il cubismo - pablo picasso

IL CUBISMO - PABLO PICASSO
Il Cubismo movimento è più significativo e trascendente della storia della pittura occidentale dal
Rinascimento, quindi bisogna rompere con l'estetica classica , il concetto di bellezza e nuovi modi di
osservare la natura.
Picasso è l'origine della creazione di cubismo e dei suoi riflessi pittorici rappresentativi. Ma anche il suo
inventore teorico, insieme a Georges Braque e Juan Gris.
Juan Gris, Ritratto di Picasso, 1912, olio su tela, Art Institute of Chicago
Le sue opinioni sono del tutto sconosciuta nell'arte. Consente di creare un nuovo linguaggio pittorico
ed estetico che implica un nuovo rapporto tra lo spettatore e l'opera d'arte. Lo spettatore non può
rimanere senza contemplare l'opera, ma deve ricostruire nella sua mente per capirlo . La pittura è
una cosa mentale, lo spettatore interpreta la realtà secondo le linee guida fornite il lavoro e diventa un
artista, un creatore. La nuova estetica si stacca completamente dallainterpretazione o somiglianza
con la natura , il che significa che l'opera d'arte ha valore in sé, come un mezzo per esprimere
idee . Questodisaccoppiamento della natura è ottenuta attraverso la scomposizione della figura in
parti minime. Questa decomposizione non è casuale, ma è studiata e calcolata per consentire figura
ricomposizione mentale .
Juan Gris, Chitarra e Mandolino, 1919, Galerie Beyeler, Basilea
Cubismo è un movimento artistico che raffigura soggetti e oggetti provenienti damolteplici punti di
vista , come concepito dalla mente e non come si vedono, i soggetti e gli oggetti sovrapposti, nello
stesso spazio con percorsi geometrici angolari e di uso limitato di colori. Questo è un movimento
artistico del primo quarto del XX secolo, con la sua composizione della figura e le sue dimissioni
dal punto di vista tradizionale , ha rivoluzionato il mondo della pittura.
I cubisti credevano che l'arte deve imitare la natura o la rappresentazione di oggetti come percepito dai
sensi umani, ma suddivisi nelle sue parti fondamentali , che sovrapposti o giustapposti fornire
altre foto di loro.
Pablo Picasso, Ritratto di Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute di Chicago
Cubismo è un nuovo linguaggio e una nuova estetica, completo ripensamento della pittura e delle arti
visive. Cubismo si occupa della rappresentazione del movimento e quindi di tempo:. quarta
dimensione tempo s 'assume un nuovo significato dopo la teoria della relatività Enstein. Il quadro
cubista asserisce di rappresentare, al contempo, tutti i possibili modi di vedere una figura, ciò significa
che lo spettatore è costretto a muovere gli occhi per ricomporre la figura. Laquarta dimensione è nella
mente umana , vediamo il mondo che si muove con il passare del tempo, e questo è ciò che è
destinato a catturare la pittura cubista.
Picasso inizia a dipingere come un pittore modernista attaccato alla tradizione realista. Nel
cosiddetto periodo blu dipinto figure malinconiche avvolti in una atmosfera bluastra tonalità presto
sostituita dalla rosa. Il periodo blu può essere considerato il primo personal puramente artistico periodo
Picasso. Questo tinge sembrava monocromatico marrone, porpora, giallo verde o blu, ma sempre
subordinato. Pur avendo iniziato in Francia, il periodo blu sviluppato principalmente in Catalogna e una
parte della produzione è nel Museu Picasso di Barcellona. Durante la mostra interesse azzurro per le
questioni sociali e le denunce che nascondono allo stesso tempo una profonda riflessione sulla
condizione umana.
Pablo Picasso, Poveri in riva al mare, 1903, Washington, National Gallery of Art
Nel Periodo Rosa cambia totalmente la tavolozza dei colori, introducendo il rosso e rosa. L' Periodo
Rosa ha avuto inizio nel 1904 e la sua insorgenza è determinata da circostanze personali. Il passaggio
dal blu al rosa, non è rigida, ma si verifica gradualmente e alcune delle opere presentate elementi
iconografici e tematici comuni. Il nome "rosa" comporta fondamentalmente un ammorbidimento di toni e
di direzione tematica con la comparsa di personaggi legati al mondo del circo.
Pablo Picasso, La famiglia del saltimbanco, 1905, Washington, National Gallery of Art
Il dipinto Les Demoiselles d'Avignon (1907) segnò l'inizio del cubismo. Il pittore si ispira l'arte
geometrica e magia nera per abbattere le figure in motivi geometrici e di ottenere un senso di
profondità da piani sovrapposti. In questo lavoro di Picasso rompe tutte le regole tradizionali della
pittura figurativa in volàumenes prospettiva frammentano quadrato e angolare. Il titolo si riferisce a un
bordello di Barcellona si trova in una strada con lo stesso nome. Si percepisce l'influenza di Cézanne,
l'arte e la scultura iberica nero. Le donne che appaiono nude hanno deturpato il volto, alcuni dei quali
assomigliano maschere africane.
Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907, New York, Museum of Modern Art
Occasionalmente recupera la tradizione realista, coltivare astrazione, surrealismo e la pittura
scultorea. La tua naturale tendenza a trasformare la realtà assume un nuovo slancio sotto il segno
dell'espressionismo, che si conclude con l'orientamento di Guernica (1937), caso contro la tragedia
che si stava svolgendo la guerra in Spagna, e che da bianco, nero e grigio diventa un dramma intenso.
Il Guernica è il simbolo immagine dell'orrore della guerra civile spagnola e il bombardamento del 26
Apr 1937 che distrusse la città basca di Guernica.Risponde alle modalità intellettuali dei cubisti, il
simbolismo del surrealismo e della distorsione espressionista.
Pablo Picasso, Guernica, 1937, Madrid, Reina Sofia Art Center
Dopo la seconda guerra mondiale ricrea pittori famosi come Velazquez - Las Meninas - e recupera le
scatole chiare del Mediterraneo.
Pablo Picasso, Las Meninas, Museu Picasso, Barcelona
Cubismo FASI
Nel cubismo distingue tradizionalmente diverse fasi o stili:
Protocubism O CUBISMO CEZANIANO
E 'caratterizzata da forme identificabili, che sono ridotte a forme geometriche pure.
Georges Braque, Case alla Pond, 1908 Berna, Kunstmuseum
ANALITICA CUBISMO
Cubismo analitico decomposizione è caratterizzato dalla forma e figure in più parti, ciascuna
geometriche. Il suo scopo è quello di conoscere, valutare e ordinare separatamente. Cubismo è la più
pura e la più difficile da capire. Cubista estetico è autentico, il creatore della nuova lingua.
Il dipinto è grigio quasi bianco e nero e ocra. I colori di alcun interesse in questo momento perché la
cosa importante era i diversi punti di vista e il geometrico, non cromatismo. Feron lo sviluppo di
un nuovo linguaggio per analizzare la comunanza e si decompone in più elementi
geometrici. Le opinioni moltiplicarono , lasciando l'unità in modo permanente punto di vista
prospettiva rinascimentale.
Questo periodo è chiamato anche il cubismo ermetica, come la quantità di punti di vista rappresentati,
alcune opere sembrano quasi astratta. Il colore non ha aiutato, essendo praticamente convenzionale
bianco e nero e spesso non correlato al colore reale dell'oggetto.
L'immagine renderizzata era indecifrabile, quasi impossibile da vedere, ma per alcuni oggetti come un
tubo, o lettere di giornale, che distingue ciò che è rappresentato.
Pablo Picasso, Ritratto di Ambroise Vollard, 1910 Mosca, Museo Pushkin
SINTETICO CUBISMO
Cubismo sintetico si caratterizza per il più significativo rafforzamento della figura, riducendola alle sue
più pure forme geometriche. Non un cubismo semplificatore, ma più facile da leggere. E 'altamente
strutturato e la spinta più significativa, o che si desidera evidenziare.
Braque era chi ha iniziato questa ultima fase del cubismo di ISED papier collés ,colpendo direttamente
carte vernice decorati. Picasso e Braque hanno iniziato ad integrare l'arte come pagine di diario e carte
da parati, tecnica nota come collage.
Nel 1912 Picasso realizza il suo primo collage , Natura morta con sedia fustigazione (Musée Picasso,
Parigi), che ha aggiunto alla tela e la polpa di gomma. Il colore è più ricco nella fase
precedente. Queste opere sintetiche sono più semplici, più facili da capire in termini che sono più
figurativo, è chiaro ciò che si intende rappresentare. Gli oggetti sono ridotti ai loro attributi essenziali a
quella che caratterizza in modo inequivocabile.
Le foto sono fatte da vari materiali di uso quotidiano che bloccato o inchiodati alla tela, e tappezzeria
carta straccia, giornali, musica, giocare a carte, pacchetti di sigarette o di scatole di fiammiferi. Il tavolo
è costruito con elementi diversi, pittura ad olio tradizionale o nuovo come carta da giornale.
Pablo Picasso, Natura morta con sedia fustigazione, 1912, Parigi, Musée Picasso
Bibliografia
"Storia dell'Arte" in Spagna e America Latina, Sebastian Quesada Marco, Edelsa, didascalia Group, SA
Antoni Gaudí
Antoni Gaudi, Casa Batlló
Quando a 26 anni Antoni Gaudí (1852-1926) ottenne il titolo di architetto, il preside ha detto che
"abbiamo attribuito diploma o addirittura un genio folle, solo il tempo ci darà la risposta." Gaudí
diventerà la più alta personalità di spagnolo modernismo architettonico.
Antoni Gaudi, Casa Milà
Gaudi è stato ispirato dalla natura, perché non si utilizza mai gli angoli retti, dal momento che non
esiste, e lei ha capito le affascinanti forme delle loro creazioni tra astratto e naturalistico ", stabilendo un
nuovo linguaggio spaziale e lirica oggi è ancora rivoluzionaria "(Norman Foster). Ha anche ispirato
gli stili mozarabici e moresco del gotico catalano e il barocco , ha preso tutti i materiali estetici e di
costruzione come ceramica smaltata , in pietra e mattoni , e ha fornito le innovazioni tecniche ,
come le travi in cemento armature curve . Il suo arredamento ei colori sono anche ispirati alla natura.
Antoni Gaudí, Finca Güell
Gaudí era un architetto con un innato senso della geometria e il volume, e una grande
immaginazione. In effetti, raramente eseguiti i piani dettagliati delle sue opere, preferendo di ricreare
modelli tridimensionali, fusione tutti i dettagli in base alle mentalmente concepire andare.
Antoni Gaudi, Casa Batlló, modello
Dotato di una forte intuizione e la creatività , Gaudí concepì i suoi edifici in modo globale, prendendo
in considerazione sia le soluzioni strutturali come funzionale e decorativo. Studiato nei minimi dettagli
delle sue creazioni, integrando architettura di una serie di mestieri che ha imparato alla perfezione:
ceramica, vetro, ferro forgiatura, carpenteria, ecc.
Antoni Gaudi, Casa Milà
Egli ha inoltre introdotto nuove tecniche per il trattamento dei materiali, come i suoi famosi "Trencadís"
fatto di pezzi di ceramica di scarto.
Antoni Gaudì, Park Guell, Trencadís
Gaudí era oltre il modernismo ortodosso, creando uno stile personale basato sull'osservazione della
natura, il cui risultato è stato il suo uso di forme geometriche governati.
Antoni Gaudi, Casa Milà
Il Barcellona nella seconda metà del XIX secolo era una città in crescita, a causa della sua industria in
piena espansione e la sua borghesia imprenditoriale dinamica, patrona delle arti e delle lettere e dotato
di artisti di genio come Gaudi, che ha avuto Eusebio Güell un grande mecenate e il suo più grande
cliente.Questo urbanize commissionato imprenditore tessile possedeva un podere nel comune di
Gracia (Barcellona).
Gaudí concepì una città giardino per la ricreazione degli abitanti delle sessanta case sperava di
costruire sul sito. E 'stato proposto di trasformare una grande tenuta nel nord di Barcellona, roccioso e
irregolare, in una zona residenziale.Applicato in questo nuovo spazio di concezione di lavoro e il senso
di ornamentazione. Grandi edifici nel parco sono la Grande Scalinata che collega l'ingresso con il
tempio dorico, set di 84 colonne che sostengono il Teatro Greco e la chiamata Porter, edificio di
servizio su un ingresso laterale. Gli edifici sono in pietra e ci sono grandi aree coperte con pezzi di
piastrelle della provenienza più varia. Sebbene guerra mondiale fatto fallire questa operazione
immobiliare, che ci dà progetto è stato rilasciato al pianificatore Gaudí, difensore della natura, creatore
di scene bucoliche e sperimentatore di nuove tecniche costruttive, ispirate dalla cultura popolare.
Il Parco Güell è stato completato nel 1914, dal 1922 è Parco Municipale pubblico nel 1969, è stato
dichiarato Monumento Nazionale Storico-Artistico e nel 1984, l'UNESCO ha aggiunto alla lista dei
monumenti dichiarati patrimonio dell'umanità.
Antoni Gaudì, Park Guell
Genio di Gaudì trasformato una casa tra tipico del quartiere Eixample del diciannovesimo secolo, in
uno degli edifici più singolari dell'architettura di Barcellona: la Casa Batlló (1904-1906).
Gaudí ha effettuato una riforma globale. Sulla facciata aggiunto una galleria, nuovi balconi e ceramiche
policrome. All'interno, riorganizzato l'spazi, unificando la scalinata e il cortile esistente per ottenere più
luce e ventilazione. Ha completato il suo intervento con l'aggiunta di due piani, rifinito con una
spettacolare corona in ceramica.
Antoni Gaudi, Casa Batlló
Gaudi è stato l'architetto scelto da Mr. Pere Mil à paio costruzione di una casa, La Pedrera e Casa
Mil à , spettacolare nel viale più cosmopolita del tempo Barcellona: Passeig de Gràcia. Ha costruito
due aziende agricole con ingressi separati, ma unificati da una facciata comune e ritmi ondeggianti, che
ha grandi finestre che permettono una buona illuminazione interna.
Una struttura impressionante nel seminterrato, che è stato utilizzato per il garage, la distribuzione open
space in appartamenti destinati ad abitazioni e una soffitta eccentrico sostegno del tetto sono gli
elementi più significativi.
Antoni Gaudi, Casa Milà
Antoni Gaudi, Casa Milà, particolare della facciata
La Chiesa della Sacra Famiglia (1883-1926) è il s ímbolo della città, l'edificio più visitato di
Barcellona. Nel 1883, l'architetto ha deciso di continuare un approccio di progetto e gotica iniziata, ma
completamente rifatto con vocazione monumentale e arredamento lussureggiante, e lavorò fino alla
sua morte nel 1926. Gaudí applicata in modi originali governato geometria. Paraboloidi iperbolici,
rotondo convesso iperboloide elicoidali e sono solo un breve riferimento alla complessità di tutta la
struttura, che cattura l'essenza della conoscenza e dell'esperienza Gaudi costruttive.
Antoni Gaudì, la Sagrada Familia
ART NOUVEAU - ART NOUVEAU - LA
architettura di Antoni Gaudí
ART NOUVEAU
H.Guimard, ingresso di una stazione della metropolitana di Parigi, 1900
Nel tardo diciannovesimo secolo, per essere m minerale precisi negli ultimi dieci anni, sviluppato in
Europa la tendenza modernista è stata espressa in tutte le forme di arti applicate .. Molte furono le
influenze che hanno contribuito alla sua nascita, dal neogotico al Esotismo e
da storicismo al Simbolismo , ma è considerata rilevante le Arti e dei Mestieri , William Morris, che ha
sviluppato una personalità precursore chiaro.
William Morris, Tappezzeria Fragola, 1883, Londra, Victoria and Albert Museum
Il nome significa letteralmente "nuova arte" è usato per descrivere uno stile di innovazione e di
complessità che si è verificato in arte e design europeo, ma soprattutto nelle arti decorative, come
reazione contro l'industrializzazione e la tecnologia dominante nel corso degli ultimi due decenni XIX
secolo e all'inizio del ventesimo secolo. In Spagna si chiama modernismo, in Germania Judendstil, in
Austria Sezessionstil e Belgio Stile Horta. mangia incontrato in Italia Stile Liberty, in riferimento al
negozio di Arthur Liberty, che era stato strumentale nel diffondere lo stile del continente
europeo. Anche se questo movimento ha ricevuto in ogni paese un nome diverso lui designato
storicamente il nome che identifica in Francia: Art Nouveau , preso da un negozio di mobili aperto a
Parigi nel 1890.
Victor Horta, Nappa Casa, Bruxelles, 1893
Un cambiamento violento avviene sulla base di nuove teorie e approcci estetici: il mitico, il fascino per il
fantastico, una forte influenza della civiltà orientali, la crescente attrazione e simmetria elementi
decorativi come principio composizione legata alla decorazione naturalistica, l'esaltazione allineare
sempre in movimento che trasforma motivo decorativo in vigorosa elemento strutturale debole.
La decorazione, spesso ispirata da motivi floreali e animali non utilizzati come semplice ornamento ma
diviene un mezzo per definire il modo in cui è sempre vivo, armonico e dinamico.
Louis Comfort Tiffany Vista di Oyster Bay, 1905, New York, Metropolitan Museum of Art
MODERNISM
Il Modernismo è una nuova forma di interpretazione sul mondo e la realtà. Artisti modernisti respinto il
brutto e volgare, costantemente ricercata bellezza ideale e senso poetico contrasto con la crudezza del
realismo e arte pura compromessa. È stato sviluppato durante la fine del XIX secolo e all'inizio e ha
dato origine allaavanguardia di guerre. In Spagna è stato soprattutto il linguaggio usato dalla
borghesia catalana di effettuare la modernizzazione di arte locale.
Pittura modernista è di grande raffinatezza, sensuali, linee sinuose, calde e figure
allungate. Santiago Rusinol aperto la strada al movimento, la cui diffusione ha contribuito alla
fondazione della birreria Els Quatre Gats, luogo di incontro di bohemien Barcellona. Ha guadagnato la
fama come pittore meritava Impressionist Gardens: giardino di Aranjuez.
ARCHITETTURA MODERNA
GAUDI
Architettura modernista rinnovato stili storici attraverso l'utilizzo di nuove tecniche e di nuovi materiali da
costruzione, come il ferro e il vetro. È stato ispirato dalla natura per creare forme decorative astratte
che ricordano il movimento di acqua e fiamme.
Antoni Gaudì, la Sagrada Familia, 1883, particolare di una volta
I modernisti hanno guidato la progettazione e l'arte divennero industriali e manufatti di uso comune vari
come mobili, specchiere, maniglie, attacchi, posate, orologi, ecc.
Antoni Gaudí architettura salvato mediocrità che aveva gettato il storicismo romantico. Il suo lavoro, in
gran parte detenuto a Barcellona, integra architettura, scultura realistica, design di mobili e
arredamento in ferro battuto collages di rotture di ceramica di diversi colori. Unire le correnti e le
tendenze di segno diverso ed è, allo stesso tempo, laica e religiosa, barocco e neogotico, intuitiva e
scientifica.
Parco Guell, 1900-1914, particolare ondulato seggi del ritmo
Tra le sue più importanti, il Palazzo Güell ha elementi gotici e neo-mudéjar e forme astratte e
geometriche di ispirazione naturalistica, il Parco Güell riassume la sua concezione dell'architettura
come arte integratore.
Parco Guell, 1900-1914, particolare dell'ingresso
La Casa Milà, conosciuta anche come La Pedrera, è un esempio eloquente del suo espressionismo
decorativo. L'audacia, dimensione scenografica formale, ornamentazione simbolica, topografie inusuali
che si verificano nel set e dettagli sono i più conosciuti e meglio Gaudì, si completano con il rigore
geometrico e attenzione alle esigenze funzionali e strutturali.
Antoni Gaudi, Casa Milà, 1906-1910, facciata
Antoni Gaudi, Casa Milà, 1906-1910, vista dei camini e tetto
Nella sua incompiuta Chiesa della Sagrada Familia , la più singolare, si trova la magnifica facciata
della Natività, con tre cover in forma di archi ogivali e quattro torri cilíndrricas, diametro decrescente
man mano che salgono, sbuffi e condita con palmette. L'arredamento coniuga forme geologiche e
scultoree. La rappresentazione della Natività di Cristo, nel timpano, è una fase simile a quella di una
porta medievale.
Antoni Gaudì, la Sagrada Familia, 1883 Veduta della facciata della Natività
Antoni Gaudì, la Sagrada Familia, 1883 Particolare delle guglie della facciata della Natività
"Avanguardie Russe" a Palermo
Mostra
L'Esposizione, visitabile fino al 20 marzo 2012, E Promossa dall'Assessorato Regionale dei dell'Identità
per i Beni Culturali e siciliana con Dell'Unione europea il Sostegno ed E Da Victoria curata Davì
Zubravskaya e Giulia. Sono 24 in mostra Gli Artisti Tra I Quali Kazimir Malevic, Vladimir Tatlin, Vasilij
Kandinskij, Aristarkh Lentulov, Marc Chagall e Robert Falk, Aleksandr Rodcenko. Also significativa
delle Donne della Presenza i dipinti di Natal'ja Gončarova, Olga Rozanova, Ljubov Popova, e Aleksandra
Ekster Udaltsova Nadežda. Gli Orari: da lunedì a sabato Dalle 9 alle 13 e Dalle 15 alle 19, domenica e
festività chiuso
Francisco de Goya y Lucientes
Francisco de Goya
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) è, insieme a Vel ázquez e Picasso, la spagnola vertice
dell'arte pittorica. Goya è un pittore di colore e pennellate, quasi impressionista. era un artista
poliedrico che si interessa di pittura e il disegno e le tecniche che hanno permesso un'ampia diffusione
del loro lavoro, così come lo era l'incisione su lastra di metallo o di pietra. coltivato olio, il fresco,
incisione, acquaforte e litografia. loro avant ha aperto la strada a innovazioni XIX secolo.
I Black Paintings, Saturno, Museo del Prado
Goya ha iniziato la sua carriera artistica all'età di quattordici anni (1760), quando entrò nella bottega del
pittore José Zaragoza Luzán. Ci ha imparato i rudimenti della pittura e del disegno, la copia e temi
devozionali.
Mentre cercava con poca fortuna per ottenere una borsa di studio a Madrid, Goya tema religioso fare
commissioni per i gesuiti e nobiltà aragonese. I suoi protettori ecclesiastici facilitato il suo viaggio in
Italia, intorno al 1771, dove ha intrapreso gli studi di una classica e mitologica o convenzionale.
Al suo ritorno in Italia, Goya dipinse alcuni impegna interessanti religiose. Queste opere e il sostegno
del suo maestro Francisco Bayeu, la cui sorella sposò nel 1773, ha aperto le porte della Corte di
Madrid. Dal 1775-1792 dipinse i sessantatre "carte" ( modelli dipinti fare arazzi ) maniere di business
e colorato rococò Fabbrica Reale degli Arazzi di Santa Barbara con destinazione ai palazzi reali di El
Escorial e il Prado. La sua reputazione di eccezionale ritrattistadiffondere la corte e nel 1776 fu
nominato pittore del re. Poi dipinte scatole di cartone e pennellata sciolta e argomenti friendly
come il cieco. Alla Corte conosce l'opera di Velázquez, che ha studiato in dettaglio da riprodurre le sue
opere ad olio ed in una magnifica serie di incisioni.
Il cieco, Prado
Nel 1780 Goya entra all'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando con Cristo sulla
Croce. Attraverso il suo fratello, è incaricato di dipingere una cupola nella Basilica del Pilar, un onore
riservato ai grandi pittori del tempo. In questo lavoro, amaro argomenti Bayeu e promotori, Goya
rompe con le convenzioni del neoclassicismo e consolida la visione originale della pittura.
Nell'ultimo decennio del secolo, Goya accusa il peggioramento del clima socio-politico. Sordità
trasformato il suo personaggio, l'artista ha dato sfogo alla espressione del suo mondo interiore e
sostituito il tono amichevole della sua precedente dipinto di un universo drammatico e
desolante. Queste esperienze maturate suo lavoro e lo condussero posizioni critiche. Da questo
periodo proviene i ritratti di personaggi pieni di vita, intensamente realistiche: La famiglia di Carlo
IV (M. del Prado).
La famiglia di Carlo IV, Prado
Goya dipinse splendidi ritratti di personaggi femminili: La Maja nuda e Maja vestita (M. del Prado).
Nudo Maja, il Museo del Prado
Vestita Maja, Museo del Prado
Nel 1789 fu nominato pittore di corte e ha pubblicato la raccolta di incisioni dal titolo Caprichos, critica
sociale intelligente. Oscurantismo, superstizione, la prostituzione, l'infedeltà e altri vizi sono stati
oggetto della sua critica. LosCaprichos significava una rottura radicale con il mondo accademico
e l'artificiosità della pittura neoclassica .
Los Caprichos, Il sonno della ragione genera mostri, Museo del Prado
L'artista al pessimismo critico manifesta nelle tonalità scure di dipinti come I penitenti (Academia de
San Fernando) e soprattutto nei suoi dipinti della guerra rivoluzionaria: le esecuzioni di Moncloa, la
carica dei mamelucchi ( M.del Prado), di composizioni elaborate e personaggi di intensa
espressività. La guerra ha anche ispirato una serie di stampe dal titolo I disastri della guerra.
Le esecuzioni di Moncloa, Museo del Prado
In Black Paintings , realizzati sulle pareti della Quinta del Sordo, residenza Madrid, creato mondi
oscuri, visioni apocalittiche, esseri mostruosi, strane, deformi e sinistre, paesaggi ammalianti
situati. Goya ha immediatezza estrema su questioni illusi. I Black Paintings sono un
precursore dell'espressionismo nel ventesimo secolo tardo diciannovesimo e all'inizio.
Il Pellegrinaggio di San Isidro, Museo del Prado
La serie di stampe Corrida, è una cronaca del mondo violento della corrida. La sua attrazione per
il sogno si manifesta nella serie di Nonsense, legato a tema iBlack Paintings.
Goya lasciato la corte di Ferdinando VII opprimente e si rifugiò nella città francese di Bordeaux. In
quella città, dove morì nel 1828, dipinse La lattaia di Bordeaux , i toni tenui di dialogo e di breve,
pennellate sciolte, precursore dell'impressionismo.
La lattaia di Bordeaux, Museo del Prado
Goya noto non solo per la sua padronanza delle tecniche disponibili, al momento la pittura , ma
per la varietà di generi e temi esplorati . Ha raggiunto l'eccellenza nella pittura religiosa , il ritratto ,
la satira sociale e politica e di catturare scene decorative di vita di tutti i giorni, e ha studiato diversi
argomenti come la stregoneria, la segnalazione di notizie o gli effetti della guerra.
Goya, nonostante il suo genio, il suo stile sviluppato da fonti ben identificate, che hanno ispirato sia il
suo modo di dipingere come i temi trattati. Lo studio di fase Aragona è essenziale per comprendere
l'origine e l'evoluzione del suo lavoro. Al contrario, la loro influenza sulla storia della pittura e l'incisione
è stata enorme, anche se aveva pochi discepoli diretti.
Las Meninas
Las Meninas
L'interpretazione ng di Picasso
Picasso impostato su Las Meninas personale una lunga serie di performance chiave cubista.
Tra agosto e dicembre 1957, nel suo studio di Cannes, Picasso ha intrapreso un'analisi esaustiva di Las
Meninas di Velazquez che ha fatto a partire dalla fine della seconda guerra mondiale. Questa serie di
cinquantotto dipinti ad olio donato dall'artista piena Museo Picasso nel 1968. Picasso ha fatto una
personale interpretazione dell'opera di Velázquez insieme. Qui ci sono gli stessi caratteri nel lavoro di
Velázquez, ma, a parte estetica stato di forma diversa, variano anche alcuni elementi della
composizione.
Las Meninas, Velázquez, 1656, Museo del Prado, Madrid
Da un lato, riformatta verticale orizzontale. D'altra parte, se la figura Velázquez intorno al quale
ruotava l'intera composizione è stata quella del Infanta Margarita, nel lavoro di Picasso, il bambino
continua ad avere un ruolo, ma così fa la figura del pittore, che rappresentato in una proporzione
despesurada e tenendo due pale, acquisisce un ruolo maggiore, rafforzando in tal modo l'idea che la
cosa più importante in tutta la creazione d'arte è il creatore. Così, mentre ci muoviamo verso destra
della composizione, la forma semplifica e giusto contrasto figure con le figure più elaborati e la prima
menina Velázquez.
Las Meninas, Picasso, Olio su tela, 1957, Museo Picasso, Barcellona
Un'altra differenza sostanziale è la tratamiendo di luce e colore. Una variazione, con effetto diretto sulla
luminosità dell'immagine, è i grandi finestre che si aprono a destra, come nel lavoro di Velazquez sono
chiusi. Ciò contrasta con la mancanza di luminosità del colore, sì che appaiono nelle interpretazioni che
seguono. Bianchi e neri dominano la composizione, non so se per scelta, perché è una risorsa che
Picasso usato prima, oppure dal fatto che l'unico riferimento a disposizione di ingrandimento
fotografico era in bianco e nero.
Il cane appare sempre, anche se qui il Bulldog è sostituito dal grumo Velázquez, Picasso ha avuto il
bassetto in California.
Se lo scopo del tavolo è stato primordiale affidabile riprodurre personaggi e scene palazzo, sulla tela di
Picasso nessuno di esso è necessario. La cosa principale è la ricerca. ricerca di nuovi linguaggi pittorici.
Infanta Margarita María, Velázquez, Picasso
Picasso ha giocato in tutti gli "ismi" che ha già colpito. Fin dalla sua inizialefigurativa , ha rischiato
ancora e ancora, in un infinito ricerca concettuale. ha rotto con la sua tecnica e il suo passato in modo
coerente.
Con Las Meninas, Picasso ha chiaramente respinto ogni tentativo di copiare. Ha voluto reinterpretare
l'immagine. Durante le tele che compongono la serie, prende in esame il colore chiave, composizioni
cubiste, vengono elencati o eliminare i caratteri. Per inserire anche il lavoro al di fuori elementi come
balconi Velázquez e piccioni.
C'è un estremo delinea , caratteri vengono rimossi, e usa colori primari e disegni con la completa
assenza di chiaroscuro. Esso mette in evidenza la figura del Infanta e linee disegnate con nudo,
minimale, quasi infantile, mentre in altri dipinti affrontare la complessità del set, con trattamento
cubista con una tavolozza limitata di colore rosso, giallo e nero.
Las Meninas, Picasso
Interpretazione di Picasso di questo dipinto è un ampio studio del ritmo, colore e movimento, nonché
un costante gioco di immaginazione. Tuttavia, la lealtà e il rispetto per l'ambiente di lavoro di Velazquez
sono evidenti in tutte le composizioni. Il trattamento della luce, volume, spazio
e prospettivasviluppata dal pittore sivigliano è conservata lungo tutte le analisi Picasso del tutto, anche
se utilizza procedure molto differenti.
Fonti: Museo Picasso.