness” is removed, the multiple, the series open up to generations of users more adaptable to changes. The novelty is quickly absorbed. Yesterday’s supreme visionaries must deal with today’s cannibals. The “hunger for shapes” is taken on by the new brand patronage and by the companies in order to mix artistic creation and architectonic functionality. The essence of the mix between visual art and other creative languages crosses its expressive limits and results in a sort of melting pot. This new and more fluent system also covers the client theme. From patronage to collecting, conceived as one’s personal passion, we come to an ever closer and previously detected design relationship between the creative mind and the company: artists and designers study the positioning, interpret a thought, connect the implicit property of a material to give it shape and style. The mix must be conceived mostly in the atypical use of materials, which simulate tactile sensations familiar with the sculptural craftsmanship (bronze, wood, marble, ceramic), even though they come from new polyurethane, plastic and metallic hybrids (fiberglass and carbon). The sculpture-design object then satisfies the need for shapes: never a fetish, reduced architecture, smooth, iconographic division, virtual symbol of a tridimensional elaboration of a creative thought which has gained consistency. The quite interesting challenge, suggested by SLIDEart (the new brand by SLIDE) is to look “off design” for the signs of transformation and innovation, as if wanting to underline that the mad and highly imaginative desire for utopia and dream lies outside the production rules and is to be found where you least expect it. Luca Beatrice Caratteristiche del progetto Nell’attuale interazione tra Arte, Design e Moda, all’interno dell’articolato mondo SLIDE trova spazio SLIDEart: un editore d’arte nuovo per pensiero e posizionamento, che nasce nel contesto industriale e si sviluppa nel mondo dell’Arte. Avvalendosi del network di partners che fanno parte del mondo SLIDE, SLIDEart ha l’opportunità di presentare in tutto il mondo e nelle sedi più prestigiose la sua nuova collezione, sfruttando le capacità, la struttura operativa e logistica che hanno permesso a SLIDE di diventare una delle più affermate società operanti nel settore del Design. Filosofia SLIDEart Designer e Artisti esplorano insieme le potenzialità della materia plastica e delle resine, supportati dall’esperienza, dalle conoscenze e dalle competenze maturate concretamente da SLIDE. Il Pensiero e la Creatività incontrano il “Saper Fare Italiano” in un nuovo concetto d’arte. Progetto, immaginazione, comunicazione, materia e contemporaneità incontrano la progettazione 3D, la tecnologia, gli strumenti ed il coraggio imprenditoriale, prendendo forma e animando il mondo SLIDE nell’Arte. Le sculture sono realizzate con materiali diversi in base alle caratteristiche dell’opera (polistirene, legno, vetroresina e materiali compositi) e saranno prodotte in serie limitata, pezzi certificati e numerati (9 copie per soggetto). Contenuto distintivo SLIDEart si propone come galleria d’Arte itinerante che promuove i propri artisti nei diversi eventi e nelle più importanti location d’Arte nel mondo. Le opere saranno trasportate in giro per il mondo per raggiungere amanti e collezionisti d’arte grazie ad un container, contenitore contemporaneo d’arte nomade. Per la prima volta Designers ed Artisti vengono presentati insieme rendendo ancor più labile il confine tra Arte e Design. Il progetto SLIDEart vuole sottolineare una nuova regola creativa con opere di matrice artistica facilmente fruibili dal “consumatore” che vive nella città globalizzata attuale e che si avvale della tecnologia come elemento essenziale della quotidianità. L’arte e il design come interpretazione della realtà e non solo come imitazione individuale della stessa. Finalità Costruire e comunicare un posizionamento del marchio SLIDE nel campo dell’Arte applicata anche sotto un profilo culturale e di contenuto, arricchendo di messaggi e di valori il mondo SLIDE. Acquisire esperienza e problem solving con la materia plastica e con il progetto, sperimentando nuovi modi di operare. Fare ricerca e proporre innovazioni estetiche (forme, colori e finiture distintive), produttive e tecniche da poter anche declinare nella produzione seriale di design. Introdurre nel mondo dell’Arte una nuova metodologia di fare business in modo alternativo, in un settore differente rispetto all’attuale core businness di SLIDE. Implementare le valenze SLIDE nel mercato e far crescere il marchio SLIDE in nuovi settori. Project characteristics The current interaction between Art, Design and Fashion, within the elaborate SLIDE world, has prompted the creation of SLIDEart project: an art publisher, innovative in terms of thinking and positioning, born in the industrial context and developing inside the Art world. Relying on the network of partners belonging to the SLIDE world, SLIDEart seizes the opportunity to present its new collection all over the world and in the most prestigious venues, exploiting the skills, the operating and logistic structure which allowed SLIDE to become one of the most established design companies. SLIDEart philosophy Designers and artists explore together the potentialities of resins and plastic materials, supported by the experience, the contacts and the expertise developed by SLIDE in the field. The thinking and the creativity meet the “Italian know-how” in a new art concept. Project, imagination, communication, material and contemporaneity meet the 3D design, the technology, the tools and the entrepreneurship, developing and driving the SLIDE world within art. The sculptures are created with different materials based on the characteristics of the work (polystyrene, wood, fiberglass and composite materials) and will be produced in a limited series, with certified and numbered pieces (9 copies per model). Distinguishing feature SLIDEart presents itself as a travelling art gallery, promoting its artists in the different and most important international art events and venues. The works will be taken all over the world to reach art lovers and collectors thanks to a container, such a contemporary container of nomadic art. For the first time, designers and artists will be presented together thus blurring even more the boundary between Art and Design. The SLIDEart project aims at highlighting a new creative rule with art-based works easily usable by the “consumer”, who lives in today’s globalized city and resorts to technology as an essential element of everyday life. Art and design interpret reality; they don’t just individually imitate it. Goals Build and communicate the positioning of the SLIDE brand within the field of applied art, also in terms of cultural and content inputs, by enriching the SLIDE world with messages and values. Develop experience and problem solving with the resin and plastic materials and with the project, experimenting new operating processes. Research and suggest aesthetic, productive and technical innovations (shapes, colors and distinguishing finishes), which could also be applied to the design serial production. Introduce into the art world a new and alternative way of doing business, in a different field with respect to the SLIDE core business. Implement the SLIDE values on the market and promote the SLIDE brand in new fields. DUBAI DREAM A RT IS T / Marco Acerbis DUBAI DREAM © P. ORLER Marco Acerbis Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 80 x 80 cm - h 200 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Base metallica. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Metallic base. Descrizione / Description Oggi tutte le città in forte sviluppo costruiscono grattacieli sempre più alti. Questa scultura, ispirata alle bolle di vapore acqueo che elegantemente si sollevano nell'aria e alle molecole che costituiscono ogni cosa in natura, vuole essere un momento di riflessione sul fatto che ci debba sempre essere un equilibrio tra ciò che l'uomo è in grado di fare e ciò che la natura ha piacere di accettare. Essendo l'uomo parte della natura... o non più? Today's greatest cities are developing taller and taller high rise buildings. This sculpture, inspired by hot vapor bubbles elegantly lifting into the air and molecules that are the key components of everything in nature, shall be a reminder that there is always a balance between what man is capable of doing and what nature is willing to accept. Man being part of nature...or not anymore? Marco Acerbis nasce nel 1973 e completa gli studi in architettura presso il Politecnico di Milano nel 1998. Dal 1997 al 2004 vive e lavora a Londra dove collabora con lo studio Foster+Partners. Nel 2004 apre il proprio studio di architettura e design in Italia. Affascinato dalla progettazione senza limiti di scala procede rapidamente esplorando con un costante crossover di competenze, intuizioni e tecnologie innumerevoli temi, con l’obiettivo di creare uno spazio a progetto globale. Born in 1973 Marco Acerbis graduates in architecture from Politecnico di Milano in 1998. From 1997 to 2004 he lives in London where he works with Foster+Partners studio. He sets up his own practice in Italy in 2004. Fascinated by designing at very different scales he quickly moves on to explore with a constant cross over of skills, ideas, tools and technologies all sorts of subjects trying to achieve a globally designed space. SUFIC 21 A RT IS T / Armen Agop SUFIC 21 Armen Agop Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography diam. 160 cm, h 110 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Base in polietilene. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Poliethylene base. Descrizione / Description Le sculture della serie Sufi di Armen Agop esprimono uno stato di quiete profonda ma eloquente. Semplicemente restrittive per natura, si riferiscono espressamente allo spazio, ma non in maniera impulsiva. L’energia vitale interna è unita e compatta e si espande verso l'orizzonte, mentre una semplice linea entra in contatto con il mondo esterno. Uno spirito Sufi unisce e intensifica l'energia che culmina nella sua essenza. The forms in the Sufi series by Armen Agop exemplify a profound stillness – yet express eloquently. Restrictive by nature, they relate to the space specifically but not impulsively. Vital internal energy is unified and compact, it expands toward the horizon while a simple line contacts the outside world. A Sufi spirit unites and intensifies the energy, culminating into its essence. Armen Agop è nato a Il Cairo, in Egitto. L’artista ha ottenuto il pieno riconoscimento in tutto l’Egitto, partecipando a molte mostre ed ha ricevuto diversi premi dal Museo Egiziano d’Arte Moderna. Il suo riconoscimento a livello nazionale è stato confermato con l’assegnazione del premio “Prix de Rome” nel 2000. Dopo essersi trasferito in Italia, ha partecipato a livello internazionale con la mostra "Diari Di Lavoro Di Artisti Stranieri A Roma" presso la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Ha esposto le sue opere presso l’Arte Egiziana Contemporanea a Toledo in Spagna, nella Veksolund Galleria in Danimarca, alla XI Biennale Internazione d’Arte del Cairo e alla Villa Empain, sede della Fondazione Boghossian in Belgio. Le sue mostre personali più recenti si sono tenute presso la Galleria LKFF Art & Sculpture Projects e la Galleria Al Markhiya in Qatar. Recentemente ha ricevuto il Premio Umberto Mastroianni 2010. Armen Agop was born in Cairo, Egypt. Gaining in recognition throughout Egypt, Agop participated in many diverse shows and had several acquisitions from the Egyptian Modern Art Museum. In 2000, his national recognition was confirmed upon receiving the Prix de Rome. After moving to Italy, he began to participate internationally with the show, “Diari Di Lavoro Di Artisti Stranieri A Roma” in the National Gallery of Modern Art. His exhibitions include Egyptian Contemporary Art in Toledo, Spain, Veksolund Gallery in Denmark, the 11th International Cairo Biennale, and Villa Empain/Boghossian Foundation in Belgium. His most recent solo exhibitions occurred in LKFF Art & Sculpture Projects in Brussels and AL Markhiya Gallery in Qatar. His latest achievement was in receiving the Umberto Mastroianni Prize 2010. FLU-ON EYE A RT IS T / Andy FLU-ON EYE © D. CASTOLDI Andy Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 175 x 45 cm - h 150 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Base in polietilene. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Poliethylene base. Descrizione / Description La scultura di Andy rappresenta il logo del laboratorio Flu-on, centro operativo di tutte le sue attività artistiche. Un occhio aperto, colorato con i toni dei suoi dipinti, sinonimo di curiosità e accensione. L'occhio pronto a vedere fotografare e rielaborare. Andy's sculpture represents the logo of an art laboratory: Flu-on, operational hub of all his artistic works. An open eye, tinted in the same shades of his paintings as a symbol of curiosity and lighting. An eye that's ready to see, capture, elaborate. Andy nasce a Monza nel 1971. Da sempre attratto dalle arti visive, si forma presso l’Istituto d’Arte di Monza e l’Accademia delle Arti Applicate di Milano specializzandosi in illustrazione e grafica pubblicitaria. Consolida il suo forte codice pittorico applicandolo non solo alle tele, ma anche alla decorazione di oggetti di design, stoffe, strumenti musicali… sviluppando così una carriera di ampio respiro internazionale attraverso l’esposizione delle sue opere in mostre personali e collettive, valendogli collaborazioni con grandi marchi quali Coveri, Carlsberg, Iceberg, RedBull, FIAT, Nodis, Too Late, UKI e Valtur. Andy è fondatore di FluOn, suo quartier generale e nucleo creativo, che riassume nel nome una filosofia di arte e di vita: “FLU” come la fluorescenza, ma anche l’inFLUenza, entrambe da emettere e ricevere in flusso continuo e in un costante mode “ON”: acceso. Vive e lavora a Monza. Andy was born in Monza, Italy in 1971. A brilliant art student all through high school, he receives his formal training at “Accademia delle Arti Applicate”, specializing in illustration and graphic designing. He strengthens his vivid painting code throughout the years and applies it on design objects, fabrics, musical instruments… beside canvas, developing a widely international career through the exposition of his work in individual and group art exhibitions that lead him to work for brands such as Coveri, Carlsberg, Iceberg, RedBull, FIAT, Nodis, Too Late, UKI and Valtur. Andy also founded FluOn: his headquarters and creative nucleus. FluOn holds in its name Andy’s way of life and through creation: “FLU” as in FLUorescence, but also as in inFLUence: two elements to both spread out and receive in a non-stop flow and constant “ON” mode. He lives and works in Monza, Italy. KRYSTE A RT IS T / Daniele Basso KRYSTE © S. CERETTI Daniele Basso Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 90 x 63 cm - h 220 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: vetroresina laccata opaca e acciaio Ni/Cr finitura a specchio. Mixed techinique: fiberglass mat and steel Ni/Cr mirror finish. Descrizione / Description I cristalli sono il tramite tra divinità ed essenza dell’uomo, luce fattasi materia, raffigurano l’universo e ci guidano. Geologicamente e chimicamente puri e perfetti, sono preziosi: stupiscono ed affascinano. Kryste è la mia Pietra Guida. Spigolosa, apparentemente inattaccabile, ma plasmata dalle esperienze, protegge e custodisce come uno scrigno ciò che di più prezioso e luminoso abbiamo in vita: la nostra anima. Ed attraverso lo specchio entriamo in contatto con noi stessi. Crystals are the go-between of gods and the essence of man. As light turned matter, they represent the universe and guide us. Geologically and chemically pure and perfect, they are precious. They amaze and fascinate. Kryste is my Guiding Stone. Sharp-cornered and apparently all-resistant, experiences work on it that contains the most precious and shiny thing we have in life: our soul. An through the mirror, we get in contact with ourselves. Laureato in “Economia” (Italia e USA), in “Industrial Design” (tesi “Centro Stile Lancia” c/o “Carrousel du Louvre” Parigi), Master in Comunicazione, lavora a Parigi e NY per Versace, a Milano per BGS D’Arcy-Publicis e con “Advanced Design Fiat”. Nel 2006 fonda “GlocalDesign” (Think Global, Act Local). Nel 2007 tra i "Migliori 100 architetti d'Italia" progetta alla 64° Mostra del cinema di Venezia. Nel 2009 lancia le collezioni di Specchi GlocalDesign (Acciaio 100% riciclabile) in mostra a NY, Torino, Milano e Napoli. Nel 2010 “tra i primi a intuire le interazioni tra Design e Moda” (CorSera) “espressione della tendenza Locale-Globale” (LaRepubblica), realizza le opere “Universo Dentro”, “Il Muro siamo Noi” e le esclusive Mirrors Coillection Molteni&C, SanPatrignano e Found. F. Fellini. Nel 2011 progetta per “Lumen Center Italia”, con Swarovski Elements e partecipa al progetto “SlideArt”. A B.A. (Italy & USA) & Ind. Design graduate (thesis "Centro Stile Lancia" at Carrousel du Louvre, Paris); Comm. Master. Works in Paris & NY for Versace, in Milan for BGS D’Arcy-Publicis & Advanced Design Fiat. In 2006 founds "GlocalDesign" (Think Global, Act Local); in 2007 makes the installation at the 64th Venice Film Festival; is among the 100 Best Architects in Italy. In 2009 launches the GlocalDesign mirror collections (100% recyclable steel) shown in NY, Turin, Milan and Naples. In 2010 is “one of the first to grasp Design/Fashion interactions” (CorSera) and “expressing new local/global trends of Design” (La Repubblica). Makes the works “Universo Dentro”, "We Are the Wall" and the exclusive Mirror Collections Molteni&C, SanPatrignano and Found. F. Fellini. In 2011 designs for “Lumen Center Italia”; joins the “SlideArt” project. MILANO A RT IS T / Marilù Cattaneo MILANO Marilù Cattaneo Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 120 x 115 cm - h 80 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Il rapporto tra arte e cibo è la cifra dell´opera. La "michetta" a Milano è segno della capacità dell´uomo di procurarsi il cibo. Mi guadagno la michetta, si dice. In questo caso, trattandosi di opera d´arte, la michetta assume il significato di cibo spirituale. Ossia, guadagnarsi la possibilità di vivere non di solo pane, ma anche di nutrimento dell´anima di cui l´arte è uno dei principali elementi e strumenti. The relationship between art and food is the key to this work. The “michetta” in Milan is a sign of the human ability to procure food. I earn my daily bread, we say. In this case, since we are talking about an art piece, the “michetta” assumes the meaning of spiritual food. That is to say, earning the possibility of living not only by bread alone, but also by soul nourishment of which art is a primary element and instrument. Marilù Cattaneo nasce a Monza. Dall´età di quattro anni e fino a quindici anni ha seguito il nonno materno (l´architetto Maggi, docente all´Accademia di Brera) nel suo studio di pittore. Da quella lontana esperienza, oltre che dal diploma in grafica, deriva la sua conoscenza delle tecniche e dei materiali pittorici di cui si rivela maestra. Dopo una lunga esperienza nella creazione di gioielli, oggi si dedica completamente alla pittura e alla scultura. Rielabora con i suoi lavori i luoghi della memoria avversando gli stilemi dell´arte contemporanea con lo stesso candore di quando a quattro anni incominciò l´"accademia". Non a caso usa come base per i suoi disegni e pitture stoffe morbide al tatto, talvolta con inserimenti di tappezzerie quali materiali d´affezione e di memoria. I suoi "rifugi" sono frutto di una purezza lirica, silenziosa e sospesa nel tempo e quindi fuori dal tempo e dal dolore della vita quotidiana. Marilù Cattaneo was born in Monza. From the age of four and until the age of fifteen, she followed her maternal grand-father (the architect Maggi, professor at the Academy of fine Arts of Brera) in his painting studies. From that distant experience, in addition to her graphics diploma, she drew her knowledge of pictorial techniques and materials, which she has mastered. After a long experience in creating jewellery, today she devotes her time to painting and sculpture. With her works, she revisits the places of memory, refusing contemporary art styles with the same naivety she used when she was four and started the “academy”. No wonder that as a base for her drawings and paintings, she uses fabric smooth to the touch, and sometimes she inserts tapestry as a material of memory and affection. Her “shelters”, are the results of lyric purity, silent and suspended in time, therefore above the threshold of time and pain of our daily lives. RE SOLITARIO A RT IS T / Hans Peter Ditzler RE SOLITARIO Hans Peter Ditzler Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 115 X 120 cm - h 180 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Re Solitario è una delle prime figure della serie “manifestazioni archetipiche e mitologiche”. Re Solitario is one of the first figures of the serie “archetypical and mythological manifestations”. Svizzero di nascita, scopre la sua passione per l'arte già nell'infanzia. Formatosi come grafico presso lo studio di Donald Brun a Basilea, si dedica alla pittura e alla scultura alla Gewerbeschule Basel. Nel 1965 si trasferisce in Toscana dove conosce grandi maestri come Giò Pomodoro, Moore, Cascella e Noguchi. L'approvazione e la stima del gruppo Henraux, insieme all'invito alla Biennale di Venezia, gli danno un grande incoraggiamento: nascono così numerosi lavori nel suo primo atelier a Seravezza. Tornato in Svizzera (1967), inizia un intenso lavoro come grafico alla GGK sotto la direzione di Karl Gerstner. Stanco delle strategie della pubblicità, sceglie di dedicarsi alla ricerca nel campo della pedagogia, della psicologia e dell’animazione pubblica, sviluppando nuovi mezzi didattici per l’età scolare ottenendo tanti successi. Nel 1990 riprende la strada per l'Italia per dedicare la sua arte al grande pubblico. Born in Switzerland, as a child he discovers his passion for art. After training as a graphic designer in the Donald Brun studio in Basel, he devotes himself to painting and sculpture in the Gewerbeschule Basel. In 1965, he moves to Tuscany where he meets the great maestros of the art world such as Giò Pomodoro, Moore, Cascella and Noguchi. He is greatly encouraged by the appreciation and esteem by the Henraux group and by the Venice Biennale invitation: this gives raise to several works created in his first atelier in Seravezza.Back in Switzerland (1967), he begins to work hard as a graphic designer at GGK under Karl Gerstner’ direction. Tired of the advertising strategies, he decides to devote himself to the research in the pedagogy, psychology and public animation fields, developing new teaching methods for children which are met with great success. In 1990 he moves back to Italy twhere he devote his art to a wider audience. CARRÉ ³ A RT IS T / Jean-Claude Farhi CARRÉ ³ © F. LECLERC Jean-Claude Farhi Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 270 x 185 cm - h 200 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description La forza e la purezza delle geometrie variabili delle sculture di Farhi risaltano con umorismo nell'equilibrio perfetto dei “3” quadrati che si abbracciano e succedono come la vita. La prosettiva cambia ma resta aperta da ogni angolo dell'opera, lasciando intuire che ogni impercettibile movimento da nostra parte comporta consequenze inevitabili della visione globale “seppur immobile il paesaggio”, “Homo faber fortuna suae”, il destino ci appartiene, ogni invisibile passo muta il futuro presente. The strength and the purity of the variable geometrics of Farhi’s sculptures stand out with wit in the perfect equilibrium of the “3” squares embracing and following one another as inextricably as life itself. The perspective changes but it remains open from any corner of the work, suggesting that every imperceptible movement on our side implies inevitable consequences of the global vision; “even if the panorama is still”, “Homo faber fortunae suae”, fate is in our own hands and every invisible step inevitably changes the present future. Jean Claude FARHI è nato a Parigi nel 1940. Nel corso della sua carriera, lo scultore ha usato diversi tipi di materiali per le sue opere. La notorietà arriva negli anni Sessanta con i lavori in plexiglass, tra cui le opere realizzate con Roy Lichtenstein, Cesar e Arman. Sua è anche la più alta scultura in plexiglass mai realizzata al mondo: l’opera è alta 34 metri. A partire dagli anni Novanta, lo scultore incomincia a usare il metallo laccato e in seguito l’acciaio grezzo. Oggi continua a creare le sue monumentali serie di sculture metalliche, mantenendo intatto il suo stile distintivo caratterizzato da forme geometriche variabili. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni, sia private che istituzionali, disseminate per il mondo. Tra le opere pubbliche ricordiamo quelle installate a Pechino, Palm Spring, Budapest, Cannes, Nizza, Anversa, Saint Paul de Vence. Jean Claude FARHI was born in february 1940 in Paris. The sculptor has managed to use various types of material for his sculptures throughout his career. He became famous in the 1960’s for his works in Plexiglass including works with Roy Lichtenstein, Cesar and Arman. He also realized the tallest plexiglass sculpture in the world, the piece measures 34 meters high. From the 1990’s he started using lacquered metal and later crude steel. Today, he continues his creation of monumental series of metal sculptures, keeping his unique style characterized by variable geometric forms. His works are part of major private and institutional collection around the world. Public orders were installed in: Beijing, Palm Spring, Budapest, Cannes,Nice, Antwerpen, Saint Paul Vence. PEARL HUNTER A RT IS T / Ferdi Giardini PEARL HUNTER Ferdi Giardini Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 190 x 170 cm - h 110 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: metacrilato, finitura laccata specchio. Base in polietilene. Mixed technique: methacrylate, lacquered mirror. Poliethylene base. Descrizione / Description Ricetta: “scaldare una lastra di metacrilato a 220 gradi, aspettare 5 minuti, quando è diventata tenera, morbida come una coperta di cashmere, prenderla con guanti termici e adagiarla su uno stampo precedentemente costruito a forma di cono rovesciato, attendere che si raffreddi e smussare i bordi con la levigatrice. Farla cromare dal lato interno e poi proteggerla con vernice colorata, adagirla sulla sfera luminosa di SLIDE e otteremo Pearl Hunter...Servire in spazi grandi”. Recipe: “Heat up to 220 degrees a methacrylate plate, wait 5 minutes and when it becomes tender, as soft as a cashmere blanket, use the thermal gloves to place it on a stamp, previously built in the shape of a reversed cone, wait until it cools down and smooth the edges with a lapping machine. Chromium-plate it on the inside and then shield it with colored paint, place it on the SLIDE light sphere and here you have Pearl Hunter…To be served in wide spaces”. Ferdi Giardini, nasce a Torino nel 1959, dove vive e lavora. Si diploma all’Accademia di Belle Arti di Torino nel corso di Scenografia. Inizia ad esporre nel 1986 con una personale presso la galleria: Franz Paludetto di Torino. Continua la sua attività artistica, con mostre personali e collettive, sia in Italia che all’estero. Nel 1996 partecipa alla quadriennale di Roma. Nel 1998 partecipa alla I° biennale Parchi e Natura di Roma. Nel 2006 partecipa alla Biennale dei Tori e dei Leoni. Dal 2005 ha la cattedra di Laboratorio Materiali e Modelli II, presso il Politecnico di Architettura Disegno Industriale Torino. Dal 1996 si occupa di design, e collabora con le aziende di illuminazione: Luce Plan, Oluce, Ilti Luce, Antonangeli; le sue invenzioni per queste aziende, sono prodotte e vendute in tutto il mondo. Ferdi Giardini was born in 1959 in Turin, where he still lives and works. He graduates in set design at Turin’s Academy of Art. In 1986 he begins to display his work with a solo exhibition at the gallery Franz Paludetto in Turin. He carries on his artistic career with solo and joint exhibitions, both in Italy and abroad. In 1996 he attends Rome Quadriennale and in 1998 Rome Ist Parchi e Natura Biennale. In 2006 he attends the Biennale dei Tori e dei Leoni. Since 2005, he holds the chair of Material and Model Workshop II within Architecture and Industrial Design Polytechnic University of Turin . Since 1996 he works in the design field and with lighting companies: Luce Plan, Oluce, Ilti Luce, Antonangeli. The creations designed for these companies are produced and sold all over the world. DAL 150° A RT IS T / Alessandro Guerriero DAL 150° © A. GILI Alessandro Guerriero Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography diam. 190 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Questo "grande oggetto", questa pseudo-scultura è pensata non in funzione del suo uso, ma come esempio adatto a indicare un possibile modo di addentrarsi verso una nuova problematica estetica di un futuro prossimo. La sua visione globale avrà senso solo quando anche i più piccoli elementi esprimeranno la loro identità. This “big object”, this pseudo-sculpture is designed not in terms of its function, but as a suitable example for pointing out a possible way to penetrate a new aesthetic issue for the near future. Its global vision will make sense only when also the smallest elements will express their identity. Alessandro Guerriero è uno a cui piace cambiare le regole. Lo fa da oltre trent’anni. Almeno da quando, nel 1976, fondò Alchimia, il gruppo di designer che diedero faccia e idee alla post-avanguardia italiana. Se c’è da far saltare uno schema, piegare la realtà o soltanto colorare un pensiero, Guerriero non si tira mai indietro. Parla con un vocabolario tutto suo, in cui l’aggettivo da mettere di fianco alla parola “Design” è “Romantico”. I lavori di Guerriero sono ovunque – dal Museo d’Arte Moderna di Tokyo, al Metropolitan Museum di New York ma il suo sguardo caleidoscopico si è posato anche sugli spazi meno ortodossi per l’architettura e il design. Alessandro Guerriero è oggi docente al Politecnico di Milano e presidente della Naba, la Nuova Accademia di Belle Arti di Milano. Per Absolut World ha disegnato il muro alle Colonne di San Lorenzo e per non lasciare in pace nessuno ha lanciato il Compasso di Latta qualche ora fa… Alessandro Guerriero likes to change the rules. He has been doing it for over thirty years, almost since 1976 when he founded Alchimia, the group of designers who put their faces and ideas into the Italian post-avant-garde. If there is a convention to break, a reality to bend or only a thought to be colored, Guerriero never backs off. He speaks with his own vocabulary, in which “Romantic” is the adjective to be placed beside the word “Design”. Guerriero’s works are everywhere – from Tokyo’s Modern Art Museum to New York’s Metropolitan Museum – but his kaleidoscopic gaze has landed also on architecture and design’s less orthodox spaces. Today Alessandro Guerriero teaches at Milan’s Polytechnic University and is the President of Naba, Milan’s New Academy of Fine Arts. For Absolut World he designed the wall at the Colonne di San Lorenzo and just not to leave anyone in peace he launched the ‘Compasso di Latta’ competition a few hours ago… GHOST A RT IS T / Flavio Lucchini GHOST Flavio Lucchini Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 140 x 70 cm - h 250 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: resina, finitura laccata. Mixed technique: resin, lacquered finish. Descrizione / Description Togliere l’effimero alla moda, coglierne l’essenza, esaltarne il mistero che la rende capace di trasformare e divinizzare la donna è la mission di Flavio Lucchini, che utilizza perfezione formale, eleganza e ironia – “tra Canova e Jeff Koons”- quale che sia il “media” prescelto (acciaio, resina, gesso, tela, polistirene, carta). La scultura in resina madreperlata, della serie Ghost, è il racconto di un abito, meglio una tuta da sera, che resta nella memoria, traccia imperitura del corpo che l’ha indossato. Pull the ephemeral off fashion, pick its essence, enhance the mystery that enables it to transform and deify woman is the mission of Flavio Lucchini, who uses formal perfection, elegance and irony“between Canova and Jeff Koons”- no matter the means he used (steel, resin, chalk, canvas, polystyrene, paper). The frosted resin sculpture, from Ghost series, is a dress story, better if an evening overalls, that remains in memory, imperishable trace of the body that wore it. Flavio Lucchini nasce a Mantova, studia Architettura a Venezia e Arte all’Accademia di Brera di Milano. Fin da giovanissimo si mette in mostra per l’audacia e la modernità del suo lavoro grafico. Trasferitosi a Milano, crea e porta al successo le più importanti riviste di moda Italiane (da Fantasia a Amica, Vogue, L’Uomo Vogue, Lei/Glamour, Donna, Moda ed altre), scopre i nuovi talenti della fotografia, della grafica, del giornalismo e tiene a battesimo sui suoi giornali tutti i più grandi stilisti. Per trent’anni è il più influente personaggio dell’editoria di moda italiana. Nel 1990 abbandona tutti i suoi incarichi per dedicarsi esclusivamente all’arte. Vive tra Milano, dove ha il suo atelier di scultura, e Parigi, nella home-gallery di Saint Germain. Born in Mantua, Flavio Lucchini studied architecture in Venice and art at the Brera Academy in Milan. From an early age, he drew attention to himself thanks to the boldness and freshness of his graphic work. After moving to Milan, he successfully launched the most important Italian fashion magazines (Fantasia, Amica, Vogue, L’Uomo Vogue, Lei/Glamour, Donna, Moda among others), discovering the new creative minds of photography, graphic design and journalism and nurturing on the pages of his magazines the most brilliant fashion designers. For thirty years, he has been the most influential figure in the Italian fashion publishing world. In 1990, he abandoned all his commitments to devote himself exclusively to art. He lives between Milan, where he has his sculpture atelier, and Paris, in his home-gallery in Saint-German. HERE A RT IS T / Alessandro Mendini HERE Alessandro Mendini Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 230 x 45 cm - h 220 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Here & There. Queste due sculture presentano due segni astratti come fossero personaggi collocati in spazi metafisici. La loro presenza in un luogo vuole creare tensioni positive. Here & There. These two sculptures represent abstract signs, as if they were characters that populate metaphysical spaces. They are intended to bring positive energy to the atmosphere surrounding them. Alessandro Mendini, architetto è nato a Milano. Ha diretto le riviste "Casabella", "Modo" e "Domus". Realizza oggetti, mobili, ambienti, pitture, installazioni, architetture. Collabora con compagnie internazionali ed é consulente di varie industrie in Europa e nell'Estremo Oriente. E' membro onorario della Bezalel Academy of Arts and Design di Gerusalemme. Nel 1979 e nel 1981 gli è stato attribuito il Compasso d'oro per il design, è "Chevalier des Arts et des Lettres" in Francia, ha ricevuto l'onorificenza dell'Architectural League di New York e la Laurea Honoris Causa al Politecnico di Milano e all'École Normale Supérieure de Cachan in Francia. E' professore onorario alla Accademic Council of Guangzhou Academy of fine Arts in Cina. Il suo lavoro, teorico e scritto, oltre che progettuale, si sviluppa all'incrocio fra arte, design e architettura. Alessandro Mendini is an Italian architect, and was born in Milan. He has been editor-in-chief of the magazines Casabella, Modo and Domus. Alessandro Mendini makes design objects, furniture, interiors, paintings, installations and architecture. He produces work with international manufacturers, and is also a consultant for companies in Europe as well as the Far East. He is an honorary member of the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem. In 1979 and 1981 he received the Compasso d’Oro for design. In France, he carries the title of “Chevalier des Arts et des Lettres”. He has received recognition from the Architectural League in New York, and an honorary doctorate degree from the Milan Polytechnic and the École Normale Supérieure de Cachan in France. Mendini is an honorary professor on the Academic Council at the Guangzhou Academy of Fine Arts in China. Alessandro Mendini’s theoretic and written work, along with his design work, finds its origin at the crossroads between art, design and architecture. THERE A RT IS T / Alessandro Mendini THERE Alessandro Mendini Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 220 x 45 cm - h 220 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Here & There. Queste due sculture presentano due segni astratti come fossero personaggi collocati in spazi metafisici. La loro presenza in un luogo vuole creare tensioni positive. Here & There. These two sculptures represent abstract signs, as if they were characters that populate metaphysical spaces. They are intended to bring positive energy to the atmosphere surrounding them. Alessandro Mendini, architetto è nato a Milano. Ha diretto le riviste "Casabella", "Modo" e "Domus". Realizza oggetti, mobili, ambienti, pitture, installazioni, architetture. Collabora con compagnie internazionali ed é consulente di varie industrie in Europa e nell'Estremo Oriente. E' membro onorario della Bezalel Academy of Arts and Design di Gerusalemme. Nel 1979 e nel 1981 gli è stato attribuito il Compasso d'oro per il design, è "Chevalier des Arts et des Lettres" in Francia, ha ricevuto l'onorificenza dell'Architectural League di New York e la Laurea Honoris Causa al Politecnico di Milano e all'École Normale Supérieure de Cachan in Francia. E' professore onorario alla Accademic Council of Guangzhou Academy of fine Arts in Cina. Il suo lavoro, teorico e scritto, oltre che progettuale, si sviluppa all'incrocio fra arte, design e architettura. Alessandro Mendini is an Italian architect, and was born in Milan. He has been editor-in-chief of the magazines Casabella, Modo and Domus. Alessandro Mendini makes design objects, furniture, interiors, paintings, installations and architecture. He produces work with international manufacturers, and is also a consultant for companies in Europe as well as the Far East. He is an honorary member of the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem. In 1979 and 1981 he received the Compasso d’Oro for design. In France, he carries the title of “Chevalier des Arts et des Lettres”. He has received recognition from the Architectural League in New York, and an honorary doctorate degree from the Milan Polytechnic and the École Normale Supérieure de Cachan in France. Mendini is an honorary professor on the Academic Council at the Guangzhou Academy of Fine Arts in China. Alessandro Mendini’s theoretic and written work, along with his design work, finds its origin at the crossroads between art, design and architecture. BACKPACK JACK A RT IS T / Alex Mocika BACKPACK JACK Alex Mocika Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 70 x 60 cm - h 200 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Un po sentinella, un po giramondo, immobile o in movimento non importa! Quello che conta davvero è cercare di tenere i piedi per terra e quando possibile...la testa tra le nuvole. Part sentinel, part globetrotter, standing stock-still or on the move, it doesn’t matter! What does really count is trying to keep your feet on the ground and whenever possible...your head in the clouds. Alex Mocika è nato a Bruxelles nel 1961. Si laurea in interior design alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam nel 1988. Nello stesso anno si trasferisce a Milano e inizia a collaborare con lo studio di Alessandro e Francesco Mendini. Alex oggi è ancora associato dell'Atelier Mendini dove lavora come architetto e al tempo stesso continua a dipingere e a firmare progetti a suo nome. Alex Mocika was born in Brussels in 1961. He took his degree in interior design at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam in 1988.The same year he began working in Milan at the design office of Alessandro and Francesco Mendini. He continues to be an active associate of Atelier Mendini all the while painting and designing pojects under his own name. GENERAZIONE A RT IS T / Eun-Sun Park GENERAZIONE Eun-Sun Park Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 175 x 130 cm - h 165 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Base metallica. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Metallic base. Descrizione / Description Il mio lavoro rappresenta lo stato interiore degli uomini in astratto. I bicromi accostati evidenziano il contrasto fra la bellezza dell’ordine e l’instabilita’, la dualita’ degli esseri umani. Le superficie lisce manifestano l’amore, le fratture delle cavita’ l’odio e la tristezza. La semplicita’ delle forme quadrate e sferiche esprimono l’istinto genuino degli uomini. E la continua ripetizione manifesta l’espansione spaziale all’infinito come il sogno, la speranza, la volonta’ e il futuro. My work represent the men’s interior state in abstract terms. The dichromatic juxtaposition highlights the contrast between the beauty of order and the instability, the duality of human beings. The flat surfaces express the love, the cavity fractures, the hate and the sadness. The simplicity of the squared and spherical shapes express men’s genuine instinct. And the incessant repetition shows men’s endless spatial expansion as dreams, hope, will and future. Park Eun-Sun è nato in Corea del Sud nel 1965 e ha conseguito la laurea in scultura presso il Dipartimento di Belle Arti dell’Università di Kyung-Hee a Seoul in Corea. Diplomato presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara. Dal 1993 svolge l’attività di scultore a Pietrasanta, in Italia e in Europa. Le strutture in pietra assemblate secondo forme differenti sembrerebbero suggerire un’affinità formale con l’Arte Minimalista, perché le sue sculture nascono da semplici e solide forme di cubi geometrici, sfere perfette, cilindri e anelli tubolari assemblati. Le sue opere sono estate esposte in tutto il mondo in mostre personali e collettive, le più recenti sono The Alba Open-Air ad Alba, Italia e la 28th Korea Galleries Art Fair a Busan, Corea. Nel 2009 ha visto il SUN Arts-Prize. Oggi vive e lavora a Pietrasanta. Park Eun-Sun was born in South Korea in 1965 and he graduated in sculpture at the Art School of Kyung-Hee University in Korea. He also holds a diploma from the Carrara Academy of Art. Since 1993 he works as a sculptor in Pietrasanta, in Italy and in Europe. The stone structures arranged according to different shapes seem to suggest a formal kinship with the Minimalist Art, because his sculptures come from simple and solid shapes of geometric cubes, perfect spheres, cylinders and assembled tubular rings. His works have been displayed all over the world in solo and joint exhibitions, among which the most recent ones are: The Alba Open-Air in Alba, Italy, and the 28th Korea Galleries Art Fair in Busan, Korea. In 2009 he won the SUN Arts-Prize. He currently lives and works in Pietrasanta. TANGUEROS A RT IS T / Bruto Pomodoro TANGUEROS © E. FORLI Bruto Pomodoro Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 105 x 45 cm - h 180 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Questa scultura, appartenente al ciclo dei Disgiunti, rispecchia più da vicino la ricerca che lo scultore sta operando sulla trasposizione in chiave astratta della figura umana e i suoi movimenti: insieme al San Cristoforo Barghigiano (2009) e alla Bianca Odalisca (2011), quest'opera riprende infatti la ricerca plastica applicata all'anatomia umana, già effettuata da alcuni grandi maestri del XX secolo, volta a superare l'antitesi fra figurativo e astratto, per approdare a un lessico formale universale. This sculpture, belonging to the Disgiunti cycle, reflects more closely the research performed by the sculptor on the abstract transposition of the human figure and its movements: together with the San Cristoforo Barghigiano (2009) and the Bianca Odalisca (2011), this work resumes indeed the plastic research applied to the human anatomy, already explored in the past by some great maestros of the Twentieth-century, aimed at overcoming the antithesis between figurative and abstract, in order to come to a universal formal language. Bruto Pomodoro nasce a Milano nel 1961. Laureato in biologia, abbandona il disegno scientifico per dedicarsi principalmente alla pittura e alla scultura. La sua ricerca artistica, rigorosamente astratta, affronta gli aspetti più segreti del mondo vivente attraverso un individuale linguaggio simbolico narrativo, basato su un attento studio dei rapporti cromatici, plastici e compositivi. Fra i suoi cicli pittorici si ricordino le Contemplazioni, gli Elogi del Quadrato, i Codici Algenici e i Disgiunti, opere volte a interpretare la scomposizione della forma di figure archetipe secondo le leggi della termodinamica. Dal 2006 Pomodoro sviluppa i suoi caratteristici Archetipi in chiave tridimensionale, attraverso l’utilizzo di collagés e resine, per approdare alla scultura tradizionale a tutto tondo, sia in pietra che in bronzo, seguendo un percorso coerente con la sua ricca produzione pittorica, in un equilibrato rapporto fra classicismo e modernità. L’artista vive e lavora a Pietrasanta. Bruto Pomodoro was born in Milan (Italy) in 1961. His artistic research, strictly abstract, approaches the most hidden aspects of alive world through an individual “symbolic-narrative” language, based on a careful study of the chromatic and composing relations. Among his pictorial cycles we remind the following works: the Contemplations, the Square’s Praises, the Algenic Codes and the Separates. These last paintings are directed to interpret the breaking down of the form of archetype figure according to the law of thermodynamics. From 2006 Pomodoro develops his distinctive Archetypes in three-dimensional key, coming through the use of collages and resins, to the traditional free-standing sculpture, either in stone or bronze, following a path coherent to his rich pictorial production, in a well-balance relation between classicism and modernity. The artist lives and works in Pietrasanta (Tuscany). TW IST A RT IS T / Karim Rashid TWIST Karim Rashid Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 255 x 215 cm - h 175 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Twist esprime la connessione tra continenti e culture, tra singolo e famiglia, umanita', spiritualita'. Il genere umano e' collegato in un lembo infinto dove ognuno influenza il prossimo. Twist rappresenta l'infinita evoluzione delle nostre vite, amori e connessioni in questo mondo. Twist speaks about the connection of continents, cultures , and the links we make with family, humanity and spirituality. Human beings are tied together in an endless mobius-like strip, each one affecting the next. Twist gracefully realizes our ever changing lives, loves, and connections in this world. Nato a Il Cairo e cresciuto in Canada, Karim lavora adesso a New York. E’ conosciuto per il suo design “democratico” e per aver portato l’attenzione per il design al pubblico di massa. Ha progettato per un’impressionante lista di clienti, da Umbra a Prada, da Miyake a Method, Karim sta radicalmente cambiando l’estetica del design del prodotto e la stessa natura dei prodotti di consumo. A tutt’oggi ha circa 2000 oggetti in produzione ed e’ entrato con successo nel mondo dell’architettura e degli interni, come evidenziato nel design del ristorante Morimomoto di Philadelphia e l’hotel Semiramis di Atene. Karim ha ricevuto il dottorato onorario in belle arti dal Corcoran College of Art & Design in D.C. I suoi lavori sono presenti in 14 collezioni permanenti in musei in tutto il mondo, tra I quali il MoMA e il SFMoMA, ed attualmente espone in diverse gallerie. Born in Cairo and raised in Canada, Karim now practices in New York. He is best known for bringing his democratic design sensibility to the masses. Designing for an impressive array of clients from Umbra to Prada, Miyake to Method, Karim is radically changing the aesthetics of product design and the very nature of the consumer culture. To date he has had some 2000 objects put into production and has successfully entered the realm of architecture and interiors as evidenced by the design of the Morimoto restaurant in Philadelphia and Semiramis hotel in Athens. Karim was awarded a Honorary Doctorate of Fine Arts from Corcoran College of Art & Design in D.C. His work is in the permanent collections of 14 Museums worldwide including MoMA and SFMoMA and he exhibits art in various galleries. Karim was an associate Professor of Industrial Design for 10 years and is now a frequent guest lecturer at universities and conferences globally. ROCKET FOR PEACE A RT IS T / Fabio Rotella ROCKET FOR PEACE Fabio Rotella Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 170 x 170 cm - h 230 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description L’uomo s’interroga spesso sul perché della vita e sulle cose che regolano i rapporti con i propri simili. Il ruolo che deve svolgere l’Arte è quello di essere un riflesso della contemporaneità e di affrontare responsabilmente le problematiche che prendono forma nel nuovo presente. “Rocket for Peace” è un oggetto metafora che richiama l’attenzione sul bisogno di un’idea di pace universale lontana dal concetto delle bombe buone e intelligenti. Un razzo guidato da un messaggero di pace che distribuisce fiori. Man often asks himself about the why of life and things that regulate relations with his fellows. The role played by Arts is to be a reflection of the contemporary world and to face problems born in the new present responsibly. “Rocket for Peace” is a metaphor object that focuses attention on the necessity of an idea of universal peace far from the concept of good and smart bombs. A rocket piloted by peace’s messanger which distributes flowers. Sergio Fabio Rotella, architetto, nato a Catanzaro nel 1963, vive e lavora a Milano.Master alla Domus Academy di Milano 1988/89. Dal 1990 al 1995 collabora con l'Atelier Mendini come coordinatore di progetti. Nel 1996 fonda lo "Studio Rotella" che si occupa di architettura, design e consulenze per Aziende. Architetto eclettico, legato alle arti applicate che utilizza come punto di riferimento e fonte di spunti concettuali. I lavori comprendono progetti architettonici di ampio respiro, architetture concettuali come il parco tematico “ll giardino delle Religioni e del Dialogo“ a Gibellina e grandi architetture come il “Nuovo Aereoporto della Calabria“, inoltre è in corso il progetto “Museo Italia“ a Pechino. Fabio Rotella disegna arredi ed oggetti per le più importanti Aziende come Bisazza, Buzzi & Buzzi, Slide, Swatch ed altre. Sergio Fabio Rotella, architect, born in Catanzaro in 1963, lives and works in Milano. Master at the Domus Academy in Milan 1988/89. From 1990 to 1995 worked with the Atelier Mendini as coordinator of projects. In 1996 he founded “Studio Rotella” that deals with architecture, design and consulting for companies. Eclectic architect, connected to applied arts which uses as reference point and source of conceptual ideas. His works include large-scale architectural projects, conceptual architecture as the theme park "Il giardino delle Religioni e del Dialogo (“The garden of Religions and Dialogue")in Gibellina, great architectures as the project “Nuovo Aereoporto della Calabria” ("Calabria’s new airport”). Moreover the Italian Ministry of Cultural Heritage and Activities entrusted Fabio Rotella the task of designing the project “Museo Italia” in Bejing, which is in progress. Fabio Rotella also designs furnitures and fittings for important companies like Bisazza, Buzzi&Buzzi, Slide, Swacht and many others. XÈELA A RT IS T / Marc Sadler XÈELA Marc Sadler Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 105 X 60 cm - h 212 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description XÈELA è una figura femminile antropoforma dall’aspetto mutevole secondo il punto di prospettiva dello sguardo, al pari della percezione di chi la osserva. Una metafora del pensiero umano e della realtà, che non ha mai una spiegazione univoca. La materialità della speciale verniciatura enfatizza il legame con la natura di questa figlia della terra senza confini biologici né culturali. XÈELA is an anthropomorphous female figure with a changing appearance depending on the perspective of the eye, in the same way as the perception of the observer. A metaphor of the human thinking and of the reality, which never has a unique explanation. The materiality of the special painting emphasizes this daughter of the earth bond with the nature, with no biological or cultural boundaries. Francese nato in Austria vive attualmente a Milano dove collabora con aziende in numerosi settori merceologici. Negli anni 70 ha concepito il primo scarpone da sci in termoplastico interamente riciclabile. La provenienza dal settore sportivo gli ha consentito di esportare conoscenze in settori dove è radicato il concetto di design in senso più classico. Pluripremiato con il Compasso d’Oro ADI (Flos_1994, Foscarini_2001 e Caimi Brevetti_2008), ha ricevuto molti altri importanti riconoscimenti internazionali di design. Il paraschiena disegnato per Dainese è nella collezione permanente di design del MOMA di New York e la Mite di Foscarini è nella collezione design del Beaubourg di Parigi. A dispetto della pur meritata reputazione di designer tecnico è appassionato di pittura, scultura e disegno, tanto da considerarli i suoi interessi più autentici. French citizen born in Austria he currently lives in Milan where he works as a designer for companies specializing in a large number of market sectors. In the ‘70s he designed the first thermoplastic recyclable ski boot. His origin from the sports field allowed him to release knowledge in sectors where the concept of design as a more classical meaning. A multi-award winner with the Compasso d’Oro ADI, the award of the Italian Design Association (Flos_1994, Foscarini_2001 e Caimi Brevetti_2008), he has received many other important international design awards.The motorcycle back protector designed for Dainese is now part of MOMA’s permanent collection in New York and the lamp Mite designed for Foscarini is part of Beaubourg’s design collection in Paris. Despite his well deserved reputation as a technical designer, he is very fond of painting, sculpture and drawing and considers them his true passions. L’ALIENO DI VITRUVIO A RT IS T / Denis Santachia ra L’ALIENO DI VITRUVIO Denis Santachiara Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 170 x 80 cm - h 225 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description E' un progetto dell'immaginario extraterrestre, una nuova estetica extraumana ispirata dalla storia aurea dell'arte rinascimentale. It is a project of the extraterrestrial imagination, a new extra-human aesthetics inspired by the golden history of Renaissance art. Designer outsider nel panorama internazionale, spesso sul confine tra arte e design. Ha esposto in varie manifestazioni tra cui: Biennale di Venezia, Documenta 8 in Kassel, prima Biennale d’Architettura di Shangai. Nel 1984 ha ideato e allestito la mostra manifesto “La Neomerce”, diventando un riferimento internazionale di un design animato concettuale “tecnopoetico, ironico”. Suoi oggetti sono nella collezione permanente di diversi musei tra cui: Moma di NewYork, Musee des arts Decoratifs del Louvre di Parigi, Centre Pompidou, Denver Art Museum e al neomuseo di Shanghai. Curatore ed allestitore di eventi, mostre di design e di Arte con importanti enti, musei nazionali e internazionali. Collabora ed è consulente con importanti brand di diversi settori. Per il 50° del Cosmit al Salone del Mobile 2011 ha ideato e curato la mostra “Principia, Stanze e sostanze delle arti prossime”. This designer is a sort of outsider within the international panorama, often on the borderline between art and design. He exhibited his works in several events, among which: Venice Biennale Documenta 8 in Kassel, Shanghai’s first Architecture Biennale. In 1984 he conceived and organized the manifesto exhibition “La Neomerce”, becoming an international benchmark in terms of an animated, conceptual, “techno-poetic, ironic” design. His objects are displayed in the permanent collection of different museums, among which: New York’s Moma, Paris’ Louvre Musee des arts Decoratifs, Centre Pompidou, Denver Art Museum and the new Shanghai museum. Curator and organizer of events and design and art exhibitions with important institutions, national and international museums. He works as a consultant for renowned brands belonging to different fields. For the 50th anniversary of Cosmit, within the 2011 Salone del Mobile, he planned and curated the exhibition “Principia, Stanze e sostanze delle arti prossime”. PIEGO DI LIBRO A RT IS T / Stefano Soddu PIEGO DI LIBRO © U. CORNI Stefano Soddu Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 180 x 85 cm - h 180 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: vetroresina laccata. Mixed technique: lacquered fiberglass. Descrizione / Description Un "foglio piegato" è il primo elemento per la costruzione di un libro. Simbolo dello stesso. La piega è sbieca a simboleggiare le infinite possibilità del libro, della parola, delle idee. Così come infinite sono le possibilità dell´arte quale strumento di elevazione dell´uomo in direzione dell´assoluto. L´apparente "inutilità dell´arte" è di fatto "utile" per osservare un "oltre". La fessura posta su un lato consente, forse, l´accesso a questo "oltre", feritoia aperta sul mistero... A “folded sheet” is the first element to creating a book. It is its symbol. The fold is oblique to symbolizing the infinite possibilities of the book, of words and ideas, as infinite are the possibilities of art as an elevation tool for human beings towards the absolute. What appears as “uselessness of art” is actually “useful” to observe a “beyond”. The fissure on one side permits, maybe, to access this “beyond”, like a slit open to mystery… Stefano Soddu nasce a Cagliari nel 1946, nel 1956 si trasferisce a Milano dove tutt’oggi vive e lavora. La sua carriera si è sempre concentrata sulle arti visive, vicino alla materia sperimentale di Burri degli anni ‘60. Di quegli anni sono le sue opere in plastica e le sue sculture in rame. Nel 1995 fissa in un libro dal titolo "Risalendo la Corrente" - Soddu/Mininni - una sua esperienza di land art. E´ questo il momento iniziale di un nuovo progetto d´arte in cui il materiale, spesso di recupero, verrà da Soddu utilizzato nella scultura e nei lavori decantato da un attento processo di ricerca estetica e etica. Si avvia così una intensissima attività espositivain Italia e all´estero. Attuamente, dopo aver lavorato il legno, la ceramica e il vetro, predilige l´acciaio. Sue opere si trovano in trentanove importanti musei e collezioni pubbliche sia in Italia che all´estero. Stefano Soddu was born in 1946 in Cagliari, in 1956 he moved to Milan, where today he resides and works. His career has always been devoted to visual arts, drawing near the experimental material of Burri in the 60s. His works in plastic and his sculptures in copper date back to those years. In 1995 he condensed, his experience of land art, in a book titled “Risalendo la Corrente” (“Swimming upstream”) - Soddu/Mininni –. It is the starting point of a new art project in which materials, often salvaged junk, are used in Soddu’s works and sculptures after they are purified through a careful process of aesthetic and ethic research. It is the beginning of an extremely intense exhibition activity (about 350 displays among collective and personal) in Italy and abroad. After working with wood, ceramic and glass, Soddu currently prefers steel. His works can be admired in as many as 39 important museums and public collections in Italy and abroad. ROSA DEI VENTI A RT IS T / Giuseppe Spagnu lo ROSA DEI VENTI Giuseppe Spagnulo Dimensioni / Dimensions Biografia / Biography 220 X 30 cm - h 220 cm Informazioni tecniche / Technical info Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. Descrizione / Description Le sculture di Spagnulo inglobano lo Spazio attraverso il gesto violento che infligge l’artista e che sospeso nella materia, genera un risultato espressivo di dinamismo plastico che prescinde dalla forma. In Rosa dei venti l’intervento sulla materia è una scomposizione d’impatto: la geometria è spezzata non brutalmente, ma metodicamente a sottolineare la fragilità delle forme finite. Spagnulo’s sculptures encompass the Space through the violent act inflicted by the artist and, being suspended into the material, produces an expressive effect of plastic dynamism abstracted from the shape itself. In Rosa dei venti the intervention on the material is a breathtaking breaking down: the geometry is broken not roughly, but systematically for highlighting the fragility of defined shapes. Giuseppe Spagnulo nasce a Grottaglie nel 1936. Dopo gli studi all’Istituto di Ceramica di Faenza, si trasferisce a Milano dove attraverso Nini Valentini incontra e frequenta importanti artisti tra i quali Lucio Fontana e Arnaldo Pomodoro. A partire dagli anni Settanta espone in Italia e all’estero: XXVI Biennale di Venezia (1972), X Quadriennale di Roma (1973), Newport Harbor Art Museum (1977), Neue Nationalgalerie, Staatliche Museum, Berlino (1981). All’inizio degli anni Novanta gli viene affidata una cattedra di scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Stoccarda. Nel 2000 è stato insignito del Premio Faenza alla carriera e nel 2005 espone al Guggenheim Museum di Venezia. Tra le opere in spazi pubblici vanno ricordate Scogliere di fronte al Teatro degli Arcimboldi a Milano, La foresta d’acciaio al Parco Schuster Ildefonso a Roma e la Porta della Luce nel Duomo di Prato. Giuseppe Spagnulo was born in Grottaglie in 1936. After his studies at the Institute of Ceramics in Faenza, he moves to Milan where, through Nini Valentini meets important artists such as Lucio Fontana and Arnaldo Pomodoro. Starting from the Seventies he exhibits in Italy and abroad: XXVI Venice Biennale (1972), X Quadriennale, Rome (1973), Newport Harbor Art Museum (1977), Neue Nationalgalerie, Staatliche Museum, Berlin (1981). At the beginning of the Nineties he is assigned to teach at the School of Fine Arts of Stuttgart. Il 2000 he receives the Career Award of Faenza and in 2005 he holds an exhibition at the Guggenheim Museum in Venice. Among his works in public spaces have to be mentioned Scogliere in front of the Arcimboldi Theatre in Milano, La foresta d’acciaio at the Schuster Ildefonso Park in Rome and the Porta della Luce in the Duomo in Prato.