Dalla realtà al mito | From reality to myth
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Dalla realtà al mito | From reality to myth
andy nd warhol ndy w Dalla realtà al mito | From reality to myth a cura di_curated by dominique stella Andy Warhol. Dalla realtà al mito | From reality to myth a cura di_curated by Dominique Stella miart_milano 04/07 Aprile_April 2008 allestimento_set-up agnellini arte moderna direzione artistica_art director Dominique Stella segreteria_secretary Michela Franzelli logistica_logistics Giancarlo Patuzzi amministratore_gallery manager Roberto Agnellini ufficio stampa_press-office Irma Bianchi Comunicazione coordinamento editoriale_publishing coordination progetto grafico_designed by shin factory_brescia [italy] www.shinfactory.it crediti fotografici_photograph credits Duane Michals The Andy Warhol Museum, Pittsburgh Founding Collection, Contribution The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. Archivio Garghetti, Milano/Italy fotografie_works photo roberto mora [p. 5, 11, 13, 17, 19a, 21, 23a,b, 27, 29] agnellini arte moderna spa via aldo moro, 5 25124 brescia (it) tel: +39 030.2944181 www.agnelliniartemoderna.it [email protected] © Archivio Garghetti Andy Warhol. Dalla realtà al mito | From reality to myth La pop art appartiene alla storia dell’arte come movimento decisivo della seconda metà del XX secolo. Essa rimette in questione, in modo sostanziale, i criteri che sino ad allora avevano caratterizzato “l’opera d’arte”, offrendo una riflessione sull’oggetto artistico e ponendolo in una dialettica sociologica che desacralizza l’immagine dipinta (o la scultura), per conferirle una dimensione di oggetto comunicante (alla stessa stregua della pubblicità) o per banalizzarla, proiettandola nella sfera dell’oggetto industriale multiplo, tipico del consumo di massa. Il movimento nasce in Inghilterra a metà degli anni ’50 per impulso di Richard Hamilton ed Eduardo Paolozzi. Si sviluppa principalmente negli Stati Uniti, durante gli anni ’60, grazie agli artisti americani Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg e Jasper Johns. Gli artisti s’interrogano sul concetto di produzione di massa e sull’alienazione dell’individuo divenuto consumatore: il dirompere della pubblicità, delle riviste e dell’industrializzazione riduce l’uomo allo stato di macchina produttrice e consumatrice. Pop Art belongs to second half of twentieth century and as so remains extremely influential 4 to all art movements following this period. By questioning the fundamental criteria by which we defined art, Pop Art offered a new reflection on the artistic object through a sociological dialectic that desecrated the painted image or sculpture to the dimension of an object of communication (in line with publicity), thereby aligning an art piece with the commonplace mass produced industrial object, itself becoming banal within the culture of mass consumption.The Pop Art movement surfaces in England in the middle of the 50’s under the impulse of Richard Hamilton and Edouardo Paolozzi. It spreads to the United States in the 60’s and experiences consequential growth lead by the driving forces of American artists such as Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg and Jasper Johns. The artists interrogate the concept of mass production and the alienation of the individual, as he becomes a consumer; overflowing publicity, magazines and industrialisation, reducing man to the state of a productive machine and consumer. campbell’s soup bag 1966 screenprint on shopping bag cm 50x44 5 L’arte acquisisce questo fatto concretamente rivoluzionario, esasperando il fenomeno nella trasposizione artistica, rimettendo in causa il carattere sacrale dell’opera per presentarla come semplice prodotto di consumo: effimero, usa e getta, a buon mercato… I procedimenti utilizzati dagli artisti derivano da questa modalità di produzione, più industriale che artistica: i colori acrilici, le serigrafie, rendono possibile la moltiplicazione rapida propria della grande distribuzione. L’arte entra nella sfera del consumo, l’opera d’arte non possiede più il mistero della rarità ma diventa oggetto di desiderio di massa. La pop art mette a tal punto in questione il principio di unicità dell’opera; Warhol riproduce le proprie in centinaia di edizioni, sconvolgendo i criteri di un mercato basato sull’esemplare unico. Essa esalta una simbologia popolare, elevando a rango di icone figure appartenenti alla cultura di massa come Mickey Mouse, Marilyn Monroe o Mick Jagger, consacrando questi idoli e trasformandoli in miti imperituri. The art therefore takes into account this revolutionary phenomenon, transposing the 6 exasperation felt into many artistic levels, questioning the sacred nature of art by presenting it as a simple product of consumption: ephemeral, disposable and low-priced. The techniques used by the artists reflect a less artistic more industrial approach: acrylic paint and silkscreen printing permits high-speed multiplication for large-scale production and distribution. Art enters the domain of consumption; it no longer retains the mystery of rarity as it is transformed into an object of mass desire. Pop Art put to test the principle of the unique piece of art to such a point that Warhol reproduced his works by the hundreds, disrupting an art market based on sole and unique pieces. It exalts popular symbols, icons and figures belonging to mass media culture such as Mickey Mouse, Marilyn Monroe or Mick Jagger attesting to their value as idols and immortalising them. bomb 1967 spray paint on U.S air force practise bomb cm 121,9x20,3 7 L’arte di Andy Warhol si basa su uno slittamento dell’atto creatore; il suo vero genio consiste nell’aver messo in discussione l’immagine dell’artista, che da artigiano diviene strumento. Egli propone un’arte basata sulla moltiplicazione delle immagini, come gli oggetti della società del consumismo che sono riprodotti in milioni di esemplari. Il multiplo garantisce l’appartenenza dell’opera alla propria epoca. L’aspirazione del collezionista si soddisfa nel desiderio del consumo e non più nell’appropriazione del capolavoro… Più che da uno stile, l’arte di Warhol discende da uno stato d’animo che consiste nel rendere conto della realtà della società moderna e dell’era del consumismo, introducendo nell’arte gli oggetti e i segni del quotidiano, utilizzando come materia dell’opera i media, i prodotti commerciali e quelli industriali. Scegliendo come tema la cultura del quotidiano, l’artista nega i valori dell’arte moderna, crea un linguaggio autoreferenziale, libero dai vincoli dell’“arte colta”, emancipato dai valori della tradizione. Gli elementi mutuati dai mass media servono da pretesto a un’identificazione completa tra la fonte d’ispirazione e il suo adattamento. Andy Warhol’s art repositioned the creative act and his true genius consists in having 8 questioned the image of the artist comparing it to that of a craftsman come machine. He proposes an art based on the multiplication of images in the same manner that the society of consumption reproduces its objects by the millions. Multiplicity is the gage by which we recognise the art piece so reflective of its period. The art collector’s wish is satisfied through his or her desire to consume rather than own a masterpiece. Less a style than a state of mind, the art of Warhol consists of being aware of the reality of modern society and the era of consumption by introducing into art the objects and symbols of daily life, using like materials; the media, commercial and industrial products. Taking for theme, day to day culture, the artist denies the values of modern art, creating a self-referential language, liberated from the constraints of “cultivated art” and uninhibited by traditional values. The use of mass media techniques serve as a pretext to create a complete identity lodged between the source of inspiration and its result. velvet underground 1967 silkscreen on paper cm 63x31,5 9 L’immagine esiste in un contesto del tutto nuovo. Essa non trasmette alcun messaggio, non assume alcun valore morale, ha senso solamente per la sua forza di rappresentazione, celebrazione di un fenomeno sociale che diviene modello attraverso l’impatto della ripetizione all’infinito. Soltanto gli Stati Uniti, nel desiderio di liberarsi dei propri complessi nei confronti della “vecchia Europa”, potevano produrre un simile cataclisma. La pop art nasce in modo spontaneo, negando i riscontri filosofici, imponendo le nuove tendenze dell’arte occidentale, e Andy Warhol ne diviene il simbolo assoluto. Negli anni ’50, Warhol esercita il suo talento nella sfera della pubblicità. Questa prima parte della sua vita artistica è scandita da alcune mostre: nel 1952 alla Hugo Gallery di New York, nel 1953 alla Loft Gallery, nel 1956 alla Bodley Gallery… Niente ancora lo distingue davvero, se non il suo talento pubblicitario che nel 1956 gli vale la medaglia del “Thirty Fith Annual Art Director’s Club Award’s” e nel 1957 la “Art Director’s club medal”. Egli fonda allora la sua prima società per la gestione delle commissioni destinate alla pubblicità, premessa della Factory che nascerà più tardi nel 1963. The image exists in a completely new context. It carries no message, doesn’t assume any 10 moral values, finds its sense through representative strength and is the celebration of a social phenomenon and an ideal established through the impact of endless repetition. Only the United States could produce such cataclysm in its desire to free itself from its old continent (Europe) complex. Ignorant of itself, Pop Art was born spontaneously and asserts the new tendencies of Western art. Andy Warhol becoming the absolute symbol. In the 50’s Warhol exercises his talents in the domain of publicity. Some exhibitions mark the first part of his artistic career. 1952 at the Hugo Gallery of New York, 1953 at the Loft Gallery, 1956 at the Bodley Gallery… Nothing really distinguishing him outside of his publicity talents that merited in 1956 a medal at the Thirty Fifth Annual Art Director’s Club Award’s and in 1957 The Art Director’s Club medal. Soon after, he founds his first society to manage the initial publicity orders for the Factory that he will create a little later. flash 1963/68 screenprint on cloth mounted on cardboard cm 112x56 11 Il suo senso per gli affari si rivela già allora. Warhol non ha mai fatto mistero delle proprie ambizioni; la sua filosofia si riassume nella sua celebre frase: “Ho iniziato come artista commerciale, voglio finire come artista manager”… Esattamente ciò che egli fece. Dopo una carriera da pubblicitario negli anni ‘50, egli divenne negli anni ’70 uno straordinario mediatore dell’industria culturale, senza dimenticare il brillante artista che egli fu negli anni ’60. A partire dal 1960, Warhol realizza le sue prime opere ispirate ai fumetti; dal 1962 crea i suoi primi barattoli di Campbell’s Soup e le bottiglie di Coca-Cola, e inventa le serigrafie che mettono in scena le star americane. La tecnica di fabbricazione delle opere è sempre stata una priorità nella concezione artistica di Warhol; l’assenza di manualità e il trasferimento delle competenze all’utensile, costituisce la base delle sue prime realizzazioni. Già nel suo periodo di grafismo pubblicitario, la tecnica della blotted line gli permise di stabilire un primo passaggio dal disegno alla stampa, priviligiando il trasferimento manuale del disegno inchiostrato dalla carta a una carta assorbente e elaborando un sistema di riproduzione seriale del colore che gli consentiva di riutilizzare più volte lo stesso soggetto. His art for business matters is revealed and expands from that time onwards. Warhol never 12 kept his ambitions secret, his philosophy being summarised in his celebrated sentence: “I began as a commercial artist, I want to end up artistic manager”… and this he did. After a career as publicity agent in the 50’s and luminous artist of the 60’s, by the 70’s he’d become an extraordinary figure within the cultural industry. Starting in 1960 he realises his firsts pieces inspired from comic strips and by 1962 he realises his first Campbell’s Soup cans, his first bottles of Coca-Cola and invents silk screen prints that put American stars into the limelight. The technology behind the manufacturing of his pieces had always been a priority in the artistic concept of Warhol; the absence of manual based tasks and the transfer of competencies to tools constitute the base of his first realisations. Already during his period as a graphic designer in publicity, blotted line method allows him to begin to transfer the design to the printing bloc. flowers 1970 screenprint on paper cm 92x92 13 In questo caso, anche se la traccia manuale è ancora presente, essa non genera l’espressione di uno stile personale ma appare come una citazione, di Cocteau principalmente, o di Matisse. La sua forza risiede nell’impatto visivo che il pubblicitario ricerca. In seguito, la serigrafia rappresenta l’arma di diffusione di massa di cui la macchina Warhol ha bisogno. Questo strumento gli permette di aderire pienamente all’istante, al quotidiano, e di illustrare i fatti più significativi che focalizzano l’interesse delle masse, sforzandosi sempre di rendere reale il principio secondo cui l’arte non è altro che ciò che gli spettatori consumano. Questo principio appaga l’ego di tutti e suscita l’immediata identificazione del consumatore all’immagine che gli viene proposta. “Siamo tutti degli eroi”, afferma egli, almeno per quindici minuti… Warhol utilizza le fotografie pubblicitarie, o le immagini tratte dalle riviste, per trasformarle, deviarle dal loro senso e dalla loro verità umana… In this case, even though manual tracing is still present, it is not the expression of a personal 14 style but appears to be more like a quotation of Cocteau or even hints towards Matisse. His strength resides in the same visual impact that publicity agents seek. Later, silk-screen printing constitutes the principal arm of diffusion that the Warhol machine feeds upon. This tool allows him to fully adhere to the moment, to the quotidian and illustrate the most significant acts that interest the masses, endeavoring to always manifest the principle according to which, art is nothing more than what the spectators consume. This principle flatters the ego of each spectator and provokes an immediate indentification of the consumer to the proposed image. “All of us are heroes”, he once asserted during at least fifteen minutes. He uses publicity photographs or images stolen in magazines in order to transform them, divert them from their intention and their veritable human sense. electric chair 1971 screenprint on white paper cm 90,2x122 15 Un fatto sensazionale (il suicidio di Marylin Monroe), un evento della storia (l’attentato di Dallas contro Kennedy), un’oggetto ordinario ma ricorrente (come il barattolo di zuppa Campbell) o l’immagine del dollaro americano, banale e al tempo stesso leggendario, suscitano una moltiplicazione all’infinito. L’artista diviene manipolatore, spersonalizza il suo soggetto, lo svuota di ogni contenuto emotivo; il senso stesso dell’oggetto si attenua a vantaggio dell’immagine. Qual’è il valore simbolico del messaggio? Una messa in questione della società del consumismo, un’incarnazione mitologica di un quotidiano banale e crudelmente effimero?… La più celebre di queste manipolazioni è la serie su “Marilyn” eseguita poco dopo il suicidio della star americana, nell’agosto del 1962. A spectacular act (Marilyn Monroe’s suicide), a historic event (Kennedy’s assassination in 16 Dallas) and a harmless but recurrent image (like the Campbell’s Soup can) or the image of the dollar bill, a daily yet mythical object endlessly multiplied. The artist becomes a manipulator, he depersonalises his subject, a space empty of all emotional content, even the sense of the object becomes blurred to the profit of the image. What is the symbolic value? Putting to question the society of consumption, a mythological incarnation of the cruel and ephemeral quotidian. The most celebrated of these manipulations is the series “Marilyn” accomplished shortly after the suicide of the American star in August 1962. mao 1972 screenprint on beckett high white paper (hand colored) cm 92x92 17 Per Warhol, Marilyn Monroe incarna un’immagine leggendaria stereotipata, in contraddizione assoluta con il personaggio drammatico quale ella fu nella realtà. L’artista “dipinge” la celebre attrice nella sua versione incorporea, come un’immagine stereotipata, facendo volontariamente allusione al manifesto cinematografico, nel quale la dimensione umana svanisce a vantaggio di una semplificazione schematica. Altre star americane sono state oggetto di queste interpretazioni colorate, Liz Taylor, Joan Collins, Mick Jagger, Jacqueline Kennedy, Mao… e molte altre. Risucchiate nella spirale moltiplicata della loro rappresentazione, queste star sono divenute oggetti quotidiani di una mitologia mediatica divoratrice di vita e avida di un potere illusorio sulle masse. To Warhol, Marilyn Monroe embodies a mythical stereotyped image in absolute contradiction 18 with the person that she was in reality. The artist “paints” the adored actress, in a disembodied way, a stereotyped image, voluntarily mimicking cinema posters, in which the human dimension vanishes to the profit of an illustrative simplification. Other American stars subject of these coloured interpretations were Liz Taylor, Joan Collins, Mick Jagger, Jacqueline Kennedy, Mao… and so many others siphoned into a swelling spiral of representation where the stars became the daily objects of a devouring mythological media, greedy for the power of illusion over the masses. karen lerner 1972 syntethic polymer paint and silkscreen ink on canvas cm 67x51 karen lerner 1972 syntethic polymer paint and silkscreen ink on canvas cm 78x70 karen lerner [diptych] 1972 synthetic polymer paint and silkscreen ink on canvas cm 78x70 each 19 Perché questo potere è distruttivo, è un potere superficiale che non ha niente a che vedere con ciò che è umano, interiore, profondo. Significa voler essere soltanto un’immagine, una facciata, una piccola luce su uno schermo, uno specchio dell’immaginario altrui, una calamita che attira i desideri… un oggetto di assoluto narcisismo. Ma queste immagini di un quotidiano sublimato, nelle quali le gerarchie sembrano abolite, affascinano. Esse rappresentano il sogno americano, come lo ha vissuto questo figlio di emigrati cecoslovacchi cresciuto nella miseria e per il quale l’uguaglianza di fronte al consumo rappresentava una vittoria. Egli, del resto, affermava proprio questo sentimento: “La cosa straordinaria di questo paese è che l’America ha inaugurato la tradizione in cui il consumatore più ricco acquista sostanzialmente le stesse cose del più povero”. This superficial destructive power has no common link to the human, the interior and the 20 profound. It doesn’t want to be anything else other than an image, a façade, a small light on a screen, a mirror of the imagination of others; a magnet attracting desires… an object of pure narcissism. But these images of a sublime quotidian, in which the hierarchy seems obsolete, fascinates. They represent the American dream, as lived by this son of Czech emigrants, raised in misery and to whom consumption constituted a victory. He asserted this feeling by saying: “What’s great about this country is that America started the tradition where the richest consumers buy essentially the same things as the poorest”. drag queen 1975 syntethic polymer paint and silkscreen ink on canvas cm 65x81 21 Guardi la TV e bevi Coca Cola, e sai che il Presidente beve Coca Cola, che Liz Taylor beve Coca Cola, e pensi che anche tu puoi bere Coca Cola. Una Coca è una Coca, e una montagna di soldi non ti darà mai una Coca migliore di quella che beve il primo che passa per strada. Tutte le Coca sono uguali e tutte le Coca sono buone. Liz Taylor lo sa, il Presidente lo sa, il primo che passa per strada lo sa, e anche tu lo sai”. (The Philosophy of Andy Warhol: (From A to B and Back Again), 1975). Questa filosofia sembra riduttiva ma è efficace. Gli oggetti d’arte prodotti da Andy Warhol sono oggi il simbolo incontestato della società del consumismo e il loro valore commerciale ne è testimone. Tra le opere esemplari proposte da questa mostra, Bomb (1967), più che ogni altra, simboleggia l’artista che la storia ha identificato come una vera e propria bomba nel mondo dell’arte del XX secolo. You can be watching TV and see Coca Cola, and you know that the President drinks Coca 22 Cola, Liz Taylor drinks Coca Cola, and just think, you can drink Coca Cola, too. À coke is a coke and no amount of money can get you a better coke than the one the bum on the corner is drinking. All the cokes are the same and all the cokes are good. Liz Taylor knows it, the President knows it, the bum knows it, and you know it”. (The Philosophy of Andy Warhol: (From A to B and Back Again), 1975). This philosophy seems simplistic but it’s efficient. The objects produced by Andy Warhol are today the incontestable symbols of the society of consumption. Their market value testifies to this effect and this exhibition proposes some exemplary works such as Bomb (1967), which more than any other object, symbolises an artist that history today identifies to the likes of a bomb in the world of twentieth century art. It consists of a model of a U.S air forces bomb covered, by Warhol, with a light silver colour. The artist annihilates the warlike sight of the object by his decorative interpretation. doda voridis 1977 synthetic polymer paint and silkscreen ink on canvas cm 67,3x67,3 23 Si tratta di un modellino della bomba della U.S. Air force, che Warhol ricopre di un colore leggermente argentato. L’artista annienta il significato bellico dell’oggetto attraverso la sua interpretazione decorativa. Quest’arma non è offensiva, poiché si tratta di un modello; l’artista disinnesca il simbolo e lo trasforma in oggetto ludico, in fenomeno di superficie. Egli adotta questo stesso procedimento anche nei ritratti, utilizzando unicamente riproduzioni tratte da riviste, soprattutto quando si tratta di star, la cui immagine è già riciclata dai media. Egli declina immagini di immagini, creando una duplice distanza rispetto al soggetto che ne risulta ancor più incorporeo. È il caso del ritratto di Mao (1972), esposto in questa mostra, che presenta una particolarità: è stato ritoccato a mano e non è stato moltiplicato in numerosi esemplari. Questo rende l’opera particolarmente rara, quasi contraria ai principi dell’artista. This arm is inoffensive only because it’s a model, he disarms the symbol and diverts into a 24 playful object, or at least superficially. It is as well this same process that he applies to portraits, especially when it comes to stars, using only reproductions from magazines, an already recycled image coming from media… He elaborates variations of images by producing images of images, creating a double distance in relation to the subject who’s been completely annihilated. That’s the case for the portrait of Mao (1972) presented in this exhibition. This one offers the exception of not only having been retouched by hand and but as well having a restricted number of reproductions. This particularly rare piece is almost contrary to the principles of the artist. shoes 1980 screenprint with diamond dust on arches aquarelle paper cm 102x152 25 Nella tela Flash (1963-1968) Warhol usa lo stesso processo, l’evento viene ricordato tramite estratti di giornali (di nuovo la stampa come fonte dell’immagine). La drammaticità è annientata dal gesto decorativo privilegiato dall’artista, in una lettura della storia che contrappone la violenza dell’attentato del 1963 all’ideale di pace del 1968, illustrato dai fiori. I ritratti di Karen Lerner (1972) appartengono a un’altra categoria. Non si tratta di opere su commissione, come invece i ritratti di Doda Voridis (1977), ma di un desiderio creativo che porta l’artista a lavorare su un soggetto scelto. Composizioni declinate a partire da fotografie scattate in studio che egli reinterpreta, questi ritratti tendono a smaterializzare il soggetto attraverso una tecnica messa a punto nei ritratti delle star e caratteristica del suo stile, che tende a negare l’identità del modello aspirata nelle spirale del colore. In the piece Flash (1963-1968) Warhol use the same procedure: the event is retraced through 26 newspaper extracts (once again the press serves as the principle source for the image). The dramatic aspect is erased by the artist’s decorative touch that he favours, permitting an understanding of a story that opposes the violence of the 1963 assassination and idealises the notion of peace, omnipresent in 1968, illustrated by the flowers. The Karen Lerner portraits (1971-72) belong to another category. It does not consist of a commissioned piece, like the portraits of Doda Voridis (1977), but a creative desire that comes from the artist to work on a selected subject. Using varied photographic compositions taken in his studio, he reinterprets these portraits tending to dematerialise the subject in a stylistic precision perfectionned in the portraits of the stars that so characterises his style that denies the model’s identity through a whorl of colours. joseph beuys 1980 screenprint on laundry bag cm 117x214 27 Ad affermare la sua realtà, il titolo, elemento d’identificazione. L’esposizione offre anche due interpretazioni di Joseph Beuys secondo Warhol, ricordando il fascino riciproco che queste due leggende del XX secolo hanno esercitato l’una sull’altra. Questi due personaggi si librano sulla storia dell’arte e godono di pari fama: l’uno, Beuys, incarna l’eroe, e l’altro, Warhol, la star. Le loro filosofie dell’arte li contrappongono in un’interpretazione radicalmente opposta del ruolo dell’artista nella società: l’uno (Beuys) si voleva operaio e proletario, operatore che sviluppa la propria energia nel fare; l’altro viveva la sua arte come attore, come macchina che induce desiderio e consumo. Beuys credeva nella creatività e Warhol no. Beuys considerava l’arte come lavoro e Warhol come commercio… Tutta la storia del XX secolo. Un’altra opera, in mostra, contraddistingue il lavoro di Warhol: Drag-Queen (1975). Reality’s affirmation only reveals itself in the pieces title, the element of identification. 28 The exhibition also offers two interpretations of Joseph Beuys by Warhol, recalling the fascination that these two legends of the twentieth century had for one another. These two personages hover over art history with equal renown, Beuys, embodying a hero and the other, Warhol, a star. Their philosophies of art opposes them radically in the interpretation of the role of the artist within society, Beuys wanted to be the worker, the proletariat, an operator spreading his energy through his action and the other lived his art like an actor, like a machine inducing desire and consumption. Beuys believed in creativity and Warhol not. Beuys considered art as work and Warhol considered it as commerce… the history of the twentieth century. Another piece in this exhibition characterises Warhol’s work: Drag Queen (1975). marilyn [announcement] 1981 offset lithograph in color on paper cm 20x20 29 Warhol diceva di essere affascinato dalle drag-queen perché “è davvero un lavoraccio sbarazzarsi di tutti gli attributi maschili e acquisire tutti gli attributi femminili”. Le fotografie, poste di fronte ai quadri che ne scaturirono, svelano spesso il volto tragico di queste creature che Andy ricopre poi con grandi aplats di colore, nel suo caratteristico modo di ridipingere i drammi con colori accesi (si pensi alle serigrafie delle sedie elettriche color arancione o rosa, a Jackie Kennedy vedova su sfondo oltremare…). Tutte queste opere, ed altre come Flowers (1970), Electric Chair (1971), Shoes (1980), presenti nella mostra, incarnano magistralmente il messaggio di un artista che ha rivoluzionato l’arte e il cui nome si è per sempre impresso nell’immaginario collettivo. Warhol was fascinated by drag queens because “its hard work to rid oneself of all male 30 attributes and acquire the feminine attributes”. The photographs that he has shot, in regards to the pieces that were created, often reveal the tragic face of these creatures that Andy covered with a uniform colour field and his characteristic manner of repainting dramas with gaudy vibrant colours (we immediately think about the silk screen printings of orange or pink electric chairs or the widowed Jackie Kennedy on an ultramarine blue background...). All these pieces, and some others like Flowers (1970), Electric Chair (1971) or Shoes (1980), authoritatively embody the message of an artist that revolutionised art, forever inscribing Warhol’s name into the collective imagination. joseph beuys in memoriam 1986 screenprint on cold-pressed paper cm 104x79,9 31 stampa_typeset and printed by Tipolitografia Campisi, Arcugnano (VI) vip studio 54 1978 andy warhol