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SOMMARIO
THE FINE DINING WATERS
Equilibra celebra 30 anni all’insegna del benessere e della bellezza!
Grazie a Te, siamo diventati ciò che siamo, una “family company”
che si è fatta bandiera della qualità italiana nel mondo.
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FKHFLVFKLHUDLQSULPDOLQHDSHUXQLPSHJQRVRFLDOHVHULRHFRVWDQWH (www.equilibra.it/essereDonna).
Equilibra: perché Tu ci stai a cuore.
La Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo è un centro
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Da più di vent’anni, l’obiettivo della
Fondazione è sostenere e promuovere i
giovani artisti e far conoscere ad un pubblico
sempre più ampio i fermenti e le tendenze più
attuali nel panorama dell’arte contemporanea
internazionale. Il vasto campo delle arti visive
Q4-8896%A7'90896%A*383+6%æ%A:-()3A-278%00%>-32-
e performance – viene analizzato e proposto al
pubblico non solo grazie alle mostre, ma anche
attraverso molteplici attività didattiche ed eventi
collaterali di approfondimento.
Un luogo per l’aggiornamento di appassionati
e conoscitori e per la formazione di chi al contemporaneo
si deve ancora avvicinare.
Ed Atkins
Josh Kline
Unemployment
Harun Farocki
Parallel I-IV
Orari di apertura delle mostre
Giovedì 20.00 – 23.00
Venerdì – Sabato – Domenica
12.00 – 19.00
Sostengono l’attività della
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
@fondazionesandretto
MOLE ANTONELLIANA - TORINO
6 OTTOBRE 2016 > 9 GENNAIO 2017
www.centrodelcorto.it
www.centrodelcorto.it
IN COLLABORAZIONE
COLLABORAZIONE CON
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CONJUNCTION WITH
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Con il patrocinio
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Ve t t o r e u f f i c i a l e
CO
Sindacat
o Nazionale Giornalisti
Sindacato
Cinema
togrra
afici Italiani
Cinematografi
TorinoFilmLab
Meeting Event, Awards & Films
23-25 novembre 2016
25 film realizzati nel 2016, 12 nella sezione del Torino Film Festival dedicata al TorinoFilmLab. Mentre 300 professionisti del cinema mondiale sbarcano in città per incontrare i
film del futuro, il TFL porta a Torino i suoi successi internazionali. Scopriteli tutti! E non perdete: The Happiest Day in the Life of Olli Mäki di Juho Kuosmanen, vincitore di Un
Certain Regard a Cannes (Festa Mobile); Godless di Ralitza Petrova, Pardo d’Oro a Locarno (sezione TFL); Jesús di Fernando Guzzoni in concorso Torino 34.
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THE FINE DINING WATERS
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YOUR VISION FOR ALL
Access Services for the Sensory Impaired
YOUR VISION
IN ANY LANGUAGE
DAL 1932, MERAVIGLIA ITALIANA.
APPUNTAMENTI
MUSEO NAZIONALE DEL CINEMA E TORINO FILM FESTIVAL
DOMENICA 20 NOVEMBRE ORE 18.30
INCONTRO CON GABRIELE SALVATORES
‘IL CINEMA E LA POETICA DEL TERRITORIO’
Conduce Enrico Magrelli
Alba, Teatro Sociale
LUNEDÌ 21 NOVEMBRE ORE 18.30
INCONTRO CON GABRIELE SALVATORES
E EZIO BOSSO ‘CINEMA E MUSICA’
Conduce Alberto Barbera
Torino, Auditorium grattacielo Intesa Sanpaolo
Ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria a partire da lunedì 14 novembre, ore 10
su www.torinofilmfest.org
MARTEDÌ 22 NOVEMBRE ORE 20.30
2^ EDIZIONE PREMIO CABIRIA
Cena di gala, charity
Torino, Hotel Principi di Piemonte
Il Premio “Cabiria”, alla sua seconda edizione, viene assegnato a un regista, un attore o un’attrice
che si siano particolarmente distinti per la loro attività nel corso dell’anno.
Il Premio prende il nome dal capolavoro del cinema muto italiano realizzato a Torino da Giovanni
Pastrone nel 1914, divenuto fonte di ispirazione per innumerevoli artisti di tutto il mondo, che
hanno contribuito con la loro creatività allo sviluppo del linguaggio e dell’estetica del cinema.
VENERDÌ 25 NOVEMBRE ORE 19.00
1^ EDIZIONE PREMIO LANGHE-ROERO
E MONFERRATO A PAOLO SORRENTINO
Cocktail di gala, charity
Torino, Palazzo della Luce
Il Torino Film Festival e il Museo Nazionale del Cinema, in collaborazione con la Regione
Piemonte, hanno istituito il ‘Premio Langhe – Roero e Monferrato’, che verrà attribuito
annualmente, a partire da questa edizione, ad un autore o attore cinematografico di rilevanza
internazionale. Il Premio Langhe-Roero e Monferrato nasce all’insegna del legame profondo
tra valorizzazione del patrimonio artistico, vocazione culturale della regione e i successi di
quella cultura del vino che ha portato al riconoscimento del territorio quale parte integrante
del Patrimonio Mondiale UNESCO, per questo motivo il premio consisterà in 100 bottiglie dei
migliori vini della zona. Il premio verrà assegnato quest’anno a Paolo Sorrentino, Premio Oscar
2014, in occasione di una serata speciale organizzata nell’ambito del Torino Film Festival.
Sommario
Contents
GIURIE/JURIES
IX
PREMI/AWARDS
TORINO
34
GRAN PREMIO TORINO
CLICCA SULLE SEZIONI COLORATE PER ACCEDERE AI FILM
XVI
1
2016
17
FESTA MOBILE
I FILM
FILM COMMISSION
PREMIO MARIA ADRIANA PROLO
VINTAGE
21
28
68
70
71
CINQUE PEZZI FACILI
87
AFTER HOURS
I FILM
95
98
TFFDOC
INTERNAZIONALE.DOC
ITALIANA.DOC
FUORI CONCORSO
LOVE
117
120
131
139
145
ITALIANA.CORTI
153
ONDE
I FILM
ARTRUM
FAROCKI
167
170
186
194
TORINOFILMLAB
201
COSE CHE VERRANNO. LA TERRA VISTA DAL CINEMA
215
I DID IT MY WAY: ESSERE PUNK
229
TORINO SHORT FILM MARKET
241
INDICI/INDEX
245
TORINO FILM FESTIVAL
via Montebello 15 - 10124 Torino
Tel: +39 011 8138811
Fax: +39 011 8138890
[email protected]
www.torinofilmfest.org
34° TORINO FILM FESTIVAL
18 - 26 novembre 2016
direttore
Emanuela Martini
guest director
Gabriele Salvatores
segretario generale
Bruna Ponti
con la collaborazione di
Giulia Denti (stagista)
assistente alla direzione
e rapporti con gli autori
Mara Signori
Paola Ramello
coordinamento del programma
e ricerca film
Luca Andreotti
Salvo Cutaia
logistica
Flavio Armone
MUSEO NAZIONALE DEL CINEMA
presidente
Paolo Damilano
direttore
Alberto Barbera
assistente di direzione
e coordinamento dei festival
Angela Savoldi
vice direttore e conservatore capo
Donata Pesenti Campagnoni
comunicazione, promozione, pr
Maria Grazia Girotto
ufficio stampa
Veronica Geraci
SOMMARIO
tffdoc, italiana.corti
Davide Oberto
Paola Cassano, Mazzino Montinari,
Séverine Petit
organizzazione e rapporti con gli autori
Paola Cassano
Iacopo Bertolini (stagista)
onde
Massimo Causo
Roberto Manassero
consulenti per la selezione
Pier Maria Bocchi, Chiara Borroni, Federico
Gironi, Barbara Grespi, Federico Pedroni
corrispondenti
Rodrigo Diaz (America Latina), Jim Healy
(Nord America)
coordinatore generale
Daniele Tinti
retrospettiva «cose che verranno.
la terra vista dal cinema»
Emanuela Martini
Luca Andreotti
amministrazione
Erika Pichler
comunicazione e marketing
Maria Grazia Girotto
Bianca Girardi, Giovanna Lomonte,
Alessandro Weber (stagista)
montaggi clip
Cristina Sardo
pr internazionale
Lucius Barre
proiezione auditorium g. agnelli - lingotto
e supervisione cinema digitale
Angelo D’Alessio
ufficio stampa
Chicca Ungaro
Tiziana Ciancetta, Flavia Corsano, Carolina
Lucchesini, Paolo Morelli, Alberto Nota
supervisione proiezioni pellicola
Sergio Geninatti Chiolero
comunicazione web
Nicola Assetta (coordinamento),
Guglielmo Maggioni (sito), Cristina Gallotti,
Marco Petrilli (documentazione), Chiara
Borroni, con la collaborazione di Chiara Lenzi
(social network), ITS - ICTPiemonte
(documentazione video), Alessio De Marchi
(traduzioni)
sottotitoli elettronici
Sub-Ti Limited, Londra
servizi fotografici
IED Torino
conferenze stampa (moderatore)
Bruno Fornara
ufficio ospitalità
Elisa Liani
Dina Buzio, Dario Cazzola, Paolo Giannini
ufficio accrediti
Alberto Bianca (responsabile),
Stefano Blangetti, Alessio Oggianu
interpreti
Anna Ribotta, Marina Mocetti Spagnuolo,
Giliola Viglietti, Imsuk Jung, Asuka Ozumi
biglietteria elettronica
Soft-Solutions, Torino
servizio maschere
REAR Soc. Coop., Grugliasco
autisti
Agenzia per il Lavoro Gi Group Spa, Torino
manifesto
Concept & Art Direction: Independent Ideas
logo e grafica
Flarvet, Torino
trasporti
DHL International Spa
coordinamento autori
Paola Ramello, con la collaborazione di
Bianca Bertola, Simona Carnino, Raffaella
Giordana, Glenda Manzetto, Ricke Merighi,
Elisa Micalef, Lucia Parato
auto
Fiat
segreteria giurie
Federica Ceppa, Simona Ceppa,
Silvia Fessia
con la collaborazione di Bob Liew
sigla
Enarmonia, Chicca Richelmy (regia),
Fabio Barovero (musica)
tff lounge
coordinamento organizzativo
Tiziana Tortarolo
coordinamento volontari
Piero Valetto
amministrazione
Andrea Merlo
regia cerimonie apertura e chiusura
Dario Ceruti
SOMMARIO
allestimento sale per videoproiezioni
Euphon (Pierluigi Patriarca, supervisione)
servizi assicurativi
Reale Mutua Assicurazioni
ideazioni e progetto uffici temporanei
e installazioni
Elena D’Agnolo Vallan, Marco Ostini
Allestimenti: Ideazione Srl, Torino
Interfiere stand & exhibition, Moncalieri
cleaning services
Multiservizi, Torino
agenzia viaggi
Amarganta Viaggi, Torino
Protravel Inc., NYC
CATALOGO 2016
PROGETTO GRAFICO E IMPAGINAZIONE
Maicol Casale
TESTI
Cristina Gallotti, Roberto Manassero,
Marco Petrilli
TRADUZIONI
Mara Dompè, Gail McDowell, Olivia Jung
© 2016 Museo Nazionale del Cinema
Fondazione Maria Adriana Prolo
ISBN 978-88-902095-5-0
SOMMARIO
Associazione Amici
del Torino Film Festival
info:
ASSOCIAZIONE
AMICI DEL TORINO
FILM FESTIVAL
via Montebello 15
10124 Torino
Italia
L’Associazione è stata promossa da giovani imprenditori
e professionisti per concretare un impegno a sostegno
del dialogo tra le culture e le esperienze dell’universo giovanile,
della creatività artistica, della formazione professionale dei giovani.
L’Associazione affianca istituzionalmente il Festival mettendo
a disposizione risorse finanziarie, competenze e servizi
professionali, per promuoverlo e valorizzarlo e per diffondere una
maggiore consapevolezza del valore culturale, sociale, economico e
d’immagine che il Festival ha per Torino e per le nuove generazioni.
L’Associazione organizza inoltre nel corso dell’anno attività
riservate ai soci, quali anteprime cinematografiche e altre iniziative.
The Association Friends
of the Torino Film Festival
The Association Friends of the Torino Film Festival is promoted
by young entrepreneurs and professionals in order to encourage
and support the dialogue between the culture and the experiences
of young people, their artistic creativity, and their professional schooling.
The Association is an institutional support for the Festival, offering
financial resources, expertise and professional services; it promotes
and valorizes the Festival, and heightens its image as a vehicle of
cultural, social and economic values for Turin and for the young
generations.
Throughout the year, the Association also organizes activities
reserved to its members, such as film previews and other initiatives.
soci benefattori
Armando Testa Spa
Camera Commercio
Industria Artigianato
Agricoltura - Torino
Euphon
Fondazione CRT
soci benemeriti
Gruppo Giovani Imprenditori
Unione Industriale di Torino
Confederazione Nazionale Artigianato
Kodak
soci sostenitori
Gruppo Giovani Imprenditori
API - Torino
Lega Cooperative Torino
Alberghina Studio Ottica
Orange
Essegierre
Unione Giovani Dottori
Commercialisti di Torino
UTET
soci onorari
Art Directors Club Italiano
British Council
Centre Culturel Français
Goethe Institut
Juventus F.C.
soci ordinari
Giancarlo Baraldo
Franco Carrer
Piera Detassis
Richi Ferrero
Bruno Gambarotta
Carlo Gonella
Luciana Littizzetto
Monica Mailander
Luca Martini
Ugo Nespolo
Domenico Siniscalco
Gigi Venegoni
presidente
Lorenzo Jona Celesia
vice presidenti
Andrea Alberghina
Paola Goffi
Davide Varvello
segretario e tesoriere
Emanuela Barreri
comitato direttivo
Andrea Alberghina
Emanuela Barreri
Mauro Boglione
Paola Goffi
Massimo Moretto
Lorenzo Jona Celesia
Cosimo Palumbo
Davide Varvello
SOMMARIO
Associazione Festival Italiani
di Cinema
info:
ASSOCIAZIONE
FESTIVAL ITALIANI
DI CINEMA (AFIC)
via Faà di Bruno 67
00195 Roma
Italia
Nel complesso del sistema audiovisivo italiano, i festival
rappresentano un soggetto fondamentale per la promozione,
la conoscenza e la diffusione della cultura cinematografica e
audiovisiva, con un’attenzione particolare alle opere normalmente
poco rappresentate nei circuiti commerciali come ad esempio
il documentario, il film di ricerca, il cortometraggio. E devono
diventare un sistema coordinato e riconosciuto dalle istituzioni
pubbliche, dagli spettatori e dagli sponsor.
Per questo motivo e per un concreto spirito di servizio è nata nel
novembre 2004 l’Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC).
Gli associati fanno riferimento ai principi di mutualità e solidarietà
che già hanno ispirato in Europa l’attività della Coordination
Européenne des Festivals. Inoltre, accettando il regolamento,
si impegnano a seguire una serie di indicazioni deontologiche
tese a salvaguardare e rafforzare il loro ruolo.
L’AFIC nell’intento di promuovere il sistema festival
nel suo insieme, rappresenta già oggi più di trenta manifestazioni
cinematografiche e audiovisive italiane ed è concepita come
strumento di coordinamento e reciproca informazione. Aderiscono
all’AFIC le manifestazioni culturali nel campo dell’audiovisivo
caratterizzate dalle finalità di ricerca, originalità, promozione dei
talenti e delle opere cinematografiche nazionali e internazionali.
L’AFIC si impegna a tutelare e promuovere, presso tutte le sedi
istituzionali, l’obiettivo primario dei festival associati.
The Association
of Italian Film Festival
Within the framework of the Italian audiovisual system, festivals
represent a fundamental means for the promotion, knowledge and
diffusion of film and audiovisual culture, with particular attention
to works that normally receive little attention in commercial circuits,
like documentaries, research films and shorts.They must also become
a coordinated system that is recognized by public institutions,
spectators and sponsors.
For this reason, and in a concrete spirit of service, the Associazione
Festival Italiani di Cinema (AFIC) was created in November 2004.
Association members adhere to the principals of mutuality and
solidarity that inspire the activities of the Coordination Européenne
des Festivals in Europe. Moreover, by accepting the regulations, they
promise to follow a series of deontological indications whose purpose
is to safeguard and strengthen their role.
AFIC’s aim is to promote the festival system as a whole, and already
today it represents over thirty Italian cinematographic and audiovisual
manifestations. It has been conceived as an instrument of coordinated
and reciprocal information.
AFIC members include cultural manifestations in the audiovisual field
that are characterized by research, originality and the promotion
of talents and cinematographic works, both at home and abroad.
AFIC also strives to protect and promote at every institutional level
the primary objective of the associated festivals.
SOMMARIO
TorinoFilmLab
info:
TorinoFilmLab
via Cagliari 42
10153 Torino
Italia
Tel: +39 011 237 92 21
[email protected]
www.torinofilmlab.it
Lanciato nel 2008, il TorinoFilmLab sostiene filmmaker emergenti da tutto il
mondo attraverso attività di formazione, sviluppo di progetti e finanziamento
alla produzione e alla distribuzione e può vantare quasi settanta film completati,
presentati nei maggiori festival del mondo e distribuiti a livello internazionale.
Il 34° Torino Film Festival ospita la nona edizione del TorinoFilmLab Meeting
Event (23-25 novembre), evento che coinvolge trecento professionisti dell’industria
cinematografica presenti in città per incontrare i «film del futuro» e un forum di
coproduzione internazionale in cui vengono presentati pubblicamente i progetti
sviluppati all’interno dei programmi del TorinoFilmLab, i migliori dei quali saranno
premiati con finanziamenti alla produzione e altri premi collaterali.
Il 2016 è stato un anno particolarmente ricco di risultati, con venticinque film
lanciati in festival come Sundance, Rotterdam, Berlinale, Cannes, Karlovy Vary,
Locarno, Venezia e molti altri. A Cannes, cinque lungometraggi targati
TorinoFilmLab si sono aggiudicati altrettanti premi, tra cui il premio Un certain
regard, il Nespresso Grand Prize della Semaine de la critique e i due premi
Fipresci delle stesse sezioni. A Locarno il TorinoFilmLab si è aggiudicato il Pardo
d’oro, e a Venezia il premio per la miglior regia nel Concorso Orizzonti.
Tra i ben quattordici film targati TorinoFilmLab presenti quest’anno al Festival,
ricordiamo: The Happiest Day in the Life of Olli Mäki di Juho Kuosmanen (Festa
Mobile), Godless di Ralitza Petrova (sezione TorinoFilmLab) e Jesús di Fernando
Guzzoni (Torino 34).
TorinoFilmLab
Launched in 2008, TorinoFilmLab supports emerging filmmakers from all over the
world through training, development, production & distribution funding activities;
TFL can boast almost seventy completed films, presented in major international
festivals worldwide and widely distributed internationally.
The 34 Torino Film Festival hosts the ninth edition of the TorinoFilmLab Meeting
Event (November, 23-25), which involves three hundred industry professionals coming
to town to meet the “films of the future;” an international co-production forum where
the projects developed within the various TorinoFilmLab programmes are presented
publicly, and the best of them are rewarded with production grants as well as several
other collateral prizes.
2016 has been especially rich of results for TFL, with twenty-five films launched at
festivals such as Sundance, Rotterdam, Berlinale, Cannes, Karlovy Vary, Locarno, Venice
and many others. In Cannes five TFL-supported feature films won as many prizes,
among which the Un certain regard Prize, the Nespresso Grand Prize of the Semaine
de la critique and the two FIPRESCI Awards of the same sections. A TorinoFilmLab
movie gained the highest honour of the Golden Leopard in Locarno, and in Venice
another one was awarded for Best Directing in the Orizzonti competition.
The Happiest Day in the Life of Olli Mäki by Juho Kuosmanen (Festa Mobile),
Godless by Ralitza Petrova (TorinoFilmLab section) and Jesús by Fernando Guzzoni
(Torino 34) are only some of the highlights among the fourteen TorinoFilmLab films
presented at Torino Film Festival this year.
TH
VII
SOMMARIO
34°
Gran Premio Torino 2016
Istituito nel 2009, il Gran Premio Torino è un riconoscimento assegnato
ogni anno ai cineasti che, dall’emergere delle nouvelle vague in poi, hanno
contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione
di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del
cinema contemporaneo. In questa edizione, il premio sarà assegnato a uno
dei massi direttori della fotografia del cinema mondiale: Christopher Doyle.
Nato in Australia all’inizio degli anni Cinquanta, fuggito di casa appena
maggiorenne, passato negli anni Settanta per Israele, l’India, la Thailandia
e Taiwan, Doyle (che dopo aver abbracciato la cultura e la lingua cinese ha
cominciato a farsi chiamare anche con il nome acquisito Du Ke Feng), ha
esordito nel cinema all’inizio degli anni Ottanta ed è diventato in breve
tempo uno dei più grandi direttore della fotografia degli ultimi decenni.
Celebre soprattutto per il sodalizio artistico con Wong Kar-wai, Christopher
Doyle ha legato il proprio nome anche a registi come Stanley Kwan, Chen
Kaige, Zhang Yimou, Gus Van Sant, Jim Jarmusch, Neil Jordan, M. Night
Shyamalan, Alejandro Jodorowsky. In omaggio all’artista, il Festival
presenterà due film: Wind di Saw Tiong Guan, cortometraggio in cui Doyle
si racconta alla macchina da presa, e Port of Call di Philip Yung, thriller
di Hong Kong la cui fotografia è ovviamente firmata da Doyle stesso.
Gran Premio Torino 2016
Created in 2009, the Gran Premio Torino is an award given every year
to filmmakers who, from the rise of the Nouvelles Vagues on, have contributed
to the renewal of the film language, to the creation of new aesthetic models and
to the popolurization of the most significant trends in contemporary cinema.
This year, the award will be given to one of world cinema’s greatest directors
of photography: Christopher Doyle.
Born in Australia in the early 1950s, Doyle ran away when he was eighteen
and spent the 1970s in Israel, India, Thailand and Taiwan; after embracing
China’s culture and its language, he began to also call himself Du Ke Feng.
He debuted in film in the early 1980s and soon became one of the greatest
cinematographers in recent decades.
Christopher Doyle is famous above all for his artistic partnership with Wong
Kar-wai, but he has also worked with directors such as Stanley Kwan, Chen
Kaige, Zhang Yimou, Gus Van Sant, Jim Jarmusch, Neil Jordan, M. Night
Shyamalan, and Alejandro Jodorowsky. In tribute to the cinematographer, the
Festival will present two films: Wind by Saw Tiong Guan, a short in which Doyle
talks about himself in front of the movie camera; and Port of Call by Philip
Yung, a Hong Kong thriller whose photography is, of course, by Doyle himself.
VIII
SOMMARIO
34°
giuria/jury
TORINO
34
edward lachman a.s.c.
PRESIDENTE DELLA GIURIA
PRESIDENT OF THE JURY
(Usa), stimato e pluripremiato direttore della
fotografia, ha collaborato con registi come
Haynes, Soderbergh, Altman, Sofia Coppola,
Herzog, Wenders, Schlöndorff, Godard.
Come artista visivo ha esposto opere in
numerosi musei e gallerie in tutto il mondo.
Con Carol (2015) e Lontano dal paradiso
(2002) si è aggiudicato due nomination agli
Oscar, mentre con la miniserie Hbo Mildred
Pierce (2011) ne ha ottenuta una agli Emmy.
Oltre al cinema di finzione, ha lavorato molto
anche nel documentario e nel cinema
sperimentale.
(USA) is a revered and award-winning
cinematographer who has collaborated with
directors such as Haynes, Soderbergh, Altman,
Sofia Coppola, Herzog, Wenders, Schlöndorff,
Godard, among others. He is also known as
a visual artist that has exhibited his works in
many museums and galleries throughout the
world. His work in Carol (2015) and Far from
Heaven (2002) garnered him Academy Award
nominations and the HBO miniseries Mildred
Pierce (2011) earned him an Emmy
nomination. In addition to narrative features,
he also consistently contributed to experimental
and documentary genres.
don mckellar
(Canada), scrittore, regista e attore, ha scritto
Highway 61 (1991) e Dance Me Outside
(1994) e Il violino rosso (1998). Ha ricevuto
un Genie Award per il suo ruolo in Exotica
di Atom Egoyan e il Prix de la jeunesse a
Cannes per il suo debutto alla regia, Last
Night (1998). Altre apparizioni
cinematografiche e televisive includono
eXistenZ di David Cronenberg e False verità
di Egoyan. Ha inoltre collaborato
all’adattamento cinematografico di Cecità
di José Saramago. Tra i suoi lavori più
recenti, The Grand Seduction, premiato nel
2014 con un Directors Guild of Canada
Award per la regia.
IX
SOMMARIO
(Canada) is a writer, director and actor.
He was the screenwriter of Highway 61 (1991),
and cowriter of Dance Me Outside (1994)
and The Red Violin (1998). He received
a Genie Award for his role in Atom Egoyan’s
Exotica and the Prix de la jeunesse at Cannes
for his directorial debut, Last Night (1998).
Other film and television appearances include
David Cronenberg’s eXistenZ and Egoyan’s
Where the Truth Lies. He collaborated on the
film adaptation of Jose Saramago’s Blindness.
His more recent work includes The Grand
Seduction, for which he won a DGC Award
for Best Direction in 2014.
34°
giuria/jury
TORINO
34
mariette rissenbeek
(Paesi Bassi) ha studiato lingua e letteratura
tedesca. Dopo un periodo in un’agenzia
pubblicitaria a Berlino, è passata alla
società di distribuzione cinematografica
Tobis Film, dove ha lavorato alla
coproduzione di Così lontano così vicino
(1993) di Wim Wenders. Nel 1995 si è
spostata alla Regina Ziegler Filmproduktion
e ha poi fondato la propria società ad
Amburgo e prodotto Highway Society (2000)
di Mika Kaurismäki. Dopo aver lavorato alla
Hofmann & Voges Entertainment di Monaco,
nel 2002 è entrata alla German Films Service
+ Marketing GmbH, di cui oggi è direttrice
generale. (The Netherlands) studied German language
and literature. After working at an advertising
agency in Berlin, she moved to the film industry
and started working at the distribution company Tobis Film, where she was also
involved in the coproduction of Wim
Wenders’ Faraway, So Close! (1993). In 1995 she joined Regina Ziegler Filmproduktion.
She then founded her own production
company in Hamburg and produced Mika
Kaurismäki’s Highway Society (2000).
She later joined Hofmann & Voges
Entertainment in Munich and in 2002 moved
to German Films Service + Marketing GmbH, where she is currently General Manager.
adrian sitaru
(Deva, Romania, 1971) vive e lavora a
Bucarest. Nel 2007 il suo cortometraggio Waves ha vinto il Pardino d’oro per il miglior
cortometraggio a Locarno, mentre il primo
lungometraggio Hooked (2008), presentato
alle Giornate degli autori della Mostra di
Venezia, lo ha consacrato come una delle
voci più significative del nuovo cinema
rumeno postcomunista. In questa edizione
del Festival presenta due lavori: Illegitimate
e Fixeur, entrambi del 2016.
(Deva, Romania, 1971) lives and works in
Bucharest. In 2007 the short film Waves
brought him the Golden Leopard
of Tomorrow in Locarno Film Festival.
His debut feature film, Hooked, premiered
at Venice Days in 2008 and established him
as one of the most important new voice
in Romanian post-communist cinema.
In this edition of the Festival he presents two
films: Illegitimate and Fixeur, both directed
in 2016.
hadas yaron
(Israele, 1990) ha studiato teatro all’Aleph
High School of the Performing Arts di Tel
Aviv. Nel 2006 ha esordito nel cinema in
Out of Sight di Lemarit Ain. Con il secondo
film, La sposa promessa (2012) di Rama
Burshtein, presentato alla Mostra di Venezia,
ha vinto diversi riconoscimenti, tra cui la
Coppa Volpi per la migliore interpretazione
femminile. Un riconoscimento che ha
ottenuto anche al Torino Film Festival nel
2014 grazie alla sua interpretazione nel film
di Maxime Giroux Félix et Meira. L’anno
scorso il Festival le ha conferito il premio
500X-Fiat Award per il film La felicità è un
sistema complesso.
X
SOMMARIO
(Israel, 1990) studied theatre at the Aleph High
School of the Performing Arts in Tel Aviv. 2006
marked her film debut in Out of Sight by
Lemarit Ain and her second movie, Fill the
Void by Rama Burshtein (2012), received
various prizes, including the Volpi Cup for
Best Actress. She received a prize in this same
category at the 2014 Torino Film Festival thanks
to her performance in the film Félix et Meira
by Maxime Giroux. Last year, the Festival
gave her the 500X-Fiat Award for her role
in La felicità è un sistema complesso.
34°
giuria/jury
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
kamal aljafari
(Ramallah, Palestina, 1972) è stato tra gli
artisti dell’edizione del 2009 del seminario
di cinema Robert Flaherty a New York e nel
biennio 2009-2010 è stato studente della
borsa di studio Benjamin White Whitney
all’Istituto Radcliffe di Harvard e al Film
Study Center. Nel 2010 ha insegnato cinema
alla New School di New York e dal 2011 al
2013 è stato responsabile del dipartimento
di regia presso la Deutche und
Fernsehakademie di Berlino. L’anno scorso
ha presentato al Festival Recollection.
(Ramallah, Palestine, 1972) was a featured
artist at the 2009 Robert Flaherty Film Seminar
in New York, and in 2009-2010 was the
Benjamin White Whitney Fellow at Harvard
University’s Radcliffe Institute and Film Study
Center. In 2010, he taught film at the New
School in New York City, and from 2011 to 2013
he was head of the directing program for the
German Film and Television Academy (DFFB),
Berlin. Last year he presented at Torino Film
Festival Recollection.
ann carolin renninger
(Germania) ha studiato scienze culturali
a Lipsia, Parigi e Strasburgo. Lavora come
produttrice presso la casa di produzione
Zero One Film, con sede a Berlino, e nel
2010 ha fondato la Joon Film, una
piattaforma aperta alle collaborazioni tra
artisti con cui produce film fuori dalle logiche
di mercato e dalle tradizionali gerarchie della
produzione cinematografica. Di recente ha
lavorato con registi e artisti come Aleksandr
Sokurov, René Frölke, Narimane Mari, Filipa
César, Marta Popivoda, Anna Marziano.
(Germany) studied cultural sciences in Leipzig,
Paris and Strasbourg. She works as a producer
for Zero One Film, Berlin, and founded in 2010
her own company Joon Film – an open
platform for artistic collaborations. With joon
film she follows the approach of producing films
outside the market and traditional hierarchies
of film production. She recently has worked and
works with filmmakers and artists like Alexander
Sokurov, René Frölke, Narimane Mari, Filipa
César, Marta Popivoda, Anna Marziano.
gaël teicher
(Francia), nonostante il grande interesse
(ma il poco talento) per la bicicletta e il
rugby, è diventato produttore prima per la
Pom Films e poi per La Traverse, producendo
i film di Laurent Achard, Martin Verdet,
Paul Vecchiali, Jean-Claude Brisseau.
Ha lavorato anche come distributore per i
film di Jean-Daniel Pollet, Idrissa Ouedraogo,
Moustapha Alassane, e come editore di libri
di cinema, in particolare su Jean-Daniel
Pollet, Danièle Huillet e Jean-Marie Straub,
Johan van der Keuken, Jean-François
Laguionie e Stephen Dwoskin.
XI
SOMMARIO
(France), despite his great interest in (but
scarce talent for) cycling and rugby, became
a producer, first at POM Films and then
at La Traverse, producing films by Laurent
Achard, Martin Verdet, Paul Vecchiali, and
Jean-Claude Brisseau. He has also worked
as a distributor for movies by Jean-Daniel
Pollet, Idrissa Ouedraogo, and Moustapha
Alassane, and as an editor of books on cinema,
in particular about Jean-Daniel Pollet, Danièle
Huillet and Jean-Marie Straub, Johan van der
Keuken, Jean-François Laguionie and Stephen
Dwoskin.
34°
giuria/jury
TFFDOC
-
I TA L I A N A . D O C
eleonora danco
(Italia) lavora come autrice, regista, attrice
e performer in ambito teatrale. Ha esordito
nel 1998 con Ragazze al muro, a cui sono
seguiti nel 2000 Nessuno ci guarda e, nel
corso degli anni, altre rappresentazioni
come Me vojo sarvà, Ero purissima, Sabbia, Scroscio, La giornata infinita, Squartierati, Intrattenimento violento, Senza titolo 3
e Donna numero 4. Nel cinema ha invece
lavorato con registi come Moretti,
Bellocchio, Placido, Muccino, Avati,
Scola. N-Capace (2014), suo primo
lungometraggio, ha ricevuto due menzioni
speciali al Torino Film Festival.
(Italy) works as a playwright, director, actress,
and performer for the stage. Her first play,
Ragazze al muro (1998), was then followed
by Nessuno ci guarda (2000), and, over the
next few years, by the plays Me vojo sarvà,
Ero purissima, Sabbia, Scroscio, La giornata
infinita, Squartierati, Intrattenimento
violento, Senza titolo 3 and Donna numero
4. As an actress for cinema, she has
collaborated with Moretti, Bellocchio,
Placido, Muccino, Avati, Scola. N-Capace
(2014), her first feature as a filmmaker, won
two Special Mention at Torino Film Festival.
luciano rigolini
(Italia) è un produttore indipendente.
È stato responsabile delle acquisizioni
per il canale televisivo Arte, per quanto
riguarda il cinema d’autore documentario.
Ha sempre cercato nuove forme narrative,
col proposito di mantenere vivo e
innovativo il cinema indipendente.
Ha prodotto i lavori di registi come Chris
Marker, Aleksandr Sukurov, Naomi Kawase,
Alain Cavalier, Apichatpong Weerasethakul,
Tsai Ming-Liang e Laurie Anderson, e ha
scoperto diversi talenti emergenti.
(Italy) is an independent producer. He was
ARTE’s tv channel commissioning editor,
where he was responsible for auteur
documentary film. He has always sought
new narrative forms, in the interest of keeping
independent film alive and innovative.
He produced works by directors such as Chris
Marker, Alexander Sukurov, Naomi Kawase,
Alain Cavalier, Apichatpong Weerasethakul,
Tsai Ming-Liang and Laurie Anderson, and
he also discovered many young talents.
marcello sannino
(Portici, Napoli, 1971), dopo aver lavorato
come libraio, dal 2002 ha deciso di
dedicarsi a tempo pieno al cinema.
Oltre all’attività di regista, dal 2008
collabora con l’Arci Movie di Ponticelli,
curando laboratori sul linguaggio
cinematografico presso gli istituti di
istruzione superiore. I suoi lavori sono
stati spesso presentati al Torino Film
Festival, dove nel 2010 Corde ha ricevuto
il premio speciale della giuria e nel 2012
La seconda natura ha ottenuto la menzione
speciale e il premio Ucca.
XII
SOMMARIO
(Portici, Naples, Italy, 1971), after working as
a bookseller, in 2002 began dedicating himself
to cinema full time. Besides his activities as a
director, in 2008 he started to collaborate with
Arci Movie in Ponticelli, running laboratories
on film language at institutes of higher
learning. His works have often been presented
at the Torino Film Festival, where, in 2010
Corde received the Special Jury Prize and in
2012 La seconda natura received a Special
Mention and the UCCA Award.
34°
giuria/jury
I TA L I A N A . C O R T I
colapesce
© F A B R I Z I O VAT I E R I
(Solarino, Siracusa, 1983) a quindici anni
registra un brano con Roy Paci e da allora
si dedica alla musica. Fonda gli
Albanopower e poi, con lo pseudonimo
Colapesce, pubblica un EP omonimo nel
2010. Due anni dopo esce con l’album
Un meraviglioso declino, premiato con la
Targa Tenco e il Pimi per il migliore esordio.
Il 2015 è l’anno di Egomostro e della
collaborazione con Alessandro Baronciani,
con cui pubblica il graphic novel La distanza
e dà vita agli spettacoli Concerto disegnato
e Isola di Fuoco, ispirato a Vittorio De Seta.
(Solarino, Syracuse, Italy, 1983) recorded a
song with Roy Paci when he was fifteen and
ever since then has dedicated himself to music.
He founded the band Albanopower and then,
using the pseudonym Colapesce, published
a same-titled EP in 2010. Two years later, he
released the album Un meraviglioso declino,
which was awarded the Targa Tenco and the
PIMI for Best New Artist. 2015 was the year
of Egomostro and his collaboration with
Alessandro Baronciani, with whom he
published the graphic novel La distanza and
created the shows Concerto disegnato and
Isola di Fuoco, inspired by Vittorio De Seta.
lucia veronesi
(Mantova, 1976), diplomata in pittura
all’Accademia di Brera di Milano, nel 2003
si è trasferita a Venezia, dove è cofondatrice
di Spazio Punch, uno spazio culturale non
profit con sede in Giudecca. I suoi lavori
video, dove confluiscono pittura, collage
e disegno, sono stati esposti in numerose
mostre, in Italia e all’estero, tra cui Video
Art Summer Nights di Tel Aviv, Othermovie
a Lugano, il Montreal Underground Festival,
la Fondazione Merz di Torino. Nel 2014 ha
partecipato al Torino Film Festival con il
documentario sperimentale Le cose da
lontano realizzato con Valentina Bonifacio.
(Mantova, Italy, 1976) graduated in painting
from the Accademia di Brera in Milan; in
2003, she moved to Venice, where was one
of the cofounders of Spazio Punch, a nonprofit
cultural space. Her video works, which bring
together painting, collages and drawings,
have been shown at many exhibits, in Italy
and abroad, including Video Art Summer
Nights in Tel Aviv, Othermovie in Lugano,
the Montreal Underground Festival, and
the Fondazione Merz in Turin. In 2014 she
participated at the Torino Film Festival
with her documentary Le cose da lontano,
codirected with Valentina Bonifacio.
matteo zoppis
(Roma, 1986) ha studiato regia alla New
York University SCPS. Con il suo primo
lungometraggio Il Solengo, codiretto con
Alessio Rigo de Righi, ha vinto il premio
speciale per il miglior film a DocLisboa,
quello per il miglior documentario italiano
al 33° Torino Film Festival, a Filmmaker
e al Bellaria Film Festival. Il film è stato
inoltre presentato in numerosi festival,
tra cui Rotterdam, Göteborg, Cinéma du
réel e Bafici. Vive e lavora a Berlino come
regista e direttore della fotografia.
XIII
SOMMARIO
(Rome, Italy, 1986) studied directing at the
New York University SCPS. His first feature
film, Il Solengo, which he co-directed with
Alessio Rigo de Righi, won the Special Prize
for Best Film at DocLisboa, and Best Italian
Documentary at the 33 Torino Film Festival,
at the Filmmaker and at the Bellaria Film
Festivals. The film was also presented at many
other festivals, including Rotterdam, Göteborg,
Cinéma du réel, and BAFICI. He lives and
works in Berlin as a director and
cinematographer.
RD
34°
giuria/jury
gianlorenzo franzì
(Italia), ideatore di Buioinsala, un
programma televisivo sul cinema, scrive
su «Nocturno», la «Rivista del
Cinematografo», «Teatro contemporaneo
e Cinema», e sui siti nocturno.it
e lameziaterme.it. Direttore artistico di
diversi festival, ha creato la Ligeia d’argento
all’interno del Festival di Lamezia Terme.
Ha inoltre pubblicato i romanzi Come in
cielo così in terra e We Are the Dead, e diversi
libri di cinema, tra cui Voci notturne e Strade
perdute, un dizionario di cinema in sette
volumi.
(Italy) created Buioinsala, a TV program
on cinema, and writes for “Nocturno
Cinema,” “Rivista del Cinematografo,”
“Teatro contemporaneo e Cinema,” and the
websites nocturno.it and lameziaterme.it.
He is the artistic director of several festivals;
at his festival Lamezia Terme, he created the
Ligeia d’argento. He has published two novels,
Come in cielo così in terra and We Are the
Dead, and several books on cinema (Voci
notturne, and Strade perdute, a dictionary
of film in seven volumes).
frédéric jaeger
(Germania), caporedattore del portale
critic.de, lavora come critico freelance
per diverse pubblicazioni, tra cui il «Berliner
Zeitung», lo «Spiegel Online», il «Taz Die Tageszeitung», il «Der Freitag»,
il «Kolik.Film» e il «Die Presse». Direttore
artistico della Settimana della critica
della Berlinale, è membro del consiglio
dell’Associazione dei critici cinematografici
tedeschi.
(Germany) is editor in chief of critic.de.
He works as a freelance critic for “Berliner
Zeitung,” “Spiegel Online,” “Taz - Die
Tageszeitung,” “Der Freitag,” “Kolik.Film,”
“Die Presse” among others. He is artistic
director of Berlin Critics’ Week, a parallel
film and debate forum to the Berlinale,
and member of the board of the German
Film Critics’ Association.
yael shuv
(Israele), caporedattrice della sezione di
critica cinematografica di «Time Out Tel
Aviv» fin dalla pubblicazione del primo
numero nel 2002, si è laureata all’Università
di New York con una specializzazione in
cinema. Attualmente tiene corsi di cinema
alla Open University di Israele ed è inoltre
stata consulente artistica per l’Israele Film
Fund e membro della giuria in diversi
festival internazionali come Locarno,
Venezia e Rotterdam.
XIV
SOMMARIO
(Israel) has been the chief film critic at “Time
Out Tel Aviv” since the publication of its first
issue in 2002. Having graduated from New
York University with a master’s degree in
cinema studies, she teaches film courses at
the Open University of Israel. She has served
as an artistic advisor for the Israeli Film Fund
and as a juror in international film festivals
such as Locarno, Venice and Rotterdam.
34°
giuria/jury
PREMIO CIPPUTI
CIPPUTI
francesco tullio altan
(Treviso) ha frequentato la facoltà di
architettura di Venezia e alla fine degli
anni Sessanta ha vissuto a Roma,
occupandosi di scenografia e sceneggiatura
per il cinema e la televisione. Si è trasferito
a Rio de Janeiro nel 1970 e nel 1974 ha
iniziato a collaborare con giornali italiani.
Tornato in Italia nel 1975, ha creato la
Pimpa e ha pubblicato i suoi primi fumetti
su «Linus». Due anni dopo è nato il
suo personaggio più celebre, Cipputi.
Le sue vignette di satira politica sono
pubblicate regolarmente dall’«Espresso»
e dalla «Repubblica».
(Treviso, Italy) studied architecture in Venice
and in the late 1960s moved to Rome, where
he was involved in making sets and writing
screenplays for films and TV. He moved to
Rio de Janeiro in 1970 and in 1974 began
collaborating with Italian newspapers.
He returned to Italy in 1975, created Pimpa
and published his first comic strips in “Linus.”
Two years later, he created his most famous
character, Cipputi. His satirical political
cartoons are regularly published in
“l’Espresso” and “la Repubblica.”
claudio carabba
(Siena, 1943), giornalista e critico
cinematografico, ha lavorato per diverse
testate, tra cui «La Nazione», «Paese Sera»
e «L’Europeo», come inviato speciale
e caporedattore di cultura e spettacoli.
Attualmente tiene una rubrica di critica
cinematografica sul settimanale «Sette»
e collabora al «Corriere fiorentino».
Fra i suoi libri Il cinema del ventennio nero
(Vallecchi), Il fascismo a fumetti (Guaraldi)
e Sogni proibiti, il cinema comico americano
(Vallecchi). Per Einaudi ha curato l’antologia
dedicata a Federico Fellini, Racconti
umoristici.
(Siena, Italy, 1943), journalist and film critic,
has worked for various publications, including
“La Nazione,” “Paese Sera” and “L’Europeo”
as a special correspondent and as editor-inchief for culture and entertainment. At
present, he writes film reviews for the weekly
“Sette” and collaborates with “Corriere
fiorentino.” His books include Il cinema
del ventennio nero (Vallecchi), Il fascismo
a fumetti (Guaraldi) and Sogni proibiti,
il cinema comico americano (Vallecchi).
For Einaudi, he edited the Federico Fellini
anthology, Racconti umoristici.
stefania casini
(Italia), attrice, giornalista, regista e
produttrice, ha recitato con registi come
Bertolucci, Greenaway, Argento. Trasferitasi
a New York alla metà degli anni Settanta,
ha recitato in Il male di Andy Warhol (1976)
di Jed Johnson e diretto con Francesca
Marciano Lontano da dove (1983). Tornata in
Italia, ha girato Un paradiso di bugie (1997)
e prodotto e diretto i documentari Schiaffo
alla mafia (2009), MADE IN Albania (2012),
Le acque segrete di Palermo (2014). Ha
inoltre ideato l’installazione Memorie
perdute, parte del progetto sui migranti
MARE NOSTRUM.
XV
SOMMARIO
(Italy), actress, journalist, director and
producer, has performed with directors such
as Bertolucci, Greenaway, and Argento.
After moving to New York in the mid-1970s,
she appeared in Andy Warhol’s Bad (1976)
by Jed Johnson and, with Francesca Marciano,
directed Lontano da dove (1983). After
returning to Italy, she directed Un paradiso
di bugie (1997) and produced and directed
the documentaries Schiaffo alla mafia (2009),
MADE IN Albania (2012), and Le acque
segrete di Palermo (2014). She also created
the installation Memorie perdute, part of
the project on migrants, MARE NOSTRUM.
34°
Premi/Awards
GRAN PREMIO TORINO
a/to Christopher Doyle
TORINO 34
Miglior film/Best Film: € 15.000
Premio speciale della giuria/
Special Jury Award Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo: € 7.000
Premio per la miglior attrice/
Best Actress Award
Premio per il miglior attore/
Best Actor Award
Premio per la miglior sceneggiatura/
Best Screenplay Award
Premio del pubblico/Audience Award
TFFDOC
Miglior film/Best Film
Internazionale.doc: € 5.000
Special Jury Award Internazionale.doc
Miglior film/Best Film Italiana.doc,
in collaborazione con/in collaboration with
Persol: € 5.000
Special Jury Award Italiana.doc
SOMMARIO
PREMIO SCUOLA HOLDEN/
HOLDEN SCHOOL AWARD
Premio per miglior sceneggiatura/
Best Script Torino 34
PREMIO ACHILLE VALDATA/
ACHILLE VALDATA AWARD
Giuria dei lettori di «Torino Sette»/
Jury composed of readers of “Torino Sette”
Miglior film/Best Film Torino 34
PREMIO AVANTI!/AVANTI! AWARD
Distribuzione delle opere prime premiate
nella rete dei cineforum e dei
cineclub/Distribution of winning first films
in the film forum and film club circuit
Migliori cortometraggi e documentari
italiani/Best Italian Shorts and
Documentaries
PREMIO FIPRESCI/FIPRESCI AWARD
Miglior film/Best Film Torino 34
PREMIO GLI OCCHIALI DI
GANDHI/GANDHI’S GLASSES AWARD
Assegnato dal Centro Studi «Sereno Regis»
(Torino) al film che meglio interpreta la
visione gandhiana del mondo. È parte del
progetto «Irenea, cinema e arte per la
pace»/Awarded by the Centro Studi “Sereno
Regis” (Turin) to the best movie representation
of a Gandhi-like vision of the world.
It’s part of the project «Irenea, cinema
e arte per la pace»
PREMIO CIPPUTI/CIPPUTI AWARD
Premio alla carriera a/Life Time Achievement
Award to Francesca Comencini
Miglior film sul mondo del lavoro/
Best Film about the Work World
PREMIO INTERFEDI/INTERFEDI AWARD
Premio per il rispetto delle minoranze
e per la laicità, attribuito dalla Giuria
Interfedi/Interfedi Jury Award for the respect
of minority rights and laity
ITALIANA.CORTI
Concorso cortometraggi italiani/
Italian Short Film Competition
Premio Chicca Richelmy per il Miglior film:
€ 2.000, offerti da/offered by
Associazione Chicca Richelmy
Special Jury Award
XVI
P R E M I C O L L AT E R A L I / C O L L AT E R A L AW A R D S
34°
Con il consueto piacere Regione Piemonte e Città di Torino salutano
la nuova edizione del Torino Film Festival, una vetrina di grande
prestigio e caratura internazionale che le istituzioni sostengono
da sempre con convinzione. Il nostro impegno guarda sia alla
qualità culturale espressa sia alla valorizzazione di lungo periodo
messa in campo nel settore cinematografico, ambito strategico
per lo sviluppo complessivo del territorio.
Dopo tante edizioni di successo ci sembra doveroso sottolineare
come il festival continui a mantenere alta la sua vocazione verso
il cinema nuovo e intatta la voglia di esplorare il futuro.
L’omaggio al punk, inteso come fenomeno culturale e generazionale
sul quale interrogarsi a quarant’anni dagli esordi discografici, è un
esempio di questa curiosità intellettuale aperta ai diversi linguaggi,
che trova conferma anche nella scelta di un guest director
d’eccezione come Gabriele Salvatores.
Un ringraziamento va a tutti coloro che sono impegnati nella
realizzazione di questa 34° edizione, con l’auspicio che il Torino
Film Festival continui a rappresentare un momento di crescita per
il Piemonte e di coinvolgimento di nuove fasce di pubblico, come
avviene con la striscia di appuntamenti sul territorio del Moving
TFF. Infine auguriamo al pubblico, che numeroso affollerà gli spazi
del festival alla ricerca di quella magia che solo il cinema sa fornire,
buon divertimento.
Francesca Paola Leon
Assessore alla Cultura Città di Torino
Antonella Parigi
Assessore alla Cultura Regione Piemonte
XVII
SOMMARIO
34°
As always, the Piedmont Region and the City of Turin are
delighted to welcome the new edition of the Torino Film Festival,
a highly prestigious, international showcase which our
institutions have always steadfastly supported. Our commitment
stems from both the cultural quality the Festival expresses and
its long-term valorization of the film sector, a strategic area for
the overall development of the territory.
After so many successful editions, we feel it is our duty to
underscore the consistently high level of its vocation for new
cinema and its undiminished interest in exploring the future.
One example of the festival’s intellectual curiosity, open to many
languages, is this year’s tribute to punk, in the sense of a cultural
and generational phenomenon worthy of examination, forty years
after its recording debut. Another confirmation is the TFF’s
choice of Gabriele Salvatores as its exceptional guest director.
Our thanks go to all those who are involved in the organization
of this 34 edition. May the Torino Film Festival continue
to represent a moment of growth for Piedmont, increasingly
involving new segments of the public, as is the case with
Moving TFF, the series of initiatives held throughout our territory.
In closing, to the many people who will crowd the festival venues
in search of that magic which only cinema can provide, enjoy.
TH
Francesca Paola Leon
Councilor for Culture
City of Turin
Antonella Parigi
Councilor for Culture
Piedmont Region
XVIII
SOMMARIO
TORINO 34
| ANTONIO CAMPOS CHRISTINE | LUKAS VALENTA RINNER
| MOHAMED «HAMÈ» BOUROKBA, EKOUÉ LABITEY LES DERNIERS PARISIENS |
ANDREA DE SICA I FIGLI DELLA NOTTE | FERNANDO GUZZONI JESÚS | ZANG QIWU JUAN ZENG
ZHE - THE DONOR | WILLIAM OLDROYD LADY MACBETH | MELISA LIEBENTHAL LAS LINDAS |
JOAQUÍN DEL PASO MAQUINARIA PANAMERICANA | THOMAS KRUITHOF LA MÉCANIQUE DE
L’OMBRE | GABE KLINGER PORTO | DOUGLAS SEOK TURN LEFT TURN RIGHT | TAMARA DRAKULIĆ
VETAR - WIND | SEBASTIAN HILGER WIR SIND DIE FLUT - WE ARE THE TIDE
CHLOÉ LERICHE AVANT LES RUES
LOS DECENTES
SOMMARIO
TORINO
34
chloé leriche
AVANT LES RUES
Canada, 2016, HD, 97’, col.
BEFORE THE
STREETS
regia, sceneggiatura,
montaggio,
produttore/director,
screenplay, film editing,
producer
Chloé Leriche
fotografia/cinematography
Glauco Bermudez
scenografia/
production design
Frédéric Devost
costumi/costume design
Yola Van Leeuwenkamp
suono/sound
Martyne Morin,
Sylvain Bellemare
interpreti e personaggi/
cast and characters
Rykko Bellemare
(Shawnouk),
Kwena Bellemare Boivin
(Kwena), Jacques
Newashish
(Paul-Yves),
Martin Dubreuil
(Thomas Dugré),
Janis Ottawa (Anita),
Guylaine Ottawa
(la poliziotta/
female police officer),
Louis-Philippe Moar
(Raoul)
produzione/production
Les films de l’autre
**
contatti/contacts
Wide
Matthias Angoulvant
[email protected]
www.widemanagement.com
2
SOMMARIO
Nella valle del fiume Saint-Maurice, in Quebec, vive la popolazione
indigena degli Atikamekw, caratterizzata da un profondo legame
con la natura e da una lingua secolare. Shawnouk è nato in questa
terra, ma da sempre ne mette in discussione i valori. Il
coinvolgimento in una tragica rapina, però, segna per lui il punto
di non ritorno. Shawnouk decide così di riavvicinarsi alle proprie
origini, alla foresta e ai misteri della tradizione su cui si fonda la
sua vera identità.
«Ho trascorso molto tempo presso diverse comunità indigene
e visitato più volte la riserva di Obedjiwan. Ho partecipato a molte
cerimonie tradizionali e a raduni di nativi; ho vissuto con le famiglie
e trovato molti amici. Ho fatto ricerche e approfondito il concetto
di giustizia riparativa; ho anche assistito ai consigli degli anziani,
in cui si discutono diverse questioni e si avanzano soluzioni.
La decisione di far tornare il protagonista alla propria tradizione
è cresciuta in questo contesto e in questo continuo clima di
scambio».
**
The Atikamekw Indian tribe lives in the Saint-Maurice River Valley,
in Quebec. The tribe has deep ties to nature and a centuries-old
language. Shawnouk was born in this land but has always questioned
its values. His involvement in a tragic robbery marks a point of no
return for him. Shawnouk decides to return to his origins, to the forest
and the mysteries of the tradition on which his own identity is based.
“I spent a lot of time in different native communities. I visited
Obedjiwan several times. I took part in many traditional ceremonies
and pow wows, I lived with different families and made many friends.
I also did research and read about the native concept of restorative
justice. I attended councils of elders, where village elders meet to
discuss different issues and question solutions. In my film, the
resolution, with the return to tradition, grew out of these exchanges.”
TORINO
34
Chloé Leriche (Canada), autodidatta,
lavora nel cinema dal 2001
ricoprendo diversi ruoli e
dedicandosi sia alla finzione sia alla
videoarte. Dopo il primo
cortometraggio, La réplique, si è
legata al collettivo Kino e ha
realizzato oltre venti cortometraggi,
tra cui Fragment ou lettre à un
Allemand (dont je suis amoureuse en
secret), con il quale ha vinto una
menzione speciale al festival francese
Vidéoforme. Nel 2008 ha partecipato
al Festival di Toronto con il corto Les
grands, poi entrato a far parte della
Top Ten 2008, selezione dei migliori
dieci film canadesi dell’anno. Attiva
nel campo del sociale, nel 2004 ha
iniziato a insegnare cinema con il
progetto Vidéo Paradiso, destinato
alle persone senza fissa dimora,
e tra il 2006 e il 2013 ha lavorato
con Wapikoni Mobile, organizzazione
non profit che offre formazione in
campo audiovisivo alle comunità
native del Québec e dell’Ontario.
Avant les rues è il suo primo
lungometraggio.
Chloé Leriche (Canada), an
autodidact, has worked in film since
2001 in different capacities, dedicating
herself to both fiction and video art.
After her first short, La réplique, she
joined the collective Kino and has made
over twenty shorts, including Fragment
ou lettre à un Allemand (dont je suis
amoureuse en secret), with which she
won a Special Mention at the French
festival Vidéoforme. In 2008, she
participated at the Toronto Film
Festival with the short Les grands,
which entered the Top Ten for 2008,
a selection of the ten best Canadian
films of the year. She is also active in
social work; in 2004, she began
teaching film with the Vidéo Paradiso
project for homeless people, and
between 2006 and 2013 she worked
with Wapikoni Mobile, a non-profit
organization which teaches audiovisual
subjects to the native communities of
Quebec and Ontario. Avant les rues
is her first feature film.
filmografia essenziale/
essential filmography
La réplique (cm, 2001), Comme
une ombre allongée sur l’asphalte
(cm, 2001), L’homme et la fenêtre
(cm, 2002), Fragment ou lettre à un
Allemand (dont je suis amoureuse en
secret) (cm, 2004), Les grands (cm,
2008), Un cri au bonheur (Virages)
(cm, 2008), Qui est là (cm, 2008),
Soleils blues (cm, 2010), Avant les
rues (2016).
TORINO
34
antonio campos
CHRISTINE
Usa-Regno Unito/USA-UK, 2016, HD, 115’, col.
regia/director
Antonio Campos
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Craig Shilowich
Joe Anderson
montaggio/film editing
Sofía Subercaseaux
scenografia/
production design
Scott Kuzio
Emma Potter
musica/music
Danny Bensi,
Saunder Jurriaans
suono/sound
Micah Bloomberg
cast and characters
Rebecca Hall (Christine),
Michael C. Hall (George),
Tracy Letts (Michael),
Maria Dizzia (Jean),
J. Smith-Cameron (Peg),
Tim Simons (Steve),
Kim Shaw (Andrea),
John Cullum
(Bob Anderson), Morgan
Spector (Dr. Parsons),
Jayson Warner Smith
(Mitch), Kimberley
Drummond (Gail)
produttore/producer
Melody Roscher
Yes but Film
**
contatti/contacts
Great Point Media
Jon Wray
[email protected]
www.greatpointmedia.com
3
SOMMARIO
© JOE ANDERSON
CHRISTINE
Primi anni Settanta. Christine Chubbuck è una giovane giornalista
goffa e algida, che lavora per un’emittente locale in Florida.
Nonostante il desiderio di migliorare professionalmente, vive una
situazione di conflitto con il direttore della tv, che vuole notizie
capaci di far presa sul pubblico, a discapito della qualità. Colpita
nel profondo, già instabile e insicura per via dell’incapacità di
entrare in relazione con gli altri, Christine cade in uno stato di
nevrosi che la porterà a compiere in diretta un gesto clamoroso.
Basato su una storia vera.
«Fin dall’inizio volevo far emergere l’ambizione di Christine, perché
mi interessava la sua ossessione di migliorarsi come giornalista.
La storia, nel film, avrebbe potuto seguire un’altra direzione.
Avrebbe potuto essere il racconto di una ragazza bizzarra che
riesce a farcela nel caotico mondo del giornalismo. In realtà, ho
cercato di arrivare alla vera storia conservando un tono giocoso.
[…] Volevo che il pubblico si dimenticasse che si parlava di una
donna che si è suicidata. Christine non sa che si ucciderà. Perciò
era importante fin dall’inizio dare al film un’energia tutta diversa».
**
The early 1970s. Christine Chubbuck is a young journalist, awkward
and introverted. She works for a local broadcaster in Florida and
despite her desire to grow professionally, she is in conflict with the TV
director, who wants news items which grab the spectators’ attention,
to the detriment of the quality of the news. Deeply hurt, already
unstable and insecure because of her inability to make friends with
the others, Christine falls into a state of neurosis which leads her to
commit a shocking act on live TV. Based on a true story.
“Right from the start, I wanted to show a certain ambition in Christine.
I always wanted to show Christine obsessing over how to become a
better journalist. The film’s story could have taken a very different turn.
It could have been a story of an odd quirky girl who makes it in the
rough-and-tumble world of broadcast journalism. I wanted to come
into it with that kind of playfulness. […] I wanted to make the audience
forget that it’s a story about a woman who kills herself. She doesn’t
know she’s going to kill herself. So it was important to me that the
beginning of the film had a different kind of energy.”
TORINO
34
Antonio Campos (New York City,
Usa, 1983), regista e produttore,
ha studiato presso la New York
University’s Tisch School of the Arts.
Ha diretto una ventina di
cortometraggi, tra cui Pandora
(2002), Buy It Now (2005), vincitore
della Cinéfondation di Cannes, e The
Last 15 (2007). Nel 2008 ha esordito
nel lungometraggio con Afterschool,
presentato a Un certain regard di
Cannes, a cui ha fatto seguito
Simon Killer (2012), presentato al
Sundance. Figura inoltre fra i soci
fondatori della casa di produzione
Borderline Films.
Antonio Campos (New York City, NY,
USA, 1983), director and producer,
studied at New York University’s Tisch
School of the Arts. He has directed
about twenty shorts, including Pandora
(2002); Buy It Now (2005), which won
the Cinéfondation Award at the Cannes
Film Festival; and The Last 15 (2007).
In 2008, he debuted in feature films
with Afterschool, presented in the
section Un certain regard at Cannes,
followed by Simon Killer (2012),
presented at Sundance. He is also
one of the founding partners of the
production company Borderline Films.
filmografia/filmography
Pandora (cm, 2002), Buy It Now
(cm, 2005), The Last 15 (cm, 2007),
Afterschool (2008), Simon Killer
(2012), Christine (2016).
TORINO
34
lukas valenta rinner
LOS DECENTES
PREMIO CIPPUTI
Austria-Corea del Sud-Argentina/
Austria-South Korea-Argentina, 2016, HD, 100’, col.
Lukas Valenta Rinner (Salisburgo,
Austria) ha studiato all’Università
del cinema di Buenos Aires.
Ha diretto il cortometraggio Carta
a Fukuyama, prima di esordire nel
lungometraggio con Parabellum,
presentato in diversi festival
internazionali, come Göteborg,
Jeonju, Amburgo e Londra.
Los decentes è il suo secondo
lungometraggio.
A DECENT
WOMAN
regia/director
Lukas Valenta Rinner
sceneggiatura/screenplay
Lukas Valenta Rinner,
Ana Godoy,
Martin Shanly,
Ariel Gurevich
Roman Kasseroller
Ana Godoy
musica/music
Jimin Kim,
Jongho You
suono/sound
Nahuel Palenque
cast and characters
Iride Mockert (Belén),
Martin Shanly,
Andrea Strenitz,
Mariano Sayavedra
produttori/producers
Ana Godoy,
Lukas Valenta Rinner
Nabis Filmgroup
coproduzione/coproduction
Jeonju Cinema Project
**
contatti/contacts
Figa Film
Sandro Fiorin
[email protected]
www.figafilms.com
In cerca di un’occupazione, la sprovveduta Belén finisce a lavorare
come cameriera per una famiglia dell’alta società argentina in
una gated community alla periferia di Buenos Aires. In quel luogo
blindato e così rispettabile, un giorno la donna fa una strana
scoperta: proprio accanto al complesso residenziale sorge una
nutrita comunità di nudisti, che passa le giornate tra bagni in
piscina e sessioni di sesso tantrico. Un canto di sirene troppo
invitante per non essere raccolto da Belén, che si trova a condurre
un’inattesa doppia vita tra perbenismo e licenziosità.
«Ho vissuto a lungo in Argentina, e in questo paese le classi
abbienti hanno ormai la tendenza a isolarsi. Sempre più spesso
vivono in piccole comunità completamente indipendenti, con
infrastrutture semiurbane come asili, uffici, supermercati e cinema
che consentono loro di vivere senza alcun contatto col mondo
esterno. Poi vedi dei ragazzi di sedici anni che arrivano in città
e non sanno neppure prendere un autobus. È un fenomeno
contemporaneo che associo agli effetti del capitalismo».
**
Belén finds a job as a cleaning lady for a wealthy Argentinian family
living in a gated community outside Buenos Aires. One day, she makes
a bizarre discovery: just on the other side of that respectable and tightly
guarded place there is a lively community of nudists who pass the time
by the pool or in tantric sex sessions. Like a siren’s song, Belén is drawn
in and she soon finds herself living a double life, balancing between
respectability and promiscuity.
“I’ve been living in Argentina for many years, and one trend that has
become very apparent for wealthy social groups is to isolate themselves.
Increasingly, these people live in small communities that are completely
cut off, with semi-urban infrastructures like nurseries, offices,
supermarkets, cinemas, etc., so you can live without any contact at
all with the outside world. Then you get young people who go into
the city at the age of sixteen and they don’t know how to take a bus.
It strikes me as a contemporary phenomenon; I chalk it up to the
effects of capitalism.”
4
SOMMARIO
TORINO
34
Lukas Valenta Rinner (Salzburg,
Austria) studied at the Universidad
del cine in Buenos Aires. He directed
the short film Carta a Fukuyama
and made his feature debut with
Parabellum, which was selected in
different international festival, such
as Göteborg, Jeonju, Hamburg and
London. Los decentes is his latest film.
Carta a Fukuyama (cm, 2010),
Parabellum (2015), Los decentes
(2016).
TORINO
34
mohamed «hamé» bourokba, ekoué labitey
LES DERNIERS PARISIENS
Francia/France, 2016, HD, 106’, col.
PARIS
PRESTIGE
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Mohamed «Hamé»
Bourokba, Ekoué Labitey
Lubomir Bakchev
Karine Prido
scenografia/
production design
Samuel Teisseire
cast and characters
Reda Kateb (Nasser),
Slimane Dazi (Arezki),
Elisa Bachir (la ragazza
della banlieu/banlieusarde),
Yassine Azzouz (Diomede),
Anaïs Honvault Zborowski,
Mylene Bude (il cliente
notturno/night client),
Andrew Tisba (dj)
Mohamed
«Hamé» Bourokba,
Ekoué Labitey,
Benoît Danou
La Rumeur Filme
Ici et Là Productions
**
contatti/contacts
Memento Films
Sata Cissokho
[email protected]
www.memento-films.com
5
SOMMARIO
Il trentenne Nasser torna a Parigi dopo essere stato in carcere.
Su invito di Margot, l’ufficiale di libertà vigilata che lo segue,
inizia a lavorare nel bar del fratello, Le Prestige, situato a Pigalle.
Il rapporto tra i due uomini, però, è da sempre conflittuale e ci
vorrà poco perché antiche ferite tornino a sanguinare.
«Les derniers parisiens è il primo film fatto da un gruppo rap che,
per anni, si è nutrito di disparate influenze attraverso l’hip hop. […]
Il nostro scopo era portare la cultura rap sullo schermo, nel modo
in cui noi l’abbiamo vissuta in tour. […] Volevamo che il film
trasmettesse l’urgenza e le insicurezze di cui i nostri personaggi
sono preda. L’ambizione era dirigere un film di finzione radicato
nella realtà delle sue storie, delle sue location, di generazioni
ancora segnate da rischi e tensioni. Plasmare e scrivere questo film
ha richiesto un lungo processo di riflessione, ma siamo riusciti a
superare gli ostacoli incontrati. Les derniers parisiens è stato girato
in fretta, con il dinamismo tipico della nostra identità artistica».
**
Nasser is in his thirties when he goes back to Paris after spending
some time in jail. Margot, his probation officer, encourages him to
work at his brother’s bar, Le Prestige, located in Pigalle. The two
brothers, however, never got along and it doesn’t take long for old
wounds to fester.
“Les derniers parisiens is first and foremost a film made by a rap
group that, for years, has been feeding itself off various influences
through hip-hop. […] Our aim is to bring rap culture to the screen the
way we experience it on tour. […] We wanted the film to relay the
urgency and insecurities that seize our characters. Our ambition was to
direct a fiction film that is grounded in the reality of its stories, its main
location, of these two generations still infused with risks and tensions.
Shaping and writing this film was a long thought-out process but it also
bears the hazards encountered in its making. Les derniers parisiens
was shot fast with this dynamic that characterizes our artistic identity.”
TORINO
34
Mohamed «Hamé» Bourokba
e Ekoué Labitey si sono conosciuti
all’università nel 1994. Tre anni dopo
hanno fondato il gruppo rap La
rumeur, divenendo in pochi anni
una delle realtà più apprezzate
e rispettate della scena hip hop
nazionale, facendosi portavoce delle
istanze delle periferie e di tutti i figli
dell’immigrazione postcoloniale.
Nel 2002 hanno esordito con l’LP
L’ombre sur la mesure, divenuto in
breve tempo un classico del genere.
Nel 2004 «Hamé» Bourokba si è
trasferito a New York, dove ha
studiato cinema presso la Tisch
School of Arts. Al suo ritorno ha
diretto il cortometraggio Ce chemin
devant moi (2012), presentato nella
selezione ufficiale al Festival di
Cannes. Les derniers parisiens (2015)
rappresenta il loro debutto nel
lungometraggio.
Mohamed “Hamé” Bourokba and
Ekoué Labitey met at university in
1994. Three years later, they started the
rap group La Rumeur. They became
the voice of the plight of the banlieue
and of the children of France’s postcolonial immigration history. In just
a few years they gained respect and
recognition as one of the most
important components of the French
hip-hop scene. Their first LP, L’ombre
sur la mésure, was released in 2002
and quickly became a genre classic.
“Hamé” Bourokba moved to New
York in 2004, where he studied cinema
at the Tisch School of Arts. After his
return, he directed the short Ce chemin
devant moi (2012), presented at the
official selection of the Cannes Film
Festival. He then made his debut
feature Les derniers parisiens in 2015,
which wrote and directed with Ekoué.
Mohamed «Hamé» Bourokba:
Ce chemin devant moi (cm, 2012).
Mohamed «Hamé» Bourokba,
Ekoué Labitey:
Les derniers parisiens (2015).
TORINO
34
andrea de sica
I FIGLI DELLA NOTTE
Italia/Italy, 2016, HD, 85’, col.
I FIGLI DELLA
NOTTE
regia, musica/
director, music
Andrea De Sica
story, screenplay
Andrea De Sica,
Mariano Di Nardo
Stefano Falivene
Alberto Masi
scenografia/
production design
Dimitri Capuani
Sabine Zappitelli
suono/sound
Antoine Vandendrieessche
cast and characters
Vincenzo Crea (Giulio),
Ludovico Succio (Edoardo),
Fabrizio Rongione
(Mathias),
Yuliia Sobol (Elena),
Luigi Bignone (Paolo),
Pietro Monfreda (Michi)
Marta Donzelli,
Gregorio Paonessa,
Joseph Rouschop,
Valerie Bournoville
Vivo Film
Tarantula
**
contatti/contacts
Vivo Film
[email protected]
www.vivofilm.it
Giulio è un diciassettenne di buona famiglia che viene spedito in
collegio. In quel luogo isolato sulle Alpi, in cui vigono regole ferree
che limitano ogni tipo di contatto con l’esterno, fa amicizia con il
bislacco Edoardo. A cementare il loro rapporto le frequenti fughe
notturne, allorquando la vigilanza sugli studenti sembra allentarsi.
Iniziano così a frequentare un nightclub, nascosto tra i boschi, che
diviene per i due un rifugio. Qui conoscono Elena, una prostituta,
a cui presto si legano. Improvvisa la scoperta: le trasgressioni
che tengono nascoste a tutti in realtà fanno parte del programma
formativo della scuola. Eppure ci dovrà essere un modo per essere
davvero liberi…
«La situazione estrema di un collegio per rampolli di ricche
famiglie è stata la chiave che ho scelto per confrontarmi con uno
dei sentimenti più forti che un adolescente possa sperimentare:
l’abbandono. Il collegio è nel film l’incarnazione, sotto forma di
uno spazio fisico concreto, delle difficoltà di relazione tra genitori
e figli nel passaggio dall’infanzia all’età adulta».
**
Giulio, a seventeen-year-old from a well-to-do family, is sent to a
boarding school. In this isolated place in the Alps, where iron-clad rules
limit all contact with the outside, he makes friends with Edoardo, who
is rather odd. Their friendship is sealed by frequent escapes at night,
when the surveillance of the students seems to lapse. They begin to
frequent a nightclub hidden in the forest, which becomes a refuge for
the two young men. This is where they meet Elena, a prostitute, and
become fond of her. Suddenly, they discover that the transgressions they
have kept hidden are actually part of the school’s educational program.
And yet there must be a way for them to become truly free…
“The extreme situation of a boarding school for the children of the rich
was the key I chose to study one of the strongest feelings an adolescent
can experience: abandonment. In the film, the college is the physical,
concrete incarnation of the difficulties in the relationship between
parents and children during their passage from childhood to
adulthood.”
6
SOMMARIO
TORINO
34
Andrea De Sica (Roma, 1981) si è
diplomato al Centro Sperimentale di
Cinematografia nel 2008 e laureato in
filosofia nel 2009. Ha lavorato come
assistente alla regia di Bernardo
Bertolucci, Ferzan Ozpetek, Vincenzo
Marra e Daniele Vicari. Ha scritto e
diretto diversi corti e documentari,
tra cui L’esame (2007), presentato
in più di cinquanta festival in tutto
il mondo; Foschia Pesci Africa Sonno
Nausea Fantasia (2010), diretto
insieme a Daniele Vicari; Mia and
Me (2011-2012), una serie televisiva
prodotta da Rainbow Entertainment.
I figli della notte (2016) segna il suo
esordio nel lungometraggio.
Andrea De Sica (Rome, Italy, 1981)
graduated from the Centro
Sperimentale di Cinematografia in 2008
and received a degree in philosophy
in 2009. He has worked as assistant
director with Bernardo Bertolucci,
Ferzan Ozpetek, Vincenzo Marra
and Daniele Vicari. He has written
and directed various short films and
documentaries, including L’esame
(2007), presented at over fifty festivals
throughout the world; Foschia Pesci
Africa Sonno Nausea Fantasia (2010),
which he codirected with Daniele
Vicari; and Mia and Me (2011-2012),
a TV series produced by Rainbow
Entertainment. I figli della notte
(2016) is his directorial debut in
feature films.
L’inferno sono gli altri (cm, 2007),
L’esame (cm, 2007), Il grande
spettacolo (cm, 2008), Foschia Pesci
Africa Sonno Nausea Fantasia
(coregia/codirector Daniele Vicari,
doc., 2010), Io sto bene (tv, ep., 2011),
Mia and Me (serie tv/tv series, ep.,
2011-2012), Città dell’uomo (tv, doc.,
2013), I figli della notte (2016).
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
fernando guzzoni
JESÚS
Francia-Cile-Germania-Grecia-Colombia/
France-Chile-Germany-Greece-Colombia, 2016, HD, 87’, col.
JESUS
director, screenplay
Fernando Guzzoni
Barbara Alvarez
Andrea Chignoli
scenografia/
production design
Rodrigo Bazaes,
Macarena Silva
Francisca Román
suono/sound
Carlo Sánchez, Roberto
Espinoza, Jean-Guy Véran
cast and characters
Nicolas Duran (Jesús),
Alejandro Goïc (Hector),
Gastón Salgado, Sebastiàn
Ayala, Esteban González
Marianne Dumoulin,
Jacques Bidou,
Giancarlo Nasi
JBA Production,
Rampante Films
coproduttori/coproducers
Titus Kreyenberg,
Konstantina Stavrianou,
Irini Vougioukalou, Diana
Bustamante, Paola Pérez,
Jorge Forero
unafilm, Graal Films,
Burning Blue
**
contatti/contacts
Premium Films
Leslie Saussereau
[email protected]
www.premium-films.com
7
SOMMARIO
La ricerca della propria identità spinge il diciottenne Jesús a
mettere continuamente alla prova i propri limiti. Questo, però,
porta lui e i suoi amici a compiere un’azione dalla quale nessuno
può tornare indietro. La sola persona a cui rivolgersi, allora, è la più
inaspettata, cioè il padre di Jesús, con il quale il ragazzo ha un
rapporto superficiale, nonostante sia l’unico genitore rimastogli.
«Nel marzo del 2012 un ragazzo di nome Daniel Zamudio è
stato brutalmente ucciso da altri quattro in una piazza del centro.
La sua morte è il tipo di avvenimento che spaventa e spinge ad
agire. Per curiosità, ho iniziato a indagare sul caso e ho capito che
aveva molti elementi in comune con ciò su cui stavo lavorando.
Vittima e carnefici erano ragazzi con figure paterne assenti, o poco
presenti, e provenivano dallo stesso contesto sociale. Uno di loro,
però, era morto. Questo fatto ha catturato la mia attenzione e mi
ha disturbato: ai miei occhi rappresentava un fallimento collettivo,
visto che siamo tutti ragazzi che provengono dalla stessa
marginalità sociale».
**
Eighteen-year-old Jesús is searching for his identity and this makes him
constantly test his own limits. But because of this, he and his friends do
something which can never be undone. The only person they can turn
to is the most unexpected one, Jesús’ father, with whom he has a
superficial relationship even though he is the only parent the boy still
has.
“In March 2012, a young man was brutally murdered by four other
young men in a square downtown. The death of Daniel Zamudio is the
kind of things that worry you and encourage you to do things. Out of
curiosity, I started looking deeper into the case and I realized it had
elements that were related with what I was looking for. The victim, as
well as the murderers were young people with vague or absent father
figures and they all came from the same social background, but there
was a dead person among them. That fact caught my attention; it
disturbed me. That death represented to me the failure of the people,
since we are young people that come from the same social
marginality.”
TORINO
34
Fernando Guzzoni (Santiago del
Cile, Cile, 1983) con il documentario
La colorina è stato in concorso
al Festival des films du monde di
Montreal e ha poi vinto il premio
per la miglior regia al Sanfic - Festival
internacional de cine e quello per il
miglior film al Trieste Film Festival.
Ha inoltre partecipato a oltre venti
festival internazionali. Con Carne de
perro, suo primo lungometraggio di
finzione, scritto durante il periodo di
residenza presso la Cinéfondation di
Cannes, ha invece vinto il premio
Kutxa-New Directors a San Sebastián.
Il film ha ricevuto inoltre diversi altri
riconoscimenti, tra cui il premio
Ingmar Bergman a Göteborg e il
premio per la miglior opera prima
all’Avana.
Fernando Guzzoni (Santiago, Chile,
1983) screened the documentary film
La colorina in the Festival des films du
monde’s official competition, Montreal,
Canada, and was awarded the Best
Director Award in Sanfic and Best Film
Award in the Trieste Film Festival, Italy.
The documentary participated in more
than twenty international festivals.
Carne de perro is his first long feature
fiction film. Written in the Cannes
Festival résidence, the film was given
the New Directors Award in the San
Sebastián Festival. It was also awarded
the Ingmar Bergman Prize in Göteborg
Film Festival and won Best Opera
Prima in La Habana Film Festival.
La colorina (doc., 2008), Carne
de perro (2012), Jesús (2016).
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
zang qiwu
JUAN ZENG ZHE
PREMIO CIPPUTI
Cina/China, 2016, HD, 105’, col.
Zang Qiwu (Cina) ha iniziato a
lavorare in ambito cinematografico
nel 1999, come assistente alla regia.
Nel corso della sua carriera ha
lavorato in più occasioni con Zhang
Yimou, in particolare sui set di La
città proibita (2006), Sangue facile
(2009), Shan Zha shu zhi lian (2010),
I fiori della guerra (2011). The Donor
(2016) rappresenta il suo esordio nel
lungometraggio.
THE DONOR
regia/director
Zang Qiwu
story, screenplay
Qin Haiyan, Li Xiaobing
Dong Jingsong
Liao Qingsong
suono/sound
Li Danfeng
cast and characters
Ni Dahong (Yang Ba), Qi Dao (Li Daguo), Li Zhen
(la moglie di Yang Ba/Yang
Ba’s wife), Zhang Hang
(Li Xiaohui), Zhang Chen
(Yang Lebao)
Geng Wang, Wang Ying
**
contatti/contacts
Whatsfilm
Jing Liu
[email protected]
www.whatsfilm.org
Yang Ba, uomo d’estrazione modesta, non ha scelta: per evitare
la demolizione della sua casa e continuare a sostenere le spese
scolastiche del figlio deve sottoporsi all’espianto di un rene.
A giovarne sarà la sorella del ricco Li Daguo, in pericolo di vita.
L’operazione però fallisce, e Li Daguo cerca di convincere Yang Ba
a cedere un rene del figlio. Ma la persuasione diviene aperta
minaccia, e Yang Ba è costretto a difendere la famiglia in ogni
modo possibile.
«Durante le riprese e la postproduzione avevamo ben chiara l’idea
di creare immagini sorprendenti. Abbiamo preparato proscenio
e fondali in modo accurato, perché protagonisti e personaggi
secondari fossero chiaramente distinguibili. Stessa cosa per la
stratificazione dei personaggi e gli oggetti nelle inquadrature.
Per una persona qualsiasi come Yang Ba, ad esempio, abbiamo
colto gli aspetti più semplici e veritieri della sua vita. Quando
si ha a che fare con un determinato contesto e una certa atmosfera,
bisogna in primis costruire l’atmosfera, mentre il contesto passa
in secondo piano e non va presentato in modo intenzionale».
**
Yang Ba, a man of modest origins, has no choice: in order to keep his
home from being demolished and to continue paying his son’s school
expenses, he has to sell a kidney. The mortally-ill sister of wealthy
Li Daguo is to benefit from the transaction. But the operation fails and
Li Daguo tries to convince Yang Ba to give up one of his son’s kidneys.
But persuasion turns into open threats and Yang Ba finds himself
defending his family any way he can.
“During shooting, we were very aware of making the shots stunning,
and also considerate for post production. Front scene and background
are carefully arranged, main characters and minor characters should
be distinguishable, same for the layers that showed among characters
and all objects in frame. For an ordinary guy like Yang Ba, we caught
the simplest and truest aspect of him. When dealing with environment
and atmosphere, building atmosphere is the primary consideration,
environment is put in second place and not presented intentionally.”
8
SOMMARIO
TORINO
34
Zang Qiwu (China) began working
in film in 1999 as an assistant director.
Over the course of his career, he has
worked many times with Zhang Yimou,
in particular on the sets of Curse of the
Golden Flower (2006), A Woman,
a Gun and a Noodle Shop (2009),
Shan Zha shu zhi lian (2010) and
The Flowers of War (2011). The Donor
(2016) is his debut feature film.
Juan Zeng Zhe (The Donor, 2016).
© DANIEL FOELDES
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
william oldroyd
LADY MACBETH
Regno Unito/UK, 2016, HD, 88’, col.
LADY
MACBETH
regia/director
William Oldroyd
soggetto/story
dal racconto La Lady
Macbeth del distretto di
Mcensk di/from the short
story Lady Macbeth of the
Mtsensk District
by Nikolaj Leskov
Alice Birch
Ari Wegner
Nick Emerson
scenografia/
production design
Jacqueline Abrahams
Holly Waddington
suono/sound
Steve Peckover
cast and characters
Florence Pugh (Katherine),
Cosmo Jarvis (Sebastian),
Paul Hilton (Alexander),
Naomi Ackie (Anna),
Christopher Fairbank (Boris)
produttore/producer
Fodhla Cronin O’Reilly
Sixty Six Pictures, iFeatures
distribuzione/distribution
Teodora Film
**
contatti/contacts
Teodora Film
Margherita Chiti
[email protected]
1865. Nella campagna inglese, Katherine conduce una misera
esistenza: il matrimonio soffocante con un uomo molto più
anziano di lei, triste e rancoroso, è arrivato a un punto di stallo,
così come i rapporti con i familiari, freddi e inflessibili nei suoi
confronti. Poi, improvvisa, la riscoperta dell’amore: l’incontro con
Alexander, ventiduenne di bell’aspetto e dai modi provocatori che
lavora nella fattoria del marito, scatena in lei sentimenti che
credeva ormai spenti. Tra i due l’intesa è immediata e a Katherine
non rimane che andare fino in fondo, forte e viva come non si
sentiva da tempo.
«Durante la preparazione delle riprese di Lady Macbeth è stato
fondamentale mettere al centro del film gli attori e il copione.
In quanto regista teatrale mi avvicino a ogni lavoro con massimo
rispetto per il copione e per chi lo ha scritto: è abbastanza normale
che lo scrittore sia presente durante il periodo delle prove e il mio
scopo principale è aiutare gli attori a capire come mettere in scena
nel miglior modo possibile le sue intenzioni».
**
Rural England, 1865. Katherine leads a miserable life, stifled by her
loveless marriage to a bitter old man twice her age. Their relationship
is in a deadlock, and so is the one with his cold, unforgiving family.
She unexpectedly discovers love when she meets Alexander, a
handsome and provocative twenty-two-year-old who works on her
husband’s estate. The embers of feelings she thought were extinguished
suddenly reawaken in her. They immediately connect with a burning
passion. Katherine feels more powerful and alive than ever before,
and will stop at nothing to get what she wants.
“When preparing to direct Lady Macbeth it was important for me
to continue to put the actors and script at the center of the film.
As a theater director I approach each project with respect for the writer
and the script – it is quite common for the writer to be present
throughout the rehearsal period and my main job is to help the actors
to understand how best to realise the intentions of the writer.”
9
SOMMARIO
TORINO
34
William Oldroyd ha studiato presso
la Royal Academy of Dramatic Arts di
Londra. Successivamente ha diretto
il Young Vic Theatre, curando la regia
di Spettri di Henrik Ibsen nella nuova
versione di Frank McGuinnes. Quindi
ha lavorato anche fuori dal Regno
Unito, curando gli adattamenti di
Kean di Jean-Paul Sartre a Tokyo,
Aspettando Godot di Samuel Beckett
a Monaco di Baviera e La serva
padrona di Giovan Battista Pergolesi
in Portogallo. Ha esordito al cinema
nel 2011 con il cortometraggio
Christ’s Dog, a cui ha fatto seguito
Best (2013), vincitore del Sundance
London Short Film. Lady Macbeth
è il suo primo lungometraggio.
William Oldroyd studied directing at
the Royal Academy of Dramatic Art
in London. He then ran the Young Vic
Theatre, directing plays like Frank
McGuinnes’ new version of Henrik
Ibsen’s Ghosts. He also worked
abroad, putting on stage Jean-Paul
Sartre’s adaptation of Kean in Tokyo,
Samuel Beckett’s Waiting for Godot
in Munich, and Giovan Battista
Pergolesi’s La serva padrona in
Portugal. He made his cinematic debut
in 2011 with the short Christ’s Dog,
followed by Best (2013), which won
the short film competition at Sundance
London. Lady Macbeth is his first
feature.
Christ’s Dog (cm, 2011), Best
(cm, 2013), Lady Macbeth (2016).
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
melisa liebenthal
LAS LINDAS
Argentina, 2016, HD, 77’, col.
Melisa Liebenthal (Argentina, 1991)
ha terminato il suo percorso di studi
come regista all’Università del
cinema di Buenos Aires. Las lindas
è il suo primo lungometraggio.
THE PRETTY
ONES
Melisa Liebenthal
Sofía Mele,
Melisa Liebenthal
musica/music
Ángeles Otero
suono/sound
Marcos Canosa
interpreti/cast
Melisa Liebenthal,
Josefina Roveta,
Victoria D’Amuri,
Camila Magliano,
Michelle Sterzorvsky,
Sofía Mele
produttore/producer
Eugenia Campos Guevara
**
contatti/contacts
Stray Dogs
Laura Nacher
[email protected]
www.stray-dogs.com
Melisa Liebenthal (Argentina, 1991)
completed her training as a film
director at the Universidad del cine in
Buenos Aires. The Pretty Ones is her
first feature-length.
Airportness (cm, 2010), Alegría del
hogar (cm, 2013), Las lindas (2016).
Melisa e le sue amiche si conoscono da anni: insieme sono
state prima bambine, poi adolescenti e ora sono giovani donne.
Ma come è avvenuto il passaggio? Com’erano da piccole e com’è
stata la loro adolescenza? Attraverso fotografie, ricordi condivisi,
filmati di feste, cene e momenti quotidiani emerge il ritratto di un
gruppo di ragazze a cui la società chiede prima di tutto di essere
carine, «lindas», e che non sempre si trovano a proprio agio con
queste aspettative.
«Mi è sempre interessato il genere dell’autoritratto, prima di tutto
come spettatrice. Facendo questo film mi sono quindi sentita
particolarmente esposta: sono comunque un personaggio anch’io,
ho una mia storia. Filmo quelle che sono le mie amiche da sempre:
all’università, in palestra, alle riunioni o alle cene. Ormai sono
abituate a vedermi tirare fuori d’improvviso la videocamera e
riprenderle. Nonostante ciò, quando ho capito che questi filmati
sarebbero diventati un film, una di loro ha deciso di non farsi più
riprendere, e così è stato. Ed è anche questo un argomento di cui
si parla nel film».
**
Melisa and her friends have known each other for years; they started
out together as little girls, then adolescents and now they are young
women. But how did this passage occur? What were they like when
they were small and what was their adolescence like? Photographs,
shared memories, and movies of parties, dinners and everyday
moments create the portrait of a group of girls who society expects,
above all, to be pretty, “lindas,” and who aren’t always at ease with
these expectations.
“I was always interested in the genre of self-portraits, first of all as
a spectator. While making this film I felt particularly exposed: I’m a
person, too, I have my own history. The people I film are my lifelong
friends: at university, at the gym, at meetings or at dinner. They’re
used to seeing me suddenly pull out my movie camera and start filming
them. But when I realized that these film clips would become a movie,
one of them decided not to let herself be filmed anymore, and that’s
what happened. This, too, is a topic we discuss in the movie.”
10
SOMMARIO
TORINO
34
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
joaquín del paso
MAQUINARIA PANAMERICANA
PREMIO CIPPUTI
Messico-Polonia/Mexico-Poland, 2016, HD, 86’, col.
MAQUINARIA
PANAMERICANA
regia/director
Joaquín Del Paso
Joaquín Del Paso,
Lucy Pawlak
Fredrik Olsson
Raúl Barreras
Yupanqui Ramos
suono/sound
Santiago Arroyo,
Santiago De la Paz
cast and characters
Javier Zaragoza (Jesus
Carlos), Ramiro Orozco
(Ignacio), Irene Ramirez
(Soledad), Edmundo
Mosqueira (Celestino),
Delfino López (Delfino),
César Panini (Golden Boy),
Javier Camacho (Rubio),
Israel Ruiz (Tonatiuh),
Regina DuPacci (Arancha)
Joaquín Del Paso,
Susan Bernal
Amondo Films,
Black Maria
Mantarraya,
Instituto Mexicano
de cinematografía,
Estudios Churubusco,
Terminal Films,
Santiago de la Paz Nicolau,
The Polish National Film
School in Łódź
**
contatti/contacts
LuxBox
Anne Sophie Trintignac
[email protected]
www.luxboxfilms.com
11
SOMMARIO
L’officina meccanica Maquinaria Panamericana è un posto ideale
per lavorare: si respira un clima perfetto, fra colleghi c’è armonia,
i ritmi sono blandi e non si disdegna mai una pausa caffè. Il tutto
sotto lo sguardo benevolo di Don Alejandro, il principale. Ecco
perché trovarlo d’improvviso morto una mattina getta i dipendenti
nel panico. Non solo i dipendenti perdono il miglior capo che
esista al mondo, ma come ben presto scopriranno rischiano anche
di perdere il lavoro, dato che la fabbrica è in bancarotta. A questo
punto le soluzioni non sono molte, e la migliore sarebbe
mantenere in vita Don Alejandro…
«Il film è come la memoria di un mondo che sta scomparendo,
una descrizione satirica di come vanno le cose in questo
momento nel mio Paese e ovunque in generale. In Messico la
situazione è così delicata, economicamente e politicamente, che
le persone vivono in un costante regime di paura. Ci aggrappiamo
con disperazione a ciò che abbiamo guadagnato e la sola idea
di una nuova crisi porta al panico collettivo».
**
The Maquinaria Panamericana garage is an ideal place to work: the
mood is perfect, there’s harmony among the employees, the rhythm is
relaxed and nobody ever says no to a coffee break. All this under the
benevolent gaze of their boss, Don Alejandro. This is why the employees
are thrown into a panic one morning when they find him dead. Not
only have they lost the best boss in the world but they soon discover
that they also risk losing their jobs, since the garage is bankrupt.
At this point, there don’t seem to be many solutions to the problem
and the best one is to keep Don Alejandro alive…
“The film is like a reminder of a world that is about to disappear, and
also a satirical comment on the current state of things in my country
and around the world. The situation in Mexico is so fragile,
economically and politically, that people live in a constant state of fear.
We hold on to what we have earned with desperation and just the idea
of a new crisis leads to collective panic.”
TORINO
34
Joaquín del Paso (Città del Messico,
1986) ha lavorato come assistente
di produzione e aiuto regista in
diverse produzioni televisive e
cinematografiche. Nel 2006 ha
diretto il suo primo cortometraggio,
Día Uno, e partecipato a un
laboratorio di regia alla Scuola
di cinema e televisione di San
Antonio de Baños a Cuba. Nel 2007
si è iscritto alla Scuola polacca di
cinema di Łódź e l’anno successivo
ha presentato al Torino Film Festival
il corto Diálogo sobre una Imágen,
diretto con Martyna Starosta.
I suoi film successivi hanno avuto
proiezioni nei principali festival
internazionali, tra cui FidMarseille,
il Festival di cinema di Cracovia,
lo Gdynia Film Festival in Polonia
e la Berlinale.
Joaquín del Paso (Mexico City, 1986)
worked as assistant producer and
assistant director for many TV and
cinema productions. In 2006 he
directed his first short movie, Día Uno,
and he participated in a directing
workshop at the TV and Cinema
School San Antonio de Baños in Cuba.
In 2007 he entered the Polish Film
School in Łódź and the following year
he presented his short Diálogo sobre
una Imágen, codirected with Martyna
Starosta, at the Torino Film Festival.
His next films have been screened at
the major international festivals,
including FIDMarseille, the Krakow
Film Festival, the Gdynia
Film Festival in Poland and the
Berlin Film Festival.
Día Uno (cm, 2006), Diálogo sobre
una Imágen (coregia/codirector
Martyna Starosta, cm, doc., 2008),
Czarna Góra (cm, 2009), Amekska
(cm, 2010), Waterdrop (cm, 2011),
The Absolute Truth of Thomas Schviefel
(coregia/codirector Lucy Pawlak,
2010), Dream of San Juan (doc.,
2012), Syjamski (cm, 2013),
Maquinaria Panamericana (2016).
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
thomas kruithof
LA MÉCANIQUE DE L’OMBRE
Francia-Belgio/France-Belgium, 2016, HD, 93’, col.
©
BENOIT DELFOSSE
TORINO
THE
EAVESDROPPER
regia/director
Thomas Kruithof
Thomas Kruithof,
Yann Gozlan
Alex Lamarque
Jean-Baptiste Beaudouin
scenografia/
production design
Thierry François
Christophe Pidre
musica/music
Grégoire Auger
suono/sound
Nicolas Provost
cast and characters
François Cluzet (Duval),
Denis Podalydes (Clément),
Sami Bouajila (Labarthe),
Simon Abkarian (Gerfaut),
Alba Rohrwacher (Sara),
Bernard Eylenbosch
Thibault Gast,
Matthias Weber
24 25 Films
Scope Pictures
**
contatti/contacts
WTFilms
Sonia Droulhiole
Un contabile ex alcolista di mezza età, da tempo in cerca di un
impiego, accetta di lavorare per una misteriosa organizzazione
che gli chiede di trascrivere delle intercettazioni telefoniche:
rimarrà invischiato in un pericoloso intrigo politico che vede
coinvolti i servizi segreti francesi.
«L’idea iniziale alla base del film consisteva nel prendere un
impiegato modello, uno di quelli capaci di seguire
scrupolosamente le regole, e immergerlo in un sottobosco di
cospirazioni politiche e servizi segreti nel quale non avrebbe
avuto altra scelta che imparare a disobbedire».
**
A middle-aged, financially struggling man is looking for work two
years after suffering alcoholism. He gets hired by a mysterious employer
to transcribe phone-tapped conversations, which propels him into the
heart of a large-scale political plot and gets him trapped in the French
services underworld.
“My initial impulse to make this film was to take a perfect
employee, one that scrupulously follow the instructions, and to make
him dive into an underworld of political conspiracies and secret services,
where he will have no choice but to learn to disobey.”
[email protected]
www.wtfilms.fr
12
SOMMARIO
TORINO
34
Thomas Kruithof (1976) vive e lavora
a Parigi. Nel 2013 ha diretto il
cortometraggio Retention, selezionato
in oltre quaranta festival e vincitore di
sette premi (tra cui il Prix coup de
cœur du public Unifrance, il gran
premio della giuria e il premio del
pubblico al Festival di PontaultCombaut e il premio del pubblico al
Peace & Love Film Festival di Örebro,
in Svezia), oltre che preselezionato
per il premio César 2014 nella
categoria miglior cortometraggio
dell’anno. La mécanique de l’ombre,
che in Francia uscirà nelle sale a inizio
2017, è il suo primo lungometraggio.
Thomas Kruithof (1976) lives and works
in Paris. In 2013 he directed the short
film Retention, selected in forty film
festivals and winner of seven awards
(including Audience Award Coup de
cœur of Unifrance, the Gran Prix of the
Jury and Audience Award at PontaultCombaut Film Festival and Audience
Award at Peace & Love Film Festival,
in Örebro, Sweden); the film has also
been part of the list of the pre-nominees
for 2014 César Award for Best Short.
La mécanique de l’ombre is his first
feature and will be released in France
in early 2017.
Retention (cm, 2013), La mécanique
de l’ombre (2016).
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
gabe klinger
PORTO
Portogallo-Usa-Francia-Polonia/
Portugal-USA-France-Poland, 2016, 35mm-16mm-Super8, 75’, col.
PORTO
regia/director
Gabe Klinger
Larry Gross, Gabe Klinger
Wyatt Garfield
Gabe Klinger,
Géraldine Mangenot
scenografia/
production design
Ricardo Preto
cast and characters
Anton Yelchin (Jake),
Lucie Lucas (Mati),
Françoise Lebrun, Paulo
Calatré, Chantal Akerman
(voce/voice)
Rodrigo Areias, Sonia
Buchman, Gabe Klinger,
Nicolas R. de la Mothe,
Todd Remis, Julie R. Snyder
Bando à parte, Gladys
Glover, Double Play Films,
Madants
Klaudia Smieja,
Beata Rzezniczek
**
contatti/contacts
New Europe Film Sales
Ewa Bojanowska
[email protected]
www.neweuropefilmsales.com
Nella città di Porto vivono due stranieri, l’americano Jake [Anton
Yelchin alla sua ultima interpretazione, ndr] e la studentessa
francese Mati. Il destino sembra giocare con loro, facendoli
imbattere l’uno nell’altra in occasioni e luoghi diversi. È Jake a
cogliere l’offerta suggerita da questi incontri casuali, prendendo
coraggio e avvicinando Mati. Nonostante le premesse, non sarà
l’inizio di una storia d’amore, ma porterà a un’unica notte di
intimità il cui ricordo tornerà con insistenza nelle vite di questi
due amanti occasionali, rivelando loro la potenza di un incontro.
«Jake e Mati sono personaggi bloccati nel tempo. Sono fermi
a una certa notte che non stanno più vivendo, ma che stanno
pensando o sognando. C’è una frase di James Benning che mi ha
sempre colpito: “Tutto il tempo è solo ricordo”. È di questo che
parla il film, e mettendo a confronto i formati di ripresa diversi ed
esplorando ciò che possono rivelare al pubblico sul modo in cui
viviamo il tempo attraverso i ricordi (e i sogni), ho cercato di dire
qualcosa di realmente intenso sui suoi protagonisti».
**
Two foreigners live in the city of Oporto, the American Jake [Anton
Yelchin, in his final acting appearance, editor’s note] and the girl Mati,
a student from France. Destiny seems to be toying with them, as they
run into each other at different times and places. Jake takes advantage
of the opportunity provided by these casual encounters, gets up his
courage and approaches Mati. Despite the good start, it isn’t the
beginning of a love story but a one night stand. The memory of that
night will return insistently in the lives of these two occasional lovers,
showing them the power of an encounter.
“Jake and Mati are characters stuck in time. They are stuck in one
night, even though they are no longer living that one night. They are
perhaps thinking about it or dreaming it. There’s something James
Benning says that really resonates with me: ‘All of time is just memory.’
That’s really what the film is about, and in contrasting these different
shooting formats, in exploring what they could reveal to the audience
about how we live time through memory (and dream), I could begin
to say something really poignant about these two characters.”
13
SOMMARIO
TORINO
34
Gabe Klinger (San Paolo, Brasile,
1982), docente di cinema, ha
insegnato all’Università dell’Illinois
e al Columbia College di Chicago.
Archivista, curatore e filmmaker, ha
lavorato inoltre come critico
cinematografico collaborando con
riviste quali «Sight & Sound», «Film
Comment» e «Cinema Scope».
Nel 2013 ha pubblicato un volume su
Joe Dante, scritto con Nil Baskar, e
ha diretto Double Play: James Benning
and Richard Linklater, con il quale ha
vinto il Leone d’oro per il miglior
documentario sul cinema alla Mostra
di Venezia. Porto segna il suo esordio
nel cinema di finzione.
Gabe Klinger (São Paulo, Brazil, 1982)
has taught film studies at University
of Illinois and Columbia College in
Chicago, Illinois. Archivist, curator,
filmmaker and critic, his articles have
appeared in “Sight & Sound,” “Film
Comment,” “Cinema Scope,” and
many other publications. His book on
Joe Dante, co-edited by Nil Baskar, was
published in 2013. With Double Play:
James Benning and Richard Linklater
he won the Golden Lion for Best
Documentary on Cinema at 2013
Venice Film Festival. Porto is his first
feature film.
Double Play: James Benning and
Richard Linklater (doc., 2013),
Porto (2016).
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
douglas seok
TURN LEFT TURN RIGHT
Cambogia-Usa-Corea del Sud/
Cambodia-USA-South Korea, 2016, HD, 68’, col.
Douglas Seok (Chicago, Illinois,
Usa, 1983) vive e lavora a Seul.
Ha conseguito un master in cinema
digitale alla DePaul University di
Chicago. Nel 2015 ha lavorato come
direttore della fotografia del film
Dream Land di Steve Chen e, in
precedenza, come assistente alla
regia di Lee Isaac Chung per i film
Lucky Life (2010) e Abigail Harm
(2012). Tutti e tre i film sono stati
presentati al Torino Film Festival,
nella sezione Onde. Turn Left Turn
Right (2016) è il suo primo
lungometraggio.
TURN LEFT
TURN RIGHT
regia, soggetto,
sceneggiatura, montaggio/
director, story,
screenplay, film editing
Douglas Seok
Steve Chen
suono/sound
Min Eun Seo,
Jean-Baptiste Haehl
cast and characters
Kanitha Tith (Kanitha),
Thavy Pov
(la madre/mother),
Vanthoeun Bo
(il padre/father),
Saveth Dy (Dy Saveth)
Steve Chen, Douglas Seok
Sea Oak Studios,
Anti-Archive
**
contatti/contacts
Anti-Archive
Steve Chen
[email protected]
Phnom Penh, Cambogia. Kanitha è una ventenne iperattiva e dotata
di uno spirito libero. La madre, donna di vedute tradizionaliste, la
vorrebbe sposata e sistemata, mentre il padre, anziano e malato, è
ormai sul punto di morire. Kanitha è una sognatrice, ama la musica
pop e perde un lavoro dopo l’altro, ma dentro di sé sogna di
condividere con il padre l’ultima gioia della sua vita: un ricordo
d’infanzia da ripescare nella memoria e una piccola cosa da fare
insieme per tornare uniti come un tempo.
«Il montaggio è stato molto complesso, ma solo così sono riuscito
a sviscerare il film. Ho pensato di trattare il film come fosse
un oggetto e ho fatto esperimenti con il materiale che avevamo
girato. Ho iniziato dando una forma precisa alla collezione di
musica rock cambogiana che era alla base di molte scene,
affrontando alcune parti del film in modo quasi “scultoreo”.
Potevo usare solamente effetti come la sovrimpressione o la
stratificazione, ma proprio grazie a tecniche così semplici sono
riuscito a dare una consistenza più profonda e ricca al film».
**
Phnom Penh, Cambodia. The twenty-year-old Kanitha is hyperactive
and a free spirit. Her very traditional mother would like to see her
married and settled. Her father, elderly and sick, is nearing his
deathbed. Kanitha is a dreamer, she loves pop music and keeps losing
one job after another. But what she really wants is to share one last
happy moment with her father: seek out a childhood memory, find a
little something to do together so they can be close like they used to.
“The editing process was arduous, but that’s how I unearthed the film.
I thought about what the film could feel like as an object and
experimented with the source materials that had been recorded.
I began molding the trove of Cambodian rock music that motivated
many scenes, deciding to treat parts of the film in a more sculptural
way. I was limited to using effects like superimposition and layering
but found that such simple techniques could yield a deep, rich texture
for the film.”
14
SOMMARIO
TORINO
34
Douglas Seok (Chicago, IL, USA,
1983) lives and works in Seoul, South
Korea. He has a master’s in digital
cinema from Chicago’s DePaul
University. He worked as Lee Isaac
Chung’s assistant director for Lucky
Life (2010) and Abigail Harm (2012).
In 2015, he was the photography
director for Steve Chen’s Dream Land.
All three movies were presented in the
Onde section of the Torino Film
Festival. Turn Left Turn Right (2016)
is his first feature.
Turn Left Turn Right (2016).
TORINO
3 4 / F E AT U R E
FILM COMPETITION
tamara drakulić
VETAR
Serbia, 2016, HD, 80’, col.
Tamara Drakulić (Serbia) ha studiato
all’Accademia di belle arti di
Belgrado. Sta attualmente lavorando
alla tesi di un master in antropologia
visiva che ha frequentato presso la
facoltà di filosofia dell’Università di
Belgrado. Ha esordito come regista
nel 2012 con Swing, e due anni dopo
ha presentato il suo secondo lavoro,
Ocean, nella sezione Onde del Torino
Film Festival. Oltre a essere regista,
è stata autrice, selezionatrice
musicale e voce del programma
radiofonico indipendente Ljuljaška
di Novi Radio Beograd.
WIND
regia/director
Tamara Drakulić
story, screenplay
Ana Rodić dal
suo racconto/
from her short story Kites
Igor Đorđević
Jelena Maksimović
musica/music
Maja Ćurćić
cast and characters
Tamara Stajić (Mina),
Eroll Bilibani (Andrej),
Darko Kastratović (Saša),
Tamara Pjević (Sonja)
Monkey Production,
Cinnamon Production
**
contatti/contacts
Jelena Angelovski
[email protected]
La sedicenne Mina sta trascorrendo l’estate sul fiume Bojana, in
Montenegro, insieme con il padre Andrej. Pigra e indolente, Mina
sfoggia il più ostentato disinteresse per ciò che la circonda, mentre
il padre, incallito fumatore, comincia forse a instaurare una
relazione più seria con la fidanzata. Con estremo disappunto,
Mina si innamora di un kitesurfer, Saša, più grande di lei e
fidanzato con Sonja. Un triangolo amoroso che non ha
conseguenze evidenti, ma che lascia una traccia profonda
nell’universo dell’adolescente.
«Penso che cinema e arte debbano avere un legame con la società
e la cultura, ma che non debbano farsi governare da queste.
È l’individuo che gira un film o realizza qualcosa di artistico. Solo
a quel punto, poi, l’arte deve guidare la società. Quindi, nonostante
io sia serba e la gente si aspetti che parli di guerra e cambiamenti,
credo sia fondamentale che mi senta libera di sperimentare con il
linguaggio cinematografico e mettere in scena una storia semplice
e intima come questa. Una storia che rispecchia, niente di più
e niente di meno, il mio punto di vista».
**
Sixteen-year-old Mina is spending the summer with her father Andrej
on the Bojana river, in Montenegro. Lazy and apathetic, Mina displays
great disinterest in her surroundings, while her father, a confirmed
smoker, might be getting more serious about his girlfriend. To her great
annoyance, Mina falls in love with a kite surfer, Saša, who is older than
her and engaged to Sonja. A love triangle with no evident consequences
but which will leave a deep mark on the adolescent’s universe.
“I think that film and art should be connected with society and culture.
Yet, they must not be directed by it. Individual is the one who should
direct the film, and make art. Then, art is the one that should lead
society. Therefore I think that although especially as Serbian director
I am expected to talk about war and transition, it is crucially important
to feel free to experiment with film language in order to make a simple,
intimate story as this one, that is giving nothing else or more than my
personal view.”
15
SOMMARIO
TORINO
34
Tamara Drakulić (Serbia) studied at
Academy of fine arts in Belgrade and
she is working on her master thesis
in visual anthropology at faculty of
philosophy in Belgrade. Her debut
in direction was in 2012 with Swing.
Her second movie, Ocean, was
presented in 2014 in the section Onde
of the Torino Film Festival. She was
the author, music editor, and the voice
behind independent radio show
Ljuljaška, at Novi Radio Beograd.
Ljuljaška (Swing 2012), Okean
(Ocean, doc., 2014), Vetar (Wind,
2016).
© MARTIN LUDWIG
TORINO
3 4 / F E AT U R E
sebastian hilger
WIR SIND DIE FLUT
Germania/Germany, 2016, HD, 84’, col.
**
contatti/contacts
Edgar Derzian
[email protected]
www.wirsinddieflut.de
16
SOMMARIO
© SIMON VU - ANNA WENDT
FILMPRODUKTION GMBH
WE ARE
THE TIDE
regia/director
Sebastian Hilger
Nadine Gottmann
Simon Vu
Linda Bosch
scenografia/
production design
Karina Ferg
Sophie Klebba
suono/sound
Kai Ziarkowski
cast and characters
Max Mauff (Micha),
Lana Cooper (Jana),
Swantje Kohlhof (Hanna),
Roland Koch (Karl),
Max Herbrechter (prof.
Feuerstein), Waldemar
Hooge (Daniil)
Lasse Scharpen, Johannes
Jancke, Edgar Derzian, Anna
Wendt, Fabian Winkelmann
Anna Wendt Filmproduktion
GmbH
Filmakademie BadenWuerttemberg, Institute
of Animation, Visual Effects
and Digital Postproduction,
Filmuniversität Babelsberg
Konrad Wolf
FILM COMPETITION
Quindici anni fa l’oceano è sparito dalla costa di Windholm, in
Germania. E così pure i bambini del luogo. Il giovane fisico Micha
vorrebbe condurre studi approfonditi su questo fenomeno
inspiegabile, ma necessiterebbe della borsa di studio che gli è stata
negata. Decide comunque di partire, accompagnato da Jana, ex
collega e figlia del rettore dell’università in cui lavora. Ad attendere i
due, un mistero da svelare e i fantasmi del loro passato in comune.
«Ci chiamano la “generazione Y”; ci hanno cresciuti facendoci
credere di essere speciali e in grado di cambiare il mondo con le
nostre idee e le nostre scelte. Ma continuiamo a sbattere contro
porte chiuse. Siamo sempre in attesa del prossimo contratto a
tempo determinato, del prossimo subaffitto, della prossima
relazione a breve termine. Siamo intrappolati tra le incertezze. […]
È questa la vita, oppure deve ancora cominciare? E in tal caso
quando comincerà? […] Cambierà mai qualcosa? E come cambierà?
Il mio film parla della delusione di un’intera generazione. E della
sua determinazione ad andare comunque avanti».
**
Fifteen years ago, the ocean disappeared from the coast of Windholm,
Germany. So did the local children. The young physicist Micha would
like to conduct an in-depth study of this inexplicable phenomenon but
that calls for a grant, which he is denied. He decides to leave anyway,
accompanied by Jana, a former colleague and the daughter of the
rector of the university where he works. A mystery to be resolved and
the ghosts of their shared past await them.
“They call us ‘Generation Y.’ We were raised to believe we were special,
that we could change the world with our ideas and our choices. Now,
we find ourselves facing closed doors. We’re all waiting for the next
short-term contract, the next sublet, the next temporary relationship.
We are stuck in the inbetweens. […] Is this life, or is it still on its way?
And if it is, when will it arrive? […] Will it ever be different? And how
should it be different? We Are Tide is a movie about the
disappointment of a whole generation – and its determination to still
carry on.”
TORINO
34
Sebastian Hilger (Adenau, Germania,
1984) ha cominciato fin dal 2003
a dirigere e produrre piccoli film
realizzati con una MiniDv.
Ha studiato presso l’Università
di Colonia, realizzando diversi
cortometraggi e videoclip. Dopo la
laurea si è iscritto alla Filmakademie
Baden-Wurttemberg per approfondire
le conoscenze in regia
cinematografica. In questa fase
ha sviluppato i progetti del corto
d’animazione Tim Schroder and the
End of All Times (2012), selezionato
in diversi festival internazionali; di
altre due corti, The World Outside
e Marder; e dello stesso We Are the
Tide, suo secondo lungometraggio
dopo il primo Ayuda (2009), girato
in 16mm.
Sebastian Hilger (Adenau, Germany,
1984) began directing and producing
small films in MiniDV format in 2003.
He studied at the University of
Cologne, making various shorts
and video clips. After graduating, he
enrolled at the Filmakademie BadenWurttemberg to study movie directing.
In this period, he developed the
animated short projects Tim Schroder
and the End of All Times (2012),
selected at various international
festivals; two other shorts, The World
Outside and Marder; and We Are the
Tide, his second feature film after his
first one, Ayuda (2009), which was
shot in 16mm.
Momentaufnahme (cm, 2004), Ein
Glas Wasser (cm, 2004), Entspiegelt
(cm, 2005), Meine Mutter (cm,
2005), Spielverderber (cm, 2005),
Konsequenzen (cm, 2006),
Atemzug/Spielzug (cm, 2008), Ayuda
(2009), Als gäbe es ein Morgen (cm,
videoclip, 2009), Im dritten Jahr (cm,
2011), Auf der Suche (cm, 2011), Keine
Spur besonderer Eigenschaften (cm,
2011), Tim Schröder und das Ende aller
Tage (Tim Schroeder and the End of All
Time, cm, anim., 2012), Die Welt da
draußen (The World Outside, cm,
2013), Marder (cm, 2013), Wir sind
die Flut (We Are the Tide, 2016).
GRAN PREMIO TORINO
SAW TIONG GUAN WIND
SOMMARIO
2016
| PHILIP YUNG DAAP HYUT CAM MUI - PORT OF CALL
GRAN PREMIO TORINO
2016
Christopher Doyle
DI/BY EMANUELA MARTINI
Christopher Doyle è nato nel 1952 a Sydney,
da dove è scappato a diciott’anni su una nave
mercantile norvegese. Ha allevato mucche in
Israele, trivellato terreni in India, ha imparato
la medicina cinese in Thailandia, è diventato
fotografo negli anni Settanta a Taiwan.
E negli stessi anni è nato di nuovo, come Du
Ke Feng (che significa «come il vento»), il suo
io cinese (una lingua che parla correntemente,
nelle declinazioni cantonese e mandarino,
come l’inglese, il francese, lo spagnolo, il
giapponese). All’inizio degli anni Ottanta
(per caso, ha detto lui, spinto dall’amico
Edward Yang che esordiva nella regia), ha
anche incontrato, a Taiwan, la sua arte e la
sua vocazione: direttore della fotografia, uno
dei più grandi degli ultimi decenni. Leggendario
il suo rapporto con Wong Kar-wai (otto film
insieme), e poi il lavoro con Stanley Kwan,
Chen Kaige, Zhang Yimou e molti altri autori
cinesi e taiwanesi. Ma anche con Gus Van Sant
(Psycho e Paranoid Park), Jim Jarmusch (The
Limits of Control), Barry Levinson (Liberty
Heights), Neil Jordan (Ondine), Philip Noyce
(The Quiet American), M. Night Shyamalan
(Lady in the Water), Sebastián Silva (Magic
Magic), Alejandro Jodorowsky (Poesía sin fin).
È stato inoltre regista di alcuni film, tra i quali
il bellissimo ritratto di tre diverse generazioni
Hong Kong Trilogy: Preschooled Preoccupied
Preposterous. Non ama teorizzare, ma invita
a «fare», «inventare», «esprimersi»: e il suo
sguardo ha suggestioni profonde e carnose,
ma anche accenti di limpidissima poesia
del quotidiano. Si considera il «mediatore»
tra quello che appare sullo schermo e lo
spettatore, e sostiene che la condizione
di «straniero dall’interno», com’è stato lui
per gran parte della sua vita («un bianco in
un mondo giallo»), sia quella ideale per essere
un buon direttore della fotografia, per riuscire
a catturare le cose che spiccano, che la gente
conosce, ma che non ha mai guardato
consapevolmente. Un occhio libero, eccentrico,
profondo, per il quale una ripresa «è sempre
la prima ripresa».
18
SOMMARIO
GRAN PREMIO TORINO
2016
Christopher Doyle was born in 1952 in Sydney
and ran away aboard a Norwegian merchant
ship when he was eighteen. He has raised cattle
in Israel, worked as an oil driller in India, studied
traditional Chinese medicine in Thailand, and
he became a photographer in Taiwan during the
1970s. During those same years, he was reborn
as Du Ke Feng (which means “like the wind”),
his Chinese name. He is fluent in Chinese – both
the Cantonese and the Mandarin dialects – and
also speaks English, French, Spanish and
Japanese. In Taiwan, in the early 1980s (by
chance, he says, encouraged by his friend
Edward Yang, who was debuting as a director),
he also encountered his art and his vocation:
cinematography, and he is one of the greatest in
recent decades. His work with Wong Kar-wai is
legendary (eight movies together) and he has also
worked with Stanley Kwan, Chen Kaige, Zhang
Yimou and many other Chinese and Taiwanese
filmmakers. But he has also collaborated with
Gus Van Sant (Psycho and Paranoid Park),
Jim Jarmusch (The Limits of Control), Barry
Levinson (Liberty Heights), Neil Jordan
(Ondine), Philip Noyce (The Quiet American),
M. Night Shyamalan (Lady in the Water),
Sebastián Silva (Magic Magic), and Alejandro
Jodorowsky (Poesía sin fin), and has directed a
number of movies, including the beautiful portrait
of three different generations, Hong Kong Trilogy:
Preschooled Preoccupied Preposterous. Rather
than theorize, he prefers to encourage people to
“do,” “invent,” “express themselves;” his gaze has
deep, full grandeur, as well as accents of crystalclear poetry of the quotidian. He considers himself
a “passage” between what appears on the screen
and the audience member, and believes that being
an “outsider from the inside,” as he has been for
much of his life (“a white guy in a yellow world”),
is vital for becoming a good cinematographer,
able to capture things which stand out, which
people recognize but have never consciously
noticed. To this free, eccentric and profound eye,
a shot “is always the first shot.”
GRAN PREMIO TORINO
2016
saw tiong guan
WIND
Malesia-Hong Kong/Malaysia-Hong Kong, 2016, HD, 33’, bn/bw-col.
WIND
regia/director
Saw Tiong Guan
fotografia, interprete/
cinematography, cast
Christopher Doyle
Lim Chee Yong,
Fu Hsien Loong
Christopher Doyle,
Saw Tiong Guan
**
contatti/contacts
Saw Tiong Guan
[email protected]
Christopher Doyle ha condotto un’esistenza a dir poco
straordinaria: dopo aver lasciato i deserti australiani per l’oceano,
ha viaggiato in tutto il mondo, lavorato come marinaio e
scavatore di pozzi e vissuto in un kibbutz. Una vita avventurosa,
che l’ha portato a Taiwan, dove, infine, a trentadue anni, ha
imbracciato per la prima volta una macchina da presa, divenendo
uno dei direttori della fotografia più noti e apprezzati del cinema
contemporaneo, collaboratore di registi come Wong Kar-wai,
Gus Van Sant, James Ivory e Neil Jordan. In questo film racconta
la sua vita seduto di fronte all’obiettivo, fra ricordi, immagini
e riflessioni.
«Le esperienze di Chris mi sono state d’ispirazione quando,
dodici anni fa, mi sono trovato a decidere cosa fare della mia vita.
Wind è stato realizzato lo scorso anno, durante un momento per
me veramente difficile. Chris non solo mi ha ispirato, ma mi
ha anche aiutato durante la realizzazione. Pertanto Wind vuole
celebrare il potere che si sprigiona quando si lavora a un film,
e per questo vorremmo condividerlo con tutti i bambini che
hanno bisogno d’ispirazione o aiuto».
**
Christopher Doyle has lived an extraordinary life: after leaving the
Australian desert for the ocean, he has voyaged throughout the world,
worked as a sailor and a well-digger, and lived in a kibbutz. This
adventurous life led him to Taiwan, where, at thirty-two years of age,
he picked up a movie camera for the first time and became one of
contemporary cinema’s most famous and sought-after directors of
photography, collaborating with directors such as Wong Kar-wai, Gus
Van Sant, James Ivory and Neil Jordan. In this movie, he sits in front
of the camera and tells the story of his life through memories, images
and reflections.
“Chris’ life experiences inspired me twelve years ago when I was at
a crossroad, deciding what I should do with my life and Wind was
filmed last year, at the lowest point of my life. Chris not only inspired
me, he helped me through making this film together. Wind is thus a
celebration of the power of filmmaking and film. And we would like
to share it with children who need inspiration and help.”
19
SOMMARIO
GRAN PREMIO TORINO
2016
Saw Tiong Guan (Malesia, 1980)
coltiva la passione per il cinema fin
da giovane, da quando lavorava
come commesso in un
videonoleggio. Laureatosi in
giurisprudenza (materia che tuttora
insegna), ha proseguito
parallelamente la sua formazione in
ambito cinematografico, ottenendo
nel 2011 un dottorato di ricerca
presso l’Università di Melbourne.
Come regista ha esordito nel 2007
con il cortometraggio G16 G17,
premiato all’Eco Film Festival di
Kuala Lumpur, e nel 2013 ha diretto
e prodotto il documentario Past
Present.
Saw Tiong Guan (Malaysia, 1980)
has had a passion for cinema ever since
he worked in a video store in his youth.
After receiving his law degree (a subject
he still teaches), he continued his
education in the world of film, receiving
a PhD from the University of
Melbourne in 2011. He debuted as
a director in 2007 with the short G16
G17, which received an award at the
Kuala Lumpur Eco Film Festival and
in 2013 he directed and produced the
documentary Past Present.
G16 G17 (cm, 2007), Past Present
(doc., 2013), Wind (mm, doc., 2016).
GRAN PREMIO TORINO
2016
philip yung
DAAP HYUT CAM MUI
Hong Kong, 2015, HD, 126’, col.
Philip Yung lavora in ambito
televisivo e cinematografico dal 1998.
Nel 2009 ha esordito come regista e
sceneggiatore con il lungometraggio
con Glamorous Youth, ottenendo
numerosi riconoscimenti sia a Hong
Kong, sia all’estero. Successivamente
ha diretto il dramma What’s Up Girls
(2014). Port of Call, presentato
all’Hong Kong International Film
Festival e al Far East Film Festival
di Udine, segna la sua prima
collaborazione con Christopher
Doyle.
PORT OF CALL
Philip Yung
Christopher Doyle
William Chang Suk-Ping,
Liu Ching-Sung
suono/sound
Du Chih Tu
cast and characters
Aaron Kwok (Chong Sir),
Jessie Li (Jiamei Wang),
Elaine Jin (May), Michael
Ning (Chi-chung Ting),
Patrick Tam (Smokey,
il poliziotto/the policeman),
Maggie Shiu (la signora
Law/Madam Law)
Julia Chu,
Kingman Cho,
Esther Koo
Mei Ah Entertainment
Development, Inc.,
Golden Gate Productions
**
contatti/contacts
Mei Ah Entertainment
Winnie Chan
[email protected]
www.meiah.com
Chong Sir, investigatore della polizia di Hong Kong dai metodi
particolari, viene incaricato di indagare su un caso di assassinio:
una giovane prostituta è stata uccisa da un cliente. Nulla di
anormale, se non fosse che omicida e vittima si conoscevano,
pur senza essersi mai visti, e al primo appuntamento la ragazza
aveva chiesto al cliente di ucciderla. Per Chong Sir è l’inizio di un
viaggio nelle personalità dell’omicida e della vittima alla ricerca
della verità sul caso.
«Nell’aprile 2008 a Hong Kong si è verificato un caso di omicidio
e smembramento. Una sedicenne che è stata uccisa mentre
lavorava come squillo. Stranamente, prima di venire uccisa, ha
detto al cliente (in altre parole all’assassino, un ventiquattrenne):
“Voglio morire”. Non potevo smettere di pensarci. Quali erano
il significato e la storia dietro questa frase? Quando la ragazza
ha pronunciato quella frase doveva crederci davvero, altrimenti
l’assassino non l’avrebbe presa sul serio. Al tempo stesso, perché
il killer ha pensato che lei fosse sincera e ha deciso di reagire
uccidendola?»
**
Chong Sir is a detective for the Hong Kong Police Department
investigating the murder of a young prostitute killed by a customer.
So far nothing unusual, until you consider that the victim and the
murderer knew each other even though they never met before:
on their first encounter, the girl asked her client to kill her.
Chong Sir dives into the investigation, tapping into the killer
and the victim’s personalities to shed light on the truth.
“In April 2008, a murder and dismemberment case happened
in Hong Kong. A sixteen-year-old young woman was killed while
working as an on-call prostitute. Eerily, before she was killed, she
said to her customer (in other words, her killer, a young man aged
twenty-four), ‘I really want to die.’ I couldn’t get my mind off it.
What would be the meaning and story behind this sentence?
She must have meant it when she said it; otherwise her killer would
not have taken it seriously. At the same time, why would the killer
think that it was spoken from her heart, and decide to respond by
actually killing her?”
20
SOMMARIO
GRAN PREMIO TORINO
2016
Philip Yung has worked in television
and cinema since 1998. He wrote and
directed his first feature Glamorous
Youth in 2009, which was well received
in festivals in Hong Kong and abroad.
He then directed the drama What’s
Up Girls in 2014. Port of Call marks
his first collaboration with Christopher
Doyle; it was presented at the Hong
Kong International Film Festival and
the Far East Film Festival in Udine.
Ming mei shiguang (Glamorous Youth,
2009), Mei gaau siu nui (What’s Up
Girls, 2014), Daap hyut cam mui
(Port of Call, 2015).
F E S TA M O B I L E
I FILM
MANDIE FLETCHER ABSOLUTELY FABULOUS: THE MOVIE
| MIA HANSEN-LØVE L’AVENIR | RAFAEL PALACIO
| BEN YOUNGER BLEED FOR THIS | JOACHIM LAFOSSE L’ÉCONOMIE DU COUPLE |
PAUL VERHOEVEN ELLE | MOHAMED DIAB ESHTEBAK - CLASH | MAURIZIO ZACCARO LA FELICITÀ UMANA | PHILIPPE
LIORET LE FILS DE JEAN | ADRIAN SITARU FIXEUR | BEN WHEATLEY FREE FIRE | GARY ROSS FREE STATE OF JONES |
LAV DIAZ HELE SA HIWAGANG HAPIS - A LULLABY TO THE SORROWFUL MYSTERY | JUHO KUOSMANEN HYMYILEVÄ
MIES - THE HAPPIEST DAY IN THE LIFE OF OLLI MÄKI | ADRIAN SITARU ILEGITIM - ILLEGITIMATE | ROBERT GREENE
KATE PLAYS CHRISTINE | JOHNNY MA LAO SHI - OLD STONE | ELISABETTA SGARBI LA LINGUA DEI FURFANTI |
LOGAN SANDLER LIVE CARGO | ANTONIN PERETJATKO LA LOI DE LA JUNGLE | BRILLANTE MA MENDOZA MA’ ROSA
| SÉBASTIEN BETBEDER MARIE ET LES NAUFRAGÉS | SACHA WOLFF MERCENAIRE | CHAD HARTIGAN MORRIS FROM
AMERICA | STEVE DELLA CASA, CHIARA RONCHINI NESSUNO CI PUÒ GIUDICARE | DANIELE SEGRE NOME DI
BATTAGLIA DONNA | MAHA HAJ OMOR SHAKHSIYA - PERSONAL AFFAIRS | TERENCE DAVIES A QUIET PASSION |
ANURAG KASHYAP RAMAN RAGHAV 2.0 - PSYCHO RAMAN | ALAIN GUIRAUDIE RESTER VERTICAL | FRANCESCA
PEDRONI ROBERTO BOLLE. L’ARTE DELLA DANZA | KENNETH BRANAGH ROMEO AND JULIET | ANDREA MOLAIOLI
SLAM - TUTTO PER UNA RAGAZZA | DANIS TANOVIĆ SMRT U SARAJEVU - DEATH IN SARAJEVO | ALESSANDRO MARIA
BUONOMO SONO GUIDO E NON GUIDO | CLINT EASTWOOD SULLY | ARGYRIS PAPADIMITROPOULOS SUNTAN |
SÉBASTIEN BETBEDER LE VOYAGE AU GROENLAND | JOHN MICHAEL MCDONAGH WAR ON EVERYONE | JOYCE
ILLINGWORTH BETWEEN US
WONG WEXFORD PLAZA
FILM COMMISSION
ALESSANDRO CASTELLETTO GIPO, LO ZINGARO DI BARRIERA
| CRAIG GOODWILL SADIE
COSTA-GAVRAS Z
V I N TA G E
| MICHAEL CIMINO THE DEER HUNTER | FABIO GARRIBA
| MARIO GARRIBA VOCE DEL VERBO MORIRE | IN PUNTO DI MORTE | D.W. GRIFFITH INTOLERANCE
| RAFFAELLO MATARAZZO LITTORIA | MUSSOLINIA DI SARDEGNA | GIUSEPPE VERDI | LA NAVE DELLE DONNE MALEDETTE | NANNI MORETTI PALOMBELLA ROSSA | GIANNI ZANASI LE BELLE PROVE | FRANCESCO MUNZI NASTASSIA |
SILVIA PERRA LA FINESTRA | GILLO PONTECORVO GIOVANNA | OTTO PREMINGER WHERE THE SIDEWALK ENDS
NAGISA ŌSHIMA MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE
I PARENTI TUTTI
SOMMARIO
Festa mobile
DI EMANUELA MARTINI
Elle (2016)
Si apre con Between Us, intensa commedia
drammatica americana su una giovane coppia
il cui rapporto va in crisi nel momento stesso
in cui decidono di sposarsi, diretta da Rafael
Palacio Illingworth e interpretata da Olivia
Thirlby (Juno) e Ben Feldman (Mad Men), e si
chiude con Free Fire, adrenalinico scontro a
colpi di arma da fuoco e di battute tra dodici
uomini e una donna rinchiusi in una fabbrica
dismessa a Boston negli anni Settanta, diretto
da uno dei migliori giovani cineasti britannici
di oggi, Ben Wheatley, e interpretato da Cillian
Murphy e Brie Larson (Oscar 2016 per Room).
In mezzo, la messe di film raccolti durante
l’anno per portare al Festival gli esemplari
più attesi o che ci sono piaciuti di più tra
la produzione mondiale inedita in Italia.
22
SOMMARIO
I più attesi
Sully, la storia, già leggendaria,
dell’ammaraggio sull’Hudson nel 2009 dello
US Airways 1549 pilotato da Chesley «Sully»
Sullenberg, diretto da Clint Eastwood e
interpretato da Tom Hanks e Aaron Eckhart;
Roberto Bolle: l’Arte della Danza, il documentario
diretto da Francesca Pedroni che segue il tour
estivo della Bolle & Friends tra Pompei, le
Terme di Caracalla e l’Arena di Verona; Free
State of Jones di Gary Ross e con Matthew
McConaughey, la storia avventurosa e dolente
del disertore dell’esercito confederato che alla
fine della Guerra di secessione creò uno stato
autonomo antisegregazionista; Absolutely
Fabulous: The Movie, versione cinematografica
di Mandie Fletcher della celebre sitcom
britannica con Jennifer Saunders e Joanna
Lumley; Bleed for This, ritorno alla regia di
Ben Younger (1 km da Wall Street) con il biopic
sul pugile Vinny Pazienza, interpretato da Miles
Teller e Aaron Eckhart; Kate Plays Christine di
Robert Greene, docufiction tesissima in cui
Kate Lyn Sheil si prepara per interpretare il
ruolo di Christine Chubbuck, la giornalista il
cui suicidio in diretta tv nel 1974 ispirò Quinto
potere di Lumet; La loi de la jungle, la scatenata
commedia demenziale di Antonin Peretjatko,
con Vincent Macaigne, Vimala Pons e Mathieu
Amalric, che sta ottenendo un grande successo
in Francia; Romeo and Juliet, ripresa del recente
allestimento londinese di Kenneth Branagh,
con Lily James e John Madden (Cenerentola
e il principe in Cinderella), ambientato negli
anni Cinquanta e piena di suggestioni
felliniane; Le fils de Jean, viaggio attraverso due
continenti e alcuni drammatici segreti familiari
firmato da Philippe Lioret (Welcome); Fixeur,
il nuovo, serrato dramma morale di Adrian
Sitaru, su un tirocinante dell’agenzia FrancePresse di Bucarest che scova finalmente un
caso scottante sul quale fare carriera.
Quello che ci è piaciuto di più nei festival stranieri
Isabelle Huppert irresistibile in due film
d’autore, firmati da Paul Verhoeven (Elle)
e Mia Hansen-Løve (L’avenir), in cui l’attrice
gioca con grinta e humor sui casi che possono
sconvolgere la vita di una signora non più
giovanissima; l’aspro, paradossale, buffo
resoconto della vita da «separati in casa» della
coppia composta da Bérénice Bejo e Cédric
Khan, in uno dei film più belli di Cannes 2016,
L’économie du couple di Joachim Lafosse; la
satira feroce e la logica stringente con cui
Danis Tanović ci parla di Europa in Death in
Sarajevo, adattato dalla pièce di Bernard-Henry
Lévy; l’atmosfera via via più arroventata e
claustrofobica di Clash di Mohamed Diab, con
un gruppo di manifestanti di fazioni diverse
rinchiusi per un giorno in una camionetta della
polizia nel centro del Cairo; la sontuosa
maestria con cui Lav Diaz racconta l’epopea del
rivoluzionario filippino Andrés Bonifacio y de
Castro nel torrenziale A Lullaby for a Sorrowful
Mystery; la misura dolente e ironica con cui
Terence Davies ricostruisce la vita, la casa e le
relazioni affettive di Emily Dickinson in A Quiet
Passion; l’umorismo laconico e straniante di
The Happiest Day in the Life of Olli Mäki del
23
SOMMARIO
finlandese Juho Kuosmanen; il serrato gioco
della macchina da presa, la densa efficacia dei
dialoghi e la netta presa di posizione morale
di Illegitimate, ancora di Adrian Sitaru; il
terribile dilemma in cui viene invischiato un
tassista cinese in Old Stone, ossessivo noir
metropolitano di Johnny Ma; la lucida,
affannosa lotta per la sopravvivenza della
famiglia di disperati di Ma’ Rosa di Brillante
Mendoza; la fisicità spigolosa e nervosa con
cui Mercenaire di Sacha Wolff segue il suo
protagonista dalla Nuova Caledonia alla
Francia; lo humor e la tenerezza con cui Maha
Haj (scenografa per Elia Suleiman) descrive
i giorni sempre uguali di una coppia di
pensionati israeliani in Personal Affairs; la
vitalità sregolata e anticonformista con cui
Alain Guiraudie ci parla ancora di sessi e
generi in Rester vertical; il perfetto gioco di
riflessi tra un serial killer e il poliziotto che
gli dà la caccia nel travolgente thriller Psycho
Raman dell’indiano Anurag Kashyap (Bombay
Velvet, Ugly); la spudorata spavalderia dei
poliziotti Alexander Skarsgård e Michael Peña
nel travolgente poliziesco War on Everyone di
John Michael McDonagh (The Guard, Calvary).
Qualche indie
Il sofferto Live Cargo di Logan Sandler, con
Dree Hemingway e con inedite Bahamas
fotografate in bianco e nero; Morris from
America, complicato e tenero coming of age
di un tredicenne afroamericano trapiantato
con il padre in Germania; i due film più recenti
di un giovane autore francese habitué del
Festival, Sébastien Betbeder (Les nuits avec
Théodore, 2 automnes 3 hivers), che con Marie
et les naufragés e Le voyage au Groenland porta
il suo humor stralunato, rispettivamente, su
un’isola della Bretagna, insieme a un gruppetto
di naufraghi per amore, e tra i ghiacci del Nord,
con due aspiranti attori parigini; Wexford Plaza
della canadese Joyce Wong, storia dolceamara
di un’irresistibile ragazza sovrappeso che fa
la guardia notturna in un centro commerciale
e cerca l’anima gemella su un’app.
Last but not least, un gruppo di film italiani,
più o meno eccentrici, impegnati, interrogativi
Da Slam - Tutto per una ragazza, nel quale
Andrea Molaioli riambienta il romanzo
omonimo di Nick Hornby a Roma, al
mockumentary Sono Guido e non Guido,
Fixeur (2016)
nel quale Alessandro Maria Buonomo inventa
un fratello gemello vero autore delle poesie
di Guido Catalano; dal viaggio di Maurizio
Zaccaro attraverso il mondo, per chiedere a
intellettuali, artisti, filosofi, politici che cos’è
oggi la felicità (La felicità umana) a quello
di Elisabetta Sgarbi sui volti e i corpi
modernissimi degli umili ritratti dal Romanino
nei suoi affreschi in tre chiese della Val
Camonica (La lingua dei furfanti); dallo sguardo
sugli anni Sessanta di Steve Della Casa, che
in Nessuno ci può giudicare rievoca l’impatto
che ebbero il rock italiano e i musicarelli sui
cambiamenti radicali del decennio, a quello
di Daniele Segre, che in Nome di battaglia donna
ricostruisce la Resistenza attraverso lo spaccato
preciso offerto dalle partigiane piemontesi che
parteciparono alla lotta; dall’omaggio a Gipo
Farassino, lo chansonnier torinese paragonato
a Brassens e Montand (Gipo, lo zingaro di
Barriera di Alessandro Castelletto), al sensuale
viaggio nell’erotismo compiuto da una scrittrice
straniera in una villa italiana (Sadie di Craig
Goodwill), entrambi sostenuti dalla Piemonte
Film Commission.
Festa Mobile Vintage
Una piccola sottosezione è dedicata a
compleanni, restauri, riscoperte del cinema
del passato.
24
SOMMARIO
Omaggi: a David Bowie, con Furyo, intrigante,
sensuale war movie di Nagisa Ōshima, a
Michael Cimino, con la versione restaurata
del capolavoro Il cacciatore, ai fratelli Fabio
e Mario Garriba, inventivi trait d’union tra
Bellocchio e Moretti, con i cortometraggi
I parenti tutti e Voce del verbo morire e il
mediometraggio In punto di morte.
Anniversari: a cento anni dalla prima uscita negli
Stati Uniti, la versione restaurata dal MoMA
di Intolerance di D.W. Griffith, l’invenzione, la
passione, gli eccessi spettacolari di un maestro
da cui tutti hanno tratto ispirazione; a dieci anni
dalla morte di Gillo Pontecorvo, Giovanna
(episodio italiano del progetto internazionale
sulle donne La rosa dei venti), cinema civile al
meglio; a cinquanta da quella di Raffaello
Matarazzo, la copia restaurata di Giuseppe Verdi,
romanzatissimo, romantico biopic del
compositore, La nave delle donne maledette,
delirante e irresistibile, e alcuni frammenti
dell’autore che saranno presentati nel corso
della tavola rotonda sul suo cinema.
Restauri: profetico e surreale, Palombella rossa,
uno dei capolavori di Nanni Moretti, che nel
1989 aveva già capito tutto, e uno dei noir meno
noti e più duri di Otto Preminger, con la coppia
di Vertigine (Gene Tierney e Dana Andrews),
Sui marciapiedi, che anticipa asprezze alla
James Ellroy.
Festa mobile
BY EMANUELA MARTINI
L’economie du couple (2016)
It opens with Between Us, an intense dramatic
comedy from America about a young couple
whose relationship starts going downhill the
moment they decide to get married; the film is
directed by Rafael Palacio Illingworth and stars
Olivia Thirlby (Juno) and Ben Feldman (Mad
Men). It ends with Free Fire, an adrenalized
clash of weapons and repartee between twelve
men and a woman inside an abandoned factory
in Boston during the 1970s; directed by Ben
Wheatley, one of Britain’s top young filmmakers
of the moment, it stars Cillian Murphy and Brie
Larson (2016 Oscar for Room).
In between, a harvest of films gathered
throughout the year, bringing to the TFF the
most awaited movies and the ones we liked
best from worldwide production that has yet
to screen in Italy.
25
SOMMARIO
The most awaited
Sully, the already legendary story of the 2009
water landing on the Hudson river of US
Airways flight 1549, piloted by Chesley “Sully”
Sullenberg, directed by Clint Eastwood and
starring Tom Hanks and Aaron Eckhart; Roberto
Bolle: l’Arte della Danza, the documentary
directed by Francesca Pedroni which follows
the summer tour of Bolle & Friends to Pompeii,
the Baths of Caracalla and the Arena of Verona;
Free State of Jones by Gary Ross and starring
Matthew McConaughey, the adventurous and
painful story of a Confederate Army deserter
who, at the end of the Civil War, created an
independent, anti-segregationist state;
Absolutely Fabulous: The Movie, Mandie
Fletcher’s film version of the famous British
sitcom, starring Jennifer Saunders and Joanna
Free State of Jones (2016)
Lumley; Bleed for This, the directorial return of
Ben Younger (Boiler Room) with a biopic about
the boxer Vinny Pazienza, starring Miles Teller
and Aaron Eckhart; Kate Plays Christine by
Robert Greene, a tense docu-fiction in which
Kate Lyn Sheil prepares to portray Christine
Chubbuck, the journalist who committed
suicide on live TV in 1974, inspiring Network
by Lumet; La loi de la jungle, a wild, screwball
comedy by Antonin Peretjatko, starring Vincent
Macaigne, Vimala Pons and Mathieu Amalric,
already a hit in France; Romeo and Juliet, the
filming of Kenneth Branagh’s recent stage
production in London, with Lily James and
John Madden (Cinderella and the prince in
Cinderella), set in the 1950s and full of
Felliniesque charm; Le fils de Jean, a journey
across two continents and several dramatic
family secrets, directed by Philippe Lioret
(Welcome); Fixeur, the new, fast-paced moral
drama by Adrian Sitaru about an apprentice
at the France-Presse agency in Bucharest who
finally uncovers a burning issue which might
launch his career.
What we liked best at foreign festivals
An irresistible Isabelle Huppert in two art-
26
SOMMARIO
house movies, directed by Paul Verhoeven
(Elle) and Mia Hansen-Løve (L’avenir), in which,
with pluck and humor, the actress deals with
situations which could upset the life of a
woman who is past her prime; the harsh,
paradoxical and funny story of a couple,
Bérénice Bejo and Cédric Khan, who are
separated but still living together, in L’économie
du couple by Joachim Lafosse, one of the best
movies at the 2016 Cannes Festival; the
ferocious satire and urgent logic with which
Danis Tanović discusses Europe in Death
in Sarajevo, an adaptation of the play by
Bernard-Henri Lévy; the increasingly hot
and claustrophobic atmosphere in Clash by
Mohamed Diab, in which a group of protesters
from different factions are locked up for a
day in a police van in downtown Cairo; the
sumptuous mastery with which Lav Diaz
recounts the saga of the Philippine
revolutionary Andrés Bonifacio y de Castro,
in the torrential A Lullaby for a Sorrowful
Mystery; the painful and ironic measure with
which Terence Davies reconstructs the life,
home and affections of Emily Dickinson in A
Quiet Passion; the laconic and alienating humor
of The Happiest Day in the Life of Olli Mäki by
the Finnish director Juho Kuosmanen; the
concise filming, intensely effective dialogues
and clear-cut moral stance of Illegitimate by
Adrian Sitaru; the terrible dilemma affecting a
Chinese taxi driver in Old Stone, an obsessive
metropolitan noir by Johnny Ma; the lucid,
laborious struggle for survival of a destitute
family in Ma’ Rosa by Brillante Mendoza; the
edgy and nervous physicality with which Sacha
Wolff follows his protagonist from New
Caledonia to France in Mercenaire; the humor
and tenderness with which Maha Haj (a
screenwriter for Elia Suleiman) describes the
monotonous daily routine of a retired Israeli
couple in Personal Affairs; the dissolute and
nonconformist vitality with which Alain
Guiraudie still discusses sexes and genders
in Rester vertical; the perfect contest of reflexes
between a serial killer and the policeman
hunting him down in the rousing thriller Psycho
Raman by India’s Anurag Kashyap (Bombay
Velvet, Ugly); the brazen cheekiness of the
policemen Alexander Skarsgård and Michael
Peña in the captivating detective movie War
on Everyone by John Michael McDonagh
(The Guard, Calvary).
A few indies
The tormented Live Cargo by Logan Sandler,
starring Dree Hemingway, offering a new side
of the Bahamas and filmed in black and white;
Morris from America, a complicated and tender
coming of age story about a thirteen-year-old
Afro-American who moves to Germany with his
father; the two newest films by a young French
director, Sébastien Betbeder, a TFF regular (Les
nuits avec Théodore, 2 automnes 3 hivers), whose
movies Marie et les naufragés and Le voyage au
Groenland are marked by his wild-eyed humor;
the first film is set on an island in Bretagne,
with a small group of lovelorn castaways, and
the second in the icy North, with two aspiring
actors from Paris; Wexford Plaza by the
Canadian Joyce Wong, a bittersweet story
about an irresistible girl who works as a night
watchman in a shopping mall and uses an
app to search for her soul mate.
And, last but not least, a group of Italian films,
varyingly eccentric, engagé, inquiring
From Slam - Tutto per una ragazza, in which
Andrea Molaioli sets the same-titled novel by
Nick Hornby in Rome, to the mockumentary
Sono Guido e non Guido, in which Alessandro
Maria Buonomo invents a twin brother who
is the real author of Guido Catalano’s poetry;
from Maurizio Zaccaro’s journey across the
world to ask intellectuals, artists, philosophers
and politicians what happiness is, today
(La felicità umana), to the movie by Elisabetta
Sgarbi about the very modern faces and figures
in the humble portraits Romanino painted in
his frescos in three churches in Val Camonica
(La lingua dei furfanti); from Steve Della Casa’s
take on the 1960s, Nessuno ci può giudicare,
which evokes the impact Italian rock and
musical films had on the decade’s radical
changes, to the film by Daniele Segre, who,
in Nome di battaglia donna, reconstructs the
Resistance through the precise cross-section
offered by Piedmont’s female partisan fighters
who participated in the struggle; from the
tribute to Gipo Farassino, Turin’s cabaret artist
who has been compared to Brassens and
Montand (Gipo, lo zingaro di Barriera by
Alessandro Castelletto), to a foreign author’s
sensual journey into eroticism in an Italian villa
(Sadie by Craig Goodwill), both of which were
supported by the Piemonte Film Commission.
27
SOMMARIO
Festa Mobile Vintage
A small sub-section is dedicated to
anniversaries, restorations and rediscoveries
in the cinema of the past.
Tributes: to David Bowie, with Merry Christmas
Mr Lawrence, an intriguing, sensual war movie
by Nagisa Ōshima; to Michael Cimino, with the
restored version of his masterpiece The Deer
Hunter; to the brothers Fabio and Mario
Garriba, innovative links between Bellocchio
and Moretti, with the short films I parenti tutti
and Voce del verbo morire and the mediumlength In punto di morte.
Anniversaries: one hundred after it was first
released in the United States, Intolerance by
D.W. Griffith, in the version restored by the
MoMA, the imagination, the passion, the
spectacular excesses of a maestro who has
inspired one and all; ten years after the death
of Gillo Pontecorvo, Giovanna (the Italian
episode of the international project on women
La rosa dei venti), civil cinema at its best; fifty
years after the death of Raffaello Matarazzo, the
restored copy of Giuseppe Verdi, a fictionalized,
romantic biopic about the composer, La nave
delle donne maledette, delirious and irresistible,
and a few clips by the filmmaker which will be
presented during a round table discussion of
his cinema.
Restorations: prophetic and surreal, Palombella
rossa, one of the masterpieces by Nanni
Moretti, who already in 1989 had it all figured
out; and one of the least-known and harshest
noirs by Otto Preminger, starring the couple
from Laura (Gene Tierney and Dana Andrews),
Where the Sidewalk Ends, a forerunner of James
Ellroy’s asperity.
mandie fletcher
ABSOLUTELY FABULOUS:
THE MOVIE
ABSOLUTELY
FABULOUS:
THE MOVIE
regia/director
Mandie Fletcher
soggetto/story
dall’omonima serie tv di/
from the tv series of the same
title by Jennifer Saunders
Jennifer Saunders
Chris Goodger
Anthony Boys,
Gavin Buckley,
Billy Sneddon
scenografia/
production design
Harry Banks
Rebecca Hale
musica/music
Jake Monaco
cast and characters
Julia Sawalha (Saffy),
Jane Horrocks (Bubble),
June Whitfield
(la madre/mother), Chris
Colfer (Christopher), Kate
Moss (se stessa/herself),
Lulu (se stessa/herself),
Emma Bunton (se
stessa/herself), Robert Webb
(Nick), Barry Humphries
(Charles), Indeyarna
Donaldson-Holness (Lola),
Jennifer Saunders (Eddy),
Joanna Lumley (Patsy)
Damian Jones, Jon
Plowman
Ten17P, Epicmedia, Sine,
Olivia Pilipinas
coproduttore/coproducer
Marc Hubbard
20 Century Fox Italy
TH
**
contatti/contacts
20 Century Fox Italy
TH
www.20thfox.it
28
SOMMARIO
Edina Monsoon e Patsy Stone trasudano sfarzo e glamour.
Da sempre sono abituate a una vita agiata nei posti più trend di
Londra, tra shopping, drink e nottate. Durante un’inaugurazione
ultramodaiola, però, spingono accidentalmente Kate Moss nel
Tamigi e sono travolte dalla tempesta mediatica che si scatena
dopo la prematura scomparsa della top model. In fuga senza un
soldo verso la Costa Azzurra, Edina e Patsy riusciranno comunque
a rendere la loro vita un festa perenne…
«Sono appassionatissima di Jennifer Saunders. Non solo è
una scrittrice formidabile, ma è anche un’attrice straordinaria.
Con la maggior parte degli attori, si ottiene una buona performance
ma si sta ancorati a terra. Con Jennifer, invece, c’è sempre un
momento in cui, se le dai spazio, taglia le corde e fluttua sopra
di te. In più, adesso ha una tale fiducia in se stessa che in questo
film ha fatto cose veramente speciali, perché riesce anche a essere
commovente. Absolutely Fabulous non è solamente una commedia
sul fallimento e lo sbronzarsi di continuo. Alla base ci sono onestà
e verità, e questo dà al film un certo spessore».
**
Edina Monsoon and Patsy Stone are still oozing glitz and glamour,
living the high life they are accustomed to; shopping, drinking and
clubbing their way around London’s trendiest hotspots. But when
they accidentally push Kate Moss into the river Thames at an uber
fashionable launch party, they become entangled in a media storm
surrounding the supermodel’s untimely demise. Fleeing penniless to
French Riviera, they hatch a plan to make their escape permanent
and live the high life forever more.
“I’m desperately fond of Jennifer Saunders. She’s not just a terrific
writer, but she’s also an extraordinary performer. With most performers,
you get a good performance, but it’s grounded. But there’s something
about Jennifer where, if you give her a moment, she’ll cut the strings
and float above. Plus, she now has a confidence in herself which,
I believe, has made for something very special in this film, because
she’s touching as well. This film is not just all about broad comedy,
about falling over and getting drunk. There’s an honesty and a truth
which underlies the whole thing, and that gives it a consequence.”
Mandie Elizabeth Fletcher (Regno
Unito) ha iniziato la sua carriera
alla Bbc, come assistente ispettrice
di produzione e poi come direttrice
di produzione in programmi comici.
In seguito è diventata regista di
situation comedy. Con la serie tv
della Bbc Blackadder ha vinto nel
1998 il premio per la miglior serie
comica ai Bafta. Nel 1994 ha
debuttato come regista per il cinema
con Deadly Advice. In seguito ha
continuato a lavorare in televisione,
con serie come Hamish Macbeth,
Jam and Jerusalem, In and Out of the
Kitchen, The Ginge, The Geordie and
the Geek, Stella, Roger and Val Have
Just Got In. È stata inoltre regista
degli ultimi episodi della serie
Absolutely Fabulous di Jennifer
Saunders, andata in onda dal 1992
al 2012.
Mandie Elizabeth Fletcher (UK)
began her career at the BBC as an
assistant floor manager and later
production manager on comedy
programmes, becoming a director
of situation comedy. For Blackadder
she won the Best Comedy Series Award
at the 1988 BAFTAs. Her debut feature
was Deadly Advice. She has continued
to work in television with Hamish
Macbeth and Jam and Jerusalem,
In and Out of the Kitchen, The Ginge,
The Geordie and the Geek, Stella,
Roger and Val Have Just Got In and
she also directed the latest episodes of
Absolutely Fabulous by Jennifer
Saunders (1992-2012).
Deadly Advice (1994), Absolutely
Fabulous: The Movie (2016).
© OLIVIER VIGERIE
mia hansen-løve
L’AVENIR
Francia-Germania/France-Germany, 2016, 35mm, 100’, col.
THINGS TO
COME
Mia Hansen-Løve
Denis Lenoir
Marion Monnier
scenografia/
production design
Anna Falguères
Rachèle Raoult
suono/sound
Vincent Vatoux
cast and characters
Isabelle Huppert (Nathalie),
André Marcon (Heinz),
Roman Kolinka (Fabien),
Edith Scob (Yvette),
Sarah Le Picard (Chloé),
Solal Forte (Johann),
Elise Lhomeau (Esla),
Lionel Dray (Hugo),
Grégoire Montana-Haroche
(Simon), Lina Benzerti
(Antonia)
CG Cinéma
Detail Film,
Arte France Cinéma,
Rhône-Alpes Cinéma
**
contatti/contacts
Les Films du Losange
Lise LZ. Zipci
[email protected]
www.filmsdulosange.fr
Nathalie è una professoressa di filosofia che vive a Parigi con il
marito, anche lui filosofo, e i loro due figli. Entrambi ex
sessantottini più per contingenze anagrafiche che per altro, con
l’età hanno visto affievolirsi la fiamma dell’impegno politico e
accendersi la propensione all’agiatezza. La vita di Nathalie sembra
serenamente avviata alla vecchiaia, quando il marito la lascia per
un’altra. Una rottura inattesa, inspiegabile con gli strumenti della
logica, che Nathalie può superare solamente abbandonandosi alla
propria emotività.
«Quando scrivo mi preoccupano il ritmo, la musicalità e un sacco
di altre cose, ma quasi mai la mancanza di informazioni sulla
“psicologia” dei personaggi. Di solito, ciò che bisogna sapere
emerge da sé, nella narrazione, senza bisogno di essere spiegato.
In realtà, nella scrittura e attraverso l’editing cerco di rimuovere
più informazioni possibili. Se mi sembra che una scena serva
semplicemente a raggiungere uno scopo, la elimino. Se invece
decido di mantenerla, è perché ha un valore esistenziale, poetico».
**
Nathalie is a philosophy professor who lives in Paris with her husband,
also a philosopher, and their two children. They both lived through
the events of 1968, but over time their political engagement became
weaker as their level of comfort increased. Nathalie’s life seems to be
serenely headed toward old age, until her husband suddenly leaves her
for another woman. An unexpected breakup, rationally inexplicable,
which she will be able to overcome only by embracing her emotional
side.
“When I write, I’m concerned with rhythm, musicality and lots of other
things but hardly at all with a lack of information about the characters’
‘psychology.’ What we need to know is generally expressed as we go
along without needing to be explained. In fact I try, from writing
through editing, to remove as much information as possible. If I feel a
scene merely serves a purpose, I cut it out. If I keep it, it has existential
value, poetry.”
29
SOMMARIO
Mia Hansen-Løve (Parigi, Francia,
1981) è stata fra gli interpreti di Fin
août, début septembre (1998) e di
Les destinées sentimentales (2000)
di Olivier Assayas. Ha quindi
frequentato il Conservatorio del
X arrondissement di Parigi e
collaborato in veste di critica con i
«Cahiers du cinéma». Nel 2003 ha
poi realizzato il cortometraggio Après
mûre réflexion. Nel 2007 ha scritto e
diretto il suo primo lungometraggio,
Tous est pardonné, presentato alla
Quinzaine des réalisateurs di
Cannes, seguito nel 2009 da Il padre
dei miei figli (2009), presentato
sempre a Cannes, ma a Un certain
regard, dove ha vinto il premio
speciale della giuria. Con Un amour
de jeunesse, suo terzo
lungometraggio, è stata in concorso
a Locarno, mentre con L’avenir ha
vinto l’Orso d’argento all’ultima
edizione della Berlinale.
Mia Hansen-Løve (Paris, France, 1981)
started her film career playing roles in
Olivier Assayas’ movies Fin août,
début septembre (1998) and Les
destinées sentimentales (2000).
She then studied at the X
Arrondissement Conservatory in Paris
and worked as a film critic for the
“Cahiers du cinéma.” In 2003, she
made her first short, Après mûre
réflexion. In 2007, she wrote and
directed her first feature Tout est
pardonné, which was screened at the
Quinzaine des réalisateurs in Cannes.
Her second movie, Le père de mes
enfants, was also presented in Cannes,
but in the Un certain regard section,
where it won the Special Jury Award.
Un amour de jeunesse (2011), her
third feature, was in competition
at the Locarno Film Festival, while
L’avenir (2016) won the Silver Bear
at the latest edition of the Berlinale.
Après mûre réflexion (cm, 2004), Tout
est pardonné (2007), Le père de mes
enfants (Il padre dei miei figli, 2009),
Un amour de jeunesse (2011), Eden
(id., 2014), L’avenir (2016).
rafael palacio illingworth
BETWEEN US
Usa, 2016, HD, 93’, col.
BETWEEN US
regia, soggetto,
sceneggiatura/director,
story, screenplay
Rafael Palacio Illingworth
Todd Banhazl
Daniel Raj Koobir
scenografia/
production design
Nicolas Kelley Ruiz
Alexis Johnson
musica/music
Ephrem Lüchinger
suono/sound
David Beede
cast and characters
Olivia Thirlby (Dianne),
Ben Feldman (Henry),
Adam Goldberg (Liam),
Analeigh Tipton
(Veronica), Scott Haze
(Robert), Peter Bogdanovich
(George), Lesley Ann
Warren (Elsa)
Madeline Samit, Eleonore
Meier, Bert Hamelinck
Caviar Content, Nora Films
**
contatti/contacts
Nora Films
Eleonore Meier
[email protected]
www.nora-films.com
I trentenni Henry e Dianne devono fare i conti con la realtà della
coppia: gli anni della giovinezza, fatta di avventure, nuovi incontri
e un futuro tutto da scoprire, sono finiti. Ciò che li attende è
l’incubo della normalità e dell’età adulta: una casa in periferia,
uno o più bambini e un cane da portare a spasso. Ma è davvero
quello che vogliono? Quando le tensioni li porteranno a separarsi,
seppure per una notte sola, troveranno le risposte che tanto
cercavano.
«L’approccio visivo alla storia riflette i temi che affronto. È allo
stesso tempo un approccio serio e giocoso, con la macchina
da presa che segue l’azione più che esserne protagonista.
Inquadrature lunghe, movimenti di macchina classici, montaggio
narrativo: uno stile coraggioso ed elegante. Volevo che questo
film fosse un’esperienza catartica per il pubblico: affidandomi
a personaggi imperfetti e responsabili di errori da cui risulteranno
però rafforzati, cerco di far capire agli spettatori che non sono
i soli a soffrire e che la felicità è un cammino difficile per
chiunque».
**
Henry and Dianne, both thirty years old, must come to grips with
the reality of their life as a couple: the years of their youth, made of
adventures, new encounters and a future waiting to be discovered,
are over. What awaits them is the nightmare of normality and
adulthood: a house in the suburbs, one or more children, and a dog
to walk. But is this really what they want? When the tension results
in a separation – albeit for just one night – they will find the answers
they are searching for.
“The visual approach to the story will mirror the themes reflected in
it. It is at the same time serious and playful. With the camera being
the host of the spectacle rather than a protagonist in it. Long takes,
traditional camera moves, editing for story. A style that is fearless
and elegant. I want this film to be a cathartic experience for the
audience. By seeing flawed characters making stupid mistakes and
becoming stronger as a result, I’d like them to realize that they are
not alone in their struggles and that being happy is hard work for
everybody.”
30
SOMMARIO
Rafael Palacio Illingworth (Messico,
1978) ha passato la giovinezza in
Messico e in Colombia, per poi
trasferirsi a Los Angeles, dove ha
studiato presso l’American Film
Institute Conservatory. Appassionato
di arti visive (pittura e scultura su
tutte), ha diretto i cortometraggi
El mago (2002), Guerrilla Garden
(2010) e Man in a Room (2010),
presentato in competizione alla
Mostra di Venezia. Nel 2009 ha
esordito nel lungometraggio con il
dramedy Macho. Attualmente sta
sviluppando il suo ultimo progetto,
intitolato El gaucho.
Rafael Palacio Illingworth (Mexico,
1978) spent his youth in Mexico and
Colombia before moving to Los
Angeles, where he studied at the
American Film Institute Conservatory.
An enthusiast of the visual arts (above
all, painting and sculpture), he has
directed the shorts El mago (2002),
Guerrilla Garden (2010) and Man
in a Room (2010), which competed
at the Venice Film Festival. In 2009,
he debuted in feature films with the
dramedy Macho. At present, he is
developing his latest project, entitled
El gaucho.
El mago (cm, 2002), Macho (2009),
Guerrilla Garden (cm, 2010), Man
in a Room (cm, 2010), Between Us
(2016).
ben younger
BLEED FOR THIS
Usa, 2016, HD, 116’, col.
BLEED
FOR THIS
Ben Younger
soggetto/story
Ben Younger,
Pippa Bianco,
Angelo Pizzo
Larkin Seiple
Zac Stuart-Pointer
scenografia/
production design
Kay Lee
Melissa Vargas
musica/music
Julia Holter
cast and characters
Miles Teller (Vinny
Pazienza), Aaron Eckhart
(Kevin Rooney), Katey Sagal
(Louise Pazienza), Ciarán
Hinds (Angelo Pazienza),
Ted Levine (Lou Duva)
Bruce Cohen,
Emma Tillinger Koskoff,
Chad A. Verdi,
Noah Kraft,
Ben Younger,
Pamela Thur
Younger Than You
Productions
Notorious Pictures
**
contatti/contacts
Notorious Pictures
[email protected]
[email protected]
www.notoriouspictures.it
31
SOMMARIO
Tra la seconda metà degli anni Ottanta e la fine degli anni Novanta,
Vinny Pazienza è stato un pugile italoamericano famoso sia per le
sue vittorie sul ring sia per una vita privata di eccessi e stravaganze.
Nel pieno della carriera rimase vittima di un incidente
automobilistico che rischiò di compromettere in maniera
irreversibile la sua colonna vertebrale. Grazie però alla
determinazione e al coraggio del suo allenatore, Kevin Rooney,
Vinny riuscì a rimettersi in piedi e a riprendere a combattere.
Questa è la sua storia.
«Prima di avventurarmi nel mondo del pugilato, volevo parlare
con le persone e sentire la storia raccontata attraverso le loro
parole. Vinny stesso è un personaggio molto interessante, quindi
è stato divertente sentirlo raccontare come sono andate le cose.
Guardando alcune vecchie videocassette dei parenti di Vinny,
abbiamo visto cose davvero notevoli, come i vestiti che
indossavano all’epoca o le dinamiche familiari colorite. In realtà,
non ho descritto la vera natura della famiglia di Vinny perché il
pubblico non ci avrebbe creduto: ho dovuto giocare di sottrazione
più che abbellire».
**
Between the second half of the 1980s and the end of the ’90s, Vinny
Pazienza was an Italian-American boxer whose victories in the ring and
excessive lifestyle had made him famous. At the peak of his career he
was involved in a car accident which caused apparently irreparable
damage to his spine. But thanks to the willpower and courage of his
trainer, Kevin Rooney, Vinny managed to get back on his feet and start
boxing again. This is his story.
“Before I even got into the fight stuff, I just want to talk to people and
hear them tell the story in their own words. Vinny himself is a very
compelling character so it was pretty entertaining to hear him tell me
what happened. In old VHS tapes recorded by Vinny’s family members,
we saw all these great moments — everything from the costumes they
wore back then to a family dynamic that was insanely colorful. In fact,
I couldn’t portray Vinny’s family as they actually were because the a
udience wouldn’t believe it. I had to pull back rather than embellish.”
Ben Younger (New York City, Usa,
1972) ha debuttato nel 2000 con 1
Km da Wall Street, film sulle
speculazioni della finanza americana
interpretato da Ben Affleck e
Giovanni Ribisi e presentato anche
al Torino Film Festival; dopo alcuni
cortometraggi ha diretto nel 2005
Prime, con Meryl Streep, Uma
Thurman e Bryan Greenberg. Prima
di lavorare nel cinema ha lavorato nel
mondo della politica come analista
per l’ufficio di controllo di New York.
A soli ventuno anni ha diretto la
campagna elettorale della candidata
democratica Melinda Katz,
diventando il più giovane direttore
di una campagna elettorale.
Ben Younger (New York City, NY,
USA, 1972) made his debut as a
filmmaker in 2000 with the Ben Affleck
and Giovanni Ribisi-starrer Boiler
Room. After some short movies, in
2005 he directed Meryl Streep,
Uma Thurman and Bryan Greenberg
in Prime. Prior to his work as a
filmmaker, he originally toiled in
politics, serving under the New York
City Comptroller’s office. He became
the youngest campaign manager ever
while working on the State Assembly
campaign for democratic candidate
Melinda Katz at the age of twenty-one.
Boiler Room (1 Km da Wall Street,
2000), The Hit Man and the
Investigator (cm, 2001),
The Car Thief and the Hit Man
(cm, 2001), Toothpaste (cm, 2004)
Prime (id., 2005), Bleed for This
(2016).
© KRIS DEWITTE
joachim lafosse
L’ÉCONOMIE DU COUPLE
Belgio-Francia/Belgium-France, 2016, HD, 100’, col.
AFTER LOVE
regia/director
Joachim Lafosse
Mazarine Pingeot,
Fanny Burdino,
Joachim Lafosse
Jean-François Hensgens
Yann Dedet
scenografia/
production design
Olivier Radot
Pascaline Chavanne
suono/sound
Marc Engels,
Ingrid Simon, Valérie
Le Docte, Thomas Gauder
cast and characters
Bérénice Bejo (Marie),
Cédric Kahn (Boris),
Marthe Keller (Christine),
Jade Soentjens (Jade),
Margaux Soentjens
(Margaux)
Sylvie Pialat, Benoît
Quainon, Jacques-Henri,
Olivier Bronckart
Les films du Worso,
Versus Production
Bim
**
contatti/contacts
Bim
Federica De Sanctis
[email protected]
www.bimfilm.com
32
SOMMARIO
© F A B R I Z I O M A LT E S E
DOPO
L’AMORE
Dopo quindici anni di matrimonio, Marie e Boris hanno divorziato.
A comprare l’appartamento in cui vivono con le due figlie è stata
Marie, ma a pagare i lavori di ristrutturazione Boris. Il problema è
che devono continuare a vivere insieme, visto che lui non può
permettersi di comprare un’altra casa. Quando però è già stato
detto e fatto tutto, nessuno dei due ha intenzione di lasciar correre.
«In una coppia il denaro rappresenta uno dei motivi di litigio,
anche se non è la causa profonda della discussione. Il denaro
non è la ragione per cui Boris e Marie non si possono più amare.
Il denaro è il pomo della discordia, ma dietro c’è sempre il modo
in cui si ottiene o meno il riconoscimento dell’altro, a seconda
di ciò che si è fatto o non si è fatto. L’investimento non è mai
solamente economico o finanziario. Boris e Marie non concordano
su come misurare ciò che si sono dati l’un l’altra, perché fin
dall’inizio non c’è stata chiarezza sul rispettivo investimento nella
coppia. Anche piccoli calcoli fanno grandi storie d’amore».
**
After fifteen years of living together, Marie and Boris decide to get a
divorce. Marie had bought the house in which they live with their two
daughters, but it was Boris who had completely renovated it. Since he
cannot afford to find another place to live, they must continue to share
it. When all is said and done, neither of the two is willing to give up.
“In a couple, money represents one of the things we can quarrel about,
it’s not the deep cause of the dispute. Money isn’t the reason why Boris
and Marie can’t love each other anymore. Money is the apple of
discord, but behind that there is always the way in which one gets
acknowledgement or not, the way in which one seeks recognition for
what one has or has not done. Investment is never only economical or
financial. Boris and Marie cannot agree on how they should measure
what they’ve given each other, because they haven’t been clear from
the beginning about their own respective investment in the couple.
Short reckonings also make great love stories.”
Joachim Lafosse (Uccle, Belgio) ha
studiato tra il 1997 e il 2001 presso
l’Institut des arts de diffusion di
Louvain-la-Neuve. Il suo film di
diploma, Tribu, è stato premiato
come miglior cortometraggio belga
al Festival international du film
francophone di Namur nel 2001.
Il suo primo lungometraggio Folie
privée (2004) ha vinto il premio
Fipresci al Festival internazionale
di Bratislava. Il successivo Ça rend
heureux (2006) è stato in concorso a
Locarno e nello stesso anno Proprietà
privata, con Isabelle Huppert, ha
partecipato sempre in concorso
alla Mostra di Venezia, dove ha
vinto il premio Signis. Nel 2012 ha
diretto À perdre la raison, presentato
in Un certain regard di Cannes,
vincitore di quattro premi Magritte e
proposto per rappresentare il Belgio
per l’Oscar al miglior film straniero.
Joachim Lafosse (Uccle, Belgium)
studied at the Institut des arts de
diffusion in Louvain-la-Neuve,
Belgium, from 1997 to 2001. The short
film Tribu was his thesis project with
which he participated to the Namur
International Festival, receiving the
award for Best Short Film in 2001.
His first feature, Folie privée (2004),
won the FIPRESCI Award at the
Bratislava International Film Festival.
Of his following movies, Ça rend
heureux (2006) was in competition in
Locarno, while Nue propriété (2006),
starring Isabelle Huppert, participated
to the Venice Film Festival, where it
won the SIGNIS Award. À perdre la
raison (2012) was presented in Cannes’
Un certain regard section, won four
Magritte Awards, and was nominated
to represent Belgium in the Foreign
Films section of the Academy Awards.
Tribu (cm, 2001), Folie privée (2004),
Ça rend heureux (2006), Nue propriété
(Proprietà privata, 2006), Élève libre
(Élève libre - Lezioni private, 2008),
Avant les mots (doc., 2010), À perdre
la raison (2012), Les chevaliers blancs
(2015), L’économie du couple (Dopo
l’amore, 2016).
paul verhoeven
ELLE
ELLE
regia/director
Paul Verhoeven
soggetto/story
dal romanzo/from the novel
Oh… di/by Philippe Djian
David Birke
Stéphane Fontaine
Jobter Burg
scenografia/
production design
Laurent Ott
Nathalie Raoul
musica/music
Anne Dudley
suono/sound
Jean-Paul Mugel,
Alexis Place,
Katia Boutin, Cyril Holtz
cast and characters
Isabelle Huppert (Michèle),
Laurent Lafitte (Patrick),
Anne Consigny (Anna),
Charles Berling (Richard),
Virginie Efira (Rebecca),
Christian Berkel (Robert),
Judith Magre (Irène),
Jonas Bloquet (Vincent),
Alice Isaaz (Josie),
Vimala Pons (Hélène),
Raphaël Lenglet (Ralf),
Arthur Mazet (Kevin),
Lucas Prisor (Kurt),
Hugo Conzelmann
(Phillip Kwan),
Stéphane Bak (Omar)
Saïd Ben Saïd, Michel Merkt
Thanassis Karathanos, Kate
Merkt, Diana Elbaum,
Sébastien Delloye,
Francois Touwaide
**
contatti/contacts
SBS Productions
Kevin Chneiweiss
Nulla sfugge al controllo di Michèle: l’azienda che dirige, leader
nel campo della produzione software di videogiochi, i rapporti con
i dipendenti, la sua rete sociale, la routine familiare e le amicizie.
Un meccanismo oliato da anni di impeccabile gestione di ogni
situazione, da cui è bandita ogni manifestazione di debolezza
o sbavatura. Michèle, però, ha anche subito l’aggressione di uno
sconosciuto: un atto brutale, che si rivelerà carico di inattese
conseguenze emotive.
«Quando Isabelle Huppert ha visto il film, mi ha detto: “Uno dei
suoi aspetti più interessanti è la costante ambiguità”. Ha ragione,
il film è sempre ambiguo; è difficile afferrare completamente questa
donna. Tutto è fluttuante, gli elementi si intrecciano… Avevo fatto
qualcosa di simile in altri film, in particolare in Atto di forza – in un
genere del tutto diverso – mescolando sogno e realtà. Alla fine non
sai con certezza cosa pensare: non è chiaro. Mi piace tenere aperte
delle alternative. Come nella vita, dove non sai mai cosa si
nasconde o meno dietro un sorriso».
**
Nothing can escape Michèle’s control: the company she runs, a leader
in producing software for videogames; her relations with her employees;
her social network; her family routine and friendships. A mechanism
which has been well-oiled by years of impeccably managing every
situation, from which any signs of weakness or flaws are banned.
But Michèle has also been attacked by a stranger. This brutal act
will prove to have many unexpected, emotional consequences.
“When Isabelle Huppert saw the movie, that was one of the things
she said to me: ‘The most interesting aspect is the perpetual ambiguity.’
She’s right, it’s always ambiguous. It’s hard to completely grasp this
woman. Everything is fluctuating, strands intertwine... I had already
done that in other movies, particularly Total Recall – in a totally
different genre – by combining dream and reality. At the end, you’re
not sure what to think. It’s unclear. I like keeping options open. Just
like in life, you never know what’s hiding behind a smile. Or not.”
[email protected]
www.sbs-distribution.fr
33
SOMMARIO
Paul Verhoeven (Amsterdam, Paesi
Bassi, 1938), laureatosi in fisica e
matematica, si è arruolato in Marina,
dove ha iniziato a girare documentari
d’argomento militare. Dopo alcuni
lavori televisivi, ha realizzato la
popolare serie medievale Floris
(1969). I suoi primi film, in cui
ha debuttato anche l’attore Rutger
Hauer, hanno riscosso un certo
interesse in Europa per la loro carica
erotica e sovversiva. Dopo il
successo di Il quarto uomo (1983), si
è trasferito negli Stati Uniti dove ha
realizzato film come RoboCop (1987),
Atto di forza (1990), Basic Instinct
(1992) e L’uomo senza ombra (2000).
Tornato in Europa, nel 2006 è stato
in concorso a Venezia con Black
Book.
Paul Verhoeven (Amsterdam, The
Netherlands, 1938) graduated in
physics and mathematics. He then
enrolled in the navy, where he began
to shoot military documentaries. He
worked with the television and then
made the popular medieval television
series, Floris (1969). His first films,
which also introduced the actor Rutger
Hauer, aroused a certain interest in
Europe because of their erotic power.
After the success of The Fourth Man
(1983) he moved to the United States,
where his films include RoboCop, Total
Recall, Basic Instinct and Hollow
Man. Back in Europe, he participated
in competition at Venice Film Festival
with Black Book.
Floris (tv, 1969), Wat zien ik? (Gli
strani amori di quelle signore, 1971),
Turks fruit (Fiore di carne, 1973), Keetje
Tippel (Kitty Tippel… quelle notti
passate sulla strada, 1975), Soldaat
van Oranje (Soldato d’Orange, 1977),
Spetters (Spruzzi, 1980), De vierde
man (Il quarto uomo, 1983), Flesh
& Blood (L’amore e il sangue, 1985),
RoboCop (id., 1987), Total Recall
(Atto di forza, 1990), Basic Instinct
(id., 1992), Showgirls (id., 1995),
Starship Troopers (Starship Troopers Fanterie nello spazio, 1997), Hollow
Man (L’uomo senza ombra, 2000),
Zwartboek (Black Book, 2006),
Steekspel (2012), Elle (2016).
mohamed diab
ESHTEBAK
Egitto-Francia-Germania/Egypte-France-Germany, 2016, HD, 97’, col.
CLASH
regia/director
Mohamed Diab
Khaled Diab,
Mohamed Diab
Ahmed Gabr
Ahmed Hafez
scenografia/
production design
Hend Haidar
musica/music
Khaled Dagher
suono/sound
Ahmed Adnan
cast and characters
Nelly Karim (Nagwa), Hany
Adel (Adam), Tarek Abdel
Aziz (Hossam), Ahmed
Malek (Mans), Ahmed Dash
(Fares) Husni Sheta
(Fisho), Aly Eltayeb
(Huzaifa), Amr El Kady
(M. Hashem)
Mohamed Hefzy, Eric
Lagesse, M.W. Zackie
Olivier Père, Rémi Burah,
Nicole Gerhards
Film Clinic, Sampek
Productions, Emc Pictures,
Arte France Cinema,
Niko Films
AcademyTwo
**
contatti/contacts
AcademyTwo
Beatrice Gulino
[email protected]
www.academytwo.com
34
SOMMARIO
Il Cairo, estate 2013, due anni dopo la rivoluzione egiziana.
Sull’onda della destituzione del presidente islamista Mohamed
Morsi, un furgone della polizia che trasporta manifestanti di fazioni
politiche e religiose avverse vaga tra le violente proteste. I detenuti
riusciranno a superare le loro divergenze per riuscire a
sopravvivere?
«Il mio film Cairo 678 uscì qualche settimana prima della
rivoluzione del 2011. Allora presi parte al movimento e decisi quasi
subito che ne avrei fatto un film. Negli ultimi cinque anni, però,
le cose sono cambiate così velocemente che ogni idea diventava
obsoleta ancor prima di essere scritta. Solo dopo gli eventi del
2013, io e mio fratello Khaled discutemmo di un’idea che era
venuta in mente a lui e che avrebbe dato origine a questo film.
Abbiamo così cominciato a confrontare le nostre idee, convinti che
fosse il modo migliore per parlare di ciò che oggi sta accadendo
in Egitto. Dal 2013 le forze coinvolte nel conflitto sono le stesse:
i rivoluzionari, i Fratelli musulmani e l’esercito. Ironia della sorte,
l’unico soggetto possibile sulla rivoluzione era il suo fallimento».
**
Cairo, summer of 2013, two years after the Egyptian revolution.
In the wake of the ouster of Islamist president Morsi, a police truck
full of detained demonstrators of divergent political and religious
backgrounds roams through violent protests. Can the detainees
overcome their differences to stand a chance of survival?
“My film Cairo 678 was released in Egypt a few weeks before the 2011
revolution. I took part in the movement and soon enough I wanted to
make a film about it. But for the last five years, things have changed so
fast that each idea became obsolete even before we started writing.
Only after the 2013 events did my brother Khaled and I discuss the idea
of Clash, which he came up with. We got down to work by bouncing
ideas, thinking that this was the best way to talk about what’s
happening in Egypt. Since 2013, the conflicting forces involved have
been the same: the revolutionaries, the Muslim Brotherhood, and the
army. Ironically, the only relevant subject we could find about the
revolution was its failure.”
Mohamed Diab (Ismailia, Egitto,
1978), sceneggiatore e regista,
conosciuto per il film d’esordio
Cairo 678 (2010), uscito un mese
prima della rivoluzione egiziana, ha
scritto il blockbuster francoegiziano
The Island di Sherif Arafa, candidato
egiziano agli Oscar nel 2007.
Oltre all’attività nel mondo del
cinema, è conosciuto per la sua
aperta partecipazione alla
rivoluzione egiziana del 2011, che
gli ha fatto ottenere nello stesso
anno uno speciale riconoscimento
ai Webby Awards, il più importante
premio internazionale per
l’eccellenza su Internet. Clash ha
aperto la sezione Un certain regard
all’ultimo Festival di Cannes.
Mohamed Diab (Ismailia, Egypt,
1978), screenwriter and director, is
known for his directorial debut film
Cairo 678 (2010) which was released a
month before the Egyptian revolution.
He wrote the blockbuster French
Egyptian The Island, films which was
the 2007 Egyptian nomination for the
Academy Awards. Asides filmmaking,
he is known for his vocal participation
and his involvement in the 2011
Egyptian revolution, which earned him
a Webby Award, the most important
acknowledgement for excellence on
the Internet. Clash opened the section
Un certain regard in the last Festival
of Cannes.
678 (Cairo 678, 2010), Eshtebak
(Clash, 2016).
maurizio zaccaro
LA FELICITÀ UMANA
HUMAN
HAPPINESS
regia, soggetto, fotografia,
produttore/director, story,
cinematography, producer
Maurizio Zaccaro
Massimo Salvucci
musica/music
Yo Yo Mundi,
Andrea Alessi
interpreti/cast
Serge Latouche,
André Comte-Sponville, Ariane Mnouchkine, Sergio Castellitto,
Ermanno Olmi, Vandana Shiva,
Bruno Bozzetto,
Aleida Guevara
FreeSolo Produzioni
**
contatti/contacts
Free Solo Produzioni
Maurizio Zaccaro
[email protected]
Povertà crescente, instabilità sociale ed economica, guerre,
fanatismi: come può l’uomo contemporaneo essere felice in un
simile contesto?
«Oggi il mondo vive un cambiamento epocale, non c’è posto
per chi si lascia vincere dallo stato delle cose, per chi si lascia
sottomettere da un’economia sempre più selvaggia, per chi non
ha ambizioni di riscatto. Non basta lo sdegno per come siamo
governati, o sfruttati e schiavizzati da un’economia sempre più
feroce. Dobbiamo trovare il coraggio per avviare il cambiamento
a patto che prima, come suggerisce Camus, cambiamo noi stessi,
e velocemente, se non vogliamo che “il passato divori il futuro”. […]
Senza interventi della politica e di una nuova economia, il futuro
prossimo potrebbe somigliare al passato degli anni della Belle
époque, quando a dominare la scena sociale erano solamente
ricchi possidenti coi loro patrimoni milionari. E il dominio dei
nuovi ricchi di oggi potrebbe finire per soffocare, domani, le
società, il loro stesso benessere e soprattutto la felicità umana».
**
Growing poverty, social and economic instability, wars, fanaticism:
how can contemporary people be happy in a context like this?
“Today, the world is experiencing momentous change; there isn’t any
room for those who let themselves be overcome by the state of things,
for those who let themselves be subjugated by an increasingly savage
economy, for those who don’t strive for redemption. It’s not enough to
be indignant over how we are governed, or exploited and enslaved by
an increasingly ferocious economy. We must find the courage to initiate
change, providing – as Camus suggests – we first change ourselves, and
fast if we don’t want ‘the past to devour the future.’ […] Unless politics
and a new economy intervene, the upcoming future might resemble
the past during the years of the belle époque, when the social scene was
completely dominated by the rich and their millionaire patrimonies.
And the dominion of today’s nouveau riches could end up suffocating
tomorrow’s societies, their own wellbeing and, above all, human
happiness.”
35
SOMMARIO
Maurizio Zaccaro (Milano, 1952),
diplomato alla Scuola del cinema
di Milano, nel 1977 ha realizzato
Overkill, vincitore a Oberhausen.
La frequentazione del laboratorio
di Ipotesi Cinema lo ha portato a
realizzare nel 1988 In coda alla coda,
mentre nel 1991 con Dove comincia la
notte ha vinto un David di Donatello,
premio ottenuto anche nel 1999 con
Un uomo perbene. Dal 2000 al 2011
ha diretto fiction televisive e
miniserie e nel 2009 il documentario
Il Piccolo, presentato a Venezia come
il successivo Un foglio bianco (2011).
Nel 2013 e nel 2015 ha partecipato
al Torino Film Festival con i
documentari Adelante petroleros L’oro nero dell’Ecuador e Augusto
Tretti: un ritratto (1985).
Maurizio Zaccaro (Milan, Italy, 1952),
after graduating from the Milan Film
School in 1977, made the short film
Overkill, receiving an award at
Oberhausen. He then went to the film
school Ipotesi Cinema, which brought
him to making In coda alla coda in
1988. He won a David di Donatello
in 1991 for Dove comincia la notte,
and a second one in 1999 for Un uomo
per bene. He directed many TV movies
and miniseries from 2000 to 2011,
and the documentary film Il Piccolo
(2009), participating at the Venice
Film Festival, just like Un foglio bianco
(2011). In 2013 and 2015 he took part
to the Torino Film Festival with the
documentary Adelante petroleros L’oro nero dell’Ecuador and Augusto
Tretti: un ritratto (1985).
Overkill (cm, 1977), Augusto Tretti: un
ritratto (doc., 1985), In coda della coda
(1988), Dove comincia la notte (1990),
Kalkstein - La valle di pietra (1992),
L’articolo 2 (1993), Il carniere (1996),
La missione (1997), Cristallo di rocca
(1998), Un uomo perbene (1999),
I ragazzi della via Pal (tv, 2002), Al
di là delle frontiere (tv, 2003), Mafalda
di Savoia (tv, 2005), ’O professore
(tv, 2006), Lo smemorato di Collegno
(tv, 2008), I nove semi (l’India di
Vandana Shiva) (2009), Un foglio
bianco (2011), A testa alta (2013),
A testa alta: i martiri di Fiesole (tv,
2014).
© GUY FERRANDIS
philippe lioret
LE FILS DE JEAN
regia/director
Philippe Lioret
soggetto/story
Si ce livre pouvait me
rapprocher de toi di/
by Jean-Paul Dubois
Philippe Lioret,
Nathalie Carter
Philippe Guilbert
Andréa Sedlackova
scenografia/
production design
Colombe Raby, Yves Brover
musica/music
Flemming Nordkrog
suono/sound
Jean-Marie Blondel,
Éric Tisserand,
Germain Boulay
cast and characters
Pierre Deladonchamps
(Mathieu), Gabriel Arcand
(Pierre), Catherine de Léan
(Bettina), Marie-Thérèse
Fortin (Angie), Pierre-Yves
Cardinal (Sam), Patrick
Hivon (Ben), Lilou MoreauChampagne (Anna), Milla
Moreau-Champagne (Rose),
Hortense Monsaingeon
(Marina), Romane Portail
(Carine), Timothy Vom
Dorp (Valentin),
Martin Laroche (Rémi)
Marielle Duigou,
Philippe Lioret
Fin Août
Pierre Even,
Marie-Claude Poulin
Item 7, France 3 Cinéma
**
contatti/contacts
Le Pacte
Ioana Dragomirescu
© FIN AOUT PRODUCTION
GUY FERRANDIS
A KID
Poco più che trentenne, Mathieu è stato cresciuto dalla madre
nella convinzione di essere nato dall’incontro occasionale con
uno sconosciuto. Una telefonata gli rivela invece tutt’altra verità,
mettendolo al corrente dell’identità del padre, un canadese
deceduto da poco e padre di altri due figli. Deciso a conoscere
i fratelli, Mathieu parte per Montreal, ma una volta arrivato a
destinazione capisce con amarezza di essere il solo a desiderare
il ricongiungimento familiare.
«Ho letto molto tempo fa il romanzo di Jean-Paul Dubois, e, pur
non avendo idea del film che ne avrei ricavato, ha significato molto
per me e non riuscivo a separarmene. Dopo Welcome e Tutti i nostri
desideri, volevo realizzare un film solare e mi è venuta in mente una
situazione di partenza che, pur assente nel romanzo, è nata proprio
dalla sua lettura: un uomo scopre di avere due fratelli di cui non sa
nulla, e li vuole incontrare. Comprati i diritti del libro non l’ho più
riaperto: è stato una fonte di ispirazione, un punto di partenza.
Se non l’avessi letto non ci sarebbe stato questo film».
**
Mathieu is in his early thirties. He was raised by his single mother
and grew up believing he was the result of a one-night stand with a
stranger. But when he receives a phone call, he discovers the identity
of his father, a Canadian who recently passed away. He also finds out
that he has two brothers. Mathieu decides to meet them and sets off
for Montreal, where he has to come to terms with the disappointment
of being the only one interested in that family reunion.
“I had read Jean-Paul Dubois’s novel a long time ago, and even though
I didn’t know what film to make of it, it meant something special to
me and I couldn’t put the book away on the shelf. After Welcome and
Toutes nos envies, I wanted a sunny film and a starting point which is
not in the book, but which the book inspired, came to mind: a man
discovers he’s got two brothers he didn’t know about and wants to
meet them. We got the rights for the book, but I didn’t reopen it; it’s
only been a source of inspiration, a starting point. But without it, there
wouldn’t have been a film.”
Philippe Lioret (Parigi, Francia, 1955)
è entrato nel mondo del cinema
lavorando come tecnico del suono
per registi come Robert Altman e
Michel Deville, e nel 1994 ha esordito
come regista con Tombés du ciel. Tre
anni dopo ha girato la commedia
Tenue correcte exigée, seguita nel 2001
da Mademoiselle, con Sandrine
Bonnaire, e nel 2004 da L’équipier,
candidato a tre premi César. Dopo
due cortometraggi, parte del film
collettivo Tête de gondole (2005), ha
girato Je vais bien, ne t’en fais pas, per
il quale gli attori Mélanie Laurent e
Kad Mérad hanno ricevuto due premi
César. Nel 2009 il Torino Film
Festival ha proiettato Welcome,
campione d’incassi in Francia e
vincitore di numerosi premi
internazionali, tra cui quello della
giuria ecumenica nella sezione
Panorama della Berlinale.
Philippe Lioret (Paris, France, 1955)
entered the world of cinema by working
as a sound technician for directors such
as Robert Altman and Michel Deville.
In 1994, he debuted with Tombés du
ciel. Three years later he shot the
comedy Tenue correcte exigée,
followed in 2001 by Mademoiselle,
starring Sandrine Bonnaire. In 2004
his film L’équipier received three
nominations for César Awards. After
two shorts in the collective film Tête de
gondole (2005), he made Je vais bien,
ne t’en fais pas, for which the actors
Mélanie Laurent and Kad Mérad each
received a César. His film Welcome,
screened at the 2009 Torino Film
Festival, was a box office hit in France
and received several international
awards, including the Prize of the
Ecumenical Jury from the Panorama
section of the Berlinale.
Tombés du ciel (1994), 3000 scénarios
contre un virus (ep. La Sirène, tv,
1994), Tenue correcte exigée (1997),
Pas d’histoires! 12 regards sur le racisme
au quotidien (ep. Pas d’histoire, 2001),
Mademoiselle (2001), L’équipier
(2004), Tête de gondole (ep. Tue
l’amour, ep. Vache qui rit, 2005 ),
Je vais bien, ne t’en fais pas (2006),
Welcome (id., 2009), Toutes nos envies
(Tutti i nostri desideri, 2011), Le fils de
Jean (2015).
[email protected]
www.le-pacte.com
36
SOMMARIO
adrian sitaru
FIXEUR
Romania-Francia/Romania-France, 2016, HD, 98’, col.
THE FIXER
regia/director
Adrian Sitaru
Claudia Silisteanu,
Adrian Silisteanu
Adrian Silisteanu
Mircea Olteanu
suono/sound
Ioan Filip, Dan-Stefan
Rucareanu
cast and characters
Tudor Aaron Istodor (Radu
Patru), Mehdi Nebbou
(Axel), Nicolas Wanczycki
(Serge), Diana Spatarescu
(Anca), Adrian Titieni
(l’ispettore di polizia/
police inspector)
Anamaria Antoci,
Adrian Silisteanu
4 Proof Film
Jean des Forêts
Petit Film
**
contatti/contacts
MPM Film
Ricardo Monastier
[email protected]
www.mpmfilm.com
A Radu, apprendista giornalista presso un’emittente francese in
Romania, lo scandalo su un giro di prostituzione minorile tra la
Francia e la Romania sembra l’occasione per fare il salto di qualità
professionale. Conoscendo la lingua, si trova in una posizione
di vantaggio; così, quando la minorenne Anca viene rimpatriata,
si offre come interprete per due giornalisti venuti da Parigi.
La ragazza viene però affidata a un istituto di suore e per Radu e i
colleghi non è facile riuscire a rintracciarla e convincerla a parlare.
Soprattutto, Radu non ha fatto i conti con il conflitto fra i suoi
obiettivi, l’etica giornalistica e la semplice pietà umana.
«Ovviamente Fixeur parla di abuso e manipolazione, ma anche,
e forse soprattutto, del dualismo del nostro sistema di valori.
Durante la lavorazione mi sono trovato ancora una volta assalito
da vecchi demoni: mi sono accorto di quanto io stesso, spinto
dal desiderio di raggiungere la perfezione e accecato dal principio
per cui sono autorizzato a mettere l’arte prima della vita, abbia
sempre maltrattato i miei attori, i miei collaboratori e persino gli
animali dei miei film».
**
Radu is doing an apprenticeship as a journalist at a French
broadcasting station in Romania and a scandal over an underage
prostitution ring between France and Romania seems like his chance to
make progress in his career. He’s at an advantage since he knows the
language, so when the underage prostitute Anca is repatriated, he offers
to interpret for two journalists who have arrived from Paris. But the girl
is entrusted to an institution run by nuns, and Radu and his colleagues
have a hard time tracking her down and convincing her to talk. Above
all, Radu hasn’t taken into account the conflict with his objectives,
journalistic ethics and simple human compassion.
“Fixeur is a film about abuse and manipulation, of course, but it’s
also, even foremost, a film about the duality of our system of values.
During the working process, I found myself once again gripped by
old demons. I realised how much, propelled by the desire to reach
perfection, blinded by a precept which authorised me to put art before
life, I had always abused my actors, my collaborators and even
animals.”
37
SOMMARIO
Adrian Sitaru (Deva, Romania, 1971)
vive e lavora a Bucarest. Nel 2007
il suo cortometraggio Waves ha vinto
il Pardino d’oro per il miglior
cortometraggio internazionale a
Locarno, mentre il primo
lungometraggio Hooked (2008),
presentato alle Giornate degli autori
della Mostra di Venezia, lo ha
consacrato come una delle voci
più significative del nuovo cinema
rumeno postcomunista. Da allora
i suoi lavori hanno ottenuto
riconoscimenti da festival
internazionali come il Sundance,
la Berlinale, i festival di Chicago,
Locarno e Sarajevo. In questa
edizione del Torino Film Festival,
oltre a essere membro della giuria
del concorso Torino 34, presenta
anche il film Illegitimate (2016).
lives and works in Bucharest. In 2007,
the short film Waves brought him the
Golden Leopard of Tomorrow at the
Locarno Film Festival. His debut
feature film, Hooked, premiered at
Venice Days in 2008 and established
him as one of the most important new
voices in Romanian post-communist
cinema. Since then, his films have won
recognition at festivals such as
Sundance, Berlinale, Chicago, Locarno
and Sarajevo. In this 2016 edition of
the Torino Film Festival, he is also a
member of the jury of the Official
Competition and he presents another
film, Illegitimate (2016).
Valuri (Waves, cm, 2007), Pescuit
Sportiv (Hooked, 2008), Lord (cm,
2009), Colivia (The Cage, cm, 2009),
Din Dragoste, Cu Cele Mai Bune
Intentii (Best Intentions, 2011), Chefu
(House Party, cm, 2009), Domestic
(2012), Counterpart (cm, 2014),
Excursie (Excursion, cm, 2014), Artă
(Art, cm, 2014), Ilegitim (Illegitimate,
2016), Fixeur (2016).
ben wheatley
FREE FIRE
FREE FIRE
regia/director
Ben Wheatley
sceneggiatura,
montaggio/screenplay,
film editing
Amy Jump, Ben Wheatley
Laurie Rose
scenografia/
production design
Paki Smith
Emma Fryer
musica/music
Geoff Barrow,
Ben Salisbury
suono/sound
Martin Pavey
cast and characters
Sharlto Copley (Vernon),
Armie Hammer (Ord),
Brie Larson (Justine),
Cillian Murphy (Chris),
Jack Reynor (Harry),
Babou Ceesay (Martin),
Enzo Cilenti (Bernie),
Sam Riley (Stevo),
Michael Smiley (Frank),
Noah Taylor (Gordon)
produttore/producer
Andy Starke
Rook Films
Movies Inspired
**
contatti/contacts
Movies Inspired
Stefano Jacono
[email protected]
Boston, anni Settanta. In un magazzino abbandonato, trenta
fucili d’assalto stanno per passare dalle mani di una gang di
afroamericani a un gruppo affiliato all’Ira: a organizzare la
compravendita la coriacea Justine, a fare da intermediario il
pacchiano Ord. Tutto sembra procedere per il meglio, ma presto
le trattative si trasformano in scontro aperto. E visti i personaggi
coinvolti e la quantità di armi a loro disposizione, le conseguenze
non possono che essere esplosive.
«Abbiamo spesso grandi opinioni sulla nostra persona, ma
raramente siamo messi davvero alla prova. Possiamo credere di
essere degli eroi, e poi scoprire di essere solo dei codardi. Oppure
credere di essere brave persone, e invece scoprirci cattivi o perfidi.
È interessante, dunque, osservare questi personaggi e le loro vite
attraverso azioni minime. Come, ad esempio, guardarli mentre si
chiedono se è meglio strisciare in una certa direzione, salire le scale
o ancora raggiungere un telefono… Mi interessava proprio questo:
rappresentare piccole decisioni che portano a conseguenze
terribili».
**
Boston, 1970s. In an abandoned warehouse, an African-American
gang is about to sell thirty assault rifles to an IRA-affiliated group.
Justine, a tough woman, arranged the deal, while the tacky man
known as Ord poses as the intermediary. Everything seems to go
smoothly, until the negotiations turns into an open gun fight.
Considering the people involved and the number of weapons at
their disposal, the consequences are bound to be terrible.
“Everyone has this massive baggage of ideas about themselves and very
rarely do we get tested. You might think you are a great hero then find
out what a terrible coward you are. Or you thought you were nice and
you’re quite nasty and mean. It’s interesting to see those characters,
their whole lives reduced down to very tiny actions. Like should I crawl
over here or what if I went up those stairs or what if I get to a
telephone? That was the thing I was thinking of: micro decisions
leading to terrible consequences.”
38
SOMMARIO
Ben Wheatley (Billericay, Regno
Unito, 1972) lavora come regista
cinematografico, televisivo e
pubblicitario. Dopo aver diretto
episodi per le serie tv britanniche
Comedy: Shuffle, Modern Toss,
The Wrong Door, ha esordito nel
lungometraggio nel 2009 con Down
Terrace. Sono seguiti i tre film per la
televisione Steve Coogan: The Inside
Story (2009), Burge & Way (2011),
Inside Burge & Way (2011), e poi,
per il cinema, Kill List (2011), Killer
in viaggio (2012), presentato alla
Quinzaine des réalisateurs di
Cannes, e I disertori (2013), vincitore
del premio speciale della giuria al
Festival di Karlovy Vary. Con High-Rise
(2015) ha partecipato all’ultima
edizione del Torino Film Festival.
Ben Wheatley (Billericay, UK, 1972)
works as a director for films, TV and
advertisements. After directing episodes
of the British TV series Comedy:
Shuffle, Modern Toss, and The
Wrong Door, he debuted in feature
films in 2009 with Down Terrace.
This was followed by three TV movies,
Steve Coogan: The Inside Story
(2009); Burge & Way (2011); and
Inside Burge & Way (2011). He then
made the films Kill List (2011);
Sightseers (2012), presented at the
Quinzaine des réalisateurs in Cannes;
and A Field in England (2013), which
won the Special Jury Prize at the
Karlovy Vary Film Festival. With
High-Rise (2015) he attended the
last Torino Film Festival edition.
Comedy: Shuffle (serie tv/tv series,
2007), Modern Toss (serie tv/tv series,
2008), The Wrong Door (serie tv/tv
series, 2008), Down Terrace (2009),
Steve Coogan: The Inside Story (tv,
2009), Ideal (serie tv/tv series, 20092010), Burge & Way (tv, 2011), Inside
Burge & Way (tv, 2011), Kill List
(2011), Sightseers (Killer in viaggio,
2012), The ABCs of Death (ep. U Is for
Unearthed, 2012), A Field in England
(I disertori, 2013), Doctor Who (serie
tv/tv series, 2014), High-Rise (2015),
Free Fire (2016).
gary ross
FREE STATE OF JONES
Usa, 2016, HD, 129’, col.
FREE STATE
OF JONES
Gary Ross
soggetto/story
Leonard Hartman
Benoît Delhomme
Juliette Welfling,
Pamela Martin
scenografia/production
design
Philip Messina
Louise Frogley
musica/music
Nicholas Britell
cast and characters
Matthew McConaughey
(Newton Knight),
Gugu Mbatha-Raw
(Rachel Knight), Mahershala
Ali (Moses Washington),
Keri Russell
(Serena Knight), Brian Lee
Franklin (Davis Knight),
Donald Watkins (Wilson),
Christopher Berry (Jasper
Collins), Sean Bridgers
(Will Sumrall)
Jon Kilik, Scott Stuber
Larger Than Life
Productions,
Route One Films,
Vendian Entertainment
01 Distribution
**
contatti/contacts
01 Distribution
www.01distribution.it
39
SOMMARIO
Al culmine della Guerra civile, il contadino del Mississippi Newt
Knight guida una rivolta contro la Confederazione, «la guerra
dell’uomo ricco combattuta dall’uomo povero», come sarebbe
poi passata alla storia. Insieme a un’improbabile banda di
contadini e schiavi fuggiaschi, Knight conduce la battaglia tra le
paludi del Mississippi e, nonostante l’inferiorità numerica e tecnica,
porta la Contea di Jones a separarsi dagli Stati della
Confederazione.
«C’è un motivo per cui sono stati scritti più libri sulla Guerra civile
che su qualsiasi altro periodo della storia americana. E c’è un
motivo per cui Abraham Lincoln ha avuto più biografie di qualsiasi
altro personaggio della storia, a parte Gesù. Quel periodo è una
cesura profonda nella storia della coscienza americana. È una ferita
nella nostra storia dai danni incalcolabili. Morirono seicentomila
persone. Ci sono volute varie generazioni e più di un secolo perché
si potesse trovare un senso a tutto questo. Newt Knight restituisce
l’essenza della Guerra civile, che è stata fondamentalmente uno
scontro sul piano morale».
During the peak of the Civil War, a Mississippi farmer called Newt
Knight leads a rebellion against the Confederacy and “a rich man’s war
and a poor man’s fight,” as it would later be known in history. Banding
together a motley crew of deserters, farmers, and escaped slaves, Knight
launches an uprising in the Mississippi swamps. Despite being fewer in
number and ill equipped, they manage to secede from the Confederacy
and create a Free State of Jones.
“There’s a reason why there are more books written about the Civil
War than any other period in American history. And why there are
more biographies about Abraham Lincoln than any other historical
figure, except Jesus. That period has been deeply repressed in the history
of the American conscience. It’s a wound in our history that has caused
immeasurable damages. Over six hundred thousand people died. It’s
taken several generations and over a century to find a meaning for all
of this. Newt Knight reveals the essence of the Civil War, which was
fundamentally a battle fought over moral grounds.”
Gary Ross (Los Angeles, California,
Usa) inizia a lavorare nel mondo del
cinema come sceneggiatore,
ottenendo una candidatura agli
Oscar per Big (1988), scritto in
collaborazione con Anne Spielberg,
e poi per Dave - Presidente per un
giorno (1993), grazie al quale ottiene
anche il premio Paul Selvin del
Writers Guild of America. Nel 1998
debutta nella regia con la commedia
Pleasantville, grande successo di
pubblico e di critica, e nel 2003 scrive
e dirige Seabiscuit - Un mito senza
tempo, che ottiene sette candidature
all’Oscar, comprese quelle per
miglior film e migliore sceneggiatura.
Nel 2012 scrive e dirige il campione
d’incassi Hunger Games, che dà
inizio alla serie di film basati sulla
trilogia distopica della scrittrice
Suzanne Collins.
Gary Ross (Los Angeles, CA, USA)
started working in cinema as a
screenwriter. He received an Academy
Award Nomination for Big (1988),
which he cowrote with Anne Spielberg,
and won the Paul Selvin Honorary
Award from the Writers Guild of
America for Dave (1993). He made
his directorial debut in 1998 with
Pleasantville, a success with viewers
and critics alike. In 2003, he wrote
and directed Seabiscuit, receiving
seven Oscar nominations, including
Best Picture and Best Screenplay.
He wrote and directed the box office hit
The Hunger Games in 2012, the first
in the series of movies adapted from
Suzanne Collins’ dystopic trilogy.
Pleasantville (id., 1998), Seabiscuit
(Seabiscuit - Un mito senza tempo,
2003), The Hunger Games (Hunger
Games, 2012), Free State of Jones
(id., 2016).
lav diaz
HELE SA HIWAGANG HAPIS
Filippine/Philippines, 2016, HD, 480’, bn/bw
A LULLABY
TO THE
SORROWFUL
MYSTERY
regia, soggetto,
sceneggiatura, montaggio/
director, story, screenplay,
film editing
Lav Diaz
Larry Manda
scenografia/
production design
Popo Diaz
Jona Ballaran
musica/music
Ely Buendia,
Danny Fabella
suono/sound
Erwil Romulo
cast and characters
John Llyod Cruz (Isagani),
Piolo Pascual (Simoun),
Hazel Orencio (Oryang),
Alessandra De Rossi
(Cesaria)
Bianca Balbuena,
Hazel Orencio
Ten17P, Epicmedia,
Sine, Olivia Pilipinas
Jeremy Chua, Fran Borgia
Potokol, Akanga Film Asia
**
contatti/contacts
Films Boutique
Giorgia Hueisse
[email protected]
www.filmsboutique.com
40
SOMMARIO
La rivoluzione filippina che, tra il 1896 e il 1897, liberò l’arcipelago
asiatico dalla secolare dominazione spagnola. Le vicende dei
principali attori che vi presero parte, tra eroi nazionali, personaggi
letterari e mitologici, in un racconto metalinguistico in bilico tra
indagine storica, letteratura, epos e inconscio collettivo.
«Si dice che sia rischioso mettere in discussione i dettagli storici.
Si dice che sia ancora più rischioso correggere i travisamenti dei
fatti storici. Ma la cosa più rischiosa di tutte è non prestare
attenzione alla verità che questi avvenimenti celano. Ci sono da
sempre discussioni sulla morte di Andres Bonifacio, il più delle
volte amare, piene di cattiveria, ambigue, faticose e pessimiste.
Le discussioni spesso hanno conseguenze cruente. Oggi regnano
la paura e la codardia. Ma desiderare la libertà non può essere
un’illusione. […] Dobbiamo liberare la nostra patria da coloro che
la possiedono ingiustamente, perché la storia ce lo insegna. Spero
solo che la ribellione possa significare qualcosa per il mio Paese».
**
Between 1896 and 1897, the Philippine revolution freed the Asian
archipelago from centuries-old Spanish dominion. The vicissitudes of
the protagonists who participated in the struggle – national heroes, and
literary and mythological personalities – in a metalinguistic tale which
is historical investigation, literature, epic and collective subconscious.
“It is said that it is perilous to argue about historical details. It is also
said that it is more perilous to correct any distortions made on historical
events. But that it is most perilous of all to turn one’s back to the truth
behind these events. There is an endless discourse about the truth of
Andres Bonifacio’s death, oftentimes bitter, vicious, ambiguous, tiring
and resigned. Discussions often lead to bloody results. Fear reigns
nowadays, an enduring cowardice. But to yearn for freedom is not an
illusion. […] It is our obligation to free our motherland from those who
do not own it because history remembers. I only hope that this rebellion
could mean something for the country.”
Lav Diaz (Cotabato, Filippine, 1958)
ha frequentato il Mowelfund Film
Institute di Quezon City e ha esordito
nel 1997 con The Criminal of Barrio
Concepcion, imponendosi come uno
degli autori più innovativi del cinema
filippino. La consacrazione è arrivata
con Batang West Side (2002),
premiato a Bruxelles e Singapore,
e con il fluviale Evolution of a Filipino
Family (2004), presentato a
Rotterdam e a Torino, così come
il documentario I figli dell’uragano
(2014). I suoi ultimi lavori sono
stati presentati ai più grandi festival
internazionali, fra cui Cannes
(Norte - The End of History, 2013),
Locarno (From What Is Before, 2014,
Pardo d’oro), Berlino (A Lullaby for
the Sorrowful Mystery, 2016, Alfred
Bauer Award) e Venezia (The Woman
Who Left, 2016, Leone d’oro).
Lav Diaz (Cotabato, Philippines, 1958)
studied at the Mowelfund Film
Institute in Quezon City and debuted
in 1997 with The Criminal of Barrio
Concepcion, making a name for
himself as one of the most innovative
directors of Filipino cinema. Lasting
legitimation arrived with Batang West
Side (2002), which received awards at
Brussels and Singapore, and with
Evolution of a Filipino Family (2004),
presented at Rotterdam and Turin, as
also the documentary Storm Children
(2014). His latest films have been
presented in Cannes (Norte - The
End of History, 2013), Locarno
(From What Is Before, 2014, Golden
Leopard), Berlin (A Lullaby for the
Sorrowful Mystery, 2016, Alfred Bauer
Award) and Venice (The Woman Who
Left, 2016, Golden Lion).
Serafin Geronimo, kriminal ng baryo
concepcion (The Criminal of Barrio
Concepcion, 1998), Burger Boys
(1999), Batang West Side (2002),
Hesus rebolusyonaryo (Hesus the
Revolutionary, 2002), Ebolusyon ng
isang pamilayang Pilipino (Evolution
of a Filipino Family, 2004), Heremias:
Unang aklat - Ang alamat ng
prinsesang bayawak (2005),
Melancholia (2008), Florentina
Hubaldo, CTE (2012), Norte,
hangganan ng kasaysayan (Norte The End of History, 2013), Mula sa
kung ano ang noon (From What Is
Before, 2014), Ang babayeng humayo
(The Woman Who Left, 2016).
juho kuosmanen
HYMYILEVÄ MIES
Finlandia/Finland, 2016, 16mm, 92’, bn/bw
THE HAPPIEST
DAY IN THE
LIFE OF OLLI
MÄKI
regia/director
Juho Kuosmanen
story, screenplay
Mikko Myllylaht,
Juho Kuosmanen
J-P Passi
Jussi Rautaniemi
scenografia/
production design
Kari Kankaanpää
Sari Suominen
suono/sound
Pietu Korhonen
cast and characters
Jarkko Lahti (Olli Mäki),
Oona Airola (Raija Jänkä),
Eero Milonoff (Elis Ask),
Joanna Haartti (Laila Ask),
Esko Barquero (Snadi),
Elma Milonoff (Evi),
Leimu Leisti (Tuula),
Hilma Milonoff (Anneli)
produttore/producer
Jussi Rantamäki
Aamu Film Company ltd.
Jamila Wenske,
Sol Bondy,
Nicklas Wikström Nicastro,
Simon Perry,
Katarina Krave
**
contatti/contacts
Lise LZ. Zipci
Nell’estate del 1962 il pugile finlandese Olli Mäki viene ingaggiato
per sfidare l’americano Davey Moore, campione mondiale dei pesi
piuma. Un’occasione unica, che gli permetterebbe di raggiungere
la fama e la ricchezza. Per prima cosa, Olli deve lasciare la cittadina
di campagna dove vive per trasferirsi a Helsinki, poi deve
assolutamente perdere peso. Il suo manager ha preparato un piano
d’allenamenti serratissimo, mentre il bel mondo della grande città
ha accolto Olli come se fosse un eroe nazionale. Sarebbe tutto
perfetto. Se non fosse che il giovane pugile si è innamorato della
bella Raija…
«L’umore alla base di The Happiest Day in the Life of Olli Mäki
è leggero. Nonostante sia la storia di una crisi esistenziale e di
una ricerca identitaria, per l’impianto narrativo del film era
fondamentale provare a volare alto, come un deltaplano,
piuttosto che sguazzare nel fango».
**
In the summer of 1962, the Finnish boxer Olli Mäki is hired to
challenge America’s Davey Moore, the world featherweight champion.
This is a once-in-a-lifetime opportunity, his ticket to fame and fortune.
First of all, Olli must leave the rural town where he lives and move to
Helsinki. Then he absolutely has to lose some weight. His manager has
prepared a tough training schedule for him, while the big city’s high
society welcomes Olli like a national hero. Everything would be perfect,
if only the young boxer hadn’t fallen in love with beautiful Raija…
“The basic mood in The Happiest Day in the Life of Olli Mäki is light.
Although it’s a story about an existential crisis and finding oneself, it is
crucial to the narrative that we don’t wallow in the mud but, instead,
fly like a kite.”
[email protected]
Juho Kuosmanen (Finlandia, 1979)
ha studiato regia presso la Aalto
University di Helsinki, dove ha
realizzato il suo primo
cortometraggio d’animazione,
Knight of the Galaxy, a cui è seguito
Roadmarkers, vincitore del terzo
premio nella selezione della
Cinéfondation del Festival di Cannes
nel 2008. Nello stesso anno un altro
corto, Citizens, è stato premiato con
il Pardo d’argento al Festival di
Locarno e, due anni dopo, il film
realizzato come tesi di laurea, il
mediometraggio The Painting Sellers,
ha vinto la Cinéfondation di Cannes;
in seguito è stato presentato nella
sezione Onde del Torino Film
Festival. The Happiest Day in the
Life of Olli Mäki è il suo primo
lungometraggio. Oltre a occuparsi
di regia cinematografica, lavora
anche in ambito teatrale in veste
di regista e attore e collabora con
l’ensemble sperimentale West Coast
Kokkola Opera.
Juho Kuosmanen (Finland, 1979)
studied directing at Aalto University
in Helsinki, where he made his first
animated short, Knights of the Galaxy,
followed by Roadmarkers, which came
in third in the Cinéfondation selection
at the 2008 Cannes Film Festival.
That same year, another of his shorts,
Citizens, received the Silver Leopard
at the Locarno Film Festival and,
two years later, his graduation film,
the medium-length The Painting
Sellers, won the Cinéfondation Award
at Cannes; the film was then presented
in Onde section at the Torino Film
Festival. The Happiest Day in the Life
of Olli Mäki is his first feature film.
Besides directing movies, he works
in theatre as a stage director and
actor and also collaborates with the
experimental ensemble West Coast
Kokkola Opera.
Galaksien Ritari (Knight of the Galaxy,
cm, anim., 2006), Kestomerkitsijät
(Roadmarkers, cm, 2007),
Kaupunkilaisia (Citizens, cm, 2008),
Taulukauppiaat (The Painting Sellers,
mm, 2010), Hymyilevä Mies (The
Happiest Day in the Life of Olli Mäki,
2016).
41
SOMMARIO
adrian sitaru
ILEGITIM
Romania-Polonia-Francia/Romania-Poland-France, 2016, HD, 88’, col.
ILLEGITIMATE
regia/director
Adrian Sitaru
Alina Grigore, Adrian Sitaru
Adrian Silisteanu,
Alexandru Timosca
Mircea Olteanu,
Theo Lichtenberger
scenografia/
production design
Elena Manea
Marian Vasilescu
musica/music
Ely Buendia, Danny Fabella
suono/sound
Ioan Filip,
Dan-Stefan Rucareanu
cast and characters
Adrian Titieni
(Victor Anghelescu),
Bogdan Albulescu
(Cosma Anghelescu),
Cristina Olteanu
(Gilda Anghelescu),
Alina Grigore (Sasha
Anghelescu), Robi Urs
(Romeo Anghelescu),
Miruna Dumitrescu (Julie),
Liviu Vizitiu (Bogdan),
Mihaela Perianu (Ema)
produttore/producer
Anamaria Antoci
Domestic Film
Stanisław Dziedzic, Klaudia
Smieja, Yohann Cornu
Film Produkcja,
Damned Films
**
contatti/contacts
Versatile
Alexandre Moreau
Una normale cena in famiglia diventa l’innesco di una crisi
familiare, quando quattro fratelli scoprono nel passato del padre
qualcosa che avevano sempre ignorato. Siamo nella Bucarest
contemporanea, ma il fantasma della dittatura di Ceaușescu, non
ancora così lontano, lascia tracce in ogni famiglia e fa emergere la
differenza inconciliabile che separa la generazione cresciuta in
pieno regime da quella cresciuta in un Paese libero.
«Volevo fare un film diverso, con uno stile cinematografico
differente dai miei lavori precedenti. Come autore, volevo essere
il meno invasivo possibile, sia nella sceneggiatura sia nella regia,
e cercavo qualcosa a metà fra la finzione e il documentario.
Inoltre, verso la fine del lavoro, il destino e il Centro nazionale
per la cinematografia mi hanno portato a realizzare il film senza
un budget adeguato, quasi senza soldi, come era accaduto per
il mio primo lungometraggio, Hooked».
**
An ordinary family dinner becomes a fuse sparking a family crisis when
four brothers discover something they hadn’t known about their father’s
past. We are in contemporary Bucharest but the ghost of the Ceaușescu
dictatorship, which fell not so long ago, leaves traces in every family
and brings to light the irreconcilable differences separating the
generation which grew up during the regime from the one which
grew up in a free country.
“I was to make a different kind of film, in a different cinema style
besides my previous work. To be as little intrusive as possible as an
author, both in the script and the directing. A film intended as half
fiction, half documentary. Also, towards the end, forced by faith and
the National Centre for Cinematography, to be able to make this film
without a proper budget, nearly without any money, the same way
it happened with my first feature, Hooked.”
[email protected]
www.versatile-films.com
42
SOMMARIO
vive e lavora a Bucarest. Nel 2007
il suo cortometraggio Waves ha vinto
il Pardino d’oro per il miglior
cortometraggio internazionale a
Locarno, mentre il primo
lungometraggio Hooked (2008),
presentato alle Giornate degli autori
della Mostra di Venezia, lo ha
consacrato come una delle voci
più significative del nuovo cinema
rumeno postcomunista. Da allora
i suoi lavori hanno ottenuto
riconoscimenti da festival
internazionali come il Sundance,
la Berlinale, i festival di Chicago,
Locarno e Sarajevo. In questa
edizione del Torino Film Festival,
oltre a essere membro della giuria
del concorso Torino 34, presenta
anche il film Fixeur (2016).
lives and works in Bucharest. In 2007
the short film Waves brought him the
Golden Leopard of Tomorrow at the
Locarno Film Festival. His debut
feature film, Hooked, premiered at
Venice Days in 2008 and established
him as one of the most important new
voices in Romanian post-communist
cinema. Since then, his films have
won recognition at festivals such as
Sundance, Berlinale, Chicago, Locarno
and Sarajevo. In this 2016 edition of
the Torino Film Festival, he is also a
member of the jury of the Official
Competition and he presents another
film, The Fixer (2016).
Valuri (Waves, cm, 2007), Pescuit
Sportiv (Hooked, 2008), Lord (cm,
2009), Colivia (The Cage, cm, 2009),
Din Dragoste, Cu Cele Mai Bune
Intentii (Best Intentions, 2011), Chefu
(House Party, cm, 2009), Domestic
(2012), Counterpart (cm, 2014),
Excursie (Excursion, cm, 2014), Artă
(Art, cm, 2014), Ilegitim (Illegitimate,
2016), Fixeur (2016).
robert greene
KATE PLAYS CHRISTINE
PREMIO CIPPUTI
Usa, 2016, HD, 112’, col.
KATE PLAYS
CHRISTINE
regia, soggetto,
sceneggiatura,
montaggio/director, story,
Robert Greene
Sean Price Williams
scenografia/
production design
John Dickson
musica/music
Keegan DeWitt
suono/sound
Rachel Cameron
interpreti/cast
Kate Lyn Sheil, Deanna
Davis, Stephanie Coatney,
Michael Ray Davis, Zachary
Gossel, Holland Hayes,
David Mackey, Linda Roser,
Mike Rubino, Marty
Stonerock, Steve Zurk
Douglas Tirola,
Susan Bedusa
4 Row Films,
Faliro House Productions
Bennett Elliot, Danielle Rosen
TH
**
contatti/contacts
Dogwoof
Luke Brawley
[email protected]
www.dogwoof.com
L’attrice Kate Lyn Sheil deve interpretare una parte molto difficile
nel suo prossimo film: quella di Christine Chubbuck, giornalista
televisiva che nel 1974 si uccise in diretta durante un notiziario.
Un caso unico nella storia della televisione. Il documentarista
Robert Greene segue l’attrice nel difficile lavoro di
immedesimazione, tra le riprese del film, le sedute al trucco,
le discussioni con la madre e i tentativi sempre più dolorosi di
portare sullo schermo la storia e i sentimenti di una donna di
cui, al di fuori del gesto disperato, si sa poco o nulla.
«Erano circa dieci anni che tentavo di fare un film su Christine
Chubbuck, pur sapendo che non avrei potuto affidarmi alla
struttura del documentario tradizionale. Non mi interessava
raccontare, in modo chiaro e univoco, la storia di una donna che
si è suicidata in diretta televisiva. […] Dopo Actress, il mio ultimo
film, ho trovato il modo per farlo, ho trovato un metodo utile a
esprimere le motivazioni ignote alla base del gesto di Christine.
Non ho fatto ricorso a risposte scontate; mi sono immerso nelle
acque torbide tra finzione e documentario».
**
The actress Kate Lyn Sheil has to play a very difficult role in her next
movie: that of Christine Chubbuck, the TV journalist who killed herself
in 1974 during a live news broadcast. A one-of-a-kind event in the
history of television. The documentary filmmaker Robert Greene follows
the actress in her difficult task of identifying with the journalist, during
the shooting of the movie, makeup sessions, discussions with her
mother and her increasingly painful attempt to portray on the screen
the story and the feelings of a woman about whom almost nothing
is known, except for that desperate act.
“I’ve been trying to make a film about Christine Chubbuck for nearly
a decade, but I could never imagine a traditional documentary portrait.
I didn’t want to make a straightforward story about a woman who
committed suicide on live television. […] After my last movie Actress,
however, I found a way in – by jumping into the murky waters between
performance and documentary, I found a method that I thought might
help me express that unknowable quality of Christine Chubbuck’s
actions, without resorting to easy answers.”
43
SOMMARIO
Robert Greene (North Carolina,
Usa, 1976) lavora come regista,
montatore e critico cinematografico.
Ha esordito alla regia con il
cortometraggio The Rehobeth Trilogy
(2002), a cui sono seguiti Ye Are the
Light of the World (Don’t Stare into
the Sun) (2003), Six Videos about
Tourism (2003), Sports: A 12 Part
History (2005), One Dead in Ohio
(2006). Successivamente ha diretto
i documentari Owning the Weather
(2009), proiettato alla Conferenza sui
cambiamenti climatici alle Nazioni
Unite, Kati with an I (2010), il corto
Dry Biscuit (2011) e Fake It So Real
(2012). Con Actress ha partecipato al
Torino Film Festival 2014 nel
concorso Internazionale.doc.
Robert Greene (NC, USA, 1976) is a
director, film editor and movie critic.
He debuted in directing with the short
The Rehobeth Trilogy (2002), which
was followed by Ye Are the Light of
the World (Don’t Stare into the Sun)
(2003), Six Videos about Tourism
(2003), Sports: A 12 Part History
(2005), and One Dead in Ohio
(2006). He later directed the
documentaries Owning the Weather
(2009), screened at the UN Climate
Change Conference, and Kati with an
I (2010), the short Dry Biscuit (2011)
and Fake It So Real (2012). He took
part to the international documentary
competition at the Torino Film Festival
2014 with Actress.
The Rehobeth Trilogy (cm, doc.,
2002), Ye Are the Light of the World
(Don’t Stare into the Sun) (cm, doc.,
2003), Six Videos about Tourism (cm,
doc., 2003), Sports: A 12 Part History
(cm, doc., 2005), One Dead in Ohio
(cm, doc., 2006), Owning the
Weather (doc., 2009), Kati with an
I (doc., 2010), Dry Biscuit (cm, doc.,
2011), Fake It So Real (doc., 2012),
Actress (doc., 2014), Kate Plays
Christine (doc., 2016).
johnny ma
LAO SHI
PREMIO CIPPUTI
Cina-Canada/China-Canada, 2016, HD, 85’, col.
Johnny Ma (Shanghai, Cina, 1982),
trasferitosi in Canada ancora
bambino, ha lavorato nel mondo
della finanza e della moda e dal 2008
ha iniziato a interessarsi anche di
cinema. Laureatosi in regia e
sceneggiatura presso la Columbia
University di New York, ha diretto
i cortometraggi O genio de Quintino
(2011) e A Grand Canal (2013),
proiettati e premiati nei festival di
tutto il mondo. Old Stone, presentato
nella sezione Forum della Berlinale,
segna il suo debutto nel
lungometraggio di finzione.
OLD STONE
regia, soggetto,
story, screenplay
Johnny Ma
Ming Kai Leung
Mike Long
Li Ke
musica/music
Lee Sanders
suono/sound
Sheng Yong
cast and characters
Chen Gang (Lao Shi),
Nai An (Mao Mao),
Wang Hongwei
(il capitano/captain),
Zhang Zebin (Li Jiang),
Luo Xue’er (Xue’er)
Wu Xianjian, Chi-an Lin,
Jing Wang, Sarah Stallard
Maktub Films
**
contatti/contacts
Asian Shadows
Anne-Sophie Lehec
[email protected]
www.chineseshadows.com
Lao Shi, tassista cinese di mezza età, si trova coinvolto in un
incidente automobilistico nel quale un uomo rimane gravemente
ferito. Pur di aiutarlo lo segue all’ospedale e paga le spese
mediche. La situazione, però, prende una piega drammatica:
Lao Shi viene indagato dalla polizia, abbandonato dalla moglie
e dal datore di lavoro, oltre che dalla compagnia assicurativa.
Trovatosi improvvisamente solo, con le cure dell’uomo a gravare
su di lui, scivola lentamente nella solitudine e nel crimine,
lasciandosi travolgere dall’atmosfera di disperazione e cinismo
che sembra aver inghiottito l’intero Paese.
«Con Old Stone cerco di esprimere qualcosa che avverto da molto
tempo; il fatto, cioè, che nella nostra società è sempre più difficile
compiere buone azioni. Ciascuno pensa ai propri interessi invece
di curarsi degli altri. Lo scopo del film non è lanciare delle accuse
dirette: semmai vorrei riflettere su quello che sta succedendo.
L’uomo contemporaneo è ormai abituato
a comportarsi in modo inumano».
**
Lao Shi, a middle-aged Chinese taxi driver, is involved in a car
accident which seriously injures a man. To help him, he follows the
man to the hospital and pays his medical bills. But the situation
takes a dramatic turn: Lao Shi is investigated by the police and
abandoned by his wife and his employer, as well as by his insurance
company. He finds himself alone, responsible for the man’s medical
care, and he slowly slips into solitude and crime, overwhelmed by
the atmosphere of desperation and cynicism which seems to have
engulfed the entire country.
“To me, the Old Stone story is my way of expressing what I had felt
for a long time that, in our society, it is harder and harder for people
to do good deeds. Everyone looks after their own interest first before
considering anyone else. It is not my goal to point fingers with this
film. I only want to reflect the reality of what is happening in our
society. That the man of the modern time is practical to the point
of being inhumane.”
44
SOMMARIO
Johnny Ma (Shanghai, China, 1982)
moved to Canada as a young boy,
worked in finance and fashion, and
became involved in the world of film
in 2008. He graduated in directing and
screenwriting from Columbia University
in New York and directed the shorts
O genio de Quintino (2011) and
A Grand Canal (2013), which were
screened and awarded prizes at festivals
throughout the world. Old Stone,
presented in the Forum section at the
Berlin Film Festival, marks his debut
in fiction feature films.
O genio de Quintino (cm, 2011),
A Grand Canal (cm, 2013), Lao Shi
(Old Stone, 2016).
elisabetta sgarbi
LA LINGUA DEI FURFANTI
ROMANINO IN VALLE CAMONICA
THE
LANGUAGE OF
ROGUES
ROMANINO IN
VALLE CAMONICA
regia/director
Elisabetta Sgarbi
soggetto/story
Giovanni Reale,
Eugenio Lio
Elio Bisignani,
Andres Arce Maldonado
Andres Arce Maldonado,
Elisabetta Sgarbi
scenografia/
production design
Luca Volpatti
Betty Wrong
**
contatti/contacts
Elisabetta Sgarbi
www.bettywrong.com
Elisabetta Sgarbi compone in un unico film il ciclo di affreschi
che Romanino realizzò, tra il 1532 e il 1541, a Pisogne, a Breno,
a Bienno, in val Camonica. La regista prende sul serio lo scambio
di vita e forma che sprigiona l’energia degli affreschi di Romanino:
torna tra le case e tra la gente di quei borghi che anche il pittore
doveva aver osservato a lungo e, infine, ritratto; li rimette all’opera
e li tratta come pittura, per dare nuova vita alla pittura già
impetuosa di Romanino.
«Un film ininterrotto, questo, che mi segue da anni. Anzi da cui
sono inseguita da anni, da prima di conoscere la valle Camonica,
da prima di conoscere Romanino: da quando mio zio Bruno, mia
madre Rina, e poi mio fratello Vittorio, si arrampicavano sin lassù,
precedendomi. Così che questo film, così personale nei modi, mi
sembra una strana biografia familiare, un mio nascosto romanzo
di formazione, che ho condiviso con un altro amico e compagno
di avventure, Giovanni Reale».
**
In this movie Elisabetta Sgarbi gathers the cycle of frescos that
Romanino realized between 1532 and 1541, in Pisogne, Breno and
Bienno, in val Camonica, Italy. That exchange between life and form
that Romanino’s frescos emanate in the three churches is taken
seriously. Coming back between the houses and the people of those
villages, that Romanino too must have observed for long, and, in the
end, portrayed, they are put at work again and managed as painting,
to give new life to Romanino’s already wild painting.
“This is a continuous movie, that I’ve been following for years.
Or rather, that has been following me for years, even before knowing
valle Camonica, even before knowing Romanino: since my uncle Bruno,
my mother Rina, and my brother Vittorio then, used to climb up there,
forerunning me. So that this movie, so personal in the tones, seems to
me like a strange family biography, a kind of my hidden coming of age
novel, that I’ve shared with another friend and partner in many
adventures, Giovanni Reale.”
45
SOMMARIO
Elisabetta Sgarbi (Modena), direttrice
e creatrice della casa editrice La nave
di Teseo, ha esordito alla regia nel
1999. Ha ideato il festival La
Milanesiana, letteratura musica
cinema scienza arte filosofia e teatro,
e da quattordici anni ne cura la
direzione artistica. I suoi film hanno
partecipato ai più importanti
festival cinematografici del mondo,
come quelli di Venezia, Locarno,
Cannes, Roma, Londra e New York.
Nel corso degli anni ha presentato
diversi lavori al Torino Film Festival,
tra i quali, in concorso, l’esordio nel
lungometraggio, Notte senza fine
(2004). Il suo terzo lungometraggio
di finzione, Colpa di comunismo, è
stato in concorso alla scorsa edizione
del Festival.
Elisabetta Sgarbi (Modena, Italy),
creator and director of the publishing
house La nave di Teseo, debuted in
directing in 1999. She created and
for fourteen years has been the artistic
director of the festival La Milanesiana,
literature music cinema science art
philosophy and theatre. Her films
have participated at the world’s most
important film festivals, including
Venice, Locarno, Cannes, Rome,
London and New York. She
participated many times at the
Torino Film Festival, where she has
presented various works, including,
in competition, her debut feature film,
Notte senza fine (2004). Her third
feature film, Colpa di comunismo,
was in competition during the last
edition of the Festival.
Frammenti di una biografia per versi
e voce (cm, 1999), Projeto meninos
de luz (cm, 2000), (non sempre) merci
beaucoup (cm, 2000), La consolazione
e la spina dolorosa (cm, 2001), Alladin
Flash(-back) (cm, 2001), Belle di notte
(mm, 2001), La notte che si sposta Gianfranco Ferroni (mm, 2002), Rue
de Varenne (cm, 2002), Notte senza
fine (2004), Due contro una (mm,
doc., 2005), NevicheRò (2006),
Il pianto della statua (mm, 2007),
L’ultima salita - La Via Crucis di
Beniamino Simoni (doc., 2009),
Deserto Rosa - Luigi Ghirri (doc.,
2009), Cosa è l’avanguardia? (doc.,
2011), L’invenzione di Ariosto - Tullio
Pericoli (2011), Racconti d’amore
(2013), Per soli uomini (2014), Il pesce
siluro è innocente (2014), Il pesce rosso
dov’è? (2015), Colpa di comunismo
(2015).
logan sandler
LIVE CARGO
Usa, 2016, HD, 88’, bn/bw
LIVE CARGO
regia/director
Logan Sandler
story, screenplay
Thymaya Payne,
Logan Sandler
Daniella Nowitz,
Peter Zuccarini
Nick Ellsberg,
Garret Price
musica/music
The Blair Brothers
scenografia/
production design
Emmeline Wilks-Dupoise
cast and characters
Dree Hemingway (Nadine),
Keith Stanfield (Lewis),
Robert Wisdom (Roy), Sam
Dillon (Myron), Leonard
Earl Howze (Doughboy),
Frantz Lecoeur (Jean-Pierre)
Thymaya Payne,
Logan Sandler,
Rene Bastian,
Lauren Brady,
Mortimer Canepa,
Randolph Hearst Harris,
Tina Preschitz
SimonSays Entertainment
**
contatti/contacts
Logan Sandler
[email protected]
www.livecargomovie.com
Nadine e Lewis hanno appena perso il bambino che tanto
aspettavano. Nel tentativo di guarire la ferita e ricucire lo strappo
che si sta consumando, si concedono una vacanza in una remota
isola delle Bahamas, dove la famiglia di Nadine possiede da anni
una casa. Un luogo meraviglioso, e per la ragazza carico di ricordi.
Ma dietro l’apparente quiete del paradiso tropicale, si nascondono
conflitti insanabili e trame ignote: da un lato c’è Roy, l’anziano
patriarca che governa l’isola, e dall’altro lo spietato Doughboy, boss
del locale traffico di esseri umani, che vorrebbe espandere il
proprio giro d’affari. In mezzo il giovane e ingenuo Myron, plagiato
da Doughboy e attratto da Nadine. Per la coppia è una discesa
all’inferno.
«Sono in parte cresciuto in queste isole e volevo fare un film che
avesse lo stesso sentore, che presentasse le sottili differenze e gli
intrighi che danno alle Bahamas la sua vibrazione carica di vita.
Al tempo stesso, mi interessava proporre un dramma ben
congegnato, che desse soddisfazione allo spettatore, ricco di
tensione fin dall’inizio».
**
Nadine and Lewis have just lost the child they had waited so long for.
In an attempt to heal the wound and make peace, they go on vacation
to a remote island in the Bahamas, where Nadine’s family has owned
a house for years. It is a marvelous place, full of memories for the
young woman. But behind the apparent tranquility of the tropical
paradise, irreconcilable conflicts and mysterious intrigue lurk. On the
one hand, there is Roy, the ancient patriarch who rules the island; on
the other, there is Doughboy, the merciless boss of the local human
trafficking activities, who would like to expand his business. In the
middle there is young, naïve Myron, subjugated by Doughboy and
attracted to Nadine. It is a descent into hell for the couple.
“I grew up part time in these islands and I wanted to create a film
that was in tune with the subtle distinctions and particular
machinations that make the islands hum and come to life, while at
the same time delivering to our audience a satisfying drama ripped
from the headlines.”
46
SOMMARIO
Logan Sandler ha studiato
produzione cinematografica presso
la Loyola Marymount University’s
School of Film and Television,
diplomandosi nel 2011 con il
cortometraggio All It Will Ever Be.
Successivamente si è perfezionato
in regia presso l’American Film
Institute, dove ha concluso gli studi
nel 2014 presentando il corto Tracks.
Con Live Cargo, suo lungometraggio
d’esordio, ha partecipato al Tribeca
Film Festival 2016. Attualmente sta
lavorando a un nuovo progetto, per
ora intitolato Bela, e al pilot di una
serie televisiva ambientata a Miami.
Logan Sandler studied film production
at Loyola Marymount University’s
School of Film and Television,
graduating in 2011 with the short
All It Will Ever Be. He later specialized
in directing at the American Film
Institute, where he completed his
studies in 2014, presenting the short
Tracks. Live Cargo, his debut feature
film, participated at the 2016 Tribeca
Film Festival. He is presently working
on a new project, provisionally entitled
Bela, and on the pilot of a new TV
series set in Miami.
All It Will Ever Be (cm, 2011),
Tracks (cm, 2014), Live Cargo (2016).
© S I D O N I E P O N TA N I E R
antonin peretjatko
LA LOI DE LA JUNGLE
Antonin Peretjatko (Francia, 1974)
si è laureato alla Scuola di cinema
Louis Lumière e ha diretto diversi
cortometraggi e mediometraggi, tra
cui L’heure de pointe, Changement
de trottoir, French Kiss, L’opération de
la dernière chance e Vous voulez une
histoire? Dopo aver realizzato i
making of dei film di Jacques Audiard
Il profeta e Un sapore di ruggine e ossa,
nel 2013 ha diretto il suo primo
lungometraggio, La fille du 14 juillet.
STRUGGLE
FOR LIFE
regia/director
Antonin Peretjatko
Antonin Peretjatko, Frederic
Ciriez, Maud Ameline
Simon Roca
Antonin Peretjatko,
Xavier Sirven
scenografia/
production design
Yann Megard,
Serge Fernandez
Sidonie Pontanier
suono/sound
Fabrice Osinski, Julien Roig,
Vincent Verdoux
cast and characters
Vincent Macaigne
(Châtaigne), Vimala Pons
(Tarzan), Pascal Légitimus
(Duplex), Mathieu Amalric
(Galgaric), Fred Tousch
(Friquelin), Rodolphe Pauly
(Damien), Jean-Luc Bideau
(Rosio), Pascal Tagnati
(Ulrich), Thomas De
Pourquery (Georges),
Philippe Laudenbach
(De Rostiviec)
produttore/producer
Alice Girard
Rectangle Productions
France 3 Cinema,
Orange Studio,
Scope Pictures,
Imav Editions,
Chaya Films
**
contatti/contacts
Be For Films
Pamela Leu
[email protected]
www.beforfilms.com
47
SOMMARIO
Quando il governo francese decide di lanciare il turismo invernale
nei suoi territori in Guiana, spedisce l’impacciato funzionario del
ministero delle normative e degli standard, Marc Châtaigne, a
supervisionare la costruzione delle piste da sci. Approdato in
America centrale, lo sprovveduto burocrate si trova a fare i conti
non solo con la scarsa ospitalità della giungla, ma anche con una
collega dall’aspetto provocante e dall’attitudine poco collaborativa.
«Volevo una sceneggiatura più lineare del solito, che si esprimesse
sullo schermo in tutta la sua pienezza, con personaggi più forti
e diversi registri di recitazione. Rispetto al mio lavoro precedente,
La fille du 14 juillet, che non era un film di attori, ho cercato di
approfondire soprattutto l’aspetto della recitazione. La loi de la
jungle, invece, è sia un film d’autore sia un film di attori. Vedendolo,
abbiamo fiducia nei personaggi, vogliamo essere con loro oppure
essere loro. È stata un’occasione per approfondire il mio lavoro
con Vimala Pons e Vincent Macaigne: ho preteso moltissimo,
perché dessero più di loro stessi».
**
When the French government decides to promote winter tourism in
its territories in Guyana, it sends Marc Châtaigne, a clumsy functionary
from the Ministry of Regulations and Standards, to supervise
construction of a ski slope. After landing in Central America, the
inexperienced bureaucrat finds himself dealing not only with the
meager hospitality of the jungle, but also with a colleague whose
looks are provocative but whose attitude is less than collaborative.
“I wanted a screenplay that would be more linear than what
I habitually do, yet would express its full scope on screen with stronger
characters and a wider range in terms of acting register. I wanted to
dig deeper into the acting than I had with La fille du 14 juillet, which
clearly wasn’t an actors’ film. I feel that Struggle for Life is both a
director’s film and an actors’ film. We believe in the characters, we
want to be with them or to be them. The movie gave me the
opportunity to deepen my work with Vimala Pons and Vincent
Macaigne. I wanted them to give me more of themselves.”
Antonin Peretjatko (France, 1974)
graduated from Louis Lumière Film
School, and directed several short and
medium-length films such as Rush
Hour, Changement de trottoir,
French Kiss, L’opération de la
dernière chance and Vous voulez
une histoire? After directing two
“making-of” for Jacques Audiard
(A Prophet and Rust and Bone),
he made his first feature film in 2013,
La fille du 14 juillet.
La montagne égrenée (cm, doc.,
1998), L’heure de pointe (cm, 2002),
Changement de trottoir (cm, 2004),
French Kiss (cm, 2004), L’opération de
la dernière chance (cm, 2006), Paris
monopole (cm, 2010), Les secrets de
l’invisible (cm, 2011), La fille du 14
juillet (2013), Vous voulez une histoire?
(cm, 2014), La loi de la jungle (2016).
brillante ma mendoza
MA’ ROSA
Filippine/Philippines, 2016, HD, 110’, col.
MA’ ROSA
regia/director
Brillante Ma Mendoza
story, screenplay
Troy Espiritu
Odyssey Flores
Diego Marx Dobles
scenografia/
production design
Dante Mendoza
musica/music
Teresa Barrozo
suono/sound
Albert Michael Idioma
cast and characters
Jaclyn Jose (Ma’ Rosa),
Julio Diaz (Nestor),
Felix Roco (Jackson),
Andi Eigenmann (Raquel),
Kristofer King (Jomas),
Mercedes Cabral (Linda),
Jomari Angeles (Erwin),
Maria Isabel Lopez (Tilde)
produttore/producer
Loreto Larry Castillo
Center Stage Productions
**
contatti/contacts
Films Distribution
Joris Boyer
[email protected]
www.filmsdistribution.com
Ma’ Rosa ha quattro figli. Per vivere gestisce un piccolo discount
in uno dei quartieri più poveri di Manila, dove è amata da tutti.
Purtroppo gli affari non vanno a gonfie vele, quindi lei e il marito
Nestor, per arrotondare, spacciano droga fuori dal negozio.
Un giorno finiscono al centro di una retata e vengono arrestati.
Pur di aiutare i genitori a uscire di galera i figli sono disposti a
tutto, anche a comprare la libertà dalla polizia corrotta, secondo
un sistema diffuso e accettato. La cifra che però viene richiesta
è di gran lunga al di sopra delle possibilità della famiglia di Ma’
Rosa. Come fare a procurarsela? Ogni mezzo sembra accettabile,
anche quelli meno ortodossi. Ispirato a un fatto vero.
«Ma’ Rosa è probabilmente il film più difficile che abbia fatto
da tempo, a causa dell’argomento sensibile affrontato. Abbiamo
svelato un’altra tipologia di corruzione all’interno della polizia
filippina, ormai evidente a tutti. Ciò che mostriamo, infatti, è
divenuto pratica comune in qualsiasi distretto della capitale delle
Filippine».
**
Ma’ Rosa has four children. She owns a small convenient store in
one of the poorest neighborhoods of Manila where everybody likes her.
Business isn’t going too well so, to make ends meet, Rosa and her
husband Nestor resell small amounts of narcotics on the side. One day,
they get arrested. Rosa’s children are ready to do anything to buy their
parents’ freedom from the corrupt police, a widely accepted practice.
But the bribe is more what Ma’ Rosa’s family can afford. How will
they put that sum of money together? Finding themselves in a
desperate situation, they will resort to anything to reach their goal,
even by the most unconventional means. Based on a true story.
“Ma’ Rosa is perhaps one of the most difficult films I’ve done so far
because of the sensitivity of the topic. We are exposing another
paradigm of the corrupt police system in the Philippines, which is
so rampant. What we are showing has become common practice
in every district of the capital of the Philippines.”
48
SOMMARIO
Brillante Ma Mendoza (San Fernando,
Filippine, 1960) ha esordito nel
lungometraggio con The Masseur, con
cui ha vinto il Pardo d’oro a Locarno
nel 2005, mentre nel 2006 ha diretto
The Teacher, vincitore del premio
CinemAvvenire al Torino Film Festival.
Nel 2008 ha ottenuto il premio
Caligari alla Berlinale con Slingshot
e nello stesso anno ha partecipato
in concorso a Cannes con Service.
Nel 2009 ha partecipato al Torino
Film Festival con Kinatay - Massacro,
dopo aver vinto il premio per la
migliore regia a Cannes. Ha poi
diretto, tra gli altri, Lola (2009),
presentato in concorso a Venezia,
Captive (2012), in concorso a Berlino,
Thy Womb (2012), ancora in
competizione a Venezia, e Trap
(2015), menzione speciale della
giuria di Un certain regard a Cannes.
Con Ma’ Rosa (2016) ha nuovamente
partecipato in concorso a Cannes,
regalando all’interprete Jaclyn Jose
il premio per la migliore attrice.
Brillante Ma Mendoza (San Fernando,
Philippines, 1960) made his debut with
the feature The Masseur, that received
the Golden Leopard in Locarno in 2005,
and in 2006 The Teacher won the
CinemAvvenire Award at the Torino
Film Festival. Slingshot got him a
Caligari Film Award in Berlin in 2008.
The same year he presented Service
in competition in Cannes. He
participated to the Torino Film Festival
in 2009 with Kinatay shortly after
winning Best Director in Cannes.
He made several more movies in the
following years, including: Lola (2009,
in competition in Venice), Captive (2012,
in competition in Berlin), Thy Womb
(2012, also presented in Venice), and
Trap (2015, Special Mention from the
jury of the section Un certain regard
in Cannes). His latest film Ma’ Rosa
(2016) also participated in the
competition in Cannes this year, where
Jaclyn Jose received the award for
Best Actress.
Masahista (The Masseur,
2005), Kaleldo (Summer Heat,
2006), Manoro (The Teacher, 2006), Foster Child (2007), Tirador (Slingshot,
2007), Serbis (Service, 2008),
Kinatay (Kinatay - Massacro, 2009),
Lola (2009), 60 Seconds of Solitude
in Year Zero (2011), Captive (2012),
Thy Womb (2012), Sapi (2013), Taklub
(Trap, 2015), Asia sanmenkyô (2016),
Ma’ Rosa (2016).
sébastien betbeder
MARIE ET LES NAUFRAGÉS
MARIE AND
THE MISFITS
Sébastien Betbeder
soggetto/story
Louison Pochat
Sylvain Verdet
François Quiqueré
scenografia/
production design
Lionel Acat
musica/music
Sébastien Tellier
suono/sound
Jérôme Aghion
cast and characters
Pierre Rochefort (Siméon),
Vimala Pons (Marie),
Eric Cantona (Antoine),
Damien Chapelle (Oscar),
André Wilms (Cosmo),
Emmanuelle Riva
(Suzanne),
Wim Willaert (Wim)
produttore/producer
Frédéric Dubreuil
Envie de Tempête
Productions
**
contatti/contacts
Alpha Violet
Keiko Funato
[email protected]
www.alphaviolet.com
Antoine l’aveva avvertito: Marie è pericolosa. Ma ciò non impedisce
a Siméon di abbandonare tutto per seguirla. Un “tutto” che non è
molto, visto che la storia con Béatrice è finita e la rivista per cui
lavorava ha chiuso. Siméon decide quindi di lasciare Parigi e
andare in Bretagna, sull’isola di Groix. Tuttavia, se pensava di
iniziare un’avventura a due, si sbagliava: anche Oscar, il suo
coinquilino musicista e sonnambulo, e lo stesso Antoine, scrittore
in crisi d’ispirazione, sbarcano sull’isola. L’involontario quartetto
parigino si trova così immerso in un luogo totalmente diverso, con
personaggi tutti da scoprire.
«Ho iniziato a pensare al film durante la postproduzione di 2
automnes 3 hivers. La spinta è stata il desiderio utopico di costruire
un film in cui tocca ai personaggi far avanzare la storia. Ho deciso
allora che l’età dei protagonisti sarebbe stata leggermente
maggiore rispetto all’altro film, come se Marie e Siméon fossero i
fratelli più grandi di Arman e Amélie. Mi interessava vedere come
avrebbero influenzato la trama, o come sarei riuscito a renderli
responsabili della narrazione».
**
Antoine had warned him: Marie is dangerous. But this doesn’t keep
Siméon from dropping everything to follow her. This “everything” isn’t
much, since his relationship with Béatrice is over and the magazine he
works for has folded. So Siméon decides to leave Paris and go to the
island of Groix, in Bretagne. However, if he had been thinking about
starting an adventure à deux, he was wrong: Oscar, his musician and
sleep-walking flatmate, and even Antoine, an author with writer’s
block, also come to the island. The involuntary Parisian quartet thus
find themselves immersed in a completely different environment with
new people to discover.
“I began thinking about the film during the post-production of 2
automnes 3 hivers. I was driven by the utopian desire to construct
a movie in which the characters themselves would have to develop
the story. So I decided that the protagonists would be slightly older than
in the other movie, as though Marie and Siméon were the elder siblings
of Arman and Amélie. I was interested in seeing how they would
influence the plot, or how I would manage to make them responsible
for the narration.”
49
SOMMARIO
Sébastien Betbeder (Pau, Francia,
1975), formatosi a Le Fresnoy, ha
realizzato diversi cortometraggi, tra
cui Les mains d’Andréa (2006). Nello
stesso anno ha diretto il suo primo
lungometraggio, Nuage, selezionato
a Locarno. Nel 2008 ha presentato
a Torino La vie lointaine e l’anno
successivo il corto Toutes les
montagnes se ressemblent, diretto
con Christelle Lheureux. Nel 2010
ha girato Yoshido (Les autres vies),
selezionato da numerosi festival,
tra cui quelli di Parigi e Rotterdam.
Nel 2012 ha partecipato alla sezione
Onde con Les nuits avec Théodore e
l’anno successivo, sempre a Torino,
ha ricevuto il premio speciale della
giuria per 2 automnes 3 hivers (2013).
Sempre al Festival, nel 2014 ha
presentato il corto Inupiluk.
Quest’anno presenta al Festival
anche il lungometraggio Le voyage
au Groenland.
Sébastien Betbeder (Pau, France,
1975) studied at Le Fresnoy and has
made numerous shorts, including Les
mains d’Andréa (2006). That same
year, he directed his first feature film,
Nuage, selected at Locarno. In 2008,
he presented La vie lointaine at the
Torino Film Festival, and the next year
the short Toutes les montagnes se
ressemblent, directed in collaboration
with Christelle Lheureux. In 2010,
he shot Yoshido (Les autres vies),
selected in Paris and Rotterdam.
In 2012 premiered with Les nuits avec
Théodore at Onde section, and the
following year he won in Turin the
Jury Special Prize with 2 automnes 3
hivers. In 2014 he presented in Turin,
the short Inupiluk.In 2016 Festival he
also presents his feature Le voyage au
Groenland.
La fragilité des revenants (cm, 1999),
Le haut mal (cm, 2000), Des voix
alentour (cm, 2003), Nu devant un
fantôme (cm, 2005), Les mains
d’Andréa (cm, 2006), Nuage (2007),
La vie lointaine (mm, 2008), Toutes
les montagnes se ressemblent
(coregia/codirector Christelle
Lheureux, cm, 2009), The Unbroken
Line (cm, 2010), Yoshido (Les autres
vies) (mm, 2010), Sarah Adams
(cm, 2011), Les nuits avec Théodore
(2012), 2 automnes 3 hivers (2013),
Inupiluk (cm, 2014), Le film que nous
tournerons au Groenland (cm, 2015),
Marie et les naufragés (2016),
Le voyage au Groenland (2016).
sacha wolff
MERCENARIE
Sacha Wolff (Strasburgo, Francia
1981) ha studiato presso la scuola
di cinema La Fémis di Parigi.
Amante del documentario, oltre che
del cinema di finzione, ha scritto e
diretto i cortometraggi Does It Make
a Sound? (2006) e Retour (2007).
Con Mercenaire (2016) ha fatto il suo
MERCENARY
regia, soggetto,
story, screenplay
Sacha Wolff
Samuel Lahu
Laurence Manheimer
musica/music
Luc Meilland
suono/sound
Julien Sicart
cast and characters
Toki Pilioko (Soane), Iliana
Zabeth (Coralie), Laurent
Pakihivatau (Abraham),
Mikaele Tuugahala (Sosefo),
Petelu Sealeu (Leone),
Maoni Talalua (Tomasi),
Teotola Maka (Epiphania)
Timshel Productions,
3B Productions
Arte Cinéma France
**
contatti/contacts
Be For Films
Pamela Leu
[email protected]
www.beforfilms.com
Grazie all’intercessione del viscido Abraham, Soane si trasferisce
dalla nativa Polinesia in Francia per diventare rugbista
professionista. A causa di un errore finisce in una squadra
di seconda categoria. Sebbene sia un cittadino francese, si
ritrova presto emarginato ed è costretto a subire l’avversione
di chi lo considera soltanto un giocatore di rugby.
«La traiettoria del viaggio di Soane è condizionata anche dai
fattori storici che tuttora caratterizzano i rapporti tra l’Oceania
e gli antichi colonizzatori, gli europei. Il legame poco chiaro con
Abraham, che da tutore e figura salvifica diventa un trafficante
senza scrupoli, è funzionale al tema e illustra le difficoltà di far
coesistere i valori tradizionali polinesiani con quelli occidentali.
I giocatori di rugby di oggi sono i discendenti delle vittime della
tratta degli schiavi di ieri, rapiti dai capitani delle navi europee e
condannati a una schiavitù camuffata da lavoro che li costringeva
a vivere in condizioni disumane in giro per il mondo».
**
Through the intercession of shifty Abraham, Soane moves from his
native Polynesia to France to become a professional rugby player.
Because of a mishap he ends up on a second-rate team. Even though
he is a French citizen, he soon finds himself marginalized and must
suffer the aversion of those who consider him nothing more than
a rugby player.
“The trajectory of Soane’s journey is also conditioned by History,
which haunts the relationship between the Oceanians and the
former colonizers, the Europeans. His ambivalent relationship with
Abraham, who goes from protector and savior to unscrupulous
smuggler and blackmailer, works along these lines and illustrates
the complexity of adapting Polynesian traditional values to Western
values. Rugby men today are heirs to the descendants of blackbirding
victims, people subjected to disguised slavery by white boat captains
who captured and forced them to work as slaves in unhuman
conditions all over the world.”
50
SOMMARIO
Sacha Wolff (Strasburg, France, 1981)
studied at the film school La Fémis
in Paris. Enraptured with
documentaries and fiction films, he
has written and directed the shorts
Does It Make a Sound? (2006)
and Retour (2007). Mercenaire
(2016) is his debut feature film.
Does It Make a Sound? (cm, 2006),
Retour (cm, 2007), Mercenaire
(2016).
© JEFF VESPA
chad hartigan
MORRIS FROM AMERICA
Germania-Usa/Germany-USA, 2016, HD, 89’, col.
MORRIS FROM
AMERICA
Chad Hartigan
Sean McElwee
Anne Fabini
scenografia/
production design
Babett Klimmeck
Nana Kolbinger
musica/music
Keegan DeWitt
cast and characters
Markees Christmas
(Morris Gentry),
Craig Robinson
(Curtis Gentry),
Carla Juri
(Inka Meinart),
Jakub Gierszał (Pierre),
Lina Keller (Katrin)
Martin Heisler,
Adele Romanski,
Sara Murphy,
Gabriele Simon
Arek Gielnik
**
contatti/contacts
Visit Films
Joe Yanick
[email protected]
www.visitfilms.com
Il tredicenne afroamericano Morris ha qualche problema: oltre a
essere nel pieno della pubertà e con qualche chilo di troppo, si è
appena trasferito con il padre nella cittadina universitaria di
Heidelberg, in Germania, non certo famosa per socievolezza e
apertura degli abitanti. Per sua fortuna, a fare da eccezione c’è
Katrin, due anni più grande, con la quale Morris condivide la
passione per l’hip-hop. Riuscirà Morris a integrarsi nella nuova città
e magari, con l’aiuto di Katrin, a diventare il nuovo Notorious B.I.G.
della Germania?
«Avevo in testa di girare un coming of age su quell’esperienza tutta
particolare che è il primo amore. Poi, a un certo punto, mi è venuta
l’idea di un personaggio di colore, e subito mi è sembrato che tutto
tornasse. Non mi veniva in mente nessun altro film che avesse
come protagonista maschile un ragazzo nero nel tipo di situazione
che descrivo, o con quel tipo di sensibilità. Tutte queste cose fanno
di Morris un personaggio unico».
**
Morris, thirteen years old and black, has a couple of problems: besides
being in the throes of puberty and slightly overweight, he and his father
have just moved to the university town of Heidelberg, Germany, which
isn’t famous for the sociability and openness of its inhabitants. Luckily,
the exception is Katrin, two years older, with whom Morris shares a
passion for hip-hop. Will Morris manage to integrate into the new
city and maybe, with Katrin’s help, become the new Notorious B.I.G.
of Germany?
“I knew I wanted to make a coming of age movie about that particular
first love experience, and then, somewhere along the lines, the idea to
make the character black came into my head and really made sense.
I couldn’t think of any other movies that had a young, black, male
protagonist that would be in the kinds of situations this story had,
or had this type of sensitivity. It made Morris unique.”
51
SOMMARIO
Chad Hartigan (Nicosia, Cipro, 1982)
è un regista e attore indipendente
nato da padre irlandese e da madre
americana. Dopo aver frequentato la
North Carolina School of the Arts,
con indirizzo cinema, nel 2006 ha
partecipato al film di Aaron Katz
Dance Party USA e nel 2008 ha
scritto e diretto il suo primo
lungometraggio, Luke and Brie Are on
a First Date, presentato al Hamptons
International Film Festival e alla base
del remake latinoamericano Luna en
Leo (2013). Nel 2013 This Is Martin
Bonner, suo secondo film, è stato
presentato in anteprima al Sundance
Film Festival, dove ha vinto il premio
del pubblico Best of Next, e al Torino
Film Festival.
Chad Hartigan (Nicosia, Cyprus, 1982)
is an Irish, American independent
filmmaker and actor with Irish father
and American mother. After attending
the North Carolina School of the Arts,
School of Filmmaking, in 2006 he
participated in the movie by Aaron
Katz, Dance Party USA. In 2008 he
wrote and directed his first feature,
Luke and Brie Are on a First Date,
which premiered at the Hamptons
International Film Festival and went
on to spawn a Latin American remake
in 2013 called Luna en Leo. His second
feature, This Is Martin Bonner,
premiered at the 2013 Sundance Film
Festival where it won the Audience
Award for Best of NEXT and was
screened also at Torino Film Festival.
Luke and Brie Are on a First Date
(2008), This Is Martin Bonner (2013),
Morris from America (2016).
steve della casa, chiara ronchini
NESSUNO CI PUÒ GIUDICARE
Italia/Italy, 2016, video, 83’, bn/bw-col.
NESSUNO
CI PUÒ
GIUDICARE
regia/directors
Steve Della Casa,
Chiara Ronchini
montaggio/film edior
Chiara Ronchini
Filippo Genovese suono/sound Marco Furlani
interpreti/cast
Don Backy,
Caterina Caselli,
Tony Dallara,
Ricky Gianco,
Mal,
Rita Pavone,
Gianni Pettenati,
Shel Shapiro,
Piero Vivarelli,
Massimo Scarafoni
produzione, distribuzione/
production, distribution
Cinecittà Luce
**
contatti/contacts
Cinecittà Luce
Marlon Pellegrini
[email protected]
www.cinecittaluce.it
52
SOMMARIO
Goffredo Lombardo, il patron della Titanus, diceva che i film con
Gianni Morandi e Caterina Caselli negli anni Sessanta avevano
salvato la sua casa produttrice. I loro film, effettivamente,
costavano poco e incassavano tantissimo. Per la prima volta la
canzone italiana, che fino a quel momento anche nel cinema era
rivolta a tutta la famiglia, guardava a un pubblico decisamente più
giovane. La stessa cosa succedeva con i film dei cosiddetti
«urlatori»: Adriano Celentano, Mina, Tony Dallara. A metà anni
Sessanta il consumo giovanile della cultura era un fenomeno così
significativo da anticipare la contestazione che sarebbe poi esplosa
nel Sessantotto. Il documentario racconta con la viva voce dei
protagonisti di allora e con la ricchezza degli archivi dell’Istituto
Luce la complessità del fenomeno. In quell’epoca, film semplici
e di poche pretese diventarono lo specchio di una generazione
e la cartina di tornasole di un’Italia in pieno cambiamento. Come
diceva Pasolini, dopo il boom economico il Paese non era più lo
stesso. E anche quei film hanno contribuito a cambiarlo.
**
Goffredo Lombardo, the owner of Titanus, said that the movies made
in the 1960s starring Gianni Morandi and Caterina Caselli had saved
his production company. In fact, their movies cost little to make and
scored big at the box office. For the first time, Italian song, which until
that moment had been entirely directed at families, even in movies,
began to address a decidedly younger audience. The same thing
happened with the so-called “shouters”: Adriano Celentano, Mina,
Tony Dallara. In the mid-1960s, young people’s consumption of culture
was such a significant phenomenon that it anticipated the protests
which would explode in 1968. This documentary uses the viva voce
of the protagonists of the time and the vast archives of the Istituto Luce
to recount the complexity of the phenomenon. During that era, simple,
unpretentious films became the mirror of a generation and the litmus
test of a country undergoing radical change. As Pasolini said, Italy was
no longer the same after the economic boom. And those movies helped
change it.
Steve Della Casa (Torino, 1953), tra
i fondatori del Torino Film Festival,
che ha diretto dal 1999 al 2002, è
stato direttore del Roma Fiction
Fest (2007-2013), presidente della
Film Commission Torino Piemonte
(2005-2013) e al momento è direttore
del Festival Sottodiciotto. Dal 1994
fa parte della squadra di autori
e conduttori della trasmissione
radiofonica Hollywood Party, in onda
su RaiRadio3. Ha pubblicato volumi
su Monicelli, Mattoli, Freda, Argento,
Bellocchio, Risi, sul cinema
mitologico italiano e sull’industria
cinematografica torinese. Come
regista ha realizzato documentari
come Italia ’70 - Il cinema a mano
armata (2004), Uomini forti (2006)
e I tarantiniani (2013), diretto con
Maurizio Tedesco e vincitore di un
Nastro d’argento per il miglior
documentario sul cinema.
Steve Della Casa (Turin, Italy, 1953),
one of the founders of the Torino Film
Festival, which he directed from 1999
until 2002, was the director of the
Roma Fiction Fest (2007-2013),
president of the Film Commission
Torino Piemonte (2005-2013) and
is presently the director of the Festival
Sottodiciotto. Since 1994, he has
been a member of the team of
writers and hosts of the radio show
Hollywood Party, which airs on
RaiRadio3. He has published books
on Monicelli, Mattoli, Freda, Argento,
Bellocchio, and Risi, about Italian
mythological cinema and about Turin’s
film industry. He has directed
documentaries such as Italia ’70 Il cinema a mano armata (2004),
Uomini forti (2006) and I tarantiniani
(2013), codirected with Maurizio
Tedesco and the winner of a Silver
Ribbon for Best Documentary About
Cinema.
Il cinema a mano armata (doc.,
2004), Uomini forti (doc., 2006),
Flaiano: Il meglio è passato (doc.,
2010), Perché sono un genio! Lorenza
Mazzetti (doc., 2016), I tarantiniani
(coregia/codirector Maurizio Tedesco,
doc., 2013), Nessuno ci può giudicare
(coregia/codirector Chiara Ronchini,
doc., 2016).
© ELENA BOSIO
daniele segre
NOME DI BATTAGLIA DONNA
NOME DI
BATTAGLIA
DONNA
regia, soggetto, montaggio/
director, story, film editing
Daniele Segre
Paolo Ceretto, Paolo Ferrari
musica/music
Maria Teresa Soldani
suono/sound
Edgar Iacolenna,
Alessandro Bernard
interpreti/cast
Marisa Ombra,
Carmen Nanotti,
Carla Dappiano,
Gisella Giambone,
Enrica Morbello Core,
Maria Airaudo,
Rosi Marino,
Maddalena Brunero
I Cammelli
**
contatti/contacts
I Cammelli
Daniele Segre
[email protected]
www.danielesegre.it
Durante la Resistenza, nel novembre del 1943, si formarono i
«Gruppi di difesa della donna per l’assistenza ai combattenti per
la libertà». Questi gruppi promuovevano manifestazioni per
rivendicare la pace in città e nei comuni della provincia; le donne
raccoglievano indumenti per i partigiani, confezionavano bandiere
e bracciali, le più anziane tessevano calze di lana e maglie, le più
giovani facevano le gappiste, le staffette o imbracciavano le armi.
Marisa, Carmen, Carla e le altre protagoniste di questo racconto
hanno partecipato alla Resistenza in Piemonte, e ora raccontano
quella stagione illustrandone difficoltà, impegno, perdite, crescite
e conquiste.
«In un tempo di revisionismi, in cui le partigiane e i partigiani sono
dimenticati o ricordati sullo stesso piano dei criminali e torturatori
della X Mas, ho sentito la necessità di esplorare e raccontare il
grande contributo che hanno dato alla liberazione dal nazifascismo.
[…] Il mio è un atto di gratitudine, e confido che il film porti a
riflettere sulla nostra storia, offrendo una serie di ricordi e pensieri
su cosa hanno rappresentato l’impegno e il sacrificio delle donne
nella Resistenza».
**
During the Resistance, in November 1943, the “women’s defense
groups to help the freedom fighters” were formed. These groups
promoted peace demonstrations in the city and the towns in the
province. The women collected clothing for the partisan fighters, they
made flags and wristbands, the older women knitted woolen socks and
sweaters, the younger ones were active in the GAPs (Patriotic Action
Groups), became couriers or bore arms. Marisa, Carmen, Carla and
the other protagonists of this story participated in the Resistance in
Piedmont and reminisce about that period, illustrating their difficulties,
commitment, losses, growth and victories.
“In a time of revisionism, when the Partisan men and women have
been forgotten or are placed on the same level as the criminals and
torturers of the Decima MAS, I felt the need to explore and recount the
great contribution they made to our liberation from Nazi-Fascism. […]
This is an act of gratitude and I hope the film will make people reflect
on our history by offering a series of memories and thoughts about what
the commitment and sacrifice of women in the Resistance represented.”
53
SOMMARIO
Daniele Segre (Alessandria, 1952)
ha iniziato la sua carriera come
fotografo, prima di esordire nella
regia con il documentario Perché
droga nel 1976. Ha quindi pubblicato
il libro fotografico Ragazzi di stadio
e fondato la casa di produzione
I Cammelli. Nel 1983 ha diretto il
lungometraggio di finzione Testadura,
presentato in concorso a Venezia,
a cui sono seguiti, tra gli altri film,
Manila Paloma Blanca, Vecchie,
Mitraglia e il verme, Conversazione
a Porto, Morire di lavoro, Lisetta Carmi
- Un’anima in cammino, presentato
a Venezia nel 2010, e Sic Fiat Italia,
presentato al Torino Film Festival
2011, dove nel 2014 ha portato Il
viaggio di Carlo, ritratto dell’attore
Carlo Colnaghi, e nel 2015 Morituri.
Daniele Segre (Alessandria, Italy, 1952)
began his career in photography, before
debuting as a director in 1976 with the
documentary Perché droga. He
published the book of photographs
Ragazzi di stadio and founded the
production company I Cammelli.
In 1983, he directed the feature-length
fiction movie Testadura, which
competed in Venice. It was followed
by other films, including Manila
Paloma Blanca, Vecchie, Mitraglia
il verme, Conversazione a Porto,
Morire di lavoro, Lisetta Carmi Un’anima in cammino, presented
in Venice in 2010, and Sic Fiat Italia,
which was presented at the 2011 Torino
Film Festival, where in 2014 he also
presented Il viaggio di Carlo, about
the life of the actor Carlo Colnaghi,
and last year Morituri.
Perché droga (coregia/codirector
Franco Barbaro, mm, doc., 1976),
Ragazzi di stadio (mm, doc., 1980),
Testadura (1983), Vite di ballatoio
(mm, doc., 1984), Manila Paloma
Blanca (1992), Come prima, più di
prima, t’amerò (mm, doc., 1995), Sto
lavorando? (mm, doc., 1998), Volti Viaggio nel futuro d’Italia (tv, doc.,
2002), Vecchie (2002), Mitraglia e il
verme (2004), Conversazione a Porto
(doc., 2006), Morire di lavoro (doc.,
2008), Lisetta Carmi - Un’anima
in cammino (mm, doc., 2010),
Je m’appelle Morando - Alfabeto
Morandini (mm, doc., 2010), Sic Fiat
Italia (doc., 2011), Il viaggio di Carlo
(cm, doc., 2014), Morituri (2015).
maha haj
OMOR SHAKHSIYA
Israele/Israel, 2016, HD, 88’, col.
Maha Haj, cresciuta a Nazareth, ha
lavorato come scenografa per diverse
produzioni e contemporaneamente
ha iniziato a occuparsi di regia e
sceneggiatura. Ha esordito nel 2009
con il cortometraggio Oranges e in
seguito scritto e diretto il
documentario Within These Walls
(2010) e lo stesso Personal Affairs
(2016), suo eserdio nel
lungometraggio di finzione.
PERSONAL
AFFAIRS
regia, soggetto,
story, screenplay
Maha Haj
Elad Debi
Véronique Lange
scenografia/
production design
Rabia Safiti
Hamada Atallah
suono/sound
Raja Dubayah
cast and characters
Sanaa Shawahdeh
(Nabeela), Mahmoud
Shawahdeh (Saleh), Doraid
Liddawi (Tarek), Hanan
Hillo (Samar), Ziad Bakri
(Hicham), Amer Hlehel
(George), Maisa Abd
Elhadi (Maysa),
Jihan Dermelkonian
(la nonna/grandmother)
produttore/producer
Baher Agbariya
Majdal Films
Ehab Assal, Monther Haj
**
contatti/contacts
Films Boutique
Giorgia Hueisse
[email protected]
Nazareth. Una coppia matura manda avanti una quotidianità ormai
stanca; neanche l’idea dell’imminente visita al figlio Hicham,
emigrato da tempo in Svezia, li distrae. Dall’altra parte del confine,
a Ramallah, la figlia Samar aspetta un bambino e si prende cura
della nonna, mentre il fratello Tarek non ha alcuna intenzione di
fidanzarsi con Maysa, un’amica di Samar. Il cui marito, invece,
meccanico di professione, si vede proporre un ruolo in un film
americano.
«Lo spazio riflette i personaggi, che hanno personalità molto
diverse anche se appartengono alla stessa famiglia. Ho cercato
di trasmetterlo con le immagini. Hicham, che vive in Svezia, è
in armonia con il mondo. Il candore tranquillo della campagna
contrasta in modo brusco con la confusione di Nazareth e
Ramallah. Non a caso Tarek, il fratello, è vivace e a suo modo
nevrotico, proprio come il posto in cui vive. A Nazareth, i loro
genitori sono provati dalla routine e anche in questo caso la
dimensione domestica funge da specchio. Ciò che mi premeva
era evidenziare queste divergenze attraverso la composizione
delle inquadrature e i colori».
**
Nazareth. An elderly couple goes through the motions of a jaded
existence; not even the idea of the upcoming visit by their son Hicham,
who emigrated to Sweden years earlier, can distract them. On the
other side of the border, in Ramallah, Samar is expecting a baby and
takes care of her grandmother, while her brother Tarek has no intention
of becoming engaged to Maysa, a friend of Samar. Whose husband,
a mechanic, is offered a part in an American movie.
“The space mirrors the characters. They have very different
personalities, even if they belong to the same family. I wanted to
translate that into images. Hicham, who lives in Sweden, is in
harmony with his environment. The country’s quiet whiteness sharply
contrasts with the noise that prevails in Nazareth and Ramallah. Tarek
is dynamic and somewhat neurotic. He is much more like Ramallah.
In Nazareth, the parents are also affected by their daily rut. Domestic
space acts like a mirror here as well. I wanted to highlight these
diverging situations through composition in the frame and colors.”
54
SOMMARIO
Maha Haj, grew up in Nazareth,
worked as a set designer for various
productions and at the same time
became involved in directing and
screenwriting. She debuted in 2oo9
with the short Oranges and later wrote
and directed the documentary Within
These Walls (2010) and Personal
Affairs (2016), which marks her debut
in fiction feature films.
Oranges (cm, 2009), Within These
Walls (doc., 2010), Omor Shakhsiya
(Personal Affairs, 2016).
terence davies
A QUIET PASSION
A QUIET
PASSION
Terence Davies
Florian Hoffmeister
montaggio/ film editing
Pia di Cialua
scenografia/
production design
Merijn Sep
Catherine Marchand
musica/music
Ian Neil
suono/sound
Johan Maertens,
Paul Cotterell
cast and characters
Cynthia Nixon (Emily
Dickinson), Jennifer Ehle
(Lavinia Dickinson), Jodhi
May (Susan Gilbert),
Catherine Bailey (Miss
Vryling Buffam), Emma Bell
(Emily Dickinson da
giovane/as a young woman),
Duncan Duff (Austin
Dickinson), Keith Carradine
(Mr Dickinson)
Roy Boulter, Solon
Papadopoulos
Hurricane Films, Potemkino
Peter De Maegd,
Tom Hameeuw
**
contatti/contacts
Double Dutch International
Lisa Clark
[email protected]
www.doubledutchinternational.com
55
SOMMARIO
Con un padre pervaso di senso del dovere e di responsabilità
civile e una madre dalla salute molto fragile, i fratelli Dickinson,
Emily, Austen e Vinnie, crescono con un forte attaccamento alla
casa e alla famiglia. La guerra civile e l’ossessione per la religione
aprono le prime crepe nella serenità familiare dei Dickinson, con
una giovane Emily, appassionata di poesia, che mostra un animo
ribelle e intransigente. Una fierezza che la porta ad accettare
faticosamente l’amore per un uomo sposato e la relazione
extraconiugale del fratello.
«Non volevo realizzare un ritratto che raffigurasse solamente
cupa tensione o consolazioni solitarie. È vero, Emily era molto
timida, ma possedeva un senso dell’umorismo ironico
e vivace e amava ridere, o chi fosse in grado di farla ridere.
E amava le serate e i balli che inauguravano l’anno universitario.
Le sue amicizie erano profonde, ma era nel nucleo familiare che
trovava la sua felicità. La famiglia è stata la fonte della sua arte.
La sua vita è stata all’insegna di una serena dignità».
**
Their father is ruled by a sense of duty and civic responsibility and
their mother has a fragile constitution; thus, the Dickinson siblings,
Emily, Austen and Vinnie, grow up with a strong attachment to their
home and family. The Civil War and a religious obsession cause the
first rifts in the serenity of the Dickinson family, and young Emily,
captivated by poetry, reveals a rebellious and intransigent nature.
Because of her pride, she has difficulty accepting her love for a
married man and her brother’s extramarital affair.
“I do not wish to paint a portrait that is all sombre tension and
solitary solace. She was extremely shy, true. But she has a wry, lively
sense of humour and loved to laugh or be made to laugh. And she
loved the soirees and balls which began each commencement of the
university. Her friendships were intense but it was within the family
that she found her greatest happiness. It was the wellspring of her art.
Her life is one of quiet dignity.”
Terence Davies (Liverpool, Regno
Unito, 1945) a sedici anni lascia la
scuola per frequentare la Coventry
Drama School. Esordisce nel 1976
con il cortometraggio autobiografico
Children, per poi iscriversi alla
National Film School, dove realizza
un altro corto, Madonna and Child.
Conclude poi la Terence Davies Trilogy
con Death and Transfiguration (1983).
Nel 1988 e nel 1992 realizza i suoi
due capolavori: Voci lontane… sempre
presenti (premio della critica al Festival
di Cannes) e Il lungo giorno finisce,
opere autobiografiche ambientate
nella Liverpool degli anni Quaranta
e Cinquanta. Seguono poi Serenata
alla luna (1995), in concorso a Cannes,
e La casa della gioia, da un romanzo
di Edith Wharton. Torna poi a Cannes
nel 2008 con il documentario su
Liverpool Of Time and the City,
presentato anche al Torino Film
Festival. Nel 2015 il Festival gli ha
assegnato il Gran Premio Torino
e ha presentato Sunset Song.
Terence Davies (Liverpool, UK, 1945)
quit school at sixteen to study at the
Coventry Drama School. He debuted in
1976 with the autobiographical Children
and then enrolled at the National Film
School, where he made another short,
Madonna and Child. He concluded The
Terence Davies Trilogy with Death and
Transfiguration (1983). In 1988 and
1992 he made his two masterpieces:
Distant Voices, Still Lives (FIPRESCI
Prize at Cannes) and The Long Day
Closes, autobiographical films set in
Liverpool during the 1940s and 1950s.
These were followed by The Neon Bible
(1995), in Cannes competition, and The
House of Mirth, based on the novel by
Edith Wharton. He returned to Cannes
in 2008 with his documentary about
Liverpool Of Time and the City, also
presented at the Torino Film Festival,
which in 2015 gave him the Gran
Premio Torino and presented his
film Sunset Song.
Children (cm, 1976), Madonna
and Child (cm, 1980), Death and
Trasfiguration (cm, 1983), The Terence
Davies Trilogy (Terence Davies Trilogy,
1983), Distant Voices, Still Lives (Voci
lontane… sempre presenti, 1988), The
Long Day Closes (Il lungo giorno finisce,
1992), The Neon Bible (Serenata alla
luna, 1995), The House of Mirth
(La casa della gioia, 2000), Of Time
and the City (doc., 2008), The Deep
Blue Sea (2011), Sunset Song (2015),
A Quiet Passion (2016).
anurag kashyap
RAMAN RAGHAV 2.0
India, 2016, HD, 127’, col.
PSYCHO
RAMAN
regia/director
Anurag Kashyap
Vasan Bala, Anurag Kashyap
Jay Oza
scenografia/
production design
Tiya Tejpal
Aarti Bajaj
Shruti Kapoor
musica/music
Ram Sampath
suono/sound
Vinit D’Souza
cast and characters
Nawazuddin Siddiqui
(Raman), Vicky Kaushal
(Raghav), Sobhita Dhulipala
(Simmy), Mukesh Chhabra
(Loan Shark), Anuschka
Sawhney (Ankita)
Vikas Bahl,
Vikramaditya Motwane
Phantom Production
Shibasish Sarkar,
Vivek B Agrawal
**
contatti/contacts
Stray Dogs
Laura Nacher
[email protected]
56
SOMMARIO
Raman è un serial killer che vive a Mumbai e che trova, per così
dire, ispirazione nelle gesta di un suo predecessore, l’omicida
seriale Raman Raghav, che operava in India negli anni Sessanta.
Oltre a quella per il suo mentore, ha una seconda grande
ossessione: quella per il giovane poliziotto Raghav. Fa di tutto per
trovarsi faccia a faccia con lui. Ma se il killer non è del tutto
normale, anche il poliziotto non è un esempio di stabilità mentale…
«Fare questo film non significa glorificare la figura di Raman
Raghav. Abbiamo usato la forma di un thriller romanzato per
intessere una storia su argomenti che di solito ignoriamo.
Questo film non è basato su un personaggio della vita reale;
si ispira però a un personaggio che è vissuto negli anni Sessanta.
È difficile fare un film ispirato a un personaggio reale perché ci
si muove su territori molto pericolosi e si avverte il proprio senso
di responsabilità».
**
Raman is a serial killer; he lives in Mumbai and finds his inspiration, as
it were, in the deeds of his predecessor, the serial killer Raman Raghav,
who was active in India during the 1960s. Besides his obsession with his
mentor, he is also quite obsessed with Raghav, a young policeman
Raman is trying his hardest to come face to face with. But if the killer
isn’t completely normal, the policeman isn’t exactly an example of
mental stability, either…
“Making this movie we are not glorifying Raman Raghav. It is in
a fictionalised, thriller way where we have woven a story around
the things we usually ignore. This movie is not based on a real life
character; it is inspired from a character who was in the 1960s.
It’s difficult to make a film inspired by a real life character because
you are treading a very dangerous line. You have your own sense of
responsibility.”
Anurag Kashyap (India, 1972), uno
di registi indiani più importanti degli
ultimi anni, è stato anche produttore,
sceneggiatore e attore in oltre
quaranta film. Nel 2003 il suo
esordio nel lungometraggio, Paanch,
non è stato distribuito a causa del
divieto dell’Indian Censor Board, ma
l’anno successivo il secondo lungo,
Black Friday, è stato presentato
a Locarno. Tra i suoi lavori come
regista, Ugly (2013) ha avuto
l’anteprima alla Quinzaine des
réalisateurs di Cannes (ed è stato poi
presentato a Torino)
e Bombay Velvet (2015) al Festival di
Locarno. Tra i film che ha prodotto
figurano invece Trishna (2012) di
Michael Winterbottom e Lunchbox
(2013) di Ritesh Batra, realizzato in
collaborazione con il TorinoFilmLab.
Nel 2013 ha ricevuto la medaglia di
Chevalier des arts et des lettres dal
Ministero francese della cultura
e della comunicazione.
Anurag Kashyap (India, 1972) is one
of India’s most important directors in
recent years; he has also produced,
scripted and acted in over forty films.
In 2003 his debut feature-length film,
Paanch, wasn’t distributed due to a
ban by the Indian Censor Board, but
the following year, his second feature
film, Black Friday, was presented at the
Locarno Film Festival. Among the films
he has directed, Ugly (2013) premiered
at the Quinzaine des réalisateurs in
Cannes (and was then presented in
Turin) and Bombay Velvet (2015) at
the Festival in Locarno. Films he has
produced include Trishna (2012) by
Michael Winterbottom and Lunchbox
(2013) by Ritesh Batra, made in
collaboration with TorinoFilmLab. In
2013, the Order of Arts and Letters was
awarded to him by the French Ministry
of Culture and Communication.
Last Train to Mahakali (tv, 1999),
Paanch (2003), Black Friday (2004),
No Smoking (2007), Return of
Hanuman (2007), Dev.D (2009),
Gulaal (2009), That Girl in Yellow
Boots (2010), Mumbai Cutting (ep.
Pramod Bhai 23, 2011), Gangs of
Wasseypur (2012), Bombay Talkies
(2013), Ugly (2013), That Day After
Every Day (cm, 2013), Kali-Katha (cm,
2014), Bombay Velvet (2015), Madly
(ep. Clean Shaven, 2016), Raman
Raghav 2.0 (Psycho Raman, 2016).
alain guiraudie
RESTER VERTICAL
STAYING
VERTICAL
Alain Guiraudie
Claire Mathon
Jean-Christophe Hym
scenografia/
production design
Toma Baqueni
Sabrina Violet,
François Labarthe,
Adelaïde Le Gras
suono/sound
Philippe Grivel,
Jeanne Delplancq,
Nathalie Vidal
cast and characters
Damien Bonnard (Léo),
India Hair (Marie), Raphaël
Thiéry (Jean-Louis),
Christian Bouillette
(Marcel), Basile Meilleurat
(Yoan), Laure Calamy
(Mirande), Sébastien Novac
(il produttore/producer)
Sylvie Pialat,
Benoît Quainon
**
contatti/contacts
Wild Bunch
Esther Devos
[email protected]
www.wildbunch.biz
Sulle tracce di un branco di lupi per documentarsi per il suo nuovo
lavoro, il regista Léo incontra Marie, una giovane pastora che vive
fra le montagne della Francia meridionale insieme con i suoi due
figli, e nove mesi dopo si ritrova ad affrontare una inaspettata
paternità. Abbandonato da Marie, Léo resta a vivere con il burbero
padre della ragazza e con il neonato, di cui si scopre un padre
attento e dedito. Nella valle, però, abitano anche l’anziano Marcel
e il giovane Yoan; entrambi attirano l’attenzione di Léo, sempre
pronto a mettersi in gioco fino in fondo.
«È sempre stato importante per me tracciare connessioni tra la mia
vita passata e quella attuale per mezzo di racconti, leggende e miti.
È un percorso che intendo esplorare, è sempre stata una questione
essenziale nella mia vita. [...] Molti degli elementi del film
afferiscono all’immaginario fiabesco: la città di Séverac dominata
dal castello, le zone misteriose della palude Poitevin e,
naturalmente, il lupo…»
**
As he tracks a pack of wolves in preparation for his next movie, the
director Léo meets Marie, a young shepherdess who lives in the
mountains of southern France with her two children. Nine months
later, he finds himself dealing with an unexpected paternity. After
Marie abandons him, he stays on to live with the girl’s gruff father
and the newborn child, and discovers himself to be an attentive and
dedicated father. But elderly Marcel and Yoan live down in the valley;
they both attract the attention of Léo, who is always ready to put
himself completely on the line.
“I think it’s always been important for me to establish bridges between
the life I led yesterday and my life today through tales, legends and
myth. It’s an avenue that’s important for me to explore. It’s been an
essential question since time immemorial. […] Many of the film’s
elements recall the imaginativeness of a fairytale: the town of Séverac
with the castle towering over it, the mysterious areas of the Poitevin
marshland and, of course, the wolf...”
57
SOMMARIO
Alain Guiraudie (Villefranche-deRouergue, Francia, 1964) ha studiato
all’Università di Montpellier e nel
1990 ha realizzato il suo primo
cortometraggio, Les héros sont
immortels. Il mediometraggio
Du soleil pour les gueux (2001) è
un esempio del suo cinema atipico
che mescola il western, il racconto
picaresco e quello filosofico.
Nel 2001 Ce vieux rêve qui bouge
ha vinto il premio Jean Vigo ed è
stato premiato alla Quinzane des
réalisateurs. Nel 2003 ha diretto il
lungometraggio Pas de repos pour
les braves, che ha partecipato a
numerosi festival come quelli di
Cannes e Karlovy Vary, e nel 2005
Voici venu le temps, presentato in
concorso al Torino Film Festival, così
come, due anni più tardi, Le roi de
l’évasion. Nel 2013 con Lo sconosciuto
del lago ha vinto il premio per la regia
di Un certain regard a Cannes.
Alain Guiraudie (Villefranche-deRouergue, France, 1964) studied at the
University of Montpellier and made his
first short film in 1990, Les héros sont
immortels. His medium-length film,
Du soleil pour les gueux (2001) is
exemplary of his atypical cinema, which
mixes westerns, picaresque stories and
philosophical tales. In 2001 he realized
Ce vieux rêve qui bouge, that won the
Jean Vigo Prize and was awarded at
the Quinzane des réalisateurs. In 2003
he directed the feature film Pas de
repos pour les braves, that was shown
in several film festivals such as Cannes
and Karlovy Vary, and in 2005 he made
Voici venu le temps, screened in
competition at Torino Film Festival,
just as Le roi de l’évasion. In 2013
L’inconnu du lac won for the Best
Director at Un certain regard section
in Cannes.
Les héros sont immortels (cm, 1990),
Tout droit jusqu’au matin (cm, 1994),
La force des choses (cm, 1997), Du
soleil pour les gueux (mm, 2000), Ce
vieux rêve qui bouge (mm, 2001), Pas
de repos pour les braves (2003), Voici
venu le temps (2005), Le roi de
l’évasion (2009), L’inconnu du lac
(Lo sconosciuto del lago, 2013), Rester
vertical (2016).
francesca pedroni
ROBERTO BOLLE.
L’ARTE DELLA DANZA
Francesca Pedroni
Krishna Agazzi
Aline Hervé
interpreti/cast
Roberto Bolle,
Melissa Hamilton,
Nicoletta Manni,
Otto Bubeníček,
Jiří Bubeníček,
Alexandre Riabko,
Matthew Golding,
Joan Boada,
Anna Tsygankova,
Maria Kochetkova,
Eric Underwood
Piero Maranghi,
Emanuela Bolle
Classica Italia,
Artedanza
Nexo Digital
**
contatti/contacts
Nexo Digital
Luana Solla
[email protected]
www.nexodigital.it
© L. ROMANO
ROBERTO
BOLLE.
L’ARTE DELLA
DANZA
In tour con Roberto Bolle e dieci eccezionali ballerini di tutto il
mondo, scelti dallo stesso Bolle, per avvicinare la danza a un
pubblico di migliaia di spettatori. Tappe di questo viaggio sono
il Teatro Grande di Pompei, un luogo che grazie a Bolle si è aperto
al balletto e alla danza, l’Arena di Verona, con la sua straordinaria
platea di quattordicimila persone, e il Teatro delle Terme di
Caracalla a Roma, con le sue secolari, imponenti rovine a fare da
scenografia alla performance.
«Accompagnare Roberto Bolle in tour è stata una magnifica
avventura. Abbiamo seguito da vicino l’étoile e i suoi compagni
di viaggio, cercando di entrare da osservatori silenziosi nel loro
mondo, partecipando al ritmo del tour, scandito ora per ora, fino
a notte avanzata, da una scaletta serratissima di impegni e dal
linguaggio universale e non verbale della danza. Una sfida
adrenalinica che ci ha permesso di avvicinarci in modo inedito
alla personalità di un artista unico».
**
On tour with Roberto Bolle and ten fantastic dancers from all over the
world, chosen personally by Bolle to bring an audience of thousands of
spectators closer to dance. Tour venues included the Teatro Grande of
Pompeii, which was opened to ballet and dance shows thanks to Bolle;
the Verona Arena, with its extraordinary amphitheatre seating fourteen
thousand people; and the Theatre of the Baths of Caracalla in Rome,
with its ancient, imposing ruins as a backdrop to the performance.
“Accompanying Roberto Bolle on this tour was a magnificent
adventure. We closely followed the étoile and his travel companions,
entering their world as silent observers, participating in the rhythm
of the tour, beating time hour by hour deep into the night, with a
quick-paced schedule of commitments and the universal, nonverbal
language of dance. This highly-charged challenge allowed us to study
the personality of a unique artist in a new way.”
Francesca Pedroni si occupa di danza
da oltre venticinque anni. Autrice
e regista per il canale satellitare
Classica HD, dal 2006 ha ideato
e seguito in veste di autrice
i documentari della serie Danza
in scena, firmandone dal 2011
anche la regia. Scrive regolarmente
di danza sulle pagine del quotidiano
«il manifesto» dal 2002 e dal 1990
è tra i collaboratori della rivista
specializzata «Danza&Danza».
Tra le sue pubblicazioni, la
monografia Alwin Nikolais per i tipi
dell’Epos di Palermo e Album di
compleanno 1813-2013. La scuola di
ballo dell’Accademia Teatro alla
Scala (Tita, 2013). Nel 2015 ha curato
la collana di dvd I capolavori della
danza, edita da Classica HD e dal
«Corriere della Sera». Insegna storia
del balletto e della danza alla Scuola
di ballo dell’Accademia Teatro alla
Scala dal 2000 e dal 2001 è docente
ospite presso il Master eventi
culturali dell’Alta scuola media
comunicazione e spettacolo
dell’Università cattolica di Milano.
Francesca Pedroni has been involved
with dance for over twenty-five years.
She is a writer and director for the
satellite channel Classica HD.
She has been creating and writing
documentaries for the series Danza
in scena since 2006, and also started
directing them in 2011. She has been
writing about dance for the newspaper
“il manifesto” since 2002 and has been
a collaborator for the specialized
journal “Danza&Danza” since 1990.
Her published works include the
monograph Alwin Nikolais (ed.
L’Epos, Palermo) and Album di
compleanno 1813-2013. La scuola
di ballo dell’Accademia Teatro alla
Scala (ed. Tita, 2013). In 2015, she
curated the DVD series I capolavori
della danza, edited by Classica HD
and “Corriere della Sera.” She has been
teaching history of ballet and dance
at the Ballet School of the Accademia
Teatro alla Scala since 2000. She has
also been a guest professor at the
Master’s degree in cultural events
of the Postgraduate School of Media
Communications and Performing
Arts of Milan’s Catholic University
since 2001.
Roberto Bolle. L’Arte della Danza
(doc., 2016).
58
SOMMARIO
kenneth branagh
ROMEO AND JULIET
ROMEO
AND JULIET
regia/director
Kenneth Branagh
regia teatrale/
theatre directors
Kenneth Branagh,
Rob Ashford
coreografia/choreographer
Rob Ashford
soggetto/story
dall’omonima tragedia di/
by the tragedy of the same
title by William Shakespeare
scenografia, costumi/
production design,
costume design
Christopher Oram
musica/music
Patrick Doyle
suono/sound
Christopher Shutt
cast and characters
Richard Madden (Romeo),
Lily James (Juliet),
Derek Jacobi (Mercutio),
Meera Syal (la nutrice/nurse)
Branagh Theatre Live,
Picturehouse Entertainment,
Tomboy Productions
Nexo Digital
**
contatti/contacts
Nexo Digital
Luana Solla
[email protected]
www.nexodigital.it
59
SOMMARIO
Nella Verona del Cinquecento la rivalità tra le nobili famiglie dei
Montecchi e dei Capuleti è ormai degenerata e coinvolge sia i
membri della famiglia sia i simpatizzanti delle opposte fazioni.
In questo precario equilibrio, il giovane Romeo Montecchi
s’innamora di Giulietta Capuleti, già promessa in sposa al nobile
Paride. Il tentativo degli innamorati di vivere il loro sentimento
nonostante l’ostilità delle rispettive famiglie condurrà a una serie
di tragedie di cui l’ultima sarà proprio la morte dei giovani amanti.
«L’idea che il teatro e il cinema s’incontrino è eccitante. Per questo
l’arrivo sul grande schermo dei nostri spettacoli apre la via a una
nuova sfida. Abbiamo un team di grande esperienza in entrambi
gli ambiti, quello teatrale e quello cinematografico: i risultati – in
particolare nell’esplorazione della magia insita nell’opera di
Shakespeare – dovrebbero essere affascinanti».
**
In 16 -century Verona, the rivalry between the Montague and Capulet
families has degenerated, involving the members of the noble families
as well as the sympathizers of the opposing factions. In this precarious
equilibrium, young Romeo Montague falls in love with Juliet Capulet,
who is engaged to the nobleman Paris. The two try to fulfill their
passion for each other despite the hostility of their respective families,
leading to a series of tragedies culminating in the death of the young
lovers.
TH
“The idea of theatre and film coming together is exciting. For this
reason, when one of our shows makes it onto the silver screen it opens
the way for a new challenge. We have very experienced teams in both
fields, theatre and film: the result – in particular in our exploration of
the magic inherent to Shakespeare’s work – should be fascinating.”
Kenneth Branagh (Belfast, Regno
Unito, 1960), attore, sceneggiatore
e regista attivo nel cinema, a teatro
e anche in tv (come protagonista della
serie Il commissario Wallander), è stato
candidato a cinque premi Oscar. Nel
1988 si è fatto conoscere con il film
Enrico V, tratto dal dramma storico
di Shakespeare, che gli è valso le
nomination all’Oscar per la miglior
regia e il miglior attore protagonista.
Da Shakespeare ha tratto i film Molto
rumore per nulla (1993), Hamlet
(1996), Pene d’amor perdute (2000)
e As You Like It - Come vi piace (2006).
Ha inoltre lavorato a Hollywood,
spaziando da Mary Shelley
(Frankenstein di Mary Shelley, 1994)
a Thor (nell’omonimo film del 2011),
alla favola di Cenerentola, da cui nel
2015 ha tratto un film di grande
successo.
Kenneth Branagh (Belfast, UK, 1960),
actor, screenwriter and director for
cinema, theatre, and television (as the
star of the TV series Wallander), has
been nominated for five Oscars. In 1988,
he gained renown with the film Henry V,
based on Shakespeare’s historical
drama, for which he received Oscar
nominations for Best Director and Best
Actor. Shakespeare was also the source
of his films Much Ado About Nothing
(1993), Hamlet (1996), Love’s
Labour’s Lost (2000) and As You Like
It (2006). His work in Hollywood ranges
from Mary Shelley (Mary Shelley’s
Frankenstein, 1994) to Thor (in the
2011 film of the same title), to the
fairytale Cinderella, on which he based
a worldwide hit film in 2015.
Henry V (Enrico V, 1989), Dead Again
(L’altro delitto, 1991), Peter’s Friends
(Gli amici di Peter, 1992), Swan Song
(Il canto del cigno cm, 1992), Much
Ado About Nothing (Molto rumore
per nulla, 1993), Mary Shelley’s
Frankenstein (Frankenstein di Mary
Shelley, 1994), In the Bleak Midwinter
(Nel bel mezzo di un gelido inverno,
1995), Hamlet (id., 1996), Love’s
Labour’s Lost (Pene d’amor perdute,
2000), Listening (2003), As You Like
It (As You Like It - Come vi piace,
2006), The Magic Flute (Il flauto
magico, 2006), Sleuth (Sleuth - Gli
insospettabili, 2007), Thor (id., 2011),
National Theatre Live (tv, ep., 2013),
Jack Ryan: Shadow Recruit (Jack
Ryan - L’iniziazione, 2014), Cinderella
(Cenerentola, 2015), Romeo and
Juliet (2016).
© ALBERTO NOVELLI
andrea molaioli
SLAM - TUTTO PER UNA RAGAZZA
Andrea Molaioli (Roma, 1967)
esordisce nel 2007 con La ragazza
del lago: presentato alla Mostra di
Venezia, nella sezione Settimana
della critica, il film riceve
il premio Pasinetti e il premio Isvema
e ottiene poi svariati riconoscimenti,
tra cui dieci David di Donatello, tre
Nastri d’argento e quattro Ciak d’oro.
Nel 2011 firma Il gioiellino, ispirato
alla vicenda del crack Parmalat, che
partecipa a numerosi festival
internazionali ed è candidato ai
David di Donatello e ai Nastri
d’argento.
- TUTTO
PER UNA
RAGAZZA
SLAM
regia/director
Andrea Molaioli
soggetto/story
dal romanzo
Tutto per una ragazza di/
from the novel Slam
by Nick Hornby
Francesco Bruni, Ludovica
Rampoldi, Andrea Molaioli
Daria D’Antonio
Giogiò Franchini
scenografia/
production design
Alessandra Mura
Massimo Cantini Parrini
musica/music
Teho Teardo
suono/sound
Alessandro Rolla
cast and characters
Ludovico Tersigni (Sam),
Barbara Ramella (Alice),
Jasmine Trinca (Antonella),
Luca Marinelli (Valerio),
Fiorenza Tessari (la madre
di Alice/Alice’s mother),
Pietro Ragusa (il padre di
Alice/Alice’s father),
Gianluca Broccatelli (Lepre),
Fausto Maria Sciarappa
(Marco), Tony Hawk
(voce/voice)
Nicola Giuliano, Francesca
Cima, Carlotta Calori
Indigo Cinema, Rai Film
Universal Pictures Italia
**
contatti/contacts
Universal Pictures Italia
Marina Caprioli
[email protected]
www.universalpictures.it
60
SOMMARIO
Per il sedicenne Sam lo skateboard rappresenta tutto: passa le sue
giornate allo skatepark e addirittura confessa pensieri e paure al
poster di Tony Hawk, il più famoso skater di sempre. Ma il vero
sogno di Sam è diventare il primo rappresentante della sua famiglia
a frequentare l’università, senza ripetere l’errore commesso dalla
madre, dal nonno e dal bisnonno… Vale a dire, diventare genitore
a sedici anni. Quando Sam incontra Alice, l’amore entra nella sua
vita, un amore così intenso da allontanarlo da tutto e da tutti.
Persino dallo skateboard. Ma per il povero Sam le novità non
sono ancora finite…
«L’adolescenza porta con sé l’unicità di un momento della vita in
cui tutto deve ancora accadere, in cui possiamo sbagliare, cambiare
idea e sbagliare di nuovo. Così è anche per i protagonisti del mio
film, finché la prospettiva di un figlio in arrivo non li mette di
fronte all’imprevisto. Questo film racconta di come la scelta
di un’assunzione di responsabilità possa diventare la più
coraggiosa scommessa di libertà».
**
To sixteen-year-old Sam, skateboarding is everything: he spends all his
time at the skate park and even confesses his thoughts and fears to
his poster of Tony Hawk, the most famous skater ever. But Sam’s real
dream is to become the first member of his family to go to university,
without repeating the error his mother, his grandfather and his greatgrandfather had committed… Meaning, he doesn’t want to become a
parent at sixteen. When Sam meets Alice, love enters his life, a love so
intense that it distracts him from everything and everybody else. Even
skateboarding. But, more new things are in store for poor Sam…
“Adolescence contains the uniqueness of a moment in life when
everything still has to happen, when we can make mistakes, change our
mind and then make more mistakes. This is what happens to the
protagonists of my movie, until the prospect of a baby on the way
confronts them with the unexpected. This film recounts how the choice
to assume responsibility can become the most courageous gamble for
freedom.”
Andrea Molaioli (Rome, 1967)
debuted in 2007 with La ragazza
del lago; presented at the Venice Film
Festival in the Film Critics’ Week
section, the movie received the
Pasinetti Award and the Isvema
Award, and also won various other
recognitions, including ten David di
Donatello Awards, three Silver Ribbons,
and four Golden Ciak Awards. In 2011,
he made Il gioiellino, inspired by the
Parmalat bankruptcy; the film
participated at numerous international
festivals and was nominated for David
di Donatello Awards and Silver
Ribbons.
La ragazza del lago (2007), Il gioiellino
(2011), Slam - Tutto per una ragazza
(2016).
danis tanović
SMRT U SARAJEVU
Francia-Bosnia ed Erzegovina/
France-Bosnia and Herzegovina, 2016, HD, 85’, col.
DEATH IN
SARAJEVO
Danis Tanović
soggetto/story
dalla pièce/from the play
Hôtel Europe di/
by Bernard-Henri Lévy
Erol Zubčević
montaggio/editing
Redžinald Šimek
scenografia/
production design
Mirna Ler
Na Arnautalić,
Hatidža Nuhić
musica/music
Mirza Tahirović
suono/sound
Samir Fočo
cast and characters
Jacques Weber (Jacques),
Snežana Vidović (Lamija),
Izudin Bajrović (Omar),
Vedrana Seksan (Vedrana),
Muhamed Hadžović
(Gavrilo), Faketa
Salihbegović Avdagić
(Hatidža),
Edin Avdagić (Edo)
Francois Margolin, Amra
Bakšić Čamo
Margo Cinema,
SCCA/pro.ba
Adis Đapo
**
contatti/contacts
The Match Factory
Sergi Steegmann
[email protected]
www.the-match-factory.com
61
SOMMARIO
Sono passati cento anni da quando l’arciduca Francesco
Ferdinando fu assassinato a Sarajevo, creando il pretesto per la
prima guerra mondiale. Un secolo dopo, i diplomatici d’Europa si
ritrovano nella stessa città per celebrare la pace e il dialogo tra le
nazioni. Ma i dipendenti dell’hotel scelto per il summit sono da
tempo indignati per le condizioni salariali. E lo sciopero indetto per
il giorno della cerimonia, insieme ai problemi della società
contemporanea e alle scorie del conflitto nell’ex Jugoslavia, solleva
questioni legate a un passato controverso e tuttora discusso.
«Mi interessava fare un film da Hotel Europe, abbracciando il suo
spirito e ampliando i suoi temi. Le scene in cui il relatore francese
prova il discorso vengono dalla pièce di Lévy: osserviamo l’uomo
arrivare in hotel, andare nella sua stanza a ripassare e poi, alla fine
del film, si vede la vera messinscena dello spettacolo a Sarajevo.
Tutto ciò che accade al di fuori di quella stanza d’albergo, invece, è
una mia invenzione. È una prospettiva bosniaca e contemporanea
sul secolo più sanguinoso della nostra storia».
**
One hundred years have passed since Archduke Franz Ferdinand was
assassinated in Sarajevo, creating the pretext for the First World War.
A century later, European diplomats congregate in the same city to
celebrate peace and dialogue among nations. But for a while now,
the employees of the hotel where the summit is held have been upset
about their wage situation. And the strike they call on the day of the
ceremony, along with the problems of contemporary society and the
repercussions of the conflict in former Yugoslavia, raise questions about
a controversial past which is still under discussion.
“I was inspired to make an entire film around the play Hôtel Europe,
encompassing its spirit and expanding its ideas. The French VIP
speaker’s dialogue is directly from Lévy’s original play. We see him
arrive at the hotel, rehearsing in his room, and then at the end of
the film we see actual footage from the Sarajevo premiere. Everything
else that happens outside of his hotel room is my construction. It’s a
Bosnian, a contemporary perspective on the bloodiest century in our
history.”
Danis Tanović (Zenica, Jugoslavia,
1969) si è laureato in musica prima
di iniziare a studiare presso la
Sarajevo Film Academy, salvo poi
interrompere gli studi allo scoppio
della guerra e seguire l’esercito
bosniaco con la sua videocamera.
A conflitto terminato si è trasferito
a Bruxelles per riprendere gli studi
di cinema. Il suo primo film, No
Man’s Land (2001), ha ottenuto una
quarantina di riconoscimenti, tra cui
il premio per la sceneggiatura a
Cannes, un Oscar e un Golden
Globe per il miglior film straniero.
Con Un episodio nella vita di un
raccoglitore di ferro è stato in
concorso alla Berlinale nel 2013
e ha vinto due Orsi d’argento.
Danis Tanović (Zenica, Yugoslavia,
1969) graduated in music before
beginning to study at the Sarajevo Film
Academy. His studies were interrupted,
however, by the outbreak of the
Bosnian War. He accompanied the
Bosnian army with his camera during
the war and then moved to Brussels
to resume his film studies. His feature
debut No Man’s Land received over
forty international awards; among
them, it won a prize at Cannes in 2001
and was also awarded an Oscar and
a Golden Globe for Best Foreign
Language Film. An Episode in the
Life of an Iron Picker screened in
competition at the Berlinale in 2013
and won two Silver Bears.
Ničija zemlja (No Man’s Land, 2001),
September 11 (11 settembre 2001; ep.
Bosnia-Herzegovina, cm, 2002),
L’enfer (id., 2005), Triage (id., 2009),
Cirkus Columbia (id., 2010), Epizoda u
životu berača željeza (Un episodio nella
vita di un raccoglitore di ferro, 2013),
Tigers (2014), Smrt u Sarajevu (Death
in Sarajevo, 2016).
alessandro maria buonomo
SONO GUIDO E NON GUIDO
SONO
GUIDO
E NON
GUIDO
regia/director
Alessandro Maria Buonomo
Paolo Cenzato,
Marco Ferrarini
Chiara Caliò
Serena Pighi
musica/music
Luca Righi,
Leo Einaudi
suono/sound
Riccardo Arrigoni
interprete/cast
Guido Catalano
Elianto Film,
Fargo Film
**
contatti/contacts
Elianto Film
[email protected]
Guido Catalano è il più grande poeta professionista vivente:
ventimila copie vendute, più di cento live all’anno, uno stuolo di
sostenitori, ma soprattutto di sostenitrici, in tutta Italia. Questo lo
sanno tutti. Quello che quasi nessuno sa è che Guido Catalano ha
un segreto, e che questo segreto si chiama Armando, suo gemello
nonché vero autore delle poesie che hanno reso famoso il
fenomeno Guido Catalano. Armando è affetto dalla sindrome di
Kräftor, nota comunemente come reversofonia, che lo fa parlare
al contrario, rendendolo incomprensibile. Invece di dire “Io sono
Armando Catalano”, Armando dice “oI onos odnamrA onalataC”. I due hanno così escogitato un sistema infallibile: Armando scrive,
Guido declama. Ed entrambi fanno talmente bene il proprio
mestiere da essere diventati il più grande poeta professionista
vivente. Come sono riusciti i due gemelli a tenere segreta la verità
fino a questo momento? Qualcuno sa come stanno veramente le
cose? Com’è la loro vita fuori dal palcoscenico? Ma soprattutto:
si sono mai scambiati di ruolo per concupire una donna?
**
Guido Catalano is the greatest professional poet alive, with twenty
thousand copies sold, over a hundred live performances a year, and a
multitude of fans all over Italy, and especially popular among women.
Everybody knows that. But what nobody knows is that Guido Catalano
has a secret. And that secret is called Armando: his twin brother and
real author of the poems that created the Guido Catalano
phenomenon. Armando suffers from Kräftor Syndrome, also known
as “reversophonia,” a conversion disorder that makes him speak
backwards, rendering his speech unintelligible. Instead of saying “I am
Armando Catalano,” he would say “I ma odnamrA onalataC.” So the
twins came up with a cunning plan: Armando would write what Guido
would then recite. They are so good at their respective jobs that they
soon become the greatest professional poet alive. How did they manage
to keep the truth hidden for so long? How does their partnership really
work? What is their life like off stage? But, above all, did they ever
trade places when seducing a woman?
62
SOMMARIO
Alessandro Maria Buonomo si è
diplomato in regia alla Civica scuola
di cinema e televisione di Milano.
A soli sedici anni ha vinto il 48h Film
Festival di Taranto, a ventuno il
Festival di Sondrio. Nel 2013 è stato
selezionato per Fare Cinema, corso
di formazione di Marco Bellocchio,
e nel 2014 ha partecipato al
laboratorio di OffiCine con Silvio
Soldini e Alba Rohrwacher, dopo
aver firmato la serie di spot Don’t
Play with Food con Giobbe Covatta.
Nello stesso anno ha realizzato il
cortometraggio Nontiscordardimé e
ha iniziato a lavorare con 3zero2TV,
dove a tutt’oggi cura la regia live di
eventi sportivi.
Alessandro Maria Buonomo
graduated in filmmaking from the
Civica scuola di cinema e televisione
in Milan. He was just sixteen years old
when he won the Taranto’s 48h Film
Festival, and twenty-one when he
received an award from the Sondrio
Festival. In 2013, he was selected for
Fare Cinema, a professional training
course taught by Marco Bellocchio.
After completing the series of ads
Don’t Play with Food with Giobbe
Covatta in 2014, he participated in
the OffiCine workshop with Silvio
Soldini and Alba Rohrwacher. That
same year he also directed the short
Nontiscordardimé and started working
with 3zero2TV, where he currently
directs the live coverage of sport events.
Nontiscordardimé (cm, 2014), Sono
Guido e non Guido (doc., 2016).
clint eastwood
SULLY
Usa, 2016, HD, 95’, col.
SULLY
regia/director
Clint Eastwood
soggetto/story
dal libro/from the book
Highest Duty di/by Chesley
«Sully» Sullenberger,
Jeffrey Zaslow
Todd Komarnicki
Tom Stern
Blu Murray
scenografia/
production design
James J. Murakami
Deborah Hopper
musica/music
Christian Jacob,
The Tierney Sutton Band
cast and characters
Tom Hanks (Chesley
«Sully» Sullenberger),
Aaron Eckhart (Jeff Skiles),
Laura Linney (Lorrie
Sullenberger)
Clint Eastwood,
Frank Marshall,
Allyn Stewart,
Tim Moore
Flashlight Films,
Kennedy-Marshall
Company, Malpaso
Jessica Meier,
Kristina Rivera
Warner Bros. Italia
**
contatti/contacts
Warner Bros. Italia
www.warnerbros.it
Il 15 gennaio 2009, il volo US Airways 1549 decolla dall’aeroporto
LaGuardia di New York, direzione Charlotte, Carolina del Nord.
A bordo ci sono centocinquanta passeggeri e in cabina di
pilotaggio il comandante Chesley «Sully» Sullenberger e il copilota
Jeff Skiles. A 850 metri d’altezza uno stormo di uccelli colpisce il
velivolo, costringendo il pilota a un ammaraggio d’emergenza,
perfettamente riuscito. Nessun passeggero perde la vita in quello
che è ricordato come il «Miracolo dell’Hudson», e solo grazie
alla destrezza e all’esperienza di Sully. Sul comandante, però, lo
scampato incidente ha conseguenze emotivamente devastanti,
complici le varie testimonianze che è chiamato a rilasciare al
National Transportation Safety Board per difendere le sue azioni.
«Chiunque sia in grado di prendere delle decisioni quando le cose
vanno male e sappia risolvere un problema senza farsi prendere
dal panico è una persona degna di esser rappresentata in un film.
Ma, per me, il vero conflitto è avvenuto dopo, quando sono state
messe in discussione le decisioni di Sully, malgrado abbia salvato
tante vite».
**
On January 15 , 2009, US Airways flight 1549 took off from LaGuardia
airport in New York, heading to Charlotte, North Carolina. There were
a hundred and fifty passengers on board of the flight piloted by Captain
Chesley “Sully” Sullenberger and copilot Jess Skiles. But a flock of birds
flew into the plane engines at 2,800 feet, forcing the pilot to perform
an emergency water landing, which he executed perfectly. Everybody
on board survived in what became known as the “Miracle on the
Hudson,” all thanks to Sully’s pilot skills and experience. The incident,
however, had an emotionally devastating effect on the captain,
especially after a few witness reports put his career and reputation
in jeopardy and he was summoned by the National Transportation
Safety Board to defend his actions.
TH
“Any person who can make decisions when things are going bad and
can solve problems without letting panic get in the way deserves to be
portrayed on film. For me, the real conflict happened after the incident,
when Sully’s decisions were called into question, despite the many lives
he saved.”
63
SOMMARIO
Clint Eastwood (San Francisco,
California, Usa, 1930) diventa celebre
con i western di Sergio Leone e nel
1971 esordisce alla regia con Brivido
nella notte. Negli anni seguenti
interpreta la parte dell’ispettore
Callaghan e continua a realizzare
western e film di altri generi come
il biografico Bird (1988), omaggio al
jazzista Charlie Parker, che conquista
due premi a Cannes. Nel 1992 vince
quattro Oscar con Gli spietati e
successivamente si impone come un
grande autore contemporaneo con
opere come Potere assoluto (1997),
Mystic River (2003) e Million Dollar
Baby (2004), secondo Oscar per la
miglior regia e per il miglior film. Nel
2015 torna a ricevere sei candidature
dall’Academy per American Sniper,
negli Stati Uniti uno dei cinquanta
maggiori incassi della storia.
Clint Eastwood (San Francisco, CA,
USA, 1930) reached stardom with his
roles in Sergio Leone’s westerns. He
made his behind the camera debut in
1971, directing the movie Play Misty
for Me. Over the following years, he
played the role of Inspector Callaghan
and directed a few westerns and other
genre films, like Bird (1988), a tribute to
Charlie Parker rewarded at Cannes. He
won four Oscars in 1992 with Unforgiven
(1992) and then made his mark as a
great contemporary director with
Absolute Power (1997), Mystic River
(2003) and Million Dollar Baby (2004),
his second Oscar for Best Director and
Best Picture. His 2015 film American
Sniper received six Oscar nominations
and became one of the fifty most
successful movies in American history.
Play Misty for Me (Brivido nella notte,
1971), High Plains Drifter (Lo straniero
senza nome, 1973), The Outlaw Josey
Wales (Il texano dagli occhi di ghiaccio,
1976), Pale Rider (Il cavaliere pallido,
1985), Bird (id., 1988), Unforgiven (Gli
spietati, 1992), A Perfect World (Un
mondo perfetto, 1993), The Bridges of
Madison County (I ponti di Madison
County, 1995), Absolute Power (Potere
assoluto, 1997), Midnight in the Garden
of Good and Evil (Mezzanotte nel
giardino del bene e del male, 1997),
Mystic River (id., 2003), Million Dollar
Baby (id., 2004), Flags of Our Fathers
(id., 2006), Letters From Iwo Jima
(Lettere da Iwo Jima, 2006), Changeling
(id., 2008), Gran Torino (id., 2008),
Invictus (id., 2009), Hereafter (id.,
2010), J. Edgar (id., 2011), Jersey Boys
(id., 2014), American Sniper (id., 2014),
Sully (id., 2016).
argyris papadimitropoulos
SUNTAN
Grecia/Greece, 2016, HD, 104, col.
SUNTAN
regia/director
Argyris Papadimitropoulos
story, screenplay
Argyris Papadimitropoulos,
Syllas Tzoumerkas
Christos Karamanis
Napoleon Stratogiannakis
scenografia/
production design
Aliki Kouvaka
Marli Aliferi
cast and characters
Makis Papadimitriou
(Kostis), Elli Tringou
(Anna), Dimi Hart (Jason),
Hara Kotsali (Alin), Milou
Van Groesen (Mila), Marcus
Collen (Morten), Yannis
Tsortekis (Takis), Maria
Kallimani (Tzina), Syllas
Tzoumerkas (Orestis)
Phaedra Vokali,
Argyris Papadimitropoulos
Marni Films,
Oxymoron Films
Ernst Fassbender,
Theodora Valenti,
Konstantina Stavrianou,
Petros Pappas, Stelios
Kotionis, Lasse Scharpen
Faliro House, FassB Films,
Foss Productions,
Graal, Nova
**
contatti/contacts
Visit Films
Joe Yanick
[email protected]
www.visitfilms.com
64
SOMMARIO
Kostis è un dottore di mezza età, scapolo e senza famiglia, che si
trasferisce su un’isoletta dell’Egeo. Qui trascorre un inverno lungo
e solitario, ma con l’arrivo dell’estate l’isola viene invasa da giovani
turisti in cerca di divertimento. Rapito dall’edonismo che lo
circonda, Kostis si innamora della bellissima Anna, lasciandosi
trascinare in un vortice di feste, alcol e sesso. Ossessionato
dall’oggetto del suo desiderio, dovrà fare i conti con la maturità
alle porte e la giovinezza, mai pienamente vissuta, che reclama
ciò che non gli è stato concesso fino ad allora.
«Ho girato Suntan, il mio film più personale, ad Antiparos durante
l’estate, un momento in cui l’isola straripa di festaioli. Fare le
riprese in un posto come quello, nel periodo più caotico dell’anno,
potrebbe sembrare una missione impossibile, ma per me è stata
una scelta ovvia. Vado ad Antiparos da quando avevo quindici anni,
come qualsiasi adolescente in preda agli ormoni, e tuttora continuo
ad andarci, sebbene mi avvicini pericolosamente all’età di Kostis, il
protagonista».
**
Kostis is a middle-aged doctor, a bachelor without any family; he has
moved to a small island in the Aegean sea. He spends a long and
solitary winter there, but when summer arrives the island is invaded
by young tourists in search of fun. Captivated by the hedonism
surrounding him, Kostis falls in love with beautiful Anna and lets
himself be swept away in a whirlwind of parties, alcohol and sex.
Obsessed with the object of his desire, he will have to come to terms
with looming maturity and with youth, which he had never experienced
in full and which is claiming that which had been denied him until this
moment.
“My most personal film to date, Suntan was shot during the
summertime on the tiny island of Antiparos, when the place was
packed with non-stop party-goers. Shooting a film during the busiest
time of the season on a Greek island might sound like an impossible
mission, but for me, it was an obvious choice. I’ve been going to
Antiparos since I was fifteen years old, like any hormonal teenager,
and I still continue to do so – although I’m dangerously close to the
age of my main character, Kostis.”
Argyris Papadimitropoulos (Atene,
Grecia, 1976) ha studiato cinema ad
Atene, Oxford e presso il Berlinale
Talent Campus. Dopo aver diretto
diversi cortometraggi, nel 2008 ha
incontrato uno straordinario
successo di pubblico e di critica
con la commedia Bank Bang.
Successivamente si è cimentato
con il dramma in Wasted Youth,
selezionato come film di apertura
al Festival di Rotterdam nel 2011.
Ha inoltre diretto più di duecento
spot pubblicitari e, come produttore,
dato vita alla Oxymoron Film,
con la quale realizza i progetti di
altri colleghi. Tra questi, At Home
di Athanasios Karanikolas, premiato
alla Berlinale nel 2014.
Argyris Papadimitropoulos (Athens,
Greece, 1976) studied film in Athens,
Oxford and at the Berlinale Talent
Campus. After directing various shorts,
in 2oo8 his comedy Bank Bang received
audience and critical acclaim. He next
tried his hand at drama with Wasted
Youth, selected as the opening film
at the 2011 Rotterdam Film Festival.
He has also directed over two hundred
commercials and, as a producer,
created Oxymoron Film, with which
he has produced the projects of other
colleagues, including At Home by
Athanasios Karanikolas, which won
at the 2014 Berlin Film Festival.
Pendulum (cm, 2003), Tender (cm,
2004), Bank Bang (2008), Wasted
Youth (coregia/codirector Jan Vogel,
2011), Suntan (2016).
sébastien betbeder
LE VOYAGE AU GROENLAND
JOURNEY TO
GREENLAND
regia, soggetto,
story, screenplay
Sébastien Betbeder
Sébastien Godefroy
Céline Canard
suono/sound
Roman Dymny
cast and characters
Thomas Blanchard
(Thomas), Thomas Scimeca
(Thomas), François Chattot
(Nathan), Ole Eliassen
(Ole), Adam Eskilden
(Adam), Benedikte Eliassen,
Mathias Petersen,
Judith Henry, Martin Jensen
produttore/producer
Frédéric Dubreuil
Envie de Tempête
Productions
William Jéhannin,
Stéphane Auclaire,
Louise Hentgen
UFO Distribution,
Bobi Lux
**
contatti/contacts
Cercamon
Sébastien Chesneau
[email protected]
www.cercamon.biz
Thomas e Thomas hanno molto più in comune del nome:
entrambi attori squattrinati a Parigi, stanno attraversando un
momento complicato. Incerti sul da farsi, decidono di partire. E
cosa può esserci di meglio dello sperduto villaggio in Groenlandia
dove vive il padre di uno di loro? Detto fatto, i due si trovano alle
prese con ghiaccio, carne cruda di balena e una lingua ostica che
è l’unico modo per comunicare con gli abitanti del posto, che tra
l’altro non potrebbero essere più diversi dai parigini… Un mix
perfetto per mettere alla prova un’amicizia.
«Il fratello del mio produttore, Nicolas Dubreuil, è un esploratore
che vive sei mesi all’anno nel paese di Kullorsuaq, uno degli angoli
più remoti della Groenlandia. Verso la fine della primavera del 2013,
mi ha chiesto se fossi interessato a girare un film su due suoi amici
inuit, Ole e Adam, che sarebbero venuti per la prima volta in
Francia per dieci giorni. Non mi sentivo legittimato a fare un
documentario sulla loro permanenza qui, così gli ho proposto
invece di fare un film di finzione dove avrebbe prevalso la realtà».
**
Thomas and Thomas have much more in common than just their
name: they are both penniless actors in Paris and are going through
a complicated moment. Un about what steps to take, they decide to
leave and what better destination than the isolated village
in Greenland where the father of one of them lives? No sooner said
than done; the two find themselves grappling with ice, raw whale meat,
and a difficult language which is the only way to communicate with
the local inhabitants, who couldn’t be more different from the
Parisians… A perfect combination to put their friendship to the test.
“My producer’s brother Nicolas Dubreuil is an explorer who lives six
months a year in Kullorsuaq, one of the most remote villages of
Greenland. In late spring 2013, he asked me if I was interested by
making a film about two of his Inuit friends, Ole and Adam, coming
to France for the first time during ten days. I didn’t feel that I had the
legitimacy to do a documentary on their stay, but proposed him instead
to create a fiction where reality would prevail.”
65
SOMMARIO
Sébastien Betbeder (Pau, Francia,
1975), formatosi a Le Fresnoy, ha
realizzato diversi cortometraggi, tra
cui Les mains d’Andréa (2006). Nello
stesso anno ha diretto il suo primo
lungometraggio, Nuage, selezionato
a Locarno. Nel 2008 ha presentato
a Torino La vie lointaine e l’anno
successivo il corto Toutes les
montagnes se ressemblent, diretto
con Christelle Lheureux. Nel 2010
ha girato Yoshido (Les autres vies),
selezionato da numerosi festival,
tra cui quelli di Parigi e Rotterdam.
Nel 2012 ha partecipato alla sezione
Onde con Les nuits avec Théodore e
l’anno successivo, sempre a Torino,
ha ricevuto il premio speciale della
giuria per 2 automnes 3 hivers (2013).
Sempre al Festival, nel 2014 ha
presentato il corto Inupiluk.
Quest’anno presenta al Festival
anche il lungometraggio Marie et
les naufragés.
Sébastien Betbeder (Pau, France,
1975) studied at Le Fresnoy and has
made numerous shorts, including Les
mains d’Andréa (2006). That same
year, he directed his first feature film,
Nuage, selected at Locarno. In 2008,
he presented La vie lointaine at the
Torino Film Festival, and the next year
the short Toutes les montagnes se
ressemblent, directed in collaboration
with Christelle Lheureux. In 2010,
he shot Yoshido (Les autres vies),
selected in Paris and Rotterdam.
In 2012 premiered with Les nuits
avec Théodore at Onde section, and
the following year he won in Turin the
Jury Special Prize with 2 automnes
3 hivers. In 2014 he presented in Turin,
the short Inupiluk. In 2016 Festival he
also presents his feature Marie et
les naufragés.
La fragilité des revenants (cm, 1999),
Le haut mal (cm, 2000), Des voix
alentour (cm, 2003), Nu devant un
fantôme (cm, 2005), Les mains
d’Andréa (cm, 2006), Nuage (2007),
La vie lointaine (mm, 2008), Toutes
les montagnes se ressemblent
(coregia/codirector Christelle
Lheureux, cm, 2009), The Unbroken
Line (cm, 2010), Yoshido (Les autres
vies) (mm, 2010), Sarah Adams (cm,
2011), Les nuits avec Théodore (2012),
2 automnes 3 hivers (2013), Inupiluk
(cm, 2014), Le film que nous
tournerons au Groenland (cm, 2015),
Marie et les naufragés (2016),
Le voyage au Groenland (2016).
john michael mcdonagh
WAR ON EVERYONE
WAR ON
EVERYONE
regia, soggetto,
story, screenplay
John Michael McDonagh
Bobby Bukowski
Chris Gill
scenografia/
production design
Wynn P. Thomas
Terry Anderson
musica/music
Lorne Balfe
suono/sound
Phil Lee
cast and characters
Michael Peña (Bob Bolano),
Alexander Skarsgård
(Terry Monroe), Theo James
(Lord James Mangan),
Tessa Thompson
(Jackie Hollis),
Caleb Landry Jones
(Birdwell), Stephanie
Sigman (Dolores)
Chris Clark,
Flora Fernandez Marengo,
Phil Hunt, Compton Ross
Reprisal Films
Elizabeth Eves
Movies Inspired
**
contatti/contacts
Movies Inspired
Stefano Jacono
[email protected]
66
SOMMARIO
Bob e Terry sono una coppia di poliziotti dai modi bruschi e dalle
abitudini che mal si sposano con il loro lavoro: alcol, cocaina e
strip club sono i loro passatempi preferiti, così come correre a folle
velocità sulle strade del New Mexico e guadagnare qualche dollaro
extra sfruttando il tesserino che si portano sempre dietro. Quando,
però, calcano un po’ troppo la mano e pestano i piedi a James
Mangan, lord inglese e boss del crimine, si troveranno ad
affrontare conseguenze tanto esplosive quanto tragicomiche.
«Quando mi veniva chiesto su cosa stessi lavorando, e io citavo
War on Everyone, dicevo che era una cosa a metà fra Il braccio
violento della legge ed Hellzapoppin’. Scherzavo solo in parte.
War on Everyone è una buddy comedy molto nera con uno spirito
anni Settanta, un umorismo visivo e verbale eccentrico, svolte
narrative improvvise e la musica di Glen Campbell. I miei due film
precedenti erano misurati, contemplativi, aderenti al soggetto.
Questo, invece, è più dinamico, con momenti calmi e meditativi
che seguono scene velocissime».
**
Bob and Terry are a couple of cops with rough manners and a few bad
habits that don’t mix well with their job. Alcohol, cocaine, strip clubs,
speeding down the roads of New Mexico, and making a few extra bucks
with their badges are just some of their favorite things. But when they
go too far, stepping on the toes of James Mangan, a British aristocrat
and crime lord, they will have to deal with some explosive and
tragicomic consequences.
“When I was asked about the projects I was developing, and
I mentioned War on Everyone, I said that it was The French
Connection meets Hellzapoppin’. I was only being partly facetious.
War on Everyone is a buddy-buddy black comedy with a 1970s feel to
it, outlandish visual and verbal humour, left-field narrative turns, and
the music of Glen Campbell. The Guard and Calvary were directed in
a measured, contemplative style, relevant to the subject matter.
This one has a very different dynamic, one of quick-paced scenes
followed by calm, contemplative moments.”
John Michael McDonagh (Londra,
Regno Unito, 1967) ha esordito
come regista e sceneggiatore nel
2000, con il cortometraggio The
Second Death. Nel 2011 ha scritto e
diretto il suo primo lungometraggio,
Un poliziotto da happy hour,
poliziesco dai toni comici
(interpretato da Brandan Gleeson)
che gli è valso, tra i numerosi
riconoscimenti, la menzione d’onore
per la migliore opera prima alla
Berlinale. Successivamente ha
realizzato, sempre con Gleeson come
protagonista, il drammatico Calvario
(2014), premiato ancora una volta
a Berlino, con il premio della giuria
ecumenica. War on Everyone è il suo
primo film girato negli Stati Uniti.
John Michael McDonagh (London,
UK, 1967) made his first short film,
the The Second Death, in 2000. In
2011, he wrote and directed his first
feature, The Guard, a crime drama
with comic undertones (starring
Brendan Gleeson) that received many
awards, including the Honorable
Mention for Best Debut Film at the
Berlinale. He participated again at the
Berlinale in 2014 with his next movie,
Calvary (which also featured Gleeson
in the lead role), winning the Prize of
the Ecumenical Jury. War on Everyone
was the first film he made in the
United States.
The Second Death (cm, 2000), The
Guard (Un poliziotto da happy hour,
2011), Calvary (Calvario, 2014), War
on Everyone (2015).
joyce wong
WEXFORD PLAZA
WEXFORD
PLAZA
Joyce Wong
Maya Bankovic
Darby MacInnis
scenografia/
production design
Adam Belanger
Sarah Lake
suono/sound
Ian Reynolds
interpreti e personaggi
cast and characters
Reid Asselstine (Betty),
Darrel Gamotin (Danny),
Ellie Posadas (Celine),
Francis Melling (Rich)
Harry Cherniak,
Matt Greyson,
Joyce Wong
Highway 401 Films
**
contatti/contacts
Highway 401 Films
Matt Greyson
Betty è una guardia addetta alla sicurezza in un desolato e
opprimente centro commerciale. Oltre al panorama asfittico delle
sue giornate, il fatto che il suo fisico non rientri in uno standard
socialmente accettato non la aiuta di certo a trovare l’anima
gemella, che cerca senza grandi risultati su un social d’incontri.
Un giorno al centro commerciale conosce Danny, anche lui con
il suo carico di problemi, ed è subito amore. Purtroppo, però, le
cose si complicano quando una foto di Betty discinta diventa più
pubblica del previsto.
**
Betty works as a security guard in a desolate and depressing shopping
mall. Besides the jaded panorama of her days, the fact that she
doesn’t fit society’s norms about bodyweight certainly doesn’t help her
find her soul mate, who she unsuccessfully looks for using a social
networking dating app. One day, at the mall, she meets Danny, who
also has a load of problems, and it’s love at first sight. Unfortunately,
things get complicated when a photo of a scantily dressed Betty
becomes more public than expected.
[email protected]
Joyce Wong (Canada), residente
a Toronto, si è laureata alla York
University in produzione
cinematografica nel 2007 e l’anno
successivo ha preso parte a un Talent
Lab della Berlinale. Nel suo lavoro
è stata supportata dagli Arts Council
di Canada e Ontario. Con il
cortometraggio Banana Bruises ha
vinto nel 2006 il premio per il miglior
cortometraggio al Cinesiege Film
Festival, con Souvenirs from Asia
(2008) il premio per il miglior
cortometraggio al ReelWorld Film
Festival e con il successivo
EmBodying Toronto il premio del
Women in Film & Television Toronto
per il film più innovativo diretto
da una donna nel 2009. I suoi film
sono stati proiettati in diversi festival
internazionali, tra cui Hot Docs
International Documentary Film
Festival, il San Francisco
International Asian American Film
Festival e l’Hong Kong International
Film and Video Awards.
Recentemente ha terminato la sua
residenza artistica presso il centro
per il documentario Brooklyn’s
Uniondocs, realizzando l’esperienza
interattiva Gentrification Guilt Meter.
Joyce Wong (Canada), based in
Toronto, graduated from York
University with a BFA in Film
Production in 2007 and participated
in the Berlinale Talent Lab in 2008.
Her work has been supported by the
Canada Arts Council and the Ontario
Arts Council. Awards she has won
include: Cinesiege Film Festival’s Best
Fiction Short Award (2006) for Banana
Bruises; ReelWorld Film Festival’s
Outstanding Canadian Short Award
(2008) with Souvenirs from Asia;
and WIFT-T’s Most Innovative Film
by a Female Director Award
(EmBodying Toronto, 2009).
Her films have screened at festival
such as Hot Docs International
Documentary Film Festival, San
Francisco International Asian American
Film Festival and Hong Kong
International Film and Video Awards.
Recently, she completed an artist
residency at Brooklyn’s Uniondocs
Centre for Documentary Arts,
producing an interactive experience
titled Gentrification Guilt Meter.
Banana Bruises (cm, 2006), Souvenirs
from Asia (cm, 2007), EmBodying
Toronto (coregia/codirector Sonia
Hong, cm, 2009), Wexford Plaza
(2016).
67
SOMMARIO
-
FILM COMMISSION
alessandro castelletto
GIPO, LO ZINGARO DI BARRIERA
Alessandro Castelletto (Torino, 1971)
si è laureato presso la facoltà di
lettere e filosofia dell’Università di
Torino. Nel 2006 ha fondato la casa
di produzione Endeniu Audiovisivi.
Lavora come regista di documentari,
videoclip, filmati istituzionali e
magazine televisivi: suoi lavori sono
stati trasmessi su Rai, Raisat Cinema,
Arte, Mtv. Lavora inoltre come
montatore.
GIPO, LO
ZINGARO DI
BARRIERA
montaggio/director,
Alessandro Castelletto
soggetto/story
Federico Voria
Luciano Federici
suono/sound
Mirko Guerra
interpreti/cast
Luca Morino,
Carlo Ellena,
Giovanni Tesio,
Gian Mesturino,
Massimo Scaglione,
Valentina Farassino,
Gabriella Daghero,
Umberto Bossi
Valentina Farassino,
Alessandro Castelletto
Endeniu, Fondazione
Caterina Farassino
**
contatti/contacts
Endeniu
[email protected]
www.endeniu.it
Luca Morino, musicista e cantante dei Mau Mau, trova uno
scatolone davanti alla porta del suo negozio. Dentro c’è del
materiale su Gipo Farassino: vinili, foto, libri e articoli di giornale.
Ma anche oggetti intimi e personali. Un ritrovamento non casuale:
chi lo ha recapitato lo sta invitando a compiere un viaggio alla
ricerca dello chansonnier. Seguendo le tracce presenti all’interno
del pacco, Morino incontrerà personaggi legati al mondo
farassiniano e luoghi di una Torino nascosta e sconosciuta ai più.
E sarà catapultato in situazioni oniriche e surreali.
«Gipo, lo zingaro di Barriera non è solo il tentativo di riscoprire
la figura di Farassino, autoctono Johnny Cash sabaudo, artista
sottovalutato e spesso etichettato con facili stereotipi, ma anche
un viaggio al centro della natura più profonda di un uomo.
Viaggio che confluisce costantemente nel quartiere periferico
e popolare della Barriera di Milano a Torino in cui Gipo nacque
nel 1934. Periferia circoscritta geograficamente ma emotivamente
universale e illimitata. Indelebile luogo dell’anima».
**
Luca Morino is a musician and singer of the group Mau Mau. One
day, he finds a box at his doorstep containing vinyl records, photographs,
books and magazine articles about Gipo Farassino, as well as a few
personal items. He didn’t find it by chance: it was left there on purpose,
inviting him on a journey in search of the musician. Morino follows
the trail of clues contained in the box. As he explores this hidden side
of the city ignored by most, he meets people from Farassino’s world
and finds himself in some surreal and dreamlike situations.
“Gipo, lo zingaro di Barriera is more than an attempt to discover
who this character, Farassino, really was. There is more to this regional
version of Johnny Cash than the underrated artist, pigeonholed and
victim of others’ stereotypes. The film is also an expedition into the
furthest corners of his very nature. The journey always brings us back
to Barriera di Milano, a working-class area on the outskirts of Turin
where Gipo was born in 1934. This peripheral neighborhood, while
geographically limited, is also universal and boundless on an emotional
level. It’s an indelible place of the soul.”
68
SOMMARIO
-
FILM COMMISSION
Alessandro Castelletto (Turin, Italy,
1971) got his bachelor of arts from
the University of Turin. He started
the production company Endeniu
Audiovisivi in 2006. He directed several
documentaries, videos, public service
ads, and TV magazines, and also works
as a film editor. His work aired on
several networks, like RAI, RAISat
Cinema, ARTE, and MTV.
Giorgio Agosti, le quotidiane virtù
dell’Italia civile (doc., 2004), Giovanni
Pesce: l’ultimo garibaldino (doc.,
2007), Tanzen mit Righeira (doc.,
2008), Righi liberante (doc., 2009),
Around the Dub Sync (doc., 2009),
Cinefiat presenta (doc., 2012), Gipo,
lo zingaro di Barriera (doc., 2016).
-
FILM COMMISSION
craig goodwill
SADIE
Canada-Italia/Canada-Italy, 2016, HD, 92’, col.
regia/director
Craig Goodwill
story, screenplay
Brian Clark,
Peta-Megan Dunn
David Ungaro
Glenn Berman,
Michael Doherty
scenografia/
production design
Paola Bizzarri
Cristina Audisio
musica/music
Silvio Amato
suono/sound
Vito Martinelli
cast and characters
Analeigh Tipton (Sadie),
Marta Gastini (Francesca),
Jan Bijvoet (Minos),
Jakob Cedergren (Alex),
Valentin Merlet (Thierry),
Pietro Giunti
(il barista/bartender)
Brian Dreyfuss,
Neil Dunn,
Craig Goodwill,
Mike Macari
James Khanlarian
**
contatti/contacts
Fargo Film
Ladis Zanini
[email protected]
www.fargofilm.it
69
SOMMARIO
© L O R I S T. Z A M B E L L I
SADIE
Sadie è una scrittrice emergente che viene invitata in Italia dall’ex
amante per festeggiare l’uscita del nuovo libro. Con lei c’è anche
Francesca, imperscrutabile e misteriosa. Le due donne si
troveranno in una villa isolata e fuori dal tempo, dove nulla
è come sembra.
«L’approccio a Sadie è poetico, pur nella violenza, nella psicologia
e nell’erotismo che contraddistinguono il film: attraverso la
scoperta del dolore e del piacere si arriva alla verità. Ci interessava
far compiere al pubblico un viaggio nella psiche e nella moralità
della devianza, alla scoperta della linea sottile che separa i nostri
desideri e dal loro impatto sull’animo umano. L’ambientazione
nella campagna italiana crea un’illusione, nascondendo il mondo
misterioso delle sette, dove ideali ormai sorpassati di giusto e
sbagliato sono sostituiti dal fascino per l’occulto e dall’attrazione
fisica per l’assassinio. Attimo dopo attimo, la protagonista
sprofonda così sempre di più in un modo che un tempo l’avrebbe
spaventata».
**
Sadie is an emerging writer. Her ex invites her to Italy to celebrate the
publication of her new book. There she meets Francesca, inscrutable
and mysterious. The two women find themselves in a remote villa
from another time where nothing is at it seems.
“The concept for treating Sadie is poetic in its violence, psychology and
eroticism, and through the discovery of pain and pleasure we discover
truth. Applying these notions, we intend to take the audience on a
journey through the psychology and morality of deviancy, discovering
the fine line between our own desires, and their impact on our souls. The setting of an Italian country side casts an illusion, masking the
mysterious world of secret societies, where passé ideas of right and
wrong are replaced by the allure of the occult, and the carnal intrigue
of murder. With each passing moment Sadie falls deeper into a world
she once feared.”
-
FILM COMMISSION
Craig Goodwill ha cominciato
a lavorare come produttore e
assistente alla regia in film come Will
Hunting - Genio ribelle (1998), Studio
54 (1998), Driven (2001), Superstar
(1999), Loser (2000) e nella miniserie
La tempesta del secolo (1999).
Ha poi viaggiato da Haiti all’India
girando e producendo documentari
per National Geographic, Cbc,
Alliance Atlantis e realizzando
il lungometraggio documentario
Godless. Nel frattempo ha continuato
a girare spot per marchi come Nike,
Microsoft, Bank of America e Nokia.
Come sceneggiatore e regista di film
di finzione, ha trovato il successo
con Patch Town (2014), basato su
un precedente e omonimo
cortometraggio del 2011. Il film è
stato presentato in anteprima al
Festival di Palm Springs e in seguito
a Mosca, Shanghai e Montreal.
Craig Goodwill began his film career
as a producer and director’s assistant
on films such as Good Will Hunting
(1998), 54 (1998), Driven (2001),
Superstar (1999), Storm of the
Century (1999), Loser (2000).
Subsequently, he traveled from Haiti
to India directing and producing
documentaries for National
Geographic, CBC, Alliance Atlantis,
and completing a feature documentary
called Godless. He continues
to shoot commercials for clients such
as Nike, Microsoft, Bank of America,
and Nokia. His career as a narrative
writer and director launched with his
award-winning feature Patch Town
(2014), based on his short of the same
title of 2011. The film premeried at
Palm Springs, and then at Moscow,
Shanghai and Montreal.
Disaster DIY (serie tv/tv series, ep.,
2007), Quest for Excellence (tv, doc.,
2009), Carlawood (serie tv/tv series,
ep., doc., 2010), Godless (serie tv/tv
series, ep., doc., 2011), Patch Town
(cm, 2011), Artist: Unknown (cm,
2012), The Spirit Game (cm, 2013),
Patch Town (2014), Sadie (2016).
-
costa-gavras
Z
Francia-Algeria/France-Algeria, 1969, 35mm, 127’, col.
Z, L’ORGIA
DEL POTERE
regia/director
Costa-Gavras
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel of same title
by Vasilis Vasilikos
Costa-Gavras,
Jorge Semprún
Raoul Coutard
Françoise Bonnot
scenografia/
production design
Jacques D’Ovidio
Piet Bolscher
musica/music
Mikis Theodorakis
suono/sound
Sidi Boumedienne
Dahmane, Jean Nény,
Alex Pront
cast and characters
Yves Montand (Z), Irene
Papas (Hélène),
Jean-Luis Trintignant
(il giudice/judge),
François Périer
(il procuratore/prosecutor),
Jacques Perrin (il
fotoreporter/photoreporter),
Charles Denner (Manuel),
Pierre Dux (il generale/
gen. Missou),
Georges Géret (Nick),
Bernard Fresson (Matt)
Valoria Films,
Reggane Films,
Office National pour le
Commerce et l’Industrie
Cinématographique
In una non meglio precisata nazione del Mediterraneo, il potere
è in mano a un governo fantoccio guidato dai militari. Gli unici a
opporsi alla dittatura sono i membri di un partito pacifista di
sinistra. Quando questi organizzano una manifestazione a cui è
prevista la partecipazione del loro leader, personaggio carismatico
e risoluto, strane voci iniziano a circolare su un possibile attentato
organizzato ai danni del capo del partito. L’uomo, dal canto suo,
non presta attenzione alle voci e conferma la propria
partecipazione. Il giorno del corteo, però, le indiscrezioni sono
purtroppo confermate dai fatti: un veicolo investe il politico, che
muore di lì a poco in ospedale. Secondo la ricostruzione della
polizia si sarebbe trattato di un incidente causato dall’ubriachezza
del guidatore. Una palese montatura sulla quale indaga il giudice
istruttore del locale tribunale. Nel corso delle indagini, l’uomo
acquisirà una nuova coscienza sullo stato in cui versa il suo Paese.
The military controls the puppet government of an unspecified country
in the Mediterranean. The members of a pacifist left-wing movement
are the only ones standing against the dictatorship. While they are
organizing a protest, a rumor spreads that someone is going to try
to assassinate their leader, a charismatic and determined man who
brushes the threat aside and confirms his participation nonetheless.
But on the day of the protest, the rumor turns true: a vehicle runs
over the politician, who dies shortly thereafter in the hospital. According
to the police, the accident was caused by a drunk driver. Clearly a cover
up that the prosecutor intends to debunk, but the investigation will
open his eyes on the actual state of his country.
**
contatti/contacts
KG Productions
Léonie Bege
[email protected]
www.kgproductions.fr
70
SOMMARIO
-
Costa-Gavras (Loutra-Iraias, Grecia,
1933) ha esordito dirigendo film
polizieschi e thriller, per dedicarsi poi
a un cinema di natura politica, con cui
ha criticato le malversazioni di regimi
dittatoriali e i loro legami con le
potenze internazionali. Titoli come il
13° uomo (1967), Z, l’orgia del potere
(1969), nominato per due premi Oscar
e vincitore del premio della giuria
a Cannes, La confessione (1970),
L’amerikano (1972), L’affare della sezione
speciale (1975), per cui ha vinto il
premio per la regia a Cannes, Missing Scomparso (1982), suo primo film
hollywoodiano, insignito della Palma
d’oro, dell’Oscar e del Bafta alla
sceneggiatura, gli altri film americani
Betrayed - Tradita (1988) e Music Box Prova d’accusa (1989), che ha ottenuto
l’Orso d’oro, e ancora Amen. (2002),
con cui ha vinto il Berlinale Camera
Award, e Verso l’eden (2009).
Costa-Gavras (Loutra-Iraias, Greece,
1933) started his career directing crime
dramas and then shifted to political
cinema to shine a critical light on the
malpractices of dictatorships and their
relations with major foreign powers.
Masterpieces like: Un homme de trop
(1967); Z (1969), nominated for two
Academy Awards and winner of the Jury
Award in Cannes; L’aveu (1970); État
de siège (1972); and Section spéciale
(1975), which earned him Best Director
in Cannes. His first Hollywood movie,
Missing (1982), received a Golden Palm,
an Academy Award and a BAFTA Award
for Best Screenplay. He then directed a
few more movies in the States, like
Betrayed (1988); Music Box (1989),
which won the Golden Bear; Amen.
(2002), winner of the Berlinale Camera
Award; and Eden à l’Ouest (2009).
Compartiment tueurs (Vagone letto per
assassini, 1965), Un homme de trop
(Il 13° uomo, 1967), Z (Z , l’orgia del
potere, 1969), L’aveu (La confessione,
1970), État de siège (L’amerikano, 1973),
Section spéciale (L’affare della sezione
speciale, 1975), Claire de femme (Chiaro
di donna, 1979), Missing (Missing Scomparso, 1982), Hanna K. (id., 1983),
Conseil de famille (Consiglio di famiglia,
1985), Betrayed (Betrayed - Tradita,
1988), Music Box (Music Box - Prova
d’accusa, 1989), La petite apocalypse
(La piccola apocalisse, 1992), Lumière
et Cie (coregia/codirectors aa.vv., ep.,
cm, 1995), Mad City (Mad City - Assalto
alla notizia, 1997), Amen. (id., 2002),
Le Couperet (Cacciatore di teste, 2005),
Eden à l’Ouest (Verso l’eden, 2009),
Le capital (2012).
-
V I N TA G E
nagisa ōshima
MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE
Regno Unito-Giappone-Nuova Zelanda/
UK-Japan-New Zealand, 1983, 35mm, 123’, col.
FURYO
regia/director
Nagisa Ōshima
soggetto/story
dai romanzi/from the novels
The Seed and the Sower,
The Night of the New Moon
di/by Laurens van der Post
Nagisa Ōshima,
Paul Mayersberg
Tōichirō Narushima
Tomoyo Oshima
scenografia/
production design
Shigemasa Toda
musica/music
Ryuichi Sakamoto
suono/sound
Mike Westgate
cast and characters
David Bowie
(maggiore/maj. Celliers),
Tom Conti (colonnello/col.
Lawrence), Ryuichi
Sakamoto (capitano/capt.
Yonoi), Takeshi Kitano
(sergente/sgt. Gengo Hara),
Jack Thompson
(capitano/capt. Hicksley)
produttore/producer
Jeremy Thomas
Jeremy Thomas Production,
National Film Trustees
Durante la seconda guerra mondiale l’esercito giapponese gestisce
un campo di reclusione a Giava, in cui sono rinchiusi militari in
prevalenza britannici e olandesi. A dirigerlo il giovane capitano
Yonoi, che mantiene la disciplina con il pugno di ferro e applica
il codice militare nipponico ai prigionieri occidentali. Nei confronti
di queste persone il capitano nutre un profondo disprezzo, dal
momento che hanno preferito arrendersi piuttosto che morire in
combattimento. L’arrivo del maggiore neozelandese Celliers, però,
fa precipitare l’uomo in una crisi personale devastante: come
accettare l’attrazione per un altro uomo?
«È impossibile che io riesca ad avvicinarmi, anche lontanamente,
al lavoro fatto da Ōshima e dalla nostra troupe. È così
spontaneamente legato alla sensibilità giapponese... Ōshima ha
bilanciato in modo unico lo stile recitativo nipponico, che è molto
contenuto, e le necessità della recitazione occidentale, di stampo
neorealistico. Li ha messi in conflitto per creare l’atmosfera in parte
onirica del film». (David Bowie)
**
During WWII, the Japanese army has a prison camp in Java, primarily
for British and Dutch soldiers. The camp is run by young captain Yonoi,
who maintains discipline with an iron fist and applies the Japanese
military code to his western prisoners. The captain deeply despises the
prisoners since they preferred to surrender rather than die in combat.
But when the New Zealander major Celliers arrives, Yonoi is thrown
into a devastating personal crisis: how can he accept being attracted to
another man?
“There is no way I could even remotely get near to the kind of work
that Ōshima and our team has done. It’s so inherently from a Japanese
sensibility... Ōshima got such a peculiar balance between the stylistic
acting of the Japanese, which is restrained, and the needs of the
neo-realist acting of the westerns. He kept them against each other
to produce this almost dream state in the film.” (David Bowie)
71
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Nagisa Ōshima (Tamano, Giappone,
1931 - Fujisawa, Giappone, 2013)
è stato uno dei maestri del cinema
giapponese. Esponente della
cosiddetta nuberu bagu, ha raccontato
le contraddizioni della società
nipponica del secondo dopoguerra,
in cui il materialismo si affiancava
all’osservanza di regole secolari,
generando conflitti insanabili. Tra
i suoi titoli più importanti, Racconto
crudele della giovinezza (1960),
Il cimitero del sole (1960), Notte
e nebbia in Giappone (1960),
La cerimonia (1971), Ecco l’impero dei
sensi (1976), vero caso mediatico a
causa degli espliciti contenuti sessuali,
L’impero della passione (1978), premio
per la migliore regia a Cannes, e Furyo
(1983), vincitore di un Bafta per la
migliore colonna sonora. Ha chiuso
la carriera con Tabù - Gohatto (1999),
presentato in concorso a Cannes.
Nel 2009 il Torino Film Festival gli ha
dedicato una retrospettiva completa.
Nagisa Ōshima (Tamano, Japan, 1931 Fujisawa, Japan, 2013) is considered one
of the maestros of Japanese cinema.
An exponent of “nuberu bagu,” his films
depict the contradictions of Japanese
society since WWII, in which materialism
is flanked by observance of centuries-old
rules, generating irresolvable conflicts.
His most important films include Cruel
Story (1960); The Sun’s Burial (1960);
Night and Fog in Japan (1960); The
Ceremony (1971); In the Realm of the
Senses (1976), a true sensation because
of its explicit sexual content; Empire of
Passion (1978), which won Best Director
at Cannes; and Merry Christmas Mr
Lawrence (1983), which received a
BAFTA for Best Score. His final film was
Taboo (1999), presented in competition
at Cannes. In 2009, the Torino Film
Festival dedicated a complete
retrospective to him.
Seishun zankoku monogatari (Racconto
crudele della giovinezza, 1960), Taiyō
no hakaba (Il cimitero del sole, 1960),
Nihon no yoru to kiri (Notte e nebbia
in Giappone, 1960), Etsuraku (Il
godimento, 1965), Muri shinju: Nihon
no natsu (Japanese Summer: Double
Suicide, 1967), Koshikei (Death by
Hanging, 1968), Gishiki (La cerimonia,
1971), Ai no korīda (Ecco l’impero dei
sensi, 1976), Ai no bōrei (L’impero della
passione, 1978), Merry Christmas Mr
Lawrence (Furyo, 1983), Max mon
amour (Max amore mio, 1986),
Gohatto (Tabù - Gohatto, 1999).
-
V I N TA G E
michael cimino
THE DEER HUNTER
Regno Unito-Usa/UK-USA, 1978, 35mm, 182’, col.
IL CACCIATORE
regia/director
Michael Cimino
soggetto/story
Michael Cimino,
Deric Washburn,
Louis Garnfinkle,
Quinn K. Redeker
Deric Washburn
Vilmos Zsigmond
Peter Zinner
cast and characters
Robert De Niro (Michael),
John Savage (Steven),
Christopher Walken (Nick),
John Cazale (Stan),
Meryl Streep (Linda),
George Dzundza (John),
Chuck Aspegren (Axel),
Shirley Stoler (la madre
di Steven/Steven’s mother),
Rutanya Alda (Angela)
Michael Cimino,
Michael Deeley,
John Peverall,
Barry Spikings
EMI Films,
Universal Pictures
Pennsylvania, anni Sessanta. Michael, Nick e Steven sono tre
amici in partenza per il Vietnam. Catturati dall’esercito vietcong,
sono costretti alla tortura della roulette russa, alla quale
miracolosamente sopravvivono. Dopo un fortunato tentativo di
fuga guadagnano la libertà, ma le ferite che li hanno segnati nel
fisico e nell’animo rendono impossibile ogni ritorno alla normalità.
Steven è invalido alle gambe, Nick, diventato disertore, frequenta i
peggiori locali di Saigon e pratica la roulette russa, mentre Michael
prova senza riuscirci a reinserirsi nella vita della comunità.
Fino al tragico finale che lo vedrà, ancora una volta, in Vietnam.
«Non sono partito con l’idea di fare un film che parlasse della
guerra del Vietnam, perché non provavo alcun interesse verso la
politica legata alla guerra. […] Piuttosto, ho diretto un film sugli
effetti e i traumi che questa ha provocato su una famiglia… […]
Ogni grande film che parli della guerra è automaticamente contro
di essa, nel caso in cui ne racconti la verità. Perché in qualche
modo ne mostra la follia».
**
Pennsylvania, the 1960s. Michael, Nick and Steven are three friends
on their way to Vietnam. After being captured by the Vietcong, they
are forced to play Russian roulette and miraculously survive. After a
successful escape, they regain their freedom but the wounds in their
bodies and souls have made their return to normal life impossible.
Steven is a paraplegic, Nick has become a deserter and frequents
the dives of Saigon to play Russian roulette, while Michael tries
unsuccessfully to fit back in with their community. Until the tragic
finale which finds him, once more, in Vietnam.
“I never started out to make a film about the Vietnam War, I had
no interest in the politics of war. […] I made a film about the effects
of trauma and tragedy on a family… […] Any great movie about war
is automatically anti-war if it tells the truth about war, you see the
madness.”
72
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Michael Cimino (New York City, Usa,
1939 - Los Angeles, California, Usa,
2016) ha esordito nel 1974 con Una
calibro 20 per lo specialista, prima di
realizzare Il cacciatore (1978), con cui
ha ottenuto due Oscar (miglior film
e miglior regia). Ha quindi diretto
I cancelli del cielo (1980), capolavoro
western che a causa dell’insuccesso
commerciale ha segnato
negativamente il resto della sua
carriera, a cui hanno fatto seguito
L’anno del dragone (1985), Il siciliano
(1987), Ore disperate (1990) e Verso
il sole (1996). Nel 2001 ha pubblicato
il romanzo Big Jane e nel 2007 ha
partecipato al film collettivo Chacun
son cinéma, prodotto per festeggiare
i sessant’anni del Festival di Cannes.
Nel 2012, in occasione della
presentazione della versione
restaurata dei Cancelli del cielo, è
stato insignito del premio Persol
alla Mostra di Venezia e nel 2015
del Pardo d’onore a Locarno.
Michael Cimino (New York City,
NY, USA, 1939 - Los Angeles, CA,
USA, 2016) debuted in 1974 with
Thunderbolt and Lightfoot before
making The Deer Hunter (1978),
which won him two Oscars (Best
Picture and Best Director). His next
movie, Heaven’s Gate (1980),
although a western masterpiece, was
a commercial failure which marked the
rest of his career. His next movies were
Year of the Dragon (1985), The
Sicilian (1987), Desperate Hours
(1990) and Sunchaser (1996).
In 2001 he published the novel Big
Jane and in 2007 he participated in
the collective film Chacun son
cinéma, produced to celebrate the 60
anniversary of the Cannes Film Festival.
In 2012, during the presentation of the
restored version of Heaven’s Gate, he
was given the Persol Award at the
Venice Film Festival and in 2015 he
received the Leopard of Honor at the
Locarno Film Festival.
TH
Thunderbolt and Lightfoot (Una calibro
20 per lo specialista, 1974), The Deer
Hunter (Il cacciatore, 1978), Heaven’s
Gate (I cancelli del cielo, 1980), Year of
the Dragon (L’anno del dragone, 1985),
The Sicilian (Il siciliano, 1987),
Desperate Hours (Ore disperate,
1990), Sunchaser (Verso il sole, 1996),
Chacun son cinéma (ep., No
Translation Needed, cm, 2007).
-
V I N TA G E
fabio garriba
I PARENTI TUTTI
A CURA DELLA CINETECA NAZIONALE
Italia/Italy, 1967, 35mm, 19’, bn/bw
ALL THE
RELATIVES
regia/director
Fabio Garriba
Elio Bisignani
scenografia/
production design
Giacomo Calò
Franco Della Noce
interpreti/cast
Fabio Garriba,
Bianca Bresadola,
Renato Tomasino,
Anna Rossiello,
Nerina Breccia,
Gianna Soldano
Centro Sperimentale
di Cinematografia
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
www.fondazionecsc.it
Un ragazzo immagina di essere morto e di sentire i commenti di
familiari e amici.
«“Mi sento un cadavere, devo far presto a seppellirmi altrimenti
puzzo!” Da questa osservazione si è sviluppato in me il desiderio
di assistere ai miei funerali: desiderio elementare che credo ognuno
di noi abbia provato. Si trattava cioè di un mio bisogno personale
di vedere morta e seppellita la mia infanzia, la mia adolescenza e
chiudere così i rapporti con i familiari per poter resuscitare adulto.
Tuttavia nel cortometraggio si crea un’ambiguità che porta a
sospettare che il protagonista non sia morto. Questa ambiguità
riflette la mia situazione reale. Oggi, a un anno di distanza, posso
dire in sincerità che la cassa caricata sul carro funebre era vuota
perché mi ritrovo con addosso ancora il mio cadavere alla ricerca
di una fossa dove seppellirlo».
**
A boy imagines being dead and hearing the comments of his family
and friends.
“‘I feel like a corpse, I must hurry up and bury myself before I start to
stink!’ From this observation I developed the desire to witness my own
funeral: a basic desire, which I believe everybody must have felt
sometime. It was a personal need of mine to see my childhood and
adolescence dead and buried, in order for me to close my relationship
with my relatives and be reborn as an adult. However, in this short film
there is an ambiguity leading one to suspect that the protagonist is not
dead. This ambiguity reflects my real situation. Today, a year on, I can
sincerely say that the coffin on the hearse was empty because I am still
wearing my own corpse, in search of a grave in which to bury it.”
73
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Fabio Garriba (Soave, Verona, 1944 Verona, 2016), protagonista di
entrambe le pellicole del fratello
Mario, nel corso della sua carriera ha
recitato in film come Vento dell’est di
Jean-Luc Godard (1970), Agostino
d’Ippona di Roberto Rossellini (1972),
Sbatti il mostro in prima pagina di
Marco Bellocchio (1972), La via dei
babbuini di Luigi Magni (1974),
Novecento di Bernardo Bertolucci
(1976) e La terrazza di Ettore Scola
(1980). Ha inoltre lavorato anche
come assistente alla regia per
Bertolucci (Partner, 1968) e Pier
Paolo Pasolini (Porcile, 1969).
Nel 1967 ha diretto il cortometraggio
I parenti tutti.
Fabio Garriba (Soave, Verona, Italy,
1944 - Verona, Italy, 2016) starred in
both films his brother Mario directed;
over the course of his career he acted
in movies such as Le vent d’est by
Jean-Luc Godard (1970), Agostino di
Ippona by Roberto Rossellini (1972),
Sbatti il mostro in prima pagina by
Marco Bellocchio (1972), La via dei
babbuini by Luigi Magni (1974),
Novecento by Bernardo Bertolucci
(1976) and La terrazza by Ettore Scola
(1980). He also worked as assistant
director for Bertolucci (Partner, 1968)
and Pier Paolo Pasolini (Porcile,
1969). In 1967 he made the short
I parenti tutti.
I parenti tutti (cm, 1967).
© FIORELLA ILARIO
-
V I N TA G E
mario garriba
VOCE DEL VERBO MORIRE
VOICE OF THE
VERB TO DIE
regia/director
Mario Garriba
Emilio Bestetti
Jobst Grapow
interprete/cast
Fabio Garriba
Centro Sperimentale
di Cinematografia
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
Un giovane cerca in tutti i modi di suicidarsi, ma la (s)fortuna
non lo assiste e tutti i tentativi falliscono (tragi)comicamente.
«Era la prima volta che mi mettevo dietro una macchina da presa
e ho voluto provare tutto: carrelli avanti e indietro, accelerazioni,
rallentamenti, gag, colore, bianco e nero, viraggi, cinema muto,
sonoro... Ma intanto avevo dimenticato che per fare cinema
occorre soltanto fortuna».
**
A young man tries to commit suicide in every possible way, but his
‘luck’ never runs out, and all his attempts fail (tragi)comically.
“It was the first time I stood behind a camera and I wanted to try
everything: forward and backward dollies, speeding up and slowing
down, gags, colour, black and white, use of toning, silent cinema and
sound etc. In the meantime, I’ve forgotten cinema is only a question
of luck.”
74
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Mario Garriba (Soave, Verona, 1944 Italia, 2013) esordisce nel
lungometraggio nel 1971 con In
punto di morte, saggio di diploma
per il Centro sperimentale di
cinematografia, che, caso unico
nel suo genere, vince il Pardo d’oro
al Festival di Locarno. In precedenza
aveva diretto il cortometraggio Voce
del verbo morire (1970). Nel corso
della carriera realizzerà solamente
un altro film, Corse a perdicuore
(1980), portato a termine dopo
diversi anni di tentativi e di infinite
resistenze dell’industria
cinematografica italiana dell’epoca.
Mario Garriba (Soave, Verona, Italy,
1944 - Italy, 2013) debuted in feature
films in 1971 with In punto di morte,
his graduating film at the Centro
sperimentale di cinematografia which,
a unique case in its genre, won the
Golden Leopard at the Locarno Film
Festival. He had previously directed the
short Voce del verbo morire (1970).
Over the course of his career, he made
only one other movie, Corse a
perdicuore (1980), which he
completed after several years and
infinite resistance from the Italian
film industry of the era.
Voce del verbo morire (cm, 1970),
In punto di morte (mm, 1971), Corse a
perdicuore (1980).
© FIORELLA ILARIO
-
V I N TA G E
mario garriba
IN PUNTO DI MORTE
ON THE POINT
OF DEATH
Mario Garriba
Mario Berta
Fabio Garriba,
Mario Garriba
scenografia/
production design
Lidija Yurakic
musica/music
Dimitri Nicolau Golovnyi
interpreti/cast
Fabio Garriba,
Elio Capitoli,
Ercole Ercolani,
Jobst Grapow,
Luigi Guerra,
Maria Marchi
Centro Sperimentale
di Cinematografia
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
A Orvieto, un giovane di buona famiglia si comporta in maniera
irriverente e goliardica nei confronti dei familiari, del mondo del
lavoro e delle istituzioni, travolgendo con il suo sarcasmo ogni
barriera sociale. Non arrestandosi nemmeno di fronte alla morte:
estremo, tragico gioco.
«Non ho voluto raccontare una storia. Ho preso invece un
personaggio che con le sue contraddizioni mi permettesse
di passare di continuo dalla realtà alla finzione, dal presente
al passato come se fossero la stessa cosa. Un personaggio chiuso
dentro una città di provincia con giornate tutte uguali fatte da
desideri inutili. Mi sono posto dietro la macchina da presa con
distacco, guardando le cose attraverso inquadrature fisse. […]
Una scelta che non è stata casuale, ma nata anche in rapporto ai
pochissimi mezzi di cui disponevo: una Eclair 16mm, un Nagra
III per la presa diretta, sette milioni di preventivo e quindici giorni
di lavorazione. Si trattava quindi di ritrovare il cinema all’interno
di una struttura che in apparenza lo negava o perlomeno lo
nascondeva».
**
In Orvieto, a middle-class youth is behaving in an irreverent and
mocking way towards his family, work and institutions, crushing every
social barrier with his sarcasm. He won’t stop even in the face of death,
playing an extreme and tragic game.
“I didn’t want to tell a story. Instead I took a character who, with
his contradictions, would allow me to move continually from reality
to fiction, from present to past, as though they were the same thing.
A character caught in a provincial town, where every day looks the
same and desires are all pointless. I got behind the movie camera
dispassionately, looking at things through stationary shots. [...] This
wasn’t by chance; in part, I made this decision because of the few
means at my disposal: a 16mm Eclair, a Nagra III for shooting live,
an estimate for seven million and fifteen work days. Thus, we had to
find cinema within a structure which seemed to negate it or at least
hide it.”
75
SOMMARIO
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V I N TA G E
Mario Garriba (Soave, Verona, 1944 Italia, 2013) esordisce nel
lungometraggio nel 1971 con In
punto di morte, saggio di diploma
per il Centro sperimentale di
cinematografia, che, caso unico
nel suo genere, vince il Pardo d’oro
al Festival di Locarno. In precedenza
aveva diretto il cortometraggio Voce
del verbo morire (1970). Nel corso
della carriera realizzerà solamente
un altro film, Corse a perdicuore
(1980), portato a termine dopo
diversi anni di tentativi e di infinite
resistenze dell’industria
cinematografica italiana dell’epoca.
Mario Garriba (Soave, Verona, Italy,
1944 - Italy, 2013) debuted in feature
films in 1971 with In punto di morte,
his graduating film at the Centro
sperimentale di cinematografia which,
a unique case in its genre, won the
Golden Leopard at the Locarno Film
Festival. He had previously directed the
short Voce del verbo morire (1970).
Over the course of his career, he made
only one other movie, Corse a
perdicuore (1980), which he
completed after several years and
infinite resistance from the Italian
film industry of the era.
Voce del verbo morire (cm, 1970),
In punto di morte (mm, 1971), Corse a
perdicuore (1980).
-
V I N TA G E
d.w. griffith
INTOLERANCE
Usa, 1916, 35mm, 198’, bn/bw, muto/silent
INTOLERANCE:
LOVE’S
STRUGGLE
THROUGHOUT
THE AGES
regia, scenografia,
production design, producer
D.W. Griffith
soggetto/story
dalla poesia/from the poem
Out of the Craddle Endlessly
Rocking di/by Walt Whitman
D.W. Griffith, Hettie Grey
Baker, Tod Browning, Anita
Loos, Mary H. O’Connor,
Frank E. Woods
G.W. Bitzer
D.W. Griffith, James Smith,
Rose Smith
D.W. Griffith, Clare West
musica/music
Joseph Carl Breil
interpreti/cast
Lilian Gish, Ralph Lewis,
Mae Marsh, Robert Harron,
Constance Talmadge,
Josephine Crowell, Margery
Wilson, Frank Bennet,
Elmer Clifton, Miriam
Cooper, Alfred Paget
Triangle Film Corporation,
Wark Producing
**
contatti/contacts
MoMA
Katie Trainor
[email protected]
www.moma.org
76
SOMMARIO
Quattro episodi distinti, che abbracciano un arco temporale di
duemila anni, per dimostrare come il seme dell’intolleranza abbia
sempre germogliato nell’animo umano. Nell’antica Babilonia
scoppia la guerra tra il principe Belshazzar e Ciro il Grande,
imperatore di Persia; guerra che verrà persa dal primo a causa
della rivalità tra i devoti di due divinità babilonesi, Bel-Marduk
e Ishtar. In Palestina, alcuni momenti della storia biblica, dalla
punizione dell’adultera alle nozze di Cana, fino alla crocefissione
di Gesù, ucciso dal fanatismo di chi lo circondava. Nella Francia
del XVI secolo, l’escalation di violenze, fomentate dai regnanti
cattolici, che nel 1572 porta alla strage di san Bartolomeo, in cui
perdono la vita migliaia di ugonotti, appartenenti alla corrente
calvinista. Nell’America dei primi anni Dieci un industriale riduce
gli stipendi dei dipendenti per contribuire alle iniziative di un
intransigente gruppo di salvaguardia morale; ciò provoca uno
sciopero, represso nel sangue, e l’inizio della rovina per una
coppia di giovani, che, perso il lavoro, scivolano nel crimine.
**
Four separate episodes spanning two thousand years, to show how
the seeds of intolerance have always taken root in the human soul.
In ancient Babylonia, war breaks out between prince Belshazzar and
Cyrus the Great, emperor of Persia; Belshazzar loses the war because
of the rivalry between the followers of two Babylonian divinities,
Bel-Marduk and Ishtar. Palestine is the setting of episodes from the
Bible, from the punishment of the adulteress to the wedding in Cana,
and the crucifixion of Jesus, killed by the fanaticism around him.
In 16 -century France, the escalation of violence fomented by
Catholic monarchs leads to the St. Bartholomew’s Day Massacre
in 1572, when thousands of Calvinist Huguenots lost their lives.
In America during the 1910s, a factory owner lowers the salary of
his workers to contribute to the initiatives of an intransigent group
of social reformers; this causes a strike which is repressed in blood
and marks the beginning of the end for a young couple who lose
their livelihood and turn to crime.
TH
-
V I N TA G E
D.W. Griffith (LaGrange, Kentucky,
Usa, 1875 - Los Angeles, California,
Usa, 1948) è considerato uno dei padri
fondatori del cinema americano e del
linguaggio cinematografico classico. I
suoi meriti principali rimangono quelli
di aver adottato e codificato alcune
innovazioni linguistiche e tecniche
(la soggettiva, il raccordo sull’asse, il
carrello, la panoramica, il primo piano,
ad esempio), aver teorizzato e reso
pratica comune il montaggio come
strumento narrativo e aver stabilito
il primato del lungometraggio. Tra le
pellicole più importanti da lui dirette
(su un numero totale di cinquecento),
Nascita di una nazione (1914), epico
e controverso affresco sulla guerra di
Secessione, che ebbe un notevole
successo di pubblico; Intolerance
(1916), con cui cercò di rispondere
alle critiche per il film precedente
ottenendo però risultati scarsi al box
office; e la parabola dickensiana Giglio
infranto (1919). Fondatore con Charlie
Chaplin, Mary Pickford e Douglas
Fairbanks della United Artists, nel 1936
è stato insignito dell’Oscar onorario.
D.W. Griffith (LaGrange, KY, USA,
1875 - Los Angeles, CA, USA, 1948)
is considered one of the founding fathers
of American film and the classic
cinematographic language. His primary
merit is for having adopted and codified
a number of linguistic and technical
innovations (such as point of view shots,
axial cuts, dollies, pan shots, close-ups),
for having theorized and popularized
editing as a narrative instrument, and
for having transformed feature film in
the usual format. Some of the most
important movies he directed (out of
a total of five hundred) are Birth of a
Nation (1914), an epic and controversial
fresco about the Civil War and a box
office success; Intolerance (1916), with
which he tried to respond to critics of his
previous film but was a financial failure;
and the Dickensian parabola Broken
Blossom (1919). He founded United
Artists with Charlie Chaplin, Mary
Pickford and Douglas Fairbanks, and
in 1936 he received an honorary Oscar.
Birth of a Nation (Nascita di una
nazione, 1914), Intolerance (1916),
A Romance of Happy Valley (Il romanzo
della valle felice, 1919), Broken Blossom
(Giglio infranto, 1919), Way Down East
(Agonia sui ghiacci, 1920), Orphans
of the Storm (Le due orfanelle, 1921),
Dream Street (Amore d’altri tempi,
1921), One Exciting Night (Notte
agitata, 1922), America (1924).
-
V I N TA G E
raffaello matarazzo
LITTORIA
LITTORIA
regia/director
Raffaello Matarazzo
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
Documentario sulla fondazione di Littoria (che dal 1945 si
chiamerà Latina), una delle nuove città sorte su una zona
paludosa, dopo la bonifica dell’Agro pontino. La prima parte,
«Palude», mostra una distesa d’acqua con casette di paglia; la
seconda parte, «Bonifica», illustra il lavoro che porta al
risanamento della terra, l’aratura e infine la costruzione della città.
Solo più tardi sorgono le case e gli insediamenti pubblici, mentre
i cartelli segnalano la divisione in borghi. I bambini sono intenti
a giocare, le donne fanno il pane: nasce Littoria. I tetti delle case,
le fontane, la caserma, l’edificio delle poste e gli altri edifici sono
sovrastati dal simbolo del Fascio.
**
The subject of this documentary is the foundation of Littoria – named
Latina after 1945 –, one of the new towns sprung up in marshland after
Agro pontino’s reclamation. The first part, “Palude,” shows us a stretch
of water surrounded by small straw huts. The second part, “Bonifica,”
illustrates the land’s reclamation works, the plowing, and finally the
construction of the town. Houses and public buildings appear only
later, while signs indicate the division into different areas. Children
are busy playing, women bake bread. It’s the beginning of a new city:
Littoria. Over house-roofs, fountains, barracks, the post-office and
many other building is the symbol of the Fascist party: the fasces
of Roman lictor.
77
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Raffaello Matarazzo (Roma, 19091966) esordisce come critico
cinematografico su «Il Tevere» e
«L’Italia letteraria» e lavora come aiuto
regista per Mario Camerini. L’esordio
alla regia avviene nel 1933, con Treno
popolare, il cui insuccesso lo induce a
orientarsi verso la commedia, con film
come L’anonima Roylott (1936),
L’albergo degli assenti (1939) e Giorno di
nozze (1942). Dopo alcuni film girati in
Spagna, dà inizio a una pluriennale
collaborazione con la Titanus, da cui
nasce la lunga serie di film interpretati
da Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson
e sceneggiati da Aldo De Benedetti
(Catene, 1949, Tormento, 1950, I figli di
nessuno, 1951, Chi è senza peccato…,
1952, Torna!, 1953, L’angelo bianco,
1955). Negli anni Sessanta torna alla
commedia, per poi chiudere la carriera
con il melodramma Amore mio (1964).
Raffaello Matarazzo (Rome, Italy,
1909-1966) debuted as a film critic for
“Il Tevere” and “L’Italia letteraria” and
worked as assistant director for Mario
Camerini. He debuted as a director in
1933 with Treno popolare, but its lack
of success convinced him to turn to
comedy, with movies such as L’anonima
Roylott (1936), L’albergo degli assenti
(1939) and Giorno di nozze (1942).
After shooting some films in Spain, he
began a multi-year collaboration with the
production company Titanus and made
a long series of movies starring Amedeo
Nazzari and Yvonne Sanson, and written
by Aldo De Benedetti (Catene, 1949;
Tormento, 1950; I figli di nessuno, 1951;
Chi è senza peccato…, 1952; Torna!,
1953; L’angelo bianco, 1955).
He returned to comedy during the
1960s and ended his career with the
melodrama Amore mio (1964).
Treno popolare (1933), Kiki (1934), Joe il
rosso (1936), L’anonima Roylott (1936),
Sono stato io! (1937), L’albergo degli
assenti (1939), Giù il sipario (1940),
Trappola d’amore (1940), Notte di
fortuna (1941), Giorno di nozze (1942),
Il birichino di papà (1943), La fumeria
d’oppio (1947), Lo sciopero dei milioni
(1948), Paolo e Francesca (1949),
Catene (1949), Tormento (1950), I figli
di nessuno (1951), Il tenente Giorgio
(1952), Chi è senza peccato... (1953),
Torna! (1953), Vortice (1953), La schiava
del peccato (1954), L’angelo bianco
(1955), La risaia (1956), L’ultima
violenza (1957), Malinconico autunno
(1958), Cerasella (1960), Adultero lui,
adultera lei (1963), I terribili 7 (1964),
Amore mio (1964).
-
V I N TA G E
raffaello matarazzo
MUSSOLINIA DI SARDEGNA
MUSSOLINIA
DI SARDINIA
regia/director
Raffaello Matarazzo
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
Documentario sulla fondazione della città nuova di Mussolinia,
in provincia di Oristano. Mussolinia (che dal 1945 si chiamerà
Arborea) sorge in seguito all’edificazione di una grande diga nel
bacino del fiume Tirso. L’imponenza della diga è mostrata in tutti
i suoi particolari: sono gli impianti idroelettrici che, attraverso il
duro lavoro di aratura e semina dei campi, hanno reso colonizzabili
quarantamila ettari del Campidano di Oristano. Le immagini
suggeriscono l’impegno della costruzione di una città dal nulla alle
masserie e alle prime case, alle strade ordinate, alla nuova chiesa.
Le ultime inquadrature sono dedicate al mercato, all’esposizione
delle merci, ai volti delle donne che lo frequentano.
**
The documentary is about the foundation of a new town in the
province of Oristano: Mussolinia. Named Arborea after 1945, it was
founded as a result of a dike’s construction in the Tirso basin. The film
shows the vastness of the dike in details. Forty thousand hectares of
Campidano were made suitable to settlement thanks to hydroelectric
plants, and the hard work of plowing and sowing the fields. The images
show the efforts of building up a city from nothing to the first farms
and houses, the road network and the new church. The last frames
are in a street market: the display of goods to be sold and the faces
of women doing their shopping.
78
SOMMARIO
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V I N TA G E
Amore mio (1964).
-
V I N TA G E
raffaello matarazzo
GIUSEPPE VERDI
Italia/Italy, 1953, 35mm, 120’, col.
GIUSEPPE
VERDI
regia/director
Raffaello Matarazzo
soggetto/story
Mario Monicelli,
Leo Benvenuti, Liana Ferri,
Giovanna Soria,
Piero Pierotti e da un’idea
di/and from an idea by
Maleno Malenotti
Tino Santoni
Mario Serandrei
scenografia/
production design
Alberto Boccianti
Dino Di Bari
musica/music
Giuseppe Verdi
interpreti/cast
Pierre Gressoy,
Gaby Andrè, Anna
Maria Ferrero,
Mario Del Monaco,
Tito Gobbi
produttore/producer
Maleno Malenotti
Consorzio Verdi
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
1901, l’anziano Giuseppe Verdi è ormai vicino alla morte. Prima di
morire, però, il grande compositore torna con la mente al lontano
1838: Giuseppe è a Milano, la città che ha ospitato i nomi più
celebri della musica sinfonica e dell’opera, e tenta di superare
l’esame di ammissione al conservatorio. Nonostante sia respinto,
non si arrende e poco dopo ottiene un discreto successo con la sua
prima opera: Oberto, Conte di San Bonifacio. Qualche anno più
tardi, superato un brutto periodo di crisi, Verdi incontra il soprano
Giuseppina Strepponi e trova finalmente il successo. La sua fama
aumenterà ancora di più dopo la composizione del Nabucco, nel
1842, fino a trasformarlo nel compositore più noto della sua epoca
e nel simbolo della lotta per l’indipendenza dell’Italia.
**
1901, elderly Giuseppe Verdi is near death. But before he dies, the great
composer thinks back to 1838: Giuseppe is in Milan, the city which has
welcomed the greatest names in symphonic music and opera, and is
trying to pass the entrance exam to the conservatory. Even though he
isn’t accepted, he doesn’t give up and a short while later his first opera,
Oberto, Conte di San Bonifacio, is fairly successful. A few years after
that, following a period of deep crisis, Verdi meets the soprano
Giuseppina Strepponi and finally achieves success. He becomes even
more famous after composing Nabucco, in 1842, which transforms
Giuseppe into the most famous composer of his time and the symbol
of Italy’s fight for independence.
79
SOMMARIO
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V I N TA G E
Amore mio (1964).
-
V I N TA G E
raffaello matarazzo
LA NAVE DELLE DONNE MALEDETTE
LA NAVE DELLE
DONNE
MALEDETTE
regia/director
Raffaello Matarazzo
soggetto/story
Léon Gozlan
Raffaello Matarazzo,
Ennio De Concini,
Aldo De Benedetti
Aldo Tonti
Leo Catozzo
scenografia/
production design
Piero Filippone, Mario Chiari
Dario Cecchi
musica/music
Nino Rota
cast and characters
May Britt (Consuelo
Silveris), Ettore Manni
(Paolo Da Silva),
Tania Weber (Isabella
Silveris), Eduardo Ciannelli
(Michele McLawrence),
Luigi Tosi (capitano/captain
Fernandez),
Gualtiero Tumiati
(Pietro Silveris),
Olga Solbelli (Anita),
Giorgio Capecchi
(Victor McDonald)
Excelsa Film
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
Una nave piena di ladre, prostitute e assassine solca l’oceano.
È guidata da Fernandez, uomo duro e spietato, pronto a sedare
con crudeltà ogni ribellione. Tra le donne ammassate nella stiva
c’è l’innocente Consuelo: nei suoi occhi fragili e bellissimi, il
dissoluto avvocato Da Silva, imbarcatosi clandestinamente sulla
nave, trova finalmente la speranza di un riscatto morale. A bordo,
però, accompagnata da un anziano signore che ha sposato per
interesse, c’è anche Isabella, la cugina di Consuelo, responsabile
dell’infanticidio di cui la povera ragazza è accusata. Temendo di
essere scoperta, Isabella si getta tra le braccia di Fernandez.
Quando però la donna costringe Fernandez a far fustigare
Consuelo e Da Silva, dopo che questi l’hanno pubblicamente
accusata, esplode la rabbia delle galeotte, che travolgono i loro
carcerieri e prendono il controllo della nave.
**
A ship full of female thieves, prostitutes and murderers is crossing the
ocean. At the helm is Fernandez, a hard and merciless man who is
ready to brutally crush all rebellion. Among the women crowded in
the hold is innocent Consuelo: in her fragile and beautiful eyes, the
dissolute lawyer Da Silva, who snuck onboard, finally finds hope for
his moral redemption. But onboard the ship there is also Isabella,
Consuelo’s cousin, who is responsible for the infanticide for which the
poor girl is accused. Fearing discovery, Isabella throws herself into the
arms of Fernandez. But when the woman forces Fernandez to have
Consuelo and Da Silva whipped after they publically accuse her, the
prisoners rebel, overwhelm their jailers and take control of the ship.
[email protected]
SOMMARIO
80
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V I N TA G E
Amore mio (1964).
-
V I N TA G E
nanni moretti
PALOMBELLA ROSSA
Italia-Francia/Italy-France, 1989, 35mm, 89’, col.
RED LOB
regia, soggetto,
story, screenplay
Nanni Moretti
Giuseppe Lanci
Mirco Garrone
scenografia/
production design
Giancarlo Basili,
Leonardo Scarpa
Maria Rita Barbera
musica/music
Nicola Piovani
suono/sound
Franco Borni
cast and characters
Nanni Moretti (Michele
Apicella), Silvio Orlando
(l’allenatore/coach),
Mariella Valentini
(la giornalista/reporter),
Alfonso Santagata (il primo
personaggio fastidioso/
first tiresome character),
Claudio Morganti
(il secondo personaggio
fastidioso/second tiresome
character), Asia Argento
(Valentina), Eugenio
Masciari (l’arbitro/referee),
Mario Patanè (Simone),
Antonio Petrocelli
(il fascista/fascist),
Remo Remotti (l’alter ego
dell’allenatore/
coach’s alter ego)
Nella Banfi, Angelo
Barbagallo, Nanni Moretti
Sacher Film
Palmyre Productions
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
In seguito a un incidente stradale, Michele Apicella, funzionario
del partito comunista, cade in uno stato di amnesia. Mentre è
in trasferta in Sicilia con la squadra di pallanuoto in cui gioca,
dal fondo della memoria iniziano ad affiorare alcuni ricordi del
suo passato: la militanza politica, la carriera da deputato, momenti
di quando era bambino, le prime bracciate in piscina. A confondere
il tutto, il fatto che gli parlino di un gesto eclatante di cui si è da
poco reso protagonista in un programma televisivo, ma che
Michele non riesce assolutamente a ricordare. E, durante la partita
a cui sta partecipando, altri brandelli di memoria tornano a galla,
con esiti ora drammatici, ora grotteschi.
**
Michele Apicella, an official for the Communist Party, loses his memory
after a car accident. While playing an away game in Sicily with his
water-polo team, he starts to remember glimpses of his past: his
political activism, his career as a politician, some childhood memories,
like when he first learned how to swim in the pool. But what makes
it all the more confusing is that people keep telling him about this
epic thing he did on a TV show recently, which Michele just cannot
seem to recall. More memories float to the surface during the
water-polo match, with dramatic and even grotesque consequences.
[email protected]
81
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Nanni Moretti (Brunico, Bolzano,
1953), considerato uno dei più
importanti registi europei
contemporanei, dopo i primi
cortometraggi esordisce nel lungo
con Io sono un autarchico (1976),
film-caso che lo fa conoscere a critica
e pubblico, così come il successivo
Ecce bombo (1978). In seguito dirige
Sogni d’oro (1981), premio speciale
della giuria a Venezia, Bianca (1984),
La messa è finita (1984), Orso
d’argento e premio Cicae a Berlino,
Palombella rossa (1989), premio
Bastone bianco a Venezia, il
documentario La cosa (1990), Caro
diario (1993), premio alla regia a
Cannes, Aprile (1998), La stanza del
figlio (2001), Palma d’oro e premio
Fipresci ancora a Cannes, Il caimano
(2006), Habemus Papam (2011)
e Mia madre (2015), insignito del
premio della giuria ecumenica
sempre a Cannes. Fondatore della
casa di produzione Sacher Film,
è stato direttore del Torino Film
Festival nel biennio 2007-08.
Nanni Moretti (Brunico, Bolzano,
Italy, 1953) is considered one of the
greatest contemporary European
filmmakers. After making a few short
films, he directed the feature Io sono
un autarchico (1976), putting him on
the map for critics and viewers alike.
He followed it with another hit, Ecce
bombo (1978). Among his next movies:
Sogni d’oro (1981), Special Jury Prize
in Venice; Bianca (1984); La messa è
finita (1984), winner of the Silver Bear
and the CICAE Award in Berlin;
Palombella rossa (1989), which won
the Bastone Bianco Award in Venice;
the documentary La Cosa (1990); Caro
diario (1993), which won the Jury Prize
in Cannes; Aprile (1998); La stanza
del figlio (2001), which received the
FIPRESCI Prize and the Palme d’Or in
Cannes; Il caimano (2006); Habemus
Papam (2011); and Mia madre (2015),
which received the Prize of the
Ecumenical Jury in Cannes. He created
the production company Sacher Film,
and ran the Torino Film Festival from
2007 to 2008.
Paté de bourgeois (cm, 1973), Io sono
un autarchico (1976), Ecce bombo
(1978), Sogni d’oro (1981), Bianca
(1984), La messa è finita (1984),
Palombella rossa (1989), La cosa
(doc., 1990), Caro diario (1993),
Aprile (1998), La stanza del figlio
(2001), Il caimano (2006), Habemus
Papam (2011), Mia madre (2015).
-
V I N TA G E
gianni zanasi
LE BELLE PROVE
THE GOOD
VERSIONS
regia/director
Gianni Zanasi
story, screenplay
Lorenzo Favella,
Gianni Zanasi
Tarek Ben Abdallah
Cesar Meneghetti
scenografia/
production design
Popo Diaz
Jona Ballaran
musica/music
Ely Buendia,
Danny Fabella
suono/sound
Marco Tidu
interprete/cast
Simona Caparrini
Centro Sperimentale
di Cinematografia
Cinque ragazzi tra i tredici e i quindici anni vivono nella periferia
di Roma: Lorenzo, il più piccolo, è spesso tenuto ai margini del
gruppo fino a quando, nel tentativo di ribaltare la situazione,
inventa la notizia che un loro comune amico sta per morire a
causa di un cancro… L’esordio nella regia di Gianni Zanasi,
realizzato quando era allievo del Centro Sperimentale di
Cinematografia.
Five thirteen to fifteen-year-old kids from a town just outside Rome.
Lorenzo, the youngest, is usually left out by the others. In an attempt
to turn the situation around, he lies about a friend of theirs dying from
cancer… The directorial debut by Gianni Zanasi, shot when he was
a student at the Centro Sperimentale di Cinematografia.
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
Gianni Zanasi (Vignola, Modena,
1965), dopo gli studi di filosofia
all’Università di Bologna, si è iscritto
a una scuola di scrittura teatrale e a
un corso di cinema diretto da Nanni
Moretti. Ha poi frequentato il Centro
sperimentale di cinematografia di
Roma, dove nel 1992 ha conseguito
il diploma di regia. Tre anni dopo ha
esordito con Nella mischia,
selezionato alla Quinzaine des
réalisateurs di Cannes. Nel 1999 ha
diretto Fuori di me e A domani,
quest’ultimo presentato in concorso
alla Mostra di Venezia. Nel 2004 ha
realizzato il documentario La vita è
breve ma la giornata è lunghissima,
menzione speciale della giuria alla
Mostra di Venezia. Sempre a Venezia
ha presentato nel 2007 Non pensarci,
dal quale è stata tratta una serie
televisiva di successo, di cui ha
diretto alcuni episodi. L’anno scorso
il Torino Film Festival ha presentato
La felicità è un sistema complesso.
Gianni Zanasi (Vignola, Modena,
Italy, 1965), after studying philosophy
at the University of Bologna, enrolled
at a theatrical writing school and took
a film course directed by Nanni
Moretti. He then attended the Centro
sperimentale di cinematografia in
Rome, where he received his
filmmaking degree in 1992. Three years
later, he debuted with Nella mischia,
selected for the Quinzaine des
réalisateurs in Cannes. He then directed
Fuori di me (1999), and A domani
(1999), which was presented in
competition in Venice. His 2004
documentary La vita è breve ma la
giornata è lunghissima received a
Special Mention in Venice, where he
later presented Non pensarci (2007),
subsequently developed into a TV
series. The Torino Film Festival
presented La felicità è un sistema
complesso (2015) in last year’s edition.
Le belle prove (cm, 1992), Nella
mischia (1995), A casa per le elezioni
(cm, doc., 1996), A domani (1999),
Fuori di me (1999), La vita è breve ma
la giornata è lunghissima (doc., 2004),
Padri e figli (tv, ep., 2005), Non
pensarci (2007), Non pensarci (serie
tv/tv series, ep., 2007), La felicità
è un sistema complesso (2015).
82
SOMMARIO
-
V I N TA G E
-
V I N TA G E
francesco munzi
NASTASSIA
NASTASSIA
regia/director
Francesco Munzi
Paolo Bravi
Walter Fasano
suono/sound
Lilio Rosato
interprete/cast
Marcello Aliotta
Centro Sperimentale
di Cinematografia
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
La storia di una ragazza russa, Nastassia, che vive in Italia e ha
nostalgia della sua patria. Francesco Munzi, in uno dei primi lavori
realizzati quando era allievo del Centro sperimentale di
cinematografia, riprende la ragazza mentre racconta la sua vita di
straniera e in vari momenti della sua vita privata e lavorativa:
all’aeroporto con un cartello in mano per proporsi come interprete,
in un locale, mentre legge in una sala davanti al pubblico, a casa…
**
One of Francesco Munzi’s first shorts, made in his early days as a film
student at the Centro sperimentale di cinematografia. The film follows
Nastassia, a homesick Russian woman living in Italy, as she talks about
her life as a foreigner, sharing various stories from her personal life and
from work. Holding a sign at the airport offering her translating
services, in a bar, reading in front of an audience, at home…
Francesco Munzi (Roma, 1969),
laureato in scienze politiche, nel 1998
si diploma in regia al Centro
sperimentale di cinematografia. Nel
2004 gira il suo primo
lungometraggio di finzione, Saimir,
presentato nella sezione Orizzonti
della Mostra di Venezia, che riceve
una menzione speciale del premio
Luigi De Laurentiis Opera Prima.
Nel 2006 il film ottiene inoltre
cinque candidature ai Nastri
d’argento – vincendo il premio per il
miglior regista emergente –, due ai
David di Donatello ed è nominato
all’European Film Awards come
miglior rivelazione (Prix Fassbinder).
Nel 2008 realizza il suo secondo
lungo, Il resto della notte, presentato
nella Quinzaine des réalisateurs di
Cannes, e nel 2014 torna a Venezia,
in concorso, con Anime nere,
premiato con nove David di
Donatello. Nel 2016 ha firmato con
Gianni Amelio il libro L’ora di regia,
parte della collana del Centro
sperimentale di cinematografia ed
edito da Rubbettino.
Francesco Munzi (Rome, Italy, 1969),
after getting his degree in political
science, studied filmmaking at the
Centro sperimentale di cinematografia,
graduating in 1998. In 2004, he made
his first feature film, Saimir, and
presented it in the Horizons section
of the Venice Film Festival, where it
got a special mention for the Luigi De
Laurentiis Opera Prima Award; in
2006, it received another five Silver
Ribbons nominations, winning Best
New Director, two David di Donatello,
and a European Film Festival
nomination for European Discovery
of the Year (Prix Fassbinder).
His second movie, Il resto della notte
(2008), was presented at the
Quinzaine des réalisateurs in Cannes.
He returned to the Venice Film Festival
in 2014 with Anime nere, winning nine
David di Donatello Awards. In 2016,
he wrote the book L’ora di regia with
Gianni Amelio as part of the Centro
sperimentale di cinematografia series
published by Rubbettino.
Valse (cm, 1992), Tre del mattino (cm,
1994), Nastassia (cm, 1996), L’età
incerta (cm, 1998), Giacomo e Luo
Ma (cm, 1999), Van Gogh (doc.,
1990), La disfatta (doc., 1994), Il
neorealismo. Letteratura e cinema
(doc., 1999), Saimir (2004), Il resto
della notte (2008), Anime nere (2014).
83
SOMMARIO
-
V I N TA G E
-
V I N TA G E
silvia perra
LA FINESTRA
Silvia Perra (Cagliari, 1988) è laureata
in comunicazione presso l’Università
di Cagliari, dove ha frequentato i
corsi di regia tenuti da Salvatore
Mereu. Nel 2016 si è diplomata
in regia al Centro sperimentale di
cinematografia di Roma, con il
cortometraggio La finestra, sotto
la supervisione del suo docente
di regia, Gianni Amelio.
THE WINDOW
regia/director
Silvia Perra
soggetto/story
Davide Bertoli,
Silvia Perra
Martina Diana
Gianandrea Caruso
scenografia/production
design
Silvia Di Francesco
Giulia Pagliarulo
suono/sound
Michelangelo Marchese,
Simone Panetta,
Daniele De Angelis
interpreti/cast
Antonio Delogu,
Maria Antonia Erre,
Antonella Cabras,
Maurizio Mossa
Centro Sperimentale di
Cinematografia
**
contatti/contacts
Cineteca Nazionale
Laura Argento
[email protected]
84
SOMMARIO
Gli ultimi quattro abitanti di un piccolo villaggio sono costretti
contro la loro volontà ad abbandonare la casa in cui hanno sempre
vissuto. Questo cambiamento mina l’equilibrio di due di loro,
spingendoli a organizzare la fuga per riassaporare la libertà.
«Ho voluto indagare il sentimento di alienazione che si manifesta
in seguito allo sradicamento, per cause esterne, dal proprio luogo
di origine. Nell’entroterra sardo, lo spopolamento per ragioni
economiche o ambientali ha ridotto al minimo gli abitanti di
alcuni paesi. Alcuni di essi, però, faticano ad accettare di vivere
il resto della loro vita lontano dalle proprie case. Un’effimera
instabilità psicofisica che li induce a cercare una soluzione per non
omologarsi con il nuovo. Si torna quindi in quei luoghi, presso ciò
che è noto e rassicurante, per vivere in solitudine ma in pace con
il mondo».
**
The last four inhabitants of a small village are forced to move out
against their will, leaving their lifelong homes. This change destabilizes
two of them in particular, and they start planning their escape to taste
freedom once again.
“I wanted to study the feeling of alienation which arises after people
are uprooted, for external reasons, from their place of origin. In inland
Sardinia, depopulation for economic or environmental reasons has
reduced the number of inhabitants of some villages to a minimum.
But some of these people struggle to accept the idea of living out the
rest of their lives far from their own homes. An ephemeral
psychophysical instability induces them to search for a solution so
they don’t adapt to their new circumstances. Thus, they return to
those places, to what is familiar and reassuring, to live in solitude
but in peace with the world.”
-
V I N TA G E
Silvia Perra (Cagliari, Italy, 1988)
received her degree in communications
from the University of Cagliari, where
she attended directing classes taught
by Salvatore Mereu. In 2016, she
graduated in directing from Rome’s
Centro sperimentale di cinematografia
with the short film La finestra, under
the supervision of her directing
professor, Gianni Amelio.
Aula 3 - Storie di rifugiati politici
(doc., 2012), Jovid (doc., 2012),
La finestra (cm, 2016).
-
V I N TA G E
gillo pontecorvo
GIOVANNA
GIOVANNA
regia/director
Gillo Pontecorvo
story, screenplay
Gillo Pontecorvo,
Franco Solinas
Enrico Menczer
Enzo Alfonzi
Elena Mannini
musica/music
Mario Zanfred
interpreti/cast
Armida Gianassi,
Carla Pozzi
produttore/producer
Giuliana G. De Negri
Tirrenica Film
**
contatti/contacts
Cinecittà Luce
Marlon Pellegrini
[email protected]
www.cinecittaluce.it
Nei primi anni Cinquanta in uno stabilimento tessile di Prato
le operaie protestano contro la decisione della dirigenza di mettere
in atto dei licenziamenti. Ai ferri corti con la proprietà, che cerca
di sabotarle in ogni modo, occupano la fabbrica. Nel tentativo
di rompere la loro resistenza, il proprietario prima chiude la strada
che porta alla fabbrica, poi taglia la corrente elettrica. A capo
delle operaie c’è Giovanna, che però deve scontrarsi con la
disapprovazione del marito, fortemente contrario al suo
coinvolgimento nell’occupazione.
«Avremmo potuto rappresentare una donna nella Resistenza,
o nei suoi rapporti quotidiani casalinghi, ma ci sembrava utile
raccontare la storia di una donna che deve vincere anche le
resistenze degli ambienti che erano, o che avrebbero dovuto essere,
più vicini a favorire il suo allacciarsi alla scena politica e sociale.
E così abbiamo pensato alla storia di Giovanna, operaia tessile
moglie di un metalmeccanico, comunista per di più, che malgrado
l’opposizione del marito e contro questa opposizione partecipa
attivamente a un’occupazione di fabbrica».
**
Prato, early 1950s. The female workers of a textile factory decide to
protest against the impending lay-offs planned by management.
While the latter tries to sabotage them at every turn, the ladies
occupy the factory. The proprietor attempts to break their resistance,
first by blocking the road to the factory, then cutting off the electricity.
Giovanna spearheads the workers, but she has to endure her husband’s
strong disapproval of her involvement in the occupation.
“We could’ve just portrayed a woman during the Resistance, or just
in her daily domestic relations. But we thought it would’ve been more
useful to tell the story of a woman who also had to fight against the
resistance from those places that were (or should have been) more
inclined to support her role in the social and political scene. And so
we came up with the story of Giovanna, a worker in a textile factory
married to a metalworker who, to top it all off, was a communist.
Despite her husband’s objections, and in spite of them, she took an
active role in occupying the factory.”
85
SOMMARIO
-
V I N TA G E
Gillo Pontecorvo (Pisa, 1919 - Roma
2006) esordisce nei primi anni
Cinquanta con alcuni documentari e
nel 1957 debutta nel lungometraggio
con La grande strada azzurra. Nel 1959
vince il premio per il miglior
documentario al Festival di Karlovy
Vary con Pane e zolfo. Gli fanno seguito
Kapò (1961), candidato agli Oscar
come miglior film straniero, La
battaglia di Algeri (1966), il suo titolo
più noto, con cui ottiene il Leone d’oro
e il premio Fipresci a Venezia, oltre a
tre nomination agli Oscar, Queimada
(1969), premiato per la regia ai David
di Donatello, così come il successivo
Ogro (1979). Nel 1992 diviene curatore
alla Mostra del cinema di Venezia, per
subentrare alla direzione nel 1996,
mantenendola fino all’anno
successivo. Nel frattempo nel 1995
partecipa al Torino Film Festival con
il cortometraggio corale Roma dodici
novembre 1994, che ottiene la
menzione speciale.
Gillo Pontecorvo (Pisa, Italy, 1919 Rome, Italy, 2006), after starting his
career with a few documentaries in the
early 1950s, he made his feature debut
with La grande strada azzurra (1957).
Pane e zolfo received the Best
Documentary Award at the Karlovy Vary
Festival in 1959. He followed it up with
Kapò (1961) and its Academy Award
nomination for Best Foreign Film.
His most famous film, La battaglia di
Algeri (1966), received three Academy
nominations, a Golden Lion and the
FIPRESCI Prize in Venice. He received
an award for Best Director at the David
di Donatello for Queimada (1969), and
again for Ogro (1979). He became one
of the curators of the Venice Film Festival
in 1992, and directed it in 1996 and
1997. During that time, he also
participated to the Torino Film Festival
in 1995 with the ensemble short Roma
dodici novembre 1994, receiving a
Special Mention.
Missione Timiriazev (doc., 1953),
Giovanna (mm, 1955), La grande strada
azzurra (1957), Gli uomini del lago (cm,
doc., 1959), Pane e zolfo (doc., 1959),
Kapò (1960), La battaglia di Algeri
(1966), Queimada (1969), Ogro (1979),
L’addio a Enrico Berlinguer (doc., 1984),
12 registi per 12 città (coregia/codirectors
aa.vv., 1989), Roma dodici novembre
1994 (coregia/codirectors aa.vv., cm,
doc., 1995), Un altro mondo è possibile
(coregia/codirectors aa.vv., doc., 2001),
Firenze, il nostro domani (coregia/
codirectors aa.vv., doc., 2003).
-
V I N TA G E
otto preminger
WHERE THE SIDEWALKS ENDS
Usa, 1950, 35mm, 95’, bn/bw
SUI
MARCIAPIEDI
regia, produttore/
director, producer
Otto Preminger
soggetto/story
Night Cry di/
by William L. Stuart
Victor Trivas,
Frank P. Rosenberg,
Robert E. Kent,
Ben Hecht
Joseph LaShelle
Louis Loeffler
Oleg Cassini
musica/music
Cyril Mockridge
suono/sound
Alfred Bruzlin,
Harry M. Leonard
cast and characters
Dana Andrews (detective
Mark Dixon), Gene Tierney
(Morgan Taylor), Gary Merrill
(Tommy Scalise),
Berth Freed (detective
Paul Klein), Tom Tully
(Jiggs Taylor), Karl Malden
(detective Thomas),
Ruth Donnelly (Martha),
Craig Stevens
(Kenneth Paine),
Twentieth Century Fox
Il detective Dixon è stato redarguito per l’ennesima volta dai
superiori: i suoi modi insoliti e violenti non possono essere più
tollerati. Quando, durante una colluttazione, involontariamente
uccide Kenneth Paine, sospettato di omicidio e noto amante del
gioco d’azzardo, Dixon si trova seriamente nei guai. Dopo averne
fatto sparire il cadavere, viene incaricato di trovare l’assassino
dell’uomo. Nel tentativo di incolpare il boss delle scommesse
Tommy Scalise, per sbaglio fa cadere l’accusa sul tassista Jiggs
Taylor, suocero di Paine. Una volta incontrata Morgan, figlia di
Taylor e moglie insoddisfatta della vittima, di cui si innamora
perdutamente, Dixon capisce di dover impedire a ogni costo
che l’uomo finisca in prigione.
**
Detective Dixon has been reprimanded for the umpteenth time by
his superiors: his unconventional and violent ways will no longer be
tolerated. During a scuffle, he involuntarily kills Kenneth Paine, a
murder suspect and well-known gambler; Dixon is now in real trouble.
After getting rid of the man’s body, he is assigned the case and has to
find the man’s assassin. He tries to frame the gambling boss Tommy
Scalise but by mistake puts suspicion on the taxi driver Jiggs Taylor,
Paine’s father-in-law. Dixon meets Morgan, who is Taylor’s daughter
and the victim’s unhappy wife; he falls in love with her and realizes
he has to do everything he can to keep the man out of prison.
**
contatti/contacts
Lab 80 Film
Angelo Signorelli
SOMMARIO
Otto Preminger (Wiznitz, Ukraine, 1905
- New York City, NY, USA, 1986) initially
worked in theatre and directed his first
feature film, The Great Love, in 1931.
In 1935, Joseph Stack, the owner of
Twentieth Century Fox, invited him to
move to the United States. Preminger
shot his first Hollywood film, Under Your
Spell (1938), while he was also working
as an actor for cinema and on Broadway.
In 1940 he directed Laura, and
established himself, thanks to his next
movies as well, as one of the maestros
of noir. During the 1950s and ’60s, he
directed some of the most famous
American movies of the era – Angel
Face (1952); The Moon Is Blue (1953);
Carmen Jones (1954), which won prizes
at Berlin and Locarno; The Man with
the Golden Arm (1955); Bonjour
tristesse (1957); Anatomy of a Murder
(1959); Exodus (1960) – and also
worked as an actor, for example for Billy
Wilder in Stalag 17 (1953).
Laura (Vertigine, 1940), Angel Face
(Seduzione mortale, 1952), The Moon
Is Blue (La vergine sotto il tetto, 1953),
Carmen Jones (1954), River of No Return
(La magnifica preda, 1954), The Man
with the Golden Arm (L’uomo dal
braccio d’oro, 1955), Bonjour tristesse
(Buongiorno tristezza, 1957), Anatomy
of a Murder (Anatomia di un omicidio,
1959), Exodus (id., 1960), Advise &
Consent (Tempesta su Washington,
1962), In Harm’s Way (Prima vittoria,
1965).
[email protected]
www.lab80.it
86
Otto Preminger (Vyžnycja, Ucraina,
1905 - New York City, Usa, 1986) lavora
inizialmente in ambito teatrale e, nel
1931, dirige il suo primo
lungometraggio, Il grande amore.
Nel 1935, su invito di Joseph Stack,
patron della Twentieth Century Fox,
si trasferisce negli Stati Uniti.
Schiavo della tua malia (1938) è il suo
primo film hollywoodiano, girato
mentre lavora anche come attore nel
cinema e a Broadway. Nel 1940 dirige
Vertigine, affermandosi anche con le
pellicole successive come uno dei
maestri del noir. Negli anni Cinquanta
e Sessanta firma poi alcuni dei più
celebri film americani del periodo –
Seduzione mortale (1952), La vergine
sotto il tetto (1953), Carmen Jones
(1954), premiato a Berlino e Locarno,
L’uomo dal braccio d’oro (1955),
Buongiorno tristezza (1957), Anatomia
di un omicidio (1959), Exodus (1960) –
oltre a lavorare come attore, ad
esempio per Billy Wilder in Stalag 17
(1953).
-
V I N TA G E
CINQUE PEZZI FACILI
ARTHUR PENN ALICE’S RESTAURANT
LINDSAY ANDERSON IF….
| MICHELANGELO ANTONIONI BLOW-UP |
| FRANÇOIS TRUFFAUT JULES ET JIM |
STUART HAGMANN THE STRAWBERRY STATEMENT
SOMMARIO
CINQUE PEZZI FACILI
Cinque pezzi facili
DI/BY GABRIELE SALVATORES
Jules et Jim (1962)
Era tutto pronto. La mia stanza, la scrivania,
persino la targhetta d’ottone col mio nome
sulla porta dell’ufficio legale di mio padre.
Ma c’erano in giro quei film, in quegli anni…
E quella musica che ti catturava dalla colonna
sonora! Devo ringraziare questi cinque film,
questi «Cinque pezzi facili» (ma non semplici),
perché sono tra quelli che mi hanno impedito
di fare l’avvocato.
Un film può cambiarti la vita? Nel mio caso
la risposta è sì. Anche se, per essere sincero,
accanto a quei film, c’erano anche tanti
romanzi e tante, tante canzoni. Sicuramente
nella storia del cinema ci sono film più belli,
più profondi, anche più interessanti dal punto
di vista artistico.
Ma quei film mi hanno fornito la spinta
emotiva, irrazionale, che mi ha permesso
di incamminarmi sulla strada del teatro prima
e del cinema poi. L’emozione senza pensiero,
forse, non è sufficiente. Ma anche il pensiero
da solo non basta. Ecco perché voglio
condividere questi film con voi.
Perché faccio questo mestiere nella speranza
che (sì!) un film possa cambiarti la vita.
88
SOMMARIO
CINQUE PEZZI FACILI
Everything was ready. My office, my desk,
even the brass plate with my name on the
door of my father’s law practice. But there
were those movies going around, back then…
And that music which grabbed you from their
soundtracks! I have to thank these five films,
these “Five easy pieces” (easy, but not simple),
because they are some of the ones which
prevented me from becoming a lawyer.
Can a movie change your life? In my case
the answer is yes. But to be quite honest, besides
those films there were also many novels and lots
and lots of songs. Without a doubt, the history
of cinema has films which are more beautiful,
more profound, even more interesting from
an artistic point of view.
But those films gave me the emotional,
irrational impetus which enabled me to
follow the path of theatre, first, and then
of cinema. Emotion without thought might
not be enough. But thought alone isn’t
enough, either. This is why I want to
share these films with you. Because I am
in filmmaking in the hope that (yes!)
a movie can change your life.
CINQUE PEZZI FACILI
arthur penn
ALICE’S RESTAURANT
Usa, 1969, 35mm, 111’, col.
ALICE’S
RESTAURANT
regia/director
Arthur Penn
soggetto/story
dall’omonima canzone di/
from the song of the same
title by Arlo Guthrie
Venable Herdon,
Arthur Penn
Michael Nebbia
Dede Allen
scenografia/
production design
Warren Clymer
Anna Hill Johnstone
musica/music
Arlo Guthrie
suono/sound
Jack Fitzstephens,
Sanford Rackow
cast and characters
Arlo Guthrie
(se stesso/himself),
Pat Quinn (Alice Brock),
James Broderick
(Ray Brock), Pete Seeger
Lee Hays
Michael McClanathan
(Shelly), Geoff Outlaw
(Roger Crowther)
Hillard Elkins,
Joe Manduke
Elkins Entertainment,
Florin
Nel 1965 Arlo Guthrie, pur di evitare la chiamata alle armi, s’iscrive
al college. La sua carriera accademica però dura poco: a causa
dei capelli lunghi e dei modi poco convenzionali viene espulso.
Fa allora visita a una coppia di amici, Alice e Ray, che vivono in
una chiesa sconsacrata con un gruppo di hippie e gestiscono un
ristorante. Dopo aver passato un breve periodo con loro, Arlo viene
di nuovo chiamato alla visita militare ma, ancora una volta, riesce a
sfuggire all’arruolamento. Tornerà da Alice e Ray rendendosi conto
di come tutto sia cambiato.
«Alice’s Restaurant parla di una potenziale transizione, perché i
personaggi, a modo loro, sanno cosa stanno cercando. […]
Bisogna ricordare che appartengono alla classe media bianca.
Non sono poveri, affamati o proletari. Non sono come gli
afroamericani. Ma non sono nemmeno militanti. Perciò gli abitanti
della chiesa non rappresentano una minaccia. Per loro è facile
vivere lì, anche se la maggior parte delle persone non potrebbe
permettersi un simile lusso. Da questo punto di vista il film
descrive una classe sociale ben precisa: è un film borghese».
**
In 1965, Arlo Guthrie enrolls at college to avoid the draft. But his
academic career is short-lived: he is expelled for his long hair and
unconventional ways. So he goes to visit two friends, Alice and Ray,
who live in a deconsecrated church with a group of hippies and run
a restaurant. After spending a short time with them, Arlo is once
again called up for his military medical exam but once again manages
to avoid the draft. He returns to Alice and Ray and realizes how
everything has changed.
“Alice’s Restaurant is a film of potential transition because the
characters know, in some way, what they are looking for. [...]
It’s important to remember that the characters in Alice’s
Restaurant are middle-class whites. They aren’t poor or hungry or
working class. They are not in the same boat as African Americans.
But they’re not militants either. In this respect the church dwellers are
not particularly threatening. They find it easy to live there, even if most
people can’t afford such a luxury. From this point of view, this film
depicts a very specific social class. It’s a bourgeois film.”
89
SOMMARIO
CINQUE PEZZI FACILI
Arthur Penn (Pittsburg, Pennsylvania,
Usa, 1922 - New York City, Usa, 2010)
è stato uno dei registi più apprezzati
della New Hollywood: nei suoi film
ha sempre riservato particolare
attenzione alla descrizione della
società americana, verso cui ha
mantenuto un atteggiamento critico.
Tra i suoi titoli di maggiore successo,
il dramma Anna dei miracoli (1962),
vincitore di ben due Oscar, Mickey
One (1965), influenzato dalle
nouvelle vague, il gangster movie
Gangster Story (1967), premiato
con altri due Oscar, il western
crepuscolare Il piccolo grande uomo
(1970), il noir Bersaglio di notte
(1975), un altro western, più crudo
e disperato, Missouri (1976) e il
dramma corale Gli amici di Georgia
(1981).
Arthur Penn (Pittsburg, PA, USA, 1922
- New York City, NY, USA, 2010) was
one of New Hollywood’s favorite
directors. His movies have always
carefully described and criticized
American society. His most successful
films include the drama The Miracle
Worker (1962), which received two
Oscars; the schizophrenic Mickey One
(1965), influenced by Europe’s Nouvelle
Vague; the gangster movie Bonnie &
Clyde (1967), which also won two
Oscars; the crepuscular western Little
Big Man (1970); the disenchanted noir
Night Moves (1975); another western,
only more crude and desperate, The
Missouri Breaks (1976); and the
mournful drama Four Friends (1981).
Billy the Kid (Furia selvaggia, 1958),
The Miracle Worker (Anna dei miracoli,
1962), Mickey One (id., 1965), The
Chase (La caccia, 1966), Bonnie
& Clyde (Gangster Story, 1967), Alice’s
Restaurant (id., 1969), Little Big Man
(Il piccolo grande uomo, 1970), Visions
of Eight (Ciò che l’occhio non vede, ep.
The Hightest, 1973), Night Moves
(Bersaglio di notte, 1975), The Missouri
Breaks (Missouri, 1976), Four Friends
(Gli amici di Georgia, 1981), Target
(Target - Scuola omicidi, 1985), Dead
of Winter (Omicidio allo specchio,
1987), Penn & Teller Get Killed (Con
la morte non si scherza, 1989),
Lumière et compagnie (ep., 1995).
CINQUE PEZZI FACILI
michelangelo antonioni
BLOW-UP
Regno Unito-Italia-Usa/UK-Italy-USA, 1966, 35mm, 111’, col.
BLOW-UP
regia/director
Michelangelo Antonioni
soggetto/story
dal racconto/from the short
story Las dabas del diablo
di/by Julio Cortázar
Michelangelo Antonioni,
Tonino Guerra
Carlo Di Palma
Frank Clarke
Jocelyn Rickards
musica/music
Herbie Hancock
suono/sound
Robin Gregory
cast and characters
David Hemmings
(Thomas),
Vanessa Redgrave (Jane),
Sarah Miles (Patricia),
John Castle (Bill),
Jane Birkin
(la modella bionda/blonde
model), Gillian Hills
(la modella bruna/brunette
model), Peter Bowles (Ron),
Veruschka von Lehndorff
(Veruschka), Julian Chagrin
(il mimo/mime), Claude
Chagrin (il mimo/mime)
produttore/producer
Carlo Ponti
Bridge Films, MetroGoldwyn-Mayer
**
contatti/contacts
Park Circus: Classic Film
Distribution
[email protected]
www.parkcircus.com
90
SOMMARIO
Londra, anni Sessanta. Thomas è un fotografo di moda di
successo: scontroso ed egocentrico, passa le giornate al volante
di una Rolls Royce cabrio, tra servizi fotografici, feste e incontri con
bellissime modelle. Pensando di aver fotografato per puro caso un
omicidio, si mette a indagare, attratto dal mistero della vicenda.
Si trova così di fronte a un puzzle di foto mancanti, rullini rubati e
una donna sconosciuta, che sospetta essere l’assassina. Eppure,
ancora una volta, la realtà in cui è confinato finirà per prevalere
sulla verità.
«Direi che i miei film sono politici anche se non inerenti alla
politica. […] Sono politici nell’approccio; hanno un punto di vista
ben definito. E possono essere considerati politici per l’effetto che
hanno sul pubblico. Blow-Up, ad esempio, non parla solo di un
certo stile di vita londinese, ma esprime dei punti di vista riguardo
a quello stile di vita. Nonostante questo, non ho voluto veicolare
alcun punto di vista attraverso le parole…»
**
London, the 1960s. Thomas is a successful fashion photographer.
Moody and selfish, he spends his days at the wheel of a Rolls Royce
convertible, going from photo shoots to parties and dates with beautiful
models. When he thinks he has unwittingly photographed a murder, he
starts to investigate, attracted by the mystery surrounding the incident.
He soon finds himself dealing with a puzzle of missing photos, stolen
rolls of film and an unknown woman he suspects is the murderer.
And yet, once more, his reality ends up prevailing over the truth.
“I would say my films are political, but not about politics. […] They are
political in their approach; they are made from a definite point of view.
And they may be political in the effect they have on people. Blow-Up,
for example, was not only about a certain life style in London, but it
expressed a feeling about that style. And yet I wouldn’t want to put
that feeling into words…”
CINQUE PEZZI FACILI
Michelangelo Antonioni (Ferrara,
1912 - Roma, 2007), laureatosi in
economia, si è avvicinato al teatro
e al cinema scrivendo come critico,
prima di iscriversi al Centro
sperimentale. Dopo aver collaborato
alla sceneggiatura di Un pilota
ritorna (1942) di Roberto Rossellini
ed essere stato aiuto di Marcel
Carné, ha esordito nel 1947 con
il documentario Gente del Po.
Ha quindi debuttato nel cinema di
finzione nel 1950 con Cronaca di un
amore, cui faranno seguito una serie
di opere, tra cui L’avventura (1960), Deserto rosso (1964), Professione:
reporter (1975), che lo imporranno
come uno degli autori di riferimento
del cinema della modernità. Nel 1995
ha vinto l’Oscar alla carriera.
Michelangelo Antonioni (Ferrara,
Italy, 1912 - Rome, Italy, 2007), after
receiving a degree in economics,
entered the world of theatre and
cinema, writing reviews and later
enrolling at the Centro sperimentale
di cinematografia. After collaborating
on the screenplay of Un pilota ritorna
(1942) by Roberto Rossellini and
working as an assistant to Marcel
Carné, he debuted in 1947 with the
documentary Gente del Po. He
debuted in fiction films in 1950 with
Cronaca di un amore, which was
followed by a series of movies including
L’avventura (1960), Deserto rosso
(1964) and Professione: reporter
(1975) making him a reference point
in films about modern times. In 1995,
he received an Oscar for Lifetime
Achievement.
essenziale filmography
Gente del Po (cm, doc.,
1947), Cronaca di un amore (1950),
La signora senza camelie (1953),
I vinti (1953), Le amiche (1955),
Il grido (1957), L’avventura (1960),
La notte (1961), L’eclisse (1962),
Deserto rosso (1964), BlowUp (1966), Zabriskie Point (1970),
Professione: reporter (1975), ll mistero
di Oberwald (1981), Identificazione di
una donna (1982), 12 registi per 12
città (ep. Roma, cm, doc., 1989), Al
di là delle nuvole (1995), Eros (ep. Il
filo pericoloso delle cose, cm, 2004), Lo sguardo di Michelangelo (cm,
doc., 2004).
CINQUE PEZZI FACILI
lindsay anderson
IF....
Regno Unito-Usa/UK-USA, 1968, 35mm, 111’, bn/bw-col.
SE...
regia/director
Lindsay Anderson
soggetto/story
David Sherwin,
John Howlett
David Sherwin
Miroslav Ondrícek
David Gladwell
scenografia/
production design
Jocelyn Herbert
Shura Cohen
musica/music
Marc Wilkinson
cast and characters
Malcolm McDowell
(Mick Travis), David Wood
(Johnny Knightly), Richard
Warwick (Wallace), Christine
Noonan (la ragazza/girl),
Rupert Webster (Bobby
Phillips), Robert Swann
(Rowntree), Hugh Thomas
(Richard Denson), Michael
Cadman (Fortinbras),
Peter Sproule (Barnes),
Peter Jeffrey
(il preside/headmaster)
Michael Medwin,
Lindsay Anderson
Memorial
**
contatti/contacts
Park Circus: Classic Film
Distribution
[email protected]
www.parkcircus.com
91
SOMMARIO
Il sistema della public school britannica è ingessato dai suoi stessi
riti d’iniziazione: timidi adolescenti impacciati sono umiliati dagli
studenti più anziani, in nome del concetto di gerarchia che permea
i prestigiosi istituti come riflesso della tradizionalista società
inglese. Ma Mick Travis decide di non assecondare questa
mentalità e, insieme a due compagni, prepara una macabra
sorpresa per il giorno della cerimonia di fine anno, uno dei
momenti più solenni all’interno del calendario di celebrazioni
del liceo.
«I protagonisti di Se..., senza esserne consapevoli, sono
essenzialmente ragazzi vecchio stile. Non sono antieroi, né
dropout, né marxisti-leninisti o maoisti o lettori di Marcuse.
La loro ribellione è inevitabile non per quello che pensano, ma per
quello che sono. Mick gioca un po’ a fare l’intellettuale, ma quando
agisce lo fa d’istinto. Se la sua storia è “su” qualcosa, è sulla
libertà. In questo senso sono tutti dei tradizionalisti. Sono loro, e
non i loro coetanei conformisti, a parlare la lingua di Shakespeare».
**
The British public school system is blocked by its own initiation rites:
shy, awkward adolescents are humiliated by the elder students in the
name of a concept of hierarchy that permeates prestigious institutes like
a reflection of England’s traditionalist society. But Mick Travis decides
he isn’t going to go along with that mentality and, along with two
companions, prepares a macabre surprise for the ceremony that
celebrates the last day of school, one of the institute’s most solemn
moments.
“The heroes of If.... are, subconsciously, old-fashioned boys...
traditionalists. They are neither antiheroes nor dropouts nor
Marxist-Leninists nor Maoists nor readers of Marcuse. Their rebellion
is inevitable, not because of what they think but because of what
they are. Mick plays the intellectual but when he reacts he does so
instinctively. If his story is ‘about’ something, it is about freedom.
In this sense they are all traditionalists. It is they, not their conformist
contemporaries, who speak the tongue that Shakespeare spoke.”
CINQUE PEZZI FACILI
Lindsay Anderson (Bangalore, India,
1923 - Angoulême, Francia, 1994)
si è laureato nel 1948 a Oxford,
dove si è appassionato al teatro.
Tra i primi collaboratori della rivista
«Sequence», è stato il fondatore con
Karel Reisz e Tony Richardson del
Free Cinema. Ha realizzato numerosi
cortometraggi, come O Dreamland
ed Every Day Except Christmas, prima
di esordire nel lungometraggio con
Io sono un campione (1963). Nel 1968
ha realizzato Se..., Palma d’oro a
Cannes, per poi dedicarsi soprattutto
al teatro e alla televisione. Ha poi
diretto film come O Lucky Man!
(1973), Britannia Hospital (1982) e nel
1986 Le balene d’agosto, sua ultima
regia per il cinema.
Lindsay Anderson (Bangalore, India,
1923 - Angoulême, France, 1994)
graduated in 1948 from Oxford,
where he was captivated by theater.
He was one of the first collaborators
of the magazine “Sequence” and the
founder along with Karel Reisz and
Tony Richardson of Free Cinema.
He directed several short films, like
O Dreamland and Every Day Except
Christmas, and his debut feature film
was This Sporting Life (1963). In 1968
he made If…., which won the Golden
Palm at Cannes, and then dedicated
himself primarily to theater and
television. He later directed films such
as O Lucky Man! (1973), Britannia
Hospital (1982) and, in 1986, The
Whales of August, the last film he
directed for cinema.
Meet the Pioneers (mm, doc., 1948),
Three Installations (cm, doc., 1952),
O Dreamland (cm, doc., 1953),
Thursday’s Children (cm, doc., 1954),
£20 a Ton (cm, doc., 1955), A
Hundred Thousand Children (cm,
doc., 1955), Every Day Except
Christmas (mm, doc., 1957), This
Sporting Life (Io sono un campione,
1963), The White Bus (mm, 1967),
If.... (Se..., 1968), O Lucky Man! (id.,
1973), In Celebration (Celebrazione,
1975), Look Back in Anger (1980),
Britannia Hospital (id., 1982), The
Whales of August (Le balene d’agosto,
1987), Glory! Glory! (tv, 1989), Is That
All There Is? (mm, tv, 1993).
CINQUE PEZZI FACILI
françois truffaut
JULES ET JIM
Francia/France, 1962, 35mm, 105’, bn/bw
JULES E JIM
regia/director
François Truffaut
soggetto/story
from the novel of the same
title by Henri-Pierre Roché
François Truffaut,
Jean Gruault
Raoul Coutard
Claudine Bouché
musica/music
Georges Delerue
cast and characters
Jeanne Moreau (Catherine),
Oskar Werner (Jules),
Henri Serre (Jim),
Vanna Urbino (Gilberte),
Sege Rezvani (Albert), Anny
Nelsen (Lucie), Sabine
Haudepin (Sabine), Marie
Dubois (Thérèse), Michel
Subor (il narratore/narrator)
Les Films du Carrosse,
S.E.D.I.F.
**
contatti/contacts
MK2
www.mk2pro.com
Jules, austriaco, e Jim, francese, sono due amici fraterni che vivono
nella Parigi d’inizio Novecento. A unirli è soprattutto l’amore per
l’arte e per le donne, che si scambiano con complicità. Quando
incontrano la bella Catherine, irrequieta e passionale, si rompono
gli equilibri: nonostante entrambi la amino, Catherine sposa Jules
e si trasferisce con lui in Austria. Terminata la prima guerra
mondiale, che li ha separati, Jim va a trovare la coppia, che nel
frattempo ha avuto una bambina e sta affrontando una crisi
sentimentale. A questo punto Jim decide di mettersi in gioco
con Catherine, che accetta il suo amore.
«Jules e Jim è prima di tutto un film di personaggi. La storia è
semplicissima; se non si amano i personaggi, non si può amare
il film, ne sono sicuro. Del resto, se i personaggi non hanno
interesse, nemmeno il film ne ha. L’epoca è del tutto secondaria.
Mi ci sono imbarcato senza sapere cosa richiedesse fare un film
d’epoca. Sono contento di questa incoscienza, senza la quale
avrei rinunciato a fare il film o l’avrei modernizzato».
**
Jules, an Austrian, and Jim, a Frenchman, are best friends who live in
Paris in the early 1900s. What ties them most closely together is their
love for art and for women, who they willingly swap. When they meet
beautiful Catherine, restless and passionate, the equilibrium is broken.
Even though they both love her, Catherine marries Jules and moves to
Austria with him. After the end of WWI, which had separated them,
Jim goes to visit the couple, who now have a baby girl and are in the
throes of a marital crisis. At this point, Jim decides to try his luck with
Catherine, who accepts his love.
“Jules et Jim is, above all, a movie about characters. The story is very
simple; if you don’t love the characters, I’m sure you can’t love the
movie. After all, if the characters aren’t interesting, the movie isn’t,
either. The period when the movie is set is entirely secondary. I started
out not knowing what it takes to make a period piece movie. I’m
thankful for this recklessness; without it I would have given up on
making the movie or I would have modernized it.”
92
SOMMARIO
CINQUE PEZZI FACILI
François Truffaut (Parigi, Francia,
1932 - Neuilly-sur-Seine, Francia,
1984), dopo studi irregolari, vari
mestieri e un breve periodo in
riformatorio, nel 1953 è stato invitato
da André Bazin a collaborare ai
«Cahiers du cinéma». Ha realizzato
alcuni cortometraggi, poi nel 1959
con l’esordio I 400 colpi si è imposto
tra i protagonisti della nouvelle vague
insieme ai colleghi Chabrol, Godard,
Rivette e Rohmer. Ha quindi dato vita
a una lunga e variegata filmografia,
con cui è diventato uno dei registi
più famosi e influenti della storia del
cinema.
François Truffaut (Paris, France, 1932 Neuilly-sur-Seine, France, 1984), after
lackluster studies, various jobs and a
short period in a reformatory, was
invited by André Bazin to collaborate
on “Cahiers du cinéma” in 1953. After
making a few shorts, in 1959 his debut
feature film, Les quatre cents coups,
made him one of the protagonists of
the Nouvelle Vague alongside Chabrol,
Godard, Rivette and Rohmer. This
was the start of a long and variegated
filmography which made him one
of the most famous and influential
directors in film history.
Les quatre cents coups
(I 400 colpi, 1959), Tirez sur le
pianiste (Tirate sul pianista, 1960),
Jules et Jim (Jules e Jim,
1962), Fahrenheit 451 (id., 1966), La mariée était en noir (La sposa in
nero, 1968), La sirène du Mississipi (La mia droga si chiama Julie, 1969),
La nuit américaine (Effetto notte,
1973), L’histoire d’Adèle H. (Adele
H., una storia d’amore, 1975), L’homme qui aimait les femmes
(L’uomo che amava le donne,
1977), La chambre verte (La camera
verde, 1978), Le dernier métro
(L’ultimo metrò, 1980), Vivement
dimanche! (Finalmente domenica!, 1983).
CINQUE PEZZI FACILI
stuart hagmann
THE STRAWBERRY STATEMENT
Usa, 1970, 35mm, 109’, col.
FRAGOLE E
SANGUE
regia/director
Stuart Hagmann
soggetto/story
title by James Kunen
Israel Horovitz
Ralph Woolsey
Marje Fowler, Roger J. Roth,
Fredric Steinkamp
musica/music
Ian Freebairn-Smith
suono/sound
Franklin Milton,
Harry W. Tetrick
cast and characters
Bruce Davison (Simon),
Kim Darby (Linda),
Bud Cort (Elliot,
il timoniere/the coxswain),
Murray MacLeod
(George), Tom Foral
(l’allenatore/coach),
Bob Balaban (Elliot,
l’organizzatore/
the organizer), Michael
Margotta (Swatch)
Robert Chartoff,
Irwin Winkler
Metro-Goldwyn-Mayer,
Chartoff-Winkler
Productions
San Francisco, anni Sessanta. Simon è uno studente
universitario, privo di una vera coscienza politica, che si fa
convincere dal compagno di stanza a partecipare a uno sciopero
all’interno del campus. A muoverlo è soprattutto il desiderio
di conoscere qualche ragazza. Simon comincia per questo
a partecipare in modo attivo all’occupazione dell’università,
ma in realtà sente maturare un forte sentimento di adesione
alle proteste del movimento studentesco. Movimento che, però,
in un crescendo di tensione e violenza sarà represso nel sangue
dalle autorità.
«Quando è arrivato il momento di girare Fragole e sangue sono
tornato con la mente agli anni dell’università. Volevo che il film
fosse un collage. La sceneggiatura non era assolutamente
convenzionale così come il romanzo da cui era tratta. Sentivo
l’influenza di Un uomo da marciapiede; e m’interessava fare un
film hollywoodiano che applicasse tecniche sperimentali, proprio
come succedeva in quel caso».
**
San Francisco, the 1960s. Simon is a university student; although he
doesn’t have a true political conscience, his roommates convince him
to take part in a campus strike. Since he is, above all, motivated by a
desire to meet girls, he begins to actively participate in occupying the
university. Simon begins to believe strongly in the protest called by the
student movement but the movement will be repressed in blood by
the authorities, in a crescendo of tension and unjustified violence.
“When it came time to shoot The Strawberry Statement I tried to
put myself back in that time when I was in college. I wanted the film
to be a collage. The screenplay wasn’t conventional by any means
either, and as I said, the novel wasn’t traditional either. I was
influenced by the film Midnight Cowboy. I wanted to make a
Hollywood film that implemented experimental techniques just
as that film had done.”
93
SOMMARIO
CINQUE PEZZI FACILI
Stuart Hagmann (Sturgeon Bay,
Wisconsin, Usa, 1942) ha iniziato
la carriera di regista in ambito
televisivo, dirigendo, tra il 1968
e il 1969, quattro episodi del serial
Mannix e tre di Missione impossibile.
Nel 1970 ha esordito sul grande
schermo con Fragole e sangue,
pellicola controversa a causa
dell’approccio apertamente politico,
con la quale ha vinto il premio
della giuria al Festival di Cannes.
In seguito ha diretto Jackie (1971),
senza però incontrare il successo
del film precedente, e i tv movies
She Lives! (1973) e Tarantulas: The
Deadly Cargo (1977).
Stuart Hagmann (Sturgeon Bay, WI,
USA, 1942) began his directing career
in television, directing four episodes of
the series Mannix and three episodes
of Mission Impossible between 1968
and 1969. In 1970, he debuted on the
silver screen with The Strawberry
Statement, a controversial film due to
its openly political approach which won
the Jury Prize at the Cannes Film
Festival. He next directed Believe in
Me (1971), which wasn’t as successful
as the previous film, and the TV movies
She Lives! (1973) and Tarantulas: The
Deadly Cargo (1977).
Mannix (tv, 4 ep., 1968-1969),
Mission: Impossible (Missione
impossibile, tv, 3 ep., 1969), The
Strawberry Statement (Fragole
e sangue, 1970), Believe in Me
(Jackie, 1971), She Lives! (tv, 1973),
Bronk (tv, ep., 975), Tarantulas: The
Deadly Cargo (tv, 1977).
Antiporno (2016)
SOMMARIO
AFTER HOURS
#SCREAMERS | JOEL POTRYKUS THE ALCHEMIST COOKBOOK |
| SION SONO ANTIPORNO | ADAM PINNEY THE ARBALEST |
BRUNO BIGONI CHI MI HA INCONTRATO, NON MI HA VISTO | NA HONG-JIN GOKSUNG THE WAILING | JUSTIN KELLY KING COBRA | ED GASS-DONNELLY LAVENDER | ANNA BILLER
THE LOVE WITCH | MARIO BAVA LA MASCHERA DEL DEMONIO | MATT JOHNSON OPERATION
AVALANCHE | ERIK SKJOLDBJÆRG PYROMANEN - PYROMANIAC | KŌJI SHIRAISHI SADAKO VS KAYAKO |
CHRIS PECKOVER SAFE NEIGHBORHOOD | CHRISTOPHE DEROO SAM WAS HERE |
MICHAEL O’SHEA THE TRANSFIGURATION | KEVIN SMITH YOGA HOSERS
DEAN MATTHEW RONALDS
TIÃO ANIMAL POLÍTICO
SOMMARIO
AFTER HOURS
After Hours
DI EMANUELA MARTINI
Safe Neighborhood (2016)
La sezione eccentrica del festival raccoglie
come ogni anno una serie di film che spaziano
dall’horror al mockumentary, dal bizzarro
all’erotico, dalla metafora sofisticata alla
commedia demenziale.
Vocazione notturna: inaugurata nel 2015, anche
quest’anno il primo sabato del Festival, da
mezzanotte al mattino successivo, sarà la Notte
horror, con Sam Was Here di Christopher Deroo,
angosciante viaggio in villaggi deserti di un
venditore porta a porta, perseguitato da una
voce che dalla radio invita alla caccia a un serial
killer (quasi Duel rivisto da Carpenter); The
Return of the Living Dead di Dan O’Bannon,
esilarante cult americano del 1985 dove, tra un
cimitero e una morgue, s’incontrano punk e
zombi; e Sadako Vs Kayako di Kōji Shiraishi, dove
invece si scontrano senza esclusione di colpi le
due entità maligne delle due serie horror
giapponesi più celebri (The Ring e The Grudge).
Ma l’horror è sfaccettato: si tinge di sanguigno
demonismo e di sottili sfumature politiche nella
travolgente narrazione di The Wailing del coreano
Na Hong-Jin; rielabora abilmente il found footage
nella tensione crescente di #Screamers di Dean
Matthew Ronalds; si fa accorato come un mélo
nella maturazione del ragazzino nero del Bronx
che crede di essere un vampiro in The
Transfiguration di Michael O’Shea; ribalta lo
stereotipo degli adolescenti assediati fino a toni
spiazzanti di commedia in Safe Neighborhood
di Chris Peckover; e arriva alla satira demenziale
in Yoga Hosers, secondo capitolo della «True
North Trilogy» di Kevin Smith, dove sua figlia,
Harley Quinn Smith, e quella di Johnny Depp,
Lily-Rose Depp, affrontano truppe di
mostriciattoli nazisti a forma di bratwürst.
96
SOMMARIO
AFTER HOURS
Un posto a sé meritano il più classico e
disturbante dei film gotici italiani, La maschera
del demonio di Mario Bava, con la strega Barbara
Steele che si reincarna nella pronipote, e la
personalissima ricerca di una strada psicanalitica
al gotico contemporaneo di Lavender, il nuovo
thriller di Ed Gass-Donnelly (premio Fipresci
al Torino Film Festival del 2010, con Small
Town Murder Songs).
Dalle parti del thriller: Pyromaniac di Erik
Skjoldbjærg (autore di Insomnia, l’originale
dal quale Christopher Nolan ha tratto il remake),
angosciante ricognizione nelle ossessioni del
giovane piromane che terrorizza un paesino
norvegese, e The Arbalest di Adam Pinney, la
storia in flashback di un miliardario che vive
recluso e ricorda Howard Hughes e che in realtà
ha rubato l’idea che lo ha reso celebre.
Stravaganze: la storia dell’alchimista nero che
vive con il gatto Kaspar in una roulotte nei
boschi, tentando di mettersi in contatto con
il Maligno (The Alchemist Cookbook di Joel
Potrykus), e quella della mucca che ha vissuto
a lungo in città come un umano e che va a
ritrovare se stessa nel deserto (Animal Político
del brasiliano Tião).
Sexy Hours: la strega procace che cerca di
conquistare l’amore con pozioni magiche, in
The Love Witch, la nuova fantasia erotica di Anna
Biller (al Festival nel 2006 con Viva), che
combina ironia e cinefilia; la giovane artista che,
davanti a una troupe nella sua casa dai colori
squillanti, vuole trasformarsi in attrice erotica,
in Antiporno, rivisitazione di Sion Sono
(retrospettiva al Festival nel 2011) della serie
Roman Porno prodotta dalla Nikkatsu negli anni
Settanta; il giovanotto prestante che diventa la
star della Cobra Video, specializzata in hardcore,
il suo produttore, gli spezzoni dei suoi film, in
King Cobra di Justin Kelly, biopic di Brent
Corrigan. E non poteva mancare il
mockumentary: Operation Avalanche di Matt
Johnson, ennesima variazione sulla più popolare
delle «teorie del complotto» (non siamo mai
andati sulla Luna!), con due giovani agenti Cia
infiltrati alla Nasa che scoprono i ritardi del
progetto Apollo; e Chi mi ha incontrato, non
mi ha visto, imprevedibile mockumentary
italiano nel quale un regista appassionato
di Rimbaud (Bruno Bigoni) entra in possesso
di una foto che potrebbe rivoluzionare la
biografia artistica del poeta (ma sarà vera
o falsa?).
AFTER HOURS
After Hours
BY EMANUELA MARTINI
Sam Was Here (2016)
Like every year, the Festival’s eccentric section
brings together a series of movies that range
from horror flicks to mockumentaries, from
the bizarre to the erotic, from sophisticated
metaphors to screwball comedies.
Nocturnal vocation: inaugurated in 2015, this
year, too, the first Saturday of the Festival will be
the Night of Horror, from midnight until the next
morning, with screenings of Sam Was Here by
Christopher Deroo, a door-to-door salesman’s
distressing journey through deserted towns as
he is hounded by a voice on the radio inviting
listeners to hunt down a serial killer (almost like
a Duel remake by Carpenter); The Return of the
Living Dead by Dan O’Bannon, a hilarious
American cult movie from 1985, in which punks
and zombies bump into each other at a cemetery
and a morgue; and Sadako Vs Kayako by Kōji
Shiraishi, featuring the no-holds-barred clash
between the evil beings from Japan’s two most
famous horror films (The Ring and The Grudge).
But horror is multifaceted: it takes on shades of
bloody demonism and subtle political nuances
in the overpowering story of The Wailing by
Korea’s Na Hong-Jin; it skillfully re-elaborates
found footage in the growing tension of
#Screamers by Dean Matthew Ronalds; it
becomes as fervent as a melodrama, as a black
boy from the Bronx who thinks he is a vampire
matures in The Transfiguration by Michael
O’Shea; it overturns the stereotype of besieged
adolescents, even taking on disorienting shades
of comedy in Safe Neighborhood by Chris
Peckover; and it becomes madcap satire in Yoga
Hosers, the second installment of the “True
North Trilogy” by Kevin Smith, in which the
director’s daughter, Harley Quinn Smith, and
97
SOMMARIO
AFTER HOURS
Johnny Depp’s daughter, Lily-Rose Depp, deal
with troops of little Nazi monsters shaped like
bratwursts. The most classic and disturbing of
the Italian gothic films deserves a place of its
own: Black Sunday by Mario Bava, as the witch
Barbara Steele is reincarnated in her greatgranddaughter; so does the very personal search
for a psychoanalytical take on contemporary
gothic in Lavender, the new thriller by Ed GassDonnelly (the FIPRESCI Award at the 2010 TFF
for Small Town Murder Songs).
As for thrillers: Pyromaniac by Erik Skjoldbjærg
(the author of Insomnia, the original on which
Christopher Nolan based his remake), a
disquieting foray into the obsessions of a young
pyromaniac who is terrorizing a Norwegian
town; and The Arbalest by Adam Pinney, the story
in flashbacks of a Howard Hughes-like billionaire
who lives in seclusion and actually stole the idea
which made him famous. Extravagances: the
story of a black alchemist who lives with his
cat Kaspar in a trailer in the woods and tries
to make contact with the Devil (The Alchemist
Cookbook by Joel Potrykus); and the story of a
cow who, after living for a long time in the city
like a human being, goes into the desert to find
herself (Animal Político by Brazil’s Tião).
Sexy Hours: a provocative witch who tries to
attract love by using magic potions, in The Love
Witch, the new erotic fantasy by Anna Biller
(at the 25 Torino Film Festival with Viva) which
combines irony and a love for cinema; a young
artist in front of a film crew in her brightlycolored house who wants to turn herself into
an erotic actress, in Antiporno by Sion Sono
(a retrospective at the 2011 Festival), his
interpretation of the series Roman Porno,
produced by Nikkatsu during the 1970s; a young
hunk who becomes the star of Cobra Video,
his producer, clips from his films, in King Cobra
by Justin Kelly, a biopic about Brent Corrigan.
And how could we not have mockumentaries:
Operation Avalanche by Matt Johnson, yet
another variation on the most popular
“conspiracy theory” of all (we never landed on
the Moon!), as two young CIA agents infiltrate
NASA and discover delays in the Apollo project;
and Chi mi ha incontrato, non mi ha visto, an
unpredictable Italian mockumentary in which
a director who is a Rimbaud enthusiast (Bruno
Bigoni) gets his hands on a photograph which
could revolutionize the poet’s artistic biography
(but is it real or a fake?).
TH
AFTER HOURS
dean rolands
#SCREAMERS
Usa, 2016, HD, 85’, col.
Dean Rolands (Glendale,
California, Usa, 1976) lavora come
sceneggiatore, regista e produttore
in ambito televisivo e
cinematografico. Ha esordito sul
grande schermo nel 20o2 con il
cortometraggio Bounty, al quale sono
seguiti diversi altri corti. Nel 2007
è passato al lungometraggio con
Netherbeast Incorporated, seguito
a sua volta da Here & Now (2010),
Ashley (2013), Going Bongo (2015).
Attualmente sta lavorando a un
nuovo lungometraggio, intitolato
Forever.
#SCREAMERS
regia/director
Dean Rolands
story, screenplay
Tom Malloy, Dean Rolands
Mark Davis
Aaron Gordon,
Sullivan Slentz
scenografia/
production design
Matthew Eames
musica/music
Jeffrey Alan Jones
suono/sound
Mike McFadden
cast and characters
Tom Malloy (Tom Brennan),
Chris Bannow
(Chris Grabow),
Griffin Matthews (Griffin),
Abbi Snee (Abbi), Emanuela
Gualiussi (Manu), Theodora
Wholley (Tara Rogers),
Tim Barnowsky (Francis T.),
Mark Davis (Mark)
produttore/producer
Tom Malloy
Trick Candle Productions
Emanuela Gualiussi
**
contatti/contacts
Riaya Aboul Ela
[email protected]
Tom Brennan e Chris Grabow sono i creatori di Gigaler,
piattaforma di successo su cui vengono pubblicati gli Screamers,
clip dall’alto contenuto di terrore. Un giorno ricevono un video
con una ragazza in un cimitero e una presenza disturbante alle
sue spalle, che diviene subito virale. Incuriositi dalla storia che
si nasconde dietro il filmato, Tom e Chris scoprono che la
protagonista potrebbe essere Tara Rogers, una giovane
scomparsa da tempo.
«Come ha detto Hitchcock, “il terrore non sta nello sparo, ma
nella sua previsione”. Oggi stiamo lentamente perdendo
il significato di quella citazione a causa dei thriller e degli horror
mainstream. Al pubblico si offre uno sparo ripetuto all’infinito,
senza alcuna preparazione. Con #Screamers siamo tornati a
quella forma di racconto affidandoci a uno stile più attuale, il
“docu-horror”, facendo in modo che il pubblico si senta parte
dell’azione, come una mosca sul muro».
**
Tom Brennan and Chris Grabow are the creators of Gigaler, a
popular platform which publishes Screamers, clips with a high
content of horror. One day, they receive a video of a girl in a
cemetery and a disquieting presence behind her; it immediately
goes viral. Intrigued about the story behind the clip, Tom and Chris
discover that the protagonist might be Tara Rogers, a young girl who
disappeared a long time ago.
“Alfred Hitchcock said: ‘There is no terror in a bang, only the
anticipation of it.’ With mainstream suspense and horror we get
with cinema today, we are slowly losing the meaning of this quote.
What we are giving audiences instead is the ‘bang’ over and over
again without any anticipation. With #Screamers we return to
this type of storytelling done with a modern day style, docu-horror,
allowing the audience to feel like they are there as a fly on the wall.”
98
SOMMARIO
AFTER HOURS
Dean Rolands (Glendale, CA, USA,
1976) works as a screenwriter, director
and producer for television and film.
He debuted on the silver screen in 2002
with the short Bounty, which was
followed by numerous other shorts.
In 2007, he turned to feature films
with Netherbeast Incorporated,
followed by Here & Now (2010),
Ashley (2013), and Going Bongo
(2015). At the moment he is working
on a new feature-length movie
entitled Forever.
A.W.O.L (cm, 2003), Split (cm,
2004), Portrait (cm, 2004), The
Netherbeast of Berm-Tech Industries,
Inc. (cm, 2004), Little Victim (cm,
2005), Screen Wars (tv, 2005-2006),
Go-Go Guy (cm, 2006), Netherbeast
Incorporated (2007), Here & Now
(2010), Ashley (2013), Going Bongo
(2015), #Screamers (2016).
AFTER HOURS
joel potrykus
THE ALCHEMIST COOKBOOK
Usa, 2016, HD, 82’, col.
Joel Potrykus (Ossineke, Michigan,
Usa, 1977) vive e lavora a Grand
Rapids, nello stato del Michigan,
dove è stato tra i fondatori della casa
di produzione multimediale Sob
Noisse. Ha diretto i cortometraggi
Gordon (2007) e Coyote (2010),
il lungometraggio d’esordio Ape
(2012), con cui ha vinto il premio
per il migliore regista emergente al
Festival di Locarno, e Buzzard (2014),
ultimo capitolo di quella che ha
chiamato la “trilogia degli animali”,
presentato al South by Southwest
e nuovamente a Locarno.
THE
ALCHEMIST
COOKBOOK
regia, soggetto,
sceneggiatura,
montaggio/director, story,
Joel Potrykus
Adam J. Minnick
scenografia/
production design
Michael Lapp
musica/music
Tim Dewit,
Jamie Greefe,
Brian Harding,
Andrew Miller
cast and characters
Ty Hickson (Sean),
Amari Cheatom (Cortez)
Bryan Reisberg,
Andrew D. Corkin,
Ashley Young,
Joel Potrykus
Sob Noisse,
Uncorked Productions
Kevin Clancy,
Mike Saunders
**
contatti/contacts
OscilloScope
Cameron Swanagon
[email protected]
www.oscilloscope.net
Sean è un giovane emarginato che vive in una roulotte nei boschi
con la sola compagnia del gatto Kaspar. Pieno di disprezzo per le
autorità e il genere umano, ha scelto l’isolamento per dedicarsi
allo studio dell’alchimia, lo scopo della sua vita. Deciso a carpire
i segreti della natura e piegarla al proprio volere, Sean fa il grande
passo e inizia a praticare la magia nera. Una decisione azzardata,
che evocherà presenze sinistre e pericolose.
«Il sacrificio, l’isolamento e l’inevitabile distruzione dell’artista
stanno per essere messe in discussione. Dentro di sé Sean è un
creatore incompreso che cerca di proteggersi dalle critiche e dalle
interferenze esterne. L’impossibilità di fare ciò che vorrebbe, però,
lo delude fortemente, anche se rifiuta di abbandonare l’alchimia
finché non vedrà la propria orrenda fine. E nel corso di tale
processo subisce una vera e propria trasformazione. Nulla per
lui è troppo prezioso da fermarlo, né tantomeno sacro».
**
Sean is a marginalized young man who lives in a camper in the
woods; his sole companion is his cat Kaspar. Filled with contempt for
the authorities and the human race, he has chosen isolation in order
to dedicate himself to alchemy, his life’s purpose. Determined to learn
the secrets of nature and bend them to his will, Sean takes the big
step and begins to practice black magic. A risky decision, which will
soon summon sinister and dangerous presences.
“The sacrifice, isolation, and inevitable destruction of the artist are
about to be put on trial. At its core, Sean is a misunderstood creator,
trying to shield himself from criticism and interference. He suffers
from delusions of the impossible, and refuses to quit until he sees it
through to its ugly end, literally transforming himself in the process.
Nothing is too precious to stop him, nothing is sacred.”
99
SOMMARIO
AFTER HOURS
Joel Potrykus (Ossineke, MA, USA,
1977) lives and works in Grand Rapids,
Michigan, where he helped found the
multimedia production company Sob
Noisse. He has directed the shorts
Gordon (2007) and Coyote (2010);
his debut feature film Ape (2012), with
which he won Best Emerging Director
at the Locarno Film Festival; and
Buzzard (2014), the final chapter
of what he calls the Animal Trilogy,
presented at the South by Southwest
Festival and at Locarno.
Gordon (cm, 2007), Coyote (cm,
2010), Ape (2012), Buzzard (2014),
The Alchemist Cookbook (2016).
AFTER HOURS
tião
ANIMAL POLÍTICO
Brasile/Brazil, 2016, HD-16mm-VHS, 75’, col.
Tião è uno dei fondatori della casa
di produzione Trincheira, con sede
a Recife, in Brasile. Ha realizzato
diversi cortometraggi, tra i quali
Muro e Sem Coração sono stati
premiati come miglior
cortometraggio alla Quinzaine des
réalisateurs di Cannes. Muro ha vinto
anche il Grande Prêmio Cidade al
festival portoghese di Vila do Conde.
Animal Político è il suo primo
lungometraggio.
POLITICAL
ANIMAL
Tião
Marcelo Lordello,
Gustavo Jahn
Leonardo Lacca
production design,
costume design
Iomana Rocha,
Melissa Dullius,
Gustavo Jahn
musica/music
Jon Wygens
suono/sound
Guga S. Rocha,
Pablo Lamar
interpreti/cast
Rodrigo Bolzan,
Elisa Heidrich,
Victor Laet,
Mário Sergio Cabral,
Isabel Novaes,
Arthur Gomes,
Marina Couceiro
produttore/producer
Leonardo Lacca
Trincheira
Una mucca tenta di convincersi di essere felice. Una notte, la vigilia
di Natale, l’animale avverte una profonda sensazione di solitudine,
qualcosa di strano, che non le era mai capitato di provare.
Questo momento è come l’epifania di una crisi che la spinge
a intraprendere un nuovo cammino di comprensione, la ricerca
della sua vera identità.
**
A cow tries to convince herself she is happy. One night, on Christmas
Eve, the cow experiences a deep feeling of emptiness, something strange
she has never felt before. The crisis makes her want to start a journey of
enlightenment, a search for her true self. **
contatti/contacts
Tião
[email protected]
100
SOMMARIO
AFTER HOURS
Tião is one of the creators of Trincheira,
a production company based in Recife,
Brazil. He directed several short films:
Muro and Sem Coração won the prize
for Best Short at the Director’s
Fortnight, in Cannes. Muro also won
the Grande Prêmio Cidade de Vila do
Conde, Portugal. Animal Político is
his first feature film.
Eisenstein (cm, 2006), Muro (cm,
2008), Sem Coração (cm, 2014),
Animal Político (2016).
AFTER HOURS
sion sono
ANTIPORNO
Giappone/Japan, 2016, HD, 78’, col.
ANTIPORNO
regia, soggetto,
story, screenplay
Sion Sono
Maki Ito
Junichi Ito
scenografia/
production design
Hirofumi Nishikiori
Kazuhiro Sawataishi
musica/music
Tomonobu Kikuchi
suono/sound
Hironori Ito
interpreti/cast
Ami Tomite, Fujiko,
Sayaka Kotani,
Mana Yoshimuta, Ami,
Ai Shimomura,
Ami Fukuda, Yuya
Takayama, Dai Hasegawa,
Hirari Ikeda, Saki,
Hideyuki Kobashi,
Hitedoshi Kawaya,
Takumi Banda,
Tomo Uchino
Naoko Komuro,
Masahiko Takahashi
Django Film
**
contatti/contacts
Nikkatsu
Mami Furukawa
[email protected]
www.nikkatsu.com
Kyoko è un’artista ventunenne con manie di protagonismo.
In un momento di sconforto si sfoga contro la sua assistente,
più grande di lei, umiliandola sessualmente di fronte al loro staff.
Improvvisamente qualcuno urla «taglia!» e ci si scopre sul set
di un film. Una frattura della realtà che permette a Noriko di
assumere il ruolo dominante e ribaltare il gioco di umiliazioni.
«Sion Sono ha diretto un film pornografico in cui critica
pesantemente il genere. Il suo scopo è portare in superficie le
prospettive del cinema porno e dimostrare che sia le strutture
di potere che regolano la società sia le relazioni umane sono
intercambiabili, se messe in collegamento da differenti punti di
vista attraverso i meccanismi del cinema. Nel momento in cui
il pubblico sente urlare “taglia!”, la realtà e i personaggi di finzione,
così come il bilanciamento del loro potere e gli eventi, subiscono
un improvviso rovesciamento. Possiamo separare il reale dalla
finzione? Chi può decidere cosa è giusto e cosa è sbagliato?»
(N. Komuro, M. Takahashi)
**
Kyoko is a twenty-one-year-old artist who loves being at the center
of attention. One day, feeling down, she lashes out against her
assistant, sexually humiliating her in front of the rest of the staff.
Suddenly someone yells “Cut!” and we realize that they are actually
on a movie set. A fracture in reality that allows Noriko to take back
the upper hand and turn the tables of humiliations onto Kyoko.
“Sion Sono creates a porn film while heavily criticizing itself.
He intends to bring to the surface porn’s perspectives and to show
that both social power structure and human relationship are
interchangeable when the different points of view are connected
through cinema. Once the audience hears ‘Cut!’, the tables suddenly
turn: the balance of power between real-life and fictional characters
instantly reverses. Inherently, how can we separate fact from fiction?
And who can tell right from wrong?” (N. Komuro, M. Takahashi)
101
SOMMARIO
AFTER HOURS
Sion Sono (Toyokawa, Giappone, 1961)
è uno dei registi giapponesi più
conosciuti e apprezzati all’estero.
Nei suoi film descrive la società
nipponica in modo provocatorio e
violento, con numerosi riferimenti alla
cultura pop. Tra le sue opere, Suicide
Club (2002), che con Noriko’s Dinner
Table (2005) fa parte di una trilogia
sull’alienazione, Strange Circus (2005),
con cui ha vinto il premio della giuria
del Berliner Zeitung, e Love Exposure
(2008), vincitore del premio Fipresci
e del Caligari Film Award alla Berlinale,
nonché primo tassello della «trilogia
dell’odio», di cui faranno parte Cold
Fish (2010) e Guilty of Romance (2011).
Con Himizu (2011) ha partecipato in
concorso a Venezia, dove nel 2013 ha
presentato Why Don’t You Play in Hell.
Nel 2011 il Torino Film Festival gli ha
dedicato una retrospettiva. Vi ha fatto
ritorno nelle edizioni successive con
Tokyo Tribe (2014), Love & Peace (2015),
TAG (2015) e Shinjuku swan (2015).
Sion Sono (Toyokawa, Japan, 1961)
is an internationally acclaimed Japanese
filmmaker. His movies depict Japanese
society in a provocative and violent way,
amid a plethora of pop culture
references. His most renown films include
Suicide Club (2002), which is part of a
trilogy on alienation along with Noriko’s
Dinner Table (2005), winner of the
Berliner Zeitung Jury Award, and Love
Exposure (2008), winner of the
FIPRESCI Award and the Caligari Film
Award at the Berlinale. Love Exposure
is also the first film of the “trilogy of
hate,” which includes Cold Fish (2010)
and Guilty of Romance (2011). He
participated to the Venice Film Festival
in 2011 with the feature Himizu, and in
2013 with Why Don’t You Play in Hell.
The Torino Film Festival paid tribute
to him with a retrospective in 2011.
He participated in several TFF editions
with his films Tokyo Tribe (2014),
Love & Peace (2015), TAG (2015)
and Shinjuku Swan (2015).
The Room (1992), Suicide Club (2002),
Noriko’s Dinner Table (2005), Strange
Circus (2005), Hazard (2006), Exte:
Hair Extensions (2007), Love Exposure
(2008), Cold Fish (2010), Guilty of
Romance (2011), Himizu (2011), Why
Don’t You Play in Hell (2013), Tokyo
Tribe (2014), Love & Peace (2015),
Riaru onigokko (TAG, 2015), Shinjuku
suwan (Shinjuku Swan, 2015),
Antiporno (2016).
AFTER HOURS
adam pinney
THE ARBALEST
Usa, 2016, HD, 76’, col.
THE ARBALEST
regia, soggetto,
sceneggiatura,
montaggio/director,
story, screenplay,
film editing
Adam Pinney
Hugh Braselton
scenografia/
production design
Aimee Holmberg
Karen Freed
musica/music
Thomas Barnwell,
Ian Deaton
suono/sound
Nicole Powell
cast and characters
Mike Brune
(Foster Kalt), Tallie Medel
(Sylvia Frank), Jon Briddell
(l’uomo con il vestito/
man in a suit),
Robert Walker Branchaud
(John Frank),
Felice Monteith (Myra Ney),
Matt Stanton (Paul,
il fonico/the sound guy),
Marc Farley (Haskell,
l’operatore/the camera guy)
produttore/producer
Alex Orr
ATL Film Services
**
contatti/contacts
Alex Orr
[email protected]
L’eccentrico Foster Kalt, famoso creatore di giocattoli negli anni
Settanta, ha un’unica ossessione: Sylvia Frank. Fin dal loro primo
incontro, nella stanza di un hotel a New York nel 1968, la donna
è divenuta per lui un pensiero fisso, tanto da spingerlo a spiarla
e a perseguitarla, nonostante i continui rifiuti. La soluzione per
porre fine a questo tormento potrebbe essere un gioco,
un’invenzione definitiva e inquietante…
«Durante la produzione ho fatto delle scelte stilistiche molto
precise per mostrare in modo inusuale concetti e sensazioni
comuni. I movimenti di macchina sono premeditati e ben
motivati. Io e Hugh Braselton, il direttore della fotografia,
abbiamo lavorato duro per ottenere una resa non convenzionale
e arricchire le interpretazioni degli attori. Da un punto di vista
visivo, gran parte delle influenze riscontrabili nel film provengono
da Godard, da Weekend, Il disprezzo o La donna è donna, in cui
i colori primari sono preminenti. Volevo che i colori, le immagini
e la scenografia fossero come personaggi».
**
The 1970s. Foster Kalt is an eccentric and famous creator of toys and
he has just one obsession: Sylvia Frank. Right from the first time they
met in a New York hotel in 1968, he has been fixated on the woman,
to the point that he spies on her and stalks her, even though she
constantly turns him down. The solution which could put an end to
this torment might be a game, a definitive and disturbing invention…
“I wanted to make strong stylistic choices during production to
show familiar ideas and feelings in an unfamiliar way. Camera
movements are intentional and motivated. Hugh Braselton, the
DP, and I worked hard on getting unconventional coverage to
complement the performances. Visually, much of the influence for
this film came from the color films of Jean-Luc Godard – Weekend,
Le Mémpris, and Une femme est une femme – where primary
colors are abundant. It was my intention to have the colors, images
and production design act as characters in the film.”
102
SOMMARIO
AFTER HOURS
Adam Pinney lavora in ambito
televisivo e cinematografico da
tredici anni. Membro del collettivo
Fake Wood Wallpaper, con sede ad
Atlanta, ha collaborato come
direttore della fotografia al thriller 24
Exposures (2013) di Joe Swanberg e
come operatore di ripresa per due
film diretti da Alex Orr, il produttore
di The Arbalest: l’horror Blood Car
(2007) e la commedia A Is for Alex
(2010), di cui Pinney è stato anche
sceneggiatore. Come regista ha
esordito nel 2002 con il
cortometraggio Helena, a cui è
seguito nel 2003 The Last Last and
the Tribulations of Johnnybush.
Adam Pinney has been working in
television and film for thirteen years.
A member of the collective Fake Wood
Wallpaper, headquartered in Atlanta,
he has collaborated as director of
photography on the thriller 24
Exposures (2013) by Joe Swanberg and
as a cameraman on two films directed
by Alex Orr, the producer of The
Arbalest: the horror movie Blood Car
(2007) and the comedy A Is for Alex
(2010), for which Pinney also wrote the
screenplay. He debuted in directing in
2002 with the short Helena, which was
followed in 2003 by The Last Last and
the Tribulations of Johnnybush.
Helena (cm, 2002), The Last Last
and the Tribulations of Johnnybush
(cm, 2003), The Arbalest (2016).
AFTER HOURS
bruno bigoni
CHI MI HA INCONTRATO,
NON MI HA VISTO
THOSE WHO
ENCOUNTERED
ME, DIDN’T
SEE ME
regia, soggetto/
director, story
Bruno Bigoni
Bruno Bigoni, Lara Fremder
Italo Petriccione
Cristina Flamini
production design,
costume design
Silvia Cremaschi
suono/sound
Daniel Covi
interpreti/cast
Bruno Bigoni, Rocco Bigoni, Gianni Canova, Eric Claire, Laetitia Dehoule, Steve Della Casa, Dominique Evoli, Minnie Ferrara, Riccardo Magherini, Renato Minore, Alessandro Mor, Desirée Olmi, Mathieu Pastore, Alessandro Quattro, Claudio Savina,
Maurizio Tabani
Bruno Bigoni, Minnie Ferrara,
Mario Castagna,
Riccardo Annoni
Altamarea Film,
Fake Film
**
contatti/contacts
Minnie Ferrara
[email protected]
www.minnieferrara.it
103
SOMMARIO
La passione per Arthur Rimbaud spinge il regista Bruno Bigoni a
compiere un viaggio avventuroso alla ricerca di alcune risposte
sulla vita del grande poeta. L’incontro con un’inedita fotografia del
poeta e con una sconvolgente registrazione della sua voce
cambierà per sempre la vita e il lavoro del regista.
«Lavoravo da tempo a un progetto su Rimbaud. […] Poi il
documentario ha avuto una battuta d’arresto, si è incagliato in
un evento inaspettato che ha trasformato il progetto in qualcosa
di spericolato: l’offerta, fattami da una sconosciuta francese, di
una fotografia inedita che, una volta acquisita e resa pubblica,
avrebbe totalmente cambiato ciò che fino a oggi è stato detto e
scritto sul poeta bambino. […] A tutto ciò, si aggiunge poco tempo
dopo un’altra sconvolgente scoperta. Oltre alla fotografia, infatti,
sarei potuto entrare in possesso di un documento straordinario:
la registrazione originale della voce del poeta, raccolta a Marsiglia
poco prima della sua morte».
**
A passion for Arthur Rimbaud convinces the director Bruno Bigoni to
go on an adventurous trip in search of answers about the great poet’s
life. When he runs across an unpublished photograph of the poet and
hears a disturbing recording of Rimbaud’s voice, his life and his work
are changed forever.
“For a while, I had been working on a project about Rimbaud. […]
Then the documentary had a setback, it ran aground on an unexpected
event which transformed the project into something reckless: an
unknown French woman offered me an unpublished photograph which,
purchased and made public, would have completely changed everything
which had been said and written about the child poet to date. […]
On top of all this, a short while later there was another amazing
discovery. Besides the photograph, I could also come into possession
of the poet’s voice, recorded in Marseille shortly before he died.”
AFTER HOURS
Bruno Bigoni (Milano, 1950) nel 1972
è tra i soci fondatori del Teatro
dell’Elfo. Nel 1977 si laurea in lettere
moderne e nel 1979 partecipa alla
creazione della rassegna Filmmaker
di Milano. Nel 1983, insieme con
Kiko Stella, esordisce alla regia con
Live e nel 1987 inizia l’attività in
campo documentaristico con Nome
di battaglia: Bruno, che vince
numerosi premi. Nel 1990 fonda con
Minnie Ferrara e Kiko Stella la società
di produzione e distribuzione Minnie
Ferrara & Associati, con cui realizza
i suoi lavori seguenti. Nel 1993
partecipa poi al Festival di Locarno
con il lungometraggio Veleno.
Collabora con l’Università Cattolica
di Milano e tiene seminari e
laboratori sul cinema documentario
allo Iulm di Milano. Ha partecipato a
dieci edizioni del Torino Film Festival.
Bruno Bigoni (Milan, Italy, 1950) was
one of the founders of the Teatro
dell’Elfo in 1972. In 1977, he received
his degree in humanities and in 1979
helped create the Filmmaker Festival
in Milan. In 1983, with Kiko Stella, he
debuted in directing with Live and in
1987 he began his activity in
documentary filmmaking with Nome
di battaglia: Bruno, which won
numerous prizes. In 1990 he, Minnie
Ferrara and Kiko Stella founded the
production and distribution company
Minnie Ferrara & Associati, with which
he made his following films. In 1993,
he participated at the Locarno Film
Festival with the feature-length Veleno.
He collaborates with the Catholic
University in Milan and holds seminars
and laboratories on documentary
cinema at Milan’s IULM. He has
participated at ten editions of the
Torino Film Festival.
Live (coregia/codirector Kiko Stella,
1983), Nothing (cm, doc., 1985),
Nome di battaglia: Bruno (cm, doc.,
1987), Lux interior (cm, doc., 1989),
Jamaica (cm, doc., 1990), Italia 90.
Lavori in corso (mm, doc., 1990),
Belli sciallati (cm, doc., 1996),
Amleto… frammenti (cm, doc., 1997),
Scene da Pinocchio (1998), Faber
(coregia/codirector Romano Giuffrida,
1999), Comizi d’amore 2000 (cm,
2000), Cuori all’assalto - Storia di
Raffaele e Cristina (cm, doc., 2002),
Riccardo III (2004), Illuminazioni
(2004), Don Chisciotte e… (2006),
Il colore del vento (2011), Chi mi
ha incontrato, non mi ha visto
(doc., 2016).
AFTER HOURS
na hong-jin
GOKSUNG
Corea del Sud/South Korea, 2016, HD, 156’, col.
THE WAILING
regia, soggetto,
story, screenplay
Na Hong-Jin
Hong Kyung Pyo
Kim Sun Min
scenografia/
production design
Lee Hwo Kyung
Chae Kyung Hwa
musica/music
Jang Young Gyu,
Dalpalan
suono/sound
Park Yong Ki
cast and characters
Kwak Do Won (Jong-gu),
Hwang Jung Min (Il-gwang),
Kunimura Jun
(lo straniero/stranger),
Chun Woo Hee
(la donna anonima/
anonymous woman)
Suh Dong Hyun,
Kim Ho Sung
Side Mirror,
Fox International
Production (Korea)
Movies Inspired
**
contatti/contacts
Movies Inspired
Stefano Jacono
[email protected]
La quotidianità sonnolenta di un piovoso villaggio coreano è
sconvolta da un omicidio atroce: una famiglia massacrata dal
padre, che viene trovato sul luogo del delitto in stato confusionale
e con la pelle ricoperta di strane bolle. Dopo alcuni giorni si
verificano altri episodi sanguinosi simili: per il goffo poliziotto
Jong-gu, incaricato delle indagini, la motivazione dietro questi
gesti è inspiegabile. Secondo la stampa locale sarebbero causati
dall’intossicazione provocata da non meglio precisati funghi
velenosi, mentre per i residenti della zona la colpa sarebbe
imputabile a un giapponese (prontamente ribattezzato “lo
straniero”) che da qualche tempo vive nei boschi. Ma l’orrore
è solo all’inizio…
«The Wailing è stato realizzato ricercando una totale perfezione,
dopo due anni e otto mesi di stesura e revisione della
sceneggiatura, sei mesi di riprese e un anno di lavoro di
postproduzione. Nello specifico, la cura con cui la produzione
ha lavorato per le riprese in loco è stata straordinaria».
**
The drowsy routine of a rainy South Korean town is rattled by a string
of brutal murders that started when a man killed his entire family.
The police found him on the crime scene in a state of shock, his skin
covered in boils. Jong-gu is the (rather clumsy) officer handling the
investigation. He starts running across other similar incidents, just as
bizarre and gory, but cannot seem to find the reason for this string of
deaths. The local press is attributing them to food poisoning, probably
some kind of mushrooms. Residents in the area blame a Japanese man
(which they simply call “the foreigner”) who has been living in the
woods for some time. But the horrors have just begun…
“The Wailing was made with a complete devotion to perfection,
encompassing two years and eight months of screenplay writing and
revision, six months of shooting and a year of post-production work.
In particular, the production team’s devotion to location shooting was
extraordinary.”
104
SOMMARIO
AFTER HOURS
Na Hong-Jin (Corea del Sud, 1974)
è considerato uno dei maggiori
talenti del cinema thriller e fantastico
coreano. Esordisce come regista e
sceneggiatore nel 2005 con il
cortometraggio The Perfect Fishplate,
a cui segue nel 2007 Sweat. L’anno
successivo è la volta del suo primo
lungometraggio, The Chaser, con cui
partecipa fuori concorso al Festival
di Cannes e si fa conoscere in tutto
il mondo. Nel 2011 gira invece The
Yellow Sea (2011), che, sempre a
Cannes, partecipa a Un certain
regard e viene premiato in numerosi
festival.
Na Hong-Jin (South Korea, 1974)
is considered one of South Korea’s
best thriller and fantasy filmmakers.
He wrote and directed his first shortfilm The Perfect Fishplate in 2005,
followed by Sweat in 2007. The Chaser
(2008), his first feature, was screened
at the Cannes Film Festival out of
competition, making him known
worldwide. The Yellow Sea (2011)
participated in Cannes’s Un certain
regard section and won many awards
from festivals worldwide.
Wanbyeoghan domiyoli (The Perfect
Fishplate, cm, 2005), Han (Sweat,
cm, 2007), Chugyeogja (The Chaser,
2008), Hwanghae (The Yellow River,
2011), Goksung (The Wailing, 2016).
© WILLIAM ANZEVINOCREDIT
AFTER HOURS
justin kelly
KING COBRA
Usa, 2016, HD, 91’, col.
KING COBRA
Justin Kelly
soggetto/story
Justin Kelly,
D. Madison Savage
Benjamin Loeb
Joshua Raymond Loeb
scenografia/
production design
Anastasia White
Matthew Simonelli
musica/music
Tim Kvasnosky
suono/sound
Scott Krarmer
cast and characters
James Franco
(Joe), Christian Slater
(Stephen), Keegan Allen
(Harlow), Garrett Clayton
(Sean-Brent Corrigan),
Alicia Silverstone (Janette), Molly Ringwald (Amy)
Jordan Yale Levine,
Scott Levinson,
James Franco,
Vince Jolivette,
Shaun Sanghani
Yale Productions, SSS
Entertainment, Digital
Ignition Entertainment,
RabbitBandini Productions
**
contatti/contacts
The Exchange
Danny Gusman
[email protected]
www.theexchange.ws
105
SOMMARIO
Stephen è un quarantenne solitario che, sotto lo pseudonimo di
King Cobra, produce film porno gay. Sean è un bel diciassettenne
pieno di sogni ma con il portafoglio vuoto. Quando si conoscono
on line, nasce fra i due una collaborazione che porta alla nascita
di una star, Brent Corrigan, nome d’arte di Sean. Ma attira anche
l’invidia di Joe e Harlow, due marchette spiantate che si
improvvisano produttori pornografici e che, pur di avere Sean,
farebbero di tutto. Anche uccidere… Da una storia vera.
«Sul web le persone si reinventano di continuo. Si creano innocui
avatar o pericolose identità per presentarsi sui social media. Sono
modi per giocare con la propria identità, per essere percepiti come
qualcun altro, per fantasticare e sfuggire a un’esistenza altrimenti
comune. Tutti i personaggi di King Cobra […] si sono creati identità
on line per appagare le loro fantasie, per arricchire le loro vite, per
raggiungere il successo e vivere una versione personale del sogno
americano, senza curarsi delle conseguenze sugli altri».
**
Stephen is a solitary forty-year-old who makes gay porn under the
pseudonym King Cobra. Sean is a handsome seventeen-year-old full
of dreams and an empty wallet. They meet online and strike up a
collaboration that will lead Sean, aka Brent Corrigan, to stardom.
Jealous of his success, Joe and Harlow, two cash-strapped hustlers
turned porn producers, will go to any length to get Sean. Even kill…
Based on a true story.
“People reinvent themselves online all the time. From creating innocent
avatars to harmful false identities to merely presenting oneself on social
media – it’s a way to play with identity, to be perceived as someone or
something else, to fantasize and escape an otherwise normal
existence. The characters in King Cobra […] all created online identities
as a means to fulfill their fantasies, to enrich their lives, to find success
and live their version of the American dream, regardless of how that
affected other people.”
AFTER HOURS
Justin Kelly vive e lavora a Los
Angeles. Ha esordito come regista
e sceneggiatore nel 2006 con il
cortometraggio Debris, a cui sono
seguiti Front (2007) e Girl! (2009).
Nel 2015 ha scritto e diretto il suo
primo lungometraggio, I Am Michael,
con la partecipazione nel cast di
James Franco, Zachary Quinto,
Emma Roberts e la produzione
esecutiva di Gus Van Sant, ottenendo
un buon successo al Sundance Film
Festival e alla Berlinale. Attualmente
sta sviluppando il suo nuovo
progetto, intitolato Welcome the
Stranger.
Justin Kelly lives and works in Los
Angeles. He made his debut as director
and screenwriter with the short Debris
(2006), followed by Front (2007) and
Girl! (2009). In 2015, he wrote and
directed his first full-length film, I Am
Michael, featuring performances by
James Franco, Zachary Quinto, Emma
Roberts, and Gus Van Sant as the
executive producer. The movie was
favorably received at the Sundance
Film Festival and the Berlinale.
He is currently working on a new
project called Welcome the Stranger.
Debris (cm, 2006), Front (cm, 2007),
Girl! (cm, 2009), I Am Michael
(2015), King Cobra (2016).
AFTER HOURS
ed gass-donnelly
LAVENDER
LAVENDER
regia/director
Ed Gass-Donnelly
story, screenplay
Colin Frizzell,
Ed Gass-Donnelly
Brendan Steacy
Dev Singh
scenografia/
production design
Oleg M. Savytski
Anne Dixon
musica/music
Sarah Neufeld,
Colin Stetson
suono/sound
Peter Clements
cast and characters
Abbie Cornish (Jane),
Diego Klattenhoff (Alan),
Justin Long (Liam),
Dermot Mulroney (Patrick)
Ed Gass-Donnelly,
David Valleau
South Creek Pictures,
3 Legged Dog Films
**
contatti/contacts
Ambi Distribution
Lilla Soria
[email protected]
www.ambidistribution.com
Dopo aver perso la memoria a causa di un incidente d’auto, Jane,
su consiglio dello psicologo, torna a visitare la casa dove è
cresciuta. Qui un inquietante sospetto inizia a farsi strada nella
donna: e se fosse stata proprio lei la causa della morte di alcuni
parenti che credeva di non aver mai conosciuto?
«Ho sempre delle reazioni contrastanti di fronte alla parola
“horror”. The Others ha avuto sicuramente una grande influenza
sul film, ma in realtà non sono un fan dell’horror come genere.
Ci sono bei film che mi fanno una gran paura, ma non mi
considero un appassionato. […] Quello che apprezzo in The Others
è la ricchezza delle performance degli attori. […] Un’altra grande
influenza l’ha avuta Shining: in alcuni punti mi sono anche detto
che forse lo stavamo involontariamente copiando. Non un plagio
intenzionale, certo, ma quella ripresa in cui c’è la ragazza nel
corridoio… Sembra proprio una di quelle inquadrature classiche
alla Kubrick, con il personaggio al centro. Credo si tratti
semplicemente di assecondare i propri gusti. Come se cercassimo
di usare situazioni che troviamo spaventose e inquietanti».
**
After losing her memory in a car accident, Jane is prompted by her
therapist to visit her childhood home. But a sneaking suspicion creeps
up on the woman. She used to think she never met her parents, but
what if they had died because of her?
“I have such a mixed response to the word ‘horror.’ The Others was
definitely a big influence. I’m not really a horror fan, per se. Even
though I appreciate some great movies that happen to be scary,
I’m not really a fan of the genre. […] But what I liked about The
Others was just that it was such a rich world of performances. […] The other movie that influenced my film was The Shining. There were
times when I thought we were inadvertently referencing The Shining.
It wasn’t outright plagiarism, but the shot of the girl in the hall is sort
of like Kubrick’s classic center frame. I think it’s just where our tastes
tend to go. We try to find things that we find to be creepy and
unsettling.”
106
SOMMARIO
AFTER HOURS
Ed Gass-Donnelly (Toronto, Canada,
1977) ha iniziato la sua carriera come
regista teatrale per poi dedicarsi al
cinema all’inizio degli anni Duemila.
Dopo alcuni cortometraggi, nel 2007
ha esordito nel lungometraggio
con This Beautiful City, che,
presentato in diversi festival
internazionali tra cui quelli di
Toronto e di Karlovy Vary, ha ottenuto
numerosi riconoscimenti, come il
premio per miglior film al Rhode
Island International Film Festival.
Con il successivo Small Town Murder
Songs (2010) ha partecipato in
concorso al Torino Film Festival,
vincendo il premio Fipresci. Ha
quindi diretto negli Stati Uniti
l’horror The Last Exorcism - Liberaci
dal male (2013), su sceneggiatura di
Damien Chazelle, e The Determinist
(2014, in collaborazione con Kat
Germain).
Ed Gass-Donnelly (Toronto, Canada,
1977) began his career as a theatrical
director, after which he dedicated
himself to film at the beginning of
this century. After making a few shorts,
in 2007 he debuted in feature films
with This Beautiful City, which was
presented at various international
festivals, including the ones in Toronto
and Karlovy Vary, and received
numerous awards, including Best
Film at the Rhode Island International
Film Festival. The following movie,
Small Town Murder Songs (2010),
was selected in competition at Torino
Film Festival, where won the FIPRESCI
Award. Then he directed the American
horror movie The Last Exorcism
(2013), from a script by Damien
Chazelle, and The Determinist
(2014, codirector Kat Germain).
Polished (cm, 2002), Dying Like
Ophelia (cm, 2002), Pony (cm,
2002), Pink (cm, 2003), This Beautiful
City (2007), 60 Seconds of Regret
(cm, 2009), Small Town Murder
Songs (2010), The Last Exorcism
(The Last Exorcism - Liberaci dal male,
2013), The Determinist (coregia/
codirector Kat Germain, cm, 2014),
Lavender (2016).
AFTER HOURS
anna biller
THE LOVE WITCH
Usa, 2016, 35mm, 120’, col.
THE LOVE
WITCH
regia, soggetto,
sceneggiatura, montaggio,
scenografia, costumi,
musica, produttore/director,
story, screenplay,
film editing, production
design, costume design,
music, producer
Anna Biller
M. David Mullen
cast and characters
Samantha Robinson
(Elaine), Gian Keys (Griff),
Laura Waddell (Trish),
Jeffrey Vincent Parise
(Wayne), Jared Sanford
(Gahan), Robert Seeley
(Richard), Jennifer Ingrum
(Barbara)
Anna Biller Productions
**
contatti/contacts
OscilloScope
Cameron Swanagon
[email protected]
www.oscilloscope.net
California, anni Sessanta. Quando la bellissima Elaine, che si
professa strega per amore, rimane vedova in circostanze
misteriose decide di trasferirsi da San Francisco in una cittadina
di provincia dove magia e riti orgiastici sono tollerati. Qui, per
mezzo di pozioni e sortilegi, potrà dare inizio alla ricerca
dell’uomo ideale. Con conseguenze spesso sanguinose…
«La figura della strega è un’immagine femminile carica di
significati: rappresenta sia il potere della donna sia la paura
dell’uomo verso la sua sessualità. È la versione femminile
di un serial killer: una donna che uccide per amore. La strega
è narcisista in modo patologico, quindi ho cercato di mostrare
come veda il mondo dentro di sé. Mi sono ispirata a Repulsione
di Polanski, in cui viene rappresentata la spaventosa vita interiore
di una donna problematica, e a Marnie di Hitchcock, girato in
Technicolor e con quelle caratteristiche da horror e da film
sentimentale che, insieme al direttore della fotografia, stavo
cercando».
**
California, the 1960s. When beautiful Elaine, who calls herself a love
witch, is widowed under mysterious circumstances, she decides to
move from San Francisco to a small town where magic and orgiastic
rites are tolerated. Here, through potions and spells, she can begin
her search for the ideal man. Often with bloody consequences…
“The witch is a very loaded female image, as she stands for both
female power and the male fear of female sexuality. She is the
female version of the serial killer: a woman who kills for love.
She is pathologically narcissistic, and I try to show how the world
looks to her from the inside. I was inspired by films such as Polanski’s
Repulsion, which details the nightmarish inner life of a damaged
woman, and Hitchcock’s Marnie, which had the Technicolor look
and horror-romance quality that I and my cinematographer were
going for.”
107
SOMMARIO
AFTER HOURS
Anna Biller ha realizzato musical
per il teatro come Princess
Butterfly (2001) e The Lady
Cat (1995), diversi cortometraggi
e mediometraggi come Three
Examples of Myself as
Queen (1994), Fairy Ballet (1998), The Lady Cat (2001), The Hypnotist
(2001) e l’acclamato
horror-western A Visit from the
Incubus (2001). È conosciuta
soprattutto per la rivisitazione
dei film di genere, per l’umorismo,
il gusto per il burlesque e gli eccessi
visivi delle sue storie, e inoltre per
i set stilizzati e i costumi colorati
che lei stessa crea. È diplomata alla
Ucla e ha conseguito un master al
California Institute of the Arts.
Nel 2006 ha realizzato il suo primo
lungometraggio, Viva, presentato al
Torino Film Festival insieme a una
selezione di altri suoi lavori.
Anna Biller has directed musical
plays such as Princess Butterfly (2001)
and The Lady Cat (1995) and has
completed a number of short and
middle-length films, such as Three
Examples of Myself as Queen (1994),
Fairy Ballet (1998), The Lady Cat
(2001), The Hypnotist (2001) and the
acclaimed horror-western short A Visit
from the Incubus (2001). She is
known for her use of film genres,
humour, the burlesque and visual
excess of her films, and for her colourful
stylized sets and costumes, which she
creates herself. She has a BA in art
from UCLA and an MFA in art and
film from CalArts. In 2006 she directed
her first feature film, Viva, shown at
Torino Film Festival together with a
selection of other works from her
filmography.
Three Examples of Myself as
Queen (cm, 1994), Fairy Ballet
(cm, 1998), The Lady Cat (cm,
2001), A Visit from the Incubus
(cm, 2001), The Hypnotist (mm,
2001), Viva (2006), The Love
Witch (2016).
AFTER HOURS
mario bava
LA MASCHERA DEL DEMONIO
Italia-Repubblica Federale Tedesca/Italy-FRG, 1960, 35mm, 87’, bn/bw
BLACK SUNDAY
regia, fotografia/
director, cinematography
Mario Bava
soggetto/story
dal racconto Il Vij di/
from the short story Viy by
Nikolaj Gogol
Mario Bava,
Marcello Coscia,
Ennio De Concini,
Mario Serandrei
scenografia/
production design
Giorgio Giovannini
Mario Serandrei
musica/musica
Roberto Nicolosi
cast and characters
Barbara Steele (Katia Vajda),
John Richardson
(Dr André Gorobec),
Andrea Checchi
(Dr Thomas Kruvajan),
Ivo Garrani (principe/prince
Vajda), Arturo Dominici
(Javutich), Tino Bianchi
(Ivan)
produttore/producer
Massimo De Rita
Galatea, Jolly Film
Russia, 1830. Diretti a Mosca per prendere parte a un congresso
scientifico, il dottor Kruvajan e il dottor Gorobec rinvengono in una
cappella sconsacrata il sarcofago di una strega giustiziata un secolo
prima. In seguito a un incidente, una goccia del sangue di Kruvajan
cade sul cadavere mummificato, facendo risorgere la strega.
Quest’ultima, avida di vendetta, si dirige verso un castello dove,
insieme al padre e al fratello, vive Katia, una sua pronipote.
«Avevo letto Il Vij di Gogol, che è una storia stupenda e un film
ancora da farsi. A Silvi Marina, lo lessi ai miei figli, che all’epoca
erano ancora piccoli: dalla paura i due poveretti, dormirono con
noi nel lettone. Siccome in quel periodo era uscito Dracula pensai
di fare un film del terrore. Avevo Il Vij, era il mio primo film da
regista e si trattava di un passo molto serio, perché se fallivo avevo
chiuso come regista e come operatore. Venne fuori La maschera
del demonio: del Vij era rimasto solo il nome del protagonista, ed
era tutta un’altra storia. Il film fece cinque miliardi d’incasso in
America, e da lì in poi ho fatto il regista».
**
Russia, 1830. Dr Kruvajan and Dr Gorobec are traveling to Moscow
to attend a scientific conference. Along the way, they stop inside a
deconsecrated chapel, where they find the sarcophagus of a witch who
had been put to death a century earlier. After an accident, a drop of
Kruvajan’s blood falls on the witch’s mummified corpse, bringing her
back to life. The witch is eager for revenge and goes to a castle where
Katia, a great-granddaughter of hers, lives with her father and her
brother.
“I had read Viy by Gogol, which is a marvelous story and a film waiting
to be made. At Silvi Marina, I read it to my children, who were still
small at the time: poor things, they were so scared they slept between
us in bed. Since Dracula had just come out, I thought I’d make a
horror movie. I had Viy, it was the first movie I ever directed and it
was a very big step, because if I failed it was over for me as a director
and a cameraman. The result was Black Sunday. It was a completely
different story, all that was left of Viy was the protagonist’s name.
The movie made five billion lira in America, and from then on I was
a director.”
108
SOMMARIO
AFTER HOURS
Mario Bava (Sanremo, Imperia,
1914 - Roma, 1980) ha appreso la
passione per il cinema, oltre
all’amore per la pittura e all’interesse
per tutto ciò che riguarda
l’immagine, dal padre, un operatore
ai tempi del cinema muto. Fino al
1960 è stato direttore della fotografia
(si è limitato a dirigere solo qualche
cortometraggio negli anni Quaranta),
poi ha debuttato nella regia con La
maschera del demonio, ancora oggi
considerato il suo capolavoro. In
seguito è passato al cinema a colori,
dando inizio a una lunga serie di
horror gotici largamente trascurati
dalla critica italiana. Il suo cinema,
molto noto anche all’estero, è stato
fatto oggetto di un’importante
rivalutazione nel corso degli ultimi
trent’anni.
Mario Bava (Sanremo, Imperia, Italy,
1914 - Rome, Italy, 1980) inherited the
passion for the cinema, his love for
painting, and an interest in everything
that has to do with images from is
father, who was a cameraman during
the time of silent movies. He worked as
director of photography until 1960. In
the 1940s he directed a few short films.
Black Sunday is his debut feature, and
is considered his masterpiece.
Subsequently, he started to make color
films and a long series of gothic horror
films that were largely overlooked by
Italian critics. His cinema earned a
healthy reputation abroad and has
been subjected to an important reevaluation over the last thirty years.
La maschera del demonio (1960),
I tre volti della paura (1963), La frusta
e il corpo (1963), Sei donne per
l’assassino (1964), Terrore nello spazio
(1965), Diabolik (1968), Il rosso segno
della follia (1969), Reazione a catena
(1971), Gli orrori del castello di
Norimberga (1972), La casa
dell’esorcismo (1974), Schock (1977),
La venere d’Ille (1978).
© COLIN MEDLEY
AFTER HOURS
matt johnson
OPERATION AVALANCHE
Usa, 2015, HD, 93’, col.
Matt Johnson (Toronto, Canada)
ha studiato cinema all’Università di
York. È coautore della serie del 2009
Nirvana the Band the Show e nel 2013
ha diretto il suo primo
lungometraggio The Dirties: il film ha
ottenuto diversi riconoscimenti, tra
cui il gran premio della giuria per la
miglior sceneggiatura allo Slamdance
Film Festival. Operation Avalanche
è il suo secondo lungometraggio.
OPERATION
AVALANCHE
regia/director
Matt Johnson
Matt Johnson, Josh Boles
Jared Raab,
Andrew Appelle
Curt Lobb
scenografia/
production design
Chris Crane
Jona Ballaran
musica/music
Jay McCarrol
suono/sound
Matt Chan
cast and characters
Ray James
Josh Boles
Owen Williams
Matt Johnson
Krista Madison (Julie)
Matt Johnson,
Matthew Miller,
Lee Kim
XYZ Films,
Resolute Films and
Entertainment,
Zapruder Films
Jared Raab
Movies Inspired
**
contatti/contacts
Movies Inspired
Stefano Jacono
[email protected]
109
SOMMARIO
1967, guerra fredda. La Cia sospetta che all’interno della Nasa ci sia
una talpa russa decisa a sabotare il programma Apollo. Invia così
due giovani agenti sotto copertura, che si fingono registi interessati
a riprendere la corsa allo spazio. Quello che i due scoprono, però,
è ben più scioccante dell’esistenza di una spia russa: a proposito
di Apollo, infatti, il governo americano sta nascondendo un segreto
in grado di cambiare la storia.
«Dopo aver girato The Dirties volevo capire come si comporterebbe
un personaggio come Matt [uno dei due protagonisti, già al centro
del film precedente di Johnson, ndr] se avesse vero potere.
Mi hanno sempre affascinato l’ambizione e i limiti che la gente
è decisa a superare per inseguire il potere, e mi sembravano degli
argomenti interessanti da affrontare. La mia amicizia con Owen
è cambiata nel corso del tempo, in parte proprio a causa di questi
problemi, e ho voluto raccontarla sullo schermo prima che sfiorisse
del tutto».
**
1967, the Cold War. The CIA suspects there is a Russian spy at NASA
trying to sabotage the Apollo program. It sends in two young
undercover agents who pretend to be directors interested in filming the
Space Race. But what the two agents discover is much more shocking
than the existence of a Russian spy: the U.S. government is hiding a
secret about the Apollo program that could change history.
“After shooting The Dirties I wanted to see how someone like Matt
[one of the two protagonists, who had also starred in Johnson’s previous
movie, editor’s note] would behave if he had real power. I have always
been fascinated by ambition and the limits people are willing to
overcome to chase after power, and these seemed like interesting topics
to deal with. My friendship with Owen also changed over time, partly
because of these problems, and I wanted to bring it to the screen before
it completely faded away.”
AFTER HOURS
Matt Johnson (Toronto, Canada)
studied film at York University.
He cocreated the series Nirvana the
Band the Show (2009) and in 2013
directed The Dirties, which received
numerous awards, including the
Grand Jury Prize for Best Narrative
at the 2013 Slamdance Film Festival.
Operation Avalanche is his second
feature.
Nirvana the Band the Show (serie
tv/tv series, 2009), The Dirties (2013),
Operation Avalanche (2016).
AFTER HOURS
erik skjoldbjærg
PYROMANEN
Norvegia/Norway, 2016, HD, 97’, col.
PYROMANIAC
regia/director
Erik Skjoldbjærg
soggetto/story dal romanzo/from the novel
Before I Burn di/by
Gaute Heivoll
Bjørn Olaf Johannessen
fotografia/cinematography Gösta Reiland
montaggio/film editing Sverrir Kristjansson
Anne Pedersen
musica/music
Gaute Tønder,
Maja Ratkje
suono/sound
Håkon Lammetun
cast and characters
Trond Hjort Nilsen (Dag),
Per Frisch (Ingeman),
Liv Bernhoft Osa (Alma),
Henrik Rafaelsen
(Johansen)
Edward A. Dreyer,
Aage Aaberge
Glør Film AS
**
contatti/contacts
Norwegian Film Institute
Stine Oppegaard
[email protected]
www.nfi.no
Norvegia, estate del 1981. Il diciannovenne Dag è cresciuto con i
genitori nel tranquillo villaggio di Finsland e fin da bambino è stato
abituato dal padre, responsabile della locale squadra di pompieri,
ad accompagnarlo durante le sue missioni. Tornato dal servizio
militare, Dag non sembra più lo stesso. E anche i genitori se ne
sono accorti. Fino a quando, improvvisi, gli incendi cominciano
a scoppiare. Tratto da una storia vera.
«Sarebbe troppo riduttivo dare una sola risposta alla domanda
sul perché Dag ha fatto quel che ha fatto. C’erano sicuramente
diversi motivi: perché voleva farsi notare, perché era un narcisista,
perché aveva un rapporto malato con il padre e si sentiva
trascurato. […] In Norvegia abbiamo la nostra storia recente di
terrorismo e di persone che hanno fatto cose difficilmente
comprensibili. Ciascuno di noi sa cosa significhi essere soli, e per
molti aspetti lo è. Il rimedio sono i rapporti sociali, anche se per
qualcuno questi rapporti non significano nulla».
**
The year is 1981 and it is summer in the little village of Finsland.
Dag is nineteen years old and has spent his childhood in the
countryside living with his parent, Norways. His father is chief of the
local volunteer fire brigade and Dag has, since he was a child, been
going along with his father to the call-outs. Dag has recently returned
after a year of military service and his parents notice that he has
changed. Then the fires begin. Based on a true story.
“It’s too reductive to give one single answer to the question ‘why Dag
is doing it.’ There were a few things: he has a need to be seen, he has
a streak of narcissism, he has this uneven bond with his father, and he
feels excluded. […] We’ve had our recent history of terrorism in Norway
and people doing things it’s hard to fathom. Each of us has a sense
of knowing something about loneliness – on some level we’re alone.
The remedy is social interaction, but this interaction doesn’t feel
meaningful for some people.”
110
SOMMARIO
AFTER HOURS
Erik Skjoldbjærg (Norvegia, 1964)
si è laureato presso la National Film
and Television School di Londra nel
1997 e, dopo alcuni cortometraggi,
ha debuttato nello stesso anno con
Insomnia, celebre thriller che prima
ha partecipato alla Semaine de la
critique di Cannes e poi, nel 2002,
è stato rifatto a Hollywood da
Christopher Nolan. Grazie al
successo del film, ha fatto il suo
debutto internazionale con Prozac
Nation (2001) e in seguito ha girato
sia film per il cinema sia episodi
di miniserie televisive. Nel 2013 ha
partecipato con Pioneer al Festival
di Toronto e nel 2015 ha creato con
Karianne Lund e Jo Nesbø la serie
televisiva di successo Occupied,
di cui ha diretto due episodi.
Erik Skjoldbjærg (Norway, 1964)
graduated from the National Film
and Television School in London in
1997 and after some shorts he made
his feature film debut with Insomnia
(1997). The film was selected for the
Semaine de la critique in Cannes and
was remade in 2002 by Christopher
Nolan. He made his international
debut with Prozac Nation (2001),
and has since directed several feature
films and TV-dramas. His film Pioneer
(2013) was selected by Toronto
International Film Festival, and then
he co-created with Karianne Lund and
Jo Nesbø and partly directed the
successful drama-series Occupied.
Vinterveien (cm, 1993), Close to
Home (cm, 1994), Spor (cm, 1996),
Insomnia (1997), Prozac Nation
(2001), Skolen (serie tv/tv series, ep.,
2004), En folkefiende (2005), Størst
av alt (serie tv/tv series, ep., 2007),
Nokas (2010), Pionér (Pioneer, 2013),
Okkupert (Occupied, serie tv/tv series,
ep., 2015), Pyromanen (Pyromaniac,
2016).
AFTER HOURS
kōji shiraishi
SADAKO VS KAYAKO
Giappone/Japan, 2016, HD, 98’, col.
Kōji Shiraishi (Fukoka, Giappone,
1973) ha studiato regia
cinematografica presso la Kyushyu
Sangyo University, per poi cominciare
a lavorare come assistente alla regia.
Ha esordito nella regia nel 2004, con
il lungometraggio Ju-rei: The Uncanny.
Tra i film successivi, che lo hanno reso
uno più apprezzati registi giapponesi
di horror e thriller, The Curse (2005),
Carved (2007), Grotesque (2009),
Occult (2009) e A Record of Sweet
Murder (2014). Con Sadako Vs Kayako
(2016), suo ultimo film, ha
partecipato al Festival di Toronto.
SADAKO VS
KAYAKO
regia/director
Kōji Shiraishi
story, screenplay
Takashi Shimizu,
Kōji Suzuki
Hidetoshi Shinomiya
musica/music
Kōji Endō
cast and characters
Mizuki Yamamoto
(Yuri Kurahashi),
Tina Tamashiro
(Suzuka Tagaki),
Aimi Satsukawa (Natsumi),
Misato Tanaka
(Ayako Takagi),
Masahiro Kōmoto
(Shinichi Morishige),
Masanobu Andō
(medium Kyozo)
Reiko Imayasu,
Toshinori Yamaguchi,
Mikihiko Hirata
Kadokawa, NBCUniversal
Entertainment
Movies Inspired
**
contatti/contacts
Movies Inspired
Stefano Jacono
[email protected]
111
SOMMARIO
La studentessa universitaria Natsumi ha da poco acquistato un
videoregistratore usato per passare su dvd alcune vecchie
videocassette. Guardando un video trovato nel lettore, cade
vittima della maledizione dello spirito maligno Sadako, di cui
in precedenza aveva sentito parlare. Intanto la liceale Suzuka,
perseguitata da alcuni strani sogni, è attratta dalla casa che si trova
in fondo alla via in cui vive. Anni prima l’abitazione era stata teatro
dello sterminio di una famiglia, e qui Suzuka vi incontra lo spirito
di Kayako e di suo figlio Toshio. Quando Natsumi e Suzuka si
conoscono, capiscono entrambe che per liberarsi dai sortilegi
di cui sono vittima dovranno far sì che Sadako e Kayako si
fronteggino e si distruggano a vicenda. Non resta quindi che
introdurre la videocassetta nella casa e attendere che
lo scontro abbia inizio…
**
Natsumi is a college student who recently bought a used tape recorder
to transfer a few old VHS tapes to DVD. She finds a tape in the device
and watches it, falling victim of the curse of an evil spirit called Sadako.
Meanwhile Suzuka, a high school student, starts having weird dreams
and is lured to a house at the end of the street where a family was
brutally massacred years before. There she runs into the ghosts of
Kayako and her son Toshio. When Natsumi and Suzuka finally meet,
they realize that the only way of breaking their curses is to make their
respective ghosts, Sadako and Kayako, confront and destroy each
another. All they have to do is play the tape inside the house and wait
for the match to begin…
AFTER HOURS
Kōji Shiraishi (Fukoka, Japan, 1973)
graduated in filmmaking from Kyushyu
Sangyo University and started working
as director’s assistant. He made his first
feature, Ju-rei: The Uncanny, in 2004,
and soon became one of Japan’s
favorite filmmakers in the horror and
thriller genre with titles like The Curse
(2005), Carved (2007), Grotesque
(2009), Occult (2009) and A Record
of Sweet Murder (2014). His latest
movie, Sadako Vs Kayako (2016),
participated to the Toronto Film
Festival.
Ju-rei: Gekijō-ban-Kuro-ju-rei (Ju-rei:
The Uncanny, 2004), Noroi (The
Curse, 2005), Kuchisake-onna (Carved,
2007), Gurotesuku (Grotesque, 2009),
Okaruto (Occult, 2009), Teketeke
(2009), Teketeke 2 (2009), Shirome
(2010), Chō Akunin (2011), Ada:
Senritsu-hen (Ada: Part I, 2013),
Ada 2: Zetsubō hen (Ada: Part II,
2013), Karuto (Cult, 2013), Aru
yasashiki satsujinsha no kiroku
(A Record of Sweet Murder, 2014),
Sadako Vs Kayako (2016).
AFTER HOURS
chris peckover
SAFE NEIGHBORHOOD
Australia-Usa, 2016, HD, 85’, col.
regia/director
Chris Peckover
story, screenplay
Chris Peckover, Zack Kahn
Carl Robertson
Julie-Anne De Ruvo
scenografia/
production design
Richard Hobbs
Anna Cahill
musica/music
Brian Cachia
cast and characters
Olivia DeJonge (Ashley),
Levi Miller (Luke),
Ed Oxenbould (Garrett),
Virginia Madsen (Deandra),
Patrick Warburton (Robert),
Aleks Mikic (Ricky), Dacre
Montgomery (Jeremy)
Brett Thornquest,
Sidonie Abbene,
Brion Hambel,
Paul Jensen
Storm Vision
Entertainment, Best
Medicine Productions
Mat Graham
**
contatti/contacts
Versatile
Alexandre Moreau
[email protected]
www.versatile-films.com
© S E A N O R E I L LY
SAFE
NEIGHBORHOOD
Deandra e Robert Lerner vivono in un quartiere residenziale con
il figlio tredicenne Luke. Durante le festività natalizie decidono
di passare una serata fuori con gli amici e affidano il ragazzo
ad Ashley, la giovane babysitter che da anni lo segue e che è in
procinto di lasciare la città. Luke, deciso a cogliere la palla al
balzo, è pronto come non mai a dichiarare il suo amore, che
tiene nascosto ormai da tempo, alla bella Ashley. La nottata,
però, prenderà una piega imprevista quando qualcuno, armato
e risoluto, farà di tutto per irrompere nella casa dei Lerner.
«Safe Neighborhood è un film che parla dei problemi legati alla
crescita. Oggi i ragazzini diventano grandi a una velocità
incredibile, fanno parte della generazione di Internet e per loro
l’accesso a qualsiasi tipo di informazione è la norma. Al posto di
Sixteen Candles - Un compleanno da ricordare [famoso teen movie
del 1984, ndr] ormai potremmo avere “Sixteen Condoms”, sedici
profilattici. Per questo penso sia emozionante che Safe
Neighborhood dia voce alla nuova realtà adolescenziale. E lo fa,
per di più, con un punto di vista sul genere home invasion che
non avete mai visto prima».
**
Deandra and Robert Lerner live in a residential neighborhood with
their thirteen-year-old son, Luke. They decide to spend an evening out
with their friends during the Christmas holidays and entrust the boy
to Ashley, the girl who has been babysitting Luke for years and will
soon be leaving town. Luke decides to take the bull by the horns and
is ready to declare his love for beautiful Ashley, a feeling he has been
hiding for a while. But the evening takes an unexpected turn when
someone, armed and determined, tries everything to break into the
Lerner’s home.
“Safe Neighborhood is a film about growing pains. Kids today
mature at a screaming speed. They are the Internet Generation,
and they have only ever known total access. Sixteen Candles
has given way to ‘Sixteen Condoms.’ What’s exciting about Safe
Neighborhood is it nails this new voice. Further, it delivers the
package in a wicked twist on the home invasion genre like you’ve
never seen.”
112
SOMMARIO
AFTER HOURS
Chris Peckover (Montreal, Canada) è
cresciuto a Dallas e attualmente vive
e lavora a Los Angeles. Ha studiato
a Yale, dove ha ricevuto il prestigioso
Edgar J. Boell Prize, e si è diplomato
presso il Peter Stark Producing
Program della University of Southern
California, dove ha anche insegnato
con il ruolo di guest professor.
Ha esordito nel 2007 con il
cortometraggio comico Alive and
Well, a cui nel 2010 è seguito il
suo primo lungometraggio, l’horror
Undocumented.
Chris Peckover (Montreal, Canada)
grew up in Dallas and presently lives
and works in Los Angeles. He studied
at Yale, where he received the
prestigious Edgar J. Boell Prize, and
graduated from the Peter Stark
Producing Program at the University
of Southern California, where he also
taught as a guest professor. He debuted
in 2007 with the comedy short film
Alive and Well, which was followed in
2010 by his first feature film, the horror
movie Undocumented.
Alive and Well (cm, 2010),
Undocumented (2010), Safe
Neighborhood (2016).
AFTER HOURS
christophe deroo
SAM WAS HERE
Francia-Danimarca/France-Denmark, 2016, 74’, HD, col.
Christophe Deroo ha lavorato come
direttore della fotografia e si è poi
dedicato alla regia, con particolare
attenzione per l’horror e il thriller.
cortometraggio Skom, a cui è seguito
Polaris (2013). Quindi ha diretto
The Hanged Alley (2014) e Spaceman
(2015), entrambi realizzati in
Giappone. Nel 2016 è passato al
lungometraggio proprio con Sam
Was Here, la cui sceneggiatura è
ispirata al corto Polaris.
SAM WAS
HERE
regia, soggetto,
story, screenplay
Christophe Deroo
Emmanuel Bernard
musica/music
Christine
cast and characters
Rusty Joiner (Sam),
Sigrid Lachapelle (Eddy),
Rhoda Pell (Rebecca),
Hassan Galedary (Thomas)
Vixens, Kitsuney
**
contatti/contacts
Sonia Droulhiole
1998. Sam è un venditore che sta attraversando il deserto del
Mojave, in California. Da giorni non incontra anima viva e non
riesce a parlare al telefono con la moglie. Quando l’automobile
si rompe, Sam rimane isolato. Per non perdere il contatto con
il mondo, ascolta l’unica radio locale e scopre che un assassino
è a piede libero nella zona. Nel frattempo strane minacce
iniziano a perseguitarlo sul cercapersone. Gradualmente torna a
incontrare delle persone, che però si mostrano ostili e aggressive.
Forse lo scambiano per il fuggitivo, o forse cercano di
trasformarlo in un omicida.
[email protected]
«L’attitudine a credere che condividendo il bello che c’è nelle nostre
vite migliori la nostra condizione non dovrebbe oscurare il fatto che
anche l’odio cresce con le stesse modalità. Lo si capisce vedendo
i commenti ostili e offensivi sui social, una discarica per l’odio più
sfrenato. […] Oggi, il solo fatto di non mettere un “like” giustifica lo
scatenarsi della gogna pubblica. Sam è colpevole? Merita la violenza
che si sfoga contro di lui? Di certo c’è solo che soffrirà a causa di
una (cyber) comunità piena d’odio insorta contro di lui».
**
1998. Sam, a salesman, is crossing the Mojave Desert in California.
He hasn’t seen a living soul in days and is unable to contact his wife
on the phone. When Sam’s car breaks down, he is isolated. To keep
in contact with the world he listens to the local radio station and
discovers that an assassin is on the loose in the area. In the
meantime, he begins to receive strange threats on his pager.
He gradually begins to encounter people but they are hostile
and aggressive. Maybe they have mistaken him for the fugitive,
or perhaps they are trying to turn him into a murderer.
“The tendency to believe that sharing what’s positive in our lives
improves our human condition shouldn’t blind us to the fact that hate
is also simultaneously on the rise in the same way. This is visible
through the countless hostile and offensive comments that proliferate
on social networks, a dumping ground for unbridled hate. […] Today,
the simple fact of not liking you justifies the fact of publicly destroying
you. Is Sam guilty? Does he deserve the violence unleashed upon him?
What is certain is that he will suffer at the hands of a hate-filled (cyber)
community rallied against him.”
113
SOMMARIO
AFTER HOURS
Christophe Deroo first worked as
a director of photography and then
moved on to directing, focusing in
particular on horror movies and
thrillers. He debuted in 2012 with the
short Skom, which was followed by
Polaris (2013). He next directed The
Hanged Alley (2014) and Spaceman
(2015), both of which were made in
Japan. In 2016, he turned to feature
films with Sam Was Here, whose
screenplay is based on the short
Polaris.
Skom (cm, 2012), Polaris (cm, 2013),
The Hanged Alley (cm, 2014),
Spaceman (cm, 2015), Sam Was
Here (2016).
AFTER HOURS
michael o’shea
THE TRANSFIGURATION
Usa, 2016, HD, 97’, col.
Michael O’Shea (New York City, Usa)
ha studiato cinema presso il
Conservatory of Theatre Arts - Suny
Purchase College e ha esordito nella
regia con il cortometraggio Milo
(2014), da lui scritto e diretto.
La sceneggiatura del film è diventata
poi l’ossatura per lo stesso The
Transfiguration (2016), suo primo
lungometraggio.
THE
TRANSFIGURATION
regia, soggetto,
story, screenplay
Michael O’Shea
Sung Rae Cho
Kathrjn J. Schubert
scenografia/
production design
Danica Pantic
Samantha Hawkins
musica/music
Margaret Chardiet
suono/sound
Coll Anderson
cast and characters
Eric Ruffin (Milo),
Chloe Levine (Sophie),
Aaron Clifton Moten (Lewis)
produttore/producer
Susan Leber
Transfiguration Productions
Billy Mulligan
**
contatti/contacts
Protagonist Pictures
David Bartholomew
[email protected]
www.protagonistpictures.com
Milo è un adolescente di New York solo al mondo: orfano e senza
amici, è vittima di violenze e soprusi a scuola. Il suo unico rifugio
è l’appartamento del fratello, dove, per sfuggire alla solitudine e
alla frustrazione, s’immerge nel mondo dei vampiri, tra film e
romanzi. L’incontro con la vicina di casa Sophie fa nascere in lui
sentimenti sconosciuti. Per Milo si tratta di un cambiamento
inatteso, che lo costringe, però, a tenere a bada le inquietanti
pulsioni che segretamente lo tormentano.
«Stilisticamente sono influenzato da quelli che potremmo
chiamare i nuovi neorealisti, registi come Azazel Jacobs, Kelly
Reichardt, i fratelli Safdie o Ramin Bahrani. E poi mi piace alla
follia Lars von Trier. E pure Gaspar Noé. Ma sono affascinato
anche dagli horror a basso budget e in generale dai film di serie
B. Ad esempio, credo che, nei campi lunghi in cui il protagonista
si aggira nel paesaggio urbano guardandosi attorno, si intraveda
almeno in parte la mia passione per il cinema di Jean Rollin, in
particolare per Vierges et vampires».
**
Adolescent Milo lives an isolated life in New York: a friendless orphan,
he is the victim of violence and bullying at school. His only refuge is
his brother’s apartment, where he escapes his solitude and frustration
by immersing himself in the world of vampires through movies and
novels. When he meets Sophie, the next-door-neighbor, unfamiliar
feelings are sparked in him. This is an unexpected change for Milo
and it forces him to control the secret, disquieting urges which prey
on him.
“In terms of style, I am influenced very much by I guess you could
call the new neo-realists like Azazel Jacobs, Kelly Reichardt, the Safdie
brothers, or Ramin Bahrani, and god do I love Lars von Trier. I think
I may idolize that guy. And Gaspar Noé is great. But I also love low
budget horror and exploitation movies. Like all the wide shots of Milo
walking and looking in these landscapes… I think that at least in part
comes from my love of Jean Rollin and specifically Requiem for a
Vampire.”
114
SOMMARIO
AFTER HOURS
Michael O’Shea (New York City, NY,
USA) studied film at the Conservatory
of Theatre Arts - SUNY Purchase
College and debuted in directing with
the short Milo (2014), which he wrote
and directed. The screenplay of that
movie became the framework for
The Transfiguration (2016), his
first feature film.
Milo (cm, 2014), The Transfiguration
(2016).
AFTER HOURS
kevin smith
YOGA HOSERS
Usa, 2016, HD, 87’, col.
YOGA HOSERS
montaggio/director,
Kevin Smith
James R. Laxton
scenografia/
production design
Cabot McMullen
Carol Beadle
musica/music
Christopher Drake
suono/sound
Erwil Romulo
cast and characters
Lily-Rose Depp (Colleen C.),
Harley Quinn Smith
(Colleen M.),
Johnny Depp
(Guy Lapointe),
Tony Hale (Bob Collette),
Natasha Lyonne (Tabitha),
Justin Long (Yogi Bayer),
Austin Butler
(Hunter Callowan),
Tyler Posey
(Gordon Greenleaf),
Adam Brody (Ichabod)
Liz Destro,
Jennifer Schwalbach,
Jordan Monsanto
Abbolita Films
Leone Film Group
**
contatti/contacts
Leone Film Group
[email protected]
www.leonefilmgroup.com
115
SOMMARIO
Del tutto disinteressate al lavoro di commesse in uno store di
Winnipeg, le adolescenti Colleen C. e Colleen M. preferiscono
dedicarsi ai social network e a elaborare ingegnosi cartelli di scuse
per andare nel retrobottega a provare con la loro rock band, il cui
terzo componente è un improbabile batterista più che trentenne.
L’altra grande passione delle due ragazze è lo yoga, che praticano
seguendo gli insegnamenti di un sedicente maestro. La scoperta
accidentale di un antico demone le condurrà in un universo del
tutto nuovo, dove si scontreranno con un esercito di bratwurst
nazisti pronti a sodomizzare il Canada.
«Yoga Hosers è il tipo di film che vorrei vedere se fossi una ragazza
di dodici anni, così ho deciso di realizzarlo. […] Durante le riprese,
dopo aver concluso una scena, portavo Harley e Lily-Rose a vedere
il girato e loro capivano subito cosa avrebbero dovuto fare in modo
diverso. Nessuno più di una ragazza di quindici anni vuole essere
sicuro di apparire e di risultare sempre meglio di come sembra».
**
Adolescents Colleen C. and Colleen M. are completely disinterested
in their jobs as salesclerks in a store in Winnipeg. They prefer to
concentrate on social networks and invent signs with clever excuses
so they can go in the backroom and rehearse with their rock band,
whose third member is an improbable drummer who is over thirty
years old. The other passion of the two girls is yoga, which they do
with a self-styled teacher. They accidently discover an ancient demon,
leading them into a completely new universe where they will battle
an army of Bratwurst Nazis ready to sodomize Canada.
“Yoga Hosers is the movie I wanted to see when I was a twelve-yearold girl, so I decided to make it. […] After we shot a scene, I would
bring Harley and Lily-Rose over to watch their takes, and they would
immediately see what they needed to do differently. Nobody wants
to make sure that they look better and sound better more than
fifteen-year-old girls.”
AFTER HOURS
Kevin Smith (Red Bank, New Jersey,
Usa, 1970), diventato celebre con il
film d’esordio Clerks - Commessi
(1994), presentato al Sundance,
è un regista, attore e produttore,
fondatore della casa di produzione
View Askew Productions. Creatore
di un mondo a metà tra il grottesco,
il comico, l’horror, il fantasy e la
parodia, sospeso fra cinema indie e
industria, fin dal primo film ha dato
vita ai personaggi di Jay & Silent Bob,
tornati poi in lavori come
Generazione X (1995), In cerca di Amy
(1997) e Dogma (1999), in opere di
altri registi come Scream 3 di Wes
Craven (2000) e in fumetti a firma
dello stesso Smith. Altri fumetti di
sua creazione sono invece ispirati
al mondo dei supereroi e a figure
come Devil, Green Arrow e l’Uomo
ragno. Yoga Hosers fa parte della
«True North Trilogy», inaugurata da
Tusk e destinata a concludersi con
Moose Jaws.
Kevin Smith (Red Bank, NJ, USA,
1970), made famous by his debut film
Clerks (1994), presented at Sundance,
is a director, actor and producer, with
his own company View Askew
Productions. The creator of a world
which is part grotesque, comedy, horror,
fantasy and parody, suspended between
indie and mainstream cinema, his first
movie brought to life the characters
Jay & Silent Bob, who returned in films
such as Mallrats (1995), Chasing Amy
(1997) and Dogma (1999); in films
by other directors such as Scream 3
by Wes Craven (2000); and in comic
books created by Smith. Other comic
books of his are inspired by the world
of superheroes and figures such as
Daredevil, Green Arrow and SpiderMan. Yoga Hosers is part of the “True
North Trilogy,” which began with Tusk
and will conclude with Moose Jaws.
Clerks (Clerks - Commessi 1994),
Mallrats (Generazione X, 1995),
Chasing Amy (In cerca di Amy, 1997),
Dogma (id., 1999), Jay & Silent Bob
Strike Back (Jay & Silent Bob...
Fermate Hollywood!, 2001), Jersey
Girl (id., 2004), Clerks II (id., 2006),
Zack and Miri Make a Porno (Zack
& Miri - Amore a... primo sesso, 2008),
Cop Out (Poliziotti fuori - Due sbirri
a piede libero, 2010), Red State (id.,
2011), Tusk (2014), Holidays (2016),
Yoga Hosers (id., 2016).
SOMMARIO
TFFDOC
INTERNAZIONALE.DOC
CARMIT HARASH ATTAQUE
| ANNE MARIE BORSBOOM BOI, SONG OF A WANDERER |
|
- SPECTRES
GUILLERMINA PICO BORRA TODO LO CHE DIJA DEL AMOR PORQUE NO SABIÁ BIEN QUIÉN ERA
MARIA KOURKOUTA, NIKI GIANNARI FANTASMATA PLANIOUNTAI PANO APO TIN EUROPI
| PHILIP SCHEFFNER HAVARIE | GÜLDEM DURMAZ KAZARKEN |
- HOUSES WITHOUT DOORS | LUCIANA DECKER NANA
| THEO ANTHONY RAT FILM | LAURA HURTAS MILLÁN SOL NEGRO | CARLOS CHAHINE TCHEKHOV
ARE HAUNTING EUROPE
AVO KAPREALIAN MANAZIL BELA ABWAB
À BEYROUTH
| PIERPAOLO DE SANCTIS A PUGNI CHIUSI | FRANCESCA BONO
| DAVIDE GROTTA HIDDEN PHOTOS | FILIPPO TICOZZI MOO YA | TOMMASO LIPARI
PRO LOCO | ENRICO MARIA ARTALE SARO | ZIMMERFREI LA VILLE ENGLOUTIE
MAURO RUVOLO AB URBE COACTA
A BITTER STORY
FUORI CONCORSO
JEFF FEUERZEIG AUTHOR: THE JT LEROY STORY
| FABRIZIO FERRARO COLOSSALE SENTIMENTO
| WANG BING DEANG - TA’ANG | JEAN-DANIEL POLLET LA FEMME AUX CENT VISAGES | JEAN-PAUL
FARGIER PARLE-MOI ENCORE | JONATHAN LITTELL WRONG ELEMENTS
LOVE
JEAN PAINLEVÉ, GENEVIÈVE HAMON LES AMOURS DE LA PIEUVRE | TITTA RACCAGNI DIARIO BLU(E)
| FABRIZIO TERRANOVA DONNA HARAWAY: STORY TELLING FOR EARTHLY SURVIVAL |
RUTH BECKERMANN DIE GETRÄUMTEN - THE DREAMED ONES | JANE GILLOOLY SUITCASE OF
LOVE AND SHAME | LUCIANA FINA TERCEIRO ANDAR | SÉBASTIEN LIFSCHITZ LES VIES DE THÉRÈSE
| MIKE HOOLBOOM WE MAKE COUPLES
SOMMARIO
TFFDOC
TFFdoc
DI DAVIDE OBERTO
«L’amore è crudele. L’amore è egoista.
L’amore non capisce il dolore altrui. L’amore
colpisce sempre sull’altra guancia. L’amore rompe.
L’amore distrugge. L’amore è volgare. L’amore
è una forbice. L’amore taglia. L’amore
è una scure. L’amore è bugiardo. L’amore è
ingannevole. L’amore è avido. L’amore è un
banchiere. L’amore è pigro. L’amore è geloso.
L’amore è orgoglioso. L’amore vuole tutto.
L’amore è una pompa di estrazione. L’amore
è vorace. L’amore è astratto. L’amore è un
algoritmo. L’amore è meschino. L’amore
è un uncino. L’amore è un Leviatano.
L’amore è arrogante. L’amore brucia. L’amore
è un’arma biologica. L’amore è aggressivo.
L’amore è irascibile. L’amore colpisce duro.
L’amore è una bomba a grappolo. L’amore
è una frusta. L’amore è capriccioso. L’amore
è impaziente. L’amore è invidioso. L’amore
non conosce la moderazione. L’amore è
vanitoso. L’amore è un drone e san Valentino
è un soldato che si diverte a sparare su uno
schermo». (Paul B. Preciado, Saint-Valentin
est une ordure, «Libération», 23/2/2015).
L’amore è il motore che muove ogni cosa,
e quest’anno ispira anche il focus di TFFdoc,
che diventa per l’occasione TFFdoc/Love.
Attraverso sei film declineremo il tema
dell’amore in tutte le varianti enunciate nella
citazione di Paul B. Preciado. Lo faremo con
i registi e le registe dei film che presenteremo
e con filosofe, autori, giornalisti, ricercatrici,
biografe, militanti che ci accompagneranno
in questo tunnel of love.
Ma prima un’ouverture: in La femme aux cents
visages di Jean-Daniel Pollet, centinaia di ritratti
femminili danno volto a un testo sul desiderio
sulle note della colonna sonora di Il bandito
delle undici e aprono a We Make Couples, del
cineasta e artista canadese Mike Hoolboom,
per una critica marxista sulla portata
rivoluzionaria della coppia che lascia il campo,
o meglio lo scoglio, a Les amours de la pieuvre
di Jean Painlevé e Geneviève Hamon,
cortometraggio del 1965 sulle capacità
seduttive del polpo, che a sua volta rimanda
al primo film che apre la serie degli incontri:
Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival
di Fabrizio Terranova. In questo film, Donna
Haraway – autrice di quel Manifesto Cyborg che
rivoluzionò la filosofia e il femminismo negli
anni Novanta – attorniata da meduse fluttuanti,
118
SOMMARIO
TFFDOC
da un polpo di peluche e dal suo adorato cane,
ci racconta la sua storia, i suoi amori, la sua
filosofia e lascia immaginare mondi futuri.
L’educazione sentimentale, la trasmissione
di modelli di vita e di amore, e la trasmissione
del linguaggio con cui definirli saranno al
centro del programma composto da Diario
Blu(e) di Titta Raccagni e da Terceiro Andar di
Luciana Fina, mentre con Suitcase of Love and
Shame di Jane Gillooly ci addentreremo nel
territorio della comunicazione fra amanti.
The Dreamed Ones di Ruth Beckermann,
attraverso lo scambio di lettere tra i poeti
Ingeborg Bachmann e Paul Celan, racconta
di un’Europa che esce dalla guerra e cerca
nuovi codici, nuove parole e nuove pratiche
per dire l’amore, che preparano il campo alla
rivolta degli anni Sessanta che cambierà la vita,
anzi le vite di Thérèse Clerc, giovane moglie,
e poi madre, e poi femminista, e poi lesbica
e poi militante e poi donna anziana, malata
di un male incurabile protagonista di Les vies
de Thérèse di Sébastien Lifshitz, film che
chiude il focus.
A comporre TFFdoc, ovviamente le due
competizioni che indicano le direzioni che
il cinema documentario sta imboccando:
Internazionale.doc (undici titoli rappresentanti
altrettanti Paesi) e Italiana.doc (otto titoli).
Da segnalare fuori concorso, l’esordio alla
regia di Jonathan Littell, l’autore di Le benevole,
Il secco e l’umido e Trittico, con Wrong Elements;
il ritorno al festival di uno dei registi
fondamentali del cinema contemporaneo,
Wang Bing con Ta’ang; l’emozionante ritratto
di Jean-Daniel Pollet, Parle-moi encore,
realizzato dall’amico Jean-Paul Fargier;
e il film-caso-letterario dell’anno: Author:
The JT LeRoy Story di Jeff Feuerzeig, ossia
la falsa-vera storia dell’autore che con Sarah
e Ingannevole è il cuore più di ogni cosa ha
ipnotizzato la scena letteraria e culturale
mondiale dell’inizio del millennio.
Ma soprattutto il primo kolossal documentario:
Colossale sentimento di Fabrizio Ferraro, film
notturno in bianco e nero in cui statue rimosse
dalla Storia riprendono vita e attraversano
Roma per tornare a casa.
TFFDOC
TFFdoc
BY DAVIDE OBERTO
“Love is cruel. Love is selfish. Love doesn’t
understand the pain of others. Love always smites
the other cheek. Love is a nuisance. Love destroys.
Love is vulgar. Love is a pair of scissors. Love cuts.
Love is an ax. Love is a liar. Love is deceptive.
Love is greedy. Love is a banker. Love is lazy.
Love is jealous. Love is proud. Love wants it all.
Love is a jack pump. Love is insatiable. Love is
abstract. Love is an algorithm. Love is petty.
Love is a hook. Love is a Leviathan. Love is
arrogant. Love burns. Love is a biological weapon.
Love is aggressive. Love is irascible. Love hits hard.
Love is a cluster bomb. Love is a whip. Love is
capricious. Love is impatient. Love is envious.
Love knows no moderation. Love is vain.
Love is a drone and Saint Valentine is a soldier
who has fun shooting at a screen.” (Paul B.
Preciado, Saint-Valentin est une ordure,
“Libération,” 02/23/2015).
Love is the driving force behind everything and
this year it has inspired the focus of TFFdoc,
which, for the occasion, becomes TFFdoc/love.
With six films, we will parse all the variations
of love listed in the quote by Paul B. Preciado
above. We will do so with the directors of the
movies presented, as well as with the
philosophers, authors, journalists, researchers,
biographers and activists who will accompany
us down this “tunnel of love.”
But first, an overture: in La femme aux cents
visages by Jean-Daniel Pollet, hundreds of
portraits of women give form to a text on
desire, to the notes of the soundtrack of
Pierrot le fou; it leads the way for We Make
Couples, by the Canadian filmmaker and
artist Mike Hoolboom, which offers a
Marxist critique of the revolutionary
importance of the couple; which then leaves
the field, or better the reef, to Les amours de la
pieuvre by Jean Painlevé and Geneviève Hamon,
a short film from 1965 about the seductive
talents of octopi; which in turn refers to the
first film which opens the series of encounters,
Donna Haraway: Story Telling for Earthly
Survival by Fabrizio Terranova.
In this film, Donna Haraway – the author
of A Cyborg Manifesto, which revolutionized
philosophy and feminism in the 1990s – is
surrounded by floating jellyfish, a plush
octopus and her adored dog, as she recounts
her story, her loves and her philosophy, and
lets us imagine future worlds.
119
SOMMARIO
TFFDOC
Sentimental education, the transference of
models of life and love, and the transference
of language to define them are the focus of the
program composed of Diario Blu(e) by Titta
Raccagni and Terceiro Andar by Luciana Fina;
while Suitcase of Love and Shame by Jane
Gillooly takes us into the territory of
communication between lovers. The Dreamed
Ones by Ruth Beckermann uses the
correspondence between the poets Ingeborg
Bachmann and Paul Celan to recount post-war
Europe searching for new codes, new words
and new ways for saying love; it prepares the
way for the revolution of the 1960s, which will
change the life – or better, the lives – of
Thérèse Clerc, first a young wife, then a mother,
then a feminist, then a lesbian, then an activist,
and then an elderly woman suffering from an
incurable disease, the protagonist of Les vies
de Thérèse by Sébastien Lifshitz, the film which
concludes the focus.
Obviously, TFFdoc is composed of the two
competitions which indicate the directions
documentary cinema is taking:
Internazionale.doc (eleven films from eleven
countries) and Italiana.doc (eight films).
Out of competition: Wrong Elements, the
directorial debut of Jonathan Littell, the author
of Les bienveillantes, Le sec et l’humide and
Triptych; the return to the festival of one of
contemporary cinema’s fundamental directors,
Wang Bing, with Ta’ang; the touching portrait
of Jean-Daniel Pollet, Parle-moi encore, made
by his friend Jean-Paul Fargier; and the filmliterary sensation of the year: Author: The JT
LeRoy Story by Jeff Feuerzeig, the true-fake story
of the author whose books Sarah and The
Heart Is Deceitful Above All Things hypnotized
the worldwide literary and cultural scene in
the early 2000s. And above all, the first
documentary colossal: Colossale sentimento by
Fabrizio Ferraro, a nocturnal film in black and
white in which statues displaced by History
come to life and cross Rome to return home.
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
carmit harash
ATTAQUE
Francia/France, 2016, video, 75’, bn/bw-col.
Carmit Harash (Israele) si è laureata
alla Scuola di cinema Sam Spiegel
di Gerusalemme e ha lavorato
come montatrice per la televisione.
Nel 2000 ha lasciato il suo Paese
per trasferirsi in Francia, dove vive
tuttora. Film de guerre (2007),
Demain (2010) e Trêve (2013), che
insieme compongono una trilogia
sul rapporto fra Israele e la guerra,
sono stati tutti presentati al Torino
Film Festival.
ATTACK
regia, fotografia,
montaggio/
director,
cinematography,
film editing
Carmit Harash
**
contatti/contacts
Carmit Harash
[email protected]
«In Francia, dopo gli attentati del gennaio 2015, regnano caos e
confusione. Attaque raffigura questo periodo travagliato sollevando
questioni politiche senza risposta. Poiché la democrazia è sotto
attacco, tutti sembrano perduti, dai comuni cittadini agli
intellettuali a quelli che devono prendere decisioni. Non è più
chiara nemmeno la differenza tra realtà e immaginazione. […]
Il verbo politico appartiene ancora a pochi, mentre le minoranze
sono invitate a unirsi a una maggioranza dominante, un’orchestra
che canta con una sola e unica voce, diventata ancora più forte
dopo gli attacchi terroristici. […] Esplorare di giorno in giorno
il paesaggio parigino rivela come la geopolitica viva all’interno
della società stessa, e tutto questo ci riguarda personalmente.
Mentre alcuni sono alla ricerca di risposte immediate che mettano
un po’ di ordine nel caos, il mio film suggerisce il contrario:
è consapevolmente caotico e non ricerca risposte o stabilità.
Vuole, invece, scegliere la libertà come unico modo possibile
per mantenere la nostra democrazia».
**
“Chaos and confusion reign in France since the attacks that took
place in January 2015. This troubled period is depicted in Attack,
raising political questions without answers. As democracy is under
attack, it seems that everyone is lost, from ordinary citizens to
intellectuals and decision makers, and that the difference between
reality and imagination is no longer clear. […] The political say still
belongs to few, while minorities are requested to join the dominant
majority, an orchestra that sings in one and only voice, louder after
the terror attacks. […] Exploring the Parisian landscape day by day
reveals how geopolitics beats within society itself, and that it personally
concerns us all. While some are seeking immediate answers that will
put some order to the chaos, my film suggests the contrary: it is
consciously chaotic and is not looking for answers or stability. It wishes
to choose liberty as the only possible way to keep our democracy.”
120
SOMMARIO
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
Carmit Harash (Israel) graduated
from the Sam Spiegel Film School in
Jerusalem and worked as a film editor
for television. In 2000 she left her
country and moved to France, where
she currently lives. Film de guerre
(2007), Demain (2010) and Trêve
(2013) form a trilogy about the
connection between Israelis and war.
The three films were presented at the
Torino Film Festival.
Le cercle de l’exil (mm, doc., 2003),
Jeudi, batailles perdues (cm, 2006),
Film de guerre (mm, doc., 2007),
Demain (mm, doc., 2010), Trêve
(doc., 2013), Où est la guerre (doc.,
2015), Attaque (doc., 2016).
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
anne marie borsboom
BOI, SONG OF A WANDERER
Paesi Bassi-Usa-Giappone-Israele/
The Netherlands-USA-Japan-Israel, 2013, HD, 72’, col.
Anne Marie Borsboom (L’Aia, Paesi
Bassi, 1959) ha studiato dal 1981
al 1984 presso la Amsterdam Film
Academy. Esperta operatrice di
ripresa, come regista ha diretto il
cortometraggio per la televisione
All Quiet, i lungometraggi
documentari Heimwee,
Carnavalsvrouwen e Gipsy Jew.
BOI, SONG OF
A WANDERER
regia, fotografia,
montaggio, produttore/
director, cinematography,
film editing, producer
Anne Marie Borsboom
suono/sound
Ruth Terpstra
interprete/cast
Nitzan Krimsky
**
contatti/contacts
Autlook Filmsales GmbH
Youn Ji
[email protected]
www.autlookfilms.com
Nitzan Krimsky è una ventenne israeliana fuggita da Tel Aviv per
appagare il desiderio di perdita di sé che da sempre la smuove.
S’imbarca in un viaggio che la porta da Tokyo a New York, da
Amsterdam a Milano, durante il quale fa sesso con altre ragazze
e sperimenta con le droghe. Nitzan tiene un foto-diario dei suoi
spostamenti, scattando autoritratti con cui cerca di disinnescare
la sua inquietudine. Poi la decisione di cambiare sesso: la ricerca
di un mondo nuovo, un viaggio alla scoperta della nuova identità,
che cresce di pari passo con il ritorno alle origini ebraiche.
«“E ogni volta che si liberava dal passato, scopriva che la sua vita
stava ricominciando” (Orlando, Sally Potter). Questa frase definisce
lo spirito del film, girato in dodici anni e in origine pensato per
raccontare le condizioni di vita in Paesi dove la politica e la
religione interferiscono con la libertà individuale. Poi è diventato
la storia di una battaglia interiore. Un viaggio attraverso la vita
e attorno al mondo per trovare pace e salvezza. “Morire e
rinascere”, se è quello che serve, quando si è onesti con se stessi».
**
Nitzan Krimsky is a twenty-year-old Israeli who left Tel Aviv to fulfil her
lifelong wish of losing herself. She embarks on a journey around the
world, from Tokyo to New York, from Amsterdam to Milan, sleeping
with girls and experimenting with drugs. Nitzan keeps a photo-journal
throughout her travels, taking pictures of herself to try to defuse her
anxiety. Until she decides to undergo gender reassignment surgery.
The search for a new world, a journey to search for a newly conquered
identity, which develops hand in hand with her return to her Jewish
roots.
“‘And ever since she let go of the past, she found her life was beginning’
(from the film Orlando by Sally Potter). This defines the spirit of the
film, filmed over 12 years, originally aimed to relate the living conditions
of individuals in countries where political and religion issues made living
difficult. However it became the story of an inner struggle. A journey
through life and around the world to find peace and salvation. ‘To die
and be reborn’ if that is what it takes, being true to oneself.”
121
SOMMARIO
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INTERNAZIONALE.DOC
Anne Marie Borsboom (The Hague,
The Netherlands, 1959) studied at the
Amsterdam Film Academy from 1981
to 1984. Besides being an experienced
camera operator, she also directed the
television short All Quiet, and the
feature documentaries Heimwee,
Carnavalsvrouwen and Gipsy Jew.
essenziale filmography
All Quiet (cm, tv, 1994), Gipsy Jew
(doc., 2009), Boi, Song of a Wanderer
(doc., 2013).
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
guillermina pico
BORRA TODO LO QUE DIJE DEL AMOR
PORQUE NO SABÍA BIEN QUIÉN ERA
Argentina, 2016, HD, 62’, col.
ERASE
EVERYTHING
I SAID ABOUT
LOVE
regia, soggetto,
director, story,
Guillermina Pico
suono/sound
Catarina Apolonio
**
contatti/contacts
Guillermina Pico
[email protected]
Un flusso d’immagini di ciò che ci circonda. Momenti di bellezza,
spesso casuali, a volte quotidiani, catturati dalla videocamera e
sospesi nel tempo. Gli elementi della natura, le relazioni umane,
i sentimenti che ne scaturiscono. Tutto ciò che siamo.
«Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era
è un filo di frammenti di qualcosa che è reale, parti che non
appartengono a un tutto che sta per arrivare. A collegarli è una
connessione più sottile. Se preferite, può essere visto come una
forma di inventario, un insieme di relazioni in movimento tra
immagini ricorrenti. […] Queste parole di Jonas Mekas riassumono
il punto centrale del mio lavoro: “Che importanza ha di cosa un
film parli, quale sia il suo soggetto o il suo argomento? Parla
d’amore, del sole, degli alberi, di belle donne, dell’estate, di un
picnic sull’erba. Cos’è un argomento nell’arte e nella vita?”»
**
A flow of images of what surrounds us. Moments of beauty, often
serendipitous, sometimes mundane, captured by the video camera
and suspended in time. Elements of nature, human relations, the
feelings they spark. All that we are.
“Borra todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era
is a thread of fragments of something real, parts that do not belong
to a whole that should come; but that are linked by a more subtle
connection. It can be seen, if you will, as a kind of inventory, a set of
dynamic relationships between recurrent images. […] These words by
Jonas Mekas summarizes the core of this work: ‘What matter what
the film is about, its subject, its argument? It is about love, sun, trees,
beautiful women, the summer, a picnic on the grass. What is an
argument in art or in life?’”
Guillermina Pico (Santa Rosa,
Argentina, 1985) ha studiato regia
cinematografica presso la Scuola di
comunicazione La Metro di Cordoba
e in seguito si è perfezionata in video
digitale a Barcellona, presso l’IdecPompeu Fabra, e presso la scuola
di documentario The Observatory.
Ha seguito inoltre il laboratorio di
cinema dell’Universidad Torcuato
di Tella e il Robert Flaherty Film
Seminar di New York. Dal 2011 al
2014 ha collaborato alla
programmazione del Festival Mar
del Plata e al momento lavora come
montatrice freelance e coordinatrice
della postproduzione per Television
Digital Abierta. Ha diretto diversi
cortometraggi proiettati e premiati
nei festival di tutto il mondo, prima
di esordire nel lungometraggio
proprio con Borra todo lo que dije del
amor porque no sabía bien quién era.
Guillermina Pico (Santa Rosa,
Argentina, 1985) studied movie
directing at the La Metro School of
Communication in Cordoba and later
furthered her studies in digital video in
Barcelona, at Idec-Pompeu Fabra, and
at The Observatory, a school for
documentary filmmaking. She has also
attended the film laboratory of the
Universidad Torcuato in Tella and the
Robert Flaherty Film Seminar in New
York. Between 2011 and 2014, she
collaborated on the programming of
the Festival Mar del Plata and presently
works as a freelance editor and
postproduction coordinator for
Television Digital Abierta. She directed
various short films, which have screened
and been awarded prizes at festivals
throughout the world, before debuting
in feature films with Borra todo lo que
dije del amor porque no sabía bien
quién era.
Un poc de orden en mi vidita (cm,
2009), Yo, Natalia (cm, 2009), Un
montón de pins (cm, 2011), El pasito
de onda (cm, 2013), Borra todo lo que
dije del amor porque no sabía bien
quién era (doc., 2016).
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SOMMARIO
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maria kourkouta, niki giannari
FANTASMATA PLANIOUNTAI PANO
APO TIN EUROPI
Grecia-Francia/Greece-France, 2016, HD-16mm, 99’, bn/bw-col.
SPECTRES ARE
HAUNTING
EUROPE
directors, screenplay
Maria Kourkouta,
Niki Giannari
fotografia, montaggio/
cinematography,
film editing
Maria Kourkouta
suono/sound
André Fèvre
Carine Chichkowsky,
Maria Kourkouta
Survivance Productions
**
Maria Kourkouta
[email protected]
La vita quotidiana dei rifugiati (per lo più siriani, curdi, pachistani
e afgani) nel campo profughi di Idomeni. Le code per il cibo, per il
tè, per le visite mediche, mentre si aspetta di attraversare il confine
tra la Grecia e la Macedonia. Un giorno, però, l’Europa chiude una
volta per tutte i propri confini. I “residenti” di Idomeni, allora,
decidono a loro volta di occupare i binari, bloccando i treni che
trasportano merci attraverso la frontiera.
«Il film è un regalo per i rifugiati. Un regalo in cambio di tutto
ciò che dobbiamo loro: la vita e l’esercizio della politica, poiché,
in questa Europa ormai chiusa, sono gli unici ancora in grado
di muoversi davanti a ogni tipo di muro. È un invito ad accogliere
i rifugiati, e i fantasmi che ritornano insieme a loro».
**
The daily life of refugees (Syrian, Kurdish, Pakistani, Afghani, and
others) in the camp of Idomeni. Refugees waiting in queues for food,
tea and doctors; waiting to cross the border between Greece and
Macedonia. One day, Europe closes its borders for them once and for
all. The “residents” of Idomeni decide, in their turn, to occupy the train
tracks, blocking the trains that carry goods across the border.
“The film is a gift for the refugees. A gift in return for all that we owe
them: life and political practice – as they are the only ones who can still
move in the face of all sorts of walls in enclosed Europe. It’s a call to
welcome the refugees, as well as the ghosts that return with them.”
Maria Kourkouta (Grecia, 1982),
dopo aver studiato storia dei Balcani
nel proprio Paese, nel 2006 si è
trasferita a Parigi (dove ormai risiede
la maggior parte del tempo) per
intraprendere una tesi di dottorato
sulla questione del ritmo nel cinema.
A partire dal 2008 ha cominciato a
lavorare come filmmaker, realizzando
film girati quasi sempre in 16mm
e sviluppati presso laboratori
indipendenti come l’Etna e
l’Abominable, di cui è anche
membro attivo. I suoi lavori sono
per la maggior parte distribuiti
dall’associazione Light Cone,
dedicata alla distribuzione, la
diffusione e la difesa del cinema
sperimentale.
Niki Giannari (Grecia, 1968) è una
scrittrice greca.
Maria Kourkouta (Greece, 1982), after
studying the history of the Balkans
in Greece, moved to Paris in 2006
where she currently lives most of the
time. In France, she did some research
for her PhD on the question of rhythm
in cinema. Since 2008, she made
several films, mostly on 16mm at
different independent run-artists film
laboratories in France (such as L’Etna
and L’Abominable, where she is still
active as a member). Most of her
cinematic works are distributed by
Light Cone, dedicated to distribution,
diffusion and protection of experimental
cinema. Niki Giannari (Greece, 1968)
is a Greek writer.
Maria Kourkouta:
Preludes (cm, 2010), Return
to Aeolus Street (cm, 2013).
Maria Kourkouta, Niki Giannari:
Fantasmata planiountai pano apo tin
Europi (Spectres Are Haunting Europe,
doc., 2016).
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philip scheffner
HAVARIE
Germania/Germany, 2016, HD, 93’, col.
HAVARIE
regia, montaggio/
director, film editing
Philip Scheffner
soggetto/story
title by Merle Kröger
Merle Kröger,
Philip Scheffner
Terry Diamond,
Bernd Meiners
suono/sound
Pascal Capitolin,
Volker Zeigermann,
Florian Marquardt
Merle Kröger,
Caroline Kirberg
pong
Meike Martens,
Marcie Jost, Peter Zorn
Blinker Filmproduktion,
worklights media
production, ZDF
**
contatti/contacts
Pong Film
[email protected]
www.pong-berlin.de
Il 14 settembre 2012, alle ore 14:56, la nave da crociera Adventure
of the Seas riferisce al centro di soccorso marittimo spagnolo
l’avvistamento di un gommone alla deriva, con tredici persone
a bordo. A partire da un video caricato su YouTube e da alcuni
racconti biografici, prende forma una coreografia che abbraccia
passato, presente e futuro dei naviganti del Mediterraneo.
«Dall’ottobre 2014 sono peggiorate in modo significativo sia la
situazione politica sia il modo in cui viene diffuso ciò che sta
accadendo nel Mediterraneo. Notiamo con preoccupazione che
le immagini delle persone sui barconi – persone che a causa della
politica dei confini europea rischiano la vita per garantire un futuro
a se stesse e alle loro famiglie – sono ormai parte della nostra
quotidianità. Siamo rassegnati a vedere queste immagini in
televisione settimana dopo settimana. C’è una sensazione
crescente d’impotenza, che nella migliore delle ipotesi è espressa
dai vari “Non possiamo fare niente”, e nella peggiore porta alla
paura che genera continui attacchi incendiari agli accampamenti
dei rifugiati».
**
On 14 September 2012 at 2:56 pm, the cruise liner Adventure of the
Seas reports to the Spanish Maritime Rescue Centre the sighting of a
dinghy adrift with thirteen persons on board. From a YouTube clip
and biographical tales evolve a choreography reflecting the past,
present and future of the voyagers on the Mediterranean.
TH
“Yet since October 2014, both the political situation and the way what
is happening in the Mediterranean Sea is being disseminated have
worsened significantly. We note with grave concern that the images of
people in boats risking their lives to secure a future for them and their
families as a result of European border policy have become part of our
everyday life today. We are resigned to seeing these images week after
week on television. There is an increasingly feeling of helplessness, which
is at best expressed along the lines of ‘We can’t do anything’ and at
worst in the sort of fear that has led to arson attacks on refugee housing
also being carried out on a weekly basis.”
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SOMMARIO
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Philip Scheffner (Homburg,
Germania, 1966) vive e lavora come
artista e regista a Berlino. Insieme
a Merle Kröger, Alex Gerbaulet e
Caroline Kirberg gestisce la
piattaforma di produzione pong.
Con i suoi lavori è stato più volte al
Forum della Berlinale; in particolare,
ha presentato i documentari The
Halfmoon Files (2007), vincitore del
premio per il miglior documentario
al Festival di Mar del Plata e del Prix
des mediathèques al FidMarseille,
Day of the Sparrow (2010) e Revision
(2012). Nel 2016 ha realizzato anche
un altro documentario, And-Ek
Ghes...
Philip Scheffner (Homburg, Germany,
1966) lives and works as an artist and
director in Berlin. Along with Merle
Kröger, Alex Gerbaulet and Caroline
Kirberg, he runs the production
platform pong. Several of his works
have screened at the Berlin Film
Festival; in particular, he presented the
documentaries The Halfmoon Files
(2007), which won Best Documentary
at the Festival di Mar del Plata and the
Prix des mediathèques at FIDMarseille;
Day of the Sparrow (2010); and
Revision (2012). In 2016, he made his
another documentary, And-Ek Ghes...
A/C (doc., 2003), The Halfmoon
Files (doc., 2007), Day of the Sparrow
(doc., 2010), Revision (doc., 2012),
And-Ek Ghes... (doc., 2016), Havarie
(doc., 2016).
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güldem durmaz
KAZARKEN
Belgio-Francia/Belgium-France, 2016, HD, 90’, col.
regia/director
Güldem Durmaz
Güldem Durmaz,
Simon Backès,
Piet Eekman,
Bernard Verstraete
Simon Backès,
Güldem Durmaz
musica/music
Fred Costa
suono/sound
Valentin Mazingarbe
interpreti/cast
Denis Lavant,
Güldem Durmaz,
Martin Selze,
Marie-Sohna Condé
**
contatti/contacts
CBA - Centre de l’audiovisuel
Gabriella Marchese
[email protected]
© ESTELLE RULLIER
KAZARKEN AS WE DIG
In Anatolia, durante un antico rito di guarigione, una donna si
muove in stato sognante. A guidarla una figura mitologica, il
centauro Kheiron, che la sottopone a una forma di psicoanalisi
dal sapore selvaggio. Un viaggio nel tempo che dal presente
riporta la donna nel villaggio materno dove, nel 1915, l’intera
popolazione armena sparì nel nulla, o tra le rovine di un ospedale
d’epoca romana, dove i malati erano curati con le acque sacre e
con visioni oniriche.
«Il mio maestro di tai chi dice che non dovremmo cercare la
bellezza, ma concentrarci piuttosto sulle strutture (del corpo,
del movimento, dell’universo, della vita). Solo allora la bellezza
può emergere. Io e il mio compagno abbiamo lottato contro la
struttura di questo film per anni, spesso fermandoci a riflettere,
aggiungendo nuove riprese e nuovo materiale suggeriti dal passare
del tempo e dagli incontri che facevamo… Fino a quando abbiamo
capito che il film cominciava finalmente a svilupparsi secondo
le nostre regole; fino a quando il suo significato o i suoi significati
hanno cominciato a crescere liberamente, come a volte succede
con la musica».
**
During an ancient healing rite in Anatolia, a woman moves in a dream
state. Her guide is a mythological figure, the centaur Kheiron, who
subjects her to a form of psychoanalysis with a savage flair. A journey
through time, which takes the woman from the present back to her
home village where, in 1915, the entire Armenian population
disappeared into thin air, and to the millenary ruins of a Roman-era
hospital, where the sick were cured with sacred water and dreamlike
visions.
“My Tai Chi Master says one shouldn’t look for beauty, but rather
concentrate on structure (of body, movement, the universe, life).
Then only, beauty might emerge. My partner and I struggled with the
structure of this film for years, frequently pausing for reflection, shooting
and adding new material that the passing time, or new encounters,
would suggest... until we found that the film had finally started to
evolve in front of us according to its own rules. Until its meaning (or
meanings) got a chance to develop freely, like music sometimes does.”
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SOMMARIO
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Güldem Durmaz (1971) vive e lavora
tra Bruxelles, Istanbul e Parigi e
realizza cortometraggi, documentari,
installazioni video e performance,
oltre a tenere dei workshop teatrali.
Nelle sue opere esplora le
connessioni tra memoria, linguaggio
e identità culturali e transculturali,
lavorando con attori professionisti e
non, con lingue segrete e inventate,
dentro spazi e situazioni tanto reali
quanto onirici. Con i cortometraggi
Şoför (2001) e Koro (2002) ha
partecipato ai più importanti festival
cinematografici internazionali, tra cui
Venezia e Locarno, dove ha ottenuto
diversi riconoscimenti. Nel 2011 ha
diretto il documentario sperimentale
Ben/O, dedicato alla figura
dell’artista transessuale curdo
Esmeray. Kazarken è il suo primo
lungometraggio documentario.
Güldem Durmaz (1971) lives and
works in Brussels, Istanbul and Paris,
making short films, documentaries,
video installations and performances,
as well as holding theatrical workshops.
Her works explore the connection
between memory, language and
cultural and trans-cultural identity.
She works with professional and
non-professional actors, using secret
and invented languages, within spaces
and situations that are both real and
dreamlike. Her short films Şoför
(2001) and Koro (2002) participated
at the top international film festivals,
including Venice and Locarno, where
she received various awards. In 2011,
she directed the experimental
documentary Ben/O, dedicated to
the Kurdish transsexual artist Esmeray.
Kazarken is her first feature-length
documentary.
Şoför (cm, 2001), Koro (cm, 2002),
Ben/O (cm, doc., 2011), Kazarken
(doc., 2016).
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avo kaprealian
MANAZIL BELA ABWAB
Siria-Libano/Syria-Lebanon, 2016, HD, 90’, col.
HOUSES
WITHOUT
DOORS
fotografia/director,
screenplay,
cinematography
Avo Kaprealian
Raya Yamisha
musica/music
Samer Saem Eldahr
(Hello Psychaleppo)
suono/sound
Avo Kaprealian,
Raya Yamisha,
Raed Younan
Mohammad Ali Atassi,
Christin Luettich
Bidayyat for
Audiovisual Arts
**
contatti/contacts
Bidayyat for Audiovisual Arts
Christin Luettich
[email protected]
www.bidayyat.org
Il film ritrae i cambiamenti nella vita di una famiglia armena sulla
linea del fronte di Aleppo, ad Al Midan, una zona che ha dato
riparo agli armeni perseguitati un secolo fa e che oggi lo offre a
molti siriani sfollati. Dal balcone di casa, il regista riprende con
una piccola camera i cambiamenti nel suo quartiere e nella sua
famiglia, intrecciando le immagini con estratti di classici del
cinema, per illustrare il parallelismo tra il genocidio armeno
e la situazione in cui si trovano oggi i siriani.
«L’importanza di questo film risiede a mio avviso nel fatto che si
tratta di un documento, un vero coinvolgimento in ciò che io e altre
persone stiamo passando, nella tesi di una mancanza di giustizia
subita dai miei avi uccisi un secolo fa. Temo che quella stessa
mancanza di giustizia si ripeta oggi per i siriani e che non ci sia
alcuna giustizia. Ma, da regista siriano, credo che la rivoluzione,
qualunque rivoluzione, […] cresca e abbracci ogni aspetto della vita,
inclusa l’arte. I nostri film devono essere rivoluzionari: radicali in
ciò che propongono, estremi nella loro forma».
**
The film portrays the changes in the life of an Armenian family
on Aleppo’s frontline in Al Midan, an area that gave shelter to the
persecuted Armenians one hundred years ago and today to many
displaced Syrians. From the balcony of his home, the director films with
a small camera the changes in his neighbourhood and his own family,
interweaving his images with extracts from classical films to illustrate
the parallels between the Armenian genocide and Syrians’ reality today.
“To me, the importance of this film lies in its importance as a
document, a true involvement in what I and others lived through, the
thesis of the absence of justice for my forefathers who were murdered
one hundred years ago, and my fear that this lack of justice will be
repeated with the Syrian people. It is a fear of that there is no justice
at all. But, as a Syrian director I believe that the revolution, any
revolution […] grew and spread to every aspect of life, including the arts.
Our films must be revolutionary: radical in what they propose,
extreme in their form.”
126
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Avo Kaprealian (Aleppo, Siria, 1986),
appartenente a una famiglia sirianoarmena, si è trasferito dalla sua città
natale a Damasco, per studiare teatro
alla Scuola superiore di arti
drammatiche, dove si è laureato
nel 2011. Ha poi partecipato a diversi
laboratori organizzati da DocMed,
Bidayyat for Audiovisual Arts e
Screen Beirut mirati allo sviluppo
di progetti cinematografici. Prima
di girare Houses Without Doors,
realizzato in totale solitudine
e suo esordio nel lungometraggio
documentario, ha diretto il
cortometraggio Just Two Steps Too,
presentato allo Yerevan Golden
Apricot Film Festival.
Avo Kaprealian (Aleppo, Syria, 1986)
is from a Syrian-Armenian family.
He left his hometown to study theater
at the Higher Institute of Dramatic
Arts in Damascus, where he graduated
in 2011. He took part in several film
workshops organized by DocMed,
Bidayyat for Audiovisual Arts and
Screen Beirut and dedicated to the
development of film ideas. Before
directing his feature documentary
Houses Without Doors, which he
filmed entirely by himself and that
is his first feature-length film, he has
directed one short entitled Just Two
Steps Too, that was shown at the
Yerevan Golden Apricot Film Festival.
Just Two Steps Too (cm, doc., 2012),
Manazil bela abwab (Houses Without
Doors, doc., 2016).
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luciana decker
NANA
PREMIO CIPPUTI
Bolivia, 2016, HD, 65’, col.
Luciana Decker (1993) studia
antropologia a La Paz, in Bolivia.
Ha seguito corsi e seminari presso
la Escuela popular para la
comunicación e la Eca e ha lavorato
come assistente alla regia, operatrice
e fotografa di scena in diverse
produzioni. Come regista ha esordito
con il cortometraggio Erasmo, a cui
è seguito Nancy vs Hector. Nana
rappresenta il suo esordio nel
lungometraggio.
NANA
regia, fotografia/director,
cinematography
Luciana Decker
montaggio, produttori/
film editing, producers
Miguel Hilari, Gilmar Gonzales, Joaquín Tapia, Simón Avilés, Luciana Decker
suono/sound
Carlos Gutierrez
interpreti/cast
Hilaria Huaycho,
Ayda Huaycho,
Julia Huaycho,
Fermín Huaycho,
Helena Huaycho,
Janeth Huaycho,
Francisca Huaycho,
Pablo Choque
**
contatti/contacts
Luciana Decker
[email protected]
Hilaria lavora da circa quarant’anni come domestica per la famiglia
di Luciana. Quest’ultima decide di riprendere il loro rapporto
quotidiano con la videocamera, così da indagare i sentimenti
e le abitudini che uniscono le loro vite. Le riprese vanno avanti
per quattro anni, un periodo in cui le distanze tra le due appaiono
tanto siderali quanto impercettibili, come in un misterioso gioco
di vicinanza e lontananza al quale non si possono sottrarre.
«Tutte le riprese di Nana sono state effettuate con la mia camera
portatile. Ho iniziato a fare filmati domestici su Hilaria senza una
precisa intenzione e quando poi ho deciso di realizzare un film su
di lei ho semplicemente continuato a filmare. Credo che sia l’unico
modo per rappresentare la nostra relazione. La struttura del film
ha preso forma durante il suo stesso svolgimento. […] Le scene con
Hilaria mostrano la distanza fisica, sociale e culturale che ci separa,
e attraverso quest’ottica ho maturato un nuovo sguardo sia su di
lei sia su di me; su tutto ciò che riguarda “me” e ciò che riguarda
“lei”».
**
Hilaria has been working as a maid for Luciana’s family for forty years.
One day, Luciana starts making home videos of their daily interactions,
exploring the feelings and habits that tie their lives together. She kept
filming for four years, revealing the massive yet imperceptible distance
between them like a mysterious game of proximity and distance from
which they cannot escape.
“The whole shooting of Nana has been made on my own with a
handheld camera. I started filming home videos with Hilaria without
further intention. Later on, I decided to make a film about her
continuing with this way of filming, because I consider it the only
way of portraying our intimate relationship. The structure of the film
has been constructed during the process of making it. […] The images
I made of Hilaria show the physical, social and cultural distance
between us, and through the lens, I have had a new look of her and
me and everything that has to do with ‘her’ and ‘me.’”
127
SOMMARIO
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Luciana Decker (1993) studied
anthropology in La Paz, Bolivia, taking
classes and seminars at the Escuela
popular para la comunicación and at
la Eca. She worked as director’s
assistant, camera operator, and set
photographer for several productions
before making her directorial debut
with the short Erasmo, followed by
Nancy vs Hector. Nana is her first
feature.
Erasmo (cm), Nancy vs Hector (cm),
Nana (doc., 2016).
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theo anthony
RAT FILM
Usa, 2016, HD, 82’, col.
RAT FILM
regia, soggetto,
director, story,
cinematography,
film editing
Theo Anthony
musica/music
Dan Deacon
interprete/cast
Maureen Jones
(voce narrante/narrator)
Riel Roch-Dechter,
Sebastian Pardo
Memory
**
contatti/contacts
Memory
Riel Roch-Decter
[email protected]
www.memory.is
I topi vivono nei muri, nei cunicoli, tra le recinzioni e i vicoli: luoghi
di separazione e confine che segnano le nostre vite, ma che per
questi animali assumono una dimensione totalmente diversa, una
dimensione domestica. Attraverso il loro punto di vista, e quello
di chi li ama, di chi ci convive e di chi, invece, li uccide, la storia
della città di Baltimora viene esplorata in un modo diverso
e assolutamente originale.
«Il mio documentario sfida la tipica rappresentazione oggettiva che
di norma il giornalismo offre di un’esperienza. M’interessa fare film
che indaghino il modo in cui la realtà soggettiva sia mercificata per
adattarsi a storie di sfruttamento e produzione. Voglio capire come
questo processo sia usato per anestetizzare il dolore ed eliminare
le responsabilità, e come, nella realizzazione di un film, la
separazione tra artista e soggetto riprenda logiche di sfruttamento
più ampie, di tipo capitalistico. Voglio fare film con un linguaggio
visivo riconoscibile, in grado sia di accogliere sia di sfidare questo
tipo di rappresentazione».
**
Mice live in walls, in crawl spaces, between fences and alleys: places
of separation and boundaries which mark our lives, but which assume
a completely different dimension for these animals, a domestic
dimension. From their point of view, and that of the people who love
them, live with them and even kill them, the history of Baltimore is
explored in a different and absolutely original way.
“My documentary work challenges the journalistic role of presenting
an objective account of experience. I am interested in making films that
explore how subjective reality is commodified to fit outsider’s narratives
of consumption and production. I want to understand how this process
is used to anesthetize pain, to eliminate accountability, and how the
divisions of artist and subject in film production mimic larger capitalist
modes of exploitation. I want to make films that use a familiar visual
language that can simultaneously speak to and challenge these
histories of representation.”
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SOMMARIO
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Theo Anthony (1989) vive a
Baltimora, dove lavora come
scrittore, fotografo e filmmaker.
Con i suoi lavori è apparso su siti
e riviste di rilevanza internazionale,
quali «The Atlantic», «Vice» e
«Agence-France Presse». Ha diretto
il cortometraggio Chop My Money
(2014) e il documentario Rat Film,
presentati ai festival di Toronto,
Locarno e Rotterdam. Nel 2015 è
stato incluso da «Filmmaker’s
Magazine» tra le «25 New Faces
of Independent Film». Attualmente
sta lavorando al documentario
Maison pour la vie.
Theo Anthony (1989) lives in
Baltimore, where he works as an
author, photographer and filmmaker.
His works have appeared in
internationally famous magazines,
such as “The Atlantic,” “Vice”
and “Agence-France Presse.”
He has directed the short film Chop
My Money (2014) and the
documentary Rat Film, which were
presented at the festivals of Toronto,
Locarno and Rotterdam. In 2015,
“Filmmaker’s Magazine” included
him among its “25 New Faces of
Independent Film.” He is presently
working on the documentary
Maison pour la vie.
Chop My Money (cm, doc., 2014),
Rat Film (doc., 2016).
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
laura huertas millán
SOL NEGRO
Francia-Colombia/France-Colombia, 2016, HD, 43’, col.
BLACK SUN
regia/director
Laura Huertas Millán
Jordane Chouzenoux,
Isabelle Manquillet,
Laura Huertas Millán,
Herman Barón Camacho
suono/sound
Juan Felipe Rayo,
Jocelyn Robert
cast and characters
Nohemi Millán (Antonia),
Martha Millán
(la sorella/sister),
(la nipote/niece), Juan Pablo
Barragán (Felipe),
Nicolas Corrales Posada
(il bambino/child),
Jose Ignacio Uribe
Castellanos
(lo studente/student)
Franco Lolli, Capucine Mahé
Evidencia Films
Christophe Barral,
Toufik Ayadi
Les films du Worso
**
contatti/contacts
Les films du Worso
Christophe Barral
[email protected]
www.lesfilmsduworso.com
Antonia è una cantante lirica dalla bellezza non comune, al
contempo florida e triste. Quando viene ricoverata in un istituto
di riabilitazione dopo un tentativo di suicidio, il legame con i
suoi familiari è irrimediabilmente compromesso. Solo la sorella,
al contrario degli altri, è toccata nel profondo dalla vicenda…
Le difficili relazioni familiari e le sofferenze emergono poco alla
volta, e diventano musica, elegia, autoetnografia o finzione.
«Come si può filmare il massimo dell’intimità, la cosa più vicina
a se stessi, quando è esattamente ciò da cui si vorrebbe fuggire?
Antonia è un personaggio di finzione ispirato alla vera vita di
mia zia, una ex cantante lirica alla quale qualche anno fa, dopo
un tentato suicidio, fu diagnotisticato un disturbo bipolare.
Le ho chiesto di replicare alcuni episodi passati e presenti della
sua vita nascondendosi dietro la maschera di Antonia. Ero in cerca
di un modo per confrontarmi con lei, per affrontare la questione
dell’eredità familiare di una malattia che ha colpito lei, mia
mamma, mia nonna, e magari colpirà anche me».
**
Antonia is an opera singer of uncommon beauty, both lush and
somber. When she ends up in a rehabilitation center after attempting
suicide, all her family ties are irreparably broken. But unlike everyone
else, her sister remains deeply affected by what happened... Conflicted
family relationships and sorrows emerge little at a time, becoming
music, elegy, autoethnography, or fiction.
“How can you film what is supposed to be the most intimate, the
closest to you, when it is precisely the thing that you want to escape
the most? Antonia is a fictional character inspired by the real life
of my aunt, a former lyrical singer who was diagnosed with bipolarity
a few years ago after a suicide attempt. I proposed to my aunt to replay
episodes of her life, from the present and past, under the mask of
Antonia’s persona. I was seeking for a way to relate to her again, and
to confront a familial and genetic legacy of mental illness affecting her,
my mother, my grandmother, and eventually me.”
129
SOMMARIO
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
Laura Huertas Millán si è diplomata
all’Istituto di belle arti di Parigi e a
Le Fresnoy - Studio national des arts
contemporains. Dal 2014 è membro
del Film Study Center e del Sensory
Ethnography Lab di Harvard. I suoi
film sono stati proiettati in musei e
gallerie come il Guggenheim di New
York, il Palais de Tokyo di Parigi e il
Museo di arte moderna di Buenos
Aires. Sono anche stati selezionati
da festival come il FidMarseille,
Curtas Vila do Conde, Doclisboa,
Tampere Film Festival e L’Alternativa,
festival di cinema indipendente di
Barcellona. Ha inoltre partecipato
alla Biennale dell’immagine in
movimento di Buenos Aires, dove
ha ottenuto una menzione speciale
per il premio Norberto Griffa, e a
Videobrasil nel 2013, aggiudicandosi
il premio Resartis.
Laura Huertas Millán graduated
from the Beaux-Arts of Paris and Le
Fresnoy. She has been a fellow at the
Film Study Center and the Sensory
Ethnography Lab at Harvard University
since 2014. Her films have screened
internationally in a number of art
venues, as the Guggenheim Museum
(NY), Palais de Tokyo (Paris), and
the Museum of Modern Art of Buenos
Aires. Her work has been part of the
official selections of film festivals such
as FIDMarseille, Curtas Vila do Conde,
Doclisboa, Tampere Film Festival,
L’Alternativa Indipendent Film
Festival of Barcelona, among others.
She participated in the biennials Bienal
de la imagen en movimiento in Buenos
Aires (Special Jury Mention for the
Norberto Griffa Prize), and Videobrasil
2013 (Resartis Prize).
Journey to a Land Otherwise Known
(cm, 2011), Aequador (cm, 2012),
Sol negro (mm, doc., 2016).
© K A R I M G O YA R E B
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
carlos chahine
TCHEKHOV À BEYROUTH
Francia-Libano/France-Lebanon, 2016, HD, 51’, col.
CHEKHOV IN
BEIRUT
regia/director
Carlos Chahine
Rachel Aoun
Martine Bouquin
musica/music
Sharif Sehnaoui
Autres Rivages
**
contatti/contacts
Autres Rivages
Karima Benouadah
[email protected]
www.autres-rivages.com
Tornato in Libano per dirigere una versione del Giardino dei ciliegi
di Čechov, Carlos Chahine riscopre un passato che aveva
dimenticato e ci conduce nel misterioso universo della sua
infanzia, condividendo con noi il tormentato percorso dell’esule
e la bellezza di un mondo scomparso.
«Tchekhov à Beyrouth è un film sull’esilio. Quello strano sentimento
che perseguita l’adulto a confronto con il bambino che è stato,
insoddisfatto, alla ricerca di risposte dove non ce ne sono, dove
non c’è altro che il destino umano. Il giardino dei ciliegi di Čechov
mi fa sempre pensare al Libano, al mio Paese d’origine, ed è stato
probabilmente per questo che ho deciso di tornare a Beirut e girare
là, dove la poesia incontra la realtà».
**
Upon his return to Lebanon to direct his stage play of Chekhov’s Cherry
Orchard, Carlos Chahine rediscovers his forgotten past. We are taken
into the mysterious world of his childhood, sharing the haunting path
of exile and the beauty of a lost world.
“Tchekhov à Beyrouth is a film about exile. That strange feeling that
haunts the adult confronted to the child he once was, unsatisfied,
searching for answers, where there is none, only human destiny.
Chekhov’s Cherry Orchard always reminded me of Lebanon, my
homeland, which is probably why I decided to go back to Beirut
and direct the play there, where poetry met reality.”
Carlos Chahine (Libano) lascia la
sua terra natale dopo la guerra del
1975. Dopo il diploma in chirurgia
dentistica, professione che non ha
mai praticato, scopre il teatro grazie
a Vera Gregh, che lo incoraggia a
diventare attore. Dal 1985 al 1988
segue i corsi dell’École nationale
d’art dramatique presso il Théâtre
national di Strasburgo. Dopo aver
lavorato in Francia ed Europa con
registi come Michel Vinaver,
Matthias Langhoff, Silviu Purcărete,
Alain Françon, René Loyon, Viviane
Théophilidès, Stuart Seide, Philippe
Van Kessel e Christian Rist, fa ritorno
in Libano grazie al regista Ghassan
Salhab, con il quale gira due film,
Terra incognita (2002) e Atlal (2006).
Nel 2008 scrive, dirige e interpreta il
suo primo cortometraggio, La route
du Nord, presentato in diversi festival
internazionali e vincitore l’anno
successivo del Best Narrative Short
Award al Tribeca. Tchekhov à Beyrouth
è il suo primo documentario.
Carlos Chahine (Lebanon) leaves his
mother country because of the war in
1975. After a diploma in dental surgery,
a profession he never practiced, he
discovered theater in Paris with Vera
Gregh, who encouraged him to begin
acting. Thus, he took courses at École
nationale d’art dramatique, in Théâtre
national de Strasbourg, from 1985 to
1988. After having worked in France
and in Europe with directors such as
Michel Vinaver, Matthias Langhoff,
Silviu Purcărete, Alain Françon, René
Loyon, Viviane Théophilidès, Stuart
Seide, Philippe Van Kessel, Christian
Rist, he made a comeback to Lebanon
thanks to Ghassan Salhab, with whom
he made two films, Terra incognita
(2002) e Atlal (2006). In 2008, he
wrote, directed and acted in his first
short film, La route du Nord. The film
received many international awards,
including Best Narrative Short Award
at Tribeca in 2009. Tchekhov à
Beyrouth is his first documentary.
La route du Nord (cm, 2008),
Tchekhov à Beyrouth (mm, doc.,
2016).
130
SOMMARIO
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
TFFDOC
-
mauro ruvolo
AB URBE COACTA
PREMIO CIPPUTI
AB URBE
COACTA
fotografia, montaggio,
musica, produttore/
director, screenplay,
cinematography, film
editing, music, producer
Mauro Ruvolo
**
contatti/contacts
[email protected]
In una Roma decaduta, dove la nevrosi dei tempi moderni si
esprime attraverso un umorismo cinico e volgare, Mauro Bonanni
si affaccia alla vecchiaia con profondo disagio esistenziale. Come
tanti, lamenta l’invasione di extracomunitari degli ultimi anni, ma
il suo razzismo, di vita più che ideologico, si rivela contraddittorio.
Mauro, infatti, è così attratto da quelle terre lontane da partire
improvvisamente per Cotonou, nel Benin, dove anni addietro ha
condiviso un viaggio con un dipendente beninese.
«Ab Urbe Coacta è stato una profonda esperienza di vita, giunto
alla sua forma finale non solo dopo un lungo lavoro di selezione,
ma dopo l’evoluzione di un’idea aperta a cambi di rotta anche
radicali, quasi passiva nei confronti delle soluzioni che la realtà
man mano suggeriva. I pochi elementi di finzione sono plasmati
su un tessuto di personaggi e situazioni reali e il percorso narrativo
è tracciato da “documenti” che non hanno avuto bisogno di messa
in scena. Proprio la necessità di raccontare una romanità che sta
scomparendo è stata uno dei motori trainanti del progetto».
**
In a decadent Rome, where the neurosis of modern times finds
expression in cynical and vulgar humor, Mauro Bonanni contemplates
old age with deep existential anxiety. Like many people, he complains
about the invasion of illegal aliens in recent years but his racism,
sparked by experiences rather than by ideology, proves to be
contradictory. In fact, Mauro is so fascinated by those faraway lands
that he abruptly leaves for Cotonou, in Benin, where years before he
had gone on a trip with a Beninese employee.
“Ab Urbe Coacta was a profound life experience; it achieved its final
form not only after a long work of selection, but after the evolution of
an idea which was open to radical changes in course, almost passively
accepting the solutions which reality suggested, bit by bit. The few
fiction elements were molded onto a fabric of real characters and
situations and the narrative pathway was traced by ‘documents’ which
needed no staging. One of the driving forces of the project was the need
to depict a Roman spirit which is disappearing.”
131
SOMMARIO
TFFDOC
-
Mauro Ruvolo (Italia), artista
poliedrico indipendente, ha mosso
i primi passi all’inizio degli anni
Novanta come producer musicale
sulla scena elettronica londinese.
Poco dopo ha affiancato all’attività
di musicista e restauratore audio
di film, quella di filmmaker e
montatore, lavorando a numerosi
materiali audiovisivi per Rarovideo
(dai videosaggi di Adriano Aprà sul
Conformista di Bertolucci e sui Clowns
di Fellini al documentario di Tatti
Sanguineti sul La rabbia di Pasolini
e Guareschi). Molto prolifico nella
realizzazione di trailer, ha curato
riprese e montaggio del
documentario Liberi tutti di Luca
Rea. Ab Urbe Coacta è il suo primo
lungometraggio.
Mauro Ruvolo (Italy), multifaceted
independent artist, got his start in the
early 1990s as a music producer on
London’s electronic scene. Shortly after
this, his work as a musician and audio
restorer for films was augmented by his
activities as a filmmaker and editor,
working on audiovisual material for
Rarovideo (including the video essays
of Adriano Aprà on Il conformista by
Bertolucci and on Clowns by Fellini,
and the documentary by Tatti
Sanguineti about La rabbia by Pasolini
and Guareschi). He has made many
trailers, and oversaw the shooting and
film editing of the documentary Liberi
tutti by Luca Rea. Ab Urbe Coacta is
his first feature film.
Ab Urbe Coacta (doc., 2016).
TFFDOC
-
pierpaolo de sanctis
A PUGNI CHIUSI
PREMIO CIPPUTI
Italia/Italy, 2016, HD, 74’, bn/bw-col.
A PUGNI
CHIUSI
regia, soggetto/
director, story
Pierpaolo De Sanctis
da un’idea di/
from an idea by
Domenico Monetti,
Luca Pallanch
Pierpaolo De Sanctis,
Alessandro Aniballi,
Giordano De Luca
Niccolò Palomba
Eugenio Persico
musica/music
Andrea «Fish» Pesce,
Daniele De Santis
suono/sound
Salvatore Tagliavia
interprete/cast
Lou Castel
Edvige Liotta,
Marco Puccioni,
Giampietro Preziosa
Inthelfilm
**
contatti/contacts
Inthelfilm
Giampietro Preziosa
[email protected]
La parabola artistica ed esistenziale dell’artista di origini svedesi
Lou Castel. Un vissuto «intrappolato» tra due personaggi diretti
da Marco Bellocchio: l’Alessandro di I pugni in tasca (1965) e il
Giovanni di Gli occhi, la bocca (1982). Attraversando una Roma
sospesa tra archeologia postindustriale e relitti pasoliniani, Castel
si apre a un lungo flusso di (in)coscienza sul suo ruolo di attore e
al tempo stesso di militante politico, in un generoso atto d’amore
verso ciò che resta del suo mestiere oggi.
«A pugni chiusi è il risultato di un corteggiamento iniziato nel 2008.
Un rapporto fatto di telefonate, viaggi, scambi di mail, proposte,
tentativi abortiti, nuove soluzioni, grandi rifiuti (suoi, di Lou Castel)
e tenaci ostinazioni (mie). Fino al punto in cui ci siamo trovati
complici, sperimentando un approccio nuovo al film che avevo
in mente: un metodo di “creazione diretta”, che ha trasformato
lo spessore della recitazione da un recitato storico del passato a un
recitato drammatico del presente. Un linguaggio imprevedibile per
entrambi, scaturito nell’urgenza dell’essere ora e qui».
**
The artistic and existential arch of the Swedish actor Lou Castel.
A life “trapped” between two characters directed by Marco Bellocchio:
Alessandro in I pugni in tasca (1965) and Giovanni in Gli occhi, la
bocca (1982). As he crosses Rome, suspended between post-industrial
archeology and Pasolinian ruins, Castel unleashes a long stream of
(sub)consciousness about his role as both actor and political activist,
in a generous act of love toward what remains of his profession today.
“A pugni chiusi is the outcome of a courtship I started in 2008.
A relationship made of phone calls, trips, e-mail correspondence,
proposals, failed attempts, new solutions, great refusals (Lou Castel’s)
and stubborn insistence (mine). Until we became accomplices,
experimenting a new approach to the film I had in mind: a method
of ‘direct creation,’ which transformed the depth of the acting from
a ‘historical narration of the past’ into a ‘dramatic narration of the
present.’ An unpredictable language for both of us, catalyzed by the
urgency of being here and now.”
132
SOMMARIO
TFFDOC
-
Pierpaolo De Sanctis (Roma) è
studioso di cinema e autore di
documentari, dj e produttore
discografico. Ha scritto numerosi
saggi sul cinema italiano degli anni
Sessanta e Settanta, pubblicati in
volumi collettanei e riviste, ed è
coautore di due monografie dedicate
a Matteo Garrone e Paolo Sorrentino,
oltre che del volume Pop Film Art.
Visual culture, moda e design nel
cinema italiano anni Sessanta e
Settanta. Nel 2015 ha fondato
l’etichetta Four Flies Records,
specializzata nella pubblicazione in
vinile di musica italiana prodotta per
il cinema, la radio e la televisione
durante gli anni Sessanta e Settanta.
Pierpaolo De Sanctis (Rome, Italy)
is a film scholar and documentary
filmmaker, DJ and record producer.
He has written many essays on Italian
cinema of the 1960s and ’70s,
published in collective books and
journals, and coauthored two
monographs dedicated to Matteo
Garrone and Paolo Sorrentino, as well
as the volume Pop Film Art. Visual
culture, moda e design nel cinema
italiano anni Sessanta e Settanta.
In 2015, he founded the label Four Flies
Records, specialized in producing vinyl
recordings of Italian music written for
film, radio and television during the
1960s and ’70s.
Gli invisibili - Esordi italiani del nuovo
millennio (coregia/codirectors
Christian Carmosino, Enrico Carocci,
Francesco Del Grosso, mm, doc.,
2007), Nell’occhio di Venere (cm,
2012), A pugni chiusi (doc., 2016).
TFFDOC
-
francesca bono
A BITTER STORY
Francesca Bono (Cavallermaggiore,
Cuneo, 1985), fotografa diplomata
presso lo Ied di Torino, nel corso
degli anni ha seguito e documentato
il processo creativo di numerosi
progetti artistici. Attualmente vive
e lavora in Cile. A Bitter Story è il
suo primo mediometraggio.
A BITTER
STORY
regia, montaggio/
Francesca Bono
Francesca Bono,
Fabio Ferrero
Matteo Tortone
musica/music
L’Amortex suono/sound
Luca Testolin fonico/sound engineer
Alessandro Abba Legnazzi
interpreti/cast
Deng Qu,
Hu Yun Fei,
Hu Ying Ying,
Hu Jin Jie,
Hu Yu Bei,
Wang Feng Teng
produttore esecutivo/
executive poducer
Fabio Ferrero
Officina Koiné
B612Lab,
B-Sight,
Consorzio Monviso
Solidale
**
contatti/contacts
Fabio Ferrero
[email protected]
Barge e Bagnolo sono due piccoli comuni ai piedi delle Alpi, in cui
da secoli l’attività principale è l’estrazione della pietra e in cui, dalla
fine degli anni Novanta, è presente la seconda comunità cinese
d’Europa. È qui che per i ragazzi cinesi inizia un altro anno
scolastico, con la stessa incertezza rispetto al futuro, ma con una
novità: un laboratorio teatrale ideato e realizzato per loro.
«Diversamente da ciò che pensiamo, la comunità cinese è poco
compatta e strutturata. Non esistono gruppi d’interesse, attività
ricreative o culturali. Sono nuclei familiari che si relazionano a
seconda delle necessità. Questo limbo vede gli adolescenti come
interpreti di una doppia frizione: nei confini della comunità vivono
lo scontro con i retaggi delle origini, rappresentate dai genitori, che
impongono una visione severa e antiquata della vita senza lasciare
spazio al confronto; nell’ambito del contesto d’adozione, invece,
faticano a fare propri quegli strumenti di interpretazione e
interazione con la realtà, fondamentali per una consapevole
affermazione delle proprie potenzialità».
**
Barge and Bagnolo are two small towns at the foot of the Alps and
for centuries their primary activity has been quarrying stone. Since the
late 1990s, the towns have been home to the second largest Chinese
community in Europe. A new school year begins for the Chinese
children here, with the same uncertainty about the future but with
something new: a theatrical laboratory created and conducted for
them.
“As opposed to what we tend to think, the Chinese community isn’t
compact and structured. There are no interest groups, nor recreational
or cultural activities. The family nuclei interact according to need.
This limbo sees adolescents dealing with a double friction: inside the
community, they clash with the legacy of their origins, represented
by their parents, who impose a strict and archaic view of life without
leaving any room for discussion; instead, within the context of adoption,
the young people struggle to absorb the instruments they need in order
to interpret and interact with reality, fundamental for an informed
affirmation of their own potential.”
133
SOMMARIO
TFFDOC
-
Francesca Bono (Cavallermaggiore,
Cuneo, Italy, 1985), a photographer
who graduated from Turin’s IED, has
followed and documented the creative
process of many artistic projects over
the years. At present, she lives and
works in Chile. A Bitter Story is her
first medium-length film.
A Bitter Story (mm, doc., 2016).
TFFDOC
-
davide grotta
HIDDEN PHOTOS
Italia/Italy, 2016, HD 68’, col.
HIDDEN
PHOTOS
regia, soggetto/
director, story
Davide Grotta
Alexander Fontana
montaggio, suono/
film editing, sound
Gabriele Borghi
musica/music
Daigoro Vitello
interpreti/cast
Kim Hak, Nhem En,
Chhoeun Yeh,
Mon Rean, Kim Harp,
Som Ravy, Com Chivon
Heidi Gronauer,
Lorenzo Paccagnella
ZeLig
**
contatti/contacts
ZeLIG - School
of Documentary,
Television and
New Media
Emanuele Vernillo
[email protected]
Kim Hak, giovane fotografo cambogiano, è alla ricerca di un
immaginario per il suo Paese che superi il cliché iconografico
legato all’Angkor Wat o ai Khmer rossi. Nhem En, anziano fotografo
del regime, autore di circa 14.000 fototessere di prigionieri politici
destinati a morte certa, sta invece progettando il proprio ingresso
nel business del dark tourism, la moda di visitare luoghi in passato
teatro di tragedie e violenze. Quale immagine proporre, dunque,
di un Paese e della sua storia?
«Non ho scelto la Cambogia per rispolverare la memoria dei
Khmer rossi e delle loro atrocità. Ci sono banalmente inciampato.
Ho invece scelto questo Paese perché pensavo fosse il miglior
laboratorio per conoscere l’uomo e la sua relazione con il tempo,
il passato e la storia. Credo che la fotografia unisca in modo
privilegiato l’uomo al tempo, che in qualche modo rappresenti
questo legame. In fondo, ogni fotografia appartiene al passato.
Ma il punto è: che uso facciamo dell’immagine della nostra storia?
Durante il montaggio ho poi scoperto che pochissime persone,
le più coraggiose, si fanno domande e cercano risposte a partire
da una fotografia».
**
Kim Hak, young and talented Cambodian photographer, looks for
a new imaginary of his country far from the iconographic cliché
represented by Angkor Wat/Khmer Rouge. Nhem En, old photographer
of the regime, author of about 14.000 mug shots of prisoners destined
to certain death, is planning his entry in the business of dark tourism.
What image to choose to represent our history, our country?
“I did not choose to shoot in Cambodia in order to refresh our memory
of the Khmer Rouge regime and its atrocities. I stumbled into it without
originality. I chose this country because I thought it was the best
laboratory to get to know the human being and his relation with time.
With past and his history. I think that the practice of photography links,
in a very privileged way, man to time, he represents it. Each
photography belongs to the past. The point is: what use do we make
of images of our history? During the editing I found out that just few
brave people pose them questions while looking at a picture and search
for answers.”
134
SOMMARIO
TFFDOC
-
Davide Grotta, laureatosi in
archeologia navale, ha cominciato
a lavorare come fotografo
specializzandosi nel settore
dell’archeologia subacquea. Nel 2009
ha iniziato a collaborare con
l’agenzia fotogiornalistica Agf,
dedicandosi in particolare a temi
legati alla politica e all’economia.
Ha poi continuato le sue ricerche
fotografiche a Phnom Penh, in
Cambogia, dove ha vissuto per due
anni, concentrandosi sulla relazione
tra identità dell’uomo e influenza
della cultura di massa. Nel 2016,
ha finito gli studi in regia presso
la scuola di cinema documentario
ZeLig.
Davide Grotta, after graduating
in naval archaeology, began taking
photographs in the world of underwater
archaeology. In 2009 he dedicated
himself to editorial photography in
collaboration with the photojournalistic
agency AGF focusing on politic and
economic issues. For two years he has
lived in Phonm Pehn to continue his
photograph research. Interested on the
relationship between man’s identity
and the influence of mass culture, he
completed his studies in film directing
at ZeLig - School for documentary.
Del vivere consueto - Notes for
a Portrait About Roberta Dapunt
(cm, doc., 2015), Hidden Photos
(doc., 2016).
TFFDOC
-
filippo ticozzi
MOO YA
MOO YA
regia, soggetto,
director, story,
cinematography,
film editing
Filippo Ticozzi
suono, produttore/
sound, producer
Federico Minetti
interprete/cast
Anthony Modesto Opio
Effendemfilm
**
contatti/contacts
Filippo Ticozzi
[email protected]
Opio è un uomo cieco che vive in uno sperduto villaggio africano.
Passa la maggior parte del suo tempo seduto, ascoltando la propria
terra, colma di mistero e dal passato sanguinoso. Un giorno, senza
un motivo apparente, decide di partire.
«Il viaggio senza meta di un non vedente per ridefinire le
coordinate di un mondo. Questo avevo in mente prima di
girare. Riformulare il nostro punto di vista attraverso il fluttuare
di un cieco; un vedere più elementare e frammentario per penetrare
un luogo che appare familiare e invece è ancora immensamente
misterioso. Una sorta di documentario di fantascienza, dove degli
spiriti possenti, come Moo Ya del Nilo, mettono ancora timore e
dove la tragedia dell’uomo pare interminabile».
**
Opio is a blind man who lives in an isolated African village. He spends
most of his time sitting and listening to his land, full of mystery and a
bloody past. One day, without any apparent reason, he decides to
leave.
“The directionless voyage of a blind man to redefine the coordinates
of a world. This is what I had in mind before I began shooting.
To reformulate our point of view through the peregrinations of a blind
man; a more elementary and fragmentary way of looking to penetrate
a place that seems familiar and instead is still immensely mysterious.
A sort of science fiction documentary, where powerful spirits, like Moo
Ya of the Nile, still spark fear and where the tragedy of mankind seems
interminable.”
135
SOMMARIO
TFFDOC
-
Filippo Ticozzi (Voghera, Pavia, 1973)
ha realizzato nel 2014 il suo primo
lungometraggio documentario,
Inseguire il vento, selezionato in vari
festival internazionali (tra cui Visions
du réel, Full Frame, Filmmaker,
Doc/Ita Awards) e premiato come
miglior documentario a Cinema
Vérité, in Iran. In precedenza, aveva
diretto la serie documentaria per la
televisione Il paese breve (2008),
i cortometraggi Lilli (2008)
e Dall’altra parte della strada (2010)
e i documentari brevi Un cammino
lungo un giorno (2011) e A tentoni
come fosse notte (2014).
Filippo Ticozzi (Voghera, Pavia, Italy,
1973) made his first feature-length
documentary, Inseguire il vento,
in 2014; it was selected for various
international festivals (including
Visions du réel, Full Frame, Filmmaker,
Doc/Ita Awards) and won Best
Documentary at Cinema Vérité, in
Iran. Before this, he had directed the
documentary TV series Il paese breve
(2008), the shorts Lilli (2008) and
Dall’altra parte della strada (2010),
and the short documentaries Un
cammino lungo un giorno (2011) and
A tentoni come fosse notte (2014).
Il paese breve (tv, 2008), Lilli (cm,
2008), Dall’altra parte della strada
(cm, 2010), Un cammino lungo un
giorno (cm, doc., 2011), A tentoni
come fosse notte (cm, doc., 2014),
Inseguire il vento (doc., 2014), Moo
Ya (doc., 2016).
TFFDOC
-
tommaso lipari
PRO LOCO
PRO LOCO
regia, fotografia,
montaggio, suono/
film editing, sound
Tommaso Lipari
interpreti/cast
Massimo Izzi,
Marte Vivenzi,
Mirko Vivenzi
**
contatti/contacts
Tommaso Lipari
[email protected]
www.tommasolipari.it
Fare qualcosa per il luogo che si abita. Passarci sopra, sottolinearlo,
renderlo vivo grazie alle rotte segnate dalle ruote di uno skate, che,
scivolando sullo spazio quotidiano e dimenticato, lo segnano con
visioni diverse. Prendersi tutto il tempo necessario, senza paura di
perderlo, nel ripetere diverse volte un trick e rendere così giustizia
alla fatica che un’idea fissa comporta. Osservare gli skater, esseri
lunari, significa alleggerire l’anima dal peso di dover fare qualcosa
con un ritorno. Significa far saltare la soglia tra realismo e finzione,
per scegliere una strada che vede nel reale cose che stanno nella
testa.
«Realizzare Pro Loco è stato piacevolmente faticoso, perché mi
sono ritrovato a lottare da una parte contro i pregiudizi di chi
ritiene che lo skateboarding sia un argomento superficiale e
dall’altra con gli skater, abituati a standard estetici e contenutistici
che non mi interessavano. Non volevo, insomma, realizzare un
“video sportivo” con il classico montaggio veloce dei tricks eseguiti
alla perfezione».
**
To do something for the place where you live. To pass over it,
underscore it, make it come alive through the courses traced by
the wheels of skateboards which, sliding over mundane and forgotten
space, mark it with different visions. To take all the time it needs,
without fear of wasting it, repeating a trick over and over and thereby
doing justice to the effort a fixation comports. To observe skaters, lunar
beings, means to free the soul from the weight of having to do
something with a return trip. It means crossing the threshold between
realism and fiction, choosing a path which sees in reality things that
are actually in your head.
“Making Pro Loco was pleasurably difficult because I found myself
fighting, on the one hand, against the prejudices of people who find
skateboarding superficial and, on the other, with the skaters, who are
accustomed to standards of esthetics and content which didn’t interest
me. In short, I didn’t want to make a ‘sports video’ with the classic fast
editing of perfectly performed tricks.”
136
SOMMARIO
TFFDOC
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Tommaso Lipari (Como, 1985)
esordisce nel 2000, quando è ancora
uno studente, con il cortometraggio
documentario Banditi, mentre con
il successivo videodiario Le grotte
del formaggio (2002) vince un
premio al Sottodiciotto Film Festival.
Trasferitosi a Roma, lavora come
creativo per Fox International
Channels e nel 2007 si sposta
a Milano, dove all’attività di
videomaker freelance affianca quella
di artista, esponendo per la galleria
Studio Maffei. Nel 2010 partecipa
alla Biennale di Mosca con
l’installazione Stalker su un mare di
nebbia. Nello stesso periodo inizia a
esplorare il mondo dell’animazione,
in particolare la tecnica tradizionale
e successivamente il reportage video.
Tommaso Lipari (Como, Italy, 1985)
debuted as a student in 2000 with the
short documentary Banditi; his next
video-diary, Le grotte del formaggio
(2002), won a prize at the Sottodiciotto
Film Festival. He moved to Rome,
where he worked as a creative for Fox
International Channels, and in 2007
he moved to Milan, where he works
both as a freelance video maker and
as an artist, exhibiting at the Studio
Maffei art gallery. In 2010, he
participated at the Moscow Biennale
with the installation Stalker su un
mare di nebbia. In that same period,
he began to explore the world of
animation, in particular traditional
technique, and later video news
reporting.
Banditi (cm, doc., 2000), Le grotte del
formaggio (doc., 2002), Sulla strada
(doc., 2003), Stalker su un mare di
nebbia (inst., 2010), Pro Loco (doc.,
2016).
TFFDOC
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enrico maria artale
SARO
SARO
regia, produttore/
director, producer
Enrico Maria Artale
Valeria Sapienza
musica/music
Emanuele De Raymondi,
Marco Messina
suono/sound
Gianluca Palma
interpreti/cast
Enrico Maria Artale,
Daniel Mejia Vargas,
Sarah Sammartino,
Giuseppe Sammartino,
Maria Luisa Artale,
Silvia Alù,
Marco Morana,
Saro Sardo Infirri
Film After Film
**
Film After Film
Enrico Maria Artale
[email protected]
www.filmafterfilm.com
«Mio padre è uscito dalla mia vita quando avevo poco più di
un anno. Da allora non ne ho voluto sapere nulla, e più volte,
crescendo, mi sono rifiutato di conoscerlo. Ora che ho trovato un
suo messaggio nella segreteria telefonica, decido finalmente di
farmi raccontare qualcosa in più, prima di partire per un lungo
viaggio solitario attraverso la Sicilia, convinto di riuscire
a rintracciarlo, a incontrarlo e a registrare tutto con la macchina
da presa».
«Ho girato il materiale utilizzato in questo film quando avevo
venticinque anni. Poi ho chiuso tutto in un cassetto, e ne sono
passati altri cinque prima che mi decidessi a rivederlo. Si è trattato
di un gesto terapeutico necessario: ho girato per superare un
blocco psicologico e ho montato per rielaborare emozioni in
un primo momento rifiutate. Emozioni e questioni che ho
scoperto essere universali, finalmente condivisibili. Così la
pratica cinematografica è diventata condizione di possibilità
dell’esperienza, una spinta interiore della vita stessa».
**
My father got out of my life when I was little more than a year old.
Since then, I never wanted to know anything about him and several
times, as I was growing up, I refused to meet him. But after finding a
voice mail from him, I finally decided to let people tell me a bit more,
before leaving on a long and solitary journey through Sicily, convinced
I’d manage to track him down, meet with him and record everything
with a movie camera.
“I shot the material used in this film when I was twenty-five years old.
Then, I locked it all up in a drawer and five more years passed before
I decided to take another look at it. It was something therapeutic and
necessary for me: I shot the film to overcome a psychological block,
and I edited it to re-elaborate emotions I had initially refused to accept.
Emotions and questions which I discovered were universal and finally
sharable. Thus, filmmaking became an enabling condition of the
experience, an interior thrust of life itself.”
137
SOMMARIO
TFFDOC
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Enrico Maria Artale (Roma, 1984) si
è laureato in estetica presso la facoltà
di filosofia all’Università di Roma
La Sapienza e si è poi diplomato in
regia presso il Centro sperimentale
di cinematografia. Nel 2009 ha girato
il documentario televisivo I Giganti
dell’Aquila, poi trasmesso da
Raitre. Ha scritto e diretto diversi
cortometraggi vincitori di premi
internazionali, tra cui Il respiro
dell’arco (2012), Nastro d’argento
per il miglior cortometraggio.
Nel 2013 ha presentato il suo primo
lungometraggio, Il terzo tempo, nella
sezione Orizzonti alla Mostra di
Venezia; il film ha ottenuto il premio
Pasinetti per l’opera prima,
assegnato dal Sindacato nazionale
giornalisti cinematografici
italiani. Negli ultimi anni ha diretto
alcuni documentari per Sky Arte e
curato alcuni laboratori formativi
sul cinema e l’autonarrazione.
Enrico Maria Artale (Rome, Italy,
1984) graduated in aesthetics from
the department of philosophy of the
Università di Roma La Sapienza and
then received a degree in directing from
the Centro sperimentale di
cinematografia. In 2009, he directed
the TV documentary I Giganti
dell’Aquila, which aired on Raitre. He has written and directed various
short films which have won
international prizes, and his film
Il respiro dell’arco (2012) won a Silver
Ribbon for Best Short Film. In 2013,
he presented his first feature film, The
Third Half, in the Horizons section at
the Venice Film Festival; the movie
received the Pasinetti Award for Best
First Film, awarded by the Italian
National Syndicate of Film Journalists.
In recent years, he has directed a
number of documentaries for Sky
Arte and has curated educational
laboratories on film and self-narration.
Allegro compreso (cm, 2009),
I Giganti dell’Aquila (doc., tv, 2009),
Hai in mano il tuo futuro! (cm, 2010),
Il respiro dell’arco (cm, 2012), Il terzo
tempo (2013), Sei in un Paese
meraviglioso (doc., serie tv/tv
series, 2015), Saro (doc., 2016).
© ROBERTO BEANI
TFFDOC
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zimmerfrei
LA VILLE ENGLOUTIE
Italia/Italy, 2016, HD, 64’, bn/bw
THE
DROWNED
CITY
regia/director
Anna de Manincor
soggetto/story
ZimmerFrei
Anna de Manincor,
Claire Astier
Davide Pepe,
Anna de Manincor
Roberto Beani
musica/music
Massimo Carozzi,
Susanna La Polla
suono/sound
Massimo Carozzi
interpreti/cast
Kemais Ouchem,
Rayan Ouchem, DJ Noam,
Rayane Big Show, Frédéric
Sercy, Jonathan Goffé, Kévin
Théraud, Manuel Marcos,
Claire Astier, Muriel Poil,
Michel Lahaye, Gérard
Chaise, David Lautrey,
Pascal Terrier, Anaïs
Blanchard, Jean Sémon,
Denis Dubois, Danyele
Papillot, Pauline Sémon,
Anton, Garance
Torres-Amariglio, Patricia
Davanture, Olivier Genelot,
Jean-Michel Minvielle,
Jean-Marc Ruget,
Jean-François Maugey,
Christophe Pratx,
Louise Gandois,
Eléa Nardin
Centre National des Arts
de la Rue L’Abattoir
InSitu network
Il film è il settimo della serie Temporary Cities, ritratti di città
filmati in piccole aree che stanno affrontando un processo di
trasformazione: un quartiere, una piazza, un bar o anche una
singola panchina. Il tema principale sono i residenti, la loro
percezione e l’uso dello spazio pubblico.
«Il film ritrae Chalon-sur-Saône, ex città industriale, con uno
sguardo fantascientifico e ne esamina il possibile futuro. Come
apparirà Chalon-sur-Saône nel 2040? Il documentario è una
creazione collettiva e originale che proietta visioni, paure e desideri
su una città immaginaria e distopica. Il futuro è già qui».
**
This is the seventh instalment of the Temporary Cities series: portraits
of cities filmed in small areas about to undergo a transformation:
a neighborhood, a square, a café, or even a single bench. Every one
of them connected by a central theme: its residents, their perception,
and how they use these public spaces.
“The film portrays a former industrial city, Chalon-sur-Saône, through
a sci-fi filter, examining its potential future. What will Chalon-sur-Saône
look like in 2040? The documentary is a collective and original creation,
projecting visions, fears, and desires on an imaginary, dystopic city.
The future is already here.”
**
contatti/contacts
Serena Gramizzi
SOMMARIO
ZimmerFrei (Italy) is an art collective
created by Massimo Carozzi, Anna
de Manincor, and Anna Rispoli.
It originated in Bologna in 2000, and
has now spread to its hometown and
Brussels. Combining cinema, visual
arts, music, and performance pieces,
the group’s artistic approach explores
urban environments, both real and
imaginary, searching for the boundaries
between public and private spaces.
While still experimenting with
performance art, in recent years
ZimmerFrei has been focusing more on
artistic documentaries. The Torino Film
Festival paid tribute to the collective in
the Onde section of its 2012 edition,
screening a selection of their work.
N.K. - Never Keep Souvenirs of a
Murder (cm, 2000), Presente Continuo
(cm, 2003), Panorama_Roma (cm,
2004), Panorama_Bologna (cm,
2005), Panorama_Venezia (cm,
2005), Stone Money (cm, 2005),
Controfigura (Body Double) (cm,
2006), Third Take (cm, 2006), why we
came (cm, 2006), Teenage Lightning
(cm, 2006), The Colony (cm, doc.,
2007), Memoria Esterna (cm, 2007),
Focus Puller (cm, 2008),
Panorama_Harburg (cm, 2009),
LKN Confidential (mm, 2010),
The Hill (mm, doc., 2011), Temporary
8 (mm, doc., 2012), Hometown |
Mutonia (doc., 2013), La beauté c’est
ta tête (doc., 2014), Steadfast on Our
Sand (doc., 2015), La ville engloutie
(doc., 2016).
TH
[email protected]
138
ZimmerFrei (Italia) è un collettivo
artistico formato da Massimo
Carozzi, Anna de Manincor e Anna
Rispoli. Nato a Bologna nel 2000,
oggi si divide tra la città di origine
e Bruxelles. La pratica artistica del
gruppo, a metà strada tra cinema,
arti visive, musica e performance,
esplora gli ambienti urbani, tanto
reali quanto immaginari, alla ricerca
dei confini tra spazi pubblici e
territori privati. Pur continuando a
sperimentare nell’ambito dell’arte
performativa, in questi ultimi anni la
ricerca di ZimmerFrei si è focalizzata
sempre più sulla produzione di
documentari d’artista. Nel 2012 il
Torino Film Festival, nella sezione
Onde, ha dedicato un omaggio al
gruppo, proiettando una selezione
delle loro opere.
TFFDOC
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TFFDOC
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FUORI CONCORSO
jeff feuerzeig
AUTHOR: THE JT LEROY STORY
Usa, 2016, HD, 110’, col.
AUTHOR:
THE JT LEROY
STORY
regia, soggetto/
director, story
Jeff Feuerzeig
Richard Henkels
Michelle M. Witten
interpreti/cast
Laura Albert
Jim Czarnecki,
Danny Gabai,
Molly Thompson,
Brett Ratner,
Henry S. Rosenthal,
Gus Van Sant,
Asia Argento,
Paul David Hewson
Dogwoof
**
contatti/contacts
Dogwoof
Luke Brawley
[email protected]
www.dogwoof.com
9 gennaio 2006: il «New York Times» smaschera lo scrittore JT
LeRoy, romanziere di culto, autore dei crudi romanzi autobiografici
Sarah, Ingannevole è il cuore più di ogni cosa e La fine di Harold.
Dietro il nome di LeRoy, la musicista e operatrice telefonica di linee
sexy Laura Albert, che ha creato di sana pianta il personaggio con
l’aiuto di alcuni complici. Ma per quale motivo?
«Non avevo mai sentito parlare di JT LeRoy, né avevo letto i suoi
libri o tantomeno seguito lo scandalo nel 2006. È stata un’amica
giornalista a farmi appassionare alla storia. […] Così ho fatto un
passo indietro e ho letto il materiale disponibile: ero convinto
che ci fosse molto di più di quello che era stato detto. Quindi ho
contattato Laura Albert. […] Dopo la scoperta, Laura era stata
letteralmente scomunicata dal mondo letterario, etichettata come
un paria e una truffatrice. Era stata condannata per frode per aver
firmato a nome JT LeRoy un contratto cinematografico, utilizzando
quindi un’identità inesistente. In seguito a ciò si era chiusa in se
stessa».
**
January 9 , 2006: the “New York Times” unmasks the author JT
LeRoy, a cult novelist, the author of the crude autobiographical novels
Sarah, The Heart Is Deceitful Above All Things, and Harold’s End.
Behind LeRoy’s hides Laura Albert, musician and phone-sex operator,
who created the character with the help of a few friends. But why?
TH
“I had never heard of JT LeRoy, nor had I read the books, nor had
I heard about the scandal as it was breaking in 2006. A journalist
friend of mine turned me onto the story a few years later. […] I went
back and read everything that had been written and I said to myself,
there must be more to the story than we are being told. I then reached
out to Laura Albert. […] And at this point in time, she’d literally been
excommunicated from the literary community. She’d been labeled a
pariah and a fraud. She’d been actually convicted of fraud in a court
of law for signing the name JT LeRoy on a movie contract and that’s
a human being that does not exist. And she was curled up in a ball.”
139
SOMMARIO
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
Jeff Feuerzeig (Usa, 1964),
documentarista, nelle sue opere
ha spesso raccontato la carriera
travagliata o segnata da
riconoscimenti inattesi o tardivi di
personaggi del mondo della musica
e dello sport: il cantautore texano
Daniel Johnston, la band degli Half
Japanese e il misconosciuto pugile
Chuck Wepner. Ha esordito nel 1990
con il documentario breve Jon
Hendricks: The Freddie Sessions, a cui
sono seguiti Half Japanese: The Band
That Would Be King (1993), The Devil
and Daniel Johnston (2005), per cui
ha ottenuto il premio per la regia al
Sundance, The Dude (2011) e il tv
movie The Real Rocky (2011).
Jeff Feuerzeig (Usa, 1964), is a
documentary filmmaker. His works
have often recounted tormented careers
or those marked by unexpected or tardy
recognition of people from the world
of music and sports: the Texan
singer-songwriter Daniel Johnston,
the band Half Japanese, and the
overlooked boxer Chuck Wepner.
He debuted in 1990 with the short
documentary Jon Hendricks: The
Freddie Sessions, which was followed
by Half Japanese: The Band That
Would Be King (1993); The Devil
and Daniel Johnston (2005), which
received the Directing Award at the
Sundance Film Festival; The Dude
(2011) and the TV movie The Real
Rocky (2011).
Jon Hendricks: The Freddie Sessions
(cm, doc., 1990), Half Japanese:
The Band That Would Be King (doc.,
1993), The Devil and Daniel Johnston
(doc., 2005), The Dude (cm, doc.,
2011), The Real Rocky (tv, 2011),
Author: The JT LeRoy Story (doc.,
2016).
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
fabrizio ferraro
COLOSSALE SENTIMENTO
COLOSSALE
SENTIMENTO
regia, fotografia,
montaggio/director,
cinematography,
film editing
Fabrizio Ferraro
soggetto/story
Simone Ferrari,
Fabrizio Ferraro
suono/sound
Simone Frati
Boudu-Passepartout
**
contatti/contacts
Boudu
Fabio Parente
[email protected]
www.boudu.it
Roma, 1630-40: lo scultore barocco Francesco Mochi realizza
il Battesimo di Cristo per la chiesa di San Giovanni Battista de’
Fiorentini di Roma. L’opera, rifiutata dal committente, inizia una
peregrinazione di luogo in luogo che durerà quasi quattrocento
anni. Roma, gennaio 2016: un gruppo di visionari decide di
riportare la scultura nel luogo dov’era stata concepita.
Improvvisamente, Cristo rompe il silenzio di quattrocento anni
e si rivolge a Giovanni Battista.
«L’esigenza di riportare peso, misura, gravitazione nel luogo del
cinema, dinanzi alla tendenza opaca di molti film contemporanei.
[…] La bella immagine per la bella immagine, sedurre per sedursi,
senza nessun elemento concreto e nessuna informazione sul
processo, nel suo conflitto. Allora abbiamo deciso di realizzare un
vero e proprio kolossal in questa nuova fase digitale. Costruire un
evento colossale che sappia reimmettere al centro dell’immagine
alcuni elementi compositivi della vita di fuori per insediarsi in
quel margine di tempo, di storia, così da incontrare, allora sì,
la dimensione della bellezza e della sua fragile eternità».
**
Rome, 1630-40. The baroque sculptor Francesco Mochi creates the
Baptism of Christ for the church of San Giovanni Battista de’
Fiorentini in Rome. The client who commissioned it refused it, sending
it on a peregrination from place to place that would last almost four
hundred years. Rome, January 2016: a group of visionaries decides to
bring the sculpture back to where it was conceived. Suddenly, Christ
breaks a four-hundred-year-silence and speaks to John the Baptist.
“The need to bring weight, measure, gravitation back to the place
of cinema, in the face of the opaque tendencies of many contemporary
filmmakers. […] The beautiful image for the sake of the beautiful
image, seducing to seduce oneself, without any concrete element or
information about the process, in its conflict. So we decided to make
a true colossal in this new digital phase. To construct a colossal event
which can put a few compositional elements of outside life back into
the center of the image, to occupy that margin of time, of history, in
order to encounter, finally, the dimension of beauty and its fragile
eternity.”
140
SOMMARIO
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
Fabrizio Ferraro si è dedicato alla
fotografia e all’organizzazione di
eventi culturali cinematografici,
dirigendo nel 2000 e 2001 la Mostra
cinematografica internazionale di
Terzo Cinema. Ha quindi
pubblicato Breviario di estetica
audiovisiva amatoriale - Natura,
immagine, etica (2006) e, tra il 2006
e il 2008, ha realizzato una tetralogia
di film sull’amatorialità, presentati in
vari festival tra cui il Torino Film
Festival e il FidMarseille. Nel 2009
ha diretto Je suis Simone - La
condition ouvrière, menzione speciale
al Torino Film Festival.
Fabrizio Ferraro dedicated himself
to photography and organizing
cinematographic cultural events,
directing in 2000 and 2001 the Terzo
Cinema International Film Festival.
He then published Breviario di estetica
audiovisiva amatoriale - Natura,
immagine, etica (2006) and, between
2006 and 2008, he made a tetralogy
of movies about amateurism, presented
at various festivals, including the
Torino Film Festival and FIDMarseille.
In 2009, he directed Je suis Simone La condition ouvrière, which received
a Special Mention at the Torino Film
Festival.
Je suis Simone - La condition ouvrière
(doc., 2009), Piano sul pianeta Malgrado tutto, coraggio Francesco!
(doc., 2010), Ethos (verrà presto il
giorno in cui gli attori e le attrici non
crederanno più che le loro maschere
e i loro costumi siano essi stessi)
(doc., 2011), Penultimo paesaggio
(2011), Quattro notti di uno straniero
(2013), Quando dal cielo (doc., 2015)
e Sebastiano (2016).
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
wang bing
DEANG
Hong Kong-Francia/Hong Kong-France, 2016, HD, 147’, col.
TA’ANG
regia/director
Wang Bing
Shan Xiaohui,
Wang Bing
Adam Kerby,
Wang Bing
suono/sound
Emmanuel Soland
Mao Hui,
Wang Yang
Chinese Shadows,
Wil Productions
Wang Jia,
Francesca Feder,
Danièle Palau
**
contatti/contacts
Asian Shadows
Anne-Sophie Lehec
[email protected]
www.chineseshadows.com
All’inizio del 2015 il territorio della minoranza etnica birmana dei
Ta’ang, al confine fra Birmania e Cina, è teatro di un’aspra guerra
civile, i cui scontri costringono migliaia di bambini, donne e anziani
a compiere un esodo in terra cinese. Un allontanamento forzato
che tutti sperano si trasformi presto in ricordo.
«Abbiamo filmato la vita nei due campi profughi di Maidihe
e Chachang, dove avevano trovato rifugio, rispettivamente,
quattromila e duemila persone. Le condizioni di vita e la geografia
del campo sono in costante evoluzione a causa del
sovraffollamento, con molte persone che sono accampate sul
ciglio della strada. Molti rifugiati sono ospitati da parenti o amici
nei villaggi lungo il confine. La maggior parte di loro fa lavori
occasionali per gli agricoltori cinesi della zona, nel tentativo di
racimolare qualche soldo per tirare avanti; di solito aiutano con
la raccolta della canna da zucchero. Abbiamo ripreso molte
donne delle etnie Ta’ang e Dai che vivono nel campo di Chachang,
tra cui Jin Xiaoman e Jin Xiaoda, arrivate attraverso il confine con
i bambini e gli anziani dei loro villaggi».
**
In early 2015, the territory of the Burmese ethnic minority Ta’ang, on
the border between Burma and China, was the theatre of a harsh civil
war. The clash compelled thousands of children, women and elderly
people onto Chinese soil. A forced banishment everyone hopes will
soon be transformed into a memory.
“We filmed life in the two refugee camps of Maidihe and Chachang,
which were sheltering around four thousand and two thousand
refugees. Living conditions and camp locations are constantly changing
due to overcrowding, with many people camping by the roadside. Many
refugees are staying with relatives or friends in the small villages along
the border. Most of them are doing odd jobs for local Chinese farmers,
to make enough money to get by, usually helping with the sugar-cane
harvest. We filmed several Ta’ang and Dai women living in Chachang
camp, including Jin Xiaoman and Jin Xiaoda who had come across the
border into China with their children and old folk from their villages.”
141
SOMMARIO
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
Wang Bing (Xi’an, Cina, 1967) ha
studiato fotografia all’Accademia
di belle arti di Lu Xun nel 1992 e
cinematografia all’Accademia di
cinema di Pechino nel 1995. Nel 1999
ha poi iniziato la sua carriera di
filmmaker indipendente, segnata
dalla prolificità e da una forte
impronta politica. I suoi documentari
sono stati presentati nei festival
più prestigiosi del mondo, come
il Cinéma du réel, DocLisboa,
FIDMarseille, Rotterdam, Cannes
e Venezia. Nel 2007 ha presentato
fuori concorso a Cannes Fengming,
a Chinese Memoir, mentre a Venezia
ha partecipato in concorso con The
Ditch (2010), suo primo lavoro di
finzione, ha vinto la sezione
Orizzonti con ’Til Madness Do Us Part
(2013) e ha vinto ancora a Orizzonti,
per la migliore sceneggiatura, con
Bitter Money (2016).
Wang Bing (Xi’an, China, 1967)
studied photography at the Lu Xun
Academy of Fine Arts in 1992 and
filmmaking at the Beijing Film
Academy in 1995. In 1999, he began
his career as an independent
filmmaker, a career marked by the
number and strong political stance of
his films. His documentaries have been
presented at the world’s top festivals,
including Cinéma du réel, DocLisboa,
FIDMarseille, Rotterdam, Cannes
and Venice. In 2007, at Cannes, he
presented Fengming, a Chinese
Memoir out of competition, and in
2010 he participated in competition
in Venice with The Ditch, his first
fiction film. He won the Venice
Horizons section in 2013 with ’Til
Madness Do Us Part and in 2016,
with Bitter Money, he won Best
Screenplay in Horizons section again.
Tie xi qu (West of the Tracks, doc.,
1999-2003), Baoli gongchang
(Brutality Factory, cm, doc., 2007),
He fengming (Fengming, a Chinese
Memoir, doc., 2007), Yuan You
(Crude Oil, doc., 2008), Tong dao
(Coal Money, mm, doc., 2008), Jia
bian gou (The Ditch, 2010), San zimei
(Three Sisters, doc., 2012), Gudu
(Alone, 2012), Feng ai (’Til Madness
Do Us Part, doc., 2013), Fu yu zi
(Father and Son, mm, doc., 2014),
Yizhi (Traces, cm, doc., 2014), Deang
(Ta’ang, doc., 2016), Ku Kian (Bitter
Money, doc., 2016).
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
jean-daniel pollet
LA FEMME AUX CENT VISAGES
THE WOMAN
OF ONE
HUNDRED
FACES
regia, fotografia,
montaggio/director,
cinematography,
film editing
Jean-Daniel Pollet
testo/text
Jean Thibaudeau
musica/music
Antoine Duhamel
voce narrante/narrator
Jean Topart
Argos Films
**
contatti/contacts
La traverse
Gael Teicher
[email protected]
Dall’antichità a Modigliani, volti femminili della storia della pittura
montati sul tema integrale del Bandito delle undici composto da
Antoine Duhamel.
«Il testo che ho scritto per il film era composto di un’unica frase,
descrittivo-vocativa, rivolta alle immagini da una voce maschile,
in modo da costituire un discorso del desiderio, pronunciato alla
seconda persona singolare e al presente, ma con una distanza
marcata, in modo che non fosse riducibile a una coscienza o a
un personaggio». (Jean Thibaudeau)
«Gli ho fatto ascoltare la musica che avevo composto per Il bandito
delle undici e mi ha detto: “La prendo e costruisco il film sulla
musica”. Qualche volta mi sono divertito, nelle conferenze, a
mostrare la sequenza della traversata della Durance del Bandito
delle undici prima muta, poi con la musica, e infine a mostrare
La femme au cent visages, in cui la stessa musica accompagna
un altro supporto visivo». (Antoine Duhamel, 1998)
**
Faces of women captured in paintings from the antiquities to
Modigliani’s times, accompanied by the notes of Pierrot le fou,
composed by Antoine Duhamel.
“The text I wrote was made of one descriptive-evocative phrase about
the images portrayed; a phrase spoken by a male voice to convey a
discourse about desire, pronounced in the second person singular and
in the present tense, but with a sense of detachment so that it couldn’t
be attributed to a specific conscience or character.” (Jean Thibaudeau)
“I made him listen to the music I composed for Pierrot le fou and
he told me: ‘I’ll take it and make a movie out of it.’ Sometimes, during
conferences, I enjoyed showing the scene of the Durance crossing from
Pierrot le fou, first on silent and then with the music on; I would then
follow it with La femme au cent visages, where the same music
accompanies an entirely different visual support.” (Antoine Duhamel,
1998)
142
SOMMARIO
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
Jean-Daniel Pollet (La Madeleine,
Francia, 1936 - Cadenet, Francia,
2004), cineasta difficilmente
assimilabile a una scuola o tendenza,
ha deciso al liceo di fare il regista
e da quel momento si è dedicato
al cinema con alterne fortune: basti
pensare a La ligne de mire (1960),
mai mostrato al pubblico e
pesantemente attaccato dalla
nouvelle vague, o, al contrario, allo
stesso Méditerranée, accolto invece
come un capolavoro dai «Cahiers
du cinéma». Il sodalizio artistico
con Claude Melki, l’impegno durante
il maggio francese, la frequentazione
degli ambienti del Cinema Nôvo
brasiliano sono tutti elementi che
rientrano nel cinema di Pollet,
scomparso nel 2004 dopo una lunga
e proficua carriera. Nel 1998 il Torino
Film Festival gli ha dedicato una
retrospettiva completa.
Jean-Daniel Pollet (La Madelaine,
France, 1936 - Cadenet, France, 2004)
as a filmmaker can hardly be classified
in a school of thought or trend.
He decided he would become a director
in high school, and has dedicated his
life to cinema ever since, with mixed
success: La ligne de mire (1960), for
instance, was never publicly released
and was severely criticized by the
Nouvelle Vague; Méditerranée, on
the other hand, was a resounding
success, elevated as a masterpiece by
the “Cahiers du cinéma.” His creative
partnership with Claude Melki, his role
in France’s May 1968 protests, or in the
circles of Brazilian Cinema Nôvo are
all elements that resurface in Pollet’s
cinema. He died in 2004 after a long
and prolific career, to which the Torino
Film Festival dedicated a complete
retrospective in 1998.
Bassae (cm, 1964), Une balle au
cœur (1965), Le Horla (mm, 1966),
La femme aux cent visages (cm, 1966),
Les morutiers (cm, 1966), Tu imagines
Robinson (1967), L’amour c’est gai,
l’amour c’est triste (1968), Le maître
du temps (1970), Le sang (1972),
L’ordre (1973), L’acrobate (1975),
Pascale et Madi (cm, 1976), Pour
mémoire (1980), Au père Lachaîse
(cm, 1986), Contretemps (1988),
Trois jours en Grèce (1990), Dieu
sait quoi (1996), Jour après jours
(coregia/codirector Jean-Paul Farger,
2006).
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
jean-paul fargier
PARLE-MOI ENCORE
Francia/France, 2016, HD-16mm-35mm, 55’, col.
PARLE-MOI
ENCORE
Jean-Paul Fargier
**
contatti/contacts
La traverse
Gaël Teicher
[email protected]
Dieci anni dopo Jour après jour, Jean-Paul Fargier torna a parlare
di Jean-Daniel Pollet per un nuovo capitolo della serie Cinéaste
de notre temps di André S. Labarthe e Janine Bazin. Raccoglie le
ossessioni ricorrenti e le ragioni del cinema di Pollet e le fa
dialogare fra loro: la Grecia, Claude Melki, i testi dei suoi film,
la fiction contro la non-fiction, il movimento contro l’immagine
statica, l’idea della cosiddetta «durata concentrata». Spettatore,
critico, collaboratore e ammiratore del cinema di Pollet, Fargier
costruisce un discorso personale e appassionato, ricorrendo a
frammenti di film, interviste e making of.
«Il tema principale del film è la parola. Le parole che Jean-Daniel
metteva nelle sue immagini, nei suoi documentari o nei suoi film
di finzione. Le parole che condivideva con gli scrittori e i dialoghisti
con cui lavorava. Il film stesso è fatto di parole e di riflessioni sulla
parola. In qualche modo, è il ritratto di alcune di esse e di come
tornavano di continuo nei film di Jean-Daniel: “abyme”, “amour”,
“association”, “compréhension”…»
**
Ten years after his documentary Jour après jour, Jean-Paul Fargier
reopens the chapter about Jean-Daniel Pollet in a new page of the
series Cinéaste de notre temps by André S. Labarthe and Janine
Bazin. Fargier brings together the recurring obsessions and reasons
behind Pollet’s films and lets them talk to each other: Greece, Claude
Melki, his screenplays, fiction versus non-fiction, movement versus static
images, the idea of the so-called “concentrated duration.” Viewer, critic,
collaborator, and admirer of Pollet’s work: Fargier creates a personal
and passionate conversation punctuated with fragments from his films,
interviews, and behind the scenes.
“Words are the main theme. The words Jean-Daniel used in his images,
documentaries, or fictional films. The words he shared with the writers,
playwrights, and dialogue-writers he worked with. The movie itself is
made of words, and musings about words. In a way, it’s a portrait of a
specific set of words that would always pop up in Jean-Daniel’s work:
‘abyme’, ‘amour’, ‘association’, ‘compréhension’…”
143
SOMMARIO
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
Jean-Paul Fargier (Aubenas, Francia,
1944) è regista, produttore televisivo,
scrittore, giornalista, critico d’arte
e di cinema e professore di cinema.
Collaboratore delle riviste «Tribune
socialiste» (1967-1970), «Cinéthique»
(1968-1973), «Cahiers du cinéma»
(1978-1989), «Le Monde» (1980-1982
e 1993-1996), «Libération» (19821983), «Art Press» e «Turbulences
Vidéo», ha inoltre scritto due romanzi,
pubblicato la raccolta di articoli
Tivi ou Tivi pas e testi collettivi come
Où va la vidéo ? Membro del collettivo
Groupe Cinéthique negli anni Settanta,
autore di diversi documentari televisivi,
è stato uno dei pionieri del formato
video nel cinema francese, a partire
soprattutto da una esposizione
organizzata nel 1986 al Festival di
Avignone.
Jean-Paul Fargier (Aubenas, France,
1944) is a filmmaker, TV producer, writer,
journalist, art and film critic, and film
professor. He collaborated with several
magazines over the years, like “Tribune
socialiste” (1967-1970), “Cinéthique»
(1968-1973), “Cahiers du cinéma”
(1978-1989), “Le Monde” (1980-1982
and 1993-1996), “Libération” (19821983), “Art Press” and “Turbulences
Vidéo.” He also wrote two books,
published a collection of articles under
the title Tivi ou Tivi pas, and collective
works like Oú va la vidéo? He was
a member of the collective Groupe
Cinéthique in the 1970s. He wrote
several documentaries for television, and
he was one of the pioneers of the video
format in French cinema, especially after
the exposition organized during the 1986
Avignon Film Festival.
Quand on aime la vie on va au cinéma
(come/as Groupe Cinéthique, doc.,
1975), Godard/Sollers: L’entretien (doc.,
1984), Vingt p’tites tours (serie tv/tv
series, cm, doc., 1989), Impressionisme,
les origines (doc., 1994), Un siècle
d’écrivains (serie tv/tv series, ep. Curzio
Malaparte, Charles Péguy, doc., 1995),
La case de l’oncle Doc (serie tv/tv series,
ep. Man Ray Monsieur machine à
coudre, doc., 1998), Versailles, les jardins
du pouvoir (tv, doc., 2001), Jour après
jour (coregia/codirector Jean-Daniel
Pollet, doc., 2006), M la maudite (tv,
doc., 2007), Empreintes (serie tv/tv
series, ep. Jérôme Savary, animal (pas)
triste, doc., 2009), Reims la romaine
(cm, doc., 2010), …Et de Gaulle créa la
Cinquième (tv, doc., 2012), Parle-moi
encore (mm, doc., 2016).
© BENJAMIN LOYSEAU
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
jonathan littell
WRONG ELEMENTS
Francia-Germania-Belgio/France-Germany-Belgium, 2016, HD, 133’, col.
WRONG
ELEMENTS
regia/director
Jonathan Littell
Joachim Philippe,
Johann Feindt
Marie-Hélène Dozo
suono/sound
Yolande Decarsin,
Yves Comeliau
produttore/producer
Jean-Marc Giri
Veilleur de nuit
Thomas Kufus, Benoît
Roland
Zero One Film,
Wrong Men
**
contatti/contacts
Le Pacte
Ioana Dragomirescu
[email protected]
www.le-pacte.com
Geofrey, Nighty e Mike sono stati rapiti ancora adolescenti e
arruolati a forza nell’Lra (Lord’s Resistance Army), una formazione
irregolare che dal 1989 combatte contro l’esercito ugandese.
Fondatore della milizia è il celeberrimo Joseph Kony, che sostiene
di essere guidato dagli spiriti. I tre giovani, come altri sessantamila
ragazzi, hanno partecipato a battaglie e atrocità di ogni tipo, e
portano dentro di sé ferite difficilmente rimarginabili, con le quali
devono fare i conti quotidianamente. Intorno a loro una società
che li rifiuta e li considera elementi sbagliati. E, intanto nella
giungla, da più di venticinque anni, Joseph Kony continua a
combattere a capo dei ribelli dell’Lra.
«Perché l’Lra? Perché credo che metta in gioco qualcosa di
essenziale: la nostra concezione delle nozioni di “boia”,
“assassino” e “crimine”. Cosa succede con i concetti di misfatto
e responsabilità quando il colpevole, rapito ancora bambino
e lasciato da solo a costruirsi il proprio sistema di valori, diventa
consapevolmente un killer?»
**
Geofrey, Nighty, and Mike were kidnaped as teenagers and forcibly
enrolled in the LRA (Lord’s Resistance Army), a militia group that has
been fighting against the Ugandan government since 1989. The group
was founded by the notorious Joseph Kony, who believed he was guided
by spirits. The three boys, along with sixty thousand other kids,
participated in battles and every kind of atrocity that was perpetrated.
They still carry the wounds inside, dealing with them on a daily basis,
and unlikely to ever fully heal. They are surrounded by a society that
rejects them, that considers them wrong elements. Meanwhile, more
than twenty-five years have gone by and Joseph Kony is still fighting in
the jungle at the head of the LRA.
“Why, then, the LRA? I believe this particular case puts something
essential at stake: our very conception of the notions of ‘torturer,’
‘killer,’ and ‘crime.’ What happens with the concept of wrongdoing and
responsibility when the perpetrator, kidnapped as a child, becomes,
within the only system of reference left to him, a willful killer?”
144
SOMMARIO
TFFDOC
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FUORI CONCORSO
Jonathan Littell (New York City, Usa,
1967) è un giornalista e scrittore
francoamericano che per lungo tempo
ha lavorato con l’organizzazione non
governativa Action Against Hunger, in
Bosnia, Cecenia, Afghanistan e nella
Repubblica democratica del Congo.
Ha pubblicato il romanzo Le benevole,
premiato dall’Accademia di Francia e
tradotto in Italia da Einaudi; i saggi
Cecenia, anno III e Il secco e l’umido.
Una breve incursione in territorio
fascista; la raccolta di articoli, apparsi
originariamente su «Le Monde», dal
titolo Diario siriano, in cui racconta le
tre settimane passate al fronte, nella
cittadina siriana di Homs; il volume
di critica d’arte Trittico. Tre studi da
Francis Bacon. Wrong Elements, che ha
partecipato fuori concorso all’ultima
edizione di Cannes, rappresenta il suo
esordio alla regia.
Jonathan Littell (New York City, NY,
USA, 1967) is a French-American
journalist and writer who worked
extensively with the NGO Action
Against Hunger in countries like
Bosnia, Chechnya, Afghanistan,
and the Democratic Republic of Congo.
He published several works, including:
the novel The Kindly Ones (ed.
HarperCollins), which received the
Grand Prix from the Académie
Française; the essays Tchétchénie
An III, and Le sec et l’humide; Syrian
Notebooks: Inside the Homs
Uprising, a collection of articles he
wrote during his three weeks in Syrian
town of Homs (originally published
by “Le Monde”); and Triptych:
Three Studies after Francis Bacon.
The documentary Wrong Elements
marks his debut behind the camera,
and was screened out of competition
at this year’s Cannes Film Festival.
Wrong Elements (doc., 2016).
TFFDOC
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LOVE
jean painlevé, geneviève hamon
LES AMOURS DE LA PIEUVRE
Francia/France, 1965, 35mm, 13’, col.
THE LOVE LIFE
OF THE
OCTOPUS
regia, fotografia,
montaggio/directors,
cinematography,
film editing
Jean Painlevé,
Geneviève Hamon
musica/music
Pierre Henry
Roger Clairval
Bianca Balbuena,
Hazel Orencio
Ten17P, Epicmedia,
Sine, Olivia Pilipinas
Jeremy Chua,
Fran Borgia
**
contatti/contacts
Les documents
cinématographiques
Archives Jean Painlevé
Marie Jager
[email protected]
Tra i più misteriosi animali marini, i polpi depongono le uova una
sola volta all’anno. I loro movimenti, la respirazione, il loro modo
di nutrirsi e di nascondersi negli anfratti delle rocce. La loro
affascinante vita di coppia.
«I polpi sono stati il soggetto del mio primo film mostrato in
pubblico, un documentario in bianco e nero girato a Port Blanc,
dove ero ospite dei miei amici Hamon. Una delle loro figlie,
Geneviève, è diventata una mia collaboratrice indispensabile.
Intorno al 1958 abbiamo iniziato un altro film, questa volta a colori,
Les amours de la pieuvre, presso i laboratori Arago a Banyuls-surMer, nei Pirenei Orientali. Abbiamo lavorato al progetto per dieci
anni, visto che agosto era l’unico momento dell’anno durante il
quale potevamo monitorare la deposizione e lo sviluppo delle
uova». (Jean Painlevé)
**
The octopus, one of the most mysterious sea creatures. Laying their
eggs only once a year, the way they move, breathe, feed, and hide
between the rocks. And their fascinating love life.
“The octopus was the subject of my first public film in 1927, a blackand-white documentary filmed in Port Blanc, where I was staying
with my friends the Hamons. One of their daughters, Geneviève,
became my indispensable collaborator. Around 1958, we began another
film, in color, The Love Life of the Octopus, at the Arago Laboratory
in Banyuls, in the Eastern Pyrenees. The project lasted ten years, since
August was the only month of the year during which one could monitor
the laying and development of the eggs.” (Jean Painlevé)
145
SOMMARIO
TFFDOC
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LOVE
Jean Painlevé (Francia, 1902-1989),
dopo gli studi in biologia, ha aderito
alle avanguardie artistiche e
cinematografiche degli anni Venti
e Trenta e ha iniziato a sviluppare
tecniche innovative per la fotografia
e le riprese delle creature marine.
Con L’hippocampe, ou cheval marin
(1934) ha realizzato il primo film
girato sott’acqua. Fondatore e
direttore dell’Institut du cinéma
scientifique, tra il 1925 e il 1982 ha
girato oltre duecento film, spesso
insieme alla compagna Geneviève
Hamon e ai collaboratori Maurice
Jaubert, Pierre Henry e François de
Roubaix.
Geneviève Hamon (Francia, 19051989), collaboratrice e compagna
di Jean Painlevé, è accreditata a partire
dagli anni Sessanta come coregista,
ma ha partecipato alle riprese dei film
realizzati da Painlevé a partire dagli
anni Venti, creando le scenografie
degli acquari, occupandosi degli
animali, delle riprese e della
documentazione. Oltre all’attività
di regista si è dedicata alla grafica
pubblicitaria, al disegno, alla moda
e alle arti visive.
Jean Painlevé (France, 1902-1989), after
studying biology, joined the avant-garde
art and film movements of the 1920s
and 1930s, developing innovative
photographic techniques to take pictures
of underwater creatures. In 1934, he
made L’hippocampe, ou cheval marin
(1934), the first film ever to be shot
underwater. He founded and directed
the Institut du cinéma scientifique.
Between 1925 and 1982, he made over
two hundred movies, most of which
with his partner Geneviéve and his
collaborators Maurice Jaubert, Pierre
Henry and François de Roubaix.
Geneviève Hamon (France, 1905-1989)
is Jean Painlevé’s partner and
collaborator. She started being credited
as his codirector in the 1960s, even
though she had been participating in
his productions since the 1920s, setting
up the underwater scenes, taking care
of the animals, doing camera work and
documentation. Beside her work in
filmmaking, she was also a graphic
artist in advertisement, fashion, and
visual arts.
TFFDOC
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LOVE
titta cosetta raccagni
DIARIO BLU(E)
DIARIO BLU(E)
regia, montaggio/
Titta Cosetta Raccagni
soggetto/story
Titta Cosetta Raccagni,
Barbara Stimoli
suono/sound
Francesca De Isabella
animazione/animation
Nicolò Manzolini/
Studio Seiperdue
Alice Raffaelli
Associazione Culturale
Dello Scompiglio
**
contatti/contacts
Titta Cosetta Raccagni
[email protected]
Un racconto autobiografico, nato come installazione video, che
riporta agli anni Novanta e ai tempi del liceo. C’è un amore
disperato, un’identità da cercare, un coming out da urlare.
«Diario Blu(E) è un viaggio introspettivo, un salto nel mio io di
venticinque anni fa. Riconosco tante cose di me, mentre per altre
vorrei dire a quella ragazza: “Forza, stai tranquilla, vedrai che ce
la farai!” Rivivere quel periodo porta inevitabilmente a un paragone
con l’oggi, mio e di tutte le persone LGBTQI, e perdonatemi
l’etichetta. La situazione generale è senza dubbio più serena e
aperta, ma le discriminazioni non sono scomparse, soprattutto
in età adolescenziale. I quotidiani casi di omofobia e bullismo
sono lì a testimoniarlo. Questo lavoro è soprattutto per loro, per
le ragazze e i ragazzi che si trovano nel tumulto di quell’età».
**
An autobiographic story created as a video installation that brings
us back to the 1990s and high school. The desperate love, the search
for one’s identity, a coming out to be shouted out loud.
“Diario Blu(E) is an introspective journey, a trip into my past self,
twenty-five years ago. I recognize a lot of things about myself, but
there are also other times when I’d like to tell that girl ‘Be strong, don’t
worry, you’ll make it through this!’ After experiencing again that period
in my life, I inevitably compared it to my current life and to that of all
the LGBTQI people out there (pardon my label). Overall, the situation
is definitely more open and serene. But discriminations haven’t
disappeared, especially for adolescents, as cases of homophobia or
bullying appear in the news every day. I made this film especially for
them, for those teenage boys and girls who are having a hard time
at that age.”
Titta Cosetta Raccagni nel 2001 si
è laureata in storia del cinema e nello
stesso anno ha ottenuto il diploma
di filmmaker alla Scuola del cinema
di Milano. Da sempre attiva nel
circuito underground italiano, ha
realizzato reportage, documentari,
corti e visuals, con particolare
attenzione alla sperimentazione e
alla ricerca. Ha lavorato con Gabriele
Salvatores, Alina Marazzi, Luca
Bigazzi, Francesca Comenicini,
Fabrizio Bentivoglio, Alessandra
Speciale. Il suo cortometraggio
Manga kissa (2011), girato a Tokyo,
è stato selezionato dal team di Ridley
Scott per far parte del film Life in a
Day. Collabora da dieci anni con
Filmmaker, per cui ha realizzato
Lezione di anatomia (2006), corto
vincitore al Festival internazionale
Sguardi Altrove, Dalle mani (2009)
e Martesana, le stagioni in città, opera
in quattro episodi tutt’ora in progress.
È inoltre organizzatrice della
Ladyfest, festival a tematica di genere
e sessualità, e fa parte del gruppo di
registe «Le ragazze del porno»,
progetto per una pornografia altra. Titta Cosetta Raccagni graduated
in film history and got a filmmaking
degree from Milan’s Scuola di cinema
in 2001. She has always been active
in the Italian underground scene,
making reports, documentaries, shorts,
and visuals, focusing especially on
experimentation and research. She
has worked with Gabriele Salvatores,
Alina Marazzi, Luca Bigazzi, Francesca
Comenicini, Fabrizio Bentivoglio, and
Alessandra Speciale. Manga Kissa
(2011), the short she made in Tokyo,
was selected by Ridley Scott’s team
to be part of his film Life in a Day.
She has been working with production
company Filmmaker for ten years,
during which she made Lezione di
anatomia (2006), winner of Milan’s
Sguardi Altrove Internazional Festival,
Dalle mani (2009), and Martesana,
le stagioni in città, a project in four
episodes that is still in the making. She
is the organizer of Ladyfest, a festival
on gender and sexuality, and she is also
part of the group of female filmmakers
called “Le ragazze del porno,” a project
for a different form of pornography.
Lezione di anatomia (cm, 2006),
Dalle mani (cm, 2009), Manga kissa
(cm, 2011), Diario Blu(E) (cm, 2016).
146
SOMMARIO
TFFDOC
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LOVE
TFFDOC
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LOVE
fabrizio terranova
DONNA HARAWAY: STORY TELLING
FOR EARTHLY SURVIVAL
Francia-Belgio/France-Belgium, 2016, HD, 81’, col.
Fabrizio Terranova, regista,
drammaturgo e attivista, vive e lavora
a Bruxelles. Insegna alla Scuola di
ricerca grafica di Bruxelles, dove
ha fondato e cogestisce il Master
in narrativa e sperimentazione
e narrazione speculativa. Autore
di Josée Andrei, an Insane Portrait,
un documentario sperimentale
poi trasformato in un libro, è tra i
fondatori di DingDingDong, istituto
per migliorare le conoscenze sulla
malattia di Huntington.
DONNA
HARAWAY:
STORY
TELLING FOR
EARTHLY
SURVIVAL
Fabrizio Terranova
Tristan Galand
Bruno Tracq
musica/music
Laurent Baudoux & The Fan
Club Orchestra
suono/sound
Nicolas Lebecque,
Frédéric Fichefet
interpreti/cast
Donna Haraway,
Rusten Hogness,
Cayenne Pepper
produttore/producer
Ellen Meiresonne
Atelier Graphoui
Olivier Marboeuf,
Javier Packer-Comyn
Kunstenfestivaldesarts,
Spectre Productions,
CBA - Centre
de l’audiovisuel,
Fabbula, Rien à Voir
**
contatti/contacts
CBA
Gabriella Marchese
[email protected]
147
SOMMARIO
Donna Haraway è una studiosa di primo piano nel campo della
scienza e della tecnologia, una femminista e un’appassionata
di fantascienza. La sua fama è esplosa negli anni Ottanta, quando
il suo lavoro sul gender, l’identità e la tecnologia ha segnato un
punto di svolta e ha affermato un femminismo franco e allegro,
oltre le categorie di genere.
«La scelta cinematografica di Fabrizio Terranova, uno
pseudorealismo con elementi di finzione, corrisponde molto
precisamente al tipo di presenza che rende questo ritratto un
modello d’integrità. Qui non si prende posizione né si offre un
parere neutrale: è un dispositivo che vincola Haraway non più
di quanto succedesse con Josée Andrei, il soggetto del primo,
eccellente film di Terranova. Un dispositivo, però, che lascia i
soggetti liberi di essere sinceri a proprio modo e affida al lavoro
dell’immagine la responsabilità di trasformare questo documento
registrato in un lavoro documentario a quattro mani». (I. Stengers)
**
Donna Haraway is a prominent scholar in science and technology, a
feminist, and a science-fiction enthusiast. She became known in the
1980s through her work on gender, identity, and technology, a turning
point in the affirmation of a frank and cheerful form of feminism
beyond gender categories.
“Fabrizio Terranova’s cinematic choice, a pseudo-realist but discretely
fictional one, corresponds very precisely to the mode of presence that
makes this portrait a model of integrity. Neither taking over nor offering
a neutral opinion, it is a device that constrains Haraway no more than
it constrained Josée Andrei, the subject of his first, admirable film, but
leaves them to use their own mode of being honest and entrusts in the
work of the image the responsibility of turning this recorded document
into a co-created documentary work.” (I. Stengers)
TFFDOC
-
LOVE
Fabrizio Terranova lives and works
in Brussels. He is a filmmaker, activist,
dramaturge, and teacher at ERG
(École de Recherche Graphique)
in Brussels, where he launched and
co-runs the master’s programme
in Narrations and Experimentation
and Speculative Narration. He is the
author of Josée Andrei, an Insane
Portrait, an experimental documentary
that was turned into a book. He is also
a founding member of DingDingDong,
an institute devoted to improving our
knowledge of Huntington’s disease.
Josée Andrei, an Insane Portrait (doc.,
2010), Donna Haraway: Story Telling
for Earthly Survival (doc., 2016).
TFFDOC
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LOVE
ruth beckermann
DIE GETRÄUMTEN
Austria, 2016, HD, 89’, col.
Ruth Beckermann (Vienna, Austria,
1952) ha studiato giornalismo e arte
tra Tel Aviv, New York e Vienna, città
dove si è laureata nel 1977.
Parallelamente ha iniziato l’attività
di giornalista, collaborando con
testate austriache e svizzere.
Con Josef Aichholzer e Franz Grafl
ha fondato nel 1978 la casa di
distribuzione Filmladen, per la quale
ha lavorato per sette anni. Nel 1985
ha cominciato a lavorare come
regista e scrittrice.
THE DREAMED
ONES
regia, produttore/
director, producer
Ruth Beckermann
story, screenplay
Ina Hartwig, Ruth
Beckermann
Johannes Hammel
Dieter Pilcher
suono/sound
Georg Misch
interpreti/cast
Anja Plaschg,
Laurence Rupp
Ruth Beckermann
Filmproduktion
**
contatti/contacts
Austrian Films
Anne Laurent-Delage
[email protected]
www.austrianfilms.com
Anja e Laurence, due giovani attori, si trovano fianco a fianco
in uno studio di registrazione per leggere il carteggio tra i poeti
Ingeborg Bachmann e Paul Celan, conosciutisi nella Vienna del
secondo dopoguerra e provenienti da ambienti opposti: lei
cresciuta in una famiglia nazionalsocialista, lui figlio di genitori
ebrei morti nella Shoah. Il drammatico scambio di lettere diviene
il viatico per una storia d’amore dai toni spesso accesi e
contrastanti fra gli stessi attori, in uno scambio inatteso e
coinvolgente tra realtà e finzione, passato e presente.
«Questo film esplora senza dubbio un terreno per me nuovo.
In The Dreamed Ones, non solo lavoro per la prima volta con degli
attori, ma adotto un approccio diverso. All’inizio non avevo idea
di quanto mi sarei allontanata dal film-saggio; l’idea di utilizzare
come base un testo letterario si è sviluppata solamente dopo aver
incontrato la critica Ina Hartwig; nel corso di un anno abbiamo
lavorato insieme alla sceneggiatura».
**
Anja and Laurence are two young actors who find themselves side
by side in a recording studio as they read out loud the correspondence
between the poets Ingeborg Bachmann and Paul Celan, who met
in Vienna after the end of WWII. The poets came from completely
different milieus: she grew up in a Nazi family while he was the son
of Jews who died in the Shoah. The dramatic correspondence becomes
a vehicle for a love story with tension and contrasts even between the
actors, in an unexpected and gripping exchange between reality and
fiction, past and present.
“This film certainly does explore new territory. In The Dreamed Ones
I not only worked with actors for the first time but also adopted a
completely different approach; at the beginning I didn‘t know precisely
how far I would move away from the essay film. The idea of using a
literary text as the basis developed from a meeting with the literary
critic Ina Hartwig, and over the course of a year I developed the
screenplay for the film together with her.”
148
SOMMARIO
TFFDOC
-
LOVE
Ruth Beckermann (Vienna, Austria,
1952), after studying art history and
journalism in Tel Aviv and New York,
earned a doctorate from the University
of Vienna. She worked as a journalist
for several magazines in Austria and
Switzerland. Along with Josef
Aichholzer and Franz Grafl, she
co-founded the Filmladen distribution
company in 1978. She was involved
with the company for seven years.
She has been working as a writer
and filmmaker since 1985.
Auf Amol a Streik (cm, doc., 1878),
Der Hammer Steht auf der Wiese da
Draussen (cm, doc., 1981), Wien
Retour (doc., 1984), Der Igel (cm,
doc., 1986), Die Papierene Brücke
(doc., 1987), Nach Jerusalem (doc.,
1991), Jenseits des Krieges (doc.,
1996), Arena Besetzt (doc., 1999),
Ein Flüchtiger Zug nach dem Orient
(doc., 1999), Homemad(e) (2001),
Zorros Bar Mizwa (doc., 2006),
Mozart Enigma (cm, 2006), American
Passages (doc., 2011), Jackson/Marker
4AM (cm, 2012), Those Who Go Those
Who Stay (2013), Die Geträumten
(The Dreamed Ones, 2016).
TFFDOC
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LOVE
jane gillooly
SUITCASE OF LOVE AND SHAME
Usa, 2013, HD, 70’, col.
Jane Gillooly è una regista
sperimentale americana, nelle cui
opere è riscontrabile uno spiccato
interesse per il cinema inteso come
strumento di memoria e come
militanza. A caratterizzare il suo
lavoro, inoltre, è il tentativo di
superare i concetti di finzione
e narrazione per una differente
ricostruzione del reale. Diversi suoi
lavori sono stati presentati con
successo nelle più importanti
istituzioni culturali al mondo.
SUITCASE OF
LOVE AND
SHAME
regia, produttore/
director, producer
Jane Gillooly
Beth Cloutier
Jane Gillooly,
Pam Larson
scenografia/
production design
Marcy Goldberg Sacks
suono/sound
Rob Todd
**
contatti/contacts
Jane Gillooly
[email protected]
La ricostruzione di una relazione adultera consumatasi tra un
uomo e una donna nel Midwest degli anni Sessanta e registrata
per intero, come se si trattasse di un diario intimo, su un nastro
magnetico. Uno sguardo voyeuristico e complice in grado di
penetrare, con tenerezza ed empatia, nel privato di un rapporto
svelato dopo tanto tempo.
«Sono entrata in possesso delle registrazioni grazie a un amico,
Albert Stake, che le ha trovate in una valigia comprata su eBay.
Sapeva che ero interessata a fare un film sul tempo a partire da una
raccolta. Mentre ero a caccia di oggetti, […] ho ritrovato una piccola
scatola contenente tutti i contraccettivi che ho utilizzato in vita mia.
Affascinata, l’ho svuotata: raccontava realmente una storia sulle
politiche sessuali di un certo periodo. E ho pensato che sarebbe
stato un modo interessante di costruire un film».
**
The reconstruction of an adulterous love affair between a man and
a woman from the Midwest during the 1960s. An entire liaison
recorded on audiotapes, almost as if they were a personal diary.
A voyeuristic and complicit, mesmerizing and empathic glance into
a private affair discovered long after its time.
“I found the audiotapes through a friend, Albert Stake. He discovered
them in a suitcase he bought on eBay. He knew I was thinking of
making a film about time that was inspired by a collection. While I was
looking around for objects, […] I found a collection of all my old birth
control in a little box. It was fascinating unpacking this box, it really did
tell a story about sexual politics in a certain period. And I thought this
would be an interesting way to build a film.”
149
SOMMARIO
TFFDOC
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LOVE
Jane Gillooly is an American
experimental filmmaker. Her work has
been influenced by her deep-seated
interest in cinema as an instrument of
memory and activism, always pushing
the boundaries of fiction and narrative
for a different reconstruction of reality.
Her work has been successfully featured
in some of the major cultural
institutions in the world.
Leona’s Sister Gerri (1995),
Dragonflies, the Baby Cries (2000),
The Not Yet Dead Club (2006), Today
the Hawk Takes One Chick (2008),
Suitcase of Love and Shame (2013).
TFFDOC
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LOVE
luciana fina
TERCEIRO ANDAR
Portogallo/Portugal, 2016, HD-DV, 62’, col.
THIRD FLOOR
regia/director
Luciana Fina
Helena Inverno,
Luciana Fina,
Rui Xavier
Luciana Fina,
Cláudia R. Oliveira
suono/sound
Olivier Blanc,
Emanuele Costantini,
Miguel Cabral
interpreti/cast
Aissato Baldé,
Fatumata Baldé
Luciana Fina,
Luisa Homem
LAF studio,
Terratreme
**
contatti/contacts
Luciana Fina - LAF Studio
[email protected]
www.lucianafina.net
Lisbona, Bairro das Colónias, terzo piano. Fatumata e Aissato, la
madre e la figlia maggiore di una numerosa famiglia originaria della
Guinea-Bissau, parlano di amore e felicità. Nel palazzo, alle sette di
sera, un suono regolare e sempre uguale come il battito di un
cuore riverbera attraverso l’edificio, dal terzo al quinto piano.
Come quelle di una poesia, una storia, una lettera o una preghiera,
le parole viaggiano da una lingua all’altra, creando connessioni.
«L’educazione sentimentale che modella le nostre vite passa
attraverso un’idea di felicità e attraverso gli incontri con il mondo
che ci circonda. Dal quinto al terzo piano, nello spazio comune
di un palazzo nel cuore del centro storico di Lisbona, il dialogo
con due donne originarie della Guinea-Bissau articola generazioni,
memorie, linguaggi ed esperienze che hanno plasmato le nostre
vite e i nostri sentimenti. Il cinema per sua natura mette a fuoco,
seleziona, capta, ingrandisce o avvicina. E produce immagini
non solo per raccontare, ma per creare legami, ammettendo il
compatibile e l’incompatibile, l’incontro sensibile di diversi
universi».
**
Lisbon, Bairro das Colónias, third floor. Fatumata and Aissato, the
mother and the eldest daughter of a large family originally from
Guinea-Bissau, discuss love and happiness. At 7 pm, from the third to
the fifth floor, a regular sound, always the same, like the beating of a
heart, reverberates through the building. As a poem, a story, a letter
and a prayer are spoken, words travel from one language to another,
creating connections.
“The sentimental education which shapes our lives passes by way of
an idea of happiness and our encounters with the world around us.
From the fifth to the third floor, in the shared space of an apartment
building in historical downtown Lisbon, a conversation with two
women from Guinea-Bissau articulates generations, memories,
languages and experiences which have molded our lives and our
emotions. By its nature, cinema focuses on things, it selects, captures,
enlarges or brings them closer. And it produces images not only to
tell stories, but to create ties, acknowledging the compatible and the
incompatible, the sensitive encounter of different universes.”
150
SOMMARIO
TFFDOC
-
LOVE
Luciana Fina lavora a Lisbona dal
1991. Dopo una lunga collaborazione
con la Cineteca portoghese come
programmatrice indipendente, ha
esordito come regista nel 1998.
Nel 2003 ha iniziato a realizzare
una serie di ritratti video riuniti nel
progetto O Tempo de um Retrato.
I suoi lavori sono stati ospitati da
festival e mostre di tutto il mondo.
Il suo ultimo documentario, In Medias
Res (2013), ha ottenuto una menzione
d’onore al Festival Temps d’images,
nella sezione dedicata ai film sull’arte,
e il premio per il miglior film
portoghese al Festival di Arquiteturas.
Ha sviluppato una serie di progetti
che riflettono sulla creazione di
identità visive, sulla fotografia, sulla
grafica e sul design.
Luciana Fina has worked in Lisbon since
1991. Following a long collaboration
with Cinemateca Portuguesa as an
independent programmer, she made
her debut as a filmmaker in 1998.
In 2003, she began a series of video
portraits that came together in the
O Tempo de um Retrato project.
Her work has been shown
internationally at festivals and
exhibitions. Her most recent
documentary, In Medias Res, was
awarded an Honourable Mention at
the Temps d’Images Films on Art Award
and the Best Portuguese Film Prize at
the Arquiteturas Film Festival. She
develops projects involving creating
visual identity, photography and
graphic and editorial design.
A Audiência (doc., 1998), Jérôme Bel,
le film (mm, 1999), 24h e Outra Terra
(mm, doc., 2001), Taraf, Três Contos e
Uma Balada (mm, doc., 2003), O
Encontro (doc., 2004), Le réseau
(doc., 2006), Portraire (2009-2012),
In Medias Res (doc., 2013), Terceiro
Andar (doc., 2016).
TFFDOC
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LOVE
sébastien lifshitz
LES VIES DE THÉRÈSE
Francia/France, 2016, HD, 55’, bn/bw-col.
regia/director
Sébastien Lifshitz
Paul Guilhaume
Pauline Gaillard
suono/sound
Clément Laforce,
Yolende Decarsin
interprete/cast
Thérèse Clerc
produttore/producer
Muriel Meynard
Agat Films, Cie
**
contatti/contacts
Doc & Film
Hannah Horner
[email protected]
www.docandfilm.com
© A G AT F I L M S & C I E
THE LIVES OF
THÉRÈSE
Thérèse Clerc ha speso la sua vita in mille battaglie: dal diritto
all’aborto alla parità sessuale fino ai diritti per gli omosessuali.
Dopo aver scoperto di essere stata colpita da un male incurabile,
ha deciso di raccontarsi, con dolcezza ma senza perdere la tenacia
e la lucidità che l’hanno sempre contraddistinta, parlando della sua
esistenza, delle sue lotte, di ciò che ha amato.
«Nella storia del cinema ci sono poche storie di sofferenza come
questa. Quelle che si trovano, però, sono memorabili. Tra quelle
che mi hanno colpito, ci sono Lampi sull’acqua - Nick’s Movie
di Wenders, My Sister Yoka di Johan van der Keuken, No Home
Movie di Chantal Akerman o il film di Naomi Kawase sulla nonna.
Grazie a questi lavori documentari, ho capito subito che non volevo
fare un film in cui la morte, in qualche modo, fosse favorita, e
trionfasse alla fine della storia. Al contrario, ho deciso che il film
dovesse stare dalla parte della vita, così da proseguire l’opera e le
lotte di Thérèse».
**
Thérèse Clerc has fought a thousand battles: from abortion rights to
sexual equality and gay rights. After discovering she has an incurable
disease, she decided to tell her story, gently but without renouncing her
hallmark tenacity and lucidity, talking about her life, her battles, what
she has loved.
“In cinema history, there are few stories of similar agony, but the
existing ones remain in memory. I could name a few that particularly
struck me, like Wenders’ Nick’s Movie, Johan van der Keuken’s My
Sister Yoka, Chantal Akerman’s No Home Movie or the film by
Naomi Kawase about her grandmother. Through these documentary
works, I realized very quickly that I did not want to make a film
somehow giving the advantage to death, leting it win at the end of
the story. On the contrary, I decided I would try a film that remained
on the side of life to continue the work and struggles of Thérèse.”
151
SOMMARIO
TFFDOC
-
LOVE
Sébastien Lifshitz (Neuilly-sur-Seine,
Francia, 1968) ha esordito nel 1996
con il cortometraggio Il faut que je
l’aime. Sono seguiti il documentario
Claire Denis la vagabonde (1996),
il mediometraggio Les corps ouverts
(1998), insignito del premio Jean
Vigo, Quasi niente (2000), suo primo
lungometraggio di finzione, La
traversée (2001), presentato al
Festival di Cannes nella Quinzane
des réalisateurs, Wild Side (2004),
con cui ha vinto il Teddy Award alla
Berlinale, Plein sud - Andando a sud
(2009), Les invisibles (2012), premiato
come miglior documentario ai César,
e Bambi (2013). Con Les vies de
Thérèse (2016) ha vinto la Queer
Palm all’ultimo Festival di Cannes.
Sébastien Lifshitz (Neuilly-sur-Seine,
France, 1968) debuted in 1996 with the
short Il faut que je l’aime, which was
followed by the documentary Claire
Denis la vagabonde (1996); the
medium-length Les corps ouverts
(1998), which received the Prix Jean
Vigo; Presque rien (2000), his first
fiction feature film; La traversée
(2001), presented at the Cannes Film
Festival in the Quinzane des
réalisateurs; Wild Side (2004), which
won the Teddy Award at the Berlinale;
Plein sud (2009); Les invisibles
(2012), Best Documentary Film at
the César Awards; and Bambi (2013).
Les vies de Thérèse (2016) won the
Queer Palm at the latest Cannes Film
Festival.
Il faut que je l’aime (cm, 1996), Claire
Denis la vagabonde (doc., 1996), Les
corps ouverts (mm, 1998), Presque rien
(Quasi niente, 2000), La traversée
(doc., 2001), Wild Side (2004), Plein
sud (Plein sud - Andando a sud, 2009),
Les invisibles (doc., 2012), Bambi
(doc., 2013), Les vies de Thérèse
(mm, doc., 2016).
TFFDOC
-
LOVE
mike hoolboom
WE MAKE COUPLES
Canada, 2016, HD, 59’, bn/bw-col.
WE MAKE
COUPLES
fotografia, montaggio,
suono, produttore/
editing, sound, producer
Mike Hoolboom
**
contatti/contacts
Mike Hoolboom
[email protected]
www.mikehoolboom.com
Questa storia d’amore marxista pone un quesito: la coppia può
essere una forma di resistenza? Con la partecipazione straordinaria
di Occupy, le Pussy Riot, una capra fuggiasca, due barboncini, un
esercito di manifestanti, Mos Def, Frankenstein e il primo bacio
del cinema.
«Ci ho messo anni per fare questo film, perché prima doveva
essere vissuto».
**
This Marxist love story asks: could the couple also be a form of
resistance? With guest appearances by Occupy, Pussy Riot, a
runaway goat, two poodles, an army of street marchers, Mos Def,
Frankenstein and cinema’s first kiss.
“It took years to make because it had to be lived first.”
Mike Hoolboom (Canada) ha
realizzato più di ottanta film e video,
partecipato a oltre quattrocento
festival e ottenuto una trentina di
premi. Vincitore del premio Tom
Berner per il suo servizio alla
comunità e di due premi alla carriera
(dalla città di Toronto e dal festival
ungherese Mediawave), ha presentato
retrospettive in festival nazionali e
internazionali, come l’Images Festival
di Toronto, il Cinéma du réel di Nyon,
il Cinema de Balie di Amsterdam, il
Curtas di Vila do Conde, il Jihlava
International Documentary Festival
e il Bafici. Tra i fondatori del collettivo
Pleasure Dome, ha lavorato come
direttore artistico dell’Images Festival
di Toronto e come coordinatore
presso il Canadian Filmmakers
Distribution Centre. Dal 2004 lavora
per «Fringe Online», progetto web
che mette a disposizione gli archivi
di quaranta media artists canadesi.
Mike Hoolboom (Canada) has made
over eighty films and videos. His work
has appeared in over four hundred
festivals, garnering thirty awards. He
has been granted the Tom Berner Award
for community service and two lifetime
achievement awards, the first from the
city of Toronto, and the second from
the Mediawave Festival in Hungary.
He has enjoyed retrospectives of his
work at the Images Festival in Toronto,
Visions du réel in Nyon, Cinema de
Balie in Amsterdam, Vila do Conde
Festival, Jihlava Documentary Festival
and BAFICI. He is a founding member
of the Pleasure Dome screening
collective and has worked as the artistic
director of the Images Festival and as
coordinator at Canadian Filmmakers
Distribution Centre. Since 2004 he has
been working on “Fringe Online,” a
web project which makes available the
archives of forty Canadian media artists.
Song for a Mixed Choir (1980),
White Museum (cm, 1986) Mexico
(coregia/codirector Steve Sanguedolce,
cm, 1992), Escape in Canada (cm,
1993), Frank’s Cock (cm, 1993), House
of Pain (cm, 1995), Letters from Home
(cm, 1996), Panic Bodies (doc., 1998),
Tom (2002), Imitations of Life (2003),
In the Dark (cm, 2003), Public Lighting
(2004), Fascination (doc., 2006),
School (cm, 2008), Mark (doc., 2009),
Lacan Palestine (doc., 2012), Buffalo
Death Mask (2014), Scrapbook (2015),
Incident Reports (2016).
152
SOMMARIO
TFFDOC
-
LOVE
| LUIS FULVIO IL FUTURO DI ERA |
| PAOLA GANDOLFI IN TEMPO PER MODIFICHE TEMPORALI
| DANIELE RAGUSA LAST SHIP | FRANCESCO SELVI LONTANO OVEST | ENNIO EDUARDO DONATO
’A MAZZAMMA | CLEMENTE BICOCCHI NOTTURNO | ANTONIO DI BIASE NUOVA ZITA |
ALESSIA CECCHET ONIKUMA | MATTEO CANETTA REDENZIONE | FRANCESCO DONGIOVANNI STUDIO
| GABRIELE DI MUNZIO TANJATALES
FABRIZIO PATERNITI MARTELLO EX VOTO
CAMILLA SALVATORE UN INFERNO
SOMMARIO
fabrizio paterniti martello
EX VOTO
Fabrizio Paterniti Martello (Italia,
1988) ha studiato lettere classiche
all’università e al momento
frequenta l’ultimo anno del corso
di montaggio presso il Centro
sperimentale di cinematografia
di Roma.
EX VOTO
regia/director
Fabrizio Paterniti Martello
aiuto regia/
assistant director
Claudia Librizzi
Fabrizio Franzini
suono/sound
Maurilio Romano
**
contatti/contacts
Francesco Paterniti Martello
[email protected]
Fabrizio Paterniti Martello (Italy,
1988) studied classics at university
and is presently in his last year in
the film editing course at the Centro
sperimentale di cinematografia in
Rome.
In un piccolo centro dei monti Nebrodi, in Sicilia, centinaia di fedeli
scalzi e vestiti di bianco affrontano il freddo invernale invocando
la grazia di san Sebastiano. Il rito votivo coinvolge la comunità
da generazioni.
«“Di te tutto conosco, di me tutto ignoro”. Tra sacro e profano,
in una mistura di folclore e liturgia, si percepisce una naturale
passione che va al di là della religione e della superstizione.
Ho cercato di filmare l’intimo coinvolgimento della comunità;
parlo della misteriosa relazione tra fede e individuo. Queste
persone provano un sentimento di fede comune che muove
all’appartenenza».
**
In a small town in the Nebrodi mountains, in Sicily, hundreds of
barefoot worshippers, dressed in white, brave the winter cold and
invoke the grace of saint Sebastian. The votive rite has involved the
community for generations.
“‘About you, I know everything; about myself, I know nothing.’
Between the sacred and the secular, in a mixture of folklore and liturgy,
a natural passion can be sensed that goes beyond religion and
superstition. I tried to film the intimate involvement of the community;
I’m talking about the mysterious relationship between faith and the
individual. These people have a feeling of shared faith which forges the
sense of a community.”
154
SOMMARIO
Vraiment Marcel (cm, 2013), Incontro
ravvicinato con un autore di un certo
tipo (cm, 2016), Ex voto (cm, 2016).
luis fulvio
IL FUTURO DI ERA
Luis Fulvio (1977) vive a Roma. Ha
seguito un classico percorso di studi
e da anni collabora con l’archivio film
della Fondazione Csc e con Fuori
Orario. Nel 2014 ha realizzato Coda,
presentato al Torino Film Festival.
IL FUTURO
DI ERA
regia/director
Luis Fulvio
Donatello Fumarola
Piero Lassandro
suono/sound
Dario Salvagnini,
Antonio Giannatonio
interprete/cast
Roberto Baglivi
Zomia, Abelmary
**
contatti/contacts
Luis Fulvio
[email protected]
[email protected]
Luis Fulvio (1977) lives in Rome.
He followed a classic path of studies
and for years has collaborated with
the film archive of the Fondazione
CSC and with Fuori Orario.
In 2014, he made Coda, presented
at the Torino Film Festival.
Un uomo scolpisce un albero nell’Italia del Sud.
«Il film è un dialogo senza parole tra un uomo e un mito, Era.
Uno scontro materico figlio di atavici sentimenti di vendetta, in cui
l’atto distruttivo si fa creazione e quest’ultima è data agli umani
solo attraverso la distruzione. La metamorfosi è un atto di dolore».
**
A man carves a tree in Southern Italy.
“The film is a wordless dialogue between a man and a legend, Era.
A material clash, the offspring of atavistic feelings of revenge, in which
the destructive act becomes creation and this latter is bestowed on
humans only through destruction. Metamorphosis is an act of pain.”
155
SOMMARIO
Coda (cm, 2014), Il futuro di Era
(cm, 2016).
camilla salvatore
UN INFERNO
Camilla Salvatore (Torre Annunziata,
Napoli, 1993) ha studiato a Milano
laureandosi in pittura e arti visive
presso la Nuova accademia di belle
arti. Ha esordito nel 2015 con il
cortometraggio Franchino e nel 2016,
con il sostegno di Filmap, ha
realizzato Un inferno.
UN INFERNO
regia, fotografia/
Camilla Salvatore
suono/sound
Ennio Donato
interpreti/cast
Giuseppe Fiorenza,
Martina De Franco,
Ciro Oliviero,
Pasquale Garofalo,
Elisa Vitiello,
Arturo Damasco,
Michele Borriello,
Raimondo Bracale, Ilenia
Perna, Federica Caso
Arci Movie,
Centro FilmaP,
Parallelo 14 produzioni
**
contatti/contacts
Centro FilmaP - Arci Movie
[email protected]
[email protected]
In un piccolo studio di tatuaggi nella provincia di Napoli si
nasconde un microcosmo vivo. Le chiacchiere e le confessioni
fra tatuatore e clienti svelano il carattere di ciascuno; costruiscono
l’affresco di un luogo autentico, con i suoi miti e le sue regole,
e svelano l’anima di un mestiere che si presta a creare intimità
fra dolore, sangue e racconti.
«Il tatuatore ci conduce alla scoperta di un mondo vivo e caotico:
“un inferno”, perché popolato da personaggi contraddittori,
segnato da storie che celano un aspetto talvolta grottesco, il
dramma di esistenze al limite. Non si tratta di un giudizio di valore.
Infernale è la condizione che lega con forza e attaccamento alla vita
anche gli aspetti più crudi dell’esistenza. Ciascuno è già stato
giudicato e talvolta anche condannato, ma è in questo contesto
che si può osservare la tenacia e l’entusiasmo di chi combatte
ancora. Gli eventi si susseguono in modo ciclico, e anche la
struttura del film, senza momenti di stallo e con una conclusione
circolare, sottolinea questa continuità, come una giornata che
non finisce ma ricomincia ugualmente ogni volta».
**
There is a living microcosm inside a small tattoo parlor near Naples.
Little by little, the chats and the confessions between the tattoo artists
and his customers reveal their various personalities. Each exchange like
a brush stroke on the tableau of this genuine place, with its legends and
rules, revealing the soul of a profession that creates intimacy from pain,
blood, and stories.
“The tattoo artist accompanies us on the discovery of a lively and
chaotic world. An ‘inferno’ populated with contradictory characters,
filled with revealing and sometimes grotesque stories about living on
the line. It’s not a judgment. What’s infernal is the condition that
makes even the crudest side of existence part of our attachment to life.
Everyone has already been judged, and sometimes even condemned,
but it’s in this context that we can see the tenacity and enthusiasm of
those who are still fighting. The events follow one another cyclically,
like the film’s structure: without any pauses and with a circular ending
underlining this continuity, like a day that doesn’t end and starts over
the same every time.”
156
SOMMARIO
Camilla Salvatore (Torre Annunziata,
Naples, Italy, 1993) majored in
painting and visual arts from the
Nuova accademia di belle arti in
Milan. She made her directorial debut
in 2015 with the short Franchino,
followed by Un inferno, made with
the Filmap’s support.
Franchino (cm, 2015), Un inferno
(cm, 2016).
paola gandolfi
IN TEMPO PER MODIFICHE TEMPORALI
Italia/Italy, 2016, 9,5mm-HD, 6’, bn/bw
Paola Gandolfi ha un approccio alla
pittura e al video legato soprattutto
alla figura femminile, alle dinamiche
psichiche che definiscono l’identità di
genere della donna e alle lente
trasformazioni storiche e sociali della
condizione femminile nella società.
Dal 1980 al 2000 ha lavorato
dipingendo quadri e realizzando
sculture e ha partecipato a mostre in
tutto il mondo. Dal 2000 ha iniziato
a lavorare anche con il video e
l’animazione.
IN TEMPO PER
MODIFICHE
TEMPORALI
regia/director
Paola Gandolfi
Marco Salvatori
suono/sound
Ermanno Ghisio-Erba,
Stefano Di Fiore
Paola Gandolfi,
Patrizia Bayliss-Smith
**
contatti/contacts
Produzione 8 Production
Laura Catalano
[email protected]
[email protected]
www.pr8duction.com
Otto quadri raccontano la preparazione di una bambina per il suo
primo giorno di scuola. Le riprese del padre alla stessa Paola
Gandolfi, risalenti al 1955, sono rielaborate in una dimensione
fiabesca e senza tempo.
«Ho ritrovato un piccolo film che mio padre aveva girato con la sua
cinepresa Pathé 9.5. Era il mio primo giorno di scuola, lui filmava
la mia “vestizione/preparazione”. Mi sono resa conto, guardando
e riguardando il filmato, che il protagonista è il tempo. […]
Le immagini scorrono nel video di oggi e io mi trovo, ora, tra me
piccola e me grande, con mia madre che mi vestiva e mio padre
che non si vede, ma mi guardava/filmava. […] Ora sono io quella
che guarda, quella che detiene il gioco, quella che modifica, e sono
l’unica superstite della scena. Ho spiato frame su frame, come un
detective che cerca le tracce di un delitto. […] Fare questo corto è
stato come uno scavo archeologico, ho fatto e detto ciò che a
quell’età non si può fare o dire. Con i suoni, i segni, le modifiche
che ho disegnato, ho dato la voce al mio film muto».
**
Eight tableaux about a girl getting ready for her first day of school.
The images, captured by Paola Gandolfi’s father back in 1955, are
filtered through a timeless and fairytale-like dimension.
“I found a home video made by my father with his Pathé 9.5 video
camera. It was my first day of school, and my father was recording me
as I got ready. As I watched the footage over and over again, I realized
that the real protagonist is time. […] The images flow into the present
video, and I find myself caught between the woman I am and the girl
I once was, when my mother would dress me for school and my father
hidden behind the camera, watching and filming. […] Now I am the
one watching, leading the game, changing it, and the only one left
from that scene. I observed it, spying it frame by frame like a detective
looking for clues to a crime. […] Making this short was like an
archaeological dig. I did and said what I couldn’t do and say at the
time. With sounds, signs, and the changes I drew, I gave a voice to
my silent film.”
157
SOMMARIO
Paola Gandolfi’s approach to painting
and video-making is connected to the
female figure, to the psychic dynamics
that define the identity of the female
gender, and the slow social and
historical transformations of the
conditions of women in society.
She was a prolific painter and sculptor
from 1980 to 2000, participating to
exhibitions worldwide, and, in 2000,
she also started working with videos
and animations.
La recherche de ma mère
(coregia/codirector Francesca
Ravello, cm, 2003), Macchina Madre
(cm, 2007), Elettricità nascosta
(coregia/codirector Maura Manfredi,
cm, 2011), In tempo per modifiche
temporali (cm, 2016).
daniele ragusa
LAST SHIP
LAST SHIP
regia/director
Daniele Ragusa
soggetto/story
Daniele Ragusa,
Davide Iacono,
Carlo Distefano
interprete/cast
Gianni Rodolico
**
contatti/contacts
Cut-Up Distribution
[email protected]
www.cut-up.tv
Negli stessi luoghi in cui è stato girato La terra trema di Luchino
Visconti (1948), la famiglia Rodolico costruisce navi da quattro
generazioni. Se ieri un’intera comunità si raccoglieva intorno a
questi maestri d’ascia e si identificava con loro, oggi quel mondo
sta scomparendo a causa dei tempi che cambiano. Tuttavia, è il
legno che conserva e costruisce il ricordo di una conoscenza molto
antica, come quella degli ultimi carpentieri navali.
«Last Ship è la muta testimonianza di una memoria ormai perduta.
Il racconto di un lento declino; dello scorrere inesorabile del tempo;
di qualcosa che vive solo nella pelle riarsa e nelle rughe dei volti.
I momenti morti sono, prima di ogni cosa, il vero racconto:
rendono Last Ship simile a un vecchio album di famiglia.
Di quelli da sfogliare con malinconia, sperando che qualcosa
di quel primitivismo possa essere salvaguardato anche dentro
il nostro mondo».
**
In the same places where La terra trema by Luchino Visconti (1948)
was filmed, the Rodolico family has been building ships for four
generations. If yesterday around these shipwrights a whole community
used to gather and identify itself, today that world is disappearing
because of the changing times. However, it is the wood that still
preserves and builds the memory of a very ancient knowledge: the
one of the last shipwrights.
“Last Ship is the silent testimony of a now-forgotten memory. It is the
story of a slow decline; of the inexorable passage of time; of something
that only lives in the parched skin and wrinkles of people’s faces. The
dead moments are, above all, the true story: they make Last Ship
something like an old family photo album. The kind you flip through
with melancholy, hoping that something of that primitivism might be
safeguarded in our world, too.”
158
SOMMARIO
Daniele Ragusa Monsoriu (Italia) si
è laureato nel 2009 in fotografia al
Dams dell’Università di Roma Tre
e ha iniziato a lavorare nel reparto
scenografico della casa di produzione
Palomar, per la serie televisiva Il
commissario Montalbano. Nel 2014
ha lavorato per Il racconto dei racconti
di Matteo Garrone e nello stesso
anno ha scritto e diretto lo spot
pubblicitario Always, per FernetBranca. Nel 2015 ha lavorato come
assistente alla regia per il film di
Enrico Lando Quel bravo ragazzo,
e ha diretto il cortometraggio Giorno
lento, basato sui fatti della strage
di Aurora, oltre ad altri due spot
pubblicitari.
Daniele Ragusa Monsoriu (Italy)
graduated in 2009 in cinematography
at DAMS University in Rome Tre. He
worked at the Palomar scenic segment
for Raicinque television productions of
Inspector Montalbano. In 2014 he
worked for the film Tale of Tales by
Matteo Garrone and in the same year
he wrote and directed the commercial
Always for Fernet-Branca. In 2015 he
worked as assistant director for the film
Quel bravo ragazzo by Enrico Lando
and he directed the short film Giorno
lento, based on the facts of the Aurora
massacre, and two commercials.
Giorno lento (cm, 2015), Last Ship
(cm, 2015).
francesco selvi
LONTANO OVEST
Francesco Selvi (Cesena, 1980) ha
iniziato a girare i primi cortometraggi
all’interno del circuito Nomadica,
dopo dieci anni di percorso teatrale.
Oltre a essere regista, è anche
redattore della rivista online
«Rapporto confidenziale» e ideatore
di programmi radiofonici. Lontano
Ovest è il suo quarto cortometraggio.
LONTANO
OVEST
Francesco Selvi
cinematography,
film editing
Luca Nervegna
Monia Strada,
Manuela Ballot
musica/music
Chrys Yan
cast and characters
Mattia Abbondanza
(cowboy), Marco Laghi
(l’indiano 1/
native american 1),
Caterina Borghesi
(la ragazza del sogno/
girl in the dream),
Luciano Vitali (l’indiano 2/
native american 2),
Luca Ferri (l’indiano
3/native american 3),
Dario Agazzi (l’indiano 4/
native american 4)
La Furia
**
contatti/contacts
Francesco Selvi
[email protected]
Il Far West, terra di grandi promesse, di fertili pianure ancora libere
e di giacimenti d’oro. Il Far West è la terra dove i sogni di ogni
pioniere possono diventare realtà. Ciascuno ha un personale
Far West. Un cowboy cerca il suo, in un viaggio pieno di aspettative
che lo porterà a oltrepassare montagne e a guadare fiumi,
approdando infine in un luogo dove i sogni sono finiti da un
pezzo... O forse devono solo essere ripensati.
«Sin da piccolo ho sognato il Far West, tifato per gli indiani,
sofferto per le carovane in fiamme o per l’eccidio sul fiume Sand
Creek… Tutti quegli uomini che si muovevano verso una terra del
sogno... Il mio cowboy si muove in un mondo (il nostro, il mio)
dove ormai ogni sogno è tramontato. E forse è giusto così!»
**
The Far West, a land of great promises, still free fertile plains and gold
fields. The Far West is the land where every pioneer’s dreams can come
true. Since it’s the land of dreams, everyone has their own personal Far
West. A cowboy looks for his own on a journey full of expectations that
will take him to cross mountains and wade rivers, finally arriving in a
place where dreams are long gone... Or maybe just need to be thought
about again.
“I dreamt about the Far West ever since I was a kid, rooting for the
Indians, grieving for the caravans in flame or the massacre of the Sand
Creek River… All those men heading toward a land of dreams… My
cowboy travels through a world (our world, yours and mine) in which
dreams are no more. And maybe that’s the way it should be.”
159
SOMMARIO
Francesco Selvi (Cesena, Italy, 1980)
started making shorts in the Nomadica
circle after working in theatre for ten
years. Besides making films, he is also
the editor of the online magazine
“Rapporto Confidenziale” and the
creator of a few radio shows.
Lontano Ovest is his fourth short.
Ecco (cm, 2010), L’attesa (cm, 2011),
Domani parto (cm, 2011), Lontano
Ovest (cm, 2016).
ennio eduardo donato
’A MAZZAMMA
Ennio Eduardo Donato (Napoli,
1984) ha studiato filosofia e storia
delle idee. Nel 2014 ha collaborato
alla sceneggiatura del corto Ciao
mamma, prodotto da Sky e Cattleya.
Nel 2015 ha diretto un
mediometraggio sull’emergenza
abitativa a Torino, Tornare a casa.
’A MAZZAMMA
regia/director
Ennio Eduardo Donato
suono/sound
Camilla Salvatore,
Luisa Izzo,
Doriana Monaco
interpreti/cast
Pasquale De Fabbio,
Sergio ’O Marenaro,
Gennaro De Fabbio,
Bruno Panunzio,
Mariolina De Fabbio
Arci movie/filmap,
Atelier di cinema del reale,
Parallelo 41 produzioni
**
contatti/contacts
Centro FilmaP - Arci Movie
[email protected]
[email protected]
«Mazzamma» è un termine napoletano. Storicamente si usa per
indicare il pesce di piccole dimensioni e per traslato, con valore
spregiativo, gruppi di persone che vivono ai margini della società
o un insieme di cose senza valore. Pasquale è un parcheggiatore
abusivo che sta scontando gli arresti domiciliari. Ogni giorno può
uscire di casa un paio d’ore: durante questo tempo, torna nella
piazza dove lavorava e visita il magazzino pieno di cianfrusaglie
accumulate in una vita.
«Quando conobbi Pasquale mi raccontò del suo modo di
arrangiarsi, dei piccoli reati e della repressione che subiva.
Pensai che fosse condannato a infrangere qualche divieto per
trovare il suo spazio, per rompere qualche muro e poter
accantonare le cose accumulate in una vita. Decisi di farne
il vitale protagonista di un film divertente, che mostra una
condizione umana abusiva, illegittima, ma (r)esistente».
**
“Mazzamma” is a Neapolitan term. Historically, it is used to indicate
small-sized fish and, by extension and with a derogatory slant, groups
of people who live at the margins of society, as well as an accumulation
of valueless things. Pasquale is an unauthorized car-park attendant
who has been sentenced to house arrest. He is allowed outside for a
few hours every day: during this time, he returns to the piazza where
he used to work and visits a storage room full of the junk he has
accumulated over his lifetime.
“When I met Pasquale, he told me about his way of making do, the
petty crimes and the repression inflicted on him. I thought he was
destined to break laws in order to find some space of his own, to knock
down a wall and store the things he has accumulated over his life. I
decided to make him the dynamic protagonist of an entertaining film
which depicts a human condition that is unauthorized and illegitimate,
but resists/exists.”
160
SOMMARIO
Ennio Eduardo Donato (Naples,
Italy, 1984) studied philosophy
and the history of ideas. In 2014, he
collaborated on the screenplay of the
short Ciao mamma, produced by Sky
and Cattleya. In 2015 , he directed
a medium-length film about Turin’s
housing crisis, Tornare a casa.
Tornare a casa (mm, 2015),
’A mazzamma (cm, 2016).
clemente bicocchi
NOTTURNO
NOTTURNO
cinematography,
film editing
Clemente Bicocchi
soggetto/story
liberamente ispirato
all’omonimo racconto di/
loosely based on Nightfall
by Isac Asimov
**
contatti/contacts
Clemente Bicocchi
[email protected]
Immagini da un altro pianeta: un mondo lontano, ma a prima vista
identico al nostro. Una sola differenza: la luce perpetua, che si
diffonde incessantemente su tutta la superficie. Ogni duemila anni,
però, il pianeta sprofonda nell’oscurità. Quel momento sta per
arrivare… Il passaggio di un gregge di capre al tramonto, in una
remota baia di un’isola greca, può essere lo spunto per un viaggio
visionario e metafisico.
«Sono in Grecia e il caso mi fa assistere a un evento magico, che
associo subito a un racconto di Asimov che mi aveva da sempre
rapito e turbato. Da quel momento l’idea fissa: tornare in quel
luogo e filmare. Dopo due anni raccatto il materiale tecnico, prendo
un volo per Cefalonia, affronto due ore di motorino, venti minuti
di cammino impervio nella sterpaglia e mi ritrovo appollaiato su
una scogliera, in attesa... Tutto questo per realizzare un piccolo film
di fantascienza con un gregge di capre che passa al tramonto in
una baia sperduta. A volte bisogna inseguire le proprie visioni».
**
Images from another planet. A far away world, seemingly identical
to ours in every way but for one: the constant daylight shining all the
time, everywhere. Every two thousand years, though, the planet plunges
into darkness. That time is about to come… A herd of goats grazing in
the remote bay of a Greek island at sunset can become the inspiration
for a visionary and metaphysical journey.
“I was in Greece and I happened to witness a magical event, which
immediately reminded me of one of Asimov’s stories that always
enthralled and perturbed me. I knew I had to get back to that place to
take some footage, it became a fixed idea. Two years later, I managed
to put together all the equipment. I flew back to Cephalonia, rode a
scooter for two hours, climbed up a steep path through the underbrush,
and found myself perched on a cliff by the sea, waiting… All this to
make a short sci-fi film about a herd of goats crossing a desolate bay
at sunset. Sometimes you have to chase your visions.”
161
SOMMARIO
Clemente Bicocchi dal 1998 realizza
documentari e piccoli film
sperimentali, tra i quali Educazione
affettiva, uscito in molte sale
cinematografiche italiane, e Africa
nera marmo bianco, che ha vinto il
premio per il miglior documentario
al Festival di Annecy, quello del
pubblico al Cambridge Film Festival,
al Berlin Independent Film Festival
e all’Africa World Documentary Film
Festival. Il film è stato inoltre in
concorso alla Mostra Internacional
de Cinema de São Paulo, al New York
African Film Festival e in diversi altri
festival internazionali.
Clemente Bicocchi has been making
documentaries and experimental shorts
since 1998. His documentaries include:
Educazione affettiva, screened in
many movie theaters throughout Italy,
and Africa nera marmo bianco, which
received many awards from the Annecy
Film Festival, the Cambridge Film
Festival, the Berlin Independent
Film Festival, and the Africa World
Documentary Film Festival. The
documentary also participated in
several other international film festivals
and competitions, from the Mostra
Internacional de Cinema de São Paulo,
to the New York African Film Festival,
among others.
Africa nera marmo bianco (2012),
Educazione affettiva
(coregia/codirector Federico Bondi,
doc., 2015), Notturno (cm, 2016).
antonio di biase
NUOVA ZITA
Antonio Di Biase (Pescara, 1994),
dopo essersi diplomato presso il
Liceo artistico di Pescara, nel 2016
ha conseguito la laurea triennale in
pittura presso l’Accademia di belle
arti di Brera a Milano. Nel corso
degli anni ha realizzato circa
dieci cortometraggi, spaziando tra
il documentario e la finzione.
NUOVA ZITA
regia, fotografia,
montaggio/director,
editing
Antonio Di Biase
suono/sound
Massimo Mariani
Antonio Di Biase,
Riccardo Annoni
**
contatti/contacts
Antonio Di Biase
[email protected]
Nel corso di una giornata in mezzo al mare pescarese, l’occhio
della Bolex 16mm oscilla sul peschereccio Nuova Zita, fissando
frammenti di un universo ancestrale, fuori dal tempo.
«Nuova Zita racconta una giornata di pesca a strascico, vista
dall’interno di un peschereccio: dall’uscita in mare a mezzanotte,
fino al rientro intorno alle quattro del pomeriggio. Il film è
interamente girato in 16mm, con una Bolex degli anni Sessanta.
La macchina da presa ondeggia assieme alla barca, diventa un
tutt’uno con essa. Il racconto è costruito attraverso una
successione d’immagini improvvisate, come in una sinfonia visiva.
Ogni immagine è concepita dunque con lo scopo di ricreare
l’atmosfera che si respira all’interno della Nuova Zita, con i suoi
colori, i suoi suoni e i suoi odori».
**
During one full day in the middle of the sea off Pescara, the eye of
the Bolex 16mm sways on the fishing boat Nuova Zita, immortalizing
fragments of an ancestral universe, out of time.
“Nuova Zita recounts a day spent trawling, as seen from onboard a
fishing boat: from the moment it goes out to sea at midnight until it
returns around four in the afternoon. The film is shot entirely in 16mm
with a Bolex from the 1960s. The movie camera sways with the boat,
becoming one and the same with it. The story is constructed along a
series of improvised images, like a visual symphony. Thus, each image
is conceived with the goal of recreating the atmosphere onboard the
Nuova Zita, with its colors, its sounds and its smells.”
162
SOMMARIO
Antonio Di Biase (Pescara, Italy,
1994), after graduating from the Arts
High School in Pescara, received his
three-year degree in painting from the
Brera Fine Arts Academy in Milan in
2016. Over the years, he has made
roughly ten short films, both
documentaries and fiction.
Braccoblood (cm, 2011), Mani tese
(cm, 2011), 01 (cm, 2013), Borgo
Marino (cm, 2014), Il pittore della
maestà (cm, 2014), Cibus Trittico (cm,
2011/2015), Nuova Zita (cm, 2016).
alessia cecchet
ONIKUMA
Italia-Usa/Italy-USA, 2016, HD, 12’, col.
Alessia Cecchet (Feltre, Belluno),
laureata in cinema al Dams di
Bologna, vive e lavora negli Stati
Uniti, dove ha completato la sua
educazione in filmmaking presso
la Syracuse University, nello Stato
di New York. Interessata alle
intersezioni tra cinema, live action,
animazione stop motion e fibre
tessili, possiede inoltre una
formazione come direttrice della
fotografia.
ONIKUMA
regia, fotografia,
montaggio, animazione/
film editing, animation
Alessia Cecchet
Paul Capotosto
suono/sound
Nigel Li
interpreti/cast
Sandy Siquier,
Sarineh Garapetian,
Jacob Riddle
produttore/producer
Carlton Daniel jr
**
contatti/contacts
Alessia Cecchet
[email protected]
www.alessiacecchet.com
Onikuma è uno yokai, un demone del folclore giapponese, che
appare sotto forma di orso bipede, ed è noto per dare la caccia ai
cavalli. Circondate da un paesaggio sconosciuto, due donne
iniziano un percorso che le porterà a comprendere che i demoni
possono apparire sotto molteplici forme.
«Cinema per me significa empatia. Nei miei film cerco di creare un
legame con il pubblico attraverso lacune, opacità e incertezze che
chiedono di colmare vuoti e spazi indefiniti con memorie, valori ed
esperienze personali. Chiamando in causa uno sguardo disponibile
a inscrivere le proprie storie nel tessuto del film, apro il mio lavoro
a letture molteplici, a un uso libero e individuale del film. Il mio
intento si realizza quando, invece di trovare uno spettatore, creo
piuttosto uno user».
**
Onikuma is a yokai, a mythological Japanese demon that looks like a
bear and hunts horses. Two women embark on a journey in unfamiliar
territories that will bring them to understand how demons can appear
in many different guises.
“For me cinema is empathy. I try to connect with the audience through
my films, exploring gaps, uncertainties, and undefined spaces that need
to be filled with memories, values, and personal experiences. By calling
into question the perspective inscribing its stories on the fabric of the
film, I open my work to multiple interpretations, so that viewers may
find their own individual meaning in it. I feel I’ve achieved my purpose
when I create a ‘user’ rather than just a spectator.”
163
SOMMARIO
Alessia Cecchet (Feltre, Belluno, Italy)
studied filmmaking at DAMS in the
University of Bologna. She moved to
the United Stated to complete her
film studies at Syracuse University
in upstate New York. In her work
she combines cinema, live action, stop
motion animation, and fabrics, and she
is also a trained photography director.
Psycho-Drama (cm, 2014), Cold Fish
(cm, 2015), Onikuma (cm, 2016).
matteo canetta
REDENZIONE
Italia-Paesi Bassi/Italy-The Netherlands, 2016, HD, 26’, bn/bw
Matteo Canetta è un filmmaker che
ha lavorato soprattutto in ambito
musicale. È stato ricercatore presso
il Master of Film dell’Accademia del
cinema olandese e, grazie alla rete
di contatti costruita attorno al
programma di ricerca, ha partecipato
a diverse iniziative artistiche, fra cui
il Researchlab, serie di eventi in
collaborazione con l’Eye Film
Institute di Amsterdam. Attualmente
sta lavorando a un cortometraggio
che investiga i sistemi educativi
e la produzione di conoscenza.
REDENZIONE
regia, fotografia/
Matteo Canetta
sceneggiatura, produttori/
screenplay, producers
Pierandrea Villa,
Matteo Canetta
musica/music
Sleaford Mods
suono/sound
Marcello Sodano
interpreti/cast
Maria Cristina Morani,
Alessia Poerio Piterà,
Giulia Aliprandi,
Carla Pirozzi,
Antonio Sodano,
Giuseppe De Filippo,
Francesco Tancredi,
Claudio Perrotta
Dispositif Films
**
contatti/contacts
DispositifFilms
[email protected]
www.dispositif-films.com
Per sviluppare un copione sono mescolati in un pastiche commedia
classica, saggi di psichiatria e poesia del Novecento. I personaggi
incontrati per le strade di un paesino dell’Italia meridionale
scoprono il testo e si confrontano con esso, mentre gli autori
cercano perdono.
«Se ipotizziamo che il sacro equivalga a ciò che è comunemente
accettato, l’idea di profanazione diventa un atto di emancipazione
e rivoluzione. Mettere in dubbio l’indiscusso permette di
conoscerlo meglio».
**
To create a script, classic comedy, psychiatric essays and 20 -century
poetry are mixed together in a pastiche. People encountered on the
streets of a small town in southern Italy discover the text and take
it on, while the authors try to be forgiven.
TH
“If we hypothesize that the sacred equals that which is commonly
accepted, the idea of profanation becomes an act of emancipation and
revolution. To question the indisputable allows us to know it better.”
164
SOMMARIO
Matteo Canetta is a filmmaker who
has worked above all in the musical
field. He was a researcher at the
Master of Film program of the
Netherlands Film Academy and, thanks
to a network of contacts he constructed
through the research program, he has
participated in various artistic
initiatives, including the Researchlab,
a series of events in collaboration
with the Eye Film Institute in
Amsterdam. At present, he is working
on a short film which investigates
educational systems and the
production of knowledge.
Redenzione (cm, 2016).
francesco dongiovanni
STUDIO
Francesco Dongiovanni (1978) vive
e lavora in Puglia. Da tempo affronta
temi come l’etnografia, il paesaggio,
l’archivio, la memoria e il cinema
antropologico e lavora per la casa
di produzione Murex, da lui fondata
con altri collaboratori. Ha realizzato i
mediometraggi Densamente spopolata
è la felicità (2011), Elegie dall’inizio del
mondo - Uomini e alberi (2013), Giano
(2014) e il cortometraggio Anapeson
(2015), presentato in concorso
durante l’ultima edizione del Torino
Film Festival.
STUDIO
regia, fotografia,
montaggio, suono/
film editing, sound
Francesco Dongiovanni
musica/music
Salahaddin Roberto
Re David
interprete/cast
Pierluca Cetera
produttore/producer
Cosimo Santoro
Open Reel
**
contatti/contacts
The Open Reel
Cosimo Santoro
[email protected]
www.theopenreel.com
Nello studio di un’artista, i volti e le figure dipinte prendono
letteralmente forma. L’occhio e la mano, mentre sono all’opera,
sembrano inseguirsi e intrecciarsi. L’immagine cinematografica
e la pittura si specchiano, si richiamano, si sovrappongono.
«Volevo filmare Pierluca Cetera, artista e amico, al lavoro nel suo
studio. Ero curioso di vedere come nascono le sue figure e i suoi
corpi. Ci siamo visti durante la realizzazione di un’opera per una
mostra in Cina. Da lì è nato questo film: una danza e un
pedinamento fra me e lui».
**
In an artist’s studio, the painted faces and figures literally take form.
While at work, the eye and the hand seem to follow each other and
intertwine. The film image and the painting reflect each other, call
to each other, overlap.
“I wanted to film Pierluca Cetera, an artist and a friend, while he was
working in his studio. I was curious to see how his figures and bodies
are created. We met up while he was making a piece for an exhibition
in China. This film sprang from that meeting: dancing together and
tailing each other.”
165
SOMMARIO
Francesco Dongiovanni (1978) lives
and works in Puglia. For a while now,
he has dealt with topics such as
ethnography, landscapes, archives,
memory and anthropological cinema,
and he works for the production
company Murex, which he founded
with other collaborators. He has made
the medium-length films Densamente
spopolata è la felicità (2011), Elegie
dall’inizio del mondo - Uomini e
alberi (2013 ) and Giano (2014), and
the short Anapeson (2015), presented
in competition at last year’s Torino
Film Festival.
Densamente spopolata è la felicità
(mm, 2011), Elegie dall’inizio del
mondo - Uomini e alberi (mm, 2013),
Giano (mm, 2014), Anapeson (cm,
2015), Studio (cm, 2016).
gabriele di munzio
TANJATALES
Francia-Marocco/France-Morocco, 2016, HD, 19’, col.
TANJATALES
regia/director
Gabriele Di Munzio
**
contatti/contacts
Gabriele Di Munzio
[email protected]
www.gabrieledimunzio.net
Tangeri. Storie di vita quotidiana s’intrecciano, una voce racconta
di resistenze, desideri, coraggio e destino. È la voce di una giovane
donna la cui identità rimane nascosta. L’intimità di questi momenti
rimane come un’impronta.
«Mentre ascolto Douaa per le strade di Tangeri penso che la storia
che mi sta raccontando non sia quella di un’amica, ma non posso
chiederle niente, è un racconto troppo intimo. Al montaggio metto
insieme i pezzi del puzzle, sovrappongo i ricordi non registrati,
e ora ne ho la certezza: la storia che mi racconta è la sua storia.
Grazie Douaa».
**
Tangiers. Stories of everyday life intertwine, a voice recounts a story
of resistance, desires, courage and destiny. It’s the voice of a young
woman, whose identity isn’t revealed. The intimacy of these moments
remains like an imprint.
“While listening to Douaa on the streets of Tangiers, I think the story
she is telling me isn’t that of a friend, but I can’t ask her, the story is
too intimate. During the editing, I put together the pieces of the puzzle,
I superimpose the unrecorded memories and now I am certain: the
story she told me is hers. Thank you, Douaa.”
Gabriele di Munzio (Napoli, 1972)
ha frequentato corsi di fotografia
e montaggio a Londra dal 1993 al
1995 e ha poi cominciato a
interessarsi di teatro grazie ad alcuni
seminari tenuti nei centri di ricerca
di Peter Brook ed Eugenio Barba
e del Teatro Valdoca. Dal 2001 ha
realizzato vari documentari nella
regione di Poitou-Charentes e dal
2005 si è dedicato a cortometraggi
di video-teatro. Nel 2007 ha creato
l’associazione Cantine1901, con la
quale ha realizzato il cortometraggio
Riviera 91, che nel 2009 ha vinto il
premio speciale della giuria al Torino
Film Festival. Stesso riconoscimento
è andato due anni dopo a Occhio di
vetro cuore non dorme (2011). Nel
2014 è tornato al Torino Film Festival
con Corpo familiare.
Gabriele di Munzio (Naples, 1972)
attended courses in photography
and film editing in London from 1993
to 1995 and then became interested
in theatre, thanks to a number of
seminars held at the Peter Brook and
Eugenio Barba research centers and at
the Teatro Valdoca. Since 2001, he has
made various documentaries in the
region of Poitou-Charentes and since
2005 has dedicated himself to videotheatre shorts. In 2007, he created the
association Cantine1901, with which
he made the short Riviera 91, which
won the Special Jury Prize at the 2009
Torino Film Festival. Two years later,
he received the same award for Occhio
di vetro cuore non dorme (2011).
In 2014, he returned to the Torino
Film Festival with Corpo familiare.
Riviera 91 (cm, 2009), Papillon distrait
(cm, 2010), Occhio di vetro cuore non
dorme (cm, 2011), Corpo familiare
(cm, 2014), TanjaTales (cm, 2016).
166
SOMMARIO
ONDE
I FILM
| KIYOSHI KUROSAWA DAGUERROTYPE - LE SECRET DE
| CARLO MICHELE SCHIRINZI ECLISSE SENZA CIELO | LEO GABIN EXIT/ENTRY |
EUGÈNE GREEN LE FILS DE JOSEPH | ERAN KOLIRIN ME’EVER LAHARIM VEHAGVAOT - BEYOND THE
MOUNTAINS AND HILLS | MELISSA DULLIUS, GUSTAVO JAHN MUITO ROMÂNTICO | GARIN
NUGROHO NYAI - A WOMAN FROM JAVA | JOÃO PEDRO RODRIGUES O ORNITÓLOGO | TAKEHIRO
ITO OUT THERE | ALEJO FRANZETTI PANKE | DAMIEN MANIVEL LE PARC | RITA HUI NGA SHIU
PSEUDO SECULAR | BERTRAND BONELLO SARAH WINCHESTER, OPÉRA FANTÔME | SANDRA
WOLLNER DAS UNMÖGLICHE BILD - THE IMPOSSIBLE PICTURE
LEO GABIN A CRACKUP AT THE RACE RIOTS
LA CHAMBRE NOIR
ARTRUM
YURI ANCARANI THE CHALLENGE
| WU TSANG DUILIAN | GABRIEL ABRANTES, BEN RIVERS
THE HUNCHBACK
HARUN FAROCKI
- WORKERS LEAVING THE FACTORY |
- THE EXPRESSION OF HANDS | GEGEN-MUSIK - COUNTER-MUSIC
| ZUR BAUWEISE DES FILMS BEI GRIFFITH’S FILM - ON CONSTRUCTION OF GRIFFITH’S FILMS |
EIN BILD - AN IMAGE | SCHNITTSTELLE - INTERFACE | ICH GLAUBTE GEFANGENE ZU SEHEN I THOUGHT I WAS SEEING CONVICTS | ERNSTE SPIELE I: WATSON IST HIN - SERIOUS GAMES I:
WATSON IS DOWN | ERNSTE SPIELE II: DREI TOT - SERIOUS GAMES II | NICHT LÖSCHBARES
FEUER - INEXTINGUISHABLE FIRE | BILDER DER WELT UND INSCHRIFT DES KRIEGES - IMAGES
OF THE WORLD AND THE INSCRIPTION OF WAR | AUGE/MASCHINE II - EYE/MACHINE
HARUN FAROCKI ARBEITER VERLASSEN DIE FABRIK
DER AUSDRUCK DER HÄNDE
SOMMARIO
ONDE
Onde
DI MASSIMO CAUSO E ROBERTO MANASSERO
Pseudo Secular (2016)
Seguendo per istinto il destino delle nouvelle
vague nelle derive cinematografiche
contemporanee, anche quest’anno Onde si fa
interprete di quel dialogo mai terminato tra la
finitezza del narrare e l’infinitezza dei linguaggi.
Diciotto film di metraggio vario, che rispondono,
ognuno a suo modo, alla ricerca di un nesso
distintamente espressivo tra la Storia, con i suoi
eventi, e le storie, coi loro vissuti. A guardarli
insieme, ora che li abbiamo amati e scelti tra
i tanti visti nel corso dell’anno, i film di Onde
si mostrano segnati dal destino di un Cinema
che forza la sua stessa classicità, dialoga con
la modernità dei Maestri, e dunque interroga il
tempo presente con gli strumenti di un’indagine
che è prima di tutto linguistica, espressiva.
Partendo da Nyai - A Woman from Java, il nuovo
lavoro del maestro del cinema indonesiano
Garin Nugroho, che apre la nostra sezione
nel segno di un confronto tra dramma storico
e melodramma umano, molti film di Onde
portano la firma di autori ancora e sempre
nuovi, anche se già molto amati e classificati,
dunque già «classici»: Kiyoshi Kurosawa con
Daguerrotype dialoga col gotico europeo per
parlare dei suoi fantasmi sospesi tra ossessione
e realtà come tra speranza e disperazione,
esattamente come Bertrand Bonello in Sarah
Winchester, Opéra fantôme s’inventa un
dispositivo filmico/teatrale quasi wellesiano per
chiudere nella sua Xanadu popolata di spiriti la
nota ereditiera americana. Dal gotico al surreale
di João Pedro Rodrigues, che in O Ornitólogo
168
SOMMARIO
ONDE
insiste sul suo cinema delle metamorfosi,
forzando un uomo a farsi pellegrino sulla strada
buñueliana, per arrivare al cinema parabolico
di Eugène Green, che con Le fils de Joseph
accompagna un adolescente nella ricerca
del padre in un mondo che ha bisogno di
coordinate. Lo stesso mondo che l’israeliano
Eran Kolirin butta addosso alla famiglia del suo
nuovo film, Beyond the Mountains and Hills, sorta
di commedia astratta sull’innocenza della colpa.
Nella stessa sfera si muove la giovane
esordiente tedesca Sandra Wollner, che in
The Impossible Picture sembra cercare lo scarto
dalle istantanee austrogermaniche di Ulrich
Seidl, raccontando attraverso il Super8 la
scoperta della colpa nel cuore di una famiglia
austriaca degli anni Cinquanta. La scoperta
della verità interiore attraverso il dispositivo del
cinema è la strategia messa in atto da un altro
esordiente, il giapponese Takehiro Ito, in Out
There, che dialoga neanche troppo a distanza
con la new wave taiwanese tanto quanto la
filmmaker hongkonghese Rita Nga Shiu Hui,
che invece in Pseudo Secular racconta il presente
della sua città tra mutamenti del paesaggio
urbano, sociale e umano. Taglia di netto la
realtà della Berlino degli immigrati l’argentino
Alejo Franzetti, che in Panke fa idealmente
dialogare Rossellini e Kramer su uno scenario
quasi straubiano. In Muito Romântico, invece,
i brasiliani Melissa Dullius e Gustavo Jahn si
intrattengono nella loro Berlino con spirito
alla Rivette, così come il francese Damien
Manivel in Le parc sembra inconsciamente
voler dialogare con l’Antonioni di Blow-Up,
riscrivendolo sui silenzi e sui passi in vista della
verità di due adolescenti alla loro prima uscita.
Il silenzio è introflesso nello studio d’artista
inciso da Carlo Michele Schirinzi sulla figura
di Romano Sambati, protagonista di Eclisse senza
cielo, perfetto contraltare del clamore estatico
e declamatorio urlato dall’American Dream
raffigurato dal collettivo belga Leo Gabin nei
due lavori che presentiamo: Exit/Entry,
disfunzione paranoica per sguardo con
smartphone, e A Crackup at the Race Riots,
ritratto d’America annichilita nello streaming
offerto all’omonimo libro cult di Harmony
Korine come gratuito found footage.
ONDE
Onde
BY MASSIMO CAUSO AND ROBERTO MANASSERO
Nyai - A Woman from Java (2016)
Instinctively following the Nouvelle Vague’s
destiny in contemporary filmmaking trends,
Onde once again interprets the unfinished
dialogue between the finiteness of narration
and the infinity of language. Eighteen films of
varying length and each one, in its own way,
is a search for a clearly expressive link between
Histories, with their events, and Stories, with
their experiences. Considered as a whole, and
having loved and chosen them from among the
many we have seen over the past year, the films
in Onde are marked by the destiny of a cinema
which challenges its own classical spirit,
dialogues with the modernity of the maestros,
and, thus, questions present times with the
instruments of linguistic and expressive
investigation, above all.
Starting with Nyai - A Woman from Java, the new
film by the maestro of Indonesian cinema Garin
Nugroho, which opens our section in the sign
of a clash between historical drama and human
melodrama, many of the films in Onde were
made by directors who are still and always new,
even though they are already beloved and
classified, and thus, already “classical:” in
Daguerrotype, Kiyoshi Kurosawa dialogues with
European gothic to depict his ghosts suspended
between obsession and reality, between hope
and desperation; in the same way, Bertrand
Bonello, in Sarah Winchester, Opéra fantôme,
invents an almost Wellesian filmic/theatrical
device to confine the well-known American
heiress in a Xanadu populated by ghosts.
169
SOMMARIO
ONDE
From the gothic to the surreal, as João Pedro
Rodrigues carries on his cinema of
metamorphosis and turns a man into a
Buñuelian pilgrim in O Ornitólogo; all the way to
the parabolic cinema of Eugène Green, whose
film Le fils de Joseph accompanies an adolescent
searching for his father through a world lacking
coordinates. This is the same world which
Israel’s Eran Kolirin throws at a family in his new
movie, Beyond the Mountains and Hills, a sort of
abstract comedy about the innocence of guilt.
The young, debut German filmmaker Sandra
Wollner navigates this same sphere in her movie
The Impossible Picture, which tries to mark a
distance from Ulrich Seidl’s Austrian-German
snapshots, as she uses a Super8 to discover
the guilt in the heart of a 1950s Austrian family.
Discovering interior truth by means of a movie
camera is the strategy used by another debut
filmmaker, Japan’s Takehiro Ito, in Out There,
which dialogues closely with Taiwan’s new wave;
as does a filmmaker from Hong Kong, Rita Nga
Shiu Hui, whose film Pseudo Secular recounts
the present time in her city affected by changes
in the urban, social and human landscape.
Argentina’s Alejo Franzetti slices through the
reality of immigrants in Berlin in his film Panke,
an ideal dialogue between Rossellini and Kramer
in an almost Straubesque scenario. Instead, in
their Berlin, the Brazilians Melissa Dullius and
Gustavo Jahn enjoy themselves with Rivette-like
spirit in Muito Romântico; while in Le parc,
French director Damien Manivel seems to be
subconsciously dialoguing with the Antonioni
of Blow-Up, rewriting it in the truth-seeking
silences and footsteps of two adolescents going
out for the first time. Silence is introflexed in the
artist’s studio of Romano Sambati, recorded
by Carlo Michele Schirinzi in Eclisse senza cielo,
a perfect counterbalance to the ecstatic and
declamatory yell of the American Dream, as
depicted by the Belgian collective Leo Gabin
in the two works presented here: Exit/Entry,
a paranoid dysfunction by means of a
Smartphone, and A Crackup at the Race Riots,
the portrait of an annihilated America in the
streaming of free found footage, inspired by
Harmony Korine’s cult book of the same title.
ONDE
leo gabin
A CRACKUP AT THE RACE RIOTS
Belgio-Usa/Belgium-USA, 2015, video, 58’, col.
A CRACKUP
AT THE
RACE RIOTS
montaggio,
screenplay, film editing,
producer
Leo Gabin
soggetto/story
title by Harmony Korine
**
contatti/contacts
Leo Gabin
[email protected]
Una sequela di immagini video in bassa qualità montate fra di loro
senza un apparente filo conduttore: adolescenti che si mettono
in posa e vanno sullo skateboard, ridono e scherzano tra di loro,
danno sfogo al contemporaneo bisogno di esibizionismo,
annunciano suicidi che forse non si verificheranno mai. Il tutto
caricato sui social network più popolari, come momenti intimi da
condividere col mondo. A fare da collante, tra una scena e l’altra,
stralci dell’omonimo romanzo di Harmony Korine, come una sorta
di canovaccio per una rappresentazione della rappresentazione
sfuggita di mano.
**
A series of low-quality video images edited together without any
apparent leitmotiv: adolescents posing and skateboarding, laughing
and joking with each other, venting today’s exhibitionistic urge,
announcing suicides that perhaps will never be committed.
All this uploaded onto the top social networks like intimate moments
to share with the world. Connecting each scene to the next, excerpts
from the same-titled novel by Harmony Korine, like a sort of plot
outline for a performance of the performance that has gotten out
of hand.
Leo Gabin è un collettivo belga
composto da tre persone, formatosi
nel 2000, la cui opera si esprime
attraverso la pittura, le installazioni
e il cinema. I loro lavori sono stati
protagonisti di mostre presso musei
e gallerie quali il Dhondt-Dhaenens
di Deurle, la Schirn Kunsthalle di
Francoforte, il White Cube di Londra
e l’M Woods di Pechino. Hanno
esordito nel lungometraggio nel 2015
con A Crackup at the Race Riots,
che è stato proiettato, tra l’altro, al
CPH:DOX, al London Short Film
Festival, al Rotterdam International
Film Festival. Nella sezione Onde
è presente anche il film Exit/Entry,
progetto videopittorico che
scompone e ricompone la realtà
a partire da più di tremila video,
rielaborando come A Crackup
at the Race Riots simboli e icone
della vita americana.
Leo Gabin is a Belgian collective
composed of three people. Founded
in 2000, its opus is expressed through
paintings, installations and cinema.
Their works have starred in exhibitions
at museums and galleries, including
the Dhondt-Dhaenens in Deurle,
the Schirn Kunsthalle in Frankfurt,
the White Cube in London and the
M Woods in Beijing. They debuted in
feature films in 2015 with A Crackup
at the Race Riots, which was screened
at festivals such as the CPH:DOX,
the London Short Film Festival and the
Rotterdam International Film Festival.
Another film of theirs is featured
in the Onde section: Exit/Entry,
a video-pictorial project which breaks
down and recomposes reality, starting
from more than three thoudand videos;
like A Crackup at the Race Riots, it
re-elaborates symbols and icons of
American life.
A Crackup at the Race Riots (2015),
Exit/Entry (cm, 2016).
170
SOMMARIO
ONDE
ONDE
kiyoshi kurosawa
DAGUERROTYPE
LE SECRET DE LA CHAMBRE NOIRE
Francia-Giappone-Belgio/France-Japan-Belgium, 2016, HD, 131’, col.
THE WOMAN
IN THE SILVER
PLATE
Kiyoshi Kurosawa
Alexis Kavyrchine
Véronique Lange
musica/music
Grégoire Hetzel
suono/sound
Erwan Kerzanet,
Emmanuel de Boissieu
cast and characters
Tahar Rahim (Jean),
Constance Rousseau
(Marie), Olivier
Gourmet (Stéphane)
produttore/producer
Michiko Yoshitake
Les Productions Balthazar
**
contatti/contacts
Celluloid Dreams
Pascale Ramonda
[email protected]
www.celluloid-dreams.com
Dopo la scomparsa dell’amata moglie, il celebre fotografo
Stéphane ha cercato di colmare il vuoto realizzando dagherrotipi a
grandezza naturale che sembrano quasi avere il dono di trattenere
parte del soggetto. Quando l’acerbo Jean ne diventa l’assistente,
si trova coinvolto nelle ossessioni di Stéphane e si innamora,
ricambiato, di sua figlia Marie, la principale modella delle
fotografie. Per vivere il loro amore, però, i due ragazzi dovranno
evadere da quel mondo di immagini dalla sorprendente forza vitale.
«In passato facevo film sulla Yakuza o polizieschi che parlavano
di faide tra uomini: nulla di più lontano dall’essere un artista
romantico. Forse erano gli unici lavori che mi venivano offerti allora.
In quel genere di film, “morte” equivale a “fine”. Tuttavia, quando
ho iniziato a girare horror e i fantasmi hanno cominciato a fare il
loro ingresso nei miei film, la parola “morte” si è trasformata in
qualcosa di teso verso l’eternità e l’immortalità. Credo che in
questo cambiamento i rapporti umani fra i miei personaggi
abbiano raggiunto naturalmente un lirismo romantico».
**
After his beloved wife passes away, the famous photographer Stéphane
tries to fill the void by making full-size daguerreotypes which seem to
almost capture a part of their subjects. When young Jean becomes his
assistant, he finds himself involved in Stéphane’s obsessions and falls in
love with the photographer’s daughter Marie, the main model for the
pictures. She, too, loves Jean but, in order to live their love story, the
two young people must escape from that world of images and their
surprisingly dynamic power.
“I used to create yakuza or crime film where the stories were centered
around feuds between men, nowhere near being a romantic artist.
You could say those were the only jobs offered to me back then.
‘Death’ clearly meant the ‘end’ in this genre. But when I started
creating horror films and as more ghosts have appeared in my films,
‘death’ transformed into something that is spanned towards eternity
or immortality. I suppose the human relationships my characters have
has naturally gained a romantic lyricism in the midst of this shift.”
171
SOMMARIO
ONDE
Kiyoshi Kurosawa (Kobe, Giappone,
1955), studente presso la Rikkyo
Daigaku, ha lavorato come assistente
e autore di cortometraggi in 8mm,
fino agli esordi in produzioni per
il mercato video. Nel 1997, con il
thriller metafisico Cure ha ottenuto
il primo grande successo al Festival
di Tokyo. Le opere successive, spesso
ospitate in prestigiosi festival
internazionali, lo hanno imposto
tra i maggiori autori del cinema
giapponese. Il suo cortometraggio
Soul Dancing è stato presentato al
Torino Film Festival nel 2004, dove
è tornato l’anno successivo con Loft.
Con Tokyo Sonata (2008),
interpretato dall’attore feticcio Koji
Yakusho, ha vinto il premio della
giuria a Un certain regard di Cannes,
sezione in cui è tornato nel 2015
con Journey to the Shore, vincendo
il premio per la regia.
Kiyoshi Kurosawa (Kobe, Japan, 1955)
studied at Rikkyo Daigaku and then
worked as assistant, director of short
films in 8mm, and early productions
for the video market. In 1997 his
metaphysical thriller Cure gave him
his first success at the Tokyo
International Film Festival. His later
works, most of which have participated
at the world’s top festivals, have made
him one of the new authors of Japanese
cinema. His short film Soul Dancing
was presented in 2004 at the Torino
Film Festival, where he returned the
following year with Loft. In 2008,
Tokyo Sonata, starring Koji Yakusho,
won the Jury Prize in Un certain regard
at the Cannes Film Festival, a section
he returned to in 2015 with Journey to
the Shore, which won Best Director.
Suito Homu (Sweet Home, 1989),
Katte ni shiyagare! Gyakuten keikaku
(1996), Hebi no michi (Serpent’s Path,
1997), Ningen gokaku (License to Live,
1998), Kumo no hitomi (Eyes of the
Spider, 1998), Karisuma (Charisma,
1999), Oinaru genei (Barren Illusions,
1999), Kaïro (Pulse, 2001), Akarui
mirai (Bright Future, 2003),
Dopperugenga (Doppelganger, 2003),
Ghost Cop (2004), Shi no otome (Loft,
2005), Sakebi (Castigo, 2006), Riaru:
Kanzen naru kubinagaryû no hi (Real,
2012), Sebunsu kōdo (Seventh Code,
2013), Kurip (Creepy, 2016).
ONDE
carlo michele schirinzi
ECLISSE SENZA CIELO
ECLIPSE WITH
NO SKY
regia, soggetto, fotografia,
montaggio, suono,
produttore/director, story,
cinematography,
film editing,
sound, producer
Carlo Michele Schirinzi
interprete/cast
Romano Sambati
Untertosten Film,
Produktionen Autarkiken
**
contatti/contacts
Carlo Michele Schirinzi
L’artista Romano Sambati nel suo studio, opera disseppellendo
chirurgicamente intimità. E attende. Corpi, lune, luoghi, sindoni
senza testa sospese in tragiche cadute; un dolore classico e
inviolabile, diretto allo stomaco, un alito remoto che nulla ha da
spartire con la contemporaneità… E intanto la sua passione arde
impetuosa senza depositare cenere, bruciando tutto, anche se
stessa.
[email protected]
«L’opera di Sambati si scaglia testardamente e orgogliosamente
fuori dall’attualità, deborda dalle arti visive e intacca lo spirito
ammorbandolo, come un’icona senza tempo, cristallina e priva
di simbologie. Il moderno con i suoi strumenti non basta a
decifrarla e l’occhio può solo consegnarsi alla luce di questi cosmi
in cui la natura, interdetta, tenta di ritrarre i cieli delle sue tele:
nessuna opinione, nessun giudizio, solo silenzio muto di lingua,
sprofondato in tempi antichi, mitici, crudeli, ma di una crudeltà
fiera».
**
The artist Romano Sambati is in studio, working on surgically
exhuming intimacy. And waiting. Bodies, moons, places, headless
shrouds suspended in tragic falls; a classic, sacred sorrow clenching
the stomach, a remote whisper that has nothing to do with the
contemporary world... And all the while his passion burns impetuously
without leaving any ashes, like a flame consuming everything, even
itself.
“Sambati’s work stubbornly and proudly hurls itself beyond modernity,
breaching the boundaries of visual arts and tarnishing the spirit,
infecting it, like a timeless icon, pure and without any symbolisms.
The modern world and all its instruments aren’t enough to decipher
it; the eyes can only rely on the light of these cosmoses where nature
attempts to indecisively depict the skies on its canvas: no opinion, no
judgment, just the silence devoid of language, sunken in ancient times,
mythical, cruel, and with proud brand cruelty.”
172
SOMMARIO
ONDE
Carlo Michele Schirinzi (Capo di
Leuca, Lecce, 1974) sin dal 2000
partecipa a mostre e festival
internazionali ricevendo premi e
ottenendo retrospettive. Il Torino
Film Festival ha più volte premiato
i suoi lavori (menzione speciale a
Il Nido nel 2003, premio per il
miglior cortometraggio a Notturno
Stenopeico nel 2009, menzione
speciale a Mammaliturchi! nel 2010).
Nel 2004 con All’erta! ha vinto la
Mostra del nuovo cinema di Pesaro,
che nel 2005 gli ha dedicato una
retrospettiva, mentre nel 2010
Sonderbehandlung ha vinto il Festival
del cinema europeo di Lecce. Nel
2011 ha partecipato con Eco da luogo
colpito alla Mostra di Venezia e nel
2015, con Deposizione in due atti, ha
vinto il Laceno d’Oro. Il suo
lungometraggio I resti di Bisanzio
è stato poi presentato in concorso
a Pesaro e al Doclisboa.
Carlo Michele Schirinzi (Acquarica
del Capo, Lecce, Italy, 1974) is a
videomaker and artist. In 2004, his
short All’erta! won the Shortvillage
Award at the Pesaro International Film
Festival of New Cinema, which then
dedicated the 2005 retrospective to
him. Over the years, the Torino Film
Festival has presented much of his
work: Astrolìte (2002), Il nido (Special
Mention in 2003), Oligarchico (2007),
Sonderbehandlung (2008), Notturno
stenopeico (Best Italian Short in
2009), Mammaliturchi! (Special
Mention in 2010), and Natura morta
in giallo (2012). Eco da luogo scolpito
was selected at the Venice International
Film Festival. He presented his first
feature film I resti di Bisanzio (2014)
in the competition section of Pesaro
Film Festival, and at Doclisboa.
L’amanuense (cm, 2000), £ 3.000
(cm, 2000), Il sepolcro (cm, 2000),
Terminale (cm, 2000), Dè-tail (cm,
2001), Trappe (cm, 2001), Astrolìte
(mm, 2002), Crisostomo (cm, 2003),
Il nido (cm, 2003), All’erta! (cm,
2004), Macerie dell’arcobaleno (cm,
2004), Dal Toboso (cm, 2005),
Addestramento all’apocalisse (cm,
2006), Fuga da Nicea (cm, 2008),
Notturno stenopeico (cm, 2009),
Prospettiva in fuga (cm, 2009),
Mammaliturchi! (cm, 2010),
Frammenti da un confine (cm, 2010),
Eco da luogo colpito (cm, 2011),
Natura morta in giallo (cm, 2012),
I resti di Bisanzio (2014), Deposizione
in due atti (cm, 2015), Eclisse senza
cielo (mm, 2016).
ONDE
leo gabin
EXIT/ENTRY
Belgio-Usa/Belgium-USA, 2016, HD, 32’, col.
EXIT/ENTRY
regia, montaggio,
Leo Gabin
fotografia, interprete/
cinematography, cast
Bonnie Calcagno
**
contatti/contacts
Leo Gabin
[email protected]
Bonnie è un’insegnante in pensione che si è trasferita da Newburgh,
nello Stato di New York, a Carlsbad, in California, dove si prende
cura del fratello, handicappato mentale, e del cane cieco. Il motivo
che l’ha spinta ad abbandonare la costa est, però, non ha nulla a che
vedere con le necessità familiari: l’ombra dello stalking da parte di
sconosciuti si era allungata in modo claustrofobico sulla vita
di Bonnie. Nonostante il trasferimento, anche nella nuova
sistemazione compaiono ben presto segnali inquietanti:
sembrerebbe che qualcuno la stia spiando e perseguitando.
Alla donna, in un disperato tentativo di provare le attenzioni
indesiderate di cui è vittima, non rimane che documentare
meticolosamente, per mezzo di una videocamera, la quotidianità.
E se si trattasse, invece, di un’ennesima illusione frutto della sua
mente?
**
Bonnie is a retired teacher who moved from Newburgh, New York, to
Carlsbad, California, where she takes care of her mentally-challenged
brother and his blind dog. But the reason she left the East Coast has
nothing to do with family needs: an unknown stalker has cast a
claustrophobic shadow over Bonnie’s life. Despite moving to a new
place, some disturbing signals soon begin to appear: somebody seems
to be spying on her and hounding her. In a desperate attempt to prove
she is a victim of undesired attention, she begins to meticulously
document her daily life using a video camera. But what if, instead,
it’s only another figment of her imagination?
Leo Gabin è un collettivo belga
composto da tre artisti provenienti
da Gand che, dopo aver frequentato
l’Accademia reale della loro città,
hanno cominciato a lavorare insieme
nel 2000, dedicandosi alla pittura,
alle videoinstallazioni e al cinema.
I loro lavori sono stati esposti
in musei e gallerie come il
Dhondt-Dhaenens di Deurle,
la Schirn Kunsthalle di Francoforte,
il White Cube di Londra e l’M Woods
di Pechino. Hanno esordito nel
lungometraggio nel 2015 con
A Crackup at the Race Riots, che
è stato proiettato in festival come
il CPH:DOX, il London Short Film
Festival e il Festival di Rotterdam
e che fa parte della sezione Onde
di questa edizione del Torino Film
Festival. Exit/Entry, progetto
videopittorico che scompone e
ricompone la realtà a partire da più
di tremila video, rielaborando come
il film precedente simboli e icone
della vita americana, è stato
presentato dalla galleria Peres Project
e poi selezionato al FidMarseille.
Leo Gabin is a Belgian collective
composed of three artists from Ghent.
After attending the Royal Academy
of their town, they started working
together in 2000, dedicating themselves
to paintings, video installations and
cinema. Their works have been
exhibited in museums and galleries
such as the Dhondt-Dhaenens in
Deurle, the Schirn Kunsthalle in
Frankfurt, the White Cube in London
and the M Woods in Beijing. They
debuted in feature films in 2015 with
A Crackup at the Race Riots, which
screened at festivals including the
CPH:DOX, the London Short Film
Festival and the Rotterdam Film
Festival, and in the Onde section of this
year’s Torino Film Festival. Exit/Entry,
a pictorial video project which breaks
down and recomposes reality, starting
from over three thousand videos,
re-elaborating (like their previous film)
symbols and icons of American life, was
presented at the Peres Project gallery
and then selected for FIDMarseille.
A Crackup at the Race Riots (2015),
Exit/Entry (mm, 2016).
173
SOMMARIO
ONDE
ONDE
eugène green
LE FILS DE JOSEPH
Francia-Belgio/France-Belgium, 2016, 35mm, 115’, col.
JOSEPH’S SON
Eugène Green
soggetto/story
Catherine Grossen
Raphaël O’Byrne
Valérie Loiseleux
scenografia/
production design
Paul Rouschop
Agnès Noden
musica/music
Adam Michna Z Otradovic,
Emilio De Cavalieri,
Domenico Mazzocchi
suono/sound
Benoît De Clerck
cast and characters
Victor Ezenfis (Vincent),
Natacha Régnier (Marie),
Fabrizio Rongione (Joseph),
Mathieu Amalric (Oscar
Pormenor), Maria
De Medeiros (Violette
Tréfouille), Julia De
Gasquet (Bernadette),
Jacques Bonnaffé (Paysan),
Christelle Prot (Philomène)
Francine Jacob, Didier Jacob
Coffee and Films
Jean-Pierre Dardenne,
Luc Dardenne
Les films du fleuve
**
contatti/contacts
Lise LZ. Zipci
[email protected]
174
SOMMARIO
Vincent è arrabbiato. Ha quindici anni, vive con la madre Marie e
non sa chi è suo padre. Con l’ostinazione tipica della sua età riesce
a identificarlo nel famoso editore parigino Oscar Pormenor e a
intrufolarsi nel suo studio. Dal suo nascondiglio scopre però cose
che un figlio non vorrebbe sapere e che alimentano in lui la fantasia
di mettere in scena una versione capovolta del Sacrificio di Isacco
del Caravaggio, in cui è il figlio ad alzare la lama sulla testa del
padre. Ma l’incontro con Joseph, il fratello buono a nulla di Oscar,
ribalta la prospettiva e dà all’incontro un significato inaspettato.
«In tutti i miei film e romanzi l’idea deriva fulminea da un altrove,
poi la sviluppo con un approccio “mitico”. Nella cultura greca
classica, il mito era considerato una storia grazie alla cui continuità
narrativa era possibile esprimere una o più verità. Conosco persone
che vivono la stessa situazione di Marie e Vincent: una donna che
cresce il figlio da sola perché il padre non vuole essere coinvolto
per varie ragioni. Una donna che fa questo tipo di scelta è
certamente una donna coraggiosa».
**
Vincent is angry. He’s fifteen years old, he lives with his mother Marie
and he doesn’t know who his father is. With the tenaciousness typical
of young people, he identifies his father as the famous Parisian
publisher Oscar Pormenor and sneaks into the man’s office. But from
his hiding place he discovers things a son doesn’t want to know and
which spark in him a fantasy of acting out an inverted version of
Caravaggio’s The Sacrifice of Isaac, in which it is the son who raises
the blade over the father’s head. But when he meets Joseph, Oscar’s
good-for-nothing brother, the perspective is reversed, giving an
unexpected meaning to the encounter.
“The kernel of the story for each of my films and novels comes from
elsewhere, in a flash, and then I develop it ‘mythically.’ The Greeks
of the Classical period saw a myth as a story whose simple narrative
continuity provided an opportunity to express one or more truths.
I knew people who were in the same situation as Marie and Vincent,
that is to say, a woman raising her child on her own because the father
did not want to be involved for one reason or another. I think a woman
who makes the decision to raise her child on her own is a courageous
woman.”
ONDE
Eugène Green (New York City, Usa,
1947) si è trasferito nel 1969 a Parigi,
dove nel 1977 ha fondato il Théâtre
de la Sapience, con cui ha messo in
scena diverse pièce barocche e
moderne. Ha esordito come regista
con Toutes les nuits, Prix Delluc per
la miglior opera prima nel 2001.
Ha quindi diretto Le nom du feu,
presentato a Locarno nel 2002
e distribuito in coppia con Le monde
vivant, che ha partecipato nello
stesso anno alla Quinzaine des
réalisateurs. Con Correspondances
si è aggiudicato nel 2007, insieme
a Harun Farocki e Pedro Costa,
il premio speciale della giuria a
Locarno, dove è tornato in concorso
nel 2009 con A Religiosa Portuguesa
e nel 2014 con La sapienza.
Nel 2011 il Festival gli ha dedicato
una retrospettiva e l’anno scorso
l’ha nuovamente ospitato con Faire
la parole.
Eugène Green (New York City, NY,
USA, 1947) moved to Paris in 1969,
where he founded in 1977 the Théâtre
de la Sapience, which has staged
numerous Baroque and modern plays.
He debuted as a filmmaker with
Toutes les nuits, which received the
2001 Prix Delluc for Best First Film.
He next made Le nom du feu, a short
film which was presented at Locarno
in 2002 and was released along with
Le monde vivant, which participated
that same year at the Quinzaine des
réalisateurs. For Correspondances
he shared the Special Jury Prize with
Harun Farocki and Pedro Costa at
the 2007 Locarno Film Festival, where
he returned in 2009 with A Religiosa
Portuguesa and in 2014 with La
sapienza. In 2011 the Festival dedicate
a complete retrospective to his works.
Last year he presented in Turin the
documentary Faire la parole.
Toutes les nuits (2001), Le nom du
feu (cm, 2002), Le monde vivant
(2003), Le pont des arts (2004),
Les signes (mm, 2006), Digital
Sam in Sam Saek 2007: Memories
(ep. Corrispondences, mm, 2007),
A Religiosa Portuguesa (2009),
La sapienza (2014), Faire la parole
(doc., 2015), Le fils de Joseph (2016).
ONDE
eran kolirin
ME’EVER LAHARIM VEHAGVAOT
Israele-Belgio-Germania/Israel-Belgium-Germany, 2016, HD, 92’, col.
BEYOND THE
MOUNTAINS
AND HILLS
Eran Kolirin
Shaai Goldman
Arik Lahav-Leibovich
scenografia/
production design
Miguel Merkin
Doron Ashkenazi
musica/music
Asher Goldschmidt
suono/sound
Avi Mizrahi, Dirk Bombey
cast and characters
Alon Pdut (David),
Mili Eshet (Ifat),
Shiree Nadav-Naor (Rina),
Noam Imber (Omri),
Yoav Rothman (Evyatar)
Eilon Ratzkovsky, Yochanan
Kredo, Yossi Uzrad, Lisa
Shiloach Uzrad, Guy Jacoel
July August Productions,
Entre chien et loup, Match
Factory Productions
Diana Elbaum, Sebastien
Delloye, François Touwaide,
Michael Weber, Viola Fügen
**
contatti/contacts
The Match Factory
Sergi Steegmann
[email protected]
[email protected]
www.the-match-factory.com
175
SOMMARIO
Per David ritornare alla vita civile dopo ventisette anni nell’esercito
non è facile come aveva sperato. Non è semplice ristabilire un
contatto quotidiano con i familiari, con la dimensione della casa
e soprattutto con la nuova Israele, una società ultracompetitiva
e con l’ossessione per il successo. Così l’opportunità di entrare
in un’azienda che produce integratori alimentari gli sembra una
possibile via d’uscita da cogliere al volo. Ma David non sa quanto
il suo Paese è davvero cambiato.
«Beyond the Mountains and Hills è un film sul senso di colpa e su
cosa significa conviverci. Una colpa che non ha nome né ragione,
che sorge dalla terra come nebbiolina. È un film in cui i protagonisti,
come personaggi dei cartoni animati, continuano a camminare nel
nulla dopo aver superato il bordo della scogliera, completamente
in balia del potere confortante dell’ignoranza, di un’ostinata cecità.
È un film su alcune brave persone che vivono in una realtà cattiva,
che permette solo di essere vittime o carnefici. Una storia che indaga
il significato delle decisioni prese in questo tipo di realtà».
**
Returning to civilian life after twenty-seven years in the army isn’t as easy
as David had hoped. It’s hard to re-establish daily contact with his family,
with the dimension of his home and, above all, with the new Israel,
an ultra-competitive society obsessed with success. Thus, the opportunity
to join a company which produces nutritional supplements seems like a
possible escape to be seized without hesitation. But David doesn’t know
how much his country has changed.
“Beyond the Mountains and Hills is a film about guilt, about living
in the shadow of guilt – a guilt with no name or explicit reason, which
rises out of the ground like fine mist. It is a film whose heroes, like
characters in a cartoon, keep walking on thin air long after they have
gone over the cliff’s edge, entirely dependent on the consoling power of
not knowing, of a willful blindness. It is a film about good people living
in a bad reality, a reality which allows only the roles of the victim or the
executioner. It is a story that tries to question the meaning of the
decisions made within this reality.”
ONDE
Eran Kolirin (Israele, 1973) ha iniziato
a lavorare nel cinema come
sceneggiatore del film Tzur Hadassim,
che nel 1999 gli è valso il premio
Lipper per la miglior sceneggiatura
al Festival di Gerusalemme. Come
regista ha poi esordito nel 2007 con
il pluripremiato La banda, vincitore
fra l’altro del Coup de cœur della
giuria di Un certain regard a Cannes
e dell’European Film Discovery
Award. Con The Exchange (2011),
invece, è stato in concorso alla
Mostra di Venezia e in seguito ha
vinto diversi premi internazionali,
tra cui il Fipresci al Festival di San
Francisco.
Eran Kolirin (Israel, 1973) started
working as a screenplayer for the film
Tzur Hadassim (1999), for which
he won the Lipper Prize for Best Script
at the Jerusalem International Film
Festival. His feature film debut as a
director, The Band’s Visit (2007), won
him worldwide critical acclaim and
over fifty prestigious awards around
the globe, among them the Un certain
regard Jury Coup de cœur Award in
Cannes, and the European Film
Discovery Award. The Exchange (2011)
was then screened at the official
competition at the Venice Film Festival,
and has won several awards, including
the FIPRESCI Award in San Francisco
International Film Festival.
Shabatot VeHagim (ep. Eshet Cha’il,
Machshavot Shniot, HaLev Shene’elav,
Hemshech Yavo, BeChul Ze Lo
Nechshav, Tozeret Tsarfat, Pti’ha,
Meriach Saruf, Ha-Se’ara, Yom
Nisu’im, 2001), Hamasa Ha’aroch
(The Long Journey, tv, 2004), Bikur
Ha-Tizmoret (La banda, 2007),
Hahithalfut (The Exchange, 2011),
Me’ever Laharim Vehagvaot (Beyond
the Mountains and Hills, 2016).
ONDE
melissa dullius, gustavo jahn
MUITO ROMÂNTICO
Germania-Brasile/Germany-Brazil, 2016, 16mm, 72’, col.
MUITO
ROMÂNTICO
regia, soggetto,
sceneggiatura, montaggio,
interpreti/directors, story,
screenplay, film editing, cast
Melissa Dullius,
Gustavo Jahn
Ville Piippo
suono/sound
Jochen Jezussek
Melissa Dullius,
Gustavo Jahn,
Gustavo Beck
Distruktur
contatti/contacts
Distruktur
[email protected]
L’avventura di Gustavo e Melissa ha inizio sulla nave cargo che
dal Brasile li sta portando in Germania. Si trasferiscono a Berlino,
rifugio ideale in cui stare l’uno al fianco dell’altra e inseguire la loro
più grande passione: il cinema. Che presto finisce per fondersi con
le loro stesse vite, in un continuo inseguirsi tra realtà e finizione.
Uno stato di transizione permanente, un movimento centrifugo
voluto che mette in crisi il legame della coppia. Finché un giorno
un portale cosmico, che collega passato, presente e futuro,
compare in casa loro: ad attenderli un altro viaggio, ricco di
scoperte inimmaginabili.
«Partendo dalle prime riprese a bordo di una nave mercantile fino
al montaggio finale, ci sono voluti nove anni, quasi un quarto delle
nostre vite, perché completassimo Muito Romântico. Un viaggio
dal Brasile verso la Germania che non finirà mai e continuerà a
influenzare le nostre vite e il nostro lavoro. Finalmente abbiamo
trovato la risposta a una domanda ripetuta infinite volte: perché
siete venuti a Berlino? Per fare un film».
**
The adventure of Gustavo and Melissa begins on a cargo ship which
takes them from Brazil to Germany. They move to Berlin, the ideal
place for staying close together and cultivating their great passion: film.
Which soon overlaps with their lives in a continuous game of tag
between reality and fiction. A state of permanent transition, a
deliberate centrifugal movement which leads to a crisis in their life as
a couple. Until one day a cosmic portal connecting past, present and
future appears in their home: another journey awaits them, full of
unimaginable discoveries.
“From the shooting of the first images aboard a cargo ship until we
finished the editing, it took us nine years – almost a quarter of our
lives – to complete Muito Romântico. A journey from Brazil to
Germany that will never end and continues to affect us in our lives
and work. Finally we found an answer to the question infinitely
repeated: Why did you come to Berlin? To make a film.”
176
SOMMARIO
ONDE
Melissa Dullius (Porto Alegre,
Brasile, 1981) e Gustavo Jahn
(Florianopolis, Brasile, 1980) sono
una coppia di registi e artisti
brasiliani che nel 2006 ha dato vita
a Distruktur e successivamente si
è trasferita a Berlino, dove tuttora
risiede. Tra i film realizzati, il
cortometraggio Triangûlum (2008),
presentato al Forum Expanded della
Berlinale e in seguito a Torino, il
mediometraggio Cat Effekt (2011),
girato a Mosca e presentato con
successo nei festival di tutto il
mondo, In the Traveler’s Heart (2013),
realizzato durante una residenza
artistica presso la Nida Art Colony
e anche questo proiettato proiettato
al 31° Torino Film Festival. Muito
Romântico è il loro primo
lungometraggio.
Melissa Dullius (Porto Alegre, Brazil,
1981) and Gustavo Jahn (Florianopolis,
Brazil, 1980) are two Brazilian directors
and artists. In 2006, the couple created
Distruktur and later moved to Berlin,
where they still live. Films they have
made include the short Triangûlum
(2008), presented at the Berlin Film
Festival’s Forum Expanded and later
in Turin; the middle-length Cat Effekt
(2011), shot in Moscow and successfully
presented at festivals throughout the
world; and In the Traveler’s Heart
(2013), made during an artist-inresidence program at the Nida Art
Colony and screened at the 31 Torino
Film Festival. Muito Romântico is
their first feature film.
ST
Éternau (cm, 2006), Triangûlum (cm,
2008), Don’t Look Back/Labirinto
(cm, 2009-2012), Cat Effekt (mm,
2011), In the Traveler’s Heart (cm,
2013), A Máquina do Tempo (cm,
2014), Muito Romântico (2016).
ONDE
garin nugroho
NYAI
A WOMAN FROM JAVA
Indonesia, 2016, HD, 90’, col.
A WOMAN
FROM JAVA
Garin Nugroho
Nur Hidayat
Andhy Pulung
scenografia/
production design
Ong Hari Wahyu
Retno Ratih Damayanti
suono/sound
Siti Asifa Nasution,
Khikmawan Santosa
cast and characters
Annisa Hertami (Nyai),
Rudi Corens,
Gunawan Maryanto,
Cahwatie
Garin Nugroho,
Gita Fara,
Andhy Pulung,
Retno Ratih Damayanti,
Ong Hari Wahyu
Garin Nugroho Workshop,
Treewater Productions,
Super 8mm Studio,
Jogja Arisan Production
**
contatti/contacts
Treewater Productions
Gita Fara
[email protected]
Indonesia, 1927, sul finire dell’epoca coloniale olandese. Una donna
giovane e bella vive con l’anziano e infermo marito olandese.
La donna ha perso il proprio nome e ora è Nyai, «la concubina
di uno straniero». Si rende conto di vivere in una sorta di prigione.
Deve occuparsi dei visitatori che vengono a trovare il marito malato
per il compleanno e per discutere della gestione dei terreni. Nyai è
forte, orgogliosa, in grado di gestire il patrimonio del marito: ma
ora la gente del luogo e la famiglia del consorte sono arrivate per
chiederle conto della sua ricchezza e dei suoi privilegi.
«Questo è il primo film accompagnato da una colonna sonora
interamente gamelan [orchestra di strumenti musicali di
origine indonesiana, ndt]. La colonna sonora del film dimostra
come arte, musica e danza possano lavorare insieme dando vita a
qualcosa di incredibilmente prezioso, proprio come accade a Giava.
Viviamo ancora in una tradizione orale, e chi viene a Giava può
rendersi facilmente conto di come canto, danza e arte possano
convivere».
**
Indonesia, 1927, toward the end of the Dutch colonial era. A young
and beautiful woman lives with her old and ailing Dutch husband.
She lost her own name and now goes by Nyai, which means
“concubine of a foreigner.” She realizes she lives in a sort of prison:
she has to look after all the visitors who have come to celebrate her
husband’s birthday and discuss how to manage his lands. Nyai is
strong, proud, and capable of handling her consort’s estate, but both
the locals and his family want to seize her husband’s wealth and
privileges.
“This is the first film accompanied by an entirely gamelan soundtrack.
The soundtrack of the film reflects how the medley of art, music and
dance can work together to create something incredibly valuable like
it does in Java. We live in an oral tradition, and if you come to Java
you can see how song, dance and art all live together.”
177
SOMMARIO
ONDE
Garin Nugroho (Giacarta, Indonesia,
1961) ha esordito nel lungometraggio
nel 1985 con il documentario Hand
Clapping, che, come il successivo Land
of Challenges, ha vinto il Festival
nazionale indonesiano. Nel 1998, con
Foglia su un cuscino ha vinto il premio
speciale della giuria al Festival di
Tokyo e il premio di Un certain regard
a Cannes. Nel 2000 ha vinto il Pardo
d’argento a Locarno con A Poet,
riflessione sulle repressioni di massa
del governo indonesiano negli anni
Sessanta. Nel 2004 ha partecipato alla
Berlinale con Bird-Man Tale e l’anno
successivo a Rotterdam con Of Love
and Eggs. Nel 2006 ha ottenuto la
consacrazione internazionale alla
Mostra di Venezia con il film-opera
Requiem from Java.
Garin Nugroho (Jakarta, Indonesia,
1961) made his directorial debut in 1985
with the documentary Hand Clapping,
which won Indonesia’s Film Festival,
as did his subsequent feature Land of
Challenges (1986). In 1998, Leaf on
a Pillow received the Special Jury Prize
from the Tokyo Film Festival and an
award from the Un certain regard section
in Cannes. In 2000, he released his
documentary A Poet, a reflection on
the mass repression perpetrated by the
Indonesian government in the 1960s,
which then won the Silver Leopard in
Locarno. He participated to the
Berlinale with Bird-Man Tale in 2004,
and to Rotterdam in 2005 with Of Love
and Eggs. He achieved his international
consecration in 2006, winning Best
Film at the Venice Film Festival with
his film-opera Requiem from Java.
Daun di atas bantal (Foglia su un
cuscino, 1998), My Family, My Films
and My Nation (doc., 1998), Dongeng
kancil untuk kemerdekaan (Kancil’s Tale
of Freedom, doc., 1999), Puisi tak
terkuburkan (A Poet, doc., 2000),
Layar hidup: Tanjang priok/Jakarta (cm,
doc., 2001), Rembulan di ujung dahan
(tv, 2002), Aku ingin menciummu sekali
saja (Bird-Man Tale, 2002), Rindu kami
padamu (Of Love and Eggs, 2004),
Serambi (doc., 2005), Opera Jawa
(Requiem from Java, 2006), Dibawah
pohon (Under the Tree, 2008), Teak
Leaves and the Temples (doc., 2008),
Generasi biru (The Blue Generation,
doc., 2009), Mata tertutup (The
Blindfold, 2012), Soegija (2012),
Guru Bangsa Tjokroaminoto (2012).
© DIEGO SANCHEZ
ONDE
joão pedro rodrigues
O ORNITÓLOGO
Portogallo-Francia-Brasile/Portugal-France-Brazil, 2016, HP, 118’, col.
THE
ORNITHOLOGIST
regia/director
João Pedro Rodrigues
story, screenplay
João Pedro Rodrigues,
João Rui Guerra da Mata
Rui Poças
Raphaël Lefèvre
scenografia/
production design
João Rui Guerra da Mata
Patrícia Dória
musica/music
Séverine Ballon
suono/sound
Nuno Carvalho
cast and characters
Paul Hamy (Fernando),
Xelo Cagiao,
João Pedro Rodrigues, Han Wen,
Chan Suan,
Juliane Elting
João Figueiras,
Diogo Varela Silva,
Vincent Wang, Antoine Barraud,
Gustavo Ángel,
Alex García,
Maria Fernanda Scardino
Blackmaria,
House on Fire,
Ítaca Filmes
Le Fresnoy
**
contatti/contacts
Films Boutique
Giorgia Hueisse
[email protected]
178
SOMMARIO
Fernando è un ornitologo che sta conducendo una ricerca in
solitaria su una specie di cicogna nera, in pericolo di estinzione,
che vive lungo un fiume nel Nord del Portogallo. Travolto dalla
corrente delle rapide, è tratto in salvo da una coppia di cinesi in
pellegrinaggio alla volta di Santiago de Compostela e cerca di
tornare indietro, attraversando una foresta scura e impenetrabile.
Lungo il cammino incapperà in ostacoli imprevisti e personaggi
inattesi che lo metteranno alla prova. La metamorfosi interiore
trasformerà Fernando in un uomo nuovo: ispirato, poliedrico e
illuminato.
«La riflessione sulla spiritualità, iniziata con Morrer Como um
Homen ed evocata dal viaggio di A Última Vez Qui Vi Macau,
mi ha portato, senza dubbio alcuno, a questo nuovo progetto.
O Ornitólogo si immerge a fondo in queste meditazioni,
assumendo la forma di un viaggio iniziatico e di una ricerca
interiore».
**
Fernando is an ornithologist who is conducting solitary research on
a species of black stork which live along a river in northern Portugal
and are in danger of extinction. After being swept away by the rapids,
he is saved by a Chinese couple going on a pilgrimage to Santiago de
Compostela. As he tries to make his way back through a dark,
impenetrable forest, he comes upon unforeseen obstacles and
unexpected people who put him to the test. An interior metamorphosis
will transform Fernando into a new man: inspired, multifaceted and
illuminated.
“The reflection on spirituality, started in my film Morrer Como um
Homem and evoked by the journey in A Última Vez Que Vi Macau,
led me unquestionably to this new project. O Ornitólogo delves deeper
into these contemplations, which take on the form of an initiation
journey and an introspective quest.”
ONDE
João Pedro Rodrigues (Lisbona,
Portogallo, 1966) ha esordito nel
1988 con il cortometraggio O Pastor.
Nel 2000 ha partecipato in concorso
a Venezia con Il fantasma e ha
ottenuto una menzione speciale
a Cannes nel 2005 con Odete.
Ha partecipato al 30° Torino Film
Festival con il corto Manhã de Santo
António (2012) e ha vinto la sezione
Internazionale.doc con A Última Vez
Que Vi Macau (2012), diretto con
João Rui Guerra da Mata. In coppia
con lo stesso regista, ha poi
presentato in Onde il cortometraggio
Mahjong (2013).
João Pedro Rodrigues (Lisbon,
Portugal, 1966) debuted in 1988 with
the short film O Pastor. The feature
O Fantasma was in competition in
Venice in 2000, and Odete received
a special mention in Cannes in 2005.
He participated at the 30 Torino Film
Festival with the short film Manhã
de Santo António, and won the
Internazionale.doc section with A
Última Vez Que Vi Macau (2012),
which he directed with João Rui Guerra
da Mata. With the same codirector
Rodrigues also directed the short
Mahjong (2013), selected at the
Festival in Onde section.
TH
O Pastor (cm, 1988), Esta É a Minha
Casa (mm, doc., 1997), Parabéns!
(cm, 1997), Viagem à Expo (mm,
doc., 1998), O Fantasma (Il fantasma,
2000), Odete (2005), China, China
(coregia/codirector João Rui Guerra
da Mata, cm, 2007), Morrer Como
um Homem (2009), Alvorada
Vermelha (coregia/codirector João
Rui Guerra da Mata, cm, 2011),
Manhã de Santo António (cm, 2012),
A Última Vez Que Vi Macau
(coregia/codirector João Rui Guerra
da Mata, doc., 2012), O Corpo de
Afonso (cm, 2013), Mahjong
(coregia/codirector João Rui
Guerra da Mata, cm, 2013),
O Ornitólogo (2016).
ONDE
takehiro ito
OUT THERE
Giappone-Taiwan/Japan-Taiwan, 2016, HD, 148’, bn/bw-col.
Takehiro Ito (Giappone, 1984) ha
studiato presso la Graduate School
of Film and New Media, alla Tokyo
University of the Arts. Dopo essersi
diplomato ha fondato la casa di
produzione Eyes Films, per cui ha
realizzato lo stesso Out There (2016),
suo primo progetto cinematografico.
OUT THERE
regia, montaggio,
produttore/
director, film editing,
producer
Takehiro Ito
story, screenplay
Takehiro Ito,
Ma Chun Chih
Yasuyuki Sasaki
musica/music
Alexandra Barkovskaya
suono/sound
Ryota Fujiguchi
interpreti/cast
Ma Chun Chih,
Haruo Kobayashi,
Ayu Kitaura,
Ryuzaburo Hattori,
Natsumi Seto
Eyes Films
**
contatti/contacts
Eyes Films
[email protected]
www.eyesfilms.com
Il regista Haruo è tornato a Tokyo e sta facendo il casting per
proseguire le riprese di un film in parte già girato a Taiwan e
dedicato a una coppia locale che negli anni Settanta decide di
emigrare negli Stati Uniti. Durante le audizioni, Haruo incontra il
giovane taiwanese Ma e riconosce nel ragazzo la stessa alienazione
geografica e identitaria che lo attanaglia da sempre. Colpito dallo
spaesamento esistenziale di Ma, decide allora di trasformare il suo
sentimento nel tema centrale del film.
«All’inizio di tutto c’è l’incontro casuale con un giovane taiwanese.
Lentamente, mentre lo guardavo, mi veniva voglia di fare un film
con lui. Potevo sentire nel ragazzo un senso di perdita, l’insieme
di tutto ciò che ci si trova a fronteggiare nelle grandi città asiatiche
di oggi: il senso della nazionalità e della storia di un paese; il suo
presente, il suo passato e la paura per la propria identità. Questo
film è il ritratto in divenire di Ma. Un ritratto ridisegnato più volte
durante le riprese. Quando avrete finito di guardarlo, spero
possiate provare la sensazione di aver ritrovato un amico che
conoscevate da tempo».
**
The director Haruo returns to Tokyo and holds auditions so he can
continue shooting a movie, part of which has already been shot in
Taiwan. The film is about a local couple who decide to emigrate to
the United States in the 1970s. During the audition, Haruo meets
Ma, a young man from Taiwan; Haruo recognizes in him the same
geographical and identity alienation which has always afflicted him.
Struck by Ma’s existential disorientation, he decides to transform his
feeling into the movie’s central theme.
“The beginning of everything was a chance encounter with a Taiwanese
youth. While staring at him, I gradually wanted to make a film with
him. I found a feeling of ‘loss’ in the youth. What he has continued
facing in the modern cities of Asia, it is nationality and history, their
past and present, and fear of identity. This film was made as if to draw
his portrait. The portrait has been redrawn many times in the process
of shooting. When you have finished watching it, I hope that you feel
as if finding a friend who you knew from the old days.”
179
SOMMARIO
ONDE
Takehiro Ito (Japan, 1984) studied at
the Graduate School of Film and New
Media, at Tokyo University of the Arts.
After receiving his degree, he founded
the production company Eyes Films,
with which he made Out There (2016),
his debut film.
Out There (2016).
ONDE
alejo franzetti
PANKE
Germania-Burkina Faso/Germany-Burkina Faso, 2016, HD, 46’, col.
Alejo Franzetti (Buenos Aires,
Argentina, 1985) si è formato
all’Università di cinema Fuc di
Buenos Aires, dove ha realizzato
diversi cortometraggi e il suo primo
lungometraggio, La destrucción del
orden vigente. Nello stesso periodo
è stato assistente alla regia di Matías
Piñeiro, Manuel Ferrari e Jazmín
López. Dal 2012 vive a Berlino, dove
è studente di Thomas Arslan in un
master presso l’Universität der
Künste (UdK). Panke è il suo primo
film girato a Berlino.
PANKE
regia, fotografia,
montaggio/director,
cinematography,
film editing
Alejo Franzetti
suono, produttore/
sound, producer
Ricarda Holztrattner
interpreti/cast
Issaka Zoungrana,
Konstantin von Sichart
FUGA films
**
contatti/contacts
Fuga Films
[email protected]
Amadou viene dal Burkina Faso ma vive a Marsiglia. Quando suo
fratello Issaka muore, Amadou va a Berlino per rimpatriare il
cadavere in Burkina Faso. Il Panke è un fiume di medie dimensioni
che nasce a Bernau, nel circondario di Barnim, e si immette nello
Sprea, a Berlino. Ha una lunghezza complessiva di ventinove
chilometri, di cui venti sono a Berlino.
«Panke è l’attore Issaka Zoungrana, le nostre conversazioni mentre
facevamo, e cercavamo, il film, lavorando senza copione nella
convinzione che sarebbe emerso dalle nostre esperienze e non da
alcune parole su un pezzo di carta. Panke è la bellissima e
misteriosa lingua africana bissa, parlata da Issaka, che mi ha dato
l’ispirazione e mi ha aiutato a trovare la forma definitiva e il tono
del film. Panke è il mio caro amico e fratellastro Iván, morto
qualche anno fa, e anche il padre di Issaka, morto poco prima che
iniziassimo il film. Panke è inoltre il tentativo di seguire il consiglio
di Rossellini di fare un film spendendo il meno possibile e
aumentare le possibilità di sperimentare nuove forme e strutture».
**
Amadou comes from Burkina Faso. Amadou lives in Marseille.
Amadou comes to Berlin to repatriate the body of his brother Issaka
to Burkina Faso. The Panke is a small to medium sized river which
springs from the Barnim in Bernau, and then finish in Berlin in the
Spree. It has a length of twenty-nine kilometers, of which twenty
kilometers are on the city of Berlin.
“Panke is Issaka Zoungrana, and the conversations we had while we
were making – finding – the film, because we worked without script,
trusting that the film would emerge from our experiences and not from
some words written on a piece of paper. Panke is Bissa, that beautiful
and mysterious African language that Issaka speaks, which inspired
me and helped me a lot to find the final form and tonality of the film.
Panke is Iván, my close friend and step-brother who died some years
ago, and it is also the father of Issaka, who died short before we
started making the film. Panke is also an attempt to follow Rossellini’s
suggestions about making a film with the least money possible, in
order to enhance the possibility for new forms or structures to arise.”
180
SOMMARIO
ONDE
Alejo Franzetti (Buenos Aires,
Argentina, 1985) studied film at the
Universidad del Cine (FUC) in Buenos
Aires, where he made several short
films and his first feature film
La destrucción del orden vigente.
He has worked too as assistant director
of Matías Piñeiro, Manuel Ferrari,
Jazmín López. Since 2012 he lives in
Berlin, where he was a master student
by Thomas Arslan at the Universität
der Künste Berlin. Panke is his first film
made in Berlin.
Todas las veces (cm, 2006),
A propósito de Buenos Aires
(coregia/codirectors aa.vv., 2006),
El contrabajo (cm, 2008), La
destrucción del orden vigente (2012),
Dos experiencias en el bosque (cm,
2014), Panke (mm, 2016).
ONDE
damien manivel
LE PARC
THE PARK
regia, produttore/
director, producer
Damien Manivel
Damien Manivel,
Isabel Pagliai
Isabel Pagliai
William Laboury
suono/sound
Simon Apostolou,
Arnaud Marten,
Jérôme Petit
interpreti/cast
Naomie Vogt-Roby,
Maxime Bachellerie,
Sessouma Sobere,
Bianca Balbuena,
Hazel Orencio
Mld Films, Shellac Sud
**
contatti/contacts
The Open Reel
Cosimo Santoro
[email protected]
www.theopenreel.it
Estate. Un ragazzo e una ragazza si danno il loro primo
appuntamento al parco. Inizialmente stanno sulle loro, intimiditi,
ma presto si avvicinano sempre più e cominciano a camminare
senza meta. Infine, s’innamorano. Ma quando il sole cala è già
ora di separarsi, ed è l’inizio di una lunga notte oscura.
«I parchi sono pieni di storie ordinarie. […] Quando mi siedo a
osservare, noto che gradualmente emerge dall’ordinario un che di
anormale, di inconsueto. Come se qualcosa di oscuro e misterioso
si nascondesse dietro i prati soleggiati e i giochi all’aperto.
Sono queste strane impressioni ad aver ispirato la sceneggiatura.
In particolare, il tipico racconto estivo: due adolescenti al primo
appuntamento seduti a disagio su una panchina. Ho scelto di
adottare il punto di vista della ragazza e di raccontare la storia
d’amore, dal loro primo sguardo alla separazione. Da questo
momento in poi, ho sentito il bisogno di andare oltre e mostrare
lo shock e lo stupore della ragazza. La notte infinita che avvolge
il parco, lei che vaga nel buio mentre per la prima volta soffre
per amore».
**
Summertime. A teenage boy and girl have their first date in a park.
At first they are hesitant and shy, but they get closer as they wander
aimlessly, and end up falling in love. But when the sun goes down,
they have to part ways… It’s the beginning of a long dark night.
“Parks are full of ordinary stories. […] As I sit and watch, over time,
I notice a strangeness emerging from the ordinary. As if something dark
and mysterious was hiding behind the sunlit lawns and outdoor games.
It’s these strange impressions that inspired the screenplay. Especially a
typical summer story: a teenage girl and boy sitting on a bench, feeling
uneasy on their first date. I chose to adopt the girl’s point of view and
to relate their love story, from their first look until their separation.
From this moment on, I needed to go further and show her state of
shock and astonishment. The infinite night that engulfs the park,
the young girl wandering in the dark and experiencing heartache.”
181
SOMMARIO
ONDE
Damien Manivel (Francia, 1981) ha
lavorato come ballerino e artista di
circo contemporaneo. Parallelamente
all’attività di performer, ha diretto
diversi cortometraggi, tra cui La
dame au chien, selezionato a
Rotterdam nel 2011 e vincitore lo
stesso anno del premio Jean Vigo.
Il suo ultimo corto, Un dimanche
matin, è stato selezionato nel 2012
alla Semaine de la critique di Cannes
e ha vinto il Nikon Discovery Award,
mentre il suo lungometraggio
d’esordio, Un jeune poète, ha ricevuto
una menzione speciale al Festival di
Locarno. Con Le parc ha infine
partecipato alla sezione Acid del
Festival di Cannes.
Damien Manivel (France, 1981)
worked as a dancer and as a
contemporary circus artist. While
working as a performer, he has also
been making short films. His short
La dame au chien was selected in
competition at the Rotterdam Film
Festival and won the Jean Vigo Prize
the same year. His latest short, Un
dimanche matin, was selected at the
2012 edition of La Semaine de la
critique in Cannes and won the Nikon
Discovery Award. Un jeune poète, his
first feature film, was received a Special
Mention at the Locarno Film Festival.
His latest project, Le parc, was
screened in the Acid section of the
Cannes Film Festival.
Viril (cm, 2007), Soit sage ô ma
douleur (cm, 2008), La dame au
chien (cm, 2010), Un dimanche matin
(cm, 2012), Un jeune poète (2014),
Le parc (2016).
ONDE
rita hui nga shu
PSEUDO SECULAR
Hong Kong, 2016, HD, 180’, col.
PSEUDO
SECULAR
regia/director
Rita Hui Nga Shu
Rita Hui Nga Shu,
Dorothy Cheung
Szeto King Fung,
Wong Luk Ho,
Yuen Chi Min,
Carlos Leung Ho Sing,
Lau Ho Ming,
Rick Lau
Rita Hui Nga Shu,
Wong Wai Nap,
Carlos Leung Ho Sing
musica/music
Wong Hi Yan
suono/sound
Bone Chan Chi Fung
cast and characters
Siuyea Lo Cun Yip
(Tai Cho),
Chan Leung Poon
(Maxim),
Abby Chan Man Yee
(Wan),
Fish Liew (Li Lei),
Helen Ko (Yi)
Rita Hui Nga Shu,
Ho Tze Ki
Rabbit Travelogue
**
contatti/contacts
Rabbit Travelogue
Kiki Ho
[email protected]
Hong Kong, 2011. Gli studenti Tai Cho e Yi partecipano al
movimento Occupy Central. Yi viene arrestata e Tai Cho si avvicina
alla madre della ragazza. Nel frattempo altri personaggi sono
influenzati dalla scossa politica che ha investito la città: Maxim,
produttore cinematografico, sente nascere una coscienza politica;
l’ex moglie, giornalista televisiva, raccoglie interviste a persone
travolte dalle politiche edilizie; la giovane cinese Li Lei incontra
Ha Mai, una celebrità del web, e si fa coinvolgere nel movimento...
«Questa storia inizia nel 2011, quando in risposta a “Occupy
Wall Street” Hong Kong ha avuto la sua prima “Occupy Central”.
Il racconto è stato ispirato dalle conseguenze e dai dibattiti generati
a Hong Kong dal movimento Occupy, dal successivo movimento
studentesco dei girasoli e dalla rivoluzione degli ombrelli. Pseudo
Secular parla fondamentalmente di Hong Kong, è l’atto conclusivo
delle osservazioni e delle riflessioni che ho fatto in questi ultimi
anni. Mi interessa capire come le persone riescano a vivere in una
città in continua evoluzione. Volevo descrivere i loro pensieri e
i loro sentimenti più intimi attraverso dei paesaggi fluttuanti».
**
Hong Kong, 2011. The students Tai Cho and Yi actively participate
in the Occupy Central movement. But Yi is arrested and Tai Cho
becomes close to the girl’s mother, Wan. In the meantime, other people
are affected by the political and social upheaval that has swept the
city: Maxim, a rich movie producer, feels the stirrings of a political
conscience; his ex-wife, a TV journalist, interviews people whose lives
have been affected by China’s construction policy; the young Chinese
girl Li Lei meets Ha Mai, a web celebrity, and lets herself get involved
in the movement…
“This is a story that began in 2011. That year, in response to ‘Occupy
Wall Street,’ Hong Kong had its first ‘Occupy Central.’ This tale was
directly inspired by the repercussions and discussions generated from
that movement, combined with the later Sunflower Student Movement
and the Umbrella Revolution. Pseudo Secular is ultimately a story
about Hong Kong, and a culmination of my observations and
reflections during these past few years. I am concerned with how people
cope with living in such a rapidly developing city. I want to portray their
inner thoughts and feelings through floating landscapes.”
182
SOMMARIO
ONDE
Rita Hui Nga Shu vive e lavora a
Hong Kong. Nel 1996 si è diplomata
presso il dipartimento di cinema
e televisione della Hong Kong
Academy of Fine Arts e nel 2007 ha
conseguito un master presso il Royal
Melbourne Institute of Technology.
Ha esordito nella regia con il
cortometraggio Ah Ming (1996),
da lei scritto e montato, a cui sono
seguiti altri cortometraggi, il medio
Alice in Wonderland (1999) e
l’installazione audiovisiva Two Cases.
Nel 2009 ha diretto il suo primo
lungometraggio, Dead Slowly, a cui
hanno fatto seguito gli altri lunghi
New Age in Blue (2011) e Keening
Woman (2013).
Rita Hui Nga Shu lives and works
Hong Kong. In 1996, she graduated
in film and television from the Hong
Kong Academy of Fine Arts and in 2007
received her master’s degree from the
Royal Melbourne Institute of
Technology. She debuted in directing
with the short Ah Ming (1996), which
she also wrote and edited, and which
was followed by other short films, the
medium-length Alice in Wonderland
(1999) and the audiovisual installation
Two Cases. In 2009, she directed her
first feature film, Dead Slowly, which
was followed by two other feature films,
New Age in Blue (2011) and Keening
Woman (2013).
Ah Ming (cm, 1996), Subway (cm,
1997), She Makes Me Wanna Die
(cm, 1998), Invisible City (Wall) (cm,
1998), Alice in Wonderland (mm,
1999), Red Riding Hood (cm, 2002),
IDoLetHerMyHeadHave (cm, 2003),
Dead Slowly (2009), New Age in Blue
(2011), Two Cases (inst., 2012), Lau
Fung Shan (2012), Keening Woman
(2013), Elegy (cm, 2014), Pseudo
Secular (2016).
ONDE
bertrand bonello
SARAH WINCHESTER,
OPÉRA FANTÔME
Francia/France, 2016, HD, 24’, bn/bw-col.
SARAH
WINCHESTER
musica/
director, screenplay, music
Bertrand Bonello
Irina Lubtchansky
scenografia/
production design
Antoine Barraud
suono/sound
Jean-Paul Mugel,
Ymes-Marie Omnes,
Nicolas Moreau,
Jean-Pierre Laforce
interpreti/cast
Reda Kated,
Marie-Agnès Gillot,
Juliette Vial,
José Luis Basso
My New Picture
**
contatti/contacts
Stray Dogs
Laura Nacher
[email protected]
La musica si diffonde in Place de la Bastille: proviene dall’Opéra,
ma non accompagna nessuno spettacolo, o almeno non
direttamente. Eppure qualcosa la lega al balletto che si sta
provando altrove, all’Opéra Garnier, sul cui palco le ballerine,
tra le quali l’étoile Marie-Agnès Gillot, ondeggiano seguendo
quell’ideale fil rouge musicale diretto da José Luis Basso.
Un’opera fantasma – dedicata alla figura di Sarah Pardee
Winchester, ereditiera americana e vedova del creatore della
Winchester Repeating Arms Company – che non esiste ma non
per questo è meno avvolgente.
**
Music fills Place de la Bastille: it comes from the Opéra but it isn’t
accompanying a performance, or at least not directly. And yet
something links it to the ballet being rehearsed at the Opéra Garnier,
on whose stage the ballerinas, including the étoile Marie-Agnès Gillot,
sway as they follow the ideal musical leitmotif directed by José Luis
Basso. A ghost opera – dedicated to Sarah Pardee Winchester, the
American heiress and widow of the founder of the Winchester
Repeating Arms Company – which doesn’t exist but is nonetheless
enchanting.
Bertrand Bonello (Nizza, Francia,
1968), regista, sceneggiatore e
compositore francese, ha esordito
nel lungometraggio nel 1998 con
Quelque chose d’organique, presentato
nella sezione Panorama della
Berlinale. Con il successivo Le
pornographe, che vedeva Jean-Pierre
Léaud nel ruolo di un regista
pornografico, ha partecipato alla
Semaine de la critique di Cannes,
dove ha vinto il premio Fipresci.
A Cannes ha inoltre presentato le
sue opere successive: Tiresia (2003),
in concorso; il cortometraggio Cindy:
The Doll Is Mine (2005); De la guerre
- Della guerra (2008), alla Quinzaine
des réalisateurs; L’Apollonide (2011),
sempre in concorso, così come
Saint Laurent (2014). Il suo ultimo
lungometraggio di finzione,
Nocturama, è stato distribuito
in Francia lo scorso settembre.
Bertrand Bonello (Nice, France, 1968),
French director, screenwriter and
composer, debuted in feature films in
1998 with Quelque chose
d’organique, presented in the
Panorama section at the Berlin Film
Festival. His next film, Le
pornographe, with Jean-Pierre Léaud
portraying a pornography director,
participated at the Semaine de la
critique in Cannes, where it won the
FIPRESCI Award. He also presented
his next films at Cannes: Tiresia
(2003), in competition; the short
Cindy: The Doll Is Mine (2005);
De la guerre (2008), at the Quinzaine
des réalisateurs; L’Apollonide (2011),
in competition, as was Saint Laurent
(2014). His latest fiction feature film,
Nocturama, was distributed in France
last September.
Qui je suis (cm, 1996), Quelque chose
d’organique (1998), Le pornographe
(2001), The Adventures of James and
David (cm, 2002), Tiresia (2003),
Cindy: The Doll Is Mine (cm, 2005),
My New Picture (cm, 2006), De la
guerre - Della guerra (De la guerre,
2008), Where the Boys Are (cm,
2010), L’Apollonide (Souvenirs de la
maison close) (2011), Ingrid Caven,
musique et voix (doc., 2012), Saint
Laurent (2014), Sarah Winchester,
Opéra fantôme (cm, 2016),
Nocturama (2016).
183
SOMMARIO
ONDE
ONDE
sandra wollner
DAS UNMÖGLICHE BILD
Germania-Austria/Germany-Austria, 2016, 16mm, 70’, col.
THE
IMPOSSIBLE
PICTURE
Sandra Wollner
Timm Kröger
Stephan Bechinger
scenografia/
production design
Michel Jimenez
Miriam Eichinger
musica/music
Joscha Eickel
suono/sound
Norbert Bichler,
Christoph Kuchner,
Simon Peter
cast and characters
Jana McKinnon (Johanna),
Eva Linder (la nonna/grandmother),
Alexander E. Fennon (il padre/father),
Andrea Schramek (la madre/mother),
Isabel Schmidt (Lissi),
Mira Reisinger (Gerda),
Helmut Wiesner (lo zio
Leopold/uncle Leopold),
David Jakob (lo zio
Georg/uncle Georg),
Isabella Simon (la zia
Bella/aunt Bella),
Helmut Langer (Herr Karl)
Andrea Grassl,
Anja Schmidt
Filmakademie
Baden-Württemberg
**
contatti/contacts
Filmakademie Baden
Württemberg
Tim Kroger
www.filmakademie.de
184
SOMMARIO
Vienna, anni Cinquanta. Un’infanzia viene catturata da un filmino
in 8mm girato dalla tredicenne Johanna.
«Quella del film è una storia che poteva essere piuttosto frequente
nella Vienna degli anni Cinquanta, se le persone ne fossero andate
alla ricerca. Da qualche parte tra i ricordi d’infanzia di un’anziana
signora viennese, la voce di Helmut Qualtinger e i filmini Super8
di quando ero bambina, è emerso un sentimento sfuggente che
mi ha affascinato. Quando ripenso alla mia infanzia, quei ricordi
sembrano essere una catena di immagini una vicina all’altra.
È difficile a posteriori dire se io li abbia vissuti davvero o se mi
siano stati mostrati o me ne abbiano parlato più tardi. Si tratta di
foto di famiglia che non mostrano più di una frazione della realtà,
immagini di feste, riunioni di famiglia o episodi di tutti i giorni che
in qualche modo finiscono per formare il nucleo dei nostri ricordi,
a volte sostituendoli del tutto. The Impossible Picture è un film sulla
memoria e la sua relazione col cinema, con i film che in un certo
senso tutti noi facciamo, con o senza una camera».
**
Vienna, the 1950s. A childhood captured on 8mm film, documented
by thirteen-year-old Johanna.
“The film’s story is a rather common one from Vienna in the 1950s
if people had gone looking for it. Somewhere between the childhood
memories of an old Viennese lady, the voice of Helmut Qualtinger
and the Super8 films of my own childhood, one elusive feeling
emerged that fascinated me. When I think back on my childhood,
those memories seem to be a chain of images adjacent to each other.
Whether I actually experienced these or whether I was just shown them
or told about it later can be hard to say in retrospect. These are family
pictures, never showing more than a fraction of reality, pictures of
parties, family gatherings or everyday events that somehow end up
forming the core of our memories, sometimes even replacing them
altogether. The Impossible Picture is a film about memory and its
inherent relation to filmmaking and to the films we all make, so to
speak, whether we use a camera or not.”
ONDE
Sandra Wollner (Austria, 1983)
ha studiato teatro, cinema e scienze
della comunicazione presso
l’Università di Vienna e nel frattempo
ha iniziato a lavorare come
montatrice e regista, sperimentando
vari formati di ripresa. In seguito ha
diretto il settore di postproduzione
in una casa di produzione con sede
a Vienna e ha cominciato a lavorare
ai suoi primi film autoprodotti.
Dal 2012 studia cinema
documentario all’Accademia di
cinema del Baden-Württemberg.
The Impossible Picture è il suo primo
lungometraggio.
Sandra Wollner (Austria, 1983) studied
theatre, film and communication at
Vienna University. During that time,
she started working as an editor and
director in various formats. She then
headed the postproduction division
of a Viennese production company
while working on her first self-produced
films. She has been studying
documentary filmmaking at the
Filmakademie Baden-Württemberg
since 2012. The Impossible Picture
is her first feature film. filmografia/filmography
Mountains & Molehills (doc., 2013),
Uns geht es gut (cm, doc., 2013),
Louis & Luk (cm, doc., 2014), Viktor
(cm, 2015), Das Unmögliche Bild
(The Impossible Picture, 2016).
ONDE ARTRUM
ArtRum
DI/BY MASSIMO CAUSO
The Challenge (2016)
Torna la selezione di film firmati da artisti
contemporanei realizzata in collaborazione
con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.
Il mondo del Cinema e quello dell’Arte
intersecano qui le loro istanze, per elaborare
tensioni estetiche. Ne sono testimonianza
i tre lavori selezionati quest’anno:
The Challenge di Yuri Ancarani, affresco
traslucido di un mondo arabo tra evidenza
delle forme e dialogo tra potere e potenza;
Duilian di Wu Tsang, ritratto d’eroina
sospesa tra tradizione e futuro nella Cina
tra diciannovesimo e ventesimo secolo;
The Hunchback di Gabriel Abrantes e Ben
Rivers, divertissement futuristico dalle Mille
e una notte.
185
SOMMARIO
ONDE ARTRUM
The selection of films by contemporary artists
made in collaboration with the Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo returns. The demands
of the worlds of cinema and art intersect here,
generating esthetic tensions. This is confirmed by
the three films selected this year: The Challenge
by Yuri Ancarani, a translucent fresco of an Arab
world, between obviousness of forms and a
dialogue between power and potency; Duilian by
Wu Tsang, the portrait of a heroine suspended
between tradition and future at the turn of the
20 century in China; and The Hunchback by
Gabriel Abrantes and Ben Rivers, a futuristic
divertissement from One Thousand and One
Nights.
TH
© MAKI GALIMBERTI
ONDE ARTRUM
yuri ancarani
THE CHALLENGE
Italia-Francia-Svizzera/Italy-France-Switzerland, 2016, HD, 69’, col.
THE
CHALLENGE
montaggio/director,
Yuri Ancarani
Yuri Ancarani,
Luca Nervegna,
Jonathan Ricquebourg
scenografia/
production design
Stéphane Dougoud,
Tanguy Thirion
musica/music
Lorenzo Senni
suono/sound
Pierre-Yves Lavoué,
Mirco Mencacci,
Luca Ciarfella,
Piergiorgio De Luca
interpreti/cast
Khaled Al-Kaja, Nasser
Al-Kaabi, Soul Riders Qatar,
Khaled Al-Hammadi,
Osama Yacoub, Rachid
Mesfer Hamad Al-Shahwani
Al-Hajri, Hadi Ghedir
Al-Hajri, Hamad Saoud
Al-Shahwani Al-Hajri,
Jaber Ghanem Ali Al-Fayed
Al-Hajri, Abdullah Ali
Al-Yafei, Nawaf Abdullah,
Rachid Al-Noaimy
Christophe Gougeon,
Fabrizio Polpettini,
Pierre Malachin,
Tommaso Bertani
Atopic, La Bête, Ring Film
**
contatti/contacts
Slingshot Filmsit
Michela Pascolo
[email protected]
186
SOMMARIO
Un falconiere accompagna i suoi falchi da competizione a un
importante torneo in Qatar. Oggi il deserto, con la nascita di città
costruite a tavolino, è profondamente diverso da com’era in
passato. Luogo di silenzi e tempi dilatati, luce zenitale e venti caldi
che sembrano portare via dal corpo ogni traccia d’acqua, ha dovuto
accettare le sagome verticali dei grattacieli dove prima l’occhio
poteva perdersi all’orizzonte. Tuttavia la caccia con il falco, con
i suoi oltre quaranta secoli di storia, resiste, permettendo a chi
la pratica di mantenere ancora oggi un rapporto stretto e autentico
con il deserto.
«The Challenge è un film complesso, anche se la visione è fluida
e distesa. Arrivare in quel deserto è semplice, prendi un aereo,
una guida, ti fai un tour di due o tre ore, un giro sul cammello
e poi rientri in città. Fermarsi e guardare attentamente è quasi
impossibile. Mi sono accorto che la vita in queste nuove metropoli
come Dubai o Doha si addice a tutti, ma non ai beduini,
che continuano ad amare il loro deserto e che hanno bisogno di
viverlo appieno e intensamente. È una questione di tradizione».
**
A falconer accompanies his competition falcons to an important
tournament in Qatar. Instant cities have made the desert a very
different place from what it was in the past. A place of silence and
dilated time, zenith sunlight and hot winds that seem to suck every
trace of water from your body, it has had to accept the vertical
silhouettes of skyscrapers where the view used to stretch to the horizon.
Nonetheless, falconry, with over forty centuries of history, still resists,
allowing those who practice it to maintain a close and authentic
relationship with the desert.
“The Challenge is a complex movie, even though it’s fluid and tranquil.
It’s easy to get to the desert; you take an airplane, you get a guide, you
tour around for two or three hours, you ride a camel, and then you
return to the city. It’s almost impossible to stop and look carefully.
I realized that life in these new metropolises like Dubai or Doha is for
everyone but not for the Bedouins, who continue to love their desert
and need to experience it in full and intensely. It’s a question of
tradition.”
ONDE ARTRUM
Yuri Ancarani (Ravenna, 1972) è
un videoartista e un filmmaker.
Le sue opere nascono da una
continua commistione fra cinema
documentario e arte contemporanea.
I suoi lavori sono stati presentati in
numerose mostre e musei nazionali
e internazionali, tra cui la Biennale di
Venezia, la Fondazione Sandretto Re
Rebaudengo di Torino, il MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI
secolo di Roma, il Guggenheim di
New York, la Biennale di Praga, la
Triennale di Milano, il Pac di Milano
e il Tirana Institute of Contemporary
Art. Tra i festival cinematografici a cui
ha partecipato, ci sono la Mostra di
Venezia, i festival di Locarno,
Rotterdam, Cinéma du réel e South
by Southwest. I suoi film hanno
ricevuto diversi riconoscimenti, tra
cui il Grand Prix in Lab Competition
al Festival di Clermont-Ferrand, lo
Short Film Grand Prize a IndieLisboa
e il premio speciale della giuria
a Locarno, vinto proprio con The
Challenge.
Yuri Ancarani (Ravenna, Italy, 1972)
is a video artist and filmmaker.
His works are the result of an incessant
amalgamation of documentary cinema
and contemporary art. They have been
presented at many exhibits and
national and international museums,
including the Venice Biennale, the
Sandretto Re Rebaudengo Foundation
in Turin, the MAXXI - National
Museum of the 21 Century Arts in
Rome, the Guggenheim in New York,
the Biennale of Prague, the Triennale
of Milan, the PAC in Milan and the
Tirana Institute of Contemporary Art.
Film festivals at which he has
participated include the Venice Film
Festival, the festivals of Locarno,
Rotterdam, Cinéma du réel and SXSW
- South by Southwest. His films have
received various awards, including the
Grand Prix in the Lab Competition at
the Clermont-Ferrand Film Festival, the
Short Film Grand Prize at IndieLisboa
and the Special Jury Prize at Locarno,
which he won with The Challenge.
ST
Il capo (cm, doc., 2010), Piattaforma
Luna (cm, doc., 2011), Da Vinci
(cm, doc., 2012), Ricordi per moderni
(cm, doc., 2013), San Siro (cm,
doc., 2014), Séance (cm, doc., 2014),
The Challenge (doc., 2016).
ONDE ARTRUM
wu tsang
DUILIAN
Usa, 2016, HD, 26’, col.
DUILIAN
regia/director
Wu Tsang
cast and characters
Qiu Jin
(il bambino/boychild),
Wu Tsang (Wu Zhiying)
Spring Workshop
Centre d’Art Contemporain
Genève, ArtHub Asia,
Berlin Biennale for
Contemporary Art
**
contatti/contacts
Isabella Bortolozzi Gallerie
Andrew Cannon
[email protected]
www.bortolozzi.com
L’amore e la perdita nel rapporto tra la poetessa cinese Qiu Jin
(1875-1907) e la calligrafa Wu Zhiying (1868-1934). Femminista
e rivoluzionaria, Qiu Jin è stata giustiziata nel 1907 per il
coinvolgimento in un tentativo di rovesciare il governo imperiale,
venendo poi consacrata come martire della nazione, eroina
comunista e icona del femminismo. Il titolo si riferisce a una forma
tradizionale di distico poetico, in cui il linguaggio è vincolato alla
struttura tonale e fa inoltre riferimento a una forma di duello nel
wushu, l’arte marziale cinese.
«La barca è come un teatro galleggiante che contiene e costruisce
la realtà comprendendo aeree geografiche e periodi diversi. Sullo
sfondo si vede la Hong Kong di oggi, e la cosa non ha molto senso.
È evidente che non siamo nel 1907, ma credo che l’effetto sia
bellissimo. […] Qiu Jin e Wu Zhiying erano legate da una relazione
molto intima, che si potrebbe interpretare in un’ottica queer.
Non sto cercando di provare che fossero lesbiche, ma sono
ugualmente interessata a quest’aspetto delle loro vite».
**
The love and loss between Chinese poet Qiu Jin (1875-1907) and
calligrapher Wu Zhiying (1868-1934). Feminist, and revolutionary,
Qiu Jin was executed in 1907 due to her involvement in an attempt to
overthrow the imperial Chinese government and has been alternately
heralded as a nationalist martyr, communist hero, and feminist icon.
The title refers to a traditional form of couplet poetry, in which
language is bound by tonal structure; it also refers to a dueling category
in wushu, Chinese martial arts.
“The boat is like a floating theater that contains a constructed reality
encompassing different geographies and time periods. In the
background you see contemporary Hong Kong, which doesn’t make
sense. It’s definitely not 1907, you know? But I think it looks beautiful.
[…] Qiu Jin and Wu Zhiying were women who had a very intimate
relationship that could have a queer interpretation. I’m also not trying
to prove that they were lesbians, but I am interested in that angle.”
187
SOMMARIO
ONDE ARTRUM
Wu Tsang (Worcester,
Massachusetts, Usa, 1982) vive
e lavora a Los Angeles. I suoi lavori
– film, installazioni, performance,
sculture – spaziano in maniera
fluida tra documentario, attivismo
e finzione. I suoi progetti sono stati
presentati in musei e festival
cinematografici internazionali, tra
cui il MoMA a New York, la Tate
Modern a Londra, lo Stedelijk
Museum ad Amsterdam, la Berlin
Biennale, il Sanfic a Santiago, l’Hot
Docs Festival di Toronto e il festival
South by Southwest di Austin. Il suo
primo lungometraggio, Wildness
(2012), ha avuto l’anteprima alla
Documentary Fortnight del MoMA,
mentre altri lavori sono stati
presentati alla Biennale del Whitney
e alla triennale «The Ungovernables»
al New Museum di New York.
Wu Tsang (Worcester, MA, USA, 1982)
lives and works in Los Angeles. Her
films, installations, performances,
and sculptures move fluidly between
documentary, activism, and fiction.
Her projects have been presented at
museums and film festivals
internationally, including MoMA (New
York), Tate Modern (London), Stedelijk
Museum (Amsterdam), Berlin Biennale
SANFIC (Santiago), Hot Docs Festival
(Toronto), and South by Southwest
Film Festival (Austin). Her first feature
film Wildness (2012) premiered at
MoMA’s Documentary Fortnight, and
her work was also featured in the 2012
Whitney Biennial and in “The
Ungovernables” New Museum
Triennial in New York.
Shape of a Right Statement
(cm, 2008), Damelo Todo (Gimme
Everything, cm, 2011), Wildness
(2012), For How We Perceived a Life
(Take 3) (2012), Mishima in Mexico
(coregia/codirector Alexandro
Segade, 2012), Tied and True
(coregia/codirector Nana
Oforiatta-Ayim, 2012), You’re Dead
to Me (2013), A Day in the Life of Bliss
(2014), Miss Communication and Mr:
Re (coregia/codirector Fred Moten,
2014), The Looks (2015), Girl Talk
(coregia/codirector Fred Moten,
2015), Duilian (cm, 2016).
ONDE ARTRUM
gabriel abrantes, ben rivers
THE HUNCHBACK
Portogallo-Francia/Portugal-France, 2016, HD, 29’, col.
THE
HUNCHBACK
regia, soggetto,
sceneggiatura/directors,
story, screenplay
Gabriel Abrantes,
Ben Rivers
Jorge Quintela
Margarida Lucas
musica/music
Johannes Brahms,
Edvard Grieg
suono/sound
Pedro Melo, Carlos Abreu
interpreti/cast
Carloto Cotta,
Gustavo Sumpta,
Anton Skrzypiciel,
Norman MacCallum,
Mariana Mourato,
Randolph Albright,
Celia Williams,
Elizabeth Bochman,
Pedro Alfacinha,
Jonathan Weightman,
Maya Booth
A Mutual Respect
Productions
Les Films du Bélier
In una società distopica e dall’aspetto avvenieristico, in cui tutto
è retto dalle tecnologie più avanzate, a governare il mondo è
Dalaya.com, un colosso multinazionale della finanza. Tutto è
sottoposto a controllo e i dipendenti, per rilassarsi, sono costretti
ad assistere a messe in scena a tema medievale che l’azienda
stessa allestisce. Come Il piccolo gobbo delle Mille e una notte,
riletto però in chiave psichedelica e fantascientifica.
**
In a dystopian society of the future, everything depends on highlyadvanced technology and the world is governed by Dalaya.com, a
huge multinational finance company. Everything is controlled and,
for relaxation, employees are forced to attend a medieval-themed
production run by the company itself. Like The Tale of the Hunchback
from One Thousand and One Nights, but in a psychedelic and sci-fi
key.
**
contatti/contacts
IndieLisboa
Rui Mendes
Gabriel Abrantes (Usa, 1984) ha
scritto e diretto una quindicina di corti
e mediometraggi, tra cui A History
of Mutual Respect (2010), con cui ha
vinto il Pardino d’oro a Locarno,
Palácios de pena (2011), selezionato
a Orizzonti a Venezia, e Toprobana
(2013), Prix Uip Berlin alla Berlinale.
Nel 2015 ha partecipato al Torino Film
Festival con il lungometraggio corale
Aqui, em Lisboa.
Ben Rivers ha studiato belle arti
presso la Falmouth School of Art,
interessandosi di scultura, fotografia
e produzione cinematografica, con
un occhio di riguardo al documentario
e alle sue contaminazioni con la
finzione. Nel 1996 è stato tra i
fondatori della Brighton Cinemateque.
Ha ottenuto numerosi premi
internazionali, tra cui, nel 2011, il
premio Fipresci alla Mostra di Venezia
per il suo primo lungometraggio, Two
Years at Sea, e nel 2013 il premio per
il miglior documentario al Torino Film
Festival per A Spell to Ward Off the
Darkness, diretto con Ben Russell.
È tornato a Torino nel 2015 con il
cortometraggio A Distant Episode.
Gabriel Abrantes (USA, 1984) has
written and directed fourteen short and
medium-length films so far, including
A History of Mutual Respect (2010),
which won the Golden Pardino in
Locarno; Palácios de pena (2011),
which participated at the Venice Film
Festival; and Toprobana (2013), Prix
UIP Berlin at the 2014 Berlin Film
Festival. In 2015, he attended Torino
Film Festival with the choral feature
film Aqui, em Lisboa (2015).
Ben Rivers studied fine arts at the
Falmouth School of Art, initially
focusing on sculpture and later shifting
his interest to photography and film
production, with a special eye on
documentaries and their contamination
with fiction. In 1996, he was one of the
founders of the Brighton Cinemateque.
He received numerous international
awards, including the FIPRESCI Award
at the 2011 Venice Film Festival for his
first feature film, Two Years at Sea, and
Best Documentary at the 2013 Torino
Film Festival for A Spell to Ward Off
the Darkness, which he directed with
Ben Russell. He made his comeback in
Torino in 2015 with the short A Distant
Episode.
[email protected]
www.indielisboa.com
Gabriel Abrantes, Ben Rivers:
The Hunchback (cm, 2016).
188
SOMMARIO
ONDE ARTRUM
ONDE HARUN FAROCKI
Harun Farocki
DI BARBARA GRESPI
Inextinguishable Fire (1969)
Harun Farocki (1944-2014) è stato un
filmmaker berlinese, documentarista,
videoartista, critico cinematografico e scrittore.
Ma in realtà il miglior modo di definirlo
è pensatore: acuto interprete della
contemporaneità, Farocki ha indagato a
fondo la cultura visiva tardonovecentesca,
individuandone le radici e mettendone a nudo
i più inquietanti risvolti. La sua produzione
si è estesa per quasi cinquant’anni e
comprende circa cento opere audiovisive, fra
cui alcune incursioni nel film di finzione, anche
televisivo e anche per ragazzi. Ma il genere che
preferiva – e che in sostanza aveva introdotto
– era il film saggio, elaborato sulla scia di JeanMarie Straub e Danièle Huillet, e guardando
costantemente a Godard; in esso Farocki tratta
materiali d’archivio mescolati a sapienti squarci
del nostro presente, lavora le immagini con
genialità e rinnovata fiducia nella capacità di
rivelazione del montaggio, potente strumento
in grado di scoprire legami insospettati fra
le cose; il suo stile secco e bruscamente
umoristico ha influenzato generazioni
di filmmaker, e non smette di stregare
lo spettatore con il fascino dell’idea. La sua
ricerca sullo sguardo, incarnato e disincarnato
in macchine della visione, sul depositarsi delle
immagini in archivi immensi e, ciononostante,
violentemente selettivi, sul rapporto fra media
e warfare e, più in generale, sul ruolo attivo,
e non semplicemente riproduttivo, delle
immagini ha accompagnato, e in molti casi
anticipato, la riflessione dei grandi filosofi
189
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
del nostro tempo. Sono celebri i suoi dialoghi
con Vilém Flusser e Georges Didi-Huberman,
mentre i suoi interventi sul cinema di Bresson
sono ormai parte di una storia della critica.
A metà degli anni Novanta, Farocki orienta
il suo lavoro verso i contesti espositivi,
realizzando videoinstallazioni per lo più
concepite e prodotte con la moglie Antje
Ehmann, curatrice e artista. È una prosecuzione
naturale della sua idea dell’immagine, che
«deve essere sempre due», dice in una delle
sue opere più celebri (Interface, 1995), e ora
esplode al di là del singolo schermo, si
raddoppia o si moltiplica, non più soltanto
nel film, anche nell’ambiente.
A due anni dalla sua scomparsa, il Torino
Film Festival dedica a Farocki un omaggio,
proiettando undici dei suoi più importanti
lavori, suddivisi per aree tematiche e introdotti
dalla moglie, e coautrice, Antje Ehmann.
Le proiezioni sono accompagnate da un
convegno internazionale nato dalla
collaborazione di quattro università (Torino,
Bergamo, Milano-Iulm, Pavia) con il Torino
Film Festival e la Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo, che in concomitanza ha
installato l’ultima opera di Farocki, Parallel I-IV.
Il convegno – dal titolo Pensare con gli occhi.
La politica delle immagini nel lavoro di Harun
Farocki – si terrà nei giorni 21-22 novembre
nell’aula magna della Cavallerizza dell’Università
di Torino, e vedrà la partecipazione dei massimi
esperti dell’autore: studiosi come Thomas
Elsaesser, Christa Blümlinger, Rember Hüser
e Volker Pantenburg.
ONDE HARUN FAROCKI
Harun Farocki
BY BARBARA GRESPI
Serious Games I: Watson Is Down (2010)
Harun Farocki (1944-2014) was a film director,
documentarist, video artist, film critic and
author Berlin-based. But actually, the best word
to define him is thinker: a shrewd interpreter
of contemporary times, Farocki studied in
depth the visual culture of the late 20 century,
pinpointing its roots and laying bare its most
disturbing implications. His opus spans almost
fifty years, during which time he made roughly
one hundred audiovisual works, including a few
forays into fiction films, some for television and
even some for young people. But his genre of
choice – and which he basically introduced –
was the essay film, following on the heels of
Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, and
with a constant eye on Godard. In these films,
Farocki combined archive material and skillful
bursts of our present time; he manipulated
images with virtuosity and renewed faith in
the capacity to reveal that is inherent in film
editing, a powerful instrument able to discover
unexpected links between things. His terse
and brusquely humorous style has influenced
generations of filmmakers and never ceases to
bewitch spectators with the fascination of his
ideas. His research into the gaze, embodied
and disembodied in machinery of vision; into
how images sediment in immense – and
nonetheless violently selective – archives; into
the relationship between media and warfare;
and, more in general, into the active – and not
merely reproductive – role of images,
accompanied and, in many cases, anticipated
the reflections of the great philosophers of our
time. His dialogues with Vilém Flusser and
TH
190
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
Georges Didi-Huberman are famous, while
his articles on the cinema of Bresson have
become part of a history of critique. During the
mid-1990s, Farocki oriented his work toward
exhibitions, creating video installations which
he primarily conceived and produced with
his wife Antje Ehmann, a curator and artist.
This was a natural evolution of his idea that
the image “is always two,” as he says in one
of his most important works (Interface, 1995),
and now explodes beyond the single screen,
doubling or multiplying itself, no longer just
in the film, but also in the surroundings.
Two years after his death, the Torino Film
Festival dedicates a tribute to Farocki and
will screen eleven of his most important works,
divided into thematic areas introduced by his
wife and co-author, Antje Ehmann. Together
with the screenings, an international conference
has been organized through the collaboration
of four universities (Turin, Bergamo, IULM Milan, Pavia), and with the Torino Film Festival
and the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo,
which, in conjunction with the conference, has
installed Farocki’s final work Parallel I-IV.
The conference – entitled Thinking with the
Eyes. The Politics of Images in the Work of Harun
Farocki – will be held on November 21-22 in the
Cavallerizza lecture hall of the University of
Turin, with the participation of top experts
on Farocki: scholars like Thomas Elsaesser,
Christa Blümlinger, Rember Hüser and Volker
Pantenburg.
ONDE HARUN FAROCKI
Harun Farocki
BIOGRAFIA/BIOGRAPHY
Harun Farocki (Nový Jicin, Germania, 1944 Berlino, Germania, 2014), dopo gli studi alla
Deutsche Film und Fernsehakademie di Berlino,
nel clima di agitazione politica della Germania
di fine anni Sessanta, inizia a realizzare film
agit-prop in bianco e nero e in 16mm, unendo
spesso, come nel caso di Inextinguishable Fire
(1969), attivismo e performance. Cosciente della
specificità del mezzo di comunicazione scelto,
Farocki mette al centro dei suoi lavori l’analisi
critica delle immagini e il confronto che queste
instaurano con la Storia, il potere e il sistema
dominante di rappresentazione. Prima con il
16mm, poi con il video e infine con il digitale
e l’animazione digitale, Farocki elabora la forma
del video-saggio sulle arti visuali. Dai lavori degli
anni Ottanta e Novanta, come Before Your Eyes
Vietnam (1982), An Image (1983), Images of
World and Inscription of War (1988), Still life
(1997), alle installazioni degli anni Duemila
(Counter-Music, 2004; le serie Serious Games,
2010, e Parellel, 2012-2014, e Labour in a Single
Shot, 2011-2014, ideate e curate con la
compagna Antje Ehmann), le sue opere
tracciano e criticano l’evoluzione del linguaggio
delle immagini, fra sedute al banco del
montaggio, collage fotografici, riprese di camere
di sicurezza, foto aeree della seconda guerra
mondiale, pubblicità, frammenti di cinema
del passato, camere termografiche, riprese
televisive, videogiochi, sequenze digitali,
ricostruzioni a computer di paesaggi reali.
Nella sua attività di critico per la rivista
«Filmkritik», nelle sue pubblicazioni e nei suoi
seminari, Farocki ha studiato la storia del cinema
e della società tedesca analizzando l’evoluzione
del concetto di lavoro (come ad esempio in How
to Live in the FRG, 1990) e si è confrontato con
autori come Jean-Marie Straub e Danièle Huillet
o come Jean-Luc Godard, al quale nel 1998 ha
dedicato il volume Speaking with Godard, scritto
con Kaja Silvermann.
191
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
Harun Farocki (Nový Jicin, Germany, 1944 Berlin, Germany, 2014), after studying at Berlin’s
Deutsche Film und Fernsehakademie in the climate
of political agitation sweeping Germany during the
late ’60s, began to make agitprop movies in black
and white and in 16mm, often combining activism
and performance, as is the case with
Inextinguishable Fire (1969). Aware of the
specificity of his means of communication, Farocki
focused his work on a critical analysis of images
and the contrasts they create with history, power
and the dominant performance system. First with
16mm film, then with video, and finally with
digital and digital animation techniques, Farocki
developed the video-essay form about the visual
arts. From his work during the 1980s and ’90s,
such as Before Your Eyes Vietnam (1982),
An Image (1983), Images of World and
Inscription of War (1988), and Still life (1997),
to his installations of the 2000s (Counter-Music,
2004; the series Serious Games, 2010, and
Parellel, 2012-2014, and Labour in a Single Shot,
2011-2014, which he created and curated with his
partner Antje Ehmann), his works trace and
criticize the evolution in the language of images,
in between stints at the editing table, photographic
collages, security camera shots, aerial photos from
WWII, advertising, fragments of films from the past,
thermographic cameras, television clips,
videogames, digital sequences, computer
reconstructions of real landscapes. As a critic
for the magazine “Filmkritik,” in his publications
and during his seminars, Farocki studied the history
of cinema and of German society, analyzing the
evolution of the concept of work (for example,
in How to Live in the FRG, 1990) and measuring
himself against filmmakers such as Jean-Marie
Straub and Danièle Huillet, or Jean-Luc Godard,
to whom, in 1998, he dedicated the book
Speaking with Godard, which he wrote with
Kaja Silvermann.
ONDE HARUN FAROCKI
Harun Farocki
FILMOGRAFIA/FILMOGRAPHY
1960
Jeder ein Berliner Kindl (Everybody a Berliner Kindl,
cm, 1966), Zwei Wege (Two Paths, cm, 1966),
Die Worte des Vorsitzenden (The Words of the
Chairman, cm, 1967), Der Wahlhelfer (The
Campaign Volunteer, cm, 1967), Ihre Zeitungen
(Their Newspapers, cm, 1968), White Christmas
(cm, 1968), Drei Schüsse auf Rudi (Three Shots at
Rudi, cm, 1968), Ohne Titel oder: Wanderkino für
Ingenieurstudenten (Untitled or: The Wandering
Cinema for Engineering Students, mm, 1968),
Nicht löschbares Feuer (Inextinguishable Fire, cm,
1969), Ohne Titel oder: Nixon kommt nach Berlin
(Untitled or: Nixon Comes to Berlin, cm, 1969),
Anleitung, Polizisten den Helm abzureißen
(Instructions on how to Pull off Police Helmets,
cm, 1969).
1970
Die Teilung aller Tage (The Division of all Days,
1970), Eine Sache, die sich versteht (15x)
(Something Self Explanatory - 15x, 1971),
Remember Tomorrow is the First Day of the Rest
of Your Life (cm, 1972), Die Sprache der
Revolution. Beispiele revolutionärer Rhetorik,
untersucht von Hans Christoph uch (The Language
of Revolution. Examples of a Revolutionary
Rhetoric, Examined by Hans Christoph Buch, mm,
1972), Sesamstrasse (Sesame Street, cm, 1973),
Make Up (Make Up, cm, 1973), Brunner ist dran
(Brunner Is Next, cm, 1973), Einmal wirst auch Du
mich lieben. Über die Bedeutung von Heftromanen
(Someday You Will Love Me Too. About the
Meaning of Dimestore Novels, mm, 1973), Der
Ärger mit den Bildern (The Trouble with Images.
A Critique of Television, mm, 1973), Über
«Gelegenheitsarbeit einer Sklavin» (About
“Part-time Work of a Female Slave,” cm, 1974),
Moderatoren im Fernsehen (Moderators, cm,
1974), Plakatmaler (Poster Artists, cm, 1974),
Die Arbeit mit Bildern. Eine Telekritik von Harun
Farocki (The Struggle with Images. A Critique
of Television, mm, 1974), Über «Song of Ceylon»
von Basil Wright (About “Song of Ceylon” by Basil
Wright, cm, 1975), Erzählen (About Narration,
mm, 1975), Die Schlacht. Szenen aus Deutschland
(The Battle. Scenes from Germany, mm, 1976),
Einschlafgeschichten 1-5 (Bedtime Stories 1-5, cm,
1977), Sarah Schumann malt ein Bild (Sarah
Schumann Paints an Image, cm, 1977), Ein Bild
von Sarah Schumann (An Image by Sarah
Schumann, 1978), Zwischen zwei Kriegen (Between
Two Wars, 1978), Einschlafgeschichten 1-
192
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
3/Katzengeschichten (Bedtime Stories 1-3/Cat
Stories, cm, 1978), Häuser 1-2 (Buildings 1-2,
cm, 1978), Industrie und Fotografie (Industry
and Photography, mm, 1979), Anna and Lara
machen des Fernsehen vor und nach (Anna and
Lara Are Playing Television, cm, 1979), Single.
Eine Schallplatte wird produziert (Single.
A Record Is Being Produced, mm, 1979), Zur
Ansicht: Peter Weiss (On Display: Peter Weiss,
mm, 1979), Der Geschmack des Lebens (The
Taste of Life, cm, 1979).
1980
Stadtbild (View of the City, mm, 1981), Etwas
wird sichtbar (Before your Eyes Vietnam, 1982),
Kurzfilme von Peter Weiss. Vorgestellt von Harun
Farocki (Short Films by Peter Weiss, mm, 1982),
Ein Bild (An Image, cm, 1983), Jean-Marie
Straub und Danièle Huillet bei der Arbeit an einem
Film nach Franz Kafkas Romanfragment
«Amerika» (Jean-Marie Straub and Danièle Huillet
at Work On a Film Based on Franz Kaka’s
“Amerika,” cm, 1983), Interview: Heiner Müller
(cm, 1983), «L’Argent» von Bresson (“L’Argent”
by Bresson, cm, 1983), Peter Lorre - Das doppelte
Gesicht (The Double Face of Peter Lorre, 1984),
Betrogen (Betrayed, 1985), Filmtip: Der Tee im
Harem des Archimedes (Filmtip: Tea in the Harem,
cm, 1985), Wie man sieht (As You See, cm, 1986),
Schlagworte - Schlagbilder. Ein Gespräch mit
Vilém Flusser (Catch Phrases - Catch Images.
Conversation with Vilém Flusser, cm, 1986),
A Filmtip: Kuhle Wampe (Filmtip: Kuhle Wampe,
cm, 1986), Filmbücher (Filmbooks, cm, 1986),
Die Schulung (Indoctrination, mm, 1987), Filmtip:
Der Tod des Empedokles (Filmtip: Death of
Empedocles, cm, 1987), Die Menschen stehen
vorwärts in den Straßen (cm, 1987), Bilderkrieg
(Images-War, mm, 1987), Georg K. Glaser Schriftsteller und Schmied (Georg K. Glaser - Writer
and Smith, mm, 1988), Bilder der Welt und
Inschrift des Krieges (Images of the World and the
Inscription of War, 1988), Kinostadt Paris (Cine
City Paris, cm, 1988), Image und Umsatz oder:
Wie kann man einen Schuh darstellen (Image
and Sales or: How to Depict a Shoe, mm, 1988).
1990
Leben BRD (How to Live in the FRG, 1990),
Was ist los (What’s Up?, cm, 1991), Videogramme
einer Revolution (Videograms of a Revolution, cm,
1992), Kamera und Wirklichkeit (Camera and
Reality, cm, 1992), Ein Tag im Leben der
ONDE HARUN FAROCKI
Endverbraucher (A Day in the Life of a Consumer,
mm, 1993), Die Umschulung (Retraining, mm,
1994), Die führende Rolle (The Leading Role, mm,
1994), Arbeiter verlassen die Fabrik (Workers
Leaving the Factory, mm, 1995), Die Küchenhilfen
(Kitchen Helpers, 1996), Das Theater der
Umschulung (The Theater of the Retraining, cm,
1996), Der Auftritt (The Appearance, cm, 1996),
Der Werbemensch (The Ad Guy, cm, 1996), Die
Bewerbung (The Interview, mm, 1997), Stilleben
(Still Life, mm, 1997), Der Ausdruck der Hände
(The Expression of Hands, cm, 1997), Die
Werbebotschaft (The Advertisement Info, cm,
1997), Der Finanzchef (The Chief Executive
Officer, cm, 1998), Worte und Spiele (Words
and Games, 1998).
2000
Gefängnisbilder (Prison Images, 2000), Die
Schöpfer der Einkaufswelten (The Creators of the
Shopping Worlds, 2001), Erkennen und Verfolgen
(War at a Distance, mm, 2003), Nicht ohne
Risiko (Nothing Ventured, mm, 2004),
Aufschub (Respite, mm, 2007), Zum Vergleich
(In Comparison, 2009).
2010
Ein neues Produkt (A New Product, mm, 2012),
Sauerbruch Hutton Architekten (Sauerbruch
Hutton Architects, 2013).
193
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
INSTALLAZIONI/INSTALLATIONS
1990
Schnittstelle (Interface, cm, 1995).
2000
Ich glaubte Gefangene zu sehen (I Thought I Was
Seeing Convicts, 2000), Musik-Video (Music-Video,
2000), Auge/Maschine (Eye/Machine, 2000),
Auge/Maschine II (Eye/Machine II, 2001),
Auge/Maschine III (Eye/Machine III, 2003),
Gegen-Musik (Counter-Music, 2004), Drei
Montagen (Three Assemblies, 2005), Ausweg
(A Way, 2005), Aufstellung (In-Formation, 2005),
Hörstationen (Listening Stations, 2006), Zur
Bauweise des Films bei Griffith (On Construction
of Griffith’s Films, 2006), Arbeiter verlassen die
Fabrik in elf Jahrzehnten (Workers Leaving the
Factory in Eleven Decades, 2006), Synchronisation
(Dubbing, 2006), Vergleich über ein Drittes
(Comparison via a Third, 2007), Deep Play
(2007), Übertragung (Transmission, 2007),
Fressen oder Fliegen (Feasting or Flying, 2008),
Ernste Spiele III: Immersion (Serious Games III:
Immersion, 2009).
2010
Ernste Spiele I: Watson ist hin (Serious Games I:
Watson Is Down, 2010), Ernste Spiele II: Drei tot
(Serious Games II: 3 Dead, 2010), Ernste Spiele
IV: Eine Sonne ohne Schatten (Serious Games IV:
A Sun Without Shadow, 2010), Umgießen.
Variationen zu Opus 1 von Tomas Schmit (RePouring, 2010), Das Silber und das Kreuz (The
Silver and the Cross, 2010), Tropen des Krieges
(War Tropes, 2011), Parallele (Parallel, 2012),
Parallele II (Parallel II, 2014), Parallele III
(Parallel III, 2014), Parallele IV (Parallel IV, 2014).
ONDE HARUN FAROCKI
harun farocki
NICHT LÖSCHBARES FEUER
Repubblica Federale Tedesca/FRG, 1969, 16mm, 25’, bn/bw
film editing,
producer
Harun Farocki
Gerd Conradt
suono/sound
Ulrich Knaudt
interpreti/cast
Harun Farocki,
Hanspeter Krüger,
Eckart Kammer,
Caroline Gremm,
Gerd Volker Bussäus,
Ingrid Oppermann
INEXTINGUISHABLE FIRE
Dice Farocki in questo film agit-prop girato durante la guerra in
Vietnam: «Quando il napalm sta bruciando, è troppo tardi per
cancellarlo. Il napalm va combattuto dove viene prodotto: nelle
fabbriche». Vale a dire, la Dow Chemical di Midland, nel Michigan.
«Una corporation», aggiunge Farocki, «è come un set, può
ricostruire il mondo intero. A causa della crescente parcellizzazione
del lavoro, le persone non riconoscono più il proprio ruolo nella
creazione di strumenti di distruzione di massa; il prodotto è il
risultato del lavoro di operai, studenti e ingegneri».
In this agitprop film shot during the
Vietnam War, Farocki says: “When
napalm is burning, it is too late to
extinguish it. You have to fight napalm
where it is produced: in the factories.”
Which means, Dow Chemical, in
Midland, Michigan. “A major corporation
is like a set. It can put together the whole
world. Because of the growing division of
labor, many people no longer recognize
the role they play in producing mass
destruction. That which is manufactured
in the end is the product of the workers,
students, and engineers.”
harun farocki
EIN BILD
Repubblica Federale Tedesca/FRG, 1983, 16mm, 25’, col.
AN IMAGE
screenplay, producer
Harun Farocki
Ingo Kratisch
Rosa Mercedes suono/sound
Klaus Klingler musica/music
Markus Spies produzione/production
Harun Farocki
Filmproduktion, SFB
«Quattro giorni in studio a lavorare su una foto di copertina di
“Plaboy”. La rivista parla di cultura, di macchine, di un certo stile
di vita… Forse al solo scopo di coprire la nudità della donna. Forse
è come con le bambole di carta. La donna nuda al centro è il sole
attorno al quale ruotano gli eventi di un intero sistema: una cultura,
un’economia, un modo di vivere! […] È facile immaginare che
i creatori di questa immagine lavorino con la cura, la serietà
e la responsabilità che userebbero per scindere l’uranio».
194
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
“Four days spent in a studio working on a
centerfold photo for ‘Playboy’ magazine.
The magazine itself deals with culture,
cars, a certain lifestyle. Maybe all those
trappings are only there to cover up the
naked woman. Maybe it’s like with a
paper-doll. The naked woman in the
middle is a sun around which a system
revolves: of culture, of business, of living!
[…] One can well imagine that the people
creating such a picture, perform their
task with as much care, seriousness, a
responsibility as if they were splitting
uranium.”
ONDE HARUN FAROCKI
harun farocki
BILDER DER WELT
UND INSCHRIFT DES KRIEGES
Repubblica Federale Tedesca/FRG, 1988, 16mm, 75’, col.
Harun Farocki
Ingo Kratisch
Klaus Klingler voce/voice
Ulrike Grote
Harun Farocki
Filmproduktion, SFB
IMAGES OF THE WORLD AND THE
INSCRIPTION OF WAR
Per registrare il potenziale distruttivo, i bombardieri alleati della
seconda guerra mondiale scattavano fotografie aree dei loro obiettivi.
Una di queste foto, scattata sopra l’impianto chimico della Farben
(che produceva il gas usato nei campi di sterminio), riprende per
caso i dintorni di Auschwitz. Anni dopo, Farocki analizza la foto
mettendo in evidenza il campo di concentramento invece
dell’obiettivo principale. Tutto ciò rivela una verità tragica, quasi
cosmica: la verità è più difficile da cogliere quando l’evidenza è
sotto i nostri occhi.
In order to record their destructive power,
allied bombers in WWII were required to
take photos of their targets. One such
photo, taken on the Farben chemical
plant (producer of poison gas used in
the death camps), also unintentionally
includes the nearby Auschwitz
concentration camp. Decades after the
event, Farocki analyzes the photo in terms
of being evidence of the actual camp,
rather than evidence of the Farben target.
This reveals the tragic and almost cosmic
truth: the truth is hardest to grasp when
the evidence is right before your eyes.
harun farocki
ARBEITER VERLASSEN DIE FABRIK
Germania/Germany, 1995, video-Beta SP, 36’, bn/bw-col.
WORKERS LEAVING THE FACTORY
voce/director,
screenplay, voice
Harun Farocki
Max Reimann
Harun Farocki,
Werner Dütsch produzione/production
Harun Farocki
Filmproduktion, WDR
Partendo dal primo film mai realizzato, che mostra alcuni operai
uscire dalla fabbrica dei fratelli Lumière, il film mostra l’evoluzione
nel tempo del rapporto fra imprenditore e lavoratore. Il risultato è
un’analisi cinematografica sul cinema stesso, che va da Tempi
moderni a Metropolis fino ad Accattone. Farocki dimostra come
la sequenza dei Lumière porti già con sé i segni di uno sviluppo
sociale prevedibile: la scomparsa del lavoro industriale.
195
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
Starting with the first film ever shot,
showing the workers leaving the Lumiere
Brothers’ factory, the video becomes
a tacit expose of a history of
employer/employee relations. The result
of this effort is a cinematographic analysis
in the medium of cinematography itself,
ranging in scope from Modern Times to
Metropolis to Accattone. Farocki shows
that the Lumière brothers’ sequence
already carries within itself the germ
of a foreseeable social development:
the eventual disappearance of this
form of industrial labor.
ONDE HARUN FAROCKI
harun farocki
SCHNITTSTELLE
Germania/Germany, 1995, video-Beta SP, 23’, col.
INTERFACE
Harun Farocki
Ingo Kratisch
Klaus Klingler voci/voices
Harun Farocki,
Ulrike Grote
Harun Farocki
Filmproduktion,
Musée Moderne d’art
de Villeneuve d’Ascq
Nel 1995 il Museo d’arte moderna di Lille commissiona a Farocki un
video sul suo lavoro. Il risultato è un’installazione per la mostra The
World of Photography e questo film, in cui il regista riflette sul senso
di lavorare con le immagini d’archivio invece di crearne di nuove
e di proprie. Il titolo originale gioca con il doppio significato, in
tedesco, della parola «Schnitt», che indica sia il tavolo di montaggio
sia un’interfaccia uomo-macchina, in cui una persona interagisce con
un computer per mezzo di una tastiera e un mouse.
In 1995 Farocki was commissioned by the
Lille Museum of Modern Art to produce
a video about his work. His creation was
an installation presented at the exhibition
The World of Photography, and then
this film. It examines the question of
what it means to work with existing
images rather than producing one’s own,
new images. The German title plays on
the double meaning of “Schnitt,” referring
both to Farocki’s editing table as well
as the ‘human-machine interface,’ where
a person operates a computer using
a keyboard and a mouse.
harun farocki
DER AUSDRUCK DER HÄNDE
Storicamente il primo piano era in origine utilizzato per veicolare
emozioni attraverso le espressioni del volto. Presto, però, i registi
hanno cominciato a interessarsi anche alle mani. Attraverso
frammenti di decine di film, Farocki esplora questo tipo di linguaggio
visivo, il suo simbolismo, i suoi lapsus freudiani, i suoi automatismi,
la sua musica. Spesso le mani tradiscono emozioni che il volto prova
a dissimulare. Oppure fungono da strumento (ad esempio, per lo
scambio di denaro) o testimoniano una competenza lavorativa.
196
SOMMARIO
THE EXPRESSION OF HANDS
Historically, the cinema close-up was
initially employed to convey emotions
through facial expressions. But soon
filmmakers also began focusing their
attention on hands. Using film extracts,
Farocki explores this visual language,
its symbolism, Freudian slips,
automatisms and its music. Often,
hands betray an emotion which the
face tries to dissimulate. They can also
function as a conduit (exchanging
money) or witness to a form of
competence (work).
regia, voce/
director, voice
Harun Farocki
Harun Farocki, Jörg Becker
Ingo Kratisch
Max Reimann
suono/sound
Klaus Klingler produttori/producers
Harun Farocki,
Werner Dütsch produzione/production
Harun Farocki
Filmproduktion, WDR
ONDE HARUN FAROCKI
ONDE HARUN FAROCKI
harun farocki
ICH GLAUBTE GEFANGENE ZU SEHEN
I THOUGHT I WAS SEEING CONVICTS
Harun Farocki
Cathy Lee Crane
Max Reimann
suono/sound
Luis Van Rook
Harun Farocki
Filmproduktion, Generali
Foundation, Zdf/3sat,
Mainz Inge Classen,
Movimento, Christian Baute
«Immagini da una prigione di massima sicurezza a Corcoran,
California. Le camere di sorveglianza mostrano una porzione di
spazio minima. […] Un detenuto ne assale un altro, gli altri si gettano
subito a terra. […] Sanno cosa sta per succedere: le guardie
lanceranno un avvertimento, poi spareranno proiettili di gomma.
Se la lite non finirà, spareranno sul serio. Le immagini sono mute, il
fumo di pistola attraversa lo schermo. La camera e la pistola sono
l’una a fianco dell’altra. Il campo della visione e il mirino della pistola
coincidono».
“Images from the maximum-security
prison in Corcoran, California.
The surveillance camera shows a pieshaped segment. […] A convict attacks
another, upon which those uninvolved
lay themselves flat on the ground. […]
They know what comes now: the guard
will call out a warning and then fire
rubber bullets. If the convicts do not stop
fighting now, the guard will shoot for real.
The pictures are silent, the trail of
gun smoke drifts across the picture.
The camera and the gun are right next
to each other. The field of vision and the
gun viewfinder fall together.”
harun farocki
AUGE/MASCHINE II
Germania/Germany, 2000, video, 23’, col.
Harun Farocki
con la collaborazione di/
with the collaboration of
Matthias Rajmann, Ingo
Kratisch, Rosa Mercede
Max Reimann
Zdf/3sat,
Galerie Greene Naftali,
Zkm
EYE/MACHINE II
«Il lavoro si concentra sulle immagini della Guerra del Golfo del ’91.
Nelle soggettive dei proiettili che colpiscono il bersaglio, la bomba
e il reporter coincidono, come ha sostenuto il filosofo Klaus
Theweleit. Al tempo stesso, è impossibile distinguere fra le immagini
fotografate e quelle simulate al computer. La perdita di un’immagine
“genuina” ha privato l’occhio della sua natura di testimone della
storia. Qualcuno ha detto che nella Guerra del Golfo non sono
state usate nuove armi, ma è stata introdotta una nuova politica
delle immagini».
197
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
“The work centers on the images of the
Gulf War in 1991. In the shots taken from
projectiles homing in on their targets,
bomb and reporter were identical,
according to a theory by the philosopher
Klaus Theweleit. At the same time it was
impossible to distinguish between the
photographed and the (computer)
simulated images. The loss of the
‘genuine picture’ means the eye no
longer has a role as historical witness.
It has been said that what was brought
into play in the Gulf War was not new
weaponry but rather a new policy on
images.”
ONDE HARUN FAROCKI
harun farocki
GEGEN-MUSIK
COUNTER-MUSIC
Harun Farocki
con la collaborazione di/
with the collaboration of
Matthias Rajmann
Max Reimann
suono/sound
Matthias Rajmann
Le Fresnoy, Tourcoing
«Le immagini che oggi determinano la vita di una città sono
immagini operative, immagini di controllo. Rappresentazioni del
traffico: macchine, tram, metro; rappresentazioni che indicano
l’altezza dei trasmettitori telefonici, o i buchi nelle reti di
comunicazione. Immagini termografiche che rivelano perdite di
calore dagli edifici. […] Nonostante le strade, i viali, i mercati, le
arcate e le chiese, queste città sono macchine per vivere e per
lavorare. Voglio rifare anch’io la “sinfonia di una città”, ma con
immagini diverse».
“The images which today determine
the day of the city are operative images,
control images. Representations of traffic
regulation, by car, train or metro,
representations determining the height
at which mobile phone network
transmitters are fixed, and where the
holes in the networks are. Images from
thermo-cameras to discover heat loss
from buildings. […] Despite their
boulevards, promenades, market places,
arcades and churches, these cities are
already machines for living and working.
I too want to ‘remake’ the city films, but
with different images.”
harun farocki
ZUR BAUWEISE DES FILMS BEI GRIFFITH
Germania/Germany, 2006, video, 9’, bn/bw
regia/director
Harun Farocki
curatori, ideazione/
curators, idea
Harun Farocki,
Antje Ehmann
montaggio/film editing Jan Ralske
Generali Foundation
ON CONSTRUCTION
OF GRIFFITH’S FILMS
«Abbiamo preso una sequenza di Intolerance, in cui il dialogo fra
un uomo e una donna è filmato e montato in campo e controcampo.
Lo abbiamo riprodotto su due schermi per svelarne l’aspetto
narrativo e poi perché l’analisi richiedeva un lavoro di dissezione.
L’aspetto narrativo del campo e controcampo, che sarebbe diventato
l’usuale cifra stilistica per la ripresa di un dialogo, qui richiama
ancora il romanzo. […] Il cinema, però, ha già raggiunto un tale livello
d’indipendenza che è la macchina da presa a costruire uno spazio
attraverso i dettagli».
198
SOMMARIO
ONDE HARUN FAROCKI
“We picked a sequence from Griffith’s Intolerance. It shows a dialogue between
a man and a woman, filmed and edited
as shot and counter shot. We reproduce
the shot on two monitors to reveal its
narrative character and also because
analysis requires us to dissect something.
The narrative form of shot/counter shot,
which would later become the norm for
depicting dialogue in film, remains novel
here. […] Cinematography had already
achieved such a level of independence
that it was the camera that constituted
a room with its detail.”
ONDE HARUN FAROCKI
harun farocki
ERNSTE SPIELE I: WATSON IST HIN
regia, montaggio,
produttore/director, film
editing, producer
Harun Farocki
Harun Farocki,
Matthias Rajmann
Ingo Kratisch
montaggio online/
online editing
Max Reimann,
Jan Ralske suono/sound
Matthias Rajmann produzione/production
Harun Farocki
Filmproduktion,
Medienboard
Berlin-Brandenburg,
Bienal de São Paulo,
Kub,
Kunsthaus Bregenz SERIOUS GAMES I: WATSON IS DOWN
«Abbiamo filmato un’esercitazione dei marine nella base di
Twentynine Palms, in California. Quattro soldati seduti in una classe
rappresentano l’equipaggio di un carrarmato. Di fronte hanno dei
laptop sui quali manovrano il loro stesso veicolo e tengono d’occhio
gli altri membri dell’unità, all’interno di un paesaggio ricreato in
digitale. […] L’istruttore piazza l’esplosivo. Un cecchino, che noi
filmiamo, spara sul carrarmato. […] Anche con tutta questa
attenzione ai dettagli, la morte al computer resta qualcosa
di completamente diverso dalla morte reale».
“We filmed a drill at the Marine Corps
Base Twentynine Palms in California.
Four Marines sitting in a class represented
the crew of a tank. They had laptops
in front of them on which they steered
their own vehicle and watched others
in the unit being driven through a
Computer-Animation Landscape. […]
The instructor places explosive devices.
A sniper shot the tank, which we
documented with the camera. […]
Even with all this attention to detail,
death in the computer game is still
something different than the real one.”
harun farocki
ERNSTE SPIELE II: DREI TOT
regia, montaggio,
produttore/director, film
editing, producer
Harun Farocki
Harun Farocki,
Matthias Rajmann
Ingo Kratisch
montaggio online/
online editing
Max Reimann,
Jan Ralske suono/sound
Matthias Rajmann produzione/production
Harun Farocki
Filmproduktion,
Medienboard
Berlin-Brandenburg,
Bienal de São Paulo, Kub,
Kunsthaus Bregenz 199
SOMMARIO
SERIOUS GAMES II: THREE DEAD
“Again, in Marine Corps Base Twentynine
Palms, California, we embarked on an
exercise with around three hundred extras
who represented both the Afghan and
Iraqi population. A few dozen Marines
were on guard and went out on patrol.
The town where the maneuver was
carried out was on a slight rising in the
desert and its buildings were made from
containers. It looked as though we had
modeled reality on a computer
animation.”
«Sempre nella base di Twentynine Palms, in California, ci siamo
imbarcati in un’esercitazione con circa trecento comparse, che
rappresentavano sia la popolazione afghana sia quella irachena.
Una dozzina di marine erano di guardia e sono andati in
perlustrazione. La città dove si teneva la manovra era costruita su
una piccola altura nel deserto e i suoi edifici erano dei container.
Era come se la realtà fosse stata modellata a partire da
un’animazione digitale».
ONDE HARUN FAROCKI
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
| BOGDAN MIRICĂ CÂINI - DOGS | AXEL KOENZEN DEADWEIGHT |
| RALITZA PETROVA BEZBOG - GODLESS | PALOMA AGUILERA
VALDEBENITO OUT OF LOVE | ANU AUN POLAARPOISS - THE POLAR BOY | ANCA MIRUNA
LĂZĂRESCU DIE REISE MIT VATER - THAT TRIP WE TOOK WITH DAD | MEHDI HMILI THALA MON
AMOUR | LINA LUŽYTĖ TOGETHER FOR EVER | WISSAM CHARAF TOMBÉ DU CIEL | PABLO LAMAR
BOO JUNFENG APPRENTICE
JIHANE CHOUAIB GO HOME
LA ÚLTIMA TIERRA
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
© YEW JIAJUN
boo junfeng
APPRENTICE
Singapore-Germania-Francia-Hong Kong-Qatar/
Singapore-Germany-France-Hong Kong-Qatar, 2016, HD, 96’, col.
APPRENTICE
Boo Junfeng
soggetto/story
Boo Junfeng, Raymond
Phathanavirangoon
Benoit Soler
Natalia Soh,
Lee Chatametikool
scenografia/
production design
James Page
Meredith Lee
musica/music
Alexander Zekke,
Matthew James Kelly
suono/sound
Ting Li Lim
cast and characters
Fir Rahman (Aiman),
Wan Hanafi Su (Rahim),
Matsura Ahmad (Suhaila),
Koh Boon Pin (James),
Nickson Cheng (Joseph),
Crispian Chan (Randy),
Gerald Chew (Hock)
Raymond
Phathanavirangoon,
Fran Borgia,
Tan Fong Cheng
Akanga Film Asia,
Peanut Pictures,
Zhao Wei Films
Jonas Katzenstein,
Maximilian Leo,
Tom Decourt,
Sophie Erbs
Augenschein
Filmproduktion,
Cinéma Defacto, ZDF,
Das Kleine Fernsehspiel
**
contatti/contacts
LuxBox
Anne Sophie Trintignac
Aiman, guardia carceraria diligente e professionale, viene
traferito presso la prigione di Larangan, istituto considerato
all’avanguardia. Qui stringe amicizia con il sergente Rahim, che
scopre essere il boia del penitenziario, responsabile anni addietro
dell’esecuzione di suo padre. Quando la direzione propone ad
Aiman di diventare l’assistente di Rahim, per il ragazzo è l’inizio
di un travaglio interiore in cui il doloroso passato e i morsi di
coscienza si scontrano con le sue ambizioni.
«La prigione di Larangan (letteralmente “prigione proibita”) è la
rappresentazione tridimensionale dello stato mentale di Aiman.
È come un personaggio a sé stante, oscura ma asettica, con
i corridoi che riecheggiano suoni lontani come fossero stregati
dal passato. Quando Aiman si avventura per i corridoi,
esplorando gli spazi in cui suo padre ha passato gli ultimi giorni
di vita, sta compiendo un viaggio dentro di sé. Guarda dentro
l’abisso e affronta ciò che lo terrorizza, trovando il modo, alla
fine, di avvicinarsi alla forca».
**
Aiman, a diligent and professional prison guard, is transferred to the
prison of Larangan, considered a cutting-edge facility. Here, he makes
friends with Sergeant Rahim, who he discovers is the penitentiary’s
executioner, the man who had executed his father years earlier. When
the management proposes to Aiman that he become Rahim’s
assistant, an inner struggle begins inside the young man, whose
painful past and guilty conscience clash with his ambitions.
Boo Junfeng (Singapore, 1983) ha
studiato cinema a Singapore e in
Spagna. Ha esordito nel 2005 con il
cortometraggio Un retrato de familia,
a cui sono seguiti altri corti, che gli
hanno permesso di farsi conoscere
nel circuito dei festival internazionali.
Nel 2008 ha partecipato al progetto
corale Lucky 7, presentato al Festival
di Rotterdam, e nel 2010 ha esordito
nel lungometraggio con Sandcastle,
con cui ha partecipato alla Semaine
de la critique di Cannes. Anche
Apprentice ha fatto parte della
selezione del festival francese,
nella sezione Un certain regard.
Boo Junfeng (Singapore, 1983)
studied film in Singapore and in Spain.
He debuted in 2005 with the short Un
retrato de familia, followed by other
shorts which made his name on the
international festival circuit. In 2008,
he participated in the group project
Lucky 7, presented at the Rotterdam
Film Festival, and in 2010 he debuted
in feature films with Sandcastle, which
participated at the Semaine de la
critique in Cannes. Apprentice, too,
was selected for the French festival,
in the section Un certain regard.
Un retrato de familia (cm, 2005),
Guo Ke (cm, 2005), The Changi
Murals (cm, 2006), Katong Fugue
(cm, 2007), Keluar Baris (cm, 2008),
Tanjong Rhu (cm, 2009), Sandcastle
(2010), Apprentice (2016).
“Larangan Prison (literally meaning ‘Forbidden Prison’) is a spatial
representation of Aiman’s mental state. It is a character in its own
right – dark yet sterile, with corridors echoing faraway sounds as if
haunted by the past. As Aiman navigates the corridors in search of
spaces his father spent his last days, he is also journeying deep into
himself. He stares into the abyss and confronts his fears, eventually
finding his way into the gallows.”
[email protected]
www.luxboxfilms.com
202
TORINOFILMLAB
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
bogdan mirică
CÂINI
Romania, 2016, HD, 104’, col.
Bogdan Mirică
Andrei Butică
Roxana Szel
scenografia/
production design
Augustina Stanciu
Elena Stoyanova
musica/music
Codrin Lazăr,
Sorin Romanescu
suono/sound
Sam Cohen,
Sebastian Zsemlye
cast and characters
Dragos Bucur (Roman),
Gheorghe Visu (Hogas),
Vlad Ivanov (Samir), Costel
Cascaval (Pila), Constantin
Cojocaru (Nea Epure),
Raluca Aprodu (Ilinca),
Catalin Paraschiv
(agente/agent Ana), Emilian
Oprea (Sebi Voicu),
Valeri Yordanov (Leonid),
Ela Ionescu (Mara)
Elie Meirovitz,
Marcela Ursu
EZ Films, 42 Km Film,
Argo Film
Stephan Komandarev,
Katya Trichkova
**
contatti/contacts
Bac Films
Franka Schwabe
[email protected]
www.bacfilms.fr
203
SOMMARIO
© IULIA WEISS
DOGS
Erede di un vasto appezzamento di terreno al confine fra la
Romania e l’Ucraina, Roman fa visita alla sua nuova proprietà.
L’intenzione sarebbe quella di vendere, ma Hogas, il poliziotto del
luogo, svela a Roman che suo nonno era un boss e che il controllo
dei suoi affari è ora nelle mani del pericoloso Samir. Il progetto di
Roman va quindi a scontrarsi con i piani di Samir e l’incolpevole
ragazzo di città diventa il testimone di una faida eterna fra malavita
locale e forze dell’ordine.
«Il film parla della natura umana. Certo, molti film lo fanno, ma
nei miei personaggi c’è qualcosa di speciale: sono consapevoli che
la loro natura è profondamente corrotta, e che non possono farci
nulla. A volte nella vita si sa di aver scelto la strada sbagliata
eppure non si cambia. Ed è quello che succede in Dogs.
Probabilmente perché questa contraddizione è insita nei
personaggi ed è fuori dal loro controllo. Dogs parla di tre uomini
che, contro tutte le apparenze, sono in realtà molto simili.
Non combattono solamente l’uno contro l’altro; in verità lottano
soprattutto contro se stessi».
**
After inheriting a vast stretch of land on the border between Romania
and Ukraine, Roman goes to visit his new property. His plan is to sell
the land but Hogas, the neighborhood policeman, reveals to Roman
that his grandfather was a local boss and that control of the business
is now in the hands of a dangerous man, Samir. Thus, Roman’s project
clashes with Samir’s plans and the guiltless city boy becomes a witness
to an endless feud between local gangsters and the police.
“The film is about human nature. Granted – many films are. But
there’s something special about the characters of Dogs – they’re
aware that their nature is profoundly corrupted but they just can’t help
it. Sometimes in life you’re aware that you’ve chosen the wrong path
and yet you stay the course. That’s what happens to my characters.
It’s probably because this contradiction is inherent to them and it’s
beyond their control. […] Dogs is about three men who against all odds
are very similar. They don’t just fight each other. Actually, they mostly
struggle with themselves.”
TORINOFILMLAB
Bogdan Mirică (Romania, 1978) fino
al 2005 ha lavorato come editore,
copywriter e scrittore, salvo poi
assecondare la passione per il
cinema e iscriversi alla Westminster
University di Londra, dove si è
diplomato in sceneggiatura. Dopo
la laurea è tornato in Romania, dove
ha lavorato come sceneggiatore.
Nel 2011 ha scritto e diretto il suo
primo cortometraggio, Bora Bora,
presentato in numerosi festival, tra
cui Locarno, Varsavia e Salonicco.
Nel 2014, il progetto di Dogs è stato
selezionato dalla Cinéfondation di
Cannes e Mirică ha vinto una borsa
di studio presso la Fondazione Gan
per il cinema. Dogs è stato poi
presentato quest’anno al Festival
di Cannes, nella sezione Un certain
regard.
Bogdan Mirică (Romania, 1978) until
2005 was a publisher, an advertising
writer and a novelist, but he was so
passionate about film that he attended
Westminster University in London
where he majored in screenwriting.
After he graduated, he came back
to Romania where he worked as a
screenwriter. In 2011, Bogdan wrote
and directed his first short film Bora
Bora, picked by several festivals,
including Locarno, Warsaw and
Thessaloniki. In 2014, his feature
film project Dogs was selected for
the Cannes Cinéfondation Workshop
and he won a grant from the Gan
Foundation for Film. Dogs was then
selected at Cannes Film Festival, in
Un certain regard section.
Bora Bora (cm, 2011), Câini
(Dogs, 2016).
TORINOFILMLAB
axel koenzen
DEADWEIGHT
Germania-Finlandia/Germany-Finland, 2016, HD, 88’, col.
Axel Koenzen (Hilden, Germania,
1972) ha studiato fotografia presso
il Centro internazionale della
fotografia di New York e lavorato
come fotografo freelance e visual
researcher per case di produzione
come la R.S.A. e la Columbia Tristar
a Los Angeles. Ha compiuto gli
studi di cinema presso la Deutsche
Film-und Fernsehakademie, la scuola
di cinema e televisione di Berlino,
dove ha realizzato i cortometraggi
Waxandwane e Firn, quest’ultimo
presentato alla Cinéfondation di
Cannes.
DEADWEIGHT
regia/director
Axel Koenzen
soggetto/story
Axel Koenzen, Dirk Praller
Axel Koenzen, Horst
Markgraf, Boris Doran
Alexander Gheorghiu
Benjamin Mirguet
scenografia/
production design
Diana Van de Vossenberg
Chiara Minchio,
Michael Kleine
suono/sound
Markus Krohn, Johannes
Schmelzer-Ziringer
cast and characters
Tommi Korpela
(Ahti Ikonen),
Ema Muntean (Katia
Martinescu), Archie
Alemania (Chelito
Sumulong), Manuelito
Acido (James Agpalo),
Frank Lammers (Eric van
de Gejn), Loes Luca
(la cameriera del bar/
waitress in the bar),
Teun Kuilboer
(il portuale al bar/
docker in the bar),
Jeanne Balibar
(Françoise Kettler)
Benny Drechsel,
Karsten Stöter
Rohfilm
Mark Lwoff, Misha Jaari
Bufo, Wdr, Arte
**
contatti/contacts
Rohfilm
Benny Drechsel
[email protected]
www.rohfilm.de
204
SOMMARIO
Ahti Ikonen è un capitano al culmine della carriera. Sta entrando
nel porto di Savanna al comando della Brugge, una nave container
di 35.000 tonnellate. La necessità di caricare in fretta il gigante
del mare provoca però un incidente che costa la vita a un uomo.
Il viaggio prosegue, ma l’equilibrio a bordo è compromesso e Ahti
si trova costretto a fare i conti con il proprio senso di colpa.
Una situazione che esplode quando la Brugge arriva a Rotterdam
e i portuali sindacalizzati si rifiutano di scaricarla, usando
l’incidente come pretesto per la loro lotta.
«Mio zio è stato un capitano e poi pilota ad Amburgo, e io salivo
spesso a bordo con lui. Da bambino pensavo fosse la persona più
libera che conoscevo, perché navigava per tutto il mondo. Poi,
quando ho fatto le ricerche per il film, ho scoperto che quel tipo
di libertà non era esattamente come pensavo. Il mare è il regno
dell’illusione, e in realtà l’infinito appare minaccioso. [...] Fin
dall’inizio sapevo di voler girare su una vera nave e che quello
sarebbe stato il solo modo di rendere ciò che ciascuno prova
a bordo».
**
Ahti Ikonen is a captain at the highpoint of his career. He is entering
the port of Savanna at the helm of the Brugge, a 35,000-ton container
ship. But the need to load the gigantic ship in a hurry causes a mortal
accident. The journey continues but the equilibrium onboard is
compromised and Ahti is forced to come to terms with his feelings of
guilt. The situation explodes when the Brugge arrives in Rotterdam and
the unionized dock workers refuse to unload the ship, using the accident
as a pretext in their struggle.
“My uncle was a captain and later a pilot in Hamburg. I often went on
board with him. As a child, I thought: this is the freest person I know;
he sails around the whole world. In the course of researching for the
film, it turned out that this freedom on board is not what it’s cracked
up to be. The sea is a realm of illusion. In reality, endlessness seems
threatening. […] It was clear to me from the start that I wanted to
shoot on a real ship and that that would be the only way to convey
what it feels like on board.”
TORINOFILMLAB
Axel Koenzen (Hilden, Germany,
1972) studied photography at the
International Center of Photography
in New York and worked as a freelance
photographer and visual researcher
for companies such as R.S.A.
and Columbia Tristar Los Angeles.
He studied at the German Film and
Television School Berlin (DFFB), where
he directed several short films including
Waxandwane and Firn, premiered at
the Cinéfondation in Cannes.
Waxandwane (cm, 1999), Firn
(cm, 2006), Drang (mm, doc.,
2009), Deadweight (2016).
TORINOFILMLAB
jihane chouaib
GO HOME
Francia-Svizzera-Belgio-Libano/
France-Switzerland-Belgium-Lebanon, 2016, HD, 98’, col.
GO HOME
Jihane Chouaib
Tommaso Fiorilli
Ludo Troch
scenografia/
production design
Zeina Saab De Melero
Béatrice Harb
musica/music
Béatrice Wick,
Bachar Mar Khalife
suono/sound
Henri Maïkoff, Béatrice
Wick, Aline Gravoy,
Emmanuel Croset
cast and characters
Golshifteh Farahani (Nada),
Maximilien Seweryn (Sam),
François Nour (Jalal),
Mireille Maalouf
(la zia Nour/aunt Nour),
Julia Kassar (Colette),
Mohamad Akil (Costa)
produttore/producer
Nathalie Trafford
Paraíso Production
Diffusion
Samir, Marie Besson
Dschoint Ventschr, Eklektik
Productions
**
contatti/contacts
Wide
Matthias Angoulvant
[email protected]
www.widemanagement.com
205
SOMMARIO
Quando torna a casa, in Libano, Nada si sente fuori posto, una
straniera. Se n’era andata per sfuggire alla guerra civile e ora che
è tornata tutto le appare cambiato, non più familiare. C’è un unico
luogo dove si sente a casa: un edificio abbandonato, con le pareti
che cadono a pezzi, dove avverte la presenza del nonno,
scomparso misteriosamente durante la guerra. Tra quelle mura
è accaduto qualcosa, si è consumata una violenza e Nada vuole
saperne di più, e per questo metterà in gioco tutta se stessa.
«Quando sei un migrante ti senti spesso dire: “Torna a casa tua”,
“Torna da dove sei venuto”. E un giorno torni davvero nel tuo
Paese, e ti senti ripetere la stessa cosa: “Tu non fai più parte di
questo posto”. Perché nel frattempo sei cambiato, e anche il tuo
Paese l’ha fatto. Cosa significa, dunque, oggi, la parola “casa”?
Esiste un modo nuovo per definirla? Cosa significa appartenere
a un luogo in un’epoca di continua migrazione?»
**
When Nada returns home to Lebanon, she feels out of place, a
stranger. She had left to escape the civil war and now that she has
returned everything seems changed and unfamiliar. There is only one
place where she feels at home: an abandoned building whose walls are
falling down, where she can sense the presence of her grandfather, who
disappeared mysteriously during the war. Something happened between
those walls, violence was committed; Nada wants to find out more and
puts herself on the line.
“‘Go home’ is something you get told a lot when you are an emigrant.
‘Go home, go back to where you come from.’ And one day you go back
to your home country, and you hear ‘go home’ again. ‘You’re not from
there anymore.’ Because you have changed, and because the country
has changed. What is ‘home’ today? Is there a new way to define it?
What does it mean to belong, in a time of constant migration?”
TORINOFILMLAB
Jihane Chouaib (Beirut, Libano, 1976)
ha trascorso l’infanzia in Messico,
dove la sua famiglia si era stabilita
in fuga dalla guerra civile. Durante
l’adolescenza ha vissuto in Francia,
dove ha studiato filosofia e ha
scoperto il teatro. Ha sviluppato fin
da subito un forte interesse per la
scrittura, e ha quindi lavorato come
sceneggiatrice. Nel frattempo, ha
diretto diversi corti e mediometraggi
in Francia, tra cui Sous mon lit,
presentato alla Semaine de la critique
di Cannes nel 2005. Nel 2012 ha poi
realizzato il documentario Pays rêvé,
girato nel suo Libano.
Jihane Chouaib (Beirut, Lebanon,
1976) spent her childhood in Mexico,
where her family settled fleeing the civil
war. During her teenage years, she
traveled to France where she studied
philosophy and discovered theater.
She immediately developed a strong
relationship to writing, and worked as
a screenwriter. Meanwhile, she directed
several short and medium length films
shot in France, including the highly
acclaimed Sous mon lit, presented
at the Critic’s Week during the Cannes
Film Festival, in 2005. She directed
in 2012 the feature documentary
Pays rêvé, shot in Lebanon.
Otto ou des confitures (mm, 2000),
Sous mon lit (mm, 2005), Cyprine
(ep. Dru, cm, 2009), Pays rêvé
(doc., 2012), Go Home (2016).
TORINOFILMLAB
ralitza petrova
BEZBOG
Bulgaria-Danimarca-Francia/
Bulgaria-Denmark-France, 2016, HD, 99’, col.
GODLESS
regia, soggetto,
story, screenplay
Ralitza Petrova
Krum Rodriguez,
Chayse Irvin
Donka Ivanova,
Ralitza Petrova
scenografia/
production design
Vanina Geleva
suono/sound
Momchil Bozhkov
cast and characters
Irena Ivanova (Gana),
Ivan Nalbantov (Yoan),
Ventzislav Konstantinov
(Aleko), Alexandr Triffonov
(Pavel), Dimitar Petkov
(il giudice/judge)
produttore/producer
Rossitsa Valkanova
Klas Film, Snowglobe,
Alcatraz Films, Film Factory
Eva Jakobsen, Katrin Pors,
Mikkel Jersin, Laurence
Clerc, Olivier Thery Lapiney,
Philippe Akoka
**
contatti/contacts
Heretic
Ioanna Stais
[email protected]
www.heretic.gr
Gana vive in una remota città in Bulgaria, dove lavora come
infermiera seguendo anziani pazienti a domicilio. Approfittando
della situazione, ne rivende le carte d’identità al mercato nero.
A casa si prende cura della madre disoccupata, con cui parla a
stento, e manda avanti stancamente la relazione con un
meccanico, al quale è legata dalla dipendenza da morfina che li
accomuna. Nulla sembra scuotere la coscienza della donna, finché
un sentimento di empatia, fino ad allora sconosciuto, la avvicina
all’anziano Yoan, di cui si prende cura e che ha già truffato.
«Il film è stato realizzato in modo da trasmettere la crudezza e
l’autenticità della vita reale. Gran parte del cast è composto da
attori non professionisti, la cui vita è simile a quella dei personaggi.
Le vicende dell’infermiera, frutto di pura invenzione, si mescolano
al fatto che, nella realtà, questa persona si prende davvero cura dei
pazienti. In questo modo sono riuscita a esplorare sia la mentalità
rassegnata delle vecchie generazioni, sia i valori deformati di quelle
nuove».
**
Gana lives in a remote city in Bulgaria, where she works as a nurse
giving home care to patients. She takes advantage of this situation
and sells her patients’ ID cards on the black market. At home, she
takes care of her unemployed mother, with whom she barely speaks,
and has a tired relationship with a car mechanic, with whom she
shares a morphine addiction. Nothing seems to shake the woman’s
conscience, until a feeling of empathy, which until then she had never
experienced, brings her close to the elderly man Yoan, who she takes
care of and who she has already swindled.
“The film was designed to carry the rawness and authenticity of real
life. Most of the cast are non-actors, whose life is close to that of the
characters. The fictional narrative of the nurse was fused with the
reality of looking after actual patients. This was a way to explore both
the deluded mentality of the past generation, and the skewed values
of the present one.”
206
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
Ralitza Petrova (Sofia, Bulgaria, 1976)
vive e lavora tra la Francia, il Regno
Unito e la Bulgaria. Si è formata in
Inghilterra, dove ha studiato prima
belle arti e poi regia presso la
National Film and Television School.
Ha esordito nel 2007 con
il cortometraggio Rotten Apples,
vincitore del Prix Uip Berlin alla
Berlinale. Regista e sceneggiatrice,
Petrova ha poi diretto Above Us Only
Sky (2008) e By the Grace of God
(2009), con cui ha partecipato al
Festival di Cannes. Godless (2016),
suo primo lungometraggio, ha vinto
il Pardo d’oro all’ultima edizione del
Festival di Locarno, oltre al premio
della giuria ecumenica, al Boccalino
e al premio per la migliore attrice.
Ralitza Petrova (Sofia, Bulgary, 1976)
lives and works in France, the UK and
Bulgaria. She studied at England’s
National Film and Television School.
She debuted in 2007 with the short
Rotten Apple, which won the Prix
UIP Berlin at the Berlin Film Festival.
A director and screenwriter, Petrova
next directed Above Us Only Sky
(2008) and By the Grace of God
(2009), with which she participated at
the Cannes Film Festival. Godless
(2016), her first feature film, won the
Golden Leopard at this year’s Locarno
Film Festival, as well as the Prize of the
Ecumenical Jury, the Boccalino Award
and Best Actress Award.
Rotten Apples (cm, 2007), Above
Us Only Sky (cm, 2008), By the Grace
of God (cm, 2009), Bezbog (Godless,
2016).
TORINOFILMLAB
paloma aguilera valdebenito
OUT OF LOVE
Paesi Bassi/The Netherlands, 2016, HD, 101’, col.
OUT OF LOVE
Paloma Aguilera
Valdebenito
Jasper Wolf
Saskia Kievits
scenografia/
production design
Sanne van der Hoeven
suono/sound
Michel Schöpping
cast and characters
Danil Vorobyev (Nikolai),
Naomi Velissariou (Varya)
Frans van Gestel,
Arnold Heslenfeld,
Laurette Schillings
Topkapi Films
Ntr
**
contatti/contacts
Reel Suspects
Alberto Alvarez Aguilera
[email protected]
www.reelsuspects.com
Quello che vivono Nikolai e Varya è vero amore. Ma il sentimento
può essere così semplice da non contenere odio, desiderio di
vendetta, una certa soddisfazione nell’alimentare le paure e i
bisogni dell’altro, e al tempo stesso nutrirsi di affetto, piacere
nel trascorrere tempo insieme, intimità? Se è possibile, di certo
non lo è per loro, che vivono una relazione in bilico tra felicità
e disperazione.
«Dove finisce un rapporto “sano” e dove ne inizia uno distruttivo?
Dove è possibile tracciare la linea di demarcazione? Con Out
of Love ho cercato di indagare la complessità dell’intimità e la
possibilità di violenza che esiste all’interno di una relazione
amorosa. Ho voluto rappresentare la passione, l’euforia e l’affinità
spirituale, ma anche la minaccia connessa all’esporsi a livello
emotivo – l’incertezza, la paura, la vergogna – e la lotta tra
autonomia e dipendenza. Il comportamento contradditorio,
spesso illogico, delle persone nella loro condizione di massima
vulnerabilità è qualcosa che mi ha sempre affascinato».
**
Nikolai and Varya are truly in love. But can this feeling be so simple
that it doesn’t also contain hate, a desire for revenge, a certain
satisfaction in stoking the fears and needs of the other, while, at the
same time, it also nourishes itself with affection, pleasure in spending
time together, intimacy? Maybe, but not for them, because their
relationship wavers between happiness and desperation.
“Where does a ‘healthy’ relationship end and where does a destructive
one begin? Just where do we draw the line? With Out of Love, I want
to investigate the complexity of intimacy and the possibility of violence
within a romantic relationship. Depicting the passion, euphoria and
the spiritual affinity, but also the threat affiliated with the emotional
exposure – the uncertainty, fear, shame – and the struggle between
autonomy and dependency. The contradicting, often illogical, behaviour
of human beings in their most vulnerable state of being is something
that has always fascinated me.”
207
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
Paloma Aguilera Valdebenito
(Amsterdam, Paesi Bassi, 1982) si
è trasferita a Parigi a diciotto anni
per frequentare la scuola di
recitazione Acting International,
dove si poi è diplomata. Nel 2005
è tornata ad Amsterdam per studiare
alla Netherlands Film Academy.
Si è laureata come sceneggiatrice
e regista con il cortometraggio Stay,
Away, che è stato premiato in
numerosi festival internazionali
e ha ottenuto la nomination per
il miglior cortometraggio europeo
agli European Film Awards del 2010.
Nel 2011 ha scritto e diretto Entre
Nosotros, vincitore al Festival Fipa
di Biarritz, e nominato come miglior
opera prima al Netherlands Film
Festival. Nel 2012 ha frequentato
il laboratorio di scrittura Binger con
il progetto di Out of Love, suo primo
lungometraggio.
Paloma Aguilera Valdebenito
(Amsterdam, The Netherlands, 1982)
moved to Paris at the age of eighteen
to attend the drama school Acting
International where she graduates as
an actress a few years later. In 2005
she returned to Amsterdam to study
at the Netherlands Film Academy.
She graduated as a writer/director
with the short film Stay, Away which
received several awards at international
film festivals and got nominated for
Best European Short at the European
Film Awards 2010. In 2011 she wrote
and directed Entre Nosotros which
won the FIPA International Film
Festival in Biarritz and got nominated
for the Best Debut Award at the
Netherlands Film Festival. In 2012 she
attended the Binger writers lab with her
first feature film project Out of Love.
Blijf bij me, weg (Stay, Away, cm,
2010), Entre Nosotros (mm, 2011),
Out of Love (2016).
TORINOFILMLAB
anu aun
POLAARPOISS
Estonia, 2016, HD, 97’, col.
THE POLAR
BOY
regia, soggetto,
story, screenplay
Anu Aun
Heiko Sikka
Margo Siimon
scenografia/
production design
Jaagup Roomet
Kristina Lõuk
musica/music
Sten Šeripov
suono/sound
Horret Kuus
interpreti/cast
Roland Laos, Jaanika Arum,
Katariina Unt, Jörgen Liik,
Kaspar Velberg, Rein Oja,
Andrus Vaarik, Ülle Kaljuste,
Mirtel Pohla, Henrik
Kalmet, Jaan Rekkor,
Indrek Sammul, Ene Järvis,
Ivo Uukkivi
produttors/producers
Priit Pääsuke, Kaspar Kaljas
Luxfilm
**
contatti/contacts
Luxfilm
Priit Pääsuke
[email protected]
www.luxfilm.ee
Mattias ha un sogno e sta per realizzarlo: diventare uno studente
di fotografia alla Berlin Arts Academy. L’incontro con Hanna, però,
sconvolge i suoi piani. Pur di dimostrare alla fidanzata, di cui è
innamoratissimo, di essere un tipo avventuroso e imprevedibile,
Mattias comincia a comportarsi in modo avventato, spesso
infrangendo la legge. Ciò che ancora non sa è che la ragazza è
affetta da disturbo bipolare. Ma lo scoprirà presto. E quando, in
un momento di gelosia, commette un crimine che potrebbe
portarlo dietro le sbarre, Mattias decide di fingersi anch’egli
ammalato di bipolarismo e così evitare la condanna.
«Questo film parla del bipolarismo come malattia della società
moderna, un luogo dove le persone sentono continuamente il
bisogno di essere qualcun altro, qualcuno di migliore secondo una
scala di valori contorta. Parla anche, però, delle paure e dei pericoli
che nascono dal non sentirsi all’altezza delle proprie aspettative».
**
Mattias has a dream and it’s about to come true: to become a student
of photography at the Berlin Arts Academy. But when he meets
Hanna, his plans are disrupted. To show his beloved girlfriend that he
is an adventuresome and unpredictable type, Mattias begins to behave
recklessly, and often breaks the law. What he doesn’t know yet, though,
is that his girlfriend is bipolar. But he’s about to find out. And when, in
a moment of jealousy, he commits a crime that could put him behind
bars, Mattias decides to pretend he’s bipolar, too, to avoid a prison
sentence.
“This film speaks about bipolarity as a disease of modern society, where
people constantly seem to feel the need to pretend to be someone else
– someone better according to some twisted scale of values – and
about the fears and dangers of failing to stand up to their own
expectations.”
208
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
Anu Aun (Estonia, 1980) ha studiato
regia televisiva e cinematografica
e nel 2005 è stata tra i cofondatori
della casa di produzione Luxfilm,
per la quale attualmente lavora.
cortometraggio Hourglass Fixer,
seguito da Domestic Affairs (2005)
e da altri lavori documentari e di
finzione con cui ha ottenuto notevoli
riscontri nei festival di tutto il
mondo. The Polar Boy (2016)
rappresenta il suo debutto nel
lungometraggio. Attualmente sta
lavorando al documentario Walker
on Water e al film per bambini Eia’s
Christmas at Phantom Owl Farm, le
cui uscite sono previste per il 2017
e il 2018.
Anu Aun (Estonia, 1980) studied TV
and film directing and in 2005 was
one of the co-founders of the
production company Luxfilm, for which
she presently works. She debuted in
2003 with the short Hourglass Fixer,
followed by Domestic Affairs (2005)
and other documentaries and fiction
films which received outstanding
recognition at festivals throughout the
world. The Polar Boy (2016) is her
debut feature film. At present, she is
working on the documentary Walker
on Water and on the children’s film
Eia’s Christmas at Phantom Owl
Farm, which should be released in
2017 and 2018.
Hourglass Fixer (cm, 2003), Domestic
Affairs (cm, 2005), Story of Ain
Lutsepp (doc., 2006), Indigo Room
(cm, 2007), Clayhouse (doc., 2007),
Shift (cm, 2010), Forbidden Fruit
(doc., 2011), Scout by Heart (doc.,
2012), Child of Nature (doc., 2014),
Polaarpoiss (The Polar Boy, 2016).
TORINOFILMLAB
anca miruna lăzărescu
DIE REISE MIT VATER
Germania-Romania-Ungheria-Svezia/
Germany-Romania-Hungary-Sweden, 2016, HD, 111’, col.
THAT TRIP
WE TOOK
WITH DAD
Anca Miruna Lăzărescu
Christian Stangassinger
Dan Olteanu,
Hansjörg Weissbrich
scenografia/
production design
Petra Albert
Györgyi Szakács,
Juli Szlávik
musica/music
Ferenc Darvas
suono/sound
Tamas Devenyi
cast and characters
Alex Mărgineanu (Mihai),
Răvan Enciu (Emil),
Ovidiu Schumacher
(William),
Susanne Bormann (Ulli),
Manuel Klein (Hans-Uwe),
Marcela Nistor (Neli)
David Lindner Leporda,
Verona Maier
Cătălin Mitulescu,
Andrea Taschler,
Daniel Mitulescu,
Nándor Lovas,
Fredrik Zander,
Jessica Ask
Strada Film,
Mirage Film Studio,
Bayerischer Rundfunk,
ARTE, Film Väst,
Chimney,
BER Film & TV
**
contatti/contacts
Filmallee
David Lindner
[email protected]
209
SOMMARIO
Arad, Romania, 1968. Nella famiglia rumenotedesca dei Reinholtz
ognuno ha i suoi problemi: il padre, quasi del tutto cieco, è
depresso e ha già alle spalle un tentativo di suicidio, mentre il
diciottenne Emil gioca a fare il ribelle componendo canzoni
«scomode» alla chitarra. Dalla morte della madre, tutto ricade
sulle spalle del figlio maggiore Mihai, che, ormai esausto, decide
di portare il padre nella Repubblica Democratica Tedesca, dove
potrà sottoporsi a un intervento chirurgico per riacquistare la
vista e, forse, la serenità. È con questo obiettivo che i tre si
mettono in viaggio: ma l’incontro con la Primavera di Praga
cambierà i loro piani.
«Come i carrarmati russi che nel ’68 invasero le strade di Praga,
i personaggi del film sono investiti da un evento casuale che ha il
potere di cambiare il corso delle loro vite. Sebbene questo sia un
racconto d’ambientazione storica, il tema è molto contemporaneo.
That Trip We Took with Dad pone una domanda semplice: quanto
siamo veramente liberi di scegliere la libertà?»
**
Arad, Romania, 1968. In the Romanian-German Reinholtz family,
everybody has their own problems: the father, who is almost completely
blind, is depressed and has already tried to take his life; eighteen-yearold Emil plays at being a rebel and composes “inconvenient” songs
on his guitar. After the mother’s death, it’s all on the shoulders of
the eldest son Mihai who, at the end of his tether, decides to take his
father to the German Democratic Republic to undergo an operation
which will give him back his sight and, perhaps, his serenity. With this
objective, the three set off: but their encounter with the Prague Spring
will change their plans.
“Like the Russian tanks that ran over Prague in 1968, the characters
in the film are run over by a random incident with the power to change
the course of their entire lives. Even though this is a historical plot, the
main theme is very contemporary. That Trip We Took with Dad asks
a simple question: how free are we really to choose freedom?”
TORINOFILMLAB
Anca Miruna Lăzărescu (Timisoara,
Romania, 1979) è emigrata in
Germania con la famiglia nel 1990
e ha studiato presso l’Accademia di
cinema e televisione di Monaco di
Baviera, girando diversi documentari
e cortometraggi. Il suo film di
diploma, Silent River (2011), è stato
presentato alla Berlinale Shorts ed è
stato proiettato in oltre trecento
festival internazionali, vincendo più
di ottanta premi e ottenendo una
nomination come miglior
cortometraggio europeo dalla
European Film Academy. Con il
precedente documentario One Day
Today Will Be Once (2009) ha vinto
il Festival di Syracuse e partecipato
a numerosi altri festival, tra i quali
Rotterdam, Oberhausen, Nyon e
Varsavia. È inoltre membro della Film
Academy romena ed europea.
Anca Miruna Lăzărescu (Timisoara,
Romania, 1979) emigrated with her
family to Germany in 1990. She
studied at the German Academy for
Film and Television in Munich and
directed several documentary and short
films. Her graduation film, Silent River
had its premiere in the international
competition of the Berlinale Shorts
2011, and was invited to over three
hundred international festivals since
then, winning more then eigthy awards.
It was also nominated for Best
European Short 2011 by the European
Film Academy. Her documentary film
One Day Today Will Be Once (2009)
won at the Syracuse Film Festival and
was invited to different international
festivals, including Rotterdam,
Oberhausen, Nyon and Warsaw.
She is member of the Romanian
and European Film Academy.
Bucuresti-Berlin (cm, 2004), Salma
Beneath Two Skies (cm, doc., 2005),
The Secret Of Deva (mm, doc., 20032007), One Day Today Will Be Once
(cm, doc., 2009), Apele Tac (Silent
River, cm, 2011), Die Reise Mit Vater
(That Trip We Took with Dad, 2016).
TORINOFILMLAB
mehdi hmili
THALA MON AMOUR
Tunisia-Francia-Italia/Tunisia-France-Italy, 2016, HD, 87’, col.
Mehdi Hmili (Tunisi, Tunisia) ha
studiato cinema presso la Paris Film
School. Ha esordito come regista
e sceneggiatore nel 2009 con il
cortometraggio X-Moment, a cui
sono seguiti Li-La (2011) e The Night
of Badr (2012), entrambi dedicati ai
temi dell’esilio e dell’amore. Thala
mon amour (2016) è il suo primo
lungometraggio. Poeta conosciuto
in patria per le invettive contro
il regime di Ben Ali, vive e lavora
tra Parigi e Tunisi.
THALA MY
LOVE
regia, soggetto,
story, screenplay
Mehdi Hmili
Jimmy Boutry
Anas Saadi
scenografia/
production design
Mohamed Denguezli
suono/sound
Aymen Toumy
interpreti/cast
Ghanem Zrelli,
Najla Ben Abdallah,
Moez «Speedy» Baatour,
Fatma Ben Saidane,
Mohamed Dahech,
Rim Hamrouni
Mohamed Ali Ben Hamra,
Soumaya Jelassi
Polimovie International
Pictures
Cinefeel Factory
**
contatti/contacts
Polimovie
Mohamed Ali Ben Hamra
[email protected]
Tunisia, gennaio 2011. Durante la rivolta contro il regime di Ben Ali,
il prigioniero politico Mohamed riesce a evadere. In mente ha un
piano ben preciso: tornare dall’amata Hourya, che si è sposata con
un uomo che non ama, e con lei fuggire in Algeria. Intorno a loro
un Paese ormai scivolato nel baratro della guerra civile.
«Questo è un film in chiaroscuro. I personaggi, che sembrerebbero
aver perso tutto, cercano una ragione per cui vivere nonostante la
distruzione in atto. Sono alla continua ricerca delle ragioni per
vivere e per amare ancora. Ho provato a combinare scene
dall’estetica iperrealistica con sequenze oniriche. Il passaggio da
ambientazioni esterne e notturne ad altre immerse in una luce
assassina vuole suggerire un’analogia con l’ambivalenza del potere.
Ciò appare evidente soprattutto nella grana satura dei colori e nel
modo netto con cui si stagliano gli sfondi, così da riflettere la
psicologia dei personaggi».
**
Tunisia, January 2011. During the revolt against the Ben Ali regime, the
political prisoner Mohamed manages to escape. He has a very precise
plan in mind: return to his beloved Hourya, who has married a man
she doesn’t love, and run away with her to Algeria. Around them, the
country has slipped into the depths of civil war.
“This film is a chiaroscuro film; the characters who seem to have lost
everything, irresistibly look for reasons to live despite the destruction at
work. They keep looking for reasons to live and love again, in spite of
everything. I tried to combine the hyper-realistic aesthetics of certain
scenes with dream sequences. The transition from outside sets, often
by night, to others happening under the light of a murderous sun tries
to bring up an analogy with the ambivalence with which all powers
are confronted. This is obvious through the texture, the grain, the
color saturation and the sharpness of the back grounds that primarily
reflects the psychology of the characters.”
210
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
Mehdi Hmili (Tunis, Tunisia)
studied film at the Paris Film School.
He debuted as a director and
screenwriter in 2009 with the short
X-Moment, which was followed by
Li-La (2011) and The Night of Badr
(2012), both of which deal with exile
and love. Thala mon amour (2016)
is his first feature-length film.
A well-known poet at home for his
tirades against the Ben Ali regime,
he lives and works in Paris and Tunis.
X-Moment (cm, 2009), Li-La (cm,
2011), The Night of Badr (cm, 2012),
Thala mon amour (2016).
TORINOFILMLAB
lina lužytė
TOGETHER FOR EVER
Lituania-Romania/Lithuania-Romania, 2016, HD, 98’, col.
Lina Lužytė (Vilnius, Lituania, 1984)
ha studiato regia cinematografica
presso la Lithuanian Academy of
Music and Theatre, dove si è
diplomata nel 2011. Dal 2009
insegna presso la Skalvija Film
Academy. Lo stesso anno ha diretto
il cortometraggio drammatico It
Would Be Splendid, Yet, con cui ha
partecipato a più di quindici festival
internazionali, ottenendo premi e
riconoscimenti. Nel 2011 è passata al
documentario con Igrushki. Together
For Ever (2016) rappresenta il suo
TOGETHER
FOR EVER
regia, soggetto,
story, screenplay
Lina Lužytė
Oleg Mutu
Benjamin Mirguet,
Lina Lužytė,
Stefan Tatu
Kestas Rimdzius
musica/music
Jonas Jurkunas
cast and characters
Gabija Jaraminaite
(la madre/mother), Dainius
Gavenonis (il padre/father),
Eila Grybinaite
(la figlia/daugther),
Darius Meskauskas,
Rasa Samuolyte,
Giedrius Savickas
produttore/producer
Dagne Vildziunaite
Just a Moment,
Alien Films
**
contatti/contacts
Just a Moment
Maximilien Dejoie
[email protected]
www.justamoment.lt
Una famiglia qualsiasi con una vita ordinaria. A un certo punto,
qualcosa si incrina: la figlia preadolescente si trasforma in una
bugiarda compulsiva mentre il padre, stanco della routine,
comincia a lavorare come stuntman. Per la madre, impotente di
fronte al cambiamento, la sensazione è di non essere necessaria
né amata. Ma in lei il bisogno di una famiglia normale è tale da
spingerla a ricostruire in ogni modo l’equilibrio perduto.
«Siccome appartengo alla generazione dei bamboccioni, mi vedo
come un’individualista egocentrica e ossessionata dal lavoro,
convinta che una relazione debba “dare” piuttosto che “prendere”
e che creare una famiglia sia sempre l’ultima scelta possibile,
poiché è sconveniente e faticoso. Al tempo stesso, non credo
che essere single o scrivere su Facebook che si è impegnati in
una “relazione complicata” siano scelte sincere o alla moda,
ma piuttosto tentativi di svicolare dall’incapacità di trovare un
equilibrio tra l’io e il noi. Inoltre, oggi le persone sono sempre
più individualiste, eppure tutti creano una famiglia. Era questo
paradosso a interessarmi».
**
An ordinary family leading an ordinary life. But at a certain point,
something goes awry: the pre-adolescent daughter turns into a
compulsive liar while the father, tired of the routine, begins to work as
a stuntman. The mother, helpless in the face of this change, feels she
is neither necessary nor loved. But her need for a normal family is so
strong that she tries to reconstruct the lost equilibrium any way she
can.
“Now, as I belong to a generation that ‘refuses to grow up,’ I see
myself as an egocentric, workaholic individualist expecting that the
relationships should give rather than take, and that starting a family
is the last destination when there are no other options left because it’s
definitely inconvenient and too time-consuming. And at the same time,
I doubt that being single or having a ‘complicated relationship’ status
on Facebook is anything but hip or a deliberate choice, but rather an
escape depicting one’s inability to balance between me and us.
Nevertheless, nowadays people are becoming more and more
individualistic but the majority end up having a family. And this
paradox interests me greatly.”
211
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
Lina Lužytė (Vilnius, Lithuania, 1984)
studied film directing at the Lithuanian
Academy of Music and Theatre, where
she graduated in 2011. She has been
teaching at the Skalvija Film Academy
since 2009. That same year, she
directed the dramatic short film
It Would Be Splendid, Yet, with
which she participated at over fifteen
international festivals, receiving prizes
and recognitions. In 2011, she turned to
documentaries with Igrushki. Together
For Ever (2016) is her debut feature
film.
It Would Be Splendid, Yet (cm, 2009),
Igrushki (doc., 2011), Together For
Ever (2016).
TORINOFILMLAB
© P AT R I C K B A Z
wissam charaf
TOMBÉ DU CIEL
Francia-Libano/France-Lebanon, 2016, HD, 70’, col.
HEAVEN SENT
regia/director
Wissam Charaf
Wissam Charaf,
Mariette Désert
Martin Rit
William Laboury
scenografia/
production design
Farah Naboulsi
musica/music
Wissam Charaf
suono/sound
Emmanuel Zouki
cast and characters
Rodrigue Sleiman
(Samir),
Raed Yassin (Omar),
Said Serhan (Rami),
George Melki
(il padre/father),
Yumna Marwan
(Yasmine)
produttore/producer
Charlotte Vincent
Aurora Films
Pierre Sarraf
Né à Beyrouth,
Tyrian Purple Pictures
**
contatti/contacts
Pascale Ramonda
[email protected]
www.pascaleramonda.com
Samir, un militare dato per morto da oltre vent’anni, ricompare
nella vita di suo fratello minore Omar, che ora lavora come guardia
del corpo a Beirut. Tra momenti drammatici e risvolti comici,
Samir si dovrà confrontare con il Paese a cui sente di appartenere.
«La guerra civile ha segnato la vita della mia generazione. Io sono
nato nel 1973 e la guerra è scoppiata nel ’75. I combattimenti hanno
lasciato tracce indelebili e durature nella mia infanzia, e oggi è
assolutamente normale accorgersi di quanto quel conflitto, che
ha fatto più di duecentomila vittime, influenzi l’arte della mia
generazione. Non si può uscire indenni da un’esperienza simile.
Tombé du ciel non affronta la questione in modo diretto, ma parla
in modo non convenzionale di ciò che la guerra ha lasciato; usa
la favola e la fantasia e mostra come una tale eredità riesca ancora
oggi a condizionare la vita quotidiana in Libano».
**
After twenty years of separation, Samir, former alleged militia death
reappears in Omar’s life, his little brother became bodyguard in Beirut.
Between drama and comedy, Samir must confront a country that
belongs to him.
“The civil war shaped the lives of my generation. I was born in 1973
and the war broke out in 1975. The fighting left an indelible, long
term mark on my childhood and today it’s perfectly natural to see that
this conflict, which killed more than two hundred thousand people,
pervades the artistic works of my generation. You can’t come out
unscathed from such an experience. Tombé du ciel doesn’t tackle the
subject head on. It tackles the heritage of the war in an unconventional
way using both fable and fantasy, and shows how deeply this heritage
influences everyday life in Lebanon today.”
Wissam Charaf (Libano, 1973),
regista autodidatta francolibanese,
vive tra Parigi e Beirut. Dopo aver
lavorato in una radio pirata nei tardi
anni Ottanta, alla fine della guerra
civile libanese, si è trasferito nel
1998 a Parigi dove ha lavorato come
cameraman e montatore per Arte.
Da allora si è occupato soprattutto di
zone di guerra, dal Libano e il Vicino
Oriente al Darfur, dall’Afghanistan
alla Corea del Nord, oltre a lavorare
come assistente alla regia del regista
francese di videoclip Henri-Jean
Debon. Ha diretto quattro
cortometraggi e il documentario
It’s All in Lebanon. I suoi film hanno
partecipato a diversi festival, come
Locarno, Belfort, Clermont-Ferrand,
Visions du réel, Cartagine, Rotterdam
e Dubai. Tombé du ciel, presentato
nella sezione Acid del Festival di
Cannes, è il suo primo
lungometraggio.
Wissam Charaf (Lebanon, 1973),
is a Lebanese-French autodidact
director based between Paris and
Beirut. After working in pirate radio
at the end of the Lebanese civil war in
the late 1980s, he left for Paris in 1998.
There he worked as a cameraman
and editor for ARTE. He has since
covered major conflict areas ranging
from Lebanon and the Near East to
Darfour, Afghanistan, or North Korea.
During that period, he also worked as
an assistant director on music videos
with French director Henri-Jean Debon.
He has directed four short films and
the feature documentary It’s All in
Lebanon. These films have participated
in festivals such as Locarno, Belfort,
Clermont-Ferrand, Visions du réel,
Carthage, Rotterdam, Dubai and
many more. Tombé du ciel, premiering
in 2016 Cannes Film Festival’s Acid
selection, is his first feature film.
Hizz ya wizz (cm, 2004), A Hero
Never Dies (cm, 2006), L’armée des
fourmis (cm, 2007), It’s All in Lebanon
(doc., 2012), Après (cm, 2016),
Tombé du ciel (2016).
212
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
© J O A O L U I Z D A S I LVA J R
TORINOFILMLAB
pablo lamar
LA ÚLTIMA TIERRA
Paraguay-Paesi Bassi-Cile-Qatar/
Paraguay-The Netherlands-Chile-Qatar, 2016, HD, 77’, col.
THE LAST
LAND
suono/director,
screenplay, sound
Pablo Lamar
Paolo Girón
Felipe Gálvez
scenografia/
production design
Carlo Spatuzza
interpreti/cast
Ramón del Río,
Vera Valdez Barreto
Pablo Lamar,
Ilse Hughan,
Wiebke Toppel
Sapukai Cine, Fortuna Films
Dominga Sotomayor
Cinestación
**
contatti/contacts
Fortuna Films
Ilse Hughan
[email protected]
www.fortunafilms.co
Una collina, una casa isolata, una coppia che vi abita da anni.
L’uomo e la donna sono uniti da un rapporto esclusivo, intorno
a loro solo la natura. Così, è ancora più difficile lasciare che la
persona amata si spenga. Gli ultimi giorni di vita della donna sono
per il marito un incessante prendersi cura di lei; e dopo la morte
sopraggiunge la difficoltà di accettare la perdita. Nei gesti che
compie nei confronti del corpo amato, l’uomo ritrova però il senso
di una vita passata insieme e tutto ciò che di sé è rimasto.
«La última tierra è un film sugli echi della morte che risuonano
durante la vita. Ho voluto rappresentare lo stato d’animo del
protagonista quando si confronta con la perdita della sua
compagna. Lasciando andare il passato, l’uomo comincia a
riconoscere se stesso senza di lei. Lo spettatore è al suo fianco,
mentre lui si trova imprigionato in una percezione dilatata del
tempo. Riflettendo la presenza dell’ambiente circostante, il film
diventa una sorta di rituale intimo».
**
A hill, an isolated house, a couple who have been living there for years.
The man and the woman live an exclusive relationship, surrounded by
nature. Thus, it is even harder to let the beloved person pass away.
For the husband, the woman’s last days of life mean ceaseless care
giving; and after her death, the difficulty of accepting his loss. But as
the man takes care of the beloved body, he finds once more the
meaning of a life lived together and what remains of himself. “La última tierra is a film about the echoes of death resonating
within life. I wanted to portray the mood of the main character as
he experiences the loss of his companion. Through this process of letting
go, he begins to recognize himself without her. We accompany him
as he is impacted by a heightened perception of time. Reflecting the
presence of everything that surrounds him, the film takes on the tone
of an intimate ritual.”
213
SOMMARIO
TORINOFILMLAB
Pablo Lamar (Asunción, Paraguay,
1984) ha studiato all’Università del
cinema di Buenos Aires. Ha scritto
e diretto i cortometraggi I Hear Your
Scream (2008) e Noche adentro
(2009), entrambi presentati in
anteprima alla Semaine de la critique
di Cannes; il primo è stato inoltre
proiettato al Torino Film Festival.
Il suo esordio nel lungometraggio,
La última tierra, ha partecipato in
fase di progetto al Taller de análisis
de proyectos cinematográficos della
TyPA Fundación (Argentina), al
Rotterdam Lab (Paesi Bassi) e al
programma Framework del
TorinoFilmLab. Ha inoltre ricevuto
una sovvenzione dal fondo Hubert
Bals del Festival di Rotterdam per lo
sviluppo della sceneggiatura e vinto
i premi Cinecolor e Arte France
Cinema del Buenos Aires Lab del
Festival di Buenos Aires.
Pablo Lamar (Asunción, Paraguay,
1984) studied film at the Universidad
del cine in Buenos Aires, Argentina.
He has written and directed the short
films I Hear Your Scream and Night
Inside, both of which premiered at the
Semaine de la critique of the Festival
de Cannes. Last Land, his first feature
film, participated as project in the
Taller de análisis de proyectos
cinematográficos of the TyPA
Fundación (Argentina), Rotterdam
Lab (The Netherlands) and
TorinoFilmLab, section Framework
(Italy). It also received a grant from
IFFR’s Hubert Bals Fund for script
development and was awarded the
Cinecolor and ARTE France Cinema
prizes at the Buenos Aires Lab (BAL)
of BAFICI, the Buenos Aires
International Film Festival.
Ahendu nde sapukai (I Hear Your
Scream, cm, 2008), Noche adentro
(cm, 2009), La última tierra (2016).
Artificial Intelligence: AI (2001)
SOMMARIO
C O S E C H E V E R R A N N O . L A T E R R A V I S TA D A L C I N E M A
CHRIS MARKER LA JETÉE | JEAN-LUC GODARD IL NUOVO MONDO | JINDŘICH POLÁK IKARIE XB 1
- VOYAGE TO THE END OF THE UNIVERSE | JEAN-LUC GODARD ANTICIPATION, OU L’AMOUR EN
L’AN 2000 | WILLIAM KLEIN MR FREEDOM | JIM MCBRIDE GLEN AND RANDA | WOODY ALLEN
SLEEPER | L.Q. JONES A BOY AND HIS DOG | NORMAN JEWISON ROLLERBALL | BRYAN FORBES THE
STEPFORD WIVES | DONALD CAMMELL DEMON SEED | BERTRAND TAVERNIER LA MORT EN DIRECT |
LUC BESSON LE DERNIER COMBAT | MICHAEL RADFORD 1984 | ÁLEX DE LA IGLESIA ACCIÓN
MUTANTE | GABRIELE SALVATORES NIRVANA | DON MCKELLAR LAST NIGHT | KINJI FUKASAKU
BATORU ROWAIARU - BATTLE ROYALE | STEVEN SPIELBERG ARTIFICIAL INTELLIGENCE: AI
SOMMARIO
Cose che verranno. La terra vista dal cinema
Accadde ieri
DI EMANUELA MARTINI
La Jetée (1962)
Titolo e sottotitolo evocativi: «Cose che
verranno», cioè la traduzione letterale di
Things to Come (in italiano, La vita futura o il più
catastrofico Nel 2000: guerra o pace?), che H.G.
Wells adattò dal suo libro The Shape of Things
to Come, nel quale ipotizzava cosa sarebbe
avvenuto in una città immaginaria dopo lo
scoppio della seconda guerra mondiale.
E «La Terra vista dal cinema», che ovviamente
fa risuonare Le voyage dans la lune di Méliès e il
romanzo di Verne Dalla Terra alla Luna al quale
si ispira (e sotterraneamente La Terra vista dalla
Luna di Pier Paolo Pasolini, surreale, straccione
futuro-presente): perciò, visioni futuribili, più
o meno ironiche, più o meno fantasiose, più
o meno scientifiche, dove il cinema diventa il
cannocchiale che, con la sua distanza
ravvicinata, può consentirci di ipotizzare quello
che accadrà a due passi o a due secoli da noi.
Ma c’è un terzo titolo, che è passato
direttamente al libro che accompagna questa
retrospettiva: Pecore elettriche, che dovrebbe
essere letto: «Ma gli umani sognano pecore
elettriche?» Ovvia parafrasi del titolo originale
del racconto di Philip K. Dick dal quale Ridley
Scott trasse nel 1982 Blade Runner: Ma gli
androidi sognano pecore elettriche? Non so cosa
sognino gli androidi (o automi o replicanti
o robot o cyborg o…), ma sono abbastanza
convinta che gli uomini oggi sognino davvero
le pecore elettriche; anzi, che abbiano (abbiamo)
cominciato a sognarle molto tempo fa, sotto
forma di macchine di varia specie e natura e poi
di Doppleganger fatti di carne e plastica e circuiti
216
SOMMARIO
e di avatar virtuali. Sogniamo quello che non
siamo; viviamo quello che non viviamo.
In questo secondo anno abbiamo tracciato
un nuovo percorso attraverso previsioni che si
sono talvolta realizzate e che non hanno perduto
di attualità. Dalle sconsolate considerazioni
sull’amore e la perdita dei sentimenti dei
cortometraggi di Jean-Luc Godard al doloroso
ammonimento di Bertrand Tavernier sulle
possibili derive degli spettacoli televisivi; dal
viaggio nel 1984 immaginato da George Orwell
a quello nella memoria e nel tempo del
capolavoro di Chris Marker; dalle metropoli in
frenetica attesa della fine del mondo (Toronto
in Last Night di Don McKellar) ai mondi
desertificati e in rovina post-fine del mondo
(Glen and Randa di Jim McBride, Le dernier
combat di Luc Besson); dai giochi mortali di
Rollerball (l’originale di Norman Jewison) e
Battle Royale di Kinji Fukasako ai «giocattoli» che
hanno acquistato coscienza e non ne vogliono
sapere di scomparire di Spielberg e Salvatores.
Ci sono film rari (il cecoslovacco Ikarie XB1 di
Jindřich Polák), film sconosciuti diventati piccoli
cult (Un ragazzo, un cane, due inseparabili amici
di L.Q. Jones), satire frenetiche e anarcoidi
(Mr Freedom di William Klein, Il dormiglione
di Woody Allen, Azione mutante di Álex de la
Iglesia), film da rivalutare nella drammatica
attualità della loro narrazione, come Generazione
Proteus di Donald Cammell (un computer
che vuole un erede da una donna) e La fabbrica
delle mogli di Bryan Forbes (benestanti mariti
suburbani che preferiscono mogli robot a
quelle in carne e ossa).
Buon viaggio nel futuro in cui viviamo.
Things to come. The Earth as seen by cinema
It happened yesterday
BY EMANUELA MARTINI
1984 (1984)
The title and subtitle are evocative: Things to
Come, which H.G. Wells adapted from his book
The Shape of Things to Come, in which he
hypothesized what might happen in an
imaginary city after the outbreak of the Second
World War. And “The Earth as seen by cinema,”
which obviously nods to Le voyage dans la lune
by Méliès and the Jules Verne novel From the
Earth to the Moon which inspired it (and,
covertly, The Earth As Seen from the Moon by
Pier Paolo Pasolini, surreal, a future-present
tatterdemalion). And thus, future visions,
ironical to varying degrees, imaginative to
varying degrees, scientific to varying degrees,
where cinema becomes the telescope which
brings distances closer and allows us to
hypothesize what will happen two steps or
two centuries from now.
But there is also a third title, which passed
directly to the volume which accompanies this
retrospective: Electric Sheep, which should be
read as: “Do humans dream of electric sheep?”
This obviously paraphrases the original title of
the short story by Philip K. Dick, Do Androids
Dream of Electric Sheep?, on which Ridley Scott
based his 1982 movie Blade Runner. I don’t know
what androids (or robots or replicants or cyborgs
or…) dream about, but I’m fairly convinced that
humans really do dream about electric sheep. In
fact, we started dreaming about them a long
time ago, in the shape of various species and
types of machines, and then as Doppelgänger
made of flesh and plastic and circuits, and as
virtual avatars. We dream about what we aren’t;
we live what we cannot live.
217
SOMMARIO
This second year, we have traced a new pathway
using predictions which sometimes came true
and which haven’t lost their topicality. From the
dispirited considerations on love and the loss of
feelings in the short films by Jean-Luc Godard, to
Bertrand Tavernier’s pained warning against the
possible drift of television shows; from the
journey to 1984 imagined by George Orwell, to
the memory and time travel in Chris Marker’s
masterpiece; from metropolises frenetically
awaiting the end of the world (Toronto in Last
Night by Don McKellar), to post-apocalyptic
worlds threatened by desertification (Glen and
Randa by JimMcBride, Le dernier combat by Luc
Besson); from the deadly games in Rollerball
(the original version by Norman Jewison)
and Battle Royale by Kinji Fukasako, to Spielberg
and Salvatores’ “toys” which become sentient
and have no intention of going away.
There are rare films (the Czechoslovakian Voyage
to the End of the Universe by Jindřich Polák),
unfamiliar films which have become small cult
hits (A Boy and His Dog by L.Q. Jones), hectic
and anarchic satires (Mr Freedom by William
Klein, Sleeper by Woody Allen, Acción mutante
by Álex de la Iglesia); films to be re-evaluated
in view of how up-to-date their stories are, such
as Demon Seed by Donald Cammell (a computer
wants a woman to bear its child) and The
Stepford Wives by Bryan Forbes (well-off
suburban husbands prefer robot wives to
flesh-and-blood ones).
Have a pleasant journey into the future that’s
already here.
chris marker
LA JETÉE
Chris Marker
Jean Chiabaut, Chris Marker
Jean Ravel
suono/sound
Antoine Bonfanti
cast and characters
Jean Négroni (voce/voice),
Hélène Chatelain
(la donna/woman),
Davos Hanich
(l’uomo/man),
Jacques Ledoux (l’uomo
dell’esperimento/
experimenter),
André Heinrich,
Jacques Branchu,
Pierre Joffroy,
William Klein
produttore/producer
Anatole Dauman
Argos Films
IN COLLABORAZIONE CON LA
CINETECA NAZIONALE
LA JETÉE
In un futuro prossimo devastato dalla terza guerra mondiale e
contaminato dalle radiazioni, un uomo è sottoposto a esperimenti
dagli scienziati che cercano una via di uscita al disastro attraverso il
tempo. «Fotoromanzo» teorico e dolente, nel quale i fotogrammi
fissi sono accompagnati da una voce narrante, si aprono falle tra i
diversi strati temporali e la memoria diventa la vita. Capolavoro che
ha ispirato L’esercito delle 12 scimmie di Gilliam.
jean-luc godard
IL NUOVO MONDO
Italia-Francia/Italy-France, 1962, 35mm, 30’, col.
Jean-Luc Godard
Jean Rabier
Agnès Guillemot
cast and characters
Jean-Marc Bory
(il marito/husband),
Alexandra Stewart
(Alexandra),
Jean-André Fieschi
Alberto Barsanti,
Alfredo Bini,
Angelo Rizzoli
Arco Film,
Cineriz
218
SOMMARIO
IL NUOVO MONDO
L’episodio godardiano di Ro.Go.Pa.G. (film collettivo di Rossellini,
Godard, Pasolini e Gregoretti) descrive una città-simbolo qualunque
(Parigi, in realtà) i cui abitanti, dopo il deflagrare di un’atomica, si
ritrovano uguali a prima ma svuotati di sentimenti: voce narrante e
riprese dal vero in puro stile nouvelle vague per un apologo di quieta
disperazione.
LA JETÉE
In a near future devastated by WWIII and
contaminated by radiation, a man is
subjected to experiments by scientists in
search of a way out of the disaster
through time travel. A theoretical and
painful “photo story,” in which the still
photos are accompanied by a narrator’s
voice, chinks appear between different
temporal strata, and memory becomes
life. A masterpiece which inspired
Gilliam’s Twelve Monkeys.
Olympia 52 (1952), Les statues meurent
aussi (coregia/codirector Alain Resnais,
cm, doc., 1953), Lettre de Sibérie (doc.,
1957), ¡Cuba Si! (mm, doc., 1961),
La jetée (cm, 1962), Le joli mai (doc.,
1963), Loin du Vietnam (film
collettivo/collective film, doc., 1967),
La sixième face du pentagone (cm, doc.,
1968), La bataille des dix millions (mm,
doc., 1971), L’ambassade (cm, 1973),
Le fond de l’air est rouge (doc., 1977),
Junkopia (cm, doc., 1981), Sans soleil
(doc., 1983), A.K. (doc., 1985),
Mémoires pour Simone (doc., 1986),
Le tombeau d’Alexandre (tv, doc., 1993),
Level Five (1997), Chats perchés (tv, mm,
2004).
THE NEW WORLD
Godard’s episode of Ro.Go.Pa.G.
(the collective film by Rossellini, Godard,
Pasolini and Gregoretti) describes an
unnamed city-symbol (Paris, actually);
after an atomic bomb explodes, the
inhabitants find themselves the same as
before but without any feelings: a
narrator’s voice and live shooting in pure
Nouvelle Vague style for this parable of
quiet desperation.
À bout de souffle (Fino all’ultimo respiro,
1960), Une femme est une femme
(La donna è donna, 1961), Vivre sa vie
(Questa è la mia vita, 1962), Le mépris
(Il disprezzo, 1963), Une femme mariée
(Una donna sposata, 1964), Pierrot le fou
(Il bandito delle undici, 1965), Made in
USA (Una storia americana, 1966), La
chinoise (La cinese, 1967), Tout va bien
(Crepa padrone, tutto va bene, 1972),
Passion (id., 1982), Prénom Carmen
(id., 1983), Je vous salue, Marie (id.,
1985), Histoire(s) du cinéma (tv, 19891998), Nouvelle Vague (id., 1990),
Hélas pour moi (1993), For Ever Mozart
(1996), Notre musique (2004), Adieu
au langage (2014).
jindrich polák
IKARIE XB 1
Cecoslovacchia/Czechoslovakia, 1963, 35mm, 81’, bn/bw
regia/director
Jindřich Polák
soggetto/story
dal romanzo La nube di
Magellano/from the novel
The Magellanic Cloud di/
by Stanisław Lem
Pavel Jurácek, Jindřich Polák
Jan Kalis, Sasa Rasilov
Josef Dobrichovský
scenografia/
production design
Karel Lukas, Jan Zázvorka
Dena Rova
musica/music
Zdenek Liska
cast and characters
Zdenek Stepánek (cap.
Vladimir Abajev), Frantisek
Smolík (Anthony Hopkins),
Dana Medrická
(Nina Kirova), Irena
Kacírková (Brigitta)
Filmové studio Barrandov
Tratto da La nube di Magellano di Stanisław Lem e ambientato nel
2163, il film del ’55 cui sono debitori, tra gli altri, Kubrick, Lucas, Star
Trek. Una missione spaziale è alla ricerca di vita aliena e, tra i tanti
pericoli che affronta durante il viaggio, l’equipaggio si trova anche
faccia a faccia con le tendenze e gli istinti autodistruttivi dell’umanità
del ventesimo secolo. Art direction futuristica, intelligenza e ironia per
un’opera anticipatrice, in edizione integrale e restaurata.
Francia-Germania-Italia/France-Germany-Italy, 1967, 35mm, 20’, bn/bw
Jean-Luc Godard
Jean Rabier
Agnès Guillemot
cast and characters
Anna Karina
(Natasha-Eleanor
Romeovich, Hostess 703),
Marilù Tolo (Marlene,
Miss Physical Love),
Jacques Charrier
(Nick-John Demetrius),
Daniel Bart,
Jean-Pierre Léaud
Joseph Bercholz,
Horst Wendlandt
Athos Films,
Franco London Films,
Francoriz Production,
Les Films Gibé,
Rialto Film,
Rizzoli Film
219
Based on The Magellanic Cloud by
Stanisław Lem and set in the year 2163,
this film from 1955 inspired Kubrick, Lucas
and Star Trek, among others. A space
mission is searching for alien life and,
besides the many dangers it must face
during its voyage, the crew must also deal
with the inclinations and self-destructive
instincts of 20 -century humanity.
Futuristic art direction, intelligence and
irony for a film that was ahead of its time,
in an uncut and restored version.
TH
jean-luc godard
ANTICIPATION, OU L’AMOUR
EN L’AN 2000
SOMMARIO
VOYAGE TO THE END OF THE
UNIVERSE
L’AMORE NEL
2000
Nel 2000 i sentimenti non esistono più e si è arrivati alla
specializzazione integrale. Il passeggero n. 14 arriva in una stazione
orbitale in debito di sesso e deve scegliere tra prestazioni di amore
fisico (ma la ragazza non può parlargli) o amore sentimentale (questa
invece può solo parlare). Piccolo film acido e romantico, virato in
rosso, blu, verde, giallo, fino a riacquistare i colori sul sorriso della
Karina. Episodio del film collettivo L’amore attraverso i secoli.
Smrt v sedle (1959), Clown Ferdinand
an Bord (tv, 1959), Páté oddelení (1961),
Klaun Ferdinand a raketa (1963), Clown
Ferdinand will schlafen (1965), Strasná
zena (1965), Pan Tau (tv, 1966), Hra bez
pravidel (1967), Nebestí jezdci (1968), Noc
klavíristy (1977), Pan Tau (serie tv/tv
series, 1970-1978), Smrt stoparek (1979),
Lucie, postrach ulice (serie tv/tv series,
1980), The Visitors (serie tv/tv series,
1984), Lucie, postrach ulice (1984),
...a zase ta Lucie! (1984), Chobotnice z
druhého patra (tv, 1987), Veselé vánoce
prejí chobotnice (1987), Pan Tau - Der Film
(1988), Kacenka a zase ta strasidla (1993).
ANTICIPATION
In the year 2000, feelings no longer exist
and total specialization has become a
reality. Passenger 14 arrives at an orbital
station with a deficit of sex and has to
choose between physical acts of love (but
the girl can’t speak to him) or sentimental
love (in which case she can only speak).
A little, bitter and romantic movie, which
turns red, blue, green and yellow, until it
regains its colors with Karina’s smile. Episod
of the collective film Le plus vieux métier
du monde.
À bout de souffle (Fino all’ultimo respiro,
1960), Une femme est une femme
(La donna è donna, 1961), Vivre sa vie
(Questa è la mia vita, 1962), Le mépris
(Il disprezzo, 1963), Une femme mariée
(Una donna sposata, 1964), Pierrot le fou
(Il bandito delle undici, 1965), Made in
USA (Una storia americana, 1966), La
chinoise (La cinese, 1967), Tout va bien
(Crepa padrone, tutto va bene, 1972),
Passion (id., 1982), Prénom Carmen (id.,
1983), Je vous salue, Marie (id., 1985),
Histoire(s) du cinéma (tv, 1989-1998),
Nouvelle Vague (id., 1990), Hélas pour
moi (1993), For Ever Mozart (1996), Notre
musique (2004), Adieu au langage (2014).
william klein
MR FREEDOM
Francia/France, 1969, 35mm, 95’, col.
William Klein
Pierre Lhomme
Anne-Marie Cotret
scenografia/
production design
Jacques Dugied
Janine Klein
musica/music
Michel Colombier,
Serge Gainsbourg
cast and characters
Delphine Seyrig (MarieMadeleine), John Abbey
(Mr Freedom), Donald
Pleasence (Dr Freedom),
Jean-Claude Drouot (Dick
Sensass), Serge Gainsbourg
(M. Drugstore)
Guy Belfond, Christian
Thivat, Michel Zemer
Films du Rond-Point,
O.P.E.R.A.
EVVIVA LA LIBERTÀ
Un supereroe americano è inviato a Parigi dal capo della Freedom Inc.
per combattere i «rossi». Lo aiuta una femme fatale discinta, mentre
un Mujik Man stalinista e un dragone gonfiabile maoista lo
combattono. La folle satira diretta nel 1969 da Klein, fotografo
americano espatriato in Francia, autore di Lontano dal Vietnam
e di Eldridge Cleaver, mescola pop art, fumetto, trash ante litteram.
jim mcbride
GLEN AND RANDA
SOMMARIO
Usa, 1971, 35mm, 93’, col.
regia/director
Jim Mcbride
Lorenzo Mans,
Rudy Wurlitzer,
Jim McBride
Alan Raymond
Jack Baran, Mike Levine
scenografia/
production design
Gary Weist
suono/sound
Jeffrey Lesser,
David Neuman
cast and characters
Steve Curry (Glen),
Shelley Plimpton (Randa),
Woody Chambliss
(Sidney Miller),
Garry Goodrow
(il mago/magician)
Universal Marion
Corporation
220
GLEN AND RANDA
Alcuni decenni dopo una catastrofe nucleare, gli umani sono tornati a uno stato
primitivo, vivono in comunità rurali e combattono per la sopravvivenza. Due ragazzi,
Glen e Randa, decidono di andare in cerca della città che lui ha visto rappresentata su
un albo di Wonder Woman. Diretto da Jim McBride prima del suo periodo hollywoodiano
(Great Balls of Fire, The Big Easy), una curiosa favola morale influenzata da suggestioni
hippie.
MR FREEDOM
An American superhero is invited to Paris
by the head of Freedom Inc. to fight the
“reds.” He is helped by a scantily-clothed
femme fatale, while a Stalinist Mujik
Man and a Maoist inflatable dragon do
battle against him. The wild satire
directed in 1969 by Klein, an American
photographer who expatriated to France
and the author of Far from Vietnam,
and Eldridge Cleaver, mixes pop art,
comic strips and trash that was ahead
of its time.
Broadway by Light (cm, 1958), Cassius
le grand (cm, doc., 1964), Who Are You,
Polly Maggoo? (1966), Loin du Vietnam
(Lontano dal Vietnam, ep., doc., 1967),
Festival panafricain d’Alger (doc., 1969),
Float Like a Butterfly, Sting Like a Bee
(doc., 1969 ), Eldridge Cleaver, Black
Panther (doc., 1970), Le couple témoin
(1977), Hollywood, California: A Loser’s
Opera (1977), Grands soirs & petits matins
(doc., 1978), The Little Richard Story
(doc., 1980), The French (doc., 1982),
Contacts (cm, 1983), Ralentis (cm, 1984),
Mode in France (doc., 1984), Babilée ’91
(doc., 1992), In and Out of Fashion (doc.,
1998), Messiah (doc., 1999).
GLEN AND RANDA
A few decades after a nuclear catastrophe,
humans have returned to a primitive state;
they live in rural communities and fight
for their survival. Two teenagers, Glen and
Randa, decide to go in search of the city
he had seen depicted in a Wonder Woman
comic book. Directed by Jim McBride
before his Hollywood period (Great Balls
of Fire, The Big Easy), an unusual moral
fable with hippie overtones.
David Holzman’s Diary (doc., 1967),
My Girlfriend’s Wedding (doc., 1969),
Pictures from Life’s Other Side (doc.,
1971), Glen and Randa (1971), Hot Times
(Nell’eccitante attesa dell’accoppiamento
armonico, 1974), Breathless (All’ultimo
respiro, 1983), The Twilight Zone (Ai
confini della realtà, serie tv/tv series, ep.,
1986), The Big Easy (id., 1986), Great
Balls of Fire! (Great Balls of Fire! Vampate di fuoco, 1989), Blood Ties (tv,
1991), The Wrong Man (L’uomo sbagliato,
1993), Uncovered (La tavola fiamminga,
1994), The Informant (tv, 1997), Six Feet
Under (id., serie tv/tv series, ep., 2001).
woody allen
SLEEPER
Usa, 1973, 35mm, 89’, col.
regia, musica/
director, music
Woody Allen
Woody Allen,
Marshall Brickman
David M. Walsh
Ralph Rosenblum
scenografia/
production design
Dale Hennesy
Joel Schumacher
cast and characters
Woody Allen (Miles
Monroe), Diane Keaton
(Luna Schlosser), John Beck
(Erno Windt), Mary Gregory
(Dr Melik), Don Keefer
(Dr Tryon), John McLiam
(Dr Agon), Bartlett
Robinson (Dr Orva)
produttore/producer
Jack Grossberg
Rollins-Joffe Productions
IL DORMIGLIONE
Verso la fine del ventitreesimo secolo, negli Stati Uniti ormai
trasformati in dittatura postatomica, viene ritrovato il corpo di
un uomo, clarinettista jazz e proprietario di un negozio salutista,
ibernato per sbaglio duecento anni prima. Risvegliato, l’uomo si finge
robot e si unisce alla resistenza. Woody Allen rielabora l’immaginario
della sci-fi politica degli anni Sessanta e Settanta per dare libero
sfogo alla sua comicità frenetica e anarcoide. Bananas, ma nel futuro.
SLEEPER
Toward the end of the 23 century, the
United States has been transformed into
a post-atomic dictatorship. The body of a
man is found; he is a jazz clarinet player
and the owner of a health store who had
been hibernated by mistake two centuries
earlier. After waking up, the man pretends
to be a robot and joins the resistance
fighters. Woody Allen re-elaborates 1960s
and ’70s political science fiction and gives
free rein to his frenetic and anarchic humor.
Bananas, set in the future.
RD
What’s Up, Tiger Lily? (Che fai, rubi?,
1966), Take the Money and Run (Prendi
i soldi e scappa, 1969), Love and Death
(Amore e guerra, 1975), Annie Hall (Io
e Annie, 1977), Manhattan (id., 1979),
Zelig (id., 1983), Hannah and Her Sisters
(Hannah e le sue sorelle, 1986), Radio
Days (id., 1987), Crimes and
Misdemeanors (Crimini e misfatti, 1989),
Deconstructing Harry (Harry a pezzi,
1997), Sweet and Lowdown (Accordi e
disaccordi, 1999), Match Point (id., 2005),
Whatever Works (Basta che funzioni,
2009), Midnight in Paris (id., 2011), To
Rome with Love (id., 2012), Blue Jasmine
(id., 2013), Cafè Society (id., 2016).
l.q. jones
A BOY AND HIS DOG
SOMMARIO
Usa, 1975, 35mm, 91’, col.
regia/director
L.Q. Jones
soggetto/story
dal romanzo Un ragazzo
e il suo cane di/from the
novel of the same title by
Harlan Ellison
L.Q. Jones,
Wayne Cruseturner
John Arthur Morrill
Scott Conrad
musica/music
Tim McIntire
cast and characters
Don Johnson (Vic), Susanne
Benton (Quilla June
Holmes), Jason Robards
(Lou Craddock),
Tim McIntire (voce
di Blood/Blood’s voice), Alvy
Moore (Dr Moore), Helene
Winston (Mez Smith),
Hal Baylor (Michael)
L.Q. Jones, Alvy Moore
LQ-JAF
221
A BOY AND HIS DOG
Based on the short novel by Harlan
Ellison, A Boy and His Dog (1969),
the story of an adolescent and his
telepathic dog, set on post-apocalyptic
moors where survival is dangerous.
Directed by a famous character actor
from American films and television (Pat
Garrett and Billy the Kid, Casino) and
starring twenty-six-year-old Don Johnson,
a bizarre and little-known cult movie,
venerated by Quentin Tarantino.
APOCALYPSE 2024 - UN RAGAZZO, UN CANE,
DUE INSEPARABILI AMICI
Basato sul romanzo breve di Harlan Ellison Un ragazzo e il suo cane
(1969), la storia di un adolescente e del suo cane telepatico, in lande
postapocalittiche dove sopravvivere è pericoloso. Diretto da un
celebre caratterista del cinema e della tv americani (Pat Garrett
e Billy the Kid, Casinò) e interpretato da un Don Johnson appena
ventiseienne, un cult movie bizzarro, poco conosciuto e venerato
da Quentin Tarantino.
The Devil’s Bedroom (1964), A Boy and
His Dog (Apocalypse 2024 - Un ragazzo,
un cane, due inseparabili amici, 1975),
L’incredibile Hulk (serie tv/tv series, ep.,
1980).
norman jewison
ROLLERBALL
Regno Unito-Usa/UK-USA, 1975, 35mm, 125’, col.
regia, produttore/
director, producer
Norman Jewison
soggetto/story
dal racconto/from the short
story Roller Ball Murder di/by
William Harrison
William Harrison
Douglas Slocombe
Antony Gibbs
scenografia/
production design
John Box
Julie Harris
cast and characters
James Caan (Jonathan E.),
John Houseman
(Bartholomew),
Maud Adams (Ella),
John Beck (Moonpie),
Moses Gunn (Cletus),
Pamela Hensley (Mackie),
Barbara Trentham (Daphne)
Algonquin
ROLLERBALL
Nel futuro corporativistico del 2018, il «rollerball» è uno sport
violento in cui i giocatori sfogano la propria aggressività: ma uno
di loro (James Caan) non ci sta, e si ribella. Fra i più noti racconti
fantadistopici del cinema americano, in perfetto equilibrio fra New
Hollywood e genere, diretto con piglio classico dal regista di La calda
notte dell’ispettore Tibbs e Stregata dalla luna. Rifatto sciaguratamente
nel 2002 da John McTiernan.
bryan forbes
THE STEPFORD WIVES
SOMMARIO
Usa, 1975, 35mm, 115’, col.
regia/director
Bryan Forbes
soggetto/story
title by Ira Levin
William Goldman
Owen Roizman
Timothy Gee
Anna Hill Johnstone
musica/music
Michael Small
cast and characters
Katharine Ross
(Joanna Eberhart),
Paula Prentiss (Bobbie
Markowe), Peter Masterson
(Walter Eberhart), Nanette
Newman (Carol Van Sant)
produttore/producer
Edgar J. Scherick
Fadsin Cinema Associates,
Palomar Pictures
222
LA FABBRICA DELLE MOGLI
Dimenticate il pessimo e accomodante remake del 2004 con Nicole
Kidman: questa Stepford, sobborgo benestante del Connecticut nel
quale si trasferiscono da New York Joanna e Walter, è lucidata e
inquietante, all’apparenza pacifica e sotto sotto spaventosa. Mogli
come automi sexy e casalinghi, mariti sciovinisti e gretti, in un idillio
suburbano che si trasforma in incubo. Dal romanzo di Ira Levin,
l’autore di Rosemary’s Baby.
ROLLERBALL
In the corporatist future of 2018,
“rollerball” is a violent sport in the
participants unleash their aggressiveness:
but one of them (James Caan) refuses
and rebels. One of America’s best-known
sci-fi-dystopian films, a perfect balance
between New Hollywood and genre
movies, directed in a classic style by the
director of In the Heat of the Night and
Moonstruck. John McTiernan directed
a very unfortunate remake in 2002.
The Thrill of It All (Quel certo non so
che, 1963), Send Me No Flowers (Non
mandarmi fiori, 1964), Cincinnati Kid
(id., 1965), In the Heat of the Night
(La calda notte dell’ispettore Tibbs,
1967), The Thomas Crown Affair (Il caso
Thomas Crown, 1968), Fiddler on the
Roof (Il violinista sul tetto, 1971), Jesus
Christ Superstar (id., 1973), F.I.S.T. (id.,
1978), ...And Justice for All (...e giustizia
per tutti, 1979), A Soldier’s Story (Storia
di un soldato, 1984), Agnes of God
(Agnese di Dio, 1985), Moonstruck
(Stregata dalla luna, 1987), Other
People’s Money (I soldi degli altri, 1991),
The Hurricane (Hurricane - Il grido
dell’innocenza, 1999).
THE STEPFORD WIVES
Forget the horrible and accommodating
2004 remake starring Nicole Kidman:
this Stepford, a well-to-do suburb in
Connecticut, where Joanna and Walter
move from New York, is polished and
disturbing, apparently peaceful but
horrifying underneath. Sexy housewife robot
wives, chauvinistic and small-minded
husbands, in a suburban idyll which turns
into a nightmare. Based on the novel by Ira
Levin (the author of Rosemary’s Baby).
Whistle Down the Wind (1961), The
L-Shaped Room (La stanza a forma di
L, 1962), Séance on a Wet Afternoon
(Ventimila sterline per Amanda, 1964),
King Rat (Qualcuno da odiare, 1965),
The Wrong Box (La cassa sbagliata, 1966),
The Whisperers (1967), Deadfall (1968),
The Madwoman of Chaillot (1969), The
Raging Moon (Luna arrabbiata, 1971),
The Stepford Wives (La fabbrica delle
mogli, 1975), The Slipper and the Rose (La
scarpetta e la rosa, 1976), International
Velvet (Una corsa sul prato, 1978), Les
séducteurs (I seduttori della domenica,
ep., cm, 1980), Better Late Than Never
(Profumo di mare, 1983), The Naked Face
(A faccia nuda, 1984).
donald cammell
DEMON SEED
Usa, 1977, 35mm, 94’, col.
regia/director
Donald Cammell
soggetto/story
title by Dean Koontz
Robert Jaffe,
Roger O. Hirson
Bill Butler
Frank Mazzola
scenografia/
production design
Edward C. Carfagno
musica/music
Jerry Fielding
cast and characters
Julie Christie (Susan
Harris), Fritz Weaver (Alex
Harris), Gerrit Graham
(Walter Gabler), Berry
Kroeger (Petrosian),
Lisa Lu (Soong Yen),
Larry J. Blake (Cameron)
produttore/producer
Herb Jaffe
Metro-Goldwyn-Mayer
DEMON SEED
Alex is a scientist who has designed the
supercomputer Proteus and computerized
his own home. When Alex refuses to give
Proteus a free terminal for its research,
Proteus takes over the domestic one and
begins to spy on Susan, the scientist’s
wife. A distressing near future, locked
inside an obliging and independent house
which becomes a prison, a dystopia by the
codirector (with Roeg) of Performance.
It’s no surprise that Proteus is attracted
to Susan: she’s the splendid Julie Christie.
GENERAZIONE PROTEUS
Alex, uno scienziato, ha progettato il supercomputer Proteus e ha
computerizzato la propria casa. Quando Alex gli rifiuta un terminale
libero per le sue ricerche, Proteus si fa strada in quello domestico e
comincia a osservare Susan, la moglie dello scienziato. Angosciante
futuro prossimo, chiuso in una casa servizievole e autonoma che
diventa prigione, per la distopia diretta dal coregista (con Roeg) di
Sadismo. Non c’è da stupirsi che Proteus sia attratto da Susan: è la
splendida Julie Christie.
bertrand tavernier
LA MORT EN DIRECT
Francia-Repubblica Federale Tedesca/
France-FRG, 1980, 35mm, 130’, col.
SOMMARIO
regia/director
Bertrand Tavernier
soggetto/story
The Unsleeping Eye di/by
David G. Compton
David Rayfiel,
Bertrand Tavernier
Pierre-William Glenn
Michael Ellis,
Armand Psenny
scenografia/
production design
Anthony Pratt
musica/music
Antoine Duhamel
cast and characters
Romy Schneider (Katherine
Mortenhoe), Harvey Keitel
(Roddy), Harry Dean
Stanton (Vincent Ferriman),
Thérèse Liotard (Tracey),
Max von Sydow
(Gerald Mortenhoe)
Elie Kfouri,
Bertrand Tavernier
223
LA MORTE IN DIRETTA
In un futuro prossimo, una scrittrice affetta da una malattia terminale
che le lascia due mesi di vita accetta che un’emittente tv filmi la sua
agonia. Poi tenta la fuga, ma viene raggiunta da un cameraman che
ha delle telecamere impiantate negli occhi. Tratto da un romanzo di
David G. Compton, e diretto da Tavernier nel 1980 un dramma
che anticipa le tendenze più necrofile della televisione che verrà.
Profetico e inquietante.
Performance (Sadismo,
coregia/codirector Nicolas Roeg, 19681970), Demon Seed (Generazione
Proteus, 1977), U2, Unforgettable
Fire (videoclip, 1984), White of the
Eye (L’occhio del terrore, 1987), U2,
Love Is Blindness (videoclip, 1993), The
Argument (cm, 1971-1998), Wild Side
(1995), Donald Cammell: The Ultimate
Performance (1999).
DEATH WATCH
In the near future, a writer suffering from
a serious illness which has left her only
two months to live allows a TV station
to film her agony. She later tries to escape
but is found by a cameraman who has
cameras implanted in his eyes. Based
on a novel by David G. Compton and
directed by Tavernier in 1980, a drama
which anticipates television’s future
tendencies for necrophilia. Prophetic
and disturbing.
L’Horloger de Saint-Paul (L’orologiaio
di St. Paul, 1974), Le juge et l’assassin
(Il giudice e l’assassino, 1976), Une
semaine de vacances (Una settimana
di vacanza, 1980), Coup de torchon
(Colpo di spugna, 1981), Un dimanche à la
campagne (Una domenica in campagna,
1984), Autour de minuit (Round Midnight
- A mezzanotte circa, 1986), La passion
Béatrice (Quarto comandamento, 1987),
La vie et rien d’autre (La vita e niente altro,
1989), Daddy Nostalgie (id., 1990), L. 627
(Legge 627, 1992), L’appât (L’esca, 1995),
Capitaine Conan (Capitan Conan, 1996),
Holy Lola (La piccola Lola, 2004), In the
Electric Mist (L’occhio del ciclone - In the
Electric Mist, 2009).
luc besson
LE DERNIER COMBAT
regia/director
Luc Besson
sceneggiatura, produttori/
screenplay, producers
Luc Besson, Pierre Jolivet
Carlo Varini
Sophie Schmit
scenografia/
production design
Thierry Flamand,
Christian Grosrichard
Marie Beau,
Martine Rapin
musica/music
Eric Serra
cast and characters
Pierre Jolivet (l’Uomo/the
Man), Jean Bouise
(il Dottore/the Doctor),
Fritz Wepper
(il Capitano/the Captain),
Jean Reno (il Bruto/the
Brute), Maurice Lamy
(il Nano/the Dwarf)
Les Films du Loup
In un futuro postapocalittico, dove l’umanità ha perso l’uso della
parola e vive in bande tra città abbandonate, tempeste di sabbia e
macerie, si aggirano e si scontrano per la sopravvivenza l’Uomo
(Pierre Jolivet), il Bruto (Jean Reno), il Capitano, il Nano, il Dottore.
Potente esordio in bianco e nero e in cinemascope per Luc Besson,
che prende spunto dal suo precedente cortometraggio L’avant dernier
e dimostra già la sua grande forza visiva.
michael radford
1984
SOMMARIO
Regno Unito/UK, 1984, 35mm, 113’, col.
Michael Radford
soggetto/story
title by George Orwell
Roger Deakins
Tom Priestley
scenografia/
production design
Allan Cameron
Emma Porteous
musica/music
Dominic Muldowney
cast and characters
John Hurt (Winston Smith),
Richard Burton (O’Brien),
Suzanna Hamilton (Julia),
Cyril Cusack (Charrington),
Gregor Fisher (Parsons),
James Walker (Syme)
Umbrella-Rosenblum
Films Production
224
1984
Cupa e angosciosa trasposizione del romanzo di George Orwell, che
già nel 1949 aveva previsto tutto, dall’invadenza del privato da parte
di un Grande Fratello dominante alla censura dei sentimenti.
Strepitoso John Hurt, ma indimenticabile Richard Burton nella sua
ultima interpretazione. Grande confezione, con le musiche degli
Eurythmics e la fotografia dai colori desaturati di Roger Deakins.
Bellissimo e ancora oggi sottovalutato.
THE LAST BATTLE
In a post-apocalyptic future, in which
humans have lost the power of speech and
live in gangs, abandoned cities, sandstorms
and ruins are the setting where the Man
(Pierre Jolivet), the Brute (Jean Reno), the
Captain, the Dwarf, and the Doctor roam
and clash. Luc Besson’s powerful debut in
black and white and in cinemascope takes
its cue from his previous short film L’avant
dernier and already reveals his great visual
power.
Le dernier combat (1983), Nikita
(id., 1990), Atlantis (id., 1991), Léon
(id., 1994), Le cinquième élément (Il
quinto elemento, 1997), The Messenger:
The Story of Joan of Arc (Giovanna
d’Arco, 1999), Angel-A (id., 2005), Arthur
et les Minimoys (Arthur e il popolo dei
Minimei, 2006), Arthur et la vengeance
de Maltazard (Arthur e la vendetta
di Maltazard, 2009), Les aventures
extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec (Adèle
e l’enigma del faraone, 2010), Arthur et
la guerre des deux mondes (Arthur e la
guerra dei due mondi, 2010), The Lady
(The Lady - L’amore per la libertà, 2011),
The Family (Cose nostre - Malavita,
2013), Lucy (id., 2014).
1984
A gloomy and disturbing transposition
of the novel by George Orwell, who had
already predicted it all back in 1949, from
the invasion of privacy by a dominating
Big Brother to the censoring of feelings.
John Hurt is fantastic, but Richard Burton
is unforgettable in his final performance.
A great package, with music by the
Eurythmics and the desaturated colors of
the photography by Roger Deakins.
Beautiful and, still today, underestimated.
A Cold Night (cm, 1974), The White
Bird Passes (tv, 1980), Van Morrison in
Ireland (mm, doc., 1980), Another Time,
Another Place (Another Time, Another
Place - Una storia d’amore, 1983), White
Mischief (Misfatto bianco, 1988), Il
postino (1994), Homicide: Life on the
Streets (ep. Justice: Part I, tv, 1996),
B. Monkey (B. Monkey - Una donna
da salvare, 1998), Dancing at the Blue
Iguana (id., 2000), Ten Minutes Older:
The Cello (ep. Addicted to the Star,
2002), The Merchant of Venice (Il
mercante di Venezia, 2004), Flawless
(Un colpo perfetto, 2007).
álex de la iglesia
ACCIÓN MUTANTE
SOMMARIO
Spagna-Francia/Spain-France, 1993, 35mm, 90’, col.
regia/director
Álex de la Iglesia
Jorge Guerricaechevarría,
Álex de la Iglesia
Carles Gusi
Pablo Blanco
scenografia/
production design
José Luis Arrizabalaga,
Biaffra
Estíbaliz Markiegi,
Lena Mossum
musica/music
Def Con Dos
cast and characters
Antonio Resines (Ramón
Yarritu), Álex Angulo
(Alex Abadie), Frédérique
Feder (Patricia Orujo),
Juan Viadas (Juan Abadie),
Karra Elejalde (José Óscar
«Manitas» Tellería)
Agustín Almodóvar,
Pedro Almodóvar
IN COLLABORAZIONE CON LA
CINETECA NAZIONALE
AZIONE MUTANTE
Nella Spagna del futuro (il 2012), dominata dal mito della bellezza
fisica, una banda di portatori di handicap compie attentati contro
palestre, cliniche di chirurgia estetica, centri benessere. Il loro nuovo
colpo è il rapimento di una giovane ereditiera, che viene trasportata
sul pianeta minerario Asturias, dove dovrà avvenire il pagamento del
riscatto. Barocco, grottesco, inventivo, il debutto nel lungometraggio
di de la Iglesia, prodotto dai fratelli Almodóvar.
gabriele salvatores
NIRVANA
Italia-Francia-Regno Unito/Italy-France-UK, 1997, 35mm, 113’, col.
regia/director
Gabriele Salvatores
Gabriele Salvatores,
Pino Cacucci, Gloria Corica
Italo Petriccione
Massimo Fiocchi
scenografia/
production design
Giancarlo Basili,
Sonia Peng
musica/music
Federico De Robertis,
Mauro Pagani
cast and characters
Christopher Lambert (Jimi
Dini), Diego Abatantuono
(Solo), Sergio Rubini
(Joystick), Stefania Rocca
(Naima), Amanda Sandrelli
(Maria), Emmanuelle
Seigner (Lisa), Ugo Conti,
Silvio Orlando
Vittorio Cecchi Gori,
Rita Rusic,
Maurizio Totti
225
NIRVANA
In una megalopoli futuribile: un programmatore in crisi, un virus nel
suo videogame, il protagonista del gioco che acquista una coscienza
e chiede di essere liberato. Vinto l’Oscar con Mediterraneo, Gabriele
Salvatores spiazza tutti, osa e firma un film di fantascienza
cyberpunk a cavallo tra Blade Runner, le storie di William Gibson
e Philip Dick e i fumetti di Nathan Never. Un film-ufo, coraggioso
e tuttora anomalo per il nostro cinema.
MUTANT ACTION
In the future (2012), Spain is dominated
by physical beauty myth and a gang of
disabled people carries out incursions
against gyms, plastic surgery clinics and
wellness centers. Their new raid is the
kidnapping of a young heiress, who is
transported to the mining planet Axturiax,
where her ransom is to be paid. Baroque,
grotesque, imaginative, the feature-length
debut of de la Iglesia, produced by the
Almodóvar brothers.
Mirindas asesinas (cm, 1991), Acción
mutante (Azione mutante, 1993), El día
de la bestia (Il giorno della bestia, 1995),
Perdita Durango (id., 1997), Muertos
de risa (1999), La Comunidad (La
comunidad - Intrigo all’ultimo piano,
2000), 800 balas (2002), Crimen
perfecto (Crimen perfecto - Finché morte
non li separi, 2004), La habitacion del
niño (La stanza del bambino, tv, 2006),
The Oxford Murders (Oxford Murders Teorema di un delitto, 2008), Balada
triste de trompeta (Ballata dell’odio e
dell’amore, 2010), La chispa de la vida
(La fortuna della vita, 2011), Las brujas
de Zugarramurdi (Le streghe son tornate,
2013), Messi (doc., 2014), Mi gran noche
(2015).
NIRVANA
In a future megalopolis: a programmer
in crisis, a virus in his videogame, the
protagonist of the game which acquires
consciousness and asks to be set free.
After winning an Oscar with
Mediterraneo, Gabriele Salvatores
wrong-foots everyone and makes a
cyberpunk sci-fi movie, straddling Blade
Runner, the stories by William Gibson
and Philip Dick, and the Nathan Never
comic books. A UFO, a brave film which
is still an oddity for Italian cinema.
Sogno di una notte d’estate (1983),
Kamikazen - Ultima notte a Milano
(1987), Marrakech Express (1989),
Turné (1990), Mediterraneo (1991),
Puerto Escondido (1992), Sud (1993),
Nirvana (1997), Denti (2000), Amnèsia
(2001), Un altro mondo è possibile documentario collettivo (doc., 2001),
Io non ho paura (2003), Quo vadis,
baby? (2005), Come Dio comanda
(2008), Happy Family (2010), 1960 documentario (doc., 2010), Educazione
siberiana (2013), Italy in a Day (doc.,
2014), Il ragazzo invisibile (2014).
don mckellar
LAST NIGHT
Canada-Francia/Canada-France, 1998, 35mm, 95’, col.
Don McKellar
Douglas Koch
Reginald Harkema
scenografia/
production design
John Dondertman
Lea Carlson
musica/music
Alexina Louie, Alex Pauk
suono/sound
John L. Thompson,
Steve Munro, Paul Shape
cast and characters
Don McKellar (Patrick
Wheeler), Sandra
Oh (Sandra), Callum Keith
Rennie (Craig Zwiller),
Sarah Polley
(Jennifer Wheeler),
David Cronenberg (Duncan)
Niv Fichman, Daniel Iron
Rhombus Media
Il 31 dicembre 1999, a Toronto, personaggi diversi vivono a modo
loro l’ultima notte prima della fine del mondo, annunciata per
mezzanotte: alcuni in famiglia, il protagonista deciso a restare solo
sul suo terrazzo, il direttore della compagnia del gas a ringraziare i
suoi clienti, molti a festeggiare nelle piazze. Segmento canadese del
progetto Arte Il 2000 visto da…, con lo stesso Don McKellar, Sandra
Oh e David Cronenberg, una storia scandita dalle ore, che alterna
tensione e umanità.
kinji fukasaku
BATORU ROWAIARU
SOMMARIO
Giappone/Japan, 2000, 35mm, 114’, col.
regia/director
Fukasaku Kinji
story, screenplay
Fukasaku Kenta,
Takami Koshun
Yanagishima Katsumi
Abe Hirohide
scenografia/
production design
Heya Kyōko
cast and characters
Fujiwara Tatsuya (Nanahara
Shuya), Kitano Takeshi
(Kitano Takeshi), Maeda Aki
(Nakagawa Noriko),
Yamamoto Taro (Kawada
Shougo), Ando Masanobu
(Kiriyama Kazou), Kanasawa
Tukari (Kitano Yukiko)
Kamatami Akio,
Kayama Tetsuo,
Okada Masumi,
Sato Masao
Battle Royale Production
Comittee
226
In una società in profonda crisi economica, alcuni liceali vengono
sorteggiati dal governo e mandati su un’isola a massacrarsi a
vicenda. Celebre fanta-avventura adolescenziale che all’uscita in
patria ha suscitato polemiche a non finire per la violenza e per la
cupezza senza speranza: ma è diventato uno dei più grandi successi
al botteghino giapponese di tutti i tempi.
LAST NIGHT
December 31 , 1999, Toronto: various
people prepare for the end of the world,
which is supposed to occur at midnight.
Some stay with their families, the
protagonist decides to remain on his
terrace alone, the director of the gas
company thanks his clients, many
celebrate in the city squares. The
Canadian segment of the Arte project
2000, Seen By..., with Don McKellar,
Sandra Oh and David Cronenberg, a
story which counts down the hours,
alternating tension and humanity.
ST
The Bloody Nose (cm, 1992), Blue
(cm, 1992), Last Night (id., 1998),
Elimination Dance (coregia/codirectors
Bruce McDonald, Michael Ondaatje,
cm, 1998), A Word from the
Management (cm, 2000), Childstar
(2004), Phone Call from Imaginary
Girlfriends: Istanbul (cm, 2005), Phone
Call from Imaginary Girlfriends: Ankara
(cm, 2005), Michael: Tuesdays &
Thursdays (ep. Small Talk, Unscripted
Conversation, Vomiting, Sleeping with
People, Endings, cm, 2011), The Grand
Seduction (2013).
BATTLE ROYALE
In a society in a deep economic crisis,
some high school students are chosen
at random by the government and sent
to an island to massacre each other.
A famous adolescent sci-fi-adventure
movie which sparked endless polemics
when it was released because of its
violence and hopeless gloom. But it
was also one of Japan’s highest-grossing
films ever.
Fūraibō tantei: Akai tani no sangeki (The
Drifting Detective, 1961), Odoshi (1966),
Kurotokage (Black Lizard, 1968), Tora!
Tora! Tora! (id., 1970), Bakuto gaijin
butai (Gambler in Okinawa, 1971), Jingi
naki tatakai (Battles Without Honor and
Humanity, 1973), Jingi no hakaba
(Graveyard of Honor, 1975), Doberuman
deka (Detective Doberman, 1977), Yagyū
ichizoku no inbō (Shogun Samurai,
1978), Fukkatsu no hi (Ultimo rifugio:
Antartide, 1980), Shanhai bansukingu
(Shangai Rapsody, 1984), Kataku no
hito (House on Fire, 1986), Hana no
ran (A Caos of Flower, 1988), Itsuka
giragirasuruhi (Tokyo Gang, 1992),
Battle Royale II (2003).
steven spielberg
ARTIFICIAL INTELLIGENCE: AI
Usa, 2001, 35mm, 146’, col.
regia/director
Steven Spielberg
soggetto/story
dal racconto Supertoys che
durano tutta l’estate di/
from the short story
Supertoys Last All Summer
Long by Brian Aldiss
Ian Watson,
Steven Spielberg
Janusz Kaminski
Michael Kahn
musica/music
John Williams
cast and characters
Haley Joel Osment (David),
Frances O’Connor (Monica
Swinton), Sam Robards
(Henry Swinton),
Jake Thomas (Martin
Swinton), Jude Law
(Gigolo Joe), William Hurt
(Prof Hobby)
Bonnie Curtis, Kathleen
Kennedy, Steven Spielberg
227
SOMMARIO
A.I.
- INTELLIGENZA ARTIFICIALE
In un mondo devastato dai cataclismi ambientali, alcuni scienziati
costruiscono automi-bambini in grado di provare emozioni, mentre
gli uomini sembrano sempre più incapaci di sentimenti. Tratto da un
racconto di Brian Aldiss (Supertoys che durano tutta l’estate) e basato
su una sceneggiatura incompiuta di Stanley Kubrick, una variante
futuristica di Pinocchio, e uno dei film più cupi e personali di
Spielberg, digressione esemplare sui labili confini tra umano
e sintetico.
ARTIFICIAL INTELLIGENCE: AI
In a world devastated by environmental
disasters, scientists construct robotchildren able to feel emotions, while
humans seem increasingly incapable
of feelings. From a short story by Brian
Aldiss (Supertoys Last All Summer
Long) and based on an unfinished
screenplay by Stanley Kubrick, a futuristic
variation of Pinocchio, one of Spielberg’s
gloomiest and most personal movies,
a textbook digression on the fragile
boundary between human and synthetic.
Close Encounters of the Third Kind
(Incontri ravvicinati del terzo tipo, 1977),
1941 (1941 - Allarme a Hollywood, 1979),
Raiders of the Lost Ark (I predatori dell’arca
perduta, 1981), E.T. the Extra-Terrestrial
(E.T. - L’extra-terrestre, 1982), Empire of
the Sun (L’impero del sole, 1987), Indiana
Jones and the Last Crusade (Indiana Jones
e l’ultima crociata, 1989), Always (Always Per sempre, 1989), Jurassic Park (id.,
1993), Schindler’s List (id., 1993), Saving
Private Ryan (Salvate il soldato Ryan,
1998), Minority Report (id., 2002), Catch
Me If You Can (Prova a prendermi, 2002),
The Terminal (id., 2004), War Horse (id.,
2011), Lincoln (id., 2012).
Sid & Nancy (1986)
SOMMARIO
AMOS POE, IVAN KRÁL THE BLANK GENERATION
| DEREK JARMAN JUBILEE | ALLAN ARKUSH
| PENELOPE SPHEERIS THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION |
SUBURBIA | DAN O’BANNON THE RETURN OF THE LIVING DEAD | ALEX COX SID & NANCY
ROCK’N’ROLL HIGH SCHOOL
SOMMARIO
I Did It My Way: Essere punk
DI EMANUELA MARTINI
The Decline of Western Civilization (1981)
And now the end is near
And so I face the final curtain
You cunt, I’m not a queer
I’ll state my case, of which I’m certain
I’ve lived a life that’s full
And each and every highway
And that, much more than this I did it my way
Qui sopra, la prima strofa di una delle canzoni
più famose del mondo (My Way di Claude
François e Paul Anka) che Frank Sinatra portò
al successo nel 1968. Pare che The Voice la
detestasse (la definiva autoindulgente e
declamatoria, anche se ammetteva che la
canzone «era stata molto buona con lui»);
e non piaceva neppure a Elvis Presley (altra
incisione di successo). E forse fu proprio per
la sua vaga pomposità che alla fine degli anni
Settanta My Way diventò molto popolare nella
cultura punk, soprattutto grazie alla revisione di
Sid Vicious e al suo video, che appare anche nel
film di Julien Temple La grande truffa del
rock’n’roll (il testo in alto, ovviamente è la
versione di Vicious, non quella di Sinatra).
230
SOMMARIO
In questi giorni la Gran Bretagna celebra il
quarantesimo anniversario della nascita del
punk, che viene fatta coincidere con l’uscita, il
26 novembre del 1976, del primo singolo dei
Sex Pistols, Anarchy in the UK. E certamente
è proprio là, nella Londra della crisi che di lì
a poco porta all’insediamento di Mrs Thatcher
a Downing Street, che il punk diventa, oltre che
una tendenza musicale, un vero e proprio stile
di vita, una moda, una cultura che cresce e si
prolunga nei decenni successivi, assumendo
connotazioni politiche spesso anche antitetiche.
Però, nonostante le celebrazioni inglesi,
sappiamo che i primi e solidi accenni di
quello che sarebbe poi diventato un punto
fermo della cultura nazionale britannica
(contraddittoriamente, perché i punk nascevano
all’insegna dell’iconoclastia totale, ma questa è
la sorte di ogni movimento culturale e artistico
antitetico) si sono manifestati oltreoceano,
negli Stati Uniti, East Coast.
Andy Warhol a parte (che negli anni Sessanta,
insieme ai suoi accoliti Velvet Underground,
ha inventato, o almeno intuito, tutto quello
che sarebbe successo dopo, nell’arte e nella
musica), nella prima metà degli anni Settanta
c’era nella Bowery di New York un locale che
si chiamava CBGB, nel quale si esibivano
cantanti e gruppi come Patti Smith, The Stooges,
MC5, Iggy Pop, New York Dolls, Talking Heads,
Television, Blondie, Devo e altri, per lo più
etichettati come hard rock o garage rock.
I primi a essere definiti punk rock furono i
Ramones, che si costituirono nel 1974; poi
arrivarono altri gruppi, come gli Heartbreakers
e i Voidoids di Richard Hell. All’inizio degli anni
Settanta, un manager musicale inglese che aveva
aperto insieme alla moglie stilista un negozio
di abiti «alternativi» al 430 di King’s Road andò
a New York per affari, conobbe i New York Dolls
e diventò il loro manager, ideando i loro nuovi
costumi. Nel 1975, tornò a Londra, ribattezzò
il negozio Sex e, mentre lui riorganizzava una
piccola band, sua moglie cominciò a lavorare
su suggestioni sadomaso. La band debuttò
lo stesso anno, con il nome Sex Pistols.
Così Malcolm McLaren e Vivienne Westwood
inventarono il punk, almeno dal punto di vista
pubblicitario e del look. Poi arrivarono i Clash,
The Damned, The Vibrators, Buzzcocks, The
Jam, Siouxsie and the Banshees e tutti gli altri,
mentre in America il punk cominciava a darsi
una definizione più precisa sulla West Coast,
in California e soprattutto intorno a Los Angeles,
con i Circle Jerks, The Germs, The Weirdos,
The Dickies, Black Flag. Poi l’hardcore punk,
l’anarcopunk, il nazi-punk, lo street punk,
lo straight edge, e la diffusione in tutto il mondo.
Celebriamo comunque l’anarchia nel Regno
Unito, catalizzatrice delle tendenze che si
manifestavano anche altrove, e quindi
l’anniversario del 2016, con questa breve
rassegna sul cinema punk che, esattamente
come accadde per la musica, apparve prima
sulla East Coast americana, poi in Gran
Bretagna, da dove rimbalzò sulla West Coast
losangelina. Se New York non ha mai smentito la
sua vocazione indipendente e documentaristica
(The Blank Generation di Amos Poe e Ivan Král,
quest’ultimo anche musicista, per esempio con
Patti Smith, è il documento che fissa per primo
i nuovi volti e le nuove sonorità al CBGB), è
ancora una volta a Londra che l’estetica punk
trova la sua definizione, soprattutto con il
lavoro di Derek Jarman (non solo Jubilee, che
comunque è il titolo più rappresentativo) e di
Julien Temple (vero «storico» del punk, prima
231
SOMMARIO
di tutto con La grande truffa del rock’n’roll del
1980, poi con Oscenità e furore, Joe Strummer Il futuro non è scritto, The Sex Pistols: There’ll
Always Be an England), per ritornare poi di nuovo
negli States, in California, a opera di un inglese
piuttosto stravagante, Alex Cox, che gira là Repo
Man (nel 1984, due anni prima di realizzare, in
patria, Sid & Nancy), e di un’americana
anticonformista, Penelope Spheeris, che nel 1981
dedica alla nuova musica della West Coast il
documentario The Decline of Western Civilization
(seguito, negli anni dalla parte II, sul heavy
metal, e III, sui gutter punk) e Suburbia, su un
gruppo di ragazzi fuggiti di casa che vivono in
stile punk in una casa abbandonata nella cintura
di LA. E il fenomeno punk si diffonde nel cinema
degli indie anni Ottanta, da Permanent Vacation
di Jim Jarmusch a Liquid Sky di Slava Tsukerman,
da Rock’n’Roll High School di Allan Arkush
(prodotto da Corman, con i Ramones) a The
Return of the Living Dead, satira horror punk di
Dan O’Bannon. La lista sarebbe in realtà molto
lunga, da Taxi Driver di Scorsese a Summer of
Sam di Spike Lee, da Fuori di cresta di James
Merendino a This Is England (film e serie tv) di
Shane Meadows. Il Torino Film Festival si limita
a offrire una ricognizione sul cinema punk delle
origini, nelle sue diverse coniugazioni.
I Did It My Way: Being punk
BY EMANUELA MARTINI
Jubilee (1978)
And now the end is near
And so I face the final curtain
You cunt, I’m not a queer
I’ll state my case, of which I’m certain
I’ve lived a life that’s full
And each and every highway
And that, much more than this I did it my way
Above, the first stanza of one of the world’s
most famous songs (My Way by Claude François
and Paul Anka), which Frank Sinatra made a hit
in 1968. It seems that The Voice hated the
song (he called it self-indulgent and self-serving,
even though he admitted that it “had been very
good to him”); Elvis Presley (who also made
a successful recording of the song) didn’t like
it, either. And maybe it was because of this
vague pompousness that, in the late 1970s,
My Way became very popular in punk culture,
thanks to its rendition by Sid Vicious and his
video, which also appears in Julien Temple’s
movie, The Great Rock’n’Roll Swindle (the
stanza above, obviously, is Vicious’ rendition,
not Sinatra’s).
232
SOMMARIO
This year, Great Britain is celebrating the fortieth
anniversary of the birth of punk, which coincides
with the release, on November 26 , 1976, of the
first single by the Sex Pistols, Anarchy in the UK.
It is without a doubt there, in London in the
throes of a crisis which would soon bring Mrs
Thatcher to Downing Street, that punk became
not just a musical trend but a true lifestyle,
a fashion, a culture which would grow and carry
on into the following decades, taking on political
connotations which were often antithetical.
But, despite England’s celebrations, we know
that the first, solid glimmers of what would
become a constant of British national culture
(a contradiction, because punk was born as
total iconoclasm, but this is the destiny of every
antithetical cultural and artistic movement)
actually manifested themselves across the
Atlantic, on the East Coast of the United States.
Andy Warhol aside (in the 1960s, he and his
Velvet Underground acolytes had invented or at
least intuited everything that would happen later,
in art and in music), during the first half of the
1970s, a club called CBGB in New York’s Bowery
TH
featured singers and bands such as Patti Smith,
The Stooges, MC5, Iggy Pop, New York Dolls,
Talking Heads, Television, Blondie, Devo and
others, for the most part labeled as hard rock
or garage rock. The first to be called punk rock
were the Ramones, who formed their band in
1974; then came other groups, like the
Heartbreakers and Richard Hell’s Voidoid.
In the early 1970s, a British music manager, who
had opened an “alternative” clothing boutique
at 430 King’s Road with his fashion designer
wife, went to New York on business, met the
New York Dolls, became their manager and
designed their new costumes. In 1975, he
returned to London and renamed his store Sex;
while he was re-organizing a small band, his
wife began to work with sado-maso ideas.
The band, called the Sex Pistols, debuted that
same year. This is how Malcolm McLaren and
Vivienne Westwood invented punk, at least as
far as the publicity and the look are concerned.
Then came the Clash, The Damned, The
Vibrators, Buzzcocks, The Jam, Siouxsie and
the Banshees, and all the others, while in
America, punk began to take form on the West
Coast, in particular in California around the
Los Angeles area, with the Circle Jerks, The
Germs, The Weirdos, The Dickies, Black Flag.
Then came hardcore punk, anarcopunk,
Nazi-punk, street punk, straightedge, and
punk’s dissemination throughout the world.
But, in any case, we are celebrating the anarchy
in the United Kingdom – the catalyst of the
trends which also manifested themselves
elsewhere – and, thus, this anniversary in 2016,
with a small overview of punk cinema which,
like the music, appeared first on America’s East
Coast and then in Great Britain, after which it
bounced back over to the West Coast around
Los Angeles. New York has never repudiated
its indie and documentary vocation (The Blank
Generation by Amos Poe, Ivan Král – who is also
a musician, playing with Patti Smith, for example
– was the first film to immortalize the new faces
and sounds at CBGB), but it was once again
in London that the punk esthetic found its
definition, above all in the films by Derek Jarman
(not only Jubilee, which is, in any case, the most
representative) and by Julien Temple (the true
“historian” of punk, above all with The Great
Rock’n’Roll Swindle from 1980, then The Filth and
the Fury, Joe Strummer - The Future is Unwritten,
The Sex Pistols: There’ll Always Be an England).
233
SOMMARIO
Only to return once more to the States,
to California, thanks to a rather extravagant
Englishman, Alex Cox, who shot Repo Man there
(in 1984, two years before making Sid & Nancy
back in England), and to a non-conformist
American, Penelope Spheeris, who, in 1981,
made the documentary The Decline of Western
Civilization, about the new West Coast music
(over the years, the film was followed by part 2,
about heavy metal, and part 3, about gutter
punk), and Suburbia, about a group of runaway
kids who live the punk lifestyle in an abandoned
house in the L.A. suburbs. The punk
phenomenon spread to 1980s indie cinema,
from Permanent Vacation by Jim Jarmusch to
Liquid Sky by Slava Tsukerman, from Rock’n’Roll
High School by Allan Arkush (produced by
Corman, with the Ramones) to The Return
of the Living Dead, a horror punk satire by Dan
O’Bannon. The list is actually much longer, from
Scorsese’s Taxi Driver to Spike Lee’s Summer of
Sam, from SLC Punk! by James Merendino to
This Is England (the film and the TV series) by
Shane Meadows. The Torino Film Festival limits
itself to offering an overview of punk cinema
from its origins, in its various inflections.
amos poe, ivan král
THE BLANK GENERATION
Usa, 1976, 16mm, 55’, bn/bw
THE BLANK
GENERATION
regia, produttori/
directors, producers
Amos Poe, Ivan Král
interpreti/cast
Patti Smith Group,
Television, Ramones,
Heartbreakers, Talking
Heads, Blondie, Harry
Toledo, Marbles, Tuff Darts,
Wayne County, Miamis,
Dolls, Shirts, Hilly Krystal
Ivan Král (Praga, Cecoslovacchia,
1948) è un musicista, produttore,
compositore di colonne sonore e
regista. Con Amos Poe ha codiretto
i documentari Night Lunch (1976)
e The Blank Generation (1976).
Oltre ad aver inciso dischi solisti, ha
collaborato con artisti quali Patti
Smith, Iggy Pop, John Cale, David
Bowie, Pearl Jam e U2.
Patti Smith Group, Television, Ramones, Heartbreakers, Talking
Heads, Blondie sono alcuni tra i protagonisti più celebri
dell’avanguardia musicale (ma non solo) che scuote la New York
di metà anni Settanta. Una serie di gruppi ai quali, secondo alcuni,
si deve l’invenzione del punk. Gravitano intorno al CBGB, storico
locale situato sulla malfamata Bowery e culla di una nouvelle vague
tossica e beffarda che farà proseliti in tutto il mondo. I registi
underground Amos Poe e Ivan Král ne documentano le
performance, portando sul grande schermo i sussulti che agitano
le notti di una Grande mela apparentemente prossima al collasso,
eppure mai così vitale.
«La musica è una delle principali motivazioni che stanno alla base
dei miei film, così come cercar di cambiare la cultura in cui viviamo
è lo scopo primario per cui faccio cinema. Nel senso che, se non
siamo noi a cambiare ciò che sta succedendo, chi ci penserà? Con
The Blank Generation ho descritto qualcosa che stava succedendo
dietro l’angolo, nel mio quartiere, mentre oggi novità di questo tipo
sono molto diffuse ma meno intense». (A. Poe)
**
The Patti Smith Group, Television, Ramones, Heartbreakers, Talking
Heads, and Blondie are some of the most famous protagonists of the
musical avant-garde (and more) which is shaking New York in the
mid-’70s. A series of bands which, according to some, invented punk
rock. They orbit around CBGB, a historical club located in the seamy
Bowery neighborhood and the cradle of a toxic, mocking new wave
which will find followers throughout the world. The underground
directors Amos Poe and Ivan Král film their performances, bringing to
the silver screen the shockwaves agitating the nights of the Big Apple,
which seems on the verge of collapsing and yet has never been so
dynamic.
“Music is one of the primal motives behind my films, and that’s my
primary motive in making movies, changing the culture that we live in.
I mean if we don’t change what’s going on, then who will? With The
Blank Generation, it was all happening around the corner, in the
neighborhood, now it’s so much more widespread, but less intense.”
(A. Poe)
234
SOMMARIO
Amos Poe (Tel Aviv, Israele, 1950)
è considerato uno dei fondatori del
cinema No Wave. Tra i suoi film
appartenenti a questo movimento,
il documentario Night Lunch (coregia
di Ivan Král, 1975), il suo primo
lungometraggio Unmade Beds (1976),
lo stesso The Blank Generation (1976),
The Foreigner (1978) e Subway Rider
(1981). Nel 1984 ha diretto Alphabet
City, tuttora il suo film più celebre.
Amos Poe (Tel Aviv, Israel, 1950) is
considered one of the founders of No
Wave Cinema. Films of his belonging
to this movement include the
documentary Night Lunch (co-directed
with Ivan Král, 1975), his first feature
film Unmade Beds (1976), The Blank
Generation (1976), The Foreigner
(1978) and Subway Rider (1981).
In 1984 he directed Alphabet City,
still his most famous movie.
Ivan Král (Prague, Czechoslovakia,
1948) is a musician, producer,
soundtrack composer and director.
With Amos Poe he co-directed the
documentaries Night Lunch (1976)
and The Blank Generation (1976).
He has cut solo records and has also
collaborated with artists such as Patti
Smith, Iggy Pop, John Cale, David
Bowie, Pearl Jam and U2.
Amos Poe:
Unmade Beds (1976), The Foreigner
(1978), Subway Rider (1981), Alphabet
City (id., 1984), Triple Bogey on a Par
Five Hole (1991), Dead Weekend (tv,
1995), Frogs for Snakes (Delitti d’autore,
1998), Just an American Boy (doc.,
2003), Empire II (2007), La commedia
di Amos Poe (2010), A Walk in the
Park (doc., 2012), Happiness Is a
Warm Gun (2015).
Ivan Král:
Iggy and the Stooges Live at Academy
of Music New York City (cm, 2011).
Amos Poe, Ivan Král:
Night Lunch (doc., 1975), The Blank
Generation (doc., 1976).
derek jarman
JUBILEE
JUBILEE
regia, soggetto,
story, screenplay
Derek Jarman
Peter Middleton
Nick Barnard
scenografia/
production design
Mordecai Schreiber
Dave Henderson,
Christopher Hobbs
musica/music
Brian Eno
suono/sound
John Hayes
cast and characters
Jenny Runacrem (la regina
Elisabetta I/Queen
Elizabeth I-Bod),
Nell Campbell (Crabs),
Toyah Willcox (Mad),
Jordan (Amyl Nitrite),
Hermine Demoriane
(Chaos), Ian Charleson
(Angel), Karl Johnson
(Sphinx), Richard O’Brien
(John Dee),
David Brandon (Ariel)
Howard Malin,
James Whaley
Whaley-Malin Productions,
Megalovision
Nel 1578 la regina Elisabetta I chiede all’astrologo di corte John
Dee di mostrarle il futuro della sua nazione. Con l’aiuto dell’angelo
Ariel i due compiono un viaggio temporale di quattrocento anni.
Ad attenderli il caos e l’anarchia: a Buckingham Palace si è
insediato il magnate delle comunicazioni Borgia Ginz, l’abbazia
di Westminster è diventata una discoteca, Londra è in mano
a bande di teppisti. Come quella di Bod, a capo di una gang di
freak e deviati.
«Non c’è niente in The Last of England o in Jubilee che non possiate
vedere intorno a voi. […] Per troppo tempo, negli anni Cinquanta
e Sessanta, i laburisti si sono abbandonati al pragmatismo a breve
scadenza; tutto quello a cui erano veramente interessati era
rimanere al potere. Non c’è stata pianificazione sociale, non
c’è stata convinzione, nessuna idea di direzione complessiva
e certamente nessun interesse per la politica culturale.
Così, i problemi che ci troviamo ad affrontare in questo
momento nascono dai fallimenti della sinistra, esattamente
come dai successi della destra».
**
In 1578, Queen Elizabeth I asks her court astrologist John Dee to show
her the future of her nation. With the help of the angel Ariel, the two
go on a voyage four centuries into the future. Chaos and anarchy await
them: the communications magnate Borgia Ginz has taken up
residence in Buckingham Palace, Westminster Abbey has been turned
into a discotheque, London is in the hands of hoodlums. Like Bod, who
leads a gang of freaks and deviants.
“There is nothing in The Last of England or in Jubilee which can’t be
seen around us. […] For too long, during the 1950s and ’60s, the
Labour party abandoned itself to short-term pragmatism; all they were
really interested in was staying in power. There was no social planning,
no conviction, no idea of an overall direction and certainly no interest
in cultural policy. Thus, the problems we are dealing with now were
generated by the failure of the left, just as much as by the success of
the right.”
235
SOMMARIO
Derek Jarman (Londra, Regno Unito,
1942 - Londra, Regno Unito, 1994)
rappresenta una delle figure chiave
della cultura GLBT del Novecento,
sia da un punto vista artistico che
militante. Dopo gli esordi come
scenografo per Ken Russell sul set
di I diavoli (1971), ha lavorato come
regista di videoclip musicali,
collaborando con band quali The
Smiths, Throbbing Gristle e Pet Shop
Boys. Parallelamente si è dedicato
alla regia cinematografica dirigendo
film acclamati e innovativi, quali
Sebastiane (1976), Jubilee (1977), The
Tempest (1979), Caravaggio (1986),
The Last of England (1987), War
Requiem (1989), The Garden (1990),
Edoardo II (1991), Wittgenstein (1993)
e Blue (1993), suo film-testamento.
Derek Jarman (London, UK, 1942 London, UK, 1994) played an
important role in the GLBT culture
of the 20 century, both as an artist
and activist. He began working as set
designer for Ken Russell for The Devils
(1971), and then directed several music
videos for bands like The Smiths,
Throbbing Gristle and Pet Shop Boys.
At the same time, he directed many
original and highly praised films, such
as Sebastiane (1976), Jubilee (1977),
The Tempest (1979), Caravaggio
(1986), The Last of England (1987),
War Requiem (1989), The Garden
(1990), Edward II (1991),
Wittgenstein (1993) and Blue (1993),
his artistic testament.
TH
Sebastiane (1976), Jubilee (1977),
The Tempest (1979), In the Shadow
of the Sun (1981), Jordan’s Wedding
(cm, 1981), Pontormo and Punks at
Santa Croce (cm, doc., 1982), The
Dream Machine (cm, doc., 1983),
Waiting for Waiting for Godot (cm,
doc., 1983), B2 Tape (cm, doc., 1983),
Imagining October (cm, 1984), The
Angelic Conversation (1985),
Caravaggio (1986), Pirate Tape (cm,
1986) The Queen Is Dead (videoclip,
cm, 1987), Aria (coregia/codirectors
aa.vv., ep. Depuis le jour, cm, 1987),
The Last of England (1987),
L’ispirazione (cm, 1988), War Requiem
(1989), The Garden (1990), Edward
II (Edoardo II, 1991), Wittgenstein
(id., 1993), Blue (id., 1993).
allan arkush
ROCK’N’ROLL HIGH SCHOOL
Usa, 1979, 35mm, 93’, col.
ROCK’N’ROLL
HIGH SCHOOL
regia/director
Allan Arkush
soggetto/story
Allan Arkush,
Joe Dante
Richard Whitley,
Russ Dvoch,
Joseph McBride
Dean Cundey
Larry Bock,
Gail Werbin
Jack Buehler
suono/sound
Michael Moore
cast and characters
P.J. Soles (Riff Randell),
Vincent Van Patten
(Tom Roberts),
Clint Howard (Eaglebauer),
Dey Young (Kate Rambeau),
Mary Woronov
(Evelyn Togar),
Paul Bartel
(Mr McGree),
Ramones
produttore/producer
Michael Finnell
New World Pictures
Agli alunni della Vince Lombardi High School interessa solo una
cosa: il rock’n’roll. Lo sanno bene gli insegnanti, che cadono come
mosche, vittime di continui esaurimenti nervosi. La nuova preside,
la tirannica Miss Togar, sembra pronta a riportare l’ordine con ogni
mezzo. Ma non ha fatto i conti con Riff Randell, la ragazza più
scatenata e ribelle della scuola, che ha dalla sua degli alleati
d’eccezione: nientemeno che i Ramones, pronti a portare il caos
tra i banchi.
«Sono stato influenzato da Animal House e, siccome era stato
un grande successo, mi ha permesso di essere molto bizzarro.
Un sacco delle situazioni presenti nel film, però, mi erano successe
davvero alle superiori. Come ad esempio la matricola chiusa
nell’armadietto: era una cosa che mi capitava spessissimo alla
Fort Lee High School, nel New Jersey. Sognavo a occhi aperti
che gli Yardbirds e i Rolling Stones venissero nella mia scuola per
tenere un concerto. Inoltre mi immaginavo corse in moto su e giù
per i corridoi. Il bagno dei maschi era sempre pieno di fumo, ma
anche di pericoli».
**
Some of the students at Vince Lombardi High School are interested
in only one thing: rock’n’roll. The teachers are well aware of this and
they drop like flies, victims of constant nervous breakdowns. The new
principal, domineering Miss Togar, seems ready to do whatever it takes
to reinstate order. But she hasn’t taken into account Riff Randell, the
school’s wildest and most rebellious student, who can count on
exceptional allies: none other than the Ramones, who are ready
to bring chaos to the classroom.
“I was influenced by Animal House a lot, and that success gave
me the freedom to be outrageous. But a lot of the outrageous stuff
in Rock’n’Roll High School was stuff that happened to me personally
in high school. Like the freshman being shoved in the locker. That
happened to me all the time at Fort Lee High School, in New Jersey.
I used to daydream that the Yardbirds or the Rolling Stones would
come to my school and play a concert. I also daydreamed about
motorcycle races up and down the halls. The boys’ room was also
always full of smoke, but it was also full of danger.”
236
SOMMARIO
Allan Arkush (Jersey City, New Jersey,
Usa, 1948) inizia a lavorare in ambito
cinematografico a metà anni Settanta
nella factory di Roger Corman,
occupandosi della realizzazione dei
trailer. Successivamente dirige film
di culto come Hollywood Boulevard
(1976), I gladiatori dell’anno 3000
(1978), Rock’n’Roll High School
(1979), Heartbeeps (1981), candidato
a un Oscar per il trucco, e Flippaut
(1983). In seguito abbandona quasi
del tutto il cinema, concentrandosi
sulla televisione, dove lavora come
regista e produttore, soprattutto di
serie. Tra i serial più noti a cui ha
collaborato, Ai confini della realtà,
Saranno famosi, Avvocati a Los
Angeles, Dawson’s Creek, Ally McBeal,
Spie, Melrose Place e Heroes.
Allan Arkush (Jersey City, NJ, USA,
1948) began working in film in the
mid-1970s at Roger Corman’s factory,
making trailers. He later directed cult
films such as Hollywood Boulevard
(1976); Deathsports (1978);
Rock’n’Roll High School (1979);
Heartbeeps (1981), nominated for an
Oscar for Best Makeup; and Get Crazy
(1983). He later abandoned cinema
almost completely, concentrating on
television, where he directed and
produced shows, primarily TV series.
Some of the best-known series he has
collaborated on are The Twilight Zone,
Fame, L.A. Law, Dawson’s Creek,
Ally McBeal, Snoops, Melrose Place
and Heroes.
Septuagenarian Substitute Ball (1970),
Hollywood Boulevard
(coregia/codirector Joe Dante, 1976),
Deathsports (I gladiatori dell’anno
3000, coregia/codirector Henry Suso,
1978), Rock’n’Roll High School (1979),
Heartbeeps (1981), Get Crazy
(Flippaut, 1983), Caddyshack II
(Due palle in buca, 1988).
penelope spheeris
THE DECLINE OF WESTERN
CIVILIZATION
Usa, 1981, 35mm, 100’, col.
THE DECLINE
OF WESTERN
CIVILIZATION
regia, soggetto/
director, story
Penelope Spheeris
Steve Conant
Charlie Mullin
suono/sound
Alan Cutner
interpreti/cast
Alice Bag Band,
Dinah Cancer,
Catholic Discipline,
Circle Jerks, Fear,
Black Flag, X,
The Germs,
Frank Gargani,
Bill Gazzarri,
Michelle Baer Ghaffari,
Jenny Lens,
Nicole Panter,
Roger Rogerson,
Rick Schmidlin
Jeff Prettyman,
Penelope Spheeris
Spheeris Inc.
Los Angeles, 1981. Un luogo di alienazione e miseria che diviene
terreno fertile per la nascita e l’affermazione del punk rock, nato
qualche anni prima sulla East Coast. Una manciata di band
spericolate e folli che, nel pieno di una fioritura artistica con pochi
precedenti, gettano le basi per generi e sottogeneri che faranno la
storia. X, The Germs, Fear, Black Flag, Circle Jerks, Alice Bag Band
e Catholic Discipline sono la punta di un iceberg, un’avanguardia
in rotta di collisione con il mondo, sempre in bilico tra tragedia
e sarcastica noncuranza.
«Ai tempi il punk era un fenomeno nuovo a L.A. Probabilmente
avevano già realizzato dei film sull’argomento in Inghilterra o a
New York, ma qui no. Non disponevo di un archivio a cui attingere,
ma di una compagnia di produzione, sì, e potevo usarne le
attrezzature. Quindi facevo il mio lavoro, riprendendo band come
gli Staples Singers, i Fletwood Mac o i Doobie Brothers, e poi
andavo la sera in un club punk e utilizzavo lo stesso materiale
di ripresa».
**
Los Angeles, 1981. A place of alienation and misery which becomes
fertile soil for the rise and affirmation of punk rock, which had been
born a few years earlier on the East Cast. A handful of reckless and
wild bands, in a flood tide of artistic flowering with few precedents, set
the foundation for genres and sub-genres which would make history. X,
The Germs, Fear, Black Flag, Circle Jerks, Alice Bag Band and Catholic
Discipline are just the tip of the iceberg, an avant-garde on a collision
course with the world, always toeing the line between tragedy and
sarcastic disregard.
“At that time, punk was so fresh in L.A. They may have been making
films in England or New York, but there was really nothing here.
I didn’t have a research bank I could tap into, but I had a film
company, and I always had equipment checked out on the record
company’s account. So I would go do my job and shoot the Staples
Singers or Fleetwood Mac or the Doobie Brothers, and then I would
go to a punk club at night and use the same equipment there.”
237
SOMMARIO
Penelope Spheeris (New Orleans,
Louisiana, Usa, 1945) ha studiato
biologia presso la University of
California e cinema e teatro presso
la Ucla. Dopo aver lavorato in
televisione, nel 1981 ha diretto il
documentario sulla scena punk
americana The Decline of Western
Civilization, divenuto in breve tempo
un film leggendario. Sono seguiti
The Decline of Western Civilization
Part II: The Metal Years (1988),
incentrato sulla scena glam ed heavy
metal losangelina e The Decline of
Western Civilization Part III (1998),
in cui è tornata a interessarsi di punk
rock. Parallelamente ha diretto i cult
movie Suburbia (1983) e Fusi di testa
(1992) e un buon numero di
commedie, tra cui A Beverly Hills…
signori si diventa (1993), Piccole
canaglie (1994), La pecora nera
(1996) ed Effetti collaterali (1998).
LA, USA, 1945) studied biology at the
University of California and film and
theatre at UCLA. After working in
television, she directed a documentary
about the American punk scene, The
Decline of Western Civilization, in
1981, which soon became legendary.
It was followed by The Decline of
Western Civilization Part II: The
Metal Years (1988), focusing on L.A.’s
glam and heavy metal scene; and The
Decline of Western Civilization Part
III (1998), in which her interest returns
to punk rock. At the same time, she
directed the cult movies Suburbia
(1983) and Wayne’s World (1992),
and a good many comedies, including
The Beverly Hillbillies (1993), The
Little Rascals (1994), Black Sheep
(1996) and Senseless (1998).
(doc., 1981), Suburbia (id., 1983), The
Boys Next Door (I ragazzi della porta
accanto, 1985), Hollywood Vice Squad
(id., 1986), Dudes (Dudes, diciottenni
arrabbiati, 1987), The Decline of
Western Civilization Part II: The Metal
Years (doc., 1988), Wayne’s World
(Fusi di testa, 1992), The Decline of
Western Civilization Part III (doc.,
1998), The Beverly Hillbillies (A Beverly
Hills… signori si diventa, 1993), The
Little Rascals (Piccole canaglie, 1994),
Black Sheep (La pecora nera, 1996),
Senseless (Effetti collaterali, 1998).
penelope spheeris
SUBURBIA
Usa, 1983, 35mm, 94’, col.
SUBURBIA
regia, soggetto,
story, screenplay
Penelope Spheeris
Tim Suhrstedt
Ross Albert,
Michael Oleksinski
Dana Lyman
musica/music
Alex Gibson
suono/sound
Troy Porter
cast and characters
Chris Pedersen
(Jack Diddley),
Bill Coyne
(Evan Johnson),
Jennifer Clay (Sheila),
Timothy O’Brien
(Skinner),
Wade Walston
(Joe Schmo),
Flea (Razzle),
Maggie Ehrig (Maggie),
Grat Miner (Keef),
Christina Beck (T’resa),
Andrew Pece
(Ethan Johnson),
DI, T.S.O.L.,
The Vandals
Bert L. Dragin,
Roger Corman
Suburbia Productions
Un gruppo di adolescenti in fuga occupa alcune case abbandonate
in un quartiere di Los Angeles. Ad accomunarli un presente fatto
di abusi, assenza di affetti e prospettive per il futuro, oltre al
bisogno di avere una propria famiglia in cui rifugiarsi ed essere
al sicuro. A fare da collante l’amore per il punk rock, che diviene
per loro valvola di sfogo e ambito di socializzazione. Ma devono
fare i conti con i vicini di casa middle cass, che non li vedono di
buon occhio, considerandoli criminali sbandati. E, in un crescendo
di tensioni, la tragedia finale sarà purtroppo inevitabile.
«Ho deciso di scrivere un soggetto di finzione sulla falsariga di
un documentario: così è nato Suburbia. Un sacco di storie che ho
raccolto sono vere o, comunque, derivano dalla realtà. Non ho
ottenuto una grossa distribuzione. È strano perché come film è
durato nel tempo e piace ancora. E molto. Parlando di Suburbia o
del primo Decline, la gente mi dice: “Quei film mi hanno cambiato
la vita”. Proprio così. Questo è ciò che m’importa».
**
A group of runaway teenagers occupy some abandoned houses in a Los
Angeles neighborhood. What they have in common are life experiences
of abuse, lack of affection, and no prospects for the future. But they also
share a need for a true family where they can take refuge and feel safe.
Their bond is punk rock, which becomes their safety valve and milieu
for socializing. But they have to come to terms with their middle class
neighbors, who don’t take kindly to them and consider them lowlife
criminals. In a crescendo of tension, the tragic finale is inevitable.
“I decided to write a fiction piece in the same vein as the
documentaries and that’s where Suburbia came from. And a lot of
the stories that are laid out in there are true, or a derivation of truth,
anyway. It didn’t really get much of a release. It’s weird because it
had a lasting power, and people still like Suburbia too. A lot.
Between Suburbia and the first Decline, people say: ‘Those
movies changed my life.’ So. That’s what’s cool.”
238
SOMMARIO
Louisiana, Usa, 1945) ha studiato
biologia presso la University of
California e cinema e teatro presso
la Ucla. Dopo aver lavorato in
televisione, nel 1981 ha diretto il
documentario sulla scena punk
americana The Decline of Western
Civilization, divenuto in breve tempo
un film leggendario. Sono seguiti
Part II: The Metal Years (1988),
incentrato sulla scena glam ed heavy
metal losangelina, e The Decline of
Western Civilization Part III (1998),
in cui è tornata a interessarsi di punk
rock. Parallelamente ha diretto i cult
movie Suburbia (1983) e Fusi di testa
(1992) e un buon numero di
commedie, tra cui A Beverly Hills…
signori si diventa (1993), Piccole
canaglie (1994), La pecora nera
(1996) ed Effetti collaterali (1998).
LA, USA, 1945) studied biology at the
University of California and film and
theatre at UCLA. After working in
television, she directed a documentary
about the American punk scene, The
Decline of Western Civilization in
1981, which soon became legendary.
It was followed by The Decline of
Western Civilization Part II: The
Metal Years (1988), focusing on L.A.’s
glam and heavy metal scene; and The
Decline of Western Civilization Part
III (1998), in which her interest returns
to punk rock. At the same time, she
directed the cult movies Suburbia
(1983) and Wayne’s World (1992),
and a many comedies, including The
Beverly Hillbillies (1993), The Little
Rascals (1994), Black Sheep (1996)
and Senseless (1998).
(doc., 1981), Suburbia (id., 1983), The
Boys Next Door (I ragazzi della porta
accanto, 1985), Hollywood Vice Squad
(id., 1986), Dudes (Dudes, diciottenni
arrabbiati, 1987), The Decline of
Western Civilization Part II: The Metal
Years (doc., 1988), Wayne’s World
(Fusi di testa, 1992), The Decline of
Western Civilization Part III (doc.,
1998), The Beverly Hillbillies (A Beverly
Hills… signori si diventa, 1993), The
Little Rascals (Piccole canaglie, 1994),
Black Sheep (La pecora nera, 1996),
Senseless (Effetti collaterali, 1998).
dan o’bannon
THE RETURN OF THE LIVING DEAD
Usa, 1985, 35mm, 91’, col.
IL RITORNO
DEI MORTI
VIVENTI
Dan O’Bannon
soggetto/story
Rudy Ricci,
John A. Russo,
Russell Streiner
Jules Brenner
Robert Gordon
scenografia/
production design
William Stout
musica/music
Matt Clifford
suono/sound
Stanley B. Gill
cast and characters
Clu Gulager (Burt),
James Karen (Frank),
Don Calfa (Ernie),
Thom Mathews (Freddy),
Beverly Randolph (Tina),
John Philbin (Chuck),
Jewel Shepard (Casey),
Miguel Nunez (Spider),
Brian Peck (Scuz),
Linnea Quigley (Trash)
produttore/producer
Tom Fox
Hemdale,
Fox Films,
Greenberg Brothers
Partnership
Graham Henderson
Il giovane Freddy ha trovato lavoro presso la Uneeda, società che
trasporta cadaveri a uso scientifico. Come gli spiega un collega
più anziano, la ditta è invischiata in affari poco chiari con l’esercito,
che le ha affidato i corpi di alcuni morti tornati in vita una ventina
di anni prima, a causa di un misterioso gas tossico di cui, nel
seminterrato, esistono ancora dei barili. Quando si verifica
l’inevitabile fuga della sostanza, i cadaveri conservati alla Uneeda
tornano ancora una volta in vita, così come le salme del vicino
cimitero, sotto forma di zombie assetati di sangue. La stessa sorte
toccherà a Freddy e ai suoi amici punk rockers accorsi ad aiutarlo,
in un’apocalisse di corpi putrescenti e interiora divorate.
«Quando ho diretto Il ritorno dei morti viventi non sapevo cosa
diavolo stessi facendo. È stato il primo film che ho girato
ufficialmente. […] Il ritorno è stata una vera e propria scuola che
mi ha insegnato come non fare un film e come non gestire una
troupe. Finché non mi è capitato di ripensare all’intero processo,
non mi è sembrato nemmeno di aver curato una regia».
**
Young Freddy just started working for Uneeda, a company that
transports cadavers for scientific purposes. According to an older
colleague, the company is embroiled in a series of shady deals with
the military. Like those bodies the army gave them twenty years ago
that came back to life after being exposed to a mysterious toxic gas.
There are still barrels of the substance in the basement. And when
the inevitable leak happens, the corpses stored at Uneeda and the
bodies buried in the cemetery next door come back to life, turning into
blood-thirsty zombies. The same fate awaits Freddy and his punk rock
friends who came to his rescue in this apocalypse of putrefying bodies
and devoured entrails.
“When I directed The Return of the Living Dead, I didn’t know what
the hell I was doing. It was the first film that I ever officially directed.
[…] So Return to me was a real education in how not to direct a
movie, how not to manage other people. And I wouldn’t even consider
it directing until I rethought the entire process.”
239
SOMMARIO
Dan O’Bannon (Saint Louis,
Kentucky, Usa, 1946 - Los Angeles,
California, Usa, 2007) è stato
soprattutto uno sceneggiatore, a
cominciare dallo script di Dark Star
(1974), primo cortometraggio di John
Carpenter, destinato poi a diventare
anche un lungo, scritto insieme al
regista. In seguito ha collaborato con
altri registi come Ridley Scott (Alien,
1979), John Badham (Tuono blu,
1983), Tobe Hopper (Space Vampires,
1985, e Invaders, 1986) e Paul
Verhoeven (Atto di forza, 1990).
Come regista ha debuttato nel 1969
con il cortometraggio Blood Bath, a
cui sono seguiti solamente altri due
film, Il ritorno dei morti viventi (1985),
divenuto in poco tempo una pellicola
di culto, e The Resurrected (1991).
Dan O’Bannon (Saint Louis, KY, USA,
1946 - Los Angeles, CA, USA, 2007)
was especially known for his writing.
He started with John Carpenter’s first
short Dark Star (1974), which they
then wrote into the full-length feature.
He worked with other directors, the
likes of Ridley Scott (Alien, 1979), John
Badham (Blue Thunder, 1983), Tobe
Hopper (Space Vampires, 1985, and
Invaders from Mars, 1986) and Paul
Verhoeven (Total Recall, 1990). As a
director, he made his first short Blood
Bath in 1969, followed by just two
more features: The Return of the
Living Dead (1985), which quickly
became a cult film, and The
Resurrected (1991).
Blood Bath (cm, 1969), The Return
of the Living Dead (Il ritorno dei morti
viventi, 1985), The Resurrected (1991).
alex cox
SID & NANCY
SID & NANCY
regia/director
Alex Cox
Alex Cox, Abbe Wool
Roger Deakins
David Martin
scenografia/
production design
Linda Burbank, J. Rae Fox,
Andrew McAlpine
Catherine Cook
musica/music
Dan Wool
suono/sound
Scott Jacobs
cast and characters
Gary Oldman
(Sid Vicious),
Chloe Webb
(Nancy Spungen),
David Hayman (Malcolm),
Debby Bishop (Phoebe),
Andrew Schoefield (John),
Xander Berkeley
(Bowery Snax),
Perry Benson (Paul),
Tony London (Steve)
produttore/producer
Ed Fellner
Initial Pictures,
U.K. Productions Entity,
Zenith Entertainment
Peter McCarthy
La tragica storia d’amore tra Sid Vicious, iconico bassista dei Sex
Pistols, e Nancy Spungen, groupie americana. Un amour fou iniziato
a Londra, quando la band di Sid è capofila della ribellione punk che
sta incendiando il Regno Unito. Per i due innamorarsi è un attimo
e divengono inseparabili compagni di eccessi. Come ad esempio
durante il tour negli Stati Uniti del 1978, che di lì a poco avrebbe
segnato la fine dei Sex Pistols. Trasferitisi a New York, Sid e
Nancy conducono un’esistenza randagia, segnata dall’eroina
e da frequenti litigi. Durante l’ennesima lite Sid accoltella a morte
Nancy e poco tempo dopo muore di overdose.
«Prima dell’inizio delle riprese non abbiamo fatto molto prove. […]
Ci siamo ritrovati intorno a un tavolo e abbiamo letto il copione;
avremmo fatto le prove non appena il set fosse stato disponibile,
lasciandoci influenzare dalla situazione. Per il cast [la sfida più
grande] era quella di ricreare i personaggi in modo vero e credibile,
e per la troupe aiutarli in questo compito e riprenderli giorno dopo
giorno».
**
The tragic love story between Sid Vicious, iconic bassist of the Sex
Pistols, and Nancy Spungen, an American groupie. Their crazy love
story started in London, when Sid’s band was on the forefront of the
punk rebellion that was setting the United Kingdom ablaze. They
instantly fall in love and become inseparable partners, also in their
excesses. Like during the 1978 tour in the Unites States, which ended
with the band breaking up. Sid and Nancy moved to New York, living
like strays, doing heroin, and fighting frequently. During yet another
fight, Sid stabs Nancy to death and overdoses shortly thereafter.
“We actually didn’t do much in the way of rehearsal prior to filming.
[…] We had a table reading of the script and then usually we’d rehearse
as soon as we got to the set and take it from there. For the cast, [the
greatest challenge] was to recreate their characters vividly and credibly,
and for the crew it was to facilitate and record it, on a daily basis.”
240
SOMMARIO
Alex Cox (Liverpool, Regno Unito,
1954) ha studiato regia alla Bristol
University e alla Ucla, dopo aver
lasciato la facoltà di legge di Oxford.
Nel 1980 ha diretto il suo primo
cortometraggio, Sleep Is for Sissies,
e quattro anni dopo ha esordito
nel lungometraggio con Repo Man
- Il recuperatore, dramma
fantascientifico che, come il
successivo western Dritti all’inferno
(1986) e il biografico Sid & Nancy
(1986), ha contribuito a forgiare
la sua immagine di regista di culto.
In seguito ha diretto, tra gli altri film,
Walker - Una storia vera (1987), con
cui ha partecipato in concorso alla
Berlinale, Il vincitore (1996), Revengers
Tragedy (2002), selezionato in
concorso a Locarno, e Searchers 2.0
(2007), presentato nella sezione
Orizzonti della Mostra di Venezia.
Alex Cox (Liverpool, UK, 1954) studied
filmmaking at Bristol University and
UCLA after dropping out of Oxford’s
Law School. He made his first short,
Sleep Is for Sissies, in 1980. Four
years later, he directed his debut
feature, Repo Man (1984), a sci-fi
drama. His next movies, the western
Straight to Hell (1986) and the
biographic Sid & Nancy (1986)
also contributed to forging his image
as a cult director. He directed several
more films, including Walker (1987),
which competed at the Berlinale,
The Winner (1996), Revengers
Tragedy (2002), which was selected
in Locarno, and Searchers 2.0 (2007),
which was presented in the Orizzonti
section of the Venice Film Festival.
Repo Man (Repo Man - Il recuperatore,
1984), Straight to Hell (Dritti
all’inferno, 1986), Sid & Nancy (id.,
1986), Walker (Walker - Una storia
vera, 1987), El patrullero (1991),
The Winner (Il vincitore, 1996),
Three Businessmen (1998), Revengers
Tragedy (2002), Searchers 2.0 (id.,
2007), Repo Chick (2009), Straight
to Hell Returns (2010), Bill the
Galactic Hero (2014).
Torino Short Film Market
DI JACOPO CHESSA
«Comprare è molto più americano di pensare
e io sono molto americano».
Andy Warhol
Da quando dirigo il Centro nazionale del
cortometraggio – meno di tre anni – ogni
volta che mi capita di parlare di «mercato del
cortometraggio» suscito reazioni contrastanti.
Da un lato l’entusiasmo di chi, produttore o
distributore del formato breve, è alla ricerca
di spazi e momenti deputati alla vendita e alla
costruzione di progetti produttivi; dall’altro lo
scetticismo di chi mi oppone una cruda verità,
che cioè il mercato del cortometraggio, molto
semplicemente, non esiste. Posso dire che
il Torino Short Film Market nasce per andare
incontro ai primi e per deludere i secondi.
Facciamo un piccolo passo indietro e
cerchiamo di intenderci su cosa significhi
«mercato del corto». Per chi scrive,
essenzialmente due cose: da un lato
il momento economico, che prevede
compravendita, coproduzione, chiusura
di accordi; dall’altro il momento di scoperta,
di incontro, che è invece corollario all’evento
festivaliero, una sorta di suo approfondimento.
Possiamo dire che in Italia non esista,
attualmente, un mercato del corto né del primo
né del secondo tipo. Sono sempre di più i
tentativi di aprire le kermesse di corti a eventi
industry, invitando produttori, distributori,
programmers stranieri e buyers, per arricchirne
i cartelloni e, soprattutto, per permettere ai –
quasi sempre giovani – cortisti di entrare in
contatto con potenziali partner di vario genere.
In ogni Paese d’Europa esiste un festival di
corti di riferimento, con un mercato a esso
collegato. In certi casi anche più di uno.
E questa non è la solita geremiade anti-italiana,
ma la constatazione che in Italia è il momento
di aprire uno spazio che troppo a lungo è stato
chiuso.
Il Torino Short Film Market nasce su queste
basi. Organizzato dal Centro nazionale del
cortometraggio, in collaborazione con il Museo
nazionale del cinema e il Torino Film Festival,
con il sostegno della Film Commission Torino
Piemonte, è uno spazio di incontri, di scambio,
di sviluppo. Ambisce a essere la conferma
dell’esistente, cioè della vitalità degli scambi
legati alla forma breve, e una scommessa
sul futuro: il corto, oggi più che mai, ci porta
anche altrove.
241
SOMMARIO
In occasione di questa prima edizione del
Torino Short Film Market, il Torino Film Festival
ha aperto una finestra sul cortometraggio
internazionale, ormai chiusa da un paio d’anni.
Non competitiva, per quest’anno, la sezione ha
per titolo All you need is short ed è ospitata dal
Festival e curata dai programmer del market,
Massimiliano Nardulli ed Enrico Vannucci.
Una piccola vetrina in grado di restituire la
vitalità internazionale che attraversa il mondo
del corto nel 2016.
Torino Short Film Market
BY JACOPO CHESSA
“Buying is much more American than thinking
and I am very American.”
Andy Warhol
Ever since I began directing the Italian Short
Film Center – less than three years ago – each
time I talk about the “short film market” I get
contrasting reactions. On the one hand, the
enthusiasm of those who produce or distribute
the short film format and are in search of
spaces and moments dedicated to the sale and
the realization of production projects; on the
other hand, the skepticism of those who rebut
with a brutal truth, that, quite simply, the short
film market doesn’t exist. I say that the Torino
Short Film Market has been created to foster
the former and disappoint the latter.
Let’s take a small step back and try to agree on
just what the “short film market” means. To me,
it basically means two things: on the one side,
the economic moment which envisages buying
and selling, coproduction, signed agreements;
on the other hand, the moment of discovery, of
encounter, which is instead a sort of in-depth
consequence of the festival itself. We can say
that, at present, Italy does not have a short film
market, neither of the first kind, nor of the
second. There are increasingly more attempts
to open the short film kermis to industry events
by inviting producers, distributors, foreign
programmers and buyers, in order to enhance
the lineup and, above all, to permit short film
makers – who are almost always young – to
come into contact with potential partners of
various types. Every country in Europe has a
short film festival of reference, with its related
market. In some cases, even more than one.
And this isn’t the standard anti-Italian jeremiad,
but an acknowledgment that the time has come
to open a space in Italy that has been closed
for too long.
The Torino Short Film Market was born from
this premise. Organized at the Italian Short
Film Center, in collaboration with the National
Cinema Museum and the Torino Film Festival,
and with the support of the Film Commission
Torino Piemonte, it is a space for encounters,
exchanges, development. It aims to be a
confirmation of something which already
exists – the vitality of exchanges regarding
the short format – and a gamble on the future:
today, more than ever, the short film also
takes us elsewhere.
242
SOMMARIO
On the occasion of this first edition of the
Torino Short Film Market, the Torino Film
Festival has reopened a window on
international short films which had been
closed a few years back. This year, the section
entitled All You Need Is Short is non-competitive;
it is hosted by the Festival and curated by the
market programmers, Massimiliano Nardulli
and Enrico Vannucci. A small showcase able
to render the international vitality that is
traversing the world of short films in 2016.
All You Need Is Short
Selezione di corti internazionali inediti in Italia/
A selection of international and unreleased shorts
LA DISCO RESPLANDECE
Spagna-Turchia/Spain-Turkey, 2016, 12’, col.
regia/director
Chema Garcia Ibarra
**
contatti/contacts
NUESTRA AMIGA LA LUNA
[email protected]
Spagna/Spain, 2016, 15’, col.
FATIMA MARIE TORRES AND
THE INVASION OF THE
SPACE SHUTTLE PINAS 25
Filippine/Philippines, 2016, 18’, col.
regia/director
Carlo Francisco Manatad
regia/director
Velasco Broca
**
contatti/contacts
**
contatti/contacts
[email protected]
[email protected]
SCRIS/NESCRIS
Romania, 2016, 19’, col.
MALE H
Serbia-Montenegro, 2016, 20’, bn/bw
regia/director
Ivan Bakrać
**
contatti/contacts
[email protected]
regia/director
Adrian Silisteanu
**
contatti/contacts
[email protected]
243
SOMMARIO
SOMMARIO
INDICI/INDEX
SOMMARIO
Indice dei film/
Index to films
246
Indice dei registi/
Index to directors
249
Indice dei film per nazione/
Index to films by countries
252
Indice dei film/
Index to films
A
Absolutely Fabulous: The Movie, 28
Ab Urbe Coacta, 131
Acción mutante, 225
Alchemist Cookbook, The, 99
Alice’s Restaurant, 89
Amours de la pieuvre, Les, 145
Animal político, 100
Anticipation, ou l’amour
en l’an 2000, 219
Antiporno, 101
Apprentice, 202
A pugni chiusi, 132
Arbalest, The, 102
Arbeiter Verlassen die Fabrik - Workers
Leaving the Factory, 195
Artificial Intelligence: AI, 227
Attaque, 120
Auge/Maschine II - Eye/Machine II, 197
Ausdruck der Hände, Der - The
Expression of Hands, 196
Author: The JT LeRoy Story, 139
Avant les rues, 2
Avenir, L’, 29
B
Batoru Rowaiaru - Battle Royale, 226
Belle prove, Le, 82
Bezbog - Godless, 203
Between Us, 30
Bilder der Welt und Inschrift
des Krieges - Images of the World
and the Inscription of War, 195
Bitter Story, A, 133
Blank Generation, The, 234
Bleed for This, 31
Blow-Up, 90
Boi, Song of a Wanderer, 121
Borra todo lo che dija
del amor porque no sabía bien
quién era, 122
Boy and His Dog, A, 221
246
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
C
Câini - Dogs, 204
Challenge, The, 186
Chi mi ha incontrato,
non mi ha visto, 103
Christine, 3
Colossale sentimento, 140
Crackup at the Race Riots, A, 170
D
Daap Hyut Cam Mui - Port of Call, 20
Daguerrotype - The Woman in
the Silver Plate, 171
Deadweight, 205
Deang - Ta’ang, 141
Decentes, Los, 4
Decline of Western Civilization, The, 237
Deer Hunter, The, 72
Demon Seed, 223
Dernier combat, Le, 224
Derniers parisiens, Les, 5
Diario Blu(e), 146
Donna Haraway: Story Telling
for Earthly Survival, 147
Duilian, 187
E
Eclisse senza cielo, 172
Économie du couple, L’, 32
Ein Bild - An Image, 194
Elle, 33
Ernste Spiele I: Watson ist Hin - Serious
Games I: Watson Is Down, 199
Ernste Spiele II: Drei Tot - Serious
Games II: Three Dead, 199
Eshtebak - Clash, 34
Ex voto, 154
Exit/Entry, 173
F
Fantasmata planiountai pano apo tin
Evropi - Spectres Are Haunting Europe, 123
Felicità umana, La, 35
Femme aux cent visages, La, 142
Figli della notte, I, 6
Fils de Jean, Le, 36
Fils de Joseph, Le, 174
Finestra, La, 84
Fixeur, 37
Free Fire, 38
Free State of Jones, 39
Futuro di Era, Il, 155
G
Gegen-Musik - Counter-Music, 198
Getraumten, Die - The Dreamed
Ones, 148
Giovanna, 85
Gipo, lo zingaro di Barriera, 68
Giuseppe Verdi, 79
Glen and Randa, 220
Go Home, 206
Goksung - The Wailing, 104
H
Havarie, 124
Hele sa hiwagang hapis - A Lullaby
to the Sorrowful Mystery, 40
Hidden Photos, 134
Hunchback, The, 188
Hymyilevä mies - The Happiest Day
in the Life of Olli Mäki, 41
I
Ich Glaubte Gefangene zu Sehen I Thought I Was Seeing Convicts, 197
If…., 91
Ikarie XB 1 - Voyage to the End
of the Universe, 219
Ilegitim - Illegitimate, 42
Inferno, Un, 156
In punto di morte, 75
In tempo per modifiche temporali, 157
Intolerance, 76
247
SOMMARIO
M
Manazil bela abwab - Houses Without
Doors, 126
Maquinaria Panamericana, 11
Marie et les naufragés, 49
Ma’ Rosa, 48
Maschera del demonio, La, 108
Mazzamma, ’A, 160
Me’ever laharim vehagvaot - Beyond
the Mountains and Hills, 175
Mécanique de l’ombre, La, 12
Mercenaire, 50
Merry Christmas Mr Lawrence, 71
1984, 224
Moo Ya, 135
Morris from America, 51
Mort en direct, La, 223
Mr Freedom, 220
Muito Romântico, 176
Mussolinia di Sardegna, 78
J
Jetée, La, 218
Juan Zeng Zhe - The Donor, 8
Jubilee, 235
Jules et Jim, 92
N
Nana, 127
Nastassia, 83
Nave delle donne maledette, La, 80
Nessuno ci può giudicare, 52
Nicht Löschbares Feuer Inextinguishable Fire, 194
Nirvana, 225
Nome di battaglia donna, 53
Notturno, 161
Nuova Zita, 162
Nuovo mondo, Il, 218
Nyai - A Woman from Java, 177
K
Kate Plays Christine, 43
Kazarken, 125
King Cobra, 105
O
Omor shakhsiya - Personal Affairs, 54
Onikuma, 163
Operation Avalanche, 109
INDICI/
INDEX
L
Lady Macbeth, 9
Lao Shi - Old Stone, 44
Last Night, 226
Last Ship, 158
Lavender, 106
Lindas, Las, 10
Lingua dei furfanti, La, 45
Littoria, 77
Live Cargo, 46
Loi de la jungle, La, 47
Lontano Ovest, 159
Love Witch, The, 107
O
Ornitólogo, O, 178
Out of Love, 207
Out There, 179
P
Palombella rossa, 81
Panke, 180
Parc, Le, 181
Parenti tutti, I, 73
Parle-moi encore, 143
Polaarpoiss - The Polar Boy, 208
Porto, 13
Pro loco, 136
Pseudo Secular, 182
Pyromanen - Pyromaniac, 110
Q
Quiet Passion, A, 55
R
Raman Raghav 2.0 - Psycho Raman, 56
Rat Film, 128
Redenzione, 164
Reise mit Vater, Die - That Trip We Took
with Dad, 209
Rester vertical, 57
Return of the Living Dead, The, 239
Roberto Bolle. L’Arte della Danza, 58
Rock’n’Roll High School, 236
Rollerball, 222
Romeo and Juliet, 59
S
Sadako Vs Kayako, 111
Sadie, 69
Safe Neighborhood, 112
Sam Was Here, 113
Sarah Winchester, Opéra fantôme, 183
Saro, 137
Schnittstelle - Interface, 196
#Screamers, 98
Sid & Nancy, 240
Slam - Tutto per una ragazza, 60
Sleeper, 221
Smrt u Sarajevu - Death in Sarajevo, 61
Sol negro, 129
248
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Sono Guido e non Guido, 62
Stepford Wives, The, 222
Strawberry Statement, The, 93
Studio, 165
Suburbia, 238
Suitcase of Love and Shame, 149
Sully, 63
Suntan, 64
T
TanjaTales, 166
Tchekhov à Beyrouth, 130
Terceiro Andar, 150
Thala mon amour, 210
Together for Ever, 211
Tombé du ciel, 212
Transfiguration, The, 114
Turn Left Turn Right, 14
U
Última tierra, La, 213
Unmögliche Bild, Das - The Impossible
Picture, 184
V
Vetar - Wind, 15
Vies de Thérèse, Les, 151
Ville engloutie, La, 138
Voce del verbo morire, 74
Voyage au Groenland, Le, 65
W
War on Everyone, 66
We Make Couples, 152
Wexford Plaza, 67
Where the Sidewalk Ends, 86
Wind, 19
Wir Sind die Flut - We Are the Tide, 16
Wrong Elements, 144
Y
Yoga Hosers, 115
Z
Z, 70
Zur Bauweise des Films bei Griffith - On
Construction of Griffith’s Films, 198
Indice dei registi/
Index to directors
A
Gabriel Abrantes, 188
Paloma Aguilera Valdebenito, 207
Woody Allen, 221
Yuri Ancarani, 186
Lindsay Anderson, 91
Theo Anthony, 128
Michelangelo Antonioni, 90
Allan Arkush, 236
Enrico Maria Artale, 137
Anu Aun, 208
B
Mario Bava, 108
Ruth Beckermann, 148
Luc Besson, 224
Sébastien Betbeder, 49, 65
Clemente Bicocchi, 161
Bruno Bigoni, 103
Anna Biller, 107
Wang Bing, 143
Bertrand Bonello, 183
Francesca Bono, 133
Junfeng Boo, 202
Anne Marie Borsboom, 121
Mohamed «Hamé» Bourokba, 5
Kenneth Branagh, 59
Alessandro Maria Buonomo, 62
C
Donald Cammell, 223
Antonio Campos, 3
Matteo Canetta, 164
Alessandro Castelletto, 68
Carlos Chahine, 130
Wissam Charaf, 212
Jihane Chouaib, 206
Michael Cimino, 72
Alex Cox, 240
D
Terence Davies, 55
Luciana Decker, 127
Álex de la Iglesia, 225
Steve Della Casa, 52
Joaquín del Paso, 11
Christophe Deroo, 113
Pierpaolo De Sanctis, 132
249
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Andrea De Sica, 6
Mohamed Diab, 34
Lav Diaz, 40
Antonio Di Biase, 162
Gabriele Di Munzio, 166
Ennio Eduardo Donato, 160
Francesco Dongiovanni, 165
Tamara Drakulić, 15
Melissa Dullius, 176
Güldem Durmaz, 125
E
Clint Eastwood, 63
F
Jean-Paul Fargier, 142
Harun Farocki, 194-199
Fabrizio Ferraro, 140
Jeff Feuerzeig, 139
Luciana Fina, 150
Mandie Fletcher, 28
Bryan Forbes, 222
Alejo Franzetti, 180
Kinji Fukasaku, 226
Luis Fulvio, 155
G
Leo Gabin, 170, 173
Paola Gandolfi, 157
Fabio Garriba, 73
Mario Garriba, 74, 75
Ed Gass-Donnelly, 106
Costa-Gavras, 70
Niki Giannari, 123
Jane Gillooly, 149
Jean-Luc Godard, 218, 219
Craig Goodwill, 69
Eugène Green, 174
Robert Greene, 43
D.W. Griffith, 76
Davide Grotta, 134
Alain Guiraudie, 57
Fernando Guzzoni, 7
H
Stuart Hagmann, 93
Maha Haj, 54
Geneviève Hamon, 145
H
Mia Hansen-Løve, 29
Carmit Harash, 120
Chad Hartigan, 51
Sebastian Hilger, 16
Mehdi Hmili, 210
Mike Hoolboom, 152
Rita Hui Nga Shu, 182
Laura Huertas Millán, 129
I
Rafael Palacio Illingworth, 30
Takehiro Ito, 179
J
Gustavo Jahn, 176
Derek Jarman, 235
Norman Jewison, 222
Matt Johnson, 109
L.Q. Jones, 221
K
Avo Kaprealian, 126
Anurag Kashyap, 56
Justin Kelly, 105
William Klein, 220
Gabe Klinger, 13
Axel Koenzen, 205
Eran Kolirin, 175
Maria Kourkouta, 123
Ivan Král, 234
Thomas Kruithof, 12
Juho Kuosmanen, 41
Kiyoshi Kurosawa, 171
L
Ekoué Labitey, 5
Joachim Lafosse, 32
Pablo Lamar, 213
Anca Miruna Lăzărescu, 209
Chloé Leriche, 2
Melisa Liebenthal, 10
Sébastien Lifschitz, 151
Philippe Lioret, 36
Tommaso Lipari, 136
Jonathan Littell, 144
Lina Lužytė, 211
M
Johnny Ma, 44
Damien Manivel, 181
Chris Marker, 218
Raffaello Matarazzo, 77-80
250
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Jim McBride, 220
John Michael McDonagh, 66
Don McKellar, 226
Brillante Ma Mendoza, 48
Bogdan Mirică, 204
Andrea Molaioli, 60
Nanni Moretti, 81
Francesco Munzi, 83
N
Na Hong-Jin, 104
Garin Nugroho, 177
O
Dan O’Bannon, 239
William Oldroyd, 9
Michael O’Shea, 114
Nagisa Oshima, 71
P
Jean Painlevé, 145
Argyris Papadimitropoulos, 64
Fabrizio Paterniti Martello, 154
Chris Peckover, 112
Francesca Pedroni, 58
Arthur Penn, 89
Antonin Peretjatko, 47
Silvia Perra, 84
Ralitza Petrova, 203
Guillermina Pico, 122
Adam Pinney, 102
Amos Poe, 232
Jindřich Polák, 219
Jean-Daniel Pollet, 141
Gillo Pontecorvo, 85
Joel Potrykus, 99
Otto Preminger, 86
R
Titta Cosetta Raccagni, 146
Michael Radford, 224
Daniele Ragusa, 158
Lukas Valenta Rinner, 4
Ben Rivers, 188
João Pedro Rodrigues, 178
Dean Matthew Ronalds, 98
Chiara Ronchini, 52
Gary Ross, 39
Mauro Ruvolo, 131
S
Camilla Salvatore, 156
Gabriele Salvatores, 225
Logan Sandler, 46
Philip Scheffner, 124
Carlo Michele Schirinzi, 172
Daniele Segre, 53
Francesco Selvi, 159
Doug Seok, 14
Elisabetta Sgarbi, 45
Kōji Shiraishi, 111
Adrian Sitaru, 37, 42
Erik Skjoldbjærg, 110
Kevin Smith, 115
Sion Sono, 101
Penelope Spheeris, 237, 238
Steven Spielberg, 227
T
Danis Tanović, 61
Bertrand Tavernier, 223
Fabrizio Terranova, 147
Tião, 100
Filippo Ticozzi, 135
Saw Tiong Guan, 19
François Truffaut, 92
Wu Tsang, 187
V
Paul Verhoeven, 33
W
Ben Wheatley, 38
Sacha Wolff, 50
Sandra Wollner, 184
Joyce Wong, 67
Y
Ben Younger, 31
Philip Yung, 20
Z
Maurizio Zaccaro, 35
Gianni Zanasi, 82
Qiwu Zang, 8
ZimmerFrei, 138
251
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Indice dei film per nazione/
Index to films by countries
Algeria
Z, 70
Burkina Faso
Panke, 180
Argentina
Borra todo lo che dija del amor
porque no sabía bien quién era, 122
Decentes, Los, 4
Lindas, Las, 10
Cambogia/Cambodia
Australia
Austria
Decentes, Los, 4
Getraumten, Die - The Dreamed
Ones, 148
Unmögliche Bild, Das - The Impossible
Picture, 184
Bolivia
Nana, 127
Danimarca/Denmark
Bosnia ed Erzegovina/
Bosnia and Herzegovina
Egitto/Egypt
INDICI/
INDEX
Cile/Chile
Jesús, 7
Última tierra, La, 213
Corea del Sud/South Korea
Decentes, Los, 4
Goksung - The Wailing, 104
Bulgaria
Câini - Dogs, 204
SOMMARIO
Cecoslovacchia/Czechoslovakia
Ikarie XB 1 - Voyage to the End
of the Universe, 219
Belgio/Belgium
Crackup at the Race Riots, A, 170
Daguerrotype - The Woman
in the Silver Plate, 171
Donna Haraway: Story Telling
for Earthly Survival, 147
Exit/Entry, 173
Fils de Joseph, Les, 174
Go Home, 206
Kazarken, 125
Wrong Elements, 144
Brasile/Brazil
Animal político, 100
Ornitólogo, O, 178
252
Canada
Avant les rues, 2,
Last Night, 226
Lavender, 106
We Make Couples, 152
Wexford Plaza, 67
Cina/China
Juan Zeng Zhe - The Donor, 8
Colombia
Sol negro, 129
Estonia
Polaarpoiss - The Polar Boy, 208
Filippine/Philippines
Ma’ Rosa, 48
Finlandia/Finland
Deadweight, 205
Francia/France
Amours de la pieuvre, Les, 145
en l’an 2000, 219
Apprentice, 202
Attaque, 120
Avenir, L’, 29
Câini - Dogs, 204
Challenge, The, 186
Deang - Ta’ang, 141
Dernier combat, Le , 224
Derniers parisiens, Les, 5
Donna Haraway: Story Telling for Earthly
Survival, 147
Elle, 33
Fantasmata planiountai pano apo
tin Europi - Spectres Are Haunting
Europe, 123
Femme aux cent visages, La, 142
Fils de Jean, Le, 36
Fils de Joseph, Les, 174
Fixeur, 37
Go Home, 206
Hunchback, The, 188
Jesús, 7
Jetée, La 218
Jules et Jim, 92
Kazarken, 125
Last Night, 226
Loi de la jungle, La, 47
Marie et les naufragés, 49
Mercenaire, 50
Mort en direct, La 223
Mr Freedom, 220
Nirvana, 225
253
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Ornitólogo, O, 178
Out of Love, 207
Parc, Le, 181
Parle-moi encore, 143
Porto, 13
Rester vertical, 57
Sam Was Here, 113
Sarah Winchester, Opéra fantôme, 183
Sol negro, 129
TanjaTales, 166
Tombé du ciel, 212
Vies de Thérése, Les, 151
Voyage au Groenland, Le, 65
Wrong Elements, 144
Z, 70
Germania/Germany
Apprentice, 202
Avenir, L’, 29
Deadweight, 205
Elle, 33
Ernste Spiele I: Watson ist Hin Serious Games I: Watson Is Down/
Ernste Spiele II: Drei Tot - Serious Games
II: Three Dead, 199
Gegen-Musik - Counter-Music, 198
Havarie, 124
Ich Glaubte Gefangene zu Sehen I Thought I Was Seeing Convicts, 197
Auge Maschine II - Eye Machine II, 197
Panke, 180
Reise mit Vater, Die, 209
Schnittstelle - Interface Ausdruck
der Hände, Der - The Expression
Of Hands, 196
Suntan, 64
Unmögliche Bild, Das - The
Impossible Picture, 184
Warm Arbeiter Verlassen die Fabrik Workers Leaving the Factory, 195
Germania/Germany
Wir Sind die Flut - We Are the Tide, 16
Wrong Elements, 144
Zur Bauweise des Films bei Griffith - On
Construction of Griffith’s Films, 198
Giappone/Japan
Antiporno, 101
Batoru Rowaiaru - Battle Royale, 226
Out There, 179
Sadako Vs Kayako, 111
Grecia/Greece
Fantasmata planiountai pano apo
tin Europi - Spectres Are Haunting
Europe, 123
Suntan, 64
Hong Kong
Apprentice, 202
Daap Hyut Cam Mui - Port of Call, 20
Duilian, 187
Pseudo Secular, 182
Wind, 19
India
Raman Raghav 2.0 - Psycho Raman, 56
Indonesia
Nyai - A Woman from Java, 177
Israele/Israel
Me’ever laharim vehagvaot - Beyond
the Mountains and Hills, 175
Omor shakhsiya - Personal Affairs, 54
Italia/Italy
Ab Urbe Coacta, 131
Anticipation, ou l’amour en l’an 2000,
219
A pugni chiusi, 132
Belle prove, Le, 82
Bitter Story, A, 133
Blow-Up, 90
254
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Challenge, The, 186
Chi mi ha incontrato, non mi ha visto, 103
Colossale sentimento, 140
Diario Blu(e), 146
Eclisse senza cielo, 172
Ex voto, 154
Felicità umana, La, 35
Figli della notte, I, 6
Finestra, La, 84
Giovanna, 85
Gipo, lo zingaro di Barriera, 68
Giuseppe Verdi, 79
Hidden Photos, 134
Il futuro di Era, 155
In punto di morte, 75
In tempo per modifiche temporali, 157
Last Ship, 158
Lingua dei furfanti, La, 45
Littoria, 77
Lontano Ovest, 159
Maschera del demonio, La, 108
Mazzamma, ’A, 160
Moo Ya, 135
Mussolinia di Sardegna, 78
Nastassia, 83
Nave delle donne maledette, La, 80
Nessuno ci può giudicare, 52
Nirvana, 225
Nome di battaglia donna, 53
Notturno, 161
Nuova Zita, 162
Onikuma, 163
Palombella rossa, 81
Parenti tutti, I, 73
Pro loco, 136
Redenzione, 164
Roberto Bolle. L’Arte della Danza, 58
Sadie, 69
Saro, 137
Slam - Tutto per una ragazza, 60
Sono Guido e non Guido, 62
Studio, 165
Un inferno, 156
Ville engloutie, La, 138
Voce del verbo morire, 74
Libano/Lebanon
Go Home, 206
Doors, 126
Tombé du ciel, 212
Lituania/Lithuania
Malesia/Malaysia
Wind, 19
Marocco/Morocco
TanjaTales, 166
Messico/Mexico
Norvegia/Norway
Pyromanen - Pyromaniac, 110
Nuova Zelanda/New Zeland
Paesi Bassi/The Netherlands
Boi, Song of a Wanderer, 121
Out of Love, 207
Redenzione, 164
Polonia/Poland
Porto, 13
255
SOMMARIO
Repubblica Federale Tedesca/FRG
en l’an 2000, 219
Bild, Ein - An Image, 194
Bilder der Welt und Inschrift
des Krieges - Images of the World
and the Inscription of War, 195
Mort en direct, La, 223
Nicht Löschbares Feuer Inextinguishable Fire, 194
Romania
Câini - Dogs, 204
Fixeur, 37
Reise mit Vater, Die - That Trip We Took
with Dad, 209
Serbia
Vetar - Wind, 15
Portogallo/Portugal
Hunchback, The, 188
Porto, 13
Terceiro Andar, 150
Singapore
Apprentice, 202
Qatar
Apprentice, 202
Câini - Dogs, 204
Siria/Syria
Doors, 126
Regno Unito/UK
Blow-Up, 90
Spagna/Spain
INDICI/
INDEX
Free Fire, 38
If…., 91
Jubilee, 235
Lady Macbeth, 9
1984, 224
Nirvana, 225
Rollerball 222
Romeo and Juliet, 59
Sid & Nancy, 240
War on Everyone, 66
Svezia/Sweden
Svizzera/Switzerland
Go Home, 206
Taiwan
Out There, 179
Tunisia
Ungheria/Hungary
Usa
Alchemist Cookbook, The, 99
Alice’s Restaurant, 89
Arbalest, The, 102
Artificial Intelligence: AI, 227
Author: The JT LeRoy Story, 139
Between Us, 30
Blank Generation, The, 234
Decline of Western Civilization, The, 237
Bleed for This, 31
Blow-Up, 90
Boy and His Dog, A, 221
Christine, 3
Deer Hunter, The, 72
Demon Seed, 223
Duilian, 187
Free State of Jones, 39
Glen and Randa, 220
Intolerance, 76
Kate Plays Christine, 43
King Cobra, 105
Lavender, 105
Live Cargo, 46
Love Witch, The, 107
Onikuma, 163
Operation Avalanche, 109
Porto, 13
Rat Film, 128
Return of the Living Dead, The, 239
Rock’n’Roll High School, 236
Rollerball, 222
Sam Was Here, 113
#Screamers, 98
256
SOMMARIO
INDICI/
INDEX
Sleeper, 221,
Stepford Wives, The, 222
Strawberry Statement, The, 93
Suburbia, 238
Suitcase of Love and Shame, 149
Transfiguration, The, 114
Where the Sidewalk Ends, 86
Yoga Hosers, 115

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