Estetica e fotografia2

Estetica e fotografia
Come sviluppare uno stile personale
Parte Nove di Dieci
Articolo e fotografie di: Alain Briot
Lo stile non ha una formula, però ha una chiave segreta:
è l’estensione della vostra personalità.
Ernst Haas
Alain Briot è uno dei fotografi di paesaggio di maggior successo negli Stati Uniti.
Ha studiato all’ Ecole des Beaux Art in Paris, ha una laurea in Fine Art e al momento sta
lavorando al suo dottorato di ricerca.
1 – Introduzione
Stile personale. Questo termine ha significato cose diverse per me nel corso degli anni.
Quando ho studiato all’Ecole des Beaux Art a Parigi ‘stile personale’ mi trasmetteva la
sensazione di qualcosa di irraggiungibile, la sensazione di qualcosa che si vede e si trova
nei musei, la sensazione di qualcosa che altri – quelli che ce “l’avevano fatta” e che sono
stati riconosciuti come maestri – hanno posseduto. ‘Stile personale’ dava l’idea di
qualcosa che gli studenti – quelli che non ce l’avevano fatta, quelli che stanno studiando,
provando e lavorando alla propria strada per emergere – non possedeva.
Non ero l'unico a pensarla in quel modo. La maggior parte degli studenti del Beaux Arts
provava la stessa sensazione. Ci siamo tutti dibattuti con il concetto di stile personale,
nonché con la percepita necessità di acquisire in qualche modo uno stile personale. Mi
ricordo le discussioni che abbiamo avuto tra i primi studenti del Beaux Arts, dove ho
studiato pittura e disegno, poi presso l’American Center, sempre a Parigi, dove ho studiato
fotografia. Queste discussioni erano incentrate su come avremmo sviluppato uno stile
personale e su come questo sarebbe successo. Al momento non siamo riusciti a
visualizzare ciò che questo stile sarebbe stato, né se ci saremmo mai arrivati. Le nostre
discussioni regolarmente conclusa con la convinzione che lo stile personale sviluppato nel
tempo, che abbiamo dovuto aspettare, lavorare ai nostri progetti in corso e ci aspettiamo
una visione unica per uscire dal nostro duro lavoro ad un certo punto in futuro.
Lo stile personale in quel momento nella nostra vita era un mistero. I maestri ce l’avevano,
ma come ci fossero arrivati non era chiaro. Sapevamo che il tempo e il lavoro erano
coinvolti. Sapevamo che lo sviluppo di uno stile personale era importante per rendere
unico ciascuno di noi, che ci avrebbe aiutato a distinguersi e a prendere coscienza di noi
stessi. Ma come questo sarebbe dovuto accadere o meno era un mistero.
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2 – Chi siamo?
Durante le discussioni che abbiamo avuto come studenti abbiamo dimenticato un
elemento fondamentale: noi stessi. Ci siamo concentrati sugli altri, sui Maestri, su quelli
riconosciuti, quelil accettati, sugli artisti il cui lavoro è stato raccolto nei musei. Quello che
dovevamo fare era concentrarsi su noi stessi. Avevamo bisogno di pensare a quello che ci
ha motivato a studiare le arti, che si tratti di pittura, disegno o fotografia. Avevamo bisogno
di concentrarci sulla nostra storia personale, il percorso che volevamo seguire. Avevamo
bisogno di prendere in considerazione la nostra famiglia e il nostro passato e da lì passare
a considerare le nostre aspettative e il nostro futuro. Avevamo bisogno di analizzare
attentamente quello che ci piaceva e non piaceva. Avevamo bisogno di fare una lista, per
così dire, dei soggetti che ognuno di noi si divertva a dipingere e fotografare. Avevamo
bisogno di prendere coscienza su quali soggetti eravamo pronti a trascorrere ore, giorni o
anni lavorando.
Questi soggetti sarebbero stati molto probabilmente diversi da quelli su cui siamo stati
invitati a lavorare a scuola. Al Beaux Arts i soggetti erano utilizzati come esempi di
insegnamento, come esercizi finalizzati a farci acquisire competenze specifiche e
comprendere concetti specifici. Eppure, al momento, come spesso accade a scuola, non
riuscivamo a separarli. Siamo stati affascinati dai nostri studi più che dalle nostre
personalità. I nostri sforzi e attenzione sono stati orientati verso l'esterno piuttosto che
verso l'interno. Certo, studiare il lavoro di coloro che sono stati riconosciuti come maestri
nella loro arte è importante. Ma quando si tratta di sviluppare uno stile personale ciò che
conta di più è scoprire chi siamo, cosa ci piace e non ci piace e che cosa vogliamo fare
con il tempo che possiamo dedicare al medium scelto.
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Driftwood e Glowing Sandstone, Antelope Canyon
Amo tornare nelle stesse località una volta dopo l’altra per creare immagini
completamente diverse da quelle create precedentemente.
Quest’immagine del Antelope Canyon è stata create durante il mio viaggio più recente, nel
tardo autunno 2004.
Non avevo mai visto l’effetto della luce mostrato in questa fotografia prima di allora e non
avevo mai provato prima questa composizione.
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3 – Chi sono? Credevo che questa serie parlasse di fotografia!
Non è facile rispondere a questa domanda. Ad alcuni possono apparire come aventi poco
a che fare con il diventare un fotografo migliore perché non sono relative all’attrezzatura,
alla tecnica o all’abilità.
Considerate che siamo alla parte 9 di una serie di 10 articoli (se contiamo "Essere artista"
che scriverò l’anno prossimo). In questa serie abbiamo esaminato molti aspetti della
fotografia per quanto riguarda le attrezzature, la tecnica e l’abilità. Abbiamo studiato molti
modi in cui si può diventare un fotografo migliore. Se si inizia la serie con questo articolo si
consiglia di tornare indietro e leggere le 8 puntate precedenti. Se avete letto la serie finora
presumo che siate pronti ad imparare come si può sviluppare uno stile personale.
Ancora una volta, non è facile rispondere a questa domanda. Questo perché raramente
siamo stati raramente invitati a rispondere a questa domanda in un contesto su come
migliorare la nostra fotografia. In realtà, non mi è stato chiesto di rispondere a queste
domande quando ho studiato pittura e fotografia a Parigi, nonostante abbia condotto i miei
studi presso istituti di fama internazionale. Per quanto riguarda lo stile personale, mi è
stato chiesto di studiare le opere dei maestri e la storia dell'arte, ecco tutto. Per fortuna, io
vengo da una città che favorisce le arti, ha numerosi musei e ospita mostre di livello
internazionale tutto l'anno. I miei studi in storia dell'arte e le mie innumerevoli visite a
musei e gallerie d'arte mi hanno fornito con una vasta comprensione dell'arte e mi hanno
permesso di confrontare gli stili di molti artisti diversi. Questa conoscenza si è dimostrata
inestimabile quando ho cominciato a riflettere sul mio stile personale.
Ciononostante, al tempo dei miei studi a Parigi, non una volta mi è stato chiesto di
considerare ciò che io personalmente prediligevo dipingere o fotografare, né perché
avessi scelto di diventare un pittore o un fotografo, né "chi ero io" come persona. Il perché,
davvero non lo so. Presumo che ciò sia dovuto al modo in cui l'arte viene insegnata. In
qualche modo si suppone che gli artisti inizino a scoprire chi sono e ciò che vogliono
dipingere o fotografare col tempo, attraverso tentativi ed errori. Questo va bene quando si
ha un sacco di tempo a disposizione e quando l'unica cosa di cui ci si deve occuapre è
l’arte. Ma quando l'arte è solo uno dei molti aspetti della vostra vita, quando il tempo è
limitato, quando si sta invecchiando, o quando è necessario imparare a sviluppare uno
stile personale, questo approccio non funziona molto bene.
Questo articolo si propone di aiutare a sviluppare uno stile personale. Come vedremo, ci
sono una serie di potenziali errori che si possono fare quando si considera ciò che è stile
personale. In quanto segue cercherò di definire lo stile personale, di descrivere ciò che, a
mio parere, lo stile personale è e cosa invece non lo è.
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4 – Lo stile personale è un’unico e personale modo di vedere
People don't watch enough. They think. It's not the same thing.
Henri Cartier-Bresson
Mentre visitavo un’esposizoine d’arte per strada l'anno scorso sono stato stupito di come
molti dei fotografi che esponevano aveva semplicemente copiato lo stile di famosi
fotografi. Suppongo che l’avessero fatto al fine di conferire una "qualità" unica al prorpio
lavoro e, forse, per consentire loro di distinguersi tra i tanti fotografi che esponevano. Tra
questi ho trovato diversi "Ansel Adams," diversi "David Muench," e almeno un "Jerry
Uelsmann." Alla mostra che si è tenuta nel sud-ovest c'era un gran numero di fotografie di
paesaggio in mostra. Ma se il soggetto fosse stato il ritratto, la fauna, la fotografia di
viaggio o di un altro soggetto cardine della fotografia credo che avrei trovato un
atteggiamento analogo per quanto riguarda gli altri fotografi famosi. Capisco che questo
approccio è legittimo dal punto di vista giuridico. Dopo tutto questi artisti creano opere
d'arte originali e non vendono copie di immagini create dall’inventore dello stile che
emulano. Tuttavia, è difficile (se non impossibile) per me ricordare questi artisti per
qualsiasi cosa, se non per una pallida copia dei maestri che imitano.
A questo punto ci si potrebbe chiedere che cosa sia lo stile personale. La storia di cui
sopra è un'introduzione a una dichiarazione molto importante per quanto riguarda stile
personale, una dichiarazione che, ai fini di questo articolo, userò come una definizione di
lavoro per lo sviluppo di uno stile personale:
Lo sviluppo di uno stile personale non consiste nel copiare lo stile di qualcun altro.
Lo sviluppo di uno stile personale è capire chi sei e facendo del tuo lavoro un’estenzione
della tua personalità.
Non fraintendetemi. Non c’è niente di male con l'essere influenzato dal lavoro di un altro
artista, o nel cercare di copiare o duplicare il lavoro di questo altro artista come parte del
proprio processo di apprendimento. In realtà, fare copie di celebri dipinti faceva parte della
formazione attraverso la quale i giovani pittori dovevano passare. Prima che visitare i
musei d'arte diventasse un'attività sociale, i musei sono stati visitati per lo più da studenti
d'arte che aprivano i propri cavalletti nei corridoi dei musei e si mettevano a copiare i
dipinti di fronte a loro. Non stavano cercando di diventare artisti ‘faussaires’, cioè che si
guadagnano da vivere facendo dei falsi dei dipinti famosi. Stavano semplicemente
cercando di capire come il Maestro componesse il pezzo, avesse selezionato i colori e
avesse applicate le specifiche pennellate. Stavano apprendendo attraverso la pratica,
esercitandosi nell’abilità che qualcun altro aveva imparato prima di loro.
Tuttavia, vi è una differenza tra fare una copia come parte del processo di apprendimento
e farne una carriera imitando il lavoro di un altro artista. Credo che lo stile personale sia
l'estensione della nostra personalità. Nella fotografia credo che lo stile personale sia la
nostra personalità presentata attraverso le fotografie che abbiamo scattato. Se ci si limita
a copiare lo stile di qualcun altro si nega la propria personalità.
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Celestial Sunrise
Linhof Technikardan 4x5, Schneider Super Angulon 75mm f.56, Fuji Provia 100F
Cerco di concepire le mie composizioni, piuttosto che duplicare quello che gli altri fotografi
hanno creato prima di me.
Ho pensato alla composizione di cui sopra durante la mia prima visita a questa location.
Anche se ho visto le immagini di altri fotografi di questo posto, non ho mai visto questa
composizione fatta da chiunque altro prima del Gennaio 2004.
5 – Scegliere un soggetto non è sviluppare uno stile personale
Every man's work is always a portrait of himself.
Ansel Adams, Carmel, California, 1979
Come vedremo più avanti in questo articolo scegliere un soggetto che ti piace fotografare
è parte dello sviluppo di uno stile personale. Per alcuni questo è il primo passo verso lo
sviluppo di uno stile personale.
Tuttavia la scelta di un soggetto che ci piace fotografare non è simile a sviluppare uno stile
personale. Per verificare questo punto basta osservare il lavoro dei fotografi che
ritraggono soggetti diversi mentre mantengono uno stile coerente fra le varie discipline che
fotografano, con tutte le specifiche concessioni di ciascun soggetto.
Ad esempio decidere di fotografare paesaggi non è sufficiente a sviluppare uno stile
personale. Allo stesso modo, decidendo di fotografare gare di Formula Uno non è
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sufficiente a sviluppare uno stile personale. Allo stesso modo, decidere di fotografare
fauna selvatica dell'Alaska non è sufficiente a sviluppare uno stile personale. Ho reso il
concetto. Per sviluppare uno stile personale si deve fotografare i soggetti scelti in uno stile
che è diverso da chiunque altro, uno stile che chiunque può riconoscere come il tuo stile
personale.
Questo ci porta al soggetto dello stile, e alla differenza tra soggetto e stile:
Il soggetto è quello che si fotografa
Lo stile è come lo si fotografa
Si possono fotografare diversi soggetti con lo stesso stile
Scegliere il soggetto è rispondere alla domanda “Cosa voglio fotografare?”, la scelta del
soggetto riguarda cosa si fotografa.
La scelta di uno stile personale, o lo sviluppo dello stile personale, è rispondere alla
domanda “Come voglio fotografare il soggetto scelto?”, lo stile riguarda come
fotografiamo.
Sviluppare uno stile personale non è lo stesso di scegliere un soggetto. Si tratta di due
scelte diverse. Il primo è facile, il secondo è difficile. Se non hai ancora scelto un soggetto
vi consiglio di farlo prima di valutare quale potrebbe essere il vostro stile personale.
Naturalmente fare le cose in questo ordine non è un requisito assoluto. Si può sviluppare
uno stile personale durante la ripresa di una varietà di soggetti, senza avere una
particolare predilezione per nessuno di loro. Tuttavia, se si desidera impostare un
ambiente strutturato in cui sviluppare il proprio stile personale, scegliere prima il soggetto
renderà le cose molto più facili.
Come ho detto prima, è possibile fotografare soggetti diversi con lo stesso stile. Ciò
significa che potenzialmente si può sviluppare uno stile personale fotografando una serie
di soggetti diversi al tempo stesso. Anche se questo è fattibile, e può portare al successo
in termini di ricerca di uno stile personale, renderà anche le cose più complicate, perché si
dovrà pensare a come si sta per fotografare vari soggetti completamente diversi. Pertanto,
raccomando di lavorare con un solo soggetto, mentre si sviluppa uno stile personale.
6 – Scegliere in soggetto non è scegliere un genere
Nel paragrafo precedente abbiamo appreso che il soggetto è ciò che si fotografia e che lo
stile è come lo si fotografa.
Un concetto più deve essere introdotto, che è il genere. Il genere, in arte, è un altro
termine per movimento artistico. Ad esempio l’impressionismo è un movimento artistico e
quindi un genere. Così è il surrealismo, il dadaismo, il cubismo e qualsiasi altro movimento
d’arte.
Il genere definisce come si guarda il soggetto
dal punto di vista del movimento artistico che si abbraccia
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Ad esempio l'impressionismo cerca di esprimere come ci si sente ad essere in un luogo
specifico, o come ci si sente ad essere impegnati in una specifica attività. Per un pittore
surrealista l'obiettivo non è di riprodurre la realtà nei suoi minimi dettagli. L'obiettivo è di
portare alla luce quell’aspetto della realtà che provoca una reazione emotiva nel pubblico
quando guardano il dipinto di fronte a loro. Diverse tecniche sono state sviluppate dai
pittori surrealisti per raggiungere questo obiettivo, tra cui il puntinismo, in cui sono utilizzati
punti di colori piuttosto che pennellate, pennellate espressive, che mostrano i gesti del
pittore, come essi mostrano il soggetto raffigurato nel dipinto, e colori saturi giustapposti in
modo calcolato in modo da creare un’impressione differente quando il dipinto viene
guardato da vicino o da lontano.
Quanto questo ha attinenza con la fotografia e la fotografia di paesaggio in particolare?
I generi fotografici - movimenti in questo caso - fanno parte della fotografia tanto quanto
fanno parte della pittura e di altre arti visive. Il gruppo f.64 della fotografia è uno dei
movimenti fotografici più famosi. Se abbracciate questo movimento, questo genere, si
cercherà di emulare i suoi maestri, che si tratti di Ansel Adams, Edward Weston, Willard
Van Dyke, Imogen Cunningham, Sonya Noskowiak, John Paul Edwards e altri. I principi di
questo movimento, noto anche come Straight Photography o Pure, sono stati definiti come
l'eliminazione di qualsiasi "qualità della tecnica, composizione o idea, derivanti da
qualsiasi altra forma d'arte". In pratica, le fotografie f.64 sono caratterizzate dalla
mancanza di manipolazione delle immagini, resa accurata di tonalità delicate e dettagli
delle immagini, estrema profondità di campo, e il rifiuto di utilizzare filtri o lenti per
‘ammorbidire’ l’immagine, carte fortemente strutturate e dei processi di stampa o ritocco
che ha coinvolgono l’alterare l'aspetto complessivo dell'immagine fotografica.
La decisione di non utilizzare filtri per ‘ammorbidire’ l’immagine è stato uno dei principi
fondamentali dell’f.64, che è stato creato come reazione nei confronti del movimento
pittorialista guidato da Moriarty. Il genere pittorialista approva l'uso di lenti per
‘ammorbidire’ l’immagine e di filtri diffusione, al fine di conferire alle immagini un aspetto
‘morbido’, poetico. I pittorialisti inoltre approvano l'uso di veli, allestimenti, oggetti di scena
e altri artifizi, sia in studio che all'aperto, anche in contesti deserti. f.64 approva fotografare
il soggetto nel suo stato naturale, come è stato trovato, senza alterarlo in alcun modo.
Si noti che un genere è indipendente dal soggetto. Ciò che è definito da esso è un
approccio, una metodologia, un modo di vedere e rappresentare il mondo. Ciò che viene
rappresentato all'interno di questo genere spetta all'artista. Nel caso di f.64 i soggetti scelti
dai vari membri del movimento spaziano nella gamma dai paesaggi ai ritratti ai nudi al
reportage di paesaggi urbani e altro ancora. Cosa ha portato tutti questi soggetti e gli
artisti insieme era che essi hanno adottato lo stesso genere e quindi facevano parte dello
stesso movimento fotografico.
Si deve scegliere un genere? Anche se questo non è certo un obbligo il vostro lavoro
prima o poi entrerà in un genere specifico, sia che lo si scelga o meno. Questo perché
quando guardiamo le varie fotografie, quando decidiamo quali ci piacciono e quali no e
quando facciamo delle scelte per il nostro lavoro, lentamente ma sicuramente iniziamo a
lavorare all'interno di un genere specifico. Questo processo è a volte conscio e a volte
inconscio. Sono sicuro che ci sono molti fotografi in bianco e nero là fuori che non sono a
conoscenza dell'influenza f.64 avuto su di loro, né che il loro lavoro è davvero parte di quel
genere.
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Personalmente credo sia meglio sapere verso quale genere il lavoro si sta spostando o sta
entrando a far parte. Questa conoscenza vi permetterà di prendere decisioni informate, tra
cui la decisione che non si vuol far parte di questo genere, che si desidera allontanarsi da
esso, o che si desidera apportare modifiche al suo insieme di principi. Ad esempio, un
certo numero di fotografi contemporanei di paesaggio a colori sono stati inizialmente
influenzati da f.64 ma hanno deciso di lavorare a colori anziché in bianco e nero. Questa
semplice modifica li rende meno riconoscibili come appartenenti al genere f.64. Eppure,
quando si guarda da vicino il loro lavoro, a parte il fatto di non lavorare in bianco e nero,
ogni altro principio f.64 è presente: si usano piccole aperture (il principio dietro l'adozione
del nome f.64), la profondità di campo si estende attraverso l'immagine e filtri per
ammorbidire l’immagine o filtri diffusori non vengono utilizzati. Si noti che, anche se creato
da un gruppo di fotografi in bianco e nero non vi è alcuna dichiarazione che l'approccio
corretto alla fotografia f.64 debba essere fatto in bianco e nero.
Clearing Snow Storm over Spiderock, Canyon de Chelly National Monument
Hasselblad SWCM-CF, Zeiss Biogon 38mm f.3.5, Fuji Velvia 50
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La mia prima passione è prima di tutto i grandi paesaggi e cerco di essere là fuori, quando
si svolgono eventi unici in modo che da poterli sperimentare e fotografare.
Questa fotografia di Spiderock, fatta proprio mentre una temporale invernale ha fine,
rappresenta quel momento.
7 – Le scoperte personali non sono stile personale
É comune per gli artisti scoprire nuovi modi di creare immagini, nuovi approcci e nuove
tecniche. Spesso questi nuovi approcci o tecniche porteranno alla creazione di immagini
che l'artista non aveva mai visto o fatto prima.
Io ci sono passato diverse volte. In primo luogo, durante i miei studi presso la Beaux Arts
dove ho "scoperto" tecniche pittoriche e stili che credevo essere rivoluzionarie nel mondo
dell'arte e che mi avrebbero garantito fama e fortuna. Successivamente, quando ho
acquistato la mia prima macchina fotografica e sperimentato con diversi obiettivi, pellicole
e tecniche di camera oscura, ho raggiunto risultati che credevo mi avrebbero garantito la
posterità e la fama tutto il mondo.
Ero in errore in entrambi i casi, un fatto di cui sono stato prontamente informato dai miei
insegnanti. Quello che avevo appena scoperto non solo era stato già stato scoperto da
altri artisti molto prima di me, ma era anche stato elevato a un livello di perfezione che
potevo solo sognare. I miei insegnanti mi hanno consigliato di studiare il lavoro di questi
altri artisti abbastanza a lungo da non solo diventare capace di duplicare la loro arte, ma
diventare anche l’esperto mondiale del loro lavoro. Solo allora sarei stato in grado di
andare oltre quello che loro avevano scoperto e, forse, fare delle scoperte da me stesso.
La stessa regola si applica a qualsiasi artista che lavora con qualsiasi mezzo. Questo
processo è una parte del percorso verso lo sviluppo di uno stile personale. Non è lo stile
personale.
8 – Lo stile personale è una combinazione di scelte
Quello che si fotogra, il genere che si abbraccia e come si fotografa il soggetto fanno parte
dello sviluppo dello stile personale. A questo proposito si può dire che lo stile personale è
la combinazione di più scelte fatte per quanto riguarda l'attrezzatura utilizzata, il soggetto
che si fotografa, il vostro gusto personale, e innumerevoli altre variabili.
Per capire meglio questo punto diamo uno sguardo a come le scelte fatte da due fotografi
specifici hanno contribuito a definire il loro stile. Ho volutamente scelto fotografi il cui stile è
fondamentalmente diverso per illustrare meglio il mio punto. Per semplicità ho diviso le
variabili in cinque categorie: attrezzatura, ambiente, approccio, soggetto e qualità della
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luce. Non ho incluso una sezione sul genere dato che ognuno di lo hanno usato un
approccio molto diretto alla fotografia.
Se rimuoviamo i nomi dei fotografi e mostriamo l'elenco di seguito ad un fotografo che
abbia familiarità con il loro lavoro questa persona potrebbe facilmente indovinare chi sono
questi due fotografi. Le loro personalità sono evidenti nella scelta dell’attrezzatura, del
soggetto, dell'approccio e della luce.
Henri Cartier Bresson
Attrezzatura
- Macchina fotografica piccolo, leggera (35mm Leica M)
- Obiettivi normali o medio grandangolare (35mm; spesso ha usato un solo obbiettivo)
- Rullino bianco e nero – può scattare fino a 36 immagini senza ricaricare
Ambiente
Cartier Bresson nasce nel sobborgo parigino di Pantin. I suoi genitori gestivano una
fabbrica ed erano finanziariamente di successo. Egli non aveva bisogno di lavorare per
vivere e può concentrarsi sulla sua passione per la fotografia. Allo stesso tempo, ha avuto
un contatto diretto con la vita della città attraverso gli operai che lavoravano per i suoi
genitori, vivendo in una zona di lavoro e attraverso il suo contatto quotidiano con
l'ambiente parigino.
Approccio
- Macchina fotografica utilizzata a mano
- Fotografie spontanee
- Si muove attorno velocemente e lavora il soggetto da angoli multipli
- Presta molta attenzione ai dettagli durante la composizione nel mirino perché il suo
obiettivo è quello di creare immagini che verranno stampate full frame, senza alcun taglio.
- Il suo obiettivo è quello di catturare il "momento decisivo", il momento in cui disparati
elementi umani e non umani nella scena che improvvisamente si uniscono per formare un
insieme coerente.
- Fotografa solo in bianco e nero
- Si muove intorno alla scena continuamente alla ricerca del momento perfetto in cui la
composizione, il punto di vista, le persone e altri elementi si fondono insieme.
Soggetto:
- Le persone sono presenti in ogni immagine
- Lavora laddove le persone siano presenti, sia nelle città, nei parchi, in campagna o in
viaggio
Qualità della luce
- Usa la luce presente nelle scene che trova. Mentre la qualità della luce è importante, è
secondario al suo soggetto. In altre parole, la situazione viene prima la qualità della luce.
Un istante decisivo in condizioni di scarsa luminosità è meglio di un istante comune (mia
espressione) in luce ideale.
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David Muench
Attrezzatura
- Macchina fotografica grande format pesante e ingombrante (4x5 Linhof Master Technika)
- Varietà di obiettivi dal grandangolo al teleobiettivo con una predilezione per supergrandangolari
- Lastra film a colori – può fare solo una fotografia alla volta
Ambiente
- Membro di una famiglia di fotografi di paesaggio. David è il figlio di Josef Muench e padre
di Marc Muench, entrambi fotografi di paesaggio di grande successo. I Muench seguono
ognuno le orme degli altri, per così dire.
- Riconosciuto per il suo lavoro in tutto il mondo
Approccio
- Egli è noto per le sue composizioni vicino-lontano utilizzando grandangolari estremi
- Utilizza una varietà di composizioni ricorrenti
- Lavora quasi escusivamente a colori
- Un'attenta pianificazione è parte della creazione della maggior parte delle sue fotografie.
Questa pianificazione comprende:
- Ricerca di punti difficili da raggiungere e mai fotografato posizioni con le qualità
fotogeniche
- Ritornare alla stessa posizione anno dopo anno
- Essere in una posizione specifica in un momento specifico dell'anno
- Sapere quando e dove il sole o la luna sorgerà oppure impostare in un luogo specifico
- Sapere quando la fioritura di primavera e la caduta colori sarà al loro apice in una
posizione specifica
- Profonda conoscenza di paesaggi americani del Nord così come la loro geologia,
botanica, flora, fauna, ecc
- Soggiorna in un posto e aspetta il momento perfetto
Soggetto:
- Fotografa essenzialmente paesaggi e alcuni siti storici
- Si concentra sui parchi nazionali, aree di ricreazione, aree naturali e altre aree protette
- Si tiente informato della designazione di nuove aree protette
- Partecipa attivamente nella tutela aree naturali sensibili
- É membro di diversi gruppi di protezione o associazioni
Qualità della luce
Seleziona attentamente la luce migliore per un argomento specifico. Mentre il soggetto e
la composizione sono importanti, la qualità della luce viene prima. In altre parole, la
composizione perfetta e la scena si rivelano solo nella luce ideale. Ciò significa sia trovare
il soggetto, sia la luce, o tornare quando la luce è al suo meglio per questa posizione.
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Estetica e fotografia
Rue Cartier Bresson, Pantin, France
Old Factory, Pantin, France
Canon 300D, Canon 18-55 dedicated zoom
Big Sur Coastline, California
Olympus OM4T, Fuji Provia
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Estetica e fotografia
Lo stile è l'estensione della vostra personalità e la vostra personalità è in parte definita
dalla vostra infanzia.
Cartier Bresson è cresciuto a Pantin, un sobborgo di Parigi, dove una strada ora porta il
suo nome.
I suoi genitori gestivano una fabbrica, forse quella di cui sopra, che si trova Rue Cartier
Bresson e oggi utilizzata come deposito di veicoli.
David Muench è cresciuto a Santa Barbara con la costa di Big Sur.
Dopo aver confrontato le posizioni in cui entrambi i fotografi sono cresciuti, è davvero
sorprendente che uno ha scelto di fotografare scene di strada e l’altro grandi paesaggi?
9 – Uno stile personale è una serie di scelte mirate che si adattano alla
vostra personalità
Per molti versi lo stile personale si perfeziona attraverso delle scelte che possono essere
fatte da altre persone. Nel perfezionare queste scelte si finisce per creare qualcosa di
unico a causa del tempo trascorso a considerare tutti gli aspetti, ad affinare il vostro
approccio e a lucidare il vostro stile. In superficie ciò che fate può sembrare semplice,
facile e senza sforzo. Ma dietro l'impressione di lucido e senza sforzo i vostri progetti di
lavoro sono innumerevoli ore di ricerca, mesi di prove ed errori e di anni spesi a testare,
provare e tentare di avere successo attraverso vari mezzi.
Nel confronto di cui sopra ho selezionato due fotografi che hanno per soggetto l'approccio
e lo stile è così completamente diversi che si potrebbe dire che sono quasi l’uno l’opposto
dell’altro. Ancora una volta, l'ho fatto apposta per illustrare meglio il mio punto e di farlo in
maniera concisa.
Tuttavia, in pratica, quando ci si concentra su uno specifico argomento fotografico, lo stile
dei singoli fotografi che lavorano con lo stesso soggetto diventano sempre più simili. A
quel punto il confronto di cui sopra non funziona più, perché si ha la necessità di
confrontare gli artisti che utilizzano apparecchiature, approccio, soggetti e la qualità della
luce quasi simili.
Per porre rimedio a questa situazione, e per dimostrare come il perfezionamento risulti
effettivamente nella creazione di stili diversi, vorrei ampliare il confronto di cui sopra
mettendo a confronto lo stile di due grandi fotografi di paesaggio: David Muench e Jack
Dykinga. In questo secondo confronto userò le stesse 4 categorie che ho usato in
precedenza.
Questo confronto si concentra su dettagli che possono o no essere notati da un
osservatore occasionale o ammiratore del lavoro di entrambi i fotografi. In un certo senso
questo confronto è più vicino a un esercizio di letteratura comparata che a una visita a una
mostra fotografica. É anche un confronto che mostra come sia importante affinare le scelte
personali.
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Estetica e fotografia
David Muench
Attrezzatura
- Linhof Master Technika 4x5 (macchina a soffietto 4x5)
Ambiente
- Vedere sopra
Approccio:
- Quasi esclusivamente format panoramic grande format
- Quasi tutte le foto fatte con cavalletto
Soggetto:
- Frequente organizzazione tematica fotografica per stati (Colorado, Utah, Arizona, ecc)
- Copertura a livello nazionale
- Forte legame e concentrazione sui Parchi nazionali, aree ricreative, aree wilderness, ecc
- Un orientamento definito nei confronti delle immagini con scopi commerciali
- Il suo mercato è in primo luogo la fotografia di stock e di pubblicazione, solo in un
secondo tempo stampe d'arte.
Qualità della luce
- Ampia gamma di qualità della luce. La scelata della luce si è evoluta nel corso della sua
carriera. Per la sua qualità forte e ardita la retroilluminazione è stata favorita in
precedenza. Più avanti è stata preferita una qualità di luce più morbida e più sottile.
L’illuminazione drammatica è ancora favorita.
David favorisce le tempeste e il tempo attivo. David dice che "cattiva luce significa buone
fotografie."
Composizione
- Senza dubbio il creatore della composizione vicino-lontano in fotografia. Sicuramente
uno dei più forti sostenitori di questo stile di composizione. Le composizioni vicino-lontano
tipicamente usano un elemento di primo piano che è centrato sulla base dell'immagine.
- La maggior parte delle composizioni vicino-lontano di Muench sono verticali.
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Estetica e fotografia
Jack Dykinga
Attrezzatura
- Arca Swiss Monorail 4x5 and Deardoff 4x5 (macchina a soffietto 4x5)
- Preferisce i recent obbiettivi Schneider.
Sceglie lenti che con la copertura maggiore (cerchio immagine) con gli ultimi ritrovati,
come permettere di fotografare dritto verso il sole, comprendendo anche il sole
nell'immagine, senza causare flare.
Ambiente
La sua provenienza dall’ambiente del giornalismo è evidente nel suo stile attuale, che può
essere descritto come un approccio più giornalistico alla fotografia di paesaggio. É
motivato a dimostrare i fatti piuttosto che le emozioni nelle sue fotografie di paesaggio.
- Ha ricevuto il premio Pulitzer in fotogiornalismo
Approccio
- Scegle un luogo e torna indietro giorno dopo giorno per ottenere lo scatto
- Il suo uso di una fotocamera monorotaia gli permette di utilizzare movimenti di macchina
più drastici che con una macchina fotografica piano
- Più verbale di Muench per quanto riguarda la sua tecnica. Pubblicato un libro sulla
tecnica del 4x5: Fotografia di Paesaggio Grande Formato.
Qualità della luce
- Utilizza una vasta gamma di qualità di luce
- Favorisce ciò che egli chiama luce "orizzontale" all'alba e al tramonto.
- Colori smorzati e tonalità pastello rispetto a Muench. Colori per il piacere degli occhi più
che per sorprendere.
Composizione
- Sfrutta le composizioni vicino-lontano ma non necessariamente immagini in primo piano
alla base dell’immagine. Invece, gli oggetti circostanti vengono spesso posizionati fuori
centro, sul lato destro o sinistro dell'immagine, o lungo tutta la larghezza del parte inferiore
dell'immagine. Inoltre le composizioni vicino-lontano sono spesso immagini orizzontali
(orientamento "paesaggio"), con l’oggetto in primo piano regolarmente collocato fuori al
lato destro o sinistro dell'immagine.
- Uso di composizioni meno appariscenti, meno drammatiche. Questo non è un fattore
dell’esatta lunghezza focale utilizzata, ma più un fattore degli intenti del fotografo.
137
Estetica e fotografia
Antelope Light Dance Vertical Panorama
Linhof Master Technika 4x5, Schneider Super Angulon 75mm f.56, Fuji Provia 100F
Mi piace provare composizioni diverse della stessa fotografia, come mostrato in questa
versione verticale panoramica di una delle mie più note fotografie 4x5.
138
Estetica e fotografia
10 – Uno stile personale non è solo rappresentare fatti, è anche esprimere
emozioni
Per essere in grado di vedere, non bisogna solo aprire gli occhi. Bisogna soprattutto aprire
il proprio cuore.
Gaston Rébuffat, Alpinista Francese
Lo studio sopra degli stili rispettivi di David Muench e Jack Dykinga apre la porta a due
osservazioni molto interessanti.
La prima osservazione riguarda il concetto di oggettivo contro soggettivo e di emozioni
contro fatti.
Come abbiamo appena visto Dykinga ha un approccio più "giornalistico", rispetto alla
fotografia di grande formato orizzontale che fa Muench. Ciò è dovuto all’ambiente di
provenienza della fotografia giornalistica di Dykinga. Dykinga mostra il desiderio di dare un
senso della natura del luogo, ottenuto da un forte desiderio di ricreare, con il mezzo
fotografico, la sensazione e l'atmosfera di ogni luogo. Dykinga, nella mia stima, lo fa in un
modo piuttosto concreto, piuttosto che emotivo. I fatti che nel giornalismo possa essere
trovati nel testo sono qui nella composizione attenta di ogni immagine, nell'uso di dettagli
scelti con cura per mostrare l'esatta natura di ogni soggetto.
Questo approccio è in contrasto con quello di Muench, il cui desiderio sembra più quello di
presentare scene che, pur reali, in un primo momento sembrano impossibili. Per
raggiungere questo Muench è costantemente alla ricerca di eventi naturali che non sono
stati fotografati ancora: il sole o la luna che sorge o tramonta in luoghi in cui non abbiamo
mai pensato che possano sorgere. Nubi temporalesche incredibili. Un gioco di luci e
ombre su una scena specifica che non avremmo mai immaginato far parte del regno
naturale. Scene così perfette, così sorprendenti e così rare che non avremmo mai pensato
che potessero esistere senza l'intervento qualificato di un artista esperto.
In confronto, lo stile Dykinga ci presenta scene che, anche se splendide per conto loro,
sono molto più facili da accettare come "naturali". Scene che sono più comprensibili, e che
richiedono meno di un strapop alla nostra concezione di ciò che è naturale.
Se dovessimo fare un paragone con la letteratura, o con la scrittura, la prosa fotografica di
Dykinga fa uso di un minor numero di aggettivi del Muench essenziale. Gli aggettivi sono
parole che indicano un parere soggettivo piuttosto che obiettivo. Nel giornalismo gli
aggettivi sono spesso evitati, specialmente quelli qualificativi. Walter Cronkite ad esempio,
ha detto in una recente intervista che quando è stato assunto la sua rete gli ha chiesto di
non usare aggettivi. Il giornalismo si basa sulla segnalazione di fatti ed eventi. Il giornalista
è lì per dare una descrizione fattuale della scena e di quanto accaduto. Lui non è lì per
rivelare la propria posizione emotiva. Anche in questo caso l’ambiente giornalistico da cui
proviene Dykinga come fotografo si riflette nella sua fotografia di paesaggio, attraverso il
suo uso controllato degli aggettivi fotografiche potremmo dire.
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Estetica e fotografia
La seconda osservazione riguarda il fatto che la scelta delle attrezzature, l'approccio, il
soggetto e la luce sono solo un aspetto di stile personale. Perché? Perché dopo tutte
queste variabili sono esterne al fotografo. In quanto tali, possono essere scelte - o imitate da altri fotografi, come mostro nel mio racconto sull’esposizione d’arte nella sezione 4.
Ciò che non può essere imitato da altri fotografi è la personalità dell'artista. Non è ciò che
l'artista fa, ma ciò che l'artista è. Questo ci porta alla domanda: quale ruolo gioca questo?
Beh, lo fa nel comportamento dell'artista, nelle sue simpatie e antipatie, in ciò che ci ispira
e nel nostro modo di rispondere e rappresentare le scene che stiamo vedendo per la
prima volta. Il modo migliore per esemplificare questo è di utilizzare me come esempio. Lo
farò nel contesto di descrivere il mio stile personale.
11 – Il mio stile personale
Vi potreste chiedere come vedo il mio stile e come lo descriverei. Ottima domanda. Ecco
la mia risposta in termini di come approccio il soggetto, delle scelte che faccio, di quello
che mi piace e non mi piace fare quando fotografo e di quello che io ritengo essere le
caratteristiche significative della mia personalità e quindi del mio stile:
-Non ho alcun interesse a fare fotografie che altri fotografi hanno già fatto prima di me.
Posso semplicemente acquistare le loro stampe.
Quando visito un posto il mio obiettivo è quello di creare le mie proprie immagini.
-Trovo che usare una fotocamera 4x5 mi conferisca la massima qualità dell'immagine e mi
infonda maggiore creatività e riflessione sulla scena che ho intenzione di fotografare.
-Mi piace usare anche formati più piccoli, come la medio formato e la 35mm, sia in
combinazione con 4x5 che da soli.
-Credo che ogni macchina fotografica abbia dei vantaggi e degli svantaggi e che nessuna
singola macchina fotografica possa fare tutto.
-Uso sia fotocamere digitali che analogiche
-Mi piace fotografare con più fotocamere allo stesso tempo, spesso montandone due su
treppiedi separati per fare difersi scatti allo stesso tempo, al fine di massimizzare le
opportunità offerte da un singolo tramonto o alba.
- Porto sempre almeno un medio formato o una fotocamera 35mm, oltre alla mia
fotocamera principale 4x5, per quegli scatti dove solo la capacità di fotografare in modo
rapido e a mano libera mi permetterà di catturare il momento.
-Mi piace usare una reflex digitale come un esposimetro per la funzione istogramma e
l’anteprima LCD che offre.
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Estetica e fotografia
- Per fare un commento personale sulla sezione 11: mi piacciono gli aggettivi. Il mio
obiettivo non è quello di usarli meno, ma di utilizzare meglio. Nel mio lavoro questo si
traduce in fotografie dove catturare le emozioni viene prima di catturare i fatti.
-Preferisco vivere nei luoghi che fotografo, al fine di sviluppare una affinità personale con
ogni posto e avere tutto il tempo per esplorarli in profondità e secondo le mie esigenze.
-Mi piace restare in attesa in una posizione fino a quando la luce è al suo meglio. Mi
considero molto paziente quando si tratta di aspettare la luce.
-Mi piace essere in un posto splendido, nella natura, senza fotografare. Credo che ci sono
molti modi diversi di vivere un luogo e che la fotografia sia solo uno di loro.
-Non mi stanco di ritornare nello stesso posto, anno dopo anno, a volte più volte l'anno.
-Ogni volta che torno in un luogo già visitato cerco di creare un’immagine nuova, che non
sia già stata fotografata.
-Ho un atteggiamento opportunistico quando sono alla ricerca di possibilità fotografiche
nella natura. Per usare una metafora basata su metodi di raccolta dei prodotti alimentari
delle culture americane preistoriche, mi vedo più come un cacciatore di luce, di elementi
compositivi, di fotografie, che come un agricoltore. Raccolgo e trovo ciò che la natura mi
offre durante tutto l'anno, le stagioni, i luoghi. Io non coltivo o influenzo il come o il cosa la
natura offre.
-Credo che non esista la cattiva luce o i cattivi soggeti, solo diversi e più o meno
impegnative opportunità.
-Credo che le circostanze non pianificate il più delle volte offrano opportunità impreviste.
- I work primarily towards creating fine prints and towards being able to enlarge these
prints to very large sizes.
-Il mio lavoro è orientato soprattutto verso la creazione di stampe fine-art e di grandi
dimensioni
-Credo che non sia possibile sapere che cosa ho fotografato al 100% fino a che non l’ho
stampato, preferibilmente in grande.
-Al momento preferisco il colore piuttosto che il bianco e nero, nonostante in passato fosse
il contrario.
-Amo i miglioramenti apportati dalla tecnologia digitale e questo in tutti i settori che
riguardano la mia vita creativa e di business
-Anche se la mia attenzione si focalizza primariamente nella fotografia di paesaggio amo
anche la fotografia di strada e di persone non in posa.
-Prego di non dover mai fotografare un matrimonio. Per il momento le mie preghiere sono
state esaudite.
141
Estetica e fotografia
-Lo stesso commento può essere applicato per le fotografie di ritratto in posa in cui il
committente decide quale immagine vuole.
- Mi piacerebbe emulare lo stile di Richard Avedon e il suo approccio alla ritrattistica.
-Alcuni tentativi fortuiti mi hanno aiutato a definire il mio stile - vedere di seguito:
12 – I tentativi fortuiti e le immagini che definiscono
Les chefs-d'oeuvre ne sont jamais que des tentatives heureuses
(I capolavori sono sempre tentativi fortuiti)
George Sand.
sviluppare uno stile personale richiede tempo. Non succede durante la notte. A differenza
di una nuova macchina fotografica non si può semplicemente ordinare un nuovo stile
personale, farselo consegnare, scartarlo e immediatamente iniziare a fotografare per
vedere cosa si può fare. Mentre le fotocamere sono fatte da aziende che ci sono estranee,
uno stile personale viene da dentro ed è generato da noi. Non ci sono apparecchiature
progettate per aiutarci a creare uno stile personale. Fortunatamente ci sono approcci e
azioni che ci possono aiutare.
Nel mio caso sviluppare uno stile personale è stato in gran parte influenzato da due cose
che ho citato nel titolo di questa sezione: tentativi fortuiti, come George Sand dice così
bene, e la definizione delle immagini che, devo dichiararlo con umiltà, sono stati spesso i
risultati di questi tentativi casuali. Prima di andare a spiegare quello che voglio dire devo
fare tanto di cappello a George Sand, una scrittrice francese che, anche se ha dovuto
usare il nome di un uomo per farlo, in quanto nel suo tempo era mondo letterario di un
uomini, era pienamente consapevole di ciò che ci voleva per creare qualcosa di unico.
Notiamo di passaggio che non c'è, quando si tratta di stile personale e di capolavori,
assolutamente nessuna differenza tra la letteratura e la fotografia.
Quindi che cosa intendo con le immagini definite? Per me sono le immagini che, molto
semplicemente, mi hanno permesso di definire il mio stile. Quello che alludono sopra,
quando cito George Sand, è che queste immagini non sono state create per questo scopo.
Quando ho creato le fotografie che hanno finito per definire una nuova direzione nel mio
lavoro, un nuovo stile personale, non avevo intenzione di farlo. Da questo punto di vista
queste immagini sono stati tentativi casuali. Queste immagini sono state create perché al
momento queste erano le fotografie che volevo fare. Sono state create, perché al
momento queste erano le immagini che incarnavano il modo di vedere migliore che mi
venisse in mente. Sono state create, perché al momento queste erano le immagini che ero
veramente eccitato di fare. É solo a posteriori, quando ci si guarda indietro a quello che è
successo dopo aver creato queste immagini, che ho capito come mi avessero aperto gli
occhi a nuove possibilità e ad un nuovo modo di vedere. E solo più tardi che mi sono reso
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Estetica e fotografia
conto di quanto la creazione di queste immagini avesse cambiato il modo in cui ho
fotografato da allora in poi.
Questo significa che mi baso sulla fortuna per creare le mie migliri immagini? Per avere
una risposta a questa domanda si dovrà aspettare fino al mio prossimo articolo di questa
serie “Essere un artista”.
Bright Angel Rainbow, Grand Canyon National Park
Hasselblad 500C, Zeis Distagon 60mm f.3.5, Fuji Velvia 50
Questa immagine rappresenta un tentativo fortuito. Ero lì per fotografare il tramonto quel
giorno, ma pioveva e nuvole ostacolavano il sole fino a pochi minuti prima del tramonto.
Quando il sole è venuto fuori non ero preparato alla vista di questo arcobaleno. Prima ho
provato un primo piano dell’ arcobaleno, poi ho questa versione più ampia di tutta la
scena.
Fino a quando ho non ricevuto il mio film dal laboratorio ero convinto che il primo piano
fosse l’immagine migliore.
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Estetica e fotografia
13 – Esercizi fotografici
È giunto il momento degli esercizi fotografici. Nel contesto dello stile, questi esercizi hanno
lo scopo di aiutarti a riflettere e a definire il tuo stile personale.
Sapere chi sei, cosa ti piace e non ti piace, e quali attrezzature utilizzare, sono basi
strutturali su cui si può costruire un forte stile personale. Per questo motivo vi consiglio di
iniziare questa lista di esercizi con le parti A, B e C:
Definire uno tuo stile
• Definire un tuo stile, parte A: personalità
Utilizzando le sezioni da 1 a 4 elenca le caratteristiche principali della tua personalità, così
come le vedi. Puoi usare anche la sezione 11 dato che vi elenco una serie di tratti della
personalità.
• Definire un tuo stile, parte B: approccio
Utilizzando le spiegazioni nelle sezioni 5 e 6 definisci quali soggetti (o soggetti) vuoi
fotografare e che genere vuoi adottare. Forse dovrai fare qualche ricerca a proposito di
entrambi dato che non provvedo alcuna lista di possibili generi in quest’articolo.
• Definire un tuo stile, parte C: attrezzatura
Utilizzando gli esempi nella sezione 6 fai una lista degli elementi che meglio definiscono il
tuo stile includendo l’attrezzatura fotografica che vorresti utilizzare. Analogamente, puoi
elencare i soggetti che attualmente stai fotografando, o i soggetti che vorresti ritrarre ma
non hai ancora avuto l’oppurtunità di fotografare.
• Continua l’esempio che fornisco nella sezione 6 selezionando i fotografi il cui stile e
immagini trovi particolarmente accattivanti e cerca quale attrezzatura utilizzano, quale
approccio seguono, quali soggetti privilegiano, e quale luce preferiscono.
Frequenta dei workshop
• Vi consiglio caldamente di frequentare dei workshop. Non solo uno, ma diversi. Lo stile si
sviluppa nel tempo e non si può pretendere di sviluppare uno stile personale nel corso di
un solo workshop. I workshop vi permetteranno di ottenere risposte alle vostre domande e
di lavorare su aree che sono particolarmente impegnativo. Essi consentono inoltre di
lavorare con professionisti affermati che hanno affrontato le difficoltà che state
affrontamdo voi e che possono offrire soluzioni efficaci.
• Cercate un mentore, qualcuno che è già dove voi vorreste essere e che sia disposto ad
aiutarvi e a lavorare con voi.
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Estetica e fotografia
Provate cose nuove
• Provare cose nuove e diverse. Provate cose che vi piacciano, ma anche cose che non
avete fatto ancora. Provate a fare cose che vi mettano alla prova. Ritrai soggetti che non
hai ancora fotografato. Meglio: ritrai soggetti che non hai ancora fotografato in attesa di
"essere un fotografo migliore".
• Non abbiate paura di fare brutte foto. Da qualche parte bisogna pur cominciare. Gli errori
sono il normale processo mediante il quale impariamo a fare qualcosa di nuovo. Nessuno
nasce esperto. Tutti troviamo il nostro percorso mediante una serie di tentativi. Dovete
mettere in conto tutta una serie di errori per ogni successo.
• Purtroppo, raramente arriviamo a vedere gli errori di famosi fotografi. Perché? Forse
perché non si desidera condividerli, forse perché i loro editori non vogliono mostrarli. Forse
perché questo è il modo in cui è stata presentata la fotografia finora. Forse perché la
fotografia nel suo insieme è un tramite che esita a mostrare i suoi tentativi. Nella pittura
vediamo regolarmente mostre intere incentrate sui tentativi dell'artista: i quaderni degli
schizzi. Raramente vedremo la dipinti a metà perché una tela veniva spesso riutilizzata in
seguito, coprendo così il tentativo precedente. Ma di tanto in tanto una mostra viene
organizzata per un pezzo parzialmente completato. Quando è stata l'ultima volta che hai
visto una mostra fotografica in cui c'era una fotografia finita a metà? Errori, tentativi a
metà, prove ed errori, e "schizzi" sono stati uno dei segreti meglio custoditi del mondo
della fotografia. Tuttavia, gli errori accadono in fotografia, anche se non riusciamo a
vederli, perché scartati, archiviati o comunque tenuti lontani dal pubblico. Penso che sia
ora di cambiare, e la mia prossima serie su "La fotografia come Arte" sarà caratterizzata
non solo da fotografie completate, come esempi, ma anche dai vari tentativi, dalle altre
immagini che ho creato nel processo di creazione della fotografia che, alla fine, arriverò a
scegliere come la migliore del lotto. Penso che ci sia molto -se non di più- da imparare da
questi tentativi che dallo studio del risultato finale.
Studio dei lavori di altri artisti
• Se trovi che i tuoi lavori tendano ad assomigliare a quelli di un altro artista allora diventa
il maggiore esperto al mondo di questo artista. Impaga tutto ciò che c’è da sapere su
questa persona, e se puoi incontralo personalmente. Studia con lui. Fanne il tuo mentore.
• Cerca ad altri fonti di ispirazione oltre alla fotografia. Guarda forme d’arte prodotte per
ragioni diverse dall’estetica, come quella tribale o primitiva. Non guardare solo fotografie.
Osserva anche dipinti, sculture e disegni, ascolta musica, etc.
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Estetica e fotografia
Assegnati degli incarichi
• Incarichi auto assegnati, soprattutto quelli che non hai mai visto fare prima, sono potenti
motivazioni nello sviluppo di uno stile personale. Non si può sviluppare uno stile personale
soltanto da rifacendo ciò che altri hanno fatto prima.
• Concediti la possibilità di scoprire cosa puoi fare con un soggetto specifico, senza sapere
in anticipo cosa cif arai. Troppo fotografi sanno quello che fotograferanno e quali immagini
vogliono ottenere ancor prima di iniziare un nuovo viaggio fotografico. Dove è la scoperta
in questo approccio? E senza la scoperta, come si può sviluppare uno stile personale?
Clearing Spring Storm, Tsegi Overlook, Canyon de Chelly
Olympus OM4T, Zuiko 18mm, Kodak Royal Gold 25
Questa fotografia, così come “Grand Canyon Rainbow”, ha finito per definire una direzione
importante nel mio lavoro. Eppure, entrambe sono stati dei tentativi casuali. Non ho mai
inteso creare queste immagini, avevo appena visto il rapporto drammatico di nuvole e
isolati scorci di luce. Ho usato la macchina fotografica che avevo con me al momento, un
Olympus 35mm, e poi ritagliato l'immagine in una composizione panoramica. Questa
fotografia è stata la ragione per cui ho acquistato una macchina fotografica panoramica
Fuji 617.
______________________________________________________________
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Estetica e fotografia
14 - Conclusioni
Sviluppare uno stile personale è più un viaggio che una meta. Come abbiamo visto si
compone di diverse parti: temi, generi e stile. In primo trova cosa vuoi fotografare
(soggetto), quindi trova come lo vuoi fotografare (genere), e infine porta la tua personalità
nell’equazione (stile) in modo da poter fotografare il soggetto scelto, all'interno del genere
che si è deciso di abbracciare, nel tuo modo personale. Se si riesce a raggiungere questo
lo stile personale seguirà. Questo sforzo presuppone una gran mole di lavoro, incluso
l’acquisire l'equipaggiamento specifico necessario e l'educazione in merito al lavoro svolto
da altri fotografi prima di voi. Per riuscire in questo sforzo si dovrà essere appassionati al
proprio lavoro ed essere disposti a chiedere aiuto a coloro che hanno seguito questa
strada prima di voi. Soprattutto dovrete essere pazienti e i risultati arriveranno nel corso
del tempo.
Lo stile personale è l’estensione della vostra personalità. Il tuo stile rispecchia chi sei, cosa
ti piace, cosa non ti piace, cosa trovi importante etc. Uno stile personale è un modo di
vedere che differisce da ogni altro artista. È il tuo modo personale di vedere il mondo.
Lo stile personale riflette ciò che si vede, quello che si trova essere importante e ciò che si
desidera catturare nelle proprie fotografie. Il tuo stile può cambiare con te e con il tuo
modo di relazionarti col mondo. Credo davvero che la maggior parte degli artisti siano
abbastanza consapevoli del loro stile personale. Perché? Perché, come artisti creiamo il
nostro stile. Questo stile è il risultato dei nostri sforzi, dei nostri tentativi e delle scelte che
facciamo. Siamo noi che lavoriamo passo a passo nel percorso verso un determinato
risultato. Siamo noi che prendiamo tutte le decisioni necessarie per assicurarci che
l'immagine sulla carta corrisponda il più possibile all'immagine nella nostra testa, alla
nostra pre-visualizzazione, se credete.
Sono sempre stupito dalla competenza dei fotografi sulle attrezzature fotografiche, sia che
si tratti di apparecchiature che possiedono o no. Spesso ne sanno molto più di me, al
punto che mi chiedo se c'è qualcosa di sbagliato in me e se il mio lavoro sarebbe stato
migliore ne se avessi saputo altrettanto a proposito del numero di pixel di una macchina
fotografica specifica, o del numero di riferimento esatto di uno specifico treppiede Gitzo
(essere francese non è sufficiente a padroneggiare completamente il sistema di
numerazione Gitzo), o l’esatto vantaggio di una lente rispetto ad un altra.
D'altra parte sono altrettanto stupito di quanto poco si parli tra fotografi del lavoro di altri
artisti, fatta eccezione per alcuni nomi che ritornano regolarmente, come Ansel Adams,
David Muench e pochi altri. Sono anche stupito di quanto poco si parli tra i fotografi di altre
arti. Mentre ritengo la pittura essere una delle principali influenze nel mio sviluppo
personale come artista, e mentre regolarmente discuto di come certi quadri abbiano
influenzato la mia decisione di diventare un fotografo, trovo che relativamente pochi
fotografi condividano il mio interesse nel confronto fra diversi tipi di arte. Analogamente, ai
tempi di Ansel Adams, molti fotografi in bianco e nero ascoltavamo musica classica
durante la stampa. Alcuni addirittura ascoltavano musica classica mentre fotografavano
sul campo. Questa pratica è ancora viva oggi tra gli studenti di Ansel Adams. Tuttavia, i
fotografi che intrapprendon questo mestiere oggi, sembrano aver perso la connessione
con le altre forme d'arte, sia essa la musica, la pittura, la scultura o ogni altro mezzo.
Sembra che ci stiamo muovendo nella direzione che la fotografia sia solo questione di
fotografia, senza riferimenti esterni ad altre arti.
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Estetica e fotografia
Trovo importante lavorare per invertire questa tendenza. Se la fotografia è una forma
d'arte, allora è importante essere in grado di mettere in relazione la fotografia ad altre arti
e goderne insieme con altre forme d'arte. Se questo deve accadere, allora è importante
essere informati in altre forme d'arte, non solo in fotografia. Anche se questo non è
l’oggetto di questo articolo, credo che sia legato allo sviluppo di uno stile personale. È
anche un soggetto che tratterò in maniera più estesa nella mia prossima serie di articoli: la
fotografia come arte. In questa serie userò alcune delle mie foto preferite come esempi,
come punti di partenza, per mostrare e spiegare come i concetti di arte specifiche possano
essere inclusi e incarnati nella fotografia. Questa serie sarà meno sulla teoria e più sulla
pratica. Si tratterà di come ho creato delle immagini specifiche, e di come sia possibile
creare immagini che ti assomiglino. Se ti sembra che la cosa possa interessarti scrivi una
e-mail a: [email protected]
Fino ad allora c’è un altro articolo in questa serie: Number 10 - Essere un Artista. La
risposta alla mia domanda se volevate che scrivessi questo articolo successivo o no è
stato un travolgente "Sì!". Quindi, il gioco è fatto. Non appena avrò digitato l'ultima parola
di questo articolo voglio iniziare a lavorarci. Come sarà? Beh, io onestamente non lo so
ancora. Ci sono molti aspetti dell’essere un artista, e uno di loro è che gli artisti raramente
parlano di ciò che significa essere un artista. Questo sarà il primo, ma sarà anche molto
informativo. Soprattutto tratterà della di libertà e del liberarti dai vincoli che impediscono
molte arti dall’essere veramente arte.
Come per i capitoli precedenti, e per usare un po' di francese, questa serie è ‘a suivre’.
Workshop di fotografia:
Uno dei modi più efficaci di migliorare le vostre competenze fotografiche è assistere ai
workshop. Ognuno dei miei workshop include esercizi fotografici studiati per sviluppare le
vostre competenze in specifiche aree. Individua quali workshop sono al momento
disponibili visitando il mi sito all’indirizzo http://www.beautiful-landscape.com o indirizzami
una mail a [email protected].
© 2004 Alain Briot
Sonoran Desert, Arizona
March 2004
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