here the file of Santarcangelo festival catalogue.
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INDICE INDEX UN FESTIVAL CHE CONTINUA A RICOMINCIARE Alice Parma –4 LINEE DI VOLO Silvia Bottiroli –8 ALEPPO.A LABORATORY FOR EXPERIMENTS IN PERFORMANCE AND POLITICS Autoscuola della notte –18 MARA OSCAR CASSIANI The sky was Pink –22 CRISTIAN CHIRONI Audio Guide –26 LUIGI COPPOLA E CHRISTOPHE MEIERHANS Fondo Speculativo di Provvidenza –30 LUIGI COPPOLA E CHRISTOPHE MEIERHANS Assembly of the Parts #1 –34 COSMESI Di Natura Violenta –38 COSMESI Ghezzz –42 NON-SCUOLA / TEATRO DELLE ALBE Alice –102 ALESSANDRA CROCCO E ALESSANDRO MIELE/PROGETTO DEMONI Demoni - Frammenti –46 ZACHARY OBERZAN Tell Me Love Is Real –106 LUIGI DE ANGELIS E EMANUELE WILTSCH BARBERIO Lumen –50 MARKUS ÖHRN /AZDORA + STEFANIA ?ALOS PEDRETTI Ritual #12 DAI –110 LUMEN / dopofestival mobile LUIGI DE ANGELIS E EMANUELE WILTSCH BARBERIO –54 BOUCHRA OUIZGUEN Corbeaux –114 I DETECTIVE SELVAGGI Ricevimento –56 PARASITE 2.0 Architecture as fictional reality –118 DEWEY DELL E MASSIMO PUPILLO Prima trasmissione verticale –60 PHILIPPE QUESNE La Nuit des taupes (Welcome to Caveland!) –122 DOM-L’uomo che cammina –64 DOM-Progetto di riqualificazione del Parco dei Cappuccini –68 RICCARDO FAZI/MUTA IMAGO Antologia di S. –70 NICOLA GALLI Mars (site-specific) –74 VOLDEMARS JOHANSONS Thirst –78 KINKALERI Butterfly –82 AMIR REZA KOOHESTANI/MEHR THEATRE GROUP Hearing –86 PHILIPPE QUESNE Welcome to Caveland! –126 PHILIPPE QUESNE Parata (Welcome to Caveland!) –128 PHILIPPE QUESNE Caveland Cineclub –132 HUGO RACE –136 CRISTINA KRISTAL RIZZO BoleroEffect + BoleroEffect (Rapsodia_The Long Version) –138 RONIN E GRUPPO NANOU Strettamente confidenziale + Ronin –154 SCENARIO LIVE –158 ALESSANDRO SCIARRONI JOSEPH_kids –162 ALESSANDRO SCIARRONI / COSIMO TERLIZZI Aurora, un percorso di creazione –166 THE SOFT MOON –168 MÅRTEN SPÅNGBERG Natten –170 SPAZIO DEI MIRACOLI –174 EXIL#11 /COUNTDOWN /dopofestival mobile STRASSE –178 TEATRO DELLE BRICIOLE Era ieri –180 MICHELE TRENTINI Alta scuola –184 VAGHE STELLE –188 ZAPRUDER FILMMAKERSGROUP L’invincibile. Ascesa all’Olimpo –190 CRISTINA KRISTAL RIZZO Prélude –142 CON IL FAVORE DELLE TENEBRE Livia Andrea Piazza –196 ENRICO MALATESTA No Island but Other Connections –90 MICHELE RIZZO Higher –146 LABORATORI . WORKSHOPS –204 CRUDE / dopofestival mobile MOTUS E MARKUS ÖHRN –94 66 MILLION YEARS / dopofestival mobile MICHELE RIZZO –150 INCONTRI . TALKS –222 R.Y.F. –152 MAPPA . MAP –268 IVANA MÜLLER Partituur –96 NINOS DU BRASIL –100 CALENDARIO . CALENDAR –242 INFO & TICKETS –270 UN FESTIVAL CHE CONTINUA A RICOMINCIARE La quarantaseiesima edizione del Festival Internazionale del Teatro in Piazza segna la fine della direzione artistica di Silvia Bottiroli, quindi un anno particolare anche per me, che con Silvia ho vissuto il mio primo Festival da Sindaco e l’anno seguente il primo da Presidente dell’Associazione. A Silvia, per l’autorevolezza e la generosità con cui ha lavorato per il Festival in questi anni, va il mio ringraziamento sincero e il migliore augurio per il suo futuro professionale, con le nuove sfide che dovrà affrontare. Nuove sfide come quelle che attendono il nostro Festival che, al termine di questa edizione, si troverà di nuovo a un punto di partenza. «Santarcangelo dei Teatri continua sempre a ricominciare»: questo concetto espresso da Silvia Bottiroli durante la bella presentazione in Consiglio comunale mi è rimasto impresso, per la particolare capacità di descrivere la nostra manifestazione e la sua storia. Si ripartirà da una chiamata pubblica che ha raccolto settantacinque manifestazioni di interesse, di cui ventidue provenienti dall’estero: un numero che dimostra l’interesse e la curiosità che il nostro Festival continua a suscitare in Italia e fuori dal nostro Paese. Ora ci attende un lungo lavoro per scegliere al meglio per il futuro della manifestazione. Sapendo però che la strada è tracciata ed è quella che ci ha portati tra i dodici migliori festival in Europa, che passa per il carattere internazionale del programma, per il grande prestigio progettuale e per l’attenzione al territorio. Attenzione che significa anche abitare il territorio: lo dimostra il fatto che, storicamente, le edizioni meno riuscite sono state proprio quelle che non hanno saputo sfruttare e valorizzare la complessità e le opportunità offerte da Santarcangelo e dal territorio circostante. Abitare gli spazi, le vie e gli angoli meno conosciuti della città, trasformandoli attraverso l’arte in mondi nuovi e diversi agli occhi di chi vive tutti i giorni a Santarcangelo. È uno dei punti di forza di questa edizione del Festival che si muove tra il borgo storico e la periferia, tra le cave del Marecchia e i laghi per arrivare al Parco dei Cappuccini. E “invadere” la Rocca, le grotte, lo Sferisterio, le vie del centro. 4 La mappa presentata come anteprima di questa edizione è di certo uno dei materiali più interessanti degli ultimi anni. E ci restituisce l’immagine di un Festival che non rimane fermo, che si muove sul territorio, che visita, cerca, scava in tutte le direzioni. Di un Festival che non si ferma e che continua a ricominciare. Sempre. Alice Parma Presidente Santarcangelo Dei Teatri 5 A FESTIVAL THAT CONTINUES TO START AFRESH This year, the Festival Internazionale del Teatro in Piazza is being held for the forty-sixth time. It also marks the end of Silvia Bottiroli’s term as artistic director, making it for me, too, a special year, as it was with Silvia that I celebrated my first Festival as Mayor of the city and the following year as president of the Association. For the expertise and generosity of spirit which she devoted to the Festival during these years I wish to express my sincere gratitude to Silvia and offer my best wishes for the future, with all the new professional challenges she will have to face. New challenges, such as those that await our Festival too. After this year it will find itself at a starting point once more. «Santarcangelo dei Teatri always continues to start afresh.» This view, expressed by Silvia Bottiroli during her lovely presentation to the City Council, left me utterly impressed, especially because of the singular way it describes our Festival and its history. The Festival will start afresh with a public call for submissions that has attracted seventy-five statements of interest, twenty-two of which were from other countries, a number that demonstrates the interest and curiosity that our Festival continues to arouse both in Italy and abroad. Now a lengthy task awaits us, that of making the best choice for the future of our Festival. Knowing, though, that the road has already been laid out and has brought us to the point where ours is one of the twelve best festivals in Europe, we can see that it has also led to the international nature of our programme, its highly prestigious projects, its attention to the local area. Attention also means living here, as can be shown in the fact that historically the least successful of our festivals have been those that failed to take advantage of the complex nature of Santarcangelo and its surrounding area, and the opportunities they offer to make them objects of value. Living in lesser known areas, streets and corners of the city, transforming them through art into new, different worlds in the eyes of those who live their everyday lives here, this is one of the strong points of this year’s Festival, which moves back and forth 6 from the historic mount and the suburbs, the caves by the Marecchia and the lakes, to come to the Parco dei Cappucini, invading the Rocca, the grottoes, the Sferisterio, and the streets in the city centre. The map that was published as a foretaste of this year’s festival is without doubt one of the most interesting items in the last few years. It restores the image of a festival that does not stand put but moves around the area, visiting, seeking and digging in all directions. A festival that does not stop but continues to start afresh. Always. Alice Parma President Santarcangelo Dei Teatri 7 LINEE DI VOLO I. Da sempre costruito attraverso il rapporto tra creazione scenica e spazi quotidiani, pubblici e non deputati alle arti, il Festival innesca quest’anno la vibrazione, il combattimento o la danza tra due entità che si è soliti pensare come rigidamente separate e reciprocamente impermeabili: la realtà con la sua durezza di cristallo e la sua ostinazione a presentarsi come non trasformabile, e la finzione con la sua costellazione di mondi immaginari, così spesso ridotta allo spazio angusto del disimpegno o del divertimento, della distrazione cioè da ciò che solo è importante. A Santarcangelo, realtà e finzione si rincorrono in un movimento elementare e complesso impastato dalle volontà e dagli impulsi di molte forze differenti, e il Festival si allarga come un liquido, occupando o lambendo spazi diversi della città e del territorio circostante, centrali o periferici, meravigliosi o respingenti, pubblici o privati: dalle bellissime grotte ipogee a un piccolo campo giochi poco frequentato, da una fabbrica di sistemi di confezionamento ora chiusa alle palestre di una scuola superiore, dal tetto della Casa del Popolo, oggi cinema e ufficio postale, alla rocca rinascimentale, dal greto del torrente Marecchia al punto in cui Santarcangelo trascolora dentro Rimini. Non si tratta, non questa volta almeno, semplicemente di piegare luoghi comuni a sale teatrali, quanto di creare uno spazio tra i luoghi e le creazioni artistiche: uno spazio in cui ciascuno dei due termini in gioco possa seguire la sua «linea di volo» (Deleuze-Guattari), e si crei una relazione che non si compie nel dialogo dell’uno con l’altro, ma nella loro «evoluzione aparallela» – una conversazione quindi tra realtà e finzione. Attraverso molti dei lavori in programma e con le voci differenti e contrastanti di artisti che si misurano nella loro ricerca con questo spazio tra – da Bouchra Ouizguen ad Alessandro Sciarroni, da Zachary Oberzan a Mara Oscar Cassiani… – il Festival invita a immergersi nell’arte e nella finzione come in una possibilità di turbolenza del reale, una perturbazione. Invita a pensare l’arte e l’immaginazione come possibilità di estendere il reale e creare una realtà che comprenda, per un attimo almeno, anche 8 l’invisibile, l’impossibile, l’operare del non umano, l’infinitamente piccolo e l’infinitamente grande, gli animali estinti e le galassie più lontane, i sentimenti che non sappiamo nominare e gli abissi così luminosi che conteniamo. II. L’ostinata, inesausta lezione dell’arte è la possibilità di continuare a cominciare, di collocarsi in un eterno inizio che sfugge alla legge della ripetizione nella misura in cui sa operare per scarti, si tradisce, si misura con un fare che non conosce. Costruire un festival, abitarlo, guardarlo o attraversarlo sono tutte forme di questo iniziare, di cui è compito curatoriale predisporre o suggerire il tempo. Come indicano già dal titolo le due creazioni che si pongono idealmente a inaugurare e a concludere il ciclo del Festival, La Nuit des taupes di Philippe Quesne e Natten di Mårten Spångberg, a Santarcangelo è quest’anno il tempo della notte, e dunque del sonno e del sogno. Si può sognare un sogno con altri? Può il teatro essere il luogo in cui abbandonarsi, insieme a degli sconosciuti, e vagare tra il sogno e la realtà della scena? A partire da queste e altre domande, Philippe Quesne invita a iniziare scendendo negli abissi sotterranei di un mondo fantastico e non umano, e Mårten Spångberg a non smettere di iniziare, immergendosi insieme nello spazio indistinto e oscuro di una danza che prelude a un giorno nuovo. Incastonate tra queste due notti, diverse presenze hanno un andamento e una sostanza notturni, dalle azdore guidate da Markus Öhrn e Stefania ?Alos Pedretti al clubbing evocato da Michele Rizzo, dal preludio di Cristina Kristal Rizzo alla scena di Amir Reza Koohestani… Della notte, il Festival esplora le forme di condivisione e prossimità agli altri, la possibilità di riparo dalle pressioni di visibilità e accessibilità che governano il giorno, l’invito silenzioso a tentare altre modalità di conoscenza, altre forme di presenza a sé, agli altri, al mondo. Una di queste, forse la più potente, è il sonno, «una assoluta interruzione del furto di tempo portato avanti dal capitalismo» (Jonathan Crary) che non produce alcun valore e non genera alcuna forma di comunicazione 9 o socialità ma cela un mondo interiore misterioso anche al dormiente e immerge gli individui nell’universalità di un’esistenza che trascende l’umano. III. L’esperienza dello spettatore che si sposti dentro e tra le due mappe sovrapposte di realtà e finzione e che si immerga nell’oscurità generosa di notti che preludono a nuovi inizi è un’esperienza intima e al tempo stesso impersonale. Un’esperienza rituale, se per rito si intende un accadimento che segna una differenza di natura tra un “prima” e un “dopo”, una cerimonia che agisce un potere trasformativo o una procedura emancipatoria che crea condizioni di possibilità. Di molti riti sono fatte le dieci giornate di Festival, dall’accensione del fuoco di Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio allo scatenamento di balli notturni di Michele Rizzo, Motus e Markus Öhrn, dalla grande e spaventosa impresa collettiva di Zapruder filmmakersgroup e ZEUS! al conto alla rovescia di Strasse… Con questi e altri riti, Santarcangelo celebra il proprio cambiamento e inaugura un tempo fantastico dove può esistere anche quello che non ci sarà, come L’oracolo della corona: un labirinto di cristalli – proprio la giostra da Luna Park – decorato con una grande corona luminosa e posto al centro della piazza. Questo labirinto, che durante il giorno segue il suo normale funzionamento di giostra, a una data ora della sera si trasformerebbe per una durata stabilita in oracolo, grazie agli interventi di artisti ogni volta diversi, invitati da Zapruder filmmakersgroup. Diverrebbe luogo di un sapere sul futuro, predizione misteriosa, che rimanda alla natura profonda dell’arte, sola pratica che si immerge nello sconosciuto non per conoscerlo ma per frequentarlo nella sua oscurità insondabile. Non ci sarà, L’oracolo della corona, e la sua assenza porta al centro della scena la durezza del reale, la fatica e la caparbietà con cui si cerca di rendere possibile un’idea, la necessità talvolta di arrendersi alla forma più brutale in cui la realtà si manifesta, statuendo un fatto come impossibile. È allora un oracolo senza corona quello che si potrà ascoltare in piazza, un oracolo che non 10 nomina lo spazio in cui si manifesta, non attira in un labirinto ma fa di una città intera, dei suoi spazi resi instabili dalla vibrazione della scena, il proprio tempio. Un oracolo, figura puntuale che dice la potenza della parola d’artista, e anche del Festival e degli spettatori che la inseguono e si slanciano così in un’avventura che non finirà. Silvia Bottiroli Direttrice artistica Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza 11 LINES OF FLIGHT I. A constant feature of the Festival is that it has always been built around the relationship between creativity on stage and everyday, public spaces that are not set aside for the arts. This year it triggers off the vbration, fighting or dancing among two entities that are customarily regarded as rigidly separate from and impermeable to one another: reality, with its crystal-hard nature and obstinacy in presenting itself as untransformable, and fiction, with its galaxies of imaginary worlds, often reduced to the cramped space of disengagement or amusement, that is, distraction from the one thing that is important. At Santarcangelo, reality and fiction chase each other around in a complex yet elementary movement moulded from the desires and impulses of many different forces, and the Festival expands like a liquid that fills and licks at various spaces in the city and the surrounding area, both central and peripheral, wonderful or repulsive, public or private, from the lovely caves to a small, rarely used playground, from a closed-down packaging systems factory to a high school gymnasium, from the roof of the Casa del Popolo, now a cinema and post office, to the renaissance fort, from the banks of the Marecchia to the point where Santarcangelo blurs into Rimini. This is not – at least not this time – simply a matter of turning common places into theatres but of creating a space between places and artistic creations, a space in which both of the terms involved can follow its own «line of flight» (as Gilles Deleuze and Félix Guattari put it), creating a relationship that is not consummated in dialogue between them but in their «a-parallel evolution» – a conversation between reality and fiction. Through many of the programmed works and the different, contrasting voices of artists who contend through their research into this space between – from Bouchra Ouizguen to Alessandro Sciarroni, Zachary Oberzan to Mara Oscar Cassiani... – the Festival invites us to immerse ourselves in art and fiction as though in a possibility that the real might become a turbulent disturbance, to think of art and imagination as an opportunity 12 to extend the real and create a reality that at least momentarily includes the invisible, the impossible, the agency of the nonhuman, the infinitely small and infinitely large, extinct animals and the most distant galaxies, feelings we cannot name and the so-luminous abysses we contain. II. The stubborn, inexhausted lesson of art is the possibility of continuing to begin, of placing ourselves in an eternal beginning that flees the law of repetition inasmuch as it can work in swerves, that betrays itself and measures itself with an unknowing way of doing. Putting a festival together, living in it, attending it, going through it, these are all forms of this beginning, where the curator’s work is to schedule or suggest times. As their names suggest, the two works that are ideally suited to starting and closing the cycle of the Festival this year are La Nuit des taupes by Philippe Quesne and Natten by Mårten Spångberg, for Santarcangelo is the time of night, and hence of sleep and dreams. Can we dream a dream with others? Can the theatre be a place where together with people we do not know we can yield to abandonment, wandering between sleep and dream? Starting from this and other questions, Philippe Quesne invites us to begin our descent into the undergound abysses of a fantasy, non-human world, and Mårten Spångberg to never stop starting, immersing ourselves together in the indistinct, dark space of a dance that is prelude to a new day. Set between these two nights, various presences have a nocturnal substance, a nightly way of moving about, from the azdoras led by Markus Öhrn and Stefania ?Alos Pedretti to the clubbing evoked by Michele Rizzo, from Cristina Kristal Rizzo’s prelude to Amir Reza Koohestani’s scene… The festival explores nocturnal forms of commonality with and proximity to others, the possibility of shelter from the pressures of visibility and accessibility that rule the day, the silent invitation to attempt other ways of knowing, other forms of presence to oneself, to others, to the world. One of these, perhaps the most powerful, is sleep, «an uncompromising interruption of the theft 13 of time from us by capitalism» (Jonathan Crary), which produces no value, generates no form of communication or sociability, but instead conceals an inner world that is also mysterious to the one asleep and immerses individuals in the universality of an existence that transcends the human. III. The experience of the spectator who moves into and between the two opposing maps of reality and fiction and immerses herself into the generous darkness of nights that herald new beginnings is intimate and at the same time impersonal, a ritual experience, if ritual be taken to mean an event marking a difference in nature between “before” and “after”, a ceremony with transformative power or an emancipating procedure that creates conditions of possibility. The ten days of the festival include many rites, from the lighting of the fire by Luigi De Angelis and Emanuele Wiltsch Barberio to the unleashing of night dances by Michele Rizzo, Motus and Markus Öhrn, from the large, frightening collective labour by Zapruder filmmakersgroup and ZEUS! to the countdown by Strasse… Through these and other rites, Santarcangelo celebrates its own change and inaugurates a fantasy time where the one that will not be here can exist, L’oracolo della corona: a labyrinth of crystals – nothing less than the roundabout at Luna Park – decorated with a huge, luminous crown placed in the middle of the square. At a given moment in the evening, this labyrinth, which during the day would continue its normal function as a roundabout, would turn into an oracle for a while, thanks to the intervention of artists, a different group every time, invited by Zapruder filmmakersgroup. It will turn into a place of mysterious divination, imbued with knowledge of the future, one that harks back to the profound nature of art, the only practice that immerses itself in the unknown, not to know it but to frequent its unfathomable darkness. L’oracolo della corona will not be here, and its absence brings to centre stage the hard nature of reality, the hard work and stubbornness with which we try to make an idea possible, the need sometimes to yield to the most brutal form in which 14 reality manifests itself, declaring a fact impossible. At this point it becomes an oracle without a crown, one we will hear in the piazza, an oracle that does not name the space in which it manifests itself, does not lead us into a labyrinth, but makes an entire city and its spaces, destabilized by the trembling from the stage, into a temple of its own. An oracle, a precise figure that speaks of the power of the artist’s word, as well as of the festival and the spectators who follow it and so leap into an adventure that knows no end. Silvia Bottiroli Artistic Director Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza 15 16 PROGRAMMA PROGRAM blank page 17 ALEPPO. A LABORATORY FOR EXPERIMENTS IN PERFORMANCE AND POLITICS AUTOSCUOLA DELLA NOTTE progetto speciale Piazza Ganganelli mer . wed 13/07 gio . thu 14/07 h 23.30 > notte fonda (dead of night) free ITA - ENG 18 Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics apre a Santarcangelo una scuola temporanea, dopo l’esperienza della School of Exceptions dello scorso anno. L’opposizione tra i “lumi della ragione” e la “notte che genera mostri” ha reso quest’ultima emblema dell’oscurità e costretto lo studio alla luce del giorno. Eppure, come avveniva nel Medioevo o come cita un passo del Talmud, potrebbe darsi che solo di notte si possa acquisire il massimo della saggezza umana. A partire da queste considerazioni, l’Autoscuola della notte accoglie lo spazio notturno riflettendo sulla distanza che separa le modalità di vivere il giorno e quelle destinate alla notte, rinnovando di quest’ultima il senso: la notte non è solo il tempo del silenzio, ma è anche un modo diverso di stare insieme, una prossimità. L’Autoscuola non cerca di conquistare la notte come uno spazio della produttività, viceversa se ne lascia conquistare. Si muove in diversi luoghi notturni del Festival e della città senza stabilirsi in nessuno di essi, nutrendosi delle diverse modalità abitative della notte e immaginando nuove possibilità di ricerca e discussione, con proiezioni, confronti, dialoghi e momenti di lettura. Più che una scuola frontale, l’Autoscuola si compie nel suo accadere, invita alcuni artisti del Festival e studiosi a intervenire nel suo formato, coinvolgendo un gruppo di studenti, il pubblico e gli avventori a sperimentare nella e sulla notte. Aleppo (Brussels) è uno spazio di ricerca, un laboratorio di riflessione sulla filosofia politica e la performance, fondato da Daniel Blanga-Gubbay. Aleppo guarda all’arte non solo come un oggetto di riflessione, ma come uno strumento di indagine del mondo in cui viviamo e, in collaborazione con diverse istituzioni culturali, apre programmi di ricerca attorno a una domanda specifica. A Santarcangelo nel 2015, Aleppo ha curato la School of Exceptions, in collaborazione con il Festival e l’Università di Giessen. 19 Following the precedent set by School of Exceptions last year, Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics is running a temporary school, Autoscuola della notte, at Santarcangelo. The contrast between “lights of reason” and “monsters of night” turned the latter into an emblem of darkness and forced it to operate during daytime. Yet as mediaeval practices show and a passage in the Talmud cites, it may be that only in the dark of night can one attain the greatest human wisdom. Taking these thoughts as its point of departure, Autoscuola della notte welcomes night space and reflects on the distance between daytime lifestyles and those reserved for the night, and in so doing bestows on the latter a new meaning: night is not just a time of silence; it is also a different way of being together, of being close. Autoscuola does not seek to conquer night as a space for productivity, but lets itself be conquered instead. It moves around the city, from one night-time Festival location to another, without settling in any one of them, but drawing on night’s different ways of being a home, imagining new possibilities for investigation and discussion, all with projections, encounters, dialogues and reading moments. More than an in-your-face-type of school, Autoscuola realizes itself in what it becomes, invites Festival artists and academics to contribute to its format, and involves a group of students, the public and the patrons to experiment on – and during – the night. Aleppo (Brussels) is a research platform, a laboratory on performance and political philosophy, initiated by Daniel Blanga-Gubbay. Aleppo conceives art not only as an object of reflection, rather as an instrument of reflection on the world in which we live. In collaboration with diverse cultural institutions, it opens different research programs around a specific question. In 2015, Aleppo curated the School of Exceptions, in collaboration with Santarcangelo Festival and the University of Giessen. 20 Progetto temporaneo aperto da Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics Temporary project opens by Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics A cura di (curated by) Daniel Blanga-Gubbay, Livia Andrea Piazza Organizzato da (organised by) Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics, Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza Con interventi di (with the contribution of) Emanuele Coccia, Matteo Lucchetti, Camilla Pietrabissa 21 MARA OSCAR CASSIANI THE SKY WAS PINK #2k16 Iconography #back to the real Life #backtothepark prima assoluta Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi sab . sat 09/07 opening: Genesis, Back to the Park h 23.30 (15 min) dom . sun 10/07 h 21.30 > 00.00 lun . mon 11/07 mar . tue 12/07 mer . wed 13/07 gio . thu 14/07 h 21.30 > 23.00 ven . fri 15/07 closing: The sky was Pink 21.30 > 00.00 The sky was Pink #2k16Iconography #back to the real Life #backtothepark è un progetto site-specific di Mara Oscar Cassiani per il campo da basket del Parco Francolini di Santarcangelo. Ideato a partire dal progetto MMXIV Iconography, The sky was Pink amplia la dinamica di coinvolgimento del pubblico che, letteralmente inglobato in un contesto specifico, diviene parte reale e corpo corale della performance. Lo spazio aperto subisce un’improvvisa trasformazione, che mescola le caratteristiche del campo da basket, i suoi elementi identitari e l’immaginario legato a quello stesso luogo, introducendo musica dance, djset, un ballo collettivo in grado di attrarre e catturare il pubblico e un cielo che si tinge di rosa sul farsi della notte. Un’installazione luminosa e sonora riscrive la natura del campetto, lo risveglia, lo presenta, con una immagine fluorescente, a chi lo abita, ne restituisce una nuova visione e un nuovo attraversamento. La musica avanza, coinvolge il pubblico che potrebbe assecondarne i movimenti e iniziare a ballare. Sabato 9 luglio, Genesis, Back to the Park celebra in tarda serata l’“accensione” dello spazio. The sky was Pink prende forma a partire da un laboratorio di cinque giorni aperto alla visione del pubblico, per giungere alla performance e al djset di venerdì 15 luglio. Mara Cassiani (Pesaro) è un’artista che lavora nell’ambito della performance, della coreografia e dei nuovi media. La sua ricerca è incentrata nella creazione di un’iconografia contemporanea in cui nuovi linguaggi e rituali vengono mutuati dal mondo di Internet. Tra i suoi lavori recenti, Trashx$$$ (2012), MMXIV Iconography (2014), Justice (2015), You can (not) Advance (2015), Ed3n & The Perfect Life (2015-2016). free 22 23 The sky was Pink #2k16Iconography #back to the real Life #backtothepark is a site-specific project created by Mara Oscar Cassiani for the basketball court in Francolini Park, Santarcangelo. Inspired by her project, MMXIV Iconography, The sky was Pink expands the dynamic of audience involvement in which the audience, literally absorbed into a specific context, becomes an actual part of the performance, its choral body. Open space undergoes an unexpected transformation that combines the characteristics of the basketball court, its identifying elements and the imaginary qualities connected to this place, introducing music, dance, a DJ gig, a group dance capable of attracting and capturing the audience, and a sky tinged with pink as night falls. A light and sound installation rewrites the nature of the little court, reawakens it and with a fluorescent image introduces it to the person who lives there, providing it with a new way of being seen and entered . Music continues to play, involving the audience who might well yield to its motion and start to dance. Late in the evening on Saturday 9 July, Genesis, Back to the Park will celebrate the “kindling” of the space. The sky was Pink will grow out of a five-day workshop open to public viewing, and join the performance and DJ gig on Friday 15 July. Mara Cassiani (Pesaro) is an artist working in the realms of performance, choreography and new media. Her research is focused on creating a contemporary iconography, where new rituals and languages stem from the Internet. Recent works include Trashx$$$ (2012), MMXIV Iconography (2014), Justice (2015), You can (not) Advance (2015), Ed3n & The Perfect Life (2015-2016). Di (by) Mara Oscar Cassiani Concept da (concept from) MMXIV Iconography, Mara Oscar Cassiani Music featuring set IDEAL CORPUS Con il supporto di (supported by) Super Bubble 24 25 CRISTIAN CHIRONI AUDIO GUIDE co-produzione Piazza Ganganelli Infopoint ven . fri 08/07 > dom . sun 17/07 h 10.30 > 12.00 h 17.00 > 22.30 (45 min) 6 euro ITA - ENG Nel 2015, Audio Guide di Cristian Chironi ha accompagnato il pubblico in un percorso a tappe attraverso i mercati di Santarcangelo, registrandone la disposizione dei banchi per operare nella loro assenza, appropriandosi del potenziale immaginativo degli oggetti esposti e dei discorsi tra venditori e acquirenti. Il progetto viene ora riattivato, con un testo in inglese che ne amplifica le possibilità di fruizione. I mercati sono luoghi espansi in cui si contrattano desideri e bisogni veicolati da un linguaggio sia visivo che sonoro, di cui Chironi mette in crisi le coordinate sensoriali, cortocircuitando suoni e immagini e spostandoli altrove. Il sistema di sensi messo in atto dall’artista incrocia trasversalmente la crisi dell’economia commerciale, suggerendone potenziali vie di evasione e inaugurando un’idea di proprietà immateriale parallela alle logiche di mercato. Il pubblico intraprende un percorso intervallato da fantasies animalières, miti individuali e collettivi, affinità tra diversi sistemi sensoriali. In questo incedere, l’immaginazione di ognuno è chiamata a comporre e a cambiare di traiettoria un itinerario, ludico e lirico, suggerito da una voce narrante. Audio Guide è un progetto proposto da Chironi per Il Marché de la Libération a Nizza, il Mercato di Piazza Seminario a Cuneo (2014) e per Santarcangelo e i suoi mercati settimanali (2015). Cristian Chironi (Nuoro; Bologna) utilizza differenti linguaggi, tra cui la performance, la fotografia, il video, il disegno, creando spesso una sorta di interazione tra essi. Lavora in performance e installazioni sitespecific, cercando l’interazione con il contesto, sia umano (pubblico) che ambientale (spazio). La sua ricerca tenta di mettere in relazione l’immagine e l’immaginazione, la realtà e la finzione, la memoria e la modernità, il conflitto e l’integrazione, il materiale e l’immateriale. 26 27 In 2015, Cristian Chironi’s Audio Guide accompanied spectators stage by stage through the markets in Santarcangelo, recording the readiness of the market stands to operate when the audience wasn’t there, the imaginative power of the items on show, and the verbal exchanges between vendors and customers. The project turns back on with a text in English to enhance its chances for fruition. Markets are wide-open spaces where desires and needs are negotiated through a language of sight and sound. What Chironi does is unsettle sensory coordinates by short-circuiting sounds and images and moving them into new locations. The sensory system the artist activates in this way interlocks diagonally with the current business crisis, suggesting possible ways out and launching an idea of non-material property ownership that runs parallel to market logic. Along the way, the spectator will encounter fantasies animalières, individual and group myths, affinities between different sensory systems. In this manner, everyone’s imagination is called on to make up and alter the playful, lyrical itinerary suggested by the story-telling voice. Audio Guide is a project conceived by Christian Chironi for the Marché de la Libération at Nice, the Piazza Seminario Market at Cuneo (2014) and the weekly markets in Santarcangelo (2015). © Ilaria Scarpa Cristian Chironi (Nuoro; Bologna) uses different languages, including, performance, photography, video, drawing, often creating a sort of interaction among them. He worked on site-specific performances and installations, looking for the interaction with the context, be it human (public) and environmental (space). His research aims to relate image and imagination, fact and fiction, memory and modernity, conflict and integration, material and immaterial. Progetto di (a project by) Cristian Chironi Voce (voice) Ofelia Bartolucci Montaggio e mix del suono (sound editing) Massimo Carozzi, Cristian Chironi Grafica (graphic design) Liene Rubane, Cristian Chironi Traduzione inglese (English translation) Chiara Vettori Co-produzione (co-production) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza © Cristian Chironi con il supporto tecnico di Cuneo - progetto Market zone 28 29 LUIGI COPPOLA E CHRISTOPHE MEIERHANS FONDO SPECULATIVO DI PROVVIDENZA Speculazione #2 (Santarcangelo, Roma, Terni) progetto speciale Piazza Ganganelli ven . fri 08/07 > sab . sat 16/07 h 10.30 > 13.00 h 17.00 > 23.30 dom . sun 17/07 h 10.30 > 13.00 ITA - ENG INCONTRI TEMATICI Piazza Ganganelli sab . sat 09/07 h 18.00 Speculazione, tra profitto e slancio filosofico ospite (guest) Francesca Ussani/Forum per la Finanza Sostenibile ven . fri 15/07 h 18.00 Moneta e bene comune ospite in via di definizione (guest to be defined) www.thespeculativefund.org telefono: +39 329 3799558 30 Nel 2015 ha inaugurato a Santarcangelo il Fondo Speculativo di Provvidenza, a cura degli artisti Luigi Coppola e Christophe Meierhans. Lo scopo del progetto era trasformare il pubblico del festival in una comunità politica, con tutti gli spettatori che sono diventati co-proprietari di un capitale monetario. Attraverso la donazione obbligatoria di un euro per ciascun biglietto venduto, è stato possibile accumulare, durante i dieci giorni del Festival, una somma la cui destinazione è stata scelta con modalità decisionali partecipate. Il Fondo ha permesso lo sviluppo di un percorso di formazione nell’ambito delle arti performative, da cui ha preso vita il progetto I Detective Selvaggi. Per questa nuova edizione del progetto, se il meccanismo di accumulazione del capitale rimane immutato, dunque la maggiorazione di un euro per ogni biglietto emesso, corrispondente all’acquisto di una quota del Fondo, cambia radicalmente il meccanismo decisionale. Dalla sperimentazione di democrazia maggioritaria della scorsa edizione, il Fondo Speculativo di Provvidenza pone quest’anno l’accento sulla responsabilità individuale: ogni socio con la propria quota può intervenire in modo radicale a ogni momento del processo, avanzando, squalificando o riqualificando una proposta, indipendentemente dall’orientamento della maggioranza e della discussione. La speculazione a cui sono chiamati gli spettatori va oltre i confini spaziali e temporali del Festival di Santarcangelo, espandendo il processo ad altri due festival di creazione contemporanea: Short Theatre di Roma e Terni Festival. Il Fondo Speculativo di Provvidenza, come progetto di continuità nella programmazione di tre festival italiani, costituisce un collante attivo, mette in relazione comunità distanti e permette di indagare i paralleli esistenti con la finanza mondiale. Funziona come “palestra” culturale e politica per una larga comunità temporanea e non omogenea, per praticare i temi fondamentali del nostro vivere in comune: solidarietà, appropriazione individuale, bene collettivo, altruismo, responsabilità sociale. La speculazione si realizza quindi nelle due accezioni del termine stesso. Da un lato, è un’operazione finanziaria su un capitale, dall’altro una ricerca e indagine collettiva che risiede su un potenziale intellettuale e culturale. 31 The Fondo Speculativo di Provvidenza (Speculative Fund of Providence) was launched in Santarcangelo in 2015 by artists Luigi Coppola and Christophe Meierhans. The project’s aim was to turn the festival’s audience into a political community by making all spectators co-owners of a monetary capital and asking them to collectively decide which purpose this money should be used for. By adding a compulsory one-euro donation to the price of each ticket, the Fund succeeded in raising a certain amount of money over the ten days of the Festival. Through participatory processes and voting the spectators - having become shareholders - took upon themselves to dedicate their common capital to the development of a performance arts training programme out of which the I Detective Selvaggi project came to life. This second edition of the project reiterates the same basic operation of raising the entrance tickets prices by one euro, but the manner in which the Festival audience will be able to engage with the decisonal process is radically different: leaving behind the notions of majoritarian democracy which were at play in the previous edition, the Fondo Speculativo di Provvidenza follows this year a rather unorthodox protocol. It sets the focus on individual responsibility and gives every shareholder of the Fund the possibility to enact a radical change at any moment of the process by either making, disqualifiying or re-qualifying a proposal, independantly of what the majority could be thinking and of the discussion. What is more, the scope of this year’s edition of the Fondo Speculativo di Provvidenza reaches beyond the spatial and temporal confines of the Santarcangelo Festival itself by expanding the process to two other contemporary arts festivals: Short Theatre in Rome, and the Terni Festival. The Fondo Speculativo di Provvidenza establishes a link of continuity between these three Italian festivals. It creates relationships of interdependency between distant communities and creates a parallel with the realities of the dematerialized finance on a global scale. The project provides a large and non-homogeneous temporary community with a kind of politico-cultural gym facility in which to practice topics fundamental to our living together: solidarity, individual appropriation, common good, altruism, social responsibility. Speculating is carried out in both senses of the term. A financial operation dealing with real capital becomes a collective exploration of where our cultural and intellectual potential could lead us to. 32 © Ilaria Scarpa Progetto di (project by) Luigi Coppola, Christophe Meierhans Coordinamento (coordination) Teresa Gentile Piattaforma online (online platform) Eduardo Cachucho, Babak Fakhamzadeh Grazie a (thanks to) Kaaitheater (Bruxelles), Anja Dirks, Francesca Ussani/Forum per la Finanza Sostenibile Progetto realizzato in collaborazione con (project realized in collaboration with) Short Theatre (Roma), Terni Festival/Teatro Stabile dell’Umbria 33 LUIGI COPPOLA E CHRISTOPHE MEIERHANS ASSEMBLY OF THE PARTS #1 prima assoluta Sferisterio Via Faini 8 dom . sun 17/07 h 21.30 (120 min) 6 euro ITA - ENG Assembly of the Parts è l’epilogo teatrale del Fondo Speculativo di Provvidenza, il ciclo di speculazione collettiva con il quale Luigi Coppola e Christophe Meierhans coinvolgono gli spettatori. Come evoca il titolo, la performance riunisce i “pezzi”, assembla quel che si è raccolto, durante i dieci giorni di Festival, in termini di informazioni, capitale, visioni ed esperienze al fine di stabilire una conclusione provvisoria, dalla quale ripartire per immaginare l’avvenire, per continuare a speculare, ma su una nuova base. I contenuti dello spettacolo sono determinati dal processo decisionale che coinvolge il pubblico del Festival: strutturato come assemblea dei soci del Fondo Speculativo di Provvidenza, Assembly of the Parts #1 è il momento cruciale in cui tutto quello che gli spettatori e soci del Fondo hanno proposto, sostenuto e contestato viene rimesso in gioco, rinegoziato, assemblato. Assembly of the Parts #1 è la necessità di una scelta: fidarsi dell’avvenire e speculare sulla moltiplicazione possibile del potenziale accumulato a Santarcangelo attraverso Short Theatre e Terni Festival, oppure, al contrario, preservare quello che si è ottenuto, e conservarlo al riparo dall’immaginazione speculativa dei futuri soci del Fondo? Luigi Coppola (Lecce; Brussels) lavora nel campo della performance, dell’arte pubblica e relazionale. Si concentra su azioni politicamente motivate, come i progetti Atti Democratici, On Social Metamorphosis e Build Your Leader. Nel 2011 è co-direttore artistico della Biennale di arte urbana a Bordeaux e ricercatore su Arte e Società all’Università di Tilburg. Christophe Meierhans (Geneva; Brussels) lavora con e attraverso la performance, lo spazio pubblico, l’installazione, il suono, la musica e il video. Il suo lavoro consiste soprattutto nello sviluppare strategie di intervento nella vita quotidiana, attraverso la manipolazione di convenzioni accettate, abitudini sociali o usi semplici. Nel 2015, presenta a Santarcangelo il progetto Some use for your broken clay pots. 34 35 Assembly of the Parts is the on-stage epilogue of the Fondo Speculativo di Provvidenza (Speculative Provident Fund), the community speculative cycle that Luigi Coppola and Christophe Meierhans are using to involve audiences at Santarcangelo Festival, Short Theatre and Terni Festival. As the title implies, this performance assembles “parts”, that is to say, the bits and pieces it gathers during the ten days of the Festival, the informations, capital, visions and experiences, to enable it to arrive at a provisional conclusion that can be used as the starting point for imagining the future, and continuing to speculate, but on a new basis. The contents of the spectacle are determined through a decisionmaking process that involves the Festival audience. Assembly of the Parts #1 is structured as an assembly of the members of the Fund and is the key moment when everything that has been proposed, seconded and debated by the audience and the Fund members is brought back into play, renegotiated and put together. Assembly of the Parts #1 expresses the need for choice: whether to trust in the future and speculate on the possibility that the potential that is gathered at Santarcangelo and the Rome and Terni festivals will increase, or to preserve what has been gained and keep it sheltered from the speculative imaginings of future Fund members. © Ilaria Scarpa Luigi Coppola (Lecce; Brussels) works in performance, public and relational art fields. He focuses on politically motivated actions, such as the Atti Democratici project, On Social Metamorphosis and Build Your Leader. In 2011 he is the artistic co-director of Urban Art in Bordeaux, and researcher of Art and Society at the University of Tilburg. Christophe Meierhans (Geneva; Brussels) works with and within performances, public spaces, installations, sound, music and video. His work consists mainly in developping strategies of intervention in daily life through manipulating conventional agreements, social habits or simple usages. In 2015 he presents the project Some use for your broken clay pots at Santarcangelo. 36 37 COSMESI DI NATURA VIOLENTA Lavatoio Via Ruggeri 1 gio . thu 14/07 h 20.30 (55 min) ven . fri 15/07 h 23.00 (55 min) sab . sat 16/07 h 19.00 (55 min) + after talk 13 euro ITA - ENG A un anno dalla sua creazione e dopo il debutto nel 2015 al Festival Drodesera di Centrale Fies, Di Natura Violenta, ultima creazione di Cosmesi, viene presentato a Santarcangelo. Di Natura Violenta si addentra nelle trame delle biografie di chi ha compiuto scelte dure per assecondare il desiderio profondo di incontro con la natura e si struttura attraverso la narrazione dell’isolamento intimo e selvaggio, unico luogo estremo possibile da raggiungere. Che cosa significa selvaggio, dov’è altrove? Come viene cercato l’isolamento e intrapresi la fuga, l’astensione, l’essere in disparte? Di Natura Violenta interroga queste domande, riconoscendo il primato della natura in uno scollamento che separa gli uomini dall’esperienza e di cui è possibile cogliere una traccia solo nell’ostinazione. Cosmesi concentra la propria ricerca attorno a figure-ponte che risuonano di solitudine, attraverso non detti, suoni, parole, commenti, sovrapposizioni di soglie e confini per raccontare il desiderio e la paura di una caduta nella natura e una riscoperta necessaria del suo senso profondo. Le biografie di riferimento costituiscono un archetipo che allaccia l’esperienza del singolo alla finzione teatrale e, più ampiamente, a quel senso di abbandono procurato dalla prossimità a un mondo naturale, selvaggio e umano, diverso dal mondo così come lo conosciamo. Cosmesi (Udine; Bologna) è un gruppo di ricerca fondato nel 2001 da Eva Geatti, performer e artista visiva, e Nicola Toffolini, artista visivo e designer. La compagnia è un gruppo di lavoro allargato e mutevole che si avvale del supporto di diversi artisti, musicisti e collaboratori tecnici, coinvolti nello sviluppo dei singoli progetti. Tra i lavori teatrali più recenti, NEROep (2010, co-prodotto con Santarcangelo Festival), Esecuzione (2012). Nel 2012, Ghezzz è presentato al Festival Drodesera Centrale Fies. Tre anni dopo debutta Di Natura Violenta, ultima produzione di Cosmesi. 38 39 A year after its creation and following its debut at the 2015 Drodesera Festival at Centrale Fies, Cosmesi presents its latest creation, Di Natura Violenta, at Santarcangelo. Di Natura Violenta studies in depth the biographies of people who to indulge their deep desire to relate to nature have made hard choices; it is structured around a narrative of intimate and wild isolation, the only extreme spot that can be reached. So what does wild mean, and where is elsewhere? How do we look for isolation, and embark on flight, abstention, being apart? Di Natura Violenta considers these questions, recognizing the primacy of nature in a state of coming unstuck that separates man from experience, and whose traces can only be grasped if we refuse to give in. Cosmesi concentrates its investigation on bridge-like figures that echo with solitude, through the unsaid, the sounds, words and comments, the overlapping of thresholds and boundaries, in order to tell of the desire and fear of falling into nature and the necessary rediscovery of its profound meaning. The biographies used as starting points constitute an archetype that ties individual experience to theatrical fiction and, on a broader scale, to the sense of abandonment that comes from being close to a wild, natural, human world that is so different from the one we know. Cosmesi (Udine; Bologna) is a research group founded in 2001 by Eva Geatti, performer and visual artist, and Nicola Toffolini, visual artist and designer. The company is an expanded and changing working group, which benefits of the support of different artists, musicians and technical resources involved in the development of each project. Their recent theatre works include NEROep in 2010 (co-produced with Santarcangelo Festival) and Esecuzione (2012). Ghezzz, premeried at the Drodesera Centrale Fies Festival in 2012. The last Cosmesi production, Di Natura Violenta, appears on stage three years after. 40 Di (by) Eva Geatti e Nicola Toffolini Con (with) Theo, Eva Geatti Con le voci di (with the voices of) Guido Beretta, Filippo Pagotto Musiche, registrazioni e suono dal vivo (music, recordings and live sound) Marcello Batelli Grafiche (graphic design) Alberto Merlin Collaborazione alla drammaturgia (collaboration to the dramaturgy) Tommaso Granelli Luci (lights) Cosmesi, Enzo Fascetto Sivillo Programmazione interattiva (interactive programming) Frank Halbig Consulenza per l’allestimento (set consultant) Giovanni Brunetto, Federico Bacci Con la collaborazione di (additional recordings with) Orchestra giovanile di Firenze Musicisti (musicians) Marcello Batelli, Janet Zadow, Riccardo Senesi, Filippo Scarafia, Roberto Seidita, Jacopo Pitta Amichevole collaborazione (friendly cooperation) Sarah Chiarcos, Emanuele Kabu, Michele Bazzana, Davide Macor, Debora Ercoli Produzione (production) Cosmesi, 2015 Co-produzione (co-production) Centrale Fies In collaborazione con (in collaboration with) Ateliersi, Murmuris/Teatro Cantiere Florida, residenza artistica presso Kinkaleri | spazioK.prato centro di residenza regionale Si ringrazia (thanks to) Le Murate Progetti Arte Contemporanea, Accademia Musicale di Firenze 41 COSMESI GHEZZZ Paglierani Via Emilia 1938 ven . fri 08/07 h 18.00 > 21.00 performance 21.30 + 22.30 + 23.30 (20 min) Suolo, erba, terra, alberi, corteccia, piante spontanee, fiori, arbusti, foglie, roccia. E un fondale di cielo macchiato di nuvole che fa filtrare una luce artificiale. Ghezzz è un invito a entrare in un mondo naturale, assemblato con l’artificio. Cosmesi realizza un diorama in cui il vivente e l’oggettuale coesistono, in cui l’uomo e il teatro entrano con piccole azioni a infrangere un tempo altrimenti immobile. Per dirla con Henry David Thoreau, «l’azione che deriva da un principio, la percezione e l’esecuzione di ciò che è giusto, trasforma le cose e le relazioni; essa è intrinsecamente rivoluzionaria e non può coesistere con qualsivoglia stato di cose». sab . sat 09/07 > dom . sun 10/07 h 10.00 > 12.30 h 18.00 > 21.00 performance 21.30 + 22.30 + 23.30 (20 min) lun . mon 11/07 > mer . wed 13/07 h 18.00 > 22.00 gio . thu 14/07 h 18.00 > 23.00 ven . fri 15/07 > sab . sat 16/07 h 10.00 > 12.30 h 18.00 > 00.00 dom . sun 17/07 h 10.00 > 12.30 h 18.00 > 23.00 3 euro * 6 euro ** ITA - ENG * biglietto giornaliero spazio Paglierani (daily ticket Paglierani venue) ** performance 42 43 Ground, grass, earth, trees, bark, natural plants, flowers, shrubs, leaves, stones, all set against a background of sky with patches of clouds, that causes artificial light to filter through. Ghezzz is an invitation to step into an artificially assembled natural world, through which Cosmesi has created a diorama in which the living being and the object coexist, in which man and theatre, through tiny actions, come to violate a time that would otherwise be immobile. To quote Henry David Thoreau: «Action from principle, the perception and the performance of right, changes things and relations; it is essentially revolutionary, and does not consist wholly with anything which was». Di (by) Eva Geatti, Nicola Toffolini Suoni (sound) Emanuele Kabu, Marcello Batelli Voce (voice) Nick Simcock Assistenza tecnica (technical assistance) Michele Bazzana, Davide Macor Scultura del nido (bird sculpture) Dem Produzione (production) Cosmesi, 2012 Con il supporto di (supported by) Centrale Fies In collaborazione con (in collaboration with) Ateliersi 44 45 ALESSANDRA CROCCO E ALESSANDRO MIELE /PROGETTO DEMONI DEMONI – FRAMMENTI Rocca Malatestiana Via Rocca Malatestiana 4 mar . tue 12/07 Frammento #1 Marija h 17.00 > 01.00 (7 min) * performance ogni 10 min per uno spettatore alla volta mer . wed 13/07 Frammento #2 Liza h 17.00 > 01.00 (9 min) * performance ogni 10 min per uno spettatore alla volta Tre incontri, tre momenti, sotto la guida invisibile di Fëdor Dostoevskij. Alessandra Crocco e Alessandro Miele distillano tre frammenti dal celebre capolavoro russo I demoni, li disancorano completamente dalla trama originaria e li trasformano in evocazioni dense, irriducibili, dirette, intime, capaci di portare lo spettatore al cuore di un avvenimento. I Frammenti sono echi nostalgici di un romanzo finito da tempo e costituiscono, ciascuno di essi, una narrazione a sé stante, conclusa. Ambientati in luoghi non teatrali, ma fortemente evocativi, come la Rocca Malatestiana di Santarcangelo, i frammenti si focalizzano su tre figure: Marija, Liza e Stavrogin. Il pubblico, formato da un solo spettatore o piccoli gruppi alla volta, si trova a fronteggiare, in episodi di pochi minuti, questi personaggi schiacciati sotto il peso di un’idea, continuamente divorati da un demone. Sarà possibile arrivare a intuire la verità, udire un bisbiglio sotterraneo e giungere alla realtà oltre la finzione letteraria? Alessandra Crocco (Lecce) si forma alla Scuola del Teatro Arsenale ed è autrice e interprete, tra gli altri, di Non ti ho mai tradito (2009), finalista al premio Tuttoteatro.com Dante Cappelletti. Alessandro Miele (Pompei) è co-fondatore della compagnia Menoventi, autore e regista. Fondano insieme Progetto Demoni, articolato, a oggi, in due forme distinte: una serie di performance frammentarie per pochi spettatori in luoghi normalmente non teatrali e uno spettacolo vero e proprio. Grotta Municipale Contrada dei Fabbri gio . thu 14/07 Frammento #3 Stavrogin h 21.00 > 01.00 (10 min) * performance ogni 20 min per dieci spettatori alla volta 6 euro ITA - ENG - FR * prenotazione obbligatoria (reservationi is compulsory) 46 47 Three encounters, three moments beneath the invisible, guiding hand of Fëdor Dostoevskij. Alessandra Crocco and Alessandro Miele take three fragments from russian masterpiece Demons, free them completely from their original context, and transform them into dense, direct, irreducible, intimate evocations that can take the spectator into the very core of an event. The Fragments are nostalgic echoes of a novel that was completed long ago, and each of them comprises a separate story, one that has reached its own conclusion. Set in far from theatrical yet highly suggestive places such as Santarcangelo’s Rocca Malatestiana, the fragments focus on three figures: Marija, Liza and Stavrogin. The audience, which may comprise a single individual or a small group, will find itself watching scenes just a few minutes long and seeing these three characters, all crushed under the weight of an idea, being constantly devoured by a demon. Will we be able to sense the truth, hear a whisper beneath the ground, and reach the reality that lies beyond literary fiction? © Davide Maldi Alessandra Crocco (Lecce) is actress and playwright. She trained at the Scuola Teatro Arsenale in Milan. Her play Non ti ho mai tradito (2009) was a finalist for the Tuttoteatro.com Dante Cappelletti prize. Alessandro Miele (Pompei) is playwright and director. He is a co-founder of the Menoventi company. They found Progetto Demoni together. Progetto Demoni has now two distinct forms: a series of fragmented performances for small audiences in locations that would normally not be regarded as exactly theatres, and full-scale shows in the usual meaning of the word. Di (by) Alessandra Crocco, Alessandro Miele Tratto da (from) Fëdor Dostoevskij, I demoni 48 49 LUIGI DE ANGELIS E EMANUELE WILTSCH BARBERIO LUMEN prima assoluta Sferisterio Via Faini 8 ven . fri 08/07 h 23.00 > durata del fuoco (until the fire burns out) free Lago Santarini Via Trasversale Marecchia 1411 dom . sun 10/07 h 22.30 > durata del fuoco (until the fire burns out) 6 euro Cava meeting point Via Trasversale Marecchia 1411 mar . tue 12/07 h 23.30 > durata del fuoco (until the fire burns out) Lumen è un fuoco fatuo, dall’esistenza effimera e magica, che appare e scompare originando un invito notturno alla festa e al ballo collettivo. La sua durata è scandita dalla combustione di una grande pira di fuoco e il suo movimento innesca l’abbandono a una danza, ritmata dall’andamento della fiamma e dalle temperature del calore. Lumen inaugura l’inizio di una festa animista e del Festival: lo Sferisterio si trasforma in un luogo del rito in cui il fuoco disegna delle geometrie imprevedibili e scandisce il tempo di durata di un’esperienza musicale, che tende alla possessione, dalla reminiscenza iniziatica. Le ricerche antropologiche ed etnomusicologiche di Luigi De Angelis sulla musica sciamanica e da trance si sostanziano in un intervento musicale curato con Emanuele Wiltsch Barberio. La forza naturale del fuoco costituisce un segnale temporale e un elemento formale e visivo, creato dall’artista Giorgio Andreotta Calò. Lumen mette in relazione i documenti di un archivio di registrazioni (dalla trance nei riti vudù di Haiti ai canti di guerra Sioux, alla voce solitaria di uno sciamano colombiano) catalogandoli e confondendone i limiti di differenziazione. Ne riconosce una consaguineità e li mescola con le divinazioni musicali del presente, fino all’esperienza del dance floor contemporaneo. La musica e il movimento possono possederci? Luigi De Angelis (Brussels; Ravenna) è un regista, scenografo, grafico, filmmaker, light e sound designer, assemblatore musicale, performer. Nel 1992, fonda a Ravenna con Chiara Lagani la compagnia Fanny & Alexander. Nel 2012, con gli altri membri di Fanny & Alexander e le compagnie Menoventi, gruppo nanou e ErosAntEros, fonda la Cooperativa E, piattaforma di progettazione e produzione artistica. Emanuele Wiltsch Barberio (Venezia) è un musicista, polistrumentista, vocalist e sperimentatore attivo nella scena italiana ed europea. Collabora con artisti visivi e musicisti, tra cui Paki Zennaro, Giovanni De Zorzi, Z-Star, Samuel Githui, Victor Mutelekesha, Kiluanji Kia Henda, David Boato, Yutaka Takei, Giorgio Andreotta Calò, e istituzioni artistiche. 6 euro si sconsiglia l’utilizzo di scarpe aperte o sandali (we would advise the audience against wearing open shoes or sandals) 50 51 Lumen is a will-o’-the-wisp, both ephemeral and magical, that appears and disappears as it issues a nocturnal invitation to a communal ball and party. Its duration is marked by the burning of a large pyre, and its life sparks off the thrill of joining in a dance whose rhythm is the flickering of the flame, and whose temperature is its heat. Lumen inaugurates the opening of both an animist feast and the Festival. The Sferisterio is transformed into a place of ritual where fire draws out unpredictable geometric shapes and marks the length of a musical experience that approaches a state of possession and recalls memories of initiation. Luigi de Angelis’ anthropological and ethnomusicological research into shamanic music and trances is captured in a musical interlude featuring Emanuele Wiltsch Barberio. Here the natural force of the fire is a time signal and a formal and visual element created by artist Giorgio Andreotta Calò. Lumen brings together pieces from an archive of recordings, from trances in Haitian voodoo rites to Sioux war songs to the lonely voice of a Colombian shaman, cataloguing them and blurring the boundaries that are supposed to differentiate them from each other. It recognizes their shared bloodline and combines them with present-day musical divination, down to the contemporary dance floor experience. Are music and movement capable of possessing us? © Frances Densmore Luigi De Angelis (Brussels; Ravenna) is a director, set and graphic designer, filmmaker, light and sound designer, music assembler and performance artist. In 1992 he founds with Chiara Lagani the Fanny & Alexander company based in Ravenna. In 2012 he founds Cooperativa E, an artistic project and production platform, with some members of Fanny & Alexander and the companies Menoventi, gruppo nanou and ErosAntEros. Emanuele Wiltsch Barberio (Venezia) is a musician, multiinstrumentalist, vocalist and researcher active on the Italian and European scenes. He collaborates with visual artists and musicians, such as Paki Zennaro, Giovanni De Zorzi, Z-Star, Samuel Githui, Victor Mutelekesha, Kiluanji Kia Henda, David Boato, Yutaka Takei, Giorgio Andreotta Calò, and artistic institutions. 52 Con (with) Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Ideazione e live electronics (concept and live electronics) Luigi De Angelis, Emanuele Wiltsch Barberio Forme del fuoco (fire design) Nicola Fagnani, Giorgio Andreotta Calò Custodia del fuoco (fire watchers) Nicola Fagnani, Giovanni Cavalcoli Battito del cuore (heart beat) Sergio Policicchio (08/07), Chiara Lagani (10/07), Cristina Kristal Rizzo (12/07) Produzione (production) E production 53 LUMEN / DOPOFESTIVAL MOBILE L DOPOFESTIVA E IL MOB LUIGI DE ANGELIS E EMANUELE WILTSCH BARBERIO Sferisterio Via Faini 8 ven . fri 08/07 h 00.30 > 03.00 free Cava meeting point Via Trasversale Marecchia1411 mar . tue 12/07 h 00.30 > 02.00 free Lumen è un invito ad assaporare il demone del fuoco sotto alla pelle. Da rito iniziatico a dance floor senza soluzione di continuità. Una fiamma ne scandisce le temperature e il ritmo. The set is on fire! Lumen is an invitation to relish the demon of fire beneath the skin, from initiation rites to the dance floor, with no solution to be drawn from continuity. Its temperatures and rhythm follow the flames. The set is on fire! 54 55 I DETECTIVE SELVAGGI RICEVIMENTO progetto speciale Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 ingresso (entrance) Via Mazzini ven . fri 08/07 > sab . sat 16/07 h 18.00 (60 min) free Il ricevimento è l’atto di accogliere qualcuno o qualcosa, di celebrare insieme un evento o di incontrarsi per sapere, acquisire informazioni, riconoscersi e guardarsi. Ricevimento è uno spazio e un tempo, all’interno del Festival, per incontrare e conoscere I Detective Selvaggi, un gruppo di ragazze e ragazzi che hanno attraversato, durante Anno Solare, città, performance, festival e opere d’arte. Il viaggio, iniziato a Santarcangelo con la somma di denaro raccolta dal progetto del Fondo Speculativo di Provvidenza, li restituisce infine al luogo di partenza, profondamente trasformati dopo un tempo denso di accadimenti, incontri e creazioni visionarie, un tempo vissuto all’avventura. I dubbi e le domande sono stati altrettanti inizi, pretesti per cominciare, eliche che hanno aiutato il percorso, la ricerca, il processo di continua intermittenza di idee ed esperienza. I Detective sono partiti esponendosi al nuovo e all’estraneo e, adesso che hanno fatto ritorno, sono pronti ad accogliere il pubblico e condividere le proprie esperienze, a inventare forme per raccontare l’irraccontabile, restituendo uno spaccato sottile e appassionato di ciò che hanno vissuto. «La nostra sorte è stata di mettere in pausa la vita quotidiana e intraprenderne “un’altra” fatta solo di momenti utili al nostro interesse. Come se si potesse sottrarre da se stessi gli organi compromessi dall’abitudine. Viaggiamo con i cervelli che scoppiano e rubiamo! Ogni visione è un ingrediente del pensiero riconducibile a un’idea artistica, non importa se di valore o meno, se retorica o magari originale. Siamo un processo, una continua intermittenza di nuove idee, siamo sottoposti a un avvenimento che è la ricerca. Ci sono i dubbi aperti che diventano ottimi pretesti da cui cominciare, seguiamo i binari di una sopraelevata che ci sposta fuori; qualcuno disegna, qualcuno trascrive i sogni e qualcun altro legge o perde gli occhi nel finestrino. Spesso non siamo a fuoco su quello che vediamo, ma cogliamo altre cose, altri perché, altre conclusioni e altre confusioni, valorizziamo un confronto e uno stupore; il contesto diventa apripista per parlare di tutto, permettersi di essere egoisti nel lasciarsi fluire, raccogliere quello che, anche per caso, in modo selvaggio rimane impigliato nei rami della nostra mente.» Clara, Ivan, Luca, Monica, Nicole 56 57 The reception is the act of welcoming someone or something, celebrating an event together, or meeting someone in order to get to know, acquire information about, recognize and see each other. Ricevimento (Reception) is a space and time in the Festival to meet and get to know the I Detective selvaggi, a group of young people who worked their way into the city, the performances, the festivals and the works of art during Anno Solare. The journey, which started at Santarcangelo, thanks to funds raised by the Fondo Speculativo di Provvidenza project, will finally bring them back to their starting point, profoundly changed after a period heavy with occurrences, encounters and visionary creations, a time of adventures deeply lived. The doubts and questions they raised amount to so many beginnings, excuses for starting, helixes that helped them along their journey, their study, the process of constant coming and going of ideas and experience. I Detective are parties who expose themselves to the new and the alien, and now that they have come back they are ready to welcome the public and share their experiences, inventing forms so they can tell the untellable, and imbuing what they have seen with a subtle, passionate cut-out. «It has been our luck to put everyday life on hold and start out on “another one” made up solely of moments that serve our interests. As if we could extract organs from ourselves that have been compromised by habit. We travel with brains that explode and we steal! Everything we see is a thought ingredient that can be traced back to an artistic idea, no matter if it’s valuable or not, rhetorical or even original. We are a process, a constant coming and going of new ideas; and we are subjected to an event – looking into things. There are points where open doubts become optimal pretexts from which we can start and follow the rails of an overhead railway that takes us away; someone is drawing, someone is writing down the dreams, someone else is reading or losing their sight in the side window. Often we aren’t fired up with what we see, but we pick up other things, other whys, other conclusions and confusions, and we value comparisons and wonderment; context becomes the cue for talking about everything, for allowing ourselves to be egotistical in letting ourselves go, and for picking something up that even by chance remains wildly tangled in the branches of our mind.» Clara, Ivan, Luca, Monica, Nicole 58 A cura di (curated by) Eva Geatti Con (with) Nicole Farina, Clara Julia Pagliero, Ivan Petrovic Poljiak, Monica Scaloni, Luca Tosi Ideato e organizzato da (concept and organization) Santarcangelo dei Teatri Realizzato con il contributo del (made possible by the contribution of) Fondo Speculativo di Provvidenza Grazie a (thanks to) Ateliersi 59 DEWEY DELL E MASSIMO PUPILLO PRIMA TRASMISSIONE VERTICALE prima assoluta Spazio SAIGI Via IV Novembre - angolo Via Verdi mer . wed 13/07 h 21.00 > 00.00 6 euro Prima trasmissione verticale è una cascata di suoni e movimenti da cui emergono di tanto in tanto immagini sfocate, macchie improvvise di volti umani, sagome animali e aloni di luce. Con un lavoro intermittente, Dewey Dell con Massimo Pupillo aprono al pubblico una ricerca collettiva a caduta libera, una sorta di escrescenza del materiale musicale e performativo che la giovane compagnia sta costruendo per la sua prossima creazione coreografica. Ai Dewey Dell, già presenti a Santarcangelo nel 2014, si aggiunge la presenza di Massimo Pupillo, co-fondatore del gruppo strumentale sperimentale Zu, a sottolineare un’incidenza del dato musicale, già strutturale nelle creazioni di Dewey Dell, che in Prima trasmissione verticale è tra gli elementi di elaborazione del nuovo progetto, in debutto nel 2017. Come una membrana, lo Spazio SAIGI abitato dallo spettacolo è un luogo che può essere attraversato, il pubblico è invitato a entrare e uscire liberamente durante la performance e il tempo di visione si sfalda, perdendo ogni puntualità, un inizio e una fine definiti. Dewey Dell (Cesena) è una compagnia di danza formatasi nel 2007, dall’unione di Agata, Demetrio, Teodora Castellucci ed Eugenio Resta. Tra i lavori recenti, Cinquanta Urlanti Quaranta Ruggenti Sessanta Stridenti (2010), Grave (2011-12), Marzo (2013, in collaborazione con il fumettista e artista visivo Yuichi Yokoyama e il direttore teatrale Kuro Tanino) e diverse forme di live concert e musica elettronica. Dal 2013 è nel circuito APAP Advancing Performing Arts Project. Massimo Pupillo (Roma) è un bassista, compositore, improvvisatore. Nel 1997 fonda il gruppo Zu, con cui ha prodotto quindici album con diverse etichette internazionali, tra cui Ipecac Recordings, Atavistic, Red Note, Amanita e Frenetic. Ha suonato in oltre duemila concerti, in contesti differenti, come festival di musica contemporanea e performance teatrali. 60 61 Prima trasmissione verticale is a cascade of sound and movement out of which blurry images, improvised patches of human faces, animal shapes, and haloes of light emerge from time to time. In a performance that starts and stops, goes back and forth, Dewey Dell, working with Massimo Pupillo, presents a sort of collective investigation in freefall, an outgrowth of musical and performance material that the young company assembles for its next choreographic creation. Dewell Dell, who performed at Santarcangelo in 2014, are joined this year by Massimo Pupillo, co-founder of the experimental instrumental group Zu, to highlight a feature in the musical core that was already central in Dewey Dell’s works and that is one of the driving elements in Prima trasmissione verticale, which will be presented in 2017. The Spazio SAIGI, where this performance is taking place, is like a sort of membrane, an open space to be crossed, which the public is welcome to enter and leave freely during the performance, and in which the idea of time crumbles away, as all timetable details, such as a well-defined beginning and end, simply vanish. © Giulio Callegharo Dewey Dell (Cesena) is a dance company that was formed in Cesena in 2007 by Agata, Demetrio, Teodora Castellucci and Eugenio Resta. Their recenti works include Cinquanta Urlanti Quaranta Ruggenti Sessanta Stridenti (2010), Grave (2011-12), and Marzo (2013, in collaboration with cartoonist and visual artist Yuichi Yokoyama and theatre director Kuro Tanino), as well as live concerts and electronic music. From 2013 Dewey Dell has been on the APAP (Advancing Performing Arts Project) circuit. Massimo Pupillo (Roma) is a bass player, composer and improviser. In 1997 he founded the three-man group Zu and since then has produced fifteen albums on various labels such as Ipecac Recordings, Atavistic, Red Note, Amanita and Frenetic. He has played over two thousand concerts of various types, from contemporary music festivals to theatre performances. 62 63 DOM– L’UOMO CHE CAMMINA progetto speciale Stazione ferroviaria di Santarcangelo di R. Piazzale Esperanto sab . sat 09/07 mer . wed 13/07 gio . thu 14/07 ven . fri 15/07 sab . sat 16/07 h 17.30 (240 min) Stazione ferroviaria di Rimini Piazzale Battisti pensilina degli autobus (bus stop) dom . sun 10/07 dom . sun 17/07 h 17.30 (240 min) Un uomo chiede silenziosamente di seguirlo nel suo cammino attraverso un ininterrotto piano sequenza: il vagone di un treno, la densità dei luoghi storici nel centro abitato, zone del vissuto quotidiano, periferie, interstizi sconnessi, la placida quiete del fiume e le dune sabbiose. Come ombre, gli spettatori lo scortano nel suo percorso dentro e fuori la città, mentre il paesaggio urbano, con l’incedere del passo, si trasforma e si apre allo sguardo. L’uomo che cammina si addentra nelle periferie, in luoghi liminali e in aree dimenticate ai bordi di itinerari conosciuti. I suoi passi permettono di cogliere brevi frammenti, di scoprire, con un percorso individuale e collettivo, l’eterogeneità di ciò che normalmente viene ignorato. Attraverso la sua figura umbratile e sfuggente, in un gioco di apparizioni e depistaggi narrativi, gli spazi in genere non percorsi si disvelano e i luoghi di tutti i giorni acquistano sfumature paradossali, l’ambiente si trasfigura e i confini tra realtà e rappresentazione si assottigliano fino alla vertigine. A partire dall’omonima graphic novel di Jiro Taniguchi, DOMcostruisce con L’uomo che cammina una drammaturgia di spazio urbano e terzo paesaggio di cui fare scoperta e pratica attraverso l’atto del camminare. DOM- (Terni) è un progetto artistico fondato nel 2014 da Leonardo Delogu e Valerio Sirna. Indaga la relazione tra corpo e paesaggio, creando progetti relazionali ed esperienziali e facilitando processi di autorganizzazione di pratiche di abitazione, che si traducono in eventi performativi, seminari, scritti, installazioni, reportage fotografici, interventi di street art, camminate. La regia di L’uomo che cammina è realizzata in collaborazione con la danzatrice francese Hélène Gautier. 13 euro ITA - ENG lo spettacolo prevede una camminata di oltre tre ore. Si raccomanda al pubblico di indossare un abbigliamento adeguato e si sconsiglia l’utilizzo di scarpe aperte o sandali (the performance includes a walk of over three hours. We would recommend that members of the public wear suitable clothing and would advise against them wearing open shoes or sandals) 64 65 A man asks us silently to follow him on his way through an uninterrupted long take: a train wagon, the density of historic sites in a city centre, everyday neighbourhoods, the suburbs, disconnected interstices, the gentle stillness of the river, the sandy dunes. Like shadows, the audience accompanies him as he wanders around, inside and outside the city, while with each step the urban landscape is transformed, opening itself to their gaze. L’uomo che cammina (The walking man) goes into the suburbs, the borderline neglected areas that line familiar routes. The steps he takes enable him to gather brief fragments and discover through his individual yet also group path the variety of what is normally ignored. In a game of apparitions and narrative tangents, the spaces not generally walked through unveil themselves through his shadowy, fleeting figure, and everyday places take on paradoxical nuances. The environment transforms and the borders between reality and representation become so fine as to induce dizzy spells. Based on Jiro Taniguchi’s one-shot manga novel of the same title, DOM’s L’uomo che cammina constructs a dramatization of urban space and the third landscape to be discovered and experienced through the simple act of walking. © Francesca Mautone DOM- (Terni), founded in 2014 by Leonardo Delogu and Valerio Sirna, is an artistic project that studies the relation between body and landscape, creating relational and experiential projects and facilitating self-organized housing practices that they translate into performative events, photo reportages, works of street art, walks. The direction of L’uomo che cammina is made in collaboration with the French dancer Hélène Gautier. Un progetto di (a project by) DOMDrammaturgia degli spazi (spaces research and dramaturgy) Leonardo Delogu, Valerio Sirna, Hélène Gautier, Mael Veisse Regia (directed by) Leonardo Delogu, Valerio Sirna Con (with) Maurizio Lupinelli E (and) Leonardo Delogu, Valerio Sirna, Hélène Gautier, Maël Veisse, Giulia Mereghetti Organizzazione (organization) Giulia Mereghetti Produzione (production) Terni Festival/Teatro Stabile dell’Umbria Foto (pictures by) Luna Cesari, Francesca Mautone, Marco Zuccaccia Liberamente ispirato a (freely inspired by) Jiro Taniguchi, L’uomo che cammina Grazie a (thanks to) Alessia Delprete, Camilla Fabbrizioli, Guido Guidi, Martina Merico, Ludovica Parmeggiani, Enzo Pastore, Giampiero Piscaglia, Stefania Rossi 66 67 DOM– PROGETTO DI RIQUALIFICAZIONE DEL PARCO DEI CAPPUCCINI DOM– PARCO DEI CAPPUCCINI RESTORATION PROJECT Dopo King, progetto artistico diretto da Leonardo Delogu nel 2013, nell’area della ex-cava d’argilla del Parco dei Cappuccini appaiono dei sentieri, tracce del movimento degli attori durante i giorni di spettacolo. Nasce così l’immagine di un giardino potenziale, di un luogo dove transitare e sostare, in forte relazione con il processo spontaneo di sviluppo della vegetazione presente, «un luogo di silenzio che non serve a niente se non ad esistere». DOM- ha inseguito questa visione per tre anni e in collaborazione con il Festival e il Comune di Santarcangelo ha invitato nel Parco dei Cappuccini, per una serie di incontri finalizzati alla progettazione partecipata di questo giardino potenziale, i cittadini di Santarcangelo, pensatori e giardinieri come Gilles Clément, e attivisti-paesaggisti tra i quali i francesi Coloco. In questo tempo, DOM- ha osservato il movimento delle piante, ha preso nota, fatto piccoli interventi di giardinaggio: Maël Veisse ha realizzato qui alcuni interventi architettonici che invitano alla sospensione, allo sguardo dall’alto, mentre gli stretti viali tra l’erba alta suggeriscono un’immersione. Ora il giardino è pronto per essere vissuto. After King, the artistic project directed by Leonardo Delogu in 2013, paths appeared in the area of the former clay quarries in the Parco dei Cappuccini, tracks left by artists moving around during the days when shows were being staged. And thus was born the image of a potential garden, a place to walk across and rest in, one closely linked to the spontaneous process of the growth of the plants present: «a place of silence that serves no purpose if not simply to exist». DOM- followed this vision for three years and, working in collaboration with the Santarcangelo Festival and the Municipality, invited the people of the city, thinkers and gardeners like Gilles Clément, and landscape activists including the French collective Coloco, to a series of meetings aimed at creating a participatory plan for this potential garden. During this time, DOM- kept a watchful eye on and noted down the movement of the plants, and did some minor gardening work. Maël Veisse took a few architectural steps that invite hanging, looking down from above, while the narrow paths between the lawns suggest immersion. The garden is ready now to be experienced. Project completed for the Municipality of Santarcangelo di Romagna Progetto realizzato per il Comune di Santarcangelo di Romagna 68 69 RICCARDO FAZI /MUTA IMAGO ANTOLOGIA DI S. co-produzione Ristorante Zaghini Piazza Gramsci 14 Lavatoio Via Ruggeri 1 lun . mon 11/07 Antologia di S. #1 h 19.00 (15 min) dom . sun 17/07 h 19.30 (45 min) mar . tue 12/07 Antologia di S. #2 h 19.00 (15 min) mer . wed 13/07 Antologia di S. #3 h 19.00 (15 min) gio . thu 14/07 Antologia di S. #4 h 19.00 (15 min) ven . fri 15/07 Antologia di S. #5 h 19.00 (15 min) 2 euro ITA 70 4 euro ITA Nel 1993 Riccardo Fazi trascorre una settimana di vacanza a Rimini con i suoi genitori. Conosce qui una ragazza, quattordicenne come lui, che la sera prima della sua partenza lo saluta regalandogli una musicassetta, colonna sonora di quell’estate, con un messaggio: «Ciao Roma! Ci vediamo a Santarcangelo!». Il ritrovamento, ventidue anni dopo, di questo oggetto e del ricordo che contiene innesca una ricerca di cui Antologia di S. è il racconto: un archivio di musicassette, l’inventario sonoro di un luogo e dei suoi abitanti che entrano in relazione con la storia della ricerca di una donna. Fazi attraversa un paese, attivando con i suoi abitanti un gioco inconsapevole, in constante bilico tra realtà e finzione, tra racconto personale e racconto collettivo, ponendo domande sul futuro, sulle scelte, sul modo in cui tempo, spazio e sogni si spostano nell’arco di una vita. Presentato a Santarcangelo nel 2015 come installazione visiva e sonora, un archivio di cinquecento minuti di registrazioni, Antologia di S. è oggi un radiodramma in cinque puntate da quindici minuti ciascuna, rielaborato da Riccardo Fazi nel gennaio 2016 per il programma Tre Soldi di Radio Tre. Il lavoro viene scelto dalla Rai per partecipare al Prix Italia e al Prix Europa come miglior radiodramma italiano, in una versione ridotta di quarantacinque minuti. A Santarcangelo, presso il Ristorante Zaghini, Fazi presenta le cinque puntate andate in onda su Radio Tre e, in anteprima al Lavatoio, la versione dell’opera in concorso. Muta Imago (Roma; Brussels) è una compagnia teatrale e un progetto di ricerca artistica nato nel 2006, guidata da Claudia Sorace, regista, e Riccardo Fazi, drammaturgo e sound designer. Realizza spettacoli, performance, installazioni a partire dalla ricerca di forme e storie che mettono in relazione la sfera dell’immaginazione con quella della realtà presente, umana, politica e sociale, entro lo spazio del rapporto e del conflitto tra l’essere umano e il suo tempo. Gli spettacoli Hyperion (2015), Pictures from Gihan (2013), i progetti Art You Lost? (2013-2014) e Antologia di S. (2015) sono gli ultimi lavori prodotti. 71 In 1993, when he was fourteen, Riccardo Fazi spent a week at Rimini on holiday with his parents. He met a girl there who was also fourteen, and on the evening before he left she came to say goodbye, handing him a cassette tape with that summer’s soundtrack on it, and a vocal message that said, «Ciao Roma. We’ll see you at Santarcangelo!». Twenty-two years later, he found the tape again. It brought back the memories and set him off on a search whose story is told in Antologia di S.: an archive of cassette tapes, the collection of sounds associated with a place and the local people, who form part of a story that goes in search of a woman. Fazi wanders around the town, getting the locals involved in an unwitting game that is constantly poised between fiction and reality, between two tales, the personal and the collective, raising questions about the future, about choices, about the way space, time and dreams move about within a single lifespan. Antologia di S. was shown at Santarcangelo in 2015 as an audio-visual installation, an archive of five hundred minutes of recordings. In January 2016 Fazi turned it into a radio play for Tre Soldi, the Radio Tre programme, reworking it into five fifteenminute episodes. The show, edited into a fortyfive-minute version, was selected by Rai as an entry for the Prix Italia and Prix Europa as Italy’s best radio play. At Santarcangelo, Fazi presents the fiveepisode version that was broadcast on Radio Tre at the Ristorante Zaghini, and the competition version (this is its premiere) at the Lavatoio. Muta Imago (Roma; Brussels) is a theatre company and an artistic research project born in 2006. The company is led by Claudia Sorace, director, and Riccardo Fazi, dramaturg and sound designer. It is constantly looking for shapes and stories that put in relationship the sphere of imagination with that of the present reality, human, social and political. It creates shows, performances, installations, where space is that of relationship and conflict between human being and its time. The shows Hyperion (2015), Pictures from Gihan (2013) and the projects Art You lost? (2013-2014) and Antologia di S. (2015) are the last works produced. Ideazione (concept) Riccardo Fazi, Claudia Sorace Realizzazione (staging) Riccardo Fazi Produzione (production) Muta Imago, Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza, Tre Soldi - Rai Radio3 Un ringraziamento particolare a tutti gli abitanti di Santarcangelo che hanno donato un pezzo della loro storia per cercare di trovare S. A special thanks to all inhabitants of Santarcangelo, who donate a piece of their stories to search for S. grazie a 72 73 NICOLA GALLI MARS (SITE-SPECIFIC) progetto speciale Grotta Municipale Via Ruggeri ven . fri 08/07 h 17.30 > 20.30 sab . sat 09/07 dom . sun 10/07 h 18.00 > 21.00 6 euro Marte è il quarto pianeta per distanza dal Sole e il più simile alla Terra, con un’inclinazione dell’asse di rotazione e una durata del giorno analoghi a quelli terrestri. Valli, vulcani e deserti che compongono la sua superficie restituiscono una morfologia simile a quella del nostro pianeta. Le stagioni si alternano in cicli regolari e la presenza di un’atmosfera e di acqua allo stato solido fanno immaginare, un giorno, una vita umana possibile sul pianeta rosso. Il mito della vita su Marte in un futuro prossimo ha costellato le ricerche visionarie degli uomini di molte epoche. Da questo potenziale e da queste forme aliene eppure familiari, prende forma Mars di Nicola Galli, presentato a Santarcangelo in una versione pensata appositamente per la Grotta Municipale. Preparazione al terzo episodio di una ricerca coreografica dedicata al sistema planetario, Mars (site-specific) è una riflessione sulla rappresentazione del corpo in relazione al pianeta Terra e la possibilità di evadere il canone dell’uomo vitruviano a partire da nuovi punti di riferimento planetari. Se il quadrato è la geometria che ha stabilito la misura antropometrica, il cerchio, la più semplice delle curve, senza principio né fine, disegna una nuova proporzione dell’uomo. Nicola Galli compone un sistema di segni e una grammatica gestuale necessari alla creazione di paesaggi e corpi sconosciuti, siderali, marziani. Nicola Galli (Ferrara) intraprende il proprio percorso personale dal 2010, attraverso la coreografia, la performance, l’installazione, l’ideazione grafico-visiva e sviluppando il progetto MDV - Metamorfosi del vuoto, un’indagine progressiva sulle forme pure e sulle nozioni di stratificazione e paesaggio. Dal 2014 Nicola Galli è sostenuto da TIR Danza. 74 75 Mars is the fourth farthest planet from the Sun and the one most similar to Earth, with an axial tilt and length of day much the same as those on Earth. The valleys, volcanoes and deserts that make up its surface have a morphology that resembles that of our planet. The seasons alternate in regular cycles and the presence of an atmosphere and solid-state water leads one to imagine that one day human life may be possible on the red planet. The myth of life on Mars in the near future has studded the visionary studies of people in many ages. Nicola Galli’s Mars takes its form from this potential and these alien yet familiar forms. It is presented here at Santarcangelo in a version specially devised for the Grotta Municipale (the city grottoes). Mars (site-specific), the preparatory work for a third episode of a choreographic study into the planetary system, embodies reflection on the representation of the body in relation to Planet Earth and the possibility of escaping the canon of Vitruvian man by means of new planetary reference points. If the square is the geometric form that has established anthropometric measuring, the circle, the simplest of all curves, with no beginning and no end, depicts a new dimension of humankind. Nicola Galli here constructs a system of signs and a grammar of gestures that are necessary to the creation of different landscapes and bodies – unknown, immense, Martian. Nicola Galli (Ferrara) starts his own personal research in 2010, going from choreography to performance and from art installations to graphicvisual creations. He develops MDV - Metamorfosi del vuoto, a progressive investigation on pure forms and on the notions of stratification and landscape. Since 2014 he’s supported by TIR Danza. 76 © Andrea Settanni Concept, coreografia e azione (concept, choreography and action) Nicola Galli Costumi (costumes) Elena Massari Produzione (production) stereopsis/TIR Danza In collaborazione con (in collaboration with) Festival Aperto/Fondazione I Teatri di Reggio Emilia Residenze artistiche (artistic residencies) Kilowatt Festival, AMAT & Civitanova Danza nell’ambito di Civitanova Casa della Danza, C.L.A.P.Spettacolo dal vivo Circuito Lombardia Arti Pluridisciplinari Spettacolo dal vivo Il progetto è stato realizzato con il contributo di (project realized with the support of) ResiDance XL - luoghi e progetti di residenza per creazioni coreografiche, azione della Rete Anticorpi XL - Network Giovane Danza d’Autore coordinata da L’arboreto Teatro Dimora di Mondaino Con il contributo del (supported by) Fondo per la Danza d’Autore/Regione EmiliaRomagna 2015-2016 Mars debutterà il 28 ottobre 2016 al Festival Aperto di Reggio Emilia (Mars will debut on October 28, 2016 at Festival Aperto, Reggio Emilia) 77 VOLDEMARS JOHANSONS THIRST prima nazionale Paglierani Via Emilia 1938 ven . fri 08/07 h 18.00 > 00.00 sab . sat 09/07 dom . sun 10/07 h 10.00 > 12.30 h 18.00 > 00.00 lun . mon 11/07 > mer . wed 13/07 h 18.00 > 22.00 Thirst permette di entrare in un paesaggio di acqua agitata, vento, pioggia, rumore: un feroce nubifragio che accende l’oceano. Thirst permette di compiere l’azione impossibile in circostanze naturali, in cui la paura prenderebbe il sopravvento sulla meraviglia, di osservare e ascoltare il volto e la voce di un fenomeno naturale affascinante e spaventevole. Johansons ha ripreso il paesaggio dell’Oceano Atlantico nei pressi dell’arcipelago delle Isole Faroe, documentando, in un’unica ripresa e senza interventi di montaggio, un violento temporale. Il punto di vista della camera, posizionata sulle rocce della costa, coincide con lo sguardo di un ipotetico osservatore. Il pubblico, libero di muoversi attorno al grande schermo, negli spazi di Paglierani, può avvicinarsi all’esperienza della costa oceanica e immergervisi con lo sguardo e l’ascolto. Voldemārs Johansons (Rīga) lavora con il suono e attraverso forme compositive e installative. Il suo lavoro esplora la percezione e la realtà da un punto di vista visivo e auditivo, attraverso l’esperienza fisica, spaziale e naturale. I suoi interessi di ricerca affrontano la combinazione tra il mondo naturale e le informazioni acustiche e spaziali, creando ambienti sonori e sculture, ed esaminando le articolazioni morfologiche delle sfere acustica, visiva e spaziale. gio . thu 14/07 h 18.00 > 23.00 ven . fri 15/07 sab . sat 16/07 h 10.00 > 12.30 h 18.00 > 00.00 dom . sun 17/07 h 10.00 > 12.30 h 18.00 > 23.00 3 euro * * biglietto giornaliero spazio Paglierani (daily ticket Paglierani venue) 78 79 Thirst invites the viewer to enter a marine landscape of troubled waters, wind, rain and noise, a fierce rainstorm that fires up the ocean. Thirst makes it possible to observe and listen to the face and voice of a fascinating, frightening natural phenomenon, an action that in natural circumstances would be impossible, as fear would overcome wonder. Johansons captured this Atlantic landscape in the Faroe Islands as a single-shot uncut take of a violent storm. It was shot from a position on the rock of the coast so that the viewpoint would coincide with that of a hypothetical observer. The audience are free to move around the big screen installed in the Paglierani spaces, and thus come close to a real ocean coastline experience, immersing themselves in it both auditorially and visually. Voldemārs Johansons (Rīga) works with sound in the forms of composition and installation. His work explores perception and reality in visible and audible domains, physicality, spatiality and the nature of experience. His research interests address organic combination of acoustic information and spatial forms in creation of sonic environments and sculptures, examining the joint morphology of acoustic, visual and spatial domains. Produzione (production) Voldemārs Johansons, New Theatre Institute of Latvia Presentato a (premiered in) HOMO NOVUS Festival (Rīga, 2015) 80 81 KINKALERI BUTTERFLY Sferisterio Via Faini 8 mar . tue 12/07 h 21.30 (50 min) 6 euro / 2 euro ITA - ENG ATTRAVERSO LO SPECCHIO A Nagasaki, all’inizio del XX secolo, l’ufficiale Pinkerton, uno yankee americano che crede di poter possedere tutto, e la giovanissima geisha Ciò Ciò San, Madama Butterfly, convolano a nozze, lui per gioco, lei per amore. «Dicono che in America ogni volta che un uomo cattura una farfalla la trafigge con uno spillo, per mostrarla nella sua collezione». Butterfly è la storia di un abbandono, di una lunga attesa, di un amore fiducioso e struggente. Il racconto malinconico e dolce, ambientato in un Estremo Oriente esotico e incantevole, già narrato dalla celebre opera di Giacomo Puccini, viene riproposta da Kinkaleri in una messa in scena destinata al pubblico dei più giovani. L’amore puro di Butterfly, l’immediatezza del suo sentimento e la sua tragica fine sono la traccia portante su cui si sviluppano musica, segni, colori, su una scena in cui convivono bidimensionalità illusionistica e tridimensionalità stilizzata, canto e danza, opera e recitazione, in una riscrittura originale dell’opera. Butterfly è portata in scena da due artisti soltanto, che si servono di pochissimi oggetti scenici – nastro adesivo, proiettore e ombre – per restituire un’opera completa e aperta al coinvolgimento dei bambini. Kinkaleri (Prato) è un collettivo nato nel 1995 dall’unione di sei componenti e delle loro esperienze precedenti. L’interdisciplinarietà impasta i molteplici linguaggi possibili sul palco, in un lavoro di ricerca sperimentale e innovativo. Producono spettacoli, performance, installazioni, produzioni video, sonorizzazioni, allestimenti, pubblicazioni destinate a essere ospitate da spazi di diversa natura. 82 83 At the beginning of the 20th century, Pinkerton, a US naval officer in Nagasaki who thinks he can own everything, and Ciocio-san (Madame Butterfly), a young geisha, get married by night, he for fun, she for love. «In America they say that every time a man catches a butterfly he sticks a pin through it so he can put it on display in his collection». Butterfly is the story of abandonment, a long wait, of love trustful and destructive. This sad, sweet story, set in an exotic, enchanting Far East, has already been told by Giacomo Puccini in his famous opera, and is now being restaged by Kinkaleri in a production aimed at an audience of the very young. Butterfly’s pure love, the immediacy of her feelings, and her tragic death, these are the load-bearing thread along which music, signs, and colors develop on a stage where twodimensional illusions and three-dimensional stylization coexist in song and dance, opera and recital. Butterfly is performed by two actors alone, who use very few props – adhesive tape, a projector, shadows – to bring life to a complete opera, one at the same time open to the involvement of children. Kinkaleri (Prato) is a group born in 1995 from the partnership of six members with their own previous experience. The interdisciplinarity kneads multiple languages on stage into a work of experimental and innovative research. They create shows, performances, installations, video productions, soundtracks, set-up, publications that can be hosted in spaces of different nature. Progetto e realizzazione (project and realization) Kinkaleri Con (with) Yanmei Yang, Marco Mazzoni Produzione (production) Kinkaleri In collaborazione con (in collaboration with) Teatro Metastasio Stabile della Toscana/FTS Fondazione Toscana Spettacolo Con il sostegno di (supported by) Mibact - Dipartimento dello Spettacolo, Regione Toscana 84 85 AMIR REZA KOOHESTANI /MEHR THEATRE GROUP HEARING ITSE Molari Via Orsini 19 ven . fri 15/07 h 21.30 (70 min) + after talk sab . sat 16/07 h 21.00 (70 min) 13 euro FARSI - ENG - ITA Nel dormitorio femminile di un’università iraniana, viene udita la voce di un uomo. Una studentessa ha introdotto un uomo nell’edificio? Il punto di partenza di Hearing, il nuovo lavoro di Amir Reza Koohestani, è un avvenimento proibito in un contesto sociale, politico e religioso specifico. A Santarcangelo nel 2005 con Amid the Clouds e nel 2015 con Timeloss, il regista di Tehran e la compagnia Mehr Theatre Group, ci trascinano, con Hearing, nella vertigine di rumori e insinuazioni, di voci e immagini in cui frammenti di testo e video scorrono l’uno sull’altro fino a confondere il margine tra fatto reale e dato immaginato. Se nelle produzioni precedenti l’assenza della capacità di agire e reagire si sostanziava nella separazione tra le figure in scena, in Hearing è la presenza di una minaccia invisibile a costruire una narrazione in cui le donne, al centro della storia, tentano di sovvertire condizioni sociali gravose, fallendo perché afflitte da un sistema che le opprime. Lo spettro di una società di controllo infesta lo spazio e la verità appare come qualcosa di imposto e imperscrutabile. Saremo capaci di ascoltare? Amir Reza Koohestani (Tehran) è un regista iraniano. Con Dance on Glasses (2001), in tour per quattro anni, raggiunge notorietà internazionale. I suoi spettacoli, tra cui Recent Experience (2003), Amid the Clouds (2005), Dry Blood & Flesh Vegetables (2007) e Quartet: A Journey North (2008), vengono presentati in tutta Europa. Timeloss (2013, basato sul precedente Dance on Glasses) viene presentato in Europa, New York e Los Angeles. Mehr Theatre Group (Tehran) viene fondato nel 1996, con l’obiettivo di creare un nuovo tipo di teatro, lontano dalla tradizione teatrale iraniana e basato su un nuovo modo di fare regia e recitazione, influenzato dal cinema. 86 87 In a female students’ dormitory of a University in Iran, a man’s voice is heard. Did a student introduce a man in the building? This forbidden act in a specific social, political and religious context serves as the starting point of Hearing, the latest work by Tehran director Amir Reza Koohestani. Working with the Mehr Theatre Group, Koohestani presented Amid the Clouds at Santarcangelo in 2005, and Timeloss in 2015. With Hearing they drag us into a whirlwind of noises and insinuations, voices and images, in which fragments of texts and videos pile up on top of each other to the point where the border between real facts and imaginary data becomes blurred and confused. While in their previous productions the inability to act or react was made concrete in the separation between the bodies on stage, in Hearing it is the presence of an invisible threat that drives the plot, in which women at the centre of the story seek to subvert demanding social conditions, but fail to do so, as they are so tormented by an oppressive system. The spectre of a controlling society infests the space, and truth appears as something imposed and inscrutable. Can we be able to hear this? Amir Reza Koohestani (Tehran) is an Iranian director. With Dance on Glasses (2001), in tour for four years, he gained international notoriety. Among his plays, Recent Experience (2003), Amid the Clouds (2005), Dry Blood & Flesh Vegetables (2007) and Quartet: A Journey North (2008) were staged around Europe. Timeloss (2013, based on his previous play Dance on Glasses), staged across Europe, in New York and Los Angeles. Mehr Theatre Group (Tehran) was created in 1996. The aim was to create a new type of theatre — far from the traditional Iranian theater — based on new stage direction and a new acting style influenced by film. © Amir Hossein Shojaei Testo e regia (text and direction) Amir Reza Koohestani Assistente alla regia (assistant director) Mohammad Reza Hosseinzadeh Con (with) Mona Ahmadi, Ainaz Azarhoush, Elham Korda, Mahin Sadri Video Ali Shirkhodaei Musica (music) Ankido Darash, Kasraa Paashaaie Suono (sound) Ankido Darash Progettazione luci (light design) Saba Kasmaei Scenografia (stage design) Amir Reza Koohestani Assistente scenografo (stage design assistant) Golnaz Bashiri Costumi e oggetti scenici (costumes and props) Negar Nemati Secondo assistente (second assistant) Mohammad Khaksari Direzione artistica (stage manager) Mohammad Reza Najafi Assistente ai costumi (costumes assistant) Negar Bagheri Traduzione italiana (Italian translation) Laura Bevione Produzione (production) Mehr Theatre Group Co-produzione (co-production) La Bâtie - Festival de Genève, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt am Main, BOZAR - Centre for Fine Arts Brussels Manager di produzione (production managers) Mohammad Reza Hosseinzadeh, Pierre Reis Manager della compagnia e del tour (company and tour manager) Pierre Reis Hearing è stato scritto durante una residenza presso l’Akademie Schloss Solitude (ottobre 2014 – marzo 2015) a Stuttgart, Germania. Hearing was written during a residency at the Akademie Schloss Solitude (October 2014 – March 2015) in Stuttgart, Germany. 88 Lo spettacolo è presentato in Italia in collaborazione con il Festival delle Colline Torinesi. The show has been presented in Italy in collaboration with Festival delle Colline Torinesi. 89 ENRICO MALATESTA NO ISLAND BUT OTHER CONNECTIONS MET Via Montevecchi 41 sab . sat 09/07 First connection h 16.00 (90 min) * Second connection h 18.00 (90 min) * dom . sun 10/07 Third connection h 16.00 (90 min) * Fourth connection h 18.00 (90 min) * sab . sat 16/07 No Island but Other Connections h 18.30 > 20.30 6 euro * prenotazione consigliata (reservation is reccomended) 90 No Island but Other Connections è un progetto di ricerca di Enrico Malatesta che a Santarcangelo si realizza nella configurazione spaziale del MET - Museo degli Usi e Costumi della Gente di Romagna. Il suono, presentato come evento multiplo e partecipativo, diviene lo strumento con cui realizzare dispositivi evoluti di ascolto, pratica spaziale e interazione sociale. Distinto in due momenti, No Island but Other Connections prevede una forma laboratoriale di partecipazione durante la quale l’atto del percuotere, l’attesa e la presa di distanza tra corpo e impulso sonoro sono i rudimenti allo studio. Questi ultimi forniscono la possibilità di approfondire il comportamento sonico di ciò che è attorno e si muove tra architettura, spazio strumentale e spazio soggettivo. L’esperienza dell’ascolto si sviluppa, quindi, attraverso i laboratori, performance informali e un momento esclusivamente performativo. Ciascuna parte del progetto è legata all’intento di potenziare l’ascolto attivo, aperto alla relazione tra lo spazio, i suoni e la vitalità dei materiali. In questa compagine, il corpo umano, primo degli strumenti percipienti, è attraversato da una serie di impulsi sonori, producendo ritmicità intesa come configurazione degli eventi che lo circondano. L’ascolto può potenziare la capacità percettiva di ciò che agisce al di fuori del soggetto e produrre possibilità per un futuro aperto. Sabato 16 luglio, la performance di Enrico Malatesta, con la partecipazione di Giovanni Lami, ha la durata di due ore senza interruzioni, durante le quali il pubblico è invitato a entrare, uscire e attraversare liberamente gli spazi del MET. Enrico Malatesta (Cesena) è un percussionista attivo nel campo della ricerca sperimentale, tra musica, intervento sonoro e performance. La sua pratica esplora le relazioni tra suono, spazio e movimenti, con particolare attenzione alle possibilità multimateriali degli strumenti percussivi. Il suo percorso di ricerca pone forte enfasi sulle abilità di produrre informazioni multiple con azioni semplici, sul movimento e sulla definizione dell’esperienza dell’ascolto, sulla sostenibilità della presenza del performer. 91 No Island but Other Connections is a research project by Enrico Malatesta that is being presented at Santarcangelo in the MET Museo Etnografico degli Usi e Costumi della Gente di Romagna. Sound is presented here as a multi-dimensional event to take part in, becoming the instrument through which advanced listening devices, spatial practice and social interaction can be achieved. No Island but Other Connections contains two distinct parts. It is a participatory workshop during which the fundamentals to be studied are the act of striking, the process of waiting, and the creation of distance between the body and the sound impulse. These open up the possibility of studying in depth the soundrelated behaviour of what is around us, that which moves between architectural, instrumental and evocative spaces. The listening experience is developed, therefore, through workshops, informal performances and an event devoted exclusively to performance. Each part of the project aims to promote listening that is both active and open to the relationship between space, sound and the vitality of matter. In this scheme of things, the human body, as the primary perceptive instrument, is penetrated by a whole series of sound impulses that expand and contract space in every direction, producing rhythm; listening can enhance the ability to perceive that which acts outside the subject, and may create possibilities for an open future. On Saturday, July 16, the performance by Enrico Malatesta, with the participation of Giovanni Lami, lasts two hours with no interruptions. The audience is welcome to freely enter, leave and pass through the MET spaces during the performance. © Jacopo Menzani Enrico Malatesta (Cesena) is a percussionist active in the field of experimental research placed between music, sound intervention and performance; his practice explores the relations between sound, space and movements with particular attention to the multimaterial possibilities of the percussion instruments. His research path is characterized by a strong emphasis on the ability to produce multiple information with simple actions, the motion and definition of the experience of listening and sustainability of the presence of the performer. Progetto realizzato in collaborazione con MET - Museo Etnografico degli Usi e Costumi della Gente di Romagna. Project realized in collaboration with MET - Museo Etnografico degli Usi e Costumi della Gente di Romagna. 92 93 CRUDE / DOPOFESTIVAL MOBILE L DOPOFESTIVA E MOBIL MOTUS E MARKUS ÖHRN Villa Torlonia Via Due Martiri 2 (San Mauro Pascoli) ven . fri 15/07 h 01.30 > 04.00 free Notte cruda – senza soste – senza sfumature – senza romantiche dissolvenze – solo fumo – sudore e rumori sinistri. Tutto spalmato di colore viola marcio. Wood! Partecipa se hai coraggio. Bleak night – no break – no nuances – no romantic fade-outs – only smoke – sweat and scary noises. Everything smeared with rotting violet paint. Wood! Join in if you have the courage. 94 95 IVANA MÜLLER PARTITUUR Sferisterio Via Faini 8 ven . fri 15/07 h 18.00 (30 min) * h 19.30 (30 min) * 6 euro / 2 euro ITA * prenotazione obbligatoria (reservation is compulsory) 96 ATTRAVERSO LO SPECCHIO Partituur è un invito, rivolto ai bambini dai sette anni in su, alla corsa, allo slancio, al balzo e al gioco. Con cuffie, istruzioni e una scatola di oggetti, sono i bambini a scegliere una nuova identità finzionale e a determinare il proprio ruolo, per creare, infine, una coreografia collettiva in cui non ci sono performer e spettatori, ma tutti sono partecipanti attivi. Ciascun membro di questa comunità mobile ed estemporanea, bambino o adulto, scegliendo di volta in volta come reagire alle direttive e ai suggerimenti proposti attraverso le cuffie, dà una forma imprevedibile alla rappresentazione. Seguire le regole o trovare un modo proprio di muoversi? Il gioco diventa una performance, una coreografia concettuale pensata affinché i bambini possano creare e agire all’interno di un insolito spazio di riflessione. Non ci sono confini, non c’è un inizio e non c’è una fine, come in una partitura ancora tutta da scrivere. Ivana Müller (Zagreb; Amsterdam; Paris) è una coreografa e artista. Il suo lavoro, di forte respiro internazionale, si muove tra performance, installazioni, scrittura, video-letture e lavori sul web, con l’obiettivo di ripensare lo statuto dello spettacolo e dello spettatore, di rivisitare l’immaginario e l’immaginazione, di investigare il significato di rappresentazione e partecipazione. Negli ultimi dodici anni, i suoi lavori sono stati presentati nei maggiori festival teatrali del mondo. 97 Partituur is an invitation to children aged seven and over to run, dash, jump and play. With headphones, instructions and a boxful of stuff, they each get to choose a new, fictitious identity and decide which role they want to play. In this way they finally create a group choreography in which there are no performers and no audience, but in which everyone instead is an active participant. By deciding from one moment to the next how to react to the directions and suggestions they get over the earphones, each member of this mobile, off-the-cuff commune, children and adults alike, contribute to bringing a totally unpredictable shape to the performance. Should we stick to the rules or come up with our own way of moving? In this way, playing becomes performance, a conceptual choreography designed so that the children can create and act within an unusual reflective space, one where there are no boundaries, no beginnings or ends, like a score that still remains to be written in its entirety. Ivana Müller (Zagreb; Amsterdam; Paris) is a choreographer and artist. Her work is strongly international in flavour, and shifts from performance to installations, writing, video-reading and web-based work, all with the aim of rethinking the relationship between performer and spectator, the place of the imaginary and the imagination, and the meaning of representation and participation. In the last eleven years, Müller’s works have been presented at the world’s leading theatre festivals. Di (by) Ivana Müller In collaborazione con (in collaboration with) Jefta van Dinther, Sarah van Lamsweerde, Martin Kaffarnik Progetto del costume del mostro (design of the monster costume) Liza Witte Produzione (production) I’M COMPANY (Matthieu Bajolet, Gerco de Vroeg) Co-produzione (co-production) Tweetakt Festival (Utrecht) Con il sostegno di (supported by) Performing Arts Fund (Netherlands) 98 99 NINOS DU BRASIL MUSICA IN PIAZZA MONACHE Cuica, congas, campane, rulli, piatti, claves, maracas, fischietti, richiami per animali, bottiglie, lattine, pezzi di legno e oggetti sono gli strumenti che Ninos Du Brasil (Vittorio Veneto; Ilha da Queimada Grande) utilizza nelle sue creazioni sonore. L’unione di batucada, noise, samba ed elettronica dà origine a performance realizzate in contesti diversi (dagli squat alla Biennale di Venezia) in cui convivono atmosfere da parata di Carnevale, cori da stadio, concerti hardcore e techno rave. Ninos Du Brasil è una formazione musicale nata da due membri di With Love, una delle più importanti band hardcore degli anni Novanta: Nico Vascellari è considerato uno degli artisti visivi più importanti della sua generazione; front man di Lago Morto, collabora e ha collaborato con molti musicisti, tra cui Prurient, Stephen O’Malley, Ghedali Tazartes, Aaron Dilloway. Il batterista Nicolò Fortuni è anche membro di Ohuzaru, Man on Wire e Smart Cops. Ai due si è aggiunto Riccardo Mazza, chitarrista di A Flower Kollapsed, Lago Morto e Lettera 22. Cuicas, congas, bells, rolls, cymbals, claves, maracas, whistles, hunting calls, bottles, cans, pieces of wood and objects are some of the instruments used by Ninos Du Brasil (Vittorio Veneto; Ilha da Queimada Grande) during their sound creations. Ninos Du Brasil performs in different contests (from squats to the Venice Biennale). The combination of batucada, noise, samba and electronic originates a performance in which co-habits atmospheres from Carnival parades, stadium chants, hardcore concerts and techno rave. Ninos Du Brasil is a band born from two members of With Love, one of the most important hardcore band of the 1990s. The singer Nico Vascellari is considered one of the most important visual artists of his generation. He is also front man of Lago Morto and collaborates with several musicians, among others: Prurient, Stephen O’Malley, Ghedali Tazartes, Aaron Dilloway. The drummer Nicolò Fortuni is member of different bands as Ohuzaru, Man on Wire and Smart Cops. The guitarist Riccardo Mazza plays also in A Flower Kollapsed, Lago Morto and Lettera 22. 100 Piazza Monache sab . sat 16/07 h 22.30 free In collaborazione con (in colleboration with) MOHO club discontinuo 101 NON-SCUOLA / TEATRO DELLE ALBE ALICE co-produzione Sferisterio Via Faini 8 gio . thu 14/07 h 21.30 (60 min) 6 euro / 2 euro ITA ATTRAVERSO LO SPECCHIO Un orologio senza numeri, come un grande ingranaggio, segna il nostro tempo, scandisce sogni e desideri, distingue il sonno dalla veglia, la realtà dal sogno. Che cosa accadrebbe se il tempo si fermasse? Non saremmo mai in ritardo o in anticipo, saremmo sempre in orario. Mai una corsa, mai un’attesa! Da questo avvenimento impossibile, la non-scuola reinventa un paese delle meraviglie, in cui Alice, immaginata da Lewis Carrol nel suo celebre e visionario romanzo, sogna a occhi aperti si perde in un viaggio che dura un attimo e che sembra eterno. Gli strani personaggi che abitano questi luoghi del tempo di un sogno si moltiplicano, o meglio, qui tutto appare moltiplicato, triplicato: tante Alice, tanti bruchi, tanti gatti e bianconigli, una corte numerosa di regine e tanti cappellai. Tutti, ma proprio tutti… rigorosamente matti! Tornano al Festival di Santarcangelo, per il quinto anno, i ragazzi della non-scuola della Scuola Media T. Franchini di Santarcangelo, guidati da Michele Bandini, dopo un laboratorio teatrale e il debutto di Alice durante Anno Solare, nel marzo 2016. Teatro delle Albe (Ravenna) è una compagnia fondata nel 1983 da Marco Martinelli, Ermanna Montanari, Luigi Dadina e Marcella Nonni. Ha sviluppato in questi trent’anni un raffinato percorso fra il nuovo e la tradizione teatrale. Dal 1991, il Teatro delle Albe è anche Ravenna Teatro, Teatro Stabile di Innovazione, e dal 1992 conduce i laboratori teatrali permanenti della non-scuola, rivolti ad adolescenti e ispirati dalla rilettura dei classici. Michele Bandini (Foligno) attore e regista, co-fondatore della compagnia ZoeTeatro, con cui realizza spettacoli dal 2005. Guida i laboratori teatrali della non-scuola dal 2004. Nel settembre 2010, ha intrapreso un percorso di ricerca artistica autonomo realizzando Concerto In Se Minore e B-Sogno. 102 103 A clock without numbers, like a huge set of gears, marks time, scans dreams and desires, distinguishes sleep from wakefulness, is the reality of dreams.But what would happen if time stood still, just stopped? We’d never be late or early, we’d always be on time. We’d never be rushing, never waiting! Out of this impossible turn of events, non-scuola reinvents Lewis Carroll’s wonderland, where this time Alice dreams with her eyes open, losing herself on a journey that lasts but an instant yet seems eternal. The strange characters inhabiting these places of the time of a dream multiply, or rather everything here seems to be multiplied, triplicated: so many Alices, so many caterpillars, so many cats and white rabbits, a bountiful court of queens and so many mad hatters, all, yes, every one of them… utterly mad! Following a theatre workshop and the premiere of Alice during Anno Solare, in March 2016, the non-scuola pupils from Santarcangelo’s T. Franchini Secondary School, under the guidance of Michele Bandini, make their return to the Santarcangelo Festival for the fifth year. Teatro delle Albe (Ravenna) was founded in 1983 by Marco Martinelli, Ermanna Montanari, Luigi Dadina and Marcella Nonni. During the last thirty years it has developed a fine journey into the new and the theatre tradition. Since 1991 Teatro delle Albe has also been Ravenna Teatro and Teatro Stabile di Innovazione, and since 1992 it has led permanent nonschool theatre workshops, addressed to teenagers and inspired by the reinterpretation of classics. Michele Bandini (Foligno) is an actor and director. He is also co-founder of ZoeTeatro company, creating performances since 2005. In September 2010 he began an independent artistic research and creates Concerto In Se Minore and B-Sogno. 104 Guide (guides) Michele Bandini, Anna Lisa Magnani Insegnante assistente (assistant teacher) Damiano Folli Con i ragazzi della Scuola Media T. Franchini (with the pupils from T. Franchini Secondary School) Tommaso Anelli, Beatrice Antolini, Chiara Bartolini, Elisa Shirin Boccaccini, Ilenia Caminiti, Clara Carbone, Davide Casadei, Margherita Casali, Sara Cau, Gregorio Ceccarelli, Alberto Ceccarini, Alessia Cevoli, Alessia Ciaccia, Elisa Colicchio, Alessandro Conti, Matteo Pio Damiani, Tommaso De Guglielmo, Dileysi De La Rosa Cedano, Lorenzo De Pascalis, Marco De Pascalis, Gaia Della Pasqua, Sofia Dellapasqua, Lorenzo Denicolò, Jonathan Evangelista, Luna Evangelisti, Aurora Fabbri, Daniel Fabbri, Giorgia Fabbri, Camilla Fallanga, Aurora Farneti, Giulia Farneti, Elisabetta Fogacci, Alessia Gasperoni, Daniele Lioce, Isabella Lucchi, Ewi Verena Maier, Alida Mancini, Matteo Mariotti, Noah Massart, Jacopo Moroni, Alice Morri, Maria Chiara Paesini, Ilaria Paganelli, Giulia Partisani, Penelope Montefrancesco, Riccardo Procucci, Martina Raggini, Martina Renzi, Chiara Romani, Chiara Rossi, Aurora Antonia Ruggiero, Anna Sacchini, Vittoria Scarzelletti, Eleonora Scordo, Chiara Semproli, Simone Silvestri, Federico Stefanini, Francesca Stefanini, Sara Succi, Annalisa Tani, Federica Trigila, Jacopo Valitutto, Leonardo Valitutto, Lorenzo Varliero, Enrico Volpini, Francesco Volpini Co-produzione (co-production) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza 105 ZACHARY OBERZAN TELL ME LOVE IS REAL prima nazionale Supercinema Piazza Marconi 1 sab . sat 09/07 h 20.30 (75 min) dom . sun 10/07 h 19.30 (75 min) + after talk 13 euro ENG - ITA Nell’inverno del 2012, un evento ha segnato l’esistenza di Zachary Oberzan: nella camera di un anonimo albergo, prima di salire sul palcoscenico, decise di mettere fine alla propria vita con un’overdose di Xanax. Sopravvisse. Eppure, quello stesso giorno, poco distante e con le stesse modalità, un simile evento con conseguenze fatali costò la vita a Whitney Houston. L’ironia tragica di quella coincidenza segna per Oberzan l’inizio di una ricerca esistenziale e artistica. Che cosa è la vita e perché la viviamo? Perché, sentendoci parte di un misterioso romanzo, ci sentiamo costretti a interpretare un ruolo la cui narrazione appare incomprensibile? Il regista americano offre una sua risposta, forse l’unica possibile e al contempo inafferrabile: l’amore. Tuttavia, l’amore è reale? Alla ricerca di un eroe che gli indichi la via da percorrere, Oberzan chiama in scena i fantasmi e le icone di Buddy Holly, Amelia Earhart, Bruce Lee, Serge Gainsbourg e altri che possano aiutarlo a risolvere il suo quesito. Ma è il pubblico che, soprattutto, dovrà convincerlo (e convincersi) che, per dirla con Leonard Cohen, «I am not the one who loves/It’s love that chooses me» (Non sono io ad amare/È l’amore che mi sceglie). Tell Me Love Is Real è una performance multimediale di canzoni, danza, musica, karate, registrazioni video e audio, in cui non bisogna aver timore di ridere nel momento sbagliato. Zachary Oberzan (Saco; New York) è un regista, perfomer e musicista. È uno dei fondatori del collettivo teatrale Nature Theater of Oklahoma, con base a New York. Tra i suoi film e spettacoli, Flooding with Love for The Kid (adattamento del romanzo First Blood, che introduce al mondo il personaggio di Rambo), Your brother. Remember? (debuttato nel 2010 al Kunstenfestivaldesarts di Brussels). Ha pubblicato due album musicali e ha lavorato con The Wooster Group e Richard Foreman. Il suo ultimo lavoro di teatro/cinema/concerto, The Great Pretender, è stato presentato al deSingel Antwerp nel dicembre 2015. 106 107 In the winter of 2012, an event occurred that left a strong mark on the existence of American theatre director Zachary Oberzan. In a room in an anonymous hotel, before going on stage, he decided to put an end to his life by taking an overdose of Xanax. He survived, but the same day, not so far away, a similar event had fateful consequences, ending the life of Whitney Houston. The ironic tragedy of this coincidence led Oberzan to set out on the path of existential and artistic research. What is life and why do we live it? Why when we feel part of a mystery novel do we feel forced to interpret a part whose storyline seems incomprehensible? Oberzan offers us his answer, perhaps the only one that is both possible and intangible at the same time: love. But is love real? Looking for a hero to show him which path to take, Oberzan calls on stage the ghosts and icons of Buddy Holly, Amelia Earhart, Bruce Lee, Serge Gainsbourg and others who may be able to help him solve his question. But most of all it is the audience who has to convince him (and themselves, too) that, in Leonard Cohen’s words, «I am not the one who loves/It’s love that chooses me». Tell Me Love Is Real is a multimedia performance including songs, dance, music, karate, audio and video recordings, where the audience needs have no fear of laughing at the wrong moment. © Manu Bloemen Zachary Oberzan (Saco; New York) is a director, performer and musician. He is a founding member of the theater collective Nature Theater of Oklahoma, based in New York. His cinema and theatre work includes Flooding with Love for The Kid (an adaptation of the novel First Blood, which introduced the world to the character of Rambo),Your brother. Remember? (premiered in 2010 at Kunstenfestivaldesarts in Brussels). He has performed with The Wooster Group and Richard Foreman, and released two albums of songs. His last theater/film/concert piece, The Great Pretender, premiered in December 2015 at deSingel Antwerp. Produzione, ideazione, regia, video e messa in scena (produced, conceived, directed, video and performed by) Zachary Oberzan Drammaturgia, produzione, organizzazione (dramaturgy, producer, manager) Nicole Schuchardt Tecnico di luci, suono e video (lights, sound, video technician) David Lang Consulente di scena (stage consultant) Eike Böttcher Assistente ai costumi (costume assistant) Eric Gorsuch Traduzione italiana (Italian translation) Caterina Fabbri Co-produzione (co-production) deSingel Antwerp, Black Box Teater Oslo, Gessnerallee Zürich, brut Wien, BIT Teatergarasjen Bergen, Teaterhuset Avant Garden Trondheim, Kunstencentrum BUDA Kortrijk/NEXT Arts Festival 108 109 MARKUS ÖHRN / AZDORA + STEFANIA ?ALOS PEDRETTI RITUAL #12 DAI prima assoluta Luogo segreto (secret place) meeting point Arco Piazza Ganganelli ven . fri 15/07 h 00.00 (90 min) 16 euro * * biglietto comprensivo di una copia del vinile DAI prodotto in edizione limitata (the ticket includes a copy of the limited edition DAI vinyl) L’oscura moltitudine di Azdora urla a gran voce un nuovo rito. All’inizio del 2015, Markus Öhrn decide di conoscere più a fondo la figura della azdora romagnola, termine dialettale che indica la “reggitrice”, unica responsabile della condotta della casa. Ruolo femminile centrale e di grande autorità nelle geometrie familiari, non le è permessa alcuna assenza, alcun sentimento distruttivo al fine di preservare l’equilibrio dell’economia domestica. Öhrn riconosce nella azdora un potenziale di liberazione e di uscita da uno status quo culturale: costruisce, con un gruppo di signore di Santarcangelo e la musicista Stefania ?Alos Pedretti, un processo di trasformazione tra il rituale e il performativo in grado di disinnescare e sovvertire l’immagine della azdora romagnola. Azdora ha abitato, durante i dieci giorni del Festival dello scorso anno, lo Spazio Saigi, fondandovi un proprio Club, un luogo, anch’esso trasformato, in cui attivare una serie di riti, in un immaginario black metal, dalle sonorità noise. Il gruppo rimane coeso, trascende il tempo del Festival e opera, durante l’anno, un continuo processo di iniziazione. A febbraio 2016, dopo il Ritual #11 negli spazi di Raum, a Bologna, Azdora inizia a progettare il prossimo rituale: l’incisione di un vinile e un concerto, condotto dalle azdore in un luogo segreto di Santarcangelo. Alla mezzanotte del 15 luglio, il pubblico si incontrerà in Piazza Ganganelli per essere trasportato nello spazio segreto in cui DAI, nome del dodicesimo rituale di Azdora, prenderà atto. Evento unico e ultima possibilità di accesso del pubblico di Santarcangelo al rito di Azdora, DAI è un invito ad abbandonare una propria percezione del tempo per partecipare a un processo in cui il domani potrebbe perdere le sembianze dell’oggi. Ad agosto, Azdora sarà ospite della Biennale di Wiesbaden. Markus Öhrn (Niskanpää; Berlin) è un artista visivo, regista e performer. Lavora con diversi formati, dalla drammaturgia, all’installazione video, alla performance musicale. Conte d’Amour (2011) è la sua prima creazione teatrale, presentato al Festival di Avignone nel 2012, che segna l’inizio di una trilogia composta da We Love Africa and Africa Loves Us (2012) e Bis zum Tod (2014). Nel 2015, il suo lavoro viene presentato per la prima volta in Italia da Santarcangelo Festival e da Xing/Live Arts Week. Stefania ?Alos Pedretti (Ravenna) è una musicista e performer attiva dal 1998, membro di ?Alos e OvO. 110 111 The shadowy multitude of the azdoras is shouting out a new ritual in loud voices. In the Italian dialect spoken in Romagna, the word azdora means “she who rules”, in other words the lady of the house. As the person who is solely responsible for running the household, she has a central feminine role, one with great authority, and to ensure that the equilibrium of the domestic economy is preserved she is never allowed to be absent or to have any destructive feelings. In early 2015, Swedish visual artist, musician and stage director Markus Öhrn decided to learn more about the azdora and discovered in her a potential for liberation from a cultural status quo. Working together with a group of women from the Santarcangelo area and musician Stefania ?Alos Pedretti he created a transformation process located midway between ritual and performance that defuses and subverts the image of the azdora. During the ten days of last year’s Festival, Azdora founded its own Club, a place that also transformed into one where a series of rituals could be performed on a black metal set against a background of noise. The group stayed together and after the Festival continued an initiation process that lasted the whole year. In February 2016, following Ritual #11, which was held at Raum, Bologna, Azdora started planning its next ritual, the cutting of a vinyl record and a concert to be put on by azdoras in a secret location in Santarcangelo. At midnight on 15 July, the public will gather in the Piazza Ganganelli to be taken to the space where DAI, the name of the twelfth Azdora ritual, will take place. As a singular event and the last chance for the Santarcangelo public to gain access to the Azdora ritual, DAI is an invitation to toss one’s own perception of time aside and take part in a process where tomorrow could lose its resemblance to today. In August, Azdora will be hosted at the Wiesbaden Biennale. Markus Öhrn (Niskanpää; Berlin) is a visual artist, director and performance artist. He works with different formats, such as drama, video installation and music performance. His first theatre work is Conte d’Amour (2011), the first part of a trilogy composed by We Love Africa and Africa Loves Us (2012) and Bis zum Tod (2014). In 2015 his work is launched for the first time in Italy by Santarcangelo Festival and Xing/Live Arts Week 2015. Stefania ?Alos Pedretti (Ravenna) is a musician and performer, active since 1998. She is a member of ?Alos and OvO. 112 © Tilda Lovell Concept Markus Öhrn In collaborazione con (in collaboration with) Stefania ?Alos Pedretti, Jakob Öhrman Con (with) Martina Bianchi, Barbara Bugli, Susanna Calandrini, Paola Carlini, Daniela Ceccarelli Di Nicola, Maria Teresa Gnoli, Viviana Gnoli, Susan Theresa Mckelvie, Giuliana Pagliarani, Maria Teresa Polverelli, Monica Polverelli, Fiorella Ricci, Felicia Roca, Iliana Rossi, Alida Santini, Vilma Zaghini Produzione (production) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza con il supporto di 113 BOUCHRA OUIZGUEN CORBEAUX prima nazionale Parco Campo della Fiera Via de Bosis - Via Faini Grotta delle Clarisse Via Porta Cervese 8 ven . fri 08/07 h 20.30 (30 min) dom . sun 10/07 h 19.00 (30 min) Sferisterio Via Faini 8 13 euro ven . fri 08/07 h 22.00 (30 min) Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi sab . sat 09/07 h 18.30 (30 min) Retro Lavatoio Via Marini - angolo Via Costa sab . sat 09/07 h 20.00 (30 min) Dall’oscurità emergono figure vestite di nero. Avanzano come uccelli, la testa fasciata da copricapi bianchi che pendono come becchi. Danzano con ritmo ipnotico, cantano con voci senza tempo, si interrompono, ricominciano. Intraprendono azioni con il corpo e con la voce che oscillano tra la ripetizione e la differenza, si gonfiano fino a esplodere in un pianto vitale, come da un utero materno. I corvi di Bouchra Ouizguen sono donne di diversa lingua, cultura e provenienza. Alla Compagnie O, gruppo di Marrakesh formatosi durante otto anni di attività laboratoriale e performativa condotta da Ouizguen, si aggiungono donne che vivono nel territorio santarcangiolese. Come in ogni città in cui lo stormo di Corbeaux migra per portare negli spazi pubblici il proprio canto, infatti, anche a Santarcangelo è stato proposto alle donne del luogo di unirsi alla performance. Una trentina di donne hanno partecipato a un atelier tenutosi in maggio, in cui, al di là delle barriere di lingua, età e origine, hanno confrontato le loro storie. Sono pronte, ora, a trasmettere con il proprio grido atavico, doloroso e follemente gioioso, urgente e brutale, il proprio sapere di donne, irrompendo negli spazi quotidiani della città e travolgendo lo spettatore con il proprio rito catartico, prima di lasciarlo, di nuovo, di fronte a se stesso. Bouchra Ouizguen ( )شكارمè una danzatrice e coreografa marocchina. Il suo lavoro si sviluppa tra suono, video e performance, si nutre di tematiche sociali, di riflessioni sulle arti visuali e le arti popolari del suo paese d’origine. Corbeaux è stato presentato per la prima volta sul piazzale della stazione di Marrakech in occasione della Biennale di Arte Contemporanea del 2014, e poi al Kunstenfestivaldesarts di Brussels, al Kampnagel di Amburgo e a Beirut per il programma Home Works organizzato da Ashkal Alwan e curato da Frie Leysen. Campo da basket Via Carracci - Via Ferrara dom . sun 10/07 h 17.30 (30 min) free 114 115 Out of the dark emerge figures dressed in black. Like birds they step forward, their heads wrapped in white headscarves that droop like beaks. They dance in an hypnotic rythm, singing with tempo-less voices, stopping and restarting. They undertake physical and vocal actions ranging from repetitions to variations, swelling up until they explode in the form of a vital, earthy cry from the womb. Bouchra Ouizguen’s crows are women of different languages, cultures and origins. At Santarcangelo, Compagnie O, the Marrakech dance group that came together during eight years of laboratory and performance work directed by Ouizguen, is being joined by women living in the local area. As in every town to which the “murder of crows” migrates in order to bring their song to public spaces, so here too in Santarcangelo, local women have been invited to join in the performance, with the result that about thirty women, took part in a workshop in May in which, overcoming the barriers of age and origin, as well as language barriers, they exchanged their personal histories. Now they are ready, each through her own ancestral cawing, urgent and brutal, painful yet crazily joyful, to convey their feminine knowledge, bursting into the everyday spaces of the town and bowling the spectators over with their own cathartic rites before leaving them facing themselves once more. Bouchra Ouizguen ( )شكارمis a Moroccan dancer and choreographer. Her work is combining sound, video and performance, drawing on social themes, reflections on visual arts and the popular culture of her native land. Corbeaux was first performed in the Marrakech station square on the occasion of the 2014 Contemporary Art Biennale, and then at the Kunstenfestivaldesarts (Brussels), at the Kampnagel (Hamburg), and Beirut, at the Home Works programme organized by Ashkal Alwan and curated by Frie Leysen. Concept e direzione artistica (concept and artistic direction) Bouchra Ouizguen Performers Kabboura Aït Ben Hmad, Fatima El Hanna, Halima Sahmoud, Fatna Ibn El Khatyb, Khadija Amrhar, Zahra Bensalem, Malika Soukri, Noura Oujoute, Hasnae El Ouarga, Milouda El Maataoui Diffusione, amministrazione (release and administration) Mylène Gaillon Produzione (production) Compagnie O Sostegno alla produzione (production support) Institut Français du Maroc Co-produzione per Santarcangelo di R. (co-production for Santarcangelo di R.) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza Spettacolo creato nel febbraio 2014 alla Biennale d’Arte di Marrakech. Performance created in february 2014 at Marrakech Biennale. 116 117 PARASITE 2.0 ARCHITECTURE AS FICTIONAL REALITY progetto speciale Piazza Ganganelli Architecture as fictional reality, progetto speciale di Parasite 2.0 per Santarcangelo Festival, è un allestimento temporaneo mobile, riflessione sulla scenografia e sulla possibilità di creare micro-habitat adatti a ospitare i momenti di dialogo del Festival, i djset notturni e ad accogliere cittadini, visitatori e spettatori in piazza, attraverso la predisposizione di spazi e arredi adatti alla sosta, al riposo, all’incontro. L’installazione scenografica definisce un limite permeabile tra il fuori e il dentro, e opera sulla capacità dell’architettura di delineare altri mondi possibili. Attraverso l’uso di tramezzi, telai e pareti, rudimenti della progettazione scenografica, le strutture temporanee danno forma a un’eccezione dell’habitat convenzionale, moltiplicando la percezione dello spazio interno, in una relazione ibrida con quello esterno. A partire da una riflessione sull’Antropocene, era geologica contemporanea in cui si prevede un annullamento della distinzione tra naturale e artificiale, e un loro inevitabile mescolamento, Parasite 2.0 asseconda un’idea di architettura, artificio primario, come nuova natura impressa nella città. Quest’ultima può rappresentare il luogo in cui operare nuove forme di vita collettiva e comporre nuovi microcosmi. Le pareti mobili di Parasite 2.0 abitano Piazza Ganganelli, con forme e sagome montate sui telai che utilizzano le immagini e gli elementi iconici di un mondo fantastico, mitologico o estinto, suggerendo a ognuno la possibilità di guardare la realtà con occhi diversi e costruirne una propria visione. Parasite 2.0 (Milano) investiga lo stato dell’habitat umano dai margini della pratica convenzionale, agendo in un ibrido tra architettura, arte, design e scienze sociali. Parasite 2.0 sono i vincitori di YAP MAXXI del 2016. Il loro lavoro è esposto in diversi festival e istituzioni artistiche. Parasite 2.0 pubblicano recentemente il libro Primitive Future Office for plug_in books. 118 119 Architecture as fictional reality is a project specially conceived by Parasite 2.0 for the Santarcangelo Festival, a temporary mobile set that looks at scene design and the possibility of creating micro-habitats that may attract and host encounters, DJ gigs, and moments of dialogue during the Festival. Working on the ability of architecture to delineate other possible worlds, the installation is like the embodiment of a border between the inside and the outside that is no longer fixed but permeable. Using the basics of set design - partitions, screens, frames, wall panels - these temporary structures produce an exception to the rule of the conventional dwelling, providing multiple perceptions of interior space and placing it in a hybrid relationship with the exterior. Starting from their thoughts on the Anthropocene, the contemporary geological epoch, in which the prediction is that the distinction between the natural and the artificial will cease to exist and the two will inevitably combine, Parasite 2.0 advances the notion of architecture as a primary artifice, a new form of nature imprinted in the city. The city, indeed, may represent the place in which new collective life forms operate and new microcosms are put together. The moving walls of Parasite 2.0 occupy Piazza Ganganelli, with shapes and forms mounted on frames that use images and iconic elements from a fantasy world, be it mythological or extinct, suggesting to each and every one of us the possibility of looking at reality with different eyes, and creating our own vision out of it. Parasite 2.0 (Milano) investigate the status of human habitat from the margins of conventional practice, acting within a hybrid of architecture, art, design and social sciences. Parasite 2.0 are the 2016 winners of YAP MAXXI. Their work has been exhibited at various festivals and arts institutions. Parasite 2.0 have recently published the book Primitive Future Office for plug_in books. Supporto tecnico (technical support) CAPAROL 120 121 PHILIPPE QUESNE LA NUIT DES TAUPES ( WELCOME TO CAVELAND!) prima nazionale ITSE Molari Via Orsini 19 dom . sun 10/07 h 21.30 (90 min) lun . mon 11/07 h 21.30 (90 min) + after talk 13 euro Il mondo animale e il mondo umano si identificano per analogie e differenze: entrambi assecondano bisogni legati alla sopravvivenza e svolgono azioni per saziarli. Eppure, l’uomo ha sviluppato molte necessità che difficilmente si realizzano con simili impulsi nei mondi animale, vegetale e minerale. La Nuit des taupes immerge il pubblico in un mondo allegorico, rifugio di una famiglia di talpe giganti, la cui esistenza si realizza nel sottosuolo, si sostanzia di azioni animali e a volte umane, tanto caratterizzanti da renderle antropomorfe. Philippe Quesne suggerisce un viaggio in una intersezione di mondi calati nel sottosuolo e un messaggio ecosofico, un invito a rovesciare la prospettiva umana e antropocentrica. Swamp Club, del 2013, antefatto ideale di una narrazione in divenire, aveva accompagnato il pubblico in un paesaggio sospeso tra il mondo visibile (un centro per l’arte) e una realtà sotterranea (una grotta abitata da una talpa gigante), uno degli scenari possibili nella prospettiva apocalittica. La Nuit des taupes invita ora a scendere in questa tana scavata nella terra, un’entità che rimanda contemporaneamente a un insediamento preistorico, a un rifugio antiatomico e alla caverna descritta da Platone. Come nella tradizione della science-fiction, Quesne costruisce, con il teatro, uno spazio vivente e utopico in cui il sonno è la premessa al risveglio delle coscienze e il mito filosofico platonico è l’origine profonda dell’immaginazione poetica collettiva. Welcome to Caveland! Philippe Quesne (Nanterre) progetta, per trent’anni, allestimenti per il teatro e l’opera. Nel 2003, dà vita a Vivarium Studio Company e dirige il suo primo spettacolo, La Démangeaison des ailes. Quesne ricerca il meraviglioso e il minuscolo per spingerli all’estremità delle esperienze della vita quotidiana. La scenografia viene usata come un ecosistema in cui immerge i suoi attori. Tra i suoi spettacoli, Big Bang (2010), Swamp Club (2013), Next Day (2014). Oltre al lavoro teatrale, ha esposto le proprie installazioni e ha realizzato performance e interventi nello spazio pubblico o in luoghi naturali. Dal gennaio 2014 è il co-direttore del NanterreAmandiers Centre Dramatique National. 122 123 The animal and the human worlds can be identified through analogies and differences: both of them experience survival needs and take action to satisfy them. However, humans have invented a whole range of needs that would be hard to imagine coming from similar impulses in the animal, vegetable and mineral worlds. La Nuit des taupes immerses the audience in an allegorical world inhabited by a family of giant moles, whose existence materializes underground and becomes real through activities that are animal and sometimes so characteristically human as to render them anthropomorphic. Philippe Quesne takes us on a trip to a junction between underground worlds and an ecosophical message, an invitation to override the anthropocentric human worldview. Swamp Club (2013), an ideal background of the story in the making, took the audience into a landscape suspended between the visible world (an art center) and the underground reality (a cave inhabited by a giant mole), one of the possible settings for such an apocalyptic view. La Nuit des taupes takes the audience down into a lair dug into the ground, an entity which refers, at the same time, to a prehistoric dwelling, a fallout shelter and the cave described by Plato. Much as in the science-fiction tradition, Quesne creates in the theatre a living, utopian space in which sleep is the precondition for the reawakening of the consciousness, and the Platonic myth the deep origin of the collective poetic imagination. Welcome to Caveland! Philippe Quesne (Nanterre) designed, for thirty years, sets for theatre and operas. In 2003, he created the Vivarium Studio Company, and directed his first show, La Démangeaison des ailes. Quesne hunts the marvelous, the tiny, and pushes to the extreme experiences of our daily lives. The scenography is used as a ecosystem in which he immerses his actors into. His recent shows include Big Bang (2010), Swamp Club (2013), Next Day (2014). In addition to his work for the theatre, he creates performances and interventions in public spaces or natural sites, and displays his installations in the context of exhibitions. Since January 2014, he is the co-director of Nanterre-Amandiers Centre Dramatique National. 124 © Martin Argyroglo Con (with) Yvan Clédat, Jean-Charles Dumay, Léo Gobin, Erwan Ha Kyoon Larcher, Sébastien Jacobs, Thomas Suire, Gaëtan Vourc’h Costumi (costumes) Corine Petitpierre con la collaborazione di (with the collaboration of) Anne Tesson Collaborazione alla drammaturgia (dramaturgy collaboration) Léo Gobin, Lancelot Hamelin, Ismael Jude, Smaranda Olcese Collaborazioni artistiche e tecniche (artistic and technical collaborations) Marc Chevillon, Yvan Clédat, Elodie Dauguet, Abigail Fowler, Thomas Laigle Squadra tecnica Nanterre-Amandiers (technical team Nanterre-Amandiers) Patrick Bonnereau, Joachim Fosset, Alain Gravier, Pauline Jakobiak, Jean-Christophe Soussi Scenografia (stage design) Ateliers de Nanterre-Amandiers: Michel Arnould, Philippe Binard, Alix Boillot, Jérôme Chrétien, JeanPierre Druelle, Fanny Gautreau, Marie Maresca, Myrtille Pichon, Olivier Remy, Claude Sangiorgi Stage design intern Chloé Chabaud, Juliette Seigneur, Amélie Wellan Sartoria (dressmakers) Karelle Durand, Lydie Lalaux Produzione (production) Nanterre-Amandiers - centre dramatique national Con il sostegno di (supported by) Fondation d’entreprise Hermès nell’ambito del programma (in the contest of the program) New Settings Co-produzione (co-production) Steirischer herbst, Kunstenfestivaldesarts, Théâtre Vidy-Lausanne, La Filature - Scène nationale, Mulhouse, Künstlerhaus Mousonturm, Théâtre National de Bordeaux Aquitaine, Kaaïtheater, Centre d’art Le Parvis à Tarbes, NXTSTP con il sostegno del programma Cultura dell’Unione Europea Con la partecipazione di (with the participation of) Groupe de recherche Behavioral Objects - coordinazione (coordination) Samuel Bianchini, Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Paris - Malaquais AAP (Art, Architecture, Politique), Atelier Jordi Colomer Welcome to Caveland ??? Spettacolo creato nel maggio 2016 al Kaaitheater di Brussells nell’ambito del Kunstenfestivaldesarts. Created in may 2016 at Kaaitheater of Bruxelles in the contest of Kunstenfestivaldesarts. 125 PHILIPPE QUESNE WELCOME TO CAVELAND! progetto speciale Welcome to Caveland! è il progetto itinerante, multiforme e multidisciplinare del regista francese Philippe Quesne: una grande installazione esplosa da attraversare, composta di episodi, immagini, piccoli accadimenti e possibili visioni. Come un parco tematico o un circo, Welcome to Caveland! viaggia di città in città, si stabilisce in luoghi diversi e segnala l’inizio di un programma. Al Festival di Santarcangelo, oltre allo spettacolo La Nuit des taupes, Welcome to Caveland! è una programmazione cinematografica sul tema del sotterraneo e dell’invisibile (Caveland Cineclub), una serie di installazioni e dei momenti performativi che coinvolgono tempi e luoghi diversi del Festival. Santarcangelo accoglie alcuni elementi del cammino di Welcome to Caveland!, alcune tracce del progetto e del suo mutare di luogo in luogo, di spettacolo in spettacolo, mantenendo vive le impronte immaginarie e immaginifiche del suo trasformarsi. Il coinvolgente immaginario e il travolgente mondo visivo di Philippe Quesne avvolgono le atmosfere e i panorami di Santarcangelo 2016. 126 Welcome to Caveland! is a wandering, multifarious, multidisciplinary project by French director Philippe Quesne, a huge, exploded installation of episodes, images, small events and possible ways of seeing. Like a travelling circus or a fairground attraction, Welcome to Caveland! treks from town to town seeking refuge in various places, where it marks the beginning of a programme. At the Santarcangelo Festival, Welcome to Caveland! will present La Nuit des taupes while also running Caveland Cineclub, a cinema programme on the theme of the underground and the invisible comprising a series of installations and performances to be held at various times and places in the Festival. In Santarcangelo a number of elements along the path in Welcome to Caveland! will be staged, including traces of the project and its mutation from place to place, performance to performance, keeping the imaginary and image-creating marks of its transformation alive. Philippe Quesne’s thrilling imagination and disconcerting visual world will mirror the atmospheres and panoramas of Santarcangelo 2016. 127 PHILIPPE QUESNE PARATA ( WELCOME TO CAVELAND!) prima assoluta Parco dei Cappuccini Via Cupa 303 sab . sat 09/07 h 21.00 (50 min) free 128 Con Welcome to Caveland!, Philippe Quesne ci dà il benvenuto con un invito all’immersione in un mondo sotterraneo, alla discesa in un profondo ipogeo per scoprire che cosa si nasconde sotto la superficie del visibile. In apertura del Festival e come prologo ideale allo spettacolo La Nuit des taupes, una parata percorre il centro storico. Partendo dalla sua massima altitudine, il Monte detto di Piretta, attraversa l’adiacente Parco dei Cappuccini e discende lungo le vie strette di Santarcangelo. Come sbucati dai piccoli cumuli di terra che ricoprono le gallerie scavate nel terreno, le talpe, protagoniste dello spettacolo, fanno la loro comparsa e appaiono a Santarcangelo, seguite da decine di bambini e bambine, ragazzi e ragazze. La Parata coinvolge questi animali fantastici e il gruppo di giovani e giovanissimi che hanno partecipato, durante l’intero anno, ai laboratori della nonscuola/Teatro delle Albe e di Let’s Revolution. Insieme danno vita a un corteo, aperto anche agli spettatori, per condurre un bizzarro carro di Carnevale, simile a un totem, allo Sferisterio. La scultura totemica abita lo Sferisterio e chiede di attraversare lo specchio per entrare in un programma dedicato al teatro dei bambini, che vi si svolgerà nei giorni successivi. La Parata è una discesa nel mondo fantastico e sotterraneo, una nuova avventura di una Alice che segue una talpa gigante invece di un coniglio bianco; è un modo di entrare nell’universo artistico di Philippe Quesne e una collaborazione tra il regista francese e alcuni artisti italiani: Michele Bandini di ZoeTeatro, Isadora Angelini e Luca Serrani di Teatro Patalò, Enrico Malatesta per i suoni e le musiche che accompagnano la parata. 129 With Welcome to Caveland! Philippe Quesne invites us to immerse ourselves in a subterranean world by going down into a deep underground vault to discover what hides there, beneath the surface of what the eyes can see. Starting at the so-called Monte di Piretta, the highest point in the city, passing beside the Parco dei Cappuccini and then going down the narrow streets of the city, the Parata (Parade) crosses the historic centre of Santarcangelo, opening the Festival and at the same time acting as an ideal prologue to the performance La Nuit des taupes (The Night of the moles). The heroes of this show, the moles, followed by dozens of children and teenagers, appear in Santarcangelo as if emerging from the little piles of earth that cover the galleries dug into the ground. The parade brings together these wonderland animals and the young people, who have attended the workshops run by the nonscuola/Teatro delle Albe and Let’s Revolution for the whole of this year. Together they make up a procession – one also open to spectators – that pulls a strange carnival wagon, something like a totem, to the Sferisterio, the handball court beneath the city walls. The totem sculpture will stand there, asking to go through the looking glass to join in a programme devoted to children’s theatre that will take place during the following days. Parata is a descent into an underground wonderland, a new adventure for an Alice who instead of chasing a white rabbit follows a giant mole; it is also a way of stepping into French director Philippe Quesne’s artistic universe and of working together with Quesne and various Italian artists: Michele Bandini from ZoeTeatro, Isadora Angelini and Luca Serrani from Teatro Patalò, and Enrico Malatesta, whose sounds and music make up the parade. 130 © Martin Argyroglo Regia (directed by) Philippe Quesne Con (with) Yvan Clédat, Jean-Charles Dumay, Léo Gobin, Erwan Ha Kyoon Larcher, Sébastien Jacobs, Thomas Suire, Gaëtan Vourc’h Con i ragazzi di Let’s Revolution (with the kids from Let’s Revolution) Marianna Angeli, Luca Beltrambini, Andrea Castaldo, Cecilia Fiori, Rebecca Fiorilli, Enrico Giannini, Robbie Halliwell, Nicola Matteini, Gabriele Mussoni, Clara Julia Pagliero, Miriam Pichierri, Laura Ricci, Anna Salighini, Tiberio Zanetti, Noemi Zerbini Con i ragazzi della non-scuola/Teatro delle Albe (with the pupils from non-scuola/Teatro delle Albe) Chiara Bartolini, Elisa Shirin Boccaccini, Clara Carbone, Davide Casadei, Margherita Casali, Alessia Ciaccia, Matteo Pio Damiani, Marco De Pascalis, Lorenzo De Pascalis, Jonathan Evangelista, Daniel Fabbri, Camilla Fallanga, Aurora Farneti, Giulia Farneti, Matteo Mariotti, Jacopo Moroni, Alice Morri, Anna Sacchini, Simone Silvestri, Sara Succi, Annalisa Tani, Federica Trigila, Enrico Volpini, Francesco Volpini Musica (music) Enrico Malatesta In collaborazione con (in collaboration with) Teatro Patalò, ZoeTeatro 131 PHILIPPE QUESNE CAVELAND CINECLUB Supercinema Piazza Marconi 1 dom . sun 17/07 h 11.00 > 13.00 h 16.00 > 18.00 4 euro 132 Chiara Mulas Alma Mater (2011) 8 min 32 sec Courtesy Chiara Mulas Kristina Solomoukha e Paolo Codeluppi Fayçal Baghriche Les Grottes Merveilleuses (2010) Lux Bella Rocca (2013) 3 min 10 min Caveland Cineclub is a selection of shorts and long movies focused on the topic of underground world of the cave, curated by Philippe Quesne and Magali Gentet (Parvis - Centre d’art contemporain). sab . sat 16/07 h 11.00 > 13.00 h 16.00 > 18.00 Philippe Quesne e César Vayssié The Mole New-York (2013) 10 min Courtesy Philippe Quesne Caveland Cineclub è una selezione di corti e lungometraggi sul mondo sotterraneo delle caverne, a cura di Philippe Quesne e Magali Gentet (Parvis - Centre d’art contemporain). Cortometraggi (short movies) ven . fri 15/07 h 11.00 > 13.00 h 16.00 > 18.00 CAVELAND CINECLUB / CORTOMETRAGGI (SHORT MOVIES) Film sab . sat 16/07 Apichatpong Weerasethakul Tropical Malady h 18.00 (118 min) THAI (sub eng) dom . sun 17/07 Antoine Boutet Le Plein Pays h 18.00 (58 min) FR (sub eng) 4 euro Courtesy César Vayssié e galleria Jérôme Poggi, Paris Courtesy Kristina Solomoukha e Paolo Codeluppi Pauline Cunier Jardin Grotta Profunda les humeurs du gouffre (2011) 30 min Virgine Yassef e Julien Prévieux L’arbre (2008) 7 min Courtesy Pauline Curnier Jardin Courtesy gli artisti e galleria GeorgePjilippe et Nathalie de Vallois, Paris Jean Daviot Grotte Boomerang (2008) Adrien Missika Darvaza (2011) Courtesy Jean Daviot Courtesy Adrien Missika e galleria Bugada & Cargnel, Paris Bertrand Lamarche Poursuites (2015-2016) 6 min 15 sec Courtesy Bertrand Lamarche e galleria Jérôme Poggi, Paris Bertrand Lamarche Bertrand Lamarche Vortex (2007) Courtesy Bertrand Lamarche e galleria Jérôme Poggi, Paris 133 SAB . SAT 16/07 CAVELAND CINECLUB / TROPICAL MALADY DOM . SUN 17/07 CAVELAND CINECLUB / LE PLEIN PAYS Apichatpong Weerasethakul Tropical Malady 118 min THAI (sub eng) Antoine Boutet Le Plein Pays (2009) 58 min FR (sub eng) Qualcosa di magico è nell’aria. I tempi sono felici e l’amore non è complicato per il giovane soldato Keng e il ragazzo di campagna Tong. Serate piacevoli con la famiglia di Tong, in città la notti sono piene di musica… Ma la vita viene distrutta da una scomparsa mentre una qualche specie di bestia selvatica sta decimando il bestiame. Una leggenda locale racconta che un essere umano può, in qualche modo, essere trasformato in un’altra creatura. Inizia così la storia di un soldato che entra da solo nel cuore della giungla, dove i miti sono spesso reali. Come un eremita, un uomo ha vissuto per trent’anni in una foresta francese. In solitudine, ha scavato tunnel e gallerie nella profondità sotterranea, decorandoli con antiche incisioni. Queste sarebbero sopravvissute a un disastro planetario già annunciato per poter trasmettere un messaggio profetico ai futuri abitanti della Terra. Il film narra questa esperienza, vissuta come alternativa alla società moderna, afflitta dall’umana abiezione e dalla disfatta, una volta per tutte, di un ideale mondo perfetto. Something magical is in the air. Times are happy and love is uncomplicated for young soldier Keng and country boy Tong. Pleasant evenings with Tong’s family, song-filled nights in town… Then life is disrupted by a disappearance. And some kind of wild beast has been slaughtering cows. Local legends say a human can somehow be transformed into another creature. Then begins a tale of a soldier who goes alone into the heart of the jungle, where myth is often real. A man has been living for thirty years as a recluse in a forest in France. Alone, he hews out deep underground tunnels and galleries, which he decorates with old-fashioned engravings. They must withstand the planetary disaster that has been announced, and they must explain a perceptive message, to future inhabitants of planet Earth. The film recounts this experience as lived on the sidelines of modern society, affected as it is by human wretchedness and the loss, once and for all, of a perfect world. Caveland Cineclub è co-prodotto da Le Parvis, Scène Nationale - Centre d’art contemporain. Caveland Cineclub is co-produced by Le Parvis, Scène Nationale - Centre d’art contemporain. Presentato a Santarcangelo in collaborazione con Associazione Dogville. Project presented in Santarcangelo with the collaboration of Associazione Dogville. 134 135 HUGO RACE MUSICA IN PIAZZA MONACHE Hugo Race (Melbourne) è un cantante, produttore e polistrumentista australiano. Chitarre, bassi, tastiere, sassofoni, sequencer, congas, sintetizzatori e organi Hammond sono gli strumenti che Race utilizza per costruire suoni in cui confluiscono folk, elettronica, rock e sperimentalismo. Attivo nella scena post-punk di Melbourne degli anni Ottanta, è stato membro di band note a livello internazionale, come Nick Cave and the Bad Seeds e The Wreckery. In più di trent’anni di attività, Hugo Race ha sviluppato progetti solisti e ha formato diversi gruppi, tra cui DirtMusic, Hugo Race Fatalists (dalla collaborazione con la band italiana Sacri Cuori), Sepiatone (duo con la musicista Marta Collica) e Long Distance Operators (con l’artista belga Catherine Graindorge). Con Hugo Race and the True Spirit, il suo progetto più longevo, pubblica nel 2015 il suo ultimo album, The Spirit, dai toni caldi, intimi e malinconici. Piazza Monache gio . thu 14/07 h 22.30 free Hugo Race (Melbourne) is an Australian singer, producer and multi-instrumentalist. Guitars, basses, keyboards, saxophones, sequencers, congas, synths and Hammond organs: in his music he put together folk, electronic music, rock and experimentalism. Coming from the 1980s post-punk scene in Melbourne, he was a member of internationally acclaimed bands, such as Nick Cave and the Bad Seeds, and The Wreckery. Besides his solo projects, he has engaged himself with other bands such as DirtMusic, Hugo Race Fatalists (born from the collaboration with the Italian band Sacri Cuori), Sepiatone (duo with the musician Marta Collica) and Long Distance Operators (with the Belgian artist Catherine Graindorge). His last album, The Spirit (2015), characterized by warm, intimate and melancholic tones, was born from his oldest musical projects, Hugo Race and the True Spirit band. In collaborazione con (in colleboration with) Strade Blu 136 137 CRISTINA KRISTAL RIZZO BOLEROEFFECT Lavatoio Via Ruggeri 16 ven . fri 08/07 h 21.30 (50 min) 13 euro BOLEROEFFECT ( RAPSODIA_THE LONG VERSION) Teorema Via Tosi 318 sab . sat 16/07 h 22.30 (50 min + 60 min) 13 euro 138 A Santarcangelo nel 2014, BoleroEffect aveva condotto il pubblico in una intensità e una mescolanza di generi, invitandolo a esplorare, attraverso la coreografia e la danza, un senso inedito di abbandono a uno stato di esaltazione e coinvolgimento collettivo. BoleroEffect torna a Santarcangelo come un percorso in grado di forzare la traiettoria di una massa eccitata. Cristina Kristal Rizzo dichiara con BoleroEffect il riferimento esplicito al Bolero di Maurice Ravel, probabilmente la partitura orchestrale più popolare esistente al mondo, scritta nel 1928 quando il compositore soffriva dei primi sintomi di FTD (demenza frontotemporale). Come un esercizio da comportamento compulsivo, Ravel costruisce l’intera composizione su una singola melodia divisa in due frasi, che si ripete nove volte. BoleroEffect somiglia a un’isola deserta, un luogo dove ricominciare, al di là dei contenuti, un tracciato sonoro in cui praticare delle turbolenze corporee e un’erotica del corpo che rompano la compostezza per spingersi verso altre dimensioni. Sul piano musicale, il progetto si articola attorno alla ricerca sonora di Palm Wine, le ritmiche da ballo costruiscono un ambiente sonoro composto da flussi decrescenti e dilatazioni, come in una sorta di dance hall post-globale. BoleroEffect tenta di attivare un luogo utopico di co-abitazione della scena in cui figura e sfondo si sfaldano, il corpo può prepararsi a una trasformazione e spostare il paradigma dal dominio a una nuova disposizione. Ma è mai possibile la definitiva rinuncia a tutte le proprie abitudini mentali? In BoleroEffect (Rapsodia_The Long Version), l’energia coinvolgente di BoleroEffect si espande, eccede il suo tempo coreografico per proseguire, a conclusione della performance, in una dance hall border-crossing aperta a tutti, a cura di Palm Wine. Come una corsa archeologica tra ritmi tropicali e suadenti melodie, BoleroEffect (Rapsodia_The Long Version) conduce gradualmente il pubblico nel tempo e nella dimensione della notte. 139 At its performance at Santarcangelo in 2014, BoleroEffect carried the audience into an intense mixture of genres, inviting them through choreography and dance to explore an unfamiliar sense of being abandoned in a state of exaltation and group involvement. It returns to Santarcangelo this year like a path down which thrilled audiences cannot help but surge. The title BoleroEffect is an explicit reference to Maurice Ravel’s Bolero, probably the most popular musical score in existence worldwide. It was composed in 1928 when Ravel was experiencing the first symptoms of FTD (frontotemporal dementia). Like an “exercise in compulsive behaviour”, Ravel constructed the entire composition around a single melody split into two phrases, which is repeated nine times. BoleroEffect is like a desert island, a place where leaving content behind, you once more take up a path made of sounds where your body’s turbulence, its erotic nature, demolish composure and modesty and lift it into other dimensions. As regards the music, the BoleroEffect project develops from sound research conducted by Palm Wine, where the dance rhythms create a sound environment in which ebbs and flows diminish, like a sort of post-global dance hall. BoleroEffect attempts to activate a utopian space where the stage is cohabited, where figures and background crumble away, and where the body can prepare itself for a transformation and shift the paradigm of dominion to a new arrangement. In BoleroEffect (Rapsodia_The Long Version) the stunning energy of BoleroEffect expands beyond its choreographic time to continue, after the performance, in a dance-hall bordercrossing open to all, under the guiding hand of Palm Wine. Like an archaeological path varying between tropical rhythms and seductive melodies, BoleroEffect (Rapsodia_The Long Version) gradually leads its audience into the time and scale of night. 140 © Ilaria Scarpa Ideazione (concept) Cristina Kristal Rizzo Danza (dance) Annamaria Ajmone, Cristina Rizzo, Simone Bertuzzi Elaborazione sonora e DJing (sound design and DJing) Simone Bertuzzi/Palm Wine Progetto luci (light design) Giulia Pastore Produzione (production) CAB008 Con il sostegno di (supported by) Regione Toscana e MiBACT Co-produzione (co-production) Biennale Danza di Venezia In collaborazione con (in collaboration with) Terni Festival Internazionale della Creazione Contemporanea 141 CRISTINA KRISTAL RIZZO PRÉLUDE anteprima Lavatoio Via Ruggeri 16 sab . sat 09/07 h 18.30 > 21.30 danza (dance) h 19.30 (60 min) dom . sun 10/07 h 17.30 > 20.30 danza (dance) h 18.30 (60 min) lun . mon 11/07 h 19.30 > 22.30 danza (dance) h 20.30 (60 min) 13 euro * * ingresso gratuito al termine della danza (free entry at the end of the dance) Un ensemble presuppone un’intensa vicinanza di corpi danzanti in un movimento singolare e simultaneo che rivela costantemente lo spazio della prossimità. Prélude, nuova creazione di Cristina Kristal Rizzo, parte da questo principio: una sequenza di movimenti semplici crea il tono ritmico di un gruppo che si posiziona in un tempo e in uno spazio in divenire, assecondando le geometrie della linea e della diagonale, immagini simbolo dell’architettura coreografica. Danza impersonale che apre a un’intimità infinitamente più ampia, Prélude è uno specchio nel quale riflettersi e avamposto verso il futuro, fa apparire un’immagine corporea multipla e la amplifica nello spazio tra reale e virtuale, tra carisma e casualità. Un preludio presuppone una partitura autonoma elaborata su elementi improvvisativi che precede, nella terminologia musicale, l’esecuzione lirica. Prélude è un’apertura a qualcosa che prenderà forma, in un tempo prossimo e diverso dal qui e ora. Durante le tre ore di apertura del Lavatoio, infatti, tre momenti e temporalità diverse si sovrappongono all’attraversamento dello spazio. Durante la prima e la terza ora di Prélude, viene trasmessa la testimonianza sonora di un evento specifico: tra il 26 dicembre del 1980 e il 1 gennaio del 1981, Sun Ra, musicista e pioniere afrofuturista, registrò con la sua Arkestra ventisei ore ininterrotte di composizioni e improvvisazioni, in una celebrazione continua condotta da musicisti, danzatori e pubblico. La riproduzione di quell’episodio è sia un tributo sia un modo per circoscrivere un momento centrale, durante la seconda ora di apertura dello spazio, in cui la danza di Prélude prende atto. La musica è affidata alle ricerche sonore di Palm Wine, che amplia i diversi tempi di visione e si attiva sulla scena, in un continuum sonoro spazio-temporale. Cristina Kristal Rizzo (Firenze) è una dance maker. Si è formata a New York alla Martha Graham School of Contemporary Dance, ha frequentato gli studi di Merce Cunningham e Trisha Brown. É tra i fondatori di Kinkaleri, compagnia con la quale ha collaborato attivamente. Dal 2008 ha intrapreso un percorso autonomo di produzione coreografica, indirizzando la propria ricerca verso una riflessione teorica dal forte impatto dinamico, tesa a rigenerare lo stesso atto di creazione e ad aprire riflessioni sul tempo presente. 142 143 An ensemble presupposes an intense closeness of bodies dancing in time with a specific, simultaneous movement, one that continuously reveals the space of proximity. Prélude, a new creation by Cristina Kristal Rizzo, takes as its point of departure the principle that a sequence of simple movements creates the rhythmic tone of a group positioned in a time and place that are in the process of becoming, while acknowledging the geometry of the lines and the diagonal, the images that symbolize the architecture of choreography. An impersonal dance that opens out to a far wider intimacy, Prélude is a mirror in which a multiple body appears reflected, like an outpost looking towards the future, and expands it within the space between the real and the virtual, between charisma and coincidence. A prelude presupposes an autonomous score, one developed on the basis of improvised elements that, according to musical terminology, precede its lyrical execution. Prélude is the opening to something that will take shape in a time that is close by yet different from what it is now. During the three hours when the Lavatoio is open, three separate moments and temporalities will impose themselves on the crossing of the space. During the first and third hours of Prélude the sound testimony of a specific event will be played: from 26 December 1980 to 1 January 1981, together with his band Arkestra, Afro-futurist pioneer and musician Sun Ra recorded twenty-six uninterrupted hours of compositions and improvisations in a continuous celebration led by dancers, musicians and spectators. The reproduction of this episode is both a tribute and a way of setting the stage for a central moment, the second hour the space is open, when the dance section of Prélude will be performed. The music for the performance is based on the sound research of Palm Wine, which expands times for watching and plays an active role on stage, in a sonorous space-time continuum. Cristina Kristal Rizzo (Firenze) is a dance maker. She attended the Martha Graham School of Contemporary Dance in New York, and the studies of Merce Cunningham and Trisha Brown. She is one of the Kinkaleri founders, to which she has actively collaborated across the international contemporary choreographic scene. Since 2008 she has begun an independent choreographic production, addressing her research to a theoretical reflection with a strong dynamic impact, whose purpose is to regenerate the act of creation itself and to start reasoning on the present time. 144 © JJ Concept Cristina Kristal Rizzo Danza (dance) Annamaria Ajmone, Linda Blomqvist, Vera Borghini, Tiana HemlockYensen, Leonardo Maietto, Alice Raffaelli, Charlie Laban Trier Elaborazione Sonora (Sound design) Simone Bertuzzi/Palm Wine Disegno luci (lights) Giulia Pastore Costumi (costumes) Caned Icoda Produzione (production) CAB008 Con il sostegno di (supported by) Regione Toscana e MiBACT In collaborazione con (in collaboration with) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza 145 MICHELE RIZZO HIGHER Teorema Via Tosi 318 sab . sat 09/07 dom . sun 10/07 h 23.00 (60 min) mar . tue 12/07 h 20.30 (60 min) + after talk 13 euro Higher è un rituale in cui la danza trae fondamento e ispirazione dall’esperienza del clubbing. Difficilmente ascrivibile a precise categorie formali, il ballo da discoteca assume invece un ruolo sociale, una forma di esperienza più simile alla preghiera e alla catarsi, personale e collettiva. Michele Rizzo sviluppa un’analisi culturale del clubbing a partire da un’idea di danza come linguaggio che, per dirla con la filosofa Julia Kristeva, riferimento teorico dell’artista, «trascenda l’umano, al fine di superare la crisi e risvegliare un nuovo Rinascimento»; una crisi delle identità che «come esseri umani coinvolti politicamente, sessualmente, religiosamente e attraverso l’identità famigliare stiamo subendo». Il potere catartico della danza diventa per Rizzo la chiave per uscire da questa condizione, e il luogo della discoteca l’ambiente ideale in cui svolgere un’attività non tanto ricreativa, ma trascendentale. In questo senso, la discoteca assume un’analogia profonda con il luogo della chiesa e l’esperienza del clubbing si assimila alla preghiera come celebrazione delle esistenze. Higher trasporta e traduce l’esperienza della discoteca nella rappresentazione teatrale, servendosi dei suoni elettronici di Lorenzo Senni e ponendo la danza come la pratica in grado di compensare il fatto di non poter mai essere altro che noi stessi. Il progetto trova inoltre origine da una serie di laboratori durante i quali Michele Rizzo tenta di insegnare a un pubblico di amatori e professionisti la danza da discoteca, proposti anche a Santarcangelo. Michele Rizzo (Lecce; Amsterdam) si diploma in coreografia nel 2011 presso l’SNDO (School for New Dance Development) di Amsterdam, dove attualmente insegna coreografia e ricerca sul movimento. Dal 2012 è sostenuto dal centro coreografico ICKamsterdam, e dal 2015 dal fondo olandese AFK Amsterdam Fonds vor de Kunst. La sua pratica artistica tocca discipline diverse, come performance, musica e arti visive. Ha lavorato con vari artisti, tra cui Julian Hetzel, Florentina Holzinger, Gertjan Franciscus, Vincent Riebeek, Igor Dobricic, e i musicisti LVM e Lorenzo Senni. 146 147 Higher is a dance ritual inspired by and based on the experience of clubbing. Disco dancing, which is not so easily ascribed to any precise category, assumes a social role instead, a form of experience closer to prayer and individual and group catharsis. Michele Rizzo develops a cultural analysis of clubbing based on the idea of dance as language, which, to quote the words of philosopher Julia Kristeva, «transcends the human in order to overcome such crises and awake a new Renaissance»; a crisis of identity that «as to be human embraced political, sexual, religious, familiar identity, we are undergoing». For Rizzo the cathartic power of dance becomes the key to leaving this condition behind and the discotheque, as place, the ideal environment for engaging in an activity that is not that recreational but rather transcendental. Seen in this way, a profound analogy emerges between the discotheque and the church, and the experience of clubbing with prayer, as a celebration of existence. Higher takes the discotheque experience and translates it into a representation on stage, using Lorenzo Senni’s electronic sounds, and putting dance forward as the activity capable of compensating for the fact of never being able to be anyone but oneself. The project is also based on a series of workshops during which Michele Rizzo sought to teach a group of amateurs and professionals disco dances; this is also being offered at Santarcangelo. © Alwin Poiana Michele Rizzo (Lecce; Amsterdam) is graduated in 2011 at the SNDO (School for new Dance Development, Amsterdam), where he is now a guest teacher in choreography and movement research. Since 2012 he is supported by the International Choreographic Art Centre ICKamsterdam, and since 2015 by AFK Amsterdam Fonds vor de Kunst. His artistic practice touches various disciplines, including performance, music and visual art. He has been working with various artists, such us Julian Hetzel, Florentina Holzinger, Gertjan Franciscus, Vincent Riebeek, Igor Dobricic, the musicians LVM and Lorenzo Senni. Ideazione e coreografia (concept and choreography) Michele Rizzo Musiche (music) Lorenzo Senni Con (with) Juan Pablo Camara, Max Goran, Michele Rizzo Progetto luci (light design) Michele Rizzo Produzione (production) Frascati Productions Amsterdam, ICK Amsterdam Supporto tecnico (technical support) Lukas Heistinger 148 149 66 MILLION YEARS / DOPOFESTIVAL MOBILE L DOPOFESTIVA E IL MOB MICHELE RIZZO Teorema Via Tosi 318 sab . sat 09/07 h 00.00 > 04.00 free Tech after Droni e dinosauri Tech after Drones and dinosaurs Djs landS (Amsterdam) Danilo Incorvaia (Milano) 150 151 R.Y.F. MUSICA IN PIAZZA MONACHE R.Y.F. (Ravenna) è l’acronimo di Restless Yellow Flowers, un solo intimista e minimalista di Francesca Morello, chitarra acustica e voce. I testi, in inglese, raccontano di amore queer, semplici emozioni quotidiane, ricordi e di piccoli animali che in realtà sono persone. Dopo un primo album autoprodotto nel 2011, lo scorso febbraio R.Y.F. pubblica il secondo lavoro, Love Songs For Freaks & Dead Souls, registrato da Francesco Giampaoli ed edito da Brutture Moderne. Con la sua musica, R.Y.F. introduce nuovi punti di vista e spinge a una immedesimazione nei personaggi che racconta, come una lucertola morente o qualcuno bloccato all’interno di una miniera scavata da un verme dentato. Alcuni testi ricordano le contraddizioni del peccato e le menzogne che ciascuno racconta a sé e agli altri. In fondo, forse noi tutti potremmo scoprirci freaks e dead souls. R.Y.F. (Ravenna) is the acronym of Restless Yellow Flowers, an intimist and minimalistic solo by Francesca Morello, acoustic guitar and voice. The lyrics, written in English, tell stories about queer loves, everyday simple emotions and memories, and about little animals representing real people. After the first album selfproduced in 2011, last February R.Y.F. launched a second album called Love Songs For Freaks & Dead Souls, recorded by Francesco Giampaoli and released by Brutture Moderne. RY.F.’s music let the audience adopt new points of view and forms of identification with her songs’ characters such as a dying lizard or someone stuck in a mine bored by a toothed worm. Her texts tell us about the contradictions of the sense of sin and lies that all of us tells ourselves and others. Perhaps, we are all freaks and dead souls. 152 Piazza Monache dom . sun 17/07 h 22.30 free 153 RONIN E GRUPPO NANOU STRETTAMENTE CONFIDENZIALE + RONIN Piazza Monache Grotta Stacchini mer . wed 13/07 RONIN LIVE h 21.30 > 23.30 gio . thu 14/07 h 21.30 > 23.30 Strettamente confidenziale è un evento installativo e coreografico ideato nel 2013 dal gruppo nanou e riproposto a ogni replica come opera unica e irripetibile. Il progetto è pensato per spazi non teatrali, come musei, gallerie d’arte e palazzi storici all’interno dei quali si sviluppa il percorso esplorativo dell’ospite/spettatore. A Santarcangelo, gruppo nanou costruisce insieme a Ronin una performance per gli spazi della Grotta Stacchini. gruppo nanou (Ravenna) è una compagnia fondata nel 2004 come luogo di incontro per diversi linguaggi e sensibilità, a partire dalla ricerca artistica di Marco Valerio Amico, Rhuena Bracci e Roberto Rettura. La coreografia diventa lessico comune in cui corpo, suono e immagine si incontrano e si fondono organicamente. I loro progetti sono caratterizzati da una ricerca costante dell’altrove, dal tentativo di sottrarre la realtà alla propria oggettività e di riconoscere negli spazi quotidiani il misterioso e il conturbante. Ronin (Ravenna) nasce nel 1999 dal desiderio di coniugare il western morriconiano e il folk mediterraneo e balcanico. A oggi, il gruppo è composto da Bruno Dorella (chitarra), Diego Pasini (basso), Cristian Naldi (chitarra) e Matteo Sideri (batteria e percussioni). 6 euro 154 155 Strettamente confidenziale is an installation and choreographic event elaborated in 2013 by gruppo nanou and performed as a unique and unrepeatable work for each venue. The project is thought for non-theatre locations, such as museums, art galleries and historic buildings in which the guests/audience can shape their explorative path. In Santarcangelo, gruppo nanou creates a performance for the spaces of the Grotta Stacchini, in collaboration with Ronin. gruppo nanou (Ravenna) is a company founded in 2004 as a meeting space for different languages and sensitivities which characterize the artistic research of Marco Valerio Amico, Rhuena Bracci and Roberto Rettura. Choreography becomes a common lexicon in which body, sound and image meet and orderly merge. Their projects are marked by an ongoing research of the elsewhere, by the attempt of removing the reality from our objectivity, and of recognizing mystery and perturbation in everyday places. Ronin (Ravenna) is born in 1999 from the wish of melting the Western themes by Ennio Morricone, and the Mediterranean and Balkan folk music. Nowadays the band is composed by Bruno Dorella (guitar), Diego Pasini (bass), Cristian Naldi (guitar), Matteo Sideri (drums and percussions). © Federico Ridolfi Di (by) Marco Valerio Amico, Rhuena Bracci Con (with) Sissj Bassani, Rhuena Bracci, Marco Maretti Suono (sound) Roberto Rettura Scene (scenes) Giovanni Marocco Musica dal vivo (Live music) Ronin, Francesca Amati Produzione (production) E/gruppo nanou Con il sostegno di (supported by) Cantieri Con il contributo di (with the contribution of) Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, Regione Emilia-Romagna Assessorato alla Cultura 156 157 SCENARIO LIVE SCENARIO LIVE progetto speciale Supercinema Piazza Marconi 1 mer . wed 13/07 h 15.00 > 19.30 free h 21.00 > 00.00 6 euro ITA 158 Il Premio Scenario, promosso dal 1987 dall’Associazione Scenario, giungerà, nel 2017, al suo trentesimo anno di attività. Scenario Live è un compleanno dell’anno prima, ospite di Santarcangelo Festival, che racconta gli ultimi ventinove anni del premio con un evento speciale. Durante la giornata del 13 luglio, si susseguiranno sul palcoscenico del Supercinema gli artisti vincitori e segnalati da Scenario durante i suoi ultimi quindici anni di percorso, in un momento di festa cadenzato da frammenti performativi, spettacoli e testimonianze video dei protagonisti del premio, per disegnare il panorama di cui Scenario ha nel tempo nutrito le radici e aperto le porte del domani. Tra i molti che parteciperanno: Emma Dante, Teatro dell’Orsa, Teatro Sotterraneo, Babilonia Teatri, (ex) Pathosformel, Anagoor, Marta Cuscunà, Odemà, Carullo/Minasi, Fratelli Dalla Via, Collettivo InternoEnki, Giuliano Scarpinato, ScenaMadre, Caroline Baglioni, Angela Demattè… E, a conclusione della serata, un djset a cura di After Codice. In occasione di Scenario Live, verrà presentato il bando del Premio Scenario 2017, edizione trentennale che comprenderà i premi Scenario, Scenario per Ustica e Scenario Infanzia, dopo la sospensione del 2016, dovuta al mancato riconoscimento ministeriale. L’Associazione Scenario continua la sua attività di integrazione nel contesto nazionale e di radicamento territoriale, con la nuova sede a Bologna e una identità collettiva composta di ventinove soci distribuiti in molte regioni italiane. 159 In 2017, the Premio Scenario, which was established by the Associazione Scenario in 1987, will reach its thirtieth year. Hosted by Santarcangelo, Scenario Live will be its birthday party from the year before, which tells the story of the prize’s twentynine years. On 13 July, a special event will take place. That day, the artists who won the prize or were honoured by Scenario every year from 2000 to today, will follow each other on stage, in a festive occasion enlivened by performance excerpts, shows and video clips of the prize winners, thus demonstrating the cyclorama whose roots Scenario has nourished from the start, opening the doors to tomorrow. Among the many guests taking part will be: Emma Dante, Teatro dell’Orsa, Teatro Sotterraneo, Babilonia Teatri, (ex) Pathosformel, Anagoor, Marta Cuscunà, Odemà, Carullo/Minasi, Fratelli Dalla Via, Collettivo InternoEnki, Giuliano Scarpinato, ScenaMadre, Caroline Baglioni, Angela Demattè… And at the end of the evening, there will be a DJ gig featuring After Codice. During Scenario Live, the call will be made for entries for the 2017 Scenario Prize, its thirtieth competition, which will include the Scenario, Scenario per Ustica and Scenario Infanzia prizes, back again after being dropped in 2016 for lack of government recognition. With its new head office in Bologna and its special group identity – its twenty-nine members hail from many different regions in the country - the Associazione Scenario pursues its mission of integrating into the national context and developing local roots. 160 © Tomaso Mario Bolis Evento speciale a cura di (special event by) Associazione Scenario Con la collaborazione di (with the collaboration of) Regione Emilia-Romagna Soci Associazione Scenario (Associazione Scenario members) Ancona AMAT Associazione Marchigiana Attività Teatrali; Bari Teatri di Bari Consorzio Società Cooperativa Teatro di Rilevante Interesse Culturale; Bassano del Grappa Operaestate Festival Veneto; Bergamo Il Teatro Prova; Bologna Centro di promozione teatrale La Soffitta, Teatri di Vita; Cagliari Cada Die Teatro; Cascina Fondazione Sipario Toscana La Città del Teatro Onlus Centro di Produzione Teatrale; Empoli Giallo Mare Minimal Teatro; Faenza Teatro Due Mondi; Forlì Accademia Perduta/ Romagna Teatri Centro di Produzione Teatrale; Genova Fondazione Luzzati Teatro della Tosse Onlus Teatro di Rilevante Interesse Culturale; Milano ATIR Teatro Ringhiera, Teatro del Buratto Centro di Produzione Teatrale, Campo Teatrale, CRT Milano Centro di Produzione Teatrale; Napoli Teatro Bellini Centro di Produzione Teatrale; Oppeano Babilonia Teatri; Parma Teatro Delle Briciole Solares Fondazione delle Arti Centro di Produzione Teatrale; Perugia Fontemaggiore Soc. Coop. Centro di Produzione Teatrale; Pescara Florian Metateatro Centro di Produzione Teatrale; Piacenza Teatro Gioco Vita Centro di Produzione Teatrale; Ravenna Ravenna Teatro Centro di Produzione Teatrale; Roma Area 06, Sala Umberto; San Lazzaro di Savena Compagnia Teatro dell’Argine; Teramo ACS Abruzzo Circuito Spettacolo; Udine CSS Teatro Stabile d’Innovazione del FVG Centro di Produzione Teatrale; Vicenza La Piccionaia Centro di Produzione Teatrale 161 ALESSANDRO SCIARRONI JOSEPH_KIDS Sferisterio Via Faini 8 lun . mon 11/07 h 21.30 (30 min) 6 euro / 2 euro ATTRAVERSO LO SPECCHIO Una webcam è una piccola telecamera, un dispositivo installato sui computer che, fissandoci, trasmette la nostra immagine e la rende fruibile da altri occhi, attraverso altri schermi. Così, davanti allo sguardo fisso e meccanico della webcam, tutti diventiamo attori. Conquistato da questo semplice principio, Alessandro Sciarroni ha immaginato un uomo solo, di spalle al suo “vero” pubblico e di fronte allo schermo del suo portatile, che danza davanti alla webcam e gioca con la sua immagine, deformandola, scomponendola, rifrangendola in raggi di luce e forme inedite. JOSEPH_kids coinvolge i bambini nella caccia al tesoro, divertente e rivelatrice, di un’immagine di sé che si scopre sfuggente, fluida, sorprendente. Il giovane pubblico, nell’arco di questo monologo fisico dal finale imprevisto, scoprirà nei mezzi tecnologici una magia inaspettata, uno sguardo davanti al quale le sembianze umane possono mutarsi in forme aliene e fantastiche, uno strumento ludico per creare mondi nuovi. Alessandro Sciarroni (San Benedetto del Tronto) esplora l’intersezione dei diversi linguaggi della danza contemporanea, del teatro e delle arti performative. Dopo il successo di Joseph (2011), il suo primo solo, Sciarroni ha ripensato lo spettacolo in una versione destinata a un pubblico d’infanzia, JOSEPH_kids (2013). Nel 2015 collabora a Migrant Bodies, un progetto di ricerca e produzione coreografica che ha l’obiettivo di promuovere riflessioni sul tema della migrazione e sul suo impatto culturale nelle società europea e canadese. 162 163 A webcam is a small video camera, a computer device that focuses on us and posts our picture so that it can be used by other eyes, on other screens. In this way, we all become actors facing the fixed, mechanical stare of the webcam. Overwhelmed by this simple principle, Alessandro Sciarroni has imagined a single man, facing the screen on his mobile, his back turned to the “real” public, dancing in front of the webcam and playing with his image, editing it, taking it to pieces, breaking it up into rays of light and novel forms. JOSEPH_kids involves children in an exciting, revealing treasure hunt in search of an image of themselves they will find to be fleeting, fluid and surprising. Travelling down this physical monologue with its unexpected finale, the young audience will discover an equally unexpected magic in technologies, an eye before which human resemblances can change into alien fantasy forms, a game tool to create new worlds. Alessandro Sciarroni (San Benedetto del Tronto) explores the intersection of the different languages of contemporary dance, theatre and performative arts. After the success of Joseph (2011), his first solo, Sciarroni has rethought his performance creating a new version targeted towards children, JOSEPH_kids (2013). In 2015 he collaborates to Migrant Bodies, a research and choreographic production project aiming to promote the reflection on the issue of migrations and on their cultural impact on the European and Canadian societies. 164 © Futura Tittaferrante Con (with) Michele Di Stefano, Marco D’Agostin o Marco D’agostin, Amy Bell Produzione (production) Corpoceleste_C.C.00# Co-produzione (co-production) Armunia/Festival Inequilibrio Con il sostegno di (supported by) Marche Teatro In collaborazione con (in collaboration with) Teatro Pubblico Pugliese/Scena dei Ragazzi 165 ALESSANDRO SCIARRONI / COSIMO TERLIZZI AURORA, UN PERCORSO DI CREAZIONE un film di Cosimo Terlizzi su Aurora di Alessandro Sciarroni a film by Cosimo Terlizzi based on Aurora by Alessandro Sciarroni Supercinema Piazza Marconi 1 dom . sun 10/07 h 18.00 (60 min) 4 euro ITA - ENG - FR Il goalball è un gioco di squadra, uno sport paralimpico creato per ipovedenti e non vedenti. Trasferendo il contesto di questa pratica dalla palestra alla scena e trasformando, così, gli atleti in performer, il coreografo Alessandro Sciarroni avvia una riflessione sulla percezione sensoriale, con un processo di slittamento dalla vista all’udito e al movimento centrato sul ritmo dell’azione. L’artista Cosimo Terlizzi realizza, con il suo film Aurora, un percorso di creazione, una sorta di diario che documenta l’esperienza di Aurora e racconta le vite personali degli atleti, il training, le prove, il processo di ricerca e metamorfosi. Partendo dalla visione, Terlizzi ci invita a riconsiderare altre angolazioni e a interrogarci sullo statuto del sentire. Cosimo Terlizzi (Bitonto) è un artista italiano che vive e lavora in Svizzera. Il suo lavoro, sviluppato attraverso l’uso di diversi media, dalla fotografia alla performance, dalla video arte al linguaggio filmico, è stato presentato in diversi musei, gallerie e festival. Goalball is a team game, a paralympic sport made up for the visually impaired and blind. By moving this game from the court to the stage and turning the players into performers, choreographer Alessandro Sciarroni opens the door to reflection on sensory perception through a process of slipping from the visual to the auditory, and movement centred on the rhythm of action. With his film Aurora, un percorso di creazione, artist Cosimo Terlizzi creates a sort of diary that documents the experience of Aurora and tells the personal life stories of the goalball players, their training, tests, research processes and metamorphoses. Starting from the visual, Terlizzi invites us to rethink other perspectives and ask about the statute of hearing. Cosimo Terlizzi (Bitonto) is an Italian artist who lives and works in Switzerland. His work uses various media, from photography to performance, from video to film language, and has been shown in various museums and galleries, and at various festivals. 166 167 THE SOFT MOON MUSICA IN PIAZZA MONACHE The Soft Moon (Oakland) è un progetto post-punk/elettro-darkwave fondato nel 2009 dal musicista Luis Vasquez, a partire dalla ricerca del lato “morbido” e oscuro della luna, una superficie insidiosa fatta di incubi e paranoie del mondo contemporaneo. The Soft Moon è una musica dalle tinte oscure e dalle ritmiche metrononimiche; i brani, tra fughe psichedeliche e percussioni ossessive come nei riti vudù, si rivelano inquietanti, coinvolgenti e malinconici. L’ultimo album, Deeper del 2015, composto da Vasquez in totale solitudine tra Venezia e Berlino e prodotto da Maurizio Baggio, è una sorta di manifesto dell’introspezione, composto da autoanalisi, esplorazione intensa dell’esistenza e un percorso solitario nelle proprie vulnerabilità, paure e guarigioni. The Soft Moon (Oakland) is a post-punk/electro-darkwave project founded in 2009 by Luis Vasquez, looking for the “soft” and dark side of the moon, a treacherous surface made of nightmares and paranoias of the contemporary world. The result is an extremely dark music with metronomic rhythms. Due to their psychedelic fugues and their obsessive and evocative percussions similar to tribal voodoo rites, his pieces seem to come from another world. They are disturbing, engaging and melancholic. Deeper, his last album released in 2015, was composed in complete loneliness in Venice and Berlin, and it was produced by Maurizio Baggio. It is a concept about introspection, resulting from Luis Vasquez’s self-analysis, that is an intense investigation on life, a lonely journey through his own vulnerability, fear and recovery. 168 © Vincent Arbelet Piazza Monache mar . tue 12/07 h 22.30 free 169 MÅRTEN SPÅNGBERG NATTEN prima nazionale ITSE Molari Via Orsini 19 sab . sat 16/07 h 23.00 > 06.00 dom . sun 17/07 h 23.00 > 08.30 13 euro alla fine dello spettacolo, verranno offerti caffè e brioches calde (after the show, coffee and pastries will be offered to the audience) Mårten Spångberg torna a Santarcangelo dopo The Nature, ospite dell’edizione 2014 del Festival, con una notte senza fine. Natten è una «danza dell’orrore», con cui Spångberg, ancora una volta, sfida il concetto di coreografia, gettandolo nell’esperienza. In una delle palestre dell’ITSE Molari, nove danzatori accompagnano il pubblico in un viaggio nel cuore oscuro della notte. Per Spångberg, la notte è l’unico luogo in cui gli uomini possono davvero essere, dove possono sfuggire alla tirannia del tempo, alle logiche di scansione della vita dettate dal neocapitalismo. Nell’oscurità, «le piante non possono essere più distinte dagli animali; gli insetti sono identici ai petali delle rose che adornano un cespuglio». La notte non rappresenta la morte, ma la vita e il buio non è solo assenza di luce, ma si sostanzia della materialità degli oggetti, della «pelle fredda e chiara, umida di sudore, in una ripetizione senza ordine». L’uno accanto all’altro, senza averne lucida percezione, i corpi dei danzatori e del pubblico si sfiorano, compaiono e lentamente si scostano da una lieve luminosità, dove «la danza esiste senza di noi». Natten è un viaggio in un’eternità astratta e una profondità imperscrutabile. Con due repliche, la seconda a conclusione del Festival, lo spettacolo condurrà il pubblico verso un domani che indossa ancora le vesti di ieri. Lo spazio diventa una membrana oscura in cui entrare e uscire ogni volta che lo si desidera, dove osservare, sognare, dormire e guardare in faccia i propri mostri. Il nero non è abbastanza, Natten è più scuro del nero, è più buio della notte. Mårten Spångberg (Stockholm; Brussels) è un coreografo e performer, attivo nel campo della ricerca relativa ai concetti e alle pratiche di danza e coreografia. Dal 1999, realizza coreografie proprie, replicate a livello internazionale. Dal 1996 al 2005, ha organizzato e curato diversi Festival, in Svezia e nel mondo. Nel 2006 fonda il network INPEX, con cui ha pubblicato i quattro volumi di The Swedish Dance History. Come pedagogo e insegnate, ha diretto, dal 2008 al 2012 il Master in coreografia dell’Università della Danza di Stoccolma. Del 2011 il suo primo libro, Spangbergianism. 170 171 After presenting The Nature here in 2014, Mårten Spångberg returns to Santarcangelo with a night without end. Natten is a «horror dance» in which Spångberg once again challenges the concept of choreography by throwing it into the experience of life. In one of the gymnasia at ITSE Molari, nine dancers accompany the audience on a journey to the dark heart of night. For Spångberg, night is the only place where people can truly be, where they can escape the tyrannical rule of time, the logic of lifescanning as ordered by neocapitalism. In the dark, «plants can no longer be distinguished from animals; insects are identical to the rose petals that adorn a bush». Night does not represent death but life, and light is not just an absence of light but becomes real in the material nature of objects, in the «pale, cold skin, moist with sweat, repetition without order». The bodies of the dancers and the audience, so close to each other yet each without a clear perception of the other, appear and slowly move away from a gentle light, where «dance exists without us». Natten is a journey into an abstract eternity and an imperceptible darkness. It will be performed twice, the second time at the end of the Festival, and will lead the audience into a tomorrow where yesterday’s clothes are still being worn. Space becomes a dark membrane that whoever wants to can enter, there to observe, dream, sleep and look at his or her own monsters in the face. Blackness is not enough. Natten is darker than black, darker than night. Mårten Spångberg (Stockholm; Brussels) is a choreographer and performance artist who is also active in the field of research into the concepts and practice of dance and choreography. Since 1999, he has created his own choreographies, which have toured internationally. From 1996 to 2005, he organized and managed festivals in Sweden and around the world. In 2006 he founded the network INPEX, publishing through it the four-volume work The Swedish Dance History. From 2008 to 2012, he directed the choreography masters programme at the University College of Dance, in Stockholm. He published his first book, Spangbergianism, in 2011. © Luca Ghedini Di e con (by and with) Tamara Alegre, Simon Asencio, Linda Blomqvist, Louise Dahl, Emma Daniel, Hana Lee Erdman, Adriano Wilfert Jensen, Mårten Spångberg, Else Tunemyr, Alexandra Tveit, Marika Troili In collaborazione con (in collaboration with) Xing/Live Arts Week (Bologna), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), Black Box Theatre (Oslo), Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza, MDT Stockholm Con il supporto di (supported by) PAF St. Erme Con il contributo di (with the support of) The Swedish Arts Grants Committee, The Swedish Art Council Presentato in Italia in collaborazione con Xing/Live Arts Week. Presented in Italy in collaboration with Xing/Live Arts Week. 172 173 SPAZIO DEI MIRACOLI SPAZIO DEI MIRACOLI Giardino Monte di Pietà Via della Costa 15 ven . fri 08/07 > dom . sun 10/07 «Lo Spazio dei miracoli è uno spazio in cui nell’arco dei tre giorni, senza scaletta e senza certezza che avvengano effettivamente, le seguenti sette cose potrebbero succedere: 1) una pioggia di una decina di secondi dal terreno verso il cielo; 2) un dialogo tra cani; 3) le mattonelle che fanno interferenza captando conversazioni telefoniche tra diversi punti del mondo, producendo suono e vibrazione quasi impercettibile (provare ad appoggiare l’orecchio); 4) l’apparizione di un arcobaleno di circa 20 centimetri di raggio; 5) la certezza di essere un’altra persona; 6) una colazione notturna spontanea; 7) una manifestazione di formiche, con repressione da parte delle stesse.» Ispirato a Not only but also, quarto volume di How to build a manifesto for the future of a festival. free 174 175 «The Space of miracles is a space where during a three-day period the following seven things might occur, with no schedule and no certainty that they actually will: 1) a shower of rain lasting about ten seconds, falling from the ground to the sky; 2) a dialogue between dogs; 3) interference tiles picking up telephone conversations between different parts of the world and producing almost imperceptible sound and vibration (try and put your ear on top of them); 4) the appearance of a rainbow with a radius of about twenty centimetres; 5) the certainty of being another person; 6) a spontaneous night breakfast; 7) a demonstration of ants, stopped by the same.» Inspired by Not only but also, the fourth issue of How to Build a Manifesto for the future of the festival. 176 177 EXIL#11 /COUNTDOWN /DOPOFESTIVAL MOBILE L DOPOFESTIVA MOBILE STRASSE Teorema Via Tosi 318 sab . sat 16/07 h 00.30 > 04.00 free Exil#11/Countdown è un una festa concepita come opening party nell’ultima notte del Festival: l’apertura della fine, un rito che accompagna il salto. Inauguriamo insieme l’inizio del Festival, ci prepariamo alla partenza, scegliamo il nostro abito migliore. É importante arrivare puntuali per l’inizio della cerimonia. Exil è una serata che nasce in alcuni spazi occupati di Milano come forma di autofinanziamento dei progetti di Strasse. Avvicina contesti artistici, politici e culturali che altrimenti non si incontrerebbero, e fa della precarietà del lavoro artistico una forza, una possibilità di rapidità, cambiamento, e relazione costruttiva con il fuori che ci faccia scoprire simili, desideranti, centrati. Exil#11/Countdown is like an opening party that is being held on the last night of the Festival: the opening of the end, the ritual accompanying the leap. Together let us open the beginning of the Festival, get ready for the start, and choose our best clothes. It’s important to get to the beginning of the ceremony on time. Exil is an evening that came to life in a number of occupied spaces in Milan as a sort of street-project self-financing activity. It approaches artistic, political and cultural contexts that otherwise would never be encountered, and out of the precarious nature of artistic work it creates strength, the possibility of speed, change and a constructive relationship with the outside that leads us to discover that we are similar, focused, with similar desires. 178 179 TEATRO DELLE BRICIOLE ERA IERI Sferisterio Via Faini 8 sab . sat 16/07 h 21.30 (45 min) 6 euro / 2 euro ITA - ENG ATTRAVERSO LO SPECCHIO L’apatosauro, un erbivoro dal collo lungo e dalle dimensioni enormi appartenente alla famiglia Diplodocida, era un animale gigantesco, pesante e, soprattutto, lento. Di un tempo anch’esso lento e lontanissimo, milioni e milioni di anni dal nostro presente, racconta le proprie memorie un osso ritrovato da due paleontologi, memorie di un passato realmente accaduto, ma così misterioso, così affascinante da confondersi col mito. L’apatosauro, l’animale preistorico a cui l’osso era appartenuto, prende vita riportando il pubblico indietro nel tempo, quando sulla terra dominata dai dinosauri c’erano pochi colori e il clima cambiava improvvisamente. In scena, gli oggetti sono ridotti al minimo per aumentare il carico significante: i dinosauri sono un solo tipo di dinosauro, la vegetazione minimizzata a una pianta soltanto. Da questi pochi oggetti simbolici prende vita uno spettacolo che fonde le domande della scienza all’immaginifico del teatro, portando i bambini a varcare continuamente la soglia tra vero e falso, storia e fantasia, fino al gran finale in cui il passato primordiale diventa uno spettacolo unico e straordinario. Teatro delle Briciole (Parma), fondato nel 1976, primo in Italia a dar vita a un Centro Stabile di Produzione, Programmazione e Ricerca Teatro Ragazzi e Giovani, ha creato un nuovo genere teatrale, il micro-teatro, fondato sulla forza metaforica degli oggetti e sulla materia nel suo farsi artigianale. Riconosciuto, nel 2015, dal Ministero per i beni e le attività culturali come Centro di Produzione, il Teatro delle Briciole si è fatto promotore dell’esperienza dei cantieri, veri e propri contesti produttivi, mobili ma unitari nell’accogliere più progetti spettacolari. 180 181 Apatosaurus was an enormous, long-necked herbivore of the genus Diplodocus, huge, heavy, and above all very slow. Its memories, and those of a time, itself slow and very distant, in fact millions and millions of years ago, are told by a bone that was discovered by two palaeontologists. These are memories of a time in the past that really occurred, yet is so mysterious, so fascinating that it can be mistaken for mythology. Apatosaurus, the prehistoric animal the bone belonged to, is brought to life by carrying the public back to the time when the earth, then dominated by dinosaurs, had few colors, and the climate would suddenly change. On stage, objects are reduced to minimal size so as to maximize the meaning they bear: the dinosaurs are just one species of dinosaur, the vegetation is reduced to a single plant. Yet from these few symbolic objects a spectacle emerges that fuses the questions raised by science and the ability of theatre to create images, thus continually leading children across the borderline between true and false, history and fantasy, until the grand finale, when the ancient past becomes a unique, extraordinary spectacle. Teatro delle Briciole (Parma) was founded in 1976. It is the first experience of a Centro Stabile di Produzione, Programmazione e Ricerca Teatro Ragazzi e Giovani (Civic Centre of Production, Planning and Research on Children and Youth Theatre) in Italy. It has created a new theatre genre, the micro-theatre, based on the metaphorical force of the objects and on handcrafted matter. Acknowledged in 2015 by the Italian Ministry of Cultural Heritage as a Production Centre, Teatro delle Briciole has become a promoter of cantieri experience, authentic mobile and unitary contexts of production which welcome several spectacular projects. Di (by) Beatrice Baruffini, Agnese Scotti Regia (direction) Beatrice Baruffini Con (with) Simone Evangelisti, Beatrice Baruffini Ideazione scene e oggetti (Scene and pops design) Andrea Bovaia Assistente alla regia (director assistant) Virgina Canali Ideazione luci (light design) Emiliano Curà Musiche (music) Mario Asti, Valerio Carboni Voce (voice) Claudio Guain Tecnico (technician) Dario Andreoli Produzione (production) Teatro delle Briciole/Solares Fondazione delle Arti 182 183 MICHELE TRENTINI ALTA SCUOLA Sferisterio Via Faini 8 mer . wed 13/07 h 21.30 (72 min) free ITA ATTRAVERSO LO SPECCHIO A Peio, paese situato a 1585 metri di altitudine, la scuola elementare pluriclasse che contava ventidue alunni è stata soppressa nel 2011 per volere della Provincia Autonoma di Trento, che ha previsto per i bambini dei diversi centri abitati della Val di Peio un moderno plesso scolastico collocato nel fondovalle. Alcune famiglie, convinte che la scuola in paese svolgesse un ruolo importante per l’intera comunità, hanno optato per l’istruzione parentale, prevista dalla Costituzione Italiana, dando vita a Scuola Peio Viva. Al piano terra di una casa privata, i genitori e alcuni insegnanti volontari, a titolo gratuito, fanno scuola assieme a nove bambini, dalla prima alla quinta classe; a Scuola Peio Viva non si danno voti. Presentato al Trento Film Festival nel maggio 2016, Alta scuola è un documentario di Michele Trentini. Il booklet Alta Scuola. Storia di una utopia concreta, a cura di Giulia Mirandola, accompagna il film e intreccia le voci di testimoni diretti a quelle di osservatori d’eccezione, con scritti del maestro Alberto Delpero, dell’insegnante di matematica Fulvio Iachelini, del geografo Mauro Varotto, del maestro Franco Lorenzoni, della scrittrice Giusi Quarenghi e della scrittrice Giovanna Zoboli, con illustrazioni inedite di Marina Girardi. Michele Trentini (Rovereto) svolge attività di ricerca e di documentazione utilizzando i metodi dell’antropologia visuale ed è autore di numerosi documentari, tra i quali Furriadroxus (2005), Cheyenne, trent’anni (2009), Tre carnevali e ½ (2007, Premio Nigra - Antropologia Visiva 2007), Contadini di montagna (2015). Gli autori del booklet Alta Scuola. Storia di una utopia concreta sono: Alberto Delpero (maestro elementare, tra i fondatori e insegnanti volontari di Scuola Peio Viva), Fulvio Iachelini (docente di matematica e fisica, a Scuola Peio Viva ha insegnato matematica), Franco Lorenzoni (maestro elementare, fondatore della Casa-laboratorio di Cenci), Giulia Mirandola (pedagoga), Giusi Quarenghi (scrittrice), Mauro Varotto (professore associato di Geografia all’Università di Padova), Giovanna Zoboli (scrittrice ed editrice, fondatrice con Paolo Canton della casa editrice Topipittori) 184 185 In 2011, the elementary school in Peio, a mountain village in northern Italy (alt. 1585 m.), with twenty-two pupils of different ages, was closed on the decision of the Autonomous Province of Trento, which had a modern school complex built in the lower valley for all the schoolchildren living in the villages in the Val di Peio. Some of the families, holding hard to their belief that a village school plays a vital role in the life of the entire community, chose to adopt parental teaching, as provided by the Italian Constitution, and founded the Scuola Peio Viva. On the ground floor of a private home, parents and volunteer teachers provide schooling together, free of charge, for nine children, from grades one through five. And at Scuola Peio Viva children are not graded. Alta scuola is a documentary by Michele Trentini. It was presented at the Trento Film Festival in May 2016, accompanied by Alta Scuola. Storia di una utopia concreta, a brochure edited by Giulia Mirandola in which statements from first-hand witnesses interweave with others from outstanding observers, as well as written contributions from teachers Alberto Delparo and Franco Lorenzoni, mathematics teacher Fulvio Iachelini, geographer Mauro Varotto, and authors Giusi Quarenghi and Giovanna Zoboli. It also includes unpublished illustrations by Marina Girardi. Michele Trentini (Rovereto) conducts research and documentation activities by means of visual anthropology. He is the author of several documentaries, such as Furriadroxus (2005), Cheyenne, trent’anni (2009), Tre carnevali e ½ (2007, Nigra Prize - Antropologia Visiva 2007), Contadini di montagna (2015). The authors of the booklet Alta Scuola. Storia di una utopia concreta: Alberto Delpero (primary school teacher, one of the founders and volunteer teachers of Scuola Peio Viva); Fulvio Iachelini (maths and physics teacher, in Scuola Peio Viva he teaches maths); Franco Lorenzoni (primary school teacher, he founded and coordinated Cenci Casalaboratorio); Giulia Mirandola (pedagogue), Giusi Quarenghi (writer); Mauro Varotto (associate professor of Geography at the University of Padua); Giovanna Zoboli (writer and publisher. In partnership with Paolo Canton she is founder of the publishing house Topipittori). Da un’idea di (from an idea of) Giulia Mirandola Regia, fotografia e montaggio (direction, photography and editing) Michele Trentini Ricerca (research) Giulia Mirandola, Michele Trentini Suono (sound) Schroeder Produzione (production) Trotzdem Film © 2016 Con il supporto di (supported by) Club Alpino Italiano - Gruppo Terre Alte Con immagini tratte dal film Legna Viva di Giuseppe Šebesta (1963), utilizzate per gentile concessione del Bersntoler Kulturinstitut-Istituto Culturale Mòcheno © With pictures from the movie Legna Viva by Giuseppe Šebesta (1963), kindly granted by Bersntoler Kulturinstitut-Istituto Culturale Mòcheno © Fotografie (pictures) Giulia Mirandola, Ivo Casolla, Marina Girardi Illustrazioni (illustrations) Marina Girardi In copertina del booklet (On the booklet cover) Fatima Anwar, Nicola Moreschini Alta scuola è stato presentato al Trento Film Festival nel maggio 2016. Alta scuola has been presented at the Trento Film Festival, in May 2016. 186 187 VAGHE STELLE MUSICA IN PIAZZA MONACHE Vaghe Stelle (Torino), nome d’arte di Daniele Mana, è un progetto di stelle, ricordi e sintetizzatori. Il nome deriva direttamente dall’immaginario da cui nasce: la passione per gli astri e per i film di fantascienza, Le Ricordanze di Leopardi e il film di Luchino Visconti, Vaghe Stelle dell’Orsa. La musica di Vaghe Stelle, cosmica, malinconica e rarefatta, attinge da memorie e immagini che affiorano alla mente e da strani sogni notturni. Del 2009, l’EP di esordio Cicli 1, accolto con interesse nel panorama della musica elettronica italiana. I suoi ultimi due lavori, Abstract Speed + Sound (il cui titolo è un riferimento all’opera del pittore e scultore Giacomo Balla) del 2015 e l’EP The Full Stream Ahead: The Prologue del 2016 sono stati prodotti e pubblicati da Nicolas Jaar con l’etichetta Other People. Vaghe Stelle è una musica da soundsystem, ma introspettiva, per un ascolto intimo e personale. Vaghe Stelle (Torino), stage name of artist Daniele Mana, is a project about stars, memories and synths. The project name itself makes clear the imagery from which it originates – the passion for stars and science fiction movies, Recollections by Leopardi and the Italian title Vaghe Stelle dell’Orsa of the movie by Luchino Visconti Of These Thousands Pleasures. The cosmic, futuristic, melancholic and rarefied music by Vaghe Stelle draws from memories, images coming to mind and strange night dreams. His last two works, Abstract Speed + Sound (whose title refers to the work of the painter and sculptor Giacomo Balla) in 2015 and the EP The Full Stream Ahead: The Prologue in 2016 were released by the producer Nicolas Jaar with his label Other People. It is characterized by a sound system and at the same time introspective music for an intimate and personal listening. Piazza Monache ven . fri 15/07 h 22.30 free In collaborazione con (in colleboration with) Polar Music and Management 188 189 ZAPRUDER FILMMAKERSGROUP L’INVINCIBILE. ASCESA ALL’OLIMPO prima assoluta Parco Campo della Fiera Via de Bosis - Via Faini sab . sat 09/07 h 22.00 free «Sedici metri di altezza non sono nulla rispetto all’universo e molto probabilmente da sedici metri non si scopre molto di più che da terra. Ma è come ci si arriva, a quei sedici metri, che è interessante.» Immaginiamo di ascoltare queste parole dalla voce di un Ercole in carne e ossa, pronto ad affrontare l’ultima delle sue fatiche, la più impervia e più importante, che lo condurrà al regno divino, alla natura terrestre e quella celeste, per l’eternità. Immaginiamo di assistere a quella scena, trascesa dal tempo del mito alla realtà. Una salita ardita, una micidiale macchina a tempo che scandisce una sfida feroce. Le squadre in gara, composte da quattro persone ciascuna, si fronteggiano su una pertica alta sedici metri, una catena umana di corpi stretta attorno a un palo ricoperto di grasso. Una cuccagna, come tante nella tradizione locale, allo Sferisterio si trasforma e, solo per una volta, diventa l’Ascesa all’Olimpo. La musica degli ZEUS! scandisce questo incedere frenetico verso il cielo di scalatori che intendono raggiungere le stelle. Ascesa all’Olimpo è un episodio del ciclo filmico L’invincibile che Zapruder filmmakersgroup dedica alle fatiche di Ercole, in mostra al MAXXI di Roma dal prossimo ottobre, che al Festival di Santarcangelo prende forma, si fa corpo. Abbandoneremo la terra guardando verso il cielo, dove nasce e giunge il mito di Ercole. E salendo saremo finalmente in quello spazio di mezzo, in cui si è a contatto solo con l’inizio e con la fine. Zapruder filmmakersgroup (Roncofreddo) è un gruppo di cineasti fondato nel 2000 da David Zamagni, Nadia Ranocchi e Monaldo Moretti. Producono film non iscrivibili nei canoni della cinematografia. La loro produzione di film sterescopici, iniziata nel 2006, è stata premiata al Festival del Cinema di Venezia nel 2011. Zapruder filmmakersgroup ha collaborato con Motus, Fanny & Alexander negli spettacoli Ardis I, Ardis II, Villa Venus, Rebus per Ada, Vaniada, Emerald city e con Romeo Castellucci nel Purgatorio. 190 191 «A height of fifty-two feet or so is nothing compared to the universe and from that height you probably would not discover much else than the ground. But what is interesting is how you get up there, fifty-two feet up.» We could imagine a real-life, flesh and blood Hercules saying this just before embarking on the last of his labours, the hardest and most important of all, that will lift him up to the divine realm, to terrestrial and celestial nature, for all eternity. Let’s imagine being there, watching this happen, seeing this scene transported from the time of myth to that of reality. A hard climb, a murderous time machine voicing a ferocious challenge. The teams are already out there, competing, four people in each, facing each other on a pole fifty-two feet high, a chain of human bodies wrapped around a post covered in grease. Like many other things in our local tradition, the bounty in the Sferisterio undergoes a transformation, becoming this once Ascesa all’Olimpo (Ascending Olympus). The music of the ZEUS! accompanies this frenetic heavenward swaggering of climbers seeking to reach the stars. Ascesa all’Olimpo is an episode from L’invincibile, the Zapruder filmmakersgroup film cycle on the labours of Hercules, which is assuming substance and taking shape at the Santarcangelo Festival and from October will be screened at the MAXXI in Rome. Looking towards Heaven, where the myth of Hercules is born and where it reaches, we shall abandon the Earth. And climbing we shall finally be in that space in between, where the only contact we shall have is with the beginning and the end. Zapruder filmmakersgroup (Roncofreddo) is a group of cineastes founded in 2000 by David Zamagni, Nadia Ranocchi and Monaldo Moretti. They produces movies not fitting the standards of cinematography. Their production of stereoscopic movies, started in 2006, received a prize at the Venice Film Festival in 2011. Zapruder filmmakersgroup has collaborated with Motus, Fanny & Alexander at the performances Ardis I, Ardis II, Villa Venus, Rebus per Ada, Vaniada, Emerald city, and with Romeo Castellucci at Purgatorio. 192 Ideazione e regia (conception and direction) David Zamagni, Nadia Ranocchi Live sound ZEUS! Fonico (sound engineer) Mattia Dallara Allestimento (set design) Alessandra Brunelli, Zapruder filmmakersgroup Luci (lights) Monaldo Moretti, Leonardo Monti Con (with) ZEUS!, Fabio Sabattini, Gli Animali di Macerone Produzione (production) ZAPRUDER, Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza Con il supporto di (supported by) Xing/Live Arts Week, Offset 193 194 195 CON IL FAVORE DELLE TENEBRE LIVIA ANDREA PIAZZA Tra le proposte scritte da Peter Liversidge per il Festival di Santarcangelo nel 2012, ce n’è una che potrebbe rivelarsi preziosa per cominciare una riflessione con un festival che deve ancora accadere: «I propose that we will work under the cover of darkness» (propongo di lavorare con il favore delle tenebre). Un suggerimento giocoso che ci chiede, con una certa serietà, cosa significa lavorare sotto copertura (under cover, ndT) e abitare uno spazio oscuro. Spesso pensiamo all’oscurità come all’effetto trascurabile della notte, che scompare il giorno seguente. Allo stesso modo, quello che c’è di oscuro nel nostro reale è diventato oggetto di una progressiva illuminazione che, a partire dall’Illuminismo, associa la razionalità alla luce ed entrambe al progresso. Tuttavia, l’ossessione per la luce ha creato ciò che Han definisce La società della trasparenza, che priva il mondo della negatività necessaria a mettere in questione il sistema in cui viviamo, confermandone i meccanismi e rendendolo più efficiente.1 Il Festival di Santarcangelo 2016 ci invita a entrare in un tipo particolare di oscurità, quella che emerge quando il confine tra realtà e finzione si fa indistinto; forse perché oggi le luci sono puntate sulla realtà, o meglio, su un’unica nozione di realtà. Secondo Fisher, viviamo nell’epoca del realismo capitalista, «una barriera invisibile che comprime i pensieri e le azioni»2 influenzando il modo in cui produciamo e rappresentiamo la nostra realtà. Se ogni sistema usa una narrazione per legittimarsi, quella del capitalismo è una forma di realismo che lo presenta come privo di finzione, naturale e quindi come l’unica realtà possibile. Questa forma di finzione-realismo opera tramite l’eliminazione del Reale che, in quanto “non rappresentabile”, secondo Lacan, costituisce ciò di cui la realtà deve liberarsi per affermarsi come tale.3 Eppure, come scrive Gielen, l’arte «fa tesoro di quello che può essere sempre immaginato in un altro modo»4 e potrebbe nutrire il “non rappresentabile” nella sua oscurità 196 costitutiva, offrendo non tanto una rappresentazione del reale, ma la sua esperienza non mediata, nel «dubbio che emerge nell’impossibilità di decidere se ciò che abbiamo davanti sia realtà o finzione.»5 In questo confine indistinto, l’arte rivela un’ombra su cui è impossibile proiettare la luce e crea un’oscurità in cui la realtà potrebbe apparire come contingente e sempre costruibile diversamente. Questo non può avvenire contrapponendo rappresentazioni alternative della realtà; emerge, invece, attraverso una speculazione metodologica. L’arte trova un margine d’azione, sostenendo l’immaginazione non come uno spazio separato dalla realtà, ma come una categoria in profonda relazione con essa: se il realismo capitalista satura la parola “realtà” con un significato preciso, l’arte potrebbe dimenticarne per un instante il contenuto, adoperandosi nel confondere sistematicamente realtà e finzione, mettendole in questione. Prendendo in prestito una parola da Benjamin, l’arte potrebbe rendere la realtà ancora una volta “incompleta”: solo in ciò che è incompleto, è possibile coltivare l’oscurità e il dubbio destabilizzante sul mondo come lo conosciamo, nutrendo un’immaginazione che abbia conseguenze sul reale. È un disfare più che un fare, ma ciò che resta non è il vuoto: l’arte riempie di potenzialità le crepe che crea, raccogliendoci attorno a una nozione incompleta del reale, dove sperimentare con l’immaginazione e le sue conseguenze. Pensare alla finzione come a uno strumento performativo volto a comporre e scomporre i frammenti di un reale reso visibile ci riporta alla proposta di Liversidge, precisamente all’idea di lavorare sotto copertura in sè, per riflettere sulla produzione dell’oscurità. Il Festival del 2016 ci invita a ripensare il tempo del nostro agire, abitando l’oscurità della notte così come il nostro frattempo. E se lavorare sotto copertura significasse farlo nel frattempo? Il frattempo intreccia un’affinità elettiva con la nozione di oscurità perché riguarda la coesistenza di differenze, a partire dal suo doppio significato: “il tempo che intercorre” fino all’accadere di qualcosa e “allo stesso tempo” dello svolgersi di qualcos’altro. Esso non è considerato un tempo realmente a disposizione, eppure è l’unico tempo che abbiamo: il nostro tempo è sempre un frattempo perché viviamo all’interno di 197 una collettività e dei suoi modi di produzione; tuttavia sembra un tempo perso tra i momenti destinati ad altro e così si presta all’inganno: è un tempo sotto copertura proprio per le contraddizioni che lo costituiscono. Riappropriarsi del frattempo significherebbe pensarlo come un’interruzione sotto copertura, una sospensione mascherata della traiettoria lineare, dove radicare una produzione dell’arte, autonoma e liberata, nel frattempo dei ritmi generali. Non a caso, la ripetizione alla base della produzione di differenza in Deleuze è una ripetizione sotto copertura, «che si traveste costituendosi e si costituisce solo travestendosi con e nelle variazioni.» 6 In questo modo, il frattempo diventa un meccanismo temporale per la produzione dell’oscurità, una sospensione aperta alle (im)possibilità e appassionata all’utilità dell’inutile, un tempo presente che torna a essere abitabile. Nel frattempo, la performance rimane, scrive Rebecca Schneider, come «una doppiezza sincopata che (ri)accade, viaggia e ritorna.»7 In questa ripetizione, la performance è ospitata in un frattempo e ne crea uno a sua volta, aggrovigliando realtà e finzione, materialità e speculazione. In questo frattempo, l’arte potrebbe rivelare il suo potenziale come uno spazio (in) immaginabile all’interno della realtà. Un punto di partenza potrebbe essere pensare a un festival come alla pratica del prendersi cura dell’incompleto, non per completarlo ma per mantenerlo tale. Lavorare con il favore delle tenebre potrebbe significare piantare una foresta, rifugiandosi al suo interno e tra le sue ombre. Un festival che diventa la foresta dei segni descritta da Rancière, dove il maestro ignorante lavora non per colmare un presunto divario di conoscenza con i suoi alunni, ma per avventurarsi con loro nell’oscurità.8 Nella società della trasparenza non c’è spazio per l’avventura, ma solo per qualche esperimento controllato d’immaginazione o di critica. Un festival che si fa foresta, invece, attiva un’immaginazione che lavora sotto copertura, avventurandosi tra i rischi che derivano dalla possibilità politica di restituire il Reale alla realtà. Per esempio, quello di fare del presente incompleto un territorio di speculazione collettiva, in cui abitare insieme l’oscurità, senza 198 conoscere le conseguenze di questa coabitazione né volerla ridurre a una sintesi tramite gli strumenti della dialettica. Un festival che deve ancora accadere potrebbe coinvolgerci in un dialogo che non si risolve trovando un terreno comune, ma in uno scambio dialogico9 con la possibilità di prendersi cura degli altri alle proprie condizioni, lottando non per superare le differenze ma per coltivarle. Sarebbe un lanciarsi con il pubblico in un’avventura condivisa, quella di piantare una foresta dove lavorare con il favore delle tenebre e pensare nuove modalità di essere tanti come terreno di immaginazione artistica e politica. 1. Byung-Chul Han, Transparenzgesellschaft, Berlin: Matthes & Seitz, 2012 2. Mark Fisher, Capitalist realism: Is there no alternative?, John Hunt Publishing, 2009 3. Jaques Lacan, The Four Fundamental Concepts of psyco-analysis. Vol. 11. WW Northon & Company, 1998 4. Pascal Gielen, Institutional Imagination. In Pascal Gielen, Institutional Attitudes. Instituting Art in a Flat World, Valiz, 2013 5. Hans-Thies Lehmann, Postdramatic theatre, Routledge, 2006 6. Gilles Deleuze, Difference and Repetition, (P. Patton, Trans.) Bloomsbury Academics, 1994 7. Gertrude Stein, Lectures in America, New york, Random House, 1935. In Rebecca Schneider, Performing remains: Art and war in times of theatrical reenactment, Taylor & Francis, 2011 8. Jacques Rancière, The emancipated spectator, Verso Books, 2014 9. Richard Sennett, Together: The rituals, pleasures and politics of cooperation, Yale University Press, 2012 199 UNDER THE COVER OF DARKNESS LIVIA ANDREA PIAZZA Among the proposals written by Peter Liversidge for the Festival of Santarcangelo in 2012, there is one that might be particularly valuable in order to start a reflection with a festival that has yet to happen: «I propose that we will work under the cover of darkness.» Appearing as a playful suggestion, it conceals a seriousness at play “under cover”, triggering some important questions on what could it mean to work under cover and to inhabit darkness. We think of darkness as a trivial effect of the night, bound to disappear the following day. Similarly, that which is obscure in our reality became the object of a progressive clarification that, since the Enlightenment, associates rationality with light and both of them with progress. Yet, this obsession with light created what Han defines the Transparency Society, which empties the world of the negativity that is necessary to put in question the system in which we live, confirming and optimizing what already exists.1 Santarcangelo Festival 2016 invites us to enter a particular kind of darkness, that which emerges in the blurring boundaries between reality and fiction; maybe because, in today’s world, the lights are pointed at reality or rather at a single, narrow notion of it. According to Fisher, we live in the epoch of capitalist realism, «a kind of invisible barrier constraining thought and action»2 and influencing the way we produce and depict our reality. If every system needs a narrative to legitimate itself, capitalism’s one is a form of realism that presents it as completely devoid of fiction, natural and thus as the only possible reality. This form of realism operates by discarding the Real, which being “unrepresentable” according to Lacan, constitutes what reality needs to erase in order to affirm itself as such3. Yet, as Gielen writes, art «still cherish what can always be otherwise imagined»4 and it might nurture the “unrepresentable” in its inherent obscurity, offering not a representation of the real but an unmediated experience of it in the «doubt that occurs through the indecidability whether one is dealing with reality or fiction.»5 On this blurred border, art reveals a darkness onto which it’s 200 impossible to turn the lights on, and creates an obscurity where reality could appear as contingent and always subject to change. This cannot happen by opposing alternative representations of reality; it emerges, on the other hand, through a methodological speculation on it. Art finds a room for action in sustaining imagination as something not separated from reality, rather in profound relationship to it: if capitalist realism fills the word “reality” with a precise meaning, art could forget for an instant its content; engaging in a systematic blurring of reality and fiction and putting these into question. Borrowing a word from Benjamin, art might make reality once again incomplete. It is only in the incomplete that the darkness could be nurtured and the unsettling doubt on the world as we know it could rise, nurturing a form of imagination that has consequences on reality. It is an undoing more than a doing and yet, what is left it’s not a void: art fills with potentiality the gaps it creates and gathers us around an incomplete real, where to experiment with imagination and its consequences. Thinking of fiction as a performative instrument aimed at settling and unsettling the pieces of a Real made visible, brings us back to Liversidge’s proposal and more precisely, to the idea of working under cover in itself, in order to reflect on the production of darkness. The 2016 Festival invites us to rethink the time of our actions and to inhabit the darkness of the night as well as our meantime. What if working under cover means to do it in the meantime? The meantime shares an elective affinity with the notion of darkness as it regards the coexistence of differences at large, starting from its double meaning: “the intervening time” until something happens and “at the same time” of something else happening. It is not really considered time at our disposal, and yet it is the only time we have: our time is always a meantime, as we live within a collectivity and its modes of production; still, it appears as time on our hands in between the moments dedicated to specific purposes and in this way it lends itself to disguise: it is a time “under cover” because of its contradictory features. Re-appropriating the meantime would mean to think of it as a suspension in disguise, a masked interruption of the linear trajectory, where we could ground an autonomous and 201 liberated art production in the meantime of general rhythms. Not by chance, the repetition at the core of the production of difference in Deleuze is a repetition in disguise «that disguises itself in constituting itself and constitutes itself only by disguising itself with and within the variations.»6 In this way the meantime becomes a temporal mechanism for the production of darkness that constitutes itself in the coexistence of differences, a suspension open to (im)possibilities and passionate about the utility of the useless; a present time becoming again inhabitable. In the Meantime, Performance Remains writes Rebecca Schneider as «a syncopated doubleness which (re)occurs; travel and returns.»7 In this repetition, performance is hosted in and creates a meantime, entangling reality and fiction, materiality and speculation. In this meantime, art might unfold its transformative potential as an (un)imaginable space within reality. A starting point might be to think of a festival as a practice of taking care of the incomplete, not in order to complete or define it but to keep it as such. To work under the cover of darkness, then, could mean to grow a forest, taking shelter within and in between its shadows. A festival becoming the forest of signs described by Rancière, where the ignorant schoolmaster works not in order to bridge a presupposed knowledge gap with his pupils, but to adventure with them in the darkness.8 Within the transparency society, there is no room for adventure but only for some controlled experiment, being it in imagination or critique. A festival becoming forest, on the other hand, could set in motion an imagination working under cover within reality, adventuring in between the risks that come with the political possibility of giving the Real back to reality. For instance, that of making the incomplete present a territory for collective speculation, where to inhabit darkness together, without knowing the possible outcomes of this cohabitation or aiming at reducing it to a synthesis by means of dialectics. A festival that has yet to happen could engage us in a dialogue that doesn’t resolve in finding a common ground: a dialogic exchange as a possibility of attending to the other on one’s own 202 term, striving not to overcome differences 9 but to cultivate them. It could embark on a joint adventure with the audience, that of growing a forest where to work under the cover of darkness and think new modes of being many as a ground of artistic and political imagination. 1. Byung-Chul Han, Transparenzgesellschaft, Berlin: Matthes & Seitz, 2012 2. Mark Fisher, Capitalist realism: Is there no alternative?, John Hunt Publishing, 2009 3. Jaques Lacan, The Four Fundamental Concepts of psyco-analysis. Vol. 11. WW Northon & Company, 1998 4. Pascal Gielen, Institutional Imagination. In Pascal Gielen, Institutional Attitudes. Instituting Art in a Flat World, Valiz, 2013 5. Hans-Thies Lehmann, Postdramatic theatre, Routledge, 2006 6. Gilles Deleuze, Difference and Repetition, (P. Patton, Trans.) Bloomsbury Academics, 1994 7. Gertrude Stein, Lectures in America, New york, Random House, 1935. In Rebecca Schneider, Performing remains: Art and war in times of theatrical reenactment, Taylor & Francis, 2011 8. Jacques Rancière, The emancipated spectator, Verso Books, 2014 9. Richard Sennett, Together: The rituals, pleasures and politics of cooperation, Yale University Press, 2012 203 LABORATORI WORKSHOPS Canicola Racconti notturni ITSE Molari Via Orsini 19 ven . fri 15/07 h 17.00 > 19.00 Enrico Malatesta No Island but Other Connections MET Via Montevecchi 41 sab . sat 09/07 dom . sun 10/07 h 10.00 > 13.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi dom . sun 10/07 h 21.30 > 00.00 lun . mon 11/07 h 21.30 > 23.00 mar . tue 12/07 h 21.30 > 23.00 mer . wed 13/07 h 21.30 > 23.00 gio . thu 14/07 h 21.30 > 23.00 ven . fri 15/07 h 21.30 > 00.00 Giulia Mirandola e Silvia Vecchini Mi piace stare sul bordo della storia MET Via Montevecchi 41 mar . tue 12/07 mer . wed 13/07 h 10.00 > 13.00 h 15.00 > 18.00 Marco D’Agostin Super_Hero_Kids Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 lun . mon 11/07 h 17.00 > 18.30 Stefano De Luigi E.motion Strade di Santarcangelo di R. ven . fri 08/07 sab . sat 09/07 dom . sun 10/07 204 Nobody’s indiscipline/ Santarcangelo ven . fri 08/07 > dom . sun 17/07 Parasite 2.0 Architecture as fictional reality Piazza Ganganelli lun . mon 04/07 > gio . thu 07/07 Michele Rizzo Higher workshop Teorema Via Tosi 318 lun . mon 11/07 h 18.00 > 20.30 mar . tue 12/07 h 16.00 > 18.30 mer . wed 13/07 h 18.00 > 20.30 205 CANICOLA RACCONTI NOTTURNI ATTRAVERSO LO SPECCHIO Laboratorio sul fumetto per le bambine e i bambini dagli 8 agli 11 anni, a partire dalla visione di Natten di Mårten Spångberg, a cura di Canicola. A comic book workshop for kids aged 8 to 11, starting with a showing of Natten, by Mårten Spångberg. Workshop organized by Canicola. Le bambine e i bambini saranno coinvolti nella fruizione di una parte di performance del coreografo svedese e guidati nella rielaborazione a fumetti di suggestioni nate dalla visione. Chi sono le figure che si muovono lentamente nella penombra della sala? Ciascun danzatore in scena diventerà potenziale personaggio da osservare, fare proprio e da reinventare all’interno di una storia tutta personale. Ogni bambino lavorerà su un piccolo quaderno preparato per l’occasione, la cui cartotecnica mira a distinguere due diverse fasi dell’attività: gli schizzi di volti, gestualità e pose dei protagonisti e la strutturazione della storia a fumetti di cui andranno a fare parte. The children will be engaged in exploiting a performance part by Spångberg and will be shown how to rework suggestions from the performance, using comics. Who are these figures moving slowly in the half-light of the room? Every dancer on stage will become a potential character to be watched, taken on, and reinvented within a totally personal story. Each of the children will work with a little notebook being made especially for this event. Its paper conversion technique aims to distinguish between two phases of activity: the sketches of the characters’ faces, gestures and poses, and structuring the comic story in which they will be taking part. Canicola è un’associazione culturale di Bologna che, dal 2005, fa ricerca in ambito grafico e narrativo attraverso il fumetto e il disegno contemporaneo, con un progetto editoriale, attività pedagogiche con bambini e ragazzi, esposizioni, presenza a festival internazionali, workshop per giovani artisti. Canicola is a cultural association from Bologna that has been studying the graphic and narrative field through comics and contemporary drawing since 2005, and through its publishing programme, its teaching activities for children and teenagers, its exhibitions, its participation in international festivals, and its workshops for young artists. Scheda completa di Natten a pagina 170 206 Complete file for Natten on page 170 207 MARA OSCAR CASSIANI #BACK TO THE REAL LIFE MARCO D’AGOSTIN SUPER_HERO_KIDS Laboratorio per danzatori e non professionisti, condotto e curato da Mara Oscar Cassiani per la realizzazione della performance The sky was Pink. Laboratorio sul movimento, di azione e osservazione per le bambine e i bambini dai 6 agli 8 anni, a partire da JOSEPH_kids di Alessandro Sciarroni, a cura di Marco D’Agostin. NUOVE ICONOGRAFIE E DANZE RITUALI #BACK TO THE REAL LIFE prepara un gruppo di danzatori professionisti, ballerini non professionisti e chiunque abbia voglia di farsi coinvolgere nel ballo, alla performance The sky was Pink. Dal 9 al 15 luglio, Mara Oscar Cassiani attiverà e trasformerà l’immagine e l’immaginario del campo da basket del Parco Francolini, attraverso djset e un dance floor site-specific. Per l’adesione, sono richieste foto e link dal proprio profilo Facebook; con il laboratorio verrà creato un gruppo Facebook per costruire e comunicare l’immaginario della performance. Scheda completa di Mara Oscar Cassiani a pagina 22 NEW ICONOGRAPHIES AND RITUAL DANCES A workshop for professionals and amateur dancers organized by Mara Oscar Cassiani, to produce the performance of The sky was Pink. #BACK TO THE REAL LIFE is designed to prepare a group of professional and non-professional dancers, and others who may wish to take part in the dance, for the performance entitled The sky was Pink. From 9 to 15 July, Mara Oscar Cassiani will activate and transform the image and imaginary nature of the basketball court in the Parco Francolini, through a DJ gig and a site-specific dance floor. To join in, images and links on its Facebook profile are required. A Facebook group will also be formed for the workshop to construct and communicate the imaginary side of the performance. ATTRAVERSO LO SPECCHIO Super_Hero_Kids è un laboratorio per l’addestramento di piccoli supereroi che non hanno paura di stare da soli davanti a un computer, pronti a esercitare il proprio superpotere e diventare incredibili. Ispirato allo spettacolo di Alessandro Sciarroni JOSEPH_kids, Marco D’Agostin propone, per le bambine e i bambini dai 6 agli 11 anni, un laboratorio in cui piccoli supereroi scoprono e allenano i propri superpoteri speciali, prima di infilarsi il mantello e lanciarsi nelle avventure della città. I partecipanti saranno guidati in una serie di movimenti e azioni in grado di proiettare la propria immagine e, come per magia, trasformarla e osservare come si modifica quella degli altri. Pian piano, si libereranno movimenti fantasiosi che metteranno da parte la timidezza dell’essere osservati e lasceranno spazio a supereroi coraggiosi, in una danza folle e immaginifica. Marco D’Agostin è un performer e coreografo attivo nel teatro, nella danza e nel cinema. Dal 2010 partecipa a diversi progetti internazionali, come Choreoroam Europe e Act Your Age. Tra le sue performance, Viola (2010), let sleeping dragons lie (2012), Everything is ok (2015, selezionato dal network Dancenet Sweden per una tournèe svedese nell’autunno 2016). Scheda completa di JOSEPH_Kids a pagina 162 Complete file for Mara Oscar Cassiani on page 22 208 209 A workshop for kids aged from 6 to 11 on movement, action and observation, based on Joseph_kids by Alessandro Sciarroni, organized by Marco D’Agostin. Super_Hero_Kids is a workshop designed to train little superheroes who are not frightened by sitting alone in front of a computer and who are prepared to exercise their own superhero powers and become awesome in their own right. Inspired by Alessandro Sciarroni’s show Joseph_kids, Marco D’Agostin offers children between the ages of 6 and 11 a workshop in which the little superheroes will discover and practise their own special superpowers before slipping on their cloaks and heading off for adventures in the city. The children will be accompanied through a series of movements and actions designed to project their image and as if by magic to transform it and observe how it changes the others’. Step by step, movements from fantasyland will free themselves, setting aside the children’s shyness about being looked at, and in a crazy, imaginary dance routine will create space for brave superheroes. Marco D’Agostin is a choreographer and performer who is active in theatre, dance and film. Since 2010, he participated in various international projects such as Choreoroam Europe and Act Your Age. His performances include Viola (2010), let sleeping dragons lie (2012), Everything is ok (2015, selected by Dancenet Sweden to go on tour in Sweden in autumn 2016). Complete file for JOSEPH_Kids on page 162 210 STEFANO DE LUIGI E.MOTION Laboratorio fotografico a cura di Niki Vasini, condotto da Stefano De Luigi. Per il quinto anno consecutivo, Santarcangelo Festival ospita un workshop fotografico organizzato da Niki Vasini. Dopo Nikos Economopoulos, Monika Bulaj, Shobha Battaglia e Riccardo Venturi, quest’anno sarà Stefano De Luigi, fotoreporter di VII Photo, a condurre un laboratorio di esplorazione del Festival. Stefano De Luigi è fotografo professionista dal 1988. Nel 1999, in collaborazione con Medici Senza Frontiere, fotografa le condizioni dei detenuti malati di tubercolosi nelle prigioni della Siberia centrale. In questi anni espone in numerose mostre collettive e personali. Nel 2000 riceve la Honorable Mention del Leica Oskar Barnack Award e il suo lavoro è proiettato ad Arles. Tra i suoi lavori, Pornoland (2000-2002), un viaggio fotografico sui set della pornografia nel mondo, viene pubblicato negli Stati Uniti e in Europa ed esposto in Italia e in Francia. Dal 2003 al 2006, in collaborazione con CBM Italia, ha prodotto il progetto Blindness sulla condizione della cecità nel mondo. Del 2006, il progetto Cinema Mundi racconta il mondo del cinema alternativo a quello commerciale di Hollywood, con tappe in Cina, Russia, Iran, Argentina, Nigeria, Corea del Sud e India. Stefano De Luigi è stato tre volte vincitore del World Press Photo (1998-2007-2010), in diverse categorie. Nel 2010 vince il Days Japan International Photojournalism Award e il Getty Grant for Editorial Photography. Il suo libro Blanco del 2010 vince il POYi Best Photography Book Award nel 2011. I reportage di Stefano De Luigi sono pubblicati dai più importanti magazines internazionali, tra cui Stern, Paris Match, le Monde 2, Time, New Yorker, EyeMazing, Internazionale. Dal 2008 fa parte dell’agenzia VII/Network. 211 Photography workshop organized by Niki Vasini and run by Stefano De Luigi. For the fifth consecutive year, Santarcangelo Festival is hosting a photography workshop organized by Niki Vasini. After being run successively by Nikos Economopoulos, Monika Bulaj, Shobha Battaglia and Riccardo Venturi, this year it will be Stefano De Luigi, a photo-journalist reporter with VII Photo, who runs the Festival’s exploration workshop. Stefano De Luigi has been a professional photographer since 1988. In 1999, working with Médecins Sans Frontières, he photographed the conditions of inmates suffering from tuberculosis in Central Siberian prisons. During this period he took part in many one-man and group exhibitions. In 2000 he received the Leica Oscar Barnack Honourable Mention and his work was shown at Arles. His work Pornoland (2000-2002), a photographic journey on pornographic film sets, was published in the United States and Europe, and exhibited in Italy and France. From 2003 to 2006, he worked on his series Blindness in collaboration with CBM Italia, a project on blindness in the world. In 2006, he embarked on the project Cinema Mundi, which tells of the alternative film world outside the Hollywood dream factory, including China, Russia, Iran, Argentina, Nigeria, South Korea and India. Stefano De Luigi is a three-time winner of the World Press Photo (1998, 2007, 2010), in different categories. In 2010 he won the Days Japan International Photojournalism Award and the Getty Grant for Editorial Photography. His book Blanco (2010) won the 2011 POYi Best Photography Book Award. His photographs have been published in some of the most important magazines around the world, including Stern, Paris Match, le Monde 2, Time, New Yorker, EyeMazing, Internazionale. Stefano De Luigi has been part of VII Network since 2008. 212 ENRICO MALATESTA NO ISLAND BUT OTHER CONNECTIONS Laboratorio sulla relazione tra suono, spazio, corpo, ascolto attivo e vitalità dei materiali, condotto e curato da Enrico Malatesta. Composto di momenti distinti, il progetto di ricerca di Enrico Malatesta prevede la partecipazione a una fase laboratoriale, alcune performance informali e un momento strettamente performativo. Il laboratorio comprende due sessioni di lavoro: la prima, rivolta a un gruppo di cinque partecipanti, si articola in esperienze pratiche di produzione e percezione del suono, readings, discussioni teoriche sul suono e lo spazio, sullo studio del movimento e sulla vitalità dei materiali, accompagnate da una serie di ascolti tratti da manifestazioni musicali, sperimentali e tradizionali. La seconda prevede un ascolto attivo partecipato, aperto a un gruppo di altre dieci persone: quattro momenti, a conclusione di ogni Connection, in cui i contenuti del laboratorio vengono presentati in forma di performance dallo stesso Malatesta e dai partecipanti al laboratorio. L’intento è di realizzare dei dispositivi di ascolto, percepibili come momenti di condivisione poetica e confronto tra i laboratoristi e il piccolo gruppo di spettatori. Scheda completa di No Island but Other Connections a pagina 90 213 A workshop on the relationship between sound, space, the body, active listening and the vitality of matter, organized and run by Enrico Malatesta. Comprising distinct moments, Enrico Malatesta’s research project includes a phase of workshop participation, some informal performances and a moment of pure performance. The workshop is made up of two work sessions. The first involves a group of five participants, and focuses on practical experience of sound production and perception, readings, the theoretical discussion of sound and space, the study of movement and the vitality of matter, all accompanied by a series of excerpts from experimental and traditional musical performances. The second involves a different group of ten participants, and focuses on active participation in listening. It has four moments. At the conclusion of each Connection, the workshop content will be presented as a performance by Malatesta and the participants. The aim is to achieve listening devices that can be perceived as moments of poetic sharing and encounters between participants and the small group of spectators. Complete file for No Island but Other Connections on page 90 GIULIA MIRANDOLA E SILVIA VECCHINI MI PIACE STARE SUL BORDO DELLA STORIA ATTRAVERSO LO SPECCHIO Laboratorio di lettura, scrittura e fotografia condotto da Giulia Mirandola e Silvia Vecchini. Un laboratorio per sbirciare gli spettacoli dei “grandi” come dal bordo di una piscina. Con un gruppo di bambine e bambini dai 6 agli 11 anni, per due giorni, Giulia Mirandola e Silvia Vecchini condurranno i piccoli esploratori sul bordo delle cose, della visione, della scena, tra i linguaggi del teatro, della poesia e della fotografia. Il laboratorio tenterà di esplorare il territorio in cui si insediano gli abitanti del Festival quando è mattino, quando è pomeriggio, quando è tramonto e non è ancora il momento esatto del teatro. Un laboratorio di scrittura con le parole, le immagini e i suoni per stringere una relazione personale e un proprio racconto con ciò che avviene fuori dal teatro e per acuire la percezione di ciò che accade. In momenti e luoghi diversi, muniti di un taccuino, i piccoli partecipanti scopriranno nuove possibilità di guardare e osservare, condividendo i materiali raccolti durante le loro perlustrazioni. Giulia Mirandola si occupa di educazione alla lettura e progettazione culturale. Dopo l’esperienza nei settori della progettazione e della produzione editoriale, si dedica in modo specifico al linguaggio dei picture books. Dal 2012 si reca nei luoghi di montagna, di periferia, di città e si avvicina a persone di età diversa allo scopo di promuovere un’azione da molti giudicata curiosa: leggere picture books. Silvia Vecchini, laureata in Lettere Moderne, è appassionata di poesia. Da anni scrive libri per bambini e romanzi per ragazzi. La sua graphic novel Fiato sospeso ha ricevuto il premio Boscarato come miglior fumetto per bambini e ragazzi e il premio Orbil Balloon. Scrive sceneggiature per storie a fumetti della rivista Gbaby e rubriche per Il Giornalino. Incontra bambini e ragazzi nelle scuole, in biblioteca e nelle librerie per letture e laboratori di scrittura. 214 215 A workshop with Giulia Mirandola and Silvia Vecchini on reading, writing and photography. In this two-day workshop on peeping at “grown up” shows as if from the edge of a swimming pool, Giulia Mirandola and Silvia Vecchini accompany their young explorers – a group of kids aged 6 to 11 – to the edge of things, of seeing, of the stage, moving between the languages of theatre, poetry and photography. The workshop will explore the land settled by the inhabitants of the festival when it is morning, afternoon and sunset and not yet the precise moment for the theatre. This is a workshop for writing with words, images and sounds, to create a personal relationship and encounter with, and to heighten perception of, what occurs outside the theatre. Sharing the materials they gather during their exploration, armed with a notebook, the young participants will discover new possibilities for seeing and observing at different times and places. Giulia Mirandola works in the field of teaching reading and planning cultural projects. After working in publishing, in various areas of book planning and production, she devotes herself specifically to the language of picture books. Since 2012 she has been trekking in mountainous areas, suburbs and cities, getting close to people of various ages in order to promote an activity regarded by many as curious: reading picture books. Silvia Vecchini has a degree in modern literature and a passion for poetry. For some years she has been writing books for children and romances for teenagers. Her graphic novel Fiato sospeso won the Boscarato prize for the best comic book for children and teenagers, as well as the Orbil Balloon prize. She writes scripts for comic book stories for Italian children’s magazine GBaby and columns for Il Giornalino. She goes to see children in schools, libraries and bookshops, to read to them and give them writing lessons. 216 NOBODY’S INDISCIPLINE/ SANTARCANGELO Concept Eleanor Bauer, Alice Chauchat, Ellen Soderhult Organizzato per (organized for) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza Da (by) Annamaria Ajmone, Mara Oscar Cassiani, Sara Leghissa Con il supporto di (supported by) Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza 2016 Nobody’s business è una piattaforma di ricerca aperta ad artisti locali e internazionali per lo scambio di pratiche nell’ambito delle performing arts. Il progetto tenta di facilitare la produzione e la distribuzione dei saperi in maniera non esclusiva, attraverso lo scambio collettivo delle pratiche e la loro documentazione, e mira a creare e far proliferare situazioni laterali, a parità di condizioni e al di fuori delle logiche di produzione. Santarcangelo Festival è la seconda tappa italiana di Nobody’s business, dopo una prima sessione a Milano in cui il progetto aveva fatto emergere il bisogno di incontro, conoscenza, confronto e condivisione. Nobody’s indiscipline/Santarcangelo si adatta a una situazione specifica, è un invito agli artisti ospiti del Festival a condividere le pratiche della propria ricerca artistica, negli spazi in cui vengono presentati i propri spettacoli ed è aperto a chiunque desideri prenderne parte. La partecipazione a un momento pubblico si realizza come una libera circuitazione di pratiche e di saperi, favorisce l’incontro di linguaggi differenti e permette di creare una comunità in cui si riconoscono persone simili, nonostante la diversità delle loro pratiche. Gli episodi di Nobody’s business sono documentati e archiviati nel web per essere utilizzati e sviluppati da altri. Il termine nobody, da cui prende forma il titolo del progetto, sottolinea un revisione dell’autorialità e della titolarità delle idee, senza cancellarne la storia: la documentazione traccia e accredita una genealogia delle fonti e le influenze che queste ultime possono avere all’interno delle arti performative contemporanee. 217 Nobody’s business is a research activity open to artists from Italy and elsewhere so they can share their performing arts practices. It tries to facilitate the non-exclusive production and distribution of knowledge through group exchanges of practices and their documentation, and aims to promote lateral exchanges based on equality of status, with no reference to production thinking. Santarcangelo Festival is the second time Nobody’s business is being presented in Italy, the first having taken place in Milan, where it brought out people’s need to meet, to get to know, to talk to and to share with each other. Nobody’s indiscipline/ Santarcangelo is tailored to this specific event and invites artists attending the Festival to share the practices connected with their own artistic research, in spaces where their performances will be staged. It is open to anyone who wants to take part. Participation in a public moment will be through the free circulation of knowledge and practices; it will promote crosslanguage exchanges and make it possible to create a community in which similar individuals will recognize each other, notwithstanding the diversity of their practices. The episodes of Nobody’s business have been recorded and archived on the web, and are available for the use of and further development by others. The term nobody, which is used in the title of the project, indicates a rethinking of the concept of authorship and ownership of ideas, without erasing its history. The documentation traces and credits a genealogy of the sources and influences that they may have in contemporary performance arts. BOUCHRA OUIZGUEN ATELIER CORBEAUX Lo scorso maggio, un gruppo di trenta donne di diverse età e provenienze (italiane, marocchine, nigeriane, inglesi, domenicane), residenti a Santarcangelo e dintorni, hanno partecipato a un laboratorio condotto e curato da Bouchra Ouizguen. Al Supercinema, le giornate sono state scandite da momenti di condivisione di esperienze, rudimenti di danza, studio sul movimento e sulla voce. Il gruppo di donne è stato accompagnato da Ouizguen all’interno dell’universo di Corbeaux, una performance in cui il canto e il movimento di un gruppo di donne che, come uno stormo di corvi, migra di città in città, e in ognuna si sposta negli spazi della quotidianità, dentro e fuori la scena, per trasmettere il proprio grido. Dieci delle signore che hanno partecipato all’atelier di Bouchra Ouizguen si uniranno alla Compagnie O di Marrakech per interpretare Corbeaux. Scheda completa di Bouchra Ouizguen a pagina 114 Last May, a group of thirty women of various ages and from different countries (Italy, Morocco, Nigeria, England, Dominican Republic), who are residents in the Santarcangelo area, took part in a workshop that was run and organized by Bouchra Ouizguen at the Supercinema. Those days were marked by moments of experience sharing, the rudiments of dance, and studying movement and voice. Led by Ouizguen, the group entered the world of Corbeaux, in a performance of song and movement by a group of women who move from one city to another like a flock of crows, each of them entering the spaces of the everyday, both on and off stage, to voice her own cry. Ten of the women who took part in Bouchra Ouizguen’s workshop will join Compagnie O from Marrakech in their performance of Corbeaux. Complete file for Bouchra Ouizguen on page 114 218 219 PARASITE 2.0 ARCHITECTURE AS FICTIONAL REALITY WORKSHOP Workshop di progettazione e costruzione per gli arredi di Piazza Ganganelli. Il progetto speciale di Parasite 2.0 per Santarcangelo Festival, Architecture as fictional reality, è un allestimento temporaneo mobile adatto a ospitare i momenti di dialogo del Festival e ad accogliere cittadini, visitatori e spettatori, attraverso la predisposizione di spazi e arredi adatti alla sosta, al riposo, all’incontro. Un gruppo di laboratoristi provenienti da ambiti professionali diversi, legati alla progettazione e alla costruzione (studenti di architettura e ingegneria, professionisti o apprendisti falegnami e scenografi), costruiranno, durante le giornate immediatamente antecedenti l’inizio del Festival, le pareti mobili, le strutture, i tramezzi, i telai e le sedute in legno disegnate da Parasite 2.0 per Piazza Ganganelli. Scheda completa di Parasite 2.0 a pagine 118 Workshop for planning and building the set on Piazza Ganganelli. Architecture as fictional reality is a project specially conceived by Parasite 2.0 for the Santarcangelo Festival, a temporary mobile set designed to host moments of dialogue during the Festival and to attract local people, visitors and spectators by creating spaces and furnishings that lend themselves to taking a break, resting and meeting. During the days immediately preceding the opening of the Festival, a group of workshop staff from various professional backgrounds related to planning and building (architecture and engineering students, master carpenters and set designers, apprentices) will build the mobile walls, structures, screens, frames and wooden seats designed by Parasite 2.0 for Piazza Ganganelli. MICHELE RIZZO HIGHER WORKSHOP Laboratorio di danza, per danzatori e non professionisti, condotto e curato da Michele Rizzo. Il laboratorio deriva dai medesimi processi di realizzazione dello spettacolo Higher, e trova origine in un allenamento al ballo da discoteca, in un contesto diverso dal clubbing. I partecipanti si immergeranno in attività semplici come ballare a ritmo, ballare da soli e con gli altri, nel tentativo di scoprire la propria fisicità. Il laboratorio rappresenta l’opportunità di fare esperienza della danza in una forma ibrida e di operare sul confine tra teatralità e realtà, in una sala da ballo che assumerà, solo per questa occasione, la fisionomia di un club. Scheda completa di Michele Rizzo a pagina 146 A dance workshop for professional and amateur dancers, organized and run by Michele Rizzo. This workshop is based on the same processes that produced Higher, and its origins lie in training for disco dancing in a different setting from that normally associated with clubbing. Participants will immerse themselves in simple activities such as rhythm dancing, solo dancing, dancing with others, with the aim of discovering their own physicality. The workshop is an opportunity to dance in hybrid format and to work on the border between the real and the theatrical in a ballroom that will take on the features of a club, but this time only. Complete file for Michele Rizzo on page 146 Complete file for Parasite 2.0 on page 118 220 221 INCONTRI TALKS sab . sat 09/07 h 11.00 Artist talk Bouchra Ouizguen e Markus Öhrn Piazza Ganganelli h 18.00 Fondo Speculativo di Provvidenza Speculazione, tra profitto e slancio filosofico ospite (guest) Francesca Ussani /Forum per la Finanza Sostenibile Piazza Ganganelli lun . mon 11/07 h 23.00 After talk La Nuit des taupes (Welcome to Caveland!) Philippe Quesne ITSE Molari Via Orsini 19 mar . tue 12/07 h 21.30 After talk Higher Michele Rizzo Teorema Via Tosi 318 dom . sun 10/07 h 11.00 Artist talk Luigi De Angelis, Emanuele Wiltsch Barberio e Zapruder filmmakersgroup Piazza Ganganelli ven . fri 15/07 h 18.00 Fondo Speculativo di Provvidenza Moneta e bene comune ospite in via di definizione (guest to be defined) Piazza Ganganelli h 18.00 Enrico Pitozzi Sul bordo degli occhi. Un’indagine sulla visione a teatro Piazza Ganganelli h 22.40 After talk Hearing Amir Reza Koohestani /Mehr Theatre Group ITSE Molari Via Orsini 19 sab . sat 16/07 h 11.00 Artist talk Cristina Kristal Rizzo e Mårten Spångberg Piazza Ganganelli h 18.00 Piersandra Di Matteo Mouthing · Syncope · Sss! Piazza Ganganelli h 19.55 After talk Di Natura Violenta Cosmesi Lavatoio Via Ruggeri 16 dom . sun 17/07 h 18.00 Annalisa Sacchi Il tempo del Kindertransport, ovvero, di quanti tentano di declinare il teatro - e il mondo - al futuro Piazza Ganganelli h 20.45 After talk Tell Me Love Is Real Zachary Oberzan Supercinema Piazza Marconi 1 222 223 Non pura programmazione o vetrina ma luogo di esperienza della scena contemporanea, il Festival di Santarcangelo crea, accanto agli spettacoli, ai progetti artistici e ai laboratori, dei momenti di riflessione in cui i temi, le forme, le modalità di ricerca portati in scena possano essere aperti e osservati. Tre studiosi della scena contemporanea, Piersandra Di Matteo, Enrico Pitozzi e Annalisa Sacchi, sono invitati a presentare, nella forma di interventi pubblici e aperti alla discussione, le loro prospettive teoriche e di ricerca. Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics propone, con Autoscuola della notte, di sperimentare modalità di studio collettivo legate al tempo e alle forme della notte. Molti degli artisti in programma, infine, incontrano il pubblico in un momento dedicato ad approfondire le questioni sollevate dal loro lavoro, le loro fonti e traiettorie di ricerca, le domande che restano aperte e continuano a nutrire la pratica artistica. Santarcangelo Festival is not just a matter of putting a programme together and displaying it in the shop window, but more a site for experiencing contemporary theatre. In addition to the shows, artistic projects and workshops it is putting on, the Festival also creates moments for reflection where the research modes, themes and forms that are being presented on stage can also be opened and observed. Three scholars working in the field of contemporary theatre, Piersandra Di Matteo, Enrico Pitozzi and Annalisa Sacchi, have been invited to hold public discussion groups where they can present their theoretical and views and research approaches. Together with Autoscuola della notte, Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics proposes experimenting with group study methods as they relate to time and various forms of night. Many of the artists in the programme will meet the public at a time set aside for going in greater depth into the questions raised by their work, their sources, the progress of their researches, and the questions that remain open and that continue to nourish the practice of art. 225 PIERSANDRA DI MATTEO MOUTHING · SYNCOPE · SSS! PIERSANDRA DI MATTEO MOUTHING · SYNCOPE · SSS! Mouthing · Syncope · Sss! sono tre figure intorno a cui costruire una prospettiva di discorso. Partendo da immagini ancestrali, metafore e luoghi comuni, si tratta di disegnare “spaccati trasversali” che interrogano immaginario acustico, gesto vocale e postura del soggetto. Nell’insieme, sono tasselli di una più ampia visione della “voce”. Le storie culturali, i materiali teorici e gli emblemi, a cui queste tre parole possono richiamarsi, entreranno in cortocircuito con le durate, i movimenti cairologici, le posture di artisti e spettatori, le opere e i luoghi del Festival. L’intera durata della manifestazione è intesa come un tempo per studiare, leggere, assemblare, verificare esperienze, in modo da mettere alla prova gli strumenti teorici e sperimentare l’organizzazione del sapere come pratica irriducibile alla routine amministrativa della conoscenza. Al riparo dall’esercizio di convalida teorica delle opere, la presa di parola finale sarà un gesto provvisorio prodotto nel tessuto delle relazioni. Mouthing · Syncope · Sss! are three figures around whom a discourse theme is to be constructed. Taking ancestral images, metaphors and communal places as the point of departure, the task here is to draw “transverse sections” that focus on acoustic images, vocal gestures and the posture of the subject. Taken together, these are details of a more complete vision of “the voice”. The cultural histories, theoretical subject matter and emblems that these three words may recall will enter into a short-circuit with the duration of the festival, its kairological movements, the postures of its artists and spectators, and the festival’s works and locations. The entire duration of the demonstration is to be seen as a time for studying, reading, assembling and verifying experiences so as to put the theoretical tools to test and experiment with organizing knowledge as a fundamental practice in its administrative routine. Sheltered from the exercise of theoretical validation of the works, the fact of having the last word will be a provisional gesture produced in the web of relations. Piersandra Di Matteo è teorica, drammaturga e curatrice indipendente nel campo delle performing arts. Durante l’attività di ricerca al Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna, ha dato avvio a un percorso centrato su politica e etica della voce, partecipando a convegni internazionali e tenendo conferenze e seminari a Montreal, Londra, Amsterdam, Shanghai, Bruxelles, Hong Kong, Singapore. 226 Piersandra Di Matteo is an independent performing arts theorist, playwright and editor. While active in research in the Art Department of Bologna University, she set off on a path centred on the politics and ethics of voice, taking part in international conferences and holding her own conferences and seminars in Montreal, London, Amsterdam, Shanghai, Brussels, Hong Kong and Singapore. 227 ENRICO PITOZZI SUL BORDO DEGLI OCCHI. UN’INDAGINE SULLA VISIONE A TEATRO ENRICO PITOZZI AT THE EDGE OF THE EYES. AN INVESTIGATION INTO VISION IN THEATRE Assai di rado si riflette su cosa sia il teatro. Guardare oltre la stretta contingenza, questo sembra essere il suo compito. A ogni buon conto, il teatro – così come la filosofia – guarda in profondità dentro il presente. Solo in questa profondità si annoverano le configurazioni che danno forma al domani. Esso è già qui, solo un po’ più spostato. Accanto, nel perimetro del reale; questo è ciò di cui testimonia il teatro. Questa riflessione ne implica un’altra, forse ancora più stringente: cosa si vede davvero a teatro? Interrogare la natura delle cose e il loro manifestarsi per incertezze, bagliori, scarti del tempo, sembra essere la risposta. L’idea stessa di teatro come luogo della visione si presenta qui come un principio di conoscenza. La pratica scenica contemporanea diviene così espressione e modo di una ricerca non tanto del senso dell’esistenza quanto dell’esistenza stessa e del modo di condurla: un’interrogazione al reale e alle sue manifestazioni. Prendendo le mosse dal mito platonico della caverna, questo intervento intende dunque delineare le connessioni che la scena contemporanea istituisce con la filosofia antica intorno al tema della visione. Enough radon is reflected on what theatre is. Looking beyond strict contingency seems to be its task. In any case, theatre – like philosophy – looks deep into the present. Only in this depth will the configurations be found that give shape to tomorrow. It is already here, only a bit further away. Here, beside, at the edge of the real; this is what theatre bears witness to. This reflection implies another, perhaps an even more compelling one: what is actually seen at the theatre? Questioning the nature of things and the way they manifest themselves through uncertainty, moments of splendour, time lags, that seems to be the answer. The very notion of the theatre as a place of vision arises here like a principle of consciousness. Contemporary stagecraft thus becomes an expression and a mode of research not so much into the meaning of existence but into existence itself and the way to conduct it, a way of questioning the real and its manifestations. This move, starting from Plato’s myth of the cave, thus aims to trace out the links with classical philosophy that contemporary theatre forms in regard to vision. Enrico Pitozzi insegna Forme della scena multimediale presso il Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna. È membro del progetto di ricerca Performativité et effets de présence dell’UQAM (Canada), del progetto di ricerca Poéticas Tecnologicas de l’Universidade Federal de Bahia (Brasile), del MeLa research lab dello IUAV di Venezia. Tra le sue pubblicazioni, Le réel à l’épreuve des technologies (2013), Magnetica. La composizione coreografica di Cindy Van Acker (2015), The Oxford Handbook of Music, Sound and Image in the Fine Arts (2016). 228 Enrico Pitozzi teaches Forms of the multimedia stage in the Art Department of Bologna University. He is a member of the UQAM Performativité et effets de présence research project, the Poéticas Tecnologicas research project at the Universidade Federal de Bahia, Brazil, and the MeLa research lab at IUAV, Venezia. Among his publications are: Le réel à l’épreuve des technologies (2013); The choreographic composition of Cindy Van Acker (2015); The Oxford Handbook of Music, Sound and Image in the Fine Arts (2016). 229 ANNALISA SACCHI IL TEMPO DEL KINDERTRANSPORT, OVVERO, DI QUANTI TENTANO DI DECLINARE IL TEATRO – E IL MONDO – AL FUTURO All’indomani della Notte dei Cristalli, il Parlamento Britannico votò una misura straordinaria che permise, negli anni tra il 1938 e il 1940, di ammettere oltre diecimila minori ebrei non accompagnati in Gran Bretagna. I bambini furono collocati presso famiglie inglesi volontarie. La storia di questi trasporti d’emergenza, i Kindertransport, fu una storia di traumi e di salvezza, di mobilitazione e di futuro. È la storia al centro delle vicende di Austerlitz, il protagonista del romanzo omonimo di W. G. Sebald, che ossessivamente torna alla sua infanzia e ci ricorda che l’infanzia non è mai un’ipotesi ma un fatto, che non è mai un’idea ma una sostanza impastata di memoria e affacciata sul futuro. Nel mio intervento parlerò dell’urgenza di allestire nuovi Kinderstransport e di quanti fanno del loro teatro, della loro militanza poetica nel teatro, un mezzo rivolto al bambino. Poiché se il teatro è una macchina di ripetizioni, una lunga iniziazione del corpo al mistero della sua scomparsa, l’unica potenza che vi si oppone risolutamente è quella dell’infanzia, dell’inizio, dell’analfabetismo, delle possibilità ancora tutte percorribili. E il teatro che guarda al bambino (non necessariamente, tematicamente, un teatro per bambini o di bambini) è un teatro degli inizi, un mezzo rivolto a colui che deve immettere nel gioco del mondo il (ri)cominciamento di cui ogni infanzia è portatrice, pur tra le macerie. Annalisa Sacchi è professore associato di Discipline teatrali presso IUAV, dove dirige il progetto INCOMMON. In Praise of Community. Shared creativity in arts and politics in Italy (1959-1979). Tra le sue pubblicazioni, Il posto del re. Estetiche del teatro di regia nel modernismo e nel contemporaneo (2012), Shakespeare per la Socìetas Raffaello Sanzio (2014), Itinera. Trajectoires de la forme Tragedia Endogonidia (con Enrico Pitozzi, 2008), e la traduzione e curatela di Filosofi e uomini di scena di Freddie Rokem (2013). Vive e lavora tra Venezia e Londra. 230 ANNALISA SACCHI THE TIME OF THE KINDERTRANSPORT, OR… HOW MANY PEOPLE TRIED TO DECLINE THEATRE – AND THE WORLD – TO AND IN THE FUTURE Shortly after Kristallnacht, the British Parliament passed a special bill that permitted over ten-thousand unaccompanied Jewish children to enter the United Kingdom between 1938 and 1940, where they were taken in by British volunteer families. The story of this emergency transport programme, the Kindertransport, was a story of trauma and salvation, of mobilization and a future. It is also the story at the centre of W.G. Sebald’s novel Austerlitz, whose main character returns obsessively to his childhood, reminding us that childhood is never an hypothesis but a fact, never an idea but something substantial, covered with memories and facing the future. In my lecture I should like to speak of the urgency of organizing new Kindertransports and of how so many people make their theatrical work, and the poetic militancy it reflects, into a medium directed at children. Because if theatre is a mechanical repetition, a long initiation of the body into the mystery of its disappearance, the only power that resolutely opposes it is that of childhood, its beginning, its pre-literacy, and its possibilities, all of which are still open. And the theatre that looks at children (not necessarily, in thematic terms, a theatre for and of children) is a theatre of beginnings, a medium aimed at those who have to introduce, into the worldly game, the (re)commencement embodied in every childhood, even through its ruins. Annalisa Sacchi is Associate Professor of Theatre Disciplines at IUAV University, in Venezia, where she runs the INCOMMON. In Praise of Community. Shared creativity in arts and politics in Italy (1959-1979) project. Among her publications are Il posto del re. Estetiche del teatro di regia nel modernismo e nel contemporaneo (2012), Shakespeare per la Socìetas Raffaello Sanzio (2014), Itinera. Trajectoires de la forme Tragedia Endogonidia (with Enrico Pitozzi 2008), and the translation and editing of Filosofi e uomini di scena by Freddie Rokem (2013). She lives and works in Venezia and London. 231 MORNING, BOYS. HOW’S THE WATER? ROBERTO LATINI - FORTEBRACCIO TEATRO AMLETO. DIE FORTINBRASMASCHINE Santarcangelo Festival organizza un momento di incontro tra artisti emiliano-romagnoli, il cui lavoro ha una vocazione fortemente internazionale non ancora esplorata, e operatori culturali di diverse provenienze e nazionalità. Morning, boys. How’s the water? riunisce alcune compagnie e artisti indipendenti per una presentazione informale e diretta del loro lavoro a organizzatori e curatori internazionali. Gli incontri sono pensati come un momento di conoscenza reciproca, di confronto e di scambio attorno ai progetti in corso e futuri. Teatro Dimora di Mondaino ven . fri 15/07 h 18.00 anteprima INCONTRI PER OPERATORI E ARTISTI Le compagnie e gli artisti coinvolti sono: Daniele Albanese, Ateliersi, Beatrice Baruffini, Simona Bertozzi, CollettivO CineticO, Cosmesi, Luigi De Angelis, Dewey Dell, Nicola Galli, gruppo nanou, Menoventi, Muna Mussie, Orthographe, Zapruder filmmakersgroup. ENCOUNTER FOR PROFESSIONALS AND ARTISTS Santarcangelo Festival is organizing an encounter for artists from Emilia-Romagna whose work has a strongly, as yet unexplored international direction, and cultural operators from various backgrounds and countries. Morning, boys. How’s the water? brings together a whole range of independent artists and companies to enable them in an informal, direct manner to introduce their work to international organizers and curators. These encounters are conceived as a moment of getting to know each other, of comparing and exchanging ideas concerning current and future projects. The companies and artists taking part are: Daniele Albanese, Ateliersi, Beatrice Baruffini, Simona Bertozzi, CollettivO CineticO, Cosmesi, Luigi De Angelis, Dewey Dell, Nicola Galli, gruppo nanou, Menoventi, Muna Mussie, Orthographe, Zapruder filmmakersgroup. Morning, boys. How’s the water? è organizzato nel contesto di Destination Italie, progetto biennale di Onda/Office National de Diffusion Artistique, in collaborazione con Short Theatre e Terni Festival. Morning, boys. How’s the water? is organized in the context of Destination Italie, the biennial project by Onda/Office National de Diffusion Artistique, in collaboration with Short Theatre and Terni Festival. 232 L’arboreto - Teatro Dimora di Mondaino tel/fax 0541 624003 mobile 331 9191041 [email protected] www.arboreto.org posti limitati, si consiglia la prenotazione (reservations are recommended as seat numbers are limited) In occasione di Morning, boys. How’s the water?, L’arboreto - Teatro Dimora di Mondaino ospita in anteprima la nuova produzione di Roberto Latini, una scrittura scenica liberamente ispirata a Hamletmachine di Heiner Müller – a sua volta riscrittura dell’Amleto di Shakespeare – scegliendo il punto di vista di Fortebraccio per lanciare uno sguardo al contemporaneo. Questo lavoro si inscrive nel quadro di Oltre il giardino, programma con cui l’Arboreto si apre a forme di residenzialità di lunga durata, invitando artisti nomadi a vivere il Teatro Dimora e il bosco dell’arboreto come se fossero una “seconda dimora” in cui riflettere e agire sui processi di creazione e produzione, lavoro e convivio, solitudini e incontro. At the same time as Morning, boys. How’s the water?, L’arboreto - Teatro Dimora di Mondaino is hosting the premiere of Amleto. Die Fortinbrasmaschine, the latest work by Roberto Latini, a script liberally inspired by Heiner Müller’s Hamletmachine, itself an adaptation of Shakespeare’s Hamlet, taking the viewpoint of Fortinbras to throw a look at the contemporary world. This work is part of Oltre il giardino, a programme with which the Arboreto becomes a sort of long-term residence, inviting wandering artists to come and live in the Teatro Dimora and the Arboreto as if it were a second home (a pun on the Italian name “dimora”, which means dwelling) where they can reflect and work on their creative and productive processes, working and living together, alone and in group meetings. 233 FOR THE FUTURE OF A FESTIVAL Librerie (bookstores): Bologna MAMbo Corraini, Modo Infoshop Bolzano MUSEION bookshop Borca di Cadore (BL) Dolomiti Contemporanee Firenze Libreria Todo Modo Milano Spazio BK Ravenna Libreria Dante di Longo, Teatro Rasi Rimini Libreria Riminese Roma Studio Pilar Santarcangelo di Romagna (RN) The Book Room Venezia Bruno Temporary bookshop: Archive books (Berlin, Milano) Biblioteche (libraries): Cesena Biblioteca Malatestiana Santarcangelo di Romagna Biblioteca Comunale A. Baldini Venezia BAUM Biblioteca Area Umanistica Università Cà Foscari, Biblioteca Centrale Università IUAV Collaborazioni (collaborations): Doc(k)s - Bellissima Fiera (Milano), Calligraphie (Cesena) Disponibile online su IBS.it (available online on IBS.it) EFFE AWARDS CREATE TO CONNECT L’EFA (Associazione Europea Festival), ha attirato, sin dalla sua nascita, nel 1952, l’attenzione sull’importanza dell’arte e della cultura, creando nel 2013 un nuovo programma, EFFE – Europe for Festivals, Festivals for Europe, una piattaforma dinamica che raccoglie festival con una profonda vocazione verso l’arte, il loro territorio e l’Europa; li premia con l’etichetta EFFE e con gli EFFE Awards. Il Festival di Santarcangelo è uno dei dodici festival giudicati tra i migliori d’Europa nel corso dell’ultima cerimonia degli EFFE Awards, il 27 Settembre 2015 a Parigi. Santarcangelo dei Teatri «ha significativamente contribuito allo sviluppo delle arti performative contemporanee e di un nuovo pubblico, costruendosi una forte reputazione internazionale. Ogni anno Santarcangelo diventa una città-teatro trasformando le sue architetture in luoghi di incontro per installazioni, workshops, conferenze e dibattiti, accogliendo numerosi artisti e spettatori nazionali e internazionali [...] Un festival fortemente consolidato con un valido programma nazionale e internazionale, in un Paese dove è difficile proporre performance contemporanee sperimentali». Create to Connect è l’impegno di riunire tredici organizzazioni culturali e di ricerca europee per creare forti e durature connessioni tra artisti, operatori culturali, ricercatori e pubblico. Le organizzazioni partner hanno dimostrato per molti anni una dedizione alla ricerca, nel tentativo di trovare nuovi approcci alla formazione del pubblico, come anche alla produzione di modelli in grado di coinvolgere il pubblico con modalità innovative, cercando di creare nuove spazi di condivisione, insieme al pubblico, coinvolto sia fisicamente che attraverso il dialogo o la partecipazione. Create to Connect riconosce il bisogno dei settori artistici e culturali di rispondere una crisi che tocca soprattutto i punti nevralgici del disimpegno dei cittadini e della disgregazione della partecipazione nella sfera pubblica, della diminuzione del senso di comunità. Le arti performative contemporanee, in particolare, per la loro interazione diretta tra artisti e pubblico, ha il potenziale di creare un senso di comunità e le condizioni con cui ricercare nuove soluzioni, dando voce a chi non l’ha ancora o aprendo e rendendo possibili le opportunità di partecipazione alle questioni pubbliche. Since its initiative in 1952, the EFA (European Festivals Association) has brought the importance of arts and culture to attention. The EFA created in 2013 the new programme EFFE – Europe for Festivals, Festivals for Europe. EFFE is a dynamic platform that brings together festivals that are deeply committed to the arts, their communities and Europe and honours them with the EFFE labels and EFFE Awards. Santarcangelo Festival is one of the twelve festivals awarded as the most trendsetting European festivals at the last EFFE Award Ceremony in Paris on 27 September 2015. Santarcangelo dei Teatri «has contributed significantly to the development of contemporary performing arts and new audiences, and built a strong international reputation. Every year in Santarcangelo becomes a citytheatre, transforming its architectures into venues for performances installations, workshops, lectures and debates, and welcoming many international and national artists and audiences [...] A long-established festival with a strong national and international programme, in a country where the presentation of experimental contemporary performance is difficult». Create to Connect is a joint effort of 13 European cultural and research organizations to create powerful and long-lasting connections of artists, cultural operators, researchers and audience. The partners’ organizations have made commitment to several years researching and finding new approaches to educate the audience as well as the production models that will engage the audience in new innovative ways and trying to create new public arenas together with the audience, whether it be physically, through dialogue or participation. We recognize the need for arts and culture sector to respond to the crisis, especially to neuralgic points of the disengagement of citizens in the public sphere, to the disintegration of participation in public matters and to the diminishing sense of community. Especially contemporary performing art with its direct interaction between artists and audience has potential to create a sense of community and conditions in which searching for new alternatives, giving voice to the ones that do not have it or opening opportunities to participate in the matters of public is possible. Giuria Effe International (Effe International Jury): Vincent Baudriller (EFFE International Jury - Théâtre Vidy, Lausanne); Hortense Archambault (MC93 Maison de la culture de la Seine-Saint-Denis, Bobigny); Tom Creed (Dublin); Nina Peče Grilc (Kinodvor, Ljubljana); Piotr Gruszczynski, Ulrika Josephsson (Jupither Josephsson Theatre Company, Ingmar Bergman International Theatre Festival, Dramaten, Stockholm); Mark Russell (Under the Radar Festival, New York); Gyorgy Szabo (Trafo - House of Contemporary Arts, Budapest) www.createtoconnect.eu Create to Connect è coordinato da Bunker di Ljubljana e co-organizzato da (Create to Connect is coordinated by Bunker di Ljubljana and co-organized by) Maria Matos Teatro Municipal, AltArt Foundation, Parc et Grande Halle de la Villette, Artsadmin, Santarcangelo dei Teatri, Noorderzon Performing Arts Festival Groningen, Festival De Keuze / Rotterdamse Schouwburg, Arts and Theatre Institute, Walking Theory and by Fond B92 / Cultural Center REX, Balkan Express, Institute for Applied Theatre Studies Con il supporto del Programma Cultura dell’Unione Europea With the support of the Culture Programme of the European Union ALTRI PROGETTI EUROPEI 236 237 ENTI SOCI Comune di Santarcangelo COLLABORAZIONI ISTITUZIONALI Comune di Rimini PARTNER ISTITUZIONALI Comune di Longiano Comune di Poggio Torriana Comune di San Mauro Pascoli SANTARCANGELO FESTIVAL È MEMBRO DI COLLABORAZIONI MAIN SPONSOR 238 239 AMICI DEL FESTIVAL / SOSTENITORI PRESENTE SOSTENIBILE AMICI DEL FESTIVAL / TECNICI AMICI DEL FESTIVAL / CENTROFESTIVAL MEDIA PARTNER AMICI DEL FESTIVAL / SERVIZI 240 241 242 243 CALENDARIO CALENDAR Spazio dei miracoli Giardino Monte di Pietà Via della Costa 15 08 /07 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 10.30 > 13.00 - 17.00> 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 22.00 Bouchra Ouizguen Corbeaux (30 min) Sferisterio Via Faini 8 h 23.00 Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Lumen Sferisterio Via Faini 8 h 00.30 > 03.00 Lumen/dopofestival mobile Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Sferisterio Via Faini 8 h 17.30 > 20.30 Nicola Galli Mars (site-specific) Grotta Municipale Via Ruggeri h 18.00 > 21.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 > 00.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Speculazione, tra profitto e slancio filosofico ospite (guest) Francesca Ussani/Forum per la Finanza Sostenibile Piazza Ganganelli h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 20.30 Bouchra Ouizguen Corbeaux (30 min) Parco Campo della Fiera Via de Bosis - Via Faini h 21.30 + 22.30 + 23.30 Cosmesi Ghezzz performance (20 min) Paglierani Via Emilia 1938 h 21.30 Cristina Kristal Rizzo BoleroEffect (50 min) Lavatoio Via Ruggeri 16 244 245 Spazio dei miracoli Giardino Monte di Pietà Via della Costa 15 09 /07 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 21.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 00.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 10.00 > 13.00 (Workshop) Enrico Malatesta No Island but Other Connections MET Via Montevecchi 41 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 11.00 Artist talk Bouchra Ouizguen e Markus Öhrn Piazza Ganganelli h 16.00 Enrico Malatesta No Island but Other Connections: First connection (90 min) MET Via Montevecchi 41 h 17.30 DOM-L’uomo che cammina (240 min) Stazione ferroviaria di Santarcangelo di R. Piazzale Esperanto h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 18.00 > 21.00 Nicola Galli Mars (site-specific) Grotta Municipale Via Ruggeri h 18.00 Enrico Malatesta No Island but Other Connections: Second connection (90 min) MET Via Montevecchi 41 246 h 18.30 Bouchra Ouizguen Corbeaux (30 min) Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 18.30 > 21.30 danza (dance) h 19.30 (60 min) Cristina Kristal Rizzo Prélude Lavatoio Via Ruggeri 16 h 20.00 Bouchra Ouizguen Corbeaux (30 min) Retro Lavatoio Via Marini - angolo Via Costa h 20.30 Zachary Oberzan Tell Me Love Is Real (75 min) Supercinema Piazza Marconi 1 h 21.00 Parata (Welcome to Caveland!) (50 min) Parco dei Cappuccini Via Cupa 303 h 21.30 + 22.30 + 23.30 Cosmesi Ghezzz performance (20 min) Paglierani Via Emilia 1938 h 22.00 Zapruder filmmakersgroup L’invincibile. Ascesa all’Olimpo Parco Campo della Fiera Via de Bosis - Via Faini h 23.00 Michele Rizzo Higher (60 min) Teorema Via Tosi 318 h 23.30 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink (15 min) Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 23.30 > 01.00 Listening featuring Corbeaux Piazza Ganganelli h 00.00 > 04.00 66 Million Years/dopofestival mobile Michele Rizzo Teorema Via Tosi 318 247 Spazio dei miracoli Giardino Monte di Pietà Via della Costa 15 10 /07 h 10.00 > 13.00 (Workshop) Enrico Malatesta No Island but Other Connections MET Via Montevecchi 41 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 21.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 00.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 11.00 Artist talk Luigi De Angelis, Emanuele Wiltsch Barberio e Zapruder filmmakersgroup Piazza Ganganelli h 18.00 > 21.00 Nicola Galli Mars (site-specific) Grotta Municipale Via Ruggeri h 18.00 Enrico Malatesta No Island but Other Connections: Fourth connection (90 min) MET Via Montevecchi 41 h 18.00 (Talks) Enrico Pitozzi Sul bordo degli occhi. Un’indagine sulla visione a teatro Piazza Ganganelli h 18.00 (Film) Cosimo Terlizzi Aurora, un percorso di creazione (60 min) Supercinema Piazza Marconi 1 h 19.00 Bouchra Ouizguen Corbeaux (30 min) Grotta delle Clarisse Via Porta Cervese 8 h 19.30 Zachary Oberzan Tell Me Love Is Real (75 min) + after talk Supercinema Piazza Marconi 1 h 21.30 + 22.30 + 23.30 Cosmesi Ghezzz performance (20 min) Paglierani Via Emilia 1938 h 16.00 Enrico Malatesta No Island but Other Connections: Third connection (90 min) MET Via Montevecchi 41 h 21.30 Philippe Quesne La Nuit des taupes (Welcome to Caveland!) (90 min) ITSE Molari Via Orsini 19 h 17.30 Bouchra Ouizguen Corbeaux (30 min) Campo da basket Via Carracci - Via Ferrara h 21.30 > 00.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 17.30 > 20.30 danza (dance) h 18.30 (60 min) Cristina Kristal Rizzo Prélude Lavatoio Via Ruggeri 16 h 22.30 Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Lumen Lago Santarini Via Trasversale Marecchia 1411 h 17.30 DOM- L’uomo che cammina (240 min) Rimini - pensilina degli autobus (bus stop) Piazzale Battisti h 23.00 Michele Rizzo Higher (60 min) Teorema Via Tosi 318 h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 23.30 > 01.00 Djset featuring La Taupe Piazza Ganganelli 248 249 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint 11 /07 h 23.30 > 01.00 Djset featuring Supereroe Piazza Ganganelli h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 17.00 > 18.30 (Workshop) Marco D’Agostin Super_Hero_Kids Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 h 18.00 > 22.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 > 22.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 18.00 > 20.30 (Workshop) Michele Rizzo Higher workshop Teorema Via Tosi 318 h 19.00 Riccardo Fazi/Muta Imago Antologia di S. #1 (15 min) Ristorante Zaghini Piazza Gramsci 14 h 19.30 > 22.30 danza (dance) h 20.30 (60 min) Cristina Kristal Rizzo Prélude Lavatoio Via Ruggeri 16 h 21.30 Alessandro Sciarroni JOSEPH_Kids (30 min) Sferisterio Via Faini 8 h 21.30 > 23.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 21.30 Philippe Quesne La Nuit des taupes (Welcome to Caveland!) (90 min) + after talk ITSE Molari Via Orsini 19 250 251 h 10.00 > 13.00 - 15.00 > 18.00 (Workshop) Giulia Mirandola e Silvia Vecchini Mi piace stare sul bordo della storia MET Via Montevecchi 41 12 /07 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 16.00 > 18.30 (Workshop) Michele Rizzo Higher workshop Teorema Via Tosi 318 h 17.00 > 01.00 Progetto Demoni Frammento #1 Marija (7 min) performance ogni 10 min *prenotazione obbligatoria (reservation is compulsory) Rocca Malatestiana Via Rocca Malatestiana h 18.00 > 22.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 21.30 > 23.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 21.30 Kinkaleri Butterfly (50 min) Sferisterio Via Faini 8 h 22.30 The Soft Moon Piazza Monache h 23.30 Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Lumen Cava meeting point Via Trasversale Marecchia 1411 h 23.30 > 01.00 Djset featuring Azdora Piazza Ganganelli h 00.30 > 02.00 Lumen/dopofestival mobile Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Cava meeting point Via Trasversale Marecchia 1411 h 18.00 > 22.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 16.00 > 18.30 (Workshop) Michele Rizzo Higher workshop Teorema Via Tosi 318 h 19.00 Riccardo Fazi/Muta Imago Antologia di S. #2 (15 min) Ristorante Zaghini Piazza Gramsci 14 h 20.30 Michele Rizzo Higher (60 min) + after talk Teorema Via Tosi 318 252 253 h 10.00 > 13.00 - 15.00 > 18.00 (Workshop) Giulia Mirandola e Silvia Vecchini Mi piace stare sul bordo della storia MET Via Montevecchi 41 13 /07 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 17.00 > 01.00 Progetto Demoni Frammento #2 Liza (9 min) performance ogni 10 min *prenotazione obbligatoria (reservation is compulsory) Rocca Malatestiana Via Rocca Malatestiana h 17.30 DOM- L’uomo che cammina (240 min) Stazione ferroviaria di Santarcangelo di R. Piazzale Esperanto h 18.00 > 22.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 15.00 > 19.30 - 21.00 > 00.00 Scenario Live Supercinema Piazza Marconi 1 h 21.30 > 23.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 21.30 (Film) Michele Trentini Alta scuola (72 min) Sferisterio Via Faini 8 h 21.30 > 23.30 Ronin e gruppo nanou Strettamente confidenziale + Ronin Piazza Monache (Grotta Stacchini) h 23.30 > notte fonda (dead of night) Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics Autoscuola della notte Piazza Ganganelli h 23.30 > 01.00 Djset featuring Alice Piazza Ganganelli h 18.00 > 22.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 18.00 - 20.30 (Workshop) Michele Rizzo Higher workshop Teorema Via Tosi 318 h 19.00 Riccardo Fazi/Muta Imago Antologia di S. #3 (15 min) Ristorante Zaghini Piazza Gramsci 14 h 21.00 > 00.00 Dewey Dell e Massimo Pupillo Prima trasmissione verticale Spazio SAIGI Via IV Novembre - angolo Via Verdi 254 255 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 21.30 > 23.30 Ronin e gruppo nanou Strettamente confidenziale + Ronin Piazza Monache (Grotta Stacchini) h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 22.30 Hugo Race Piazza Monache h 17.30 DOM- L’uomo che cammina (240 min) Stazione ferroviaria di Santarcangelo di R. Piazzale Esperanto h 23.30 > notte fonda (dead of night) Aleppo. A laboratory for experiments in performance and politics Autoscuola della notte Piazza Ganganelli 14 /07 h 18.00 > 23.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 18.00 > 23.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 23.30 > 01.00 Djset featuring Theodore John Kaczynski Piazza Ganganelli h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 19.00 Riccardo Fazi/Muta Imago Antologia di S. #4 (15 min) Ristorante Zaghini Piazza Gramsci 14 h 20.30 Cosmesi Di Natura Violenta (55 min) Lavatoio Via Ruggeri 16 h 21.00 > 01.00 Progetto Demoni Frammento #3 Stavrogin (10 min) performance ogni 20 min *prenotazione obbligatoria (reservation is compulsory) Grotta Municipale Via Ruggeri h 21.30 > 23.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 21.30 non-scuola/Teatro delle Albe Alice (60 min) Sferisterio Via Faini 8 256 257 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 00.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 21.30 > 00.00 Mara Oscar Cassiani The sky was Pink Parco Francolini Via Costa - Via Montevecchi h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 00.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 21.30 Amir Reza Koohestani/Mehr Theatre Group Hearing (70 min) + after talk ITSE Molari Via Orsini 19 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 22.30 Vaghe stelle Piazza Monache h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 23.00 Cosmesi Di Natura Violenta (55 min) Lavatoio Via Ruggeri 16 h 11.00 > 13.00 + 16.00 >18.00 Caveland Cineclub Supercinema Piazza Marconi 1 h 23.30 > 01.00 Djset featuring Natten Piazza Ganganelli h 17.00 > 19.00 (Workshop) Canicola Racconti notturni ITSE Molari Via Orsini 19 h 00.00 Markus Öhrn/Azdora + Stefania ?Alos Pedretti Ritual#12 DAI (90 min) Luogo segreto (secret place) - meeting point Arco Piazza Ganganelli *prenotazione obbligatoria (reservation is compulsory) 15 /07 h 17.30 DOM- L’uomo che cammina (240 min) Stazione ferroviaria di Santarcangelo di R. Piazzale Esperanto h 18.00 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Moneta e bene comune ospite da definire (guest to be difined) Piazza Ganganelli h 01.30 > 04.00 Crude/dopofestival mobile Motus e Markus Öhrn Villa Torlonia Via Due Martiri 2 (San Mauro Pascoli) h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 18.00 + 19.30 Ivana Müller Partituur (30 min) Sferisterio Via Faini 8 h 19.00 Riccardo Fazi/Muta Imago Antologia di S. #5 (15 min) Ristorante Zaghini Piazza Gramsci 14 258 259 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 00.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 h 21.00 Amir Reza Koohestani/Mehr Theatre Group Hearing (70 min) ITSE Molari Via Orsini 19 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 00.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 21.30 Teatro delle Briciole Era ieri (45 min) Sferisterio Via Faini 8 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 22.30 Ninos Du Brasil Piazza Monache h 10.30 > 13.00 - 17.00 > 23.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 22.30 Cristina Kristal Rizzo BoleroEffect (Rapsodia_The Long Version) (50 min + 60 min) Teorema Via Tosi 318 16 /07 h 11.00 Artist talk: Cristina Kristal Rizzo e Mårten Spångberg Piazza Ganganelli h 11.00 > 13.00 + 16.00 > 18.00 Caveland Cineclub (90 min) Supercinema Piazza Marconi 1 h 17.30 DOM- L’uomo che cammina (240 min) Stazione ferroviaria di Santarcangelo di R. Piazzale Esperanto h 18.00 (Talks) Piersandra Di Matteo Mouthing • Syncope • Sss! Piazza Ganganelli h 23.00 > 06.00 Mårten Spångberg Natten ITSE Molari Via Orsini 19 h 23.30 > 01.00 Djset featuring I Detective Selvaggi Piazza Ganganelli h 00.30 > 04.00 Exil#11 Countdown/dopofestival mobile Strasse Teorema Via Tosi 318 h 18.00 I Detective Selvaggi Ricevimento (60 min) Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 - ingresso (entrance) Via Mazzini h 18.00 (Film) Apichatpong Weerasethakul Tropical Malady (118 min) Supercinema Piazza Marconi 1 h 18.30 > 20.30 Enrico Malatesta No Island but Other Connections MET Via Montevecchi 41 h 19.00 Cosmesi Di Natura Violenta (55 min) + after talk Lavatoio Via Ruggeri 16 260 261 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 23.00 Cosmesi Ghezzz Paglierani Via Emilia 1938 17 /07 h 10.00 > 12.30 - 18.00 > 23.00 Voldemārs Johansons Thirst Paglierani Via Emilia 1938 h 10.30 > 12.00 - 17.00 > 22.30 Cristian Chironi Audio Guide (45 min) Piazza Ganganelli Infopoint h 10.30 > 13.00 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Fondo Speculativo di Provvidenza Piazza Ganganelli h 11.00 > 13.00 + 16.00 > 18.00 Caveland Cineclub (90 min) Supercinema Piazza Marconi 1 h 17.30 DOM - L’uomo che cammina (240 min) Rimini - pensilina degli autobus (bus stop) Piazzale Battisti h 18.00 (Film) Antoine Boutet Le plein pays (58 min) Supercinema Piazza Marconi 1 h 18.00 (Talks) Annalisa Sacchi Il tempo del Kindertransport, ovvero, di quanti tentano di declinare il teatro – e il mondo – al futuro Piazza Ganganelli h 19.30 Riccardo Fazi/Muta Imago Antologia di S. (45 min) Lavatoio Via Ruggeri 16 h 21.30 Luigi Coppola e Christophe Meierhans Assembly of the Parts #1 (120 min) Sferisterio Via Faini 8 h 22.30 R.Y.F. Piazza Monache h 23.00 > 8.30 Mårten Spångberg Natten ITSE Molari Via Orsini 19 262 263 MUSICA IN PIAZZA MONACHE ATTRAVERSO LO SPECCHIO Attraverso lo specchio prende in prestito il titolo di un romanzo di Lewis Carroll per invitare bambine e bambini a un programma di spettacoli e laboratori a loro dedicati. Luogo ideale per l’ascolto musicale, Piazza Monache ospita, nel cuore del centro storico di Santarcangelo, concerti gratuiti a cielo aperto, sempre affiancati da un drink truck. Attraverso lo specchio takes its title from Lewis Carroll’s classic Through the Looking Glass, inviting boys and girls to take part in a programme of shows and workshops specially designed for them. Piazza Monache, an ideal location in the heart of the historic centre of Santarcangelo for listening to music, presents free open-air concerts beside drink truck. lun. mon 11/07 h 17.00 > 18.30 (Workshop) Marco D’Agostin Super_Hero_Kids Biblioteca A. Baldini Viale Pascoli 3 h 21.30 (Film) Michele Trentini Alta scuola (72 min) Sferisterio Via Faini 8 Piazza delle Monache h 22.30 h 21.30 Alessandro Sciarroni JOSEPH_Kids (30 min) Sferisterio Via Faini 8 gio . thu 14/07 h 21.30 non-scuola/Teatro delle Albe Alice (60 min) Sferisterio Via Faini 8 gio . thu 14/07 Hugo Race mar. tue 12/07 h 10.00 > 13.00 - h 15.00 > 18.00 (Workshop) Giulia Mirandola e Silvia Vecchini Mi piace stare sul bordo della storia MET Via Montevecchi 4 ven . fri 15/07 h 17.00 > 19.00 (Workshop) Canicola Racconti notturni ITSE Molari Via Orsini 19 sab . sat 16/07 Ninos Du Brasil h 21.30 Kinkaleri Butterfly (50 min) Sferisterio Via Faini 8 h 18.00 + 19.30 Ivana Müller Partituur (30 min) Sferisterio Via Faini 8 mer . wed 13/07 h 10.00 > 13.00 - h 15.00 > 18.00 (Workshop) Giulia Mirandola e Silvia Vecchini Mi piace stare sul bordo della storia MET Via Montevecchi 41 sab . sat 16/07 h 21.30 Teatro delle Briciole Era ieri (45 min) Sferisterio Via Faini 8 264 mar . tue 12/07 The Soft Moon ven . fri 15/07 Vaghe stelle dom . sun 17/07 R.Y.F. in collaborazione con 265 DJ SET AS FICTIONAL REALITY L DOPOFESTIVA MOBILE Curato da artisti della scena performativa contemporanea, che in alcuni casi – Motus e Strasse – scelgono questa come forma di presenza nel programma del Festival, le cinque serate del dopofestival mobile di Santarcangelo invitano a scoprire ogni volta un diverso luogo, e a sporgersi sul bordo che separa la performance dalla festa, la visione dallo scatenamento del ballo. Tutte le serate saranno affiancate da drink truck e food truck. Presented by contemporary performance artists, some of whom – Motus and Strasse – have chosen this as the format in which they will take part in the Festival programme, the five evenings of Santarcangelo dopofestival mobile are an invitation to discover the vision of dance unleashed, each time at a different location, and to lean out over the fence that divides performance from party. All the evenings will be held beside drink trucks and food trucks ven . fri 08/07 h 00.30 > 03.00 Lumen/dopofestival mobile Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Sferisterio Via Faini 8 sab . sat 09/07 h 00.00 > 04.00 66 Milion Years/dopofestival mobile Michele Rizzo Teorema Via Tosi 318 mar . tue 12/07 h 00.30 > 02.00 Lumen/dopofestival mobile Luigi De Angelis e Emanuele Wiltsch Barberio Cava meeting point Via Trasversale Marecchia 1411 266 ven . fri 15/07 h 01.30 > 04.00 Crude/dopofestival mobile Motus e Markus Öhrn Villa Torlonia Via Due Martiri 2 (San Mauro Pascoli) sab . sat 16/07 h 00.30 > 04.00 Exil#11/Countdown /dopofestival mobile Strasse Teorema Via Tosi 318 Ospiti nello spazio allestito da Parasite 2.0 come parte della sua installazione Architecture as fictional reality, gli artisti, e più spesso i personaggi degli spettacoli in programma, curano ogni sera un dj set o un ascolto musicale in piazza, ulteriore forma di immersione nel loro universo immaginario. Every evening, the artists – or more frequently the characters in the plays being performed – will host a DJ gig or a musical listen on the streets, in a location arranged by Parasite 2.0 as part of its installation Architecture as fictional reality, as a further form of immersion in their imaginary universe. Piazza Ganganelli h 23.30 > 01.00 sab . sat 09/07 listening featuring Corbeaux dom . sun 10/07 djset featuring La Taupe lun . mon 11/07 djset featuring Supereroe mar . tue 12/07 djset featuring Azdora mer . wed 13/07 djset featuring Alice gio . thu 14/07 djset featuring Theodore John Kaczynski ven . fri 15/07 djset featuring Natten sab . sat 16/07 djset featuring I Detective Selvaggi 267 E GASPERI 20 VIA DE GASPERI VIA PADRE TOSI VIA PADRE TOSI EL LE CC IO VI 21 I N ZI A D V IA D NI RR VI A M AZ ZI VIA VI AC A 5 6 VIA MINZONI BO SI 4 S VI A R. MOLA R A EM IL I G. M AR IN RIMINI 1 i B A EM V IA ILI VI C VI A 3 A D. NA NN PA S I VIA C E MI LIA 24 VI VI A D. NA NN A PA S CO LI VIA I LAGO E CAVA 25 Per il Lago Santarini e la Cava (meeting point): dall’Arco di Piazza Ganganelli, prendere Viale Pascoli. Girare a destra in Via Giovanni da Serravalle e, alla rotonda, imboccare la terza uscita; poi, alla rotonda successiva, imboccare la seconda uscita (Via Trasversale Marecchia). Alla terza rotonda, proseguire per la prima uscita e, subito dopo il ponte, girare a destra per parcheggiare. C PAS I V I A B A SS VI A TR AS VE RS AL EM . OL EM ILI A A 2 VI A VIA Piazza Ganganelli B BIGLIETTERIA Piazza Ganganelli C CENTROFESTIVAL Piazza Ganganelli U UFFICI DEL FESTIVAL Via Costa 28 CAMPEGGIO Via Montevecchi 41 CASA DELL’ACQUA FONTANELLE 22 IA PIAZZA GANGANELLI I CUP A 5 DE CI VI DA VIA GIOVANLNLI E SERRAVA I GER VIA VIA RUG A FFI IA CH EC EV NT MO V IA I CH CA EV EC A 14 13 VIA CAVOUR RI TA B FAB C . DE I VIA D. C OS FA IN I VIA S VI A VI A 12 A I EI S RO I GN CC OR AM I AL AT ES TIA N A VIA SS DE AN LL A C EL L I A GO 9 CO N TR AD AD VIA POZZO LUN VI 18 17 i INFO POINT 268 18 AR OL 8 A U 10 M P. RR NT ST A 11 VIA FE AC MO CO 15 7 IL I VIA CI C ’A LL I TOS EM LI DE RE VI A A FE VIA INI VIA VI D. 23 D PA RS 16 O F. O VILLA TORLONIA A RI N VIA VIA SAN M VIA I VI A M AZ 19 I VI A BA S SI 1 PIAZZA GANGANELLI 2 BIBLIOTECA A.BALDINI Viale Pascoli 3 3 RISTORANTE ZAGHINI Piazza Gramsci 14 4 SUPERCINEMA Piazza Marconi 1 5 PARCO CAMPO DELLA FIERA Via de Bosis - Via Faini 6 SFERISTERIO Via Faini 8 7 ROCCA MALATESTIANA Via Rocca Malatestiana 4 8 PARCO DEI CAPPUCCINI Via Cupa 303 9 MONTE DI PIETÀ Via della Costa 15 10 PIAZZA MONACHE 10 GROTTA STACCHINI 11 GROTTA DELLE CLARISSE Via Porta Cervese 8 12 GROTTA MUNICIPALE Via Ruggeri 13 LAVATOIO Via Ruggeri 16 14 RETRO LAVATOIO Via Marini - angolo Via Costa 15 PARCO FRANCOLINI Via Costa - Via Montevecchi 16 VILLA TORLONIA Via Due Martiri 2 (S.Mauro Pascoli) 17 SPAZIO SAIGI Via IV Novembre - angolo Via Verdi 18 CAMPO DA BASKET Via Ferrara - Via Carracci 19 MET Via Montevecchi 41 20 STAZIONE FERROVIARIA Piazzale Esperanto 21 TEOREMA Via Tosi 318 22 RIMINI 23 ITSE MOLARI Via Orsini 19 24 PAGLIERANI Via Emilia 1938 25 LAGO SANTARINI E CAVA Via Trasversale Marecchia 1411 269 UFFICIO SANTARCANGELO DEI TEATRI Via Costa 28 tel + 39 0541 626185 PUNTO INFO Piazza Ganganelli [email protected] tel + 39 0541 327509 BIGLIETTERIA TICKET OFFICE Piazza Ganganelli tel + 39 0541 623149 04/07 > 07/07 h 10.30 > 13.00 h 17.00 >19.30 04/07 > 07/07 h 10.30 > 13.00 h 16.30 >19.30 08/07 > 17/07 h 10.30 > 13.00 h 17.00 > 23.30 08/07 > 17/07 h 10.30 > 13.00 h 16.30 > 23.30 prevendita telefonica 04/07 > 16/07 h 10.30 > 13.00 h 14.30 > 17.00 tel + 39 0541 623149 pagamento con bollettino postale o bonifico bancario UFFICIO STAMPA Via Costa 28 - primo piano (first floor) [email protected] tel + 39 0541 626866 fax + 39 0541 620560 UFFICIO OPERATORI E OSPITI Via Costa 28 - primo piano (first floor) [email protected] tel + 39 0541 623741 fax + 39 0541 620560 CAMPEGGIO MET Via Montevecchi 41 Info e prenotazioni + 39 3483664020 + 39 3337155676 [email protected] prevendita Vivaticket 27/06 > 17/07 www.vivaticket.it sul sito è attivo il servizio print@home tel 892 424 - 892 234 (dall’estero) tel + 39 041 2719035 presso i punti vendita Vivaticket in Italia ritiro dei biglietti prenotati telefonicamente: entro due ore prima dell’inizio dello spettacolo, presso la biglietteria in Piazza Ganganelli; entro mezz’ora prima dall’inizio dello spettacolo, presso gli spazi spettacolo i prezzi dei biglietti comprendono la maggiorazione di 1 euro, corrispondente all’acquisto di una quota del Fondo Speculativo di Provvidenza. every ticket of the Festival includes a mark-up (1 euro), corresponding to a share of the Fondo Speculativo di Provvidenza. 270 271 Santarcangelo Festival Internazionale del Teatro in Piazza 46a Edizione Camilla Pieri, Valeria Sampaoli, Francesca Todeschini Presidente Alice Parma Consiglieri Natalino Cappelli e Giampiero Piscaglia Ufficio stampa Annamaria Gradara, Silvia Pacciarini, Margherita Pigliapochi con la collaborazione di Antonia Liberto, Valentina Guelfi Revisione dei conti Amato Mannocchi Ospiti e operatori Ilaria Mancia, Paola Granato Direzione artistica Silvia Bottiroli Biglietteria Francesca Bigucci, Margherita Bastoni, Maria Grazia Cavallo, Elisa Domeniconi, Carlotta Manzi, Francesca Serafini Direzione generale Roberto Naccari Segreteria organizzativa Flavia Zaganelli con la collaborazione di Laura Rizzo Produzione Martina Merico, Valentina Felicetti, Monica Sartini con la collaborazione di Giulia Zacconi Logistica Claudia Casalini con la collaborazione di Stefania Sarli Amministrazione Tonino Rossi Allestimenti Salvo Di Martina, Luciano Trebbi, Bartolomeo Vandi, Maria Giulia Magli Tecnica Giovanni Belvisi, Sara Bonaccorso, Alessandro Bonoli, Roberto Bucci, Stefano Cortesi, Yannick D. S. Mendez, Fatmir Gjoka, Federico Lepri, Giovanni Macis, Daniele Magnani, Tommaso Maltoni, Loredana Oddone, Luigi Piotti, Fabrizio Piro, Viviana Rella, Alessandro Scarpa, Sergio Taddei Comunicazione Elena Mattioli Informazioni e promozione Lorenza Accardo con la collaborazione di Lorenzo Paperi, 272 Editoria Giulia Polenta con la collaborazione di Giovanna Disabato Grafica Marzia Dalfini Traduzioni Gray Sutherland Fund raising Ludovica Parmeggiani con la collaborazione di Giovanna Bottino P.S. Presente Sostenibile Chiara Mini con la collaborazione di Sara Mici Centrofestival Laratatuia coordinamento Roberto Biondi Concerti Piazza Monache coordinamento Carlotta Frenquellucci Fotografia Ilaria Scarpa, Luca Tedeschi Video LeleMarcojanni (Flavio Perazzini, Roberto Mezzano, Elena Mattioli) Web master Marco Valerio Amico