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A JOURNEY THROUGH CONTEMPORARY INDIAN ART
PA L A Z Z O S A L U Z Z O PA E S A N A
Mostra a cura di / Curated by
Marco Marrone e Margherita Artoni
In collaborazione con / In collaboration with
Luce Gallery, Torino
Testi / Essay
Margherita Artoni
Traduzione / Translation
Stephen Piccolo
[email protected]
www.insideindia.it
Layout grafico / Graphic layout
Art Cafè Adv, Torino
Finito di stampare nel mese di novembre 2010
Printed in November 2010 by
Grafica Piemontese, Volpiano (To)
Printed in Italy
Ringraziamenti
Acknowledgements
Peter Nagy
Shalini Sawhney
Nikola Cernetic
Monica De Cardenas
Enrico Debandi
Gabiele Ferrarotti
Salvatore Burgarello
Roberto Martinez
I can see myself there, a few months ago in
Mumbai, the heart of fascinating India, and
the start of a personal itinerary in which art
has become a new source of expression.
i rivedo alcuni mesi fa a Mumbai, nel cuore dell’affascinante India
e di un percorso personale che ha trovato nell’arte una nuova
fonte di espressione.
M
Come d’incanto ecco l’incontro con quegli artisti con i quali avevo sino
a quel momento solo intrattenuto rapporti telefonici ed epistolari, con
tanto di mail come si usa fare in questa nostra realtà nella quale
fermarsi è vietato, quasi al pari di meditare e rimodellarsi. Esercizio
invece che vede in primo piano proprio tali artisti, al contempo moderni
e così gelosamente ancorati alle tradizioni. In India tutto si mescola, i
contrasti sono forti, aspri, nelle persone e nelle situazioni. Tradurli in
opere non è impresa facile e riesce solo a quanti consideravo grandi e
ho potuto riscontrare tali.
L’idea di una mostra dedicata all’India attraverso le immagini dei suoi
più importanti artisti contemporanei iniziò a balenarmi all'inizio 2009.
Mi pareva lontana, quasi offuscata. Giorno dopo giorno, invece,
contatto dopo contatto, eccola tradotta in realtà. I maestri che hanno
dato vita a questa collettiva si sono avvicinati al sottoscritto con le
stesse cadenze. Inizialmente con un po’ di curiosità, poi con sempre
maggior trasporto assecondando la mia voglia di conoscere e
progredire nella scoperta di un mondo, il loro, così altamente denso di
significati.
Quello che il pubblico potrà vivere accostandosi alla collettiva è la loro
forza, sprigionata nelle opere allocate in uno dei contesti più nobili ed
eleganti di Torino, Palazzo Saluzzo Paesana.
Con la presente invio pertanto un caloroso saluto a tutti coloro che
interverranno all’evento museale/istituzionale di cui sopra e rivolgo il
mio affettuoso abbraccio a questi sei spettacolari autori che hanno
creduto nell’iniziativa facendola via via propria. La loro passione è
diventata la mia. Fonderle è stato impegno probante, per tutti, ma
credo di poter dire che il gruppo, alla fine, ha saputo farlo nel rispetto
delle individualità e della sacralità del Paese da cui gli artisti
provengono.
Marco Marrone
As if by magic, I met the artists with whom I
had previously had only contact by telephone
or letters, through the many e-mails that are
an integral part of this reality of ours, where
pauses are forbidden, just like meditation and
reshaping of oneself. An exercise, on the other
hand, in which precisely these artists are front
runners, simultaneously modern and jealously
anchored to traditions. In India everything
mingles, the contrasts are vivid, harsh, in
people and situations. Translating them into
works is not an easy task, and only the artists
I considered great, or learned to appreciate as
such, are capable of doing it.
The idea of an exhibition on India, seen
through the images of some of its most
important contemporary artists, came into my
head at the start of 2009. It seemed distant,
almost blurry. Yet day after day, contact after
contact, it has become a reality. The great
artists who have contributed to this group
show all had the same pattern of approach.
At first a bit of curiosity, then greater
transport, responding to my desire to know
and to progress in the discovery of a world,
their world, one full of unexpected meanings.
The viewer of this show wil be able to sense
their force, the force unleashed by works
positioned in one of the most noble, elegant
contexts of Turin, Palazzo Saluzzo Paesana.
I would like to send warm greetings to all
those who will take part in the museum
/institutional event outlined above, and in
particular extend an affectionate welcome to
these six spectacular artists, who have
believed in the initiative and gradually
embraced its objectives. Their passion has
become my passion. Combining their works in
this show has been a complex commitment,
for everyone, but I believe I can say that the
group, in the end, has been capable of doing it
while respecting the individualities and sacred
character of the artists’ native land.
Marco Marrone
Introduzione
Introduction
Nelle sontuose stanze dell’Appartamento Padronale di Palazzo Saluzzo
Paesana alcuni tra i più autorevoli artisti dello scenario contemporaneo
indiano vestono Inside India con le loro opere. La mostra si inserisce in una
fase cruciale della storia dell'India, esaltandone il prestigio ed esplorandone
la straordinaria vivacità del panorama culturale ed estetico.
Il sistema dell’arte contemporanea indiana ha conosciuto nell'ultimo
decennio uno sviluppo senza precedenti. Il collezionismo autoctono,
alimentato dall’ incalzante interesse dei “nuovi ricchi”, ha infatti raggiunto in
poco tempo notevole autonomia e risonanza suscitando di riflesso l’attrattiva
di Oriente e Occidente. Il motore di questo “boom” è da rintracciare nella
radicale svolta politico-economica che ha portato l'India, dal 1991 in avanti,
ad abbandonare il socialismo protezionista d'impronta nehruviana in favore
di un'apertura spiccatamente liberista al mercato straniero. Con la
sottoscrizione dei prestiti da parte della Banca Mondiale e del Fondo
Monetario Internazionale la “Nuova India” viene ufficialmente alla luce.
Nell’era della globalizzazione - diretta conseguenza del liberismo - l'India
conosce dunque la sua fortuna, entrando di diritto nella rosa delle più
influenti "tigri" dell'economia orientale, ma è proprio in questo contesto che
il Paese riflette con inedita fermezza sulle contraddizioni attuali. Sospeso tra
continuità e innovazione esso si specchia nella propria complessità, sceglie la
forza della tradizione e muove una chiara denuncia contro la logica del
progresso.
Mumbai, Delhi, Baroda e Kolkata oggi non sono più le città di un tempo, nella
superficie come nell'essenza. E solo l'arte, in questo contesto, può tentare di
restituire coerenza storica e nuova linfa vitale al presente delle metropoli
ibride. Gli artisti indiani, del tutto immersi nel caotico limbo post-moderno,
sperimentano e perlustrano diverse possibilità estetiche - dalla pittura alla
scultura, dalla fotografia alla videoarte, per finire con le installazioni più
ardite - rimanendo in totale sintonia con la cornice multiforme che abbraccia
il 21esimo secolo. Osservandone le opere è facile apprezzare come alcuni
artisti abbiano raccolto in eredità l’utopia negata di Gandhi e di Nehru; altri,
al contrario, hanno saputo concentrarsi - e si concentrano tuttora sull’incredibile espansione urbana del Paese, sulle sue tentacolari baraccopoli
e sulle questioni migratorie che coinvolgono buona parte della popolazione.
Una serie di spunti attraverso cui riflettere sul passato, sulla storia spesso
tragica dell'India, sull'eredità della colonizzazione britannica e soprattutto sul
nuovo e rimarchevole ruolo del Paese nel mondo.
Inside India si propone di raccontare i colori e i profumi di una terra
affascinante e pregna di cultura, mettendo in luce le sue trasformazioni
attraverso il linguaggio dell'arte contemporanea. Intento ambizioso se si
pensa alla direzione che molta arte d'avanguardia, spesso oscillante tra il
banale e l'assurdo, sta prendendo negli ultimi anni. Ad ogni modo l’arte
indiana prende le distanze dagli espedienti di superficie, e volge il suo
sguardo privilegiato all’uomo e al desiderio che lo spinge ad elevarsi fino alle
vette più alte dell’esistenza.
Non si tratta quindi di celebrare una cultura in quanto tale, ma di ritrovare
nelle opere di Atul Dodiya, Riyas Komu, Jagannath Panda, Justin Ponmany,
Thukral & Tagra e T V Santhosh, la sublime dignità nazionale di un Paese che,
pur nell’umiltà, ha saputo conferire alla propria storia una ragion d'essere
tanto umana quanto estetica.
Some of the most outstanding artists on the Indian
contemporary scene garb the sumptuous rooms of the
Appartamento Padronale of Palazzo Saluzzo Paesana with
their works in the exhibition Inside India. The show sheds
light on a crucial phase of Indian history, with the growing
prestige and extraordinary vivacity of the Indian cultural
and aesthetic panorama.
The Indian contemporary art system has gone through a
period of unprecedented growth over the last five years. The
phenomenon of local art collecting, fed by the burgeoning
interest of the “nouveaux riches”, has rapidly achieved
autonomy and importance, generating worldwide appeal in
its wake. The motor behind this “boom” can be traced back
to the radical political-economic turnaround that has led
India, from 1991 on, to abandon the protectionist socialism
of Nehru in favor of free-market openness to foreign trade.
Thanks to loans from the World Bank and the International
Monetary Fund, the “New India” has officially been born.
In the era of globalization – a direct consequence of freemarket tenets – India has found its fortune, then, entering the
ranks of the most influential "tigers" of the Orient. But it is
precisely in this context that the country reflects on its present
contradictions, with unusual resolve. Suspended between
continuity and innovation, India gazes into the mirror of its
own complexity, chooses the force of tradition and expresses a
clear critique of the occidental logic of progress.
Mumbai, Delhi, Baroda and Kolkata, today, are no longer the
cities they once were, in terms of both area and essence.
Only art, in this context, can attempt to restore historical
coherence and new vital energy to the present of the hybrid
metropolis. Indian artists, fully immersed in the chaotic
postmodern limbo, experiment with and explore different
aesthetic possibilities – from painting to sculpture,
photography to video art, all the way to the most daring
forms of installation – remaining totally in tune with the
framework of multiple forms specific to the 21st century.
Observing the works, it is easy to understand how certain
artists have absorbed the legacy of the denied utopia of
Gandhi and Nehru; others, instead, have begun and
continued to concentrate on the incredible urban growth of
the country, its sprawling shantytowns, and the issues of
migration that have an impact on a large portion of the
population. A series of stimuli through which to reflect on
the past, on the often tragic history of India, the legacy of
British colonization and, above all, the new, remarkable role
of the country in the world.
Inside India sets out to narrate the colors and aromas of a
fascinating land laden with culture, shedding light on its
transformations through the language of contemporary art.
An ambitious program, if we consider the direction taken by
much of the avant-garde art of recent years, often balanced
between the banal and the absurd. In any case, Indian art
shuns superficial expedients, focusing on man and the desire
that motivates him to reach for the loftiest goals of life.
The idea is not to pay homage to a culture as such, but to
rediscover, in the works of Atul Dodiya, Riyas Komu,
Jagannath Panda, Justin Ponmany, Thukral & Tagra and T V
Santhosh, the sublime dignity of a nation that, even in humble
circumstances, has been able to perceive a reason for being in
its history, based on both human and aesthetic parameters.
Atul Dodiya
Nel fervido clima degli anni Ottanta, Atul Dodiya inaugura il proprio percorso artistico inserendosi nel contesto della sperimentazione realistica. Particolarmente ispirato dalle opere di
Sigmar Polke e David Salle, egli ricerca le componenti oggettive dell'esistente perlustrando le
possibilità estetiche e gnoseologiche del fotorealismo.
Verso la metà degli anni Novanta, l'artista integra i suoi studi precedenti con una serie di
influenze diversificate e innovative. Nasce così un linguaggio originale e più maturo, denso di
intrecci e rimandi culturali, testimone di un'epoca tanto ibrida quanto attuale.
Articolati tra prerinascimentale e postmoderno, arte classica e kitsch, i nuovi contenuti delle
opere di Dodiya abbandonano la sterilità dei loro confini per incontrare, come in un puzzle, il
proprio opposto complementare. Ne deriva una sorta di “patch-work culturale”, poliedrico ma
coerente nella sua espressione globale, che si esplica in un sistema logico dove le radici della
storia convivono con le forme del presente e per molti versi concorrono a plasmarle.
Atul Dodiya
1959 Born in Bombay
I dipinti e le installazioni, gravidi di riferimenti letterari e filmografici, sono soliti accogliere
frammenti di storia occidentale accanto alle componenti mitiche e folkloriche della cultura
popolare indiana. L’ibridazione dei linguaggi artistici si pone infatti come primo obiettivo quello di partorire un'estetica grandiosa e rivoluzionaria, dove Oriente e Occidente possano giungere ad un'assimilazione finalmente costruttiva. A proposito della sua versatilità, Dodiya afferma: «L'India è un paese vastissimo. Culture ricche e diversificate abitano la stessa terra e si
rivelano fonte d'inesauribile ispirazione: dalla mitologia all'epica, dal folklore al cinema. Sono
nato e cresciuto a Bombay, e l'incredibile fermento della città ha avuto da sempre una grande influenza sul mio modo di percepire il mondo. Quando ero studente ho seguito per lo più
corsi sull'arte occidentale, ragion per cui anche nella mia ultima produzione è possibile avvertire numerosi richiami alla celebre pittura di Europa e Stati Uniti. Nei miei primi lavori è facile
individuare l'influsso estetico di Robert Rauschenberg e Jasper Johns, integrato solo pochi anni
dopo dalle stimolanti suggestioni di Picasso e Matisse».
Eppure, in alcuni lavori, egli non si limita a suggerire le contaminazioni artistiche che lo coinvolgono, bensì mette in mostra un dichiarato confronto/scontro tra l'arte degli antichi maestri
e la propria personale reinterpretazione contemporanea. Si ricordi Cracks in Mondrian (Bose
Pacia Gallery, New York, 2005), opera in cui l'artista interagisce con il neo-plasticismo mondrianiano rivisitandone i motivi caratteristici con un occhio di riguardo nei confronti del “qui ed
ora”. Ogni tela contiene un'evidente macchia rossa - rappresentazione stilizzata di uno stato
dell'India - ed è decorata con polvere di marmo e acrilici. Il connubio tra i due materiali è scelto non soltanto per ricreare le griglie di Mondrian, ma anche per simulare l' “effetto crepatura”
che oggi ne investe la maggioranza dei lavori. Le crepature sono, tuttavia, anche un'alternativa metaforica per smantellare le speranze dell'astrattismo, denunciando a voce alta il marciume delle tubature - ecco perché la tela è sorretta da un misterioso tubo bianco - e gli edifici
sgangherati di molti quartieri indiani. È tempo di dire addio all'universalismo mondrianiano.
Le sperimentazioni sono dunque moltissime, sia a livello stilistico che materico, ed è nell'esauribile curiosità per il nuovo che si estrinseca la geniale indole di Dodiya. Nei suoi lavori, l'artista tratta spesso tematiche di natura storico-politica tessendo eventi globali e intimi in un
unico ordine concettuale. Emblematica è l'opera che egli dedica al tanto stimato Mahatma
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Gandhi, la cui reputazione popolare è stata offuscata in seguito agli atti di violenza originatisi
con la Partizione dell'India, che stabiliva i confini nazionali in base alle maggioranze religiose.
Con la serie di acquarelli An Artist of Nonviolence (Gallery Chemould, Mumbai, 1999), Dodiya
si impegna a restituire al grande padre dell’India moderna la dignità di un tempo, ripercorrendone la biografia e i valori perseguiti: «Penso che non solo l'India abbia bisogno di Gandhi, ma
l'intera umanità. La filosofia della non-violenza è ancora incredibilmente attuale nel contesto
contemporaneo, quotidianamente minacciato dall'odio, dall'intolleranza e dal terrorismo»
(intervista ad Atul Dodiya, 9 Ottobre 2006).
Nonostante la meticciata plurivalenza del suo messaggio, l'arte di Dodiya è comunque profondamente radicata in una sorta di “ethos nativo” che riflette immancabilmente nelle memorie
d'infanzia e nelle preoccupazioni di natura locale una tensione sempre immutata nei confronti della tradizione.
Di creazione relativamente recente è Antler’s Anthology (2007). Ospitata ne nel prestigioso
Museum Fridericianum per Documenta 12, essa comprende un corpo di poemi in lingua
Gujarati. I testi, a loro volta impreziositi da decori evocativi - per lo più immagini quotidiane
dell'India antica e contemporanea -, sono realizzati in acquerello, polvere di carbone e marmo
su carta, tracciando con ricchezza espressiva un ideale collegamento tra il “prima” e il “dopo”.
L'uso dell'acquerello, ereditato dall'Inghilterra e largamente impiegato nelle tradizioni di Cina e
Giappone, segna pertanto un'ulteriore tappa creativa nell'evoluzione stilistica di Dodiya. Ancora
una volta egli assorbe il potenziale di una tecnica lontana dalla propria cultura e ne forgia le
linee con temi profondamente personali.
Nella “Sala” dell'appartamento padronale, la mostra Inside India espone quattro tele metalliche. Queste intriganti sculture realizzate in ferro ricordano, a un primo sguardo, il retro di un
quadro; sono infatti visibili travi e graffette, come se la lamiera fosse distesa su un telaio ligneo.
Le immagini si sostanziano in un mix tra la lega normalmente usata per saldare la carrozzeria
delle auto e la pasta necessaria a lisciarne le ammaccature: il tutto, a sua volta, fissato con una
sottile patina d'olio. Inoltre il processo di ossidazione preserva la lastra dalla ruggine e conferisce al ferro una suggestiva tonalità grigio-metallica.
L'immagine principale è impreziosita da piccoli magneti colorati, acquistati dallo stesso artista
in musei europei e americani; essi raffigurano alcune tra le più rilevanti icone della storia dell'arte valorizzando in egual misura tradizione orientale e occidentale. Sebbene l'effetto complessivo abbia del malinconico, il vivace bagliore dei magneti si oppone alla monocromia del
ferro rendendo l'atmosfera più leggera e al tempo stesso seducente: “galleggia” - afferma l'artista - “come un fuoco che vola nel buio della notte”.
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Il disegno dei corpi femminili individua con precisione quasi "radiografica" la sofferenza esistenziale che si cela dietro la lotta per la sopravvivenza, in un'epoca in cui la pratica del terrore si diffonde senza tregua in India come in Occidente. In The Robe (Drying), le due serie di
immagini tratte dall'Elegy to Spanish Republic di Robert Motherwell sono interpretate come
panni umidi appesi a un filo e avvolgenti, dall'alto, una donna stilizzata senza veli. Saranno
questi indumenti a coprire il corpo della sagoma scheletrica? Una volta asciugati, li vestirà?
I magneti con le immagini di Leonardo, Van Gogh, George Washington, il Pensatore di Rodin,
si posano sul filo come uccelli variopinti o, ancora, come sgargianti mollette da bucato.
In Tsunami una nuova figura femminile è ritratta nell'arduo compito di mantenere l'equilibrio di
fronte al persistente riproporsi della dialettica tra “base” e “grembo”, simbolicamente rappresentata dalla contrapposizione tra l’uovo dorato e l’uovo bianco. La generale stabilità della donna è
inoltre minacciata dall'immagine astratta di un vortice (ancora una volta estrapolata dal repertorio visivo di Motherwell), un vero e proprio Tsunami sospeso e “galleggiante” sul corpo di lei.
Soltanto un magnete è usato da Dodiya per descrivere la sconcertante precarietà della quiete,
e l'incisione del titolo si integra perfettamente con l'immagine di Portrait of Black Woman:
sublime e antico dipinto di Marie-Gullemine Banoist.
Babel è una torre di teste dorate. Un'immagine del Man Walking di Alberto Giacometti che si
lascia alle spalle questa torre pendente. La schiena dell'uomo è ferita da un martello, ma la
dignità del suo percorso resta immutata: nessuno interromperà il suo passo. Ogni testa è etichettata con il nome di un'artista e costituisce, di voce in voce, il polifonico autoritratto di un
Dodiya immerso nella contemporaneità ma immancabilmente memore delle proprie radici e
tradizioni (autoritratto ulteriormente caratterizzato nell'opera Hammer Head). Intanto, dall'angolo in alto, Giulio Cesare osserva la scena.
Sempre all'interno della “Sala”, sono installate due sculture dal carattere particolarmente forte
e stentoreo: i patiboli. In If mountains shiver in the cold e The wind sleeps Dodiya riflette sull'ultima libertà che resta all'uomo. La forca, generalmente associata a sensazioni di morte e
condanna, è qui individuata nella grandiosità della sua estetica e testimonia la paradossale coesistenza tra forma e contenuto che si ripropone, in chiave alternativa, nel poema che completa l'opera (testo da leggere, ma anche dipinto da ammirare). L'osservatore ha infine la possibilità di percepire il proprio volto riflesso nello specchio e idealmente “imprigionato” nella corda
del cappio: un modo tanto tragico quanto catartico per elevarsi grazie all'arte e per riflettere
con occhi nuovi sulla vita e sulla morte. I versi su carta, decorati con acquerello e carboncino,
sono di Allama Prabhu, santone mistico del dodicesimo secolo e celebre poeta di Vachana. Il
poema fonte di ispirazione è tratto dal classico Speaking of Siva, in seguito tradotto e curato
da A.K. Ramanujan.
Una scommessa con l'arte e con la storia, quella di Atul Dodiya. Una sfida quanto mai coraggiosa, soprattutto se coltivata nella routine del vivere quotidiano. Egli spiega in questi termini la propria condizione di artista: «Pur avendo una personalità abbastanza convenzionale nella routine di ogni giorno, quando entro nel mio studio e inizio a dipingere mi sento finalmente libero di essere me stesso e di sperimentare
qualunque cosa mi dica il mio istinto».
Prima la libertà. Presupposto dell'arte.
Tutte le descrizioni dei lavori di Atul Dodiya esposti per Inside India si
devono integralmente al contributo dell'artista.
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Riyas Komu
Nello scenario contemporaneo dell'arte indiana, specialmente in Mumbai, è raro riuscire ad
individuare nelle produzioni artistiche una ben definita prospettiva politica. Riyas Komu, al
contrario, si distingue dalla consueta tendenza all’osservazione “imparziale” esprimendo una
chiara presa di posizione rispetto a temi molto delicati quali la violenza, l'instabilità sociale, la
diplomazia internazionale, l'alienazione urbana.
Riyas Komu
1971 Born in Kerala
Musulmano filomarxista e strenuo sostenitore degli ideali gandhiani, l'artista racconta di sé e
del mondo segnalando un continuo rimando tra biografia e storia.
Cresciuto in Kerala, terra dei “giorni verdi” profondamente inebriata da valori di sinistra, Komu
lascia la città natale intorno agli anni '90 per trasferirsi a Mumbai. Qui la sua mentalità urta
inevitabilmente contro la minaccia del pogrom e l'avvento del nazionalismo hindu di destra,
che fa della fede musulmana non più un semplice credo, bensì uno stato d'essere tanto traumatico quanto profondamente interiorizzato. Komu si trova dunque di fronte a un bivio: da un
lato la crescente tensione sociale che invade Mumbai, dall’altra la pressione dell’Islam radicale
che ha indotto molti keralesi ad aderire al fondamentalismo jiadista.
Gli eventi dell'11 settembre e la rivolta anti-musulmana in Gujarat sono fonte di ulteriore
inquietudine per l'artista, ma egli impara a trovare nell'afflizione del “pianto postumo” l'energia per ricongiungersi all'infanzia perduta della famiglia e del gioco.
Komu è un grande appassionato di sport. Specialmente il calcio rappresenta per lui una delle attività più complete e umanamente stimolanti, al punto da cambiare città per trasferirsi a Borivali.
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Egli spiega: «Sono innamorato della storia del calcio, per me il più completo tra i giochi.
L'abilità e l'efficienza di questo sport ha finora superato le più diverse pretese. Durante la mia
infanzia ero solito giocare a calcio con gli altri bambini della mia età; aspettavamo che il raccolto fosse terminato per poter rincorrere il pallone nelle risaie vicino casa». Più tardi, dopo i
suoi studi, Komu inizia ad addentrarsi anche nella dimensione politica del calcio, importante
punto di partenza per nuovi spunti e considerazioni che lo porteranno, nel 2007, a realizzare
esibizioni di grande impatto e originalità come la serie fotografica Mark Him (The Guild,
Mumbai). Tuttavia la produzione intorno al tema del calcio trova la sua massima eloquenza
con il mezzo scultoreo. Si pensi a Left Legs VI - VII (2008), a Tribute to a Footballer (2010) e
alla recentissima mostra Subrato Caesar (Gallery Maskara, Mumbai, 2010), nota per aver ospitato una scenografica installazione in vetro e metallo con palloni disposti in sequenza. «È
tempo di capire - continua l'artista - che cosa può dare il Campionato del Mondo all'India e
alla sua storia».
Nonostante la fede nei confronti delle potenzialità civili e culturali del messaggio sportivo, una
sorta di pessimismo realistico pervade l'intera opera di Komu ed è facile avvertire il costante
riferimento simbolico alla morte (Undertakers, 2007) e al decadimento spirituale dell'era contemporanea. Sculture, fotografie e dipinti, investiti di un profondo senso umano e ontologico,
esibiscono le conseguenze dell'urbanizzazione, della distorsione mediatica e della commistione
tra istituzioni religiose e Stato in un percorso rivelatorio dove la forma incarna la sostanza, se
ne estranea e infine la giudica.
La critica dell'artista non si rivolge esclusivamente alle contraddizioni dell'India post-moderna,
ma si allarga anche all'Occidente, all'Iran e alla Cina. Quest'ultima, prima delle degenerazioni
burocratiche e autoritarie, ha incarnato per molto tempo il “grande sogno” degli abitanti del
Kerala, ragion per cui Komu ha scelto di riservare all'argomento una parte significativa della sua
produzione (uno su tutti, Why should everyone look like Mao, 2007).
Dal senza tetto al diseredato, dall'emarginato al calciatore, i protagonisti dei dipinti sono talvolta estrapolati dal repertorio visivo dei mass media. Eroi intimi e vittime della storia. Il tema
dell'immigrazione, tanto caro all'artista, occupa una parte considerevole delle rappresentazioni su tela. Komu ha vissuto in prima persona il dramma dello sradicamento e si serve della tecnica ritrattistica per “contare le teste” di chi, proprio come lui, ha patito la condizione del “non
privilegiato”. I sette ritratti di Systematic Citizens (Palette Art Gallery, New Delhi, 2006) sono
forse i più rappresentativi, in tal senso, e hanno il merito di portare a galla il patimento esistenziale che si cela dietro le aspettative dell'immigrato contadino.
Negli ultimi anni Komu ha rivisitato il ritratto attraverso il cinema, la fotografia e la pittura,
senza però tradire la maniacale predisposizione al vero che contraddistingue la sua firma.
L'aderenza alla realtà si riconferma anche nelle sculture lignee. Estremamente debitrici nei confronti della grande tradizione decorativa indiana, esse stigmatizzano i valori propugnanti delle
grandi ideologie del XX secolo rivelandone l'effettiva inconsistenza. La lavorazione artigianale
del legno - passione ereditata dal padre già in tenera età - non è quindi un mero espediente
formale, ma una vera e propria strategia espressiva praticata con cura per mettere a nudo la
perdita delle tradizioni connessa al dilagare della globalizzazione economica.
La poetica di Komu è strettamente connessa alle dinamiche storiche e, più in generale, a agli
eventi della contemporaneità. La conoscenza di ciò che accade nel mondo è fondamentale per
produrre arte consapevole, così come non è possibile avvicinarsi al presente senza una riflessione sul passato.
Intervistato da Ullekh N.P, Komu afferma: «Seguo costantemente gli sviluppi internazionali e
mi aggiorno sulle ultime notizie in modo tale da non restare vittima dell'ignoranza e della vulnerabilità. Ciò significa che sono sempre pronto per l'occasione; non mi farò sorprendere se
domani gli Unni dei tempi moderni busseranno alla mia porta. è molto importante essere consci delle dinamiche del presente quando si producono oggetti d'arte, opere pensate e realizzate per sopravvivere alle generazioni future. Non vorrei che le mie creazioni venissero fraintese
a causa di una generica e stolta inconsapevolezza».
Nel 2007 Riyas Komu è stato il più giovane artista indiano ad
esporre alla Biennale di Venezia, ottenendo un riconoscimento
di portata macroscopica. Un successo che non ha placato
il “sacro fuoco” dell'artista né, tanto meno, il valore etico
delle sue “ossessioni”.
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Jagannath Panda
Le opere di Panda ci obbligano con cromatica finezza a “guardarci intorno”.
Per apprezzare il significato dei suoi lavori è infatti necessario abbandonare il punto di vista
solipsistico in favore di un’osservazione partecipativa e sinestetica, dove “l’altro da sé” è il vero
protagonista. In tal senso si rivela possibile la percezione della vita e, soprattutto, della natura
nella sua intrinseca bellezza e sacralità. Tuttavia, l’arte di Panda non si traduce in mera suggestione estetica.
Jagannath Panda
1970 Born in Bhubaneswar
Stimolato da un’antica e scolorita memoria lo sguardo dell’artista esplora la dimensione onirica del ricordo, ma solo per riportare in vita la realtà più concreta e quotidiana. Il visibile urbano è a tratti evocato ed enfatizzato grazie a un surrealistico gioco tra impalpabile e dettaglio,
ed è l’apparente ordinarietà degli elementi rappresentati ad acquistare gradualmente un significato più intenso e, per molti aspetti, nuovo.
Gli animali sono i soggetti privilegiati dei quadri e delle sculture di Panda. Essi non sono mai
considerati in quanto tali, bensì nel rapporto gerarchico che intrattengono tra loro e con gli
esseri umani; se il cane è il miglior amico dell’uomo il ragno è facilmente detestabile, e così
via… Oltre all’aspetto della convivenza tra specie, viene esplorata la paradossale tendenza dell’uomo ad investire di significati “umani” i comportamenti animali; vecchie mitologie e leggende, fortemente presenti nelle radici religiose dell’artista, ne sono la più evidente testimonianza.
Nelle opere di Panda animali mitici abitano il contesto urbano dell’India odierna, ne visitano gli
spazi e ne sentono gli odori (Untitled, 2010). Essi sono esiliati dal loro ambiente naturale e soffrono lo stesso trauma che l’artista ha vissuto dopo l’allontanamento da Orissa, città natale.
Come il cervo sogna di tornare nelle verdi valli (Echoes of Intensity, 2010), Panda ripensa alle
proprie radici e avverte costantemente la tensione quasi profana che nasce dall’incontro tra
natura e metropoli, tradizione e innovazione, passato e presente. Un incontro contraddittorio,
senza dubbio, ma chiarificante se reinterpretato alla luce di una nuova consapevolezza.
Anche sul piano prettamente stilistico è possibile intravedere una persistente dialettica tra due
dimensioni opposte, tant’è vero che nelle tele le componenti classiche del folclore indiano
abbracciano i richiami al minimalismo occidentale.
Infanzia e maturità si accompagnano nella tela come la pittura al tessuto, ed è in tale connubio che si traduce tutta la magia di un’arte tanto evanescente quanto rivelatrice.
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Gli animali, immersi nel dramma della realtà urbana, vivono uno squilibrio esistenziale che li
rende simili a “fantasmi”, per non dire “revenants”, morti che ritornano. Il loro naturale istinto
perde infatti di senso mentre la minaccia della tragedia incombe sulle strade asfaltate. Ispirato
da una lucida disillusione e dal culto sepolcrale di una certa ritualità indiana - simile per molti
aspetti all'antica cultura egizia -, Panda decide quindi di vestire le vittime della modernità con
un elegante broccato, celebrando così il loro riscatto oltre la vita (Cult of Survival, 2010).
Forte è dunque la critica che l’artista muove contro il fenomeno dell’urbanizzazione e le conseguenze che questo comporta. Con l’allontanamento da Orissa, luogo della fede e dell’infanzia, Panda sperimenta in prima persona la condizione alienante dell’immigrato. Nei suoi viaggi
in Europa egli incontra spesso luoghi e paesaggi contaminati dall’azione umana; qui alla sacra-
lità della natura si sostituiscono gli sterili complessi cittadini e l’acqua, elemento tanto “rispettato” in India, riempie le piscine di coloro che sono in testa alla “gerarchia” dell’economia contemporanea (Water-05, 2005).
I Paesi Occidentali sono i più tipici rappresentanti del way of life fondato sul consumo e sul
progresso, e la cieca fiducia nelle possibilità di quest’ultimo decreta l’allarmante prevaricazione della tecnologia sulla natura. Tuttavia le intenzioni dell’uomo urbanizzato non sono malvagie. Egli sogna una vita migliore per sé e per la propria famiglia, ed è genuina l’ambizione che
lo spinge a costruire muri, case, palazzi: grandiose “prigioni” per l’anima, come afferma lo stesso Panda. L’impossibilità di trovare autentica realizzazione nell’habitat da egli stesso creato
costringe l’uomo a patire un dolore sia fisico che psicologico: in questo frangente vengono alla
luce le prime domande.
Esiste una via per uscire dal circolo vizioso? Un altro “mondo possibile”? L’artista non risponde,
ma ci aiuta a riflettere. Con occhio al tempo stesso nostalgico e ironico, egli fotografa il contesto attuale da più punti di vista coinvolgendo l’osservatore in una dimensione problematica
e proprio per questo affascinante.
Animali e oggetti di ogni giorno, dipinti con colori tenui, invadono il mondo di Panda con energia vibrante e pittoresca mentre simboli enigmatici sospesi tra storia e mito si scoprono strumenti per una comprensione più profonda dell'esistente.
All’uomo non resta nulla, se non il dovere morale di indagare le conseguenze delle proprie utopie e azioni.
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Justin Ponmany
Le opere di Justin Ponmany riflettono con eclettico minimalismo la rapida trasformazione
sociale che negli ultimi anni sta investendo l'India e, in particolare, Mumbai. La capitale indiana dell'economia e dell'intrattenimento sta infatti conoscendo radicali processi di modernizzazione e molte zone della città oggi ospitano lussuose aree commerciali, piccoli “teatrini” partoriti dall'Occidente.
Justin Ponmany
1974 Born in Kerala
Nei lavori di Ponmany è il rigore della fotografia digitale, prima ancora della pittura, a meditare sul futuro dell'India nell'era della globalizzazione. Affidandosi al concetto di “memoria plastica” egli esplora l'incerta condizione dell'individuo, confinato nella dimensione intima per eludere la promiscuità metropolitana, e rintraccia nell'abbandono delle tradizioni la principale
causa del decadimento locale. Il patrimonio culturale è la posta in gioco da rischiare per il patto
col “progresso” ed è in questa perdita, figlia di chi è incapace di vedere a lungo termine, che
trova sfogo tutto il biasimo dell'artista per la sterile utopia del “boom”.
Tuttavia la sola reazione plausibile non è da ricercare tanto nei fatti quanto in un più profondo e radicale mutamento di mentalità. Più elastica e “non biodegradabile” (dal titolo della
mostra Non- biodegradable Memory, Sakshi Gallery, Mumbai, 2004), la memoria di ciascuno
non deve censurare il presente ma riconsiderarlo alla luce del passato e dei valori della propria
terra. Reazione ambiziosa, poiché espressa ed auspicata attraverso l'immediatezza dell'arte
figurativa.
Così come con la fotografia, la scultura e la video-installazione, Ponmany usa il dipinto oleografico per catturare l'essenza della contemporaneità; qui l'antica pratica della pittura incontra le moderne tecniche di riproduzione grafica, stabilendo tra il “prima” e il “dopo” un contatto lineare anche nella concreta sperimentazione artistica.
Le opere narrano principalmente la storia di persone e luoghi che sono stati messi da parte nel
nome dell'urbanizzazione e di una darwinistica concezione della sopravvivenza. Statue, corpi, animali e oggetti quotidiani galleggiano sulle tele avvolti da frammenti testuali (Admit One, 2006) o
scenari geometrici (Staple Agony II, Plastic Memory, 2006), in un clima sospeso che assegna allo
sguardo dell'osservatore il compito di tradurre in logica il molteplice significante. Nell'era digitale la tecnologia riorganizza infatti la percezione del reale facendo collidere sfera pubblica e privata, i confini del sé perdono di definizione e tendono a sublimare negli spazi della città e dell'arte.
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Oscillanti tra concettuale e “pop”, i quadri oleografici hanno la particolarità di assumere colorazioni differenti a seconda dell'illuminazione e del punto di vista di chi guarda. La luce naturale, soprattutto se tenue, dipinge il pigmento con effetti caleidoscopici e regala all'icona una
ricchezza cromatica sconvolgente nella sua prossimità al tridimensionale.
Per Ponmany, profondamente influenzato dagli sviluppi intermediali (soprattutto di estrazione
cinematografica) della Mumbai contemporanea, la tecnologia è dunque importante, ma solo se
utilizzata ai fini di una sincera comprensione del mondo e della sua estetica. Il medium non è
il messaggio: ne è strumento. «La grafica digitale è usata in tutto il mondo per modificare il
materiale preparatorio o per forgiare una specifica identità visiva, com'è evidente nella serie
Transit di Subodh Gupta. I miei dipinti si servono dell'applicazione tecnologica per rappresen-
tare l'era post-laser e mettono in discussione le più comuni interpretazioni sull'ologramma»
(Justin Ponmany, intervista rilasciata nel 05/2006).
Ma l'opera di Ponmany è anche interazione. Basti pensare a Pledge 02, opera del 2008 ospitata nelle stanze di Palazzo Saluzzo Paesana durante la mostra Inside India. Il dipinto oleografico in tre pannelli scandaglia il confine che separa la pittura dall'espressione scultorea e coinvolge il visitatore in una relazione deittica forgiandone l'esperienza in senso dinamico.
Storia umana e astrazione mediatica sono i temi che, a ruoli alterni, occupano il primo piano e
lo sfondo delle rappresentazioni. Nella mutevolezza di tale rapporto vengono scandagliati i
principali paradossi della post-modernità e le risposte preconfezionate cedono il posto al beneficio del dubbio.
Intanto sulla tela il banale si carica di enfasi mitologica mentre la visione esperisce il proprio
potenziale interpretativo. Che il viaggio chimerico abbia inizio.
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Thukral & Tagra
Sumir Tagra e Jiten Thukral, in arte Thukral & Tagra, ritraggono l'India del ventunesimo secolo
interpretando i nuovi costumi e atteggiamenti che sono emersi a seguito dell'apertura economica verso il mercato straniero. La cultura indiana, profondamente influenzata dal fenomeno
della globalizzazione, si trova infatti di fronte a un bivio che vede, da un lato, lo slancio internazionale verso il futuro e, per contro, una tutt’altro che residuale aderenza alle tradizioni.
Thukral & Tagra
Jiten Thukral
1976 Born in Jalandar, Panjab
Sumir Tagra
1978 Born in New Delhi
Estrosi ed esperti in grafica e design, i due artisti sentono l'esigenza di ridefinire il patrimonio
culturale del paese facendosi portavoci di un'estetica produttiva e multiforme intrisa di storia,
elementi pop e vita di strada. Essi guardano con pungente ironia alle contraddizioni della contemporaneità, ne individuano le più rilevanti implicazioni e le divulgano, infine, con la propria
arte. Bersaglio per eccellenza è il “feticismo del marchio”, vero e proprio eidolon psicologico che
induce il compratore a investire di eccezionale significato l'immagine di un'azienda e il suo
appeal del “mai visto e mai provato”.
Un particolare interesse è rivolto alla rappresentazione del Punjab e dei suoi rapporti con il consumismo. Oggi il cittadino indiano sta partecipando, per lo più inconsapevolmente, alla mitizzazione della merce occidentale, favorendo l'omologazione globale sia dal punto di vista estetico che semiotico. T & T si oppongono alla minaccia dell'alienazione, ma invece di tradurre il
proprio biasimo in aspra denuncia o cupa amarezza scelgono di animare la riflessione sul consumo estremizzandone la logica e abbracciandola, in apparenza, in tutte le sue declinazioni. Il
risultato è “Bosedk”, brand più unico che raro, frutto di un'eccentrica soluzione stilistica a metà
tra l'inglese e il punjabi.
“Bosedk Design” permette di sfruttare a pieno l'attitudine comunicativa di ciascun materiale e
riassume l'ambizione che spinge T & T oltre i confini della pop-art, alla strenua ricerca di un
ordine creativo altro, spiazzante, ma assolutamente genuino nella sua appartenenza a un futuro ancora in nuce. «Oramai tutto è pop art - spiega Tagra. - Dobbiamo trovare un nuovo codice per parlare al mondo. Questa è il nostra sfida per il futuro: cosa possiamo fare che non sia
già stato fatto?» Le sperimentazioni di T & T accolgono una notevole varietà di forme espressive: dall'oggetto al dipinto, dalla grafica al colore. Tuttavia ogni produzione - anche la meno
rappresentativa - porta con sé un'impronta caratteristica, rivelandosi metonimia preziosa di un
lavoro dinamico ma coerente nel suo insieme.
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Tra le installazioni più emblematiche e provocatorie si ricordino le bottiglie di salsa al cioccolato, disposte su bianchi scaffali con precisione warholiana durante la mostra Everyday Bosedk
(Nature Morte, New Delhi, 2006). Ognuna di esse reca sull'etichetta il primo piano di un giovane ragazzo punjabi, abbastanza scuro da poter suggerire un'umoristica associazione tra carnagione e cioccolato, e buona parte di queste curiose sculture sono distribuite durante l'esibizione: a questo punto il visitatore non è più passivo, ma anche lui si trova a far parte del gioco.
Mentre lo show si sovverte in performance egli afferra la bottiglia, la apre, la scopre vuota.
«Il nostro marchio inventato cerca di dimostrare che - afferma Sumir, - è tutto così effimero;
tu sei tentato di toccare, ma scopri che l'oggetto è vuoto in essenza e spirito. In fin dei conti
non è nulla, proprio come l'acqua tonica Bosedk esposta nella nostra istallazione». Il brand di
T & T non è pertanto un inno gratuito al prodotto mercificato ma, al contrario, un'esplorazione intensa di quest'ultimo volta a rivelarne la sostanziale pochezza, celata con l'inganno da
perspicaci operazioni di design e packaging.
Le dieci bottiglie dipinte a mano presenti nell'esibizione Inside India riprendono il medesimo
concetto, mettendo in luce con tono esilarante il contrasto tipicamente tardo-moderno tra
essere e apparire.
La problematica del consumismo, ampiamente evocata attraverso la riproduzione artigianale dei
più banali oggetti di consumo, trova un fertile terreno d'espressione anche in sculture più imponenti e scenografiche. Un esempio è 315 Sector 23, opera del 2008 installata al centro della “Sala
Rossa”. Essa riproduce con precisione miniaturistica l'architettura post-moderna delle case dei
“nuovi ricchi”, fieri rappresentanti della classe media indiana recentemente favorita dal boom
economico. T & T esaltano il cattivo gusto che si palesa nell'ostentazione del benessere - metaforicamente rappresentato dalla presenza di bottiglie di liquore sui balconi dell'abitazione - e
ridicolizzano il “Punjabi Baroque” trasformando le dimore di periferia in castelli fatiscenti galleggianti su nuvole di fiori. Ciononostante, la coppia creativa non demonizza la valorizzazione
delle merci e crede con grande convinzione nelle potenzialità stilistiche di un modo nuovo e
spiccatamente attuale di “fare branding”. Potenzialità stilistiche, ma anche morali, in quanto si
tratta di isolare dal gran serraglio delle immagini pubblicitarie segmenti promozionali orientati
a un lavoro utile, capace di attrarre un interesse concreto e lontano dai privilegi dei pochi. Il linguaggio di T & T conquista l'indiano e l'occidentale, il povero e il benestante, coinvolgendo le
personalità più dissimili nel delizioso processo del “consumo intelligente”.
Altro tema a cui i due artisti sono molto legati è quello della migrazione, ben indagato nello
show Noveau Riche (Nature Morte, Berlin, 2009), sia nelle tele Dominus Aerius elegance che
nei Morpheus Paintings. I soggetti di questi lavori sono giovani chiassosi dal fare presuntuoso
che, speranzosi in un futuro di ricchezza e successo, lasciano l'India per inseguire il “sogno americano”. Tuttavia, in poco tempo, la maschera del bad boy cede e il “figlio di mamma” si dimostra incapace di sfuggire alla propria inettitudine. Converrebbe riderci sopra, ma Bollywood è
ancora lontana.
Oltre al consumismo e all'immigrazione, T & T hanno saputo approfondire questioni sociali di
grande delicatezza e intimità, come per esempio l'AIDS e l'HIV, sempre cercando di conservare
la leggerezza di fondo che caratterizza tutta la loro opera. L'interpretazione dei due artisti
fugge dai catastrofismi, ed esorta alla pratica del sesso protetto con un invito fraterno e spiritoso: “Put it on”. Lo slogan dà il nome alla mostra del 2007, ospitata dalla sede newyorkese di
Bose Pacia e ricca di lavori ad alto impatto visivo ed emozionale. Tra questi si distinguono
imponenti dipinti dall'estetica vagamente murakamiana, al contempo minimalisti e barocchi. In
particolare, essi celebrano il consumo del condom - ecco un chiaro esempio di “consumo intelligente” - con un'eleganza fuori dal comune, senza tuttavia rinunciare a un tenero e complice
ammiccamento (Let's Play Safe, 2007).
Narcisistica e “poco indiana”, l'arte di T & T occupa una posizione eccezionale nel panorama
dell'India contemporanea. I loro dipinti, come le sculture e installazioni, abitano infatti una
regione intermedia tra Punjab e Occidente, ed è nella poesia di questa “terra di mezzo” che si
dispiega l'universo dei due piccoli omini su tela.
T & T hanno davvero inventato qualcosa.
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T V Santhosh
L’arte di T V Santhosh, nei dipinti come nelle sculture, racconta in forme davvero inedite la straziante condizione umana di fronte alla violenza del mondo contemporaneo. “Guerra di Storia
e Storia della Guerra” è stato il tema predominante della scorsa produzione dell’artista, secondo un’inquietante binomio che si ripropone talvolta anche negli ultimi lavori.
T V Santhosh
1968 Born in Kerala
Santhosh ci provoca e ci invita a riflettere sul come la minaccia della violenza non si esaurisca
negli atti terroristici e nelle relative guerre di ritorsione che ormai connotano il nostro tempo,
bensì in un più grande e indefinito clima di paura determinato non tanto dagli eventi reali
quanto dal modo in cui questi sono raccontati dai canali istituzionali con l'impiego fuorviante
dei media. Ogni giorno accadono nel mondo eventi tragici, ma la loro natura è costantemente
enfatizzata, oltre che da drastiche misure di sicurezza applicate dai governi, anche e non secondariamente dall’insistente azione (dis)informativa volta alla spettacolarizzazione di un pericolo che pertanto diventa sempre più ossessionante. Reale, certamente, ma ancor più “percepito”, spesso fino a veri e propri stati di psicosi collettiva. A tal proposito l’artista ha affermato in
una recente intervista: «Il mondo viene conosciuto attraverso lenti dipinte di notizie, le quali ci
narrano con grande enfasi storie di innocenti massacrati e di esplosioni spettacolari, sputando parole d'odio e promuovendo propagande volte al nascondimento della verità. Quello di
oggi è un mondo strano, esposto e manipolato. Un mondo in cui risulta impossibile riconoscere il vero nemico e dove il termine “terrorismo” denota ugualmente l'aggressore e il bersaglio».
La maggior parte dei lavori di Santhosh si pone in modo problematico rispetto alla contemporaneità e invita a rispondere alla domanda: “Chi è il vero nemico?” (si pensi al dipinto Your
Terrorist Our Freedom Fighter, 2004). L’osservatore non può non sentirsi interpellato, ma non è
certo l’adesione a una posizione precostituita la giusta risposta alla provocazione dell’artista.
Nel mondo globalizzato le diverse culture collidono e si surriscaldano - di riflesso ai mezzi di
comunicazione - in una crescente entropia che nel momento in cui mescola linguaggi, religioni, modelli tradizionali e punti di vista fino a qualche decennio fa ancora profondamente autoreferenziali, tende ad attenuare le differenze tra lecito e illecito, verità e apparenza, giusto ed
ingiusto, vittima e carnefice. Intanto il caos regna sovrano nella mente del cittadino mentre la
minaccia dell’ignoto alimenta il motore della società dell’informazione.
Di conseguenza Santhosh non utilizza la sua arte per esprimere un ipotetico credo politico o
ideologico, ed egli stesso a più riprese ha voluto definirsi “a-politico”. Il suo obiettivo non è dunque militante ma decisamente critico e si risolve, per così dire, nella “scannerizzazione” il più
possibile profonda delle contraddizioni attuali, intervenendo sulle tele con grande carattere e
insoliti accostamenti.
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Dal punto di vista stilistico i dipinti testimoniano, ancor più degli altri lavori, la notevole evoluzione dell'artista. Partendo dall'iperrealismo monocromatico dalle tenui tonalità giallo seppia
egli ha infatti sperimentato le prime giustapposizioni tra verde e viola per poi giungere all'effetto psichedelico che contraddistingue tutta la sua ultima produzione. Qui i colori acidi raggiungono l'apice espressivo con la scelta dei rapporti tensivi tra verde, giallo e rosso al punto
da dare, a chi guarda, l'impressione di assistere ad una pittura tanto performante quanto
“infiammata” dalla violenza che essa stessa manifesta.
L'accesso alle risorse globali - diventato molto più semplice negli anni '90 con Internet, la TV
satellitare e la stampa internazionale - ha dato agli artisti indiani, specialmente se fotorealisti,
un grande impulso creativo; le immagini che abitano le tele di Santhosh sono infatti estrapo-
late da notiziari, giornali e siti web. Nei suoi lavori sono inoltre frequenti i riferimenti a narrazioni cinematografiche d’ispirazione tarkovskiana e a fotografie scientifiche, a volte fuse in
un'unica creazione (si pensi a Metabolism Test, in cui un topo di laboratorio è inserito nel contesto evocativo del “Settimo sigillo” di Ingmar Bergman).
Le vicende mediorientali sono assolutamente degne di nota nella produzione dell'artista.
Nonostante gli avvenimenti nella Striscia di Gaza siano per lui temi di enorme interesse,
Santhosh non si sofferma troppo sulle specificità del conflitto palestinese/israeliano e tenta di
osservare i fatti con l'occhio di chi vede nella guerra una tragica ma “democratica” sofferenza.
L'icona quindi non è scelta per il significato intrinseco che rappresenta, bensì per la capacità di
farsi emblema e “trascendere” l'accadimento in quanto tale.
Una volta selezionate, le immagini vengono elaborate al computer e rovesciate nella corrispettiva copia negativa. Il risultato finale è un interessante gioco visivo conferito dalla neutralità
universalizzante dell’immagine polarizzata. «Dopo che l'immagine di un combattente nemico
viene trasposta in negativo, la medesima icona diventa irriconoscibile all'istante. Ho notato
che il capovolgimento cromatico della figura acquista così una sorta di neutralità, in grado di
trasfigurare concetti specifici in qualcosa di più ampio e universale» (dal catalogo T V Santosh.
Unresolved Stories, The Guild, 2004-2007).
Le immagini polarizzate (o solarizzate) - già esplorate nelle loro possibilità estetiche da “mostri
sacri” come Man Ray ed Andy Warhol - non sono qui meri espedienti formali, ma veri e propri
filtri conoscitivi attraverso cui percepire il reale nella sua verità latente: un modo altro per
vedere cosa si nasconde dietro la superficie dei tanti credi e ideologie. Solo attraverso il processo di “disvelamento” è possibile comprendere alla radice i meccanismi della finzione mediatica e della retorica politica, e l'opera di Santhosh ne incarna in tal senso l'esplicita denuncia.
L’opera dell'artista conta alcuni dipinti su tela nei quali sono esibiti sia il positivo che il negativo di una singola immagine. Le copie, tra loro affiancate, non assumono necessariamente connotazioni opposte; esse sono infatti due dimensioni del medesimo stato d'essere e costringono
l'osservatore a constatare l’ambiguità del reale, particolarmente iperbolica nell'era della globalizzazione.
Santhosh intervista la storia, e lo fa con la freddezza che comporta un autentico processo di
straniamento. Oriente e Occidente - proprio come le immagini polarizzate - sono ormai facce
di una stessa medaglia, e schierarsi in difesa di presunte inalienabili identità sarebbe il modo
migliore per cadere nel disordine psicologico. Rincorrere l’obiettività di uno sguardo disincantato diventa un imperativo morale, e la presa di distanza dagli eventi è l’unica arma utile a individuare e infine criminalizzare il patto diabolico tra comunicazione mediatica e terrore. Tale
poetica è ripresa, se non addirittura ampliata, nelle installazioni scultoree.
Acciaio, LED e ossa in fibra di vetro costituiscono l’universo tridimensionale di Santhosh. Si tratta principalmente di una ricostruzione metaforica delle conseguenze dei disastri bellici (esplosioni, crolli, morti), ma altrettanto importanti sono i richiami alle tradizioni. Se gli abitanti del
Manipur (nord-est dell’India) sono soliti raccogliere le ossa dei loro cari per conservarne il ricordo, nel primo periodo cristiano le ossa dei santi venivano conservate presso le fondamenta delle
Chiese. Dopo la guerra, dopo ogni guerra - dolore, sepoltura, memoria dei vivi - quei led, nella
proiezione artistica di Santhosh, si traducono nel rinvio trasfigurato a quelle assenze, a quel
silenzio, a quelle morti. Ed è proprio la cifra di quest’opera, tanto urgente quanto necessaria, a
risolversi, per noi, nel tòpos artistico di una sottile interrogazione.
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Palazzo Saluzzo Paesana, l’Appartamento Padronale
Capolavoro di Gian Giacomo Plantery, Palazzo Saluzzo Paesana è stato definito “l’esempio più
ampio e complesso di edificio nobiliare settecentesco”. Delimitato da quattro vie e confinante
con una piazza, il palazzo ha il fronte principale non su Via Garibaldi, antico decumano (uno
degli assi principali della città) della Augusta Taurinorum, ma sulla perpendicolare, via della
Consolata, corrispondente alla cinta muraria dell’accampamento romano. Le facciate
presentano grandi differenze.
Alle due facciate principali, ricche di stucchi e cornici, maschere e fregi, fanno da contrappunto quelle sulla piazza: nude, prive di ornamenti e severe, quasi a segnalare la natura della via,
che andava a chiudere sugli juvarriani Quartieri Militari.
Attraverso il portone si può ammirare la prospettiva scenografica interna della costruzione. La
complessa successione di ambienti prevede due ingressi principali che immettono ognuno in
un vasto androne coperto, seguito da un portico che presenta ai lati lo scalone principale e una
scala secondaria che conduce ai piani alti.
Il palazzo, strutturato in origine su due atri, è caratterizzato da un grande cortile d’onore arricchito da un doppio loggiato su due fronti contrapposti che dilatano lo spazio, facendolo apparire più ampio e capiente di quanto non sia realmente. Esemplari sono gli sviluppi originali delle
volte “planteriane”, che permettono la copertura di ampi spazi con volte a vela lunettate senza
sostegni intermedi. Le forme della volta conciliano le esigenze dell’estetica classica con le
caratteristiche di solidità e rappresentatività. La superficie della volta viene percepita dall’osservatore come più superfici indipendenti che si spezzano, si compongono e si complicano.
Salendo lo scalone dell’atrio principale del palazzo e percorrendo il loggiato, dal quale si coglie
l’armoniosa scenografia del cortile d’onore, si raggiunge il portale d’ingresso adorno di stucchi,
preziosi per sobrietà e eleganza. Dalla porta si accede, tramite un vestibolo, all’atrio, imponente nelle sue proporzioni (50 mq2 7,40 m di altezza), nodo di distribuzione verso il resto dell’appartamento, decorato dall’affresco a tutta volta ispirato al “giudizio di Paride” e dal grande
pavimento in seminato a disegni policromi.
Da un primo spazio con quattro salette si giunge ad una delle ampie sale dalle dimensioni originarie. Finemente decorata la volta con al centro un grande affresco arricchito da “grisailles”
e busti (celebranti la famiglia Saluzzo di Paesana).
18
La grande ed importante sala d’angolo, detta “Sala rossa” o “Camera di Parata”, che ha tuttora
conservato l’aspetto originario, è la più ricca per arredo e decorazione conservati: specchiere,
camino, angoliere intarsiate, porte e sovrapporte dorate. Un parato di damasco cremisi, guarnito da una frangia di seta “color aurora” copre le pareti e riveste le tre porte ricamate “di piccol Gallone d’oro falso”. Le sovrapporte, intagliate e dorate, racchiudono i dipinti di Domenico
Guidobono.
La sala seguente, di minori dimensioni, è arricchita da arredi con dorature, consolles, ed ha
copertura a cassettoni ottagonali in gesso del primo Novecento, decorati con motivi a piccole
volute. Da questa sala si accede a due sale gemelle, anch’esse affrescate, e da queste, tramite
un corridoio, ad una sala che si affaccia sul cortile d’onore. Da una sala di disimpegno si sono
ricavate due parti, una corridoio di collegamento tra atrio e locali, l’altra articolata su diversi
spazi di eventi e relazione, arredati con materiali ed elementi tradizionali, adatti alla qualità ed
ai criteri dell’insieme.
Palazzo Saluzzo Paesana,
the Master Apartment
Turin is well known for his royal
residences positioned along the
perimeter of the city, as well as for the
baroque and free-style buildings located
in its historical center. Masterpiece of
Gian Giacomo Plantery, Palazzo Saluzzo
Paesana has been defined as "the
vastest and most complex example of a
XVIII Century noble building". Delimited
by four roads and close to a square, the
Palazzo's main entrance is not located
on Via Garibaldi, one of the main
avenues of ancient Turin, but on the
perpendicular road, Via della Consolata,
which runs along the former Roman city
walls.
The main facades, rich in ornaments, are
opposed to the external walls facing the
Piazza: not decorated, severe and sober,
in line with the historical nature of the
Via, which once ended at the Military
Headquarters from Juvarra.
Through the main door of the Palazzo it is
possible to admire the scenographic
perspective of the internal courtyard. The
complex sequence of spaces was based on
two main entrances, each one leading to
a vast covered atrium, followed by a porch
connected on both sides with the main
stairway and with another set of stairs,
leading to the upper floors.
The Palazzo, originally structured on two
atria, is characterized by a massive noble
courtyard enriched by two opposite
loggias that amplify the spaces
percieved by the visitor, making it appear
even bigger. The hall is covered by a
typical "Planteriana" vaulting resting
upon the perimetral structures only,
architectural solution that allowed the
realization of very wide rooms, a perfect
compromise between aesthetic and
solidity.
Walking up the noble stairway of the
main entrance of the Palazzo and going
along the loggia, which offers an
astonishing view of the inner courtyard,
the visitor will reach the entrance of the
Apartment, decorated with precious and
elegant details.
The door gives access through a
vestibule to the atrium, characterized by
massive dimensions (50 square meters *
7,40 m height), strategically connected
with all other rooms of the apartment
and decorated with a fresco inspired by
the "Judgment of Paris" as well as with a
coloured mosaic floor.
A first space composed by four smaller
rooms (which can serve as operational
offices) leads to the first salon, which
preserves the original dimensions. The
vaulting is finely decorated with a big
fresco at its center, enriched by
“grisailles” and statues celebrating the
Saluzzo Paesana family.
The big and important corner salon, also
called “Sala rossa” (Red Salon) or “Camera
di Parata”, which still preserves the
original aspect, maintains the richest
collection of original ornaments and
furniture: mirrors, fireplace, hand-crafted
consoles, golden doors and door panels.
A precious dark red fabric decorated
with silk elements covers all walls and
the three golden-plated doors. The
golden door panels, also crafted in
wood, frame three paintings of
Domenico Guidobono: St. Thomas
Apostolus, St. Joseph with Child, St.
Anna and the Virgin, whereas the ceiling
fresco, also realized by Guidobono,
pictures the “Sacrifice of Isaac”. The
vaulting fresco captures the visitor's eye
with a light and shadow effect, repeated
in the trompe-l'oeil situated in the
corners of the vaulting.
The following salon, smaller in
dimensions, is enriched by golden
furniture and consoles and is covered by
a finely decorated plaster coffered
ceiling from the beginning of the XIX
Century. This salon gives access to two
further, smaller frescoed rooms as well
as, through a corridor, to a bigger room
facing the inner courtyard.
An additional section of the apartment,
connecting the atrium with the other
main rooms, serves as functional space
for managing the event logistics and is
furnished with traditional materials and
elements, which blend seamlessly in the
historical context of the location.
A JOURNEY THROUGH CONTEM
PORARY INDIAN ART
WORKS
Atul Dodiya
Hammer Head, 2010
Lega per saldature, olio, magneti museali su lamiera di ferro ossidata
con supporti in acciato fresato
Auto-body solder, oil and museum magnets on oxidized milled steel
with two milled steel stands
Dipinto: 183 x 122 x 5 cm / Painting: 72 x 48 x 2 inches
Supporti: 25 x 13 x 31 cm ciascuno / Stands: 10 x 5 x 12 inches each
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Atul Dodiya
Babel, 2010
Lega per saldature, olio, foglia d'oro, magneti museali su lamiera di
ferro ossidata con supporti in acciato fresato
Auto-body solder, oil, gold leaf and museum magnets on oxidized milled
steel with two milled steel stands
24
Atul Dodiya
The Robe (Drying), 2010
Lega per saldature, olio, foglia d'oro, magneti museali su lamiera
di ferro ossidata con supporti in acciato fresato
Auto-body solder, oil, gold leaf and museum magnets on oxidized
milled steel with two milled steel stands
Dipinto: 214 x 152 x 5cm / Painting: 84 x 60 x 2 inches
Supporti: 25 x 13 x 31cm ciascuno / Stands: 10x5x12 inches each
26
Atul Dodiya
28
Tsunami, 2010
Lega per saldature, olio, foglia d'oro, magneti museali su lamiera
di ferro ossidata con supporti in acciato fresato
Auto-body solder, oil, gold leaf and museum magnets on oxidized
milled steel with two milled steel stands
Atul Dodiya
If mountains shiver in the cold, 2010
Ferro ossidato, olio, lega per saldature, specchio, fibra di vetro
con acquerello e carboncino su carta
Oxidized milled steel, oil, auto body solder, mirror, fiberglass
with watercolor and charcoal on paper
260 x 122 x 107 cm / 102 x 48 x 42 inches
30
Atul Dodiya
The wind sleeps, 2010
Ferro ossidato, olio, lega per saldature, specchio, fibra di vetro
con acquerello e carboncino su carta
Oxidized milled steel, oil, auto –body solder, mirror, fiberglass
with watercolor and charcoal on paper
260 x 137 x 107 cm / 102 x 54 x 42 inches
32
Riyas Komu
Safe to Light, 2010
Legno riciclato e ferro
Recycled wood and metal
132 x 66 x 94 cm / 52 x 26 x 37 inches
34
Riyas Komu
Middle Mind Set, DESERT, 2008
Legno riciclato e vernice per auto
Recycled wood and automotive paint
213 x 213 cm / 84 x 84 inches
36
Jagannath Panda
The Embryonic Space, 2010
Acrilico, tessuto e colla su tela
Acrylic, fabric and glue on canvas
305 x 229 cm / 120 x 90 inches
40
Jagannath Panda
Cult of Survival, 2010
Tubo di plastica, vernice per auto, fibra di vetro, resina,
fiori di plastica, acrilico, tessuto
Plastic pipe, auto paint, fiberglass, rexine, plastic flowers,
acrylic paint, fabric
63 x 190 x 145 cm / 25 x 75 x 57 inches
42
Jagannath Panda
Untitled, 2010
51 x 102 cm / 20 x 40 inches
44
Jagannath Panda
Echoes of Intensity, 2010
198 x 229 cm / 78 x 90 inches
46
Justin Ponmany
Kundali, 2008
Acrilico e pigmento olografico su tela in due pannelli
Acrylic and holographic pigment on canvas in two parts
190 x 325 cm / 75 x 128 inches
48
Thukral & Tagra
Phantoms @XI B-4, 2010
Acrilico e olio su tela
Acrylic and oil on canvas
274 x 183 cm / 108 x 72 inches
52
Thukral & Tagra
315 Sector 23, 2008
Tecnica mista
Mixed media
156 x 105 x 105 cm / 61 x 41 x 41 inches
54
T V Santhosh
Living in a wound, 2008
Vetroresina, ferro e pannello di LED
Fibreglass, metal and LED panel
216 x 45 x 49 cm / 85 x 18 x 19 inches
Supporto: 92 x 69 x 55 cm / Stool: 36 x 27 x 22 inches
56
57
T V Santhosh
Endless Chain of Revenges, 2010
Olio su tela
Oil on canvas
122 x 183 cm / 48 x 72 inches
58
T V Santhosh
Endless Chain of Revenges II, 2010
Olio su tela
Oil on canvas
122 x 183 cm / 48 x 72 inches
60
Atul Dodiya
In the intense atmosphere of the
1980s, Atul Dodiya began his career in
the context of experimental realism.
Particularly inspired by the works of
Sigmar Polke and David Salle, he looks
for the objective components of what
exists, probing the aesthetic and
gnoseological possibilities of
photorealism.
Toward the middle of the 1990s he
integrates his previous studies with a
series of new, diversified influences.
The result is an original, more mature
language, dense in cultural references
and intertwinings, in a very timely
hybrid approach.
Drawing on pre-Renaissance and
postmodern sources, classical art and
kitsch, the new contents of Dodiya’s
works abandon the sterility of their
boundaries to encounter, as in a
puzzle, their complementary
opposites. The result is a sort of
cultural patchwork, multifaceted yet
coherent in its overall expression,
taking form in a logical system where
the roots of history coexist with the
forms of the present and, in many
ways, contribute to shape them.
62
The paintings and installations, laden
with references to literature and film,
usually contain fragments of
occidental history along with
elements of Indian mythology and
folklore. The foremost objective of the
crossing of artistic languages is to
generate a grand, revolutionary
aesthetic, where East and West can
finally achieve a constructive
assimilation. Speaking of his
versatility, Dodiya says: «India is such
a vast country; it has such vast and
diverse cultures coexisting and great
sources from which to draw
inspiration: from mythology to epics
to folklore to cinema. I was born and
brought up in Bombay, and the city’s
incredible diversity has been a major
influence on me. And always as a
student, I was interested in Western
art. We were taught mostly in Western
art, so the great paintings of Europe
and the United States have influenced
me immensely. In my early works, I
was really influenced by Robert
Rauschenberg and Jasper Johns. And
I've been equally moved by Picasso
and Matisse».
Yet in certain works he does not
simply suggest the artistic
contaminations that are a part of his
background; he also stages an
unabashed confrontation between the
art of the historical masters and his
own, personal, contemporary
reinterpretation. Just consider Cracks
in Mondrian (Bose Pacia Gallery, New
York, 2005), a work in which the artist
interacts with the neo-plasticism of
Mondrian, reworking its characteristic
motifs with an eye on the “here and
now”. Every canvas contains a vivid
red mark – a stylized representation of
a state of India – and is decorated
with marble dust and acrylics.
The combination of the two materials
is chosen not only to re-create the
grids of Mondrian, but also to
simulate the “cracked effect” visible in
most of Mondrian’s works today. The
cracks, nevertheless, are also a
metaphorical alternative for the
dismantling of the hopes of
abstraction, a cry of protest against
the rotting of the pipes – this is why
the canvas is supported by a
mysterious white tube – and the
decrepit buildings of many Indian
neighborhoods. It is time to say
goodbye to the universalism of
Mondrian.
Dodiya’s experiments are many, both
in stylistic and material terms, and he
has an endless curiosity for the new.
In his works, the artist often addresses
themes of a historical-political nature,
intertwining global and intimate
events in a single conceptual order. An
emblematic example is the work on
the revered figure of Mahatma
Gandhi, whose popular reputation
was tarnished by the acts of violence
that began after the Partition of India,
where national borders were drawn
according to religious majorities. With
the series of watercolors An Artist of
Nonviolence (Gallery Chemould,
Mumbai, 1999), Dodiya attempts to
restore the dignity of the great father
of modern India, retracing his
biography and the values he pursued:
«I feel that it is not just India that is in
need of Gandhi, but everywhere. There
is so much hate, so much intolerance,
the terrorism and killings, and
Gandhi's philosophy of nonviolence is
very relevant today» (interview with
Atul Dodiya, 9 October 2006).
In spite of the hybrid nature and
many facets of its message, the art of
Dodiya is deeply rooted in a sort of
“native ethos” that reflects childhood
memories, concerns of a local nature,
in an unflagging relationship with
tradition.
A relatively recent creation is Antler’s
Anthology (2007). Shown in the
prestigious Fridericianum during
Documenta 12, the work includes a
series of poems in the Gujarati
language. The texts, enhanced at
times by evocative decorations –
mostly images of everyday life in
ancient and contemporary India – are
done in watercolors, charcoal and
marble dust on paper, to outline an
expressive, rich connection between
“before” and “after”.
The use of watercolors, inherited from
England and widely used in the
traditions of China and Japan, marks
another creative phase in the stylistic
evolution of Dodiya. Once again, he
absorbs the potential of a technique
distant from his own culture and
applies it to address deeply personal
themes.
In the “Sala” of the main apartment,
the exhibition Inside India features
four milled steel canvases. These
intriguing steel sculptures, at first
glance, do indeed resemble the back
of a canvas; stretchers and staples are
visible, as if the sheet metal had been
attached to a wooden frame. The
images take form in a mixture
between the alloy normally used for
welding auto bodywork and the
material used to repair its dents and
scratches: everything is then fixed
with a thin coat of oil. The oxidation
process protects the sheet from rust
and gives the steel an evocative gray,
metallic tone.
The main image is enhanced by small
colored magnets purchased by the
artist himself in European and
American museums; they show some
of the most important icons of art
history, putting equal emphasis on the
oriental and occidental traditions.
Though the overall effect has
something melancholy about it, the
bright glow of the magnets contrasts
the monochrome steel, making the
atmosphere lighter and more
seductive: «it floats – the artist says like a fire flying in the darkness of the
night».
The figures/female bodies are like
x-rays, revealing their painful
existence and struggle for survival in
a time when violence is so prominent,
not only in India but everywhere.
Dodiya has used the image of a wellknown work Elegy to the Spanish
Republic series by the American artist
Robert Motherwell. In The Robe
(Drying), two Elegy images are shown
like wet clothes hanging on a line
above the nude female figure who is
holding a chakki (a hand mill). Do
these drying garments belong to this
skeletal figure? Once they are dry, will
she wear them? The colorful magnets
with images of Leonardo, Van Gogh,
George Washington, Rodin’s Thinker,
etc., are sitting like birds on the line,
or holding the cloth like clothespins.
History and past coexist in the
present.
In Tsunami probably the same female
figure is seen, holding an egg and
sitting on a golden egg. On the egg
she holds a baby, also seated. She has
to balance without breaking, or falling
like an acrobat. The whole act
becomes quite difficult considering
the whirlpool-like form, another
Motherwell image, turned into a
Tsunami, hovering above her. On the
engraved title Tsunami there is a
magnet, an image of a painting by
the 18th-century French female artist
Marie-Gullemine Banoist, Portrait of
Black Woman.
Babel is a gold tower of heads. An
image of Giacometti's Man Walking
leaves the leaning tower behind. He
bears a fallen hammer on his back.
His dignified walk reflects integrity.
Nothing will change his walk. Each
head is labeled with an artist’s name.
Various voices! These heads are also
a kind of self-portrait for Dodiya (like
the work Hammer Head). He tries to
do many different things
simultaneously, he may at times get
baffled himself, but what keeps him
going is the great art of the past.
Julius Caesar is watching the drama
from the upper corner!
Also inside the “Sala” there are two
sculptures of a particularly forceful
character: the gallows. In If
mountains shiver in the cold and The
wind sleeps Dodiya sets out to address
the ultimate freedom man has. The
gallows generally represents death,
punishment and fear. But he finds the
form esthetically beautiful, like the
text attached to the pole, that can be
read but is also a painting (watercolor
and charcoal on paper). Viewers are
confronted, seeing their own reflection
in the attached mirror as they
observe/read. Questions about life,
existence and fear of death fade when
the gallows is observed not as an
object of fear but as an aesthetic
artifact. A work of art has the power
to elevate man. The verse used in the
gallows works are by Allama Prabhu,
a 12th-century mystic-saint and
Vachana poet of the Kannada
language from southern India. The
poem is from the classic 'Speaking of
Siva' translated and edited by late
A.K. Ramanujan.
A wager with art and history, on the
part of Atul Dodiya. A courageous
dare, especially when cultivated in the
routine of everyday life. He explains
his condition as an artist in these
terms: «Although I'm very traditional
and conventional in my normal
routine, I feel that the studio is my
kingdom, and in the space in which I
am painting, the canvas or the paper,
I have the freedom to do what I
want».
First, freedom. The necessary condition
for art.
All the descriptions of the works by Atul
Dodiya shown in Inside India are fully based
on the artist’s contributions.
63
Riyas Komu
On the Indian contemporary scene,
especially Mumbai, it is seldom
possible to identify a clear political
perspective in artistic output.
Riyas Komu, on the other hand,
stands out from the trend of
“impartial” observation, and expresses
a clear position on very delicate issues
like violence, social instability,
international diplomacy, urban
alienation.
A Marxist Muslim and strenuous
champion of the ideals of Gandhi, the
artist narrates his own life and the
world, in a continuous interlocking of
biography and history.
Raised in Kerala, the land of the
“green days”, steeped in leftist values,
Komu left his native city in the 1990s
to move to Mumbai. Here his
mentality inevitably ran up against
the risk of pogrom and the advent of
right-wing Hindu nationalism. His
Muslim faith was no longer just a
question of belief, but became a
traumatic state of being, a deep issue
of identity. Komu found himself at a
crossroads: on the one hand, the
growing social tension in Mumbai, on
the other the pressure of radical Islam,
which induced many people from
Kerala to embrace jihadist
fundamentalism.
64
The events of 11 September and the
anti-Muslim revolt in Gujarat led to
further concerns for the artist, who
learned to find, in the affliction of
“posthumous mourning”, the energy
to reconnect with the lost childhood
of family and play.
Komu loves sports. Especially soccer,
which he sees as one of the most
complete and humanly stimulating
activities. This love even led him to
change cities, to move to Borivali.
He explains: «I see soccer as a
complete game and I am in love with
the history of the game. The ability
and efficiency of this game has
always survived pretensions. It’s a
game I played the most as a child
with all the boys of my village. We
would wait for the harvest to be over
so that we could play football in the
rice fields back home». Later, after
completing his studies, Komu began
to penetrate the political dimension of
soccer, an important starting point for
new stimuli and considerations that
led him, in 2007, to create exhibitions
of great impact and originality like the
photographic series Mark Him (The
Guild, Mumbai). But the output on the
theme of soccer reaches its point of
greatest eloquence in sculpture. Just
consider Left Legs VI - VII (2008), the
Tribute to a Footballer (2010) and the
very recent exhibition Subrato Caesar
(Gallery Maskara, Mumbai, 2010),
containing a striking installation of
glass and metal with soccer balls
arranged in a sequence. “The time has
come to understand”, the artist
continues, “what the World Cup can
give to India and its history.”
In spite of his faith in the civil and
cultural potential of the message of
sports, a sort of realistic pessimism
pervades all of Komu’s work, easily
sensed in the constant symbolic
reference to death (Undertakers, 2007)
and to the spiritual decadence of the
contemporary era. Sculptures,
photographs and paintings, filled with
a profoundly humane, ontological
meaning, display the consequences of
urbanization, of media distortion and
the mingling of religious and state
institutions, in a revealing path where
the form embodies the substance,
separating from it and, finally it,
passing judgment on it.
The artist’s critique is not only aimed
at the contradictions of post-modern
India, but widens to include the West,
Iran and China as well. The latter,
prior to its bureaucratic and
authoritarian degenerations, long
represented the “great dream” of the
inhabitants of Kerala, and this is why
Komu has addressed its issues in a
significant portion of his work (one
example will suffice: Why should
everyone look like Mao, 2007).
From the homeless to the disinherited,
the outcast to the soccer player, the
protagonists of the paintings are
often gathered from the visual
repertoire of the mass media. Intimate
heroes and victims of history.
The theme of immigration, a major
concern of the artist, is seen in a
considerable portion of his works on
canvas. Komu has had firsthand
experience of the drama of uprooting,
and makes use of portraiture to
perform a “head count” of those, like
him, who have undergone the
condition of being “underprivileged”.
The seven portraits of Systematic
Citizens (Palette Art Gallery, New
Delhi, 2006) are perhaps the most
representative works, in this sense,
bringing out the existential anguish
that lies behind the expectations of
the peasant immigrant.
In recent years Komu has reworked
portraiture through cinema,
photography and painting, but
without betraying the maniacal
pursuit of truth that is the earmark of
his work.
This realism is also seen in the
wooden sculptures. Highly influenced
by the great Indian decorative
tradition, they stigmatize the values of
the great ideologies of the 20th
century, revealing their effective
inconsistencies. The crafting of the
wood – a passion inherited from his
father, during childhood – is therefore
not just an aesthetic expedient, but
also a true expressive strategy,
practiced with care to reveal the loss
of traditions caused by the spread of
economic globalization.
The poetics of Komu is closely
connected to historical dynamics and,
more generally, to contemporary
events. Knowledge of what is
happening in the world is
fundamental to produce conscious
art, just as it is not possible to
approach the present without
reflecting on the past.
In an interview with Ullekh N.P, Komu
says: «I watch international
developments and constantly feed
and update myself on news so that I
am mature enough to make my
existence invulnerable. Which means
I am always ready for the occasion…
I won’t be surprised if the modern-day
Huns arrive at my doorstep tomorrow.
See, it’s very important to be aware
of your surroundings when you are
making objects, because you make
them with the expectation that they
will live for a longer period. And I
don’t like misinterpreting things out of
ignorance or lack of awareness,
whichever way you look at it».
In 2007 Riyas Komu was the youngest
Indian artist ever to show work at the
Venice Biennial, where he met with
wide-ranging acclaim. But this
success has not extinguished the
“sacred flame” in the artist, nor has it
altered the ethical value of his
“obsessions”.
Jagannath Panda
Panda’s works force us, with their
chromatic refinement, to “look around
us”. To appreciate the meaning of his
works, one must abandon a solipsistic
perspective in favour of a synaesthetic
way of observing, where “the otherthan-self” is the true protagonist. In
this sense, the perception of life
probes to be possible, as well as the
nature in its intrinsic holiness and
beauty.
Nevertheless, Panda’s art is never a
matter of mere aesthetic suggestion.
Stimulated by an ancient, pale
memory, the gaze of the artist
explores the dream dimension of that
memory, but only to bring the most
concrete, everyday reality back to life.
The urban scene is evoked and
emphasized, at times, through a
surreal game between the intangible
and the detail. The apparently
ordinary character of the things
represented gradually takes on a more
intense and, in many ways, new
meaning.
Animals are often seen in Panda’s
paintings and sculptures. They are
never simply seen as such, but as part
of a hierarchy, both within their ranks
and with respect to human beings.
The dog is man’s best friend, the toad
is easy to hate, and so on… Beyond
the aspect of coexistence of different
species, the work explores the
paradoxical tendency of man to
attribute “human” meanings to
animal behavior; old myths and
legends, strong presences in the
religious background of the artist, are
the best evidence of this tendency.
In Panda’s works mythical beasts
inhabit the urban context of modern
India, visiting its spaces and
perceiving their smells (Untitled, 2010).
They are exiled from their natural
environment and undergo the same
trauma the artist experienced after
moving away from Orissa, his
hometown. Just as the deer dreams of
returning to green valleys (Echoes of
Intensity, 2010), Panda thinks back on
his roots and constantly senses the
almost profane tension that comes
from the encounter between nature
and metropolis, tradition and
innovation, past and present. This is
undoubtedly a contradictory
encounter, but it can offer
clarification if it is reinterpreted in the
light of a new awareness.
On a purely stylistic plane, it is also
possible to glimpse a persistent
dialectic between two opposite
dimensions; in the canvases, the
classical elements of Indian folklore
interact with reminders of Western
minimalism.
Childhood and adulthood advance
together in the painting, like the paint
with the cloth; all the magic of an art
that is evanescent but also very
revealing lies in this combination.
The animals, immersed in the drama
of urban reality, experience an
existential imbalance that makes
them resemble “ghosts”, or even
“revenants”, the dead who return to
life. The natural instinct loses its
meaning as the threat of tragedy
looms over the asphalt cities. Inspired
by lucid disenchantment and the
sepulchral worship of certain Indian
ritual practices – that in many ways
resemble ancient Egyptian culture –
Panda decides to dress up the victims
of modernity in an elegant brocade,
celebrating their redemption, beyond
life (Cult of Survival, 2010).
The artist forcefully critiques the
phenomenon of urbanization and its
consequences. When he left Orissa,
the place of his faith and his
childhood, Panda had a firsthand
experience of the alienating condition
of the immigrant. In his trips in
Europe he often encounters places
and landscapes contaminated by
human action; here, the sacred quality
65
66
of nature is replaced by sterile
constructions, and water, an element
treated with great “respect” in India,
is used to fill the swimming pools of
those in charge of the “hierarchy” the
contemporary economy (Water-05,
2005).
The Western countries are the most
typical representatives of the way of
life based on consumption and
progress. Blind faith in the possibilities
of the latter has led to the alarming
dominance of technology over nature.
Yet the intentions of urbanized man
are not evil. He dreams of a better life
for himself and his family, and the
ambition that drives him to build
walls, houses and buildings is
genuine: grand “prisons” for the soul,
as Panda expresses it. The
impossibility of finding true
realization in the habitat he has
created forces man to suffer both
physical and psychological pain:
in this situation, the first questions
come to light.
Is there a way out of the vicious
circle? Another “possible world”? The
artist does not answer, but helps us to
reflect. With a simultaneously
nostalgic and ironic gaze, he
photographs the present context from
multiple vantage points, engaging the
viewer in a problematic dimension
that is fascinating precisely because
of the issues it raises.
Animals and everyday objects, painted
with pale colors, invade the world of
Panda with vibrant, picturesque
energy, while enigmatic symbols
suspended between history and myth
reveal themselves to be tools for a
deeper understanding of the existing
world.
All that is left, for man, is the moral
duty to investigate the consequences
of utopias and actions.
Justin Ponmany
The works of Justin Ponmany reflect,
with eclectic minimalism, the rapid
social transformation that has
impacted India in recent years,
especially in Mumbai. The Indian
capital of the economy and
entertainment is going through
radical processes of modernization,
and many zones of the city contain
luxurious shopping centers: small
“theaters”, offspring of the West.
In Ponmany’s works the rigor of
digital photography, more than
painting, conveys meditations on the
future of India in the globalization.
Relying on the concept of “plastic
memory”, he explores the uncertain
condition of the individual, confined
to an intimate dimension to escape
metropolitan promiscuity. He sees the
abandoning of traditions as the main
cause of local decline. Cultural
heritage is at risk in the pact with
“progress”, and it is this loss caused by
those incapable of long-term foresight
that forms the context for the artist’s
critique of the sterile utopia of the
“boom”.
Nevertheless, the only plausible
reaction is not to be found in the
facts, but in a deeper and more
radical change of mentality. More
elastic and “not biodegradable”
(as in the title of the exhibition
Non-biodegradable Memory, Sakshi
Gallery, Mumbai, 2004), the memory
of each individual should not censor
the present, but reconsider it in the
light of the past and the values of
one’s own land.
An ambitious reaction, because it is
expressed and urged through the
immediacy of figurative art.
As with photography, in sculpture and
video installations Ponmany uses
oleographs to capture the essence of
the contemporary world; the ancient
practice of painting meets modern
techniques of graphic reproduction,
establishing a linear contact between
“before” and “after”, also in concrete
artistic experimentation.
The works mainly narrate the story of
people and places that have been set
aside in the name of urbanization and
a Darwinistic conception of survival.
Statues, bodies, animals and everyday
objects float on the surfaces, wrapped
in text fragments (Admit One, 2006)
or geometric settings (Staple Agony II,
Plastic Memory, 2006), in a suspended
atmosphere that assigns the gaze of
the observer the task of translation of
multiple signifiers into logic. In the
digital era, technology reorganizes
perception of the real, making the
public and private spheres collide. The
confines of the self lose their
definition and tend to be sublimated
in the spaces of the city and art.
Wavering between conceptual and
“pop”, oleographic paintings take on
different colors, depending on the
lighting and the vantage point of the
viewer. Natural light, especially when
dim, triggers kaleidoscopic effects,
giving the image an amazing
chromatic richness, approaching
a 3D effect.
For Ponmany, deeply influenced by
inter-media development (especially
related to film) of contemporary
Mumbai, then, technology is
important, but only if it is used for the
purpose of a sincere understanding of
the world and its aesthetics. The
medium is not the message: it is the
tool. «Computer graphics is used
worldwide to edit preparatory
material or forge a specific visual
identity, as is evident in Subodh
Gupta's Transit series. My own
paintings use paint technology to
represent a post-laser era, to
undermine and question popular
associations of holograms» (Justin
Ponmany, interview, 05/2006).
Thukral & Tagra
But the work of Ponmany is also
interaction. Just consider Pledge 02,
the work from 2008 hosted at Palazzo
Saluzzo Paesana during the exhibition
Inside India. The three oleographic
panels fathom the border which
separates the painting from sculptural
expression and engage the visitor in a
deietic relationship, shaping his
experience in a dynamic way.
Sumir Tagra and Jiten Thukral, who go
by the name Thukral & Tagra, portray
the India of the 21st century,
interpreting its new lifestyles and
attitudes, that have emerged
following economic opening to
foreign markets. Indian culture,
profoundly influenced by the
phenomenon of globalization, is faced
by a crossroads between the
international thrust toward the future
and a far from residual rapport with
traditions.
Full of verve, expert in graphics and
design, the two artists feel the need to
redefine the cultural heritage of their
country, acting as the spokespersons
for a productive, multi-form aesthetic
steeped in history, pop elements and
street life.
They observe the contradictions of the
contemporary world with pungent
irony, identifying relevant implications
and divulging them, finally, through
their art. Their favorite target is
“brand fetishism”, a true psychological
eidolon that induces buyers to
attribute exceptional meaning to the
image of a company and its appeal of
the “never seen and never experienced
before”.
One particular focus is the
representation of the Punjab and its
relationships with the cult of
consumption.
Today’s Indian citizens are
participating, often unconsciously, in
the myth-making of occidental goods,
favoring global standardization in
both aesthetic and semiotic terms. T &
T oppose the threat of alienation, but
instead of translating their critique
into bitter accusation or gloomy ire,
they choose to enliven their
reflections on consumption by taking
its logic to extremes, apparently
embracing all its various facets. The
result is “Bosedk”, a unique brand, an
Human history and media abstraction
are the themes that, alternating,
occupy the foreground and the
background of the depictions. Inside
this mutable relationship, the main
paradoxes of the postmodern
condition are explored, and pre-set
answers fade, replaced by beneficial
doubt.
On the canvas, the banal takes on
mythological emphasis, while sight
realizes its potential for interpretation.
Let the chimerical voyage begin.
eccentric stylistic solution, halfway
between English and Punjabi.
Bosedk Design permits full
exploitation of the communicative
aptitude of each material, and sums
up the ambition that pushes T & T
beyond the confines of Pop Art, in hot
pursuit of an “other” creative order,
disorienting but absolutely genuine in
its belonging to a future still to be
revealed. «Everything is pop art now Tagra explains - We have to find a
new word for us. That's our challenge
for the future: What can we do that
hasn't been done before?»
The experiments of T & T include a
remarkable range of expressive forms:
from the object to the painting,
graphics to color. Nevertheless, each
production – even the least
representative – has its own
characteristic features, showing itself
as a precious metonym of a dynamic
but extremely coherent body of work.
Among the most emblematic and
provocative installations, we should
mention the bottles of chocolate
sauce arranged with Warhol-like
precision on shelves during the
exhibition Everyday Bosedk (Nature
Morte, New Delhi, 2006). Each bottle
bears, on its label, the close-up of
a Punjabi youth, dark enough to
suggest a humorous association
between complexion and chocolate.
Most of these curious sculptures were
distributed to visitors during the
exhibition: at this point the visitor is
no longer passive, and becomes a part
of the game. As the exhibition turns
into a performance, the visitor takes
the bottle, and discovers it is empty.
«Our fake brand reflects that - Sumir
says. - It's so fancy. You're tempted to
touch it, but it's empty in essence and
spirit, in the end it's nothing - just like
the Bosedk tonics in our installation».
The brand of T & T, then, is not a
gratuitous hymn to merchandise, but
instead an intense exploration of it,
aimed at revealing its lack of
67
68
substance, concealed behind the
deception of skillful operations of
design and packaging.
The ten hand-painted bottles shown
in the exhibition Inside India return to
this same concept, revealing the
typically late-modern contrast
between being and appearing in an
exhilarating way.
The issue of consumption widely
evoked through crafted reproduction
of the most banal consumer objects
meets with fertile ground for
expression in the more imposing,
theatrical sculptures. One example is
315 Sector 23, a work from 2008
installed at the center of the “Red
Salon”. It reproduces, with miniaturist
precision, the postmodern architecture
of the homes of the “new rich”, proud
representatives of the Indian middle
class recently boosted by the
economic boom. T & T bring out the
bad taste of this ostentation of
wellbeing – metaphorically
represented by the presence of liquor
bottles on the balconies of the houses
– and poke fun at the “Punjabi
Baroque”, transforming suburban
dwellings into crumbling castles
floating on clouds of flowers.
Nevertheless, this creative duo does
not demonize the appreciation of
merchandise, and believes strongly in
the stylistic potential of a new, very
timely way of doing “branding”.
Stylistic potential, but also moral
potential, because the idea is to
isolate, from the great range of
advertising images, promotional
segments oriented toward a useful
work, capable of attracting concrete
interest, far from the privileges of the
few. The language of T & T conquers
the Indian and the Occidental, the
poor and the rich, involving very
different personalities in the delightful
process of “intelligent consumption”.
Another theme of interest for the
artists is that of migration, explored in
the show Nouveau Riche (Nature
Morte, Berlin, 2009), by the paintings
Dominus Aerius elegance or the
Morpheus Paintings. The subjects of
these works are young rowdies with a
presumptuous air, encouraged by
hopes of a future of wealth and
success, who leave India to pursue the
“American dream”. But the bad boy
mask quickly fades and the “mama’s
boy” comes out, incapable of getting
beyond his own ineptitude. It would
be best to laugh it off, but Bollywood
is still far away.
Besides consumption and
immigration, T & T have investigated
social questions of great delicacy like
AIDS and HIV, always attempting to
conserve the lightness that is a part
of all their work. The interpretation of
the two artists avoids catastrophic
forebodings, and encourages safe sex
with a fraternal, amusing slogan: “Put
it on”. This becomes the name of an
exhibition in 2007, at the New York
headquarters of Bose Pacia, full of
works of great visual and emotional
impact, including impressive paintings
with a vaguely Murakamian aesthetic,
simultaneously minimalist and
baroque. In particular, they praise the
consumption of the condom – a clear
example of “intelligent consumption”
– with uncommon elegance, not
without a bit of tender empathy (Let's
Play Safe, 2007).
Narcissistic and rather “un-Indian”,
the art of T & T occupies an
exceptional position on the
contemporary Indian art scene. Their
paintings, like their sculptures and
installations, exist in a region between
the Punjab and the West, and it is in
the poetry of this “middle ground”
that the universe of the two little men
on canvas unfolds.
T & T have truly invented something.
T V Santhosh
The art of T V Santhosh, in paintings
and in sculptures, narrates the
anguishing human condition, faced
with the violence of the contemporary
world, in a truly original way. “War of
History and History of War” has been
the main theme of the output of the
artist, in a disturbing dichotomy also
found in the latest pieces.
Santhosh provokes us and encourages
us to reflect on how the threat of
violence is not limited to the acts of
terrorism and related wars of reprisal
that are a part of our time; it also
extends to a larger, indefinite climate of
fear caused not so much by real events
as by the way they are narrated by
institutional channels, with the
misleading complicity of the mass
media. Every day tragic events happen
in the world, but their nature is
constantly emphasized, not only by the
drastic security measures applied by
governments, but also and equally by
the insistent (dis)informative action
performed by the spectacularizing of a
danger that therefore becomes a
growing obsession. A real danger, of
course, but one that is even more
“perceived”, often to the point of
triggering true states of collective
psychosis. In a recent interview the
artist discussed these issues: «One looks
at the world through the tinted
spectacles of ‘news reports’ that unroll
the stories of massacre of innocents,
spectacular highlights of explosions,
flux of faces of people who make
headlines, spitting the words of hate
and arrogance and the kinds of
propaganda campaigns that just
struggle to hide nothing but truth. It is
a strange world exposed and
manipulated. A world where one does
not know who the real enemy is, yet
‘terror’ is the common word for both
those who resist and those who attack».
Most of Santhosh’s work confronts the
contemporary world in a problematic
way, inviting us to answer the question:
“Who is the true enemy?” (as in the
case of the painting Your Terrorist Our
Freedom Fighter, 2004). The observer
cannot help but feel called upon,
though a pre-set position is certainly
not the right answer to the artist’s
challenge. In the globalized world the
various cultures collide and overheat –
reflecting the communications media in a growing entropy that when it
mixes languages, religions, traditional
models and viewpoints still deeply selfreferential until a few decades ago,
tends to weaken the differences
between the licit and the illicit, justice
and injustice, victim and persecutor.
In the meantime chaos reigns supreme
in the mind of the citizen, while the
threat of the unknown fuels the
engines of the information society.
As a result Santhosh does not use his
art to express a hypothetical political
or ideological credo, and he has
repeatedly defined himself as
“a-political”. His objective, then, is not
militant, but decidedly critical, and
takes the form (so to speak) of the
deepest possible “scan” of the present
contradictions, intervening on the
canvases with great character and
unusual combinations.
From a stylistic viewpoint the
paintings, even more than the other
works, reveal the remarkable evolution
of the artist. Starting with
monochromatic hyperrealism based on
pale yellow sepia tones, he then
experimented with the first
juxtapositions of green and violet, and
then reached the psychedelic effect
that sets all of his latest work apart.
Here the acid colors achieve great
heights of expressive power, in the
choice of tensile relationships between
green, yellow and red, to the point of
conveying the impression of painting
that “performs”, as if “enflamed” by the
violence it displays.
The access to global resources – which
became much simpler in the 1990s
with the rise of the Internet, satellite
TV and the international press – has
given Indian artist, especially the
photorealists, great creative thrust; the
images that dwell on the canvases of
Santhosh, in fact, are taken from the
newspapers and websites. There are
frequent references, in his works, to
cinema narratives of Tarkovskian
inspiration and to scientific
photography, at times combined in a
single creation (just consider
Metabolism Test, in which a laboratory
mouse is inserted in the evocative
context of the “Seventh Seal” of
Ingmar Bergman).
Middle Eastern affairs are often
addressed in the work of the artist.
Though the events on the Gaza Strip
interest him very much, Santhosh does
not dwell too long on the specificities
of the Palestinian/Israeli conflict, and
attempts to observe the facts with the
eye of one who sees war as a tragic
but “democratic” ordeal. The icon, then,
is not chosen for the intrinsic meaning
it represents, but for its capacity to
become an emblem and to “transcend”
the event as such.
Once selected, the images are
processed by computer and reversed
into a negative copy. The final result is
an interesting visual game triggered by
the universalizing neutrality of the
polarized image. «If you turn the image
of an enemy fighter into a negative, all
of a sudden you can no longer
recognize him though it is still the
same image. I found that the negative
image acquires some kind of neutrality
that makes it travel beyond its local
meanings and become something
universal» (from the catalogue TV
Santosh. Unresolved Stories, The Guild,
2004-2007).
The polarized images – already
explored for their aesthetic possibilities
by the likes of Man Ray and Andy
Warhol – are not mere formal
expedients, here, but true cognitive
filters through which we can perceive
reality in all its latent truth: another
way to see something that is
concealed behind the surface of many
credos and ideologies. Only through
the process of “unveiling” is it possible
to understand, at the root, the
mechanisms of media fiction and
political rhetoric, and the work of
Santhosh, in this sense, is an explicit
protest.
The artist’s work includes certain
paintings on canvas that show both
the positive and the negative of the
same image. The copies, side by side,
do not necessarily take on opposite
connotations; they are, in fact, two
dimensions of the same state of being,
and they force the observer to
recognize the ambiguity of the real,
particularly marked in the era of
globalization.
Santhosh interviews history, and does
so with the coolness that leads to a
genuine process of estrangement.
Orient and Occident – just like
polarized images – are two sides of the
same coin, so trying to defend some
supposed unalienable identities is the
best way to fall into psychological
disorder. Pursuit of the objectivity of a
detached gaze becomes a moral
imperative, and taking a distance from
events is the only weapon that serves
to identify and, finally, denounce the
diabolical pact between media
communication and terror.
This poetics is taken up again, and
perhaps even amplified, in the
sculptural installations.
Steel, LEDs and fiberglass are the
materials of the three-dimensional
universe of Santhosh. This is mainly a
metaphorical reconstruction of the
consequences of war disasters
(explosions, collapses, casualties), but
the references to traditions are equally
important. While the inhabitants of
Manipur (in northeastern India) gather
the bones of their loved ones to
conserve their memory, in the early
Christian period the bones of saints
were conserved in the foundations of
churches. After the war, after every
war – suffering, burial, memory of the
living – those LEDs, in the artistic
projection of Santhosh, are translated
into the transfigured reminder of those
absences, that silence, those deaths.
The signature of this work, as urgent
as it is necessary, takes the form, for
us, of the artistic topos of subtle
questioning.
69
ATUL DODIYA
1959 Born in Bombay
Education
1982 BFA, Sir JJ School of Art, Bombay
1991-1992 Ecole des Beaux-Arts, Paris
Selected Solo Exhibitions
2010 If It Rains Fire, Nature Morte, Berlin
2010 Malevich Matters and Other Shutters, Vadehra Art Gallery,
New Delhi
2008 Pale Ancestors, Bodhi Art, Mumbai
2007 Vadehra Art Gallery, New Delhi Museum Gallery, Mumbai
Chemould Prescott, Mumbai
2006 Sumukha Gallery, Bangalore Singapore
Tyler Print Institute, Singapore
Bodhi Art, New Delhi, Mumbai, New York
2005 Faculty of Fine Arts, Vadodara
Bose Pacia, New York
2004 Faculty of Fine Arts, Vadodara
2003 Bose Pacia, New York
2002 Walsh Gallery, Chicago
Sakshi Gallery, Bombay
Reina Sofia Museum, Madrid
2001 The Fine Art Resource, Berlin The Japan Foundation Asia
Center, Tokyo Gallery Chemould, Bombay
1999 Vadehra Art Gallery, New Delhi Gallery Chemould, Bombay
1997 Cima Gallery, Calcutta
1989, 91, 95, 97 Gallery Chemould, Bombay
70
Selected Group Exhibitions
2010 Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin
2009-10 All That Is Solid Melts into Air: Indian Contemporary Art
in Global Times, Lakeeren, Mumbai
2009 Progressive to Altermodern: 62 Years of Indian Modern Art,
Grosvenor Gallery, London
Divagations: Spaces of Possibility, Raza Foundation Awardees Show,
Art Alive, New Delhi
Life is A Stage, Institute of Contemporary Indian Art (ICIA), Mumbai
Art Basel, Nature Morte/Bose Pacia and Gallery Chemould
Urban Manners – 2, curated by Adelina von Fürstenberg, presented
by Art for the World Europa, SESC Pompeia, San Paulo, Brazil.
2008-09 Body Chatter: An Exhibition of Contemporary Indian Art,
Walsh Gallery, Chicago
Where In The World, Devi Art Foundation, New Delhi
2008Material/Im-material, Gallery Collection, Bodhi Art, Gurgaon
Anxious, Galerie Mirchandani + Steinruecke, Mumbai
Modern and Contemporary Indian Art, Vadehra Art Gallery, New Delhi
Multiple Modernities: India, 1905-2005, Philadelphia Museum of
Art, USA
Frontlines: Notations from the Contemporary Indian Urban,
BodhiBerlin, Berlin
Portrait of a Place, Rob Dean Art Gallery, London
2007-08 India Art Now: Between Continuity and Transformation,
Province of Milan, Milan, Italy
2007 Hungry God – Indian Contemporary Art, Busan, Korea (Tour
exhibition)
Private/Corporate IV– Daimler Chrysler Contemporary, Berlin - A
Dialogue of the collections Lekha and Anupam Poddar, New Delhi
and Daimler Chrysler, Stuttgart/Berlin
2006 India Express – Sacred & Popular, the Helsinki City Art
Museum, Helsinki Exhibition Concept – Erja Pusa, Sointu Fritze,
Tuija Kutti Hungry God – Indian Contemporary Art, Arario Beijing,
China
2005 Bhupen among Friends Museum Gallery, Bombay - Presented
by Gallery Chemould, Bombay
Icon: India Contemporary collateral event, 51st Venice Biennale
2004-06 Edge of Desire: Recent Art in India Art Gallery of Western
Australia, Perth; Asia Society Museum, New York; Tamayo Museum,
Mexico City; Museum of Contemporary Art (MARCO) Monterrey,
Mexico; Asian Art Museum, San Francisco; Royal Ontario Museum,
Toronto
2004 Androgene curated by Alka Pande, India Habitat Center,
New Delhi
ZOOM! (Art in Contemporary India) curated by Nancy Adajania,
and Luis Serpa, Museo Temporario/Culturgest, Lisbon The Search
paintings from National Gallery of Modern Art Mumbai, curated by
Dr Saryu Doshi, Omni Society for Fine Arts, Muscat, Sultanate of
Oman South Asian Masters at Alhamra curated by Salima Hashmi,
Alhamra Center, Lahore
Masala Diversity & Democracy in South Asian Art, William Benton
Museum of Art, University of Connecticut Storrs
2003 Under the Skin of Simulation - Three contemporary painters
from India, with Shibu Natesan and Surendran Nair, Fine Art
Resource, Berlin
Sub Terrain - Artworks in the city fold, curated by Geeta Kapur,
Haus der Kulturen der Welt, Berlin
Crossing generations: di VERGE - Forty years of Gallery Chemould,
an exhibition spanning four generations of Indian artists, curated
by Geeta Kapur and Chaitanya Sambarani, The National Gallery of
Modern Art, Bombay
The tree from the seed - Contemporary art from India, curated by
Gavin Jantjes, Henie Onstad Center, Oslo
2002 New Indian Art: Home- Street- Shrine- Bazaar- Museum,
curated by Prof Gulammohammed Sheikh and Dr Jyotindra Jain,
Manchester Art Gallery, Manchester
Capital & Karma: Recent Position in Indian Art, guest curators
Angelika Fitz and Michael Worgottor, Kunsthalle, Vienna
Secular Practice; Recent Art from India, Hoopoe curatorial,
Contemporary Art Gallery (CAG) Vancouver
2001 Yokohama Triennale, Yokohama
Moving Ideas: A Contemporary Dialogue with India, Hoopoe
curatorial, OBORO, Montreal
Century City: Art & Culture in the Modern Metropolis
Bombay/Mumbai,curated by Geeta Kapur and Ashish Rajadhyaksha,
Tate Modern, London
1997 Out of India: Contemporary Art of South Asian Diaspora,
Curated by Jane Farver, Queens Museum of Art, New York
Reality: Contemporary Narrative Painting from India,
Contemporary Art Museum, Houston, Texas
Tryst with Destiny: Art from Modern India, Singapore Art Museum;
Singapore
Indian Contemporary Art: Post Independence, NGMA New Delhi
1988 India/Contemporary Art, World Trade Center, Amsterdam
RIYAS KOMU
1971 Born in Kerala, India
Education
Bachelors in Fine Arts, Sir J.J. School of Art, Mumbai
Masters in Fine Arts, Sir J.J. School of Art, Mumbai (1999)
Select Solo Exhibitions
2010 Subrato to César, Gallery Maskara, Mumbai
2009 Sakshi Art Gallery, Mumbai
2008 Bodhi Art Gallery, Berlin
Mark Him (Second half), Gallery 88, Kolkata
2007 Mark Him (First half), The Guild Art Gallery, Mumbai
2006 Systematic Citizen, Palette Art Gallery, New Delhi
Faith Accompli, Sakshi Gallery, Mumbai
2005 The Third Day, Lalit Kala Academy, Rabindra Bhavan,
New Delhi presented by Sakshi
Gallery, Mumbai
GRASS, photography show, The Guild Art Gallery, Mumbai
2003 Sarasu, photography show on Raja Ravi Verma Press,
The Guild Art Gallery, Mumbai
2002 UNCONDITIONAL, Sakshi Gallery, Mumbai
2002 – 2003 AMBULANCE, Renaissance Art Gallery, Bangalore
Select Group Exhibitions
2008 The Ghost of Souza, inaugural show in Bowery space,
Aicon Gallery, New York
2007 Think with the Senses – Feel with the Mind. Art in the
Present Tense, 52nd International
Art Exhibition, Venice Biennale
INDIA NOW: Contemporary Indian Art Between Continuity and
Transformation, Provincia di Milano, Milan, Italy
(through February 2008)
Kashi ten light years, Kashi Art Gallery, Mattancherry, Kochi
Frame/Grid/Room/Cell/, Bodhi Art Gallery, Mumbai
INDIA TIME,Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi, Milan, Italy
Swarovski Museum, Innsbruck, Austria
New Wave: Contemporary Indian Art, Aicon Gallery,London , UK
Grid, Bodhi Art Gallery, New Dehli
Photographs, Guild Art Gallery, Mumbai, India
Other, inaugural show, Aicon Gallery, London, UK
Annual show, Sakshi Gallery, Mumbai, India
2006 Bronze, sculpture show, Rabindra Bhavan, New Delhi
Art on the Beach, Made by Indians, St Tropez, Gallery Enrico
Navarra, Paris
On Difference #2 (represented Korea), Wurtt. Kunstverein,
Stuttgart, Germany
Maarkers, Bodhi Art Gallery, Mumbai
Red Earth And The Pouring Rain, Lanxess ABS Gallery, Baroda
Strangeness, Anant Art Gallery, Kolkatta
2005 KAAM, Aicon Gallery, New York and Palo Alto
Span, Sakshi Gallery, Mumbai
Endless Terrain, Lalit Kala Academy, Rabindra Bhavan, New Delhi
Double Enders, Mumbai, Delhi, Bangalore, Cochin
Present Future, National Gallery of Modern Art, Mumbai
Configurations, Anant Art Gallery, New Delhi
Are we like this only? Rabindra Bhavan, New Delhi
Whose space is it anyway? Gallery Espace, New Delhi
Mannat Jali, Marine Drive, Mumbai
Public Art Project, Gallery Chemould, Mumbai
World Social Forum, Brazil.
2004 Group show during VASL Residency, Karachi, Pakistan
Anticipations, Museum Gallery, Mumbai
Bombay Boys, Palette Art Gallery, New Delhi
A New Mediatic Realism, Bayer ABS Gallery, Baroda, India
Generation I, Saffron Art Gallery, Mumbai
RED, Palette Art Gallery, New Delhi
Mumbai x 17, Kashi Art Gallery, Cochin, India
2003 Crossing Generations:Diverge, 40 years of Gallery Chemould,
National Gallery of Modern Art, Mumbai
Highlights, Sakshi Gallery, Mumbai
2D/3D, Visual Art Center, Hong Kong
Ideas and Images, National Gallery of Modern Art, Mumbai
Art for Art/ Switzerland Meets India, Kala Ghoda Festival, Mumbai
2002 Ways of Resisting 1992- 2002, Sahmat/ Rabindra Bhavan,
New Delhi
71
Words and Images, The Guild Art Gallery/ National Gallery of
Modern Art, Mumbai
Creative Space, Sakshi Gallery/ India Habitat Center, New Delhi
Crosscurrents, Jehangir Art Gallery, Mumbai
Asian Art Festival, Singapore
Harmony Shows (2004-1999), Nehru Centre, Mumbai
Debt, The Guild Art Gallery, Mumbai
Tribute to Picasso, The Guild Art Gallery, Mumbai
2001 The Human Factor, Jehangir Art Gallery, Mumbai
Engendering Images of women, The Guild, Mumbai
Excerpts from my diary, Fine Art Company, Mumbai
2000 Mumbai Metaphor, Tao Art Gallery, Mumbai
Exile Longings, Lakeeren Art G
JAGANNATH PANDA
1970 Born in Bhubaneswar
Education
2002 Master of Arts, Fine Sculpture, Royal College of Art, London
1997 Visiting Research Fellow, Fukuoka University of Education,
Japan
1994 Master of Fine Arts (Sculpture), M.S University, Faculty of Fine
Arts, Baroda
1991 Bachelor of Fine Arts (Sculpture), B.K College of Art and
Crafts, Bhubaneswar
72
Solo Exhibitions
2009 The Action of Nowhere, Gallery Nature Morte, New Delhi;
Alexia Goethe Gallery, London
2007 Nothing Is Solid, Gallery Chemould, Mumbai
2006 Berkley Square Gallery, London
2005 Gallery Nature Morte, New Delhi
2000 Gallery Chemould, Mumbai
Nature Morte at the Hungarian Information and Cultural Centre,
New Delhi
1998 Za moca Foundation Gallery, Tokyo
Group Exhibitions
2010 Looking Glass, Religare Arts Initiative, New Delhi
Commonwealth Games Exhibition - Lalit Kala Akademi, New Delhi
Astonishment of Being, Birla Academy, Kolkata - Studio La Città,
Verona
Inside India, Palazzo Saluzzo Paesana, Turin
2009 Beyond Globalization, Beyond Art Space, Beijing
India Xianzai, MOCA, Shanghai
Chalo! India, Mori Art Museum, Tokyo; Contemporary Art Museum,
Seoul; Essl Museum, Vienna
2008 Where in the World, Devi Art Foundation, New Delhi
Urgent Conversations, Art Alive, New Delhi
Sub-Architecture-Continental, Galerie LeGaillard, Paris
2007 Frame, Grid, Room, Cell, Bodhi Art Mumbai
Hear and Now: Young Voices from India, Grosvenor Vadehra, London
Private/ Corporate-iv, Daimler Chrysler Contemporary, Berlin
2006 Shadow Lines Vadehra Art Gallery, New Delhi
2005 Palette Gallery, New Delhi
Paths of Progression, Bodhi Art, New Delhi and Saffronart, Mumbai
(travels)
Gallery Nature Morte, New Delhi
'Negotiating Matter', Anant Art Gallery, New Delhi
Are We Like This Only?, Vadhera Gallery at Rabindra Bhawan, New Delhi
2004 Galleri 27 Oslo, Norway
Generation-1, Saffronart and the Guild Art Gallery, Mumbai
Gallery Nature Morte, New Delhi
2003 Dots and Pixels, Gallery Espace, New Delhi
2002 Graduate Show, Royal College of Art, London
Hockney Gallery, Royal College of Art, London
Dali Universe, London
2001 Royal College of Art, London
2000 Khoj International Exhibition, the British Council, New Delhi
Lalit Kala Akademy, Bhubaneshwar
1999 Edge of the Century, Art Inc. Gallery, New Delhi
1997 The Sight of Asia, Fukuoka, Japan.
1996 Manifestation of Visual and Verbal. New Delhi
Punjab Lalit Kala Akademi, Chandigarh
1995 Beyond the Shores, Rabindra Bhawan, New Delhi
1994 Jehangir Art Gallery, Mumbai
1993 Bal Bhawan, Daman
1990 Rabindra Bhawan, New Delhi
1989 Museum of Fine Arts, Chandigarh
JUSTIN PONMANY
1974 Born in Kerala, India
Education
1996 BFA (painting), Sir J.J. School of Art
2008 Gallery Loop, Hongdae, Seoul
2007 Who's keeping Score, Bose Pacia Gallery, New York
2006 Procreation, Nature Morte, Milan
2005 Salt (Plastic Memory-Part II), Nature Morte, India
2004 Non-biodegradable Memory, Sakshi Gallery, Mumbai
2009-10 All That Is Solid Melts Into Air: Indian Contemporary
Art in Global Times, Lakeeren, Mumbai
2009 Living of the Grid, Anant Art Centre, New Delhi
Dear Jabir, The Guild Art Gallery, Mumbai
Indian Summer, Galerie Christian Hosp, Berlin
Multitudes, Goethe-Institut / Max Mueller Bhavan, Bangalore in
collaboration with Zen Studio Gallery and Artflute.com
Re-Claim/ Re-Cite/ Re-Cycle, presented by Latitude 28 at
Travancore Art Gallery, New Delhi; Bose Pacia, Kolkata
Shapeshifter, Aicon Gallery, London
The Other (Indian) Story: Retrospecting Lakeeren-The
Contemporary Art Gallery (1995-2009), presented by Lakeeren at
The Gallery of Modern Art, National Centre for the Performing Arts
(NCPA), Mumbai
Threshold: Forging Narratives in South Asian Contemporary Art,
Aicon Gallery, New York
Material Texts, Kashi Art Gallery, Kochi
2008-09 Signs Taken for Wonders: Recent Art from India and
Pakistan, Aicon Gallery, London
2008 November, 1x1 Contemporary, Al Quoz, Dubai
Indian Art at Swarovski 'Crystal World' Show, 2nd Exhibition, Tirol –
Österreich, Austria
Indi Genius, presented by Sakshi Gallery and Soka Contemporary
Space, Taipei at Sakshi Gallery, Mumbai
2007 Thermocline of Art, New Asian Waves, ZKM, Museum of
Contemporary Art, Karlsruhe, Germany
Swarovski Crystal World Show, Austria
The Armory Show, Nature Morte, New York
Photography, Video, Mixed Media III, Daimler Contemporary,
Daimler Chrysler, Stuttgart; Berlin, Germany
Private/Corporate IV-A Dialogue of the Collections Lekha and
Anupam Poddar, New Delhi, and Daimler Chrysler, Stuttgart/Berlin
2006 Fiac Art Fair, Nature Morte/ BosePacia, Paris
Art Basel, Nature Morte, Switzerland
Hungry God-Indian Contemporaries, Arario Gallery, Beijing
2005 Three Person Show, Bombay Art Gallery, Mumbai
Outside Europe, from the Daimler Chrysler Collection, Galerie Der
Stadt, Sindelfingen (Stuttgart), Germany
The artist lives and works in Baroda/ Bombay/ Calcutta/ Mysore/
Rotterdam/ Trivandrum, House of World culture, Berlin
Whose Space Is It Anyway?, Gallery Espace, New Delhi
We are like this only, Vadhera Art Gallery, New Delhi
Arad Biennale, Romania
Summer Show, curated by Peter Nagy, Nature Morte, New Delhi
Present Future, curated by Saryu Doshi, N.G.M.A., Mumbai
Identity Alienation Amity, curated by Bina Sarkar Ellias, Tao Art
Gallery, Mumbai
Span, Sakshi Gallery, Mumbai
Double Enders, Jehangir Art Gallery, Mumbai
2004 Bombay x 17, Kashi Art Gallery, Cochin
Metallic, The Palette Art Gallery, New Delhi
Ideas and Images, curated by Saryu Doshi, N.G.M.A., Mumbai
Bombay Boys, The Palette Art Gallery, New Delhi
2003 Awardees, Bose Pacia Gallery, New York
Highlights, Sakshi Gallery, Mumbai
Ideas and Images, curated by Saryu Doshi, N.G.M.A., Mumbai
Camp Show, The Guild Art Gallery, Mumbai
Inaugural Show, The Indian Habitat center, Viart Gallery, Delhi
4 Artists, Sakshi Gallery, Bangalore
Art for Art an Indo-Swedish Project on "Bench Art', Kalaghoda,
Mumbai
2002Words and Images, the Guild Art Gallery, N.G.M.A, Mumbai
Cutting Edge Contemporary, Art Edge, N.G.M.A, Mumbai
Tenth Anniversary Exhibition, Sakshi Gallery, The Indian Habitat
Center, Delhi
Crosscurrents, Jehangir Art Gallery
The New Paradigms, the Indian Habitat Center, Delhi
Debt, The Guild Art Gallery, Mumbai
The 7- Harmony Show, Nehru Center, Mumbai
2000 Embarkations, (The Millennium Show), curated by Yashodhara
Dalmia, Sakshi Gallery, Mumbai
The Mumbai Metaphor, curated by Anupa Mehta, Tao Art Gallery,
Mumbai
Exile and Longing, Lakheeren Gallery, Mumbai
Memos for the New Millennium from Artists of the Molting World,
curated by Abhay Sardesai, Birla Academy of Art and Culture,
Mumbai
1999 Wall Paper Kala Ghoda Art Fair Mumbai and Lakheeran
Gallery, Mumbai
Legatee Sir J.J.School of Art Fine Art Company Gallery, Mumbai
Inaugural Show, Fine Art Company Gallery, Mumbai
Icons of the Millennium, Lakheeren Gallery, Mumbai
1998 Windows to the Soul, Auction in Aid of NAB conducted by
Sotheby's, Mumbai
Indian Contemporary Art, the RPG Collection, Germany
73
T V SANTHOSH
1968 Born in Kerala
Education
1994 B.F.A in Sculpture, Kalabhavan, Santiniketan, West Bengal
1997 M.A. (Fine) in Sculpture, Faculty of Fine Arts, M.S.U, Baroda
2010 Burning Flags, Aicon Gallery, London, in collaboration with
The Guild
2009 Living with a Wound, Grosvenor Vadehra, London, in
collaboration with The Guild
2008 A Room to Pray At Avanthay Contemporary, Zurich, in
collaboration with The Guild, Mumbai
2008 Countdown, Nature Morte Delhi, in collaboration with The
Guild Art Gallery Mumbai
2006 Scars of an Ancient Error, Singapore Art Fair presented by The
2005 False Promises, Grosvenor Gallery London, in collaboration
with The Guild Art Gallery Mumbai
2004 Unresolved Stories, Nature Morte Delhi, in collaboration with
The Guild Art Gallery Mumbai
2003 One Hand Clapping/Siren, Jehangir Art Gallery Mumbai
presented by The Guild Art Gallery Mumbai
1997 At Faculty of Fine Arts Gallery, MSU, Baroda
74
2009 Failed Plot, curated by Gayatri Sinha, India Special Exhibition
at KIAF 09, Korea International Art Fair
2009 Purple Wall Project curated by Gayatri Sinha at India Art
Summit, New Delhi
2009 The Armory Show, New York
2009 ARCO 09, Madrid
2009 Progressive to Altermodern: 62 Years of Indian Modern Art,
Grosvenor Gallery, London
2009 In the Mood for Paper, F2 Gallery, Beijing
2008 Art Amsterdam 08
2008 Basel Art Fair, with Nature Morte
2008 Sh Contemporary, Shanghai
2008 101 Tokyo: Contemporary Art Fair, Tokyo
2008 Signs Taken for Wonders: Recent Art from India and
Pakistan, Aicon Gallery, London
2007 Year 07, London, presented by Grosvenor Vadehra
2007 Basel Art Fair, with Nature Morte
2007 Kashi Art Gallery, 10th Anniversary show, Kochi
2007 India 20, organized by Alekhya Foundation, Vadodara
2006 Here and Now: Young Voices From India, Grosvenor Vadehra
London
2005 Kaam, Arts India New York
2005 Change of Address, The Guild Art Gallery Mumbai.
2005 Paths of Progression, Saffronart and Bodhi Art Delhi,
Mumbai, New York and Singapore
2005 Endless Terrain, Yashodhara Dalmia, Rabindra Bhavan New
Delhi
2005 2005 Whose Space is it anyway? Curated by Gallery Espace
Delhi in collaboration with The Guild Art Gallery, Mumbai
2005 Are We Like This Only? Vadehra Art Gallery Delhi
2004 Bombay Boys, Palette Art Gallery Delhi
2004 A Tribute to Bhupen Khakhar, Tao Art Gallery Mumbai
2004 Generation I, Saffron Art Gallery in collaboration with The
2004 Red at Palette Art Gallery Delhi
2003 The Dual Path of Indian Art Today, Galerie Mueller & Plate
Munchen
2003 Highlights, Sakshi Mumbai
2002 Trans-Figuration, Curated by Yashodhara Dalmia, Presented
by Art Inc, India Habitat Centre Delhi
2002 Words and Images, by The Guild Art Gallery, NGMA Mumbai
2002 The Contemporary Asian Art Fair, by The Guild Art Gallery in
Singapore
2002 Mela- A Carnival of Indian Art, Curated by Anupa Mehta,
RPG Show, at Jehangir Art Gallery
2002 Tribute to Picasso, The Guild Art Gallery, Mumbai
2002 The Human Factor, by The Guild Art Gallery at Jehangir Art
Gallery
2001 Excerpts from my Diary Pages, Curated by Sasha Altaf, Fine
Art Company Gallery
2001 Engendering Images of Women, The Guild Art Gallery
Mumbai
2001- 2004 Harmony Show, at Nehru Center Mumbai
2000 Exile and Longing, Lakeeren Art Gallery Mumbai
2000 Kala Ghoda Show on Functional Objects, by The Guild Art
Gallery Mumbai
THUKRAL & TAGRA
Jiten Thukral
1976 Born in Jalandar, Panjab, India
Sumir Tagra
1978 Born in New Delhi, India
Jiten Thukral - Education
1998 Bachelor of Fine Arts, Chandigarh Art College, Chandigarh
2000 Master of Fine Arts, Delhi College of Art, New Delhi
Sumir Tagra - Education
2001 BFA, Delhi College of Art, New Delhi
2006 PG, Communication Design, National Institute of Design,
Ahmedabad, India
Shankar's Academy of Arts, New Delhi
2011 Nature Morte, New Delhi
Thukral & Tagra Foundation, Project Booth, Art Summit, New
Delhi
Tokyo Gallery and Tokyo Art Fair, Tokyo
2010 Low-Tech Family Vacations, Singapore Tyler Print Institute,
Singapore
Arario Gallery, Seoul
Ullens Center for Contemporary Art, Beijing
2009 Max Wigram Gallery, London
Singapore Tyler Print Institute, Singapore
Nouveau Riche, Nature Morte Berlin, Berlin
2008 New Improved Bosedk at Chatterjee & Lal, Mumbai
Trident Hotel, Gurgaon, presented by Nature Morte
Somnium Genero – 02 at Gallery Barry Keldoulis, Sydney
Somnium Genero – café at Tokyo Art Fair, presented by Nature
Morte
2007 Adolescere-Domus at Art Statements, Art Basel, presented
by Bose Pacia / Nature Morte
Put it On, Bose Pacia, New York
Everyday Bosedk, Nature Morte, New Delhi
Vector Classics, at Jehangir Nicholson Gallery, NCPA, Mumbai
2006 Vector Classics, at Alliance Francaise, New Delhi
2011 Lyon Biennale – Lyon, France
Maximum India - Kennedy Center, Washington D.C.
2010 Richmond Art Gallery, Vancouver
Urban Matters 2 - SESC Pompie, Sao Paulo
Khoj-in-Context - Public Art.Ecology, New Delhi
11th Hour - Tang Contemporary, Beijing
Inside India - Palazzo Saluzzo Paesana, Turin
Commonwealth Games Exhibition, Lalit Kala Akademie, New Delhi
2009 ARCO, Madrid, presented by Nature Morte
Not Alone, Durban Art Galley, Durban
Visitar II, Stainless Gallery, New Delhi
Passage to India II, Initial Access, Wolverhampton
Chalo India!, National Museum of Contemporary Art, Seoul
Chalo India!, Essl Museum, Vienna
India Xanzai, Museum of Contemporary Art, Shanghai
Confines/Frontiers, IVAM, Valencia
A Work of Persol, Galleria Otto Zoo, Milan
Art Summit, New Delhi, presented by Nature Morte
Trident Hotel, Gurgaon, presented by Nature Morte
Frieze Art Fair, London, presented by Max Wigram
Asian Art Biennial, National Taiwan Museum of Fine Arts, Taipei
Vancouver Sculpture Biennale, Vancouver
Artissima Art Fair, Turin, presented by Max Wigram
Asia Pacific Triennial, Queensland Art Gallery, Brisbane
2008 The Audience and the Eavesdropper: New Art from India &
Pakistan, Philips de Pury & Company, London and New York
Chalo India!, at Mori Museum, Tokyo
Art Basel 39, presented by Bose Pacia / Nature Morte
Make Art Stop AIDS, at UCLA Fowler Museum, Los Angeles
Imaginary Realities, at Max Wigram Gallery, London
2007 Face East, at Wedel Fine Arts, London
Animamix Biennial 2007, at The Museum of Comtemporary Art,
Shanghai
New Delhi/New Wave at Marella Gallery, Milan
Size Matters at Art Consult, New Delhi
Galerie Mirchandani + Steinruecke, Mumbai
FIAC, Paris, presented by Bose Pacia / Nature Morte
2006 FIAC, Paris, presented by Bose Pacia / Nature Morte
Taipei Art Fair, Taipei, presented by Nature Morte
Global Edit 06, Armani Casa with Wallpaper Magazine, Milan
2005 Nature Morte, New Delhi
Iconography, at Nature Morte, New Delhi
2004 Visual Dialogue, at Hype Gallery, London
75
IN COLLABORAZIONE CON
IN COLLABORATION WITH
Palazzo Saluzzo Paesana
L’Appartamento Padronale
GRAFICA PIEMONTESE
Atul Dodiya
Jagannath Panda
Justin Ponmany
Riyas Komu
Thukral & Tagra
T V Santhosh
www.insideindia.it

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