contest creativo

NUOVI
MONDI
CONTEST CREATIVO
NUOVI MONDI
COLOPHON
Promosso e ideato da
CORTE - benvenutiacorte.it
Arianna Nobile
Daniele Marcotulli
Andrea Ottaviani
Cecilia Bandiera
Nicola Alicata
Annalaura Valitutti
Daniela Voso
Curatrici progetto
Giulia Mura
Marta Veltri
Alessandra Orzali
Grafica sito e contest
NOAO
Cecilia Bandiera
Nicola Alicata
Grafica catalogo
Problem Studio
Daniele Ficociello
In collaborazione con
ARTRIBUNE - artribune.com
FAMO - famoweb.it
ISBN 978-88-98448-19-7
9 788898
448197
In copertina
LIFE GARDEN \ ZOI PAPPA
(300 x 206 cm)
Pittura su carta da parati, tecnica mista
Painting on wallpaper, mixed media
NUOVI MONDI
INDICE VISIVO / VISUAL INDEX
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CORTE
CONTEST
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CORTE
CONTEST
PERCORSI - ANDREA FARINA
(547 kb)
Artwork digitale \ Opera non in concorso
Digital artwork \ Non-competing artwork
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CORTE
CONTEST
“Nuovi Mondi” è il primo Contest creativo lanciato da CORTE,
co-working elettivo, che unisce il mondo professionale a
quello culturale, mantenendo in entrambi un profilo basato
sulle affinità dei suoi frequentatori. CORTE è una famiglia
allargata di esperti in ambiti diversi che intrecciano la propria
vita lavorativa tra le stesse alte mura. Fondata a Roma nel
settembre del 2013, ha già conquistato un posto nella
sempre più interconnessa terra di mezzo che si estende tra
l’architettura, il design, la comunicazione, le arti visive e i
servizi culturali. Un’ autorialità collettiva, che unisce saperi
apparentemente distanti e li mette a disposizione di progetti
integrati. E’ all’interno di questa ricerca multidisciplinare che si
inserisce “Nuovi Mondi”, declinazione ideale di incontro tra le
visioni.
“Nuovi Mondi” is the first creative contest launched by
the elective co-working group CORTE. It combines the
professional and the cultural world, maintaining a profile
based on the affinity of the audience of both. CORTE is an
extended family of experts in different fields that weave their
working lives within the same high walls. Founded in Rome
in September of 2013, it has already won a place in the
increasingly interconnected middle ground that embraces
architecture, design, communication, visual arts and cultural
services. A collective authorship, combining seemingly distant
areas of knowledge and makes them available to integrated
projects. It is in the context of this multidisciplinary research
that “Nuovi Mondi” fits, an ideal declination and meeting
point between visions.
CORTE, SALA DEL TORRIONE
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CORTE
CONTEST
Il Contest, in numeri: 13 nazionalità, 14 ambiti creativi, 1
evento di lancio, 112 partecipanti, 8 giurati, 10 finalisti, 2
lingue ufficiali, 1 catalogo, 1 mostra. Al contest – lanciato a
giugno 2014 - hanno partecipato artisti di diverse nazionalità
e appartenenti a differenti ambiti creativi: pittura, illustrazione,
design, architettura, graphic design, scenografia, animazione,
digital art, installazioni audio-video, video art, fotografia,
scrittura e poesia, tecnologia. A loro era richiesto esprimere
le proprie percezioni e interpretazioni di Nuovi Mondi, intesi
come nuove visioni, nuovi paesaggi, nuovi colori e nuovi
materiali. I Nuovi Mondi sono spazi fisici e virtuali, stratificati
e multiculturali, dove le frontiere vengono superate e sono
possibili inediti meccanismi di interazione. Sono territori
d’esplorazione dell’immaginifico, spazi utopici eppure possibili.
The contest, in numbers : 13 nationalities, 14 creative fields, 1
launch event, 112 participants , 8 jurors , 10 finalists, 2 official
languages, 1 catalogue , 1 exhibition. The contest - launched
in June 2014 - was attended by artists of different nationalities
coming from different creative fields: painting, illustration,
design, architecture, graphic design, scenography, animation,
digital art, audio-video installations, video art, photography,
writing and poetry, technology. They were asked to express
their perceptions and interpretations of Nuovi Mondi, meant
as new visions, new landscapes, new colours and new
materials. Nuovi Mondi are physical and virtual spaces,
stratified and multicultural, where borders are crossed and
mould-breaking mechanisms of interaction are possible. They
are territories to be explored, utopian yet possible spaces.
Le opere proposte e selezionate raccontano luoghi illusori
o reinterpretano spazi già esistenti, magari evanescenti, o
pesanti come legno e ferro. Oppure mappature sottili, e città
inestricabili simili a sistemi neuronali. Fotografie sovrascritte,
concettuali, delicatissime. O grafiche utopiche, di realtà
aumentate, inesistenti, altre. Ma è l’imponente dimensione
murale e la tramatura effimera dei Gardens dell’artista greca
Zoi Pappa a vincere, aggiudicandosi il primo posto unanime,
“ ..per il valore intrinseco che questi giardini celesti sanno
offrire, un posto altro, metafisico, ricco di nuovi mondi e
capace di raccontare con i suoi dettagli simili a grottesche
una rielaborazione contemporanea ed onirica della carta da
parati.”
The works proposed and selected tell about illusory places or
reinterpret existing, although at times evanescent, spaces, or
as heavy as wood and iron. Or otherwise, thin mappings and
inextricable cities similar to neuronal systems. Overwritten,
conceptual, delicate photographs. Or utopian graphics of
increased realities, non-existent, other. But the winner it is the
impressive mural size and the ephemeral weave of Gardens
by the Greek artist Zoi Pappa, who has been unanimously
awarded the first place, “ ..for the intrinsic value that these
heavenly gardens can offer, another place, a metaphysical,
rich of new worlds and able, with its grotesque details, to tell a
story, a contemporary and dreamlike reworking of wallpaper.“
PERCORSI - ANDREA FARINA
(59,4 X 84,1 CM)
Artwork digitale \ Opera non in concorso
Digital artwork \ Non-competing artwork
GARDENS
ZOI PAPPA
1
WINNER
GARDENS
ZOI PAPPA
SCIENCE GARDEN
(120 x 207 cm)
Pittura su carta da parati, tecnica mista
Painting on wallpaper, mixed media
GARDENS
ZOI PAPPA
“Giardini” rappresenta una serie di opere d’arte esistenti e
previste (in posti specifici) al quale sto lavorando tenendo
presente il concetto di Nuovi Mondi. La carta da parati
è in realtà una pittura già pronta, sulla quale io dipingo
sopra mantenendo alcune parti del disegno precedente. Lo
spettatore difficilmente riuscirà a distinguere il confine tra il
disegno della carta da parati e il mio intervento artistico.
Il centro del mio progetto consiste nell’idea della
sperimentazione all’interno del processo percettivo. Niente
è come sembra, niente è dato per scontato. Mondi transitori
dove soggetti, oggetti e territori vivono in stati di continua
trasformazione e assistono in maniera sorprendente alla loro
potenziale rinascita, creazione, evoluzione, disfacimento e
scomparsa.
Questa giustapposizione sottolinea la natura contingente
e transitoria della vita alla base della nostra esperienza
quotidiana, dove un incidente casuale può accadere in ogni
momento e cambiare il flusso delle cose. In un certo senso
questi “Giardini” costituiscono “altri mondi” con un margine
di inaspettato che si riflette in modo visivo nella selezione
delle diversità delle immagini. È una reazione contro i valori
e le sovrastrutture predominanti della società. Un rifiuto
romantico di quel “senso di realtà” che lotta per invadere e
controllare la sfera personale delle emozioni. Attraverso l’uso
di un linguaggio in parte radicato nell’immaginario subconscio
di simboli, sogni e miti e in parte nel mondo esteriore fatto
da impressioni, scienza, nanotecnologia, fisica, matematica,
architettura, chimica, biologia e anatomia, ho cercato di
raggiungere un “non senso” e una incoerenza che porta
all’intera esplorazione di un senso interiore profondo e della
sostanza.
Una trasformazione poetica del mondo in un mondo
spirituale, dove ogni cosa è connessa e relativa.
Le conquiste umane, le ricerche, le osservazioni e la
conoscenza che cresce e prospera dalla natura. Il mio
desiderio è quello di andare oltre il valore della moralità attuale
per ritornare all’innocenza e creare un mondo indipendente
da ogni logica o principio.
I punti di vista selettivi o personali forniranno degli stimoli per
mitologie personali e diversità di interpretazione e significato.
“Gardens” is a series of existing and future artworks (site
specific) that I am working on under the concept of the new
worldssome parts of the existThe viewer will hardly distinguish
where the painting of the wallpaper ends and where my
painting intervention starts.
The core of my project is the idea of experimenting in the
processes of perception. Nas it seems, nothing is for granted.
Worlds of transience where subjects, objects, and territories
live states of continuous transformation and facing surprisingly
their potential renaissance, creation, evolution, dissolution and
disappearance.
This juxtaposition highlights the contingent and transient
nature of life that structure our daily experience, where a
random incident can penetrate anytime and change the flow
of things. In certain way these “Gardens” constitutes “other
worlds” made up from slices of unexpected which is visually
reflected in the selection of the diversity of images. It is a
reaction against the prevailing values and stuctures of society.
A romantic refusal of that ‘sense of reality’ which strives to
invade and control the personal sphere of emotions.
Through the use, of a language half-rooted in the
sub-conscious imagery of symbols, dreams and myth,
and half-rooted in the outer world of impressions, science,
nanotechnology, physics, mathematics, architecture,
chemistry, biology and anatomy, I attempt to achieve a
‘non-sense’ and an incoherence that leads to the entire
exploration of the inner sense and the substance.
A poetic transformation of the world into a spiritual world,
where everything is combined and related.
Human achievements, researches, observations and
knowledge that grow and flourish from nature.
My desire is to go beyond the values of current morality, to
return to innocence and create a world independent of any
logic or principle.
The selective and individualized point of views will provide
stimuli for personal mythologies and diversity of interpretation
and meaning.
LIFE GARDEN
(300 x 206 cm)
Pittura su carta da parati, tecnica mista
Painting on wallpaper, mixed media
GARDENS
ZOI PAPPA
Nata ad Atene (Grecia) nel 1975, possiede una doppia
identità di artista e curatrice indipendente. Studia presso
la School of Fine Arts, per poi laurearsi presso il Visual
and Applied Arts Department of the Aristotle University di
Thessaloniki, Grecia e specializzarsi Master of Fine Arts
alla Glasgow School of Art, University of Glasgow, Scozia,
nel 2002. È oggi la proprietaria dello spazio di progetti
alternativi “Zoi’s” e occasionalmente lavora come tutor
artistico in diverse istituzioni. Ha lavorato presso l’Exhibition
Department della Glasgow School of Art e lo spazio di arte
contemporanea “Tramway” (Glasgow, Scozia). Ha fatto parte
della Reconstruction Community, una piattaforma avviata da
un gruppo di teorici e storici dell’arte, architetti, sociologi e
artisti. Il punto di partenza è stato il ripensamento dell’attuale
Atene come una metropoli contemporanea.
Born in Athens (Greece) in 1975. She has a dual identity:
as an artist and indipendent curator. She studied before
at School of Fine Arts. Then, she graduated at the Visual
and Applied Arts Department of the Aristotle University of
Thessaloniki, Greece and completed her educational career
with a Master in Fine Arts at Glasgow School of Art, University
of Glasgow, Scotland, in 2002. She is now the owner of
the alternative project space “Zoi’s” and occasionally work
as an art tutor in several institutions. I was employee of the
Exhibition Department of Glasgow School of Art and the
Contemporary Art space “Tramway” (Glasgow-Scotland).
I was part of the Reconstruction Community, a platform
initiated by a group of art theorists and historians, architects,
sociologists and artists. The starting point had been the
rethinking of the actual scene of Athens as a contemporary
metropolis. Curatorials: Trauma Queen, “Transleat me”, “Who
cares about Greek art?”, Trash Art. Guest curator “Street
Hacker”, Centro de Extensión de la Pontificia Universidad
Católica de Chile, San Diego-Chile.
PUNTI DI VISTA
DANILO CHIESA, WALTER LARTERI
PUNTI DI VISTA
DANILO CHIESA / WALTER LARTERI
OSSERVARE E SINTETIZZARE
(59,4 x 84,1 cm)
Artwork digitale stampato su carta opaca
Digital artwork printed on matte paper
PUNTI DI VISTA
DANILO CHIESA, WALTER LARTERI
Esprimere la percezione di Nuovi Mondi attraverso la
reinterpretazione di un luogo reale non può prescindere dalla
storia dello stesso.
Il collage realizzato, pur basandosi su caratteri eccentrici ed
ironici, diventa una chiave d’accesso allo spirito compositivo
che l’ha caratterizzato; si è voluto infatti analizzare un
settore urbano in cui gli edifici non risultino isolati, ma si
valorizzino grazie a un’opera di accostamento, tale da creare
un sistema unico all’interno del difficile settore genovese in
cui la morfologia urbana è chiaramente definita ed evidente.
L’area del centro storico è infatti caratterizzata da tre elementi
che determineranno lo sviluppo del piano e la scelta di
edifici prototipi ad essi legati: il cimitero di Staglieno con un
sistema di edifici-mura, la verticalità del Cono di Portman con
edifici-colle e il fiume Bisagno con edifici-riva. La storia di
Genova con il suo millenario percorso permette di affrontare
anche il tema del rapporto con gli edifici storici: nel settore
del centro storico vengono individuati il complesso dei forti,
Via Garibaldi, il Teatro Carlo Felice, la chiesa di San Matteo,
la cattedrale di San Lorenzo, l’edificio della Commenda
dialogando con i nuovi progetti e, nella maggior parte dei
casi, venendo inglobati da essi in cui edifici “superbi” si
uniscono ai nuovi progetti volutamente più avveniristici,
lasciando alle preesistenze il compito di rappresentare la
storia. Questo rapporto è portato a un voluto eccesso nel
progetto con l’obiettivo di non considerare la storia come un
elemento di solo studio, ‘ma di farla partecipe del gioco della
progettazione, un gioco in cui non esistono vincoli temporali
o di stili, ma in cui tutti gli elementi entrano con la loro totale
relatività rispetto al nuovo ordinamento in cui sono coinvolti.’
(M.Biraghi)
Una visione plurima ha permesso di concentrare l’attenzione
in una istantanea di una città caratterizzata da fulcri, da icone
che hanno dettato e che ancora oggi tracciano i limiti entro i
quali una città come Genova deve rispettare.
Expressing the sense of Nuovi Mondi through the
reinterpretation of a real place cannot be detached from the
history of the place itself.
Although based on quirky and humorous features, the collage
becomes an access key to the spirit that characterizes the
entire composition. Indeed, we wanted to analyze an urban
area where buildings are not isolated but valued thanks to
the combinations among them. This creates a single system
in the difficult area of Genoa in which the morphology is
clearly defined and evident.The historic downtown area of
the city is characterized by three elements that will determine
the development of the project and the choice of buildings
prototypes associated with them: the cemetery of Staglieno
with a wall-buildings system, the uprightness of the Cone
of Portman with hill-buildings and the Bisagno river with
riverbank-buildings. The history of Genoa and its historic roads
allow people also to deal with the issue of the relationship with
the historic buildings: in the historic downtown, the system
of Walls, Via Garibaldi, the Teatro Carlo Felice, the Church of
San Matteo, the Cathedral of San Lorenzo, the Commenda
building are identified. They dialogue with new projects and
in most cases they are incorporated to them so that the
impressive buildings join the new deliberately more futuristic
projects, leaving to the pre-existing buildings the task of
representing the history. Inside the project, this relationship
is brought to an excess done on purpose in order not to
consider history as an element of mere study but to underline
that it participates in the game of planning. A game where
there are no time or styles restrictions, but where all elements
together with their total relativity enter inside the new system
in which they are involved. (M.Biraghi)
A pluralistic vision has enabled our attention to focus on a city
snapshot characterized by focal points and icons that impose
and still trace the boundary that a city like Genoa must
comply.
DESTRUTTURARE E RICOMPORRE
(59,4 x 84,1 cm)
Artwork digitale stampato su carta opaca
Digital artwork printed on matte paper
PUNTI DI VISTA
DANILO CHIESA, WALTER LARTERI
Danilo Chiesa - Nel 2007 mi sono diplomato al liceo
scientifico Tecnologico E. Amaldi a Novi Ligure. Lo stesso
anno, seguendo le naturali inclinazioni acquisite nel corso
degli anni, mi sono iscritto alla Facoltà di Architettura di
Genova. La mia carriera è stata sempre contrassegnata
dall’impegno per il lavoro accademico, ma anche
professionale. Nel 2013 ho collaborato con lo studio Gosplan
a Genova per il concorso di Europan 12, classificandoci
Runner_Up nel sito scelto. Questo concorso, in aggiunta
all’esperienza acquisita, mi ha permesso di approcciare quel
mondo professionale, precedentemente sconosciuto. Da
ottobre 2013 ad aprile 2014 ho iniziato una collaborazione
con lo studio Neostudio a Genova, con il quale sto
proseguendo qualche occasionale collaborazione. A dicembre
2014 mi sono laureato nella Laurea Magistrale di Architettura
con un progetto di tesi intitolato “Brucia ciò che hai amato”. Il
tema in oggetto riguarda la relazione del soggetto con la realtà
architettonica contemporanea. Al momento sto proseguendo
una collaborazione con lo studio Malerc a Berlino.
Danilo Chiesa - In 2007 I graduated from Liceo Scientifico
Tecnologico E.Amaldi in Novi Ligure. The same year, at age
18, following the natural inclinations gained over years of
study, I decided to enroll at the Faculty of Architecture in
Genoa. My college career has always been marked by the
commitment to academic practice, but also professional
one, accompanying my path of growth with a variety of
extra-curricular activities. In 2013 I collaborated with the
study of Gosplan in Genoa for Europan 12, classifying
Runner_Up into the site chosen. This competition, in addition
to the experience gained, has allowed me to approach the
profesional trends, that were previously unknown. From
October 2013 to April 2014 I kept going on this route with a
collaboration with the study Neostudio in Genoa, with whom
continuous occasionally some occasional collaboration. In
Dicember 2014 I graduated with the in December 2014
I graduated with a degree project titled “ Burn what you
loved .” The chosen theme is the relationship of the subject
with contemporary architectural reality. At the moment, I’m
collaborating with Malearc Studio in Berlin.
Walter Lartieri - Nel 2007 mi sono diplomato presso il Liceo
Scientifico Gian Domenico Cassini a Genova. La passione
per il disegno mi ha spinto sin dall’inizio ad iscrivermi alla
Facoltà di Achitettura di Genova con indirizzo in progettazione
architettonica e urbana. Dal Gennaio 2013 ad Agosto 2014 ho
collaborato presso Studio 4 a diversi progetti: edifici pubblici
e privati, concorsi, installazioni e lavori grafici. Nel Novembre
2013 mi sono laureato con una tesi dal titolo “Architettura e
Catastrofe”, cercando di spiegare la relazione che esiste tra
l’evoluzione della città e le sue catastrofi. Nel 2014 ho iniziato
a collaborare presso la rivista Juri Magazine pubblicando tre
articoli riguardo Genova e le sue possibilità. Attualmente sto
collaborando presso lo studio AZC a Parigi.
Walter Lartieri - In 2007 I graduated from Liceo Scientifico
Gian Domenico Cassini in Genoa. The passion for drawing
has prompted me to enroll at the faculty of Architecture
in Genoa (curriculum: architectural and urban design).
From January 2013 to August 2014 I collaborated with
the firm Studio 4 in Genoa for several projects: public and
residential building, competitions, installations and graphic
works. In November 2013 I graduated with a degree project
titled “ Architecture and Catastrophe”, trying to explain
the relationship between the evolution of the city and its
catastrophes. In 2014 I started to collaborate at Juri Magazine
publishing three articles about Genoa and its possibilities. At
the moment, I’m collaborating with AZC in Paris.
MAPPE PER UN NUOVO MONDO
ARIANNA FAVARO
MAPPE PER UN NUOVO MONDO
ARIANNA FAVARO
MAPPA GAMMA
(25 x 25 cm)
Stampa da monotipia, acquarello e collage su carta uso mano
Printing from monotype, watercolor and collage on uncoated paper
MAPPE PER UN NUOVO MONDO
ARIANNA FAVARO
Le mie Mappe per un Nuovo Mondo nascono dall’analisi delle
piante urbanistiche di alcune città. Non attuo una rottura
totale con la forma precedente, non faccio nuove scritture
su partiture bianche, ma ri-scritture operate tra le pieghe di
brani già esistenti. Gioco con esse, le rovescio, le amplifico, le
intono. Eseguo pratiche di scrittura che abitano i margini e gli
interstizi dello spazio.
Coabitano nelle mie opere elementi eterogenei, dissonanti,
ottengo così lievi alterazioni del linguaggio, effetti di
spiazzamento e reazioni poetiche.
Associo materiali di differente natura in inedite combinazioni,
abbandono le grandi narrazioni, le icone prevaricanti, ricucio
le trame interrotte, intrecciate, interferenti, gioco con le
opposizioni dialettiche tra accordi e disaccordi, tra regole ed
effrazioni:
leggero, pesante
stagionale, perenne
veloce, lento
precario, radicato
ruvido, liscio.
My Maps for a New World born from the topographical
analysis of several cities. My intention is neither to break up
totally with my previous researches nor to realize new writings
on blank canvas. Instead, I rewrite inside the folds of already
existing works and so I reverse, amplify and play with them.
According to this, I have chosen to focus on the details that
inhabit the margins and the interstices of the writing space.
My artworks show heterogeneous and dissonant elements
that create a slight alteration of my language, together with
surprising effects and poetic reactions.
I put together different types of materials to create new
combinations. I left behind long narration and prevaricating
icons. I mend broken and twisted plots. I play with the
dialectical opposition between agreement and disagreement,
rules and exceptions:
light and heavy;
seasonal and perennial;
fast and slow;
precarious and rooted;
rough and smooth.
MAPPA ALFA
(29 x 35 cm)
Stampa da monotipia, acquarello e collage su carta uso mano
Printing from monotype, watercolor and collage on uncoated paper
MAPPE PER UN NUOVO MONDO
ARIANNA FAVARO
Nata vicino Milano nel 1972. Dopo aver frequentato il Liceo
Artistico, si laurea in Architettura e si abilita all’esercizio
della professione. La sua ricerca artistica prende vie varie e
cangianti; dal 2009 al 2011 frequenta i corsi di formazione
presso la Fabbrica delle Favole di Macerata e la Scuola Zavrel
di Sarmede, specializzandosi in Illustrazione.
Il 2012 è l’anno in cui “esce allo scoperto”, presentando
alcune mostre collettive e personali. Attualmente vive
in provincia di Como, dove insegna Arte nella Scuola
Secondaria. Coltiva la sua ricerca artistica, i suoi sogni nel
cassetto, la passione per il teatro, il cinema, la fotografia, i
viaggi, tutti elementi che pratica con dedizione.
Born near Milan in 1972. After attending the art school, she
graduated in Architecture and got the qualification to practice
the profession. Her artistic research has taken various and
changing routes: from 2009 to 2011, she attended training
courses at the Fabbrica delle Favole in Macerata and the
Zavrel School in Sarmede, majoring in illustration.
The 2012 is the year in which she “comes out” by showing
some collective and personal exhibitions. She currently lives in
the province of Como, where she teaches art in the Secondary
School. She purses her artistic research, her secret wishes,
passion for the theatre, cinema, photography and travel by
practicing them with dedication.
TAKE THE WHITE TABLETS FIRST / PERMENIDES OF ELEA
FABIO GAUDIO
TAKE THE WHITE TABLETS FIRST / PERMENIDES OF ELEA
FABIO GAUDIO
TAKE WHITE TABLETS FIRST / PERMENIDES OF ELEA
(100 x 100 cm)
Acrilico, olio and spray su tela
Acrylic, oil and spray on canvas
TAKE THE WHITE TABLETS FIRST / PERMENIDES OF ELEA
FABIO GAUDIO
L’idea è di ritornare all’origine. Tutti i nuovi mondi visibili e
immaginabili sono riconducibili al nostro “essere” e la mia
idea vuole ricondurre alla “nascita” (parto) come portale
per il nuovo mondo e quindi per la successiva proiezione di
nuovi mondi mentali. L’idea di rappresentare le confezioni di
pillole anticoncezionali piene, al contrario, proporre la “non
nascita” e il “non essere” come UNICO NUOVO MONDO
POSSIBILE in quanto inconoscibile, contro la proiezione di
falsi e ingannevoli “nuovi mondi” puramente estetici.
La seconda lettura “estetica” e “simbolica” è quella della
forma delle confezioni e del farmaco come “portale”: la forma
tonda impilata delle confezioni è simbolicamente planetaria
e totemica, il farmaco in generale si può rappresentare come
“pozione” che porta alla cura, al ritorno alla normalità o alla
metamorfosi, in questo caso la pillola anticoncezionale non è
un vero è proprio farmaco, ma è il mezzo per la NON venuta
al mondo di un essere umano, come portale per L’UNICO
ALTRO MONDO.
The idea is to return to the origin. All visible and imaginable
New Worlds are linked to our sense of “to be”. My idea wants
to lead back to “birth” (parturition) as a portal towards the
new world and consequently to the following screening of
new mental worlds. On the contrary, the idea of representing
full packages of anticonceptional pills, suggesting the “nobirth” and “no-being” as the ONLY POSSIBLE NEW WORLD
in terms of unknowable, against the projection of false,
misleading and simply aesthetic “New World”.
The second “aesthetic” and “symbolic” interpretation is inside
the shape of the drug package considered as a “portal”:
the round shape of the stacked packages is planetary and
totemic symbolically. In general, the drug can be represented
as a “potion” that leads to healing, to return to normality or to
metamorphosis. According to this, the anticonceptional pill is
not a real drug but a means a human being has NOT to come
to the world, a portal for THE UNIQUE OTHER WORLD.
TAKE WHITE TABLETS FIRST / PERMENIDES OF ELEA
(100 x 100 cm)
Acrilico, olio and spray su tela. Dettaglio
Acrylic, oil and spray on canvas. Detail
TAKE THE WHITE TABLETS FIRST / PERMENIDES OF ELEA
FABIO GAUDIO
Gavdio - Italia ’79. Calabrese, vive e lavora a Roma.
Laureato in Architettura con Renato Nicolini, svolge la libera
professione principalmente nel campo dell’architettura
d’interni e disegno industriale. Da sempre porta avanti la
passione per l’arte e per l’illustrazione realizzata attraverso
tutti i media possibili. Produttore di musica hip hop ed
elettronica svolge l’attività di art director di progetti in ambito
musicale.
Gavdio - Italy ’79. Calabrian lives and works in Rome. Degree
in Architecture with Renato Nicolini, he pactices as freelance mainly in the field of interior architecture and industrial
design. Always carries a passion for art and illustration realized
through all possible media. Hip hop music and electronics
producer has been working as art director of projects in same
field.
IO AMO L’INVISIBILE
GOLSA GOLCHINI
IO AMO L’INVISIBILE
GOLSA GOLCHINI
LUNEDÌ MATTINA
(50 x 33 cm)
Disegno digitale su fotografia. Su tavoletta di legno.
Digital drawing on photography. On wood tablet.
IO AMO L’INVISIBILE
GOLSA GOLCHINI
Il mio progetto è una serie di scatti fotografici fatti dal nostro
mondo. Mi piace definirmi un’artista a totale servizio di un
mondo invisibile. A volte questo concetto mi sembra una
missione da compiere in tutti i momenti della mia vita.
Ho sempre amato scattare fotografie mentre camminavo,
respiravo e mangiavo! un anno fa la mia vita è cambiata e ho
sognato di disegnare direttamente sui miei scatti fotografici.
Grazie agli incoraggiamenti di uno speciale amico fotografo,
detto TheMonk, ho iniziato finalmente a sognare a occhi
aperti con la macchina fotografica. Le mie foto sono cambiate
e hanno iniziato a essere qualcosa di più. Tutte le volte che
schiaccio il tasto della macchina fotografica so già come ogni
foto poi andrà a finire grazie, alla tavoletta grafica.
Il mio progetto è semplicemente una serie di foto del mondo
attorno a noi, che in realtà parla di un mondo invisibile che
va oltre. Mi piace vedere l’emozione negli occhi della gente
quando vede le mie illustrazioni immaginarie. Mi piace poter
far sognare e far partecipare l’osservatore ai miei sogni e
staccarlo anche per un momento solo, dai confini della realtà.
My project consists in a series of photographs of our world. I
like to consider myself as an artist who is totally at the service
of an invisible world. Sometimes it seems that this is my
mission and I have to accomplish it in every single moment of
my life.
I have always loved taking photos while walking, breathing
and eating! A year ago, my life has changed when I dreamt
about drawing directly on my own photos. Thanks to the
support of a very special friend and photographer, called
TheMonk, I started to daydream with the camera. All my
photos started to change and to be something more. Every
time I press the button of my camera I know exactly how the
photo will appear after the modification I realized with the help
of graphic tablet.
My project consists in a series of images of the world around
us that describe an invisible world beyond the known one. I
feel glad when I see emotion in the eyes of people looking
at my imaginary illustrations. I like let the people dream and
give them the opportunity to participate to my own dreams by
moving them away from their reality even for a short moment.
PACE MONDIALE
(50 x 33 cm)
Disegno digitale su fotografia. Su tavoletta di legno. Dettaglio
Digital drawing on photography. On wood tablet.Detail
IO AMO L’INVISIBILE
GOLSA GOLCHINI
Nata il 26/03/1986 a Tehran, Iran. Dopo gli studi presso
il liceo artistico italiano-persiano di Tehran, nel 2004 si
trasferisce a Milano dove nel 2010 ottiene la laurea di
secondo livello specialistico in Arti Visive presso l’Accademia
di Belle Arti di Brera. Attualmente vive e lavora come Visual
Artist e Graphic Designer a Milano presso l’ Atlas Trading
Company.
Nell’ultimo anno ha partecipato a numerose mostre, tra cui:
“Digital Humans” organizzata da Mostrami, La Triennale di
Milano, Spazio Tim per Expo; “La memoria nutre il pianeta”
organizzata da Mostrami, presso Mostrami Factory Folli
50 - primo premio, Fondazione Bracco Milano; “Intimi
Nutrimenti”, Museo Palazzo Rosso, Genova; “Dialogo con
la terra” organizzata da Mostrami, presso Mostrami Factory;
VIII ° Biennale di Soncino-, Soncino (Crema). Vincitrice della
targa d’oro per la fotografia durante la mostra collettiva dei
40 finalisti del premio Arte, Museo della Permanente, Milano.
Mostra personale “I will show the world what i see in the
world” curata da winarts, spazio Pallavicino, Milano.
Born on March 26th 1986 in Tehran, Iran. After studying at
the Italian - Persian Art College in Tehran, in 2004 she moved
to Milan and in 2010 she graduated in Visual Art at the Brera
Academy. She lives and works as Visual Artist and Graphic
Designer in Milano for Atlas Trading Company.
In the last year, she attended to several exhibitions, like:
“Digital Humans” curated by Mostrami, La Triennale di
Milano, Spazio Tim per Expo; “La memoria nutre il pianeta”
curated by Mostrami, at Mostrami Factory Folli 50 -1°place
,Fondazione Bracco Milano; “Intimi Nutrimenti”, Museo
Palazzo Rosso, Genova; “Dialogo con la terra” curated by
Mostrami, at Mostrami Factory; VIII ° Biennale di Soncino-,
Soncino (Crema). Winner of the gold medal for photography
during the 40 finalist’s exhibition at Museo della Permanente
, Milan. Solo exhibition “i will show the world what i see in the
world” organized by winarts , space Pallavicino, Milan.
LETSWORKTOGETHER
MARTIN GROß / STEPHAN GROß
LETSWORKTOGETHER
MARTIN GROß / STEPHAN GROß
LETSWORKTOGHETER
(Durata 3’34’’)
Video sperimentale. Fotogramma
Experimental video. Frame
LETSWORKTOGETHER
MARTIN GROß / STEPHAN GROß
Il video mostra un gruppo di muratori a lavoro su un tetto
e due condizionatori. I processi in esecuzione su diversi
piani fotografici sono anche messi in relazione grazie alla
colonna sonora, che a livello testuale indirizza le similitudini
dei due processi che in apparenza sembrano provenire
dai condizionatori come se fossero due parlanti. I luoghi
eterogenei all’interno del video formano uno spazio semantico
ibrido.
Con il supporto di Springhouse Dresden e FAST - Framing
Art, Science & Technology, Dresden.
www.stephangross.net
The video shows a group of roofers and two air conditioners
at work. The processes running in the different picture
planes are also brought in relation by the soundtrack which
textually addresses the similarities of the two processes while
seemingly originating from the air conditioning as from two
speakers. Thus, the disparate places in the video image form
a hybrid semantic space.
Support: Springhouse Dresden and FAST - Framing Art,
Science & Technology, Dresden.
www.stephangross.net
LETSWORKTOGHETER
(Durata 3’34’’)
Video sperimentale. Dettaglio fotogramma
Experimental video. Frame detail
LETSWORKTOGETHER
MARTIN GROß / STEPHAN GROß
Martin Groß - Nato nel 1974 a Höxter in Germania e ha
studiato medicina all’Università di Göttingen. Ha realizzato
opere artistiche nel campo della fotografia, del collage, della
letteratura sperimentale e della musica. Ha inoltre portato
avanti della attività artistiche nel campo dell’arte sonora e
istallazioni audiovisive. Ha realizzato la colonna sonora del
cortometraggio che ha vinto il terzo premio ICI, TempelhofSchöneberg Art Prize, Berlin, nel 2010. Ha partecipato a
mostre, letture, è stato ospite di programmi radiofonici, e ha
effettuato delle pubblicazioni su riviste letterarie. Groß vive e
lavora nei pressi di Amburgo.
www.martingross.name
Stephan Groß - Nato nel 1979 a Höxter in Germania e ha
studiato arti visive e matematica presso l’Università di Bremen
insieme ad artisti come Frieder Nake, il precursore dell’arte
tecnologica. Il suo lavoro ha a che fare con la trasformazione
artistica di stampa, poesia visuale, video e installazioni. Ha
ottenuto una borsa di studio presso lo Studienstiftung des
Deutschen Volkes e ha vinto il premio Löwenhof-Förderpreis
di Francoforte nel 2006 e nel 2007. Groß partecipa
regolarmente a festival e mostre internazionali. Vive e lavora a
Berlino.www.stephangross.net
Martin Groß - 1974. Born in Höxter, Germany, studied
medicine at the University of Göttingen. He has realized
artistic works in the fields of photography, collage,
experimental literature and music and has continued other
artistic activities in the fields of sound art and audiovisual
installation. He realized the soundtrack of the ICI short film
winner of the 3rd Prize, Tempelhof-Schöneberg Art Prize,
Berlin, in 2010. He has participated to exhibitions, readings,
radio appearance and he has published in literary magazines.
Groß lives and works near Hamburg.
www.martingross.name
Stephan Groß - 1979. Born in Höxter, Germany, studied
visual arts and mathematics at the university of Bremen with
early computer artist Frieder Nake among others. His works
deal with the artistic transformation of print media, visual
poetry, video and installation. Groß had a fellowship of the
Studienstiftung des Deutschen Volkes and won the LöwenhofFörderpreis, Frankfurt / Main, in 2006 and 2007. He regularly
takes part in international festivals and exhibitions. Groß lives
and works in Berlin.
www.stephangross.net
COSMOMORPHIA
ROBERTA ISAI / DAVID SEVER
COSMOMORPHIA
ROBERTA ISAI / DAVID SEVER
COSMOMORPHIA 5
(40 x 60 cm)
Stampa da fotoritocco digitale
Printing from digital photo editing
COSMOMORPHIA
ROBERTA ISAI / DAVID SEVER
Viviamo in un mondo in continuo cambiamento. La scienza
sta avanzando e non si contano le teorie riguardo al nostro
Universo. Tutto è affascinante e sembra essere parte di una
grande storia dello spazio e del tempo. Sebbene ci sia un
cambiamento, dobbiamo ammettere che ci sia un modello dal
quale si sviluppa il mondo – una serie di regole che fanno in
modo che tutto accada. Sebbene nel calendario universale le
persone siano solo dei bambini, il genere umano ha percorso
un lungo tragitto fino alla scoperta della nostra storia e della
nostra visione, e ha fatto un balzo verso l’evoluzione fisica e
tecnologica. Dovrebbe essere sottinteso che il prossimo passo
dell’umanità sarà quello di capire che noi siamo parte di un
periodo temporale che si dimostrerà essenziale per la nostra
sopravvivenza come specie concentrando le nostre abilità
nella scoperta di varie tecnologie che ci aiuteranno a tale
scopo. Le teorie che circolano attualmente indicano che per
una vita eterna, gli uomini dovrebbero unirsi alla tecnologia.
Il nostro gruppo creativa esplora il concetto che sta oltre
questo genere di teorie, suggerendo una fusione tra l’umanità
e l’Universo. La nostra idea implica il raggiungimento della
verità assoluta tramite la comprensione di tutte le cose che
ci stanno attorno. Ispirati sia dalla pittura del Rinascimento
sia dall’arte psichedelica, Cosmomorphia è una serie di
fotomanipolazioni che rappresentano il concetto di diventare
uno tutt’uno con l’Universo, uno stato trascendentale della
nostra evoluzione. La pittura del Rinascimento è stata
una fonte di ispirazione per la luce e la realizzazione dei
ritratti, mentre l’arte psichedelica ha ci ha fornito il concetto
psiconautico e l’uso immaginario del proprio Cosmo come
modelli ed esempi complessi. Nel processo di creazione
abbiamo usato un ambiente di lavoro digitale: pittura,
fotografia e fotomanipolazione. “Siamo fatti di roba stellare”
e “Noi siamo l’Universo che si osserva” sono due citazioni di
Carl Sagan che hanno intriso questo lavoro in modo profondo.
Usandole come tema ricorrente per le immagini, abbiamo
creato l’immagine di un uomo slegato da ogni legge temporale
e spaziale, che esplora la vastità e l’immensità dell’Universo
e ricerca all’interno dell’infinità dello spazio. Noi rendiamo
vaga la sua apparenza eliminando gli elementi che rendono
gli umani riconoscibili: capelli, orecchie, naso e bocca e di
conseguenza rendiamo tutte le persone uguali agli occhi
dell’Universo.
We live in a world that changes constantly. Science is
growing and there are countless theories about our Universe.
Everything is fascinating and seems to be a part of a great
story about space and time. Although there is change, we
have to admit that there is a pattern by which the world
develops – a set of rules that makes everything happen.
Even though in the universal calendar people are just
children, mankind has come a long way in the discovery of
our history and vision, and leaped towards both a physical
and technological evolution. It should be obvious that the
next step for mankind would be to realize that we are part
of a time period that will prove essential for our survival as a
species and concentrate our abilities on discovering various
technologies that will help us do that. The theories that are
now circulating indicate that for an eternal life, man should
unite with technology. Our creative team explored a concept
beyond this kind of theories, suggesting a fusion between
mankind and the Universe. Our concept involves achieving
absolute truth by understanding all the things that are around
us. Inspired by both Renaissance paintings and psychedelic
art, Cosmomorphia is a series of photomanipulations that
represent the concept of becoming one with the Universe, a
transcedental state of our evolution. Renaissance paintings
have been a source of inspiration for the lighting and
composition of the portraits, whereas psychedelic art has
offered up a psychonautic concept and the use of the
Cosmos’s own imagery as intricate models and patterns. In
the creation process we used a digital work environment:
painting, photography and photomanipulation.
“We are made of star stuff.” and “We are the Universe
observing itself”, are two quotes by Carl Sagan that impacted
this series profoundly. By using these quotes as a leitmotif
for these images, we created an image of Man that is
unbound by any laws of time and space, who explores the
vastness and immensity of the Universe by searching within
as well as through the infinity of space, and we generalized
its appearance by eliminating elements that make humans
recognizable: hair, ears, nose and mouth, thus making all
people equal in the eyes of the Universe.
COSMOMORPHIA 4
(40 x 60 cm)
Stampa da fotoritocco digitale
Printing from digital photo editing
COSMOMORPHIA
ROBERTA ISAI / DAVID SEVER
Roberta Isai - Roberta frequenta l’ Università di Arte e
Design di Cluj-Napoca (Romania), dove nel 2012 si laurea
in Arti Visive. Come lavoro finale ha presentato un progetto
di arti combinate riguardante l’evoluzione e il futuro dell’arte.
Roberta si affida al disegno, alla pittura e alle complesse
fotomanipolazioni per esprimere la sua arte, oltre che a
concetti e tecniche di architettura e graphic design per
mostrare la sua visione. Dopo la laurea hanno costituito un
gruppo creativo e partecipato a diversi progetti artistici e
concorsi internazionali, creando opere d’arte e presentazioni
per molti clienti e riprese cinematografiche. Hanno inoltre
assistito numerose produzioni di documentari e migliorato
continuamente le loro tecniche artistiche.
Roberta Isai - Roberta has studied at the University of Arts
and Design of Cluj-Napoca, Romania, where she graduated
from with a B.A. in Visual Arts in 2012. There she met Sever.
As final work Roberta presented a mixed media project
concerning the evolution and future of art. Roberta relies on
drawing, painting and complex photomanipulations, as well as
concepts and techniques from architecture or graphic design
to showcase her artistic vision. Since their graduation, they
formed a creative team, participating in various international
art projects and contests, creating artworks and presentations
for numerous clients, shooting or assisting in many
documentary productions and continuously improving their
artistic technique.
David Sever - David frequenta l’Università di Arte e Design
di Cluj-Napoca (Romania), dove nel 2012 si laurea in Arti
Visive. Come lavoro finale ha prodotto un film non-verbale
e un saggio approfondito su come la comunicazione
visiva non verbale incida su chi la osserva. Sever utilizza
la pellicola, l’arte frattale, l’animazione astratta e tecniche
fotografiche specializzate per presentare il mondo da una
diversa prospettiva. Dopo la laurea hanno costituito un
gruppo creativo e partecipato a diversi progetti artistici e
concorsi internazionali, creando opere d’arte e presentazioni
per molti clienti e riprese cinematografiche. Hanno inoltre
assistito numerose produzioni di documentari e migliorato
continuamente le loro tecniche artistiche.
David Sever - David has studied at the University of Arts and
Design of Cluj-Napoca, Romania, where he graduated from
with a B.A. in Visual Arts in 2012. There he met Roberta.
As final project Sever produced a movie and an essay on
how thorough nonverbal visual communication affects the
viewers. Sever uses film, fractal art, abstract animation and
specialized photography techniques to present the world from
a different perspective. Since their graduation, they formed
a creative team, participating in various international art
projects and contests, creating artworks and presentations for
numerous clients, shooting or assisting in many documentary
productions and continuously improving their artistic
technique.
KELOIDE ALCHEMICO
JACOPO MANDICH
KELOIDE ALCHEMICO
JACOPO MANDICH
KELOIDE ALCHEMICO 021
(15 cm Ø)
Legno scolpito e ferro elettrosaldato
Carved wood and electro iron
KELOIDE ALCHEMICO
JACOPO MANDICH
Cheloide è il nome scientifico che si usa in medicina per
definire un cicatrice, l’Alchimia è la misterica e criptica
arte della sublimazione della materia, della metaforica
trasformazione del piombo in oro. I cheloidi alchemici sono
pianeti-individui composti da elementi antitetici fusi e plasmati
(saldati e scolpiti) in armoniosa sfericità, dove energie
primordiali rievocate dalla materia si incontrano e scontrano
formando un nuovo unico corpo eterico, un’anima densa di
significati simbolici ed analogie con il piano interiore.
Il legno caldo, morbido, naturale e vitale e il ferro, freddo,
duro, industriale e minerale sono entrambi elementi antichi
dalle forti suggestioni che richiamano in noi legami atavici
e inconsci che trasmettono, emanano su diverse frequenze
e con molteplici lunghezze d’onda percepibili da altrettanto
diversi strati del sé.
La superficie levigata del legno che evidenzia il disegno unico
della venatura, analogia con la storia, con il destino di una
vita, la massa scintillante di geometria vibrante, irregolare,
del ferro, analogia con la volontà profonda, con lo sforzo del
cambiamento, sono gli elementi che si compongono per
raccontare la storia della trasformazione alchemica di ognuno
di noi, sono il simbolo della nostra umanità conflittuale ed
eterogenea.
Keloid is the scientific term used in medicine to define a
scar while Alchemy is the mysterious and cryptic art of the
material sublimation but also the metaphorical transformation
of lead into gold. The alchemical keloids are individual-planets
made up of antithetical elements fused and shaped (welded
and sculpted) in harmonious roundness, where primordial
energies evoked by the material meet and collide to form a
new etheric single body, a soul full of symbolic meanings and
analogies with the inner plane.
The warm, soft, natural and vital wood and the cold, hard,
industrial and mineral iron are both ancient elements with
strong suggestions. They recall us ancestral and unconscious
connections transmitted on different frequencies and multiple
wavelength perceived by several layers of the Self.
The smooth surface of the wood that highlights the unique
design of the grain, by analogy with the history, the fate of
a life, the shining mass of a vibrant and irregular geometry
of iron in analogy with the deep desire and the effort to
change are elements that tell the story of the alchemical
transformation of each of us. These are the symbol of our
conflicting and heterogeneous humanity.
KELOIDE ALCHEMICO 021
(15 cm Ø)
Legno scolpito e ferro elettrosaldato. Dettaglio
Carved wood and electro iron. Detail
KELOIDE ALCHEMICO
JACOPO MANDICH
Jacopo Mandich è nato a Roma il 30.03.1979. Diplomato al
liceo artistico sperimentale A.Caravillani, frequenta il corso
di scultura del prof. A. Mongelli presso l’Accademia di Belle
Arti di Roma, con il quale partecipa al simposio Sinergie
Estetiche ed al concorso Terzo Millennio per l’istituto pioCatel.
Si laurea in scultura con 110 e lode nel 2005 con il prof.
lo Bianco, presentando le tesi su arte riciclaggio e magia
redatta dalla prof. Giovanna dalla Chiesa. Vince l’edizione
2005 del concorso dedicato allo scultore di fama mondiale
Edgardo Manucci ad Arcevia, realizzando nel 2006 una
mostra personale al museo Manucci di Arcevia curata dal
critico storico dell’arte G.Risidori, che deciderà di portare la
personale anche a Milano negli spazi del Rotary club Nel
2005 partecipa all’esposizione collettiva internazionale “L’età
nomade” presso gli spazi dell’Accademia di Belle Arti al
Mattatoio di Testaccio a Roma, curata dalla critica e storica
dell’arte G. dalla Chiesa. Negli anni successivi lavora per la
scultrice G. de Santis ed intensifica il lavoro nel suo studio
aperto nel 2003 a Roma e realizzando e partecipando a
mostre personali e collettive.
Si occupa da anni di scultura con materiali di recupero
specializzandosi nella lavorazione del ferro e del legno, ma
sperimentando con tutti i materiali. Collabora e partecipa con
gruppi e singoli artisti alla realizzazione di spettacoli, eventi,
esposizioni e laboratori. La forte passione per la materia,
l’esaltazione della bellezza della natura, il profondo legame
con il mondo onirico sono cucite insieme in un vortice
d’energia che rapisce e conquista l’osservatore. Assemblando
scarti metallici: legacci, ritagli industriali, brandelli di
macchine da scrivere ecc. con legno scolpito, rimediato dalle
potature e abbattimenti urbani, da forma alle sensazioni e
alle emozioni, animando misteriose creature antropomorfe e
masse dinamiche. La libertà espressiva è accentuata dall’uso
di materiali “poveri”, dai quali lo scultore estrae l’essenza
energetica e la potenza alchemica. Le storie assorbite e
sopite nei “detriti” della nostra civiltà sono i simboli di cui si
compone il suo linguaggio ludico e grottesco. Trascinando
dal passato forze ancestrali si propone con la necessaria
attenzione eco-sostenibile contemporanea di ispirare
l’osservatore a giocare verso la libertà.
Jacopo Mandich was born in Rome on March 30th 1979 and
he attended the experimental art school “A.Caravillani”. After
high school he attended the sculpture course of professor
A.Mongelli at the Accademia di Belle Arti in Rome and with
him he participated in the symposium “Aesthetic Synergies”
and in the competition “Third Millennium” at the Pio Institute
Catel. In 2005 he graduated in sculpture cum laude with the
professor Lo Bianco with a thesis based on art, recycling and
magic edited by the professor Giovanna dalla Chiesa.
In 2005 he won the first edition of the competition dedicated
to the well-known sculptor Edgardo Manucci in Arcevia and
in 2006 he realized a personal exhibition at the Museum
“Manucci” in Arcevia curated by the historical art critic
Risidori who decided to show that exhibition even in Milan at
the Rotary Club. In 2005 he participated in the international
collective exhibition “the nomad age” at the Accademia delle
Belle Arti in Testaccio (Rome) curated by the historical art
critic Giovanna dalla Chiesa. In the following years, he worked
for the sculptor G. de Santis and intensified the job in his
studio in Rome opened since 2003 realizing and participating
to personal and collective exhibitions. For years he has worked
on sculptures made by recycled materials specializing himself
in the manufacture of iron and wood and also experimenting
all other materials. He collaborates and participates with
groups and individual artists for the creation of shows, events,
exhibitions and workshops. His strong passion for the subject,
the exaltation of the beauty of nature, the deep bond with the
dream world are stitched together into an energy vortex that
captured and conquered the viewer.
He assembles metal scraps like laces, industrial rags and
fragments of typewriters with carved wood obtained by
pruning and urban abatements. He shapes sensations
and emotions by animating mysterious anthropomorphic
creatures and dynamic masses. The freedom of expression
is accentuated by the use of “poor” materials from which
the sculptor extracts the energy essence and the alchemic
power. The stories absorbed and inactive in the “debris” of
our civilization are the symbols of his playful and grotesque
language. He drags ancestral forces from the past and, with
the necessary attention to the eco-friendly contemporary art,
he inspires the viewer to play towards freedom.
ETEROGENESI
MATTEO PREITE / ALESSANDRO LEGITTIMO / GIANMARCO MACCHIA
ETEROGENESI
MATTEO PREITE / ALESSANDRO LEGITTIMO / GIANMARCO MACCHIA
OSSERVARE E SINTETIZZARE
(59,4 x 84,1 cm)
Opera digitale stampata su carta opaca
Digital artwork printed on matte paper
ETEROGENESI
MATTEO PREITE / ALESSANDRO LEGITTIMO / GIANMARCO MACCHIA
Scenario che illustra un’evoluzione eterogenea e anomala
sia dei componenti organici che inorganici. L’anomalia
organica scaturisce da un’alterazione del numero e della
disposizione degli organi, mentre l’anomalia degli elementi
inorganici si solstanzia in un’inversione degli spazi pieni e
vuoti. Fondamentali sono i contrasti insiti in tutti gli elementi
che compongono tale mondo. Gli spazi pieni diventano
vuoti e viceversa, i piani si ribaltano. Anche la percezione
della gravità è alterata. L’evoluzione illogica del numero e
della dimensione degli organi invade il tutto a diverse scale.
Elementi plasmabili sostengono elementi rigidi e massicci
all’interno dei quali si ritrovano elementi della stessa natura
che li invadono e li abitano.
The scenery shows an heterogeneous and anomalous
evolution of organic and inorganic components. Organic
anomaly spring out from the number and disposition alteration
of organs while the inorganic elements anomaly occur with
a reversal of fullness and emptiness. The contrasts inherent
to the elements of this world are essential. The full spaces
become empty ones and vice versa, they turn upside down.
Even the perception of gravity is altered. The illogical number
and size development of organs penetrate all. Pliable elements
support hard and thick elements inside which there are
elements of the same nature that invade and inhabit them.
DESTRUTTURARE E RICOMPORRE
(59,4 x 84,1 cm)
Opera digitale stampata su carta opaca. Dettaglio
Digital artwork printed on matte paper. Detail
ETEROGENESI
MATTEO PREITE / ALESSANDRO LEGITTIMO / GIANMARCO MACCHIA
Matteo Preite - Classe 1989, nasce nella provincia
Leccese. Affascinato da sempre da tutto ciò che implica un
meccanismo, un sistema, consegue nel 2008 il diploma di
“Perito Meccanico” all’istituto tecnico industriale A. Meucci,
Casarano (LE). Nello stesso anno, si trasferisce a Pescara,
dove tuttora vive, per proseguire gli studi nella “Facoltà di
Architettura”- G. D’annunzio. Qui ha partecipato e collaborato
attivamente a vari workshop, esposizioni e pubblicazioni
in ambito accademico. Attratto dal mondo del Design,
della Rappresentazione e della Fotografia, porta avanti le
sue ricerche, rielaborando e producendo materiali. Cura la
raccolta di alcuni suoi lavori e ricerche che archivia in uno
spazio virtuale Blog-spot (S&ARCH ) - http://searching00.
blogspot.it
Matteo Preite - Born in 1989, was born in the Leccese
province. Always fascinated by everything that implies a
mechanism, a system, a result, in 2008 the diploma of
“Mechanical Engineer” at the technical institute industrial-A.
Meucci, Casarano- (LE). In the same year, he moved to
Pescara, where he still lives, to continue his studies in the
“Faculty of Architecture” - G. D’Annunzio. Here participated
and collaborated in various workshops, exhibitions and
publications in academic. Attracted to the world of Design,
Representation and Photography, continues his research,
reworking and producing materials. It provides for the
collection of some of his work and research that stores in
a virtual space Blog-spot (S&ARCH) - http://searching00.
blogspot.it .
Alessandro Legittimo - Nasce nel giugno 1990 in una piccola
cittadina dell’entroterra Salentino, Casarano. Sin da piccolo
è stato reso partecipe al lavoro della propria famiglia, attiva
da anni nel campo dell’arredamento e della progettazione
d’interni. Si iscrive all’Istituto d’Arte “E.Giannelli” a Parabita,
dove apprende le tecniche del disegno nelle sue molteplici
applicazioni, appassionandosi anche alla storia dell’arte e in
particolar modo all’architettura. Dopo il diploma nel 2010,
con il titolo di “Disegnatore di architettura e arredamento”
si sposta a Pescara. Nel 2011 si iscrive all’Università
“G.D’Annunzio”, presso la Facoltà di Architettura, dove è
tutt’ora studente.
Alessandro Legittimo - Born in 19th century in a particular
little city of south Puglia, Casarano. He decided to attended
an art institute “E.Giannelli” in Parabita, where he learnt
technics of sketch and other applications, with a look for
history of arts and, with particular interest of architecture. In
2010, after degree, he decided to moved in Pescara. After
one year he taken part of “G.D’Annunzio” University, at faculty
of architecture, where he is still studying .
Gianmarco Macchia - Nasce a Lecce il 24 Novembre 1992.
Si iscrive, nel 2005, a Lecce, presso il liceo scientifico
“Cosimo De Giorgi”, conclude però il ciclo di studi nel liceo
scientifico dell’istituto “Marcelline”, dove si diploma nel
2011. Nel settembre dello stesso anno accede alla Facoltà
di Architettura dell’università “G. d’Annunzio” di Pescara,
dove attualmente frequenta il quarto anno. Nel settembre
2013 ottiene la metà delle quote della società di costruzioni
Edilnova s.r.l. di proprietà del padre, diventando così suo
socio.
Gianmarco Macchia - Born in Lecce in November 1992.
In 2005 he enrolled at high school science “Cosimo De
Giorgi”, but he concluded his studies in high school science
“Istituto Marcelline”, in Lecce, where he graduated in 2011.
In September of the same year he entered at college of
architecture of the university “G. d’Annunzio” of Pescara,
where he currently attended the fourth years. In September
2013 he obtained the half of percentage of his father’s
construction company Edilnova s.r.l. , becoming thus his
associate.
GUGGENHEIM NY
LUCA ZANTA
GUGGENHEIM NY
LUCA ZANTA
GUGGENHEIM GARAGE
(61 x 60,5 cm)
Tecnica mista su multistrato
Mixed media on multilayer
GUGGENHEIM GARAGE
LUCA ZANTA
La serie può essere collegata al genere dei capricci
architettonici della pittura settecentesca; è composta da
elementi presi dalla realtà, combinati in modo fantasioso. Il
trattamento grafico combina strisce dimensionate e disposte
seguendo precisi rapporti matematici e proporzionali: i
medesimi che si ritrovano nella spirale e nelle specie viventi, a
cui si aggiungono campionamenti fotografici di scie luminose,
presi casualmente durante i transiti notturni in auto. Il tutto
cerca un equilibrio tra l’op-art e i tratteggi delle tecniche
incisorie.
Nasce da un’associazione visivo-morfologica tra due spirali.
Una era stata elaborata per una serie di lavori prodotti in
ambito installativo (aventi per oggetto la struttura del guscio
di una chiocciola e i relativi significati simbolici); l’altra è
l’elemento principale del museo Guggenheim di New York,
progettato nel 1943 dall’architetto Frank Lloyd Wright e
costruito tra il 1955 e il ‘59. Dal museo sembra scaturisca
una specie di tornado: un ordine più complesso sta per
travolgere l’ordine esistente.
The series can be connected to the capricci architectural
compositions of the eighteenth-century painting. It is
composed of real elements combined with the use of
imagination. The graphic treatment mixes dimensioned strips
and arranged them according to precise mathematical and
proportional ratios: the same are found in the spiral and living
species. In addition to them, there are photographic samples
of light trails taken at random during the night journeys by car.
The whole seeks a balance between the op-art and hatches
of printmaking techniques.
It comes from a visual-morphologic association of two spirals.
One was drawn for a series of site-specific installation works
(concerning the structure of a snail’s shell and its symbolic
meanings); the other is the main element of the Guggenheim
Museum in New York, designed in 1943 by the architect
Frank Lloyd Wright and built between 1955 and 1959. It
seems that a kind of tornado is arising from the museum: a
more complicated order is going to overwhelm the existing
one.
GUGGENHEIM GARAGE
(61 x 60,5 cm)
Tecnica mista su multistrato. Dettaglio
Mixed media on multilayer. Detail
GUGGENHEIM NY
LUCA ZANTA
Nato a Padova nel 1973, vive a Montegrotto Terme. Nel 1992
consegue il diploma all’Istituto Statale d’Arte Pietro Selvatico
di Padova, nella sezione Architettura e Arredamento. Negli
anni ’90 inizia le sue attività occupandosi principalmente di
arte applicata, con tecniche tradizionali, quali disegno, pittura,
aerografia, in ambiti diversi. Il percorso prosegue con progetti
e realizzazioni di allestimenti scenografici, opere murali e
progetti grafici, esperienze nel mondo musicale, fotografia.
Gradualmente comincia a saggiare le possibilità offerte dalle
tecniche digitali. Nel 2006 si laurea in Architettura allo IUAV
di Venezia; concludendo un piano di studi orientato ai corsi
storico-artistici, con una tesi di progettazione. In ambito
professionale, oltre che alla progettazione architettonica, si
è dedicato alla manipolazione della fotografia digitale, e alle
sue possibili interazioni con ambienti 3D, dal singolo oggetto
a modelli a scala territoriale; e generando da questo processo
delle produzioni grafiche e multimediali. E sperimentando,
conseguentemente, fusioni tra output digitali e tecniche
analogiche. Lavora solitamente per serie distinte di opere,
in un’ottica progettuale. Ogni serie può avere diverse
modalità di esecuzione, una delle costanti della ricerca è
la tendenza all’ibridazione; anche l’interesse per gli aspetti
della percezione visiva riveste un ruolo molto importante.
Attualmente sta portando avanti diversi progetti per
installazioni scenografiche/architettoniche in aree pubbliche.
He was born in Padova in 1973 and lives in Montegrotto
Terme. In 1992 he obtained the diploma in Architecture and
Interior Design at the Istituto Statale d’Arte “Pietro Selvatico”
in Padova. In the 90s he starts his activities focusing mainly
on applied art using traditional techniques such as drawing,
painting and aerography in different fields. His path continues
with the realizations of scenic design installations, murals
and graphic projects, experiences in the world of music and
photography. Gradually he begins to explore the possibilities
offered by digital techniques. In 2006 he graduated in
Architecture at the IUAV in Venice with a curriculum oriented
to historical and artistic courses and a thesis in Design. In
the professional field, in addition to architectural design,
he worked on the manipulation of digital photography and
its possible interactions with 3D environments, from a
single object to territorial scale models. From this process
he generates graphic and multimedia productions and
consequently, through the experimentation, mergers between
digital output and analog techniques. Usually he works for
distinct series of artworks using a design perspective.
Each set can have different execution modality, one of the
research permanent features is the tendency to hybridization.
Interest in visual perception plays a main role in its artworks
as well. Currently he is working on several projects for
architectural/scenic design installations in public areas.
NUOVI MONDI
MOSTRA COLLETTIVA
GIURIA
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MOSTRA COLLETTIVA
GIURIA
GIACOMO COSTA
Firenze/Florence, 1970.
Fotografo/Photographer
VALERIO CIAMPICACIGLI
Roma/Rome, 1984
Progettista/Designer
ANDREA FARINA
Termoli, 1982
Illustratore/Graphic Designer
ANTONIO IANIERO
Torella del Sannio (CB), 1969
Matematico, Maker /Mathemathics,
Maker
giacomocosta.com
allaboutpaula.com
studiomiotu.com
unterwelt.it
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MOSTRA COLLETTIVA
GIURIA
MONDOCANE (Andrea Cota)
Roma/Rome, 1980.
Cantante, Musicista, Dj & Radio /
Singer, Musician, Dj & Radio Announcer
soundcloud.com/mondokan
LIA PANTANI & GIOVANNI SURACE
Artisti/Artists
LUIGI PRESTINENZA PUGLISI
Catania/Catania 1956.
Critico Di Architettura/Architectural Critic
MASSIMILIANO TONELLI
Roma/Rome, 1978.
Giornalista,Blogger, Direttore Editoriale/
Journalist, Blogger, Editor In Chief
prestinenza.it
artribune.com
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