5A-Clil_2015

OUR C.L.I.L.
(Content and Language Integrated
Learning)
Class 5^A
School Year: 2015/2016
Prof. Eutimio Ruffo Tarzia
Prof.ssa Adele Fidelibus
Claude Monet was the founder of French impressionist painting. The term Impressionism is derived from
the title of his painting Impression, Sunrise.
Monet was born on November 14, 1840 in Paris. On the beaches of Normandy in 1856 he met the artist
Eugène Boudin who became his mentor and taught him to use oil paints. Boudin taught Monet “en plein
air” (outdoor) techniques for painting.
Monet was in Paris for several years and met several painters who became his friends and follow
impressionists as Eduard Manet. In 1862 Monet became a student of Charles Gleyre in Paris where he
learned new effects of light en plein air with broken colors and rapid brushstrokes. In 1872 he painted
Impression, Sunrise depicting a Le Havre landscape. Monet and his wife Camille moved into a house in
Argenteuil near the Seine River and later in 1873 they moved to Giverny. Monet was exceptionally fond
of nature’s painting: his own gardens in Giverny with its water lilies, pond and bridge. Monet travelled to
Mediterranean, where he painted landscapes and seascapes especially in Venice and in London. Monet died
of lung cancer on December 5, 1926 and he is buried in Giverny church cemetery.
Claude Monet fu il fondatore della pittura impressionista francese. Il termine impressionismo deriva dal titolo del suo
dipinto Impressione Sole Nascente. Monet nacque il 14 Novembre 1840 a Parigi. Sulle spiagge della Normandia nel 1856
incontrò l’artista Eugène Boudin che divenne il suo mentore e gli insegnò l’uso della pittura ad olio. Egli insegnò a Monet
anche le tecniche di pittura “en plein air”. Monet visse a Parigi per molti anni e incontrò molti pittori che divennero suoi
amici e che seguirono gli impressionisti come Eduard Manet. Nel 1862 Monet divenne uno studente di Charles Gleyre a
Parigi dove imparò nuovi effetti di luce en plein air con colori spezzati e pennellate rapide . Nel 1872 dipinse Impressione sole
nascente, un paesaggio di Le Havre. Monet e sua moglie Camille si trasferirono in una casa a Argenteuil vicino al fiume Senna,
e in seguito nel 1873 si trasferirono a Giverny. Monet adorava dipingere la natura: I suoi Giardini di Giverny con le sue
ninfee, laghetti e il ponte. Monet viaggiò nel Mediterraeo dove dipinse paesaggi marini specialmente a Venezia e a Londra.
Monet è morto di cancro ai polmoni il 5 dicembre 1926 e sepolto nel cimitero della Chiesa di Giverny.
CLAUDE MONET
(1840-1926)
Claude Monet’s Impression, Sunrise is the symbol of the Impressionist Movement. The most significant aspect of this painting is its credit with
giving the Impressionist Movement its name. When the painting was first shown to the public in L'Expositiondes Révoltés(an exhibition
independent of the Salon), a critic, named Louis Leroy, judgmentally entitled his article “Exhibition of the Impressionists”.In Impression, Sunrise
Monet seeks to transcribe the feelings initiated by a scene rather than simply rendering the details of a particular landscape. This work of art
presents a focus on the calm feeling of a misty maritime scene: slightly below the center of the painting, a small rowboat with two indistinct figures
floats in the bay. The early morning sun is depicted rising over the foggy harbourwith ships and other various boats at port. The shadows of the
boats, the figures and the reflection of the sun’s rays can be seen on the water’s surface. The usage of bright colors draws attention to the
protagonist of the painting, the sun. Numerous vertical elements can be found throughout this misty landscape. On the left of the canvas, a fourmastedclipper ship enters the harbor while smoke-stacks of steamboats fill the atmosphere. Heavy machinery can be detected on the right side of
the painting. Monet incorporates a palette of mostly cold colors into the painting with blues and grays, but also includes touches of warm colors.
Short, thick strokes of paint are applied to the canvas to quickly capture the essence of the subject. Colors are placed side byside and are mixed by
the viewer's eye. This technique is evident in the sky and in the water. In the painting impressions were used to capture natural effects and the
emotions radiated by an outdoor scene. Lastly, Impressionist painters consigned heavy emphasis on natural light that can be detected throughout
Monet's work. To achieve this natural light, he often mixed his pigments with large amounts of white. Claude Monet used to paint through
different phases, he used to say: “Anyone who says he has finished a canvas is terribly arrogant”.
Impressione sole nascente di Monet è il simbolo del movimento Impressionista. L’aspetto più significativo di questo dipinto è il suo merito nell’aver dato al movimento
impressionista il suo nome. Quando il dipinto fu esposto al pubblico per la prima volta, nel Salon dei Rifiutati (un’esposizione indipendente dal Salon ufficiale), un critico,
chiamato Louis Leroy, intitolò il suo articolo “Esibizione di impressionisti”. In “Impressione sole nascente”, Monet cerca di descrivere i sentimenti suscitati da una scena,
piuttosto che rendere semplicemente i dettagli di un particolare paesaggio. Quest’opera d’arte si concentra sul senso di calma di una nebbiosa scena marittima: appena
sotto il centro del dipinto, una piccola barca a remi, con due figure indistinte che galleggia nella baia. Il sole mattutino è dipinto mentre sorge sul porto nebbioso, con
navi e altri tipi di barche nel porto. Le ombre delle barche, le figure e il riflesso dei raggi del sole, possono essere viste sulla superficie dell’acqua. L’uso di colori luminosi
indirizza l’attenzione verso il sole, protagonista del dipinto. Numerosi elementi verticali possono essere trovati in tutto questo paesaggio nebbioso. Sulla sinistra della
tela, un veliero con quattro alberi entra nel porto, mentre il vapore delle navi riempie l’atmosfera. I macchinari pesanti sono visibili sulla destra del dipinto. Monet
utilizza una tavolozza di colori prevalentemente freddi con varie sfumature di blu e di grigio, ma include anche tocchi di colori caldi. Brevi e dense pennellate sono
applicate sulla tela per catturare velocemente l’essenza del soggetto. I colori sono collocati fianco a fianco e sono mischiati dall’occhio dell’osservatore. Questa tecnica è
evidente nel cielo e nell’acqua. Nel dipinto le impressioni sono usate per catturare effetti naturali e emozioni suscitate da una scena all’aperto. Infine, i pittori
impressionisti conferivano una forte enfasi sulla luce naturale che può essere rintracciata in tutto il lavoro di Monet. Per ottenere questa luce naturale, spesso mischiava i
suoi pigmenti con grandi quantità di bianco. Claude Monet dipingeva attraverso diverse fasi, era solito dire: “Chiunque dica di aver finito una tela, è terribilmente
arrogante”.
Claude Monet
Impression, Sunrise
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Musée Marmottan Monet,
Parigi
Date: 1872
Material and Tecnique: Oil on
Canvas
Among Claude Monet’s contributions to the third Impressionist exhibition in 1877 there was a
groundbreaking group of seven paintings of Gare St.-Lazare, the famous Parisian train station
serving the suburbs along the Seine valley, as well as Normandy and Brittany. Installed together in one
room, these works constituted Monet’s first series, a deliberate attempt to explore in multiple canvases
a single subject at different times of day and under various atmospheric conditions.
Monet established this apparently straightforward composition by balancing the left-of-center peak of
the shed over a train that thunders in toward the right. Order and disorder, in equal measure, pervade
both the surface of the canvas and the scene itself; legend has it that Monet persuaded a station master
to load standing engines with coal so that they would generate steam for him to portray. Thus, the
landscape evoked the controlled chaos of the urban environment, and of modernity itself.
Tra i contributi di Monet alla terza esibizione del 1877 c’era un innovativo gruppo di sette quadri della famosa stazione
ferroviaria parigina di Gare St.-Lazare, che offriva servizio ai sobborghi lungo la valle della Senna così come in
Normandia e in Bretagna. Posti insieme in un’unica stanza, questi lavori costituirono le prime serie di Monet, un
tentativo intenzionale di esplorare in più tele un singolo soggetto in diversi momenti della giornata e in diverse
condizioni atmosferiche. Monet stabilì questa composizione apparentemente lineare bilanciando la parte sinistra del
picco centrale del capannone su un treno che irrompe verso destra. Ordine e disordine, in ugual misura, pervadono sia
la superficie della tela che la superficie stessa. La leggenda narra che Monet persuase un capo-stazione di caricare i
motori in funzione con carbone così che essi generassero il fumo per la sua rappresentazione. Così il paesaggio evocò il
caos controllato dell’ambiente urbano e la modernità stessa.
C. Monet (1840-1926)
The Arrival Of The
NormandyTrain:
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Cambridge Fogg Museum,
Massachussetts
Date: 1877
Material and Technique:
Oil on Canvas
This is an impressionist work by Claude Monet completed in 1867. Setting in SainteAdresse, the artist painted several landscapes in the garden of his cousin’s estate, of which,
Woman in the Garden represents his wife.
The three principal objects are: Jeanne-Marguerite, the central white tree in bloom, with
red flowers underneath, and the yellower tree to the right with their shadows. In this
painting is evident the importance that Impressionist artist gives to colors and light. For
example in the reds of the flower bed that complement the greenery, in the shades of blue
of the shadows, instead of the black because Impressionists don’t use black and white in
their works.
The light illuminates principally the woman in the left dressed in the fashion of the day.
Moreover the painting shows that the painter wants to register not the actual color of
objects but the impression which can be seen at the given instant outdoor, directly from
nature.
Questo è un quadro impressionista di Claude Monet completato nel 1867. Stabilitosi a Sainte-Adresse, l’artista dipinse
numerosi paesaggi nel giardino della proprietà di suo cugino come La Donna nel Giardino che rappresenta sua moglie. I
tre soggetti principali sono: Jeanne-Marguerite, l’albero bianco in fiore situato al centro, con fiori rossi al di sotto, e l’albero
tendente al giallo sulla destra con le rispettive ombre. In questo dipinto è evidente l’importanza che l’artista impressionista
dà ai colori e alla luce. Per esempio nei rossi del letto di fiori che rappresentano il complementare del verde, nelle sfumature
del blu e delle ombre invece del nero poiché gli impressionisti non usano il nero e il bianco nei loro lavori. La luce illumina
principalmente la donna sulla sinistra vestita con abiti del tempo. Infine il dipinto mostra che il pittore vuole mettere in
luce non i colori reali degli oggetti ma l’impressione percepita in un dato istante, direttamente dalla natura.
Claude Monet (1840-1926)
Woman in the garden,
Sainte-Adresse
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Hermitage Museum,
Saint Petersburg
Date: 1867
Material and Technique:
Oil on Canvans
Monet painted with oil paints on canvas and “en plein air” (painting outdoors) that was one of the most important
features of his works.
The painting Woman with a Parasol belongs to a series of paintings which Monet produced during the summers of 1875
and 1876. The landscape background of painting is the garden of Monet’s second home in Argenteuil. Monet’s wife
Camille with his son Jean served as models for this painting. This scene depicts Camille, dressed in a voluminous white
dress and a veiled hat carrying a parasol. She is standing on a green hill , silhouetted against a dazzling blue sky; his son is
standing of in the background in the field. Monet captures the fleeting effects of the sunlight, using shades of dark and
light colors to indicate shadows. The grass is created with abbreviated, quick and strong strokes of varying sized; while
the posture of the lady as well as aspects of the skirt gives the impression that she turns on the left and gives the
impression of movement. The horizon line is low in order to make the lady as the main figure: the woman, the parasol
and the boy form a pyramid scheme which gives balance to the whole painting.
Monet dipinse con colori ad olio su tela all’aperto, il che è stata una delle caratteristiche più importanti dei suoi lavori. Il dipinto
La Donna con il Parasole fa parte di una serie di dipinti che Monet ha prodotto durante l’estate del 1875-1876. Il paesaggio sullo
sfondo del dipinto è il giardino della sua seconda casa ad Argenteuil. Camilla, moglie di Monet, e suo figlio Jean fungevano da
modelli per questo dipinto. La scena raffigura Camilla, vestita con un voluminoso abito bianco e un cappello con veletta tenendo in
mano un parasole. Lei si trova su una collina verde, stagliata contro un abbagliante cielo blu; suo figlio è in piedi sullo sfondo nel
campo. Monet cattura i fugaci effetti della luce del sole, usando sfumature di colori scuri e chiari per indicare le ombre. L’erba è
creata con pennellate brevi, veloci, forti e di diversa misura; mentre la postura della donna così come la posizione della gonna dà
l’impressione che lei si giri verso sinistra e che sia in movimento. La linea dell’orizzonte è bassa in modo da rendere la donna la
figura principale: la donna, il parasole e il ragazzo formano uno schema piramidale che dà equilibrio all’intero dipinto.
Claude Monet(1840-1926)
Woman with a Parasol :
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National Gallery of Art
Date:1875/1876
Material and Technique:Oil on
Canvans
Georges Seurat was born in Paris December 2, 1859. Seurat began to take a serious interest in art as a boy
and was encouraged by informal lessons from his maternal uncle, Paul Haumonté, a textile dealer and
amateur painter. Seurat's formal training began around 1875, when he entered the local municipal art
school under the sculptor Justin Lequien. Seurat attended the Academy from February 1878 until
November 1879. Seurat became interested in color theories and the science of optics that became central
to his thinking and practice as a painter. Chevreul's discovery became one of the bases for Seurat's
Divisionist technique. Seurat began to apply his theoretical research to compositions executed between
1881 and 1884, culminating in his first major painting project, the “Bathers at Asnières” (1884). Seurat
began work on “Sunday Afternoon on the Island of La Grand Jatte”, a painting that took him two years to
be completed. In the winter of 1885-86 he reworked the painting in the technique that he called "chromoluminarism", also known as “Divisionism” or “Pointillism”. This technique uses dots of contrasting color
that, when viewed at a distance, interact to create a luminous, shimmering effect. While Seurat was at work
painting The Circus, he felt suddenly ill and died on March 26.
Georges Seurat nacque a Parigi il 2 dicembre del 1859. Seurat iniziò ad interessarsi seriamente all’arte da ragazzo e fu incoraggiato dalle
lezioni dallo zio materno, Paul Haumonté, un commerciante di tessuti e pittore amatoriale. La preparazione formale di Seurat iniziò attorno
al 1875, quando si iscrisse alla scuola d’arte municipale sotto lo scultore Justin Lequien. Seurat frequentò l’accademia dal febbraio 1878 fino
a novembre del 1879. Iniziò ad interessarsi alle teorie sul colore e alla scienza dell’ottica che divennero parte centrale del suo pensiero e
della sua pratica in ambito pittorico. La scoperta di Chevreul divenne una delle basi su cui si fonda la tecnica divisionista di Seurat. Egli
iniziò ad applicare la sua ricerca ad opere eseguite tra il 1881 e il 1884, culminando nel suo primo grande progetto di pittura, i “Bagnanti a
Asnières” (1884).Seurat iniziò a lavorare ad “Una Domenica Pomeriggio sull’Isola della Grand Jatte”, che portò a termine in due anni.
Durante l’inverno del 1885-86 rielaborò il dipinto secondo la tecnica che lui definì “Cromoluminismo”, anche conosciuta come
“Divisionismo” o “Puntinismo”. Questa tecnica utilizza punti di colore, fra loro contrastanti che, visti da una certa distanza, interagiscono
creando un effetto di luminosità e brillantezza. Mente Seurat stava lavorando sul Circo , si sentì male improvvisamente e morì il 26 marzo.
G. SEURAT
(1859-1891)
Seurat and other neo-Impressionists favor scenes from modern life; unlike the Impressionists, works such as
Bathers at Asnieres are preceded by many drawings and sketches, witnessing Seurat’s classical training. The
painter works up this painting using the divisionist technique known as Pointillism. The painting has a clear
and bright tonality; the bridge in the distance shimmers in the haze, a result of the heat and smoky factory
chimneys clouding the atmosphere. The figures of the workers enjoying the water, resting on the riverbank,
are real. Thus, next to the lit sides of the boys’ bodies, where the flesh takes on an orange pink hue, the
intensity of the blue in the water is darkened while the sides of the bodies are lightened. This can be
particularly observed in the figure of the boy in the orange hat. This effect is sometimes referred to as
irradiation, a phenomenon of light that makes objects stand out from one another. In the brilliant green
grass of the riverbank there are strokes of the complementary colors, red with hues of pink.
Seurat e altri neo-impressionisti privilegiano scene di vita contemporanea; al contrario degli Impressionisti, opere come Bagnanti ad Asnieres
sono preceduti da molti schizzi e disegni, testimonianza del metodo di lavoro di Seurat. Il pittore lavora su questo dipinto usando la tecnica
divisionista conosciuta come Puntinismo. Il dipinto ha una tonalità chiara e vivace; il ponte in lontananza brilla nella foschia, una conseguenza
del calore e del fumo delle ciminiere delle che offuscano l’atmosfera. Le figure dei lavoratori che godono dell’acqua, riposando sulla riva, sono
reali. Così, vicino ai contorni luminosi dei corpi dei ragazzi, dove l’incarnato prende delle sfumature sul rosa aranciato, nell’acqua l’intensità
del blu è oscurato mentre i contorni dei corpi sono illuminati. Questo può essere particolarmente osservato nella figura del ragazzo con il
cappello arancione. Questo effetto è alcune volte definito come un’irradiazione, un fenomeno di luce che permette agli oggetti di risaltare
l’uno sull’altro. Nel prato verde brillante della riva ci sono pennellate di colori complementari, rosso con sfumature di rosa.
G. Seurat (1859-1891)
Bathers at Asnieres:
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London, National Gallery
Date: 1883-1884
Material and Technique: Oil
on Canvans
A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatteis one of Georges Seurat's most famous works, and is an example of pointillism.
With La Grande Jatte, Seurat was immediately acknowledged as the leader of a new and rebellious form of Impressionism called NeoImpressionism.
Seurat spent over two years painting A Sunday Afternoon, focusing meticulously on the landscape of the park. He completed numerous
preliminary drawings and created numerous sketches of the various figures in order to perfect their form. He concentrated on the issues of
colour, light, and form. Inspired by the color theories of Chevreul, Seurat contrasted miniature dots or small brushstrokes of colors that
when unified optically in the human eye are perceived as a single shade. He believed that this form of painting, called divisionismat the time,
but now known as pointillism, would make the colors more brilliant. As a painter, he wanted to make a difference in the history of art and
with La Grand Jattesucceeded.
The island of la Grande Jatte is located at the very gates of Paris lying in the Seine. The island was a bucolic retreat far from the urban
center. Every figure on La Grande Jatte appears to be cast in shadow, either under trees or an umbrella, or from another person. For
Parisians, Sunday was the day to escape from the heat of the city. The viewer sees many different people relaxing in a park by the river. On
the right, a fashionable couple, the woman with the parasol and the man in his top hat, are having a walk. On the left, another woman who is
also well dressed extends her fishing pole over the water. There is a small man with the black hat and thin cane looking at the river, and two
soldiers standing to listen to a musician.
Una domenica pomeriggio nell’ Isola della La Grande Jatte è una delle opere più famose di Georges Seurat, ed è un esempio di Puntinismo.
Con La Grande Jatte Seurat è stato subito riconosciuto come il leader di una forma nuova e ribelle dell’Impressionismo chiamato NeoImpressionismo.
Seurat impiegò oltre due anni per dipingere Una Domenica Pomeriggio, focalizzandosi meticolosamente sul paesaggio e il parco. Egli completò
numerosi disegni preliminari e creò numerosi schizzi delle varie figure per perfezionare la loro forma. Si è concentrato sulle tematiche di colore,
luce e forma. Ispirato dalla teoria del colore di Chevreul, Seurat mise in contrasto piccole macchie e pennellate di colore che, grazie alla
ricomposizione retinica, vengono percepite come una singola tonalità. Egli riteneva che questo modo di dipingere, chiamato in quegli anni
divisionismo, ma ora conosciuto come puntinismo, avrebbe reso i colori più brillanti. Come pittore, egli voleva essere un innovatore nella storia
dell’arte e ciò avvenne con La Grand Jatte.
L’isola La Grande Jatte è situata nell’immediata periferia di Parigi sulla Senna. L’isola era un rifugio bucolico lontano dal centro urbano. Ogni
figura ne La Grand Jatte sembra essere posta nell’ombra, o sotto gli alberi o un ombrello, o messa in ombra da un’altra persona. Per i parigini, la
domenica era il giorno per fuggire dal caldo della città. L’osservatore vede diverse persone che si rilassano in un parco in prossimità del fiume.
Sulla destra, una coppia alla moda, la donna con il parasole e l’uomo con il cappello, stanno passeggiando. Sulla sinistra, un’altra donna anch’essa
ben vestita stende la sua canna da pesca sull’acqua. C’è un piccolo uomo con un cappello nero e una sottile canna che guarda il fiume, e due soldati
in piedi ad ascoltare un musicista.
Georges Seurat (1859-1891)
A Sunday Afternoon on
the Island of La Grande
Jatte
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Art Institute, The Helen Birch
Bartlett Memorial Collection,
Chicago
Date:1883-1885
Material and Technique: Oil on
Canvans
Born in Paris in 1848. At the age of seventeen, he began to travel by sea touching the most
important ports in the world; After his discharge he settled in Paris working as a
stockbroker. Eager for a simple life, primitive, free and without conditions, moved to Britain
in 1888 and lived for a short time in Arles together with Vincent Van Gogh.
Then he sold everything and moved to Tahiti (Polynesia) where resisted only two years
and in July 1895 he left for his final last trip to Tahiti and the Marquesas Islands (French
Polynesia), where he died on May 8, 1903 at the age of 54.
Nato a Parigi nel 1848. All’età di diciassette anni, iniziò a viaggiare per mare toccando i
più importanti porti del mondo; dopo il congedo si stabilì a Parigi lavorando come agente
di cambio. Desideroso di una vita semplice, primitiva, libera e senza condizionamenti, si
trasferì in Bretagna e nel 1888 visse per un breve periodo ad Arles assieme a Vincent
Van Gogh. Vendette poi tutto per trasferirsi a Tahiti (Polinesia) dove resistette solo due
anni e nel luglio 1895 partì per il suo ultimo definitivo viaggio per Tahiti e le Isole
Marchesi (Polinesia), dove morì l’8 maggio 1903 all’età di 54 anni.
PAUL GAUGUIN
(1848-1903)
Paul Gauguin (1848-1903)
The Yellow Christ is a strong example of Cloisonnisme, a style characterized by dark contours
and bright areas of color separated by bold outlines. The painting’s predominant image, the
crucified Christ is evident but Gauguin places the scene in the north of France during the season
of Autumn and the women in 19th-century garb gather at the foot of the cross. Constructed of
flat planes, intense colors and bold circumscribing lines, the Yellow Christ is the most
representative painting of Gauguin’s early “synthetic” period. The colors are bright, but the
starkness of the Breton landscape is conveyed. The women are gentle but their peasant force is
evident. The costumes are accurate, the light is the cold light of Britany, the field contains
harmonies of green, yellow and rust.
Il Cristo Giallo è un significativo esempio di Cloisonnisme*, uno stile caratterizzato da contorni scuri e
vivaci aree di colore separate da line spesse. L’immagine predominante del dipinto, il Cristo crocifisso è
evidente ma Gauguin ambienta la scena nel nord della Francia durante la stagione autunnale e le donne
in abiti tradizionali si radunano ai piedi della croce. Costruito su piani piatti, colori intensi e linee spesse
circoscritte, Il Cristo Giallo è il dipinto più rappresentativo del primo periodo sintetista di Gauguin. I
colori sono vivaci, ma nel contempo esprimono la desolazione del paesaggio Bretone. Le donne sono
gentili ma la loro forza contadina è evidente. I costumi sono precisi, la luce è la luce fredda della
Bretagna, il campo contiene armonie di verde, giallo e ruggine.
*Consiste nello stendere il colore uniformemente in zone ben delimitate da contorni spessi e scuri, con effetti simili a quelli dello
smalto cloisonnè e delle vetrate medievali, in cui ogni tassello vitreo di colore è delimitato da un bordo metallico
The Yellow Christ:
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Buffalo, Albright-Knox Art
Gallery
Date:1889
Material and Technique:
Oil on Canvans
Van Gogh was born to religious upper middle class parents, in fact from 1879 he was a
missionary in a mining region in Belgium where he sketched people from the local
community. His first masterpiece was The Potato Eaters in 1885. In 1886 he moved to Paris
and met the French Impressionists. Later, in 1888 he moved to the south of France (Arles) and
was inspired by the region's strong sunlight. In this period, he began to show signs of his
mental illness.
Van Gogh moved to Auvers where he rented a room in 1890.
In July 1890, van Gogh went out to paint in the morning as usual, but he carried a loaded
pistol. He shot himself in the chest "for the good of all", but the bullet did not kill him. He was
found bleeding in his room.Van Gogh was taken to a nearby hospital andTheo arrived to help
his brother. On July 29, 1890,Vincent van Gogh died in the arms of his brother.
Van Gogh nacque in una famiglia religiosa dell’alta borghesia, infatti dal 1879 egli fu un missionario in una regione di minatori in Belgio
dove fece degli schizzi su delle persone della comunità locale. Il suo primo capolavoro fu “I mangiatori di patate” del 1885. Nel 1886, si
trasferì a Parigi e incontrò gli Impressionisti francesi. Più tardi, nel 1888 si trasferì nel sud della Francia(Arles) e fu ispirato dalla forte luce
solare della regione. In questo periodo iniziò a mostrare i segni della sua malattia mentale. Van Gogh si trasferì ad Auvers dove affittò una
camera nel 1890. Nel luglio dello stesso anno, Van Gogh una mattina uscì a dipingere come al solito ma portò con sé una pistola carica. Si
sparò al petto “per il bene di tutti”, ma il proiettile non lo uccise. Fu trovato sanguinante nella sua camera. Van Gogh fu portato presso un
vicino ospedale e Theo giunse in soccorso del fratello. Il 29 luglio del 1890, Vincent Van Gogh morì tra le braccia del fratello.
Vincent Van Gogh
1853-1890
The Potato Eaters, completed in 1885, is considered to be Van Gogh's first great work of art. The painting
depicts 5 figures sitting around a square table eating potatoes; three of them are females and two males. The
subject matter is realistic and naturalistic as it depicts the ordinary life of five peasants. The woman on the
extreme right of the painting is pouring a brew similar to coffee into the cups. All of them are wearing caps,
and thick and long clothing. They are in a dark room and the only light source comes from the oil lamp.
Although the painting is enveloped in darkness, dominated by dark and gloomy colors, the emotions on the
faces of the characters shine out brightly. Their figures are bony and coarse, as see from their hands that
stretch out to obtain the potatoes. The entire painting is monochromatic. The colors used are mainly dull
colors such as brown and black, giving a depressing and melancholy feeling. The colors used are realistic.
Earthy colors are chosen to illustrate the faces and hands of the peasants, to give the impression that they
worked hardly under the sun for long periods of time. The composition of the painting is carefully
arranged. The painting is almost symmetrical in the way the figures are positioned, as they are distributed
geometrically. The room is small and shabby and creates a sense of oppression. These factors also contribute
to the hushed and the dank atmosphere in the painting.
I Mangiatori di Patate, terminato nel 1885, è considerato il primo grande lavoro di Van Gogh. Il dipinto raffigura cinque figure sedute
intorno a un tavolo quadrato mentre mangiano patate; tre di loro sono donne e due maschi. Il soggetto è realistico e naturalistico in
quanto raffigura la vita semplice di cinque contadini. La donna all’estrema destra del dipinto sta versando nelle tazze un infuso simile
a caffè. Tutti indossano dei copricapo e abbigliamento spesso e lungo. Sono in una stanza buia e l’unica fonte di luce proviene da una
lampada a olio. Nonostante il dipinto sia avvolto nell’oscurità, dominato da colori scuri e cupi, le emozioni sui volti dei personaggi
sono chiaramente evidenti. Le figure sono ossute e grossolane, come si vede dalle loro mani che si protendono per prendere il cibo.
L’intero dipinto è monocromatico. I colori usati sono principalmente opachi come il marrone e il nero, dando una sensazione di
depressione e di malinconia. I colori della terra sono scelti per illustrare i volti e le mani dei contadini, per dare l’impressione che
abbiano lavorato duramente sotto il sole per lunghi periodi. La composizione del dipinto è accuratamente organizzata. Il quadro è
quasi simmetrico nel modo in cui sono posizionate le figure e per come sono geometricamente distribuite. La stanza è piccola e
malandata e crea così un senso di oppressione. Questi fattori contribuiscono anche al silenzio e all’atmosfera scura nel dipinto.
V.Van Gogh (1853-1890)
The Potato Eaters:
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Van Gogh Museum,
Amsterdam
Date: 1885
Material and Technique:
Oil on Canvas
V. Van Gogh(1853-1890)
Van Gogh painted this self-portrait in the winter of 1887-1888, when he had been living in Paris for nearly two years. Since
his arrival in the city he had devoted much study to the dotted Pointillist technique, thereby learning how he might apply it
in his own fashion. His use of brushstrokes running in a variety of directions created a self-portrait with a halo-like circle
round his head. This variation and the dynamics it created were Van Gogh’s own contribution to the new style of painting.
Vincent Willem van Gogh was notable for its rough beauty, emotional honesty and bold color and had a far-reaching
influence on 20th-century art. After years of painful anxiety and frequent bouts of mental illness, he died from a gunshot
wound, generally accepted to be self-inflicted (although no gun was ever found).
His work was then known to only a handful of people and appreciated by fewer still. The extent to which his mental health
affected his painting has been a subject of speculation since his death. Despite a widespread tendency to romanticize his ill
health, modern critics see an artist deeply frustrated by the inactivity and incoherence brought about by his bouts of illness.
Following his first exhibitions in the late 1880s, Van Gogh’s fame grew steadily among colleagues, art critics, dealers and
collectors. By the mid 20th century Van Gogh was seen as one of the greatest and most recognizable painters in history.
Van Gogh dipinse questo autoritratto nell’inverno del 1887/1888 quando viveva a Parigi da circa due anni. Sin dal suo arrivo in città egli si
dedicò molto allo studio della tecnica del tratteggio puntinista, imparando così il modo per applicarlo al suo stile. L’uso di pennellate veloci in
direzioni diverse crearono un ritratto con un cerchio simile ad un’aureola che circondava la sua testa. Questa variazione e le dinamiche che creò
erano il contributo dello stesso Van Gogh al nuovo stile di pittura. Van Gogh era noto per la sua bellezza grezza, onestà emotiva e l’uso di colori
accesi ed ebbe un’influenza di vasta portata nell’arte del ventesimo secolo. Dopo anni di dolorosa preoccupazione e frequenti periodi di insania
mentale, egli morì per una ferita da arma da fuoco, provocata dal pittore stesso (anche se nessuna pistola fu mai ritrovata). Il suo dipinto fu
conosciuto e apprezzato solo da una manciata di persone e apprezzata da un numero ancora più esiguo. La misura in cui la sua salute mentale
influenzò il suo dipinto è stata materia di speculazione sin dalla sua morte. Nonostante una tendenza molto diffusa a romanzare la sua salute
precaria, i critici moderni lo considerano un’artista profondamente frustrato dall’inattività e dall’incoerenza causata dalla sua malattia mentale.
Dalle sue prime esibizioni degli ultimi anni del 1880, la fama di Van Gogh crebbe costantemente tra i colleghi, i critici d’arte, commercianti e
collezionisti. A partire dalla metà del ventesimo secolo Van Gogh fu considerato come uno dei più grandi e più riconoscibili pittori nella storia.
Self Portrait with Grey
Feltr Hat:
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Amsterdam, Stedelijk
Museum
Date:1887
Material and Technique:Oil
on cardboard
Van Gogh(1853-1890)
The LangloisBridge at Arles with Women Washing is van Gogh's masterpiece of his Arles period. It depicts
common canal-side activities. A little yellow cart crosses the bridge while a group of women in smocks and
multicolored caps wash linen on the shore. Van Gogh skillfully uses his knowledge of color theory and the
"law of simultaneous contrasts" in this work. The grass is depicted with alternating brush strokes of redorange and green. Yellow and blue complementary colors are used in the bridge, sky and river. Use of
complementary colors intensifies the impact of each color. Compositionally, the vertical and horizontal
geometry of the bridge and its reflection in the water create a great central cross. This central geometric
framework is relieved and enlivened by the great sweep of the hill and shore. For The LangloisBridge at Arles
Van Gogh wants to create precise details of the bridge, such as the iron supports, braces and chain.
Il ponte di Langlois a Arles con le Donne che Lavano di Van Gogh è il capolavoro del suo periodo di Arles. Esso raffigura comuni
attività nei pressi di un canale. Un piccolo carro giallo attraversa il ponte mentre un gruppo di donne con dei grembiuli e
cappelli variopinti, lavano della biancheria sulla riva. Van Gogh usa abilmente la sua conoscenza della teoria del colore e la
"legge dei contrasti simultanei" nella sua opera. L'erba è dipinta con pennellate alternate di rosso-arancio e verde. I colori
complementari giallo e blu sono utilizzati nel ponte, nel cielo e nel fiume. L'uso dei colori complementari intensifica l'impatto
di ogni colore. Dal punto di vista compositivo, la geometria verticale e orizzontale del ponte e del suo riflesso sull’acqua
creano una croce centrale. Questa impalcatura geometrica centrale, è sollevata ed illuminata dal campo della collina e dalla
sponda. Per Il ponte di Langlois a Arles Van Gogh vuole creare i dettagli precisi del ponte, come i supporti di ferro, i pilastri e
la catena.
The Langlois Bridge:
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Kroller-Muller Museum, Otterlo
Date:1888
Material and Technique: Oil on
Canvans
Van Gogh's Wheatfield with Crows was painted in July 1890, in the last
weeks of Van Gogh’s life. Many considers it as his last painting.
Wheat Field with Crows depicts a dramatic, cloudy sky filled with
crows over a wheat field. A sense of isolation is heightened by a central
path leading nowhere and by the uncertain direction of flight of the
crows. The wheat field fills two thirds of the canvas. The crows are
used by van Gogh as a symbol of death and rebirth, or of resurrection.
Campo di grano con volo di corvi di Van Gogh venne dipinto nel luglio 1890, nelle ultime settimane
della vita di Van Gogh. Molti lo considerano il suo ultimo dipinto. Campo di grano con volo di
corvi presenta un cielo drammatico e nuvoloso pieno di corvi che volano al di sopra di un campo
di grano. Una sensazione di isolamento è suscitata dal sentiero centrale che non conduce da
nessuna parte e dalla direzione incerta del volo dei corvi. Il campo di grano riempie due terzi
della tela. I corvi sono usati da Van Gogh come un simbolo di morte e rinascita, o di
resurrezione.
Van Gogh
Wheatfield with Crows
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Van Gogh Museum, Amsterdam
Date: July, 1890
Material and tecnique: Oil on
canvas
Picasso was born in Malaga, Spain, in October of 1881. His father worked as an artist, and was also a professor at the school of fine arts. Pablo
Picasso studied under his father for one year, then went to the Academy of Arts and in 1901 he went to Paris, which he found as the ideal place to
practice new styles, and experiment with a variety of art forms. It was during these visits, which he began his work in cubism and surrealism
style and created many distinct pieces which were influenced by these art forms. During his stay in Paris, Pablo Picasso was constantly updating
his style; he did work from the blue period (1901-1904), the rose period (1904-1907), African influenced style (1907-1909),to cubism(1908-1912)
and since mid-1920 he became interested in surrealism. Not only he continually improved his style, and the works he created, he is well known
because of the fact that he had the ability to create in any style.
In 1937, after the German bombing of Guernica, he created a painting that was one of the most influential works of the time. This became his
most famous piece of art work . Guernica showed all the brutality of war and death.
Although his lifestyle, Pablo Picasso was admired by many, and was one of the most influential figures of twentieth century . With thousands of
pieces to his name, and art works which have been seen by millions, around the world, he has been a great influence to society, he has influenced
the art world, and he introduced many new styles of art, which helped shape modern art, and modern styles artists follow today.
Picasso nacque a Malaga(Spagna) nell’Ottobre del 1881. Suo padre lavorava come artista ed era inoltre professore della scuola delle belle arti. Pablo Picasso studiò
con suo padre per un anno, successivamente frequentò l’Accademia delle Arti e nel 1901 si recò a Parigi, città che egli considerava come il posto ideale per praticare
nuovi stili e sperimentare diverse forme d’arte. Fu durante queste visite che iniziò a lavorare secondo lo stile cubista e surrealista e creò diverse opere seguendo i
principi di queste forme d’arte.
Durante il suo soggiorno a Parigi, Picasso aggiornò costantemente il suo stile; operò seguendo diversi periodi: il periodo blu(1901-1904), il periodo rosa(1904-1907),
lo stile africano(1907-1909), il cubismo(1908-1912) e dalla metà del 1920 si interessò al surrealismo. Non solo migliorò continuamente il suo stile, e le sue opere, ma
ebbe anche l’abilità di dipingere in qualsiasi stile.
Nel 1937, dopo il bombardamento della città di Guernica da parte della Germania, Picasso dipinse uno dei lavori più importanti del tempo che diventò la sua opera
più famosa. Guernica mostrava tutte le brutalità della guerra e della morte.
Nonostante il suo stile di vita , Picasso fu ammirato da molti e fu una delle figure più influenti del Novecento. Con migliaia di opere, viste da milioni di persone in
tutto il mondo, ebbe una grande influenza sia sulla società sia sul mondo artistico introducendo nuovi stili che hanno aiutato a dare forma all’arte moderna e agli stili
moderni che gli artisti seguono oggi.
Pablo Picasso
(1881-1973)
In 1936, a civil war began in Spain between the democratic Republican government and fascist forces, led by General FranciscoFranco, attempting to overthrow
them. Picasso’s painting is based on the events of April 27, 1937, when Hitler’s powerful German air force, acting in supportof Franco, bombed the village of
Guernica in northern Spain, a city of no strategic military value.
This painting is not easy to decipher. Everywhere there seems to be death and dying. On the far left there is a woman, head back, screaming in pain and grief,
holding the lifeless body of her dead child. This is one of the most devastating and unforgettable images in the painting. Toher right we can see the head and
partial body of a large white bull, the only unharmed and calm figure amidst the chaos. Beneath her, a dead or wounded man with a severed arm and mutilated
hand clutches a broken sword. Only his head and arms are visible; the rest of his body is obscured by the overlapping and scattered parts of other figures. In the
center stands a terrified horse, mouth open screaming in pain, its side pierced by a spear. On the right are three more women. One rushes in, looking up at the
stark light bulb at the top of the scene. Another leans out of the window of a burning house, her long extended arm holding alamp, while the third woman
appears trapped in the burning building, screaming in fear and horror. All their faces are distorted in agony. Eyes are dislocated, mouths are open, tongues are
shaped like daggers. Picasso chose to paint Guernicain a stark monochromatic palette of gray, black and white. On first glance, Guernica’s composition appears
confusing and chaotic; The space is compressed and ambiguous with the shifting perspectives and multiple viewpoints characteristic of Picasso’s earlier Cubist
style. Images overlap and intersect, obscuring forms and making it hard to distinguish their boundaries. Bodies are distortedand semi-abstracted, the forms
discontinuous and fragmentary. There has been almost endless debate about the meaning of the images inGuernica. Questioned about its possible symbolism,
Picasso said it was simply an appeal to people about massacred people and animals. “In the panel on which I am working, whichI call Guernica, I clearly express
my abhorrence of the military caste which has sunk Spain into an ocean of pain and death.” The horse and bull are images Picassoused his entire career, part of
the life and death ritual of the Spanish bullfights he first saw as a child. Picasso said that the bull represented brutalityand darkness, adding “It isn’t up to the
painter to define the symbols“.
Nel 1936, iniziò una guerra civile in Spagna fra il governo Democratico Repubblicano e le forze fasciste, guidate dal Generale Francisco Franco. Il quadro di Picasso è basato sugli eventi del 27 aprile 1937, quando
la potente aviazione tedesca di Hitler, in supporto di Franco, bombardò il villaggio di Guernica nel nord della Spagna, una città di nessun valore strategico.
Questo quadro non è facile da decifrare. Sembra che ovunque ci sia morte. Sull’estrema sinistra c’è una donna con la testa all’indietro che urla dal dolore e dalla sofferenza, trattenendo il corpo senza vita della figlia
morta. Questa è una delle più devastanti ed indimenticabili immagini del quadro. Alla sua destra c’è la testa e una parte del corpo di un grande toro bianco, l’unica calma e disarmata figura nel mezzo del caos.
Accanto a lei un uomo morto o ferito con un braccio reciso e una mano mutilata che stringe una spada spezzata. Solo la sua testa e le sue braccia sono visibili; il resto del suo corpo è oscurato dalle parti sovrapposte e
sparpagliate di altre figure. Al centro del dipinto si erge un cavallo terrorizzato, con la bocca aperta, urlante per il dolore poiché trafitto da una lancia. Sulla destra ci sono altre tre donne. Una corre guardando verso
un lampadario posto in alto. Un’altra donna si sporge da una finestra di una casa che brucia con un braccio proteso che regge una lampada ad olio, mentre la terza donna sembra intrappolata nell’edificio che brucia,
urlando nella paura e dall’orrore. Tutte le loro facce sono distorte, in agonia. Gli occhi sono dislocati, le bocche aperte, le lingue a forma di pugnali. Picasso ha scelto di dipingere Guernica in una rigida gradazione
monocromatica di grigio, bianco e nero. A prima vista la composizione di Guernica appare confusa e caotica; lo spazio è compresso e ambiguo con cambiamenti prospettici e i molteplici punti di vista caratteristici
dello stile cubista iniziale di Picasso. Le immagini si sovrappongono e si intersecano, oscurando le forme e rendendo difficile distinguere i loro contorni. I corpi sono distorti e semi-astratti, le forme discontinue e
frammentarie. Ci sono stati praticamente infiniti dibattiti sul significato delle immagini in Guernica. Interrogato riguardo al possibile simbolismo, Picasso rispose che era semplicemente un appello alla gente
riguardo la folla e gli animali massacrati. “Sul pannello su cui sto lavorando, che io chiamo Guernica, io esprimo chiaramente il mio disgusto della casta militare che ha affondato la Spagna in un oceano di dolore e
morte”. Il cavallo e il toro sono immagini che Picasso usò nella sua intera carriera, parte dei rituali di vita e morte delle corride spagnole che lui vide per la prima volta da bambino. Picasso disse che il toro
rappresentava la brutalità e l’oscurità, aggiungendo: “Non è compito del pittore quello di definire i simboli”.
Pablo Picasso
Guernica
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Museo Reina Sofia, Madrid,
Spain
Date: 1937
Materials and tecniques: Oil
on canvas